Diseño de colección 26-2 Tendencias de la moda Resultados de la asignatura de “Tendencias de la moda” Docente: María Luisa Martinez Silva Alumnos: Fátima de Jesús Gil Hernández Andres Alberto Alor Castillejos Elena Muriel Palacios Salazar Licenciatura en Diseño de Modas, 6to Semestre Ediciones G Coordinación editorial: Alejandra Palmeros Montúfar Edición: Diana Laura Ruiz Ortiz Universidad Gestalt de Diseño Av. 1ro. de Mayo No. 113 Col. Obrero Campesina Xalapa, Ver. México gestalt.edu.mx
CONTE
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Romantic Lace Revival Fátima de Jesús Gil Hernández
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Dimensional Andrés Alor
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Bohemian Buccaneer Muriel Palacios
Romantic Lace Revival Fátima de Jesús Gil Hernández 6
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Introducción La industria de la moda se encuentra en constante evolución, retomando elementos del pasado para adaptarlos a las necesidades y preferencias actuales de los consumidores. Una de las tendencias más destacadas para la temporada Primavera-Verano 2026 es el Romantic Lace Revival, una propuesta que recupera el encaje como elemento principal de diseño y lo reinventa mediante siluetas modernas, transparencias sutiles y combinaciones contemporáneas. Esta tendencia consiste en incorporar encajes delicados, detalles artesanales y acabados románticos en prendas como vestidos, blusas, faldas y conjuntos coordinados. Su estética se inspira en la feminidad, la nostalgia y el estilo bohemio, creando una imagen elegante y sofisticada sin perder frescura y modernidad.
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La relevancia del Romantic Lace Revival dentro del contexto actual de la moda radica en su capacidad para responder a la búsqueda de prendas con mayor valor estético, textura y personalidad. Además, refleja el interés creciente por la artesanía, el diseño detallado y la reinterpretación de elementos clásicos, convirtiéndose en una tendencia que combina tradición e innovación para satisfacer las demandas del consumidor contemporáneo.
Contexto histórico El encaje ha sido un elemento importante en la historia de la moda desde el siglo XVI, cuando comenzó a utilizarse como símbolo de estatus social y lujo entre la nobleza europea. Durante los siglos XVII y XVIII, los encajes elaborados a mano adornaban vestidos, cuellos, mangas y accesorios de la aristocracia. Con la Revolución Industrial en el siglo XIX, la producción mecanizada permitió que este material fuera más accesible, expandiendo su uso a diferentes sectores de la sociedad.
El encaje ha sido un elemento importante en la historia de la moda desde el siglo XVI, cuando durante la época victoriana (1837-1901), el encaje adquirió un significado asociado a la feminidad, el romanticismo y la elegancia. Posteriormente, en las décadas de 1920 y 1930, comenzó a utilizarse en vestidos más ligeros y sofisticados. En los años setenta, el movimiento bohemio retomó el encaje como parte de una estética libre, artesanal y natural. En la actualidad, el Romantic Lace Revival recupera estos elementos históricos y los adapta a las necesidades estéticas de la moda contemporánea.
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Evolución Estilos
Materiales
El encaje ha evolucionado desde ser un símbolo exclusivo de riqueza hasta convertirse en un recurso de diseño versátil. Su uso ha transitado por diferentes estilos: • Clásico y aristocrático (siglos XVI-XVIII). • Romántico victoriano (siglo XIX). • Glamour hollywoodense(1930-1950). • Bohemio y artesanal (1970). • Minimalista y lencero (1990). • Romántico contemporáneo (2020-2026).
Originalmente, los encajes eran elaborados manualmente con lino, seda y algodón. Actualmente se producen mediante técnicas industriales que permiten incorporar fibras sintéticas, mezclas textiles y acabados tecnológicos que mejoran la resistencia, elasticidad y comodidad de las prendas.
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Siluetas Las siluetas asociadas al encaje también han cambiado a lo largo del tiempo: • Vestidos voluminosos y estructurados en los siglos XVII y XVIII. • Siluetas ajustadas y corsetería en la época victoriana. • Vestidos rectos y ligeros en los años veinte. • Prendas fluidas y relajadas en los setenta. • Vestidos lenceros en los noventa. • Siluetas amplias, cómodas y versátiles en la actualidad, combinadas con transparencias estratégicas y detalles artesanales.
Análisis sociológico de la tendencia El Romantic Lace Revival refleja diversos cambios sociales y culturales presentes en la actualidad. Esta tendencia surge en un contexto donde los consumidores buscan prendas con mayor significado emocional, autenticidad y conexión con la historia, alejándose de la moda rápida y del consumo impulsivo. El regreso del encaje responde al interés por los detalles elaborados y las prendas que transmiten personalidad y sensibilidad. Asimismo, la influencia de las redes sociales y de estéticas como el estilo bohemio, vintage y romántico ha impulsado la popularidad de esta tendencia entre las nuevas generaciones.
Desde el punto de vista del comportamiento del consumidor, existe una creciente preferencia por prendas versátiles que combinen comodidad, elegancia y autoexpresión, permitiendo crear estilos únicos y personalizados. Además, el Romantic Lace Revival refleja una transformación en la percepción de la feminidad, que actualmente se entiende como una forma libre de expresión y empoderamiento. Por ello, esta tendencia no solo representa una propuesta estética, sino también una respuesta a las necesidades de identidad, individualidad y conexión emocional que caracterizan a la sociedad contemporánea.
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Análisis de temporadas Primavera
Verano
En Primavera, predominan los colores suaves como blanco, marfil, rosa empolvado, lavanda y verde salvia. Los materiales son ligeros y frescos, destacando el encaje de algodón, las gasas y los tejidos translúcidos. Las prendas suelen incluir vestidos fluidos, blusas románticas y faldas midi que aportan comodidad y feminidad para climas templados.
Durante el Verano, la tendencia incorpora colores claros y luminosos como blanco, crema, beige arena y amarillo mantequilla. Los materiales son aún más ligeros y transpirables, favoreciendo la frescura mediante transparencias, encajes delicados y siluetas holgadas. Predominan vestidos lenceros, conjuntos coordinados, tops de encaje y prendas de inspiración bohemia diseñadas para ofrecer comodidad y ligereza en temperaturas elevadas.
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Localización de tendencia Para 2026, WGSN pronostica que el encaje evoluciona de ser un básico romántico a una textura protagonista. Destaca en dos corrientes clave: el estilo Romance Reimaginado, con motivos artesanales y tradicionales, y el estilo Cabaret Embrujado, que utiliza encaje negro intenso para looks de personalidad audaz y chic.
A nivel nacional, en México, esta tendencia puede observarse en ciudades como Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, donde se concentran eventos de moda, escuelas de diseño, showrooms, concept stores y marcas emergentes que reinterpretan el encaje y la estética romántica dentro de un contexto contemporáneo.
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Características y estilos de la tendencia WGSN y los reportes de moda integran el encaje de 2026 a través de estas directrices: •
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Efecto Layering (Superposición): Las transparencias y el encaje se superponen con intención, asomándose en puños, cuellos o por debajo de corsés y tops en contrastes chic. Lencería a la vista: El encaje traspasa la ropa interior para convertirse en un elemento visible y estructural en el día a día. Materiales opulentes: Se trabaja en combinación con terciopelos, satenes y bordados pesados, dejando atrás su uso aislado. Patrones complejos: Los estampados incluyen jacquards y motivos ornamentados para dar un acabado más lujoso y texturizado.
En el estilo formal, la tendencia se presenta a través de vestidos largos, conjuntos con aplicaciones de encaje, blusas sofisticadas y prendas confeccionadas en materiales como satín, seda y encajes finos. Predominan colores elegantes como marfil, negro, borgoña y azul profundo. La principal característica de este estilo es la sofisticación, ya que el encaje aporta lujo visual, delicadeza y exclusividad, convirtiéndose en un elemento ideal para eventos especiales y ocasiones de etiqueta. En el estilo casual se adapta mediante blusas ligeras, vestidos midi, faldas fluidas y detalles de encaje combinados con mezclilla o prendas básicas. Los colores suelen ser suaves y naturales, como blanco, beige, rosa empolvado y verde salvia. La principal característica de
esta versión es la versatilidad, ya que permite incorporar elementos románticos en la vida cotidiana sin perder comodidad ni funcionalidad. Además, refleja una estética relajada inspirada en el estilo bohemio contemporáneo. En el estilo deportivo, el Romantic Lace Revival se reinventa mediante la combinación de elementos románticos con prendas inspiradas en el athleisure. El encaje aparece como detalle decorativo en sudaderas, conjuntos coordinados, chamarras ligeras, tops y prendas de punto. Se utilizan materiales elásticos y cómodos que favorecen la movilidad, mientras que los colores neutros y pastel aportan suavidad visual.
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Bohemian Buccaneer 24
Muriel Palacios
Introducción Este proyecto introduce al concepto Bohemian Buccaneer una tendencia macro que explora el punto de encuentro entre la nostalgia romántica y la mezcla de la indumentaria corsaria/bucanera. Esta tendencia fusiona la fragilidad de tejidos etéreos de seda y encaje con la rigidez estructural del cuero. Es relevante en el contexto histórico actual de la moda ya que es la evolución del estilo boho-chic y el Gothcore, marcas de lujo y diseñadores independientes están reinventando el estilo bohemio de los años 70´s, con una estética más utilitaria inspirada en el estilo pirata. Es la evolución natural hacia una estética más audaz y menos perfecta.
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Contexto histórico El contexto histórico de la tendencia no está marcada en un solo momento de tiempo, sino tres sucesos relevantes, el primero es la era dorada de la piratería que va desde el año (1670-1730). La principal estructura de la tendencia nace en los siglos XVII y XVIII. Los piratas reales no vestían uniformes; su ropa era un reflejo de su estilo de vida nómada y de saqueo. Los piratas mezclaban prendas robadas de la aristocracia (como abrigos de brocado, sedas y terciopelos) con la vestimenta utilitaria de los marineros (pantalones anchos, camisas de lino rústico y pañuelos para protegerse del sol).
Movimiento Romántico del Siglo XIX (1790 – 1850) Aquí es donde la rudeza del pirata se suaviza y se vuelve poética. El Romanticismo fue un movimiento artístico y cultural que rechazaba la frialdad de la Revolución Industrial y abrazaba las emociones intensas, la naturaleza salvaje y la nostalgia por el pasado. El Espíritu Bohemio (Siglo XIX al renacimiento de los años 70) La palabra “bohemio” se usaba originalmente en Francia para describir a los artistas, escritores y viajeros que vivían al margen de las normas sociales, priorizando el arte y la libertad.
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Evolución • • •
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Siglo XVIII-XIX: Indumentaria Utilitaria y Romántica original. Años 70: El auge del estilo bohemio (Fluidez, encajes, capas). Años 80: El movimiento New Romantic (Teatralidad, piratería punk, Vivienne Westwood). Años 2000: Pirate Chic (Impulsado por el cine y marcas de lujo independientes, un look más gótico/glam). 2026/Actualidad: Bohemian Buccaneer (Foco en la sostenibilidad, cuero recuperado, deconstrucción textil y fluidez de género).
Análisis sociológico de la tendencia El Deseo de Escapismo frente a la Hiper-Digitalización. Vivimos en una sociedad saturada por pantallas, algoritmos e Inteligencia Artificial. En este entorno hiper-tecnológico y predecible, surge una fatiga digital colectiva. •
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El consumidor experimenta una profunda necesidad de escapismo y fantasía. La figura del Bohemian Buccaneer actúa como un avatar de libertad. Vestir con capas dramáticas, encajes del siglo XIX y cueros envejecidos es un acto de resistencia romántica contra la frialdad del mundo digital; es la búsqueda de una narrativa analógica y misteriosa en un presente hiper-vigilado.
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Comportamiento del Consumidor: Autenticidad vs. Fast Fashion El perfil del consumidor actual está fuertemente marcado por la búsqueda de la individualidad y la ética en el consumo. La uniformidad estética impuesta por las tendencias virales de las redes sociales ha generado un contra-movimiento.
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Análisis de temporadas Primavera/Verano es mérito al pirata náutico y bohemio a través de la transparencia, la soltura y la frescura del lino; Otoño/Invierno se inclina hacia el capitán romántico y oscuro, valiéndose del peso del cuero, la lana, el terciopelo y la sastrería histórica para estructurar y proteger el cuerpo.
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Localización de tendencia Las agencias globales han identificado este fenómeno bajo macroconceptos que analizan el diseño de dos a tres años antes de que llegue a las tiendas. •
WGSN (Worth Global Style Network): La agencia líder global mapea esta tendencia dentro de sus macrotendencias de diseño para 2026 a través de varios de sus reportes:
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Theatrical Romance / Nocturnal Illumination: El reporte de color y estética para las temporadas de 2026 destaca las paletas oscuras de tintes históricos (Cherry Lacquer, Mystic Purple y grises/ negros) donde conviven el encaje, la estética victoriana y los detalles maximalistas.
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Características y estilos de la tendencia El estilo casual requiere funcionalidad y versatilidad. La tendencia se justifica aquí mediante el uso de textiles duraderos y de fácil cuidado (lino, mezclilla, cuero) que mejoran visualmente con las arrugas y el desgaste natural. La soltura bohemia garantiza la comodidad, mientras que las botas y los cinturones piratas aportan la estructura necesaria para que el look no se vea desarraigado.
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El deporte exige ergonomía, protección contra el clima y flexibilidad. La tendencia se justifica al adoptar los elementos más utilitarios del pirata (ropa que resiste la intemperie, ajustes que no estorban al movimiento) y transformarlos con tecnología textil moderna. La soltura boho se traduce en el confort oversize deportivo, logrando una estética agresiva, urbana y lista para la acción.
El estilo formal exige pulcritud y estatus. La tendencia responde a esto utilizando textiles tradicionalmente lujosos (terciopelo, seda) y estructuras rígidas (corsés, sastrería militar naval) que estilizan la figura y proyectan poder, mientras que los detalles románticos suavizan el conjunto aportando sofisticación artística.
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Introducción El layering es una de las tendencias más relevantes en la moda actual y consiste en la superposición de varias prendas dentro de un mismo atuendo. Más allá de una función práctica, esta técnica permite crear looks con mayor profundidad visual, volumen y personalidad, combinando diferentes largos, texturas y siluetas en una sola propuesta. Su popularidad ha crecido porque responde a una forma más libre y creativa de vestir. Actualmente, la moda busca alejarse de las reglas rígidas y dar espacio a la experimentación, permitiendo que
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cada persona construya una imagen propia a través de las capas. Además, el layering se adapta fácilmente a distintos estilos, desde propuestas minimalistas hasta estéticas más maximalistas y conceptuales. Esta tendencia es especialmente relevante porque aporta versatilidad a las prendas y fomenta una visión más consciente del guardarropa, al generar nuevas combinaciones con piezas ya existentes. Por ello, el layering se ha convertido en una herramienta clave dentro de la moda contemporánea, tanto en el diseño de colecciones como en el estilo cotidiano.
Contexto histórico Uno de los momentos más importantes para el desarrollo del layering como recurso creativo ocurrió durante las décadas de 1970 y 1980. En estos años surgieron movimientos culturales que cuestionaban las normas tradicionales de la moda, como el punk, el movimiento artístico posmoderno y diversas corrientes de moda alternativa. Estas influencias promovieron la mezcla de prendas, texturas y estilos aparentemente contradictorios, dando mayor libertad a la construcción del atuendo.
Dentro de la industria de la moda, diseñadores como Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto fueron pioneros en el uso de capas como elemento central de diseño durante los años ochenta. Sus propuestas rompieron con las siluetas ajustadas y convencionales de la época, introduciendo volúmenes amplios, prendas asimétricas y combinaciones de múltiples capas que transformaron la percepción tradicional del cuerpo y la ropa. Posteriormente, otros diseñadores continuaron explorando este lenguaje visual, consolidando el layering como una herramienta de expresión creativa.
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En cuanto a los materiales, esta tendencia ha favorecido el uso de tejidos ligeros y flexibles que permiten la acumulación de capas sin limitar el movimiento. Entre ellos destacan el algodón, lana ligera, el lino, las mezclas sintéticas y diferentes textiles técnicos utilizados en la moda contemporánea. La combinación de materiales con distintos pesos y texturas es precisamente uno de los recursos que aporta riqueza visual a este tipo de propuestas.
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Respecto a las siluetas, el layering suele relacionarse con formas amplias, holgadas y deconstruidas. Las prendas se superponen para generar volumen, profundidad y contrastes entre largos y proporciones. Esta característica se ha visto reforzada por la influencia de la moda japonesa, el diseño conceptual y las tendencias actuales que buscan una mayor libertad en la forma de vestir.
Análisis sociológico de la tendencia Desde una perspectiva sociológica, el layering refleja varios cambios en la forma en que las personas se relacionan con la moda y construyen su identidad. En una sociedad cada vez más diversa, esta tendencia permite una mayor libertad de expresión, ya que cada persona puede combinar prendas de distintas maneras para crear un estilo propio. Más que seguir una regla específica, el layering se adapta a diferentes gustos, estilos de vida y contextos culturales. También está relacionado con los cambios en el comportamiento del consumidor actual. Hoy en día, muchas personas
buscan sacar mayor provecho de las prendas que ya poseen, creando nuevas combinaciones sin necesidad de comprar ropa constantemente. Esto conecta con un interés creciente por el consumo consciente, la versatilidad y la durabilidad de las prendas. A nivel cultural, la influencia de las redes sociales ha contribuido a la popularidad del layering, ya que permite crear atuendos visualmente interesantes que destacan por sus contrastes de formas, texturas y proporciones. Además, la tendencia responde a una sociedad que valora cada vez más la individualidad y la creatividad personal.
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Análisis de temporadas El layering suele estar más asociado a las temporadas Otoño/Invierno debido a la necesidad práctica de utilizar varias capas para protegerse de las bajas temperaturas. Sin embargo, en la moda contemporánea ha trascendido esta función y se ha convertido en un recurso de diseño que también aparece en colecciones Primavera/
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Verano mediante el uso de tejidos ligeros y siluetas más fluidas. Aun así, es durante Otoño/Invierno donde esta tendencia alcanza su mayor protagonismo, ya que las prendas de sastrería, abrigos, chalecos, camisas y tejidos de punto permiten explorar de manera más amplia el juego de capas y volúmenes que define al layering.
Localización de tendencia La tendencia del layering se desarrolla y difunde principalmente en los principales centros de moda internacionales (WGSN), donde diseñadores, marcas y consumidores experimentan constantemente con nuevas formas de vestir. A nivel nacional, esta tendencia suele encontrarse en zonas urbanas con una fuerte actividad creativa, donde existe una mayor interacción entre moda, arte y cultura contemporánea. Espacios como universidades de diseño, estudios creativos, con-
cept stores, ferias de moda y eventos especializados funcionan como puntos de difusión donde las nuevas tendencias son adoptadas y reinterpretadas por distintos públicos. Actualmente, los centros virtuales son uno de los principales medios del layering. Redes sociales como Instagram, TikTok y Pinterest, igual que revistas digitales, blogs y plataformas de comercio electrónico, permiten que esta tendencia llegue de manera inmediata a consumidores de todo el mundo.
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Características y estilos de la tendencia La propuesta de esta colección surge de la combinación entre la tendencia del layering y el trabajo del artista Frank Stella. El layering aporta la idea de construir las prendas a través de varias capas, jugando con diferentes largos, volúmenes y texturas para crear mayor profundidad visual. Esta tendencia permite que una misma prenda tenga más dimensión y que cada elemento forme parte de una composición más compleja sin perder funcionalidad.
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Por otro lado, el trabajo de Frank Stella se caracteriza por el uso de formas geométricas, líneas marcadas, composiciones repetitivas y una fuerte exploración del color y el relieve. En muchas de sus obras, especialmente en sus piezas tridimensionales, las formas parecen superponerse y expandirse fuera del plano, generando sensación de movimiento y profundidad. Su manera de organizar figuras y volúmenes ofrece una fuente de inspiración que puede trasladarse fácilmente al diseño de moda.
La unión de ambos conceptos da como resultado una colección donde las capas no solo cumplen una función estética, sino que también representan la construcción de las composiciones de Stella. Los cortes geométricos, las sobreposiciones de telas, los paneles y las diferentes alturas de las prendas buscan recrear el efecto visual de sus obras, mientras que las siluetas amplias permiten resaltar el volumen característico del layering. Schwarze Weisheit #2, State III (2000), Frank Stella.
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Diseño de colección 26-2 Tendencias de la moda Se formó con las tipografías Montserrat y Cormorant Garamond en sus variantes itálica y bold. Publicación para medios digitales Xalapa-Enríquez, Veracruz Septiembre 2026