ORGULLO
GESTALT
proyectos
licenciaturas | posgrados
2025
Universidad Gestalt de Diseño Av. 1ro. de Mayo No. 113 Col. Obrero Campesina CP. 91020, Xalapa, Ver. México informes@ugd.edu.mx gestalt.edu.mx WhatsApp: +52 122 88 37 12 21 Tel/Fax 228 8 15 63 92 228 8 40 86 50 228 1 17 65 80
Orgullo Gestalt 2025 Proyectos Ediciones G Coordinación editorial: Alejandra Palmeros Montúfar Dirección de arte: Raúl Meza Yarmuch Idea original: María del Carmen Solís Hernández y Raúl Meza Yarmuch Diseño y formación: Jorge Luis Martínez Fernández Textos: Anaelena Olivares Solís
Cuidado de la edición: Milet Mirón Hernández Ilustración de separata: Monserratt González Zenil “Mikke” Contacto: editorial@ugd.edu.mx
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Joel Olivares Ruiz Rector Edgar Manuel Alemán Alonso Secretario Técnico-Académico de Rectoría
Alejandra Palmeros Montúfar Coord. Editorial
Margarita Acosta Mota Secretaria de Finanzas y Planeación
Nidia Iliana Pérez Lobato Coord. de Posgrados
Arturo Pacheco Panama Dirección Administrativa
Julia Saraid Polanco Chuzeville Coord. de la Licenciatura en Diseño Gráfico
Alexandro Olivares Acosta Dirección de Sistemas y Desarrollo Carlos Alberto Cabañas Ramírez Dirección Académica Edgar Alejandro Sánchez Paredes Secretario Académico
Edgar Manuel Alemán Alonso Coord. Interino de la Licenciatura en Arquitectura Andrea Fernanda Arizmendi Urban Coord. de la Licenciatura en Arquitectura de Interiores
Paola María Aguilar Sánchez Coord. Interino de la Licenciatura en Diseño Industrial Luis Enrique Reyes Aguilar Coord. de la Licenciatura en Diseño de Modas Víctor Manuel Hernández Olivera Coord. de la Licenciatura en Animación Digital Ignacio Colosía Velásquez Coord. de la Licenciatura en Diseño Web y Arte Digital
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2025
Contenido Presentación
Una teaser con Sabor a nervios
Duelo y aceptación en Eyén
Diseñar la forma en que leemos Memoria de Posgrado en Diseño Editorial
Donde termina el mapa Sistema señalético de transporte urbano para el Centro Histórico de Xalapa
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Guía para viajar en autobús en Xalapa… y no morir en el intento
¿Somos Desechables?
Mr. Anxiety y las emociones desbordadas
Diseñar la ciudad Recuperación de mercados del siglo XXI
14 30 46 62
Club Galería Xalapa Repensar la vida nocturna
¿Qué son es este? Objetos que sostienen tradiciones
Xanath, leyenda viviente
Hacia la escala sensorial Cuando el espacio se vuelve experiencia
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Jalisco de mi corazón Memoria de la imagen mexicana Diseño con sentido Diseño de identidad gráfica para la sala de lactancia del ISP de la Universidad Veracruzana
Vestir el Alma Sandunga
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Presentación Ser profesionista es encontrar tu lugar en el mundo. A través de la educación universitaria y especializada, adquirimos conocimientos que harán del mundo un lugar más funcional, más accesible, mejor diseñado.
la muestra de los resultados más destacados de los egresados en 2025. Su publicación hermana es el tomo de Titulados, un espacio para escuchar las historias de los protagonistas detrás de sus diseños y propuestas.
La Universidad Gestalt de Diseño forma en sus aulas diseñadores y arquitectos, con capacidad crítica, que experimentan la vida de una manera tan única como su propia existencia. En esta nueva edición, la número seis de Orgullo Gestalt, tenemos una ampliación que muestra las dos caras de este ejercicio. Por un lado está el tomo dedicado a los Proyectos destacados, con
Sean bienvenidos a esta nueva edición, y disfrutemos de esta selección que pone como protagonista, el talento de nuestros egresados, de nuestros Orgullos Gestalt.
Licenciatura en Diseño Gráfico Una teaser con
Sabor a nervios
Memoria de trabajo de la Especialidad en Diseño de Ilustración y Animación Digital de Juliet Soriano Moreno
A
ntes de que una historia cobre vida en la pantalla, existe un proceso de exploración visual y narrativa. La creación de personajes, el diseño de escenarios y la construcción de una identidad gráfica son algunas de las etapas que permiten transformar una idea en una experiencia animada.
La memoria de trabajo Sabor a nervios, proyecto desarrollado por Juliet Soriano Moreno en la Especialidad en Diseño de Ilustración y Animación Digital como opción de titulación de la Licenciatura en Diseño Gráfico, trata de un teaser animado que cuenta la historia de Ryota, un cocinero que se enfrenta a un momento emocionante en su carrera profesional. La propuesta, inspirada en el entorno gastronómico contemporáneo, integra personajes expresivos y escenarios coloridos que ayudan a transmitir la energía y la intensidad de una barra de cocina. Cada elemento visual fue pensado para reforzar la personalidad de la historia y hacer que el espectador tuviera una experiencia atractiva. El proyecto pone de relieve la relación entre diversas disciplinas del diseño. La preparación de Juliet Soriano como diseñadora gráfica puede verse en detalles tales como la composición visual, la construcción de la identidad del restaurante imaginario y el diseño de los títulos. La combinación del diseño gráfico, la ilustración y la animación muestra cómo
los lenguajes visuales pueden construir experiencias narrativas fuertes. A través de fichas de personajes, fragmentos de storyboard, diseños de escenarios y material de conceptualización, la autora permitió apreciar el trabajo de investigación y experimentación que es necesario para pasar de una idea inicial a una propuesta audiovisual. Con Sabor a nervios, Juliet Soriano Moreno muestra su habilidad para desarrollar propuestas que conjugan ilustración, diseño y narrativa audiovisual. Su trabajo es la expresión de los conocimientos adquiridos durante su formación profesional y es un ejemplo del compromiso creativo que distingue a los estudiantes de la Universidad Gestalt de Diseño.
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De ahí nace Guía para viajar en autobús en Xalapa sin morir en el intento: Atlas informativo de las rutas del servicio de transporte público de la ciudad de Xalapa, proyecto desarrollado por Jorge Luis Martínez Fernández como tesis de la licenciatura en Diseño Web y Arte Digital.
Licenciatura en Diseño Web y Arte Digital
Guía para viajar en autobús en Xalapa… y no morir en el intento
Tesis de Jorge Luis Martínez Fernández
E
s difícil moverse en una ciudad desconocida. Para muchos, tomar un autobús no es sólo ir de un punto a otro, sino aprender códigos informales, descifrar rutas confusas y vivir en una constante incertidumbre de si se va por donde se debe ir. En ciudades como Xalapa, donde el sistema de transporte público es parte fundamental de la vida cotidiana, esta situación puede convertirse en todo un desafío.
Muchas veces el problema del transporte público no está solo en el servicio, sino en la dificultad de acceder a información clara. Disponer de la señalización adecuada y de una información clara y localizada es importante para conocer qué autobús tomar, dónde hacer transbordo o cómo identificar una ruta. Ante esto, el atlas desarrollado por Martínez Fernández trata de convertir datos complejos en una experiencia visual intuitiva y fácil de entender. El proyecto mezcla diseño web, ilustración digital y recursos visuales que toman como referencia el art nouveau y las flores endémicas de la región, creando una identidad gráfica que se aleja de los mapas fríos y puramente técnicos. La propuesta construye una experiencia
visual amigable que invita a descubrir la ciudad desde una perspectiva más accesible y humana. Mediante mapas digitales, fichas informativas y sistemas visuales de identificación para autobuses, el proyecto muestra cómo el diseño de información puede mejorar la experiencia urbana y facilitar la movilidad de miles de personas, entendiendo el diseño como una herramienta funcional para intervenir en problemas cotidianos. Más allá de la valoración estética del trabajo, se puede apreciar una investigación sólida en torno a las necesidades reales de los usuarios del transporte público de Xalapa. En ese sentido, la tesis de Jorge Luis Martínez Fernández abre una reflexión más amplia sobre el papel del diseño en las ciudades contemporáneas. En un contexto en que buena parte de la vida urbana depende de la movilidad, proyectos como este demuestran que el diseño no sólo comunica, sino que también puede guiar, resolver problemas y mejorar la relación entre las personas y su entorno.
Guía para viajar en autobús en Xalapa sin morir en el intento, es una propuesta para hacer de la ciudad un espacio más comprensible y accesible. A veces, hacer que una ciudad sea más habitable comienza simplemente ayudando a las personas a encontrar el camino.
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Su propuesta es una serie de reinterpretaciones de las discotecas de toda la vida, pero repletas de guiños a una línea artística, propia de una galería de arte en el ámbito de lo contemporáneo del ocio.
Licenciatura en Arquitectura de Interiores
Club Galería Xalapa Repensar la vida nocturna
Tesis de trabajo de Zarhzaddh Aguilar Lúcido
¿
Es posible encontrar arte en mitad de una noche de juerga? ¿Puede también una galería ser un espacio de convivencia, música y entretenimiento? Estas preguntas fueron el punto de partida de Club Galería Xalapa, proyecto de tesis de Zarhzaddh Aguilar Lúcido en la Licenciatura en Arquitectura de Interiores en la Universidad Gestalt de Diseño.
La propuesta busca construir un ambiente donde el arte, la música, la iluminación y la interacción social forman parte de una misma narrativa espacial. El diseño está dirigido a un público joven, tomando como referencia imaginarios culturales asociados al exceso, la celebración y la expresión artística. Sus principales influencias son las fiestas bacanales de Grecia y Roma, el carácter teatral y decorativo del Moulin Rouge de París y la estética irreverente de Studio 54 de Nueva York. Partiendo de estos referentes, Zarhzaddh Aguilar Lúcido, plantea una propuesta visual que está llena de contrastes, color y dramatismo. Cada elemento del espacio ha sido pensado para estimular los sentidos. La luz se convierte en herramienta narrativa, capaz de cambiar la percepción del ambiente; el mobiliario y los acabados refuerzan la
identidad visual del lugar, mientras que la distribución espacial permite integrar distintas experiencias dentro de un mismo recorrido: áreas de convivencia, espacios para música en vivo, pista de baile y zonas de exposición artística. Uno de los aspectos más fascinantes del proyecto es cómo usa el diseño interior para generar emociones y construir identidad. Los espacios se convierten en parte activa de la experiencia del usuario. Los nichos visuales, las composiciones escenográficas, los elementos decorativos –cuidadosamente elegidos– demuestran que el autor domina el interiorismo como disciplina estrechamente ligada a la experiencia humana. De igual manera, se vincula con una tendencia contemporánea en la arquitectura y el diseño para el entretenimiento: la necesidad de generar espacios instagrameables o visualmente memorables, donde la experiencia estética tiene un peso equiparable al de la funcionalidad.
El proyecto fue muy bien recibido tanto por el público como por el jurado, quienes destacaron la creatividad, el nivel técnico y la solidez conceptual de la propuesta. Zarhzaddh Aguilar Lúcido demuestra que el diseño de interiores puede cambiar la manera en que habitamos los espacios de entretenimiento. Club Galería Xalapa no imagina un club nocturno distinto, sino una experiencia donde arte y vida social convergen para transformar lo cotidiano en algo extraordinario.
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Licenciatura en Diseño de modas
Jalisco de mi corazón Memoria de la imagen mexicana
Memoria de trabajo de Erika Rivera Mexicano Licenciatura en Diseño de modas
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Cómo luce México? La respuesta parece sencilla. Aparecen un sombrero charro, un vestido amplio, el sonido de un mariachi, un caballo levantando polvo en una explanada. Los vemos en películas, postales, festivales, campañas turísticas e incluso en el extranjero. Son imágenes tan familiares que hemos dejado de preguntarnos de dónde vienen, pero la mayoría de ellas tienen un origen concreto: Jalisco.
Quizá por eso resulta tan interesante observar qué ocurre cuando una diseñadora decide trabajar con símbolos que parecen haber sido vistos miles de veces. Porque el reto consiste en descubrir si todavía tienen algo nuevo que decir. La apuesta de Erika Rivera Mexicano en Jalisco de mi corazón, Memoria de Trabajo Profesional para obtener el título de Licenciada en Diseño de Modas, parte de una investigación sobre la indumentaria tradicional jalisciense. Lo verdaderamente interesante sucede cuando los referentes históricos abandonan los libros y comienzan a transformarse en decisiones de diseño. Durante la presentación, Erika compartió parte de ese recorrido creativo. Moodboards, procesos de investigación, selección de materiales y desarrollo de prendas que permitieron observar algo que con frecuencia permanece oculto: la distancia que existe entre una idea y una colección terminada.
Porque diseñar no es ilustrar una referencia; diseñar es hacer preguntas. En este caso, las siete prendas que conforman la colección, buscan dialogar con una herencia cultural profundamente arraigada y trasladarla a un lenguaje contemporáneo; respondiendo a las preguntas fundamentales: ¿qué permanece cuando eliminamos lo anecdótico?, ¿dónde termina la tradición y comienza la interpretación?, ¿qué elementos siguen siendo reconocibles? La colección muestra algo que ocurre con frecuencia en la cultura mexicana: damos por sentados nuestros símbolos porque los vemos desde la infancia, los repetimos tanto que terminan pareciendo naturales. Olvidamos que alguien los creó, que alguien los transformó y que alguien los mantuvo vivos. Proyectos como este nos recuerdan que la identidad no es una imagen fija. Es una conversación que nunca termina.
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El cortometraje Eyén, proyecto de tesis de Omar Cedeño Montiel para la licenciatura en Animación Digital, explora precisamente esa posibilidad. A través de la animación 3D realizada en Autodesk Maya, el proyecto construye una narrativa centrada en el duelo y la aceptación, utilizando recursos visuales y simbólicos para representar estados emocionales complejos que muchas veces no encuentran una expresión clara en el lenguaje cotidiano.
Licenciatura en Animación Digital Duelo y aceptación en
Eyén
Tesis de Omar Cedeño Montiel
H
ay situaciones que exceden la palabra, que exigen nombrarse a través de historias paralelas, de ficción. El duelo es una de ellas. Frente a esa dificultad, las imágenes pueden convertirse en el lenguaje apropiado para recuperar el habla y darle significado a eso que –aunque perdido– puede recuperarse en la memoria.
Más allá de contar una historia sobre la pérdida, Eyén propone una experiencia emocional construida desde la imagen. La iluminación, la composición de los espacios, la atmósfera y el movimiento de los personajes funcionan como herramientas narrativas capaces de transmitir sensaciones internas sin necesidad de explicarlas de manera directa. La animación –más que operar como una herramienta digital– construye un medio sensible que permite visualizar procesos psicológicos y afectivos profundamente humanos. Esto resulta especialmente significativo en un contexto donde hablar del dolor emocio-
nal todavía puede ser difícil, sobre todo para los adolescentes y jóvenes. Eyén resignifica a la animación como un elemento del diseño que no necesita limitarse al entretenimiento o a la construcción de mundos fantásticos. También puede convertirse en un espacio de introspección. A través de metáforas visuales, cambios de color, ritmo o ambientación, una obra animada puede comunicar tristeza, ansiedad, aislamiento o esperanza de una forma que conecta directamente con la sensibilidad del espectador. El proyecto de Omar Cedeño demuestra cómo las herramientas digitales pueden utilizarse para desarrollar discursos profundamente humanos. La técnica y la emoción no aparecen separadas, sino integradas: cada decisión estética contribuye a construir una experiencia afectiva. Como resultado de su trabajo podemos apreciar un dominio técnico de la animación 3D al igual que una comprensión de la imagen como vehículo emocional. Esta propuesta obtuvo, además, el segundo
lugar en la Primera Muestra de Lumínica Cortos Universitarios, organizada por CANACINE Veracruz y realizada el pasado 12 de noviembre de 2025 en la sala 11 de Cinépolis. Eyén recuerda que algunas emociones no necesitan explicarse completamente para ser comprendidas. A veces basta una atmósfera, un gesto, un personaje o una imagen para reconocer aquello que las palabras apenas logran insinuar.
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Licenciatura en Animación Digital ¿Somos
Desechables?
Tesis de Alejandro Medina Díaz
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n una época marcada por la velocidad, la productividad, la sobreproducción y el desarrollo tecnológico, cada vez parece más difícil detenerse a cuestionar las consecuencias humanas del progreso. La automatización domina gran parte de los discursos contemporáneos sobre el futuro, pero pocas veces se reflexiona sobre el costo emocional y social que puede existir detrás de este ideal. Precisamente desde esta preocupación surge Desechables, cortometraje de animación presentado por Alejandro Medina Díaz como proyecto de tesis para obtener el título de Licenciado en Animación Digital por la Universidad Gestalt de Diseño.
Con una duración de seis minutos y desarrollado en animación 2D, Desechables plantea una visión futurista donde la humanidad ha logrado expandirse hacia las estrellas gracias al descubrimiento de una fuente de energía infinita. Sin embargo, detrás de este aparente triunfo tecnológico se esconde una estructura social profundamente desigual, donde las personas son tratadas como recursos reemplazables y la dignidad humana queda subordinada a la productividad. A través de una narrativa sobria y una propuesta visual basada en animación limitada pero altamente expresiva, el espectador acompaña el despertar de Nova, protagonista del cortometraje, frente a una realidad inquietante: incluso ella forma parte de aquello que el sistema considera desechable. Este descubrimiento funciona como el eje emocional de la obra y como una metáfora directa sobre las dinámicas laborales contemporáneas, donde muchas veces la eficiencia se coloca por encima del bienestar humano.
Uno de los aspectos más destacados del proyecto es la manera en que el lenguaje visual refuerza el mensaje ético de la historia. Los escenarios futuristas y el diseño de personajes buscan generar una experiencia reflexiva en el espectador. La dirección artística mantiene una coherencia que permite que cada elemento visual contribuya a la sensación de aislamiento y deshumanización que atraviesa el relato. La recepción del público fue especialmente positiva. Docentes, estudiantes, invitados y autoridades reconocieron la madurez narrativa del proyecto, así como la valentía de abordar un tema tan vigente desde la animación. Asimismo, se destacó la claridad con la que el proyecto identifica a su audiencia principal: jóvenes adultos hispanohablantes y usuarios de plataformas digitales, sin limitar por ello su capacidad de conectar con públicos más amplios. Con este proyecto, Alejandro Medina Díaz entrega una propuesta sólida tanto
en el aspecto técnico como conceptual. Su trabajo refleja una comprensión profunda de las posibilidades narrativas de la animación y, al mismo tiempo, una conciencia sobre la responsabilidad de crear historias con impacto social. En un medio frecuentemente asociado únicamente con el entretenimiento, Desechables, demuestra que la animación también puede convertirse en un vehículo de crítica social y reflexión filosófica.
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Las tradiciones también dependen de objetos. Dependen de las manos que construyen los instrumentos. De quienes confeccionan los trajes, quienes preservan técnicas que rara vez aparecen en el escenario principal. Existen gracias a una red de personas y saberes que sostienen aquello que el público finalmente observa.
Licenciatura en Diseño Industrial
¿Qué son es este? Objetos que sostienen tradiciones Memoria de trabajo de Nesda Mercedes Zayas Montejo
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ay tradiciones que parecen sostenerse solas. Escuchamos una jarana y pensamos en la música. Vemos un fandango y pensamos en el baile. Admiramos el zapateado y creemos que todo ocurre allí, frente a nuestros ojos, sobre la tarima.
Nesda Mercedes Zayas Montejo presentó ¿Qué Son es este ? Diseño de colección de calzado para danza folclórica, una Memoria de Trabajo que parte de una pregunta aparentemente sencilla: ¿qué papel puede desempeñar el diseño industrial dentro de una tradición cultural viva como el son jarocho? La respuesta se encuentra en los zapatos. No en cualquier zapato, sino en aquellos que acompañan el movimiento, el ritmo y la fuerza del zapateado. Objetos que deben responder simultáneamente a exigencias funcionales, ergonómicas y estéticas. Objetos que rara vez ocupan el centro de la conversación, pero que resultan indispensables para que la danza exista.
A partir de la investigación sobre el son jarocho y su contexto cultural, Nesda desarrolló una colección inspirada en distintos sones tradicionales veracruzanos. Cada modelo toma elementos simbólicos de estas piezas musicales y los traduce en formas, colores, materiales y detalles constructivos que establecen un diálogo entre diseño contemporáneo y tradición popular. Este proyecto no intenta convertir el folclor en una pieza de museo. Por el contrario, lo entiende como una práctica viva. Algo que continúa transformándose con cada generación, con cada intérprete y con cada objeto que se incorpora a su historia. El resultado es una colección que demuestra cómo el diseño industrial puede contribuir a fortalecer expresiones culturales sin perder de vista sus necesidades prácticas. Mientras la música suele quedarse con los aplausos, los bailarines con la atención y los intérpretes con el reconocimiento, los objetos se quedan con nosotros, sosteniendo movimientos, historias, música y tradiciones.
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Licenciatura en Diseño Gráfico Diseño con sentido
Diseño de identidad gráfica para la sala de lactancia del ISP de la Universidad Veracruzana Tesis de Lucy Camila Cordero Báez
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ablar de amamantamiento es hablar de salud, de lazos afectivos y del derecho que tienen las madres de contar con espacios adecuados donde puedan ejercerlo de forma digna y segura. Con esta premisa surgió el proyecto Diseño de identidad gráfica para la sala de lactancia del Instituto de Salud Pública de la Universidad Veracruzana, de Lucy Camila Cordero Báez, una propuesta que une comunicación visual y compromiso social en Xalapa.
La propuesta surgió de una problemática concreta: la falta de un diseño visual especializado para este tipo de espacios. Además de la función estética, la autora resaltó que una identidad gráfica puede influir directamente en la experiencia de las usuarias, ya que transmite confianza, tranquilidad, respeto y bienestar. En este sentido, el diseño se convierte en una herramienta capaz de acompañar emocionalmente a las madres durante una etapa fundamental de cuidado y conexión con sus hijos. En la presentación, uno de los puntos más resaltantes fue la claridad metodológica y conceptual con que se desarrolló el proyecto. La investigación logró conectar áreas como la salud pública, la comunicación visual y la dimensión social de la lactancia materna, mostrando cómo el diseño gráfico puede responder a necesidades reales en el ámbito institucional. La propuesta consistió en el desarrollo de una identidad visual integral, aplicada a diferentes soportes como señalética, gafetes y elementos gráficos para la sala
de lactancia. Cada decisión visual fue pensada para generar una experiencia accesible y coherente con el propósito del espacio. La identidad gráfica aquí sirvió como una herramienta de apoyo para fomentar la lactancia materna, una práctica reconocida internacionalmente por sus beneficios tanto para el desarrollo de los infantes como para la salud integral de las madres. Con esta tesis, Lucy Camila Cordero Báez dejó en evidencia el potencial del diseño gráfico como agente transformador de la sociedad. La propuesta elaborada para la sala de lactancia del Instituto de Salud Pública de la Universidad Veracruzana muestra que el diseño puede ser también un acto de empatía y responsabilidad colectiva; dejando claro que el diseño gráfico es capaz de generar espacios inclusivos y conscientes de las necesidades de sus habitantes.
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Licenciatura en Diseño Gráfico Diseñar la forma en que leemos
Memoria de Posgrado en Diseño Editorial Memoria de posgrado de la Maestría en Diseño Editorial de Mariam Lalayda García Montero
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eer parece cosa muy sencilla; abrimos un libro, hojeamos una revista o recorremos una página de periódico sin pensar en todo lo que ocurre antes de que la información llegue a nuestros ojos. Detrás de cada publicación hay un conjunto de decisiones que organizan y dan sentido al contenido. El diseño editorial es justamente eso que pasa antes del libro; es la forma de construir la experiencia de la lectura.
Mariam Lalayda García Montero –en su Memoria de Posgrado en Diseño Editorial, presentada como parte del proceso de titulación de la Licenciatura en Diseño Gráfico– recopila una selección de proyectos desarrollados en las distintas asignaturas cursadas en la maestría. Entre ellos, cabe destacar ejercicios de diseño de libros, revistas, periódicos e información que muestran la diversidad de posibilidades que ofrece el campo editorial. En cada trabajo se puede ver un proceso de investigación, análisis y experimentación visual donde la forma y el contenido entran en un diálogo para construir mensajes más claros y con más significado.
con la información. En este sentido, el Diseño Editorial aparece como una disciplina que organiza contenidos y construye experiencias de lectura capaces de comunicar nuevas formas de comprender el mundo.
Uno de los aspectos más importantes del proyecto es el modo en que une la práctica profesional con la reflexión crítica. La memoria pone sobre la mesa soluciones para los problemas de composición, tipografía o jerarquización visual, a la par que nos enseña cómo la cuestión del diseño implica tomar decisiones que afectan la manera en que las personas acceden al conocimiento y se relacionan
El recuerdo del posgrado simboliza el fin de un proceso educativo, pero también el comienzo de nuevas oportunidades laborales. Cada proyecto que se incluye en el documento es el resultado de una comprensión cada vez mayor del diseño como una práctica que es capaz de dar forma a las ideas y facilitar el encuentro entre los contenidos y sus lectores.
Mariam García comparte los aprendizajes de su formación de posgrado, los procesos creativos de cada proyecto y las herramientas metodológicas que guiaron su desarrollo. La exposición fue muy bien recibida tanto por el jurado como por los asistentes, quienes destacaron la calidad del trabajo realizado y la claridad con la que la estudiante fue capaz de articular su experiencia académica.
Con este trabajo, Mariam Lalayda García Montero culmina con éxito su proceso de titulación y deja testimonio de una convicción fundamental para todo diseñador editorial: que la forma en que se presenta una idea puede ser tan importante como la idea misma.
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Licenciatura en Animación Digital
Mr. Anxiety
y las emociones desbordadas Memoria de posgrado de la Especialidad en Diseño de Ilustración y Animación Digital de Sebastián Heredia Muñoz
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ay emociones que se hacen difíciles de explicar. Se van acumulando poco a poco, se esconden detrás de la rutina y terminan revelándose en el cuerpo antes de que podamos nombrarlas. Una de ellas es la ansiedad. Si bien suele vincularse con una experiencia individual, también refleja las exigencias, presiones y los ritmos acelerados que caracterizan la vida contemporánea. ¿Cómo podría expresarse visualmente una emoción tan compleja? ¿Cómo lograr que una emoción que no se ve se convierta en una historia que logre empatía?
Estas preguntas atraviesan Mr. Anxiety, proyecto presentado por Sebastián Heredia Muñoz como parte de la Memoria de Posgrado de la Especialidad en Diseño de Ilustración y Animación Digital de la Universidad Gestalt de Diseño. Se trata de una propuesta que muestra el potencial de la animación para abordar problemáticas humanas desde una perspectiva sensible y creativa. El cortometraje está realizado en animación 2D y cuenta la historia de un pulpo que trabaja como mesero y que, a medida que pasa la jornada laboral, empieza a enfrentarse a una sensación de presión y agotamiento que crece. Lo que comienza como una situación de cada día se vuelve, poco a poco, una metáfora de la sobrecarga emocional que muchas personas viven en sus lugares de trabajo. Los muchos tentáculos del protagonista son una imagen muy expresiva de las infinitas obligaciones, pretensiones y cargas que se reproducen hasta hacerse insostenibles. Uno de los elementos más interesantes del proyecto es cómo usa los recursos
propios de la animación para representar estados emocionales. Mediante el movimiento, la distorsión de las formas, la expresividad de los personajes y el empleo del color, la obra construye una experiencia visual que permite sentir por parte del espectador el progresivo desbordamiento del protagonista para que la ansiedad deje de ser una idea abstracta. Resulta especialmente significativa la elección de la técnica 2D. No se trata solo de una elección puramente estética: el lenguaje gráfico del proyecto aporta una cualidad expresiva que acompaña la evolución emocional del personaje. Cada gesto, cada movimiento y cada cambio visual ayuda a construir una narrativa donde forma y contenido avanzan juntos de forma inseparable. Más allá de la calidad técnica de Mr. Anxiety, esta obra invita a la reflexión sobre una realidad compartida. En una época de hiperproductividad, inmediatez y presión constante por atender múltiples demandas al mismo tiempo, el corto recuerda que detrás de cada tarea hay
una persona con límites y necesidades. La obra de Sebastián Heredia logra convertir esa experiencia en una narrativa cercana y sensible que nos invita a mirar con mayor atención lo que muchas veces permanece oculto.
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Licenciatura en Animación Digital
Xanath,
leyenda viviente Tesis de Rodrigo Ruiz García
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as leyendas sobreviven mientras alguien las cuenta. Atravesamos tiempos dominados por contenidos fugaces y narrativas globalizadas, que dejan a muchas historias originarias fuera de la memoria colectiva. Proyectos como Xanath, plantean una pregunta importante: ¿qué ocurre cuando la animación deja de ser entretenimiento y se convierte en un acto de preservación cultural?
Rodrigo Ruíz García desarrolló Xanath, el piloto de una serie de leyendas prehispánicas con animación mixta, proyecto presentado en la Universidad Gestalt de Diseño como tesis de Licenciatura en Animación Digital. Más que adaptar una leyenda, el cortometraje intenta reconstruir un vínculo emocional con las raíces culturales mexas a través del lenguaje audiovisual contemporáneo. Xanath toma como punto de partida la leyenda totonaca del origen de la vainilla, una historia atravesada por el amor, el sacrificio y la dimensión espiritual de la naturaleza. A partir de ella, Ruíz García desarrolla un universo visual donde la tradición oral se transforma en experiencia cinematográfica. La animación funciona como una traducción de símbolos ancestrales, reinterpretando imágenes capaces de dialogar con públicos actuales. Xanath revela un proceso donde el diseño visual adquiere una función narrativa. Cada textura, composición y movimiento contribuye a construir una identidad propia para el relato, aleján-
dose de representaciones genéricas de lo prehispánico y apostando por una visión más íntima y emocional de la cultura totonaca; también dialoga con la necesidad contemporánea de encontrar nuevas formas de acercar el patrimonio cultural a generaciones que consumen historias principalmente desde plataformas audiovisuales. La animación permite que estas leyendas abandonen el formato exclusivamente académico o folklórico para convertirse en experiencias vivas, capaces de conectar emocionalmente con el espectador. El proyecto destaca por la solidez de su propuesta visual y por la sensibilidad con la que aborda la identidad cultural. La combinación entre técnicas 2D y 3D es un recurso narrativo que separa dimensiones emocionales y simbólicas dentro de la historia. El resultado genera una sensación constante de tránsito entre lo humano y lo mítico; evidencia una intención clara de recuperar narrativas que rara vez ocupan espacios centrales dentro de la producción audiovisual actual.
En un panorama donde gran parte de la animación comercial se orienta hacia tendencias internacionales, Xanath mira hacia lo local sin perder la contemporaneidad, recuerda que preservar una cultura no siempre implica repetir el pasado exactamente cómo fue; sino de encontrar nuevas maneras de narrarlo para que continúe existiendo. Y en ese proceso, la animación se convierte en una herramienta de memoria.
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Licenciatura en Diseño de Modas Vestir el
Alma Sandunga
Tesis de Perla Guadalupe García Morales
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ay objetos que sobreviven al tiempo de maneras inesperadas. Una canción, un bordado, una fotografía guardada en un cajón, un vestido. Las tradiciones suelen imaginarse como algo inmóvil, suspendido en el pasado; en realidad, permanecen vivas porque alguien decide volver a mirarlas. Cada generación las recibe y, consciente o inconscientemente, las transforma. Lo contrario de la tradición no es el cambio; es el olvido.
Alma Sandunga, tesis desarrollada por Perla Guadalupe García Morales para obtener el título de Licenciada en Diseño de Modas, muestra una colección de vestidos que toma como punto de partida la riqueza estética y textil de Oaxaca para construir una propuesta contemporánea en diálogo con una de las expresiones culturales más reconocibles de México. Desde los primeros bocetos hasta las prendas terminadas, el proyecto revela un proceso de observación cuidadosa. Los colores, las flores, los textiles y los accesorios remiten al imaginario visual oaxaqueño. La diseñadora los interpreta, los organiza y los incorpora a nuevas siluetas que responden a una mirada actual del diseño de modas. Lo más valioso de propuestas como estas radica en la pregunta que las sostiene: ¿Cómo hablar del presente sin renunciar a aquello que nos precede? La moda suele asociarse con lo efímero. Las tendencias cambian, las temporadas terminan y las colecciones se renuevan.
Sin embargo, algunas prendas consiguen hacer algo más. Nos permiten conocer la historia de una cultura. Al observar las piezas de Alma Sandunga, es complejo no pensar en todas las manos que, durante generaciones, han bordado flores y transmitido conocimientos que rara vez aparecen en los libros de historia. Esta colección nos deja una reflexión sobre cómo la herencia cultural no significa mantenerla intacta, como si fuera una reliquia detrás de una vitrina. Significa permitir que siga respirando. Que encuentre nuevas formas, nuevos lenguajes y nuevos cuerpos que la habiten. Después de todo, la memoria no permanece viva porque la conservamos. Permanece viva porque alguien decide volver a vestirla.
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Licenciatura en Diseño Gráfico Donde termina el mapa
Sistema señalético de transporte urbano para el Centro Histórico de Xalapa Tesis de Raquel Aguilar Rodríguez
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ay ciudades que se dejan leer con facilidad. Otras, como Xalapa, exigen un aprendizaje lento: saber qué autobús pasa por determinada avenida, dónde doblan las colectivas, qué ruta conduce al centro y cuál termina en un barrio lejano. Quien llega por primera vez pregunta. Quien vive ahí desde hace años memoriza. Entre una cosa y otra transcurre buena parte de la experiencia de habitar una ciudad.
La pregunta parece sencilla: ¿cómo hacer que moverse por la ciudad resulte más claro? Pero detrás de ella se esconden otras preguntas. ¿Cómo se organiza la información para miles de personas? ¿Cómo puede el diseño convertir la complejidad cotidiana en algo comprensible? Estas inquietudes guiaron el proyecto de tesis Sistema señalético de transporte urbano para el Centro Histórico de Xalapa, de Raquel Aguilar Rodríguez. Se trata de una propuesta que plantea una manera distinta de entender la movilidad urbana. Parte de una observación evidente: el transporte público no es únicamente un medio para trasladarse de un lugar a otro. Es una red que conecta personas, actividades y espacios. Cuando la red carece de información clara, el recorrido se vuelve incierto. Cuando la información funciona, la ciudad parece ordenarse. La autora desarrolló un sistema visual integral para el Centro Histórico de Xalapa que incluye identidad gráfica, clasificación cromática de rutas, mapas de conexión y aplicaciones para autobu-
ses, colectivas y taxis. El resultado es un lenguaje visual que permite identificar trayectos, distinguir servicios y comprender recorridos con mayor facilidad. Uno de los elementos más interesantes del proyecto es la construcción de una identidad gráfica articulada alrededor de la idea de Xalapa, Ciudad de las Flores. El concepto aparece como un elemento que unifica el sistema y establece un vínculo entre la movilidad y la identidad de la ciudad. En una época en la que muchas urbes terminan pareciéndose unas a otras, la propuesta intenta recordar que los sistemas de transporte también pueden comunicar pertenencia. En la paleta cromática cada color organiza y orienta. Lo que a primera vista podría parecer una decisión estética responde en realidad a una necesidad práctica: reducir la complejidad de la información y permitir que los usuarios reconozcan rutas y conexiones de manera inmediata. El mapa diseñado para el proyecto sigue esa misma lógica. En lugar de reproducir la ciudad con exactitud cartográfica,
simplifica los recorridos para hacerlos legibles, privilegiando la comprensión sobre la representación literal. La tesis se completa con un manual técnico que establece criterios de implementación y aplicación en distintos soportes. Allí se especifican usos tipográficos, códigos cromáticos y lineamientos de producción, mostrando que el diseño termina cuando una idea puede convertirse en una realidad funcional. Al final, el proyecto de Raquel Aguilar Rodríguez habla de la relación entre las personas y los lugares que habitan. Habla de la posibilidad de transformar una experiencia cotidiana mediante decisiones visuales aparentemente sutiles. Habla, en última instancia, de cómo una ciudad puede volverse más amable cuando logra explicar mejor sus propios caminos.
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Maestría en Diseño Urbano Arquitectónico Diseñar la ciudad
Recuperación de mercados del siglo XXI
Tesis de María Kimberly Medina Bustamante
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olemos interpretar al mercado como un lugar donde se intercambian productos por dinero. Sin embargo, estos espacios van más allá de ser meros centros de intercambio económico: son puntos de encuentro, escenarios de convivencia cotidiana y parte fundamental de la memoria colectiva de una comunidad.
¿Qué pasa cuando estos lugares pierden importancia o se quedan atrás frente a los cambios de la ciudad contemporánea? ¿Cómo pueden cambiarse para satisfacer las demandas de hoy sin perder lo que los hace especiales? Estas preguntas fueron la guía de la tesis Recuperación de mercados del siglo XXI, presentada por María Kimberly Medina Bustamante como parte del proceso para obtener el grado de Maestría en Diseño Urbano Arquitectónico Sustentable.
ambientales sin perder su esencia como lugares de encuentro.
Se trata de una propuesta que invita a reflexionar sobre el papel de los mercados públicos en la construcción de ciudades más humanas y sostenibles. Con un análisis histórico, urbano y arquitectónico, la investigación explora la evolución de los mercados como espacios que han estado presentes en el desarrollo de las ciudades durante siglos. Estos espacios han sido puntos de encuentro sociales, de intercambio cultural y de identidad comunitaria. La autora propone que, frente a los desafíos contemporáneos, es necesario replantearse cómo se pueden integrar nuevas dinámicas económicas y
Uno de los principales aportes de la tesis es la propuesta de una metodología para la recuperación y planificación de mercados contemporáneos. Más que proponer soluciones puntuales, el proyecto apunta a definir estrategias que permitan reforzar la relación entre estos espacios y la vida urbana, fomentando modelos de desarrollo que promuevan la convivencia y la identidad local.
El proyecto contempló estudios urbanos y mapeos que permitieron comprender la relación de los mercados con su entorno inmediato. La investigación aborda temas como la movilidad, las vías de acceso, el uso del espacio público y las necesidades de las comunidades que los habitan, desarrollando una visión integral que une arquitectura y sustentabilidad.
En su intervención, María Kimberly Medina demostró cómo el diseño urbano y la arquitectura pueden ser herramientas para producir transformaciones signifi-
cativas en la manera en que las personas viven la ciudad. Las ciudades cambian todo el tiempo y, por lo tanto, los espacios que las sostienen también deben cambiar. La tesis Recuperación de mercados del siglo XXI nos recuerda que la sustentabilidad no se limita a la incorporación de nuevas tecnologías o criterios ambientales; se trata sobre todo de construir lugares que promuevan vínculos y formas de vida compartidas. Recuperar los mercados es, en muchos sentidos, recuperar una parte esencial de la ciudad.
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Licenciatura en Arquitectura de Interiores
Hacia la escala sensorial
Cuando el espacio se vuelve experiencia Memoria de trabajo de Rebeca Guadalupe Rendón Robles
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Por qué algunos espacios permanecen en la memoria? Entre muchas cosas que podemos señalar que definen a un espacio, la sensación que deja en sus habitantes es una de las más relevantes: la manera en que entra la luz, la textura de los materiales, el sonido del entorno o incluso la emoción que provoca habitarlo. El proyecto Hacia la escala sensorial, Memoria de Trabajo Profesional de Rebeca Guadalupe Rendón Robles, plantea que el espacio se vuelve una experiencia.
Rebeca trabajó la relación entre arquitectura, percepción y bienestar a través de propuestas arquitectónicas, ejercicios espaciales y procesos de investigación, comprendiendo el espacio en constante diálogo con quien lo habita. Los trabajos realizados se reseñaron en tres módulos de Master Class dictados en el año 2022 en la UGD: Arte y Arquitectura, Arquitectura Modular y Arquitectura Bioclimática –de los arquitectos Rafael Pardo Ramos, Brahim Bautista González y Enrique Sánchez Pugliesse–. Cada uno expuso herramientas diferentes para armar una visión integral del diseño, conectando interiorismo, arquitectura y diseño industrial desde una mirada sensible y contemporánea. Una de las obras más contundentes fue Suite Roca, en el módulo de Arte y Arquitectura. La propuesta comenzó a partir de una pieza escultórica conceptual y se fue desarrollando hasta convertirse en el diseño de una suite hotelera basada en la experiencia sensorial. Partiendo de ideas de biomímesis y de la manera en que actúa la naturaleza, la propuesta estudió la utilización de formas envolventes,
materiales a la vista y caminos fluidos para lograr una atmósfera envolvente. El proyecto destacó por el tratamiento de los llenos y vacíos, dejando que la luz natural y las sombras fueran modificando la percepción del espacio. Los renders, bocetos y planos revelaron un proceso de diseño meticuloso donde cada decisión, desde la iluminación indirecta hasta la ventilación, pasando por la selección de materiales, buscaba provocar una respuesta emocional específica en el usuario. Sin embargo, el recuerdo no fue sólo estético. En el módulo de Arquitectura Modular, la autora habló de problemáticas actuales como la migración, la accesibilidad y la optimización de recursos. A partir de esas preguntas, diseñó un cubículo habitable, que contemplaba medidas humanas, funcionalidad y eficiencia en la estructura. La propuesta demostró cómo el diseño modular es una herramienta para responder de manera flexible y accesible a nuevas formas de habitar. Más tarde, en la arquitectura bioclimática, el interés se centró en la relación
entre la arquitectura y el clima. Con herramientas de análisis climático y estrategias pasivas, Rebeca diseñó un módulo suspendido donde integró soluciones responsables con el contexto y el consumo energético. El ejercicio mostró la necesidad de proyectar espacios que respondan no solo a necesidades funcionales, sino también a condiciones ambientales y al impacto ecológico de la arquitectura contemporánea. Los proyectos proponen comprender el diseño como una experiencia integral donde las emociones, la percepción y la habitabilidad se entrelazan constantemente. El trabajo de Rebeca Guadalupe Rendón Robles es una muestra sensible y reflexiva frente al espacio, demostrando cómo la arquitectura puede ser una herramienta para crear experiencias significativas y nuevas formas de relacionarnos con el entorno.
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"Orgullo Gestalt. Proyectos", se terminó de formar en octubre de 2026. Para su composición se utilizaron las tipografías Gelasio y Gilroy. La versión impresa se realizó en Productos Digitales y se encuadernó en el aula 104 de la Universidad Gestalt de Diseño. Xalapa-Enríquez, Veracruz.