ANUARIO CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2021-2022

ANUARIO 2021 2022

1INTRODUCCIÓN

Un centro de residencias se caracteriza por ofrecer a creadores espacios de trabajo para el desarrollo de su práctica, ya sea en general o para un proyecto concreto. Estos espacios suelen convertirse en lugares de convivencia, encuentro y crecimiento colectivo.

Los programas de residencia tienen como objetivo apoyar los procesos de creación y proporcionar a los residentes acompañamiento, tanto a nivel curatorial como a nivel de producción proporcionando espacios, facilitando la producción, la investigación y el aprendizaje compartido con otros residentes y agentes.

Se dirigen a artistas, educadores, comisarios, investigadores, agentes artísticos y otros perfiles híbridos, que pueden participar a través de distintas modalidades. Estas iniciativas están abiertas tanto a personas individuales como a colectivos y asociaciones. Durante esta etapa se han apoyado proyectos para contribuir a la construcción del tejido cultural a través de las residencias y actividades que se ofrecen. Además, se ha seguido apostando por el apoyo en la creación de música, el ámbito del arte y la educación, que contribuyen al pensamiento crítico y estético. En este periodo han tenido lugar las residencias de arte y educación; las residencias dedicadas a artistas visuales

en sus modalidades trimestral y semestral; la residencia de movilidad en colaboración con dos mares; la residencia de mujeres en la música electrónica; la residencia de música dedicada a bandas y artistas solistas emergentes; la residencia para comisarios en colaboración con LOOP; la residencia de movilidad en colaboración con AECID; la residencia de salud y medioambiente en colaboración con DKV; y las residencias para proyectos audiovisuales en colaboración con la Cineteca.

Este camino se ha realizado acompañados por una serie de colaboradores que han aportado su propia visión al desarrollo de los proyectos de residentes así como al programa de actividades del centro, posibilitando así una mirada más amplia que la nuestra propia. De esta manera hemos contado con el acompañamiento de Aimar Arriola, Ana Laura Aláez, Manuela Pedrón Nicolau y Yaiza Hernández en las residencias de artistas visuales; Mariana Barassi, Andrea Jaurrieta y Blanca Velasco en las residencias para proyectos audiovisuales en fase de desarrollo; María Arritokieta, José Manuel Salas y Cristina de Silva (L.E.V.) para las residencias de mujeres en la electrónica y Alan Queipo y Mar Rojo para las residencias de bandas emergentes.

2RESIDENCIA DE ARTE Y EDUCACIÓN

El propósito central de este programa es el de propiciar un proceso sostenido de reflexión crítica e investigación aplicada, que articule a su vez la activación de un proyecto de mediación, arte y educación desarrollado en las instalaciones del recinto cultural. Esta iniciativa se inserta de manera coherente en las líneas de trabajo e intereses conceptuales del centro, consolidándose como una propuesta que asume la mediación expandida como un campo de acción situado en la intersección entre la práctica artística, la producción de conocimiento y los procesos pedagógicos críticos. En este sentido, el programa no solo se

concibe como una herramienta de interpretación o acompañamiento, sino como una plataforma generadora de pensamiento, diálogo y transformación social.

Asimismo, el programa posibilita el desarrollo de diversos proyectos de investigación que indagan en los cruces entre arte y educación, situando dichas investigaciones en el marco concreto de la institución Matadero. Estos proyectos no solo enriquecen la programación del centro, sino que también contribuyen a repensar los modelos de mediación y su potencial como herramienta para el pensamiento crítico y la acción colectiva.

Encuentro y postales realizadas con acuarelas elaboradas con agua del río en la sesión del 10 de junio de 2022. Fotos por cortesía del colectivo residente.

EVA GARRIDO Y AMALIA RUIZ-LARREA

El río embobado

El río embobado es un proyecto basado en la observación y la acción en el que se investigan los estares que conviven en un área delimitada del río para comprobar de qué forma siente cada cuerpo ese existir, y de qué manera esas otras formas de vivir el tiempo pueden ayudarnos/enseñarnos a acercar nuestro estar a esxs otrxs. Aprender de esos encuentros, de esas maneras de estar juntxs, adecuándonos al tiempo de las cosas para lograr así un estar más consciente, pero también un estar juntxs. Ser de alguna manera piedra, hierba, ruido de ciudad, caminar de hormiga, ser unx mismx y río a la vez.

El proceso educativo se planteó desde esos estares que nos permitimos cuando no estamos produciendo, poniendo el foco sobre ese otro tipo de mirar anonadado, embobado, que nos llevó a

reflexionar sobre términos como atención/distracción/abstracción/ ensoñación/aburrimiento.

Para este acercamiento se propusieron una serie de encuentros abiertos que, una vez al mes, partiendo de prácticas performativas, proponían recorridos y acciones para intensificar las formas de estar que ya se dan en ese espacio: estar planta, estar árbol grande, estar matojo, estar animal, estar juego, estar patinar, estar cuidando (bebés, plantas...) estarfiesta,estarfuera,estarcuir,estaragua, estarviento,no estamos todas,estar basura. En estos encuentros se desarrollaban acciones colectivas que buscaban intensificar las formas de estar del entorno del río, para vivenciar tiempos raros que nos llevaran a un presente enriquecedor y distinto.

BIOGRAFÍA

Eva Garrido del Saz (Madrid, 1970) y Amalia Ruiz-Larrea Fernández (Madrid, 1990). A través de diferentes proyectos llevan tiempo poniendo énfasis en formas educativas como el pasear, el perderse, el perder el tiempo juntas, el estar cuir, que deambulan entre el arte y la educación y toman forma de talleres, performances, procesos de escritura y publicaciones. Mediante la acción y el trabajo en colectivo tratan de desmontar algunas lógicas que son constructoras de realidad para indagar en otras más abiertas, poéticas, inasibles, que lleven a otros posibles. Han colaborado con diferentes instituciones como el Departamento de Educación del CA2M, Hablarenarte, el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y Matadero.

3RESIDENCIAS PARA ARTISTAS VISUALES

→ Residencia semestral

Lucía Bayón

Raisa Maudit

Mar Reykjavik

Adrian Schindler

→ Residencia trimestral

Valentina Alvarado Matos

Elena Bajo

Coco Guzmán

Jose Iglesias García-Arena

Valeria Maculan

Mónica Mays

Sofía Montenegro

Cristina Spinelli

Elián Stolarsky

Génesis Valenzuela

→ Residencia de movilidad en colaboración con Dos Mares

Matteo Demaria

Marta van Tartwijk

→ Residencia de movilidad en colaboración con Life Works

Sergi Casero

A través de las residencias para artistas visuales apoyamos procesos de creación que requieren de un espacio de trabajo y acompañamiento. Este programa trata de promover el desarrollo profesional de los creadores, proporcionar apoyo institucional y recursos tanto económicos como espaciales y técnicos, establecer un contexto de acompañamiento por parte de profesionales de diferente perfil y favorecer la formación y visibilización de conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la ciudad, la institución y el público. Contamos con dos modalidades de residencias de artes visuales.

Por un lado, la dirigida a artistas residentes en España, que tiene una duración de tres meses.

Por otro, la dirigida a artistas residentes en Madrid, cuya duración es de seis meses. Además, este año se llevaron a cabo dos residencias de movilidad con Dos Mares (Marsella) y con La Escocesa (Barcelona). Las estancias tienen como objetivo el de promover el intercambio e internacionalización de artistas.

LUCÍA BAYÓN

Chorrillo,calandria,batán

El proyecto Chorrillo,calandria,batán fue presentado a la convocatoria semestral del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid y fue desarrollado entre enero y julio de 2022 por la artista Lucía Bayón. El marco contextual de esta investigación se centraba en la Fábrica de Paños erigida en San Fernando de Henares a mediados del s. XVIII, para explorar la transformación gradual de la práctica desde un contexto de producción manual hacia el uso de técnicas de procesamiento industrial. El proyecto se planteaba como un ejercicio continuista de un cuerpo de trabajo escultórico en desarrollo, realizado a partir de materiales y técnicas que en los últimos años han pasado a ser una constante en el proceso de Bayón: textil recolectado —prendas de algodón, y tela vaquera— convertido, tras un proceso de hidratación y trituración, en pasta de papel —pulpa de fibras vegetales—. Para este proceso se sirve de la pila holandesa, máquina utilizada para acelerar el proceso de producción de papel a partir de paño a través de un circuito de agua regido por un molón con una mano de cuchillas regulable

(distancia y presión), similar en su proceso mecánico a los batanes españoles. Se buscaba asimismo pensar desde el campo lingüístico de acción —particularmente, desde los verbos— asociados a la escultura, para esbozar piezas regidas por la mecánica de las máquinas que se emplean para su producción. El desarrollo de la residencia sirvió para ahondar en una metodología construída a través de la serialidad y la acumulación de una serie de gestos y labores muy sencillas como el empapar, presionar, escurrir, tensar y tersar, o compactar; así como incidir sobre cuestiones relativamente nuevas para la práctica, como son la presión ejercida por los cuerpos (un marco de serigrafía sobre un textil ya intervenido, un utensilio plano de madera que aprieta la tinta a través de la finísima malla metálica sobre el algodón), o el deseo y la pulsión que los mueve (pasiones múltiples que ejercen de fuerza transformadora en el devenir de las piezas, o cuestiones de embergadura traducida en lenguaje matérico).

BIOGRAFÍA

La práctica de Bayón (Madrid, 1994) atiende a la articulación de procesos compositivos y formales que migran desde el lenguaje, como punto de partida, a otras formas de presencia como la escultura y la instalación. Desde la insistencia, en una gestualidad recurrente, la práctica enreda lo residual en lento devenir. Bayón estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y en la Universität der Künste de Berlín, y posee un Máster en Bellas Artes por el Instituto Piet Zwart de Rotterdam. Ha expuesto obra reciente en Belmonte, Intersticio y La Casa Encendida (Madrid); Halfhouse y La Capella (Barcelona); Fondation Fiminco (París); Sid Motion Gallery (Londres); y Centro Botín (Santander), entre otros. Ha recibido premios como la Beca de Artes Plásticas (Fundación Botín) y Generaciones (Fundación Montemadrid). Ha participado en residencias artísticas y programas educativos independientes como Matadero (Madrid), Tabakalera (Donostia), Praxis (fluent, Santander) y Gasworks (Londres). Además, junto con Lukas Meßner, dirige digestivo: una iniciativa colaborativa itinerante que facilita y fomenta un espacio para el encuentro y la correspondencia comunal.

RAISA MAUDIT

We are of Everything

We are of Everything parte de una investigación llevada a cabo por la artista Raisa Maudit sobre la simbología funeraria, la representación de los muertos y la descomposición de los cuerpos, tratados como una vía de inmortalidad que funcionan como alegoría de resistencia a la violencia sistémica.

A través de procesos de robótica, sonido y escenografía, se crea un conjunto simbólico basado en elementos resilientes de la naturaleza, con los que crear una serie de esculturas “vivas” en materiales semi rígidos, cubiertos de ceniza volcánica, que representan una nueva iconografía para las muertes por feminicidio.

La liberación ante la idea de amor violento heteropatriarcal que debe desaparecer frente a la naturaleza implacable e inmortal de la vida. La obra continúa en la estela de las obras recientes como The Vampire Manifesto y Dejarse Morir, donde se explora la idea del

universo fungi, los neuroparásitos y otros elementos de la naturaleza como entidades vampíricas que resisten a la violencia matando y generando una vida contagiosa e irrefrenable desde un pensamiento postanarquista. O la historia de las amazonas auaritas de La Palma, asesinadas en las cumbres de Cumbre Vieja y Tigalate, durante la invasión española del siglo XV, transformadas desde una cantata en las hacedoras del “Fin de los días”.

We are of Everything tomó la forma de “Coreografía de la venganza” en la que se establecen líneas poéticas para un necesario cambio sistémico, enlazando representación funeraria, teología, biología (investigación sobre hongos de descomposición), programación con Arduino, robótica y experimentación con materiales (arcilla, silicona, ceniza volcánica). Durante esta residencia, como objetivo final, se realizó el primer prototipo robot, esculturas de manos en arcilla y un video.

BIOGRAFÍA

Raisa Maudit (La Palma, 1986) tiene formación en arte contemporáneo, música clásica, composición, programación y desarrollo de videojuegos. A través de procesos multidisciplinares, recurre a múltiples sistemas de representación para analizar y mostrar las contradicciones y puntos ciegos de relatos dominantes. En su obra música, escenografía, performance, texto, video, escultura, instalación, robótica o comisariado se entremezclan para plantear realidades disidentes. Su obra ha sido expuesta en MUSAC (León); Gitte Böhr Galerie (Berlin); Galería Códice (Nicaragua); ESTAMPA, CA2M, CentroCentro y Galería Formato Cómodo (Madrid); SWAB, Fundació Joan Miro, Virreina Centre de la Imatge y MACBA (Barcelona); Museo El Chopo (México D.F); HOME (Manchester); Kingston Gallery (Los Angeles); Konsthall C (Estocolmo); Kunstraum Flat1 y MuseumsQuartier (Viena); UNION DOCS Center for Documentary Art of New York, (NY), entre otros. Ha recibido premios y becas como Generaciones 2019, Injuve 2015. Ha escrito libros como Cartas a Wolfi, Las Disidencias con Martí Manen. Desde 2014 dirige Storm And Drunk, espacio de arte independiente en Madrid.

MAR REYKJAVIK

Things have the shape of thewaytheyunfold

Things have the shape of thewaytheyunfold / El Setè Cel es un ensayo oral sobre el devenir y la suficiencia en las cosas, llevado a cabo por la artista Mar Reykjavik durante su estancia en el Centro de residencias artísticas. Este proyecto se desarrolló como un sistema con perspectiva ontológica y correlativa, y fue materializado en un CD traducible a una instalación sonora conformada por seis —siete— altavoces.

Este proceso partía —y tomaba parte— de la canción El Setè Cel de Jaume Sisa, un paseo por siete escenarios posibles para la construcción de una imagen que nos devuelve la nuestra propia, confiriéndonos la tarea de completar el relato o círculo, con lo que se propone el estudio de una estructura metodológica específica que se mire a sí misma.

BIOGRAFÍA

Mar Reykjavik (Sagunto, 1995) es graduada en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia con especialización en imagen en movimiento, instalación y acción y Máster en MasterLav, laboratorio de creación audiovisual contemporánea. Ha sido artista en residencia en el GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, Fundación Bilbaoarte Fundazioa, Artistas en Residencia de La Casa Encendida + CA2M, Injuve u Ob Skena, en Centro Huarte, entre otras. Su trabajo se ha podido ver en espacios a nivel nacional como Rosa Santos, Pols, Fundació La Posta, La Gallera, Octubre CCC y el Muvim (Valencia); CA2M, Espacio Oculto, Storm And Drunk (Madrid); Fundación Bilbaoarte, El Respiradero (País Vasco); Da2 Artium (Salamanca); COAC (Tenerife); e internacionales como Centro Cultural el Recoleta (Buenos Aires) o SupermarketArtFair (Estocolmo), entre otros. Compagina la producción artística con la docencia en espacios como MasterLav, MACA Máster en Arquitectura experimental, Woman Make o La Fotoescuela.

ADRIAN SCHINDLER

Preludio a un cancionero anticolonial

A lo largo de su residencia, Adrian Schindler ha desarrollado el segundo capítulo de la trilogía fílmica “Tetuan, Tetuán, ناوطت, dedicado a Madrid mediante actividades públicas y ejercicios con colaboradores. La trilogía aborda las huellas que el pasado colonial en Marruecos ha dejado en la sociedad española, mediante una metodología colaborativa experimental, examinando la producción cultural, el espacio público y el imaginario colectivo. Desarrollada en tres ciudades, en diálogo con agentes culturales marroquíes y españoles, explora estrategias narrativas para resignificar lugares como la Plaça de Tetuan en Barcelona, el barrio de Tetuán de las Victorias en Madrid o el cine Español de la ciudad de ناوطت.

Adrian Schindler organizó un grupo de lectura acerca de la novela Cuando los montes caminen (2021), que cuenta por primera vez episodios de la Guerra Civil desde la perspectiva de un joven marroquí alistado en el bando sublevado,

en colaboración con Laura Casielles (investigadora), Ibrahim Ibnou Goush (actor), Marta Echaves (escritora) y el autor Youssef El Maimouni. A lo largo de cuatro sesiones en Matadero, la Plaza de Oriente, la Taberna del Mozárabe y Casa Árabe, cada invitadx contribuyó a interpretar el relato mediante el prisma de su área de trabajo, proponiendo dinámicas de lectura, líneas de fuga y otros contenidos que situaron el libro en un contexto histórico y político más amplio.

A continuación, desarrolló junto al músico Hassan Lahjari la performance Preludio a un cancionero anticolonial basada en La canción de Neria, un canto de duelo y resistencia escrito por Mbarka bent Hamou en darija a principios de siglo. Presentada en la calle Ceuta (Tetuán de las Victorias), fue concebida como un ensayo para el segundo capítulo, destacando mediante la música las implicaciones coloniales de la toponimia de la ciudad y reflexionando sobre las políticas de la traducción.

BIOGRAFÍA

La práctica de Adrian Schindler (Francia, 1989) trata el vínculo entre acontecimientos históricos, producción cultural e ideología de estado, haciendo hincapié en sus efectos sobre las subjetividades. A menudo colaborativa, toma la forma de performances, películas, instalaciones y encuentros públicos. Su trabajo ha sido presentado en Cineteca, Madrid (2022), Académie des Beaux-Arts, Paris (2022), Empathy&Risk, Londres (2022), MACBA, Barcelona (2021), FID Marseille (2021), The Green Parrot, Barcelona (2021), Espositivo, Madrid (2021), Fabra i Coats, Barcelona (2021), Centre d’art Le Lait, Albi (2020), Mahal Art Space, Tánger (2019), La Grande Halle de La Villette, París (2018), La Capella, Barcelona (2017) o FRAC Champagne-Ardenne, Reims (2017). Sus residencias incluyen Casa de Velázquez, Madrid (2020-21, 2019), Château Nour, Bruselas (2020), Superdeals, Bruselas (2018), Le Centquatre, París (2014-15) y ZK/U, Berlín (2012-13). Ha estudiado en el Institute for Art in Context, UdK Berlin (2015), la École des Beaux-Arts de París (2012), el Columbia College y la School of the Art Institute of Chicago (2011).

VALENTINA ALVARADO MATOS

cielopapel

cielopapel es un proyecto audiovisual que integra texto y sonido, surgido de una investigación sobre la literatura de viajes, específicamente centrada en las mujeres viajeras que, entre los siglos XVII y XIX, realizaron travesías desde Europa hacia América Latina. Estas mujeres, en su mayoría, viajaban de manera encubierta con el propósito de documentar y representar la naturaleza de los territorios latinoamericanos. Más allá de una simple reflexión histórica, el proyecto propone una revisión crítica de cómo el lenguaje influye en la percepción y la representación del paisaje en estos relatos.

Durante su desarrollo en el Matadero, cielopapel transitó de un enfoque estrictamente histórico hacia una exploración más autobiográfica sobre cómo el lenguaje puede configurar nuestra relación con el entorno, específicamente desde la diáspora. Este giro se centró en la pregunta de cómo se denomina y describe el paisaje, no desde una objetividad científica, sino desde lo

que podría llamarse una imagen-memoria, es decir, una interpretación subjetiva y afectiva del paisaje que se construye a través de las palabras.

El proyecto incluyó acciones que contribuyeron a su desarrollo. Se realizaron visitas al archivo del Real Jardín Botánico, grabaciones de campo y filmaciones; acciones que sirvieron como punto de partida para la pieza resultante de esta investigación: ¿se puede deletrear la hoja? Este film explora la relación entre el lenguaje y la naturaleza, convirtiéndose en un viaje exploratorio no solo a través del espacio natural, sino también a través de las determinaciones del lenguaje que nos permiten nombrar y percibir el mundo que habitamos.

¿se puede deletrear la hoja? es el núcleo del proyecto, consolidando su carácter crítico y poético sobre cómo el lenguaje interviene en nuestra percepción del paisaje, ofreciendo una perspectiva que integra el pasado histórico y la experiencia personal desde la diáspora.

BIOGRAFÍA

Valentina Alvarado Matos (Maracaibo, 1986) es una artista cuya práctica se centra en la imagen en movimiento, con un enfoque en la diáspora, el paisaje y el gesto. Su trabajo se ha mostrado en espacios como California Museum of Photography, Artium, Viennale, Oberhausen, Punto de Vista, Loop Festival, Cinemateca Madrid, Filmoteca de Cataluña, Microscope Gallery y Salzburger Kunstverein, entre otros. Ha sido residente en Hangar, La Escocesa, Matadero Madrid y LIFT Toronto. En 2024 inaugura en Barcelona el otro aquí (La Capella) junto a Carlos Vásquez Méndez y totalmente rostro, como reverso de el otro aquí en La Virreina. Combina su práctica artística con la docencia, impartiendo clases y talleres en Massana, Master LAV, Eina, CC Albareda, Universitat de Barcelona y EICTV en Cuba. Sus filmes forman parte del catálogo de Light Cone y el Archivo XCèntric. Su obra ha sido incluida en el libro Remains–TomorrowThemes in Contemporary Latin American Abstraction de Cecilia Fajardo-Hill.

ELENA BAJO

Unaolacrecienterompeenlaorilladeltiempo(MañanafuiunaPlanta)

El de Elena Bajo es un proyecto artístico multidisciplinario que parte de la serie Cosmic Distress, en donde se explora los sistemas vegetales como narradores de su propia conciencia ecológica y se reflexiona sobre la crisis climática evocada por la dualidad conflictiva entre lo humano y la naturaleza; se parte de un enfoque no binario, eco-feminista y no-antropocentrico generado por un Manifesto de Plantas, y enfocado en el conocimiento ancestral botánico y el uso enteogenico de las plantas medicinales. Esta obra conceptual e investigativa se materializa en una instalación, un conjunto coreográfico de esculturas, que han sido realizadas con una técnica mixta textil tejido a mano y a máquina, así como con cerámicas y materiales naturales. La instalación escultórica se activa de forma performativa ––con la realización de una performance con participantes, dancers y la artista (escultura performativa)––. La naturaleza, como testigo de su propia situación en un momento de urgencia planetaria, será la generadora de un an-archivo de imágenes, un léxico de nuevos términos, que genera guiones coreográficos para esculturas performativas.

En este proyecto se propone a las plantas medicinales psicoactivas, como fuente y herramienta alternativa

BIOGRAFÍA

de conocimiento y reconexión del ser humano con la postnaturaleza, utilizando una perpectiva de “deep ecology, ecologia profunda”, la naturaleza como extension del ser humano. Partiendo de plantas de la flora medicinal autóctona de Madrid, y fuentes etnográficas, arqueo-botánicas ancestrales, cosmologías y mitologías prehistóricas de la zona y contando con la colaboración de entidades científicas y discursivas, el proyecto se materializa en una serie de coreografías de cuerpo y elementos materiales, esculturas y pinturas performativas, video y texto-poema (Manifesto de Plantas). Las cerámicas y los cuadros actúan a modo de gestos pictóricos y proponen a su vez una relación con el cuerpo tanto el humano, los talleres de movimiento en que los performers son instrumento de canalización de la amapola del opio con la ingesta en micro dosis de la propia adormidera, como el de la planta: el textil ha sido realizado usando la tejedora Jacquard loom con hilos de algodón impregnados con partes del cuerpo de la planta. Se trata de un proceso artístico autogenerado que sigue una trayectoria fractal no sólo en el espacio (deep space, espacio profundo) sino en el tiempo (deeptime, tiempo profundo), hallazgos fósiles que contemplan simultáneamente la historia y el futuro del Universo.

Elena Bajo (Madrid, 1976) es una artista española, educadora, coreógrafa y fundadora del Proyecto P-A-D, una plataforma de investigación artística y ecológica, en el desierto californiano de Wonder Valley, donde se desarrollan obras de arte, performáticas y representaciones discursivas. Su práctica artística multidisciplinaria, parte de una perspectiva eco-feminista y no-binaria y teje elementos tanto personales como políticos en materiales y movimientos que generan narrativas alternativas e implican ideas de la naturaleza y el cuerpo como una entidad social que cuestiona su relación con las ecologías del capital. Ha presentado performances, exhibiciones, ejercido la docencia, dado conferencias internacionalmente y participado en Biotopías 3, Sala de Arte Social, Las Palmas de Gran Canarias, ES. En 2022 recibió la beca NARS Studio Relief Residencia y Beca Rauschenberg Medical Emergency Grant (NY). En 2021 recibió soporte de A/CE en el Centro Europeo de Cerámica, EKWC. En 2020, el Premio Hopper; en 2019, Fundación de Arte Contemporáneo de Nueva York de Emergencia; en 2018, Fundación Botín Internacional, Premio Beca Artes Visuales; y en 2017, Premio Audemars Piguet y ARCO Madrid.

COCO GUZMÁN

Arte_Contagiooelviruscuirviveenunlápiz. El dibujo situadoyexpandido como arma de contagio cuirinminente

El de Coco Guzmán es un proyecto de residencia artística que plantea investigar la práctica artística site-specific o situada y su potencialidad transformativa cuirizante/ queerizante a partir de una experimentación material y formal en torno a la noción del contagio cuir. Esta potencialidad del contagio cuir, de amenaza inminente (Reed, 1996) para el sistema heteronormativo que en cualquier momento y en cualquier lugar puede ser infectado. Como artista cuir no-binarix dispuestx a cuirizar el mundo se ha enfocado en: ¿cómo puedo crear una obra que cuirice el espacio y los cuerpos que lo atraviesan?, ¿cómo puede el arte contagiar el espacio, contagiar a las personas, contagiar el tiempo?, ¿cómo puede esta práctica artística cuirizarme a mí también? Coco Guzmán propone en primera persona

profundizar, reconfigurar, re-experimentar con estrategias y técnicas que le permitan ahondar en la experiencia de lo cuir como algo vírico, en su capacidad de “infectar” de disidencia los cuerpos y los discursos. Usando principalmente el dibujo, Coco se interesa en experimentar con técnicas de superposición, abstracción, manchado, texturización, borrado, infiltración y camuflaje, que pertenecen a esa des-estética queer y que exploran la generación rizomática, in-corporada y utópica (en el sentido de José Esteban Muñoz) de una memoria/potencialidad disidente. Se trata de un dibujo situado y expandido hacia la instalación, la escultura y la performance, un dibujo interdisiciplinario y des-generado, que cuestiona los géneros incluyendo los géneros artísticos (Rían Lozano, 2013).

BIOGRAFÍA

En su obra, Coco Guzmán investiga el espacio y la corporalidad de la memoria y la experiencia cuir a través del dibujo situado y expandido. Licenciadx en Literatura Comparada por la Universidad Paris 8, Coco continúa sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Toulouse, y obtiene su maestría en Arte Interdisciplinario en la Universidad OCAD (Toronto). Ha recibido numerosas becas de los consejos de arte canadienses así como el Premio de los Amigos de las Artes Visuales de Toronto. Su obra ha sido expuesta en Montreal (2012, 2017), Toronto (2017, 2019), Eindhoven (2017), Madrid (2017), Nueva York (2018), Chicago (2018), Houston (2019), Ciudad de México (2019), La Habana (2019), Murcia (2020) y Elche (2021). En 2021-2022 sus dibujos viajarán por 18 centros culturales de España en América Latina. Desde 2019 Coco reside en Madrid y realiza su doctorado en la Universidad Politécnica de Valencia.

Destruir las alcantarillas, receta para galletas y molde de pastelería con el logo del Instituto Nacional de Colonización, 2021. Fotografía cortesía de Jose Iglesias García-Arenal.

JOSE IGLESIAS GARCÍA-ARENAL

Destruir las alcantarillas

Destruir las alcantarillas es un proyecto del Instituto de Colonización Nacional, la institución franquista que, entre 1939 y 1971, gestionó la transformación de las zonas no urbanas a través de la construcción de embalses, canalizaciones, fundando "pueblos de colonización", creando zonas de regadío... dando forma a la estructura de "urbanidad difusa" española actual. A través de fotografías que componen un “atlas horizontal”, textos y piezas hechas con materiales que rodean a este proceso de transformación territorial —cemento, harina, algodón, cal…— Destruir las alcantarillas mira la construcción del mundo rural a lo largo del s. XX en relación a las guerras coloniales del norte de África, cómo la ideología de los militares africanistas se proyectó hacia el campo española.

El título de la pieza surge de unas declaraciones del Capitán Aguilera, ideólogo del fascismo franquista en las que abogaba por la “destrucción de las alcantarillas” como proceso de eugenesia:

«Todos nuestros males vienen de las alcantarillas. Las masas de este país no son como sus americanos, ni como los ingleses. Son esclavos. No sirven para nada, salvo para hacer de esclavos. Pero nosotros, las personas decentes, cometimos el error de darles casas nuevas en las ciudades en donde teníamos nuestras fábricas. En esas ciudades construimos alcantarillas, y las hicimos llegar hasta los barrios obreros. No contentos con la obra de Dios, hemos interferido en su voluntad. El resultado es que el rebaño de esclavos crece sin cesar. Si no tuviéramos cloacas en Madrid, Barcelona y Bilbao, todos esos líderes rojos habrían muerto de niños, en vez de excitar al populacho y hacer que se vierta la sangre de los buenos españoles. Cuando acabe la Guerra destruiremos las alcantarillas. El control de natalidad perfecto para España es el que Dios nos quiso dar. Las cloacas son un lujo que debe reservarse a quienes las merecen, los dirigentes de España, no el rebaño de esclavos».

BIOGRAFÍA

Jose Iglesias García-Arenal (Madrid, 1991). Máster en Curaduría por la Whitechapel Gallery y London MET University (2017), mediante una beca de la Fundación Botín, y en Art Praxis por el Dutch Art Institute (2020). Trabaja como artista y curador a través de la escritura, fotografía, procesos colectivos, intervenciones públicas, instalaciones o vídeos, tratando de visibilizar las grietas históricas de la modernidad: la construcción de espacios periféricos y los procesos de expulsión y de desposesión de un neoliberalismo basado en estructuras coloniales. Ha colaborado con distintas instituciones, curando exposiciones como Melfas. Líneaorgánica(MACSur, Buenos Aires, 2017), Illes d’arena (Bòlit. Centre d’Art Contemporani de Girona, 2020) y proyectos como Salir del ritmo (Art for Change, Fundació La Caixa, 2021) o ARTifariti 2016 Encuentro Internacional de Arte y Derechos Humanos (Campamentos de refugiados saharauis en Tindouf, Argel, 2016). Como artista ha realizado muestras individuales como Sombra de monumento (FASE. Espacio de Creación y Pensamiento, 2021) o MÁQUINA EUROPA.Los hadrones de Clemente VII (Espacio Iniciarte, 2018). Dirige la plataforma curatorial MAL

VALERIA MACULAN

Boneless

En el siglo XIX se crearon unos artilugios llamados Autómatas que imitaban la figura y el movimiento de un ser animado. Eran unos instrumentos o aparatos que encerraban dentro de sí el mecanismo que les imprimía determinada actividad. Paralelamente, en el tiempo la novela Frankenstein cuestionaba la figura del monstruo y la ambición humana por generar vida después de la muerte. Boneless es un proyecto experimental, llevado a cabo por Valeria Maculan durante su estancia en el

Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, que utiliza la representación teatral, la mecánica y el sonido con el fin de reflexionar sobre lo monstruoso en la actualidad. Desde la experimentación en torno a las artes escénicas, este proyecto busca explorar la figura del monstruo como todo aquello que no podemos controlar, que no vemos y que podría tener consecuencias en nosotros.

BIOGRAFÍA

Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968). Su trabajo ha sido expuesto individualmente en la Smart Gallery, Verao, Galería Magda Bellotti, Matadero Madrid, Galería Jean Brolly; Galería Braga Menéndez y Galería SlyZmud, Ecole des Beaux-arts de Besançon, Museo MACRO y Centro Cultural R. Rojas. Ha participado en varias exposiciones colectivas nacionales e internacionales: Diffractions, Galería Patricia Dorfmann (2019); Sobre fragmentos y materia, Galería Kir Royal (2017); PintorAs, Galería Ruby (2017); La buena estrella, Espacio OTR (2014); Transfrontaliers, Le 10 neuf (2010); Mientras sea posible, Casa de América (2010); Southern Exposure, Dumbo Art Center- NY (2008); Expansive Link, Diverse Works Art Space (2007); Hall de entrada, C. Cultural de España en BSAS. CCEBA (2006); Transversal, Galería Baro-Cruz (2004). Ha recibido varias distinciones como Premio UMH, AyudasdelaComunidadde Madrid, Ayudas VEGAP, BecadelFondoNacionaldelasArtes,BecaG.Kuitca y Beca de la Fundación Antorchas.También ha participado en residencias como The Atlantic Center for the Arts (ACA), Skowhegan y Centro Cultural Andratx. Es fundadora de ALIMENTACIÓN30, espacio independiente en Madrid.

Tallo que clavo

Un proyecto de formulación escultural en el que se reconsideran las ornamentaciones barrocas como agentes fuera de la periodizaciónydel tiempo lineal.

«El laberinto es una arquitectura lineal, un camino único y continuo desde la entrada hasta el centro, mientras que el enredo (maze, del inglés) es más desorientador, con caminos ramificados, bucles, callejones sin salida y múltiples soluciones. La bombyx mori, la polilla del gusano de seda, sabe hacer ambas cosas. Antes de la pupación, el gusano bombyx mori envuelve su cuerpo en una única línea de seda de 900 metros, enrollando lentamente este hilo en un capullo de capas, construyendo un laberinto con un único punto de partida y situándose al final. Sin embargo, cuando la joven polilla albina está lista para emerger, segrega una enzima que disuelve una escotilla de escape en la seda. Esto corta la línea del hilo en mil lugares, convirtiendo el laberinto en un enredo de mil caminos rotos, y volviéndolo prácticamente inútil para ser tejido por el ser humano. En la producción textil de la seda, por tanto, se debe matar a la criatura en el centro del laberinto antes de que pueda transformarse, y luego deshilar

BIOGRAFÍA

minuciosamente su capullo, desenrollándolo en una línea única y continua.

En Tallo que clavo, este acto extractivo de desenrollar, enderezar y singularizar puede verse refractado a través de una serie de materiales y procesos históricos concurrentes agrupados en torno a la tradición del mantón de Manila en seda; la domesticación no humana, la perspectiva pictórica lineal, la representación y la mirada, la expansión colonial del Estado español, y los procesos identitarios. Al igual que las enzimas de la bombyx mori,Tallo que clavo se interesa por el potencial de las rupturas en la extrapolación lineal, como puntos en los que podrían ser posibles múltiples caminos, perspectivas desorientadas y, potencialmente, la salida de estos procesos. Un elemento recurrente en Tallo que clavo son las imágenes anamórficas que aparecen a raíz de las técnicas de perspectiva para distorsionar y codificar las imágenes en lugar de aclararlas. Al transponerlas de forma escultórica, materializándolas o superponiendo sus distorsiones, Tallo que clavo las hace ilegibles desde cualquier posición provocando que el paisaje deformado ya no sea resoluble u objetivo». (Extracto de texto de Tom K Kemp).

Mónica Mays (1990, España) es una artista visual que trabaja con procesos esculturales en relación a la artesanía entrelazando historias vernáculas, identidad y mecanismos de distribución global a través de la escultura, de las imágenes de archivo y de la performance. En 2008 cursó estudios de Antropología Cultural en la Universidad de Nueva Orleans. En 2015 recibió el grado de escultura en L'École Supérieure des Arts Décoratifs de Estrasburgo y en 2017 finalizó un Máster en el Sandberg Instituut de Amsterdam. Algunas exposiciones recientes incluyen Cardados, en La Casa Encendida (Madrid); Un lago de jade verde, Centro Centro (Madrid); Appendix Songs, Punt WG (Amsterdam); Homies Prayers, Frascati Theater (Amsterdam); Bucolic Gang, Rupert/Iglesia de la Virgen María (Vilna); Unsayings, Industra (Brno); y Fundamental Ocurrences, Brussels Art Week (Nosbaum Reding).

SOFÍA MONTENEGRO

Fulgordel río

El proceso de trabajo de Sofía Montenegro para el desarrollo de este proyecto tenía el sonido que toma la observación de Madrid Río como punto de partida, desde una localización y temporalidad específicas. Registrando el paso del invierno a la primavera, busca profundizar en las múltiples capas visibles y ocultas que conforman la imagen del río.

Fulgor del río condensa nociones y procesos que Sofía ha llevado a cabo durante los últimos tres años en ejercicios artísticos y recorridos sonoros. En ellos, profundiza en el potencial especulativo de la imaginación y el poder de la escucha para alterar la percepción visual, siempre en la búsqueda de un aspecto mágico o ficticio de la realidad.

En su inicio, este proyecto surgió de un interés por prácticas sonoras y escénicas utilizadas en el cine y el teatro. Desde ahí, Sofía ha ido tanteando diversas metodologías para acercarse a lo cinemático desde lo auditivo, sin usar la imagen proyectada como soporte. Afectando, tan solo, a lo que se mira mientras se escucha. Una de estas metodologías sonoras que ha desarrollado para generar una escucha inmersiva, profundiza en la postproducción del sonido y el uso del lenguaje, grabando lo que se habla y el entorno mientras se observa, y editando a partir de ahí. Asimismo, durante la residencia colaboró con la actriz Cristina Celada en la grabación de paseos y voces.

BIOGRAFÍA

Sofía Montenegro (Madrid, 1988) estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un MA en Art Praxis del Dutch Art Institute. En su práctica artística incorpora diversas metodologías que vinculan lo visual con lo sonoro y la acción en un espacio, buscando formas de producir imágenes en el pensamiento. Sus trabajos toman forma a menudo de recorridos sonoros, instalaciones, encuentros colectivos o performances. Actualmente es residente en BilbaoArte y, recientemente, en el CRA Matadero Madrid y Artistas En Residencia, programa de performance del MACBA, CA2M y LCE. También ha sido una de las ganadoras de Generaciónes 2022. Ha compartido su trabajo en muestras y actividades en MNCARS, LCE, El Chico, CA2M, Hablar en Arte, Hangar y La Escocesa (Barcelona), Dutch Art Institute, Bosque R.E.A.L., Getxoarte, Ekkisens Art Space (Reykjavik), Sala de Arte Joven, Teatro Pradillo, Laboral Centro de Arte (Gijón), W139 (Ámsterdam) y Tbilisi Triennial, entre otras. También ha realizado residencias en Lugar a Dudas (Cali), Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca) y el Kunstverein de Múnich.

Overlapping resonances, 2021 (fragmento). Cera, escayola, esparto, nácar, materiales diversos. Fotografía cortesía de Goro Studio.

CRISTINA SPINELLI

kt-kets-teks.La materia que llena una forma

«Era a comienzos de abril, y los manzanos en flor alineaban en los tres patios sus copas blancas y rosas; el cielo, color de satén azul, no tenía ni una nube; manteles, sábanas y servilletas colgaban verticalmente, atados con unas pinzas de madera a unas cuerdas tendidas».

(Bouvard y Pécuchet, Gustave Flaubert, 1881)

Este proyecto surgió a modo de delta de proyectos anteriores en su desembocadura. Su trabajo en la residencia se centró en condensar y repensar lenguajes y reminiscencias, y reflexionar sobre las formas que ocupan los materiales atendiendo a las ideas de conglomerado, código, contenido textual y representación, ornamento y artificialidad, escritura y arquitectura. Abrió nuevos procesos de trabajo en torno a la idea de conglomerado,

a través del uso de un textil no tejido: el fieltro. A través del fieltro, entendido como herramienta ‘blanda’, describió volúmenes y formas de diversas proveniencias, generando un diálogo indeterminado entre ellas. Por otro lado, siguió profundizando en su vínculo con la cera, un material que a pesar de haber llegado a su trabajo a partir de un encuentro fortuito, ahora forma parte de su core. Así pues, produjo una serie de piezas en las que trabajó con cera reciclada, atendiendo a su resistencia a desaparecer, indagando en su poder representacional y en las nuevas relaciones que convoca combinándose con otros materiales —como el nácar o el caramelo— configurándose en esculturas que rescatan y arrastran formas que reaparecen en otros proyectos.

BIOGRAFÍA

Cristina Spinelli (Madrid, 1993) vive y trabaja en Madrid. Su trabajo ha podido verse en NoguerasBlanchard, Barcelona; Gresite, Madrid; Galería Vilaseco, A Coruña; MALPAÍS, Barcelona; Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid; Conde Duque, Madrid; Sala de Arte Joven, Madrid; Can Felipa Arts Visuals, Barcelona; Salón, Madrid; ETOPIA Centro de Arte y Tecnología, Zaragoza; Tabacalera Promoción del Arte, Madrid; Injuve, Sala Amadís, Madrid; Archipiélago, Antigua Embajada Británica, Madrid; Las Cigarreras. Cultura Contemporánea, Alicante; Medialab-Prado, Madrid.

ELIÁN STOLARSKY

País extraño II

Desde hace años, la práctica artística de Elián Stolarsky explora los paisajes como testigos de episodios violentos del pasado, combinando investigación histórica, literaria y personal.

Inspirada en el libro El pasado es un país extraño, de David Lowenthal, y en la historia de su familia, marcada por la migración forzada de Europa a Latinoamérica a principios del siglo XX, este proyecto reflexiona sobre cómo la memoria colectiva e individual transforma los espacios en huellas de historias no vividas.

País extraño II se desarrolló durante su residencia en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, entre septiembre de 2021 y junio de 2022, como continuación de País extraño I, un proyecto centrado en la relación entre migración y espacio. En esta segunda fase, la artista se enfocó en los paisajes como espacioshuella, testigos silenciosos que exigen ser escuchados, y en su capacidad para reconstruir recuerdos a través de lo físico.

A partir de modelos en papel, desarrolló collages textiles de gran formato, cosidos a mano y concebidos como telones teatrales. Estas piezas surgieron de un diálogo entre imágenes de archivo de la

primera mitad del siglo XX, fotografías familiares heredadas y capturas contemporáneas realizadas durante la residencia. El collage se convirtió en una herramienta clave para visibilizar la dimensión ficcional de la memoria construida, abriendo un espacio para reinterpretar recuerdos colectivos e individuales.

Durante la residencia, Stolarsky exploró las posibilidades de la costura como lenguaje y la creación de telones abstractos que combinan manchas de color y detalles figurativos. Estas piezas se integraron en el ensayo de un montaje que transformaba el espacio en un escenario en el que los textiles actuaron como portadores de narrativas complejas. La obra desafió la bidimensionalidad tradicional, explorando su potencial escénico y espacial. Esta experiencia en Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid consolidó el enfoque artístico de Elián Stolarsky y le abrió nuevos caminos, permitiéndole cerrar ciclos de pensamiento y fortalecer un discurso sobre el papel del arte en la construcción de la memoria.

BIOGRAFÍA

El trabajo artístico de Elián Stolarsky (Montevideo, 1990) explora la relación entre memoria, migración e historia, centrándose en los impactos de la guerra y las secuelas de las violencias transmitidas a través de las generaciones. A partir de piezas textiles, grabado y animación, su obra combina narrativas visuales que fusionan realidad y ficción, tomando imágenes de archivo como punto de partida para construir paisajes emocionales y abstractos. Licenciada en Artes Visuales y Plásticas (Uruguay) y con un máster, con gran distinción, en Instalación y Técnicas Gráficas del Kask Conservatorium (Bélgica), actualmente cursa un doctorado en la Universidad Complutense de Madrid sobre los efectos de la guerra en terceras generaciones. Ha sido ganadora de varios premios y exposiciones a nivel nacional e internacional; además, ha sido seleccionada para prestigiosas residencias, consolidándose como una artista comprometida con la exploración de la memoria y el legado histórico a través del arte.

GÉNESIS VALENZUELA

Canto errante

Canto errante era el título inicial del proyecto cinematográfico en el que Génesis Valenzuela ponía en relación el asesinato de Lucrecia Pérez en 1992, primer caso reconocido como racista y xenófobo por las autoridades españolas, con el sistema colonial racial impuesto 500 años atrás en Abya Yala (territorio hoy conocido como América), tras la conquista y colonización de dicho territorio.

Ese trabajo desembocó en Tres Balas, un largometraje que indaga en la memoria colectiva afrocaribeña y sus resonancias en el tiempo, a través de un tratamiento visual/sonoro experimental y poético. Esta película emplea estrategias del cine de ficción y del cine documental. Igualmente, se utilizó material gráfico histórico fabricado por el Imperio español sobre la colonia de La Española (hoy

República Dominicana y Haití), así como material de archivo más reciente relativo al caso de Lucrecia Pérez y de otros eventos importantes que sucedieron en la España de 1992 (los Juegos Olímpicos, la Exposición Universal y la Conmemoración del V Centenario del Descubrimiento de América). El relato entrelaza varios territorios y tiempos a través de un montaje asociativo y el recurso de la voz en off.

Durante el tiempo en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, el trabajo se enfocó en la recopilación de material de archivo para realizar una pequeña pieza de exploración visual, y en la creación de un dossier que posteriormente sirvió para aplicar a otras residencias y laboratorios de cine, así como a diversos fondos de desarrollo y producción cinematográficas.

BIOGRAFÍA

Génesis Valenzuela (República Dominicana, 1988) estudió Artes Escénicas y Visuales en la Escuela Nacional de Bellas Artes de su país, República Dominicana. Más tarde, ingresó en la Escuela de Cine de Chavón, donde comenzó a explorar una ética y estética visual propia de su región: el Caribe. En España realizó el Máster en Creación en cine experimental en la Elias Querejeta Zine Eskola. Sus películas han circulado en festivales internacionales como el Festival de Cine de La Habana, DocLisboa, el Festival de Málaga, FICUNAM, MiradasDoc, Festival Fronteira, Trinidad & Tobago Film Festival, Thrid Horizon, Festival de Curtas de Belo Horizont, entre otros. Asimismo, sus proyectos han participado en las residencias de cine de DocLisboa (2022), Márgenes (2022), Laboratorio La Incubadora (MiradasDoc, 2022), Market AFROLATAM 2023), MECAS, Cine por Hacer (2023), Open Doors Projetcs’ Hub (Festival Locarno, 2023), Laboratorio DirDira (2023), Residencia Academia de Cine de Madrid (2023), Foro Coproducción de San Sebastián (2023), entre otros.

MATTEO DEMARIA

art &work & play& life & capitalism

Una docena de textos de artistas e investigadorxs que reflexionaban sobre las relaciones entre arte, trabajo, juego, vida y capitalismo, han sido recogidos por matteo demaria (sic), en forma de bootlegs y traducciones, en un sobre. Las copias de esta biblioteca-sobre se ofrecieron, personalmente, a una docena de personas conocidas durante la residencia: Ugo Martínez Lázaro, Sofia Pérez Tudela, Estivalia Armijo, Gabriel Calvin, Ernesto Álvarez Librán, Daniela Ruíz Moreno, Blanca Sotos, Bego Solis y Andrea Fontana. Estos artistas fueron invitadxs a pasar una tarde en marcablanca.press para un debate en torno al lema “esperando a hacer otras cosas; art & work & play & life & capitalism”. El punto de partida para el intercambio fue más bien este título y no los textos en sí; su lectura no era obligatoria. Sin embargo, tener ganas —y comida y bebida— era lo más importante para generar una discusión convivencial interesante. Además de la paella, las clementinas, las cervezas y las infusiones, había unos cuarenta carteles realizados

por matteo demaria utilizando citas de los textos ofrecidos —y algunos otros— en forma de preguntas, y adaptando el diseño de los carteles del Conseil pour le maintien des occupations [Consejo para el mantenimiento de las ocupaciones] del mayo del 68 de París.

Esta discusión desbordó hacia la noche. Lo que queda es un archivo de audio que no está destinado a ser difundido, así como las conversaciones que se mantienen con algunxs de lxs participantxs. Un facsímil del sobre de la biblioteca y una postal con la imagen del gesto de ofrenda han sido publicados como huellas del encuentro. Los carteles pueden seguir siendo reactivados en espacios públicos, de exposición, revistas, libros y/o para acompañar otros debates. El proyecto trató de abrir (colectivamente), tanto teórica como prácticamente, las investigaciones —pendientes— de matteo demaria sobre el trabajo artístico —y sobre el (no)trabajo y lo (in)artístico— y sus potenciales emancipatorios dentro del mundo contemporáneo del “capital humano”.

BIOGRAFÍA

matteo demaria (Oxford, 1994) vive, más que trabaja, en Marsella (Francia). Su práctica artística es más textual que visual, más de papel que de plástico, y se desarrolla partiendo del deseo de poner a debate el arte (y su mundo). Para eso, lee, discute, encuentra, reúne, (re)escribe, traduce, transpone, transcribe, cita, ensambla, formatea, edita y pone en circulación.

MARTA VAN TARTWIJK

Patrón: flexión,rotación,desplazamiento consiste en una investigación del movimiento corporal a través delvídeoyel dibujo

«Desplazarse. Mover un cuerpo. Las tensiones entre moverse y dejarse mover. Esto también puede ser un periodo de residencia. Dejarse estar en la hipersensibilidad con el entorno, tomar medidas para el auto-re-conocimiento, establecer herramientas en la búsqueda de la metodología propia a uno, dejarse hacer. Estando con el otro sabemos situarnos, como una toma de medida de la distancia que nos separa o de aquello que nos toca. Existe la posibilidad de asomarse, de explorar y experimentar las fronteras del hábito. Lo dialógico es un espacio en el que nos vemos, en el que se nos devuelve un reflejo –lo otro es el reflejo– como una toma de conciencia de la propia práctica, para finalmente empujarla, hacer sitio, introducir potencialmente una nueva aproximación y cuestionamiento a aquello que configura el trabajo.

Se dice que la relación terapéutica, lejos de explicitar, consiste en ‘mover’ aquello que le pasa al paciente. De igual modo, el desplazamiento del lugar de trabajo puede permitir el desanudamiento de ciertos hábitos que a fuerza de repetirse terminan, como diría Margaritte Duras, convirtiendo al autor en su

BIOGRAFÍA

propio policía en el establecimiento de la forma correcta. Por esa condición de desarrollarse en los bordes de un sistema, las formas experimentales no tienden a una gran envergadura, sino al gesto. Una concatenación de gestos puede ser una nueva estructura, un espacio propio a uno. Una flexibilización en los modos de hacer permite nuevos nexos. Surgió una conexión clara entre una experimentación física en el estudio, y una práctica plástica, una reactualización de cuestiones formales del minimalismo, una suerte de escritura asémica con el cuerpo que ocupa y resignifica el espacio, lo ocupa y lo amplía, vulnerando los cuerpos, cuestionando la falacia dentro-fuera. Reflejarse es también un modo de unión. En la mimesis animal, el insecto se convierte en un doble de su fondo. Uno podría pensar en esto como una flexibilización psicótica de aquello que llamamos espacio. Es una confusión de las fronteras entre lo interior y lo exterior, entre lo uno y lo otro, entre la figura y el fondo. Un repetir que genera a la vez un borrarse abriendo la posibilidad de conectar un punto A con un punto B».

Marta van Tartwijk se licenció en BB.AA en la Universidad Complutense de Madrid, completando su formación en École Superieur d’Art de Bretagne (Francia), en la Universitat de Barcelona y en A*Desk. Ha expuesto y desarrollado su trabajo en distintas instituciones como Hangar (2014), Sala Amadís (2017), Teatro Pradillo (2016), TEA Tenerife (2018), Romokultur (2018), Bilbaoarte (2019), Sant Andreu Contemporani (2019), Fabra i Coats (2020), o Sala de Arte Joven (2020). Así mismo ha recibido los premios y ayudas de Sala d’Art Jove (2014), INJUVE (2017), Getxoarte (2018), Ayudas a la producción de la Comunidad de Madrid (2018), Circuitos de Artes plásticas (2020), o Matadero Crea (2021). En el ámbito de la investigación, compaginó su práctica artística trabajando en el archivo y biblioteca del CA2M entre 2015 y 2020.

SERGI CASERO

El pacto del olvido

Durante sus dos semanas de residencia en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid en colaboración con el programa Live Works de Centrale Fies, Sergi Casero se centró en la escritura y los primeros ensayos de la conferencia performativa El pacto del olvido.

El pacto del olvido es una performance que explora la transmisión intergeneracional del silencio político en España desde el inicio de la dictadura franquista hasta la actualidad. Proyectando una mirada íntima sobre la memoria colectiva del país, esta pieza performativa surge de la reflexión de que, para abordar la violencia política en la historia reciente de España, es necesario desenmarañar los hábitos de supresión doméstica que han tejido el olvido generación tras generación, así como las secuelas que esa omisión histórica ha producido en los descendientes de familias como la del propio artista.

En este ejercicio de memoria, la autoficción y el análisis histórico se entrelazan para examinar los contornos del silencio colectivo. A través del lenguaje de la luz, Casero invita al público a transitar las lagunas del recuerdo por las que se han colado décadas de dolor silenciado.

Con la intención de atenuar, de manera íntima, el trauma provocado por un discurso oficial que presenta ganadores y perdedores como colectivos sin trasfondo personal, el artista investiga las diferentes conductas generacionales frente a la amnesia institucionalizada, encarnadas en sus familiares.

A medida que la pieza se desarrolla, de ese silencio emergen voces que relatan las consecuencias del olvido y señalan espacios desde los cuales reconstruir el recuerdo. Con esta propuesta, Sergi Casero ilumina los caminos para enfrentar el trauma colectivo desde una perspectiva íntima y reflexiva.

BIOGRAFÍA

Sergi Casero Nieto (Barcelona, 1991) es un artista escénico, diseñador y performer español. Graduado en Diseño Gráfico en la Escuela de Diseño Elisava de Barcelona (2013) y con un máster en Diseño de Información de la Design Academy de Eindhoven (2020), su trabajo se sitúa en la intersección entre el diseño, la performance y la investigación. En sus obras, Sergi revela los impactos violentos, aunque sutiles, que las narrativas hegemónicas ejercen en nuestra vida cotidiana. Su última performance,Elpactodelolvido (2022), desarrollada en la Live Works Free School of Performance y producida por Centrale Fies, ha sido presentada en festivales e instituciones como Auawirleben (Bern, 2024), Festival Colline Torinesi (Turín, 2023), Zona K (Milán, 2023), entre otras. Otras performances como Concluded withoutAgreement (2021) o Hasta las Piedras Lo Saben (2021) se han presentado en instituciones culturales como Veem House for Performance (Ámsterdam, NL, 2021), Museo Van Abbemuseum (Eindhoven NL, 2021), Het Nieuwe Instituut (Róterdam, NL, 2021), entre otras. Ha sido seleccionado para residencias internacionales como la Live Works-Free School of Performance en Centrale Fies (Dro, 2021).

4RESIDENCIAS DE MÚSICA

→ Mujeres en la música electrónica

Clara Brea

→ Bandas emergentes Gabriel Parpusa

Este programa busca consolidar un espacio de investigación artística que incentive la innovación en la creación musical contemporánea, al tiempo que se promueve el fortalecimiento de la escena local mediante estrategias de colaboración y asesoramiento con agentes externos de referencia.

Las residencias de producción musical se desarrollan en dos modalidades: una destinada a mujeres en la música electrónica y otra para bandas y artistas solistas emergentes. Ambas tienen como objetivo el de impulsar la escena musical emergente de Madrid y apoyar la producción de un EP o LP en ambas modalidades.

Durante el periodo de residencia los proyectos artísticos seleccionados cuentan con un espacio de trabajo

en Matadero Madrid, así como con acceso a recursos técnicos y espacios especializados.

El acompañamiento técnico y logístico se complementa con un entorno formativo y de acompañamiento artístico orientado a facilitar el desarrollo de los proyectos en residencia, garantizando las condiciones para su materialización y posterior visibilidad pública.

En esta edición, las residentes han contado con el acompañamiento de María Arritokieta, José Manuel Salas y Cristina de Silva (L.E.V.) para la residencia de mujeres en la electrónica y Alan Queipo y Mar Rojo para la residencia de bandas emergentes.

Ambas convocatorias se llevan a cabo con la colaboración de Radio 3.

CLARA BREA

madrid concrete/vanishing madrid

Clara Brea fue la beneficiaria de la III edición de residencias destinada a Mujeres en la música electrónica. Durante su paso por el centro de residencias, Clara, registró el paisaje sonoro de la ciudad de Madrid. El trabajo realizado ha resultado en dos piezas que documentan el paisaje sonoro madrileño. Además, realizó sesiones de improvisación con colaboradores (el dúo madrileño Menhir y Jordi Wheeler) que han resultado en dos elepés todavía inéditos. madrid concrete es un collage sonoro de Madrid. Compuesto por Clara Brea durante su paso por el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid. Basándose exclusivamente en las grabaciones de campo de la ciudad, registradas con su colaborador Juan Peralta, este collage sonoro entrelaza y

reimagina los sonidos madrileños y abre la pregunta de, si se puede, o no, disfrutar de la contaminación acústica que nos envuelve. vanishing madrid es un collage multimedia de Madrid que contiene grabaciones de acontecimientos únicos y cotidianos de la ciudad. Compuesto de sonidos que han existido desde el siglo XVII hasta nuestros días; vanishing madrid pretende destacar estos sonidos que podrían desvanecerse en los próximos veinte años a causa de la evolución tecnológica y cultural. Acompañado de imágenes recientes de Marcos Muñoz del Cerro, este collage sonoro y fotográfico se presenta como un mapa interactivo que los oyentes pueden experimentar virtualmente o visitando las localizaciones específicas.

BIOGRAFÍA

Clara Brea (Madrid, 1989) desarrolla su trabajo en las intersecciones entre el arte sonoro, las grabaciones de campo y la música electrónica. Su interés por la fonografía nace del impulso de vincular sus prácticas musicales a asuntos de índole ecológica y social, utilizando el ambiente acústico como herramienta para transmitir sus preocupaciones y afectos por el mundo que nos rodea.

GABRIEL PARPUSA

Cumplo Condena

El proyecto Gabriel Parpusa, desarrollado por el artista residente José Luis de la Quintana, consistió en la creación de un álbum musical de cuatro canciones que reinterpreta la copla como género poético y musical. El trabajo se centró en fusionar las características tradicionales de este género, como su métrica octosilábica y su capacidad para abordar temas universales, con géneros contemporáneos como el pop, el indie y la música electrónica, generando un diálogo entre el pasado y el presente.

El desarrollo del proyecto se estructuró en tres fases: investigación, experimentación y creación. En la primera etapa, el artista profundizó en estilos tradicionales españoles y latinos, como fandangos, alegrías y corridos, explorando sus estructuras narrativas y musicales. Posteriormente, en la fase de experimentación, trabajó en la integración de instrumentos propios de estos géneros (guitarra española, palmas, congas) con herramientas y sonidos contemporáneos (sintetizadores, baterías electrónicas).

Finalmente, durante la creación, se enfocó en componer letras que respetaran las reglas métricas tradicionales del español y en construir melodías que unieran de forma orgánica las influencias clásicas y modernas. El proceso creativo fue dinámico y colaborativo, beneficiándose del entorno artístico de Matadero Madrid y del estudio Los Invernaderos, que le permitió intercambiar ideas con otros creadores. El proyecto destacó por su enfoque innovador, al emplear técnicas de producción basadas en música electrónica para dar vida a una propuesta que homenajea las tradiciones mientras las adapta al contexto actual. Gabriel Parpusa se presentó como una reflexión sobre la importancia de mantener vivas las raíces culturales a través de nuevas formas de expresión. Su enfoque permitió demostrar cómo la música tradicional y la contemporánea pueden dialogar, dando lugar a un folclore renovado que mira tanto al pasado como al futuro.

BIOGRAFÍA

José Luis de la Quintana, conocido como Gabriel Parpusa (Madrid, 1994), es un artista, compositor y productor que experimenta desde un estilo propio, reenfocando la mezcla de géneros tradicionales y contemporáneos;, a lo largo de su carrera, ha participado en múltiples proyectos musicales como compositor, cantante y guitarrista. En 2022, fue el beneficiario de la residencia artística para bandas emergentes otorgada por Matadero Madrid en colaboración con Radio 3, La Castanya y Los Invernaderos, donde desarrolló un proyecto basado en la investigación historiográfica de la música tradicional en castellano y su actualización al mundo contemporáneo. Con su primer EP, CumploCondena (2023), tuvo actuaciones destacadas como en Los Conciertos de Radio 3. En marzo de 2024, lanzó su segundo EP, CadaDíaMás, desarrollado durante su residencia artística en Matadero Madrid, y grabado y mezclado en Los Invernaderos. Actualmente, se encuentra sumergido en la producción de su primer álbum, que verá la luz en 2025.

5RESIDENCIAS DE INVESTIGACIÓN

In The Wake Liwai

Una fiesta salvaje

AMECUM

Estudio Debajo del Sombrero

Las residencias orientadas a la investigación constituyen una de las líneas fundamentales del programa del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid. Con una duración variable de entre uno y tres años, estas residencias se formalizan a través de proyectos asociados que abordan temáticas de relevancia para el centro, alineadas con sus ejes de acción y pensamiento. Se trata de procesos de larga duración que permiten un desarrollo sostenido y contextualizado de propuestas que emergen desde las prácticas artísticas contemporáneas, el pensamiento crítico y el trabajo situado con comunidades. Esta línea de trabajo se articula en torno a dos modalidades específicas: por un lado, las residencias de Acción e Investigación, y por otro, las residencias centradas exclusivamente en la Investigación. Ambas comparten un enfoque común que entiende la creación artística como motor de conocimiento

y transformación social, con una fuerte vocación de empoderamiento cultural y de intervención en realidades concretas. En el caso de la residencia de Acción e Investigación, los proyectos se caracterizan por su vinculación activa con agentes, colectivos y comunidades específicas, desarrollando un conjunto intensivo de actividades abiertas que posibilitan procesos de producción, colaboración y transferencia de saberes. Por su parte, la residencia de Investigación se centra en el desarrollo de un trabajo más introspectivo, vinculado al estudio y la construcción de pensamiento, que se va compartiendo de forma puntual a través de talleres, seminarios y presentaciones públicas. El programa de residencias facilita el cruce interseccional entre diversas áreas de conocimiento y líneas de trabajo, generando un entorno fértil para el diálogo, la crítica y el intercambio entre artistas, investigadores, agentes culturales y ciudadanía.

IN THE WAKE

Laboratorio experimental de pensamiento negro. GrupodeinvestigaciónenresidencialideradoporEstherMayoko

Durante el año 2022, In the Wake abrió un espacio para la experimentación desde el trabajo en la estela (Wake Work) para la comunidad negra y afrodiaspórica. Este trabajo en la estela incidió especialmente en la ruptura con las narrativas lineales, desterritorializadas y antinegras.

Para ello, realizaron una serie de propuestas, a través de varios talleres y sesiones públicas, que consistieron en: relecturas de los archivos metropolitanos y reelaboraciones de las narrativas migrantes afrocaribeñas que han dado forma a narraciones orales biomitográficas que hablan de fuga y cimarronaje en la metrópoli y en la actualidad; La ruptura del tiempo y del régimen visual oculocéntrico, a través de sesiones de lectura de retazos de la vida de la afrodiáspora combinada con la memoria sensorial auditiva;

Cimarronear el callejero de la ciudad de Madrid, a partir de la recuperación de las memorias cimarronas de la ciudad con la narración afrocentrada de personas Afro que la habitaron y el marcado de los lugares y calles por los que transitaron y resistieron. A continuación, invitaron a las personas afro presentes en la sesión pública a intervenir el callejero desde sus propias experiencias situadas para trazar una nueva línea temporal cimarrona en la que el pasado se hace presente y el presente retrotrae al pasado colonial y esclavista de la ciudad. Un ejercicio de memoria, justicia y reparación.

En la segunda mitad del año el proyecto se centró en idear, diseñar y comisariar el MEC 2022 (Matadero Estudios Críticos), titulado A la fuga: Metodologías Radicales para re-pensar el Atlántico Negro.

BIOGRAFÍA

In The Wake es un colectivo teórico-artístico formado por artistas y pensadoras de la afrodiáspora en el estado español, establecido en 2021 en Madrid. Su propósito es explorar y activar el Pensamiento negro radical en el contexto español. A través de su investigación, el colectivo rastrea, reconstruye e imagina las historias de resistencia de las personas negras en España, utilizando metodologías afrodiaspóricas como la oralidad, la sonoridad y el movimiento corporal. Algunas de sus activaciones incluyen talleres y performances en eventos como "A la Fuga" y "Black Stories," promoviendo un diálogo sobre el Atlántico negro y las sonoridades cimarronas.

Residencia de investigación desdeypara la comunidad china

El proyecto de Liwai tiene el objetivo de crear espacios de encuentro, apoyo, reflexión y creación, desde y para personas de origen chino en Madrid. Trabaja desde la particularidad de los individuos y la heterogeneidad de la comunidad china a través de diversas acciones de carácter cultural, artístico, educativo y social. Se crean grupos de trabajo sobre líneas de investigación en torno al arte, la performance, la mediación intercultural y el empoderamiento de las generaciones jóvenes chinas, generando un lugar de intercambio y crecimiento. Este segundo año de residencia se ha centrado en las siguientes iniciativas:

Grupo de apoyo de adolescentes chinos

Dirigido por profesionales del equipo donde se reúnen los 11 integrantes del grupo ––todos de origen chino pero con perfiles distintos (nacidos en España y migrados)––, una vez al mes con el objetivo de encontrarse, compartir y consolidar red de apoyo.

Grupo motor de jóvenes artistas de origen chino

Formado por artistas multi-disciplinares con la intención de crear un “ecosistema” cultural desde el nosotres. Este año se ha

iniciado un nuevo proyecto de fotografía Techo de bambú dirigido por Lucía Sunpor investigar y compartir las diferentes experiencias o realidades vividas por mujeres chinas en un intento de romper los muchos prejuicios y mitos estereotipados que han sido normalizados.

Compañía de Performance Cangrejo Pro Formada exclusivamente por un grupo de mujeres- jóvenes-chinas. Recurren a la creación de la performance colectiva como práctica situada para construir una “subcomunidad” china desde dentro, en un proceso de agrupación y comunización para el desarrollo de las propias identidades colectivas. En 2022 han creado una nueva obra “Vamos al chino” que explora los temas de seguridad y violencia en comercios chinos en Madrid.

II Encuentro de la Diáspora China en España “家jia: El hogar lejos del hogar”: Un encuentro para personas de origen chino quienes pertenecemos o nos sentimos pertenecer a la diáspora china. En este segundo encuentro, exploramos las historias familiares a través de las diferentes obras y voces de la diáspora china en España.

BIOGRAFÍA

Liwai Acción Intercultural es una asociación constituida en el año 2019, de la mano de Yue Fu y Xirou Xiao, ambas mediadoras interculturales. Yue Fu: cofundadora de Liwai. Graduada en Psicología y doble máster en Trabajo Social y Psicología General Sanitaria, con formación complementaria en Mediación Intercultural y Traducción e Interpretación. Psicóloga y mediadora intercultural con amplia experiencia en el Ayuntamiento de Madrid y otras instituciones públicas y privadas del sector social y educativo. Xirou Xiao: cofundadora de Liwai. Máster en Educación Artística y Doctoranda en la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Arteducadora y mediadora intercultural. Realiza proyectos artístico-culturales en centros universitarios e instituciones como Museo Nacional del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional Thyssen- Bornemisza, etc.

UNA FIESTA SALVAJE

Una fiesta salvaje inició su segundo año de residencia en Matadero Madrid con un propósito claro: encontrar nuevas colaboradoras y cómplices para su proyecto. En este camino, contactó a la cineasta y académica Elena López Riera, a la filósofa y activista Elena Castro Córdoba y a la poeta y traductora Berna Wang. El colectivo se reunía en el Centro de residencias artísticas una vez al mes para dialogar sobre intereses, deseos, miedos y anhelos; sobre referentes y la falta de ellos en ciertos campos; sobre cine, música, márgenes, amor, ciudad, hogar, vida y creación. También reflexionaron sobre el colectivo frente a la comunidad y la red, la interseccionalidad, la muerte, las temporalidades disidentes, lo doméstico y su relación con el lenguaje, el uso de las palabras y el comportamiento derivado de ese uso.

Estos encuentros, realizados entre enero y junio, incluyeron el intercambio de materiales, la lectura de textos propios y ajenos, la proyección de películas y vídeos, el préstamo de libros, una nutrida correspondencia por correo entre sesiones y, finalmente, el fortalecimiento de amistades dentro del grupo.

Para su participación en Capítulo Uno, Una Fiesta Salvaje recreó en La Hoja el ambiente de sus encuentros habituales. Llevaron la mesa donde se habían reunido durante meses, así como plantas, libros y la comida que solían compartir en las meriendas. Durante la intervención, leyeron los cuadernos que cada integrante había rellenado en las sesiones, los cuales funcionaban como diarios. También compartieron textos preparados especialmente para la ocasión, reflejando el trabajo conjunto del colectivo. Entre mayo y junio, quince personas participaron en Anhelo de ser salvajes, un taller-laboratorio compuesto por nueve sesiones centradas en las posibilidades del lenguaje y su fisicidad. Este proyecto contó con la colaboración de Andrea Chapela, escritora y ensayista mexicana especializada en literatura especulativa, quien abordó las ucronías y la creación de mundos posibles; Sole Parody, música y productora, que habló del loop, la transmisión oral y la apropiación; y nuevamente Elena López Riera, Elena Castro Córdoba y Berna Wang, quienes exploraron temas como temporalidades alternativas, acentos, la voz en sus múltiples formas y los archivos familiares.

BIOGRAFÍA

Una fiesta salvaje son Helena Mariño y Violeta Gil, con el apoyo gráfico de Leticia Bernaus. Una fiesta salvaje son también todes les que conversan con ellas a lo largo de la residencia: Jazmina Barrera, María Bastarós, Tálata Rodríguez, Andrea Chapela, Elena López Riera, Hanif Abdurraqib, Berta García Faet, Andrea Aguilar, Elena Castro, Sabina Urraca, Berna Wang, Sole Parody, Mucha Muchacha, Violeta, Mara Valderrama, Raquel G. Ibáñez, Elisa Ferrer, Natalia Litvinova, Raquel López, Emilio Papamija, Chenta Tsai, M. Benito, Adrián Ruiz Lolo, Alicia Regodón, Olga García Domínguez, Alba Lara, Kelsi Vanada y les participantes de los talleres.

Espacios de vida en mediación con AMECUM y Baiven en proyecto Pendiente.Programa de acciones para mediadoras. AMECUM, enero 2022. Fotografías de Estudio Perplejo, cortesía de Matadero Madrid.

AMECUM

Desde su llegada al Centro de residencias artísticas en 2019, AMECUM ha considerado esta experiencia como una oportunidad para afianzar su compromiso con sus líneas de trabajo como asociación. En 2021, AMECUM marcó un hito con el proyecto Rehacery Expandirla Mediación Cultural, apoyado por la Fundación Daniel y Nina Carasso y con la colaboración del Centro de residencias. Este proyecto, basado en la investigación-acción, abordó desafíos clave para mediadores en el contexto post-COVID y representó un punto de inflexión en su trayectoria.

Durante el curso 2021-2022, como colectivo residente de investigación, se profundizó en esta metodología y trabajó en temas transversales pendientes. AMECUM se propuso dos objetivos principales: fortalecer las redes mediante un ciclo de formación-acción y visibilizar las acciones como procesos que reforzaran el sector. Así nació Pendiente, motivado por el interés de abordar líneas temáticas clave y fomentar las autoformaciones, un formato en el que AMECUM ha trabajado desde sus inicios para generar conocimiento entre pares. Además, el Centro de residencias artísticas buscaba ampliar la red de agentes de mediación cultural, lo que también fue una

invitación a catalizar y prospectar proyectos de mediación relevantes en la ciudad que, a través de esta convocatoria, detonaron nuevas propuestas y sinergias.

Para la convocatoria, AMECUM seleccionó tres temáticas y trabajó con seis colectivos/agentes (dos por temática) entre enero y junio. Estas actividades se realizaron bajo dos modalidades: invitación directa y convocatoria abierta. En cada caso, incentivó propuestas que fomentaran la reflexión, investigación y experimentación. Además, se promovieron diversas formas de presentación como grabaciones, talleres, lecturas o conversatorios, entre otros.

Paralelamente, su estancia en el CRA permitió avanzar en otros proyectos: habilitó los fondos de la mediaTECA para préstamo entre socias, organizó un grupo de lectura mensual y fortaleció el trabajo de grupos internos, como comunicación y Convenio-Condiciones Materiales.

Este proceso consolidó el compromiso de AMECUM con la mediación cultural, reafirmando su voluntad de impulsar el intercambio de conocimientos, la experimentación y la creación de redes que fortalezcan este ámbito.

BIOGRAFÍA

La Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid, AMECUM, nace en 2015 con el objetivo de poner en valor esta profesión, trabajando por su visibilidad, profesionalización y reconocimiento social, fomentando el trabajo colaborativo, la formación de sus profesionales, y promoviendo la mejora de sus condiciones laborales. En sus nueve años de trayectoria ha revisado de forma constante la evolución de la mediación cultural, adaptándose a sus nuevas necesidades, reforzando las históricas y expandiendo las disciplinas que aborda y los perfiles de socias que la configuran; así, ha ido incorporando metodologías y disciplinas diversas como las artes escénicas, el cine, la música, la gestión cultural o el diseño.

ESTUDIO DEBAJO DEL SOMBRERO

El comienzo del curso de esta residencia trajo para el Estudio Debajo del Sombrero una incertidumbre vital: terminaba su tiempo máximo de residencia admitida en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid y, de no verse prolongada, su continuidad peligraba. Esta amenaza unida al deseo, que venía de atrás, de tener su propio espacio, propició el encuentro con Santiago Cirugeda y su estudio Recetas Urbanas, quienes llevan años autoconstruyendo y dando respuesta a colectivos necesitados de espacio. La autoconstrucción de un estudio/galería para Debajo del Sombrero se colocaba en el horizonte como una solución tan insólita como ilusionante, pero de momento lo inmediato era llevar al taller el proceso de idearlo y pensar en posibles ubicaciones. Cuanto mide el arte fue el nombre que se le dio a este proyecto que se iniciaba poniendo directamente en las manos de los artistas el diseño de su futuro centro. Acostumbrados a no tener nada en propiedad debido a su situación de dependencia, el asunto del

espacio propio daba en la diana de sus anhelos e inmediatamente se pusieron a imaginarlo a través de dibujos o maquetas que, en algunos casos, desbordando la idea inicial se fueron concretando en estupendas casas con cocina, sala de estar, dormitorios, jardín, piscina...

La continuidad en el CRA terminó por solucionarse, pero el intervalo abrió una expectativa, quizá de futuro... y dejó una preciosa experiencia.

En lo que se refiere a las exposiciones, se pueden destacar las realizadas por José Manuel Egea de la mano de la Christian Berts Art Brut: Monstres, comisariada por la escritora Nancy Huston y Do the write thing #3 en la galería en París, y la primera edición de BAD+ en Burdeos. Las colectivas de artistas del estudio como Lactitud en la Fundación Valentín de Madariaga, en Sevilla, comisariada por María Ortega Estepa o Inexplorado en la Galería 4 Esquinas, en Madrid;por último, la participación de Miguel Ángel Hernando en la Summer Exhibition de la Royal Academy of Arts en Londres.

BIOGRAFÍA

Debajo del Sombrero nació en Matadero en 2007 y aquí ha crecido. Esto ha determinado en gran parte su visión contemporánea, que lo ha convertido a su vez en un proyecto de vanguardia dentro de la red europea de estudios asistidos. En Matadero ha desarrollado talleres en Intermediae durante 10 años, en el Ranchito cuando se alojaba en la Nave 16 y posteriormente en la Nave 15. Desde 2018 forma parte del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid. Además de los talleres de Matadero, desde hace 16 años lleva a cabo un programa de formación artística en La Casa Encendida y durante 10 años, de 2009 a 2019, desarrolló en la Facultad de BBAA de la UCM un programa de formación experimental que aunaba la enseñanza de algunas de las materias que se imparten en la Facultad con su metodología. Después de tres años de interrupción este programa se ha vuelto a reanudar. Otros enclaves que han ampliado la experiencia de los artistas del estudio son las residencias artísticas que se desarrollaron en Pradolongo en 2010, las residencias en Medialab Prado en 2019, y los talleres de grabado en La Lavandería entre 2019 y 2023

6RESIDENCIAS PARA COMISARIOS

EN COLABORACIÓN CON LOOP

Gema Darbo

En el marco de la colaboración entre el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid y LOOP Barcelona, y con el apoyo de Fabra i Coats: Fábrica de Creación y el Centre d’Arts Santa Mònica, se desarrolla una residencia curatorial que articula un itinerario de investigación y trabajo dividido en dos períodos residenciales, localizados en las ciudades de Barcelona y Madrid. Esta alianza busca fomentar el intercambio profesional entre contextos artísticos diversos, consolidando redes de cooperación y circulación de pensamiento curatorial, al tiempo que tiene lugar un acompañamiento especializado para el desarrollo de investigaciones vinculadas al ámbito del arte audiovisual y sus narrativas expandidas.

Los dos periodos de la residencia, una estancia en Fabra i Coats en Barcelona y otra en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, permiten que el residente establezca vínculos con ambas escenas locales, profundice en sus líneas de investigación propias y dialoguen con artistas, programadores y agentes culturales en activo.

Como cierre de la residencia curatorial, la residente Gema Darbo, ha formado parte del equipo que ha comisariado colectivamente la exposición Duerme en el accidente que provoca. Sobre las numerosas y contradictorias experiencias del hogar.

GEMA DARBO

Residencia curatorial en colaboración con LOOP Barcelona

Esta residencia fue una iniciativa del Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid y LOOP en colaboración con el Centre d’arts Santa Mónica y Fabra i Coats. Se dividió en dos fases: durante el mes de mayo en la Fabra i Coats en Barcelona, y durante el mes de junio en el Centro de Residencias de Matadero en Madrid. La convocatoria proponía participar en la exposición colectiva comisariada por El Rancho, Jara Rocha y Enric Puigpunyet que tuvo lugar en Santa Mónica y abordó la idea del ‘hogar’ desde la multiplicidad de sus significados. La participación de Gema Darbo fue con la curaduría de dos piezas audiovisuales, una de ellas producida con anterioridad y la segunda concebida especialmente para la ocasión. Para ello, puso en marcha dos líneas de trabajo simultáneamente. La primera consistió en la selección de la pieza ya producida realizando visitas a diferentes centros de creación y residencias de artistas como la Fabra, Hangar y La Escocesa y estudios independientes como TRAMA y FASE, así como HAMACA en Barcelona; esto le permitió conversar con decenas de artistas y visualizar sus trabajos. Una vez alojada en la residencia Felipa Manuela en Madrid, visitó espacios independientes como La Parceria, Marca Blanca o el

BIOGRAFÍA

Instituto de Estudios Postnaturales conociendo así qué personas que se encuentran detrás de esas infraestructuras, las condiciones desde las que trabajan y cómo estas intervienen en sus prácticas y metodologías. Finalmente, seleccionó la pieza Predicción, prevención y control de los sentidos: breve ensayo sobre el desarraigo, de la artista Génesis Valenzuela. La segunda línea de su trabajo partió de una colaboración entre las investigadoras Julia Nueno y Xavier Nueno y la artista Noha Mokhtar, produciendo conjuntamente la pieza Cualquier Lugar (2022). Esta es una pieza audiovisual que investiga los procesos de estandarización de construcción doméstica y urbanística en Barcelona. Como en otras ciudades del norte global, la reorganización de los espacios y la gestión del flujo masivo de personas por parte de plataformas digitales, señala la existencia de una infraestructura digital que al mismo tiempo proyecta en la ciudad su propia imagen. La obra se presentó en forma de video-instalación y pone atención a los procesos de trabajo que sostienen los mecanismos de reproducción de lugares y objetos resultantes del encuentro entre el turismo masivo y las economías digitales a escalas local y global.

Gema Darbo es comisaria de arte e investigadora independiente con residencia en Londres. Su práctica se vincula con aspectos de la cultura visual y la producción de conocimiento curatorial, a la vez que se reflexiona sobre las potencialidades y problemáticas de los procesos de investigación, creación y pensamiento colectivo. Ha impartido conferencias en la Real Academia de las Artes Danesas en Copenhague (2022) y la Universidad de Goldsmiths en Londres con el proyecto de investigación colectiva Absent Audience (2019-2021). Ha sido beneficiaria de la beca para la Investigación y la Innovación en los Ámbitos de las Artes Visuales (2021) y una beca para la Formación y el Perfeccionamiento en los Ámbitos de las Artes Visuales y del Pensamiento (2020), de la convocatoria de comisariado en la Galería Deptford X de Londres (2017) y de la convocatoria del comisariado Can Felipa Artes Visuales junto con el colectivo Widephoto (2016). Tiene una maestría en Fotografía Contemporánea: Prácticas y Filosofías de Central Saint Martins (2017-2019) y ha escrito una tesina en el máster de Prácticas Avanzadas en la Universidad Goldsmiths de Londres (2019-2022).

7RESIDENCIA MOVILIDAD AECID

FEHE

En colaboración con AECID, la Embajada de España en Senegal y Casa África, el Centro de residencias artísticas recibe a Youssoupha Fehe Sarr ‘Fehe’, músico senegalés invitado a realizar una residencia de movilidad en nuestro centro.

La historia deTeaupla

El objetivo del proyecto del artista Fehe Sarr durante su residencia era contar una historia del barrio de Dakar-Plateau, en Senegal, y la historia de un barrio en la ciudad de Madrid, España, sirviendo de su toponimia y su legado intangible, a través de las palabras, la música y la imagen.

Para cada ciudad, el artista escogió 4 calles o avenidas en las cuales escribiría una doble historia: la historia del nombre oficial del lugar y la historia popular de la misma zona según las tradiciones orales urbanas del distrito. Esta documentación fue transcrita en fragmentos de música rap que cantó en directo en una esquina de esas mismas calles.

La idea inicial pasaba por filmar estas actuaciones y finalizar con una representación en directo (imágenes

y sonido) sobre el escenario, donde se exhibir toda su documentación. La intención detrás del proyecto es contar la historia de lugares con los que el artista está familiarizado (Plateau) y lugares donde su mirada es la de un extraño (Madrid). Acercarse a su memoria y su legado de una forma diferente, próximas a las prácticas del arte urbano, pero, también, poner en práctica una visión específica, propia, de la oralidad y sus funcionalidades en las zonas urbanas.

Este proyecto brindaba a Fehe, además, la oportunidad de colaborar con varios artistas de diferentes ámbitos de Madrid y la de aplicar el nuevo conocimiento adquirido a los procesos de documentación con raíces en la oralidad y el hip-hop.

BIOGRAFÍA

Fehe Sarr es un artista, investigador y traductor de Dakar. Le apasiona la oralidad y la producción/transmisión del conocimiento. Ha estudiado Lengua, Literatura y Civilizaciones del Mundo Anglófono en la Universidad de Gaston Berger de San Luis. Se interesó por la Oralidad, un campo en el que se ha especializado con un máster. Publicó su primer EP Juroom en noviembre de 2017 en las plataformas digitales. En él se pueden apreciar los diferentes universos musicales que dan forma al MC, autor y compositor en que se ha convertido. El mismo año, participó en la Raw Academy Session 3, titulada The Five Elements: Hip Hop, Aesthetics and Politics, bajo la dirección del equipo Journal Rappé. Realiza una investigación en el área de Estudios Africanos, sobre rap senegalés, su estética y la dinámica de la circulación del conocimiento en los textos, anclada en el campo de la oralidad. Cofundador de Firi, una plataforma para la traducción, producción y difusión de contenidos artísticos, académicos e informativos en idiomas locales, con la oralidad como un orden del conocimiento.

8RESIDENCIA DE SALUD Y MEDIOAMBIENTE

El Centro de residencias artísticas y el Instituto Mutante de Narrativas Ambientales (IMNA) de Matadero Madrid, en colaboración con DKV Seguros, llevan a cabo esta residencia destinada a apoyar la labor de un artista visual o colectivo artístico.

Esta residencia forma parte del compromiso sostenido de Matadero Madrid y su centro de residencias con el impulso del tejido artístico local. A través de esta iniciativa, se promueve la generación de contextos de acompañamiento, formación y producción que permite a los proyectos emerger en las mejores condiciones posibles.

Al mismo tiempo, se potencia la creación de vínculos entre los distintos agentes del ecosistema artístico de la ciudad, fomentando el diálogo entre artistas, instituciones y público, y consolidando así una red activa de colaboración y pensamiento crítico en torno al arte y sus múltiples dimensiones.

MIGUEL SBASTIDA

Postnatural Ecosystems

Postnatural Ecosystems es un proyecto medioambientalmente comprometido, inspirado en una serie de técnicas de restauración oceánica, que actualmente están siendo implementadas en los ecosistemas más biodiversos y globalmente afectados por los efectos del cambio climático: el arrecife de coral.

Algunas de estas metodologías de cultivo y reinserción incluyen la inducción eléctrica del crecimiento coralino, impresión en 3D de tejido biónico para cultivar algas simbióticas y técnicas de reproducción in vitro para corales, entre otras. Estos procedimientos tecnocientíficos altamente sofisticados

aceleran el proceso de adaptación natural de los corales a las crecientes temperaturas, y están generando lentamente espacios en los que las simples nociones tradicionales de lo artificial y lo natural; lo humano y lo no humano; lo biológico, lo geológico y lo tecnológico se solapan formando materialidades híbridas y especulativas.

Como esfuerzo para contribuir activamente a la restauración en curso de los fondos marinos desde el espacio expositivo, cada vez que se exponga la obra, la institución de acogida u organización del evento tiene que destinar fondos a organizaciones de cultivo de coral de todo el mundo.

BIOGRAFÍA

Miguel Sbastida (1989, Madrid) es un artista transdisciplinar e investigador independiente que estudia cuestiones relacionadas con la ecología cultural, los fenómenos geológicos y los procesos del declive medioambiental, a través de la instalación, la performance situada y el vídeo. A partir de una convergencia de influencias procedente del campo de las ciencias naturales, las posthumanidades, el activismo medioambiental o los estudios postcoloniales, sus obras plantean una interrogación de las estructuras antropocéntricas del pensamiento occidental en nuestra relación con la naturaleza. A través de un proceso altamente conceptual que entiende el arte como herramienta creadora de pensamiento crítico y transformación social, su investigación busca generar espacios de reflexión crítica en torno a conceptos de sostenibilidad y proporcionar nuevas perspectivas de pertenencia, contaminación cruzada y mutualidad en nuestra relación con el organismo terrestre.

9RESIDENCIAS AUDIOVISUALES

EN COLABORACIÓN CON CINETECA

Claudia Gracia

María Molina Peiró

Magdalena Orellana

Sergio Vega Borrego

El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid y Cineteca Madrid impulsan conjuntamente las residencias para el desarrollo de proyectos audiovisuales, una iniciativa que busca fortalecer el tejido creativo de la ciudad y brindar apoyo estructural a cineastas independientes que trabajan en los márgenes de la industria convencional. Este programa se enmarca en el compromiso de ambas instituciones con la promoción del cine de autor, el cine experimental y las múltiples formas del cine de lo real, reconociendo su valor como herramientas de exploración estética, reflexión crítica y construcción de nuevas narrativas.

La residencia tiene como objetivo principal acompañar y apoyar el desarrollo de cuatro proyectos audiovisuales en su fase inicial, proporcionando a sus creadores el acceso a espacios de trabajo, recursos técnicos y asesoramiento especializado. A través de esta línea de trabajo se pretende, no solo facilitar las condiciones

materiales necesarias para el avance de los proyectos, sino también generar un contexto estimulante de investigación, diálogo y crecimiento creativo.

Más allá del apoyo individual a cada proyecto, esta residencia se plantea como una experiencia colectiva enmarcada en un ecosistema más amplio de creación artística. Uno de sus objetivos fundamentales es propiciar el encuentro entre los residentes audiovisuales y otros artistas del Centro de Residencias Artísticas de Matadero, fomentando el intercambio de ideas, metodologías y referencias en un entorno plural e interdisciplinar. Esta convivencia entre creadores locales, nacionales e internacionales enriquece los procesos y contribuye a consolidar una comunidad creativa activa, diversa y conectada con los debates culturales contemporáneos.

Los residentes han contado en esta edición con el acompañamiento de Mariana Barassi, Andrea Jaurrieta y Blanca Velasco.

CLAUDIA GRACIA

Futuro solar

Futuro solar es una aventura fílmica utópica que explora la cuestión que Thoreau plantea en su ensayo Walden: “(...) la vida en la naturaleza es la verdadera vida del hombre libre que ansíe liberarse de las esclavitudes de la sociedad industrial”. Esta película indaga las diferentes maneras de vivir en el mundo y de vivir el mundo, recorriendo un camino sinuoso que parte del “ciudadano” para acabar en el “hombre”: Aldo, un vendedor de colchones ambulante que padece insomnio, atraviesa un desierto, un bosque y una fábrica entre el sueño y la vigilia mientras, por el camino, se plantean hipótesis acerca de cómo vivir el deseo, el dinero y la libertad.

La película nace con el ímpetu de explorar las posibles polaridades entre la vida de ciudad y la vida en la naturaleza en la que se plantean una serie de hipótesis que liberan y esclavizan al mismo tiempo a todos los personajes, habitando los límites del dentro/fuera del sistema, del espacio (cuerpo/casa/ciudad) o del propio sueño. Esta es una película que contiene: un coche amarillo, 87 colchones sin vender, una pistola, un traje holgado, una marquesa revolucionaria, un trabajador exhausto a punto de enamorarse, una iglesia con superpoderes, algún que otro envenenamiento, múltiples besos, muchos árboles y un edificio brutalista.

BIOGRAFÍA

Claudia Gracia (Madrid, 1995) se forma en la ECAM (Escuela de Cine y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) en la especialidad de Cine Documental. Recibe una beca Erasmus Plus en LUCA School of Arts (Hogeschool Sint-Lukas Brussel) para representar a España en el Young European Film Forum en Bruselas. Posteriormente, estudia el postgrado de Creación en la Elías Querejeta Zine Eskola (Universidad del País Vasco) desarrollando Apuntes Para un Nuevo Orden: Walden 7. Recibe la beca ACCIONA para cursar el Máster de Artes y Profesiones Artísticas en el Círculo de Bellas Artes de Madrid dentro de la Escuela SUR. Actualmente se encuentra en el desarrollo de TURBOCAPITALEND y en la escritura del largometraje Futuro solar. Su obra se basa en la exploración audiovisual de sociedades utópicas en respuesta crítica a la actualidad. Sus influencias más notables son Thoreau, Ralph Waldo Emerson o Walt Whitman. Su interés principal radica en la relación entre la naturaleza y el hombre, la exploración sensorial del paisaje y la búsqueda de nuevas revelaciones que sirvan como posibles preguntas con respecto a nuestro modelo social.

MARÍA MOLINA PEIRÓ

Como todo mortal

En un planeta del sistema solar, a la distancia correcta del sol para albergar vida, un robot remoto explora el territorio a través de sus 7 cámaras científicas. Desde su cámara ultravioleta, observa un haz de luz naranja cruzar a toda velocidad un cielo púrpura. A lo lejos,suena una explosión. Podría ser un meteorito.

A años luz de allí, o quizás tan solo a unos pocos kilómetros, Fernando, un hombre mayor de 80 años, cruza la barriada del Alto de la Mesa, en Río Tinto. Una familia gitana pone rumba a todo volumen en el sound system del coche mientras un vecino observa a Fernando tras los visillos.

¿Qué hace Fernando colándose, todos los días, por el agujero de la valla que separa el barrio de la zona privada de la mina? Como todo mortal, retrata las extrañas simbiosis y tensiones de un paisaje que fluctúa entre los límites de la realidad y la imaginación, entre la exploración científica y la explotación capitalista, entre la abstracción del universo y la realidad del día a día. Un lugar donde la ciencia ficción se entreteje en una historia y un folclore tan profundos, vivos y ricos como su suelo.

BIOGRAFÍA

María Molina Peiró es una artista audiovisual, investigadora y cineasta cuyo trabajo se encuentra entre el cine y el arte contemporáneo. Sus obras exploran las complicadas simbiosis entre historia, tecnología y naturaleza. Sus instalaciones y películas se han mostrado a nivel internacional en centros de arte contemporáneo y festivales de cine como Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Haus der Kulturen der Welt (Berlín), MACBA (Barcelona), BFI London Film Festival, Museo del Louvre (París), Galería Nacional de Washington, MMCA (Seúl), Hong-Gah Museum (Taipei)o Festival de Cine Europeo de Sevilla, entre muchos otros. Estudió en la Universidad de Bellas Artes (Sevilla), en la School of Visual Arts (Nueva York) y se graduó (cumlaude) en el Máster de Cine de la Academia de Cine de los Países Bajos. Ha sido galardonado con premios como AHK award (Universidad de las Artes de Amsterdam), premio a la creación audiovisual de La Casa Encendida, 3PD (Amsterdam Foonds Voor de Kunst) o Mondrian Funds, entre otros. Ha sido profesora en el Máster de la Academia de Cine de Holanda y programadora de cine contemporáneo en el Instituto Cervantes (Holanda).

MAGDALENA ORELLANA

Hasta que ese lugarse haga improbable

Hasta que ese lugar se haga improbable es una película sobre loinfraordinario y la teatralidad del cotidiano. Magdalena empezó a escribirla hace tres años, tiempo después de haberse mudado de Buenos Aires a Madrid. Su mirada extranjera sobre las costumbres españolas (sea lo que sea aquello) hacía que el cotidiano de Madrid se transformase en una suerte de despliegue teatral, costumbrista y melancólico; suele suceder a menudo cuando observamos y damos cuenta de los mecanismos que se esconden en cualquier relación o hecho mundano: lo ordinario se convierte en algo extraordinario e inusual.

La película gira alrededor de dos polos: un joven-adulto al borde del desempleo, Horacio, y una mujer cuasiinmortal pero menopáusica, Teresa. Horacio archiva la investigación de unos científicos varados en el Ártico, mientras Teresa quita caries, fuma y prepara trucos de magia. Ambos orbitan la historia sin rumbo, entre ensoñaciones y tareas que no parecieran tener un fin concreto… En definitiva, Hasta que ese lugarse haga improbable sea quizás la eterna búsqueda de una estabilidad, con el temor de perder aquello que nos es propio cuando matamos el tiempo y no hacemos nada, es decir, el ocio y la libertad.

BIOGRAFÍA

Magdalena Orellana (Buenos Aires, 1990) vive y trabaja en Madrid. Cineasta y diseñadora (Buenos Aires, 1990), estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires (2014), se graduó en Cine Documental por la ECAM (2017), y obtuvo el postgrado de Creación en la Elías Querejeta Zine Eskola (2020), donde rodó su último cortometraje, Todo esto es aún más intenso si a esa hora tardía se visita a un amigo para ver cómo le va, estrenado en Zinebi (2020, Bilbao). Su trabajo ha sido exhibido en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes, CCCB, Cineteca, Bilbao Arte, La Casa Encendida, Tabakalera Centro Internacional de Cultura Contemporánea, The Filmmaker’s–Coop, UnionDocs, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, entre otros. Ha participado en programas artísticos y residencias tales como el Collaborative Studio de UnionDocs (2017, Nueva York), Artistas en Residencia del Centro de Arte 2 de Mayo y La Casa Encendida (2019, Madrid), las Summer Sesión en V2 Lab for the Unstable Media (2019, Róterdam), becada por Hangar (Barcelona), MRG Work (2020, Festival Márgenes, Madrid) y kusmira Berriak (2021, SSIFF, Donostia).

SERGIO VEGA BORREGO

Villa Magna,Tetuán

Villa Magna,Tetuán es un proyecto de documental que explora, a partir de la figura de Manuel Calvin, los parches que todos tejemos para intentar remendar ese agujero insondable que existe entre la realidad y los sueños.

Esa fisura, en el caso del Señor Calvin, es la que se abre entre su pasado, y su mundo presente. En uno de ellos, Manuel Calvin es un recepcionista del mítico hotel Hilton y el hotel Villa Magna; un testigo de excepción de los últimos coletazos de la dolce vita madrileña, y la jet set del mundo del espectáculo que pasó por sus puertas entre finales de los años 60 y los 80. En el otro, Manuel, tras arruinarse montando un videoclub-museo,

trabaja como ayudante en un gimnasio de boxeo en el distrito de Tetuán. En un piso atestado de recuerdos, donde fotos de actores famosos, presidentes americanos, familias reales y papas, se exponen como retratos de su propia familia,Manuel, a través de sus evocaciones, cose un presente que se va transformando en remiendo.

Villa Magna,Tetuán también da relevancia a los espacios y personas, poniendo de manifiesto el contraste que emerge entre el lujo de los mundos evocados por Manuel, y el popular barrio de Tetuán. Un barrio escarpado, de urbanismo asimétrico y casas populares, atrincherado en una ciudad que se sueña imperial.

BIOGRAFÍA

Sergio Vega Borrego es un editor y cineasta. Tras licenciarse en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid, realizó un Máster de montaje cinematográfico en la National Film & Television School, Londres. Desde entonces trabaja a caballo entre ambas ciudades. Su práctica como realizador está a medio camino entre el documental y la ficción, utilizando habitualmente materiales de archivo, collages fílmicos y sonoros que intentan borrar la línea entre géneros y formatos nobles y humildes. Su largometraje, La Valle dello Jato, codirigido junto a Caterina Monzani, ganó el premio a Mejor Documental en el Rome Independent Film Festival (2013). Como editor trabaja habitualmente en el campo del video arte y la video instalación multipantalla, destacando su colaboración con el artista británico-ghanés, John Akomfrah, cuyas piezas, Vertigo Sea (2015) y Four Nocturnes (2019), fueron estrenadas en la Bienal de Arte de Venecia, y se muestran asiduamente en museos de arte contemporáneo.

10CRÉDITOS

Directora artística:

Rosa Ferré

Gerente:

Alma Fernández Rius

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Responsable de programa:

Ane Rodríguez Armendariz

Gestión de proyectos:

Gema Melgar

Sonsoles Rodríguez

MATADERO MADRID

Responsable de programa:

Ana Ara

Coordinación gerencia:

Adela Fernández

Comunicación:

Myriam González

Marisa Pons

Raúl González

Diseño gráfico:

Mario Cano

Relaciones institucionales:

Marta García Santo-Tomás

Educación y públicos:

Javier Laporta

Mercedes Álvarez Espáriz

Aránzazu Benito

Producción:

ARTISTAS Y COLECTIVOS 2021-2022

Adrian Schindler

AMECUM

Clara Brea

Claudia Gracia

Coco Guzmán

Cristina Spinelli

Elena Bajo

Elián Stolarsky

Estudio Debajo del Sombrero

Eva Garrido

y Amalia Ruiz-Larrea

FEHE

Gabriel Parpusa

Gema Darbo

Génesis Valenzuela

In The Wake

Jose Iglesias García-Arenal

Liwai

Miriam Bosch

Santiago Jiménez

Gabriel Lucas

David Romero

Vicente Fernández

Rodolfo Cortés Guerra

Gestión de proyectos:

Aitor Ibáñez

Coordinación técnica:

Jana Arenas

Gestión y administración:

Mila Pinel

Susana Arranz

Álvaro Estévez

Nieves Montealegre

Infraestructuras:

Raúl Cano

Jurídico:

Montserrat Rivero

CRÉDITOS DE LA PUBLICACIÓN

Coordinación y edición en castellano:

Roberto Salas

Diseño:

Koln Studio

Adrian Schindler

Lucía Bayón

Magdalena Orellana

Mar Reykjavik

María Molina Peiró

Marta van Tartwijk

Matteo Demaria

Miguel Sbastida

Mónica Mays

Raisa Maudit

Sergio Vega Borrego

Sergi Casero

Sofía Montenegro

Una fiesta salvaje

Valentina Alvarado Matos

Valeria Maculan

Adrian Schindler

AMECUM

Clara Brea

Elián Stolarsky

Estudio Debajo del Sombrero

Eva Garrido

y Amalia Ruiz-Larrea

FEHE

Claudia Gracia

Coco Guzmán

Cristina Spinelli

Elena Bajo

Gabriel Parpusa

Gema Darbo

Génesis Valenzuela

In The Wake

Jose Iglesias García-Arenal

María Molina Peiró

Marta van Tartwijk

Matteo Demaria

Miguel Sbastida

Liwai

Lucía Bayón

Magdalena Orellana

Mar Reykjavik

Mónica Mays

Raisa Maudit

Sergi Casero

Sergio Vega Borrego

Sofía Montenegro

Una fiesta salvaje

Valentina Alvarado Matos

Valeria Maculan

Colaboran: Financian: