CREATIVIDAD SIN FRONTERAS. México se convierte en la capital del mercado del arte. Desde fechas previas a ZsonaMaco, se multiplican los eventos. Guadalajara presenta su semana. En Acme, los artistas emergentes muestran sus obras de la manera más directa. Material crece y estrena un nuevo espacio donde conviven galerías de todo el mundo. La fiebre del arte se expande por toda la ciudad, desde Chapultepec hasta la colonia San Rafael. ZsonaMaco celebra su edición número 22 y sigue renovando sus propuestas, encuentros y plataformas, con más de 200 galerías de 27 países.
La creatividad es un tesoro que habita en México. El arte nos ayuda a vivir otras vidas, a tener otras miradas y, como dice el coleccionista Jorge Pérez, a ser mejores personas. En esta edición hemos convocado a algunos de los grandes talentos universales, entre ellos Jaume Plensa, escultor y grabador, cuyas obras han enaltecido palacios, plazas, museos y jardines, con exposiciones en Estados Unidos, Canadá, Suecia, Francia, Rusia, Holanda, España y México. A nuestras páginas llega también el creador Javier Marín, cuya obra ha sido elegida candidata para estar presente en la basílica de la Sagrada Familia, obra maestra de Gaudí, junto a artistas de la talla de Miquel Barceló y Cristina Iglesias. Conversamos con él cuando acababa de enviar las cajas y embalajes de su maqueta propuesta. La artista Alejandra Venegas nos muestra sus creaciones de pintura y obra esculpida. Desde Xochimilco hasta Tequila nos habla de su inspiración: "Sin miedo al color", nos confiesa. Celebramos también la inauguración de un nuevo templo del arte en París: la recién inaugurada sede de la Fundación Cartier frente al Louvre. Un edificio remodelado por el arquitecto Jean Nouvel que permite mostrar 40 años de obra coleccionada por la Maison, un espectáculo y un escenario únicos. Los coleccionistas de arte coinciden en
Durante más de cinco décadas Range Rover ha construido un diálogo entre diseño y elegancia. Arte en movimiento.
que, para adquirir una obra, esta tiene que emocionar. Precisamente, la emoción y la pasión son la clave de la exposición que presenta el Jumex esta primavera, con el fútbol como protagonista. Un paseo de imágenes que no deja indiferente, con artistas como Graciela Iturbide. El diseño también nos hace vibrar, como el que muestran los nuevos estadios que serán sede del Mundial; repasamos su estética y arquitectura.
En nuestra portada, Range Rover, otro ejemplo de innovación, con líneas que rinden tributo a la arquitectura y al modernismo que renovó nuestra idea de belleza. Elegancia y tecnología se unen en una ruta que invita a vivir el viaje.
Otra pasión se desata este febrero: San Valentín, y lo celebramos con las mejores burbujas de champagne y también con regalos. ¿Pero qué es el amor? José Emilio Pacheco señaló: "El amor es una enfermedad en un mundo de odio".
Esta pasión que no mide el tiempo, pero sí lo hacen los nuevos relojes: algunos románticos, como el que presentamos de Tudor 1926 Luna; otras obras maestras, como Les Cabinotiers Tourbillon Armillary de Vacheron Constantin, que esta vez se inspiran en el mito de las Pléyades. Además, mostramos relojes para él y para ella.
Y más allá del tiempo queda también la obra del inmortal Frank Gehry, que moldeó museos, auditorios y fundaciones con edificios y formas a las que daba vida. Sus construcciones parecen bailar; son obras de arte que elevan el espíritu y emocionan. Bienvenidos a Gentleman.
Lago Andrómaco 53. Torre Neuchatel D-501. Col. Granada 11529 CDMX
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COLABORADORES
ALEJANDRA VENEGAS
Artista de amplia trayectoria, cuenta con una galería en México y La Haya. Recientemente presentó su propuesta artística para la caja de tequila Reserva de la Familia de Cuervo. Pintura, madera y talla se unen en una obra que rinde tributo a la naturaleza y al color de manera singular.
Pieza de arte: Pintura o talla en madera
ANA DOMÍNGUEZSIEMENS
Periodista y especialista en diseño. Estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid y Artes Decorativas de los siglos XIX y XX en Sotheby’s Art Institute de Londres. Con su afilado ojo nos acerca al universo de las formas con sabiduría, así como a la figura del gran diseñador francés Sam Baron y a su proceso creativo.
Pieza de arte: Objeto de diseño
GRACIELA ITURBIDE
La fotógrafa presenta una serie de imágenes con el fútbol como inspiración. Forma parte de la gran muestra que el Museo Jumex realizará en marzo con motivo de la Copa Mundial de Fútbol. Iturbide acaba de recibir el Premio Princesa de Asturias de las Artes y su obra está presente en los más importantes museos de fotografía del mundo.
Pieza de arte: Fotografía
JESÚS CORNEJO
Fotógrafo y artista multimedia, director del festival Tragaluz. Entró a los talleres de Javier Marín para retratar la monumentalidad de su obra y sus matices. La belleza de las formas y la madera se traducen en imágenes de gran impacto.
Pieza de arte: Escultura
Lucia Silvestri, directora creativa de joyería para Bvlgari.
ESPAÑA
Gael García Bernal, habla de su nueva cinta Magallanes
“Rothko en Florencia” abre el 14 de marzo y hasta el 23 de agosto en la Fondazione Palazzo Strozzi.
ARTE COMO DESTINO
El Hotel Savoy realizará una experiencia de edición limitada con acceso previo a la exposición solo para huespedes.
“Rothko en Florencia” dejará ver lo mejor del artista estadounidense. Desde una exposición curada por su hijo hasta una experiencia de edición limitada en el Hotel Savoy.
TEXTO IZASKUN ESQUINCA
POCAS FIGURAS HAN transformado el lenguaje del arte moderno con la radicalidad y profundidad de Mark Rothko. Junto a Jackson Pollock, el artista estadounidense redefinió la abstracción como una experiencia emocional y casi espiritual, alejándola de la representación para convertirla en un espacio de contemplación íntima. Sus campos de color, silenciosos y vibrantes, no buscan ser vistos, sino sentidos. Esa búsqueda de lo esencial encuentra ahora un escenario excepcional: Florencia, cuna del humanismo y del Renacimiento, donde el pasado y la modernidad dialogan con una intensidad única.
Del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, la ciudad acogerá al interior
de la Fondazione Palazzo Strozzi, una retrospectiva histórica de Mark Rothko (1903-1970), curada por Christopher Rothko, hijo del artista, y Elena Geuna. Con más de 70 obras, entre ellas telas monumentales raramente exhibidas en Italia, la muestra reúne préstamos clave de la familia Rothko y de instituciones de primer nivel como el MoMA, la Tate y la National Gallery of Art. En paralelo a esta exposición histórica, el Hotel Savoy, un hotel de la colección Rocco Forte, reafirma su estrecha colaboración con la Fondazione Palazzo Strozzi a través de “Primavera con Rothko”, una experiencia de edición limitada disponible del 12 al 14 de marzo de 2026, diseñada exclusivamente para
huéspedes de las suites. Esta propuesta ofrece acceso excepcional al corazón del mundo del arte internacional, con una vista privada, previa a la exposición —el 12 o 13 de marzo— tanto al Museo di San Marco como al Palazzo Strozzi.
“Primavera con Rothko” forma parte de Suites & Beyond, el programa de Rocco Forte Hotels concebido para huéspedes de suites, que combina servicio altamente personalizado, acceso privilegiado a experiencias culturales auténticas y espacios diseñados con una sensibilidad contemporánea. Una filosofía que refleja la hospitalidad de una empresa familiar y la singularidad de cada destino.
roccofortehotels.com
EL
DE LA ELEGANCIA
GENTLEMAN SE DISTRIBUYE A NIVEL NACIONAL: EN LOS PRINCIPALES PUNTOS DE VENTA GRACIAS A NUESTRA ALIANZA CON EL DIARIO EXCELSIOR. ENCUÉNTRANOS EN LOCALES CERRADOS, AEROPUERTOS, QUIOSCOS, ÁREAS VIP Y ZONAS DE ALTO NIVEL ADQUISITIVO.
CATEDRAL CREATIVA
La prestigiosa Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo se acaba de mudar al corazón de París. Nada menos que 8,500 metros dedicados al arte.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
EN LAS ENTRAÑAS DE PARÍS, a pocos metros del Louvre presenta la nueva sede de su Fundación con 8,500 metros cuadrados de espacio para exposición, en un edificio renovado por Jean Nouvel y que promete ser escenario de grandes muestras y eventos culturales. Un monumento al arte contemporáneo. El edifico era un antigua almacén que Jean Nouvel ha reformado creando un edificio modular que es capaz de variar la altura de los pisos, las paredes y hasta la luz, según las características de cada exposición. La Fundación celebra cuatro décadas de historia con una labor de promoción del arte contemporáneo muy profunda.
También dando cabida a diferentes voces y culturas, con exposiciones sobre arte islámico, artesanía china o diseño japonés. Ahora para celebrar estas cuatro décadas presenta una monumental muestra de arte contemporáneo bajo el nombre de Exposición Générale, que abarca cerca de 600 obras.
Alain Dominique Perrin fue el pionero al crear esta Fundación que la Maison realiza como una labor encomiable en la difusión de la cultura. Ha sido y es una referencia de la creación contemporánea y esta nueva sede es un impulso rotundo y se convierte en un punto clave de las exposiciones de París muy cerca del Louvre. En la sede veremos exposicio-
La nueva sede de la Fundación Cartier fue renovada por el arquitecto y diseñador fránces Jean Nouvel.
nes, conciertos, performance, proyecciones de cine, danza, también talleres, uno llamado Manufacture dedica 300 metros a ofrecer educación en el arte para todas las edades.
El diseño de la exposición rompe los códigos tradicionales de las muestras museísticas, Ha sido realizado por Studio Formafantasma. La muestra se estructura en cuatro áreas temáticas: Máquinas de arquitectura, Aqui arquitectura, vanguardia y utopia se dan la mano. Una visión novedosa del futuro que anuncia los mundos que vienen. Madera, pasta de vidrio, metal todo sirve para mostrar una mirada nueva.
Être nature, en este espacio la naturaleza es la gran aliada del arte y también una llamada a la ecología y la sostenibilidad. Dialogan el bosque y el edificio, sonido y mirada conviven. La muestra reflexiona y alerta sobre el arte y su influencia en la transformación de la naturaleza. Destaca la Fundación a una nueva generación de artistas brasileños con nombres como Bruno Novelli o Santidio Pereira, sensibilizada con el mundo de la naturaleza y el diálogo entre creación y geografía.
Todo un edificio dedicado a la vanguardia de la creación y el pensamiento es un reto ambicioso pero apasionante, con esta nueva sede de la Fundación, Cartier ha conquistado el corazón de París.
ZⓈONAMACO celebra su edición 22 y se realiza del 4 al 8 de febrero 2026 en el Centro Banamex.
MÉXICO, CAPITAL DEL ARTE
La cita del arte latinoamericano comienza en la Ciudad de México con la edición más reciente de ZⓈONAMACO 2026. .
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
Este 4 de febrero abre sus puertas ZⓈONAMACO 2026, donde cerca de 300 galerías se darán cita en el Centro Banamex, en la Ciudad de México. Con propuestas provenientes de tres continentes, se consolida como el encuentro más relevante de arte y coleccionismo en Latinoamérica.
La feria fue fundada por Zélika García y, tras más de dos décadas de éxito, está plenamente asentada en el circuito internacional. Diriela Lazo, originaria de Cuba, es la directora artística de esta edición; colabora con el equipo desde 2021. Ha sido directora artística de las exposiciones de Faena en Miami y Buenos Aires, y también participó en la Bienal de La Habana. Además del programa de Arte Con -
temporáneo, ZⓈONAMACO Diseño, ZⓈONAMACO Salón del Anticuario y ZⓈONAMACOFoto completan un evento que integra propuestas creativas y altamente atractivas para el coleccionista. Manuela Moscoso, curadora, investigadora y productora con experiencia en la Bienal de las Amazonías y la Bienal de Helsinki, aporta su visión en la muestra de ZonaMaco Sur. Esteban King está a cargo del área de Arte Moderno, Luis Graham dirige ZonaMaco Foto, y Alfonso Miranda es el curador de ZonaMaco Salón del Anticuario. Por su parte, Cecilia León de la Barra encabeza ZonaMaco Diseño, sección en la que participan creadores y universidades.
Para está 22.ª edición de ZⓈONAMACO, acudirán galerías de 26 países. Entre las participantes destacan Kurimanzutto (México y Nueva York), Galería de Arte Mexicano, La Caja Negra (Madrid), Sean Kelly (Nueva York), Proyectos Monclova, Travesía Cuatro, OMR (México), Pace Gallery (Los Ángeles), OTTO (Buenos Aires), Gathering (Londres) y Elvira Moreno (Bogotá). De manera paralela, la ciudad vive una intensa semana del arte en distintos escenarios. Destaca Feria Material, en una nueva sede, Maravilla Estudios( Fresno 315, Col. Atlampa), que ofrece una mirada fresca a los nuevos creadores con una clara proyección internacional. Con exposiciones, charlas y performances, se posiciona
como una propuesta especialmente atractiva para coleccionistas y amantes del arte. En total, se esperan alrededor de 70 galerías procedentes de ciudades como París, Berlín, Londres, Madrid, Buenos Aires y Río de Janeiro, además de las mexicanas.
Salón ACME, por su parte, presenta su edición del 5 al 8 de febrero en la calle General Prim 30. Aquí, más que la galería, el artista es el protagonista, y la propuesta busca acercar el arte a nuevos públicos. El ambiente creativo se percibe en toda la ciudad; además de estos grandes eventos, espacios como LAGO/ALGO o el Museo Jumex preparan muestras especiales para una ciudad que atrae a coleccionistas y amantes del arte de todo el mundo. zsonamaco.com
Además del arte contemporáneo ZⓈONAMACO da espacio al diseño, a la fotografía y a las antiguedades.
JAVIER MARÍN ARTISTA
Escultura de la emoción
Escultor y creador de proyección internacional, Javier Marín ha sido seleccionado como candidato para colocar su obra en la Sagrada Familia de Gaudí, junto a Miquel Barceló y Cristina Iglesias.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO FOTOGRAFÍA JESÚS CORNEJO
UN RETO MONUMENTAL aguarda al artista Javier Marín (1922, Uruapan, Michoacán): nada menos que llevar su arte a la fachada de la Gloria de la obra maestra de Antoni Gaudí, que pronto se culminará. Conversamos en su estudio, rodeados de obras monumentales y en constante actividad. Acaba de enviar la maqueta de su proyecto a Barcelona; cajas, embalajes y nada menos que seis meses de trabajo ocupó esta pieza. Marín parece un artista reencarnado del barroco: su obra ofrece exuberancia, riqueza formal y una intensidad emocional desbordante. En breve viajará a Barcelona para presentar su trabajo. En este primer trimestre se confirmarán los artistas elegidos y el encargo definitivo. Cristina Iglesias y Miquel Barceló viven también con gran interés esta participación.
En ZⓈONAMACO participa en el apartado de fotografía, con una serie abierta sobre el modelo y el retrato. En ella, cuestiona a su propia escultura: ¿quién es el personaje que está detrás de la obra? A partir de la pieza, la inteligencia artificial responde quién podría ser ese personaje. “La IA me dice quién es el modelo que posó y hasta crea un video con su propia historia: genera un personaje. Yo hice un molde y la IA me dice a quién pertenece. Me impresiona mucho el potencial que tiene
como herramienta. Te escucha, te enriquece y colabora. Voy explorando la tecnología: empecé con dibujos bidimensionales y ahora con la IA es más fácil. Estoy fascinado”, concluye. Añade, además: “Participo también en ZⓈONAMACO, en el área de diseño, con La Colmena, un centro cultural que fabrica artesanía. Hemos pedido a 30 creadores que realicen diseños que imprimimos en tejido Tyvek, propio para overoles de trabajo. Desde La Colmena se crean piezas textiles y cerámicas asombrosas, y se ayuda a la comunidad michoacana a expresar y difundir su arte”. Sin embargo, las noticias sobre el crimen organizado en Uruapan lo entristecen profundamente. “Es desalentador lo que llega de Michoacán, de mi pueblo. Crees que vas avanzando y, de pronto, nada”. Ha propuesto a Zélika García, fundadora de ZⓈONAMACO, crear dentro de la feria un apartado dedicado a fundaciones y plataformas de apoyo social, para visibilizar a las instituciones que trabajan con quienes más lo necesitan. “El mundo está cambiando y los circuitos del arte se tambalean. Ahora es más experiencial: vivir el encuentro, ver lo que sucede, es más importante que el objeto mismo”, reflexiona. Recientemente realizó el retablo mayor de la Catedral de Zacatecas, una obra asom-
brosa en oro y madera. “En un espacio con mucha gente, el tamaño te hace visible”. La comunidad es parte fundamental de la identidad de Javier Marín. “Te obliga a sentirte parte de algo más grande. Yo he llegado hasta aquí gracias a la gente que me rodea, a mi entorno”, dice agradecido. “Hay una necesidad de retribuir, de agradecer. Es increíble poder, desde el arte, ofrecer herramientas y ser parte activa de una sociedad que trabaja en equipo para mejorar las cosas. Me encanta regresar a mi pueblo, Uruapan, donde nací, y ver que el apoyo sirve. Es difícil que una sola persona cambie el mundo, pero todos debemos hacer nuestra parte desde nuestra dimensión”. Su compromiso con la comunidad michoacana es contundente: “Es muy importante poder poner el hombro y ayudar a la gente a trabajar su parte sensible, su parte espiritual”. Todo ello lo ha reflexionado profundamente en torno al proyecto de la Sagrada Familia. “Por la espiritualidad, por la iglesia. Siempre me he distanciado de la institución, pero el lado espiritual es importante”. Reconoce influencias culturales tanto prehispánicas como europeas. “Compartimos una cultura con España, eso no se puede olvidar”, afirma. Se muestra orgulloso de que se convoque a un artista latinoamericano para participar.
ALEJANDRA VENEGAS ARTISTA
Sin
miedo al color
Une técnicas tradicionales y contemporáneas, se inspira en la naturaleza de los paisajes mexicanos y ha sido elegida por Tequila Reserva de la Familia para intervenir la caja de su colección de grandes artistas
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
ALEJANDRA VENEGAS (México, 1986) nos cuenta que durante estos años ha trabajado principalmente con tallas de madera y color. “En tablones de madera pongo cosas muy vinculadas con la naturaleza del espacio donde vivo, que todavía conserva zonas protegidas, en Xochimilco, paisajes en constante cambio”. Nació en Xochimilco, ahí vive, trabaja y se inspira: cerca del cerro observa el cielo y ha recorrido desde siempre sus campos y montañas. “También he visto cómo se ha transformado el territorio y cómo se ha deteriorado por la intervención humana”, se lamenta. Confiesa: “El color me interesa mucho, unido a las raíces de la artesanía de México. Observo mucho el arte popular; mi obra es un juego con todos estos elementos, un diálogo entre color, naturaleza y artesanía, que se ha construido a lo largo de varios años”.
Recientemente presentó la nueva caja de Tequila Reserva de la Familia, una pieza llena de color. Se suma así a artistas como Abraham Cruzvillegas, Jorge Lebrija, Dr. Lakra o Betsabeé Romero.
Alejandra detalla sus sensaciones al llegar a Jalisco: “Aunque mi trabajo se
desarrolla lejos, sentí mucha conexión al estar en tierras de tequila y frente a ese paisaje. Hubo muchos elementos con los que comencé a trabajar y que ayudaron a formar parte de la obra: la atmósfera, la vegetación, el horizonte. Cuando caminé por los campos de agave conecté con las espinas, el cielo, el volcán de Tequila todos esos detalles me ayudaron a crear la caja. Algo que me gusta es generar relaciones entre cosas que aparentemente no la tienen, como ver cómo las espinas del agave pueden convertirse en contornos de nubes. La naturaleza funciona como un todo: todo está entrelazado”.
Vivió una profunda conexión entre el territorio y su obra. “Me identifiqué mucho con los procesos del tequila; me inspiraron. La parte artesanal, que también está presente en mi trabajo, tiene que ver con apreciar que cada cosa tiene su tiempo y sus ciclos. Las herramientas de los jimadores me sorprendieron: las hojas de la coa, utilizadas para la jima, tienen formas curiosas y son las que moldean esas esculturas que son las piñas”.
Uno de los hilos conductores de su obra es la luna, “que habla del
crecimiento del agave y está muy presente en estas cajas, junto con las espinas y las herramientas. El fuego y el color también participan del proceso, y todo ese cosmos me ha inspirado, porque es el universo”, sentencia.
Confiesa que es tequilera, aunque con moderación. La presentación de las cajas en la sede de Cuervo fue una auténtica celebración, con la presencia de figuras clave del mundo del arte, como Zélika García, fundadora de Zona MACO, o el curador Patrick Charpenel, director del Museo del Barrio de Nueva York.
La develación de la caja se acompañó de una exposición que incluyó pintura, escultura, dibujo y relieves en madera, donde pudo mostrar una amplia representación de su trabajo. “He trabajado en formatos muy variados, desde gran formato hasta piezas más pequeñas. El diseño de tantas cajas fue un ejercicio muy interesante; trabajé con una gran diversidad”, explica. Lamenta no haber podido tallar directamente la madera de las cajas, pero se siente privilegiada de trabajar con un elemento tridimensional y de madera. Venegas había soñado desde hace tiempo con
realizar casas talladas y se muestra feliz tanto con este reto como con la exposición. “En comparación con otros artistas, quería hacer algo muy colorido, muy vivo, que transmitiera un espíritu festivo. No tengo miedo al color. Con esta obra quise recuperar el colorido de las primeras cajas; el mundo se ha vuelto un poco oscuro y quise regresar al disfrute del color, porque esta es una celebración de los 30 años de la caja de arte de Reserva de la Familia”. Y concluye: “Festejar la naturaleza y la tierra como un gesto de gratitud”.
Venegas valora profundamente la dimensión artesanal del arte. “Es muy importante recuperar la parte manual. A veces el artista no realiza su propia obra,
Alejandra Venegas, transita entre el uso de relieves y policromados para plasmar a la naturaleza en sus obras.
Abajo, la nueva caja intervenida por la artista para el Tequila Reserva de la Familia Extra Añejo.
pero para mí ese proceso es fundamental, porque ahí surgen ideas y conexiones, cuando trabajas con tus propias manos”.
Añade: “Desde niña me dijeron que el oficio es importante. Mi padre es escultor y la familia de mi madre era ceramista; es un legado que he heredado”.
Entre los escultores que admira destaca al monje budista japonés Enkū, del siglo XVII. “Me ha inspirado mucho: era capaz de crear maravillosas formas budistas a partir de un simple trozo de madera que encontraba. También admiro el trabajo de las máscaras populares de Michoacán, la forma en que están pintadas, y las figuras talladas africanas”.
También ha colaborado con la industria de la moda: creó un bolso de madera en colaboración con la marca Aurelia. “Fue una experiencia muy enriquecedora, porque ellos trabajaban con objetos artesanales y en ese proyecto sí tallé directamente la madera. Después quedé muy inspirada, me cambió la forma de pensar. Cuando llegó este proyecto de tequila me emocioné, porque podía acercarme desde muchos frentes, como si todo lo anterior me hubiera estado preparando para esta tarea”, confiesa.
JAUME PLENSA ESCULTOR
Un lenguaje universal
La búsqueda de la belleza inspira la obra del escultor catalán que, en paralelo a su creciente reconocimiento en España, ha desplegado una inusitada y excelsa proyección internacional.
TEXTO MIGUEL BERTOJO
SI LA IMPRONTA SURREAL O LA CONDICIÓN COLOSAL de la prolífi ca obra de Jaume Plensa (Barcelona, 1955) podrían despertar la tentación de adscribirlo, el propio artista zanja el asunto: “No me supedito a ismo alguno”. Así quedó de manifi esto una vez más en su reciente exposición Secret Garden en Residenzplatz, en Salzburgo (Austria), o en su serie A lo largo del día, en Bodegas CVNE (Haro, La Rioja), en cartel hasta el 20 de enero.
Lo cierto es que hoy es uno de los escultores más reputados a nivel global. ¿La clave? “Ser poderoso como artista y humilde como hombre”, afirma. Desde su prístino expresionismo antropomorfo de ecos totémicos en hierro, Plensa ha depurado sus figuras de ambos sexos vaciándolas de materia e insuflándoles dimensión literaria hasta evocar la soledad del ser. Al desmaterializarlas, hierro, bronce o alabastro han dado paso a la luz, al sonido y a entramados de letras que dejan entrever su vacío interior, desvelando la vulnerabilidad del ser humano. “En la vida, y aunque parezca un contrasentido, lo importante es invisible. El arte es un problema de
ideas, no técnico o tecnológico; sin embargo, me he nutrido con lo que me brinda esta época para ahondar en las grandes preguntas”.
Crown Fontaine (2004), instalación ubicada en Chicago, “para la que fi lmé mil rostros de diferentes orígenes y culturas presentes en la ciudad”, es un sumatorio de alfabetos: “Una suerte de familia descono-cida, pero que comparte memoria”. Además de un recopilatorio de sensaciones, Crown Fontaine es ya un icono interactivo y “una refl exión sobre el uso del espacio público −al margen de galerías y museos− y cómo se articula”. En cualquier caso, “el arte embellece el entorno”. Erigida en la madrileña plaza de Colón, “Julia (2018) introduce el concepto de ternura y, aunque parezca absurdo, la obra ha trans-formado el espacio”. De hecho, Madrid renueva anualmente su cesión.
Además de sujeto de su obra, “me obsesionan aspectos del ser humano como las ideas, el pensamiento o el silencio. Si bien las ideas precisan expresiones diferentes, el soporte no las puede condicionar. La escultura es como un campo que hay que arar, sembrar, cultivar… Soy
impaciente –explica el escultor–, pero me he adaptado con el tiempo”.
Aunque el destino del grueso de sus proyectos son sites urbanos específi cos y museos, sus intervenciones en entornos naturales, como en Tjörn (Suecia), son proverbiales. “Aunque no fl oto ni sé na-dar, el agua, otra de mis obsesiones, es el gran espacio público y lo más afín al ser humano, más de un 70% acuoso”. Y obras como Ogijima’s Soul (Takamatsu, Japón) lo acreditan.
Hasta el próximo 15 de marzo, el Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park (Grand Rapids, EE. UU.) presenta “A New Humanism”; hasta el 6 de junio, Plensa ha desplegado “Laguna” en la Piazza veneciana de San Marco; y, hasta el 13 también de junio, “Sombras y poemas”, en la sede tinerfeña de la Fundación Cajacanarias. Si desde su primera muestra en 1980 sus obras ‘viajan’ por todo el mundo, Plensa también ha pergeñado escenografías de teatro u ópera. “Me apasiona el bel canto… Dejé de lado esta faceta dos décadas hasta que el Liceo barcelonés me ‘regaló’ en 2023 el placer de diseñar Macbeth, de Verdi, en su 175 aniversario”.
NOMBRES PROPIOS
DANIEL ARSHAM ARTISTA
Tiempo líquido
Una segunda colaboración entre el artista estadounidense y Hublot nos ofrecen un panorama evolutivo de la manera de leer el tiempo. El resultado reescribe las las reglas del diseño relojero.
TEXTO IZASKUN ESQUINCA HERNÁNDEZ
DESDE SU NACIMIENTO en los años 80 Hublot siempre se ha impulsado por una sóla cosa el “Arte de la fusión” un concepto que nació al ser pionera en combinar el caucho con el oro en un reloj. Así su disrupción y evolución la ha llevado a un sin numero de colaboraciones en la creacíon de nuevas maneras de leer el tiempo. Desde Takashi Murakami, el artista del tatuaje conocido como Sang Blue, el controversial Richard Orlinski y más recientemente Daniel Arsham que en una segunda colaboración, después del exitoso MP-16, nos presenta “una fluida evolución de la relojería”.
En el MP–17 Meca-10 Arsham Splash Titanium Sapphire, el tiempo deja de ser únicamente una medida para convertirse en un objeto emocional, casi escultórico. La colaboración entre Daniel Arsham y Hublot es una reflexión profunda sobre cómo portar el tiempo, cómo sentirlo y cómo transformarlo en una experiencia física. “Cada vez que colaboro con una marca, mi trabajo es hacer algo que no hayan hecho antes y provocar una nueva forma de pensar sobre sus propias capacidades”, afirma Arsham, estableciendo desde el inicio la naturaleza experimental del proyecto.
La elección del zafiro, material icónico para Hublot, se convierte en el eje conceptual del reloj. Extremadamente técnico y complejo de trabajar, el zafiro representa para Arsham un vínculo directo con el tiempo geológico, una constante en su obra artística. “Son objetos de nuestra era recreados en materiales geológicos, como si los observáramos desde un futuro lejano”, explica. En el MP-17, el cristal deja de ser únicamente una ventana funcional para convertirse en una presencia viva, casi orgánica, que dialoga con la noción de crecimiento, desgaste y permanencia.
La transformación del material es otro de los valores compartidos entre el artista y la manufactura suiza. Al visitar la Manufactura de Hublot, Arsham quedó fascinado por el proceso de creación del zafiro: “Cuando sale de la máquina, parece una masa orgánica de vidrio, que luego se transforma en algo técnico, casi científico”. Esa alquimia —del caos a la precisión— refleja tanto el ADN de Hublot como la práctica escultórica del artista. El proceso creativo no estuvo exento de retos. Desde el sistema de sujeción hasta el diseño del collar y la cadena, cada decisión implicó un diálogo constante entre concepto y viabilidad técnica. “Hay cosas que no se pueden prever en la fase de
diseño, como el peso real del objeto cuando lo sostienes por primera vez en tus manos”, recuerda Arsham, subrayando la dimensión sensorial del resultado final.
Más allá de su función, el nuevo MP-17 propone una reflexión sobre nuestra relación contemporánea con el tiempo. En una era dominada por la velocidad y la tecnología, Arsham reivindica el valor de lo tangible y lo hecho con maestría: “Las técnicas que toman mucho tiempo en dominarse y los objetos que puedes sostener en tus manos van a volverse cada vez más importantes”. Así, el reloj no solo mide el tiempo: lo cuestiona, lo encapsula y lo convierte en una experiencia estética que desafía nuestra percepción.
Esta es la segunda colaboración del artista estadounidense con Hublot.
SAM BARON DISEÑADOR
El porqué de las cosas
Con estudio en Francia y Portugal, tiende un puente entre tradición y modernidad que se traduce en colecciones de muebles y objetos tan funcionales como poéticos.
TEXTO ANA DOMÍNGUEZ SIEMENS
EL FRANCÉS SAM BARON (1976) ES UNO DE LOS DISEÑADORES contemporáneos que mejor expresa una constante refl exión sobre el sentido de producir objetos en el mundo de hoy, cuestionando qué signifi ca el diseño en una época saturada de producción y cómo puede seguir siendo un acto cultural significativo. Su proceso creativo no se limita al aspecto formal del proyecto, sino que investiga el patrimonio cultural, artesanal e histórico que son su fundamento. “Mi trabajo –explica– es una mezcla de tradición e innovación en relación a algo que, de alguna manera, conocemos o redescubrimos, reformulado con las técnicas o tecnológias que tenemos hoy”. A lo largo de su carrera —que incluye haber sido director creativo de Fabrica (el centro de investigación creativa de Benetton) y colaboraciones con importantes marcas como Vista Alegre, De la Espada, Bitossi, Bosa o Sèvres— ha desarrollado un lenguaje propio donde el diseño dialoga con lo artístico, entre el objeto doméstico y la escultura. Reinterpretar métodos tradicionales y redescubrir técnicas artesanales –especialmente de la cerámica y el vidrio–, para darles un lugar renovado en la cultura contemporánea, se ha convertido a lo largo
de los años en el centro de su labor creativa. Sus piezas suelen nacer de la observación de formas históricas o arquetípicas, como las siluetas del mobiliario clásico francés o los moldes cerámicos tradicionales, pero son trans-formadas con una mirada actual que juega con la descontextualización y la creación de nuevas narrativas.
“La cerámica, para mí, es muy apreciada, ya que fue uno de los primeros materiales que usé para proyectos que me dieron gran visibilidad y que fueron mis primeros pasos en el mundo del diseño. Empecé en 2001 con una residencia lla-mada Villa Medicis hors les murs, impulsada por el Gobierno francés, cuyo objetivo era enviar artistas y diseñadores al extranjero para crear un proyecto específi co con una técnica local. Propuse trabajar en Portugal y llegué a Vista Alegre, donde tuve la oportunidad de usar su increíble archivo y técnica para crear un proyecto bastante conceptual que mezclaba retazos de for-mas antiguas. Luego, con Bosa, en 2004 –continúa el Baron– hice un proyecto especial para la semana del diseño de Milán, una colección de platos design slices, que se agotó en dos días. En aquella época me llamaban muchas otras empresas de cerámica, pero quería usar también otras técnicas y mate-
riales.” En la última semana del diseño de Milán presentó para la casa Dior una colección llamada Ode à la Nature com-puesta por jarrones monumentales en otro de sus materiales preferidos: el cristal soplado, en este caso con motivos botá-nicos de ramas, hojas y tallos que se ins-piraban en el imaginario clásico de Dior. “La inspiración proviene de la pasión de Christian Dior por las fl ores y los jardines y los archivos de Dior. Además, crecí en el campo, por lo que la naturaleza siempre ha estado presente en mi vida –explica–. Y los archivos de Dior están llenos de referencias a detalles botánicos. Para mí, era obvio que debía usar la naturaleza”. Fue un ejercicio espectacular de destreza artesanal y gran impacto visual. Recientemente, ha diseñado una obra para el pabellón francés en la Expo de Osaka en la Manufacture de Sèvres compuesta por piezas de distintos diseñadores, como una especie de patchwork de partes en distintas etapas de producción: cerámicas en bruto, piezas a medio acabar y productos terminados.
Su obra se sitúa así en un territorio híbrido entre arte, diseño y pensamiento crítico materializado en objetos que evocan el pasado, pero con una impronta distintiva y contemporánea.
GIANFRANCO GENTILE DIRECTOR DE PATRIMONIO DE BREITLING
El tiempo recuperado
Recientemente, Gianfranco Gentile presentó el proyecto Rewind, una iniciativa que rescata, restaura y comercializa piezas históricas de Breitling, ofreciendo una garantía de dos años y un significativo valor
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
UNA FORMA SOBRESALIENTE
de celebrar los 140 años de Breitling fue traer este proyecto a México en el marco del Salón Internacional Alta Relojería. Se trata de Rewind, un programa que integra toda la gama de servicios vintage de la firma: adquisición de relojes, certificación de autenticidad y una garantía ofrecida directamente por la marca para el público, coleccionistas y aficionados.
“Ofrecemos piezas 100 % certificadas, originales y cuidadas por la marca, acompañadas de un certificado de patrimonio. Sabemos cómo manejar estos relojes; encajan con nuestro espíritu creativo, nos permiten construir colecciones y, al mismo tiempo, ofrecer a los coleccionistas la oportunidad de adquirir piezas con historia. Unimos modelos conocidos y otros no tan conocidos”, señala Gentile.
El proyecto, añade, “muestra la variedad de la historia de Breitling. Tenemos cientos y cientos de relojes en Suiza y aún no contamos con la gama completa. Vendemos piezas que ya forman parte de la colección para construir un inventario lo más representativo posible”. Gianfranco explica cada reloj con admiración, poniendo especial énfasis en los modelos y
su contexto histórico. Uno de ellos es el Top Time, que recientemente renovó su calibre. “Es importante volver a las raíces de la marca. El Top Time 2002, lanzado en los años sesenta, buscaba una nueva idea de cronógrafo, juvenil y fresco. Willy Breitling decidió proponer al público un reloj con la calidad del cronógrafo Navitimer y eligió como embajador nada menos que a Sean Connery en la película Goldfinger”. Todo un acierto. Fue el propio Breitling quien solicitó que el reloj apareciera en la película de James Bond; además, en el mismo filme también se aprecia un Navitimer. Se trata del primer Breitling en aparecer en la saga de 007. Gentile continúa: “Después del modelo 2002, con carátula panda invertida, se lanzó el modelo 810, con una caja más grande y una estética más deportiva, con tres subcontadores. Los modelos retro siguen siendo una gran fuente de inspiración para la marca”.
Destaca, además, la buena recepción de las colecciones vintage entre las nuevas generaciones. “Acabamos de hacer una venta en la boutique de Masaryk y los jóvenes fueron los más interesados, personas de entre 30 y 35 años. Es una muy buena señal
para el futuro, está garantizado”, afirma con orgullo.
Gianfranco muestra una especial pasión por el Breitling Football Referee Ref. 2734 (1973), un cronómetro diseñado para medir los 45 minutos de cada tiempo de un partido de fútbol, pensado específicamente para árbitros. Una pieza especialmente pertinente en el año del Mundial. La firma también acaba de presentar una versión Lady Premier, inspirada en una edición del siglo XX nacida en los años cincuenta. Premier fue la primera colección de estilo de Breitling, concebida para una Europa que comenzaba a salir de la guerra y miraba al mundo con mayor optimismo.
Al recorrer las colecciones históricas, se obtiene una visión global de la marca y del hilo conductor que ha mantenido viva la pasión por Breitling a lo largo de generaciones. Durante mucho tiempo fue una firma marcadamente masculina, ligada al mundo de la aviación. Sin embargo, desde 2017, con la llegada de Georges Kern, Breitling ha regresado a sus raíces: relojes para hombres y mujeres, una marca de lifestyle dirigida a un público más joven. “Hoy ofrecemos modelos para cada tipo de cliente. Lo que la gente aprecia es la
variedad, un estilo casual, menos riguroso, lo que en Italia llamamos non si prende troppo sul serio (no tomarse demasiado en serio), algo informal y natural. Aunque también seguimos haciendo relojes para pilotos”, explica. “El espíritu deportivo también forma parte de la estética de la marca —nos dice Gianfranco—, pero de una manera cool, como el surf o el mundo de la playa. El espíritu de la aviación permanece en los nuevos modelos de Breitling como emblema de una marca pionera; seguimos produciendo el CoPilot y otros modelos icónicos”. La comunicación entre el equipo de patrimonio y el de innovación es muy estrecha. “Cada vez que se piensa en una
nueva pieza, se recurre a los archivos y a la historia como referencia. Trabajamos en los detalles, las formas y los colores. Cuando se tiene un patrimonio tan vasto, es una oportunidad y también un deber recurrir a él. Somos guardianes de la identidad de la marca”, sentencia.
Aunque se han expuesto piezas en el museo Breitling, este aún no es una institución permanente, sino itinerante. “Queremos que quien visite el taller conozca tanto las novedades como las piezas históricas, pero la idea es que sea un museo itinerante y que las colecciones puedan verse en América y Europa”, apunta. Cuando se le pregunta por un reloj histórico que aprecie, señala una auténti-
ca leyenda: el Chronomat de 1984, creado coincidiendo con el centenario de la marca. “Fue el modelo que salvó a Breitling”, explica. Diseñado para la escuadra italiana de vuelo acrobático y presentado en una amplia variedad de colores, se convirtió en un icono de estilo. Optimista respecto al futuro, Gentile subraya la importancia de crear vínculos con artistas, con la historia y con un compromiso claro con la sostenibilidad. Así, la marca se acerca a los jóvenes, que muestran un creciente entusiasmo por Breitling. Gianfranco define su labor con claridad, basada en el storytelling : “Queremos que la gente conozca la historia de la marca a través de sus historias”.
BENOIT DE CLERCK CEO DE ZENITH
Un punto de llegada y también un nuevo comienzo
Cronógrafos de última generación y cronómetros de alta precisión son el fuerte de Zenith. Su líder nos cuenta sobre la evolución de la firma y sus piezas favoritas.
TEXTO DAVIDE PASONI
CELEBRAR 160 AÑOS de historia no es solo un ejercicio de memoria, sino una oportunidad para reafirmar el rumbo.
Así lo entiende Benoit De Clerck, CEO de Zenith, una de las casas relojeras suizas más longevas, quien define este aniversario como un punto de llegada, pero también como el inicio de una nueva etapa. “Coleccionistas, clientes, socios y prensa: todos han sido parte de este año tan especial, marcado por el lanzamiento de nuevos modelos que han tenido una recepción extraordinaria”, comenta con entusiasmo. Un momento clave para fortalecer el vínculo con el público siempre entusiaste de la firma.
¿Cuáles son hoy las colecciones que mejor desempeño tienen?
Contamos con cuatro grandes pilares. Chronomaster Sport es, sin duda, la colección más sólida de la marca, pero Defy tiene un peso igualmente relevante. Son las dos columnas principales sobre las que se sostiene Zenith. A ello se suma la colección Pilot, que mantiene un desempeño constante en ventas, y la G.F.J., creada como homenaje a nuestro fundador, George Favre-Jacot, y que se agotó por completo en tiempo récord.
Se produjeron únicamente 160 piezas y todas encontraron dueño muy rápidamente. Esto confirma que estamos haciendo las cosas bien y avanzando en la dirección correcta.
Muchos coleccionistas esperan que la G.F.J. no se quede como una edición limitada y pase a formar parte de la colección regular. ¿Es una posibilidad real?
Sí, está previsto que así sea, aunque seguirá siendo una colección exclusiva. El próximo año presentaremos una nueva versión, distinta en color y en el material de la caja respecto a la lanzada este año. No puedo adelantar demasiado, salvo que no será una edición limitada, pero sí se producirá en cantidades muy reducidas. El éxito de las ediciones vinculadas al 160 aniversario ha traído a Zenith muchos nuevos amigos, personas que han querido y adquirido nuestros relojes. Al mismo tiempo —dice entre risas— también nos ha generado algunos “enemigos”, porque fueron muchas más las personas interesadas de las que pudimos atender.
Zenith no suele apostar por un gran número de colaboraciones ni embajadores.
¿Seguirán por ese camino?
Todos los días recibimos propuestas de posibles colaboraciones. Lo primero que evaluamos es si son coherentes con la identidad de la marca y si comparten nuestros valores. Cada alianza debe encajar con la lógica y la estrategia de Zenith. No seguimos una oportunidad solo porque sea atractiva, esté de moda o resulte conveniente económicamente; debe ser relevante para la marca. De lo contrario, simplemente no sucede. Esta filosofía nos permite ser selectivos y elegir con cuidado entre las muchas propuestas que llegan. Las analizamos todas y respondemos a todas, pero nuestro objetivo no es acumular colaboraciones.
¿Hay algún reloj de Zenith por el que tenga una afinidad especial?
Tengo un vínculo especial con la colección Pilot, en particular con el cronógrafo. Me atraen la gran fecha y la caja de cerámica; es un reloj que refleja mucho de mi personalidad. Afortunadamente, tengo el privilegio de poder usar distintos modelos y me gusta alternarlos según la temporada: en verano elijo el Defy Revival, mientras que en invierno prefiero el Defy Skyline Chronograph. Al final, todo depende del momento y del estado de ánimo.
AVANZAR CON ELEGANCIA
Más que un vehículo, Range Rover es una forma de habitar el mundo. Un manifiesto silencioso de liderazgo, sensibilidad y estilo de vida, donde el lujo no se proclama, se vive.
Range Rover, considerado el SUV original de lujo.
TEXTO JUAN CARLOS GUTIÉRREZ
RANGE ROVER PROPONE UN DISEÑO ELEGANTE, EXCLUSIVO DE CONFORT Y BIENESTAR INTEGRAL
DESDE SU ORIGEN, Range Rover entendió que el verdadero lujo no está en el exceso, sino en la claridad. Durante más de cinco décadas, la marca construyó un lenguaje propio que dialoga con quienes se mueven por el mundo con criterio, decisión y una profunda conciencia de su entorno. Range Rover no es un objeto aspiracional pasajero, es una elección consciente que se sostiene en el tiempo.
Hablar de Range Rover es hablar de liderazgo sereno. De esa autoridad que no se anuncia, pero se percibe. Como en la gran arquitectura o en el diseño que trasciende tendencias, todo responde a una visión estructural. La combinación perfecta es proporción, equilibrio y
permanencia. Nada sobra, nada falta. Cada trazo visual y cada espacio interior responden a una idea de orden donde la sofisticación surge de la coherencia, no de la ostentación.
La marca se dirige a quienes entienden que el movimiento es una forma de decisión. Personas que avanzan con dirección clara, sin necesidad de validación externa. Líderes, creadores, exploradores contemporáneos que transitan entre la ciudad, el paisaje natural y los espacios donde se definen ideas de largo plazo. Range Rover acompaña esa manera de vivir sin interferir. No define la identidad de quien lo conduce, la respeta. Existe un romanticismo muy especial en la relación que Range Rover propone
Range Rover, diseñado y construído en el Reino Unido.
RANGE ROVER OFRECE ARQUITECTURA Y DISEÑO QUE TRASCIENDEN EL PASO DEL TIEMPO.
con el entorno. No se trata de dominar el paisaje, sino de comprenderlo. De leer el terreno, adaptarse y fluir con él. Esta visión explica por qué la marca conecta con quienes valoran el tiempo, la durabilidad y la responsabilidad que implica cada elección. Aquí, el lujo no es inmediato, se revela con la experiencia. Range Rover también habla del lujo silencioso. De espacios pensados para la contemplación, para la conversación pausada, para el viaje entendido como experiencia y no solo como trayecto. En un mundo acelerado y saturado de estímulos, la marca propone una pausa elegante, un refugio móvil donde el confort se vive como una forma de bienestar integral.
Esa noción de permanencia es uno de los pilares más sólidos de su ADN. Range Rover no responde a modas ni a gestos efímeros. Su atractivo crece con los años, se consolida con el uso y se reafirma con la memoria. Es una marca que entiende que el verdadero impacto no es inmediato, sino sostenido, que la relevancia se construye con constancia.
Por eso Range Rover no habla de aspiración ni de pertenencia. Habla de criterio. De una forma de liderar con conciencia, de avanzar con integridad y de habitar el lujo desde la reflexión. No busca protagonismo, porque sabe que la elegancia auténtica no lo necesita. rangerover.com/es-mx
EL ARTE DE VIAJAR
Las nuevas exposiciones y proyectos de Massimiliano Gioni entre Milán, Nueva York y Oriente Medio.
TEXTO GIOIA CAROZZI
FOTOGRAFÍA PIERCARLO QUECCHIA
“INTENTO CREAR la exposición que no existe”, dice Massimiliano Gioni, crítico y comisario en instituciones internacionales como el New Museum de Nueva York, el Museo de Qatar y la Fundación Aïshti de Beirut, se refiere (aunque no solo) a Fata Morgana: Memorias de lo Invisible, que expuso en el Palazzo Morando de Milán, comisariada por el crítico junto con Daniel Birnbaum y Marta Papini para la Fundación Trussardi. El título cita el texto de André Breton de 1940 sobre la producción visionaria de artistas desconocidos y mediúmnicos –mediadores entre el mundo físico y espiritual–. La exposición, concebida en colaboración con Béatrice Trussardi, presenta nombres contemporáneos, pero se centra en la pintora sueca Hilma Af Klimt (1862-1944), considerada pionera del arte abstracto de Kandinsky. Al otro lado del Atlático, donde reside, Gioni inaugurará este febrero la gran
exposición “Nuevos Humanos”, que presenta a más de 150 artistas y 20 nuevas obras para el New Museum, la institución de Manhattan que se inaugura tras la renovación del edificio de Bowery Street, diseñado por importantes arquitectos como Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu, de Studio OMA.
¿Es Oriente Medio el nuevo foco artístico?
No sé si los Emiratos Árabes son el futuro, pero hay mucho movimiento y curiosidad; cada uno busca su propia manera de hacer las cosas y definir su propia identidad en el contexto internacional. Trabajo en Doha con la jequesa Al Thani, quien lidera el renacimiento internacional de Qatar con un equipo bien remunerado, íntegramente femenino y multiétnico. Estamos cerca de África; Qatar es una puerta de entrada a Asia, un crisol de culturas.
¿Qué te parece trabajar en Doha?
Al Thani es una persona, no una institución, y cuenta con los recursos de uno de los Estados más ricos del planeta. Ha creado un modelo cultural único, buscando diferenciarse de Abu Dabi, que ha importado marcas culturales occidentales (el Louvre, el Guggenheim), de Scott Rudd / Cortesía del New Museum Sharjah, un pequeño emirato famoso por su bienal internacional, y de Arabia Saudita, que está inventando otras formas de participación, incluyendo una bienal islámica.
¿Es temporal el interés del mundo del arte por África?
No, y lo digo pensando en la próxima Bienal de Venecia, comisariada por Koyo Kouohanche. África es un continente inmenso, un gran fenómeno de descubrimiento; es inevitable que lo tengamos en cuenta.
La Main (la mano), el nombre de la sede parisina de LVMH Métiers d’Art, división dirigida por el CEO Matteo de Rosa (abajo) que reúne y coordina curtidurías, criadores, impresores y fabricantes de componentes metálicos.
Es aquí donde los artesanos se encuentran con diseñadores y compradores no solo del grupo LVMH, sino también de la competencia.
Hablando de descubrimientos, su exposición Fata Morgana: Memorias de lo Invisible.
Es la historia de una dama, Lydia Caprara Morando Attendolo Bolognini (18761945), una filántropa sensible a la literatura esotérica y al ocultismo. Su residencia se ha convertido en un museo dedicado a las costumbres y la memoria histórica de la ciudad. Es un personaje extraño que acecha los fantasmas del siglo XIX.
¿Cómo surgen los proyectos con la Fundación Trussardi?
Exposiciones como la nuestra no se ven en la ciudad; las concibo específicamente para el lugar y las sitúo en un momento histórico específico.
¿Y también Sin título, la instalación de
2004 de Maurizio Cattelan en la Piazza XXIV Maggio que desató mucha controversia?
Maurizio Cattelan no había expuesto en diez años. Luego hubo un momento de debate sobre la inmigración, y ahora sobre la tradición de las mujeres mecenas, artistas visionarias.
La Fundación Trussardi carece de sede...
Nuestra identidad se basa en la transformación, el movimiento, el cambio y la confianza en el público, que solo nos encuentra cuando estamos allí. Ven algo que nunca volverá a suceder, y esto hace que la experiencia sea única.
¿Qué opinas del museo hoy?
Los museos y las exposiciones no te dicen cómo pensar; Son lugares donde se aprende a vivir con situaciones complicadas.
El New Museum está a punto de reabrir. ¿Qué ha cambiado desde 1977?
La responsabilidad es muy diferente. Antes, existían ciertas ideas sobre crecimiento, expansión y progreso: eran aceptadas por todos y más claras. Después de la COVID-19, la idea de construir un palacio para abrir un museo conlleva una responsabilidad completamente nueva. Añadir edificios y seguir construyendo es un voto de confianza en el futuro.
¿Qué opinas de la nueva era estadounidense?
Te responderé como lo hizo Gandhi cuando le preguntaron qué pensaba de la civilización occidental. “Sería una buena idea”. Todavía no se sabe, por ejemplo, si habrá un pabellón estadounidense en la próxima Bienal de Venecia.
UNA PASIÓN COMPARTIDA
El mundo del arte y el fútbol se dan la mano, y por unos meses juegan en la misma cancha bajo la exposición Fútbol y Arte que se exhibe en el Museo Jumex que hace un recorrido por los diferentes encuentros entre el arte contemporáneo y el deporte rey.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
EL FÚTBOL ES una expresión cultural, y lo comprobamos cada cuatro años con los mundiales. No se vive de la misma manera en Suiza, Senegal o Argentina. Es una pasión, pero una pasión compartida que articula lo cultural, lo social y lo estético. En la exposición se presentan cerca de 100 obras de 60 artistas provenientes de 13 países, entre ellos México, Estados Unidos, Francia, Japón y Sudáfrica. El Mundial se vivirá como un momento de euforia, pero también de catarsis y desahogo de conflictos; otros nuevos aflorarán sobre el césped. Se avecina el mayor espectáculo del mundo y arranca en el Estadio Azteca, el primero en inaugurar tres Copas del Mundo en su historia, escenario donde jugaron Pelé y Maradona. El mundo entero compartirá el entusiasmo desde México hasta Canadá; entre fronteras, divisiones, guerras y
conflictos, el rectángulo de juego se convertirá en un territorio común.
La curaduría de la exposición corre a cargo de Guillermo Santamarina, quien señala: “Categóricamente, la cultura visual moderna encuentra su cumbre más refulgente en la red de representaciones y ritos sociales paralelos al juego del balompié. El fútbol es un sistema de imaginación y de información que exhala e inhala la compleja realidad de la especie humana del siglo XXI y, en efecto, sus incalculables emociones”. A través de pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y videos —desde obras históricas hasta piezas producidas especialmente para la exposición—, Fútbol y Arte. Esa misma emoción examina cómo este deporte, más allá de la cancha y el estadio, actúa como un lenguaje común y universal.
La museografía, diseñada por el arquitecto Mauricio Rocha, transforma las galerías del museo para aludir a los elementos simbólicos del fútbol, como el balón, la cancha, las gradas y el estadio. Los núcleos temáticos de Fútbol y Arte. Esa misma emoción abordan cuestiones de género, comunidad, identidad y globalidad, explorando tanto la fuerza lúdica del juego como sus dimensiones críticas y políticas. Para esta exposición, el Museo Jumex comisionó obras a los artistas Diego Berruecos, Iñaki Bonillas y Sofía Echeverri.
En la plaza del Museo Jumex, el colectivo Tercerunquinto presenta Tribunas, una instalación escultórica conformada por gradas con butacas recicladas del Estadio Azteca, concebida como un espacio público y performativo que albergará actividades literarias, musicales, escénicas
Graciela Iturbide Sin título, Ostia, Roma, Italia, 2007. Cortesía de la artista
y transmisiones de partidos durante el periodo de exhibición. La identidad visual de la muestra fue diseñada por el artista Clotilde Jiménez, quien desarrolló una serie de collages inspirados en la energía visual del fútbol.
Con esta exposición, el Museo Jumex reafirma su compromiso con las prácticas artísticas que dialogan con la cultura popular, el deporte y la vida cotidiana. Fútbol y Arte. Esa misma emoción no solo celebra la estética del juego, sino que invita a reflexionar sobre su poder para reunir comunidades, construir imaginarios y trascender fronteras, en un momento en el que el mundo entero se une en torno al balón.
Entre las imágenes que se presentan destaca Política deportiva (2014), de Mauricio Limón, que muestra a un grupo de jóvenes bajo los palos. Rodrigo Moya aporta la obra Jerónimo y su balón (1963), en la que el protagonista lleva el balón
sobre la cabeza a modo de boina. Graciela Iturbide retrata una portería destartalada, con las mallas rotas y un perro vigilante. Desde Argentina, y en vísperas del Mundial de 1978, una artista presenta Mi mundial (1977), una especie de autorretrato con un estadio de fondo. Iñaki Bonillas, por su parte, exhibe My sun one early morn did shine (2025-2026), una obra compuesta por 72 fotografías.
Pero esta exposición no llega sola. Numerosos museos e instituciones de la ciudad se han sumado a la propuesta de vincular arte y fútbol durante el año del Mundial. No se trata de una agenda turística convencional, sino de una invitación a vivir el Mundial más allá de las gradas, uniendo la dimensión estética y cultural al deporte. Entre las instituciones que participan en esta celebración del fútbol y la cultura figuran el Museo Nacional de Antropología, el Museo Franz Mayer, el Museo
Memoria y Tolerancia, Universum, MIDE, el Museo Dolores Olmedo, el Museo Papalote, el Museo Polanco y El Colegio Nacional, entre otros espacios destacados de la capital. En conjunto, conforman un circuito que activará exposiciones, eventos especiales y experiencias inmersivas con el fútbol como protagonista. El Museo Franz Mayer abordará el diseño integral del fútbol, desde la arquitectura hasta los textiles; el Museo Nacional de Antropología presentará fotografías de Annie Leibovitz realizadas entre 1986 y 2026, retratos con balón; mientras que el Museo Papalote propone una aproximación lúdica bajo el lema “Toco, juego, aprendo”, explorando el fútbol desde el aprendizaje y la diversión. El Museo Jumex propone así un recorrido por las gradas, las canchas y el juego desde una perspectiva distinta: otra mirada para un deporte que convoca todas las miradas.
Iñaki Bonillas Detalle de My sun one early morn did shine, 2025 – 2026 Proyecto realizado a partir de 72 fotografías de la Colección y Archivo Fundación Televisa para la exhibición “Fútbol y Arte. Esa misma emoción” Museo Jumex.
Rodrigo Moya Jerónimo y su balón, 1963.
Marta Minujín Mi Mundial, 1977, Cortesía de la artista.
Mauricio Limón Política deportiva, 2014, Cortesía de la artista.
TEMPLOS DEL FUTBOL
La Copa Mundial de la FIFA 2026 será la más ambiciosa de la historia: 16 estadios, tres países anfitriones (Estados Unidos, México y Canadá) y una experiencia que va más allá del fútbol.
TEXTO JUAN CARLOS GUTIÉRREZ
DE ÍCONOS HISTÓRICOS a colosos arquitectónicos, cada sede aporta identidad, diseño y carácter a un torneo pensado para vivirse también como un viaje.
Estados Unidos obstenta el mayor número de sedes y apuesta por la espectacularidad. 11 estadios, muchos de ellos joyas de la NFL adaptadas al fútbol, ofrecerán techos retráctiles y tecnología de vanguardia. El MetLife Stadium, en Nueva York/Nueva Jersey, será el escenario de la gran final y uno de los recintos más imponentes del
torneo, con una capacidad cercana a los 82,500 espectadores y una ubicación estratégica en la capital mediática del mundo. En Dallas, el AT&T Stadium destaca por su arquitectura monumental y su icónica pantalla central, una de las más grandes del planeta, que convierte cada partido en un espectáculo total. Arrowhead Stadium, en Kansas City, es sinónimo de pasión y ruido, famoso por una de las aficiones más intensas de Norteamérica, mientras que el Mercedes-Benz Stadium de Atlanta combina diseño futurista, techo retráctil
En la página anterior, SoFi Stadium en Los Angeles, California Abajo, Mercedes-Benz Stadium en Atlanta, Georgia; y Arrowhead Stadium en Kansas City, Misuri.
y una experiencia premium pensada para grandes citas. El NRG Stadium de Houston ofrece confort climático y versatilidad gracias a su techo móvil. El Lincoln Financial Field de Filadelfia aporta carácter y tradición deportiva; y el Gillette Stadium de Boston conecta al Mundial con una región de fuerte identidad histórica. En la costa oeste, el Levi’s Stadium de San Francisco se distingue por su enfoque tecnológico y sustentable, y el Lumen Field de Seattle es célebre por su acústica y su ambiente ensordecedor. Finalmente, el Hard Rock
Stadium de Miami suma glamour, clima tropical y espíritu festivo, cerrando un circuito de sedes donde cada estadio no solo alberga fútbol, sino que ofrece una experiencia urbana y cultural distinta para los aficionados que recorrerán Estados Unidos siguiendo la Copa del Mundo.
México, por su parte, representa el alma histórica del Mundial. El Estadio Azteca , en la Ciudad de México, es un icono absoluto. Será el único estadio en albergar tres Copas del Mundo y además será sede del partido inaugural
Arriba, Lumen Field en Seattle, Washington; el Trofeo de la Copa Mundial FIFA en el Levi’s Stadium, San Francisco, California.
de 2026 entre México y Sudáfrica tras una profunda renovación que lo prepara para recibir a más de 87 mil aficionados. Guadalajara aporta el Estadio Akron , moderno y funcional, ideal para la fase de grupos. Destaca por su diseño moderno y compacto, con una cercanía al terreno de juego que intensifica la emoción en las gradas y lo convierte en un escenario ideal para vivir el Mundial con energía y ritmo constante, mientras que Monterrey presume el Estadio BBVA , una obra de diseño contemporáneo con vistas a la Sierra Madre y una experiencia premium que redefine la manera de vivir un partido. Este recinto arquitectónico representa uno de los más sofisticados del fútbol en América Latina.
Abajo, Estadio Banorte, conocido como Estadio Azteca, cambiará de nombre durante el Mundial y será conocido como Estadio Ciudad de México; El estadio BBVA en Monterrey.
Arriba, estadio Akron, Guadalajara.
Canadá debutará como anfitrión mundialista con dos sedes que reflejan su visión moderna del deporte. Vancouver recibirá encuentros en el BC Place , con techo retráctil y un equilibrio perfecto entre confort y espectáculo, mientras que Toronto hará lo propio en el BMO Field , un estadio específico de fútbol que promete un ambiente cercano y muy intenso. En conjunto, Estados Unidos, México y Canadá no solo organizan un Mundial, construyen un mapa de destinos donde el fútbol, la arquitectura y la experiencia de viaje se encuentran en su máxima expresión. Lifestyle y deporte unidos de la mano para vivir una de las experiencias más importantes de los últimos años.
Arriba, Estadio BC Place en Vancouver. Abajo BMO Field en Toronto.
SIEMPRE UNA SORPRESA
Seleccionamos algunos regalos para él y ella que serán una excelente inspiración para lograr una emotiva reacción y quizás un emotivo “Te amo”.
PARA ÉL
1. Maleta de cabina con bolsillo Extreme 3.0, Montblanc. Asas de piel y sistema de bloqueo múltiple. Compartimentos con cierre y dos organizadores de viaje.
2. Reloj Bvlgari Aluminium, BVLGARI Caja de aluminio de 40 mm con movimiento automático de 42 horas de reserva de marcha.
3. Chamarra de campo, Brunello Cucinelli. Lana virgen unida a una fina membrana interior protege de viento y lluvia.
4. Gorra Only LV, Louis Vuitton. Fabricada en Italia con iniciales LV tono sobre tono y correa ajustable.
5. Sudadera, Fendi De cashmere. Corte ancho con bolsa de canguro al frente.
6. Sneakers 360 Flexi, Loro Piana. Cocidas en telar tipo punto de lana con agujetas terminadas en cuero.
7. Bufanda, Paul Smith De lana y seda a rayas con flecos.
8. Lentes de sol Pin Panthos, Bottega Veneta. De metal con acabado dorado y terminales insiradas en la silueta de una aleta.
9. Navaja Rescue Tool MW, Victorinox. Contiene una hoja que corta cinturón de seguridad y herramienta para romper ventanas.
10. Barra de sonido Arc Ultra, SONOS. Ofrece Dolby Atmos y mejora de voz mediante IA
PARA ELLA
1. Swisscard Classic, Victorinox. Delgada como una tarjeta. Incluye hoja pequeña, tijeras, lima de uñas, alfiler, pinzas entre otros accesorios.
2. Anillo Tubogas, BVLGARI. Oro amarillo se ha terminado en la técnica Tubogas, bandas flexibles entrelazadas.
3. Rompevientos Fantastic Fendi Future, Fendi Gorro y cordón ajustable. Creado en colaboración con la artista japonesa Aya Takano
4. Reloj Overseas, Vacheron Constantin. Caja de oro rosa en 33 mm. Calibre de cuarzo suizo. Horas, minutos, segundo y fecha.
5. Bata estampada, Dolce & Gabbana Creada en algodón de rizo. Cuenta con dos bolsillos en al cintura.
6. Marco digital, AURA. Carga fotos y videos mediante su app y disfruta de revivir tus momentos. Pantalla HD.
7. Bolso Mini Jodie, Bottega Veneta. Elaborado en piel flexible con motivo Intrecciato con charm de corazón extraíble. Forro piel de becerro.
8. Tarjetero, Louis Vuitton. Celebra 130 años del nacimiento del Monograma LV. Elaborado en Canvas Monograma Origine y forro de piel de becerro.
9. Zapatos planos Sweet Jane, Christian Louboutin Confeccionadas en Italia. Charol beige brillante y dos tiras con hebilla.
10. Pluma fuente Meisterstück Romeo & Juliet Doué Classicque, Montblanc. Cuerpo de marfil y resina. Capuchon con revestimiento en oro con motivo de alas de ángel. Dedicado a “Julieta”.
MOTOR
EDICIÓN ESPECIAL
¿Lo último en lujo? No solo un auto de edición limitada con un rendimiento único, sino también una configuración personalizable.
TEXTO NICOLA D. BONETTI
EL LUJO TAMBIÉN ES LIBERTAD de elección según el gusto, el estilo y el deseo de conducir un vehículo especial o único. Rendimiento o refinamiento, exclusividad o equipamiento personalizado, todoterreno, carretera o listo para la pista: cuatro ejemplos seleccionados por Gentleman, extremos y al extremo, para satisfacer las opciones descritas. Además de satisfacer todos los sentidos. Con el lujo añadido de una configuración personalizada, inspirada en programas con nombres fascinantes: MercedesBenz Manufaktur, BMW Individual, Q by Aston Martin y Audi Exclusive. Comenzamos con el auto que, desde su lanzamiento en 1979, bajo el nombre de Geländewagen, ha evolucionado con absoluta fidelidad al ori -
ginal, evocando un pasado que pocos pueden exhibir con tanta consistencia. Tras la edición limitada Stronger than Diamonds, adornada con diamantes y diseñada como regalo de San Valentín con la frase “Un amor que dura para siempre”, al Mercedes-Benz Clase G le siguen las 460 unidades de la edición Stronger than the 1980s: un homenaje a sus orígenes, desde los tres colores vintage Manufaktur (Verde Agave, Crema y Beige Colorado) hasta los detalles de diseño que destilan el encanto del modelo histórico. El G500 está propulsado por un motor de gasolina de 450 CV y el G450d por un motor diésel de 367 CV.
El BMW M5 Touring es una apuesta segura: 727 CV y 1.000 Nm gracias a un motor V8 con sistema híbrido enchufa-
La exclusividad del estilo vintage y el futuro de las formas con máxima potencia en dos leyendas absolutas germánicas: BMW M5 Touring (arriba).
Mercedes-Benz Clase G Edicion “Más fuerte que el de los años 80” (izquierda).
ble. Una invitación: condúcelo. O, mejor dicho, ponlo a prueba. Con solo mirarlo, seduce con sus líneas agresivas, que, a la vez, quedan parcialmente ocultas por los otros Touring de la Serie 5 (normales), menos llamativos. Emociona al volante, con control de lanzamiento y la opción de desactivar el xDrive, acelerando de 0 a 100 km/h en 3,6 segundos y alcanzando una velocidad máxima de 305 km/h (con M Driver), a la vez que ofrece practicidad con una autonomía de hasta 67 km/h y una velocidad máxima de 140 km/h con batería, y un consumo de combustible de dos litros a los 100 km. El escape deportivo con flaps controlados electrónicamente y el sonido IconicSounds Electric son
EL ASTON MARTIN VALIANT NACIÓ DE UNA PETICIÓN
PERSONAL DEL PILOTO FERNANDO ALONSO.
cautivadores. El Aston Martin Valiant fue desarrollado por Fernando Alonso, quien lo describe así: “Nació de mi pasión por la conducción al límite”.
“Una versión extrema inspirada en los autos de carreras, centrada en la pista, pero capaz de ofrecer experiencias emocionantes en la carretera. Con el equipo Q by Aston Martin, hemos creado una auténtica obra maestra”. El
Sólo 38 ejemplares, a la venta desde 2,4 millones de euros, del Aston Martin Valiant: motor V12 biturbo de 5,2 litros con 745 caballos, caja de cambios manual, suspensión activa.
LA
DECORACIÓN
DEL RS 6 AVANT GT
PRESENTA GRÁFICOS INSPIRADOS EN LA TRADICIÓN DE AUDI SPORT.
Inserciones de carbono en el capó, parachoques específico GT, aletas de fibra de carbono con logotipo GT negro, llantas de 22” con diseño de 6 radios: estilo único para el Audi RS 6
Avant GT
comunicado de marketing acuñó la frase: «Por tus pecados». El Valiant, con escapes de titanio, se ofrece en 38 unidades, con un precio de 2,4 millones de euros. El Audi RS 6 Avant GT es un concepto que va más allá del gran turismo: la máxima expresión de la serie, con un motor V8 biturbo 4.0 TFSI de 630 CV y 850 Nm, transmisión Tiptronic y diferencial central autoblocante avanzado,
acelera de 0 a 100 km/h en 3,3 segundos y alcanza una velocidad máxima de 305 km/h. El rendimiento también se hace patente con la carrocería coloreada con láminas inspiradas en el Audi 90 quattro IMSA GTO, y una producción limitada de 660 unidades. Potente y agresivo, también es más ligero que el RS Performance.
EL ARTE DE REINVENTAR EL FUTURO
Mercedes-Benz celebra en ZⓈONAMACO la creatividad, la innovación y el diseño como lenguajes universales que conectan el lujo automotriz con el arte contemporáneo.
TEXTO JUAN CARLOS GUTIÉRREZ
La artista plástica Karla Rojo de la Vega y su obra Posibilidades
Mercedes-Benz 300 SL afuera del centro clásico en Fellbach.
DESDE 2017, Mercedes-Benz es un patrocinador clave de ZⓈONAMACO consolidando una relación profunda con el arte y la cultura en México. Esta alianza responde a una visión histórica que entiende al arte como un motor de vanguardia y transformación. La marca automotriz alemana refuerza valores que le son inherentes como la sofisticación, la innovación y sobre todo la excelencia, con su objetivo de nuevas audiencias y territorios culturales. La Colección de Arte MercedesBenz, fundada en 1977 y resguardada en el museo de Stuttgart, es hoy una
de las colecciones corporativas más importantes de Europa. A lo largo de décadas, Mercedes-Benz habla a través de movimientos artísticos, ideas disruptivas y nuevas formas de expresión. Arte y autos comparten el objetivo de ir siempre un paso adelante. En esta nueva edición de ZⓈONAMACO 2026, la obra ‘Posibilidades’ de la artista Karla Rojo de la Vega establece un paralelismo elocuente con la esencia de MercedesBenz. El cubo que se pliega, se distorsiona y se expande rompe la rigidez de la forma para abrirse a
Derecha la primera motocicleta de la historia, Daimler Reitwagen y parte del acervo histórico de Mercedes-Benz.
nuevas dimensiones. Cada curva es una alternativa, cada fisura un cambio de lógica. Elaborada en un material frío y duradero que, sin embargo, se transforma, la pieza refleja una idea poderosa. ¿Y cuál es? Sin duda, explica que evolución no es una ruptura, es una metamorfosis consciente.
Esta filosofía se comparte con Mercedes-Benz en sus casi 140 años de historia. Desde la patente del primer automóvil en 1886 por Karl Benz y la visión pionera de Gottlieb Daimler, la marca construyó un auténtico legado. Hoy en día, en plena transición hacia una
movilidad más inteligente y sustentable, Mercedes-Benz continúa este proceso. Tecnologías como la conducción autónoma de nivel 3, la electrificación de modelos emblemáticos y nuevas arquitecturas digitales confirman que su historia es una obra en constante construcción. Como en el arte, su grandeza reside en la capacidad de reinventarse. La ingeniería que inspira, diseño que trasciende y una visión que no solo anticipa el futuro, sino que lo moldea Así entendemos más el eslogan de Mercedes-Benz: “Das Beste oder nichts”, que significa: “Lo mejor o nada”.
Abajo, detalles de la priemera motocicleta de la historia.
NUEVA FACETA
Leo Gassmann es actor y cantante italiano que participará en la edición 2026 del Festival de la canción en San Remo, Italia. Se deja fotografíar para Gentleman con lo más destacado de la temporada.
En la página siguiente: Lateral, gabardina con forro extraíble de lana y algodón, jersey de cuello redondo de cachemira y lana, pantalones de algodón, pasamontañas de cachemira y lana, zapatos de cuero con cordones, todo de Hermès.
En esta página: Leo Gassmann, cantautor y actor italiano, hijo de Alessandro Gassmann y Sabrina Knaflitz, nieta de Vittorio Gassmann. Lleva una gabardina de cuero y un jersey de cuello alto de lana, ambos de Fendi.
En esta página: chaqueta cruzada de lana, L.B.M. 1911; suéter de cashmere con cuello redondo, Fedeli 1934; denim de cuero, Tod’s; bufanda de cashmere, Alanui
En la página opuesta gabardina de doble cara, L’impermeabile; camisa de algodón, Xacus; jersey de lana, Kiton; pantalones de algodón, Slowear; zapatos con cordones, Sebago.
En esta página: Abrigo cruzado de cashmere y lana con cuello de piel de oveja, suéter de cashmere con cuello en V, pantalones de lana, todo de Zegna
Página opuesta: abrigo de tweed de espiga, saco Príncipe de Gales con bolsillos de parche, cuello alto de lana y pantalones de lana con cinturones laterales, todos de Polo by Ralph Lauren; zapatos con cordones de cuero y ante, de Doucal’s
En la página opuesta: Chaleco de lana con aplicaciones, abrigo de lana con cuello de piel sintética, pantalones con tiras laterales de lana, botas militares de piel con cordones, todo de Dolce&Gabbana.
En esta página: Abrigo de alpaca bebé con cinturón y botonadura sencilla, Canali; suéter de cuello alto de lana, Blauer; gafas de sol, Police
En esta página, un saco cruzado de cashmere de Brunello Cucinelli ; un suéter de lana de Roy Roger’s
Página opuesta: abrigo cruzado en tejido técnico con capucha doble Gore-Tex®, suéter de corte alto de lana cardada, ambos de Moncler Grenoble; pantalones de lana, Briglia 1949; botines con cordones Gommino, Tod’s.
El bisel, las asas y el fondo de la caja presentan un grabado champlevé en forma de ola al estilo helénico. Los diamantes, por su parte, se sitúan en el bisel.
UNA ESTRELLA EN EL FIRMAMENTO RELOJERO
Les Cabinotiers Tourbillon Armilar–El Mito de las Pléyades es una nueva demostración del saber hacer de Vacheron Constantin. Pero, además, hay que considerarlo como una excepcional expresión del arte relojero.
LA OBSERVACIÓN DE LAS ESTRELLAS, del ciclo de las estaciones y la alternancia del día y la noche siempre ha despertado la curiosidad humana. Vacheron ha creado a lo largo de su historia relojes que han incidido en esta complejidad y ahora, en su aniversario, lo traduce en una pieza única, Les Cabinotiers Tourbillon Armilar–El Mito de las Pléyades, que hace referencia a las siete hermanas de la mitología griega que se transformaron en estrellas en la constelación de Tauro y sirvieron como punto de referencia vital para los marineros en la Antigüedad. Esta creación, encuadrada en la nueva serie de Les Cabinotiers llamada La Quête en honor al 270 Aniversario de la maison, está realizada en oro rosa. Totalmente grabada con diamantes engastados en los lados de la caja y esculpida con una caja en bajorrelieve, rinde homenaje al mito.
En el interior, se halla el Calibre 1990; de cuerda manual, está protegido por cuatro patentes, con un tourbillon armilar biaxial e indicación retrógrada de las horas y los minutos. La primera de ellas es el sistema retrógrado instantáneo, controlado por la leva de los minutos; la segunda se sitúa en el collarín de la rueda de escape, que asegura el extremo interior de la espiral y que ha sido realizado en titanio, compatible con los componentes del órgano regulador y que facilita un isocronismo óptimo. La tercera patente se refiera a la arquitectura de las jaulas del tourbillon que, al rotar, forman un patrón de Cruz de Malta cada 15 segundos. Cierra las innovaciones la palanca de titanio con paletas de diamante, que garantiza una mayor resistencia al desgaste y mejor fricción. Otros elementos llamativos son las agujas, para las que se eligió también el titanio. Además, la indicación retrógrada
de la hora se presenta en una escala semicircular marcada con números romanos para las horas y números árabes para los minutos.
La disposición de la esfera deja el lado izquierdo para el tourbillon armilar. Este ballet mecánico, animado por dos ejes de rotación, se muestra bajo una cúpula en el cristal de zafiro a las 9 horas. El tourbillon está equipado con un muelle con espiral esférica. Inventada por Jacques-Frédéric Houriet en 1814, este tipo de espiral no tiene curvas terminales. Por lo que respecta al grabado, se han invertido 450 horas en su ejecución, Está inspirado en la investigación del astrónomo Johannes Hevel (1611-1687), que elaboró uno de los primeros atlas precisos de las estrellas. Un detalle más: la posición de los 10 diamantes que representan las Pléyades está a la altura exacta de las estrellas. vacheron-constantin.com
TEXTO RICARDO BALBONTÍN
GEOMETRÍA PERFECTA
Cartier presenta una nueva interpretación de su Tank Louis Cartier con la presencia del calibre automático 1899 MC y un mayor tamaño.
TEXTO RICARDO BALBONTÍN
EL TIEMPO HA CONVERTIDO EL diseño del Tank —ese inspirado en un tanque militar visto desde arriba— en uno de los elementos definitorios del estilo Cartier. Porque aquella idea inicial del creador incluía ya detalles avanzados como la integración entre caja y brazalete, con unas asas que facilitaban la transición entre uno y otro elemento sin interrupciones. Y por supuesto, es un paso más en ese objetivo, planteado por Louis Cartier desde los albores del siglo XX, de buscar una forma que introduzca el círculo de las horas en la línea del brazalete.
El Tank se convirtió de este modo en uno de los mejores ejemplos de reloj que se anticipó a conceptos mucho más contemporáneos, al tiempo que avanzaba el estilo
Cartier. Era el año 1917, y entonces tampoco se podía adivinar no solo su longevidad, sino también su capacidad para reinventarse. Una de sus propuestas evolucionadas fue precisamente el Tank Louis Cartier, cuya primera aparición en escena se produce en 1922. Heredero del Tank original, también conocido como Tank Normale, Louis Cartier reinterpretó su forma solo cinco años después de su nacimiento. El resultado es que su caja se alarga, el armazón se estilizan y los ángulos se suavizan... o lo que es lo mismo, se impone una estética de forma rectangular. Como bien explica Pierre Rainero, director de Imagen, Estilo y Patrimonio de la maison, “en 1917, Louis Cartier diseñó el primer reloj Tank con un rigor geométrico muy
Arriba: Los códigos Cartier están como siempre muy definidos en la esfera, en este caso plateada, con esa minutería ferrocarril, los números romanos o las agujas tipo espada de acero azulado. Esta versión de oro amarillo luce correa de piel de aligátor semimate gris.
inusual para su época. Cinco años más tarde, nació el Tank Louis Cartier, con una esfera más alargada y rectangular y unas angarillas con los extremos redondeados. Gracias a su elegancia y diseño depurado —añade—, el Tank Louis Cartier ha llegado a nuestros días con gran naturalidad, propia de un icono atemporal”.
Y estas nuevas piezas que ahora presenta Cartier son un fiel testimonio de todo ello; de que su potencial creativo parece inagotable y de que, además, subsiste un principio de elegancia que siempre hace acto de presencia. Son esos detalles que nunca han perdido vigencia en la creación en los que se basa Cartier para ofrecer una versión de tamaño grande equipada con un movimiento mecánico manufactura de carga automática de nueva generación. Integrado con las líneas y las proporciones del Tank, el movimiento 1899 MC permite aumentar el tamaño del Tank Louis Cartier, que se encuentra disponible en caja de oro rosa o amarillo.
Este clásico de la maison, de estilo inimitable y uno de los preferidos de los aficionados, conserva todas las
señas de identidad de la colección: desde la minutería ferrocarril a los números romanos; desde las angarillas paralelas a las agujas de acero azulado en forma de espada, y esa corona de cuerda perlada engastada, según los modelos, con un zafiro o un rubí cabujón o incluso un diamante con pabellón invertido. Volviendo a la historia del reloj Tank, hay que decir que, aunque su desarrollo fue datado en 1917, hubo que esperar hasta 1919 para que se comercializara de forma efectiva. Entre el 15 de noviembre y el 26 de diciembre de 1919, seis unidades entraron a formar parte del inventario y, el 17 de enero del año siguiente, ya no quedaba ninguna. Un éxito que ha seguido a lo largo de su historia, en sus distintas evoluciones que no son otra cosa que el continuo ejercicio de la marca en materia de estilo. Ahí están la llegada primero del Tank Cintrée, al que seguirían el Tank Chinoise, el Tank Asymétrique, el Tank Américaine, el Tank Française; y, más recientemente, el reloj Tank Must, que tiene su versión fotovoltaica, con el movimiento SolarBeatTM. cartier.mx
Sobre estas líneas, la versión en oro rosa de Tank Louis Cartier. Con la carátula plateada y manecillas de acero azulado en forma de espada, se termina con una correa de piel de aligátor semimate marrón.
Tudor 1926 Luna con carátula color champagne con caja de 39 mm y brazalete de siete eslabones en acero.
EN FASE LUNAR
En tres versiones bajo la colección 1926 la firma Tudor presenta, por primera vez, una complicación de fases lunares.
TEXTO IZASKUN ESQUINCA
POR PRIMERA VEZ desde su fundación en 1926, TUDOR introduce en su colección una de las complicaciones más poéticas de la relojería clásica: las fases lunares. Lo hace dentro de la familia 1926, una línea que encarna con precisión el ADN más elegante y atemporal de la casa, y que hoy se convierte en el punto de partida de un nuevo capítulo técnico y estético para la firma suiza. El lanzamiento del TUDOR 1926 Luna no es casual. Inspirado por el simbolismo de la luna en la cultura oriental —donde representa unión, armonía y plenitud—, este guardatiempo llega como una pieza cargada de significado, pero también de rigor relojero. Una complicación ancestral reinterpretada con la sobriedad contemporánea que caracteriza a la firma. Aunque TUDOR ha construido su reputación sobre relojes herramienta, la introducción de las fases lunares marca un giro refinado dentro de su catálogo. El indicador lunar, ubicado a las 6 horas, se integra con naturalidad en la carátula abombada del 1926, demostrando que funcionalidad y poesía pueden convivir en un mismo diseño.
La elección de la línea 1926 no es fortuita. Nombrada en honor al año en que Hans Wilsdorf registró por primera vez “The Tudor”, esta colección representa los valores fundacionales de la marca: belleza, fiabilidad y valor relojero. La llegada de está complicación lunar, sin duda, enriquece sus colecciones.
El TUDOR 1926 Luna se presenta en tres versiones: carátula azul satinada con efecto rayos de sol, una opción elegante y contemporánea. La segunda se ha terminado en carátula negra, la más clásica y sobria, donde la fase lunar destaca con discreción y por último una opción con carátula color champagne, nuestra versión favorita, con un disco lunar dorado que evoca una luna velada por la noche, creando un juego visual de gran profundidad estética. Todas las versiones se alojan en una caja de acero de 39 mm, y hermeticidad garantizada hasta 100 metros.
En el corazón del 1926 Luna late el calibre TUDOR T607-9, un movimiento mecánico de cuerda automática, desarrollado en Suiza y ajustado conforme a estándares cronométricos de alto nivel.
Además, este calibre que incorpora el cálculo del ciclo lunar de aproximadamente 29.5 días, una de las complicaciones más complejas desde el punto de vista conceptual, ya que opera en paralelo a la división convencional del tiempo. El conjunto se completa con un brazalete de acero de siete eslabones, con alternancia de acabados satinados y pulidos, diseñado para adaptarse con naturalidad a la muñeca y reforzar la vocación cotidiana del reloj. Cristal de zafiro, corona a rosca con la rosa
de TUDOR en relieve y una legibilidad impecable terminan de definir una pieza equilibrada y coherente. Este nuevo guardatiempos de TUDOR demuestra que incluso una firma reconocida por su espíritu audaz y deportivo puede rendirse —con absoluta legitimidad— a la belleza de las fases lunares. Una pieza que no solo marca las horas, sino que recuerda que el tiempo también se mide en ciclos, emociones y tradiciones. tudorwatch.com
Esta es la primera vez que Tudor utilza la complicaicón de fases lunares y lo logra por medio del calibre T 607-9 que ofrece reserva de marcha de 38 horas.
LA HORA EXACTA
Regala el mejor guardatiempos. Preparamos para ti esta selección con las piezas perfectas para el y ella. Todas excepcionales.
TEXTO DAVIDE PASSONI
PARA ÉL
1. El Wild ONE 42 mm Meteorite Special Edition de Norqain presenta una distintiva carátula de meteorito de hierro, lo que hace que cada pieza sea única. 2. Frederique Constant introduce la fase lunar en la línea Classic Carrée con el Automatic Moonphase, un clásico de la Maison. 3. Con el Big Bang Titanium Grey Ahmed Seddiqi 75th Anniversary, Hublot rinde homenaje al minorista Ahmed Seddiqi & Sons, socio de la marca en los Emiratos. 4. De Jaeger-LeCoultre, una nueva versión del Master Control Calendar con una carátula granulada en dos tonos de gris, que recuerda a las carátulas sectoriales de mediados del siglo XX. 5. Solo 100 ejemplares del Geosphere Calendario Anual 1858 de Montblanc con un nuevo movimiento de cuerda manual de la manufactura Minerva, calendario anual, fecha grande y función de hora mundial.
1. El Patek Philippe Gondolo Serata Zebra está inspirado en la referencia 5738/50G023 Golden Ellipse y presenta una carátula de cristal de zafiro grabada y barnizada por ambos lados. 2. El Rolex Oyster Perpetual Lady-Datejust 28, con brazalete Jubilee, combina elegancia y deportividad.
3. Vestido en azul Chanel, el J12 sigue siendo uno de los relojes más populares de la Maison por su combinación de audacia y sobriedad. 4. La colección PrimaLuna fue un punto de interés para Longines en 2025, también en la versión con índices de diamantes y carátula de madre perla.
5. El Louis Vuitton Monterey evoca el reloj diseñado para la Maison por Gae Aulenti en la década de 1980, que se ha convertido en un objeto de culto.
PARA ELLA
NIEVE POR SIEMPRE
Entre hoteles históricos, paisajes monumentales y algunas de las mejores pistas de esquí del mundo. Alberta, Canadá es el destino que necesitas visitar en este momento.
TEXTO IZASKUN ESQUINCA HERNÁNDEZ FOTOGRAFÍA D.R.
Cerca de Calgary existen muchos sitios considerados Patrimonio Mundial por la UNESCO como los parques de las Montañas Rocosas.
“LA TEMPORADA DE NIEVE se puede extender hasta mayo” es una frase que se repite en cada una de nuestras cenas. Y no es exageración. Estamos en Alberta, Canadá, para descubrir de primera mano la aventura de la nieve. Esta provincia canadiense se destaca por estar rodeada de las famosas Montañas Rocosas Canadienses; si no las recuerdas, echa un vistazo a la serie The Last of Us: en uno de sus episodios se puede ver Canmore, uno de los poblados que visitamos en este recorrido. Desde la vibrante Calgary, conocida como The Blue Sky City, con una oferta cultural que incluye el Studio Bell, hogar del Centro Nacional de Música, con tesoros musicales dignos de descubrirse. Pasando por Lake Louise, que te da la oportunidad de caminar sobre un lago totalmente congelado y contemplar la grandeza del glaciar Victoria, que alimenta el lago.
La nieve es el máximo espectáculo y un obligado a conocer en nuestra vida. Desde solo caminar sobre ella hasta la adrenalina de esquiar, tanto en Lake Louise como en Banff; aunque, si eres de los que les gusta la velocidad, también hay opción para practicar snowboard. Nuestra montaña favorita fue Banff Sunshine. Descubre en esta lista un itinerario completo para que no te pierdas este gran destino invernal que, como nos lo han dicho, se extiende por poco más de cinco meses. A disfrutar de la nieve en cualquier momento.
CALGARY · 48 HORAS
FAIRMONT PALLISER
En pleno centro de la ciudad, este hotel icónico —con más de 110 años de historia— permite descubrir Calgary a pie. Sus 407 habitaciones, recientemente renovadas, combinan tradición y confort. A solo unos pasos se alza la Calgary Tower: 191 metros de altura y un observatorio 360 que regala vistas absolutas de la ciudad. El piso de cristal es apto solo para valientes.
CALGARY STAMPEDE’S SAM CENTRE
Un espacio inmersivo que narra la historia del Stampede, el rodeo al aire libre más grande del mundo. Durante 10 días, Calgary se transforma, y este centro captura su espíritu a través de experiencias virtuales, exposiciones y un museo lleno de parafernalia histórica.
Arriba la impresionante vista de Banff Sunshine Village, que durante la temporada de nieve alcanza hasta 9 metros de nieve. Abajo, la vista desde Banff Gondola a 987 metros de altura en la montaña.
STUDIO BELL
Cinco pisos dedicados a la música canadiense y su impacto global. De Bryan Adams a Joni Mitchell, de Alanis Morissette a Justin Bieber. Destacan piezas únicas como el sintetizador TONTO, usado por Stevie Wonder, o el legendario estudio móvil de The Rolling Stones, que también grabó a The Who y Carlos Santana. Un imprescindible para melómanos.
ALBERTA FOOD TOURS
La gastronomía se descubre mejor caminando. De la mano de Karen Anderson, autora de Eat Alberta First, estos recorridos exploran restaurantes y cafeterías innovadoras en Calgary y se extienden hasta Canmore, Banff y Edmonton.
Izquierda, MT. Standish, se alza a 2,398 metros y es parte de las zonas de ski y snowboard en Banff
Sunshine Village Abajo, Vista de Lakeview Lounge de Fairmont Chateau Lake Louise.
CANMORE · 24 HORAS
THE MALCOLM HOTEL
Un refugio contemporáneo con 124 habitaciones y vistas directas a las montañas de Spring Creek. A pasos de la calle principal, entre tiendas locales, galerías y cervecerías artesanales como The Grizzly Paw Brewery. Imperdible una visita a Carter-Ryan Gallery para descubrir a los artistas contemporáneos de la región.
SAUVAGE
Bajo la dirección de la chef Tracey Little, este restaurante eleva los ingredientes locales con técnicas refinadas. El menú degustación es la mejor manera de entender su propuesta. Atención especial a la trucha de Haida Gwaii y la panceta de jabalí. Sus cocteles sin alcohol sorprenden: no notarás la diferencia.
LAKE LOUISE · 48 HORAS
FAIRMONT CHÂTEAU LAKE LOUISE
Dentro del Parque Nacional de Banff, este ícono ofrece 539 habitaciones con vistas directas al lago y a las Rocosas Canadienses. La experiencia Fairmont Gold suma privacidad y atención personalizada. El renovado spa Basin es parada obligada: el ritual Aufguss, de origen nórdico, combina vapor, aceites esenciales y una profunda sensación de relajación.
LAKE LOUISE SKI RESORT
Más de 1,680 hectáreas para esquiar, hacer snowboard o caminar entre paisajes que parecen irreales. Ideal para todos los niveles.
BASIN Glacial Waters en Fairmont Chateau
Lake Louise ofrecen vistas del paisaje montañoso.
Si es tu primera vez, un instructor marca la diferencia y transforma la experiencia.
KUMA YAMA
Después de una jornada intensa en la montaña, la recompensa llega en forma de sopa miso, ramen humeante, nigiri y sushi fresco. Cocina japonesa reconfortante en el corazón de la nieve.
BANFF · 48 HORAS
FAIRMONT BANFF SPRINGS
Con historia desde 1888 y una estrella Michelin, este hotel es una institución. Ubicado dentro del Parque Nacional de Banff, ofrece golf de 27 hoyos, múltiples restaurantes y un domo 360 con vistas espectaculares. Fairmont Gold vuelve a ser una opción que eleva la estancia.
BANFF GONDOLA
A 987 metros sobre la localidad, esta góndola ofrece una de las vistas más impresionantes de las Rocosas. En la cima, exposiciones sobre la fauna local, restaurantes y la posibilidad de simplemente contemplar el paisaje con un coctel en mano.
BANFF SUNSHINE VILLAGE
A solo 15 minutos del pueblo, este santuario del esquí forma parte del trío legendario junto a Lake Louise y Mt. Norquay. Aquí es posible esquiar entre dos provincias: Alberta y Columbia Británica. Durante la temporada, la nieve alcanza hasta nueve metros de altura. Sí, nueve. Nuestra montaña favorita, sin discusión.
A VOLAR
Para llegar a Alberta, WestJet ofrece rutas México-Calgary y Guadalajara-Calgary, con cinco vuelos semanales a bordo de un cómodo Boeing 737 MAX 8. El trayecto dura aproximadamente 5 horas y 30 minutos.
CREACIÓN A SORBOS COMPARTIDOS
En Casa Dragones, el arte y el tequila comparten una misma noción de paciencia, oficio y profundidad cultural.
TEXTO KIRA ALVAREZ BUENO
DURANTE LA MÁS RECIENTE semana del arte en Miami, la ciudad se transforma en una extensión del circuito global del arte contemporáneo, Casa Dragones vuelve a ocupar un lugar que le resulta natural. No como un patrocinador que observa desde la periferia, sino como un actor cultural que entiende el arte no como ornamento, sino como lenguaje compartido. El contexto es Art Basel Miami Beach, el punto de encuentro donde coleccionistas, artistas, curadores y marcas dialogan en un mismo pulso, y donde Bertha González Nieves, cofundadora y CEO de Casa Dragones, se mueve con la soltura de quien lleva más de una década construyendo relaciones desde la afinidad genuina y no desde la estrategia oportunista. “Yo creo que el proceso de creación no tiene categoría ni industria”, dice. “El proceso creativo es algo muy libre, no tiene reglas ni formatos”.
Esa idea —la creación como un territorio sin fronteras— atraviesa tanto su visión del tequila como su acercamiento al arte contemporáneo. Casa Dragones nació en 2009 con
A un lado, Gonzalo Lebrija, Bertha González Nieves, José Davila.
Abajo, el artista visual Petrit Halilaj.
A un lado, un momento de la celebración de 10 años de colaboración con Gabriel Orozco.
Abajo, ánfora Samurai Tree Invariants de bolsillo creada por Orozco para Casa Dragones.
una premisa clara: replantear el tequila como un objeto cultural, no solo como un destilado. Desde entonces, su aproximación ha sido la misma con la que dialoga con los artistas: respeto por el proceso, atención al detalle y una convicción profunda de que la excelencia se construye desde la artesanía y la paciencia. “Como emprendedores, siempre estamos buscando inspiración en todas las áreas: arte, música, diseño. Eso es parte del camino”, explica González Nieves. “Buscar inspiración en
todo lo que haces es una parte fundamental de ser emprendedor”.
Hablar de Casa Dragones es, inevitablemente, hablar de México. No como concepto abstracto ni como cliché exportable, sino como una identidad compleja, profunda y viva. “La cultura mexicana es nuestro centro de inspiración. Es la gasolina que llevamos en el corazón”, afirma. “Nosotros vendemos México en todo lo que hacemos. Queremos que la gente que toque nuestro producto vea ese México que
nosotros tenemos en el corazón, el México que admiramos, el México en el que crecimos”. En su discurso, México no es solo origen, es responsabilidad. Representar al tequila —un destilado que condensa siglos de historia, desde el pulque prehispánico hasta la destilación introducida por los españoles— implica una conciencia clara del lugar que ocupa en la narrativa global. “Cuando me preguntan a qué me dedico, siempre digo que me dedico a vender México. Mi México, embotellado”.
ARTE + TRAGOS
Esa noción de representación cultural es la que explica por qué el vínculo de Casa Dragones con el arte no se limita a una presencia anual en ferias, sino que se manifiesta en colaboraciones profundas y sostenidas. Desde 2012, cuando la casa realizó su primera edición de artista con Gabriel Orozco, la relación entre el tequila y el arte contemporáneo se volvió parte estructural de su ADN. Aquella colaboración, que coincidió con la retrospectiva de Orozco en instituciones como MoMA, Tate Modern y Centre Pompidou, no fue concebida como una edición conmemorativa, sino como un diálogo entre dos procesos creativos. Las botellas grabadas con el motivo Black Kites condensaban una idea compartida: la repetición como forma de pensamiento, la precisión como gesto poético.
Para González Nieves, sin embargo, las colaboraciones no se jerarquizan. “Todas las colaboraciones son interpretaciones y posibilidades de crecimiento”, dice. “No es una o la otra. Cada una contribuye a nuestro crecimiento”. Esa visión se refleja en el modo en que
Izquierda, Bertha González Nieves, cofundadora y CEO de Casa Dragones y el artista Gabriel Orozco. Abajo una de las botellas creadas en colaboración con el artista.
habla de Danh Vo, Pedro Reyes o Petrit Halilaj. En cada caso, el punto de partida no es el prestigio institucional del artista, sino la conexión humana. “Es un tema de amistad, de algo orgánico”, explica. “Como con Gabriel. Muchas ideas nacen de momentos compartidos, no de briefings”.
Uno de esos momentos se convirtió en objeto. La pequeña pachita –anfora– diseñada junto a Orozco — pensada para caber en bolsos, sacos y jeans— nació, según cuenta, en una fiesta. “Gabriel me dijo: ¿Y si hacemos una pachita juntos?”, recuerda. “Y nos pusimos a buscar la pachita perfecta. Algo que pudiera llevar Casa Dragones a todas las fiestas”. El resultado no fue solo un objeto funcional, sino una extensión del espíritu de la marca: portátil, íntimo, casi secreto.
Ese mismo espíritu atraviesa la colaboración más reciente con Halilaj, presentada durante el 15 aniversario de Casa Dragones. La edición, limitada a 500 botellas, coincide con la comisión del artista en el Roof Garden del Metropolitan Museum of Art y traslada
al cristal de la botella uno de sus motivos más recurrentes: las “bourgeois hens”, gallinas que funcionan como metáfora de identidad, desplazamiento y memoria. “Nos conocimos en Venecia”, dice González Nieves. “Y se dio una relación que le permitió a Petrit tener la libertad total de expresarse”. La libertad, insiste, es condición indispensable para cualquier colaboración auténtica.
Durante Art Basel Miami Beach, esa filosofía se materializa en experiencias que van más allá del objeto. Casa Dragones no solo es el tequila exclusivo servido en la feria; es también el espacio donde el arte se bebe, se conversa y se comparte. El Tasting Room dentro del Collectors Lounge —diseñado en distintas ediciones por arquitectas como Tatiana Bilbao y Gloria Cortina— funciona como un dispositivo cultural. No es un bar, es un lugar de sobremesa, de pausa, de intercambio. “La sobremesa es donde sucede todo”, explica González Nieves. “Ahí es donde se construye comunidad”.
La colaboración con Tatiana Bilbao, en particular, sintetiza muchos de los
Izquierda, Bar credo en colaboración con la arquitecta Tatiana Bilbao, durante Art Basel 2023.
Abajo, la arquitecta mexicana Tatiana Bilbao y Ana Bertha González Nieves.
valores que Casa Dragones busca proyectar: sostenibilidad, materialidad, arquitectura como experiencia sensorial. El icónico candelabro de botellas recicladas —producido en México y transportado a Estados Unidos— no es solo un gesto visual. “Sonaba como una idea completamente loca”, admite. “Pero se creó la infraestructura perfecta para vestir la experiencia”. El resultado es un objeto que flota entre la escultura y la arquitectura, y que vuelve tangible la idea de que el diseño también puede ser hospitalidad.
A ese ecosistema se suma la serie Art-Tender, donde artistas y figuras del mundo del arte se convierten en mixólogos por un día. No se trata de celebridades detrás de la barra, sino de un ejercicio de traducción creativa. Cada cóctel es una extensión de la práctica del artista, una forma líquida de su imaginario. “Cada colaboración nos da la oportunidad de aprender, de crecer y de crear nuevas experiencias del gusto”, dice González Nieves. El tequila, en ese contexto, deja de ser acompañamiento y se vuelve medio.
Lo que distingue a Casa Dragones en el panorama del lujo contemporáneo es justamente esa coherencia. No hay un discurso para el arte y otro para el producto. Todo responde a la misma lógica: excelencia sin estridencia, profundidad sin nostalgia. “Los desafíos siempre son oportunidades de crecimiento”, afirma González Nieves. “Yo no colecciono desafíos pasados. Una vez que domas uno, ya tienes otro enfrente”. Esa mentalidad —más cercana al proceso artístico que al corporativo— explica por qué Casa Dragones ha logrado insertarse en el mundo del arte sin diluirse ni impostar un lenguaje ajeno.
Cuando se le pregunta por artistas con los que aún no ha colaborado, responde con una sonrisa. “Tengo más ideas que vida”, dice. La frase no suena a ambición desmedida, sino a curiosidad intacta. En un contexto donde muchas marcas buscan legitimidad cultural a través del arte, Casa Dragones parece operar desde otro lugar: el de quien entiende que la creación, como el tequila bien hecho, requiere tiempo, escucha y una relación honesta con el origen.
UN SIGLO DE BUENAS COSECHAS
Una tierra fértil de arcilla y cal, bañada por el río Ebro es el escenario de uno de los grandes paraísos del vino desde hace cien años: La Rioja.
CON UNAS CONDICIONES excepcionales para el cultivo de la vid, esta tierra milenaria es el origen de una gran diversidad de vinos que hoy son un referente a nivel mundial. Vecinos de un país vitivinícola, Francia pronto supieron dar al vino el valor y el rigor que necesitaba. Los restos arqueológicos y vestigios de antiguas bodegas que datan de hace más de dos mil años testifican las profundas raíces de Rioja en la historia del vino. Es una historia de coraje, de determinación y de búsqueda de la excelencia, Rioja fue la región que introdujo el concepto de vinos de calidad, lo que supuso toda una transformación en su momento. A ello le siguieron otras innovaciones clave, como la creación de la Estación Enológica de Haro en 1864, la llegada del ferrocarril en 1892 o la introducción de las técnicas de bodegueros franceses quienes, huyendo de la plaga de la filoxera, permitieron el
Poco más de dos mil años de historia, entre restos arqueológicos y antiguas bodegas, han pavimentado el camino de La Rioja
Marqués de Murrieta y Marqués de Riscal son parte del legado vitivinícola de la zona de La Rioja.
veloz avance de los vinos de “calidad ordinaria” a “vinos finos”, especializados en crianza en barrica.
La creciente reputación de un producto estrechamente identificado con su origen desembocó en la necesidad de viticultores y bodegueros riojanos de proteger la marca, dando lugar al reconocimiento en 1925 de Rioja, la primera Denominación de Origen de España. Su decidida apuesta por la regulación continuó evolucionando hasta recibir el reconocimiento de Calificada en 1991 la primera en obtener este título, que le posiciona como una de las Denominaciones de Origen del mundo que mayores garantías ofrece a los consumidores con respecto a la calidad y autenticidad de sus vinos. Desde entonces el rigor ha dominado el cuidado de estos viñedos. Aquí contemplamos bodegas que fundan La Rioja por su prestigio y calidad como Marqués de Murrieta y Marqués
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
de Riscal. Sus bodegas son auténticos museos del vino. Pero su tradición se une a la innovación y están creando vinos que asombran al mundo, desde blancos de guarda hasta vinos sin alcohol, por no hablar de etiquetas con 100 puntos Parker. La sostenibilidad también guía la nueva etapa de Rioja, ahí están los vinos de Beronia reconocida como la bodega más sostenible del mundo. El enoturismo es otro atractivo de la región que acerca el vino a los más jóvenes, cerca de un millón de personas ya visitan la Rioja, para vivir la experiencia del vino junto a las cepas, las bodegas centenarias o pueblos medievales, arquitectura contemporánea como el hotel de Frank Gehry en Marqués de Riscal, con spa de vino o ciudades monumento nacional como La Guardia, calificado como el mejor municipio enoturístico de España. Las cifras de esta Denominación de Origen, una de las más prestigiosas
del mundo, son asombrosas, en 2024 se comercializaron 328, 461, 466 botellas de vino de Rioja en el mundo, 899.894 botellas al día, 37, 500 botellas de Rioja se consumen cada hora.
Otra fecha importante en la D.O es 1991 En este año se concede el carácter de Calificada , el escalón más alto de la pirámide, a la Denominación de Origen Rioja, la primera de España en obtenerlo. En total La Rioja alberga cerca de 600 bodegas que ofrecen al mundo un vino de rigurosa calidad, que responde al legado centenario de sus viñedos, pero crece con nuevas propuestas como los espumosos de calidad, novedades de blanco y tecnología que les permita mantener el liderazgo mundial en la industria del vino con un sello de calidad.
En los orígenes en 1867 la aparición de la filoxera en Francia, Portugal e Italia. Durante 20 años, el incremento de la demanda provoca un
aumento del viñedo en La Rioja hasta 55.174 hectáreas, con una producción de aproximadamente 129 millones de litros. Unas décadas después, en 1907 dieciséis bodegas fundan en Haro el primer Sindicato de Exportadores de Vinos de La Rioja. En 1925 ya nace como la primera denominación de origen de España.
Poco a poco primero familias, luego grandes empresas van dinamizando la industria, hasta las cifras de ahora. En los años 80 se hace un control de añadas, de crianzas, reservas y grandes reservas. La calidad es el denominador común y el rigor para merecer el respeto internacional. Hoy celebra su primer siglo con el prestigio de ser una de las regiones con mejores vinos del mundo. Ajenos a modas o tendencias, Rioja apuesta por la calidad que dan sus propias uvas, en una tierra bendecida para el vino. riojawine.com
GASTRONOMÍA
En estas imágenes Mesón Panza Verde un hotel boutique con excelencia gastronómica.
EL SABOR DE ANTIGUA
Guatemala se está convirtiendo en un destino muy atractivo, con paisajes naturales, buena gastronomía y una profunda cultura. Antigua, su ciudad monumental, ha acogido el evento de The World’s 50 Best Restaurants de América Latina y se ha vestido de gala.
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
A POCO MÁS de una hora de vuelo desde Ciudad de México, Guatemala ofrece una rica cultura y paisajes sorprendentes donde conviven playas caribeñas con volcanes, lagos, ríos y ciudades mágicas como Antigua, que fue capital del país desde 1543 hasta 1773, cuando el volcán de Agua expulsó a sus habitantes. Sus calles, casi intactas desde esa fecha, han convertido a esta urbe en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. El volcán de Fuego, todavía en erupción, ofrece imágenes asombrosas por la noche con la luz de las llamas. La ciudad mantiene sus fachadas barrocas, donde destaca la majestuosa catedral de San José. La iglesia de Nuestra Señora del Carmen o la iglesia de La Merced forman parte de sus grandes edificios, junto al Palacio de los Capitanes Generales.
El arco de Santa Catalina, con el volcán al fondo, es uno de los rincones más emblemáticos de la ciudad. Data del siglo XVII. Originalmente conectaba el convento de Santa Catalina con una escuela, permitiendo que las monjas de clausura pasaran de un edificio a otro sin salir a la calle. Un reloj en la parte superior fue añadido en la era de la Federación Centroamericana, en la década de 1830. Tiendas, hoteles y restaurantes llenan sus calles, animadas sobre todo en fechas señaladas como Semana Santa, cuando se producen grandes procesiones. Entre los hoteles destaca el Hotel Santo Domingo, un gran edificio del virreinato que es museo, edificio histórico y spa. Un lugar privilegiado para alojarse en pleno centro histórico de Antigua. Durante el siglo XVII fue convento y se restauró tras
varios sismos; sin duda, una joya arquitectónica con un interior repleto de obras de arte y esculturas.
Con la celebración del nombramiento de los 50 mejores restaurantes de América Latina, periodistas y chefs de todo el mundo llegaron a Antigua para esta gran fiesta de la gastronomía. Mercado 24, en Ciudad de Guatemala, salió entre los mejores del continente. Entre las visitas interesantes destacan el Museo del Café, el Museo del Chocolate, el del Tejido Antiguo o la Casa Popenoe, una vivienda colonial muy bien conservada que muestra mobiliario, estancias y obras de arte de la época.
Para los más aventureros, la visita al volcán Acatenango ofrece hikes y largos paseos por las montañas que rodean Antigua, con vistas espectaculares. Atitlán
es otro destino recomendable: ahí nos espera Deleite Ancestral para una buena degustación gastronómica. Es un lago instalado en un cráter y rodeado de montañas verdes, un paisaje espectacular que se puede recorrer en barca. Una reserva natural con aldeas mayas.
La visita a la bella ciudad de Antigua fue el antecedente de la gran gala de los mejores restaurantes del continente. La cocina latina vivió una noche memorable en Antigua, Guatemala, donde se celebró la ceremonia de Latin Americas 50 Best Restaurants 2025, una de las listas gastronómicas más influyentes del mundo. En una velada dedicada a la hospitalidad, el talento y la excelencia culinaria, México volvió a consolidarse como una potencia creativa y vibrante en la región. Ocho restaurantes mexicanos lograron un
lugar entre los 50 mejores, confirmando el boom gastronómico que vive el país. Entre los destacados de México, Rosetta, de Ciudad de México, se ubicó en el puesto 39, seguido por Huniik, de Mérida, en el 32, y Máximo también de la capital en el 30. Más arriba aparecen Arca, en Tulum (22); Fauna, en Valle de Guadalupe (17); y Villa Torél, de Ensenada (16), todos reconocidos por su visión contemporánea y respeto por el producto local. Alcalde, en Guadalajara, escaló hasta la posición 15, mientras que Quintonil se consolidó como el mejor restaurante mexicano del ranking al alcanzar el puesto número 7.
El pódium latinoamericano estuvo liderado por nombres que marcan tendencia en la escena internacional: Don Julio, de Buenos Aires, ocupó el tercer
A un lado, las ruinas de la Catedral de la Antigua Guatemala. Abajo, Quintonil se alzó como mejor restaurante en Norteamérica.
puesto, mientras que Kjolle, de Perú, se llevó el segundo. El gran ganador de la noche fue El Chato, de Bogotá, que coronó la lista y colocó a la capital colombiana en lo más alto de la gastronomía continental. La ceremonia también distinguió al chef chileno Rodolfo Guzmán con el Icon Award, celebrando su impacto y legado en la cocina de la región. La sostenibilidad ganó un espacio clave en esta edición con el reconocimiento para Oda, de Bogotá, como el restaurante más sostenible de Latinoamérica. Además, México siguió sumando presencia más allá del top 50: entre los 100 primeros también figuran Lunario, Nicos, Cara de Vaca, Sud 777, Le Chique y EM, consolidando una red de talento que sigue creciendo y elevando el perfil culinario del país.
CHAMPAGNE
BURBUJAS IMPRESCINDIBLES
¿Qué se puede beber en las comidas, de madrugada, al amanecer, como desayuno o antes de acostarse o nada más levantarse; incluso antes, durante o después...? Sin duda, el champagne, perfecto para festejar cualquier momento.
TEXTO PILAR MOLESTINA
BOLLINGER B16
ExtraBrut 2016
La maison tiene muchos aspectos diferenciadores de otras casas, como cultivar su propia uva para las elaboraciones o contar con tonelería propia. Pero lo que define este champagne es una irrefutable excelencia que seduce con su textura sedosa y ligera, que evidencia el equilibrio perfecto entre la potencia del pinot noir y la elegancia del chardonnay en un año de contrastes climáticos.
G.H.MUMM
Brut Grand Cordon
Dos características definen desde hace tiempo a este brut: su manifiesta armonía entre frescura e intensidad en boca y su icónica presentación, donde la cinta que lo recorría antaño se ha convertido en un moldeado en rojo en la propia botella. A la riqueza frutal que exhibe en boca, se une la potencia y la sensación fresca que su persistencia mantiene largamente.
LOUIS ROEDERER STARCK
2018
Brut Nature Blanc
Un champagne sin dosage que es reflejo de su propio viñedo y terroir. Al igual que su elegante y moderna presentación a cargo del diseñador Philippe Starck, se muestra directo, puro, afilado, casi minimalista, sin nada que distraiga de su porte. Textura sedosa precedida de cierta vinosidad e intensidad. Cremoso y delicado, resulta un champagne disfrutable y muy gastronómico.
PERRIER-JOUËT
Grand Brut
Los vinos de reserva son el inicio de una cuidada elaboración que, con la maestría de la casa, culmina en un espumoso de mucho carácter y virtudes. El champagne, 20% de chardonnay 40% de pinot noir y 40% de pinot meunier queda marcado por una delicada finura de ligero frescor. La fruta da paso a las notas de pastelería y resulta redondo, fresco, complejo y seductor.
MOËT & CHANDON
IMPÉRIAL
Brut Tan arraigada está la marca creada a mediados del siglo XIX que en el ideario del buen aficionado muchas veces es sencillamente sinónimo de champagne. Elaborado con pinot noir, pinot meunier y chardonnay, se presenta vivo, envolvente, maduro y sedoso. Su degustación se asocia al lujo y sofisticación de la casa Louis Vuitton Moët Hennessy, a la que pertenece.
LANSON ROSÉ 2019 Nº 67
Brut
53% pinot noir, 32% chardonnay y 15% de pinot meunier. Lanson fue uno de los pioneros en el lanzamiento de champagnes rosados. Tras su cuidada elaboración con uva seleccionada, madura en rima al menos durante 3 años. Se presenta con un pálido rosa salmón que en nariz y boca son la expresión misma de frutos rojos. Armonía, frescura y una interesante persistencia lo definen.
CHARLES HEIDSIECK
Brut Réserve
Un champagne vivo y atractivo. Encanta su rico y diverso abanico aromático, así como su estructura, que le aporta un carácter festivo. Tiene un punto cremoso, intenso, con una amplitud remarcable. Exhibe un estilo donde la frescura que le aporta el punto de acidez destaca ligeramente por encima de sus valores frutales que evolucionan y ganan en complejidad.
PERLE D’AYALA 2015
Millésimé Extra Brut
Solo en los años excepcionales aparece esta etiqueta, siempre millésimé (de una sola cosecha), que realmente responde a su nombre cuvée excepcional. De momento solo se han lanzados doce añadas de este champagne exclusivo que es un ensamblaje de crus y que ha permanecido ocho años madurando con su corcho en las cavas de la maison. Extraordinariamente complejo.
LAURENT-PERRIER
Cuvée Rosé Grand Brut Como ya es habitual, este grand brut se viste de gala de forma llamativa para impresionar en las próximas fiestas. Un chaleco metalizado que encierra una botella de champagne rosé que se caracteriza por su nariz y boca frutal, esencialmente de fruta roja y frutos del bosque. Con una delicada acidez, está enmarcada por una evocadora persistencia y armonía.
DOM PÉRIGNON
MILLÉSIMÉ 2010
Rosé Vintage Murakami
El vino y el arte se unen en esta edición limitada donde el artista neo-pop japonés Murakami, también conocido como Superflat, ha dejado su huella de flores sonrientes en la etiqueta. Un champagne amplio y delicado que nace en una añada marcada por los contrastes de clima. Boca de ligero amargor envuelto en recuerdos de fruta blanca, es asimismo complejo y complaciente.
LA ÚLTIMA… Y NOS VAMOS
FRANK GEHRY
ARQUITECTO DEL ARTE
Mostró como pocos el poder de las formas con sus construcciones que parecen bailar. Creaciones que transforman el entorno urbano. .
TEXTO JAVIER FERNÁNDEZ DE ANGULO
CON PROYECTOS COMO el Guggenheim de Bilbao, hizo que el arte fuera al mismo tiempo continente y contenido. Sus placas de titanio y sus formas nunca vistas alteraron paisajes e incluso redefinieron ciudades enteras. A la capital vasca la transformó por completo: su estructura de titanio aportó luz, vanguardia y un aire fresco al corazón de la urbe. La obra de Bilbao lo consagró definitivamente. “Le estaremos siempre profundamente agradecidos por el magnífico y audaz edificio que ideó para Bilbao. Su espíritu y su legado quedarán para siempre ligados a nuestra ciudad”, señaló la directora del museo, Miren Arzalluz, tras anunciarse la muerte del arquitecto a los 96 años. Desde entonces, en el ámbito de la arquitectura se habla del efecto Bilbao, la idea de cómo un solo edificio puede transformar una comunidad.
Gehry obtuvo el Premio Pritzker en 1989, el reconocimiento más prestigioso de la arquitectura. Tras el Guggenheim, creó una suerte de réplica con su sello personal: la sede de la Filarmónica de Los Ángeles, inaugurada en 2003. Reconocido constructor de auditorios musicales, también firmó el Jay Pritzker Pavilion de Chicago y el Pierre Boulez Hall de Berlín, en Alemania.En 2014 concibió otro monumento transformador, una escultura arquitectónica de formas sinuosas, esta vez en una de sus ciudades predilectas, París, en el Bosque de Bolonia. De la mano de Bernard Arnault y del entonces presidente francés François Hollande, abrió las puertas de una de sus grandes obras: la Fundación Louis Vuitton de París, con 11,000 metros cuadrados de vidrio y siluetas asombrosas. Construido en el borde de un jardín de agua creado especialmente para el proyecto, el edificio está compuesto por un conjunto de bloques blancos —conocidos como icebergs— revestidos
con paneles de hormigón reforzado con fibras, rodeados por doce inmensas velas de vidrio sostenidas por vigas de madera. Estas velas otorgan a la fundación su transparencia y sensación de movimiento, permitiendo que el edificio refleje el agua, los bosques y los jardines, y que cambie constantemente con la luz. Quedaron sin estrenar dos de sus últimos proyectos: el Guggenheim de Abu Dabi, cercano al Louvre, otro monumento fastuoso que da cuenta de la frescura creativa de Gehry incluso a los 96 años, y la tienda de Louis Vuitton en Beverly Hills, un edificio de 8,000 metros cuadrados con un monumental y seductor juego de formas metálicas que albergará también un museo y un restaurante en Rodeo Drive.
Nacido en Toronto, cuenta la leyenda que, tras el impacto del Guggenheim en España, los herederos de la casa vinícola Marqués de Riscal, en La Rioja, le pidieron diseñar un edificio para su bodega. Gehry no estaba convencido: nunca había proyectado una bodega. Para seducirlo, lo invitaron a conocer el lugar y le ofrecieron uno
de los tesoros de su colección: un vino de 1929, año de su nacimiento. Lo descorcharon, lo probó y se entusiasmó. Así apostó por el proyecto. El edificio es hoy bodega y hotel de Marqués de Riscal, un emblema de La Rioja y pionero del enoturismo. Su obra metálica, con ondulaciones de titanio en tonos oro, plata y rosa, evoca los viñedos y deslumbra en el paisaje riojano. La mayor parte de su carrera la desarrolló en Los Ángeles, ciudad donde dejó numerosas obras, entre ellas una facultad de Derecho, un museo de ciencias y su propia casa, además de diversas viviendas. Sus construcciones monumentales parecen ligeras, como si volaran o bailaran. Un ejemplo emblemático es su edificio en Praga, La Casa Danzante. Cuando Barack Obama le otorgó la Medalla Presidencial de la Libertad, la máxima distinción civil de Estados Unidos, señaló: “La obra de Frank nos enseña que, aunque los edificios sean sólidos y estén fijados al suelo, al igual que todas las grandes obras de arte, pueden elevar nuestro espíritu. Pueden elevarnos y ampliar nuestros horizontes”.
