SEÑAL NEWS 245 | CONTENT AMERICAS 2026

CONTENIDO VERTICAL

¿HAY MODELO DE NEGOCIO?

El costo de producción del contenido vertical es significativamente menor al del contenido tradicional, pero ¿dónde está realmente el negocio? ¿En el volumen o en las alianzas estratégicas?

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MARIANO KON LA IA Y SU EFECTO EN LA CREATIVIDAD

El especialista en Transmedia Content & Business explica el impacto de la IA generativa en producción audiovisual y enumera sus oportunidades de negocio.

Año 25 • # 245 • Enero 2026

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Claves y estrategias de compañías que apuestan por una tendencia que, según datos de Omdia, generó US$ 11 billones en ingresos globales en 2025.

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JIMMY ARTEAGA EL PODER LOCAL DE LA TV ABIERTA

38 El Chief Content Officer de Hemisphere Media, analiza la evolución de los medios de comunicación y destaca un contexto de modas pasajeras, donde el contenido continúa reinando.

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JULIANA SOUZA AMÉRICA LATINA COMO PRIORIDAD

La Gerente de Distribución de Contenido y Alianzas de Globo para América Latina, resalta el renovado approach de la compañía brasileña para coproducción y venta de formatos.

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+ SOCIOS

158

ANCINE REPORTÓ UN CRECIMIENTO EN LAS COPRODUCCIONES INTERNACIONALES BRASILEÑAS. EUROPA MANTIENE SU LIDERAZGO CON 158 COPRODUCCIONES.

88%

LUEGO DE EUROPA, SUDAMÉRICA COPRODUJO 121 TÍTULOS (38,41%) JUNTO A BRASIL.

3

ARGENTINA (68), PORTUGAL (49) Y FRANCIA (48) SON LOS COPRODUCTORES DE BRASIL.

ANCINE apunta a diversificar las coproducciones, con acuerdos firmados con Chile, China, Francia y Nigeria. Además, mantiene negociaciones con Corea del Sur, Japón, Líbano, México, Nueva Zelanda, Polonia, Rusia y Turquía, con el objetivo de abrir mercados en Asia y Oriente Medio.

INTER MEDYA

COPRODUCIRÁ CON RISE STUDIOS

Inter Medya ha firmado un acuerdo estratégico de coproducción con Rise Studios para desarrollar y producir conjuntamente series guionadas de alta calidad. El primer proyecto bajo esta alianza es “Caged Love” (“Tutsak Sevda”), un drama turco que comenzará su producción este mes. Según los términos del acuerdo, Inter Medya actuará como productora ejecutiva y se encargará de la distribución global. La colaboración busca alinear las estrategias creativas y comerciales, con el objetivo común de crear contenido potente y de atractivo global. ∙

LEO LAVAZZA LIDERARÁ

360POWWOW

360Powwow entra en una nueva etapa con el nombramiento de Leo Lavazza como CEO y CCO de la compañía, encabezando un equipo ejecutivo y creativo de amplia trayectoria y proyección. Lavazza ocupa el lugar que deja Adrián Santucho, quien cierra un ciclo exitoso, dejando una empresa fortalecida, con bases sólidas y un equipo preparado para continuar creciendo. ∙

FEDERICO LEVRINO ASUME NUEVAS RESPONSABILIDADES EN TELEFE

Federico Levrino, actual Director Senior de Programación y Contenidos de Telefe, amplía su rol sumando bajo sus responsabilidades el área de Adquisiciones y Comunicación. En esta nueva etapa, Levrino reportará directamente a Darío Turovelzky, CEO de Telefe. Esta ampliación unifica bajo la misma Dirección todas las áreas estratégicas de programación y contenidos de Telefe, lineales y digitales, con el propósito de consolidar una gestión integrada para continuar fortaleciendo la identidad de la marca, la conexión con las audiencias y la expansión multiplataforma de sus contenidos. ∙

LAURA FERNÁNDEZ

Laura Fernández Espeso dejó su cargo como Directora General de Grup Mediapro, el cual ejercía desde principios de este año. La directiva termina así una relación de 15 años vinculada a Grup Mediapro, al que se incorporó en 2010 a través de Globomedia, la mayor productora del grupo en España. Como parte de esta transición, el 1 de enero Sergio Oslé, el ex Presidente de Movistar Plus+, asumirá formalmente como Presidente de Grup Mediapro, mientras que Carlos Núñez iniciará su gestión como consejero delegado. ∙

CULTURE CAP7 ADQUIRIÓ ONZA ENTERTAINMENT

Culture Cap7 compró Onza Entertainment, la productora y distribuidora independiente detrás de títulos como “El Ministerio del Tiempo” y “Parot”, en lo que constituye su primera operación desde que fue registrado este año en la CNMV como fondo orientado al sector audiovisual español. La transacción, cuyo precio no ha trascendido, incluye una ampliación de capital destinada a financiar el crecimiento futuro de la compañía. Los actuales socios de Onza, José María Irisarri, Gonzalo Sagardia y Nicolás Bergareche, seguirán al frente de la gestión y mantendrán un interés económico en el fondo, mientras que la productora italiana Garbo Produzioni, de Maite Bulgari, abandona el capital. ∙

TELEMUNDO DESIGNA A ADRIÁN SANTUCHO COMO SVP DE CONTENIDO UNSCRIPTED

Telemundo nombró a Adrián Santucho como Vicepresidente Senior de Contenido Unscripted. Reportará directamente a Javier Pons, Chief Content Officer y Head de Telemundo Studios; y será responsable de liderar el desarrollo y la producción de contenido unscripted, incluyendo realities, concursos y especiales musicales, para plataformas lineales y de streaming. En este rol, desarrollará y gestionará todos los componentes creativos del área y se enfocará en optimizar los planes de desarrollo para producir contenido relevante e innovador dirigido a audiencias diversas a lo largo del portafolio de Telemundo. ∙

ESPERANZA GARAY UNE A LA INDUSTRIA DE AMÉRICA LATINA

En una iniciativa sin precedentes y totalmente orgánica, la industria audiovisual de América Latina se juntó para apoyar a Esperanza Garay, quien está en tratamiento de una enfermedad en Colombia. A través de un grupo de Whatsapp, 79 ejecutivos de diferentes compañías y países del mundo se unieron para enviarle un regalo a Garay, que fue entregado en Bogotá por Ana Barreto, Camila Wilches, Kamela Gil de Mares y Luisa Orrego. Además, en Content Americas, Esperanza Garay tendrá una mención especial durante el evento “Woman of the Year”, organizado por WAWA. ∙

E2026: BIENVENIDOS AL CAMBIO DE PODER

l poder ya no está donde creíamos. De hecho, lo que estamos viviendo se parece bastante a una crónica de un cambio anunciado. Cada inicio de año me vuelvo a hacer la misma pregunta: ¿qué tan útiles son las famosas “predicciones de la industria”?

Después de cinco años escribiendo este ejercicio, y viendo cómo funciona realmente la industria, este 2026 siento algo distinto: las predicciones tienen menos sentido que nunca. No porque no vayan a pasar cosas (van a pasar muchas) sino porque estamos demasiado enfocados en los síntomas y muy poco en las fuerzas profundas que los provocan.

Este año prefiero cambiar el enfoque: hablar menos de “qué va a pasar” y más de por qué pasan las cosas. Menos futurología. Más fondo. Pensando en este cambio de poder, es como si hubiéramos tenido elecciones hace un tiempo. Durante meses se discutió, se negó, se relativizó. A muchos no les gustaban las opciones. A otros les parecía imposible que ocurriera. Pero el nuevo poder ganó. Y en 2026 empieza oficialmente a gobernar. No es algo nuevo, es terminar de aceptar quién manda ahora:

1. EL PODER ESTÁ EN CONTROLAR LA ATENCIÓN

Durante décadas la industria discutió quién tenía los mejores estudios o los catálogos más grandes. En 2026, la discusión real es otra: quién controla el tiempo y el hábito de las personas. El contenido se produce, se compra y se copia. Pero la atención no. Hoy el activo más escaso no es una buena idea, sino un lugar estable en la rutina diaria del usuario. Y ese lugar lo controlan quienes dominan la interfaz, el feed y la recomendación.

2. YOUTUBE DEJÓ DE SER UNA PLATAFORMA

YouTube ya no compite con la TV ni con el streaming: es el lugar donde todo ocurre. Lidera el consumo en pantallas grandes y conviven ahí formatos largos, verticales, en vivo y pseudo-lineales. Para una generación entera, YouTube ya no es “otra app”, es el punto de partida.

3. EL FIN DE LOS MEGA-HITS

La industria pasó años buscando el próximo gran fenómeno global. El próximo “Game of Thrones” o “Stranger Things”. Pero el mundo que permitió esos mega-hits ya no existe. La atención está fragmentada. No hay un solo título que todos vean al mismo tiempo. Hay muchos éxitos grandes en burbujas cada vez más chicas. Este cambio no es solo un tema creativo. Es un problema estratégico.

4. EL PODER DEL MOBILE Y EL VIDEO SOCIAL

Los hábitos de consumo crecieron en una dirección clara: la pantalla principal es el teléfono. Las nuevas generaciones no migran de una plataforma a otra. El video vertical, los clips y el microdrama no son géneros nuevos. Son síntomas de consumo mobile-first. Y ese modelo ahora empieza a colonizar el living.

5. LA IA Y EL CONTENIDO INFINITO

La IA no solo abarata costos. Cambia la escala. Lo que antes requería grandes equipos y estructuras pesadas, ahora puede hacerse con organizaciones mínimas. Pero el cambio más profundo no es cómo se produce. Es cuánto se produce. El contenido tiende a volverse infinito. El cuello de botella sigue siendo el mismo: la atención.

6. CREATOR ECONOMY COMO MODELO ALTERNATIVO

MrBeast o Dhar Mann no son “creadores exitosos”. Son nuevos tipos de estudios que producen, publican y ajustan en tiempo real. Los estudios tradicionales pueden copiar formatos. Lo difícil es copiar la cultura de iteración permanente.

7. EL NEGOCIO ES ENCERRAR USUARIOS EN ECOSISTEMAS

El foco ya no está en sumar usuarios, sino en hacer que irse sea incómodo. Bundles, cuentas unificadas, hardware, servicios cruzados. La fidelidad deja de ser emocional. Pasa a ser arquitectónica.

8. LA CONCENTRACIÓN SE ACELERA

Netflix, Disney, Warner, Amazon, Apple, Google. Cada vez menos jugadores con más poder. El streaming prometía democratizar. Terminó reconcentrando.

9. EL DEPORTE ES MÁS IMPORTANTE QUE NUNCA

El deporte en vivo es el último contenido verdaderamente irremplazable. No se adelanta, no se reemplaza y no se puede ver después de la misma manera. Por eso plataformas y Big Tech lo usan como ancla de ecosistema. En un mundo on-demand, el vivo volvió a mandar. El Mundial fortalecerá las pantallas tradicionales.

10. EL CAMBIO DE PODER YA OCURRIÓ

El poder ya no está en quien produce contenido, sino en quien controla la atención, la interfaz y el acceso. El nuevo mapa ya está dibujado. Ahora empieza a gobernar. Como siempre, muchas de estas ideas probablemente estén equivocadas. Pero una cosa parece bastante clara: el poder ya no está donde estaba.

Por Pablo Mancuso

ADAPTACIONES DE VIDEOJUEGOS, UN PILAR CLAVE DEL ÉXITO STREAMING

Las adaptaciones de IP de videojuegos se han incrementado en los últimos años, y su creciente relevancia ha sido reconocida con la creación de categorías dedicadas en distintos premios de la industria. Además se han convertido en un género cada vez más significativo para que los productores de SVOD inviertan, dado el creciente número de suscriptores que se sienten atraídos por este tipo de contenidos.

“The Game Awards”, uno de los premios más populares de la industria de videojuegos, introdujo la categoría “Best Adaptation” en 2022. De los cinco nominados ese año, cuatro fueron producidos por Netflix, incluido el ganador “Arcane”, basado en el MOBA League of Legends. Otro de los nominados fue “Cyberpunk: Edgerunners”, basado en el título de CD Projekt Red Cyberpunk 2077.

En 2023, HBO adaptó “The Last of Us”, basada en la primera entrega de la franquicia de videojuegos. Ese año se llevó el premio. En 2023, fueron nominados dos estrenos cinematográficos, incluido el film “Super Mario Bros.”. Las series “Castlevania: Nocturne” (Netflix) y “Twisted Metal” (Peacock) completaron las nominaciones. El año siguiente, todos los nominados fueron series, dos de Netflix (“Arcane” y “Tomb Raider”), dos de Amazon MGM Studios (“Fallout” —ganadora— y “Like a Dragon: Yakuza”) y, una de Paramount, “Knuckles”.

En 2025, los nominados volvieron a dividirse entre Netflix (“Devil May Cry” y “Splinter Cell: Deathwatch”) y HBO, que volvió a quedarse con el premio por la segunda temporada de “The Last of Us”, que, aunque basada en la secuela del videojuego, tuvo un guion original, lo que generó críticas mixtas entre espectadores y fans.

LAS IP DE VIDEOJUEGOS

GANAN PROTAGONISMO EN LAS PLATAFORMAS SVOD, IMPULSANDO AUDIENCIAS, SUSCRIPCIONES Y NUEVAS OPORTUNIDADES DE NEGOCIO, TANTO PARA STREAMERS COMO PARA DESARROLLADORES.

ADAPTACIONES Y AUDIENCIAS

Al considerar la cantidad de suscriptores que tiene cada servicio, el potencial de audiencia es enorme. Netflix, líder del mercado, cuenta con un mayor presupuesto para adaptaciones, lo que le permite convertirse en un oferente más fuerte y en un socio atractivo para los estudios de videojuegos. Sin embargo, a medida que más estudios y plataformas de streaming reconocen el potencial de éxito de estas adaptaciones, es probable que el número de producciones continúe creciendo. En 2025, Prime Video, Crunchyroll, HBO Max, Netflix, Paramount+ y Peacock concentraron 727 millones de suscriptores, con Netflix representando casi la mitad, con 333 millones. También es el servicio con mayor número de adaptaciones en los últimos cinco años, con cerca de 25 títulos y seis más en desarrollo. A futuro, de las 16 producciones actualmente en pipeline de distintos estudios, Netflix y Prime Video concentran tres cuartas partes. “La tendencia hacia las adaptaciones resulta beneficiosa para todos los actores involucrados. Generan audiencia y, potencialmente, suscripciones,

SUSCRIPTORES GLOBALES DE PLATAFORMAS SVOD ESPECÍFICAS

Peacock

pero también impulsan nuevas ventas de videojuegos para los desarrolladores y editores que inspiran estas producciones”, aseguró Juan Villegas, Research Analyst, Media & Entertainment de Omdia. “Omdia espera que las adaptaciones de videojuegos a contenidos audiovisuales siga siendo popular. Los estudios continuarán invirtiendo más ello, lo que hará que cada servicio resulte más atractivo para los espectadores potenciales que siguen estas IP icónicas,” concluyó.

Por Omdia

CONTENIDO VERTICAL: ¿DÓNDE ESTÁ LA CLAVE DE SU MODELO DE NEGOCIO?

EL COSTO DE PRODUCCIÓN DEL CONTENIDO VERTICAL ES SIGNIFICATIVAMENTE MENOR AL DEL CONTENIDO AUDIOVISUAL TRADICIONAL, PERO ¿DÓNDE ESTÁ REALMENTE EL NEGOCIO? ¿EN EL VOLUMEN O EN LAS ALIANZAS ESTRATÉGICAS?

El contenido corto y vertical es una tendencia global que ganó una fuerte tracción el año pasado y que no muestra señales de perder atractivo a corto plazo. Según datos de Omdia, los microdramas generaron US$ 11 billones en ingresos globales en 2025, una cifra que probablemente continúe creciendo este año, con América Latina posicionándose como una región clave para el desarrollo y consumo de este formato. De acuerdo con una encuesta realizada por Hub, el 41% de los consumidores hispanos afirmó que ve

microdramas online. La principal razón de consumo es que se trata de contenidos rápidos y fáciles de ver, que requieren una baja inversión de tiempo: el 47% de los encuestados citó este motivo, seguido por un 41% que señaló la curiosidad por conocer el formato. Además, el estudio reveló que un 37% de los consumidores ve microdramas por sus historias dramáticas y llenas de suspenso, mientras que una proporción similar destacó como atractivo la posibilidad de verlos en cualquier lugar desde el teléfono, durante breves pausas o momentos de ocio. Otras motivaciones incluyen historias con las que el público se siente identificado (30%), contenido divertido para comentar con amigos (29%), mantenerse al día con tendencias online o momentos virales (23%) y la presencia de actores y actrices atractivos (20%).

Corea del Sur Otros

Estas razones explican por qué cada vez más compañías y plataformas apuestan por esta tendencia en crecimiento en la región. Un ejemplo es la plataforma internacional ReelShort, que lanzó su nueva producción argentina “Cómo Deshacerse de una Estrella de Fútbol”, producida por Frame. El proyecto se rodó en apenas seis días, con más de 60 episodios, apoyado en una planificación milimétrica, sets optimizados y un sistema de trabajo que prioriza la eficiencia sin resignar valor narrativo ni calidad técnica. Al mismo tiempo, The Eleven Hub, productora pionera en el desarrollo de series en formato vertical en la región, estrenó “Tilf”, su primera coproducción de 2026, realizada en asociación con la plataforma argentina de streaming Olga. La serie se puede ver a través de los canales de TikTok, Instagram y YouTube Shorts y cuenta con 50 episodios de 1 minuto aproximadamente.

Por su parte, Globo está invirtiendo en producciones originales y proyectos especiales que recuperan personajes icónicos. La compañía ya lanzó dos microdramas originales, “Tudo por uma Segunda Chance” y “Cinderela e o Pobre Milionário”, ambos con 50 episodios de entre dos y tres minutos de duración, además de tres ediciones especiales centradas en personajes destacados.

¿POR QUÉ SE CONSUMEN LOS MICRODRAMAS?

Son rápidos y fáciles de ver

Curiosidad de ver de qué se trata

Historias dramáticas y de suspenso

Se pueden ver en cualquier lugar, con el teléfono

Historias cercanas a mi cultura

Es un tema de charla con amigos

Por ser virales

Otro

0 %

“Tenemos previsto mantener un flujo permanente de lanzamientos de nuevos títulos en 2026. La idea es llevar estas producciones al mercado internacional, creando más oportunidades de negocio y fortaleciendo aún más la presencia de las telenovelas brasileñas en el mundo”, aseguró Angela Colla, Head de Negocios Internacionales de Globo.

ANGELA COLLA

He ad de Negocios Internacionales de Globo

En tanto, TVN Chile continuará apostando en 2026 por la ficción vertical para darle continuidad a proyectos como “Auditoría de Amor” y “Mi marido me robó la memoria”. “Nuestra primera ficción fue una comedia romántica, la segunda es un drama con tintes de thriller y queremos seguir explorando distintos géneros narrativos y el fortalecimiento de alianzas con talentos emergentes y marcas”, anticipó Javier Goldschmied, Director de Programación y Producción. “El objetivo es consolidar un ecosistema de narrativa vertical que

JAVIER GOLDSCHMIED

Director de Programación y Producción de TVN

Tenemos previsto mantener un flujo permanente de lanzamientos de nuevos títulos en 2026. La idea es llevar estas producciones al mercado internacional, creando más oportunidades de negocio.”

complemente nuestra oferta tradicional, conecte con audiencias más jóvenes desde el origen y explore nuevos modelos de producción y monetización. Estamos construyendo un ecosistema de ficción vertical con mirada de largo plazo y que impacte más allá de nuestras fronteras”, explicó el ejecutivo.

Por su parte, Atresplayer, después de estrenar con éxito en diciembre su primera serie ya se encuentra trabajando en varias producciones que verán la luz a lo largo del año. “Estamos en una fase de exploración tanto de narrativas como de géneros. Hemos estrenado una comedia romántica, pero nos gustaría ir explorando diferentes géneros y narrativas para enriquecer la nuestra oferta”, señaló Emilio Sánchez Zaballos, Director de la plataforma.

Atresplayer

COSTO DE PRODUCCIÓN Y RENTABILIDAD

El costo de producción de una serie en formato vertical es significativamente menor al de una ficción tradicional para televisión abierta o plataformas de streaming, debido a equipos más reducidos, tiempos de rodaje optimizados y una narrativa pensada para episodios breves. “En términos generales, un proyecto de 50 capítulos de ficción vertical ronda entre los 100.000 y 150.000 dólares”, sostuvo Goldschmied. Sin embargo, el ejecutivo aclaró que en el formato vertical la monetización es completamente distinta a la del modelo lineal y que el volumen no lo es todo, ya que entran en juego esquemas de financiamiento mixtos que combinan monetización propia, integración de marcas y suscripción. “Nuestro modelo de negocio para el contenido vertical es mixto y flexible. Combina publicidad digital y la integración orgánica de marcas dentro de las historias. Esto ha sido muy destacado porque los proyectos se piensan desde el inicio con este fin y en contacto con los aliados comerciales estratégicos”, explicó. “Esta experiencia permite que una misma producción tenga distintos recorridos comerciales y acumule valor a lo largo del tiempo. Nos hemos puesto la meta de que los contenidos verticales sean proyectos continuos, para generar hábito de consumo, favorecer la recomendación algorítmica y construir una audiencia fiel que maximice su impacto en el tiempo”.

Emilio Sánchez Zaballos de Atresplayer especificó que los contenidos en vertical tienen características muy específicas en cuanto a distribución y, por lo tanto, también para su monetización. “Son formatos de consumo en mobile y generalmente gratuitos, aunque existen los modelos transaccionales. Por eso tienen presupuestos

más ajustados que otras producciones en horizontal,” dijo, agregando que bien miden el éxito de cada producto de manera individual con varios criterios tanto de audiencia como de rentabilidad. “De todas formas, lo importante para nosotros es el conjunto de la oferta y creemos que las series en

vertical son un elemento interesante que complementa el valor de nuestra oferta”, agregó. En cuanto a su modelo de negocio, la compañía estrenó su primera serie vertical, “Una Novia para Navidad”, con gran éxito. “Es una apuesta innovadora en nuestro mercado donde el público todavía no tiene el hábito de consumir estos contenidos y por lo tanto creemos que estamos en una primera fase de construcción de audiencia. Nos solo en nuestra plataforma sino a nivel nacional. A partir del estreno de la serie ya estamos trabajando con marcas para su vinculación a los nuevos estrenos en vertical. Sin duda el branded content es una de las líneas por las

En términos generales, un proyecto de 50 capítulos de ficción vertical ronda entre los 100.000 y 150.000 dólares”

que apostamos con fuerza junto con nuestro equipo comercial y viendo el interés suscitado estamos seguros que será una línea de monetización. Por su puesto, también estará la publicidad convencional en vertical, y estamos analizando la posibilidad de explorar otros modelos transaccionales como hacemos con el resto de nuestros contenidos”, contó Sánchez.

Para Angela Colla de Globo, la inversión en dramaturgia pensada para móviles, con episodios cortos y verticales, es una forma de combinar el know-how histórico de Globo con la posibilidad de alcanzar nuevas audiencias. “La telenovela en su formato tradicional sigue siendo nuestro producto estrella, pero invertir en este formato amplía nuestro alcance y abre espacio para nuevas audiencias, creadores y oportunidades para que las marcas se conecten con nuevos públicos. La esencia sigue siendo la misma: buenas historias. Lo que cambia es la forma de contarlas”, señaló.

Una mirada complementaria aporta Leonardo Zimbron, SVP International Coproductions Spanish Language Features de 3Pas Studios, quien compara la evolución del contenido vertical con los primeros años de YouTube y amplía el concepto hacia el microcontenido. “El microdrama es específico, pero el microcontenido en general es un nuevo formato que va a ir generando su audiencia y que nos va a dar la oportunidad de contar historias desde ese punto de vista”, explicó. Aunque hoy este microformato esté asociado principalmente al melodrama y a producciones de bajo presupuesto, Zimbron considera que “es la punta del iceberg”. Según el ejecutivo, en el futuro habrá una enorme diversidad de contenidos, desde muy económicos hasta

“El microdrama es específico, pero el microcontenido en general es un nuevo formato que va a ir generando su audiencia y que nos va a dar la oportunidad de contar historias desde ese punto de vista”

producciones premium, y una ampliación de géneros que incluirá comedia, terror, acción y más. “No habrá solamente melodrama. Va a haber todo tipo de géneros en un formato general pensado en micro y en la forma de consumo que eso implica. Ese ecosistema todavía no existe, del mismo modo que YouTube no existía hace diez años”, aseguró. “En ese momento los anunciantes no sabían cómo estar presentes en la plataforma y los creadores decían que no generaban ingresos. Hoy es el rey. El microdrama va a funcionar de manera similar: todavía no se pueden hacer proyecciones claras, pero va a madurar y llegó para quedarse”, concluyó.

Al igual que en la producción de contenido tradicional, el contenido corto y vertical requiere de socios estratégicos adecuados. Para Goldschmied las alianzas son fundamentales para el desarrollo sostenible del formato. “La colaboración entre TVN, la productora e incluso la vinculación con las marcas es clave para que el producto final tenga la calidad que esperamos”, afirmó. En esa línea, el canal ha desarrollado guiones originales con el objetivo de que sus títulos resulten atractivos para plataformas de terceros y de establecer colaboraciones con distintos players del mercado. “Estamos construyendo un ecosistema de ficción vertical con una mirada de largo plazo y con impacto más allá de nuestras fronteras”, anticipó.

En la misma línea, Sanchez definió a las alianzas como claves para un modelo de negocio que está todavía en construcción. “Es muy atractivo y motivador trabajar en la construcción de alianzas y de un mercado emergente como la producción en vertical. Ser los pioneros a nivel nacional en el desarrollo de este modelo de negocio conlleva un esfuerzo extra pero ya hemos tenido otras ocasiones donde lo hemos hecho y es algo que nos motiva e ilusiona”.

Por Romina Rodríguez

MARIANO KON, TRANSMEDIA CONTENT & BUSINESS SPECIALIST, EXPLICA EL IMPACTO DE LA IA GENERATIVA EN PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Y DESCRIBE CÓMO CONVERTIR ESTE CONTEXTO EN OPORTUNIDAD DE NEGOCIO A TRAVÉS DE LA CREATIVIDAD.

La irrupción de las herramientas de IA generativa está transformando de raíz los procesos de producción y los oficios del ecosistema audiovisual. Para Mariano Kon, Transmedia Content & Business Specialist, el gran desafío no será resistirse al cambio, sino convertir la amenaza en oportunidad a través de la creatividad.

¿De qué manera las herramientas de IA generativa están transformando los procesos de producción audiovisual?

“Las herramientas de IA ya tienen impacto en todos los aspectos de nuestra vida, no solo en la producción audiovisual. Donde es más evidente es en la generación de ideas y su bajada a materiales de presentación. En instancias de desarrollo, las herramientas de IA se utilizan diariamente en la redacción de proyectos; en el diseño de carpetas; en propuestas de ‘moods’; pruebas de escenografía; y hasta en demos originales que hasta hace poco requerían producción, rodaje, edición, y hasta música original. En

“LA IA NUNCA VA A PODER REEMPLAZAR A LA INVENTIVA HUMANA”

el armado de presupuestos, la IA es sumamente útil para detectar inconsistencias y plantear distintos escenarios de forma casi instantánea. Lo mismo en la confección y chequeo de contratos o armado de calendarios. En post-producción la IA ofrece herramientas muy poderosas para generar pre-ediciones, animaciones o infinidad de recursos en lo que se refiere al audio. Las aplicaciones son realmente infinitas y recién estamos viendo solo el comienzo. Esto no quiere decir que haya que confiar ciegamente en lo que genera las IA. Mas que nunca, hay que ser muy cuidadosos en las instancias de prompt y fundamentalmente en el chequeo posterior”.

¿Cómo se puede utilizar la tecnología como aliada para potenciar la creatividad?

“Lo primero a considerar para evitar el pánico o la desconfianza a la IA es que nunca va a poder reemplazar a la verdadera y genuina inventiva humana. Las IA se nutren de lo que ya está creado. La reflexión debería ser más profunda y hasta filosófica, pero en definitiva y en base al entrenamiento que reciben, las IA no hacen más que reformular contenidos ya existentes y solo presentes en Internet: en el fondo no estarían creando algo 100% nuevo, solo combinando ingredientes que les fuimos brindando”.

¿Cómo puede la industria global pasar de un estado de pánico e inacción a otro de aceptación y desarrollo?

“Lo primero es asumir que no hay opción ni plan B. El mundo será con IA y es inútil, desgastante y necio oponerse a la tendencia por miedo a lo nuevo o simplemente por ignorancia. Por supuesto se puede elegir seguir usando otras herramientas por elección, como aquellos que siguen sacando fotos con rollo o filmando en 35MM; o los que siguen grabando música en cintas multitrack. Probablemente, frente a una revolución de esta envergadura haya una resistencia consciente y aparezcan individuos o grupos que defiendan lo analógico como medio de creación y hasta de modo vida, lo que es absolutamente valido y enriquecedor. No sabemos lo que va a suceder, pero seguro va a ser muy interesante, desafiante y a la larga virtuoso”.

¿Cuáles son los factores trascendentales que cambiarán la industria para siempre?

“Al nacer, las IA estaban en los laboratorios en manos de los ingenieros. Los desafíos que se planteaban eran primordialmente de orden científico y técnico. Cuando ya estuvieron listas para ver la luz aparecieron los abogados para analizar los desafíos de orden legal que son muchos y de gran complejidad. Casi en paralelo, llegaron los

financieros analizando el impacto en los balances para encontrarse con que estas herramientas podían bajar costos y maximizar ganancias de modo inédito. Pero esto tiene desafíos y riesgos igual de enormes. Primero, el impacto en los equipos de trabajo: claramente habrá una redefinición de oficios y de habilidades, de formación y de salarios que toda la cadena de la industria deberá gestionar. Por otro lado, hay una tendencia que percibo: el costo de generación de contenido tiende peligrosamente a cero. En esto incluyo no solo el contenido audiovisual de plataformas y canales sino también contenido de redes como Instagram o TikTok. Hoy, una película cinematográfica, una serie de plataforma o un disco compite en tiempo de consumo contra la oferta en redes sociales, adictiva e infinita. Y la gran mayoría del User Generated Content no tuvo costo de producción para la pantalla que lo emite. Pero si consume tiempo del usuario. Entonces, una serie premium que lleva años de desarrollo y cuantioso presupuesto de producción y difusión, termina compitiendo contra un canal de streaming con estructuras mucho menores o clips generados con celulares a costo cero. La combinación de contenido a costo cero y la disponibilidad de una cantidad inabarcable de opciones

“

Entre tantas perspectivas de crisis y visiones apocalípticas, estoy convencido que la magia sucederá cuando los creativos se apropien de las IA y empiecen a usarlas de formas novedosas. No tengo dudas que hay multitud de artistas experimentando con estas nuevas herramientas"

no hace más que demostrar la ley de oferta y demanda, donde por la sobreabundancia se desplome el valor percibido del bien. Al mismo tiempo, Disney acaba de invertir un billón de dólares en OpenIA con el fin de que sus propiedades generen ganancias por su utilización en contenidos generados. En definitiva, la industria enfrenta una profunda crisis, pero también se abren oportunidades inéditas”.

¿Cómo puede ser la próxima etapa de la creatividad audiovisual, marcada por la presencia de la IA?

“Entre tantas perspectivas de crisis y visiones apocalípticas, estoy convencido que la magia sucederá cuando los creativos se apropien de las IA y empiecen a usarlas de formas novedosas. No tengo dudas que hay multitud de artistas experimentando con estas nuevas herramientas, usándolas de modos en los que seguramente no estaban previstos, subvirtiéndolas, distorsionándolas, forzándolas a límites insospechados. Los resultados van a ser sorprendentes y muy probablemente a muchos nos costará entender las tendencias que irán llegando, pero la evolución será irrefrenable. Es que, en

definitiva, la IA no es más que una herramienta. Y quizás, al igual que con las punto.com de principio de siglo, haya una burbuja que explote y sobrevivan unas pocas. Es una herramienta, repito, formidable y poderosa que impactará como lo hizo la rueda, la imprenta, la máquina a vapor o la informática. Pero detrás hay un proceso evolutivo aún más grande y desafiante para, literalmente, todo el universo que conocemos. A prepararse para autos que se manejan solos, colonización de Marte y mil etcéteras. Y ojo con la computación cuántica, que correrá la frontera del asombro más allá de lo imaginable. Le pregunto a una IA sobre la cita "La revolución no será televisada" y me responde que “proviene de un poema de 1970 de Gil Scott-Heron, que critica cómo los medios masivos distorsionan la verdadera lucha social, enfatizando que el cambio real ocurre en las calles y en la conciencia personal y no en los medios”. A corto plazo, no sabemos si la revolución será televisada, pero seguro saldrá primero por streaming y en redes. Es revolución y es evolución. Ni buena ni mala, revolución y evolución como tantas veces sucedió en la historia de la humanidad.”

Por Diego Alfagemez

DESAFÍOS Y OPORTUNIDADES DE UNA REGIÓN EN CONSTANTE EVOLUCIÓN

AMÉRICA LATINA COMBINA DIVERSIDAD

CULTURAL, TALENTO CREATIVO Y PAISAJES ÚNICOS, AL TIEMPO QUE ENFRENTA DESAFÍOS ESTRUCTURALES PARA CONSOLIDAR SU DESARROLLO. REPRESENTANTES DE PERÚ, CHILE, ARGENTINA Y URUGUAY ANALIZAN EL PRESENTE DEL SECTOR Y LAS CLAVES PARA FORTALECER SU PROYECCIÓN INTERNACIONAL.

América Latina es una región rica en cultura, diversidad geográfica y talento creativo. Estas cualidades han impulsado el crecimiento sostenido de su industria audiovisual, que hoy despierta un interés creciente a nivel internacional, aunque aún enfrenta desafíos estructurales para consolidar su desarrollo. Representantes de Perú, Chile, Argentina y Uruguay analizan el presente del sector y las estrategias clave para potenciar su proyección global. Cada país de la región ofrece oportunidades específicas y, al mismo tiempo, enfrenta retos particulares en el fortalecimiento de una industria audiovisual en permanente transformación, con expectativas de crecimiento año a año y un foco cada vez mayor en la internacionalización.

En los últimos años, Perú ha registrado avances significativos, reflejados en su participación constante en festivales internacionales, el aumento de coproducciones con América Latina y Europa, y el desarrollo de proyectos de alto impacto filmados total o parcialmente en el país. La estrategia Film In Peru ha sido central para posicionar al territorio como un destino competitivo de locaciones, impulsando rodajes de documentales, series y producciones publicitarias internacionales. “Paralelamente, se ha fortalecido la presencia del talento peruano en mercados globales, ampliando la visibilidad de directores, productores y técnicos en circuitos profesionales”, contó María del Sol Velásquez, directora de Promoción de Turismo de Promperú.

Chile, por su parte, ha consolidado una posición de liderazgo regional gracias a la combinación de talento creativo, profesionalización del sector y reconocimiento internacional. “Solo en 2023, la industria audiovisual chilena logró más de 300 premios internacionales”, indicó Raúl Vilches, jefe del Departamento de Industrias Creativas de ProChile. Entre los hitos más destacados se cuentan dos Premios Oscar, “Historia de un Oso” (2016) y “Una Mujer Fantástica” (2018), además de nominaciones y galardones en categorías clave como documental, cortometraje animado y cinematografía. A esto se suman premios en festivales de prestigio como Berlinale, Cannes, Toronto y Locarno, así como el reconocimiento a producciones recientes como “1976, La cordillera de los sueños”, “La Misteriosa Mirada del Flamenco” y “Malqueridas”. “Estos reconocimientos reflejan la calidad y la proyección global de nuestra industria”, agregó Vilches.

Raúl Vilches, jefe del Departamento de Industrias Creativas de ProChile

María del Sol Velásquez, directora de Promoción de Turismo de Promperú.

En Argentina, la ciudad de Buenos Aires se ha consolidado como un polo audiovisual estratégico de la región. En los últimos años, la industria local mostró un crecimiento sostenido en volumen de rodajes, calidad de contenidos e inserción internacional. “Desde que asumí la conducción de la Buenos Aires Film Commission, en 2024, gestionamos más de 5.500 permisos de filmación, habilitamos a más de 210 productoras y acompañamos series y películas de alto impacto como ‘Envidiosa’, ‘Moria, la serie’, ‘Aníbal Gordon’ y ‘Yo, Narciso’, entre muchas otras”, detalló Carolina Cordero, Directora General de Desarrollo Cultural y Creativo de la Buenos Aires Film Commission. Además, a través del régimen de Mecenazgo, en 2025 se apoyaron 212 proyectos audiovisuales, fortaleciendo el entramado productivo local y ampliando las oportunidades para creadores y productoras.

Carolina Cordero, Directora General de Desarrollo Cultural y Creativo de la Buenos Aires Film Commission

Uruguay también ha registrado avances relevantes en volumen, diversidad y visibilidad de su producción audiovisual. Entre los principales logros se destaca el incremento de la producción nacional, impulsado por herramientas públicas que permitieron el estreno de decenas de películas y la financiación de largometrajes, cortos, documentales, series y formatos innovadores. “En 2025, ACAU apoyó la realización de más de 60 proyectos en etapas de producción y postproducción, además de respaldar 39 películas estrenadas y múltiples proyectos de guiones, series y animación”, señaló Gisella Previtali, presidenta de la Agencia del Cine y Audiovisual del Uruguay. A esto se suma la recuperación

de visibilidad en pantallas públicas mediante acuerdos institucionales y el fortalecimiento del sector con la creación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas del Uruguay, un hito clave para consolidar identidad y presencia internacional.

INCENTIVOS Y POLÍTICAS PÚBLICAS

Gisella Previtali, presidenta de la Agencia del Cine y Audiovisual del Uruguay

Perú avanza en la consolidación de un marco normativo favorable para el desarrollo audiovisual. La Ley N.º 32309, que establece incentivos económicos y fiscales para el sector, ha sido un paso clave, complementado por el trabajo articulado con la Mesa Ejecutiva para la Promoción del Perú como Destino de Locaciones Fílmicas, según explicó Velásquez. A ello se suman la implementación del carnet ATA, mejoras en procesos migratorios para personal técnico extranjero y la asistencia técnica de Film In Peru para facilitar permisos, articulación institucional y tramitación de visas. “Estas medidas han permitido agilizar procesos, reducir barreras y brindar mayor certeza a productoras internacionales”, agregó.

Chile cuenta con un marco institucional sólido que se remonta a la Ley de Fomento al Cine y al Audiovisual de 2004. Sobre esa base se desarrollaron programas que abarcan toda la cadena de valor, desde el desarrollo

hasta la promoción internacional. Fondos como el Fondo Audiovisual y Fondart, junto a iniciativas de CORFO como Chilecreativo, Becas de Capital Humano y el IFI Audiovisual, con esquemas de reembolso, resultan especialmente atractivos para coproducciones y servicios de producción. “Desde ProChile hemos fortalecido la internacionalización mediante misiones comerciales y presencia en mercados estratégicos”, destacó Vilches, quien también subrayó el rol de marcas sectoriales como CinemaChile y ChileDoc y el relanzamiento de la Film Commission Chile como herramienta clave para la atracción de rodajes internacionales.

En 2025, en el marco de los International Emmy Awards en Nueva York, la Buenos Aires Film Commission anunció un paquete de medidas estratégicas para posicionar a la ciudad como el principal polo audiovisual de América Latina. Entre ellas se destacan el aumento del 15% en fondos para desarrollo y producción, la ampliación del cash rebate, la creación de nuevos fondos para etapas iniciales y la expansión del circuito de exhibiciones con ediciones especiales de festivales internacionales a partir de 2026. “Este esquema de incentivos se articula con un robusto programa de formación y profesionalización”, explicó Cordero, quien detalló que

durante 2025 se realizaron más de 40 instancias de capacitación con más de 16.000 asistentes.

En Uruguay, una de las políticas públicas más relevantes es el Programa Uruguay Audiovisual (PUA), que combina financiamiento, estímulos y apoyo tanto a la producción nacional como internacional. “Incluye líneas de cash rebate que devuelven un porcentaje de los gastos realizados en el país, lo que ha potenciado la llegada de producciones extranjeras y la profesionalización del sector”, explicó Previtali. Estas políticas han favorecido la atracción de rodajes internacionales y la transferencia de capacidades técnicas y creativas al talento local.

CLAVES PARA EL CRECIMIENTO REGIONAL

A pesar de los avances, los desafíos persisten. En Perú, la creciente competencia regional, la necesidad de diversificar infraestructura fuera de Lima y la simplificación de procesos administrativos figuran entre los principales retos. Sin embargo, Velásquez anticipa que “la implementación progresiva de incentivos permitirá atraer producciones de mayor escala y potenciar el turismo cinematográfico”.

En Chile, la limitada capacidad del mercado interno obliga a internacionalizar todas las fases del negocio. “Persisten desafíos como la informalidad laboral, la estandarización de trámites y la adopción de tecnologías avanzadas”, señaló Vilches, quien considera que 2026 será clave para consolidar al país como destino audiovisual competitivo.

En Argentina, el foco está puesto en atraer inversión extranjera, generar empleo y adaptarse a los cambios tecnológicos y a los nuevos modelos de negocio. “El gran reto será sostener y escalar el volumen de rodajes internacionales manteniendo estándares de calidad, sustentabilidad y formación profesional”, concluyó Cordero.

En Uruguay, si bien los avances son significativos, la audiencia local para el cine nacional en salas comerciales sigue siendo reducida, lo que plantea desafíos de sostenibilidad y escala. No obstante, Previtali proyecta un 2026 con oportunidades ligadas a la continuidad y ampliación de programas de incentivos, la consolidación de espacios de industria como el Mercado Audiovisual del Uruguay y el fortalecimiento de redes de distribución regional. “Asegurar la continuidad de políticas públicas será central para mantener el crecimiento del sector”, afirmó, subrayando también la importancia de diversificar fuentes de financiamiento, fortalecer audiencias y avanzar en la adopción de nuevas tecnologías para una industria más sostenible.

Por Romina Rodríguez

Si bien su ADN grita comedia, los tres pilares que rigen el contenido de la productora 3Pas Studio son humor, corazón e historias humanas. Bajo esas directrices se sostiene la compañía fundada por Ben Odell y Eugenio Derbez. Señal News dialogó con Leonardo Zimbron, SVP International Coproductions Spanish Language Features, quien destacó que la empresa está ávida por crear contenido relevante, con creativos que tengan particularidades que sacudan la industria, abiertos a trabajar y explorar con nuevos formatos y jugadores.

¿Qué tipo de historias son las que moldean hoy a 3Pas Studios?

“En 3Pas Studios siempre estamos procurando ser muy sensibles hacia dónde va la corriente de mercado. Por un lado, estamos muy atentos al público, y, por otro lado, también estamos atentos a lo que los clientes, distribuidores e inversionistas están buscando, para adaptarnos a ello. Para nosotros es más importante cumplirle al público, que, al final, es el que termina diciendo si algo es exitoso o no. También porque tenemos una línea importante, que son las películas que van a cines. El distribuidor

“3PAS

ESTÁ EN EL LUGAR CORRECTO, CON UNA PROPUESTA ÚNICA PARA EL MERCADO”

LEONARDO ZIMBRON, SVP INTERNATIONAL COPRODUCTIONS SPANISH LANGUAGE FEATURES, DESCRIBE QUÉ TIPO DE HISTORIAS Y TALENTOS DEFINEN HOY A LA COMPAÑÍA, MIENTRAS RESALTA EL POTENCIAL QUE EXISTE EN EL MERCADO US HISPANIC.

apoya con una gran estrategia, pero el contenido está más en nuestras manos. Es culpa nuestra si es buena o mala. Entonces, como mucho de nuestro producto son películas que van a cines, nuestro foco es pensar en la audiencia final. Por supuesto, el ADN de 3Pas está en la comedia, pero no quiere decir que sea lo único que hacemos. Estoy muy atento no solo a proyectos de comedia sino a escritores o creativos que tengan un sentido de humor especial. Me entusiasma cuando encuentro a un escritor que tiene un sentido de humor especial y con quien podemos trabajar. No importa si no tiene un proyecto. Creo que encontrar al talento es mucho más valioso que el proyecto en sí mismo, en un contexto tan competitivo”.

¿Cómo se trabaja con una audiencia tan sensible como la US Hispanic?

“El mercado US Hispanic, que, aunque ha sido subatendido, tiene mucho potencial. No hay la suficiente inversión y conocimiento para alcanzarlos correctamente. Todavía falta profundizar el mercado US Hispanic porque hay una oportunidad enorme. Creo que las plataformas americanas están

despertando y se están dando cuenta que hay un interés, hay un público más allá de lo que ellos creían que era. No es un nicho, va más allá de eso, y tiene una capacidad económica grande. Son unos consumidores audiovisuales brutales y están expuestos a todo tipo de cosas, desde una película de alto presupuesto hasta un microdrama. Sin dudas, mueven la economía audiovisual, por lo que es un mercado al que estamos muy atentos, con mucho respeto y voluntad de generar proyectos específicos”.

¿Hay oportunidad para el talento hispano dentro de 3Pas Studios?

“Por supuesto que buscamos gente de esa cultura. Lo mismo sucede cuando hacemos una comedia mexicana o estamos pensando en un mercado como España o Argentina: buscar talento local es lo correcto, lo auténtico. En US Hispanic buscamos tanto escritores, como actores y directores. Indudablemente los hay, lo que pasa es que con la inversión limitada que hay, no es fácil encontrarlos, mientras que los buenos están ocupados, trabajando en otras cosas. Hay muchísimo talento US Hispanic que trabaja en Hollywood, con proyectos gigantescos. A eso hay que sumarle todo el talento que viene de América Latina, que se abre brecha por allá y que tiene mucho que aportarle a la cultura US Hispanic, de una manera diferente. Creo que 3Pas está en el lugar correcto, con una propuesta única para el mercado de US Hispanic y de América Latina. Las películas de Eugenio Derbez funcionan como ese crossover, con grandes resultados en México y en Estados Unidos. Él es un ejemplo de este contexto y obviamente es una bandera para nosotros. Obviamente, no todo es con Eugenio. Quisiéramos que hubiera tiempo infinito disponible de Derbez con nosotros, pero no lo hay

y para ello estamos abriendo brecha. Estamos trabajando con otros talentos de América Latina, especialmente en México, pero también de otros países de la región y de España. Cerramos un acuerdo con Secuoya Studios allí, y estamos desarrollando cosas que irán primero a un mercado mexicano, pero en donde ya estamos hablando de proyectos para el US Hispanic y en inglés. Siento que 3Pas está en un lugar único, que tiene una propuesta muy especial y las fortalezas para hacer la diferencia. Y hacia allá vamos”.

¿Qué debe tener un socio para poder trabajar naturalmente con 3Pas Studios?

“Diría que es una cuestión de vibra. No es de tamaño, no es de dinero. Es qué traemos a la mesa y cómo podemos hacer equipo. Hay talentos que no son una empresa, que no son corporativos y que nos morimos de ganas de hacer equipo con ellos, ya sean escritores, directores, creativos, o productores. Por supuesto, hay mucha gente que puedo enlistar con la que queremos trabajar y ya vamos a encontrar el modelo para hacerlo. Por otro lado, también buscamos que, al asociarnos con alguien, en un mercado tan competitivo como el de hoy, que al dividir el pastel

“

Cerramos un acuerdo con Secuoya Studios, y estamos desarrollando cosas que irán primero al mercado mexicano, pero en donde ya estamos hablando de proyectos para el US Hispanic y en inglés”

haya un complemento de las cosas que traemos a la mesa y no estoy otra vez hablando solamente de dinero. Estoy hablando de qué propuesta creativa traes, que no sea una imitación de lo que nosotros ya hacemos. Si es lo mismo que nosotros hacemos no necesitamos juntarnos, pero si es algo que complementa algo que nosotros no tenemos, que sabemos que juntos lo vamos a hacer mejor, ahí es perfecto. Es ideal que un socio sea la voz de una comunidad, o traiga a la mesa un escritor, director o concepto que nosotros no teníamos ni idea que existía”.

Por Fidel Orantes y Diego Alfagemez

"LA TV ABIERTA ESTÁ DESGASTADA, PERO SU REFUGIO ES LA CONEXIÓN

LOCAL CON LAS AUDIENCIAS"

JIMMY ARTEAGA , CHIEF CONTENT OFFICER DE HEMISPHERE MEDIA, ANALIZA LA EVOLUCIÓN DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN Y DESTACA UN CONTEXTO DE MODAS PASAJERAS Y EN DONDE EL CONTENIDO CONTINÚA COMO AMO, PATRÓN Y SEÑOR DE LA INDUSTRIA.

Desde su cargo como Chief Content Officer de Hemisphere Media, Jimmy Arteaga está en contacto con diferentes medios de comunicación como TV abierta, TV paga, plataformas digitales y radio. En diálogo con Señal News, el ejecutivo repasa los últimos movimientos y cambios de la industria internacional.

“

¿Cuál es tu mirada respecto del momento que vive la industria en América Latina, desde la perspectiva de una compañía multimedia?

“Creo que la respuesta es sencilla y complicada a la vez. La forma de ver televisión ha cambiado y la llegada de tablets y smartphones han hecho que los espectadores no tengan la necesidad de estar condenados a ver televisión sentados en un sillón. El grave problema que vivimos hoy es la vorágine de tener que estar siempre a la moda, y allí es donde muchos ejecutivos descuidan el negocio principal

Desde que tengo uso de razón, se dice que la televisión abierta va a desaparecer; sin embargo, lo que ocurre es que se transforma. No solo seguirán cambiando las formas de consumo, sino que la forma de medir el rating también se modificará. Esto quiere decir que el sistema está cambiando y todos se tendrán que adaptar.

bajo la premisa de dos elementos que son fundamentales: tengo que estar en la ola que todos están y, al mismo tiempo, eso se confronta con la realidad de qué va a pasar cuando la plataforma en la que estoy no exista más. Desde que tengo uso de razón, se dice que la televisión abierta va a desaparecer; sin embargo, lo que ocurre es que se transforma y no solo seguirán cambiando las formas de consumo, sino que la forma de medir el rating también se modificará. Esto quiere decir que el sistema está cambiando y todos se tendrán que adaptar. Hace unos cuatro años atrás, todo el mundo se lanzó a hacer canales FAST, cosa que no tengo ningún derecho de criticar. No obstante, ¿cuántos de esos canales están sobreviviendo? Y antes de los FAST llegaron las plataformas, y todos sabemos cuál es la condición de todas ellas hoy, porque dependen del consumidor. Ahora, el nuevo grito de la moda son los dramas verticales. Todo el mundo los produce y eso nos va a llevar a un abarrotamiento de productos en el mercado, que lo

BUYERS

desgastará. No digo que esté mal, al contrario. Todos están tratando de ampliar sus horizontes; pero advierto que lo están haciendo de manera desordenada. Empiezan a concentrarse en el nuevo producto y descuidan lo que tienen”.

¿Qué es lo que hace que la televisión abierta continúe tan firme?

“Es un miembro más de la casa, no creo que exista una ninguna persona que no tenga un televisor. Una cosa es que no veas televisión y otra bien distinta es que no tengas el aparato en casa. El segundo punto, que difícilmente vaya a poder ser reemplazado por ahora debido a los altos costos que esto implica, es el valor local de la TV abierta. Es muy difícil que exista un sistema regional que brinde noticias locales todos los días más allá de la televisión. Puedes entrar a YouTube para ver la información, pero sigue siendo generado por la misma fuente. Los centros de

noticias, ya sea de medios escritos, radiales o televisivos, están en sus medios originales. El tercer punto es la gratuidad de la televisión abierta. En cambio, si tú quieres ver algo por streaming, tienes que pagarlo. No importa el dispositivo. Incluso, si quieres verlo a través de tu computadora, tendrás que abonar por el servicio de internet. Recientemente leí un estudio sobre América Latina, que no es igual al resto del mundo, que sostiene que una familia puede tener, en promedio, acceso a 1,5 plataformas por mes. ¿Y cuántas tenemos? Cerca de siete. Entonces, eso significa que el in&out cada vez aumenta más. En suma, la televisión abierta está desgastada pero el refugio que ha encontrado es el formato y la conversación local, que es la que provoca la cercanía con la audiencia.”

producto que funcionaba por excelencia y lo sustituimos por una novela turca y fue el hit. Y ahí vino la gran presión, pero ya teníamos preparada la continuación. Ese es un claro ejemplo de compra planificada. Mi política ha sido siempre ‘yo no puedo tenerlo todo’. Hoy nadie puede darse ese lujo porque existe una evidente merma publicitaria. La televisión no vende salchichas ni sándwiches; la televisión vende aire. Y nosotros vendemos un intangible.”

La gente no ve medios, la gente ve programas. Regla número uno: el amo, patrón y señor de nuestra industria es el contenido.

Tienes la posibilidad de ver una infinidad de títulos para luego decidir cuáles podrían interesarles adquirir. En este contexto actual, ¿qué peso tiene el contenido en sí mismo?

“La gente no ve medios, la gente ve programas. Regla número uno. El amo, patrón y señor de nuestra industria es el contenido. Ahora, los responsables de las adquisiciones tienen una tarea complicada. Porque tú tienes la compra nerviosa, la compra competitiva, la compra defensiva y la compra planificada. Vamos a usar el ejemplo de las novelas turcas. Después de un análisis muy profundo, cuando tomamos la decisión de lanzarnos con las novelas turcas en Puerto Rico, yo tenía claro que para hacerlo necesitaba al menos cuatro grandes títulos para empezar porque necesitabas una continuidad. Obviamente, la primera iba a ser fundamental. Y pasó, lo hicimos en un horario que era muy importante para nosotros, levantamos un

¿Cómo se gestionan las compras de contenido en medio de una torta publicitaria que viene mermando considerablemente?

“Al descender la publicidad, que está directamente relacionada con la creación de otras plataformas y también la caída de un mercado producto de la economía, empiezas a racionalizar la compra. Hay mercados donde todos los canales pierden dinero en la desesperación por ser número uno. Al final del camino, la televisión es un negocio como cualquier otro; salvo que tus intereses sean, primariamente, políticos o de poder. Es inevitable afirmar que, como negocio, si bien la televisión ha sido afectada es la única que todavía está parada en sus cuatro patas. Y si no, ¿por qué alguien querría comprar un canal de televisión? Y la verdad se compran y se venden; claro que no lo hacen a los precios de hace ocho o diez años. ¿Pero para qué comprar un negocio que, supuestamente, se está muriendo? Eso prueba que no. Existe gente que tiene la suficiente visión como para darse cuenta de que bien cuidada, alimentada y fundamentada, va a seguir funcionando. No funcionará como hace veinte o treinta años, pero va a seguir funcionando.”

Por Diego Alfagemez y Aldo Bianchi

JULIANA SOUZA , GERENTE DE DISTRIBUCIÓN DE CONTENIDO Y ALIANZAS DE GLOBO PARA AMÉRICA LATINA, RESALTA EL RENOVADO APPROACH DE LA COMPAÑÍA BRASILEÑA TANTO PARA COPRODUCCIÓN INTERNACIONAL COMO PARA VENTA DE FORMATOS.

Globo evolucionó su estrategia de expansión en el mercado internacional. Para entender este panorama, Señal News conversó con Juliana Souza, Gerente de Distribución de Contenido y Alianzas para América Latina, quien destacó el desarrollo del área de coproducción internacional y la venta de formatos para su adaptación.

¿Cómo es la estrategia de Globo en América Latina? ¿En dónde observan mayores posibilidades de crecimiento?

“GLOBO ESTÁ EXPANDIENDO SUS MODELOS DE NEGOCIO”

grande, el producto adecuado para cada audiencia. Este punto es muy relevante porque va a dictar toda la estrategia para este mercado. Hoy, donde todos producen contenido diverso y existen muchas plataformas, es fundamental estar cerca de nuestros clientes y visitarlos para comprender profundamente a las audiencias de cada país. Es lo mismo que hacemos en Brasil, en donde realizamos la mayor investigación de hábitos y costumbres a través de la cual se entrevistaron a más 10.000 personas en todo el país.”

Hoy existen muchos modelos de negocio para proyectar crecimiento. ¿Alguno les resulta más atractivo o se puede hacer un mix con estrategias diversas? “Históricamente, somos reconocidos como los mayores productores de telenovelas de América Latina. Globo produce más de 3.000 horas por año de entretenimiento, además de contenidos deportivos y noticias. Pero, además, realizamos muchas series, documentales y películas de la mano de Globoplay, que es una plataforma que ya tiene diez años y está muy bien posicionada en el mercado brasileño, con más de 170 contenidos originales. Ahí hay una gran inversión, que se ha visto coronada con el primer Oscar para Brasil, con ´Ainda Estou Aquí´, elegida como la Mejor Película Internacional. Globo está

“El mercado latino siempre ha tenido mucha importancia para Globo porque compartimos un estilo de vida que nos une. Por lo tanto, tenemos una mirada muy especial sobre la región, que ahora cuenta con equipo comercial que se ha reestructurado y expandido. Antes teníamos dos ejecutivas de ventas para todas las Américas, ahora somos cuatro y nuestro objetivo es tener una visión específica que nos permita comprender las necesidades locales y encontrar dentro de nuestro portafolio, que es muy  “Perfect Days”

expandiendo sus modelos de negocio. Desde hace tres años, nos enfocamos en el desarrollo del área de coproducción internacional. En lo personal, antes de estar en ventas, trabajé con Pablo Ghiglione en esa área y la verdad es que cerramos contratos muy importantes y únicos para Globo, como por ejemplo con Disney, Fremantle y Gaumont”.

¿Cómo es la búsqueda de nuevos socios internacionales?

“Hoy continuamos en busca de nuevos socios en América Latina para coproducir. Sabemos que en la región hay estudios muy importantes y de alta calidad, por lo que estamos abiertos a concretar este tipo de asociaciones. Por otra parte, una forma de extender la vida de nuestras telenovelas y nuestras historias es trabajar la venta de esos formatos. Estamos muy enfocados en la venta de los guiones, que son el tesoro de Globo. El ejemplo de ellos es ´Leyla´, que es la versión turca de ´Avenida Brasil´, que ya fue vendida para más de 100 países. Es un fenómeno muy interesante que nos interesa replicar en América Latina, realizando versiones locales de nuestros contenidos. Entendemos que es una nueva manera de estar en el mercado acercando a nuestros clientes un negocio seguro porque ya conoce la potencia de nuestras IP, que pueden ser adaptadas a costumbres y lenguajes con talentos locales e inversión publicitaria. Es un negocio al que le estamos apostando muy fuerte”.

Por Aldo Bianchi y Diego Alfagemez

“SIEMPRE ESTAMOS ABIERTOS A NUEVOS MODELOS DE NEGOCIO”

Como empresa líder en ratings y alcance de España, Atresmedia Sales amplió su volumen de negocio global en 2025 y apuesta por 2026 aún más fructífero. En diálogo con Señal News, Miguel García, Director de Ventas, explicó la estrategia para lograr que su contenido alcance nuevas ventanas de distribución.

¿Cómo describirías el crecimiento de Atresmedia Sales en 2025 y cuáles son los principales objetivos para 2026?

“Cerramos el 2025 con muy buenos resultados, tanto en ventas como en el éxito de nuestras producciones. Durante el año hemos tenido grandes noticias como el estreno mundial de ‘A Muerte’ en Apple TV+ o la llegada de ‘Sueños de Libertad’ a HBO Max en América Latina. Nuestro objetivo para 2026 es seguir esta línea y poder lograr que nuestro contenido se vea en aún más ventanas en todo el mundo”.

España es hoy uno de los epicentros globales de producción y distribución. ¿Qué posicionamiento tiene Atresmedia en ese contexto?

“Atresmedia es el grupo de producción líder en España, con miles de horas nuevas estrenadas. Además, también somos el líder en audiencias desde hace más de tres años y nuestra plataforma se ha posicionado como el ‘héroe local’, siendo el player de origen español con más

MIGUEL GARCÍA , DIRECTOR DE VENTAS DE ATRESMEDIA SALES, ADELANTA LOS NUEVOS LANZAMIENTOS DE LA EMPRESA ESPAÑOLA PARA 2026 Y APUNTA LOS SECTORES DE CRECIMIENTO PARA SU NEGOCIO EN LAS AMÉRICAS.

suscriptores. En la parte de distribución también somos los referentes número uno en venta internacional de contenidos españoles”.

¿Cuál es el peso del negocio en las Américas en la estrategia global de la compañía?

“América Latina, Brasil, e incluso añadiría la parte hispana de Estados Unidos, son las regiones con un peso mayor en ventas. Contenidos producidos por Atresmedia como ‘Ángela’ han sido un éxito y tendencia en países de esta región en 2025”.

¿Cuáles son los puntos fuertes del catálogo para el comienzo del año en Content Americas?

“Seguimos apostando por la producción original de grandes historias llenas de drama, pasión, misterio como ‘Las Hijas de la Criada’ o ‘¿A qué estás esperando?’. Estas son dos de las producciones que destacarán en nuestro catálogo en Content Americas, junto a otras franquicias que han confirmado nuevas temporadas como ‘FoQ: Nueva Generación’, ‘Entre Tierras’ o ‘Eva & Nicole’. Por último, también quiero mencionar la serie familiar ‘Padre no hay más que uno’, que se estrenará en Prime Video y atresplayer España en enero de 2026”.

¿Qué potencial de crecimiento observas en la adaptación de historias de Atresmedia?

“Las historias que cuentan nuestras series enganchan al público, y la mejor prueba de ello es que la mayoría se están convirtiendo en franquicias tras el anuncio de que tendrán varias temporadas. Ejemplos de ello son ‘¿A qué estás esperando?’ o ‘Eva & Nicole’. Nuestros formatos perduran en el tiempo y se actualizan con el paso de los años. Tanto ‘Los Protegidos’ como ‘Física o Química’, series que triunfaron hace una década tienen nuevas secuelas o remakes que mantienen viva la franquicia y demuestran que las tramas que cuentan son exitosas. En 2025 tuvimos la suerte de disfrutar de ‘Velvet: nuevo imperio’, adaptación de Telemundo de uno de nuestros más conocidos formatos”.

¿Cómo evalúas la posibilidad de coproducir con otras compañías latinoamericanas?

“Siempre estamos abiertos a nuevos modelos de negocio y la búsqueda de fórmulas de financiación diferentes de los proyectos.

‘Padre no Hay Más que Uno’ tendrá su estreno en coordinado tanto en Prime Video como en los medios de Atresmedia. También hace unos meses anunciamos el acuerdo entre Buendía Estudios, Netflix y Atresmedia para producir la esperada secuela de ‘El Tiempo entre Costuras’, la serie ‘Sira’”.

Por Diego Alfagemez

DIRIGIDA POR EDGAR JARAMILLO, BREAK DA RULES ABRIÓ SUS PUERTAS CON EL OBJETIVO DE DESARROLLAR PRODUCCIONES DIFERENTES, QUE ROMPAN LOS LÍMITES CREATIVOS Y DE PROCESOS, PARA GENERAR CONVERSACIÓN CULTURAL.

Break Da Rules irrumpió con su espíritu revolucionario en la escena del entretenimiento hace apenas unos meses y lo que busca es cambiar las reglas del juego. Su gestación, asegura su Director Edgar Jaramillo, fue paulatina porque hacer las cosas diferentes y romper las reglas, lleva su tiempo. Además de Jaramillo, el equipo directivo de Break Da Rules está encabezado por un grupo de ejecutivos que en conjunto acumulan años y años de experiencia en el negocio: César Ochoa (ex VP de Sony Music Latin), quien lidera el área de talento y alianzas creativas de la compañía; Ignacio Segura (director creativo y comercial galardonado), Nicolás Matiz (ingeniero de audio y software, mezclador de sonido y productor premiado), Gregg Vickers (ex ejecutivo de Sony Music Latin y veterano en ventas y marketing musical) y Anthony González (ex ejecutivo de BMG Music Entertainment y Sony Music Latin). “En una industria que está cambiando es clave apostar por algo diferente y justamente por eso es que se gestó Break Da Rules. Venimos con una actitud un poco rebelde. Ya sabemos cómo funcionan los grandes estudios,

UN ESTUDIO INDEPENDIENTE

QUE BUSCA ROMPER LAS REGLAS

las disqueras y los procesos complicados que hay en el mundo corporativo. Vamos a hacer cosas diferentes, de una manera eficiente y más ágil”, explicó Jaramillo en diálogo con Señal News.

¿Qué significa hacer cosas diferentes? ¿No es eso lo que cualquier estudio o productora intenta? Con operaciones en Los Ángeles, Nueva York, Miami, Ciudad de México, Bogotá y Buenos Aires, Break Da Rules se sustenta en pilares entre los que destacan el contenido original, único y que conecte con las audiencias, y la tecnología, como animación 3D, inteligencia artificial generativa. “Adicionalmente a eso estamos trayendo nuestro Studio Fund, donde estamos apostando a modelos de negocios no convencionales para quedarnos con parte del IP y no tener que regalar propiedades como pasa mucho en estos momentos en la industria. Traeremos dinero de diferentes lugares que no vienen del entretenimiento. Tenemos inversionistas que vienen del área de tecnología o real estate, que están tratando esto como una inversión más y están apostándole a nuestro pipeline de contenido. Es un esfuerzo para intentar impulsar no solamente nuestra compañía, sino a toda la industria”, aseguró Jaramillo.

CONTENIDO ORIGINAL

Primordialmente, Break Da Rules se centra en series originales, documentales y películas que abarcan la no ficción, true cirme, musicales, dramas y animación para el mercado de Estados Unidos. Sin embargo, Jaramillo sostiene

que las historias son las que trascienden, y que

estas se pueden encontrar en cualquier lugar o idioma. “No estamos casados a producir solo en inglés o español. Vamos a producir historias que tengan temáticas universales y que puedan conectar audiencias”, agregó.

Jaramillo cuenta con experiencia en empresas como Endemol Shine Boomdog, Banijay, Vice y Amazon, entre otras, que le ha servido para armar una marca que tenga identidad propia, con oportunidad de crecimiento y que si bien busca hacer las cosas diferentes, sepa reconocer que hay cosas en la industria que funcionan. “Hoy la coproducción es parte fundamental de este negocio. Las compañías que quieren funcionar 100% independientes se están quedando atrás, porque la sinergia de trabajar con diferentes socios es clave. Buscamos cambiar los modelos de negocio y, obviamente, los procesos burocráticos del mundo corporativo”, añadió Jaramillo.

“Tenemos un equipo con gente que viene del mundo de la música, del entretenimiento, de áreas comerciales, y cada uno de ellos tiene una forma completamente diferente de ver la industria. Junto con mi experiencia en la industria, estamos creando algo que se está moldando a los tiempos actuales para poder ser exitosos”.

Por Fidel Orantes y Diego Alfagemez

SEGUNDAS PANTALLAS: EL CONTENIDO TIENE UN NUEVO COMPETIDOR

A MEDIDA QUE EVOLUCIONA EL CONSUMO DE CONTENIDO, LOS PRODUCTORES DISEÑAN ESTRATEGIAS PARA CAPTAR LA ATENCIÓN DE LAS AUDIENCIAS INTENTANDO AMPLIAR Y REFORZAR EL ENGAGEMENT.

La lucha por la atención de la audiencia está en el centro del debate de la producción de contenido. Con mayor frecuencia, los productores tienen en cuenta que la visualización principal puede compartir espacio con la omnipresencia de los teléfonos móviles en general y las redes sociales, en particular. El denominado Second Screen Viewing constituye un desafío a la hora de pensar el contenido, ya sea en puja o en complemento con otras plataformas.

Adrián Ortega Echegollén, Director General de Contenido de TV Azteca, apunta que las segundas pantallas modifican la experiencia de visualización. “Se ha transformado la manera en que las audiencias se relacionan con los contenidos, ya no se trata sólo de ver sino de participar, comentar y compartir en tiempo real. En TV Azteca reconocemos la relevancia de este cambio en los hábitos de consumo. Por ello, desarrollamos contenidos que fomentan la conversación, invitan a la interacción y se puedan amplificar en plataformas digitales”.

Adrián Ortega Echegollén

Director General de Contenido de TV Azteca

Por su parte, Bernat Elías, Director de Producción Global de The Mediapro Studio, indica que el público no solo ve, sino que vive el contenido, lo comenta y se conecta con

el ADN del proyecto de manera inmersiva. “Esa participación nos brinda la oportunidad de enriquecer la experiencia y prolongar su impacto. La segunda pantalla no compite, multiplica. Según cada proyecto, diseñamos estrategias ad hoc que incluyen clips transmedia que expanden la trama, piezas que despiertan emociones o material exclusivo detrás de las cámaras que humaniza el proceso y acerca al talento”, explicó.

Bernat Elías

Direc tor de Producción Global de The Mediapro Studio

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La segunda pantalla no compite, multiplica. Según cada proyecto, diseñamos estrategias ad hoc que incluyen clips transmedia que expanden la trama, piezas que despiertan emociones o material exclusivo detrás de las cámaras que humaniza el proceso y acerca al talento”

Sobre este último punto, Johanna Helman, Head of Production de Latam de Fremantle, agrega: “En el ámbito del reality y el entretenimiento, la incorporación de estrategias de contenido 360° permite que, aun cuando la atención del público esté dividida, exista la posibilidad de acceder a información y materiales complementarios relacionados con el programa.” Además, añade que los contenidos se conciben cada vez más como experiencias integrales que incluyen piezas exclusivas en redes sociales y extensiones digitales. “Resulta clave el desarrollo de dinámicas interactivas que fomenten la participación de la audiencia en tiempo real, haciéndola sentir parte activa del contenido”.

Johanna Helman

Head of Production de Latam de Fremantle

A su vez, Fernando Roca, Director de Insights Warner Bros. Discovery Latinoamérica, ilustra con números y precisión algunas cuestiones estudiadas desde la compañía. “En nuestros estudios, analizando lo que llamamos ´cultura de la dopamina´, descubrimos que las personas cambian de tarea digital cada 47 segundos y, después de una interrupción, pueden necesitar 20 minutos para recuperar el foco. No todo es distracción, muchas veces el celular funciona como amplificador de engagement: buscar información del cast, entender un detalle, comentar con alguien, compartir una escena, sumarse a la conversación social”, apuntó.

Fernando Roca

Dire ctor de Insights Warner Bros. Discovery Latinoamérica

“En el ámbito del reality y el entretenimiento, la incorporación de estrategias de contenido 360° permite que, aun cuando la atención del público esté dividida, exista la posibilidad de acceder a información y materiales complementarios relacionados con el programa"

Consultada acerca de si existen estrategias para captar la atención del espectador que puedan incluir modificaciones desde la escritura, desarrollo y producción, Vanessa Miranda, VP Scripted Development Warner Bros Discovey Latinoamérica indicó: “La estrategia para captar la atención del espectador es no solo tener

historias y temas que sean de interés indudable sino también entender cómo la audiencia lo consumirá. Para captar la atención durante el episodio, en la escritura de guiones, es fundamental buscar que cada escena, cada momento de la historia, tenga información y relevancia. El objetivo del desarrollo es crear una historia tan atrapante que, si la audiencia siente curiosidad por algún dato, prefiera esperar antes que mirar su celular, porque sabe que si aparta la vista un momento podría perderse algo crucial de la serie”.

Vanessa Miranda

VP Scripted Development Warner Bros Discovey Latinoamérica

En el mismo sentido, Ortega Echegollén considera que se debe considerar a los programas no sólo como productos televisivos, sino como experiencias multiplataforma. “Allí, es donde la audiencia es parte de la historia, tal es el caso de nuestro último éxito, ‘La Granja VIP’, donde lejos de considerar la second screen como una distracción, la entendemos como una oportunidad para fortalecer el vínculo con los consumidores, ampliar el alcance y potenciar su impacto más allá de la transmisión tradicional”. A su vez, Helman explicó algunas acciones concretas. “Introducciones claras y directas, que logren enganchar rápidamente, junto con personajes auténticos con los que el público pueda identificarse y empatizar. Y, sobre todo, expandir el contenido lineal hacia narrativas transmedia, permite ampliar la experiencia y fomentar la participación activa de la audiencia”.

PANORAMA

“La segunda pantalla se convierte en un espacio de interacción, descubrimiento y comunidad. No se trata solo de sostener la atención, sino de crear universos narrativos que trascienden la emisión, donde cada pieza digital suma valor y prolonga la experiencia”, agregó Elias.

CAMBIOS Y GENERACIONES

Otro punto a dilucidar es si esta relación entre el uso del celular y la visualización de contenido varía según el género y la edad. Roca entiende que la edad impacta más que el género. “En promedio, los Gen Z reciben +150 notificaciones por día y hacen alrededor de 352 chequeos del teléfono por día. Con ese nivel de estímulos, es esperable que la segunda pantalla y la fragmentación de atención sean más frecuentes, y que el consumo se vuelva más ‘intercalado’. Lo que suele explicar más la segunda pantalla en los más adultos es el contexto de consumo más que el género como variable aislada”, explicó. Helman coincide en que la generación determina más que el género. “Las diferencias generacionales obligan a la industria a pensar estrategias segmentadas, capaces de dialogar con públicos diversos y de ofrecer experiencias adaptadas a los distintos hábitos de consumo, sin perder coherencia narrativa ni identidad de marca”, definió.

También cabe preguntarse si, ante esta situación, se atraviesa una tendencia de simplificación del storytelling. En este sentido, Helman es contundente. “ Lejos de atravesar un proceso de simplificación del storytelling, la industria audiovisual se encuentra inmersa en una transformación constante: la narrativa no se simplifica, sino que se complejiza al intentar abarcar públicos con hábitos, usos y expectativas cada vez más diversos. Más que de simplificación, resulta pertinente hablar de diversificación. Un ejemplo claro es el crecimiento de los formatos de reality con propuestas de contenido 24/7, que permiten al espectador continuar la experiencia más allá del horario de emisión tradicional,” remarcó.

“

En promedio, los Gen Z reciben 150+ notificaciones por día y hacen alrededor de 352 chequeos del teléfono por día. Con ese nivel de estímulos, es esperable que la segunda pantalla y la fragmentación de atención sean más frecuentes, y que el consumo se vuelva más ‘intercalado’.

Las redes sociales pueden marcar el camino hacia el engagement, y la lógica de Tik Tok o Instagram son inspiraciones posibles. “TikTok e Instagram son, ante todo, algoritmos que capturan la atención. Un dato de nuestros estudios muestra que 53% de usuarios de TikTok reportó ‘distorsión del tiempo’ mientras scrolleaba. Ese diseño se apoya en gratificación inmediata: micro-recompensas, refuerzos sociales y estímulos rápidos. Por eso el auge de las microdramas está creciendo con fuerza, con apps dedicadas construyen consumo a partir de episodios muy breves. En términos comerciales, el ecosistema de streaming con publicidad también capitaliza confianza: 83% acuerda que ver anuncios en plataformas de streaming da más credibilidad a las marcas y 82% dice creer en marcas que ve en streaming. Mucho más que el consumo en plataformas sociales de video”, describió Roca.

“Los clippings y highlights en programas de entretenimiento amplifican el alcance y generan comunidades activas que aportan valor social y cultural”, agregó Elías. Finalmente, Helman afirmó que la lógica de los contenidos breves, directos y altamente efectivos ha demostrado una enorme capacidad de circulación, impulsada por la participación activa de los usuarios, que los comparten y resignifican en sus propias redes. Este fenómeno permite que el contenido lineal trascienda su espacio original y alcance nuevas audiencias, funcionando incluso como puerta de entrada hacia la televisión lineal o las plataformas principales. “Resulta indispensable pensar el contenido desde una estrategia 360°, capaz de dialogar con distintos hábitos de consumo y formatos. La segunda pantalla deja de ser un elemento accesorio para convertirse en una extensión natural de la experiencia audiovisual: un espacio donde el contenido se amplifica, se comenta y se vive en tiempo real”, definió.

Por Alan Levy

“NUESTRA ESTRATEGIA BUSCA COMPLEMENTAR UN PORTAFOLIO HACIA UN TRIPLE PLAY COMPETITIVO”

LUCAS WERTHEIN, VICEPRESIDENTE DE WAIKEN ILW, EXPLICA

LOS OBJETIVOS DE ESTE NUEVO HOLDING, QUE LLEVA SUS PROPUESTAS A OTRO NIVEL VALIÉNDOSE DE SOLUCIONES MÁS ESPECÍFICAS Y POTENTES PARA SUS CLIENTES.

En noviembre pasado se presentó Waiken ILW, un holding latinoamericano con subsidiarias en once países de la región e inversiones proyectadas por más de 450 millones de dólares para el periodo 2026-2031, destinadas a impulsar su crecimiento y ampliar su propuesta de productos y servicios en múltiples verticales de negocio a nivel internacional. Señal News conversó con su Vicepresidente, Lucas Werthein, quien detalló cómo trabajará esta technomedia que integra conectividad, streaming, televisión paga, contenidos y tecnología en un ecosistema escalable.

¿Cuál es la visión estratégica con la que se ha lanzado Waiken ILW?

“Nuestra technomedia que agrupa a Directv Latin America, a Sky Brasil y al resto de las subsidiarias que tenemos en 11 países de América Latina. Y lo hicimos anunciando inversiones proyectadas de 450 millones de dólares para el período 2026-2031, que tendrán el foco en apuntalar la transformación digital con plena

conectividad, los mejores contenidos de entretenimiento, deportes, noticias y educativos, y los servicios más innovadores en todos los segmentos donde tenemos participación. Waiken ILW nos permite alcanzar la organización más efectiva porque separamos las unidades tecnológicas y de telecomunicaciones de los negocios tradicionales para maximizar la eficiencia, las sinergias y el valor. Con esta estructura llevamos nuestras propuestas a otro nivel, con soluciones más específicas y potentes para los clientes”.

¿En qué medida su llegada modifica el abordaje del territorio que abarca el negocio?

“Waiken ILW es la estructura que nos permitirá consolidar nuestra expansión en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, México, Perú, Uruguay y el Caribe y avanzar más allá. Estamos hablando de un territorio en el que conviven 400 millones de personas y la nueva organización nos da la posibilidad de actuar con mayor celeridad para atender las nuevas demandas en cada uno de esos mercados.

Dentro de Waiken ILW, las puntas de lanzas son Directv y Sky Brasil, reconocidas por su amplio despliegue y su liderazgo en entretenimiento. Y con ellas daremos de pasos determinantes porque son las compañías que próximamente comercializarán el servicio de internet satelital de Amazon LEO, que nos eligió para desarrollar el mercado de internet satelital por nuestra experiencia y capilaridad. Directv y Sky Brasil avanzan con su evolución, con productos de altísimo valor, con lo mejor del deporte. Dsports transmitirá el próximo año los 104 partidos de la Copa Mundial FIFA; lo mejor del espectáculo, con Dshow; las noticias de América Latina, con Dnews; y con los contenidos educativos de Escuela Plus, la señal de la Fundación Norma y Leo Werthein. Todo se potencia con las plataformas de streaming y TV en vivo DGO y SKY +, que atienden las nuevas tendencias de consumo para ver lo que uno quiere en cualquier momento y lugar”.

¿Cómo es su modelo de negocio? ¿Cómo se componen las verticales y qué ofrece cada una de ellas?

“El modelo de Waiken ILW se basa en la convivencia de todas las unidades de negocios, para que nuestros clientes y usuarios tengan a disposición una cartera mucho más amplia de productos y servicios. Tenemos verticales de TV paga y satelital, streaming; tecnología, conectividad, contenidos, producción y seguros”.

En términos de contenidos, ¿proyectan un mayor volumen de producción? ¿Expandirán su política de adquisición y comercialización de derechos?

“La política de adquisición de derechos audiovisuales es uno de los pilares que nos distingue en toda la región y que se lleva adelante bajo la premisa de amplificar el acceso para que las audiencias puedan disfrutar de los mejores contenidos y eventos en vivo, fundamentalmente los deportivos. Ese es un camino que recorremos con Torneos, reconocida por ser una de las productoras más grandes de la región, e incluso fue seleccionada para producir una de las sedes del Mundial 2026 en Kansas, lo que nos posiciona dentro de los grandes players globales. Desde 1998, Directv transmite la Copa Mundial FIFA, y posee los derechos de transmisión hasta 2030. Directv complementa su oferta con la transmisión y cobertura de los torneos de la Conmebol, que agrupan a las selecciones nacionales y clubes de cada país; de la Copa América masculina y femenina; sudamericanos juveniles masculinos y femeninos; de la Liga de España, de los torneos locales, de la Copa Italia, la Super Copa Italia, la Copa

de Francia, la Champions, Europe League y la Liga de las Naciones. Recientemente adquirimos los derechos de transmisión de todo el fútbol de Uruguay, por lo que a partir del 2026 los partidos de la primera división y del ascenso se podrán vivir por la pantalla de Directv”.

¿Qué tipo de tecnologías aplicarán a las verticales de Waiken?

“Para la vertical de contenidos, contamos con centros de transmisión de última generación y un amplio ecosistema de más de 20 marcas y señales. Además, el holding potencia su operación con alianzas estratégicas junto a más de 20 gigantes tecnológicos de la industria, como Google, IBM, Oracle, Lenovo y HPE. Nuestras soluciones tecnológicas especializadas se enfocan en la transformación digital. Illumia se centra en soluciones de inteligencia artificial aplicadas a la atención al cliente, y utiliza inteligencia artificial generativa para ofrecer servicios de Outsourcing transformacional, buscando personalizar la experiencia del cliente y optimizar costos. Overlabs desarrolla consultoría, servicios y software de última generación, y se especializa en reducir costos operativos mediante el uso de soluciones de código abierto. Adicionalmente, el ecosistema tecnológico incorpora a SKX, una fintech digital que proporciona billeteras virtuales, pagos

y soluciones de capital circulante, enfocada inicialmente en socios de SKY y pymes en Brasil. Finalmente, la vertical de Seguros opera como un Broker Regional de Seguros especializado en modelos B2B2C y B2B, con más de 500,000 clientes activos en la región”.

¿Cuál es la proyección de negocios del holding para los próximos cinco años?

“Hemos anunciado un plan de inversión ambicioso de 450 millones de dólares hasta 2031. Solo para 2026, prevemos desembolsar más de 200 millones, destinando aproximadamente el 50% al mercado brasileño. En Brasil ya adquirimos dos ISP relevantes y varias compañías menores, buscando consolidar la presencia en conectividad fija para complementar la televisión y el streaming. En 2026, el enfoque estará en llevar una nueva generación de conectividad a Sudamérica con el lanzamiento de internet satelital de Amazon LEO, comenzando desde el sur. Nuestra estrategia general es la de un jugador regional que busca complementar su portafolio hacia un triple play competitivo, especialmente en territorios desatendidos. El camino hacia adelante está marcado por el crecimiento en Brasil y la expansión regional de todas nuestras unidades tecnológicas”.

“WAIRA ES UN ESTUDIO DE DOBLAJE BOUTIQUE QUE PRIORIZA LA CALIDAD”

SEBASTIÁN PALMADESSA , CEO DE WAIRA, EXPLICA EL POSICIONAMIENTO DE LA COMPAÑÍA DENTRO DEL MERCADO DE DOBLAJE Y SUBTITULADO, EN UN CONTEXTO MARCADO POR MAYOR COMPETITIVIDAD Y LA IRRUPCIÓN DE LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL.

Waira busca posicionarse como un estudio de doblaje y subtitulado que prioriza la calidad y personalización en cada uno de sus proyectos. Señal News dialogó con Sebastián Palmadessa, CEO de Waira, para entender la estrategia de la compañía ante un mercado cambiante.

¿Cómo definirías a Waira dentro del mercado de doblaje y subtitulado?

“Defino a Waira como un estudio de doblaje boutique que prioriza la calidad. Vengo del mundo del sonido, soy músico, artista visual y selector musical, por eso Waira tiene mi visión y enfoque artístico. En un mercado donde hay mucho volumen y trabajo estandarizado, defendemos un piso alto de calidad y un trabajo personalizado. Nos distingue el criterio: cuidamos traducción, dirección, actuación y mezcla con el mismo rigor en proyectos grandes y chicos, sin perder competitividad. Entendemos la presión de plazos y presupuestos del mercado, pero mantenemos nuestro estándar de ejecución pensando en la audiencia, no solo en cumplir con archivos entregables. Eso se nota, y por eso quienes buscan servicios de doblaje y subtitulado profesional nos eligen”.

¿Qué es lo que valoran los clientes cuando trabajan con Waira?

“Valoran el trato, la cercanía y la rapidez. Respondemos de forma personalizada, cotizamos en el día y cumplimos con las entregas. Organizamos cada proyecto a medida y acompañamos de cerca todo el proceso. La transparencia es clave. Somos muy claros con los tiempos logrables y los que no. A veces preferimos decir que no antes que aceptar algo que no va a ser un éxito. Apostamos a relaciones duraderas y de confianza con clientes que conservamos en más de 50 países”.

El mercado es cada vez más competitivo. ¿Cómo mantienen una identidad propia?

“El mercado parece muy competitivo, pero cuando se busca una solución a medida, las opciones no son tantas. Somos muy pocos estudios los que cumplimos con el piso de calidad y las certificaciones de seguridad informática que exige la industria. Siempre habrá quienes lo hagan más barato o rápido, aceptando pedidos inhumanos. Yo duermo tranquilo sabiendo que tenemos una ética de trabajo y que siempre damos lo mejor. Nos caracteriza haber creado un ambiente de trabajo justo y agradable, eso hace que muchos profesionales quieran ser parte de Waira”.

La IA ha irrumpido en la industria. ¿Cómo lo viven en Waira?

“La IA confunde a algunos clientes. Creen que todo se resuelve con un clic, y no es así. Muchos probaron doblaje con voces sintéticas y volvieron a las reales al ver los resultados. En Waira testeamos permanentemente estas herramientas y, hasta hoy, no dan la talla en la calidad ni la rapidez que buscamos. Con tantos buenos talentos al alcance de nuestras manos, es mucho más rápido y mejor seguir grabando con voces reales. Usamos IA con criterio y siempre con control humano: en optimización de audio, gestión y etapas preliminares de traducción. El talento y la mirada humana son irremplazables en la actuación, la dirección y el control de calidad. No aceptemos lo mediocre como nueva normalidad”.

¿Qué proyectos representan mejor el “sello Waira”?

“Podría resumirlo en tres. El doblaje al español latino de ‘Beyblade-X’, en donde trabajamos cada personaje detalladamente para construir una versión que fuera fiel a la original. Luego, el audiolibro más grande del mundo, en donde grabamos a más de 400 talentos y celebridades de América Latina. Por último, desde noviembre de 2025 doblamos al portugués de Brasil 21 películas mensuales. Lo hacemos gracias a un equipo de traducción profesional, dirección actoral, talentos de voz nativos, edición y mezcla, comprometido y organizado a la perfección. Resolvemos una necesidad clave del cliente: localizar rápido para poder monetizar”.

Por Fernando Calviño

LA MÚSICA, UN ELEMENTO QUE POTENCIA HISTORIAS Y GENERA ENGAGEMENT

DENTRO DE TODA PRODUCCIÓN DE CONTENIDO, LA MÚSICA ES UN FACTOR CLAVE EN LA CREACIÓN DE COMUNIDADES Y EL IMPACTO SOBRE SUS AUDIENCIAS, DEFINIENDO SU POSICIONAMIENTO Y CLARIDAD NARRATIVA.

Anivel global, los soundtracks y la producción de sonido de películas y series son un factor clave para generar engagement emocional en las audiencias. Al mismo tiempo, la creación de sonidos y texturas que expresan la identidad de cada contenido, como un elemento fundamental del storytelling.

A la hora de definir el rol que desempeña la música en el engagement emocional y cultural de las audiencias, el compositor y productor musical Alan Senderowitsch, pone el foco en entender a la música en función del storytelling. “Cuando la música se piensa en función de contar mejor una historia es cuando alcanza su máximo potencial, creando momentos memorables, únicos e irrepetibles. El rol principal de los compositores es el de potenciar la narración y ser los mejores conocedores de la cultura contemporánea que podamos ser, para así contribuir a que las producciones en las que participamos logren una conexión más cercana y auténtica con nuestro público”, dijo.

En sintonía y, de manera complementaria, el compositor Pablo Borghi define el rol de la música dentro de un contenido. “Es la que

"Cuando la música se piensa en función de contar mejor una historia es cuando alcanza su máximo potencial, creando momentos memorables, únicos e irrepetibles. El rol principal de los compositores es el de potenciar la narración y ser los mejores conocedores de la cultura contemporánea"

termina de darle sentido a una escena, incluso cuando el espectador no es del todo consciente de ello. La música no solo acompaña lo que pasa: define cómo se siente”, apuntó.

A su vez, el compositor y cantante Murat Evgin destaca que la música ayuda a que el público sienta la escena. “Orienta hacia una determinada emoción. También contribuye a que una película o serie construya la atmósfera adecuada, el período histórico correcto y el contexto geográfico”, definió. Evgin destaca la vital importancia de la curaduría musical en la estrategia de posicionamiento de un contenido. “Es muy importante, sobre todo porque muchos clichés ya se han usado antes. Creo que los compositores y supervisores musicales que eligen canciones para las series buscan ideas fuera de lo convencional”, afirmó. Borghi es aún más enfático. “La curaduría lo es todo. No es una decisión decorativa ni secundaria. Elegir qué música entra, y cuál no, define el universo de la obra, su identidad y su posicionamiento. Muchas veces, incluso, termina siendo uno de los elementos más reconocibles de una serie o una película. Una buena curaduría permite que el contenido siga existiendo más allá del visionado”. Senderowitsch, coincide y brinda

un insight acerca de este proceso. “Usualmente trabajamos con referencias que surgen de charlas de preproducción con los directores, productores y/o editores y ese es el momento en el que se comienza a sentir y definir el estilo y carácter musical que va a tener una serie o un film. Hoy el compositor está cumpliendo un rol cada vez más importante como consultor musical”, explicó. También diferencia la utilización de estilos y artistas en la industria audiovisual respecto de la industria discográfica. “Los estilos, aplicados a la imagen, están más al servicio de lo que necesitamos contar que de las modas o tendencias globales. Salvo en producciones muy de nicho o, por ejemplo, en el caso de los biopics musicales, no creo que haya un estilo de música predominante que marque una tendencia generalista”, destacó.

 Murat Evgin

"Los estilos, aplicados a la imagen, están más al servicio de lo que necesitamos contar que de las modas o tendencias globales"

PROBLEMAS MODERNOS

A la hora de entender si existe un predominio estético en la producción de contenidos y cómo las tendencias globales dialogan con los sonidos locales, Borghi observa una convivencia de lenguajes. “Por un lado, están muy presentes las estéticas vinculadas a la electrónica y los sonidos híbridos, que dialogan bien con narrativas actuales y con audiencias globales. Por otro, sigue siendo fundamental una música más emocional, cinematográfica y atmosférica, más orquestal. Cuando ese equilibrio está bien logrado, la música no solo acompaña la historia: la sitúa culturalmente. Evita que el contenido suene genérico y le da una voz propia, reconocible y auténtica”, afirmó. Por su parte, Evgin destaca cierta predominancia de géneros como el K-Pop, la electrónica, el pop y el afro-pop, los artistas indie y cantautores. “Los creadores de contenido buscan nuevos sonidos, canciones con un toque distintivo. También me gusta escuchar canciones de los años 80 en series, como ocurrió con ‘Running Up That Hill’ de Kate Bush en ‘Stranger Things’. Es hermoso que canciones que resisten el paso del tiempo sean redescubiertas y amadas por nuevas generaciones”, destacó.

Uno de los principales desafíos que enfrentan los productores musicales es la irrupción de la inteligencia artificial y la legislación de resguardo de derechos. Senderowitsch considera que se está atravesando un momento crítico de la profesión. “Hasta ahora, todas las producciones que necesitaban música original tenían que contratar a un compositor, al que le pagaban por la producción de su música y por la que el músico luego cobraba además derechos de autor. Esto sigue siendo igual en gran parte de los casos. Pero cambió muchísimo de la mitad de la pirámide para abajo: mucha de esa música hoy está

Uno de los principales desafíos que enfrentan los productores musicales es la irrupción de la inteligencia artificial y la legislación de resguardo de derechos.

PANORAMA

"Nada puede reemplazar el toque humano. He escuchado canciones creadas por IA y suenan demasiado perfectas. Son las pequeñas imperfecciones humanas las que hacen que la música hecha por personas sea hermosa”

siendo reemplazada por música creada por IA con la consiguiente pérdida de identidad, creatividad y calidad esperadas. Hay menos pastel para muchos compositores. Las partidas de música son cada vez más chicas, ya que la competencia que está viviendo nuestro sector es atroz.” Por su parte, Evgin reconoce esta incertidumbre. “Creo que todavía no sabemos del todo qué aceptar o cómo posicionarnos. Nada puede reemplazar el toque humano. He escuchado canciones creadas por IA y suenan demasiado perfectas. Son las pequeñas imperfecciones humanas las que hacen que la música hecha por personas sea hermosa”, destacó. Finalmente, Borghi hace foco en la legislación. “La inteligencia artificial avanza mucho más rápido que la legislación. Eso genera zonas grises en torno a la autoría, el uso de obras preexistentes y la protección real del trabajo creativo. Para productores y compositores, uno de los puntos más sensibles es el uso de música para entrenar modelos de IA sin marcos claros de consentimiento ni compensación. Temo que la música para audiovisual termine ‘pasteurizada’ por la IA, generada por no-músicos y con el único fin de simplificar y abaratar los costos,” expresó.

PRODUCIR CON MÚSICA

Los productores también tienen claro el rol de la música dentro de la construcción de identidad del contenido, creando matices y colores que puedan resonar globalmente. Sergio Ferraro, Director Senior de Producciones de Pegsa, reflexiona acerca de los géneros que resuenan mejor entre las audiencias y las diferencias en materia de género y edad. “La elección de la música siempre pasa dos elementos fundamentales: el tono de la serie o película que estamos produciendo, o sea qué es lo que la escena o personaje requiere, y por otro lado el público al que apuntamos. Miramos

mucho todo el movimiento urbano, del trap y músicas cercanas a ese estilo, que tiene un gran impacto en el público joven, pero es también cada vez más aceptado entre las generaciones más grandes,” subrayó.

A su vez, Mariana Pérez, VP, Development and Production de The Walt Disney Company Latin America, hace referencia a algunas tendencias regionales. “Partimos de entender a quién le hablamos, su edad y su contexto cultural y musical. A estos ejes se suman identidades musicales regionales con fuerte arraigo cultural como la cumbia y lo tropical en gran parte de América Latina, el poprock en el Cono Sur, la balada y el regional en México, y los sonidos de Brasil y los afrocaribeños en Centroamérica. Las audiencias

"La elección de la música siempre pasa dos elementos fundamentales: el tono de la serie o película que estamos produciendo, o sea qué es lo que la escena o personaje requiere, y por otro lado el público al que apuntamos"

celebran cuando se encuentran con música nacional o regional, porque es un elemento más de identificación que contribuye a darle sabor local a cada contenido”. También destaca el impacto de la música en el público infantil. “Allí, la relación con la música es más directa y física: ritmo, repetición y género que están acostumbrados a escuchar son claves. Dentro de este target, para las niñas la música cumple un rol clave en la construcción de identidad: hay una fuerte respuesta a canciones que combinan identificación emocional, repetición, melodía reconocible y un mensaje positivo, mientras que los niños suelen responder con mayor intensidad a la energía, el ritmo y la acción. Estas diferencias no son rígidas, pero resultan relevantes al momento de diseñar propuestas musicales que busquen impacto y permanencia”, destacó.

Por su parte. Adrián Sosa, Head of Music, LatAm/CA/AU/NZ de Amazon MGM Studios, comenta que, si bien el foco está en la historia que se narra, sin duda, la música latina viene atravesando un momento histórico en crecimiento exponencial de audiencias durante los últimos años. “Observamos que la música romántica y las baladas tienen una conexión particular con audiencias femeninas, mientras que géneros como el trap y el hip hop latino atraen de manera más equilibrada a todos los géneros,” explicó. También resalta que hay un renovado interés por los contenidos estrictamente musicales de artistas que cantan en español e impactan en otros territorios: “La música en español ya es considerada música global o mainstream. Hoy el porcentaje de contenido de música en español en las producciones originales de América Latina se ha invertido y ha alcanzado, o superado en muchos casos, al porcentaje de música anglosajona. Todo este escenario conspira para que el mercado de

la música latina siga creciendo y, a su vez, vaya determinando un posicionamiento mayor en producciones tanto locales como internacionales. Los músicos latinos tienen cada vez más alcance global, primero en el mercado de Estados Unidos, pero también en Europa, con España como principal plaza”, agregó, mientras aporta un ejemplo ilustrativo: “la banda sonora de ‘Playback: Una somos dos’, superó los 39 millones de reproducciones en plataformas digitales en dos meses en todo

 Sergio Ferraro

“La música en español ya es considerada música global o mainstream. Hoy el porcentaje de contenido de música en español en las producciones originales de América Latina se ha invertido y ha alcanzado, o superado en muchos casos, al porcentaje de música anglosajona.

el mundo. Dentro de este consumo, notamos además un peso muy fuerte del contenido creado orgánicamente por los usuarios, que demuestra que la música en español puede viajar, apropiarse y resignificarse más allá del territorio y del idioma”.

Ferraro, reflexiona acerca del rol que desempeña la musicalización en la estética global del contenido. “Si la musicalización es acertada, sin dudas que su peso en la producción es enorme. Todos tenemos grabadas en nuestras cabezas diferentes canciones como el soundtrack de tal o cual serie, y eso es la mayor evidencia de la importancia que tiene en el proceso creativo y en el producto final,” afirmó. Por su parte, Pérez identifica a la música como un motor creativo. “Se construye claridad emocional, coherencia estética y una experiencia segura, atractiva y duradera. Además, está pensada para ser disfrutada y compartida por los consumidores, funcionando también como motor de awareness, engagement y marketing, por eso se trabaja con cada contenido en una estrategia coordinada con toda la compañía, con estrenos progresivos de singles, el armado de playlists oficiales de cada proyecto en Spotify, lanzamiento de videos y activaciones”, describió. Finalmente, Sosa hace foco en la misión del productor.

“Debemos encontrar maneras para que la música nos ayude a elevar la narrativa, a conectar con las audiencias a través de lo emocional, y a enfatizar las cuestiones que definen la identidad de las historias y sus personajes. Esto se logra no solo a través de las canciones de catalogo o canciones originales, sino a través de la música incidental, que es clave. La música puede transformar una escena, elevar un momento dramático o crear una conexión emocional instantánea con la audiencia,” subraya.

Por Alan Levy

JIMMY

VAN

DER

HEYDEN, SALES MANAGER DE CDC UNITED NETWORK, DESTACA LA IMPORTANCIA DE SER FLEXIBLES EN EL CONTEXTO DE LA INDUSTRIA AUDIOVISUAL DE AMÉRICA LATINA Y LA VENTAJA DE TENER UNA LIBRERÍA DE CONTENIDO LISTO PARA SU DISTRIBUCIÓN.

Tras un año desafiante para la industria audiovisual, el 2026 buscará concretar nuevas posibilidades de negocio. CDC United Network se prepara para contexto con contenido variado que satisfaga las necesidades de todos sus clientes. Señal News entrevistó a Jimmy van der Heyden, Sales Manager de CDC, quien explicó cómo es la estrategia de la compañía para América Latina.

¿Cuáles son las necesidades que encuentras en América Latina para el contenido fílmico?

“Globalmente, siempre habrá necesidad de películas en todas las ventanas de explotación audiovisual que existen. Siempre hay un espacio para una buena película, el contenido rey es la acción y creo que no cambiará nunca porque es el género que tiene un ritmo fuerte y que el televidente se agarra al sillón y no lo quiere soltar. Siempre venimos con una librería de contenido listo para una distribución inmediata. Todo nuestro contenido siempre viene doblado y subtitulado, así que podemos abastecer y entregar el contenido casi de

“SIEMPRE HAY UN ESPACIO PARA UNA BUENA PELÍCULA”

manera inmediata. Tenemos un catalogo súper variado que cubre todos los generos posibles. Así sea una plataforma que busca cine arte o entretenimiento generalista, o un canal de TV abierta o paga, podemos ofrecer contenido de todo tipo”.

¿Es clave tener una importante de géneros en el catálogo?

“Poder ofrecer variedad de géneros es asegurarte de poder hablar con todo el mundo y, en ese sentido, para una distribuidora cinematográfica como CDC es clave poder tener un poco de todo. No compramos nada sin saber dónde están las perspectivas de ventas. Cuando compramos terror va a funcionar en VOD y TV paga, o para TV abierta buscamos producto para audiencias generalistas y familiares. Buscamos tener un catálogo muy variado, amplio, como para poder solucionar cualquier necesidad de programación”.

¿Qué tan importante es ser flexible en cuanto a la necesidad del cliente, su momento y su contexto?

“Hay que adaptarse al mercado y considerar la evolución del mismo. Debemos evolucionar con los cambios y tener ojos abiertos a las nuevas maneras de explotar la librería. Además no tenemos que quemar los títulos y estar atentos a modelos diferentes. En eso es importante la flexibilidad”.

¿Qué objetivos tienen planteados a corto plazo, para iniciar 2026?

“Content Americas será el inicio de un nuevo ciclo anual. Llegaremos con varias novedades. Tenemos un catálogo de títulos recientes brasileños. Sabemos que por cambios en las leyes en Brasil se va a requerir más contenido local y todos los clientes van a necesitar más contenido nacional. Queremos que el mercado sepa que con CDC podrán conseguir contenido comercial, reciente y de alta calidad. Además, estamos trabajando en la segunda parte de ‘Todas Menos Tú’, que fue nuestra primera producción original en México. Ahora está en etapa de guion, que se está finalizando, y el plan es empezar el rodaje en abril. Es muy emocionante poder trabajar otra vez sobre un contenido local, producción original, porque sabemos que es un diferenciador para el mercado y para nosotros, como posicionamiento de la compañía. Mezclando Hollywood y contenido local tenemos un abanico completo del negocio fílmico de América Latina”.

Por Fidel Orantes y Diego Alfagemez

 Cagla Menderes

CAGLA MENDERES, HEAD OF INTERNATIONAL CONTENT SALES DE ALTER EGO STUDIOS / MEGA TV, NARRA LOS OBJETIVOS Y MODELOS DE NEGOCIO DE LA COMPAÑÍA, QUE SE LANZÓ AL MERCADO INTERNACIONAL.

E“ESTAMOS CONSTRUYENDO UNA MARCA GLOBAL DE ORIGINALES GRIEGOS”

¿Qué modelos de negocio impulsarán a nivel internacional?

¿Cómo describiría el momento actual del storytelling griego?

l contenido griego está viviendo una nueva etapa de reconocimiento global, con producciones de alta calidad que comienzan a recorrer el mundo. Cagla Menderes, Head of International Content Sales de Alter Ego Studios / Mega TV, dialogó con Señal News para explicar su estrategia de expansión internacional.

¿Cuáles son los principales objetivos del lanzamiento de Alter Ego Media?

“Nuestro principal objetivo es posicionar al canal de televisión de Alter Ego Media, Mega, como un líder global en la distribución de contenido griego premium. Mega ya ha demostrado que sus series conectan mucho más allá de Grecia. Por ejemplo, ‘Maestro in Blue’ alcanzó el Top 10 global de Netflix, lo que confirma que la narrativa griega puede competir en el escenario internacional. Lo que nos distingue es que Mega conserva el 100% de su propiedad intelectual, lo que nos otorga total flexibilidad para licenciar, adaptar y comercializar nuestras series en cualquier parte del mundo. No solo vendemos contenido; estamos construyendo una marca global de originales griegos, reconocida por una narrativa de alta calidad, culturalmente rica y emocionalmente atractiva”.

“Nuestro catálogo es diverso e incluye miniseries de crimen, sagas familiares épicas, dramas de época, telenovelas de larga duración y comedias contemporáneas. Esta variedad nos permite adaptar el contenido a las necesidades específicas de cada mercado. Para América Latina, ya estamos dando pasos estratégicos para garantizar la resonancia cultural y la accesibilidad. Cada serie pone en valor una fortaleza distinta de la narrativa griega. Nuestra estrategia combina localización lista para emisión, licencias directas y modelos de distribución flexibles, lo que permite a los compradores ofrecer contenidos que conectan de inmediato con las audiencias”.

El contenido griego está viviendo un renacimiento audaz, dejando atrás años de enfoque local para reclamar su lugar en el escenario global. En el centro de esta nueva etapa se encuentra Mega, que produce ficción de clase mundial con una fuerte resonancia internacional. Desde ‘Silent Road’, que aseguró un acuerdo de distribución global con Beta y cautivó a la audiencia en Italia, hasta ‘Milky Way’, la primera miniserie griega distinguida en Series Mania, Mega está demostrando que el storytelling griego es hoy una exportación global de primer nivel. Los creadores griegos están experimentando con estructuras narrativas, ritmos y géneros, dando lugar a historias profundamente arraigadas en su cultura, atractivas para audiencias de todo el mundo”.

¿Cuál es el potencial local de Alter Ego y sus instalaciones en Grecia?

“Alter Ego Media es un actor clave en el panorama mediático griego, que combina un prestigio histórico con innovación moderna. El grupo mantiene una posición dominante en televisión, medios digitales e inversiones estratégicas. Mega no solo emite contenidos, sino que produce todo su contenido original, controlando cada etapa del proceso, desde el desarrollo de guiones hasta la postproducción. Esta integración vertical garantiza valores de producción consistentemente altos y un sólido control creativo. Estamos plenamente capacitados para ofrecer calidad cinematográfica en series de cualquier escala".

¿Cuál es el potencial de negocio de las Américas para Alter Ego?

“Nuestra presencia en Content Americas se define por un catálogo cuidadosamente curado y diseñado específicamente para conectar con el mercado latinoamericano. Seleccionamos ‘The Innocents’, ‘Shipwreck’, ‘Heat’, ‘Terra Olivae’ y ‘Black Rose’ porque cada uno posee un ADN narrativo distintivo que se alinea con los hábitos de consumo y sensibilidades culturales de la región. Al combinar alta calidad de producción, resonancia cultural y contenidos listos para emisión, aseguramos que los compradores en América Latina puedan conectar de inmediato con nuestras historias”.

Por Diego Alfagemez

“EL SALTO HACIA LA IA NOS PERMITE CUMPLIR CON EL SERVICIO A NUESTRA COMUNIDAD”

SGUILLERMO SIERRA , VP EJECUTIVO

Y DIRECTOR

GENERAL

DE

HITN MEDIA,

EXPLICA LOS PROYECTOS QUE LLEVARON ADELANTE CON INTELIGENCIA

ARTIFICIAL Y CÓMO ESTAS HERRAMIENTAS FUERON MODIFICANDO SUS PROCESOS INTERNOS Y DE ADQUISICIONES.

obre fines de año pasado, HITN cerró una alianza estratégica con CAMB.AI, una startup tecnológica especializada en la localización multilingüe de contenidos impulsada por inteligencia artificial. A través de la solución DubStudio, HITN está localizando contenidos de manera más eficiente, ampliando el acceso a programación alineada con su misión. Señal News dialogó con Guillermo Sierra, VP Ejecutivo y Director General de HITN Media, para entender este nuevo paso de la compañía.

¿De qué manera impactó en los procesos de trabajo de HITN la implementación de herramientas de IA?

“Como organización sin fines de lucro, siempre hemos pretendido hacer muchas cosas con los escasos recursos que tenemos. Ahora, gracias a las herramientas de IA, se empezaron a liberar algunos proyectos. La primera experiencia que realizamos con IA fue la producción de unas cápsulas para escuelas de la Secretaría de Educación Pública de Campeche, en México. En ese marco, hicimos la serie ‘Cómo se Dice´. También queríamos canciones y decidimos intentar hacerlas con IA y así salieron 30 canciones, muy simples, pero en donde empezamos a descubrir la magia de IA. Funcionaron muy bien, al punto que decidimos incorporar esas cápsulas a nuestra programación regular y tienen

muy buenos niveles de rating, a la altura de series muy bien producidas”.

¿Qué otros procesos decidieron agilizar a través de IA?

“Empezamos a programar. Uno de los canales preescolares lo estamos programando todo con IA porque son piezas muy cortas y la mezcla de la programación a mano hubiera sido muy difícil. Con ChatGPT programamos todas las series que duran entre 7 y 11 minutos y definimos las reglas: no repetir la serie más de una vez por día, ni repetir un episodio en menos de 4 días. Lo que sale del ChatGPT se exporta directamente al servidor. Obviamente, hemos atravesado un proceso en el que hemos ido puliendo el prompt para eliminar errores, hasta conseguir el resultado esperado. Luego empezamos a experimentar con gráficos e hicimos nuestras primeras promos en video. La verdad es que, a nivel de lo que hacemos y con nuestro presupuesto, nunca hubiéramos podido hacer filmaciones como las que hemos realizado con IA. Y esto nos abre posibilidades increíbles; ya estamos pensando cómo lo vamos a usar para animación, integrado a la producción”.

¿Cómo ha sido la experiencia de la IA para doblajes?

“Tenemos una producción llamada ´Barcos de Esperanza´, que es un docu-reality en serie de los barcos

hospitales que llegan a África. La adquirimos y la complementamos produciendo entrevistas con los voluntarios latinos que están en el barco. La versión original, que se hizo en Australia, tenía a toda la gente hablando inglés y a los nativos africanos en su idioma, en dialectos, subtitulados. Hicimos el primer experimento de doblaje con CAMB.AI y, a la primera pasada, salió bastante bien. Luego hicimos los ajustes necesarios y funcionó muy bien. Hasta entendió los dialectos africanos y los convirtió en español. Suena totalmente real. Quiero expresar que no es nuestra intención reemplazar el trabajo de los músicos o las casas tradicionales de doblaje. Es solo que nunca hubiésemos podido contratarlos porque no tenemos presupuesto. Para nosotros es muy importante que esto quede claro”.

La decisión de usar esta tecnología, ¿les modifica su estrategia de adquisiciones?

“Absolutamente. De hecho, en los mercados ya no solo tendré que escoger shows en español. Cambia porque nosotros compramos mucho, sobre todo producto europeo y documental. Hay muchas producciones en idiomas que generalmente no hubiéramos adquirido y que ahora podemos considerar. Es por eso que el salto hacia la IA nos permite cumplir con el servicio a nuestra comunidad”.

Por Fidel Orantes y Diego Alfagemez

"ÁGATA Y LOLA", LA NUEVA

APUESTA DE PORTOCABO Y ATRESMEDIA

ALFONSO BLANCO, CEO DE PORTOCABO, ADELANTA LOS DETALLES DE LA NUEVA SERIE PROCEDIMENTAL CON TONO FEEL-GOOD QUE COMBINA CRIMEN, HUMOR Y HUMANIDAD, Y REFLEXIONA SOBRE LA IMPORTANCIA DEL TERRITORIO, EL CASTING Y LA CONFIANZA CREATIVA CON ATRESMEDIA.

Tras el éxito de “Honor”, Portocabo y Atresmedia se unen en una nueva apuesta, "Ágata y Lola", una ficción para el Prime Time de Antena 3. Alfonso Blanco, CEO de Portocabo, habló con Señal News sobre el atractivo de este nuevo título y adelantó sus producciones para 2026.

¿Cómo describirías a "Ágata y Lola"?

“Es nuestra nueva serie procedimental de ocho episodios, que producimos para Atresmedia, nuestra nueva colaboración conjunta luego de ‘Honor’. La serie sigue a Lola, una inspectora de policía empática e impulsiva, y a Ágata, una excepcional documentalista del archivo policial con autismo. A diferencia de otros procedimentales, apuesta por un tono feel-good, resaltando la humanidad y cercanía de sus personajes, con situaciones de humor y momentos de ternura que se suman a la tensión propia del género. La serie se ambienta en localizaciones luminosas y espacios naturales variados de la ciudad de Vigo y alrededores, que aportan amplitud y frescura a la narrativa”.

¿Por qué eligieron a Vigo para rodar esta serie?

“En las series de Portocabo siempre buscamos que el entorno tenga un papel activo dentro de la historia. En el caso de 'Ágata y Lola', rodar en Vigo y sus alrededores nos ofrecía una enorme riqueza de espacios

muy diversos y, en muchos casos, incluso opuestos. Desde la propia ciudad de Vigo, con un carácter más urbano marcado por el puerto y la actividad industrial, hasta Cangas, el pueblo donde vive la protagonista. A esto se suman entornos naturales como playas, montes y zonas abiertas que aportan una atmósfera completamente distinta. Toda esa variedad de localizaciones nos ha permitido enriquecer la narración y dar mayor amplitud visual y emocional a la historia”.

¿Qué criterios utilizaron para seleccionar el elenco de la serie?

“Intentamos buscar un equilibrio. Por un lado, queríamos contar con actores gallegos, ya que era importante que el elenco reflejara esa vinculación con el territorio y aportara autenticidad. Al mismo tiempo, apostamos por incorporar otros rostros conocidos de la cadena, como Francis Lorenzo, Antonio Garrido o Berta Vázquez. Se trata de un reparto muy variado y rico en matices. Además, el formato procedimental nos permite introducir una gran cantidad de personajes a lo largo de la serie. Cada episodio sorprende con nuevos rostros, ampliando y enriqueciendo su historia”.

¿Cómo sido ha trabajar nuevamente con Atresmedia?

“Estamos muy contentos y cómodos trabajando con Atresmedia, porque sentimos que nos brindan una gran libertad creativa y una

enorme confianza. Después de haber producido ‘Honor' con ellos, teníamos claro que nos gustaría y seguir desarrollando proyectos juntos. Producir 'Ágata y Lola’ para Atresmedia y, además, rodar en Galicia, ha sido perfecto. Es un proyecto en el que confluyen una relación creativa ya consolidada con un contenido que nos da muchas posibilidades de explorar, crear y construir tramas y personajes diversos. ‘Ágata y Lola’ combina un formato procedimental de tramas auto conclusivas con un tono luminoso y humano, pensado para conectar con la audiencia de TV abierta”.

¿Qué otros proyectos tiene Portocabo en el horizonte para 2026? “En enero iniciamos el rodaje de nuestra próxima colaboración con Movistar Plus+, ‘Ardora’. Tras los grandes resultados de ‘Hierro’ y ‘Rapa’, queríamos continuar trabajando con Movistar Plus+, un socio con el que nos sentimos muy cómodos y nos permite trabajar estos contenidos de calidad anclados en espacios y personajes. ‘Ardora’ cuenta la historia de una abogada de oficio comprometida, fuerte y carismática, un personaje femenino alrededor del cual gira toda la narrativa. El relato está cargado de realismo, con entornos y personajes veraces y procesos judiciales contados con rigor. La historia está enraizada con A Coruña, una ciudad norteña y atlántica con mucha personalidad, un escenario con gran diversidad paisajística y visualmente imponente”.

Por Romina Rodriguez

 Silvia Carballo

ISII GROUP, UN PUENTE QUE INTEGRA NEGOCIOS

CON UN MODELO 360° QUE UNE PRODUCCIÓN, DISTRIBUCIÓN Y CONSULTORÍA FINANCIERA, ISII GROUP APUESTA POR CONECTAR INVERSIÓN PRIVADA Y ESTRATEGIA GLOBAL EN EL NEGOCIO AUDIOVISUAL.

En un contexto donde la industria audiovisual busca nuevos equilibrios entre creatividad, financiación y distribución, ISII Group emerge como un nuevo actor con una propuesta poco habitual en el mercado: un modelo totalmente integrado que conecta producción, distribución, consultoría e inversión privada bajo una misma estructura. Señal News entrevistó a Silvia Carballo, socia y ejecutiva del grupo, quien explicó el origen, la lógica y la ambición de un proyecto que en apenas un año y medio ya muestra cifras y una visión clara de crecimiento.

¿Qué es ISII Group y cómo se define dentro del ecosistema audiovisual?

“ISII Group es, esencialmente, un estudio 360°. Llevamos un año y medio de vida y nacimos con la idea de integrar toda la cadena de valor: producción, distribución, service, postproducción, comunicación, marketing y consultoría. En 2024 invertimos 16 millones de euros en producción y en 2025 estuvimos en torno a los 68 millones. No somos una productora tradicional, sino

una estructura pensada estratégicamente desde el inicio”.

¿Cómo está conformado el grupo?

“Tenemos cuatro productoras ubicadas en Canarias, divididas por géneros: ficción, animación y documental, además del área de service. Contamos con estudios propios y 14 salas de postproducción. A eso se suma la división de distribución, que incluye ventas nacionales e internacionales, plataformas, theatrical, marketing, prensa y PR. Pero la pata clave es nuestra consultora, que estructura financieramente los proyectos, trabaja incentivos fiscales, propiedad intelectual y articula la inversión privada. Esa es la base que sostiene todo el modelo”.

Ustedes vienen del mundo empresarial, no del audiovisual. ¿Cómo influye eso en el enfoque?

“Muchísimo. Ni mi socio ni yo venimos del mundo del cine. Venimos del desarrollo de negocio y de trabajar con inversores. Al entrar en el sector detectamos una fragmentación enorme: productores, distribuidores y exhibidores no hablan el mismo idioma, y mucho menos el del inversor. Ahí vimos claramente por qué era tan difícil que el capital privado entrara de forma sostenida en el audiovisual”.

¿Ese diagnóstico fue el disparador para crear ISII Group?

“Exactamente. Intentamos inicialmente actuar como puente, pero nos dimos cuenta de que era

predicar en el desierto. Entonces decidimos hacer nosotros mismos la estructura completa, como funciona en otros sectores o en Hollywood: pensar el proyecto desde el inicio con una estrategia global, financiera y de distribución clara, sin depender de intermediarios que diluyen el valor”.

¿Cómo seleccionan los proyectos que desarrollan o producen?

Tenemos un comité interno muy amplio donde están representadas todas las áreas: producción ejecutiva, desarrollo, editorial, distribución nacional e internacional, plataformas, marketing, PR, legal, fiscalidad, IP e inversión privada. Analizamos cada proyecto de forma integral. No tenemos una línea editorial cerrada, pero sí sabemos dónde podemos aportar valor. Si es un proyecto muy intimista, donde nuestro recorrido de distribución no aporta diferencia, somos honestos y lo decimos”.

¿Qué estrategia siguen en distribución?

“Controlar la distribución siempre que sea posible. Diseñamos la estrategia y buscamos socios locales con conocimiento del territorio, especialmente en América Latina y Europa. No queremos que la estrategia dependa de que el distribuidor arriesgue su dinero; el riesgo lo asumimos nosotros. Estamos trabajando en crear una red internacional que combine control central y expertise local”.

Por Fernando Calviño

FOTOGALERÍA ATF 2025

MIP CANCÚN 2025

Delegación de Chile en Mip Cancun 2025

CONSUMO DE CONTENIDO EN ARGENTINA

CONSUMO DE CONTENIDO SEGÚN TIPO DE PLATAFORMA

En Argentina, 8 de cada 10 minutos vistos corresponden a contenidos lineales , ya sea a través de TV tradicional (TV paga y abierta) o por Live Streaming

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Fuente: Audiencias Latinoamérica

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Total consumo por hora

Fuente: Audiencias Latinoamérica

La TV es el centro del entretenimiento en el hogar El VOD crece entre las 21:00 y las 00:00 hs, alcanzando su pico junto a la TV entre las 22:00 y 23:00 hs, mientras que YouTube concentra su mayor consumo entre las 10:00 y 13:00 hs.

Mira contenidos audiovisuales (TV/Video) mensualmente en cualquier dispositivo en el hogar. de los argentinos tienen servicios de streaming pagos y en promedio están suscriptos a 2 plataformas. de la Gen Alpha y 82% de la Gen Z miran contenidos audiovisuales en la TV/CTV. La pantalla grande es elegida por las generaciones jóvenes. del tiempo de visionado de video pasa en la TV/CTV, siendo el corazón del entretenimiento en el hogar.