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VICIOUS MAGAZINE nº103_ JUL 2026 Hay artistas que forman parte de la historia de la música y otros que, directamente, ayudan a escribirla. En este número de agosto de Vicious Magazine, Carl Cox ocupa nuestra portada porque representa precisamente eso: una trayectoria construida a base de pasión, innovación, kilómetros, pistas de baile y una conexión con el público que sigue intacta después de décadas. Esta edición llega cargada de movimiento. De esos viajes que empiezan mucho antes de despegar y terminan mucho después de volver a casa. De festivales que convierten un lugar en un punto de encuentro global, de noches que se quedan en la memoria y de destinos que invitan a perderse para encontrarse. Awakenings 2026 y Monegros 2026 forman parte de ese recorrido. Dos nombres, dos universos y una misma capacidad para demostrar que la electrónica ya no es simplemente un género musical: es cultura, comunidad y una manera de entender el presente. Viajamos hasta Australia, descubrimos el mundo de los deportes extremos de la mano de Cars of Drag Racing y nos acercamos a ese universo en el que velocidad, riesgo y precisión convierten cada segundo en una experiencia.

CONSEJO Julia Salas Alonso Carlos Rodríguez Minguez JEFE DE REDACCIÓN Fernando Fuentes Panadero REDACCIÓN Jonatan Gutiérrez Israel Méndez Iván Morales Gilbert Lezana VIDEO Alejandro Rubio COLABORADORES Jonatan Gutiérrez, Israel Méndez, Iván Morales, Danny Lloyd, Gameboyz, Gonzalo Gil, Luis Vallespin IMPRENTA Grá cas de Diego INFORMACIÓN DE CONTACTO suscríbete@viciousmagazine.com PUBLICIDAD publicidad@viciousmagazine.com WEB www.viciousmagazine.com

Porque Vicious siempre ha entendido la cultura electrónica como algo que va mucho más allá de una cabina. Por eso, en este número, conocemos de cerca a Cris Ocaña, Darío Núñez, Domenico y Vaert, descubrimos las inquietudes y la visión de artistas como Joseph Caprati y seguimos explorando nuevos sonidos, nuevas historias y nuevas perspectivas a través de nuestras entrevistas, Premieres y Chart. También hay espacio para lo que ocurre fuera de los focos. Para esas historias que no siempre aparecen en el cartel, pero que forman parte esencial de nuestra escena. Para los protagonistas, los creadores, los espacios y todas esas personas que continúan construyendo una cultura que no entiende de fronteras. Quizá por eso esta portada tiene tanto sentido. Carl Cox representa una idea que seguimos compartiendo: la pasión no tiene fecha de caducidad.

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¡Bienvenidos a Vicious!. Bienvenidos a agosto.

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MIXCELÁNEA JOSH WINK REAVIVA LA LLAMA ÁCIDA DE CHRIS LIEBING La muerte de William Orbit a los 69 años pone punto nal a la trayectoria de uno de los productores que mejor supo borrar las fronteras entre la electrónica, el pop y la experimentación. Figura clave detrás de “Ray of Light” de Madonna y colaborador de artistas como Blur, U2 o Pink, Orbit construyó un lenguaje propio basado en la innovación y en la búsqueda constante de nuevos sonidos. Su legado demuestra que transformar la música no siempre consiste en romperlo todo, sino en encontrar una forma diferente de hacerla respirar.

CHARLOTTE DE WITTE CONVIERTE VALENCIA EN EL EPICENTRO DEL TECHNO ESTE HALLOWEEN Charlotte de Witte aterriza el próximo 31 de octubre en Marina Sur para protagonizar una de las grandes citas electrónicas de Halloween en España. La artista belga, referente absoluto del techno contemporáneo, encabezará una producción de gran formato que promete transformar Valencia en un escenario inmersivo de sonido, tecnología y energía de club, reforzando el papel de la ciudad como uno de los nuevos destinos clave de la electrónica internacional.

MYSPACE QUIERE VOLVER A CAMBIAR LAS REGLAS DEL JUEGO MUSICAL Myspace prepara su regreso con una idea que parece casi revolucionaria en la era del algoritmo: devolver la música al centro de la experiencia. Los hermanos Vanderhook trabajan en un relanzamiento más personalizable, pausado y alejado del scroll in nito, recuperando el espíritu de aquella plataforma que impulsó a miles de artistas independientes antes de la llegada de SoundCloud y las redes actuales. Ahora, Myspace busca demostrar que la nostalgia también puede convertirse en una nueva forma de entender la conexión entre artistas y público.

AGORIA CONVIERTE LA TORRE EIFFEL EN UN TEMPLO DE LA ELECTRÓNICA París se prepara para vivir una experiencia única con “Sapiens Tower”, el ciclo coorganizado por Agoria que transforma la terraza de la primera planta de la Torre Eiffel en una pista de baile al aire libre. Cada jueves hasta el 3 de septiembre, la electrónica tomará este enclave situado a más de 50 metros de altura, mezclando música, atardeceres y unas vistas privilegiadas de la capital francesa en una residencia inédita dentro del monumento.

WILLIAM ORBIT DEJA UNA HUELLA ETERNA EN LA ELECTRÓNICA Y EL POP La muerte de William Orbit a los 69 años pone punto nal a la trayectoria de uno de los productores que mejor supo borrar las fronteras entre la electrónica, el pop y la experimentación. Figura clave detrás de “Ray of Light” de Madonna y colaborador de artistas como Blur, U2 o Pink, Orbit construyó un lenguaje propio basado en la innovación y en la búsqueda constante de nuevos sonidos. Su legado demuestra que transformar la música no siempre consiste en romperlo todo, sino en encontrar una forma diferente de hacerla respirar.

fashion Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!

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AUSTRALIA UN DESTINO IMPRESCINDIBLE PARA EL CLUBBING Aunque durante años Europa ha monopolizado el turismo relacionado con la música electrónica, Australia demuestra que cuenta con una identidad propia. La calidad de sus clubes, la pasión de su público y la constante llegada de artistas internacionales han convertido al país en uno de los mercados más sólidos del hemisferio sur. Autor: Vicious Magazine

CHINESE LAUNDRY (SÍDNEY) Hablar de la noche electrónica australiana es hablar de Chinese Laundry. Situado bajo el histórico Slip Inn, en pleno centro de Sídney, este club lleva más de dos décadas siendo uno de los pilares de la cultura dance del país. Su gran atractivo es la diversidad musical. En una misma noche es posible escuchar house, techno, drum & bass o UK garage repartidos entre sus diferentes salas, siempre con un sonido impecable y una programación que apuesta tanto por estrellas internacionales como por los mejores DJs australianos.

REVOLVER UPSTAIRS (MELBOURNE) Si existe un club con personalidad propia en Australia, ese es Revolver Upstairs. Más conocido simplemente como “Revs”, este icónico espacio de Melbourne se ha ganado una reputación casi legendaria gracias a sus interminables sesiones de n de semana, capaces de extenderse hasta bien entrada la mañana del lunes. Lejos del glamour de otros clubes, Revolver apuesta por una experiencia auténtica donde lo importante es la música. House, minimal, techno y sonidos underground marcan una programación que ha convertido este local en el hogar de la escena electrónica de Melbourne. .

SUB CLUB (MELBOURNE) Pequeño en tamaño pero enorme en prestigio, Sub Club representa la esencia del underground australiano. Inspirado en los clubes europeos y con un potente sistema de sonido FunktionOne, este espacio apuesta por una experiencia centrada exclusivamente en la calidad musical. Su programación gira alrededor del techno, el house más profundo y la electrónica experimental, ofreciendo largas sesiones donde la selección musical prima sobre cualquier otro elemento. Gracias a esa losofía, Sub Club se ha convertido en una parada habitual para artistas internacionales que buscan un ambiente íntimo y un público realmente apasionado por la música.

THE MET (BRISBANE) Brisbane también cuenta con un referente imprescindible: The Met. Con varias salas distribuidas en diferentes ambientes, este club combina espectáculos audiovisuales, tecnología de última generación y una programación orientada tanto a la electrónica comercial como a propuestas más contundentes.Es uno de los espacios más importantes del país para recibir grandes giras internacionales, acogiendo actuaciones de artistas como Timmy Trumpet, Will Sparks, Fisher, Alan Walker o Steve Aoki. Su versatilidad permite disfrutar desde noches de EDM y big room hasta eventos dedicados al techno o al house.

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HIGH SCREAM

LA INGENIERÍA DEL WOW

CUANDO LA MÚSICA DEJA DE SER EL ÚNICO PROTAGONISTA Y EL ESPACIO, LA LUZ, LA IMAGEN Y LA TECNOLOGÍA SE CONVIERTEN TAMBIÉN EN PARTE DEL ESPECTÁCULO. Hay una parte del entretenimiento que sucede antes de que el artista aparezca sobre el escenario. Antes del primer beat, del primer drop o de que miles de personas levanten las manos, existe un proceso mucho más complejo y, en gran medida, invisible: imaginar cómo debe sentirse un espacio, diseñar cómo se verá desde cada punto del recinto, decidir cómo se moverá una estructura, cómo responderá la iluminación a la música o cómo una pantalla puede dejar de ser una superf icie para convertirse en una extensión narrativa del espectáculo. Ese territorio es el de High Scream. Nacida en París a comienzos de los años 2000 de la mano de Romain Pissenem, High Scream se ha desarrollado como una compañía de producción creativa capaz de integrar bajo una misma estructura concepto, diseño, contenido, tecnología y ejecución técnica. Actualmente trabaja en más de 300 producciones al año y cuenta con of icinas en Londres e Ibiza, un equipo permanente de 35 personas y una red internacional de más de 100 creativos y técnicos. Su recorrido abarca desde grandes producciones musicales y venues hasta acontecimientos de escala internacional como la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024. Pero reducir High Scream a una productora sería quedarse corto. Su verdadera especialidad está en construir experiencias.

DEL CONCEPTO A LA REALIDAD El principio parece sencillo: una idea debe convertirse en algo que el público pueda ver, escuchar y experimentar. La dif icultad está en todo lo que sucede entre ambos puntos. High Scream trabaja desde una lógica integrada en la que el diseño escénico, la iluminación, el vídeo, el contenido, la arquitectura temporal, los efectos especiales y la producción técnica deben funcionar como un único sistema. No se trata simplemente de añadir más pantallas, más luces o estructuras más grandes. Se trata de conseguir que cada elemento tenga una función dentro de la narrativa del espectáculo. Esa f ilosof ía permite abordar proyectos muy diferentes sin perder una identidad común: desde una residencia de club hasta una gira internacional, desde una campaña de marca hasta una producción concebida específ icamente para ser f ilmada. El resultado es una forma de producción en la que la tecnología deja de ser un f in y se convierte en una herramienta creativa.

IBIZA COMO LABORATORIO Si existe un lugar donde esta evolución puede observarse con especial claridad, es Ibiza. La isla lleva décadas exportando una determinada idea de clubbing al mundo, pero el concepto de club ha cambiado radicalmente. Ya no basta con disponer de una buena pista de baile, un sistema de sonido potente y un gran artista. Los grandes venues contemporáneos se han convertido en plataformas escénicas capaces de generar universos completos. Ushuaïa Ibiza es uno de los ejemplos más evidentes. High Scream participó en el diseño conceptual y la producción integral del venue, trabajando sobre arquitectura escénica, elementos de escenograf ía, iluminación, vídeo y sistemas de producción integrados. El objetivo no era crear un escenario temporal, sino desarrollar una inf raestructura permanente capaz de soportar diferentes residencias y espectáculos manteniendo una identidad visual reconocible. La diferencia es importante. Cuando el escenario se convierte en parte de la arquitectura, la producción deja de comenzar unas horas antes de la apertura de puertas. El espacio entero pasa a formar parte de la experiencia.

[UNVRS]: CUANDO EL CLUB SE CONVIERTE EN ESCENARIO La llegada de [UNVRS] a Ibiza representa otro paso en esa dirección. Vicious Magazine ya def inió el proyecto como una nueva generación de espacio nocturno, a medio camino entre club, escultura y experiencia inmersiva. En este contexto, la aportación de High Scream resulta especialmente signif icativa porque el espectáculo no se entiende como algo que ocurre dentro del venue. El propio venue forma parte del espectáculo. La escala, la inf raestructura técnica, la iluminación, el contenido visual y la capacidad de transformar el espacio permiten plantear producciones que se acercan más al lenguaje de una arena o de un gran espectáculo audiovisual que al de un club tradicional. La evolución es evidente: el público ya no entra simplemente en una sala para escuchar música. Entra en un universo diseñado. Y ese cambio también modif ica las exigencias de producción. ánea.

EL ESCENARIO COMO SISTEMA Uno de los mejores ejemplos del enfoque técnico de High Scream es la residencia de David Guetta en [UNVRS] durante 2025. Bajo el concepto “Galactic Circus”, la producción reunió a más de 50 bailarines y performers alrededor de un escenario cinético en el que diferentes estructuras, trusses y pantallas LED podían desplazarse, rotar y modif icar continuamente la conf iguración del espacio. A ello se sumó contenido visual generado mediante tecnología en tiempo real, diseñado para sincronizarse con el movimiento escénico, la iluminación y la actuación. Aquí aparece uno de los aspectos más interesantes de la producción contemporánea: la escenograf ía ya no tiene por qué ser estática. Una estructura puede convertirse en una herramienta narrativa. Una pantalla puede desaparecer. Una plataforma puede cambiar de posición. La iluminación puede modif icar la percepción de profundidad. El contenido puede reaccionar a lo que está sucediendo sobre el escenario. El resultado es un espacio vivo.

MENOS TAMBIÉN PUEDE SER MÁS La espectacularidad, sin embargo, no siempre depende de la escala. El trabajo desarrollado por High Scream para la gira europea de David Guetta demuestra precisamente lo contrario. El diseño apostó por una estética minimalista, con una paleta visual contenida y una composición espacial precisa. En lugar de competir con el artista, el escenario, la iluminación y el contenido fueron concebidos como un sistema coherente destinado a reforzar su presencia. Es una diferencia fundamental entre tecnología y lenguaje visual. La primera proporciona posibilidades. El segundo decide cuáles utilizar. Un espectáculo técnicamente complejo puede resultar vacío si todos sus elementos compiten por llamar la atención. En cambio, un diseño aparentemente sencillo puede adquirir una enorme potencia cuando cada decisión responde a una intención.

DISEÑAR PARA EL LUGAR Otro de los rasgos que def inen este tipo de producción es la capacidad de adaptar el espectáculo al espacio. El proyecto de David Guetta en el Louvre Abu Dhabi es un buen ejemplo. High Scream desarrolló un show específ icamente concebido para ser f ilmado y sin público presencial, diseñando la escenograf ía y la iluminación en diálogo directo con la arquitectura del museo y su icónica cúpula. Aquí la producción cambia completamente de lógica. No se trata de construir un escenario y colocarlo en un lugar. Se trata de diseñar teniendo en cuenta el lugar desde el primer momento. La arquitectura se convierte en parte de la narrativa. La cámara se convierte en parte del público. Y el espectáculo deja de ser únicamente presencial para convertirse también en una pieza audiovisual. Esta capacidad de trabajar entre disciplinas explica por qué compañías como High Scream ocupan hoy un espacio cada vez más relevante dentro de la industria del entretenimiento.

DE LA PISTA DE BAILE A LA EXPERIENCIA INMERSIVA La música electrónica siempre ha tenido una relación especial con la tecnología. Desde los primeros sistemas de iluminación hasta los grandes festivales contemporáneos, la evolución técnica ha acompañado la transformación cultural del clubbing. Pero actualmente esa relación ha alcanzado una nueva dimensión. El público espera experiencias. Quiere recordar cómo sonaba una canción, pero también cómo cambió el espacio cuando llegó el drop. Quiere recordar al artista, pero también la arquitectura que apareció detrás de él. Quiere formar parte de una imagen que, unas horas después, probablemente verá circular por redes sociales. Por eso la producción se ha convertido en una pieza estratégica. El espectáculo debe funcionar en directo, pero también debe ser fotograf iable, f ilmable, reconocible y capaz de generar una identidad propia. High Scream trabaja precisamente en ese cruce entre show, tecnología, diseño y cultura visual.

UNA INDUSTRIA CADA VEZ MÁS MULTIDISCIPLINAR El crecimiento de los grandes eventos electrónicos ha generado una nueva realidad profesional. La producción de un espectáculo puede implicar hoy a diseñadores escénicos, ingenieros, técnicos de iluminación, artistas digitales, operadores de vídeo, especialistas en contenido, directores creativos, productores, diseñadores de vestuario, especialistas en efectos especiales y equipos de logística internacional. El proyecto de DJ Snake en La Défense Arena de París lo ilustra a la perfección: un cubo de LED transparente, diseñado con proporciones relacionadas con el Arco de Triunfo, podía transformar su conf iguración y abrir el espacio escénico mientras los contenidos digitales reinterpretaron el monumento parisino. La escenograf ía deja entonces de ser decoración. Se convierte en ingeniería. Y la ingeniería deja de ser únicamente funcional. Se convierte en narrativa.

EL FUTURO DEL ESPECTÁCULO El siguiente paso parece conducir hacia una integración todavía mayor entre arquitectura, contenido y tecnología. Los escenarios serán más dinámicos. Los contenidos serán más interactivos. La iluminación estará cada vez más integrada con el vídeo y el movimiento. Los espacios serán diseñados desde el principio pensando en diferentes conf iguraciones de espectáculo. Pero probablemente el reto más importante no será tecnológico. Será creativo. Porque cuando las posibilidades son prácticamente ilimitadas, la pregunta deja de ser qué podemos hacer y pasa a ser qué merece la pena hacer. Ahí es donde compañías como High Scream pueden marcar la diferencia. Su trabajo demuestra que un gran espectáculo no consiste necesariamente en utilizar la mayor cantidad posible de tecnología, sino en conseguir que cada recurso —desde una estructura escénica hasta un píxel, desde una luminaria hasta un performer— forme parte de una misma experiencia. Desde Ibiza hasta grandes arenas internacionales, desde las residencias de los principales nombres de la electrónica hasta acontecimientos globales, High Scream representa una evolución que ya está redef iniendo el entretenimiento en directo.

OFF THE RECORDS

AWESOME SOUNDWAVE DONDE LA VISIÓN DE CARL COX Y CHRISTOPHER COE REDEFINE LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN DIRECTO

Cuando dos artistas con una misma pasión por la innovación unen fuerzas, el resultado suele ir más allá de un simple proyecto. Eso es precisamente lo que ocurrió cuando Carl Cox y Christopher Coe fundaron Awesome Soundwave, un sello discográfico nacido con una misión muy clara: dar protagonismo a la música electrónica interpretada en directo y ofrecer un espacio donde la creatividad estuviera por encima de las tendencias. Redacción: Vicious Magazine

Carl Cox: una leyenda que sigue mirando hacia el futuro Hablar de Carl Cox es hablar de uno de los nombres más influyentes de la historia de la música electrónica. Con una carrera que supera las cuatro décadas, el DJ y productor británico ha sido protagonista de la evolución del techno y el house, actuando en los festivales y clubes más importantes del planeta. Sin embargo, Awesome Soundwave representa una faceta diferente de su trayectoria. Más allá de sus sesiones como DJ, Cox buscaba crear un espacio donde los artistas pudieran experimentar sin las limitaciones del mercado y desarrollar actuaciones en directo con total libertad. El sello refleja su compromiso con una escena electrónica que sigue evolucionando y donde la innovación continúa siendo el principal motor creativo.

Christopher Coe: el arquitecto del sonido Si Carl Cox aporta la experiencia y la proyección internacional, Christopher Coe es el responsable de convertir esa visión en una realidad. Productor, músico, ingeniero de sonido y especialista en actuaciones live, Coe es el cofundador y director creativo de Awesome Soundwave. Antes de la creación del sello, desarrolló una sólida trayectoria como productor y exploró diferentes formas de interpretar música electrónica mediante sintetizadores analógicos, equipos modulares y tecnología digital. Esa experiencia fue decisiva para def inir la identidad del proyecto. Coe no solo participa en la selección de artistas y lanzamientos; también trabaja estrechamente con muchos de ellos para desarrollar propuestas donde la interpretación en directo tiene un papel protagonista. Su enfoque combina precisión técnica, experimentación y una profunda comprensión de la cultura electrónica contemporánea. Su álbum MNTNS of SLNC, uno de los primeros lanzamientos de Awesome Soundwave, marcó el camino que seguiría el sello: composiciones envolventes, paisajes sonoros cinematográf icos y una producción concebida para cobrar una nueva dimensión sobre el escenario.

Un sello que apuesta por el directo Awesome Soundwave prioriza la interpretación en vivo sobre los sencillos digitales, of reciendo herramientas para que los artistas reinterpreten su música en cada concierto. Este enfoque fomenta la espontaneidad y convierte al sello en un referente para músicos que ven la electrónica como una disciplina abierta a la improvisación y la experimentación. Su catálogo, con un alto nivel de producción y una identidad artística def inida, abarca desde el techno y el house hasta el electro, el ambient y otros estilos experimentales.

Un catálogo con identidad propia Awesome Soundwave ha reunido a artistas como Marc Romboy, Stimming, Hannes Bieger, Robert Babicz, Saytek, Hybrasil, Honeysmack, An On Bast, Digital Af rika, Charlie Thorstenson, Vince Watson y De Sluwe Vos, todos con una f ilosof ía creativa compartida. El sello prioriza la innovación y la longevidad sobre las tendencias pasajeras, construyendo un catálogo diverso que refleja la electrónica contemporánea.

El futuro de la electrónica se escribe en directo Awesome Soundwave of rece una alternativa a la industria musical actual. Carl Cox, leyenda de la cultura club, y Christopher Coe, con su visión técnica y artística, impulsan la creatividad. Su sello no solo publica música, sino que promueve una nueva forma de crearla, interpretarla y compartirla. Demuestran que el futuro de la electrónica depende de la capacidad de los artistas para emocionar, experimentar y reinventarse. Mientras otras discográf icas lanzan canciones, Awesome Soundwave crea experiencias que se completan en el directo.

DEPORTES EXTREMOS CARS OF DRAG RACING: LOS COCHES MÁS SALVAJES DEL AUTOMOVILISMO Autor: Vicious Magazine Hay deportes en los que la victoria depende de la estrategia, la resistencia o la técnica. En el drag racing, todo se reduce a una sola misión: acelerar más rápido que nadie. En apenas unos segundos, dos máquinas liberan miles de caballos de potencia sobre una recta de 402 metros —el tradicional cuarto de milla— en una competición donde cada milésima puede marcar la diferencia entre ganar o perder. Aunque desde fuera parezca una disciplina sencilla, el drag racing es uno de los deportes de motor más exigentes del mundo. La combinación de ingeniería extrema, reflejos, precisión mecánica y potencia convierte cada carrera en un auténtico espectáculo de velocidad.

La obsesión por la aceleración A diferencia de otras modalidades del automovilismo, aquí no existen curvas ni largas estrategias de carrera. Todo comienza cuando el conocido Christmas Tree —el semáforo de salida— inicia su secuencia de luces. En ese instante, el piloto debe reaccionar con una precisión casi perfecta mientras el coche transmite toda su potencia al asfalto sin perder tracción. Una salida unas milésimas más lenta puede ser suf iciente para perder la carrera, incluso si el vehículo alcanza una mayor velocidad al f inal del recorrido.

Top Fuel Dragster: la máxima expresión de la potencia El Top Fuel Dragster es el coche de aceleración más rápido del mundo, diseñado para recorrer el cuarto de milla en el menor tiempo posible. Su motor V8 sobrealimentado, con más de 11.000 caballos de potencia, supera a varios monoplazas de Fórmula 1 juntos. Acelera de 0 a 100 km/h en menos de un segundo, supera los 500 km/h antes de la meta y completa el cuarto de milla en poco más de tres segundos. El piloto soporta fuerzas superiores a las 5 g. Su diseño alargado, con gran distancia entre ejes y alerón trasero, le proporciona estabilidad y carga aerodinámica.

Funny Cars: apariencia de serie, corazón de competición Los Funny Cars, los vehículos más espectaculares para el público, conservan la silueta de un modelo de producción, pero bajo su carrocería de f ibra de carbono esconden un chasis tubular y una mecánica similar a la de los Top Fuel. Su carrocería completa se levanta en una sola pieza durante el mantenimiento, exponiendo el motor. Las llamas de los escapes y sus violentas aceleraciones hacen de cada salida una experiencia inolvidable.

Pro Stock: cuando la precisión lo es todo Pro Stock se centra en el desarrollo técnico de vehículos con apariencia de turismo. Sus motores V8 atmosféricos superan los 1.500 CV sin turbocompresores ni compresores mecánicos. Piloto y equipo deben ejecutar cambios de marcha con precisión para aprovechar al máximo la potencia. Es una de las categorías más técnicas del drag racing.

Pro Mod: creatividad sin límites Pro Mod, la categoría más libre e innovadora del deporte, permite a los equipos usar diferentes conf iguraciones mecánicas, como motores sobrealimentados, óxido nitroso o grandes turbocompresores. Esto da lugar a coches llamativos y personalizados, donde diseño y rendimiento evolucionan constantemente.

CONOCIENDO MÁS A...

AFLOW ¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde? Depende, pero pre ero levantarme por la mañana. Creo que empezar el día temprano siempre ayuda a aprovecharlo mejor. ¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche? Mi momento favorito del día es cuando sé que he cumplido con los objetivos que me había marcado. Y de la noche, cuando por n me meto en la cama y puedo descansar. Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas? Me gusta pasar tiempo con mi gente más cercana y disfrutar de momentos de calidad. Es la mejor forma de recargar energías.

¿Cuál es tu primer recuerdo musical? Mi primer gran recuerdo musical fue cuando tenía 17 años y entré por primera vez en una discoteca de Nápoles llamada Metropolis. Esa noche pinchaba Richie Hawtin y fue una experiencia que me marcó. Desde ese momento empecé a sentir una verdadera pasión por la música electrónica y su cultura. ¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida? 1. Octave One feat. Ann Saunderson – Black Water 2. Joe Smooth – Promised Land 3. Michael Jackson – Don’t Stop ’Til You Get Enough ¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?

¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?

“Jaguar”, de DJ Rolando. Es uno de esos temas que nunca envejecen. Tiene una identidad muy fuerte, una melodía inolvidable y un groove perfecto. Me habría encantado estar detrás de una producción así.

Personalmente, siempre pre ero la cocina tradicional. Soy bastante clásico cuando se trata de comida.

¿Cualquier tiempo pasado siempre fue mejor o para nada?

¿En qué o en quién piensas cuando por cama y cierras los ojos?

Creo que la música de la vieja escuela nos dio las bases para entender hacia dónde podía evolucionar todo. Pero la música, como las personas, está en constante cambio: cambian los géneros, las in uencias y la forma de vivirla. Hoy en día la música es muy subjetiva y creo que cada uno debe seguir su propio estilo y encontrar su propio camino. Al nal, eso es lo más bonito: que la música evoluciona con nosotros y nos acompaña en cada etapa de la vida.

n te metes en la

Sinceramente, intento no pensar en nada. Solo busco relajarme, descansar y dormir bien para afrontar el día siguiente con energía.

¿Tu mejor producción está por venir? Llevo años produciendo, pero mi primera release acaba de ver la luz. Creo que aún queda mucho camino por recorrer y espero que mi mejor producción todavía esté por llegar.

CONOCIENDO MÁS A...

HÜAKIM ¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde? Si la noche ha salido como imaginaba, sí. Dormimos poco, pero cuando ves una pista llena, la gente sonriendo y sabes que has creado un recuerdo para muchas personas, el cansancio pasa a un segundo plano. Pre ero vivir noches intensas que días cómodos. ¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche? Del día, cuando el club está vacío. Es curioso, pero ahí nacen casi todas las ideas. La programación, la imagen, la música… todo empieza entre esas cuatro paredes en silencio. De la noche, los primeros minutos en los que la pista deja de ser un grupo de personas y empieza a convertirse en una sola. Ahí es cuando realmente empieza la magia. Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas? Seguir descubriendo música. Parece una respuesta típica, pero es la realidad. También me gusta viajar para conocer clubes, jarme en cómo trabajan otros equipos y traer ideas a PUBLÏC. Muchas veces aprendes más observando una noche en otro club que pasando horas en Instagram. ¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia? Soy de los que piensa que la tradición es la base, pero si no evolucionas, acabas desapareciendo. Me pasa igual con la gastronomía que con la música: respeto absoluto por los clásicos, pero siempre buscando una vuelta más. ¿En qué o quién piensas cuando por n te metes en la cama y cierras los ojos? En la siguiente temporada. Nunca termino una noche pensando en la que acaba de pasar. Siempre estoy imaginando cómo hacer que la próxima sea mejor. Creo que esa obsesión por evolucionar es lo que me ha traído hasta aquí.

¿Cuál es tu primer recuerdo musical? Recuerdo descubrir que una canción podía cambiar completamente el ambiente de un sitio. Antes incluso de interesarme por los DJs, me fascinaba esa capacidad que tiene la música para conectar a personas que no se conocen de nada. ¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida? Más que tres canciones, diría tres conceptos. Un clásico que nunca envejece. Un tema que todavía no conoce casi nadie. Y otro que aún no existe. Ahí está resumida mi forma de entender la música. ¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido? Inner City – Good Life Es una lección de cómo hacer historia sin necesidad de complicarlo todo. Groove, elegancia y personalidad. Hay canciones que envejecen; esa simplemente cambia de generación. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada? Es la frase más peligrosa de la música electrónica. Cada generación cree haber vivido la mejor época. Yo pre ero pensar que estamos escribiendo la siguiente. Si respetamos nuestras raíces pero seguimos arriesgando, el House nunca dejará de evolucionar. ¿Tu mejor producción está por venir? Ojalá siempre esté por venir. No solo hablando de música. Mi mejor sesión, mi mejor evento y mi mejor temporada también. Si algún día siento que ya he hecho lo mejor de mi carrera, signi cará que he dejado de buscar.

AWAKENINGS FESTIVAL 2026 CUANDO EL TECHNO VUELVE A RECORDAR POR QUÉ SIGUE SIENDO UNA CULTURA

Hay lugares donde se escucha techno y hay lugares donde el techno se vive. Awakenings pertenece desde hace años a esta segunda categoría. Más que un festival, el encuentro neerlandés se ha consolidado como el gran punto de peregrinación para una escena que sigue encontrando en él su máxima expresión artística. La edición de 2026 no solo mantuvo ese estatus; volvió a elevar el listón con tres días en los que producción, sonido y programación caminaron de la mano para ofrecer una experiencia difícil de igualar. Desde la apertura de puertas hasta los últimos compases del domingo, el recinto respiró una energía especial. Miles de personas llegadas de todos los continentes compartían un mismo objetivo: celebrar una cultura que, lejos de perder fuerza, continúa reinventándose sin renunciar a sus raíces. La organización volvió a demostrar por qué Awakenings sigue siendo la referencia mundial. La logística funcionó con precisión, los tiempos fueron impecables y cada escenario volvió a convertirse en una identidad propia. El festival no busca impresionar únicamente por el tamaño de sus estructuras; construye espacios donde la música es la auténtica protagonista y donde la tecnología se pone completamente al servicio de la experiencia. Uno de los momentos más esperados del n de semana llegó con Charlotte de Witte. Su capacidad para mantener la tensión durante todo el set volvió a quedar patente con una selección poderosa, precisa y profundamente hipnótica. Sin necesidad de arti cios, la belga rea rmó por qué continúa siendo una de las guras más in uyentes del techno contemporáneo, conectando con un público entregado desde el primer minuto. La elegancia sonora apareció de la mano de Joris Voorn, cuya propuesta volvió a demostrar que la emoción y la so sticación siguen teniendo un espacio privilegiado dentro de un festival dominado por la contundencia. Sus transiciones, siempre cuidadas, ofrecieron uno de esos viajes musicales que invitan a mirar más allá de la pista de baile. En el apartado más enérgico, Enrico Sangiuliano con rmó el extraordinario momento creativo que atraviesa. Su combinación de groove, tensión y construcción narrativa consiguió mantener la intensidad sin caer en la repetición, rmando uno de los sets más sólidos del n de semana. La escuela italiana volvió a estar magní camente representada gracias a Joseph Capriati, un auténtico maestro en la gestión de la pista. Su lectura del público, la naturalidad con la que alterna momentos de máxima presión con pasajes más envolventes y una técnica impecable volvieron a convertir su actuación en una de las más celebradas del festival. Frente a esa intensidad, Boris Brejcha ofreció un universo completamente diferente. Su característico High-Tech Minimal volvió a demostrar que dentro del techno sigue existiendo espacio para propuestas con una identidad absolutamente reconocible. Su sonido limpio, melódico y contundente encontró una respuesta inmediata por parte de un público que coreó cada transición con una complicidad poco habitual.

Hablar de Awakenings también signi ca hablar de historia, y pocos artistas representan mejor esa conexión entre pasado y presente que Richie Hawtin. Su actuación volvió a recordar por qué continúa siendo uno de los grandes arquitectos de la música electrónica. Minimalista cuando debía serlo, experimental sin perder el pulso de la pista y técnicamente impecable, Hawtin dejó claro que la experiencia sigue siendo un valor diferencial en una escena cada vez más acelerada. Entre los nombres que mejor simbolizan la nueva generación destacó Chris Stussy de Vries, cuya propuesta aportó frescura y con rmó el excelente momento creativo que vive la escena neerlandesa. Su actuación evidenció cómo Awakenings continúa apostando por combinar referentes históricos con artistas que están escribiendo el futuro del género. Especial mención merece también Farrago, cuyo sonido oscuro, industrial y cargado de energía conectó de inmediato con un público que respondió con una intensidad constante durante toda la sesión. Su capacidad para mantener la tensión sin renunciar al groove volvió a situarlo entre los nombres más destacados del n de semana. Pero reducir Awakenings únicamente a sus artistas sería injusto. El verdadero protagonista volvió a ser el público. Resulta difícil encontrar otro festival donde convivan con tanta naturalidad generaciones distintas, culturas diferentes y miles de personas unidas exclusivamente por la música. Durante tres días desaparecen las fronteras y solo permanece el lenguaje universal del techno. La producción audiovisual volvió a jugar en otra liga. Los espectáculos de iluminación, el diseño de los escenarios y un sistema de sonido de altísimo nivel construyeron una experiencia inmersiva donde cada golpe de bombo encontraba su re ejo visual. Todo parecía pensado para potenciar la narrativa musical sin eclipsarla, una virtud que distingue a Awakenings de muchos festivales contemporáneos. Cuando el domingo llegó a su n y las últimas luces comenzaron a apagarse, quedó la sensación de haber asistido a algo más que una sucesión de actuaciones. Awakenings 2026 volvió a demostrar que el techno no es únicamente un género musical; es una forma de entender la cultura electrónica, un espacio de encuentro y una experiencia colectiva que sigue emocionando tanto como hace tres décadas. Porque mientras existan festivales capaces de reunir a artistas de la talla de Charlotte de Witte, Enrico Sangiuliano, Joseph Capriati, Joris Voorn, Boris Brejcha, Richie Hawtin, Chris Stussy de Vries y Farrago bajo una misma losofía, el techno seguirá teniendo un hogar. Y ese hogar, una vez más, volvió a llamarse Awakenings.

ELI ROJAS Y SU AMAZONA EN BLUE MARLIN IBIZA UNA TARDE DONDE EL RITMO SE CONVIERTE EN EXPERIENCIA

Hay tardes que simplemente pasan y hay otras que consiguen quedarse en la memoria. Ayer, de 18:00 a 23:00, Blue Marlin Ibiza volvió a convertirse en el escenario de una de esas experiencias que explican por qué la isla sigue siendo un punto de referencia mundial para la música electrónica. La cita era Amazona, el concepto creado por Eli Rojas, una propuesta que va mucho más allá de una sesión de música. Es una celebración del ritmo, de la cultura y de esa energía tan particular que aparece cuando la electrónica se encuentra con los sonidos latinos, tribales y afro. Con el sol todavía iluminando Cala Jondal, la tarde comenzó con Karlos Molina detrás de los platos. Su misión era abrir el viaje y construir, poco a poco, la atmósfera que necesitaba la jornada. Y lo hizo sin prisas. Porque una buena tarde de música en Ibiza no necesita empezar a toda velocidad. Necesita crecer. Molina fue dibujando el ambiente mientras el público comenzaba a ocupar el espacio, las primeras copas se encontraban con los primeros beats y Blue Marlin iba adquiriendo ese pulso especial que anuncia que algo está a punto de suceder. A medida que avanzaba la tarde, la pista comenzó a responder. El groove ganó presencia, los cuerpos empezaron a seguir el ritmo y el paisaje de Cala Jondal se convirtió en parte de la propia experiencia. El Mediterráneo, el sol descendiendo lentamente y la música formaban una postal absolutamente ibicenca.

Después llegó el turno de Freyja. Y la energía cambió. Las DJs Freyja tomaron el relevo para llevar la sesión hacia un terreno más intenso, hipnótico y contundente. Su sonido encajó perfectamente con el universo de Amazona, elevando progresivamente la energía de la pista sin perder ese componente elegante y sensual que caracteriza a una buena tarde de electrónica en Ibiza. Ya no era simplemente una tarde en Blue Marlin. Era una pista completamente conectada. Ese es precisamente uno de los grandes aciertos de Amazona: entender que la electrónica puede ser también una celebración de las raíces. Los ritmos latinos, las percusiones tribales y los sonidos afro se encuentran con la cultura de club para crear un lenguaje propio, reconocible y pensado para conectar con el público. Y en el centro de todo está Eli Rojas. La artista ha convertido Amazona en una propuesta con identidad propia dentro del verano ibicenco. Una esta que apuesta por la diversidad musical y por una pista donde el ritmo funciona como un lenguaje universal. Ayer, esa losofía volvió a sentirse desde el primer beat hasta las 23:00, cuando la tarde llegó a su nal. Cinco horas de música que pasaron demasiado rápido. Porque hay algo especial en las estas de tarde de Ibiza: no necesitas esperar a que llegue la noche para vivir la magia. La magia está en ver cómo el sol empieza a caer mientras la música sube, cómo cambia la luz sobre Cala Jondal y cómo una pista que comenzó tranquila termina completamente entregada. Karlos Molina abrió la puerta. Freyja elevó la energía. Y Amazona volvió a demostrar por qué su propuesta tiene una personalidad propia. De 18:00 a 23:00, Blue Marlin fue mucho más que una pista de baile. Fue un encuentro entre música, Mediterráneo, cultura y libertad. Una tarde Amazona. Una tarde de Ibiza. Una de esas que, cuando termina, uno desearía que durara cinco horas más.

DOMENICO 38

Llegaste a Ibiza en 2006 y empezaste como PR en Privilege. Si miras atrás, ¿qué fue lo que más te sorprendió de la isla y de la industria de la música electrónica en aquellos primeros años?

Lo que más me sorprendió fue la relevancia de la música electrónica en Ibiza. Fue impactante descubrir su importancia para la isla, para sus residentes y para los turistas: parecía que todo se vivía con una banda sonora constante hecha de beats. La industria me pareció enorme. En Ibiza, todo estaba conectado con la música.

Has pasado por clubes icónicos como Privilege, Heart Ibiza, Chinois y UNVRS. ¿Qué has aprendido en cada etapa que hoy aplicas como Talent Buyer en Mallorca Live Festival? Trabajar en estos clubes —aunque Privilege y UNVRS se re eran a la misma venue, al igual que Heart y Chinois— me ha enseñado que no existe una fórmula ja ni inamovible. Cada espacio, según la época y el alma que se le da, tiene sus propias características, especiales y diferentes. Cada uno de estos clubes es un mundo aparte, y cada dance oor en Ibiza tiene su magia. Hay que tratar cada club con un enfoque particular; no se pueden gestionar todos de la misma manera.

Desde tu experiencia, ¿cómo ha evolucionado el per l del público de la música electrónica en Ibiza durante las últimas dos décadas? El público ha cambiado mucho: si antes la música electrónica era para un nicho especí co, hoy la disfrutan todo tipo de personas. El público es mucho más generalizado, con todas las edades, procedente de los cuatro rincones del mundo y con un poder adquisitivo muy variado.

Como responsable de bookings, ¿qué cualidades buscas en un artista más allá de su popularidad o número de seguidores? Me gusta buscar artistas que sorprendan, que se atrevan con un set diferente y que sepan conectar con el público. Busco artistas con personalidad y con anza, con un estilo reconocible y ganas de experimentar.

Has trabajado tanto en la dirección artística como en la gestión operativa de grandes proyectos. ¿Qué parte del proceso disfrutas más y por qué? Disfruto mucho la construcción del line up: armar el puzzle, cuadrar los horarios de los sets y lograr que el diseño nal tenga sentido, coherencia y consistencia. Es la creatividad detrás del line up. Hace falta inspiración, y tiempo: tiene que madurar. Y luego, sin duda, el día del evento, la adrenalina del “directo” es insuperable.

Ibiza sigue siendo un referente mundial de la música electrónica. ¿Qué crees que mantiene a la isla en esa posición frente a otros destinos internacionales?

Ibiza ha sabido renovarse, manteniéndose al paso de los tiempos. Creo que los clubes han sido clave: están entre los mejores del mundo por producción, servicio y, sin duda, oferta artística. La internacionalidad de los promotores y su dedicación han permitido mantener a Ibiza como uno de los centros más importantes de la industria musical.

Después de tantos años en la industria, ¿hay algún artista o actuación que recuerdes como un momento especialmente inolvidable?

Un directo de Guti en la terraza de Amnesia durante un Cocoon; 12 horas o más de Marco Carola en un opening o closing de Ushuaïa (no recuerdo exactamente cuál); el set de Tale of Us en el closing de Space de 2016; Nina Kraviz en el closing de Afterlife y en el de Privilege de 2017… y podría seguir enumerando varios momentos inolvidables disfrutando de música y artistas en las pistas de baile de Ibiza. Ahora formas parte de Mallorca Live Festival, un evento con una identidad diferente a la de los clubes de Ibiza.¿Qué retos y oportunidades encuentras en este nuevo capítulo?

El reto es armar un line up electrónico atractivo tanto para el público local de Mallorca como para el internacional. La competencia son los eventos que se hacen en Mallorca durante el año —queremos ofrecer algo diferente— y los festivales en España (y en el mundo) alrededor de las fechas del Mallorca Live Festival. La diferencia con los clubes de Ibiza es la temporalidad: el festival es solo un n de semana, no hay forma de recuperar o ajustar el tiro la semana siguiente. Y la oportunidad es poder ir a lo grande y presentar el mejor line up posible en los días del festival, intentando hacer algo épico.

Además de la música, también estás vinculado a la gastronomía con NAP Ibiza. ¿Cómo nació la idea de este proyecto y qué conexión encuentras entre una buena pizza y la cultura de la música electrónica?

NAP Ibiza me da mucha felicidad (y carbohidratos…). Todo nació de la amistad que tengo con mis socios y del amor por la pizza napolitana —yo soy de Nápoles—. La conexión entre una buena pizza y la música electrónica (un temazo, un line up brutal o un club) creo que está en la calidad de los ingredientes que se usan, un equipo humano cohesionado y, sobre todo, la pasión por lo que se hace.

Para quienes sueñan con trabajar en la industria musical, ¿qué consejo le darías a alguien que quiere construir una carrera sólida en el mundo del booking y la producción de eventos?

Mi consejo para quien quiera trabajar en la industria de la música electrónica es: haz de todo —relaciones públicas, camarero en clubes, chófer, marketing, pinchar, artist liaison, logística, diseño—, es decir, empaparse de todos los aspectos. Ayuda mucho a comprender el funcionamiento global de esta industria. Y, sobre todo, hay que ir a bailar y escuchar a los artistas.

CARL COX Tres décadas liderando la escena

Pocas voces pueden hablar de la evolución de la música electrónica con la autoridad de Carl Cox. Desde sus primeros pasos hasta la actualidad, el británico repasa una trayectoria marcada por la innovación, el respeto por sus raíces y una losofía inquebrantable: liderar antes que seguir. El mundo está muy emocionado por lo que va a pasar el domingo con tu back to back con David Guetta. ¿Cómo te estás preparando? David y yo ya hemos hecho un back to back anteriormente, así que no hay nada que me preocupe. Es uno de los DJs más importantes del mundo y lleva años demostrando por qué. Ha conseguido llevar su música a millones de personas, pero esta vez la idea es diferente: salir de su zona de confort. Eso es precisamente lo que me entusiasma. Yo también voy a salir del mío. Lo interesante será encontrarnos en un punto intermedio, desde el respeto mutuo y desde nuestras respectivas historias. David empezó pinchando en París hace más de veinte años, mucho antes de convertirse en el artista que todo el mundo conoce hoy. En cierta manera, esta noche supone volver a conectar con aquella etapa, con sus raíces como DJ. Quiero que vuelva a ese lugar musical del que procede. He escuchado parte de la música que está preparando y está trabajando con sonidos que probablemente mucha gente no espera de él. Ahí está la gracia. Nadie sabe exactamente qué va a suceder. Si simplemente hiciéramos lo que cada uno hace habitualmente, sería demasiado fácil. Lo emocionante es juntar nuestras músicas, nuestros estilos y nuestras formas de entender una pista y ver qué ocurre cuando chocan. Precisamente ahí está la magia. Cuando vas a ver a David Guetta o a Carl Cox normalmente tienes una idea de lo que vas a encontrar. Esta vez existe esa sensación de incertidumbre que había en las pistas de hace décadas. ¿Cómo está siendo la preparación? Para mí siempre ha sido importante conectar el pasado con el futuro. No se trata únicamente de recuperar un sonido antiguo, sino de entender de dónde viene y hacia dónde puede ir. Cuando David empezó a pinchar aquella música, muchos de los jóvenes que estarán allí el domingo ni siquiera habían nacido. Hoy conocen al David Guetta que ven en los grandes escenarios, pero quizá no conocen al DJ que existía antes de todo eso. Yo siempre he intentado hacer precisamente eso: mirar hacia delante sin perder de vista de dónde vengo. A veces pongo música que quizá el público todavía no comprende.

David está preparando música especí camente para esta ocasión y hemos estado hablando para asegurarnos de que ambos entendemos hacia dónde queremos llevar la noche. Incluso después de esta entrevista tenemos una videollamada para terminar de hablarlo. Pero después llegará el momento de subir a la cabina y todo puede cambiar. No vamos a entrar a ciegas, pero tampoco queremos tenerlo todo decidido. Y además coincide con la semana de mi cumpleaños. Que David forme parte de esa celebración lo hace todavía más especial. ¿Habéis preparado algo especial a nivel visual o de producción para esa noche en [UNVRS]? No buscamos convertirlo en un espectáculo perfectamente programado. Quiero que sea una noche basada en dos DJs encontrándose en una cabina y dejando que la música sea la protagonista. Eso también signi ca que el equipo de iluminación tendrá que reaccionar a lo que hagamos. No quiero que todo esté programado al milímetro. Si cambiamos de dirección, ellos tienen que acompañarnos. Suena mucho a las noches de hace veinte años, cuando nada estaba completamente previsto y todo podía suceder. Exactamente. Siempre me ha gustado esa idea de esperar lo inesperado. Cuando todo está demasiado controlado, existe el riesgo de que la gente se olvide de por qué ha venido. Una pista de baile no necesita necesariamente un espectáculo gigantesco de luces para funcionar. Habrá cámaras, por supuesto, y habrá producción, pero quiero que la gente pueda vernos trabajar y, sobre todo, que pueda bailar. Que hable, que se divierta y que nosotros también podamos disfrutar. Eso es lo que intento hacer en mis noches de [UNVRS]. No tengo un guion cerrado. Cuando alguien entra en Carl Cox en UNVRS debería sentir que no sabe exactamente qué va a encontrarse. Antes era así. Íbamos a una rave y no sabíamos qué sistema de sonido habría, cómo serían las luces o qué iba a ocurrir. Llegábamos, veíamos lo que teníamos y hacíamos la mejor esta posible. A veces el sonido era fantástico. Otras veces no. Lo mismo con las luces. Pero encontrábamos la manera. Para mí, muchas veces, menos es más.

Y seis meses después, o un año más tarde, alguien me dice: «Recuerdo haber escuchado ese tema por primera vez contigo». Eso es lo que me interesa.

“NUNCA HE SEGUIDO REALMENTE UN CAMINO NI NINGUNA MODA. SIEMPRE HE HECHO LAS COSAS PORQUE CREO EN MÍ Y EN LO QUE PUEDO HACER.”

“SIEMPRE HE SIDO ALGUIEN QUE LIDERA EL CAMINO, NO QUE LO SIGUE.”

Esa losofía parece estar detrás del éxito de tu residencia en [UNVRS]. Cada noche puede ser diferente. ¿Cómo está siendo esta temporada?

No podemos volver atrás. Space pertenece a un momento determinado de la historia. [UNVRS] pertenece al presente y, sobre todo, al futuro.

Está siendo increíble. Desde la apertura, cuando tocaron Black Coffee y Paco Osuna, la energía fue espectacular.

No me estoy haciendo más joven, pero todavía siento que tengo mucho que aportar a esta isla. Y ellos me han dado una plataforma extraordinaria para hacerlo.

Cuando salí a las cinco de la mañana y vi que la gente seguía allí, entendí de nuevo algo muy sencillo: un club no lo construyen las paredes. Lo construye la gente. El club es el escenario, pero son las personas las que crean la experiencia. Cuando llegó mi propia opening party quise hacer algo muy concreto: tocar de principio a n. Llegas a las once de la noche y estoy tocando. Te vas a las seis de la mañana y sigo ahí. Durante esas horas puedo construir un viaje completo. No me interesa tener diez DJs entrando, tocando una hora y tratando de dejar su huella poniendo cada vez un tema más grande o más rápido. Mi idea es otra. Puedo subir, bajar, girar hacia un lado, volver atrás y construir la noche poco a poco. A medianoche estamos en un lugar. A las dos, en otro. A las cuatro, en otro completamente diferente. Y cuando llegan las últimas horas, si sigues ahí, entonces vamos con todo. Así es como hago mío un club. Y haré exactamente lo mismo en mi closing. También me encanta compartir la cabina con artistas que tienen su propio lenguaje. He tocado con Chris Stussy, Maceo Plex, WhoMadeWho y muchos otros. No intento imponerme sobre ellos. Entro en su mundo, lo complemento y después llevo esa energía hacia mi pista. Cada noche acaba siendo diferente. Quiero volver al momento en que entraste por primera vez en [UNVRS]. ¿Qué viste allí para decidir que querías tener una residencia? Para mí fue casi un experimento social. Después de haber pasado dieciséis años como residente en Space —y prácticamente veinte años vinculado al club entre aperturas y cierres—, necesitaba descubrir qué podía venir después. Space no se convirtió en lo que fue de la noche a la mañana. Cuando empecé allí tardamos años en construir ese impulso. Lo mismo sucede ahora, aunque [UNVRS] está creciendo a una velocidad completamente diferente. Cuando me hablaron del proyecto quería entender qué pretendían hacer con un espacio de semejante tamaño. Y cuando vi el club, el restaurante, el sonido, los espacios interiores, la arquitectura y todos los detalles, pensé que sería absurdo rechazar la oportunidad. Me preguntaron qué quería hacer y la respuesta fue sencilla: quería volver a tener una casa en Ibiza. Después de Space pasé por otros proyectos, pero nunca sentí que fueran realmente mi hogar. Incluso antes de la pandemia ya estaba buscando algo diferente. [UNVRS] apareció en el momento adecuado. Pero no se trata de intentar recrear Space.

Mi trabajo es compartir música. Esa es mi pasión y, si quieres llamarlo así, mi superpoder. Por supuesto que esto también es un negocio y me pagan por mi trabajo. Pero no estoy aquí únicamente por eso. Estoy aquí porque todavía tengo la oportunidad de hacer lo que más me gusta en uno de los clubes más impresionantes que se han construido. ¿Sientes en [UNVRS] algo parecido a lo que sentías cuando pinchabas en Space? Son situaciones diferentes. Cuando llegué a Space por primera vez no esperaba convertirme en parte del club. Fui como público. Entré, corrí por todas partes y disfruté de la experiencia. Después fui creciendo dentro del club de manera orgánica. En [UNVRS] la situación es distinta. Aquí soy el artista. Me han pedido que haga un trabajo concreto: salir a la pista, subir a la cabina y entregar toda mi energía. Además, [UNVRS] es un animal diferente. Mi noche es una pieza dentro de una programación enorme. Un día tienes Elrow, después John Summit, ANYMA, Jamie Jones, Fisher, David Guetta... y cada concepto transforma completamente el espacio. No existe otro club que esté haciendo algo así durante siete días a la semana. Pero, por encima de todo, están las personas. Sin ellas no existe ningún club. Podemos construir el edi cio más espectacular del mundo, pero si la gente no viene y no lo hace suyo, no signi ca nada. [UNVRS] todavía está en proceso de convertirse en lo que será. Es demasiado pronto para saber hasta dónde puede llegar. Pero eso también forma parte de la emoción.

Llevas tres décadas vinculando tu carrera a Ibiza. ¿Cuándo sentiste que la isla dejó de ser simplemente un lugar donde pinchabas y pasó a formar parte de quién eres?

Después de más de treinta años en la industria, ¿qué te sigue emocionando hoy de la misma manera que cuando empezaste?

Probablemente fue Space.

Tener la oportunidad de seguir descubriendo música.

Antes iba como público y tenía la aspiración de formar parte de lo que representaba aquel lugar. Pepe Roselló tuvo una in uencia enorme en la isla y también me ayudó a entender lo que signi ca formar parte de una comunidad.

He vivido muchas generaciones y sigo sintiendo curiosidad por los nuevos artistas, los nuevos clubes y los nuevos sonidos. Siempre me ha interesado saber qué ocurre cuando encuentro un disco y lo pongo delante de una pista por primera vez.

Siempre he creído que estar en Ibiza no consiste únicamente en venir a pinchar. También signi ca devolver algo al lugar que te ha dado tanto. He participado en iniciativas relacionadas con la isla, con organizaciones bené cas, con los servicios de emergencia y también con proyectos relacionados con la protección de animales. Recuerdo especialmente una tortuga que fue rescatada y que acabó siendo bautizada como «Coxy the Turtle».

Vengo de una generación en la que muchas cosas se hacían de otra manera. Hoy gran parte de la música se produce electrónicamente, pero eso no cambia lo esencial: si un disco es bueno, es bueno. Cuando encuentro un tema que me hace sentir algo y veo que la pista responde, sigo teniendo la misma sensación que cuando empecé. Eso me levanta por la mañana.

Había sufrido heridas provocadas por plástico y, una vez recuperada, pudimos devolverla al mar. Son pequeños gestos, pero para mí signi can mucho. Llevo viniendo a Ibiza desde 1985 y no he faltado un solo año. Así que, de alguna manera, siento que esta isla forma parte de mi vida. No soy español. Soy inglés. Pero respeto profundamente el lugar en el que estoy y a la gente que vive aquí. Ibiza funciona durante unos meses con una intensidad enorme y después vuelve a ser la isla de sus habitantes. Eso es algo que debemos recordar. Si preguntas en Ibiza por un DJ asociado a la isla, probablemente la mayoría dirá Carl Cox. ¿Qué tiene Ibiza que no puede reproducirse en ningún otro lugar? Es la propia isla. Las playas, los caminos, los atardeceres, los amaneceres, la gente... Hay una sensación que no puedes fabricar. Puedes ir a Mykonos, Croacia, Ayia Napa o Dubái y encontrarás elementos que recuerdan a Ibiza. Pero la esencia no se puede copiar. Y tampoco necesitas gastar una fortuna para disfrutarla. Puedes coger una bicicleta, ir caminando hasta una playa, sentarte con una toalla y comer algo preparado por alguien de la zona. Puedes comprar productos locales, conocer agricultores, descubrir las hierbas ibicencas...

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Todo eso sigue existiendo. Esa autenticidad es lo que hace especial a Ibiza. No necesitas un barco enorme ni una mesa VIP para disfrutar de la isla. Además, es pequeña. Puedes cruzarla en media hora. Esa sensación de libertad es difícil de encontrar en otro lugar. Para mí, ahí está la verdadera riqueza de Ibiza.

Y cuando hago mi propia música ocurre lo mismo. No produzco para ser relevante ni para demostrar nada. Lo hago porque necesito sentirme libre y creativo. Nunca sabes cuál será el próximo disco que conectará con la gente. Lo único que puedes hacer es seguir trabajando. También me entusiasma ver a una nueva generación creciendo. Chris Stussy es un buen ejemplo. Hay muchos artistas jóvenes haciendo cosas interesantes y cada vez hay más mujeres DJs con muchísimo talento. La música house, el techno y la electrónica siguen teniendo una fuerza extraordinaria.

“MI DON, MI SUPERPODER, ES COMPARTIR EL AMOR POR LA MÚSICA.”

“LA CREATIVIDAD NACE DEL ALMA DE UN INDIVIDUO. LA IA NUNCA PODRÁ REEMPLAZAR ESO.”

¿Qué crees que entiende mejor la nueva generación? Creo que muchos jóvenes me respetan porque, cuando yo hacía ciertas cosas hace veinte o treinta años, ellos ni siquiera habían nacido.

Mañana voy al estudio. Haré música, trabajaré en remezclas y seguiré haciendo lo que llevo haciendo siempre. Si funciona, fantástico. Si no funciona, volveré a intentarlo. Lo importante es seguir siendo creativo.

Hay una generación que está descubriendo ahora a artistas como Derrick May, Juan Atkins, Jeff Mills, Laurent Garnier o Sven Väth. Y eso es fantástico.

Si Ibiza pudiera hablar después de todos estos años, ¿qué crees que te diría hoy? Ojalá tuviera una bola de cristal.

El conocimiento es poder. Si quieres entender por qué estoy aquí después de tantos años, investiga. Descubre de dónde vienen los discos y por qué siguen funcionando décadas después.

Nunca he hecho nada buscando reconocimiento. Siempre he intentado ser el a quién soy y ofrecer algo que pueda entretener y emocionar a la gente.

Un buen ejemplo es «Missing», de Everything But The Girl. Nunca he seguido una moda ni un camino predeterminado. Ese disco sonaba en Space hace casi treinta años y hoy una generación completamente nueva lo está descubriendo. Para mí no es música nueva, pero me encanta que ellos puedan experimentar ahora lo que nosotros sentimos entonces. Nunca he sido una persona que siga las tendencias. Siempre he intentado dar el primer paso. Si todo el mundo gira hacia un lado, yo probablemente miraré hacia el otro. Si un disco se convierte en demasiado popular durante unos meses, mi trabajo está hecho: lo dejo atrás y busco otra cosa. Eso forma parte de mi manera de entender la música. Siempre he preferido liderar el camino antes que seguirlo. Has vivido muchísimas transformaciones tecnológicas. Ahora la inteligencia arti cial está cambiando la forma de crear música. ¿Cómo te relacionas con ella? He experimentado con IA y, sinceramente, no me convence.

Antes de ser DJ hice muchas cosas. Fui pintor y decorador, trabajé montando andamios, corté el césped para el ayuntamiento... Y en cada trabajo intentaba hacerlo lo mejor posible. Esa ha sido siempre mi losofía. Cuando hago música, cuando pincho, cuando estoy delante de una pista, simplemente intento ser la mejor versión de mí mismo en ese momento y disfrutar del proceso. No cambiaría nada de lo que he hecho para llegar hasta aquí. Muchas gracias por tu tiempo. Mucha suerte con el resto de la temporada. El domingo, tengo muchas ganas de que llegue. Yo también. Va a ser genial. Ambos sois leyendas, así que todo va a ser increíble para esta experiencia de los fans. Absolutamente, muchas gracias.

El problema es que no nace de ti. Surge de códigos, datos y algoritmos que intentan interpretar lo que creen que quieres escuchar. Puedes pedirle una combinación de jazz, drum & bass y techno y probablemente obtendrás algo que suene bien. Pero hay una diferencia fundamental: no procede de la experiencia de una persona. Para mí, la música tiene que contener algo de quien la crea. La tecnología puede ser fantástica para muchas cosas, pero no creo que pueda sustituir el talento humano. Herbie Hancock seguirá siendo Herbie Hancock. Puede sentarse frente a un piano y crear algo que no hayas escuchado nunca. Esa capacidad nace de una vida entera de experiencia.

MONEGROS DESERT FESTIVAL 2026 DONDE EL DEMOSTRAR

DESIERTO VOLVIÓ A QUE LA RAVE NUNCA MUERE

Hay festivales que se visitan. Monegros se sobrevive. Cada verano, el desierto aragonés deja de ser un paisaje inhóspito para convertirse en el epicentro mundial de la cultura rave. No importa cuántas ediciones acumule a sus espaldas: cruzar sus puertas sigue provocando la misma sensación de aventura que hace más de tres décadas. Polvo, calor, kilómetros de horizonte y una banda sonora ininterrumpida durante veintidós horas vuelven a dar forma a una experiencia que ningún otro festival consigue replicar. La edición de 2026 confirmó el excelente momento que atraviesa Monegros Desert Festival. Con más de 60.000 asistentes procedentes de cerca de un centenar de países, el evento volvió a batir récords de asistencia sin renunciar a esa identidad que lo ha convertido en una cita imprescindible dentro del calendario internacional de la música electrónica. Mientras otros festivales apuestan por la comodidad o la espectacularidad superficial, Monegros sigue defendiendo un concepto mucho más auténtico: una rave gigantesca donde el entorno forma parte del espectáculo tanto como los artistas. Desde primera hora, miles de personas comenzaron a conquistar un recinto que parecía surgir del propio desierto. El paisaje árido, el polvo suspendido en el aire y las imponentes estructuras metálicas dibujaban una escenografía casi cinematográfica. Aquí no existen decorados artificiales; la naturaleza es un elemento más de la producción y convierte cada sesión en una experiencia irrepetible. Uno de los grandes aciertos de esta edición fue la evolución de su propuesta escénica. Los diez escenarios volvieron a ofrecer identidades muy diferenciadas, capaces de recorrer prácticamente todas las vertientes de la música electrónica. Desde los sonidos más industriales hasta propuestas más melódicas o minimalistas, cada espacio construía un universo propio dentro de un festival que nunca deja de reinventarse. Entre todas las novedades destacó con fuerza el escenario 360, una de las grandes atracciones de Monegros 2026. Concebido para eliminar la distancia entre artista y público, su formato envolvente transformó por completo la experiencia de baile. Sin una frontalidad definida y con la cabina rodeada de ravers en todas las direcciones, la música adquiría una dimensión completamente distinta. Cada transición parecía expandirse en círculos sobre una pista que respiraba al mismo ritmo que el DJ, generando una sensación de inmersión pocas veces vista en un festival de estas dimensiones. Fue precisamente allí donde Klangkuenstler protagonizó uno de los momentos más memorables del fin de semana. El productor alemán encontró el escenario perfecto para desplegar su característico techno de alta intensidad, marcado por ritmos contundentes, grooves incisivos y una tensión constante que mantuvo al público completamente conectado durante toda la sesión. La energía fluía en todas las direcciones, sin una primera fila definida, convirtiendo el formato 360 en una auténtica celebración colectiva donde artista y público parecían formar parte del mismo organismo. Más que un set, fue una demostración de cómo el diseño de un escenario puede transformar por completo la manera de vivir la música electrónica.

La programación volvió a reunir a algunos de los nombres más importantes del panorama internacional. Amelie Lens firmó otra de esas actuaciones que confirman por qué continúa siendo una de las grandes referentes del techno actual. Su capacidad para mantener la intensidad sin perder el control narrativo volvió a conectar con un público absolutamente entregado. Si hubo alguien que volvió a demostrar que la experiencia sigue siendo un valor diferencial, ese fue Richie Hawtin. El canadiense ofreció una sesión elegante y milimétrica, construida desde la precisión técnica y una lectura impecable de la pista. Su actuación recordó que el minimal sigue siendo una herramienta poderosa cuando está en manos de uno de sus grandes maestros. La representación italiana volvió a brillar con fuerza gracias a Joseph Capriati y Marco Faraone. Capriati volvió a exhibir esa extraordinaria capacidad para construir viajes largos y emocionales sin perder nunca el pulso de la pista, mientras que Faraone apostó por un sonido más crudo y directo, cargado de groove y energía, conquistando a un público que respondió con una intensidad constante. Más allá de los nombres propios, el verdadero protagonista volvió a ser el ambiente. Pocas citas mantienen una conexión tan fuerte con la esencia de la cultura rave. Aquí el cansancio forma parte del viaje, el calor se convierte en un compañero inseparable y el polvo termina cubriendo a todos por igual, eliminando cualquier diferencia entre quienes llegan desde distintos países con un único objetivo: bailar. La producción volvió a crecer sin perder personalidad. Los escenarios presentaron importantes mejoras técnicas, los espectáculos audiovisuales alcanzaron un nivel sobresaliente y el sonido volvió a demostrar por qué Monegros continúa siendo una referencia para los amantes de la música electrónica. Todo estaba diseñado para potenciar la experiencia sin eclipsar lo realmente importante: la música y el público. Y cuando el sol comenzó a esconderse tras el horizonte, el festival mostró su rostro más mágico. El calor dio paso a una agradable noche de verano, los láseres comenzaron a dominar el cielo del desierto y miles de personas siguieron bailando bajo una inmensa nube de polvo que parecía formar parte de la propia escenografía. Es en ese instante cuando Monegros deja de ser un festival para convertirse en algo mucho más difícil de definir: una experiencia colectiva que mezcla resistencia física, libertad y una pasión compartida por la electrónica. La edición de 2026 pasará a la historia como la más multitudinaria celebrada hasta la fecha, pero también como una de las más sólidas a nivel artístico y organizativo. El crecimiento del festival no ha diluido su identidad; al contrario, ha reforzado un modelo que sigue apostando por la autenticidad frente a las tendencias pasajeras. En un momento en el que muchos eventos parecen diseñados para ser consumidos a través de una pantalla, Monegros continúa defendiendo el valor de la experiencia real. Aquí no importa la foto perfecta ni el vídeo para las redes sociales. Lo que realmente permanece es la sensación de haber compartido veintidós horas de música, polvo y libertad con decenas de miles de personas bajo el mismo cielo. Porque cuando el último bombo dejó de sonar y el amanecer volvió a iluminar el desierto, todos abandonaban Monegros con la misma certeza: habían sobrevivido a otra edición inolvidable. Y, como ocurre cada año, antes incluso de sacudirse el polvo de la ropa ya estaban pensando en regresar.

VELO

SE SUMA A LA EXPERIENCIA DE ECHOES OF TOMORROWLAND EN IBIZA CLAVE CLUB

Cada verano, Ibiza se convierte en el epicentro mundial de la música electrónica y, este 2026, Echoes of Tomorrowland vuelve a consolidarse como una de las experiencias imprescindibles de la temporada. La propuesta con la que el universo del icónico festival belga aterriza en la isla trasciende la pista de baile para ofrecer un recorrido inmersivo donde música, gastronomía y lifestyle conviven en un mismo relato. En este contexto, VELO reunió a un exclusivo grupo de invitados para vivir desde dentro una agenda diseñada alrededor de los valores que comparte con Tomorrowland: experiencias premium, creatividad y cultura electrónica. La activación arrancó con un sunset welcome reception en Nobu Ibiza, donde la sesión de Jamie Mackie acompañó la puesta de sol antes de dar paso a una exclusiva Chef’s Table en una terraza privada. La propuesta gastronómica, maridada por un sumiller, marcó el tono so sticado de un encuentro concebido para disfrutar de la isla desde una perspectiva diferente.

Tras una mañana de desconexión en OKU Ibiza y un almuerzo frente al Mediterráneo en NoHo Beach Club, llegó uno de los momentos más esperados del viaje: la visita a la Tomorrowland Ibiza Flagship Store, el espacio que durante todo el verano traslada la identidad visual, creativa y musical del festival a la isla. Allí, los asistentes siguieron en directo el streaming o cial de Tomorrowland mientras disfrutaban del set de Korolova, una de las artistas más destacadas del panorama internacional del melodic techno. Su actuación convirtió la agship en una auténtica extensión del universo Tomorrowland, conectando simultáneamente Ibiza con el festival belga. “La pista de baile es uno de los pocos lugares donde las personas se sienten completamente libres de expresar quiénes son sin juzgar”, dijo Korolova. “A veces todo lo que la gente necesita es una pequeña invitación para iniciar una conversación”, dijo Camden Cox, artista de apoyo.

“Con ‘Echoes of Tomorrowland’, queríamos recrear el sentido de conexión que hace que el festival sea tan especial”, dijo Malky Brown, director global de contenido y asociaciones de BAT. La experiencia culminó en Pikes Ibiza, uno de los enclaves más emblemáticos de la noche ibicenca, donde el exclusivo Marrakech Lounge acogió el cierre de una jornada que mantuvo intacta la energía del festival hasta la madrugada. Con esta colaboración, VELO refuerza su apuesta por las experiencias premium vinculadas a la cultura electrónica, acercando a sus invitados a uno de los universos más reconocibles del circuito internacional. Una iniciativa que demuestra cómo la música, la hospitalidad y el diseño de experiencias pueden converger en un mismo concepto, llevando el espíritu de Tomorrowland más allá de Bélgica y consolidando a Ibiza como uno de los grandes destinos de la escena electrónica mundial.

DARÍO NÚÑEZ EL OFICIO DE EVOLUCIONAR SIN PERDER EL GROOVE TRAS MÁS DE DOS DÉCADAS DEDICADO A LA MÚSICA ELECTRÓNICA, DARÍO NÚÑEZ ATRAVIESA UNO DE LOS MOMENTOS MÁS SÓLIDOS DE SU CARRERA. SUS ÚLTIMOS LANZAMIENTOS HAN ENCONTRADO ACOMODO EN SELLOS COMO TOOLROOM TRAX, GOLDEN RECORDINGS, ALLEANZA O WH0 PLAYS, MIENTRAS SU AGENDA PARA ESTE VERANO LO SITÚA EN ALGUNAS DE LAS CABINAS MÁS RELEVANTES DE IBIZA. HABLAMOS CON ÉL SOBRE LA MADUREZ QUE APORTA EL TIEMPO, LA EVOLUCIÓN CONSTANTE DE SU SONIDO, EL AUGE DEL AFRO HOUSE Y LOS OBJETIVOS QUE TODAVÍA SIGUEN IMPULSANDO A UNO DE LOS PRODUCTORES ESPAÑOLES CON MAYOR RECORRIDO DENTRO DE LA ESCENA INTERNACIONAL. Texto: Vicious Magazine

En los dos últimos años tu carrera ha dado un salto importante, entrando en el radar de sellos como Toolroom, Golden Recordings, Alleanza o WH0 Plays. ¿Qué ha cambiado en tu forma de entender la producción para llegar a este momento? ¿Sientes que has encontrado de nitivamente tu identidad sonora o todavía estás en plena evolución?

nunca mi identidad. La disciplina y la constancia son fundamentales; me tomo el estudio como cualquier otra profesión, trabajando de ocho de la mañana a dos de la tarde todos los días. Después de tantos años en la industria, si quieres seguir siendo competitivo tienes que evolucionar constantemente y adaptarte a los cambios sin dejar de ser tú mismo.

El denominador común de mis producciones sigue siendo el mismo: hacer música para la pista de baile, divertida y con buena energía. Lo que realmente ha cambiado es la manera de afrontar cada producción. Ahora cuido muchísimo más todos los detalles, no tengo ninguna prisa por terminar un disco y pre ero dedicarle el tiempo necesario hasta que todo esté perfectamente equilibrado. Con los años he aprendido a diferenciar los sonidos que realmente aportan personalidad y carácter a una producción. Creo que he madurado mucho como productor; ahora pienso más las cosas y no voy tan impulsivamente como antes. Mi sonido tiene una identidad bastante reconocible, aunque me gusta moverme entre estilos como el House, Tech House, Tribal House o Afro House. Después de 26 años produciendo, tengo claro que uno nunca deja de evolucionar.

Has trabajado con algunos de los sellos más in uyentes del circuito internacional y cada uno posee una identidad muy marcada. ¿Qué buscas actualmente cuando decides dónde publicar tu música? ¿Valoras más la proyección del sello, el equipo humano que hay detrás o la libertad artística que te permite desarrollar cada lanzamiento?

Este verano formas parte de algunas de las propuestas más interesantes de Ibiza, con actuaciones en Masquerade, Afrodisé y Blue Marlin. ¿Qué supone para ti consolidarte en una isla donde conviven tantas tendencias y tantos artistas internacionales? ¿Cómo afrontas un público tan diverso y qué diferencias encuentras respecto a otros destinos donde actúas habitualmente?

Hace un par de años me propuse trabajar con los sellos que siempre había admirado: Toolroom Trax, Golden, MTGD, Afrodisé, WH0 Plays, Alleanza, Darklight, Adesso o Altra Moda, entre otros. Son sellos muy profesionales que ofrecen una gran visibilidad y ayudan muchísimo al desarrollo artístico. No voy a mentir: no ha sido un camino fácil. He enviado decenas de demos que fueron rechazadas antes de encontrar los tracks que realmente encajaban con cada sello. Pero precisamente ahí está el aprendizaje. Una vez consigues establecer esa relación de con anza, todo empieza a uir. Quiero aprovechar para agradecer especialmente a Toolroom Trax, y en concreto a Mark Knight y Danny Rhys, todo el apoyo que me están dando. El año pasado me invitaron a Londres para participar en un campamento de producción en los estudios de Toolroom y fue una experiencia increíble que recordaré siempre.

Llevo yendo a Ibiza desde hace casi treinta años y paso allí todos los veranos. Siempre soñé con actuar en salas importantes junto a artistas de primer nivel, así que poder vivir este momento es una ilusión enorme. Son muchísimos años de trabajo y siento que ahora empiezo a recoger los frutos de todo ese esfuerzo. Creo que el público de Ibiza tiene una predisposición muy especial hacia la música. La gente llega con ganas de disfrutar, de vivir la experiencia y de dejarse llevar. Esa energía positiva hace que estén mucho más abiertos a descubrir sonidos nuevos y a conectar con la música desde otro lugar. El Afro House está viviendo uno de los momentos de mayor exposición comercial de los últimos años y tú has compartido camino con artistas como HUGEL o Aaron Sevilla, dos nombres fundamentales dentro de esta corriente. Desde tu experiencia, ¿qué crees que ha hecho que este sonido conecte tan bien con el público? ¿Piensas que aún tiene recorrido o la escena volverá a girar hacia otros estilos? El mayor aprendizaje que yo me llevo es Para mí ha sido un auténtico placer trabajar con dos artistas como HUGEL y Aaron Sevilla. Además de grandes profesionales, son personas cercanas que siempre me han tratado de maravilla. Creo que el Afro House ha conectado tan bien porque combina ritmos muy bailables con vocales muy reconocibles y melodías que la gente puede recordar y cantar fácilmente. Es un sonido que consigue llegar a públicos muy diferentes. Aun así, pienso que todavía tiene recorrido, aunque ya estamos viendo cómo el Indie Dance empieza a ganar mucha fuerza y probablemente será una de las próximas grandes tendencias. Llevas décadas viviendo la evolución de la música electrónica desde dentro y ahora vuelves a situarte entre los artistas españoles mejor posicionados dentro del Tech House. ¿Cómo se consigue seguir siendo competitivo después de tantos años de carrera? ¿Qué importancia tienen hoy la constancia, la disciplina y la capacidad de reinventarse frente a la velocidad con la que cambia la industria? En mi caso, me siento súper identi cado Todo se resume en el trabajo diario. Llevo 26 años entrando al estudio prácticamente cada día y sigo disfrutándolo exactamente igual. Para mí, levantarme cada mañana e ir a producir sigue siendo una satisfacción enorme. Intento mantenerme al día de las tendencias sin perder

Si miras hacia los próximos meses, entre los nuevos lanzamientos, la temporada de verano y todo lo que está ocurriendo alrededor de tu proyecto, ¿qué objetivos te has marcado para esta nueva etapa? ¿Hay algún reto profesional, colaboración o escenario que todavía tengas pendiente y que te motive especialmente conquistar? Mi principal objetivo es seguir trabajando con estos grandes sellos y continuar creciendo poco a poco. También me gustaría colaborar con artistas importantes y seguir actuando en festivales y clubes de primer nivel. Si tengo que hablar de un sueño, me encantaría poder hacer una colaboración con Axwell. Es un artista que me ha marcado desde siempre y sería muy especial compartir música con él. Y, por supuesto, actuar algún día en Tomorrowland sigue siendo una de esas metas que cualquier artista sueña con alcanzar. Muchas gracias a Vicious Magazine por esta entrevista. ¡Nos vemos en la pista y que nunca falte el baile!

DASS MOND NUESTRA IDENTIDAD ESTÁ EN DEFENDER LA INTERPRETACIÓN HUMANA Y LA CALIDEZ ANALÓGICA Nacido en Buenos Aires en 2024, Dass Mond une las trayectorias de Agustín Hae eli y Facundo García en un proyecto donde la síntesis analógica, la producción electrónica y la interpretación en directo conviven dentro de un mismo lenguaje. Con lanzamientos como Miss You, By My Side y el reciente Could Be, publicado por Frequenza y estrenado en Vicious Magazine, el dúo argentino avanza hacia un sonido cada vez más de nido dentro del melodic house, apostando por la instrumentación real, la emoción y un formato Live Set con identidad propia. Hablamos con ellos sobre el origen del proyecto, su proceso creativo y los próximos pasos de Dass Mond. Texto: Vicious Magazine

Dass Mond nació en Buenos Aires en 2024, pero reúne las trayectorias de Agustín Haeffeli, de Santa Fe, y Facundo García, de Mendoza. ¿Cómo se conocieron y qué los llevó a crear el dúo? Nos conocimos a través de un amigo en común. Aunque cada uno se desarrollaba en su ámbito profesional, la música siempre fue nuestro motor y pasión principal. Al principio nos juntamos para colaborar en nuestros proyectos individuales, pero enseguida descubrimos una a nidad sonora muy fuerte y decidimos intentar crear un track juntos. Así nació Miss You, una canción donde buscamos integrar instrumentos analógicos —como la guitarra y el piano— con la producción electrónica, generando atmósferas envolventes y emotivas. El proyecto cobró dinamismo de forma orgánica y nos llevó a diseñar una propuesta en directo, la cual grabamos en una sesión live en el paisaje natural de Potrerillos (Mendoza). Para potenciar esta nueva etapa, sumamos al proyecto como ingeniero de mezcla y máster a Martín Kano, profesional multipremiado con más de 20 años de trayectoria en la industria. Su aporte técnico y artístico ha sido clave para a anzar y elevar la identidad sonora de Dass Mond. Vuestra propuesta combina síntesis analógica, producción electrónica e interpretación en formato Live Set. ¿Cómo os repartís las funciones creativas dentro del proyecto? El proceso de trabajo uye de forma muy orgánica gracias a que nos complementamos en roles bien de nidos. Agustín se enfoca principalmente en la composición musical y el desarrollo de las melodías, mientras que Facundo se encarga de la voz, la guitarra, la producción, la mezcla y el máster. A pesar de esta división de tareas, las intenciones conceptuales, el rumbo artístico y las decisiones emocionales de cada producción se de nen siempre en conjunto.

Nuestra evolución se ha centrado en la búsqueda de una mayor madurez técnica y en la exploración de un sonido más consolidado dentro del melodic house. Hemos ido incorporando líneas de bajo con mayor pegada y carácter, combinadas con sintetizadores más profundos, melódicos e hipnóticos, además de sumar nuevas interpretaciones vocales femeninas en algunos temas. Llevar esto al escenario signi ca trasladar esa so sticación del estudio a la pista de baile, ofreciendo un directo vivo, orgánico y con mucha textura. Vuestro nuevo single, Could Be, fue estrenado en Vicious Magazine y publicado por Frequenza. ¿Qué representa este lanzamiento dentro de la identidad actual de Dass Mond? Para nosotros, Could Be es un paso clave. Contar con el apoyo de Frequenza y el respaldo de Nihil —una gura con gran trayectoria y respeto en la escena electrónica mundial— ha sido algo sumamente positivo. Creemos que la identidad de Dass Mond radica en defender la interpretación humana y la calidez analógica: no utilizamos inteligencia arti cial en la creación, sino que apostamos por la artesanía musical y la interacción con instrumentos reales sobre el escenario. Could Be sintetiza justamente ese equilibrio entre la pista de baile y la emotividad orgánica. Después de este lanzamiento y de la repercusión obtenida en medios como Billboard Argentina y Vicious Magazine, ¿cuál es el siguiente objetivo de Dass Mond para 2026? Nuestro gran objetivo para 2026 es sostener un ritmo constante de lanzamientos, consolidar la gira de nuestro nuevo show y llevar un Live Set con una identidad propia muy marcada a nuevos escenarios. Tras la excelente acogida en medios nacionales e internacionales, tenemos el foco puesto en expandir nuestro alcance y llevar la experiencia en vivo de Dass Mond al circuito exterior.

Desde singles como Miss You y By My Side hasta la sesión en directo grabada en Potrerillos, ¿cómo ha evolucionado vuestro sonido y la manera de llevarlo al escenario?

CRIS OCAÑA TRES DÉCADAS ENTRE LA CABINA, EL ESTUDIO Y LA TRANSMISIÓN DEL OFICIO Tras regresar de una gira por España, Francia e Italia, el artista chileno Cris Ocaña conversa con Vicious Magazine sobre la evolución de la escena europea, el valor de la experiencia frente a la exposición digital y la responsabilidad de formar a una nueva generación de DJs. Con un nuevo lanzamiento en Crazy Nutz, el productor reivindica la identidad sonora como el único territorio que ninguna tendencia puede sustituir. Casi tres décadas dentro de la música electrónica permiten contemplar la industria desde un lugar poco habitual: con la memoria su ciente para recordar cómo era antes de las redes sociales y, al mismo tiempo, con la energía necesaria para continuar buscando ese tema capaz de cambiarlo todo. Cris Ocaña pertenece a esa generación que aprendió el o cio acumulando horas en cabina, construyendo sesiones sin atajos y entendiendo el warm-up como una forma de respeto. Su reciente paso por varios países europeos lo ha devuelto a Chile con nuevas referencias, estímulos de producción y una lectura renovada del presente. En paralelo a su actividad artística y a su nuevo trabajo para Crazy Nutz, desarrolla una faceta formativa desde la que transmite técnica, disciplina y una idea central: una carrera no se levanta compitiendo con los demás, sino encontrando una voz propia. 70 Texto: Vicious Magazine

Acabas de regresar de una gira por España, Francia e Italia. ¿Qué sensaciones te deja este paso por Europa y qué lectura haces del momento que vive actualmente la escena electrónica en el continente?

Has vivido una industria completamente distinta a la actual. ¿Hay algo que eches de menos de aquella forma de entender la música electrónica o crees que el cambio ha sido, en conjunto, positivo?

La verdad es que siempre es un agrado pinchar en Europa. Vengo todos los años y siempre me llevo grandes sorpresas. Sin lugar a dudas, es una de las escenas más avanzadas del mundo. Cada vez que regreso a Chile, vuelvo con ideas muy innovadoras, ya sea para mi performance o para alcanzar nuevos sonidos dentro de la producción musical.

El desarrollo de las tecnologías actuales ha simpli cado muchas cosas. Es importante saber utilizar las herramientas que tenemos disponibles, pero sin dejar atrás ni olvidar los fundamentos, tanto a la hora de pinchar como de producir. Por otra parte, las redes sociales pueden mostrarnos una realidad que no siempre es verdadera, y debemos tener mucho cuidado con eso. Aun así, si tuviera que ponerlo todo en una balanza, me inclinaría hacia lo positivo. Siento que estas herramientas representan una gran aportación, especialmente para quienes trabajamos profesionalmente en este ámbito.

Llevas prácticamente tres décadas vinculado a la música. Cuando te subes hoy a una cabina, ¿qué buscas transmitir que quizá no buscabas cuando empezabas? Para mí, lo más importante es que el público disfrute de mi show a través de la conexión con la música. Lo supe desde la primera vez que subí a un escenario y continúa siendo así hasta el día de hoy. Transmitir buena energía y conseguir que la gente olvide todos sus problemas, al menos durante el tiempo que estoy pinchando, me parece una de las cosas más hermosas de este o cio. Después de tantos años de carrera, ¿hay algo que Europa siga enseñándote como artista? ¿Alguna manera de entender el clubbing o la música electrónica que continúe siendo una referencia para ti? Cada vez que vengo a Europa me nutro de sonidos nuevos. Sinceramente, lo que encuentro aquí se convierte en una referencia importante para aquello que voy a desarrollar durante los meses siguientes. Siempre he dicho que Europa está dos pasos por delante del resto del mundo en cuanto a tendencias musicales. Desde hace un tiempo compaginas tu faceta como artista con un proyecto formativo dirigido a nuevos DJs. ¿Qué te ha aportado la enseñanza que no habías encontrado ni en el estudio ni sobre un escenario? Creo que es la manera perfecta de dejar mi huella en la sociedad y, al mismo tiempo, construir mi legado como músico. No se trata únicamente de entregar conocimientos, sino también de transmitir mis valores como persona y como artista. Intento enseñar a cada alumno que, con amor, trabajo, talento y pasión, es posible alcanzar el éxito como DJ y productor de música electrónica. No hace tanto tiempo, vivir de esto parecía casi imposible. Hoy es una realidad. Como suele atribuirse a Albert Einstein: «99 % trabajo y 1 % talento». Después de trabajar con tantos alumnos, ¿qué es lo que más te preocupa cuando ves a alguien empezar una carrera en la música electrónica: la técnica, la mentalidad o las expectativas con las que llega? A veces, lo más complicado es enseñar a alumnos que han aprendido previamente con una técnica incorrecta. En esos casos cuesta más corregir determinados hábitos que enseñar desde cero. También puede ser difícil hacerles entender que es posible vivir de la música y que no tienen por qué contemplarla únicamente como un hobby. Por último, siempre intento recalcar que esto no es una competición. No deben compararse con nadie más, porque cada persona es única y tiene su propio recorrido.

Después de todo lo que has conseguido, ¿qué es lo que todavía te ilusiona cuando entras al estudio para empezar una canción completamente desde cero? Hacer el hit que lo cambie todo en mi vida. Creo que muchos buscamos algo así y son muy pocos quienes realmente lo consiguen. En cualquier caso, la producción musical es para mí una terapia interna que siempre está conmigo. Vivimos un momento en el que gran parte de la música se descubre a través de una pantalla. Sin embargo, la esencia de la electrónica siempre ha estado en la pista de baile. ¿Sigues creyendo que un club es el único lugar donde un artista puede mostrarse de verdad? Absolutamente. Detrás de una pantalla se pueden falsear muchas cosas. He visto artistas que reciben oportunidades gracias a una gran audiencia en redes sociales, pero cuando suben al escenario no tienen performance, no saben leer al público y carecen de psicología de pista. Evidentemente, todos empezamos así, sin saber demasiado. La diferencia es que antes la experiencia iba construyendo poco a poco lo que llegábamos a ser. Hoy todo sucede muy rápido y las nuevas generaciones quieren obtenerlo todo de inmediato. En ese proceso se pierde una de las partes más divertidas: pinchar durante horas interminables en casa o en afters con amigos, pasar días y noches en el estudio, aprender, equivocarse y luchar hasta encontrar el sonido que estabas buscando. También se está perdiendo el valor del warm-up, lejos del ego y realizado siempre con un respeto inmenso hacia el artista principal. Siento que muchas de estas cosas se han ido diluyendo con los avances tecnológicos.

CRIS OCAÑA TOMA EL CONTROL El nuevo lanzamiento de Cris Ocaña en Crazy Nutz prolonga una trayectoria construida entre la experiencia de club, la evolución constante del estudio y una defensa rme de la autenticidad. Frente a una industria cada vez más acelerada, el artista mantiene una idea difícil de discutir: las herramientas pueden cambiar, pero ninguna tecnología reemplaza las horas de práctica, la capacidad de leer una pista ni la construcción paciente de un lenguaje propio.

Hoy cualquier productor tiene acceso prácticamente a las mismas herramientas. Si la tecnología ha igualado el punto de partida, ¿qué sigue marcando la diferencia entre un artista que perdura y otro que desaparece? Creo que la clave está en tener un sonido que te caracterice, algo que el público pueda identi car al escucharlo sin necesidad de leer quién es el artista. Las tendencias pasan muy rápido. Buscar constantemente estar a la moda es un error grave que cometen muchos productores, porque termina quitándoles autenticidad.

LA CLANDESTINA EL OFICIO DE EVOLUCIONAR SIN PERDER EL GROOVE MARTA ARRUFAT Y VÍCTOR DOLS, SOCIOS Y RESPONSABLES DE LA CLANDESTINA, ANALIZAN LA CONSTRUCCIÓN DE UN CIRCUITO NÓMADA QUE ANTEPONE EL SONIDO, LA EXPERIENCIA Y LA CULTURA DE CLUB A LA ACUMULACIÓN DE NOMBRES. TRAS SUS EXITOSAS PARADAS EN SEVILLA Y MADRID, EL PROYECTO REGRESA EL VIERNES 14 DE AGOSTO DE 2026 A LA SANTA, EN BENICÀSSIM, CON AVIS VOX EN DIRECTO, PARAFRAME EN FORMATO DJ SET Y UNA SÓLIDA REPRESENTACIÓN LOCAL ENCABEZADA POR DANIEL MUBE, KAENEA Y LORYROCKS. Texto: Luis V.

EN UNA ESCENA SATURADA DE EVENTOS QUE COMPITEN POR TAMAÑO, ALCANCE Y VELOCIDAD, LA CLANDESTINA HA OPTADO POR OTRA ESCALA. SU PROPUESTA NO SE CONSTRUYE DESDE EL VOLUMEN DE PÚBLICO NI DESDE UNA CARRERA POR REUNIR EL CARTEL MÁS RECONOCIBLE, SINO DESDE LA COHERENCIA ENTRE ESPACIO, SONIDO, ILUMINACIÓN, SELECCIÓN ARTÍSTICA E IDENTIDAD VISUAL. AL FRENTE DEL PROYECTO SE ENCUENTRAN MARTA ARRUFAT Y VÍCTOR DOLS, DOS PROMOTORES FORMADOS EN LA CULTURA ELECTRÓNICA DE CASTELLÓN Y BENICÀSSIM QUE ENTIENDEN LA PISTA COMO UN ESPACIO DE ENCUENTRO, NO COMO UN SIMPLE PUNTO DE CONSUMO. SU EXPERIENCIA LES HA PERMITIDO DESARROLLAR UN CIRCUITO ITINERANTE CAPAZ DE DESPLAZARSE ENTRE CIUDADES SIN PERDER PERSONALIDAD. LA PRÓXIMA PARADA TENDRÁ LUGAR EN LA SANTA, DONDE LA CLANDESTINA CELEBRARÁ UNA EDICIÓN QUE CONECTA TALENTO INTERNACIONAL, RESIDENTES Y ESCENA LOCAL. HABLAMOS CON SUS RESPONSABLES SOBRE LA FIGURA DEL PROMOTOR, EL VALOR DEL DETALLE Y LA POSIBILIDAD DE CONSTRUIR UNA MARCA RECONOCIBLE SIN RENUNCIAR AL ESPÍRITU UNDERGROUND.

En un momento en el que cada n de semana nace un nuevo evento de electrónica, ¿por qué hacía falta La Clandestina? Marta Arrufat: Porque no queríamos organizar una esta más, sino construir una marca con una personalidad reconocible. Casi todo lo que estaba creciendo avanzaba hacia el mismo lugar: más aforo, más cartel y menos noche. Nosotros venimos de la cultura de club, donde importa quién está a tu lado y no cuántas personas hay alrededor. La Clandestina nace para demostrar que la electrónica también puede tener criterio, cuidado e identidad propia. El nombre da que pensar. ¿La idea de “clandestina” está relacionada con localizaciones secretas? Víctor Dols: No, y conviene aclararlo. Nuestras localizaciones son públicas y las elegimos precisamente porque están adaptadas, suenan bien y permiten que la gente esté cómoda. Lo clandestino es una actitud, no un escondite. Consiste en buscar lo que no está necesariamente en el escaparate: artistas, espacios y personas que comparten una sensibilidad. Más que un nombre, es una forma de escuchar. Habláis mucho de identidad. ¿Qué signi ca eso en la práctica, más allá del discurso? Marta Arrufat: Que cada decisión tiene un porqué: el espacio, el sonido, la luz, la comunicación y el cartel. Nuestros carteles son obras originales de Jesús de Miguel, pintor a ncado en Ibiza. No utilizamos una plantilla a la que simplemente se le cambia el nombre del artista. Cada edición tiene una pieza irrepetible que la gente puede conservar. Llevamos once ediciones y once obras distintas. Esa es la diferencia entre decir que cuidas la identidad y demostrarlo. Desde vuestra experiencia como promotores, ¿qué echabais de menos en la escena actual? Víctor Dols: El cuidado por los detalles y la gura del residente. El auge del festival ha convertido al DJ en cabeza de cartel y ha ido borrando al selector que construye una noche completa y conoce a su público. Nosotros programamos principalmente Indie Dance y Dark Disco, y trabajamos con residentes vinculados al circuito. Un cartel puede ser un titular, pero una noche es un trabajo mucho más complejo. ¿Qué pesa más en vuestra programación: los grandes nombres o la experiencia global? Marta Arrufat: La experiencia, sin duda. Un gran artista importa, pero una gran noche depende de muchas cosas funcionando al mismo tiempo. Nuestras ediciones de Sevilla y Madrid fueron un éxito, y no fue únicamente por contar con el nombre más grande posible. La gente vuelve por cómo sonó la sala, por el momento exacto en el que entró un tema, por la atmósfera o por las personas con las que se encontró. Eso no cabe en un cartel. Queremos que recuerden cómo se sintieron, no solamente quién actuó.

Víctor Dols: Buscamos músicos, no solamente DJs. Ambos lo son, aunque cada uno presenta un formato diferente: Avis Vox llega con su directo y Paraframe con un DJ set. Avis Vox es una de las guras destacadas del techno melódico. Paraframe es productor y también director de cine, y eso se percibe en la manera en que construye sus sesiones: piensa en escenas, no únicamente en tracks. Los dos podrían actuar en cualquier parte. A nosotros nos interesa que exista una obra y una visión detrás. Si programáramos exclusivamente por número de oyentes, acabaríamos sonando igual que los demás. De nís La Clandestina como electrónica premium. ¿Qué signi ca exactamente? Marta Arrufat: Signi ca que lo primero es el sonido. Antes de mirar un cartel, estudiamos la sala: cómo responde, si está bien acondicionada y si la gente podrá estar cómoda. Después viene todo lo demás: aforo controlado, iluminación e imagen cuidada. Premium no es una etiqueta de precio, sino conseguir que nada chirríe. Si el sonido no está a la altura, no hacemos la esta. ¿No resulta contradictorio utilizar al mismo tiempo los conceptos underground y premium? Víctor Dols: Es una pregunta justa, y nosotros también nos la hacemos. Premium no signi ca elitista. Signi ca que el sistema suene bien, que la sala no esté saturada, que la iluminación acompañe y que nadie tenga que pasar la noche recibiendo empujones. Eso no es lujo, sino respeto por quien ha pagado una entrada. Cuidar el sonido nunca ha estado reñido con lo underground. ¿Qué papel ocupa la cultura de club dentro del proyecto? Marta Arrufat: Lo ocupa todo. El club lleva décadas funcionando como refugio, como un espacio al que la gente acude para encontrarse y también para desaparecer durante unas horas. Nosotros no hemos inventado nada. Intentamos estar a la altura de esa tradición. Por eso hablamos de comunidad y de comunión en la pista, no de “público asistente”. Sois de Castellón. ¿Cuánto pesa el territorio en la identidad de La Clandestina? Víctor Dols: Todo. Somos de Benicàssim, de Castellón, y nos hemos educado con la electrónica de esta tierra, que lleva décadas siendo una referencia dentro del país. Aquí hay músicos y DJs extraordinarios. Por eso en cada edición de La Clandestina aparecen artistas locales. No es un gesto simbólico, sino una condición del proyecto. El 14 de agosto estarán Daniel Mube, Kaenea y Loryrocks. No aparecen como relleno: forman parte del cartel porque tienen calidad y representan la escena de la que venimos.

El 14 de agosto contáis con Avis Vox y Paraframe. ¿Qué buscáis en artistas de ese per l?

La Clandestina funciona como un circuito nómada. ¿Cómo elegís cada espacio? Marta Arrufat: Lo primero es que suene bien y esté adaptado. Eso no es negociable. Después buscamos sentirnos cómodos y encontrar una relación natural con el espacio y con quienes lo gestionan. Volvemos siempre a los lugares donde nos hemos sentido en casa. Benicàssim es la nuestra, pero Madrid y Sevilla ya lo son también. Un circuito se construye con carretera, pero también con casas. Después de la edición del 14 de agosto, ¿qué viene para el proyecto? Víctor Dols: Existen muchas posibilidades de repetir en Madrid, y es algo que queremos hacer. También estamos buscando nuevas plazas en otras ciudades. Miramos hacia el norte y queremos regresar al sur. No tenemos prisa. Preferimos tardar y encontrar el espacio adecuado antes que forzar una fecha en un lugar que no reúna las condiciones necesarias. ¿Qué queréis que sienta una persona cuando salga de una noche de La Clandestina? Marta Arrufat: Que ha vivido algo especial, algo que no se puede explicar del todo. La prueba de que una edición ha funcionado no es que alguien diga que fue bonita. Es que al día siguiente ya esté buscando cuándo se celebra la siguiente. ¿Dónde os gustaría ver La Clandestina dentro de cinco años? Víctor Dols: Nos gustaría que el nombre fuera su ciente. Que una persona leyera La Clandestina y supiera qué puede sonar y cómo se va a sentir, independientemente de la ciudad en la que se celebre. Y que siga siendo la misma comunidad, aunque seamos más. Si tuvierais que de nir el proyecto en tres palabras, ¿cuáles serían? Marta Arrufat: Identidad, criterio y comunidad. Creemos que la electrónica puede ser so sticada sin perder autenticidad. Lo contrario del buen gusto no es lo underground, sino la falta de criterio. Y nada de esto existiría sin la gente que regresa. Por último, ¿qué mensaje enviaríais a quienes quieran vivir por primera vez una noche de La Clandestina? Víctor Dols: El 14 de agosto os esperamos en La Santa, en Benicàssim. Tendremos aforo controlado, cinco propuestas musicales y una noche que no volverá a repetirse exactamente de la misma forma. A quien venga por primera vez le diría: no vengáis solamente a ver a alguien; venid a quedaros. LA CLANDESTINA EXPERIENCE Fecha: Viernes, 14 de agosto de 2026 Lugar: La Santa, Benicàssim Line-up: Avis Vox live · Paraframe DJ set · Daniel Mube · Kaenea · Loryrocks Instagram: @laclandestinaexperience

VAERT

ABRE UN NUEVO CAPÍTULO EN LIVE AT ROBERT JOHNSON TRAS UNA TRAYECTORIA CONSTRUIDA ENTRE ITALIA, BERLÍN, BARCELONA Y UNA CURIOSIDAD QUE NUNCA HA ACEPTADO LÍMITES DE GÉNERO, VAERT PRESENTA GET DOWN, SU NUEVO LANZAMIENTO EN LIVE AT ROBERT JOHNSON. EL PROYECTO DE GIANLUCA ACCARDI ATRAVIESA HOUSE, TECHNO, TENSIÓN HIPNÓTICA Y PROFUNDIDAD EMOCIONAL SIN INSTALARSE DEFINITIVAMENTE EN NINGUNO DE ESOS ESPACIOS.

ANTES DE QUE SU MÚSICA APARECIERA EN SELLOS COMO AFTERLIFE, RSPX, TRAUM O LIVE AT ROBERT JOHNSON, GIANLUCA ACCARDI PASÓ AÑOS VIAJANDO POR AUSTRALIA Y EL SUDESTE ASIÁTICO, EXPERIMENTANDO CON DEMOS Y BUSCANDO UNA FORMA ARTÍSTICA CAPAZ DE SOSTENERSE MÁS ALLÁ DE UN LANZAMIENTO AISLADO. ESA FORMA COMENZÓ A DEFINIRSE EN BERLÍN. LAS NOCHES EN PANORAMA BAR, CLUB DER VISIONÄRE, RENATE Y SISYPHOS, JUNTO CON EL TIEMPO DE AISLAMIENTO PROVOCADO POR LA PANDEMIA, LE PERMITIERON DESARROLLAR EL LENGUAJE QUE TERMINARÍA CONVIRTIÉNDOSE EN VAERT. DE AQUEL PERIODO SURGIÓ HIGH HOPES, PRIMERA PUBLICACIÓN OFICIAL DEL PROYECTO, Y UNA ETAPA ESPECIALMENTE FÉRTIL QUE TAMBIÉN DESEMBOCÓ EN POSTERITY, SU COLABORACIÓN CON MIND AGAINST PARA AFTERLIFE. AHORA, GET DOWN Y WITHOUT U ABREN UN NUEVO CAPÍTULO. MÁS FÍSICAS, DIRECTAS Y PRÓXIMAS AL HOUSE, AMBAS PIEZAS MANTIENEN LA BÚSQUEDA DE PROFUNDIDAD QUE ATRAVIESA TODA SU DISCOGRAFÍA. EN CONVERSACIÓN CON VICIOUS MAGAZINE, VAERT HABLA SOBRE LA CREACIÓN DE SU IDENTIDAD, EL TIEMPO QUE SEPARA UNA PRODUCCIÓN DE SU LANZAMIENTO Y LA NECESIDAD DE MANTENERSE EN EVOLUCIÓN PERMANENTE.

Antes de los lanzamientos y del reconocimiento internacional estaba Gianluca Accardi, un artista nacido en Italia cuyo proyecto terminó encontrando sus raíces en España. ¿En qué momento surgió realmente Vaert, qué necesidad personal o creativa te llevó a construir esta identidad y cómo transformó el paso entre ambos países tu manera de escuchar, producir y entender la pista de baile? Antes de nada, gracias por invitarme. Es un placer formar parte de esta conversación. Vaert nació durante el periodo en el que viví en Berlín, después de pasar algunos años viajando por Australia y el sudeste asiático. Durante aquella etapa conocí a Freddie y Alex, mientras estaban de gira entre Australia y China. Yo me encontraba en una fase de experimentación constante, intentando comprender hacia dónde quería llevar mi música. Algunas de mis demos empezaban a llamar la atención de DJs a quienes enviaba habitualmente promos e ideas. Antes de Vaert, ya había publicado un single bajo el alias Åmachørd, pero la visión general seguía siendo bastante inmadura y nunca llegó a evolucionar hasta convertirse en un proyecto completamente desarrollado. Cuando regresé a Europa me trasladé a Berlín, donde nalmente encontré la estabilidad necesaria para concentrarme en construir algo más signi cativo y duradero. Al mismo tiempo, amplié mi perspectiva musical sumergiéndome en la cultura de club de la ciudad y pasando incontables noches en lugares como Panorama Bar, Club der Visionäre, Renate y Sisyphos. Ese fue el entorno en el que Vaert cobró vida de verdad. Por desgracia, poco después de mi llegada el mundo se detuvo. La pandemia hizo imposible crear nuevas conexiones en la ciudad, pero también me dio algo igualmente valioso: tiempo. Tiempo para producir, experimentar y desarrollar mi sonido. Durante ese periodo escribí las primeras demos bajo el nuevo alias, entre ellas High Hopes, que terminó convirtiéndose en el primer lanzamiento o cial del proyecto. Creo que todo lo que ha moldeado mi gusto y, como consecuencia, la evolución de mis producciones, procede de una curiosidad inagotable. Nunca he querido encerrarme dentro de una escena o un género concreto. Siempre he intentado seguir aquello que conecta conmigo de manera auténtica en cada momento de mi vida. Tanto Berlín como Barcelona han sido capítulos fundamentales en ese recorrido, porque me permitieron experimentar mi pasión por la música electrónica desde dentro, rodeado de personas inspiradoras y escenas vibrantes.

“Nunca he querido encerrarme dentro de una escena o un género concreto” Tus primeras apariciones como Vaert comenzaron a tomar forma alrededor de 2022, pero 2023 marcó un paso importante con High Hopes en HABITAT Records y, especialmente, Posterity, tu colaboración con Mind Against publicada por Afterlife. ¿Cómo recuerdas aquella primera etapa y qué cambió dentro de ti cuando tu música entró en el universo de un sello con una exposición internacional tan fuerte?

Sin duda, hay momentos en la vida de un artista que resultan más prolí cos que otros. Aquellos años en Berlín, incluida la colaboración con Mind Against, fueron claramente uno de esos periodos. Curiosamente, el momento en el que termino un track rara vez coincide con el momento en que el mundo lo escucha. La distancia entre creación y publicación puede ser muy larga y, cuando la música nalmente aparece, mi visión artística suele haberse desplazado ya hacia otro lugar. Aun así, siempre he intentado con ar mi música a sellos capaces de ofrecerle el mejor contexto posible y ayudarla a alcanzar todo su potencial.

“El hilo emocional que conecta todos mis lanzamientos es la búsqueda de profundidad” Si observamos tu discografía hasta 2026, encontramos High Hopes, Posterity, XPLORE, Need You, tu remix de Grindhouse de Radio Slave y Danton Eeprom para RSPX, Can’t Be Home en Traum y ahora Get Down. ¿Qué hilo emocional o técnico conecta todos estos lanzamientos y cuál consideras que cambió de manera más profunda tu lenguaje como productor? Al mirar mi catálogo, creo que el hilo emocional que conecta todos mis lanzamientos es la búsqueda de profundidad. Siempre he querido que mi música construya un espacio emocional en el que la gente pueda perderse, re exionar y sumergirse en un viaje personal. Get Down representa el momento en el que adquirí una conciencia mucho más clara sobre cuál es mi identidad artística actual. Al mismo tiempo, ya tengo mucha música inédita que podría volver a cuestionar esa identidad y empujarla hacia un lugar inesperado. La evolución constante siempre ha formado parte de quien soy.

“Vaert es, ante todo, un viaje en evolución” Get Down llega a Live at Robert Johnson junto a Without U. Son dos temas que parecen llevar tu sonido hacia un terreno más físico, directo y próximo al house, sin abandonar la tensión hipnótica que atraviesa tu obra. ¿Cómo tomó forma este lanzamiento, qué querías expresar de manera diferente y qué signi ca para ti publicar en un sello tan ligado a Robert Johnson y a la tradición electrónica de Frankfurt? Con este EP quería demostrar que continúo buscando nuevas direcciones, pero sin perder el vínculo con los fundamentos que hicieron que me enamorara de la música electrónica: el house y el techno. Esas in uencias siguen guiando todo lo que hago, aunque el resultado nal continúe evolucionando. En muchos sentidos, este lanzamiento también representa una progresión natural dentro de mi recorrido hacia sellos que re ejan verdaderamente mi visión artística.

Publicar en Live at Robert Johnson ha sido un auténtico honor, especialmente por el increíble apoyo que he recibido tanto del propio sello como de la comunidad que vive habitualmente el club.

Este lanzamiento te de ne como un “poeta sonoro” situado entre la introspección individual y el éxtasis colectivo, mientras que el trabajo visual de Konstantin Fürchtegott Kipfmüller explora la percepción, la reducción y el signi cado como un espacio artístico independiente. En 2026, después de publicar en Afterlife, RSPX, Traum y Live at Robert Johnson, ¿qué partes de tu identidad artística sientes plenamente de nidas y cuáles estás preparado para romper o reconstruir durante el próximo capítulo de Vaert? Como he dicho anteriormente, Vaert es, ante todo, un viaje en evolución. No me siento preparado para trazar una línea de nitiva bajo ningún aspecto de mi identidad artística, porque la estoy cuestionando y rede niendo constantemente. Mis próximos lanzamientos explorarán territorios que todavía no he tocado. Una vez más, me he obligado a experimentar con nuevas maneras de escribir y producir música. Eso es lo que mantiene vivo el proyecto para mí: la sensación de que siempre existe otra dirección que merece la pena explorar.

VAERT ENCUENTRA UN NUEVO HOGAR EN LIVE AT ROBERT JOHNSON Con Get Down, Vaert no abandona el lenguaje emocional e hipnótico que ha de nido su recorrido; lo desplaza hacia una forma más física, directa y conectada con los fundamentos del house y el techno. El lanzamiento con rma además una relación coherente con Live at Robert Johnson, un sello cuya identidad trasciende la función editorial para prolongar la cultura, el criterio y la sensibilidad de uno de los espacios fundamentales de la electrónica alemana. Para Gianluca Accardi, sin embargo, cada de nición sigue siendo provisional. La identidad no aparece como una meta, sino como una estructura que puede cuestionarse, desarmarse y volver a levantarse. En ese movimiento permanente reside la verdadera naturaleza de Vaert.

GAMEBOYZ CATORCE AÑOS DE GAMBERREO, ESTUDIO Y PISTA D E U N A PA R C E L A E N P O R T U GA L A U N A D I S C O G R A F Í A Q U E C R UZ A S E L L O S , C L U B S Y É P O CA S : L A H I S T O R I A D E D O S PAC E N S ES Q U E H I C I E R O N D E L E R R O R , L A R I S A Y E L B A J O U N A F O R M A D E R ES I S T E N C I A E L E C T R Ó N I CA .

Algunos proyectos no aparecen para ocupar un hueco en el mercado, sino para desordenarlo un poco: sin manual de estilo, sin cálculo excesivo y con esa urgencia rara de quien necesita hacer ruido antes incluso de saber hacia dónde va. Gameboyz no parece uno de ellos. O, al menos, no lo parecía en aquel primer fogonazo de 2012, cuando Luis Vallespín, Carlos Franco y Manuel Maidero empezaron a dar forma a una criatura que no sabía estarse quieta. Venían de Badajoz, de años de vinilos, cabinas pequeñas, ritmos rotos, afters, intuición, aprendizaje técnico y una pulsión muy poco solemne por mezclar electrónica con voces en castellano, humor, calor corporal y una forma muy particular de entender el club: menos pose, más sudor; menos manual, más instinto. Catorce años después, Gameboyz siguen aquí. Ya no como trío, sino como el dúo formado por Kali, Luis Vallespín, y Charlie. Carlos Franco. La marcha de Da Well dejó una grieta inevitable, porque todo grupo que ha crecido desde la amistad y el delirio compartido se construye también con fantasmas. Pero el proyecto no se congeló. Mutó. Pasó por el golpe seco del COVID, por la transformación del mercado, por el cansancio de una escena que a veces premia más la visibilidad que la personalidad, y por esa pregunta incómoda que aparece en cualquier carrera larga: ¿qué queda de nosotros cuando ya no somos exactamente los mismos? En Gameboyz, queda bastante. Queda el pulso de Carne de Puerca, la fiebre de Calor del Foco, el golpe tribal y deslenguado de Juan el Jefe, la amplitud de Mucho Danger, la militancia de Melómana Records, la memoria de los clubs, las carreteras hacia Barcelona, Madrid, Valencia, Tel Aviv, Londres o Lisboa, y una manera de producir que no busca caer simpática, sino dejar marca. Su sonido ha cambiado, claro. Sería preocupante que no lo hubiera hecho. Pero en el fondo sigue latiendo esa misma energía de origen: una electrónica que baila con el pasado sin ponerse nostálgica, que mira al futuro sin perder el acento, y que entiende la pista como un lugar donde también se puede reír, provocar, sudar y debatir...

Badajoz no era perfecta. Era mejor: era real Antes de Gameboyz, hubo una ciudad. Y antes de la ciudad, una educación sentimental hecha de cabinas, centros de estudios, tiendas de discos y obsesiones compartidas. Kali (Modernphase) y Charlie (Xar Lee) aún no eran Gameboyz, sino dos chavales formándose entre breakbeat, drum & bass, house, electro y techno. Uno pinchaba como DJ Motxo, otro como Charlie Funk. Lo importante no era todavía el nombre, sino la forma de mirar: escuchar mucho, probar más, equivocarse sin miedo y entender que la electrónica no solo se aprende en las grandes capitales. Esa Badajoz de principios de siglo funcionó como laboratorio. La tienda Ozono Records, los primeros vinilos, las discotecas, los estudios improvisados y el aprendizaje con programas como Acid Pro o Fruity Loops fueron armando una artesanía bruta: pocos medios, mucha insistencia y una urgencia absoluta por sonar diferente. Gameboyz nunca han sonado como un proyecto que intenta escapar de su lugar de origen. Más bien al contrario. Usaron Badajoz como combustible secreto: humor seco, frases de after, voces deformadas, bajos con mala leche y ritmos entre lo canalla y lo hipnótico.

Una parcela, un micro y un Kaoss Pad La chispa fundacional ocurrió lejos de cualquier despacho. En una parcela familiar, después de un par días pinchando en Portugal, entre amigos y un punto de euforia, Da Well agarró un micro, lo pasó por un Kaoss Pad 3 y empezó a soltar palabras. La anécdota contiene casi todo el ADN del grupo: tecnología usada de forma lúdica, voz deformada, humor, espontaneidad y una desconfianza natural hacia el exceso de seriedad. Todavía no había carrera. Había algo mejor: una posibilidad.

La voz en castellano como navaja Uno de los grandes hallazgos de Gameboyz fue entender que hablar, cantar o lanzar frases en castellano dentro de una estructura club podía ser una forma de liberación. No querían sonar solemnes. No querían parecer importados. No querían esconder la rareza. Al contrario: la empujaron hacia delante. En esa decisión hay una deuda emocional con artistas como Daniel Maloso, Rebolledo o Matías Aguayo, pero Gameboyz llevaron esa intuición a su propio terreno: más ibérico, más punk, más rural, más desobediente. Ahí entran piezas como Carne de Puerca, Calor del Foco o Juan el Jefe. Temas que no funcionan solo por estructura, sino por personalidad. Tienen algo de chiste privado que termina convertido en himno público. Algo de frase absurda que, repetida sobre una línea de bajo, adquiere un poder extraño. Algo de fiesta peligrosa en la que todo parece a punto de torcerse, pero nunca se rompe del todo. Esa es una de las claves de Gameboyz: saben jugar con el descontrol sin perder el oficio. Por debajo del cachondeo hay producción, mezcla, arreglo, cultura de club y muchas horas de estudio.

2013: la primera dentellada La primera dentellada llegó rápido. En 2013, Juan el Jefe EP apareció en Biologic Records y se convirtió en uno de esos primeros golpes que explicaban de inmediato qué era Gameboyz: bajo, frase, descaro y una forma muy suya de entrar en la pista sin pedir permiso. Ese mismo año llegaron trabajos y remixes vinculados a sellos como Electrique Music, La Belle Records, Nein Records o Cuberec. Para un proyecto nacido lejos del eje habitual de la industria electrónica española, entrar tan pronto en esa conversación internacional decía mucho de la singularidad de su sonido. En esa primera etapa se empezó a dibujar la trilogía emocional del grupo: Juan el Jefe, Carne de Puerca y, poco después, Calor del Foco. Si los dos primeros abrieron la puerta al universo gamberro, vocal y retorcido de Gameboyz, Calor del Foco terminó de convertir esa identidad en un pequeño himno. Editado en Electrique Music, el sello de sus amigos, mentores y compañeros mexicanos Mijo, Bufi aka Theus Mago y Eddy Mercury aka Ed La Fuente, el track sigue siendo, hasta hoy, uno de los más pedidos en sus sesiones. Hay temas que pertenecen a una época; Calor del Foco pertenece a la memoria viva del proyecto. En 2014, la cosa se aceleró con Carne de Puerca, una oda torcida a Badayork: sus límites, sus contradicciones y ese gamberreo extremo que también forma parte de su identidad. El título nace de una inscripción que aún puede verse en la Plaza Alta, antiguo corazón comercial de Badajoz, donde se señalaban los puestos del mercado y uno de ellos estaba dedicado a la “carne de puerco”. Una pequeña reliquia urbana que Gameboyz convirtió en bandera. Si visitáis la ciudad, todavía podéis encontrarla allí: piedra, memoria popular y cachondeo local transformados en lenguaje de club. Después llegarían Everybody EP, sello comandado por DC Salas, Bad Chemical EP en Clouded Vision de Matt Walsh o la colaboración con Duncan Gray en Funk Riot para Relish Records, y una red de conexiones que fue ampliando el mapa. Pero ya entonces quedaba claro que Gameboyz no estaban construyendo solo una discografía: estaban levantando un idioma propio.

Mucho Danger: el mundo propio En 2016 llegó un momento crucial: Mucho Danger. Un álbum siempre es una declaración complicada para un artista de club. Obliga a pensar más allá del single, del DJ tool o del track funcional. En su caso, el LP sirvió como primer gran ejercicio de mundo propio. Publicarlo en Melómana Records no fue el camino más cómodo, pero sí el más coherente: si el proyecto había nacido desde la independencia y el control del imaginario, tenía sentido que su primer largo saliera desde su propia casa. Mucho Danger recogía varias de sus obsesiones: bajos elásticos, voces, ritmos rotos, referencias noventeras, humor oscuro y esa forma tan suya de sonar serio sin perder la risa.

Melómana: la casa, la trinchera, el archivo Melómana Records no ha sido un simple contenedor para autoeditarse, sino una extensión natural del proyecto: refugio, laboratorio, archivo y altavoz. Un lugar donde publicar música propia, abrir espacio a otros artistas y construir una familia sonora alrededor de intereses comunes. En una época en la que muchos artistas dependen de algoritmos ajenos, esa capacidad de generar casa, relato y comunidad se vuelve casi política. Melómana permitió a Gameboyz sostener una identidad más allá del calendario de lanzamientos y las modas de temporada.

La carretera también produce Gameboyz tampoco se entienden solo desde el estudio. Se entienden desde las pistas que han pisado. En estos años han pasado por Razzmatazz, Moog, Sala Apolo, La 3, Siroco, Charada, Studio 76, Kafka Club, Lanna Club, ElectroSplash, Contempopránea, PFS Festival u O Sonar, además de ciudades como Tel Aviv, Londres, Lisboa, Perpiñán, Ibiza, Madrid, Barcelona o Valencia. Cada cabina obligó a negociar con un público distinto. No es lo mismo tocar en una sala oscura de Barcelona que en un festival al aire libre, ni enfrentarse a una pista española que hacerlo fuera. Esa clase de viajes no solo amplían agenda; cambian la forma de pinchar.

Cuando Da Well dejó la habitación… Toda historia larga tiene una fractura. En Gameboyz, esa fractura fue la salida de Da Well. Manuel Maidero formaba parte de la imagen, del origen y de la energía del trío. Su marcha alrededor de 2019 no puede leerse como una simple modificación de plantilla. Cuando un proyecto nace desde la amistad y la química, cada ausencia reorganiza el mapa emocional. Pasar de tres a dos implica redistribuir funciones, asumir silencios, cambiar dinámicas de estudio y aceptar que algunas aportaciones ya no estarán. Lo interesante es que Kali y Charlie no intentaron borrar la etapa anterior. La integraron como parte del recorrido. Da Well sigue formando parte de la mitología del grupo porque estuvo en la primera combustión. Pero el dúo aprendió a caminar con otro equilibrio. La música no perdió identidad; se hizo más concentrada. Menos coral quizá, pero también más enfocada. La herida no anuló el proyecto. Lo obligó a madurar.

El COVID apagó la pista, no el pulso Después llegó el COVID. Para un proyecto pensado desde la pista, desde el viaje y desde la fricción con el público, la pandemia fue algo más que una pausa. Fue una amputación temporal del hábitat natural. De pronto, el club desapareció. La carretera desapareció. El cuerpo del público, ese termómetro que te dice si una idea funciona o no, quedó sustituido por pantallas, calendarios vacíos y una sensación general de suspensión. En Gameboyz, aquella etapa puede leerse como un periodo de repliegue y archivo. Cuando no se podía mirar a la pista, tocaba mirar al catálogo, al sello, al estudio, a la comunidad. Melómana Records cobró todavía más peso como refugio creativo y como forma de sostener una identidad en medio del silencio. Después del COVID, el proyecto no intentó fingir que nada había pasado. Había una conciencia más clara de la fragilidad del oficio, de la importancia del trabajo invisible y de la necesidad de seguir construyendo aunque no hubiera focos.

Kali, el otro lado de la escena Ahí también aparece otra faceta fundamental: Kali como agitador, periodista, prescriptor y comunicador musical. Su trabajo en Como las Grecas, Ibiza Sonica, FAZEMag, su propia PR con Luis V PR y en El Rincón de Kali dentro de DJ Mag España, desde 2020 hasta el cierre de la revista en 2024, no es un elemento externo a Gameboyz, sino parte del mismo ecosistema. Es la otra cara de una misma forma de estar en la música: producir, pinchar, escribir, escuchar, promocionar y apoyar a otros artistas construyendo tejido, viviendo de ello.

El regreso no pidió permiso La reactivación del dúo no llegó desde la nostalgia. En 2023, Breaks to Laugh, publicado en Kaputt. wav, conectó su ADN con una lectura contemporánea del club: electro, italo, techno moderno y un sentido muy físico del groove. No sonaba a regreso tímido. Sonaba a dos productores recordándose a sí mismos que todavía podían entrar en una pista por la puerta lateral y cambiar el clima. En 2024, el movimiento se volvió aún más significativo con 54321!, publicado en Octopus Recordings, el sello de Sian. Un corte más rave, rodante y expansivo que situó al dúo en una órbita internacional sin borrar su firma. Ese mismo periodo trajo otro guiño relevante: la relectura de Calor del Foco en Mindshake Records, el sello de Paco Osuna. Que uno de sus temas más reconocibles volviera a circular en un contexto de tanta visibilidad decía mucho de su vigencia.

After Tomorrow: después de mañana también hay pista El presente apunta a un nuevo capítulo. After Tomorrow, su EP en Sincopat junto a Mønölitio, con remix de Mmyylo, abre una etapa de mayor profundidad emocional y energía club más refinada. La entrada en Sincopat tiene peso: el sello valenciano ha construido una identidad respetada dentro de la electrónica europea, cruzando melodía, club, riesgo y elegancia. Para Gameboyz, publicar ahí no significa disfrazarse de otra cosa, sino mostrar una versión más amplia de sí mismos. Más emocional, más expansiva, más consciente de la tensión entre memoria y futuro. A esto se suman próximos movimientos en vinilo con NO STATIC / AUTOMATIC de ARA-U y Mars On Frequency Records de Robert Cosmic, además de una presencia audiovisual más cuidada y su confirmación como artistas de portada para Zone Magazine en Reino Unido. No hablamos de una segunda juventud impostada, sino de algo más raro: una madurez que no ha perdido el colmillo.

Una carrera contra la uniformidad Quizá el gran mérito de Gameboyz no sea haber publicado en sellos importantes, ni haber tocado en clubs reconocibles, ni haber sobrevivido a cambios de formación, pandemia y mutaciones del mercado. Todo eso cuenta. Pero el logro principal es más difícil de medir: seguir sonando a ellos mismos. En la electrónica actual, sonar diferente es complicado. No porque falten herramientas, sino porque sobran fórmulas: los mismos presets, las mismas estructuras, los mismos discursos de promoción. En ese contexto, Gameboyz han defendido una rareza que no siempre encaja en categorías cómodas. No son exactamente techno, ni electro, ni nu-disco, ni indie dance, ni house. Son todo eso atravesado por una manera pacense, gamberra, técnica y emocional de entender la música. Pero hay algo que explica mejor su permanencia que cualquier etiqueta: en pista funcionan. En un club, en un festival, en un after o en una cabina difícil, Gameboyz tienen esa condición de todoterreno que no se aprende solo en el estudio. Saben leer el cuerpo del público, levantar una sala fría, desordenar una pista demasiado seria y convertir el set en un lugar de buen rollo, tensión y movimiento. Son infalibles no porque repitan una fórmula, sino porque entienden la pista como un organismo vivo: si hay que empujar, empujan; si hay que ensuciar, ensucian; si hay que abrir una sonrisa en mitad del bombo, la abren. Catorce años después, Gameboyz siguen recordándonos que la música electrónica también puede tener acento, memoria, mala leche, corazón y una capacidad muy concreta para hacer bailar a cualquiera....

Y eso, en tiempos de uniformidad, vale más que cualquier algoritmo.

VICIOUS CHART VIBY KARLOS MOLINA

Artic White Paradigm (Extended Mix) GLASGOW UNDERGROUND

Jordan George Kinesis (Original Mix) AGRIO TRACKS

Glowal Sail (Original Mix) SIAMESE

Hidden Voices Ignition (Original Mix) HIDDEN VOICES

Cetrini All Those Things That Shine (Original Mix) FLOWN RECORDS

Super Flu & Dennis Louvra Can’t Escape (Original Mix) DIDSCHN

Simon Vuarambon Quimera (Original Mix) SHANTI RADIO

Robag Wruhme Ratibor Numida (Original Mix) COCOON RECORDINGS

Y-Traxx Mystery Land (Roy Rosenfeld Remix) SERIOUS BEATS CLASSICS

Applescal Turned (Original Mix) FLORES

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Encuentra todos los tracks de Vicious Chart en las siguientes tiendas digitales: www.beatport.com / www.spotify.com / www.itunes.com / www.junodownload.com

EN EL ESTUDIO CON

OCCIPITAL ¿Cuál es tu proceso compositivo?

¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?

Desde que desarrollé el OXI One, prácticamente todos mis temas empiezan ahí. Con todas las funcionalidades que le he ido añadiendo, especialmente en esta versión MKII, se ha convertido en una herramienta con la que puedo probar muchísimas cosas. Me gusta plantearme cada sesión casi como un pequeño experimento: explorar una función del secuenciador, probar un arpegiador, jugar con el motor de grooves, el randomizador… Normalmente parto de algo muy sencillo, una melodía, una progresión o una rítmica de acordes, y voy construyendo a partir de ahí, añadiendo elementos en las distintas pistas. Intento que el resultado tenga pocos elementos, pero que cada uno aporte algo.

Suelo buscar primero una idea que me provoque algo. Puede ser una melodía, un ritmo, una combinación de sonidos… No necesito saber todavía hacia dónde va a ir el tema; si encuentro ese primer punto de interés, ya tengo de dónde tirar. A partir de ahí, la elección de sonidos suele empezar en el sintetizador Coral. Muchas veces el propio sonido acaba condicionando hacia dónde evoluciona la idea.

¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track? Sí, totalmente. En esa primera fase intento olvidarme bastante de la parte técnica y centrarme en que la idea funcione por sí sola. Para mí, si la composición no tiene algo que te enganche o te evoque alguna sensación,

una mezcla perfecta no la va a salvar. Primero busco que haya algo interesante y después ya me preocupo de ordenar, pulir y hacer que todo encaje. ¿Con qué equipo produces en tu estudio? El centro del proceso es el OXI One, junto con mi sistema modular, donde tengo los módulos que más me inspiran. Normalmente los temas nacen en hardware: improviso, secuencio, encuentro algo que me interesa y después grabo el audio para terminar de desarrollarlo en el DAW. También hay ocasiones en las que grabo simplemente el MIDI y continúo con VSTs. El resultado suele quedar más limpio y controlado, pero, siendo sincero, me cuesta más desarrollar el tema de esa manera. El hardware me obliga un poco más a reaccionar, me mantiene en el Flow y eso me resulta muy estimulante. ¿En qué te inspiras para crear nueva música? Últimamente me interesa mucho trabajar el diálogo entre los elementos sonoros. En lugar de tener un elemento principal que está presente durante todo el tema, intento que diferentes sonidos vayan tomando el protagonismo y relacionándose entre ellos. Creo que ahí todavía hay muchísimo por explorar. Me interesa que la música pueda evolucionar sin necesidad de añadir constantemente más capas. También pienso que la innovación musical no tiene por qué venir necesariamente de algo totalmente disruptivo. Al menos en el tipo de música que me gusta, creo que puede estar en pequeñas ideas, en cambios de enfoque o en conceptos sencillos que, combinados de otra manera, generan algo nuevo.

Y esto sin duda requiere un proceso creativo más complejo para encontrar los ingredientes adecuados, tanto a nivel de composición como de diseño sonoro. Una sesión de estudio puede ser simplemente crear sonidos interesantes, mientras que en otras me centro en el patrón de notas etc. ¿El equilibrio entre el ujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y e cazmente? Yo no busco acabar temas rápido, me centro en la composición y en hacer que la música sea lo más interesante posible. ¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado? Un buen tema terminado es una pequeña historia que te transporta desde el inicio hasta el nal sin esfuerzo. En el momento en que se consigue eso, el tema está listo para mezclarse etc. ¿Pre eres autoeditar tu música o lanzarla en sellos? Ahora mismo es una motivación personal conseguir editar mi música en los sellos que admiro

¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el nal? No suelo imaginarme a un público concreto. Pienso más en una sensación o en un contexto musical. Busco ese equilibrio entre energía y emotividad: una música que me resulte su cientemente interesante para escucharla conduciendo, pero que al mismo tiempo tenga la energía necesaria para venirme arriba si estuviese en un club. Eso también marca bastante mis decisiones. Quiero que haya groove, pero sin que resulte estridente ni demasiado obvio o catchy. Y suelo moverme por debajo de los 128 BPM, que ya es una limitación bastante útil a la hora de de nir el carácter de un tema. ¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort? Me encantan las melodías, creo que encontrar una buena melodía que hable por sí sola es algo mágico: pero como dije, estoy intentando no apoyarme demasiado en ello para dar hueco y opción de diálogo a más elementos.

EN EL ESTUDIO CON

KARRETERO 92

¿Cuál es tu proceso compositivo?

Primero siempre dentro de mi estilo el Groove del track, luego ver las vocales, jugar con percusiones y buscar un synth adecuado.

¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el nal?

¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?

Siempre lo imaginas cuando escuchas algo de pie en el estudio, es cuando sabes que la vibra es buena y obviamente lo imaginas en un club. ¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort?

Ajusto la vocal a proyectos antiguos que reciclo cambiando bajos, percs etc...

Salgo siempre , la prueba de fuego es cuando lo pruebo en la pista de baile.

¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track?

¿El equilibrio entre el ujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y e cazmente?

Si, además me gusta hacer inicialmente todo a oído para que no pierda la magia del track. ¿Con qué equipo produces en tu estudio?

Al nal creas el método de trabajo que te sea lo más cómodo y e caz posible, da igual la rapidez lo importante es el resultado. ¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado?

Ableton 12. ¿En qué te inspiras para crear nueva música?

Nunca hahahahah. ¿Pre eres autoeditar tu música o lanzarla en sellos?

Obviamente en tracks que me gusten pero siempre llevando todo a mi terreno y sonido. Hago las 2 cosas

NEWCOMER

MARXELA ENERGÍA, IDENTIDAD Y CONEXIÓN Con más de seis años de trayectoria como DJ, Marxela ha desarrollado una identidad artística marcada por la energía, la versatilidad y una conexión profunda con el público. Su propuesta nace de la fusión de Af ro House, Melodic House y Progressive, géneros que combina con una sensibilidad propia para construir sets dinámicos, envolventes y cargados de emoción. Su sonido transita entre momentos de introspección y pasajes de gran intensidad, siempre buscando generar una experiencia que vaya más allá de la pista de baile. Su recorrido dentro de la escena electrónica española incluye tres años de presencia en Brunch Electronik Festival y un año en After Brunch Electronik, además de actuaciones en espacios y eventos como Satisfaxion, Vértigo, Nikki Beach Marbella, Olivia Valere, True Club Málaga y otros reconocidos clubs vinculados a la escena electrónica contemporánea. A lo largo de estos años, Marxela ha compartido cartel con algunos de los nombres más destacados de la escena internacional, entre ellos ARTBAT, Hernán Cattaneo, Miss Monique, Alex Wann, Dixon, Guy J, Nina Kraviz, Maceo Plex, Raxon y Cubicolor. Experiencias que han contribuido a consolidar su identidad y a ampliar su visión artística, mientras su proyecto comienza a cruzar f ronteras con actuaciones y experiencias internacionales en destinos como Qatar y Berlín. Más allá de los escenarios, Marxela mantiene una relación constante con la creación musical. Hace tres años completó un Máster especializado en Producción Musical, Mezcla y Mastering, una formación que le permitió profundizar en el proceso creativo y comprender la música desde una perspectiva más amplia. Desde entonces, continúa desarrollando su faceta como productora, explorando nuevas sonoridades y trabajando en un lenguaje propio. Su música ya ha encontrado espacio en sellos como Univack Records, dando forma a una etapa en la que producción y DJing comienzan a converger en un mismo proyecto artístico. Actualmente, Marxela continúa evolucionando dentro de la escena electrónica, combinando experiencia, formación y una búsqueda constante por crear sonidos que conecten con el público y def inan su propia identidad.

PREMIERE Texto: Kali

Cris Ocaña – Take Control (Original Mix)

Crazy Nutz Music

Cris Ocaña debuta en Crazy Nutz Music con “Take Control”, un corte de tech house contemporáneo que conecta la solidez rítmica del circuito latinoamericano con la precisión funcional de la escena europea. El productor chileno, actualmente a ncado en Miami y con lanzamientos previos en sellos como Elrow Music, Nervous Records, Rawthentic y Stereo Productions, rma una referencia concebida para trabajar la pista desde la tensión, el control del espacio y una identidad vocal muy de nida.

Russian Linesman – Why Did You Tell Me You Loved Me Russian Linesman, el proyecto del productor de Nottingham Jamie Boyer, presenta “Why Did You Tell Me You Loved Me”, una pieza donde la electrónica melódica funciona como archivo emocional. Su método parte de fragmentos de voces, guitarras y pianos encapsulados en lo que él mismo de ne como un “sarcófago digital”: pequeñas memorias sonoras aisladas, preservadas y transformadas hasta adquirir una nueva vida dentro de la producción.

Wolg – Tanaris

Melómana Records

Con The Longest Journey EP, que verá la luz el próximo 24 de julio de 2026 como la referencia número 57 de Melómana Records, el productor, compositor y DJ lituano Wolg vuelve a demostrar que su música escapa de cualquier etiqueta convencional. Si el EP funciona como un viaje sonoro entre la electrónica orgánica, la in uencia balcánica y una marcada sensibilidad cinematográ ca, “Tanaris”, el tercer corte del lanzamiento, representa probablemente su episodio más inmersivo y evocador.

Dass Mond – Could Be (Original Mix)

Frequenza

El dúo argentino Dass Mond, formado por Facundo García y Agustín Haeffeli, presenta “Could Be”, una pieza de melodic techno y progressive house que consolida una identidad construida entre precisión técnica, sensibilidad melódica y vocación escénica. Publicado a través de Frequenza, el sello dirigido por Nihil Young, el track sitúa al proyecto en un punto de madurez donde la producción digital y la síntesis analógica dejan de funcionar como polos opuestos para integrarse dentro de una misma narrativa.

PREMIERE: Vaert – Get Down

Live At Robert Johnson

Vaert, el proyecto musical de Gianluca Accardi, presenta “Get Down”, una pieza que condensa la tensión entre experiencia, entorno y búsqueda interior que atraviesa todo su universo creativo. El productor italiano, actualmente a ncado en España, construye aquí un lenguaje donde el techno melódico no se limita a la emoción expansiva, sino que se adentra en una zona más hipnótica, contenida y profundamente física.

Saint Lou – Imara

House Of Saint Lou

Con Imara, el productor y DJ francés Saint Lou continúa desplegando el imaginario de Acuarela EP, su primer proyecto de cinco cortes y una declaración de intenciones construida desde la calidez, el movimiento y una visión orgánica del house. El single se publica el 31 de julio de 2026, antes de la llegada del EP completo el 14 de agosto, con distribución de The Orchard.

AXURE – Return to the Caves

Protomotorik Records

Con más de quince años explorando los márgenes más profundos del trance y el techno, AXURE presenta un nuevo capítulo de su universo sonoro. El proyecto del productor e ingeniero mexicano Arturo RR vuelve a situarse en ese punto donde la progresión no funciona como simple herramienta de tensión, sino como una forma de transformación continua.

Skatman – Going The Distance

Live At Robert Johnson

Skatman, alias artístico del DJ y productor tunecino Aziz Haddad, abre una nueva referencia para Live At Robert Johnson con Going The Distance, primer corte de un EP de tres tracks que llega hoy, 7 de agosto de 2026, bajo el número de catálogo Playrjc142. A ncado en Berlín y fundador de Cognitive Prophecy Records, Skatman ha construido su recorrido dentro de una red internacional de clubs, sellos y escenas en constante desplazamiento. Su trayectoria lo conecta con espacios como Watergate y con ciudades como Berlín, París, Barcelona o Estambul, mientras su discografía ha orbitado alrededor de sellos como Innervisions, Running Back, Correspondant e International Deejay Gigolo Records.

REVISIONES

DEEP / PROGRESSIVE BY DANNY LLOYD JUANJO PANELLA SUBSURFACE CURRENT (ORIGINAL MIX) MANUAL MUSIC “Subsurface Current” se mueve por territorios profundos y so sticados, con una construcción que apuesta más por la sugestión que por el impacto inmediato. Juanjo Panella desarrolla un ujo constante de pulsaciones, detalles y matices que aparecen poco a poco, creando una sensación casi suspendida. Una pieza elegante y nunca previsible, cuya fuerza reside precisamente en su capacidad para arrastrar sin necesidad de excesos.

MAZE 28 KOMODO (ORIGINAL MIX) MEANWHILE RECORDINGS “Komodo” destaca por un sonido profundo e hipnótico, sostenido por una base rítmica sólida y una progresión en constante movimiento. Maze 28 trabaja con gran atención los detalles, alternando momentos de mayor intensidad con pasajes más atmosféricos sin perder nunca la uidez. Una producción elegante y bien estructurada, con ese equilibrio entre energía y profundidad que la hace especialmente efectiva dentro de un set.

JOHN KEDING PERPETUAL (ORIGINAL MIX) DISSIDENT Una pieza de carácter decidido, donde el ritmo y el componente melódico conviven de manera perfectamente equilibrada. “Perpetual” crece gradualmente, incorporando elementos que modi can continuamente su percepción y mantienen el interés durante todo el recorrido. John Keding construye una producción dinámica, llena de movimiento y con una personalidad muy de nida, capaz de funcionar en la pista sin renunciar a una dimensión más emocional.

KOSTYA OUTTA PERSEUS (ORIGINAL MIX) SUDBEAT “Perseus” combina profundidad e intensidad con gran naturalidad. Kostya Outta desarrolla el tema a través de una progresión uida, dejando que melodías, elementos rítmicos y pequeños detalles sonoros encuentren poco a poco su espacio. El componente emocional está muy presente, pero siempre controlado y perfectamente integrado en la estructura. Una producción capaz de mantener viva la tensión y acompañar al oyente a través de un recorrido lleno de matices.

FRAN GARAY FALSE CONTACT (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY “False Contact” atrapa desde los primeros instantes gracias a un groove profundo y a una atmósfera en continua transformación. Fran Garay dosi ca con inteligencia la dinámica y la tensión, construyendo el tema sin sobrecargarlo en ningún momento. Las diferentes texturas se entrelazan con naturalidad y dan vida a una pieza elegante, envolvente y especialmente funcional en la mezcla. Una producción ideal para acompañar el crecimiento y cambiar gradualmente la dirección de un set.

TRANCE BY IVAN MORALES ROGER SHAH MAGIC ISLAND VOL.13 BLACK HOLE RECORDINGS Como cada verano, Roger Shah regresa con una nueva entrega de “Magic Island”, una recopilación que vuelve a explorar los territorios más cálidos del trance y el progressive. “Magic Island Vol.13” reúne un amplio abanico de productores y vocalistas alrededor de una propuesta profundamente melódica y luminosa, donde las diferentes in uencias se integran con naturalidad. Un viaje de espíritu balear que también pone el foco en el sonido de Magic Island Deep y que mantiene intacta la esencia de una de las series más reconocibles del trance estival. BRYAN KEARNEY & READY IN LED OVER & OVER KEARNAGE RECORDINGS Bryan Kearney recupera “Over & Over”, el clásico italodisco de Jordan Nocturne y Ready In LED, para llevarlo directamente a las coordenadas más contundentes de Kearnage. El reconocible gancho vocal se convierte aquí en el punto de partida de una producción mucho más física, apoyada en bajos poderosos, percusión enérgica y melodías diseñadas para elevar la pista. Una revisión que respeta la esencia del original mientras la transforma en una auténtica pieza de trance de alto voltaje.

PUSH KNOWN UNIVERSE BLACK HOLE RECORDINGS Con “Known Universe”, Push vuelve la mirada hacia sus propios orígenes para recuperar el universo sonoro que de nió sus primeros años como productor. El álbum nace de una apuesta tan sencilla como exigente: trabajar exclusivamente con la misma generación de hardware que marcó sus primeras producciones, recreando no solo sus sonidos, sino también la forma de trabajar de aquella época. El resultado es un viaje de regreso a las raíces de Push, cargado de carácter analógico y con una personalidad que conecta directamente con la historia del trance belga. FORBIDDEN MIND BLISS MONSTER PURE Forbidden Mind aterriza en Monster Pure con “Bliss”, una producción que apuesta desde el primer segundo por la velocidad y la contundencia. Una melodía reconocible se convierte en el eje de un track construido sobre líneas de bajo precisas y una batería que mantiene la tensión en todo momento. Directo, adictivo y orientado a la pista, “Bliss” demuestra una vez más la capacidad del sello para moverse entre el trance y el progressive más energético.

FLOWANASTASIA & SØNIN TELL ME AGAIN ENHANCED PROGRESSIVE SØNIN y owanastasia unen fuerzas en “Tell Me Again”, una producción que encuentra su equilibrio entre atmósferas cinematográ cas, profundidad progresiva y una marcada sensibilidad melódica. La delicada interpretación vocal se integra con naturalidad en una producción que crece poco a poco hasta alcanzar una energía más expansiva y emocional. Un corte elegante y envolvente que continúa consolidando la identidad de ambos artistas dentro de la vertiente más melódica de la electrónica.

REVISIONES

INDIE DANCE BY GAMEBOYZ DRIVETRAIN INMORTAL SOIREE RECORDS INTERNATIONAL Detroit no necesita convertir su legado en museo para seguir siendo relevante. Con Immortal, Soiree Records International vuelve a situarse en ese punto donde la memoria de la ciudad y su presente creativo se cruzan sin nostalgia impostada. El sello fundado por Derrick Thompson, también conocido como Drivetrain, presenta una compilación de varios artistas que recorre distintas sensibilidades del house y el techno underground sin perder una identidad común.

ANDER RACE GIVE ME WHAT WAS MINE EP W Ander Race regresa a W con un EP de tres cortes que combina pegada de club, sensibilidad melódica y una producción especialmente cuidada. El tema principal avanza sobre un pulso hipnótico, sintetizadores ácidos y la voz de Diana, mientras “Lovin’ U” abre una zona más cálida y luminosa. “Recovered Soul” cierra el lanzamiento con bajos inquietos, hats rodantes y acordes de neón. Un trabajo compacto, versátil y lleno de matices, donde la pista de baile convive con una narrativa más emocional.

PUMUKI STRAIGHT TO HELL EP FLYING SOURCE Pumuki endurece su lenguaje con Straight To Hell, un EP de tres cortes publicado a través de su propio sello, Flying Source. Electroclash, indie dance y electro oscuro se cruzan en una producción construida con bajos eléctricos distorsionados, sintetizadores a lados y melodías hipnóticas. El resultado evita la nostalgia fácil y utiliza sus referencias retrofuturistas para generar una tensión plenamente contemporánea. Música nocturna, física y rebelde, pensada para clubes donde el ambiente empieza a desbordarse

WOLG THE LONGEST JOURNEY EP MELÓMANA RECORDS Wolg aterriza en Melómana Records con un EP de tres cortes situado entre el ritual, la pista y la imaginación cinematográ ca. “Overture”, “Korowai” y “Tanaris” combinan percusión orgánica, melodías de inspiración balcánica y texturas psicodélicas dentro de grooves envolventes y una energía ascendente. Un viaje electrónico con geografía propia, difícil de encasillar y construido para escuchar con los ojos cerrados.

PRINCIPLEASURE III Principleasure presenta III, un tercer álbum construido durante casi cuatro años y articulado en diez cortes que conectan techno melódico de raíz noventera, peso EBM, electro y pulsiones cinematográ cas. Entre la expansión hipnótica de “Storung”, la energía retrofuturista de “System 100” y piezas breves como “Chrome Loop” u “Opcode”, los sintetizadores analógicos funcionan como materia narrativa, no como simple fetiche vintage. Un disco oscuro, detallista y cambiante, donde la pista convive con interludios introspectivos y una melancolía mecánica que mantiene unido todo el recorrido.

MELODIC HOUSE / TECHNO BY ALONNE MILA JOURNÉE, ARUDE FEEL THE FORCE (EXTENDED MIX)) JOURNEEY RECORDS “Feel The Force” construye su identidad a partir de una progresión emocional bien medida, donde los pads envolventes y las líneas de synth generan una atmósfera profunda sin perder nunca el foco en el groove. Una producción cuidada, coherente con el sonido del sello, que refuerza la identidad de ambos artistas dentro del espectro melodic house & techno. MAX STYLER YOU & ME (NOTRE DAME REMIX) NU MODA Max Styler recibe una reinterpretación de Notre Dame en Nu Moda, que lleva “You & Me” hacia un terreno más profundo y so sticado. El remix apuesta por un groove hipnótico y una construcción progresiva, con una paleta sonora elegante que prioriza la atmósfera sobre el impacto inmediato. Una versión funcional y bien enfocada, ideal para contextos de club más re nados. GUZY SHUT UP (ORIGINAL MIX) RADIKON Guzy rma en Radikon un corte directo y sin concesiones, claramente enfocado a la pista. “Shut Up” se apoya en un groove contundente y repetitivo, con una estructura minimalista que potencia su carácter hipnótico y funcional en mezcla. Una herramienta sólida de club, pensada para mantener tensión y control en momentos clave del set.

WHITEOUT HAUNTED (ORIGINAL MIX) ERRORR Whiteout presenta en ERRORR un corte de estética oscura y enfoque claramente club. “HAUNTED” se construye sobre un groove tenso y una atmósfera envolvente, con elementos sonoros que refuerzan su carácter hipnótico. Una herramienta efectiva, alineada con el sonido más contundente del circuito actual.

RAFAEL CERATO, MORGANJ SLOW DOWN (EXTENDED MIX) CAPTIVE SOUL Rafael Cerato y MORGANJ rman en Captive Soul un corte que equilibra energía y sensibilidad melódica. “Slow Down” se apoya en un groove rme y una línea emocional bien de nida. Una producción sólida y versátil, efectiva tanto en momentos de transición como en tramos más melódicos del set.

TECH AREA By Gilbert Lezana

STEINBERG HALION 7.5 AMPLÍA SUS POSIBILIDADES CON NUEVAS HERRAMIENTAS Y SOPORTE MPE

UNIVERSAL AUDIO LLEVA LOS LEGENDARIOS EMT 140 Y EMT 250 AL FORMATO NATIVO

Steinberg celebra los 25 años de HALion con una actualización que profundiza especialmente en el diseño sonoro. HALion 7.5 renueva Spectral Zone con snapshots espectrales, la función Decompose para separar componentes tonales, ruido y transitorios, y nuevas herramientas como Stack y Blur para crear texturas y estructuras armónicas complejas. Otra de las grandes novedades es el soporte completo para controladores MPE, que aporta mayor expresividad al interpretar y modular parámetros. También llega un nuevo compresor Auto Gain con control de transitorios, clipping y ecualización integrada. MediaBay mejora la gestión de muestras, permitiendo explorar y preescuchar librerías de Cubase, Nuendo y terceros directamente desde HALion. Los diseñadores de instrumentos también encontrarán mejoras en Macro Page Editor. HALion 7.5 ya está disponible para Windows y macOS. La actualización es gratuita para usuarios de HALion 7, mientras que las nuevas licencias parten de 136,90 euros durante la promoción de lanzamiento.

Universal Audio amplía su catálogo de reverberaciones con las versiones nativas de EMT 140 y EMT 250, dos clásicos del procesamiento espacial que ahora pueden utilizarse directamente en Windows y macOS sin hardware adicional. El EMT 140 recrea el carácter cálido de tres placas de reverberación históricas, con especial atención a voces e instrumentos que necesitan presencia sin perder naturalidad. Además de los controles originales de damping y ltrado, la versión virtual incorpora ajustes de balance, amplitud estéreo y modulación para adaptar la respuesta a los ujos de producción actuales. Por su parte, el EMT 250 reproduce el primer procesador de reverberación digital, utilizando el algoritmo extraído de una unidad original. La emulación también recupera sus seis efectos de modulación, capaces de generar delays, phasing, chorus y ecos. Ambos plugins ya están disponibles en formatos VST2, VST3, AU y AAX, con un precio o cial de 79 dólares cada uno..

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KRK V SERIES FIVE: MÁS POTENCIA Y CONTROL INALÁMBRICO PARA EL ESTUDIO

BEYERDYNAMIC DT 275 PRO: MONITORIZACIÓN PROFESIONAL EN UN FORMATO COMPACTO

KRK renueva su conocida familia de monitores V Series con tres nuevos modelos que combinan el carácter de la marca con un mayor control sobre la acústica de la sala. La gran novedad es KRK Mesh, una tecnología que permite gestionar los monitores de forma inalámbrica desde la aplicación KRK Control, con 25 ecualizaciones predeterminadas, EQ paramétrica de siete bandas y ajustes de delay. Los V4, V6 y V8 Series Five comparten ampli cación biampli cada en clase D de 455 W, tweeter de seda de una pulgada y woofer de Kevlar, además de entrada combo XLR/TRS con soporte AES-3. Las diferencias se encuentran principalmente en el tamaño de los graves y el rendimiento: desde los 113 dB de SPL del V4 hasta los 121 dB del V8. Los nuevos monitores ya pueden encontrarse en tiendas, con precios de 699 € para el V4, 899 € para el V6 y 1.099 € para el V8, por unidad.

Beyerdynamic amplía su catálogo profesional con los DT 275 Pro, unos auriculares cerrados supraaurales que combinan aislamiento pasivo elevado, respuesta equilibrada y un diseño pensado para el trabajo diario. Su perf il acústico busca mantener la transparencia necesaria para evaluar voces, niveles y f recuencias críticas, incluso en entornos ruidosos. Con solo 200 gramos, los DT 275 Pro apuestan por la movilidad. Las copas orientables facilitan la monitorización a una sola oreja, mientras que el cable, equipado con conexión de bloqueo, puede instalarse indistintamente en ambos lados. Un enfoque especialmente práctico para grabaciones, directos, podcast, rodajes o DJing. La construcción modular permite sustituir fácilmente almohadillas, acolchado de diadema y cable, prolongando su vida útil. Técnicamente of recen una respuesta de 5 Hz a 24 kHz, impedancia de 45 ohmios y SPL de 96 dB. Los DT 275 Pro ya están disponibles por 149,99 dólares, con un precio aproximado de 119 euros en Europa.

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Vicious Magazine nº 103