I början av året tog Stockholms Auktionsverk, världens äldsta auktionshus, ett viktigt steg in i framtiden. Genom att förena vår långa tradition med innovationskraft, nyfikenhet och ett lyhört öra mot samtiden, vässade vi våra strategier och förnyade vårt arbetssätt och våra auktioner.
Nu tar vi vår starka position på den svenska och nordiska auktionsmarknaden till nästa nivå.
Sommarens historiska förening med Uppsala Auktionskammare underströk vår storsatsning på Fine Art. Tack vare sammanslagningen har Stockholms Auktionsverk idag Nordens mest heltäckande team av specialister inom konst, design och antikviteter – och ett fantastiskt momentum. Redan innan höstens största slagauktioner startat överstiger våra Fine Art–försäljningar en kvarts miljard kronor – och hela 40 procent av de vinnande buden har kommit från utlandet tack vare förtroendet och räckvidden i vårt nätverk med över en miljon registrerade kunder i 180 länder.
Därför är jag både tacksam och stolt att kunna presentera en av Stockholms Auktionsverks mest välkurerade och värdefulla auktioner för modern konst och design någonsin – The Modern Art & Design Sale.
Auktionen samlar ikoniska verk av de mest betydande svenska och internationella konstnärerna och formgivarna från 1900–talets början och fram till idag – målningar, skulpturer, möbler och föremål med stark och tidlös visuell och funktionell identitet som fortfarande präglar samtiden.
Yves Kleins gyllene ”Âge d’or [Golden Age], (MG 36)” är den självklara höjdpunkten på The Modern Art & Design Sale. Med sina skira och skimrande lager av guld som nästan tycks vibrera med betraktarens andning, sammanfattar verket Kleins konstnärliga vision där det världsliga möter det eviga.
Yves Klein dog alldeles för ung, men hann under sin korta livstid nå konstnärlig odödlighet och etablera sig som en epokgörande pionjär inom både minimalismen och popkonsten.
Hans livsöde delas med en annan 1900–talsgigant på The Modern Art & Design Sale. Andy Warhol är välrepresenterad på auktionen, bland annat med den färgstarka ”Monkey (Toy Painting)” och den nyupptäckta versionen av målningen ”Frölunda Hockey Player”, som fascinerar med sin svenska bakgrundshistoria.
Varje objekt på The Modern Art & Design Sale bär på en fantastisk berättelse – om epoker, personligheter och visioner – men också om den starka övertygelsen som fortsätter att definiera Stockholms Auktionsverk: att skapa oemotståndliga möten mellan människor, konst och idéer som sträcker sig bortom tid och geografi.
Varmt välkommen till The Modern Art & Design Sale på Stockholms Auktionsverk.
Jonas Malmberg | 073 340 67 60 jonas.malmberg@auktionsverket.com
Så deltar du i auktionen
Det finns fem olika sätt att lägga bud på auktionen. Vill du ha hjälp med att lägga bud är du alltid välkommen att kontakta någon av våra specialister, eller Kundtjänst under visningen eller på telefon 08–453 67 50. Viktigt att komma ihåg: förhandsbud är bindande Vänligen observera att du behöver skapa ett konto på Auctionet för att kunna lägga bud på auktionen. Att skapa ett konto är gratis och registreringen gör du på auctionet.com.
Förhandsbud online
Du kan lägga bud online fram till auktionens starttid. Vid varje objekt i katalogen online finns en ”Lägg bud–knapp”. Ange det högsta belopp som du är villig att betala.
Budgivning i salen
Kundtjänst lämnar utan kostnad ut en numrerad auktionsspade. Denna spade använder du vid budgivning i salen genom att tydligt visa den för auktionskommissarien.
Live budgivning online
Du deltar i budgivningen online i realtid via din mobil eller dator. Registrera dig som kund och läs mer på vår hemsida.
Budgivning per telefon
Skriftlig ansökan ska lämnas till Kundtjänst senast vardagen före auktionen. När budgivningen närmar sig det föremål du önskar bjuda på, ringer en representant upp direkt från auktionssalen och du framför dina bud.
Skriftliga inropsuppdrag
Fyll i föremålets auktionsnummer och det högsta belopp som du är villig att betala. Kundtjänst bjuder sedan för din räkning under auktionen upp till angivet högsta belopp men alltid så förmånligt som möjligt. Skriftliga inropsuppdrag lämnas direkt hos Kundtjänst. Läs mer om budgivning på auktionsverket.com
Viewing November 7–18 | Live Auction November 19–20 Nybrogatan 32, Stockholm, Sweden
For further information in English please visit auktionsverket.com
Stockholms Auktionsverk | Nybrogatan 32, Stockholm | fineart@auktionsverket.com | auktionsverket.com
Svensk konst
Swedish Art
1001. Roland Svensson (Sverige 1910–2003), ”Morgon i Kejsarhamn, Bomarsund, Åland”. (d)
Akvarell, täckvitt och kol på papper, 24,5 x 45 cm (bildyta), inklusive ram 42,5 x 62 cm. Signerad roland S. Med påskrift på bakstycke: ”Gåva till disponent Sigbjörn Holgersson Wij. Ockelbo. d. 20 aug. 1967. från Tekn. Dr. Marcus Wallenberg – eller från en sjöman till en annan – eller från 'den ädle kapten' till 'överamiralsmaskinistenä som tjänat sina äroår ombord i s/y Kong Bele och s/y Regina och därunder utfört många manliga dåd, '(…) alla höre det'.”
Proveniens: Disponent Sigbjörn Holgersson i gåva från Marcus Wallenberg, 1967.
Stockholms Auktionsverk, 2 december 2005, kat. nr 1796.
1003. Bror Hjorth (Sverige 1894–1968), ”Sittande Margit”. (d) Brons, H 23 cm, B 25 cm, D 13 cm. Signerad Bror Hjorth. Märkt No.2. Gjutarmärkt Herman Bergman.
Leander Engström, Stilleben med fruktskål, böcker och flaska
Leander Engström, främst känd för sina färgstarka norrländska landskap och sitt deltagande i det svenska modernistiska genombrottet, visar i auktionens stilleben en annan, mer samlad sida av sitt konstnärskap. Här möter vi en scen fylld av stillhet, balans och eftertanke, där varje föremål tycks noggrant utvalt och komponerat.
Den från Norrland bördige Leander Engström, uppvuxen under knappa förhållanden, sökte sig påhejad av Helmer Osslund till Stockholm. Där antogs han till Konstnärsförbundets skola och lyckades få en av endast ett fåtal platser. Leander sällade sig snabbt till gruppen av unga svenska modernister som riktade blicken mot Paris. Snart stod det klart att en resa till den franska konstmetropolen var oundviklig för att fortsätta utvecklingen i takt med samtidens nya strömningar, och i slutet av 1908 anlände Leander Engström för första gången till Paris. Han skrev in sig vid Académie Matisse, tillsammans med bland andra Isaac Grünewald, Sigrid Hjertén, Carl Palme och Einar Jolin. Det var den djärvaste och radikalaste skolan i Paris, där elevernas arbeten synades av självaste Henri Matisse. Eftersom studierna vid akademien var så fria fanns det tid för eleverna att besöka museer, utställningar och gallerier. I en levande stad som det kosmopolitiska Paris fanns alltid mer att upptäcka och för Leanders del blev i synnerhet mötet med mästare som Gauguin, Cézanne och van Gogh betydande för hans utveckling.
Auktionens ”Stilleben med fruktskål, böcker och flaska” är komponerad som ett klassiskt stilleben. Färgskalan är dämpad men raffinerad
– i bleka blåtoner, dova ockragula och jordiga röda nyanser. Ljuset är mjukt och jämnt fördelat, vilket skapar en nästan drömsk atmosfär. Den uppslagna bokens sidor i rörelse frambringar en känsla av närvaro – är det en vindpust som drar genom rummet eller någon som nyss lämnat rummet? Penselföringen är lätt och prismatisk, med en strukturell uppbyggnad som minner om Cézannes inflytande – inte minst i hur volymerna bryts ned till geometriska former och plan. Stillebenet är ett relativt sällsynt motiv hos Leander Engström, som annars är mer förknippad med expressionistiska landskap från Norrland eller uttrycksfulla porträtt. Här får vi istället ta del av ett verk där hans konstnärliga känsla för komposition, form och färg visar sig i ett mer introspektivt format. Det finns en tydlig respekt för det vardagliga tingets skönhet – och en vördnad inför stillheten. Det är ett verk som andas både nordiskt lugn och kontinentalt avantgarde.
1007. Leander Engström (Sverige 1886–1927), Stilleben med fruktskål, böcker och flaska.
Olja på duk, 52,5 x 73,5 cm, inklusive ram 62 x 83 cm.
Signerad Leander Engström.
Med påskrift a tergo: ”H.G.50”, samt ”Gustav Wiklund”.
Proveniens: Konsthandel Claes Hultberg AB, Stockholm.
1009. Anders Jönsson (Sverige 1883–1965), ”Salome”. (d)
Brons, H 30 cm. Signerad Anders Jönsson. Gjutarmärkt Otto Meyers eftr fud.
Litteratur: Svenskt Konstnärslexikon, Allhems förlag, titeln upptagen under den biografiska artikeln för konstnären.
Dagens Nyheter, 30 maj 1930, versionen i sandsten omnämnd i recension enligt följande: ”Det är ingen vild och lidelsefull orientalisk Salome, det är en lugn harmonisk kvinnogestalt med Johannes Döparens huvud i sina armar, som med ett halvt dröjande steg i knäfall avstannar i sin dans”.
Värdering: SEK 10 000 – 12 000 | EUR 915 – 1 098
Lot nr: 4561108
1010. Maj Bring (Sverige 1880–1971), Badande på strand. (d)
Olja på duk, 65 x 85 cm, inklusive ram 74 x 95 cm.
Utförd år 1935.
Läs mer om konstverket på auktionsverket.com
Litteratur: Christina Stendahl, Lena Boëthius, Dag Widman & Catharina Nilsson, Maj Bring: Motsols, 2007, jämför sid. 159.
Ivan Ivarson, Kvinna i gul solhatt under fruktträd
Ivan Ivarsons målning ”Kvinna i gul solhatt under fruktträd” är ett strålande exempel på konstnärens förmåga att kombinera intensiva färger med en poetisk blick för vardagens skönhet. Målningen visar ett barn redo för dagens lekar och en kvinna i en lysande gul solhatt som sitter i skuggan av ett fruktträd full med mogen frukt. Runt henne breder en sommargrönskande trädgård ut sig, där färgerna vibrerar av ljus, liv och värme. Ivarsons sätt att använda färg och form fångar inte bara scenens fysiska aspekter, utan också en känsla – en stämning av stillhet, närvaro och mild glädje.
Ivan Ivarson föddes 1900 i Göteborg och utbildade sig vid Valands målarskola under 1920–talet, där han bland annat undervisades av Tor Bjurström – en centralgestalt i introduktionen av modernistiska strömningar till svensk konst. Ivarsons liv blev kort, han dog redan 1939, endast 39 år gammal, men under sin livstid hann han utveckla ett mycket eget och särpräglat konstnärskap. Han var djupt fascinerad av färgens uttryckskraft och sökte genom hela sitt konstnärsliv ett måleri som kunde förmedla känsla snarare än exakta återgivningar av verkligheten. Hans konst speglar ofta en intensiv närvaro i naturen, men också en inre värld präglad av drömmar, melankoli och längtan.
Ivan Ivarson räknas till den konstnärsgrupp som i efterhand kommit att kallas Göteborgskoloristerna, tillsammans med bland andra Åke Göransson, Inge Schiöler och Ragnar Sandberg. Gruppen bildade aldrig någon officiell sammanslutning, men förenades av en gemensam kärlek till färgen som det främsta uttrycket i konsten. Under ledning av Tor Bjurström på Valand inspirerades de av fransk modernism, särskilt fauvismen, där konstnärer som Matisse och Derain an-
vände starka, oblandade färger och förenklade former. Göteborgskoloristernas målningar kännetecknas ofta av ett lyriskt och expressivt måleri, där färgen får spela huvudrollen och motivet tjänar som en grund för känslomässigt laddade kompositioner.
I målningen ”Kvinna i gul solhatt under fruktträd” möter vi flera av Ivarsons återkommande teman: naturen, kvinnan, ljuset och färgen. Det är en scen där det vardagliga – en kvinna i trädgården – lyfts till något närmast andligt genom färgens kraft. Den gula solhatten blir en glödande punkt i målningen, ett centrum som drar blicken till sig. Runtomkring henne breder ett överflöd av gröna, röda och blå nyanser ut sig – trädets blad, fruktens skimmer, himlens ljus som silas genom grenverket.
”Kvinna i gul solhatt under fruktträd” är mer än bara ett porträtt eller ett landskap – det är en hyllning till ljuset, färgen och livet självt. Genom sitt expressiva och känslomättade måleri ger Ivan Ivarson oss en möjlighet att stanna upp och se världen med nya ögon, att uppleva skönheten i det stilla och vardagliga.
1014. Ivan Ivarson (Sverige 1900–1939), Kvinna i gul solhatt under fruktträd. Olja på duk, 66,5 x 73 cm, inklusive ram 85 x 91 cm.
Ristad signatur Ivan Ivarson. Med påskrift a tergo: ”No. 10”.
Proveniens: Stockholms Auktionsverk, 15 maj 2000, kat. nr 439.
Olja på duk, 29,5 x 64 cm, inklusive ram 42,5 x 77,5 cm. Monogramsignerad och daterad R.S. –40.
Proveniens: Boktryckare Folke Isacson (1898–1975), Göteborg. Därefter i arv inom familjen.
Utställd: Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Ragnar Sandberg”, 26 oktober 2002 – 6 januari 2003.
Göteborgs konstmuseum, ”Ragnar Sandberg”, 8 februari – 21 april 2003.
Litteratur: Christian Faerber (red.), Konst i svenska hem I: målningar och skulpturer från 1800 till våra dagar, 1942, upptagen i boktryckare Folke Isacsons samling nr 150, sid. 133.
Det är vår i Hagalund. Ett körsbärsträd står i full blom, dess grenar är tunga av skira vita blommor. I rabatten lyser röda tulpaner, som om de försöker mäta sig med vårsolens varma glans. En kvinna promenerar långsamt med sin barnvagn, ett ögonblick av vardag – stilla och ändå fyllt av liv.
Bakom henne reser sig ett grönmålat trähus, rikt smyckat med färgade fönsterglas och bjärta blommor. Huset har en självklar närvaro, nästan majestätiskt i sin enkelhet, som om det bär på både minnen och berättelser. Med sin uttrycksfulla fasad framträder det som en huvudperson i scenen, lika levande som kvinnan på gatan. Tillsammans öppnar de en port för betraktaren in i Olle Olsson–Hagalunds värld – en värld där vardagens enkelhet blir till poesi.
Få svenska konstnärer har skildrat vardagens scener med sådan värme och närvaro som Olle Olsson–Hagalund. Konstnären var djupt rotad i sin hembygd och ägnade större delen av sitt konstnärskap åt att dokumentera den miljö han älskade.
I ”Vår i Hagalund” återvänder han till sin plats på jorden – arbetarsamhället Hagalund i Solna. Olsson–Hagalunds liv och konstnärskap är oupplösligt sammanflätade med denna stadsdel, vars historia bara sträckte sig över åttio år men lämnade ett rikt arv. Här, i det som ibland kallats en kåkstad, slog inflyttade arbetarfamiljer sig ner i början av 1900–talet, lockade av närheten till både naturen och storstadens bekvämligheter.
Hagalund växte fram organiskt, som ett improviserat samhälle. Nästan fyrahundra trävillor restes i olika former och kulörer, smyckade med pittoresk snickarglädje och personliga uttryck. Med tiden kompletterades bebyggelsen av butiker, småindustrier och verkstäder – ett helt universum i miniatyr. Det var en plats där vardagen var nära, där invånarna kände varandra, och där gemenskapen blev en självklar del av livet.
När rivningarna av Hagalund påbörjades på 1960–talet blev Olsson–Hagalunds målningar ett ännu viktigare vittnesbörd om den förlorade kulturmiljön. Hans konst är därför inte bara estetiskt tilltalande utan också historiskt laddad – en hyllning till en försvunnen epok av träkåkar, trädgårdar och mänsklig närhet. Scenerna blir tidsdokument över folkhemmets Sverige, där småstadens rytm och det nära samspelet mellan människor och miljö speglas i konstnärens karakteristiska stil.
Olle Olsson–Hagalund använde ofta skarpa konturer och starka, klara färger för att förstärka stämningen, vilket vi även ser i den här aktuella målningen. Penseldragen är direkta, färgerna modiga, men helheten rymmer en värme och närhet som gör att man som betraktare nästan kan höra ljudet av steg mot trottoaren, eller känna doften av körsbärsblom. Målningen skildrar inte bara ett hus och en gata i Hagalund, utan också själva känslan av att vara där, en vårdag när livet pågår i sin stilla rytm. Den påminner oss om att även de enklaste ögonblicken kan bli till eviga motiv.
1023. Karin Parrow (Sverige 1900–1984), Utsikt från Taubes hus. (d)
Olja på duk, 33 x 47 cm, inklusive ram 60 x 71 cm. Signerad Karin Parrow.
1026. Sigrid Hjertén (Sverige 1885–1948), Vilande modell/Hinduiskan. Olja på pannå, 38 x 46 cm, inklusive ram 52 x 60 cm. Signerad Hjertén. Upptagen i den av Isaac Grünewald upprättade brandförteckningen, nr 354.
Vy över Riddarholmen och Gamla stan från Södermalm
Det är en stilla dag i Stockholm – luften dallrar av ljus men rymmer en tystnad som bara städer i vila kan bära. Från höjderna på Södermalm breder vyn ut sig: Riddarfjärdens spegelblanka vatten delar bildytan i två, medan Gamla stans pastellfärgade fasader och höga kyrktorn reser sig i fonden. Riddarholmskyrkans smala spira, Storkyrkans kraftfulla torn och Tyska kyrkans elegant gröna spets pekar alla mot den bleka sommarhimlen. På klipporna i förgrunden står en ensam skrattmås och blickar ut över vattnet – lika mycket betraktare som motiv. Två båtar bryter fjärdens stillhet: en liten vit passagerarbåt vid kajen och längre ut en större ångbåt med svensk flagga fladdrande akterut. Över allt vilar ett skimmer av stillsam nostalgi.
Einar Jolin hade en livslång kärlek till Stockholm, och få konstnärer har lyckats fånga stadens själ med samma varsamhet och integritet. Genom hela sitt konstnärskap återkom han till sina kära stockholmsmotiv – särskilt utsikterna från Södermalm – och gav dem en särpräglad behandling där verklighet blandas med idealisering.
Jolin utbildades bland annat vid Konstnärsförbundets skola men formades i lika hög grad av sina år i Paris under 1910–talet, där han tog intryck av både orientalismen och den samtida modernismen. Hans stil kännetecknas av ett förfinat och personligt uttryck: linjerna är rena, färgskalan dämpad men distinkt, och formerna har en lätt naivistisk enkelhet som förstärker det poetiska i motiven.
I denna målning från 1963 visar han sin fulla mognad som konstnär. Målningar av denna monumentala storlek – där Jolin ges utrymme att fullt ut låta sitt motiv breda ut sig i både bredd och stillhet – är sällsynta på den öppna marknaden. Kompositionen är balanserad och harmonisk, med mjuka övergångar mellan förgrund och fond. Trädens vindpinade silhuetter och de rundade klipporna påminner om japanska träsnitt, medan arkitekturen återges med en kärv och klar precision. Stadens puls är påtaglig men nedtonad – några små röda bilar skymtar längs kajen, men allt tycks röra sig i ett långsammare tempo.
Detta verk är mer än en stadsutsikt – det är ett sinnestillstånd. Jolin målar inte bara vad han ser, utan vad han känner inför platsen. I mötet mellan natur, stad och ljus lyckas han fånga något evigt: en bild av Stockholm som är både verklig och drömd.
1029. Einar Jolin (Sverige 1890–1976), Vy över Riddarholmen och Gamla stan från Södermalm. (d)
Olja på duk, 100 x 200 cm, inklusive ram 109 x 209 cm. Signerad och daterad JOLIN 1963.
Tempera och olja på duk, 54 x 46 cm, inklusive ram 61 x 53 cm. Monogramsignerad och daterad NW 61.
Med påskrift a tergo: ”Crescendo Temp. + Oel N° 69/1961 45,5/54 Nell Walden” samt med etikett med påskrift: ”Absender: Nell Walden Sehalde Seengen/AG”.
Stockholms Auktionsverk tackar Jessica Sjöholm Skrubbe för värdefull information vid katalogiseringen av detta konstverk.
Proveniens: Gåva direkt från konstnären till nuvarande ägares familj.
Litteratur: Verket finns upptaget i Nell Waldens oeuvre–katalog.
Tempera på pannå, 62 x 49 cm, inklusive ram 64,5 x 52 cm. Monogramsignerad och daterad NW 64. Med påskrift a tergo: ”Gemälde Nr: 75 'Konstruktives' I tempera auf Marktplatte 1964
49 x 60,5 Nell Walden”.
Stockholms Auktionsverk tackar Jessica Sjöholm Skrubbe för värdefull information vid katalogiseringen av detta konstverk.
Proveniens: Gåva direkt från konstnären till nuvarande ägares familj.
Litteratur: Verket finns upptaget i Nell Waldens oeuvre–katalog.
Olja och tempera på duk, 100 x 60 cm, inklusive ram 113 x 72,5 cm. Monogramsignerad NWH. Signerad och betitlad a tergo Nell Walden–Heimann ”Blue”.
Med påskrift på spännramen: ”N° 45 1927” samt ”153”.
Stockholms Auktionsverk tackar Jessica Sjöholm Skrubbe för värdefull information vid katalogiseringen av detta konstverk.
Proveniens: Gåva direkt från konstnären till nuvarande ägares familj.
Litteratur: Verket finns upptaget i Nell Waldens oeuvre–katalog.
Utställd: Berlin, Grosse Berliner Kunstausstellung, 7 maj – 30 september 1927, kat. nr 488. Kunstmuseum Bern, ”Der Sturm, Sammlung Nell Walden aus den Jahren 1912–1920”, oktober 1944 – mars 1945, kat. nr 390.
Kunsthaus Zürich, ”Expressionisten, Kubisten, Futuristen: Sammlungen Nell Walden und Dr. Othmar Huber”, 19 maj –17 juni 1945, kat. nr 153.
Gewerbemuseum Aarau, ”Sammlung Nell Walden: Sonderausstellung Nell Walden”, 17 november – 8 december 1957, kat. nr 7.
Nell Walden (född Nelly Roslund) var en svensk–schweizisk konstnär, författare och kulturförmedlare, verksam i centrum av den europeiska avantgardismen under det tidiga 1900–talet. Hon är mest känd för sin betydande roll i den expressionistiska rörelsen Der Sturm, där hon verkade som konstnär, mecenat och redaktör tillsammans med sin dåvarande make, den tyske galleristen och utgivaren Herwarth Walden.
Nell Walden växte upp i Sverige, där hennes intresse för konst tidigt uppmuntrades, bland annat av hennes morfar som var en viktig person under hennes uppväxt. Hon studerade konst och reste därefter runt i Europa. Under en vistelse i Tyskland träffade hon Herwarth Walden – ett möte som skulle få avgörande betydelse för hennes liv och karriär. De gifte sig 1912, samma år som Der Sturm–galleriet i Berlin etablerades som en viktig plattform för tidens mest nyskapande konstnärer.
Genom sitt engagemang i Der Sturm kom Nell Walden i kontakt med några av modernismens mest inflytelserika gestalter, som Wassily Kandinsky, Paul Klee, Marc Chagall och Gabriele Münter. Hon var inte bara en viktig förmedlare av konst, utan utvecklade också sitt eget konstnärskap inom rörelsens ramar. Hennes måleri kännetecknas av abstrakta, färgstarka kompositioner, ofta med inslag av kubism, expressionism och lyrisk naivism. Hon inspirerades av musik, drömmar och emotionella uttryck, vilket gav hennes verk en intuitiv och spontan karaktär.
Ett avgörande ögonblick i hennes konstnärliga utveckling inträffade 1914 under ett besök hos Kandinsky och Münter i Murnau, södra Tyskland. Där kom hon i kontakt med hinterglasmalerei – traditionella målningar på glas med starka färger och folklig karaktär. Upplevelsen gjorde ett djupt intryck på henne, och hon började själv experimentera med tekniken, uppmuntrad av Kandinsky och Münter.
Efter Der Sturms upplösning fortsatte Nell Walden att verka som konstnär och författare. Hon utvecklade en självständig konstnärlig stil och blev en av få kvinnor i den annars mansdominerade avantgardescenen som också lämnade ett varaktigt avtryck. Under senare delen av sitt liv återvände hon till Sverige, där hon fortsatte att måla och skriva, samtidigt som hon engagerade sig i att dokumentera och bevara arvet efter Der Sturm.
Nell Walden var en mångsidig och visionär kulturpersonlighet, vars gärning sträckte sig långt bortom det egna konstnärskapet. Hon var en viktig brobyggare mellan konstnärer, idéströmningar och publiken – och mellan den tidiga modernismens radikala idéer och framtidens fria konstnärliga uttryck. Hennes arbete har i efterhand fått ökad uppmärksamhet, inte minst som exempel på kvinnligt ledarskap och konstnärligt mod i en tid av stora förändringar.
Det vibrerande verket ”Blue” som flitigt ställts ut, tycks ha varit ett viktigt verk för henne. Bland annat ingick det i den stora utställningen Grosse Berliner Kunstausstellung 1927, då hon lämnat Der Sturm.
1033. Arvid Fougstedt (Sverige 1888–1949), Porträtt av Gerda Wessel.
Olja på duk, 73 x 60 cm, inklusive ram 90,5 x 77,5 cm.
1035. Åke Göransson (Sverige 1902–1942), ”Såskanna och äpplen”.
Olja på duk lagd på pannå, 42 x 38 cm, inklusive ram 55 x 51 cm. Stämpelsignerad Åke G. Utförd år 1925/27. Intygad a tergo: ”Målning av Åke Göransson, signaturen stämplad. Intygar 1941 Hanna Göransson och Arne Stubelius”.
Proveniens: Tidigare i Hanna Göranssons (1873–1955) samling, Göteborg (konstnärens moder).
Utställd: Modern Konst i Hemmiljö, Stockholm, ”Åke Göransson”, 1–23 november 1941, kat. nr 37. Konsthallen, Göteborg, ”Åke Göransson”, 1942, kat. nr 43.
Litteratur: Björn Axlund, Färgformen – Åke Göranssons liv och konst, 2002, nr 47, upptagen och avbildad sid. 179.
I ”Nature Morte” / Stilleben med pipa visar Otto G. Carlsund den stringens och rytm som gjort honom till en av den svenska modernismens främsta pionjärer. Med en närmast arkitektonisk precision bygger han upp ett kubistiskt stilleben där flaskan, pipan, koppen och frukterna reducerats till sina mest väsentliga former. Resultatet är en komposition som både andas intellektuell disciplin och poetisk balans.
Mot en mörk, djupt matt bakgrund framträder föremålen som ett harmoniskt samspel av ytor och linjer. De mjuka röda och ockragula tonerna kontrasterar mot den klara geometrin i svart, vitt och grått, medan Carlsunds karakteristiska svarta konturer ger verket en vibrerande precision. Här förenas maskinålderns formideal med måleriets känsla för rytm och proportion.
Carlsund, som utbildade sig i Paris och stod nära både Fernand Léger och Amédée Ozenfant, var en av de första svenska konstnärerna att introducera den konkretistiska bildvärlden och syntetisk kubism. Han blev en central förmedlare av det europeiska avantgardets idéer, inte minst genom sitt deltagande i den franska gruppen Art Concret och sina manifest kring den rena konsten.
Det här aktuella verket sammanfattar på ett utsökt sätt Carlsunds konstnärliga vision: den precisa, geometriskt uppbyggda formen
förenad med en lågmäld lyrik. Trots sin återhållsamma färgskala utstrålar målningen ett påtagligt liv – en rytm som gör det vardagliga motivet till ett abstrakt poetiskt tillstånd.
”Nature Morte” / Stilleben med pipa är ett koncentrerat exempel på Otto G. Carlsunds unika förmåga att omvandla den moderna tidens anda till måleri – där ordning och känsla, tanke och form möts i fulländad harmoni.
1036. Otto G. Carlsund (Sverige 1897–1948),
”Nature Morte” / Stilleben med pipa.
Olja på duk, 21 x 15,5 cm, inklusive ram 30 x 24 cm.
Intyg utfärdat av Oscar Reutersvärd 1999 medföljer.
Proveniens: Kurt von Schmalensees samling.
Därefter i arv till nuvarande ägare.
Utställd: Malmö Museum, Malmö, 13 april – 11 maj 1969, kat. nr 105.
Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Otto G. Carlsund – konstnär, kritiker, utställningsarrangör”, 22 september 2007– 6 januari 2008.
1039. Olle Olsson–Hagalund (Sverige 1904–1972), Vinter i Hagalund. (d) Olja på duk, 38 x 46 cm, inklusive ram 58 x 65 cm. Signerad OLLE OLSSON HAGALUND.
1040. Olle Olsson–Hagalund (Sverige 1904–1972), Gata i Hagalund. (d)
Blandteknik på papper, 20,5 x 27,5 cm (bildyta), inklusive ram 36,5 x 43 cm. Signerad Olle Olsson Hagalund samt daterad med dedikation ”till vännen Folke 27–5 43”. Med påskrift a tergo: ”hösten (?) 1942”.
Proveniens: Boktryckare Folke Isacson (1898–1975), Göteborg. Därefter i arv inom familjen.
Olja på duk, 93 x 73 cm, inklusive ram 104 x 85 cm. Signerad Hjertén. Utförd år 1934.
Upptagen i den av Isaac Grünewald upprättade brandförteckningen, nr 166.
Läs mer om konstverket på auktionsverket.com
Utställd: Göteborgs Konstförening, Göteborg, 1935, kat. nr 12. Konstakademien, Stockholm, ”Sigrid Hjertén – oljemålningar och gouacher”, 1936, kat. nr 276.
1046. Einar Jolin (Sverige 1890–1976), ”Promenerande på Strandvägen”. (d)
Olja på duk, 60 x 200 cm, inklusive ram 64 x 204 cm. Signerad och daterad Jolin 1939.
Proveniens: Bo Carlberg, systerson till John Hamilton (sannolikt avbildad i verket).
Därefter i arv.
Utställd: Riksförbundet för bildande konst, utställning nr 17, ”Årets konst: från utställningar och ateljéer 1939”, 1939, kat. nr 39.
Litteratur: Riksförbundet för bildande konst, nr 17, Årets konst: från utställningar och ateljéer 1939, 1939, nr 39, sid. 15.
Sannolikt avbildade från vänster, i enighet med utsago från vän till familjen Jolin 2013 och vidare efterforskning: Man i rysk hatt, okänd. Clorinda Campbell Kissack, född 1902, gift med Einar Jolin år 1943. Einar Jolin, konstnären själv. John Hamilton (1879–1960), son till Klara Hamilton, född Bolinder (1858–1888) och Adolf Hamilton (1852–1910). Dotterson till Jean Bolinder (1813–1899), grundare av J. & C. G. Bolinders Mekaniska Verkstad och Selma Bolinder (1832–1896). (Eventuellt) prins Eugen. Värdering: SEK 600 000 – 800 000 | EUR 54 873 – 73 164
Lot nr: 4374691
Einar Jolin, ”Promenerande på Strandvägen”
Konstnären Einar Jolin är hyllad för sin återhållsamma, men distinkta palett. Hans kompositioner är välbalanserade och ger utrymme för skönhet och inte sällan för en suggestiv och nostalgisk stämning. Likaväl som han var nyfiken på den större världen så högaktade han sin hemstad Stockholm som han med vördnad gärna avbildade.
Auktionens storslagna och stämningsfulla panoramamålning, “Promenerande på Strandvägen”, skildrar flanerande människor med stadens silhuett i bakgrunden, en vacker kall vinterdag år 1939.
Efter att ha studerat på Konstnärsförbundets målarskola tog Einar
Jolins konstnärliga utveckling fart i Paris, dit han åkte tillsammans med vännen Isaac Grünewald år 1908. Den parisiska atmosfären med sitt sprudlande konstnärsklimat och rika kulturutbud, närde de aspirerande konstnärernas kreativitet. Efter mötet med konstnären Carl Palme blev de introducerade till Henri Matisses målarskola och knöt där kontakter med andra konstnärer som arbetade med sina individuella uttryck. Nils Palmgren skriver i sin biografi om Einar Jolin år 1947: “Obevekligt skar han (Matisse) bort alla chosigheter och varje försök till manér och höll på att var och en borde vara ärlig och söka fullt och helt bli sig själv i sitt måleri”. Lika väl som Jolin bejakade modernismens individualitet ägnade han sig även åt måleriets fundament genom att ihärdigt kopiera mästarna på Louvren. Likaså var besöken i Musée Guimet betydande, där han studerade japanska och kinesiska träsnitt och persiska miniatyrer. Under det kommande decenniet skapade sig Jolin upplevelser från många av världens länder i Orienten, Afrika och Europa. Linjeföringen blev skarp och elegant och färgskalan utvecklades mot ett valörmåleri med en vacker mättnad. Efter 1930 blev Jolins stil mer personlig och innehöll ofta människor från hans rika umgänge och omvärld. Påverkad av det oroliga världsläget med dess begränsningar, blev Jolins palett dovare tills ett ljus trädde in i hans liv i mötet med hans blivande andra hustru, Joan Clorinda “Clo” Campbell–Kissack. I andra delen av 1930–talet började hon ofta synas i hans bildvärld tillsammans med foxterriern Bobby.
I auktionens stämningsfulla och intressanta verk “Promenerande på Strandvägen” daterat 1939, är Stockholm klädd i vinterskrud och
Saltsjön är isande blå. Luften är klar och en tidig eftermiddagssol lämnar varma svepande skiftningar bakom Södermalms kyrktorn. Stockholmarna som promenerar paradgatan fram bär hatt och långa rockar, med Skeppsholmen och Blasieholmens byggnader; Nationalmuseum och de ståtliga palatsbyggnaderna, i fonden. Arkitekturens monumentalitet ger stadga i en oviss samtid, där det andra världskriget bryter ut samma år. Som betraktare möter vi på det främre planet konstnären själv, Einar Jolin, i sällskap med hans blivande hustru Clo, och foxterriern Bobby. Mannen i mitten har en vän till familjen Jolin i närtid, pekat ut som John Hamilton, i nedstigande led släkt med Jean Bolinder, vars palats angränsar till Burmanska huset på Blasieholmen. Till höger i verket syns en man i profil, klädd i elegant rock, som har antagits föreställa prins Eugen, målarprinsen som också var känd för sin humanitet. Flygplanet som syns över huskropparna kan ses som en tidsmarkör och den flotta bilen, är ett givet inslag i den moderna urbana miljön. Men på vägen syns också en sparkåkare och en släde vid sidan av fotgängarna, den gamla tiden finns parallellt med den nya.
Ragnar Hoppes ord ur “Socialdemokraten” 29/9 1939, citerade i utställningskatalogen till “Årets konst” där målningen ingår, är talande för det lyckade måleriet: “Einar Jolins utpräglade sinne för kompositionens jämvikt, för de olika föremålens fördelning och sammanhållning inom bildytan för linjens logiska rytm och koloritens välklang, allt detta gör sig alltjämt gällande i hans måleri med lika stor styrka som tidigare (...) Vari ligger då det nya frågar man sig kanske. Å ena sida en mer stramare genomarbetad form, en nervfullare teckning, en mustigare färg och å andra sidan i ett varmare förhållande till natur och människor än han tidigare lagt i dagen.”
”Promenerande vid Strandvägen” bär drag av det bästa ur Jolins äldre och, för tiden, aktuella produktion. Ljusets lyckade spel över himlen, harmonin i komposition och en lätt men kontrastfull kolorit. Den kalla vackra vinterdagen levandegörs ytterligare av den samverkan som råder mellan de personliga och allmänna detaljerna. Ett mycket sensationellt och mästerligt verk.
1047. Einar Jolin (Sverige 1890–1976), Stilleben med fat. (d)
Olja på duk, 51 x 63 cm, inklusive ram 65 x 80 cm.
1051. Bror Hjorth (Sverige 1894–1968), ”Röd flicka vid grönt hav”. (d)
Bemålad träskuren relief, 104 x 34 cm. Signerad Bror Hjorth. Med påskrift a tergo av konstnären: ”Röd flicka vid grönt hav. Målad träsnittsstock. Bror Hjorth. 40 tal till 1964.”
Proveniens: Bokhandlare Bengt Helins (1931–2011) samling, Bollnäs. Stockholms Auktionsverk, Bengt Helins samling, 26 oktober 2011, kat. nr 234.
Gösta Adrian–Nilsson, ofta känd under signaturen GAN, var en av den svenska modernismens verkliga portalfigurer. Född i Lund utbildade han sig först vid Tekniska skolan i Stockholm och därefter vid Valands målarskola i Göteborg. Redan tidigt visade han intresse för den samtida kontinentala konsten och reste 1913 till Berlin, där han influerades av avantgardistiska strömningar som futurism, expressionism och kubism. Dessa intryck tog han sedan med sig hem till Sverige.
GAN var en sökande och kompromisslös konstnär som ständigt bröt ny mark. I hans bildvärld samsas dynamiska stadslandskap, maskiner, sjömän och idrottsmän med ett djärvt färgbruk och en stark rytm. Hans verk speglar ofta samtidens fascination för rörelse, teknik och kroppens estetik, samtidigt som de bär på ett mer personligt och inre uttryck. GAN var inte bara målare – han var också poet, författare och tecknare, vilket ytterligare understryker hans breda konstnärliga register.
Målningen “Två soldater” från 1928 är ett exempel på GAN:s mognare period, där de tidiga kubistiska influenserna fått ett mer organiskt uttryck. Verket präglas av ett stramt komponerat formspråk där motivets krigiska influenser – soldaterna, striden i bakgrunden, taggtråden
och blodet – allt detta tillsammans gör att betraktaren direkt sätts i ett beredskapsläge.
Ett återkommande tema i Gösta Adrian–Nilssons konstnärskap är de homoerotiska undertonerna, som ofta gestaltas genom skildringar av sjömän, soldater och atleter – figurer som både representerar styrka och en idealiserad maskulinitet. I en tid då homosexualitet var både tabubelagt och kriminaliserat i Sverige, utgjorde GAN:s konst en kodad men kraftfull kommentar till normerna. Genom sin konst skapade han ett eget rum där begär, identitet och frihet kunde ta plats – långt innan samhället var redo att göra detsamma. Den aktuella målningen bär subtila men tydliga spår av denna tematik, vilket gör den inte bara konsthistoriskt betydelsefull, utan även djupt personlig.
1052. Gösta Adrian–Nilsson (Sverige 1884–1965), ”Två soldater”. (d) Olja på duk 63 x 51 cm, inklusive ram 73 x 60 cm.
Olja och sand på duk, 54,5 x 81,5 cm, inklusive ram 70,5 x 97 cm. Signerad OLLE OLSSON HAGALUND.
Utförd under 1960–talet. I ram utförd av konstnären.
Proveniens: Nordéns auktioner, 23 mars 1994, kat. nr 56.
Utställd: Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Olle Olsson Hagalund 1904–1972 – Minnesutställning”, 12 oktober – 30 november 1973, kat. nr 247. Olle Olsson Huset, Solna, ”Solna i konsten under 300 år”, 1988, kat. nr 44. Stockholms Stadsmuseum, ”Olle Olsson Hagalund, En spegling”, 1993.
Litteratur: Lillemor Derr, Olle Olsson Hagalund, om konstnären och hans miljö, 1993, avbildad i färg, sid. 61.
Olle Olsson–Hagalund, ”Gula farans intåg i Hagalund”
”Grävskopornas drakkäftar slukar gårdar och hus, dreglar jord och grus över blomstersängar och äppelträd. Borta är solens ljus över staden, vänliga fönsters blänk över plank och grindar, den lila skuggan av lindar, den sirade gröna fasaden, där en artist på sin bänk målade syner... ty som en mörk ridå ett tolvvånings skivhus i skinande glas och betong skymmer himlens blå, tystar fågelsång.”
— Ur Exit Hagalund av kyrkoherde Arne Forsberg, vän till Olle Olsson Hagalund
Mitt i det myllrande, färgskimrande gamla Hagalund står den: den gula grävmaskinen — en glupsk symbol för den framväxande moderniteten. Till vänster samlas kommunpolitikerna, nästan vördnadsfulla inför maskinens kraft, som om de hälsade framtiden välkommen. På den högra sidan står Hagalundsborna, stilla och undrande, betraktande det som en gång var deras hem och livsrum. I fonden anar man det vita huset där Olle Olsson under många år målade sina Hagalundsbilder – en trappa upp, i ett litet rum och kök ovanför Engströms livsmedelsaffär – innan huset slutligen revs 1969. Ovanför byggnaden reser sig Hagalundskyrkans jugendtorn mot himlen, som en stilla påminnelse om det bestående mitt i förändringen.
Husen, med sina lutande vinklar och brokiga färger, berättar om ett levande samhälle – om små affärer och hantverk, skyltar med TOBAK, FÄRGHANDEL och MATAFFÄR. Här råder ännu värme och mänsklig närhet. Det är just denna intima stadsbild Olle Olsson så innerligt älskade, och som han visste var på väg att försvinna.
Men i målningens mitt, som ett lysande rovgult väsen, bryter framtiden in. Den gula grävmaskinen – ”den gula faran” – har rullat in i Olles älskade Hagalund. Den strålar av ett nästan hotfullt ljus, och dess närvaro tycks kasta en skugga över människorna som står runt omkring. Maskinens blanka yta kontrasterar skarpt mot de handmålade, nästan naivistiskt skildrade byggnaderna. Här fångar Olle Olsson ett ögonblick av djup dramatik – ögonblicket då idyllen börjar vittra.
Målningen skapades under 1960–talet, mitt under den rivningsvåg som sköljde över Hagalund. Olle Olsson såg sitt barndomsparadis monteras ner bit för bit. Den livfulla miljö som inspirerat honom i årtionden stod inför sin förintelse, och konstnären följde processen med
sorg och oro. Han lär ha sagt: ”I morse såg grävskoporna så hungriga ut, att jag är rädd att de kommer att sätta sina glupska käftar i mitt hus idag!”
Trots vemodet finns i målningen en livskraft som känns djupt personlig. Färgerna glöder, penseldragen är rytmiska och pulserande, som om konstnären med varje drag försökte rädda sin värld kvar på duken. Den gula grävmaskinen blir till symbolen för både förlust och förnyelse – för den moderna tidens intåg, men också för konstens förmåga att bevara det som annars går förlorat.
Olle Olsson Hagalund var en skildrare av människan i staden, och i ”Gula farans intåg i Hagalund” når hans bildvärld en särskild intensitet. Här möts hans naivistiska färgprakt och formspråk med ett djupt humanistiskt uttryck. Det myllrande folklivet, de lutande fasaderna och den skimrande färgskalan gör verket till en hyllning snarare än en klagosång – en kärleksförklaring till det vardagliga, till gemenskapen och till själva livets envisa kraft.
Målningen är inte bara ett dokument över en förlorad stadsdel, utan också ett konstnärligt manifest. Den berättar om en tid av förändring, men också om skapandets tro på framtiden. Med sin egenhändigt utförda ram – ett karaktäristiskt inslag i Olle Olssons konstnärskap – har verket fått den slutliga inramning konstnären själv avsåg.
”Gula farans intåg i Hagalund” visades även på Liljevalchs stora minnesutställning 1973, och är ett av de mest betydelsefulla verken från denna tid. Idag framstår den som ett nyckelverk – ett konstnärligt testamente som sammanfattar hela Olle Olssons universum: hans kärlek till Hagalund, hans blick för vardagens poesi och hans förmåga att med färg, form och värme gestalta tidens gång.
1060. Ivan Ivarson (Sverige 1900–1939), Blomster i korg.
Olja och tempera på duk, 86 x 58 cm, inklusive ram 95 x 66,5 cm.
Med påskrift på spännramen: ”Ivan Ivarson” samt etikett a tergo: ”Ivan Ivarsons målning intygar konstnärens föräldrar Ivar Johansson, Hulda Johansson. Bevittnas M. Wahlgren, E. Westerberg”.
Olja på duk, 32 x 37 cm, inklusive ram 46,5 x 52,5 cm. Monogramsignerad CK. Med påskrift på spännramen: ”Carl Kylberg 1918”.
Proveniens: Direktör Charles Nilssons samling, Stockholm. Värdering: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4635981
1062. Carl Kylberg (Sverige 1878–1952), ”Mot skogsåsen”.
Olja på duk lagd på kartong, 42 x 51 cm, inklusive ram 56 x 64 cm. Monogramsignerad CK. Ramen utförd av konstnärens hustru Ruth Kylberg.
Proveniens: Affärsmannen Theodor Ahrenbergs (1912–1989) samling.
Direktör Gösta Westerberg (1886–1948), Stockholm. Därefter genom arv till nuvarande ägare.
Utställd: Den Frie Udstilling, Köpenhamn, ”Carl Kylberg. Maleri–udstilling”, 17 januari – 3 februari 1936, kat. nr 52. Göteborgs konstförening, ”Carl Kylberg”, februari 1936, kat. nr 52.
Kunstnernes Hus, Oslo, ”Carl Kylberg (Svensk). Malerier, akvareller og tegninger”, 20 mars – 11 april 1936, kat. nr 39.
Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Carl Kylberg”, 30 april – 12 maj 1946, kat. nr 95.
Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Carl Kylberg: Minnesutställning”, 13 mars – 4 april 1954, kat. nr 70.
Litteratur: Brita Knyphausen, Carl Kylberg – färg och idé, 1965, upptagen i verkförteckningen nr 126, s. 250 (felaktigt angivna mått).
1065. Axel Olson (Sverige 1899–1986), Surrealistiskt landskap. (d)
Olja på pannå, 55 x 65 cm, inklusive ram 73 x 84 cm. Signerad och daterad Axel Olson –34. Värdering: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4632982
1066. Sven Jonson (Sverige 1902–1981), ”Elegi”. (d)
Olja på duk, 65 x 80 cm, inklusive ram 81 x 96 cm. Signerad Sven Jonson. Proveniens: Bukowskis, Stockholm, 6 november 2001, kat. nr 261. Värdering: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4627055
1067. Sven Jonson (Sverige 1902–1981), Geometrisk komposition. (d) Gouache på papper, 10 x 6 cm (bildyta), 10,5 x 7 cm, inklusive ram 33 x 22,5 cm. Signerad och daterad Sven Jonson 30. Numrerad i blyerts verso: ”17”.
1068. Sven Jonson (Sverige 1902–1981), ”Stilleben med fisk”. (d) Olja på pannå, 45 x 50 cm, inklusive ram 53 x 58 cm. Signerad och daterad S. Jonson 26 Germund.
Eric Grate är en av Sveriges mest betydande och särpräglade konstnärer under 1900–talet – skulptör, tecknare, målare och akademiledamot. Hans konstnärskap präglas av en mångsidig och ofta mytiskt laddad estetik som balanserar mellan klassisk form och modernistisk utforskning.
Född 1896 i Stockholm, utbildades Grate vid Konsthögskolan innan han under 1920–talet tillbringade viktiga år i Paris – dåtidens absoluta konstcentrum. Här utvecklade han ett formspråk som förenade antikens ideal med en surrealistisk och existentiell underton. Hans verk rör sig ofta i gränslandet mellan det materiella och det metafysiska, där människokroppen reduceras till symboler, rytmer och arketyper.
Bland Eric Grates mest fascinerande bidrag till den svenska modernismen återfinns hans surrealistiskt präglade bronsskulpturer – verk där det undermedvetna får fysisk form. Här smälter organiska kroppar samman med arkaiska symboler; fragment av människokroppen uppträder som fristående objekt, ofta i dialog med gåtfulla former som snäckor, spiraler eller öppna hålrum. Dessa bronser bär spår av en inre psykologi – en sorts drömlogik där det kända förskjuts till något främmande och samtidigt tidlöst.
I “Fågeldemonen” möter vi en demon “där det skrämmande och kusliga insekts– och fågelformerna har renodlats” (“En bok om Eric Grate”, sid 45) och som är en vidarebearbetning av det projekt Grate
fick i samband med att “Flugorna” av Jean Paul Sartre skulle sättas upp av Alf Sjöberg vid Dramatiska teatern i Stockholm 1945. Pjäsen är en modern, existentialistisk tolkning av den grekiska myten om Orestes, som återvänder till sin hemstad Argos för att hämnas mordet på sin far, Agamemnon. Detta projekt passade på flera plan Eric Grate – dels hade han under flera år bott och levt i Frankrike och hans kännedom om den grekiska och förantika konsten var god. Dessa två delar kunde han använda sig av när han skapade pjäsens universum med scenografi och kostym. Efter dräktskisserna till ”Flugorna” arbetade Grate fram skulpturer i brons, däribland ”Flugornas försångare” (1945) och auktionens ”Fågeldemonen” (1946).
I “Fågeldemonen” har Grates minutiösa materialbehandling låtit bronsen tala med en närmast viskande röst, där varje yta, spricka och form antyder något dolt. Det är konst som inte bara ska ses, utan kännas – som reliker från en förlorad civilisation eller visioner från ett inre landskap.
1072. Eric Grate (Sverige 1896–1983) ”Fågeldemonen”. (d)
Patinerad brons, H 89,5 cm. Monogramsignerad och numrerad EG 3/3.
Litteratur: Gunnar Eklöf m fl. En bok om Eric Grate, 1963, jämför sid. 39–40, 45.
Ragnar von Holten m fl, Eric Grate. Skulptur, 1990, jämför sid. 19.
Ragnar von Holten, Surrealiasmen i svensk konst, SAK, 1969, jämför sid. 49.
Olja på duk uppklistrad på pannå, 19 x 37 cm, inklusive ram 33 x 51 cm. Stämpelsignerad Åke G. Utförd år 1926/29. Intygad a tergo: ”Målning av Åke Göransson, signaturen stämplad. Intygar 22/10 1941 Hanna Göransson och Arne Stubelius”.
Utställd: Göteborgs Konstmuseum, ”Åke Göransson: 1902–1942”, 11 maj – 21 augusti 1977, kat. nr 42. Varbergs museum, ”Åke Göransson: 1902–1942”, 28 augusti – 25 september 1977, kat. nr 42.
Norrköpings Konstmuseum, ”Åke Göransson: 1902–1942”, 1977, kat. nr 42.
Liljevalchs Konsthall, ”Åke Göransson”, 25 november 1977 – 8 januari 1978, kat. nr 44. Kalmar Konstmuseum, (Konstcentrum sydost), ”Åke Göransson”, 1978, kat. nr 37. Prins Eugens Waldemarsudde, Stockholm, ”Åke Göransson – Färgformens mästare”, 8 februari – 16 mars 2003. Körsbärsgårdens konsthall, Burgsvik, ”Alla tiders porträtt”, 2023.
Litteratur: Björn Axlund, Färgformen – Åke Göranssons liv och konst, 2002, nr 89, upptagen och avbildad sid. 184.
I september 2016 invigdes en utställning på Uppsala konstmuseum med syfte att lyfta fram bildkonstnären Peter Weiss, som detta år skulle fyllt 100 år. Internationellt kom Weiss att få allra störst erkännande mot slutet av sitt liv och då som författare, men etablerade sig långt dessförinnan på den svenska konstscenen. Han föddes i ett krigshärjat Tyskland 1916, men det var i ett mellankrigstidens Prag som han kom att upptäcka sin konstnärliga ådra. Prag var vid tiden en ledande kultur– och konststad dit flyktingar strömmade efter nazisternas övertagande i Tyskland 1933. Vid Konstakademien, där Weiss hamnade på rekommendation av författaren tillika mentorn Herman Hesse, stannade han fram tills dess att hotet från nazisterna skulle komma att bli allt för påtagligt. Till följd av sitt judiska påbrå kom han till Sverige och Stockholm som flykting 1939.
Peter Weiss fascination för de gamla renässansmästarna i allmänhet och Bruegel i synnerhet är något som präglar hans kompositionslösningar och färgpalett från 1930–talet och en bit in i nästkommande decennium. I ett brinnande och krigshärjat Europa i existentiell kris tar han intryck av den tyske målaren George Groszs teorier om en ny senmedeltid, som ju en gång visade sig bli en fruktbar utgångspunkt för renässanskonsten. I en slags stilistisk övergångsperiod efter ett fåtal år i Sverige målar han “Världslandskap” 1942. Den detaljrikt intrikata stadsbildningen är kvar, men verket vittnar om en annalkande förskjutning mot en ljusare kolorit. Här förs tankarna till Bruegel inte bara i den spontana kompositionen utan även i den varma jordnära färgsättningen av staden, tydligt kontrasterande mot bergens och himlens kyliga blåtoner.
Vid sidan om måleriet var Peter Weiss en uppskattad regissör och manusförfattare. Genombrotten inför internationell publik kom med pjäsen “Jean Paul Marat förföljd och mördad så som det framställs av patienterna på hospitalet Charenton under ledning av herr de Sade”, vilken sattes upp på teatrar världen över. 1982 regisserade han tillsammans med sin hustru Gunilla Palmstierna-Weiss “Nya processen” på Dramaten med Stellan Skarsgård i huvudrollen vilket blev hans sista pjäs, då han avled endast ett par månader efter premiären.
1086. Peter Weiss (Tyskland/Sverige 1916–1982), ”Världslandskap”. (d) Olja på pannå, 100 x 140 cm, inklusive ram 129,5 x 169,5 cm. Signerad och daterad Weiss 42.
Proveniens: Åmells konsthandel, Stockholm. Uppsala Auktionskammare, 6–9 december 2016, kat. nr 1321. Svensk privatsamling, förvärvad vid ovanstående auktion.
Litteratur: Peter Weiss, Målningar, teckningar, collage, filmer, teater, litteratur, politik, 1991, illustrerad sid. 246 (felaktigt daterad 1941).
1087. Lotte Laserstein (Tyskland/Sverige 1898–1993), Porträtt av Sven Agelin. (d)
Olja på duk, 73 x 60 cm, inklusive ram 85 x 72 cm. Signerad och daterad Lotte Laserstein 1971. Porträttet föreställande Sven Agelin (1905–1983) är utfört i Lotte Lasersteins hem i Kalmar.
1088. Lotte Laserstein (Tyskland/Sverige 1898–1993), Porträtt av Rut Agelin. (d)
Olja på duk, 73 x 60 cm, inklusive ram 84 x 72 cm. Signerad och daterad Lotte Laserstein 1971. Porträttet föreställande Rut Agelin (1906–1996) är utfört i Lotte Lasersteins hem i Kalmar.
1090. Lotte Laserstein (Tyskland/Sverige 1898–1993), ”Den gula hatten”. (d) Färgkrita på papper, 44 x 37 cm, inklusive ram 62 x 54 cm. Signerad Lotte Laserstein. Utförd i Berlin kring 1930.
Proveniens: Agnew & Sons Ltd. /Belgrave Gallery, London. Svensk privatsamling, förvärvad av ovanstående.
Utställd: Galerie Moderne, Stockholm, 1937 (uppgift ur katalogen från Agnew/Belgrave). Agnew & Sons Ltd. /Belgrave Gallery, London, ”Lotte Laserstein – Paintings and drawings from Germany and Sweden, 1920–1970”, 1987, kat. nr 47. Utställningskatalog från ”Lotte Laserstein – Paintings and drawings from Germany and Sweden, 1920–1970” medföljer.
Med en säker hand och en psykologisk närvaro som blivit hennes signum, skildrar Lotte Laserstein i ”Den gula hatten” en kvinna som både blickar mot sin tid och bortom den. Hennes porträtt sitter mellan modernitet och melankoli – en kvinna med egen vilja och inre styrka, insvept i 1930–talets elegans. Den gula hatten, med sitt självklara uttryck och asymmetriska slöja, blir här en symbol för den nya kvinnan: självständig, urban och medveten om sin roll i en snabbt föränderlig värld.
Verket utfördes i Berlin omkring 1930, en period då Laserstein hade etablerat sig som en av Weimarrepublikens mest intressanta porträttmålare. Efter sin utbildning vid Akademie der Künste i Berlin – där hon tillhörde den första generationen kvinnliga studenter – utvecklade Laserstein en stil som förenade klassisk teknik med ett samtida uttryck präglat av realism och empati. Hon knyts ofta till Neue Sachlichkeit, men till skillnad från sina manliga kollegor målade hon inte med kylig distans. Hennes porträtt andas värme, närvaro och respekt för den avbildade individen.
Laserstein tvingades lämna Tyskland 1937 efter nazisternas maktövertagande och fann en fristad i Sverige, där hon kom att verka resten av sitt liv. Trots en period av tystnad återupptäcktes hennes konst med kraft i slutet av 1980–talet, bland annat genom hennes uppmärksammade London–utställning 1987, där just detta verk, ”Den gula hatten”, förvärvades.
Sedan dess har målningen bevarats i samma privata ägo – ett utsökt exempel på Lasersteins skickliga hantering av ljus, karaktär och uttryck. Hennes konstnärskap har under de senaste decennierna åter fått den internationella uppmärksamhet det förtjänar, inte minst genom Moderna Museets stora retrospektiv “Lotte Laserstein – Ett delat liv” (2023–2024).
”Den gula hatten” är ett lysande exempel på Lotte Lasersteins unika förmåga att förena det tidlösa med det djupt personliga – ett porträtt som både fångar sin epok och talar direkt till vår egen tid.
1091. Lisa Larson (Sverige 1931–2024), ”Storseglaren”. (d)
Brons, H 11,5 cm. Signerad och numrerad Lisa Larson No 142. Formgiven 1978.
1094. Arne Jones (Sverige 1914–1976), ”Kvinna med viadukter”. (d)
Silverpatinerad brons, H 9 cm. H 12 cm (inklusive sockel i sten).
Signerad, daterad och numrerad Jones –48 5/30. Gjutarmärkt E. Pettersson fud.
Litteratur: Moderna Museet, Stockholm, utställningskatalog oktober–november 1963, jämför kat. nr 33. Hans Eklund, Arne Jones, 1965, motivet avbildat sid. 33. Rolf Söderberg, Arne Jones, SAK 1991, sid. 34–35, motivet avbildat.
Moderna Museet, Stockholm, Arne Jones, 11 september – 7 november 1993, jämför bild sid. 49.
1095. Evert Lundquist (Sverige 1904–1994), ”Mannen på fältet”. (d)
Olja på duk, 100 x 73 cm, inklusive ram 114 x 86 cm. Signerad och daterad Evert Lundquist 1971 a tergo. Med påskrift a tergo: ”Tar mig friheten att föreslå den enkla listram som åtminstone jag tycker harmoniere med målningen anda. Med vänlig hälsning Evert Lundquist 21/10 1974.
Proveniens: Tandläkare Anders Åhlund, Hässleholm, förvärvad vid utställningen på Kalmar Konstmuseum 1971.
Utställd: Kalmar Konstmuseum, ”Evert Lundquist målningar, etsningar 1963–1971”, 10 oktober – 7 november 1971, kat. nr 41. Moderna Museet, Stockholm, ”Evert Lundquist”, 7 september – 13 oktober 1974.
1102. Eric Grate (Sverige 1896–1983), ”Samothrake”. (d)
Patinerad brons, H 27 cm, H 30 cm (inklusive sockel i travertin).
Signerad och numrerad Eric Grate 5/6.
”Samothrake” blev den sista stora monumentalskulptur som Grate satte upp vid en representativ offentlig byggnad. Den uppfördes i brons vid Lidingö Stadshus 1975–1976 och var fyra meter hög.
Litteratur: Pontus Grate och Ragnar von Holten, Eric Grate, SAK, 1978, jämför sid. 122. Ragnar von Holten m fl, Eric Grate. Skulptur, 1990, jämför sid. 39.
1103. Carl Fredrik Reuterswärd (Sverige 1934–2016), ”Biljard”. (d)
Lacktempera på duk, 38 x 61 cm, inklusive ram 45 x 68 cm. Monogramsignerad CFR, signerad CF Reuterswärd samt signerad och daterad CF Reuterswärd 1960–61 a tergo.
Olja på duk, 81,5 x 54 cm, inklusive ram 96 x 69 cm. Signerad och daterad Evert Lundquist 1961 a tergo. Läs mer om konstverket på auktionsverket.com
Proveniens: Sveriges Allmänna Konstförening (SAK), förvärvad år 1962 enligt stämpel på spännramen. Bukowskis, Stockholm, 26 oktober 1999, kat. nr 37.
Stockholms Auktionsverk, 20 april 2016, kat. nr 452.
Svensk privatsamling, förvärvad vid ovanstående auktion.
Utställd: Gummessons konstgalleri, Stockholm, ”Evert Lundquist”, mars–april 1962, kat. nr 37. Moderna Museet, Stockholm, ”Evert Lundqvist”, 16 januari –11 april 2010, kat. nr 15.
Litteratur: Fredrik Liew, Evert Lundquist, 2010, avbildad helsida sid. 139.
1109. Siri Derkert (Sverige 1888–1973), ”Flicka med mandolin”. (d)
Olja, kol, gouache samt täckvitt på smörpapper uppklistrad på duk, fernissad, 68 x 55 cm, inklusive ram 71 x 57 cm. Signerad S. Derkert.
Fri replik efter Siri Derkerts oljemålning ”Flicka med mandolin” utförd 1915 i Florens föreställande konstnärens syster Sonja Schmiterlöw, född Derkert (1895–1994), utförd 1954.
Utställd: Konstakademien, Stockholm, ”Siri Derkerts utställning”, SAK, mars 1976, nr. 145. Malmö Konsthall, 1976.
Litteratur: Rolf Söderberg, Siri Derkert, SAK, 1976, avbildad sid. 151.
1112. Albert Johansson (Sverige 1926–1998), ”Bild i blå ram”. (d)
Limfärg, akvariesand och betongspackel på pannå, 81,5 x 61 cm, inklusive ram 83,5 x 63,5 cm. Signerad ALBERT samt signerad och daterad a tergo ALBERT JOHANSSON Sweden 1961.
Utställd: Riksförbundet för bildande konst, ”Abstrakt och realistiskt”, 1961–63, kat. nr 31.
Albert Johansson studerade vid Isaac Grünewalds målarskola och sedan på Moderna konstskolan i Stockholm, för Vilhelm Bjerke–Pedersen och Esaias Thorén. Han medverkade med nonfigurativa kompositioner på Salon des Réalités Nouvelles i Paris 1953 och ihop med Carl–Fredrik Reuterswärd ställde han ut på Samlaren i Stockholm 1955.
Från att varit influerad av surrealismen och först ha utvecklat ett eget teckenmåleri i dova toner, övergick Albert Johansson till symboliska framställningar med figurativa inslag samt maskreliefer – uppklistrade och bemålade masker – speglande individens utplåning i ett teknokratiskt samhälle. Han har en stark efterfrågan på den skandinaviska konstmarknaden och verk från hela hans karriär har hyllats av kritiker. Inte minst målningarna med masker, där de större, vita är sällsynta, och särskilt eftersökta. Auktionens ”Stapelvara 2” är en av de främsta och största vita maskmålningar som har bjudits ut.
Även Albert Johanssons färgstarka surrealistiska målningar och hans ”vitmålningar” från 1950–talets slut, där influenser av hans mentor och gode vän Olle Baertling är tydliga, attraherar många samlare.
Han influerades först av surrealismen, men övergick till ett mer nonfigurativt måleri. Han utvecklade ett eget formspråk, och experimenterade med stilar, dukar och material som gjorde honom till en av de mest unika svenska konstnärerna under 1900–talet. Han skapade verk i betongspackel och limfärg vilket frambringar en säregen reliefverkan över motivet.
På föreliggande auktion finns nu chansen att bjuda på ett stort antal starka målningar från olika perioder av konstnärens liv. Flera av målningarna är snarlika de som finns i Moderna Museets omfattande samling av hans konst.
Under sitt liv hade Albert Johansson separatutställningar i ett fyrtiotal svenska städer 1955–1982, samt ett femtiotal samlingsutställningar utomlands, i bland annat Paris, Sao Paulo, Tokyo, New York, Oslo, Rostock, Bern, Danmark, Finland, Belgien och Jugoslavien. Han finns förutom på Moderna Museet i Stockholm även representerad på bland annat Göteborgs konstmuseum, Norrköpings konstmuseum, Kalmar konstmuseum och Nationalmuseum i Stockholm, samt museer i Danmark, Nederländerna och Jugoslavien.
1113. Albert Johansson (Sverige 1926–1998), ”Mask”. (d)
Blandteknik/collage på pannå, 46 x 55 cm, inklusive ram 48 x 57 cm.
Signerad och daterad Albert Johansson 1962 a tergo.
1120. Albert Johansson (Sverige 1926–1998), ”Dokument”. (d) Blandteknik på pannå, 100 x 80 cm, inklusive ram 102 x 82 cm. Signerad och daterad ALBERT JOHANSSON 1963 a tergo.
1122. Berta Hansson (Sverige 1910–1994), ”I lövverket”. (d) Olja på duk uppfodrad på pannå, 71,5 x 70,5 cm, inklusive ram 75 x 74 cm. Monogramsignerad BH samt signerad och daterad a tergo Berta Hansson ”avslutad våren 1989 i Stockholm”.
1127. Eric H. Olson (Sverige 1907–1995), Optochromi. (d) Fyra glas med polariserande och dubbelbrytande filter monterade med aluminium och plexi nedtill, höjd 31 cm.
Det är under det tidiga 1950–talet som Bærtling verkligen finner sin egen säregna stil. Han säger nu upp sig från sitt bankjobb och spenderar allt mer tid i konstmetropolen Paris. Med inspiration från en rad andra konkretister som alla var verksamma under galleristen Denise René skapar Olle Bærtling något nytt och helt unikt. Bærtling fann även rymden och science–fiction som en stor källa till inspiration. Hans svarta linjer och färgfält har ingen yttre gräns, utan de fortsätter utanför verkets fysiska yta. Olle Bærtling ville dock inte att hans målningar skulle efterlikna något som fanns i den verkliga världen. Det gällde både när det kom till form och färg. Hans säregna palett, som också tillkom under de intensiva åren under det tidiga 1950–talet, rör sig från starkt neongrönt, svart och mint till bjärt lila och liknar inget vi finner i naturen. Hans konstnärskap innehöll således ett stort mått både upptäckarglädje och nyfikenhet då han undersökte hur dessa nya former och färger kunde påverka oss. “Sudena” är ett spännande verk tillkommen i Olle Bærtlings brytpunkt mot det fullt non–figurativa, konkreta måleriet.
År 1956 ställde Olle Baertling för första gången ut riktigt stort hemma i Stockholm tillsammans med kollegorna Robert Jacobsen och Richard Mortensen. Utställningen på Liljevalchs Konsthall, som idag är ikonisk, kallades “Konkret realism” och arrangerades av Pontus Hultén (1924–2006) tillsammans med Galerie Denise René i Paris. Pontus
Hultén, senare chef för Moderna Museet i Stockholm, var redan nu en stor personlighet i den svenska konstvärlden. Han hade också goda relationer med ett stort antal konstnärer och gallerister internationellt. Olle Bærtling inspirerade en rad unga konstnärer under sin livstid. Hans omskrivna konstnärskap efterföljdes av en ny generation svenska konkretister såsom exempelvis Lars Erik Falk och Einar Höste, och idag är hans eleganta 1950–talsverk mycket efterfrågade på marknaden.
Staffan Hallström introducerade sina gåtfulla kompositioner under titeln ”Ingens hundar” för första gången under tidigt 1950–tal och de kom att följa honom livet ut. För många är hundarna synonyma med Hallströms expressiva konstnärskap och utan tvekan är de en av den svenska moderna konstens mest ikoniska motiv. Flera versioner av ”Ingens hundar” ingår idag i betydande privata samlingar likväl som museisamlingar. I Moderna Museets samlingar återfinns mästerverket ”Ingens hundar II” (inv. nr NM 5442) som förvärvades av museet 1958, samma år som målningen utfördes, samt en rad teckningar och skisser under samma tema från 1950–talet och framåt. I auktionen presenteras nu en av hans mästerliga ”Ingens hundar”, där hundarna framstår i en något svalare kolorit och genom Hallströms expressiva framtoning lyser i all sin kraft. Denna variant där hundarna blir kompletterande inslag i det svenska riksvapnet hör till Hallströms mest dramatiska versioner av ”Ingens hundar”.
Olja på duk, 96,5 x 132 cm, inklusive ram 105,5 x 142 cm. Stämpelsignerad med monogramsignatur SH. Med påskrift a tergo: ”Staffan Hallström. Signaturen stämplad av konstnär Barbara Staffansdotter Hallström”.
Olja på duk, 147 x 114 cm, inklusive ram 149 x 116 cm. Signerad Lindstrom. Proveniens: Förvärvad på Lindströmsutställningen, Nedre Frykdals Konstförening 1983. Uppsala Auktionskammare, 2 juni 2006, kat. nr 292.
1145. Arne Tengblad (Sverige 1923–2007), Utan titel. (d) Plexiglas och metall med belysning 98 x 130 cm, djup basplatta 25 cm, signerad A Tengblad och daterad –70.
Evert Lundquists måleri kan på grund av målningarnas intensitet och uttrycksfulla penseldrag synas spontant och snabbt tillkommit. Så är dock inte fallet, tvärtom var tillkomstprocessen tidskrävande och under långa perioder levde han närmast isolerad från familjen för att hänge sig till skapandets krafter och vänta in tiden när de rätta förhållandena infann sig. Här fanns också en mörkare sida hos honom vilken ledde honom in i perioder av depressioner och även i måleriet träder en motsättningarnas verklighet fram ur ljuset. Det monumentala ställs mot det obetydliga, det robusta mot det fragila och mörkret möter ljuset. I detta finner han sin essens och häri ligger också storheten i detta hänförande konstnärskap.
Olja på uppfodrad duk, 117 x 89 cm, inklusive ram 118,5 x 92 cm. Signerad Evert Lundquist på spännramen. Utförd år 1946–48. Med påskrift a tergo: ”’Gatan’ December 1946 Evert Lundquist Sign: Evert Lundquist Saltsjö–Duvnäs”. Numrerad a tergo: ”Nr:187 F50”. Med påskrift a tergo: ”Omstående målning av Evert Lundquist (1946–48) ’Gatan’ är förstärkt på baksidan med 1:ma linneväv, som bindemedel har använts vaxhartsblandning. Originalets text på baksidan har kopierats över till den nya baksidan. Stockholm i januari 1975 Bo Wildenstam konservator. Omstående behandling godkänd Evert Lundquist [EVERT LUNDQUIST].”
Utställd: Gummesons konstgalleri, Stockholm, ”Jubileumsutställning 1914–1941–1966”, utställningskatalog nr 312, kat. nr 20.
Ola Billgren var en av de första och viktigaste fotorealisterna i Sverige, vare sig det handlar om landskap, människor, interiörer eller stadsmotiv. Ola Billgren föddes 1940 i Köpenhamn men var verksam i Sverige. Han var autodidakt och skolades av sina föräldrar. Han var mycket mångfacetterad i sitt skapande och odlade ett konstnärskap i glappet mellan konst och verklighet. Han arbetade inom genrer som grafik, akvarell, collage, fotografi, film och scenografi. Han var även författare och kulturskribent.
Under 1960–talet tog han steget från abstrakt expressionism till fotografisk realism. Efter hand blev hans målningar ett mellanting mellan det abstrakta och det fotorealistiska, vilket resulterade i romantiska landskap, där han undersökte förhållandet mellan ljuset och färgen.
Formerna löstes upp och färgerna reducerades till en monokrom, enfärgad yta, som var rikt bearbetad och varierad.
På slutet av 1980–talet återgick Ola Billgren till den urbana miljön i stora stadslandskap, ofta målade ur ett högt perspektiv men med samma impressionistiska anslag som i hans landskapsmålningar. Hans inflytande på de senaste decenniernas konstliv är mycket stort. Många ser honom som Sveriges viktigaste konstnär genom tiderna
och hans verk slog under många år auktionsrekord för levande svenska konstnärer.
En stor retrospektiv visades på Rooseum i Malmö och på Moderna Museet i Stockholm 1991. Ola Billgren är rikligt representerad på ett stort antal museer i Sverige och utomlands, bland dem Musée National d’art Moderne Centre George Pompidou i Paris, Louisiana Museum of Modern Art i Danmark, Moderna museet Stockholm, Göteborgs konstmuseum, Norrköpings konstmuseum, Malmö konstmuseum, Helsingborgs konstmuseum, Kristianstads konstmuseum, Gävle museum, Kalmar konstmuseum och Nationalmuseum Stockholm, samt vid museer för samtidskonst i Oslo och Köpenhamn, i Paris, Lübeck och Reykjavik.
1147. Ola Billgren (Sverige 1940–2001), Landskap. (d)
Olja på duk, 48,5 x 68 cm, inklusive ram 59 x 79 cm.
1168. Sten Didrik Bellander (Sverige 1921–2001), ”Kvartsglas”, 1960. (d) Gelatinsilverfotografi (vintage) monterat på kartong, 29 x 13,5 cm (bildyta), inklusive ram 43 x 27 cm. Signerad Bellander. Med numrering a tergo: ”189–21–117” samt påskrift ”Fotograf Lidberg [((…))]”. Motivet återfinns i Moderna Museets samlingar, inv. nr FM 1979 001 001.
Litteratur: Moderna Museet, Sten Didrik Bellander: Fotografier 1939–1999, 2000, motivet avbildat sid. 50 samt omslag.
1169. Lennart Olson (Sverige 1925–2010), ”Skanstullsbron IV”. (d)
Gelatinsilverfotografi (vintage) monterat på masonit, 45,5 x 19 cm (bildyta), inklusive ram 60,5 x 32 cm. Signerad och daterad a tergo (på masoniten) Lennart Olson 1953. Med påskrift a tergo (på masoniten): ”INDUSTRIA INT. 75 m/mm”.
Motivet ingår i Moderna Museets samlingar, inv. nr FM 1968 001 413.
Jean Hermansons dödsbo och dess fotografisamling med negativ och fotokopior förvärvades av Landskrona museum år 2014.
Proveniens: Fotograf Stig T. Karlssons (1930–2015) samling.
Utställd: Malmö museer, ”Jean Hermanson – fotografier”, 2005, kat. nr 8.
Litteratur: Jean Hermanson och Folke Isaksson, Nere på verkstadsgolvet, 1971, avbildad sid. 82–83. Jean Hermanson, Jean Hermanson – Fotografier, 2005, avbildad sid. 172–173.
Värdering: SEK 10 000 – 15 000 | EUR 915 – 1 372
Lot nr: 4595820
1172. Hans Hammarskiöld (Sverige 1925–2012), ”Rudolf Nurejev”. (d)
Gelatinsilverfotografi (vintage), 30 x 24 cm (bildyta), inklusive ram 42 x 35,5 cm.
Signerad, daterad och numrerad Hans Hammarskiöld 1967/1967 2/5 a tergo.
Med stämpel ”Copyright Hans Hammarskiöld/10” a tergo.
Läs mer om konstverket på auktionsverket.com
Litteratur: Veckojournalen, Porträtt av en rysk balettmästare på besök i Stockholm 1967.
1177. Tove Jansson (Finland 1914–2001), Flowers in a window overlooking Norr Mälarstrand. (d) Oil on canvas laid on panel, 40 x 33 cm, including frame 60 x 44 cm. Signed Tove lower right.
1178. François Gall (France, 1912–1987),
Girl in a pink skirt picking flowers. (d)
Oil on canvas, 61 x 50 cm, including frame 60 x 71 cm.
Signed F. Gall Paris lower right.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4627169
1179. Eduard Bargheer (Germany 1901–1979), Garden view. (d)
Oil on panel, 71 x 49 cm, including frame 75 x 53 cm.
Signed E Bargheer lower right.
Provenance: Acquired by the grand parents of the present owner circa 1920, probably directly from the artist.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4542786
Anna Güntner, ”Dialog”
Two figures – a man and a woman – stand still in a quiet encounter, separated and yet connected by climbing vines that twist their way upward through the pictorial space. The man’s gaze is directed toward the viewer but the woman seems immersed in an inner state – a kind of silent communication, where words appear to have given way to something deeper. In the background, a dreamlike yet structured landscape unfolds, populated by mute trees and rolling hills, painted in a restrained palette that enhances the work’s meditative tone.
Anna Güntner’s ”Dialog” is a work that does not shout for attention – it whispers, and in that whisper lies the complexity of life itself. Güntner was part of a group of Polish artists who, during the 1960s, broke away from the dominant trends of abstraction in favor of a more symbolic, figurative, and simultaneously enigmatic visual language. Her works often reflect the clarity of Surrealism, yet with a distinctive, restrained sensitivity.
Born in Poznań in 1933, she was trained at the Academy of Fine Arts in Kraków, where she absorbed both classical techniques and modernist influences. During the 1960s and 70s, she exhibited frequently and internationally, and in recent years, her art has enjoyed a welldeserved resurgence among collectors.
”Dialog” is a brilliant example of Güntner’s artistic vision, whose works exude a sense of timelessness – an aesthetic in which the dreamlike and the precise coexist. Here, two people meet, but perhaps it is also an image of an internal dialogue – between past and present, between stillness and movement, between outer life and the undercurrents beneath the surface. A work that lingers – not only as an image, but as a presence.
1180. Anna Güntner (Poland 1933–2013), ”Dialog”. (d)
Oil on canvas, 100 x 65 cm, including frame 68 x 103 cm.
Signed Anna Güntner on the reverse. Executed in 1965.
Provenance: Sveagalleriet, Stockholm, acquired in the late 1960s.
Gunilla Laurell, Stockholm.
Thence by descent.
Exhibited: Biuro Wystaw Artystycznych, Krakow. Sveagalleriet, Stockholm, 20 April – 7 May 1967, listed under the title ”Samtal”, owner Anna Güntner, cat. no. 5.
1182. André Lanskoy (France 1902–1976), ”Fleurs dans un vase”. (d)
Oil on canvas, 35 x 27 cm, including frame 41 x 33 cm.
Signed Lanskoy lower right.
Estimate: SEK 15 000 – 18 000 | EUR 1 372 – 1 647
Lot nr: 4633244
Endel Kõks, Composition with two women
Elfriede Amanda Lender (née Meikov, 1882–1974) was a pioneer of women’s education in Estonia and the founder of the country’s first Estonian–language girls’ school in 1907. As a prominent advocate for women’s rights and a champion of girls’ access to higher education, she was a central figure in the modern educational history of Estonia.
She was married to Voldemar Lender (1876–1939), an engineer and the first ethnically Estonian mayor of Tallinn (1906–1913). Under his leadership, the city’s infrastructure was modernized, and his name is today associated with the characteristic “Lender houses” – a type of working-class housing that still shapes the cityscape of Tallinn.
Elfriede and Voldemar Lender belonged to the city’s intellectual elite, and their home served as a meeting place marked by education, art, and national awareness. In 2018, a monument was erected in their memory in the Torupilli district of Tallinn, near the high school that bears Elfriede Lender’s name. The work thus stands not only as an artistic expression but also as a cultural–historical document linking Estonian art with the nation’s political and educational heritage.
Endel Kõks (1912–1983) studied at the Pallas Art Academy in Tartu from 1934 to 1940, where he was influenced by Karl Pärsimägi. He made his debut in Tallinn in 1938 and soon gained recognition for
his work. After fleeing Estonia in 1944, he settled in Germany and later moved to Sweden in 1950, where he participated in several international exhibitions, including in New York and Munich, and held solo exhibitions in Örebro and Uppsala.
His artistic work includes landscapes, still lifes, portraits, collages, and monumental paintings, often characterized by bold colors and strong contours that define his style. Influenced by studies in France and travels across Europe, he developed a multifaceted expression that combined various techniques. Kõks is represented in collections and museums in Estonia, Sweden, Germany, Canada, and the United States, and he was also active as a writer and cultural commentator within the Estonian diaspora. He passed away in Örebro in 1983.
1183. Endel Kõks (Estonia 1912–1983), Composition with two women. (d) Oil on canvas, 93 x 73.5 cm, including frame 96 x 77 cm. Signed and dated E. Kõks 62 lower right.
Provenance: Teacher Elfriede Amanda Lender (1882–1974) and The mayor of Tallinn Voldemar Lender (1876–1939).
Oil on canvas, 46 x 33 cm, including frame 55.5 x 42.5 cm. Signed and dated F. Leger 29 lower right. Inscribed, countersigned and dated on the reverse: ”Composition I' ETAT F. LEGER 29”. Executed in 1929. With notes on the stretcher: ”6603”, ”11533”, ”N° 4892”.
Galerie Louise Leiris, Paris, inv. no. 11533/6603. Buchholz Gallery, New York, inv. no. 9105. Nierendorf Gallery, New York, inv. no. L 558. Svensk–Franska Konstgalleriet, Stockholm.
The collection of Editor Gerard Bonnier (1917–1987), Stockholm. Swedish private collection, presented as a gift from the above.
Exhibited: Liljevalchs Konsthall, Stockholm, ”Från Cézanne till Picasso”, September 1954, cat. no. 198. Moderna Museet, Stockholm, ”Fernand Léger 1881–1955”, 23 October – 29 November 1964, cat. no. 33. Moderna Museet, Stockholm, ”Ur Gerard Bonniers samling”, 6 June –18 August 1968, cat. no. 38.
Literature: Georges Bauquier, Fernand Léger: Catalogue raisonné, vol. 4, 1929–1931, 1995, no. 633, illustrated p. 56. Niclas Östlind, Bokförläggaren och konsten, 2017, illustrated p. 19.
Fernand Léger came from humble beginnings, raised in Normandy the son of a cattle farmer, and gained his artistic training traditionally as an architectural draughtsman and studying during the early 1900s in Paris under Jean–Léon Gérôme and other academicians. He focused his attention on painting at around the age of twenty–five, creating works in the impressionist style (”Le Jardin de ma mère”, oil on canvas, 1905, is one of the few works from this period that he did not later destroy). In 1907, after he saw the Paul Cézanne retrospective at the Salon d’Automne, his style shifted dramatically, and geometric forms assumed a greater emphasis in Léger’s work. Moving to the Parisian artistic hub of Montparnasse in 1909, he became friends with modernist artists such as Alexander Archipenko, Jacques Lipchitz, Marc Chagall, and Robert Delaunay, and exhibited in 1910 at the Salon d’Automne – a groundbreaking exhibition year which would introduce cubism to a wider artistic audience – in the same room as Jean Metzinger and Henri Le Fauconnier. Léger’s major painting from this period, ”Nus dans la forêt”, 1910, displays an individual form of cubism that critics termed ”Tubism” for its emphasis on cylindrical forms.
Throughout the early 1910s, Léger’s work became increasingly abstract, with various overlapping and connected geometric forms rendered in primary colors. His service in the French army, from 1914–16, during World War I, had a significant impact on his art. Witnessing the horrors of the war, he served at the front at Argonne and was nearly killed after a mustard gas attack by German troops at Verdun, and repeatedly sketching artillery pieces, airplanes, and fellow soldiers while in the trenches, all heralded Léger’s ”mechanical period” for which he is chiefly remembered and that in various iterations he explored throughout the remainder of his career. Recalling his wartime experiences, Léger explained, ”I was stunned by the sight of the breech of a 75 millimeter in the sunlight. It was the magic of light on the white metal. That’s all it took for me to forget the abstract art of 1912–1913. The crudeness, variety, humor, and downright perfection of certain men around me, their precise sense of utilitarian reality and its application in the midst of the life–and–death drama we were in... made me want to paint in slang with all its color and mobility.” Important ”mechanical” paintings from this transitional period, with their rigid, robot–like forms, include ”Le Soldat à la Pipe”, 1916, and ”La Partie des cartes”, 1917.
The ”mechanical” works Léger painted during the subsequent 1920s decade display more orderly and harmonious compositions, with strong contours and smoothly–blended, brighter colors. Léger’s preferred subject matter from this period, such as the mother and child, the female nude, figures in landscapes, and still life compositions, are also more traditional. The end of the decade, with the calamitous Wall Street Crash of 1929 and the onset of the Great Depression, cast into question the supremacy of mechanized industry, and ushered a watershed period in Léger’s development, during which he markedly reevaluated his aesthetic. In 1929, he transformed significantly the mechanical vocabulary of his work during the previous decade, adopting less rigidly geometric compositions that showed objects
liberated from spatial convention. At the turn of the decade, he was also appreciably influenced by Surrealism, notably the floating elements of Joan Miró’s paintings and biomorphic forms evocative of Jean Arp’s sculptures. Around this time, organic and irregular forms began to intermingle with figural motifs regularly in Léger’s work.
”Composition (Le médaillon)”, is the first of three paintings that Léger made over a two year period, 1929–1931, consisting of the central motif of a gold medallion with a female profile, floating on a dark, velvet–like material, suspended from an arched red form. There is a distinct green architectural fragment along with a nautilus, circular stair, or fan–like object repeated in each of the three versions, and Léger used primary colors in the same pattern in the three compositions. The idealized female head, rendered in dark, bold contours, whether in profile – as on the medallion in the present work – or frontal, is a recurring image in Leger’s work, particularly from this period onward. ”Composition (Le médaillon)”, Léger’s initial treatment of the subject, is his ”primo pensiero” of the recurring composition and as such has a more study–like quality; Léger also inscribed the canvas in oil on the reverse ”Composition I’ ETAT” which indicate a repetitive theme. Captivatingly, it is the smallest and most freelyrendered of the three versions of the composition that he completed, and was created at a significant turning point in Léger’s illustrious artistic career.
Like many other European artists of the generation, Léger fled France during World War II for the United States. He had first visited New York and Chicago before the War in 1931, subsequently in 1935, The Museum of Modern Art, New York held an exhibition of his work, and in 1938 he was commissioned to decorate philanthropist and renowned art collector Nelson Rockefeller’s New York apartment. During his wartime American sojourn of the early 1940s, Léger taught at Yale University, New Haven, Connecticut, and continued to evolve his artistic style. His paintings from this period are marked by freely drawn bands of bright colors juxtaposed with figures and objects outlined boldly in black. Léger credited the neon lights of New York as the source of this innovation. He remarked: ”I was struck by the neon advertisements flashing all over Broadway. You are there, you talk to someone, and all of a sudden he turns blue. Then the color fades – another one comes and turns him red or yellow.”
Following his return to France in 1945, Léger joined the Communist Party, and his art evolved to include scenes of popular life featuring acrobats, builders, divers, and country outings, all of which championed the heroic nature of the common man. He continued to paint prolifically through the remainder of his career, also expanding into various media including stained–glass and mosaics; in 1954 he began a project for a mosaic for the São Paulo Opera, Brazil, which he would not live to finish, he died suddenly at his home in 1955. In addition to the legacy of his tremendous artistic output, Léger is widely considered a progenitor of Pop Art, having been among the first artists to appropriate the objects of consumer society as the subjects of his paintings and popularize them through fine art.
1185. André Masson (France 1896–1987), ”La tête d'Holopherne”. (d)
Indian ink and wash on paper watermarked MBM
Ingres d'Arches, 63 x 48 cm (sheet), including frame 79 x 62 cm. Signed André Masson lower right.
Executed in 1960.
Provenance: Galerie Louise Leiris, Paris, inv. no. 09510/57076.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4638508
1186. Beverloo Corneille (The Netherlands 1922–2010), ”Variation II sur Pinocchio”. (d)
Acrylic and pencil on canvas, 90 x 122 cm.
Signed and dated Cornelis 2003 upper left.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4604628
André Masson, ”Mont Palatin”
Born in Balagny–sur–Therain, Oise, André Masson grew up in Belgium, studying art from age eleven at the Académie Royale des Beaux–Arts, Brussels, and later in Paris. He served as a French soldier in World War I and was seriously wounded. Masson’s artistic focus during the 1920s was largely centered on the trauma of war. In 1924 he had his first solo exhibition with the renowned Parisian dealer Daniel–Henry Kahnweiler and was closely–associated with the Surrealist group into the early 1930s.
Masson’s art was condemned by the Nazi’s as degenerate and he ultimately fled German–occupied France for the United States in 1941, settling in New Preston, Connecticut, where he lived near the artists Yves Tanguy and Alexander Calder. During this mid–century exile to the United States and after his return to France in 1945, Masson painted abstract works and landscapes, and continued to explore the sometimes violent and erotic themes of his early career. He was an important influence on American abstract expressionism, notably on the artist Jackson Pollock.
Based in Aix–en–Provence after his return to France, Masson concentrated increasingly on landscape painting. In 1951 he visited Venice, returning again in 1954 and 1955, and the city – as well as sojourns to
other points in Italy – were important sources of inspiration for his landscape work. This sweeping panoramic view of the Palatine Hill in Rome, under a stormy, vibrantly–colored purple and dark blue sky, was created after a visit to the city that proceeded the 1950 presentation of a joint retrospective of his work at the Kunsthalle Basel with that of his friend and fellow artist Alberto Giacometti. Masson had met Giacometti in Paris in 1927 and with his guidance created his first sculptural works during the late 1920s.
1187. André Masson (France 1896–1987), ”Mont Palatin”. (d) Oil on canvas, 36 x 130 cm, including frame 51 x 145 cm.
Signed André Masson lower left. Executed in 1954.
Provenance: Galerie Louise Leiris, Paris, inv. no. 05876/50398.
Director Fritz H. Eriksson (1889–1970), Stockholm.
The collection of Editor Gerard Bonnier (1917–1987), Stockholm. Swedish private collection, presented as a gift from the above.
Maria Elena Vieira da Silva, ”Souterrain”/”Colonne”.
”Souterrain”/”Colonne” from 1950 is an outstanding example of Maria Elena Vieira da Silva’s distinctive visual language, in which architectural structures, shifting perspectives, and labyrinthine compositions are interwoven into a poetic whole.
Executed during one of the artist’s most formative periods – the years following the end of the Second World War – it reflects a pivotal phase in which her artistic voice emerged with increasing clarity and autonomy. Having spent the war years in exile in Brazil, Vieira da Silva returned to Paris in 1947, where she gradually moved away from figuration in favor of a spatially driven abstraction. The late 1940s and early 1950s marked a decisive moment in her career, as she developed the intricate networks of lines, layered surfaces, and fragmented perspectives that would come to define her mature style. These compositions are neither fully abstract nor strictly architectural; rather, they are expressions of an internal geography, a visual analogue to the workings of memory and thought. It was during this period that her work began to gain international recognition, placing her among the leading figures of postwar European art.
Born in Lisbon in 1908, Vieira da Silva moved to Paris at a young age to pursue her artistic education and soon became part of the city’s vibrant avant–garde scene. She studied at the Académie de la Grande Chaumière and worked under prominent figures such as Fernand Léger and Stanley William Hayter. During World War II, she and her husband, the Hungarian painter Árpád Szenes, sought refuge in Brazil, returning to France after the war’s end. In 1966, she became the first woman to represent France at the Venice Biennale, and her work is now held in major museum collections around the world.
In this painting from 1950, her mature style comes fully into view – a dense and contemplative visual space into which the viewer is invited to lose themselves. Vieira da Silva synthesized influences from both Cubism and Abstract Expressionism, yet forged a distinctly personal idiom often described as “mental architecture.”
The painting emanates a timeless intensity and stands as a compelling example of Vieira da Silva’s contribution to the development of modern art. It is a work that not only bears witness to the artist’s individual journey, but also to a historical moment defined by reconstruction, introspection, and a profound reimagining of abstraction.
1188. Maria Helena Vieira da Silva (Portugal/France 1908–1992), ”Souterrain”/”Colonne”. (d)
Tempera, oil and pencil on canvas, 27 x 41 cm, including frame 35.5 x 49.5 cm.
Signed and dated Vieira da Silva 50 lower right. With stamp on the stretcher: ”Tillhör Bonnierartoteket”.
Provenance: Galerie Blanche, Stockholm. The Bonnier collection.
Swedish private collection, presented as a gift from the above.
Exhibited: Galerie Blanche, Stockholm, ”Vieira da Silva”, 16 September – 4 October 1950, cat. no. 24.
Literature: Marcel Biron, ”L'art abstrait a toujours existé” in: Plaisir de France, August 1956, illustrated.
Dora Vallier, Vieira da Silva, 1971, illustrated p. 106.
Guy Weelen and Jean–François Jaeger, Vieira da Silva, Catalogue Raisonné, 1994, no. 776.
Henri Michaux became famous both for his artistic talent and for his poetry and prose. After visiting Japan, China and India in the early 1930s, Asian culture became one of his biggest influences. His poetry as well as drawings, such as the present composition from 1959, shows influence from the philosophy of Buddhism and calligraphy. In the 40s and 50s, Michaux was associated with the Tachiste movement. He was a highly original visual artist and incorporated elements of calligraphy, asemic writing and abstract expressionism in his striking drawings. In 1978, The Museum of Modern Art in Paris and the Guggenheim Museum in New York had major shows of his work.
1189. Henri Michaux (France 1899–1984), Composition. (d)
India ink on paper, 80 x 141 cm, including frame 82 x 143 cm. Signed with monogram HM lower right. Executed in 1959. This work will be included in the catalogue raisonné in preparation by Micheline Phankim, Rainer Michael Mason and Franck Leibovici.
Provenance: Galerie Daniel Cordier, Paris, acquired directly from the artist in June 1960.
Collection D.B.C., Paris, inv. no. 04/073/H3.
Galerie Bel’Art, Stockholm.
Galerie Burén, Stockholm.
Stockholms Auktionsverk, Burén collection, 11 March 2009, lot 100.
A Swedish private collection.
Exhibited: XXXe Biennale Internationale d’Art de Venise, 1960. Musée national d’Art moderne, Paris, ”Henri Michaux”, 13 February – 4 April 1965, cat. no. 188.
Galleria Lorenzelli, Bergamo, ”Henri Michaux”, March 1968.
Literature: Burén Collection, Stockholms Auktionsverk, 2009, illustrated p. 93.
1190. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”Études d’après une main en bois de l’ile de paques”. (d)
Ink on paper, 28.5 x 38 cm (image), 39 x 50 cm (paper), including frame 80 x 94 cm.
Signed and dated Picasso 12 Decembre 45 Picasso lower right.
Read more about the artwork at auktionsverket.com
Provenance: A Swedish private collection.
Literature: Pierre Loeb, Voyages a travers la peinture, 1945, illustrated as pl. VII.
Christian Zervos, Pablo Picasso, vol. 14, œuvres de 1944 à 1946, 1963, no. 129, illustrated p. 60.
Paul G. Bahn, Catherine Orliac & Michel Orliac, Picasso and the Easter Island ”palm”, article published in Rapa Nui Journal, vol. 29, May 2015, illustrated p. 48.
1191. Antonio Calderara (Italy 1903–1978), Pittura. (d)
Oil on panel, 18 x 27 cm. Signed and dated Antonio Calderara 1962–1963 on the reverse. With inscription: ”Antonio Calderara mi privata P.L Arfesaui* 7 Milano. Pitture olio su tavola 1962–1963 mi. 27 x 18”. With stamp: ”Dogana di ponte chiasso T. E.”
Certificate from Fondazione Antonio e Carmela Calderara is included, signed by Giuseppe Alemani, Eraldo Misserin, Paola Bacuzzi, 12 May 2025.
Pablo Picasso, ”Colombe aux Ailes ouvertes et Visage”
from ”Le Visage de la Paix” – No XXVI
In December 1950 Pablo Picasso executed twenty–nine drawings to illustrate Paul Éluard’s collection of poems “Le Visage de la Paix”. The French poet Paul Éluard (1895–1952) was one of the founders of the surrealist movement and was along with Picasso an active member of the Mouvement de la Paix. Picasso had ever since his famous painting “Guernica” from 1937, which embodies the inhumanity, brutality and hopelessness of the Spanish civil war, focused on the subject of peace. Throughout his life, he returned to this subject and made it one of his most important motifs.
Picasso’s fascination with different subjects such as love, relationships, war and peace led him to explore the boundaries of his paintings and drawings, and he often combined objective courses of events with a more personal and emotional interpretation. He had previously worked on the theme of the dove as a symbol of peace, most noticeably in the ”Dove of Peace”, chosen as the emblem for the First International Peace Conference in Paris in 1949. The dove was a traditional, realistic picture of a pigeon, which had been given to him by his great friend and rival, the artist Henri Matisse. The two artists had a very complex yet fulfilling relationship that lasted until the death of Matisse in 1954. Picasso regularly visited Henri Matisse in Le Rêve, his villa in Vence. The art collector and American avant–garde writer Gertrude Stein was the first to introduce Picasso to Matisse and even though they seemed to have very little in common, by the time they met, they were intrigued by one another and from then on often urged each other to paint the same subjects and even name their works of art the same titles. Both artists created their drawings by using only a few and very fine lines, yet the expressions of the figures are ever present. They shared a mutual respect for each other’s works and interpretations and sometimes even exchanged their paintings and drawings. “You have got to be able to picture side by side everything Matisse and I were doing at that time. No one has ever looked at Matisse’s painting more carefully than I; and no one has looked at mine more carefully than he” (Gyula Brassai, Picasso and Company, 1966). Matisse’s opinions on Picasso’s works played a considerable role in his continuing development as an artist. Even during his later years, Picasso thought very highly of his friend and said about him; “All things considered, there is only Matisse”. Picasso later developed this image of a dove into a simple, graphic line drawing – today one of the world’s most famous symbols of peace. Alongside the horse and the bull, the dove became a subject he would return to frequently.
In the series of “Le Visage de la Paix” drawings, Picasso depicts different combinations of a dove and the face of a woman to accom-
pany Paul Éluard’s poems. They all explore the elements of peace and the efforts of maintaining it. In his first drawings for “Le Visage de la Paix”, Picasso illustrated the dove next to a face without features. As the bird moves closer to the face for every drawing, the facial features slowly appears. In the last drawings of the series, including the present drawing included in the sale, the dove and the face become one. ”Colombe aux Ailes ouvertes et Visage” (Dove with open wings and a face) is the 26th of the 29 drawings Picasso made for “Le Visage de la Paix”. The woman looks at us with a calm and steady gaze. Above her is the head of the bird, without dividing lines they have become one unity. Together they symbolize the essence of peace and the joy of life.
Paul Éluard and Picasso became close friends over the years and worked together several times, beginning when Picasso made the illustrations for Éluard’s poem ”La Barre d’Appui” in 1936. Éluards daughter Cecile Éluard writes about Picasso in her book ”Watching boxing with Picasso and a ménage–à–trois at home: my life with the surrealist elite”; ”He never got old. I never felt the 40–old years between us. We would go and have a swim in Vallauris, I would come and visit him whenever I liked in his studio in rue des Grands Augustins in Paris. He would show me his little sculptures made of bric–à–brac. He was so alive, so earthy, so absolutely not abstract!” The book ”Le Visage de la Paix” was published in 1951. It ended up being the last project Picasso and Éluard worked together on, as Éluard died in a heart attack only one year after the book was published.
1192. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”Colombe aux Ailes ouvertes et Visage” from ”Le Visage de la Paix” – No XXVI. (d)
Pencil on paper, 15 x 21.5 cm, including frame 41.5 x 45 cm. Dated and numbered 5.12.50. XXVI upper left. Executed on December 5, 1950.
A photocertificate of authenticity signed and dated by Claude Ruiz Picasso is included with this lot.
Provenance: The Lever Galleries, London.
Christie’s sale, London, 10 December 1997, lot 376.
Fabian Carlsson Gallery, Marbella.
A Swedish Private Collection, acquired from the above in 2001.
Exhibited: Musée de l’Athénée, Geneva, 1974.
The Lever Galleries, London, June–July 1977.
Literature: Cercles d’Art (ed.), Le Visage de la Paix par Picasso et Éluard, 1951 (illustrated).
Paul Éluard, Anthologie des Écrits sur l’Art, 1972, the complete collection of drawings illustrated no. 111–139. Pablo Picasso – ”Colombe aux Ailes ouvertes et Visage”.
Despite a brief artistic career, cut dramatically short by several heart attacks at the age of 34 and his sudden death in June 1962, Yves Klein became a pioneering figure in post–war European art, and is widely considered among the leading developers of performance art, as well as an important forerunner of minimal art and also the Pop Art movement. He never received formal artistic training, though he had a well–rounded creative upbringing from his parents, both of whom were painters; his father was a figurative, post–Impressionist style artist and his mother had an interest in abstract art and was a central figure in the Art Informel movement.
Born and raised in Nice, France, Klein studied at the École Nationale de la Marine Marchande and the École Nationale des Langues Orientales (1942–1946). His principal pursuits following his educational years were in the fields of judo and music. From 1948 to 1952 he traveled to judo training and competitions in Italy, Great Britain, Spain, and Japan, where, at the age of 25, he became a fourth–degree black belt, the first European to rise to such distinction. His interest in music – he was a close friend of the the French composer Claude Pascal (1921–2017) since his school years – found expression in his ”Monotone Symphony”, conceived between 1947 and 1948 (formally titled ”Monotone Silence Symphony”, 1949). The futuristic, avant–garde composition, the first public performance of which occurred in a Paris art gallery in 1960, consists of a single 20–minute sustained D major chord followed by a 20–minute silence, and presents a musical precedent to his later monochrome paintings.
By 1955, Klein had settled in Paris and focused on an artistic career, notably as a painter of the monochrome works which would transform his reputation internationally. Although he had painted monochromatic works as early as 1949 and exhibited publicly in 1950, the paintings garnered widespread recognition with several groundbreaking exhibitions during the mid–1950s. Among the first of these gallery shows, one of his oil paintings at the Club des Solitaires, Paris, October 1955, and another ”Yves: Proposition Monochromes” at Gallery Colette Allendy, Paris, February 1956, Klein presented a series of monochromatic paintings in various colors including orange, yellow, red, pink, and blue. Despite critical attention for these early exhibitions, Klein was disappointed by the public reaction to the monochrome paintings as mere decorative works.
He planned a subsequent exhibition, ”Proposte Monocrome, Epoca Blu” (Proposition Monochrome; Blue Epoch) at the Gallery Apollinaire, Milan, January 1957, which featured eleven identical blue canvases. He had painted each of the canvases uniformly using an ultramarine, or vivid blue pigment, suspended in a synthetic resin Rhodopas
(a particular brand of common wood glue marketed by a French pharmaceutical company at the time), rather than the more commonly used linseed oil. Klein described the color as ”The Medium”; it was reminiscent of the lapis lazuli pigment used to enhance and glorify celebrated figures in Medieval and Renaissance paintings. For the Gallery Apollinaire, Milan, exhibition, each of the identical blue paintings was priced differently, buyers would proceed through the gallery and select a painting to purchase based on their own visual impact. The show was a major critical and commercial success, and traveled to Paris, Düsseldorf, and London.
The particular shade of blue that he used (registered by the artist as ”International Klein Blue” or ”IKB” in 1960 with the Institut National de la Propriété Industrielle, Paris), would become a predominant basis of his fame and success. It was meant to evoke the immaterial and boundless nature of the self and the world as understood by Klein via his interest in different schools of philosophical and spiritual thought, Zen Buddhism in particular, that had been a continued interest to him since his school years. Alongside the metaphysical tenets that Klein brought to his artistic work, from the outset of his career, he was also a talented and intuitive promoter of his art, ahead of his time with his approach to artistic publicity and hype. To mark the May 1957 opening of the IKB monochrome paintings at the Iris Clert Gallery, Paris, 1,001 blue balloons were released into the Paris sky and Klein also mailed numerous announcement postcards using IKB stamps that he had bribed the postal service to accept as legitimate. These brash and new efforts of showmanship brought him greater attention publicly and wider observation critically.
Following the groundbreaking exhibitions of the monochrome blue paintings throughout Europe in 1957, Klein organized a series of equally audacious gallery shows over the next two years. For an exhibition called ”La spécialisation de la sensibilité à l’état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide” (The Specialization of Sensibility in the Raw Material State into Stabilized Pictorial Sensibility, The Void), at the Iris Clert Gallery, April 1958, he emptied the gallery space except for a large glass display cabinet and painted the walls and surfaces white. At the opening night of the show, Klein painted the gallery window blue and a blue curtain was hung in the entrance lobby, in homage to the blue monochrome paintings, through which a crowd of more than 3,000 attendees, encouraged by a significant publicity drive, flowed into a gallery devoid of art, with only an empty display case. In another exhibition at the Iris Clert Gallery, June 1959, ”Bas–Reliefs dans une Forêt d’Éponges,” Klein showed a collection of blue sponges that he had used to paint IKB canvases,
mounted on steel rods and set in ordinary rocks from a garden. Around 1960, Klein began of series of works he called ”Anthropométries”, which were part painting and part performance art, for which he used nude women as human paintbrushes, applying blue paint to their bodies and putting them in contact with canvas, paper, gallery walls, and other materials, to create oversize, abstract compositions.
Klein also had a strong affinity for gold, traceable to 1949 when he worked briefly in the workshop of Robert Strange, the renowned London picture framer–gilder and friend of his artist father. He recollected later in his artistic career his fascination with gold dating back to his apprenticeship in London, in particular how the gold leaves would fly away with the slightest movement of air and how when applied over the plain base surface of a frame could produce a gleaming, extraordinary object. Like the unique color blue that he had produced, gold held a special spiritual quality for Klein. Through its inherent shine, reflection, and resistance to tarnish or corrosion, it offered the capability that Klein sought to transform an artwork from the ”material” to the ”immaterial”, from temporality to the immortal realm. Klein embraced gold as an ancient material long revered by myriad civilizations, with a widespread ability to mesmerize the beholder. His reverence of gold alongside the use of the vivid blue pigment he had created was far from chance, it linked his work with the practices of medieval and Renaissance artists, such as Fra Angelico (1395–1455) and Giotto (died 1337), who also boldly incorporated these colors in their religious panels. Like his Renaissance predecessors, Klein used gold more sparingly due in part to the sheer cost of the materials required to make them. Compared to the number of blue monochromes in his oeuvre, Klein’s gold monochromes are significantly more scarce.
”Âge d’or [Golden Age], (MG 36)”, the 1959 gold leaf on canvas mounted on panel work presented here, hails from the apex of Klein’s artistic career. It was executed during the first year that Klein began to create the monochromatic gold works. The glowing, textured surface of the gold covered canvas shimmers from different points of view, its luminosity varied by the uneven veneer and the play of light
over its finish. The delicate nature of the materials, with some slivers of the gold leaf in relief, freed from the canvas surface, suggests the possibility of the elements quivering with the slightest breeze, even from the breath of a viewer. This important work encapsulates the scope of Klein’s artistic expression, his perception of gold as a symbol of purity and spirit, and his use of the medium to explore the concepts of the immaterial and transcendent.
In working with gold, Klein also managed to combine performance with the ethereal, much as he had with ”Anthropométries” and IKB. For ”Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle” (Zone of Immaterial Pictorial Sensibility), conceived in 1959, the same year as the creation of ”Âge d’or [Golden Age], (MG 36)”, Klein planned a performance that involved the sale of documentation of ownership of empty space (or the ”Zone of Immaterial”), in the form of a paper receipt, in exchange for gold; if the buyer acquiesced, the piece could be completed in an elaborate outdoor ritual in which the buyer would burn the receipt, and Klein would throw half of the gold into the Seine. Additionally, the ”Zone” ritual would be performed in the presence of an art critic or distinguished dealer, an art museum director and at least two witnesses, photographed and filmed. Between the creation of the piece in 1959 and his death in June 1962, eight ”Zones” were sold, three of which involved the elaborate final ritual. The performance piece capped Klein’s brilliant creative profession.
However brief his fervently inventive artistic career, in the span of fewer than fifteen years he crossed many creative thresholds that would be considered unusual even for a vocation decades longer, Klein provided immeasurable contributions to the art world through his boundless experimentation and pioneering energy. Throughout this creative period, Klein remained steadfast to the leitmotifs of his craft, in particular his monochromatic paintings and performance art, which stemmed from deeply held philosophic beliefs, and with which he combined an uncanny ability to promote his work, as he sought to create a new kind of art that eschewed the ephemeral, material world, for spiritual connection instead.
1194. Salvador Dalí (Spain 1904–1989), ”Homme Oiseau” (The Bird Man). (d)
Patinated bronze, Height 30 cm (including stone base).
Mixed media on canvas, 50 x 60 cm, including frame
57.5 x 67.5 cm. Executed in 1970. With inscription on the reverse ”autenta Turcato” and with a signed stamp of Galleria d’Arte Lo Spazio. A certificate from Galleria d’Arte Lo Spazio, Roma, dated 16 March 1974 is included in this lot.
Provenance: Galleria d’Arte Lo Spazio, Roma.
Mr. Cesare Naouri, acquired from the above in 1974.
Private collection, Sweden.
Bukowskis, Stockholm, 25 September 2016.
Private collection, Sweden.
Uppsala Auktionskammare, Stockholm, 14–16 May 2024, lot 579.
Private collection, Sweden.
Estimate: SEK 50 000 – 55 000 | EUR 4 573 – 5 031
Lot nr: 4603913
1196. Beverloo Corneille (The Netherlands 1922–2010), ”Portrait imaginaire”. (d)
Oil on canvas, 33 x 24 cm, including frame 46.5 x 37.5 cm. Signed and dated Corneille – 88 upper left and also on the reverse.
Gouache on paper mounted on cardboard, 17.5 cm x 23.5 cm, including frame 33.5 x 38.5 cm. Signed and dated PATRICK HERON 1967 on the reverse, also signed on a label mounted on the backboard of the frame, which belonged to a previous frame.
Stockholms Auktionsverk is grateful to Dr Andrew Wilson, Editor of the Patrick Heron Catalogue Raisonné, Patrick Heron Trust, for his assistance in cataloguing this lot.
Provenance: Waddington Galleries, London, April 1968. Thence by descent within the family.
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4254559
1198. Salvador Dalí (Spain 1904–1989), ”The Ugly Duckling” (from H. C. Andersen Fairy–Tales). (d)
Gouache, watercolour and ink on Arches, 55 x 37.5 cm, including frame 75 x 57 cm.
Signed and dated Dalí 1966 lower right.
The subject is registered in Archives Descharnes under no. d3139_1966.
Provenance: Art dealer Tore Gerschman (1913-1992), Stockholm.
Acquired by Mr. Arne Henrikson (1913–1996) from Gustaf Engwall/Galerie Blanche, Stockholm in 1967.
Thence by descent to the present owner.
Exhibited: Galerie Blanche, ”Salvador Dalí – motiv ur H. C. Andersens sagor, målningar och litografier”, 1967.
Literature: Ralf Michler & Lutz W. Löpsinger, Salvador Dalí – Das druckgraphische Werk II, compare with cat. no. 1168, illustrated no. 31.
Salvador Dalí, ”The Ugly Duckling” (from H. C. Andersen Fairy–Tales)
Salvador Dalí was among the most celebrated and recognized artists of the modern era when he was commissioned in 1966 by the Swedish art dealer and collector Tore Gerschman to produce a series of ten gouache paintings illustrating the fairy tales of the Danish author, Hans Christian Andersen (1805–1875). Since the early decades of his artistic career he had created some of the most memorable works of Surrealism, including ”The Persistence of Memory”, 1931 (Museum of Modern Art, New York) and ”The Burning Giraffe”, 1937 (Kunstmuseum Basel), and was equally iconic for his eccentric persona. He frequently appeared publicly in his long black cape, with a fancy walking stick, haughty expression, and long upturned waxed mustache; his boastfulness and public declarations of his genius became essential elements of his celebrity. Dalí often traveled with a pet ocelot named Babou, and was a frequent guest on television in Spain, France, and the United States, appearing on The Tonight Show Starring Johnny Carson on 7 January 1963. Gerschman (1913–1992) cemented his reputation as one of Sweden’s leading art dealers of the second half of the 20th century through the sale of art by modern luminaries such as Pablo Picasso, Marc Chagall, Fernand Léger, Dalí, and others. Gerschman became well–acquainted with Dalí during his many art buying trips to Paris, visiting Dalí and his wife Gala at their top floor suite of the Hotel Le Meurice. The Parisian master printer Desjobert collaborated with Dalí to transform his gouaches into ten color lithographs which were used to illustrate the limited edition of Andersen’s ”Fairy–Tales”, published by Gerschman in a total edition of 120.
Dalí was no stranger to illustrating famous texts when he undertook the commission for Andersen’s ”Fairy–Tales”. Previously he had provided the illustrations to limited editions for ”Don Quixote” (1956–57), ”The Divine Comedy” (1960), and ”The Holy Bible” (1963). The fairy tales he selected to illustrate from Andersen’s prolific output of more than 150 stories range from the most popular, ”The Snow Queen”, ”The Little Mermaid”, and ”The Ugly Duckling”, to the more obscure, ”The Girl Who Trod on the Loaf”, and ”The Sandman” (Ole Lukøje). In the fluid and expressionist style which characterizes his work during the 1950s–1960s, Dalí produced a remarkable series of illustrations that reinterpret the Danish author’s beloved fairy tales through the lens of dream, symbolism, and psychological depth. Like much of his illustrative work, these are far from literal depictions; Dalí’s works evoke the emotional undertow and existential complexity that ripple beneath the surface of Andersen’s ostensibly simple stories.
Dalí’s art is infused with myth and fantasy, but his engagement with Andersen’s tales reveals a softer, more introspective side to his artistic character. In these illustrations, Dalí draws out the universal themes of longing, transformation, and sacrifice that pervade the stories, and he does so with a vocabulary of melting forms, disjointed anatomies, and ethereal landscapes that float between reality and dream. For one of the two designs he created for ”The Little Mermaid”, Dalí rendered the heroine as a spectral figure caught in a liminal seascape, her yearning for human love entwined with inevitable loss. These works are not didactic, instead, like many of Dalí’s illustrations, they invite the viewer to feel rather than simply see. The result is a haunting, poetic convergence of two imaginative worlds, one literary, the other visual, that together conjure a space where innocence and surrealism, wonder and the uncanny, coexist.
The present gouache for ”The Ugly Duckling” is among the most graphically captivating of the series that Dalí created for the ”Fairy–Tales”. The striking composition is drawn from the conclusion of the popular tale, when the duckling, having matured and endured miserable, lonely winters in solitude, desperately joins a flock of swans, expecting to be killed by them but is instead strangely accepted by them, and looking at its reflection in the water, realizes that it had been not a duckling but a cygnet all along. Dalí painted the swan and its reflection in the water in bold blue hues and strong contours, occupying most of the composition. The addition of two large, bright red flowers and a fiery sunlit sky further draws the viewer into the scene. Scholars have noted the autobiographical undertones in the popular tale; Andersen was a tall, ugly boy with a big nose and big feet, teased and mocked by other children. It has been suggested further that Andersen was the illegitimate son of Prince Christian Frederik (later King Christian VIII of Denmark), and found this out sometime before he wrote the popular tale, and that being a swan in the story was a metaphor not just for inner beauty and talent but also for secret royal lineage.
Dalí’s gouaches for the illustrations in Andersen’s ”Fairy–Tales” suite are a testament to the enduring relevance of the tales and the boundless reach of surrealist art. In his designs, the familiar becomes strange again, and the childlike fables of youth are reborn as profound meditations on the human condition. Following the success of the ”Fairy–Tales”, Dalí would add to his oeuvre in 1969 the illustrious designs for the Lewis Carroll children’s classic ”Alice’s Adventures in Wonderland”.
Victor Vasarely, ”Shreeh”
Radiating with rhythmic precision and chromatic intensity, ”Shreeh” exemplifies Victor Vasarely’s consummate mastery of optical illusion and spatial vibration. Composed of meticulously ordered rectangular modules in luminous shades of red, orange, and gold, the work appears to shimmer and pulse with inner light, creating a dynamic interplay between color and geometry.
Executed between 1965 and 1975, a period that saw Vasarely refine his mature Op Art vocabulary, ”Shreeh” reveals the artist’s enduring fascination with perception, movement, and the visual possibilities of pure form. Through its carefully modulated tonal transitions and strict structural order, the painting transforms mathematical precision into poetic resonance — a hallmark of Vasarely’s approach to abstraction.
A striking example from one of the 20th century’s foremost innovators of visual language, ”Shreeh” encapsulates Vasarely’s utopian vision of art as a universal, living system – one in which light, color, and rhythm coalesce into a vibrant field of perpetual motion.
1199. Victor Vasarely (Hungary/France 1906–1997), ”Shreeh”. (d)
Acrylic on canvas, 116 x 76 cm, including frame 117 x 77 cm. Signed Vasarely low center and signed and dated Vasarely 1965/75 on the reverse. Inscribed with the archive number ”2872” on the reverse.
Provenance: Galerie Nordenhake, Malmö.
A Swedish private collection.
Estimate: SEK 400 000 – 500 000 | EUR
Lot nr: 4543098
1200. Andy Warhol (USA 1928–1987), ”Frölunda Hockey Player”.
Acrylic and silkscreen ink on canvas, 101.6 x 101.6 cm. Stamp signed Andy Warhol on the overlap. Executed in 1986. Inscribed on the overlap: ”I certify that this is an original painting by Andy Warhol compiled by him in 1986, Frederick Hughes”. With the Andy Warhol Art Authentication Board stamp on the overlap and the Identification number A111.095.
The certificate from the Andy Warhol Art Authentification Board. Inc. is included with this lot.
Andy Warhol, the undisputed icon of Pop Art, demonstrated throughout his career a deep fascination with idols, symbols, and masscultural phenomena – from movie stars to soup cans. In ”Frölunda Hockey Player” (1986), Warhol turns his gaze toward the world of sports, and specifically ice hockey, a sport that carries significant cultural weight both in the United States and in the Nordic countries.
Warhol’s connection to the Gothenburg team originated when Västra Frölunda broke away from Västra Frölunda IF to form its own club – Västra Frölunda HC – in 1984. The finances of the newly established club were under considerable strain. One of those driving the initiative, alongside the current owner of the painting, was Hans “Bula” Andersson, then chairman of Västra Frölunda HC. The club’s management had heard that another team in the Swedish Elite League had commissioned artworks to raise funds for their club, and that the proceeds had gone directly into their treasury. This sparked the idea that Västra Frölunda could do something similar. The question quickly arose: who was the most famous artist in the world at that moment?
Andy Warhol’s name was mentioned.
The painting’s owner picked up the phone and called directory assistance in New York – and got through. After an initial conversation with Andy Warhol and his manager, Fred Hughes, during which a verbal agreement was reached, representatives from Västra Frölunda flew to New York in the spring of 1986. They brought with them press photographs and other visual materials from Gothenburg, including images from Göteborgsposten. Warhol chose to base the work on a photograph of Västra Frölunda’s first–line center, Christer Kellgren. The meeting at Warhol’s studio, The Factory, was informal and relaxed, and even included an impromptu workout in the studio’s gym before the Swedish visitors returned home.
Some time later, another trip to New York followed. When the representatives visited The Factory again, Warhol presented the drafts he had created. The final choice fell on a portrait of Christer Kellgren
against a black background incorporating all of Västra Frölunda’s colors – white, red, green, and black. As the Swedish guests were leaving, Warhol said to them at the door: “Don’t forget to say hello to Mr. Vivo,” referring playfully to Kellgren, since it was common in the NHL for players’ names to appear on their helmets.
Back in Sweden, a silkscreen painting of the motif was presented to the club chairman before a home game against AIK. Unfortunately, Frölunda lost the match 3–1 – but it is not often that art history is made in an ice hockey rink. From the silkscreen painting, a series of screenprints was later produced by Rupert Jasen Smith in New York and published by Art Now in Gothenburg. The proceeds from both the painting and the screenprints provided a much–needed financial boost to Västra Frölunda’s club treasury.
After Warhol’s death, the project’s initiator received a phone call from Warhol’s manager, Fred Hughes, informing him that the artist’s estate had something they wished to show him. Once again, a trip across the Atlantic followed. The atmosphere at The Factory had of course changed profoundly after Warhol’s passing, but there awaited a larger canvas featuring a double image of Kellgren – a work that had never before been shown publicly, and which is now presented in this auction.
Through the double exposure of Kellgren’s image, Warhol places the hockey player within the same visual universe as Marilyn Monroe and Elvis Presley. Combined with the stark white background, the painting creates a striking encounter between the raw energy of sport and the graphic language of Pop Art, capturing both the power of the game and the player’s elevated status as an icon.
With its unique blend of international Pop Art and Nordic sports culture, Frölunda Hockey Player is not only a work of great interest to collectors, but also a compelling example of Warhol’s enduring ability to transform the everyday into modern iconography.
1201. Karel Appel (The Netherlands 1921–2006), Composition. (d)
Acrylic on paper laid on canvas, 50 x 72 cm, including frame 71 x 92 cm. Signed and dated Appel 75 lower right and signed and dated Appel 1975 on the reverse.
Provenance: Acquired directly from the artist by the previous owner.
1202. Fernandez Arman (France 1928–2005), ”Slices of Liberty”. (d)
Cut and welded patinated and polished bronze, Height 80 cm (including stone base). Signed and numbered Arman 73/150. Published by Marisa del Re Gallery, New York, 1985. Cast by Fonderia Immart, Roma.
Literature: M. Moreau and D. Durand–Ruel, Arman. Catalogue Raisonné des Multiples Volume 3, 2014, no. 3 (another cast illustrated).
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4511566
1203. Gottfried Honegger (Switzerland 1917–2016), ”Etude A26”.
Acrylic on canvas, 43 x 43 cm. Signed and dated Honegger 1979 on the reverse. Inscribed on the reverse A24.
Exhibited: P.Messerli Kunststoffe AG, Zûrich. Konstruktiv Tendens, Stockholm.
Estimate: SEK 15 000 – 20 000 | EUR 1 372 – 1 830
Lot nr: 4571567
1204. Andreas Brandt (Germany 1935–2016) ”Schwarz und helles blau in der mitte”. (d)
Oil on canvas, 48.5 x 81 cm, including frame 50 x 83.5 cm. Signed and dated Brandt ’82 on the reverse.
Exhibited: Konstruktiv Tendens, Stockholm.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4571723
Bill Watterson, Calvin and Hobbes, Daily Comic Strip original art
In this comic strip, we follow Calvin and Hobbes in four panels as they empty the mailbox that turns out to contain three pieces of magazines. The day before, it has contained five magazines. Hobbes wonders how it is that Calvin receives so many newspapers and Calvin explains that he has been to the library and filled out all the subscription cards that say “bill me later”.
The now cult daily strip Calvin and Hobbes, sometimes referred to as the last big newspaper comic, was published between 1985 and 1995 and was created by Bill Watterson. When the first strip was published in November 1985, it was printed in 35 different newspapers but quickly became very popular. Within just a few years it
was found in hundreds of different newspapers and when it was at its peak it was published in an incredible 2,400 daily newspapers worldwide. However, creator Bill Watterson was torn between the wishes of the publisher to commercialize Calvin and Hobbes which led to him taking several sabbaticals from the creation of the series and in 1995 he chose to quit altogether. The last Calvin and Hobbes series was published on December 31, 1995, and Bill Watterson has since more or less disappeared from the public eye. Today, over 3000 of his works are in The Billy Ireland Cartoon Library & Museum at Ohio State University. Original works such as these are therefore exceedingly rare on the market.
1205. Bill Watterson (USA born 1958) Calvin and Hobbes, Daily Comic Strip original art. Ink, pencil and white out on Bristol board. Signed WATTERSON in panel three and dated 5–9 in panel four and in the lower right corner (May 9, 1986). Published by United Press Syndicate in 1986. Bears dedication in the upper right corner ”To Jan Lindell, a man of taste, with best wishes, BILL WATTERSON”. I. 10.7 x 30.7 cm, S. 13.5 x 35.5 cm.
Also included is a book with Calvin and Hobbes which on the title page bears a dedication from Bill Watterson to Jan Lindell. The strip in this auction can be found on page 92 of the book.
Provenance: Jan Lindell, former CEO at Semic Press who published the comic book Calvin and Hobbes. Jan Lindell had a close contact with many of the cartoonists and built up a friendly relationship with many of them. Many visits were made to the creators of the comics on location in the United States, and at one of these occasions he received this original art for a comic strip as a gift from Bill Watterson, the creator of Calvin and Hobbes.
In clear fields of color, Andy Warhol’s ”Monkey (Toy Painting)” (1983) emerges as a tribute to twentieth–century childhood – an image of innocent play filtered through the aesthetics of contemporary mass media. The motif, derived from Russian packaging design for a tin toy, is given new life through Warhol’s characteristic and seemingly effortless use of color. The small monkey, rendered in an elegant red tone that sharply contrasts with the blue background, is defined by shadows in white. Through this color scheme, Warhol highlights the toy’s stylized formal language – a graphic simplicity that reveals how just a few lines can contain an entire world of imagination and stories.
When Andy Warhol presented his Toy Paintings series in Zürich in 1983, it was the result of one of the most long–standing and significant collaborations of his career – his partnership with gallerist Bruno Bischofberger. As early as the 1960s, Bischofberger had been a key figure in the establishment of Pop Art in Europe, not least through the groundbreaking 1965 exhibition featuring works by Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, and Tom Wesselmann. Over decades of close friendship and artistic exchange, Bischofberger would go on to inspire Warhol at several pivotal moments – in 1972 with the Mao series, and later with Toy Paintings, a series created with children as its intended audience.
Toy Paintings was an unexpected commission for Warhol, yet one that suited him perfectly. Throughout his career, he had continually explored the relationship between art, consumerism, childhood, and reproduction. In Toy Paintings, he combined many of these elements in a new context. When the series was first exhibited at Galerie Bruno Bischofberger under the title Paintings for Children (December 3, 1983 – March 10, 1984), it was not only the paintings themselves that drew attention, but also how they were displayed. The gallery’s white walls were painted blue and decorated with silver fish. The paintings were hung low, at children’s eye level, forcing adult viewers to kneel or crouch to see them properly. In doing so, Warhol compelled his audience to change perspective – both physically and psycho-
logically. The gallery space was transformed into a kind of artistic playroom, where the traditional experience of art gave way to something more intuitive, physical, and childlike.
In Sweden, the Toy Paintings series was exhibited at Art Now in Gothenburg in 1985 under the title Children’s Painting. The present work was acquired at that exhibition and has remained in the same collection ever since.
At first glance, these paintings appear simple, charming, and playful. Yet, as with much of Warhol’s work, beneath the surface lies a complex interplay between depth and superficiality, mass production and individuality, originality and reproduction. By using the same silkscreen technique as in his famous paintings of Campbell’s Soup Cans, Marilyn Monroe, and Elvis Presley, Warhol places these seemingly innocent toys within a broader dialogue about commercialism, identity, and iconography.
It is also tempting to view Toy Paintings as a form of self–reflection late in Warhol’s career. Created just four years before his death, the series looks back on his early fascination with American consumer culture, while introducing a new tone of nostalgia, warmth, and playfulness. The toys he depicted were no longer contemporary products, but relics of a vanished childhood. Toy Paintings thus capture a subtle cultural shift – from the ironic celebration of mass-produced icons to a more personal and wistful reflection on the objects that once inspired wonder.
Warhol himself described the effect of Pop Art as a reprogramming of perception:
“Once you ‘got’ Pop, you could never see a sign the same way again. And once you thought Pop, you could never see America the same way again. The mystery was gone, but the amazement was just starting.”
In Toy Paintings, this duality feels more present than ever. The mystery may be gone – but the wonder remains.
1208. Vilhelm Bjerke–Petersen (Denmark/Sweden 1909–1957), Geometric composition. (d)
Oil on canvas, 33.5 x 41 cm, including frame 49 x 57 cm. Signed with monogram and dated v.b.p. –53 lower right.
Pamphlet from Konstsalongen Samlaren, Stockholm, ”Vilhelm Bjerke–Petersen”, February 1957, included. Contains similar composition as lithograph to the auction painting.
Estimate: SEK 30 000 – 35 000 | EUR 2 744 – 3 201
Lot nr: 4632037
1209. Vilhelm Bjerke–Petersen (Denmark/Sweden 1909–1957), Abstract composition. (d)
Oil on canvas, 80 x 63 cm, including frame 101 x 85 cm. Very thin signature v. b–p lower right. Affixed label with certificate of authenticity on the reverse by Eva–Lisa Lennartsson.
Provenance: Bukowskis, Stockholm, Moderna, May 1989, cat. no. 29.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4601566
1210. Robert Jacobsen (Denmark 1912–1993), ”Roma”. (d)
Painted iron in black and blue, Height 30.5 cm. Signed with monogram Rj under the base. Executed in 1986.
A photocertificate signed by the artist is included in this lot.
Provenance: Solin Konsthandel, Stockholm.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4608783
1211. Walter Henry Williams (USA/Denmark 1920–1998), Bit of summer. Mixed media on panel, 43 x 48.5 cm, including frame 46 x 51.5 cm. Signed W. Williams lower right and signed and dated Walter Williams 1965 on the reverse.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4572006
1212. Wim Oepts (The Netherlands/France 1904–1988), Landscape. (d) Oil on canvas, 46 x 55 cm, including frame 61 x 70 cm. Signed and dated Oepts –51 lower right.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4633332
1213. Carl–Henning Pedersen (Denmark 1913–2007), Composition with face. (d)
Wax crayons and pencil on paper, 30 x 41.5 cm, including frame 42 x 53.5 cm. Signed with monogram and dated CHP 46 lower left.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4625657
1214. Herbert Gentry (USA/Sweden 1919–2003), Composition.
Watercolour on paper, 62 x 50 cm, including frame 72 x 58 cm. Signed Gentry lower left. With inscription on the supporting board: ”Sans pareille”.
Patinated and polished bronze, Height 61.5 cm. Signed and numbered Arman 38/100. Foundry mark Bocquel Fud. Published by Diego Strazzer, Verona. Cast by Fonderie R. Bocquel S.A. Bréauté, France.
Literature: M. Moreau and D. Durand–Ruel, Arman. Catalogue Raisonné des Multiples Volume 3, 2014, no. 6 (another cast illustrated).
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4627337
1219. Fernandez Arman (France 1928–2005), Car Accumulation (Matchbox Cars). (d)
Accumulation (matchbox cars in epoxy resin), 40 x 29.8 x 8.5 cm. Signed Arman on metal label and numbered AP 5/5 (aside of the edition of 75). Executed in 1985.
Literature: Archives Denyse Durand–Ruel no. 3492.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4603926
1220. Fernandez Arman (France 1928–2005), Untitled (Violin). (d) Burnt and broken violin embedded in UV treated polyester resin, 45 x 26 x 12 cm, signed Arman. Executed in 1973. Unique and original. This work is recorded in the Arman Studio Archives New York under number: APA# 8208.73.112.
Wall relief, brass, Height 93, Length 127 cm. Signed and numbered Arman 44/99. Executed in 1988. This work is recorded in the Arman Studio Archives New York under number: APA# 8400.88.076.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4571561
1222. Normunds Brasliņš (Latvia born 1962), Composition with two ladies. (d)
Oil on canvas, 60 x 60 cm, including frame 62 x 61.5 cm.
Signed and dated NBrasliņš 89 lower right.
Provenance: Acquired directly from the artist.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4586342
1223. Paul van Hoeydonck (Belgium born 1925), ”Space Lady Helle”. (d)
Mixed media on board, 224 x 122 cm, including frame 225 x 125 cm.
Signed and dated PV Hoeydonck Nov –65 New York on the reverse.
Provenance: An Important Private Swedish Collection.
Exhibited: Wadell Gallery, New York, 1967.
Commune di Milano, Rotondo di via Besana, June–July 1973. Museum of Modern Art, Oostende, ”Paul Van Hoeydonck: Retrospective”, 1995–1996.
Literature: Commune di Milano, Rotondo di via Besana, exhibition catalogue June–July 1973, no. 15, illustrated.
Willy Van den Bussche (Interview), Paul Van Hoeydonck; Retrospectief, Museum of Modern Art, Oostende, Belgium, 1995, illustrated p. 159.
Acrylic on paper, 54 x 70 cm, including frame 70 x 80 cm. Stamped signature Damien Hirst on the reverse, together with stamped text: ”This painting was made by Kevin C to celebrate the opening of Damien Hirst, Requiem, at the Pinchuk Art Centre on April 25–26, 2009.”.
Estimate: SEK 15 000 – 20 000 | EUR 1 372 – 1 830
Lot nr: 4614042
1225. Rafael Canogar (Spain born 1935), ”Pelagio II” (Cabeza). (d)
Oil on canvas, 100 x 81 cm, including frame 102 x 83 cm. Signed and dated Canogar 84 lower left and signed and dated Canogar 84 on the reverse.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4629046
1226. Horst Antes (Germany born 1936), Der Kopf (Head). (d)
Multiple, corten steel, welded and with reddish patina, 45 x 46 x 13.5 cm.
Signed and numbered on the stand Antes 216/1000.
Estimate: SEK 25 000 – 30 000 | EUR 2 287 – 2 744
Lot nr: 4599834
1227. Esko Manniköö (Finland born 1959), ”Suomussalmi”. (d)
C–print, 35 x 54 cm, including frame made by the artist 50.5 x 69 cm.
Signed, numbered and dated E Manniköö, 3/20 1990.
Estimate: SEK 10 000 – 15 000 | EUR 915 – 1 372
Lot nr: 4599346
1228. Normunds Brasliņš (Latvia born 1962), Still life with glass, ceramics and candlestick. (d)
Oil on canvas, 65 x 58 cm, including frame 82 x 75 cm.
Signed N Braslins low center.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4616212
1229. Marc Chagall (Russia/France 1887–1985), ”Ève maudite par dieu” from ”Dessins pour la Bible”. (d)
Colour lithograph, 1960, signed and numbered Marc Chagall 14/50. I. 26.6 x 35.5 cm, S. 52 x 38 cm. With frame 57 x 43 cm.
Mourlot 236.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4597733
1230. Marc Chagall (Russia/France 1887–1985), ”Entre Printemps et Été”. (d)
Colour lithograph printed on Arches, 1973, signed and numbered Marc Chagall 23/50. I. 51 x 39 cm, S. 65.5 x 49 cm. With frame 74 x 61 cm.
Mourlot 687.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4556530
1231. Marc Chagall (Russia/France 1887–1985) After. ”Carmen”. (d)
Lithograph in colours on Arches paper, 1967, by Charles Sorlier after Marc Chagall, signed in pencil and numbered 93/200, the full sheet with deckled edge. S. 102 x 66.5 cm. With frame 105 x 69.5 cm.
1232. Le Corbusier (Switzerland/France 1887–1965), Five prints from ”Poème de l'angle droit”. (d)
Five colour lithographs from the suite of originally 19, 1955, signed and numbered Le Corbusier 16/60. Published by Tériade, Paris. S. 47 x 36.5 cm. With frames 51 x 41 cm (each).
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4520904
1233. Salvador Dalí (Spain 1904–1989), ”Much Ado about Shakespeare” (Shakespeare II). (d)
The complete set of 16 drypoint engravings printed in colours on BFK Rives, 1970, all signed and numbered Dalí 185/250. All framed. I. 17 x 12 cm, S. 46 x 29 cm. With frames 50 x 38 cm cm (each).
Colour lithograph, 1971, signed, dated and numbered Sonia Delaunay 71 11/75. I. 60.5 x 44 cm, S. 76 x 56 cm. With frame 86 x 65 cm.
Estimate: SEK 15 000 – 18 000 | EUR 1 372 – 1 647
Lot nr: 4539237
1235. Jean Dubuffet (France 1901–1985), ”Le Braconnier” from ”Assemblages d'empreintes”. (d)
Lithograph printed on Arches, 1953, signed, dated and inscribed J. Dubuffet 53 épreuve HC (aside of the edition of 20).
I. 50.5 x 65 cm, S. 56.5 x 70 cm.
Webel 363.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4638034
1237. Fernand Léger (France 1881–1955), ”La Femme et la Fleur”. (d)
Colour lithograph printed on Arches, 1954, signed with monogram and dated in the plate F.L. 51, signed F. Léger with ink (faded) and numbered in pencil 2/75. I. 56.5 x 52.5 cm, S. 76.5 x 58 cm.
With frame 87 x 75 cm.
Saphire 136.
Estimate: SEK 25 000 – 30 000 | EUR 2 287 – 2 744
Lot nr: 4575895
1236. Yves Klein (France 1928–1962), ”Anthropométrie ANT 83”. (d)
Colour screenprint on Rives BFK, 2001 (conceived 1960), from the edition of 200. Published by Editions T.A.T. Arts, Paris, with the printed justification verso. S. 55 x 79 cm.
Based on one of Yves Klein's (1928–1962) ”Anthropometry” paintings from 1960, for which the artist used nude women as human paintbrushes, applying blue paint to their bodies and putting them in contact with canvas, paper, gallery walls and other materials.
Etching and aquatint printed in colours on Arches, signed F. Léger in ball–point pen and numbered in pencil 160/300. I. 43 x 56.5 cm, S. 55 x 76 cm.
With frame 70 x 90 cm.
Maeght 1403 Saphire E16.
Literature: D. Cooper, Fernand Léger et le nouvel espace, Geneva, compare p. 147 G. Bauquier, Fernand Léger, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Paris, 2000, vol. VII, compare p. 214 and compare illustration p. 215.
Estimate: SEK 12 000 – 15 000 | EUR 1 098 – 1 372
Lot nr: 4631260
1239. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Le Majorquin Taciturne”. (d)
Colour lithograph printed on BFK Rives, 1969, signed and numbered Miró 24/75. Maeght éditeur, Paris. S. 85 x 60.5 cm. With frame 88 x 63 cm.
Mourlot 527.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4597659
1240. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Le Revenant” (L'Esprit). (d)
Colour lithograph printed on BFK Rives, 1969, signed and numbered Miró 29/75. S. 91.5 x 63 cm. With frame 104 x 75 cm.
Mourlot 640.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4597658
1241. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Strindberg”. (d)
Colour lithograph, 1976, signed and numbered Miró 90/100. Printed by La Poligrafa, Barcelona. Published by Galerie Börjeson, Malmö. S. 75.5 x 56 cm. With frame 96 x 75 cm. Mourlot 1104.
Estimate: SEK 30 000 – 35 000 | EUR 2 744 – 3 201
Lot nr: 4608786
1243. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Tracé sur la Paroi V”. (d)
Etching, aquatint and carborundum printed in colours on Chiffon de Mandeure, 1967, signed and inscribed Miró H.C. Maeght éditeur, Paris. I. 58.5 x 92.5 cm, S. 74.5 x 104.5 cm. With frame 85 x 115 cm.
Dupin 444.
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4604501
1242. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Prise à l'Hameçon”. (d)
Aquatint, etching and carborundum printed on Arches, 1969, signed and numbered Miró 50/75. Maeght éditeur, Paris. I. 99 x 59.5 cm, S. 105.5 x 68 cm. With frame 108 x 70 cm. Dupin 515.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4597654
Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Tracé sur la Paroi V”. (d)
Etching, aquatint and carborundum printed in colours on Chiffon de Mandeure, 1967, signed and numbered Miró 30/75. Maeght éditeur, Paris. I. 58.5 x 92.5 cm, S. 74.5 x 104.5 cm. With frame 79 x 108 cm.
Dupin 444.
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4533246
1244.
1245. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Petite Fille devant la Mer”. (d)
Etching and aquatint printed in colours on Chiffon de Mandeure, 1967, signed and numbered Miró 13/75. Maeght éditeur, Paris. I. 58.5 x 92.5 cm, S. 74 x 104.5 cm. With frame 85 x 115 cm. Dupin 435.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4607182
1246. Joan Miró (Spain 1893–1983), From ”Le Marteau sans Maître”. (d)
Etching and aquatint printed in colours on Japan, 1976, signed and numbered Miró XXV/L. Printed by Morsang, Paris. Published by Le Vent d'Arles, Paris. I. 28 x 22.5 cm, S. 44 x 33 cm. With frame 48 x 37 cm.
Dupin 949, Cramer 216.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4573789
1247. Joan Miró (Spain 1893–1983), From ”Le Marteau sans Maître”. (d)
Etching and aquatint printed in colours on Japan, 1976, signed and numbered Miró XXII/L. Printed by Morsang, Paris. Published by Le Vent d'Arles, Paris. I. 28 x 22.5 cm, S. 44 x 33 cm. With frame 54 x 42 cm. Dupin 962, Cramer 216.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4556520
1248. Joan Miró (Spain 1893–1983), From ”Le Marteau sans Maître”. (d)
Etching and aquatint printed in colours on Japan, 1976, signed and numbered Miró XXV/L. Printed by Morsang, Paris. Published by Le Vent d'Arles, Paris. I. 28 x 22.5 cm, S. 44 x 33 cm. With frame 48 x 37 cm.
Dupin 964, Cramer 216.
Estimate: SEK 20 000 – 25 000 | EUR 1 830 – 2 287
Lot nr: 4573784
1249. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Quatre Colors aparien el Món” (Plate 1). (d)
Etching and aquatint printed in colours on Arches, 1975, signed and numbered Miró 11/50. Published by Gustavo Gili, Barcelona. S. 90 x 63 cm. With frame 98 x 70 cm.
Dupin 822.
Estimate: SEK 60 000 – 70 000 | EUR 5 488 – 6 402
Lot nr: 4597747
1250. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Quatre Colors aparien el Món” (Plate 3). (d)
Etching and aquatint printed in colours on Arches, 1975, signed and numbered Miró 11/50. Published by Gustavo Gili, Barcelona. S. 90 x 63 cm. With frame 98 x 70 cm.
Dupin 824.
Estimate: SEK 60 000 – 70 000 | EUR 5 488 – 6 402
Lot nr: 4597748
1251. Joan Miró (Spain 1893–1983), ”Quatre Colors aparien el Món” (Plate 5). (d)
Etching and aquatint printed in colours on Arches, 1975, signed and numbered Miró 11/50. Published by Gustavo Gili, Barcelona. S. 90 x 63 cm. With frame 98 x 70 cm. Dupin 826.
Estimate: SEK 60 000 – 70 000 | EUR 5 488 – 6 402
Lot nr: 4597749
1252. Joan Miró (Spain 1893–1983), After. ”Le Sourire Aux Ailes Flamboyantes”. (d)
Colour lithograph printed on Arches, 1954, signed, dated and numbered Miró 1974 349/400. Maeght éditeur, Paris. I. 34.7 x 45.8 cm, S. 48.5 x 59.8 cm.
Maeght 1705. This colour lithograph is based on the same titled oil on canvas by Miró from 1953 now in the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4601201
1253. Portfolio Ediciones Polígrafa, S. A. – 15 Years of Graphic Work.
The complete portfolio comprising 18 colour lithographs, 1979, all prints signed and numbered 88/10. Published by Ediciones Polígrafa, Barcelona, for an exhibition at Redfern Gallery, London, 4 December 1979–31 January 1980. Loos as issued in the original cardboard portfolio. S. 37.5 x 27 cm. Includes the artists: Christo (Schellmann 102), Miró (Mourlot 1192), Zao Wou–Ki (Ågerup 292), Bird, Camacho, Castillo, Guinovart, Hernandéz–Pijuán, Lam, Matta, Ponç, Ràfols Casamada, Tamayo, Tàpies, Télémaque, Velickovic, Vieira da Silva.
Estimate: SEK 50 000 – 70 000 | EUR 4 573 – 6 402
Lot nr: 4532509
1254. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”La Petite Bacchanale”. (d)
Linoleum cut printed in colours on Arches, 1959–1961, signed and numbered Picasso 13/50. I. 22 x 26.5 cm, S. 44.8 x 62.5 cm. With frame 47 x 65 cm. Bloch 1020.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4597670
1255. Pablo Picasso (Spain 1881–1973), ”La Danse des Faunes”. (d)
Lithograph on Arches, 1957, signed in blue and red crayon, numbered in pencil 60/200, printed by Mourlot, Paris. I. 40.8 x 52.2 cm, S. 50.3 x 60.3 cm. With frame 87.5 x 72.5 cm.
Bloch 830. Mourlot 291.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4408655
1256. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”Peintre au Travail”. (d)
Etching printed on BFK Rives, 1963, signed and numbered Picasso 32/50. I. 33 x 23 cm, S. 47.5 x 32.5 cm. With frame 61 x 45 cm.
Bloch 1129.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4597708
1257. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”Modèle et Peintre”. (d)
Aquatint and dry–point printed on BFK Rives, 1966, signed and numbered Picasso 14/50. I. 27.5 x 38 cm, S. 27 x 37.5 cm.
With frame 44 x 53 cm.
Bloch 1388.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4597679
1258. Pablo Picasso (Spain/France 1881–1973), ”Dans l'atelier: Modèle au transat”. (d)
Aquatint and etching, 1965, signed and numbered Picasso 6/50. I. 40 x 57 cm, S. 39.5 x 56 cm. With frame 59 x 76 cm.
Colour lithograph printed on BFK Rives, 1958, signed and inscribed Serge Poliakoff Epreuve d'artiste /125. Published by L’Oeuvre Gravée with their blindstamp.
I. 64 x 49 cm, S. 76 x 56.5 cm. With frame 106 x 85 cm.
Poliakoff–Schneider 19.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4539238
1260. Victor Vasarely (Hungary/France 1906–1997), ”Les Années Cinquante”. (d)
The complete set comprising of 10 screenprints in colours, 1989, signed and numbered Vasarely 74/100. Published by Pesti Mühely, Budapest.
I. c. 55 x 45 cm, S. 70 x 57 cm. Two of the prints are framed 71 x 58 cm.
The remaining 8 are unframed.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4619442
1261. Eduard Wiiralt (Estonia 1898–1954), ”Lamav tiiger” (Reclining Tiger).
Soft ground etching and drypoint. Signed and numbered E. Wiiralt 74/200. Signed and dated in the plate E. Wiiralt 1937 1950. I. 29.6 x 39.4 cm, S. 38 x 56 cm. With frame 40 x 58 cm. Executed in 1937 and printed in this state in 1950. Kangilaski 85.
A set of 7 colour lithographs on BFK Rives, 1964, signed in felt–tip pen and black ink, lower right, and numbered 70/100 in pencil, lower left. Each S. 49.5 x 69.5 cm.
Provenance: Acquired directly by the current owner from the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 1964.
Private collection, Sweden.
Estimate: SEK 50 000 – 70 000 | EUR 4 573 – 6 402
Lot nr: 4639355
1263. Christo Javacheff, ”Christo” (Bulgaria/USA 1935–2020), ”Orange Store Front, Project”.
Colour lithograph on Arches paper with collage of fabric, wrapping paper, staples, acetate, and galvanized iron, 1991, signed in pencil and numbered 57/100. Printed by Landfall Press, Chicago, and published by Leif Holmer Gallery, Nässjö / Claes Distner Gallery, Karlshamn. Identification mark CJ–90–68. S. 68.5 x 79 cm. Mounted in a Plexiglas box frame 70 x 80 cm. Schellmann/Benecke 157.
Provenance: Leif Holmer Gallery, Nässjö, Sweden. Purchased by the present owner in 2009.
Estimate: SEK 50 000 – 60 000 | EUR 4 573 – 5 488
Lot nr: 4635134
1264. David Hockney (Great Britain born 1937), ”Mo McDermott”. (d)
Lithograph, 1976, signed, dated and numbered David Hockney 76 16/100. Published by Gemini G.E.L. Los Angeles (with their blindstamp). S. 82.5 x 60 cm. With frame 87 x 64 cm.
Scottish Arts Council 178. Museum of Contemporary Art Tokyo 167.
Estimate: SEK 25 000 – 30 000 | EUR 2 287 – 2 744
Lot nr: 4628004
1265. David Hockney (Great Britain born 1937), ”Henry at table”. (d)
Lithograph printed on Arches, 1976, signed, dated and numbered David Hockney 76 11/96. Published by Gemini G.E.L. Los Angeles (with their blindstamp). S. 75.5 x 105.5 cm. With frame 80 x 110 cm.
Scottish Arts Council 188. Museum of Contemporary Art Tokyo 176.
Estimate: SEK 50 000 – 70 000 | EUR 4 573 – 6 402
Lot nr: 4628008
1266. Willem de Kooning (The Netherlands/USA 1904–1997), ”The Preacher”. (d)
Lithograph printed on Arches, 1971, signed, dated and numbered de Kooning '71 56/60. With the blindstamp from Hollanders Workshop. I. 64 x 48 cm, S. 76 x 56.5 cm. Graham 27.
Estimate: SEK 40 000 – 50 000 | EUR 3 659 – 4 573
Lot nr: 4547141
1267. Frank Stella (USA 1936–2024), ”Despairia” (from Imaginary Places).
Screenprint, aquatint, etching, relief lithograph, engraving and mezzotint printed in colours on TGL handmade paper, 1995, signed, dated and inscribed F. Stella '95 AP. 15 (an artist's proof aside of the edition of 50). S. 50.5 x 132 cm. With frame 64 x 146 cm. Axsom 231.
1268. Sean Scully (Ireland/USA born 1945), ”Liliane #8”. (d)
Etching and aquatint printed in colours, 2010, signed with monogram and dated Sean Scully 10, numbered AP 10/10 (aside of the edition of 40).
Printed and published by Gregory Burnet Editions, New York, 2010 (with their blindstamp). I. 60.7 x 45.4 cm, S. 86 x 71 cm.
Estimate: SEK 25 000 – 30 000 | EUR 2 287 – 2 744
Lot nr: 4576068
1269. Andy Warhol (USA 1928–1987), ”Frölunda Hockey Player”.
Colour screenprint on Lenox Museum Board, 1986, signed and numbered Andy Warhol 24/100. Printed by Rupert Jasen Smith, New York. Published by Art Now Gallery, Gothenburg. S. 100 x 80 cm. Feldman–Schellman II.366.
1270. Andy Warhol (USA 1928–1987), ”Ingrid Bergman – The Nun”.
Colour screenprint on Lenox Museum Board, 1983, signed and numbered Andy Warhol 92/250. Published by Galerie Börjeson, Malmö. Printed by Rupert Jasen Smith. A certificate issued by Galerie Börjeson is included. S. 96.5 x 96.5 cm. With frame 97 x 97 cm. Feldman–Schellman II.314.
Provenance: Galerie Börjeson, Malmö, Sweden. A Swedish private collection, acquired from the above.
1271. Tom Wesselmann (USA 1931–2004), ”Monica Sitting Cross–Legged” from ”Steel Drawing Edition”. Laser–cut steel with alkyd oil, signed, dated and numbered Wesselmann –90 17/26. Published by the artist and Sidney Janis Gallery, New York. I. 25 x 23 cm. With frame 50.5 x 40.5 cm.
1272. Tom Wesselmann (USA 1931–2004), ”Nude with Rose”. Screenprint with embossing, 1976, signed, dated and numbered Wesselmann 76 11/75. Printed by Styria Studios, New York. Published by Multiples Inc. New York (with their blindstamps). I. 34.3 x 59.8 cm, S. 56.5 x 76 cm.
Estimate: SEK 60 000 – 80 000 | EUR 5 488 – 7 317
Lot nr: 4633955
1273. Zhang Xiaogang (China born 1958), ”Fantasy”. Colour lithograph, 2002, signed and numbered Zhang Xiaogang 151/199. I. 65.5 x 54 cm, S. 78.5 x 64 cm.
Estimate: SEK 12 000 – 15 000 | EUR 1 098 – 1 372
Lot nr: 4547152
1274. Zao Wou–ki (China 1920–2013), Untitled, from ”33 Maîtres contemporains”.
Etching and aquatint printed in colours, 1979, signed and numbered Zao Wou–Ki 170/200. I. 27.3 x 22.5 cm, S. 30 x 24 cm. With frame 40 x 34 cm. Ågerup 305.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4608782
1275. Jim Dine (USA born 1935), ”Self–Portrait (Zink & Acid)” from ”New York Ten”. Etching printed on Arches, 1964, signed and inscribed Jim Dine 'artists proof' (aside of the edition of 200). Printed by Emiliano Sorini, New York. Published by Tanglewos Press Inc. New York. I. 44.5 x 34.5 cm, S. 52 x 42.5 cm. Galerie Micro 26.
Estimate: SEK 15 000 – 20 000 | EUR 1 372 – 1 830
Lot nr: 4626119
1276. Sam Francis (USA 1923–1994), ”Moderna Museet Stockholm”. Colour lithograph on cream wove, 1960, signed and numbered Sam Francis 8/75. Printed by Emil Matthieu Atelier, Zurich. Published by Kornfeld and Klipstein, Bern. I. 90.2 x 63.5 cm, S. 95.2 x 67.5 cm. With frame 111 x 82 cm. Lembark L16.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4629961
1277. Jasper Johns (USA born 1930), ”Buttocks” from ”Casts from Untitled”.
Colour lithograph printed on Richard de Bas Narcisse paper, 1974, signed, dated and numbered J. Johns '74 48/49. Published by Gemini G.E.L. (with their blindstamp). I. 37.5 x 38.5 cm, S. 78.1 x 57.8 cm. With frame 85 x 64 cm.
Gemini ULAE 136.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4629007
1278. Alex Katz (USA born 1927), ”Ada” from ”Ada Four Times”.
Lithograph and screenprint in colours on Arches Cover paper, 1979–80, signed and numbered 20/120. Published by GHJ Graphics, Inc., New York. S. 76 x 57 cm.
Schröder 118–121 (the set).
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4630568
1279. James Rosenquist (USA 1933–2017), ”Caught One Lost One for the Fast Student or Star Catcher” from ”Welcome to the Water Planet”.
Lithograph in colours on C. P. Saunders paper, with pressed paper pulp collage on TGL handmade paper, 1989, signed, dated and numbered James Rosenquist 1989 26/92. Published by Tyler Graphics, Ltd., Mount Kisco, New York. I. 132 x 83.2 cm, S. 137 x 97 cm. With frame 145 x 103 cm.
Glenn 222.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4623643
1280. Ed Ruscha (USA born 1937), ”Rodeo”.
Lithograph in brown and black printed on Arches, 1969, signed, dated and numbered E. Ruscha 1969 16/20.
Published by Tamarind Lithography Workshop, Los Angeles, with their blindstamp. S. 43 x 61 cm. With frame 52 x 70 cm. Engberg 14. Tamarind 2531.
1281. Frank Stella (USA 1936–2024), ”Giufà e la Berretta Rossa, State II”.
Etching, aquatint in colours, relief & copper engraving, 1989, signed and numbered Frank Stella 4/5. Published by Tyler Graphics, New York. S. 148.7 x 193.7 cm.
Colour screenprint on wallpaper, 1971. From the unlimited edition, published by the Andy Warhol Foundation, New York, 1989.
S. 118 x 76 cm. With frame 119 x 78 cm.
This is from the posthumous edition published by The Andy Warhol Foundation in 1989 to coincide with ”Andy Warhol: A Retrospective”, Museum of Modern Art, New York, February 6 – May 2, 1989. The edition is not noted in Feldmann and Schellmann; see Feldmann and Shellmann 11 for the original edition. With an Andy Warhol, 1342 Lexington Avenue, New York, ink stamp on the verso believed to be spurious.
Estimate: SEK 20 000 – 30 000 | EUR 1 830 – 2 744
Lot nr: 4633373
1283. Tom Wesselmann (USA 1931–2004), ”Great American Brown Nude: Cut–out”.
Screenprint in colours on wove paper, 1971, signed, dated and numbered Wesselmann 71 24/100. Printed by Chiron Press, New York. Published by the artist, with the die–cut museum board mount (as issued).
I. 33.5 x 43.5 cm, S. 40.7 x 50.7 cm. With frame 46 x 56 cm.
Estimate: SEK 30 000 – 40 000 | EUR 2 744 – 3 659
Lot nr: 4631102
1284. Olle Bœrtling (Sverige 1911–1981), ”Creator of Open Form”. (d)
Komplett portfolio med 8 färgserigrafier, signerade och numrerade Baertling V/XXV (den totala upplagan trycktes i 125 exemplar). Utgivna av Éditions
Denise René, Paris, 1974. Tryckta av Screen Print Production AB, Stockholm. I. 92 x 46 cm, S. 110 x 75 cm. Innehåller kompositionerna: KARAMY, VEBAMAK, XA, XAU, YUAK, YOYAMA, YIO, AYARB.
