Revista RUBIK Enero 2026 - Especial Premios Goya

40 AÑOS DE ‘CABEZONES’

Nuestra primera edición de cada año tiene como bloque principal un Especial Premios Goya Este año los galardones de la Academia de Cine celebran su 40 aniversario y desde RUBIK les felicitamos por toda esta andadura siendo la gran fiesta del cine español y por un nivel de impacto en la sociedad que pocos acontecimientos en nuestro país han alcanzado.

En este año, además, vuelven a Barcelona . En la reciente y acertada dinámica de llevar la ceremonia a distintos puntos de España, era de recibo que Catalunya volviera a acoger los premios, dado el enorme peso que tiene en nuestra industria cinematográfica.

Hay que recalcar el gran nivel del cine español de esta cosecha. No hay mejor manera para comprobarlo que ver las películas que se han quedado fuera de las cinco que luchan por el galardón principal. Ese es el camino para el conjunto de la industria, que incluso haciendo una gran película, eso no te garantice estar ahí.

El núcleo de nuestro Especial Goya está compuesto por las entrevistas en profundidad a productores de las cinco películas nominadas a Mejor Película ( Los domingos, Sirat, Maspalomas, Sorda y La

cena ), en este caso Nahikari Ipiña, Agustín Almodóvar, Xabier Berzosa, Miriam Porté y Cristóbal García. En nuestra web estarán disponibles las versiones extendidas ya que son charlas en las que entrarmos en detalle en cada largometraje y en la revista no cabe todo.

También nos encanta publicar un reportaje sobre las localizaciones que han utilizado todas las películas que tienen alguna nominación en los Goya. De un vistazo, los lectores pueden dibujar un mapa de los rodajes de las películas españolas más laureadas.

Este RUBIK cuenta con otras dos largas entrevistas a personas muy relevantes de nuestra industria. Por un lado, la directora de Film Madrid Region, Xiomara García , que nos explica la nueva etapa de esta entidad, que pasa de ser una oficina de rodajes a convertirse en la ventanilla única para la asesoría audiovisual en la Comunidad de Madrid y primer punto de contacto para la industria en la región. Por otro, la productora Emma Lustres , cofundadora de Vaca Films. Aprovechando su Medalla de Oro en los Forqué, hemos charlado con ella para repasar su trayectoria y la de una de las productoras más importantes en las últimas décadas.

Otro de los bloques relevantes es un repaso al 2025, tanto desde el punto de vista de análisis de lo más destacado a nivel cinematográfico como desde un enfoque de taquilla . Asimismo, destacamos un apartado que ocupa un montón de páginas de esta edición: el adelanto de las películas y series que están por venir en este 2026, un año que se presenta, de nuevo, muy potente.

Otros artículos de esta edición son una crónica sobre un muy rinteresante panel acerca de la evolución del cine independiente en España, un reportaje sobre la presentación de la nueva cámara Fujifilm GFX Eterna 55, un homenaje al recientemente fallecido Julio Fernández (Filmax) y un repaso a premios como los FECE, Forqué, European Film Awards y Oscar.

Entramos en un nuevo año con mucha ilusión de seguir ofreciendo la mejor información posible sobre la industria audiovisual. Os deseamos mucha suerte en los Goya y aprovechamos para dar la enhorabuena al equipo de Sirat por su gran éxito en los premios de la Academia de Hollywood.

Carlos Aguilar Sambricio y Miguel Varela.

SUMARIO

PREMIOS GOYA

Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi en el rodaje de Maspalomas

(Foto: David Herranz imagen cortesía de Moriarti)

PRODUCCIÓN

LA IMAGEN UTILIZADA PARA LA PORTADA CORRESPONDE A UN FRAGMENTO DEL PÓSTER DEL LARGOMETRAJE ‘SIRAT’, PRODUCIDO POR EL DESEO, MOVISTAR, FILMES DA ERMIDA, URI FILMS Y 4A4 PRODUCTIONS Y DISTRIBUIDO POR BTEAM PICTURES.

EDITADO EN MADRID EN ENERO DE 2026 POR MARATÓN AUDIOVISUAL S.L.

TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS DEPÓSITO LEGAL: M-1895-2024 ISSN 3020-5107

CONTACTO: HOLA@RUBIK-AUDIOVISUAL.COM

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José Manuel Lorenzo recoge el premio Forqué por Anatomía de un instante (imágen cortesía de EGEDA)

Emma Lustres al recoger la Medalla de Oro (Imagen cortesía de EGEDA)

LOS GOYA REGRESAN A BARCELONA

Han pasado 26 años desde que Barcelona acogiera la ceremonia de los Premios Goya de la Academia de Cine en España. Aquella fue la primera experiencia fuera de Madrid y ahora, una época en la que se ha convertido en una gala itinerante, era el momento de volver.

La 40 edición de los Premios Goya tiene lugar 28 de febrero en el Auditori Forum CCIB de Barcelona.

La fiesta del cine español celebrará las mejores películas del año previo a través de una ceremonia presentada por el actor Luis Tosar y la cantante, compositora y actriz Rigoberta Bandini.

Las películas que parten como favoritas son Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa, con 13 nominaciones, y Sirät de Oliver Laxe, con 11. Se

prevé un bonito duelo entre ambas que intentarán desbaratar otros largometrajes que buscarán su espacio para llevarse un buen botín: Maspalomas de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi (9 nominaciones), La cena de Manuel Gómez Pereira (8), Sorda de Eva Libertad, El cautivo de Alejandro Amenábar y Los Tigres de Alberto Rodríguez (7), Romería de Carla Simón (6) y Ciudad sin sueño de Guillermo Galoe (5).

El único de los ‘cabezones’ que sabemos su destinatario con certeza es el Goya de Honor, que en esta ocasión recae en Gonzalo Suárez, ilustre cineasta español gracias a alabados trabajos como Epílogo, Remando al viento, Parranda, Ditirambo o Los pazos de Ulloa, entre otros.

La manija Blackmagic PYXIS Pro Handle permite convertir este modelo en una cámara ágil y versátil, ideal para el rodaje de documentales y la recopilación electrónica de noticias. Incluye un visor OLED HD con un sistema óptico de gran precisión que facilita la filmación en exteriores, así como un micrófono estéreo de excelente calidad con un umbral de ruido sumamente bajo que resulta óptimo para captar el sonido en cualquier lugar.

Cámara adaptable con sensor de fotograma completo

El modelo Blackmagic PYXIS es una cámara cinematográfica digital de alta gama que permite conseguir tonos de piel precisos y colores naturales intensos. Incluye un sensor 6K o 12K de fotograma completo (36 x 24 mm) con un rango dinámico amplio y un filtro de paso bajo especialmente desarrollado para el mismo. Existen tres modelos disponibles con montura EF, PL o L.

Diseñada para brindar la máxima flexibilidad

Gracias a los diversos orificios de montaje y soportes para accesorios, es muy sencillo adaptar la cámara a las necesidades de cada proyecto. El armazón de aluminio aeronáutico mecanizado (CNC) le brinda una resistencia extraordinaria sin aportar peso, por lo que resulta fácil colocarla en grúas, estabilizadores o drones.

Calidad digna de Hollywood en formato digital

El modelo Blackmagic PYXIS incluye las herramientas profesionales necesarias para rodar largometrajes, programas de televisión y documentales, al tiempo que permite crear contenidos con una apariencia cinematográfica para redes sociales y plataformas como YouTube. Asimismo, brinda la posibilidad de lograr una calidad extraordinaria al grabar películas independientes de bajo presupuesto, anuncios televisivos o material audiovisual corporativo.

Sensor cinematográfico digital de gran tamaño

Este modelo incluye un sensor de fotograma completo que permite filmar con una resolución de 6048 x 4032 o 12 288 x 8040, es decir, casi tres veces superior a la de un sensor Super 35. Esto brinda la posibilidad de reducir la profundidad de campo o emplear objetivos anamórficos con toda el área del sensor para lograr una apariencia cinematográfica. Las versiones 6K y 12K alcanzan una frecuencia de 120 o 112 f/s, respectivamente.

AGUSTÍN ALMODÓVAR

PRODUCTOR DE SIRAT

SIRAT SUPONE UNO DE LOS PROYECTOS MÁS SINGULARES Y EXIGENTES DE LA TEMPORADA

DENTRO DEL CINE DE AUTOR. RUBIK ENTREVISTA A AGUSTÍN ALMODÓVAR, PRODUCTOR DE LA PELÍCULA DESDE EL DESEO (PRODUCTORA DE LA PELÍCULA JUNTO A MOVISTAR PLUS+, FILMES

DA ERMIDA, URI FILMS Y 4A4 PRODUCTIONS), PARA CONOCER LA GÉNESIS DEL PROYECTO, EL

PROCESO DE FINANCIACIÓN DE UN PRESUPUESTO DE 6,5 MILLONES DE EUROS, EL TRABAJO DE CASTING CON ACTORES NO PROFESIONALES Y LOS DESAFÍOS DE UN RODAJE EXTREMO

EN MARRUECOS Y TERUEL. TODO UN DESPLIEGUE QUE HA SIDO RECONOCIDO POR LA ACADEMIA ESPAÑOLA CON 11 NOMINACIONES, PERO TAMBIÉN POR PARTE DE LA INDUSTRIA INTERNACIONAL, LOGRANDO EL PREMIOS DEL JURADO EN EL FESTIVAL DE CANNES, CINCO GALARDONES EN LOS PREMIOS DEL CINE EUROPEO Y DOS NOMINACIONES A LOS OSCAR.

POR MIGUEL VARELA

Rubik: ¿Cómo llegó a vosotros Sirat y cómo recuerdas aquellos primeros pasos para desarrollar el proyecto?

Agustín Almodóvar: Nosotros coincidimos con Oliver durante su campaña de O que arde. Habíamos visto la película y nos parecía una propuesta absolutamente novedosa en la forma de trabajar. Cuando descubrimos a un artista con una propuesta muy personal, el mecanismo que empleamos siempre es el mismo: acercarnos y decirle “oye, nos gusta muchísimo tu cine, tu forma de afrontarlo”. Y como somos productores, le decimos: si en el futuro consideras que podemos colaborar en algo, cuenta con nosotros. Yo creo que eso fue el inicio de lo que luego se concretó con la coproducción con Sirat

Cuando empezó Oliver a mover el proyecto era muy radical, en términos poco convencionales para la industria, pero a la vez requería de muchos recursos técnicos y materiales. Era un salto cualitativo muy importante en su carrera: O que arde prácticamente la hizo con su productora, él mismo hacía muchas cosas, pero en Sirat necesitaba mucha más colaboración. Ahí nos propusieron participar y desde el primer momento dijimos que sí. Ahí empezó un proceso muy largo, porque implicaba encontrar recursos importantes a nivel financiero.

Rubik: Antes de zambullirnos en los pormenores del proyecto, ¿Cómo crees que la historia que cuenta el guion de Sirat dialoga con el momento social y espiritual que vivimos actualmente como sociedad?

“EL

EQUIPO DE PRODUCCIÓN DE

‘SIRAT’ HA

VIVIDO EN SUS CARNES EL SUFRIMIENTO DE LOS PERSONAJES CRUZANDO UN DESIERTO AGRESTE E INHÓSPITO”

A. A.: Hay una cosa obvia: la violencia que vivimos en el momento actual, la violencia de la deshumanización. Estamos viendo escenarios de guerra en Ucrania, en Gaza, donde las cifras de fallecidos parecen simplemente números, pero detrás hay dramas humanos. La película, con esa guerra que se encuentran los ravers en el desierto, está hablando exactamente de esa clase de violencia institucional, inhumana. Y por otro lado, frente al materialismo y al consumismo, hay un contrapunto espiritual: el viaje de los protagonistas a través del desierto también es un viaje interior. Esa visión tan sutil, no tan directa, para hablar de violencia, deshumanización y materialismo a través de una película lírica y poética le da un carácter de contemporaneidad muy potente. Y la escena final de los supervivientes en el techo del tren… habla de esa deriva del mundo con los movimientos migratorios y de la hostilidad de los países más desarrollados a la hora de recibir a estos migrantes.

Rubik: El presupuesto de la película es de 6 millones y medio, una cifra muy importante dentro del cine español de autor. ¿Cómo fue levantar la financiación y encontrar socios?

A. A.: Fue totalmente decisiva la entrada de Movistar Plus. Creo que sin ellos no se hubiera podido llevar a cabo el proyecto por estas cifras. Seis millones y medio para una película de autor radical es prácticamente inviable por el altísimo riesgo, teniendo en cuenta que en el sistema de ayudas español… una película de seis millones y medio obtiene las mismas ayudas que una película de dos y medio.

En el momento en que Movistar Plus aceptó formar parte como coproductor, incorporamos otras productoras, cada una aportando conocimiento, expertise y prestigio internacional para mover el proyecto. La propia productora de Óliver, con Xavi Font; la productora de Oriol Maymó, Uri Films; y la productora francesa 4A4 Productions para poder acceder, por ejemplo, a Eurimages y a

ayudas europeas. Levantar la financiación fue muy laborioso. Presupuestamos varias veces intentando ver si era posible hacer la película con menos recursos, pero no: la película requería, por esos paisajes y esas travesías, todo el importe proyectado.

Y en términos de preproducción artística fue importantísima la labor de la dirección de casting de Nadia Acimi, Luís Bértolo, María Rodrigo, que han ganado el premio en su categoría en los Premios del Cine Europeo. La labor fue encontrar a los personajes: actores no profesionales que solían acudir a este tipo de raves. Eso supuso dos veranos visitando y participando en este tipo de eventos, y luego ofreciendo a Oliver posibles personas para el casting final.

Rubik: La tarea de casting es realmente impresionante. En el metraje final, sin perder un ápice de naturalidad, parecen actores profesionales.

© Quim Vives. Cortesía de El Deseo y Movistar

A. A.: Sí, están ejerciendo de actores, están realizando una gran interpretación. Cada uno de ellos tenía su vida, pero se entregaron por completo al servicio del guion y la narración. Eso es mérito de la dirección de casting que los encontró y mérito también de Oliver. Una vez decididos, se los llevó a vivir con él a Galicia, a su pueblo, para trabajar juntos durante meses.

Oliver es un director bressoniano, le gusta rodar de verdad. Él quería encontrar personas que conocieran desde dentro lo que implica participar en este tipo de fiestas. Y para llegar a ellos hay que hacer una inmersión: no vas repartiendo tarjetas profesionales, tienes que crear confianza. No son profesionales, ni se van a dedicar a esto después.

Oliver entró personalmente en contacto con ellos, empezó a vivir con ellos, les fue transmitiendo la historia y de ese trabajo resulta esa naturalidad abrumadora. A mí me parece uno de los grandísimos valores de la película: muestran, sin pudor, sus heridas… gente que ha vivido el activismo político y social. Eso no se puede conseguir con maquillaje.

Rubik: La historia transcurre en clave de road movie a través del desierto de Marruecos. ¿Cómo os planteáis la búsqueda y elección de localizaciones?

A. A.: Oliver vivió diez años en Marruecos y asistió a raves que se producían allí. Conocía muy bien aquello desde dentro. Su película anterior, Mimosas, mostraba una travesía del desierto en el Atlas marroquí. Aportó todo su conocimiento. Vuelve a aparecer la palabra “verdad”: todo lo que ocurre lo ha vivido de verdad Oliver. Conoce los elementos y escenarios reales. Por ejemplo los vehículos

utilizados en el desierto, que son bastante pétreos y aguantan todo lo que les echen.

Cuando un director mira dentro de sí es cuando más posibilidades tiene de acertar y hacer algo auténtico. Eso ha sido gracias a esa experiencia personal de Oliver: esos diez años de vivencia en el desierto, en Marruecos.

Rubik: ¿Qué motiva la decisión de rodar una parte en Marruecos y otra en la Rambla de Barrachina, en Teruel?

A. A.: La decisión fue de producción. La rave que aparece al inicio de los títulos de crédito la organizamos desde las productoras, suponía un enorme reto logístico y teníamos mucho más control si lo hacíamos desde España que organizándola en Marruecos. Y teniendo esa joya de Teruel… sugerimos desde producción esa posibilidad por logística. Y funcionó muy bien. El arranque de la película con ese barranco, el mapping, esas escenas de noche, con las luces proyectando sobre las rocas... Creemos que fue una decisión de producción que encajó muy bien con la parte artística y encajaba con la parte posterior de desolación en el camino de los personajes. La película parte de esos cañones en Teruel y luego se desarrolla a lo largo de esos desiertos infinitos en Marruecos.

Rubik: Zambulléndonos en el rodaje, ¿cuáles fueron los principales retos?

A. A.: Las escenas de movimiento de los camiones por esas pistas de arena y piedra… Oliver nos decía: “estamos rodando una precuela de Mad Max”. Fue todo un reto lograr ese resultado final. Y luego, sufrir las tormentas de arena. Teniendo en cuenta que Oliver ha

querido rodar una parte muy importante en analógico… todas las escenas de día están rodadas en Súper 16 milímetros. Eso implica mantener lentes y cámaras libres de polvo en pleno temporal: mecanismos analógicos muy delicados.

Ha sido un grandísimo reto rodar con calor, viento, arena y polvo. Y Oliver lo capitaliza, porque para él una película no es un proceso sencillo. Superar esas adversidades físicas ha sido parte de la aventura. Lo mismo que sufren los personajes cruzando esos espacios tan agrestes e inhóspitos, la propia producción también lo ha vivido en sus carnes y ha tenido que luchar con eso. La película se hizo en total en siete semanas, tras más de dos años de preproducción. Un reto y una aventura enormes.

“Ha sido un grandísimo reto rodar con calor, viento, arena y polvo. Y Óliver lo capitaliza, porque para él una película no es un proceso sencillo.

Superar esas adversidades físicas ha sido parte de la aventura”.

Rubik: La postproducción también fue compleja.

A. A.: Ha sido larguísima, once meses en total. Oliver lo ha compartido con todos los productores: cada vez que llegaba a un corte, lo compartíamos y comentábamos. Un proceso muy artesanal. Oliver es de los directores a

los que les gusta vivir y disfrutar del proceso de edición, convive mucho con el material incluso con el que no va a formar parte del montaje. Y luego está todo el proceso de postproducción de la imagen: el Súper 16 permite muchas aproximaciones a la colorimetría y al etalonaje. La decisión de usar negativo combinado con material digital en las noches, para tener un poquito más de rango de luz, también implicó un trabajo laborioso, pero satisfactorio.

Lo que le puso final a la postproducción fue la fecha final para el Festival de Cannes: el deadline para poder enseñar la película y llegar a tiempo para participar. Pero teníamos muchísimo material que trabajar, fue complicado… pero al final lo conseguimos tener a tiempo para participar.

Rubik: ¿Qué significó Cannes en la vida posterior de la película?

A. A.: Para mí fue decisivo. Las películas pueden pasar desapercibidas si no tienes una lanzadera suficientemente potente y prestigiosa. Somos muy conscientes de la importancia de estar bien situado en Sección Oficial. Y no te digo nada ganar un premio, estar dentro del palmarés.

Creo que fue absolutamente definitivo entrar en Sección Oficial y lograr el Premio del Jurado. Desde ahí la película no ha parado de crecer. Y la decisión estratégica de estrenar en junio inmediatamente después del festival fue una apuesta de riesgo, porque en verano suelen estrenarse películas familiares y comerciales. Pero fue otro acierto: entrar en el palmarés y poder estar en salas inmediatamente fue decisivo en la carrera de la película.

Rubik: Termina Cannes y contáis con BTeam en España, Pyramide en Francia y Neon en Estados Unidos. ¿Por qué estas elecciones?

A. A.: BTeam es nuestro distribuidor de referencia en la línea de cine de autor. Tienen esa sensibilidad que hace falta para llevar una película tan arriesgada como Sirat Creo que distribuidoras como BTeam son importantísimas para mantener la cinefilia, al espectador que busca ese cine especial. Entendieron desde el comienzo que era una película de muchísimo riesgo y que había que tener cuidado con las decisiones y los gastos de lanzamiento. Tomamos junto a ellos la decisión de estrenar en verano y fue todo un acierto.

“El paso por Cannes fue decisivo. Las películas pueden pasar desapercibidas si no tienes una lanzadera suficientemente potente y prestigiosa. Somos muy conscientes de la importancia de estar bien situado en una Sección Oficial para un recorrido exitoso”.

Pyramide, en Francia, también es una empresa de prestigio especializada en cine de autor, como lo es Neon en Estados Unidos. Contar con socios así es importantísimo para el recorrido internacional. El Deseo tiene una gran experiencia y una idea rigurosa: no

buscamos solo el dinero en los avances, sino la experiencia de los distribuidores en el cine no abiertamente comercial al servicio de la estrategia. Ese cine hay que comprenderlo muy bien para poder promocionar y comunicar para que llegue a su destinatario.

Rubik: Cinco premios en los Premios del Cine Europeo, presencia en cinco shortlist de los Oscar y once nominaciones a los Goya… ¿Cómo lo vivís?

A. A.: Ha sido muy emocionante ver una película española arrasando en apartados técnicos de los Premios del Cine Europeo. Esto nos lleva al comienzo: la importancia de esos equipos que utilizamos, de esa logística y de todos los elementos de producción. Se ha traducido en premios como Dirección de Casting o Fotografía, premios con algo de justicia poética.

El premio a la Fotografía… la dificultad que ha sido llevar a cabo ese trabajo para Mauro Herce. Y la Dirección de Casting… no es solo ponerse a mirar fotos: es inmersión, empatía, entender y crear la película. Me emociono hablando de ello porque es tan valioso…

Con esas cinco estatuillas nos hemos vuelto muy contentos. Y en cuanto a los Oscar, estar en cinco shortlist ya es un éxito que nos coloca en buena disposición para poder competir. Soñar es gratis.

De cara a los Goya, creo que tienen un comportamiento más local. Compartimos temporada con una cosecha de gran nivel, muy variada. Tenemos que ver cómo se manifiesta el voto de la Academia a la hora de valorar esa diversidad.

Rodaje de Sirat © Quim Vives.

Cortesía de El Deseo y Movistar

PRODUCTORA DE LOS DOMINGOS

NAHIKARI IPIÑA

LOS DOMINGOS HA SIDO TODO UN FENÓMENO. EL FILM DE ALAUDA RUIZ DE AZÚA, PRODUCIDO POR BUENAPINTA MEDIA, ENCANTA FILMS, SAYAKA PRODUCCIONES, MOVISTAR PLUS+, COLOSÉ PRODUCCIONES Y THINK STUDIO,

HA DADO MUCHO QUE HABLAR DESDE SU PREMIÈRE EN EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN, DONDE SE HIZO CON LA CONCHA DE ORO. HABLAMOS CON NAHIKARI IPIÑA, PRODUCTORA DE SAYAKA, PARA SABER CÓMO SE HIZO LA PELÍCULA QUE

LIDERA LAS NOMINACIONES DE LOS GOYA CON 13 CANDIDATURAS.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Los domingos no solamente es un éxito de crítica y de premios, sino que ha logrado superar los 4 millones de euros con distribución de Bteam. Le Pacte estrenará la película en Francia el 11 de febrero. En general, se ha vendido a unos 30 países y tendrá un camino internacional más amplio que Cinco Lobitos

Rubik: Ya en Cinco Lobitos trabajasteis con Encanta Films, Buenapinta Media y Sandra Hermida. Me imagino que hicisteis buen equipo y que queríais repetir colaboración con Alauda.

Nahikari Ipiña: Cuando coincidimos en Cinco Lobitos, hicimos buen equipo, bien avenidos. Teníamos ganas de repetir con Alauda, juntos. Así que empezamos a desarrollar Los Domingos y aquí estamos… No es fácil encontrar afinidad creativa, es un camino largo con muchos altibajos y obstáculos.

Rubik: En este caso ha entrado Movistar, que venía justo de hacer la serie de Querer con Alauda. ¿Como se ha implicado a nivel creativo y de producción?

N.I.: Las personas de Movistar con las que hemos trabajado han estado implicadas

con nosotros. Yo ya había trabajado con Guillermo Farré en No me gusta conducir, con lo que nos conocíamos también de antes. Creo que todos estábamos en la misma línea, todos defendíamos la visión de Alauda, confiábamos mucho en lo que tenía en mente y lo que quería hacer.

Rubik: Cuando hay muchas productoras, ¿es más difícil tomar decisiones?

N.I.: Lo que suele ser es más engorroso a nivel burocrático, para cosas como contratos y demás. En nuestro caso, que siempre coproducimos, ya lo tenemos un poco incorporado. Para mí, los problemas vienen cuando difieres en términos creativos, pero el trabajo de mesa yo creo que no es problema.

Rubik: El concepto de Los domingos es potente ya que se aleja de lo que alguien pensaría que es una vocación en la actualidad…

N.I.: Claro, nos dio mucha curiosidad. Es algo que, a lo mejor, ni te has planteado a día de hoy.

En aquel momento no sabíamos qué iba a acabar pasando y que iba a generar este interés, pero a nosotros sí que nos llamó

“ALAUDA SIEMPRE SE PREOCUPA MUCHO DE TODOS LOS PERSONAJES Y DE TODOS LOS PUNTOS DE VISTA”

mucho la atención y nos pareció que era bastante potente.

Rubik: Alauda tiene una manera de narrar con muchos puntos de vista, un enfoque complejo y nada maniqueo, con unos personajes que tienen sus razones.

N.I.: Claro, al final lo interesante es la aproximación de Alauda ante esto. Yo quiero ver qué tiene que decir de este tema. Siempre se preocupa mucho de todos los personajes y de todos los puntos de vista, forma parte de su sello.

Rubik: El presupuesto de Los domingos es de 4,5 millones de euros, bastante para el cine español. A pesar de ser un buen dinero, imagino que, con el prestigio de Alauda, fue más fácil de financiar que Cinco Lobitos.

N.I.: En el fondo, lo que pagas en una peli es tener tiempo. Cuanto menos presupuesto, menos jornadas. Lo que más cuesta es el equipo e ir rodando. Si eres una película de 2 millones y medio, a lo mejor solo tienes 5 semanas. El lujo de tener tiempo para rodar, aunque sean 2 semanas más, viene de ahí. A veces viene de otras cosas, como los efectos digitales, pero lo que marca normalmente son los salarios. En este caso, sí que teníamos posibilidad de tener un presupuesto un poco más alto y tuvimos más de tiempo para rodar. Fueron 7 semanas y media y Cinco Lobitos fueron 5.

Rubik: Al entrar Movistar me imagino que no necesitabais muchas fuentes de financiación,¿Cómo fue el proceso?

N.I.: En desarrollo fuimos a las ayudas de desarrollo del Gobierno Vasco y las de Comunidad de Madrid. Luego, entró Movistar, que permitió que tuviéramos un incremento del presupuesto. Después conseguimos ICAA, y luego más tarde entró RTVE. Incluido en la parte de ayudas están también los incentivos.

Rubik: Me imagino que los incentivos en Euskadi fueron importantes...

N.I.: Sí, en el fondo tiene que ser una cosa orgánica y se debe mirar según el proyecto. En este caso,, siendo el rodaje al 100% aquí, y nosotros somos de Bizkaia, era muy orgánico, que para nosotros es lo que rige.

Rubik: ¿Cómo fue el proceso de localización?

N.I.: La parte del convento fue difícil porque justo lo estaba comprando el Gobierno Vasco. Nos pilló en ese cambio, y tuvimos poco tiempo para entrar. Idealmente, lo hubiéramos querido tener semanas antes, pero al final fue con menos tiempo.

Encontrar las localizaciones fue complicado. Para encontrar los pisos o las casas hace falta ver muchos. Aparentemente, piensas que es fácil pero luego hay que meter 60 o 70 personas y que cuadre,

Rubik: Porque todos los interiores son reales, no hay plató...

N. I.: Eso es, todos son interiores naturales.

Rubik: Para la gente que no está familiarizada con la producción puede no parecer complicado, pero lo es.

N.I.: Exacto. A priori, puedes decir ‘qué bien este salón’. Pero luego empiezas a pensar dónde poner las luces y que necesitas otro piso para el maquillaje, el vestuario… Al final, todo es bastante aparatoso y requiere bastante parafernalia. Entre conseguir que el sitio sea perfecto de decorado y que cuadre con logística y permisos, no es fácil.

Hay ciudades más grandes donde a lo mejor tienes más donde elegir, o más gente interesada en alquilar, y tampoco puedes ponerte a construir decorados, porque entonces entras en otro nivel presupuestario.

Rubik: Otra clave debió de ser la elección de Blanca Soroa. ¿Cómo fue de difícil el casting de Ainara?

N.I.: Esa parte la hicieron Yolanda Serrano y Eva Leira, que vieron unas 600 chicas. Fue un casting de calle, buscábamos una persona desconocida, y se rastrearon como muchos colegios. Queríamos también que saliera de Bizkaia y llevó bastante tiempo. Pero cuando Alauda empezó a hacer pruebas con ella y con otras chicas, ya fue como configurándose.

Rubik: Fue todo un acierdo. Con los actores más jóvenes siempre tienes la duda

N. I.: Sí, se pudo dedicar tiempo para ensayar. Al final es lo que te decía, el tiempo es oro y siempre hace falta más.

Rubik: Por curiosidad, porque a mí me gusta mucho la canción y el artista, ¿fue fácil conseguir los derechos de Into My Arms?

N. I.: A mí ese tema también me gusta mucho y fue fácil en el sentido de que no llevó mucho tiempo. Yo me he encontrado con otras canciones que se atascan y que no tienen por qué ser un tema conocido. Nunca sabes, es todo un poco random.

Rubik: Y la postproducción, ¿cómo fue? ¿Llevó mucho tiempo?

N. I.: Para que te hagas una idea, estábamos acabando de rodar en abril del 2025 y se estrenó en septiembre. Fue muy rápido todo, porque tiene pocos efectos digitales. Tiene cosillas de borrados y de composiciones pero poco. En montaje, Alauda y Andrés Gil llevan muchos años trabajando juntos y están muy compenetrados. Durante el rodaje ya se estaba montando, que eso es lo habitual, e iban afinando.

Rubik: Cinco Lobitos había tenido otro trayecto de estreno: Berlín-Málaga. ¿Tuvisteis claro llevarla esta vez a San Sebastián?

N. I.: Al final, lo que marca es cuándo ruedas. Depende de cuándo ruedas, puedes hacer el calendario. Porque, al principio, puedes querer rodar en un momento y luego acabas en otro, y eso acaba condicionando a qué festivales acabas yendo, si es que la quieren. En nuestro caso, como íbamos muy apretados, a San Sebastián le tenemos que agradecer que nos esperara un poco para que le enseñáramos la peli.

Rubik: La película se hizo con la Concha de Oro y fue un empujón muy grande.

N.I.: Totalmente. Ganamos la Concha de Oro y también el Premio de la Crítica Internacional, el Premio del Cine Vasco y el Feroz Zinemaldi. Entrenábamos la película en octubre y teníamos que hacerla existir y ahí pudimos ponerla en el mapa. Al final. hay tantas pelis, y sobre todo en otoño, que fue fundamental para que a la gente le sonara la peli en el estreno en cines.

Rubik: También entiendo que os vino bien la polémica o confrontación de interpretaciones sobre la película. Unos pensaban que quería decir una cosa y otros la contraria. Al final, ese impacto social y debate generado también benefició a la película.

N.I.: Ahora estamos en más de 640.000 espectadores, es algo que no nos podíamos esperar. No es tanto la polémica, pero lo que sí que vemos es que, ante la misma película, unos espectadores pueden ver una cosa y otros ver otra. Vemos que eso generó muchísima conversación y mucho debate entre el público.

Eso es algo cuyo mérito viene de Alauda y de cómo ha planteado la peli, porque está retratando a esos personajes con todas sus complejidades. Te puedes quedar hablando media hora después de la peli, porque da para mucha conversación. A mí no me había pasado.

Rubik: ¿Qué va a ser lo próximo de Sayaka?

N.I.: Ahora mismo estamos con la segunda temporada de Su Majestad, en pleno rodaje de Borja Cobeaga. Tenemos para estreno en 2026 la película Altas Capacidades, que coproducimos con Marisa Fernández Armenteros, Eneko Lizarraga y Sandra Hermida. Con guión de Víctor García León y Borja Cobeaga, y dirige Víctor.

PRODUCTORA DE SORDA

MIRIAM PORTÉ

POR NEREA MÉNDEZ PÉREZ

EL DEBUT EN EL LARGOMETRAJE DE EVA LIBERTAD, SORDA, ES UNA PRODUCCIÓN DE 2,1 MILLONES DE PRESUPUESTO REALIZADA POR DISTINTO FILMS, NEXUS CREAFILMS Y A CONTRACORRIENTE FILMS Y RODADA ÍNTEGRAMENTE EN LA REGIÓN DE MURCIA, SOBRE TODO EN LA ZONA DE MOLINA DE SEGURA, A LO LARGO DE CINCO SEMANAS. HABLAMOS CON LA PRODUCTORA MIRIAM PORTÉ, FUNDADORA DE DISTINTO FILMS, PARA DESCUBRIR EL PROCESO DE CREACIÓN DE ESTA ÓPERA PRIMA QUE LLEGÓ A ESTAR PRESELECCIONADA PARA REPRESENTAR A ESPAÑA EN LOS OSCAR 2026.

Con 7 nominaciones, Sorda acude a la gala de los Goya respaldada por la Biznaga de Oro en Málaga y el Premio del Público en la Sección Panorama de Berlinale, entre otros reconocimientos y candidaturas en festivales nacionales e internacionales. La productora nos adelanta que “pase lo que pase, ya de por sí con el recorrido que lleva es un hito”.

Rubik: La película es una adaptación de un cortometraje homónimo que vosotras no producís. ¿Cómo os llega la propuesta?

Miriam Porté: Nosotras nos involucramos en el largometraje durante el proceso de producción del cortometraje. Eva Libertad y Nuria Muñoz, que son sus codirectoras, nos contactaron en ese momento por mail a Gerard Marginedas y a mí para presentarnos su proyecto, enseñarnos algunas imágenes y un primer corte.

Se estaban planteando hacer el salto al largometraje y querían proponernos producirlo. Tampoco era una propuesta como tal, porque no habían terminado el rodaje del corto, más bien fue como: “Hola, estamos aquí. Cuando llegue el momento

“LA METODOLOGÍA DE UN RODAJE NO ESTÁ PENSADA PARA LAS PERSONAS SORDAS Y TUVIMOS

QUE ADAPTARLA”

nos gustaría hablar con vosotras”. Ese momento se produjo en primavera de 2021 y empezaron las conversaciones para la producción del largometraje.

Rubik: ¿Qué os motivó a aceptar?

M.P.: Cuando tenían el corto prácticamente terminado, nos lo enviaron y nos encantó. Nos pareció muy potente como idea y tenía una ejecución muy solvente a nivel interpretativo y a nivel de dirección.

Rubik: Con Sorda no es la primera vez que abordáis la maternidad, pienso también en Mamífera. Y, en general, en el audiovisual español de los últimos años han proliferado diversas visiones de lo

maternal. ¿Qué os interpela a vosotras de esta cuestión?

M. P.: El cine nunca ha hablado de maternidad, porque el cine lo han hecho hombres que no se han sentido interpelados o no les ha preocupado hacer películas sobre este tema. Alguno habrá, no digo que no, todas las normas tienen sus excepciones, pero en general no les ha preocupado. En el momento en que las directoras se incorporan a la industria cinematográfica, la maternidad se convierte en un tema que viene para quedarse. Este es el landscape audiovisual de ahora en adelante y seguirá formando parte de él, porque la maternidad es tan esencial al ser humano que va a ser muy recurrente.

En nuestro caso, no lo veo como un tema, sino una circunstancia. Se pueden hacer muchas películas de maternidad para hablar de otras cosas. En Sorda, por ejemplo, se utiliza como contexto, como una situación para poder hablar de la sordera y de la incomunicación que existe entre la comunidad sorda y la oyente. Es cierto que Mamífera está más conectada con esta cuestión, pero es una película sobre el derecho a la no maternidad.

Rubik: Tengo entendido que el presupuesto fue de 2 millones de euros. ¿Cómo fue el proceso de financiación desde los primeros apoyos económicos hasta las últimas incorporaciones?

M.P.: Concretamente, fueron 2,1 millones de euros. El proceso de financiación fue bastante estándar, no ha sido un proyecto difícil, aunque esto que ahora te cuento con tanta tranquilidad y facilidad, cuando estás en el día a día no es tan sencillo.

Hicimos lo que yo llamo la rueda de la financiación, que es un calendario de 12 meses en los que pasas por todas las ventanas de financiación a las que puedes optar y a las que tiene sentido que optes dependiendo del tipo de proyecto.

Primero entró una ayuda de la Región de Murcia muy pequeña, en el sentido de que no iba a hacer los cimientos de la financiación, seguida de una del ICAA. También se sumó una ayuda del ICEC y luego ya llegaron las televisiones, en concreto RTVE y La 7.

Rubik: La Región de Murcia está tratando de ser un polo de producción importante, así que quería saber vuestra visión desde fuera, como productora catalana, sobre las oportunidades y facilidades que os ofreció la comunidad autónoma.

M.P.: Ahora se está empezando a activar una pequeña industria. Los apoyos tanto de las instituciones como de las televisiones cada vez van a más y parece que hay voluntad de estimular la industria de la Región de Murcia.

Lógicamente, todavía tienen margen para invertir y apostar más fuerte por la industria audiovisual, pero dentro de los recursos y del tamaño de la propia región sí que ha habido un cambio bastante sustancial si lo comparamos con hace unos pocos años.

Rubik: ¿Hubo algún imprevisto durante el rodaje o alguna escena que recuerdes que fuera complicada?

M.P.: Fue un rodaje sencillo y complejo a la vez, porque no había localizaciones complicadas ni muchos actores ni mucha figuración, pero Eva tuvo que rodar con bebés, que siempre es difícil, y con un perro.

En total tuvimos seis u ocho bebés de diferentes edades, porque la película comienza con el parto y al final Ona tiene un año. También tuvimos que trabajar con dobles, porque el bebé puede no estar muy inspirado el día de rodaje.

Rubik: Además de los escenarios, ¿el equipo de rodaje y los proveedores también fueron murcianos?

M.P.: Fue un equipo mixto. Muchos chóferes eran catalanas, pero también había alguna murciana. Luego también hubo un equipo local para completar todas las necesidades del equipo técnico. Además, hubo una pequeña parte del equipo que era sorda, una cuestión que no es fácil incorporarla porque la metodología de un rodaje no está pensada para las personas sordas.

Entonces, se hicieron algunas adaptaciones y Eva se preocupó mucho de transmitirle a todo el equipo cuáles eran las circunstancias. Estábamos rodando con una actriz protagonista sorda y, por tanto, había que intentar adaptar todo en la medida que se pudiera y sensibilizar al equipo técnico del tipo de película que estábamos haciendo para que todo fuera un poco más amable.

Rubik: Debido a esta particularidad, ¿se incorporaron al equipo intérpretes de lengua de signos?

M.P.: Sí, desde el principio. Empezamos con un profesor que tuvo Álvaro Cervantes durante un año antes del rodaje para aprender lengua de signos, porque no solo quería decir bien sus líneas de diálogo, también poder improvisar.

Durante el rodaje hubo varios intérpretes que se iban turnando y que iban dando apoyo a la actriz protagonista, al equipo sordo y a los actores y actrices sordas que aparecen en la película.

Rubik: Hablando de intérpretes, ¿cómo se hizo el casting?

M.P.: Más allá de que fueran sordos u oyentes, parte del equipo artístico eran actores naturales. En la escena del parto, la ginecóloga, la anestesista o la pediatra eran personas que se dedicaban a eso, igual que la profesora de guardería. Intentamos siempre hacer el casting de personajes más concretos y especializados entre personas que son profesionales en ello.

Luego las acompañamos en el trabajo de interpretación, pero de partida buscamos que ya sepan cómo hacerlo. Para localizar e identificar a todas estas actrices y actores hicimos un casting muy amplio en la Región de Murcia.

En el caso de la protagonista, estaba claro quién iba a ser. Primero, porque es la hermana de la directora y es parte del desarrollo del propio proyecto, y porque fue la protagonista también del cortometraje, así que eso ya estaba decidido. En el caso de Álvaro Cervantes, Elena Irureta y Joaquín Notario realizamos un casting en Barcelona con una directora de casting local.

Rubik: En cuanto a la distribución, ¿qué valoración haces del estreno en salas con A Contracorriente Films?

M.P.: Hicieron una buenísima campaña de promoción previa al estreno y, respecto a la distribución, se encargaron de hacer todo el booking con las distintas salas de exhibición. Y ahora no recuerdo con exactitud cuántas copias estrenamos, pero estaban en torno a las 100. Como te decía, la financiación fue algo que se pudo solucionar, pero al ser una ópera prima la distribución nos costó más.

Más allá de que fueran sordos u oyentes, parte del equipo artístico eran actores naturales. En la escena del parto, la ginecóloga, la anestesista o la pediatra eran personas que se dedicaban a eso, igual que la profesora de guardería.

Rubik: Latido Films está detrás de las ventas internacionales. ¿Se verá en las salas de otros países?

M.P.: Sí, la película se ha vendido a más de 50 países y, de hecho, ya se ha estrenado en Bélgica y Alemania. En breve se podrá ver también en Francia. Creo que se han hecho unas ventas internacionales de la película muy significativas.

Rubik: La película cuenta con siete nominaciones en los Goya, entre ellas la de Mejor Película. ¿Qué expectativas tenéis o qué esperáis de la gala?

M.P.: Pues espero ganar algún Goya, junto al resto de compañeros y compañeras de otras películas. Afortunadamente, creo que cada vez queda más repartido, porque en otras ediciones hemos visto que había una cierta tendencia a que una película lo ganara todo. Ahora se ha equilibrado.

Hay cintas maravillosas nominadas a los Goya y espero que Sorda pueda hacerse con algún premio. Eso esperamos, pero ya es un éxito que una primera película de una directora esté nominada a mejor película. Pase lo que pase, ya de por sí con el recorrido que lleva es un hito.

PRODUCTOR DE MASPALOMAS

XABIER BERZOSA

MASPALOMAS, EL NUEVO ÉXITO DE LOS MORIARTI, CUENTA CON 9 NOMINACIONES

EN LOS GOYA 2026, INCLUYENDO MEJOR PELÍCULA. DIRIGIDA POR AITOR ARREGI

Y JOSE MARI GOENAGA, A PARTIR DE UNA HISTORIA MUY PERSONAL DE ESTE ÚLTIMO, SE TRATA DE UNA PRODUCCIÓN DE 5,2 MILLONES DE EUROS DE IRUSOIN, MORIARTI PRODUKZIOAK Y BOWFINGER.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

La película se estrenó con éxito a concurso en el Festival de San Sebastián, donde logró ex aequo el Premio a Mejor Interpretación Protagonista para José Ramón Soroiz, y desde entonces ha seguido una senda de reconocimientos.

Rubik: Habéis tenido progresivamente cada vez más éxito. ¿Cuál crees que es la clave del sello Moriarti y cómo es trabajar con ellos?

X.B.: Creo que hay un elemento fundamental y es el trabajo bien hecho, porque le dedicamos esfuerzo y mucho cariño a cada proyecto que hacemos. Luego, eso hay que acompañarlo de talento. Es una mezcla de talento y el esfuerzo que dedicamos a cada proyecto en el que nos embarcamos, además de un poquito de suerte también (…) El cine es un trabajo colectivo, en esencia. Ellos llevan esta idea hasta la dirección, porque se conocen ya muy bien y saben qué posición tienen y van a tener.

Rubik: Le película tiene un concepto muy potente sobre la idea de salir del armario y la evolución a lo largo de tu vida respecto a eso y cómo puede cambiar.

X.B.: Sí, el elemento de salir y entrar en el armario es un tema argumental, pero la película tiene un trasfondo sobre aprender a ser feliz en la vida independientemente de tu problemática. A las personas nos cuesta cada vez más asumir la felicidad como un estado pleno y duradero y hay que estar peleando todo el rato por conseguirla.

Xabier Berzosa © Festival de San Sebastián

El caso de Maspalomas es muy gráfico: el concepto de que salir del armario, que parece una decisión puntual, se convierte en un proceso constante de pelea y de defensa de unos derechos, una visibilidad y una libertad. La situación de la residencia es casi de laboratorio, en el que el armario pasa a ser un elemento muy gráfico.

Rubik: A nivel secundario, también llama la atención el contexto de la pandemia de COVID. Es algo que todavía no se ha tratado mucho y creo que es algo que tuvo mucha importancia en las residencias y le da más cuerpo a la historia.

X.B.: Nos consta, porque hemos hecho muchas pruebas con la película y muchos pases, que la primera reacción del público es de pavor, de decir que, por favor, la película no vaya a machacarnos con el desastre que sucedió con las residencias.

“MORIARTI

HACE UN CINE

AUTORAL PERO QUE PIENSA MUCHÍSIMO EN EL ESPECTADOR”

Al menos en el círculo cercano nuestro, y lo que hemos visto, es que no hay muchas ganas de entrar en ese charco. No al menos en nuestra película y con el tono de nuestra película. Puede hacerse de otra forma y que sea totalmente interesante, pero en la nuestra no.

En nuestra película, José Mari Goenaga utiliza el COVID como una metáfora. La persona que está en el armario pasa a estar libre en la playa, en el exterior, y el resto del mundo pasamos a estar encerrados, sin poder salir. Es muy simbólico y te lleva a un estado de tranquilidad o de libertad que es el que tiene el personaje al final.

Rubik: El presupuesto es de 5,2 millones de euros, lo cual es alto para el cine español y más para el cine de autor. ¿Fue complicado levantarlo o con el prestigio que los cineastas van teniendo resulta un poco más sencillo?

X.B.: La credibilidad que se requiere para defender ese presupuesto la puedes tener con estos directores, eso está claro. Es importante

lo que mencionas. En este caso, las fuentes de financiación no son muy diferentes de las de un proyecto de 3 millones y pico hace un tiempo. Lo que pasa es que, como la situación de los incentivos fiscales en lenguas minoritarias es positiva, nos permite darle un empujón al presupuesto y elevarlo hasta los 5. Pero realmente el mix de financiación es el estándar en este tipo de películas, en el sentido de autoral y en euskera. Siempre es complicado levantar una financiación, pero no es la peor que hemos tenido. En nuestros inicios costaba bastante más.

Rubik: Tenéis ayuda de ICAA, Gobierno Vasco, Diputación de Gipuzkoa, participación de RTVE, EITB, Filmin, Movistar... ¿Cómo fue el proceso?

X.B.: Los socios principales del proyecto son RTVE y EITB y son a los que hay que darle visibilidad. Luego, las ayudas del Gobierno Vasco y de ICAA se consiguieron en el año de producción y la Diputación de Gipuzkoa

aporta los incentivos fiscales. Finalmente, Filmin y Movistar entraron ya en un momento posterior del proceso de financiación con un peso menor que las televisiones públicas. La visibilidad principal se la merecen RTVE y EITB.

Rubik: El rodaje fue entre Canarias y Euskadi. ¿Cómo fue a nivel logístico y cuántas semanas fueron?

X.B.: En total estuvimos 8 semanas y media. El rodaje en Canarias es lo que se ve en la película, no hay ninguna localización que no se vea claramente que es Canarias. Sobre todo fue muy importante el rodaje del parade y de las noches de fiesta que hicimos coincidir el rodaje con el Winter Pride.

El trabajo de dirección de producción de Ander Sistiaga fue espectacular porque rodamos allí en decorado reales con decenas de miles de personas en 35 milímetros con dos unidades volándonos en todos los sitios.

Fue un reto importante que, por suerte, salió bien, porque la película empieza con esa energía y esa era la energía real de lo que estaba sucediendo allí y hemos conseguido captar. Luego, el rodaje principal fue aquí, en Euskadi.

Rubik: Has mencionado el desfile y las escenas de discoteca, que entiendo que fue lo más complicado, ¿no?

X.B.: Sí, sí, eso fue un zafarrancho de combate total, porque había acciones

concretas que había que rodar con actores y luego había recursos. Conseguir controlar el rodaje para manejar a nuestros actores y toda nuestra figuración en medio de semejante vorágine festiva fue tremendo, pero a la vez una maravilla, porque son retos precisamente de diseño de producción y de definición de producción a los que dedicas muchos meses de preparación y los ejecutas en un día.

Si te sale mal, adiós, pero cuando sale bien, te da satisfacción. El orgullo de contar con un equipo con esa capacidad es algo que es maravilloso.

Rubik: Grabasteis en fotoquímico, que no es demasiado habitual. ¿Por qué lo hicisteis? Desde el punto de vista de producción, ¿os afectó mucho?

X.B.: Se hizo por una decisión estilística, ya no solo por el control del color y para tener un grano y un feeling concreto con el material, sino porque era el formato que más potenciaba lo que queríamos que se sintiese con las imágenes y sobre todo las imágenes más íntimas de los personajes. Le daba más calidez

(…) Rodar en 35 mm conlleva una forma de trabajar diferente. Nos venía muy bien establecer unas pautas en el set como se establece cuando se trabaja en 35 mm. En película cuando se dice acción y la cámara empieza a rodar es un momento sacrosanto y luego, en cuanto se acaba el plano, se dice corta en el momento. En digital ‘acción’ significa que la cámara está grabando, pero no hay una sensación de que hay un contador. El nivel de concentración que se consigue en el set con película es diferente, tiene un punto más de tensión. Teníamos rodaje de

sexo explícito y con personas mayores, y eso requería echar las tomas justas y tener ese nivel de concentración constante.

Luego, hay que cambiar todo el sistema de trabajo y todos los envíos al laboratorio, con todo el riesgo que supone eso y el estrés de que llegue todo bien y los revelados, con posibles sorpresas.. No sabes si algo está bien hasta que pasa un par de días. Un montón de cosas son una locura comparado con las ventajas del digital.

Rubik: Como dices, hay varias escenas de sexo, y también bastantes desnudos. Imagino que era un tema delicado. ¿Cómo se abordó, se trabajó con coordinación de intimidad?

X.B.: Sí, se cuidó muchísimo con la coordinación de intimidad y con figuración profesional. Todo con mucho detalle y mucho mimo. No ha habido ningún problema, al contrario. Cuando te rodeas del equipo adecuado y se le dedica el esfuerzo y el mimo que requiere, es una gozada. Yo creo que se nota al ver la película un nivel de naturalidad y de control sobre la imagen que hace que tenga credibilidad. Ha sido un reto y no es que nos diese miedo pero sí teníamos claro que había que cuidarlo muchísimo y no meter la pata.

Rubik: Me da la sensación de que las películas de los Moriarti todavía no se conocen tanto internacionalmente como debería. No han estado nunca en Cannes, por ejemplo.

X.B.: Sí, es muy difícil saber las razones. En Cannes les conocen y las películas. Pero quizás es por el tipo de películas que hacemos.

Igual aquí podemos ser considerados nicho y muy autorales, pero igual para Cannes somos muy comerciales. El euskera aquí igual es algo muy alternativo y allí se percibe como una película más.

Moriarti hace un cine autoral pero es un cine que piensa muchísimo en el espectador. Son películas con mucho fondo y mucha historia, pero que no descuidan que sean entretenidas. Hay festivales que no las asocian tanto con lo que es una película festivalera. Otra cosa son los grandes nombres del cine mundial, que entran independientemente de todo esto. Al final, para entrar a Cannes hace falta un mix de factores y cuesta mucho porque la competencia es tremenda.

“Rodar en 35 mm conlleva una forma de trabajar diferente. Es otro nivel de concentración en el set, con un punto más de tensión”

Rubik: Al hilo del público, el estreno en salas con Bteam hizo más de 700.000 euros, que no está mal, y en Euskadi funcionó especialmente bien. ¿Cómo valoras el estreno?

X.B.: Pues muy bien porque, tras estar muy contento con la película, llega el momento de estrenar y entonces empiezan los sudores fríos y los miedos. El salto a las salas es un salto al vacío hoy en día. Si de repente se te tuerce, no tienes fondo, te vas para abajo.

Es importante llegar a una cifra final grande pero también es muy importante sentir que la película en salas ha vivido y ha llegado a la gente a la que tenía que llegar. Con dos semanas de cartelera no tienes esa sensación. Maspalomas todavía sigue en cines y creo que hemos llegado a todo el mundo al que creemos que tendríamos que llegar. Siempre puedes llegar a más, pero no deja de ser una película en euskera, que se distribuye por el circuito de VO y que trata el tema que trata. No tiene un diseño para hacer millones de recaudación.

Ha tenido una larga vida y en Gipuzkoa creo que ha sido la segunda película más vista del año. Aquí sí que se vive como un fenómeno más allá de lo autoral y de nicho. El estreno fuerte en cines te da mucha atracción luego en el estreno en plataformas y televisiones.

PRODUCTOR DE LA CENA

CRISTÓBAL GARCÍA

CON 8 NOMINACIONES A LOS GOYA, LA CENA HA CONECTADO CON CRÍTICA Y PÚBLICO — MÁS DE 600.000 ESPECTADORES EN SALAS ASÍ LO DEMUESTRAN— CON SU PROPUESTA DE COMEDIA ÁCIDA “CON EMPAQUE VISUAL Y DE PRODUCCIÓN IMPORTANTE”. CHARLAMOS CON CRISTÓBAL GARCÍA, PRODUCTOR DESDE LA TERRAZA FILMS (QUE PRODUCE JUNTO A IKIRU FILMS, TURANGA FILMS, SIDERAL CINEMA Y HALLEY PRODUCTION), PARA CONOCER LOS PORMENORES DE UN PROCESO DE FINANCIACIÓN CON MÚLTIPLES SOCIOS QUE TERMINÓ SUPERANDO LOS 5 MILLONES DE EUROS DE PRESUPUESTO, Y LOS PRINCIPALES RETOS DE UNA PRODUCCIÓN DESARROLLADA A CABALLO ENTRE VALENCIA, MADRID Y CANARIAS.

Rubik: ¿Cómo surgió la idea de adaptar la obra teatral de José Luis Alonso de Santos a la gran pantalla?

Cristóbal García: La primera reunión que tuvimos Manolo (Manuel Gómez Pereira) y yo fue a mediados de 2020. En realidad, le llamé para proponerle otra película, pero ese guion que estaba sobre la mesa vimos que no nos llevaba a lo que queríamos hacer. Yo no lo conocía de nada antes y tras la reunión vimos que nos estábamos entendiendo bien y pensamos, ¿por qué no buscamos otra cosa para hacer juntos? Entonces él me hace un pitch de la obra de teatro La Cena, que luego básicamente se trasladó al tráiler de la película. Hemos mantenido toda la esencia desde aquel pitch en todas las reuniones sobre el proyecto, hasta el final. Porque me acuerdo que fue como… “Sí. Esto sí”. Era muy divertido, muy actual, aunque tenía el inconveniente a priori de la Guerra Civil, que puede ser problemático para levantar una financiación.

Rubik: ¿Cómo se produce una comedia con ese contexto de fondo?

C. G.: Desde el principio pensamos: el guion está muy, muy bien, pero ahora hay que superar ciertos escollos. La temática de la Guerra Civil puede generar dudas, más con el tono que queríamos utilizar. Aunque si lo piensas bien, la mayoría de películas que tienen este contexto, luego han funcionado bien a nivel de público. Pero teníamos dudas.

Entonces pensamos: vamos a buscar un casting súper potente, que funcione como gancho para la financiación. En ese sentido, fue decisiva la entrada de Mario Casas, la primera confirmación. Su reacción nos animó muchísimo porque entendía la película perfectamente, estaba en sintonía de lo que queríamos hacer y le encantaba el guion.

Y ahí, cuando teníamos a un actor de primera línea, dijimos: ‘vamos adelante con esta potencia para levantar una película grande’. No queríamos hacer una comedia de interiores más de sainete, buscábamos darle un empaque visualmente y de producción importante. Y empezamos a armar la película con socios potentes.

Rubik: ¿Cómo fue el proceso de financiación y de sumar socios? Un presupuesto de 5 millones está bastante por encima de la media española, más aún en el género que os movíais

C. G.: Lo bonito de enfrentarte a la producción de un proyecto, en el momento de la gestación, es que ninguno es igual que el anterior. La gente se piensa que te llega un guion y haces el camino de siempre para financiarlo, y para nada. En este caso, nosotros empezamos con Movistar Plus+, con los que veníamos trabajando, y fue el primer espaldarazo fuerte al proyecto. Luego el de Televisión Española. Esos apoyos han sido los más grandes a nivel de producción.

Y me parece importante que las comedias tengan una parte internacional. Venimos coproduciendo en todas las películas con una productora de fuera. Tenemos buena relación con Halley (Francia) y desde el principio planteamos una coproducción con ellos.

Recuerdo también la llamada a Turanga. Lina Badenes es amiga y la admiro y su visión hizo más grande la película. Fue cuando pensamos: si la llevamos a Valencia podríamos tener una producción más potente.

Rubik: Pero los planes cambiaron y al final el rodaje se movió a otras localizaciones. ¿Qué pasó?

C. G.: La Dana. Íbamos a rodar la película entera en Valencia y con la Dana todo se paralizó a ocho o nueve semanas del inicio del rodaje. Nos tuvimos que llevar la película en parte a Canarias. Fue un reto y un aprendizaje para mí y el resto del equipo, tener que dar un volantazo tan grande… con un margen tan pequeño. Hicimos esto precisamente para no tener que suprimir cosas, localizaciones y efectos que teníamos pensados, porque si haces eso la película al final va perdiendo su esencia con cada decisión. Mantuvimos parte de Valencia que considerábamos fundamental, pero nos llevamos gran parte del rodaje a Canarias, también por el tema fiscal que necesitábamos.

En ese impasse también entró Sideral, que ha ayudado muchísimo. Tanto Turanga como Sideral han ayudado a mantener estándares de calidad o presupuestarios que necesitábamos.

Rubik: También contasteis con apoyos institucionales como ICAA, Institut Valencià de Cultura y Ayuntamiento de Madrid para completar la financiación.

C. G.: Sí. Pero los apoyos públicos siempre llegan después de los privados, en contra de lo que piensa mucha gente. Lo primero son los

apoyos privados y, sin ellos, no puedes acceder a los públicos. La película, una vez que tiene un apoyo importante de Movistar, un apoyo importante de Televisión Española y un apoyo importante de un distribuidor… todo se ordena y es cuando llegan esos que comentas.

Quiero destacar que A Contracorriente ha apostado por la película desde el principio, de manera fuerte, con una campaña de publicidad garantizada, de P&A, que no es lo habitual ahora mismo en el cine. Cuesta mucho que un distribuidor arriesgue un dinero tan importante y se lo quiero agradecer. Apoyos como esos hacen que después las instituciones públicas se hagan eco y apoyen.

Rubik: En pantalla se nota un trabajo enorme de recreación. ¿Cómo lo planteasteis desde producción para lograr esa sensación de ‘verdad’?

C. G.: Por supuesto hubo una parte artesanal muy importante: arte físico, vestuario de época, maquillaje, recreación en los escenarios. Y luego otra de efectos visuales, porque si queríamos ir a la calle a rodar o recrear cosas del propio Hotel Palace, necesitábamos esa parte digital.

Para elegir las localizaciones, primó la selección de aquellos donde podíamos conseguir el permiso para rodar. Estaba previsto filmar en Valencia casi la totalidad de la película y y también en Madrid, porque hay cosas que suceden en la ciudad y teníamos que rodarlas ahí.

En Valencia conseguimos el Palacio de Correos, que tiene una cúpula que nos encajaba para rodar la parte del banquete. Esa cúpula la rodamos de verdad y luego incrustamos por digital la cúpula de verdad del Palace.

“Un casting potente funciona como gancho para la financiación. En ese sentido, fue decisiva la entrada de Mario Casas, la primera confirmación. Su reacción nos animó muchísimo porque entendía la película perfectamente”

Hay un ‘mandamiento’ en producción que dice que si tienes un rodaje de 7 o 8 semanas, puedes realizar un desplazamiento como máximo del equipo. De una ciudad a otra. Debido a la situación con la Dana, tuvimos que hacer un desplazamiento extra, que implicó un desafío importante. Además, hubo que hacer mucha construcción. Toda la cocina, la lavandería, la cárcel donde les van a fusilar… eso es Canarias. El trabajo de construcción y ambientación fue muy exigente.

Y el vestuario también: tres cambios de cada personaje. Elena, la jefa de vestuario, decía que está muy bien alquilar cosas,

pero había que darle un toque propio para conseguir esa inmersión de la que hablamos. Ese equilibrio entre diseño y realidad, con un punto de fantasía, fue bonito y muy difícil.

Rubik: Mencionas un trabajo de postproducción con la cúpula, pero en el metraje final se aprecia un trabajo de VFX importante en varios puntos, ¿Cómo fue el cierre en montaje y postproducción?

C. G.: El trabajo con Vanessa Marimbert, la montadora, y con Manolo fue bastante fino. Con un guion así… no puedes salirte de una cosa sin que la otra se descalabre. Era cuestión de afinar y escoger las mejores tomas, pero partiendo de una base muy clara.

Los efectos visuales estaban también muy planificados y medidos desde el rodaje. Me acuerdo de una anécdota: estábamos rodando el final de la película y había un momento en el que, si tirabas el plano un poquito hacia la izquierda, tenías que borrar entre las ramas de los árboles. Y era como: ‘si te vas un pelín hacia la derecha igual nos ahorras un trabajo enorme’. Y fuimos aplicando esas decisiones que permitían optimizar para cumplir los plazos que necesitábamos para llegar a salas en octubre.

Rubik: La película funcionó de maravilla en esa ventana, con cerca de 4 millones de euros de recaudación. ¿Qué factor crees que ha sido determinante para conectar con el público?

C. G.: Además de lo que te comentaba de A Contracorriente, también destacar a Film Factory. Ambos nos apoyaron desde que arrancamos y han sido fundamentales en el éxito de la película entre el público, pero también en Festivales. Algunos en Estados Unidos, Australia, Francia… no es habitual que una película de comedia viaje tanto internacionalmente.

En España ha habido un boca-oreja muy fuerte. Incluso en el rodaje ya veíamos que había algo. Cuando vimos el primer corte nos encantó, confirmó nuestras sensaciones. Hay que empezar por ahí: por creer tú la película que estás haciendo, y luego intentar que se la crean los demás. Creímos en la película que teníamos entre manos y apostamos por ir más fuerte de lo que teníamos pensado inicialmente porque las críticas estaban siendo muy buenas.

La Cena demuestra que una comedia puede tener puntos de incomodidad, crítica e ironía y conectar con el público. La gente ha ido al cine a disfrutar el viaje, a reírse, divertirse… y también ayudan las similitudes con situaciones que se están dando en el mundo. Un dictador que quiere hacer una cena en el mejor sitio de España porque ha ganado la guerra… me puede sonar a cosas que están pasando.

Rubik:¿Ha sido para vosotros una sorpresa la nominación a Mejor Película en los Goya? ¿Cómo afrontáis los premios?

C. G.: La noticia la hemos recibido con muchísimo entusiasmo y mucha ilusión. Sí que es cierto que dentro, en tu interior, dices: la película ha gustado mucho. Ya no solo al público, que también, pero la crítica también había apoyado y sentíamos bastante cariño de los compañeros y compañeras.

Ahora toca vivirlo con agradecimiento, porque no es lo normal que te pase esto. Es para celebrarlo, agradecerlo y pensar en el trabajo hecho. Siempre tienes la ilusión de ganar. Hay categorías que ves como más posibles. Las actorales me encantarían todas y creo que tienen opciones. Pero las técnicas también. Estar ahí entre las cinco es un lujo. Todo lo que venga después, bienvenido. Y si no, lo celebraremos igual.

GOYA 2026: LAS

LOCALIZACIONES DE LAS PELÍCULAS NOMINADAS

YA ES TRADICIÓN ESTE ARTÍCULO COMO PREVIA A LA GALA DE LOS GOYA. ES UN REPORTAJE EN EL QUE HACEMOS UN REPASO EXHAUSTIVO A DÓNDE SE HAN RODADO LAS PELÍCULAS MÁS VALORADAS POR LA INDUSTRIA DEL CINE ESPAÑOL. EN ESTA EDICIÓN HAY MUCHA REPRESENTACIÓN DE COMUNITAT VALENCIANA Y EUSKADI, AUNQUE TAMBIÉN TIENEN SU RELEVANCIA ANDALUCÍA, GALICIA, CATALUNYA, MADRID, NAVARRA Y ARAGÓN.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Tanto por ser una industria emergente como por sus jugosos incentivos fiscales, EUSKADI es ahora un lugar prevalente para los rodajes. Esta edición de los Goya es una nueva demostración de ello. La favorita para los galardones, Los domingos, se rodó íntegramente en Bizkaia y todo en localizaciones naturales, incluidos los pisos. El rodaje tuvo lugar en Bilbao, Gernika, Getxo,

Leioa, Mallabia y Zamudio. Como escenarios singulares, destacan el conservatorio y escuela de música de Leioa, la parroquia del Santísimo Redentor de Getxo y el Convento de Santa Clara en Gernika. Otra de las películas más destacadas, Maspalomas, se grabó en su mayoría en Euskadi. Destacó especialmente el rodaje en Orduña, con el edificio de la Compañía de María haciendo las veces de residencia, aunque también se recreó en el Antiguo

Seminario de Vitoria. Hubo también grabación en Bilbao y localizaciones de Gipuzkoa.

Lo nuevo de Paul Urkijo, Gaua, se grabó casi todo en Euskadi. En Bizkaia destacan los rodajes en Elorrio (como en la necrópolis de Argiñeta) y Orozko (uno de los caseríos está ahí), mientras que en Álava se rodó en sitios como el hayedo de Albertia (Legutio), en el concejo de Letona en Zigoitia (el escenario del lavadero) y el Santuario de

Nuestra Señora de Oro (Zuia). En Gipuzkoa se puede señalar la grabación en el Caserío Museo Igartubeiti y que en el plató de 1.800 metros cuadrados de Zinealdea se construyó un bosque con más de 170 árboles. Las localizaciones vascas son también fundamentales en La tregua de Miguel Ángel Vivas. Llama especialmente la atención, para recrear el campo de concentración, el enorme decorado de cine montado en el antiguo aeródromo de Zumeltza en Dima (Bizkaia). La provincia también acogió grabaciones en Derio, Orduña, Otxandio y Zeanuri.

Bizkaia fue el lugar elegido también para el El talento de Polo Menárguez, en especial con el rodaje en el Palacio Artaza de Leioa y en el Muxikebarri - Centro de Arte, Cultura y Congresos de Getxo. Además, Bilbao acoge una de las corridas que aparecen en el documental Tardes de soledad

Por otro lado, Gipuzkoa fue esencial para la vuelta de Agustín Díaz Yanes con Un fantasma en la batalla, aunque se rodó en varios territorios. Los municipios de San Sebastián, Eibar y Tolosa acogieron buena parte del rodaje, que también se dio en localizaciones del País Vasco francés.

Varios de estos títulos también se grabaron en NAVARRA. Por ejemplo, es muy importante su aportación a Gaua, ya que el bosque de Artikutza (en tierras navarras pero perteneciente al Ayuntamiento de San Sebastián) tiene mucha relevancia en el film.

En relación a Un fantasma en la batalla, el pueblo de Bera acogió varios días de rodaje y también se grabó en el Aeropuerto de Pamplona para escenas de La tregua. Excelente año para la COMUNITAT VALENCIANA ya que muchos títulos de los Goya se rodaron allí. Debemos resaltar el caso de El cautivo de Alejandro Amenábar, una gran producción en la que se recreó Argel casi totalmente en esta región, incluyendo municipios como Santa Pola, Alicante, Anna, Buñol y Bocairent, incluyendo grabación en los estudios Ciudad de la Luz.

Por citar sitios concretos, se rodó en el Palacio de los Fontes de Cervellón (Anna), el Castillo de Santa Bárbara, el Castillo de Santa Pola, el Castillo de Buñol, la Cala del Moraig y Cova dels Arcs en Benitatxell.

La cena, nominada a Mejor Película, tiene como principal localización el Palacio de las Comunicaciones de Valencia, transformado para hacerse pasar por el Hotel Palace de Madrid. También se grabó en el Ateneo de Valencia.

El slasher de autor Balearic de Ion de Sosa se desarrolló íntegramente en la sierra de Aitana de Alicante, en sitios como Alcoleja, Penàguila y Benilloba. También Alicante aparece en Enemigos de David Valero, con grabación en barrios como Colonia Requena, Ciudad de Asís, La Florida y el Puente Rojo, además de polígonos industriales.

La buena letra, lo nuevo de Celia Rico, se rodó en diferentes localizaciones de Valencia, concretamente los municipios de Petrés, Requena, Sueca, Grau Vell, Aldea El Reatillo, El Rebollar y Segorbe. Además, en el documental Tardes de soledad es relevante la localización de la finca ganadera Daniel Ramos en Borriol (Castellón).

Asimismo, el corto documental El Santo de Carlo D’Ursi se grabó en Dénia (Alicante),

en Ciudad de la Luz también se rodaron escenas de Los Tigres, y en animación la región es de las más potentes gracias a los estudios Hampa Studio, que realizaron El tesoro de Barracuda y el corto Buffet Paraíso, y Pangur Animation con el corto Carmela ANDALUCÍA es otra región a tener en cuenta en cuanto los rodajes de las películas de los Goya. El título con más relevancia es Los Tigres de Alberto Rodríguez, pues se rodó en su mayoría en Huelva, en localizaciones como el Muelle de Saltés, las playas de Mazagón, Matalascañas, Palos de la Frontera, Punta Umbría, El Rompido y el embalse de Aracena, Asimismo, se rodó en un barco petrolero, un remolcador y su refinería petroquímica (Moeve) y en las instalaciones del Puerto de Huelva. Cádiz también acogió días de rodaje en la Bahía de Algeciras.

Buena parte del rodaje de Los Tortuga de Belén Funes tuvo lugar en Jaén, entre sus campos de olivos. Municipios de la provincia como La Higuera, Santa Elena, Torredonjimeno y Linares aparecen en el largometraje.

Aunque Andalucía no fue localización principal de El cautivo de Alejandro Amenábar, tambien tiene su protagonismo con la grabación en Reales Alcázares de Sevilla y en paisajes naturales y en el Castillo de Marchenilla en el municipio de Alcalá de Guadaira (Sevilla).

Lo mismo ocurre con Un fantasma en la batalla, pues Andalucía, sin ser territorio principal, asumió un rodaje en Carmona con grabación en Puerta de Sevilla, Torre de San Pedro, la calle Domínguez de la Haza y la fachada de la Biblioteca José María Requena.

En el ámbito documental, Andalucía está muy presente tanto en Flores para Antonio, con Jerez de la Frontera (Cádiz) como estrella gracias a localizaciones como el Teatro Villamarta, barrio de San Miguel o el Centro Cultural Lola Flores, como en Tardes de soledad, con rodaje en distintas plazas de toros como La Maestranza (Sevilla) o la plaza de toros de Málaga. En cuanto a animación, las empresas andaluzas La Claqueta PC y Agencia Freak impulsan Bella y el corto Gilbert respectivamente.

Ha sido un buen año para GALICIA. Una de las películas más nominadas, Romería de Carla Simón, es una oda a esta tierra. Sobre todo, Vigo es la estrella de la producción, con mucha grabación portuaria y marinera, además de puntos como Plaza de Almeida,

Paseo de Alfonso XII, los Astilleros Armada, el Ayuntamiento de Vigo y los antiguos juzgados. También son importantes las playas da Fonte y Tombo do Gato en Samil, y otros lugares en Pontevedra como Praza da Leña y la calle Michelena.

La película feel-good Rondallas de Daniel Sánchez Arévalo tuvo como base el rodaje en el pueblo de A Guarda. Pero hubo más localizaciones pontevedresas como Baiona, Oia, Tui y Vigo. En este último municipio, cabe resaltar la grabación en el IFEVI y en el campus de la Universidad de Vigo (que se convirtió en cárcel).

También son 100% gallegos los lugares que se ven en Leo & Lou. El inicio del film está grabado en Coruña y Culleredo, mientras que la parte más de road movie se rodó en múltiples sitios de la Ría de Ferrol, concretamente en sitios como Covas, Ares, Narón y Monfero. Por último, no podemos olvidar que el largo de animación Decorado de Alberto Vázquez se desarrolla en Galicia gracias a los estudios Uniko y Abano.

Hay que hablar también de ARAGÓN, un territorio clave este año gracias a una película tan laureada como Sirât de Oliver Laxe. Aunque se ambienta en Marruecos y hay parte del rodaje en el país africano, fundamentalmente se llevó a cabo en Aragón.

Una de las localizaciones clave es la zona desértica de Rambla Barrachina, en Teruel, también conocida como Cañón Rojo. En Teruel también se grabó en la Laguna de

Tortajada y en la cantera de Villarquemado. Zaragoza también tiene su cuota de pantalla, con la reserva ornitológica El Planerón en el municipio de Quinto, y con el barranco de Foz de Zafrané.

Aparte del film nominado al Oscar, también hay que mencionar que parte del rodaje de La furia de Gemma Blasco tiene lugar en el municipio de Torrevelilla (Teruel), que es el pueblo de la familia paterna de la directora, y que en Parecido a un asesinato es fundamental el Pirineo aragonés, destacando el pueblo de Siresa (Huesca) y allí, concretamente, el Monasterio de San Pedro.

Aunque CATALUNYA no tiene tanta presencia como en otras ocasiones, sigue teniendo relevancia. La furia de Gemma Blasco tuvo numerosas localizaciones catalanas en Barcelona, Esplugues de Llobregat, Hospitalet de Llobregat, Sant Adrià de Besós, Sabadell, Sant Andreu de la Barca, Santa Coloma de Gramenet y Terrassa.

Cesc Gay es un gran retratista de Barcelona y con Mi amiga Eva lo vuelve a demostrar. El film se realizó en Barcelona, Badalona, Maresme (Mataró), La Garriga y Sant Adrià del Besós.

Parte de Los Tortuga se grabó en Catalunya, concretamente en Barcelona, Pallejà, Sant Boi de Llobregat, Sant Cugat del Vallès y Terrassa. Asimismo, debemos mencionar que Una quinta portuguesa de

Avelina Prat se rodó sobre todo en Portugal, pero también en Barcelona, que el corto De Sucre de Clàudia Cedó se grabó en un camping de Castelló d’Empúries (Girona) y que Una cabeza en la pared de Manuel Manrique tiene una escena en la antigua plaza de toros de Las Arenas (Barcelona), ahora convertida en un centro comercial. En animación, está creada aquí Olivia y el terremoto invisible de Irene Iborra.

Menos relevancia tiene en estos Goya otro hub tan importante como la COMUNIDAD DE MADRID. En cuanto a largos de ficción, sin duda, lo más relevante es Ciudad sin sueño de Guillermo Galoe, que se rodó íntegramente en la Cañada Real.

Aunque la historia de La cena tiene lugar en el Hotel Palace de Madrid. Lo cierto es que en la capital se rodó muy poco. En el propio hotel se grabó en unos salones que tienen abajo y también se recreó alguna parte en el Palacio de Fernán Núñez y la fachada se imitó en la esquina de la Carrera de San Jerónimo con el paseo del Prado.

Sí que en otros ámbitos, Madrid muestra más poderío, como en los cortos de ficción, con especial relevancia a los espacios de la ciudad con El cuento de una noche de verano de María Herrera pero también con Sexo a los 70 de Vanessa Romero y Una cabeza en la pared de Manuel Manrique. En los largos documentales hay escenas rodadas en Madrid tanto en Tardes de soledad como en The Sleeper El Caravaggio perdido, y en

animación la empresa madrileña Capitán Araña ha realizado Norbert

Este año no hay tanto rodaje en CANARIAS como otras veces. El foco de atención está, obviamente, en Maspalomas de los Moriarti. Hicieron coincidir el rodaje con el Winter Pride, algo fundamental para la escena del desfile. El film refleja muy bien Maspalomas (Gran Canaria), concretamente la Reserva Natural de las Dunas de Maspalomas, la Playa del Inglés, la Playa de San Agustín, el Centro Comercial Yumbo, el Faro de Maspalomas y apartamentos y complejos residenciales del lugar. También podemos subrayar que el Gabinete Literario de Las Palmas de Gran Canaria se utilizó parcialmente en La cena para recrear el Hotel Palace de Madrid.

En esta edición también sobresale la REGIÓN DE MURCIA, gracias a Sorda, película nominada a Mejor Película. Uno de los principales espacios donde se rodó es el Soto de los Álamos, un entorno fluvial en la ribera del río Segura. Lugares cercanos como el soto El Alborche y el soto de la Hijuela aportaron al paisaje de la huerta murciana. También aparecen la Vía Verde y el humedal de las Lagunas de Campotejar. Otros escenarios son el núcleo urbano de Molina de Segura, el espacio de La Rambla de los Calderones, la Ermita de San Roque, la biblioteca municipal, el barrio del castillo y las antiguas chimeneas industriales de la localidad. Además, Callback Studios acogió todo el proceso de casting de la película.

De EXTREMADURA no hay nada que decir en cuanto a imagen real pero gracias al estudio Glow, tiene relevancia en animación con los cortometrajes El estado del alma y El corto de Rubén, y su participación en el largometraje Decorado

El corto Una cabeza en la pared, aparte de localizaciones ya expuestas, también se rodó en CASTILLA-LA MANCHA, concretamente en Toledo, y en LA RIOJA, particularmente en carreteras de Logroño.

En Tardes de soledad hay una breve aparición de CANTABRIA, en el Coso de Cuatro Caminos de Santander, y el corto documental La conversación que nunca tuvimos se desarrolla en CASTILLA Y LEÓN, específicamente en Cabrejas del Pinar (Soria).

XIOMARA GARCÍA

DIRECTORA DE FILM MADRID REGION

EN EL MARCO DEL PASADO FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN, SE DIO A CONOCER A LA INDUSTRIA EL REBRANDING DE FILM MADRID, QUE SE CONVERTÍA A PARTIR DE ESE MOMENTO EN FILM MADRID REGION. MÁS ALLÁ DEL CAMBIO DE NOMENCLATURA, ESTA TRANSICIÓN HA SUPUESTO TAMBIÉN UNA EVOLUCIÓN PARA LA OFICINA, QUE PASA DE SER UNA FILM COMMISSION AL USO A CONVERTIRSE EN LA VENTANILLA ÚNICA PARA LA ASESORÍA AUDIOVISUAL DE LA COMUNIDAD DE MADRID Y PRIMER PUNTO DE CONTACTO PARA LA INDUSTRIA DE LA REGIÓN, CON XIOMARA GARCÍA COMO MÁXIMA RESPONSABLE. LA ENTREVISTAMOS PARA CONOCER LOS DETALLES DEL PROCESO Y LANZAR UNA MIRADA A VARIOS ASUNTOS CLAVE PARA EL AUDIOVISUAL MADRILEÑO.

POR MIGUEL VARELA

Rubik: Cuando se cumplen dos años de tu llegada a la dirección de Film Madrid Region. ¿Qué valoración haces de este período?

Xiomara García: Estos dos años han sido un tiempo de transformación y consolidación, tanto a nivel profesional como a nivel personal. Cuando asumí la dirección de Film Madrid Region, la oficina era una Film Commission cuya función principal era la atracción de rodajes y de inversión. Sin embargo, a finales de 2025, con la transformación que estaba experimentando el sector y teniendo en cuenta la elaboración y presentación del Plan Estratégico del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, era evidente que esta oficina debía evolucionar para responder a nuevos retos.

La valoración personal es muy positiva porque hemos logrado que la Comunidad de Madrid, a través de su oficina del audiovisual, que tengo la suerte de dirigir, y con una apuesta clara del Gobierno regional y del consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, asuma un papel protagonista en el sector. Hoy, podemos decir que Film Madrid

Region aspira a ser, y en algunos casos, es ya, un agente referente que acompaña a los proyectos en todas sus fases: desde el diseño inicial hasta la producción, pasando por la gestión de ayudas y el asesoramiento a municipios para que desarrollen su propia estrategia audiovisual.

Este esfuerzo nos permite sentar las bases para que 2026 sea un año clave en la consolidación del futuro de esta oficina y en el fortalecimiento del ecosistema audiovisual madrileño.

Rubik: La novedad más reciente de la oficina es su rebranding, que además de un cambio de nombre también implica un cambio de filosofía. ¿Qué diferencia la actual Film Madrid Region de Film Madrid?

X. G.: La diferencia fundamental está en la ampliación de nuestra misión y alcance. Film Madrid Region no es solo una oficina de rodajes, sino un agente estratégico para el desarrollo del sector audiovisual en la

“FILM

Comunidad de Madrid. El cambio de nombre refleja una filosofía más integral: ahora asumimos funciones de asesoría audiovisual que abarcan todo el ecosistema, desde largometrajes y televisión hasta cortometrajes y videojuegos.

Esto significa que, además de facilitar rodajes, elaboramos propuestas de estrategia para el sector, revisamos y renovamos bases y convocatorias, impulsamos acciones formativas y representamos a la Comunidad de Madrid en foros clave como el ICAA, ICEX a través y con la colaboración de Invest in Madrid, y CineRegio. También estudiamos los proyectos que se presentan a las ayudas audiovisuales y acompañamos a los municipios que quieren desarrollar su propia estrategia audiovisual, siguiendo principios como los recogidos en nuestro decálogo. En definitiva, Film Madrid Region se transforma para convertirse en un socio de la industria, acompañando los proyectos desde el inicio: ya sea a través de ayudas y

subvenciones, desde el primer contacto para rodar en la región, o apoyando a los territorios para que sean “film friendly”. Este rebranding no es solo un cambio de imagen, es un cambio de visión: queremos ser un motor para la competitividad y la internacionalización del audiovisual madrileño.

Rubik: Atendiendo puramente al área de rodajes. ¿Cuáles son los principales atractivos de la Comunidad de Madrid para rodar en su territorio?

X. G.: La Comunidad de Madrid es uno de los territorios más competitivos para rodajes en Europa gracias a una combinación única de factores. En primer lugar, su diversidad de localizaciones: en menos de dos horas desde la capital se puede acceder a entornos urbanos cosmopolitas, arquitectura histórica, paisajes naturales, pueblos con encanto y espacios industriales. Esta proximidad reduce significativamente los tiempos y costes de desplazamiento, algo que las productoras valoran enormemente, como se demuestra en el informe que le encargamos a la consultora medioambiental Creast, hay producciones que han conseguido reducir hasta un 45% el consumo energético al tener su hub de producción en la Comunidad de Madrid, frente a lo que hubiera supuesto rodar en otro destino internacional. Este dato ilustra claramente esta ventaja competitiva de la región, que es muy novedosa, y que sitúa a la región, no solo como el hub de producción nacional, sino nuestra aspiración de convertirnos en el principal hub de producción internacional, que me atrevo a asegurar que ya casi es un hecho.

Rubik: ¿Qué valoración haces del crecimiento del volumen de rodajes en la Comunidad en los últimos años?

MADRID REGION NO ES SOLO UNA OFICINA DE RODAJES, SINO UN AGENTE ESTRATÉGICO PARA EL DESARROLLO DEL SECTOR AUDIOVISUAL

EN LA COMUNIDAD DE MADRID”

X. G.: La valoración es muy positiva. No solo hemos incrementado el número de rodajes, sino que hemos logrado diversificar la actividad por todo el territorio, lo que supone un cambio cualitativo muy importante. Esta expansión permite que los rodajes convivan de manera armónica con la ciudadanía y que los municipios perciban esta actividad como una oportunidad. Hoy los ayuntamientos entienden que un rodaje no solo proyecta la imagen de su localidad en la gran pantalla, sino que genera un retorno económico directo: empleo, consumo en comercios, hostelería y servicios locales.

Además, hemos trabajado para sensibilizar a la población sobre los beneficios que aporta la industria audiovisual, fomentando la participación ciudadana y empresarial. Todo esto contribuye a que los rodajes se perciban como una oportunidad de desarrollo económico, turístico y cultural, reforzando la identidad de cada territorio.

En definitiva, el crecimiento del volumen de rodajes no solo se mide en cifras, sino en impacto: más empleo, más inversión y una mayor proyección internacional para la Comunidad de Madrid. Este modelo de colaboración público-privada y territorial es clave para consolidar a Madrid como uno de los grandes hubs audiovisuales de Europa.

Rubik: Uno de los grandes retos del sector es la sostenibilidad en los rodajes. Tanto a nivel medioambiental, como a la hora de redistribuirlos en calendario y geografía para evitar los principales picos de concentración. ¿Cómo se trabaja desde Film Madrid Region para mejorar en este ámbito?

X. G.: La sostenibilidad es un reto que abordamos desde una visión integral. Por un lado, está la dimensión medioambiental, que implica reducir el impacto de los rodajes en términos de consumo de recursos, generación de residuos y movilidad. Por otro, está la sostenibilidad entendida como equilibrio territorial y organizativo, que busca evitar la saturación en determinadas zonas y fechas. En este sentido, el programa de Asesoramiento a Municipios en su Estrategia Audiovisual es clave. Su objetivo es preparar a los municipios para acoger rodajes de forma ordenada y, sobre todo, fomentar la redistribución geográfica. Creemos firmemente en esta diversificación porque es una demanda del sector y porque pone en valor la riqueza de localizaciones que ofrece

la Comunidad de Madrid. Cada municipio que se incorpora a nuestra red de municipios, contribuye a ampliar las opciones y a reducir la presión sobre los puntos más concurridos.

En cuanto a la redistribución en el calendario, es un desafío más complejo, ya que responde a dinámicas propias de la industria, como la disponibilidad de talento, climatología o ventanas de estreno. Aquí nuestro papel es más de meros observadores, y de realizar una labor de acompañamiento que de intervención directa. Sin embargo, estamos convencidos de que una mayor diversificación territorial contribuye indirectamente a minorizar esos picos de concentración, evitando “zonas calientes” que dificulten la sostenibilidad.

Nuestro objetivo es claro: que la Comunidad de Madrid sea un referente europeo en rodajes sostenibles, combinando responsabilidad ambiental con eficiencia y equilibrio territorial. Para ello, seguimos trabajando en herramientas, formación y alianzas que permitan que cada producción encuentre en Madrid no solo localizaciones únicas, sino también un ecosistema comprometido con la sostenibilidad.

Rubik: Presentasteis en el pasado Iberseries & Platino Industria el Programa de Asesoramiento a Municipios en su Estrategia Audiovisual. ¿En qué consiste este plan y cómo se va a vehicular?

X. G.: El Programa de Asesoramiento a Municipios en su Estrategia Audiovisual surge para dar respuesta a una necesidad clara y que parte de las distintas reuniones que hemos tenido con el sector: que los municipios de la Comunidad de Madrid formen parte del ecosistema audiovisual y que alberguen rodajes de una manera planificada, sostenible

y ordenada, así como actividad audiovisual más allá de los rodajes, entendiéndose esta como inversión en sus territorios, o bien eventos cinematográficos.

El objetivo es acompañarlos en la creación de una estrategia audiovisual que les permita posicionarse como destinos atractivos para la industria, en su sentido más amplio, y, al mismo tiempo, garantizar una convivencia positiva con la ciudadanía.

El trabajo comienza con una fase de sensibilización, donde explicamos las ventajas económicas, culturales y turísticas que aporta la actividad audiovisual y compartimos nuestro Decálogo como guía práctica. A partir de ahí, pasamos al diagnóstico y planificación, que implica reuniones técnicas y visitas para identificar las oportunidades del municipio, evaluar sus recursos y diseñar un cronograma adaptado a sus capacidades.

Una vez definido el plan, entramos en el desarrollo de herramientas: incorporamos las localizaciones al catálogo de Film Madrid Region, asesoramos en normativa para simplificar trámites y ofrecemos formación específica al personal municipal para que esté preparado para gestionar rodajes con eficacia. Finalmente, impulsamos acciones de promoción, como fam trips con localizadores y materiales que posicionen al municipio en los circuitos de la industria.

Este programa se integra ahora en el nuevo rumbo de Film Madrid Region, como parte de nuestra labor de asesoría audiovisual. Queremos que los municipios sean protagonistas, que vean los rodajes como una oportunidad para generar empleo, dinamizar su economía y reforzar su identidad cultural. El programa es, en definitiva, una herramienta para distribuir la actividad y convertir a toda la Comunidad en un territorio “film friendly”.

Presentación Programa AMEA en Iberseries&Platino Industria © Concha de la Rosa

Rubik: Un asunto clave para la Comunidad de Madrid es el impulso a los profesionales de la industria madrileña desde sus inicios. Hay apoyo por parte del sector público a la ECAM para la fase formativa, programas como Film Madrid Region Forma, líneas de ayuda para desarrollo de proyectos… ¿Por qué es importante para la Comunidad estar ‘desde el principio’?

X. G.: Porque el talento se construye desde la base, y si queremos una industria sólida, debemos estar presentes desde el inicio. Por eso apoyamos a la ECAM en la fase formativa, impulsamos líneas de ayuda al desarrollo y hemos creado Film Madrid Region Forma, un programa que en estos dos años ha ofrecido masterclass específicas para oficios y departamentos clave.

Desde mi experiencia profesional, veía que había áreas de la industria a las que era muy difícil acceder, incluso para profesionales con trayectoria: marketing de entretenimiento, financiación a través de branded content, periodismo especializado o cómo construir una campaña de comunicación para el lanzamiento de un producto audiovisual. Creemos que son conocimientos esenciales para la competitividad, y esa es la línea que vamos a seguir en los próximos años: formación práctica, acceso a expertos y herramientas que permitan que nuestros profesionales crezcan y se internacionalicen.

Rubik: Uno de los segmentos donde la Comunidad de Madrid hace una labor esencial es en el fomento del cortometraje. Además de las ayudas a la producción, se celebra la Semana del Cortometraje, el Foro de Coproducción de Cortometrajes… ¿Por

qué es importante para las instituciones regionales apoyar este formato?

X. G.: Desde la Comunidad de Madrid defendemos esta idea porque creemos que el cortometraje es la base sobre la que se forman muchos de los grandes talentos de nuestra industria. Es un formato que permite arriesgar, experimentar y probar nuevas narrativas, y eso lo convierte en un laboratorio creativo imprescindible. Además, estamos en un momento donde el contenido corto se consume más que nunca, tanto en plataformas como en redes, lo que lo convierte en una herramienta estratégica para que nuestras historias viajen y nuestro talento se internacionalice. Un ejemplo claro es El fantasma de la quinta, que hemos apoyado en su carrera hacia los Oscar.

Hoy, podemos decir que Film Madrid Region aspira a ser, y en algunos casos, es ya, un agente referente que acompaña a los proyectos en todas sus fases: desde el diseño inicial hasta la producción, pasando por la gestión de ayudas y el asesoramiento a municipios para que desarrollen su propia estrategia audiovisual.”

como la Semana del Cortometraje, que en 2026 reforzará su identidad y programación, y el Foro de Coproducción, que conecta talento y genera oportunidades. Apoyar el corto significa apostar por la profesionalización, la diversidad creativa y el futuro del cine.

Rubik: Estas líneas de apoyo al audiovisual se están traduciendo en que muchos proyectos con el sello de la Comunidad de Madrid están triunfando. El ejemplo más claro, entre muchos otros, es el de Los Domingos, proyecto apoyado por la Comunidad de Madrid que ha conseguido el premio Forqué y es uno de los favoritos para los Goya. ¿Hasta qué punto este tipo de reconocimientos son importantes para respaldar ese apoyo decidido que se hace desde las instituciones públicas al desarrollo y financiación de proyectos?

X. G.: Son muy importantes porque demuestran que el apoyo institucional funciona y genera resultados visibles. Las ayudas al desarrollo son clave: en la mayoría de los casos, son el primer paso para que un proyecto audiovisual se ponga en marcha. En 2026, contamos con fondos propios de 1.000.000 € para desarrollo. Este aumento, refleja una apuesta decidida del Gobierno regional por respaldar proyectos en su fase más temprana. Además, las ayudas a producción, desarrollo y videojuegos crecerán un 129% respecto a 2025, dentro del Plan Estratégico del Audiovisual presentado en diciembre, que marca un nuevo camino para la industria en nuestra región.

Como responsable de Film Madrid Region, mi objetivo es que, no solo demos ese impulso inicial, sino que acompañemos a los proyectos en todas sus fases: desde el desarrollo hasta la promoción e internacionalización. Queremos generar industria y que nuestros profesionales y empresas crucen fronteras, con especial foco en Europa y Latinoamérica, donde Madrid es un puente natural.

Rubik: La Comunidad de Madrid ha destacado en los últimos años como ejemplo de colaboración público-privada. ¿Cómo definirías la sinergia entre las empresas del sector y la administración pública regional ?

Por eso, nuestro compromiso va más allá de las ayudas: impulsamos espacios de visibilidad

X. G.: La colaboración público-privada en la Comunidad de Madrid es un ejemplo claro y exitoso de cómo trabajar juntos impulsa la industria audiovisual. El Clúster Audiovisual de Madrid es una muestra de ello: un espacio donde empresas, asociaciones y administración diseñamos estrategias comunes para innovación, formación, internacionalización

y financiación. Desde Film Madrid Region participamos activamente porque creemos que la competitividad solo se logra con diálogo y cooperación.

Otro actor clave es AMA (Asociación Madrileña del Audiovisual), que además forma parte del Consejo de Cultura, un órgano consultivo y participativo que reúne a los distintos sectores culturales para aportar ideas y colaborar en la configuración de la política cultural regional. Con AMA trabajamos en iniciativas como Ventana Madrid, Rodando Páginas y el Foro de Coproducción, que conectan talento y empresas. Y también estamos presentes en eventos internacionales como Cartoon Springboard, que refuerzan nuestra apuesta por la internacionalización y por posicionar Madrid como puente entre Europa y Latinoamérica.

Esta sinergia no es solo institucional: es práctica y estratégica. Nos permite diseñar políticas que responden a las necesidades reales del sector y acompañar a los proyectos en todas sus fases. Madrid es hoy un hub audiovisual porque administración y sector trabajan juntos.

Rubik: Recientemente se ha presentado el Plan Estratégico de la Industria Audiovisual 2026/2029 de la Comunidad de Madrid. ¿Cuáles son los principales hitos que incluye este plan y su hoja de ruta?

X. G.: Lo primero que me gustaría comentar, si me permitís, es que este Plan Estratégico es un auténtico hito para la Comunidad de Madrid. Marca el rumbo de los próximos años y demuestra la apuesta decidida del Gobierno regional por consolidar a Madrid como capital global de la producción audiovisual. Lo más relevante es que se ha diseñado de la mano del

sector, escuchando sus necesidades y creando medidas reales para impulsar competitividad, internacionalización, talento e innovación.

Con más de 40 millones de euros, el plan refuerza ayudas a producción, desarrollo y videojuegos, incrementando recursos hasta casi 6 millones en 2026. Además, el plan es una clara declaración de intenciones y de apoyo al sector del videojuego, al que consideramos debemos reforzar nuestro apoyo, no solo con financiación, sino también con la organización y atracción de grandes eventos B2B internacionales que esperamos celebrar en 2026, para posicionar Madrid como un hub creativo también en esta disciplina.

“El crecimiento del volumen de rodajes no solo se mide en cifras, sino en impacto: más empleo, más inversión y una mayor proyección internacional para la Comunidad de Madrid.”

Film Madrid Region, nuestra oficina del audiovisual debe ser la puerta de entrada del sector y tiene un claro papel protagonista en los cinco ejes que plantea el plan: competitividad, internacionalización, talento e innovación, promoción y cogobernanza. Trabajamos para ampliar los recursos y capacidades de la oficina, asegurando que no solo gestionamos rodajes, sino que acompañamos a la industria en desarrollo, formación, atracción de inversión y proyección internacional. Afrontamos esta

nueva etapa con el objetivo de convertirnos en un agente proactivo y estratégico, con mayor visibilidad, recursos y capacidad para impulsar a Madrid más allá de sus fronteras.

Rubik: Comenzamos con un repaso de tu trayectoria hasta ahora al frente de Film Madrid Region y finalizamos con una mirada al futuro. ¿Cuáles son los próximos objetivos y metas en el horizonte?

X. G.: Después de dos años de transformación y consolidación, el futuro se presenta apasionante. Nuestro gran objetivo es seguir ampliando el alcance de Film Madrid Region para que sea mucho más que una oficina de rodajes: queremos convertirla en un punto de referencia para todo el ecosistema audiovisual, acompañando proyectos desde su fase inicial hasta su internacionalización.

Miramos al futuro con metas claras: escuchar al sector, atraer grandes eventos que sitúen a Madrid en el mapa global, y generar industria que no solo cree empleo, sino que proyecte nuestro talento más allá de nuestras fronteras. Queremos que la Comunidad de Madrid se consolide como un gran plató natural, capaz de atraer producciones internacionales y, al mismo tiempo, contribuir a la promoción turística de la región.

Además, reforzaremos nuestra presencia en Spain Film Commission, del que formamos parte de la junta directiva, porque necesitamos una Film Commission fuerte que haga marca España y refleje el momento histórico que vive nuestra industria. El reto es ambicioso: ampliar recursos para la oficina, fortalecer la colaboración público-privada y posicionar a Madrid como un hub audiovisual líder en Europa y puente con Latinoamérica.

Rodaje de Los Domingos

© Cortesía de BTEAM

Diseñar industria audiovisual desde la inversión

PRODUCTO, SERVICIO Y EL RETO REAL DEL AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO

El audiovisual europeo atraviesa un momento de intensa actividad creativa y productiva. Nunca antes se habían producido tantas obras, ni existido una red tan amplia de talento artístico, técnico y empresarial. Sin embargo, este crecimiento no ha dado lugar todavía a una industria plenamente madura, sostenible y competitiva. La razón no es la falta de creatividad, ni la escasez de tecnología. El desafío es estructural. En este contexto, ISII Group surge como respuesta a un sector

fragmentado y con dificultades estructurales, desde una perspectiva industrial que integra financiación, desarrollo creativo y planificación estratégica. Cada proyecto se concibe como parte de un sistema más amplio, donde inversión, producción y recorrido de mercado están coordinados desde el origen, asegurando que cada historia se desarrolle con coherencia, viabilidad y proyección global.

ISII Group surge como respuesta a un sector fragmentado y con dificultades estructurales

Durante los últimos años, una gran parte del aumento de producción ha sido impulsada por plataformas de streaming. Éstas han generado empleo, profesionalizado procesos y elevado la capacidad técnica del sector. Pero aquí surge un punto crítico: producir más no siempre significa generar más mercado.

Las plataformas operan bajo una lógica de servicio, centradas en retener usuarios y optimizar catálogos, mientras que el cine pensado para salas funciona como un producto-evento, donde el éxito depende de activar demanda en un momento concreto, generar conversación y ofrecer experiencia compartida. Confundir estas lógicas lleva a una paradoja evidente: más producción, más rodajes y más actividad, pero sin un crecimiento proporcional de la demanda ni del retorno económico tradicional del cine.

Producir más no siempre significa generar más mercado

En este escenario, ISII Group plantea un enfoque diferente: la industria se construye desde el diseño, y el diseño comienza por la inversión inicial. Más inversión en producción no equivale automáticamente a más mercado. La diferencia entre un proyecto aislado y una industria real radica en cómo se estructura la financiación y se construye la rentabilidad desde el origen.

La industria se construye desde el diseño, y el diseño comienza por la inversión inicial

DISEÑO INTEGRAL: INVERSIÓN Y PACKAGING ESTRATÉGICO

Cada proyecto en ISII Group se concibe como un todo integrado. Financiación, desarrollo creativo, producción, distribución y comunicación se coordinan desde el inicio, permitiendo que los equipos creativos se concentren en generar contenido de calidad, mientras el proyecto sigue criterios claros de viabilidad, escala y retorno.

El modelo organiza dos momentos complementarios. Primero, el packaging estratégico, donde se integran la definición creativa y la estructura financiera junto con todas las variables que condicionan el proyecto: presupuesto, mercado objetivo, calendario, ventanas de explotación y potencial de venta. En esta fase se establecen hitos claros de decisión, que permiten validar o descartar proyectos antes de comprometer recursos productivos. Esta planificación temprana protege la creatividad y evita que decisiones tardías en plena producción erosionen la narrativa.

Cada proyecto en ISII Group se concibe como un todo integrado

La segunda fase es la producción, orientada a eficiencia, control de procesos y excelencia técnica. Al separar packaging y producción, se profesionaliza la toma de decisiones, se clarifican responsabilidades y los plazos dejan de ser aspiracionales para ser gestionables, reduciendo sobrecostes y aumentando la fiabilidad de cada proyecto.

Este enfoque permite que los servicios audiovisuales puedan competir por calidad, especialización y eficiencia, que la tecnología evolucione de manera sostenible y que la continuidad en las producciones permita invertir en formación, procesos y mejora continua. El resultado es un círculo virtuoso que beneficia a todo el ecosistema: para el talento creativo, claridad de objetivos; para equipos técnicos, continuidad y profesionalización; para inversores, previsibilidad y control de riesgo; y para las políticas públicas, un marco más eficaz para convertir incentivos en tejido industrial real.

Producir más no siempre significa generar más mercado

DE LA INVERSIÓN A LA PANTALLA; UN MODELO QUE FUNCIONA

Los resultados del modelo impulsado por ISII Group se traducen en cifras concretas. En 2024, el grupo gestionó 16 millones de euros en producciones, acompañando siete títulos. En 2025, se pusieron en marcha 19 proyectos con una inversión total de 68 millones de euros, incluyendo cortometrajes, documentales y largometrajes. Estos números no sólo reflejan volumen, sino la capacidad de escalar proyectos con coherencia, sostenibilidad y vocación de mercado.

Esa misma lógica se hace visible cuando el modelo se aplica a proyectos de gran envergadura. Un ejemplo paradigmático es Trinidad, una superproducción de más de 14 millones de euros protagonizada por Karla Sofía Gascón, Paz Vega y Gabriela Andrada.

En ISII Group, cada proyecto se entiende como parte de algo mayor

En Trinidad, KBCF Consulting ha aplicado un modelo híbrido de financiación que combina capital privado con beneficios fiscales, facilitando el acceso de empresas, family offices, private equities e inversores individuales a proyectos con retornos definidos a corto y medio plazo. Este diseño busca no solo rentabilidad, sino hacerlo de manera alineada con la calidad cultural y creativa de cada obra, un equilibrio que no busca rentabilidad a costa de la cultura, sino gracias a ella.

Lo que diferencia a Trinidad no es únicamente su escala o su reparto de primera línea, sino el foco en la creación de una estructura de inversión privada sostenible y medible, que ha permitido que el proyecto salga adelante sin depender exclusivamente de subvenciones públicas ni de incentivos fiscales tradicionales. Esta forma de financiar cine —más allá del ciclo clásico de subvención— es precisamente uno de los pilares estratégicos que KBCF Consulting impulsa dentro del ecosistema de ISII Group.

Gracias a esa planificación financiera y estratégica desde el origen, Trinidad no sólo ha podido definirse con claridad desde el punto de vista creativo, sino también con un plan de lanzamiento global y una estructura de inversión sólida, que da confianza y previsibilidad a todos los agentes implicados. Esta película se convierte así en una prueba tangible de lo que sucede cuando el capital privado, la estrategia financiera y la producción cultural se articulan con visión, transformando un proyecto audiovisual en una iniciativa industrial sostenible.

CONSTRUIR INDUSTRIA

En ISII Group, cada proyecto se entiende como parte de algo mayor: la construcción de una industria audiovisual sólida, profesional y sostenible, capaz de generar mercado y retorno estable. Separar producto y servicio, comprender la madurez del ciclo de plataformas y rediseñar la inversión desde el origen no es sólo estrategia empresarial. Es la condición necesaria para que exista industria.

El modelo del grupo también permite que las historias con identidad propia se desarrollen de forma sostenible, compitan globalmente y alcancen su audiencia con un recorrido planificado. La industria deja de depender del volumen coyuntural y empieza a apoyarse en estructuras estables, donde la creatividad se protege y la eficiencia se maximiza.

El futuro del audiovisual no se improvisa. Se diseña desde la inversión.

¿CÓMO HA CAMBIADO EL CINE INDEPENDIENTE EN ESPAÑA?

QUEREMOS RECUPERAR UN MUY INTERESANTE DEBATE SOBRE EL CINE INDEPENDIENTE QUE SUCEDIÓ EN ABYCINE LANZA, UN PANEL AL QUE ASISTIÓ RUBIK Y EN EL QUE SE REUNIÓ A UNA NUTRIDA REPRESENTACIÓN DE CINEASTAS Y PRODUCTORES DEL CINE ESPAÑOL. EL MOTIVO ERA CELEBRAR EL 10º ANIVERSARIO DE ESTE PIONERO FORO DE COPRODUCCIÓN PERO TAMBIÉN SUSCITÓ UN VALIOSO INTERCAMBIO DE OPINIONES DISPARES ACERCA

DE LO QUE ES HOY EL CINE INDEPENDIENTE. QUÉ MEJOR LUGAR QUE ALBACETE, CUYO FESTIVAL HA AYUDADO A MOLDEAR LA RAMA INDIE DE NUESTRA INDUSTRIA.

CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

La charla estuvo moderada por la periodista Andrea Gutiérrez y en ella participaron los productores Valérie Delpierre, Luis Ferrón y Pedro Hernández, y los directores Belén Funes, Víctor Moreno Guillermo Galoe, Sara Sálamo, Gemma Blasco y Chema García Ibarra. También estaba presente Carmen Summers, responsable de Producción Ajena de CastillaLa Mancha Media (CMM), entidad pública que desde el principio ha amparado el evento.

“En los inicios ya estaba la misma calidad humana del equipo y el mismo

mood para acompañar los proyectos con cercanía, solo que con una dimensión más pequeñita”, rememora Valérie Delpierre de Inicia Films, que participó en el WIP con Verano 1993, cuyas primeras imágenes se mostraron en Abycine Lanza.

Luis Ferrón de LAZONA, pero que en ese momento era gerente de la ECAM, también vivió los primeros pasos de Abycine Lanza: “No había referencia para saber que esto iba a ser algo que funcionase. Nosotros estábamos empezando a pensar en La Incubadora y ese mismo año arrancaba Ikusmira Berriak. Era algo que tenía que pasar”.

Desde el punto de vista de los cineastas, abrió un nuevo mundo a los creadores. “Aparte de la utilidad para los proyectos, a mí me fue muy útil para conocer cosas de la industria, me permitió reunirme con agentes de ventas con ciertas pautas de la industria que yo no conocía. Creo que hay algo aquí muy amable que me permitió aprender muchísimo de cómo funciona el sector”, manifestó Gemma Blasco, directora de La furia

Guillermo Galoe, director de Ciudad sin sueño, declaró que “no es habitual en la industria que haya espacios como Abycine

Lanza en los que puedas conectar con la gente de manera tranquila y natural”. Según comentó, “puedes compartir tus procesos de manera sosegada y eso es muy valioso”.

Abycine Lanza fue uno de los lugares que impulsaron el pitch en España. Belén Funes, directora de Los Tortuga, los considera, eso sí, “una tortura moderna”, aunque admite que “permiten poner la película a prueba ante gente que no te conoce de nada”.

Chema García Ibarra, director de Espíritu Sagrado, reconoció que Abycine Lanza le permitió aprender cómo hacer el pitch: “En todos estos años se ha generalizado el pitch y ha habido un aprendizaje incluso en el público. Ya saben ver más allá de una puesta en escena avasalladora. Los cineastas tímidos también tienen derecho a hacer películas”

En definitiva, y como definía Luis Ferrón, Abycine es como “nuestro Sundance”, remarcando que los proyectos realmente importantes casi siempre pasan por aquí.

EL ESTADO DEL CINE INDEPENDIENTE EN ESPAÑA

Más allá de celebrar el caso de éxito de Abycine Lanza, lo más valioso de la mesa redonda fue un análisis de cómo ha cambiado el cine independiente en nuestro país.

Luis Ferrón manifestó que, cuando empezó, “ese tipo de cine en España no es que no tuviera cabida, es que no tenía ningún lugar ni donde financiarse ni donde encontrarse”.

A día de hoy, eso ha cambiado y Ferrón destaca las ayudas selectivas del ICAA o multitud de programas, como el propio Abycine Lanza: “Hemos convertido algo que era un hobby, para algunos muy caro, en algo que de verdad está cerca de la industria y de lo que la industria vive y se nutre”.

“Antes, hacer una película indie era un gesto más de fe, más ingenuo, más kamikaze”.

Víctor Moreno

El productor de LAZONA opina que “lo fundamental es que no decaiga el apoyo de las instituciones” y sobre todo “que las comunidades autónomas que apoyan menos entiendan que están privando a sus ciudadanos de contarse a sí mismos”.

Más allá de ese desequilibrio regional, Valérie Delpierre puso en valor que “tenemos un cine más plural, más democrático y más femenino” y que la “madurez” en términos formativos y el hecho de que “nos hemos profesionalizado” han repercutido en el actual prestigio del cine español dentro y fuera de nuestras fronteras.

La visión positiva que enarboló Luis Ferrón fue matizada por otros, en especial el cineasta Víctor Moreno, director de Edificio España: “Cuando empezábamos, la idea del low cost era muy perversa pero sí que había un magma de películas que se hacían con muy

poco dinero, casi más por el impulso del cineasta, y recuerdo películas de 20.000 €”.

Según Moreno, hoy en día “eso es impensable”. En su opinión, “el nivel de profesionalización y de exigencia en el cine independiente implica también unos niveles de producción mucho más altos, probablemente motivados por el propio ICAA y también por la llegada de las plataformas”.

El caso es que “antes hacer una película era un gesto más de fe, más ingenuo, más kamikaze”. Su generación entendía que había que hacer la película aunque no recibiera una ayuda. “Hoy, hablo con gente más joven y el paradigma es hacer una película de 1 millón y medio de euros, que es lo ideal e incluso insuficiente, pero cuando yo empezaba con 20.000 € éramos capaces de hacer una película, aunque no sea el modelo que haya que perseguir”, se sinceró Moreno.

Ferrón contestó a esta celebración romántica diciendo que podían hacerse con 20.000 euros “precarizándote a ti mismo durante tres años y a todos tus amigos” Esas películas, añadió, “se hacían con cariño y con pasión” pero hizo hincapié en no hacer “un alarde de la precarización”. El productor admite que “se puede hacer una película con urgencia” pero una película con urgencia “no puede convertirse en un modelo”. Ahora mismo, Ferrón cree que más gente puede hacer cine. Moreno mostró sus dudas de que para alguien que está empezando es realmente sencillo “conseguir ese nivel de financiación” del millón y medio de euros.

Delpierre se coló en este debate e indicó que “se puede hacer una película con menos

pero entonces hay que aceptar las reglas del juego”. La sensación que tiene la productora de Inicia Films es que se han creado unos referentes que han tenido una explotación exitosa y, por tanto, “hay unos parámetros de exigencia mínimos que normalmente conllevan un cierto dinero”. Sin embargo, subrayó que se pueden hacer con menos, con un equipo de 10 personas, pero “hay que ser coherente desde ese planteamiento de producción” y creo que “ahora nos cuesta estar ahí”.

Sobre ese paradigma del millón y medio de euros quiso hablar Gemma Blasco, cuya La furia precisamente tiene ese presupuesto. “No todo el mundo puede acceder a ese paradigma del millón y medio. Si no has estudiado en una escuela de cine, es muy complicado acceder a eso. No digo que el camino sean las películas de 20.000 euros porque también requiere de un entorno relativamente burgués o tener 19 años y los fines de semana con tus colegas para permitírtelo”, explicó la cineasta, apostillando que luego existe una nueva barrera “gigante” que es la distribución.

También Belén Funes aportó su punto de vista sobre esa supuesta holgura con ese paradigma del millón y medio de euros: “En los tiempos en los que la gente también trabaja para plataformas y cobra allí mucho más dinero, me parece dificilísimo conseguir tu director de foto, tu director de arte, eléctricos, ayudantes de producción… Se ha puesto realmente muy complicado”.

En este intercambio de ideas apareció el productor Pedro Hernández de Aquí y Allí

Films, que declaró que “quizás hay que saber dimensionar lo que se pretende como productor o como director”.

“Se puede hacer una película con menos pero hay que ser coherente desde ese planteamiento de producción”

Valérie Delpierre

Puso como ejemplo su propio caso. Su primera película, Aquí y allá, costó 105.000 euros y ganó la Semana de la Crítica en Cannes. Poco después, hizo Magical Girl, una película de unos 350.000 euros que es una de las más celebradas en el cine español de este siglo. Posteriormente, Hernández produjo una película de 60.000 euros que fue Hablar de Joaquín Oristrell, que se distribuyó en cines. En opinión del fundador de Aquí y Allí Films, lo más relevante es que el hecho de que el nivel del cine independiente haya “subido muchísimo” está ayudando a que “más gente vea otro tipo de cine”.

Guillermo Galoe rompió una lanza a favor del idealismo porque cree que “está bien tener la costumbre de hacer películas”. Él contó que su primer largometraje, Frágil equilibrio, Goya al Mejor Documental, la hizo sin ayudas: “La

hicimos entre varios colegas en distintos sitios del mundo y fue muy punki hacer esa película”. Galoe estima que no hay que perpetuar la precarización pero “a lo mejor los primeros cineastas sí que deberían lanzarse a hacer películas con lo que tengan”, ya que “a lo mejor no hace falta tanto para empezar a trabajar”.

Blasco expuso que es “una fantástica noticia a celebrar” la profesionalización del cine independiente y que se hayan elevado los presupuesto, pero también tiene su contrapartida. “Me da miedo que esa profesionalización tanto del cine independiente como del cortometraje haga todavía más grande la brecha y más difícil el acceso. Qué gente está haciendo cine, no nos olvidemos de eso”, incidió.

De todos modos, Luis Ferrón señaló que muchos nuevos cineastas no están empezando con películas de 1 millón y medio, sino que “están haciendo pelis muchas veces en colectivos, van aprendiendo, se van dando pasos”. Es decir, que piensa que “sigue habiendo películas urgentes y algunas son cojonudas”.

Para terminar las reflexiones del debate, nos detenemos en la intervención en este tema de Chema García Ibarra, quien instó a la gente que pensara si para un joven que quiere hacer cine, pero que es de clase obrera y no viene de familiar relacionada con el cine o lo artístico, sería más fácil hacer cine en los 80, en los 90, en los 2000, en los 10 o ahora.

La gente dijo que ahora. “Entonces, estamos mejor; yo soy optimista”, apostilló.

COFUNDADORA DE VACA FILMS

EMMA LUSTRES

“NO SE HA PROTEGIDO COMO SE DEBE A LA PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE”

LA MEDALLA DE ORO DE LOS PREMIOS FORQUÉ 2025 SE HA ENTREGADO A LA PRODUCTORA EMMA LUSTRES, COFUNDADORA DE VACA FILMS, UNA DE LAS GRANDES EMPRESAS DEL AUDIOVISUAL ESPAÑOL EN ESTE SIGLO.

RUBIK LA HA ENTREVISTADO EN PROFUNDIDAD PARA ABORDAR LA EXITOSA TRAYECTORIA DE LA PRODUCTORA, SU DECISIÓN DE ESTABLECERSE EN GALICIA, EL THRILLER Y EL SELLO DE VACA FILMS O LA SITUACIÓN DE LA INDUSTRIA EN RELACIÓN A LA PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE Y LA INFLUENCIA DE LAS PLATAFORMAS.

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

Emma Lustres es la segunda mujer en recibir este reconocimiento de EGEDA, tras Beatriz de la Gándara, que lo recibió en 2020 junto a Fernando Colomo.

Rubik: Vaca Films lleva en el sector 23 años, que es mucho para la industria española porque la mayoría de productoras no duran tanto. ¿Cómo consigue una productora independiente tener esa durabilidad?

Emma Lustres: No es fácil, efectivamente. Si analizas el sector audiovisual español, una productora independiente que tenga una trayectoria de 23 años tan fructífera no es habitual. Eso también demuestra la fragilidad del sector desde el punto de vista más empresarial. No hay una fragilidad creativa ni de oportunidades de negocio o de mercado, pero sí creo que hay una cierta fragilidad empresarial

¿Por qué hemos perdurado? Supongo que es una mezcla de muchas cosas, una mezcla de mucho esfuerzo y mucho trabajo, pero también tiene que ver seguro con el talento, con nuestra forma de hacer las cosas, y con el tipo de cine que hacemos.

Creo que es una ventaja que te guste un tipo de de producciones que conectan con audiencias amplias y eso es lo que nos pasa a nosotros. Yo a veces cuando me reúno con algunos directores más de nicho, pienso ‘qué difícil porque o lo haces muy bien o lo tienes muy complicado’.

“Es fundamental el equilibrio entre lo que financias y lo que te cuestan las películas. Hipotecar tu casa o invertir mucho dinero a riesgo me parece más una temeridad que una heroicidad”

Dentro de lo difícil que es acertar o conectar con mucha audiencia, creo que es más fácil ser rentable con unos gustos más generalistas. Pero nunca nos hemos sentido cómodos, ni es algo que nos llame mucho, las películas que solo son comerciales. Nos interesa un tipo de cine comercial que, al mismo tiempo, tiene cierta trascendencia

y cuenta cosas muy cercanas con la sociedad española, es decir, películas con componentes de calidad que, al mismo tiempo, aspiren a tener grandes audiencias. Hay algunas cosas que hemos producido que no han funcionado bien, pero con muchos títulos hemos acertado, películas no solo rentables económicamente, sino también que han tenido buena acogida entre el público.

Me parece fundamental mantener el equilibrio entre lo que financias y lo que te cuestan las películas. En mi opinión, hipotecar tu casa o invertir mucho dinero a riesgo me parece más una temeridad que una heroicidad. Cada uno puede hacer lo que estime, y seguro que muchos empresarios de cualquier sector económico del país, y que están en la lista Forbes, algún día se tiraron al precipicio y cayeron de pie. Pero, ¿cuántos se tiraron al precipicio y se estrellaron? Yo prefiero no tirarme al precipicio, tengo que reconocerlo. Nunca vamos a ser Amancio Ortega, pero tampoco nunca nos vamos a arruinar. Eso es el carácter de cada uno. Yo a veces me considero muy ambiciosa y a veces me considero muy poco ambiciosa. Siempre hemos intentado racionalizar y todos los riesgos han estado muy medidos.

Otra cosa que ha sido una ventaja y un acierto es habernos quedado en Galicia y trabajar desde allí, algo que en un principio podría haber sido una desventaja, sobre todo los primeros 1015 años, porque puede parecer que no tienes acceso a un mercado mayor o más oportunidades de negocio.

Nunca sabremos qué habría pasado con Vaca Films si hubiéramos ido a Madrid. Muchos compañeros nos repetían que por qué no nos íbamos de Galicia a Madrid pero siempre antepusimos nuestra vida personal y teníamos la creencia y la filosofía de que es importante hacerlo desde allí, con gente de allí, con técnicos de allí.

También es verdad que en Galicia siempre ha habido un apoyo importante al audiovisual, tanto desde TVG como sobre todo desde la Xunta de Galicia.

Rubik: Pero me imagino que impulsar proyectos de cierta envergadura fuera de Madrid y Barcelona no ha sido sencillo. Porque en Galicia y otros lugares sobre todo se hacían proyectos más pequeños, más de autor, ¿no?

E.L.: Sí, lo que pasa es que hemos conectado bien lo que es Galicia y Madrid. Yo vengo a Madrid todas las semanas y llevamos muchos años moviéndonos mucho, yendo a todos los mercados, a todos los festivales nacionales e internacionales. Si montas una productora en Galicia y piensas en hacerlo todo desde allí, es impensable. Siempre hay que pasar por Madrid.

Quedarnos en Galicia también ha generado alrededor un entorno muy favorable de técnicos, gente que trabaja mucho con nosotros, y que, de alguna manera, depende un poco de nosotros y se ha creado un grupo de trabajo muy en familia. La mayor parte de los técnicos que trabajan con nosotros lo hacen de una forma muy comprometida.

Nosotros somos mucho de repetir con los equipos y eso tiene que ver con que tenemos una línea editorial bastante clara, que es otra de las razones por las que la empresa ha tenido esta trayectoria. Nos hemos como especializado bastante en un tipo de películas. Si nosotros salimos al mercado con una comedia familiar, a lo mejor las televisiones o plataformas no nos considerarían la mejor opción para producir eso.

Emma

Lustres en los Premios Forqué 2025

Rubik: Sobre lo de permanecer en Galicia, en los últimos años se está rodando más fuera de los principales centros, pero noto muchas veces que es apoyo a productoras de Madrid y Barcelona. En cambio, en el caso vuestro, vosotros lideráis.

E.L.: Cuando montas una empresa y quieres empezar a producir, lo lógico y lo normal es que coproduzcas. Nosotros hemos coproducido durante años siendo productores minoritarios y siendo apoyo de alguna productora de Madrid. Es muy común.

Nosotros fuimos cogiendo el mando poco a poco. Me parece muy sano hacerlo así, porque vas aprendiendo, conociendo, conectando. Si tú pretendes tú solo hacer la primera película es que te puedes ahogar en el intento. Emocionalmente, puede acabar con tus ganas de seguir intentándolo.

Por otro lado, me parece que es muy difícil acceder a determinado talento, a determinados guionistas, directores y actores. Otra cosa es que te acompañes de gente que está empezando, pero francamente, es súper complicado que salga bien. Yo creo que es una lotería. Es echar una moneda al aire, porque la experiencia, el posicionamiento y el conocimiento influye mucho en la obra. Entonces, yo creo que acertamos en la manera de hacerlo, en hacer el camino con otras empresas. Sabíamos que era un peaje, un recorrido que había que hacer. Con la primera película que lideramos

nosotros, tuvimos mucha suerte, porque fue Celda 211 . Es como que te toque la lotería. Esos 5-6 años previos a Celda 211 fueron vitales; si la hubiéramos hecho al año de montar la empresa, no hubiéramos conseguido tener a Daniel Monzón o a Jorge Guerricaechevarría.

Es muy importante ese camino previo pero creo que es un error hacer ese camino previo y quedarte ahí. Nosotros queríamos liderar y ejercer una función diferente.

“Es un acierto habernos quedado en Galicia (…) Siempre antepusimos nuestra vida personal y teníamos la creencia de que era importante trabajar desde allí, con técnicos de allí”

Rubik: Aunque el premio te lo dan a ti, imagino que también es un reconocimiento a Vaca Films y por tanto Borja Pena también es esencial en todo esto...

E.L.: Sí, evidentemente, la empresa es de los dos, trabajamos todos los días, somos pareja, tenemos hijos juntos, o sea, lo compartimos absolutamente todo.

Este reconocimiento me llega a mí porque yo soy más visible en la empresa que

él o hago una faceta diferente a la suya. Borja es muy generoso porque no dejamos de estar en una sociedad un poco machista y no todos los hombres llevarían bien estar detrás de su mujer y que el protagonismo sea de su mujer.

Por eso, más allá de la labor conjunta que hacemos o más allá de lo que nos complementamos, competimos mucho entre nosotros, pero también nos apoyamos mucho. Esa mezcla de competencia y apoyo es muy positiva. Y luego, que ha triunfado el amor, porque imagínate que nos llevásemos mal o que quisiésemos romper el matrimonio. La pareja nos ha salido bien, tanto la amorosa como la profesional.

Rubik: A la hora de elegir los proyectos ¿no tenéis dudas? ¿Os gustan los mismos tipos de proyectos?

E.L.: Pues mira, al principio Borja y yo hacíamos todo juntos. No teníamos experiencia suficiente y había esa necesidad de estar los dos trabajando en los mismos proyectos y complementándonos y cada uno aportando su parte. Eso ha sido durante bastantes años.

Pero ahora, con nuestra posición en el mercado, cada uno decide y manda en sus proyectos. Yo opino sobre lo suyo y él opina sobre lo mío, pero cada uno decide. ¿Qué pasa? Que tenemos gustos bastante parecidos. A ver, no nos gusta exactamente lo mismo, pero bueno, tenemos gustos bastante parecidos, solemos coincidir. Si yo estoy pensando que una secuencia sobra y él me dice lo mismo, esa secuencia se cae.

“No todas nuestras películas son películones pero creo que no hemos hecho ninguna película mala, son todas buenas o muy buenas”

Rubik: El sello Vaca Films del que hablabas tiene mucho que ver con la apuesta por el thriller, ¿Ha sido dífícil impulsar el thriller en España?

E.L.: No nos ha sido muy difícil pero tiene mucho que ver con el tipo de thriller que hacemos. Creo que hay de dos tipos: uno donde el tema, las tramas y los personajes son más dramáticos, y los más lúdicos. Quien a hierro mata o Celda 211 los metería más en thriller dramático y El niño, Hasta el cielo o El desconocido en los lúdicos. Cuando hemos hecho thrillers más lúdicos hemos conquistado más a la audiencia pero los dramáticos conquistan más premios y festivales. Nos hemos movido en esa línea. Pero incluso los thrillers más lúdicos tienen varias capas y tocan muchos temas. Por eso a gente más joven les gustan nuestras películas aunque no las entiendan del todo. Celda 211 rompió una barrera porque no era

común que un thriller ganara el Goya a Mejor Película.

Rubik: ¿Cuál de vuestras películas crees que hubiera merecido más?

E.L.: No todas nuestras películas son películones, evidentemente. Las que nos han salido peor, tenemos identificado cuáles son los errores. Yo creo que no hemos hecho ninguna película mala, son todas buenas o muy buenas. Yo creo que Invasor es una película que se merecía mucho más. Tú ves hoy Invasor y es un peliculón. Salimos a competir en una fecha muy competitiva y salió mal. Es la misma fecha con la que salimos con Golpes, antes del puente de diciembre, una fecha hipercompetitiva. Pero si te sale bien, te puede salir muy bien. Es una fecha que a mí no me gusta, por Invasor tengo un mal recuerdo con esta fecha. Otra película que creo que se merecía más, porque me parece extraordinaria, es ¡Salta!. Me costó mucho hacerla porque era un género muy alejado de lo que habíamos hecho. Fue la primera película de Olga Ossorio, y entre la inexperiencia de ella, y mi falta de seguridad también y de experiencia haciendo ese género, nos costó mucho. A mí siempre me echaban en cara que no había producido a ninguna mujer y entonces yo quería trabajar con ella. Me

encanta la película, me parece buenísima y que es maravillosa por el mensaje que lanza y por lo entretenida y cariñosa que es. Me equivoqué con la fecha de estreno porque nadie sospechaba que ese verano Barbie y Oppenheimer fueran a ir tan bien y estar tantas semanas ocupando salas. Fue imposible competir.

Rubik: Os habéis abierto también a las series. ¿Cómo ves el cambio que ha habido en la panorama de la industria con la llegada de las plataformas?

E.L: Maravilloso. Las plataformas son lo mejor que le ha pasado a la televisión española, incluso al cine español, en los últimos 20 años. Es fascinante. Han traído mucha más inversión y muchas más oportunidades de negocio. Ha generado muchísimo empleo y una estabilidad brutal. No hay gente suficiente para toda la producción que hay en España, esa es la realidad.

Principalmente Netflix porque es la que más invierte y la que más produce pero

si sumas todas,. con Movistar, Amazon, SkyShowtime y HBO Max, es una barbaridad lo que ha crecido. Además, ha posibilitado que las producciones españolas viajen y sean vistas por millones de personas en todo el planeta. Cosa que no había pasado antes.

“Cuando hemos hecho thrillers más lúdicos, hemos conquistado más a la audiencia pero los dramáticos conquistan más premios y festivales. Nos hemos movido en esa línea”

Otra cosa que me parece fundamental es que ha crecido el nivel de las series y también me parece importantísima que ha cambiado un poco la mentalidad de cómo nos ven las instituciones, porque ya lo ven un sector importante, un sector a apoyar.

También nos ha permitido pensar en proyectos más grandes y hacer cosas más ambiciosas, y ha ayudado a la descentralización, a que se produzca mucho fuera de Madrid, porque no puedes estar siempre contando las historias en el mismo sitio. También ha ayudado que en las series se han apoyado mucho en productores de cine. Esto nos ayuda a crecer, a tener unas estructuras más consolidadas, más fuertes. Pero tiene una parte negativa y es que a las salas de cine les ha salido un competidor muy grande como el consumo en casa. Las salas tienen muchos competidores y el streaming es un competidor brutal. Habría que intentar intervenir para que, de alguna manera, se equilibrasen esos desajustes que provoca el mercado. Se trata de intentar hacer varias medidas que puedan hacer que el sector de la exhibición tenga su espacio.

Rubik: A nivel de regulación, has comentado recientemente que la producción independiente compite en condiciones desiguales en el mercado.

E.L.: No son lo mismo las productoras que dependen de grandes grupos o conglomerados internacionales que productoras independientes. Cuando salimos al mercado no vamos con las mismas armas. Para que haya un sector importante de producción independiente que se va renovando y que esto sea un ecosistema sano, hay que protegerlo un poco, ponerle unos muros. Hay que hacer una legislación para que puedan crecer y hacerse fuertes.

Todas las administraciones han sido muy miedosas para hacer una legislación realmente consistente que sea eficaz, como con la definición del productor independiente. No se ha protegido como se debe a la producción independiente y eso no es positivo. Nosotros no vamos a dejar de producir, porque somos una productora independiente muy establecida y muy bien posicionada, pero es difícil que haya una renovación porque es muy precario. Los independientes deben tener unas reglas de juego un poco más favorables, porque el punto de partida no es el mismo.

JULIO FERNÁNDEZ

EN 10 PRODUCCIONES

SI HACE ESCASOS MESES FALLECÍA JOSÉ ANTONIO FÉLEZ, AHORA HA SIDO EL TURNO DE OTRA FIGURA

ILUSTRE DE LA INDUSTRIA ESPAÑOLA COMO JULIO FERNÁNDEZ, UN IMPRESCINDIBLE DE LAS ÚLTIMAS DÉCADAS COMO RESPONSABLE DE FILMAX Y SUS FILIALES. LE RENDIMOS EN RUBIK UN PEQUEÑO HOMENAJE DESTACANDO 10 PELÍCULAS QUE IMPULSÓ. SELECCIONAMOS TÍTULOS QUE REFLEJAN SU PLURALIDAD DE PROPUESTAS, NO SÓLO CON EL CINE DE GÉNERO EN EL QUE FILMAX HA DESTACADO

TANTO SINO TAMBIÉN EN ANIMACIÓN, DRAMA Y COMEDIA. ASIMISMO RECALCAMOS ALGUNAS

OBRAS CON UNA VISIÓN INTERNACIONAL QUE FUE PIONERA EN NUESTRO PAÍS.

BOSQUE DE SOMBRAS DE KOLDO SERRA

TAPAS DE JOSÉ CORBACHO

NOCTURNA DE ADRIÀ GARCÍA Y VÍCTOR MALDONADO

LOS SIN NOMBRE DE JAUME BALAGUERÓ

DE PACO PLAZA Y JAUME BALAGUERÓ

20-25:

20 RAZONES PARA ESCRIBIR SOBRE EL CINE ESPAÑOL DEL 25

POR LOLO ORTEGA

TERMINA EL AÑO Y TOCA MIRAR ATRÁS Y HACER RECUENTO. BUSCAR EN LO POSITIVO, QUE

SIEMPRE ES MÁS NUTRITIVO, AUNQUE A VECES NO RESULTE TAN SENCILLO COMO HACER

SANGRE HURGANDO EN LA HERIDA DE TODO LO QUE ESTÁ PASANDO.

Como no sabemos qué nos deparará el 26, con la ultraderecha ganando terreno, Trump a careta y calzón quitado demostrándonos que toda nuestra realidad depende de un hilo dental, la inteligencia artificial sometiéndonos sin inteligencia y con artificios, Rusia, China, Groenlandia, Israel, Eurovisión, la NBA europea y Grok poniéndonos bikinis (la prenda, no el sándwich), casi mejor hacer balance de lo visto, por si no nos vemos en otra. Así, cortito y al pie.

1. ROMERÍA: Sólo por esta película ya merece la pena toda la cosecha del 25. Carla Simón vuelve a sus orígenes tras la más contemplativa Alcarrás y nos lega la pieza perfecta para completar el díptico doloroso (y luminoso) de su pasado. Romería es lírica del dolor y épica de lo cotidiano, una obra

cumbre de una directora que promete ser histórica.

2. LOS DOMINGOS: Parece que se confirma lo que ya apuntábamos en estas páginas el año pasado: Alauda Ruiz de Azúa tiene un don diferencial para hacer tranquilamente emotivas las aguas procelosas del drama más desaforado. Con Los domingos parece que cada vez más gente es consciente que su timing, su forma de decir y su forma de mirar nos coloca espejos frente a nosotros que observamos de perfil.

3. SIRÂT: La película española del año, la más internacional y la más desoladora. Un viaje de ida, un ejercicio de hipnosis, un safari interior, que se convierte en una experiencia abrumadora que, como algunos tipos de droga, a cada uno le pega de una manera. Hay quien se queda pillado y a los que le parece que le han engañado, que la cosa no

sube, que no era pura. Laxe polariza y eso, para el cine, siempre es bueno.

4. LUGER: Y de una que conoce todo el mundo al sleeper del año. Magnífico ejercicio de thriller patrio con un ojo en Guy Ritchie y otro en Tarantino, pero el corazón en una España de polígonos y menús del día, violencia contenida y consumada. Espléndida en ritmo, guion e interpretaciones, hay que seguirle el camino a Bruno Martin y como siempre a David Sainz, que todo lo que toca (por muy poco dinero que haya), lo hace brillar.

5. THRILLERS CON DENOMINACIÓN DE ORIGEN: Y enganchando con Luger, destacar muchos momentos del regreso de Díaz Yanes con Un fantasma en la batalla, demasiado parecida a La infiltrada en muchas cosas pero muy diferente en muchas otras, el divertimento fallido al final pero entretenido

casi todo el tiempo de Parecido a un asesinato, la crudeza intermitente de Hamburgo o la pequeñez asfixiante de El talento

6. CELIA RICO. Celia Rico siempre es casa y en su tercera película (La buena letra) vuelve a confirmar su pulso y su compromiso con las historias que cuenta. Aquí adaptando a Rafael Chirbes y yendo por primera vez a otra época, pero manteniendo toda galería de recursos y detalles que hace a su cine enorme aunque parezca pequeño. Imprescindible por su contudencia y por su delicadeza.

7. LA DELICADEZA: Y hablando de delicadeza también quiero destacar dos dramas también dirigidos por mujeres y con voces meridianas y personales: la adaptación de Eva Libertad de su propio corto en Sorda, un drama honesto y pausado sobre la maternidad y la discapacidad, y la confirmación de que Belén Funes posee una mirada apasionante y única con Los Tortuga, un fresco rural y absorbente alejado de cualquier folcklore acomodaticio.

8. UNA QUINTA PORTUGUESA: Otra película pequeña que recuerda en su argumento a la estupenda Yo de Rafa Cortés pero cuyo desarrollo transita por otro: el de una película pequeña y humanista pero con unas interpretaciones enormes.

9. MASPALOMAS: Los Moriarti (seudónimo arthurconandoyliano de Arregi, Goenaga y Garaño, aunque este último no aparece acreditado) siguen desarrollando una obra sin rendirle cuentas a nada ni a nadie. Maspalomas sigue la estela de Loreak y Marco pero sumando la esperanza explícita de un futuro deseado y mejor.

10. ALBERTO RODRÍGUEZ: El sevillano hizo doblete con una serie tal vez tibia (sobre un magnífico libro tibio) como Anatomía de un instante pero que, al mismo tiempo, de pulso nada tibio narrativo, y con Los Tigres, un thriller marino y complejo que, en mi opinión, no ha suscitado el interés que su propuesta lleva implícita.

11. LA LIBERTAD DE AMENABAR: Amenábar sigue su carrera de fondo hacia la pérdida de su prestigio, pero lo hace con una película valiente (mucho más que la exitosa Mientras dure la guerra), genuina y especial. El cautivo es una obra imperfecta pero rezuma

© Cuidado con el perro

la esencia de un director genuino y especial aunque esté en horas bajas.

12. LAS PELICULAS RARAS: Aparece el nombre de Ion de Sosa en dos películas extremas, inclasificables, vivas. Como director en Balearic, un cocktail ebrio de sí mismo pero con muchas capas y matices, y como director de fotografía en el debut de Irati Gorostidi, Aro berria, donde la lucha obrera y las sectas se dan la mano en una historia real.

13. LA COMEDIA: A la espera de la ración anual de Machos Alfa en Netflix, la comedia española ha tenido un año entre desangelado y decepcionante. Producciones hechas para triunfar en taquilla y con elementos que aseguran el éxito (Un lío de millones, El casoplón o Sin cobertura) no han cubierto las expectativas debido a su falta de compromiso con el humor más libre. Destaca, por otro lado, gran parte de Los aitas, nueva unión entre Borja Cobeaga y Diego San José, y La cena de Manolo Gómez Pereira, basada en un texto humilde de Alonso de Santos pero salvada por los actores y por cierto compromiso con su propia esencia.

14. LOS DEBUTS MÁS COMENTADOS: Además de los ya comentados de Sorda o Balearic, podemos rescatar y reivindicar a Gerard Oms y su madura Muy lejos o la enigmática y naturalista

Estrany Riu de Jaume Claret Muxart. Ambos nominados al Goya a mejor dirección novel.

15. LOS DEBUTS MENOS COMENTADOS: Aprovecho también este artículo para reivindicar óperas primas que tal vez no han trascendido tanto pero que, por unos u otros motivos, destacan por su capacidad de sugerencia y por su pasión por la narrativa. En este apartado me gustaría destacar la dardenniana Ruido de Ingride Santos, el drama sutil y profundo Tras el verano de Yolanda Centeno o el ejercicio aterrador de Sin él de Emilio Martínez-Borso.

16. CIUDAD SIN SUEÑO: Y, sobre todos ellos, Ciudad sin sueño, la puesta de largo de Guillermo Galoe volviendo al universo chabolista y flamenco que le diera el Goya a mejor cortometraje de ficción con Aunque es de noche, bordeando nuevamente un potente alegato con un ojo en lo reivindicativo y otro en lo documental.

17. DOCUMENTALES: Del extremo más ensimismado de Albert Serra con Tardes de soledad o del compromiso real en el fondo pero de manera trillada en la forma de Todos somos Gaza de Hernán Zin, nos podemos encontrar pequeñas joyas reivindicables y reivindicativas. En especial ejercicios cinéfilos y cinéfagos como Constelación Portabella de Claudio Zulian, Eloy de la Iglesia. Adicto al cine

de Gaizka Urresti y El último arrebato de Marta Medina y el productor Enrique López Lavigne.

18. MADRID EXT: Pero si uno destaca sobre todos es ese canto de amor a lo maravilloso y mundano de una ciudad tan maravillosa y mundana como Madrid. Madrid. Ext es el paseo visual y sonoro que Cavestany y Guille Galván de Vetusta Morla se pegan por un Madrid que, entre su pasado y su presente, vislumbra un futuro más incierto y más impersonal.

19. LAS SERIES: No ha sido un año tan espectacular como el anterior, pero tenemos donde rascar: en la tristeza divertida y sarcástica de Yakarta, en la imperfección desatada pero vibrante de Innato, la demasiado corta pero genial segunda temporada de Poquita fe, en la mala leche coetánea y clarificadora de Entrepreneurs o en la ya comentada Anatomía de un instante

20. CONCLUSIÓN: El cine español no está pasando por una crisis. La está pasando el mundo, así en general. Por lo tanto, siempre es grato asirnos a lo que conocemos o a lo que deberíamos conocer, a lo que nos rodea y de lo que formamos parte, y el 2025 nos ha dado motivos (yo he puesto 20 para no aburrir, pero podrían ser más) para acudir a las salas o para sentarnos en el sofá. A la espera de que caiga el meteorito o lo que tenga que caer.

LAS PELÍCULAS ESPAÑOLAS PARA 2026

COMO CADA AÑO EN NUESTRA PRIMERA EDICIÓN DEL AÑO, RUBIK HACE UN REPASO A LO QUE ESTÁ POR VENIR EN EL AÑO QUE EMPIEZA. CON UN CINE ESPAÑOL QUE MANTIENE UN MUY ALTO VOLUMEN DE PRODUCCIÓN, Y OBSERVANDO LO QUE SE ESPERA QUE PUEDA LANZARSE EN 2026, PARECE QUE HAY BUENAS EXPECTATIVAS PARA ENCONTRARNOS UNA COSECHA QUE, DE NUEVO, MEREZCA LA PENA. DEBIDO TAMBIÉN A ESA INGENTE CANTIDAD DE TÍTULOS, NO PODEMOS AQUÍ INFORMAR SOBRE TODOS LOS TÍTULOS DE INTERÉS, NI SIQUIERA MENCIONARLOS. DESGLOSO LAS PRODUCCIONES EN CUATRO GRANDES BLOQUES QUE SON EL DRAMA, LA COMEDIA, EL CINE DE GÉNERO Y EL CINE DE AUTOR. POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

CINE DE AUTOR

En la edición del año pasado ya incluimos algunos títulos que llegarán finalmente en este: El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, Forastera de Lucía Aleñar (estrenada en Toronto y Seminci pero no en cines), Historias del buen valle de José Luis Guerín (estrenada en San Sebastián), Sacamantecas de David Pérez Sañudo, Apuntes para una ficción consentida (estrenada en Seminci pero no en cines), Yo no moriré de amor de Marta Matute, Día de caza de Pedro Aguilera, Caro Nanni de Pablo Maqueda, Salen las lobas de Claudia Estrada, Anoche conquisté Tebas de Gabriel Azorín o La tierra negra de Alberto Morais. Pedro Almodóvar estrenará en marzo Amarga Navidad , su regreso al rodaje en

español tras su incursión en inglés con La habitación de al lado . Producida por El Deseo y distribuida por Warner Bros., en el elenco destacan Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo y Milena Smit, Ambientada en Madrid y Lanzarote, gira en torno a una directora de publicidad que atraviesa el duelo por la muerte de su madre y se refugia en el trabajo hasta que una crisis de pánico la obliga a parar. Uno de los proyectos más esperados es el regreso al largometraje de Javier Calvo y Javier Ambrossi con La bola negra, donde participan Movistar Plus+, Suma Content y El Deseo. Con un reparto en el que destacan Penélope Cruz, Glenn Close, Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau, la historia se desarrolla en tres momentos clave —1932, 1937 y 2017—

y narra las vidas interconectadas de tres hombres, vinculadas por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia.

Estrenada en Toronto y Seminci, aún no ha llegado a salas lo nuevo de Isabel Coixet, Tres adioses , coproducción hispano-italiana en la que participan Buenapinta, Bteam, Perdición y Apaches. Adaptación de la novela de Michela Murgia, Alba Rohrwacher y Elio Germano dan vida a una pareja que vive en Roma y se separa después de una discusión aparentemente trivial. Pero cuando Marta descubre que padece de una enfermedad, esta empieza a reconectar con los placeres que había dejado de disfrutar.

Tras causar la polémica con Tardes de soledad , no hay que esperar mucho para un nuevo trabajo de Albert Serra . Está

ultimando Out of this World , el debut en inglés del cineasta. Protagonizada por Riley Keough, F. Murray Abraham y Liza Yankovskaia, La trama sigue a una delegación estadounidense que viaja a Rusia en pleno conflicto de Ucrania para mediar en una disputa económica.

Miguel del Arco vuelve a presentar un largometraje, 9 años después de Las furias . Será con Los relatos , film de Aquí y Allí Films y Sideral protagonizado por Juan Diego Botto, Marta Etura y Ainara Elejalde. Trata sobre un hombre que, tras haber cumplido condena por el asesinato de su mujer, vuelve a su pueblo natal donde ocurrieron los hechos.

Seleccionado en Berlinale Panorama, Ian de la Rosa ( Farrucas ) estrena este año su debut en el largo, Ivan & Hadoum , con producción de Avalon, Pecado Films y Vayolet Films, en coproducción con Port au Prince (Alemania) y Saga Film (Bélgica). La historia se desarrolla en los invernaderos y desiertos de Almería, donde un hombre trans se enamora de su nueva compañera de trabajo.

El catalán Àlex Lora ( Unicornios, La gran obra ) nos traerá un nuevo largometraje

producido por Inicia Films y Scope Pictures: L’Escletxa . Protagonizada por Anna Alarcón, Maia Vila, Àlex Brendemühl y varios actores árabes, abordará un tema aún no tratado por nuestro cine: los atentados terroristas que tuvieron lugar en Barcelona y Cambrils.

Después de las buenas sensaciones que dejó con El arte de volver , Pedro Collantes prepara Más barato que robar , comedia negra con Sideral Cinema. Un español emigrado en París se gana la vida como conductor de Uber. En un trayecto ve una valla publicitaria en la que han utilizado una foto suya sin su permiso. Amenazando con demandar a la agencia, le ofrecen un nuevo trabajo que pondrá a prueba sus valores.

Aplaudido en el documental con La ciudad oculta y Edificio España , Víctor Moreno debuta en la ficción con El Exterior , producido por Womack Studios y KV Films. Rodada en Fuerteventura y en Gran Canaria, y protagonizada por Daniela Brown, narra la historia una astronauta que se adentra en un desierto como parte de un riguroso entrenamiento para futuras misiones espaciales.

Han pasado 9 años de su debut en el largo, Maus, pero Yayo Herrero vuelve con Fantástico mundo de mierda, un film absolutamente indie inspirado en vivencias de su madre, que es enfermera. El film es una crítica al sistema sanitario y sigue a una veterana enfermera y una becaria mientras visitan domicilios atendiendo a personas. No queremos dejar de apuntar la llegada de un nuevo trabajo de Fernando Franco tras Subsuelo. Se llama La luz y está protagonizado por Alberto San Juan y Pedro Casablanc. Probablemente se estrene este año porque está en postproducción pero no se sabe nada todavía del proyecto.

Otros títulos en clave arthouse que posiblemente lleguen este 2026 son Pájaro que agoniza (Diego Llorente), Lóngquán: El manantial del dragón (Adria Guxens), Una cabeza en la pared (Manuel Manrique), Esta soledad (Javier Giner), Oh Nora! (Aina Clotet), Driades (Miguel Eek), Azken Izpia (Juan Palacios), Te fuiste al alba (Pedro Sara Vila), Azken Agurra (Koldo Almandoz); Futura, la niebla (María Abenia); Woman Bites Dog (Armand Rovira) y Tres noches negras (Theo Court).

DRAMA

No vamos a entrar a dar detalles de dos títúlos dramáticos de los que ya hablamos el año pasado como Karateka de Aritz Moreno o Hermanos (La Gang) de Carol y Marina Rodríguez Colás.

El drama histórico Ruega por nosotras es lo nuevo de Daniel Monzón y, ambientada en 1974, es centra en la opresión del Patronato de Protección a la Mujer, una institución franquista encargada de internar a mujeres jóvenes consideradas ‘caídas’ o ‘en riesgo’. Coescrita por Jorge Guerricaechevarría y protagonizado por Zoe Bonafonte y Manuela Calle, es una producción de Arcadia Motion Pictures, en coproducción con la francesa Noodles Production, y la distribución en cines corre a cargo de Elastica.

Jorge Dorado (Mindscape, Objetos) puede ser uno de los nombres de este 2026 con Las vidas posibles de mi madre (antes conocida como Cuatro amores), una historia basada en la vida de su madre. Coescrito por Natxo López y Teresa de Pelegrí, este melodrama histórico está producido por Fasten Films, Vaca Films y Deal Productions. Una mujer tiene un accidente de tráfico y, mientras está en el hospital, sus hijos descubren las memorias que su madre dejó grabadas en viejas cintas de casete. Se dan cuenta de que es una mujer en busca de propósitos, amor y libertad que vivió una época muy oscura.

La ópera prima de Laura García Alonso, Corredora, puede ser otro de los dramas más relevantes del año. Protagonizada por Alba Sáez, Marina Salas y Àlex Brendemühl, esta producción de Distinto Films, Elastica Films (también distribuidora) y Dos Soles Media aborda la salud mental en el deporte de élite. Coescrita por Pol Cortecans, cuenta la historia de una atleta que, tras sufrir un brote psicótico, se ve obligada a abandonar temporalmente la alta competición.

Una de las apuestas de Netflix en 2026 es El niño, largometraje dirigido por Mariano Barroso a partir de la novela de Fernando Aramburu. Belén Cuesta y Karra Elejalde lideran el reparto de esta cinta que, inspirada

en hechos reales, cuenta la historia de la madre y el abuelo de uno de los niños fallecidos en la explosión de gas que tuvo lugar en un pueblo de Bizkaia en octubre de 1980.

Neus Ballús (La plaga, Seis días corrientes) es una cineasta a tener en cuenta y próximamente estrenará Cada uno de nosotros, cinta que codirige con Anne Zohra Berrached, Anna Jadowska y Stina Werenfels. La película está producida por Alhena Production, Bon Voyage Films, Blick Productions International y Turnus Films, y cuenta con un guion firmado por Eva Pauné, Mirjam Ziegler y las propias directoras. En el reparto figuran Diane Kruger, Carla Juri, Aida Folch y Ninel Geiger y se cuentan las historias de cuatro mujeres de diferentes nacionalidades y orígenes que luchan por

sobrevivir y mantener su humanidad en un campo de concentración nazi.

Escrita y dirigida por David Martín de los Santos (La vida era eso), Un hombre en un puente es una producción de Vértigo Films (también distribuidora), Icónica, LaNube y Suena Perú que protagonizan Roger Casamajor, Nidia Bermejo, Belén Cuesta, Font García y Juanfra Juárez. Narra la historia de un hombre de mediana edad que, sin tener a dónde ir, regresa a su pueblo natal en busca de refugio. Allí se reencuentra con figuras clave de su pasado pero, incapaz de encontrar su sitio, conoce una mujer que cambia su destino. Hace nada menos que 13 años del lanzamiento de A puerta fría, la anterior película de Xavi Puebla. El cineasta regresa con Femení singular, una producción de Loto Films y Gaia

Audiovisuals que protagonizan Vico Escorcia, Nora Navas y Antonio Dechent. El argumento gira en torno a una joven mexicana que trabaja como empleada doméstica en Barcelona y que se enfrenta a un sinfín de adversidades cuando su vida da un vuelco inesperado.

Mundo Cero Crea, Atresmedia Cine, A Contracorriente Films (también distribuidora), Arcadia Motion Pictures y Noodles Production producen Viaje al país de los blancos, película de Dani Sancho escrita por Guillem Clua que adapta la historia autobiográfica de Ousman Umar, divulgador y activista ghanés por los Derechos Humanos, quien se interpreta a sí mismo en su etapa adulta. Su libro es un bestseller que narra su migración desde Ghana hasta Europa en busca de un futuro mejor.

de la Peña (Sud Express, Shacky Carmine) regresa a la ficción con Días de agosto, una producción de ISII Group con Roberto Álamo, Pilar Castro y Maggie Civantos en su elenco. Ambientado en la temporada de verano en un pueblo costero, este drama romántico cuenta cómo la creciente tensión emocional entre los personajes contrasta con la aparente tranquilidad del lugar.

Otro de los proyectos que más curiosidad despiertan es Mägo de Oz. La película, el biopic sobre la icónica banda de folk metal. El uruguayo Álvaro Brechner (Mal día para pescar), a partir de un guion de Sofía Cuenca, dirige esta producción de El Sueño Eterno Pictures. Con un reparto que incluye a Adrián Lastra, Adrià Mondaray, Guillermo Furiase, Jorge López,

José Sospedra, Carlos Librado ‘Nene’ y Jon Arias, el film combina escenas de conciertos con momentos íntimos que reflejarán los desafíos y la evolución del grupo a lo largo de los años.

Otros dramas que también se estrenarán, posiblemente, en 2026 son La fiera (Salvador Calvo), Winnipeg, el barco de la esperanza (Elio Quiroga), Balandrau, viento salvaje (Fernando Trullols), Un hijo (Nacho La Casa), Te odiaré hasta que te quiera (Marcal Fores), Después de Kim (Ángeles González Sinde), Hugo 24 (Luc Knowles), Agrestes (Bárbara Farré), Marfil y Ébano (Óscar Pedraza), Hermanas (Ione Hernández), Caballé (Patricia Ortega), Todo lo que nunca fuimos (Jorge Alonso) y Dos días (Gonzaga Manso).

COMEDIA

El año pasado ya hablamos de un título que, finalmente, se estrenará en este: Aida y vuelta de Paco León

Raro será que la comedia de más impacto, al menos a nivel de taquilla, no sea Torrente Presidente, el regreso del popularísimo personaje creado e interpretado por Santiago Segura. Han pasado 12 años de la quinta entrega, Torrente 5: Operación Eurovegas, pero aunque se sabe la inminente fecha de estreno del 13 de marzo, el secretismo es total y no sabemos nada del argumento de la producción de Amiguetes Entertainment y Atresmedia Cine.

Acaba de anunciarse que Altas Capacidades estará en la Sección Oficial del Festival de Málaga. Es el nuevo film Víctor García León (Selfie, Los europeos), escrita por Borja Cobeaga y él, y que Bteam estrenará el 27 de marzo. Protagonizada por Marián Álvarez e Israel Elejalde, es una

producción de Buenapinta Media, Sayaka Producciones, Colosé Producciones y Think Studio, en coproducción con Cimarrón. Una pareja de clase media matricula a su hijo en un colegio laico de élite, que reflejan unas aspiraciones que se enfrentan a su principios morales.

Arantxa Echevarría,que viene del éxito de La infiltrada, se adentra con Cada día nace un listo en una comedia negra o thriller satírico producida por Atresmedia Cine y LAZONA con distribución de A Contracorriente Films. Protagonizada por Hugo Silva, Susi Sánchez, Dafne Fernández, Jaime Olías, Ginés García Millán y Diego Anido, la historia sigue a un hombre que alcanzó la fama cuando participó en un exitoso talent show. Ahora no tiene donde caerse muerto. Su situación cambia cuando un amor del pasado le pone en contacto con el hijo de un rico empresario para que robe un valioso cuadro de la casa familiar.

Carlos Therón (Lo dejo cuando quiera, Es por tu bien) puede volver a conseguir un

éxito de taquilla con La maleta, comedia de acción a contrarreloj producida por Telecinco Cinema y Zeta Cinema y con distribución de Universal. Basada en una idea original de Diego San José, está protagonizada por Lucía Caraballo, Alejandro Speitzer, Leonor Watling, David Lorente y Víctor Clavijo. Dos jóvenes que se conocen en un avión son perseguidos por una peligrosa banda que intenta recuperar la maleta equivocada.

Una cineasta con gran histórico de taquilla en España es María Ripoll y en este 2026 tiene nueva producción: El fantasma de mi mujer. Producida por Mediacrest y Ciudadano Ciskul, tiene un guion de Germán Aparicio, Araceli Álvarez de Sotomayor y Olga Iglesias, y un cast encabezado por Javier Rey, Loreto Mauleón y María Hervás. El argumento gira en torno a una llamada de Julia, amante de Fernando, que ha atropellado a su mujer, María. Se deshacen del cadáver pero al cabo de unas horas, Fernando recibe una

llamada de María. A partir de ahí, cree escuchar e incluso ver a su mujer a todas horas.

Otro nombre importante es Javier Fesser, que prepara Perfectos conocidos, spin-off de Perfectos desconocidos que retoma a los personajes de Antonio y Ana, interpretados por Ernesto Alterio y Juana Acosta. El proyecto de Telecinco Cinema, Nadie es Perfecto PC y Películas Pendelton explorará las dinámicas familiares y los secretos ocultos en un contexto marcado por la amenaza de una catástrofe natural.

José Mota debuta como director con la comedia dramática Arriba Tutto , una historia sobre las heridas de la infancia y el poder sanador de la risa. La cinta, una producción de La Terraza Films, Nueva Línea Producciones, Malas Calles Films y la italiana Lupin Film, llegará a los cines de la mano de A Contracorriente Films. Participan Karra Elejalde, Olivia Molina, Diego Anido, Mila Borrás, Luciano Scarpa y Eugenio Barona.

Otra comedia que hay que destacar es Laponia, lo nuevo de David Serrano (Días de fútbol, Voy a pasármelo bien). Esta producción de The Mediapro Studio está basada en la obra de teatro homónima y se ambienta en navidades que se convierten en una batalla campal cuando una hija le dice a su primo que Papá Noel no existe y se lo han inventado los padres para manipular a sus hijos.

Obviamente, es imposible reducir a pocos títulos la oferta de cine español en un género como la comedia. También se esperan otros títulos de humor como El profesor (Daniel Castro), 2+2 (Gracia Querejeta), La familia Benetón 2 (Joaquín Mazón), Cataratas (Violeta Salama), Burundanga (Jose Corbacho), El día en que Ewan McGregor me presentó a sus padres (Marta Puig / Lyona), Morir no siempre sale bien (Claudia Pinto), A una isla de ti (Alexis Morante), Tres de más (Mar Olid), Todos los colores (Beatriz de Silva), Ni contigo ni sin mí (María Ruiz), María Martínez Ruiz no puede volver (Oscar Bernacer) y Al final todo va a estar bien (Nestor Ruiz Medina).

En la edición anterior ya hablamos de películas en este ámbito como Ídolos de Mat Whitecross, Cortafuego de David Victori, Las mantis de Dídac Gimeno, Cinco minutos más de Javier Ruiz Caldera y Cuántica Rave de Paco Campano. Tampoco incluimos aquí información sobre el tercer largometraje de Carlota Pereda, The Edge of Normal, al ser un film estadounidense.

El mismo año que Àlex Lora estrenará L’Escletxa llegará Cronos, película de

Fernando González Molina producida por Nostromo y Beta Fiction. En este caso es un thriller dramático escrito por Alberto Marini que revive las 124 horas posteriores al atentado de las Ramblas en 2017, y que se basa en una investigación coordinada junto a los periodistas Nacho Carretero y Arturo Lezcano.

Álex de la Iglesia ha rodado para Netflix la película La cuidadora, donde colabora con Carmen Maura doce años después. El film también cuenta con Blanca Suárez, Marta Hazas, Asier Etxeandia y David Comrie.

Una viuda de 80 años, tras un accidente doméstico, necesita ayuda en casa. Su hija decide contratar a una asistenta, pero su madre rechaza a todas las candidatas, hasta que aparece una aparentemente perfecta pero que guarda un secreto.

La primera gran producción de ISII Group, Trinidad, también llegará próximamente, con un elenco liderado por Gabriela Andrada, Paz Vega y Karla Sofía Gascón. Este western de 14 millones de euros está dirigido por Laura Alvea y José Ortuño. Ambientada a finales del siglo XIX, una joven española llega

Heras / Cortesía de ISII Group

al Salvaje Oeste acompañada de su madre y de su hermana huyendo de la justicia. Allí descubre su habilidad innata con las armas, un talento que le permite sostener a su familia, pero que también la convierte en blanco de prejuicios y enemigos.

Fonte Films presenta este año Zeta, un thriller de acción escrito por Oriol Paulo, Jordi Vallejo y Dani de la Torre, dirigido por este último y que protagoniza Mario Casas, Mariela Garriga, Luis Zahera y Nora Navas. El argumento gira en torno a cuatro exoficiales de inteligencia españoles que

THRILLER , TERROR Y CINE DE GÉNERO

son asesinados al mismo tiempo en distintas embajadas del mundo. El CNI descubre que todos participaron hace 35 años en la oculta Operación Ciénaga, que ocurrió en Colombia. El largometraje se estrenará en exclusiva en Prime Video en marzo.

En lo que se refiere a aventuras, los ojos están puestos en el largometraje de animación Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa, la cuarta entrega del popular arqueólogo. Vuelve a estar dirigida por Enrique Gato y será distribuida por Paramount el 26 de agosto. La nueva historia de la producción de Telecinco Cinema, Lightbox Animation Studios, Ikiru Films y Anangu Grup estará marcada por los viajes en el tiempo. Otro thriller que debería estrenarse ya en 2026 es Sigma, nuevo trabajo de Daniel Benmayor. Producida por Dbenma Content y Harold Entertainment, con Alicia Armenteros, Mia Sala Patau y Nicolas Giraud en los papeles principales, sigue a una joven diplomática que, durante su primera noche como jefa de guardia, recibe una llamada de una estudiante en Suiza que lleva hacia redes internacionales de prostitución.

Gabe Ibáñez estrenará para Netfix el thriller La desconocida, film con Candela Peña, Pol López y Ana Rujas ambientado en Barcelona y Algeciras. Adaptación de una novela de Rosa Montero y Olivier Truc, se centra en la investigación de un doble intento de asesinato de una mujer que se encuentra amordazada, maniatada y sin memoria.

La ópera prima de Alicia Albares, La mala madre, es un thriller de terror producido por Admirable Films y Mordisco Films que se ha rodado en localizaciones valencianas de los municipios de Moncada, Paterna y

Serra. Una mujer se despierta sin memoria en una casa, acompañada por un misterioso médico y su madre. Una presencia fantasmal la atormentará para llevarla a averiguar más cosas de quién es y de su pasado.

Otro debut será el de Daniel Romero, un habitual en el cortometraje de terror. Lo hace con Las hijas, un film con guion de Asier Guerricaechebarría y del propio director que se ha grabado en Bizkaia y cuyo reparto encabezan Yune Noguerias, Jone Laspiur, Edurne Azkarate y Karra Elejalde. Es un thriller psicológico sobre el secuestro de una chica de 20 años que, tras unas noche de fiesta, despierta en una casa en medio del bosque en la que viven otras tres jóvenes.

Por último, destacamos cine de terror con Miguel Ángel Lamata, La ahorcada, cinta que Filmax estrena en abril. Protagonizada por Amaia Salamanca y Eduardo Noriega, esta producción de Bemybaby Films e Imposible Films versa sobre una cantautora que se suicida en el jardín deñ hombre al que amaba y que la trató como un mero objeto sexual. Su fantasma se queda en la mansión de él, dispuesta a darle una lección.

También habrá que estar pendientes de otros largometrajes en cine de género, como Dante de noche (Hugo Ruiz), MuKi-Ra (Estefanía Piñeres), Apocalipsis Z: Parte II (Carles Torrens), Evolution (Julio Soto), Las ciegas hormigas (Igor Legarreta), Lucidez (Gonzalo Bendala), El nido (Hugo Stuven), Mallorca Confidencial (David Ilundain), Superthings (Víctor Monigote), Monstro (Andrés Goteira), Amor para adultos (Fernando Izquierdo), En l’eixam (Oscar Bernacer), Perfectos mentirosos (Jesús Colmenar), Tarántula (Tirso Calero) y La ventana abierta (Ana Graciani).

LAS SERIES ESPAÑOLAS QUE SE ESTRENARÁN EN 2026: LA FICCIÓN ESPAÑOLA EN PLENO AUGE

EL 2026 APUNTA A SER UNO DE LOS AÑOS MÁS ACTIVOS PARA LA FICCIÓN ESPAÑOLA SERIADA, CON MÁS DE 60 ESTRENOS CONFIRMADOS. LA DIVERSIDAD DE GÉNEROS Y FORMATOS PROMETE UNA TEMPORADA CARGADA DE NUEVAS HISTORIAS Y DE NUEVAS TEMPORADAS MUY ESPERADAS POR EL PÚBLICO.

El thriller y el drama continúan siendo los géneros preferidos por productores, aunque el 2026 también traerá historias inspiradas en hechos reales, narrativas que mezclan el humor con el suspense, retratos sociales de barrios y familias, así como ficciones que incorporan elementos de fantasía o exploraciones psicológicas.

A continuación, mostramos algunos de los títulos ya anunciados para su estreno a lo largo del 2026, divididos según la plataforma o cadena que las acogerá.

MOVISTAR PLUS+

Matar a un oso, creada por los hermanos Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, muestra en la historia inspirada en la muerte del oso Cachou en el Valle de Arán durante el confinamiento. El reparto cuenta con Eduard Fernández, María Rodríguez Soto y Miki Esparbé.

Creada y dirigida por Nacho G. Velilla, Por cien millones es una miniserie que narra el secuestro en 1981 del futbolista Quini por tres

mecánicos desesperados. Una apuesta que combina comedia y drama, que protagonizan Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara, y que produce Felicitas Media.

Victoria Martín, Sandra Romero y Nacho Pardo crean, guionizan y dirigen Se tiene que morir mucha gente, donde Ana Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr se ponen en la piel de tres antiguas compañeras de colegio y su amistad ahora, tantos años después. Produce Corte y Confección.

Yo siempre a veces, una creación de Marta Bassols y Marta Loza producida por Suma Content, retrata con humor la vida cotidiana de una madre soltera en Barcelona. El reparto está encabezado por Ana Boga, David Menéndez y Paco Tous.

Pepe Coira y Fran Araújo presentan Ardora, un thriller judicial que sigue a una abogada del turno de oficio en A Coruña enfrentada a un caso que sacude la ciudad, explorando poder, prejuicios y justicia. El reparto incluye a Carolina Yuste y Javier Gutiérrez.

El castillo, una producción de Caballo Films y Mafalda Entertainment, se adentra

en el funcionamiento del negocio de la trata de blancas. Creada por Isabel Peña y basada en el libro El proxeneta de Mabel Lozano, la protagonizan Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso y Laia Marull. La plataforma también traerá la segunda temporada de Celeste, la tercera de El Inmortal y ya ha estrenado Marbella Expediente judicial.

AMAZON PRIME VIDEO

Otra segunda parte muy esperada es Reina Roja 2: Loba negra, que retoma la saga de Antonia Scott, creada a partir de los libros de Juan Gómez-Jurado. Esta segunda temporada sitúa a Antonia y Jon en un peligroso entramado criminal de la mafia rusa en la Costa del Sol, mientras la asesina a sueldo Loba Negra pone a prueba su inteligencia y su relación.

Day One, thriller tecnológico protagonizado por Álex González, Alba Planas, Asier Etxeandía y Jordi Mollà, sigue a Ulises, un prodigio informático que debe enfrentarse a su pasado y a los peligros

de la tecnología durante el Mobile World Congress en Barcelona. Produce Zebra, NewCoAudiovisual y Documentales de Canarias.

Creada por Carlos del Hoyo e Irene Bohoyo y producida por Os lo dije, Cochinas es una comedia dramática sobre empoderamiento femenino y descubrimiento sexual, ambientada en un videoclub porno de Valladolid en 1998.

Vida Perra, comedia satírica producida por Mediaset y Dynamo, retrata las relaciones entre vecinos de Madrid en el contexto de un parque canino. Carlos Areces, Ana Morgade y Fernando Tejero encabezan el reparto.

Una de las comedias más veteranas del país, La que se avecina, estrena su temporada número 17. Creada y producida por Alberto y Laura Caballero, continúa la longeva comedia sobre los vecinos de Montepinar.

La plataforma también estrenará la segunda temporada de Su Majestad y de Punto Nemo

NETFLIX

Cortafuego es un thriller psicológico dirigido por David Victori y protagonizado por Belén Cuesta, Joaquín Furriel, Enric Auquer y Diana Gómez. Producida por Espotlight Media, es la historia de Mara y su familia, cuando una visita a una casa

de verano se convierte en una pesadilla al desaparecer su hija en plena alerta por un incendio forestal.

Alea Media produce Salvador, creada por Aitor Gabilondo y protagonizada por Luis Tosar y Claudia Salas. La trama gira en torno a un padre que se infiltra en un grupo neonazi para rescatar a su hija.

Como parte de otros formatos, la plataforma trae la miniserie El problema final, producida por MOD. Basada en la novela de Arturo Pérez-Reverte, se ambienta en 1959, cuando trece personas quedan aisladas en un islote cerca de Mallorca y, tras la muerte de una turista, Basil, un actor retirado que interpretó a Sherlock Holmes, debe investigar el caso.

Mi querida señorita es el remake de la película homónima de 1972. Dirigido por Fernando González Molina y producido por los Javis, con Elisabeth Martínez como protagonista. La serie aborda la realidad intersexual y la diversidad de cuerpos.

En el círculo del asesino cuenta con Belén Rueda, Gabriela Andrada y Catalina Sopelana como protagonistas y Morena Films como productora. La trama sigue a una periodista que reconstruye para un podcast el caso del primer asesino en serie de España

Bambú Producciones produce El crimen de Pazos , una miniserie con Tristán Ulloa, Miguel Borines y Verónica Sánchez en el reparto. La historia se centra en un violento ataque a Irene y el intento del sargento Elías por descubrir la verdad.

Gracias, equipo , la comedia producida por Zeta Studios y protagonizada por Alexandra Jiménez, Maribel Verdú, Pedro Casablanc y Raúl Tejón, retrata con humor negro las dinámicas laborales y los ejercicios de team building de una empresa quesera que organiza un retiro rural.

Toda la verdad de mis mentiras es una miniserie basada en la novela de Elísabet Benavent. Producida por Plano a Plano, sigue a dos amigos cuya escapada para una despedida de soltera se transforma en un thriller lleno de secretos, tensiones y misterios.

Los secretos de la cortesana , serie histórica y romántica producida por Zeta Studios y protagonizada por Carla Campra y Carlos Cuevas, se centra en la historia de amor entre la hija de un pintor de la corte y el príncipe heredero.

La miniserie El mapa de los anhelos, basada en la novela de Alice Kellen, cuenta la historia de Greta, que tras la muerte de su hermana Lucy recibe un extraño juego llamado “El mapa de los anhelos”. Producida por Brutal Media, está protagonizada por Alicia Falcó, Pablo Álvarez y Georgina Amorós.

También basada en una novela, en este caso de Gillian McAllister, en That Night Elena atropella a un hombre y debe decidir junto a sus hermanas cómo afrontar el accidente. Clara Galle, Claudia Salas y Paula Usero lideran el elenco de esta producción de Txintxua Films.

Oasis se perfila como una serie juvenil y thriller producida por Bambú Producciones y protagonizada por Ana Garcés, Tomy Aguilera, Victoria Kantch y Berta Castañé. La serie se ambienta en un resort de

lujo donde una desaparición desata sospechas y tensiones entre los huéspedes y empleados.

Berlín y la dama del armiño (segunda temporada de Berlín ), protagonizada por Pedro Alonso, Michelle Jenner e Inma Cuesta, se centra en una trama de engaños y chantajes con el objetivo de dejar sin blanca al Duque y la Duquesa de Málaga.

Contubernio nos trae la cuarta temporada de Muertos SL y ya ha estrenado la cuarta de Machos Alfa

ATRESPLAYER

Producida por Buendía Estudios Canarias y Diagonal, y basada en la tercera parte de la trilogía La novia gitana de Carmen Mola, La Nena , sigue a la

BAC tras los sucesos de La Red Púrpura , con Elena Blanco alejada de su trabajo y Chesca buscando venganza.

Padre no hay más que uno da un salto desde la gran pantalla con su adaptación televisiva. Esta comedia familiar sigue las desventuras de Mateo, Helena y sus cinco hijos cuando una mudanza cambia sus rutinas. Poco después de su estreno en Atresplayer, también llegará a Prime Video.

Inspirada en la fuga real de dos presos de Lleida, 33 días recrea la búsqueda por parte de los Mossos d’Esquadra tras la huída de los reos. Producida por Luminol Media, Goroka y Lastor Media, protagonizan la serie José Manuel Poga y Julián Villagrán.

La reconocida serie El tiempo entre costuras vuelve ahora con Sira, una continuación de la historia donde Adriana Ugarte vuelve a interpretar a Sira Quiroga, que ahora se enfrenta a nuevas misiones de espionaje y secretos mientras intenta proteger a su hijo y reinventar su vida ahora que ha terminado la Segunda Guerra Mundial.

Rafaela y su loco mundo, una comedia surrealista de Estela Films, Pólvora Films, Boomerang TV y Tenampa Films basada en el libro de Aníbal Gómez, sigue a la adolescente Rafaela y sus amigas enfrentándose a situaciones absurdas y delirantes mientras maduran y tratan de “salvar el mundo” antes de dejar la adolescencia.

Ambientada en los años 70 en un pueblo pesquero, A la deriva muestra el regreso inesperado de cinco marineros tras

un naufragio. Protagonizada por Paula Echevarría, Daniel Grao y Michel Noher, la serie está producida por Buendía Estudios Canarias y Boomerang TV.

Ágata y Lola es un procedimental policial de Portocabo centrado en la inusual pero efectiva alianza entre una inspectora y una documentalista con autismo para resolver crímenes en Vigo. Protagonizada por Eva Martín y Mireia Oriol, la serie está dirigida por María Togares y Oriol Ferrer.

Toni Acosta protagoniza Trazos ocultos, un domestic noir de Buendía Estudios Canarias que explora cómo una mentira puede desestabilizar la vida aparentemente perfecta de una restauradora al descubrir sospechosos comportamientos de su marido.

La continuación de la famosa Física o Química tendrá una segunda temporada con FoQ. La Nueva Generación T2 , de la que aún se sabe muy poco. También tendrá una segunda temporada Entre tierras y ¿A qué estás esperando?, además de Renata & Nicole retoma la historia de Eva & Nicole

HBO MAX

Ravalear, dirigida por Pol Rodríguez e Isaki Lacuesta, se estrenará en Max, con posterior emisión en 3Cat. La ficción de Arcadia y Supernova, inspirada en la historia familiar de Pol Rodríguez y que se verá en Berlinale, nos habla de Can Mosques, un restaurante familiar histórico del Raval amenazado por un fondo de inversión.

También con posterior emisión en 3Cat, In vitro se centra en Blanca, una embrióloga que trabaja en una clínica de fertilidad en Barcelona, y explora con humor y sensibilidad los dilemas éticos, emocio-nales y sociales de la reproducción asistida. Producen Moiré Films y Rodar & Rodar.

La segunda temporada de Furia volverá con Félix Sabroso de nuevo como creador y director y una propuesta con un reparto renovado. La primera temporada de la serie llegó a ser la tercera más vista de la plataforma en España, solo por detrás de La casa del dragón y The Last of Us

RTVE

Producida por Secuoya Studios, Los 39 narra la historia real de los 39 hombres que Cristóbal Colón abandonó en La Española en 1492 con Hugo Silva, Pablo Derqui y Daniel Grao como potagonistas.

Barrio Esperanza, producida por Globomedia, es una comedia social que sigue a Esperanza, una mujer que tras pasar por la prisión obtiene una segunda oportunidad como maestra en un colegio público, enfrentándose al juicio de la sociedad y al reto de transformar vidas.

DISNEY

Producida por LaZona, Si es martes, es asesinato es una comedia policíaca sobre un grupo de turistas españoles que se ven involucrados en la investigación de un

misterioso asesinato durante su viaje. La serie está protagonizada por Álex García, Inma Cuesta, Ana Wagener y Pedro Casablanc.

Olivia, producida por Womack Studios y Studio 60, es una serie familiar donde Mario Rey (Pablo Chiapella) y su hija Olivia (María Schwinning) se reencuentran con el padre de él, Tomás (Nancho Novo), en un olivar tras treinta años separados.

FILMIN

Millennial Mal narra la historia de Judith, una bibliotecaria de 42 años que debe volver a la universidad para cobrar una beca obtenida por error burocrático. Creada por Lorena Iglesias y Andrea Jaurrieta, el reparto incluye a Vito Sanz e Isa Calderón.

Segunda temporada , dirigida por Miguel Ángel Blanca y Berta Prieto, es un spin-off espiritual de Autodefensa que explora la transición de la generación Z hacia la madurez con humor y crítica social.

MEDIASET

Marusía. Vientos de Honor se desarrolla en la Escuela Naval Militar de Marín. Producida por Unicorn y CTV, y protagonizada por Lucía Jiménez y Alfonso Bassave, la trama se centra en Teresa Ibarra y el teniente coronel Jorge Carvajal mientras investigan la muerte de una alumna.

Rodaje de Sira © Atresmedia

Pura Sangre explora los secretos y tensiones de una familia aristócrata dedicada a la cría de caballos en La Galana, cuya estabilidad se ve amenazada cuando un semental y varios potros mueren envenenados. La serie de Shine Iberia está protagonizada por Ángela Molina, Pep Munné, Amaia Salamanca y Aitor Luna.

SKYSHOWTIME

El homenaje es un thriller creado y dirigido por Sergio Cánovas, con producción ejecutiva de Cánovas y Elsa Pataky. Producida por Secuoya Studios y Stellarmedia, la historia se centra en Adolfo Novak, patriarca de una poderosa familia, cuya fiesta de 80 cumpleaños desvela secretos ocultos durante décadas.

3CAT

Lía trata la inteligencia artificial de una manera que busca incentivar vocaciones científicas entre el público femenino. Producida por Aguacate & Calabaza Films, la serie trata sobre cuatro científicas que trabajan con Lia, un programa pionero en IA.

Génesis se basa en hechos reales y cuenta cómo Ferrán Adriá llegó a

situar la cocina catalana como referente mundial. La coproducción de 3Cat con Minoria Absoluta y Fishcorb Media nace con una marcada ambición por mostrar la gastronomía y la creatividad catalana en el mundo.

Departament Amades, ficción de El Terrat, presenta a un grupo de funcionarios que se encargan de preservar y controlar a los seres mitológicos de la memoria popular catalana. Inspirada en el espíritu recopilador y observador de Joan Amades, la comedia tiene formato de falso documental y construye un universo propio en el que tradición y presente dialogan constantemente.

EITB

Odol Ilargia (Luna de sangre), una producción de Baleuko, es un thriller con elementos fantásticos que se basa en la novela Cuando reescribamos la historia de Belén Martínez y que trata el trauma de un grupo de amigos tras el aparente suicidio de uno de ellos.

Dirigida por Amancay Gaztañaga y Xanti Rodriguez y producida por Ospel Films, Piztiak combina thriller fantástico y drama rural en torno a un secreto familiar ligado a un caserío heredado por la protagonista.

Tamara ta Mara es una comedia producida por Begira Produkzioak y dirigida por Ane Rotaetxe que sitúa a dos jóvenes actrices en un casting que reabre conflictos del pasado.

TVG

Pensión incompleta se presentó en la pasada edición del FesTVal como la primera ficción rodada de forma íntegra en los cuatro idiomas oficiales en España: castellano, catalán, euskera y gallego. Producida por Voz Audiovisual en colaboración con EITB, 3Cat y TVG, el argumento se estructura como una especie de road movie que recorre la geografía española y sus distintas realidades lingüísticas al seguir a un grupo de viajeros del IMSERSO que se ven envueltos en una inesperada trama de desaparición de obras de arte.

TV CANARIA

David Sainz dirige El ambulatorio, una nueva sitcom que combina humor costumbrista, carácter isleño y un reparto protagonizado por Carmen Ruiz y compuesto mayoritariamente por intérpretes locales.

LA CÁMARA DE CINE FUJIFILM GFX ETERNA 55, LA GRAN APUESTA DE LA COMPAÑÍA

LA HOUSE OF PHOTOGRAPHY DE BARCELONA FUE EL LUGAR ELEGIDO POR FUJIFILM EN ENERO PARA PRESENTAR OFICIALMENTE SU NUEVO BUQUE INSIGNIA, LA GFX ETERNA 55, UNA CÁMARA DE CINE PARA COMPETIR CON LAS MEJORES DEL MERCADO. LA REVISTA RUBIK ACUDIÓ AL EVENTO PARA CONOCER LOS DETALLES DE ESTE MODELO CON SENSOR DE GRAN FORMATO —EL DE MAYOR RESOLUCIÓN VERTICAL— Y QUE LLEVA LA EXPERIENCIA DEL FABRICANTE EN LENTES Y PELÍCULAS A LAS CÁMARAS DE CINE.

En torno a 50 profesionales del sector audiovisual y de la fotografía acudieron a este encuentro para conocer de primera mano las prestaciones técnicas y creativas de la Fujifilm GFX Eterna 55

“El taller práctico celebrado durante el evento ha sido un éxito, se ha reflejado en el interés que ha despertado la cámara entre los asistentes. Muchos de ellos han manifestado su entusiasmo por probar la GFX Eterna 55 en distintos tipos de proyectos y explorar sus posibilidades en el

ámbito de la producción cinematográfica, las entrevistas y los documentales”, asegura Santiago Sanz , responsable Optical Devices & Business Solutions Manager en Fujifilm España.

Antes de que entremos en la presentación, hay que subrayar cuáles son las características principales de la Fujifilm GFX Eterna 55, un modelo liviano de aproximadamente 2kg. Lo que más sobresale es su sensor de gran formato con tamaño de 43,8 mm x 32,9 mm, que es aproximadamente un tamaño 1,7 veces más grande que Full Frame. Tiene

una diagonal de 55 mm, que es la que da nombre al producto.

Ofrece más de 14 pasos de rango dinámico y amplia gama cromática (F-Log2 C / F-Gamut C), además de proporcionar 10 tipos de LUTs que simulan las icónicas emulsiones de Fujifilm.

La Fujifilm GFX Eterna 55 tiene ISO de Doble Base (ISO 800 / ISO 3.200) para gradaciones tonales suaves y minimizar el nivel de ruido.

Incorpora un filtro ND variable electrónico integrado, con un rango de ND0.6 a 2.1, ofreciendo hasta siete pasos

de reducción de luz, y admite grabación Open Gate en formato 4:3, aprovechando al máximo la amplia superficie de imagen de su sensor de gran formato.

Además de ser compatible con los objetivos FUJINON GF y Premista, la Fujifilm GFX Eterna 55 también permite la grabación 8K/4K DCI con objetivos

PL estándar compatibles con formato de 35 mm. Asimismo, es compatible con objetivos anamórficos y con ópticas para formato Super 35.

Podemos poner el acento, asimismo, en su monitor dual lateral, con pantallas LCD independientes de 3,0 pulgadas en ambos lados del cuerpo, y en que permite realizar un cambio en caliente de la batería V-Mount sin interrumpir la alimentación durante el rodaje.

EL SENSOR ES EL MÁS ALTO DEL MERCADO EN UNA CÁMARA CINEMATOGRÁFICA”

José Márquez, responsable de producto en Fujifilm , fue el maestro de ceremonias de la presentación. Destacó que el acto contó con la colaboración de Nanlite y Atomos, quienes ayudaron con algunos accesorios.

Márquez empezó recordando la Historia de Fujifilm, donde se incluye un negativo llamado Eterna: “La respuesta de color de la cámara, en ciertos ajustes, os recordará a cómo se comportaba esta película”.

Lo más destacable de esta cámara es el gran sensor que tiene, de 43,8 mm x 32,9 mm, según señaló el Product Manager: “Hay que destacar la experiencia de Fujifilm en la gestión del color en el cine, tanto con las películas como con las ópticas”.

Una de las ventajas de un sensor de gran tamaño es la gestión del color y del espacio de trabajo. “Estamos en un estándar cinematográfico”, apuntó Márquez, que recordó que tiene

“simulaciones de película y de LUTs para poder editar adecuadamente en postproducción”.

“Podemos presumir y afirmar que este sensor es el más alto del mercado en una cámara cinematográfica, con 32,9 milímetros. Para hacer una grabación Open Gate tiene unas ciertas ventajas, como por ejemplo utilizar ópticas anamórficas con un factor de 2 y podemos conseguir una amplitud y una resolución incluso más ancha que un IMAX. Esto es algo muy interesante con una cámara de un precio bastante más contenido de lo que sería una cámara de este tipo. Todo ello siempre y cuando usemos las ópticas adecuadas para cubrir todo el espacio del sensor de 4:3”, explicó el representante de Fujifilm.

La versatilidad de la cámara es otro de los aspectos que remarcó: “Podemos usar una gran cantidad de lentes disponibles, puesto que el sensor está muy cerca de la montura y se pueden usar adaptadores de todo tipo para lentes antiguas y modernas. Creativamente, tenemos muchas opciones para usarlas como convenga”. En general, “lo interesante es que con una sola cámara podemos trabajar una gran cantidad de formatos diferentes”.

Márquez consideró importante la incorporación de un filtro ND interno electrónico y variable que se puede cambiar de forma progresiva, hasta siete pasos de diferencia, y que tiene una sensibilidad base dual (ISO 800 y 3.200), lo que “hace incrementar notablemente el rango dinámico” y “podemos trabajar luces y sombras de manera separada como ISO base”.

En cuanto a la grabación, afirmó Márquez, “internamente podemos llegar a conseguir un Apple ProRes de 10 bits o podemos grabar en logarítmico”. Todo esto con una tarjeta adecuada, una CFexpress, y después en la tarjeta SD “también se puede grabar pero grabaríamos los proxies”. Externamente, “ya sea por la salida SDI o HDMI, podemos grabar en RAW tanto ProRes como Blackmagic”.

La montura es GF, pero con la cámara viene también un adaptador a PL que, según manifestó Márquez, “no solo se encaja en la montura, sino que también se puede llegar a atornillar al cuerpo, con lo cual podemos convertir la cámara en una cámara de montura PL y que sea totalmente robusta”.

Hay cuestiones prácticas de la Fujifilm GFX Eterna 55 que también son interesantes. “La cámara incorpora un monitor espejo, uno a cada lado, para poder operar la cámara desde ambos lados sin tener que molestarse o operarla entre dos personas y poder ver exactamente lo mismo en los dos lados”, recalca Márquez.

LAS OPINIONES DEL DOP

JUAN A. FERNÁNDEZ AEC

El director de fotografía protagonizó la charla ‘Producción cinematográfica digital con sensor de gran formato’, en la que dio sus opiniones, su feedback y su experiencia probando la cámara y los sensores de gran formato.

El DoP destacó que la particularidad de esta cámara es el sensor: “Poder aplicarlo a cinematografía nos abre un montón de puertas, herramientas nuevas que hasta ahora no habíamos tenido, o por lo menos no en un empaquetado tan compacto y tan asequible”.

El sensor también tiene otra ventaja, aparte del tamaño, y es que tiene una resolución “bestial”, según Fernández: “Es finísima la resolución que tiene y esto lo que permite es poder hacer cosas con mucho detalle, con una definición que es importantísima, por ejemplo, para efectos especiales”.

Según añade, “el sensor no es que sea el más grande, es el más alto de todos, no hay nada parecido en cuanto a resolución vertical”. “Depende de qué recorte o formato estés rodando, pues es una ventaja o desventaja. Utilizando el Open Gate, nos da la facilidad de poder usar cualquier óptica”, comentó el DoP.

También con el gran formato, además de la resolución, se puede conseguir un desenfoque mucho más rápido proporcionalmente. Fernández valora cómo puede afectar esto: “Esto obviamente es algo que tenemos que decidir si está jugando a nuestro favor o en contra. Por ejemplo, es muy útil trabajando en interiores cuando tienes un decorado no muy bien terminado o que no ha dado tiempo de terminar muy bien”.

“Otra cosa que da el sensor grande, aunque como director de fotografía yo

estoy en contra, pero es una realidad, es que permite hacer una recomposición en postproducción. Con la resolución de la cámara en combinación con ópticas buenas, te puedes dar el lujo de hacerlo sin tener esa amplificación del píxel aparente”, explicó el miembro de AEC.

“Subí el ISO a 64.000 y me sorprendió muchísimo el ruido tan bajo, y además es bastante orgánico. Con una mínima limpieza, podrías quitarles el ruido, si quisieras”

Juan A. Fernández

También le ha llamado la atención el ruido o, mejor dicho, su ausencia: “Me propuse empujar el ISO a tope y subí hasta 64.000 y la verdad es que me sorprendió muchísimo el ruido tan bajo, y además es bastante orgánico. Con una mínima limpieza, podrías quitarles el ruido, si quisieras”.

Por último, queremos reseñar que Fernández también puso en valor la portabilidad: “La combinación de la cámara, esta óptica (Fujinon GF 32-90mmT3.5 PZ OIS WR), la batería y todo lo que puedo necesitar, incluso un monitor externo, lo puedes meter en una maleta pequeña y viajar con ella sin necesidad de facturar. Es súper portátil”.

LA TAQUILLA ESPAÑOLA EN 2025: LA ERA DEL ESTANCAMIENTO Y LA CONCENTRACIÓN

AUNQUE EN SENTIDO INVERSO A LA DISTRIBUCIÓN DE LA TAQUILLA EN 2024, DE NUEVO ASISTIMOS A UN SEMESTRE MUCHO MÁS POSITIVO QUE EL OTRO, A LA DEPENDENCIA DE UNOS POCOS TÍTULOS FUERTES Y A UN CONSUMO AUDIOVISUAL MUCHO MENOS ENFOCADO A LA GRAN PANTALLA. 65 MILLONES DE ESPECTADORES Y 453 MILLONES DE EUROS: ¿SALVAR LOS MUEBLES ES SUFICIENTE?

POR ÁLVARO GÓMEZ ILLARAMENDI

Cuando aún estamos celebrando las cifras de taquilla del inicio de 2026 en España, que nos hacen recordar aquellos tiempos (no tan lejanos) en que veíamos regularmente tres películas superar el millón de euros de recaudación en el cómputo de los tres días de mayor consumo, es hora de hacer balance de los resultados de un año, 2025, dominado por el estancamiento y la persistencia

de muchas dudas sobre el modelo y la dimensión del ecosistema de exhibición.

Comencemos por los datos de cabecera: según los cómputos provisionales a 29 de diciembre de 2025 facilitados por Comscore, la asistencia a salas en España ha alcanzado este año los 65 millones de espectadores y los 453 millones de euros, lo que supone un descenso del 8% y del 5,5%, respectivamente , frente a los datos de 2024, que también supusieron, a su vez,

una caída de ingresos del 2,2% respecto a 2023.

Se confirma el idilio del cine español con un público adulto más permeable a producciones independientes o más alejadas de los géneros y convenciones dominantes.

En consecuencia, siguen sin recuperarse los niveles de 2017–2019 en términos de ingresos o de espectadores, y los 100 millones de espectadores que se rozaron en 2018 y se superaron en 2017 y 2019 parecen aún lejanos, quizá inalcanzables en las circunstancias actuales.

En este sentido, la pandemia y sus efectos colaterales parecen haber determinado que el registro de 2019 se convierta en pico histórico difícil de igualar.

Lo que sí parece haber venido para quedarse es la irregularidad que ha marcado la taquilla española tanto en 2024 como en 2025: si en el año anterior se “salvaron los muebles” gracias a un verano espectacular y un invierno muy sólido, esta vez ha sido más bien el revés, con un primer semestre que logró superar

las débiles cifras de 2024 (repunte del 3%) y un segundo semestre que cerrará, provisionalmente, con una disminución del 16%, resultando especialmente negativos los retrocesos de octubre (28%) y noviembre (31%), meses tradicionalmente mucho más halagüeños.

LA CONCENTRACIÓN EN TÍTULOS Y MOMENTOS CLAVE

Como ya adelantábamos en análisis anteriores, la tendencia a la concentración de la taquilla en un número limitado de películas-evento también se refleja en el hecho de que la semana del año con mayor asistencia de espectadores, del 30 de mayo al 5 de junio, coincida con la Fiesta del Cine y la presencia en salas de

la versión live action de Lilo y Stitch (a la postre, la película más taquillera del año en España, rozando los 25 millones de euros y los 4 millones de espectadores) y la última entrega de Misión: Imposible

Por su parte, el fin de semana más taquillero del año ha sido el del 26 al 28 de diciembre , en pleno apogeo de Avatar: Fuego y Ceniza (tercera película más taquillera del año, y que sigue acumulando millones hasta convertirse previsiblemente en la película más taquillera estrenada en 2025) y el día de mayor asistencia del año fue el 2 de julio, estreno de la exitosa Jurassic World: El Renacer (segunda película más taquillera del año, con casi 19 millones de euros y más de 2,5 millones de espectadores).

Como puede observarse, y a pesar de la decadencia de las marcas de Marvel, las franquicias veteranas o nuevas (los

Padre no hay más que uno 5 © Sony Pictures

asombrosos datos de Minecraft , cuarta película más taquillera del año, dieron un gran respiro a los cines en abril) y las diversas modalidades de remake o reboot siguen dominando una taquilla estancada pero que aún conserva poder de atracción sobre públicos familiares y jóvenes. No es de extrañar que la acción, la animación y el terror (extraordinarios los casi 14 millones de euros logrados pòr Expediente Warren: El último rito ) sigan siendo los baluartes de la taquilla.

LOS DATOS DEL CINE ESPAÑOL: UN CONSUELO DE CALIDAD Y DIVERSIDAD

Más diverso e interesante es el panorama del cine español , que repite una cuota del mercado del 19% y 12 millones de espectadores (taquilla de 78 millones de euros). La lectura de este dato es positiva, dado que en el listado de películas más vistas, liderado como en años anteriores por la nueva entrega de la saga de Santiago Segura Padre no hay más que uno (13,4 millones de euros), afloran propuestas ciertamente novedosas y estimulantes, como la tercera posición y los 4 millones de euros logrados por la arriesgada Los domingos , un fenómeno de crítica pero también de boca-oreja del público, o los 3 millones de euros que roza el éxito de Cannes (probablemente multinominada en los Oscar) Sirat

Se confirma el idilio del cine español con un público adulto más permeable a producciones independientes o más alejadas de los géneros y convenciones dominantes. En este sentido, iniciativas como el martes senior han contribuido notablemente a dichos resultados.

LAS NUBES QUE NO SE DESPEJAN Y LAS EXPECTATIVAS PARA 2026

En cualquier caso, y aunque los datos totales arrojan una imagen aceptable, lo cierto es que sigue cundiendo la preocupación por unas cifras que, durante muchas semanas, parecen no poder sostener un modelo de

exhibición basado en las multisalas de gran tamaño, que necesitan una elevada rotación de títulos atractivos y una sostenibilidad en el tiempo de este complejo negocio. El consumo audiovisual no parece haber disminuido, al contrario, por lo que la conclusión lógica es que el consumo doméstico y en plataformas no para de crecer.

Veremos qué nos depara 2026, pero el éxito en sus primeros compases de un thriller con amplio público potencial y de tamaño medio, como La asistenta, nos permite confiar en el regreso de espectadores y de géneros tradicionalmente rentables a la sala oscura y en pantalla grande. Crucemos los dedos.

el éxito en sus primeros compases de un thriller con amplio público potencial y de tamaño medio, como La asistenta, nos permite confiar en el regreso de espectadores y de géneros tradicionalmente rentables a la sala oscura

35.000 M$

TAQUILLA GLOBAL PARA 2026, UN 5% MÁS RESPECTO A 2025

El análisis anual de Gower Street Analytics anticipa que la taquilla mundial alcanzará 35.000 millones de dólares en 2026, lo que supondría el segundo año consecutivo de crecimiento y un incremento del 5% respecto a las estimaciones actuales para 2025. De cumplirse la previsión, 2026 sería el año

con mayor recaudación global desde 2019, cuando el mercado alcanzó los 42.300 millones de dólares.

Según Thomas Beranek, analista jefe de Gower Street Analytics , el crecimiento será especialmente relevante en los mercados impulsados por el producto de Hollywood , aunque el volumen total todavía se situaría un 12% por debajo de la media de los años 2017-2019, ajustado a los tipos de cambio actuales.

La firma publica cada diciembre esta proyección temprana basándose en su servicio FORECAST , que combina el calendario de estrenos previsto con el análisis de sus especialistas.

Dimitrios Mitsinikos, CEO de Gower Street, señala que las estimaciones para 2024 se situaron dentro de un margen de error del 5% y que las previsiones de 2025 se están ajustando a menos de un 2% de desviación sobre el objetivo inicial.

CRECIMIENTO INTERNACIONAL

Por mercados , Norteamérica podría cerrar 2026 con 9.900 millones de dólares, un 11% más que en 2025, aunque aún un 14% por debajo del promedio prepandémico.

El mercado internacional sin China se estima en 18.000 millones de dólares, con un crecimiento del 5% interanual. Dentro de este bloque, la zona EMEA alcanzaría

GOWER STREET ESTIMA UN CRECIMIENTO INTERANUAL DEL 5% IMPULSADO POR UN CALENDARIO DOMINADO POR FRANQUICIAS Y GRANDES TÍTULOS, AUNQUE EL MERCADO AÚN SE MANTENDRÍA POR DEBAJO DE LOS NIVELES PREPANDEMIA, CONCRETAMENTE UN 12% POR DEBAJO DE LA MEDIA 2017-2019.

10.050 millones, Asia-Pacífico (sin China) 5.300 millones, y Latinoamérica 2.650 millones. Esta última, sería la región con mayor crecimiento relativo previsto.

El informe subraya el peso de un calendario dominado por franquicias como Los Vengadores, Spider-Man, Toy Story, Dune, la saga Superman con Supergirl, Star Wars, Super Mario Bros, Los Minions, Jumanji, Vaiana, Scream , y Los juegos del hambre , junto a apuestas nuevas como el

biopic sobre Michael Jackson, Michael , y nuevos proyectos de Christopher Nolan ( La Odisea ) y Steven Spielberg ( El día de la revelación ).

En cuanto a China, Gower Street mantiene una previsión conservadora de 7.100 millones de dólares , un 4% menos que en 2025, debido a la incertidumbre del calendario y a la volatilidad del mercado, considerado el más difícil de anticipar a estas alturas.

LOS PREMIOS FECE 2025 ENCUMBRAN A DEAPLANETA, LILO Y STITCH Y PADRE NO HAY

MÁS

QUE UNO 5

LA FEDERACIÓN DE CINES DE ESPAÑA (FECE) ENTREGÓ EN DICIEMBRE, EN EL CINESA PROYECCIONES DE MADRID, SUS YA TRADICIONALES GALARDONES EN LOS QUE RECONOCE AL SECTOR DE LA EXHIBICIÓN PERO TAMBIÉN AL DE LA DISTRIBUCIÓN Y LA PRODUCCIÓN. UNOS PREMIOS QUE SE CELEBRARON EN MEDIO DE LA DISPUTA ENTRE NETFLIX Y PARAMOUNT POR COMPRAR WARNER BROS., UNA OPERACIÓN QUE SERÁ DECISIVA EN EL FUTURO DE LAS SALAS DE CINE EN ESPAÑA Y EL RESTO DEL MUNDO.

El plan de recuperación post-Covid no se está cumpliendo y solamente títulos dispersos están llenando las salas como en otros tiempos.

Tampoco la futura compra de Warner Bros.,

sea cual sea el resultado, va a ser positiva para el sector. Pero, a pesar de todo ello, la exhibición y la distribución deben reunirse para celebrar sus mejores logros porque, además, tienen una trayectoria de éxito a la hora de superar obstáculos.

El evento, realizado con la colaboración de Comscore, se celebró de nuevo en Cinesa Proyecciones (Madrid) a las vísperas de un periodo navideño ilusionante con la llegada de un título tan especial como Avatar: Fuego y ceniza , que

después ha cumplido las expectativas. La gala, presentada por Silvia Jato, contó con Vista Group como colaborador principal y con Coca Cola, Figueras Seating, Kelonik y PCO Group como colaboradores del evento.

El Premio a la Película Extranjera con más Espectadores fue para Lilo y Stitch (Disney), película estrenada en mayo y que ha recaudado en nuestro país más de 24 millones de euros. A nivel global, el film ya lleva la impresionante cifra de 1.038 millones de dólares.

Disney , de hecho, fue merecedora del premio de Distribuidora del Año Además de Lilo & Stitch , en 2025 estrenó películas como Capitán América: Brave New World, Thunderbolts, El casoplón, Elio, Los cuatro fantásticos: Primeros pasos, Tron: Ares, El cautivo, Zootrópolis 2 y, al final de año, Avatar: Fuego y ceniza

El galardón a la Película Española con más Espectadores tuvo como

destinatario a alguien que sabe muy bien lo que es ganar esta clase de premios: Santiago Segura. Vuelve a dirigir el título más taquillero, esta vez con Padre no hay más que uno 5 , que ha ingresado 13,3 millones de euros. La producción de Bowfinger, Esto También Pasará e Irusoin fue distribuida de nueva por Sony Pictures. En unos meses se estrenará Torrente Presidente . ¿Logrará de nuevo el premio el año próximo? Muy posiblemente. Otro de los reconocimientos más importantes de FECE es el de Distribuidora Independiente del Año , que recayó en esta ocasión en DeAPlaneta. Su éxito de taquilla más reciente es Cónclave de Edward Berger, que ha logrado más de 7 millones de euros. Entre los últimos títulos lanzados están Nuremberg, Ahora me ves 3, Keeper , y la secuela de El médico

Más allá del film de Santiago Segura, en lo que concierne al cine español, FECE ha querido reconocer a Los domingos, el

nuevo film de la directora baracaldesa Alauda Ruiz de Azúa. Distribuida por Bteam Pictures, esta producción de Buenapinta Media, Colosé Producciones, Sayaka Producciones, Encanta Films, Think Studio y Movistar Plus + en asociación con Le Pacte, lleva ya 4 millones de euros y esa cifra subirá en cuanto se celebren los Premios Goya de la Academia de Cine.

Siguiendo con producción española, hay que destacar la mención que los exhibidores dieron en la gala a María Zamora , cofundadora de Elastica Films. Este año se le otorga, aparte de por su brillante trayectoria, por el buen hacer de Romería de Carla Simón, que ha amasado 1,8 millones de euros.

Pasamos a los reconocimientos de trayectorias . Una de ellas fue a Víctor Arias , un histórico de la distribución de cine en España. Este profesional fue durante casi 25 años el Director de Ventas de Fox. Previamente, ya había estado trabajando durante más de 16 años en el sector como booker en Warner Española y Columbia TriStar Films.

También se dio una mención especial a toda a una vida a Ángeles San Gabino , figura fundamental de la exhibición en España que se jubiló en diciembre de 2020, cuando ocupaba el cargo de directora general de FECE, entidad a la que había dedicado más de 40 años de trabajo en funciones, fundamentalmente, de secretaria general.

El otro premio honorífico se destinó a los Cines Imperial, complejo de 11 salas en Sabadell que tiene más de 100 años de historia. Construido en 1911, el cine se cerró en 1989 y posteriormente volvió a abrir en 2003. Su actual gerente es Miquel Gratacós.

También hay que hacerse eco del reconocimiento a Primer Festival de Cine, festival de cine para niños y niñas de 2 a 12 años que tiene lugar en Barcelona y Madrid y que es una excelente iniciativa para introducir a las nuevas generaciones en la costumbre de disfrutar del cine en pantalla grande.

Por último, se otorgó una mención al programa de radio ‘De Película’ de RNE, un referente en el ámbito de la comunicación cinematográfica centrada en el cine español.

LOS DOMINGOS Y ANATOMÍA DE UN

INSTANTE SE ALZAN CON LOS PREMIOS

PRINCIPALES EN LOS FORQUÉ

LA 31 EDICIÓN DE LOS PREMIOS FORQUÉ TUVO LUGAR EN DICIEMBRE EN EL PALACIO MUNICIPAL IFEMA MADRID. LOS GALARDONES QUE ORGANIZAN LOS PRODUCTORES DE EGEDA SE SALDARON CON LA VICTORIA DE LOS DOMINGOS DE ALAUDA RUIZ DE AZÚA EN LOS LARGOMETRAJES Y ANATOMÍA DE UN INSTANTE EN LAS SERIES. ENTRE EL RESTO DE PRODUCCIONES PREMIADAS, HAY QUE RESALTAR FLORES PARA ANTONIO, MASPALOMAS, YAKARTA, DECORADO, POQUITA FE O SORDA

POR CARLOS AGUILAR SAMBRICIO

La 31º edición de los Premios Forqué fue organizada por EGEDA y retransmitida por La 2 de TVE y RTVE Play. Con Cayetana Guillén Cuervo y Daniel Guzmán como presentadores, no fue demasiado divertida, lastrada además por una idea poco acertada de incorporar una especie de tercera presentadora, TIA, una IA sobre la que descansaron buena parte de los momentos cómicos, con poco éxito.

Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa se erigió como el film de mayor éxito en estos Forqué porque, además de hacerse con el trofeo a Mejor Largometraje de Ficción, añadió el de Mejor Interpretación Femenina para Patricia López Arnaiz. El film, distribuido en España por Bteam Picures, está producido por Buenapinta Media, Colosé Producciones, Sayaka Producciones, Encanta Films, Think Studio y Movistar Plus+.

A pesar de la gran recepción internacional de Sirât de Oliver Laxe, que

está consiguiendo numerosos premios y nominaciones, en España parece haber una preferencia hacia Los domingos

López Arnaiz apuntó que “Alauda tiene una vocación genuina para hablar de lo humano” y destaca por “poner luz en nuestras relaciones y los vínculos, ese gran misterio que nos importa tanto a todos”.

En su intervención, la productora Marisa Fernández Armenteros (Buenapinta Media) ensalzó el trabajo del productor independiente, esa profesión tan “desconocida” para muchos: “Sois los que,

en el día a día, arriesgáis, apostáis y confiáis en las historias y guiones, los cineastas y equipos creativos, y también los socios de viaje”. La productora recalcó que “el cine no sólo es lo que quieres hacer sino con quién quieres hacerlo”. Esto viene a cuento de que el mismo equipo de productores que hizo la ópera prima de Ruiz de Azúa, Cinco lobitos, es el que ha colaborado de nuevo en este film, al cual se le ha unido Movistar Plus+.

La intervención de la propia Alauda Ruiz de Azúa resultó agridulce y, en cierta manera, contradictoria con todo lo que había hecho durante estos meses. La cineasta había rechazado explicar el mensaje de la película. En el inicio de la intervención parecía seguir esa linea y dijo: “Es una película que respeta al espectador y lo trata como un adulto capaz de pensar por sí mismo y reflexionar con otros. Ese respeto es una manera de honrar el pensamiento crítico y defender la autonomía del espectador”.

Esta parte iba en consonancia con esa libertad para el espectador pero, a continuación, la directora creyó oportuno subrayar qué pretende decir la película: “Es una película que explora cómo el adoctrinamiento religioso puede distorsionar tu percepción y tus sentimientos”.

Otros largometrajes reconocidos fueron Maspalomas (Moriarti, Irusoin y Bowfinger), con el Premio a Mejor Interpretación Masculina para José Ramón Soroiz; Belén (Amazon MGM Films y K&S Films) de la argentina Dolores Fonzi por el Premio a Mejor Largometraje Latinoamericano; el Premio del Público para El cautivo (Mod Producciones, Himenóptero, Misent Produc-

ciones y Propaganda Italia), dirigida por Alejandro Amenábar; y el Premio al Cine y Educación en Valores para Sorda, la ópera prima de Eva Libertad que producen Distinto Films, Nexus CreaFilms y A Contracorriente Films.

SERIES, ANIMACIÓN, DOCUMENTAL, CORTOS Y MEDALLA DE ORO

En el ámbito de la ficción seriada, los honores fueron para Anatomía de un instante, la serie de DLO Producciones y Movistar Plus+ que adapta la famosa novela de Javier Cercas sobre el golpe de Estado del 23F y fue creada por Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez.

Entre las dedicatorias que profesó el productor José Manuel Lorenzo, destacamos especialmente lo que le dijo a los jóvenes: “Para que entiendan con esta serie lo difícil que ha sido conseguir las libertades que hoy tenemos y les emplazo a que luchen denodadamente para no perderlas. De verdad, con Franco no se vivía mejor”.

Otras series apoyadas por los galardones de EGEDA fueron Yakarta (100 balas, Buendía Canarias y Movistar), debido al Premio a Mejor Interpretación Masculina para Javier Cámara, y Poquita Fe T2 (Buendía Estudios y Movistar), por el Premio a Mejor Interpretación Femenina para Esperanza Pedreño. La primera fue creada por Diego San José y la segunda por el dúo Montero y Maidagán.

El Mejor Largometraje de Animación, según estos Forqué 2025, fue Decorado, el film de Alberto Vázquez que producen

Uniko, Abano, Glow Animation y Sardinha em Lata. Una fábula, según dice el director, sobre “el sentido de la vida y la libertad humana pero protagonizada por animales”. El primero de los galardones entregados fue el de Mejor Largometraje Documental, que recayó en Flores para Antonio, el trabajo de Isaki Lacuesta y Elena Molina. Es un documental original Movistar Plus+ producido por Flower Power Producciones, LACOProductora, Caballo Films, Boomerang TV, Aquí quiero hacer un inciso para resaltar el gran éxito de Movistar en los galardones, lo cual es un mérito en gran medida atribuible a la apuesta, mantenida en el tiempo, que hizo Domingo Corral, que desde hace unos meses está ya fuera de la plataforma. Una importancia que el propio José Manuel Lorenzo quiso mencionar en su intervención al ganar un premio por Anatomía de un instante Movistar triunfó, ostentando un papel principal, con Los domingos, Flores para Antonio, Anatomía de un instante, Yakarta y Poquita Fe

En RUBIK siempre nos interesa poner el foco también en el mundo del corto y, así, destacamos el galardón a Ángulo muerto de Cristian Beteta, producido por La Dalia Films y Robot Productions, como Mejor Cortometraje en esta 31ª edición.

Por último, hay que mencionar que la productora Emma Lustres, cofundadora de Vaca Films, se mostró muy emocionada al recibir de manos del presidente de EGEDA, Enrique Cerezo, la Medalla de Oro en reconocimiento a su trayectoria. En esta edición publicamos en RUBIK una entrevista en profundidad con ella.

SIRÂT GANA CINCO GALARDONES EN LOS PREMIOS

DEL CINE EUROPEO Y SE CUELA EN LOS OSCAR

SI BIEN EN ESPAÑA LA PELÍCULA CON MÁS PREDICAMENTO EN LOS PREMIOS QUE SE ESTÁN OTORGANDO ES LOS DOMINGOS, A NIVEL INTERNACIONAL EL FILM ESPAÑOL QUE ESTÁ CAUTIVANDO ES SIRÄT DE OLIVER LAXE. EN LOS PREMIOS DEL CINE EUROPEO, DONDE LOS MAYORES HONORES SE DESTINARON A VALOR SENTIMENTAL, EL FILM ESPAÑOL COSECHÓ NADA MENOS QUE CINCO ESTATUILLAS. PERO ES QUE, POCOS DÍAS DESPUÉS, RECIBIÓ OTRA GRAN NOTICIA: LA NOMINACIÓN AL OSCAR TANTO A MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL COMO A MEJOR SONIDO.

La Academia del Cine Europeo celebró la gala de la 38 edición en el Haus der Kulturen der Welt de Berlín, frente a más 1.000 invitados internacionales.

Fue la velada de Joachim Trier y su Valor sentimental, ya que consiguió 6 galardones y, entre ellos, los más importantes. La cinta obtuvo los reconocimientos de Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guion (Eskil Voigt y el propio Trier) y Mejor Música (Hania Rani), así como distinciones para sus intérpretes Renate Reinsve y Stellan Skarsgård, mejor actriz y actor respectivamente.

Pero la industria española estaba especialmente pendiente de lo que pasaba con Sirât, aunque también tenía alguna opción Tardes de soledad de Albert Serra. El film liderado en la producción por El Deseo y Movistar Plus+ arrasó en los premios más técnicos pero también se hizo con el de Mejor Dirección de Casting, que

se entregaba por primera vez. Entre los técnicos logró los galardones para Mejor Fotografía (Mauro Herce), Mejor Dirección Artística (Laia Ateca), Mejor Montaje (Cristóbal Fernández) y Mejor Sonido (Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas).

CAMINO A LOS OSCAR

Por cuarta vez en este siglo, el cine español logra una nominación a Mejor Película Internacional en los Oscar. Mar adentro de Alejandro Amenábar logró llevársela pero se tardaron 15 años en volver a optar al galardón en la gala. Lo hizo Dolor y gloria de Almodóvar. que se quedó a las puertas en el año de Parásitos, y cuatro años más tarde volvió a rozar la gloria otro film. La sociedad de la nieve de J.A. Bayona, que perdió con La zona de interés

Sirât de Oliver Laxe estaba en las quinielas pero no era segura la nominación. Los rivales de Laxe serán la noruega Valor

sentimental, la brasileña El agente secreto, la tunecina La voz de Hind y la representante francesa Un simple accidente. Finalmente, No Other Choice del surcoreano Park Chanwook se quedó fuera.

Nunca antes España había estado nominada al Oscar en la categoría de Mejor Sonido. Y hablando de primeras veces, nunca antes en esta categoría de los premios de Hollywood un equipo enteramente femenino había obtenido la nominación. Enhorabuena Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas.

Por lo demás, en la gala de la 98 edición también se da otro récord: Los pecadores de Ryan Coogler obtiene la mayor cantidad de nominaciones de la Historia, con 16. De cerca le sigue Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson, que acumula 13 candidaturas. Ya a más distancia están Marty Supreme de Josh Safdie, Valor sentimental de Joachim Trier y Frankenstein de Guillermo del Toro, todas con 9, mientras que Hamnet de Chloé Zhao opta a 8 galardones.