FENOMENOLOGÍA
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CINE MEXICANO J O E L O L I VA R ES RU I Z
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Fenomenología del Cine Mexicano Octubre, 2024 Coordinación Editorial Alejandra Palmeros Montúfar Diseño y diagramación María Elisa Gayosso Rodríguez Corrección ortográfica Anaelena Olivares Solís Universidad Gestalt de Diseño Av. 1 de mayo 113. Col. Obrero Campesina Xalapa, Veracruz; México C.P. 91020 www.gestalt.edu.mx
El texto original de este documento fue editado para la Mostra del Cinema en Venecia (Italia, 2014), y fue ampliado para la presente edición.
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CINE MEXICANO J O E L O L I VA R ES RU I Z
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éxico es un país de muchos contrastes. Se compone de una extraña mezcla con la cultura de los pueblos originarios, la cultura europea y la cultura americana anglosajona. La primera, que ha podido sobrevivir a través de los siglos intacta para bien y para mal; para bien porque otorga una identidad muy fuerte de tradiciones, de mística, de una visión surrealista de la vida para nuestra época, pero más cercana a la cultura oriental de la que se cree tenga raíces ancestrales. Para mal porque al considerarla por nosotros como primitiva, se tiende a olvidarla y en muchas ocasiones a negar, a pesar que coexisten en nuestro país, sin que en el cotidiano de la cultura urbana sea evidente. Por otro lado la cultura europea, que es la herencia de España como cultura Occidental que proviene desde la antigua Grecia. Ésta le ha dado una estructura social de más de quinientos años en nuestro país y que, por empatía y lazos de parentescos, sigue fluyendo hasta nuestros días como en la conformación de las ciudades y la cultura urbana, con el sentido humanístico que proviene desde el Renacimiento Italiano, herencia europea-mediterránea. Y por último, está la cultura americana anglosajona de interpretación norteamericana. El área de influencia geográfica coloca a México con una visión cultural sobre la tecnología, el pragmatismo y la visión al futuro, aunque también la visión comercial y muchas veces superficial de la cultura del consumo y olvido. Esta rara mezcla que puede ser análoga al resto de países latinoamericanos ha traído como consecuencia muchos contrastes sociales de los que se nutre el cine. Por ello, se hace un análisis fenomenológico sustentado en estas raíces, para comprender la evolución de la cultura cinematográfica mexicana. Sobre todo por el actual logro de los tres ganadores de los Oscar en la edición 2014: el director Alfonso Cuarón, el fotógrafo Emmanuel Lubesky y la actriz Lupita Nyong’o. Sea pues un motivo de homenaje para un pueblo con muchísimas carencias, disgregado, con muchas necesidades y, sobre todo, autoestima; que sea para llenarse de orgullo por el cine al que hoy le ha dado reconocimientos internacionales.
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Cine Mexicano
El cine se nutre de eventos relevantes que ilustran de alguna manera la cultura de una época. El reciente levantamiento de los Grupos de Autodefensa en Michoacán y de los guerrilleros del EZLN en Chiapas en los 90s, es una muestra de ello. Nos recuerda los inicios de la Revolución Mexicana, las muestras de organización social, la solidaridad, el arrojo y la valentía para tomar las armas que parecen fuera de época y que son motivos de orgullo nacional, de personajes desconocidos y la esperanza de un pueblo de que no está dispuesto a vivir discriminado, sea por gobernantes ineficientes o por narcotraficantes. El cine es la memoria colectiva de un pueblo que, como el de los pueblos originarios, necesita contar historias de eventos significativos para recordar y tener la conciencia de quienes somos y cuáles fueron nuestros errores. Cuando los cineastas han podido ir al exterior, a la industria avanzada y han superado todas las barreras para competir con los grandes, imprimiendo su visión particular, se encuentran con herramientas que sustituyen a la improvisación propia de nuestra creativa cultura mexicana. A través de la historia se ha podido comprobar con casos ya no tan aislados, las aportaciones de mexicanos al cine internacional. Este es el objetivo de este texto, elaborar una historiografía de los premios, nominaciones y reconocimientos, sobre todo internacionales, e incluso adjuntar aquellas obras que, aunque no obtuvieron premios oficiales, sea porque aún no existìan o no pasaron la criba, pero si forman parte de nuestro legado, que es importante reconocer.
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EL INICIO El cine llega a México apenas un año después de su nacimiento en París por los hermanos Louis y Auguste Lumièr. Ellos enviaron a los proyectistas Claude Ferdinand Von Bernard y Gabriel Veire a presentar al presidente Porfirio Díaz su invento. El 6 de agosto de 1896 se realizó la primera exhibición del cinematógrafo en América en el Castillo de Chapultepec, dado que en Estados Unidos lo bloquearon a instancias de Thomás Alva Edison, quien poseía una patente de un aparato similar, el Vitascope. Aunque los enviados de Lumiere visitaron otros países de Latinoamérica promoviendo el invento, es en México donde realizaron una serie de 35 cortometrajes a manera de reportaje sobre estampas mexicanas de la capital Guadalajara y Veracruz: El presidente de la República paseando a caballo en el bosque de Chapultepec o Duelo a pistola en el bosque de Chapultepec, basado en una historia real entre dos diputados. En 1899 se produce la primera cinta mexicana como cortometraje de nombre: Riña de hombres en el zócalo, por Salvador Toscano y una versión de Don Juan Tenorio, pero más que una obra, era un reportaje de la obra teatral. En 1906, Enrique Rosas produjo el primer largometraje: Fiestas presidenciales en Mérida, financiadas por el Gobierno Mexicano, quien identificó en este medio, una manera eficaz de comunicar sus logros, de visualizar la historia y de interpretarla justificando sus figuras. Para 1907, Felipe de Jesús Haro realizó la primera película de ficción filmada en México El grito de Dolores o la Independencia de México, escribiendo el guion y actuando con el papel principal de Miguel Hidalgo. Del inicio del cine en México con un desarrollo gubernamental apoyado principalmente por Porfirio Díaz, se hace un paréntesis para el cine de ficción durante la Revolución Mexicana de 1910 hasta 1917, sin embargo, se filman documentales de batallas. De esta manera, la Revolución se transforma en el primer conflicto armado totalmente documentado en formato de cine, de ahí su difusión internacional. Una situación análoga se registró en el levantamiento armado del comandante Marcos en Chiapas, en la década de los 90, cuando la fuerza de apenas dos o tres enfrentamientos fue catalizada por el despliegue periodístico a nivel mundial con una participación importante de los Monos Blancos (Tute Bianche) italianos. Ello evitó que el ejército mexicano diezmara al incipiente Ejército Zapatista de Liberación Nacional, mayormente integrado con indígenas preparados y con armamento inapropiado. Otro evento análogo es la reciente guerra de Irak, filmada por los Estados Unidos y expuesta de inmediato casi sin edición; esto proporcionó la sensación de estar presentes en el conflicto armado de manera directa.
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Cine Mexicano
El cine de la Revolución Mexicana es el producto visual logrado en el campo de batalla y normalmente en las haciendas que fueron utilizadas por ambos bandos como fortalezas. Esto se impregnó de iconos y una estética arquitectónica que distinguieron la posterior Época de Oro del cine mexicano la cual surge al terminar el conflicto. La Revolución Mexicana, más que una revuelta civil contra un sistema dictatorial, fue la lucha fratricida entre las diferentes fuerzas militares por disputarse el poder ante la huida del dictador Porfirio Díaz, héroe en la batalla de Puebla contra las tropas francesas. Al caer el gobierno electo de Francisco I. Madero por el general Huerta, el pueblo se levantó en armas fuera del centro de la República. La economía medieval fundada en las Haciendas – grandes parcelas de terreno cultivadas y organizadas por familias españolas y criollas– se encontraban desde principios del siglo XX en su fase de industrialización como en Europa. En México, a diferencia de Argentina y Estados Unidos, los pueblos originarios eran más propensos a ser esclavizados en pro de obtener casa, comida y sustento. Para la percepción de los españoles, había una latente preocupación desde siempre por una revuelta, por ello la construcción como fortaleza; muchos de los que lucharon para defenderlas fueron abatidos, mientras que otros las abandonan, dejándolas en ruinas o completamente destruidas. La revuelta fue “de todos contra todos” por lo que el conflicto dejó al país devastado, hasta que los gobiernos militares –desde Obregón a Calles– lograron silenciar a los caudillos. Con ellos se da la destrucción del sistema económico mexicano basado en el desarrollo agropecuario, al parcializar las grandes extensiones de latifundios y haciendas, creando la figura del ejido para proveer tierra cultivable para autoconsumo. Entre 1917 y 1920, mientras transcurría la Primera Guerra Mundial, el cine europeo detiene sus producciones, por lo que la mayor importación de películas a América cesan. Es entonces que se produce la primera Época de Oro del cine mexicano. Estados Unidos aún no desarrollaba la industria cinematográfica y las relaciones con el vecino del norte no eran del todo fraternales debido su participación en el conflicto revolucionario apoyando de igual manera a las partes oficialista y revolucionaria. Además, el uso constante de la figura del mexicano bandolero usada por el cine del viejo oeste provocaba rechazo en México para exhibir las películas. Sin embargo en 1917, se exhibió con mucho éxito la película italiana Il fuoco (1915), interpretada por Pina Menichelli, tomándose como
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modelo a seguir en temas de cine de comedia romántica o melodramática, no sólo en México, sino también en Estados Unidos. En este momento es cuando se forma el concepto de diva italiana con una iconografía distinta a las divas del teatro y la ópera, con mujeres bellas, voluptuosas, historias pasionales y atrevidas para la época, todo ello producto de los nuevos roles producidos para la imagen de la mujer del nuevo siglo XX. De los dos centros principales de desarrollo del cine en Estados Unidos, Nueva York y Los Ángeles, en el segundo -por la cercanía con la frontera norte con México y por ser la segunda ciudad con más habitantes de origen mexicano- tuvo gran participación de directores, actores y técnicos mexicanos. Estos obtuvieron formación profesional e incluso éxitos como en 1931, cuando se realizó la primera cinta sonora mexicana con sonido óptico. Esta tecnología fue inventada en 1929 por el ingeniero mexicano en electrónica José de Jesús Rodríguez Ruelas, conocido como Joselito Rodríguez, quedando registrada en Estados Unidos como Sound Recording System. El cine apenas había incorporado el sonido a la imagen. Al principio había sólo música en vivo con pianola, después narradores que traducen las películas mudas a otros idiomas y le añaden énfasis dramático con su voz. Posteriormente, se utilizaron discos grabados para musicalizar las cintas con sonido indirecto sincronizado. La película Santa fue la primera en utilizar el Sound Recording System, grabando el sonido directo en una banda sonora paralela a las imágenes en la misma película; logró ser el tercer equipo en el mundo en conseguirlo, pero con la ventaja de ser con el primer equipo portátil con un peso de solo 6 kg, comparado con sus antecesores de 90 kg en promedio. Al igual que en este caso, el ingenio mexicano es absorbido por el aparato de desarrollo tecnológico que representa Estados Unidos. Un claro ejemplo es la invención de la televisión a color por el ingeniero Guillermo González Camarena.
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Cine Mexicano
Il fuoco, 1915
¡Que viva México!, 1932
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PRIMEROS PREMIOS Y NOMINACIONES La segunda época de Oro del cine mexicano, en los años 30, coincide con otros factores políticos y sociales. Con el gobierno del general Lázaro Cárdenas se inicia una era de estabilidad política y desarrollo económico, impulsando la educación básica en todo México y expropiando el petróleo para solventar el gasto del desarrollo. Aparece el ambiente intelectual en literatura, música, poesía, fotografía y pintura con autores y compositores como Silvestre Revueltas, Xavier Vidaurrutia, Carlos Pellicer, Salvador Novo, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Frida Kahlo, Tina Modotti, Manuel y Lola Álvarez Bravo. Estos intelectuales tenían como común denominador temático la revisión de la Revolución Mexicana y una ideología similar a la rusa. La muestra es el muralismo mexicano que hace evidente su participación de los pintores, no sólo en la temática, sino en la militancia del partido comunista mexicano. Entre 1930 y 1932 el cineasta ruso Sergei Mijalovich Eisenstein estuvo en México para filmar una película, ¡Qué viva México!. Este director había sido patrocinado por intelectuales de izquierda estadounidenses para trabajar en Hollywood; sin embargo, el gobierno le negó la visa de trabajo por lo que lo encauzaron a México con este proyecto. La película no pudo ser terminada porque le retiraron el financiamiento quedándose con el material filmado, mismo que reciclaron en otras películas donde se plasmaron escenas fundamentales para la estética del posterior cine mexicano.
Allá en rancho grande, 1936
Allá en rancho grande (1936), dirigida por Fernando Fuentes, le dio el primer reconocimiento internacional al cine mexicano en la Mostra Internazionale d´Arte Cinematográfica di Venezia en 1938, en la categoría de fotografía para Gabriel Figueroa. La comedia ranchera y las películas de lucha libre son aportaciones mexicanas al cine internacional. Aparece en escena Emilio “el Indio” Fernández quien desde su perspectiva internacional mira a México y a sus íconos, impresionado por la fotografía de Eisenstein. Inicia como actor en México con Janitzio (1934). Bajo este formato, dirige su primera obra exitosa Flor Silvestre (1941), conjugando a manera hollywoodense un equipo creativo con la fotografía de Gabriel Figueroa, guion de Mauricio Magdaleno, música del trío Los calaveras y los actores Dolores del Río y Pedro Armendáriz, la imagen del cine mexicano rural fuera de sus fronteras. Sus películas premiadas en el extranjero fueron: María Candelaria (1943) Gran Premio de la Crítica del Festival de Cannes; La perla (1945) premio a la mejor fotografía y mejor contribución al progreso cinematográfico en el Festival de Venecia; Río Escondido (1947) premio a mejor fotografía en el Festival de cine de
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Cine Mexicano
María Candelaria, 1943
Karlovy Vary; Pueblerina (1948) premio a mejor fotografía en el Festival Checoeslovaco; Salón México (1948) en el Festival de Bruselas; La red (1953) con la actriz italiana Rossana Podestá, premiada en el Festival de Cannes. Se dice incluso, fue el modelo para la estatuilla del Oscar. El trabajo de Emilio “el Indio” Fernández tiene una aportación para la arquitectura mexicana, pues uno de sus escenógrafos es el arquitecto Manuel “el Caco” Parra, quien traslada al igual que Luis Barragán, conceptos de las haciendas a la construcción de casas y mansiones, pero con el estilo escenográfico más figurativo llamado Colonial Mexicano, importado de Los Ángeles, ahí llamado estilo Californiano de herencia Hispánica. El cine de los años 50 también se ve evolucionado con la llegada del cineasta de altura Luis Buñuel, de fotógrafos y actores españoles como los hermanos Domingo y Fernando Soler, como consecuencia de la emigración de la Guerra Civil española. Es la época Moderna en México con el movimiento art Decó, que de manera local se llamó Arquitectura Nacional y que de alguna manera, impactó a los Estados Unidos por las escenografías y la arquitectura con motivos mexicanos en el estilo llamado Californiano.
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La aportación de Luis Buñuel es relevante por su enfoque surrealista en su obra cinematográfica El perro andaluz de 1929. El movimiento surrealista contó con Max Ernst, André Bretón, Paul Eluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragón, quienes se reunían en el Café Cyriano en París. Luis Buñuel llega a México porque su trabajo se ve limitado en Estados Unidos debido a su pasado Republicano que los detractores lo interpretaban pro- comunista. En México encuentra su segunda patria y es ahí donde muere nacionalizado mexicano, a pesar de que su trabajo estaba en París. En 1949 realiza las películas El Gran Calavera y Los olvidados en 1950, retratando la miseria urbana de los niños de la calle. Para la UNESCO, es una de las tres películas reconocidas como memoria del mundo. La notable obra de Luis Buñuel en México y su visión de hacer trabajos para concurso internacional le llevó a trabajar guiones con José Revueltas y Juan de la Cabada en La ilusión viaja en tranvía (1953), Nazarín (1958), Palma de oro del Festival de Cannes de (1959) y Viridiana (1961), película en coproducción hispano mexicana, actuada con Silvia Pinal. Esta película fue presentada a concurso representando a España, ganando la Palma de Oro. En 1964 filmó su última película mexicana Simón del desierto, con la cual obtuvo el León de plata del Festival de Cine de Venecia en 1965. En este Pueblo no hay ladrones (1964) es una historia original de Gabriel García Marquez quien cede este cuento a su amigo Alberto Isaac. Con fotografía de George Vinaver y actuando la que sería su esposa Rocío Sagahon. Actúan en segundos planos Juan Rulfo, Abel Quezada y Carlos Monsivais como jugadores de dominó. Luis Buñuel hace el papel de cura, Luis Vincent es el propietario de bar, José Luis Cuevas y Emilio García Riera son jugadores de billar, María Luisa Mendoza actúa como cantante de cabaret y Leonora Carrington de beata. Se trata de un drama en un pequeño y humilde pueblo, donde el único pasatiempo es el bar, que tiene una mesa de billar. A un vago se le ocurre robar lo más valioso, las bolas, que supuestamente son de marfil y se crea un caos en todo el pueblo. Entre 1970 y 1990, son 20 años de control gubernamental tanto de la producción como de la distribución, por lo que las productoras se dedicaron a un mercado comercial, películas intrascendentes de rumberas, de albur y corte cómico vulgar. Es una época de abuso del poder gobernante donde invade el campo de las empresas particulares para competir con ellas de manera desleal con dinero público y sin las restricciones impositivas generales, pero además, aplica la nacionalización de aquellas empresas que considera rentables, aduciendo a que son prioridad social para el gobierno, mal administrarlas para después rematarlas por improductivas al mejor postor o a prestanombres para quedarse con ellas. En el caso del cine, el gobierno se transforma en productor por ello, más que arte de calidad es negocio de beneficio. Sin embargo, la figura de “el Indio” Fernández y Alfonso Arau se mantienen en otro estatus, dentro del cine de protesta o denuncia, tomando temas que retratan la vida en México como: El rincón de las vírgenes, Mecánica Nacional y El castillo de la pureza.
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Cine Mexicano
Los Olvidados, 1950
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El Castillo de la pureza, 1972
Presagio, 1974
El castillo de la pureza (1972) de Arturo Ripstein, basada en un hecho real ocurrido en la Ciudad de México y narrada en la novela La carcajada del gato de Luis Spota. Se trata de un pequeño empresario que ejerce en casa, lugar ubicado en el casco histórico del siglo XVII, medio abandonado o en precarias condiciones, tal vez de renta congelada o heredado, en donde mantiene como prisionera a su familia, su esposa y tres hijos, bajo una disciplina de moral castrense, con el cuento de protegerlos de la decadente Ciudad de México.
Presagio (1974) es de Luis Alcoriza, guion en co-edición con Gabriel García Márquez. Lo interesante del caso es que a partir de esta colaboración diez años antes de materializarse sirvió para García Márquez de exploración para su posterior novela Cien Años de Soledad. Es una película que a pesar del elenco de actores pasó desapercibida, más valorada en el exterior, participó en el Festival de San Sebastián en España donde recibió la Mención especial del jurado. Está ahora catalogada como película de Cine Club. La trama es un drama de pueblo donde los rumores infundados, si provienen de algún personaje del pueblo crea una histeria colectiva que alinea a eventos aislados. En este pueblo del Bajío hay una pareja de esposos que van a tener un hijo, pero son por condiciones sociales los más segregados de los ricos del pueblo, quienes regentan la tienda. La matrona, Mamá Santos es la abuela de esta familia y tiene que asistir a deshoras a esta pareja, a las afueras del pueblo, por lo que va de mala gana. Lleva un porrón de vidrio, heredado de sus antecesoras y por lo tanto una joya histórica, el cual usa para que la mujer parturienta sople. Cuando se genera el parto, le quita de mala gana el porrón y se le cae haciendo añicos, por lo que profetiza que es una señal que algo terrible le va a pasar al pueblo. Los eventos, entre bromas de chicos al poner una rata en la pila bautismal o incidentes naturales, todo se maneja como señales de algo terrible por lo que deciden abandonar al pueblo en crisis. La última escena es de la caravana de pobladores en carretas abandonando al pueblo y la frase de Mama Santos, al decir “se los dije, algo terrible va a pasar a este pueblo.” El rincón de las vírgenes resulta una síntesis iconográfica del cine mexicano rural, vinculando a uno de sus iniciadores como actor, “el Indio” Fernández con el joven talento del cómico Alfonso Arau, quien después dirige y produce Como agua para chocolate (1992), la primera producción del denominado Nuevo Cine Mexicano.
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La película se basa en la historia de Anacleto Morones, nombre ficticio de un chamán diletante, que en conjunto con un merolico de feria se organizan como sociedad para convencer a los habitantes del pequeño poblado de Comala pre revolucionario, utilizando trucos de magia como milagros hasta convertirlo como el Santo Niño Anacleto, un status religioso. La crítica social es ante la religiosidad chamánica aún persistente en nuestros pueblos indígenas y que mezclan el catolicismo con la brujería, como es el caso de la figura de La Santa Muerte.
Mecánica nacional, 1971
Mecánica Nacional (1971) el drama que retrata a un grupo popular capitalino, que se organiza muy a la mexicana para asistir en familia y amigos de su taller mecánico, para ver la entonces Carrera Panamericana en la zona de Río Frío cerca de Ciudad de México. La manera en la que viajan llevando comida y bebida, el evento se transforma en una romería donde se sale de control, la esposa lo engaña, la hija tiene relaciones sexuales con el novio y la madre (la eterna abuelita Doña Sara García) muere de congestión estomacal, todo esto aunado al congestionamiento vial.
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Otras películas rescatables por su temática costumbrista son Maten al león (1977) de José Estrada, Estas ruinas que ves (1971) de Julián Pastor y Dos crímenes (1995) de Roberto Sneider, basada en las novelas de Jorge Ibarguengoitia; lo interesante es que las dos últimas las ubica en un poblado ficticio llamado Cuevano en el Estado de Plan de Abajo, similar al poblado ficticio de Gabriel García Márquez con Macondo. El estilo periodístico de sucesos en un ambiente provinciano que deja retratada a la sociedad mexicana, como un rescate de la idiosincrasia de la interacción social entre los capitalinos y los provincianos, en territorio de estos últimos. En Dos crímenes, reseña el ambiente de persecución hacia los disidentes en el Movimiento Estudiantil del 68 por el gobierno mientras que Maten al León explora la participación en la política a invitación de los disidentes de un citadino que llega en su avión como aventurero, en una ficticia isla quien es gobernada por un dictador para derrocarlo. Alejandro Jodoroswski, artista chileno, realiza su etapa importante como director de cine en México en los años 70. Filmó cuatro películas de poco éxito, sin embargo, dejó huella con su estilo de visión surrealista y chamánica: Fando y Lis (1968), Santa Sangre (1989), La montaña sagrada (1973) y El topo (1970). Federico Fellini hace referencia al surrealismo de Jodorowsky en su obra en Satiricón de 1969. En 1963 se crea en la Universidad Nacional de México (UNAM), el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) como escuela nacional de cine, siendo la primera en América Latina bajo el modelo de enseñanza de la cinematografía francesa que llega a México a través de los cineclubes universitarios.
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Cine Mexicano
La Montaña Sagrada, 1973
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Como agua para chocolate, 1992
Otra película de enfoque costumbrista es Como agua para chocolate de Alfonso Arau (1992). Esta película es muy especial porque rescata la temática de la época de Oro del Cine Mexicano, relacionado al realismo social de las Hacendados de principios del siglo XX y la población campesina rural. El guion está basado en la novela homónima de Laura Esquivel como drama romántico, ambientado en esa época. Se podría decir que es una película posmoderna, del choque generacional entre el siglo XIX y el siglo XX. Independiente a la trama romántica de la novela, lo que ilustra de manera neutral son los sucesos del inicio de la revolución mexicana con situaciones y personajes muy humanas. Lo que la hace diferente es la relación de la cocina con la vida misma y las adaptaciones e interpretaciones emocionales llevadas a ámbitos surrealistas. Lo que le da sentido y fundamento a este tipo de cocina mestiza indígena-española o más bien indígena, es que incorpora de manera simbiótica la cultura española, para hacerla lo que hoy reconocemos como mexicana. Los reconocimientos que obtuvo a pesar de su carencias técnicas son numerosos y la actual producción de HBO Max, retomó este guion en una serie, ampliándolo e ilustrando con escenarios más ad hoc, con un resultado más presentable para escenarios extranjeros de lo que es México. La trama es el drama de una joven de clase alta rural de hacendados en el norte del país, muy cerca de la frontera con Estados Unidos, que enamorada, no se puede casar con su pretendiente porque es la tercera hija, que según su madre debe permanecer soltera para cuidarla en su vejez. El pretendiente al solicitar su mano, solo le dan la posibilidad con la hermana mayor, lo cual acepta para estar cerca de ella. En su sufrimiento se refugia en la cocina, donde desde niña se ha criado y recibe todas las enseñanzas de su nana-cocinera, para sortear sus emociones a través de la cocina, de origen chamánico. De alguna manera la sentencia que el corazón, se conquista por el estómago, tiene sentido. Fue reconocida internacionalmente con: • 10 Premios Ariel 1992 • Premio Goya 1993 a la mejor película extranjera • Globos de Oro 1993, nominada a la mejor película extranjera • Independent Sprit Awards 1994, nominada a la mejor película extranjera • Premios BAFTA 1994, nominada a la mejor película de habla no inglesa • Festival del Cine Mexicano de Guadalajara 1992, premio de la audiencia • Festival Internacional de Tokio 1992, Premio a la mejor actriz (Lumi Cavazos) y mejor contribución artística. • Festival de Cine de Gramados 1993, premio de la audiencia y mejor actriz principal
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Como agua para chocolate, 1992
A pesar de ser la UNAM, la institución pública educativa superior más subsidiada por el gobierno, es la más crítica e independiente. En el conflicto estudiantil de 1968, sus estudiantes filmaron escenas que más tarde conformaron el largometraje documental El grito. De esta escuela egresa la nueva generación de cineastas contemporáneos como Jorge Fons, director de El callejón de los milagros (1995), Jaime Humberto Hermosillo, director de La tarea (1990), Alfredo Gurrola, Issa López, Juan Mora Catlett, director de largometrajes en dialectos indígenas; Carlos Mendoza, investigador y realizador de más de 50 documentales de interés social; Carlos Bolado, nominado al Oscar en 2002 con Promesas Promises, (2001) documental sobre e conflicto israelí-palestino, a través de la mirada de siete niños de ambos bandos. No lo ganó pero recibió dos Emmys en la categoría de mejor documental y Mejor investigación; Fernando Eimbeicke, director de Temporada de patos (2004) considerado en el 2005 como Variety Ten Directors to Watch y ganador del premio Alfred Bauer del Festival de Berlín en 2009; Julián Hernández, director y ganador del Teddy Award en dos ocasiones en el Festival internacional de Berlín en 2003 y 2009; Ernesto Contreras, director de Párpados azules, selección oficial de la semana internacional de la Crítica del Festival de Cannes 2007 y Alejandra Sánchez, documentalista nominada al premio del Jurado del Festival. El Nuevo Cine Mexicano de los años 90 aparece como una era prometedora para el cine de contenido con Cabeza de vaca (1990), El bulto (1991), Cronos (1992) de Guillermo del Toro, Sobrenatural (1996) de Daniel Gruener y Angeluz (1997) de Leopoldo Laborde. Como agua para chocolate (1992) de dirección de Alfonso Arau, es la interpretación de la novela de Laura Esquivel; El Coronel no tiene quien le escriba (1999) de Arturo Ripstein es la adaptación de la novela homónima de Gabriel García Márquez.
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CABEZA DE VACA (1990) De Nicolás Echeverría, trata de la expedición de Pánfilo de Narváez en 1527 hacia la conquista de los territorios del norte de México y sur de Florida. Tras el naufragio, Álvar Núñez Cabeza de Vaca es capturado prisionero por los indígenas de la región y en el tiempo que permanece con ellos aprende su idioma, métodos de curación y cosmogonía. Al ser liberado se reencuentra con sus compañeros, con los cuales realiza un viaje hasta la actual Sinaloa. Es aquí donde el guionista imprime un punto diverso hacia los espectadores sobre el controvertido tema de la conquista española, donde el personaje se hace mestizo al fusionar por convicción las dos culturas. Se le considera el primer largometraje de ficción documentalista o histórico, relacionado con el Movimiento Posmoderno. Ganó los Premios Makhila por mejor película y mejor actor en el Festival de Biarritz, Francia en 1991, Primer premio en la 4a Muestra del Cine Mexicano, seleccionada por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas para representar a México en los premios Oscar en 1991.
Cabeza de vaca, 1990
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Cine Mexicano
El bulto, 1991
EL BULTO (1991) Del director y guionista Retes Balzaretti, se trata de una propuesta muy original del encuentro entre dos tiempos sociopolíticos entre el socialismo y neoliberalismo mexicano, aunque también de generación familiar ubicado en un hecho trascendente en la historia de México, que es el 10 de junio de 1971, el fatídico Jueves de Corpus Christi o el Halconazo, donde un grupo de paramilitares del gobierno llamados Halcones agredieran a una manifestación, recordando los hechos de la masacre estudiantil del 68. El protagonista, que anecdóticamente es el autor, es un reportero periodístico, que se queda inmerso en el caos y es agredido con macana en la cabeza, quedando en coma por 20 años. El melodrama ocurre cuando despierta para encontrarse con un mundo diferente, tipo viaje al futuro, donde sus ideas socialistas se ven cuestionadas al ver desde su época de lucha social los cambios y transformaciones desde la desaparición del Partido Comunista Mexicano, la caída del muro de Berlín y la desintegración de la Unión Soviética, sus principales referentes de su ideología de izquierda, el cambio o transformación de sus ex-compañeros de partido, que son absorbidos en la burocracia gubernamental, vive un dejá vu. Se encuentra con las diferencias de percibirse con la misma edad mental que sus hijos, que vivieron la imagen del padre, como “El bulto”. Ganó los premios: Ariel a mejor edición, Premio Don Quijote por la Federación Internacional de Cineclubes en Huelva, Unicornio de Oro en el Festival de Amiens a la mejor actuación masculina, Heraldos a Mejor guion y Edición.
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CRONOS (1992) Esta es la primera obra cinematográfica de Guillermo del Toro, donde comienza a desarrollar las características que lo denotan su estilo Deltoresco de cine de género de ciencia ficción y fantástico, con su fascinación creativa por los insectos, las máscaras, las máquinas, para armar historias de terror clásico infantil como leyendas, mitologías y cuentos de Andersen. La trama se inicia con un anticuario que encuentra dentro de una estatua un extraño aparato dorado, similar a un escarabajo con muchos siglos de antigüedad que construyó un alquimista. Se trata de la Invención de Cronos, un objeto cuya cualidad es dar vida eterna. El aparato le inyecta una sustancia y le extrae sangre, que lo convierte en un ente similar al vampiro. La trama se desarrolla cuando el antiguo dueño de la estatua ha buscado el aparato y trata de recuperarlo, pero el anticuario ya se ha transformado. Premios: Ariel 1993 para director, guionista, argumento original, ópera, prima, para Guillermo del Toro. Actor de cuadro, Daniel Jimenez Cacho; Escenografía, Tolita Figueroa; Efectos especiales, Laurencioa Cordero. Festival Internacional del Cine en Cannes 1993, Premio del Jurado de la semana de la crítica. Festival Internacional del Cine Fantástico de Bruselas 1994. Premio Silver Raven a Guillermo del Toro. Festival Fantasporto 1994, premio del público, International Fantasy Film a mejor director y mejor actor a Federico Lupi. Festival de Cine de Guadalajara: 1993. Premio DICINE a Guillermo del Toro. Festival del cine internacional de la Habana 1993, Premio Coral a mejor Ópera Prima. Festival Internacional de Cine de Sitges 1993 para mejor actor y mejor guion; academia de Cine de Ciencia Ficción y Horror 1995: Premio Saturn a mejor estreno en video. Fantafestival 1995 para mejor director. PROFUNDO CARMESÍ (1996) De Arturo Ripstein, se trata de la historia real de Corazones Solitarios, Martha Beck y Raymond Fernández, que en la década de los 40 en México, cometieron una serie de asesinatos; ella enfermera de pacientes terminales, a los que ayudaba a morir y él, un galán venido a menos quien utilizando los anuncios de la sección Corazones solitarios se presentaba como “Caballero español en busca de relación sentimental”. Su apasionado encuentro se transforma en una sociedad criminal que busca mujeres maduras y solitarias, para seducirlas y matarlas para quedarse con sus propiedades. Premios: Festival de Venecia 1996: mejor guion, mejor música, mejor escenografía. 9 Premios Ariel, incluyendo mejor actor y actriz. Festival de la Habana: Gran Coral a la mejor película. Festival de Sundance: Premio cine Latinoamericano (Mención honorable).
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SOBRENATURAL (1996) Al estilo de El bebé de Rosemary esta película de suspenso y dirigida por Daniel Gruner relata la situación psicológica que vive la protagonista, Dolores, quien escucha el caso de una vecina asesinada, sus temores se centran en las pandillas que viven en el conjunto habitacional, pero al escuchar a su marido entre sueños mencionar el nombre de la mujer asesinada, una vecina medio bruja de nombre Madame Endor, le advierte que está en peligro y su psiquiatra le confirma sus temores. Ella entra en pánico al creer que es obra del diablo. Premios: Ariel y Diosa de Plata 1996. Premio Festival de Cine de Colombia a la mejor fotografía. EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA (1999) Dirección de Arturo Ripstein. La adaptación cinematográfica de la novela homónima de Gabriel García Márquez es de Paz Alicia Garciadiego, en una coproducción internacional entre México y España. No tuvo premios, pero sí postulaciones en la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, para representar a los premios Oscar, sin lograr la nominación. También compitió en el Festival de Cannes de 1999. Se trata de la historia de un anciano coronel retirado en un pueblo costero, a quien le han prometido una pensión que no llega. El se arregla con su uniforme cada viernes que llega el correo al puerto a recibir la carta del Ministerio de Defensa. A la manera de García Márquez, retrata una época de enfoque costumbrista para narrar la patética historia, del único aliciente de esta formación militar en obedecer sin cuestionar. Para el cine mexicano es integrarse al movimiento promovido por García Márquez en Cuba, donde vincula la literatura con el guionismo y la mirada hacia el interior de la provincia, en este caso Tlacotalpan.
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Fenomenología
Para el inicio del nuevo milenio, Alejandro González Iñárritu presenta Amores perros (2001), 21 gramos (2003), Babel (2006) y Biutiful(2010) nominada a diez categorías para el Oscar, aunque sólo ganó en la de mejor actor. LOS PREMIOS OSCAR La nueva época del cine mexicano a partir del nuevo siglo XXI, se está produciendo en el exterior, directamente en la meca del cine que es Hollywood con tres ya reconocidos directores y ganadores de los principales premios, como el León de Oro de Venecia, Cannes, San Sebastián y los Oscar de Estados Unidos: Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu y el ya comentado Alfonso Cuarón. Los tres fueron nominados a los premios Oscar del 2006: Guillermo del Toro por el Laberinto del Fauno, en seis categorías, incluyendo el de la mejor película extranjera, Iñárritu como Director de Babel y Alfonso Cuarón por el guion y la edición de Children of Men. 21 GRAMOS (2003) De Alejandro González Iñárritu, esta película es una producción americana y en inglés. Con actuaciones de Sean Peen, Naomi Watts y Benicio del Toro. Su nombre está relacionado a la teoría, que 21 gramos es el peso del alma, es decir, lo que cambia de peso el cuerpo exactamente cuando se muere. Se trata de un drama de tres historias independientes entre sí, que se cruzan en un epílogo. Inicia con un accidente donde muere un padre de familia con dos hijos, dejando a la madre con el drama de la pérdida y quien cae en la drogadicción. El causante del choque es un ex presidiario, que regresa a la cárcel por su vida delictiva, pero se redime a través de la religión. El tercer personaje es un profesor universitario, que recibe como donación el corazón del accidentado; ya recuperado se divorcia y se empeña en buscar a la familia donadora. Aquí se encuentra con la viuda y se establece una relación de empatía por la pertenencia del corazón amado. Ella obsesionada por venganza, se ve apoyada por el profesor y buscan al ex presidiario para matarlo. El final es una sanación de los tres. Premios: Su estreno mundial fue en el Festival Internacional del Cine de Venecia Italia 2003. Es nominada al Oscar por las actuaciones de Naomi Watts y Benicio Del Toro. Además tiene cinco nominaciones en los premios BAFTA incluyendo mejor guion para Guillermo Arriaga. PERFUME DE VIOLETAS (2001) Es dirigida Maryse Sistach. Es una película de denuncia sobre la inseguridad de las adolescentes en la Ciudad de México, donde el mejor lugar con todas sus inconvenientes es la escuela. Es sobre el estrato más bajo socialmente, similar a Los hijos de Sánchez, donde la mayor agresión se tiene en casa. La historia versa sobre la amistad de dos alumnas de secundaria, donde sus vidas solitarias se ven completadas por empatía, pero el desenlace es la falla, la situación psicológica que se presenta por una de las protagonistas víctima de violación que desencadena un fatal accidente. Tiene tres premios Ariel por la dirección, la interpretación femenina y por la edición. 24
Cine Mexicano
El neorrealismo mexicano de películas como Amores Perros de Alejandro Gonzáles Iñárritu, Nosotros los Nobles de Gary Alazraki y el Callejón de los Milagros de Jorge Fons, interpretación de la novela de Naguib Mahfuz con guion de Vicente Leñero, presentan temas de denuncia social. Estos funcionan como catarsis para ser conscientes de las carencias, pero también de los anhelos sociales. Lo interesante es que técnicamente hablando, están bien hechas, bajo el modelo de la televisión y con experiencia en esta han pasado al cine. Es la actual Época de Oro del cine mexicano por haber alcanzado no solo las nominaciones, sino los premios Oscar. Con ello el reconocimiento a nivel internacional como el Festival de Cannes, de San Sebastián, de Venecia o de Cuba, con los actualmente premiados con el Oscar son la actriz Lupita Nyong’o,el fotógrafo de cine Emmanuel Lubezki y como director y guionista, Alfonso Cuarón. Lupita Nyong’o es accidentalmente mexicana dado que después de un año de nacida, regresó a Kenia y sólo hasta los 17 años volvió a México para aprender español. Su formación académica de estudios superiores en estudios teatrales los realizó en la Universidad de Nairobi y en Estados Unidos en la Yale School of Drama. Tras graduarse, fue seleccionada para participar en la película 12 años de esclavitud del director Steve McQueen, ganando el Oscar a la mejor actriz de reparto. La película está basada en un caso real de un violinista oriundo de Nueva York, en 1841, de nombre Solomón Northup. Narra su vivencia de un extraño caso, donde un par de caballeros lo invita una semana de gira, pero es secuestrado y llevado a los estados del sur, para venderlo como esclavo. Es una historia de resiliencia y fortaleza de espíritu para sobrevivir a los malos tratos, hasta lograr su libertad. Emmanuel Lubezki Morgenstern nació en México en 1964; estudió Historia y Cinematografía en la Universidad Nacional de México y ha trabajado al lado de Alfonso Cuarón desde 1991 en la película Solo con tu pareja, conformándose una dupla de mucho éxito entre el director-guionista y el fotógrafo. Ha trabajado con directores de talla internacional como Tim Burton, Michael Mann y Terrence Mallck. Fue nominado cinco veces al Oscar como mejor fotografía por La Princesita (1995), La leyenda del jinete sin cabeza (1999), The new Word (2005), Los hijos del hombre (2006) y El árbol de la vida (2012). En conjunto, sus 31 películas marcan un estilo de fotografía surrealista y dramático.
12 años de esclavitud (2013)
Por su parte, Alfonso Cuarón Orozco nació en 1961, en la Ciudad de México y es hijo de Alfredo Cuarón, físico nuclear quien trabajó en la Agencia Internacional de Energía Atómica. Formándose en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, está casado con la crítica de cine italiana Annalisa Bugliani y actualmente vive en Italia. Se cuenta que empezó a filmar a la edad de 12 años cuando le regalaron su primera cámara. En el CUEC realizó un cortometraje de nombre Vengeance is mine y a causa de éste, dejó la escuela porque no le dieron permiso de comercializarlo. Trabajó como empleado conserje en el Museo de Antropología para sobrevivir ya casado y con su hijo Jonás. Posteriormente trabajó como asistente de dirección en la película Nocaut al lado de José Luis García Agraz en 1983 y Gaby, la verdadera historia con Luis Mandoki en 1987. Dirigió algunos episodios de la serie de suspenso La hora marcada, para la televisión nacional Mexicana en 1986 y ahí conoció a Guillermo del Toro. Su filmografía, aunque escueta, es relevante y compite con los grandes, pero sobre todo porque logra conservar esa visión de México de color, matices y profundidad en los temas sociales de manera surrealista. 25
Fenomenología
SOLO CON TU PAREJA (1991) Es el primer largometraje mexicano de los hermanos Alfonso y Carlos Cuarón con Emmanuel Lubezki como fotógrafo. Fue ganadora del premio Ariel por el mejor guion original y ocupa el número 87 de la lista de las 100 mejores películas mexicanas. Para esta primera película dirigida por Alfonso Cuarón, escribió el guion junto a su hermano Carlos Cuarón. La cinta transcurre a través de la comedia de enredos sobre el tema del sida y es protagonizada por Claudia Ramírez y Daniel Jiménez Cacho. Dirigida y escrita por Alfonso y Carlos Cuarón, con los actores Diego Luna y Gael García Bernal, junto con la española Maribel Verdú, obtuvo la nominación al Oscar al mejor guion original y se presentó en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia donde obtuvo el premio al mejor guion original. También Diego Luna y Gael García obtuvieron premio a los mejores actores revelación. Para el cine mexicano es el parteluz a esta nueva era de neorrealismo social que retrata la actual sociedad mexicana desde la mirada de dos jóvenes y una señora con crisis existencial por diagnóstico de cáncer. LA PRINCESITA (1995) Fue nominada al Oscar en 1996 por mejor dirección artística y por la fotografía de Emmanuel Lubezki; ganó el premio de Los Angeles Critics Association Awards. Está basada en la novela A Little Princess de Frances Hodgson Burnett; es una adaptación de la película homónima de 1939 de Shirley Temple. El tema es un drama desde la mirada de una niña huérfana que pierde sus privilegios en un internado pasando de ser alumna a sirvienta para poder sobrevivir en la época de la Primera Guerra Mundial en Nueva York.
La Princesita, 1995
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GRANDES ESPERANZAS (1998) Dirección de Alfonso Cuarón, es la adaptación americana de la novela de Charles Dickens. Esta historia acerca de un romance que inicia de niños, que después de que la vida los aleja ya de adultos se reencuentran. Con las actuaciones de Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow, Ann Bancroft y Robert de Niro, con fotografía de Emmanuel Lubezki.
Grandes Esperanzas, 1998
CHILDREN OF MEN (2006) Dirección de Alfonso Cuarón, es una película inglesa-americana con un guion adaptado por Alfonso Cuarón de la novela de ciencia ficción del mismo nombre de P.D. James. Su fotografía es de Emmanuel Lubezki y fue protagonizada por Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine. La historia trata el tema de la sobrepoblación, la guerra, la contaminación y el terrorismo nuclear, esto según la novela, da como consecuencia la esterilidad y el suicidio, hasta que aparece una luz de esperanza con el embarazo de una mujer que necesita ser protegida.
Los niños del hombre (2006)
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Fenomenología
HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN (2004) Dirección de Alfonso Cuarón, es la tercera película de la famosa serie de novelas de la escritora británica J. K. Rowling, cuyo guion de adaptación estuvo a cargo de Steve Kloves y fotografía de Michael Seresin. Constituyó un verdadero reto artístico en la realización para conservar la secuencia de la trama con sus personajes de las dos películas anteriores que venían como serie del mismo director Chris Columbus. Cuarón propone cambios enfatizando el ambiente dramático de la novela y en los personajes el aspecto del crecimiento de niños hacia adolescentes. Aporta a la trama su visión de la búsqueda de la identidad y la analogía de la triada de amigos ya planteada en Y tu mamá también. Para la novelista, las aportaciones de Alfonso Cuarón y su respeto a la secuencia de la obra resultó positivo, sobre todo en lo referente al ambiente creado, con los detalles cinematográficos que no aparecen en la película como son la cabeza reducida parlante, que la escritora expresó que le hubiera gustado haberla ocupado en su novela. Fue nominada a dos premios Oscar: uno por la música y el otro por los efectos especiales; además, fue ganadora de los premios del Teen Choice Awards a la mejor película y en los Premios Phoenix Film Critics Society. PARIS, JE T´AIME (2006) Dirección de Alfonso Cuarón, es una película francesa compuesta de 18 cortometrajes de historias de amor no sólo de parejas, sino de las diferentes facetas que éste tiene y que suceden en los diferentes distritos de París. Realizada por nueve directores de distintas nacionalidades, Alfonso Cuarón desarrolló la historia en el Parc Monceau protagonizada por Nick Nolte y Ludvine Sagnier. GRAVITY (2013) Dirección de Alfonso Cuarón, es la película norteamericana protagonizada por Sandra Bullock y George Clooney que abrió la 70 edición del Festival de Cine de Venecia el 28 de agosto de 2013. Nominada a nueve premios Oscar, obtuvo siete. La dirección estuvo a cargo de Alfonso Cuarón, la fotografía Emmanuel Lubezki y el guion también es de su autoría en conjunto a su hijo Jonás. Esta película de ciencia ficción, es casi un monólogo al igual que el resto de su producción en donde exalta el interior de los sentimientos humanos. Por ello, con pocos recursos actorales, logró transmitir las sensaciones de soledad y de incapacidad ante los eventos externos a los que se ve sometido su personaje; casi una analogía a la tragedia griega.
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ROMA (2018) En el Festival Internacional de Cine de Venecia, Italia de 2018, Alfonso Cuarón, obtuvo el León de Oro por la película Roma. Este ha sido a la fecha el principal éxito en su carrera como director, guionista y productor. En los premios de la Academia Americana de Artes, obtuvo tres Oscars, en la categoría de mejor dirección; la mejor fotografía y el de mejor película extranjera. La película Roma se refiere al nombre de la Colonia en la Ciudad de México, que arquitectónicamente se construyó a finales de los años 50 y principios de los 60. La dopoguerra que para México fue la apertura de mercados y de la inversión extranjera, desarrollándose una clase media, alta. También marca una época de la urbanización controlada y desarrollada, con nuevos modelos arquitectónicos, con la propuesta Le Corbusiana del Movimiento Moderno. La historia con el formato del realismo italiano, solo presenta una época, una familia de clase media alta y una aventura de ir con sus medios a conocer el mar, como si fuera una cápsula del tiempo. Ya en su interior es la situación especial de la integración entre la cultura urbana y la indígena. En muchos sentidos es una mirada al pasado para reconocer la belleza de lo bien hecho. México es muchas cosas. México tiene muchos problemas de desarrollo, sobre todo por su clase política dominante. Es un país con muchas potencialidades, pero sujeto a presiones sobre todo internacionales y a los intereses mezquinos de los partidos políticos quienes han interpretado la Constitución para hacerla prácticamente garantía de sus beneficios de clase. La única salida que tiene como país es la educación y el desarrollo individual que provoquen acciones que rompan la inercia y ficción legal para encontrar los resquicios y debilidades del sistema y fortalecerlos con la legalidad. La conciencia como nación, el proyecto de desarrollo y el ahorro de los recursos con los que cuenta para las nuevas generaciones sólo se logra en la comunicación de los libros y la mass media. El cine de denuncia es un buen ejemplo de ello, como la película Presunto Culpable (2011) realizada por una pareja de abogados Roberto Hernández y Layda Negrete que se dio a la tarea de exponer el caso de un vendedor ambulante preso durante cinco años sin haberle realizado un juicio conforme a la ley. Esta película está realizada como un documental en vivo. Denuncia los fallos del sistema legislativo y judicial mexicano tradicionalmente descuidado y gobernado con una mal preparada y mal pagada burocracia, al igual que las películas Todo el Poder (1999) de Fernando Sariñana, como denuncia de la relación entre la delincuencia del secuestro con las autoridades policiacas para combatirlo y La Ley de Herodes (1999) de Luis Estrada, como el surgimiento de un modesto personaje burócrata, al que le dan la oportunidad de dirigir un pequeño pueblo miserable, se las ingenia para hacerse de riquezas utilizando a su favor el libro de la Constitución para reescribirla y usar las leyes inventadas en su beneficio. El título es parte del caló mexicano y ejemplifica la tiranía del poder en manos de la delincuencia organizada para hacer leyes en esa hipotética situación.
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Fenomenología
CALLEJÓN DE LOS MILAGROS (1995) Del director Jorge Fons, se trata de la interpretación del libro homónimo del egipcio Naghip Mahfouz, premio Nobel de Literatura, adaptado por Vicente Leñero, de tres historias que se desarrollan en un barrio marginal en el centro de la Ciudad de México, que retrata la idiosincrasia de la vida de estos habitantes que confluyen en este barrio, mostrando sus aspiraciones, relaciones y contradicciones, para terminar en tragedia. La propuesta escenográfica se estructura en tres capítulos,al estilo del realismo italiano de los años 50, cuentan la misma historia de acuerdo a los tres personajes, para que en el cuarto sea el epílogo donde se entrecruzan las tres historias. Premios: Ariel a mejor película; Premios Goya a mejor película iberoame ricana, dirección, guion, mejor actriz a Margarita Sanz; Festival de Cine de Berlín: mención especial por la excelente calidad narrativa; Festival de Cine de Gramado: mejor director, mejor actriz secundaria a Margarita Sanz; Festival de Cine de Paraguay: mejor actriz a Margarita Sanz; Festival del Cine de Valladolid: mejor película y mejor actor a Bruno Bichir; Festival del Cine de Guadalajara: premio de audiencia; Festival del cine de La Habana: gran premio coral, mejor director, mejor guion a Vicente Leñero; Festival Internacional de Cine de Chicago, premio de audiencia. NOSOTROS LOS NOBLES (2015) De Gary Alazraki, es una comedia de enredos siguiendo el formato de la película El gran Calavera de Luis Buñuel (1949) y utilizada en Nosotros los pobres (1948), drama de Ismael Rodríguez de ahí la relación con el nombre; trata de la problemática de una familia apellidada Nobles, de un empresario, que al tener un primer infarto toma conciencia de la poca educación financiera que tienen sus tres hijos ya mayores de edad, pero sin oficio ni beneficio y elabora un plan de quiebra financiera para llevarlos a vivir escondidos a su antigua casa abandonada en el centro de la Ciudad de México. Al ponerlos a trabajar en lo que puedan se enfrentan a un medio diferente, para ellos hostil, pero los tres logran adaptarse hasta hacerse independientes como empresarios. La moraleja es que la cultura emerge aún en situaciones críticas, que pueden derribar, si se lo proponen, las barreras sociales para interactuar con los aportes de cada clase en pro de una empresa en común. Una anécdota del director Alazraki, autor del guion, es que para ilustrar el pasatiempo de los juniors en el pasatiempo de estar compitiendo entre ellos con propuestas empresariales bizarras, pidió a sus amigos que le ayudarán a hacer esas propuestas y la que ganó es la del servicio de gasolina a domicilio, pues dice que sí funciona y ya se ha realizado.
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LAS NIÑAS BIEN (2018) Dirección y guion de Alejandra Márquez. Basada en la obra homónima de Guadalupe Loeza, Premios: Tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2018. Premio Ariel LXI a: mejor actriz, mejor música, mejor vestuario y mejor maquillaje. Festival de cine de Málaga, mejor película Iberoamericana. La protagonista, mujer de clase alta en Ciudad de México, vive en el fraccionamiento de Las Lomas, con todo su status y forma de vida en conjunto a sus amigas, el drama viene con la crisis financiera de 1982.
NOCHE DE FUEGO (2021) Dirección de Tatiana Hierzo, basada en la novela de Jennifer Clement Prayers for the Stolen (2012). Se trata de un tema viral en México que son las incursiones que hacen los grupos delictivos en las poblaciones rurales, para secuestrar niñas. En este poblado, para protegerlas, las rapan del cabello y las visten como niños. Ahí viven tres amigas desde la infancia, que en una ocasión va a otro poblado a las fiestas, para ver la actuación en un jaripeo del hermano de una de ellas; éste las reconoce pues, se había salido desde más pequeño y se había involucrado con grupos delictivos. El drama se produce cuando una camioneta llega al pueblo a buscar a estas jóvenes. Premios: Estreno en el Festival de Cannes, mención especial en la sección Un Certain Regard. Fue preseleccionada por México para el Oscar 94.
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Fenomenología
ALEJANDRO GONZALEZ IÑÁRRITU Originario de la Ciudad de México, a los 17 años se lanzó a la aventura fugándose con una mujer mayor; conoció Estados Unidos, Barcelona y Sicilia; la segunda aventura fue viajar en un barco carguero para costear el viaje hacia Europa junto con un amigo. Estuvo en España seis meses y trabajó en la vendimia en un pueblo de Toledo. A su regreso se inscribió en la Universidad Iberoamericana en la carrera de Comunicación. En 1985 empezó su carrera como locutor en la estación de Radio WFM y dos años más tarde dejó la carrera de Comunicación para dedicarse de lleno al radio. En 1987 llegó a ser director de esta estación cuyo sello es la música de rock, con su talento la llevó a ser la más popular. Durante esta etapa logró entrevistar a personajes de la música como Robert Plant, David Gilmour, Elton Jhon, Bob Geldof y Carlos Santana. De 1987 a 1989 compuso la música para seis películas mexicanas. En los años 90 creó la empresa Z Films con Raúl Olvera con la meta de producir, escribir y dirigir películas, cortos, audiovisuales, anuncios y programas de televisión. En esa época estudió dirección artística con Ludwik Margules y con Judit Weston, en los Ángeles. En 1995 Iñárritu escribió y dirigió su primer piloto de televisión, “Detrás del dinero”, protagonizado por Miguel Bosé. A partir del 2000 se ha consagrado como director, guionista y productor a nivel internacional, teniendo reconocimiento además de los premios Oscar al ser el primer latinoamericano en ser nombrado Presidente del jurado en el Festival de Cannes en 2019. AMORES PERROS (2000) De Alejandro González Iñárritu y guion de Guillermo Arriaga, es un drama que trata de una crítica social entorno a las luchas clandestinas de perros con apuestas, el nivel social con sus costumbres y valores ilustradas con tres familias de diferentes estratos, que la vida las une de manera circunstancial, sin interactuar ni conocerse en un trágico accidente. Es una película cruda que ha tenido éxito en países del Este de Europa. Se estrenó en el Festival de Cannes y ganó el gran premio de la crítica; en ese año fue la película más premiada y fue nominada al Óscar como la mejor película extranjera. 21 GRAMOS (2005) La segunda película de la dupla González Iñaturri y Guillermo Arriaga, explora la relación fenomenológica de tres personajes que no tienen relación entre sí y es a través de un percance que se relacionan sin conocerse. El principal personaje es un enfermo cardíaco (Sean Penn) que requiere un trasplante de corazón y lo obtiene producto de un choque donde muere el esposo del personaje de Naomi Watts y las dos hijas de ese matrimonio, el causante del accidente es el personaje de Benicio del Toro, un ex presidiario, que al sentir culpa se entrega y es nuevamente encarcelado. La trama resalta el drama de los tres personajes. La película fue nominada para el León de Oro de Venecia y Sean Penn ganó el premio Volpi en la categoría de mejor actor. Tanto Benicio del Toro como mejor actor secundario y Naomi Watts, como mejor actriz fueron nominados para los premios Oscar. 32
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BABEL (2005) De Alejandro González Iñárritu. Esta tercera película, de la nombrada como trilogía de la muerte, trata sobre el realismo urbano, con tramas de cuatro historias conectadas a partir de un suceso. Escrita también por Guillermo Arriaga, las historias están ubicadas en tres continentes y cuatro países: Marruecos, Estados Unidos, Japón y México. Con un elenco y producción de nivel internacional hollywoodense, con actores como Brad Pitt, Cate Blanchett y Gael García Bernal. La trama se desarrolla en Marruecos, un par de niños pastores toman el rifle de su padre, que lo obtuvo como agradecimiento al ser guía de un cazador japonés. Ellos quieren saber si el rifle puede servir para disparar a distancia y le apuntan a un transporte turístico a lo lejos, éste se detiene y ellos huyen para guardar el rifle. La bala que impacta al interior del autobús, hiere a una turista estadounidense (Cate Blanchet) quien viaja con su esposo (Brad Pitt) sin sus dos hijos pequeños, con el propósito de re encontrarse emocionalmente después de haber sufrido la pérdida de su otro hijo; se detienen en un pequeño poblado donde son auxiliados en casa del veterinario. Los turistas se sublevan para continuar su viaje dejando a la pareja en espera de auxilio por parte de su Embajada. En ese contratiempo, avisan a su casa de la demora por el accidente y la empleada doméstica que cuida a sus dos hijos en su casa cerca de la Frontera con México, trastocando el compromiso de ir a la boda de su hijo en Tijuana.
Cuando su otro hijo llega por ella para llevarla y ella, imposibilitada de que alguien cuide a los niños, decide llevarlos con el plan de regresar en la noche. Sin prever que el problema de sacarlos del país es un delito, y no es problema en la aduana para entrar a México, pero sí para entrar a Estados Unidos. La boda se prolonga hasta altas horas de la noche en un barrio peligroso y, para evitar la aduana, se da una persecución en una zona de terracería. El hijo que está alcoholizado, deja a su madre y a los dos niños abandonados en el campo desértico. La nana deja a los niños para buscar ayuda y afortunadamente los encuentran con vida, ella es deportada y el padre, evita ejercer una demanda. Las autoridades marroquíes encuentran al pastor y al rifle y eso lo liga al cazador japonés, quien tiene una hija sordomuda que pasa por una crisis existencial al borde del suicidio que es evitado por el policía que llega a su casa a hacer la investigación del rifle. Babel en 2007 ganó el Globo de Oro a la mejor película dramática, fue nominada a siete categorías para los premios Oscar, entre ellos, mejor película y mejor dirección. Solo consiguió el Oscar a la mejor banda sonora del compositor y músico argentino Gustavo Santaolalla. 33
Fenomenología
BIRMAN (2014) Dirigida por Alejandro Gonzalez Iñaturri, fotografía de Emmanuel Lubezki, filmada en Nueva York, es protagonizada por Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Wats y Amy Ryan. Aquí Iñaturri explora la comedia negra, el guion fue realizado por en conjunto con Nicolás Giacobone, Alexander Dilenaris Jr. y Armando Bo. El tema es muy interiorista dentro del drama, dirigido hacia la personalidad de los personajes, comenzando con el principal del que lleva el nombre. Se trata de un actor de Hollywood en decadencia que, en sus años de éxito, personificó a el superhéroe Birman y en su deseo para resarcirse en montar una obra teatral basada en un cuento de Raymond Carver, donde él la ha escrito, la dirige y la produce, para lo cual ha invertido todo lo que tiene con la esperanza de alcanzar el reconocimiento de actor dramático, fuera del cliché de superhéroe comercial. Las vicisitudes de montar la obra con los actores como estrellas veleidosas, aunado a que el protagonista sufre de alucinaciones, donde dialoga con su antiguo personaje Birman, quien lo conmina a producir una nueva película del superhéroe. En el estreno de la obra cambia el arma de ficción por una verdadera y en la escena del suicidio, se dispara en la cara. Se crea la conmoción y ya en el hospital le dicen que la crónica de la periodista critica teatral, quien en una entrevista le había prometido asesinar con su crítica la obra, la calificó positivamente por haber creado un nuevo tipo de teatro, el superrealismo, al haber incluido en la obra el intento de suicidio. Premios: Para la 87 edición de los premios Oscar, los considerados de más reconocimiento a nivel internacional, de un total de nueve nominaciones, obtuvo cuatro Oscar a mejor película, mejor director, mejor guion original y mejor fotografía. Premios BEFTA de diez nominaciones obtuvo el premio a la mejor fotografía. En los Globos de Oro tuvo premios en el mejor guion y al mejor actor de comedia musical. Se estrenó en el Festival de Venecia.
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EL RENACIDO (2015) Esta película se basa en el libro homónimo de Michael Punke sobre la épica Odisea de Hugh Glass, un aventurero en la época del viejo Oeste 1823, de cazadores de pieles, en Dakota del Sur, miembro de una expedición, fue atacado por un oso grizzly, con la pierna rota, la garganta perforada y la piel lacerada, fue dejado con dos compañeros para asistirlo en su agonía. Estos lo abandonaron llevándose su rifle y pertenencias. Lo épico del caso, es que se resistió a morir, en principio por el instinto de sobrevivencia, aunado al deseo de venganza por aquellos que le habían quitado su rifle y su dignidad. La historia cuenta que reptó durante meses, alimentándose de insectos y raíces, sobreponiéndose a el inclemente invierno, hasta alcanzar el fuerte Kiowa. Fue atacado, algunos lo ayudaron, curándose las heridas, enfrentó hambre y frío, sobreponiéndose al dolor de sus heridas; su deseo de venganza se transformó más en la lucha humana por la vida, de tal manera que cuando se enfrentó a los compañeros que lo abandonaron, a uno le perdonó la vida, al otro le fue imposible de acceder pues se alistó en el ejército; la superación la tuvo al dejar ir como parte de su transformación. La historia forma parte del mito popular que ha construido al espíritu americano. La película es la protagonizada por Leonardo di Caprio y Tom Haydy. Tuvo 12 nominaciones al Oscar 2016 y ganó tres: mejor director, mejor actor y fotografía por Emmanuel Lubezki; Globos de Oro 2016 por mejor película, mejor dirección, mejor actor; Premios BAFTA: mejor película, mejor fotografía, mejor sonido, mejor dirección, mejor actor. Como detalles, el proyecto se grabó fuera del set en parajes naturales, la escena del oso fue muy compleja en cuanto a la dirección y es de mencionar que Leonardo di Caprio comió un pez crudo solo con los dientes y un hígado crudo siendo vegetariano, así como permanecer dentro de un caballo en descomposición.
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GUILLERMO DEL TORO Originario de Guadalajara, estudió en el Centro de Investigaciones Cinematográficas de Guadalajara; desde ese entonces se interesó por el género fantástico y de terror, teniendo unas preferencias por los insectos, monstruos y robots. Fanático de la revista Famous Monster of Filmland, con ella aprendió a utilizar una sustancia llamada nitrocelulosa y trabajó durante 10 años en diseño de maquillaje y creación de máscaras o personajes míticos. Su gusto por el género fantástico, lo ha llevado a ser la base de su trabajo, en cuanto a los detalles de las escenografías de ambientes tétricos o fantasmagóricos, mientras que sus guiones, están impregnados de leyendas o cuentos de hadas y la inclusión de seres ficticios. Su gusto por la biología le da fundamentos en la creación de seres. Expresa estar enamorado de los monstruos, su fascinación es de índole antropológica, al estudiarlos y disecarlos para saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan. A este gusto le añade la pasión por la relojería y las máquinas, sobre todo antiguas. Para nuestro gusto sigue siendo un niño, que con sus historias nos hacen recuperar, a los que vivimos con intensidad, esas épocas de fantasía. EL ESPINAZO DEL DIABLO (2001) Es una película española con guion de Guillermo del Toro, Antonio Trashorras y David Muñóz. El tema es un drama-terror desarrollado durante la Guerra Civil española (1936-1939), en un orfanato para niños de padres republicanos. En el marco de sus conflictos, aparece una bomba sin explotar en el patio y. fiel al estilo de Del Toro, la inclusión de un fantasma. Recibió una nominación a los Premios Goya a mejores efectos especiales y vestuario en el 2002; Premio Méliès Dòr la nominó a mejor película y el Saturn Awards hizo lo propio a mejor película de terror. EL LABERINTO DEL FAUNO (2007) La película del género de fantasía se ubica al final de la Guerra Civil española en 1944. La protagonista, una niña de 11 años, similar a Alicia en el País de las maravillas, encuentra en las ruinas un laberinto donde habita un personaje mítico, el fauno, quien le dice que ella en realidad es una princesa y para recobrar su condición debe pasar tres pruebas. Una historia clásica de la mitología griega. Premios: Oscar 2007: mejor diseño de producción, mejor fotografía, mejor maquillaje y peinado; Premio Goya: mejor guión original, mejor actriz, mejores efectos especiales, mejor dirección de fotografía, mejor maquillaje, mejor sonido, mejor montaje; Premios BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, mejor maquillaje, mejor diseño de vestuario; Premio National Society of Film Critics Award: premio Independent Spirit Award por mejor fotografía, premio Satélite a mejor película, Costume Designers Guild Award al mejor vestuario; Premio Ariel a la mejor película, mejor fotografía, mejor música original, mejor vestuario, mejor diseño del arte, mejor maquillaje, premio Hugo a la mejor presentación dramática y Saturn Awards a la mejor interpretación de actriz. 36
Cine Mexicano
TITANES DEL PACÍFICO (2013) Dirección de Guillermo del Toro y escrita junto a Travis Beacham, es una película estadounidense de ciencia ficción de 2013. Ambientada en el año 2025, trata de una invasión de Kaijus, monstruos de gran tamaño, de otra dimensión, que a través de un portal en el fondo del océano se han podido introducir, con el único objetivo de destruir a la Tierra. Nos recuerda desde la Odisea, por la lucha heroica y las sagas de Godzilla, el icono japonés de los dibujos animados. La reacción de las naciones de la Tierra es olvidarse de los nacionalismos que los separan para hacer un frente común, desarrollando una tecnología de guerra, al crear monstruos análogos que los puedan combatir de manera igualitaria, los Jaegers, robots gigantes tripulados por dos pilotos conectados de manera neuronal. Y es aquí donde se retoma, también de la cultura anime japonesa, la robótica llamada mecha. LA CUMBRE ESCARLATA (2015) Dirección y guion de Guillermo del Toro. Es una película norteamericana de drama-terror-gótica. Está ambientada a finales del siglo XIX. Su protagonista se casa con un barón inglés, quien se encuentra en quiebra y se dedica a casarse con señoras ricas para apoderarse de sus fortunas y eliminarlas. El drama que vive con el marido que la intenta envenenar y la hermana, con la cual el marido lleva una relación incestuosa; es el tema central de esta película, que aunque el nombre nos puede dar la idea de un paraje medieval en una épica batalla, se trata de la mina que extrae en la propiedad de barro color rojizo. Un tema similar al de Profundo Carmesí, de Arturo Ripstein. LA FORMA DEL AGUA (2018) La referencia viene de historias como El monstruo de la laguna negra, un humanoide anfibio. La belleza de un diseño ambiguo, como es la sirena, en este caso un masculino en su género en cautiverio, para hacerle pruebas científicas hasta disectarlo sin respeto por su vida, con la actitud natural por la ciencia, que todo ser vivo es un simple objeto. Esta situación hace reaccionar a una humilde intendente en horario nocturno, para actuar con empatía, tal vez por su misma condición de segregada social, de ser pobre y muda. El diálogo que se establece entre estos dos seres, a través de las señas, ambos son mudos, permite establecer una humana relación. Premios: 13 nominaciones al Oscar 2018 a mejor película, mejor dirección, mejor banda sonora y mejor producción; Globos de Oro: 8 nominaciones y dos mejores premios a banda sonora y mejor dirección; Premios BAFTA con 13 nominaciones y 3 ganados a mejor banda sonora, mejor diseño de producción y mejor dirección.
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Fenomenología
PINOCHO (2022) Pinocho, es un remake de la versión animada pero adaptada a un musical, dirigida por Guillermo del Toro y basada en ilustraciones de Gris Grimly. Fue acogida por una crítica cálida en México gracias a la colaboración de del Toro y obtuvo los premios Oscar 2022 y Globo de Oro a la mejor película animada. La propuesta de Del Toro es hacer una versión de este cuento infantil, más humana al introducir la fusión de video con stop motion. La película está situada en la Italia con el gobierno de Mussolini y será un tema recurrente desde la muerte de Carlo hasta el reclutamiento de Pinocho en una escuela militarizada. Al principio tenemos una imagen de Gepetto oscura y triste, a quién lo atraviesa su pasado, y es ese momento lleno de amor a su hijo, con quién lleva una vida tranquila y de un buen ciudadano italiano. Sin embargo, un misil cae en la iglesia en donde se encontraba Carlo, quien muere inmediatamente. Gepetto al perder a su hijo se sume en una depresión que acompaña de alcoholismo, y un buen día lluvioso, Gepetto decide derribar el pino que yacía sobre la tumba de Carlo, y que además, es el hogar del grillo. En ese momento recrea a su hijo en un muñeco y el hada azul aparece y decide darle vida a Pinocho. También involucra al grillo pidiéndole que cuide de pinocho. Gepetto se queda muy borracho dormido y al despertar se encuentra con Pinocho que tiene vida y además, baila y canta. En esta versión de Guillermo del Toro, Pinocho y Gepetto viven muchas aventuras junto con el grillo y un mono que es la mascota del dueño del circo.
Pinocho, 2022
Pinocho es secuestrado por ellos y obligado a trabajar, mientras que Gepetto cruza Italia tratando de encontrarlo y a la par, un sargento también los persigue porque quiere llevarse a Pinocho a ese campamento de niños militares para que Pinocho sea entrenado y llevado a combatir a la guerra. La historia se vuelve más profunda con las múltiples muertes que Pinocho llega a tener en el camino y que cuentan con la aparición de otra hada en el inframundo en el que se ve atrapado cuando muere. Y es que a pesar de que Pinocho tiene un alma humana este sigue siendo un muñeco que a diferencia de los humanos no tiene una vida cíclica, sino que puede revivir cuantas veces quiera. Está es una cuestión filosófica bastante interesante pues apela a la siempre incógnita de si el alma y el cuerpo están unidos en materia, así como de sí existe un alma. 38
Cine Mexicano
Mirar al pasado y estructurarlo es una manera de hacer conciencia de nuestro legado, del cómo, en cada campo tenemos éxitos que pasan desapercibidos y al final olvidados. México es un país joven y la muestra de esta nueva generación de cineastas, fotógrafos y actores mexicanos promete otras nuevas eras de oro. Cuando se conjuga el talento visual con el escrito, sólo basta mirar al entorno para plasmar aquello que hace notable este pueblo. Desde nuestra perspectiva, al mirar a México con este nuevo cine, que rebasa la visión esquemática gringa de la frontera norte como traspatio, de un México decadente, dominado por la miseria y de relaciones incestuosas, como la película Los hijos de Sánchez, con Antony Quin (Antonio Reyes) y Dolores del Río. El distanciamiento social de la vida fuera de México, nos hace mirar de manera global las problemáticas que tenemos, pero también, las que nos hace muy particulares como mexicanos. Al tener la oportunidad de conocer otros países como Egipto y la India, nos otorga esperanzas que estos nuevos cineastas mexicanos miren a otros aspectos de México que nos llene de orgullo. Alicante España, 2014
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