MEMORIA DE SERVICIO SOCIAL para obtener el título de
Licenciado en Diseño Gráfico
Presenta
Sara Xochil Uscebrka Milosevic
Introducción
Departamento de diseño editorial Ediciones G
Actividades generales
Proyectos
ANTOLOGÍA DE CUENTOS DE DISEÑADORES
ANTOLOGÍA DE HAIKÚS ILUSTRADOS 3 4 5 7 7 39
HAIKÚ:
Conclusión
Glosario
¡JUDAS, PATAS PELUDAS!
Tsakam k’ima’ Pulik Son
La memoria que se presenta a continuación recopila los proyectos realizados durante mi servicio social en el Departamento de Diseño Editorial de la Universidad Gestalt de Diseño, que comprende el periodo entre febrero y diciembre del 2024. Durante dicho lapso de tiempo, se pusieron en práctica los conocimientos adquiridos durante mi formación académica, mediante la resolución de problemas en diferentes áreas de acción, dándome así una visión más aproximada al mundo profesional.
A través de este trabajo, se busca no solo hacer un resumen de los proyectos realizados, sino también reflexionar sobre las etapas de investigación, los desafíos enfrentados y las soluciones implementadas; demostrando así el valor del diseño gráfico como herramienta estratégica de comunicación.
De esta manera, la memoria se divide en dos secciones. La primera, es la descripción general del departamento, así como el esquema jerárquico del mismo; la segunda, contiene los proyectos realizados, los cuales se presentan de manera cronológica. En la descripción de ellos se incluye: el planteamiento del proyecto, la metodología de investigación, el desarrollo y finalizando con los logros obtenidos.
El Departamento de Diseño Editorial (Ediciones G) nace como apoyo a la misma universidad, con la finalidad de registrar y difundir las actividades realizadas por alumnos y maestros de esta institución. Entre las funciones que tiene el departamento, se encuentran la edición de archivos, corrección de textos y la publicación de libros físicos y digitales.
La coordinación del departamento se encuentra a cargo de la Mtra. Alejandra Palmeros Montúfar y la Mtra. María Elissa Gayosso Rodríguez, quienes se encargan de administrar y gestionar las actividades de los becarios y prestadores de servicio social.
de Ediciones G
Coordinación
Alejandra Palmeros Montúfar
Coordinación editorial
María Elissa Gayosso Rodríguez
Diseño editorial
Alejandra del Rosario Benítez Zenteno
Servicio social
Massiel García Perdomo
Servicio social
Sara Xochil Uscebrka Milosevic
Servicio social
Organigrama de Ediciones G al momento de realizar el servicio social
El servicio social se dividía en dos tipos de actividades: las de corto plazo, que consistían en tareas que se realizaban en uno o dos días, como lo eran la edición de fotos, el diseño de banners para blogs y el Acervo Gestalt. Y por otro lado, las actividades de largo plazo, que se llevaban a cabo de manera simultánea y requerían mayor planificación y detalle, como los proyectos editoriales, rediseño de documentos e ilustración.
Una antología es una colección o recopilación de obras literarias, poéticas, musicales o de otro tipo, seleccionadas por un autor o editor. Estas obras suelen ser agrupadas por un tema común, género o periodo de tiempo.
La Universidad Gestalt de Diseño ofertó un Taller Libre de Cuento, con una duración de marzo a abril de 2024. De los resultados, se hizo una selección de los trabajos más destacados del curso en una antología; la cual está dividida en dos partes: la primera parte presenta pequeños relatos para mostrar lo aprendido en clase. Se divide en chispas (ejercicios rápidos) y camposantos (relatos breves, explorando el tema de los cadáveres). La segunda parte de la antología presenta cuentos originales de los estudiantes, atendiendo a dos ideas principales; la primera elegida por los mismos alumnos: el monstruo. La segunda explora los modelos básicos de la narrativa por medio de la construcción de un héroe o protagonista.
Objetivo
Desafíos
Realizar el diseño editorial para Narradores: antología de cuentos de diseñadores, considerando la organización del texto, diseño de las separatas y viñetas para cada relato, así como la ilustración de la cubierta. Este proyecto tuvo una serie de retos, como: diseñar una antología en blanco y negro, usando un solo color para acentuar ciertos elementos y terminar en el lapso de tiempo asignado, con el propósito de tener el documento preparado para su impresión y encuadernación antes del evento de presentación del libro.
“La poesía es la creación rítmica de la belleza en palabras”.
-Edgar Allan Poe
1. Gráfica del proceso de investigación
Proceso
Al comenzar con este proyecto, unos de los puntos más importantes era encontrar un estilo de diseño que se adapte de forma adecuada a cada uno de los cuentos. Para ello, se hizo una investigación buscando los géneros más recurrentes encontrados en los dieciséis relatos que incluiría la publicación. Como resultado de esto, se clasificaron en tres tipos: suspenso, terror y fantasía. Después de esta etapa, se buscó un elemento en común, y se optó por usar como eje principal el romanticismo, dado que, como características principales se encuentran la exaltación y exageración de las emociones, el anhelo a la libertad de expresión del personaje y los temas imaginativos y de fantasía; todos de alguna manera presentes en las narraciones de la antología.
Antología de cuentos
Lectura de los cuentos
Géneros Suspenso Terror Fantasía
Puntos en común
Exageración de las emociones y sentimientos
Romanticismo
A partir de esto, se buscaron referencias de autores que se puedan relacionar con los relatos de la antología, y se eligieron dos: Edgar Allan Poe, conocido por sus historias de suspenso, misterio y cadáveres, y el autor Lewis Carroll; célebre por sus historias de fantasía, naturaleza y universos alternos. Para el estilo gráfico, se revisaron los libros Tales of mystery and imagination² (1919) de Edgar Allan Poe y la primera edición de Alicia en el país de las maravillas³ (1864) de Lewis Carroll. Ambos presentan un estilo parecido en el acomodo de texto, letras capitulares y viñetas ilustradas características a la época.
El romanticismo valoraba la expresión individual y la emoción, lo que se reflejaba no solo en el contenido de los libros, sino también en su forma y presentación.
Algunas de las características encontradas en los libros tomados de referencia son:
Uso de varias tipografías
La tipografía era una parte crucial de los libros, y se tendían a utilizar varias tipografías en una misma obra, algunas más ornamentadas que otras; marcando una jerarquía en la información (título del cuento) o el comienzo de un nuevo capítulo (letras capitulares). En estos casos, se identificaron las tipografías baskerville y caslon⁴.
Márgenes amplios
En ambas obras los márgenes son amplios de todos sus lados, llegando a medir más de dos centímetros. De esta manera la carga visual del texto es menor, facilitando la lectura.
Uso de ilustraciones y otros elementos gráficos
Las ilustraciones en los libros tuvieron su auge en el romanticismo. Generalmente, éstas tienen relación con la historia y se encuentran casi siempre en la primera página de un nuevo capítulo o de un nuevo relato. Se suelen encontrar sobre todo en ediciones especiales⁵.
Iniciando ya con el diseño de la antología, se define el formato y los márgenes. También se determina la maquetación del texto y de otros elementos como el título y los folios.
Además de los referentes de las obras mencionadas anteriormente, también se revisó el libro POE⁶ de Jordi Sierra i Fabra, el cual aunque no sea precisamente de la época; es un ejemplo de libro moderno, que retoma algunos elementos de los que se habló; combinándolos con características de diseño más actuales, como por ejemplo: ilustraciones fuera de márgen (sangrado), tipografías sans serif para el cuerpo de texto y composiciones imagen-texto.
En cuanto a las medidas de la antología, se plantean dimensiones de 18 cm x 25 cm, esto para adaptar el diseño al tamaño carta en el que se va a imprimir.
La estructura jerárquica entonces queda de la siguiente forma: número o nombre del relato, nombre del autor, licenciatura y letra capitular; dando inicio al cuento. Se usa un márgen más amplio, y por lo tanto una caja de texto angosta.
Tamaño: 17 cm x 24 cm
Margen interior: 2 cm
Margen exterior: 2.5 cm
Margen superior: 3 cm
Margen inferior: 3 cm
Tamaño: 18 cm x 25 cm
Margen interior: 2.5 cm
Margen exterior: 3 cm
Margen superior: 3 cm
Margen inferior: 3 cm
1. Número de relato (Didot)
2. Nombre del autor y licenciatura
3. Letra capitular (Didot)
4. Cuerpo de texto (Avenir)
5. Ilustración
6. Folio de página
En cuanto a la tipografía, se retoma la idea de las familias serifadas, optando por usar Didot (romana moderna) para títulos y letras capitulares por tener un estilo versátil y por tener su auge de uso en la época del romanticismo, Minion variable para elementos como el título de la antología y Avenir para el cuerpo del texto, debido a su legibilidad en textos largos.
Para los colores del documento, se usa casi en su totalidad el color negro, desde el cuerpo de texto hasta las ilustraciones. Se escoge rojo óxido para acentuar algunos elementos del diseño, como las letras capitulares de cada historia, esto con la finalidad de marcar el comienzo de cada relato.
Minion Variable
Didot Cuerpo de texto
Avenir Regular
Continuando con el desarrollo del proyecto una vez terminada la organización de los textos, se desarrollaron las ilustraciones interiores. Siguiendo con el estilo que se busca para la antología, se eligen técnicas como la xilografía, litografía e ilustraciones hechas con estilógrafo y otros medios que conlleven el uso de un solo color. Se toman como referencias dos ilustradores acordes de la época: Harry Clarke y John Tenniel.
Harry Clarke
Las ilustraciones de Clarke se distinguen por sus detalles finos y patrones complejos, a menudo incluyendo fondos con motivos florales y elementos ornamentales que se entrelazan en sus composiciones. Estuvo influenciado por el Art Nouveau y en algunos casos el estilo gótico, el cual utilizaba para dar dramatismo y un aire sombrío a obras como las de Edgar Allan Poe. Las ilustraciones eran hechas con estilógrafo, posteriormente se imprimían en los libros por medio de la técnica de litografía.
John Tenniel
Tenniel es conocido por su uso de dibujo lineal, con el cual lograba dar profundidad y sombras a sus ilustraciones. A diferencia de Clarke, las ilustraciones de Tenniel son más contenidas y menos ornamentadas, pero son igualmente complejas en su precisión y claridad. También presentaba un estilo más caricaturesco, exagerando ciertos elementos de los personajes. Sus obras eran en su mayoría xilografías.
Las chispas se definen como relatos breves, usados frecuentemente como forma de estimular o motivar a escribir. Puede tratarse de una anécdota, una escena suelta, una imagen narrativa o una situación inesperada.
Cada uno de los dibujos representa un elemento que se relaciona directa o indirectamente con la historia. En algunos casos, se representan objetos contemporáneos, solamente aplicando el estilo gráfico de los autores analizados y de esa manera, se elaboraron las primeras ilustraciones de la antología.
Presentación, página 3
En el caso de los Camposantos, son relatos que se caracterizan por tener la misma estructura inicial:
Era una tarde de marzo, parecía tan común y corriente, pero de pronto...
Muchas veces los temas se encuentran relacionados con la muerte, la memoria o el paso del tiempo.
Bajo este concepto, se optó por usar el mismo diseño ornamentado, únicamente cambiando el elemento central por un símbolo que haga alusión a la historia, diferenciando cada uno de los relatos.
Ornamento y símbolos usados
Un cuento es una narración ya sea real o imaginaria, que tiene una estructura definida y se centra en uno o pocos personajes, un solo conflicto principal y un desenlace claro.
Siguiendo con la segunda parte de la antología, se diseñaron las ilustraciones que van a marcar el comienzo de cada uno de los cuentos. De tal manera que la gráfica tenga relación con el relato, dándole así al lector una idea de lo que viene a continuación. En algunos de los cuentos, se retoma la idea de extender las ilustraciones fuera del márgen, como se vio en los referentes analizados.
En el caso de dos de los cuentos: Pétalos blancos sobre un bosque azul y Rut el duende: camino hacia el heroísmo que presentan pequeños saltos de tiempo, se diseñan pequeñas viñetas para separar los párrafos y ayudar al lector a entender mejor la cronología.
Para la separación de los tres tipos de relatos, se opta por utilizar una letra ornamentada, encontrada en una de las antologías del siglo XIX investigadas previamente. Se toman como referencia algunas ilustraciones como las de Aubrey Beardsley y letras capitulares de otros libros de la misma época.
Cubierta
Para finalizar con el proyecto, se creó una ilustración para el forro de la antología, siguiendo el mismo estilo previamente ocupado para el interior. Por ello, se optó por un diseño más contemporáneo, por lo cual se usa el concepto de continuidad, extendiendo la imagen de la portada a la contraportada.
Uno de los puntos más difíciles para la realización de este proyecto fue el acomodo del texto, puesto que muchas veces se tenían que ajustar los párrafos en cada una de las páginas para que la lectura sea lo más fluida posible para el lector. Pese a esto, esta antología fue un proyecto muy interesante para mi como diseñadora, ya que por primera vez pude realizar desde cero todo el diseño editorial, siguiendo mis propios parámetros de investigación a partir de mi interpretación personal de los relatos.
Los haikus son poemas breves de origen japonés, compuestos por tres versos, muchas veces siguiendo una estructura de 5/7/5 sílabas respectivamente. Es una forma poética muy sencilla en apariencia, pero que puede expresar muchas emociones de manera breve y concisa.
En la 7ma Feria del Libro Devorando páginas, niños del Taller 1 y 2 de la escuela Bios Lilá Montessori crearon haikús inspirados en la naturaleza y las emociones que ésta les evoca. Como parte de un proyecto interinstitucional, se creó una antología recopilando los poemas realizados, junto con ilustraciones hechas por los propios alumnos a partir de lo escrito.
Con base al material adquirido por la escuela, se creó una antología con un diseño adaptado para facilitar la lectura de los niños. Se retomaron también los principios básicos de la institución, como la enseñanza y preocupación por el medio ambiente.
La antología entonces se divide en dos partes: la primera parte muestra la presentación y descripción del taller. La segunda parte expone los haikús escritos; divididos a su vez por las cuatro estaciones del año sobre las que se narra.
Crear una antología donde se recopilen los haikús realizados por los alumnos de la escuela Bios Lilá Montessori, haciendo que el estilo sea agradable para la lectura, siguiendo además los parámetros de la institución: su filosofía y principios, colores, tipografías e imágenes brindadas por la misma.
Desafíos
Adaptar el diseño para la lectura de los niños, modificando el tamaño de la tipografía y otros elementos para facilitar su comprensión. Terminar en el plazo de tiempo asignado para su presentación en el evento de graduación.
Las estrellas corren la marea habla y los peces saltan.
-Isaac, T2
Proceso
Comenzando con el proyecto, se revisó el material brindado por la escuela y los criterios asignados por ésta para la realización de la antología.
Aplicar la identidad gráfica de la escuela Aplicar elementos de la institución, como colores y formas.
Usar la tipografía ABC Cursive. Utilizar los dibujos realizados por los alumnos.
También se hace una investigación sobre los fundamentos y principios de la institución, mostrándose en los siguientes puntos:
Antología de haikús
Principios de la institución
Palabras clave
Naturaleza
Sostenibilidad
Recursos
Puntos en común
Entorno natural y reciclaje
Scrapbook/ álbum de recortes
Sustentabilidad
Bios Lilá Montessori
Misión
Inspirados en la filosofía Montessori y en programas vivenciales agroecológicos, busca fomentar el desarrollo integral individual y colectivo de los niños y niñas; despertar su interés natural por el conocimiento, su entorno y su comunidad; y mostrarles el uso sostenible de los recursos naturales.
Visión
Consolidar una propuesta educativa sólida e integrada, en vinculación práctica de una comunidad sustentable.
Principios:
Inclusión y respeto.
Pasión por la educación, por una alimentación sana y por ecosistemas con alta biodiversidad, bajo una visión de sustentabilidad.
Interés por contribuir en la comunidad, fomentando el aprecio por la cultura y las tradiciones locales.
De esta forma, se extraen las siguientes palabras clave para la realización del diseño: naturaleza, recursos, sostenibilidad y sustentabilidad.
Bajo estos conceptos, se toman como referencia los scrapbook o álbumes de recortes, los cuales tienen como principal objetivo el uso de materiales naturales y reciclados.
Scrapbook
Los primeros registros de scrapbooks datan del siglo XIX, con la popularización de medios impresos como periódicos, revistas y libros; la gente comenzó a coleccionar recortes y guardar fragmentos dentro de pequeñas libretas personales, en las que además copiaban citas, recetas, ideas o fragmentos literarios. De igual modo, se usaban como registro de viajes o para catalogar plantas, animales e insectos³.
Fue a finales del siglo XIX y principios del siglo XX cuando se empezaron a implementar fotografías⁴, las cuales iban acompañadas de textos descriptivos o poemas relacionados a la imagen.
Hoy en día, los scrapbooks se siguen utilizando como herramienta para fomentar y ejercitar la escritura, la reflexión, el pensamiento visual y la memoria, sobre todo en las escuelas.
A partir de la investigación y los referentes analizados, se encuentran las siguientes características:
Elementos personales
En la mayoría de los casos, los scrapbook demostraban la personalidad del autor, lo cual se veía reflejado por medio de poemas, escritos y dibujos. Cada álbum era diferente e irrepetible.
Narrativa visual
Se buscaba transmitir un mensaje principalmente a través de las imágenes. El texto suele ser mínimo, dándole mayor importancia a las fotografías y recortes.
Técnicas mixtas y reciclaje
Se incluían objetos como invitaciones, tarjetas, dibujos y plantas, así como materiales como telas, fragmentos de madera o piezas de metal. Con frecuencia, las páginas eran recicladas y se añadían conforme se necesitaba.
Formatos pequeños
Aunque existía una gran variedad de formatos, era común el uso de cuadernos pequeños, similares a libros de bolsillo8, los cuales se popularizaron en esa época. Su tamaño compacto los hacía prácticos y fáciles de transportar.
Comenzando con el diseño, se determinó el formato y los márgenes de la antología. Se retomó el formato pequeño de los scrapbook y se decidió el uso de un formato cuadrado de 15 x 15 cm. Al tratarse de un documento digital, se definen márgenes más reducidos de 1.5 cm en cada lado, con la finalidad de aprovechar el espacio y poder darle protagonismo a los dibujos de los estudiantes; sin la preocupación de que estos sean afectados durante el proceso de impresión.
Respecto a la estructura jerárquica, ésta se distribuye de la siguiente manera: haikú, nombre y grado del alumno, acompañado del dibujo realizado para cada uno de los poemas.
Haikú
Tamaño: 15 cm x 15 cm
Margen interior: 1.5 cm
Margen exterior: 1.5 cm
Margen superior: 1.5 cm
Margen inferior: 1.5 cm
La tipografía utilizada fue Avenir para textos largos, por su amplio uso en libros y publicaciones para niños. Se implementó la tipografía de la institución, ABC cursive; como tipografía secundaria para subtítulos, separatas de las estaciones del año y nombres de los alumnos. Se usó un tamaño de 17 puntos para los haikús, respetando el tamaño promedio de 15 a 18 puntos usado en libros infantiles.
En cuanto a la gama cromática, se retomaron los colores de la institución, usando como base su identidad gráfica. También se implementaron colores encontrados en los dibujos de los alumnos, esto con la finalidad de dar contraste y acentuar ciertos elementos en las separatas y la portada.
Abc Cursive
Cuerpo de texto Avenir Regular
1. Haikú (Avenir)
2. Nombre y grupo (Abc Cursive)
3. Dibujo del haikú
4. Folio de página
Se retoma la idea de los recursos sustentables y los materiales reciclados y se usan elementos gráficos que puedan apoyar al estilo de diseño que se busca realizar. Para las páginas en la antología, se utilizó una textura de papel reciclado, elegido a partir de la paleta de color de la institución.
Para los dibujos de los alumnos, se agregó cinta en las esquinas de cada una de las imágenes, como es visto en algunos de los referentes de scrapbook analizados. De igual manera, se colocan los dibujos de forma irregular y asimétrica, esto con la intención de verse como un trabajo hecho a mano.
Texturas y otros elementos gráficos
Uso del elemento del pétalo para folios
Folios
Para el diseño de los folios, se toma uno de los elementos de la identidad gráfica de la escuela, con el fin de dar contraste al número de página y que este fuera más visible.
Los alumnos son los protagonistas de esta antología; por ello, todas las gráficas utilizadas se basan en sus propios dibujos. Para las separatas, se seleccionaron las ilustraciones que se consideraron las más características de cada estación del año, únicamente digitalizándolas para un mejor contraste.
De esa manera, se muestra el título de la separata, acompañado de las ilustraciones; distribuidas de manera irregular para transmitir la idea de haber sido dibujadas directamente sobre la página por un niño.
Dibujos digitalizados de los alumnos
Portada
Para finalizar con el proyecto, se diseñó la portada de la antología siguiendo con los parámetros usados en el interior. Para el título, se usó el título escrito por una de las alumnas de la institución, agregando sólamente algunas de las ilustraciones y el subtítulo de la antología.
Diseño de portada
Gracias a los contenidos y a la filosofía reconocible de la institución, se pudo identificar inmediatamente un estilo bajo el que podía trabajar. Fue un proyecto muy enriquecedor, ya que se diseñó algo que pudiera servir no sólo de recuerdo para los niños que participaron, sino también como evidencia, para otras personas; de la creatividad y formas de expresarse de los alumnos. Uno de los retos en este proyecto fue poder mostrar la personalidad de cada uno de los niños que participaron en este curso, procurando intervenir lo menos posible el diseño, dejando que el contenido hablara por sí solo. Fue una experiencia muy valiosa, ya que el diseño no siempre tiene que ser perfecto y simétrico, sino que también puede ser simple y honesto.
La importancia de los libros infantiles va mucho más allá del simple entretenimiento, son la introducción al conocimiento, a la enseñanza de valores y a la formación del pensamiento propio.
Como parte del Décimo tercer Concurso de Cuento Infantil y Juvenil, convocado por la Editora de Gobierno del Estado de Veracruz, se realizaron las ilustraciones para el cuento ¡Judas, patas peludas! de la autora Tonantzi Yamilet Morales Vázquez. Como tema principal del cuento, se habla de la tradición de los Judas, una práctica propia del municipio de Cuitláhuac, Veracruz.
Para la creación del libro ilustrado, se retoman los conceptos básicos de esta práctica, con una investigación previa sobre su origen, significado, elementos y elaboración de los trajes típicos. A partir de esto, se recopilaron las características encontradas y se interpretaron de manera gráfica, procurando que las ilustraciones sean de apoyo para comprender mejor el texto. De esta manera, se realizaron 19 ilustraciones, de las cuales 17 forman parte del cuento, y otras dos creadas para la cubierta y guardas del libro.
Objetivo
Realizar las ilustraciones para el cuento ¡Judas, patas peludas!, siguiendo la historia y los elementos de la tradición que relata la obra. Respetar el formato y otros parámetros brindados por la editorial.
Desafíos
Usar un estilo de ilustración más simple, inspirado en cuentos infantiles existentes. Lograr transmitir la tradición de los Judas, respetando las características de los trajes, máscaras y colores que conlleva. Terminar en el lapso de tiempo asignado por la Editora de Gobierno, brindando todas las ilustraciones, así como el boceto editorial.
“El diseño no solo se trata de lo estético, sino de la experiencia que se crea”.
-David Carson
1.
Gráfica del proceso de investigación
Proceso
¡Judas, patas peludas! narra la historia de Francis, una niña de la localidad de Cuitláhuac, Veracruz, la cual sueña con ser Judas durante la tradicional celebración de su pueblo. Este sueño se ve frustrado cuando descubre que las niñas y las mujeres no pueden participar, por lo cual toma la iniciativa de cambiar las reglas.
El proyecto se comenzó con la lectura del cuento ¡Judas, patas peludas! a partir del cual se llevó a cabo una investigación centrada en los elementos más relevantes de la trama: la tradición de los judas, elementos característicos de la práctica (como lo son los colores) y valores que la protagonista adquiere a lo largo de la historia. De esta manera, se buscaron libros ilustrados con temáticas parecidas, y se eligieron dos referentes principales: Lucía la luchadora¹ (2017) de Cynthia Leonor Garza y Somos guardianes del agua² (2020) de Carole Lindstrom, ambos cuentos son protagonizados por niñas y abordan una problemática ambiental o social.
¡Judas, patas peludas!
¡Judas, patas peludas!
Lectura del cuento
Lectura del cuento
Elementos principales
Elementos principales
Colores Tradición Valores
Colores Tradición Valores
Cuentos infantiles
Cuentos infantiles
Análisis de cuentos con la misma temática
Análisis de cuentos con la misma temática
Lucía la luchadora
Autora: Cynthia Leonor Garza
Ilustradora: Alyssa Bermudez
Lucía es una niña valiente a la que le encanta jugar con sus amigos, pero un día, cuando se lanza por los aros del juego, un niño le dice que las niñas no pueden ser superhéroes. Lucía se siente frustrada hasta que su abuela le revela un secreto familiar: ella también fue una luchadora enmascarada, al estilo de los luchadores mexicanos. Algunas de las características encontradas fueron:
Igualdad de género
Cuestionamiento de los estereotipos de género en niños y niñas.
Identidad cultural
Como temática principal, muestra elementos de la lucha libre mexicana, como máscaras y trajes que se usan.
Colores vibrantes
Se utiliza una paleta de color intensa (rojos, rosas, amarillos, azules), que evocan a la práctica de la lucha libre y a otros elementos de la cultura mexicana.
Contraste con el fondo
El fondo suele contrastar con los personajes, haciendo que la protagonista resalte visualmente.
Autora: Carole Lindstrom
Ilustradora: Michaela Goade
El libro cuenta la historia desde una voz infantil inspirada en las culturas indígenas de cómo el agua es vida y debe ser protegida de las amenazas modernas, como la contaminación y los oleoductos.
La narradora, una niña indígena, llama a su comunidad a unirse para defender el agua.
Características del cuento:
Enseñanza de valores
Como lo son el cuidado del medio ambiente y el respeto por las culturas y tradiciones indígenas
Ilustraciones con acuarela
Todos los dibujos están hechos con acuarela, creando texturas y formas fluidas y orgánicas, evocando a dibujos realizados por niños.
Colores
Predomina una paleta de azules, verdes, morados y blancos, la cual va acorde al tema principal que es el agua y el cielo.
Figuras retóricas
Se exagera con el tamaño de los elementos, como es el cabello de la protagonista. También se usa el símil, cuando se compara el cabello de los personajes con las ondas que se forman en el agua.
A partir del análisis, se optó por un estilo de ilustración sencillo para los personajes, creado a partir de formas básicas y caricaturescas. De esta manera, se le dió más énfasis a los trajes de los judas, las coronas, las máscaras y otros elementos de la práctica a partir de la exageración de las texturas y los colores.
Diseño de Francis
Comenzando con las ilustraciones, se diseñó el personaje de Francis a partir de la descripción brindada en el cuento.
Francis es descrita como una niña de diez años, morena, robusta, de cabello rizado y rebelde. Es valiente, optimista, alegre, generosa y resiliente. Disfruta de las historias que le cuenta su abuela y le ayuda en la elaboración de los trajes de Judas.
Bajo estos conceptos, se crearon los primeros bocetos del personaje. Se optó por exagerar su cabello rizado y rebelde, dándole mayor volumen y agregando texturas para que se vea despeinado. Se agregaron otros pequeños detalles, como lo son el lunar en su cara y la curita en su rodilla; esto con el fin de darle más personalidad y evocar así otras cualidades del personaje, como la valentía y la resiliencia.
Por último, se crearon diferentes propuestas para la ropa y se creó el dibujo final a color, el cual sirvió como referente para las demás ilustraciones.
Judas de Cuitláhuac
Con más de 135 años de práctica, la tradición de los Judas de Cuitláhuac es una expresión cultural y festiva que forma parte del patrimonio de la localidad de Cuitláhuac, Veracruz. Esta tradición combina elementos religiosos, teatrales y satíricos, y suele celebrarse durante la Semana Santa, especialmente el Sábado de Gloria.
Durante dicha celebración, la gente de la comunidad se viste de Judas, diablos y reyes; y recorren las calles principales realizando diferentes actividades donde se involucran niños, jóvenes y adultos.
Participan más de 600 personas, y se dividen en tres grandes grupos:
Judas
Es el personaje principal, símbolo de la traición, especialmente la de Judas Iscariote en la tradición cristiana. Visten pantalones con cascabeles, camisas de colores, máscaras blancas decoradas y sombreros floridos. Llevan garrochas y chicotes para azotar de manera teatral a quienes se cruzan en su camino.
Reyes
Representa la autoridad o el poder, puede ser un rey indígena, un monarca español, o una figura de poder local. Su atuendo es parecido a los Judas, incluye túnicas con lentejuelas, capas con nombres bordados, coronas, máscaras blancas y chicotes que simbolizan autoridad.
Diablos
Se dividen en diablos mayores (con atuendo de color rojo) y diablos menores (atuendo de color negro o gris). Usan máscaras con cuernos y colas, llevan látigos y representan el mal o fuerzas oscuras.
A continuación, se dividió el cuento por párrafos, dependiendo del contexto, las escenas y los saltos de tiempo en los que se narra. De esta forma, el cuento se distribuyó en diecisiete escenas diferentes.
Se respetan las medidas del documento brindadas por la Editora de Gobierno, por lo que se boceta en un formato de 27.5 cm x 21 cm. Se optó por hacer ilustraciones de doble página, esto con la finalidad de aprovechar al máximo el espacio y lograr que el texto del cuento sea parte de la imagen. Siguiendo con la exageración de los elementos, se jugó con la perspectiva, esto para darle más profundidad y dinamismo a algunas escenas, además de resaltar los detalles de los judas y los diablos, dando protagonismo a los elementos de la vestimenta y las máscaras.
Siguiendo con las ilustraciones finales, se eligió una paleta de color inspirada en los trajes de los judas y siguiendo los parámetros de los referentes de cuentos analizados. De esta manera, se dividen en dos paletas de color: una paleta compuesta de colores cálidos y saturados, usada para los personajes principales como los Judas, Diablos, la protagonista y otros objetos en primer plano; y la otra paleta integrada por colores fríos, usada principalmente para fondos, personajes secundarios y objetos en segundo y tercer plano.
De igual manera, se retoman los significados simbólicos del color para los fondos de cada ilustración. Se usa el azul como color neutral en la mayoría de los casos, mientras que en escenas donde predomina cierta emoción, el color cambia dependiendo del concepto.
Francis narra la primera vez que vió a los Judas, mientras describe los trajes, los elementos y los colores que tienen. Escena final del cuento, el comité cambia las reglas y ahora pueden participar mujeres y niñas. En ambos casos predomina la felicidad, por lo cual se usó el amarillo para evocar dicha emoción.
Francis se pone un traje de Judas y va a ver su reflejo en el canal, se pregunta por qué una niña como ella no podría ser parte de la tradición. La protagonista se siente con esperanza, por lo que predomina el color verde.
Inspiración
Francis hace su traje de Judas a escondidas antes de Semana Santa. Su abuela se entera y juntas terminan de diseñar el traje. Se usó el color rosa para indicar un momento de inspiración de los personajes.
Francis expone al comité su sueño de convertirse en Judas, sin saber la respuesta que va a recibir de ellos. La escena denota miedo y ansiedad de la protagonista, por lo cual se usa el color rojo para exagerar esta emoción.
Guardas
Las coronas usadas por los Judas vienen de diferentes tamaños y colores, y se elaboran de materiales como cartulinas rígidas, papel metálico, lentejuelas, espejos y flores de papel. Los colores suelen ser vivos y llamativos, y en ocasiones se usan patrones o colores que distinguen al personaje representado
Para el diseño de las guardas, se tomó como elemento más representativo del cuento las coronas de los Judas, y se diseñaron seis variantes diferentes inspiradas en imágenes vistas durante el proceso de investigación. Finalmente, se agregó un fondo gris para dar más contraste a las coronas.
Diseños y variantes de las coronas
Cubierta
Para finalizar con el proyecto, se diseña la ilustración que va a ir en la cubierta. Se optó por un diseño sencillo usando solo a la protagonista como elemento principal y una sombra que hiciera alusión al contenido del cuento, pero sin dar mucha información sobre el contexto de la historia, con el fin de que el propio título despierte la curiosidad del lector. También se dejó espacio suficiente para el título y los créditos del autor.
Ilustración para la cubierta
Uno de los mayores retos de este proyecto fue la organización del tiempo, ya que la Editora de Gobierno estableció fechas específicas que debían cumplirse para entregar las ilustraciones y permitir la impresión del libro. Fue un proyecto enriquecedor y emocionante, ya que pude diseñar desde cero a los personajes y las escenas según mi propia interpretación del cuento; pero a su vez implicó cierta preocupación, ya que no hubo comunicación directa con la autora durante el proceso de diseño, por lo que solo pudo ver el resultado final una vez concluido el trabajo. Afortunadamente, fue una experiencia nueva para ambas, y al igual que yo me sentí identificada e inspirada por su historia, ella apreció mucho el producto final.
Tsakam k’ima’ Pulik Son
En el marco de cooperación entre la Universidad Veracruzana y Ediciones G, colaboré como parte de las actividades de mi servicio social con Mariel Elena Lara; alumna en la licenciatura en Educación musical, para la realización del material didáctico propuesto en su tesis. Tsakam k’ima’ Pulik Son (La casita del Pulik Són), es un proyecto de innovación pedagógica, que consiste en la enseñanza del tradicional Pulik Són, una práctica musical de la comunidad Tének, compuesta por danza y música ejecutadas con instrumentos de la región.
Todo el texto está escrito en Tének, con traducción al español. El proyecto consiste en: tarjetas de nomenclatura; creadas para la enseñanza a los niños sobre los instrumentos, principios y elementos básicos de esta costumbre; un cuento para colorear inspirado en el mismo tema y una caja diseñada especialmente para contener todo el material didáctico. El producto final sirvió como trabajo recepcional en la titulación de la alumna.
Objetivo
Realizar las ilustraciones, el diseño de las tarjetas de nomenclatura y el cuento ilustrado de La casita del Pulik Són Además, diseñar una caja personalizada que contenga todo el material didáctico.
Desafíos
Algunos de los retos fueron: diseñar siguiendo las especificaciones brindadas, como los colores representativos, patrones de la vestimenta y detalles específicos de cada instrumento. Diseñar una caja para el material planteado. Terminar en el plazo de tiempo asignado y contar con un ejemplar físico para la fecha del examen de titulación de la alumna.
“Donde fallan las palabras, habla la música”.
-Hans Christian Andersen
1.
Proceso
Se comenzó el proyecto revisando la información brindada por la alumna sobre la práctica, así como algunas especificaciones y criterios que se deberán tener en cuenta para el diseño:
Usar en su mayoría los colores representativos encontrados en los trajes típicos para las ilustraciones de las tarjetas.
Usar un estilo gráfico donde se aprecien bien los detalles de los elementos de las tarjetas, sin que este sea demasiado realista.
Poner el ícono de Santa Cecilia como detalle en alguna parte del cuento.
Darle énfasis a la convivencia, a la comida y a la bebida.
A partir de ello, se realizó una investigación sobre la práctica del Pulik Son, identificando sus elementos básicos, así como otras características que pudieran ser relevantes para el diseño.
Investigación de la práctica
Características
Artesanal Tradición Naturaleza
Hecho a mano
mexicano
Pulik Són
Proviene de la palabra tének Pulik (grande) y Són (danza). La danza grande o Pulik Són, se trata de una tradición ceremonial propia de la cultura tének. Esta suele ser acompañada por música tradicional huasteca, ejecutada con instrumentos de la región. Es una danza ceremonial que mezcla elementos espirituales, festivos y comunitarios, y suele representarse en festividades religiosas, eventos culturales y celebraciones locales, honrando a diferentes deidades como Santa Cecilia y a la Madre Tierra.
Entre otras características, se encuentran:
Significado
Su ejecución está ligada a valores culturales como la perseverancia, cooperación y conexión con la naturaleza. También es considerada como una práctica curativa y de sanación.
Acompañamiento instrumental
Se acompaña de un “son” instrumental típico, que se interpreta con un arpa grande de 31 cuerdas, a la que se le llama Santa Cecilia. También, se pueden encontrar jaranas y violines.
Instrumentos artesanales
Todos los instrumentos son fabricados a mano por artesanos de la región, y muchas veces varían en sonido o forma².
Tomando en cuenta estas características, se eligieron los grabados mexicanos como referente gráfico principal. Este estilo permite representar las diferentes texturas y detalles de los instrumentos y los demás elementos de su práctica que se quieren resaltar. Además, se retoma la idea de lo artesanal de los instrumentos en el estilo gráfico, ya que este conserva un aspecto de hecho a mano, reforzando la conexión que tiene con lo cultural y lo originario.
Grabado mexicano
El grabado mexicano del siglo XX tuvo un papel crucial en la historia del arte, la cultura y la política de México, destacándose por su compromiso social y las diferentes técnicas y movimientos que surgieron a partir de él. Algunas de las características más destacadas son:
Diferentes técnicas
Se usaban diferentes técnicas para su impresión, como lo eran la xilografía, la litografía y la aguatinta.
Temática social
Muchas veces se representaban escenas de la vida cotidiana y la identidad nacional de México, como lo son vestimentas, instrumentos y costumbres.
Estilo gráfico
Presentan un alto contraste entre el negro de las líneas y el blanco del papel. En algunos casos se muestran detalles finos y bien definidos que ayudan a percibir la textura y profundidad de la imagen. Muchas veces la impresión presenta rebabas o pequeñas irregularidades, esto a causa de la presión ejercida en el papel por la imprenta, por lo que ninguna era completamente idéntica a la anterior.
Francisco Díaz de León
Sus grabados se distinguen por la combinación de trazos gruesos y finos, con los cuales lograba dar profundidad y dinamismo a ciertos elementos que quería acentuar. En muchas de sus obras se muestran objetos como instrumentos, comida y naturaleza. Además, solía experimentar poniéndo uno o dos colores como base antes de imprimir el grabado³.
Tarjetas
Las tarjetas de nomenclatura montessori constan de 3 partes: una tarjeta con imagen y palabra, una tarjeta solo con la imagen y una tarjeta solo con la palabra.
Iniciando con el diseño del material didáctico, se investigaron diferentes medidas de tarjetas y se definió un tamaño más grande al estándar, esto con la finalidad de que se puedan usar con niños de menor edad. Las medias entonces quedan de la siguiente manera: 10cm x 8cm para la tarjeta completa, 8cm x 7.7cm para la tarjeta con imagen y 8cm x 2.3cm para la tarjeta con palabra.
Por otro lado, la jerarquía de la información queda con base en los principios ya planteados: ilustración relacionada con la palabra, nombre del término en español y en tének, ilustración sola y palabra en tének.
Se utilizó la tipografía avenir en dos de sus variantes para poder diferenciar las palabras; Medium para las palabras en español y Medium Oblique para las palabras en tének.
Avenir Medium
Nombre en tének
Avenir Medium Oblique
Estructura de las tarjetas
1. Ilustración
2. Nombre en español
3. Nombre en tének
Ilustraciones
Teniendo las medidas ya definidas, se empiezan a bocetar las 9 tarjetas planteadas en el material, siguiendo la información brindada en cada uno de los casos.
Se trabaja con una paleta de color limitada, tomando como referencia el estilo gráfico de los grabados. De igual manera, se usan en su mayoría los 4 colores más representativos en los bordados de la vestimenta usada por los danzantes.
Violín Kawidh t’enemtalab
A diferencia de los violines de estudio, estos presentan terminaciones más rústicas en cuanto a la forma y a las decoraciones. Constan de 4 cuerdas y las afinaciones suelen ser diferentes a la universal.
Para la ilustración se utiliza como referencia la imagen brindada, cambiando ligeramente la forma para que esta se vea más orgánica. Se agregan líneas más delgadas para simular la textura de la madera y otras alrededor para simular el grabado. Por último se añadió color al instrumento, contrastando con uno más saturado de fondo.
Jarana
Tsentsen Ajab
Su nombre en tének se debe al sonido de onomatopeya que produce “Tsek-tsek”. Siempre acompaña al violín en la melodía.
Presenta un diseño completamente diferente al instrumento original. Tiene un cuerpo ovalado y un hoyo más pequeño. Cuenta con dos trastes y un brazo más largo. Se siguieron los mismos parámetros que con la ilustración del violín.
Arpa Santa Cecilia
El arpa utilizada en el Pulik Són o Danza Grande de Malinche también se conoce en la comunidad como Santa Cecilia. Es el instrumento principal en la práctica de la tradición.
Tiene las bocas en forma de “F” y consta por lo regular de 30 a 32 cuerdas. A veces se pueden ver adornos de animales o plantas en los clavijeros. Los tének suelen colocar plumas pintadas de color rosa mexicano en el poste del arpa, denominadas julek. Para la ilustración se respetaron las características, así como la forma y otros elementos como las bocas y hoyos.
Chinchín Dhot
Ch’ilch’il Dhót
El Chinchin es una especie de sonaja que consta de un palo de madera adornado con plumas de gallo. Se escogen las mejores plumas de un gallo blanco y las pintan de rosa mexicano, y en la punta se cuelgan listones verdes, blancos y rojos. Cada uno de los capitanes tiene uno. Se agregaron líneas en el dibujo para simular la textura de las plumas y se jugó con la posición de los listones para dar movimiento.
Capitán de la danza Ok’ xix
Visten un traje de manta blanca, un pañuelo o paliacate amarrado al cuello, sombrero y huaraches. Utilizan un chinchín y sonaja, dan la orden para vestir al malinche y son los primeros en comenzar a danzar.
Se usaron como referentes principales las fotos brindadas por la autora, así como otras imágenes encontradas durante el proceso de investigación.
Malinche Malinchi
El malinche siempre es un hombre, el cual es vestido con su traje al comenzar la danza. Cuenta con una corona dorada con plumas rosas y cuatro espejos acomodados alrededor de la corona. Su traje es una falda y blusa de color rojo con pequeños adornos en blanco. Lleva dos pañuelos blancos en la mano para bailar.
Se agregan detalles de textura en la vestimenta y en la corona para darle protagonismo al traje. Se agrega un fondo verde para contrastar con el rojo.
Orador Káwlómej
Es el ritualista, se encarga de dirigir todo. Da las órdenes y permisos para comer las ofrendas y el aguardiente. Su vestimenta es muy similar a la de los capitanes de la danza y los danzantes
Hombre danzante
Inik bixomáb
Los hombres danzantes bailan en hileras con sus sonajas en mano. Utilizan camisa blanca o de manta, pantalón de vestir beige o pantalón de manta blanco, botines o huaraches, sombrero y su morral de ixtle, con patrones tének pintados directamente sobre la tela.
Se tomó como referencia el libro Manos de Color y Sol ⁴de René Ramírez Ordóñez para detalles en la vestimenta y el morral. También se revisaron videos de la danza para poder darle más fluidez y movimiento al dibujo.
Mujer danzante
Uxum bixomáb
Las mujeres Danzantes utilizan la vestimenta
Femenina Tének, que consta de:
Petop
Se trata de un tocado que se lleva en la cabeza hecho de hilos de los colores de la vestimenta.
Dhayem
Prenda en forma de rombo que cubre el torso de la mujer, este consta de bordados tének en los mismos colores que el tocado, en los cuales se representan diferentes figuras como pájaros, maíz y estrellas, las cuales están relacionadas con los 4 puntos cardinales.
Blusa
Se pone debajo del dhayem, suele ser de color blanco o rosado.
Falda
Se usa de forma diaria, usualmente es de color negro o marrón.
Talega
Bolsa de manta blanca bordada con patrones parecidos al del dhayem
Para esta ilustración, se dió más énfasis en los bordados de la vestimenta, por lo que se revisó el libro Iconografía tének ⁵ de Leona Santos Concepción y se eligieron algunos de los patrones para replicarlos en el diseño. Se respetaron los colores y las diferentes texturas presentes en la tela.
Por último, se agregan códigos QR en la parte de atrás de las tarjetas, los cuales al ser escaneados brindan un audio con información de cada uno de los elementos.
El sueño de Micaela es un cuento que narra y describe la práctica del Pulik Són a través de los ojos de una niña llamada Micaela, mostrando cada uno de los elementos de la tradición. Para ello, se crearon las ilustraciones para el cuento El sueño de Micaela.
Primero se definió el formato y los márgenes, así como la organización del texto en español y tének. Se planteó un formato que pudiera adaptarse al formato de las tarjetas, por lo cual se decidió por un tamaño de 15 cm x 15 cm con márgenes de 1.25 cm en cada uno de sus lados.
Para el cuerpo del texto, se siguieron los parámetros tipográficos ya definidos anteriormente en las tarjetas, para el texto en español se usó Avenir Medium y el texto en tének en Avenir Oblique para poder diferenciarlos. Se usó un tamaño de 12 puntos para el cuerpo de texto.
El sueño de Micaela
Tamaño: 15 cm x 15 cm
Margen interior: 1.25 cm
Margen exterior: 1.25 cm
Margen superior: 1.25 cm
Margen inferior: 1.25 cm
A continuación se bocetaron las ilustraciones de cada una de las escenas del cuento. Se optó por extender los dibujos en dobles páginas, esto para poder aumentarlos y sean más visibles para los niños a la hora de colorear.
Se agregaron los detalles especificados por la tesista, como los jacales⁶ (casas de paja), la imagen de Santa Cecilia y la convivencia en la mesa. De esta manera, se realizaron 6 ilustraciones, lo cual equivale a 12 páginas del libro.
A continuación, se sigue el estilo gráfico ya definido y se ilustra emulando a los grabados. Se usan líneas más gruesas en los objetos en primer plano y líneas más delgadas en objetos en segundo y tercer plano.
Cubierta
Siguiendo con el diseño, se ilustró la cubierta del cuento. Se tomó como referencia uno de los patrones de bordado para crear una ilustración que evoque a un textil. Se deja en blanco y negro, esto con la finalidad de que se pueda colorear al igual que el interior del libro. Para el título se usó la tipografía Brother en 25 puntos.
Por último, se diseñó la cubierta de la caja. Se tomó como referencia el nombre del proyecto Casita Pulik Són y se creó la ilustración tomando de inspiración los jacales o casas de paja de los tének. De esta manera, cada uno de los lados de la caja representa uno de los lados de la casa, agregando elementos como puertas y ventanas.
Se siguió con la idea del libro para colorear, por lo que el diseño final se dejó en blanco y negro para que la cubierta pudiera también ser intervenida por los niños también. Se utilizó la tipografía Brother para el título y los créditos de la autora.
Este proyecto representó una experiencia muy valiosa para mi, tanto en lo profesional como en lo personal, ya que me demandó una investigación más extensa y de esta forma poder aplicar de la manera más fiel posible la gráfica. Asimismo, pude tener mi primer acercamiento a los trabajos profesionales de diseño, ya que fue la primera vez que trabajé directamente con un cliente real, lo cual implicó oír sus opiniones e ideas, trabajar bajo los criterios proporcionados y corregir lo que hiciera falta.
Uno de los mayores retos en el desarrollo del proyecto fue el diseño de la caja, ya que como se trató de un empaque personalizado; no se usó ningún tipo de referente y por ello se tuvo que realizar desde cero la plantilla. Esto me permitió no sólo aplicar mis habilidades gráficas, sino también pensar en la funcionalidad y practicidad del diseño. Igualmente, fue muy gratificante participar en un proyecto de tanta importancia en la preservación de esta práctica cultural y de la lengua tének. Contribuir a su difusión a través del diseño gráfico fue una experiencia muy valiosa y significativa.
En la recta final de los estudios, uno empieza a escuchar historias de otras personas sobre su servicio social: los retos a los que se enfrentaron, las dificultades y aprendizajes que vivieron. Y es entonces cuando surgen las preguntas: ¿Dónde voy a hacer mi servicio social? ¿Me ocurrirá lo mismo a mi, de las historias que cuentan?
El año pasado tuve la oportunidad de realizar mi servicio social en el Departamento Editorial de la Universidad Gestalt de Diseño, experimentando una variedad de emociones mezcladas, sin saber con certeza qué actividades realizaría, ni cómo sería el ambiente de trabajo.
Durante casi un año en el departamento, tuve un acercamiento real a procesos y tareas profesionales. Y sin previo aviso, los diseños que creaba dejaron de ser ejercicios académicos o entregas para clase: ahora formaban parte de publicaciones institucionales, con impacto real y público; esto me exigió un mayor compromiso, organización y atención al detalle. Poco a poco, fui entendiendo la responsabilidad que conlleva el trabajo editorial dentro de una institución. En cada decisión de diseño debía considerar no solo lo estético, sino también la funcionalidad y la coherencia de lo que estaba haciendo y poniendo en práctica, de manera más precisa las cosas aprendidas en cada una de las clases.
Como en todo trabajo, hubo retos con los tiempos de entrega combinados con mis actividades académicas; por lo que fue de gran importancia para mi, saber equilibrar ambas responsabilidades para cumplir en tiempo y forma con ambas. Cada proyecto requirió de una investigación y proceso diferente, por lo que había momentos en donde no sabía con exactitud, cómo avanzar o qué diseñar primero.
Por suerte, siempre conté con el apoyo del equipo de personas que conforman el departamento editorial, y su disposición para acompañarme y compartir su experiencia, lo cual fue clave para superar los obstáculos y avanzar con más confianza en cada uno de los proyectos que iba diseñando.
Cada proyecto fue una oportunidad diferente, que me hizo crecer como diseñadora, y que se transformaron en oportunidades de aprendizaje y experiencia, las cuales no cambiaría por nada.
Márgen: espacio que se deja entre el borde del área de diseño y el contenido principal.
Maquetación: proceso de organización de los elementos textuales y gráficos en una página.
Xilografía: técnica de impresión por medio de una plancha de madera grabada.
Litografía: técnica de impresión sobre piedra o plancha metálica previamente trazada.
Viñeta: elemento gráfico pequeño que se utiliza con fines decorativos o de separación dentro de un libro opublicación.
Serifado: término que hace referencia a las tipografías con serifas, las cuales son pequeñas líneas o adornos agregados en los extremos de los trazos de las letras.
Sangrado: área que se extiende más allá del borde del diseño final, usada para que las imágenes lleguen hasta el borde del papel sin dejar bordes blancos al recortar.
Pestaña: pequeña extensión o solapa que se deja para cerrar, asegurar o armar la caja o envase.
Plantilla: plano que muestra el diseño del envase o caja antes del armado.
Cuerpo de texto: bloque principal de contenido escrito en una página.
Librería Maggs Bros (s.f.). [Fotografía de la portada de Tales of Mystery and Imagination, de Edgar Allan Poe] [Fotografía]. IberLibro. www.iberlibro.com/primera-edicion/Tales-Mystery-Imagination
Christie’s. (s.f.). [Fotografía de la portada de Alice’s Adventures in Wonderland, de Lewis Carroll] [Fotografía]. Christie’s. https://www. christies.com/en/lot
Allan Poe, E. (1919) Tales of mistery and imagination (1ª edición). [Libro electrónico]. Internet Archive. https://archive.org/details/ talesofmysteryim01poe
Clarke, H. (s.f. [después de 1925]). Calle. [Encabezado de Fausto, Escena VII] [Ilustración]. Old Book Illustrations. https://www. oldbookillustrations.com/illustrations/
Tenniel, J. (s.f). [Ilustración interior de Alicia en el país de las maravillas]. Historia arte. https://historia-arte.com/obras/alicia-en-elpais-de-las-maravillas
Beardsley, A. (s.f.). Diseño floral con amapola [Ilustración]. Old Book Illustrations. https://www.oldbookillustrations.com/illustrations/
Letra capitular A (1887). [Ilustración]. Old Book Illustrations. https:// www.oldbookillustrations.com/illustrations/
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Bios Lilá Montessori. (s. f.). Nosotros. Bios Lilá Montessori. Recuperado el 25 de noviembre de 2024, de https://www.bioslila.com
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Ramírez Ordónez, R. (2019). Manos de Color y Sol. D.R. Santos Concepción, L. (2016). Iconografía tének. [Libro electrónico]. Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas. https://www.gob.mx/ libro-iconografia-tenek-leona-santos-concepcion-inpi-mexico.pdf
Este documento se terminó de imprimir en Junio de 2025 Se utilizaron las tipografías Archer, Lexend y Montserrat.
