The Editorial México 004 Julio 2026

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Historias que inspiran

ecía Arthur Schopenhauer que en la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino una música hecha realidad. Y es que hay personas cuya trayectoria trasciende el éxito profesional porque entienden que el verdadero impacto ocurre cuando el talento se pone al servicio de los demás. Por eso me llena de orgullo que la portada de esta cuarta edición impresa de The Editorial sea Alondra de la Parra.

Más allá de ser una de las directoras de orquesta más importantes y una figura reconocida a nivel internacional, Alondra representa algo que admiramos profundamente: la capacidad de construir comunidad. A través del Festival PAAX GNP, ha creado un espacio donde la música se convierte en encuentro, inspiración, aprendizaje y transformación.

Este año se celebra la quinta edición de un proyecto del que, de alguna manera, también me siento parte. He tenido la fortuna de asistir desde su primera edición y ser testigo de su crecimiento. Año con año me sorprende la manera en que este festival logra emocionar, conectar generaciones y acercar la música a públicos cada vez más diversos. Lo que sucede en cada concierto, así como en cada encuentro entre artistas y espectadores es difícil de explicar con palabras; hay que vivirlo para comprender la magnitud de lo que Alondra y su equipo han construido.

En nuestra conversación, Alondra nos habla del reto de mantener vivo y en constante evolución el Festival PAAX GNP, de su vida en Madrid, de la maternidad y de la manera en que la música puede convertirse en una herramienta capaz de transformar la vida de los jóvenes. Una entrevista honesta, cercana e inspiradora que refleja a la mujer detrás de la batuta.

Esta edición también nos lleva hasta Guadalajara para conocer ARRRE, la nueva marca de Karla Laveaga. Desde el emblemático Rancho de los Fernández realizamos una sesión fotográfica extraordinaria que captura la esencia de una propuesta que celebra nuestras raíces desde una mirada contempo -

ránea. Gracias infinitas a Karla por su confianza y a Ale Infante por hacer posible esta producción. Nos emociona ver cómo nuevos talentos mexicanos continúan encontrando caminos innovadores para expresarse dentro de la industria de la moda. La colección es espectacular y demuestra que la creatividad mexicana atraviesa uno de sus momentos más interesantes.

Asimismo, los invito a descubrir nuestra sección The Editorial España, un espacio que sigue fortaleciendo los lazos culturales entre México y España. En estas páginas encontrarán conversaciones con Juan Suárez, Rocío Peralta y Daniela Villegas.

Y esto es solo una parte de todo lo que encontrarán en estas páginas. Historias de talento, creatividad, esfuerzo y pasión que nos recuerdan que las grandes ideas nacen cuando las personas se atreven a construir algo más grande que ellas mismas.

Gracias por acompañarnos en una edición más de The Editorial. Gracias por leer, por compartir y por formar parte de esta comunidad que sigue creciendo junto a nosotros. Su confianza nos impulsa a seguir contando historias que inspiran, conectan y dejan huella.

ORIGEN HECHO EN MÉXICO

Inspirados en la influencia de Pedro Ramírez Vázquez en los años sesenta, Gramo reinterpreta el legado de una figura clave de la arquitectura mexicana en unos lentes.

TEXTO Y FOTOS: IÑAKI VARELA

LA HERENCIA ARQUITECTÓNICA DE PEDRO

RAMÍREZ VÁZQUEZ encuentra una nueva interpretación gracias a una colaboración entre Gramo y el archivo del legendario arquitecto. La marca mexicana de eyewear liderada por Diego y Javier Graue presentó Origen, el primero de dos modelos que explorarán distintos momentos de la trayectoria del arquitecto a través del diseño de lentes.

Para desarrollar Origen, Gramo tomó como referencia los lentes que Pedro Ramírez Vázquez utilizaba durante los años sesenta, una década decisiva en su carrera. Fueron años en los que participó en proyectos que terminarían definiendo una parte importante del México contemporáneo, desde el Museo Nacional de Antropología hasta el propio Estadio Azteca y la identidad gráfica de los Juegos Olímpicos de México 68.

El resultado es un armazón que mantiene una estética limpia, elegante y muy vinculada al modernismo de aquella época. El diseño incorpora

una silueta panto-geométrica, un puente elevado y una construcción en acetato Mazzucchelli de alta densidad hecho a mano en Japón.

Uno de los elementos más interesantes aparece en las varillas, donde se integra una “X” como homenaje a uno de los símbolos recurrentes dentro del pensamiento visual de Ramírez Vázquez. La geometría, las intersecciones y la construcción de sistemas visuales fueron parte constante de su trabajo, tanto en arquitectura como en diseño gráfico. La colaboración refleja el interés por volver a mirar archivos, historias y personajes que ayudaron a construir la cultura visual del país. En el caso de Gramo, esa búsqueda se manifiesta en una pieza que funciona muy bien tanto para quienes conocen la obra de Ramírez Vázquez como para quienes aprecian el buen diseño. La historia, como la firma del arquitecto, está ahí para quien quiera descubrirla, integrada de manera tan natural dentro del objeto como lo estaba en sus edificios.

NUEVA YORK CON TOQUE LATINO

J Balvin, la familia Coppel y Guadalupe Rosales encabezan una noche para celebrar la cultura latina en Nueva York.

DESDE HACE CINCO DÉCADAS, EL MUSEO

DEL BARRIO se ha convertido en una de las plataformas más importantes para el arte lantinoamericano en Estados Unidos, acompañando la evolución de una comunidad con una influencia cultural destacable. Esta relevancia fue notable en la Gala 2026 de El Museo de Barrio, celebrada en el Mandarin Oriental de Nueva York.

La noche reunió a artistas, coleccionistas, filántropos y empresarios y líderes culturales en torno al reconocimiento a las persona e instituciones que han contribuido a expandir la presencia de la cultura latina. Entre los homenajeados estuvieron Isabel y Agustín Coppel, dos de las figuras más activas dentro del coleccionismo y la promoción

del arte contemporáneo en México, así como al músico J Balvin. Sus colaboraciones con artistas, diseñadores y creativos han convertido al colombiano en una figura habitual dentro de circuitos de la escena cultural.

El Museo del Barrio también dió a conocer a la ganadora del Maestro Dobel Latinx Art Prize 2026-2027, la artista Guadalupe Rosales. Ella se ha convertido en una de las voces más interesantes del arte contemporáneo estadounidense gracias a una práctica basada en el archivo y la comunidad. Su trabajo surgió a partir de la ausencia de las experiencias latinas dentro de muchos relatos oficiales sobre la historia cultural de California. A través de proyectos como Vetera-

TEXTO: IÑAKI VARELA

nas and Rucas y Map Pointz, comenzó a recopilar fotografías, recuerdos y testimonios compartidos por miembros de distintas comunidades latinas, construyendo un archivo vivo que hoy se ha transformado en una referencia para entender la cultura chicana contemporánea.

Como parte del reconocimiento, Rosales realizará una exposición individual en El Museo del Barrio durante el próximo año, ampliando una trayectoria que ha ganado cada vez más atención dentro de la escena artística internacional. La velada también logró recaudar un millón de dólares para apoyar futuras exposiciones, programas educativos, actividades públicas bilingües y la preservación de la colección permanente del museo.

Referente latino en Estados Unidos

Desde su apertura en 1969 y por más de 55 años, el Museo del Barrio en Nueva York se ha consolidado como el mayor exponente cultural de la comunidad latina en el país vecino.

JUAN SUÁREZ Y EL ARTE DE CREAR LEGADO

La llegada de Suárez a México confirma que el verdadero lujo no entiende de geografías, sino de historia, legado y vínculos que trascienden generaciones.

En el marco de la llegada de Suárez a México de la mano de El Palacio de Hierro, conversamos con Juan Suárez, representante de la tercera generación de una de las casas joyeras más importantes de España. La firma ha construido un legado basado en la excelencia artesanal, la calidad excepcional de sus piedras y una filosofía que entiende el lujo desde la permanencia y no desde la tendencia. En una época marcada por la inmediatez, Suárez sigue apostando por crear piezas destinadas a acompañar historias familiares durante generaciones.

Para Juan Suárez, la llegada de la firma a México era casi un paso natural. “La relación transatlántica México-España surge de manera natural. Es un paso para las marcas españolas en su internacionalización”, explica. Una visión que encuentra sentido en dos mercados que comparten más similitudes de las que podrían parecer a simple vista.

Lejos de los estereotipos asociados al consumo de lujo, Juan considera que tanto mexicanos como españoles valoran cada vez más la autenticidad, la calidad y el trabajo artesanal. “Mucha gente espera que el mexicano sea muy consumista de marca y no es así. Eso nos beneficia porque nosotros no somos una marca basada en logos. Creemos en otra manera de entender el lujo”.

Esa manera de entender el lujo es precisamente la esencia de Suárez. Un concepto que se refleja tanto en el diseño de sus piezas como en la experiencia que ofrece la casa joyera, donde el protagonismo siempre recae

en la calidad de los materiales y en el trabajo de los artesanos.

Más que diseñar joyas para el presente, Suárez busca crear piezas capaces de resistir el paso del tiempo. “Las piezas tienen que trascender el tiempo. Tienen que ser contemporáneas dentro de cuarenta años”, señala Juan. Una tarea que requiere no solo visión creativa, sino también una selección rigurosa de materias primas y una ejecución impecable. “La gran materia prima y el trabajo de los artesanos son parte esencial de todo lo que hacemos”.

Esa búsqueda de la permanencia tiene una relación directa con la idea de legado, una palabra que atraviesa la historia de la firma desde sus orígenes. Cada pieza está concebida para convertirse en algo más que un objeto de lujo: en una herencia emocional capaz de acompañar a distintas generaciones de una misma familia.

Durante los últimos años, Juan ha visitado México con frecuencia y ha sido testigo de la transformación cultural que vive la capital. Un proceso que observa con admiración y que considera fundamental para el desarrollo de marcas como Suárez. “Es de las pocas ciudades donde me siento como en casa. Me encanta venir. La ciudad ha mutado de una manera increíble y esa evolución cultural ayuda muchísimo a construir una nueva identidad”.

Sin embargo, más allá del mercado, lo que más le ha sorprendido del país ha sido la calidez de su gente. “Aquí les gusta recibir” comenta. Una hospitalidad que ha fortalecido

TEXTO: MARÍA DEL MAR BARRIENTOS

FOTOS: CORTESÍA

el vínculo de la marca con México y que refuerza la sensación de cercanía entre ambos países.

La mujer mexicana también ocupa un lugar especial dentro de su visión. Juan la describe como una mujer alegre, expresiva y con una relación muy natural con la joyería. Una mujer que incorpora las piezas a su vida cotidiana y que entiende el lujo como una extensión de su personalidad. Hoy, con presencia en El Palacio de Hierro, la firma española inicia una nueva etapa en nuestro país. Un capítulo que mira hacia el futuro sin perder de vista los valores que la han definido durante más de ochenta años.

TEXTO: DANIELA ALAZRAKI

ROCÍO PERALTA:

Entre herencia y modernidad

Volantes, siluetas y movimiento redefinen el traje de flamenca desde una mirada que equilibra técnica, identidad y evolución.

Hablar con Rocío Peralta es entender el traje de flamenca desde la construcción y el movimiento. Lo que comenzó como una herencia cultural se transformó en una fascinación por los volúmenes, los volantes y la manera en que una prenda cobra vida al moverse. “El traje de flamenca siempre ha estado presente en mi entorno, y con el tiempo pasó de ser algo que admiraba a algo que necesitaba entender y construir”, cuenta. Detrás de cada diseño hay una complejidad técnica que muchas veces pasa desapercibida. “Muchas veces se habla de colores o estampados, pero la verdadera diferencia está en cómo está construido el traje desde la base. Un buen patrón lo cambia todo”. Para Peralta, encontrar el equilibrio entre ajuste, comodidad y movimiento sigue siendo uno de los mayores retos del proceso. Su trabajo parte del respeto por la tradición, pero incorpora nuevas siluetas, tejidos y colores. Cada pieza comienza escuchando a la mujer que la llevará, porque, como ella misma explica, “la identidad no solo está en el diseño, sino en cómo encaja con quien lo viste”.

JOYAS CON ALMA PROPIA

La diseñadora mexicana ha encontrado en la naturaleza una fuente inagotable de inspiración para construir un universo propio.

La naturaleza, el color y la imaginación conviven sin límites en el universo creativo de Daniela Villegas. Sus joyas, inspiradas en escarabajos, piedras preciosas y criaturas fantásticas, se convierten en pequeños talismanes cargados de simbolismo y emoción.

“México es abundancia, biodiversidad y fiesta”, nos cuenta . Esa riqueza visual y cultural se ha convertido en una de las grandes fuentes de inspiración de la diseñadora, mezclándose con las experiencias y referencias que ha acumulado a lo

largo de los años. Como resultado sus piezas son maximalistas, coloridas y llenas de personalidad misma que celebra la libertad, la individualidad y la belleza de lo inesperado. Su colaboración con el Marbella Club Hotel llegó a un punto de encuentro natural en esa fascinación compartida por el entorno. “Al ser la naturaleza la musa de mis joyas y el hotel un Edén, fue muy fácil y placentero crear piezas con una esencia juguetona y con mensajes de renovación, gracia y buen vivir”.

COVADONGA RODRÍGUEZ:

LA MUJER DETRÁS DE CLO

A través de técnicas transmitidas de generación en generación, Covadonga

Rodríguez

crea prendas que honran el pasado mientras dialogan con el presente.

DESDE HACE MÁS DE UNA DÉCADA, CLO HA CONSTRUIDO UN UNIVERSO donde la moda va mucho más allá de las tendencias. Detrás de cada pieza hay artesanos, bordadoras y oficios transmitidos de generación en generación que encuentran una nueva vida a través de una mirada contemporánea. “CLO está construida sobre conocimientos y saberes mucho más antiguos”, explica Covadonga. Esa relación entre pasado y presente es el corazón de la firma. A través de materiales nobles, técnicas tradicionales y un profundo

respeto por el trabajo artesanal, CLO crea piezas pensadas para conectar con quien las lleva. “Para nosotros, trascender significa honrar el pasado mientras creamos algo nuevo”. Gran parte de ese proceso ocurre en colaboración con artesanas que mantienen vivos oficios históricos, como el encaje de bolillos. Lejos de reproducir estas técnicas exactamente como fueron concebidas, la marca apuesta por reinterpretarlas y llevarlas a nuevos territorios. “Lo más interesante ocurre cuando esas artesanas aceptan experimentar algo distinto. Ahí surge la magia”.

Sin embargo, la inspiración no proviene únicamente de los oficios. Las mujeres ocupan un lugar central en su proceso creativo. “Me inspira mucho observar a las mujeres, entender cómo quieren sentirse y qué les ayuda a proyectar seguridad”. A esa mirada se suman la naturaleza, los paisajes mediterráneos y el espíritu libre y optimista de los años setenta, referencias que aparecen de forma constante en sus colecciones. Más allá de la estética, CLO busca crear piezas que acompañen a las mujeres y les permitan sentirse seguras de quienes son. Esa filosofía

también ha guiado la evolución de la marca. Con el tiempo, Covadonga entendió que no era necesario conectar con todo el mundo. “Lo importante es seguir creando con honestidad y dedicar la energía a aquello que realmente puede florecer”. Esa misma visión se refleja en su definición del éxito. Para ella, no tiene que ver únicamente con resultados o reconocimiento, sino con la tranquilidad de saber que las cosas fueron creadas desde un lugar auténtico. “El éxito es estar en paz con uno mismo”. Una idea que resume perfectamente el universo de CLO.

SOPHIE AND LUCIE:

MODA, FAMILIA Y UNA IDENTIDAD PROPIA

Inspiradas por todo lo que las rodea, Sofía y Lucía han construido una firma donde la moda va más allá de las tendencias para convertirse en una expresión de identidad y permanencia.

DETRÁS DE SOPHIE AND LUCIE HAY UNA VISIÓN compartida por dos hermanas que decidieron construir algo propio. Aunque crecieron rodeadas del mundo de la moda gracias a la marca que su madre dirigió durante más de 30 años, cuando llegó el momento de emprender su propio negocio, sabían que querían empezar desde cero. “Queríamos hacer algo completamente distinto, empezar desde cero y construir una identidad propia”, recuerdan. No es casualidad que la firma lleve sus nombres. Desde el principio quisieron que reflejara su visión, su sensibilidad y su manera de entender la moda. Lo que comenzó como un proyecto creativo pronto se convirtió en algo mucho más personal. “Queríamos que fuera una marca profundamente vinculada a nosotras, a nuestra visión y a nuestra forma de entender la moda”.

Compartir este proyecto como hermanas sigue siendo una de las partes más importantes de la historia. Más allá de las colecciones y el crecimiento de la marca, existe una idea que guía todo lo que hacen. “Para nosotras se trata de construir algo juntas, algo que pueda permanecer en el tiempo y convertirse en un legado”.

La inspiración puede aparecer en cualquier lugar: una película, una exposición, una tienda vintage, un paisaje o un viaje. Mantenerse abiertas a lo inesperado forma parte de su proceso creativo. Pero hay una sensación que sigue siendo irremplazable. “Cuando diseñas algo y tienes la intuición de que va a conectar con la gente, sientes muchísima satisfacción”.

Esa conexión con las mujeres que llevan sus diseños es, precisamente, el corazón de Sophie and Lucie. La marca fue concebida pensando en mujeres con vidas

multifacéticas: madres, amigas, profesionistas y mujeres que buscan piezas capaces de acompañarlas en distintos momentos. Después de años construyendo la firma, ver a alguien usando una de sus prendas sigue siendo emocionante. “Cuando vemos a alguien en la calle usando Sophie and Lucie, nos genera una emoción inexplicable”.

Hoy, mientras continúan creciendo y expandiéndose a nuevos mercados como México, mantienen intacta la misma ilusión que tenían al principio. Quizá porque, como ellas mismas reconocen, Sophie and Lucie ocupa un lugar muy especial en sus vidas. “Para mi hermana y para mí, Sophie and Lucie es prácticamente un hijo más”.

Hecho en MEXICO

De la mano de Andrik Álvarez y junto a diseños de firmas locales como The Targó, Fábrica de Punto y Diego Zúñiga redescubrimos la pasión por la moda y el deporte.

REALIZACIÓN: JORGE ALFÉREZ | FOTÓGRAFO: ROGER VEKSTEIN | STYLING: RODRIGO ALCÁNTARA | MAQUILLAJE: LEONEL URDANETA | PEINADO: LEONEL URDANETA PARA SEBASTIÁN | VIDEO: DANA ARCINIEGA | LOCACIÓN: HOTEL CONDESA DF

20 AÑOS DESPUÉS

El elenco original de la versión mexicana de Hoy no me puedo levantar se reúne veinte años después y junto a ellos pudimos confirmar que “hay llamas que ni con el mar”.

Fue en 2006 cuando Alan Estrada, Fernanda Castillo, Luis Gerardo Méndez, Valeria Vera, Jannette Chao, Gerardo González, Rogelio Suárez, José Daniel Figueroa y Erika Tahís llegaron al Centro Cultural Teatro 1 de la Ciudad de México para protagonizar Hoy no me puedo levantar, un musical con canciones de Mecano que rápidamente se convirtió en todo un suceso de la cartelera en México y que hasta hace un par de años continuaba vigente con nuevas generaciones de actores que interpretaban a tan entrañable personajes y canciones.

Pero como diría Mecano, “la fuerza del destino los hizo repetir” y hoy, el elenco original se reencontró para volver a pisar el escenario de uno de los teatros más emblemáticos de México. En palabras de Fernanda Castillo, “Pensar en volver veinte años después me llena de nostalgia. Aquí empezó todo, justo en este escenario. Éramos muy chicos y aunque la pasábamos muy bien, también peleábamos por ser vistos, por ganar un lugar en esta industria. Hoy volver aquí representa sueños cumplidos y una gran complicidad”. Y vaya que hay una gran complicidad, tanto como una entrañable amistad. Han crecido juntos, se han acompañado en diversas etapas de la vida y verlos en la actualidad compartir el escenario o el camerino es como si no hubiera pasado el tiempo. Valeria Vera, Rogelio Suárez y Gerardo González concuerdan en que “han pasado los años, 20 para ser exactos, pero han sido años de amor, de compañía y de una gran amistad. Hoy es muy lindo poder volver a estar juntos”. Como bien dicen: cuando un amor es verdadero, es eterno; ello pude comprobarlo compartiendo un día con todos ellos. Asimismo, en su caso

“ Aquí empezó todo, justo en este escenario. Hace 20 años peleábamos por ser vistos, por ganar un lugar en esta industria. Hoy volver aquí representa sueños cumplidos”.

—Fernanda Castillo

el amor no se limita únicamente a aquella fraternidad que se consolidó veinte años atrás, sino que también sienten un gran amor por el teatro, por la música, por Mecano y, claro está, por el público que los ha acompañado por tantos años. “No me suelten la mano, que el viaje es infinito, le digo a toda la gente que me ha acompañado por tantos años, a aquellos que han seguido mi carrera y por quienes quiero dar lo mejor de mí en todo momento”, expresa con emoción Alan Estrada, una pieza clave de esta historia y de su regreso, veinte años después.

“Estar aquí es volver a conectar con quienes fuimos hace tantos años, es muy lindo lo que está sucediendo. Es volver a sentir esa emoción al pisar este escenario como cuando lo hice por primera vez hace tantos años”, expresa ilusionado Luis Gerardo. “El viaje de la vida es infinito y tarde o temprano todos nos reencontramos. Es entonces que te das cuenta que el tiempo no arruina lo que es verdadero”, agrega José Daniel Figueroa, respecto al cariño que se tienen entre todos. En palabras de Jannette: “Lo que comenzó en este escenario explotó y nos llevó a cada uno de nosotros a diversos lugares, pero luego de estos veinte años tengo tanto que agradecer”. Hoy no me puedo levantar es “compañerismo, hermandad y un reencuentro con grandes amigos y conmigo misma. Veinte años después es regresar a mi centro, a una gran felicidad y una verdadera amistad”, puntualiza Erika.

Algo queda claro: la ciudad será México. ¿La fecha? ¡2026! Y el reencuentro sucederá, 20 años después.

REALIZACIÓN Y TEXTO: JORGE ALFÉREZ | ENTREVISTAS Y PRODUCCIÓN: LUCÍA LANZ | FOTOS: ROGER VEKSTEIN | STYLING: AXEL RUIZ | ASISTENTE DE STYLING: KEVIN HERNÁNDEZ | MAQUILLAJE: KARIANA MARTÍNEZ Y PETER SNOWS PARA REVLON COSMETICOS | PEINADO: KARIANA MARTÍNEZ Y PETER SNOWS PARA HOT TOOLS | MAQUILLAJE FER CASTILLO: GER PARRA | PEINADO FER CASTILLO: GABIOKKA | GROOMING LUIS GERARDO MENDEZ: ALE VELARDE | LOCACIÓN: CENTRO CULTURAL TEATRO 1

Conectar con nuestras raíces es volver a lo esencial, a aquello que somos en verdad. Para Karla Laveaga, protagonista de esta sesión junto a Tiffany & Co. y ARRRE, firma de moda que recientemente lanzó, es vivir plenamente el momento y así disfrutar de un presente eterno.

Karla Laveaga

“ Mi mayor orgullo es que estoy compartiendo un pedacito de México con todo el mundo”.

“Estar en esta faceta de mi vida ha sido de lo más placentero”, nos confiesa Karla. Y vaya que luego de haber compartido todo un día a su lado, podemos confirmarlo.

Karla es detallista, meticulosa y disfruta de cada momento. Ello ha sido plasmado en ARRRE, su nueva firma de ropa, merch y accesorios que queremos llevar puesta de pies a cabeza.

“Mi mayor orgullo es que estoy compartiendo un pedacito de México con todo el mundo”, expresa al hablar de su primera colección, misma que fue presentada durante la reciente semana de la moda de Guadalajara y que ahora está lista para ser vista y vestida por todo el mundo. “Presentarme en Fashion Week fue increíble y más la respuesta del público, tengo el corazón lleno y muy agradecido. Debo confesar que también sentí muchísimo nervio porque sabía que iba a estar en el ojo del público, más sabiendo que estaba representando a Alejandro, quien siempre cuida mucho todo lo que hace, pero de verdad le puse todo el corazón y creo que se sintió”.

ARRRE es un sueño cumplido, no solo por tratarse de una meta en su vida sino por la confianza compartida. “Estoy muy agradecida de que Alejandro creyera en mí y en mi potencial. Creo que soy una persona que cuando me propongo algo me fijo en cada detalle e intento hacerlo perfecto; soy virgo (risas), por ello, ver este sueño ya hecho realidad en verdad me hace sentir muy plena”.

Pero para crear ARRRE, no bastó solo con un poco de inspiración, pues el trabajo que hay detrás habla de volver a la raíz, a donde todo comenzó y de paso, compartir un poco de su gran amor por México. “Esta colección está inspirado en Jalisco, en nuestras raíces, pero también lo está en la vida

de Alejandro, en cómo creció llevándolo a lo urbano sin perder nuestra esencia y personalidades”. Y hablando de su esencia, es inevitable encontrarla en cada detalle de esta colección. “ARRRE tiene mi personalidad desenfadada, pero también arreglada. Yo amo todo lo genderless y por eso quise hacer todo así. Siento que algo que yo amo es robarle ropa a Alejandro y de ahí también surgió la inspiración”. Asimismo, asegura que ARRRE va con todo, tal como lo demostró durante nuestra sesión junto a Tiffany & Co. “Lo que más me gusta es que va perfecto con todo, y ante todo, ARRRE combina con la personalidad de cada cual. Al final, cada prenda cuenta una historia tanto como cada persona vive la propia, y cuando esos dos factores se unen, la combinación es perfecta”.

Más allá de la inspiración y diseños de esta primera colección, algo que llama mucho la atención es la combinación entre moda y merch, la cual es parte fundamental de la firma. Al respecto, Karla nos cuenta: “Siempre tuve muy claro que quería darle un giro 360 a lo que conocemos como merch, pues quería llegar a los fans y no fans, por eso quise unificarlo bajo un mismo nombre, sabiendo que después iba a desarrollar la colección y así enseñarle a la gente cómo puedes combinar algo muy básico con algo muy elaborado”.

Si algo queda claro luego de compartir todo un día a su lado es que Karla Laveaga tiene un objetivo claro: compartir su pasión con todo el mundo, tanto como quiere expresar y exponer a través del arte y la moda su gran amor por México y las raíces que nos unen. “ARRRE es para todos. El chiste es atreverse y mi mayor orgullo es que estoy compartiendo un pedacito de México con todo el mundo”.

“

Debo confesar que ARRRE me hace sentir muy orgullosa. Quienes me conocen dicen que cuando hablo de la marca se me ilumina la mirada y eso me emociona muchísimo”.

CINCO ANOS CONSTRUYENDO EL UNIVERSO DEL FESTIVAL PAAX GNP

“No imagino ningún proyecto que no tenga el propósito de ayudar a las siguientes generaciones y dejar algo positivo en la comunidad”.

“

El nivel de exigencia que me he puesto es altísimo: tengo que resolver una cantidad de música muy grande en muy poco tiempo. Cuando estoy ahí, dirijo en diez días lo que normalmente se haría en una temporada entera”.

— Sobre el Festival Paax GNP.

Así será la quinta edición del Festival Paax GNP

Desde el Hotel Xcaret Arte en Riviera

Maya y entre el 23 de julio y el 2 de agosto, Alondra de la Parra volverá a conquistar al público asistente en la quinta edición del Festival Paax GNP.

Hay artistas que interpretan obras. Hay otros que transforman comunidades enteras a través de ellas.

Desde hace más de dos décadas, Alondra de la Parra ha construido una trayectoria excepcional dentro de la música clásica internacional. Ha dirigido algunas de las orquestas más prestigiosas del mundo, se ha presentado en escenarios emblemáticos de Europa, América y Asia, y se ha convertido en una de las figuras mexicanas más influyentes dentro de las artes escénicas contemporáneas.

Sin embargo, detrás de la directora de orquesta existe una visión mucho más amplia. Desde el inicio de su carrera, Alondra entendió que la música podía ser también una herramienta de transformación social. Por ello ha impulsado programas educativos para niños y jóvenes, ha creado oportunidades para nuevas generaciones de músicos y directores, y ha convertido cada uno de sus proyectos en una plataforma para construir comunidad.

Esa filosofía ha acompañado iniciativas como Armonía Social, que hoy brinda formación musical a cientos de niños en México, así como diversos programas educativos que ha desarrollado a lo largo de su carrera en ciudades como Nueva York, Sídney, Madrid y Ciudad de México. Para Alondra, el arte no termina cuando cae el telón; comienza precisamente ahí, en la capacidad de inspirar, formar y abrir caminos para otros.

Quizá ningún proyecto represente mejor esa visión que el Festival Paax GNP.

Lo que comenzó hace cinco años

en Xcaret como una reunión de artistas de talla internacional se ha convertido en uno de los encuentros culturales más relevantes de América Latina. Un espacio donde músicos, bailarines, cantantes y creadores de distintas nacionalidades conviven durante días para compartir conocimiento, generar nuevas obras y demostrar que la excelencia artística también puede construirse desde la colaboración y la cercanía humana.

Más que un festival, Paax GNP se ha convertido en una familia. Un lugar donde desaparecen las jerarquías, donde los egos se quedan fuera de la sala de ensayo y donde nacen nuevas composiciones, coreografías y formas de entender el arte colectivo.

En su quinta edición, el Festival Paax GNP celebra no solo un aniversario, sino la consolidación de un sueño que ha logrado unir dos de las grandes pasiones de Alondra de la Parra: la excelencia artística y el impacto social.

Desde Madrid, ciudad donde actualmente reside junto a sus hijos y donde dirige la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, la directora mexicana mira hacia México con la misma emoción de siempre. Y es precisamente esa emoción la que la trae de vuelta a Xcaret para celebrar los primeros cinco años de un proyecto que parece apenas comenzar. Conversamos con ella sobre el crecimiento del Festival Paax GNP, la maternidad, la música, el liderazgo, el arte como motor de transformación y los sueños que todavía le quedan por cumplir.

“ Me conmueve mucho ver que Paax GNP se ha convertido no solo en un referente internacional a nivel artístico, sino en algo único”.

“

No ha habido ningún proyecto en toda mi carrera que no haya tenido un componente educativo o social importante”.

THE EDITORIAL: Este año el Festival Paax GNP celebra su quinta edición. Cuando volteas a ver todo lo que ha crecido desde aquella primera vez en Xcaret, ¿qué es lo que más te emociona o te conmueve?

ALONDRA: Me conmueve mucho ver que se ha convertido no solo en un festival de referencia internacional a nivel artístico, sino en algo único: no hay ningún festival como este en todo el mundo, donde se congregue tal cantidad de talento en un lugar tan paradisíaco como la Riviera Maya, y donde además pueda convivir la audiencia con los artistas de manera tan libre y cercana. Eso es lo que más me emociona. Y, por otro lado, ver que con el paso de estos cinco años se ha consolidado una familia de artistas, donde han surgido coreografías nuevas, obras nuevas, ballets nuevos y sinfonías nuevas. Estas obras que se han comisionado en el Festival Paax GNP han comenzado a recorrer el mundo a través de otras instituciones culturales. Eso me llena de orgullo, así como ver que nuestro programa educativo Armonía Social sigue creciendo. Y pensar que esto es solo lo que hemos logrado en cinco años me emociona aún más por lo que puede venir en la próxima década.

TE: Después de estos cinco años, ¿cómo este festival te ha cambiado la vida?

A: Me ha cambiado en el sentido de que, cada año, vuelvo con gran ilusión a mi país para hacer esto. Me encanta tener ese contacto constante con México.

También me ha cambiado porque el nivel de exigencia que me he puesto es altísimo: tengo que resolver una cantidad de música muy grande en muy poco tiempo. Cuando estoy ahí, dirijo en diez días lo que normalmente se haría en una temporada entera. Para mí es un reto artístico enorme, pero también muy emocionante. Y me llena de alegría ver a tanta gente que regresa año tras año; hay personas que han venido los cinco años, y eso es muy bonito.

TE: ¿Qué experiencias te llevas en el corazón de estos años en el Festival Paax GNP?

A: La complicidad entre los músicos, el esfuerzo, la mezcla de talentos y nacionalidades. Siempre tenemos entre 20 y 25 nacionalidades distintas, y al llegar a Paax GNP todo se neutraliza. Todos se vuelven compañeros. Aunque la mayoría son jefes en sus orquestas o líderes en sus instituciones, aquí se integran como uno más del grupo. El ego se deja en la puerta. Eso va muy en línea con lo que siempre he creído sobre el trabajo en equipo y el liderazgo, y eso me llena de alegría.

TE: ¿Qué retos y satisfacciones te ha demandado el Festival Paax GNP?

A: El reto principal es siempre hacer un festival mejor que el año anterior. Y como realmente han sido festivales ejemplares, siempre pienso en cómo superarlo. Hasta ahora lo hemos logrado. Este quinto aniversario no es la excepción: estamos estirando la liga al máximo.

Introducimos la presencia del coro y orquesta de la Comunidad de Madrid, conciertos corales, una nueva ópera —Carmen de Bizet, en una nueva versión hecha para el Festival Paax GNP, por el Festival— junto con la Fundación ORCAM y el Festival que dirijo en Madrid, Escena Escorial. También tendremos otro estreno operístico, además de la participación del Joffrey Ballet de Chicago. En fin, todo crece: la premier mundial de una obra de Gabriela Ortiz. ¡Hay muchísimo que celebrar! Para mí, el reto ha sido ese: superarnos cada año de alguna manera. Y también ha sido muy gratificante ver cómo mi equipo crece al ritmo del festival; hoy es más sólido y está mejor preparado para una producción de este tamaño.

TE: Hoy parece que cada vez más jóvenes se acercan a la música clásica desde otro lugar, de una manera menos rígida y más emocional. ¿Sientes que estamos viviendo un nuevo momento cultural en la música?

A: Sin duda. Creo que este es el momento más bonito para la mú-

sica clásica y para las artes escénicas en general. Con el exceso de exposición a lo no humano —los aparatos, la inteligencia artificial, lo que se crea con un clic— siento que todos, incluso los jóvenes, nos estamos cansando de eso.

Cuando llegas a una sala de conciertos y te das cuenta de que solo estás rodeado de seres humanos que, con su talento, su inteligencia, su esfuerzo y su capacidad, crean una magia en vivo, única y efímera, entiendes su valor. Es un evento irrepetible que te llevas para siempre. En contraste con lo que vivimos hoy, eso se vuelve mucho más relevante. Por eso veo que la gente joven se está acercando cada vez más a lo que hacemos.

TE: Después de dirigir en escenarios tan importantes del mundo, ¿qué tiene el público mexicano que lo hace distinto para ti?

A: Creo que el pueblo mexicano es muy cariñoso, con una calidad humana muy especial.

TE: Ahora que vives gran parte del tiempo en Madrid, ¿cómo ha cambiado tu manera de vivir la música, la maternidad y el equilibrio personal?

A: Para mí, ha sido como llegar a tierra firme luego de haber sido nómada por tanto tiempo. Pues aunque siempre he llevado conmigo a mis hijos desde que nacieron y sin dejarlos en ningún momento, lo cual representó un esfuerzo enorme a nivel físico, organizacional y económico, hoy poder mantener mis compromisos laborales y, al mismo tiempo, ser la mamá que quiero ser, es un logro enorme.

Llegó un momento en el que pensé que ese equilibrio podía romperse. Entonces apareció la oportunidad de dirigir la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, justo en el momento indicado para encontrar la estabilidad que tanto necesitábamos mis hijos y yo.

Estoy disfrutando muchísimo poder trabajar desde casa y tener ese equilibrio que siempre había anhelado, además de vivir en una ciudad tan bonita.

TE: Madrid es una ciudad profundamente artística y cultural. ¿Qué cosas te inspiran hoy de la vida allá y qué cosas sigues necesitando de México para sentirte completa?

A: Madrid me encanta porque todos los días ofrece algo distinto: teatro, música, danza, ballet, cine… Hay una oferta cultural impresionante y me encanta vivirla.

Por eso, ahora que también estoy al frente del Centro Cultural de San Lorenzo de El Escorial, me interesa contribuir a que esa vida cultural siga creciendo y ampliándose en toda la Comunidad de Madrid, especialmente en una zona tan hermosa como el municipio de San Lorenzo de El Escorial.

¿Y qué me hace falta de México? Yo siempre tendré un pie en México. Ahora regreso al Festival Paax GNP para celebrar nuestra quinta edición con muchísima ilusión. De hecho, este año la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid participarán como invitados en el festival, así que de alguna manera en Paax GNP se unen dos de los proyectos más importantes de mi vida: mis dos familias musicales. Poder lograr eso me inspira y me alegra muchísimo.

TE: Eres mamá, directora de orquesta, creadora de un festival internacional y además lideras proyectos sociales. ¿Cómo lidias con la presión que muchas veces sienten las mujeres que quieren crecer profesionalmente y también estar presentes para sus hijos?

A: Todos los días se trata de priorizar. Para mí, mis hijos están por encima de todo. Procuro reservar momentos muy claros del día que sean exclusivamente para ellos y estar verdaderamente presente en esos espacios: cuando los recojo del colegio, cuando hacemos la tarea, cuando estamos juntos. Intento ser yo quien los acueste por las noches y compartir esas pequeñas rutinas que parecen sencillas, pero que, hechas de manera constante, construyen la experiencia de ser mamá. Muchas veces también me los llevo conmigo cuando es posible e intento involucrarlos en lo que hago. Les cuento qué obra estoy estudiando, las historias detrás de la música y siempre vienen a mis conciertos y a los ensayos. Creo que para ellos también es bonito ver que su mamá disfruta su trabajo. Y para quienes somos madres, es importante recordar que a los niños les hace bien ver que sus padres tienen pasión por lo que hacen. Ese ejemplo también forma parte de su formación. Por supuesto, hay momentos de gran presión y decisiones difíciles, pero trato de navegarlo con la mayor conciencia posible.

TE: ¿Qué consejo le darías a una mujer que está intentando construir una carrera muy demandante sin renunciar a la maternidad?

A: Es un reto enorme. Cuando tienes un trabajo tan demandante como el mío y además la maravillosa responsabilidad de ser madre, no queda mucho espacio para más cosas. Hay que entender que durante muchos años ese será el enfoque principal.

También es importante no olvidarse de una misma. Buscar espacios de paz, algún hobby o actividad que permita desconectarse. En mi caso, el tenis es mi escape. Cuando juego tenis, es mi momento para pensar únicamente en la pelota y olvidarme del trabajo, de los niños y de todo lo demás.

Recomiendo mucho encontrar ese espacio semanal para uno mismo, porque esa pausa permite estar más presente en todo lo demás.

TE: ¿Tus hijos entienden ya la dimensión de lo que haces? ¿Cómo te observan arriba del escenario?

A: Sí, poco a poco empiezan a darse cuenta. Aunque la verdad es que han crecido dentro de este mundo. Desde que nacieron estuvieron en ensayos, en carriolas y entre músicos. Recuerdo incluso alguna ocasión en la que dirigí un ensayo cargando a mi hijo en uno de esos portabebés que se cuelgan en los hombros. Para ellos siempre ha sido algo normal. Cuando eran pequeños y conocían a un amigo nuevo, solían preguntar: “¿Y tu mamá o tu papá qué instrumento toca?”, como si todos los padres del mundo fueran músicos.

Ahora que están más grandes empiezan a comprender mejor lo que hago. También han participado en Armonía Social, tocan ahí y comparten la alegría de los proyectos que desarrollo. Eso me encanta.

TE: En el Festivsl Paax GNP también existe una intención de comunidad y transformación social. ¿Por qué era importante para ti?

A: No ha habido ningún proyecto en toda mi carrera que no haya tenido un componente educativo o social importante. Cuando tenía 24 años, en Nueva York, creé el programa Niños dentro de la Filarmónica de las Américas, dirigido a estudiantes de escuelas públicas de Harlem y Washington Heights. Más adelante, en Australia, desarrollé diversos programas educativos y trabajé mucho con niños. En México impulsé proyectos como Armonía Social y también la Academia de Dirección de Orquesta, que tuvo tres ediciones. Además, he otorgado becas a directores mexicanos para que estudien en el extranjero. Armonía Social, que hoy cumple cinco años, es probablemente el ejemplo más claro de ese compromiso. Actualmente trabaja con alrededor de 300 niños que reciben formación musical y práctica orquestal semanal. Ahora también quiero desarrollar una línea educativa importante en El Escorial.

Festival Paax GNP de talla internacional

En su quinta edición, el Festival Paax GNP contará con la participación de Rolando Villazón, así como con el Coro y la Orquesta de la Comunidad de Madrid y una nueva producción de Carmen dirigida por Bárbara Lluch, entre otras sorpresas y talentos invitados.

Simplemente no imagino ningún proyecto mío que no tenga el propósito de ayudar a las siguientes generaciones y dejar algo positivo en la comunidad.

TE: Después de cinco años de Paax GNP y de todo lo que has construido y transmitido, ¿qué sueños te faltan por cumplir como directora, mujer y mamá?

A: En lo artístico tengo planeado completar un ciclo con todas las sinfonías de Mahler. Me gustaría terminarlo antes de cumplir 50 años, que es justamente la edad que tenía Mahler cuando murió y cuando concluyó su última etapa creativa.

También quiero seguir fortaleciendo el proyecto de la ORCAM, que cada año se consolida más artísticamente. Me interesa trabajar más en ópera, porque me apasiona profundamente, así como seguir desarrollando proyectos interdisciplinarios.

Por ejemplo, me encantaría hacer una segunda parte del trabajo que realicé con Chula The Clown, Gaby Muñoz. Además, el proyecto La vida en azul, basado en la música de Gershwin, ya está listo para emprender giras internacionales.

Y como mujer y mamá, mi sueño sigue siendo cuidar y acompañar el crecimiento de esa hermosa plantita que es la maternidad: ver crecer a mis hijos, estar cerca de ellos y compartir cada etapa de su vida.

TE: ¿Qué podemos esperar este año para el Festival Paax GNP?

A: Viene el maravilloso Rolando Villazón, lo cual representa un verdadero hito tanto para nosotros como Festival Paax GNP como para México. Es un orgullo recibir a un artista mexicano tan admirado y reconocido en todo el mundo.

Por primera vez tendremos un coro en residencia: el Coro y la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Gracias a ello podremos interpretar obras corales monumentales como la Novena Sinfonía de Beethoven y la Segunda Sinfonía de Mahler, además de ofrecer un concierto de zarzuela.

Presentaremos también una nueva producción de Carmen, inspirada en temas contemporáneos relacionados con las redes sociales. Será una puesta en escena muy interesante dirigida por Bárbara Lluch.

Además, contaremos con bailarines del Joffrey Ballet, por lo que realmente estamos celebrando estos cinco años de una manera extraordinaria.

Como cada año, buscamos superar la edición anterior, y esta vez no será la excepción. Estoy muy emocionada y profundamente satisfecha con todo lo que viene para el Festival Paax GNP 2026, que nos recuerda que Vivir es increíble.

“ Cuando mis hijos eran pequeños y conocían a un amigo nuevo, solían preguntar: ‘¿Y tu mamá o tu papá qué instrumento toca?’, como si todos los padres del mundo fueran músicos”.

FESTIVAL PAAX GNP

5 años después

La cantautora mexicana, Natalia Lafourcade, el tenor Rolando Villazón, la soprano Serena Sáenz, el trompetista Pacho Flores y los violinistas Aleksey Igudesman y Nemanja Radulović, junto a bailarines y coreógrafos como Christopher Wheeldon y Joffrey Ballet han sido algunos de los cientos de artistas que desde hace cinco años se han dado cita en el Caribe mexicano y durante el verano para presentarse junto a Alondra de la Parra en el Festival Paax GNP.

Lo que comenzó como un sueño para la directora de orquesta al querer acercar el arte y la cultura a la sociedad mexicana, hoy se ha convertido en un suceso que cada año reúne a grandes invitados para disfrutar del talento internacional que se presenta en el festival que se lleva a cabo en el Hotel Xcaret Arte.

Asimismo, la Orquesta Imposible de Alondra de la Parra ha sido pieza fundamental del festival, estando presente en cada edición y derrochando gran talento en cada presentación.

Este año, podemos esperar la presentación de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), así como la participación de grandes artistas como Gaëlle Arquez, Arturo Chacón, Thomas Encho, Matvey Denim, Leo Rondón y Edicson Ruiz, además del regreso de amigos del festival como Rolando Villazón y Serena Sáenz.

Finalmente, este verano y de la mano del festival, podremos disfrutar de Darkside, una serie de conciertos concebidos como un espacio de encuentro y disfrute compartido entre artistas y público. En ella, los músicos revelan facetas menos conocidas de su trayectoria, explorando con libertad géneros populares y tradicionales que ponen de manifiesto tanto sus afinidades personales como su virtuosismo. El público, por su parte, se deja envolver por la música bajo la luz de la luna que acompaña las noches de la Riviera Maya, en un ambiente relajado y cercano.

Es así como contando con un programa completo que contempla conciertos sinfónicos y presentaciones de ballet, danza y otras disciplinas artísticas, el Caribe mexicano y el Hotel Xcaret Arte están listos para recibir con los brazos abiertos y por quinto año consecutivo a Alondra de la Parra y el Festival Paax GNP, quienes nos recuerdan que Vivir es increíble.

Desde el corazón del Caribe mexicano, en el Hotel Xcaret Arte y por quinto año consecutivo, este verano se celebra una nueva edición del Festival Paax GNP que reúne a Alondra de la Parra con artistas internacionales y momentos inolvidables.

“ Si las nuevas generaciones abrazan la riqueza gastronómica que tiene México, podremos seguir llevándola cada vez más lejos”.

—Robe

TACOS PARIS: la nueva aventura culinaria de Robe Grill

Emprender implica mucho más que compartir una visión de negocio. Significa aprender a escuchar, confiar, ceder y crecer juntos. Para Robe Grill, Andrés Morales y Chema Martínez, la gastronomía se ha convertido en el punto de encuentro donde la experiencia y las nuevas ideas conviven para dar vida a proyectos que buscan dejar huella.

Con conceptos como Tacos Paris y el crecimiento constante de Grupo Robegrill, han demostrado que el éxito no se construye únicamente a partir de grandes aperturas, sino de la capacidad de mantener vivos los proyectos a través del trabajo, la pasión y la disciplina.

THE EDITORIAL: ¿Qué les ha enseñado emprender juntos como padre e hijo?

ANDRÉS: Me ha enseñado a escuchar. A entender que hay personas con una visión diferente a la mía. He aprendido que no siempre mi forma de ver las cosas es la única y que muchas veces las mejores decisiones surgen cuando te permites escuchar otros puntos de vista.

ROBE: Yo he aprendido dos cosas fundamentales: paciencia y valoración. Cuando empezamos, tenía 18 años y era muy inmaduro, tanto en lo personal como en lo profesional. No entendía realmente lo que significaba tener a mi papá como socio. Con el tiempo aprendí a valorar muchísimo todo lo que aporta y también entendí que una relación padre-hijo dentro de una empresa solo funciona con paciencia, comunicación y disposición para escuchar al otro.

TE: ¿Cómo saben cuándo una idea merece convertirse en un restaurante?

ANDRÉS: Creo que realmente no empieza con una idea, sino con una pasión. En nuestro caso, todo surgió a partir del amor por la gastronomía y por cocinar. Así fue como conocimos a Chema y empezamos a construir proyectos juntos.

ROBE: También hemos aprendido que las ideas nunca son perfectas. No existe el momento ideal ni la propuesta perfecta. Lo importante es tener la disposición de ejecutar, asumir riesgos y permitir que el proyecto evolucione.

CHEMA: Además, este proyecto no lo hicimos solamente nosotros. Lo construyó todo un equipo. Cocineros, colaboradores, socios y muchas personas que aportaron algo para que el concepto funcionara. Es un esfuerzo colectivo.

TE: Con este nuevo concepto, Tacos Paris, ¿qué conversación quieren abrir?

ROBE: Queremos abrir una conversación basada en la honestidad, la transparencia y la experiencia. Nos interesaba replantear la forma tradicional de comer tacos, incorporando elementos como el vino y una atmósfera más relajada. Es una propuesta distinta que realmente se entiende cuando la vives.

Nos gusta pensar que es un espacio que invita a vivir el presente. Lo comparamos mucho con un asador. Cuando estás frente al fuego no puedes pensar demasiado en el pasado ni en el futuro; tienes que estar ahí, concentrado en el momento. Nos gusta imaginar que Paris genera esa misma sensación: un lugar donde las personas pueden detenerse un momento y simplemente disfrutar.

TE: ¿Cuál ha sido la lección más valiosa que han aprendido uno del otro?

ANDRÉS: La confianza. Admiro muchísimo la capacidad de liderazgo que tiene Chema.

ROBE: Ver cómo coordina equipos tan grandes y cómo logra que tantas personas crean en un mismo proyecto es algo que me impresiona todos los días. Lo que más me gusta es que la gente realmente se siente parte de lo que estamos construyendo.

CHEMA: Yo aprendo constantemente de ellos, pero algo que siempre me ha sorprendido es la forma en que Andrés logra equilibrar los distintos roles que tiene dentro de la familia y la empresa. Es padre, mentor y socio al mismo tiempo. Saber cuándo asumir cada papel requiere una inteligencia emocional enorme. Además, toda la familia tiene una dinámica admirable y creo que gran parte de ese equilibrio también se debe a la mamá, que muchas veces no aparece en primer plano, pero es fundamental para que todo funcione.

TE: Robe, ¿te imaginabas todo esto que han logrado? La verdad, no. Empezamos hace seis años en medio de la pandemia, en un momento de muchísima incertidumbre. Las redes sociales eran distintas, TikTok apenas comenzaba y no sabíamos exactamente hacia dónde íbamos. Lo único que teníamos claro era que queríamos construir algo bien hecho, basado en nuestros valores familiares: disciplina, responsabilidad, pasión y trabajo en equipo. Todo lo demás ha sido consecuencia del esfuerzo colectivo. Nada de esto sería posible sin todas las personas que forman parte del proyecto y eso es algo que siempre tenemos presente.

TE: ¿Qué los sigue motivando cuando ya han logrado cosas impresionantes?

ANDRÉS: Siento que más que haber logrado cosas impresionantes, hemos tenido la oportunidad de crear proyectos impresionantes. Son dos cosas muy distintas, porque para mí el éxito no es una meta final ni un punto de llegada. Abrir un restaurante ya es un reto enorme, pero mantenerlo vigente, hacerlo crecer y seguir siendo relevante con el paso de los años es todavía más difícil.

ROBE: Para mí, lo más bonito es entender que nunca llegas a un punto en el que puedas decir: “Ya lo logré”. La vida es un proceso y el verdadero éxito está en seguir construyendo, aprendiendo y disfrutando el camino.

CHEMA: Coincido completamente. Para mí, el éxito no se mide en números, sino en realización personal. Si estoy haciendo algo que me apasiona, lo hago bien y las personas lo valoran, entonces ya me siento exitoso. La pasión sigue siendo el motor que impulsa todo lo que hacemos.

TE: ¿Qué les gustaría aportar a la gastronomía mexicana con todos los proyectos que han construido?

ANDRÉS: La gastronomía mexicana es una joya enorme. Mientras más viajamos, más conscientes somos de ello. Nosotros simplemente intentamos ser un vehículo para compartirla y mostrarla al mundo.

ROBE: Gracias a la gastronomía mexicana estamos aquí. No es que nosotros le hayamos dado algo a ella; es al revés. Por eso siento una responsabilidad muy grande con las nuevas generaciones.

Me gustaría que los jóvenes no den por sentado cosas tan simples como una tortilla inflándose sobre el comal o una salsa hecha en molcajete. Esos detalles forman parte de nuestra identidad cultural.

Si las nuevas generaciones abrazan la riqueza gastronómica que tiene México, podremos seguir llevándola cada vez más lejos.

CHEMA: Y, sobre todo, me gustaría que quienes se acerquen a esta industria lo hagan por pasión. La gastronomía exige mucho trabajo, disciplina y compromiso. Si entras pensando únicamente en el dinero, será muy difícil sostener el camino. Cuando existe pasión, todo lo demás encuentra su lugar.

con toque francés

UN VERANO EN NUEVA YORK

Llegó la temporada del año en la que Nueva York se disfruta como nunca bajo el sol y The Mark nos invita a descubrirlo.

“Más que un hotel, puedes ver a The Mark como un gran hogar”, aseguran los huéspedes que han hecho del lugar uno muy especial y familiar. Y es que al hablar de Nueva York es imposible no mencionar a The Mark en la conversación.

El edificio que alberga poco más de 150 habitaciones es más que un referente de Upper East Side, pues resulta el epicentro de grandes acontecimientos y un punto de encuentro para aquellos que buscan hacer de su viaje a la Gran Manzana el más especial e inolvidable.

Desde su inauguración hace casi un centenario, en 1927, el inmueble se consolidó como un referente de la localidad, estando perfectamente bien ubicado en la 77 y Madison Avenue. Su arquitectura fue fuertemente influenciada por el Art Déco, movimiento artístico que tomó fuerza en la década de 1920, misma en la que fue aperturado, y aunque con el tiempo ha sufrido varias modificaciones, su esencia continúa intacta. Es por ello que a casi cien años de su apertura y luego de más de cuatro décadas bajo la firma de The Mark, el hotel continúa siendo un referente imperdible en cada visita a la ciudad y este verano será la ocasión ideal para quererlo visitar.

The Mark Sailboat Este año, la icónica embarcación zarpará desde Chelsea Piers, ofreciendo una experiencia única para disfrutar Nueva York desde el agua.

A bordo del elegante velero Herreshoff de 70 pies, los invitados disfrutarán de un recorrido de dos horas por el New York Harbor con vistas privilegiadas al skyline de Manhattan y la

Estatua de la Libertad, acompañado de una selección gastronómica creada por The Mark Restaurant by Jean-Georges o Caviar Kaspia, así como vinos seleccionados por el Head Sommelier del hotel.

Picnic in the Park

Esta temporada, The Mark Hotel presenta una nueva edición de Picnic in the Park 2026, una propuesta diseñada para disfrutar un picnic de lujo en Central Park, ubicado a solo unos pasos del hotel.

La experiencia combina gastronomía de alto nivel, comodidad y el servicio excepcional que distingue a The Mark.

Gastronomía con la excelencia de The Mark Si de The Mark hablamos, es imperativo reconocer a Caviar Kaspia at The Mark, el caviar bar diseñado por Jacques Grange bajo un estilo parisino que promete un viaje sensorial muy especial y que, sin duda alguna, es la joya de la corona.

Asimismo, con menús de temporada conformados por clásicos europeos sutilmente innovadores, elevados por la sazón mundial característica de Jean-Georges, The Mark Restaurant sirve una variedad de platillos para deleitar a todos los paladares.

Y finalmente, detrás de una barra vanguardista diseñada por el artista francés Guy de Rougemont y el divertido mobiliario de Vladamir Kagan, The Mark Bar se consolida como el sitio más elegante para disfrutar de un buen coctel.

En los últimos años, Mérida se ha transformado en uno de los epicentros creativos más interesantes del país. Arquitectura contemporánea, gastronomía, diseño, arte y hospitalidad comenzaron a convivir dentro de una ciudad que mantiene una relación muy particular con el tiempo. Las calles del centro histórico siguen moviéndose a un ritmo completamente distinto al que estamos acostumbrados en la Ciudad de México. El calor ralentiza las tardes, la piedra absorbe el mismo sol que ha impregnado durante miles de años y la vida cotidiana todavía conserva cierta sensación de pausa que resulta cada vez más rara en el mundo.

Hotel Sevilla de Grupo Habita, aparece en el corazón de la ciudad. El proyecto ocupa una antigua casona colonial del siglo XVI ubicada a pocos pasos de Plaza Grande y propone una experiencia conectada con la arquitectura y la atmósfera de esta joya al sur del país.

La intervención estuvo a cargo de Zeller & Moye junto al arquitecto Salomón Sacal, quienes trabajaron el edificio desde una lógica de restauración histórica a la par del diseño contemporáneo El resultado transmite espacios silenciosos, materiales honestos y arquitectura que permite que el edificio conserve todas sus capas de historia.

Hablando de materiales, gran parte de la identidad visual del hotel gira alrededor del concreto, piedra, madera tropical, acero oxidado y acabados en cal. La escalera helicoidal de concreto ubicada en el patio central es una pieza escultórica que organiza visualmente el espacio, mientras que la piscina construida en la zona de antiguas caballerizas mantiene la relación entre geometría brutalista y vegetación tropical que atraviesa todo el proyecto.

Hay una intención muy clara de permitir que la luz, las sombras y las proporciones del edificio generen atmósfera por sí mismas. Los corredores coloniales, los techos altos de madera y los muros desgastados conservan la memoria original de la casona, mientras que el mobiliario contemporáneo y las intervenciones minimalistas mantienen una sensación de calma constante.

El hotel cuenta únicamente con 21 habitaciones y suites, todo se siente íntimo y contenido. En ellas continúa el mismo lenguaje material del resto del proyecto con pisos cerámicos negros inspirados en residencias tradicionales yucatecas,

HOTEL SEVILLA, la nueva sensibilidad del lujo en Mérida

Grupo Habita transforma una casona colonial del siglo XVI en uno de los hoteles más interesantes del sur del país

TEXTO: IÑAKI VARELA

FOTOS: CORTESÍA

Parte de la familia

Hotel Sevilla forma parte de Grupo Hábita, quienes a la fecha cuentan con diversas propiedades en distintas regiones del país como Jalisco, Oaxaca, Baja California y CDMX.

muebles elaborados con maderas locales, textiles naturales y baños de concreto pulido acompañados por detalles metálicos discretos.

Al llegar, los huéspedes encuentran una plataforma digital con recomendaciones de galerías, restaurantes, bares y espacios culturales cercanos, además de playlists diseñadas para acompañar distintos momentos dentro del hotel y de la ciudad.

El restaurante principal, dirigido por la chef francesa Marion Chateau, trabaja con un menú prix fixe que cambia diariamente dependiendo de los ingredientes disponibles en mercados regionales. Mientras tanto, la cantina exterior mantiene una energía mucho más relajada con coctelería basada en destilados mexicanos y una selección de platillos pensados para compartir durante las tardes cálidas de la península.

Dentro del área de wellness, Hotel Sevilla incorpora un Tuj, sauna tradicional maya diseñado alrededor de prácticas de calor y descanso profundamente vinculadas con la región. El spa incluye tratamientos corporales, plunge frío, rituales herbales y espacios concebidos para extender la sensación de pausa que domina todo el hotel.

Hotel Sevilla vive un ritmo que tiene todo que ver con el espíritu de la ciudad, desde amanecer con luz filtrándose entre muros de piedra, cruzar patios silenciosos llenos de vegetación tropical, hasta terminar la tarde en una terraza para disfrutar con calma el fin del día. Todo dentro de un edificio que conserva siglos de historia mientras incorpora un lenguaje arquitectónico contemporáneo.

SANTIAGO, MARÍA EUGENIA, GUILLERMO Y MARIANA ARRIAGA

Celebran el legado artístico y creativo de su familia en una noche muy especial junto a The Editorial y Montblanc.

Desde la Galería Nordenhake en el corazón de la colonia Roma, Ciudad de México, se llevó a cabo la cena para develar la nueva portada de The Editorial junto a Montblanc, que tuvo como protagonistas a Guillermo, Mariana y Santiago Arriaga, celebrando su legado creativo, artístico y humano.

La firma conocida por sus instrumentos de escritura y su pasión por contar historias junto a grandes exponente de la cultura en todo el mundo ofreció una velada que reunió a artistas, galeristas, exponentes de la cultura en México y, ante todo, a los amigos cercanos a los Arriaga, para disfrutar de una celebración especial.

La cena, inspirada en la escritura, la poesía y la riqueza cultural de México estuvo a cargo de la chef Ana Martorell y contó con elementos emblemáticos de nuestro país como escamoles, mole, tamales y tortillas. Cada tiempo fue maridado con Casa Dragones, firma de tequila qué al igual que la chef, en cada presentación busca compartir lo mejor de México y su historia.

Sofía Rivera, creadora y fundadora de Artistería fue la encargada de los arreglos florales al centro de mesa y en el evento, mientras que BOUDICA Atelier diseñó la vajilla para la cena de cuatro tiempos, misma que fue amenizada por Cosmic Flowers desde la cabina de DJ e iluminada por Magenta. De esta manera, acompañados de familia y grandes amigos, se llevó a cabo la celebración junto a los Arriaga, Montblanc y The Editorial.

CECI DE LA CUEVA

Asiste a la celebración del décimo aniversario de la colección Portraits de Penhaligon’s junto a The Editorial en Boca Grande, Polanco.

TEXTO: JORGE ALFÉREZ

MARÍA COBAR, LILIANA RIOS Y PAULINA LANDA

Encabezan nuestro wellness day junto a Huawei y los nuevos Huawei Watch Fit 5 y Huawei Watch Fit 5 Pro desde el Hotel Dama en Ciudad de México.

ANA PAU Y ALE CAPETILLO

Asisten a la presentación de la nueva colección fall / winter de Raquel Orozco desde la Casa Rosa en Polanco.