Saison 26/27

26/27

Liebes Publikum, liebe Freund*innen des Staatsballe�s Berlin, Dear audience, dear friends of the Staatsballe� Berlin,

in der Spielzeit 2026/2027 verbinden sich klassische Meisterwerke mit zeitgenössischen Visionen und reflektieren Geschichte, Gesellschaft und die Sehnsucht nach Ausdruck auf der Bühne. Ich freue mich, die Saison mit einem neuen, eigens für Berlin geschaffenen Nussknacker zu eröffnen, der die Brücke zwischen der Wunderwelt der Kindheit und der Realität des Erwachsenwerdens schlägt. Diesem Dialog zwischen Generationen und Stilen widmen wir uns auch im weiteren Saisonverlauf: Nach dem sensationellen Erfolg des William Forsythe Ballettabends präsentieren wir mit William Forsythe II weitere ikonische Werke des Ausnahmechoreographen. In Of Any If And und der Artifact Suite lässt sich seine präzise, intellektuelle Bewegungssprache erneut erleben. Marco Goeckes Der Liebhaber führt wiederum in eine poetische Innenwelt voller Sehnsucht, Liebe, Konflikte und ist eine intensive Erfahrung zwischen Intimität und körperlicher Ausdruckskraft. Auch unsere Wiederaufnahmen eröffnen vielschichtige Perspektiven. Giselle und Bovary zeigen die zeitlose Kraft klassischer Erzählungen, während Wunderkammer von Marcos Morau die Bühne in einen Raum verwandelt, in der Realität und Traum aufeinandertreffen. 2 Chapters Love vereint diesmal Choreographien von Jiří Kylián und Sharon Eyal zu einem Wechselspiel aus Präzision, Ins-

in the 2026/2027 season, classical masterpieces merge with contemporary visions, reflecting history, society, and the longing for expression on stage.

I am delighted to open the season with a new Nutcracker, created especially for Berlin, which builds a bridge between the magical world of childhood and the reality of growing up. We continue to explore this dialogue between generations and styles throughout the season. Following the sensational success of the William Forsythe ballet evening, we present William Forsythe II, featuring further iconic works by this exceptional choreographer. In Of Any If And and the Artifact Suite , his precise, intellectual movement language can once again be experienced. Marco Goecke’s Der Liebhaber leads us into a poetic inner world filled with longing, love, and conflict, offering an intense experience that moves between intimacy and physical expressiveness.

Our revivals also open up multifaceted perspectives. Giselle and Bovary reveal the timeless power of classical narratives, while Wunderkammer by Marcos Morau transforms the stage into a space where reality and dream collide. 2 Chapters Love this time

tinkt und Intensität. Balanchines Symphony in C und meine Choreographie Fearful Symmetries zu John Adams’ Komposition treten erneut in einen spannungsreichen Dialog zwischen Tradition und Gegenwart. Schließlich zeichnet Nurejew das Leben eines außergewöhnlichen Künstlers nach, der Grenzen sprengte und die Welt des Tanzes nachhaltig prägte. Die Begeisterung unseres jüngsten Publikums möchten wir mit der Wiederaufnahme von Dominik White Slavkovskýs Chicxulub oder Der Floh des Teufels wecken. Dieses verspielte, humorvolle Stück lädt Kinder wie Erwachsene gleichermaßen ein, in eine skurrile Welt voller Dinosaurier und Superhelden einzutauchen.

Mein besonderer Stolz liegt in dieser Spielzeit auf der Beständigkeit unserer Arbeit hinter und neben der Bühne. Wir feiern gleich zwei Meilensteine, die fest im Fundament unserer Institution verankert sind: Seit nunmehr 20 Jahren öffnet unser Education-Programm Tanz ist KLASSE! Räume für Begegnung und Vermittlung, während unser Health Department seit zehn Jahren die physische und mentale Gesundheit unserer Tänzer*innen nachhaltig begleitet. Beide Abteilungen wurden vor meiner Zeit ins Leben gerufen; sie heute weiterführen und fördern zu dürfen, empfinde ich als Privileg und Verpflichtung. In dieser Saison zeigt das Ensemble seine ganze Bandbreite: von technisch brillanten Klassikern über moderne Meisterwerke bis zu zeitgenössischen Kreationen. Jede Produktion eröffnet ihre eigene choreographische Welt, und gemeinsam entsteht ein dynamisches Mosaik, das die Vielfalt, Präzision und Ausdruckskraft des Staatsballe�s Berlin sichtbar macht. Herzlich, Christian Spuck

brings together choreographies by Jiří Kylián and Sharon Eyal in an interplay of precision, instinct, and intensity. Balanchine’s Symphony in C and my choreography Fearful Symmetries to music by John Adams once again enter into a dialogue charged with tension between tradition and the present. Finally, Nurejew traces the life of an extraordinary artist who broke boundaries and left a lasting mark on the world of dance.

We also wish to nurture the enthusiasm of our youngest audience members with the revival of Dominik White Slavkovský’s Chicxulub or The Devil’s Flea. This playful and humorous piece invites children and adults alike to immerse themselves in a quirky world full of dinosaurs and superheroes.

This season, I take particular pride in the continuity of our work behind and alongside the stage. We are celebrating two milestones that are firmly anchored in the foundation of our institution. For 20 years, our education program Tanz ist KLASSE! has been opening spaces for encounter and learning, while for ten years our Health Department has been sustainably supporting the physical and mental well-being of our dancers. Both departments were established before my time, and to be able to continue and support them today is both a privilege and a responsibility.

This season, the ensemble demonstrates its full range, from technically brilliant classics to modern masterpieces and contemporary creations. Each production opens up its own choreographic world, and together they form a dynamic mosaic that makes the diversity, precision, and expressive power of the Staatsballett Berlin visible.

Yours Sincerely, Christian Spuck

«Ich freue mich, die Saison mit einem neuen, eigens für Berlin geschaffenen ‹Nussknacker› zu eröffnen.»

Überblick At a Glance

Premieren Premieres

Premieren Premieres

Der Nuss knacker PREMIERE

PREMIERE

Der Nussknacker

Ballett von / Ballet by Christian Spuck nach der Novelle von / based on the novella by E.T.A. Hoffmann

Music von / Music by Peter I. Tschaikowsky

Christian Spucks Neuinszenierung rückt die literarische Vorlage von E.T.A. Hoffmann ins Zentrum und betont das Spannungsfeld zwischen kindlicher Unschuld und wachsender Selbstwahrnehmung.

Seit der Entstehung der Erzählung von Hoffmann (1816) und der späteren Ballettadaption von Marius Petipa und Peter I. Tschaikowsky (1892) hat sich Der Nussknacker zu einem der bekanntesten Klassiker des Balletts entwickelt. Ursprünglich als prachtvolles Unterhaltungsballett gedacht, wurde das Werk im 20. Jahrhundert vielfach präsentiert und der Besuch einer Aufführung wurde zu einem Weihnachtsritual, während seine psychologische und literarische Tiefe in den Hintergrund geriet. Christian Spuck greift diese historische Tradition auf, um eine Aufführung zu schaffen, die sowohl der klassischen Ballettsprache verpflichtet ist als auch den vielschichtigen Aspekten von Hoffmanns Geschichte Platz bietet.

Christian Spuck’s new production places E.T.A. Hoffmann’s literary original at its center, emphasizing the tension between childhood innocence and the awakening of self-awareness.

Since Hoffmann’s 1816 story and the later ballet adaptation by Marius Petipa and Pyotr I. Tchaikovsky in 1892, The Nutcracker has become one of the most renowned classics of ballet. Originally conceived as a lavish divertissement, the work was performed repeatedly throughout the 20th century and evolved into a Christmas ritual, while its psychological and literary depth receded into the background. Christian Spuck draws on this historical tradition to create a production that remains true to classical ballet language while giving space to the nuanced aspects of Hoffmann’s story.

Musikalisch stützt sich die Inszenierung auf Tschaikowskys weltberühmte Komposition, die den kontrastreichen Bildern zwischen märchenhafter Leichtigkeit, dramatischer Spannung und surrealem Traumspiel ihren unverwechselbaren Klang verleiht.

Dieses Ballett ist keine reine Weihnachtsaufführung, sondern eine poetische, moderne Reflexion über das Erwachsenwerden, Selbstfindung und die Grenzen zwischen Realität und Fantasie. Spucks Fassung ist ein Berliner Nussknacker, der klassische Tradition und literarische Romantik neu zusammenführt, die Magie des Originals bewahrt und gleichzeitig ein zeitgemäßes, vielschichtiges Erlebnis für Kinder und Erwachsene bietet.

Musically, the production relies on Tchaikovsky’s world-famous score to give the contrasting scenes between fairy-tale lightness, dramatic tension and surreal dreamlike imagery their distinctive sound.

This ballet is not simply a Christmas performance, but a poetic, modern reflection of growing up, self-discovery and the boundaries between reality and imagination. Spuck’s new version is a Berlin Nutcracker combining classical tradition with literary romance, preserving the magic of the original and offering a contemporary, multilayered experience for both children and adults.

PREMIERE

27. Nov 2026

29. (2 ×) Nov 2026

4. | 6. (2 ×) | 12. | 14. | 19. | 25.(2 ×) |

29.Dez / Dec 2026

16. | 17. | 24. (2 ×) | 25. Jan 2027

Deutsche Oper Berlin

Mit freundlicher Unterstützung With the kind support of

Choreographie und Inszenierung

Choreography and Stage Direction Christian Spuck

Bühnenbild / Stage Rufus Didwiszus

Kostüme / Costumes Emma Ryott

Licht / Lighting Martin Gebhardt

Libretto und Dramaturgie Libretto and Dramaturgy Claus Spahn

Musikalische Leitung Conductor

Dominic Limburg / Robert Reimer

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

Orchester der Orchestra of the Deutsche Oper Berlin

Kinderchor der Children’s Chorus of the Deutsche Oper Berlin

Spieldauer / Duration ca. 2:15

inklusive einer Pause including one intermission

Christian Spuck

im Gespräch mit in conversation with Katja Wiegand

Der Blick hinter den Klassiker Behind the classic

Katja Wiegand (KW) Christian, Der Nussknacker gilt als das Weihnachtsstück schlechthin. Was gab ursprünglich den Anstoß, dich diesem vermeintlich bekannten Stoff zu widmen, und warum inszenierst du ihn nach Zürich für Berlin erneut?

Christian Spuck (CS) Als wir das Stück 2017 in Zürich erarbeiteten, faszinierte mich bereits die psychologische Tiefe der Vorlage der Novelle von E.T.A. Hoffmann (1816). Dieser Klassiker fehlte in Zürich noch im Repertoire, und mich reizte vor allem die Komposition Peter I. Tschaikowskys. Für Berlin habe ich mich jedoch gegen eine bloße Wiederaufnahme der Zürcher Version entschieden; ich wollte das Werk speziell für dieses große Ensemble neu choreographieren. Dass wir den Nussknacker nun in Berlin zeigen, ist auch eine Antwort auf die große Sehnsucht des Publikums und des Orchesters nach dieser anspruchsvollen Partitur. Sie ist weit mehr als eine bloße Aneinanderreihung von Melodien; sie ist hochkomplex, fordernd und für jedes Orchester eine wunderbare Aufgabe.

Katja Wiegand (KW) Christian, The Nutcracker is considered the quintessential Christmas piece. What originally prompted you to devote yourself to this supposedly familiar material, and why are you staging it again in Berlin after Zurich?

Christian Spuck (CS) When we developed the piece in Zurich in 2017, I was already fascinated by the psychological depth of E.T.A. Hoffmann’s novella (1816). This classic was still missing from Zurich’s repertoire, and I was particularly attracted to Peter I. Tchaikovsky’s composition. For Berlin, however, I decided against simply reviving the Zurich version. I wanted to choreograph the work anew especially for this large ensemble. The fact that we are now showing The Nutcracker in Berlin is also a response to the great longing of the audience and the orchestra for this demanding score. It is much more than a mere string of melodies; it is highly complex, challenging, and a wonderful task for any orchestra.

KW Worin liegt aus deiner Sicht als Choreograph die besondere musikalische Charakteristik dieses  Werkes?

CS Während Tschaikowsky in Dornröschen noch stärker mit einer leitmotivischen Technik arbeitet, um Charaktere musikalisch zu fixieren, wirkt der Der Nussknacker wie eine bunte, fast rauschhafte Aneinanderreihung verschiedenster Klangfarben und Volksliedelemente. Er hat sich hier weniger als strenger Dramatiker, sondern vielmehr als Visionär einer fantastischen Klangwelt verstanden und schuf im engen Austausch mit dem Choreographen Marius Petipa austarierte musikalische Miniaturen. Diese kleinteilige und dennoch sinfonisch dichte Struktur erlaubt es mir, die rhythmische Präzision der Musik als Brücke zwischen klassischer Form und moderner Psychologie neu zu schlagen.

KW Inwieweit dient dir die literarische Vorlage?

CS Mein Zugang führt über die Originalnovelle von E.T.A. Hoffmann, die im Kern eine dunkle Erzählung der ‹schwarzen Romantik› und keineswegs ein reines Kinderstück ist. Über die Jahrzehnte wurde die Geschichte durch eine eher kommerzielle Aufführungspraxis stark verändert. Hoffmanns Welt ist jedoch viel verworrener; er stellt Fragen nach Identität, dem Unheimlichen und der Verwandlung, die in traditionellen Ballettinszenierungen oft unbeantwortet bleiben. Mir war es wichtig, diese Tiefe zurückzugewinnen, den Kern der Erzählung wieder freizulegen und den Fokus auf die Figur Marie zu legen.

KW From your perspective as a choreographer, what are the special musical characteristics of this work?

CS While Tchaikovsky uses a leitmotif technique even more intensively in The Sleeping Beauty to create musical portraits of characters, The Nutcracker is a vibrant, almost intoxicating blend of diverse timbres and folk song elements. Here, he saw himself less as a strict dramatist and more as a visionary of a fantastic world of sound. He created balanced musical miniatures in close collaboration with the choreographer, Marius Petipa. This detailed yet symphonically dense structure allows me to reinterpret the rhythmic precision of the music as a bridge between classical form and modern psychology.

KW To what extent does the literary source material inform your work?

CS My approach is based on E.T.A. Hoffmann’s original novella, which is essentially a dark tale of ‹black romanticism› and is by no means a pure children’s story. Over the decades, the story has been greatly altered by a more commercial approach to performance. However, Hoffmann’s world is much more complex. He raises questions about identity, the uncanny, and transformation that often remain unanswered in traditional ballet productions. For me, it was important to regain this depth and reveal the core of the narrative again, focusing on the character of Marie.

KW Why is Marie at the centre of the action for you?

CS In Zurich in 2017, we filled in the logical gaps in the narrative. In the current Berlin production, however, we experience the story through her eyes. In E. T. A. Hoffmann’s original story, Marie is ill, and her fever dream forms the bridge between reality and fantasy. She is a young girl on the threshold of adulthood, having to assert herself in a world of fantasy and longing. It is also a story of inner liberation: she bravely chooses to follow her feelings and her love, even if it takes her into a world that oscillates between dream and reality.

KW Warum steht für dich Marie im Zentrum des Geschehens?

CS In Zürich füllten wir 2017 die logischen Lücken der Erzählung, in der jetzigen Berliner Inszenierung erleben wir die Geschichte durch ihre Augen. In der literarischen Vorlage von E.T.A. Hoffmann ist Marie krank, und ihr Fiebertraum bildet die Brücke zwischen Wirklichkeit und Fantasie. Marie ist ein junges Mädchen an der Schwelle zum Erwachsenwerden, das sich in einer Welt aus Fantasie und Sehnsucht behaupten muss. Es ist auch die Geschichte einer inneren Befreiung: Sie entscheidet sich mutig für ihre eigenen Gefühle und ihre Liebe, auch wenn diese in einer Welt stattfindet, die zwischen Traum und Realität changiert.

KW Der zweite Akt ist im klassischen Ballett häufig durch Nationaltänze geprägt, die heute oft aufgrund ihrer stereotypen Darstellung hinterfragt werden. Wie gehst du in deiner Choreographie damit um, ohne die musikalische Substanz zu verlieren?

CS Das ist eine ästhetische Herausforderung, die ich sehr behutsam angehe. Anstatt die gewachsenen Exotismen als bloße Dekoration zu reproduzieren, die heute zurecht als koloniale Klischees wahrgenommen werden, möchte ich diese Tänze in eine neue Bildwelt einbetten. In diesen Orten können z.B. die Motive zu Bestandteilen einer schillernden Theaterfantasie werden, die Marie beeinflusst, aber gleichzeitig als Teil einer künstlichen, bühnenhaften Vorstellung erkennbar bleiben. Das Bekannte aus ihrer Welt verwandelt sich in etwas Fantastisches. So wird ihre Tante zur Schneekönigin, und das Hauspersonal erscheint plötzlich als Teil eines opulenten Blumenwalzers. In dieser schillernden Welt aus Clowns, Blumen und Schneeflocken findet Marie eine Umgebung, die für sie ebenso faszinierend wie rätselhaft bleibt.

«Clichés stifle imagination.»

KW The second act of a classical ballet often features national dances, a tradition that is frequently questioned today due to its stereotypical portrayal. How do you address this issue in your choreography while maintaining the musical integrity?

CS This is an aesthetic challenge that I approach very cautiously. Rather than reproducing the exoticism that has developed over time as mere decoration – a colonial cliché that is rightly perceived today – I aim to embed these dances in a new visual world. Here, the motifs can become part of a dazzling theatrical fantasy that influences Marie, while still remaining recognisable as pvart of an artificial, stage-like performance. The familiar elements of her world are transformed into something fantastical. Her aunt becomes the Snow Queen and the household staff appear as part of an opulent flower waltz. In this dazzling world of clowns, flowers, and snowflakes, Marie finds an environment that is as fascinating as it is mysterious.

KW Alongside Marie, Drosselmeier is one of the most important characters in the story. How would you describe his role in your ballet?

CS In E.T.A. Hoffmann’s work, Drosselmeier is a deeply ambivalent figure of dark romanticism, almost sinister. In my interpretation, however, he is not an omnipresent ‹showmaster›, but rather someone who operates from the background, like a magician pulling the strings. He is the bridge between worlds, someone who not only motivates Marie’s imagination, but also manipulates it. He exploits her childlike credulity to create his own reality, which gives him a dark depth that goes far beyond the image of the benevolent godfather.

KW Neben Marie ist Drosselmeier die prägende Figur der Erzählung. Wie definierst du seine Rolle in deinem Ballett?

CS Drosselmeier ist bei E.T.A. Hoffmann eine zutiefst ambivalente, fast schon unheimliche Figur der schwarzen Romantik. Bei mir wird er weniger als omnipräsenter ‹Showmaster› inszeniert; er agiert vielmehr aus dem Hintergrund, wie ein Magier, der die Strippen zieht. Er ist die Brücke zwischen den Welten, jemand, der Maries Fantasie nicht nur motiviert, sondern sie auch manipuliert. Er nutzt die kindliche Leichtgläubigkeit aus, um eine ganz eigene Realität zu erschaffen, was ihm eine dunkle Tiefe verleiht, die weit über das Bild des gütigen Patenonkels hinausgeht.

KW Wie wird diese Fantasiewelt Maries optisch umgesetzt?

CS Klischees zerstören die Fantasie, deshalb entschied ich mich mit meinem Bühnenbildner Rufus Didwiszus für eine Bühne, die sich als Ort der ständigen Verwandlung präsentiert. Wir orientieren uns an der Mechanik alter Kulissentheater, in dem durch schiebende und fahrende Elemente vor den Augen der Zuschauer*innen immer neue Welten entstehen. Es wird prachtvolle, historisch inspirierte Kostüme von Emma Ryott geben, die um die Jahrhundertwende angesiedelt sind, aber stets mit einem Schuss fantastischem Humor versehen werden. Auch wenn wir klassisch auf Spitze tanzen, ist unser Ziel ein origineller, bildgewaltiger Nussknacker, der die Magie des Theaters selbst feiert.

KW E.T.A. Hoffmann hat diese Geschichte eng mit der weihnachtlichen Atmosphäre Berlins verknüpft. Welches Gefühl möchtest du dem Publikum am Ende dieses Abends mit auf den Heimweg geben?

CS Ich sehe meine Arbeit als ständige Auseinandersetzung zwischen Realität und Fantasiewelt. Wenn die Menschen nach der Vorstellung nach Hause gehen und sich vielleicht sogar inspiriert fühlen, die Originalnovelle von Hoffmann noch einmal zur Hand zu nehmen, würde mich das sehr freuen. Weihnachten ist dieser besondere Moment im Jahr, der uns für einander öffnet und eine fast kindliche Vorfreude weckt. Mein größter Wunsch ist es, das Publikum zu verzaubern und einen Moment der Menschlichkeit, Wärme und Festlichkeit zu schaffen.

KW How is Marie’s fantasy world visually realised?

CS Clichés stifle imagination, so my set designer, Rufus Didwiszus, and I decided to create a stage that presents itself as a place of constant transformation. We were guided by the mechanics of old theatre scenery, in which sliding and moving elements create new worlds before the audience’s eyes. Emma Ryott has designed magnificent, historically inspired costumes set at the turn of the century, but with a dash of fantastic humour. Although we dance classically on pointe, our aim is to create a visually stunning, original Nutcracker that celebrates the magic of theatre itself.

KW E.T.A. Hoffmann closely linked this story to the Christmas atmosphere in Berlin. What feeling would you like the audience to take home with them at the end of the evening?

CS I see my work as a constant exploration of the tension between reality and fantasy. I would be very happy if people went home after the performance feeling inspired to read Hoffmann’s original novella again. Christmas is that special time of year when we open up to each other and experience an almost childlike sense of anticipation. My greatest wish is to enchant the audience and create a moment of humanity, warmth, and festivity.

«E.T.A. Hoffmann stellt Fragen nach Identität, dem Unheimlichen und der Verwandlung, die in traditionellen Balle�inszenierungen oft unbeantwortet bleiben. Mir war es wichtig, diese Tiefe zurückzugewinnen.»

William Forsythe II

PREMIERE

William Forsythe II

Of Any If And Artifact Suite

Choreographien von / Choreography by William Forsythe Musik von / Music by Thom Willems, Johann Sebastian Bach, Eva Crossman-Hecht

Dieser Abend vereint zwei zentrale Werke des Choreographen William Forsythe, die Ballett nicht ausschließlich als rein kinästhetisches Ereignis begreifen, sondern als ein Produkt einer Ansammlung von Bedeutungsträgern.

Im rätselhaften Duett Of Any If And (1995) wird die Bühne zum Medium einer existenziellen Untersuchung. Der Titel ist einem Fragment aus Lucretius’ Lehrgedicht De rerum natura (Über die Natur der Dinge) entnommen. Während Lucretius die Auflösung des Körpers nach dem Tod als Trostangebot durch philosophische Erkenntnis beschreibt, versucht Forsythe, diesen Prozess szenografisch umzukehren. Die Choreographie wird so zu einem fortlaufenden Prozess im Kontext des Versuchs, den Verfall der Form aufzuschieben.

In Artifact Suite (2004) greift Forsythe sein wegweisendes Werk Artifact (1984) erneut auf und verdichtet es zu einer streng formalen und energetischen Variation. Im ersten Teil, zu Bachs Chaconne aus der Partita Nr. 2 d-Moll, nutzt Forsythe das Mittel eines fallenden Vorhangs als Metapher für die Auslassungen in der Ballettgeschichte. So wie die dazwischenliegenden Entwicklungsphasen der klassischen Balletttechnik im Laufe der Jahrhunderte in

This evening brings together two key works by the choreographer William Forsythe, that conceive of ballet not exclusively as a kinesthetic event but as product of aggregated semiotic fields.

In the enigmatic duet Of Any If And (1995), the stage becomes the medium for an existential inquiry. The title is drawn from a fragment of Lucretius’ didactic poem De rerum naturâ (On the Nature of Things). While Lucretius intends to describe the dissolution of the body after death as an offering of solace through philosophical understanding, Forsythe attempts to scenographically reverse this process. The choreography thus becomes an ongoing process within the context of an attempt to delay the decay of form.

In Artifact Suite (2004), Forsythe revisits his seminal work Artifact (1984) and condenses it into a strictly formal and energetic variation. In the first section, set to Bach’s Chaconne from Partita No. 2 in D minor, Forsythe uses the device of a falling curtain as a metaphor for the ellipses in ballet history. Just as the intermediate evolutionary periods of classical Ballet

den Hintergrund getreten sind, ahmt Forsythes Vorhang visuell die Unzugänglichkeit dieser Genese und ihrer heute fernen Ursprünge nach. Im zweiten Teil knüpft die Komponistin Eva Crossman-Hecht an Ferruccio Busonis Transkription von Bachs Chaconne aus dem Jahr 1893 an. Ihre Suite vorantreibender musikalischer Variationen entwickelt schließlich eine verstörende ‹Urkraft›, etwas, das den grundlegendsten Druckverhältnissen ähnelt, wie sie in großen, zugleich aber begrenzten physikalischen Kraftdemonstrationen erfahrbar werden.

technique have become obscured over the centuries, Forsythe’s curtain visually mimics the inaccessibility of this genesis and its now remote origins. In the second section, composer Eva Crossman-Hecht builds on Ferruccio Busoni’s 1893 transcription of Bach’s Chaconne. Her suite of propulsive musical variations ultimately develops a disturbing ‹Urkraft›, something akin to the most fundamental pressures captured in large, but constrained physical demonstrations of force.

PREMIERE

19. März / Mar 2027

20. | 27. März / Mar 2027

2. | 9. | 11. | 14. Apr 2027

12. | 19. | 24. | 25. | 27. Jun 2027

Mit freundlicher Unterstützung With the kind support of

Of Any If And

Choreographie

Choreography

William Forsythe

Musik / Music

Thom Willems

Bühnenbild und Licht Stage and Lighting

William Forsythe

Kostüme / Costumes

Stephen Galloway

Artifact Suite

Choreographie

Choreography

William Forsythe

Musik / Music

Johann Sebastian Bach (Partita Nr. 2 d-moll BWV 1004, Chaconne) und Eva Crossman-Hecht

Bühnenbild, Kostüme und Licht / Stage, Costumes, and Lighting

William Forsythe

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

Musik vom Tonträger

Recorded Music

Spieldauer / Duration 1:45 inklusive einer Pause including one intermission

William Forsythe

im Gespräch mit in conversation with Christian Spuck

«Bewusstsein entsteht in der Bewegung.»

Christian Spuck (CS) Wir haben im Laufe der Jahre viele Gespräche geführt. Wenn du heute beobachtest, welchen Einfluss du auf jüngere Choreograph*innen hast, was bedeutet dir dieser fortlaufende Dialog mit der nächsten Generation?

William Forsythe (WF) Ich bin mir nicht sicher, ob man hier wirklich von einem Dialog sprechen kann, auch wenn es angenehm ist, sich vorzustellen, dass Menschen sich mit dem, was ich eingebracht habe, verbunden fühlen. Arbeiten, die für uns Resonanz erzeugen und als praktikable Bezugspunkte fungieren, helfen vor allem dabei, ein Gefühl für Möglichkeit zu entwickeln.

Tatsächlich sind es weniger die Antworten als vielmehr die Fragen, die ein Werk aufwirft, die ich als besonders wertvoll empfinde. Ich erinnere mich, einmal eine Arbeit gesehen zu haben und mich zu fragen: «Welche Art von Leben muss jemand geführt haben, um genau diese Entscheidungen zu treffen?». Im Studio versuche ich bewusst, meine Interaktionen so zu gestalten, dass Tänzer*innen Werkzeuge erhalten um ihre eigene kreative Handlungsfähigkeit entwickeln zu können. Man weiß nie, ob nicht gerade ein zukünftiger Pionier vor einem steht. Mich interessiert, eine Form der Zusammenarbeit zu etablieren, die mit der gegenwärtigen Art, Information aufzunehmen und zu verarbeiten, kompatibel ist.

Christian Spuck (CS) We have shared many conversations over the years. As you observe your influence on younger choreographers today, what does this ongoing dialogue with the next generation mean to you?

William Forsythe (WF) I am not entirely certain it is a dialogue, though it is nice to think that people feel connected to what I’ve offered. Examples of work that resonates with us, acting as viable models, is what helps us understand possibility. Actually, it’s the questions that a work brings up that I have found most valuable. I remember once watching a colleague’s fascinating work and asking myself «what kind of life must they have led in order to frame those decisions». In the studio, I consciously construct my interactions to provide dancers with tools for their own creative agency. You never know if a creative pioneer is standing right in front of you. I aim to instantiate a style of interaction that aligns with the current generation’s unique way of receiving and processing information.

CS Beim Betrachten deiner Arbeiten entsteht häufig der Eindruck, dass Denken und Bewegung untrennbar miteinander verbunden sind. Wie würdest du dieses Verhältnis im Kontext der Praxis der Tänzer*innen beschreiben?

WF Bewegung folgt nicht auf Bewusstsein. Vielmehr formiert sich die Aufmerksamkeit im Vollzug der Bewegung selbst, während der Körper fortwährend wahrnimmt, justiert und antizipiert, was er tut. Balletttänzer*innen registrieren die Empfindungen ihrer eigenen Aktionen und befinden sich in einem kontinuierlichen Anpassungsprozess, in dem der Körper häufig physikalische ‹Herausforderungen› löst, bevor der Verstand eine Lösung formuliert. Dieser Vorgang enthält eine große Menge an Information und ermöglicht es den Tänzer*innen, über die Beschaffenheit ihres bewussten Zustands der Bereitschaft nachzudenken – im Verhältnis zu jener reflexiven Lösung, die der vorbereitete Körper bereits hervorgebracht hat.

CS Du ermutigst Tänzer*innen oft, die eigenen vermeintlichen Grenzen zu überschreiten. Welche Rolle spielt die Möglichkeit des Scheiterns für deine Choreographien?

WF Balletttänzer*innen bewegen sich grundsätzlich in einer prekären Situation. Sie agieren innerhalb eines choreographischen Gefüges, das sie permanent mit Risiken konfrontiert. Ballettchoreographien sind herausfordernde Konstellationen, die – idealerweise – Lösungen zulassen. Das Publikum beobachtet Tänzerinnen dabei, wie sie eine Art ‹Prüfung› durchlaufen, bei der die Möglichkeit des Scheiterns stets präsent ist. Man sieht, wie sie mit Zentrifugalkräften, Trägheit und anderen physikalischen Bedingungen umgehen und zugleich an die Grenzen des Machbaren stoßen, ohne dass die Arbeit selbst zerfällt.

CS Die Arbeit Of Any If And wirkt körperlich extrem fordernd. Ist dieser Zustand notwendig, um eine emotionale Tiefe zu erreichen?

«Awareness takes form within motion itself.»

CS When seeing your work, there is always a sense that thinking and movement are inseparable. How would you describe that relationship within the context of the dancers’ practice?

WF Movement does not come after consciousness. Instead, awareness takes form within motion itself, as the body continuously senses, adjusts, and anticipates its own actions. Ballet dancers monitor the sensation of their actions and engage in a process of adjustment where the body often solves physics problems before the mind contemplates the solution. This experience is full of valuable information that allows the dancer to eventually reflect on the nature of their conscious process of preparedness vis a vis that reflexive solution the prepared body offered.

CS You often encourage dancers to push the boundaries of their innate skills. How does the possibility of failure play into the excitement of your choreography?

WF Ballet dancers are always in a precarious situation, submerged in an environment of choreographic predicament where they must constantly confront risk. Ballet choreographies are synthetic predicaments that have, ideally, solutions. The audiences observe a dancer go through a kind of a test, where the potential for disaster is always present. We watch them deal with centrifugal forces and inertia, and yet pushing the envelope without the work actually dismantling.

CS The piece Of Any If And feels physically strained, pushing the dancers to their limits. Is this state of exhaustion necessary to reach a deeper emotional level?

WF Ich würde Tänzer*innen niemals auffordern, Emotionen zu simulieren. Was wir sehen, sind Tänzer*innen, die sich innerhalb einer dichten symbolgeladenen Sprachlandschaft bewegen. Die Spannung des Balletts liegt darin, dass sein Ausgang nie garantiert ist, da die Form einen inhärenten Widerstand gegen ihre eigene Realisierung enthält. Das Publikum erzeugt seine eigenen emotionalen Zuschreibungen aus dem realen Bemühen der Tänzer*innen, diesen Widerstand zu navigieren. Zugleich sind Tänzer*innen darauf vorbereitet, Instabilität zuzulassen und die Grenzen dieser Situation auszuloten. Darin äußert sich der Kern dessen, was wir letztendlich als Bravour bezeichnen. Die Faszination entsteht aus der Beobachtung einer kompetenten Navigation von Möglichkeiten.

CS Artifact Suite (2004) ist eine Verdichtung deines abendfüllenden Werks Artifact aus 1984. Nach welchen Kriterien hast du ausgewählt, was erhalten bleibt?

WF Das ursprüngliche Artifact war für die Dimensionen der Frankfurter Oper konzipiert und bezog Schauspieler*innen sowie umfangreiche Bühnentechnik ein. Bemerkenswerterweise entstand es innerhalb von drei Wochen, direkt auf der Opernbühne. Später wurde mir klar, dass die getanzten Passagen eine eigene energetische Kohärenz besaßen. Ich konzentrierte mich daher auf jene choreographischen Teile, die auch ohne die ursprüngliche theatrale Struktur durch ihre physische Signatur Bestand haben konnten. Die Suite ist eine Verdichtung, die die Energie der Intention bewahrt, ohne auf einen narrativen Rahmen angewiesen zu sein.

CS Du sagst häufig, jede Wiederaufnahme sei eine neue Version eines Werkes. Gibt es für dich einen Endpunkt dieses Prozesses?

WF I will never ask a dancer to simulate an emotion. What we are watching is dancers immersed in a semiotically charged environment. The excitement of ballet comes from the fact that the outcome is never guaranteed, as ballet always asserts an inherent resistance to its own realization. The audience constructs its own emotional signifiers based on the dancer’s very real struggle to navigate that resistance. But of course, the dancers are schooled to test the boundaries, to push the envelope of that instability. It is the underling behavioral substance of bravura. The exhilaration comes from watching someone skillfully navigate these vectors of possibility.

CS Artifact Suite (2004) is a condensation of your 1984 evening-length work. How did you decide which elements were essential to keep and which could be removed?

WF The original Artifact was designed for the massive scale of the Frankfurt Opera and included actors and complex staging. It was, curiously, made in just three weeks but directly on the opera house stage. I later realized that the danced sections possessed sufficient energetic flow to stand on their own. So, I focused on those choreographic parts that could persist through their distinct physical signature even without the full, original, theatrical machinery. The Suite is a distillation that captures the energy of intention without needing the full narrative framework. It allows the purely choreographic logic to become the primary focus of the piece.

CS You have often said that every revival is actually a new version of the work. Will you ever stop editing and re-working your pieces?

WF Ich halte es für sinnvoll, eine Arbeit weiterzuentwickeln, wenn sich das eigene choreographische Handwerk verändert hat. Ich habe über drei Jahrzehnte hinweg an Artifact gearbeitet, weil ich das Werk für offen genug hielt, um weitere Präzisierungen zuzulassen. Ein Werk ist kein statisches Objekt, sondern ein lebendiges System, das sich mit der Perspektive dessen verändert, der es bearbeitet. Solange sich Möglichkeiten ergeben, eine Intention zu schärfen, sehe ich keinen Grund, diesen Prozess zu beenden.

CS Wenn du diese beiden Werke nebeneinander stellst, was ist deiner Meinung nach die zentrale Verbindung zwischen ihnen?

WF Beide Arbeiten teilen ein strukturelles Interesse an Ellipsen, an Lücken im Wissen und an der Funktion von Abwesenheit. Ob es um das Verschwinden von Sprache in Of Any If And oder um historische Leerstellen in Artifact Suite geht – beide Stücke operieren mit Erscheinen und Verschwinden. Ballett verstehe ich hier als eine Praxis, in der bestimmte energetische Möglichkeiten durch eine formale Struktur geleitet werden. In beiden Fällen dient der energetische Körper dazu, sich durch Fragmente dessen zu bewegen, was verfügbar ist – und dessen, was nicht mehr zugänglich ist.

WF I think it is always worth improving a work if one’s own skill set, the «Handwerk», as a choreographer, has developed. I worked on Artifact for over thirty years, from 1984 to 2017, because I believed the work was worth the continued attention. A work is not a static object but a living system that should be refined and sharpened as the choreographic perspective evolves. As long as I see a way to make the intention clearer or more potent, I will continue to edit.

CS Finally, when you look at these two works side by side, what is the central link between them?

WF What links these works is a structural concern with ellipses, the gaps in historical knowledge and the function of absence. Whether it is the evaporation of language in Of Any If And or the historical «Leerstellen» in Artifact Suite, both pieces deal with appearance and disappearance. Ultimately, ballet is a spirit practice where we filter a certain kind of energetic possibility through this form. Both works use the presence of this energetic body to navigate the fragments of what we know and what has been lost.

«Die Faszination des Balle�s liegt darin, dass das Ergebnis nie vorhersehbar ist, da das Balle� immer einen inhärenten Widerstand gegen seine eigene Verwirklichung leistet.»

William ForsytheChoreograph Choreographer

William Forsythe ist seit über 50 Jahren als Choreograph tätig. Seine Werke sind dafür bekannt, dass sie die Praxis des Balletts aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21. Jahrhunderts transformiert haben. Er tanzte mit dem Joffrey Ballet und später mit dem Stuttgarter Ballett, dessen Hauschoreograph er 1976 wurde. 1984 begann seine 20-jährige Tätigkeit als Direktor des Ballett Frankfurt. Im Anschluss formte Forsythe ein neues Ensemble, The Forsythe Company, das er von 2005 bis 2015 leitete.

Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen Grundprinzipien der Choreographie hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, Film und webbasierter Wissensentwicklung zu realisieren. Während seine Bühnenarbeiten einen zentralen Platz im Repertoire der Ballettensembles weltweit einnehmen, sind seine Installationen international sowohl in Museen also auch in Sammlungen vertreten.

Forsythe erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig und den Theaterpreis DER FAUST, beide für sein Lebenswerk. Im November 2024 wurde ihm darüber hinaus der Kyoto-Preis verliehen.

William Forsythe has been active in the field of choreography for over 50 years. His work is acknowledged for reorienting the practice of ballet from its identification with classical repertoire to a dynamic 21st century art form. Forsythe danced with the Joffrey Ballet and later the Stuttgart Ballet, where he was appointed Resident Choreographer in 1976. In 1984, he began a 20-year tenure as director of the Ballet Frankfurt after which he founded and directed The Forsythe Company until 2015.

Forsythe’s deep interest in the fundamental principles of organization of choreography has led him to produce a wide range of projects including Installations, Films, and web-based knowledge creation. While his work for the stage resides in the repertoire of ensembles worldwide, his installations are presented internationally in exhibitions and museums.

Forsythe has been the recipient of numerous awards which include the Golden Lion of the Venice Biennale and DER FAUST German Theatre Award, both for lifetime achievement. In November 2024, he was awarded the Kyoto Prize.

Der Liebhaber PREMIERE

PREMIERE

Der Liebhaber

Choreographie von Choreography by Marco Goecke frei nach / after Marguerite Duras

Musik von / Music by Claude Debussy, Maurice Ravel, Frédéric Chopin u. a.

Marco Goeckes Der Liebhaber basiert auf dem Roman L’Amant von Marguerite Duras aus dem Jahr 1984. In teilweise autobiografischen Fragmenten erzählt die Autorin von der Begegnung einer fünfzehnjährigen Französin mit einem deutlich älteren chinesischen Liebhaber im damaligen Kolonial-Indochina (heutiges Vietnam). Während der Roman bei seinem Erscheinen Diskussionen über Sexualität, Abhängigkeit und koloniale Verhältnisse auslöste, richtet Goeckes Choreographie den Fokus bewusst auf die zwischenmenschlichen Dimensionen der Geschichte. Duras’ elliptische, fragmentarische Erzählweise, durchzogen von Erinnerungsschichten, stillen Beobachtungen und Zwischentönen, übersetzt Goecke in eine choreographische Sprache, die nicht die lineare Handlung nachzeichnet, sondern Gefühle und innere Konflikte in präzise gesetzten Bewegungsimpulsen austrägt: Sehnsucht, Schuld, Macht, Liebe und Verlangen werden in Bewegungen verdichtet, die den Körper als Medium der Erinnerung, der Begierde und der sozialen Zwänge sichtbar machen. Musikalisch verschmelzen Kompositionen von Claude Debussy, Maurice Ravel, Frédéric Chopin, Unsuk Chin und Gabriel Fauré zu einer Klanglandschaft, die ebenso stark von Erinnerung und Imagination geprägt ist wie die literarische Vorlage.

Marco Goecke’s Der Liebhaber is based on Marguerite Duras’ 1984 novel L’Amant. In partly autobiographical fragments, Duras recounts the encounter between a fifteen-year-old French girl and a significantly older Chinese lover in colonial Indochina, today’s Vietnam. While the novel, marked by poetic condensation and suggestive openness, provoked not only literary admiration at the time of its publication but also debates about sexuality, dependency, and colonial hierarchies, Goecke consciously focuses on the interpersonal dimensions of the story. Duras’ elliptical, fragmentary narrative, layered with memories, quiet observations, and subtle nuance, is translated by Goecke into a choreographic language that does not depict linear plot but condenses longing, guilt, dependence, love and desire into precisely articulated movement impulses, making the body a medium for memory, passion, and social constraints. Musically, compositions by Claude Debussy, Maurice Ravel, Frédéric Chopin, Unsuk Chin, and Gabriel Fauré merge into a soundscape as strongly shaped by memory and imagination as the literary source itself.

Goecke, einer der einflussreichsten Choreographen der Gegenwart, hat mit über sechzig Stücken weltweit seine unverwechselbare Handschrift etabliert. In Der Liebhaber zeigt sich diese durch flirrende Bewegungen, impulsive Körperreaktionen und eine expressive Radikalität, die jedes Detail zur Aussage macht. Seine Inszenierung ist keine romantische Geschichte, sondern eine radikale, poetische Meditation über Sehnsucht nach Liebe, Abhängigkeiten und das Ringen um Selbstbestimmung.

Goecke, one of the most influential choreographers of the present day, has established his unmistakable signature with over sixty works worldwide. In Der Liebhaber, this is expressed through flickering movements, impulsive bodily reactions, and an expressive radicalism that renders every detail meaningful. His production is not a romantic story but a radical, poetic meditation on corporeality, dependency, and the struggle for self-determination.

PREMIERE

5. Jun 2027

11. | 13. | 16. | 30. Jun 2027

2. Jul 2027

Staatsoper Unter den Linden

Choreographie

Choreography Marco Goecke

Bühnenbild / Stage Michaela Springer

Kostüme / Costumes Marvin Ott

Licht / Lighting Udo Haberland

Dramaturgie / Dramaturgy Esther Dreesen-Schaback

Musikalische Leitung Conductor Victorien Vanoosten

Klavier / Piano Elias Corrinth

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

Staatskapelle Berlin

Spieldauer / Duration 1:10 keine Pause without intermission

Marco Goecke

im Gespräch mit in conversation with Christian Spuck

«Für mich gibt es keine Liebe und keine Familie ohne Abhängigkeit.»

Christian Spuck (CS) Marco, Marguerite Duras’ Roman Der Liebhaber ist ein Text von fast schmerzhafter Intensität. Er ist fragmentarisch, introspektiv und tief melancholisch. Was genau hat dich an diesem Werk so berührt, dass du die Notwendigkeit verspürt hast, daraus ein Ballett zu machen?

Marco Goecke (MG) Duras begleitet mich schon sehr lange. Ich bin schon als Jugendlicher nach Paris gefahren, saß im Café de Flore, nur, weil ich wusste, dass sie dort um die Ecke gewohnt hat. Ich wollte dieser Welt nahe sein. Von all ihren Werken ist Der Liebhaber vielleicht das Zugänglichste. Auch wenn ihre Sprache immer etwas Offenes, fast Rätselhaftes behält. Ich habe mich immer gewundert, dass sich niemand an diesen Stoff herangetraut hat. Er bringt alles mit, was man für die Bühne braucht: Erotik, Gewalt, Einsamkeit, Familie. Der Roman war für mich eine prägende Lektüre; diese Sehnsucht nach weiten, leeren Räumen, die Duras in ihren Texten erschafft und die ich in meinen Choreographien auch immer suche.

Christian Spuck (CS): Marco, Marguerite Duras’s novel L’Amant is a text of almost painful intensity – fragmentary, introspective and deeply melancholic. What was it about this work that touched you so profoundly that you felt compelled to turn it into a ballet?

Marco Goecke (MG) Duras has been with me for a very long time. As a teenager I would travel to Paris and sit in the Café de Flore simply because I knew she lived just around the corner. I wanted to be close to that world. Of all her works, The Lover is perhaps the most accessible – even though her language always retains something open, almost enigmatic. I’ve often wondered why no one had dared to take this material on before. It contains everything the stage needs: eroticism, violence, loneliness, family. For me the novel was a formative read, that longing for vast, empty spaces which Duras creates in her writing, and which I am always searching for in my choreography as well.

CS Der Roman lebt extrem von der Sprache, von inneren Monologen und der Unzuverlässigkeit der Erinnerung. Wie übersetzt man eine so introspektive Welt in den Tanz, wenn einem das Werkzeug der Sprache erst einmal fehlt?

MG Sprache spielt im Stück auch eine Rolle, aber sehr reduziert. Ich setze einzelne Worte und Sätze gezielt ein. Die Choreographie kann Zustände zeigen, die Sprache nicht mehr erreicht, gerade bei Erinnerungen, Begehren oder inneren Spannungen. Gleichzeitig bleibt immer das Risiko, missverstanden zu werden, doch das ist auch beim Lesen von Literatur so. Selbst wenn Worte eindeutig sind, bleibt vieles offen. Diese Offenheit interessiert mich besonders. Tanz kann Zustände zeigen, an denen die Sprache scheitert.

CS Wie eng bist du der literarischen Vorlage gefolgt?

Gab es den Anspruch einer getreuen Nacherzählung, und wo beginnt Deine eigene Interpretation?

MG Ich halte mich tatsächlich sehr nah an den Roman. Die Orte, die zeitliche Struktur und der Verlauf der Geschichte sind nachgezeichnet. Natürlich gibt es Momente, in denen ich mich löse, aber der Kern bleibt bei Duras. Mir ging es darum, die Geschichte körperlich zu erzählen, nicht sie neu zu erfinden.

CS Welche Themen aus dem Roman waren für Dich zentral? Liebe, Begehren, Abhängigkeit, Erinnerung oder Schuld? Welche Rolle spielt dabei die koloniale Dimension?

MG Die koloniale Dimension hat mich weniger interessiert als die Abhängigkeiten der Personen. Die junge Frau ist abhängig von ihrer Familie, von gesellschaftlichen Erwartungen und zugleich von dieser Liebe zu dem älteren Mann. Für mich gibt es keine Liebe und keine Familie ohne Abhängigkeit. Das ist ein grundlegender menschlicher Zustand. Der Roman zeigt das sehr klar und schonungslos.

CS The novel lives very much through language, through inner monologue and the unreliability of memory. How do you translate such an introspective world into dance when the primary tool of language is absent?

MG Language does play a role in the piece, but in a very reduced way. I use individual words and sentences very selectively. Choreography can convey states that language can no longer reach, especially when it comes to memory, desire or inner tension. There is always the risk of being misunderstood, but that risk exists in literature too. Even when words seem clear, much remains open. That openness is what interests me most. Dance can show states where language fails.

CS How closely did you follow the literary source? Was there an ambition to retell the story faithfully, and where does your own interpretation begin?

MG I actually stay very close to the novel. The locations, the temporal structure and the arc of the story are all there. Of course there are moments where I take distance, but the core remains with Duras. My aim was to tell the story physically, not to reinvent it.

CS Which themes from the novel were central for you: love, desire, dependency, memory, guilt? And what role does the colonial dimension play?

MG The colonial aspect interested me less than the dependencies between the characters. The young woman is dependent on her family, on social expectations, and at the same time on this love for an older man. For me, there is no love and no family without dependency. That is a fundamental human condition. The novel shows this very clearly and without mercy.

CS Am Ende des Romans steht der berühmte Anruf des Liebhabers viele Jahre später, der erklärt, er habe sie immer geliebt. Welche Bedeutung hat dieses Motiv für Dein Stück?

MG Dieser Moment ist für mich der eigentliche Clou des Romans. Ob dieser Anruf wirklich stattgefunden hat, bleibt offen, aber Duras schenkt uns damit Hoffnung, dass Gefühle Zeit überdauern können, selbst wenn Leben auseinandergehen. Trotz aller Zerstörung, trotz des Geldes, des Hasses und der Jahrzehnte, die vergehen, bleibt etwas bestehen. Davon träumen wir doch alle. Diese Hoffnung, dass Liebe etwas Dauerhaftes haben kann. Das hat mich tief berührt und ist für mich das Herz des Stücks. In meiner Umsetzung tritt am Ende die alte Dame auf, und plötzlich sind diese Jahrzehnte im Bruchteil einer Sekunde überwunden.

CS Deine Musikauswahl für Der Liebhaber ist sehr vielschichtig. Du verwendest Musik von Debussy, Ravel, Chopin, Unsuk Chin und Fauré. Wie kam es zu dieser Auswahl?

MG Bei der Musikauswahl habe ich viel recherchiert, aber auch von Experten profitiert. Laura Berman, meine Intendantin in Hannover, hat mir damals einige Stücke vorgeschlagen. Ich arbeite oft sehr intuitiv mit Musik, höre sie nicht endlos vorab, sondern lasse sie in den Proben auf mich

CS At the end of the novel there is the famous phone call from the lover many years later, when he says he has always loved her. What does this motif mean for your piece?

MG For me, that moment is the real masterstroke of the novel. Whether the phone call actually took place remains open, but with it Duras gives us hope that feelings can endure over time, even when lives drift apart. Despite all the destruction, despite money, hatred and the decades that pass, something remains. That is something we all dream of, isn’t it? The hope that love can be lasting. That touched me deeply and is the heart of the piece for me. In my staging, the old woman appears at the end, and suddenly those decades are overcome in the blink of an eye.

CS Your musical choices for Der Liebhaber are very layered. You use music by Debussy, Ravel, Chopin, Unsuk Chin and Fauré. How did you arrive at this selection?

MG I did a lot of research when choosing the music, but I also benefited from the input of experts. Laura Berman, my artistic director in Hanover at the time, suggested some of the pieces to me. I often work very intuitively with

wirken. Mich interessiert, was Musik emotional auslöst, nicht, sie analytisch zu zerlegen. Tanz entsteht für mich aus diesem unmittelbaren Kontakt. Ich möchte mir Offenheit bewahren und mich nicht festlegen, bevor der Probenprozess beginnt. Manchmal höre ich die Musik erst während der Arbeit intensiver. Das birgt Risiken, etwa bei der Länge eines Stücks, aber genau diese Unsicherheit gehört für mich dazu. Ich brauche diese Spontaneität. Wenn man alles vorher zu Tode analysiert, verliert man den Moment.

music; I don’t listen to it endlessly in advance, but let it affect me during rehearsals. What interests me is what music triggers emotionally, not analysing it to death. For me, dance emerges from this immediate encounter. I want to preserve a sense of openness and not pin everything down before the rehearsal process begins. Sometimes I only really start listening to the music closely while I’m working. That carries risks, for instance in terms of duration, but that uncertainty is part of the process for me. I need that spontaneity. If you overanalyse everything in advance, you lose the moment.

«Mich interessiert, was Musik emotional auslöst, nicht, sie analytisch zu zerlegen.»

Marco Goecke

Choreograph

Choreographer

Marco Goecke erhielt seine Ballettausbildung ab 1988 an der Ballettakademie der Heinz-Bosl-Stiftung München sowie am Königlichen Konservatorium Den Haag, wo er 1995 diplomierte. Engagements führten ihn an die Staatsoper Berlin und an das Theater Hagen, wo er 2000 seine erste Choreographie schuf. Internationale Aufmerksamkeit erlangte er mit Arbeiten für die Noverre-Gesellschaft Stuttgart und durch eine Einladung an das New York Choreographic Institute. 2003 gewann er mit Blushing den Prix Dom Pérignon in Hamburg. Es folgten Aufträge für renommierte Kompanien wie Les Ballets de Monte Carlo, das Norwegische Nationalballett, das Pacific Northwest Ballet Seattle, die Pariser Oper oder das Wiener Staatsballett. Von 2005 bis 2018 war Goecke Hauschoreograph des Stuttgarter Balletts, von 2006 bis 2012 beim Scapino Ballet Rotterdam, seit 2013 ist er Associate Choreographer des Nederlands Dans Theater. Von 2019 bis 2023 leitete er als Ballettdirektor das Staatsballett Hannover. Seit Sommer 2025 ist Marco Goecke Künstlerischer Leiter und Hauschoreograph des Ballett Basel. Seine Werke werden weltweit von führenden Kompanien einstudiert. Zu seinen Auszeichnungen zählen u. a. der Nijinsky Award, der Niederländische Tanzpreis Zwaan, der Deutsche Tanzpreis sowie der Jiří-Kylián-Ring.

Marco Goecke began his ballet training in 1988 at the Ballet Academy of the Heinz Bosl Foundation in Munich and at the Royal Conservatory in The Hague, where he graduated in 1995. Engagements took him to the Berlin State Opera and to Theater Hagen, where he created his first choreography in 2000. He gained international recognition through works for the Noverre Society Stuttgart and an invitation to the New York Choreographic Institute. In 2003, he won the Prix Dom Pérignon in Hamburg with Blushing

This was followed by commissions from renowned companies such as Les Ballets de Monte Carlo, the Norwegian National Ballet, Pacific Northwest Ballet Seattle, the Paris Opera Ballet, and the Vienna State Ballet. From 2005 to 2018, Goecke was resident choreographer of Stuttgart Ballet, from 2006 to 2012 of Scapino Ballet Rotterdam, and since 2013 he has been Associate Choreographer of Nederlands Dans Theater. From 2019 to 2023, he served as Ballet Director of the Hanover State Ballet. Since summer 2025, Marco Goecke has been Artistic Director and resident choreographer of Ballet Basel. His works are performed worldwide by leading companies. His many awards include the Nijinsky Award, the Dutch Dance Award Zwaan, the German Dance Award, and the Jiří Kylián Ring.

Wieder aufnahmen Revivals

aufnahmen Revivals

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

Giselle

Ballett in zwei Akten / Ballet in two acts

Libretto von / by Théophile Gautier und / and Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges

Musik von / Music by Adolphe Adam

Liebe, Verrat und die Sehnsucht nach Vergebung prägen eines der bewegendsten Werke des Romantischen Balletts. Giselle, ou les Wilis wurde am 28. Juni 1841 an der Pariser Oper uraufgeführt und gilt als Höhepunkt jener Epoche, in der Tanz zur Verkörperung des Übernatürlichen wurde. Im Mittelpunkt steht ein junges Bauernmädchen, das das Tanzen liebt und sich in den adligen Albrecht verliebt. Als Giselle erfährt, dass Albrecht einer anderen versprochen ist, zerbricht ihre Welt. Sie verliert den Verstand und stirbt an gebrochenem Herzen. Doch ihre Geschichte endet nicht mit dem Tod. Als eine der Wilis, geisterhafte Bräute, die vor ihrer Hochzeit starben, wird sie Teil einer nächtlichen Gemeinschaft, die Männer zwingt, bis zum Tode zu tanzen. Im zweiten Akt, jener «weißen» Sphäre des Romantischen Balletts, begegnet Giselle Albrecht wieder. Ihre Bewegung wird zur Sprache des Mitgefühls und hebt die Grenze zwischen Leben und Tod auf.

Giselle gilt als Inbegriff des Romantischen Balletts und zugleich als Wendepunkt in der Tanzgeschichte. Die Vorstellung des ‹schwebenden Körpers› prägte das Ideal des Spitzentanzes und machte die Tänzerin zur Symbolfigur des Unerreichbaren. In dieser Tradition steht die Inszenierung von Patrice Bart, die auf der Originalchoreographie von Jean Coralli und Jules Perrot beruht. Seit der Premiere im Jahr 2000 an der Staatsoper Unter den Linden berührt Patrice Barts Giselle mit ihrer Mischung aus klassischer Schönheit und zeitloser Intensität.

Love, betrayal and the longing for forgiveness shape one of the most moving works of Romantic ballet. Giselle, originally titled Giselle, ou les Wilis, premiered at the Paris Opera on June 28, 1841 and stands as a pinnacle of the era in which dance became the embodiment of the supernatural. At its centre is a young peasant girl who loves to dance and falls in love with the nobleman Albrecht, unaware that he is concealing his true identity. When Giselle learns the truth and discovers that Albrecht is already promised to another, her world collapses. She loses her sanity and dies of a broken heart. Yet her story does not end with her death. As one of the Wilis, ghostly brides who died before their weddings, she joins a nocturnal sisterhood that compels men to dance themselves to death. In the second act, the «white» realm of Romantic ballet, Giselle meets Albrecht once more. Her movements become a language of compassion, dissolving the boundary between life and death.

Giselle epitomises Romantic ballet and marks a turning point in dance history. The idea of the ‹floating body› defined the ideal of pointe work and transformed the ballerina into a symbol of the unattainable. Patrice Bart’s production, based on the original choreography by Jean Coralli and Jules Perrot, continues this tradition.Since its premiere in 2000 at the Staatsoper Unter den Linden, Patrice Bart’s Giselle has continued to captivate audiences with its blend of classical beauty and timeless intensity.

Choreographie und Inszenierung

Choreography and Stage Direction Patrice Bart nach / after Jean Coralli und / and Jules Perrot

Musik / Music Adolphe Adam

Bühne und Kostüme Stage and Costumes Peter Farmer

Licht / Lighting Franz Peter David

Dramaturgie / Dramaturgy

Christiane Theobald

Musikalische Leitung

Conductor

Robert Reimer

Tänzer*innen des dancers of the Staatsballett Berlin

Staatskapelle Berlin

12. | 18. | 20. (2 ×) Sept 2026 4. | 8. | 11. | 23. | 29. | 30. Okt / Oct 2026

Spieldauer / Duration: 2:20

inklusive einer Pause including one intermission

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

Bovary

Tanzstück von / Choreography by Christian Spuck nach dem Roman von / after the novel by Gustave Flaubert Musik von / Music by Camille Saint-Saëns, Thierry Pécou, György Ligeti, u. a.

Gustave Flauberts Roman Madame Bovary gilt als Meisterwerk des französischen Realismus und als Wegbereiter der literarischen Moderne. Flaubert widmete fünf Jahre der Arbeit diesem Werk, das 1856 erschien und aufgrund der schonungslosen Darstellung von Ehebruch und verbotenen Sehnsüchten einen Skandal auslöste. Mit seiner präzisen, distanziert beobachtenden Sprache schuf Flaubert eine neue Form des Erzählens, die innere Zustände und gesellschaftliche Zwänge in scharfer Klarheit sichtbar machte.

Diese Spannung zwischen Traum und Realität bildet die Grundlage für Bovary von Christian Spuck, eine der erfolgreichsten Produktionen der Spielzeit 2023/24. Im Mittelpunkt steht Emma Bovary, gefangen in der Enge der Provinz, in der Monotonie einer lieblosen Ehe und in den Sehnsüchten, die ihr Leben zu sprengen drohen. Ihre Leidenschaft für Schönheit, Glanz und Vergnügen wächst mit jeder Zeile aus Groschenromanen und jeder Modeillustration aus Paris, die sie in eine Welt entführen, die unerreichbar und zugleich verführerisch erscheint. Auf der Suche nach Selbstbestimmung verliert sie sich in Trugbildern, versucht das Unmögliche mit Affären, Luxus und flüchtigen Glücksmomenten zu füllen und gerät so in eine Spirale aus Schuld, Scham und Verzweiflung, die in ihrem tragischen Selbstmord endet. Spuck übersetzt Flauberts psychologische Präzision in eine Bühnenversion, in der der Zusammenbruch von Emmas Leben als intensives, berührendes Psychogramm mit tänzerischen Mitteln erfahrbar wird.

Gustave Flaubert’s novel Madame Bovary is considered a masterpiece of French realism and a pioneering work of literary modernity. Flaubert devoted five years to writing this work, which was published in 1856 and caused a scandal due to its unflinching portrayal of adultery and forbidden desires. With his precise, distantly observing style, Flaubert created a new form of storytelling that rendered inner states and social constraints with striking clarity.

This tension between dream and reality forms the foundation of Bovary by Christian Spuck, one of the most successful productions of the 2023/24 season. At the center is Emma Bovary, trapped in the confines of provincial life, the monotony of a loveless marriage, and the desires that threaten to overwhelm her existence. Her passion for beauty, glamour, and pleasure grows with every page of cheap novels and every fashion illustration from Paris, drawing her into a world that is both unattainable and irresistibly seductive. In her search for self-determination, she becomes lost in illusions, trying to fill the impossible with affairs, luxury, and fleeting moments of happiness, spiraling into guilt, shame, and despair that culminates in her tragic suicide.

Spuck translates Flaubert’s psychological precision into a stage version in which the collapse of Emma’s life is experienced as an intense, moving psychological portrait.

Choreographie und Inszenierung

Choreography and Stage Direction Christian Spuck

Bühne / Stage Rufus Didwiszus

Kostüme / Costumes

Emma Ryott

Licht / Lighting Martin Gebhardt

Dramaturgie und Libretto

Dramaturgy and Libretto Claus Spahn

Video

Tieni Burkhalter

Musikalische Leitung

Conductor

Robert Reimer

Klavier / Piano

Adrian Oetiker, Alina Pronina

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

25. Sept 2026 1. | 2. | 6. | 10. Okt / Oct 2026

Mit freundlicher Unterstützung

With the kind support of

Orchester der Orchestra of Deutsche Oper Berlin

Spieldauer / Duration 2:20

inklusive einer Pause including one intermission

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

Wunder kammer

Choreographie von Choreography by Marcos Morau

Musik von / Music by Clara Aguilar, Ben Meerwein

Marcos Morau, preisgekrönter Choreograph und Artist in Residence beim Staatsballett Berlin, ruft mit seinen unverwechselbaren Bühnenwelten vertraute Orte ins Gedächtnis, die er zugleich in traumartige und unwirkliche Sphären versetzt. Der Titel Wunderkammer verweist auf die historischen Wunderkammern, auch Kuriositätenkabinette genannt, die im Europa der Renaissance und des Barock als Sammlungen außergewöhnlicher und ‹kurioser› Objekte dienten. In diesen Wunderkammern wurde ‹Fremdartiges› und Faszinierendes zusammengetragen und vereint. Marcos Morau nimmt dies zur Grundlage und verwandelt die Bühne zu einem Ort voller Überraschungen und unerwarteter Perspektiven, um seine persönliche Formulierung der Frage nach dem ‹Fremden› aufzuwerfen. Dabei lässt er Anklänge an die Berliner Clubkultur und die Kabaretts der Weimarer Republik lebendig werden. Seine Szenen eröffnen Räume der Freiheit und des Andersseins, in denen Grenzen fallen und Menschen sich in Spiel, Verwandlung und Ekstase ausprobieren dürfen. Das Stück wird so zu einem Fest der Vielstimmigkeit, zu einer Hommage an den ‹Schutzraum der Nacht›, in dem Identitäten gefeiert, Normen hinterfragt und Transformationen erfahrbar werden. Zugleich greift Morau auf universelle Themen zurück: die Sehnsucht nach Zugehörigkeit und das Bedürfnis, die eigene Identität in einer zunehmend komplexen Welt zu definieren. Auf diese Weise wird Wunderkammer zu einem szenischen Spiegel unserer Zeit.

Marcos Morau, award-winning choreographer and Artist in Residence at the Staatsballett Berlin, evokes familiar places with his unmistakable stage worlds, while simultaneously transforming them into dreamlike and surreal realms. The title Wunderkammer refers to the historical cabinets of curiosity, which in Renaissance and Baroque Europe served as collections of extraordinary and ‹curious› objects. Marcos Morau takes up this theme and transforms the stage into a space full of surprises and unexpected perspectives, raising his personal interpretation of the question of the ‹foreign› or the ‹other›. At the same time, he brings echoes of Berlin’s club culture and the cabarets of the Weimar Republic to life and intertwins them. His scenes open spaces of freedom and otherness, where boundaries dissolve and people can explore themselves through play, transformation, and ecstasy. The piece thus becomes a celebration of multiplicity, a homage to the ‹sanctuary of the night,› where identities are celebrated, norms are questioned, and transformations become tangible. He also reflects on the theatre stage itself and draws on universal themes, namely the longing for belonging and the need to define one’s own identity in an increasingly complex world. In this way, Wunderkammer becomes a scenic mirror of our time.

Choreographie und Inszenierung

Choreography and Stage Direction

Marcos Morau (Artist in Residence)

Choreographische Assistenz Assistant to the choreographer Shay Partush

Musik / Music

Ben Meerwein, Clara Aguilar

Songtexte / Lyrics Katja Wiegand, Ben Meerwein, Marcos Morau

Bühne / Set Design Max Glaenzel

Kostüme / Costumes Silvia Delagneau

Licht / Lighting cube.bz

Dramaturgie / Dramaturgy Katja Wiegand

16. | 18. | 25. (2 ×) Okt / Oct 2026 6. | 8. Nov 2026 Komische

Mit freundlicher Unterstützung With the kind support of Dr. Gregor Wahl

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

Musik vom Tonträger Recorded Music

Spieldauer / Duration 1:10 ohne Pause without intermission

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

2 Chapters Love

Gods and Dogs

Choreographien von Choreographies by Jiří Kylián und / and Sharon Eyal

2 Chapters Love

Jiří Kylián hat das Ballett des 20. Jahrhunderts nachhaltig geprägt. In Gods and Dogs schlägt Kylián in radikal dichter Weise die Brücke zwischen Göttlichem und Instinktivem, zwischen Ordnung und Wahnsinn. Das Stück untersucht die feine Linie, an der das ‹normale› Verhalten in das vermeintlich ‹Absonderliche› kippt und macht so das Dunkle im Alltäglichen sichtbar. Die Choreographie zeigt das Ringen des Individuums mit entfesselter Energie, das Verschmelzen von Mensch und Instinkt, das Öffnen einer klaffenden Spalte zwischen dem, was wir sind, und dem, was wir nicht zu sein wagen. Das Werk wird so zu einer radikalen, poetischen Suche nach dem irrationalen Moment, der uns erst menschlich macht.

Sharon Eyal zählt zu den markantesten choreographischen Stimmen des zeitgenössischen Tanzes. Mit 2 Chapters Love schafft sie erneut ein unvergleichliches Erlebnis. Präzision, Wiederholung und Verdichtung in der Choreographie treiben die Tänzer*innen an ihre Grenzen und darüber hinaus. Klare Linien zu elektronischen Beats verwandeln jede Bewegung in einen hypnotischen Sog, in dem klassische Technik auf Clubästhetik trifft. Liebe, Schmerz, Begehren und Einsamkeit werden körperlich und intensiv spürbar. 2 Chapters Love zieht Ensemble und Publikum in einen kollektiven Rausch, der lange nachhallt.

Jiří Kylián has left a lasting mark on 20th-century ballet. In Gods and Dogs, Kylián bridges the divine and the instinctual, order and madness, in a radically concentrated manner. The piece explores the fine line where ‹normal› behaviour tips into the seemingly ‹bizarre,› revealing the darkness hidden within the everyday. The choreography depicts the struggle of the individual against unleashed energy, the fusion of human and instinct, the opening of a yawning gap between who we are and who we dare not be. In this way, the work becomes a radical, poetic quest for the irrational moment that ultimately makes us human.

Sharon Eyal is one of the most distinctive choreographic voices in contemporary dance. With 2 Chapters Love she creates yet another unparalleled experience. Precision, repetition, and compression in the choreography push the dancers to their limits and beyond. Clear lines set to electronic beats transform every movement into a hypnotic pull, where classical technique meets club aesthetics. Love, pain, desire, and loneliness are felt intensely and physically. 2 Chapters Love draws both the ensemble and the audience into a collective rapture that lingers long after the performance.

Gods and Dogs

Choreographie

Choreography

Jiří Kylián

Musik / Music

Jiří Kylián (Konzept / Concept), Dirk Haubrich (Komposition / Composition), Ludwig van Beethoven

Computergesteuerte

Projektion

Computer based Projection

Daniel Bisig, Tatsuo Unemi

Videoprojektion

Video Projection

Dag Johan Haugerud, Cecilie Semec

Kostüme / Costumes

Joke Visser

Bühne / Stage

Jiří Kylián

Licht / Lighting Kees Tjebbes

2 Chapters Love

Choreographie

Choreography

Sharon Eyal

Co-Choreographie

Co-Choreography

Gai Behar

Musik / Music

Ori Lichtik

Kostüme / Costumes

Sharon Eyal

Kostümentwicklung

Costume Development

Isabel Theißen

Licht / Lighting Alon Cohen

Tänzer*innen des Dancers of the Staatsballett Berlin

11. | 13. | 18. | 21. | 28. Dez / Dec 2026

22. | 28. Jan 2027

1. | 4. Feb 2027

14. | 16. | 21. | 23. (2 ×) Mai / May 2027

Staatsoper Unter den Linden

Musik vom Tonträger

Recorded Music

Spieldauer / Duration 1:30

inklusive einer Pause including one intermission

WIEDERAUFNAHME

Fearful Symmetries

Choreographien von / Choreographies by George Balanchine und / and Christian Spuck Symphony in C Fearful Symmetries

George Balanchines Symphony in C zählt zu seinen Meisterwerken, geprägt von technischer Präzision, künstlerischer Virtuosität und komplexer Choreographie. Ursprünglich 1947 als Le Palais de Cristal für das Ballett der Pariser Oper in nur zwei Wochen geschaffen, wurde das Werk 1948 für das New York City Ballet wiederaufgenommen und in Symphony in C umbenannt. Die Partitur wurde bereits 1855 komponiert, als Georges Bizet 17 Jahre alt und noch Student war, wurde aber erst 1935 aufgeführt, lange nach dem Tod des Komponisten. Die Choreographie gliedert sich in vier Sätze, von denen jeder Satz wie ein eigenes Ballett konzipiert ist, das sowohl die Solist*innen als auch das Corps de ballet fordert. Symphony in C verkörpert das Erbe einer klassischen Tanztradition, während die Tänzer*innen durch ihre Vielseitigkeit und Energie der Aufführung eine besondere Dynamik und Lebendigkeit verleihen.

Christian Spucks Tanzstück Fearful Symmetries widmet sich der gleichnamigen Komposition von John Adams. Der US-amerikanische Komponist zählt zu den bedeutenden Vertretern der zeitgenössischen Klassik. Den Titel seines Werks entlehnte er dem Gedicht The Tyger, das der Engländer William Blake 1794 veröffentlicht hatte. Allerdings sprach ihn nicht der Inhalt dieses Textes an, sondern die Schlüsselphrase «fearful symmetry». Diese «furchterregende Symmetrie» spiegelt sich in John Adams’ wiederholten, melodischen und harmonischen Strukturen wider, die er bewusst überzeichnet, während Synthesizer, Keyboard-Samples, Bläser und ein kräftiger Puls eine Klanglandschaft schaffen, die Adams selbst als «reisende Musik» beschreibt und die den Eindruck einer kontinuierlichen Bewegung durch eine sich stetig wandelnde Szenerie vermittelt.

George Balanchine’s Symphony in C is one of his masterpieces, marked by technical precision, artistic virtuosity, and complex choreography. Originally created in 1947 as Le Palais de Cristal for the Paris Opera Ballet in just two weeks, the work was revived in 1948 for the New York City Ballet and renamed Symphony in C. The score was composed in 1855, when Georges Bizet was 17 years old and still a student, but it was not performed until 1935, long after the composer’s death. The choreography is structured in four movements, each conceived as its own ballet, challenging both the soloists and the corps de ballet. Symphony in C embodies the heritage of classical dance traditions, while the dancers’ versatility and energy give the performance a special dynamism and vitality.

Christian Spuck’s dance piece Fearful Symmetries is based on the eponymous composition by John Adams. The American composer John Adams is one of the leading figures in contemporary classical music. He took the title of his work from William Blake’s 1794 poem The Tyger. However, Adams was not inspired by the poem’s content but rather by the evocative key phrase. This «fearful symmetry» is reflected in Adams’ repeated melodic and harmonic structures, which he deliberately exaggerates, while synthesizers, keyboard samples, brass, and a driving pulse create a soundscape thatAdams refers to it as «traveling music», evoking the sense of constant motion through an everchanging landscape.

Symphony in C

Choreographie

Choreography

George Balanchine

Musik / Music

Georges Bizet

(Sinfonie Nr. 1 C-Dur / Symphony No. 1 C-Major, 1855)

Kostüme / Costumes

Elsie Lindström

Licht / Lighting Irene Selka

Fearful Symmetries

Choreographie

Choreography

Christian Spuck

Musik / Music

John Adams

Bühne / Stage Rufus Didwiszus

Kostüme / Costumes

Emma Ryott

Licht / Lighting Irene Selka

Musikalische Leitung

Conductor

Paul Connelly, Fayçal Karoui

Tänzer*innen des dancers of the Staatsballett Berlin

12. | 14. (2 ×) | 18. | 21. | 26. | 27. Feb 2027

7. | 31. März / Mar 2027

6. | 15. Apr 2027

Staatsoper Unter den Linden

Staatskapelle Berlin

Spieldauer / Duration 1:30

inklusive einer Pause including one intermission

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

Nurejew

Choreographie von / Choreography by Yuri Possokhov

Inszenierung von / Stage Direction by Kirill Serebrennikov

Musik von / Music by Ilya Demutsky

Das vielfach preisgekrönte Ballett Nurejew , choreographiert von Yuri Possokhov, komponiert von Ilya Demutsky und inszeniert von Kirill Serebrennikov, feierte im Dezember 2017 am Bolschoi-Theater in Moskau seine Uraufführung und wird außerhalb Russlands nur am Staatsballett Berlin gezeigt. Ballett, Oper und Schauspiel verschmelzen in diesem Gesamtkunstwerk zu einem szenischen Portrait Rudolf Nurejews, einem der größten Tänzer des 20. Jahrhunderts, dessen Mut, politischen und sozialen Konventionen zu trotzen, ihn zur Ikone machte. Ausgangspunkt der Inszenierung ist die Nachstellung einer Auktion, bei der persönliche Gegenstände aus dem Nachlass von Nurejew versteigert werden. Yuri Possokhovs Choreographie ist eine komplexe künstlerische Reflexion über Nurejews Persönlichkeit und Arbeit, die das klassische Ballettrepertoire und den Zeitgeist dieser Epoche wiederaufleben lässt. Die Inszenierung von Kirill Serebrennikov zeichnet sich durch eine Mischung aus klassischer und moderner Ästhetik aus, deren Rahmenhandlung Szenen aus Nurejews Leben verknüpft, von seiner außergewöhnlichen Karriere in der Sowjetunion bis zu seiner spektakulären Flucht in den Westen und seinem prägenden Einfluss auf die westliche Ballettszene, einschließlich seiner Beziehungen, sowie die offene Darstellung seiner Homosexualität. Nach seiner Uraufführung in Russland wurde das Werk für seine emotionale Tiefe und Ästhetik gelobt, aber löste ebenso Kontroversen und politische Diskussionen aus.

Im Zuge der 2022 verschärften LGBTQ-Gesetze verschwand Nurejew aus dem Programm des BolschoiTheaters, mit der Begründung, das Werk verstoße gegen das Verbot von Propaganda «nicht traditioneller Werte».

The critically acclaimed ballet Nureyev, choreographed by Yuri Possokhov, composed by Ilya Demutsky, and directed by Kirill Serebrennikov, premiered in December 2017 at the Bolshoi Theatre in Moscow and is being performed outside Russia exclusively by the Staatsballett Berlin. Ballet, opera, and theatre merge in this Gesamtkunstwerk to pay tribute to Rudolf Nureyev, one of the greatest dancers of the twentieth century, whose courage to defy political and social conventions made him an icon.

A central element of the production is a reenactment of an auction of Nureyev’s personal belongings. Yuri Possokhov’s choreography is a complex artistic reflection on Nureyev’s personality and work, bringing both classical ballet repertoire and the spirit of his era to life. Kirill Serebrennikov’s staging blends classical and modern aesthetics, linking scenes from Nureyev’s life, from his extraordinary career in the Soviet Union to his dramatic defection to the West and his formative influence on the Western ballet scene, including his relationships and the open portrayal of his homosexuality. Following its Russian premiere, the work was praised for its emotional depth and aesthetic power while also sparking controversy and political debate.

In 2022, as Russia tightened its anti-LGBTQ laws, Nureyev was removed from the Bolshoi Theatre’s repertoire, with officials citing the piece’s violation of the ban on promoting «nontraditional values».

Choreographie

Choreography

Yuri Possokhov

Inszenierung, Libretto und Bühne

Stage Direction, Libretto and Stage Kirill Serebrennikov

Musik / Music Ilya Demutsky

Kostüme / Costumes Elena Zaytseva

Video Ilya Shagalov

Licht / Lighting

Daniil Moskovitch

Sprecher, Schauspieler

Speaker, Actor Odin Lund Biron

Musikalische Leitung

Conductor

Dominic Limburg

Orchester der Orchestra of the Deutsche Oper Berlin Vocalconsort Berlin

Mezzosopran

Stephanie Wake-Edwards

Bariton

Artur Garbas

Countertenor

Iwan Borodulin, Eduardo Rojas

23. | 26. | 30. Apr 2027

3. | 7. | 12. | 15. | 17. Mai / May 2027

Deutsche Oper Berlin

Mit freundlicher Unterstützung With the kind support of

Harfenspieler / Harp Player

Alexander Boldachev, Joel von Lerber

Tänzer*innen des dancers of the Staatsballett Berlin

Spieldauer / Duration 2:20

inklusive einer Pause including one intermission

WIEDERAUFNAHME REVIVAL

Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Ein Tanzstück für Kinder ab 6 Jahren von / Choreography for children aged 6 and over by Dominik White Slavkovský

Chicxulub oder Der Floh des Teufels ist ein Tanzstück für Kinder ab 6 Jahren und jene Erwachsene, die keine Scheu vor skurrilen Begegnungen mit Dinosauriern, überdrehten Charakteren und einer bunten fiktiven Welt haben.

Im Zentrum stehen ein junger Prinz und seine Schwester, die sich aus ihrem Alltag in eine digitale Parallelwelt flüchten. Dort treffen sie nicht nur auf eine Gruppe moderner Superheld*innen, sondern begegnen unter anderem einem geheimnisvollen Superstar-Teufel und einem urzeitlichen Dino. Doch die Videospielwelt ist kein sicherer Rückzugsort, und die Geschwister müssen entscheiden, wie sie mit den Herausforderungen der Realität umgehen. Die Handlung führt von klassischen Märchenmotiven bis ins Weltall, verbindet Elemente aus Comics, Computerspielen und Abenteuerfilmen zu einer temporeichen Choreographie. Am Ende geht es nicht ums Weglaufen, sondern darum, gemeinsam über sich hinauszuwachsen, Herausforderungen anzunehmen und mit Fantasie und Mut den eigenen Platz in einer komplexen Welt zu behaupten.

Chicxulub or The Devil’s Flea is a dance piece for children aged 6 and up – and for grown-ups who aren’t afraid of eccentric encounters with dinosaurs, off-the-wall characters, and a wildly imaginative world.

At the heart of the story are a young prince and his sister, who escape the monotony of everyday life by diving into a digital parallel universe. There, they come across a gang of modern-day superheroes, a mysterious superstar-devil, and an ancient dinosaur. But this video game world isn’t the safe haven it first appears to be. and the siblings must face up to what they’re running from.

The narrative travels from classic fairy-tale motifs into outer space, blending elements of comic books, video games, and adventure films into a fast-paced choreography. In the end, it’s not about escaping, but about growing together, meeting life’s challenges head-on, and carving out your place in a complicated world with imagination and courage.

29. | 31. Mai / May 2027

1. (2 ×) | 2. | 3. (2 ×) | 4. Jun 2027

Deutsche Oper Berlin Tischlerei

Mit freundlicher Unterstützung With the kind support of

Peter-Paul-Hoffmann Stiftung

Marianne Hirschfelder Dr. Michael Müller

Choreographie und Inszenierung

Choreography and Direction Dominik White Slavkovský

Musik / Music Egon Thuile u. a.

Bühne / Stage Louis Caspar Schmitt

Kostüme / Costumes Maria Ubaldino Abreu

Dramaturgie / Dramaturgy Katja Wiegand

Sprecher / Speaker Jörg Schörner

Tänzer*innen des dancers of the Staatsballett Berlin

Musik vom Tonträger Recorded Music

Spieldauer / Duration 50 Min ohne Pause without intermission

Eine Koproduktion mit der Deutschen Oper Berlin. Die Vorstellung findet in deutscher Sprache statt. Ab 6 Jahren

A co-production with the Deutsche Oper Berlin. Performed in German. Ages 6+

Balle�- und Artistikschule Berlin

Es ist seit Jahrzehnten Tradition, dass die Schüler*innen der Staatlichen Ballett- und Artistikschule Berlin alljährlich auf den Bühnen der Berliner Opernhäuser die Ergebnisse der Ausbildungsarbeit in einer festlichen Gala präsentieren. Von den Kleinsten bis zu den Absolvent*innen sind die Schülerinnen und Schüler in ein Programm eingebunden, das Zeitgeist, Facettenreichtum und Vielseitigkeit der professionellen Tanzausbildung dokumentiert und das die heranwachsenden Künstler*innen gleichzeitig herausfordert. Sie werden zeigen, was sie zu leisten imstande sind und dabei ihre Vorfreude auf einen einzigartigen Beruf zum Ausdruck bringen.

For decades, it has been a tradition for the students of the Staatliche Ballettund Artistikschule to annually present the results of their training in a festive gala on the stages of the Berlin opera houses. From the youngest to the graduates, the students are involved in a programme that documents the spirit of the times, diversity, and versatility of professional dance training, while challenging the emerging artists. They will demonstrate what they are capable of achieving and express their excitement for a unique profession.

24. | 25. Jun 2027

Staatsoper Unter den Linden

Schüler*innen und Studierende der students of the Staatlichen Ballett- und Artistikschule Berlin

Musik vom Tonträger Recorded Music

Gespräch und Diskurs Conversations

GesprächDiskurs Conversations

Premierengespräch Premiere Talk

Vor der Premiere im Gespräch Talk before the Premiere

Die Gelegenheit ist günstig und kehrt nicht wieder: An einem Sonntagvormittag vor dem großen Ereignis der Premiere oder Uraufführung begrüßen Intendant Christian Spuck und Dramaturgin Katja Wiegand zum Premierengespräch. Das klassische Format ermöglicht einmalige Einsichten in die neuen Produktionen, die sich häufig nur im persönlichen Austausch mit den Künstler*innen des Teams eröffnen. Es gibt Gelegenheit, die Stimmung zu erspüren, von der die aufregenden Tage vor jeder Ballettpremiere geprägt sind.

On a Sunday morning before the big event of the premiere, Artistic Director Christian Spuck and Dramaturge Katja Wiegand welcome you to the premiere talk. This classic format offers unique insights into the new productions, which often only unfold in personal exchanges with the artists of the team. There is an opportunity to sense the atmosphere that characterizes the exciting days before every ballet premiere.

Balle�gespräch Ballet Talk

Künstler*innen und Gäste des Staatsballetts Berlin im Gespräch Artists and Guests of the Staatsballett Berlin in Conversation

Im stimmungsvollen Ambiente des Apollosaals der Staatsoper Unter den Linden lädt das Staatsballett Berlin an vier Sonntagvormittagen zum Gespräch ein. Moderiert von Intendant Christian Spuck und Dramaturgin Katja Wiegand erzählen Ensemblemitglieder, Choreograph*innen, Kostümbildner*innen und andere Mitwirkende in entspannter Atmosphäre von ihrer Arbeit und den Geheimnissen ihrer Kunst. Mit viel Zeit für tiefe und persönliche Einblicke in das Leben und den Alltag der Künstler*innen sind gute Unterhaltung und ganz besondere Begegnungen abseits der großen Bühne garantiert.

In the atmospheric setting of the Apollosaal at the Staatsoper Unter den Linden, the Staatsballett Berlin invites you to join them for conversations on four Sunday mornings. Moderated by the Artistic Director Christian Spuck and the Dramaturge Katja Wiegand, ensemble members, choreographers, costume designers, and other participants share their work and the secrets of their art in a relaxed atmosphere. With plenty of time for deep and personal insights into the lives and everyday experiences of the artists, good entertainment and very special encounters away from the main stage are guaranteed.

Der Nussknacker 8.11.26

Deutsche Oper Berlin → Foyer

William Forsythe II 7.3.27

Deutsche Oper Berlin → Foyer

Der Liebhaber 23.5.27

Staatsoper Unter den Linden → Apollosaal 11:00 4.10.26 1.11.26 21.2.27

Staatsoper Unter den Linden → Apollosaal 11:00

Tanz im Kontext: Gesprächsreihe zu Kunst und Gesellschaft Dance

put in Context: Discussing Art and Society

Entdecken Sie die Welt des Tanzes aus einer neuen Perspektive! In der Gesprächsreihe Forum geht Dramaturgin Katja Wiegand tiefer auf gesellschaftliche Fragestellungen und ihre Verbindungen zum Tanz ein. Zusammen mit Expert*innen aus anderen Kunstdisziplinen, aus Wissenschaft und Praxis, wird auch in der Spielzeit 2026/27 ein interdisziplinärer Austausch unternommen. Anhand von Stücken aus dem aktuellen Spielplan wird die Verknüpfung zu kulturellen und sozialen Themen im Tanz aufgezeigt. Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt. Englische Passagen werden auf Deutsch zusammengefasst.

Konzeption und Moderation: Katja Wiegand

Discover the world of dance from a different perspective! In the Forum discussion series, Dramaturge Katja Wiegand delves into pressing societal questions and their connections to dance. Together with experts from other artistic disciplines, academia, and practice, the 2026/27 season once again fosters interdisciplinary exchange. Using pieces from the current repertoire as examples, the series highlights the intersection of dance with cultural and social themes.

The event will be held in German, with English passages summarised in German.

Concept and moderation: Katja Wiegand

Einführungen Introductions

Zur Einstimmung auf den Ballettabend lädt die Dramaturgie des Staatsballetts an allen Aufführungsterminen 45 Minuten vor Beginn zur Einführung ins Foyer ein. Das Staatsballett Berlin freut sich, die Partnerschaft mit dem Masterstudiengang Critical Dance Studies der Freien Universität Berlin auch in dieser Spielzeit beizubehalten. Studierende bereiten unter Betreuung von Prof. Lucia Ruprecht, Leiterin des Studiengangs an der Freien Universität Berlin, und der Dramaturgie des Staatsballetts ihre eigenen Einführungen über die Werke vor. Mit einer Verbindung von theoretischem Wissen und praktischer Erfahrung informieren sie über Musik, Handlung, Choreographie, Entstehung und Interpretation der Werke.

To get in the mood for the ballet evening, the Staatsballett’s dramaturgy department invites the audience to an introduction in the foyer on all performance dates 45 minutes before curtain. The Staatsballett Berlin is delighted to continue its partnership with the dance studies Master Critical Dance Studies at the Freie Universität Berlin. Under the supervision of Prof. Lucia Ruprecht, the head of the studies programme at Freie Universität Berlin, and the Staatsballett’s dramaturgy department, students will prepare their own introductions about the works. Combining theoretical knowledge and practical experience, they provide information about the music, plot, choreography, creation and interpretation of the works.

Deutsche Oper Berlin → Rangfoyer

Staatsoper Unter den Linden → Apollosaal

Komische Oper Berlin @Schillertheater → Foyer

jeweils 45 Minuten vor Beginn der Vorstellung

Backstage

Backstage

Training Zuschauenzum Ballet Class Up Close

Das Staatsballett Berlin trainiert auf der großen Bühne The Staatsballett Berlin takes a class on stage

Selten hat das Publikum die Möglichkeit, die Tänzer*innen des Staatsballetts Berlin beim Training zu erleben. Das beliebte Format Training zum Zuschauen bietet genau das: Auf der großen Bühne der Deutschen Oper öffnet sich der Vorhang für einen Ausschnitt aus der täglichen Arbeit, die sonst nur im Verborgenen geschieht. Was die Tänzerinnen und Tänzer allmorgendlich, tagein tagaus, im Ballettsaal praktizieren, um sich auf Proben und Aufführungen vorzubereiten, ist zugleich die notwendige Grundlage der Kunst, die sie so meisterhaft beherrschen. Was auf der Bühne leicht und schwerelos aussieht, erfordert harte Arbeit und unerbittliche Disziplin. Genau darin liegt die Faszination, die das Publikum immer wieder neu begeistert.

Rarely does the audience have the opportunity to witness the dancers of the Staatsballett Berlin during their training. The popular format Ballet Class Up Close offers just that: On the grand stage of the Deutsche Oper, the curtain opens to reveal a glimpse of the daily work that usually occurs behind closed doors. What the dancers practice every morning, day in and day out, in the ballet studio to prepare for rehearsals and performances is also the necessary foundation of the art they master so skilfully. What appears effortless and weightless on stage requires hard work and relentless discipline. It is precisely this fascination that continually captivates the audience anew.

Mit Tänzer*innen, Ballettmeister*innen und Pianist*innen des Staatsballetts Berlin With dancers, ballet masters and pianists of the Staatsballett Berlin

Erö�nungsfest FestivityOpening

An spätsommerlichen Wochenenden öffnen die Berliner Opernhäuser ihre Pforten, um die neue Saison zu feiern, gemeinsam mit allen Mitarbeitenden aus Chor und Orchester, Bühne, Kostüm und Maske und mit neugierigen Besucher*innen jeden Alters. Ob Opern- und Ballett-Kenner*in oder Neuling, das Programm der beliebten Eröffnungsfeste bietet für alle spannende Blicke hinter die Kulissen, Informationen rund um Premieren und Proben, viel Musik zum Hören oder Selbermachen – und natürlich Ballett! Der Eintritt ist frei.

On late summer weekends, the Berlin opera houses open their doors to celebrate the new season, together with all employees from the choir and orchestra, stage, costume and makeup departments, and with curious visitors of all ages. Whether an opera or ballet enthusiast or a newcomer, the program of the popular opening festivals offers exciting insights behind the scenes, information about premieres and rehearsals, plenty of music to listen to or participate in – and of course, ballet! Admission is free.

12.9.26 Tag der Offenen Tür

Staatsoper Unter den Linden

Balle� in Berlin: Eine Chronik Ballet in Berlin: A Chronicle

Große Meilensteine und verborgene Geschichten –das Staatsballett Berlin eröffnet einen faszinierenden Zugang zum immateriellen kulturellen Erbe seiner eigenen Historie: In einer digitalen Ausstellung lassen sich Premieren, Personen und Ereignisse unmittelbar nebeneinander entdecken, sodass überraschende Zusammenhänge dieser eigenständigen Kunstform in Berlin erstmals sichtbar werden. Die Sammlung wächst kontinuierlich an und öffnet nicht nur dem Publikum die Türen, sondern auch der Forschung. Alle Daten und Informationen münden zukünftig in eine eigene Datenbank, die im Kontext von Balletthistoriographie und Stadtgeschichte neue Fragen und Perspektiven für die Arbeit einer umfassenden Erinnerungskultur zum Ballett in Berlin ermöglicht.

Idee und Realisierung: Annegret Gertz

Major milestones and hidden stories – the Staatsballett Berlin offers a fascinating new way to engage with the intangible cultural heritage of its own history. In a digital exhibition, premieres, persons, and events are presented side by side, revealing surprising connections within this unique art form in Berlin for the first time. The collection is continuously growing, opening doors not only to the public but also to research. All data and information will eventually be integrated into a dedicated database, allowing new questions and perspectives on ballet historiography and the city’s history, and fostering a comprehensive culture of remembrance for ballet in Berlin.

Concept and Realisation: Annegret Gertz

Kompanie Company

Kompanie Company

Staatsballe� Berlin. EinedreiKompanie, Opernhäuser.

One ballet company,

three houses.opera

Das Staatsballett Berlin ist mit 80 Tänzer*innen aus fast 30 Nationen die größte Ballettkompanie Deutschlands – und die einzige, die ihr vielseitiges Repertoire auf drei Opernbühnen der Stadt zeigt: der Deutschen Oper Berlin, der Komischen Oper Berlin und der Staatsoper Unter den Linden. Gegründet 2004 durch einen Zusammenschluss der früheren Ballettensembles dieser drei Opernhäuser, ist das Staatsballett eine eigenständige Institution unter dem Dach der Stiftung Oper in Berlin.

Gründungsintendant im Jahr 2004 war Vladimir Malakhov, einer der herausragenden Tänzer seiner Generation. Er brachte bis 2014 ein abwechslungsreiches Repertoire auf die Bühne, geprägt von zahlreichen Neuschöpfungen, der Wiederentdeckung von Raritäten aus dem Ballettrepertoire und dem Engagement herausragender Tänzer*innenpersönlichkeiten, die er an Berlin zu binden verstand. Werke von Maurice Béjart oder George Balanchine prägten den Spielplan genauso wie Kreationen von Mauro Bigonzetti oder Angelin Preljocaj, seinerzeit Protagonisten einer choreographischen Avantgarde.

Als Choreograph weltweit gefragt war auch der Spanier Nacho Duato, Intendant des Staatsballetts von 2014 bis 2018. Mit seiner sehr persönlichen, sensibel-introvertierten Bewegungssprache prägten seine eigenen Werke den Spielplan, neben Werken von Jiří Kylián, seinem Mentor und Lehrmeister, oder Ohad Naharin.

In der Ko-Intendanz von Johannes Öhman und Sasha Waltz, Berliner Protagonistin des zeitgenössischen Tanzes, konnten neue choreographische Arbeitsweisen erprobt werden. Persönlichkeiten wie Alexander Ekman, Alexei Ratmansky oder Richard Siegal erarbeiteten Neuschöpfungen mit der Kompanie, jeweils mit anderem Ansatz.

Während der kommissarischen Intendanz von Dr. Christiane Theobald kamen neben Werken von Pina Bausch und Mats Ek auch Arbeiten einer jüngeren Generation wie David Dawson zur Aufführung. Darüber hinaus suchten verschiedene Rahmenprogramm-Formate den multiperspektivischen Dialog und eine verstärkte Einbindung des Publikums.

Seit Beginn der Spielzeit 2023/24 ist Christian Spuck Intendant des Staatsballetts Berlin. Unter seiner Leitung ist das Programm geprägt von vielfältigen Neukreationen namhafter Choreograph*innen unserer Zeit und der Pflege des klassischen Ballettrepertoires. Gleich in der ersten Saison unter Spucks Leitung wurde das Staatsballett Berlin von der Zeitschrift tanz als «Kompanie des Jahres» ausgezeichnet und in der zweiten Spielzeit als «Glanzlicht des Jahres». Darüber hinaus erhielt Christian Spuck Anfang 2026 den Deutschen Tanzpreis für seine Arbeit mit der Kompanie.

The Staatsballett Berlin, with 81 dancers from 30 nations, is the largest ballet company in Germany –and the only one that showcases its versatile repertoire on three opera stages in the city: the Deutsche Oper Berlin, the Komische Oper Berlin, and the Staatsoper Unter den Linden. Founded in 2004 through a merger of the former ballet ensembles of these three opera houses, the Staatsballett is an independent institution under the umbrella of the Stiftung Oper in Berlin (Foundation Opera in Berlin).

The founding Artistic Director in 2004 was Vladimir Malakhov, one of the outstanding dancers of his generation. Until 2014, he brought a diverse repertoire to the stage, characterized by numerous new creations, the rediscovery of rarities from the ballet repertoire, and the engagement of outstanding dancer personalities whom he managed to attract to Berlin. Works by Maurice Béjart or George Balanchine shaped the repertoire as much as creations by Mauro Bigonzetti or Angelin Preljocaj, protagonists of a choreographic avant-garde at the time.

Spanish Nacho Duato, also in demand worldwide as a choreographer, was Artistic Director of the Staatsballett from 2014 to 2018. With his very personal, sensitive-introverted movement language, his own works shaped the repertoire alongside works by Jiří Kylián, his mentor and teacher, or Ohad Naharin. Under the co-directorship of Johannes Öhman and Sasha Waltz, a leading figure in contemporary dance in Berlin, new choreographic working methods could be tested. Personalities such as Alexander Ekman, Alexei Ratmansky, or Richard Siegal created new works with the company, each with a different approach.

During the interim directorship of Dr. Christiane Theobald, works by Pina Bausch and Mats Ek, as well as works by a younger generation like David Dawson, were performed. In addition, various framework program formats aim for multi-perspective dialogue and increased audience involvement.

Since the beginning of the 2023/24 season, Christian Spuck has been the Intendant of the Staatsballett Berlin. Under his direction, the program is characterized by diverse new creations by renowned contemporary choreographers and the cultivation of the classical ballet repertoire. In its very first season under Spuck’s direction, the Staatsballett Berlin was named «Company of the Year» by the magazine tanz and «Highlight of the Year» in its second season. In addition, Christian Spuck received the German Dance Award in early 2026 for his work with the company.

Christian Spuck Intendant

Artistic Director

Christian Spuck stammt aus Marburg und wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers’ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Kompanie. In Stuttgart kreierte er fünfzehn Uraufführungen, darunter Lulu. Eine Monstretragödie nach Frank Wedekind, Der Sandmann und Das Fräulein von S. nach E.T.A. Hoffmann. Für das Königliche Ballett Flandern entstand 2006 The Return of Ulysses Für das Aalto Ballett Essen entstand das Ballett Leonce und Lena nach Georg Büchner, sowie das Ballett Die Kinder beim Aalto Ballett Essen, welches für den «Prix Benois de la Danse» nominiert wurde. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde 2010 von der Zeitschrift «Dance Europe» zu den zehn erfolgreichsten Tanzproduktionen weltweit gewählt sowie mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen «Danza/Danza-Award» ausgezeichnet. Von 2012 bis 2023 war Christian Spuck Direktor des Balletts Zürich. Hier waren seine Choreographien Romeo und Julia, Leonce und Lena, Anna Karenina, Woyzeck , Der Sandmann, Messa da Requiem (als Koproduktion von Oper und Ballett Zürich), Nussknacker und Mausekönig, Dornröschen sowie Monteverdi zu sehen. 2018 hatte in Zürich Christian Spucks Ballett Winterreise Premiere, für das er mit dem «Prix Benois de la Danse 2019» ausgezeichnet wurde. Helmut Lachenmanns Das Mädchen mit den Schwefelhölzern wurde 2019 als «Produktion des Jahres» durch die Zeitschrift «tanz» geehrt und das Ballett Zürich als «Kompanie des Jahres». Für das Moskauer Bolschoi Theater kreierte er 2021 sein Ballett Orlando nach Virginia Woolf. Das Ballett Zürich wurde 2022 von der Zeitschrift «tanz» als «Glanzlicht des Jahres» ausgezeichnet.

Seit der Saison 2023/24 ist Christian Spuck Intendant des Staatsballetts Berlin und kreierte in seiner ersten Spielzeit das Tanzstück Bovary. Die Kritiker*innenrunde der Zeitschrift tanz wählte das Staatsballett Berlin für seine Gesamtleistung zur «Kompanie des Jahres 23/24». In der Saison 2025/26 wurde das Staatsballett Berlin von der Zeitschrift «tanz» als «Glanzlicht des Jahres» ausgezeichnet. Anfang 2026 wurde Christian Spuck der Deutsche Tanzpreis 2026 verliehen.

Christian Spuck comes from Marburg and trained at the John Cranko School in Stuttgart. He began his dancing career with Jan Lauwers’ Needcompany and Anne Teresa De Keersmaeker’s ensemble Rosas. In 1995, he became a member of the Stuttgart Ballet and served as the company’s resident choreographer from 2001 to 2012. In Stuttgart, he created fifteen world premieres, including Lulu. Eine Monstertragödie after Frank Wedekind, Der Sandmann and Das Fräulein von S. based on the works of E.T.A. Hoffmann. In 2006, he created The Return of Ulysses for the Royal Ballet of Flanders. For the Aalto Ballet Essen, he created the ballet Leonce und Lena, after Georg Büchner, as well as the ballet Die Kinder beim Aalto Ballett Essen, which was nominated for the Prix Benois de la Danse. The world premiere of Poppea//Poppea for Gauthier Dance at the Theaterhaus Stuttgart was voted one of the ten most successful dance productions worldwide by Dance Europe magazine in 2010 and was awarded the German theatre prize DER FAUST 2011 aswell as the Italian «Danza/Danza-Award».

From 2012 to 2023, Christian Spuck was director of the Ballett Zürich. His choreographies Romeo und Julia, Leonce und Lena, Anna Karenina, Woyzeck, Der Sandmann, Messa da Requiem (a co-production of the Oper and Ballett Zürich), Nussknacker und Mausekönig, Dornröschen and Monteverdi have been shown there. Christian Spuck’s ballet Winterreise premiered in Zurich in 2018, for which he was awarded the «Prix Benois de la Danse 2019». Helmut Lachenmann’s Das Mädchen mit den Schwefelhölzern was honoured as «Production of the Year» by the German magazine «tanz» in 2019, and the Ballett Zürich as «Company of the Year», In 2021, he created his ballet Orlando, based on Virginia Woolf, for the Bolshoi Theatre in Moscow. In 2022, the Ballett Zürich was named «Highlight of the Year» by the magazine «tanz».

Christian Spuck has been artistic director of the Staatsballett Berlin since the 2023/24 season and created the dance piece Bovary in his first season. The critics’ panel of the magazine «tanz» voted the Staatsballett Berlin «Company of the Year 23/24» for its overall performance. In the 2025/26 season, the Staatsballett Berlin was named «Highlight of the Year» by the magazine tanz. In early 2026, Christian Spuck was awarded the German Dance Prize 2026.

Tänzer*innen Dancers

Erste Solotänzer*innen

Principals

Weronika Frodyma / Martin ten Kortenaar Principal Guest / Haruka Sassa / David Soares / Iana Salenko Principal Guest / Polina Semionova Principal Guest / Kalle Wigle

Solotänzer*innen

Soloists

Emma Antrobus / Alexandre Cagnat / Jan Casier / Aurora Dickie / Marina Duarte / Matthew Knight / Meiri Maeda / Fiona McGee / Leroy Mokgatle / Danielle Muir / Murilo de Oliveira / Alexei Orlenco / Rafaelle Queiroz / Michelle Willems

Demi-Solotänzer*innen

Demi-Soloists

Cohen Aitchison-Dugas / Jessica Beardsell / Alexander Bird / Bruna Cantanhede / Mark Geilings / Gregor Glocke / Julia Golitsina / Achille De Groeve / Sarah Hees-Hochster / Cameron Hunter / Cécile Kaltenbach / Marina Kanno / Vivian Assal Koohnavard / Andrea Marino / Ross Martinson / Yuka Matsumoto / Jisoo Park / Loïck Pireaux / Giovanni Princic / Alicia Ruben / Eloïse Sacilotto / Vera Segova / Alizée Sicre / George Susman / Anthony Tette / Clotilde Tran / Lewis Turner / Dominic Whitbrook / Shuailun Wu

Gruppentänzer*innen

Corps de ballet

Barbara Andrade / Matthys De Beer / Giacomo Beraldo/ Paulina Rosa Blum / Yoko Callegari / Chloe Capulong / Filipa Cavaco / Gustavo Chalub / Ailin Cheliktash / Poppy Florence Downing / Grégoire Duchevet / Timothy Dutson / Jack Easton / Victor Gomes / Suren Grigorian / Désirée Guler / Wolf Hoeyberghs / Mari Kawanishi / Riccardo Mambelli / Jordan Mullin / Minori Nakashima / Filippo Pagani / Blanka Paldi / Renée Spaltenstein / Erick Swolkin / Olmo Verbeeck Martínez / Wei Wang / Inara Wheeler / Dominik White Slavkovský

Charakterfach

Acting Roles

Martina Böckmann

Balle�meister*innen

Ballet Masters

Eva Dewaele / Fabio Palombo / Nadja Saidakova / Barbara Schroeder / Yannick Sempey / Alexandre Simões

Pianist*innen Pianists

Nodira Burchanowa / Da Yun Choi / Alina Pronina / Pedro Sanchez

Artist in Residence

Marcos Morau

Intendanz / Artistic Direction

Intendant / Artistic Director

Christian Spuck

Künstlerische Betriebsleitung und Referent des Intendanten

Head of Artistic Operations and Advisor to the Artistic Director

Michael Banzhaf

Assistentin der Intendanz

Assistant to the Artistic Direction

Elke Tismar

Geschäftsführung / Managing Direction

Geschäftsführerin / Managing Director

Jenny Mahr

Referentin der Geschäftsführerin

Advisor to the Managing Director

Alexandra van Veldhoven

Gastverträge und Controlling

Guest Contracts and Controlling

Senayt Araya

Assistentin der Geschäftsführerin und Ballettsekretariat

Assistant to the Managing Director and Company Office

Anna-Isabel Steffens

Dramaturgie / Dramaturgy

Dramaturgie / Dramaturgy

Katja Wiegand

Dramaturgie und Dokumentation

Dramaturgy and Documentation

Annegret Gertz

Produktion / Production

Produktionsleitung / Production Manager

Tobias Fischer

Technische Produktionsleitung und Koordination

Technical Production Manager and Coordinator

Mathias Hofmann

Künstlerisches Betriebsbüro – Leitung

Head of Artistic Operations Office

Beatrice Knop

Künstlerisches Betriebsbüro / Artistic Operations Office

Tomas Karlborg

Ballettinspektor / Ballet Inspector

Oliver Wulff

Marketing, Kommunikation und Sponsoring

Marketing, Communication and Sponsoring

Leitung

Head of Marketing, Communication and Sponsoring

Maren Dey

Pressesprecherin / Press Officer

Corinna Erlebach

Online Kommunikation / Online Communication

Michael Hoh

Ticketing und Besucherbindung

Ticketing and Visitor Services

Doris Wedel

Sponsoring & Fundraising

Irmtraud Ilmer

Tanz ist KLASSE! Education Programm

Tanz ist KLASSE! Education Programme

Leitung / Management

Alexandra van Veldhoven

Planung und Projektleitung

Planning and Project Management

Henriette Köpke

Tanzpädagogin, PDTD / Dance Educator

Kathlyn Pope

Tanzpädagogin, Tanztherapeutin BTD, Charaktersolistin

Dance Educator, Dance Therapist and Character Soloist

Bettina Thiel

Tanzpädagoge / Dance Educator

Stefan Witzel-Korolev

Honorarkräfte / Honorary Staff

Vanessa Cokaric

Antanina Müller

Elena Pris

Programm zur Unterstützung von Tänzer*innen bei der Leistungsverbesserung und Verletzungsprävention

Performance enhancement and injury prevention scheme

Honorarkräfte / Honorary Staff

Verbesserung der Leistung und Verletzungsprophylaxe

Improve Performance and Injury Prevention

Anneli Chasemore M.Sc, PDTC

Soraya Bruno MAe, PDPTC

Konditionstraining / Condition training

Mehmet Yumak

Physiotherapie / Physiotherapy

Bodo Vopel

Lukas Hinds-Johnson

Yuriko Takeoka

Andrea Lopez de la Fuente

Freunde und Förderer des Staatsballe�s Berlin e.V. Friends and Supporters of the Staatsballett Berlin

Vorstandsvorsitzender

Chair of the Board

Dr. med. Gregor Wahl

Stv. Vorstandsvorsitzende

Vice Chair of the Board

Johanna Bormann

Vorstand / Member of the Board

Dr. Tillman Prinz

Schatzmeisterin / Treasurer

Corina Golze

Rechnungsprüferin / Auditor

Anett Keller

Rechnungsprüferin / Auditor

Anne Schwenk

Koordination / Coordination

Franziska Baumann

Ehrenmitglieder des Staatsballe�s Berlin

Honorary Members of the Staatsballett Berlin

Charlotte Butler

Monika Lubitz

Dr. Christiane Theobald

Stiftungsrat der Stiftung Oper in Berlin Board of Trustees of the Berlin Opera Foundation

Senatorin für Kultur und Gesellschaftlichen

Zusammenhalt des Landes Berlin, Stiftungsratsvorsitzende

Senator for Culture and Social Cohesion of the State of Berlin, Chairman of the Foundation Board

Sarah Wedl-Wilson

Finanzsenator des Landes Berlin

Senator of Finance of the State of Berlin

Stefan Evers

Vorsitzender des Personalrats der Stiftung Oper in Berlin

Chairman of the Staff Council of the Berlin Opera Foundation

Rainer Döll

Intendant des Konzerthaus Dortmund

Artistic Director of the Konzerthaus Dortmund

Rafael Graf von und zu Hoensbach

Mitglied in verschiedenen Aufsichtsräten

Member of various Supervisory Boards

Vera Gäde-Butzlaff

Intendant der Kölner Philharmonie a.D.

Former Artistic Director of the Kölner Philharmonie

Louwrens Langevoort

Programmdirektorin, Deutsche Welle

Managing Director of Programming, Deutsche Welle

Dr. Nadja Scholz

Vorstand der Stiftung Oper in Berlin Board of the Berlin Opera Foundation

Generaldirektor der Stiftung Oper in Berlin

General Director of the Berlin Opera Foundation

Georg Vierthaler

Kommissarischer Intendant der Deutschen Oper Berlin

Artistic Director of the Deutsche Oper Berlin

Aviel Cahn

Geschäftsführender Direktor der Deutschen Oper Berlin

Managing Director of the Deutsche Oper Berlin

Thomas Fehrle

Intendantin der Staatsoper Unter den Linden

Artistic Director of the Staatsoper Unter den Linden

Elisabeth Sobotka

Geschäftsführender Direktor der Staatsoper Unter den Linden

Managing Director of the Staatsoper Unter den Linden

Ronny Unganz

Intendantin und Geschäftsführende Direktorin der Komischen Oper Berlin

Artistic and Managing Director of the Komische Oper Berlin

Susanne Moser

Intendant und Operndirektor der Komischen Oper Berlin

Artistic and Opera Director of the Komische Oper Berlin

Philip Bröking

Intendant des Staatsballetts Berlin

Artistic Director of the Staatsballett Berlin Christian Spuck

Geschäftsführende Direktorin des Staatsballetts Berlin

Managing Director of the Staatsballett Berlin Jenny Mahr

Geschäftsführer des Bühnenservice und Stellv. Generaldirektor der Stiftung Oper in Berlin

Managing Director of the Stage Service and Deputy General Director of the Berlin Opera Foundation Rolf D. Suhl

Tanz ist KLASSE! Education Programm

ist KLASSE!

Zusehen. Mitmachen. Erleben.

Tanz ist KLASSE!

Das Education Programm des Staatsballe�s Berlin

The Education Programme of the Staatsballett Berlin

Tanz ist KLASSE! ermöglicht es Kindern, Jugendlichen, Erwachsenen, Familien und Projektgruppen, einen ganz persönlichen Zugang zum Ballett zu finden – und das bereits seit fast 20 Jahren. Mit einem vielseitigen Angebot können Schüler*innen und ihre Klassen, sowie junge und ältere Menschen Tanz und Bewegung erleben und entdecken.

Tanz ist KLASSE! wurde 2007 gegründet und hatte den Auftrag, die kulturelle Bildungs- und Vermittlungsarbeit für das Staatsballett Berlin zu übernehmen. In den vergangenen Jahrzehnten haben wir Generationen von Kindern auf ihrem Weg, den Tanz für sich zu entdecken, begleitet. Damals selbst noch Kinder, begrüßen wir heute teilweise schon die nächste Generation, wenn die einstigen Kinder heute mit ihrem eigenen Kind zu uns kommen. Das Engagement des Education Programms ist nach wie vor richtungsweisend und hat sich im Laufe der Jahre kontinuierlich erweitert. Das Programm umfasst heute Workshops, Vorbereitungskurse für Vorstellungen, Produktionsklassen, Masterklassen, Tanzkurse, Angebote für Erwachsene, Angebote für Menschen mit Behinderungen sowie Ferienaktionen – für alle Altersgruppen mit oder ohne Vorerfahrung. Tanz ist nicht an einen festen Ort gebunden: Tanzpädagog*innen gehen in Stadtteile, Schulen und Kitas, sowie auch in Kinder-Hospize, um dort Kindern und Jugendlichen die Freude am Tanz näherzubringen oder ihnen zu helfen, ihre Leidenschaft dafür zu entdecken.

Tanz ist KLASSE! has been opening up a deeply personal path to ballet for children, young people, adults, families, and project groups for almost 20 years. With a wide-ranging programme, pupils and their classes, as well as people of all ages, are invited to experience and explore dance and movement.

Founded in 2007, Tanz ist KLASSE! was entrusted with developing and delivering the cultural education and outreach work of the Staatsballett Berlin. Over the past decades, we have accompanied generations of children as they discovered dance for themselves. Some of those who first came to us as children, now return with their own sons and daughters – allowing us to welcome an entirely new generation.

The commitment of the education programme remains pioneering and has continued to grow and evolve over the years. Today, it includes workshops, preparatory courses for performances, production classes, masterclasses, dance courses, programmes for adults, offers for people with disabilities, and holiday activities – for all age groups, with or without prior experience. Dance is not tied to a single location: our dance educators work in neighbourhoods, schools and daycare centres, as well as in children’s hospices, sharing the joy of dance with children and young people and helping them discover a passion for it.

Im Jahr 2027 wollen wir mit Ihnen und euch feiern. Entdecken Sie auf den nächsten Seiten, was wir für Sie und euch vorbereitet haben, eine Wiederaufnahme beliebter Klassiker wie die Familienvormittage aber auch ganz neue Projekte.Mit unserem vielseitigen Angebot können Schüler*innen und ihre Klassen, sowie junge und ältere Menschen Tanz und Bewegung erleben und entdecken. Wir freuen uns auf Sie und auf euch!

In 2027, we want to celebrate with you. On the following pages, discover what we have planned for you – from the return of muchloved classics such as our family mornings to exciting new projects. With our diverse programme, pupils and their classes, as well as younger and older participants alike, can experience and explore dance and movement. We look forward to welcoming you!

Tanzübersehen,Tanz sprechen, und selber tanzen –egal wie alt du bist.

Kontakt und Anmeldung

Contact and Registration

Tanz ist KLASSE!

Henriette Köpke, Alexandra van Veldhoven Telefon +49 (0)30 34 384 166 tanzistklasse@staatsballett-berlin.de www.staatsballett-berlin.de/tanz-ist-klasse

Das ProgrammThe programme

Regelmäßige Angebote Regular activities

Tägliche Workshops für Schulklassen und Kitas Daily Workshops for School Classes, and Daycare Centres

Der tägliche Ablauf eines professionellen Tänzers oder einer professionellen Tänzerin ist geprägt von intensivem Training und zahlreichen Proben, bevor eine Choreographie in vollkommener Perfektion auf die Bühne gebracht wird. Wie gestaltet sich ein solches Training? Wie fühlt es sich an, im Ballettsaal zu stehen, zu springen oder durch den Raum zu tanzen?

In einem Vormittagsworkshop erhalten Schulklassen, Kitagruppen oder Projektgruppen Einblicke in diese Welt und die Möglichkeit, selbst erste Tanzschritte zu unternehmen. Die Tanzpädagog*innen öffnen die Türen für die Teilnehmer*innen, gewähren einen Blick hinter die Kulissen und unterstützen sie bei ihren ersten eigenen Tanzversuchen. Diese Workshops dienen auch der inhaltlichen Vorbereitung auf einen geplanten Besuch einer Aufführung. Der erste Kontakt mit dem Tanz wird für Kinder und Jugendliche dabei so reibungslos wie möglich gestaltet. Trotz anfänglicher Unsicherheit oder eventuell vorhandener Klischees betreten sie den Ballettsaal, um ihn nach zahlreichen Eindrücken und eigenen Bewegungserfahrungen mit einem positiven Gefühl, einem vertieften Verständnis und oft auch mit Begeisterung für den Tanz zu verlassen.

ab 5 Jahren from 5 years

The daily routine of a professional dancer is shaped by intensive training and long hours of rehearsal before a choreography reaches the stage in perfect form. But what does such training actually look like? What does it feel like to stand in a ballet studio, to jump, or to move freely through the space?

In a morning workshop, school classes, daycare groups, and project groups are given a glimpse into this world and the opportunity to take their very first dance steps themselves. The dance educators open the doors to the participants, offer insights behind the scenes, and support them in their initial attempts at dancing. These workshops also serve as content-related preparation for an upcoming performance visit. For children and young people, this first encounter with dance is designed to be as accessible and welcoming as possible. Despite any initial uncertainty or preconceptions they may have, they enter the ballet studio and leave it enriched by a wealth of impressions and personal movement experiences – with a positive feeling, a deeper understanding, and often a genuine enthusiasm for dance.

Partnerschaften mit Schulen und Kitas

Partnerships with Schools and Nurseries

Die Schüler*innen und Kita-Kinder wollen mehr, als nur einmalig im Ballettsaal zu tanzen? Auch dafür hat Tanz ist KLASSE! die Lösung und unterhält Partnerschaften zu Berliner Schulen und Kitas. Unter professioneller Anleitung der Tanzpädagog*innen bewegen sich Kinder und Jugendliche unterschiedlicher Klassenstufen wöchentlich im regulären Unterricht, tanzen mit- und füreinander, improvisieren oder erarbeiten eigene Tanzszenen.

Außerdem freuen wir uns, im Rahmen von TUSCH – Theater und Schule eine dreijährige Partnerschaft mit einer Berliner Schule eingehen zu können.

Do pupils and daycare children want more than just a one-off experience in the ballet studio? Tanz ist KLASSE! has the answer to that as well, maintaining long-term partnerships with schools and daycare centres across Berlin. Under the professional guidance of dance educators, children and young people from different year groups move and dance together on a weekly basis as part of their regular school timetable – dancing with and for one another, improvising, and creating their own dance scenes.

We are also delighted to be entering into a three-year partnership with a Berlin school as part of TUSCH – Theater und Schule.

Engagement in Kinderhospizen Involvement in Children’s Hospices

Die jungen Gäste von Hospizen für Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene leben mit lebensverkürzenden Erkrankungen, die sich auf die unterschiedlichste Art und Weise äußern können. Mit ihnen allen wollen wir tanzen, auf so individuelle Weise, wie es jeder Mensch vermag, ob wild durch den Raum rasend oder nur mit einem Wimpernschlag.

Tanzpädagoge Stefan Witzel-Korolev besucht die Kinder und Jugendlichen einmal wöchentlich vor Ort zum gemeinsamen Tanz, der die Kreativität und Fantasie anregt. Die Teilnehmenden erhalten somit die Möglichkeit, die eigenen Gefühle, Gedanken und Empfindungen auf nonverbale Weise auszudrücken, denn Tanz und Bewegung haben eine unglaublich therapeutische Kraft, bei der oft genug der Weg das Ziel ist.

Seit 2026 verbindet uns eine Kooperation mit dem Sonnenhof – Hospiz für Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene der Björn-Schulz-Stiftung. Wir freuen uns, uns auch in 2026/2027 in Kinderhospizen engagieren zu können und mit den Gästen dort zu tanzen.

The young guests of hospices for children, youngsters and young adults live with lifeshortening illnesses that can manifest themselves in many different ways. We want to dance with all of them, in as individual ways as each person is capable of, whether wildly racing through the room or with just the blink of an eye.

Dance pedagogue Stefan WitzelKorolev visits the children and young people once a week to dance together, stimulating their creativity and imagination. This gives the participants the opportunity to express their own feelings, thoughts, and sensations in a non-verbal way, because dance and movement have an incredibly therapeutic power, where often enough the journey is the goal. Since 2026, we have been working in partnership with Sonnenhof, a hospice for children, youngsters and young adults run by the Björn Schulz Foundation. We are delighted to be able to continue our involvement with children’s hospices in 2026/2027 and to dance with the guests there.

4 – 18 Jahre

4 – 18 years

Kreativer Kindertanz / Balle�kurse

Creative Children’s Dance / Ballet Classes

Das Interesse am Tanzen wurde bereits geweckt? Für alle kleinen und größeren Kinder bietet Tanz ist KLASSE! ein fortlaufendes Kursangebot in Kreativem Kindertanz für kleine Tänzer*innen ab 3 Jahren an. Rhythmische und räumliche Spiele unterstützen die Kinder, sich mit ihrem Körper auszudrücken, zudem werden körperliche Fähigkeiten geschult und die Fantasie und Kreativität angeregt. Für Jungs im Kita- und Vorschulalter gibt es einen besonderen Kurs, in dem sie sich austoben und den Tanz spielerisch für sich entdecken können.

Für Kinder ab 6 Jahren und Jugendliche bieten wir Ballettunterricht an, sowohl für Neueinsteiger*innen als auch weiterführende Kurse, die altersgerecht in die Technik des Balletts einführen.

Erweitert wird das Kursprogramm um Kurse für erwachsene Tänzer*innen der Stufen Anfänger*innen, Mittelstufe und Fortgeschrittene. Die Kurse werden von (ehemaligen) Tänzer*innen mit professioneller Bühnenlaufbahn geleitet und richten sich an alle ab 16 Jahren.

Has an interest in dance already been sparked? Tanz ist KLASSE! offers an ongoing programme of Creative Children’s Dance for younger and older children alike, beginning at age three. Through rhythmic and spatial games, children are encouraged to express themselves physically while developing motor skills and stimulating their imagination and creativity.

For boys in daycare and pre-school age, there is a special course where they can let off steam and discover dance in a playful way. For children aged six and up, as well as for teenagers, we offer ballet classes for both beginners and more advanced students, introducing ballet technique in an age-appropriate manner.

The programme is further expanded by classes for adult dancers at beginner, intermediate, and advanced levels. These courses are taught by (former) professional stage dancers and are open to everyone aged 16 and over.

Für Kinder ab 3 Jahren und Erwachsene For children from 3 years and older and adults

Einmalige Workshops und Kurse

One-off Workshops and Courses

Für Familien For Families

Familienworkshops

Family Workshops

Ein Ballettbesuch in der Kindheit hinterlässt oft auch im Erwachsenenalter bleibende Eindrücke. Um Familien den Besuch von Ballettvorstellungen zu erleichtern, gibt es beim Staatsballett Berlin spezielle Familienvorstellungen mit besonderen Preisstrukturen.

Das Einzigartige dabei ist, dass Tanz ist KLASSE! bei diesen Vorstellungen eine Einführung in die Inszenierung anbietet. In einem einstündigen Workshop erhalten die Teilnehmer*innen nicht nur Einblicke in die Handlung und wichtige Charaktere des Stücks, sondern erfahren auch mehr über die Entstehungsgeschichte. Darüber hinaus können sie selbst kurze Sequenzen zur Originalmusik tanzen. Dies erleichtert den Zugang zu einer Ballettvorstellung und bereitet den Besuch optimal vor.

Für Jugendliche, ob mit oder ohne begleitende Eltern, bietet unser Format DiY – Dance it yourself einen interaktiven Einführungsworkshop. Hier können die Teilnehmer*innen unter Gleichgesinnten durch eigenes Ausprobieren mehr über die Produktion erfahren.

Die als Familienvorstellungen gekennzeichneten Vorstellungstermine entnehmen Sie bitte dem Kalender.

Ort im Opernhaus der Abendvorstellung Kosten 5 € pro Person

A childhood ballet visit often leaves a lasting impression well into adulthood. To make it easier for families to attend ballet performances, the Staatsballett Berlin offers special family performances with tailored ticket prices.

What makes these performances unique is that Tanz ist KLASSE! provides an introduction to the production. In an one-hour workshop, participants, together with dance educators, gain insights into the story and key characters of the ballet, as well as its background and creation process. They also get the chance to dance short sequences to the original music. This workshop helps demystify ballet and ensures families are well-prepared for the performance.

For teenagers, whether accompanied by parents or not, we offer the interactive DiY – Dance it Yourself workshop. Here, participants can explore the production hands-on and learn more about it alongside peers in a fun and engaging way.

You can find the dates for family performances marked in the calendar.

Venue at the respective opera house Costs € 5 per person

Familiennacht Family

Night

Bereits zum fünften Mal beteiligt sich Tanz ist KLASSE! an der «Familiennacht». Das Besondere: Genau dann, wenn die Türen der Ballettsäle normalerweise verschlossen werden, öffnen die Tanzpädagog*innen sie erneut, um mit den Besucher*innen zu tanzen, bis tief in die Nacht hinein.

10.10.26 17:00 – 24:00

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 3 € pro Person

This is the fifth time that Tanz ist KLASSE! is taking part in the «Family Night». What’s special about it is that exactly when the doors to the ballet studios are normally closed, the dance pedagogues open them again to dance with the visitors late into the night.

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 3 per person

Für Jugendliche und Erwachsene

For Teenagers and Adults

TanzTanz Workshops

Die Workshopreihe TanzTanz ist bereits Tradition und eines der beliebtesten Angebote des Education Programms. Im Rahmen von TanzTanz haben Hobbytänzer*innen die Möglichkeit, in den ikonischen Sälen des Staatsballetts zu trainieren. Unter der Leitung von Tanzpädagog*innen und Tänzer*innen des Staatsballetts Berlin und live am Piano begleitet erhalten sie ein professionelles Training, bevor sie Originalchoreographien aktueller Repertoirestücke einstudieren oder an eine aktuelle Produktion angelehnte eigene Choreographien entwickeln. Es finden parallel klassische und zeitgenössische Workshops statt, deren Ergebnisse sich die Teilnehmer*innen zum Abschluss gegenseitig präsentieren.

TanzTanz findet in der Spielzeit 2026/27 an folgenden Terminen statt:

4.10.26 11:00 Giselle

The TanzTanz workshop series has become a beloved tradition and is one of the most popular offerings in the education programme. These workshops provide hobby dancers with the opportunity to train in the iconic studios of the Staatsballett Berlin. Led by dance educators and dancers from the Staatsballett, and accompanied live on piano, participants receive professional training before rehearsing original choreographies from the current repertoire or developing their own choreographies inspired by current productions. Both classical and contemporary workshops run simultaneously, and at the end, participants share their work with one another in an informal presentation. TanzTanz will take place during the 2026/27 season on the following dates:

10.1.27 11:00 Nussknacker und / and 2 Chapters Love 21.3.27 11:00 William Forsythe II und / and Nurejew

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 28 € pro Person

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 28 per person

TanzTanz Spezial

Im Rahmen von TanzTanz Spezial laden wir renommierte und etablierte Gastpädagog*innen ein, an einem oder mehreren Tagen eine Masterclass zu unterrichten. Damit öffnet sich das Education Programm auch neuen Bewegungssprachen, die es unter bestmöglicher Anleitung erproben will. TanzTanz Spezial richtet sich, je nach Angebot, an Hobbyoder professionelle Tänzer*innen.Die Termine werden im Laufe der Spielzeit bekannt gegeben.

TanzTanz Spezial XXL

Im Rahmen von TanzTanz Spezial XXL können alle aktiv über einen Tag hinweg in unterschiedlichen Workshops einen Einblick in die kommende Spielzeit erhalten. Die Teilnehmenden erhalten ein Training, besuchen verschiedene Workshops und schließen den Tag mit einem Cool-Down ab.

In the context of TanzTanz Special, we invite renowned and established guest educators to teach masterclasses over one or more days. This allows the education programme to embrace and explore new movement styles under expert guidance. Depending on the offer, TanzTanz Special is aimed at hobby or professional dancers. The dates will be announced during the season.

As part of TanzTanz Special XXL, participants can spend a full day actively exploring the upcoming season through a variety of workshops. They receive training, take part in different sessions, and finish the day with a cool-down.

20.6.27 11:00 TanzTanz Spezial XXL

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 65 € pro Person

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 65 per person

Ferienkurse

Holiday Courses

Um auch in den Schulferien in Bewegung zu bleiben, bietet Tanz ist KLASSE! Kindern, Jugendlichen und Familien stets ein abwechslungsreiches Ferienangebot an. Ob klassisches Ballett oder Choreographielabor, ob ein- oder mehrtägig, ob mit Eltern oder ohne – für jede Alters- und Kenntnisstufe gibt es ein Programm. Und auch der beliebte Kurs für Kinder mit kognitiven oder motorischen Einschränkungen wird wiederholt.

Weitere Kurse werden im Laufe der Spielzeit bekannt gegeben, hier zunächst einige Highlights in den Herbstund Osterferien:

Feriencamp

To keep moving even during school holidays, Tanz ist KLASSE! offers children, young people, and families a varied holiday programme. Whether it’s classical ballet or a choreography lab, a one-day or multi-day workshop, with or without parents – there’s something for every age and skill level. The popular course for children with cognitive or motor impairments will also be offered again.

Additional courses will be announced throughout the season, for now some highlights during the autumn and spring holidays:

«Spielarten des Tanzes» Holiday Camp

«Types of Dance»

19. – 23.10.26, jeweils 9:30 – 16:00 (Herbstferien)

30.3. – 3.4.27, jeweils 9:30 – 16:00 (Osterferien)

19. – 23.10.26, 9:30 – 16:00 daily (Autumn holidays)

30.3. – 3.4.27, 9:30 – 16:00 daily (Spring holidays)

In diesem fünftägigen Feriencamp lernen Jugendliche zwischen 12 und 16 Jahren, die bereits Vorkenntnisse im Ballett mitbringen, die Spielarten des Tanzes kennen. Der Vormittag ist dem klassischen Tanz vorbehalten, beginnend mit einem Training und der Einstudierung einer Ballettvariation. Am Nachmittag lernen die Teilnehmer*innen zeitgenössische Bewegungssprachen kennen, üben Charaktertänze, choreographieren selbst, beobachten die Kompanie beim Training oder erkunden Gewerke des Opernhauses. Am letzten Tag gibt es eine Abschlusspräsentation für die Familien.

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Staatsoper Unter den Linden Kosten 200 € für 5 Tage exkl. Verpflegung

In this five-day holiday camp, teenagers aged 12 to 16 with prior ballet experience can explore the diverse styles of dance. Mornings are dedicated to classical dance, starting with training and rehearsing a ballet variation. In the afternoons, participants will be introduced to contemporary movement styles, practice character dances, try their hand at choreography, or explore the different crafts behind opera productions. The camp concludes with a final presentation for families on the last day.

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Staatsoper Unter den Linden Costs € 200 for five days excl. meals

12 – 16 Jahre

12 – 16 years

Herbstferienkurs «Ich tanz’ nach meiner Pfeife»

Autumn Holiday Course

«I Dance to My Own Tune»

Tanzkurs für Kinder und Jugendliche mit motorischen oder kognitiven Einschränkungen

26. – 29.10.26, jeweils 9:45 – 11:45

Dance course for children and teenagers with motor or cognitive impairments

26. – 29.10.26, 9:45 – 11:45 daily

Die Tanztherapeutin BTD und Tanzpädagogin Bettina Thiel und der Tanzpädagoge

Stefan Witzel-Korolev laden Kinder und Jugendliche zwischen 5 und 17 Jahren mit einer Cerebralparese oder anderen kognitiven oder motorischen Einschränkungen ein, gemeinsam mit ihren Eltern an einem viertägigen Tanzkurs teilzunehmen. Jedes Kind, das in der Lage ist, seine Gefühle auf irgendeine Art zu äußern, ist in dem Kurs genau richtig.

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 40 € pro Familie

Familienvormi�age Family Mornings

An sogenannten Familienvormittagen ermöglichen wir Kindern, Jugendlichen und deren Familien und Bezugspersonen einen exklusiven Blick hinter die Kulissen des Staatsballetts Berlin. Die Teilnehmenden erfahren Wissenswertes über das Staatsballett Berlin, sie lernen, sich ohne Worte mit Hilfe der Ballettpantomime zu verständigen, und tanzen natürlich auch selbst. Zum Abschluss besuchen die Familien das morgendliche Training des Staatsballetts. In unserem Jubiläumsjahr möchten wir so vielen Menschen wie möglich diesen Einblick gewähren. Die Termine entnehmen Sie bitte dem Kalender.

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 5 € pro Person

Dance therapist BTD and dance educator

Bettina Thiel, along with dance educator

Stefan Witzel-Korolev, invite children and teenagers aged 5 to 17 with cerebral palsy or other cognitive or motor impairments to join a four-day dance course with their parents. This course is designed for every child who is able to express their feelings in any way.

Venue: Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 40 per family

On our Family Mornings, we give children, young people, and their families or caregivers an exclusive behind-the-scenes look at the Staatsballett Berlin. Participants learn fascinating facts about the company, explore non-verbal communication through ballet mime, and, of course, dance themselves. The morning concludes with a visit to the Staatsballett’s daily training session. In our anniversary year, we aim to offer this experience to as many people as possible. Please refer to the calendar for the dates.

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 5 per person

FUTURA DANZA

Elternschaft auf kreative Weise erleben

Experiencing parenthood in a creative way

FUTURA DANZA ist ein neuer fortlaufender Tanzkurs für schwangere Frauen sowie für junge Mütter und Väter mit Babys bis zu 12 Monaten. Der Kurs lädt dazu ein, Mutterschaft und frühe Elternschaft als Zeit der Veränderung, des Ankommens und des Neu-Werdens zu erleben – über den Körper, die Bewegung und den gemeinsamen Austausch.

Unter Anleitung von Vanessa Cokaric, Tanzpädagogin und zertifizierte Pre- und Postnatal-Yoga-Lehrerin, verbinden die Treffen in geschützter Atmosphäre sanfte Körperarbeit, Tanz, Spiel und Bewegung mit dem Baby. Der Körper wird gestärkt, die Haltung neu ausgerichtet und die Rückkehr zur körperlichen Aktivität behutsam begleitet. Gleichzeitig fördert die gemeinsame Bewegung die Bindung zwischen Eltern und Kind sowie die sensorische und motorische Entwicklung der Babys.

Der Kurs findet einmal wöchentlich statt und kostet 100 Euro für einen Kursblock von 10 Terminen. Die genauen Zeiten und Termine finden Sie online.

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 100 € je Kursblock

FUTURA DANZA is a new ongoing dance course for pregnant women and young mothers and fathers with babies up to 12 months. The course invites participants to experience motherhood and early parenthood as a time of change, arrival, and new-beginnings – through the body, movement, and shared exchange.

Under the guidance of Vanessa Cokaric, dance teacher and certified pre- and postnatal yoga instructor, the sessions combine gentle bodywork, dance, play, and movement with the baby in a safe atmosphere. The body is strengthened, posture is realigned, and the return to physical activity is gently supported. At the same time, moving together promotes the bond between parents and child as well as the sensory and motor development of babies.

The course takes place once a week and costs € 100 for a block of 10 sessions. The exact times and dates can be found online.

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 100 per course block

Tanzworkshops für alle Dance Workshops for Everyone

Wie wäre es, einfach mal in ein Opernhaus zu spazieren und dort zu tanzen? Wir machen es möglich. In unseren Tanzworkshops für alle können Sie und könnt ihr unter Anleitung unserer Tanzpädagog*innen den eigenen Bewegungen freien Lauf lassen, selbst choreographieren und tanzen. Die großzügigen Foyers der Deutschen Oper und der wunderschöne historische Apollosaal der Staatsoper Unter den Linden sind prädestiniert dafür, sich zum Tanzen zu treffen. Vorkenntnisse sind nicht erforderlich, der Eintritt ist frei.

How about simply walking into an opera house – and dancing there? We make it possible. In our dance workshops for everyone, you can let your movements flow freely, create your own choreography, and dance under the guidance of our dance educators. The spacious foyers of the Deutsche Oper and the beautiful historic Apollosaal of the Staatsoper Unter den Linden are perfect places to come together and dance. No prior experience is needed, and admission is free.

20.9.26 12:00 – 13:00 Staatsoper Unter den Linden, Apollosaal

30.1.27 13:00 – 14:00 Deutsche Oper Berlin, Foyer

17.4.27 13:00 – 14:00 Deutsche Oper Berlin, Foyer

Für Pädagog*innen und Erzieher*innen

For Teachers and Educators

STEP.ahead

Fortbildungsreihe für die frühkindliche Bildung Training Series for Early Childhood Education

Mit über 200 Workshops pro Spielzeit und regelmäßigen Weiterbildungen haben die Tanzpädagog*innen einen unermesslichen Schatz an Erfahrungswerten und Wissen, das sie nun weitergeben möchten. Unter der Leitung von Bettina Thiel bietet Tanz ist KLASSE! Fortbildungsworkshops für Erzieher*innen und Pädagog*innen von Kitas an. Durch die Fortbildung sollen Menschen, die mit Kindern im Alter zwischen 1 und 6 Jahren arbeiten, angeleitet und ein Verständnis dafür vermittelt werden, wie ästhetische Bildung ausgestaltet werden kann. Im Fokus dieser Fortbildung stehen bestimmte «Bewegungsorganisationsmuster» (nach Bartenieff), die die Kinder in ihren unterschiedlichen Entwicklungsphasen durchlaufen. So kann durch die Künste der in dieser Altersstufe so essentielle Prozess des «Ich-Erkennens» gefördert werden. Vermittelt werden kleine Tanzübungen, die im Kita-Alltag einfließen können. Darüber wird die Wahrnehmung der eigenen Körperverbindungen spielerisch durch den Tanz gefördert.

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 100 € je Termin

14.11.26 10:00 – 15:00

18.5.27 10:00 – 15:00

With over 200 workshops per season and regular professional development, our dance educators have amassed a wealth of experience and knowledge that they are now ready to share. Led by Bettina Thiel, Tanz ist KLASSE! offers training workshops for daycare and preschool teachers.

These workshops aim to guide educators working with children aged 1 to 6 in aesthetic education and provide an understanding of how such education can be effectively implemented. The focus is on specific «movement organization patterns» (according to Bartenieff), which children pass through during different stages of development. Through the arts, this essential process of self-recognition at this age can be nurtured.

The workshops teach small dance exercises that can be integrated into daily daycare routines. At the same time, they help children explore and develop awareness of their own bodily connections in a playful and engaging way through dance.

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Deutsche Oper Berlin Costs € 100 per session

Für Menschen mit Multipler Sklerose oder Parkinson

For People with Multiple Sclerosis or Parkinson’s

InTakt – Verbindung durch Bewegung

InTune – Connection through movement

Auch in dieser Spielzeit bietet Tanz ist KLASSE! einen regelmäßigen Tanzkurs für Menschen mit Multipler Sklerose oder Parkinson an. Als Kunstform spricht der Tanz sowohl den Körper als auch den Geist an und bietet eine Möglichkeit, sich selbst zu verbinden, den Körper zu stärken und dabei psychologische sowie psychosoziale Vorteile zu erlangen.

Der Kurs kombiniert sanfte Bewegungen mit kreativen Tanztechniken, die auf die Bedürfnisse der Teilnehmenden abgestimmt sind. Mit jahrelanger Erfahrung wird die Tanzpädagogin Soraya Bruno gemeinsam mit einem Team qualifizierter Pädagog*innen die Teilnehmenden anleiten, sich im Tanz und in Bewegungen in einer kreativen Atmosphäre selbst zu entdecken. Das Team bietet individuelle Unterstützung, um Koordination, Flexibilität und Körperwahrnehmung durch verschiedene tanzpädagogische Übungen zu fördern. Jede Sitzung endet mit einem entspannten und offenen Austausch unter den Teilnehmenden.

Der Kurs findet an drei Sonntagen im Monat statt und ist barrierefrei zugänglich. Die Anmeldung erfolgt jeweils für drei bzw. vier Monate.

Herbst-Block

In this season, Tanz ist KLASSE! once again is offering a regular dance class for people with Multiple Sclerosis or Parkinson’s. As an art form, dance engages both body and mind, providing an opportunity to connect with oneself, strengthen the body, and enjoy psychological and psychosocial benefits.

The class combines gentle movements with creative dance techniques tailored to the needs of the participants. With years of experience, dance educator Soraya Bruno, together with a team of qualified instructors, guides participants in exploring themselves through dance and movement in a creative and supportive environment. The team offers individual support to help improve coordination, flexibility, and body awareness through a variety of dance exercises. Each session concludes with a relaxed and open exchange among participants.

The course takes place three Sundays per month and is fully accessible. Registration is done in three- or four-month blocks.

30.8. | 6. | 13.9.26 Autumn Course 11. | 18. | 25.10.26 1. | 8. | 22.11.26

Winter-Block

29. 11. | 13. | 20.12.26 Winter course 10. | 17. | 31.1.27 7. | 21. | 28.2.27 7. | 14. | 21.3.27

Frühjahrs-Block 11. | 18. | 25.4.27

Spring Course 2. | 9. | 30.5.27 6. | 20. | 27.6.27

10:30 – 13:30

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Staatsoper Unter den Linden

Kosten 15 / 20 € pro Person pro Block

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin in the Staatsoper Unter den Linden Costs € 15 / 20 per person per course

Für alle ab 60

For all individuals

aged

60 and over

(K)nie zu spät

Never too late

Lust auf Bewegung, körperlich aktiv und auf der Suche nach geistigen Herausforderungen? Das Education Programm bietet zwei wöchentliche Kurse für junge Ältere ab 60 Jahren an, in dem Kathlyn Pope mit den Teilnehmer*innen über einen Zeitraum von jeweils neun Wochen aktuelle Produktionen des Staatsballetts Berlin erforscht. Dabei wird nicht nur die geistige und körperliche Flexibilität gefördert, sondern auch die Freude am eigenen kreativen Schaffen kleinerer Choreographien gestärkt. Ein schöner Nebeneffekt: Die Teilnehmer*innen finden in dem Kurs Gleichgesinnte und eventuell Gesellschaft für einen zukünftigen Ballettbesuch. Denn klar ist: Es ist (K)nie zu spät, um mit dem Tanzen zu beginnen!

Ort Ballettsäle des Staatsballetts Berlin in der Deutschen Oper Berlin Kosten 140 € pro Person pro neunwöchigem Kurs (montags) oder 560 € für die gesamte Spielzeit (mittwochs) montags und mittwochs, 14:00 – 15:00

Looking for movement, staying physically active, and seeking intellectual challenges? The education programme is offering two weekly courses for older adults aged 60 and above. In this course, Kathlyn Pope will guide participants over nine-week sessions in exploring current productions of the Staatsballett Berlin. The course promotes not only mental and physical flexibility but also encourages participants to enjoy the creative process of making their own small choreographies. A delightful side benefit: participants may find like-minded individuals in the course, potentially forming a community for future ballet visits. Because it’s clear: it’s never too late to start dancing!

Venue Ballet studios of the Staatsballett Berlin at the Deutsche Oper Berlin Costs € 140 per person for the nine-week course (Mondays) or € 560 for the full season (Wednesdays) Mondays and Wednesdays, 14:00 – 15:00

ab 60 Jahren from 60 years

Aufgrund der großen Nachfrage werden die Plätze für die einzelnen Blöcke des Montags-Kurses aus allen Anfragen sechs Wochen vor Kursbeginn per Losverfahren vergeben.

Kursblock / Course 1 31.8.– 9.11.26

Due to high demand, spots for each block of the Monday course are allocated by lottery from all applications six weeks before the course begins.

Bovary

→ Interessenbekundungen zwischen dem 1. und 7.7.26

Submission of expressions of interest between 1. and 7.7.26

Kursblock / Course 3 16.11.26 – 18.1.27

Der Nussknacker

→ Interessenbekundungen zwischen dem 1. und 7.10.26

Submission of expressions of interest between 1. and 7.10.26

Kursblock / Course 5 8.2.– 19.4.27

William Forsythe II

→ Interessenbekundungen zwischen dem 1. und 7.12.26

Submission of expressions of interest between 1. and 7.12.26

Kursblock / Course 7 26.4.– 28.6.27

Der Liebhaber

→ Interessenbekundungen zwischen dem 1. und 7.3.27

Submission of expressions of interest between 1. and 7.3.27

Für den Mittwochs-Kurs über die gesamte Spielzeit können Sie sich am 1. Juli 2026 ab 9:00 Uhr ausschließlich schriftlich anmelden.

Kursblock / Course 2 2.9.– 11.11.26

For the Wednesday course running for the entire season, registration opens on July 1, 2026, at 9:00 am and can be completed by written application only.

Bovary

Kursblock / Course 4 18.11.26 – 20.1.27

Kursblock / Course 6 10.2.– 21.4.27

Kursblock / Course 8 28.4.– 23.6.27

→ Anmeldung am / Registration on 1.7.26, 9:00

Der Nussknacker

William Forsythe II

Der Liebhaber

Peter Kaaden

Peter Kaaden, geboren in Essen, ist Fotograf und Regisseur. Er assistierte Ryan McGinley in New York und war anschließend mehrere Jahre Photo Director beim Rolling Stone Magazine. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen weltweit gezeigt, außerdem hat er drei Bücher veröffentlicht: Mi�elkinder, Gold und Silber. Er arbeitet mit Magazinen und Kund*innen auf der ganzen Welt. Heute lebt und arbeitet er in Paris und Berlin.

Die Imagekampagne wurde von Peter Kaaden mit Tänzer*innen des Staatsballe�s Berlin in der Deutschen Oper Berlin fotografiert: Cohen AitchisonDugas, Emma Antrobus, Ma�hys de Beer, Gustavo Chalub, Ailin Cheliktash, Poppy Downing, Gregoire Duchevet, Jack Easton, Gregor Glocke, Wolf Hoeyberghs, Fiona McGee, Yuka Matsumoto, Leroy Mokgatle, Jisoo Park, Rafaelle Queiroz, Eloise Sacilo�o, Anthony Te�e, Inara Wheeler, Kalle Wigle und Shuailun Wu.

Peter Kaaden, born in Essen, is a photographer and director. He assisted Ryan McGinley in New York and then spent several years as photo director at Rolling Stone Magazine. His work has been shown in numerous exhibitions worldwide, and he has also published three books: Mi�elkinder, Gold and Silber. He works with magazines and clients all over the world. He currently lives and works in Paris and Berlin.

The image campaign was photographed by Peter Kaaden with dancers of the Staatsballett Berlin on the rehearsal stage, backstage and in a ballet studio in the Deutsche Oper Berlin: Cohen Aitchison-Dugas, Emma Antrobus, Matthys de Beer, Gustavo Chalub, Ailin Cheliktash, Poppy Downing, Gregoire Duchevet, Jack Easton, Gregor Glocke, Wolf Hoeyberghs, Fiona McGee, Yuka Matsumoto, Leroy Mokgatle, Jisoo Park, Rafaelle Queiroz, Eloise Sacilotto, Anthony Tette, Inara Wheeler, Kalle Wigle and Shuailun Wu.

Danke!

Das Bildmaterial entstand in Zusammenarbeit mit Edgar Scherwinski (Assistenz), Camille Franke (Styling), Paloma Brytscha (Make-Up Artist) und Rabea Röhll (Hair Artist). Für die zeitgleich entstandenen Videos in der Regie von Peter Kaaden danken wir herzlich der LeBerg Filmproduktion: Louis Lustermann (DOP), Julien Bauer (1st AC), Vojtěch Špulák (Key Grip), Gabriel Waldvogel, Yannick Fauth (Executive Producer / Managing Director), Jana Neumann (Production Coordinator), Timo Grossmann und Sora Schäffte (Post Production).

Besonderen Dank an die Kostümabteilung der Deutschen Oper Berlin, insbesondere Wiebke Horn (Leitung), Maria Ubaldino Abreu, Stefan Fuchs, Monique Langford, Tim Süßbauer, Ole Ferchland,  Katrin Dumke, Nazan Cakiroglu sowie an Isabel Theißen (Kostümdirektion der Staatsoper Unter den Linden) und an alle, die diese Foto- und Videoproduktion ermöglicht haben.

Thank you!

The images were created in collaboration with Edgar Scherwinski (assistant), Camille Franke (styling), Paloma Brytscha (make-up artist) and Rabea Röhll (hair artist). For the videos, which were created at the same time and directed by Peter Kaaden, we would like to express our sincere thanks to LeBerg Filmproduktion: Louis Lustermann (DOP), Julien Bauer (1st AC), Vojtěch Špulák (key grip), Gabriel Waldvogel, Yannick Fauth (executive producer / managing director), Jana Neumann (production coordinator), Timo Grossmann and Sora Schäffte (post-production).

Special thanks to the costume department of the Deutsche Oper Berlin, in particular Wiebke Horn (head), Maria Ubaldino Abreu, Stefan Fuchs, Monique Langford, Tim Süßbauer, Ole Ferchland, Katrin Dumke, Nazan Cakiroglu, as well as Isabel Theißen (costume direction of the Staatsoper Unter den Linden) and everyone who made this photo and video production possible.

Unterstützen Support

Unterstützen Support

Freunde und Förderer Friends and Supporters

Die Freunde und Förderer sind leidenschaftliche Ballettliebhaber und begleiten das Staatsballett Berlin und seine Tänzerinnen und Tänzer aus nächster Nähe – in ihrer täglichen Arbeit und auf der Bühne. Zugleich unterstützen unsere engagierten Mitglieder die Kompanie darin, ihren Weg der Exzellenz fortzuführen. Wir wollen finanziell und ideell dazu beitragen, künstlerische Entwicklungen zu ermöglichen und jener herausragenden Arbeit Rückhalt zu geben, die das Staatsballett prägt.

Projekte Projects

Ein zentrales Anliegen ist uns Next Generation – ein Format, das den Tänzerinnen und Tänzern des Staatsballetts alle zwei Jahre die Möglichkeit gibt, eigene choreographische Ideen umzusetzen. So entsteht ein Raum, in dem sie neue Ausdrucksformen entdecken und Perspektiven für die Zeit nach der aktiven Laufbahn entwickeln können. Darüber hinaus unterstützen wir besondere Ballettproduktionen und Gastspiele, die beliebte jährliche Ensemblebroschüre und das Health Department mit diagnostischen Geräten und therapeutischer Ausbildung.

The friends and patrons are passionate ballet lovers who accompany the Staatsballett Berlin and its dancers up close – in their daily work and on stage. At the same time, our dedicated members support the company as it continues on its path to excellence. We want to contribute financially and ideologically to enabling artistic developments and supporting the outstanding work that characterises the Staatsballett.

One of our key concerns is Next Generation –a format that gives the dancers of the Staatsballett Berlin the opportunity to realise their own choreographic ideas every two years. This creates a space in which they can discover new forms of expression and develop perspectives for the time after their active careers. In addition, we support special ballet productions and guest performances, the popular annual ensemble brochure and the Health Department with diagnostic equipment and therapeutic training.

Willkommen bei uns

A warm welcome

Als Dank für ihr Engagement kommen die Mitglieder des Freundeskreises in den Genuss, das Staatsballett Berlin auf vielfältige Weise hinter den Kulissen zu erleben. Auf der Webseite des Freundeskreises und in regelmäßigen Newslettern werden sie über exklusive Veranstaltungen informiert.

In recognition of their unwavering commitment, members of the Circle of Friends enjoy unique opportunities to delve behind the scenes of the Staatsballett Berlin. Exclusive events are communicated to them through the Circle of Friends’ website and regular newsletters.

Mitgliedsformen Types of membership

Junge*r Freund*in / Young Friends (16-25 Jahre / years)

Freund*in / Friends

Förder*in / Supporters

Pat*in / Patrons

Mäzen*in / Benefactors

Herzlichen Dank

Many thanks

60 € p.a.

150 € p.a.

600 € p.a.

2.500 € p.a.

5.000 € p.a.

Jetzt Mitglied werden unter: Become a member now:

Wir danken unseren Mitgliedern, Paten und Mäzenen für ihre besondere Unterstützung. We wish to thank our members, patrons and benefactors for their special support.

Mäzene / Benefactors

Weberbank Actiengesellschaft

Paten / Patrons

Martina Bandoly

Prof. Christoph Behrend

Catherine von Fürstenberg-Dussmann

Claudia und Nicolas Jeissing

Marlene Krug

Rena Lehmann

Paul IT-Service GmbH

Wellendorff Gold-Creationen GmbH & Co. KG

XERION BERLIN LABORATORIES GmbH

Die Zahnarztpraxis Dr. Heym und diejenigen, die nicht namentlich genannt werden wollen. and all those who do not wish to be named.

Vorteile für alle Mitglieder Advantages for all members

Freundeskreis unterwegs / Circle of Friends out and about 31.8.26 nachmittags / Führung durch die Dekor- und Kostümwerkstätten afternoon Guided tour of the costume and stage design workshops

Werkstätten → Bühnenservice Berlin

Freundeskreis im Training / Circle of Friends in Classes

10.10.26

5.12.26

16.1.27

20.2.27

10.4.27

12.6.27

tägliches Morgentraining / daily morning class Staatsballett → Ballettsäle Deutsche Oper Berlin

Freundeskreis in Bühnenproben / Circle of Friends in stage rehearsals

8.9.26 Giselle

24.9.26 Bovary

15.10.26 Wunderkammer

19.11.26 Der Nussknacker

9.12.26 2 Chapters Love

8.2.27

Fearful Symmetries

9.3.27 William Forsythe II

19.4.27 Nurejew

27.5.27 Der Liebhaber

abends / evening

Staatsoper Unter den Linden

Deutsche Oper Berlin

Komische Oper Berlin @ Schillertheater

Deutsche Oper Berlin

Staatsoper Unter den Linden

Staatsoper Unter den Linden

Deutsche Oper Berlin

Deutsche Oper Berlin

Staatsoper Unter den Linden

Freundeskreis im Gespräch / Circle of Friends in conversation

Das Jahresgespräch mit Christian Spuck zur Veröffentlichung der Spielzeit 27/28 wird im Frühjahr 2027 bekanntgegeben. Der Intendant des Staatsballetts stellt den Mitgliedern des Freundeskreises das Programm exklusiv vor.

The annual conversation with Christian Spuck unveiling the program for the 27/28 season will be announced in spring 2027. The Artistic Director of Staatsballett will exclusively present the program to members of the Circle of Friends.

Vorgezogener Kartenvorverkauf und exklusives Kontingent

Early ticket sales and exclusive contingent

Mitglieder erhalten die Möglichkeit, bereits vor dem offiziellen Vorverkauf Karten zu erwerben. Der vorgezogene Kartenvorverkauf beginnt am 24.4.26. Außerdem können Mitglieder Plätze aus dem Freundeskreis-Kontingent abrufen. Dabei handelt es sich um die besten Plätze jeder Preiskategorie.

As a special privilege, members have the opportunity to acquire tickets before the official public sale during the advanced pre-sale starting on 24.4.26. Furthermore, members can access seats from the Circle of Friends allotment, which includes the best seats across all price categories.

Vergünstigter Bezug des Magazins «tanz» Discount on subscriptions to the magazine «tanz»

Der Verlag der Zeitschrift «tanz» bietet allen Vereinsmitgliedern alle Abonnements zum Vorzugspreis mit 25% Rabatt an. Das Magazin bietet monatlich aktuelle Rezensionen, eindrucksvolle Porträts, Kalender mit allen wichtigen Aufführungen, Streamingund Literaturtipps sowie hochwertige Fotografien.

The publishers of «tanz» magazine are offering all members a special 25% discount on all subscriptions.The magazine offers monthly reviews, impressive portraits, calendars of all the major performances, streaming and literature tips, as well as high quality photography.

Exklusiv für Förderer, Paten und Mäzene Exclusives for Supporters, Patrons and Benefactors

Neben der Teilnahme an den genannten Veranstaltungen sind Förderer (mit einer Begleitperson), Paten (mit bis zu drei Gästen) und Mäzene (mit bis zu fünf Gästen) zum Besuch der folgenden Veranstaltungen berechtigt.

In addition to attending the aforementioned events, supporters (accompanied by one guest), patrons (accompanied by up to three guests) and benefactors (accompanied by up to five guests) have the privilege of accessing the following special occasions.

Freundeskreis in Studioproben / Circle of Friends in studio rehearsals

10.10.26

5.12.26

16.1.27

20.2.27

10.4.27

12.6.27

Vormittagsprobe / morning rehearsal Staatsballett → Ballettsäle Deutsche Oper Berlin

Freundeskreis in Generalproben / Circle of Friends in general rehearsals

26.11.26 abends / evening Der Nussknacker Deutsche Oper Berlin

18.3.27 abends / evening William Forsythe II Deutsche Oper Berlin 4.6.27 vormittags / morning Der Liebhaber Staatsoper Unter den Linden

Termine unter Vorbehalt. Änderungen möglich. Subject to change.

Kontakt Contact

Franziska Baumann

Koordination / Coordination

Freunde und Förderer des Staatsballetts Berlin e.V. c/o Staatsballett Berlin Richard-Wagner-Str. 10 10585 Berlin

Telefon +49 (0)30 34 384 174 hallo@freundeskreis-staatsballett-berlin.de www.freundeskreis-staatsballett-berlin.de

Spenden / Donations

IBAN DE81 1012 0100 6440 0440 00

Mitgliedsbeiträge und Spenden sind steuerlich absetzbar. Membership fees and donations are tax-deductible.

&SponsoringFundraising

Platin Partner*in

Platinum Partner

Manfred Strohscheer Stiftung

Ein ganz besonderer Dank gilt der Manfred Strohscheer Stiftung und ihrem Stifter für die Unterstützung in außergewöhnlichem Umfang. Verschiedenste Projekte wie die digitale Ausstellung Ballett in Berlin und eine Reihe neuer Kreationen können dank der Großzügigkeit realisiert und ermöglicht werden.

Gold Partner*in Gold Partner

Weberbank

Seit vielen Jahren verbindet das Staatsballett Berlin und die Weberbank eine exzellente Partnerschaft, die die künstlerische Arbeit sowie das vielfältige Programm des Staatsballetts nachhaltig unterstützt. Mit ihrem Engagement leistet die Weberbank einen wichtigen Beitrag, der die Exzellenz der Kompanie stärkt und ermöglicht.

Special thanks go to the Manfred Strohscheer Foundation and its founder for their extraordinary support. Thanks to their generosity, a wide variety of projects, such as the digital exhibition Ballet in Berlin and new creations can be realized and made possible.

For many years, the Staatsballett Berlin and Weberbank have enjoyed an excellent partnership that provides lasting support for the artistic work and diverse programme of the Staatsballett. With its commitment, Weberbank makes an important contribution that strengthens and enables the excellence of the company.

New Energy Partner

E.ON

Das Staatsballett Berlin freut sich, E.ON – eines der führenden Energieunternehmen Europas – als neuen Partner begrüßen zu dürfen. Tanz verkörpert pure Energie, und gemeinsam mit E.ON wollen wir diese Kraft nutzen, um die Themen Energie und Elektrizität in künstlerischer wie gesellschaftlicher Form zu beleuchten: auf der Bühne, im Probenraum und im Austausch mit unserem Publikum.

The Staatsballett Berlin is delighted to welcome E.ON –one of Europe’s leading energy companies – as its new partner. Dance embodies pure energy, and together with E.ON we want to use this power to shed light on the topics of energy and electricity in both artistic and social contexts: on stage, in the rehearsal room and in dialogue with our audience.

Diversity & Education Partner*innen Partners for Diversity and Education

Navigating.art

Die bestehende digitale Ausstellung Ballett in Berlin über die Berliner Ballettgeschichte auf der Website des Staatsballetts Berlin wird mit der äußerst großzügigen Unterstützung von Navigating.art weiterentwickelt, einer gemeinnützigen Organisation, die von der Hasso Plattner Foundation gefördert wird. Um eine digitale Vernetzung mit anderen Archiven und Institutionen zu eröffnen, wird das immaterielle kulturelle Erbe nachhaltig gesammelt und kuratiert aufgearbeitet. Think big!

Peter-Paul-Ho�mann Stiftung

Insbesondere im Bereich der Nachwuchsförderung hat sich die Peter-Paul-Hoffmann Stiftung als verlässliche Unterstützerin des Staatsballetts Berlin erwiesen und wird auch in Zukunft einen wichtigen Beitrag zur Förderung des Tanzes leisten. Eins der zuletzt von der Stiftung geförderten Projekte kommt nach seinem großen Erfolg zurück –Chicxulub oder Der Floh des Teufels – ein Spaß für die ganze Familie!

The existing digital exhibition Ballet in Berlin on the history of ballet in Berlin on the Staatsballett Berlin website is being further developed with the extremely generous support of Navigating.art, a non-profit organization funded by the Hasso Plattner Foundation. In order to establish digital links with other archives and institutions, this intangible cultural heritage is being collected and curated in a sustainable manner. Think big!

The Peter-Paul-Hoffmann Stiftung has proven to be a reliable supporter of the Staatsballett Berlin particularly in the area of promoting young talent, and will continue to make an important contribution to the promotion of dance in the future. One of the foundation’s most recent projects is returning after its great success – Chicxulub oder Der Floh des Teufels – fun for the whole family!

H.E.M. Stiftung

Die H.E.M. Stiftung unterstützt das Staatsballett Berlin bei der Weiterentwicklung des Education Programms Tanz ist KLASSE! und ermöglicht damit einen Zugang für alle, die Freude am Tanzen haben!

Fidelio Stiftung

Die Berliner Fidelio Stiftung engagiert sich für kulturelle Vermittlungsarbeit und die Verankerung von Diversität auf allen Ebenen der Gesellschaft. Das große Handlungsballett Nurejew passt nicht nur wegen seiner bewegten Aufführungsgeschichte bestens zum Stiftungszweck, sondern auch wegen der Lebensgeschichte der Ballettlegende Rudolf Nurejew.

Gönner*innen Patrons

Blumen- und Gartenkunst

Walter Confiserie

Birgit Birnstiel

Marianne Hirschfelder

Dr. Michael Müller

Prof. Dr. Herbert Schuster

Dr. Gregor Wahl

Heike Zimmermann

Unsere Gönner*innen schaffen die Basis für Spitzenkunst am Staatsballett Berlin. Mit gezielten (Sach-) Spenden machen sie das gewisse Etwas am Staatsballett möglich – auf und hinter der Bühne.

Kontakt Contact

Staatsballett Berlin

Sponsoring & Fundraising

Irmtraud Ilmer

Richard-Wagner-Str. 10 10585 Berlin

i.ilmer@staatsballett-berlin.de

Telefon +49(30) 34384 178

The H.E.M. Stiftung supports the Staatsballett Berlin in further developing the Tanz ist KLASSE! education program, thereby enabling access for everyone who enjoys dancing!

The foundation’s funding objectives are cultural mediation work and the anchoring of diversity at all levels of society. The great story ballet Nureyew fits the foundation’s purpose not only because of its eventful performance history, but also because of the life story of ballet legend Rudolf Nureyew.

Our patrons create the basis for top-class art at the Staatsballett Berlin. With targeted donations in kind, they make that certain something possible at the Staatsballett – both on and off stage.

Spenden Donations

Mit Ihrer Spende unterstützen Sie die künstlerische Arbeit des Staatsballett Berlin und tragen zur nachhaltigen Entwicklung der Kompanie bei. Sie leisten einen Beitrag zur Umsetzung neuer Produktionen sowie zur Pflege des bestehenden Repertoires und der Weiterentwicklung des Education-Programms mit seinen vielfältigen Angeboten für alle. Ihr Beitrag stärkt die Vielfalt und Qualität des Balletts in Berlin – dafür danken wir Ihnen sehr!

Ab einer Spendenhöhe von 300 € erhalten Sie automatisch eine Zuwendungsbestätigung (bis zu dieser Spendenhöhe ist der Überweisungs- oder Einzahlungsbeleg ausreichend). Bitte geben Sie bei der Überweisung Ihre Anschrift mit an.

Konto / Account

Staatsballett Berlin

Deutsche Bank Berlin

IBAN DE02 1007 0000 0437 3700 02

BIC DEUTDEBBXXX Verwendungszweck / Purpose Spende SBB

Ab sofort können Sie online über unsere Website oder ergänzend zum Kartenkauf (im Webshop oder über das Callcenter) einen frei wählbaren Betrag zugunsten des Gesundheitsprogramms für unsere Tänzer*innen spenden. Ihre Spende unterstützt das umfangreiche Angebot, das von Physiotherapie bis hin zu Maßnahmen zur Leistungssteigerung und Verletzungsprävention reicht.

Testamentspende Bequests

Indem Sie das Staatsballett Berlin in Ihrem Testament bedenken, tragen Sie aktiv dazu bei, diese einzigartige Kulturinstitution für kommende Generationen zu bewahren. Selbstverständlich können Sie auch festlegen, wie Ihre Spende verwendet werden soll. Auf Wunsch begleiten wir Sie auf diesem Weg und garantieren, dass Ihr Nachlass verantwortungsvoll und entsprechend Ihren Wünschen eingesetzt wird.

With your donation, you support the artistic work of the Staatsballett Berlin and contribute to the company’s sustainable development. You make a contribution to the realization of new productions as well as to the maintenance of the existing repertoire and the further development of the education program with its diverse offerings for everyone. Your donation will help to make ballet in Berlin stronger, better and more varied – thank you!

For donations of € 300 or more, you will automatically receive a donation receipt (up to this amount, the transfer or deposit slip is sufficient). Please include your address on the transfer.

You can now donate any amount you wish to our dancers’ health programme online via our website or in addition to purchasing tickets. Your donation will support our comprehensive range of services, which extend from physiotherapy to performance enhancement and injury prevention measures.

By including the Staatsballett Berlin in your will, you are actively helping to preserve this unique cultural institution for future generations. You can, of course, specify how you would like your donation to be used. If you wish, we can assist you in this process and guarantee that your estate will be used responsibly and in accordance with your wishes.

Stiftung Post Dance Support Post Dance Support Foundation

Tanzkarriere – und dann?

A career in dance – and then what?

Die im Jahr 2025 gegründete Stiftung Post Dance Support unterstützt ehemalige Tänzer*innen des Staatsballetts Berlin bei ihrer Transition. Dieser Begriff beschreibt den Prozess der Neuorientierung, der am Ende einer aktiven tänzerischen Laufbahn steht. Da professionelle Balletttänzer*innen ihren Berufsweg häufig schon seit der Kindheit intensiv verfolgen, ist das Ende der aktiven Tanzkarriere –ob nun selbstgewählt, oder als Notwendigkeit – mit einem tiefgreifenden Wandel in fast allen Lebensbereichen verbunden. Nicht nur emotional und in Bezug auf die eigene Identität und Rolle stellt die Transition eine Herausforderung dar, sondern auch bei praktischen Fragen nach Qualifikation und finanzieller Absicherung.

An dieser Stelle setzt die von Enno Walther initiierte Stiftung Post Dance Support an. Sie unterstützt ausgeschiedene Tänzer*innen des Staatsballetts Berlin nach dem Ende der aktiven Bühnenkarriere mit Beratung und finanziellen Mitteln, die insbesondere zur Qualifizierung durch Aus- und Weiterbildungen oder zur Existenzgründung eingesetzt werden sollen.

Spenden und/oder Zustiftungen Dritter sind jederzeit herzlich willkommen!

Established in 2025, the Post Dance Support Foundation assists former dancers of the Staatsballett Berlin with their transition. This term describes the reorientation process that takes place at the end of an active dancing career. As professional ballet dancers often pursue their careers intensively from childhood, the end of an active dancing career – whether by choice or necessity – is associated with significant changes in almost all areas of life. This transition is challenging not only emotionally, in terms of one’s identity and role, but also practically, concerning qualifications and financial security.

This is where the Post Dance Support Foundation, initiated by Enno Walther, steps in. It provides retiring dancers from the Staatsballett Berlin with advice and financial resources after the end of their active stage careers, to be used particularly for qualifications through training and further education, or for starting a business.

Donations and/or endowments from third parties are welcome at any time!

Kontakt Contact

Post Dance Support Geschäftstelle

Anna-Isabel Steffens geschaeftsfuehrung@staatsballett-berlin.de Telefon +49 (0)30 34 384 140

Kooperationspartner*innen Cooperation Partners

Deutsches Tanzarchiv Köln

Deutsches Theatermuseum München

Freie Universität Berlin – Critical Dance Studies

Sportmedizin der Charité

Staatliche Balle�- und Artistikschule Berlin

Stiftung Stadtmuseum Berlin

Tanzarchiv Leipzig e. V. tanzraumberlin

Technische Hochschule Wildau

TUSCH – Theater und Schule Berlin

Medienpartner*innen Media Partners

Tagesspiegel radio 3

Siegessäule

Dussmann Das Kulturkaufhaus

Tickets Service

Tickets & Service

Spielstä�en Venues

Das Staatsballett Berlin ist als eigenständige Kompanie auf drei Bühnen zuhause: in der Deutschen Oper Berlin in Charlottenburg, wo sich auch die Ballettsäle und Büros befinden, in der Staatsoper Unter den Linden und in der Komischen Oper Berlin. Die vier Kulturinstitutionen sind seit 2004 unter dem Dach der Stiftung Oper in Berlin vereint.

Karten Tickets

The Staatsballett Berlin is an independent company, dancing on three opera stages: the Deutsche Oper Berlin in Charlottenburg, where the ballet studios and offices are located, the Staatsoper Unter den Linden, and the Komische Oper Berlin. These four cultural institutions have been united under the umbrella of the Opera Foundation in Berlin since 2004.

Eintrittskarten erhalten Sie beim Ticketservice des Staatsballetts Berlin, online unter www.staatsballett-berlin.de sowie an den Theaterkassen der Staatsoper Unter den Linden, der Deutschen Oper Berlin, der Komischen Oper Berlin im Vorverkauf und jeweils 1 Stunde vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse.

Vorverkaufsstart

8.5.26, 12:00

Vorgezogener Vorverkauf

24.4.26, 12:00 für TanzTicket-Inhabende, sowie Freunde und Förderer des Staatsballetts Berlin

Tickets are available online at www.staatsballett-berlin.de, as well as at the box offices of the Staatsoper Unter den Linden, the Deutsche Oper Berlin, and the Komische Oper Berlin in advance, and one hour before the start of the performance at the evening box office.

Tickets on sale

8.5.26, 12:00

Pre-sale

24.4.26, 12:00 for holders of TanzTicket, Friends and Sponsors of Staatsballett Berlin

Ticket Service

Staatsballe� Berlin

Unter den Linden 7 10117 Berlin

Tel +49 (0)30 20 60 92 630 tickets@staatsballett-berlin.de staatsballett-berlin.de

Mo – Fr 10:00 – 18:00 Sa, So + Feiertage 12:00 – 16:00

Open Mon – Fri 10:00 – 18:00 Sat, Sun, public holidays 12:00 – 16:00

Staatsoper

Unter den Linden

Unter den Linden 7 10117 Berlin

von 12:00 bis 60 Min. vor Vorstellungsbeginn, an vorstellungsfreien Tagen bis 18:00

Open daily from 12:00 until one hour before curtain, on days without performances until 18:00.

Deutsche Oper Berlin

Bismarckstraße 35 10627 Berlin

Fr – Sa 12:00 bis Vorstellungsbeginn, an vorstellungsfreien Tagen bis 19:00

Open Fri – Sat until start of performance, 19:00 on non performance days.

Komische Oper Berlin

@Schillertheater

Tageskasse / Box Office

Unter den Linden 41 Mo – Sa 11:00 – 18:00

Open Monday – Saturday 11:00 – 18:00

Tageskasse / Box Office

Schillertheater

Bismarckstraße 110

Mi – Fr 16:00 – 18:00

Open Wednesday – Friday 16:00 – 18:00

Staatsoper Unter den Linden

Komische Oper Berlin @Schillertheater

Einige Termine des Gesprächsformats Forum finden statt im / Some dates for the Forum discussion format are taking place in: House of New Energy, Friedrichstraße 110, 10117 Berlin

Saalpläne Hall Plans

Preisgruppen

Price categories

Staatsoper Unter den Linden

eingeschränkte Sicht

stark eingeschränkte Sicht

Rang / Dress circle

Rang / Upper circle

Komische Oper Berlin @ Schillertheater

Ermässigungen Discounts

50%

Schülerinnen und Schüler, Studierende und Auszubildende unter 30 Jahren, FSJ-, BFD- und FWD-Leistende sowie Empfängerinnen und Empfänger von Bürgergeld erhalten 50% Ermäßigung nach Verfügbarkeit an allen Spielstätten des Staatsballetts ab vier Wochen vor der Vorstellung, Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren sogar schon zum Vorverkaufsstart.

Eine kostenlose Karte für die Begleitperson erhalten Schwerbehinderte mit dem Vermerk B im Schwerbehindertenausweis. Der zum Zeitpunkt der Vorstellung gültige Berechtigungsnachweis sowie der Lichtbildausweis sind dem Einlasspersonal vorzuzeigen.

Last Minute

30 Minuten vor der Vorstellung werden verfügbare Restkarten an Ermäßigungsberechtigte für 15 € abgegeben.Inhabende eines Berlin S Tickets zahlen 3 € gegen Vorlage des Ausweises und Leistungsnachweises, ausgenommen sind Premieren, Gast- und Sonderveranstaltungen.

TanzTicket

Das TanzTicket kostet einmalig 35 € (20 € ermäßigt) und berechtigt zu 20% Ermäßigung auf die Eintrittspreise für alle Vorstellungen des Staatsballetts Berlin innerhalb einer Saison – im Vorverkauf, an der Abendkasse und auch bei Premieren. Weitere Vorteile: Vorgezogener Vorverkauf, die Servicegebühr von 2 € beim Online-Ticketkauf entfällt.

tanzcard

Die tanzcard bietet attraktive Ermäßigungen bei über 20 verschiedenen Tanzbühnen in Berlin. Sie ist ein Jahr lang gültig und kostet 15 €. Beim Staatsballett Berlin erhalten Inhabende der tanzcard an der Abendkasse eine Ermäßigung von 20%.

ClassicCard

Das Angebot für junge Klassik Fans von 14 bis 29 Jahren. Mitglieder erhalten über die App Tickets für die besten verfügbaren Plätze für 18 €, zwei Stunden vor Veranstaltungsbeginn sogar für nur 13 €. www.classiccard.de

50%

Pupils, students and trainees under 30 years of age, people participating in FSJ, BFD and FWD programmes as well as recipients of unemployment benefits I and II receive a 50% discount subject to availability at all venues of the Staatsballett up to four weeks prior to performances; children and teenagers under 18 years of age even prior to official ticket sales. Severely disabled people with a severely disabled person’s pass marked B receive a free ticket for an accompanying person. Pass, which must be valid at the time of the performance, and photo ID must be presented at the door.

Last-minute tickets

30 minutes prior to curtain, holders of discount cards can purchase tickets for € 15, holders of a Berlin Ticket S for € 3 upon presentation of offical ID and proof of elegibility. This offer does not cover opening nights, guest performances and special performances.

TanzTicket

For a one-time fee of € 35 (€20 reduced) the TanzTicket entitles you to a 20% discount on the admission prices for all performances of the Staatsballett Berlin within one season –in advance, at the box office and also at premieres. Further advantages: Early advance booking and no service fee for online ticket purchases.

tanzcard

The tanzcard offers attractive discounts at over 20 different dance stages in Berlin. It is valid for one year and costs € 15. At the Staatsballett Berlin, holders of the tanzcard receive a discount of 20% at the box office.

ClassicCard

The offer for young ballet and opera enthusiasts from 14 to 29 years. Members receive tickets via the app for the best available seats for €18, two hours before the start of the event even for only € 13. www.classiccard.de

Familienvorstellungen

Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren zahlen bei Familienvorstellungen auf allen Plätzen 10 €. Die Termine der Familienvorstellungen sind im Spielplan gekennzeichnet. Schon im Vorfeld können sich Kinder und Jugendliche in Workshops gemeinsam mit ihren Eltern mit einer altersgerechten Einführung auf den Ballettbesuch vorbereiten, mehr zur Handlung erfahren, die Charaktere kennenlernen und kurze Szenen aus dem Stück tanzen. Die Workshops finden zwei Stunden vor Vorstellungsbeginn statt. Anmeldung bei unserem Education-Programm Tanz ist KLASSE! unter +49(0)30 34 384 166 oder per E-Mail an tanzistklasse@ staatsballett-berlin.de. Begrenzte Platzzahl. Weitere Informationen siehe S. 85.

Besetzungen

Informationen zu Besetzungen und Besetzungsänderungen finden Sie auf www. staatsballett-berlin.de.

Hinweis

Gekaufte Eintrittskarten können nicht zurückgegeben werden. Rabatte und Ermäßigungen können nicht miteinander kombiniert werden. Für Online-Buchungen fällt eine Servicegebühr von 2 € pro Ticket an (nicht für Inhabende des TanzTickets). Die Versandgebühr für Tickets beträgt 2,50 €. Es gelten die Allgemeinen Geschäftsbedingungen der Stiftung Oper in Berlin, die Sie unter www.staatsballett-berlin.de und in den Kassenfoyers einsehen können.

Family performances

For family performances, children and teenagers under the age of 18 pay €10 for tickets in all price categories. All family performances are marked in the calendar. To prepare for their visit, children, teenagers and their families are welcome to join a workshop, learn more about the plot, get to know the characters and dance themselves short scenes from the piece. Workshops take place two hours before the beginning of the performance. Contact our Tanz ist KLASSE! education programme on +49(0)30 34 384 166 or send an email to tanzistklasse@staatsballett-berlin.de. This is a limited offer. For more information please see p. 84.

Casts

Information on casts and cast changes is available on www.staatsballett-berlin.de.

Notes

Purchased tickets may not be returned and discounts cannot be combined. There is a booking fee of € 2 per ticket for online reservations and, if applicable, a charge of € 2.50 for postage. The general terms and conditions of the Stiftung Oper in Berlin apply; these can be found on www.staatsballett-berlin.de and are posted in the box office foyers.

Änderungen vorbehalten. Subject to change.

Kalender Calendar

Kalender Calendar

Kalender Calendar

2026 September

Sa 12. Tag der Offenen Tür

Sa 12. 19:30 Giselle WIEDERAUFNAHME

Oktober October

Unter den Linden E1

Fr 16. 19:30 Wunderkammer WIEDERAUFNAHME

18. 18:00 Wunderkammer

Wunderkammer

November

Dezember December

Januar January

Februar February

März March

April

Mai May

Sa 15. 19:30 Nurejew

Oper Berlin D2

So 16. 18:00 2 Chapters Love Staatsoper Unter den Linden B1

Mo 17. 19:30 Nurejew

Di 18. 10:00 Fortbildungsworkshop für Erzieher*innen

Oper Berlin D2

Oper Berlin 100€

Fr 21. 19:30 2 Chapters Love Staatsoper Unter den Linden C1

So 23. 11:00 Premierengespräch Der Liebhaber

13:00 DiY-Workshop 2 Chapters Love

15:00 2 Chapters Love Familienvorstellung

Staatsoper Unter den Linden Apollosaal

Unter den Linden 5 €

Unter den Linden B1

19:00 2 Chapters Love Staatsoper Unter den Linden B1

Sa 29. 16:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels WIEDERAUFNAHME

Mo 31. 11:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Juni June

Di 1. 11:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

€ 16:00

oder Der Floh des Teufels

Mi 2. 11:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Do 3. 11:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Oper Berlin Tischlerei

€ 16:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Fr 4. 11:00 Chicxulub oder Der Floh des Teufels

Sa 5. 19:30 Der Liebhaber PREMIERE

Unter den Linden E1 Fr 11. 19:30 Der Liebhaber Staatsoper Unter den Linden D1 Sa 12. 19:30 William Forsythe II

So 13. 12:00 Familienworkshop Der Liebhaber

Oper Berlin C2

Unter den Linden 5 € 14:00 Der Liebhaber Familienvorstellung

Mi 16. 19:30 Der Liebhaber Staatsoper Unter den Linden C1

Sa 19. 19:30 William Forsythe II Deutsche Oper Berlin C2

So 20. 11:00 Workshop TanzTanz Spezial XXL

Oper Berlin 65 €

Mi 23. 19:00 Forum House of New Energy

Do 24. 19:00 Staatliche Balle�- und Artistikschule Berlin zu Gast

19:30 William Forsythe II

19:30 William Forsythe II

So 27. 19:00 William Forsythe II

Mi 30. 19:30 Der Liebhaber

Juli July

Unter den Linden A1

Oper Berlin C2

Oper Berlin B2

Unter den Linden C1

ENGAGIERT FÜR BERLIN

Anspruch verbindet.

Die Weberbank ist stolze Gold-Partnerin des Staatsballett Berlin. Mehr erfahren unter: weberbank.de/engagement

2026/27

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IHRE MÖGLICHKEITEN AB 2026

JUNGE FREUNDE

(16–25 Jahre)

60 € p.a.

Mit dem Scan des QR Codes können Sie auch direkt Mitglied werden. Wir freuen uns auf Sie!

FÖRDERER

Wenden Sie sich mit Fragen an Franziska Baumann, die Leiterin unserer Geschäftsstelle: hallo@freundeskreis-staatsballett-berlin.de oder besuchen Sie unsere Homepage: freundeskreis-staatsballett-berlin.de.

Impressum / Imprint

Herausgeber / Editor

Staatsballett Berlin

Intendant / Artistic Director

Christian Spuck

Geschäftsführende Direktorin / Managing Director

Jenny Mahr

Gestaltung / Design

Eps51

Papier / Paper

Fedrigoni Arena Rough White

Schriften / Typefaces

Similar – Or Type, NT Zeu – Nodo

Druck / Print

Druckhaus Sportflieger, Berlin

Redaktion / Editors

Marketing & Dramaturgie

Maren Dey, Katja Wiegand

Michael Banzhaf, Franziska Baumann, Corinna Erlebach, Tobias Fischer, Annegret Gertz, Michael Hoh, Irmtraud Ilmer, Henriette Köpke, Doris Wedel

Redaktionsschluss / Copy deadline

10.2.2026

Änderungen vorbehalten / Subject to change

Fotonachweise / Copyrights

Kampagnenfotos / Campaign Photography: Peter Kaaden

Portrait Christian Spuck: Eva Radünzel

Portrait William Forsythe: Julian Gabriel Richter

Portrait Marco Goecke: Rahi Rezvani

Wiederaufnahmen: Giselle: Yan Revazov, Bovary: Serghei Gherciu, 2 Chapters Love / Gods and Dogs: Yan Revazov, Nurejew: Carlos Quezada, Chicxulub: Admill Kuyler

Deutsche Oper Berlin: Leo Seidel, Staatsoper Unter den Linden: Markus Ebener

Komische Oper Berlin @Schillertheater: Jan Windszus