ANUARIO CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2023-2024

ANUARIO 20232024

1INTRODUCCIÓN

Un centro de residencias se caracteriza por ofrecer a creadores espacios de trabajo para el desarrollo de su práctica, ya sea en general o para un proyecto concreto. Estos espacios suelen convertirse en lugares de convivencia, encuentro y crecimiento colectivo.

Los programas de residencia tienen como objetivo apoyar los procesos de creación y proporcionar a los residentes acompañamiento, tanto a nivel curatorial como a nivel de producción proporcionando espacios, facilitando la producción, la investigación y el aprendizaje compartido con otros residentes y agentes.

Se dirigen a artistas, educadores, comisarios, investigadores, agentes artísticos y otros perfiles híbridos, que pueden participar a través de distintas modalidades. Estas iniciativas están abiertas tanto a personas individuales como a colectivos y asociaciones.

Durante esta etapa se han apoyado a proyectos para contribuir a la construcción del tejido cultural a través de las residencias y actividades que se ofrecen. Además, se ha seguido apostando por el apoyo en la creación de música, el ámbito del arte y la educación, que contribuyen al pensamiento crítico y estético.

En este periodo han tenido lugar las residencias de arte y educación; las

residencias dedicadas a artistas visuales en sus modalidades trimestral y semestral; la residencia de música electrónica experimental; la residencia de música dedicada a bandas emergentes; residencia de movilidad en colaboración con La Escocesa; residencia para proyectos sobre sostenibilidad proyecto SAiR; residencias de investigación; a residencia para comisarios en colaboración con LOOP; residencia de movilidad animario en colaboración con NEF Animation; las residencias audiovisuales en colaboración con la Cineteca.

Este camino se ha realizado acompañados por una serie de colaboradores que han aportado su propia visión al desarrollo de los proyectos de residentes así como al programa de actividades del centro, posibilitando así una mirada más amplia que la nuestra propia. En este curso se ha contado con la participación de profesionales como Ángel Calvo Ulloa, Paloma Polo y Renata Cervetto como asesores en las residencias de artistas visuales; María Pérez Sanz y Manuel Asín en las residencias para proyectos audiovisuales en fase de desarrollo; José Salas y Cristina de Silva (L.E.V.) para las residencias de música electrónica y Eduardo García - Giradiscos y Lorena Jiménez para las residencias de bandas emergentes.

2RESIDENCIA DE ARTE Y EDUCACIÓN

El propósito central de este programa es el de propiciar un proceso sostenido de reflexión crítica e investigación aplicada, que articule a su vez la activación de un proyecto de mediación, arte y educación desarrollado en las instalaciones del recinto cultural.

Esta iniciativa se inserta de manera coherente en las líneas de trabajo e intereses conceptuales del centro, consolidándose como una propuesta que asume la mediación expandida como un campo de acción situado en la intersección entre la práctica artística, la producción de conocimiento y los procesos pedagógicos críticos. En este

sentido, el programa no solo se concibe como una herramienta de interpretación o acompañamiento, sino como una plataforma generadora de pensamiento, diálogo y transformación social.

Asimismo, el programa posibilita el desarrollo de diversos proyectos de investigación que indagan en los cruces entre arte y educación, situando dichas investigaciones en el marco concreto de la institución Matadero. Estos proyectos no solo enriquecen la programación del centro, sino que también contribuyen a repensar los modelos de mediación y su potencial como herramienta para el pensamiento crítico y la acción colectiva.

Sintomatologías: aprendizajes espásticos. Proyecto de Elena Prousen en su residencia en torno al arte y la educación. Fotografía de Linda Zhu, cortesía de Matadero Madrid.

Sintomatologías: Aprendizajes espásticos

El proyecto Sintomatologías: Aprendizajes espásticos de Elena Prous busca crear un espacio colectivo de reflexión e investigación sobre la enfermedad, el diagnóstico y la discapacidad/diversidad funcional. Para ello, se han desarrollado grupos de reflexión, laboratorios, cápsulas teóricas y diversas líneas de trabajo que promueven el aprendizaje y la discusión en torno a estos temas.

Este proyecto toma el término “sintomatología” para diseccionar los síntomas bio-psico-sociales que componen la enfermedad, el diagnóstico, la patología y la discapacidad/diversidad funcional. A partir de este planteamiento, se busca mantener estos términos en movimiento, descolocándolos a través de un proceso respetuoso y participativo. Con esta finalidad, se ha trabajado desde la politización de la enfermedad, cuestionando los límites de lo que queda dentro o fuera del diagnóstico y la patologización de los

cuerpos, asumiendo la ambigüedad que supone necesitar un diagnóstico a la vez que se intenta ir más allá de él.

Las subjetividades que transitan estas categorías son, en parte, fruto del modelo médico, el cual define qué somos y qué podemos hacer a través de diagnósticos y patologías.

Al convivir con síntomas y diagnósticos, se aprende a escucharlos y cohabitar con ellos, transformándolos en aliados (in)cómodos pero necesarios. Se genera un vínculo interdependiente entre su existencia y la necesidad de formar parte de lo común con otros cuerpos. El objetivo de la propuesta se resume en la investigación de esa compleja sintomatología para desafiarla e imaginar futuros donde los cuerpos diagnosticados se encuentren consigo mismos, se liberen y utilicen lo que antes parecía un impedimento para autonombrarse expertos.

BIOGRAFÍA

Elena Prous (Madrid, 1984) tiene el título de Experta en Creación Literaria en la escuela Función Lenguaje, adscrita a la UCJC, y el de Especialista en Derechos Humanos de la Universidad de País Vasco UPV/EHU. Diplomada en Enfermería por la UCLM, comenzó a formarse en Antropología social y cultural en la UCM. Da formaciones y asesorías sobre las realidades de las personas leídas como discapacitadas en el curso de Especialista en Violencias Machistas, con la entidad Otro tiempo, y en las Jornadas Post-sexualidades de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Trabaja en torno a la diversidad funcional desde diferentes metodologías. Poniendo el cuerpo con la performance con piezas como Aguanta tú que puedes que formó parte de la Bienal ONCE 2022 y también desde la escritura en revistas como: La Madeja y Pikaramagazine, el Diario.es y El Salto. Forma parte de Caravana de Centàurides, colectivo de residencia artística con Moving Identities, programa que gira en torno a las artes escénicas y la diversidad. Escribe en el blog Laincontenida.com.

3RESIDENCIAS PARA ARTISTAS VISUALES

→ Residencia semestral

Marta Galindo García

Estefanía Santiago

Carlos Martín Rodríguez

ACCA

→ Residencia trimestral

Mayra Villavicencio Príncipe

Beatriz Sánchez

Álvaro Corral Cid

Daniel Cao

→ Residencia de movilidad en colaboración con La Escocesa

Megane Mercury

Catarina Botelho

→ Residencia para proyectos sobre sostenibilidad. Proyecto SAiR

Christina Zampoulaki (ENG)

Maria Nikiforaki (ENG)

Sara García

Adrianna Szojda

A través de las residencias para artistas visuales apoyamos procesos de creación que requieren de un espacio de trabajo y acompañamiento. Este programa trata de promover el desarrollo profesional de los creadores, proporcionarapoyo institucional y recursos tanto económicos como espaciales y técnicos,establecer un contexto de acompañamiento por parte de profesionales de diferenteperfil y favorecer la formación y visibilización de conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la ciudad, la institución y el público. Contamos con dos modalidades diferentes de residencias de artes visuales. Por un lado, la dirigida a artistas residentes en España, que tiene una duración de tres meses. Por otro, la dirigida a artistas residentes en Madrid, cuya duración es de seis meses. Durante este año tienen lugar la residencia dos residencias en el marco colaborativo con el proyecto Sustainability is in the AiR (SAiR), programa de tres años

cofinanciado por el programa Europa Creativa. Junto con el CRA, impulsan este proyecto los centros de residencias MGLC Švicarija, en Liubliana; MeetFactory, en Praga; y Snehta, en Atenas.

El objetivo de SAiR es el de desarrollar un modelo de gestión sostenible de centros residenciales para fomentar prácticas artísticas sostenibles y mejorar las oportunidades profesionales de los artistas en residencia. El programa examina de cerca cómo los artistas, los profesionales del arte y las instituciones artísticas definen el concepto de sostenibilidad dentro de su práctica artística, o emplean prácticas sostenibles en su trabajo y en su ética laboral.

También sucede durante este año la residencia de movilidad en colaboración con La Escocesa (Barcelona).

El objetivo de estas residencias de movilidad es es promover el intercambio e internacionalización de artistas.

MARTA GALINDO GARCÍA

Kamikaze Lovers

Kamikaze Lovers es un proyecto performativo que imagina tecnologías de guerra capaces de desarrollar empatía y sensibilidad, contrarias a la actual proliferación de inteligencias artificiales enfocadas a la guerra. El proyecto parte del icónico texto dramático de Romeo y Julieta para hacer una relectura donde los papeles protagonistas son encarnados por drones voladores, dos máquinas de bandos enemigos que abandonan su militancia por amor. Kamikaze Lovers toma prestado el formato de opereta para construir una ficción musical donde estos drones enamorados, criaturas tecnomitológicas contemporáneas, cantan sus penas y

pasiones durante un encuentro furtivo en la noche. ¿Qué pasaría si los desarrolladores de inteligencia artificial belicosa programasen sus máquinas para sentir empatía y conexión con otros? Si en el campo de batalla un dron asesino encontrase semejante a su enemigo, ¿podrían evitar de forma inteligente un enfrentamiento al igual que los mártires modernos de Romeo y Julieta?

BIOGRAFÍA

Marta Galindo García (Cádiz, 1993) vive y trabaja en Madrid. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y De Montfort University (Leicester, Reino Unido), completó un máster en Investigación Artística y Creación en la UCM, donde realiza un doctorado con ayudas para personal investigador en formación. Su práctica se centra en instalaciones envolventes, explorando la semiótica de los objetos y su vínculo con las ideas investigadas. Aborda temas como el poder estructural, el trabajo y el tecnocapitalismo mediante ficción especulativa. En 2021 presentó su primera exposición individual Add to Wishlist en Tuesday to Friday (Valencia) y en 2022 Digital Afterlife en Espacio Iniciarte (Córdoba). Ha recibido premios y becas como Secuencias/VEGAP (2024), Ayudas a la creación contemporánea del Ayuntamiento de Madrid (2024), A secas en el CAAC (Sevilla, 2023), Circuitos de Artes Plásticas (Madrid, 2023), Ayudas Injuve para la creación joven (Madrid, 2023), XVI Encuentros de Arte de Genalguacil (Málaga, 2023), Panorama de la Galería Fran Reus (Mallorca, 2021) y Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2017), entre otros.

ESTEFANÍA SANTIAGO

Dibujar el negativo del ombú

La investigación artística Dibujarel negativodelombú proviene de una línea de pensamiento y hacer poético que indaga en un archivo afectivo, construido con imaginarios desde el presente, a partir de la revisión crítica de los vínculos coloniales entre Argentina y España. Dicha investigación sigue las pistas del ombú (árbol proveniente del Cono Sur: nordeste argentino, Uruguay y sur de Brasil), su función social, la construcción del mito y la recuperación de las historias que se encuentran en los márgenes de los grandes relatos.

La artista profundiza en una triangulación poética que investiga sobre el primer ombú que llegó a España (introducido por Hernando Colón en el el siglo XVII), el posible brote de ese ombú en Madrid y “El árbol que no plantamos aún”, una serie de encuentros coordinados junto a la curadora Daniela Ruíz Moreno. Dibujar el negativo del ombú, que tiene un gran carácter procesual, se desarrolla

entre la experiencia vital, personal y colectiva, y diversas prácticas, como la escritura narrativa, el vídeo, los encuentros y la acción, para construirse desde un pensamiento rizomático y una metodología de ecos. El proyecto se plantea sin unas jerarquías de conocimiento: las cosas, los gestos y las historias se van desplegando en una misma red, indagando en la esfera íntima y en el conocimiento no hegemónico, mientras que la metodología de ecos tiene que ver con construir desde las resonancias. En este sentido, se apela a una propuesta decolonial que crea una narrativa “otra”, que busca romper con el régimen de representación colonial y que hibrida la práctica artística con la mediación. Dibujar el negativo del ombú busca generar un espacio afectivo y político donde poner en común saberes, cuidados y experiencias de vida.

BIOGRAFÍA

Estefanía Santiago (Argentina, 1988) es artista de prácticas híbridas y construye sus investigaciones poéticas a través de intervenciones en la esfera pública y la vinculación con otros agentes. Utiliza como herramientas principales la instalación, la mediación, la imagen y el texto. Licenciada y profesora en Comunicación

Audiovisual (Universidad Nacional de La Plata, Argentina), máster en Fotografía Documental y Artística (Beca talento, TAI -URJC, España), máster en Profesiones Artísticas (Beca Acciona, Escuela Sur - UC3, España). Ha obtenido la residencia Sobremesa II del Centro Cultural de España en Chile (2024), la Beca de Arte y Educación de la Fundación Miró Mallorca (2022), la beca Activar Patrimonio del Ministerio de Cultura de Argentina (2020) y del Fondo Nacional de las Artes (2015). Participó en las residencias Gullkistan, Encontro de Artistas Novos, Tabacalera Cantera, El Cortijo, Ababol, entre otras. Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones individuales y colectivas, y en festivales y congresos en países como Argentina, España, Estados Unidos, Dinamarca y Turquía. Actualmente forma parte del proyecto colectivo MUCA y de la Red Políticas y Estéticas de la Memoria.

CARLOS MARTÍN RODRÍGUEZ

Fósilvástagoreclinable(Posteridadanterior)

El proyecto de Carlos Martín Rodríguez, de carácter híbrido y de múltiples capas, se produce entre lo escultórico, lo instalativo y la escucha especulativa experimental, procedimientos que, a su vez, dan lugar a dibujos, textos y a un film de teoría-ficción en proceso. El hilo conductor es el concepto de Ray Brassier “posteridad anterior”, desde el que se construye un ecosistema contingente de narrativas restantes, especulativas y postarqueológicas.

El procedimiento de producción de las piezas escultóricas comienza con la manipulación digital del escáner 3D de un artefacto arqueológico: una fíbula, uno de los objetos técnicos más usados por todas las culturas de Europa y el Mediterráneo durante un arco temporal que puede datarse desde la última Edad de Bronce hasta casi la Edad Media. Este elemento y su gran abundancia es apreciado como

indicador temporal y suele considerarse un fósil cronológico.

Una fíbula es un broche que permitía sujetar o unir los ropajes y que podía dar lugar a objetos preciosistas cuya opulencia denotaba la jerarquía del individuo. La enorme variedad de hibridaciones entre sus tipologías durante tantos siglos puede leerse tanto como una memoria violenta y colonial entre pueblos como una simbiosis cultural entre civilizaciones del pasado. Los procedimientos escultóricos a los que se somete producen una posibilidad que, estando connotada por esta dualidad, modula una corporalidad posthumana y una temporalidad especulativa entre un no-cuerpo futuro y una tecnología perdida. La misma estructura de las fíbulas sugiere una cualidad recursiva y autopoiética que vuelve sobre sí y se autosustenta.

BIOGRAFÍA

Carlos Martín Rodríguez (Zamora, 1988) es artista visual, investigador y docente. Vive y trabaja en Madrid. Su práctica artística opera en las intersecciones entre escultura e instalación, cine-ensayo experimental, sonido y textualidad. Partiendo de lo escultórico como problemática temporal y material, sus proyectos propician causalidades no lineales y sistemas cuasiautónomos de teoría-ficción: aparatos que generan desplazamientos contingentes y que transitan entre arqueología, lenguaje, tecnología y producción teórica. Es profesor de BBAA en la Universidad de Salamanca. Actualmente está terminando su tesis doctoral en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha ganado premios como el de la XXX edición de Circuitos de la Comunidad de Madrid y su trabajo ha podido verse en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón, en la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid o en la Galería Fran Reus de Palma de Mallorca, entre otros.

ÆO, proceso de investigación y estudios. ACCA, 2024. Imagen cortesía del colectivo.

ACCA

El proyecto ÆO se ubica en la intersección del arte sonoro, la exploración visual y la investigación interdisciplinaria en psicología cognitiva. A través de la construcción y manipulación de instrumentos eólicos, ÆO utiliza el viento como metáfora de las fuerzas invisibles que moldean nuestro inconsciente —los sesgos cognitivos—, desafiando la noción tradicional de libre albedrío y cuestionando los fundamentos de la autonomía humana.

Partiendo de una investigación sonora y visual, inspirada en aparatos meteorológicos (anemómetros, veletas y mangas de aire) e instrumentos musicales históricos (arpas y campanas de viento u órganos), ÆO propone la creación de una serie de artefactos que representan distintos aspectos de los sesgos cognitivos. Estos instrumentos, elaborados con metacrilato, metal, PVC, cristal, tela y cuerdas de nailon, funcionan como traductores sonoros y visuales de fuerzas que, aunque imperceptibles a simple vista, ejercen un impacto profundo en nuestras decisiones y comportamientos. La manipulación de estos instrumentos, a través de procesos digitales y analógicos,

genera paisajes sonoros que exploran lo invisible y lo intangible, invitando a una reflexión crítica sobre la influencia de las estrategias de economía comportamental y la gobernanza algorítmica del entorno tecnosocial en la mente humana. Conceptualmente ÆO dialoga con las teorías de la psicología cognitiva, como las de Daniel Kahneman y Amos Tversky, quienes revelaron cómo los sesgos cognitivos —atajos mentales que nuestra mente utiliza para simplificar la realidad— pueden conducir a errores sistemáticos en nuestro juicio y toma de decisiones. Al mismo tiempo, el proyecto encuentra resonancias en las ideas de Michel Foucault sobre gubernamentalidad y biopolítica, donde el control no se ejerce de manera directa, sino a través de la modulación de comportamientos y decisiones sutilmente influenciados por fuerzas que operan bajo la superficie de la conciencia. Dialoga también con la noción de habitus de Pierre Bourdieu, donde los patrones de comportamiento son internalizados y reproducidos inconscientemente, reflejando cómo las estructuras sociales y culturales moldean la subjetividad.

BIOGRAFÍA

ACCA (André Covas y Carmo Azeredo) es un dúo artístico multidisciplinar portugués residente en Madrid. Gracias a la unión de sus profesiones, exploran el cruce entre arte, música, diseño, tecnología y pensamiento crítico en la producción de ensayos visuales. Sus investigaciones artísticas se centran en temas como la democracia digital, los sesgos cognitivos, la posverdad, la tecnosfera y las tensiones entre la libertad y el control, entre otros, creando instalaciones y performances. André Covas (Lisboa, 1987) es director de arte y diseñador, especializado y premiado en comunicación visual e imagen corporativa, profesor y músico con una destacada trayectoria en proyectos como peixe:avião y Blackoyote. Carmo Azeredo (Oporto, 1989) es artista, investigadora y productora multidisciplinar, con base académica en Bellas Artes e Historia del Arte Contemporáneo. Juntos han participado en exposiciones y residencias en Europa y América Latina, destacando por su capacidad para fusionar disciplinas y generar diálogos profundos sobre la condición humana en la actualidad.

Cartografías de la violencia. Imagen del calco sobre el texto que acompaña al mapa del Perú en el Atlas Theatrum OrbisTerrarum. Mayra Villavicencio Príncipe, 2024.

MAYRA VILLAVICENCIO PRÍNCIPE

Cartografías de la violencia

Cartografíasdelaviolencia es un proyecto de investigación que busca establecer un paralelismo entre dos dispositivos de control. Por un lado, se examina uno de los primeros mapas del Perú, elaborado por Diego Méndez en 1570 y publicado en el Theatrum Orbis Terrarum, el primer atlas del mundo moderno. Históricamente, los mapas han servido como instrumentos políticos de colonización, reflejando una perspectiva eurocéntrica del mundo. Por otro lado, el proyecto analiza las imágenes capturadas por cámaras de videovigilancia que documentaron el abuso militar y policial contra manifestantes durante las protestas en Perú entre finales de 2022 y principios de 2023.

Tomando como punto de partida archivos de ambos periodos, este proyecto explora los mecanismos de visualidad compartidos por estos dispositivos y reconoce la mirada como un espacio de potencialidades. A través del medio cinematográfico y visual, la investigación busca responder a preguntas como: ¿es posible construir una contracartografía a partir de la materialidad de estas imágenes? O ¿cómo podemos crear nuevas ficciones a partir de ellas?

BIOGRAFÍA

Mayra Villavicencio Príncipe (Perú, 1994) es investigadora y creadora visual. Su trabajo se centra en la investigación sobre la violencia política en Perú y en los regímenes visuales. A través del cine, ha abordado el archivo afectivo y los discursos políticos que buscan construir otras narrativas. Actualmente está cursando el máster en Estudios de Cine y Culturas Visuales de la ESCAC y la UB. Como investigadora, ha realizado estudios sobre películas producidas en el periodo posconflicto armado interno en Perú, centrándose en los discursos sobre memoria y género. Estos han sido presentados en conferencias como Latin American Womens Filmmaking (Londres) y el coloquio sobre Violencia de Estado en el Perú (Ayacucho). Como creadora, participó en el LAB Proceso de Error en Valparaíso. En 2020, junto al Colectivo Silencio, realiza la película El polvo ya no nubla nuestros ojos. Esta obra ha sido exhibida en festivales nacionales e internacionales, como Documenta Madrid, Jeonju y Punto de Vista, entre otros.

BEATRIZ SÁNCHEZ

Bin_DATA [El eterno piloto]

Bin_DATA [El eterno piloto] es una propuesta de videocreación de corte televisivo inspirada en los programas educacionales de los años ochenta, aunque su target de audiencia no va necesariamente dirigido a un público infantil. Se trata de una webserie de 30 minutos de duración que simula ser un programa piloto que, dividido en varias secciones, pone su foco en temas sobre la “basura digital”.

El corte televisivo por secciones y la temática propician que la historias se desplieguen a través de múltiples medios y narraciones, dando cabida a prácticas artísticas de todo tipo, pues contempla la creación de marionetas, escenarios, 3D, música, vestuarios, caracterizaciones de personajes de ficción, etc. Recursos que son mostrados mediante animaciones, historias creepypasta, actuaciones, IA, videoarte, tutorial, entrevistas, videoclip, realidad virtual o videojuegos.

De este modo, el programa Bin_ DATA plantea un formato inusual en la videocreación que, bajo la apariencia de un programa infantil, nos introduce en una especie de cabaré transmedia.

Los contenidos de sus episodios nos hablan del hiperconsumo digital, caricaturizando a una tecnosociedad disparatada y saturada de información. De este modo, sus historias han sido ambientadas en escenografías de hardware y estética cyberpunk. Muchos de sus protagonistas hacen referencia a los usuarios de Internet: troles, influencers, niños pixelados, virus, ínceles, hackers, spammers, followers, memes, fake news, click bites, gamers, etc.

El proyecto es una sátira hacia el consumo digital desenfrenado explicado desde un enfoque educacional, experimental, humorístico y absurdo. En la mayoría de sus narrativas se parodian los discursos normativos, con una fuerte presencia de lo raro, lo experimental y lo desobediente, interpretado por criaturas fuera de serie, transformistas, monstruas, cabareteras y personas queer. La webserie cuenta con la colaboración de diferentes artistas visuales, sonoras, titiriteros, performers y ensayistas de las nuevas narrativas.

BIOGRAFÍA

Beatriz Sánchez (Córdoba, 1977) es artista visual licenciada en Bellas Artes en la Universidad Politècnica de València y tiene un máster en Artes Digitales por la Universidad Pompeu Fabra. Es dibujante, creadora audiovisual y agitadora en el terreno multimedia, actuando desde distintos frentes en relación al análisis del impacto que originan los modelos normativos, la sociedad de la información y los discursos oficiales de la práctica artística. Sus trabajos han recibido varias menciones a través de Bilbao Arte, Luzatu, Iniciarte, NU2's, la Fundación Rafael Botí, el festival VAD o la beca Daniel Vázquez Díaz, entre otros. Sus obras han sido presentadas en numerosos festivales, canales, exposiciones colectivas y ferias como Arco, Estampa, Cosmopoética, Sâlmon, Metrópolis RTVE, TV3 Televisió de Catalunya, Caixaforum Barcelona, Centro José Guerrero, CentroCentro Cibeles, Sala Injuve, Centro Huarte, etc. En la actualidad reside en Bilbao, donde combina la producción de su trabajo artístico con la realización de videoclips y actuaciones de vídeo en directo. También se dedica a la pedagogía creativa, impartiendo regularmente talleres de videocreación en festivales culturales, universidades y centros de arte.

ÁLVARO CORRAL CID

Toda la poesía

«Toda la poesía, el fervor religioso y el encanto ingenuo y primitivo de Galicia se condensa en la popular canción Si vas a San Benitiño que interpreta para los espectadores de NODO la Coral Polifónica de Pontevedra». (Noticiario Cinematográfico Español. Nº 92, 1944)

Toda la poesía es un proyecto de investigación artística que reflexiona sobre los marcos simbólicos del patrimonio folclórico español, centrándose en la construcción política de identidades, a través del indumento tradicional en España. Tomando como punto de partida el traje gallego, aparecen como estrategias de indagación antropológica la costura y los procesos del hacer, con un marco de acción en el que coser, crear y pensar sobre las fronteras donde los imaginarios terminan. El proyecto trabajó a través de la reproducción material de un mantelo, prenda que originalmente pertenece a Traje de mujer. La Coruña (CE018560-CE018571), conjunto de traje regional, actualmente conservado en el Museo del Traje CIPE de Madrid. Este tipo de largo delantal aparece como una de las más características prendas de numerosos trajes regionales del norte de la península ibérica aunque,

sin embargo, destacan en ella, según el creador: «los violentos tintes políticos que conforman el tejido de esta prenda». Cada cordonería, cuenca de vidrio, abalorio, lentejuela y bordado que ornamentan este mantelo dibujan, según el artista una estampa de simbología, monogramas y propaganda falangista; yugos, flechas e insignias de honor.

A través de este proyecto, se acerca a nuestros días la profunda relación entre la intrusión política durante los años cuarenta del régimen franquista y la reproducción de los imaginarios nacionales contemporáneos. Gracias a la costura de un resto arqueológico tan evidentemente politizado, se reflexiona sobre las estrategias de conservación de la tradición en España, mostrando la conexión entre los imaginarios del pasado y su impacto en las costumbres del país del presente. La difusión de conocimiento a través de la artesanía y el acercamiento al público de los restos del pasado de una manera táctil, componen el rico tejido conceptual de este proyecto.

BIOGRAFÍA

Álvaro Corral Cid (Ourense, 2000) es artista e investigador, graduado por la Universidad Complutense de Madrid en Bellas Artes y máster en Investigación en Arte y Creación (MIAC). Sus prácticas y estudios se centran en la construcción de las identidades regionales y las tradiciones folclóricas en España a través del traje, las prácticas artesanales y de una revisión crítica de las imágenes del país. Juntando cosas, rebuscando entre símbolos y mirando los significados hasta el fondo. A través de la práctica procesual como metodología de investigación artístico-histórica, sus líneas de estudio dibujan profundos marcos alrededor de la construcción de imaginarios contemporáneos mediante la herencia visual nacional y los restos del pasado. Su trabajo puede verse desarrollado en exposiciones nacionales e internacionales y en sus iniciales escritos académicos En torno a una arqueología del imaginario folclórico español y D.R.A.G.(Dressing Resembling A Galician).

Prototipos núm.1,2 y 3 con interacción. Gatos Montessori. Prototipos con interacción performativa en colaboración con La Gatoteca (Madrid). Fotografía de Daniel Cao, 2024.

DANIEL CAO

Gatos Montessori

El proyecto Gatos Montessori, desarrollado durante la residencia en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, investiga la configuración de las “familias multiespecie”, donde las mascotas son tratadas como hijos, reflejando un cambio en el concepto de familia. Este fenómeno surge por diversas razones y se manifiesta en la inclusión de “gathijos” o “perrhijos” como miembros centrales de estas familias. En el proyecto se utilizaron múltiples disciplinas propias del arte contemporáneo (escultura, fotografía o performance), así como el diseño de producto y la etología aplicada. La investigación se centró en comparar el diseño de juguetes y mobiliario para gatos domésticos con los diseñados para niños en el sistema educacional del método Montessori. Durante la residencia, se crearon prototipos de objetos para el juego, combinando técnicas de producción industrial con acabados artesanales y materiales ecológicos. Estos prototipos, que funcionan como esculturas interactivas, fueron probados en La Gatoteca, un espacio

en Madrid dedicado a la acogida de gatos sin hogar.

El desarrollo del proyecto también se sustentó en prácticas como la fotografía y el video para documentar las interacciones, así como en la investigación performativa con el fin de explorar el comportamiento de los gatos en un entorno controlado. En La Gatoteca, los felinos interactuaron con las piezas, transformando el proceso en una performance donde confluyen el arte, el juego y la solidaridad animal.

El objetivo final de Gatos Montessori es cuestionar y reflexionar sobre la evolución del concepto de familia en la sociedad contemporánea, especialmente en relación con las “familias multiespecie”.

A través de este enfoque, el proyecto no solo evidencia cómo los objetos diseñados pueden influir en la interacción entre humanos y animales, sino que también plantea preguntas sobre el papel del arte y el diseño en la construcción de nuevos modelos familiares y sociales.

BIOGRAFÍA

Daniel Cao (Managua/Barcelona, 1995) transforma en imágenes, esculturas, instalaciones y performances las investigaciones que realiza sobre temas tan diversos como: la especulación extraterrestre y su conexión con las setas y hongos, la expansión de los entornos del videojuego en el territorio de lo real o los nuevos paradigmas sociales provocados por la inclusión de mascotas en el entorno familiar. Su proceso de trabajo comienza con una idea o concepto germinal que, a medida que se va desarrollando, se vincula con el contexto del arte. Considera sus obras como puntos de encuentro de ideas y experiencias donde confluyen sus principales referentes, entre ellos: la ciencia ficción, los videojuegos, la biología y la tecnología. A través de sus propuestas, busca generar un diálogo abierto con una amplia variedad de públicos, desde niños hasta gatos, creando espacios de interacción y reflexión sobre el objeto y la práctica artística contemporánea.

“Isabella”, Deayípaká’. Fotografía perteneciente a la serie La Españoleta sobre los orígenes afrolatinos de Isabella, usando como fondo el paisaje de una ciudad occidental como reclamo de sus raíces en un contexto capitalista. Fotografía tomada en película de 35 mm. Megane Mercury, 2023.

MEGANE MERCURY

Deayípaká’

Deayípaká’ es un proyecto fotográfico que explora la intersección cultural e identitaria que viven aquellas personas de origen no occidental cuyas vidas han sido marcadas por procesos migratorios y sus consecuencias, ya sea por vivencia propia o por herencia de esta, como le pasa, por ejemplo, a los hijos de inmigrantes.

El nombre del proyecto nace del juego coloquial de palabras “de allí pa’ acá” que indica desplazamiento, fluidez, ajetreo o tránsito. En este caso, no solo se aplica a la localización geográfica sino también al dinamismo presente en la construcción y vivencia identitaria de las personas afectadas por estos procesos y flujos migratorios.

El proyecto busca encontrar las similitudes, diferencias, vínculos y simbiosis que atraviesan las identidades

de estas personas a través de la imagen y la estética, mezclando objetos, localizaciones, atuendos y otros elementos que referencian tanto sus orígenes como el contexto en el que viven, formando un collage visual lleno de alusiones en el que entran en juego la moda y la dirección de arte.

La motivación de este proyecto surge de la urgencia y la necesidad de crear un archivo contemporáneo que retratara, con fidelidad, la realidad de migrantes e hijos de inmigrantes, haciendo a estas personas partícipes en el proceso de creación, ya sea aportando elementos, fotografiándolas en sus casas, en lugares que frecuentan o aportando con sus propias ideas.

BIOGRAFÍA

Lx artista españolx de raíces ecuatoguineanas Megane Mercury (Móstoles, 1996) es unx directox creativx, músicx, artista visual y storyteller madrileñx. Megane ha participado en Live Lab con PHotoESPAÑA, invitadx por Lua Ribeira, en una exposición colectiva en Tabacalera junto a artistas como Antoine d’Agata y Ricardo Cases. Formó parte de la exposición Fragmentos en Bozal – Nueva Fotografía Afroespañola, comisariada por Ángela Rodríguez Perea, en la XIV Bienal de Dakar (2022) en el Instituto Cervantes de Dakar, junto a otros artistas como Rubén H. Bermúdez. Ha colaborado como performer con la directora Shu Lea Cheang en su pieza 3x3x6 curada por Paul B. Preciado con el Museo de Bellas Artes de Taipei en la 58ª Bienal de Venecia. En 2023 creó una pieza musical para la película Chop,Chop,Chop, dirigida por Agnes Essonti y MAIO Architects, para la Biennale Architettura 2023.

CATARINA BOTELHO

Fantasmas en el espacio urbano

El proyecto Fantasmas en el espacio urbano reflexiona sobre la ausencia de narrativas que todavía padece la identidad lesbiana en el espacio de la ciudad y busca nuevos relatos y visualidades que suplan esta ausencia.

Durante mucho tiempo, la identidad lesbiana fue prácticamente invisible en el mundo occidentalizado. Apenas se la asociaba con imágenes o imaginarios y, cuando se hacía, redundaba en estereotipos creados por miradas de hombres heterosexuales. En el espacio público, las lesbianas eran especialmente invisibles, difícilmente tenían lugares propios o cartografías. La ocupación y apropiación del espacio de la ciudad por una identidad es esencial para que esta se pueda construir como sujeto social y político. Excluidas del espacio público, las lesbianas no han tenido esa posibilidad durante mucho tiempo. El hecho de que las personas con identidades disidentes sexuales, y en particular las lesbianas, casi nunca

hayan formado parte de las historias y relatos oficiales, no significa que no hayan existido. Sin embargo, para encontrar sus huellas, sus historias o incluso sus representaciones, es necesario desempeñar un trabajo de detective. Con esta finalidad, se ha realizado una investigación archivística, que ha contado con la generosa colaboración de varias personas que accedieron a hablar con la artista y mostrarle sus archivos personales. De estos encuentros, se han recopilado un conjunto de materiales y fotografías que nos cuentan de la presencia de lesbianas en las calles de Madrid, a lo largo de los años 80 y 90, y de las historias que las contextualizan. Al mismo tiempo, se ha desarrollado un trabajo de creación fotográfica que se ha buscado en la materialidad de la ciudad, en sus marcas y cicatrices, en la lectura de las inscripciones silenciosas y de historias y vidas, que no han tenido la posibilidad de generar narrativas, representaciones y memoria.

BIOGRAFÍA

Catarina Botelho (Portugal, 1981) es artista visual e investigadora, interesada en las relaciones entre los espacios, los lugares, las arquitecturas y sus usos y experiencias que desafían las lógicas productivistas en el espacio urbano. Su obra ha sido expuesta en diferentes lugares, como: MAAT, Museu de Arte, Arquitectura e Tecnologia, Lisboa (2021); Fundación FotoColectania, Barcelona (2020); Sesc Pinheiros, São Paulo (2015); Villa Iris, Fundación Botín, Santander (2014); Haus der Photographie, Hamburgo (2012); Edp Foundation - Museu da Electricidade, Lisboa (2011); Elba Benítez en Kvadrat, Madrid (2012); Centre de Cultura SaNostra, Palma de Mallorca (2009); Gulbenkian Foundation, Lisboa; Casa de Serralves - Fundação de Serralves, Oporto (2007); La Casa Encendida, Madrid (2005). En los últimos años ha recibido becas de la Fundación «la Caixa» (2018/2019), de la Generalitat de Catalunya (2020 y 2022), del Ayuntamiento de Barcelona (2021) o de la Fundação Gulbenkian (2017). También organiza actividades de programación pública y otros proyectos colectivos. En 2018 realizó el programa de estudios independientes (PEI) del MACBA y actualmente es residente en La Escocesa - Fábrica de Creación de Barcelona.

CHRISTINA ZAMPOULAKI

After Dinner

After Dinner es un proyecto de investigación basado en eventos con el que se pretende poner en tela de juicio la idea artificial que tenemos de los desperdicios como algo inservible. Mediante la celebración de cenas en grupo hechas con las sobras cotidianas de la cocina, el proyecto explora las narrativas corporales, domésticas y comunitarias, en torno a nuestra relación con los productos que consumimos, dinámicas de acción e interdependencia con las que crear nuevas prácticas comunitarias.

En los encuentros de After Dinner se presentan conversaciones y menús en torno a restos de comida, utilizando también cocinas y cuberterías hechas de residuos. Actualmente, el proyecto ha puesto su mirada en la fea estética de la gelatina de los años 70, la propaganda de las porciones de guerra y su relación con la comida espacial, los banquetes y la celebración de la abundancia.

Cada año desechamos una media de 1.400 millones de toneladas de alimentos. Según el Índice de desperdicio de alimentos

2021 del PNUMA, en 2019 se generaron alrededor de 931 millones de toneladas de restos de comida, de los que el 61 %

procedía directamente de los hogares. En la Unión Europea se tiran al año cerca de 57 millones de toneladas de estos residuos, lo que equivale a 127 kg al año por cada ciudadano europeo.

Nuestro actual sistema alimentario global es tan rápido y genérico que es difícil poner estas enormes cifras en perspectiva. La ininterrumpida cadena de suministro implica que la decisión acerca del destino de nuestra comida deba siempre ser sencilla: o acaba en el estómago o en la basura. Esta forma de pensar transforma nuestras sobras en residuos, carentes de todo valor.

Nuestras cocinas y los productos que usamos en ellas reflejan nuestra forma de vivir en comunidad, nuestra relación con la naturaleza y el entorno urbano, y la cuestión sobre qué se puede resolver individualmente frente a lo que hay que abordar en grupo. Valorar lo que tenemos como herramientas que están ahí para ser utilizadas, en lugar de como restos de los que hay que deshacerse, puede ayudarnos a modificar las perspectivas extractivistas centradas en el ser humano y a redefinir nuestra idea del consumo.

BIOGRAFÍA

Christina Zampoulaki (Atenas, Grecia, 1996) es una artista greco-estadounidense. Recién graduada en la Academia de Diseño de Eindhoven, trabaja, sobre todo, con la escultura, la instalación y el videoarte. Su obra gira en torno a la comida y las cadenas de suministro de alimentos que se forman en el seno del sistema capitalista occidental. Su investigación se centra en nuestros hábitos de alimentación y cómo estos han sido diseñados por las fuerzas geopolíticas que operan en una red globalizada. Para Christina, la comida es una herramienta política que conforma y narra tanto el cuerpo humano como la civilización, pero también es materia viviente, un ecosistema vivo que refleja nuestro mundo.

Rituals For New Futures: “La creación de una heroína”. Instalación. Materiales. Casco de moto, espejo de moto con visión de 360 grados, trípode de madera. Foto de Matadero Madrid, 2024.

MARIA NIKIFORAKI

Rituals For New Futures

Rituals For New Futures es un proyecto de performances y presentaciones públicas que explora cómo los rituales pueden convertirse en una poderosa herramienta para dar forma a futuros panoramas políticos. El proyecto indaga en el papel que los rituales pueden desempeñar en los movimientos de resistencia, y cómo podrían contribuir a la formación de una identidad política colectiva. El foco principal se pone en los rituales como política del futuro y política de resistencia. Hannah Arendt afirmó que «hemos llegado a una situación en la que no sabemos, al menos no todavía, cómo avanzar políticamente». Por lo tanto, todavía tenemos que llegar al conocimiento cinético del movimiento que pueda conducirnos a la libertad, donde encontraremos el verdadero significado de la política.

Rituals For New Futures: “La creación de una heroína” es el primer capítulo de las obras emplazadas en Madrid

y se centra en el aire como espíritu. En la obra se entrelazan la esencia del aire como elemento natural fundamental con un viaje narrativo, sugiriendo así la exploración de una conciencia medioambiental mediante una mezcla de narración visual y elementos sobrenaturales. A través del desarrollo de un paseo, la heroína desvela las historias y voces ocultas del aire. Su viaje es espiritual, lo que le permite comunicarse con el aire mismo, revelando sus memorias, advertencias y sabiduría.

Rituals For New Futures forma parte del programa europeo de residencias artísticas SAiR, Sustainability is in the AiR (Atenas, Madrid, Praga, Liubliana). La búsqueda de la sostenibilidad estaría relacionada en este proyecto con la crisis medioambiental y las emergencias ecológicas, así como con las dimensiones espirituales y el feminismo en la ciencia ficción.

BIOGRAFÍA

Maria es una artista visual que trabaja en la intersección entre el arte performativo, el cine y la danza. Mediante coreografías y estrategias cinematográficas, María introduce connotaciones sociales en el movimiento y el cuerpo, buscando prácticas performativas para presentar mundos emocionales como postura política.Graduada en la Escuela de Bellas Artes de Atenas (ASFA) y Goldsmiths University, María ha participado en numerosas exposiciones y festivales recientes: Semana Arte, Matadero Madrid (España); Wet Heart, The Office of Hydrocommons x ATOPOS cvc; Mystery_19 Initiation as Process: Visual Arts Initiator, 2023 Eleusis Capital Europea de la Cultura; Unhappy Monuments, OPANDA & ARTWORKS, Fundación Stavros Niarchos; y Learning From Documenta, conferencia y taller artístico sobre documenta 14, patrocinados por ASFA y la Universidad Panteion. Destaca también su participación en la Bienal de Atenas 2015-2017 OMONOIA y el Latitude Festival, Big Screen, en Londres.

moulding mourning mouths. Fotograma de vídeo en colaboración con Olmo Cuña (en proceso). Sara García, 2024.

SARA GARCÍA

moulding mourning mouths

moulding mourning mouths, de Sara García, es un proyecto performativo, documentado en vídeo, fotografía y audio, que forma parte del programa SAiR 2024-2025, desarrollado en Atenas, Liubliana y Praga. En él, la artista reflexiona sobre el duelo planetario que vivimos por la pérdida irreversible de biodiversidad, a través de la alimentación multiespecie, revisando la importancia de la convivencia y la ética alimentaria. En su proceso de investigación, Sara recoge diferentes ofrendas que los vivos hacemos a los muertos y a los extintos, y las relaciones que se establecen para seguir proporcionándoles una existencia entre los vivos a estos últimos.

El proyecto se centra en el pan debido a su conexión con la hospitalidad, explorando las relaciones interespecie que se dan en el cultivo del cereal, el suelo en el que crece, la molienda, y los microorganismos que permiten el proceso de fermentación. Además, aborda las relaciones que surgen al compartir el pan, sus usos ceremoniales, y su vinculación con el cultivo intensivo y el cambio climático. Durante su estancia en Atenas, se realizó una investigación sobre los

rituales relacionados con los cereales y la muerte, centrando la atención en los Misterios Eleusinos, ceremonias de iniciación al culto de las diosas Deméter y Perséfone. Se cree que el misterio final de estos ritos consistía en compartir una espiga de trigo como símbolo de muerte y renacimiento. En la mitología, Deméter priva a la humanidad y a los dioses de alimentos, impidiendo el crecimiento de los cereales tras la pérdida de su hija Perséfone, quien había sido raptada y llevada al inframundo. Aunque Deméter logra recuperarla, Perséfone ha comido unos granos de granada en el mundo de Hades, lo que la obliga a pasar un tercio del año en el inframundo. Este periodo se asocia con el invierno en las zonas templadas, durante el cual históricamente habría escasez de alimentos, de no ser por la actual y devastadora industria de la agricultura. El proyecto, que continúa en proceso, consiste en una serie de performances, ceremonias de duelo en las que se realizan ofrendas hechas con pan a la Tierra, a otros seres más-que-humanos y a los asistentes.

BIOGRAFÍA

La práctica de Sara García (Gijón, 1983) busca generar experiencias que cuestionan las formas con las que nos relacionamos con lo desconocido. A partir de diferentes aproximaciones, que van desde el empleo de plantas recolectadas, arcillas locales o alimentos, produce experiencias sensoriales íntimas que reflexionan sobre la idea de hospitalidad y, por lo tanto, sobre nuestra relación con el "otro". Estudió Bellas Artes y un máster en Producción Artística. También realizó el Programa Educativo SOMA (PES) en México. Ha desarrollado el proyecto fuegos de alto grado en el Centro Huarte y en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, y formó parte del programa Sobremesa, en el CCE Santiago, Chile. Fue residente en la Academia de España en Roma con el proyecto el orden nocturno. Algunas de las muestras en las que ha participado son: El sol y su sombra, CCE México, Presencia lúcida, en ESPAC, y Una rosa tiene forma de rosa. Oficios e instintos, en Casa del Lago, ambas en Ciudad de México.

“Soil interviews en MeetFactory Open Studios”, In-between soil and debris: regenerative practices and methodologies with and for the damaged world. Entrevistas con el suelo. Parte de la segunda presentación pública del proyecto. Fotografía de Maria Karlakova, 2024.

ADRIANNA SZOJDA

In-between soil and debris: regenerative practices and methodologies with and for the damaged world

El proyecto de Adrianna Szojdamuta y se transforma dependiendo del lugar donde se desarrolla pero siempre busca lo mismo: rastrear prácticas regenerativas que ya existen dentro de la comunidad, entendida como un conjunto de relaciones dinámicas interespecie. Estas prácticas, así como la serie de entrevistas realizadas a les habitantes humanos y más-que-humanos de cada lugar —especialmente, entrevistas con las plantas y el suelo a través de la técnica de la cromatografía— son el punto de partida para explorar las necesidades de cada comunidad-ecosistema, y para pensar y debatir juntes posibles estrategias hacia futuros compartidos en torno a las preguntas: ¿cómo reforzar la resiliencia de una comunidad frente a la crisis ecosocial? ¿Cómo pueden las personas más-quehumanas, entre ellas la tierra y las plantas, guiarnos hacia futuros múltiples, más diversos e inclusivos?

La artista decidió introducir plantas silvestres locales en el MeetFactory, para su convivencia con les habitantes humanos de este centro de arte contemporáneo de Praga, escogiendo para ese encuentro el espacio de saunas y baños, observados

BIOGRAFÍA

como lugares con un gran potencial regenerativo.

Las plantas no solo son bioindicadores, y por tanto medios de expresión del suelo que ayudan a comprenderlo, sino que también contienen lo necesario para les habitantes del territorio y, por tanto, pueden ayudar a su regeneración.

El proyecto contaba con dos presentaciones públicas: al inicio y al final de la residencia, y un encuentro cerrado para les trabajadores culturales de MeetFactory. La primera presentación pública fue un encuentro-meditación acerca del suelo bajo el nombre Soilisthefuturealreadytaking place. Por su parte, la última presentación mostraba algunos efectos de la residencia, ofreciendo un retorno al suelo, a través de la preparación de un fermento con la participación de les visitantes. El encuentro interno sirvió para debatir las condiciones particulares del lugar, experimentar juntes acerca de las relaciones, los cuidados, la distribución de fuerzas y bienes, el trabajo, entre otras, y alimentar la imaginación colectiva con un poco de pensamiento especulativo.

Adrianna Szojda (Polonia, 1989) es investigadora, ecoagricultora y mediadora. Indaga en las interrelaciones humanas y más-qué-humanas, buscando las posibles vías de comunicación interespecie a través de la plurisensorialidad. Su campo de interés abarca nuevas utopías postantropocéntricas, ecofeminismo, soberanía y justicia alimentaria, y nuevas formas de crear colectividades, basadas en la empatía, el cuidado y la colaboración. Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona (2020), máster en Artes Visuales y Educación: Un Enfoque Construccionista, UB (2023). Cursos de Etnobotánica (Tárrega, 2023) y Agricultura Ecológica (San Cristóbal de La Laguna, 2017-2018). Aprende del campo, de los bosques y huertos, y de las comunidades humanas y más-quehumanas. Es socia de la comunidad La Escocesa desde 2022.

4RESIDENCIAS DE MÚSICA

→ Música electrónica experimental Horma

→ Bandas emergentes

Este programa busca consolidar un espacio de investigación artística que incentive la innovación en la creación musical contemporánea, al tiempo que se promueve el fortalecimiento de la escena local mediante estrategias de colaboración y asesoramiento con agentes externos de referencia.

Las residencias de producción musical se desarrollan en dos modalidades: una para bandas y artistas solistas emergentes y otra destinada a proyectos de música electrónica experimental. Ambas tienen como objetivo el de impulsar la escena musical emergente de Madrid y apoyar la producción de un EP o LP en ambas modalidades.

Durante el periodo de residencia los proyectos artísticos seleccionados cuentan con un espacio de trabajo en Matadero Madrid, así como con acceso a recursos técnicos y espacios especializados, como la cabina de sonido. El acompañamiento técnico y logístico se complementa con un entorno formativo y de acompañamiento artístico orientado a facilitar el desarrollo de los proyectos en residencia, garantizando las condiciones para su materialización y posterior visibilidad pública.

La residencia de música electrónica experimental se lleva a cabo por ell Centro de residencias en colaboración con L.E.V (Laboratorio Experimental Visual) y con el apoyo de Radio 3.

HORMA

Matadero

El proyecto de Horma, enmarcado en la disciplina de música electrónica experimental, utiliza, como punto de partida y base sonora, las grabaciones de campo que realizó el colectivo Sound Readers en las naves de Matadero durante una residencia análoga diez años atrás, en su proyecto Matadero Memoria Aural. Horma presenta dos vías de investigación, por un lado, una vertiente de estricta producción musical en la que revisa dichas grabaciones y las expande. En esa vía, las sonoridades digitales juegan a mimetizarse con los espacios grabados, a la vez que las derivas y piezas de Sound Readers pasan a formar parte del paisaje digital de beats ordenados para el baile. El resultado es un EP que adopta el nombre homónimo del centro, Matadero, que,

dentro de los límites que la abstracción musical impone, pretende ser una reflexión sobre los usos del espacio y de cómo, en las dimensiones de una arquitectura que se mantiene intacta, se solapan ecos de ocupaciones tan radicalmente distintas. Por otra parte, Horma desarrolla una investigación conceptual acerca de la identidad creadora. Se introduce en los márgenes de la tradición de multiplicación de alias en el mundo de la electrónica, traducida en un juego visual de clichés y prejuicios, evidentes en los avatares de Inteligencia Artificial. El resultado es un show A/V en directo, con el artista Azael Ferrer a los mandos de las visuales, presentado por primera vez en el L.E.V Matadero.

BIOGRAFÍA

Horma es el nuevo alias de Sole Parody (Málaga/Granada, 1985), enfocado a la producción de electrónica experimental entre el techno y el ambient. Tras años trabajando en los cruces entre electrónica y folclore con Le Parody, su alias más conocido, Horma es la escisión de la parte más maquínica en la que vuelca su faceta de productora en un nuevo espacio para la experimentación. La trayectoria de Sole Parody en la música es larga, ha desarrollado todo tipo de proyectos de creación e investigación: cuatro discos como Le Parody, colaboraciones, remixes, el proyecto de una ópera, sonido para películas, talleres, proyectos culturales en torno a la música y la memoria... La deriva de sus últimas colaboraciones con la coreógrafa Luz Arcas, aún bajo el alias de Le Parody, la llevaron al desarrollo de piezas experimentales y ambientales que acabaron por reclamar un proyecto aparte. Horma surge de esta autoescisión artística y de la íntima necesidad de la artista de exploración, juego y continua renovación.

REZELO

Vol III: TIERRA

REZELO es un dúo musical que trabaja sobre la base del cancionero tradicional español para establecer un diálogo entre el folclore, que un día fue la música popular por excelencia, y los géneros que, a día de hoy, se van reafirmando como la nueva música popular, como ocurre con la electrónica o la música urbana.

Con ese propósito, comienza a gestarse el primer proyecto de REZELO, la producción de 12 canciones con un punto de partida muy concreto: el álbum Colección de Canciones Populares Españolas grabado por Federico García Lorca y Encarnación López “La argentinita” en 1931. El objetivo del grupo con esta decisión es partir de la estructura y las melodías de esta selección del cancionero popular para crear canciones totalmente nuevas que, sin embargo, permitan identificar al oyente los patrones rítmicos y melódicos propios de los temas originales.

Así, en septiembre de 2023 publicaron su EP, Vol. I: CARNE, el primero de una trilogía con la que completarán

la relectura del cancionero de Lorca. Este primer lanzamiento incluyó cuatro canciones que les otorgaron la entrada al programa del Centro de residencias artísticas de Matadero. En abril de 2024, publicaron su segundo EP, Vol. II: SANGRE, mientras trabajaban en el tercer EP que pondría el broche final a dicha trilogía. Para ello, a lo largo de sus seis meses de residencia, REZELO ha trabajado tanto en la escritura de las letras como en la composición, grabación y producción de las canciones del nuevo EP. Con este propósito, se ha utilizado con recurrencia la cabina de sonido disponible en la nave del Centro de residencias artísticas, así como dispositivos como microfonía, cableado, instrumentación (teclado y guitarra principalmente) o software como Ableton para dar lugar al producto final, que supondrá un salto cualitativo en las producciones, la voz y el alcance del proyecto.

BIOGRAFÍA

REZELO nace en Madrid en 2023 de la unión entre la letrista y vocalista María Bartolomé López y el compositor y guitarrista Miguel Barrientos Fernández. María (Santiago de Compostela, 1994) es graduada en Filosofía con máster en Filosofía teórica y práctica. Diplomada en Escritura Creativa por la Escuela Metáfora (Málaga, 2021), su interés en la actualización del folclore proviene del campo de la poesía y la narrativa. También ha recibido formación coral y de guitarra española además de estar formándose en canto actualmente. Miguel (Málaga, 1990) es graduado en Ingeniería Informática y máster en Producción Musical por la escuela TAI. También cuenta con estudios de piano en el conservatorio y toca la guitarra y el bajo desde hace 15 años. Ha participado en la formación de distintas bandas y conjuntos musicales con los que ha llegado a realizar giras por la península de más de 40 fechas.

5RESIDENCIAS DE INVESTIGACIÓN

In The Wake Liwai

AMECUM

Estudio Debajo del Sombrero

Las residencias orientadas a la investigación constituyen una de las líneas fundamentales del programa del Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid. Con una duración variable de entre uno y tres años, estas residencias se formalizan a través de proyectos asociados que abordan temáticas de relevancia para el centro, alineadas con sus ejes de acción y pensamiento. Se trata de procesos de larga duración que permiten un desarrollo sostenido y contextualizado de propuestas que emergen desde las prácticas artísticas contemporáneas, el pensamiento crítico y el trabajo situado con comunidades.

Esta línea de trabajo se articula en torno a dos modalidades específicas: por un lado, las residencias de Acción e Investigación, y por otro, las residencias centradas exclusivamente en la Investigación. Ambas comparten un enfoque común que entiende la creación artística como motor de conocimiento

y transformación social, con una fuerte vocación de empoderamiento cultural y de intervención en realidades concretas. En el caso de la residencia de Acción e Investigación, los proyectos se caracterizan por su vinculación activa con agentes, colectivos y comunidades específicas, desarrollando un conjunto intensivo de actividades abiertas que posibilitan procesos de producción, colaboración y transferencia de saberes. Por su parte, la residencia de Investigación se centra en el desarrollo de un trabajo más introspectivo, vinculado al estudio y la construcción de pensamiento, que se va compartiendo de forma puntual a través de talleres, seminarios y presentaciones públicas. El programa de residencias facilita el cruce interseccional entre diversas áreas de conocimiento y líneas de trabajo, generando un entorno fértil para el diálogo, la crítica y el intercambio entre artistas, investigadores, agentes culturales y ciudadanía.

IN THE WAKE

Laboratorio experimental de pensamiento crítico negro

In The Wake es un laboratorio experimental de pensamiento crítico negro, dirigido por la investigadora, activista y docente Esther Mayoko, junto a la antropóloga Oumoukala Sow. Durante su segundo año de investigación en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, el colectivo ha logrado conectar a diversas artistas de la escena afro internacional con comunidades afro de creación en el estado español. Este trabajo se ha focalizado en profundizar en metodologías previamente mapeadas, que incluyen tecnologías de producción de pensamiento basadas en la oralidad, la narración y la transmisión de memorias ancestrales afrodiaspóricas.

Este laboratorio ha puesto énfasis en la construcción de relatos que unan el presente con la memoria, destacando la transmisión oral como un medio para

generar un pensamiento negro situado. Además, se ha dedicado a cartografiar una etnografía de las evocaciones sonoras de la afrodiáspora, abordando el sonido desde la subjetividad, la memoria y la identidad, y utilizándolo como herramienta imaginativa para viajar en el tiempo.

El proyecto toma su nombre del ensayo de Christina Sharpe, In the Wake: on Blackness and Being (2016), donde la imagen del barco esclavista simboliza la estela como un espacio desde el cual operar. De esta manera, el laboratorio propone la estela como un ámbito para producir, compartir, crear y resistir para la afrodiáspora, un espacio que desafía la dicotomía entre el yo y el otro. Crear y generar desde la estela se concibe como una forma de propiciar descentramientos en las ideas establecidas sobre los cuerpos negros.

BIOGRAFÍA

In The Wake es un colectivo teórico-artístico formado por artistas y pensadoras de la afrodiáspora en el estado español, establecido en 2021 en Madrid. Su propósito es explorar y activar el pensamiento negro radical en el contexto español. A través de su investigación, el colectivo rastrea, reconstruye e imagina las historias de resistencia de las personas negras en España, utilizando metodologías afrodiaspóricas como la oralidad, la sonoridad y el movimiento corporal. Algunas de sus activaciones incluyen talleres y performances en eventos como “A la Fuga” y “Black Stories,” promoviendo un diálogo sobre el Atlántico negro y las sonoridades cimarronas.

Liwai tiene como objetivo crear espacios de encuentro, apoyo, reflexión y creación, desde y para personas de origen chino en Madrid.

La asociación actúa desde la particularidad de los individuos y la heterogeneidad de la comunidad, a través de diversas acciones de carácter cultural, artístico, educativo y social. Su metodología se basa en la creación de grupos de trabajo sobre líneas de investigación en torno al arte, la performance, la mediación intercultural y el empoderamiento de las generaciones jóvenes chinas, en un lugar de intercambio y crecimiento.

Su tercer año de residencia se ha centrado en las siguientes iniciativas principales:

Grupo motor de jóvenes artistas de origen chino

Grupo formado por artistas multidisciplinares con la intención de crear un ecosistema cultural desde el nosotres. Aparte de las reuniones periódicas como espacio de interacción, uno de sus trabajos principales ha sido la coproducción del proyecto fotográfico Techo de bambú, dirigido por Lucía Sun, con el objetivo investigar y compartir las diferentes experiencias o realidades vividas por

mujeres chinas, en un intento de romper prejuicios y mitos estereotipados que han sido normalizados.

Encuentros de creadores de la diáspora china en España Ciclo de tres encuentros de creadores de origen chino en distintos ámbitos de trabajo. Se trata de una plataforma de intercambio e interacción entre creadores de la diáspora, así como un espacio para compartir sus proyectos culturales y sus prácticas artísticas con el resto de la sociedad.

Compañía de performance Cangrejo Pro Formada exclusivamente por un grupo de mujeres jóvenes chinas, la compañía recurre a la creación de performances colectivas como práctica situada para construir una subcomunidad china desde dentro, en un proceso de agrupación y comunización para el desarrollo de las propias identidades colectivas. En 2023 llevaron la obra Vamos al chino a distintas partes del territorio español, incluyendo centros culturales, museos y teatros.

BIOGRAFÍA

Liwai Acción Intercultural es una asociación constituida en el año 2019 en Madrid, de la mano de Yue Fu y Xirou Xiao, ambas mediadoras interculturales. Yue Fu es cofundadora de Liwai, graduada en Psicología y doble máster en Trabajo Social y Psicología General Sanitaria, con formación complementaria en mediación intercultural y traducción e interpretación. Psicóloga social y mediadora intercultural con amplia experiencia en el Ayuntamiento de Madrid y otras instituciones públicas y privadas del sector social, cultural y educativo. Xirou Xiao es cofundadora de Liwai y directora de Cangrejo Pro. Doctoranda en la Facultad de Bellas Artes de la UCM y máster en Educación Artística. Es arteducadora y mediadora intercultural. Realiza proyectos artístico-culturales en centros universitarios e instituciones como Museo Nacional del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, etc.

La mediaTECA en las Jornadas de Puertas Abiertas del Centro de residencias artísticas. Archivos de mediación (II). Fotografía de Diego Simón - Alberto Triano, Matadero Madrid, 2024.

AMECUM

Archivos de mediación (II)

El proyecto desarrollado durante el tercer año de residencia de investigación de AMECUM reflexionaba sobre diferentes formas de documentar la mediación cultural, a partir de los fondos de la mediaTECA, una biblioteca móvil compuesta de publicaciones en torno a la mediación, la educación, la gestión y la producción cultural.

Acciones

En este curso han indagado en formatos y posibilidades de documentación más allá del libro o documento. Para ello, han contado con la participación de Javier Bronchalo, que propuso la creación de un laboratorio ciudadano a partir del encuentro y el intercambio de conocimientos; con Blanca Sotos de marcablanca, que nos acercó a las páginas legales de manuales, diccionarios, fanzines, etc.; y con Lluc Mayol, que nos mostró una dimensión física, espacial y performativa en la que la edición se convirtió en campo de juego.

Presentaciones

A través de la presentación pública de textos y publicaciones de socias de AMECUM, se pretende difundir la importancia de la escritura como legado

BIOGRAFÍA

material de la mediación cultural. Se ha presentado Juego Fácil, con Christian Fernández Mirón, Esther San Vicente, Irene Sempere, Ximena Ríos y Jara Blanco, sobre el juego como herramienta (y documento) de investigación en el entorno cultural; ¿Desde dónde publicamos?, con Bea Martins, Yolanda Riquelme, Eva Morales y Laura Donis, sobre opciones disponibles para publicar en el contexto de la mediación cultural; y Publicar para contar la experiencia, con Sara Martín Terceño, que reflexiona sobre una experiencia concreta de mediación cultural y lo que significa escribir, contar y publicar desde lo vivido.

Grupo de lectura Caracol

Desde 2020, este encuentro de carácter mensual se abre para bucear en los textos de la mediaTECA, seguir tejiendo reflexiones sobre sus prácticas y leyendo textos de socias previamente presentados. Por último, han apoyado una cuarta línea de investigación sobre incidencia política, a través de encuentros abiertos del grupo de trabajo Condiciones Materiales, conformado por socias y socios de AMECUM y de ALMAZUELA, Federación Española de Asociaciones de Educación y Mediación en Cultura, Museos y Patrimonio.

La Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid, AMECUM, nace en 2015 con el objetivo de poner en valor una profesión trabajando por su visibilidad, profesionalización y reconocimiento social, fomentando el trabajo colaborativo y la formación de sus profesionales, y trabajando por la mejora de sus condiciones laborales. En sus nueve años de trayectoria ha revisado de forma constante la evolución de la mediación cultural, adaptándose a sus nuevas necesidades, reforzando las históricas y expandiendo las disciplinas que aborda y los perfiles de socias que la configuran, incorporando metodologías y disciplinas diversas como las artes escénicas, el cine, la música, la gestión cultural o el diseño.

ESTUDIO DEBAJO DEL SOMBRERO

Debajo del Sombrero pone su foco en los lenguajes de artistas que, por la circunstancia de su discapacidad intelectual, quedan habitualmente al margen de la cultura y la educación, abriendo para el arte contemporáneo una puerta a estos lenguajes.

El Estudio Debajo del Sombrero, funciona como un estudio de arte asistido, donde los artistas son acompañados en el proceso de su desarrollo artístico y promocionados en el terreno profesional. En los talleres, que se llevan a cabo en el Centro de residencias artísticas y en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, los artistas del estudio reciben orientación, formación y los recursos de producción necesarios para posibilitar su progresión hacia un lenguaje plástico personal.

La incorporación de estos lenguajes al arte contemporáneo se va haciendo realidad y las obras de estos artistas están

participando en bienales internacionales, exposiciones en museos y forman parte de colecciones de prestigio tanto públicas como privadas. La Bienal de Berlín, la Bienal de Shanghai, el MUSAC, el MACBA, o las colecciones del CA2M, MUSAC, Treger San Silvestre, Antoine de Galbert, Piet Meyer o Laurent Dumas son algunos ejemplos. En este año se destaca el premio obtenido por Belén Sánchez en la novena edición de los Euward y su exposición monográfica en la Haus der Kunts de Munich; la incorporación de la obra de José Manuel Egea a la colección de la Fundación Estelle y Hervé Francès; la participación de 19 artistas del estudio en Art Brut Biennale de Hengelo (Holanda); el acuerdo con la Galería El Chico (Madrid) para realizar una exposición anual dedicada a los artistas del estudio o el comisariado de Mateo Feijóo para la pared del Sr. Ito (Madrid) que abarca todo el 2024.

BIOGRAFÍA

Debajo del Sombrero nació en Matadero en 2007 y aquí ha crecido. Esto ha determinado en gran parte su visión contemporánea, que lo ha convertido a su vez en un proyecto de vanguardia dentro de la red europea de estudios asistidos. En Matadero ha desarrollado talleres en Intermediae durante 10 años, en el Ranchito cuando se alojaba en la Nave 16 y posteriormente en la Nave 15. Desde 2018 forma parte del Centro de residencias artísticas. Además de los talleres de Matadero, desde hace 16 años lleva a cabo un programa de formación artística en La Casa Encendida y durante 10 años, de 2009 a 2019, desarrolló en la Facultad de BBAA de la UCM un programa de formación experimental que aunaba la enseñanza de algunas de las materias que se imparten en la Facultad con su metodología. Después de tres años de interrupción este programa se ha vuelto a reanudar. Otros enclaves que han ampliado la experiencia de los artistas del estudio son las residencias artísticas que se desarrollaron en Pradolongo en 2010, las residencias en Medialab Prado en 2019, y los talleres de grabado en La Lavandería entre 2019 y 2023.

6RESIDENCIAS PARA COMISARIOS

EN COLABORACIÓN CON LOOP

En el marco de una colaboración entre el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid y LOOP Barcelona, y con el apoyo de Fabra i Coats: Fábrica de Creación y el Centre d’Arts Santa Mònica, se ha desarrollado una residencia curatorial que articula un itinerario de investigación y trabajo dividido en dos períodos residenciales, localizados en las ciudades de Barcelona y Madrid. Esta alianza ha buscado fomentar el intercambio profesional entre contextos artísticos diversos, consolidando redes de cooperación y circulación de pensamiento curatorial, al tiempo que ha tenido lugar un acompañamiento especializado para el desarrollo de

investigaciones vinculadas al ámbito del arte audiovisual y sus narrativas expandidas.

Los dos periodos de la residencia, una estancia en Fabra i Coats en Barcelona y otra en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, permiten que el residente establezca vínculos con ambas escenas locales, profundice en sus líneas de investigación propias y dialogue con artistas, programadores y agentes culturales en activo.

Como cierre de la residencia curatorial, la comisaria residente ha programado una sesión de audiovisual en el marco del programa Martes de vídeo del Centre d’Arts Santa Mònica

LISA LONG

Multipolar Video Histories

Como parte de su proyecto de investigación

Multipolar Video Histories, la propuesta de Lisa Long para esta residencia, en colaboración con el festival y feria Loop de Barcelona, se ha centrado en investigar cómo los artistas han utilizado el vídeo en el contexto español para examinar historias personales y políticas, y explorar cuestiones de identidad.

En su investigación, Long plantea las siguientes preguntas: ¿de qué manera ha proporcionado el vídeo a los artistas españoles los medios para articular sus propias historias? ¿Cómo se manifiestan estos desarrollos en las colecciones existentes de vídeo y time-based art

en la España contemporánea, tanto en colecciones privadas como públicas?

Durante su residencia en Madrid, ha investigado, conocido y entrevistado a artistas de diferentes generaciones que trabajan en formato vídeo, así como a coleccionistas, comisarios y académicos activos en este ámbito, además de conocer colecciones y archivos de la capital.

BIOGRAFÍA

Lisa Long (Oakland, California y con residencia en Berlín) es comisaria especializada en arte contemporáneo y time-based art. Su práctica curatorial está motivada por artistas que se involucran críticamente con las historias, la representación y la identidad. Actualmente, Long es directora artística de la Fundación Julia Stoschek en Berlín y Düsseldorf, donde ha comisariado el programa desde el año 2018. Asimismo, ha presentado por primera vez en Alemania varias exposiciones individuales. Es autora de ensayos para catálogos y artículos para instituciones, galerías y revistas. Profesora de Estudios Curatoriales en la Universidad Folkwang, de Essen, tiene un máster del Centro de Estudios Curatoriales de Bard College y es doctora en Historia del Arte y Musicología por la Universidad de Colonia.

7RESIDENCIAS MOVILIDAD ANIMARIO

Anne-Sophie Giraut

En el marco del festival de cine de animación Animario, el Centro de residencias artísticas junto con Cineteca, y en colaboración con NEF Animation, han desarrollado esta residencia de movilidad dirigida a creadores y creadoras de cine de animación residentes en España y en Francia.

La residencia, concebida con una duración de un mes, está orientada al acompañamiento de proyectos de animación en distintas fases de desarrollo, especialmente en las etapas iniciales como la investigación, el desarrollo y la escritura, ya fuera de guiones, diseño gráfico o composición musical.

A través de esta iniciativa, se busca fomentar la práctica artística y contribuir

al desarrollo profesional de los creadores, promoviendo su movilidad internacional como vía de enriquecimiento personal y creativo.

Asimismo, se procura proporcionar un entorno de trabajo dotado de apoyo institucional, recursos económicos y condiciones espaciales adecuadas que faciliten la producción artística. El programa ofrece un contexto de acompañamiento y formación que permite a los participantes avanzar en sus proyectos con el respaldo necesario, al tiempo que facilita el establecimiento de vínculos entre diversos agentes del ámbito internacional de la animación.

Esta residencia cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E).

Sin cines. “Muro del crimen del cine”. Imagen extraída de una secuencia animada en stop motion. Anne-Sophie Girault, 2023.

Sin cines

Sin cines es un proyecto de documental animado sobre la desaparición de las salas de proyección. Explorando las transformaciones de estos edificios culturales en Madrid y en París, esta investigación cuestiona el lugar del cine en nuestra sociedad. ¿Por qué cierran? ¿Por qué son reemplazados? ¿Qué quieren los ciudadanos? Y, ¿qué significaría un mundo sin cine?

Este documental se construye sobre la marcha. Por un lado, se han registrado diversos sonidos (entrevistas y grabaciones de campo) y, por otro lado, se han filmado imágenes de varios edificios a través del tiempo (cines que han cerrado y que tienen otro uso, cines que están cerrando o que van a cerrar y cines que abren). También se ha tratado de recolectar archivos y datos de actualidad —en prensa y en las redes sociales— sobre el cierre de los cines.

Reuniendo estos elementos, poco a poco se construye “Muro del crimen del cine”, enfocado en lo que ocurre en Madrid.

Un panel que se anima en stop motion y que ocupa el centro de este documental, como una manera creativa de narrar una investigación que es tanto social y política como personal.

Rodado en analógico, se contempla trabajar en el propio soporte de la película. La alteración de las imágenes, mediante el raspado de la película o su modificación a través de procesos naturales o químicos, resuena como una alteración de la memoria con la muerte del cine. Pero también al contrario, la resistencia de las imágenes contra la degradación del material evoca la lucha de los recuerdos y la prevalencia de los sueños.

Este proyecto documental tiene algo de acto de resistencia, pues exprime la necesidad de defender la magia de la inmersión en los espacios dedicados a ver películas y abrirse a otros mundos. Es un deseo de seguir soñando.

BIOGRAFÍA

Anne-Sophie Girault (Francia, 1991) es autora y directora pluridisciplinar en el ámbito de la creación cinematográfica y radiofónica. De forma autónoma o en colaboración, imagina, diseña y lleva a cabo producciones sonoras y audiovisuales, desde cortometrajes de animación (Chloé Van Herzeele, 2019) a pódcast (Journal d’une cervelle radioactive, 2022). Estudió cine de animación en la escuela EMCA en Angoulême, y completó su trayectoria con el máster Creadoc, formándose en la redacción y dirección de documentales, con especialización en creación radiofónica. Le gusta dedicar largos períodos de tiempo a investigar un tema e inspirarse en la realidad para escribir y dibujar historias. También explora géneros híbridos, pasando de la ficción al género documental y viceversa, jugando con lo real y lo imaginario, y cuestionando la frontera entre lo verdadero y lo ficticio.

8RESIDENCIAS AUDIOVISUALES

Alberto Van den Eynde Gray

Bruno Delgado Ramo

Lorena Iglesias Lista

Lucía Malandro

El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid y Cineteca Madrid impulsan conjuntamente las residencias para el desarrollo de proyectos audiovisuales, una iniciativa que busca fortalecer el tejido creativo de la ciudad y brindar apoyo estructural a cineastas independientes que trabajan en los márgenes de la industria convencional. Este programa se enmarca en el compromiso de ambas instituciones con la promoción del cine de autor, el cine experimental y las múltiples formas del cine de lo real, reconociendo su valor como herramientas de exploración estética, reflexión crítica y construcción de nuevas narrativas.

La residencia tiene como objetivo principal acompañar y apoyar el desarrollo de cuatro proyectos audiovisuales en su fase inicial, proporcionando a sus creadores el acceso a espacios de trabajo, recursos técnicos y asesoramiento especializado. A través de esta línea de trabajo se pretende, no solo facilitar las condiciones materiales necesarias

para el avance de los proyectos, sino también generar un contexto estimulante de investigación, diálogo y crecimiento creativo.

Más allá del apoyo individual a cada proyecto, esta residencia se plantea como una experiencia colectiva enmarcada en un ecosistema más amplio de creación artística. Uno de sus objetivos fundamentales es propiciar el encuentro entre los residentes audiovisuales y otros artistas del Centro de Residencias Artísticas de Matadero, fomentando el intercambio de ideas, metodologías y referencias en un entorno plural e interdisciplinar. Esta convivencia entre creadores locales, nacionales e internacionales enriquece los procesos y contribuye a consolidar una comunidad creativa activa, diversa y conectada con los debates culturales contemporáneos.

En esta edición María Pérez Sanz y Manuel Asín han acompañado a las artistas residentes.

ALBERTO VAN DEN EYNDE GRAY

Los materiales sensibles

Los materiales sensibles es un proyecto de película lineal/instalación/film performance que busca resignificar un archivo de películas domésticas de la familia del director, a través de la lectura de un relato pulp de ciencia ficción. En él, se cuenta la historia de Alan, detective privado en la Gran Ciudad, que investiga un caso gracias al cual se dará cuenta de la verdad sobre su pasado: los recuerdos de su infancia no son reales, pues le implantaron un artefacto que proyecta películas familiares sobre sus redes neuronales.

Durante el visionado de la pieza, el texto es interpretado en off por seis lectores, en lo que podría entenderse como una suerte de invocación que transformará no solo el significado de las películas familiares, sino también su propia condición material. Varias distorsiones aparecen en pantalla fruto de la intervención directa sobre el celuloide, como cambios en la velocidad de proyección, escritura a mano

de algunos pasajes del relato o efectos de quemado en la emulsión fotoquímica. Estas alteraciones juegan un papel narrativo además de evidenciar dos de los ejes principales de la película: la idea del film como cuerpo o materia y la deconstrucción del cine como acto ilusorio.

En un momento dado, las voces que hasta ese instante narraban la historia de Alan aparecerán en pantalla y comenzarán a compartir memorias de sus propias infancias. Sin embargo, no serán cualquier tipo de recuerdos, sino situaciones tristes, desagradables o incluso traumáticas que recuerdan con especial claridad. Estas contrastan con las imágenes idealizadas de una infancia feliz, bucólica y despreocupada que muestran las películas familiares. Siguiendo la tesis que planteaba Olivier Smolders en su film ensayo: «Filmando la vida siempre del mismo modo, quizás nunca aprenderemos a domar la muerte».

BIOGRAFÍA

Alberto Van den Eynde Gray (Madrid, 1995) es cineasta y montador. Graduado en Comunicación Audiovisual en la UCM, estudió el máster de Producción y Distribución Cinematográfica por la Escola de Producció Audiovisual de Catalunya EPAC/ECIB. Sus propuestas se vinculan con el cine experimental y el documental en primera persona, con especial interés en lo cotidiano y la naturaleza cautivadora —y fantasmagórica— de las películas domésticas. Su obra ha sido proyectada en festivales internacionales como Filmadrid, Documenta Madrid, Íntima Fest, Besides The Screen, Cinetoro, Film Diary NYC o Mientras tanto CINE. Actualmente está desarrollando su primer largometraje, Los materiales sensibles, seleccionado por el Festival L’Alternativa dentro de su laboratorio Mentoring Projects y con el que ha conseguido una residencia en el Centro de residencias artísticas de Matadero, en colaboración con Cineteca Madrid, además de haber formado parte de la selección del laboratorio EXIT del Festival La Inesperada.

BRUNO DELGADO RAMO

Ensayo fílmico

El proceso de trabajo de Bruno Delgado Ramo durante su residencia se ha centrado en la creación de un ensayo audiovisual en formato fílmico en el que se materializan redes de relaciones entre la meteorología, la observación del cielo y diferentes formas arcaicas y contemporáneas de predicción, con la figura del augur romano como punto de partida.

¿Qué miramos cuando miramos al cielo? ¿Quién contempla el cielo hoy? ¿Qué busca en esa contemplación? El cielo está atravesado por masas de partículas de agua, pájaros en vuelo o haces de luz. Y también por una nube de expectativas, premoniciones, pronósticos y augurios. Esa nube es una agencia compartida por el observador y la cubierta celeste. «Weather reports you», dice Roni Horn. El paisaje cenital es de naturaleza abstracta, permeable y escurridiza. Puede entenderse como un marco que absorbe los significados y quebraderos de cabeza que proyectamos sobre él. Los límites de lo que podemos inscribir en el cielo están determinados por el sentido. Podemos

inscribir todo lo que tenga sentido dentro de este marco y a la vez todo lo que se logre proyectar en el marco tendrá sentido. Si igualamos el cielo y el fotograma rectangular como un marco de inscripción, la palabra que proyectamos se vuelve un augurio, un pronóstico, la anticipación de un deseo. ¿Las cosas dentro del marco tienen un significado porque ocurren u ocurren con el único propósito de significar?

La dimensión sonora del proyecto ha involucrado la filmación con sonido sincrónico en soporte de película, e incorpora lecturas de fragmentos de textos con las voces de Anne-Sophie Girault, residente del programa Animario, Gio Soifer, residente del programa PEEPA o Carmen Ramo Herrero. Parte de este proyecto de residencia ha sido también el programa de películas You AreThe Season,The Day, The Minute presentado en el contexto de Documenta Madrid 2024. A través de películas de distintas autoras, la propuesta explora algunas de las intuiciones y los hallazgos del proceso de trabajo.

BIOGRAFÍA

Bruno Delgado Ramo (Sevilla, 1991) es cineasta, artista e investigador, con formación en arquitectura. Plantea su trabajo interdisciplinar como investigaciones basadas en la práctica experimental y material de los medios cinematográficos en las que las ideas de especificidad, proceso o lectura espacial son importantes, concibiendo la filmación y la proyección como procesos lumínicos en localizaciones y contextos específicos. Su práctica se concreta en películas, entornos de proyección, acciones y publicaciones. Su trabajo se ha programado en festivales como Rotterdam, Punto de Vista o Vila do Conde. Ha realizado estancias en centros como WIELS Contemporary Centre, Liaison of Independent Filmmakers of Toronto, BilbaoArte, Centre for Contemporary Arts Glasgow o el Museu de Belles Arts de Castelló.

LORENA IGLESIAS LISTA

Feísmo

Feísmo, de Lorena Iglesias Lista, es un proyecto de guion para un largometraje de ficción de comedia con elementos de folk horror. La realización del guion, ya terminado y en fase de desarrollo, ha sido subvencionada por la Xunta de Galicia dentro de las ayudas al talento audiovisual.

La película se inspira en un hecho inédito de la infancia de la madre de la creadora. En su aldea natal, en los años cuarenta, los somieres de metal (objeto icónico del feísmo) servían para transportar difuntos, en una especie de liturgia funeraria, desde la casa de la persona fallecida, hasta el cementerio de la parroquia a la que pertenece.

El argumento del proyecto trata de la experiencia de Lourdes, una directora de cine documental de 47 años que está

dejando el alcohol y las drogas, viaja a una aldea gallega para rodar una película de bajo presupuesto sobre el “feísmo gallego”, acompañada de un equipo pequeño y joven. Desde el primer día de rodaje, su actitud con las personas que participan en el proyecto es inapropiada y abusiva. A medida que avanza el rodaje, las dinámicas internas empeoran y Lourdes vuelve a beber y a drogarse. Con esta comedia envenenada, la creadora quiere contraponer el saber hacer y la inteligencia colectiva del mundo rural con el individualismo de una directora de cine y su equipo, y lanzar un mensaje ecologista a través de una premisa fantástica. ¿Qué pasaría si el paisaje, para defenderse, reciclase a los seres que le sobran?

BIOGRAFÍA

Lorena Iglesias Lista (A Coruña) es actriz, guionista y cómica de stand-up. En 2012 crea con su colectivo audiovisual Canódromo Abandonado su primer largo, La tumba de Bruce Lee, rodada en Seattle y estrenada en el Festival de Cine de Sitges en 2013. Como cómica realiza un show desde 2020, el Necroshow, y participa en festivales, podcasts, programas de radio y eventos feministas. En 2019 la Academia de Cine selecciona su proyecto de serie Millennial Mal para llevar a cabo una de las residencias en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid. La serie ha recibido en 2022 las ayudas navarras a desarrollo y las ayudas europeas audiovisuales del programa MEDIA. En 2022-2023 coescribe con el director Pau Teixidor el largo Alumbramiento (en producción). Como actriz trabajó con directores como Carlos Vermut (Quién te cantará, Magical Girl), Juan Cavestany (Gente en sitios, Madrid Interior), Pablo Hernando, Julián Génisson, Chema García Ibarra (Espíritu Sagrado), Alberto Gracia (La Parra) e Ion de Sosa (Mamántula), entre otros.

LUCÍA MALANDRO

La isla sumergida

El proyecto de La isla sumergida se sitúa en el cruce entre el cine documental, la historia, la sociología y la antropología.

A través de estas disciplinas, se exploran temas fundamentales como la memoria colectiva, la interpretación histórica y el poder de las imágenes en la construcción de nuestras identidades y sociedades.

En el desarrollo de la película, se han empleado prácticas y técnicas propias del cine documental, como la investigación histórica detallada, la recopilación de testimonios o el análisis crítico y ético del archivo.

La isla sumergida es una reflexión sobre el poder de las imágenes y la importancia de la memoria colectiva en la interpretación del presente. La película se desarrolla a través de la perspectiva de un hombre revolucionario, Johny, de 60 años, que es el guardián de los archivos judiciales

de La Habana. A través de su mirada, el proyecto explora la manipulación de la historia para servir a narrativas políticas específicas, un fenómeno preocupante tanto en el Sur Global como en el mundo occidental. Johny, con su conocimiento íntimo de los archivos y su compromiso con la verdad, nos guía en este viaje hacia la comprensión de cómo las narrativas históricas moldean nuestras identidades y el futuro de nuestras sociedades.

En un mundo donde la manipulación del pasado se utiliza como herramienta de poder, La isla sumergida busca despertar la conciencia colectiva sobre la urgencia de defender las narrativas marginalizadas, a punto de desaparecer y olvidadas por las narrativas oficiales, que reflejan la totalidad y construyen una sociedad más justa, consciente y diversa.

BIOGRAFÍA

Lucía Malandro (Uruguay, 1991) es una cineasta, archivista y artista egresada de la EICTV en Cuba, y máster en EQZE, San Sebastián. Su trabajo está fuertemente comprometido con la preservación y la visibilización de los registros visuales no hegemónicos y los archivos marginados. Sus películas han participado en festivales como Ji.hlava IDFF, True/False Film Fest, Ficunam, FICValdivia, etc. Es cofundadora del colectivo Archivistas Salvajes, que ha supervisado y coordinado varios proyectos archivísticos, creando la colección fotográfica de los archivos judiciales cubanos y Los subterráneos, el primer archivo del cine amateur cubano, participando en prestigiosos simposios como el Orphan Film organizado por NYU Cinema Studies.

9PROGRAMA EXPERIMENTAL DE ESTUDIOS PARA LA PRÁCTICA ARTÍSTICA (PEEPA)

El Programa Experimental de Estudios para la Práctica Artística (PEEPA) es una iniciativa concebida para enriquecer los proyectos formativos de Matadero Madrid. Este nuevo formato surge como un complemento a las residencias artísticas habituales que se desarrollan a lo largo del año, con el objetivo de establecer un espacio intermedio entre la creación y la reflexión, entre la práctica y el aprendizaje colectivo.

PEEPA se ha diseñado como una residencia que desborda los límites tradicionales del taller individual, proponiendo un modelo basado en el intercambio de ideas, el cuestionamiento metodológico y la exploración de los lenguajes propios de la práctica artística. Su enfoque experimental permite a los participantes trabajar desde su propia práctica, dentro de un marco compartido y acompañado, propicio para la investigación, la crítica y el desarrollo profesional. El programa se estructura en torno a dos ejes principales. Por un lado,

se ofrecen sesiones de taller impartidas por dos artistas invitados de reconocida trayectoria, que aportan no solo su experiencia profesional, sino también sus perspectivas sobre los modos de producción artística. Por otro lado, se habilita un espacio de trabajo para los artistas participantes, seleccionados mediante convocatoria pública, que durante tres meses desarrollaron sus prácticas personales con el acompañamiento directo de los mentores y en diálogo constante con el grupo. En esta segunda edición, el programa ha contado con la participación de Dora García, Cabello-Carceller e Isabel Marcos como artistas mentores. Ambos responsables del diseño y la conducción de la metodología del curso, aportan enfoques complementarios que generan dinámicas de trabajo que invitan a pensar la práctica artística como un terreno en constante redefinición.

10CRÉDITOS

Director artístico:

José Luis Romo

Gerente:

Alma Fernández Rius

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Responsable de programa:

Ane Rodríguez Armendariz

Gestión de proyectos:

Mercedes Álvarez Espariz

Sonsoles Rodríguez

MATADERO MADRID

Subdirectora Adjunta Gerencia:

Myriam González

Responsable de programa:

Susana Zaragoza

Coordinación gerencia:

Adela Fernández

Comunicación:

Marisa Pons, Raúl González

Natalia Cantero

Iñaki Manjarrés

Diseño gráfico:

Mario Cano

Educación y públicos:

Javier Laporta

Beatriz Bartolomé

Pablo Gallego

Producción:

Saturio Gómez

ARTISTAS Y COLECTIVOS 2023-2024

ACCA

Adrianna Szojda AMECUM

Alberto Van den Eynde Gray

Álvaro Corral Cid

Anne-Sophie Giraut

Beatriz Sánchez

Bruno Delgado Ramo

Estudio Debajo del Sombrero

Carlos Martín Rodríguez

Catarina Botelho

Christina Zampoulaki

Daniel Cao

Elena Prous

Santiago Jiménez

Gabriel Lucas

David Romero

Vicente Fernández

Rodolfo Cortés Guerra

Natalia Salazar

Gestión de proyectos:

Aitor Ibáñez

Coordinación técnica: Jana Arenas

Gestión operativa: Víctor Díaz

Gestión y administración: Mila Pinel

Ana María Cubillo

Susana Arranz

Álvaro Estévez

Nieves Montealegre

Infraestructuras:

Raúl Cano

Jurídico: Montserrat Rivero

CRÉDITOS DE LA PUBLICACIÓN

Coordinación y edición en castellano: Roberto Salas

Diseño:

Koln Studio

Estefanía Santiago Horma

In The Wake

Lisa Long Liwai

Lorena Iglesias Lista

Lucía Malandro

Maria Nikiforaki

Marta Galindo García

Mayra Villavicencio Príncipe

Megane Mercury

REZELO

Sara García

ACCA

Adrianna Szojda

AMECUM

Alberto Van den Eynde Gray

Álvaro Corral Cid

Anne-Sophie Giraut

Beatriz Sánchez

Bruno Delgado Ramo

Estudio Debajo del Sombrero

Carlos Martín Rodríguez

Catarina Botelho

Christina Zampoulaki

Daniel Cao

Elena Prous

Estefanía Santiago Horma

In The Wake

Lisa Long Liwai

Lorena Iglesias Lista

Lucía Malandro

Maria Nikiforaki

Marta Galindo García

Mayra Villavicencio Príncipe

Megane Mercury

REZELO

Sara García

Colaboran:

Financian: