Issuu

ESTUDIANTES

TEORÍA PRODUCCIÓN CREATIVIDAD Actas del Quinto Simposio Internacional

Coronado - Gálvez (Ed)

Fábrica Imbabura - 30, 31 de enero al 1 de febrero de 2019.

Actas del Quinto Simposio Internacional

ESTUDIANTES

TEORÍA PRODUCCIÓN CREATIVIDAD

ESTUDIANTES

TEORÍA PRODUCCIÓN CREATIVIDAD Actas del Quinto Simposio Internacional

Coronado - Gálvez (Ed)

Fábrica Imbabura - 30, 31 de enero al 1 de febrero de 2019.

Pares revisores externos MSc.Guillermo Oswaldo Portilla Villamagua Rector PhD. Marcelo Cevallos Vallejos Vicerrectora Académica PhD. Teresa Sánchez Manosalvas Vicerrector Administrativo Dr. Miguel Naranjo Toro Decano FECYT MSc. Raimundo López Ayala Subdecana FECYT MSc. Alexandra Mina Páez Coordinador de las carreras de Artes Plásticas y Pedagogía de las Artes y las Humanidades Mgs. José Luciano Revelo Ruiz Editorial Universidad Técnica del Norte Avenida 17 de Julio, 5 21 Ibarra - Ecuador Telf. 593 (6) 299 7800 editorial@utn.edu.ec Coordinación editorial Ph.D. Jesús Ángel Coronado Martín PhD. Susan Gálvez MSc. José Revelo MSc. Santiago López Comite científico Ph.D. Jesús Ángel Coronado Martín Universidad Técnica del Norte

Ph.D. Susan Gálvez

Universidad Técnica del Norte Responsable proyectos creación/innovación artística.

Ph.D. Yenney Ricardo

Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Sede Ibarra

PhD. Jorge Patricio Romero Galarza Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Sede Ibarra

Par revisor interno MSc. Ana Lucía Mediavilla Universidad Técnica del Norte

COMITÉ ORGANIZADOR Ph.D. Jesús Ángel Coronado Martín Ph.D. Yenney Ricardo Lic. Marcelo Cervantes Mgs. Santiago López Mgs. Carlos Almeida Mgs. Vinicio Echeverría Mgs. Darwin Mafla Mgs. Olga Cala Mgs. Wilber Solarte Presidencia Mgs. Raimundo López Mgs. José Luciano Revelo Ruiz Secretaría Ph.D. Yenney Ricardo Mgs. Wilber Solarte Lic. Rosa Rivera Comité de Selección de obra Mgs. Wilber Solarte Mgs. Vinicio Echeverría Ph.D. Susan Gálvez Arq. David Mouta Art. Edgar Flores Mgs. Oscar García Art. Margarita Guevara Idea creativa Diseño y diagramación Ana Lucía Mediavilla

Ph.D. Miguel Posso Yépez

Primera edición junio 2019

Ph.D. Antonio Rodríguez Rodríguez

Universidad Técnica del Norte

Universidad Técnica del Norte Responsable Gestión Cultural y Artística. Universidad Politécnica de Madrid

Ph.D. Xosé Rúas Araujo

Universidad de Vigo Responsable Difusión y comunicación de las artes

Ph.D. Ana Ulloa

Universidad Técnica de Ambato Responsable Educación para las artes

Ph.D. Rosa Campillo

Universidad Central del Ecuador

Ph.D. Albert Arnavat

Universidad Técnica del Norte

© de los textos y fotografías sus respectivos autores, 2019 Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra sin la previa autorización escrita por parte de la editorial. Edición digital ISBN: 978-9942-784-68-1

ÍNDICE Pág.

PONENCIAS

1 2

El arte y la literatura como didáctica de aprendizaje Estefany Isabel Tehanga Guzman, Santiago Patricio López Chamorro y Gissela Paola Palma Guanga

La identidad cultural y ancestral del pueblo Kayambi en las fiestas de las octavas de la parroquia de Juan Montalvo a través de la representación de la escultura y el grabado Magaly Quishpe Fernández y PhD. Susan Gálvez Sánchez

3 4 5 6 7

Las Artes Plásticas, un Método Innovador para el Aprendizaje Grafomotriz Jesica Ximena Rodríguez Quiranza, Rubén Darío Suquillo Onofa y Mario de Jesús Benites Barrera

Identificación de la sinonimia, matices y características en la Universidad Técnica del Norte, y su creación mural sobre el Auditorio “Agustín Cueva” Jorge Apugllon Aneta

La identidad cultural y la influencia en el diseño gráfico Nelson Abraham Erazo Tambi, Virna Isabel Acosta Paredes y Nelly Patricia Acosta Ortiz

Innovación y Design Thinking en los emprendimientos textiles Emilio Hernán Iza Arcos y MSc. David Valenzuela

La representación de la mujer en la producción artística y artesanal religiosa contemporánea de San Antonio de Ibarra Bebsy Estefanía Solórzano A. y Gonzalo Vinicio Echeverría Armas

8 9 10 11 12 13 14 15

La Música en la Educación Verónica Liseth Bernal Barahona y Nancy Lizeth Males Cushcagua

Desarrollo de habilidades a través de la danza de los niños del primer año del paralelo básico “A” de la Unidad Educativa “Víctor Manuel Guzmán” Ambiente 2 Evelyn Lizeth Carlosama C. y Marilyn Gissell Erazo Hernández

103

Desarrollo de la apreciación artística en el inconsciente de una persona Gandhi Ruiz Pulistar, Nelly Acosta Ortiz e Isabel Acosta Paredes

111

El peso del canon estético en el tallado de la parroquia de San Antonio de Ibarra Ángelo David Chapí Recalde e Iván Fernando Ulcuango Caicedo

121

El instrumento musical la bomba como expresión artística en la comunidad San Juan de Lachas, cantón Mira provincia del Carchi Jhinson Romario López Morales

129

Juegos tradicionales: Una visión del pasado en el presente mediante una representación escultórica en la Parroquia La Esperanza, barrio Rumipamba Héctor David Llumiquinga Ascaño

137

Procesos pictóricos fotográficos referentes a los seres mitológicos en leyendas de la laguna de Cuicocha, Cantón Cotacachi, Provincia de Imbabura Zaira Daniela García Valencia

151

Creación e investigación de una propuesta artística con descomposición de hongos para el análisis de la belleza efímera Elizabeth Johanna Morán Cabrera

163

Creaciones Artísticas en base a talleres experimentales aplicados a niños con Síndrome de Down de la Escuela de Educación Especial Ibarra

Lucro de los cupos universitarios en licenciatura de las artes plásticas como puente para acceso a distintas carreras educativas

18 19 20 21 22 23

María José Bustos Fuel

Jhordy Steeven Molina Villalba

173

183

Nuevos parámetros para la crítica del arte actual Marissa Pintado Ibarra y Nathaly Ortega Gutiérrez

193

Incidencia de las artes plásticas en el desarrollo del pensamiento creativo en niños de primer año de educación básica de la Unidad Educativa Fiscal 28 de Septiembre Bryan Andrés Montaluisa Reyes y Wilson Steeven Rosero Rosales

201

Competencia de precios en la venta de escultura en madera de San Antonio de Ibarra Leidy lizeth Gordón Caicedo y Mishell Alexadra Romero Ormaza

211

Aplicación de óleos en nuevos soportes reciclados Nancy Carlosama Torres

221

El arte de la pintura como artesanía y no como obra de arte Steven Salvador Paccha Reina y Bryan Israel Amaguaña Osorio

233

La nueva mujer kichwa otavaleña a través de la pintura Dino Patricio Lema Vásquez

243

PÓSTERS Muestra artística a partir de la tradición oral para el fortalecimiento de la identidad de la comunidad Mariscal Sucre Luis Miguel De la Cruz Cabascango

255

La Virgen de las desaparecidas Anthony Bravo Bernal

257

Evolución general de la pintura en el Ecuador Damariz Dayané De La Cruz Santos

259

Intervención Escultórica generada a partir de vivencias con personas no videntes del CEPI en la provincia de Imbabura Cantón Ibarra Nathaly del Rocío Quishpe Bermejo

261

Creación de una instalación artística ante el rechazo de las personas inmigrantes en Ibarra Verónica Vizuete Álvarez

263

La representación artística de la forma de vida y modo operandi de los asesinos en serie del Ecuador Karina Maribel Chimarro Cumbal

265

Intervención fotográfica en edificios patrimoniales de Ibarra Jeisson Mejía

267

Creación artística a partir de la trenza (sinp’a) como símbolo de la cultura quechua Peguche, Otavalo Tupac Maldonado Lima

269

Bordados de la Comunidad “La Esperanza” como una tradición familiar Ana Salazar Cabascango

271

Valor e impacto de la rosa en Cayambe a través de una creación artística Nelly Conzuelo Anrango Landazuri

273

Creación de obras artísticas plásticas en base al imaginario sobre el espacio público de los niños y niñas en Otavalo Erika Arellano Agualongo

275

Criaturas fantásticas basadas en la Flora Endémica del Ecuador Lorena Salomé Terán Trujillo y Gonzalo Vinicio Echeverría Armas

277

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

PRESENTACIÓN La calidad de los profesionales egresados de la Universidad Técnica del Norte son el resultado de la aplicación de un plan estratégico integral cuyo rasgo distintivo es que se estructura sobre un eje formativo sustentado en valores, donde se acentúa la ética de la profesión y se privilegia la investigación. Si aspiramos a una Universidad Pública comprometida con la Investigación, es preciso producir conocimiento científicamente válido y socialmente pertinente. Una muestra de ello es el Quinto Simposio Internacional Culturarte, de las carreras Artes Plásticas y Pedagogía de las artes y Humanidades de la FECYT. Los estudiantes, han mostrado sus competencias y habilidades con estas ponencias que hoy se publican y presento con beneplácito. La actividad científica estudiantil ha constituido la esencia de este Simposio, al mismo tiempo es una dimensión significativa en el proceso docente educativo y ha sido el eslabón fundamental de formación integral, que garantiza la preparación de los estudiantes. Esta obra, que exhibe resultados de nuestros estudiantes, evidencia la articulación de la investigación, la producción de obras de arte, lo instructivo, lo educativo y lo desarrollado en el proceso docente educativo. Sin dudas, el rol participativo de los mismos en este Simposio ha repercutido en la toma de conciencia de su posición como sujeto activo en la vida universitaria. Aplaudo el trabajo científico que han realizado los estudiantes, los futuros artistas y pedagogos del arte, lográndose, al mismo tiempo, el perfeccionamiento en la formación de su profesión y la elevación de la capacidad de autogestión del aprendizaje.

PhD. Marcelo Cevallos Vallejos. Rector UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Cuando pensaba en escribir estas palabras recordé al poeta argentino Jorge Luis Borges quien en su prefacio para el diccionario enciclopédico Grijalbo, decía: “Hay quienes no pueden imaginar un mundo sin pájaros; hay quienes no pueden imaginar un mundo sin agua; en lo que a mí se refiere, soy incapaz de imaginar un mundo sin libros.” Sí bien es cierto que no podemos concebir un mundo sin libros, para un profesor universitario es más satisfactorio sí este libro es resultado de las investigaciones de sus estudiantes. He aquí una muestra de ello, fruto de la masiva participación de los estudiantes en el Quinto Simposio Internacional Culturarte. “Teoría-Producción-Creatividad”. Al vincular la investigación como parte de formación es coherente con la necesidad social de formar individuos críticos y receptores activos que sepan valorar los hechos artísticos en un contexto cada vez más mediático, lo que actualmente se impone como objetivo en el ámbito de la enseñanza. El lenguaje del arte está cargado de combinaciones simbólicas que impactan al público y han modificado la manera de integrar información y conocimiento, cambiando la forma de aprender, producir y crear. De manera un acercamiento a eventos científicos donde asisten también profesionales de alto nivel propicia que los estudiantes sean capaces de analizar sus obras y las de otros artistas reflexionando sobre sus dimensiones culturales e ideológicas, así como comprender el funcionamiento, estimulando actitudes reflexivas y críticas sobre las mismas. En síntesis, los estudiantes han demostrado sus potencialidades en la presentación de sus ponencias. La producción científica resultante de su empeño forma parte de sus Trabajos de Grado y constituye un invaluable aporte a la historiografía del arte y la cultura ecuatoriana, que privilegia, entre múltiples áreas, los estudios en torno el acontecer plástico, audiovisual, y del diseño gráfico contemporáneos de América Latina.

MSc. Raimundo López Decano FECYT

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Constituye un privilegio para mí, presentar los resultados investigativos de los estudiantes asistentes al Quinto Simposio Internacional Culturarte. “Teoría-Producción-Creatividad”. Sin dudas, la forma más concreta de la vinculación de la investigación con el proceso de enseñanza-aprendizaje es la preparación de los estudiantes para el trabajo científico, este evento constituye un ejemplo de ello. Los vertiginosos cambios que acontecen en el ámbito científico-técnico requieren que cada vez más los estudiantes se incorporen al trabajo científico en los Centros de Educación Superior. Los trabajos presentados en este Simposio no sólo muestran la ferviente actividad científica estudiantil de las carreras Artes Plásticas y Pedagogía de las Artes y Humanidades de la FECYT, también constituyen un buen medio para que el estudiante aprenda, bajo la orientación de especialistas destacados y de sus docentes, el trabajo colectivo, así como a analizar y valorar críticamente sus resultados. Estamos conscientes que nuestro principal objetivo formativo no es formar investigadores, sin embargo, desarrollar cualidades para el trabajo científico-investigativo acrecienta las competencias profesionales de los educandos y fortalece el desarrollo de habilidades, con un enfoque creador e innovador. Al mismo tiempo los estudiantes se adentran en los problemas fundamentales del país y toman conciencia de los esfuerzos que demanda la realidad de la sociedad ecuatoriana en función de su desarrollo.

MSc. Alexandra Mina Sub-decana FECYT

Las Carreras de Artes Plásticas y Pedagogía de las Artes y Humanidades de la FECYT, perteneciente a la Universidad Técnica del Norte, a través de su misión y visión ratifica el compromiso de contribuir al desarrollo de la ciudad, la provincia de Imbabura, de la Zona 1 y el norte de Pichincha, formando profesionales con calidad humana, científica, tecnológica y artística; capaces de resolver los problemas de su entorno y asumir con responsabilidad los desafíos que esto implica. Cada periodo académico con la coordinación de sus docentes, vienen desarrollando actividades extracurriculares que fortalece la formación de nuestros estudiantes; para ello, ha organizado el QUINTO SIMPOSIO INTERNACIONAL CULTURARTE, TEORÍA-PRODUCCIÓN-CREATIVIDAD; un encuentro académico-artístico, hemos tenido la oportunidad de compartir con destacados conferencias, artistas plásticos y expositores conocedores del tema. CULTURARTE, aporta con la visión y misión de nuestra UNIVERSIDAD, genera procesos de investigación y de transferencia de saberes con responsabilidad social, aporta al desarrollo cultural y económico de la región y del país. Es una propuesta académica que promueve pensamiento crítico sobre las tendencias y prácticas actuales en las diferentes temáticas del Arte, que fomente el desarrollo artístico, producción, pedagogía, gestión y difusión de las artes, desde una visión multicultural. Mayo 2015. La Comunicación en el ámbito artístico, Noviembre 2015. Hacia una nueva visión del arte en el siglo XXI, Junio 2016. El Arte Plástico en la Academia, Junio 2017. Investigar-Crear, la importancia del proceso en la producción artística. Dr. José Revelo Coordinador de las Carreras ARTES PLÁSTICAS Y PEDAGOGÍA DE LAS ARTES

Auspiciantes

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Conferencistas magistrales

Se presentan las ponencias aceptadas por 1 2 los pares revisores1 1del 12 comité científico que, fueron expuestas el día 30 de enero de 2019.

3 11

1 2

PONENCIAS

1 1 4 5

1 El arte y la literatura como didáctica de aprendizaje

Estefany Isabel Tehanga Guzmán Universidad Técnica del Norte Santiago Patricio López Chamorro Universidad Técnica del Norte Gissela Paola Palma Guanga Universidad Técnica del Norte

Abstract: This article starts from the need to show didactics as the central axis of human learning from its brain evolution and the different sensory and rational instruments to approach knowledge and art. The objective is to expose and plan some didactic tools to interpret affective and cerebral foundations, at the same time through some reflections on Art, education, and literature; The methodology is exploratory, through a case study, bibliographic of teaching processes learning from the didactic; In conclusion, it is intended to understand the evolution of the teaching process from a didactic discipline not only in the school world, but especially in society; It is also to learn to manage and direct these functions and others related to the entire educational process and pedagogy, to systematically influence the overall development of the student.

Keywords: Didactics, Art, Literature, teaching processes

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

El arte y la literatura como didáctica de aprendizaje Art and literature as learning didactics

Estefany Isabel Tehanga Guzman Universidad Técnica del Norte eitehangag@utn.edu.ec Santiago Patricio López Chamorro Universidad Técnica del Norte splopez@utn.edu.ec Gissela Paola Palma Guanga Universidad Técnica del Norte gppalmag@utn.edu.ec

Resumen: Este artículo parte de la necesidad de mostrar a la didáctica como eje central del aprendizaje del ser humano desde su evolución cerebral y los distintos instrumentos racionales y sensoriales para aproximarse al conocimiento y al arte. El objetivo es exponer y planear algunas herramientas didácticas para interpretar cimientos afectivos y cerebrales, al mismo tiempo mediante algunas reflexiones en torno al Arte, la Educación, y la Literatura; La metodología es exploratoria, mediante un estudio de casos, bibliográfica de los procesos de enseñanza aprendizajes desde la didáctica; en conclusión, se pretende llegar a entender la evolución del proceso de enseñanza desde una disciplina didáctica no solo en el mundo escolar, sino sobre todo en la sociedad; además es aprender a gestionar y dirigir estas funciones y las otras relacionadas con todo el proceso educativo y la pedagogía, para influir sistemáticamente en el desarrollo integral del estudiante.

Palabras clave: Didáctica, Arte, Literatura, procesos de enseñanza.

1. MARCO TÉORICO “La educación empieza con la vida y no acaba sino con la muerte. El cuerpo es siempre el mismo, y decae con la edad; la mente cambia sin cesar, y se enriquece y perfecciona con los años. Pero las cualidades esenciales del carácter, lo original y energético de cada hombre, se deja ver desde la infancia en un acto, en una idea, en una mirada. (Martí, 1975, pág. 390). La educación ha alcanzado tal desarrollo y complejidad que requiere ser estudiada desde diferentes ángulos y aristas por la llamada Ciencias de la Educación, entre ellas: la Psicología Educativa, la sociología de la Educación, la Filosofía de la Educación, y otras, pero la Pedagogía es la ciencia que estudia este fenómeno multilateralmente como sistema de influencias para la dirección del desarrollo de la personalidad de los educandos. La Educación es, por lo tanto, el único objeto de estudio de la pedagogía. En la educación es importante mencionar a la didáctica como una herramienta esencial para el desarrollo intelectual en el ser humano, es decir que, a través de la práctica como tal se llegue a crear diferentes maneras de aprender, impulsando la creatividad, las ideas y el desenvolvimiento para instruir de una manera mucho más abierta, alejándonos de lo cotidiano, lo teórico, lo estricto; y enfocándonos con las habilidades que cada ser humano posee, incentivando a llegar a una etapa de crecimiento, sabiduría y doctrinas. La didáctica hace abstracción de las peculiaridades de la metodología de la enseñanza de cada asignatura y generaliza las regularidades objetivas de su desarrollo e impartición. Es decir, al desarrollar la enseñanza de cualquier catedra es necesario considerar, las relaciones entre la teoría y la práctica, la formulación de los objetivos, la determinación del método, etc.; la didáctica, sistematiza y generaliza teóricamente el comportamiento práctico, llegando a regularidades que pueden ser aplicables a cualquier asignatura o disciplina docente. El objeto de estudio de la Didáctica es el interaprendizaje, resultante del nexo entre la enseñanza y el aprendizaje, es decir, de la actividad conjunta del docente y de los estudiantes. Se debe procurar un equilibrio dinámico entre la dirección didáctica y las autoactividades del aprendizaje del estudiante. La didáctica debe propiciar un aprendizaje intensivo, para lo cual aporta métodos racionales de aprendizaje. La didáctica como tal está destinada a estar en todas las ramas educativas, porque de ahí, el docente empieza por demostrar el ingenio, su creatividad y tratar de buscar la mejor actividad para el entendimiento de sus estudiantes. Los seres humanos tenemos diferentes maneras de entender las cosas, muchos estudiantes poseerán la capacidad de comprender los elementos a la primera observación, sin embargo, habrá otros que puedan entenderlo desde otra perspectiva. La expresión artística juega un papel esencial en la educación y el entendimiento, a través del punto, las líneas, la formas, las figuras, los símbolos, etc., hacen que ante la vista se pueda captar mejor en nuestro cerebro y nos conduzca a un aprendizaje abstracto, pero que llega a tener un resultado eficiente para muchos estudiantes. El educador en sí es el que tiene el trabajo de crear un mundo a sus estudiantes, jugando con las formas y figuras que se menciona anteriormente, buscando una forma de entrelazar las emociones del estudiante, sus ideas y las sensaciones con las cuales este pueda llegar a tener un desarrollo creativo e imaginario. Tomemos en cuenta a la literatura y la historia como tal, cuando un docente de esta materia desea explicar acontecimientos importantes de épocas prehistóricas, actuales y contemporáneas,

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

trata de narrarlo o contar los hechos más relevantes y en ciertos espacios, vincularlos a situaciones actuales; de manera que los estudiantes puedan hacer uso de su imaginación, creando personajes, diálogos y escenarios, siendo así que puedan captarlo y entenderlo. Lo mismo ocurre con los niños de cuatro a cinco años si queremos que entiendan un cuento, o una fábula, empezamos con la misma didáctica que es la narración, en este caso ellos tienden a imaginar un sinfín de cosas, colores, formas o hasta incluso los personajes inexistentes, ayudándoles a que lleguen a entender mejor la historia, además que se trabaja su memoria, los personajes y lo que sucedió en dicho cuento. El proceso de lectura y escritura ha sido uno de los campos de interés y discusión de las instituciones educativas y de los pensadores de la educación. A pesar de existir mucha literatura sobre el tema, se siguen manteniendo inquietudes acerca de los métodos eficaces, los contenidos, la edad apropiada para iniciar a los niños en el aprendizaje y otros interrogantes que diariamente se plantean los educadores dedicados a esta tarea. Por tal razón, siempre será actual la discusión al respecto. El lenguaje escrito es un proceso constructivo de representaciones de significados a través de los cuales se expresan los pensamientos y los sentimientos con una intención comunicativa; es una forma de relacionarse y de expresarse, se deduce, del enunciado que uno de los propósitos primordiales para que los niños alcancen un nivel del lenguaje escrito es desarrollar la capacidad argumentadora al intercambiar ideas con sus compañeros; se trata de practicar en le aula situaciones que permitan escuchar otras razones y exponer las propias manifestaciones el porque de un discurso; así se colabora para que los niños desarrollen la capacidad para pensar por si mismos. En este sentido, también se puede propiciar circunstancias y debates entre los compañeros alrededor de un tema para manifestar lo que se piensa o siente él si los estudiantes logran tener la capacidad de defender sus puntos de vista (lo suyo) lo de su colegio su país (lo público), fundamentalmente en la razón, se puede afirmar que están en capacidad de comunicar su pensamiento. Otro propósito fundamental es fortalecer el aprendizaje de la escritura, es propiciar a los niños momentos en los cuales puedan crear, hacer sus propias utopías en la producción de diferentes textos, permitiendo que se inicie en la construcción de cuentos, poesías, canciones, viviendo estas experiencias se despierta el deseo de saber y hacer. Esos son solo unos ejemplos, pero si nos enfocamos en las diversas disciplinas artísticas, podrás entender que se puede llegar a educar con música, danza, pintura, dibujo, fotografía, cine, teatro, entre otras.

2. METODOLOGÍA La investigación es descriptiva describen los hechos como son observados. Es un estudio de casos en el cual el educador realiza una investigación acerca de la situación existente en el momento en que se realiza su tarea, las experiencias y condiciones pasadas y las variables que ayudan a determinar las características específicas y conductas de la unidad.

2.1. Técnicas Encuesta. - Serán diseñadas una serie de encuestas, las cuales, una vez aplicadas un cierto número de ellas como piloto, serán rediseñadas y aplicadas definitivamente para captar la información, tabularla, graficarla y analizarla.

3. RESULTADOS El arte en sí es quién opta con las herramientas necesarias para aportar con el conocimiento, ya que interpreta de una manera visual con un lenguaje universal, construyendo un gran significado permitiéndonos estar en un diario vivir y que se pueda llegar apreciar como arte a las diversas formas de interpretar sentimientos reales y de conformidad. Actualmente el ser humano ya no cuenta con la sensibilidad con la que a través de la historia se dieron a conocer grandes iconos del arte, siendo así que el hombre se vaya deshumanizando, dando un enfoque totalmente erróneo a lo que es el arte. Si bien es cierto la sociedad como tal mira al arte como una actividad de ocio, sin futuro, ni fundamentos que nos permitan a seguir construyendo sueños, muchos de los jóvenes que se impulsan por alguna de estas carreras siempre terminan siendo en el peor de los casos hasta independientes a edades tempranas, porque el pensamiento de los padres es tan bajo, que no le permite avanzar de una manera diferente a lo que están a acostumbrados. Vivimos en un mundo donde la sensibilidad se va perdiendo con el día a día, volviéndonos más materialistas. Por otra parte, somos una nueva era de desarrollo tecnológico y nadie dice que está mal, pero debemos de hacer un buen uso de este gran avance, que nos permita mejorar la calidad de vida de las personas, mejorar a nuestro universo, mejorar las diferentes maneras de aprender, que sea una más de las tantas herramientas que el hombre ha ido desdoblando a través de tiempo, tratando de satisfacer las necesidad de los humanos, pero también de darle un mejor beneficio. Para la educación, el arte y la tecnología se debería de crear una manera de vinculación entre ellas, permitiéndole formar un aprendizaje de calidad y de desarrollo, que sea utilizado a nivel mundial para el beneficio no solo de los estudiantes de arte, sino de todas las personas, tratando de crear visiones con las que se pueda llegar a cambiar de mentalidades. Hoy por hoy se está dando la oportunidad de mejorar a la educación y de dar a conocer al arte como tal desde otro punto de vista, que desde los más pequeños no le tengan miedo a los estereotipos, sino al contrario, que sean impulsados para dar una visión diferente al mundo, al hombre, a la mujer, a los jóvenes, a los niños, permitiéndoles cambiar de mentalidad y creencias, sin temor a tener un criterio propio, sin temor a dejar sueños que imaginaron desde pequeños, sin miedo a decir no a lo que por ideologías se llega a querer obtener sin ningún impulso de felicidad, sino solo con la tonta idea de seguir en una misma línea de tiempo, donde solo llegas a aparentar. La didáctica, desde esta perspectiva, debe convertirse en el dominio del arte de enseñar, o por lo menos de orientar el aprendizaje y así propiciar las condiciones pedagógicas para que el estudiante participe activamente en la construcción del conocimiento. El conocimiento no debe quedarse en la contemplación del mundo o en su explicación sino en el señalamiento de las vías para su transformación. En este aspecto los educadores deberíamos hacernos las siguientes interrogantes: ¿Qué debe hacer para que el estudiante desarrolle plenamente sus múltiples potencialidades? ¿Cómo articular este proceso en el momento histórico y las motivaciones, necesarias y expectativas del estudiante? En el proceso de enseñanza, los principios de la didáctica, permiten que el docente trascienda a la esencia, lo cual es muy importante, para que el proceso pedagógico no se quede en la apariencia, situación heredada del conductismo y que ha sido muy difícil erradicar por la prevalencia de obstáculos epistemológicos. Desde la docencia estratégica, las estrategias se planean y se aplican de manera flexible auto reflexionando continuamente sobre el proceso formativo

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

para ajustarse a este y afrontar las incertidumbres que puedan seguir en el camino teniendo en cuenta la complejidad de todo acto educativo (Tobon, 2000). Dentro de la metodología de aprendizaje se debe realizar experiencias sencillas en cualquiera de los espacios de formación (aula, laboratorio) se puede aplicar un principio de interdisciplinariedad, apoyándonos en otras disciplinas y metodologías, para que el conocimiento sea integral y sistémico. Así como también establecer la necesaria motivación y condiciones de aprendizaje mediante la comunicación, que el estudiante observe, comente, relacione, infiera sus conclusiones y sistematice la información, la pueden esquematizar, representar en dibujos, mapas, rutas de conocimiento, mapas mentales, mapas conceptuales, u otras manifestaciones creativas del pensamiento. Dejar al tenor de la autonomía del estudiante que utilice la vía o vías que consideren conveniente para llevar a cabo la experiencia. Es necesario mencionar que un método pedagógico orienta la enseñanza y el aprendizaje de manera general, en cambio una estrategia didáctica es un procedimiento a alcanzar una determinada meta de aprendizaje mediante técnicas y actividades, la técnicas de enseñanza al contrario son procedimientos pedagógicos específicos para orientar las estrategias didácticas y por último las actividades son procesos mediante los cuales se ponen en acción las técnicas con unas determinadas personas, lugares, recursos y objetivos. Un ejemplo de utilizar la didáctica en el aula es como primer paso promover una idea clara como objetivo particular la comprensión del concepto de didáctica a través de la motivación, luego se debe examinar y discutir el concepto presentado, especificar las características se puede utilizar diferentes formas, presentar las estrategias para la ejecución y presentar el resultado que en este caso es un poema titulado la didáctica del corazón. LA DIDÁCTICA DEL CORAZÓN (Didáctica del arte) Autora: Estefany Tehanga.

Es bueno saber a dónde vas cuál es tu camino, tus sueños, tu utopía. Y aunque muchas veces nuestras alas no alzan vuelo siempre volamos en busca de algo nuevo. Entre signos y sonidos imagino mundos extraordinarios juegos, cantos y regaños pliegos que he ido creando con mi corazón mi cuerpo y la pintura. Con trazos inocentes expreso lo que siento... Así, crezco sonriendo.

Y el lienzo abre sus alas en busca de algún nido y el nido está ahí... Jugando al escondite tras de los ojos ávidos del niño que me escucha. Y voy así Transporto sentimientos… buenos, puros, fugaces… Y trato de mejorar lo ya creado... Buscando mejorar un hogar que perdura. Implantando lo que un día soñaste, con un toque de amor...

Y mientras transcurre el tiempo, trafico sueños... Sueños migrantes que pasan de mi alma a mi fantasía y de ésta a mis manos y de ellas a un papel o a un gran lienzo.

Y de paciencia vas creando senderos, con tus trazos ahítos de garabatos como flores de campo. Tus ganas de volar a la cima de los sueños para siempre soñar en el mundo que anhelas…

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES La educación debe cambiar profundamente haciéndose orgánicamente flexible, diversificándose en sus instituciones, en sus estructuras, en sus estudios, sus modos y formas de organizar sus estudios y poner al día los conocimientos y las destrezas para actualizar, reconvertir y mejorar la cultura general de la sociedad y de los individuos (Diaz, 1998, pág. 12). La enseñanza y el aprendizaje son los aspectos primarios fundamentales del acto educativo que tienen como escenario la escuela o la institución educativa en general. La tarea fundamental de la didáctica consiste en investigar los principios generales de la enseñanza y del aprendizaje, llevar los conocimientos adquiridos a una relación sistemática y crear con ello una base teórica científica segura para el trabajo pedagógica del docente (Klinberg, 1985). Lo más importante de la escuela y el docente, es aprender a gestionar y dirigir estas funciones y las otras relacionadas con todo el proceso educativo y la pedagogía, para influir sistemáticamente en el desarrollo integral del estudiante. En forma permanente el docente busca nuevos contenidos y métodos de trabajo, profundizar gradualmente en el conocimiento del mundo psicológico y espiritual del estudiante, para precisar la evolución de sus motivaciones, gustos, intereses, actitudes y proyecto de vida y de esa manera, propiciar un acto formativo acorde a los mismos. A través de estos tipos de actividades, el ser humano también conoce el mundo circundante. La enseñanza entonces, se convierte en uno de los tipos de conocimiento del mundo circundante, más no es la única vía. Por esto es importante educar a nuestros estudiantes no solo en un aprendizaje de institución, sino también desde casa donde se empiezan inculcando los primeros valores, abriendo la menta y dando la oportunidad a la imaginación e impulsar el desarrollo intelectual desde niños a través de diferentes didácticas que les permita elaborar o perfeccionar alguna habilidad, y que, con el paso del tiempo de ahí surjan las nuevas propuestas para dar un mejor punto de vista tanto educativo como artístico.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Diaz, M. (1998). Citado en la Unesco Conferencia Mundial sobre la Educación Superior, La educación Superior en el Siglo XXI: Visión y acción. Colombia: En el libro Flexibilidad y Educación Superior en Colombia 2002.

Klinberg, L. (1985). Introducción a la didáctica. Cuba: Pueblo y Educación.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Martí, J. (1975). Obras completas. La Habana: Editorial Ciencias Sociales.

Tobon, S. -A. (2000). Pensamiento complejo y formación humana en Colombia, en memoria del Primer Congreso Internacional de Pensamiento Complejo Tomo I. Bogotá: Icfes.

2 La identidad cultural y ancestral del pueblo Kayambi en las fiestas de las octavas de la parroquia de Juan Montalvo a través de la representación de la escultura y el grabado

Magaly Quishpe Fernández Universidad Técnica del Norte Phd. Susan Gálvez Sánchez Universidad Técnica del Norte

Abstract: The cultural identity of the Kayambi people has to do with their customs and traditions, and the permanent practice of ancient rituals and celebrations that enrich the ancestral knowledge and wisdom. The present research explores the cultural-art interaction: the cultural and ancestral identity of the Kayambi people in the festivities of the Octavas in Juan Montalvo parish of Cayambe. Through the representation of the characters of the traditional celebrations of the Octavas, using sculpture and the artistic technique of engraving, it is intended to show the characters that are in force and those that with the passage of time have disappeared. The method that was used is the bibliographic, which sought to answer two questions: What are the characters involved in the celebrations of the Octavas of Cayambe? and What is the cultural and artistic value of these characters? The direct interview method was also applied to three older leaders of the community, who participate in Juan Montalvo’s Octavas, about these three aspects: festivities characters, typical clothing, tradition, etc. The investigation concludes with the existence of 12 dancers, all of them with a specific role within the celebrations. It is important to mention that the artistic intervention concludes with the realization of nine characters because some of them represent two characters at the same time, and in other cases they have disappeared, because they were the product of miscegenation without an autochthonous transcendence.

Keywords: Traditional celebrations of Juan Montalvo, characters of the festivities, sculpture, engraving.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

La identidad cultural y ancestral del pueblo Kayambi en las fiestas de las octavas de la parroquia de Juan Montalvo a través de la representación de la escultura y el grabado The cultural and ancestral identity of the Kayambi people in the festivities of the Octavas in the parish of Juan Montalvo through the representation of sculpture and engraving

Magaly Quishpe Fernández Universidad Técnica del Norte m.aggi2010@hotmail.com PhD. Susan Gálvez Sánchez Universidad Técnica del Norte sgalvez@utn.edu.ec

Resumen: La identidad cultural del pueblo Kayambi tiene que ver con sus costumbres y tradiciones, con la práctica permanente de antiguos rituales y celebraciones que enriquecen los saberes y conocimientos ancestrales. La presente investigación explora la articulación cultura-arte: la identidad cultural y ancestral del pueblo Kayambi en las fiestas de las octavas de la parroquia Juan Montalvo del cantón Cayambe. A través de la representación de los personajes de las fiestas tradicionales de las Octavas por medio de la escultura y la técnica artística del grabado, se pretende dar a conocer los personajes que se encuentran en vigencia y aquellos que con el pasar del tiempo han desaparecido. El método utilizado es el bibliográfico, con el que se buscó responder dos interrogantes ¿Cuáles son los personajes que intervienen en las fiestas de las Octavas de Cayambe? y ¿Cuál es el valor cultural y artístico de estos personajes? Se aplicó también el método de la entrevista directa a tres líderes más antiguos de la comunidad, que participan en las octavas de Juan Montalvo, acorde a tres aspectos: personajes de las fiestas, vestimenta típica, tradición, etc. Se concluye la investigación con la existencia de 12 danzantes, cada uno con un rol determinado dentro de la fiesta, indicando que la intervención artística se concluye con la realización de nueve personajes porque algunos representan a dos personajes, y en algún otro caso han desaparecido, porque fueron producto del mestizaje sin una trascendencia autóctona.

Palabras clave: Fiestas tradicionales de Juan Montalvo, personajes de las fiestas, escultura, grabado.

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Las Octavas de Juan Montalvo En el cantón Cayambe, el 29 de junio de cada año se celebra una gran fiesta en agradecimiento al Sol y la fertilidad que proporciona la madre tierra, rindiendo un gran homenaje al padre Inti (Sol), por el cambio de solsticio que sucede en este mes de junio, para dar inicio al tiempo de cosecha, y porque los rayos del sol caen perpendicularmente justo en la plaza central de Cayambe, se piensa que los espíritus salen a encontrarse con sus familiares en el baile. Con la llegada de los españoles esta festividad se sincretizó y pasa a denominarse como la fiesta de San Pedro y del Sol, en honor al patrono de Cayambe. Además el día 29 de junio (fiesta mayor) se efectúa la toma de la plaza, día en el cual se reúnen todas las comunidades indígenas para celebrar esta gran fiesta, finalmente desplazarse al sector de Puntiachil sitio sagrado de Cayambe, lugar donde se realizan rituales y bailes con la finalidad de agradecer al Inti y a la Pachamama, es decir madre tierra. De igual forma en esta ciudad se festejan fiestas menores como las octavas que se celebran en la actual parroquia de Juan Montalvo y las oyanzas en la zona de Pesillo, estas fiestas se realizan después del Inti Raymi (fiesta del Sol). Las fiestas de las octavas se efectúan año tras año en la parroquia de Juan Montalvo denominándola como fiesta menor, ya que se celebra después de ocho días de haber finalizado el Inti Raymi y la toma de la plaza, esta fiesta es de índole ceremonial, se celebra en agradecimiento a la cosecha que se realiza en los meses junio, julio y agosto, rindiendo gratitud a la madre tierra a través de grandes danzas y música, esto se realiza por la buena producción y cosecha de los productos que se obtuvo en el año. La fiesta de las octavas se celebra cada ocho días durante ocho semanas en el mes de julio y agosto, meses donde los habitantes y los comuneros acostumbran a repartir los productos, en raciones a las personas que hayan sido partícipes de las cosechas, finalizado la cosecha bajan bailando a las fiestas de las octavas, eligen sus mejores vestimentas tradicionales, para bailar por la calle 13 de abril o también llamada calle grande por los comuneros que predominan en el sector. Las fiestas que se realizan son regidas al calendario andino porque son parte de la cosmovisión andina de los pueblos originarios de América del Sur, que consiste en un sistema o instrumento que se utiliza para ubicarse en un marco espacial, astronómico y temporal, especialmente se relaciona con los solsticios y equinoccios, que tienen una estrecha relación con el Sol y la Luna, además que este calendario es una guía para los periodos de siembra y de cosecha, que son establecidas en fechas específicas que marcan inicios de nuevos ciclos como: siembra, germinación, florecimiento y cosecha, conocidos en los pueblos indígenas como Raymis, que son celebrados según el calendario agrícola cada 21 de septiembre, 21 de diciembre, 21 de marzo, 21 de junio, que hacen referencia a las cuatro estaciones del año. La festividad más celebrada dentro del calendario agrícola indígena es el Inti Raymi, que se celebra el 21 de junio de cada año, una fiesta realiza en honor al padre Sol por las buenas cosechas de los productos otorgados por la Pachamama, además esta celebración es una de la más importante porque se culmina el año agrícola con la cosecha. Se rinde homenaje al padre sol con ceremonias identificadas particularmente por las danzas, canticos, comida, vestimenta tradicional que identifica al pueblo.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

2. METODOLOGÍA Para la elaboración del actual proyecto se utilizará la investigación bibliográfica con la finalidad de recolectar información sobre las fiestas tradicionales de la parroquia de Juan Montalvo, personajes de estas fiestas, escultura y grabado. La observación de videos documentales es fundamental y la participación en los distintos eventos con el propósito de vincularse con el pueblo y compartir vivencias, de tal manera ayudó a profundizar conocimientos acerca del problema planteado, a si también se acudió a la investigación de campo, ya que se estuvo en el lugar de los hechos con la intención de obtener información directa mediante la entrevista en donde se formularon preguntas estructuradas de tal manera que abarcaron las palabras claves que guían esta investigación.

2.1. Método de investigación Método bibliográfico. - se utilizó principalmente para almacenar información, que proviene de diferentes fuentes como libros, tesis, sitios web, revistas digitales, etc.; esto ayuda especialmente a recopilar la bibliografía, dando paso a la elaboración y fundamentación del marco teórico: ¿Cuáles son los personajes en las fiestas de las Octavas de Juan Montalvo del cantón Cayambe? ¿Cómo se manifiesta la escultura y el grabado en la elaboración de los personajes de las fiestas de las octavas de Juan Montalvo?

2.2. Técnicas e instrumentos Técnica de la entrevista. - se aplicó a tres personas de la localidad con el objetivo de obtener información de los diferentes temas, a través de diálogos guiados en las preguntas directrices que se mencionan a continuación: ¿Cómo se manifiesta la identidad en el pueblo Kayambi? ¿Cómo se celebra el Inti Raymi en el pueblo Kayambi? ¿Cuáles son los personajes que participan en la fiesta de San Pedro y del Sol en el cantón Cayambe? ¿Cuáles son las fiestas tradicionales en las octavas de Juan Montalvo? Técnica de la observación. – esta técnica de investigación permitió visualizar y comprender el comportamiento de los personajes en las fiestas de las octavas de Juan Montalvo con sus trajes típicos y características particulares. Además, mediante la observación se logró entender la idiosincrasia de la gente de esta parroquia: convivencia entre vecinos, familiares, compadres, amigos, y visitantes que disfrutan de esta fiesta. Se recolectó fotografías de los distintos personajes haciendo un registro fotográfico de cada uno, movimientos y gestos, con la finalidad de capturarlos en distintos momentos y tomar las imágenes como base para la ejecución de las esculturas.

3. RESULTADOS 3.1. Los Personajes de las fiestas de las Octavas de Juan Montalvo Las fiestas de San Pedro y del Sol tienen un significado ceremonial y ancestral que cada año se celebra en Cayambe, marcando una tradicionalidad por sus fiestas, en las mismas que se encuentran inmersas los personajes que son pilares importantes de esta celebración, reflejan

el colorido de su vestimenta tradicional de cada personaje típico de la fiesta, además estos danzantes se puede observar en las octavas de Juan Montalvo una fiesta que inicia con la finalización del Inti Raymi. En la fiesta de las Octavas participan varios personajes cada uno de estos personajes tiene un significado particular, así, unos representan a la espiritualidad, otros hacen una sátira de algunos personajes públicos y religiosos. Los distintos personajes de las fiestas de las Octavas de Juan Montalvo son:

Aya huma La vestimenta del Aya Uma es principalmente la máscara echa de tela que tiene dos caras de colores que representan la dualidad (día-noche, claro-oscuro, hemisferio norte-hemisferio sur, cielo-tierra), la misma está compuesta por 12 cornamentas caídas que representa los doce meses del año. Posee dos orejas, nariz y lengua, y lleva una camisa bordada con símbolos de la naturaleza, zamarro de chivo, alpargatas de cabuya, acial, y el linchi (bolso o morral). Antes de salir a estas celebraciones la persona que se disfraza de este personaje debe hacer un pequeño ritual, se trata de pedir permiso a la pachamama que le brinde la fuerza para resistir y la habilidad de guiar el grupo, acuden a las pacchas más cercanas a dejar la indumentaria y al día siguiente por la mañana la recoge, y, con el permiso de la naturaleza, realizan las danzas rituales.

Aruchicos El origen de este personaje se remonta a la época del incario, predominante en el mes de septiembre en la fiesta denominada HUARACHICO, es un nuevo guerrero perteneciente a la nobleza, regresa después de pasar varias pruebas con la finalidad de ingresar al grupo del ejercito inca, de tal manera que con la llegada de los incas al actual Ecuador se fue fusionando los vocablos en especial de los personajes pertenecientes a las fiestas del cantón Cayambe, finalmente este término se convirtió en ARUCHICO. Por ello, no se debe olvidar que nuestro personaje de la fiesta de San Pedro y del Sol perteneciente al Pueblo Kayambi, ya existía antes de la invasión inca, además de los hallazgos encontrados cerca del sitio ceremonial Puntiatzil. En este fragmento, el danzante se halla pintando con una corona de plumas, un pequeño taparrabo con el signo del sol (x) que representa los puntos cardinales que están relacionados con los tiempos de siembra y cosecha y una larga lanza de guerrero (Álvarez, 2014, p.18).

La Huarmi o Huasicama Proviene del término quichua que significa ama de casa y mujer. De lo que conocemos desde hace más de 70 años, es la mujer disfrazada de novia, esposa o compañera que baila y canta coplas junto a los aruchicos. No es ninguna chinuca, como equivocadamente se ha publicado en alguna tarjeta postal de turismo (Guzmán, 2013, p. 27).

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Por lo tanto, la Huasicama es una mujer que acompaña en este grupo de baile, además es la que da la primera voz en el canto de las coplas tradicionales, su voz es única e incomparable por sus distintas afinaciones pertenecientes a cada comunidad del cantón Cayambe, igualmente la vestimenta es diferente y multicolor, dependiendo a cada lugar. Los aruchicos son muy alegres, se encarga de llevar la fiesta con buen humor mediante sus hermosas coplas picarescas, al son de la guitarra y del baile, su vestimenta es predominante y colorido, oculta su identidad detrás de una careta, su voz cambia totalmente al hablar, generando un ambiente de humor y picardía.

La Chinuca La chinuca es un hombre que se disfraza de mujer, es muy coqueto, humorístico que alegra el grupo de bailarines. Se dice que es la mujer celosa del aruchico que va acompañando en cada baile sin descuidar su pareja; en las octavas de Juan Montalvo este personaje baja bailando, y hace referencia a la mujer amorosa, con gestos que causan gracia en los espectadores.

El Taquidor Perteneciente a las fiestas de San Pedro, tiene la voz de mando del grupo, en esta ocasión toma el rol de jefe, quien guía los cánticos, cuando el Taquidor canta o da la primera voz, los demás deben contestar con frases cortas que a lo largo del camino se repiten. “El taquidor viene del verbo quichua taquina que quiere decir: entonar, cantar, tocar algún instrumento, componer “taquis” o versos cantados; pero también tambor, troje, granero, cueva, etc.” (Álvarez, 2014, pág. 24)

En Cayambe el taquidor es el cabeza del grupo con los cánticos, elevara la voz cuando sea necesario con gritos, con una voz de mando, el grupo deberá contestar en coro, en ocasiones lo que cante el taquidor los demás lo reproducirán como un eco.

El Payaso Es un personaje que aparece en América después de la llegada de los españoles en el siglo XIX, y su inserción en las fiestas del Inti Raymi se da gracias al colorido de su vestimenta, gracia y humor característico. Hace chistes con los espectadores provocando risas a carcajadas y su rol es de avivar la fiesta; roba cosas luego comparte con su grupo de baile y con las personas que lo rodean. Es como se caracteriza el payaso cayambeño.

El Padrecito Este personaje es una imitación burlesca que los cayambeños hacen del cura de la Parroquia o Cantón. Aparece con la inserción de la iglesia en los pueblos indígenas y camina junto al resto de danzantes realizando los gestos y ademanes propios de un cura, bendiciendo a todos con su mano izquierda; se caracteriza por llevar una sotana negra y un crucifijo.

El Capariche Es un personaje que se encuentra presente en las festividades y danzas tradicionales de toda la región andina, hace referencia al barrendero de las calles de pequeñas y grandes ciudades, y su caracterización tiene inicios en la colonia y principios de la república. En el cantón Cayambe, a este personaje lo denominaron como capariche o muchilandos, debido a que este representa a un jornalero municipal.

El Soldado Este personaje aparece después de la independencia (1822), como símbolo de quienes lucharon en esta fecha histórica, y en la fiesta participa como el personaje encargado de mantener el orden entre los grupos de danzantes y el público. Su vestimenta comprende el traje del soldado de la independencia: en su brazo llevaba una escopeta elaborada en madera, de esta forma lo respetaban y podía controlar el paso de los personajes de la fiesta en especial de los aruchicos.

Los Guitarreros Son las personas que tocan las guitarras en especial se los denomina guitarreros a los aruchicos, ya que su rol es entonar las distintas coplas en las diferentes afinaciones tradicionales del cantón.

Los Campanilleros Cargan doce campanillas que representa los doce meses del año, el sonido que produce es con el fin de espantar a los malos espíritus que rondan el paso de los bailarines, además, en ocasiones, este personaje va tocando la flauta para marcar el paso de su baile al igual que de sus campanillas.

Los Copleros Son los personajes que van cantando las coplas tradicionales del sector de Cayambe en especial los de las comunidades, compuesto por hombre y mujeres, mientras cantan su música alegre va marcando su ritmo de baile, y sus frases en castellano y algunos en el idioma quichua. Las mujeres son las principales en esta fiesta con su voz predominante, son muy hábiles para componer coplas en el momento y cantar. Su recorrido es por la calle 13 de Abril y acostumbran a entrar de casa en casa, especialmente en la de los compadres y lugares que les dan acogida. Además las coplas la cantan cuando ven a una mujer hermosa y quieren hacerle algún alago o crítica.

3.2. Propuesta artística Como resultado de la investigación se propone representar a través de la escultura y el grabado

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

los personajes de las fiestas de las Octavas de Juan Montalvo perteneciente al cantón Cayambe. Para la elaboración de los personajes se realizan una estructura de alambre fijando su resistencia, cada escultura es colocada en una base de madera, posteriormente se maneja una técnica mixta al momento de implementar las masillas, primero como base se aplica la arcilla blanca que nos permite con facilidad modelar partes de la figura humana, luego se implementa la masilla epóxica y realizar detalles de los personajes, luego se procede a pintar con acrílico a cada personaje, finalmente se pretende adherir accesorios a cada personaje (flauta, campanillas, hualcas, etc.), para dar realce a cada danzante. Además, se incluye un grabado que va suspendido en la parte superior de la sala, de forma circular que simbolizando al sol, y varias telas que caen perpendicularmente asemejando a sus rayos. En estas telas se encuentran estampados un detalle del elemento más distintivo de cada personaje, que expresa y representa a cada uno de manera significativa: Aya Huma-Máscara (ojos, nariz, cachos, orejas, boca); aruchico-guitarra (cuerdas); huasicama-hualcas y fajas (bordados); chinuca-careta (el bigote, ojos, boca); campanillero-campanillas (campanas); payaso- bonete; padrecito-rosario; capariche-escoba; soldado-escopeta. El montaje de la obra se realizará en la ciudad de Cayambe, en la extensión de la Casa de la Cultura Benjamín Carrión, con la finalidad que la ciudadanía cayambeña sea participe de la exposición. La ubicación de las piezas escultóricas van sobre un soporte de madera redondo, cada personaje será ubicado en forma circular, se coloca de esta manera en honor a la rotación de la Tierra alrededor del Sol, además en la fiesta se baila en forma circular y solo al lado derecho, haciendo alusión a la conexión de la Tierra con el padre Sol. El grabado se encuentra suspendido en el centro de la base redonda haciendo alusión al Sol.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Como resultado de la investigación se concluye con la existencia de 12 danzantes, cada personaje cumple un rol específico dentro de la fiesta, como cantar, bailar, tocar algún instrumento, más en la participación algunos pueden cumplir de dos a tres roles de manera que se puede prescindir de algunos de ellos que son remplazados por personas del público que se integran haciendo que los grupos de baile se vean más numerosos y ofrezcan una mejor presentación ante el espectador. De los personajes mencionados tres ya no se encuentran en vigencia, tal es el caso del soldado y padrecito, desaparecieron porque fueron un producto del mestizaje y no tenían una trascendencia autóctona, y el capariche aparece esporádicamente como en el bautizo de una casa. Además se realiza nueve piezas escultóricas de los personajes de las fiestas de las octavas de la Parroquia de Juan Montalvo, perteneciente al cantón Cayambe, con la finalidad de rescatar la memoria histórica, en base a la fiesta más celebrada año tras año en el cantón, con esta representación de los personajes se pretende reconocer las costumbres y tradiciones de nuestros antepasados, y así pues evidenciar la herencia que fue legada y poder compartir con las personas.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Álvarez, G. (2014). Cayambe sus fiestas, su Nombre, sus Coplas e Identidad. Cayambe, Pichincha, Ecuador: Sin Editorial.

Guzmán, L. (2013). San Pedro y el Sol en Cayambe. Cayambe: Sin Editorial.

3 Las Artes Plásticas, un Método Innovador para el Aprendizaje Grafomotriz

Jesica Ximena Rodríguez Quiranza Universidad Técnica del Norte Rubén Darío Suquillo Onofa Universidad Técnica del Norte Mario de Jesús Benites Barrera Universidad Técnica del Norte

Abstract: The object of this research is focused on the development of Fine Psychomotricity through Plastic Arts and Painting as an innovative proposal in children from 3 to 4 years, taking into account that at early ages brain plasticity allows effective and timely learning , strengthening in its training the future citizen in all its areas. While it is true the arts comprise a myriad of possibilities for expression and when merging with the playful one, we seek to experience different moments and sensations that will be unlikely to be forgotten. Same that will move away the daily practice of scribbling in simple leaves without sense but to give an added value that only the Arts and their essence are capable of doing, since the infants acquire necessary skills to express themselves through written signs. This work shows an in-depth analysis carried out by several specialists, from which the most relevant was taken with what is intended to be known as the Gram-symbolic development through Art and Painting in children’s context is much more efficient.

Keywords: Grafo motricidad, Plastic Arts, Painting, innovation, Learning, Fine Motor.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Las Artes Plásticas, un Método Innovador para el Aprendizaje Grafomotriz The Plastic Arts, an Innovative Method for Grammatical Learning

Jesica Ximena Rodríguez Quiranza Universidad Técnica del Norte jesi.xr86@gmail.com Rubén Darío Suquillo Onofa Universidad Técnica del Norte dario_su@hotmail.com Mario de Jesús Benites Barrera Universidad Técnica del Norte correo@electrónico.gal

Resumen: El objeto de la presente investigación está enfocada en el desarrollo de la psicomotricidad Fina mediante las Artes Plásticas y Pintura como una propuesta innovadora en los niños de 3 a 4 años, tomando en cuenta que en edades tempranas la plasticidad cerebral permite un aprendizaje efectivo y oportuno, fortaleciendo en su formación al futuro ciudadano en todos sus ámbitos. Si bien es cierto las artes comprenden un sinnúmero de posibilidades de expresión y al fusionar con la lúdica se busca experimentar diferentes momentos y sensaciones que serán poco probables de ser olvidadas. Mismas que alejará la cotidiana praxis de garabatear en simples hojas sin sentido sino darle un valor agregado que solo las Artes y su esencia son capaces de hacer, puesto que los infantes adquieren habilidades necesarias para expresarse a través de signos escritos. Este trabajo muestra un profundo análisis realizado por varios especialistas de los cuales se tomó lo más relebante con lo que se pretende dar a conocer como el desarrollo Grafomotriz a través del Arte y Pintura en la población infantil es mucho más eficaz.

Palabras clave: Grafo motricidad, Artes Plásticas, Pintura, innovación, Aprendizaje, Motricidad Fina

1. MARCO TEÓRICO Durante los primeros años de vida de los niños y niñas, es el momento crítico en el cual deben tener una adecuada estimulación inicial para lograr el aprendizaje significativo de la escritura. En estas etapas los niños adquieren el máximo desarrollo físico, cognitivo y emocional. En la actualidad se puede evidenciar una etapa de cambios notorios en muchos ámbitos y el educativo no es la excepción, mismo en el que se busca que los estudiantes tengan la capacidad de desenvolverse de una forma autónoma en el entorno que los rodea, que puedan poner en práctica el conocimiento adquirido en las aulas de clase y ser entes productivos con visión de cambio. Para que esto sea posible y podamos hablar de un verdadero cambio se debe realizar una verdadera transformación en el sistema de aprendizaje, en el que los docentes busquen renovadas y nuevas estrategias, metodologías, actividades y formas mediar el conocimiento para que los estudiantes adquieran todas las herramientas que necesitan durante su vida para que puedan ser los ciudadanos y profesionales que la sociedad requiere.

La Grafomotricidad Según (Kandinsky, 2010). En el trabajo de la Grafo-motricidad, manifiesta que: “Toda línea, punto, rasgo, es considerado el inicio de la grafo motricidad. La misma que tiene como eje la aplicación de técnicas diversas en la composición de la grafo-motricidad”. Todo aspecto de representación gráfica que se utiliza o realiza con el propósito de expresarse es una actividad perteneciente a la grafomotricidad. Es por tal razón que esta estrategia se encuentra ligada estrechamente a la habilidad de la escritura desde sus comienzos, ya que el individuo se expresa por medio de rasgos simples aunque torpes. Para (Calvet, 2001) en la Historia de la Escritura, considera que: La grafo-motricidad es una disciplina científica, pero que muchas veces se la ha confundido con una praxis motriz, en realidad es una ciencia que se desprende de la lingüística, que tiene como fin el explicar los motivos por los cuales el ser humano desde su infancia temprana crea y representa sobre un papel lo que imagina mentalmente, esta creación en papel lo hace mediante gráficos, los mismos que tienen un significado propio, convirtiéndose de esta manera en la escritura infantil o primera escritura.

La Grafomotricidad consiste en realizar una serie de movimientos conscientes para afianzar la psicomotricidad fina uniendo el cuerpo y la mente. En el aprendizaje y/o adquisición de las habilidades grafomotrices, estas actividades permitirán al niño dominar el espacio total y parcial que lo rodea, adquirir soltura mediante trazos libres y dirigidos. La grafomotricidad es un término referido al movimiento gráfico realizado con la mano al escribir (“grafo”, escritura, “motriz”, movimiento). El desarrollo grafomotriz del niño tiene como objetivo fundamental complementar y potenciar el desarrollo psicomotor a través de diferentes actividades.

Las Artes Plásticas Según la (Revista Significados , s.f.)Las disciplinas artísticas de bellas artes catalogadas como artes plásticas son, fundamentalmente, la pintura, la escultura y la arquitectura, pero también podemos contar entre ellas el dibujo, el grabado, la cerámica, la orfebrería y la pintura mural. Como artes plásticas denominamos a todas aquellas formas de expresión artística que mani-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

pulan y moldean materiales para construir formas e imágenes con la finalidad de presentar una visión del mundo o de la realidad de acuerdo a un conjunto de valores estéticos. Las artes plásticas para niños es una materia en la escuela que implica manipular, transformar, modificar o moldear materiales para la creación de formas artísticas y así sensibilizar a los alumnos en criterios estéticos de composición, como la figura y el fondo, la proporción, el color, el movimiento o los planos, etc.

Las Artes Plásticas son una herramienta fundamental y necesaria para el desarrollo integral del niño, nos permiten fortalecer al ser humano en todos sus ámbitos, son medios de expresión que tranquilizan y motivan a la vez. Un niño que se desarrolla por medio de las Artes Plásticas será mucho más receptivo, hábil, podrá encontrar soluciones simples a determinados problemas propuestos. Cualidades que serán determinantes durante todo su proceso de desarrollo como ser humano.

2. METODOLOGÍA El objetivo de la grafomotricidad es que el niño adquiera las habilidades necesarias para que llegue a expresarse por medio de signos escritos, mediante ejercicios que permitan el mayor dominio del antebrazo, la muñeca, la mano y, sobre todo, los dedos. El niño controla cada vez más su cuerpo. El control del trazo se transforma en el último escalón del desarrollo grafomotor. Partimos del trazo prácticamente libre, que permite al niño dominar el espacio y adquirir soltura con los utensilios básicos, para ir introduciendo progresivamente pautas y trazos dirigidos. Es necesario seguir una serie de pautas: · Manejo de útiles: los primeros son la mano, los dedos, esponjas, tizas, pinceles gruesos, ceras, los últimos son los lápices creando obras murales. Desplazamiento correcto en el espacio gráfico: izquierda-derecha, arriba-abajo. Movimientos de base: empezar con trazos verticales, (de arriba abajo), horizontales (de izquierda a derecha), oblicuos, bucles… hasta llegar a adquirir la imagen motriz de las letras, sílabas, etc. Todos los ejercicios se harán de forma libre, sin marcar límites y de forma dirigida. (Temas para la Educación, s.f.)

El estudio de la grafo-motricidad se debe efectuar comprendiendo que no es una praxis motriz o movimiento sin sentido de la motricidad fina en los niños, sino que es una parte sustancial dentro de la lingüística y la manifestación o la forma de comunicación escrita que utilizan los individuos en sus primeros años de vida, es una parte propia o nata de cada individuo, viene o nace con él y se desarrolla en él, a través de simples trazos y como tal debe ser asistida.

3. RESULTADOS La motricidad fina está enfocada en el perfeccionamiento de movimientos finos de las manos y los dedos. En edades de 3 a 5 años el desarrollo de estos movimientos se logran por medio de la estimulación temprana con la ayuda de la aplicación de estrategias direccionadas, para que de esta manera los niños, coordinen los movimientos con precisión y puedan expresarse por medio de rasgos. Las estrategias pedagógicas a ser utilizadas para lograr este desarrollo siempre serán enfocadas en provocar un progreso en todos los ámbitos tanto cognoscitivos, sociales, afectivos emocionales y físicos. La implementación de las Artes Plásticas o Bellas Artes logrará en los niños un aprendizaje significativo el cual es más valioso puesto que fusiona sentimientos y emociones con conceptos, provocando en ellos un desarrollo altamente efectivo.

fusiona sentimientos y emociones con conceptos, provocando en ellos un desarrollo altamente efectivo. 50

Fig. 1 “Caligrafía: Material de refuerzo (II)” - Recursos educativos y material didáctico para niños/as de Infantil y Primaria. Fuente: https://www.pinterest.es/pin/199636195967752454/ Publicado 29 de febrero de 2016

Fig. 1 “Caligrafía: Material de refuerzo (II)” - Recursos educativos y material didáctico para niños/as de Infantil y Primaria. (https://www.pinterest.es/pin/199636195967752454/ Publicado 29 de febrero de 2016)

Fig. 2 “Caligrafía: Material de refuerzo (II)” - Recursos educativos y material didáctiFig. 2 "Caligrafía: Material de refuerzo (II)" - Recursos educativos y material didáctico para niños/as de Infantil y co para niños/as de Infantil y Primaria. Primaria. (https://www.pinterest.es/pin/199636195967752454/Publicado 29 de febrero de 2016) Fuente: https://www.pinterest.es/pin/199636195967752454/Publicado 29 de febrero de 2016

Fig. 2 "Caligrafía: Material de refuerzo (II)" - Recursos educativos y UNIVERSIDAD material didáctico para niños/as de Infantil y51 TÉCNICA DEL NORTE Primaria. (https://www.pinterest.es/pin/199636195967752454/Publicado 29 de febrero de 2016)

Fig. 3"Caligrafía: Material de refuerzo (II)" - Recursos educativos y material didáctico para niños/as de Infantil y Fig. 3”Caligrafía: Material de refuerzo (II)” - Recursos educativos y material Primaria. (https://www.pinterest.es/pin/298715387763765906/) Publicado 29 de febrero de 2016)didáctico

para niños/as de Infantil y Primaria. Fuente: https://www.pinterest.es/pin/298715387763765906/) Publicado 29 de febrero de 2016

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Las Artes Plásticas junto a las diferentes técnicas de Grafomotricidad son una herramienta indispensable para lograr desarrollar en los niños y niñas de una forma significativa su ser cognitivo, afectivo y psicomotriz. Sin duda alguna el tema de la Grafomotricidad es de mucho interés y necesidad dentro de la educación actual, es por ello que a nivel mundial gran parte de los docentes de la primera infancia la utilizan como una herramienta principal dentro del aula de clase para mediar el proceso de desarrollo psicomotriz y el conocimiento en general. Es primordial que los docentes conozcan muy bien la temática, las técnicas que deben aplicar y los beneficios que van a obtener en el proceso de enseñanza aprendizaje para que lo hagan de una forma adecuada y sea interesante y llame la atención de los niños y niñas. Ya que, también es posible que muchos apliquen esta maravillosa técnica de una forma empírica y en lugar de ser beneficiosa llegue a ser perjudicial, aburrida y traumatizante para sus educandos. Las Artes Plásticas y la Grafomotricidad deben ir necesariamente juntas ya que las dos conllevan a los niños y niñas a desarrollar habilidades motoras a través de las cuales, pueden lograr hacer representaciones del mundo exterior. Es decir que, en este proceso primero identifican, interiorizan, exteriorizan y finalmente quedan grabadas para siempre las nuevas experiencias de aprendizaje y lógicamente el conocimiento en su mente.

RECOMENDACIONES

Es de fundamental importancia que los docentes se capaciten plenamente con respecto al tema tratado, para que lo puedan aplicar de la mejor manera y se puedan obtener los objetivos propuestos.

Aplicar todas las técnicas de Artes Plásticas y Grafomotrices que sean necesarias durante la etapa preescolar para preparar a los niños y niñas en el proceso del desarrollo psicomotriz ( escritura).

Propiciar la implementación de este tipo de actividades y técnicas dentro de un ambiente agradable y tranquilo. Ya que, los niños y niñas generalmente trabajan con agrado de forma innata.

Analizar la propuesta de Artes Plásticas y Grafomotricidad, y acogerla de la mejor manera ya que será de mucha ayuda para todos los docentes de la primera infancia.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Calvet, L. (2001). Historia de la Escritura.

Kandinsky. (2010). La Grafomotricidad.

Revista Significados . (s.f.). Significados.com. Recuperado el 15 de 01 de 2019, de https:// www.significados.com/artes-plasticas/

Temas para la Educación . (s.f.). feandalucia.ccoo.es. Recuperado el 2019 de 01 de 15 http://www.juntadeandalucia.es/educacion/webportal/ishareservlet/ content/594547527958-4875-9970-523dd06ff2c9

DENOMINACIÓN SOCIAL Soluciones Empresariales Grupo Café S.L. NIF B23697204 DOMICILIO SOCIAL Plaza de la Constitución, 3, 3º. CP 23740 Andújar, Jaén

4 Identificación de la sinonimia, matices y características en la Universidad Técnica del Norte, y su creación mural sobre el Auditorio “Agustín Cueva”

Jorge Apugllon Aneta Universidad Técnica del Norte

Abstract: The investigation probes the identity-art and culture from the perspective of a society that is constantly built with the cultural exchange, the relationship and constant learning within the Universidad Técnica del Norte. The identity of the university is a changing and variable axis, it is a coexistence and cultural acceptance of several individuals with different ways of thinking in terms of their customs, provenience, convictions and goals; which allows to enrich the diversity of the group. But the identity is constructed from the appropriation of social actors in an environment where they interact and generate changes of, paradigms. Cultural identities that enrich the individual and assimilate it become part of the society in which their identity is being tested. The methodology that answers certain doubts How to identify the cultural identity of an environment and society? What value does art have in the construction of identity and culture? How is identity visualized in an environment such as the university? It is complemented through observation in a dialogue with a group of students of the UTN (career arts and related), related to three aspects: visual identity, perception of human composition as individual-collective and which symbols stand out in the composition of the propos The result of the research results in a mural proposal reflected in a mural painting that identifies the identity-culture traits, both individual and group, which are related and show a visual context of today’s society.

Keywords: identity, culture, art and society.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Identificación de la sinonimia, matices y características en la Universidad Técnica del Norte, y su creación mural sobre el Auditorio “Agustín Cueva” Identification of synonymy, nuances and characteristics in the University Técnica del Norte, and its mural creation on the “Agustín Cueva” Auditorium

Jorge Apugllon Aneta Universidad Técnica del Norte apugllonjorge@gmail.com

Resumen: La investigación sondea la identidad-arte y cultura desde la perspectiva de una sociedad que se construye constantemente con el intercambio cultural, la relación y el aprendizaje constante dentro de la Universidad Técnica del Norte. La identidad de la universidad es un eje cambiante y variable, es una convivencia y aceptación cultural de varios individuos con formas de pensamiento diverso en cuanto a sus costumbres, proveniencia, convicciones y metas; lo que permite enriquecer la diversidad de grupo. Pero la identidad se construye a partir de la apropiación de actores sociales en un entorno dónde interactúan y generan cambios de, paradigmas. Identidades culturales que enriquecen al individuo y este al asimilarlo pasan a ser parte de la sociedad en la que su identidad está siendo probada. La metodología que responde a ciertas dudas ¿Cómo identificar la identidad cultural de un entorno y sociedad? ¿Qué valor tiene el arte en la construcción de la identidad y de la cultura? ¿Cómo se visualiza la identidad en un entorno como la universidad? Se complementa a través de la observación en un diálogo con un grupo de estudiantes de la UTN (carrera de artes y afines), Relacionados a tres aspectos: Identidad visual, percepción de la composición humana como individuo-colectivo y que símbolos destacan en la composición de la propuesta. El resultado de la investigación desemboca en una propuesta mural reflejada en una Pintura mural que identifican los rasgos de identidad-cultura, tanto individual como grupal, mismos que se relacionan y muestran un contexto visual de la sociedad actual.

Palabras clave: Identidad, cultura, arte y sociedad.

1. MARCO TEÓRICO Identidad proviene del Latín identitas, y este de ídem, que se encuentra en en frases del latín clásico como: Ídem et ídem (una y otra vez) ,Semper ídem (siempre lo mismo) que a su vez es el conjunto de los rasgos propios de un individuo o comunidad, esto caracteriza al sujeto o al colectivo frente a los demás. Es la conciencia que tiene una persona de sí mismo y que lo diferencia del resto. Aunque la identidad se adquiere por herencia o es innata, el entorno ejerce una gran influencia externa que provoca cambios, que hace parte de la persona y la identifica. Cuando hablamos sobre identidad nos referimos, no a una especie de alma o esencia con la que se nace, no un variado de disposiciones internas que permanecen fundamentalmente iguales durante toda la vida, independientemente de la sociedad donde la personas se encuentren, es un proceso de construcción en la que el individuo o colectivo se va definiendo. (Gálvez)

1.1. Identidad y cultura, una pareja indisociable La identidad se construye a partir de la apropiación de parte de los actores sociales de un entorno en los que interactúan y tienen cambios de pensamiento y costumbres, de determinadas recopilaciones culturales y considerados paralelamente como diferenciadores y definidores de la propia unidad y especificadora. Es decir que la identidad no es más que la cultura interiorizada por los sujetos. Wallerstein(1992) decía que una de las funciones casi universalmente atribuida a la cultura que es la de diferenciar a un grupo de otros grupos, representa de esta forma rasgos compartidos dentro de un conjunto y también los no compartidos, fuera de todo esto está el papel de diferenciación.

1.1.1. Identidades individuales en el Ecuador Según (Prole del vendaval, 2005, pág. Fuente) habla de la sociedad ecuatoriana como una hibridación, en cuanto a su construcción cultural e identificación como pueblo con un pasado sumergido en el barroquismo y colonialismo, como esta herencia cultural también crea una crisis de identidad y a su vez “experimenta una crisis de valores que nos están haciendo olvidar de quienes somos“ habla de la política como medio de separación y el fútbol como identidad que une a los ecuatorianos, pero a su vez crea un conflicto con “llegar a ser“ ¿Quiénes somos? Pero siempre llega otra generación con ideas nuevas que cambiarán el concepto de identidad como pueblo, de esta forma la identidad pasa a ser un constante proceso de cambio y asimilación de otras identidades y culturas. La única forma de generar una identidad es “el de la conciencia propia de la identidad“.

1.2. Cultura La Cultura es una existencia social, es un conjunto de valores, creencias, tradiciones prácticas que constituyen la forma de vida de un grupo en específico. A sido creada por el usos de símbolos y el término es derivado desde la palabra latina colere para la labranza y el usos de la tierra. De esta forma la cultura no es más que el espacio que se usa de la tierra para asentarnos como

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

un grupo humano y usar los beneficios que estas nos provee, los romanos hablaban metafóricamente de la cultura como animi como la cultivación del alma y fue usada posteriormente en el siglo XVII como forma de influenciar el significado secularizado distinguido de la religión, culto, pero relacionada para ambas formaciones del individuo y el cultivo

1.2.1. La cultura como generadora de civilización y sus diferencias La cultura se vuelve civilizaciones cuando los que pertenecen a ese conjunto, tienen los mismos intereses y credos, que para comunicarse necesitan traducir unas cultura con otra, necesitan compartir, aprender la una de la otra. Luego luchar por sobrevivir y por el bienestar de las civilizaciones. De esta forma centro de la civilización la cultura a través del cultivo de la tierra, del cultivo de la sociedad y el culto a algo sagrado, crea la ciudad, crea la sociabilidad, las urbes aparecen volviéndola en civilización. Con pequeños asentamientos Y rudimentarios pueblos Y luego convirtiéndose en ciudades imperios como silla y China, comienzan las ciudades, con familias pequeñas, productivas y sociales, gobiernos cómoda aquí así, con economía y un mercado, sus culturas refiriéndose a las artes que hayan desarrollado, templos, ciencia y filosofía, con la agricultura como medio de sustentabilidad y producción

1.1.2. La cultura e identidad, entre arte y la cotidianidad de un entorno su forma de pensamiento Muchos creen que la cultura es una expresión artística de la música y el canto, la danza la pintura, la escultura, la literatura en sus diversos campos y otras manifestaciones de diversos talentos y oficios de las comunidades o pueblos. En esta cultura nacen las manifestaciones con logros artísticos individuales (Hermida, 2016)

De esta forma el arte establece un medio idóneo para el reflejo de elementos culturales, de identidad con lo que las masas identifican y se diferencian.

Artículo 7-el patrimonio cultural, fuente de creatividad Toda creación tiene sus orígenes en las tradiciones culturales pero se desarrolla plenamente contacto con otras culturas. Este es la razón por la cual patrimonio en todas sus formas de ser preservar realizar transmitido las generaciones futuras como testimonio de las experiencias y las aspiraciones humanas, a fin de nutrir la creatividad en toda su diversidad e inspirar un verdadero diálogo entre las culturas. (Unesco, 2001) El hombre tiene que darse o ponerse su propia necesidad pues otros seres pueden estar en la rutina instintiva, por lo contaré el humano está en libertad. De este modo el arte crea un enlace de libertad entre la vida, la cultura y la identidad de un entorno dinámico como una universidad, entre los parámetros que constituyen una sociedad como identidad cultura y modo de pensamiento libre. Echeverría en su obra sobre el concepto de la definición de la cultura retoma dos planteamientos claves uno de Martin Heidegger su idea de que el ser humano es distinto ante otros entes del universo, Es el ser espiritualmente libre, suficiencia es libertad Como capacidad elección. El hombre tiene que darse oponerse su propia necesidad. Pues otros seres pueden estar en una

rutina instintiva. De este modo el arte crea un enlace de libertad entre la vida, La cultura y la identidad de un entorno dinámico Como una universidad, Entre los parámetros que constituye una sociedad, Como identidad, Cultura Y modo de pensamiento libre.

1.3. Sociedad dentro de la Universidad Técnica del Norte La universidad es una joven institución de educación superior que desarrolla su labor académica e investigativa para contribuir y auspiciar del desarrollo del país y de manera especial de la zona uno del Ecuador. Una entidad que responde con pertinencia científica y social a las más importantes necesidades de progreso de la región y la patria, a través de la formación de profesionales en sus carreras de pregrado y posgrado. Precisamente para enfrentar innovadoras propuestas, los desafíos y retos que la modernidad propone a la Academia y a la sociedad. (Norte, s.f.)

Aristóteles en su definición de sociedad menciona “que es el conjunto de personas que comparten fines, comportamientos y culturas, que se relaciona, cooperan e interactúan entre ellos para formar un grupo”. mientras tanto Fernando Savater dice “que la sociedad es un constructor que permanentemente se está formando y lo vuelve más complejo auto transformando, porque obtiene de sí misma su propio sentido” cómo tratar el tema de sociedad tengo una institución como la UTN cuál es su identidad, su cultura, su forma de pensamiento con que se identifica más y sobre todo, que se piensa de ella de forma individual a la colectiva. La perspectiva que se da de ella, en su diario vivir es desde un punto de vista más de convivencia del individuo con el colectivo y viceversa, de seres humanos con un modo de pensamiento distinto, la UTN y su espacio se vuelve no sólo una institución habitada por estudiantes, docentes, autoridades, personal de seguridad, trabajadores y miembros que pertenecen a este grupo ( distintas regiones y nacionalidades), es un lugar no sólo imparto académico (que es muy importante), se transforma en un sector con una dinámica diversa dentro fuera de las aulas, conoce y familiariza con personas que son distintas fuera del aspecto físico en su educación sus credos, ideologías, modos de pensamiento modos actual de expresarse que saludarte por los pasillos voy ignorarte incluso de comer y convivir. Pero todas estas diferencias enriquecen de alguna manera nuestro pensamiento como individuos que conviven en un mismo espacio.

1.4. Arte y sociedad El arte se relaciona con la sociedad cuando se la observa, se la estudia y edifica para ella, cuando tiene un impacto visual y educativo; se relaciona directa e indirectamente con la sociedad, cuando la producción es realizada por un grupo social específico constituido por artistas como categorías de profesionales que crean el objeto. Desde los principios de la vida el arte y la sociedad al forjado camina a la par con el medio ambiente y el entorno, del mismo modo los seres humanos en comunidad, genera una pertenencia representatividad. La carga que tienen y distribuciones de roles en la sociedad ha mostrado su evolución y posibilita las identidades que habitan geografías, qué influyen en la estética y otras manifestaciones que en la actualidad pese a que son más estilizadas, continúa con una carga mística en las identidades colectivas y personales. Este proceso original la identidad cultural, que es a su vez parte de la sociedad en el que el individuo-arte adquiere un papel protagónico.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

1.4.1. Función social del arte El medio existen dos posiciones acerca de la función social del arte. Para los artistas y los intelectuales de izquierda que se formaron en los años 60 y en los inicios del 70, es su función debía consistir en transmitir un mensaje ideológico revolucionario que sirviera para la transformación política de la sociedad. La otra posición es la de los intelectuales y artistas conservadores que estiman que la función social del arte debe ser la de educar al público en los valores supremos del arte realizado sin ninguna finalidad política. Por el contrario creo que no tiene razón y los jóvenes de izquierda, ni los viejos conservadores. Se considera que la función social del arte no se puede acostarte en la comunicación de un mensaje político, ni tampoco en la transmisión de los valores intrínsecos de la obra de arte como belleza pura. (Lasose, 2006) Tanto la expresión artística asimila éstos contextos sociales, realidades humanas y las refleja; de modo que no se debe defender una posición unilateral, porque estrecha la libertad creadora, mientras más amplia sea esta libertad, la función social del arte expresa con más integridad. Las obras de los artistas estarán más cargadas de conflictos personales y sus contradicciones con la realidad humana-social en toda su dimensión con recursos que ofrece el lenguaje artístico. De esta forma el arte asume el rol de identificación de un entorno y su desarrollo, como esta hace parte del proceso del artista al crear su línea de interpretación, sea esta auditiva, corporal o visual como el mural.

1.5. Mural La pintura mural es algo que estén en función de, es decir no constituye una obra de arte sí misma, aislada e independiente de otras obras, siendo una obra aplicada a otra: a un muro que forma parte de una habitación sea dentro o fuera y éste pertenece a una identificación. Se la considera como un medio de transmisión sociocultural, como una forma de expresión y comunicación con él que se logra impactar visualmente. De este modo la pintura mural debe estar ideada, proyectada y ejecutada en razón del lugar al que va destinado, por lo tanto dice florero “la pintura mural debe tener en cuenta los siguientes factores:

La entidad, institución, empresa, grupo o personas para quien va ser destinado el mural. Aparte los colores y enseres existentes en las paredes.

El tamaño y la situación del mural.

La cantidad y dirección de luz. En relación con el lugar y el tamaño del mural.

La calidad de la luz, según sea natural o artificial.

Material.

Conceptualización de la obra y ejecución”

2. METODOLOGÍA El proceso para desarrollar el actual proyecto fue la utilización de la investigación bibliográfica con en el fin de recabar información sustancial, la observación del entorno social dentro y fuera de la UTN, la participación como ente social en actividades del entorno tiene el propósito de vincularse al problema planteado, profundizando en el modo de actuar de un cotidiano social como la Universidad y de esta forma obtener información directa al estar en contacto con el lugar.

3. RESULTADOS La propuesta Mural, dentro del contexto cotidiano Universitario, identifica una serie de elementos propios de la cotidianidad. El ser humano es distinto y tiene diferencias marcadas que lo vuelven único e irrepetible, pero esas diferencias ha hecho que el modo de enunciar por medio del arte sea como la sociedad misma, una ruptura en el ambiente, a veces abrupta y otras con más sigilo. Cada uno con sus modos de actuar y defenderse en un entorno necesario de convivencia. Los resultados que se esperan con la aplicación de la propuesta son:

Académico.- Ayudará a poner en práctica lo aprendido en el transcurso universitario y el diario convivir con otros individuos.

Creativo.- Poner en evidencia la capacidad artística y creativa presente en la Institución.

Trascendencia e impacto.- como genera el arte una ruptura al cotidiano y esta nos enseña que el arte es dinámico, educativo y trasciende en el tiempo hasta convertirse en un archivo con carga histórica.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES En el objetivo general que se planteaba en la investigación se incluía la de promover la identidad y la cultura que presenta la UTN, cuales son sus diferencias y sus similitudes pero sobre todo cómo transformar un entorno como el auditorio Agustín Cueva y éste adquiera un cambio significativo en la infraestructura externa por medio de la intervención pictórica y ésta sea una equivalencia entre arte, sociedad-Universidad. Muchos puntos pueden ser tocados para discutir cuando se habla sobre Identidad y Cultura ya que los actores sociales(individual y colectiva) tienden a defender una posturas como: La ideológica, la creencia, los factores tanto internos como externos, el modo de expresarse y actuar ante un hecho visible o espiritual: el modo de actuar de una sociedad no se limita y siempre tiende a cambiar según la circunstancia sea premeditado u obligado. Por lo tanto la identidad, cultura y pensamiento de la sociedad dentro UTN es un ente versátil, es una simbiosis de individuos distintos que conviven en un entorno y lo hacen un lugar donde las emociones humanas están a flor de piel con el sistema educativo y profesionalización.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Trabajos citados

Lasose, D. (2006). vetasdigitales. (H. S. Ricart, Productor) Recuperado el 20 de diciembre de 2010, de vetasdigitales: http://vetasdigital.blogspot.com/2006/07/el-arte-yla- sociedad-entrevista.html

fuente, J. A. (2005). Identidad y formas de lo ecuatoriano (Vol. vol 1). (J. Valdano, Ed.) Quito, Pichincha, ecuador: Eskeletra .

Gálvez, J. M. (s.f.). Serbal.es. (J. M. Gálvez, Ed.) Recuperado el 5 de noviembre de 2019, de Serbal.es: http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/hurtado28.pdf

Hermida, C. (17 de septiembre de 2016). el teléfrago. Obtenido de eltelégrafo: https:// www.eltelegrafo.com.ec/noticias/columnistas/15/la-cultura-entre-elarte- y-la-vida-cotidiana

Norte, U. T. (s.f.). utn.edu.ec. Obtenido de utn.edu.ec: https://www.utn.edu.ec/web/uniportal/

Unesco. (2 de noviembre de 2001). Portalunesco. Obtenido de Portalunesco: http://portal. unesco.org/es/ev.php-URL_ID=13179&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html

Echeverria,B. (2010). Definición de la Cultura (Vol.1). México, México: Ítaca.

5 La identidad cultural y la influencia en el diseño gráfico

Nelson Abraham Erazo Tambi Universidad Técnica del Norte Virna Isabel Acosta Paredes Universidad Técnica del Norte Nelly Patricia Acosta Ortiz Universidad Técnica del Norte

Abstract: Graphic design is considered as an aesthetic and useful tool, which has been influenced by countless universes of cultures. Nowadays in a globalised world graphic design becomes the mirror of a society whose needs and lacks are seen through solutions presented by a mercantilist design, whose origins are the reflection of a vulnerable cultural identity. The objective of this research is the study of cultural identity and its influence in graphic design. The methodology applied in this research is qualitative based on bibliographical analysis of academic proposals of intellectual connoisseurs of visual communication and audio-visual culture. This work aims to generate reflexion processes on a pragmatic schedule based on the study of academic works to show a sensitive graphic design practice under our cultural responsibility as a way to look for our origins, being original and competitive at a local, regional and world level. This analysis opens the doors to new experiences of critical nature, as cultural identity transforms ideas of creating an innovative design, because it is impossible to understand logic and processes from material objects, visual communications and most spheres of influence related to design, these perspectives take us to academic fields that in the future will allow the creation of new transdisciplinary paths, as a graphic designer is a professional in continuous learning. Keywords: Cultural Identity, graphic design, influence.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

La identidad cultural y la influencia en el diseño gráfico Cultural identity and its influence in graphic design

Nelson Abraham Erazo Tambi Universidad Técnica del Norte naerazot@utn.edu.ec Virna Isabel Acosta Paredes Universidad Técnica del Norte viacosta@utn.edu.ec Nelly Patricia Acosta Ortiz Universidad Técnica del Norte npacosta@utn.edu.ec

Resumen: El diseño gráfico considerado como una herramienta de estética y funcionalidad, se ha influenciado de un universo infinito de varias culturas, en la actualidad nos mantenemos en un mundo globalizado donde el diseño se convierte en el espejo de una sociedad cuyas necesidades y carencias son percibidas por las soluciones presentadas mediante el diseño mercantilista, cuyo origen es el vivo reflejo de la carencia cultural de una vulnerable identidad. El objetivo de esta investigación como factor común es el estudio de la identidad cultural y la influencia en el diseño gráfico. La metodología usada para este trabajo es de carácter cualitativa de análisis bibliográfico en base a propuestas académicas de conocedores intelectuales sobre la comunicación visual y la cultura audiovisual relacionado con el arte. Esta búsqueda pretende generar procesos de reflexión sobre un itinerario pragmático, basado en la lectura de trabajos científicos, que como resultado nos muestra una práctica sensible del diseño gráfico dentro de nuestra responsabilidad cultural como una manera de buscar nuestros orígenes, ser originales y competitivos a nivel local, regional y mundial. Este análisis abre las puertas en la búsqueda de nuevas experiencias de carácter crítico, una identidad cultural transforma la idea de concebir un diseño innovador, de tal manera que es imposible entender lógicas y procesos que derivan de objetos materiales, comunicaciones visuales y todo lo que es denominado diseño, siendo perspectivas que nos llevan a campos de estudio que a futuro nos permitirán trazar nuevas rutas transdisciplinarias, el diseñador gráfico es un profesional inmerso en un aprendizaje continuo.

Palabras clave: Identidad cultural, diseño gráfico, influencia.

1. MARCO TEÓRICO La necesidad innata del ser humano de comunicar, crear, buscar confort y marcar huella, hace que una parte fundamental del mismo sea diseñar así buscando soluciones a los problemas que le aquejan en la vida diaria, desde expresar una emoción, transmitir un mensaje, vender un producto, comodidad, innovar en su estilo, renovar su imagen y así muchas otras. Puede decirse que diseñar es ante todo un acto que implica composición de partes en función de algo. Estas partes pueden ser creadas según la función o seleccionadas según la posibilidad existente para esa función. El diseño es inevitable en la acción del hombre. Constantemente estructuramos, planeamos (BELTRÁN, Félix, 1970).

En un mundo en constante desarrollo el diseño es algo clave para que algo sea distintivo y pueda ser llamado original para así destacar de entre el resto, alrededor del planeta puede existir una misma problemática pero no en todos los lugares se puede aplicar la misma solución, es ahí también donde el diseño se debe adecuar en tanto a cultura y tradición se trata, pero no todo es adecuación también el diseño puede beneficiarse de estas al crear nuevos diseños basándose en una cultura y así dándola a conocer al mundo de una manera impactante e innovadora a la vez.

1.1. Diseño gráfico No se sabe a ciencia cierta cuando nace el diseño gráfico puesto que algunos lo consideran desde las pinturas rupestres que se encontraban en las cavernas, otros desde la creación de la imprenta, unos desde la época industrial, lo que se puede afirmar es que hubieron muchos aportes de diferentes personajes uno de ellos Henri Toulouse-Lautrec quien realizó lo que es calificado como el primera trabajo publicitario al realizar un cartel para un evento, con la llegada del siglo XX aparece una gran ola de diseñadores entre ellos destacaría Art Nouveau quien creó al diseño gráfico como método de expresión y de comunicación de nuevas ideas. Una herramienta útil al momento de transmitir un mensaje a veces de unas formas directas y otras indirectas dependiendo el caso en el que se aplique, está en constante desarrollo desde la manual, lo mecánico y ahora lo automático, así adaptándose a dónde y cómo se lo va aplicar. Proyectar la forma significa coordinar, integrar y articular todos aquellos factores que, de una manera o de otra, participan en el proceso constitutivo de la forma de un producto, se alude a los factores relativos al uso, fruición y consumo individual o social del producto (factores funcionales, simbólicos o culturales, como a los que se refieren a su producción (factores técnico-económicos, técnico-constructivos, técnico-distributivos (SIMONDON, Gilbert, 1958).

La cultura en el diseño gráfico ha influido en el momento de buscar nuevas ideas para renovar en el mercado y este se ha valido de las variedades culturales que existen tomando algo esencial de cada una y viendo cómo sacarle el mejor provecho a la misma de manera apropiada.

1.2. Cultura Según E. B. Tylor (Grimson 2008), la cultura es el conjunto de valores, costumbres, creencias y prácticas, que tienen en común una agrupación de personas, estas mismas van pasando de generación en generación así manteniéndose y siendo un estilo de vida para quienes forman

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

parte, estas llegan a ser civilizaciones cuando comparten intereses en común lo que hace que puedan llegar a convivir. La cultura o civilización, en sentido etnográfico amplio, es ese todo complejo que incluye el conocimiento, las creencias, el arte, la moral, el derecho, las costumbres y cualesquiera otros hábitos y capacidades adquiridos por el hombre en cuanto miembro de una sociedad (E. B. Tylor, 1871).

Así también Adam Kuper (2001), genera un relato interesante sobre lo que es cultura así poniendo como ejemplo Alemania que veía en la civilización algo externo, racional, universal y progresista y a la cultura la veía como algo tradicional local y de territorio, pero con el tiempo a mediados del siglo XX este concepto fue cambiando hasta llegar al punto de tomar en cuenta que la cultura va enfocada en lo humanista, intelectual y espiritual de una persona que junto con esto incluía intereses colectivos de su pueblo con quienes convive. La cultura es algo vivo, compuesta tanto por elementos heredados del pasado como por influencias exteriores adoptadas y novedades inventadas localmente. La cultura tiene funciones sociales. Una de ellas es proporcionar una estimación de sí mismo, condición indispensable para cualquier desarrollo, sea este personal o colectivo” (Verhelst, 1994: 42).

Una cultura también puede ser creada puesto que como se mencionó antes si un grupo de personas comparten una misma ideología y esta es acogida por más individuos va a ir creciendo y fortaleciéndose hasta llegar a ser reconocida como una cultura, por esta razón existen un sin número de variedades culturales, pero toda ellas manteniendo algo que se llama identidad cultural.

1.3. Identidad cultural El concepto de identidad cultural se basa en como el individuo se ve perteneciente a su comunidad los rasgos que comparten las ideas y pensamientos, la identidad no es totalmente colectiva sino también es particular es propia del sujeto como él se siente al formar parte de algo que es lo que lo hace sentirse incluido así sea influenciado por el exterior él sabe a dónde cree pertenecer. La identidad cultural de un pueblo viene definida históricamente a través de múltiples aspectos en los que se plasma su cultura, como la lengua, instrumento de comunicación entre los miembros de una comunidad, las relaciones sociales, ritos y ceremonias propias, o los comportamientos colectivos, esto es, los sistemas de valores y creencias (...) Un rasgo propio de estos elementos de identidad cultural es su carácter inmaterial y anónimo, pues son producto de la colectividad (González Varas, 2000: 43).

No existiría identidad sin haber una historia detrás que haga reconocer el pasado y saber sobre los simbolismos y referentes por los cuales está guiada su cultura, reconocer por qué son parte de esa sociedad.

1.4. La identidad cultural y el diseño gráfico El diseño como una forma de transmisión, muestra las fortalezas y atributos culturales, se vuelve un promotor de identidad cultural, por esto mediante la misma se puede dar un gran desarrollo en el diseño para luego ser aplicado en diferentes sectores económicos ya sean textiles,

publicitarios, entretenimiento multimedia y otros. En el sector textil la identidad cultural ha aportado un sin número de diseños los cuales han sido acogidos desde los lugares más recónditos de esa cultura hasta llegar aparecer en las pasarelas de reconocidas marcas, un ejemplo puede ser los trajes típicos de diferentes culturas que son replicados y difundidos por el mundo. En publicidad la identidad cultural ha influido mucho en la creación de tipografías los estilos para crear afiches, carteles, volantes dándole mayor dinamismo para generar nuevas propuestas. Cuando se habla de entretenimiento multimedia la identidad cultural ha jugado un papel muy importante tanto en la industria de videojuegos como en la del cine, al referirnos a videojuegos se han desarrollado juegos como Assassin Creed el cual habla de temáticas culturales y la historia de varios sucesos mundiales en diferentes épocas, en la industria del cine el gran referente a tomar en cuenta es Disney al dar a conocer en sus películas las diferentes tradiciones y costumbres de las culturas en tan solo un film, un gran ejemplo es la película recientemente estrenada llamada Coco en la cual muestran la cultura mexicana en su tradicional día de muertos con su trama nos va mostrando lo que se realiza en esa cultura.

2. METODOLOGÍA La metodología utilizada para esta investigación fue una recopilación bibliográfica de diferentes autores y sus conceptos, en la cual se buscó referencias acorde a la cultura, identidad cultural y diseño gráfico, los conceptos encontrados no fueron tan aislados y eso hizo que la investigación pueda ser resumida y un tanto concreta. Al consultar a los diferentes autores la información que proveían no era tan aislada asi que se pudo recolectar la información necesaria para no extendernos muchos sobre el tema y ser más específicos a lo que se quería realizar.

3. RESULTADOS Las tablas y gráficos serán incluidos en el texto, numeradas en arábigo y con título en la parte superior y fuente en la inferior; ambos en Calibri, cuerpo 11, centrado. Tabla 1: Ejemplo de comunicaciones presentadas al 5º Culturarte por países y áreas de trabajo

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES La cultura y la identidad cultural son factores influyentes en el diseño gráfico puesto que el diseño se sirve de estos para poder seguir aprendiendo y evolucionando, al igual que en el hombre esta; diseñar también esta tener una identidad cultural lo que hace que el diseño gráfico se vea estrechamente relacionado al momento de querer crear o innovar en algún ámbito del diseño. En un mundo en constante crecimiento y con la aparición de nuevos grupos culturales los cuales el diseñador debe estudiarlos y mantenerse en constante contacto con los mismos para poder reinventarse a sí mismo y con ello reinventar la manera de diseñar, como se mencionó

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

antes el diseñador debe estar en constante aprendizaje sobre todo lo que lo rodea y más si su grupo específico son las personas, es un punto clave mantenerse informado sobre que culturas están en tendencia cuales desaparecen y cuantas están apareciendo.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

González Miranda, C. (2015). El diseño como soporte de la identidad en la Cultura Clásica Contemporánea. España: Universidad de Malaga.

Molano Olga Lucía l. (S. F.). Identidad cultural un concepto que evoluciona.

Serrano Cordero, C. (2011). Diseño y sociedad. Ecuador: Universidad del Azuay.

Melenje Argote, A. (S. F.). Itinerario: Diseño Gráfico, Cultura Visual e identidades locales.

Barrera Luna, R. (2013). El concepto de la Cultura: definiciones, debates y usos sociales. Revista de Claseshistoria.

Eagleton, T. (2000). La idea de cultura. Paidós, Barcelona.

Fornas, J. (1995). Cultural and late modernity. Londres.

Oltra, B. (1995). Cultura y tiempo. Aguaclara, Madrid.

Dr. Beltrán Concepción, F. (2018). Reflexiones sobre el diseño en la actualidad. San Luis de Potosi, Mexico.

Aloña Fernandez, L. (S. F.). La historia del diseño gráfico, memoria visual de una época.

Carmen García Rotger, Julio Rucabado Yong, Isabel Hidalgo Valencia, Martín Razuri Hora. El Diseño Gráfico y su vinculación con la identidad, la herencia cultural y la producción artesanal de comunidades originarias del Perú y México, de http://investigacion.pucp.edu.pe/ grupos/dei/publicacion/el-diseno-grafico-y-su-vinculacion-con-la-identidad-la-herencia-cultural-y-la-produccion-artesanal-de-comunidades-originarias-del-peru-y-mexico/

Hernández, L. (2011). ¿Qué significa diseñar con identidad cultural?, de http://loestrategico.com/2011/07/%C2%BFque-significa-disenar-con-identidad-cultural/

6 Innovación y Design Thinking en los emprendimientos textiles

Emilio Hernán Iza Arcos Universidad Técnica del Norte MSc. David Valenzuela Universidad Técnica del Norte

Abstract: This research is about the role of innovation in entrepreneurship in the textile sector, taking as a case study some textile startups from the Quito City. The concept of Innovation has always been present in the development of societies, in some cases there is a perception that only focuses on the technological and avant-garde field, but innovation “depends above all on the imaginative spirit of people and teams, and the creative, renewed and constant attitude of the people “(Franc Ponti, 2008, page 17). Lederman believes that “Successful entrepreneurs are individuals who transform ideas into profitable initiatives” (Daniel Lederman, 2014, page 8). To this end, there are several methodologies that focus their results towards innovation, Design Thinking is one of them, it is a multidisciplinary methodology that seeks solutions focused on people through direct observation of their preferences and needs. The results of this study reveal that in the participating enterprises of the design fair “La Carishina” of the city of Quito from the year 2016 - 2017 there are products that have been developed with innovative characteristics, either in their function, use of materials, Packaging or graphic design. Based on the results shown in textile enterprises, there is an approach towards incremental innovation, reflected in the added values that make them stand out in the market, however it is not a significant amount to mark a differentiating contrast with radical innovation.

Keywords: Design Thinking, Innovation, Entrepreneurship, Design, Product.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Innovación y Design Thinking en los emprendimientos textiles Innovation and Design Thinking in textile Startups

Emilio Hernán Iza Arcos Universidad Técnica del Norte emizar11@outlook.com MSc. David Valenzuela Universidad Técnica del Norte fdvalenzuela@utn.edu.ec

Resumen: Esta investigación aborda el papel que tiene la innovación en el emprendimiento del sector textil, tomando como caso de estudio emprendimientos textiles de la ciudad de Quito. El concepto de Innovación ha estado siempre presente en el desarrollo de las sociedades, en algunas ocasiones se tiene la percepción que solo se enfoca en el campo tecnológico y vanguardista, pero la innovación “depende sobre todo del espíritu imaginativo de personas y equipos, y de la actitud creativa, renovada y constante de la gente.” (Franc Ponti, 2008, pág. 17). Lederman considera que “Los emprendedores de éxito son individuos que transforman ideas en iniciativas rentables” (Daniel Lederman, 2014, pág. 8). Para este fin, existen diversas metodologías que enfocan sus resultados hacia la innovación, el Design Thinking es una de ellas, es una metodología multidisciplinar que busca soluciones centradas en las personas mediante la observación directa de las preferencias y necesidades de las mismas. Los resultados de este estudio revelan que en los emprendimientos participantes de la feria de diseño “La Carishina” de la ciudad de Quito del año 2016 - 2017 existen productos que se han desarrollado con características innovadoras, ya sea en su función, uso de materiales, empaque o diseño gráfico. En base a los resultados obtenidos se revela que en los emprendimientos textiles existe un acercamiento hacia la innovación incremental, reflejado en los valores agregados que los hacen destacar entre el mercado, sin embargo no es una cantidad significativa para marcar un contraste diferenciador con la innovación radical, la misma que refleja un bajo porcentaje de aplicación.

Palabras clave: Design Thinking, Innovación, Emprendimiento, diseño, producto

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Innovación En los emprendimientos ecuatorianos cada vez es más frecuente que se emplee el término innovación en alguno de sus procesos internos o externos. Según la RAE innovar consiste en alterar algo introduciendo novedades, esta práctica puede ser contextualizada en diversos campos, como por ejemplo: el área tecnológica, automotriz, social, ambiental y la que se estudia en este trabajo, el área textil. El poder de elección del consumidor ha incrementado abismalmente, gracias a la tecnología, lo que le da al mercado un valor competitivo en términos de innovación y valores agregados. De la misma manera los emprendedores pueden optar por emplear procesos metodológicos internacionales que extiendan la innovación en sus emprendimientos. Debido a la capacidad económica de los emprendimientos o también conocidos como PYMES, se vuelven especialistas en las actividades que desarrollan, esto les da libertad en cuestión de experimentación y realización de prototipos, siempre y cuando el emprendedor tenga una necesidad de caminar hacia la innovación. En algunas ocasiones se cree que la financiación es una limitante para desarrollar proyectos de innovación, sin embargo “La innovación implica la utilización de un nuevo conocimiento o un nuevo uso o una combinación de conocimientos existentes” (OCDE y Eurostat, 2006, pág. 44). Es decir la innovación también tiene que ver con la implementación de metodologías que desarrollan innovación.

1.1.1. Innovación de producto “Corresponde con la introducción de un bien o de un servicio nuevo, o significativamente mejorado, en cuanto a sus características o en cuanto al uso al que se destina.” (OCDE y Eurostat, 2006, pág. 58). De esta manera se otorga un valor agregado diferencial al producto y complementariamente a la marca que lo desarrolla. En este proceso de desarrollo pueden intervenir herramientas tecnológicas o el uso de conocimientos o una combinación de ambos, pueden existir mejoras que mantengan a un producto preexistente en el mercado o a su vez agregar mejoras significativas que posicionen al producto rápidamente en el mercado.

1.1.2. Innovación de proceso Consiste en la implementación de un proceso sustancialmente nuevo o mejorado en un proceso de producción, desarrollo o distribución de la empresa; con la misión de generar rentabilidad y eficiencia reduciendo costes innecesarios para mejorar la calidad del producto o servicio. Las metodologías de desarrollo y producción pueden incluir nuevas tecnologías, nuevos sistemas informáticos, nuevos métodos de producción y nuevos conceptos metodológicos que impulsen la innovación como es el Design Thinking.

1.1.3. Innovación de organización

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Las buenas prácticas organizacionales llegan a ser innovadoras cuando se efectúan nuevos métodos organizativos, que mejoran la calidad interna y externa del trabajo. Estas nuevas metodologías se caracterizan por ser totalmente nuevas para la empresa, es decir, no se han implementado anteriormente.

1.1.4. Innovación disruptiva La innovación disruptiva existe cuando los productos o servicios poseen atributos totalmente diferentes, o su función y desempeño cubre una necesidad poco o nada cubierta anteriormente en un segmento de mercado. “Casi toda innovación –disruptiva o no- comienza siendo un experimento a pequeña escala.” (Rory McDonald, 2017). Esta experimentación ha sido visible en algunos emprendimientos de la ciudad de Quito.

1.1.5. Innovación incremental La innovación incremental se produce “cuando se crea un valor sobre un producto que ya existe, añadiéndole nuevas mejoras.” (Retos Directivos , 2014). Es decir existen ciertas características mejoradas o alteradas, puede ser respecto a su imagen, apariencia estética, mejora de su funcionamiento, o ciertos valores implementados que aumenten su eficiencia. En algunos casos se le denomina como innovación de apoyo o sostenible, por su objetivo de mantener constantes cambios que se adapten a un mercado con necesidades exigentes y recurrentes.

1.2. Design Thinking Cada vez es más frecuente usar el término Design Thinking, que traducido al español significa, el pensamiento del diseño, que se trata de un pensamiento centrado en la observación directa del usuario, de la conducta del ser humano frente a los ya preexistentes productos o servicios en el mercado. Manuel Serrano O. afirma que “El pensamiento del diseño consiste en pensar como diseñador. Los diseñadores pueden transformar la manera de desarrollar productos, servicios, procesos y cualquier estrategia de la empresa” (Ortega, 2015, pág. 17). Así es como ha evolucionado el papel del diseñador frente a los nuevos retos del mercado cambiante. El rol del diseñador tiene un amplio campo de acción sin embargo desde el 2005 el concepto de Design Thinking ha ido tomando fuerza, uno de los precursores de esta metodología es Tim Brown, director general de IDEO, una firma internacional de diseño y consultoría de innovación. Brown hace énfasis sobre la sensibilidad y métodos de los diseñadores para encontrar el vínculo entre las necesidades de las personas con lo que es realizable tecnológicamente y factible en términos de rentabilidad para tener mayor oportunidad en el mercado con un bien o producto con valor agregado. Ahora, sin embargo, en vez de pedir a los diseñadores que conviertan una idea ya desarrollada en una más atractiva para los consumidores, las empresas les están pidiendo que creen ideas que satisfagan mejor los deseos y las necesidades de los consumidores. El primer papel es táctico y genera una creación limitada de valor. El segundo es estratégico y conduce a enormes formas nuevas de valor. (Brown, 2008, pág. 4)

Conjuntamente con la evolución del mercado, el rol del diseñador también ha evolucionado,

el proceso de diseño históricamente se lo ha colocado en el último paso de la cadena de producción, como menciona Brown anteriormente, los diseñadores convertían una idea ya preconcebida por la empresa en una idea que sea encantadora visualmente, para lo cual se necesita una destreza técnica y conceptual del manejo de imagen y software especializado; sin embargo ahora los diseñadores también pueden ser parte de la concepción de la idea, de los métodos de producción, de la generación de mejoras de los productos o servicios que la empresa desarrolla. El Design Thinking puede ayudar a explorar más ideas en menor tiempo que el que se estaba acostumbrado anteriormente, no solo los profesionales que surgen de las academias de diseño tienen la aptitud para ser un Design Thinker (Pensador de Diseño), existen profesionales de otras áreas que tienen una aptitud natural para este pensamiento. A continuación se enlistan ciertas características que identifican a los pensadores de diseño: La empatía es una aptitud imprescindible por el hecho que se piensa desde una perspectiva que coloca primero a la gente, además de que es una característica de una persona que posee inteligencia emocional desarrollada, pues tiene habilidades sociales que le permite sentir las necesidades de las personas que le rodean, por ende una visión detallista, humanista e innovadora son cualidades de un pensador del diseño. Experimentalismo, ya que las innovaciones radicales no precisamente surgen de mejoras o adaptaciones, los pensadores del diseño exploran y juegan con los limites, buscando alternativas creativas que conlleven a un ciclo de experimentación que muchas veces es infinito para encontrar resultados totalmente nuevos y originales. El pensamiento integrador es necesario para no solo centrarse en procesos sistemáticos y analíticos que centralizan o minimizan las opciones de exploración. En la resolución de problemas se integran varias clases de metodologías, experimentaciones, incluso hasta técnicas creativas que consisten en divagar; la flexibilidad para poder condensar todo tipo de ideologías al momento de concebir una idea o mejora es otra característica importante en el perfil. Optimismo es la capacidad de resiliencia, en el ámbito empresarial, aunque parezcan existir limitaciones para la resolución de un problema, siempre se deben considerar alternativas propositivas que conduzcan al equipo de trabajo hacia una mejor aptitud y actitud laboral y conjuntamente personal. La colaboración es una aptitud que se ha desarrollado con intensidad en los últimos años, desplazando el ideal del creativo que busca inspiración en la soledad, ahora los mejores pensadores deben estar aptos para trabajar en equipos conformados por diversas profesiones y especialistas, incluso al país han ido llegando las tendencias extranjeras de los centros de trabajo denominado como “Coworking” cuyo fin es ser un punto de encuentro y trabajo donde cualquier persona puede acudir y desarrollar sus proyecto en conjunto. La inteligencia emocional es considerada uno de las aptitudes mayor valoradas en todos los perfiles profesionales, no solo en el área de creatividad e innovación, en el mundo empresarial se ha convertido en una herramienta funcional para comprender y estudiar la productividad laboral de las personas, ya que permite identificar cualidades de liderazgo, empatía, habilidad de comunicación, las mismas que vuelven más atractivo el perfil del profesional contratado. El control de las emociones propias y poder comprender las emociones de los demás encaja perfectamente con la filosofía del Design Thinking, por lo que esta aptitud es considerada las más relevante en un profesional de la creatividad e innovación.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

1.3. Emprendimiento El término emprendimiento en los últimos años ha tenido gran relevancia, debido a la necesidad de superar los constantes y crecientes problemas económicos; agregando el factor tecnológico nos da otra pauta de porque está en auge los emprendimientos, los medios digitales como Facebook, Instagram, Twitter, plataformas de comercio electrónico, plataformas de difusión de contenido y blogs, hacen que sea más fácil lanzar un producto y captar clientes rápidamente, gracias a la inmediatez y reducción significativa de costos de difusión y promoción en estos medios. El emprendimiento también es conocido como PYME, pequeña y mediana empresa, pues es la etapa inicial del proyecto de una empresa, etapa en la cual se busca un modelo de negocio rentable y una idea de negocio original. Más allá de la estabilidad económica y la independencia laboral, los emprendimientos son caldo de cultivo de innovación y creatividad. En la ciudad de Quito se han observado marcas de productos o servicios creadas y fundadas por diseñadores que buscan independencia laboral y conjuntamente tienen una visión por caminar hacia la innovación, pues es el factor que los puede catapultar rápidamente en el mercado y ser objeto de análisis de inversionistas.

2. METODOLOGÍA En este trabajo investigativo se empleó la observación directa como método de recolección de datos, es el método que nos permite explorar directamente los resultados finales, en este caso los productos de los emprendimientos estudiados. Para sistematizar la información recolectada de la observación se empleó como instrumento de investigación una ficha de observación con variables en la categoría de innovación. Para seleccionar los objetos de estudio se empleó la técnica de muestreo aleatorios simple, ya que se emplea “cuando en el conjunto de una población cualquiera de los sujetos tiene la variable o variables objeto de la medición” (Bernal, 2016)

2.1. Población y muestra Como población se estudió a los emprendimientos que participaron en “La Carishina Feria de diseño Independiente” en los años 2015-2016, segmentado los emprendimientos textiles como objeto de estudio. Se tomó esta feria de la ciudad de Quito debido a que “Para seleccionar a los participantes la organización tiene en cuenta: Las propuestas más innovadoras, originales y creativas. Marcas con producción propia. Trayectoria del Diseñador/Marca. Imagen de marca. Presencia en redes sociales.” (Carishina, 2018). Obteniendo un total de 13 marcas de emprendimientos relacionadas con el área textil, seleccionadas mediante el muestreo aleatorio simple.

3. RESULTADOS En base a los datos obtenidos se han realizado los siguientes gráficos.

Tipo de Innovación Gráfico 1: Porcentaje de aplicación de los tipos de innovación en los emprendimientos 100%

92%

90%

Tipo de Innovación

80% 100%

92%

70% 90% 60% 80%

54%

50% 70%

40% 60%

46%

54%

30% 50%

40% 20%

30% 10% 20% 0%

Innovación radical

Innovación incremental

54%

92% Innovación radical

46% Innovación incremental

54%

10%

0% NO

46%

92%Fuente: Elaboración propia

46%

Fuente: Fuente:Elaboración Elaboraciónpropia propia Gráfico 2: Porcentaje de aplicación de los tipos de innovación en los emprendimientos Gráfico 2: Porcentaje de aplicación de los tipos de innovación en los emprendimientos Gráfico 2: Porcentaje de aplicación de los tipos de innovación en los emprendimientos

Valores agregados 90% 70% 90%

69%

60% 80%

54%

40% 60%

54%

50% 70% 30% 50%

77%

46%

20% 0%

62%

69%

46%

20% 40% 30% 10%

77%

Valores agregados

80%

62%

38%

31% 23%

38%

31% 23%

Diseño gráfico

Función

Empaque

Material

54%

31%

23%

62%

NO SI

Diseño gráfico 46% 54%

Función 69% 31%

Empaque 77% 23%

Material 38% 62%

46%

10%

69% 77% Fuente: Elaboración propia Fuente: Elaboración propia

Fuente: Elaboración propia

38%

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Los resultados encontrados en este trabajo investigativo revelan que un 8% de las marcas han aplicado innovación radical sus productos relacionados con el área textil, mientras que un 54% por ciento de las marcas han desarrollado innovación incremental. Esto nos revela que no solo a nivel generalizado, la industria textil tiene un déficit de innovación, como lo afirma el reporte del Banco Mundial realizado en Ecuador en el 2017, donde puntúa la industria textil con un 2.4% de factor innovación (Tabla 1), a pesar de que ocupa el primer lugar en la posición de industrias priorizadas. Lo que destaca en los emprendimientos estudiados es la implementación de valores agregados en sus productos, liderando el valor agregado en el material con un 62%, seguido del valor agregado en el diseño gráfico con un 54%, un 31% en el valor agregado de la función y finalizando con un 23% del valor agregado en el empaque. Estos emprendimientos textiles están dentro del segmento de marcas generadas y lideradas por diseñadores jóvenes de la ciudad de Quito, sin embargo carecen de innovación radical, pero han desarrollado sus productos con innovación incremental reflejada en los valores agregados. Si bien es cierto, los emprendimientos tienen mayor libertad y flexibilidad de generar productos o prototipos con innovación radical, en la ciudad de Quito aún no se refleja este valor, ni en las grandes industrias ni en las pequeñas y medianas empresas. Se concluye que son escasos los resultados de aplicaciones de nuevas metodologías como el Design Thinking, que direcciona los productos a desarrollar innovación disruptiva, más aun si existe un acercamiento a la experimentación e incrementación de mejoras significativas en los productos. Tabla 1: Ranking de las industrias priorizadas en Ecuador

Tabla 1: Ranking de las industrias priorizadas en Ecuador

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Bernal, C. A. (2016). Metodología de la Investigación. Bogotá.

Brown, T. (2008). Harvard Business Review.

Carishina, F. l. (2018). Feria La Carishina Diseño independiente. Obtenido de https://www. lacarishinaferia.com

Daniel Lederman, J. M. (2014). El Emprendimiento en América Latina. World Bank.

Franc Ponti, X. F. (2008). Pasión por Innovar. Bogotá: Norma.

OCDE y Eurostat. (2006). Manual de Oslo . Grupo Tragsa.

Ortega, M. S. (2015). Design Thinking , Lidera el presente crea el Futuro.

Retos Directivos . (12 de octubre de 2014). EAE Business School . Obtenido de https:// retos-directivos.eae.es/innovacion-incremental-vs-innovacion-radical-ventajas-e-inconvenientes/

Rory McDonald, M. E. (03 de marzo de 2017). Harvard Business Review . Obtenido de https://hbr.es/innovaci-n-disruptiva/443/qu-es-la-innovaci-n-disruptiva

7 La representación de la mujer en la producción artística y artesanal religiosa contemporánea de San Antonio de Ibarra

Bebsy Estefanía Solórzano A. Universidad Técnica del Norte Gonzalo Vinicio Echeverría Armas Universidad Técnica del Norte

Abstract: Women have been represented in art since prehistory. Iconology and iconography as methods of analysis have allowed us to study the evolution of the subject and understand how from different paradigms such as social, cultural and religious, women have always been stereotyped. For these reasons, the indispensable need arises regarding the study about artistic and artisanal productions. The main objective in this paper is the analysis of the treatment about the role of women in the sculptural production in the parish of San Antonio de Ibarra. Starting from the hermeneutic-dialectical methodology, to define not only the conceptual transcendence of the presence of the Virgin Mary, but also the stereotypes that have been created around the females. Propose as the main result of this research the creation of plastic work, being this also assumed from the experimentation. It also raises a comparison of the representations, assuming in this way the visual, aesthetic and symbolic characteristics and the narratives that are formed around them, through artistic practice to make a reinterpretation of icons in the current woman.

Keywords: Symbol, woman, representations, archetypes, art, religion.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

La representación de la mujer en la producción artística y artesanal religiosa contemporánea de San Antonio de Ibarra The depiction of women in the contemporary artistic and craft-religious production of San Antonio de Ibarra

Bebsy Estefanía Solórzano Anchundia Universidad Técnica del Norte bebsy3010@hotmail.com Gonzalo Vinicio Echeverría Armas Universidad Técnica del Norte gvecheverria@utn.edu.ec

Resumen: La mujer ha sido representada en el arte desde la prehistoria. La iconología e iconografía como métodos de análisis han permitido estudiar la evolución del tema y comprender como desde los paradigmas sociales, culturales y religiosos se ha estereotipado a la mujer. Es por estas razones que surge la necesidad indispensable del estudio de las producciones artísticas y artesanales en este sentido. La presente ponencia tiene como objetivo principal el análisis del tratamiento del papel de la mujer en la producción escultórica de la parroquia de San Antonio de Ibarra. Partiendo desde la metodología hermenéutica-dialéctica, para definir no tan solo la trascendencia conceptual de la presencia de la Virgen María, si no de los estereotipos que se han creado en torno a las féminas. Proponiendo como resultado principal de la investigación la creación de obra plástica, siendo esta última también asumida desde la experimentación. También plantea la comparación de las representaciones asumiendo de esta forma las características y las narrativas visuales, estéticas y simbólicas que se forman en torno a ellas, para por medio de la práctica artística hacer una reinterpretación de los iconos de la mujer actual.

Palabras clave: Símbolo, mujer, representaciones, arquetipos, arte, religión.

1. MARCO TEÓRICO La representación de la mujer dentro del arte ha sido uno de los temas más recurrentes desde tiempos prehistóricos en donde las primeras poblaciones realizaron trabajos con respecto a la figura de la mujer, relacionadas con la fertilidad. En primer lugar, “la llamada Venus de Lespuge (hacia 27.000-16. 000 a. C.), la Venus de Willendorf (hacia el 24.000-22.000 a. C.) y la Venus de Laussel (hacia el 22.000 a. C)” (Mayor, T, 2011), de igual manera en Ecuador la Venus de Valdivia (hacia el 2300 a.C), considerada por muchos investigadores como parte de las estéticas y cultos, debido a que se exaltan pechos y cadera. En este sentido es necesario recalcar que dentro del campo artístico la mujer ya por siglos ha participado como musa inspiradora, por ejemplo en la cultura griega se describe a las musas desde la mitología como nueve hermanas hijas de Zeus, quienes tienen cada una relación con un arte diferente que son representadas como jóvenes adolescentes de belleza clásica que se encargan de estimular la creación artística. (García, A, 2010) Es así como al pasar una mirada rápida desde la prehistoria hasta el tiempo actual, la representación de la mujer siempre estuvo presente dentro de las artes plásticas, ya sea en la antigua Grecia o en los tiempos del renacimiento, como en otros periodos históricos estas se encuentran en temas muy consecuentes, como en la venus y la madona que se la considera significantes de la belleza en diferentes contextos. Llegando a ser incluso considerado como uno de los géneros pictóricos más común, así como (…) en la tradición de la pintura occidental, en el cual el desnudo (el cuerpo objeto de la representación) ha sido esencialmente femenino, construido para una mirada masculina en efecto las cualidades del cuerpo desnudo femenino están dispuestas para complacer una mirada sexual masculina, destacando los supuestos atributos de la feminidad convencional: la disposición sexual, la pasividad, la dulzura y la serenidad (Almonacid, M, 2012)

De esta manera se comprende al cuerpo femenino como parte de una mirada única y masculina, desde una sociedad en la cual la mujer no opina directamente sobre su cuerpo, además donde es excluida la mujer creadora, la mujer que no hace parte del arte mucho más allá que siendo musa. También hay que considerar que la mujer siempre se ha encontrado presente dentro de las representaciones sociales, ciertamente la imagen en torno a la mujer ha evolucionado y ha sido concebida desde los ámbitos socioculturales, ideológicos y económicos de la colectividad donde esta se desarrolla. Sirva de ejemplo el uso de la mujer en la publicidad o la televisión donde la mujer es utilizada de una manera sexista, para atraer a un público estratégicamente masculino con fines económicos. Consecuentemente al referirnos a Ecuador y localmente a Imbabura, hay que tomar en cuenta su construcción social, histórica y cultural, partiendo desde un pasado histórico donde la mujer fue adorada por las culturas, siendo un miembro activo de la sociedad antes de la colonia, posteriormente con los procesos de colonización y por la apropiación de elementos extranjeros, se introduce a la mujer como un ser de hogar, madre, esposa y cristiana, así con la república la mujer no cambia mucho, pero actualmente ya la mujer ocupa otros puestos socio-culturales, es así como se forma la ideología de la zona. Entre estos la religión católica impuesta en la colonia como adoctrinamiento, inserto una ideología en torno a la mujer la cual a través de los años ha evolucionado y ha sufrido mixturas. Por otra parte, cabe aclarar que las representaciones son construcciones simbólicas que imputan una seria de rasgos a la conducta objetiva y subjetiva de las personas. “Así, las ideas acerca

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

de lo que deben ser hombres y mujeres en una sociedad, se produce a través del proceso de constitución del orden simbólico.” (Lamas, M, 1986). Dentro la religión católica encontramos sinnúmero de construcciones simbólicas de la mujer, donde se ha construido a maneras de arquetipo representaciones de mujeres, marcando un puesto de la mujer en esta sociedad. Ya que dentro del contexto imbabureño San Antonio de Ibarra es reconocida como el centro de apogeo del arte y la artesanía, en especial religiosa. Consecuentemente, sobresale la pregunta ¿Cuáles son las características de las representaciones de la mujer la producción artística y artesanal religiosa contemporánea de San Antonio de Ibarra?, por motivo de que como se ha visto antes las representaciones de la mujer se encuentran presentes en toda expresión social y artística., considerando también la función del arte y artesanía en esta zona con respecto a las representaciones de la mujer y las dialécticas que se emplean, y como estas responden al contexto actual. Dentro del campo artístico además de las diferentes técnicas, ya por años se han desarrollado simbologías en torno a todos los elementos representados en las obras de arte. Es así como el arte no se lo debe de ver como algo meramente representativo de una realidad inquebrantable, ya que las representaciones dispuestas en las obras son parte de una narrativa con fines políticos, sociales, ideológicos que cumplen como una función de lo que se quiere dar a conocer. A causa de lo antes mencionado es la historia del arte u otras ramas como la sociología, antropología las que se ha encargado de estudiar estas narrativas encajándolo dentro de un periodo de tiempo, un estilo, una grupo humano a las que pertenecen las obras de artes. Por lo tanto las obras son parte de una construcción social y cultural donde cada elemento dispuesto juega un rol dentro de ellas, es así como las representaciones de la mujer dentro de las obras de artes marcan dentro del tiempo y espacio una significación y un arquetipo que se manejan en torno a ella. Por ende ya desde la antigüedad la iglesia católica ha representado e idealizado a la mujer por medio de la literatura y de las artes plásticas, es así como a través de los años se han formado múltiples representaciones e interpretaciones de la mujer. Patricia Castiñeyra en el IX Congreso Virtual sobre Historia de las Mujeres menciona que dentro de la pintura religiosa del siglo XVI español un fenómeno de repetición de ciertos arquetipos dentro de los cuales la mujer hace el papel de virgen, mártir o mujer fatal, donde por medio de las narrativas se asigna una posición dentro de la sociedad.(s.f) De modo similar dentro del arte religioso que se desarrolla en San Antonio de Ibarra debe de contener símbolos y una narrativa que formen la imagen de mujer y su posición dentro de la sociedad de acuerdo al tiempo en que se está desarrollando. De modo que el poder estudiar las obras y las sinonimias que se desarrollan en torno a estas es un aspecto que impulsa la investigación. Ya en torno a la representación de la mujer se han realizado varios estudios desde los campos de la sociología y la historia del arte. Por ejemplo ya en Quito, Adriana Pacheco Bustillos realiza análisis en torno a la cultura Mariana de la sociedad quiteña y ecuatoriana enfatizándose en los significados gráficos de ciertos elementos, más en este caso intenta relacionar estos significados a la conquista.(s.f) Por lo tanto con respecto a las anteriores investigaciones relacionadas a mi tema, esta investigación se enfatiza en el estudio compositivo y gestual en la representación de la mujer en el

arte religioso, además a diferencia de otros estudios este tiene como objeto de estudio obras que pertenecen a una época actual, en una zona cuyo arte se desarrolla en su mayoría con la temática religiosa, por lo que este lugar se vuelve un referente estratégico para entender cómo se desarrolla la imagen como mujer en una sociedad religiosa. Ya que el enfoque de la investigación recae a términos y expresiones artísticas ahí que aclarar que en (…) algunas definiciones de arte destacan su cualidad evocativa. Desde el punto de vista de la persona que lo crea, el arte expresa sentimientos e ideas; desde el punto de vista del observador o del participante, evoca sentimientos e ideas. Los sentimientos e ideas de cada una de las partes pueden o no ser exactamente los mismos. Y pueden ser expresados en variedad de formas: dibujos, pintura, grabados, danzas, cuentos, etc. Un trabajo o actuación artística intenta excitar los sentidos, provocar la emoción del observador o del participante. Puede originar sentimientos de placer, temor, repulsión o miedo, pero generalmente no indiferencia. (Aponte, M, 2016)

Por esta razón el estudio de las representaciones podrá ayudar a la formación de la obra final que tratara de reunir mis propias narrativas visuales, técnicas y conceptos de la imagen de la mujer, tomando como prioridad la reflexión de la representación de la mujer por medio de formas artísticas que se desarrollan tanto en la zona de San Antonio como las propias.

2. METODOLOGÍA Al hablar de la investigación dentro del campo artístico, especialmente en la creación-investigación teniendo en cuenta que la metodología a utilizar es netamente cualitativa, por motivo del enfoque de la investigación recae a términos y expresiones artísticas, por ende “el investigador en este contexto debe partir de paradigmas cosmovisivos y expresa nuevas formas de relacionarse con la investigación fuera del método científico.” (Valladares, M, 2012) Haciendo uso de la metodología hermenéutica-dialéctica la cual me permitirá la interpretación de las producciones artísticas y artesanales desde la iconología y la iconografía, apoyándose del método analítico-sintético con la cual se pretende dividir a las obras en sus partes para poder interpretar sus significados individuales y comprender como se construyen las narrativas visuales a través de la síntesis de estas. Basándose también en la recopilación de información por medio de referentes bibliográficos principalmente libros, revistas digitales, páginas web, artículos científicos y tesis. La cual ayudará a aclarar y fundamentar conceptos y terminologías a utilizar como sustento de la propuesta, desde las nociones artísticas y de otros campos de estudio como son la antropología de género y la sociología. Para la recopilación de datos a analizar también se diseñarán herramientas que ayuden a la obtención y clasificación de estos, entre estas se utilizará fichas de observación de las obras que contengan datos primordiales para la investigación. Por otro lado la entrevista ayudará a comprender algunas variables de la investigación como son el contenido icónico y simbólicos, la relación con el creador y la obra, la composición, la estructura, etc; en relación al contexto social de ellas. A lo que respecta a la creación de la propuesta plástica, se acudirá a la exploración artística por

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

medio de bosquejos, notas y experimentos técnicos de acción sobre la materia, que se desarrollará junto a la exploración conceptual e investigativas. Que buscará crear narrativas contra posicionadas a las que se desarrollan actualmente en la zona. Todo lo anterior con relación a la búsqueda de la interpretación y representación de la mujer actual.

3. RESULTADOS

Dentro de las principales características dentro de la producción artística y artesanal de San Antonio de Ibarra, se han evaluado las principales características físicas como los rasgos y toDentro de las principales características dentro de la producción artística y artesanal de nalidades de piel; en donde predomina los rasgos eurocéntricos y las características delicadas san Antonio de Ibarra, se han evaluado las principales características físicas como los que se rasgos encuentran en referentes como grabados alemanes y las muñecas francesas. y tonalidades de piel; enlos donde predomina los rasgos eurocéntricos y lasDentro de las gestuales las principales son la posición y la gestualidad de las manos y la mirada; características delicadas que se encuentran en referentes como los grabados alemanes y principalmente las manos en las representaciones de mujeres con la posición de las manos las muñecas francesas. Dentro de las gestuales las principales son la posición y la se clasificando en mártires, vírgenes las santas; denotando las sumisión, inquietud, dolor o exaltagestualidad de las manos y lay mirada; principalmente manos en las representaciones ción. Dentro de loscon simbólicos encontramos se identifican con la santas; iconología de mujeres la posición de las manoscaracterísticas se clasificando que en mártires, vírgenes y las e iconografía; dentro de estas se pueden el Dentro tipo dede imagen y se clasifican el origen denotando sumisión, inquietud, doloridentificar o exaltación. los simbólicos encontramos de la representación; principalmente por medio de símbolos, composición y colores. características que se identifican con la iconología e iconografía; dentro de estas se pueden identificar el tipo de imagen y se clasifican el origen de la representación; principalmente por medio de símbolos, composición y colores.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES

El proyecto aunque se encuentra en la primera etapa de investigación, actualmente ya 4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES está dando puntos claves para la interpretación de la imagen de la mujer.

Las representaciones de la mujer en el arte religioso, es icónico para entender como des• perspectiva El proyecto religiosa aunque sese encuentra en laaprimera etapa de investigación, actualmente de una estereotipa la mujer. ya está dando puntos claves para la interpretación de la imagen de la mujer.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

• Las representaciones de la mujer en el arte religioso, es icónico para entender Almonacid, M. desde (2012).una Diálogos entre arte y feminismo, Laacrítica de arte feminista como como perspectiva religiosa se estereotipa la mujer. herramienta didáctica. Bogotá, Colombia: Universidad Nacional de Colombia. Recupera el 15 de noviembre del 2018 de http://bdigital.unal.edu.co/11507/1/04489207.2012.pdf. 5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Aponte, M. (2016). Función social del arte. Aporte de la obra de la artista Doris Salcedo

al proceso de justicia transicional en Colombia, en Revista Científica General José María Córdova, Vol. 14 nº 17, pp. 85-127. Recuperado el 18 de noviembre del 2018 de http://www. scielo.org.co/pdf/recig/v14n17/v14n17a05.pdf

Breilh. J. (1999). La inequidad y la perspectiva de los sin poder: construcción de lo social y del género. EN Viveros Vigoya, Mara; Cuerpo, diferencias y desigualdades, pp. 130-141. Bogotá, CO: Centro de Estudios Sociales

Carr. S. (2003). Diccionario de arte a partir de sus símbolos: Clave ilustrada para la pintura y escultura occidentales. México: Grupo Editorial Tomo, S.A.

Castiñeyra, P. (s.f). El imaginario femenino y su representación en la pintura religiosa del siglo XVI español: una aproximación al estudio de la posible influencia del pensamiento erasmista. Recuperado de https://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/6202367.pdf

Kennedy. M. (2002). Arte de la Real Audiencia de Quito, siglos XVII-XIX. Madrid: Nerea.

Lamas, M. (1986). La antropología feminista y la categoría de género, en Nueva antropología, Vol VIII n° 30, pp.173-198. Recuperado el 13 de noviembre del 2018 de file:///C:/ Users/Betsy/Downloads/Dialnet-LaImagenDeLaMujerEnLaPrehistoriaYEnLaProtohistoria-5145599.pdf

Larrea, M. (1980). Movimiento femenino.Quito, Ecuador: FLACSO

Mayor, T. (2011). La imagen de la mujer en la Prehistoria y en la Protohistoria, en Claseshistoria nº 236, pp. 2. Recuperado el 14 de noviembre del 2018 de file:///C:/Users/Betsy/ Downloads/Dialnet-LaImagenDeLaMujerEnLaPrehistoriaYEnLaProtohistoria-5145599. pdf

Pacheco, A. (s.f). La virgen apocalíptica en la real audiencia de quito: aproximación a un estudio iconográfico. Recuperado de https://www.upo.es/depa/webdhuma/areas/arte/ 3cb/documentos/40f.pdf

Querejazu. P y Villegas.T. (2003). Joaquín Castañon: vírgenes y santos EN Gisbert, Teresa, coor.; Pintura boliviana del siglo XIX (1825-1925), pp. 99-104. La Paz, Bolivia: Fundación Cultural del Banco Central de BoliviaMuseo Nacional de Arte

Ralls. K. (2008). María Magdalena: Sus secretos revelados. USA: Evergreen

Revilla. F.(1990). Diccionario de iconografía. Madrid, España: Ediciones Cátedra, S.A.

Rodríguez, H. (2008). El gran libro del desnudo en la pintura ecuatoriana del siglo XX. Quito, Ecuador: Ecuasanitas.

Schultz. E.(2000). Vírgenes y madres entre cielo y tierra: las cristianas en la primera Edad Moderna. Madrid, España: Taurus

Silva. E. (2005). Contexto histórico y conceptos políticos feministas. EN Silva Charvet, Erika, ed. ; Identidad y ciudadanía de las mujeres: la experiencia de cinco proyectos auspiciados por el Fondo para la Igualdad de Género - Ecuador, pp. 11-54

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Terrón. H.(2005). La religiosidad del indígena andino y el culto a las Vírgenes. EN Coronel-Molina, Serafín M., ed. ; Lenguas e identidades en los Andes: perspectivas ideológicas y culturales, pp. 335-354. Quito, Ecuador: Abya-Yala.

Valladares, M. (2012). La investigación en el proceso de la creación artística: una aproximación desde la danza, en Revista científica Tercio creciente, Vol. 1 n° 2, pp 1-4. Recuperado el 29 de noviembre del 2018 de http://www.terciocreciente.com/index.php/revista-n-2/ la-investigacion-en-el-proceso-de-la-creacion-artistica-una-aproximacion-desde-la-danza

Vila. P. (2003). Las mujeres antes de la conquista EN Tovar Rojas, Patricia, ed.; Familia, género y antropología: desafíos y transformaciones, pp. 300-347. Bogotá, Colombia: Instituto Colombiano de Antropología e Historia.

8 La Música en la Educación

Verónica Liseth Bernal Barahona Universidad Técnica del Norte Nancy Lizeth Males Cushcagua Universidad Técnica del Norte

Abstract: Music as a method of teaching mathematics in children in basic education. This is a proposal made with the purpose of making known the benefits of applying this art, in conjunction with mathematics for better performance. In addition, music not only benefits in the academic part, or specifically in mathematics, but that by applying music in children’s daily lives we can notice changes, in their way of expressing themselves, adapt quickly to the environment, take new habits , and infinity of benefits that can be shown in the process. To carry out a more detailed analysis, it can be demonstrated in several studies carried out by important institutions and one of them was carried out in the students Practicum I and CEIP San Fernando, located in the capital, in Santa Cruz de Tenerife, specifically in the Duggi neighborhood, where they have seen the need to apply this proposal to education as a simpler and less monotonous means for basic education students. In bibliographical research, it is important to mention that most of the articles reviewed emphasize the importance of music within the educational field, especially in this subject of mathematics, since the union of these results in favorable results for the students. children of basic education, it is also important to mention that with the application of these new methodologies we will put aside traditional education, projecting us to a more dynamic and innovative education.

Keywords: Education, music, developing, innovation.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

La Música en la Educación Music in education

Verónica Liseth Bernal Barahona Universidad Técnica del Norte vlbernalb@utn.edu.ec Nancy Lizeth Males Cushcagua Universidad Técnica del Norte nlmalesc@utn.edu.ec

Resumen: La música como método de enseñanza de la materia de matemáticas en niños de educación básica. Esta es una propuesta realiza con el propósito de dar a conocer los beneficios que conlleva aplicar esta materia artística, en conjunto con las matemáticas para un mejor desempeño. Además, la música no solo beneficia en la parte académica, o específicamente en las matemáticas, si no que al aplicar la música en la vida cotidiana de los niños podemos notar cambios, en su forma de expresarse, adaptarse rápidamente al medio, tomar nuevos hábitos, e infinidad de beneficios que se pueden ir mostrando en el proceso. Para realizar un análisis más detallado, se puede demostrar en varios estudios realizados por instituciones importantes y una de ellas fue realizada en el alumnado Practicum I y CEIP San Fernando, ubicado en la capital, en Santa Cruz de Tenerife, concretamente en el barrio Duggi, donde se han visto la necesidad de aplicar esta propuesta a la educación como un medio más sencillo y menos monótono para los estudiantes de educación básica. En la investigación bibliográfica, es importante mencionar que la mayoría de los artículos revisados hacen énfasis en la importancia de la música dentro del ámbito educativo, especialmente en esta asignatura de las matemáticas, ya que con la unión de estas mismas se obtiene resultados favorables para los niños de educación básica, además es importante mencionar que con la aplicación de estas nuevas metodologías dejaremos a un lado la educación tradicional, proyectándonos así a una educación más dinámica e innovadora.

Palabras clave: Educación, música, desarrollo, habilidades, innovación.

1. MARCO TEÓRICO La música como método de enseñanza de la materia de las matemáticas en niños de educación básica. La educación deber ser reconocida como una necesidad que tenemos todos los seres humanos, además la educación se ha ido transmitiendo a lo largo de la historia formando nuevas visiones ante la sociedad. A largo del tiempo varios estudios han definido la utilidad de la música en la enseñanza de niños de educación básica, ya que se ha visto cambios positivos en su desarrollo; para la creación de este método se ha necesitado la participación de las diversas ciencias como lo es la pedagogía, y las ramas que estas despenden de ella, además no es simplemente la educación que toma parte en esto, también está muy inmersa las artes, en este caso las que se complementan con la música como las artes escénicas, danza teatro, estas son las más conocidas en este ámbito. En palabras del autor de la teoría de las inteligencias múltiples, Gardner (2003), afirma que la música de Mozart ha sido de gran ayuda para los investigadores de neurología, ya que con su ayuda se pudo comprobar que es un buen estimulante para desarrollar el hemisferio izquierdo del cerebro y activar ciertas capacidades y desarrollar mejor su expresión corporal, además en los estudios realizados se ha visto que aquellos que han puesto en práctica el efecto Mozart en sus niños, notaron durante su crecimiento una mejor capacidad de razonamiento ante situaciones y de inteligencia tanto en el ámbito estudiantil como en sus hogares. Justamente cuando perciben ritmos musicales en sus primeras etapas de desarrollo en el vientre de la madre activan estas capacidades del cerebro, que ha comparación de los demás tienden a desarrollar mejor su sistema cognitivo. La música esta conforma de tres partes fundamentales que es el ritmo, melodía, armonía y para desarrollar esto en los estudiantes son muy importantes los instrumentos de percusión que también ayudar en desarrollar capacidades motrices en los alumnos, permitiéndoles realizar creaciones musicales (Oviedo, 2010). Las matemáticas es una de las materias con más dificultad de comprensión en los niños de educación básica y junto con la educación tradicional que ha sido mal aplicada en las aulas de clase, comprender esta materia se vuelve cada vez más complejo de aprender y mucho menos aplicarla en la vida diaria, por ese motivo esta investigación está enfocada para un desarrollo óptimo de los niños, sobre todo cuando inician sus labores escolares. Según Ceular (2007), las actividades musicales a estas edades deben ser activas e intuitivas, colectivas (aunque también se pueden incluir individuales), globales (de tal manera que atiendan a todos los aspectos del desarrollo infantil), presentarlas de forma llamativa, creativa y motivadoras, siendo actividades con funcionalidad y significativas para los niños/as, y estando contextualizadas en todo momento con lo que se esté trabajando. Estas actividades musicales deben estar seleccionadas teniendo en cuenta las características y peculiaridades del grupo-clase y que responda a sus intereses (p.p1, 12).

Además, pretende dar a conocer que los niños pueden aprender esta asignatura sin demasiadas dificultades y de forma más dinámica y activa, así poder cambiar la manera tradicional de enseñanza de esta materia y por ende desarrollar mejor las capacidades de los niños. La música tiene muchos factores positivos “Así pues son numerosos los aspectos positivos que provoca la música en el desarrollo integral del niño/a, y es por ello que es importante integrarlas en las aulas de educación infantil como medio de desarrollo de éste” (Molina, 2014, p.10).

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Obtener datos precisos sobre la enseñanza de las matemáticas aplicando la música y en qué grado brinda beneficios a los niños tanto en sus capacidades motrices y lingüísticas para ello realizaremos la aplicación de una encuesta la misma que nos ayudará a obtener datos más concretos sobre el tema. La investigación realizada esta encaminada, a la aplicación de nuevas metodologías en el área de las matemáticas, de forma más dinámica, dejando a un lado la educación tradicional que se imparte en las instituciones educativas actualmente. La implantación de las nuevas metodologías servirá para despertar el interés por las matemáticas, ya que, por su grado de complejidad existe un rechazo por los estudiantes, como beneficio tendremos el mejoramiento en las capacidades de razonamiento y comprensión. Restablecer la relación que existe entre las Matemáticas y la Música, nace de la búsqueda de poner en práctica las cualidades más significativas de ambas áreas. Esta relación puede ser de gran ayuda para el alumnado, ya que se da un enfoque didáctico y lúdico a la enseñanza–aprendizaje de las Matemáticas, también pone en evidencia los beneficios de trabajar las áreas de manera interdisciplinar. Este proyecto se propone acercar las Matemáticas y la Música al alumnado a través de las herramientas que nos proponen las nuevas tecnologías.

2. METODOLOGÍA Para esta investigación tomamos como referencia artículos bibliográficos para conocer investigaciones ya existentes de forma sistemática de un tema de la aplicación de la música en las matemáticas y aclarar los beneficios que se logra obtener con su aplicación en la vida estudiantil. Es factible aplicar esta propuesta en niños de una determinada edad, ya que se ha comprobado en estudios realizados que tienen mayor capacidad de asimilación y comprensión, donde se desarrollan sus capacidades motrices, y según los estudios más famosos de Piaget (18961980) el desarrollo cognitivo en la etapa pre operacional afirma que, la etapa pre operacional comienza desde los 2 a los 7 años cuando se ha comprendido la permanencia de objeto y esto sucede conforme van creciendo y al mismo tiempo su intelecto. En esta etapa van desenvolviéndose más, conociendo más sobre el medio que los rodea y por esta razón van aprendiendo especialmente sobre el uso de la palabra y la expresión oral, va desarrollando su imaginación y aprende a visualizar las cosas y recordarlos como imágenes mentales, además el niño en esta etapa tiene la creencia de que todos son completamente iguales a ellos o que ven el mundo de la misma manera que ellos lo están viviendo (Piaget, 1896-1980). Además, en esta etapa importa mucho el entendimiento de la cantidad, ya que en ella se entiende que la cantidad no cambia cuando la forma se modifica, esto es debido a que se centran en sólo un aspecto del objeto, por ejemplo, la altura, sin tener en cuenta otros aspectos como la anchura (Piaget, 1896-1980). Otro descubrimiento en esta etapa es que son capaces de realizar operaciones con más nivel de complejidad, como resolver problemas de forma inversa, un ejemplo dado por Piaget (18961980) es, “Si yo tengo un número de canicas en una caja y al añadir 3 obtengo 7 canicas ¿cuántas tenía inicialmente?”. Investigamos sobre cómo funciona la enseñanza de las matemáticas en combinación con la música, y como está siendo aplicada en la actualidad en los niños de educación básica, se realizó un estudio en la situación actual del:

100 Alumnado en el Prácticum I (general), el docente en prácticas recuerda que parte del alumnado no sigue el ritmo normal de clase, le suponía un gran esfuerzo concentrarse con algunas unidades didácticas como la de “Las fracciones” por medio de una metodología de explicación/ escucha y una posterior 5 puesta en práctica con ejercicios para casa (Reyes Sánchez, 2016, p. 7).

En el CEIP San Fernando, mientras que su finalización se desarrollará en un futuro en este mismo lugar ubicado en la capital, en Santa Cruz de Tenerife, concretamente en el barrio Duggi (Reyes Sánchez, 2016, p. 7). Así se pudo constatar que la aplicación de la música en esta materia es completamente fundamental y necesaria para un mejor desarrollo de sus capacidades tanto de razonamiento como de destrezas memorísticas. Los expertos afirman que la música es un estimulante para el buen aprendizaje no solo en las matemáticas sino en todas las ramas de la educación, como da a conocer Carrión (2011) en su investigación realizada en la Universitat de València Estudi General que dice lo siguiente: Los alumnos de primaria reciben clases de Música y de Matemáticas desde el primer curso. Esto significa que, mucho antes de saber que existen las potencias del 2 o las fracciones, en las clases de música están manejando de forma inconsciente estos conceptos y algunas reglas muy elementales de su aritmética. Por ejemplo, las figuras con las que se escriben las notas musicales guardan entre sí una relación que viene dada por potencias de 2 (Carrión, 2011, p. 108).

Estos son algunos de los musicólogos más renombrados que han realizado composiciones bastante famosas que han dejado en claro que la música está íntimamente ligada a las matemáticas desde siempre y afirmaron lo siguiente: Bach como es popularmente conocido, cuyo nombre es Juan Sebastián, compuso el clave bien temperado, que consiste en 24 piezas en las doce tonalidades, usando el modo mayor y menor de cada una de ellas, demostrando de esta manera las posibilidades de modulación creadas por una afinación igual (Reyes Sánchez, 2016, p. 6).

Es la investigación realizada por Reyes Sánchez (2016) nos muestra que, uno de los músicos más reconocidos del mundo cuyas obras han ayudado para realizar estudios en beneficio a las nuevas generaciones, “W.A. Mozart creó en varias sonatas para piano la proporción entre el desarrollo del tema y su introducción es la más cercana posible a la razón áurea (p. 6). Este autor es un claro ejemplo de que la matemática y la música están unidas desde el principio de la historia, “Lannis Xenakis, arquitecto, matemático y compositor, pensamos que la obra de este autor está repleta de conceptos matemáticos al plano musical. Una de sus composiciones más conocidas es Metástasis (1954)” (Reyes Sánchez, 2016, p. 7).

Instrumentos Para la elaboración de este artículo de investigación fue necesario indagar en los artículos científicos, los cuales ayudaron a aclarar el tema propuesto, dando a conocer la importancia de esta y aportando los beneficios que se podrían obtener con los mismos.

3. RESULTADOS Los resultados que hemos podido asimilar luego de realizar la investigación son de alto grado de interés para los educadores, ya que al practicar la inter relación entre la música y las ma-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

101

temáticas los beneficios que se obtienen son muy gratificantes dentro del ámbito académico y además ayuda directamente al mejoramiento de la personalidad de los estudiantes. En las instituciones donde ya se ejecutó esta práctica los resultados son muy satisfactorios. Esta metodología debería ser considerada como una de las mejores formas de enseñar la materia de matemáticas a los más pequeños en el inicio de su vida estudiantil.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Para concluir nuestra investigación bibliográfica, es importante mencionar que la mayoría de los artículos revisados hacen énfasis en la importancia de la música dentro del ámbito educativo, especialmente en esta asignatura de las matemáticas, ya que con la unión de estas mismas se obtiene resultados favorables para los niños de educación básica, además es importante mencionar que con la aplicación de estas nuevas metodologías dejaremos a un lado la educación tradicional, proyectándonos así a una educación más dinámica e innovadora.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Ceular, M.T. (2009):” Educación musical en Infantil”, en Innovación y experiencias educativas, nº 15, p.p1-12.

Carrión, V.L. (2011):” Música y matemáticas en educación primaria”, en Sumat 66- Musymáticas, N°66, p.p. 107-112.

García Molina, M. T. (2014):” La importancia de la música para el desarrollo integral en la etapa de infantil”, en Grado de educación infantil, N°1, p. 10.

Piaget, Jean (1896-1980):” Etapa preoperacional”, en Etapas del desarrollo cognitivo según Piaget, N°1, p. 1.

Sánchez, G.M. (2016):” Las matemáticas y música”, en Trabajo de fin de grado de maestro en educación primaria, N°1, p.p.5-26.

9 Desarrollo de habilidades a través de la danza de los niños del primer año del paralelo básico “A” de la Unidad Educativa “Víctor Manuel Guzmán” Ambiente 2

Evelyn Lizeth Carlosama C. Universidad Técnica del Norte Marilyn Gissell Erazo Hernández Universidad Técnica del Norte

Abstract: The objective of this research is to allow children to improve their creative abilities by expressing their feelings and emotions, channeling the tensions they have at that moment. Dance works as an essential component for education because it helps students acquire a non-verbal language, thus encouraging group work, autonomy and originality. Through the deductive analysis, an interview was conducted where it was identified that the dance should be included in the curriculum to benefit the physical and motor capacity of the infants. To verify this information, we rely on theoretical foundations. It was concluded that the dance used as a learning methodology, is extremely important for the cognitive and affective development of the students, this can be verified by the practice of this artistic manifestation in the classes that should be taught by a trained instructor. that the boy or girl can develop all their skills and improve their academic performance correctly, in addition the different techniques and methods that dance has are essential and encourage a good learning because of this the dance must be implemented in the curriculum to plan the class of each student in order to obtain a quality educational system.

Keywords: Experimentation, Pedagogy, Dance, Education, Skills.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

105

Desarrollo de habilidades a través de la danza de los niños del primer año del paralelo básico “A” de la Unidad Educativa “Víctor Manuel Guzmán” Ambiente 2 Development of skills through dance the children of the first year of the basic parallel “A” of the Educational Unit “Víctor Manuel Guzmán” +Environment 2

Evelyn Lizeth Carlosama Cabascango Universidad Técnica del Norte elcarlosamac@utn.edu.ec Marilyn Gissell Erazo Hernández Universidad Técnica del Norte mgerazoh@utn.edu.ec

Resumen: El objetivo de esta investigación es permitir que los niños/as mejoren sus capacidades creativas mediante la expresión de sus sentimientos y emociones, canalizando las tensiones que tienen en ese momento. La danza funciona como un componente esencial para la educación porque ayuda a que los estudiantes adquieran un lenguaje no verbal, de esta forma fomentando el trabajo en grupo, la autonomía y la originalidad. Mediante el análisis deductivo, se realizó una entrevista donde se identificó que la danza debe ser incluida en la malla curricular para beneficiar la capacidad física y motriz de los infantes. Para comprobar esta información, nos basamos en fundamentos teóricos. Se llegó a la conclusión que la danza utilizada como metodología de aprendizaje, es sumamente importante para el desarrollo cognitivo y afectivo de los estudiantes, esto se puede comprobar mediante la práctica de esta manifestación artística en las clases que deberán ser impartidas por un instructor capacitado para que el niño o niña pueda desarrollar todas sus habilidades y mejore su rendimiento académico correctamente, además las diferentes técnicas y métodos que tiene la danza son esenciales y fomentan un buen aprendizaje por esto la danza debe ser implementada en la malla curricular para planificar la clase de cada estudiante para así obtener un sistema educativo de calidad.

Palabras clave: Experimentación, Pedagogía, Danza, Educación, Habilidades.

106

1. MARCO TEÓRICO Por lo tanto, la danza se la puede definir como aquella manifestación artística que permite expresar sentimientos y emociones a través de movimientos corporales. En los niños y niñas la danza sirve para desarrollar su pensamiento mediante la observación o la experimentación de procesos cognitivos y afectivos. Mediante la expresión corporal se puede canalizar y liberar tensiones, mejora el proceso de comunicación y sociabilización. Entonces, por medio de la danza se puede ver varios beneficios que son necesarios para la formación del ser humano (Rigal, 2006). La danza es un medio excelente y esencial para mejorar y promover las capacidades creativas del niño potencializando así su aprendizaje. Con la danza los estudiantes tienen la libertad de improvisar lo que lleva a un aumento de confianza para que el niño se sienta bien y pueda saber que lo que aporta es valorado. Al fomentar la expresión artística a través del movimiento se puede observar que los alumnos se desenvuelven con calidad en el ámbito educativo de forma general (Morales, 2015). Entonces la educación es un proceso que consiste en el desarrollo de varias características como analizar, sintetizar, evaluar y aplicar la información que se recibe permitiendo al ser humano vivir activamente en una sociedad y que genera cambios mediante la experimentación del aprendizaje para obtener un buen desenvolvimiento en la sociedad. Por otra parte, la educación desde un punto de vista escolar es la forma de ejercer una influencia en el estudiante de acuerdo con ideas o técnicas que sirvan para trasmitir y formar a nuevas generaciones (Valenzuela,2010). La estrecha relación que existe entre la educación y la danza es muy íntima y de suma importancia de manera que la danza aporta en el desarrollo del conocimiento por medio del lenguaje no verbal. Este consiste en la forma de comunicarse a través de sentimientos y emociones además sirve para fomentar la autonomía, es decir, es la facultad de demostrar sus opiniones o criterios desde su punto de vista. También está la parte de integración a partir del trabajo en grupo lo cual ayuda en el ámbito social (Ariadna, 2018). Las 6 habilidades cognitivas que se adquieren a partir de la danza son: Atención Memoria Habilidades descriptivas Habilidades analíticas Habilidades críticas Habilidades creativas La atención se desarrollará porque el niño deberá estar atento a los pasos o movimientos para que de esta forma pueda captar toda esa información y después lo demuestre o lo ejecute (Ariadna, 2016). La memoria se podría mejorar a través de actividades con su determinado espacio y movimiento como por ejemplo una coreografía esto ayudará a que el niño trabaje aún más su memoria. Esta habilidad sirve para que el estudiante mejore su capacidad de aprendizaje (Ariadna, 2016). Las descriptivas: contar y enumerar pasos para meterlos en el tiempo musical correcto. Las analíticas: relacionar los distintos pasos, exponiendo inicialmente uno a uno para después unirlos y formar una coreografía. Las críticas: elegir, discernir las habilidades importantes en el proceso coreográfico. Las creativas: transformar, aplicar, imaginar y cambiar, entre otras que nos pueden ayudar en este proceso. (Ariadna, 2016,).

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

107

Los niños cuando practican la danza en el aula realizan distintas actividades que les permite desarrollar varias habilidades como son las cognitivas que fomentan la autonomía, la toma de decisiones lo que contribuye a tener confianza en sí mismos y desarrollar su creatividad. Por otra parte, está la parte física donde los estudiantes reconoce su cuerpo para trabajar el equilibrio, la fuerza, la flexibilidad, la coordinación, tomar en cuenta el espacio y el tiempo. También con la danza se desarrolla las habilidades comunicativas que son las que permiten que comprendan y conozcan más sobre su entorno social y personal (Ariadna, 2016). Este artículo responde a la siguiente problemática, es decir, se quiso implementar la danza como método de aprendizaje en la malla curricular para que sea impartida por los docentes capacitados en esta asignatura, para así poder observar las habilidades o destrezas que va adquiriendo el estudiante. En Ecuador de acuerdo con la malla curricular que ofrece el Ministerio de Educación se dice que la danza se la toma como una asignatura complementaria y no como una asignatura obligatoria, entonces, la intención es cambiar esta situación con el objetivo de beneficiar a los estudiantes, de forma que el sistema educativo sea de calidad, ya que la danza fomenta la autonomía, mejora las relaciones sociales del alumno y desarrolla sus capacidades y habilidades de forma general.

2. METODOLOGÍA Para la presente investigación se hizo una revisión bibliográfica a través de fuentes secundarias con el fin de obtener información y conocer sobre las habilidades o destrezas que se desarrollan a partir de la danza en la educación. Según el literal b) del artículo 44 del Ministerio de Educación afirma que existen bachilleratos especializados en danza, pero no toda institución tiene este beneficio porque deben acudir a requisitos para sea aceptado y que sea considerado como complementario mas no como obligatorio, entonces con esta investigación se quiere lograr implementar a la danza como asignatura obligatoria beneficiando al estudiante en todos los aspectos, tanto cognitivos como afectivos (Ministerio de Educación, 2017). El Ministerio de Educación señala que la danza cuenta con dos horas a la semana, lo cual no es favorable para los infantes porque son muy pocas horas donde el capacitador no tiene el tiempo adecuado para dar una clase de calidad. Lo ideal sería implementar seis horas en la semana para que los niños interactúen y puedan asimilar esta actividad para que su desenvolvimiento sea eficaz en la parte intelectual y emocional (Ministerio de Educación, 2017).

3. RESULTADOS 4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES A modo de conclusión, se puede decir que esta investigación sirvió para tomar un tema tan importante como el desarrollo motriz de los niños con la implementación de esta, como es el despertar el interés y la creatividad de cada uno de ellos. La creatividad un punto importante en la infancia de cada alumno que se incluye al momento

108

de bailar tanto así que un niño feliz desarrolla fácilmente la coordinación en su cuerpo y de esta forma al realizar ejercicios de calentamiento el alumno puede reconocer las partes de su cuerpo lo cual serviría para tener una buena postura corporal.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Ariadna, M, (2016). La danza como herramienta la integración y el aprendizaje integral del alumnado con necesidades educativas especiales en educación física.Recuperado el 4 de diciembre de 2018 de https://uvadoc.uva.es/bitstream/10324/12902/1/TFG-B.688.pdf.

Morales, I. (2015). La creatividad a través del movimiento y la danza en 4. curso de primaria. Recuperado el 4 de diciembre de 2018 de https://reunir.unir.net/bitstream/handle/123456789/3161/Itxaxo_Morales_Be%C3%B1aran.pdf?sequence=1&isAllowed=y.

Rigal, R. (2006). Educación motriz y educación psicomotriz en preescolar y primaria. LibroBarcelona-España: INO Reproducciones, S.A.

Valenzuela, M (2010). La importancia de la educación en la actualidad. Recuperado el 10 de diciembre de 2018 de http://www.eduinnova.es/monografias2010/sep2010/educacion.pdf.

Gavilanes, C (2018). Ministerio de educaciòn . Recuperado el 15 de diciembre de 2018 de https://educacion.gob.ec/documentos-reorganizacion-territorial/

10 Desarrollo de la apreciación artística en el inconsciente de una persona

Gandhi Ruiz Pulistar Universidad Técnica del Norte Nelly Acosta Ortiz Universidad Técnica del Norte Isabel Acosta Paredes Universidad Técnica del Norte

Abstract: Conveying the wide meaning of a piece of art from the unconscious of an artist to the spectator is enriching, the public can appreciate, understand and expand their mind disciplining their unconscious. Most of the spectators do not have the capacity to clearly interpret pieces of art due to a lack of motivation or sensibility toward this activity, factors that evolve in their individual surroundings. The objective of this work is to generate a space of consideration, on how the unconscious highlights the sensibility of a person at the moment of creating or appreciating a piece of art; applying a bibliographical-descriptive methodology, which stems from psychoanalysis and art praxis. This position has contributed for a specific and direct artistic appreciation, allowing to comprehend the role performed by the unconscious in the artist’s work and its relation with the spectator. This research identifies various sectors of the artistic field represented by: painters, sculptors, architects, dancers, writers, musicians and movie directors that have become social referents, as their proposals heavily highlight their ideas and feelings, creating a culture of thought, where most spectators feel respect and admiration. As a conclusion it can be said that academically speaking there are not bad art interpreters if there is an optimal concept of the artist.

Keywords: appreciation, artistic, unconscious.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

113

Desarrollo de la apreciación artística en el inconsciente de una persona Development of artistic appreciation in the unconscious of a person

Gandhi Ruiz Pulistar Universidad Técnica del Norte geruizp@utn.edu.ec Nelly Acosta Ortiz Universidad Técnica del Norte npacosta@utn.edu.ec Isabel Acosta Paredes Universidad Técnica del Norte viacosta@utn.edu.ec

Resumen: Transmitir el amplio significado de una obra desde el inconsciente de un artista hasta el interior de un espectador es enriquecedor, los públicos observadores pueden apreciar, entender y expandir su mente disciplinando su ser inconsciente. La mayoría de espectadores no tiene la capacidad de interpretación clara de obras artísticas por falta de motivación hacia este ámbito o carencia de sensibilidad que van evolucionando de acuerdo a su entorno individual. El objetivo es generar un espacio de reflexión, acerca de que cómo el inconsciente busca resaltar la sensibilidad de una persona al momento de apreciar o elaborar una obra artística; aplicando la metodología-descriptiva bibliográfica, tomando fuentes del psicoanálisis y de la praxis del arte. Estas posturas han hecho posible que el análisis de la apreciación artística sea específica y directa, permitiendo comprender el rol que cumple el inconsciente en la obra y su relación con el espectador. Esta investigación identifica a varios sectores del campo artístico como: pintores, escultores, arquitectos, bailarines, escritores, músicos y directores de cine; que se han convertido en referentes sociales, debido a que estas propuestas resaltan sus ideas y sentimientos en el sentido amplio de la palabra, creando una cultura de pensamiento, donde la mayoría de espectadores tienen respeto y admiración. Se concluye que en la educación formal no existen malos intérpretes de arte si tenemos un buen concepto del artista.

Palabras clave: Apreciación, artística, inconsciente.

114

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Inconsciente Según estudios del psicoanálisis por Sigmund Freud y Carl Gustav Jung definieron al inconsciente como el estado en el que una persona actúa sin conciencia, es decir que una parte dentro del ser humano nos hace actuar sin previa advertencia, pero según el análisis de Jung, Freud solamente se enfocó en el inconsciente personal que se basa en arquetipos triviales que son producto de influencias exteriores a nuestro desarrollo. Jung en cambio se adentró a lo más oculto dentro de su ser para tratar de resaltar al inconsciente colectivo, desarrollando su teoría en base a simbologías que se presentan en los sueños, ya que en este estado manifiesta el inconsciente colectivo (Jung C. , 1970). El inconsciente colectivo guarda información desconocida que viene a ser el alma de humanidad. “Encierra un saber relevado primario y han expresado en imágenes magnificas los efectos del alma” (Jung C. , 1970). Jung convierte así el contenido de su propia psique en su materia de estudio, sin encorsetarlo previamente en premisas de ninguna especie. Al contrario, permite la manifestación de sus fantasías con total libertad, asumiendo el riesgo que ello implica, puesto que él como psiquiatra sabía muy bien que la vida inconsciente puede anegar por completo a la conciencia, destruyendo al yo y sumiendo al individuo en la tiniebla, de manera irreversible (Jung C. , 1970).

Carl Jung en su trabajo como psicoanalista aplicó este método para tratar a sus pacientes de posibles trastornos psicológicos a través de sus sueños porque conocía el poder del inconsciente en el interior de una persona. La exploración de la vida inconsciente del hombre tiene siempre cierto carácter de enfrentamiento ya que el individuo ha de sumergirse en su propia interioridad y permitir la floración de las fantasías, concediéndoles cierto grado de realidad, ya que en caso contrario sería difícil que se produjera la interacción que es imprescindible en este proceso (Jung C. , 1970).

1.2. Arte El concepto de la palabra arte es una representación visual o sonora que proviene desde el inconsciente de una persona, se muestra como inspiración en un estado de extenuación emocional, mientras que la apreciación artística es saber identificar el sentimiento oculto del autor dentro de esa acción u obra, y dejarnos llevar emocionalmente por su esencia cultural, histórica o de creencias personales (Ríos, 2014). El arte nunca descansa, cada año surgen diferentes pintores, fotógrafos, escultores, ilustradores, actores y escritores que logran sorprendernos con su forma de comunicar y transmitir su mensaje. Ya sea por el impacto causado, su manera de conmover o desafiar al espectador, la controversia que genera su creación o por su gran trabajo de carácter artesanal, van surgiendo artistas que merecen la atención (Mejía, 2016).

1.2.1. Manifestación del arte en el inconsciente La inspiración es la lucidez momentánea del cerebro para encontrar una respuesta o solución

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

115

a algo, o también es lo que lleva a un artista a realizar una obra magnífica; en definitiva, esto lleva a la creación. La inspiración la encontramos en nosotros mismos o en lo que vemos, pero siempre es el resultado de una estimulación emocional o física (JM, 2014). “Más allá de lo religioso o lo esotérico hay otros ámbitos de la acción humana en los que la participación de lo inconsciente se hace imprescindible, especialmente en los campos de la cultura y la ciencia donde se alcanza algún tipo de creación, ya que la matriz desde la que se produce toda creación es el propio inconsciente. Esto está corroborado por gran parte de los estudiosos de la creatividad que han comprobado en numerosas ocasiones cómo surge la idea creadora desde la parte más profunda y oculta de la psique” (Jung C. , 1970).

El arte posee el sentimiento y un fragmento vital del autor al momento de contextualizar su obra. El alma de la obra viene a ser la inspiración que aconteció a realizarla en ese momento e inmortalizarla en el tiempo. La apreciación y la creación artística se desarrollan mediante la sensibilidad de una persona y la única diferencia entre ellas es la habilidad desarrollada individual o colectivamente para su elaboración. La sensibilidad se enriquece mediante el análisis crítico de nuestro entorno y de qué manera nos involucramos en él, pero eso no solo proviene de la naturaleza, sino que al involucrarnos con una o varias personas podemos descubrir nuevos mundos en su interior y aprender de nuestras experiencias de alegría o amargura durante la interacción intrapersonal e interpersonal. Una sociedad en la que el ideal fuese el artista (en lugar del experto o el técnico) sería mucho más rica y creativa y, sin duda, mucho más evolucionada. Sin embargo, no creo posible convertirse en esta clase de artista sin decidirse antes a entablar un diálogo profundo con nuestra intuición (Taboada, 2014).

“Jung plantea constructos nuevos, tales como el de inconsciente colectivo, arquetipos y complejos, que han abierto nuevos campos a la teorización, a la especulación e incluso al arte” (Javier Ardouin, 1998).

1.2.2. Cómo interpretar al inconsciente del artística Para interpretar una obra artística el espectador debe realizar un análisis crítico de las sensaciones que se guardan en esa obra, posicionándose emocionalmente en el interior del artista al momento de realizarla, ya que su obra es producto de la inspiración momentánea inmortalizada en el tiempo. Una obra suele estar cargada de realismo o abstracción, siempre queda guardada una historia que viene a ser el ser inconsciente a flote. Lo que provoca este grado de sensibilidad e imaginación para interpretar o desarrollar una obra se debe al desarrollo individual de cada persona, de la curiosidad de conocerse internamente y externamente; y los límites instalados a su desarrollo por agentes externos, que son los que nos inculcan en nuestra formación intelectual y educativa.

1.2.3. Cómo expresan las artes su alma inconsciente a las personas Todas las formas de expresión artísticas tienen cierta similitud que las caracteriza; es reflejar las emociones en su obra proyectándolas a través de conocimientos teórico-prácticos. La práctica y los conocimientos son lo que le dan a un artista estas cualidades, pero lo que los hace sobresalir de la sociedad catalogándolos de esta manera es la imaginación y creatividad que tienen para romper sus propios esquemas mentales (Vm granmisterio, 2016).

116 Me gusta pensar en el arte como un lenguaje simbólico que nos permite comunicarnos con nuestra intuición. Este enfoque produce una sensación profunda de libertad: la palabra arte propone un espacio que combina el juego y el trabajo; el símbolo abre la puerta a lo inesperado y al misterio; y la intuición apunta hacia la posibilidad de ser guiado internamente. (Taboada, 2014).

En la historia del arte ha habido grandes referentes que se han convertido en iconos de la pintura, escultura, arquitectura, danza, literatura, música y cine; quienes marcaron una época en el desarrollo de la sociedad. Al analizar a las bellas artes, podemos decir que pertenecen a distintas épocas, pero aún mantienen la esencia de reflejar y resaltar sus emociones en la mayoría de sus espectadores, y en sí mismo (Danto, 2010). Las artes tradicionales marcaron distintas épocas con sus grandes exponentes cuyos nombres suenan en la historia por la magnificencia de su trabajo y vida. El arte de la pintura no viene solo a ser la destreza de nuestras manos sino es saber interpretar un concepto a través de una ilustración. “Cuando el espíritu se desvanece aparece la forma” (Bukowski, 1974-1977). “El arte de la pintura es el arte del espacio, de la forma y de los colores. Ha sido creada por el hombre con el fin de plasmar el ritmo y la armonía que rigen el movimiento de todos los seres y de todos los fenómenos del universo” (Ospina, 1944).

A su vez, la escultura pretende evocar una expresión artística en una obra tridimensional, embellece el espacio que la rodea con elegancia y energía evocada de la misma. “Son los hombres quienes crean el espacio donde se mueven, o donde se expresan. Los espacios nacen y mueren como las sociedades, viven y tienen una historia” (Bañuelos, 2016). Las artes han ido evolucionando gracias a artistas que indujeron un estilo que posteriormente se volvieron tendencia. Incluso el arte de la arquitectura posee una historia magnífica, que irradia la esencia vital del lugar al que pertenece y de las personas quienes forman parte de la misma; y principalmente de la persona quien tuvo la capacidad de generar esa obra (Bañuelos, 2016). En la escritura existe el talento de resaltar las emociones de un lector a través de su imaginación. Desde esta forma de entender el arte y la escritura, propongo que todo el mundo alberga un artista en su interior, aunque sea en estado seminal. No obstante, para abrirse a la posibilidad de verse en uno mismo como artista, es preciso romper primero con un mito heredado, que es el de que sólo unos pocos son artistas de verdad. Ésta es una de las resistencias más comunes a la hora de abordar la práctica artística. ya que hemos sido educados para asociar arte y talento (Taboada, 2014).

El mundo de la danza proporciona disciplina, control y autoconocimiento. Contribuyó con un impacto emocional dentro de la sociedad para desarrollar una cultura de reflexión, motivación y carácter. Este tipo de arte al igual que los anteriores es pasional por quienes lo desarrollan, el desplegar este talento genera un cambio colectivo (Masías, 2014). La música es lo único que las personas no ven de forma cínica a comparación con las demás artes, el sentido de la belleza en lo que es percibido por la vista no es totalmente desarrollado como la música, los géneros de la misma son muy variados, pero aun así la acogida que tiene es increíble. Con términos ajenos al contexto sería una experiencia religiosa trascendental (Peterson, 2017). El cine es el arte más reciente que viene a ser la evolución o aglomeración de las artes ya

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

117

descritas. Mezcla lo audio-visual y una narrativa que le da un poder enorme a su director para llegar al espectador y hacerlo sentir identificado con la idea de la producción (Bazin, 2004).

2. METODOLOGÍA En teoría, lo que se aplica en el proyecto para desarrollar esta capacidad de apreciación artística es un análisis psicoanalítico de manera general para descubrir desde donde se origina el arte en el inconsciente humano y su manifestación a la realidad. Lo que lleva a deducir que el problema viene a ser la formación individual de cada persona y las prioridades inculcadas en la misma durante su desarrollo. Así como la investigación bibliográfica ha permitido sustentar teóricamente como actúa el inconsciente de una persona para que llegue a un límite alto en el proceso el análisis y apreciación de una obra artística. La selección bibliográfica que se ha empleado en la investigación fue tomada de libros y sitios web con referentes conocidos en la sociedad que en algunos casos su aporte a la ciencia y al arte son evidentes en la historia. El análisis del inconsciente humano, usando como referente principal a (Jung C. , 1970) quien fue un especialista en psicoanálisis correlacionándolo con un dogma que va más allá de lo científico. Donde denota la manifestación del inconsciente colectivo y la actuación del inconsciente personal. Al entender el punto de vista psicoanalítico se procede a aplicarlo en el análisis que está dentro de las obras que elabora un artista. Y como desarrollar esta capacidad de apreciación tratando de esclarecer al inconsciente personal (Freud, 2013). Para estimular esta capacidad nos adentramos a las distintas manifestaciones de arte adoptando un entendimiento del concepto general y su aporte a la sociedad.

3. RESULTADOS El arte es una disciplina muy compleja desde el punto de vista del psicoanálisis. El poder de la mente humana se genera desde lo conocido y lo desconocido que viene a ser el denominado inconsciente (García, 2017). El proceso de la inspiración viene de la estimulación emocional ya sea interna o externa; este proceso es general en todas las personas y de acuerdo a este argumento propuesto por (Jung C. , 1970) se puede afirmar que cualquier persona puede crear y entender arte si se desarrolla esa capacidad interna. Y la responsabilidad de generar una cultura de pensamiento que adopte la apreciación artística viene de una formación individual en la cual referentes sociales de actualidad que formen parte del ámbito artístico pueden influir en su desarrollo. En la actualidad la mayoría de obras artísticas resalta una historia previa a su elaboración, pero el sentimiento más puro del arte está en su origen histórico donde los conocimientos de sensibilidad se desarrollaban en base al descubrimiento interno. Según el libro rojo de (Jung C. G., EL LIBRO ROJO, 1914-1930) (Jung C. G., EL LIBRO NEGRO , 1913-1932)el entendimiento del inconsciente puede llevarnos a algo desconocido. Él trató de desarrollar al máximo a su inconsciente e ilustró obras que denotaban lo conocido y desconocido a base de símbolos.

118

Otro claro ejemplo es (Taboada, 2014), actriz que pretende hacernos partícipes de esta ideología. O como el proyecto de (Masías, 2014) que empezó hace varios años con el objetivo de disciplinar el talento de artistas callejeros y darles la oportunidad de soñar con un mejor futuro. El compartir el arte nos hace crecer en conjunto, y el saber entender e interpretar una obra nos lleva a otro mundo que existe dentro de nosotros, además de que el arte posee un poder muy amplio de comunicación. Pero, aun existe una mentalidad egoísta que es parte del ser humano y que nos limita a compartir nuestros conocimientos y evocar transparencia en nuestra vida, y en el caso de un artista lo limita a esclarecer sus obras (Fernandes, s.f.).

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES El propósito del artista siempre ha sido exhibir el fruto de su inspiración en una obra que comunique sus emociones y pensamientos. Tras investigar y analizar la razón de por qué existe la carencia de sensibilidad por parte de la mayoría de espectadores para apreciar su obra en se concluye que:

La educación formal es el principal influyente en nuestro inconsciente para posteriores criterios individuales en contextos de cultura general (Desde casa online , 2017).

La apreciación artística es innata de la humanidad y el medio para poder expresarla se adiestra mediante la práctica y el conocimiento de medios de expresiones artísticas.

La investigación aporta al desarrollo del artista para que tenga una perspectiva más amplia de como relacionarse con su público y hacer que su apreciación crezca.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Bañuelos, T. (2016). La escultura, el medio, su entorno y su fin. Madrid.

Bazin, A. (2004). ¿Qué es el cine? Madrid : Rialp.

Bukowski, C. (1974-1977). El amor es el perro del infierno: poemas . Estados Unidos.

Danto, A. C. (2010). Después del fin del arte . Michigan: Paidos .

Desde casa online . (6 de Julio de 2017). El Gran Juicio a la Educacion Actual... algo está mal. Obtenido de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=WH28sJmZ5Xs&pbjreload=10

Fernandes, M. (s.f.). El Arte Como Ideología . Obtenido de GaleriaValmar: https://www.galeriavalmar.com/el-arte-como-ideologia/

Freud, S. (2013). La interpretación de los Sueños. Estados Unidos: FV Éditions.

García, D. (5 de Agosto de 2017). Arte & Ciencia: La ciencia como herramienta del arte. Obtenido de culturacientifica: https://culturacientifica.com/2017/08/05/arte-ciencia-la-ciencia-herramienta-del-arte-2/

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

119

Javier Ardouin, C. B. (1998). EL INCONSCIENTE PERSONAL Y EL INCONSCIENTE COLECTIVO.

JM, G. (2 de Junio de 2014). EXPRESION Y APRECIACION ARTISTICA. Obtenido de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=G5dghglHV4A

Jung, C. (1970). ARQUETIPOS E INCONSCIENTE COLECTIVO. Barcelona, Buenos Aires, Mexico : PAIDÓS.

Jung, C. G. (1913-1932). EL LIBRO NEGRO . Estados Unidos: Stiftung der Werke von C. G. Jung.

Jung, C. G. (1914-1930). EL LIBRO ROJO. Buenos Aires: Editorial El hilo de Ariadna.

Masías, V. (27 de Agosto de 2014). Cómo la danza es una herramienta de cambio social . Obtenido de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=smcErpTO4ZQ

Mejía, S. (2 de Octubre de 2016). Artistas que debes conocer porque serán los referentes del arte contemporáneo en poco tiempo. Obtenido de culturacolectiva: https://culturacolectiva.com/arte/artistas-que-debes-conocer-porque-seran-los-referentes-del-arte-contemporaneo-en-poco-tiempo

Ospina, M. (1944). EL ARTE DE LA PINTURA Y LA REALIDAD. Tumaco.

Peterson, J. (8 de Septiembre de 2017). Qué significa el arte y la música . Obtenido de Youtube : https://www.youtube.com/watch?v=Fwe2Bn65u4s

Ríos, S. (2014). EL ARTE EN EL CINE Y SU USO COMO AMPLIACIÓN DEL CONOCIMIENTO DEL HECHO ARTÍSTICO . Madrid.

Taboada, C. (2014). EL PODER DEL ARTE Y LA ESCRITURA EN LA CONSTRUCCIÓN DE LA SUBJETIVIDAD FEMENINA . Rioja.

Vm granmisterio. (29 de Febrero de 2016). El extraño LIBRO ROJO de Carl Gustav Jung. Obtenido de youtube: https://www.youtube.com/watch?v=2lPsbBciEm0

11 El peso del canon estético en el tallado de la parroquia de San Antonio de Ibarra

Ángelo David Chapí Recalde Universidad Técnica del Norte Iván Fernando Ulcuango Caicedo Universidad Técnica del Norte

Abstract: Art is the most solemn example of the history of a people, but what would happen when maintaining the autonomous cultural tradition does not give way to new artistic currents ?. Based on the problems generated by a debate in class, about the weight of the artistic canon in the sculptural identity that presides over the Parish of San Antonio de Ibarra and to which we ask ourselves the question; Does this hinder more contemporary representations of beauty in order to maintain a very rigid identity to its history ?, for which a study will be made regarding the stagnation of the aesthetic canon in the wood carving of the Parish, a compilation of the history that has San Antonio regarding carving in wood. The research analyzed the immutability of the aesthetic canon provided in the development of sculptures made throughout its history, I have inferred in the course of this short time about the aesthetic canon influenced in the wood carving of the parish of San Antonio of Ibarra with the help of a calendar and a form of several surveys made to the inhabitants of the parish in which we have been able to develop a study about wood art with this aesthetic canon in history, from antiquity to modernity, and that in the course of artistic history the canon has evolved in a spinal manner and at the same time generating several parameters and standards by which a sculptural work must be formulated

Keywords: Immutability, presides

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

123

El peso del canon estético en el tallado de la parroquia de San Antonio de Ibarra The traditionalist weight in the wood carving of San Antonio de Ibarra

Ángelo David Chapí Recalde Universidad Técnica del Norte davidangel12.19@gmail.com Iván Fernando Ulcuango Caicedo Universidad Técnica del Norte ifulcuangoc@utn.edu.ec

Resumen: Basándonos en la problemática generada en un debate en de clase acerca el peso del canon artístico el cual preside en la parroquia de San Antonio de Ibarra ya lo cual nos hacemos la pregunta; ¿Esto obstaculiza representaciones más contemporáneas de belleza para así mantener una identidad muy rígida a su historia?, por la cual se realizará un estudio respecto al estancamiento del canon estético en el tallado de San Antonio de Ibarra, un recopilamiento de la historia que posee San Antonio respecto al tallado y como la evolución del canon a lo largo de la historia ha venido influyendo desde la prehistoria hasta la modernidad y como esos parámetros han influido en el estándar de belleza que posee San Antonio de Ibarra. En la investigación se analizó la inmutabilidad, sobre canon estético proporcionado en el desarrollo de esculturas en tallado realizadas en San Antonio de Ibarra, he inferimos en el transcurso de este corto tiempo, acerca del canon estético influenciado en el tallado de madera de la parroquia de San Antonio de Ibarra con la ayuda de un calendario y un formulario de varias encuestas realizadas a los moradores de la parroquia en la cual hemos podido desarrollar un estudio acerca del canon estético en la historia desde la antigüedad hasta la modernidad, ya que en el transcurso de la historia artística el canon ha ido evolucionado de manera espiral y a la vez generando varios parámetros y estándares por la cual debe formularse una obra escultórica

Palabras clave: Inmutabilidad, preside

124

1. MARCO TEÓRICO En el proceso de Arce y Villapeña Juan (Como se citó en Fascinación por el arte colonial 2016) piensan que el arte: “Arte dice el filósofo, no es otra cosa más que un ámbito intelectivo que obra con cierta y verdadera razón. Esta definición perfecta queriendo algunos ensancharla más dice que el arte es verdaderamente un ámbito captivó con cierta razón de aquellas cosas que no son necesarias y el principios y el principio de ellas no está en las cosas que se hacen, pero si en aquel que las exulta. También dicen que el arte es una pericia de introducir con manual operación una forma concebida en la mente en cualquiera materia para servicio de la vida humana”.

1.1. Imaginería La imaginería en San Antonio es una de las más importantes tradiciones de la zona Norte del Ecuador pero hay que entender el término para poder apreciar sus productos artísticos con más admiración, por ese motivo Ximena Escudero nos dice que: La imaginería en madera policromada, imitativa o naturalista, arte escultórico puesto al servicio del culto cristiano representa a la trinidad de la Virgen y a los Santos con una gran dosis de realismo sin olvidarse de dotarles cierto efecto idealista. El artista antes conocido como –tal-vez como artesano, crean sus obras impregnadas en el misticismo a tal punto que ,más que buscar la belleza en ellas busca despertar la fe en quienes lo observan.

1.2. El arte de esculpir La escultura, facultad de crear la figura en sus dimensiones reales, no es más que la materia virgen con la forma impuesta por el artista. Y como tal enfrenta al tiempo con la arrogancia, ya que puede permanecer inalterable, sin que la página adquirida por el devenir de los años llegue a afectar su aspecto verdadero. (Escudero, 1996, p.38).

1.3. San Antonio de Ibarra Según (Censos, 2010): Ubicación: San Antonio de Ibarra está ubicado a 6 km al sur de la cabecera provincial de Imbabura, Ibarra con una altura de 29,07 km2. En la parroquia existen 17.522 habitantes, de los cuales 8.595 (49%) son hombres y 8.927 (51%) son mujeres. La edad promedio de la población es de 30 años. Alobuela (2017) hace una descripción de concepto, así: Los límites parroquiales, los mismos que se conservan hasta 1935, año de desmembración territorial y que en términos generales son: El cerro Imbabura, la villa de Ibarra, Caranqui, Atuntaqui y el Valle de Santiago, con su nombre San Antonio de Caranqui. Según la Junta Parroquial de San Antonio, la labor artesanal es una de las actividades más destacadas en la parroquia, donde el mayor número de habitantes se desempeña. San Antonio se identifica por tener trascendencia artística que lo ha llevado a ser reconocido a nivel nacional, como también por su Instituto de Artes “Daniel Reyes”. Es por esto que la parroquia busca ser potenciado en el sec-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

125

tor turístico, por la actividad que los habitantes de este lugar realizan ayudados por recursos naturales con los que crean maravillosos objetos en piedra, cobre, cemento entre otros. (p.22).

1.4. Identidad cultural La identidad cultural es la conceptualización de los pueblos en base a su historia, en base a sus experiencias, las cuales viajan con el paso del tiempo, convirtiéndolas en propias, como sus costumbres y tradiciones. Según (González, 1999, pág. 26) define la cultura dependiendo a su historia, a través de múltiples sucesos de los cuales tiene relación la cultura, como su lenguaje, las relaciones sociales, ritos y ceremonias propios de la colectividad. Esto es un sistema de costumbres, valores y creencias de los cuales se puede conceptualizar y diferenciar a los pueblos con sus orígenes históricos, donde las actividades se realizan como un producto del recuerdo, pasando de generación en generación lo que va formando un conjunto de personas que se arraigan a una misma creencia o pensamiento.

1.5. Historia de los artesanos en San Antonio La historia de San Antonio de Ibarra es muy interesante y rica en conocimientos, ya que los pobladores han sido ejemplo de lucha y perseverancia ante las adversidades que se han presentado, para entender un poco más de la historia de la ciudad Alobuela asegura de manera puntual. Que antiguamente los pobladores de San Antonio se dedicaban a la agricultura, pero en el año de 1880 constituye el principio de la labor artístico artesanal, cuando la escultura fue introducida por Daniel Reyes, quien había aprendido el oficio en la ciudad de Quito, al principio su trabajo tenía mucha demanda por parte de la iglesia, que después había perdido muchas de sus esculturas por el terremoto en 1868. (2017, p. 23).

1.6. Cuestionario 1. ¿Conoce usted cuál es el canon actual que se utiliza en las esculturas en madera de San Antonio de Ibarra? 2. ¿Cómo toman las personas de la ciudad el hecho de la imaginería como obra artística? 3. ¿Basándonos que ya estamos en el siglo XXI que opina usted si las nuevas generaciones dejarán un poco la continuidad de hacer escultural como tema cristiano hacer otra visión con diferentes tipos de Culturas (Ejemplo hacer diablos Huma)? 4. ¿Ha intentado usted cambiar o modificar el estilo del canon de la parroquia de San Antonio de Ibarra? 5. ¿Cuál es la gran mayoría de pedidos que hacen los clientes a los escultores? 6. ¿Les interesan este tipo fuente de trabajo tradicional en la ciudad a las nuevas gene-

126

raciones? 7. ¿Desearía que las nuevas generaciones de escultores cambien el canon estético o quedaría mejor si se lo conserva tal y como es? 8. ¿El factor económico impide poner sus propias ideas al momento de esculpir o es mejor conservar la tradición? 9. ¿Influye mucho al momento de comprar una obra el canon estético? 10. ¿Por qué los artesanos siguen haciendo esto sabiendo que ya no es un factor económico estable?

2. METODOLOGÍA La metodología de esta investigación es de tipo entrevista ya que mediante las preguntas que se plantearon a los talleristas de la parroquia de San Antonio se obtuvo información sobre los diferentes motivos del por qué los no se realizan cambios y modificaciones en más escultura de madera del lugar. Los sitios a entrevistar fueron divididos por los sectores ,5 talleres fueron de la parte central de San Antonio de Ibarra para así poder saber de manera más factible la situación de los artistas de la avenida principal. Por otro lado para poder analizar de manera más amplia se escogieron talleres un poco alejados de los turistas, talleres que solo los habitantes del mismo sector reconocían, de los cuales fueron muy útil las conclusiones que nos supieron dar. Una vez obtenida esta información el grupo eligió seguir de la menara más conocida que podría seguir, recurrió al método deductivo con el fin de poder entender cuáles son las principales razones por las que los talleristas no experimentan otro tipo de canon en sus esculturas el cómo farios factores llevan a los artistas a tomar riendas que no quisieran

3. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES

La tradición de un pueblo es fundamental para la conservación de la identidad y el arte es un factor muy importante en la trascendía y la magia de un pueblo, por ende algunos artistas tienen el peso de seguir con esto para que el lugar donde nacieron y vieron nacer a sus hijos siga siendo el mismo.

Como siempre el dinero ha sido un factor muy importante para la sobrevivencia de las personas que se dedican completamente al arte, sin olvidar que los artistas son humanos que también tienen necesidades básicas. Por este y más motivos el artista sanantonense tiene miedo a arriesgar y prefiere un dinero seguro para así poder vivir de una manera muy acogedora para él

La relación entre el hombre y el arte siempre será digna de apreciar. La situación de estos artistas a pesar de tener varios conflictos para realizar un cambio de panorama con sus esculturas es muy gratificante porque el amor al arte se ve muy fácilmente en sus trabajos,

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

127

por eso estos señores son la identidad de un pueblo.

4. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Robins, B., (11 de diciembre del 2015). El problema en el arte es la falsedad y manipulación. Recuperado de: http://elquepiensapierde2009.blogspot.com/2009/09/el-canon-dela-arquitectura-yescultura.html

Pérez Parejo R. (2006). El canon de belleza a través de la Historia: un método de descripción de personas para alumnos de E/LE Recuperado de: https://webs.ucm.es/info/especulo/numero34/canonbe.html

12 El instrumento musical la bomba como expresión artística en la comunidad San Juan de Lachas, cantón Mira provincia del Carchi

Jhinson Romario López Morales Universidad Técnica del Norte

Abstract: The San Juan de Lachas community, located in the limit of the provinces of Imbabura and Carchi and the basin Mira river, it is inhabited fundamentally by Afro-Ecuadorians. Inside of your cultural traditions identity, la bomba result transcendent. Not only the musical genre but also the instrument of the same name. The objective of the present research is create a sculptural proposal that recognize the work realized by the most outstanding craftsman the master Wilson Ezequiel Sevilla for preserve this tradition of tribute to cultural practices around bomba musical instrument leading provider of this culture that has been this instrument for more than 40 years, with the final purpose to enhance a culture that include the ancestral knowledge of a whole town afrodescendant. Is a research of qualitative cut in which it is used the etnografic method which makes reference discover customs and traditions, helping to know the identity of a human community that it develops in a socialcultural scope concrete. Also, social meanings and know the diverse cultural practices that the community has today. The research conclude that artistic work will enhance the master Sevilla and musical instrument of the San Juan de Lachas community as the medium of conservation for your customs and traditions.

Keywords: Afro-descendant, cultural practices, musical instrument bomb.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

131

El instrumento musical la bomba como expresión artística en la comunidad San Juan de Lachas, cantón Mira provincia del Carchi The musical instrument the pump as an artistic expression in the community of San Juan de Lachas, canton Mira province of Carchi

Jhinson Romario López Morales Universidad Técnica del Norte Lopezromario9@gmail.com

Resumen: La comunidad San Juan de Lachas, ubicada en el límite de las provincias de Imbabura y Carchi y la cuenca del río Mira, es habitada fundamentalmente por afros ecuatorianos. Dentro de sus tradiciones culturales identitarias, la bomba resulta trascendente. No solo el género musical sino también el instrumento de igual nombre. El objetivo de la presente investigación es crear una propuesta escultórica que reconozca la labor realizada por el más destacado artesano el maestro Wilson Ezequiel Sevilla para preservar esta tradición de homenaje a las prácticas culturales alrededor del instrumento musical BOMBA y principal proveedor de esta cultura que lleva elaborando más de 40 años este instrumento, con el fin de realzar una cultura que abarca el conocimiento ancestral de todo un pueblo afro descendiente. Es una investigación de corte cualitativo en el que se usa el método etnográfico el cual hace referencia a describir las costumbres y tradiciones, ayudando a conocer la identidad de una comunidad humana que se desenvuelve en un ámbito sociocultural concreto. Además, se utilizan los métodos de observación y entrevista que permitirán comprender algunos significados sociales y conocer las diversas prácticas culturales que tiene en la actualidad dicha comunidad. La investigación concluye que la obra artística dará realce al maestro Sevilla y al instrumento musical de la comunidad San Juan de Lachas como el medio de conservación para sus costumbres y tradiciones.

Palabras clave: Afro descendiente, prácticas culturales, instrumento musical bomba.

132

1. MARCO TEÓRICO El instrumento musical BOMBA como expresión artística surge con la llegada del pueblo afro descendiente principalmente en el Valle del Chota el actual lugar de los afro ecuatorianos se localiza en la sierra norte ecuatoriana en el límite de las provincias de Imbabura y Carchi, aquí en plena zona andina se desarrolla una de las más sólidas culturas afro ecuatorianas, pero antes de introducirnos a esta magnífica cultura no hay que dejar atrás los inicios de la misma ya que entre los siglos XVI y XVIII (La bomba - Cultura Afrochoteña, 2015),Los negros fueron obligados a dejar su lugar de origen, África para ser llevados América, en barcos nominados buques negreros, formándose un sistema esclavista conocido como la diáspora africana así mismo fueron estableciendo varios puertos para el tráfico de los esclavizados entre ellos el Puerto de Cartagena desde el cual fueron trasportados los esclavos a la cuenca del río Mira para el trabajo de las plantaciones de azúcar, algodón, tabaco,cacao y explotaciones de minas de oro y plata para remplazar la mano de obra indígena. El valle durante la colonia fue conocido con el nombre de Coangue o de la muerte, debido al clima seco de la región es una cultura particular para los afroecuatorianos porque se construyó sobre la matriz africana, con fuertes aportes andinos y mestizos que le otorgaron una idiosincrasia original, ellos fueron esclavos por mucho tiempo en las nacientes haciendas en donde ellos se enraizaron y crearon una comunidad cultural en medio del proceso colonial. Para el año de 1964 se aprobó la ley de la reforma agraria que intentaba la democratización de las tierras, es entonces cuando empiezan a conformarse en la provincia del Carchi las pequeñas comunidades que se asentaron a lo largo del río Chota y río Mira entre ellas la comunidad San Juan de Lachas, ellos han conservado sus propias costumbres y tradiciones como la danza la música, la tradición oral, la gastronomía, la vestimenta, la medicina tradicional, el arte, entre otros (Ecuador, 2015). La vestimenta del pueblo afroecuatoriano pasó de generación en generación hasta convertirse en una herencia ancestral, los hombres utilizaban camisa y pantalón de tela alpargatas o el pie descalzo y el sombrero para protejerse del sol, encambio la vestimenta de las mujeres afroecutorianas específicamente de la cuenca del río Mira, y la comunidad San Juan de Lachas, era la utilización de faldas largas plizadas en su mayoría combinadas con una blusa larga o camisón de colores y un pañuelo que cubría su cabeza. Los afroecuatorianos son dueños de una singular historia como es el trapiche de Mascarilla que abarca la gran diversidad cultural ecuatoriana es así como los pobladores de la comunidad La Concepción reconocen como un sitio de importancia histórica ya que en el mismo se encuentra enterrada Martina Carrillo, la cual fue una mujer negra que luchó por los derechos de su pueblo y la conservación de su cultura y tradiciones (Ecuador, 2015). En el pueblo afroecuatoriano de la cuenca del rio Mira nace la danza como forma de comunicación que los antepasados de esta cultura utilizaban para enamorar a sus mujeres, además representa la alegría y la tradición de su pueblo esta tradicional danza que en un principio solo lo realizaban las mujeres sin companía de la presencia del hombre fue destacándose poco a poco con un valor muy tradicional, ya que al bailar esta música llamada bomba cuentan su diario vivir que es algo que lo sienten internamente es un ritmo especial propio de cada uno de los afroecuatorianos, esta danza se la baila con los pies descalzos por el motivo de que asi valoran a sus ancestros. Los afroecuatorianos cuando llegaron al Ecuador especialmente al Valle del Chota y a distintas comunidades del río Mira como es la comunidad San Juan de Lachas, no

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

133

trajeron consigo ningún instrumento musical físicamente, el ritmo, el instrumento y su alegría lo trajeron en la mente y en la sangre y allí en los lugares que llegaron, empezaron a construir estos instrumentos con material del medio, tal es el caso del instrumento LA BOMBA de la comunidad San Juan de Lachas de la cuenca del río Mira y Salinas. La fabricación de dicho instrumento ha sido realizado por más de 40 años por un personaje muy importante de la cultura afroecuatoriana el señor Wilson Ezequiel Sevilla el cual nos supo manifestar que este arte de fabricar dicho instrumento lo aprendió de su fallecido padre Juan José Sevilla, lo cual nos decía el proceso que él realiza para obtener el instrumento, en primer lugar hay que obtener el cuerpo del tambor que se lo consigue en el medio en que viven, es un pedazo de un árbol llamado balso, después se obtiene vainas o varas delgadas para realizar aros de la misma dimensión del tambor por último se obtiene el cuero de chivo previamente sometido a secar y lavar para tenerlo bien consistente y sólido ya con la obtención de estos materiales se empieza al ensamblaje del instrumento, esto no tiene ninguna ciencia, solo el valor cultural y amor de cada uno de los que lo realizan. Con estos antecedentes es necesario la creación de una propuesta escultórica que abarque al instrumento musical Bomba como expresión artística de toda una comunidad ancestral.

2. METODOLOGÍA Investigación.- Es una de las etapas en que se divide la elaboración de un trabajo. Aquí se decide el conjunto de técnicas y métodos que se emplearán para llevar a cabo las actividades vinculadas a la investigación. Documental.- Este método permitirá recolectar información acerca de la mitología y la leyenda, esto se realizará mediante el uso de documentos escritos, páginas web, libros, esto ayudará al sustento de la investigación de forma coherente y objetiva.

2.1. Métodos Los métodos a utilizarse son: Método científico.- Este método hace referencia a la serie de etapas que se debe recorrer para conseguir un conocimiento válido desde la parte científica, permitiendo así disminuir la influencia subjetiva en el proyecto propuesto.

2.2. Técnicas e instrumentos Las técnicas e instrumentos a utilizarse son: Técnica de la entrevista.- Esta técnica ayudará a establecer un diálogo entre una y varias personas, con la finalidad de obtener nueva información del tema tratado. Técnica de la observación.- Permite ayudar a constituir una relación directa, así también de conocer la influencia del instrumento musical la Bomba en la comunidad San Juan de Lachas.

134

3. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES El presente proyecto de investigación surge tras la necesidad de dar a conocer el valor de la actividad artesanal y artística del instrumento musical BOMBA como una expresión artística de los pobladores de la comunidad San Juan de Lachas perteneciente al cantón Mira puesto que esta tradición se está perdiendo poco a poco, por esa falta de concientización acerca de la tradición ancestral de un pueblo afro ecuatoriano. Por esta razón, se ha escogido como guía a uno de los personajes icónicos de la construcción de dicho instrumento en la comunidad San Juan de Lachas del cantón Mira como lo es el señor Wilson Ezequiel Sevilla, él lleva más de 40 años fabricando la bomba ya que es la representación y conservación de la cultura por consiguiente se está perdiendo por la falta de valoración del mismo pues a los jóvenes del día de hoy no valorizan lo propio lo único lo que nuestros ancestros nos han dejado para perseverar, por ello y dar mayor realce en todo lo que se realiza en nuestro diario vivir. Los afro ecuatorianos rompieron las cadenas de la esclavitud y hoy tratan de surgir de crear de hacer escuchar su voz con trabajo con cultura y sobre todo con alegría y muchos tratan que el Ecuador sea un país pluricultural, equitativo y de respeto a las diferentes culturas.

Impacto Impacto Cultural.- Se logrará rescatar la importancia de la tradición oral, de la música la Bomba además se recopilará información necesaria para el conocimiento público de la fabricación del instrumento musical bomba por parte del artesano el señor Wilson Sevilla. Esto es muy importante puesto que ayudará a conocer mejor la historia y creencias de nuestros pueblos. Impacto Social.- Con la elaboración de este proyecto se incentivará a las personas a la posibilidad de valorar y dar mayor énfasis a las tradiciones y prácticas culturales de nuestros pueblos afro descendientes. A su vez se espera que incremente el turismo en la comunidad San Juan de Lachas, ya que este trabajo resalta la belleza de su paisaje y las diferentes actividades que se pueden realizar en este lugar.

4. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Rodríguez Freire, J. (2001). El conflicto de los derechos audiovisuales en las retransmisiones deportivas en radio. El caso de la Liga de Fútbol Profesional. Vigo: Universidad de Vigo.

Pena Álvarez, P. (2014). Las redes sociales como factor diferencial en el periodismo asiático. En S. Direito, De los medios a los metamedios (104-163). Santiago: Iacobus.

Coronado Martín, J. A. (2014). Presencia y actividad de los miembros del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en ResearchGate y Academia .edu. Gallaecia, 6(2), 214-305.

Cartelle Rozalén, J. y Manrique Torné, H. (2013). Uso de las redes sociales generalistas como herramientas docentes en las universidades españolas. Recuperado el 3 de enero de 2015, de http://www.redesyeducacion.org/10SLCS/documentos_2013/10Cartelle.pdf

13 Juegos tradicionales: Una visión del pasado en el presente mediante una representación escultórica en la Parroquia La Esperanza, barrio Rumipamba

Héctor David Llumiquinga Ascaño Universidad Técnica del Norte

Abstract: There is no specific date of when they started or who the first to practice it were but what we do know is that traditional games have served to unite people avoiding exclusion and achieving a more practical relationship with people both young and old. Children thus developing great skills. In the educational centers these games take a fundamental part of the teaching, such as: marbles, the spinning top, hopscotch, skipping rope, tasos, flying the kite among others. A study of qualitative approach is carried out with a field investigation to know that traditional games are still practiced at present in this case the games mentioned above are studied, a research will be formalized where two surveys are carried out first to people from 18 to 60 years old and children from 7 to 17 years old, and thus to know which are the traditional games that are most practiced in the area and that are still practiced to this day. Based on the results of the research it has been decided to make several scale-sized sculptures, in the fiberglass material, for its good resistance and its long durability, on the traditional games that are most practiced in the Rumipamba Barrios La Esperanza Parish Province of Imbabura. With the intention of showing that art can contribute to the rescue of a family, social and cultural heritage and preserve a tradition.

Keywords: traditional games, sculpture, skills, practiced.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

139

Juegos tradicionales: Una visión del pasado en el presente mediante una representación escultórica en la Parroquia La Esperanza, barrio Rumipamba Traditional games: A vision of the past in the present through a sculptural representation in La Esperanza Parish, Rumipamba neighborhood

Héctor David Llumiquinga Ascaño Universidad Técnica del Norte Hiphoprap1997@hotmail.com

Resumen: No se encuentra una fecha específica de cuando iniciaron o quienes fueron los primeros que lo practicaron, pero lo que sí sabemos es que, los juegos tradicionales han servido para la unión de personas evitando la exclusión y logrando una relación más práctica con las personas tanto jóvenes y niños desarrollando así grandes destrezas. En los centros educativos estos juegos toman parte fundamental de la enseñanza, tales como: las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa entre otros. Se realiza un estudio de enfoque cualitativo con una investigación de campo para saber que juegos tradicionales aún son practicados en la actualidad en este caso se estudian los juegos anteriormente mencionados, se formalizará una investigación donde se realiza dos encuestas primero a personas de 18 a 60 años y a niños de 7 a 17 años, y así saber cuáles son los juegos tradicionales que más se practican en la zona y que hasta la actualidad se lo siguen practicando. En base a los resultados de la investigación se ha decidido realizar varias esculturas de tamaño a escala, en el material fibra de vidrio, por su buena resistencia y su larga durabilidad, sobre los juegos tradicionales que son más practicados en el barrio Rumipamba, parroquia La Esperanza, provincia de Imbabura. Con la intención de mostrar que el arte puede aportar al rescate de una herencia familiar, social y cultural y preservar una tradición.

Palabras clave: Juegos tradicionales, escultura, destrezas, practicados

140

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Los juegos Es todas aquellas actividades de recreación que es llevada a cabo por los seres humanos con la finalidad de divertirse y disfrutar, además de esto, en los últimos tiempos los juegos han sido utilizados como herramientas de enseñanza en los colegios, ya que de esta forma se incentiva a los alumnos a participar del aprendizaje al mismo tiempo que se divierten (General, 2011). Por otra parte, Hill (1976), dice que “el juego es una actividad u ocupación voluntaria que se realiza dentro de ciertos límites establecidos de espacio y tiempo, atendiendo a reglas libremente aceptadas, pero incondicionalmente seguidas, que tienen su objetivo en sí mismo y se acompaña de un sentido de tensión y alegría”. Los juegos tradicionales tienden a implicar el uso del idioma de su país de origen. Esto puede ser en forma de canciones de juego o incluso a través de términos técnicos que se utilizan durante el juego. De cualquier manera, los niños están expuestos a sus lenguas maternas cuando juegan a estos juegos, lo que puede ayudar a aumentar el uso y / o desarrollo de este idioma. Es obvio que cada vez es más difícil para los juegos infantiles tradicionales competir contra la invasión cada vez mayor de pantallas alrededor de la casa que atraen la atención de los miembros más jóvenes de la casa; televisores, teléfonos inteligentes, consolas de juegos. La casa está llena de aparatos electrónicos al alcance de nuestros niños que ofrecen muchas opciones de entretenimiento interactivo diferentes (con algunos riesgos, aunque ese es otro tema). Esto no es necesariamente algo negativo, pero a veces encontraremos que nuestros hijos abandonan por completo los juegos infantiles tradicionales que tienen mucho que ofrecer. Como siempre, no se recomienda ninguno de los extremos, es genial que los niños se diviertan con las nuevas tecnologías, pero también deben disfrutar con sus padres y en la calle, con sus amigos, jugar juegos clásicos que han entretenido a muchas generaciones anteriores. Los niños siempre continuarán disfrutando de los juegos del pasado, siempre y cuando aprendan a jugarlos. Estos juegos también pueden ser de gran beneficio para ellos, requieren actividad física, habilidades sociales, creatividad, imaginación, competencia, camaradería ... y muchos más beneficios que podrían llenar un artículo completo. Sencillamente, los juegos infantiles tradicionales estimulan su crecimiento, tanto física como intelectualmente. También les ayudarán a hacer amigos, ¿qué más se puede pedir? Para General (2011) en el mundo existen una gran cantidad de modalidades de juegos, que se diferencian entre sí por el método y las herramientas utilizadas para su correcto desenvolvimiento, pero el objetivo principal sigue siendo el mismo, la de divertir a quienes los practican, entre las principales modalidades conocidas se pueden mencionar los siguientes: juegos activos, juegos pasivos, juegos cooperativos, juegos competitivos, juegos tradicionales, juegos populares, juego de naipes, videojuegos, juegos de mesa. Al tener varias alternativas de juegos es necesario recordar que cada juego necesita de habilidades y destrezas diferentes para poder llevarla a la perfección y que el individuo que lo practica pueda dar a conocer en que juego se destaca con mayor fuerza ya que hay personas que se destacan en varios o en un solo juego. U otras que son muy capaces de practicar varios juegos llevándolos a la perfección a la hora de desarrollarse, permitiendo mostrar que los juegos tradicionales permiten una mejor interacción ante el mundo evitando así la complejidad a la hora de expresarse ante los demás o ante un público. El principal atractivo de los juegos infantiles clásicos es que, en general, no necesitará ningún equipo. La mayoría de ellos no requieren nada más que imaginación y la voluntad de pasar un buen rato. También es importante que la ma-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

141

yoría de estos juegos sean juegos grupales, lo que significa que además de reglas simples y un ritmo rápido, permiten que los niños interactúen entre ellos, hablando, riendo y compartiendo experiencias. Todos estos son esenciales para su crecimiento. Además, son seguros (aparte de las pequeñas caídas o golpes ocasionales) y normalmente no requieren la supervisión de un adulto. Esto, por cierto, ayuda a los niños a interactuar de forma más natural y fluida.

1.2. Juegos tradicionales (General, 2011) define que “Los juegos tradicionales son aquellos juegos típicos de una región o país, que se realizan sin la ayuda o intervención de juguetes tecnológicamente complicados, solo es necesario el empleo de su propio cuerpo o de recursos que se pueden obtener fácilmente de la naturaleza (piedras, ramas, tierra, flores, etc.), u objetos domésticos como botones, hilos, cuerdas, tablas, etc”. Los juegos tradicionales son aquellos que siempre serán elementos no eléctricos que a su vez son muy fáciles de crear o de encontrar, porque están a nuestros alrededores de nuestros hogares. Permitiendo así una mejor facilidad de practicarlos ya que su costo es mínimo o hay otros que no tienen ni precio, no todos los juegos tradicionales se necesitan de dinero para poder practicarlos, la creatividad es la única que tendrá que desarrollarse para poder practicar con amigos o conocido. Los juegos tradicionales se han transmitido de una generación a otra y sus orígenes se remontan a siglos atrás. Mientras que los juegos modernos generalmente abarcan juegos digitales e invenciones de juegos relativamente nuevas. Los juegos modernos tienen su parte justa de beneficios cognitivos que van desde la mejora de las habilidades de resolución de problemas a las habilidades de navegación espacial. Los juegos digitales también hacen que los niños se familiaricen mejor con la tecnología, un componente vital de la vida moderna. Sin embargo, los juegos modernos también tienden a ser aislados, orientados hacia la victoria y, en la mayoría de los casos, sedentarios. Por lo tanto, sentimos que ¡Es importante inyectar algunos juegos tradicionales en su tiempo de juego para contrarrestar estos efectos “adversos” y optimizar mejor los beneficios de tomarse el tiempo libre para jugar! Los juegos tradicionales son los juegos que desde muchísimo tiempo atrás siguen perdurando, pasando de generación en generación, siendo trasmitidos de abuelos a padres y de éstos a sus hijos y así sucesivamente, sufriendo quizás algunos cambios, pero manteniendo su esencia. Los juegos tradicionales no se encuentran escritos en libros especiales, ni cuentan con un autor reconocido, pero si aparecen en diferentes momentos o épocas del año, desaparecen por un período y vuelven a surgir posteriormente. De igual forma los juegos tradicionales cuentan con determinados aspectos históricos -socioculturales que nos ayudan no sólo entender (Dary, 2015). Los juegos tradicionales al no tener una fecha específica de cuando iniciaron, no nos permite saber el día o el año de su inicio, pero lo que si sabemos que esto ha perdurado durante muchos años gracias a nuestros antepasados que nos han enseñado de generación en generación para que perdure, y que sigamos pasando a nuestras futuras generaciones. Antes de la existencia de la televisión, las computadoras, los videojuegos y el internet los niños e incluso adultos se divertían de diferentes formas que no involucraban costos altos, la calle se convertía en la cancha de juego, el lugar de reunión principal para los pequeños torneos realizados entre los chicos de la colonia. Dichos juegos se ligaban con la cultura de cada pueblo, sus costumbres e historia pueden verse reflejados en el actuar de la sociedad. Los juegos se clasifican según la cantidad de personas que los juegan, así como los objetos que se usan, en ciertos casos únicamente se utilizan partes del cuerpo y en otros es necesario un objeto que será manipulado por la persona en cuestión (Acuña, 2013).

142

La clasificación nos permite tener un esquema mental que nos hace entender mejor los juegos que los niños realizan y nos ayuda a seleccionar las propuestas de juego que los educadores pueden hacer (Blanco, 2012).

Juegos acompañados de objetos Juegos con partes del cuerpo Juegos de persecución Juegos verbales Juegos individuales Juegos colectivos

La clasificación de los juegos tradicionales nos permite saber cuáles son la necesidades que requiere cada juego, para llevar acabo en su práctica, esto nos permitirá saber como presentar dicho juego a las personas que participen en el mismo. La mayoría de los juegos tradicionales suelen ser actividades sociales. A diferencia de la mayoría de los juegos modernos que son actividades solitarias o reuniones exclusivas de jóvenes, debido a la complejidad de los juegos o las habilidades y la tecnología involucrada. Sin embargo, los juegos tradicionales requieren conjuntos de habilidades menos complejos y servicios básicos, lo que los hace más inclusivos. Por lo tanto, fomentan la interacción con amigos y familiares independientemente de la edad o experiencia. Estas interacciones nos permiten conocernos mejor y fortalecer los lazos sociales y / o familiares que de otro modo podrían ser difíciles de establecer. El mundo actual, donde los juegos en línea se han extendido por todos lados permitiendo que las demás personas se comuniquen entre mensajes mas no con contacto directo, aislando a las personas en la forma de expresión ante las demás personas. Los juegos tradicionales tienen una relevancia aún mayor que nunca que nos permitirá buscar una nueva forma de divertirnos. Además, los juegos nos ayudan a desarrollar habilidades no cognitivas que los panelistas acordaron que son tan fundamentales como las habilidades cognitivas para explicar cómo aprendemos y si tenemos éxito. Las habilidades como la paciencia y la disciplina, que uno debe adquirir como niño pero que a menudo no lo hacen, se correlacionan con el éxito mejor que las puntuaciones de CI. Y esas habilidades no cognitivas, es decir, no lo que sabes sino cómo te comportas, son mucho más adecuadas para el contexto de un juego que para el contexto de un aula tradicional y de un libro de texto. Los juegos nos ayudan a desarrollar habilidades no cognitivas, que son tan fundamentales como las habilidades cognitivas para explicar cómo aprendemos y si tenemos éxito, Aquí hay algunas razones por las que es divertido jugar juegos tradicionales:

Aprendemos sobre nuestra cultura e historia.

Son amigables con el medio ambiente.

Son adecuados para todas las edades.

Promueven la interacción entre generaciones y abarcan todos los grupos de edad.

Muchos juegos modernos tienen su origen en estos juegos tradicionales.

Crean un orgullo en la cultura de nuestro país.

Los juegos tradicionales reflejan aspectos de nuestros valores culturales y normas de comportamiento y se utilizaron para reforzarlos. En el sistema familiar conjunto, los hermanos y sus

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

143

familias vivían juntos bajo un mismo techo, ayudándose mutuamente como un grupo mutuo; Cada uno dando al otro sus fortalezas y / o recursos. La filosofía comunista basada en el principio de “de cada uno según la capacidad y de cada uno según la necesidad” se practicó a nivel familiar. Las situaciones naturalmente crearon tensiones. Para moderar las tensiones y promover las relaciones, se utilizaron muchos dispositivos. Los juegos tradicionales son un dispositivo de este tipo: enseñan competencia sana, tolerancia mutua, habilidades de pensamiento para enfrentar problemas, actitud para aceptar la derrota y mostrar dignidad en la victoria. Más allá de todo lo demás, estos juegos reunieron a los miembros de la familia en una experiencia de juego compartida. Los juegos tradicionales a menudo están vinculados a la cultura y el idioma de su país de origen. Por lo tanto, los juegos inculcan indirectamente los valores morales y culturales que se consideraron importantes por la tradición fundadora y transmiten esta herencia a aquellos que los juegan. Esto sucede en la forma de comportamiento que fomenta el juego (la mentalidad o las acciones que mejor facilitan ganar) o incluso las canciones que se cantan durante la reproducción (ya que muchos forman parte de cuentos populares o historias históricas). Estos juegos enfatizan el intercambio. De hecho, a menudo se puede escuchar a las abuelas recomendar a sus nietos que “compartan para ganar”. Por lo tanto, los juegos tradicionales vuelven a enfatizar los valores que fueron considerados importantes por nuestras culturas, lo que nos permite comprender mejor nuestras raíces y nos da un sentido más claro de identidad y pertenencia.

1.1.3. La escultura Diego Cruz y Lourdes Umerez. Son unos de los artistas que han desarrollado la escultura relacionada a los niños y a los juegos tradicionales, estos artistas sirven de referentes para lograr recuperar esos recuerdos olvidados por los moradores sobre los juegos tradicionales, se realizaran esculturas públicas sobre los juegos tradicionales. La historia de la escultura tiene sus inicios en el período prehistórico. Y los escultores esculpen imágenes portátiles de otro interés predominante de la humanidad: las curvas de la forma femenina, haciendo hincapié en la fertilidad, de la que la supervivencia de la tribu depende. Quizás la más famosa de las primeras esculturas de la humanidad es la llamada Venus de Willendorf. Podemos decir que la historia de la escultura comienza con esta figura del cuerpo de una mujer Arkiplus (2015). La escultura cuenta con una historia muy antigua desde el hombre Neanderthal, gracias a las investigaciones se puede saber que la escultura siempre ha sido un medio muy importante en la historia del arte, ya que ha permitido acoplar mucha información de cómo eran las antiguas civilizaciones y cuales eran sus creencias esto a su vez ha permitido conservar varios patrimonios culturales de varios lugares.

1.1.3.1. Tipos de Escultura La página web Arqhys (2016). Sugiere que las esculturas son un tipo de ‘Bellas Artes’, esta se expresa por medio del espacio y el volumen. Los artistas aprovechan esta técnica para poder imitar la figura de personas, animales y objetos, como también para expresarse y darle forma a sus pensamientos e imaginaciones, las cuales se clasifican en:

144

1.1.3.1.1. Escultura de bulto redondo Se conoce como escultura de bulto redondo a aquella que, al contrario de los relieves, está concebida para estar “separada de la pared”, esculpida por todos lados, de forma que se puede observar desde cualquier punto de vista pese a que puede tener uno principal o predominante (Casabó, 2014).

1.1.3.1.2. Escultura relieve El relieve es la técnica escultórica en la que las formas modeladas o talladas resaltan respecto a un entorno plano. A diferencia de las esculturas de bulto redondo (que se esculpen reproduciendo su relieve o profundidad natural), los relieves están integrados en un muro, generalmente, o en caso de ser arte mobiliario, al soporte que los enmarca (Medina, 2013).

1.1.3.1.3. Esculturas de madera Se trata de una técnica escultórica desarrollada desde la antigüedad con aplicaciones en la arquitectura y artes decorativas. Aunque empezó siendo un arte menor, la época de mayor esplendor de este arte tiene lugar en la Edad Media, sobre todo en Europa, donde se puso al mismo nivel que la escultura en metal o piedra. La talla en madera consiste en un proceso de desbaste y pulido del trozo de madera hasta darle la forma deseada (Losada, 2011).

1.1.3.1.4. Esculturas de bronce El bronce es el metal más popular para esculturas de metal fundido; una escultura de bronce fundido a menudo se llama simplemente “bronce”. Puede ser utilizado para las estatuas, individualmente o en grupos, relieves, y pequeñas estatuillas y figurillas, así como elementos de bronce a ser instalados en otros objetos tales como muebles. A menudo es dorado para dar bronce dorado u ormolu (Casado, 2013).

1.1.3.1.5. Esculturas de hierro El hierro es un material muy antiguo que se utiliza para hacer esculturas desde hace mucho tiempo atrás. Fue la antigua civilización griega la que comenzó a trabajar el hierro y luego sus técnicas se fueron expandiendo por diferentes regiones del continente europeo. La técnica más utilizada para esculpir el hierro es el repujado. En este se moldea el hierro por medio del impacto de otros hierros en diferentes temperaturas (ARQHYS, 2016).

1.1.3.1.6. Esculturas de piedra La piedra es un mineral que se puede trabajar con diferentes técnicas para ser esculpido. El mineral más utilizado es el mármol. Fueron grandes del arte como Miguel Ángel y Da Vinci quienes crearon esculturas en este material moldeándolo con golpes de martillos y otras he-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

145

rramientas con filo cortante. (ARQHYS, 2016). La escultura al tener diversas clasificaciones para su creación permite al artista elegir el material con cual se va a elaborar la temática, a su vez revisando el valor económico del mismo, para que la escultura sea resistente y duradera.

La escultura en lugares públicos enlazar con las esculturas de juego El arte público generalmente está patrocinado, curado, avalado, evaluado e instalado por los representantes estatales que administran dichos espacios, por consiguiente, en la historia de la humanidad hay una intrínseca relación entre el arte público, la política, el poder, la inversión económica, los héroes de guerra y los mártires de una Libertad. La escultura y el monumento han estado ligados al homenaje que los Estados hacen a sus grandes hombres, soldados, policías y víctimas. Mientras la escultura ha servido al embellecimiento de las ciudades y a que las empresas constructoras cumplan con el 1% de inversión en arte. (Pertuz 2010). El arte público al ser un buen medio de comunicación permite que la escultura sea parte de ella, la escultura pública permite congelar momentos especiales que sucedieron en aquel lugar, manteniéndola por muchos años y para que al final se convierta en un patrimonio público.

2. METODOLOGÍA Se analizan diversos juegos tradicionales que se han visto practicados en la actualidad en este caso son: las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa, se realizará una investigación de campo donde se realice dos encuestas primero a personas de 18 a 60 años y a niños de 7 a 17 años.

Adultos

¿Cuándo era niño que juego tradicional practicaba con más frecuencia las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa?

¿Cuál juego tradicional era el que Ud. no practicaba cuando era niño, las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa?

Cree Ud qué es importante conservar los juegos tradicionales Si - No ¿por qué?

Estaría de acuerdo que se haga una representación escultórica de los juegos tradicionales.

Sabe Ud en qué fecha se practican estos juegos, las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa.

Niños

¿Qué juego tradicional practicas con tus amigos con más frecuencia, las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa?

146

¿Tus padres te enseñaron a jugar los juegos tradicionales?

¿Sabes cuántos juegos se practican en tu barrio?

¿Cuál de estos juegos tradicionales el que menos prácticas, las canicas, el baile del trompo, la rayuela, saltar la cuerda, los tasos, hacer volar la cometa?

¿Qué te gusta más jugar a los juegos tradicionales o jugar en el celular?

Donde muestre dichos juegos y así se logre entender cuáles son los juegos que son practicados con mayor frecuencia, de acuerdo con las edades mencionadas, en sí saber cuál es el juego tradicional que se practica con más fuerza y cuál es el juego tradicional que no tiene tanta relevancia en la zona. El lugar donde va a hacer instalado las esculturas es un lugar donde anteriormente se practicaban los juegos y que hoy en la actualidad esta remodelada. Después de realizar las encuestas empezaremos con la tabulación para de ver los resultados. Y empezaremos con la creación de las esculturas representativas de los juegos que se practican con mayor fuerza, se realizará una sesión fotográfica de cómo es su desarrollo de cada uno de los juegos y tendrán una ficha técnica que tendrá lo siguiente:

Nombre científico de dicho juego. La característica principal que más resalta. El mes que se practica el juego. La edad que mayor tiempo dedica a su práctica.

Esta ficha ayudará a saber algunos interrogantes que no sabemos, las esculturas tendrán un estudio artístico para respetar los cánones establecidos en el mundo del arte, se realizará de fibra de vidrio, para garantizar así una mayor durabilidad del producto final. Se realizará un pequeño conversatorio con los moradores más cercanos a la ubicación de las esculturas, para darles algunos tips que ayuden a la conservación de éste, para que no permitan que la gente destruya estas esculturas.

3. RESULTADOS Tabla 1: Cantidad de personas que practican los juegos tradicionales en La Esperanza en el mes de febrero Juegos

Niños

Adultos

Tercera edad

Las canicas

El trompo

Los tazos

La Cometa

Saltar la soga

Carrera de sacos

La rayuela

El yoyo

El balero

Fuente: Elaboración propia

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

147

Gráfico 1: Cantidad de personas que practican los juegos tradicionales en La Esperanza en el mes de febrero Gráfico 1: Cantidad de personas que practican los juegos tradicionales en la esperanza en el mes de febrero

PRÁCTICA DE LOS JUEGOS / FEBRERO NIÑOS

JOVENES

ADULTOS

45 40 35 30 25 20 15 10 5 0

LAS EL CANICAS TROMPO

LOS TAZOS

LA SALTAR CARRERA LA EL YOYO EL COMETA LA SOGA DE SACOS RAYUELA BALERO

Fuente: Elaboración propia Fuente: Elaboración propia

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES 3. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Los han trabajos elaboradosvisualizar nos han permitido si los moradores delpractican algún Los trabajos elaborados nos permitido si losvisualizar moradores del lugar lugar practican algún tipo de juego tradicional en el mes de febrero tipo de juego tradicional realizando en el mes de febrero realizando producto y después un producto fotográfico, y después un realizar una ficha fotográfico, acorde a juego y su mes quemes se practica. realizar una ficha acorde acada cada juego y su que se practica. En base a los resultados obtenidos mediante la encuesta,Enelbase producto fotográfico se realizaron esculturas de fibra de cemento, a los resultados obtenidos mediante la encuesta, el producto para recobrar aquellas memorias fotográfico olvidadas. se realizar esculturas de fibra de cemento, para recobrar aquellas memorias olvidadas.

Los juegos tradicionales han empezado a olvidarse con más frecuencia mediante los resultados Los juegos tradicionales han empezado a olvidarse con más frecuencia mediante los obtenidos seresultados pudo connotar hay un límite deun edad se practican los juegos con mayor obtenidos que se pudo connotar que hay limiteque de edad que se practican los mayor constancia el cual solo es la los jóvenes ya no practican constancia eljuegos cualcon solo es la niñez, los jóvenes yaniñez, no practican estos juegosestos por motivo que les juegos por motivo quela lesllegada da vergüenza, por la llegada de la tecnología, han de los juegos da vergüenza, y también por de lay también tecnología, han decidido olvidarse decidido olvidarse de los juegos para meterse mas en el mundo digital, este ha sido uno para metersedemás en el mundo digital, éste ha sido uno de los factores mas primordiales que los factores mas primordiales que afectan a dichos juegos , pero lo que se puede afectan a dichos juegos, pero lo no que se puede esque que los juegos nopoco dejarán de existir resaltar es que los juegos dejaran de existirresaltar por motivo la tecnología es un por motivo que la tecnología esyun poco restringida en los estos niñosjuegos. y es esta edad restringida en los niños es esta edad la que aun practica Creo que hayla que aun pracalgo importante de estos juegos tradicionales queestos no sejuegos pueden tradicionales descartar tica estos juegos. Creo queacerca hay algo importante acerca de que no se simplemente como nostalgia en tonos sepia y teñidos de rosa. Y creo que es el momento pueden descartar simplemente como nostalgia en tonos sepia y teñidos de rosa. Y creo que es adecuado para revisar estos juegos y darles nueva vida. Hay algo maravillosamente el momento reducido adecuado para revisar y darles nueva vida. Hay algo maravillosamente y autosuficiente en estos muchosjuegos juegos tradicionales. Rara vez necesitan equipo. reducido y autosuficiente en muchos juegoslugar tradicionales. Muchos pueden jugarse en casi cualquier y pueden hacerRara frentevez a unanecesitan amplia gamaequipo. Muchos de edades, habilidades y números de jugadores (una vez vi a dos hermanos jugar gama al pueden jugarse en casi cualquier lugar y pueden hacer frente a una amplia de edades, habilidades y números de jugadores (una vez vi a dos hermanos jugar al escondite durante unos quince minutos en una recepción del centro de ocio de cinco metros por cinco áreas.) Y las re10 glas pueden adaptarse infinitamente, siempre y cuando se respete el sentido del juego limpio.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Acuña, K. (2013). Clasificación de los Juegos Tradicionales. Recuperado 18 enero de 2019, de blogspot.com Sitio web: http://juegostradicion.blogspot.com/2013/02/clasificacion-de-los-juegos.html

148

Aranda, A. (2011). Medios de comunicación y pérdida de cultura., recuperado el 3 de noviembre de 2018 de blogspot Sitio web: http://mediosdecomunicacionyperdidadecultura. blogspot.com/

Arkiplus (2015). Historia de la escultura. Recuperado 18 de enero de 2019, de arkiplus.com Sitio web: https://www.arkiplus.com/tag/escultura/

Blanco, V. (2012). Clasificación de los Juegos. Recuperado 08 de enero de 2019, de wordpress.com Sitio web: https://actividadesludicas2012.wordpress.com/2012/11/12/clasificacion-de-los-juegos/

Casabó, V. (2014). ¿Qué es una escultura de bulto redondo? Recuperado 09 de enero de 2019, de http://artpill.blogspot.com Sitio web: http://artpill.blogspot.com/2013/07/ que-es-una-escultura-de-bulto-redondo.html

Casado, J. (2013). Fabricación de una escultura de bronce. Recuperado 09 de enero de 2019, de tecnoblogueando.blogspot.com Sitio web: https://tecnoblogueando.blogspot. com/2013/03/fabricacion-de-una-escultura-de-bronce.html

Dary, L. (2015). Historia De Los Juegos Tradicionales. Recuperado 18 de enero de 2019, de calameo.com Sitio web: https://es.calameo.com/accounts/4239283

General, J. (2011). Definición de Juego. Recuperado el 18 de enero de 2019, de conceptodefinicion.de Sitio web: https://conceptodefinicion.de/juego/

Guartatanga, D. y Santacruz., C. (2010). Juegos tradicionales como mediador del desarrollo socio-afectivo (tesis de grado). Universidad de Cuenca. Recuperado el 3 de noviembre de 2018 de https://repositorio.espe.edu.ec/bitstream/21000/11234/1/T-ESPE-049408.pdf

Hill, W. (1976). Teorías Contemporáneas del Aprendizaje; Paidós. Buenos Aires. Recuperado 18 de enero de 2019 de https://www.jstor.org/stable/40199440?seq=1#page_scan_tab_ contents

Losada, C. (2011). Talla de madera: características y usos. Recuperado 09 de enero de 2019, de over-blog.es Sitio web: http://cruz.losada.over-blog.es/article-talla-madera-caracteristicas-usos-85904888.html

Medina, J. (2013). EL RELIEVE EN LA ESCULTURA. Recuperado 11 de enero de 2019, de http://granadaluzcoloryliteratura.blogspot.com Sitio web: http://granadaluzcoloryliteratura.blogspot.com/2013/01/el-relieve-en-la-escultura.html

Movsichoff, P. (2005). A la una sale la luna. Juegos tradicionales infantiles. Buenos Aires: Del Sol. Recuperado el 11 de noviembre de 2018 de http://books.google.es/books?id=e1gBgh0w5f8C&printsec=frontcover&dq=A++la+una +sale+la+luna:+juegos+tradicionales+infantiles&hl=es&sa=X&ei=Rd3gUqnAGfH7Abnq4CQDg&ved=0CDIQ6AEwAA#v=onepage&q&f=false

Pertuz, F. (2010). Arte y Espacio Público. Recuperado 18 de enero de 2019, de http://esferapublica.org Sitio web: http://esferapublica.org/nfblog/arte-y-espacio-publico/

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

149

Revista Arqhys. (2016). Tipos de esculturas. Equipo de colaboradores y profesionales de la revista, recuperado 18 de enero de 2019, de ARQHYS.com Sitio web: https://www.arqhys. com/esculturas.html.

Shiller, P. (2007) Educando con el juego. Editorial bruña 1° edición recuperado el 04 de diciembre de 2018 de https://www.casadellibro.com/libros-ebooks/pam-schiller/79215

Revista Arqhys. (2016). Tipos de esculturas. Equipo de colaboradores y profesionales de la revista, recuperado 18 de enero de 2019, de ARQHYS.com Sitio web: https://www.arqhys. com/esculturas.html.

Yagüe Sanz, V. (2002). Juegos de ayer y de siempre. Madrid Gymnos recuperado el 13 de noviembre de 2018 de https://www.researchgate.net/publication/316112729_JUEGOS_Y_ DEPORTES_POPULARES_TRADICIONALES_Y_AUTOCTONOS_DE_LA_PROVINCIA_DE_SEGOVIA_EN_EL_ENTORNO_EDUCATIVO_REFLEXION_TEORICA_Y_APLICACION_EN_LA_ESCUELA_RURAL

14 Procesos pictóricos fotográficos referentes a los seres mitológicos en leyendas de la laguna de Cuicocha, Cantón Cotacachi, Provincia de Imbabura

Zaira Daniela García Valencia Universidad Técnica del Norte

Abstract: This research shows the process of creation of pictorial-photographic works to rescue the transcendental values of the legends of the mythological beings appeared in the Cuicocha lagoon, in the Imbabura province. The myths and legends arise with the emergence of the first civilizations in antiquity to explain the natural phenomena attributed to human beings, rescuing the information of the legend “El Barquero Federico”. The research methodology is descriptive, taking as tools interviews, information gathering and a field study. As results of this research can be considered that the myth is a type of belief established, usually through several generations, in relation to certain improbable and surprising facts, which can also be represented by photography and painting that also shows how the soul of human beings, gods and goddesses changes through time, history, as art and social thought change.

Keywords: Mythology, legend, beliefs, art

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

153

Procesos pictóricos fotográficos referentes a los seres mitológicos en leyendas de la laguna de Cuicocha, Cantón Cotacachi, Provincia de Imbabura Pictorial-photographic processes relating to mythological beings in legends of the Cuicocha lagoon, Cotacachi city, Imbabura province

Zaira Daniela García Valencia Universidad Técnica del Norte zdgvalencia@gmail.com

Resumen: La presente investigación, muestra el proceso de creación de obras pictóricas - fotográficas para rescatar los valores trascendentales de las leyendas de los seres mitológicos aparecidos en la Laguna de Cuicocha, en la provincia de Imbabura. Los mitos y leyendas surgen con la aparición de las primeras civilizaciones en la antigüedad para explicar los fenómenos naturales atribuidos a seres sobre humanos, rescatando la información de la leyenda “El Barquero Federico”. La metodología de la investigación es de carácter descriptivo, tomando como herramientas las entrevistas, recopilación de información y un estudio de campo. Como resultados de esta investigación se puede considerar que el mito es un tipo de creencia establecida, habitualmente a través de varias generaciones, con relación a ciertos hechos improbables y sorprendentes, que además se lo puede representar mediante la fotografía y la pintura que muestra también cómo cambia el alma de los seres humanos, dioses y diosas a través del tiempo, la historia, al igual que cambia el arte y el pensamiento social.

Palabras clave: Mitología, leyenda, creencias, arte

154

1. MARCO TEÓRICO La tradición oral tiene una gran relevancia en la transmisión de los saberes de las culturas, relacionando el reconocimiento de un sector y la conservación de sus saberes. Desde la antigüedad ha existido la tradición oral, convirtiéndose muchas veces en la única manera de difundir sus costumbres. Por mucho tiempo, la cultura oral ha sido calificada como una cultura más expresiva, convirtiéndose así en una de las características que ha servido como ayuda para definir a la tradición oral como popular. (El Telégrafo, 2015) Gracias a la oralidad se entablan relaciones de intercambio con los demás. Sobre la trascendencia de la tradición oral, Eric Alfred Havelock, filósofo, afirma que el ser humano natural no es escritor, ni lector, sino hablante y oyente. La necesidad social y personal de comunicarse existe desde que se plantearon las intercomunicaciones personales y comunitarias, dicha necesidad aparece en la antigüedad con el motivo de comunicarse a través de instrumentos de comunicación. El lenguaje y la escritura son considerados como antiguos instrumentos de comunicación oral y escrita, sometidos a limitaciones de espacios y lugar, así también de transmisión mediante la distancia entre el emisor y el receptor. (Pérez, 2011) A partir de su surgimiento hace muchos años, conjuntamente con la especialización de la mano y el desarrollo del cerebro, la expresión oral es una parte indispensable de la condición humana; desde ese entonces el hombre sintió la necesidad de comunicarse, logrando así el desarrollo de la laringe y el cerebro, esto representó la aparición de la expresión oral, lo cual permitió una mayor comprensión y el desarrollo de la comunicación, que hasta en la actualidad uno de los factores más fundamentales que dirigen a la sociedad, permitiendo al hombre desarrollarse y vivir en ella. (Pérez, 2011)

1.1. Los momentos mitológicos y sus diferentes apariciones La mitología se encuentra íntimamente ligada entre sí, esto depende de las épocas, de los territorios y, sobre todo del hecho de que existen y preceden de otras, a veces de pueblos muy distintos, diferenciados entre sí por evoluciones más desarrolladas o influencias de otras creencias. La mitología en griego significa “tratado de la falsedad” o de la mentira, este concepto es inexacto porque si bien es cierto son relatos fantásticos, su análisis cuidadoso demuestra que encierran verdades permanentes y valederas. (Compañía Internacional Editora, S. A., 1997) El hecho mitológico, es ahistórico ya que sucede en un tiempo que no tiene relación con el real, está caracterizado por la presencia constante de la divinidad entre los hombres dando origen a un vivir feliz, sin miedo a la muerte, a la vejez, a la enfermedad. El tiempo, las condiciones de vida y la diversidad de pueblos encierran una inmensa variedad de historias mitológicas, sin embargo, la universalidad del hombre es una sola y por más diferencias existentes siempre habrá algo en común por esto es que se encuentra similitudes mitológicas, figuras que hacen referencia al cielo, al mar, a la tierra, a la vida, a la muerte, etc. (Compañía Internacional Editora, S. A., 1997). En la actualidad es causa de discusión las creencias humanas que intentan explicar el mundo exterior y es aquí donde tanto la mitología como la religión tratan de justificar el pasado, el presente y el futuro. El arte imagina a las sirenas en una forma parecidas a las Harpías, con alas y garras de ave, o con todo su cuerpo de ave y rostro de mujer o también figura de mujer de la cintura para arriba, sosteniendo en sus manos instrumentos musicales, una implicación importante ha tenido el

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

155

arte en todas sus expresiones, no obstante, los artistas no siempre muy versados en el conocimiento de la mitología, han incurrido en algunas confusiones entre las divinidades que acompañaron a los dioses. Las Ninfas por ejemplo muchas veces se confunden y pasan relativamente inadvertidas como simples pero bellas compañeras de los dioses mayores, pero son personajes importantes que libraron acontecimientos mitológicos teniendo como escenario el mar, estas divinidades han sido representadas en todos los estilos y en todos los tiempos. A través de las aventuras vividas por Ulises en la novela griega La Odisea, se conoció la historia acerca de las Sirenas, las mismas que deberían ser contada como deidades marinas porque ellas atraían con sus dulces cantos a los navegantes que pasaban por donde ellas habitaban para serles perecer estrellando sus embarcaciones en las rocas. (Escobedo, 1980) Las leyendas son consideradas unos relatos que cuentan hechos humanos y sobrenaturales, que han sido contados por generaciones, transmitidos de manera oral, escrita, dentro de un pueblo o región específicos. Estas generalmente cuenta hechos sobrenaturales, milagrosos, sobre criaturas ficticias, mucha gente las considera creíbles, intentando con esto posicionarla en el tiempo, relata hechos sucedidos en un tiempo y un lugar impreciso, mezcla sucesos tradicionales relacionados con criaturas imaginarias, animas, incluso con personajes, al ser relatos transmitidos de generación en generación, cada oyente luego de haberla escuchado, la vuelve a transmitir a su propia manera, con sus propios recursos narrativos, agregando o quitando descripciones. (Eldredge, 2010) Se encuentra fuertemente relacionada con la cultura popular, las tradiciones de los pueblos, su religiosidad, su identidad. La leyenda se caracteriza por poseer un tiempo y un lugar, es decir ocurre en un momento específico y está ligado a un lugar determinado. Cuenta con ficción, suele presentar seres fantásticos como hadas, brujas, ángeles, bestias, etc., que son considerados protagonistas; tiene un objetivo principal, cuya meta es darle sentido a una cultura, relevando sus orígenes, costumbres y algunos rituales.

1.2. El origen de la Laguna de Cuicocha La Laguna de Cuicocha es una laguna de origen volcánico ubicada en la parroquia Quiroga del cantón Cotacachi, provincia de Imbabura, se originó hace aproximadamente 3000 años con la erupción del volcán Cotacachi. Consta con un profundo cráter volcánico de 4 kilómetros de largo, 3 de ancho, y 200 metros de profundidad. Sus aguas de color azul intenso están constituidas por los deshielos del Cotacachi y por vertientes que fluyen subterráneamente, su temperatura media es de 7º C. (La Geoguía, 2016). El nombre simbólico de Cuicocha es “Poza de Dios”, custodiado por el sabio “Félix Cushcagua” las personas que conocen los mitos y las historias en estas comunidades indígenas los llaman magos, genios, y son muy respetados en estos pueblos. Esta laguna es el sitio sagrado donde los dioses (masculinos y femeninos) bajan y suben a tomar agua. Pukara (Islote) es una loma especial donde generalmente procesan rituales de paso, de iniciación, de poder o de magia, hay dos Pukaras en la laguna de Cuicocha, Hatun Pukara (Grande) y Uchila Pukara (Pequeño), estos lugares toman también el nombre de “Millay Pushtu” (Sitio bravo o de coraje), es una energía especial que todas las personas poseen en menor o mayor intensidad y sirve para provocar la conexión con el mundo interior de conciencia. Por lo tanto “El Canal de los Ensueños” se halla entre dos Pukaras y es el sitio donde fluye la energía neurálgica de Cuicocha. Esta misteriosa Laguna cuenta con varias historias, sobre su origen, sus habitantes, entre otros.

156

Un ejemplo de esto es una popular leyenda que cuenta que “El volcán era hijo del Rucu (viejo) Pichincha y del Cotacachi o Huarmi Huasi (cerro hembra). Un día se pelearon las dos montañas y el padre se llevó al hijo (se dice que es el Guagua Pichincha) que estaba junto a su madre. En el sitio solo quedó un hueco que después se transformó en una laguna por las lágrimas de la progenitora”. (Imbabura de mi vida , 2012). Otro origen que se le atribuye a esta Laguna es que “Cuicocha en lenguaje kichwa significa laguna de los cuyes, porque los incas depositaron estos animales en los islotes”, menciona Eduardo Chávez, quien es guía y uno de los motoristas de las lanchas turísticas. También existe la leyenda del Cuy Dorado, que indica que “la primera persona que lo veía se volvía rico y la segunda se transformaba en un pato. Quizás por eso actualmente hay decenas de estas aves que nadan plácidamente en el espejo de agua”. En el canal de los ensueños, a unos pocos metros esta la cueva donde “Las Vírgenes del sol” visitaban en fechas especiales para realizar Ritos a los Incas, llenarse de las bondades energéticas de la laguna, pues los Dioses que visitaban el planeta se bañaban aquí; así como también pedir por las abundantes cosechas, en la parte de abajo esta la gruta de Santa Ana, que es abierta al público una vez al año, cuando se hace una peregrinación. Los Chamanes de la localidad siguen realizando los Ritos en la laguna, para lo cual hay que cruzar en lancha a motor, a uno de los bordes alejados de la laguna. (Imbabura de mi vida , 2012)

1.3. Las creencias aborígenes y su impacto en la actualidad Una creencia puede considerarse un paradigma cuya base es la fe, por cuanto no existe una demostración absoluta, un fundamento racional o empírico que lo compruebe. (Pérez & Merino, 2010); Se desarrolla a partir de las propias convicciones y valores, es decir una creencia nace desde el interior de las personas, pero también está muy influenciada por factores externos como: el entorno social la familia, grupos dominantes, etc. Está asociada con un estado de la mente en el que una persona tiene como verdad el conocimiento o la experiencia que tiene acerca de un suceso o cosa, Las creencias pueden contener componentes míticos los cuales serán utilizados para asociar fenómenos cósmicos, religiosos, pero también hay creencias no míticas sino racionalizadas, pero esto no significa que sean verdaderas. Han existido en la dimensión espiritual de la vida desde tiempos inmemoriales, tanto que muchas sociedades han dejado pruebas históricas de sus creencias, por así citar esta la adoración del sol, de los dioses y diosas, del conocimiento del bien y del mal o de lo sagrado. (Pérez & Merino, 2010). Fundamentalmente las creencias son ideas memorizadas acerca de cómo es el mundo, y cómo debemos actuar, tienen mucha influencia sobre nuestra identidad, independientemente de la religión. Las creencias marcan la vida del ser humano, varían de acuerdo con el entorno y educación recibida, las creencias de los humanos nos tienen la misión de ser lógicas, dado que su valor es absolutamente subjetivo. Los pueblos andinos en la antigüedad dependían de la naturaleza, de sus poderes y fuerza, debido a que creían a que seres sobrenaturales controlaban estos fenómenos. Creando así algunas hipótesis de cómo concibieron y explicaron el mundo, los accidentes geográficos y los fenómenos naturales, mediante estos otorgaron sentido y significado al entorno natural en el que vivieron, “las ideas que tuvieron sobre el mundo, la naturaleza y el ser humano, fueron referidos mediante creencias, narraciones míticas, ceremonias, todo esto plasmado en imágenes. En estas expresiones se puede distinguir a las fuerzas y componentes naturales, simbolizados como dioses”. (Limón Olvera, 2006)

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

157

El agua fue el elemento más relevante y divinizado en la región andina, por ser necesaria para la vida del ser humano y para la agricultura, que fue la actividad primordial para los pueblos de ese entonces. La variedad de grupos andinos en el trayecto del tiempo, dieron un significado exclusivo al agua, ya sea que provenga de la lluvia, de manantiales, ríos, lagos, lagunas o del mar, y le otorgaron un carácter divino ya que fue considerada como el origen de la fertilidad, de igual manera se cree que su existencia proviene de las diferentes deidades, por ejemplo, el dios creador Cuniraya al arrojar una flor abría una acequia, los dioses se enfrentaban y esto dio como resultado la creación de los lagos. En la cordillera habitaban los grupos que encarnaron a la lluvia en la figura de un dios que la controlaba. A partir de la antigüedad hasta la actualidad, las comunidades consideran a las montañas, en especial a las más altas, llamados Apu, como el lugar de residencia de sus ancestros, estas entidades protectoras estuvieron relacionadas con la lluvia que regaba los campos de cultivo, es por esto que los montes y las cuevas fueron idolatrados con importantes cultos religiosos. (Limón Olvera, 2006). Por otro lado, los habitantes de la costa, consideraron al mar sagrado por ser proveedor de alimentos. A través de la iconografía en el arte andino se mostró la relevancia de este elemento natural, ya que se realizaron diferentes formas y elementos, en distintos tipos de estilos y técnicas, siendo representado con ganchillos y líneas paralelas. Así también, sobresalen la cantidad de animales marinos, la gran mayoría antropomorfos, con características de riqueza, elevando así el entorno sobrenatural, los pueblos andinos dieron al agua una interpretación religiosa, los grupos que habitaron el territorio litoral concibieron la idea de la existencia de dioses marinos, estos representaban la esencia sagrada del mar, de sus habitantes de los cuales eran dueños, en la costa sur del Perú, en la región de Paracas, constan representaciones de peces con fisonomías humanas, que son encontrados en textiles mortuorios, estos sirvieron para cubrir los cuerpos de las personas que fallecían, aproximadamente en los años 500 a. C. a 400 d. C. (Limón Olvera, 2006)

2. METODOLOGÍA La investigación es de carácter exploratoria y descriptiva, se trabaja con el método científico, que consiste en la serie de etapas que se debe recorrer para conseguir un conocimiento valido desde la parte científica, permitiendo así disminuir la influencia subjetiva en el proyecto propuesto. Los métodos de investigación están compuestos de procedimientos prácticos con el objeto y los medios de investigación, permitiendo mostrar las características fundamentales y relaciones primordiales del objeto, estos son accesibles a la contemplación sensorial. Como técnica de investigación se utiliza la encuesta que hace uso de la recopilación de información, manteniendo un diálogo abierto con preguntas directas a personas que conozcan y puedan aportar información al tema de búsqueda, con la finalidad que la información obtenida aporte de manera directa a la propuesta de trabajo planteada.

3. RESULTADOS Para el desarrollo del trabajo de investigación, se realizaron entrevistas con preguntas directas, gracias a las entrevistas realizadas se obtuvo más información acerca de las leyendas, las tra-

158

diciones y costumbres que existen en el cantón Cotacachi. Se entrevistó al director de cultura del municipio de Cotacachi, el Licenciado Lenin Alvear, quien aportó de manera significativa la investigación a desarrollar, pues es él quien sabe de cómo fueron los mitos y los ritos antiguos en la laguna de Cuicocha. Además, se mantuvo una conversación abierta con los lancheros de la laguna de Cuicocha, pues son ellos los que saben, escuchan y ven, todo lo que pasa en este sitio, a pesar de que su información acerca de estas leyendas tiene mucha fantasía. Es muy necesario recolectar todo tipo de información, ya que, al ser un tema de mitología, es válido tener bibliografía científica como libros y artículos, pero también es necesaria la tradición oral, aquello que se conservó desde la antigüedad hasta la actualidad, para mantener una historia de nuestros pueblos. Para la ejecución de la propuesta artística fue necesaria la técnica de la observación de campo, debido a que se puede establecer la necesidad de conocer y dar a conocer sobre las leyendas de la laguna de Cuicocha, sobre los seres mitológicos que pertenecen a este sector. Al estar en contacto directo con el entorno establecido para realizar la propuesta artística, se puede generar ideas y crear nuevas propuestas, ya que al representar una leyenda se debe mantener las mismas características con la cual se conoce esta historia, pero además el aporte artístico y creativo debe estar presente en este trabajo, es por esto que se ha recopilado información de imágenes, cuentos, ilustraciones, para así saber cómo representar a esta leyenda, y que así los moradores del sector puedan reconocer fácilmente esta leyenda, que ayudará en el aspecto turístico, en el aprendizaje y en la conservación de nuestras costumbres. Como principal resultado se encontró el libro “Retazos de la vida de mi Pueblo” del escritor cotacacheño Plutarco Cevallos Guerra, este libro recopila las leyendas más relevantes del cantón Cotacachi, para así fortalecer la investigación propuesta y la creación artística, Para la creación artística se tomó como referencia la leyenda de “El barquero Federico”, esta historia cuenta sobre las aventuras que vivió el barquero Federico, sus amoríos y su muerte. La infidelidad y los celos fueron causantes de su asesinato, su cuerpo fue enterrado en la orilla de la laguna cerca del muelle, para así evitar otra muerte similar. La historia continua con la aparición de una sirena que nada por el “El Canal del Ensueño”, los nativos de la zona describen a la sirena como una mujer de mirada enigmática, además, dicen que en las noches sale del fondo de la laguna una sirena que grita: Federico… Federico… pero que nadie responde y que solo él eso deja escuchar su voz en el paisaje epónimo, huyendo hacia los montes. Este libro sirvió de inspiración para realizar esta investigación acerca de esta mitología encontrada en la Laguna de Cuicocha es así que lo que se propone como muestra artística se ha planteado el uso de la fotografía y la pintura, en la fotografía se mostrará las escenas narradas en la leyenda de “El barquero Federico” esta historia cuenta que una sirena nada por el “El Canal de los Ensueños”, este canal separa a los dos islotes o pukaras, que se formaron tras la erupción volcánica hace miles de años, convirtiéndolo en un lugar sagrado donde fluye la energía. Los moradores del sector describen a la sirena como una mujer de mirada enigmática. Cuentan que en las noches de luna aparecen en la laguna seres fantásticos vestidos con tules rojos, amarillos y blancos, que recorren la laguna en barcas doradas y al rumor de las olas estas mujeres diosas desaparecen, perdiéndose por un sitio que dicen es la puerta encantada del palacio de las ninfas. Aseguran también que a la media noche se oye alegres sinfonías y coros, sin duda son las Ninfas y Nereidas que habitaban en la laguna, por todo esto se dice que las aguas de esta laguna son bravas y escoden muchos misterios. (Cevallos, 1993). A la fotografía se considera artística cuando, el autor crea dicha obra con la finalidad de transmitir una emoción o una

coros, sin duda son las Ninfas y Nereidas que habitaban en la laguna, por todo es que las aguas de esta laguna son bravas y escoden muchos misterios. (Cevallos, 1 fotografía se considera artística cuando, el autor crea dicha obra con la finalidad de UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE 159 una emoción o una sensación. Lo más característico de las fotos artísticas es que no sino que de se crean, trasartísticas un proceso de no lluvia ideassino y de ejecución sensación. Lo más característico las fotos es que se de toman, que se crean,del trabaj y dedepende cómo logra y plasmar la im tras un proceso de lluviadepende de ideasdey la decreatividad ejecución del delfotógrafo/a, trabajo, mucho de ejecutar la creatividad del fotógrafo/a, y de cómo logra ejecutar y plasmar la imagen. Figura Figura11

El proceso de creación de artística no ocurre por casua que se necesita un buen dom técnica, capacidad de observa más importante, reflexión concepto propuesto que s difundir.

Así también, se debe tener la de reaccionar, puesto que muc las fotografías no resultan ser Fuente: Autora Fuente: autora las pensó, pero ahí es donde nuevo concepto, una nueva idea, en la que se debe adaptar y mejorar. (FOTODESIN

El proceso de creación de una foto artística no ocurre por casualidad, ya que se necesita un buen dominio de la técnica, capacidad de observación y lo más importante, reflexión sobre el concepto propuesto que se desea difundir. Así también, se debe tener la capacidad de reaccionar, puesto que muchas veces las fotografías no resultan ser como se las pensó, pero ahí es donde surge un nuevo concepto, una nueva idea, en la que se debe adaptar y mejorar. (FOTOPor lo tanto, la fotografía ar DESING, 2016) Figura 2 creativa muestra la subjetiv que no solo es una fo Figura 2 agradable a la vista, sino q fotografía transmite algo, ge sentimiento en quienes la v expresión artística es la mue carácter creativo de su autor.

Fuente: La Autora Fuente: autora

El escritor estadounidens Steinbeck decía que “la fo podía ser una extensión de la del corazón, y sería tan buena hombre la que la hiciera”.

Por lo tanto, la fotografía artística muestra la subjetividad, ya que no así solo fo-simbólico En la pinturaosecreativa mostrará diferentes texturas visuales, para daresununa valor tografía agradable a la vista, sino que esta fotografía transmite algo, genera un sentimiento en esto se realizará con la técnica de pintura acrílica liquida, pintura fluida o fluid paint quienes la ven, esta expresión artística es la muestra del carácter creativo de su autor. técnica se puede emplear sobre diferentes bases de apoyo, como: lienzo, papel, tela. manera, se puede aplicar de distintas formar como la del goteo o el vertido. (Manu El escritor estadounidense John Steinbeck decía que “la fotografía podía ser una extensión de Facilisimo, 2017). Los materiales para realizar la pintura fluida son: pintura acrílica, sil la mente y del corazón, y sería tan buena como el hombre la que la hiciera”. En la pintura se spray, resina o goma floetrol, agua, una base de soporte y recipientes para mezclar. mostrará diferentes texturas visuales, para así dar un valor simbólico al agua, esto se realizará

La pintura acrílica es una pintura que cuenta con una base aglutinante, por lo tanto, las o las colas vinílicas, son las que crean una capa elástica y estable. Esta cola se adhiere

160

con la técnica de pintura acrílica liquida, pintura fluida o fluid painting. Esta técnica se puede emplear sobre diferentes bases de apoyo, como: lienzo, papel, tela. De igual manera, se puede aplicar de distintas formar como la del goteo o el vertido. (Manualidades Facilisimo, 2017). Los materiales para realizar la pintura fluida son: pintura acrílica, silicona en spray, resina o goma floetrol, agua, una base de soporte y recipientes para mezclar. La pintura acrílica es una pintura que cuenta con una base aglutinante, por lo tanto, las resinas, o las colas vinílicas, son las que crean una capa elástica y estable. Esta cola se adhiere bien en variedad de materiales y se trabaja con agua como diluyente. (Manualidades Facilisimo, 2017). Como una ventaja principal de esta técnica, es que tiene un secado rápido. Es fácil de limpiar ya que solo se necesita agua y jabón, además no tiene un olor fuerte, y la realización del trabajo es cómodo. Al realizar esta técnica se logrará conseguir un buen color y calidad, aunque esto también depende de la pintura acrílica que se utilice, o de los pigmentos que se vayan a mezclar. La obra que se presentará en esta exposición cumple con parámetros fotográficos y de pintura, la organización espacial y del pensamiento toma un sentido de la escenificación de acuerdo a las formas de ver, interpretar y representar esta obra, la misma que tiene un estilo de escenificación de las instalaciones y montajes museográficos, que se presentará en el Centro Cultural “El Cuartel” de la ciudad de Ibarra, en la Sala 6. Esta sala ha sido escogida por su espacio y por sus elementos, su elemento principal es la Torre, con esto se quiere destacar el misterio que tiene este lugar, aprovechando este espacio, se ha pensado ubicar un audio, o un video art, que pueda recrear el ambiente de la Laguna de Cuicocha. Se mantendrá el color blanco de las paredes de la sala, para que así el color de las obras pueda sobresalir, y tener un enfoque especial. Así también las fotografías y las pinturas, tendrán un equilibrio con el entorno. Es importante tomar en cuenta la revelación y concienciación del valor del patrimonio, el entusiasmo y la necesidad de redescubrir la propia cultura que impulsaron a través de las leyendas y mitologías, en ejercicio de una labor de consolidación de los patrimonios literarios y artísticos. Así se representa está instalación, con los diferentes esquemas de presentación, iluminación, así como la climatización de salas y el control de la contaminación.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES La mitología se ha implantado en nuestra sociedad como algo tradicional en la vida de las personas. A algunos les puede agradar, a otros quizás les desagrade, pero es importante manifestar que según miremos a nuestro alrededor podemos darnos cuenta que la mitología (en su mayor parte griega y romana) nos sigue en el día a día en nuestra sociedad. Toda cultura alberga una tradición mítica. Según Georges Dumézil: “Un país sin leyendas se moriría de frío. Un pueblo sin mitos está muerto”. Desde siempre, “los mitos viven en el país de la memoria” (Marcel Detienne). Es decir, pertenecen a la memoria comunitaria y, como señaló el antropólogo Malinowski, ofrecen a la sociedad que los alberga, venera y difunde “una carta de fundación” utilitaria. Son, en sus orígenes, las fundamentales “historias de la tribu”; ofrecen a sus creyentes una interpretación del sentido del mundo. (Gual, 2012) La riqueza de elementos contenidos en estas historias ilustra sobre los momentos clave, por los que de cualquier manera, atraviesan todos los hombres en su evolución, y su simbología implica naturalmente la referencia a las fuerzas centrales que animan la vida humana en sociedad: las figuras del padre y la madre que son, también, las de las divinidades supremas masculinas y femeninas, tanto en su versión pagana como vinculadas a los distintos credos religiosos. Se

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

161

concluye en este estudio que la importancia de las leyendas y su legado en la educación es de mucha importancia, la creación de nuevas ideas y presentaciones que representen esta simbología que se ha introducido en la vida y en la mente de los individuos; en tal sentido a través del arte se puede visualizar diferentes posiciones que la humanidad ha vivido por medio de las leyendas y mitologías.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Cevallos, P. (1993). El Barquero Federico. En Retazos de la vida de mi pueblo (págs. 51-58). Quito: Casa de la Cultura Ecuatoriana.

Compañía Internacional Editora, S. A. (1997). Temática ciesa. Barcelona: Editorial Marín, S. A.

Escobedo, J. C. (1980). Enciclopedia completa de la Mitología. Barcelona: Editorial De Vecchi, S. A.

Limón Olvera, S. (2006). Entidades sagradas y agua en la antigua religión andina. Latinoamérica. Revista de Estudios Latinoamericanos, (43), 85-111.

Eldredge, G. (2010). Un país lleno de leyendas. Quito: Ecuador.

El Telégrafo. (3 de Mayo de 2015). El valor de la tradición oral. Obtenido de eltelégrafo: https://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/sentires/1/el-valor-de-la-tradicion-oral

FOTODESING. (30 de Marzo de 2016). ¿Qué es la fotografía artística? Obtenido de FOTODESING Escuela Internacional de Fotografía y Moda: http://www.fotodesign-chile.com/ que-es-la-fotografia-artistica/

Gual, C. G. (24 de 11 de 2012). https://elpais.com/cultura/2012/11/20/actualidad/1353428891_244120.html. Obtenido de https://elpais.com/cultura/2012/11/20/actualidad/1353428891_244120.html.

Imbabura de mi vida . (26 de Enero de 2012). Leyendas de Imbabura . Obtenido de Imbabura de mi vida : http://provinciadeloslagos.blogspot.com/2011/09/leyendas-de-mi-provincia.html

La Geoguía. (7 de Marzo de 2016). Laguna de Cuicocha . Obtenido de Laguna de Cuicocha / Imbabura / ECUADOR: http://www.lageoguia.org/laguna-cuicocha-imbabura-ecuador/

Manualidades Facilisimo. (2017). Técnica de acrílicos fluido / cuadro abstracto. Obtenido de Manualidades Facilisimo: https://manualidades.facilisimo.com/tecnica-de-acrilicos-fluido-cuadro-abstracto_2246711.html

Pérez, J., & Merino, M. (2010). Definición de Creencia. Obtenido de Definición.de: https:// definicion.de/creencia/

Pérez, Y. M. (Julio de 2011). La oralidad como expresión de la cultura popular tradicional en la comunidad la Josefa en Caonao. Obtenido de Contribuciones a las Ciencias Sociales : http://www.eumed.net/rev/cccss/13/mpla.htm

15 Creación e investigación de una propuesta artística con descomposición de hongos para el análisis de la belleza efímera

Elizabeth Johanna Morán Cabrera Universidad Técnica del Norte

Abstract: Nowadays there are several studies about how to restore Works of art and avoid the proliferation of microorganisms with the final purpose that they are preserved for extended times and conserve correctly the qualities of the artwork. Similarly practices like the land art that uses elements of nature as the means to the artistic product which is subject to climatic changes and natural erosions. The objective of the present investigation is to create a series of artistic works based on the decomposition of fungi to understand concepts about ephemeral beauty, observing the natural aesthetics within the Fungi Kingdom. It is a qualitative research and hermeneutic carácter, in which it is used the method of artistic exploration for the realization of the artistic works in a search to discover the aesthetic power through the footprint generated by the fungus and reflections on ephemeral beauty and decomposition. Through the documentary bibliographic method data is collected around the main notions of ephemeral beauty inside Imbabura and determine what will be the technical processes of decomposition of fungi for artistic creation to establish a conceptualization of the decomposition in the artistic field. In addition to the tools of direct observation and the interview that allow us to understand some meanings social issues around the mushrooms in the province, allowing new concepts of art in society of this place in contrast to the supports and traditional elements of works of art. The investigation concludes that the decomposition is invasive, uncontrolled; that ephemeral beauty becomes the element to sublimise nature in all its stages and that in Imbabura the mushrooms are conceived as magical or mystical.

Keywords: Descomposition, beauty, fungi, art, Imbabura.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

165

Creación e investigación de una propuesta artística con descomposición de hongos para el análisis de la belleza efímera Creation and research of an artistic proposal with fungal decomposition for the análisis of ephemeral beauty

Elizabeth Johanna Morán Cabrera Universidad Técnica del Norte ejmoranc1@utn.edu.ec

Resumen: En la actualidad existen numerosos estudios sobre como restaurar las obras de arte y evitar la proliferación de microorganismos con el fin de que se preserven durante tiempos extensos y conservar de manera correcta las cualidades de las obras de arte. De igual forma prácticas como el land art que usa los elementos de la naturaleza como el medio para el producto artístico la cual está sometida a los cambios climáticos y a las erosiones naturales. El objetivo de la presente investigación es crear una serie de obras artísticas en base a la descomposición de los hongos para comprender conceptos sobre belleza efímera, observando las estéticas naturales dentro del Reino Fungí. Es una investigación de corte cualitativo y de carácter hermenéutico, en la que se usa el método de exploración artística para la realización de las obras en una búsqueda de descubrir la potencia estética a través de la huella que genera el hongo y reflexiones en torno a la belleza efímera y la descomposición. Mediante el método bibliográfico documental se recolectan datos en torno a las principales nociones de belleza efímera dentro de Imbabura y determinar cuáles serán los procesos técnicos de descomposición de los hongos para la creación artística para establecer una conceptualización de la descomposición en el ámbito artístico. Además de las herramientas de la observación directa y la entrevista que permiten comprender algunos significados sociales en torno a los hongos en la provincia, permitiendo nuevos conceptos de arte en la sociedad de dicho lugar en contraste a los soportes y elementos tradicionales de obras de arte. La investigación concluye que la descomposición es invasiva, descontrolada; que la belleza efímera se transforma en el elemento para sublimizar la naturaleza en todas sus etapas y que en Imbabura se concibe a los hongos como mágicos o místicos.

Palabras clave: Descomposición, belleza, hongos, arte, Imbabura.

166

1. MARCO TEÓRICO El antiarte es un movimiento que surge como una crítica ante el concepto de que la obra de arte solo pertenece a clases elitistas y de poder económico. Rechaza las definiciones de lo que previamente se entendía como arte, además de cuestionarse lo que se considera y comprende como arte. Con el tiempo las formas del antiarte se han aceptado en el mundo del arte como válidas y normales, incluyendo a los movimientos que rechazaban al arte como colecciones prestigiosas. (Helpes, s.f.) Olmedo Burgos (2009) comenta que uno de los movimientos que surge a partir del antiarte fue el dadaísmo, el cual cuestionó las nociones de lo que se considera arte tanto como en la plástica, literatura y poesía. Una forma de vivir que se contrapone al tradicionalismo y a la noción de la belleza eterna. El dadaísmo promovió el cambio, una búsqueda de libertad y la espontaneidad, rechazando el orden y la perfección, y defendiendo el caos y lo imperfecto. El land art es una tendencia artística de la contemporaneidad que usa los elementos de la naturaleza como los materiales para la realización de obras de arte. Es el arte de la construcción del paisaje, que se ubican en espacios abiertos y se someten a las condiciones climáticas y a las erosiones naturales. (Quezada, 2013) Transforma y altera el paisaje en una búsqueda estética que genere emociones en el espectador al enfrentarse con la naturaleza. Realza la relación de que el artista esta enormemente involucrado e influenciado con la naturaleza para la creación de su obra. (El pensante, 2016) Lo efímero se manifiesta en lo que es de corta duración, en las cosas o cuestiones pasajeras, temporales, fugaces y transitorias (Significados, s.f.). La necesidad de la belleza efímera surge como el medio de querer apreciarla antes de que desaparezca, de disfrutarla y contemplarla en ese transcurso del tiempo antes de perderla. La naturaleza contiene unas formas y estéticas efímeras, al ser orgánicas se descomponen o se transforman con el tiempo. Según (Martinez, 2018) El Reino Fungi compuesto por los hongos son organismos eucariotas que se nutren por absorción, se caracterizan porque no entran en el mundo animal ni en mundo vegetal por su constitución celular al poseer paredes celulares que se componen de quitina. Estos organismos poseen la cualidad de descomponer, pueden transformar la materia muerta contribuyendo enormemente en el medio ambiente en el que crecen. Los hongos al no depender de la luz para proliferar pueden crecer en cualquier medio en donde haya humedad. Se adaptan y se desarrollan en superficies acuáticas y terrestres. Se clasifican en saprofitos que dependen de los residuos orgánicos, liquenizados que conviven con una cianobacteria constituyendo un liquen, micorrizógenos que se relacionan con las raíces de un vegetal y parasitarios que invaden el cuerpo de un ser vivo y pueden ser nocivos. (Enciclopedia de Características “Reino Fungi”, 2017) El Reino Fungi contiene una belleza efímera porque al ser despojados de su hábitat y de su entorno comienzan a descomponerse rápidamente, solo pueden ser apreciados en las condiciones y el espacio necesario para su proliferación. Su belleza radica en su morfología que se presenta en una gran variedad, entre ellos los microscópicos que pueden ser unicelulares al agruparse formando cadenas y son llamados levaduras. Además, encontramos los filamentosos o mohos que son compuestos por muchas células, su

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

167

característica es la hifa, un elemento tubular que crece y se ramifica formando un micelio. Las hifas que salen al exterior componen el micelio aéreo que se transforma en un conglomerado dentro del cultivo denominado colonia. Los hongos también elaboran micosis o infecciones en seres vivos mediante mohos o levaduras (Martinez, 2018). Los mohos son hongos que surgen en ambientes cálidos y húmedos, propagándose mediante la expulsión de esporas. Existen una gran variedad de especies que se clasifican en Zygomycota, Basidiomycota, Ascomycota y Phylla. El descubirmiento de los antibioticos se dio por los mohos Penicillium que es conocido como el moho del pan. (Biopedia) El hombre ha estado relacionado con los hongos desde el inicio de su historia, usados de diferentes maneras como son: alimentos, medicinas y alucinógenos. De diversas culturas ancestrales se han encontrado vestigios de que los hongos eran consumidos junto con las setas. Además, con el hallazgo de ropa y vestimenta en descubrimientos arqueológicos se encontró hongos secos que eran usados para encender fuego. Existió una civilización antigua llamada Micénica de hace unos 3500 años, del cual se cree que procede del nombre de una seta. Al igual que la leyenda del griego Perseo cuyo reino fue denominado Micenas, producto de que usó un vaso para saciar su sed, pero en realidad utilizó una seta. Los egipcios ya tenían en cuenta a los hongos y podrían haberse sido utilizados con fines rituales, como así lo demuestra una pintura mural egipcia de la tumba del faraón Amenemhet que data de 1450 a. C. y también recogidos en forma molida en vasijas de las tumbas faraónicas, donde se les suponen fines curativos para realizar el gran viaje del muerto hacia la otra vida. Así mismo, producían pan y cerveza en los que sus procesos de fermentación eran consecuencia de la intervención de hongos microscópicos. (Micomania, s.f.)

Dentro de la gran civilización griega se han encontrado huellas y restos de los múltiples usos de los hongos. Algunos filósofos como Eurípides, Teofrasto y Dioscórides describen en narraciones estudios e historias con los hongos. En Roma, el hongo es usado de manera más habitual por la sociedad, usando a esclavos para su recolección. Las setas que servían de alimento eran muy populares en esta civilización, en donde Cicerón, Suetonio, Horacio y Séneca descrita con un sabor único y preferido. De la misma forma, las tribus bárbaras usaron a las setas alucinógenas dentro de los ritos y fiestas religiosas. Durante la Edad Media, periodo comprendido entre el siglo V y el XV, como consecuencia de la enorme influencia religiosa, los conocimientos procedentes de los naturalistas griegos y romanos pasaron al olvido. Esta característica produjo un enorme retraso en el conocimiento de los hongos y aunque no se produjo ningún avance significativo en su conocimiento, sin embargo, estuvieron muy presentes en la vida medieval. Su consumo además se vio afectado al aparecer el hongo parásito de los cereales (Claviceps purpúrea). (Micomania, s.f.)

Durante este tiempo se separaban a los hongos comestibles de los psicodélicos solo por creencias populares, basando su teoría de la toxicidad por la forma en la que se descomponen los mismos, el lugar donde surgen, los colores que contienen o el tipo de árbol en donde crecían. Con la llegada de la imprenta y el conocimiento se difundió mediante libros el uso correcto de los hongos, especialmente para el uso medicinal que era muy habitual en la época. En los siglos XX y XXI, R.H. Whittaker en 1969, separa a los hongos en un reino aparte de las otras formas de tipo vegetal, ya que los hongos no podían ser considerados vegetales. Relevantes micólogos como Roger Heim, Robert Kühner, Henri Romagnesi, André Marchand, Julius

168 Schäfer, Mehinhard Moser, Rolf Singer, André Maublanc, Marcel Locquin, Albert Pilát y muchos más, han estudiado, clasificado o modificado conceptos sobre toxicidad de distintas especies, desechando creencias populares erróneas, usadas para determinar la comestibilidad de los hongos, además de publicar trabajos de divulgación que permiten clasificar y conocer más sobre los hongos. (Micomania, s.f.)

2. METODOLOGÍA El proyecto investigativo utilizará la perspectiva cualitativa, la cual se refiere a las cualidades dentro de las ciencias sociales, describiendo eventos e interpretando situaciones o problemas sociales. Dentro de los métodos a usarse se encuentra el método hermenéutico que es el encargado de volver comprensible alguna cosa, sin un método científico y en el cual el investigador no se separa del objeto de estudio. Permitirá comprender diferentes concepciones en torno a la descomposición y belleza efímera. Se utilizará métodos híbridos como el bibliográfico- documental en el cual se obtendrá información dentro de libros y textos académicos, artículos científicos, revistas, documentales, ensayos, entre otros; tomando como referencias conceptos dentro de áreas como biología, química, artes plásticas, antropología y filosofía. Estudiando conceptos cruciales para la temática de la investigación como: Reino Fungi, tipos de hongos, descomposición, belleza efímera, representaciones de la belleza efímera, imaginario social en torno a los hongos, entre otros. Además de establecer los procesos técnicos posibles para la producción de estos organismos dentro de la obra de arte. El uso del método empírico como el medio para la observación, la experimentación y la recolección de datos para la creación artística, con el fin de establecer reflexiones en torno a la belleza efímera dentro del Reino Fungi. En el desarrollo de la propuesta, se acudirá a la exploración artística como el medio de experimentación dentro del transcurso del proceso, tanto para realizar los bocetos pertinentes hasta para la realización de las fotografías, apuntes y videos. Entre las herramientas necesarias para el proceso de investigación y sus conclusiones, se encuentra la observación directa, con la cual el registro de la descomposición de los hongos en los diferentes soportes se realizará con fichas de registro y bitácoras. Además de usar la entrevista como el medio para comprender algunos significados sociales en torno a los hongos y las nociones de belleza en Imbabura.

3. RESULTADOS Los resultados serán expuestos junto con la exploración artística para la creación de la propuesta. Para ello, se colocará los cultivos de hongos en diferentes soportes tradicionales como papel, lienzo, madera, cerámica, metal, entre otros. Se busca que los hongos invadan la obra y que ellos sean quienes la compongan, la vayan configurando según sea su secuencia para formar un arte que se convierte en un ser vivo.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

169

A la vez, la búsqueda radica en explorar con ello y reflexionar en torno a un concepto de belleza efímera personal y dentro de Imbabura. Estas reflexiones también serán obtenidas por medio de la exploración artística y la creación de la obra. Se va a determinar mediante la investigación teórica cuales serán los procesos técnicos precisos para la formación de hongos en diferentes soportes.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES La presente investigación tiene como resultados las siguientes reflexiones: En primer lugar, que la descomposición es invasiva, descontrolada; es muy difícil de controlar y mucho menos de comprender que camino tomará dentro de la obra de arte. La belleza efímera de los hongos y de la naturaleza en general nos permite sublimizar sus características estéticas dentro de un tiempo determinado, porque al ser despojadas de su lugar de origen, estas comienzan a descomponerse. En Imbabura los hongos, especialmente los psicodélicos, continúan siendo considerados como místicos o mágicos, al igual que en las culturas ancestrales que eran usados para comunicarse con sus dioses.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Biopedia. (s.f.). Recuperado el 14 de Noviembre de 2018, de Biopedia: https://www.biopedia.com/mohos/

CDC Moho. (Agosto de 2003). Recuperado el 14 de Noviembre de 2018, de CDC Moho: https://www.cdc.gov/mold/es/pdfs/faqs.pdf

El pensante. (25 de Enero de 2016). Recuperado el 13 de Noviembre de 2018, de El pensante: https://educacion.elpensante.com/la-referencia-exoforica/

Enciclopedia de Características “Reino Fungi”. (2017). Recuperado el 14 de Noviembre de 2018, de Enciclopedia de Características “Reino Fungi”: https://www.caracteristicas.co/reino-fungi/

Helpes. (s.f.). Recuperado el 13 de Noviembre de 2018, de Helpes: http://www7.helpes. eu/01161881/Antiarte

Martínez, C. (2018). Lifeder.com. Recuperado el 14 de Noviembre de 2018, de Lifeder.com: https://www.lifeder.com/caracteristicas-reino-fungi/

Olmedo Burgos, R. (20 de Abril de 2009). Slideshare. Recuperado el 13 de Noviembre de 2018, de Slideshare: https://es.slideshare.net/Cemlire/antiarte

Quezada, F. (24 de Octubre de 2013). Controlz.fm. Recuperado el 13 de Noviembre de 2018, de Controlz.fm: http://controlz.fm/que-es-land-art/

Significados. (s.f.). Recuperado el 13 de Noviembre de 2018, de Significados: https://www.

170

significados.com/efimero/

Casimba Casimba, R. M. (30 de Marzo de 2017). Identificación de plagas y enfermedades (hongos y bacterias) del cultivo de jícama (smallanthus sonchifolius) en el cantón Cotacachi, Otavalo e Ibarra - Imbabura. Obtenido de Identificación de plagas y enfermedades (hongos y bacterias) del cultivo de jícama (smallanthus sonchifolius) en el cantón Cotacachi, Otavalo e Ibarra - Imbabura: http://repositorio.utn.edu.ec/handle/123456789/6510

Endara Borja, M. A. (18 de Marzo de 2011). Reproducción del Hongo Trichoderma Harzianum (biofungicida) aprovechando desechos agroindustriales (residuos de papa, tamo de fréjol, bagazo de caña). Obtenido de Reproducción del Hongo Trichoderma Harzianum (biofungicida) aprovechando desechos agroindustriales (residuos de papa, tamo de fréjol, bagazo de caña): http://repositorio.utn.edu.ec/handle/123456789/387

Gacto, M., & Gacto, M. (9 de Diciembre de 2011). Los microorganismos y el arte. Obtenido de Los microorganismos y el arte: https://www.um.es/analesdebiologia/numeros/33/ PDF/33_2011_13.pdf

Giraldo Castrillón, M., Torres González, C., & Diaz Ortiz, J. (13 de Abril de 2009). Aislamiento de hongos celulolíticos causantes del biodeterioro de la Biblioteca Central de la Universidad del Valle (Cali–Colombia). Obtenido de Aislamiento de hongos celulolíticos causantes del biodeterioro de la Biblioteca Central de la Universidad del Valle (Cali–Colombia): http:// www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0187-31802009000100003

González, D. (2012). Diagnóstico de biodeterioro por insectos y hongos filamentosos en la Colección de Libros Raros con Valor Patrimonial del Archivo “Coronado”. Obtenido de Diagnóstico de biodeterioro por insectos y hongos filamentosos en la Colección de Libros Raros con Valor Patrimonial del Archivo “Coronado: http://dspace.uclv.edu.cu/bitstream/ handle/123456789/1847/Tesis_DayanaTESIS_Y_HONGOS.pdf?sequence=1&isAllowed=y

Guerra Chuga, H. I. (10 de Marzo de 2015). Producción del hogo shiitake (Lentinula edodes), en bloques orgánicos a base de desechos agrícolas (aserrín de eucalipto, cascarilla de arroz, tamo de frejol y bagazo de caña) con y sin la utilización de compostaje y nutrientes. Obtenido de Producción del hogo shiitake (Lentinula edodes), en bloques orgánicos a base de desechos agrícolas (aserrín de eucalipto, cascarilla de arroz, tamo de frejol y bagazo de caña) con y sin la utilización de compostaje y nutrientes.: http://repositorio.utn.edu.ec/ handle/123456789/4088

Ortiz Rodríguez, E. J. (31 de Octubre de 2017). Desarrollo de un proceso a escala de laboratorio para la conservación y producción de cepas nativas de hongos (Auricularia spp.) a partir de la biodiversidad fúngica ecuatoriana. Obtenido de Desarrollo de un proceso a escala de laboratorio para la conservación y producción de cepas nativas de hongos (Auricularia spp.) a partir de la biodiversidad fúngica ecuatoriana: http://repositorio.utn.edu. ec/handle/123456789/7248

Ponchner, D. (Septiembre de 2018). Hongos iconoclastas. Obtenido de Hongos iconoclastas: https://www.investigacionyciencia.es/revistas/investigacion-y-ciencia/cruzar-la-frontera-cuntica-743/hongos-iconoclastas-16664

Poyatos, F. (s.f.). Procesos de biodeterioro en pinturas sobre lienzo del museo de Bellas Ar-

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

171

tes de Granada: examen visual y gráfico. Obtenido de Procesos de biodeterioro en pinturas sobre lienzo del museo de Bellas Artes de Granada: examen visual y gráfico: https://hera. ugr.es/tesisugr/1679073x.pdf

Rodríguez Arce, J. M., & Quirce Balma, C. M. (2012). LAS PLANTAS Y LOS HONGOS ALUCINÓGENOS: REFLEXIONES PRELIMINARES SOBRE SU. Recuperado el 21 de Octubre de 2018, de LAS PLANTAS Y LOS HONGOS ALUCINÓGENOS: REFLEXIONES PRELIMINARES SOBRE SU: http://www.redalyc.org/pdf/729/72923962001.pdf

Saiz Jiménez, C., & Samson, R. A. (1981). Biodegradación de obras de arte : hongos implicados en la degradación de los frescos del Monasterio de la Rábida (Huelva). Obtenido de Biodegradación de obras de arte : hongos implicados en la degradación de los frescos del Monasterio de la Rábida (Huelva): https://mdc.ulpgc.es/cdm/ref/collection/botmaca/ id/70

Sameño, M., & García, J. (s.f.). Biodeterioro. Alteración biológica de monumentos y obras de arte. Obtenido de Biodeterioro. Alteración biológica de monumentos y obras de arte: www. iaph.es/revistaph/index.php/revistaph/article/download/183/183

Micomania. (s.f.). Obtenido de Micomania: http://www.micomania.rizoazul.com/micologia%20los%20hongos%20a%20lo%20largo%20de%20la%20historia.html

16 Creaciones Artísticas en base a talleres experimentales aplicados a niños con Síndrome de Down de la Escuela de Educación Especial Ibarra

María José Bustos Fuel Universidad Técnica del Norte

Abstract: The purpose of this work is to socialize a research which was result of the work of degree, carried out in the Universidad Tecnica del Norte, in the FECYT faculty, in the Plastic Arts major, whose title is: “Artistic Creations based on experimental workshops applied to children with Down Syndrome enrolled in Special Education Ibarra School “. It was taken as a starting point the quality that art possesses as a didactic tool and a sensory and cognitive learning method that helps to improve the motor skills of people. The main objective of the present proposal is to evaluate how children can develop their creativity through works of art, make works with different artistic materials and express their emotions, as well as their way of perceiving the world. The qualitative paradigm has guided the developed methodological strategy, with a descriptive character. The observation has been transcendental in numerous experimental workshops that have been carried out. The structured surveys, case study and content analysis of the works have led to the achievement of the proposed goals. The works made by the children in the workshops constitute the formal and conceptual basis that sustain the final artistic proposal.

Keywords: Art, learning, disabilities, expression art

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

175

Creaciones Artísticas en base a talleres experimentales aplicados a niños con Síndrome de Down de la Escuela de Educación Especial Ibarra Artistic Creations based on experimental workshops applied to children with Down Syndrome enrolled in Special Education Ibarra School

María José Bustos Fuel Universidad Técnica del Norte chikit.majo04@gmail.com

Resumen: Esta ponencia tiene como propósito socializar una investigación resultado del trabajo de grado, llevado a cabo en la Universidad Técnica del Norte, en la facultad FECYT, en la Carrera de Artes Plásticas cuyo título es: “Creaciones Artísticas en base a talleres experimentales aplicados a niños con Síndrome de Down de la Escuela de Educación Especial Ibarra”. Se tomó como punto de partida la cualidad que posee el arte en tanto herramienta didáctica y método de aprendizaje sensorial y cognitivo que ayuda a mejorar la motricidad de las personas. El objetivo principal de la presente propuesta es reconocer como a través de las manifestaciones artísticas los niños pueden desarrollar su creatividad, realizar obras con diferentes materiales artísticos y plasmar sus emociones, así como su manera de percibir el mundo. El paradigma cualitativo ha guiado la estrategia metodológica desarrollada, con un corte descriptivo. La observación ha sido trascendental en numerosos talleres experimentales que se han realizado. Las encuestas estructuradas, el estudio de caso y análisis de contenido a las obras han propiciado el logro de las metas propuestas. Las obras realizadas por los niños en los talleres constituyen la base formal y conceptual que sustentan la propuesta artística final.

Palabras clave: Arte, Aprendizaje, Discapacidades, Arte Expresión

176

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Arte Terapia Las terapias artísticas son una ayuda netamente estratégica para las personas que padecen algún tipo de discapacidad física o mental. En este caso el proyecto está centrado en los niños que tienen Síndrome de Down, por lo que el arte ha sido pensado como un medio que favorece a la experimentación táctil que se enfoca en descubrir las diferentes emociones que los niños pueden descubrir durante la ejecución de los diversos talleres didácticos potenciando así las habilidades y destrezas propias de los niños, permitiéndoles así convertirse en seres capaces de desarrollar una forma comunicativa ante la sociedad. Las actividades artísticas sirven como una estrategia de recuperación de emociones perdidas, es decir que, a través del Arte Terapia, las personas pueden explorar ciertos materiales artísticos. En este caso el arte es concebido como un punto clave dentro del desarrollo de la creación artística porque mediante este podemos definir e incluso entender de algún modo la personalidad y creatividad de los niños que se encuentran en el descubrimiento de sus habilidades, por medio de este método didáctico ellos puedes ser capaces de organizar sus ideas e incluso entender al arte como un medio de curación para personas con alguna enfermedad. (Camino, 2015)

1.2. Técnicas artísticas en el aprendizaje en los niños con Síndrome de Down Los niños con síndrome de Down, tienen la capacidad de comprender los diversos significados que los educadores les pueden enseñar, pero ante todo esto, una gran dificultad que se presenta es que a pesar que ellos pueden comprender, muchas de las veces se les complica expresar una idea o argumentar un concepto, es por esto que es necesario que las diferentes técnicas de aprendizaje se vean impulsadas más en una estrategia didáctica que les ayude a generar un modo de expresión y desenvolvimiento artístico, en el cual ellos puedan entender de mejor manera cada enseñanza que los educadores les impartan. El arte se ha convertido en un punto clave dentro de la educación de los niños, es decir, que cada niño a través de una simple experimentación haciendo una raya o un garabato puede adquirir un gran conocimiento del mundo porque dentro de lo que el representa en un papel o algún otro material puede alcanzar una exploración de las destrezas y habilidades que puede llevar consigo mismo. (Ballesta, 2011)

1.3. Expresiones Plásticas Dentro de las expresiones plásticas se puede mencionar que tanto la pintura, cerámica, escultura, el dibujo, etc., poseen un aporte dentro del sentido educativo porque a través de la manipulación y experimentación de cada técnica artística, los niños pueden ser capaces de descubrir y explorar la realidad que los rodea, permitiéndoles de este modo contar con una nueva manera de expresar e interpretar el entorno en el que se encuentran. (Khol, 2005). Es interesante de alguna manera, observar como las diferentes expresiones plásticas provocan un mejor desarrollo cognitivo y mental en los niños con síndrome de Down ya que a través de la pintura u otra

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

177

actividad plástica los niños pueden adquieren ciertos conocimientos tanto teóricos como prácticos que les ayudarán a unir los diferentes puntos clave que necesitan para poner en práctica su creatividad y destreza y así ser capaces de realizar su propia creación artística.

1.4. Manifestaciones Artísticas 1.4.1. Referentes Leisa Zambrano se inspiró en un mural que comunicaba una frase: “El arte es emoción”. Y nos menciona que quizás para muchas personas pueda parecer un mensaje simple y con un significado sencillo y pues esta psicóloga comienza a narrar una de sus mejores anécdotas que es: gracias a este mural, yo inicie a tomar un gran interés por la psicología, es así que da inicio a una indagación previa acerca de esta materia y se encuentra con la magnífica mezcla del arte con la psicología y dio inicio a una gran curiosidad por el Arte Terapia. Dentro de uno de sus escritos nos muestra un concepto claro y conciso de arteterapia, en la cual nos dice que “es una disciplina que permite el acceso a cualquier rama del arte y del mismo modo esta terapia puede convertirse en una herramienta indispensable para las personas que no pueden mantener una comunicación verbal. No se trata de centrar la atención en la calidad de una determinada obra en el caso de no contar con experiencia, lo importante es la emoción transmitida durante el proceso”. (Hernández, 2017) Esta psicóloga ha sido de mucha ayuda para el desarrollo escrito de mi trabajo de grado ya que Leisa Zambrano nos ayuda a comprender lo que realmente es el Arte Terapia, desde mi punto de vista considero que el pensamiento de esta psicóloga es muy interesante porque el hecho de ver que tan solo con una experiencia vivencial una persona puede llegar a conseguir un interés innato acerca de X cosa es curioso e impactante. De igual modo a través del análisis de su pensamiento pude notar como a través del arte terapia las personas que tienen capacidades diferentes pueden alcanzar cierta calma mental e incluso a través de esta terapia pueden lograr una afinidad y sobre todo llegar a un descubrimiento de las destrezas y habilidades que ellos puedan tener. La frase que Leisa menciona en su apartado “La comunicación influye en el crecimiento personal”, me hace reflexionar acerca de lo fundamental que es la comunicación dentro del entorno de la vida cotidiana de las personas porque este elemento clave incluso puede llegar a tener la capacidad de aliviar muchos conflictos internos. Es de este modo que puedo tomar a esta psicóloga como una de mis referentes más importantes ya que ella me ayudó a comprender como a través de la arteterapia se puede definir las emociones y sentimientos de un individuo dependiendo de la situación en la que se encuentre.

2. METODOLOGÍA Dentro del proyecto de investigación se adoptaron instrumentos tanto cualitativos, que contribuyeron a recolección de información, así como la interpretación de la misma, pues si viene cierto a lo largo del desarrollo de este trabajo se ha venido realizando una descripción de las diferentes variables existentes dentro del tema de investigación.

178

En primera instancia es claro comprender que este tipo de instrumentos metodológico como lo es el tipo cualitativo permitirá utilizar varias técnicas como la observación, encuestas estructuradas, estudios de caso y análisis de contenido a las obras de los niños para poder determinar cuál es el aporte de dichas obras a la propuesta de la creación artística. Para la ejecución de la creación pictórica, se acudió a la observación de campo donde se pudo determinar la necesidad de visualizar la creatividad y percepción artística de los niños con síndrome de Down del Instituto de Educación Especial Ibarra. Para obtener los resultados requeridos es necesario realizar una investigación explorativa y descriptiva, haciendo uso de una recopilación de información a través de encuestas dirigidas a docentes de la institución, teniendo como finalidad que cada uno de los datos obtenidos servirán de manera directa a la propuesta planteada.

3. RESULTADOS Los talleres están fragmentados en 4 técnicas diferentes (lápices de colores, temperas, papel brillante y acrílico), pues si bien es cierto durante el proceso desarrollado dentro de los talleres, se puede visualizar como los niños pueden desarrollar su creatividad, realizar obras con diferentes materiales artísticos y plasmar sus emociones, así como su manera de percibir el mundo, logrando ubicar el arte como un vehículo confiable dentro de la educación. Se ha generado un ambiente social y colaborativo en el que cada uno de los niños se siente libre y puede mantener un goce pleno al momento de experimentar con los diferentes materiales didácticos, manteniendo así un trabajo constante lleno de creatividad e imaginación, en el que los niños pueden descubrir e interpretar sus emociones. El análisis de contenido a las obras ha propiciado el logro de las metas propuestas. Las obras realizadas por los niños en los talleres constituyen la base formal y conceptual que sustentan la propuesta artística final. Considerando que fue necesario generar una tabla de valoración. Tabla 1: Valoración de habilidades en los niños con Síndrome de Down de la Escuela de Educación Especial Ibarra Creatividad

Manipulación de materiales

Destrezas

Habilidad artística

Luis Andrango

Erik Chávez

Nayla Torres

Jair Chaciguano

Nombre

Fuente: Elaboración Propia Durante la ejecución de dichos talleres se puede evidenciar que al momento de plasmar las formas y colores su mayor influencia es el entorno que los rodea. Cabe mencionar que dichos

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

179

talleres ayudaron a visualizar como los niños reaccionan ante un dibujo pre establecido o ante un lienzo en blanco, en el que ellos pueden demostrar la creatividad y destreza artística que poseen, teniendo como resultado un análisis de la gama de colores que los niños aplican, el trazo, la selección continua de ciertos elementos como son las manchas y las líneas rectas.

3.1. TALLER (lápices de colores) El primer taller fue un taller dirigido, es decir que los participantes trabajaron con mi guía y ayuda constante, el taller estaba enfocado en observar detenidamente como los niños reaccionan ante un dibujo pre establecido y sobre todo dentro de este taller, se buscaba observar ciertas características específicas como: la gama de colores que los niños aplican en el diseño establecido, el trazo, la selección continua de ciertos colores, etc. El taller estuvo constituido por varios elementos que para algunos niños fueron desconocidos como, por ejemplo: se usó laminas Canson A4, lápices de colores, borrador, imitación, lápiz, etc. ParaPara ejecución primer taller seserealizó dos dediseño diseño demandarlas mandalas donde jugó Para lalaejecución la ejecución deldel primer del primer taller taller se realizó realizó dos tipos dos tipos tipos de diseño de de mandarlas de en donde enendonde se jugó se se jugó con con con figuras simples como: círculos y líneas rectas y curvas, por su puesto los diseños establecifiguras figuras simples como: como: círculos círculos y líneas líneas rectasrectas y tipos curvas, y curvas, por su porde puesto sumandarlas puesto los diseños los diseños establecidos Para lasimples ejecución del primer taller sey realizó de diseño enlos donde seestablecidos jugó con dos estaban elaborados con la intención dedos facilitar elmanual trabajo manual para niños. estaban estaban elaborados elaborados con la con intención la intención de facilitar de facilitar el trabajo el trabajo manual para para los niños. los niños. figuras simples como: círculos y líneas rectas y curvas, por su puesto los diseños establecidos estaban elaborados con la intención de facilitar el trabajo manual para los niños.

Se procedio Se procedio a trabajar a trabajar en lasenlaminas las laminas Canson Canson A4, donde A4, donde se hizo se hizo uso de usodiversos de diversos materiales materiales como: como: Se procedió a colores trabajar en las láminas Canson A4, donde sedehizo uso de diversos materiales como: lápices lápices de colores de y los y diseños los diseños pre establecidos, pre establecidos, dentro dentro de este taller este taller los niños los niños procedieron procedieron a pintar a pintar Se procedio a trabajar endiseños las laminas Canson A4, donde sede hizo usotaller de diversos materiales como: lápices de colores y los pre establecidos, dentro este los niños procedieron a delápices diferentes de diferentes manera, manera, es decir es decir unos unos niños niños usaron usaron colores colores cálidos cálidos y otros ylos otros usaron usaron colores colores fríos.afríos. Por Por de colores y los diseños pre establecidos, dentro de este taller niños procedieron pintar pintar delado diferentes manera, es decir unos niños usaron colores cálidos y otros usaron colores otro otro lado algunos algunos de los dees niños los niños mostraron mostraron un usaron trazo un trazo sumamente sumamente fuerte fuerte aotros diferencia a usaron diferencia de un desolo un solo niño niño de diferentes manera, decir unos niños colores cálidos y colores fríos. Por fríos. Porhizo otro lado algunos de ya losque niños mostraron unenfoco trazo sumamente fuerte a colores diferencia de que hizo que su trabajo su trabajo con sutileza con sutileza ya este que este niño niño se enfoco se en seguir en seguir el orden el orden de los de los colores del otro lado algunos de los niños mostraron un trazo sumamente fuerte a diferencia de un solo niñodel un solo niño que hizo su trabajo con sutileza ya que este niño se enfocó en seguir el orden de arcoiris arcoiris y unsuyfamiliar un familiar de de este niño niño supo supo conversarme conversarme Jair que pinta Jair pinta sutilmente sutilmente porque piensa quedel que que hizo trabajo coneste sutileza ya que este niño seque enfoco en seguir el orden deporque lospiensa colores colores del arcoiris y unmuy familiar de esteasi niño supo conversarme que Jaireste pinta sutilmente ellos arcoirirs el arcoirirs es un es objeto un objeto muy suave suave y delicado y delicado que asi este que este niños niños trabaja trabaja de este de modo modo porque porque se arcoiris y un familiar de este niño supo conversarme que Jair pinta sutilmente porque piensa que se porque piensa que elel arcoirirs es un objeto muy suave y delicado así que este niño trabaja de siente identificado identificado con arcoirir. el arcoirir. el siente arcoirirs es uncon objeto muy suave y delicado asi que este niños trabaja de este modo porque se este modo porque se identificado con el arcoiris. siente identificado consiente el arcoirir.

3.2. TALLER 2 (mosaico)

3.2. 3.2.TALLER TALLER 2 (mosaico) 2 (mosaico) 3.2.

TALLER 2 (mosaico)

Dentro Dentro del segundo del segundo taller, taller, se adopto se adopto la idea la idea de trabajar de trabajar con un contamaño un tamaño un poco un poco más más grande, grande, aquí aquí losDentro niños los niños experimentaron experimentaron con temperas, con temperas, pues pues si bien si bien es cierto es cierto este este material material didáctico didáctico permitió permitió del segundo taller, se adopto la idea de trabajar con un tamaño un poco más grande, aquí observar observar que el que grupo el grupo de niños de niños con los con que los se que ha se venido ha venido trabajando trabajando durante durante todo todo el proceso el proceso de los niños experimentaron con temperas, pues si bien es cierto este material didáctico permitióde creación, creación, seque sienten seelsienten mas de mas identificados identificados porque la por pintura pintura ya que yatrabajando que dichodicho material, material, lestodo facilitó les facilitó explorar explorar observar grupo niños con los selaha venido durante el proceso de

180

Dentro del segundo taller, se adoptó la idea de trabajar con un tamaño un poco más grande, aquí los niños experimentaron con temperas, pues si bien es cierto este material didáctico permitió observar que el grupo de niños con los que se ha venido trabajando durante todo el proceso de creación, se sienten mas identificados por la pintura ya que dicho material, les facilitó explorar de manera más natural la creatividad que ellos poseen. Pues entre este taller y el anterior, se pudo notar una diferencia enorme, ya que en este caso se encontraban frente a un lienzo en blanco, en el cual ellos podían demostrar su capacidad de percibir el mundo y no tenía ninguna restricción o barrera que les impida hacer lo que ellos deseen.

3.3. TALLER 3 (papel brilante- texturas) 3.3.

TALLER 3 (PAPEL BRILANTE- TEXTURAS)

Ahora bien, en el tercer taller, se ejecutó el trabajo con papel brillante, porque este material permite generar unaencromática diversa ya el que dicho didáctico tiene 10 colores Ahora bien, el tercer taller, se ejecutó trabajo con instrumento papel brillante, porque este material permitecomo generar una cromática ya que una dichoserie instrumento didácticoen tiene 10 colores diferentes. Pues resultado final,diversa se obtuvo de trabajos laminas Cansos A4, en diferentes. Pues comoen resultado final, se obtuvo una serie de en laminas Cansos A4, en un fondo los cuales se ha enfatizado realizar texturas visuales, lastrabajos mismas que servirán como los cuales se ha enfatizado en realizar texturas visuales, las mismas que servirán como un fondo con cromática diversa donde se podrá intervenir con algún diseño preestablecido. con cromática diversa donde se podrá intervenir con algún diseño preestablecido.

4. DISCUSIONES Y CONCLUSIONES 4. DISCUSIONES Y CONCLUSIONES

Los niños con Síndrome de Down perciben el mundo a partir del entorno en que se en• Los niños con Síndrome de Down perciben el mundo a partir del entorno en que se cuentran. encuentran.

Reconocer que a través de estos procesos se puede interpretar y representar con una obra obra plástica. plástica.• En su mayoría los estudiantes asocian el color con el afecto, su estado de ánimo

•

Reconocer que a través de estos procesos se puede interpretar y representar con una

generando una cromática con colores cálidos.

En su mayoría los estudiantes asocian el color con el afecto, su estado de ánimo generando una cromática con colores cálidos. 5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Referencias

Ballesta, A (2011).El El arte lenguaje posible enposible las personas diversas. Murcia. Ballesta, A (2011). artecomo como lenguaje encon lascapacidades personas con capacidades diversas. España: ISSN.

Camino, J (2015). UNIVERSIDAD DE VALLADOLID. Obtenido de http://uvadoc.uva.es/bitstream/10324/20510/1/TFG-G2034.pdf

Murcia. España: ISSN.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

181

Hernández, L (5 de febrero de 2017). Comienza. Obtenido de https://komienza.com/2017/02/ queesarteterapia/

Khol, M (2005). ARTE INFANTIL. Actividades Plásticas para niños de 3 a 6 años. Madrid: NARCEA S.A.

17 Lucro de los cupos universitarios en licenciatura de las artes plásticas como puente para acceso a distintas carreras educativas

Jhordy Steeven Molina Villalba Universidad Técnica del Norte

Abstract: This research project focuses on the dropout of students after an acceptance of space and subsequent enrollment in the technical university of the north. The remarkable percentage of students who have decided to change their university career and being part of the plastic arts, was the subject of an investigation aimed at discovering the causes and analyzing the consequences, in order to offer the university’s directors and teachers a tool that contribute to elaborate a strategy that allows to optimize the use of the quotas of the quotas offered.

Keywords: Percentages, students, use, strateg

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

185

Lucro de los cupos universitarios en licenciatura de las artes plásticas como puente para acceso a distintas carreras educativas Profit Aof the university Aquotasn the degree aof Aplastic arta as bridge to access educational careers

Jhordy Steeven Molina Villalba Universidad Técnica del Norte Jhordy35@hotmail.com

Resumen: Este proyecto de investigación se enfoca en la deserción de los estudiantes luego de una aceptación de cupo y posterior matrícula en la Universidad Técnica del Norte. El notable porcentaje de estudiantes que han decidido cambiarse de carrera universitaria ya siendo parte de artes plásticas, fue motivo de una investigación encaminada a descubrir las causas y analizar las consecuencias, con la finalidad de ofrecer a los directivos y docentes de la universidad una herramienta que contribuya a elaborar una estrategia que permita optimizar el aprovechamiento de los cupos de los cupos ofertados.

Palabras clave: Porcentajes, estudiantes, aprovechamiento, estrategia

186

1. MARCO TEÓRICO Esta investigación nace por la alta tasa de estudiantes que ocupan la carrera de artes plásticas como puente para el ingreso a la institución, con el fin de lograr un título universitario en diferentes ofertas académicas, que por su puntaje no lograron conseguir un cupo al postularse, teniendo así una segunda oportunidad para lograr cumplir con sus objetivos tomando este camino.

1.1. Actualidad de Arte Ecuatoriano Uno de los asuntos principales del arte contemporáneo es encontrar cuál es el verdadero sentido de su acción en la sociedad. El artista a veces comparece como una suerte de inversor de los valores normales, simbólicos o políticos y el arte viene a corresponder a una realidad crítica. Si bien puede antojarse alejado de las intervenciones del arte, el papel del público ha de compartir una cierta idea de política como comunidad. Nos referimos a este sentido poético y reflexivo de las artes actuales, con relación a la situación crítica del presente, donde las propuestas creativas también pueden encontrarse en esos momentos de apuesta y riesgo propios de la busca de espacios compartidos. Este es el objetivo principal de la muestra Poéticas del presente. Actualidad del arte ecuatoriano, que bajo la curaduría de José Luis Corazón Ardura se exhibe en Museo Pumapungo, en Cuenca (Corazón, 2015). La constitución del arte como herramienta reflexiva propicia que nuestro conocimiento de la actualidad deje de ser una tarea imposible. La misma pasión por el archivo o el documento, la apuesta por dejar una huella, bien en forma de acción o video, la apropiación de aquellos espacios de la política que parecen quedar descuidados, son temas actuales que aparecen de una manera rotunda en la historia reciente del arte ecuatoriano. Exponer qué es lo moderno significa atender a esta actualidad. No se trata de que lo moderno sea solo una especie de punctum histórico, sino que su presencia significa también hacer del instante un presente activo, donde las artes no solo son testimonio, cuanto una manera de reflexionar acerca de ese presente que pareciera subsistir bajo las artes, en sus múltiples formas de aparecer. Este carácter proteico puede observarse también en las artes ecuatorianas actuales, desde los aparentemente acercamientos más clásicos que aún buscan en los límites de la pintura, la escultura o el video, hasta la presencia de nuevas estrategias comunicativas, vinculadas a acciones artísticas o derivadas de poéticas que tratan de encontrar una identidad propia. Este carácter metamórfico conduce a que las artes puedan ser valoradas como uno de los ejes principales que van a sostener una reflexión en libertad, esto es, conducir a que la creación artística no sea patrimonio de una minoría, sino que pueda comprenderse el lugar que ocupa dentro del conocimiento, a la hora de mostrarnos cuál ha sido la presencia esquiva que ha tenido en los últimos años dentro de la sociedad ecuatoriana (Ávila, 2012, p.1). Por otra parte, hablar de libertad y conocimiento es dirigirnos a descubrir una serie de poéticas, relacionada con la obra de ocho artistas ecuatorianos: María José Argenzio, Adrián Balseca, Pablo Cardoso, Rosa Jijón, Janneth Méndez, Tomás Ochoa, Patricio Palomeque y Estefanía Peñafiel Loaiza. Se trataría de encontrar una reflexión acerca de lo que significa el arte en la sociedad actual. Este carácter crítico propio de la creación es en el caso ecuatoriano importante a la hora de señalar la relevancia de su contribución, tanto como herramienta de libertad, como en relación con cuestiones que afectan a conceptos sociales o políticos. La mirada irónica frente al esteticismo de la naturaleza ha propiciado que María José Argenzio haya encontrado en los objetos naturales una memoria de lo que nos constituye, nebulosamente, como una prótesis

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

187

identitaria. En el caso de Adrián Balseca, conectando la naturaleza con la presencia de objetos que una vez fueron útiles y que hoy son un objeto histórico y artístico (Ávila, 2012, p.1). Desde el compromiso con la historia del arte y con la historia política, Pablo Cardoso muestra la capacidad de las artes para convertirse en modos de vida, donde no pueden separarse el espacio político y natural, salvo en un acuerdo con lo sensible y con la aparición de un paisaje del presente. Esta comprensión de lo político ha conducido a Rosa Jijón a buscar el trabajo del artista como una suerte de acción cotidiana, donde puede tratar de mostrar problemas concretos en comunidades minoritarias, tanto en Europa, como en Ecuador o América Latina, hasta llegar a esa romántica y nihilista incursión en otros espacios como en la fotografía de espacios abandonados en lo que puede calificarse como ruinas del presente. Esa necesidad de recobrar la memoria personal ha dirigido también la trayectoria de Janneth Méndez, en su interés por dotar, a la oscuridad orgánica que nos constituye, un sentido capaz de generar múltiples interpretaciones acerca de lo que nos articula como cuerpos y sujetos (Ávila, 2012, p.1). También el olvido monumental y documental ha guiado el sentido de la historia, como ha señalado Tomás Ochoa en su lectura del pasado de Ecuador, para mostrar los vacíos y la ausencia del relato del propio país. Precisamente, el arte se convierte en una suerte de depósito de lo que nos constituye como cuerpo común. Así, Patricio Palomeque ha señalado hacia ese devenir sujeto político, pero reclamando otra lectura del individuo, interpretando este desgaste desde la sutilidad propia de las paradojas y las contradicciones adecuadas a aquello que se debate entre dos polos. Estos espacios señalan hacia un borrado de las huellas que nos constituyen. Es el caso de Estefanía Peñafiel Loaiza cuando nos presenta imágenes tomadas por cámaras de vigilancia en la frontera, donde los personajes anónimos que tratan de cruzar aparecen como palabras borradas. Los hechos revelados por el arte acaban siendo también huella de lo que somos y contribuyen a que la historia sea algo frágil como el olvido, pasajera como la misma actualidad. En este presente, mostramos, a través de las diferentes poéticas que habitan en el trabajo de estos artistas, el compromiso de una parte de la sociedad cuya labor está ligada a la reflexión y al conocimiento del patrimonio cultural del Ecuador (Ávila, 2012, p.1). Actualmente se caracteriza porque un buen número de personas se dedica a la elaboración de artesanías artísticas, logrando un alto nivel de producción que hizo de San Antonio un pueblo de artistas y dueño de famosos talleres de escultura, imaginería y tallado. La religión católica estimuló el desarrollo de una actividad artístico-artesanal. Completamente a su servicio. En todos aquellos centros de trabajo se aceptaban encargos y se hacían obras de acuerdo con catálogos de imágenes y altares, muestrarios traídos de España e Italia. El ideal acariciado por maestros escultores y talladores era: “Perfeccionar su arte igualando, superando o continuando aquella línea de producción que, inclusive, tenía ya la influencia del movimiento artístico colonial llamado Escuela Quiteña” (Bolívar, 1889, p. 87). Bajo estas condiciones, se desenvolvieron varios talleres familiares, colectivos e individuales que dieron fama y honor al lugar natal con aquel calificativo de “tierra del arte”. El visitante de antaño, provinciano o colombiano, arribaba a la tierra del arte para convenir con el maestro escultor o tallador la ejecución de imágenes de santos o de altares destinados a iglesias. En algunas ocasiones se realizan contratos para que los jefes de taller realicen las obras en iglesias y conventos. (Montesdeoca, 1989, p.87).

188

1.1.2. Reseña de la Carrera de Artes Plásticas en la Universidad Técnica del Norte El Honorable Consejo Universitario en sesión ordinaria del 16 de julio del 2004 en uso de las atribuciones que le confiere el Art. 46 de la Ley de Educación Superior numeral 5 del artículo 8 del Estatuto Orgánico y al amparo de lo dispuesto en el art. 17 del Reglamento General vigente y oficio 12-UTN-VAc.CAc, del 8 de julio del 2004 suscrito por los señores miembros de la comisión académica se resuelve aprobar la creación del Proyecto para la creación de la Licenciatura en Artes Plásticas en la Facultad de Educación, Ciencia y Tecnología, destinado a la formación de profesionales con títulos de tercer nivel o pregrado, de conformidad con lo dispuesto en el literal b) del Art. 44 de la ley de Educación Superior y bajo la modalidad presencial. La Carrera de Artes Plásticas, surge del anhelo de expandir el conocimiento experiencial de las diferentes manifestaciones de las Artes Plásticas, desde el interior de la FACULTAD DE EDUCACIÓN CIENCIA Y TECNOLOGÍA hacia la comunidad externa. Recuperado de http://www.utn.edu.ec/fecyt/carreras/artesplasticas/?page_id=13

1.1.2. Qué es la Carrera de Artes Plásticas? En Artes Plásticas estudian la fundamentación de los procesos simbólicos e históricos y las herramientas teóricas, técnicas y críticas que intervienen en la creación, la recreación, la realización y la expresión artística en escultura, pintura, dibujo, diseño y grabado. Trabajarán como promotores y organizadores de actividades artísticas en el campo de las artes plásticas, también se desempeñarán como independiente presentando exposiciones individuales y colectivas, así como realizando por encargo, obras de dibujo, pintura, escultura, grabado y cerámica.

En talleres, realizan murales, cuadros y esculturas que proyectan determinadas condiciones estéticas en los ambientes interiores y exteriores de los edificios

En su propio taller producen pinturas, dibujos, esculturas, grabados y cerámicas que son adquiridos por coleccionistas y turistas como objetos de exportación.

En centros educativos se desempeñarán como docentes, investigadores y extensionistas participando en programas y proyectos que dinamizan los procesos de educación artística.

En el campo pedagógico se desempeñarán como docentes en escuelas de artes como universidades, institutos y centros de formación.

Una vez creada la carrera en la Universidad Técnica del Norte, su primer grupo de estudiantes conformado por seis hombres y diez mujeres, que con el pasar del tiempo el número de estudiantes ha ido variando en incremento y disminución en los siguientes semestres.

Lo que fácilmente se puede divisar en el siguiente cuadro estadístico elaborado con datos obtenidos de la Facultad de Educación, Ciencia y Tecnología FECYT de la Universidad Técnica del Norte.

número de estudiantes ha ido variando en incremento y disminución en los siguientes semestres. UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

Lo que fácilmente se puede divisar en el siguiente cuadro estadístico elaborado con datos dellos norte. obtenidos facultadestadístico, de ciencia y tecnología FECYTundemejor la universidad técnica de Graficode1:la Cuadro utilizado para entendimiento estudiantes matriculados

189

Grafico 1: Cuadro estadístico, utilizado para un mejor entendimiento de los estudiantes matriculados

Mujeres Hombres 40elaboración60propia. Fuente:

Fuente: elaboración propia

2. METODOLOGÍA Primero realice una búsqueda sobre la actualidad del arte en el Ecuador para conseguir una base y enfocarme en la actualidad de la carrera de artes plásticas. Lo siguiente fue una breve investigación para dar a conocer en lo que se puede llegar a desenvolver con esta profesión. Como tercer paso elaboré un cuadro estadístico con datos obtenidos de la Facultad de Educación Ciencia y Tecnología, FECYT de los estudiantes que se llegaron a matricular desde el 2013 que se creó la carrera hasta la actualidad. Luego elabore una encuesta con el motivo de investigar entre estudiantes que decidieron cambiarse de carrera y exestudiantes que decidieron retirarse. Al conseguir colaboración en el llenado de dichas encuestas, concluí con el análisis de los resultados y obteniendo una conclusión.

3. RESULTADOS Se aplicó una encuesta a los estudiantes que decidieron abandonar la carrera, con la finalidad de descubrir los motivos del alto índice de deserción. La encuesta se aplicó a 10 exestudiantes de la carrera, obteniendo el siguiente resultado: A la primera pregunta: ¿Por qué eligió la carrera de Artes Plásticas? El 70% de los encuestados contestó que porque era la única manera de ingresar a la universidad mediante la obtención de un cupo. El 20% de los encuestados contestó que porque le gustaba mucho la carrera. El 10% de los encuestados contestó que era una de las opciones que habían obtenido en la postulación y les agradaba la carrera, pero no estaba completamente seguro.

190

A la segunda pregunta: ¿En qué prioridad estuvo la carrera de artes plásticas en su postulación? El 20% respondió que fue su segunda opción. El 10% respondió que la puso como tercera opción. El 30% contestó que era su cuarta opción. El 40% respondió que era su quinta opción. A la tercera pregunta: ¿Qué fue lo que más le agrado de la carrera? El 20 % respondió que lo que más le gustó fue que conocieron como interpretar el significado de las obras de arte. El 10 % contestó que le gustó que por medio del arte se puede cambiar la mentalidad de las personas. El 70% respondió que le gustó la calidad y el carisma de los docentes. A la cuarta pregunta: ¿Qué fue lo que no le agrado de la carrera? El 100% coincidió en responder al afirmar que no existió un motivo para el desagrado de la carrera. A la quinta pregunta: ¿Cuál fue el motivo de su deserción de la carrera? El 70 % respondió no tenía vocación para el arte. El 20% de los encuestados contestó que por motivos socio familiares. El 10% de los encuestados respondió que fue por indecisión.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Actualmente existen muchos factores por los cuales un bachiller toma la decisión de elegir una carrera universitaria en particular, puede ser por seguir una tradición profesional familiar, por escoger una profesión que le brinde un buen sustento económico a futuro entre otros factores, pero son pocas las personas que buscan una profesión de acuerdo a sus capacidades y gustos, esto se ha convertido en un problema ya que se ha generado una “lucha” por conseguir un cupo universitario y al no lograrlo por A o B situación, optan participar de otras opciones como llega a ser la participación en otras carreras que no son de su interés con el fin de lograr una migración de especialidad o incluso de facultad al término del primer semestre, dejando sin oportunidades a bachilleres que tal vez tengan un verdadero interés en formarse como artista. Se concluyó que, debido al sistema de asignación de cupos, se torna difícil conseguir el ingreso a las carreras tradicionales, mientras que en la carrera de artes plásticas el puntaje necesario para el ingreso es más bajo lo que la convierte en una opción para poder ingresar a la universidad y así acceder a otras carreras.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Montesdeoca, M. (1989). San Antonio. Recuperado el 07 de diciembre del 2018 de: file:///C:/Users/Usuario/Downloads/LFLACSO-Viteri-PUBCOM.pdf

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

191

Bolívar, A. (1989). San Antonio. Recuperado el 07 de diciembre del 2018 de: file:///C:/ Users/Usuario/Downloads/LFLACSO-Viteri-PUBCOM.pdf

Ávila, E. (2014). Enciclopedia del Ecuador. Recuperado el 07 de diciembre del 2018 de:http://www.enciclopediadelecuador.com/geografia-del-ecuador/san-antonio-de-ibarra/

18 Nuevos parámetros para la crítica del arte actual

Marissa Pintado Ibarra Universidad Técnica del Norte Nathaly Ortega Gutiérrez Universidad Técnica del Norte

Abstract: The present investigation wants to determine the parameters under which current art can be criticized. This by means of the recognition of the characteristics considered in the valuation of Renaissance art; the identification of the changes that art has undergone and the analysis of the reasons why art can’t be criticized in the same way as during rebirth. During the Renaissance, the rules to interpret reality arise, since the study of nature becomes the main objective towards which the artist looks; for this reason the value of a Renaissance artwork was proportional to the naturalism that showed its elements. These parameters remained active for almost 600 years, because although over time emerged new trends and styles that contributed to the history of art, the purpose was the same: represent reality. The investigation method used is bibliographic, due to texts were used to find data that contribute to the investigation objectives. Once this information was obtained, the deductive method was applied in order to infer the reasons why all the artworks can’t be criticized equally, arriving at the conclusion that the characteristics by which art was valued in ancient times focused on symmetry, anatomical perfection, idealized beauty and naturalism, artists, wanted to understand the beauty and essence that was in their environment, it is for this reason that idealized a work. Now the criticism of a work can be approached from different perspectives taking into account the concept that the artist wants to communicate.

Keywords: Criticized , assessment, express, represent

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

195

Nuevos parámetros para la crítica del arte actual New parameters for the criticism of current art

Marissa Pintado Ibarra Universidad Técnica del Norte maferpintadoclnea@hotmail.com Nathaly Ortega Gutiérrez Universidad Técnica del Norte nathalyortega1998@gmail.com

Resumen: La presente investigación busca determinar los parámetros bajo los cuales se puede criticar el arte actual. Esto mediante el reconocimiento de las características consideradas en la valoración del arte renacentista; la identificación de los cambios que ha sufrido el arte y el análisis de las razones por las cuales no se puede criticar el arte de la misma manera que durante el Renacimiento. Durante el Renacimiento surgen las reglas para interpretar la realidad ya que el estudio de la naturaleza se convierte en el objetivo principal hacia el cual mira el artista; por esta razón el valor de una obra de arte renacentista era proporcional al naturalismo que mostrara sus elementos. Estos parámetros se mantuvieron activos por casi 600 años, ya que si bien con el transcurso del tiempo surgieron nuevas tendencias y estilos que aportaron a la historia del arte la finalidad era la misma: representar la realidad. El método de investigación utilizado es bibliográfico, puesto que se recurrió a textos para poder encontrar datos que aporten con los objetivos de la investigación. Una vez obtenida esta información se procedió a aplicar el método deductivo a fin de inferir las razones por las cuales no se puede criticar todas las obras por igual, llegando a la conclusión de que las características por las cuales se valoraba al arte en la antigüedad se centraban en la simetría, en la perfección anatómica, belleza idealizada y naturalismo, los artistas, querían entender la belleza y esencia que se encontraba en su entorno, es por esta razón que idealizaban una obra. Ahora la crítica de una obra puede ser abordada desde perspectivas diferentes tomando en cuenta el concepto que el artista quiera comunicar.

Palabras clave: Crítica, valoración, expresar, representar

196

1. MARCO TEÓRICO Para valorar una obra se podría tener en cuenta las categorías estéticas tales como lo bello, categoría que “Los pitagóricos definieron a partir de valores formales, tanto cuantitativa como cualitativamente; el orden, la proporción, y la asimetría contribuyen a la belleza clásica desde la Antigüedad griega hasta nuestros días” (Garbuno, 2012, p.27); lo grotesco, lo sublime, lo feo, lo irónico, lo trágico, y lo siniestro; se podría emplear el método historicista propuesto por Winckelman donde se clasifica el estilo basado en la época; el método formalista propuesto por Wölfflin y el método semiótico donde la obra de arte es un mensaje que debe ser interpretado por el espectador. El arte puede verse desde una mirada histórica y técnica, puede basarse en la vida del autor, en la motivación interna, en lo que el público percibe y en la función que desempeña en la sociedad. Después de descubrir tantas opciones, se podría pensar que la crítica artística es subjetiva, pero en realidad es simplemente muy extensa. Se puede abarcar de muchas maneras. Entonces ¿si los parámetros para la valoración artística son tan abundantes y distintos como pueden ser aplicados a toda la producción artística de épocas y estilos diferentes? Los aspectos técnicos son cambiantes ya que constantemente surgen técnicas nuevas. La percepción del espectador es subjetiva y depende de aspectos culturales, psicológicos y sensitivos. La razón y el concepto no necesitan más que una buena argumentación para tener validez; por ende, uno de los aspectos que ha cambiado desde el inicio de la “época del arte” hasta la actualidad es el objetivo, la denominada funcionalidad del arte.

1.1. De la era del arte al fin del arte Se han encontrado manifestaciones artísticas que datan del paleolítico superior. Según el punto de vista de Belting, la «era del arte» comenzó alrededor del 1400 d.C., y aunque hubo imágenes hechas antes que ya eran «arte», no estaban concebidas de esa manera, y por ello el concepto de arte no tenía ningún papel en lo que estas imágenes llegaron a ser. (Danto, 2010, p.47)

1.1.1. Renacimiento: donde todo inicia En el transcurso del Renacimiento, el estudio de la naturaleza se convierte en el objetivo principal hacia el cual mira el artista: este contribuye activamente al descubrimiento del mundo exterior. Los tratados de arte del siglo XV no constituyen otra cosa que un recetario, se ocupan sobre todo de interpretar la realidad y surgen las reglas para representarla (Venturi 2016 p.103). El valor de una obra de arte renacentista era proporcional al naturalismo que mostrara sus elementos. A través del arte el artista también buscaba comprender el mundo que lo rodeaba, buscaba comprender su esencia. “El artista no solo domina la técnica, sino también el conocimiento físico y moral de la naturaleza, de una forma más completa que el siglo anterior” (Venturi, 2016, p.114). Es así como en este periodo se retoman los parámetros estéticos que caracterizaron a la Grecia helenística tales como la simetría, la belleza idealizada y la perfección anatómica. “Entre las grandes innovaciones de este periodo se encuentran: la investigación de los campos de la perspectiva y las proporciones, el nuevo concepto del retrato como reproducción fiel del individuo (…)” (Wundram, 2006, p.7). La aplicación de la perspectiva en la pintura solo contribuye a una representación cada vez más fiel de la realidad. Otro aspecto importante en la valoración del arte renacentista es el uso del color. “Leonardo da Vinci da el paso decisivo al abolir el

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

197

equilibrio en que se mantenían el color y la línea en favor de una modulación cromática de los contornos” (Wundram, 2006, p.7). El artista también nos deja un tratado sobre la sombra donde señala la consideración de cuatro aspectos al momento de pintarla: calidad, cantidad, ubicación y figura. “La concepción de la sombra, como calidad artística de toda forma, viene completada por la necesidad de movimiento. La idea de Leonardo, según la cual el movimiento es la fuente de toda vida, constituye una explicación científica de la naturaleza y, al mismo tiempo, la afirmación de una necesidad artística.

1.1.2. Donde empiezan los cambios Los parámetros para el arte narrativo fijados por los maestros del Renacimiento se mantuvieron activos por varios siglos, ya que, si bien, con el transcurso del tiempo surgieron nuevas tendencias y estilos que aportaron a la historia del arte la finalidad era la misma: representar la realidad. Cada generación descubrió que aun existían focos de resistencia insospechados, bastiones de convencionalismo que hacían que los artistas aplicasen formas que había aprendido a pintar más que, realmente, a ver. Los rebeldes del siglo XIX propusieron proceder a una limpieza de todos esos convencionalismos; uno tras otro estos fueron suprimidos, hasta que los impresionistas proclamaron que sus métodos les permitían reproducir sobre el lienzo el acto de la visión con exactitud científica. (Gombrich, 1997, p.562) Para bien o para mal, los artistas del siglo XX tuvieron que hacerse inventores. Para llamar la atención tenían que procurar ser originales en lugar de perseguir la maestría que admiramos en los grandes artistas del pasado. Cualquier ruptura con la tradición que interesara a los críticos y atrajera seguidores se consideró, y sin embargo la historia del arte del siglo XX debe tomar nota de esta inquieta experimentación, porque muchos de los artistas con más talento de esta época se sumaron a esos esfuerzos. (Gombrich, 1997 p.563)

1.2. Sobre el cambio y la crítica del arte En una obra de arte las líneas y los colores son el arte, en tanto que están empapados del sentimiento individual del artista. Sin embargo, cuando se comparan entre si las líneas de dos artistas diferentes se abstraen de aquel rasgo sensible que las convierte en arte. ¿Qué queda entonces? El símbolo físico de una realidad compuesta, espiritual y física a la vez, al igual que toda realidad. (Venturi, 2016, p.318)

El arte cambio, no solo en cuanto a técnica o estilo si no que su función es diferente. La representación cambio para dar paso a la expresión por medio de la experimentación. Cuando Arthur C. Danto escribió su famosa obra denominada “El fin del Arte” y posteriormente “Después del fin del arte” el crítico afirmó que la producción artística realmente no había llegado a su fin, si no que una etapa de esta había concluido para dar paso a una nueva y por ende la crítica del arte ya no puede estar sujeta a los mismos parámetros que marcaron la “Era del arte”. Para explicar el fin de este periodo Gombrich (1997) nos pregunta: ¿Qué es lo que debe experimentar un pintor y por qué no se ha de contentar con sentarse ante la naturaleza y pintar lo mejor que sepa? La respuesta parece residir en que el arte ha perdido su estabilidad, porque los artistas han descubierto que la sencilla exigencia de que deben pintar lo que ven es contradictoria en sí. Tal aseveración parece una de las paradojas con que los artistas y críticos modernos gustan de importunar al paciente y sufrido espectador; pero se trata de algo que a los que hayan seguido este libro desde su principio no resultará difícil de comprender. Recordemos cómo acostumbraba el artista primitivo a construir, por decirlo así, un

198 rostro, extrayéndolo de formas sencillas más que copiando un rostro real. (p.561) Los críticos franceses del siglo XIX, y en particular su más elevado exponente, Baudelaire, nos han mostrado que la sensibilidad artística, la comunidad de experiencias con los artistas, es la fuente necesaria de la intuición crítica. Estos críticos crearon una consciencia del arte actual más viva que la existente en cualquier época anterior y vieron el arte en su mismo proceso de creación, esto es, reconstruyendo la personalidad del artista. (Venturi, 2016 p.373) 1(…) El inicio de una crítica de obras no figurativas supone ya un criterio de juicio (…). La crítica, por tanto, no es ya una crítica de la representación, pues el valor del arte se encuentra más allá de lo representado, en un principio activista que posibilita <<la supervivencia del signo en la cosa significada>>; su función consiste, por el contrario, en el reconocimiento de esta supervivencia o de la actualidad y actividad del signo más allá del objeto destruido. (Venturi, 2016 p.354) Luciano veía, por consiguiente, dos clases de fenómenos: uno estaba relacionado con la expresión psicológica y, el otro, con la visión del artista. La tarea de la crítica consiste en superar este dualismo y llegar a comprender el proceso por el cual la expresión psicológica se ha convertido en pintura y como la visión del artista expresa su modo de sentir. Empero, no es posible llegar a una síntesis si no se conoce bien la tesis y la antítesis por esta razón resulta natural que los críticos se hayan ocupado y preocupado de estudiar los fenómenos psicológicos y los de la visión. (Venturi, 2016 p.317)

Se podría decir que las manifestaciones artísticas actuales ya no se limitan únicamente a lo que se muestra como tal en la obra. La crítica del arte actual debe reconocer los elementos que utiliza para situarlos en una corriente artística, debe valorar basándose en el contexto social y cultura el cual se desarrolla, tomar en cuenta el tema y como este es abordado, la motivación del artista; básicamente se debe tener en cuenta todos los aspectos que trascienden la obra.

2. METODOLOGÍA La metodología de la investigación es de tipo bibliográfico ya que mediante la consulta de libros se obtuvo información sobre las diferentes formas de abordar la valoración de una obra de arte dependiendo de la época en la cual fue realizada, el estilo y el papel que desempeñaba. Los libros consultados fueron “La historia del arte” de Gombrich. E. H (1997) que sirvió como una guía histórica para determinar los periodos, “Después del fin del arte” Danto. A (2010) de donde se obtuvo el tema de investigación y contribuyó a desarrollar la problemática, “Historia de la crítica de arte” de Venturi.L (2016) y Renacimiento de Wundram. M (2006) aportaron en cuanto a los parámetros fijados durante el renacimiento, “Estética del vacío” de Garbuno.E (2012) aportaron en el planteamiento de las categorías estéticas tratadas en la introducción. Una vez obtenida esta información se procedió a aplicar el método deductivo a fin de inferir las razones por las cuales no se puede criticar todas las obras por igual y esto, a su vez, derivó en las diversas maneras de abordar el arte actual.

3. RESULTADOS En el Renacimiento los parámetros que encontramos para la valoración y crítica del arte es el estudio de la naturaleza se convierte en el objetivo principal hacia el cual mira el artista: este contribuye activamente al descubrimiento del mundo exterior, es decir regresa el canon griego y se toma en cuenta la simetría y la proporción anatómica en una obra.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

199

Entre el siglo XIX y el siglo XX los parámetros por los cuales se valoraba al arte cambiaron, pues, aunque la finalidad era la misma, representar la realidad, los artistas rebeldes para bien o para mal, tuvieron que hacerse inventores. Para llamar la atención tenían que procurar ser originales, es decir los artistas se vuelven impresionistas. En la actualidad la crítica del arte debe reconocer los elementos que utiliza para situarlos en una corriente artística, debe valorar basándose en el contexto social y cultura el cual se desarrolla, tomar en cuenta el tema y como este es abordado, la motivación del artista; básicamente se debe tener en cuenta todos los aspectos que trascienden la obra.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Las características por las cuales se valoraba al arte durante el Renacimiento se centraban en la simetría, en la perfección anatómica, belleza idealizada y en alcanzar el mayor nivel de naturalismo posible. En la antigüedad los artistas, querían entender la belleza y esencia que se encontraba en su entorno, es por esta razón que idealizaban una obra y con el pasar de los años estas características se han ido cambiado, ya que la ideología de los artistas los lleva a expresar lo que sienten. Con la globalización de la fotografía ya no es suficiente con solo representar lo que rodea al artista, ahora debe ir más allá y mostrar su pensamiento, sus emociones y sentimientos, sus cuestionamientos y su realidad.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Danto. A (2010) Después del fin del arte. Paidós Estética. España.

Venturi.L (2016) Historia de la crítica de arte. Debols!llo. Barcelona, España.

Gombrich. E. H (1997) La historia del Arte. Phaidon. China

Garbuno. E (2012) Estética del vacío. Universidad Autónoma de México, México. Recuperado de:http://blogs.fad.unam.mx/asignatura/raquel_garcia/wp-content/uploads/2013/08/ Categorias-est%C3%A9ticas.pdf

Wundram. M (2006) Renacimiento. Taschen. Slovakia.

Godfrey. T (2010) La pintura de hoy. Phaidon. China

19 Incidencia de las artes plásticas en el desarrollo del pensamiento creativo en niños de primer año de educación básica de la Unidad Educativa Fiscal 28 de Septiembre

Bryan Andrés Montaluisa Reyes Universidad Técnica del Norte Wilson Steeven Rosero Rosales Universidad Técnica del Norte

Abstract: Plastic Arts helps the creative development of children, allowing to increase flexibility, originality and innovation since it can express a feeling, emotion and the same thoughts. it is mentioned the ignorance of how to apply plastic arts in different areas, being one of the problems the traditional methods that are used , at the time it becomes a routine that prevents children from developing creativity, reaching at the beginning of the research about the incidence of plastic arts in children and an explained research with the elaboration of didactic resources with themes that are related to the research also being descriptive, being a fundamental part the scientific, deductive and inductive method. It’s recommended to the authorities, to give proper training to the teachers about the subject and it’s necessary to put on practice and to observe how effective it is if it’s applied on a daily basis.

Keywords: Routine, effective

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

203

Incidencia de las artes plásticas en el desarrollo del pensamiento creativo en niños de primer año de educación básica de la Unidad Educativa Fiscal 28 de Septiembre Incidence of plastics arts in the development of the creative thinking in the children of first year of Education Basic Fiscal Educational Unit September 28

Bryan Andrés Montaluisa Reyes Universidad Técnica Del Norte andres_montaluisa@hotmail.com Wilson Steeven Rosero Rosales Universidad Técnica Del Norte steevenrosero1998@gmail.com

Resumen: Las artes plásticas ayudan al desarrollo creativo de los niños, permitiendo un aumento de flexibilidad, originalidad e innovación dado que se puede expresar sentimiento, emociones y de igual pensamientos. Se puede mencionar el desconocimiento de cómo aplicar las artes plásticas en diferentes ramas, siendo uno de los problemas que se utilizan métodos tradicionales, al tiempo llegan hacer rutinario que impide a los niños un desarrollo creativo, llegando así al inicio de la investigación sobre la incidencia de las artes plásticas en los niños y con la elaboración de un recurso didáctico con temáticas que se relacionen al tema de investigación que es explicativa de campo y descriptiva, siendo fundamental el método científico, deductivo e inductivo. Se recomienda a las autoridades, dando capacitaciones a los docentes sobre la temática y poner en práctica en sus clases y observar lo eficaz que si se aplica diariamente.

Palabras clave: Rutinario, eficaz

204

1. MARCO TEÓRICO 1.1. Importancia de la expresión plástica (Mañosa, Valderrama, 2006) Manifestó: Los niños van formulando en sus trabajos el desarrollo de su personalidad y los conflictos que van teniendo con el mundo y con las personas que están con él, tenemos que estar muy atentos para revelar dichos cambios o posibles problemas y ayudarles (pág. 16) El niño logra decir en sus obras lo que no puede decir con palabras, sus obras de arte infantiles expresan su comprensión de la realidad en la que viven. Informándonos de sus estados de ánimo del niño, como preferencias, deseos y miedos. Uniéndonos más a la imaginación de los niños. Ofrece un contenido que es ligado a la experiencia utilizando las tres funciones básicas: pensamiento, sensación y sentimiento. Dejando que descubra las cosas por sí mismo estimulando aún más su aprendizaje y de igual manera su interés hacia el entorno aumentando su conocimiento y su experiencia.

1.1.1. La expresión Toda obra de arte debe expresar algo. La expresión depende de la avenencia con que se conforman los diferentes agentes plásticos, como la línea, la luz, el color y otras.

1.1.2. Pintura El hombre tuvo necesidad de ella para expresar los momentos siendo así que encontró el medio en donde poner el soporte de donde se va a pintar y encontró el medio para fijar en un soporte seleccionado las formas y los colores. Donde aparecen las formas, los acentos y de esta manera definiremos la pintura.

1.2. Elementos básicos del lenguaje plástico en las etapas Preescolar e Infantil (Clavijo Gamero , 2004) Expresó: El color durante las etapas de Educación Preescolar e Infantil el niño debe ir discriminando y conociendo los nombres de los colores, empezando desde los más básicos (rojo, verde, azul, amarillo) hasta completar la gama de colores simples (los anteriores más el naranja, el marrón, el celeste, entre otros) (pág. 515) Se puede realizar de la gama de colores que el niño no será capaz de distinguir. Sólo después de un desarrollo, logrará variar. Pasando el niño a ver al color como diferenciado y esquemático.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

205

1.3. Evolución de la expresión plástica en los niños (Rocio Rivera, 2008) , manifestó que: “La expresión plástica evoluciona a través de varias etapas: características comunes de desarrollar el grafismo, la forma de distribuir el espacio, la forma de aplicar el color, grafismo y otras”. (pág. 6) Los niños celebran el nacimiento de la escritura con garabatos siendo el primer proceso Primitivo pero cargado de sentido. Con sus líneas de lado a lado no escribe palabras pero deja señales que se trata de seducir los primeros momentos de la infancia distinguir estos componentes principales: el gesto y el trazado. El gesto es la naturalidad o casualidad y el trazado que es el dominio logrado por el niño. Se posibilita una comunicación si se realiza el garabatear en una hoja entre el adulto y el niño, permitiendo este lenguaje no verbal expresar sus emociones. Estableciendo una relación más pura y profunda con las personas.

1.4. La historia del arte. Fuente especificada no válida., mencionó: Cada ambiente, cada época, cada inquietud, cada quehacer artístico ha dejado varias evidencias. Han florecido los estilos y aparecido las tendencias artísticas de la condición más diversa. En esos estilos y tendencias está presente el espíritu creador del hombre, que a veces no ha podido elaborar sino únicamente torpes figuras, líneas incompletas, o sonidos mal articulados, aunque en otras ocasiones, bajo el impulso de genio de algunos individuos, se han producido obras que es preciso reconocer como valores estéticos universales. La historia del arte se ha producido a lo largo de la historia del hombre desde la era de la piedra, han existido distintas formas de expresión artística con material que estaba a su eficacia demostrando elementos presentes, imaginados, o creados, nada ha imposibilitado la expresión artística hasta la coyuntura que poco a poco ha cambiado con la tecnología.

1.5. Concepto de la expresión plástica (Clavijo Gamero , 2004) Manifestó: La expresión plástica incluye una modalidad de expresión artística. Es una expresión individual o colectiva que surge como modos de percibir, que da rienda suelta a unas concepciones muy íntimas de ver y entender el mundo (pág. 51) Sujetos localizan una manera muy posible de comunicar sus experiencias, emociones y vivencias hacia las demás quienes ayudan al perfeccionamiento de la creatividad, la sensibilidad estética y el gusto artístico.

2. METODOLOGÍA

206

Se recolectó datos sobre la problemática y se sintetizó la información obtenida pa analizar sus resultados con el fin de extraer generalidades significativas que contribuy 2. METODOLOGÍA al conocimiento para así buscar el porqué de los hechos mediante el establecimiento causa desintetizó la problemática y su efecto y así para se fundamentó Se recolectó datos sobre la relaciones problemática y se la información obtenida analizar a través de consulta de algunos documentos como libros, páginas web, entre otras. sus resultados con el fin de extraer generalidades significativas que contribuyan al conocimiento para así buscar el porqué de los hechos mediante el establecimiento de relaciones causa de También se estableció relación directa con niñas, Padres de Familia y directivos de la problemática y su efecto y así se fundamentó a través de la consulta de algunos documentos institución en los que se pretende aplicar los instrumentos de los cuales se obtendr como libros, páginas web, entre otras. datos más relevantes a ser analizados.

También se estableció relación directa con niñas,que padres familiaconocer y directivos de la institución Aplicamos métodos nos de permitió profundamente los conocimientos en los que se pretende aplicar los instrumentos de los cuales se obtendrán datos más relevancomprobados y así poder aplicarlos a la realidad del problema ya que se utilizó pa tes a ser analizados. analizar las fundamentaciones teóricas desde lo más general hasta lle cronológicamente a aplicar, relacionar y puntualizar en aspectos de carácter particu Aplicamos métodos que nosdentro permitió ya comprobadelconocer proceso profundamente investigativo y así,los fueconocimientos muy útil para permitirnos obtener conclusion dos y así poder aplicarlos a generales la realidada del problema ya que sede utilizó para analizar lasofundapartir de la observación los hechos suscitados incidencias encontrad mentaciones teóricas desde así lo más general hasta llegar a aplicar, relacionar también se aplicó en el cronológicamente manejo de los datos cualitativos y cuantitativos de y puntualizar en aspectos deinvestigación. carácter particular dentro del proceso investigativo y así, fue muy útil para permitirnos obtener conclusiones generales a partir de la observación de los hechos Percibimos realizar por medioen deellamanejo aplicación de datos pruebas a las niñas con el fin suscitados o incidencias encontradas asíatambién se aplicó de los cualitaticonocer de qué modo o por qué causa se produce el problema. vos y cuantitativos de la investigación. Percibimos a realizar por medio de la aplicación de pruebas a las niñas con el fin de conocer de qué modo o por qué causa se produce el problema. 3. RESULTADOS

3. RESULTADOS

resultados son las manualidades como se ve en el grafico Los resultados son las -Los manualidades utilizadas como se veutilizadas en el gráfico.

- Obras realizadas en diferentes técnicas: marcadores, lápices de colores, crayones, láp Obras realizadas en diferentes técnicas: marcadores, lápices de colores, crayones, lápiz.

Existen en el mercado tijeras especiales para enseñar al niño a recortar. Estas tijeras tienen cuatro orificios, dos para que introduzca los dedos el niño y otras dos para que el adulto introduzca los suyos con el fin de dar seguridad a los niños.

- Existen en el mercado tijeras especiales para enseñar al niño a recortar. Estas tijeras tienen cuatro orificios, dos para que introduzca los dedos el niño y otras dos para que el adulto introduzca los suyos con el fin de dar seguridad a los niños. UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE 207

3.2. Tiempo de resultados de los Estudiantes Gráfico: Tiempo de duración de actividades realizadas Estudiantes

Manualidades

Rayones

Recortes

Pintura

NIÑOS

30 min

15min

8min

35min

30min

NIÑAS

35min

20min

10min

40min

30min

3.2. TIEMPO DERESULTADOS DE LOS ESTUDIANTES

Gráfico: Tiempo de duraciónFuente: de actividades realizadas Elaborado propio ESTUDIANTES MANUALIDADES RAYONES RECORTES NIÑOS 30 min 15min 8min 35min 3.3 Porcentaje de la creatividad de los estudiantes NIÑAS 35min 20min 10min 40min

PINTURA 30min 30min

Del 100% de los estudiantes un 10% mostraron sus habilidades Fuente: Elaborado propio en cada trabajo. El 20% de los estudiantes mostraron una gran precepción. El 20% de los estudiantes demostraron gran seguridad al pintar y al recortar. El 50% de los estudiantes3.3 demostraron su la gran expresión porestudiantes sus sentimientos, emociones e Porcentaje de creatividad de los ideas, transmitiendo un mensaje a otros de su realidad Del 100% de los estudiantes un 1o% mostraron sus habilidades en cada trabajo. Gráfico: Resultado de actividades realizadas. Gráfico: Resultado de actividades realizadas. El 20% de los estudiantes mostraron una gran precepción. ESTUDIANTES El 20% de los estudiantes demostraron gran seguridad al pintar y al recortar. 50% El 50$ de los estudiantes demostraron su gran expresión por sus sentimientos, 45% emociones e ideas,40%transmitiendo un mensaje a otros de su realidad 35% 30% 25% 20% 15% 10% 5% 0%

ESTUDIANTES

Habilidades cognitivas

Percepciòn del entorno

Seguridad

Expreciòn de emociones

Fuente: elaborado propio

Fuente: elaborado propio 4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES

En los resultados podemos obtener que la creatividad de los niños nos da un punto

208

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES En los resultados podemos obtener que la creatividad de los niños nos da un punto de vista diferente a lo común demostrando así sus dotes o potencial. No se necesita necesariamente poseer estas características para tener el desarrollo del pensamiento creativo del niño, el cual debería ser fomentado permanentemente por maestros y padres de familia. Los resultados de la investigación demuestran que un gran número de docentes no conoce cómo desarrollar el pensamiento creativo por medio de técnicas de artes plásticas, debido a que desconocen estrategias para realizar este trabajo. Los docentes están de acuerdo que requieren de un material que les oriente para desarrollar la creatividad que influirá positivamente en el desarrollo de proceso de enseñanza- aprendizaje, en forma práctica, eficiente y eficaz. La mayoría de estudiantes se interesan por realizar actividades artísticas como rasgar, pintar, trozar, arrugar, cortar con tijeras, con los dedos, entorchar, utilizando material de reciclaje, en los cuales se pudo observar que cada trabajo es único e irrepetible, demuestran creatividad e imaginación.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Clavijo Gamero . (2004). Manual de auxiliar de Jardin de Infancia. Madrid, España: Editorial Universitaria.

Mañosa, Valderrama. (2006). Descubrimiento de la expresión plástica. México: Edit. Océano.

Rocío Rivera. (2008). Documento de Investigación. Ibarra, Ecuador: UTN.

Rodríguez, & Esquivel Monge . (1995). Prevención y promoción de la salud integlal del niño y la niña escolar. México: Edit. Planeta.

20 Competencia de precios en la venta de escultura en madera de San Antonio de Ibarra

Leidy Lizeth Gordón Caicedo Universidad Técnica del Norte Mishell Alexandra Romero Ormaza Universidad Técnica del Norte

Abstract: The craftsmen of sculptures in wood in San Antonio are in a daily competition, for the lack of production since the works are realized by order in order that this way it does not exist economic losses. This investigation understands 4 stages: artists’ identification, identification of the sold figures, type of used wood, cost of the figures. artists who elaborate to San Miguel Archangel valued for 300 $ in the handcrafted shop Rafael and 200 $ to 350 $ in Sergio’s Lopez handcrafted shop, this way also as also Virgins (any type) valued for 150 $ to 300 $ in Antonio Tobar’s handcrafted shop and 300 $ to 1500 $ in Michael Ángel Herrera’s handcrafted shop.

Keywords: Disloyal Competition between artists, handcrafted process of sculptures, sitiacion of costs, choice of wood, quality.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

213

Competencia de precios en la venta de escultura en madera de San Antonio de Ibarra Competition of prices in the sale of sculpture in wood of Ibarra’s San Antonio

Leidy Lizeth Gordón Caicedo Universidad Técnica Del Norte hazel1universograce@hotmail.com Mishell Alexandra Romero Ormaza Universidad Técnica Del Norte Mishu.08.96@hotmail.com

Resumen: San Antonio es un lugar reconocido internacionalmente por sus talladores de madera. Estas obras presentan precios variados debido al costo de la materia prima y la mano de obra. Esta investigación comprende 4 etapas: identificación de artistas más importantes, identificación de las esculturas con mayor producción, comparación de precios, tipos de madera y resultados. Los artistas que elaboran a San Miguel Arcángel valorado en $300 en la tienda artesanal Rafael y $200 a $350 en la tienda artesanal de Sergio López, así también como también Vírgenes (cualquier tipo) valoradas en $150 a $300 en la tienda artesanal de Antonio Tobar y $300 a $1500 en la tienda artesanal de Miguel Ángel Herrera.

Palabras clave: Competencia desleal entre artistas, proceso artesanal de esculturas, situación de costos, elección de madera, calidad.

214

1. MARCO TEÓRICO Los artesanos de San Antonio de Ibarra tienen un potencial excelente para trabajar en madera, algo que forma parte de la cultura tradicional, tallan figuras religiosas, estatuas, esculturas clásicas, modernas, mendigos, animales, jarrones, en los cuales se han incorporado nuevas técnicas en sus acabados. La competencia debe medirse en calidad y precios, en algunos talleres han logrado afirmarse en el mercado local hasta convertirse en distribuidores de productos, además de ello realizan artesanías bajo pedido obteniendo así una venta segura.

1.1. Imaginería y el tallado Actualmente se caracteriza porque un buen número de personas se dedica a la elaboración de artesanías artísticas, logrando un alto nivel de producción que hizo de San Antonio un pueblo de artistas y dueño de famosos talleres de escultura, imaginería y tallado. La religión católica estimuló el desarrollo de una actividad artístico-artesanal completamente a su servicio. En todos aquellos centros de trabajo se aceptaban encargos y se hacían obras de acuerdo con catálogos de imágenes y altares, muestrarios traídos de España e Italia. El ideal acariciado por maestros escultores y talladores era: “Perfeccionar su arte igualando, superando o continuando aquella línea de producción que, inclusive, tenía ya la influencia del movimiento artístico colonial llamado Escuela Quiteña”. (Bolívar, 1889, p. 87) Bajo estas condiciones, se desenvolvieron varios talleres familiares, colectivos e individuales que dieron fama y honor al lugar natal con aquel calificativo de “tierra del arte”. El visitante de antaño, provinciano o colombiano, arribaba a la tierra del arte para convenir con el maestro escultor o tallador la ejecución de imágenes de santos o de altares destinados a iglesias. En algunas ocasiones se realizan contratos para que los jefes de taller realicen las obras en iglesias y conventos. (Montesdeoca, 1989, p.87)

1.1.2. Proceso de la realización de esculturas Los escultores de San Antonio de Ibarra realizan un proceso similar por legado, el cual consta de: 1. 2. 3. 4. 5. 6.

Selección de madera Secado de la madera Desbastado a mano Proceso de pulido Aplicación de detalles Aplicación de ojos de vidrio

1.1.3. Factores que influyen en la variación de precios Seleccionar la madera es el factor más difícil e importante para los escultores ya que de esto depende su trabajo y el precio que le pondrán a cada una de sus obras, afirman que no existe libre comercialización de madera por lo cual compran de contrabando a precios altos y en

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

215

algunos casos cómodos, por confidencialidad se negaron a dar precios. Trabajan en 4 tipos de madera: 1. 2. 3. 4.

Cedro Nogal Laurel Naranjillo

La mayoría de artesanos tienen una calidad de experiencia y mano de obra calificada, trabajan en cualquiera de las maderas nombradas anteriormente sin importar que tipo de madera sea, porque logra un acabado y calidad de primera. Realizando una investigación consideramos que el cedro es un tipo de madera de alta calidad el cual permite realizar un buen tallado, considerando así que las esculturas en cedro tendrán un valor económico más alto. El desbastado a mano y aplicación de detalles son dos procesos que requieren de tiempo y paciencia. Estos son los 3 factores que influyen en la variación de precios, el tiempo la paciencia y la mano de obra están valoradas a diferentes precios incluyendo la madera como factor fundamental de producción.

1.1.4. Temática social de la artesanía artística Las temáticas de las artesanías en madera varían, ya que los artesanos realizan sus obras por pedidos, se enlistarán las artesanías que actualmente están a la venta a mayor pedido:

San Miguel de Arcángel Vigenes (cualquier tipo) San Antonio Varios Santos Costumbres o Bartolos El Mendigo Animales Temáticas libres

$200 a $350 $150 a $1500 $90 a $300 $100 a $1200 $45 a $450 $80 $ 375 $70 a $3000 $70 a $3000

1.1.5. Escultores que mantiene la trayectoria artística de sus antecesores Gonzalo Montesdeoca: trabaja imágenes y cristos con un policromado precioso. Su larga vida dedicada con pasión a la escultura hace de él un verdadero maestro de esta rama de la plástica. Domina la forma y el color. Alcides Montesdeoca: sobrino de Gonzalo, expresa en sus obras grandes virtualidades de la escuela de los Reyes y los Montesdeoca.

216

Vicente Venegas: es un hábil intérprete de la escultura religiosa. José Terán: mantiene un taller igual que los descritos anteriormente y de tipo familiar, realiza imágenes religiosas y reproducciones de esculturas clásicas y paganas, técnicamente muy bien logradas. Esculturas en madera de nogal de carácter decorativo con juego de formas estilizadas o costumbristas, otras veces, incursiones en el desnudo femenino y relieves con motivos precolombinos de tamaño grande, todo con sentido ornamental, son producidas en el taller de Luis Potosí, y vendidas con mayor éxito económico en su propia galería. (Bolívar, 1889, p. 87)

2. METODOLOGÍA

Primero realizamos una búsqueda bibliográfica en el cual pudimos identificar el lugar donde se realizó la investigación además de su historia y el trabajo en el que se desenvuelve su gente.

Como siguiente punto realizamos la búsqueda de escultores, tomando en cuenta los lugares más conocidos en el cual seleccionamos el taller artesanal Rafael, taller artesanal de Sergio López, taller artesanal de Antonio Tobar, taller artesanal Miguel Ángel.

Al tener seleccionado los talleres se realizó las entrevistas a escultores en el cual nos supieron aclarar varios de los factores que determinan los diferentes precios de sus esculturas, como lo es la madera, el tiempo y la mano de obra.

Luego se determinó las esculturas más vendidas en los diferentes talleres.

Por último, punto se realizó los resultados y comparación de precios.

3. RESULTADOS Mediante un cuadro estadístico se interpretó la entrevista realizada a los 4 distintos talleres, con el fin de determinar las causas de la variación de precios. La entrevista consta de 10 preguntas, las cuales consisten en: el tipo de madera que utilizan, proceso realizado para la elaboración de la escultura, forma por la cual se obtiene la madera, valoración del trabajo, opinión personal sobre la competencia, precio asignado de la escultura , opinión personal sobre la escultura como inversión.

elaboración de la escultura, forma por la cual se obtiene la madera, valoración del trabajo, opinión personal sobre la competencia, precio asignado de la escultura , opinión personal sobre la escultura como inversión. UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE 217

Resultados de la Entrevista 120

100

co nt de

M ad er a

Pr ec re io cio sb Co s m aj os pe Ca te pe nc m rju bi ia di o de ca de sl e n pr e al n od Ar m tis uc a y to ta or sc po ca on rc nt fo a id l rm id ad ad es y c on pr Pi en ec el io sa p sb re n en cio aj os sd ar te e su co se m o sc in ul ve tu rs ra io s n pa ra so br ev ivi r

s o ab an d

de s

Fuente: elaboración propia.

aa lto sp

ad o

et all e

ad o ba st

po rl eg el

Pr oc es o cu la d Di fi

M ad er a

tra ba ja n

m ay or ia

Fuente: elaboración propia.

Análisis e interpretación de Resultados La madera es uno de los materiales más difíciles de conseguir, la mayoría opta por realizar sus trabajos en nogal. 7 Para realizar una artesanía en madera hay que tener en cuenta el proceso, los escultores realizan el proceso general en muchas de ellas y otros realizan un proceso distinto, pero es un porcentaje muy bajo. El desbastado y los detalles de una escultura en madera son procesos realmente difíciles, el porcentaje fue parejo, un buen trabajo consta de un desbastado excelente y los detalles afinan los buenos acabados. Uno de los problemas para el artesano es el conseguir la madera para sus esculturas, en el Ecuador no permiten la venta de madera y por ese motivo se realiza el contrabando a altos precios.

Los artesanos de San Antonio de Ibarra tienen un gran talento considerado por ellos y por muchas personas que consumen su arte. Cada taller de artesanías en madera tiene lo suyo, ningún taller tiene algo parecido, pero aun así los artesanos afirman que la competencia es desleal referente a precios. Para muchos de

218

los artesanos entrevistados los bajos precios afectan a sus talleres en gran cantidad por la desesperación de adquirir compradores. La calidad en varios talleres se ve con escasez en los trabajos hechos por motivo de no encontrar buena madera. Si un artesano busca compradores es evidente que tendrá que brindar buena calidad. No son tiempos buenos, afirmaron los artesanos, existe escasez de material y calidad es por eso que tratan de vender a precios cómodos sin afectarse económicamente. La última pregrunta se la realizó con el fin de conocer la forma de pensar de las personas desde su punto de vista, varios respondieron que era una forma de sobrevivir y no era una inversión porque el artesano no tenía la posibilidad de ponerse un taller si no vender a bajo precio perjudicando su trabajo por el hecho de que en algunos talleres o tiendas las artesanias en madera venden a precios más bajos.

4. CONCLUSIONES

La mayoría de artesanos de San Antonio de Ibarra se están extinguiendo a raíz de que no hay demanda de producto (esculturas), no hay turismo y se está volviendo un pueblo desértico, el turista no compra y el interno liquida ofreciendo precios bajos y de esta manera los artesanos no se sienten conforme con el precio de cada una de ellas.

la calidad es uno de los factores más importantes a la hora de realizar una escultura desde la elección de materiales hasta el proceso final, los artesanos que venden a precios elevados es porque tienen una calidad extremadamente de experiencia.

La elección de madera es un proceso difícil por la poca accesibilidad que el gobierno deja a los escultores, afirman conseguir la madera de contrabando a precios elevados, es un problema para los artesanos ya que dependiendo de una buena madera se realiza un buen trabajo con acabados excelentes.

La mayoría de artesanos no constan con clientes fijos, por lo que tienen que salir a ferias a vender sus artesanías y en algunas ocasiones bajar el precio generando así perdidas económicas.

El artesano es incondicional y no piensa en arte como inversión, piensa en arte como una forma de sobrevivir, varios artesanos dicen que es como todo trabajo, en cada área existe competencia y fraudes, hacen esculturas porque es algo que les gusta y tiene la habilidad, es por esto que realizan cada escultura bajo pedido para no verse más perjudicados.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Bolívar, A. Villalba, E. Montesdeoca, M. (1989). San Antonio. Recuperado el 07 de diciembre del 2018 de: file:///C:/Users/Usuario/Downloads/LFLACSO-Viteri-PUBCOM.pdf

Avines, E. (2014). Enciclopedia del Ecuador. Recuperado el 07 de diciembre del 2018 de:http://www.enciclopediadelecuador.com/geografia-del-ecuador/san-antonio-de-ibarra/

21 Aplicación de óleos en nuevos soportes reciclados

Nancy Carlosama Torres Universidad Técnica del Norte

Abstract: Art is also concerned with reusing objects and materials with the purpose of not polluting the planet and in turn promoting plastic art. It is intended to use recycled materials as support for oil painting Five supports have been used: satin cloth, ceramic, soda can, coated agglomerate, are commonly used materials, to reuse, through the oil technique. The 5 supports received the same primer as the base to apply the oil and also the same design on each surface. When applying the oil in each material, it was observed the drying times in each surface, both in the primer and in the application of the oil, as well as the variation of the color of the oil in each support. The research showed that this technique can be applied in these recycled supports, being able to quantify, drying time and color variation. The most suitable support for the oil was the can of soda and cloth, and because of the shorter drying time for the primer, which is two hours and the drying time of the oil was eight days and the color variation is bigger, the color It adheres very well to the surface, satisfies the needs for a good use of oil on the can of soda, was favorable to the requirements of the oil technique as new support.

Keywords: Recycled supports, oil, color variation, histogram, drying time.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

223

Aplicación de óleos en nuevos soportes reciclados Aplication of oleos in new recycled supports

Nancy Carlosama Torres Universidad Técnica del Norte nancycarlosama@hotmail.es

Resumen: El arte también se preocupa por reusar objetos y materiales con el propósito de no contaminar el planeta y a su vez fomentar el arte plástico. Se pretende usar materiales reciclados como soporte para la pintura al óleo Se han utilizado cinco soportes: tela satín, cerámica, lata de refresco, aglomerado recubierto, son materiales de uso común, para reutilizar, a través de la técnica de óleo. Los 5 soportes recibieron la misma imprimación como base para aplicar el óleo y también el mismo diseño en cada superficie. Al aplicar el óleo en cada material se observó, los tiempos de secado en cada superficie, tanto en la imprimación como en la aplicación del óleo además la variación de color del óleo en cada soporte. La investigación demostró que se puede aplicar esta técnica en estos soportes reciclados, pudiendo cuantificar, tiempo de secado y variación de color. El soporte más conveniente para el óleo fue la lata de refresco y la tela, ya por el menor tiempo de secado para la imprimación que es de dos horas y el tiempo de secado del óleo fue de ocho días y la variación del color fue mayor, el color se adhiere muy bien a la superficie, satisface las necesidades para el uso de óleo sobre la lata de refresco, fue favorable a los requerimientos de la técnica de óleo como nuevo soporte.

Palabras clave: Soportes reciclados, óleo, variación de color, histograma, tiempo de secado.

224

1. MARCO TEÓRICO En la actualidad, existe mucho material que ya no se usa, debido a que los seres humanos hemos ido adquiriendo cosas con diversos fines, pero que por muchas razones se han desechado. Materiales que se podrían reutilizar y aprovecharlos para desarrollar el arte con la aplicación del óleo, por esta razón es muy importante, que se encuentre nuevos soportes reciclados. Con el propósito de proteger el medio ambiente, evitando la contaminación y la explotación de recursos no renovables. Si bien el artista se adaptó de manera evolutiva en las diferentes expresiones artísticas, podemos encontrar nuevos materiales que sirvan de soporte para el uso del óleo, que garantice el desarrollo progresivo del arte: “Afortunadamente, hay gente que tras esos objetos que desechamos por viejos, ve una utilidad y una inspiración. Son los artistas del reciclaje, que recuperan la belleza en la basura” (Herrera. 2009, p. 46). Esta investigación está orientada a la determinación de nuevos soportes reciclados, destinados al aprovechamiento de materiales que pueden ser reusados de forma artística. Por lo que se considera conveniente conceptualizar y conocer las características de los materiales como soporte y la técnica que se va aplicar con óleo para analizar si son convenientes, en la práctica y desarrollo del arte plástico.

1.1. Pintura al óleo “El óleo, es una dispersión de partículas de pigmento finísimamente molido en un aceite secante específicamente el aceite de linaza; consiste en que al aplicar el óleo sobre el soporte imprimado, el aceite de linaza se evapora con el paso de los días y los colores quedan impregnados a la superficie” (Windsor &Newton, 2002, p. 11). El óleo es una técnica muy antigua, que se ha utilizado para representar imágenes, sobre una superficie o soporte y presenta menos diferencia en intensidad de color, al ser aplicados desde el inicio hasta que los colores estén secos. Por ello es el más adecuado para la representación de lo que se va a representar, dependiendo de la apreciación justa de los tonos y de sus más suaves valores. Ningún otro material proporciona tanta multiplicidad de modos de representación como el óleo. La aparente facilidad de aplicación, que ofrece efectos rápidos e inmediatos, sus combinaciones y fusión de tonalidades fácilmente conseguibles, así como la posibilidad de cubrir aquellos tonos no logrados y de corregir y alterar en fresco sobre fresco, son las causas de que la pintura al óleo se haya convertido en la técnica más extendida. (Doerner, 2005, p. 1)

El óleo tiene diversas formas de aplicar gracias a su manejabilidad y obtención de colores. Se puede obtener excelentes trabajos por su practicidad al producir cambios, hasta conseguir la composición deseada. Se utilizan los materiales necesarios para aplicar el óleo y son: Los pinceles que se va a usar, deben ser de diversos tamaños y pelo, que se adaptan al trazo deseado para realizar la obra pictórica. Aceite o aglutinante se emplea en la pintura para adherir los distintos elementos colorantes. Se

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

225

seca al contacto con el aire y fija los colores al soporte, el secado del óleo es lento. Los aceites son de origen vegetal, el tradicional es el aceite de linaza, existen otros aceites, que no se los va a poner en estudio. Según Windsor y Newton tenemos los siguientes aceites: Aceite de linaza refinado: ofrece muchas cualidades de no alterar el color, pero el secado es más lento. Es el aceite más popular. Aceite de linaza para secado: el secado es más rápido de todos los aceites para secado, al tiempo que aumenta el brillo (Windsor & Newton, 2002, p. 66).

Además es necesario utilizar disolvente que es un líquido capaz de disolver una sustancia, en este caso las pinturas al óleo, según Windsor y Newton tenemos: La Trementina.- Es la substancia disolvente que disminuye la concentración del color, es decir es el diluyente del óleo. Se emplea para “adelgazar” la pintura y volverla más fluida, facilitando su manipulación y su secado. Como cualquier diluyente para uso artístico, seca por evaporación y se elimina por completo. Se debe emplear con moderación y únicamente para la primera capa pictórica fase de manchado o pre-pintado, nunca para acometer las capas superiores ni para realizar veladuras (Windsor & Newton, 2002, p. 66).

Imprimación o base: es la pasta para cubrir la superficie de los soportes, que se aplica a la superficie a pintar con óleo.

1.2. Soportes Es el material cuya superficie ya empastada o imprimada, sirve para realizar una obra pictórica. Los soportes pueden ser variados para la técnica de óleo tal como lo describe en su libro, afirma. “La pintura al óleo se puede hacer sobre cualquiera de estos materiales, lienzo, tabla, pared, lámina, vidrio, tafetán, y otras sedas, papel, y pergamino como: El lienzo, madera o el muro.” (Villarquide, 2004, p. 24). Es decir es una base rígida, la que se utiliza para la propuesta pictórica de acuerdo a lo que se requiera. Al realizar la investigación de nuevos soportes reciclados, se ha definido el uso de soportes adecuados, en la aplicación del óleo para la representación de una obra pictórica. Los tableros más comunes como soporte rígidos según M. Huertas son: Madera: El soporte rígido por excelencia es la madera, tanto la madera natural maciza como los tableros artificiales. Muchos de los pintores pintaban en tabla incluso en la época en que la tela estaba ya generalizada como soporte. Contrachapado: Se fabrica con materiales sintéticos una o varias chapas, Deben imprimarse por ambas caras y por los cantos, norma aplicable a todos, los tableros. Aglomerado: se elabora a partir de residuos de madera prensados con colas sintéticas. Para uso artístico son recomendables los de alta densidad. Entre sus inconvenientes son pesados y sus ángulos y cantos son muy vulnerables a los golpes. Huertas (Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas) desaconseja su uso para fines artísticos por su tendencia a absorber humedad, salvo que estén rechapados (laminados) o forrados con tela (Huertas, 2010, p. 24).

Los soportes flexibles, son de uso común, están elaborados en tejido, siendo el más conocido y

226

utilizado el lienzo, como lo publica la universidad de Albacete de artes plásticas: El lienzo: Es el más habitual, y es el nombre genérico que se da a cualquier tipo de tejido imprimado que se emplea como soporte artístico. Los lienzos de algodón constituyen soportes totalmente aconsejables siempre que empleen una materia prima de buena calidad. Pueden elaborarse lienzos con otras fibras, como: vegetales (cáñamo, yute), De origen animal (Seda), artificiales (Lona de poliéster) y el lino que ha sido considerado tradicionalmente como el más idóneo (Universidad Popular de Albacete de Artes Plásticas, 2010, p. 3).

Los soportes Reciclados, son materiales desechados que se los puede reusar, en este estudio es necesario utilizarlos como soportes para aplicar el óleo. El arte puede colaborar al reusar superficies, aún útiles para una representación pictórica al óleo, y concientizar a los artistas la alternativa del reciclaje. Al igual que los soportes comunes también se puede clasificar los soportes reciclados en rígidos. Existen retazos o desechos como: la madera, contrachapado, metal, vidrio, que están desechados, pero que cuya superficie puede ser reusada con fines artísticos, con una imprimación previa. Los soportes reciclados flexibles, se refieren a las telas de diversa índole, los cuales, con una buena imprimación, pueden ser re-utilizadas, por ejemplo: tela de cortinas, forros, ropa, fibras sintéticas que pueden ser usadas como soporte para desarrollar la técnica de óleo. El objetivo de esta investigación es encontrar nuevos soportes reciclados, que dependiendo del tiempo de secado tomando en cuenta la variación de color, permitirá dar a conocer nuevos soportes para desarrollar la técnica de óleo. Esta investigación tiene la finalidad de procurar realizar una obra con materiales reciclados que facilitan la práctica para la producción artística.

2. METODOLOGÍA Para esta investigación se ha realizado 5 fases, que se detalla a continuación: 1.

Elección de 5 soportes reciclados, madera, tela satín, aglomerado, cerámica y lata de refresco, los cuales han sido elegidos por ser los más desechados, constituidos por materiales que presentan firmeza en la superficie, cualidad que se requiere como soporte para la aplicación del óleo.

Cada soporte es imprimado con la misma base, aplicando tres capas a cada uno, dejándose secar. Cada soporte tiene un tiempo de secado diferente. Para determinar si está seco se utiliza el método de la huella que consiste en presionar levemente la superficie con el dedo y si no deja la marca significa que está seco, esta prueba se hace cada hora.

Una vez seca la imprimación, se aplica el óleo sobre cada superficie y nuevamente se debe dejar secar. Para verificar si está seco se utiliza nuevamente el método de la huella cada 24 horas. Obteniendo tiempos de secado diferentes según el soporte. Se aplica el óleo para el diseño, proporcionándole color, luz y sombra.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

227

Se realiza el ensayo colorimétrico, analizando la variación de color del óleo. Esta variación se mide al inicio, después de aplicar el óleo en el soporte y finalmente se mide cuando ya está seco.

Para medir el color se utiliza la metodología de Coronado & García (2015) donde se utilizan histogramas de imagen. Para obtener datos de comportamiento del color, se ha hecho uso del software como instrumento de observación y análisis del color, para detectar si presenta alguna variación en el misma hora, con una la misma en el taller, soportes frente color, para lo que se usó cámaraluz dedel 16día megapíxeles. Laslosfotos fueronestán tomadas a una distancia de cm, a la misma conlos la soportes misma luzestán del día taller, los soportes están a la20ventana, es decirhora, todos enen laselmismas condiciones. Las frente a la fotografías ventana, es decir todos imágenes los soportes están en las mismas condiciones. fotografías presentan íntegras donde se tomó muestras Las de cada presentan íntegras donde se tomó muestras dede cada uno para unoimágenes para obtener el histograma (RGB) a través photo shop.obtener el histograma (RGB) a través de Photoshop.

la cuantificación el espacio color RGB,enbasado en priPara la Para cuantificación de colorde secolor utilizaseelutiliza espacio de color de RGB, basado los colores colores primarios rojo(B). (R), verde (G)lay medición azul (B). Realizando la medición marios los rojo (R), verde (G) y azul Realizando digital del color mediante los digital del color mediante los histogramas de la imagen, se genera una poder histogramas de la imagen, se genera una herramienta de muy rápida utilización para herramienta de muyderápida utilización parapara poder establecer deuna establecer una sistematización la metodología utilizada, la cuantificación variaciones cromáticas en los soportes & García, 2015, p. 2). la cuantificación de sistematización de la (Coronado metodología utilizada, para variaciones cromáticas en los soportes (Coronado & García, 2015, p. 2).

Para analizar el rango del color al inicio y al final del secado de la obra pictórica, se tomó una analizar el rango en del los color al inicioyyse al final del secado decada la obra pictórica, tomó foto a Para las obras realizadas soportes procede a medir color RGB yse luminosidad unalos foto a las obras realizadas en los1.soportes y se procede a medir cada color RGB y en todos soportes, como en el gráfico luminosidad en todos los soportes, como en el gráfico 1. Gráfico 1: Histograma del color rojo, utilizado para medir el color RGB y Luminosidad aplicado en rojo, utilizado para medir el color RGB y Luminosidad Gráfico 1: Histograma del colortodos los soportes aplicado en todos los soportes

Fuente: Elaboración Propia.

Fuente: Elaboración Propia 5.- En base a lo anterior se determina si el soporte es válido o no para la aplicación del óleo en función del tiempo de secado y de la variación de color y además se indica cual es el soporte con menor tiempo de secado y menor variación de color. 3. RESULTADOS 1.- Los resultados son las obras realizadas en cada soporte como se ve en el gráfico 2.

228

En base a lo anterior se determina si el soporte es válido o no para la aplicación del óleo en función del tiempo de secado y de la variación de color y además se indica cual es el soporte con menor tiempo de secado y menor variación de color.

3. RESULTADOS 1.

Los resultados son las obras realizadas en cada soporte como se ve en el gráfico 2.

Gráfico 2: Obras realizadasen endiferentes diferentes soportes reciclados: 1. Madera, 2. Tela satín, 3. Lata de3. Lata de Gráfico 2: Obras realizadas soportes reciclados: 1. Madera, 2. Tela satín, refresco, 4. Cerámica, 5. Aglomerado. refresco, 4. Cerámica, 5. Aglomerado. Gráfico 2: Obras realizadas en diferentes soportes reciclados: 1. Madera, 2. Tela satín, 3. Lata de refresco, 4. Cerámica, 5. Aglomerado.

Fuente: Elaboración Propia. Fuente: Elaboración Propia.

Fuente: Elaboración Propia.

2.- Tiempo de secado de la imprimación en cada soporte se indica en la tabla 1. 2.

Tiempo de secado de la imprimación en cada soporte se indica en la tabla 1.

2.- Tiempo de secado de la imprimación en cada soporte se indica en la tabla 1. Tabla 1: Tiempo de secado de imprimación en cada soporte. Tabla 1: Tiempo de secado de imprimación en cada soporte.

Tabla 1: Tiempo de secado de imprimación en cada soporte.

Fuente: Elaboración Propia

Fuente: del Elaboración Propia Los resultados del tiempo de secado óleo, se encuentra reflejado en los datos de la Fuente: Elaboración Propia tabla 2. Los resultados del tiempo de secado del óleo, se encuentra reflejado en los datos de la Tabla 2: Tiempo de secado del óleo en cada soporte. tabla 2. Tabla 2: Tiempo de secado del óleo en cada soporte.

Fuente: Elaboración Propia UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

229

Los resultados del tiempo de secado del óleo, se encuentra reflejado datos Los resultados del tiempo de secado del óleo, se encuentra reflejado en en loslos datos dede la la tabla 2. tabla 2. Tabla2: 2:Tiempo Tiempo de soporte. Tabla de secado secadodel delóleo óleoenencada cada soporte

Fuente: Elaboración Propia.

Fuente: Elaboración Propia. 4. DISCUCIÓN Y CONCLUSIÓN.

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIÓN 7 y al Los resultados obtenidos son de la variación de color al inicio de la aplicación del óleo Losestos resultados obtenidos de la variación de color al inicio de la aplicación del óleo secar, resultados se venson reflejados en la tabla 3. y al secar, estos resultados se ven reflejados en la tabla 3. Tabla 3: Valores de colores (RGB) y luminosidad de los soportes reciclados al inicio y al final Tabla 3: Valores de colores (RGB) y luminosidad de los soportes reciclados al inicio y al final.

Fuente: Elaboración propia Fuente: Elaboración propia

Al igual que el anterior se consideran los mismos aspecto, la diferencia es que estos valores son cuantificados al final, es decir cuando los diseños de los soportes están Al igual que elsecos. anterior se consideran los mismos aspecto, la diferencia es que estos valores totalmente son cuantificados al final, es decir cuando los diseños de los soportes están totalmente secos. Se realiza un análisis mediante la comparación de datos obtenidos en cada histograma Se de realiza análisis mediante comparación de datos obtenidos en cada colorunque presentan los la diferentes soportes al inicio y al final, existehistograma variación de color que presentan los diferentes soportes al inicioely histograma, al final, existeluego variación cromática, en cuanto a los valores que presenta se ha cromática, realizado en cuanto a los valores que presenta el histograma, luego se ha realizado una sumatoria una sumatoria de las variaciones, donde los valores crecientes con tendencia a 250de, las variaciones, donde los valores crecientes con tendencia a 250 , significa que los colores tiensignifica que los colores tienden al blanco mientras que los valores decrecientes con den al blanco mientras que los valores decrecientes con tendencia a cero o valores negativos, tendencia a cero o valores negativos, significa que tienden al negro. Es decir que se significa que tienden al negro. Es decir que se observa una variación de color; cuantificada al observa una variación de color; cuantificada al inicio y al final de la aplicación del óleo, inicio y al final de la aplicación del óleo, como se encuentra reflejado en la tabla 4. como se encuentra reflejado en la tabla 4. Tabla 4: Valores de variación de color (RGB) y luminosidad de los soportes reciclados.

una sumatoria de las variaciones, donde los valores crecientes con tendencia a 250 , significa que los colores tienden al blanco mientras que los valores decrecientes con tendencia a cero o valores negativos, significa que tienden al negro. Es decir que se 230 observa una variación de color; cuantificada al inicio y al final de la aplicación del óleo, como se encuentra reflejado en la tabla 4. Tabla 4: Valores de variación de color (RGB) y luminosidad de los soportes reciclados Tabla 4: Valores de variación de color (RGB) y luminosidad de los soportes reciclados.

Fuente: Elaboración propia Fuente: Elaboración propia Después de realizar este análisis cuantitativo, se llega a determinar que la lata de refresco y la tela de satín, tienen en un rango promedio, que no está cerca de cero ni cerca de 250, pero si Después realizar análisis se significa llega a que determinar que la lata dederefresco son losde más altos eneste relación a loscuantitativo, otros soportes, existe mayor variación color y la tela satín, tienen en unque rango promedio, que no está cerca depropuesta cero ni cerca de 250, con de la tela y la lata, pero sin embargo si se puede realizar una pictórica sobrepero si son losLamás altosde enesto relación a los quesecado existecomo mayor variación de ellos, elección soportes se otros realizósoportes, en base alsignifica tiempo de característica color con la tela y la lata, pero que sin embargo si se puede realizar una propuesta pictórica principal luego la fijación de color y la variación de color, son cualidades que se toman en sobre ellos, La de estode soportes se realizó como en base al tiempo de secado como caractecuenta enelección la reutilización estos materiales nuevos soportes reciclados, para la rística principal luego la fijación de color y la variación de color, son cualidades que se toman aplicación de la técnica de óleo, como apoyo en el proceso de desarrollo del mismo. en cuenta en la reutilización de estos materiales como nuevos soportes reciclados, para la aplicación de la técnica de óleo, como apoyo en el proceso de desarrollo del mismo.

La madera y el lienzo, son los materiales que más se han utilizado desde la época medieval 8 hasta la época actual. Siendo estos productos de origen natural no renovable. Debido a la contaminación del planeta y al agotamiento de recursos no renovables, es necesario buscar material reusable para desarrollar el espíritu artístico ya que la creatividad no puede ser detenida por la ausencia de materiales convencionales. Los adultos, los niños y con mucha razón el artista, busca desarrollarse como tal sin poner freno a su habilidad, por lo contrario perfeccionarla. Los nuevos soportes reciclados de la tela y lata reciclados, es una nueva opción compatible con los requerimientos artísticos del óleo, es necesario pensar en cuidar la naturaleza ya que es la fuente de inspiración para el artista, del cual aflora la creatividad. El artista, mira y da a conocer un mundo lleno de magia y color, que lo puede transmitir a los demás a través de su sensibilidad pictórica.

Conclusiones

Se concluye que los materiales de los soportes de tela y lata de refresco, pueden influir en el comportamiento del óleo, aplicado al inicio en cada superficie y la variación cromática es mayor, tanto en el inicio como al final del secado del óleo.

El tiempo de secado es menor para la lata de refresco y tela satén. La variación de color es menor en los soportes de cerámica, madera y aglomerado.

Los soportes reciclados responden a las necesidades del artista en la aplicación del óleo

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

231

sobre las superficies imprimadas de la tela y la lata, lo que amplifica las posibilidades de evolucionar en la realización de obras pictóricas y mejorar las técnicas para adquirir una perfección artística, lo cual ha satisfecho el uso de materiales en desuso.

Finalmente, si se requiere de una obra que se produzca en menor tiempo, es conveniente los soporte reciclados de lata de refresco y tela satín, por el contrario si se desea pintar una obra donde se requiera de mayor calidad en acabado con mínima variación de color, es mejor los otros soportes reciclados.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Herrera Anabel. (2009).Integral arte del reciclaje. Recuperado el 22 de enero del 2019 de https://anabelherrera.files.wordpress.com/2009/03/integral-arte-del-reciclaje.pdf

Villarquide, A. Reverte. Pintura Sobre Tela. Nerea. Recuperado de https://repositori.udl.cat/ bitstream/handle/10459.1/46448/trodess.pdf?sequence=1

Windsor & Newton. (2005).Libro del óleo. Loreto, España: Reverte. S.A.

Windsor & Newton (2002).Libro del óleo .Guía completa para pintores. Inglaterra. Edición: David Pyle

J. A. Coronado, Martín, A. García Santos (2015). “Hidrofugante que menor variación cromática produce en la cerámica porosa cara vista”. E.T.S. De Arquitectura Univ. Politécnica de Madrid, España. 39 AVA Edición. Noticias, cultura y tecnología.

Creativiu (2017). Curso de Pintura. Recuperado el 11 de Diciembre de 2018 de https:// es.creativiu.com/pintura-al-oleo/

Doermer, Max. (2010). Fundamentos óleo. Universidad Popular de Albacete. Recuperado el 8 de diciembre del 2018 de: upalbacete.es/administracion/archivos/materiales/Fundamentos%20óleo.pdf

22 El arte de la pintura como artesanía y no como obra de arte

Steven Salvador Paccha Reina Universidad Técnica del Norte Bryan Israel Amaguaña Osorio Universidad Técnica del Norte

Abstract: The painting as a masterpiece in the parish of San Antonio has been changing radically, since the artists did not generate the income at the time they expected since it takes a lot of time and resources to finish a masterpiece so they have decided to apply the painting in an artisanal way to reduce costs and sell it at a good price that is representative of what the artist is looking for, so the following article, through the elaboration of a survey and interviews with the artists located in that parish, will help us corroborate what has been said to understand why artists with sufficient skills to develop masterpieces have decided to change their product to a more traditional one.

Keywords: art, painting, handcraft, masterpiece, artist.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

235

El arte de la pintura como artesanía y no como obra de arte The art of painting as a craft and not as a work of art

Steven Salvador Paccha Reina Universidad Técnica del Norte sspacchar@utn.edu.ec Bryan Israel Amaguaña Osorio Universidad Técnica del Norte biamaguanao@utn.edu.ec

Resumen: La pintura como obra maestra en la parroquia de San Antonio ha ido cambiando de manera radical, ya que los artistas no generaban los ingresos al tiempo que ellos esperaban ya que conlleva mucho tiempo y recursos terminar una obra maestra por lo que han decidido aplicar la pintura de una manera artesanal para abaratar costos y poder venderla a un buen precio que sea representativo a lo que el artista busca, por lo cual, el siguiente artículo mediante la elaboración de una encuesta y entrevistas a los artistas ubicados en aquella parroquia nos ayudarán a corroborar lo dicho para entender el porqué los artistas con capacidades suficientes para desarrollar obras maestras han decidido cambiar su producto hacia uno más artesanal.

Palabras clave: Arte, pintura, artesanía, obra maestra, artista.

236

1. MARCO TEÓRICO El siglo XVIII fue el momento de la historia donde los términos artista y artesanos quedaron separados de manera radical ya que términos como gracia, invención e imaginación quedaron vinculados con el artista y términos como destreza o habilidad y dinero se apegaron más al artesano. (Shiner, 2010). Por lo que podemos pensar que la artesanía y su producto final va enfocado más a la cantidad de productos que se puedan generar y de igual manera a los recursos que los mismos logren obtener. Se denomina artesanía tanto al trabajo como a las creaciones realizadas por los artesanos (una persona que realiza trabajos manuales). Es un tipo de arte en el que se trabaja fundamentalmente con las manos, moldeando diversos objetos con fines comerciales o meramente artísticos o creativos. Una de las características fundamentales de este trabajo es que se desarrolla sin la ayuda de máquinas o de procesos automatizados. Esto convierte a cada obra artesanal en un objeto único e incomparable, lo que le da un carácter sumamente especial. (Julián Pérez Porto, 2014) Esta actividad tan antigua surge de la búsqueda del ser humano por hacer su vida más confortable, valiéndose de sus habilidades manuales, de su ingenio e inspiración y los elementos que le rodean, manifestando también desde los comienzos su conexión con el arte. El hombre fue evolucionando y la artesanía junto con él, llegando a ser de gran importancia para el desarrollo de los pueblos, esta importancia fue decayendo en el transcurso de la industrialización y mecanización de procesos, y el artesano comenzó su período de extinción; afortunadamente eso no sucedió, y en algunos lugares del mundo quizás se le dé la importancia que merece, pero es tarea difícil de muchos artesanos, llegar a ver reconocido su trabajo y diferenciarlo dentro del mercado. (Encueros, 2009) Por lo tanto, una obra de arte es el resultado del trabajo y la creatividad de los artistas. Son obras de arte, por ejemplo, una composición musical, una obra de teatro, una pintura, una poesía, una escultura, etc. Las obras de arte son siempre concreciones de todo el conocimiento que el artista posee sobre su tiempo. Una obra de arte, por lo tanto, es un producto que transmite una idea o una expresión sensible. Se trata de la creación que expresa la intención de un artista. (Anónimo, 2011) El concepto o lo que entendemos por obra de arte ha sido concebido a lo largo de mucho tiempo y con muchos estudios ya que como Shiner, 2010 explica: Resultado de los historiadores y divulgadores que han tomado como ejemplo obras del renacimiento para explicar lo que es una obra de arte han dado esa categoría a aquellas obras a pesar de que en aquel entonces el renacimiento no contaba con una categoría como arte.

Con estos datos nos debemos replantear que viene a ser una obra de arte y una artesanía y porqué se diferencian y abarcan campos separados en nuestro tiempo. El origen etimológico del término pintura que ahora nos ocupa lo encontramos en latín. En concreto nos topamos con el de que aquella palabra emana del vocablo “pigmenta” que puede traducirse como “tinte o pigmento”. Pintura es un concepto con varios usos y significados. El término puede utilizarse para nombrar al material que permite recubrir una superficie con una capa fina, al arte de pintar, al lienzo o lámina en que está pintado algo y al maquillaje. Como material, la pintura es un fluido que se aplica sobre una superficie en capas delgadas. Cuando se seca a pintura se convierte en una película sólida que recubre dicha superficie. Entre

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

237

los múltiples tipos de pintura, pueden mencionarse a los barnices, los esmaltes, los selladores, los entonadores y las lacas. Su utilidad dependería de la superficie en que se planea aplicar la pintura. Cabe destacar que cada pintura, a su vez, está compuesta por diversos productos, como pigmentos, disolventes, plastificantes y aglutinantes. (Pérez, 2014) La pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, casi invariablemente, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la Edad Media y durante el Renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla. Durante el Renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple; tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la Edad Media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes. Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, el gouache, la grisalla y la acuarela. En los últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo. (Anónimo, 2015)

2. METODOLOGÍA Para realizar la siguiente investigación se procederá a construir una encuesta con preguntas dirigidas a diferentes artistas que han adoptado la pintura como una artesanía y artistas que no lo han hecho y que siguen generando arte y cuadros con mucho contenido estético y conceptual con el objetivo de generar datos los cuales nos permitan tabularlos y poder realizar una tabla de porcentajes de la cantidad de pintura artesanal y pintura artística que se genera en la parroquia de San Antonio. A continuación, presentamos las preguntas para la encuesta que se realizará a artistas involucrados y conocedores del tema a tratar: Preguntas

¿Por qué?

1.- ¿Cree que la pintura es una artesanía? 2.- ¿Conoce hace cuándo surge el movimiento de la pintura sobre el soporte en madera? 3.- ¿Reconoce los sitios de venta donde la pin tura se comercializa?

4.- ¿Conoce la competencia que genera este tipo de soporte? 5.- ¿Cree que este tipo de soporte evolucione en un futuro? 6.- ¿Piensa que este soporte es apto para el

mercado nacional del arte? Observaciones:

Estos resultados son necesarios para poder dar a conocer a personas en general como también a docentes de arte y estudiantes de arte como el mercado del arte en San Antonio se ha ido

Antonio se ha ido desarrollando a través del tiempo y como ha ido evolucionando para seguir en la posición de parroquia artística en la provincia de Imbabura. 238

desarrollando a través del tiempo y como ha ido evolucionando para seguir en la posición de parroquia artística en la provincia de Imbabura. 1.- ¿Cree que la pintura es una artesanía? 1.- ¿Cree que la pintura es una artesanía?

1. PINTURA COMO ARTESANIA SI

no 20%

80%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 80% de la población considera que la pintura es un arte a la es encuesta realiza, el a80% población considera la pintura es un mayor, y noDe un acuerdo arte menor, decir, pertenece unade delalas bellas artes, por loque tanto, no se considera una artesanía, el 20% población soporteade consideran a lalo pintura arte mayor, y no de un la arte menor, esdebido decir, al pertenece unamadera, de las bellas artes, por tanto, 2.- ¿Conoce hace cuándo surge el movimiento de la pintura sobre el soporte en madera? como artesanía. no se considera una artesanía, el 20% de la población debido al soporte de madera,

2. SURGIMIENTO consideran a la pintura como artesanía.DEL MOVIMIENTO 2.- ¿Conoce hace cuándo surge el movimiento de la pintura sobre el soporte madera? 2.- ¿Conoce hace cuándo surge el movimiento de la pintura sobre el en soporte en madera? SI

2. SURGIMIENTO DEL MOVIMIENTO 34%SI

NO 66%

34% 66%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 66% de la población conoce el surgimiento del movimiento de la pintura sobre el soporte de madera ya que en los últimos años se ha De acuerdo a la encuesta realiza, el 66% de la población conoce el surgimiento del movimiento observado un incremento de este tipo en de artesanía, el años 34% desconoce cuandoun surge este de la pinturaDe sobre el soporte de madera ya que ha observado increacuerdo a la encuesta realiza, el 66%losdeúltimos la poblaciónseconoce el surgimiento del mento de este tipo de artesanía, el 34% desconoce cuando surge este movimiento. movimiento. movimiento de la pintura sobre el soporte de madera ya que en los últimos años se ha observado un incremento de este tipo de artesanía, el 34% desconoce cuando surge este 3.- ¿Reconoce3.-los sitios de venta donde la pintura comercializa? ¿Reconoce los sitios de venta donde se la pintura se comercializa? movimiento.

3. RECONOCIMIENTO DEL MERCADO

3.- ¿Reconoce los sitios de venta donde la pintura se comercializa? SI no

3. RECONOCIMIENTO DEL MERCADO 50%

50%

no 50%

50%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 50% de la población conocen los lugares donde se

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

239

De acuerdo a la encuesta realiza, el 50% de la población conocen los lugares donde se comercializan este tipo de soporte, incluso son productores y consumidores activos, el 50% de la población encuestada desconocen los lugares donde se comercializan este tipo de soporte aunque se consideran consumidores activos. 4.- ¿Conoce la competencia que genera este tipo de soporte? 4.- ¿Conoce la competencia que genera4.este tipo de soporte? COMPETENCIA 4.- ¿Conoce la competencia que genera este tipo de soporte? SI

20% no

4. COMPETENCIA

80%

20%

80%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 80% de la población no conocen la competencia que y por lo tanto comercializan productos desconociendo si ganan que o pierden, De acuerdo ageneran, la encuesta realiza, el 80% de la población no conocen la competencia geDe acuerdo a la encuesta realiza, el 80% de la población no conocen la competencia que neran, y por loexponiendo tanto comercializan desconociendo si ganan subiendo o pierden,yexponiendo el el productoproductos al mercado, creando competencia bajando precios, producto al mercado, creando competencia subiendo y bajando precios, incluso al azar, puesto generan, por lo tantoque comercializan productos desconociendo si ganan pierden, incluso aly azar, puesto ciertos artesanos son directos y otros indirectos yoeso influye que ciertos artesanos son directos y otros indirectos y eso influye en las ganancias, el 20% de la exponiendo producto aldemercado, creando competencia subiendo y bajando precios, población encuestada siel conoce la competencia que generan ysipor lo tanto se limitan aque exponer en las ganancias, el 20% la población encuestada conoce la competencia generan el producto al mercado. incluso azar,se puesto quea ciertos sonaldirectos y otros indirectos y eso influye y por loaltanto limitan exponerartesanos el producto mercado. en las ganancias, el 20% de la población encuestada si conoce la competencia que generan 5.- ¿Cree quey5.este tipo de se soporte enproducto un futuro? por¿Cree lo tanto limitan a exponer al mercado. que este tipoevolucione de soporte el evolucione en un futuro?

5. EVOLUCION DEL SOPORTE

5.- ¿Cree que este tipo de soporte evolucione en un futuro? SI

no 40%

5. EVOLUCION DEL SOPORTE 60% 40% 60%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 60% de la población propone que el soporte no evolucioDe acuerdo a la encuesta realiza, el 60% de la población propone que el soporte no nará, ya que esta artesanía al ser muy comercial no tendrá cambios significativos, pues los comerciantes alevolucionara, ver ingresos ya deque un producto, lo explotan término de la cambios población se canse esta artesanía al ser muyalcomercial no que tendrá significativos, con lo que consideran su sucederá enrealiza, un largo tiempo, nuevas generaciones pero el De acuerdo a la encuesta el 60% de producto, lasurgen población propone el soporte pues los comerciantes al ver ingresos de un lo explotan alque término de quenola producto se mantiene, el 20% de la población considera que si evolucionará pues la población evolucionara, ya que esta artesanía al ser muy comercial no tendrá cambios significativos, se cansará del mismo producto. pues los comerciantes al ver ingresos de un producto, lo explotan al término de que la 6.- ¿Piensa que este soporte es apto para el mercado nacional del arte?

240

6.- ¿Piensa que este soporte es apto para el mercado nacional del arte?

6. MERCADO NACIONAL SI

40% 60%

De acuerdo a la encuesta realiza, el 60% de la población no considera este soporte como arte De acuerdo a la encuesta 60% de laexponer poblaciónennouna considera soporte como pues no tendría un mensaje, un alma,realiza, el cualel se pueda galería,este lo consideran una artesaníaarte el cual decoraría un lugar de la vivienda, consideran que carece de investigación pues no tendría un mensaje, un alma, el cual se pueda exponer en una galería, lo y composición, el 40% de la población consideran que el soporte debe estar en una galería pues una artesanía el cual decoraría un lugar de la vivienda, consideran que carece pertenece al consideran ámbito artístico de la pintura. de investigación y composición, el 40% de la población consideran que el soporte debe estar en una galería pues pertenece al ámbito artístico de la pintura. 3. CONCLUSIONES A través de la realización de la encuesta dirigida a profesionales se determinó que la mayor parte, considera que este soporte no es una obra de arte y lo consideran como artesanía, pues 5. Conclusiones no pertenece a un arte mayor y si a un arte menor, razonan que el tiempo en el cual surgió este soporte a generado ingresos y no piensan cambiarlo. A través de la realización de la encuesta dirigida a profesionales se determinó que Mediante la investigación campo las que conllevan la utilización este tipocomo de la mayor parte,deconsidera quecausas este soporte no es una aobra de arte y lode consideran materiales son, la competencia generada entre comerciantes, los ingresos que crearan el expoartesanía, pues no pertenece a un arte mayor y si a un arte menor, razonan que el tiempo ner el trabajo al mercado cultural, reducción de materiales y tiempo de producción. en el cual surgió este soporte a generado ingresos y no piensan cambiarlo. Luego de haber dado una charla a los estudiantes de la carrera de artes plásticas, basándose en Mediante la de campoque las este causas que la se utilización los resultados de la encuesta. Seinvestigación llegó a la conclusión tipo deconllevan artesaníaano conside-de raría una obraeste de tipo artede para ser expuesta una galería materiales son, la en competencia generada entre comerciantes, los ingresos que crearan el exponer el trabajo al mercado cultural, reducción de materiales y tiempo de 4. RECOMENDACIONES producción.

Se presentan recomendaciones que pueden ser útiles para la compresión del producto. Se tomó en cuenta cada uno de los procesos ejercidos, así como los objetivos planteados para el entendimiento del soporte planteado que se muestra en el apartado siguiente.

Se recomienda, previamente investigar cada una de las propiedades y características, propias del producto y el mercado artístico, indagando varias fuentes confiables, para que la información obtenida sea más amplia y verídica.

Es favorable conocer todas las causas que se conllevan para la producción y la comercialización del soporte verificando las cantidades exactas y el buen estado de los componentes que se emplearon.

Es conveniente buscar una técnica adecuada, para realizar el análisis y la observación

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

241

de los soportes como ámbito artístico y no artesanal, reconociendo los pro y contras del mencionado soporte. 5. BIBLIOGRAFÍA

Freigtag. (2009). Entre arte y artesanía: elementos para pensar el oficio artesanal en la actualidad. 1 de diciembre del 2018, de El artista Sitio web: https://www.redalyc.org/ pdf/874/87432695007.pdf

Encueros. (10 de Diciembre de 2009). Obtenido de http://encuerostallerartesanal.blogspot.com/2009/12/como-surge-la-artesania.html

Anónimo. (2015). profesor en línea. Obtenido de http://www.profesorenlinea.cl/artes/pinturahistoria.htm

Anónimo. (2011). CONCEPTODEFINICION.DE. Obtenido de https://conceptodefinicion.de/ obra-de-arte/

Heidegger, M. (14 de Enero de 2007). webiland. Obtenigdo de https://www.webislam.com/ articulos/30626-el_origen_de_la_obra_de_arte.html

Julián Pérez Porto, A. G. (2014). definicion.de. Obtenido de https://definicion.de/artesania/

Julián Pérez Porto, M. M. (2014). definicion.de . Obtenido de https://definicion.de/pintura/

23 La nueva mujer kichwa otavaleña a través de la pintura

Dino Patricio Lema Vásquez Universidad Técnica del Norte

Abstract: Within indigenous cultures, such as of the Kichwa Otavaleñan people, traditional practices of maleness are still justified, denoting the presence of a patriarchal structural problem regarding gender equity. The previous is exacerbated by the confrontation of this woman with the racial discrimination suffered by the white-mestizo culture. In other words, the Kichwa woman, historically, has experienced a double, and even a triple discrimination: submission of gender within her community; ethnic exclusion in the majority society and, often, a social rejection for economic reasons. The interviews with contemporary girls as well as a mixed conversation helped me to deepen my knowledge about this type of social exclusion. We talked with women, professionals, artists; new women who face the past and the present, and through their testimony they question our own society. The proposal that has been made around this problem has been of a pictorial representation of a new and transgressive Kichwa otavaleña woman, emphasizing freer, more rebellious and, therefore, more human behaviors. And this is what is intended to set aside moralistic and folkloric stereotypes of our indigenous culture and mestizo society, in order to show a woman more attached to the changing reality and try to remove a prefabricated veil over the indigenous.

Keywords: Maleness, contemporary, kichwa woman, art, discrimination.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

245

La nueva mujer kichwa otavaleña a través de la pintura The new Kichwa otavaleñan woman through painting

Dino Patricio Lema Vásquez Universidad Técnica del Norte dinholema@hotmail.es

Resumen: Dentro de las culturas indígenas, como la del pueblo kichwa otavaleño, todavía se justifican prácticas tradicionales de índole machista, denotando la presencia de una problemática estructural patriarcal en torno a la equidad de género. Lo anterior se ve agudizado por el enfrentamiento de esta mujer a la discriminación racial que sufre por parte de la cultura blanco-mestiza. En otras palabras, la mujer kichwa, históricamente, ha vivido una doble, e incluso una triple discriminación: sumisión de género al interior de su comunidad; exclusión étnica en la sociedad mayoritaria y, muchas veces, un rechazo social por cuestiones económicas. Las entrevistas realizadas con chicas contemporáneas, así como un conversatorio mixto me sirvieron para profundizar el conocimiento sobre este tipo de exclusiones sociales. Se habló con mujeres, profesionales, artistas; mujeres nuevas que se enfrentan al pasado y al presente, y a través de su testimonio nos cuestionan nuestra propia sociedad. La propuesta que se ha hecho en torno a esta problemática ha sido la de una representación pictórica de una nueva y transgresora mujer kichwa otavaleña, haciendo énfasis en conductas más libres, más rebeldes y, por tanto, más humanas. Y es que lo que se pretende es dejar de lado los estereotipos moralistas y folklóricos de nuestra cultura indígena y de la sociedad mestiza, con el fin de mostrar a una mujer más apegada a la realidad cambiante e intentar quitar un velo prefabricado sobre la indígena.

Palabras clave: Machismo, contemporáneo, mujer kichwa, arte, discriminación.

246

1. MARCO TEÓRICO En una sociedad tan conservadora y tradicionalista como la ecuatoriana, los prejuicios han hecho que se juzgue y se discrimine a la mujer, sobre todo a aquella que busca su independencia rompiendo los roles de género tradicionales. Esto ha afectado especialmente a la mujer kichwa otavaleña, quien ha vivido una doble discriminación: por ser mujer, por ser indígena y a veces también por su condición económica. En efecto, se puede decir que la mujer indígena se ha visto obligada a mantener un lugar sumiso no solo en la sociedad mestiza, sino también dentro de sus propias comunidades y aún más en el seno del hogar, donde la educación paternal y machista no les ha permitido un desarrollo pleno. Hay una gran restricción por parte de los padres, lo que ha generado, en muchas ocasiones, que las mujeres tomen una posición sumisa, continuando con los tradicionales roles de género, que son casi hereditarios. “Esta función alimentadora unilateral es resultado de la propia condición machista de la sociedad ecuatoriano, pero también deriva de la cosmovisión dualista indígena” (Serrano, 2013, p. 83). Este tipo de comportamientos es mucho más evidente en sectores rurales donde la educación familiar está más arraigada al tradicionalismo indígena. Adicional al sometimiento familiar y comunitario, la mujer indígena, en mayor proporción que el hombre, ha sufrido la discriminación racial y económica por parte de la sociedad mestiza. “Una mujer “mestiza”, por ejemplo, puede subordinar a un varón “indígena” pero no a varones “mestizos”; un varón “mestizo”, en cambio, puede subordinar a varones y mujeres “indígenas” (De la Cadena, 1992, p.5). En cambio, un varón indígena puede subordinar a una mujer indígena y es por ello por lo que la mujer queda relegada como el último eslabón de la cadena de subordinaciones, siendo descalificadas para acceder a las fuentes de poder y consideradas tanto por hombres como mujeres que sus labores no son reconocidas como trabajos sino como tareas domésticas. No obstante, al salir de las comunidades hacia las ciudades en busca de mejores oportunidades, muchas de las mujeres indígenas han ocupado casi los mismos roles de género obteniendo un trato discriminatorio por su condición de mujer e indígena. Es así que la sociedad mayoritaria ha utilizado la palabra “María” para dirigirse a las mujeres indígenas. En primera instancia era un término que refería a las chicas que trabajaban como amas de casa; pero en la actualidad se ha hecho extensivo a todas las mujeres indígenas, como una forma de menosprecio étnico. “En cuanto a formas nominales, aparecen una serie de términos genéricos, incluyendo nombres propios y términos de parentesco, pero con función de sobrenombres, y otros” (Placencia, 2008, p.587). Si bien el nombre es muy arraigado por toda la Cristiandad, muy especialmente en aquellos países donde el sincretismo religioso es muy fuerte, también “María” es un término peyorativo para nombrar a las mujeres indígenas. Existe “una sobre generalización que anula su identidad individual al circunscribir a la mujer indígena dentro de una categoría global y asociarla con ocupaciones poco valoradas como las de empleada doméstica” (Placencia, 2008, p.588). Obligando a tomar una posición sumisa dentro de la misma, quedando relegada su capacidad de participación en el avance social, político, económico y cultural del país. No obstante, lo dicho anteriormente, en el siglo XX hubo destacadas mujeres indígenas, como Mama Tránsito o Mama Dolores, que lideraron grupos de levantamiento indígena por la igualdad, no solo de género, sino también de los derechos de los pueblos y nacionalidades (Rodas 1989). Otra insigne lideresa otavaleña fue Mama Rosa Lema, quien formó parte de la delegación de indígenas a los E.E.U.U en representación del Ecuador; en aquel país fue considerada Princesa Inca y fue clave para la promoción turística del Ecuador a nivel internacional.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

247

A pesar de los grandes avances en materia de igualdad de género que se han conseguido en el país, la mujer kichwa no ha logrado un cambio significativo, sobre todo al interior de las propias comunidades, donde el patriarcado sigue predominado. Solo al inicio del presente siglo es que la mujer indígena ha tomado un nuevo rol en la familia y en la sociedad: ha habido un cambio tanto ideológico como estético. El acceso a la educación y a los medios de comunicación tuvo mucha importancia para este suceso favorable de la liberación mental que muchas mujeres vivieron, y es también gracias a la migración hacia distintos países que se globalizó su forma de ver el mundo, desde una posición como mujer kichwa contemporánea sin dejar de lado sus valores culturales. (Crain s.f)

2. METODOLOGÍA 2.1. Tipo de Investigación: Cualitativa En el campo de las artes, la creación-investigación no parte únicamente de un método científico que haga medible o delimite un problema; en el arte, la investigación es parte intrínseca de la creación, en la cual el artista investigador, se adentra en el objeto de estudio para analizarlo, comprenderlo e interpretarlo. Ante la muestra de probabilidades la investigación cualitativa da a conocer métodos para la obtención de informantes de manera deliberada y a la vez intencional (García, 1996). Los individuos o colectivos no se seleccionan de manera deliberada solo para completar un trabajo, se escogen uno a uno de acuerdo con las normas en que se completan los criterios o atributos marcados por el investigador, no obstante, en algunos estudios se escoge a un solo individuo o institución como caso y, por su puesto, nunca a partir de una tabla de números aleatorios.

2.2. Métodos 2.2.1. Etnometodología Mediante las observaciones a las personas en sus diferentes campos ocupacionales y vivenciales tanto a la comunidad indígena como la mestiza he intentado identificar sus comportamientos, creencias, su ideología, manera de vestir, actitudes, afectos de las personas o hasta lo que ellos consumen, lo cual forman parte de cada persona, por ello cada mujer indígena tiende a ser única y tan parecidas a la vez, compartiendo las mismas raíces culturales, contribuyendo entre sí y en sociedad por una vida más satisfactoria y próspera.

2.3. Técnicas e instrumentos 2.3.1. Bibliográfica Se usó el método bibliográfico para desarrollar el sustento teórico de la obra, a través de varios medios de consulta como: libros, páginas web, revistas. Las cuales me permitieron hacer una

248

recopilación de la información requerida para la investigación como son: conceptos de términos específicos que aborda el proyecto, desde puntos de vista filosóficos, antropológicos, psicológicos, referentes artísticos, fundamentos estéticos del diseño en el arte y su semiología, esta información posteriormente se analizó para definir datos teóricos concretos que contribuyan al desarrollo del trabajo.

2.3.2. Entrevista Se realizaron 7 entrevistas a 7 mujeres entre estudiantes y profesionales en diferentes áreas, quienes facilitaron con información verídica acerca de sus propias experiencias sobre los distintos roles de género que ocupa en la actualidad y la discriminación que sufren en ella. Para las entrevistas se usó un guion semiestructurada previamente preparado sobre la temática del proyecto.

2.3.3. Conversatorios También se planea organizar un conversatorio con el fin de estimular intercambio de experiencias con el público presente para seguir tratando del tema ya establecido, se invitará a mujeres insignes que brinden sus conocimientos sobre la lucha que se genera contra estos tipos de discriminación, generando espacios de debate e intercambio de opiniones, donde las personas puedan exponer ideas o alternativas para generar conciencia en las personas, para la realización del conversatorio se llevará a cabo un epígrafe cuyo contenido sea de la manera más comprensiva posible para el público presente.

3. RESULTADOS Como título metafórico “Kishpi Warmikuna. Yo no soy María” es la propuesta artística cuyo objetivo principal es generar una intervención pictórica sobre la nueva mujer kichwa otavaleña, destacando los nuevos roles que está desempeñando. Para esta investigación se ha tomado mucho en cuenta las distintas problemáticas sobre el tema a tratar y se ha realizado un análisis social y personal muy profundo desde una postura como ser humano, hijo, hermano, amigo sobre la desigualdad, maltrato, menosprecio hacia las mujeres indígenas dentro de una sociedad machista dominada por prejuicios sociales-culturales. Son sentimientos muy fuertes que permitieron trabajar en esta propuesta de manera investigativa, directamente con anécdotas relatadas de grupos de mujeres a las que se realizó una previa entrevista (7 mujeres), gracias al apoyo de colectivos de artísticos conformados solo por mujeres, músicos, funcionarias publicas/ privadas, maestras etc. Se ha logrado llevar adelante a la parte práctica del proyecto artístico mediante la información veraz de estas mujeres.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

249

Tabla 1: Tabla de la cantidad de mujeres entrevistadas Numero y nombre

Nacionalidad

Edad

Profesión

Lourdes

Kichwa cotacachi

Funcionaria pública

Nina

Kichwa otavalo

Abogada

Ninari

Kichwa Otavalo/

Estudiante

Sisa

Kichwa otavalo

Artista visual

Jhoana

Kichwa cotacachi

Profesora

Tatiana

Kichwa otavalo

Emprendedora

Linda

Kichwa otavalo

Musico

Fuente: Elaboración propia El proyecto KISHPI WARMIKUNA. YO NO SOY MARÍA consta de dos subtemas que a su vez se entrelazan para formar un solo proyecto investigativo, cada una está representado pictóricamente con técnicas diferentes, siendo estos dos trabajos realizados con distintas técnicas muestran expresiones artísticas diferentes y por ende distintas apreciaciones visuales: a.

Por un lado, tenemos las obras pictóricas denominadas KISHPI WARMIKUNAS (mujeres libres) las cuales están realizadas con la técnica del grabado (xilografía a plancha perdida) sobre cartón paja.

Por otra parte, estas las obras YO NO SOY MARÍA realizadas con la técnica del acrílico sobre anaco en marcos de telares mecánicos. En esta segunda parte de la propuesta es donde más me ha permitido indagar en la memoria de los pueblos indígenas bajo relatos de abuelos sobre las habilidades para generar su propia vestimenta ya sea en telares o hechas a mano como por ejemplo el anaco (falda otavaleña) de paño que era realizada por las manos hábiles de estas personas en telares de callua, madera y telar eléctrico. Y para este proyecto he tomado los anacos donados por las mujeres a quienes realice la entrevista las cuales he utilizado como soporte reemplazando el lienzo, y en lugar de utilizar bastidores de madera he adquirido parte del telar eléctrico como los marcos de madera reutilizando como un nuevo soporte propio y original de mi propuesta. Gráfico 1: muestra de la colocación del anaco en el marco del telar.

Gráfico 1: muestra de la colocación del anaco en el marco del telar.

Fuente: fotografía Elizabeth Lema Fuente: fotografía Elizabeth Lema

250

La utilización de los marcos del telar ya adecuados especialmente para soportar el anaco como como lienzo fueron muy útiles ya que la madera es muy resistente y tiene soportes de platina en las esquinas para aguantar la presión de las ataduras y en cuanto los anacos a pesar de ser algunos un poco delgados y otros un poco mas gruesos funcionaron a la perfección el templado, dejando la superficie en óptimas condiciones para realizar la pintura sobre ella. Este método de trabajo utilizando estos materiales es originalmente adecuado por el autor ya que mediante el proceso del tejido que realizan su familia sirvió de inspiración para generar una manera diferente de presentación que a su vez se entrelaza con la temática de las nuevas mujeres kichwas quienes trabajan por su independencia sin olvidar sus raíces. Una vez obtenido todo el soporte de trabajo y los bocetos finales mediante las sesiones fotográficas a las chicas entrevistadas y no entrevistadas se obtuvo la idea y los diseños finales para plasmar en el anaco, y se llevó a cabo la realización de una serie de obras pictóricas sobre la nueva mujer kichwa, en sus diferentes actividades laborables y vidas cotidianas como son: embajadoras, abogadas, cocineras, fotógrafas, músicos, artistas plásticos, diseñadoras, comunicadoras sociales, gobernadoras, administradoras, cajeras, secretarias, doctoras, enfermeras, maestras de instituciones educativas, cineastas, actrices, bailarinas, cantantes, diseñadoras gráficas, emprendedoras, comerciantes, productoras audiovisuales, gestoras, deportistas etc. Las cuales están realizadas en distintas técnicas como el acrílico por una parte que muestra un lado de la propuesta YO NO SOY MARIA y por otro lado las obras KISHPI WARMIKUNA que están realizadas con la técnica de la xilografía a plancha perdida. Gráfico 2: Pintura.Gráfico Yo2:no soy María. Nina- Dolores (Dino Lema, 2019). Pintura. Yo no soy María. Nina- Dolores (Dino Lema, 2019). Gráfico 2: Pintura. Yo no soy María. Nina- Dolores (Dino Lema, 2019).

Fuente: fotografía Alexis Muenala Fuente: fotografía Alexis Muenala Gráfico 3: Xilografía. Kishpi Warmikuna. (Dino Lema, 2018-2019) Fuente: fotografíaPacha-Ninari Alexis Muenala

Gráfico 3: Xilografía.Gráfico Kishpi Warmikuna. Pacha-Ninari (Dino Lema, 2018-2019) 3: Xilografía. Kishpi Warmikuna. Pacha-Ninari (Dino Lema, 2018-2019)

Fuente: fotografía Alexis Muenala Fuente: fotografía Alexis Muenala Fuente: fotografía Alexis Muenala

7 7

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

251

4. DISCUSIÓN Y CONCLUSIONES Se ha intentado visibilizar el sometimiento femenino, y es algo que debe seguir haciéndose, educando a las futuras generaciones sobre el problema que se genera si una cultura mantiene escusado ciertos prejuicios como prácticas culturales. Visibilizar a la otra mujer indígena es algo que casi no se ha hecho y debe hacerse como parte de la discusión y del cambio social que este país debe generar. Se puede concluir que todavía hay muchos estigmas sobre la mujer indígena y que todavía pesa un machismo estructural mucho más que en la mujer mestiza y es algo que todos y todas debemos ser conscientes para contribuir a un cambio por el bien, no solo por un grupo de mujeres afectadas sino para el beneficio de toda una sociedad.

5. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Crain, M. (s.f). La interpretetación de género y etnicidad: nuevas autorepresentaciones de la mujer indígena en el contexto urbano de Quito.

De la Cadena, M. (1992). Las mujeres son más indias. Revista Isis Internacional, (16), 22-5.

García, E., Flores, J. y Rodríguez, G. (1996). Metodología de la Investigación Cualitativa.

Placencia, M. (2008). “Hola María”: Racismo y discriminación en la interacción interétnica cotidiana en Quito. Discurso & Sociedad. Recuperado de http://www.dissoc.org

Rodas, R. (1989). Crónica de un Sueño.

Serrano, H., y Zarza, M. (2013). Roles sociales mestizos e indígenas: Efectos en violencia derivada en rituales y tradiciones. Red de Revistas Científicas de América Latina y del Caribe, España y Portugal, 9(3), 81-97.

Se exponen los posters de las investigaciones más relevantes presentadas en1 el 2 Simposio que 1 1 se muestran en forma1 2de resúmenes, incluyendo palabras clave, con su correspondiente traducción al inglés.

3 11

1 2

PÓSTERS

1 1 4 5

Abstract: The proposal derives from the concept of rural spaces as possible spaces for artistic and cultural diffusion, also, It starts from the recognition of the aesthetics of the territory in question; taking as a starting point the wealth of the oral tradition that has been developing in this community, which is the basis for the construction of their identity. Based on a scan and coexistence recognizes an constant that is the relationship between the community and the land, understanding this as a fundamental element in its development, It’s so artistic proposal takes shape the reflection of land and therefore work as artistic language mainly used ceramics and pottery. In this way achieved artistic activities in community spaces and so also the artistic mediums allow dialogues around the identity of the Mariscal Sucre community reflection.

Keywords: Community, memory, orality, land

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

255

Muestra artística a partir de la tradición oral para el fortalecimiento de la identidad de la comunidad Mariscal Sucre Art shows from the oral tradition to the strengthening of the identity of the Mariscal Sucre community

Luis Miguel De la Cruz Cabascango Universidad Técnica del Norte lmiguel.dc@hotmail.com

Resumen: La propuesta deriva de la concepción de los espacios rurales como espacios posibles para la difusión artística y cultural, además, se parte desde el reconocimiento de las estéticas propias del territorio en cuestión; tomando como punto de partida la riqueza de la tradición oral que se viene desarrollando en esta comunidad, la cual es la base de la construcción de su identidad. Partiendo de una exploración y convivencia se reconoce una constante que es la relación entre la comunidad y la tierra, entendiendo esta como un elemento fundamental para su desarrollo, es así que la propuesta artística toma forma desde la reflexión del trabajo con tierra y por ello utiliza como lenguaje artístico principalmente la cerámica y la alfarería. De esta forma se logra dinamizar la actividad artística en los espacios comunitarios y así también los medios artísticos permiten diálogos en torno a la reflexión de la identidad de la comunidad Mariscal Sucre.

Palabras clave: Comunidad, oralidad, memoria, tierra

Abstract: The Virgin of the disappeared” is a sculptural proposal that won second place in the VI Salon of National Religious Sculpture (contemporary category), was raised under objectives such as: To reflect on the stereotype of femininity of the Mariana Virgin in a national religious sculpture hall, which does not have a recurrent representation of women, nor does it abound in the questioning of its religious content or its link with Ecuadorian societies of the eleventh century, nor the problems of gender violence that are instituted from the power and from the objectified female body, alien and in the domain of Catholic religious patriarchy. The methodology proposed is the compilation of references in the arts that have deconstructed the icon of the virgin to vindicate feminine rights, the consideration of the figures of mortality due to gender violence exhibited by local rights defence collectives, as well as a brief analysis of the semiotic context through the Marian representations in San Antonio de Ibarra. As well as the physical elaboration and the corporeal negation of the Mariano icon, through the sculptural representation of an alternate virgin, that achieves the objectives mentioned above and that denies the discourses of dominion previously raised and serves to propose reflection on the subject. The aim is to contribute to the debate that believes that religious art cannot project dogmas with respect to gender violence and that if there are spaces for its practice, the representation of archetypes must be questioned as a motif that directly affects society. It is not surprising the high numbers of female violence in a country where even the virgin does not own her own corporeality and how the private collection of this competition serves as a document for the changing concerns raised by the Imbabureña locality with respect to icons and faith.

Keywords: Icon, corporeality, representation, power, femininity.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

257

La Virgen de las desaparecidas The Virgin of the disappeared

Anthony Bravo Bernal Universidad Técnica Del Norte alucardbernal41@gmail.com

Resumen: “La Virgen de las desaparecidas” es una propuesta escultórica que ganó el segundo lugar en el VI salón de escultura religiosa nacional (categoría contemporánea), se planteó bajo objetivos como; Reflexionar respecto al estereotipo de feminidad de la virgen Mariana en un salón de escultura religiosa nacional, que no cuenta con representación femenina recurrentemente y que tampoco abunda en el cuestionamiento de sus contenidos religiosos ni su vinculación con las sociedades ecuatorianas del siglo XI, ni las problemáticas de violencia de género que se instituyen desde el poder y desde la corporalidad femenina objetualizada, ajena y en dominio del patriarcado religioso católico. Se plantea como metodología, la recopilación de referentes en las artes que han deconstruido el ícono de la virgen para reivindicar los derechos femeninos, la consideración de las cifras de mortandad por violencia de género expuestas por colectivos de defensa de derechos locales, así como un breve análisis del contexto semiótico a través de las representaciones marianas en San Antonio de Ibarra. Así como la elaboración física y la negación corpórea del ícono Mariano, a través de la representación escultórica de una virgen alterna, que alcance los objetivos antes mencionados y que niegue los discursos de dominio antes planteados y sirva para proponer reflexión respecto al tema. Se aspira contribuir al debate que estima que el arte religioso no puede proyectar dogmas respecto a la violencia de género y que si existen espacios destinados a su práctica deben cuestionarse la representación de arquetipos como un motivo que incide directamente sobre la sociedad, no sorprende las altas cifras de violencia femenina en un país donde ni la virgen es dueña de su propia corporalidad y como la colección privada de este certamen sirve de documento para las inquietudes cambiantes que se plantea la localidad Imbabureña respecto a los íconos y a la fe.

Palabras clave: Icono, corporalidad, representación, poder, feminidad.

Abstract: The present article is directed to a dynamic investigation of the evolution of the pictorial art in Ecuador, the compilation and the verification of the sources of information with the purpose of having a very general perspective but right about how the painting has reached where it is now, what have been the factors that have influenced it and the history of how each genre has become what it currently is. As Ecuador is a country that was colonized by the old Spanish kingdoms, it could be said that otherwise the painting was implanted changing radically both the perception of the works as the meaning and the topic of them, going from purely decorative functions or spiritual to religious and even social and protest purpose. That’s why this investigation is aimed at showing why these changes happened, and how these events influenced the current painters, their work and of course their themes. In this way we will have a clearer concept of the history of Ecuadorian painting that is very important for the personal development of the artists already established like those that are still to come.

Keywords: Research, painting, development, meaning.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

259

Evolución general de la pintura en el Ecuador General evolution of painting in Ecuador

Damariz Dayané De La Cruz Santos Universidad Técnica del Norte damarizdayane@gmail.com

Resumen: El presente artículo está direccionada a la investigación dinámica de la evolución del arte pictórico en el Ecuador, recopilando y verificando datos de distintas fuentes con el fin de tener una perspectiva sumamente general pero acertada de como la pintura ha llegado a donde actualmente está, cuáles han sido los factores que han influido en la misma y la historia de cómo cada género se ha convertido en lo que actualmente es. Al ser el Ecuador un país que fue colonizado por los antiguos reinos españoles, se podría decir que de una u otra manera la pintura fue implantada cambiando radicalmente tanto la percepción de las obras como el significa y el tema de las mismas, pasando de funciones netamente decorativas o espirituales a un significado religioso y hasta social y de protesta. Es por eso que está investigación está dirigida a mostrar por que sucedieron estos cambios, y como influyeron dichos sucesos en los pintores actuales, sus obras y por supuesto sus temáticas en sí. De esta manera se tendrá un concepto más claro de la historia de la pintura ecuatoriana que ciertamente es sumamente importante para el desarrollo personal de los artistas tanto ya establecidos como los que aún están por venir.

Palabras clave: Investigación, pintura, desarrollo, significado.

Abstract: People with disabilities often are marginalized by lack of knowledge of their needs. Sensitivity and feeling empathy for the blind in a sensory world, understanding perception beyond a mink, know the background behind a look hidden, will take us to the artistic interpretation. For research strategies were raised to reach a coexistence through workshops for the blind in order to respond some questions: what is beauty?, how is the feelings? Vision is not the remedy of the human being to perceive- the feel, touch, smell, hear, taste - these are other tools for communication, and allow comprehensive access to artistic manifestations. Within my proposal will be a sculptural intervention for blind people, which will try to show a new appreciation of expression, showing a worldview of existential and experiential type so there is an enjoyment with aesthetic and emotional values. It seeks to generate a message to society forging an inclusion to the blind, coming closer to the reality that they live and feel.

Keywords: Visually impaired, work of art, inclusion and social action

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

261

Intervención Escultórica generada a partir de vivencias con personas no videntes del CEPI en la provincia de Imbabura Cantón Ibarra Sculptural intervention generated from experiences with blind people of CEPI in the province of Imbabura Canton Ibarra

Nathaly del Rocio Quishpe Bermejo Universidad Técnica del Norte n1724583008@gmail.com

Resumen: Las personas con capacidades especiales muchas veces son marginadas por el desconocimiento de sus necesidades. La sensibilidad y el sentir empatía hacia las personas no videntes en un mundo sensorial, el entender la percepción más allá de un visión, conocer un trasfondo tras una mirada oculta, nos llevará a la interpretación artística. Para la investigación se plantearon estrategias para llegar a una convivencia mediante talleres dirigidos a los no videntes con la finalidad de responder algunas interrogantes: ¿Qué es belleza?, ¿Cómo representa las sensaciones? La visión no es el único recurso del ser humano para percibir - el sentir, palpar, oler, escuchar, degusta - estas son otras herramientas para la comunicación, y permiten un acceso integral a las manifestaciones artísticas. Dentro de mi propuesta se realizará una intervención escultórica para personas no videntes, que intentará mostrar una nueva apreciación de expresión, mostrando una cosmovisión de tipo existencial y vivencial para que haya un disfrute con valores estéticos y emocionales. Se busca generar un mensaje a la sociedad forjando una inclusión hacia las personas no videntes, acercándose así a la realidad que ellos viven y sienten.

Palabras clave: Personas no videntes, obra de arte, inclusión, acción social

Abstract: This paper is part of the degree project called “Creation of an artistic installation before the rejection of immigrants in Ibarra”. The city of Ibarra, is a border territory with a lot of transitory migration, which has motivated the realization of this investigation, with the intention of analyzing the way in which this phenomenon manifests itself in art. From a qualitative approach, the main objective is to be achieved: create an artistic installation that is capable of showing at a conceptual and formal level the implications of emigration, not only for the immigrant but also for the context that receives it. The methodology includes analysis of books, articles, theses, websites, open interviews, observations of the subjects and groups investigated, to obtain a global vision of the social phenomenon. The artistic work will be organized according to the viewer’s knowledge of facts, experiences, causes, consequences, and social effects of immigration, which intervenes in all areas of human life: individual and collective, psychological, economic, social, cultural and artistic. Therefore, the installation will address several aspects that show the social and cultural impact of immigration. It is expected that the artistic intervention on the current problems of immigrants in the city of Ibarra, have a positive response and create an atmosphere of empathy in the ibarreña citizenship.

Keywords: Art installation, rejection, people, immigrants, Ibarra

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

263

Creación de una instalación artística ante el rechazo de las personas inmigrantes en Ibarra Creation of an artistic installation before the rejection of immigrants in Ibarra

Verónica Vizuete Álvarez Universidad Técnica del Norte veronicavizuete3008@hotmail.com

Resumen: La presente ponencia parte del Proyecto de Grado denominado “Creación de una instalación artística ante el rechazo de las personas inmigrantes en Ibarra”. La ciudad de Ibarra, es un territorio fronterizo de mucha migración transitoria, lo cual ha motivado la realización de esta investigación, con la intensión de analizar la manera en que este fenómeno se manifiesta en el arte. Desde un enfoque cualitativo, se pretende lograr el objetivo principal: crear una instalación artística que sea capaz de mostrar a nivel conceptual y formal las implicaciones que supone la emigración, no solo para el inmigrante sino que también para el contexto que lo acoge. La metodología comprende análisis de libros, artículos, tesis, sitios web, también se realizarán entrevistas abiertas, observaciones de los sujetos y grupos investigados, para obtener una visión global del fenómeno social. La obra artística estará organizada en función de que el espectador conozca hechos, experiencias, causas, consecuencias, y efectos sociales de la inmigración, que interviene en todos los ámbitos de la vida humana: individual y colectivo, psicológico, económico, social, cultural y artístico. Por ello la instalación abordará varios aspectos que muestre el impacto social y cultural que tiene la inmigración. Se espera que la intervención artística sobre los actuales problemas de inmigrantes en la ciudad de Ibarra, tenga una respuesta positiva y que cree un ambiente de empatía en la ciudadanía ibarreña.

Palabras clave: Instalación artística, rechazo, personas, inmigrantes, Ibarra

Abstract: The main objective of this research is to perform an artistic performance that represents the psychological profile of serial killers in Ecuador, their behaviour during the criminal act, narrating how these individuals act driven by dissimilar causes, especially for power cravings, sexual compulsion, making an emphasis on their form and living conditions. The artistic representation of the way of life and style of operation of serial killers, based on a selected sample, will make it possible to understand the most common causes that transform a person into a serial killer. The present study is carried out from a qualitative perspective, using as a fundamental method the exploration, and the in-depth interview with specialists in the subject. At the same time, the content analysis will contribute to the systematization of the approach to the subject in historiography and in art. This is a learning experience, about a problem of great social importance. The artistic work that will materialize this research project proposes a reflection, but not a justification about the behavior of serial killers.

Keywords: Serial killers, social problems, crimes, death.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

265

La representación artística de la forma de vida y modo operandi de los asesinos en serie del Ecuador The artistic representation of the way of life and mode of operandi of the serial killers of the Ecuador

Karina Maribel Chimarro Cumbal Universidad Técnica del Norte kari.chimarooo@gmail.com

Resumen: Esta investigación tiene como objetivo principal realizar una instalación artística que represente el perfil psicológico de los asesinos en serie del Ecuador, su conducta durante el acto criminal, narrando cómo estos individuos actúan impulsados por disímiles causas, sobre todo por ansias de poder, compulsión sexual, haciendo un énfasis en su forma y condiciones de vida. La representación artística de la forma de vida y modo operandi de los asesinos en serie, basándose en una muestra seleccionada, permitirá comprender las causas más comunes que transforman a una persona en un asesino en serie. El presente estudio se realiza desde una perspectiva cualitativa, empleando como método fundamental la exploración, y la entrevista en profundidad a especialistas en el tema. Al mismo tiempo, el análisis de contenido contribuirá a la sistematización del abordaje de la temática en la historiografía y en el arte. Es esta una experiencia de aprendizaje, sobre una problemática de gran trascendencia social. La obra artística que materializará este proyecto de investigación propone una reflexión, más no una justificación entorno al comportamiento de los asesinos en serie.

Palabras clave: Asesinos en serie, problemática social, crímenes, muerte.

Abstract: The photographs of the heritage buildings of Ibarra reveal the history that the city has faced. The objective of this research is to value the real state of certain heritage properties bind to a sport practice called Calistenia. Interventions to study the buildings are intended to be made, as a suggestive alternative wich attracts the local people and can transmit the message linked to the need to preserve them. The facts will be with the intention of witnessing the event and it is also part of the final artistic work. The story is shown to the local people through the presentation of an artistic project in which a comparative analysis is made between old, current and intervened images to show the change they have had over the years. There will be an exhibition with old, modern and photographs in which the interventions that the author wishes to perform will be shown. The research is a cross-sectional study since most of the information corresponds to the past and it is necessary to take into account all the available information. It is also of a qualitative nature concluding in a deep data analysis, besides this research is of a historical perspective due to the bibliographic method was used from the INPC (NATIONAL INSTITUTE OF CULTURAL HERITAGE) archives. It is expected that the project will help to give more relevance between photography from the past with photography of the present and all these attached to the urban practice called Calisthenics.

Keywords: Edifications, heritage, Ibarra city, photography, calisthenics.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

267

Intervención fotográfica en edificios patrimoniales de Ibarra Photographic intervention in Ibarra heritage buildings

Jeisson Mejía Universidad Técnica del Norte Uu510459@gmail.com

Resumen: Las fotografías de las edificaciones patrimoniales de Ibarra revelan la historia por la cual ha atravesado la ciudad. El objetivo de la presente investigación es poner en valor determinados inmuebles patrimoniales imbricado con la práctica deportiva denominada Calistenia. Se pretenden realizar intervenciones en los edificios objeto de estudio, como una variante sugestiva que atraiga al público y poder transmitir el mensaje vinculado a la necesidad de preservación de los mismos. Los hechos serán registrados fotográficamente con la intención de testimoniar el suceso y forma parte de la obra artística final. Se da a conocer a las personas la historia mediante la presentación de un proyecto artístico en el cual se realiza un análisis comparativo entre imágenes fotográficas antiguas, actuales y las intervenidas para evidenciar el cambio que han tenido a través de los años. Se realizará una exposición en la cual constarán las fotografías antiguas, fotografías modernas y fotografías en las cuales se evidencia las intervenciones que el autor desea realizar. La investigación es de corte transversal ya que la mayor parte de información corresponde al pasado y es necesario tener en consideración toda la información disponible. También es de carácter cualitativa y da profundidad a los datos, es de carácter histórico ya que se utilizó el método bibliográfico en los archivos del INPC (Instituto Nacional de Patrimonio Cultural). Se espera que el proyecto ayude a dar más peso a la vinculación de la fotografía del pasado con la fotografía del presente y sumado a la práctica urbana denominada Calistenia.

Palabras clave: Edificaciones, patrimonio, ciudad de Ibarra, fotografía, calistenia.

Abstract: Braid (sinp’ to) in the quechua culture ofthe community of Peguche, in Otavalo, is an ancient tradition of great symbolic significance. The act of combing is very important, because it invites interaction in family life and as sumes a connotation in the spiritual realm, because according to the Andean culture’s worldview it promotes the connection with nature. This is one of the few cultures in America in which sinp’a is performed in the male gender, fundamental motivation of this work. In the history of art, the representation of the braid in women with various purposes is frequent. The significate of this research is to create a work of art from the significance that has the sinp’a to the village of Peguche, showing her the social imagination that has been built around it. The ethnographic method as a tool of research allows us to delve into the conceptions of culture that we are going to investigate, collection information on the sinp’a with the help of interviews, field diaries, records of observation and photographic record, photo and videos that allow us to capture all the anthropological aspects of this ancestral act. Finally intends to the artistic work to sensitize the population of Peguche and contribute to the recognition of the brain as a transcendent element of their cultural identity.

Keywords: Braid, Otavalo, symbol, worldview, sinp’a, communication.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

269

Creación artística a partir de la trenza (sinp’a) como símbolo de la cultura quechua Peguche, Otavalo Artistic creation from the braid (syp’a) as a symbol of the Quechua Peguche culture, Otavalo

Tupac Maldonado Lima Universidad Técnica del Norte tupaklima@outlook.es

Resumen: La trenza (sinp’a) en la cultura quechua de la comunidad de Peguche, en Otavalo, es una tradición ancestral de gran trascendencia simbólica. El acto del peinado es muy relevante, por que invita a la interacción en la vida familiar y asume una connotación en el ámbito espiritual, pues según la cosmovisión de la cultura andina propicia la conexión con la naturaleza. Esta es una de las pocas culturas de América en la cual se realiza la sinp’a en el género masculino, motivación fundamental de este trabajo. En la historia del arte resulta frecuente la representación de la trenza en la mujer con diversos propósitos. El objetivo de esta investigación es crear una obra artística a partir de la significación que tiene la sinp’a para el pueblo Peguche, mostrando en ella el imaginario social que se ha construido en torno a la misma. El método etnográfico como herramienta de investigación nos permite adentrarnos en las concepciones de la cultura que vamos a investigar, recopilando información necesaria sobre la sinp’a, con la ayuda de entrevistas, diarios de campo, fichas de observación y el registro fotográfico y en videos que nos permitan captar todos los aspectos antropológicos de este acto ancestral. Finalmente se pretende que la obra artística sensibilice a la población de Peguche y contribuya al reconocimiento de la trenza como elemento trascendente de su identidad cultural.

Palabras clave: Trenza, Otavalo, símbolo, cosmología, sinp’a, comunicación.

Abstract: Abstract: This paper is part of the progress of the degree project called “Embroidery as a cultural tradition in La Esperanza Community”. Its objective is to make an artistic work supported conceptually in a previous investigation, which will assume an anthropological perspective. In addition, semiotics is an analytical tool for the assessment and description of embroidery, and thus establish its main characteristics. The preservation of this artisan legacy has been a fundamental motivation for the realization of the present study, that is, keeping the art of hand embroidery alive as a distinctive tradition from Ecuador. Being an ancestral practice is part of the cultural identity of the Community. It is a female activity from Kichwa origin and has been transmitted from generation to generation. This research is carried out from a qualitative perspective, the fundamental method will be the hermeneutic - dialectical method and a bibliographical review on the subject has been carried out in different sources. We intend to value this practice that contains dissimilar values for future generations through this work. The artistic work resulting from this work, will assume a role of safeguarding traditional embroidery in La Esperanza Community, which will be recognized from the formal and from the reflections that the proposal will generate at a conceptual level.

Keywords: Tradition, embroidery, craft, work, experience, generation.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

271

Bordados de la Comunidad La Esperanza como una tradición familiar Embroidery as a cultural tradition in La Esperanza community.

Ana Salazar Cabascango Universidad Técnica del Norte anitasalazarv@hotmail.com

Resumen: La presente ponencia parte del avance del proyecto de grado denominado “Bordados de la Comunidad La Esperanza como una tradición cultural”. Tiene como objetivo realizar una obra artística sustentada conceptualmente en una investigación previa, la cual asumirá una perspectiva antropológica. Además, la semiótica constituye una herramienta analítica para la valoración y descripción de los bordados, y así establecer sus principales características. La preservación de este legado artesanal ha sido una motivación fundamental para la realización del presente estudio, es decir mantener vivo el arte del bordado a mano como una tradición distintiva del Ecuador. Al ser una práctica ancestral forma parte de la identidad cultural de la parroquia, es una actividad femenina de origen kichwa y ha sido transmitida de generación en generación. Esta investigación se ejecuta desde una perspectiva cualitativa, el método fundamental será el método hermenéutico - dialéctico y se ha realizado una revisión bibliográfica sobre la temática en diversas fuentes. Con este trabajo se tiene la intención de poner en valor esta práctica que encierra disímiles valores para las futuras generaciones. La obra artística resultado de este trabajo, asumirá un rol de salvaguarda del bordado tradicional en La Esperanza, el cual será reconocido desde lo formal y desde las reflexiones que a nivel conceptual generará la propuesta.

Palabras clave: Tradición, bordados, artesanal, labor, vivencia, generación

Abstract: Cayambe is a Canton with peculiar cultural and geographical characteristics, and floriculture, is one of the economic practices of great importance, the cultivation of roses in particular has become a productive tradition. The production of flowers has been part of a commercial activity for Cayambe, constituting an effective alternative to generate income in the community, this fact also has a cultural value for the inhabitants themselves. For this reason, this research has the purpose of addressing the theme of roses in artistic manifestations. A proposal will be made to exalt this element of the area, taking as a starting point the impact it has for the Cayambeños and contributing to the recognition of this agricultural practice. Throughout this investigation it has been possible to verify that there is a gap in the recognition of the cultural imprint of the roses for the Cayambeños. It has privileged the hermeneutic -dialytical investigative method, assumed from the role of artist-researcher. The challenge of this work is to contribute to the recognition of the cultivation of the rose as part of the cultural practices of Cayambe through art.

Keywords: Cayambe, roses, value, plastic work, work, analyze

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

273

Valor e impacto de la rosa en Cayambe a través de una creación artística Value and impact of the Cayambe rose through an artistic creation

Nelly Conzuelo Anrango Landazuri Universidad Técnica de Norte Nellylandazuri8585@hotmail.com

Resumen: Cayambe es un cantón con peculiares características culturales y geográficas, y la floricultura, es una de las prácticas económicas de gran trascendencia, el cultivo de rosas en particular se ha convertido en una tradición productiva. La producción de flores ha formado parte de una actividad comercial para Cayambe, constituyendo esta una alternativa eficaz para generar ingresos en la comunidad, tal hecho también posee un valor cultural para los mismos pobladores. Por ello esta investigación, tiene el propósito de abordar la temática de las rosas en las manifestaciones artísticas. Se realizará una propuesta que permita exaltar este elemento propio del área, tomando como punto de partida el impacto que tiene para los cayambeños y contribuyendo al reconocimiento de esta práctica agrícola. A lo largo de esta investigación se ha podido comprobar que existe un vacío en el reconocimiento de la impronta cultural de las rosas para los cayambeños. Se ha privilegiado el método investigativo hermenéutico –dialéctico, asumido desde el papel de artista- investigador. El desafío de este trabajo es contribuir al reconocimiento del cultivo de la rosa como parte de las prácticas culturales de Cayambe a través del arte.

Palabras clave: Cayambe, rosas, valor, obra plástica, trabajo, analizar

Abstract: This paper is part of the research project to obtain a degree in Plastic Arts, in public space in the city of Otavalo-Ecuador, through a process of creation of artistic works of different kinds, an inquiry is made between art and community, in relation to the perception of the imagination of infants about the city. With the research method of qualitative character, starting from an artistic perspective that seeks to define the behavior of the minor individuals in said space, where the result of the observation, was determined by means of interviews and questionnaires, as well as a data verification descriptive of such behaviors. Stipulating that public space within an urbanization is maneuvered with the creation of establishments or recreation areas, established as a safe place of danger, agreeing that through the investigation and interaction with infants of an early age, these can become an adult domination for the importance of good behavior Conceiving that said space for minors, canned an area with wide possibilities of development (light inputs, green areas, etc.) and insertion in the actions of the individual, without reprimand or poor definition of a child’s vision and Without leaving aside, the importance of the child’s imaginary actions and the protection of their rights. Finally, this project will allow us to disseminate the discovered imaginaries, from the sensory characteristics that the work of art allows, an appeal of self-recognition of the Self in the other.

Keywords: Imaginary, public space, infants, self-recognition, behaviour.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

275

Creación de obras artísticas plásticas en base al imaginario sobre el espacio público de los niños y niñas en Otavalo Creation of works of plastic art based on the imagery on the public space of children in Otavalo

Erika Arellano Agualongo Universidad Técnica del Norte arellanoerika2019@gmail.com

Resumen: La presente ponencia parte del proyecto de investigación para la obtención del título de licenciatura en Artes Plásticas, sobre el espacio público en la ciudad de Otavalo-Ecuador, a través de un proceso de creación de obras artísticas de diferente índole, se realiza una indagación entre el arte y la comunidad, en relación a la percepción de la imaginación de los infantes sobre la urbe. Con el método de investigación de carácter cualitativo, partiendo de una perspectiva artística que busque definir el comportamiento de los individuos menores en dicho espacio, donde el resultado de la observación, se encontrará determinado por medio de entrevistas y cuestionarios, como también una verificación de datos descriptivos de tales comportamientos. Estipulando que espacio público dentro de una urbanización se maniobra con la creación de establecimientos o áreas de recreación, establecidos como un lugar seguro de peligros, acordando que a través de la averiguación e interacción con los infantes de temprana edad, estos pueden llegar a ser una dominación del adulto para la imponencia del buen comportamiento. Concibiendo que dicho espacio para los menores edad, se pueden prescribir como una zona con amplias posibilidades de desenvolvimiento (entradas de luz, áreas verdes, etc.) e inserción en las acciones del individuo, sin reprimenda o mala definición de una visión infantil y sin dejar de lado la importancia de las acciones imaginarias del menor y la protección de sus derechos. Por último, este proyecto permitirá difundir los imaginarios descubiertos, desde las características sensoriales que la obra de arte permite, un apelo del auto reconocimiento del YO en el Otro.

Palabras clave: Imaginario, espacio público, infantes, auto reconocimiento, comportamiento.

Abstract: Ecuador is a country with many ethnic groups and cultures, that are characterized through historic battles, diverse knowledge and ancestral practices. The lack of an adequate record has been a limitation for the dissemination of knowledge, and with the conquests, the acculturation of the Andean peoples was accentuated, which is why it is important to reflect on the roots and naturalization of processes exogenous to our culture that are part of the construction of the Ecuadorian identity. Within the framework of the problems mentioned earlier, this project focuses on the recognition and valorization of ancestral knowledge, historical landmarks and ethnic cultural diversity of Ecuador, linking them with botanical research, to make a record and create an artistic proposal where one of The results is a bestiary represented in paintings, ceramics and sculptures, which facilitate the understanding and discussion of Ecuador’s ethnic biodiversity, from an artistic perspective. Through this bestiary, we seek to visualize the endemic nature of Ecuador, as the engine of creation for the fantastic species, uniting their morphological, historical and anthropological aspects to each of them.

Keywords: Culture, Ecuador, flora, history, fantasy, Bestiary.

UNIVERSIDAD TÉCNICA DEL NORTE

277

Criaturas Fantásticas basadas en la Flora Endémica del Ecuador Fantastic Creatures Based on the Endemic Flora of Ecuador

Lorena Salomé Terán Trujillo Universidad Técnica del Norte loreline.22@hotmail.com Gonzalo Vinicio Echeverría Armas Universidad Técnica del Norte gvecheverria@utn.edu.ec

Resumen: Ecuador es un país multiétnico y pluricultural, que se caracteriza por sus luchas históricas, diversidad de saberes y prácticas ancestrales. La falta de un adecuado registro, ha sido un limitante para la difusión de su conocimiento, además con las conquistas se acentuó la aculturación de los pueblos andinos, razón por la cual es importante reflexionar sobre las raíces y la naturalización de procesos exógenos a nuestra cultura que forman parte de la construcción de la identidad ecuatoriana. En el marco de la problemática antes citada, este proyecto se enfoca en el reconocimiento y valorización de los saberes ancestrales, hitos históricos y diversidad étnica cultural del Ecuador, enlazándolos con la investigación botánica, para realizar un registro y crear una propuesta artística donde uno de los resultados es un bestiario representado tanto en pinturas, cerámicas y esculturas, que faciliten el entendimiento y discusión de la biodiversidad étnica del Ecuador, desde una perspectiva artística. A través de este bestiario se busca visualizar a la flora endémica del Ecuador, como el motor de creación para las especies fantásticas uniendo a cada una de ellas sus aspectos morfológicos, histórico y antropológicos.

Palabras clave: Cultura, Ecuador, flora, historia, fantasía, Bestiario.

Culturarte 5to simposio (Estudiantes)