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AGOSTO-SEPTIEMBRE 2026

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Veranloow: G s para el

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DE VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD

EL REGRESO

del hotel delano que construyó el glamour de miami

LA APUESTA

de cadillac con checo Pérez al volante

TELEVISA ENCIENDE UNA NUEVA BARRA DE SERIES CON TRES PROTAGONISTAS QUE HAY QUE TOMAR MUY EN CUENTA: PAME CERVANTES, DARÍO DUQUE Y DANIEL GAMA, LA GENERACIÓN

QUE LLEGA A REESCRIBIR EL MELODRAMA EN MÉXICO

EDICIÓN NO 102, AGOSTO-SEPTIEMBRE 2026

FUNDADA EN CHILE EN 1976

DIRECTORA INTERNACIONAL Y FUNDADORA Mónica Comandari Kaiser PRESIDENTE DEL CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Walter Coratella C. PRESIDENTA EJECUTIVA Jessyca Cervantes DIRECTOR GENERAL Miguel Mares Castillo VICEPRESIDENTA EDITORIAL Y DE CONTENIDOS Ana Luisa Ochoa VICEPRESIDENTE COMERCIAL Y DE NUEVOS NEGOCIOS Alberto Casamitjana RELACIONES PÚBLICAS Antonella Russo EDITOR Aramis Flores aramis.flores@gmail.com COEDITORA María Eugenia Rivas Alvarado COORDINADOR DE DISEÑO Gustavo Gómez Editor Internacional Cosas Editora de Producciones Asistente Editorial México Colaboradores Colaboradores Internacionales Directora de Arte Coordinador de Fotografía Fotografía Archivo y Documentación Corresponsales Londres: Hollywood: Madrid: París: Copenhague: Roma: Buenos Aires: Berlín:

Manuel Santelices Iturriaga Francisca Reyes Comandari Araceli Hernández Global IT Media Edna González y Claudia Alamo Claudia Moller Antonio Soto Loreto Arriaga Loreto Hermann Yenny Nun Gino Messina Pamela Biénzobas Tatiana Ramírez Olga de los Santos Claudia Echeverría Emilia Mallea

CONSEJO EDITORIAL Lorenzo Ruiz Martínez, Juanchi Torre Hütt, Eugenia De La Vega Corredor, Marycarmen López Hernández, Dennise Casanova, Dianna Miller, Alejandro Bracho Bayardi, Jorge Ríos, José Zepeda, Manolo Ablanedo Gabelich, Toño Taracena Oliveras

EDITORIAL COSAS MÉXICO S.A. DE C.V. EDITORIAL COSAS MÉXICO S.A. DE C.V. ES UNA SOCIEDAD CHILENO-MEXICANA ENTRE EL GRUPO INTERNACIONAL EDITORIAL DE MEXICO CON SERPESA S.A. DE CHILE.

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AFILIADA A LA SOCIEDAD INTERAMERICANA DE PRENSA (SIP) Y A LA WORLD ASSOCIATION OF NEWSPAPERS (WAN)

EDITORIAL COSAS MÉXICO SA DE CV Río Nazas No. 34, Col. Cuauhtémoc, Alcaldía Cuauhtémoc, CP 06500, CDMX, México SUSCRIPCIONES: Irma Ruiz irma.ruiz@mundoejecutivo.com.mx - Tels: 55 5002 9429, 9513 VENTAS: ventas@revistacosas.mx www.revistacosas.mx / MÉXICO PROHIBIDA TODA REPRODUCCIÓN TOTAL O PARCIAL DEL CONTENIDO DE ESTA REVISTA REVISTA COSAS MÉXICO ES UNA PUBLICACIÓN ASOCIADA A GRUPO MUNDO EJECUTIVO

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REVISTA COSAS Año 8 Número 102 - Agosto-Septiembre 2026. Es una publicación mensual; el contenido es publicado por: Editorial Cosas México S.A. de C.V. Oficinas Generales: Río Nazas #34 Colonia Cuauhtémoc, Alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México, C.P. 06500. Teléfono: 55 5002-9500. www.revistacosas.mx Editor Responsable: Arlenne Muñoz Vilchis. Certificado de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo número En trámite, ISSN En trámite, Certificado de Licitud de Título y Licitud de Contenido En trámite. Porte pagado, permiso de publicación periódica, autorizado por SEPOMEX: PP09-02036. Se imprime en EDAMSA Impresiones S.A. de C.V. Av. Hidalgo No. 111, Colonia San Nicolás Tolentino C.P. 09850, CDMX. Los artículos firmados son responsabilidad de sus autores y no reflejan necesariamente el punto de vista del Editor de la publicación o de Editorial Cosas México S.A. de C.V.,Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Editorial Cosas México S.A. de C.V. Editorial Cosas México S.A. de C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos.

REFLECTOR

STREAMING

Tracy Cortez, la mexicana que se llegó a México a encontrarse

SOCIALES

Prepa Anáhuac celebraron el cierre de una etapa y el inicio de otra

BELLEZA

El nuevo lujo se cuida desde dentro, Ringana presenta las cápsulas CAPS 6 y 9, junto al bebible Ringana chi

El verano del glow: Tres rituales para el cuerpo, el rostro y los labios que prometen una piel fresca, luminosa e hidratada

Vico Escorcia se integra al elenco de “Days of Our Lives”, la producción estadounidense con más longeva

Mauricio Abad, la paciencia como oficio y la pantalla como destino

View

Rossana Nájera, el arte de la villana en “Hermanas, un amor compartido”

HÁBITAT

En una vecindad centenaria llega Máximo México, un hotel concebido enteramente alrededor del arte y el maximalismo

FILANTROPÍA

COLUMNA INVITADA

2 I www.revistacosas.mx

Los nuev soñadores de pantalla mexica

Cuando el algoritmo liga por ti, del consejo entre amigas al prompt perfecto

“A la niñez no se le puede devolver el tiempo”: World Vision México, la organización humanitaria que cumple 43 años en el país

Calmar la mente, el gran desafío

No vivo dos vidas. Vivo una sola

ENTRETENIMIENTO

Eclipse y Umbral, los foros alternos del Auditorio Nacional que reescriben el ritual del concierto

Daniela Aedo estrena serie en ViX y lanza nueva música con acento brasileño

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vos e la ana

View GOURMET Televisa enciende una nueva barra de series con tres protagonistas que hay que tomar muy en cuenta: Pame Cervantes, Darío Duque y Daniel Gama, la generación que llega a reescribir el melodrama para el México que ve televisión con el celular en la mano

MÚSICA

El verano en que la Sinfónica de Minería se reinventó

El destilado que el Desierto Chihuahuense que es un lujo

El chile en nogada que se come con historia

Salazar reinventa la cocina mexicana con el Ángel de la Independencia como testigo

TEATRO

MOTOR

“Cámara Blanca”, regresa el teatro que te convierte en sujeto del experimento

La apuesta de Cadillac con Checo Pérez al volante

TRAVEL

El regreso del hotel Delano que construyó el glamour de Miami

Antonio Juan-Marcos: el sonido del alma mexicana

“From The Dark”, el nuevo álbum del legendario guitarrista Tony Iommi

El Aston Martin que nació para no existir

El Ferrari que el mundo amó odiar

ESCAPARATE

En Mimi, el lujo se escucha

TIEMPO

Kimi Antonelli, el heredero que quiere devolver la gloria en Mercedes AMG Petronas

TAG despide la última edición del Gran Premio de los Países Bajos

NATIVO DIGITAL

SHOW

El diseño de culto llega a México con la propuesta de Nothing

Maroon 5 vuelve a la CDMX

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Reflector

LA MEXICANA QUE VINO A MÉXICO A ENCONTRARSE Tracy Cortez salió de Maryvale, el barrio más bravo de Phoenix, para convertirse en una de las estrellas del peso mosca de UFC. Hoy vive y entrena en la Ciudad de México. Habla del octágono Y el legado que construye Por Aramis Flores Carranza Foto: Cortesía Tracy Cortez IG@cortezmma

ay un dato que Tracy Cortez repite antes que cualquier récord, cualquier ranking y cualquier cartelera: de Maryvale no salen muchos. El barrio, al poniente de Phoenix, Arizona, es una de esas geografías mexicanas que existen del otro lado de la frontera, cuadras de casas bajas, taquerías, español de cocina y de patio, y que rara vez aparecen en la conversación del deporte de élite. “Yo también me amo de dónde vengo, del barrio donde soy, de Maryvale, de Phoenix, Arizona. No hay muchos que vienen de ahí; quiero decir que tal vez tres o cuatro, pero no se escuchan muchos nombres saliendo de ahí”, dice. “Entonces, más siendo la primera mujer, haciendo ruido y tratando de romper y hacer algo que no se ha hecho.”

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Reflector

Cortez nació en Phoenix en diciembre de 1993, hija de padres mexicanos que emigraron y se establecieron ahí. Creció con tres hermanos mayores en una casa donde la disciplina no era un concepto de gimnasio sino una condición doméstica. Cuando se le pregunta cómo negocia esa doble pertenencia —raíces mexicanas, vida estadounidense—, la respuesta llega sin titubeo y con la palabra exacta: “Pienso yo que me represento muy chicana. Lo que me han dicho era: ni de aquí ni de allá. Pero yo, muy orgullosa de mis raíces.” En 2026, esa frase dejó de ser identidad para volverse domicilio. Tras la retirada de su entrenador de toda la vida, Santino DeFranco, y su salida del gimnasio Fight Ready de Scottsdale, Cortez se mudó a la Ciudad de México y adoptó el UFC Performance Institute de la capital como base de operaciones. No fue una decisión logística. Fue, en sus palabras a la prensa especializada, la mejor decisión de su vida: quería dejar de decir que es mexicana y empezar a vivirlo. La altitud, dice, le funcionó como un atajo. El resto, la comida, la calle, la gente que la reconoce en el súper, le funcionó como espejo. El expediente deportivo es breve de contar y difícil de construir: invicta como amateur (6-0), profesional desde 2017, entrada a UFC vía Dana White’s Contender Series en 2019 y un arranque perfecto de cinco victorias consecutivas en la compañía. Su récord actual es de 12 victorias y 3 derrotas, y sus tres tropiezos llegaron todos contra la élite absoluta de las 125 libras: Rose Namajunas, Erin Blanchfield y, el 11 de julio pasado, la china Wang Cong. Esta entrevista se realizó en la antesala de esa pelea, la de UFC 329, cuando Cortez llegaba ranqueada en el octavo puesto del peso mosca femenino. Le preguntamos si ese número era un punto de llegada o el arranque de algo mayor. “Para mí estoy comenzando, la verdad. Estoy comenzando ya ganando esta pelea; primeramente Dios, quebrar el top five, y de ahí seguirle”, respondió. “Yo tengo mis planes en cómo quiero que mi carrera vaya, entonces ya nomás es tomando paso a paso.”

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La noche del 11 de julio no salió como la planeó: Wang Cong se llevó la decisión unánime en el T-Mobile Arena. El plan, sin embargo, sigue en pie. Cortez ha sido explícita al respecto: no se va a ningún lado. El T-Mobile Arena es uno de los recintos más icónicos del deporte y del espectáculo mundial, un escenario que para muchos atletas funciona como prueba de nervios. Para Cortez es lo contrario. Ha peleado ahí más que en ningún otro lugar y llegaba a UFC 329 con marca perfecta en ese ring. “Para mí Las Vegas es mi segunda casa”, explica. “No me dan nervios; más que nada estoy muy emocionada, porque cada vez que peleo ahí sale tanta raza, sale toda mi familia,mi familia en Phoenix, mis amigos, y todos me van a apoyar.”

TRACY CORTEZ, EN CORTO

· NACIMIENTO: 10 de diciembre de 1993, Phoenix, Arizona (padres mexicanos). · BARRIO: Maryvale, poniente de Phoenix. · DIVISIÓN: peso mosca femenino (125 libras) de UFC. · RÉCORD PROFESIONAL: 12 victorias y 3 derrotas. · DEBUT PROFESIONAL: 2017. Ingreso a UFC: 2019, vía Dana White’s Contender Series. · ARRANQUE EN UFC: cinco victorias consecutivas. · BASE ACTUAL DE ENTRENAMIENTO: UFC Performance Institute, Ciudad de México.

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Reflector LA ÚNICA HEROÍNA

Se le pregunta por los referentes: alguna peleadora, alguna atleta, alguna figura pública que le haya definido la idea de mujer poderosa. La respuesta desarma la pregunta. “Yo no admiro a nadie. La única mujer que puedo decir que deseo ser un día es mi mamá. Tal como se cargaba ella: una mujer honrada y respetada. Yo quiero ser así, tal como ella. Afuera y dentro de la sala, yo soy Tracy Cortez; yo no pretendo ser alguien más.” Fuera de la competencia, la vida de Cortez es deliberadamente pequeña y deliberadamente suya. “Hay mucho que la gente no sabe de mí, pero algo que aprecio y valoro mucho es mi tiempo. Me gusta estar mucho con mi familia, estar en casa, pasármela tranquila.” En una industria construida sobre la sobreexposición, el lujo que elige es el silencio.

EL MENSAJE Y EL LEGADO

La distancia entre Phoenix y Las Vegas es de cinco horas por carretera. Esa es, en buena medida, la razón por la cual el desierto de Nevada se convirtió en territorio propio: es a dónde puede llegar el barrio.

SER MUJER, SIN EXPLICACIONES

Las artes marciales mixtas siguen siendo un universo predominantemente masculino, y a las peleadoras se les suele exigir que resuelvan públicamente una contradicción falsa: la de proyectar feminidad, estilo e imagen mientras ejercen una disciplina de contacto extremo. Le preguntamos si siente que ellas tienen que demostrar el doble para ser tomadas en serio. Rechazó la premisa con elegancia. “Yo no puedo hablar por nadie más, solo estoy hablando por mí misma. Yo me represento de la manera que soy, yo vengo tal como soy”, responde. “Y al fin del día no nomás soy atleta profesional: soy mujer. Entonces vengo tal como una mujer.”

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México y América Latina atraviesan una generación extraordinaria de atletas femeninas, y Cortez lo sabe. Su mensaje a las jóvenes que sueñan con competir internacionalmente en disciplinas históricamente masculinas, sin embargo, se niega a segmentar. “Yo pienso que no nomás para las mujeres latinas, sino para todos”, dice.“Que sigan soñando y que sigan adelante. La vida no va a ser fácil, la vida no es fácil, pero si uno no se rinde, uno puede llegar a donde quiere: trabajando duro, no rindiéndose, echándole ganas y con mucha disciplina. Todo se puede.” Queda la pregunta grande, la del final: qué quiere que la gente recuerde cuando cuelgue los guantes. La peleadora, la mujer, la historia. Cortez no elige. “Todo. Todo. La manera en que estoy con la gente, la manera en que me he apoyado tal como mujer, la manera en que estoy no nomás dentro de la sala, sino afuera de la sala.” Es, si se piensa, la definición más exacta que existe de lo que hoy significa representar a alguien: no ganar por ellos, sino comportarse como ellos merecerían. Maryvale ya tiene su primer nombre de mujer. Y ahora también lo tiene la Ciudad de México. //@revistacosasmx

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Sociales

UNA NOCHE DE ORGULLO

Entre togas, birretes y una lluvia que llegó justo a tiempo, cerca de 650 personas celebraron el cierre de una etapa y el inicio de otra para la generación que hoy toma vuelo

Por Cosas Staff

ay noches que una comunidad entera guarda en la memoria. La Prepa Anáhuac México Campus Oxford vivió una de ellas al celebrar la graduación de 187 alumnos, en una ceremonia que reunió a familias, directivos, profesores e invitados especiales alrededor de un mismo sentimiento: el orgullo de ver crecer a los suyos. La jornada abr ió con un clásico irrenunciable: la fotografía de última generación. Con toga y birrete, los graduados posaban entre sonrisas, abrazos y un entusiasmo difícil de contener. El cielo pareció cómplice, pues los alumnos alcanzaron a capturar ese recuerdo colectivo justo antes de que la lluvia hiciera su entrada, como si el momento hubiera estado escrito para quedar intacto.

El tono íntimo llegó con la misa de acción de gracias, presidida por Miguel Esponda. Su mensaje invitó a los jóvenes a mirar hacia atrás con gratitud, a reconocer los aprendizajes y las experiencias que los formaron, y hacia adelante con esperanza, con palabras de aliento para la nueva etapa que está por comenzar. El corazón de la velada fue la entrega oficial de los Diplomas de Graduación. Uno a uno, los alumnos recibieron el documento que sella años de esfuerzo, constancia y dedicación; un gesto sencillo en apariencia, pero cargado de todo lo que implica llegar hasta aquí. Entre los momentos más esperados estuvo la entrega de la Medalla Semper Altius, la máxima distinción del campus. El reconocimiento se otorga a los alumnos que encarnan el ideal de la institución: excelencia académica, liderazgo y una

Maritrini Muñoz, Ana Gabriela Arriaga, Ana Gabriela Valverde, Miguel Ángel Valverde, Gabriela Martinez y Miguel Esponda.

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formación ejemplar en cada dimensión de su vida escolar. Más que un premio, es una declaración de valores. Con cerca de 650 asistentes, la ceremonia se transformó en una auténtica fiesta de pertenencia. Discursos, reconocimientos y momentos profundamente emotivos

Maritrini Muñoz, Lorena Zúñiga, Emilio Ortega, Mauricio Ortega, Gabriela Martinez y P. Miguel Esponda.

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Sociales

Luisa Oropeza, Lola Abad, Mtra. Maritrini Muñoz, P. Miguel Esponda y Gabriela Martínez Emilio Ortega y Anabela Sala

dibujaron el rasgo que define a la Prepa Anáhuac México Campus Oxford: un sentido de comunidad que trasciende las aulas. Para los 187 protagonistas, la noche no fue un final, sino la puerta abierta a lo que sigue: siempre, como reza su lema, apuntando más alto. //@revistacosasmx

Maritrini Muñoz, Martha Cecilia Gómez, Manuel Hori y Jorge Manuel Hori.

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Sofía Márquez, Matías Mañón, Natalia Jaime y Antia Hermida

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Streaming

LA PACIENCIA COMO OFICIO Y LA PANTALLA COMO DESTINO

auricio Abad contesta la llamada diez minutos tarde y se disculpa entre risas: está rodando en Lima, su ciudad natal, adonde ha vuelto para grabar “Valentina Valiente”, la nueva producción del canal peruano Latina. No es la primera vez que el país lo recibe para un proyecto —también grabó ahí una telenovela durante la pandemia—, pero llega en un momento distinto de su carrera: con series para ViX y Apple estrenando casi al mismo tiempo, más de un millón de seguidores entre Instagram y TikTok, y casi una década viviendo en México, el país que, dice sin dudar, hoy también es suyo. Formado en el CEA de Televisa y con más de siete años de trayectoria desde su debut protagónico en “Like, la leyenda” (2018), Abad describe su oficio como una carrera de resistencia más que de velocidad. “Yo creo que al final esta carrera es de mucha paciencia, de mucho esfuerzo, de mucha dedicación”, dice. “Al final, si quieres vivir sobre la carrera, sobre el arte, es muy complicado. Tienes que ser muy fuerte para poder resistir cuando hay años en los que no puedes trabajar, o trabajas muy poco.” Ese aprendizaje, dice, es lo que le permite hoy sostener un ritmo de trabajo que hace apenas unos años no imaginaba. “Gracias a Dios en los últimos años ya han estado saliendo cosas muy seguidas, y pues tratando de capitalizar, de ahorrar y tener cabeza fría, porque esto es así: un momento estás arriba, después abajo.” Parte de lo que ha mantenido a Abad vigente, dice, es su disposición a adaptarse a los formatos que está imponiendo el streaming. Este año fue parte del elenco de la primera producción vertical en español de Apple, experiencia que después repitió con un proyecto similar para

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ViX.“Es una locura”, cuenta,“pero hablando con los mismos directores o con la gente de cámara me dicen: yo estaba en los ochenta llevando los rollos que eran pesados, y ahora estoy trabajando con un teléfono.” En el set de Apple, señala, la producción llegó a montar una grúa dedicada exclusivamente a sostener un iPhone, con lentes intercambiables que convertían al celular en una minicámara de cine. Para Abad, la lección es generacional tanto para el talento frente a cámara como detrás de ella: “Siento que los que se actualizan más y los que están muy rápido con ese chip son los que constantemente siguen trabajando.” Esa misma reflexión tecnológica lo lleva a hablar de audiencias. Su abuela, que sigue escuchando sus noticias todos los días en la misma estación de radio, a la misma hora. “En su cabeza está mentalizado ese horario con esa persona que le da la noticia, donde ella se siente cómoda”, dice Abad. “Y yo las veo en un canal que sigo en internet, siempre actualizándome. Es una locura.” De todos los sets en los que ha trabajado, el de Apple es el que más lo marcó por su nivel de organización. “Son de las producciones con las que me he sentido más tranquilo y ha sido una experiencia muy de cine”, dice. “Te daban todo con mucha anticipación, grababas seis escenas al día, preparabas mejor un personaje, no estás corriendo contra el tiempo.” La disciplina llegó a un extremo poco común: el equipo firmó acuerdos de confidencialidad y entregó los teléfonos celulares al llegar al set, sin excepción. “Fue un proceso de cómo llevas la ansiedad, cómo lo puedes manejar. Al final fue muy bonito, porque le das mucha fuerza y mucha entrada a tu personaje: no te desconcentras con el teléfono, el papel te da otra sintonía.”

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Streaming MAURICIO ABAD

• Actor, cantante y modelo peruano, formado en el CEA de Televisa en México • Debut protagónico: “Like, la leyenda” (2018) • Otros proyectos: “¿Qué le pasa a mi familia?”, “La Herencia”, “Luis Miguel, la serie” (Netflix), “Travesuras de la niña mala” (ViX+), “El amor no tiene receta” • Nuevo estreno: “La Encrucijada”, serie de ViX (Atresmedia / Secuoya Studios / Ay Yapim), disponible desde el 10 de julio

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Streaming INTERPRETAR A UN INMIGRANTE, SIENDO INMIGRANTE: LA ENCRUCIJADA

El otro gran estreno del año es “La Encrucijada”, la serie de drama y romance que ViX lanzó el 10 de julio, producida por Atresmedia, Secuoya Studios y la productora turca Ay Yapim, y basada en el éxito “Sühan: venganza y amor”. A lo largo de 60 episodios, la trama sigue a César (Rodrigo Guirao), un hombre que regresa a España para vengarse del cacique que destruyó a su familia, y a Amanda (Ástrid Janer), hija de su peor enemigo. En esa historia de secretos familiares, Abad interpreta a un joven latino inmigrante que busca abrirse camino legalmente en España, un personaje con el que conectó de forma directa por su propia experiencia migrando de Perú a México y, después, trabajando en Europa. La serie lo coloca junto a un elenco de peso en la televisión española, con Abel Folk, Silvia Marsó y Antonio Velázquez, entre otros. “Ciudad de México es como Los Ángeles de Latinoamérica. Todos los artistas que quieren crecer a nivel internacional tienen que estar en México”, Mauricio Abad

MÉXICO, EL PAÍS QUE TAMBIÉN LLAMA SUYO

Abad llegó a México en 2016 para formarse como actor y nunca se fue del todo. “México, después de Perú, obviamente se volvió mi país, mi lugar. Llevo casi la mitad de mi vida en un lugar donde me siento muy cómodo, donde puedo comer bien, donde tengo buenos amigos.” Desde ahí ha construido una carrera que hoy también lo lleva a España y de regreso a Perú, sin perder de vista una crítica que hace con cariño hacia la región: “A veces los mexicanos —y los latinoamericanos en general— volteamos mucho hacia arriba, hacia Estados Unidos, y no hacia abajo, donde hay una riqueza impresionante.” Pone como ejemplo “Otro Padre”, la serie de Netflix protagonizada por varios amigos suyos: “Qué bonito qué están haciendo ya otra cosa, con actores nuevos, jóvenes, donde se ve la calidad local y tranquilamente puedes competir con países como Europa o Estados Unidos.” Y resume, sin rodeos, el lugar que ocupa la capital mexicana en su mapa profesional: Ciudad de México, dice, es como Los Ángeles de Latinoamérica, el punto de paso obligado para cualquier artista de la región con ambiciones internacionales. Por lo pronto, a Abad todavía le quedan entre un mes y medio de rodaje en Lima antes de volver a instalarse en México. “Espero que salga algo en México próximamente y poder seguir trabajando ahí”, dice, ya pensando en los tacos que lo esperan —y en el pozole de las próximas fiestas patrias— de regreso a la que, insiste, es su casa. //@revistacosasmx

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Belleza La casa austriaca de cosmética y suplementos frescos desembarca en el mercado mexicano con una idea tan elegante como contemporánea: la belleza empieza en el interior. En su gama debutan las cápsulas CAPS 6 y CAPS 9, junto al bebible Ringana chi, bajo una premisa donde el lujo se mide en frescura, transparencia y conciencia Por Aramis Flores

o j u l o v e u o n r t n e El d e d s e d a d i u c se

ay un lujo silencioso que no se exhibe: el de cuidarse bien. Lejos del exceso y las promesas milagrosas, una nueva sensibilidad del bienestar entiende que la piel radiante y la vitalidad no se compran en un frasco, sino que se cultivan como un ritual. Sobre esa idea, la austriaca Ringana, pionera en cosmética fresca y suplementos veganos, presenta su filosofía que resume en dos palabras: Inside Out. La propuesta parte de una convicción sencilla: el cuidado personal no termina en la superficie. Durante años, la belleza se pensó como algo externo, lo que se aplica sobre la piel, el cabello o el cuerpo—; la marca austriaca amplía esa mirada para conectar lo que hacemos por fuera con las decisiones que tomamos desde dentro. Alimentación, descanso, ritmo de vida, estrés, exposición solar: ninguno de esos factores opera aislado, y todos dialogan con nuestra apariencia.

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Belleza

Bajo ese enfoque holístico, la nutrición y el cuidado externo se entienden como parte de una misma rutina. Los suplementos, aclara la marca, no sustituyen una alimentación sana ni prometen resultados médicos: se incorporan como un complemento consciente para quien desea organizar su bienestar con intención. Es, en el fondo, una invitación a habitar el cuidado como estilo de vida más que como impulso. Fundada hace tres décadas en Austria, Ringana es pionera en el cruce entre cosmética y suplementación de origen natural. Su ADN se sostiene en tres pilares, excelencia, frescura y sostenibilidad y en una vocación por marcar tendencia que la lleva a buscar de forma constante nuevos formatos, ingredientes y conceptos. La frescura, aquí, no es un adjetivo publicitario: la marca fabrica en lotes pequeños y bajo demanda para que cada fórmula llegue en su máxima potencia, al punto de que sus productos frescos llevan fecha de caducidad. El resto de las señas confirman el gesto: fórmulas veganas, ausencia de conservadores artificiales tanto en cosméticos como en suplementos, y una curaduría de ingredientes de vanguardia, hasta su omega vegano proviene de microalgas, y no de pescado. Un lujo entendido como pureza, trazabilidad y coherencia.

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Belleza Por ahora, la gama mexicana se articula en dos formatos pensados para distintos momentos del día. Las CAPS son cápsulas fáciles de integrar a las comidas; los RINGANA Drinks, suplementos líquidos que se diluyen en agua y viajan en formato de bolsillo, del escritorio al gimnasio. A futuro, la casa prevé sumar sus Packs en sobres, ya presentes en Europa. Las incorporaciones más recientes son CAPS 6 y CAPS 9. La primera es una fórmula vegana y libre de gluten que reúne manosa, niacina (vitamina B3) y extractos botánicos de arándano rojo, flor de jamaica, ortiga y germen de trigo sarraceno; se sugiere hasta seis cápsulas diarias, repartidas entre las comidas y tomadas con agua sin gas. CAPS 9, formulada exclusivamente para adultos, combina extractos de uva y arándano, un complejo microencapsulado de salvia, germen de trigo sarraceno, raíz de rodiola y citicolina, con un uso sugerido de tres cápsulas al día. En ambas, la filosofía es la misma: ingredientes reconocibles, de origen vegetal y respaldados por estudios, dentro de un formato discreto y cotidiano.

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El bebible chi, embajador de la familia Drinks, cifra su carácter en el jengibre y la cafeína del café. Presentado en una botella de 30 ml que se diluye en agua, está pensado como un energizante, así lo avala la autoridad sanitaria, por su contenido de café y se recomienda una unidad al día. Es el ritual portátil de la gama: fresco, práctico y con una identidad de sabor inconfundible. En un mercado saturado de “productos milagro”, Ringana elige un camino más exigente: hablar de ingredientes, no de milagros. La marca somete toda su comunicación — redes, sitio web y prensa— a la autorización de COFEPRIS, con código de autorización y la leyenda obligatoria a la vista, y evita atribuir a sus productos beneficios que la regulación no permite comunicar. En su lugar, apuesta por la pedagogía del ingrediente y por advertencias claras según la fórmula. Esa contención, lejos de restar, suma: en el terreno del bienestar de lujo, la integridad es el activo más deseable. Con CAPS 6, CAPS 9 y Ringana chi conviviendo en el mismo catálogo, la casa austriaca no propone un producto suelto, sino una manera de estar en el mundo: cuidarse con criterio, elegir con conciencia y entender que la verdadera elegancia —también la del bienestar— se construye de adentro hacia afuera. //@revistacosasmx

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Belleza

o n a r ve l E glow del

ro y , t s o r , el l fresca ta o p r ie ue rie el c n una p alor ap a r —pa omete o el c s e l itua que pr a cuand r s nza Tre bios— ratad arra C s a id re s Flo los l osa e h ami r A in Por lum

ción ersa se v n co . No a la min a: glow umio d l e a qu mporad de esa a, labr o e a idad t n p i u s a a c l , n o n e l ay u leza d bril l bie a. En por el resc a pie de b e brillo e de un odo— f oras de c h ad re t e na tar ay trat d qu y —sob alberc o: hidra a d i i s a l r a o , b r n esan li ad ans , el sudo de equi s que p os, c s e t r d calo ejercicio s densa produc s. r a n el r lo n a o l u c u a u t , m us r o. lve ex no u t e a a c r r u n a e a v en se ov op er e gest plen anzarla n ca , no está l tiemp un solo ona i s z í lc ad n ee sol, a fundid lujo, aqu egalars o vive e s, y cada a el o r o n l r ar i en p la piel. E ien y en el glow a los lab —una p que e b s a e u a al— sobr n elegir cia es q duch apuest e fin orial y i e la h e s t c d e o , o o r s r n t a ns b a n sin . uen r cap stas so ra el ia se ersión c a n p La b ruye po e v E a i . r r l n o e a j u p u me nst o rit tro y una ex n su Se co e ropi a el ros n p n e ó u o s ci ar pide , una p ocuidad r la esta o i t c p u r u el a cue ara l ucen sta p trad la piel li n deja

RUTINA CORPORAL DE VERANO

Todo empieza en la regadera. La firma mexicana Ram Ram propone una rutina ligera de tres pasos pensada para refrescar y nutrir en segundos, sin la sensación grasosa que tanto molesta cuando sube el termómetro. Su Body Wash limpia con suavidad sin resecar la barrera natural de la piel, mientras sus aceites esenciales de notas herbales y cítricas despiertan los sentidos con un golpe de frescura inmediato. El segundo gesto desmonta un mito veraniego: sí conviene exfoliar. Un exfoliante botánico suave, una o dos veces por semana, retira células muertas, ayuda a que los hidratantes penetren mejor y consigue que el bronceado luzca más parejo y luminoso. Para sellar, el Suero Corporal Revitalizante y la Hand & Body Lotion — con aloe vera, jojoba y vitamina E— se absorben rápido, calman la piel acalorada y le devuelven elasticidad. Como valor añadido, toda la línea es cruelty-free, vegana y se elabora en lotes pequeños con empaques de vidrio y aluminio; la aromaterapia de menta, romero, eucalipto y cítricos convierte el ritual en un impulso de energía, ideal también para la maleta de viaje.

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Belleza SKÏN SENSE

Si el cuerpo marca el ritmo, el rostro pide una pausa. Y pocas cosas la representan mejor que una mascarilla facial: ese espacio de calma —quince minutos dedicados solo a ti— que celebra su propio día cada 11 de agosto. Skïn Sense retoma la filosofía coreana que convirtió el skincare en ritual de bienestar, con una colección formulada al 95% con ingredientes naturales y pensada para responder a lo que la piel necesita cada día. La gracia está en personalizar. Cuando el cansancio empieza a notarse, la mascarilla de colágeno aporta una sensación de hidratación intensa y un aspecto más firme y descansado, perfecta antes de una ocasión especial. La de miel nutre y reconforta, ideal para devolver suavidad y luminosidad cuando el clima castiga. La de carbón activado atrae impurezas y exceso de grasa —imprescindible para quien vive en la ciudad o pasa horas maquillado—, y la de burbujas, heredera de una de las tendencias más divertidas del K-beauty, genera una espuma ligera que limpia mientras regala una experiencia sensorial y un rostro visiblemente más fresco. La clave no es la rutina más compleja, sino la que invita a hacer una pausa.

FENTY BEAUTY

El glow termina, cómo no, en la sonrisa. El gloss favorito de Rihanna sube de nivel con Gloss Bomb Burst Color-Intensifying Lip Luminizer, una edición limitada que combina un acabado jelly ultra juicy con un color que se intensifica con el paso de las horas, dejando un delicado tinte que permanece incluso después de que el brillo desaparece. Enriquecido con vitamina E, manteca de karité y una fórmula con péptidos,

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suaviza e hidrata al instante; su aplicador XXL se desliza fácil para unos labios más voluminosos, con el irresistible aroma peach-vainilla como firma. Debuta en el tono Pink Blink, un rosa intenso y vibrante que basta con una sola aplicación para lucir labios hidratados, brillantes y con un color que se queda. Es, además, 100% cruelty-free, en línea con la filosofía Beauty For All que Fenty Beauty impulsa desde 2017. “Gloss Bomb Burst combina

hidratación, brillo y un color que evoluciona con el uso, ofreciendo una experiencia única desde la primera aplicación”, señala Tatiana Franco, National Makeup Artist de Fenty Beauty México Tres productos, tres momentos, un mismo objetivo: llevar el glow del cuerpo al rostro y a los labios, sin peso y con la frescura como divisa. Porque la mejor rutina de belleza no es la más larga, sino la que se disfruta. //@revistacosasmx

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Hábitat

EL HOTEL DE LA ROMA SUR DONDE EL ARTE SE HABITA, CAPA E POR CAPA

En una vecindad centenaria restaurada durante más de dos años, Michell Halley — directora creativa de OHH Collection y cofundadora de Orchid House Hotels— presenta la apertura más joven y colorida del grupo: 16 habitaciones concebidas como una sola obra en evolución Por Aramis Flores Carranza

l jueves 30 de julio, Manzanillo 47 amaneció convertida en galería habitable. Ahí, en el corazón de la Roma Sur, abrió sus puertas Máximo México, la más reciente apertura de OHHospitality y la primera del grupo concebida enteramente alrededor del arte y el maximalismo. La

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inauguración incluyó un recorrido curatorial y un encuentro con los artistas invitados a “Más es Más”, la exposición que da nombre y voz a esta primera edición del hotel. Revista Cosas conversó con Michell Halley, directora creativa de OHH Collection y cofundadora de Orchid House Hotels, sobre el camino que llevó a esta antigua vecindad a convertirse en el proyecto más audaz del grupo. OHHospitality, Que Halley describe como “un grupo familiar”, nació de lo que ellos mismos llaman Homemade Hospitality: la hospitalidad hecha en casa y hecha a mano. Su primera propiedad, en Ciudad de México, fue una casa patrimonial de cien años restaurada bajo el nombre de Orchid House Hotels. “Es una propiedad patrimonial donde hicimos toda una restauración patrimonial, una casa preciosa, protegida, que la convertimos en nuestro primer hotel”, cuenta Halley. Con el tiempo, ese ADN de rescate se ramificó. Mientras Orchid House Hotels —hoy presente en Ciudad de México, Coyoacán, San Miguel de Allende y La Paz— sigue apostando por lo patrimonial, Máximo México nace con una vocación distinta. “En el caso de Máximo México queríamos hacer algo mucho más juvenil, mucho más divertido”, explica. “Cuando ves México desde un punto de vista aéreo, ves capas y capas y dimensiones, ves intensidad, ves colores. Queríamos traducir eso a este mismo espacio.” El encargado de devolverle la vida al inmueble fue el restaurador Edgar Nacif, quien encontró en esta vecindad centenaria de la Roma Sur un potencial que iba Agosto-Septiembre 2026

más allá de lo evidente. “Vio que podía ser un espacio de vivienda, un espacio de hospitalidad, un espacio cálido, y poco a poco lo fue restaurando”, relata Halley. El proceso tomó más de dos años, con especial cuidado en rescatar los pisos originales de principios del siglo pasado y la herrería con motivos art nouveau y art déco, integrando materiales nobles como piedra y cerámica junto a molduras neoclásicas. “Se integraron motivos de diferentes épocas que ha vivido la colonia Roma, y así se empezó a dialogar con el pasado, con el presente y con el futuro, que es como todas estas capas conversando”, dice Halley sobre una restauración que no buscó borrar la historia del edificio, sino ponerla en conversación con lo nuevo www.revistacosas.mx I 21

Hábitat El interiorismo, a cargo del equipo creativo de OHHospitality, y la curaduría artística, dirigida por la artista, escritora y maestra Karla Rojo de la Vega, dan forma a la filosofía que bautiza al hotel: “Más es Más”. La primera exposición reúne obra de casi treinta creadores contemporáneos —entre ellos Alexandra Roca, Claudio Mansour, Germán Ortega, Hugo Haro, Mikel Parra y la propia Karla Rojo de la Vega— distribuida en patios, corredores, habitaciones y áreas comunes. “Yo creo que lo dictó la arquitectura”, dice Halley sobre el hilo conductor del proyecto. “La misma vecindad te va llevando por recovecos nuevos, patios centrales, la terraza; esa arquitectura nos dio la pauta para ir revelando capas. El color es nuestra base, nuestro trampolín para todo lo demás. Creamos un hilo conductor que unificara todas las habitaciones, y que el arte fuera la voz singular de cada una: que proviniera el color, el contraste, la textura, una corriente, para que cada espacio fuera realmente único.” “Vemos el arte como una experiencia de habitar el mundo con una voz singular. En Máximo México el tapiz sigue tejiéndose y se teje con la vivencia de cada huésped que recibimos”, Michell Halley, directora creativa de OHH Collection La elección del barrio no fue casual. “Estamos en Roma Sur, que se nos hace un lugar donde puedes vivir lo cotidiano de México: en la esquina encuentras la fonda, la comida corrida, la vulcanizadora, pero también un restaurante de estrella Michelin, y de pronto una tiendita de cerámica”, describe Halley. “Es un collage máximo, que es la Ciudad de México, y ese es nuestro punto de partida para ir revelando ese maximalismo.” El perfil de huésped que imagina para este proyecto es, sobre todo, joven. “Mi sueño es que este espacio sea para gente que quiere descubrir la ciudad, que quiere caminarla, vivir la Condesa, la Roma, el Centro, la Juárez, ir a la Lagunilla”, dice. “Que pueda hacer de aquí su base, en un punto súper central, y que este sea un espacio muy cálido para ir revelando ese maximalismo en la ciudad.” Entre las ocho propiedades del grupo, agrega, la mezcla de huéspedes es prácti22 I www.revistacosas.mx

MÁXIMO MÉXICO

camente equilibrada: alrededor de la mitad viene de fuera y la otra mitad es turismo nacional, con fuerte presencia de visitantes de Guadalajara y Monterrey. Máximo México ofrece 16 habitaciones, cada una pensada como una pieza distinta dentro de la misma obra. Los estudios abren una sala integrada donde el día se reparte entre descanso, trabajo y revelación; las habitaciones con balcón vuelven a la ciudad parte del cuarto, y la Cinematic Suite lleva la idea al extremo, con tina y proyector que transforman la habitación en un cine íntimo. Una terraza central, bañada de luz natural, ofrece un respiro contemplativo antes de salir a recorrer la oferta creativa de la calle de Manzanillo. Las tarifas van de 2,500 a 5,500 pesos mexicanos, según el tipo de habitación. Antes de ser hotel, la vecindad de Manzanillo 47 fue, durante generaciones, un hogar compartido por varias familias, sin baños privados —estos se incorporaron hasta la renovación—. Ese pasado sigue presente de una manera muy concreta: “Hay una persona que trabaja con nosotros que vivió aquí, que creció en esta vecindad, se llama Delia”, cuenta Halley. “Tiene unos recuerdos divinos de cómo era vivir el día a día aquí, y ver su cara de que esto pudo renacer para compartir un espacio tan querido con más gente es algo increíble.” “Como cuando ves México desde un punto

• Ubicación: Manzanillo 47, Colonia Roma Sur, Ciudad de México • 16 habitaciones dentro de una vecindad restaurada por Edgar Nacif, primera apertura de OHHospitality concebida alrededor del arte y el maximalismo • Curaduría artística: Karla Rojo de la Vega; primera exposición “Más es Más” con cerca de 30 artistas contemporáneos • Tipos de habitación: estudios con sala integrada, habitaciones con balcón y la Cinematic Suite (tina + proyector) • Tarifas: de $2,500 a $5,500 MXN por noche

de vista aéreo: capas y capas, dimensiones, intensidad, colores. Queríamos traducir eso a este mismo espacio”, Michell Halley Con Máximo México recién inaugurado, el grupo ya mira hacia su siguiente apertura: Serea, una propuesta de casas de playa enfocada en el bienestar y la inmersión en la naturaleza, que se suma a la que ya opera en Tulum y llegará próximamente a Puerto Escondido, Oaxaca. Para Halley —socia fundadora de OHHospitality desde el día cero y responsable de ver crecer al grupo “desde algo muy local, muy familiar, muy hecho en casa”—, Máximo México es su octava propiedad. Y entre risas, aclara que el número real de “bebés” de este año es mayor: acaba de tener también un hijo, así que en total, dice, ya van nueve. Su deseo para este nuevo espacio es, al final, el mismo que ha guiado cada apertura del grupo: “Que la gente pueda llegar y sentirse en casa, que pueda vivir México como nosotros lo conocemos: un país maravilloso, que ofrece tanto en términos culturales, gastronómicos y artísticos, y que realmente te pueda hacer sentir que puedes vivir aquí y que te podamos apapachar.” //@revistacosasmx Agosto-Septiembre 2026

Sexo

o d n a u C o m t i r o g l a el ti r o p a g i l

Del consejo entre amigas al prompt perfecto: ¿dónde está el límite de usar inteligencia artificial para ligar? Por Ivanna Maupomé

ace unos meses, un amigo me contó que usó la Inteligencia Artificial con Chat GPT para saber qué contestarle a la mujer con la que estaba ligando. Quedé sorprendida, no porque yo misma no use IA, sino porque el uso que le doy es mayormente laboral. Claro, ya había oído hablar de la IA usada como psicóloga o incluso como solución para la falta de orgasmo. Pero escuchar que estaba siendo usada para ligar me pareció que cruzaba un límite casi irremediable. La conversación siguió, pero mi mente solo pensaba en cómo utilizamos hoy en día la inteligencia artificial en nuestras relaciones. Pensé en las veces que me he sentido nerviosa al ligar, aún en el medio digital: mandarles un mensaje a mis amigas pidiendo consejo para responder, enviar los “screenshots” a esa amiga para confirmar que estaban coqueteando conmigo y no solo me lo imaginaba, o ir a casa de alguna otra amiga para practicar mis habilidades sociales antes de una cita. Ahora esa misma interacción me la imaginaba con la IA: fría, sin emoción ni complicidad compartida con alguien más (otro humano), esperando que el algoritmo de Chat GPT o de Claude arroje una respuesta basada en la predicción de la palabra siguiente, a partir de patrones y probabilidades. Ese mismo algoritmo posiblemente sugiera algo no tan alejado de lo que pensabas o de lo que realmente quieres decir. Aun así, la conexión, ya sea romántica o sexual, merece autenticidad; merece ser torpe, mostrar vulnerabilidad, decir lo incorrecto, ser imperfecta. Para mitigar el sesgo de mi nula experiencia con la IA para ligar, aproveché otra tecnología, otro algoritmo: las redes sociales. Abrí Instagram y, en mis historias, hice una pequeña encuesta: ¿usas IA para ayudarte a

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Sexo

CHATGPT Puede darte mil soluciones para reducir la ansiedad ante la posibilidad de conocer a alguien, pero hay una mejor sugerencia, basada en evidencia: sal y conecta con la naturaleza. Eso ayudará a regular tu sistema nervioso central, lo que contribuirá a reducir los niveles de ansiedad y estrés acumulados que inciden en tus capacidades sociales

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ligar? Junto con la encuesta, agregué una cajita para que pudieran compartirme cómo y por qué la usan. Pensando que sería la única que no le saca provecho a la IA, me encontré con que la gran mayoría de quienes votaron tampoco la usa: 55 votos dijeron que no y solo 14 aceptaron usarla como herramienta de ligue. Entre quienes compartieron el cómo o por qué hubo respuestas como “para saber qué contestar” o “así aprendo para la próxima qué hacer y qué no”. Otros hablan de un uso específico en ciertas aplicaciones, como Footfetish; alguien confiesa que liga directamente con la IA porque, al compararla con parejas pasadas, se siente más segura y mejor tratada. Otros comentan que ya no la usan porque, en persona, no saben qué responder, y algunos reconocen que los han cachado usando IA para ligar y que eso terminó con la conexión que intentaban establecer. Hay quienes escriben que la forma en que ligamos es parte de la esencia de la persona misma, algo que la IA no puede traducir ni con sus algoritmos ni con sus interpretaciones. La pregunta a la que llegué entonces fue: ¿hay un límite? Mejorar tus habilidades de coqueteo, planear preguntas para mantener la conversación interesante y llevar una lista de frases para romper el hielo suenan como una gran manera de conectar con otras personas. ¿El límite recaería, entonces, en usar la IA en todo momento? ¿En no permitirte fluir ni responder desde la vulnerabilidad y la autenticidad, sino desde el algoritmo? Mientras escribo esto, mi mente no deja de exigir una solución; no podemos ignorar el uso desmedido de la IA en nuestra vida diaria. Así que, como médica sexóloga especialista en placer, propongo opciones más realistas y, posiblemente, más ecológicas para que el ligue no recaiga en tu IA de confianza: La IA ofrece una solución inmediata para practicar habilidades sociales, pero ¿sabes quién también te la ofrece? Tus amistades, tus compañeros de trabajo, la cajera del súper, el policía de tu edificio. Con ellos puedes practicar tus habilidades sociales. Sí, Chat GPT puede darte mil soluciones para reducir la ansiedad ante la posibilidad de conocer a alguien, pero hay una mejor sugerencia, basada en evidencia: sal y conecta con la naturaleza. Eso ayudará a regular tu sistema nervioso central, lo que contribuirá a reducir los niveles de ansiedad y estrés acumulados que inciden en tus capacidades sociales. Para mejorar tus habilidades sexuales puedes recurrir a la autoexploración: conocerte realmente, explorar tus fantasías y aprender desde tu cuerpo y tu mente. Y en pareja (sexual) vas a querer poner en práctica tus habilidades sociales y regular tu sistema nervioso central para mejorar tu experiencia. Así que la IA podrá brindar herramientas para conectar con el mundo exterior, pero hay que reconocer que, al entrenarnos con estos algoritmos, perdemos constantemente la conexión con el mundo humano, donde realmente podemos mostrar nuestra esencia y poner a prueba, de manera más orgánica y fidedigna, aquello que Chat GPT te sugiere. La Dra. Ivanna Maupomé es médico egresada de la Facultad Mexicana de Medicina de la Universidad La Salle. Cuenta con una Maestría en Sexología obtenida en la Universidad Curtin en Perth, Australia en dónde actualmente reside. //@revistacosasmx

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Streaming

“NO Q CLÍMAX A PRIMER A quince años de su primer papel acreditado, la mexicana Vico Escorcia se integra al elenco de “Days of Our Lives”, la producción estadounidense con más de seis décadas al aire y más de 15 mil episodios

Por Aramis Flores Carranza

ay una imagen que Vico Escorcia repite con una mezcla de gratitud y alivio: una maleta guardada en el clóset. Durante 2024 y 2025 vivió, literalmente, dentro de ella. Dos viajes de trabajo a Europa, una película rodada allá, idas y vueltas entre Nueva York y Los Ángeles, ciudades nuevas, gente nueva. “Creo que en el 2025 no pasé más de dos o tres semanas seguidas en mi casa”, cuenta. “Maravilloso, un privilegio. Pero me faltó esta rutina de casa, esta cotidianidad, y el poder hacer planes más allá de dos semanas adelante.” Lo que pidió para este año fue, en apariencia, lo menos glamoroso que puede

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Streaming

QUIERO LLEGAR A MI A LOS 30. QUIERO SER RA ACTRIZ A LOS 70” pedir una actriz en ascenso: quedarse quieta. Y la vida le respondió con dos cosas. La primera, una perra rescatada de siete años que apareció en el garaje de unos amigos y que hoy se llama Lupe. “Me aterrizó brutalmente, porque ya no puedo estar fuera de casa tanto tiempo. Y es una excusa maravillosa también, porque de pronto es como: uy, tengo que ir a casa a que coma.” La segunda fue una oferta que ninguna actriz mexicana de su generación había recibido en estos términos: un lugar fijo en el elenco de “Days of Our Lives”, la telenovela diurna que salió al aire por primera vez en noviembre de 1965, que ha rebasado los 15 mil episodios y que desde 2022 se transmite en exclusiva por Peacock. Escorcia entró al proyecto el año pasado, se mudó a Los Ángeles por segunda vez en su vida y reconstruyó su existencia entera alrededor de una serie. “Es un poco un trabajo godín. Voy a la oficina, regreso, siempre es el mismo lugar, los horarios están muy bien establecidos, todo el mundo sale antes de las cinco de la tarde. Con filmaciones nunca me había tocado vivirlo así.” Conviene detenerse un momento en el expediente, porque Escorcia llegó a Salem, el pueblo ficticio donde transcurre “Days of Our Lives”, con una trayectoria que pocos recién llegados al daytime estadounidense pueden presumir. Nacida en la Ciudad de México, mitad francesa y mitad mexicana, trilingüe en español, inglés y francés, empezó a tomar clases privadas de actuación a los 14 años. Su primer papel acreditado llegó en 2011, en la serie “Al caer la noche”. Tenía quince años. De ahí en adelante, una construcción paciente: “Paramédicos” y “La Teniente” en 2012; su debut en cine en 2014 con Eddie Reynolds y los “Ángeles de Acero”; “Texas Rising” en 2015. Después vino “Los crímenes de Mar del

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Norte”, la película que le dio una nominación al Ariel y una Diosa de Plata. En total acumula dos nominaciones al Ariel. Más recientemente, el público la ha visto como Bartola en “¡Que viva México!“ de Netflix, como Paloma en “Acapulco” de Apple TV+, y en “Se llamaba Pedro Infante” para ViX+. En “Days of Our Lives” interpreta a Arianna “Ari” Horton, un personaje de linaje,los Horton son la familia fundacional de la serie, la dinastía sobre la que se construyó todo lo demás. Su primera aparición al aire fue el 8 de abril de 2026. Lo que más le interesa contar, sin embargo, no es el prestigio del proyecto sino su mecánica. Y ahí Escorcia se vuelve técnica, precisa, casi apasionada. “Filman seis escenas por hora, a tres cámaras y una toma por escena”, explica. “Jamás me había tocado filmar así, y requiere un callo y un músculo muy específico. Sobre todo para hacerlo bien, porque puede llegar alguien a memorizar dos, tres cosas y hacerlo como pueda. Pero hacer un trabajo de mesa, conectar con tus compañeros y comprometerte con tus elecciones creativas, con el momento, con la toma en la que estás, es una habilidad que yo no había tenido que desarrollar antes.” La comparación con lo que conocía es reveladora. “En un set de cine o de televisión hay más tiempo, las cosas respiran, se juegan, hay distintas tomas para probar distintas cosas. Y aquí no.” No lo dice como queja: lo dice como quien descubrió que existía un músculo que no sabía que tenía. El melodrama diario —ese género que en México crece dentro de la casa de cualquiera, en la sala, a las nueve de la noche— resultó ser, para ella, una escuela.

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Streaming VICO ESCORCIA, EN CORTO

Este ha sido, además, el año en que Escorcia atravesó más registros distintos que en toda la década anterior. Al melodrama de “Days of Our Lives” se sumó una serie histórica que rodó en Colombia —su primera vez en ese país— y un proyecto de horror del que aún no puede hablar, y que representa un género en el que jamás se había asomado. “Al principio de mi carrera yo me autodefino como una actriz de cine independiente. Hice dos películas de cine de este tipo, entonces yo era una actriz de cine independiente”, recuerda, con la ironía de quien reconoce la trampa. “Y de pronto fue: bueno, pero tenemos comedia, y tenemos cine comercial, que también es divertido. Y de pronto hay televisión y hay series. Mi panorama se fue ampliando y las etiquetas que me puse a mí misma me dejaron de limitar.” Lo dice sin épica: “No significa que voy a ser buena en todo lo que intenté. Ahí tengo mis fortalezas y debilidades.” Es una frase rara en una industria que exige a sus intérpretes proclamarse infalibles. De Colombia habla con entusiasmo genuino —los paisajes, la gente, la comida— y con una lectura que va más allá del turismo. “Todas estas facilidades que está dando Colombia a nivel nacional para que la industria audiovisual se pueda seguir desarrollando ahí me parece espectacular. Cualquier estímulo que favorezca la cultura nos nutre como sociedad.” Y entonces llega la idea que ordena toda la conversación. Escorcia cumplió tres décadas este año, y esperaba, como casi todos, que sus veintes fueron la cúspide. “Tenía esta idea de que los 20 eran como el clímax. Sobre todo como actriz: claro, en mis 20 es cuando más voy a ser, cuando más voy a trabajar, cuando más voy a lograr”, dice. “Y ahora que se termina lo veo tan reductivo.” “Este año decidí de una manera más consciente que lo que estoy construyendo es una carrera que me lleve a un lugar en

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el que a los 60 o a los 70 yo pueda ser una primera actriz.” Es una declaración de principios que va a contracorriente de todo: del algoritmo, del pico de visibilidad, de la lógica de la industria que empuja a las actrices a exprimir su década más rentable. Escorcia propone lo opuesto: un oficio de acumulación lenta. “Es un camino muy largo, de mucho aprender y de mucho crecimiento, y quiero esforzarme profesionalmente cada día en caminar un pasito más cerca, llegar a ser la mejor actriz que pueda ser después. Ahora me toca experimentar, aprender, hacer cosas que jamás pensé hacer.” El método detrás de esa paciencia es sorprendentemente concreto. Desde hace tres años, Escorcia practica un ritual que no llama propósito de año nuevo —lo aclara— sino intención. “Es como un concepto de: bueno, ¿dónde me gustaría estar? ¿A qué personas quiero ver? ¿Dónde me gustaría viajar? ¿Qué experiencias nuevas quiero tener? Y entonces, ¿qué tipo de proyectos me gustaría hacer? Y empiezo a tomar decisiones todos los días que me van encaminando y acercando a esas cosas que yo sé que deseo.” Los resultados son verificables. Para 2024 intenciona trabajar en Europa, cultivar su espacio de una manera específica y leer mucho: se fue a Europa a hacer una película y su casa evolucionó exactamente como lo había decidido. Para este año pidió balance, más tiempo en casa y acampar. El fin de semana previo a esta conversación se fue a acampar. “Es ir construyendo año con año la vida que me gustaría vivir ese año, y recordar los próximos años.” “Para mí ser actriz es un privilegio enorme. El storytelling, desde el principio de las sociedades, es una herramienta preciosa de autoconocimiento. Poder pararse del otro lado del espejo y ver a la sociedad desde una perspectiva que no me hubiera tocado a mí como persona es un regalo enorme”, finaliza. //@revistacosasmx

· Nombre completo: Victoria “Vico” Escorcia. Nacida en la Ciudad de México; mitad francesa, mitad mexicana. · Idiomas: español, inglés y francés. · Primer papel acreditado: “Al caer la noche” (2011). Debut en cine: “Eddie Reynolds y los Ángeles de Acero” (2014). · Reconocimientos: dos nominaciones al Premio Ariel y una Diosa de Plata por Los crímenes de Mar del Norte. · Créditos recientes: Paloma en “Acapulco” (Apple TV+), Bartola en “¡Que viva México!” (Netflix), Se llamaba Pedro Infante (ViX+). · Nuevo proyecto: Arianna “Ari” Horton en “Days of Our Lives” (Peacock). Primera aparición al aire: 8 de abril de 2026. · En puerta: una serie histórica “Carlota”, rodada en Colombia y un proyecto de horror, su primera incursión en el género.

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Filantropía

“A LA NIÑEZ NO SE LE PUEDE DEVOLVER EL TIEMPO” Erika Feria dirige la zona centro de World Vision México, la organización humanitaria que cumple 43 años ininterrumpidos en el país. En esta conversación habla del huracán del que ya nadie habla, de las niñas que no regresan a clases después de una emergencia y de por qué invertir en la infancia es la única inversión que no admite prórroga

Por Aramis Flores Carranza Foto: Cortesía World Vision México

Erika Feria

ay una frase que Erika Feria pronuncia sin dramatismo, casi con la neutralidad de quien enuncia una ley física, y que reordena por completo la conversación sobre filantropía en México. “En términos de infancias y de juventudes no hay tiempo. No hay tiempo para resarcir derechos. No es como un adulto que no tiene acceso a la salud y vuelve a tener acceso a la salud. Si tú no tuviste educación en ese entonces, o no tuviste tu esquema básico de vacunación, ya no hay forma en que puedas compensarlo.” Es, en esencia, el argumento central de su trabajo. Feria dirige la zona centro de World Vision México, una organización

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humanitaria global, autónoma y sin fines de lucro que este año cumple 43 años de labor ininterrumpida en el país —sobre una trayectoria internacional de 75 años— y que opera en cerca de un centenar de naciones. Solo durante su ejercicio fiscal 2024, World Vision México reportó haber alcanzado a más de diez millones de personas, con más de un millón de niñas, niños y adolescentes atendidos directamente en campo. Detrás de esas cifras hay una premisa que Feria repite de distintas formas: la infancia es el único terreno donde el daño no se repara retroactivamente. Un adulto puede recuperar un empleo, un patrimonio, incluso la salud. Un niño que no aprendió a leer a los siete años carga esa ausencia el resto de su vida. La organización llegó a México cuando el mapa de la vulnerabilidad infantil era otro. “Hemos tenido distintos modelos de trabajo, distintos territorios de cobertura, distintas líneas estratégicas”, explica Feria. “Eso nos ha permitido evolucionar y, en la gran mayoría de casos, perfeccionar algunas de las cosas que hacemos.” El ejemplo que ofrece es preciso. Hace quince años, dice, nadie hablaba de violencia digital ni de emergencias con la frecuencia actual. Y el fenómeno migratorio se leía de otra manera: quien emigra era el padre, y México funcionaba como país de tránsito, no de destino. “Hace más o menos tres años empezamos a ver este fenómeno en donde había más niñas y niños en el tránsito, que venían también con sus familias”, relata. “Ya no es el papá, ya no es solamente

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la mamá, sino familias completas. Y a veces venían con cuatro o cinco niños: en la gran mayoría de casos hijos de las familias que venían; en otros, me traje a mi sobrino, me traje a mi nieto, me traje al hijo del vecino, porque no se podía quedar ahí en ese contexto.” Así nació una de las líneas estratégicas que hoy sostienen la operación: niñez en movilidad. En total, la organización trabaja este año sobre siete ejes, y desde hace tres realiza una medición anual de impacto que regresa a las mismas familias para preguntarles cómo están: cómo van económicamente, cómo se encuentran emocionalmente las niñas y los niños, y cómo está la cohesión comunitaria, un indicador que Feria defiende con particular convicción. “De repente pareciera que no pesa, pero pesa bastante, sobre todo en contextos rurales”, advierte. “En contextos urbanos para nosotros ya es bien complejo saludar al vecino, porque no sabemos a qué se dedica.”

LO QUE SE LLEVA UN HURACÁN

Si 2026 es, en sus palabras, un año parteaguas, es porque tres crisis se apilaron sobre las mismas familias: el rezago educativo heredado de la pandemia, una crisis de seguridad que no cede y tres años consecutivos de emergencias por fenómenos naturales. El dato que Feria coloca sobre la mesa es de los que no aparecen en los boletines oficiales. Después de una emergencia climática, no todos los niños regresan a la escuela. Y la ausencia tiene género. “Hemos visto que muchas niñas, sobre todo, no regresan a clases después de una emergencia por un huracán”, dice. “Quienes regresan son los niños. Las niñas regresan poco, porque se quedan en casa a cuidar a los hermanos o se ponen a trabajar, ya que hay un golpe económico durísimo después de una emergencia.” El caso más reciente sigue abierto. El paso de los huracanes Priscila y Raymond, en octubre de 2025, dañó 821 planteles escolares en el país —209 de ellos en Hidalgo— y dejó a más de 172 mil estudiantes hidalguenses sin clases. Meses después, comunidades enteras de la sierra seguían con las aulas cubiertas de lodo.

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Filantropía CÓMO SUMARSE

Apadrinamiento: acompañar a una niña o un niño de forma continua, con posibilidad de contacto por carta, fotografía y visitas a la comunidad. Inversión corporativa en proyectos: infraestructura de agua (cisternas de ferrocemento, rescate de ojos de agua), reforestación en comunidades afectadas por incendios, capacitación juvenil. Voluntariado especializado: colaboradores de empresas que aprenden una metodología y la imparten en campo. Difusión: amplificar las convocatorias en redes sociales, clave para activar donativos cuando ocurre una emergencia. Fiscalización: World Vision México abre visitas a donantes y realiza auditorías internas y mediciones anuales de impacto con las familias beneficiarias.

“¿Quién sigue hablando de las familias afectadas por Otis? ¿Quién habla de las familias que se afectaron el año pasado por Priscila? Si eran panaderas, no han podido recuperar el horno. Si tenían una verdulería, siguen sin recuperar sus insumos.” A ese rezago se suma otro, más silencioso. “Hay muchos niños y niñas hoy, por ejemplo, en Hidalgo, sin regresar a clases, porque las escuelas están destruidas. Eso significa que tienen un rezago educativo de pandemia y luego un rezago educativo de Priscila. La mitad de su primaria se la pasaron en casa.” Hay, sin embargo, un contrapeso que Feria subraya con orgullo profesional: la capacidad de respuesta mejoró. “Hace un año, el tema de infancias en emergencias no estaba en el radar de nadie. En este momento tenemos una red muy grande de organizaciones a nivel nacional y algunas internacionales que podemos responder mejor ante una crisis humanitaria.” Con Otis, admite, fue un caos generalizado. Hoy hay protocolos, docentes capacitados en primeros auxilios emocionales y una regla no escrita: “No decimos: esto es mío, no nada más son mis beneficiarios, perdón, pero yo tengo que salir en la foto. Nos activamos todos juntos.”

DEL DONATIVO A LA INVERSIÓN

Aquí está el cambio de lenguaje que Feria propone, y que resulta especialmente pertinente para un país donde la vocación filantrópica todavía se construye: dejar de pensar el apoyo a la infancia como caridad y empezar a pensarlo como inversión con retorno social medible.

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Las vías son varias. El apadrinamiento sigue siendo la más conocida —y Feria insiste en que el vínculo es real: cartas, fotografías, visitas—. Pero el terreno con mayor potencial hoy es el corporativo. Empresas que financian proyectos completos: cisternas de ferrocemento, rescate de ojos de agua, reforestaciones en comunidades afectadas por incendios, capacitación de jóvenes para la empleabilidad. Y voluntariado real, no fotográfico: colaboradores que aprenden una metodología y van a las comunidades a impartir. “Si no quieren apadrinar, no pasa nada”, aclara. “Pero si tienen una fortaleza que quieran compartir con otros jóvenes…” El ejemplo que da es Visión Joven, el proyecto de empleabilidad juvenil. “Muchas veces, cuando escuchan la experiencia de un joven que ya está trabajando, para ellos es ¡guau! Uno ya está trabajando en un hotel, le están pagando y además está capacitado, con su uniforme. Es sin duda alguna un cambio motivacional en su vida.” Este año, además, México se mira al espejo: la Copa Mundial se juega en casa. Para Feria, el escaparate obliga a una pregunta incómoda. “Nos pone de frente: ¿qué estamos haciendo con las infancias? ¿Cómo estamos invirtiendo en las infancias?” Su respuesta final no apela a la culpa, sino a algo más sofisticado y más difícil de sostener: la esperanza como disciplina. “En este mundo que pareciera tan desesperanzador, es muy fácil quedarnos con un negativo: otro asalto, otro incidente de seguridad. Pero tener la esperanza en la desesperanza nos produce, sin duda alguna, una evolución como sociedad”. //@revistacosasmx

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Columna Invitada

CALMAR LA MENTE, EL GRAN DESAFÍO

ay una velocidad que se ha vuelto invisible: no es la del tráfico ni la de la agenda, sino la de la mente que salta de un pendiente a otro, que anticipa conversaciones, que reconstruye errores, que imagina futuros posibles con una facilidad impresionante. En ese movimiento constante, la atención se fragmenta y la experiencia del presente se diluye, con una clara consecuencia: emociones intensas, cansancio mental y una sensación de desconexión que cuesta explicar. Tu mente corre sin Gran parte del estrés cotidiano está asociado parar entre pendientes, a la incapacidad de sostener la atención en el preocupaciones y momento presente; eso pasa porque la mente de forma permanente en el siguiente paso escenarios que no vive o en lo que ya ocurrió y, por lo tanto, el sistema existen; mientras tanto, el emocional se mantiene en constante alerta; a presente, donde realmente esa dinámica, el cuerpo responde con tensión, ocurre tu vida, se te fatiga y dificultad para relajarse. El presente, que escapa sin que lo notes es el único espacio donde ocurre la vida, queda relegado a un segundo plano. Regresar al presente es una decisión práctica: no Por Mario Córdova* significa aislarse del mundo ni dejar de planear, sino aprender a dirigir la atención con intención. La atención es un recurso entrenable y, cuando se fortalece, se convierte en una herramienta poderosa para regular las emociones: el primer paso consiste en reconocer dónde está la mente en este momento; ese acto de observación genera una pausa y abre la posibilidad de elegir. Una técnica simple y efectiva es la respiración consciente: dedicar entre uno y tres minutos a observar la respiración, siguiendo el ritmo natural del aire al entrar y salir, ayuda a estabilizar la mente. Este ejercicio envía señales de calma al sistema nervioso y reduce la intensidad de los pensamientos acelerados; practicarlo varias veces al día crea un ancla que facilita volver al presente en momentos de presión.

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Columna Invitada Otra herramienta clave es el enfoque sensorial: dirigir la atención a lo que se ve, se escucha o se siente en el cuerpo permite aterrizar en la experiencia inmediata. Identificar tres cosas visibles, dos sonidos y una sensación corporal concreta ayuda a centrar la mente. Este tipo de práctica es especialmente útil cuando la emoción se intensifica, ya que devuelve la atención a lo tangible y reduce la dispersión mental. El lenguaje interno también influye en la calidad de la experiencia, porque los pensamientos amplificados generan emociones amplificadas. Un ajuste en la forma de describir lo que ocurre aporta claridad y equilibrio: expresiones precisas, como “estoy resolviendo este punto” o “estoy atendiendo esta tarea ahora”, ayudan a ordenar la mente y a enfocar la energía en lo que realmente está sucediendo. La gestión del tiempo puede convertirse en una aliada del presente cuando se organiza en bloques de atención. Trabajar en intervalos definidos, con pausas breves entre ellos, permite sostener la concentración y evitar la saturación. Durante esos intervalos, la práctica consiste en estar completamente en la actividad elegida; este enfoque eleva la calidad del trabajo y disminuye la sensación de prisa constante. El cuerpo ofrece otra vía directa para regresar al ahora: los movimientos conscientes, los estiramientos suaves o una caminata breve ayudan a liberar la tensión acumulada y a reconectar con la experiencia física. Cuando el cuerpo se relaja, la mente encuentra un terreno más estable para enfocarse, y esta conexión mente-cuerpo es fundamental para sostener el bienestar emocional a lo largo del día. La repetición de estas prácticas genera un cambio acumulativo: la mente aprende a reconocer el presente como un espacio seguro y accesible, y las emociones se vuelven más comprensibles. La respuesta ante los retos gana equilibrio; la productividad mejora porque la atención se dirige con mayor precisión, y la vida cotidiana adquiere una calidad distinta cuando la presencia se convierte en hábito. El presente no es un concepto abstracto, sino un punto de acceso constante. Cada respiración, cada paso y cada conversación ofrecen una oportunidad para habitarlo. Elegir el presente una y otra vez transforma la relación con el tiempo, con el trabajo y con las emociones. La calma deja de depender de las circunstancias y se convierte en una habilidad que se cultiva. Al final, la práctica es sencilla y poderosa: volver aquí, volver ahora, volver a lo que está ocurriendo. En ese gesto se recupera claridad, energía y una sensación de dirección; la mente encuentra un ritmo más amable y el bienestar se vuelve sostenible. La vida sucede en el presente, y cuando aprendemos a habitarlo con atención, aparece una forma de calma que acompaña incluso en medio de los días más exigentes. //@revistacosasmx * Mario Córdova es empresario, abogado, filántropo, escritor y conferencista enfocado en liderazgo, actitud positiva y bienestar emocional. Fundador de Operadora SI, cuenta con más de 25 años liderando proyectos empresariales y de formación en distintos sectores. Su trabajo inspira crecimiento personal, conciencia emocional y liderazgo con propósito.

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Entretenimiento

EL LUNARIO

ENCIENDE LA NOCHE

Con Eclipse y Umbral, el foro alterno del Auditorio Nacional reescribe el ritual del concierto. Detrás de la sala inmersiva está Fernanda Múzquiz, la artista mexicana que convirtió un vestíbulo olvidado en un lienzo de 360 grados Por Aramis Flores Carranza Fotos: Cortesía Lunario

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abía, hasta hace poco, un espacio que la Ciudad de México prefería no mirar: el vestíbulo del Lunario del Auditorio Nacional. Paredes blancas, mobiliario cansado, una atmósfera más cercana a la de una bodega que a la de la antesala de un concierto. Quien lo recuerde entenderá la magnitud de lo que ocurre hoy en ese mismo punto de Paseo de la Reforma. El recinto que ha reunido cerca de cinco mil espectáculos y más de 1.7 millones de asistentes desde su apertura decidió reinventar la manera en que se vive la noche capitalina, y lo hizo apostando por dos gestos simultáneos: la sofisticación y la inmersión. Agosto-Septiembre 2026

Entretenimiento

EN CORTO

Eclipse (bar): Vestíbulo transformado, capacidad para 167 personas. Barras Sol y Luna, DJ Booth de cristal templado, pantallas de gran formato. Diseño: Juan Pablo Serrano Orozco.

El resultado son Eclipse y Umbral, un bar y una sala inmersiva que amplían y diversifican la oferta del foro, ambos disponibles en renta para eventos públicos o privados. Más que una remodelación, se trata de una declaración de intenciones: colocar al Lunario en la conversación internacional de los recintos multifuncionales, esos que fusiona música, diseño y tecnología para vender algo más valioso que una entrada: una experiencia. El primer acto sucede al entrar. El vestíbulo se transforma en Eclipse, un bar con capacidad para 167 personas concebido como la antesala perfecta de un concierto, o como el punto de encuentro para prolongar la conversación y la celebración cuando el show termina. El proyecto arquitectónico corrió a cargo de Juan Pablo Serrano Orozco, quien retomó el concepto original del Lunario, la Luna como símbolo de inspiración artística, y lo hizo dialogar con un nuevo protagonista: el Sol. De esa convergencia nace el nombre. Dos barras temáticas ordenan el espacio: Sol, luminosa y vibrante; Luna, minimalista y refinada. Al fundirse ambos astros, el eclipse. El latón, el acero, el mármol y el granito construyen una atmósfera cálida y contemporánea, mientras un DJ Booth de cristal templado negro corona la parte central, listo para sesiones profesionales. Dos pantallas de gran formato y un sistema de audio de alta fidelidad completan un espacio pensado tanto para conciertos íntimos como para encuentros sociales de primer mundo. Agosto-Septiembre 2026

Umbral (sala inmersiva): Capacidad para 250 personas. Proyección y audio 360°, videomapping interactivo e iluminación ambiental. Diseño: Fernanda Múzquiz y Edgar Bolaños. Materiales: Latón, acero, mármol y granito. Modalidad: Renta para eventos públicos o privados; los tres foros pueden combinarse o usarse por separado. El legado: Lunario diseñado originalmente por Alejandro Luna; cerca de 5,000 espectáculos y más de 1.7 millones de asistentes.

UMBRAL: EL LIENZO DE 360 GRADOS

Escaleras abajo, tras una trabe de metal cubierta de cristal que funciona como umbral, de ahí el nombre, aparece el corazón conceptual del proyecto. Umbral es una sala inmersiva con capacidad para 250 personas, concebida por los diseñadores Fernanda Múzquiz y Edgar Bolaños como un entorno multisensorial donde la tecnología no adorna: transforma. Proyección y audio de última generación en 360 grados, videomapping interactivo, contenido digital e iluminación ambiental permiten reconfigurar por completo el espacio según cada evento. La versatilidad es su tesis. Umbral puede sumergir a sus visitantes en un mundo submarino, envolverlos en una experiencia temática o servir de escenario para sesiones de escucha, showcases, live sessions, eventos VIP, after partys, pre-shows, presentaciones escénicas e incluso filmaciones. Arte, educación, entretenimiento y mundo corporativo caben en el mismo lienzo. “¿Por qué casarnos con una sola idea si podemos proyectar y hacer lo que sea aquí?”, resume Fernanda la lógica que guió el diseño. “No queremos sólo hacer un evento o una reunión. Queremos que vivas una experiencia y que puedas compartirla. La tecnología está padrísima, pero nunca va a reemplazar ese contacto humano”, señala Fernanda Múzquiz, diseñadora de Umbral. Hablar de Umbral es hablar de Fernanda Múzquiz. Artista plástica y digital mexicana, se ha movido con la misma soltura entre www.revistacosas.mx I 37

Entretenimiento

la acuarela, los pasteles, al óleo y el lápiz que entre el bordado, la cerámica, la joyería y la ilustración digital. Esa amplitud no es dispersión, sino método: una curiosidad constante por aprender que la lleva a dejar que sean los propios materiales los que le muestren el camino de la creación. Su lenguaje se nutre de la naturaleza y la contemplación. De ahí surgen las figuras delicadas y las combinaciones de color que imprimen a sus piezas una sensación de movimiento y textura, esa cualidad casi táctil que ahora se traduce a escala arquitectónica en las paredes de Umbral. Actualmente, además, funge como artista interna y curadora de las piezas de la Tienda del recinto, donde selecciona con cuidado cada producto y trabaja el detalle codo a codo con artistas y productores. Es, en más de un sentido, la sensibilidad que hilvana el proyecto. La ambición del nuevo Lunario se entiende mejor con una referencia que la propia Fernanda evoca: The Sphere de Las Vegas, esa monstruosidad de innovación que dedica divisiones enteras y presupuestos multimillonarios a generar contenido a la medida de su tecnología. Salvando las proporciones, el Lunario se planta ante el mismo reto y lo convierte en oportunidad: cuenta con el espacio, con el equipo de mapeo y con la libertad creativa para que un cliente diseñe la experiencia que imagine, desde una 38 I www.revistacosas.mx

cata de mezcal hasta una exposición de video o un happening de flamenco inmersivo. La logística acompaña la fantasía. Los tres espacios —Lunario, Eclipse y Umbral— pueden rentarse por separado o combinarse en un mismo evento: un banquete y showcase en el Lunario, un cóctel de bienvenida en Eclipse y un after party en Umbral. Así ocurrió ya en su bautizo, cuando una productora internacional cerró la final de un reality de una “boy band latinoamericana” ocupando los tres foros en una sola noche. Umbral opera de manera prácticamente aislada, lo que permite dos eventos simultáneos sin interferencia; una versatilidad que, sumada a su ubicación junto a Reforma y a la infraestructura hotelera vecina, lo vuelve un imán para convenciones, fiestas corporativas y celebraciones privadas. Diseñado originalmente por el arquitecto Alejandro Luna, el Lunario acumula una historia que no pretende borrar, sino continuar. Con Eclipse y Umbral, ese legado entra al siglo XXI convencido de una idea que Fernanda repite como brújula: la tecnología amplía las posibilidades, pero el objetivo sigue siendo profundamente humano. Crear experiencias memorables, emocionalmente conectivas, donde —como se dijo la noche de la presentación— la imaginación es el único límite. //@revistacosasmx Agosto-Septiembre 2026

Streaming

ROSSANA NÁJERA Como Lía en “Hermanas, un amor compartido”, Rossana Nájera firmó uno de esos personajes que se quedan para siempre. En conversación con COSAS, la actriz reivindica el placer de ser mala, defiende que “la inconsciencia es más peligrosa que la maldad” y confiesa por qué prefiere, sin dudarlo, a la antagonista sobre la protagonista Por María Eugenia Rivas Alvarado

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Streaming

EL ARTE

DE LA VILLANA

ay actrices que temen a las villanas y hay quienes las coleccionan como trofeos. Rossana Nájera pertenece, con orgullo, al segundo grupo. Su más reciente creación, Lía, la antagonista de “Hermanas, un amor compartido”, la dejó, en sus palabras, “con el corazón lleno de felicidad”. Un amor-odio que la persigue hasta la calle: “no me dejan decir que me odian, pero me lo dicen desde un lugar tan bonito que se agradece”, cuenta entre risas. “Lía va a ser uno de esos personajes que se me quedan aquí, para siempre”.

LÍA, O LA MALDAD INCONSCIENTE

Desde que le entregaron el papel, Nájera se negó a interpretar a la típica malvada de corazón retorcido. “Siempre pensé que ella no podía ser mala solo porque sí; tenía que encontrar de dónde venía esa maldad”, explica. Su hallazgo fue tan preciso como perturbador: Lía, dice, es “una niña de 15 años atrapada en un cuerpo de mujer”, movida por unos celos infantiles hacia su propia hija y manipulada por completo por Silverio, el verdadero villano inteligente de la historia, encarnado por Guillermo García Cantú. “Yo sí creo que la inconsciencia a veces es mucho más peligrosa que la maldad, porque los malos suelen ser más inteligentes. Lía no lo es en lo más mínimo”, reflexiona. Esa lectura le abrió, asegura, “un abanico de posibilidades, de sensaciones y de emociones” como no le había ocurrido con ningún otro personaje. “Me aventé sin paracaídas. Era muy arriesgado, podía no gustarle a la gente, y agradezco infinitamente que les haya gustado”.

LA ESTIRPE DE LAS VILLANAS

La conversación deriva, casi de forma inevitable, hacia el linaje de las grandes malvadas del melodrama mexicano. Nájera evoca “Cuna de Lobos” y a su inolvidable Catalina Creel, aquella villana que, recuerda, “paralizó al país”. Su tesis es rotunda: sin villano no hay historia. “Para que una historia bonita se pueda contar, tiene que haber un villano de por medio; si no, sería muy aburrido. Los villanos

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son los que hacen que la historia suceda”. Por eso, cuando le preguntan qué prefiere, no titubea: “todos queremos ser protagonistas, pero yo disfruto muchísimo más a un antagonista. Definitivamente”.

CUARZOS, ATRAPASUEÑOS Y UNA FE SIN ETIQUETAS

Detrás de la villana hay una mujer profundamente espiritual. Durante la charla, tras ella asoman dos atrapasueños: uno que trajo desde Viña del Mar, en Chile —”lo metí en la maleta; no me importó dejar ropa”—, y otro, regalo de su “amiga hermana” Bárbara. Confiesa además una colección de cuarzos y un altar deliciosamente heterodoxo: “tengo a Diosito, una piedra, un Buda, un ángel, un apache… quien lo vea no va a entender en qué creo”. Su respuesta es desarmante en su sencillez: “creo mucho y creo en todo; siento que tú le das el significado a las cosas”.

EL OFICIO EN TIEMPOS DE STREAMING

Nájera pertenece a una generación que vivió eltránsito del melodrama de dos televisoras al universo de las plataformas, y lo observa con “sentimientos encontrados”. Celebra que hoy haya más producto, más trabajo y la posibilidad de “irte a España a hacer una serie”, algo antes impensable. Pero reconoce, “desde el privilegio” de haber tenido más de diez años de exclusividad, que aquella época ofrecía una certeza que hoy se extraña: “antes sabías que la que seguía te iban a tener que llamar; hoy toca ganarte el personaje, prepararte más, tocar puertas”. Lejos de lamentarlo, lo abraza como disciplina. Al final, todo la regresa al mismo lugar. “Le pido a la vida que me deje seguir actuando los años que me queden, que espero sean muchos. Cuando estoy en un proyecto, amanezco feliz, me duermo feliz. Me gustaría envejecer haciendo esto”. Y aunque no puede revelar detalles, adelanta que ya prepara su próximo reto: una serie corta para plataforma, con un personaje que nunca ha interpretado —esta vez, “una persona normal, con luces y sombras”— y rodeada de amigos con los que ya ha trabajado. La villana, por una vez, descansa. //@revistacosasmx

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Columna Invitada

NO VIVO DOS VIDAS. VIVO UNA SOLA Ser profesional, mujer y mamá al mismo tiempo no es lo mismo que ser cada una de ellas por separado

Por Vanessa Lozada*

i alarma suena a las 5:30 de la mañana. Mi día empieza con un café y con la logística de siempre: preparar el desayuno y el lunch de mis hijos, asegurarme de que lleguen a tiempo a la escuela y, si la agenda lo permite, ir a entrenar. Para cuando comienza mi primera reunión, ya he tomado decenas de decisiones. Después empieza otra parte del día. Mi agenda se llena de reuniones, llamadas, clientes, viajes, presentaciones y objetivos comerciales. Pero en esa misma agenda también aparecen el festival de la escuela, la consulta con el médico, el entrenamiento de fútbol de mi hijo, el cumpleaños de una amiga y hasta los pendientes de mi esposo. Mi agenda no distingue entre lo personal y lo profesional porque mi vida tampoco lo hace. Durante mucho tiempo pensé que ser mamá, ser profesional y ser mujer eran papeles distintos. Hoy sé que no. Los tres conviven, se mezclan y muchas veces se interrumpen entre sí. No dejo de ser mamá cuando entro a una sala de juntas, ni dejo de ser profesional cuando estoy sentada en un festival escolar. Tampoco dejo de ser mujer entre una cosa y la otra. Muchas veces me preguntan cómo hago para combinar mi carrera con mi familia. Siempre sonrío, porque siento que esperan una respuesta perfecta. Como si existiera una fórmula para lograrlo todo sin renunciar a nada. La verdad es que esa fórmula no existe. Hay días en los que todo fluye y otros en los que basta un mensaje de la escuela para que el plan cambie por completo. Sigo sentada frente al cliente, pero mi cabeza ya está imaginando escenarios: qué pasó, si tengo que salir, si mi esposo puede recoger a los niños o si todo puede esperar una hora más. Estoy segura de que muchas madres saben exactamente de qué hablo. Durante años perseguí el famoso equilibrio. Creía que llegaría ese momento en el que el trabajo, la maternidad, el matrimonio, los amigos y mi tiempo personal encajaría perfectamente.

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Columna Invitada Hoy sé que ese día no existe. Lo que sí existe son las prioridades. Hay semanas en las que he viajado más de lo que quisiera y otras en las que hago todo lo posible por no perderme un festival escolar. Hay días en los que un cliente necesita más de mí y otros en los que la conversación más importante sucede en la mesa de mi casa, cuando les pregunto a mis hijos cómo estuvo su día. Durante mucho tiempo también viví con culpa. Culpa por estar ocupada, por llegar tarde, por contestar un correo mientras estaba con mis hijos. Y, paradójicamente, culpa cuando hacía exactamente lo contrario: cancelar algo del trabajo porque ellos me necesitaban. Con el tiempo entendí que la culpa siempre encuentra un lugar si uno decide dárselo. Amar mi profesión no significa querer menos a mis hijos. Y decidir que un día mi prioridad sea mi familia no me hace menos comprometida con mi trabajo. Simplemente significa que soy una mujer viviendo muchos roles al mismo tiempo. También aprendí algo que me tomó años entender: cuidarme no es un lujo; es una responsabilidad. Durante mucho tiempo pensé que primero tenía que terminar todo para después hacer ejercicio, salir con una amiga o cenar con mi esposo. La realidad es que ese “después” casi nunca llegaba. Hoy entrenar tiene un espacio fijo en mi agenda, igual que una reunión con un cliente. No porque sea un privilegio, sino porque sé la diferencia que hace en mi energía, en mi paciencia y en la manera en la que enfrento cada día. Lo mismo ocurre cuando tomo un café con una amiga, viajo sola unos días o simplemente me doy permiso de hacer una pausa. No estoy dejando de ser mamá. Estoy recordando que también soy mujer. Y eso, lejos de quitarle algo a mi familia, les da una mejor versión de mí. Hay una frase que escucho con frecuencia: “Las mujeres podemos con todo”. Yo ya no estoy segura de que ese sea el mensaje que quiero transmitir. No quiero que mis hijos crean que amar lo que haces significa olvidarte de ti. No quiero que mi hija piense que una buena mamá tiene que vivir agotada para demostrar cuánto ama a su familia. Quiero que vea a una mujer que trabaja por sus sueños, que disfruta lo que hace, que también se equivoca, que pide ayuda cuando la necesita y que entiende que descansar también forma parte del éxito. Porque nunca somos una sola cosa. No dejo de ser mamá cuando cierro un proyecto importante. No dejo de ser profesional cuando aplaudo en un festival escolar. No dejo de ser mujer porque tengo la agenda llena. Sigo siendo la misma Vanessa, solo voy cambiando de rol a lo largo del día.

Por eso dejé de buscar el equilibrio perfecto. Hoy prefiero aspirar a algo mucho más real: estar presente donde decido estar, aceptar que no voy a llegar a todo y dejar de medir mi valor por la cantidad de pendientes que logro terminar. Porque al final no vivo dos vidas. Vivo una sola. Una vida donde caben mis hijos, mi esposo, mi trabajo, mis amigas, mis viajes, mis entrenamientos, mis sueños y también mis pausas. Y si algún día mis hijos recuerdan algo de mí, ojalá no sea que su mamá pudiera con todo. Ojalá recuerden que fue una mujer que vivió con autenticidad, que trabajó por sus sueños sin dejar de abrazarlos y que les enseñó que el verdadero éxito no está en hacerlo todo, sino en tener la valentía de elegir lo que realmente importa. //@revistacosasmx

* Es ingeniera en sistemas, escritora y apasionada del desarrollo personal. Su historia como migrante, esposa y madre la llevó a cuestionarse cómo convivimos con las múltiples identidades que asumimos a lo largo de la vida. De esa búsqueda nace “Mis otros Yo”, un libro íntimo y reflexivo que invita a mirar hacia adentro, reconciliar nuestras distintas versiones y reconectar con la esencia que permanece más allá de los roles que desempeñamos

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Entretenimiento

DANIELA AEDO: LA TEMPORADA DE COSECHAR

Llega a su momento más pleno: estrena serie en ViX, lanza nueva música con acento brasileño y, por primera vez en mucho tiempo, se da permiso de disfrutar lo sembrado Por Aramis Flores Carranza

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ay algo entrañable en la manera en que Daniela Aedo describe este momento de su vida: “ando en modo tranqui, muy contenta de cosechar”. Después de años persiguiendo ciertos papeles y de construir, sencillo a sencillo, un proyecto musical del todo independiente, la actriz y cantautora mexicana atraviesa un segundo semestre de 2026 en el que dice, entre risas, su gran plan es “comer bien, dormir bien, ir a mis terapias y seguirme preparando”. La cosecha, sin embargo, es abundante. El proyecto que hoy la tiene más ilusionada es “Una familia complicada”, la serie original de ViX en la que da vida a Claudia, la primera nieta de un clan tan disfuncional como entrañable. Es un personaje que, admite, esperó durante años: “es muy distinta al tipo de personajes en los que suelen verme; es una chica seria, reservada, analítica, observadora”. La producción, grabada a finales de 2023 y estrenada apenas ahora, tardó casi tres años en ver la luz, lo que hace el resultado aún más dulce. No es un debut cualquiera. Aedo comparte pantalla con la nominada al Oscar Adriana Barraza, además de un elenco de peso encabezado por Alberto Estrella, Eligio Meléndez, Marcus Ornellas y Oka Giner, bajo la dirección de Mafer Suárez y la producción de Carmen Armendáriz. “Es una productora que trabaja desde el amor, y eso se nota en pantalla”, asegura. El cariño trascendió el set: el elenco conserva un grupo de WhatsApp donde

celebran, estos días, que la serie se colocó entre lo más visto de la plataforma desde su estreno, impulsada por una coincidencia afortunada, los partidos del Mundial se transmitieron también por ViX. Buena parte del encanto de la serie proviene de su locación. Se filmó en Orizaba, Veracruz, una ciudad de la que Aedo confiesa haberse enamorado por completo: la niebla que baja del Pico de Orizaba, el chipichipi que enciende las luces al caer la tarde, el teleférico, el café de la región. “Es un lugar súper mágico, misterioso; un paisaje que yo no conocía”, recuerda. Tanto, que ya organiza una escapada para volver. En paralelo, Aedo cultiva la faceta con la que regresó al medio en 2017: la música. Su más reciente sencillo, “Buenas vibras”, forma parte del álbum conceptual “Nueva temporada” y marca un giro luminoso frente a temas anteriores —Monstruo, Niña Prodigio, Vacío— más crudos y ligados a la salud mental. “Tenía ganas de una canción que hablara del perdón, de la reconciliación, de perdonarse a uno mismo”, explica. “Ya no solo enseñar la herida, sino mostrar la otra cara de la moneda: la sanación, salir adelante, respirar”. La canción también es un reencuentro con sus raíces. Formada en el Berklee College of Music, donde llegó por el jazz y terminó enamorándose del bolero, la artista escribió sus primeras composiciones en esa clave. “Quería hacer una canción que fuera para mí, un reconectar con mi música y mi corazón; y cuando uno hace eso, otras personas conectan”, afirma. //@revistacosasmx

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Gourmet

LUJO QUE NO SE PUEDE

APRESURAR V El destilado que el Desierto Chihuahuense tarda hasta dos décadas en firmar y que hoy redefine lo que significa una botella extraordinaria Por José Heraclio de Lucas González

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ivimos en una época obsesionada con producir más, más rápido y más barato. Sin embargo, algunos de los productos más extraordinarios del mundo siguen obedeciendo únicamente al ritmo de la naturaleza. El sotol es uno de ellos. Mientras una planta de cultivo intensivo puede estar lista en unos cuantos meses, un ejemplar de Dasylirion puede requerir entre diez y veinte años, o incluso más, para alcanzar la madurez necesaria para convertirse en un destilado. Esa sola diferencia explica por qué el sotol no debe entenderse únicamente como una bebida alcohólica. Es biodiversidad, patrimonio cultural, conocimiento tradicional y economía rural embotellados. Durante décadas, cuando el mundo hablaba de destilados mexicanos, prácticamente toda la conversación giró alrededor del tequila y, más recientemente, del mezcal. El sotol permanecía resguardado por las comunidades del Desierto Chihuahuense, que generación tras generación conservaron una tradición que hoy comienza a recibir el reconocimiento internacional que merece.

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Gourmet

Porque hay productos que se fabrican. Y hay patrimonios que se cultivan.

José Heraclio de Lucas González

LÍDER DEL MOVIMIENTO MODERNIZA IEPS Y PROMOTOR DE LOS DESTILADOS TRADICIONALES MEXICANOS Y DE LAS COMUNIDADES CAMPESINAS QUE LOS PRESERVAN.

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El primer gran mito que debemos derribar es que el sotol es un mezcal del norte. No lo es. El tequila y el mezcal provienen de distintas especies de agave; el sotol se obtiene de las cabezas de plantas del género Dasylirion, perteneciente a la familia Asparagaceae. Esa diferencia botánica se traduce en una identidad propia: perfiles herbales, minerales, florales y especiados que expresan como pocos el paisaje del desierto mexicano. Su historia es mucho más antigua que la destilación. Mucho antes de la llegada de los alambiques europeos, pueblos originarios como los rarámuri, conchos, tobosos, tepehuanes y apaches ya aprovechaban esta planta como alimento, medicina, fibra, material para la elaboración de utensilios y fuente de agua en condiciones extremas. Con la introducción de la destilación, ese conocimiento ancestral evolucionó hasta dar origen a uno de los destilados más singulares de América. La ciencia ha confirmado lo que esas comunidades aprendieron durante siglos. Diversas investigaciones, del INAH sobre el uso ancestral de la planta, y de la Universidad Autónoma de Chihuahua y la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez sobre su diversidad botánica, documentan la extraordinaria riqueza del género Dasylirion. Cada especie

desarrolla características propias según el suelo, la altitud, el clima y la disponibilidad de agua. Como sucede con los grandes vinos del mundo, el territorio deja una huella irrepetible en cada destilado. Ese es, precisamente, uno de los mayores valores del sotol. Cada botella cuenta una historia distinta porque cada paisaje también lo es. No existen dos cosechas idénticas ni dos maestros destiladores que interpreten de la misma forma la naturaleza. La especie utilizada, la experiencia de quien la elabora y las condiciones del entorno construyen perfiles sensoriales únicos. Esa diversidad no representa una dificultad para el consumidor; representa la esencia misma del sotol. Hoy el mercado mundial de bebidas espirituosas vive una profunda transformación. La tendencia conocida como premiumización demuestra que el consumidor ya no busca únicamente una bebida; busca autenticidad, origen, trazabilidad y sostenibilidad. El verdadero lujo dejó de medirse por el precio para comenzar a medirse por la historia que existe detrás de cada botella. El sotol reúne todas esas cualidades de manera natural. Su producción es limitada, sus lotes suelen ser pequeños y el tiempo que exige la naturaleza hace imposible la producción masiva. Mientras otros productos pueden aumentar rápidamente su volumen, el sotol solo puede crecer respetando el ritmo del desierto. Esa escasez no es una estrategia comercial: es una condición impuesta por la propia naturaleza. Y todo ese valor, sin embargo, puede evaporarse si el marco legal termina castigando precisamente a quien lo produce bien. Porque el mayor desafío para este patrimonio no es conquistar nuevos mercados, sino enfrentar la ilegalidad. La producción informal, la adulteración, la falsificación y el comercio de bebidas fuera de la regulación representan una competencia profundamente desleal para quienes cumplen con la Denominación de Origen, las normas de calidad y las obligaciones fiscales. También ponen en riesgo la salud del consumidor y dañan el prestigio de una categoría construida durante generaciones. www.revistacosas.mx I 47

Gourmet Defender la legalidad no significa proteger únicamente a una industria. Significa proteger a las comunidades rurales, preservar el conocimiento tradicional y garantizar que el consumidor reciba un producto auténtico, seguro y con plena trazabilidad. En ese contexto también resulta indispensable reflexionar sobre el modelo tributario aplicable a las bebidas alcohólicas. Actualmente, el Impuesto Especial sobre Producción y Servicios (IEPS) grava principalmente el valor comercial de las bebidas mediante un esquema ad valorem. En los hechos, ello provoca que los productores que más invierten en calidad, certificación, trazabilidad, sostenibilidad y valor agregado soporten una carga fiscal mayor simplemente porque producen una botella de mayor valor. Por ello, impulsamos el movimiento Moderniza IEPS, cuya propuesta consiste en evolucionar hacia un modelo ad quantum, donde el impuesto se determine por la cantidad de alcohol puro contenida en cada bebida y no por el precio de venta. Se trata de un esquema que organismos internacionales como la Organización Mundial de la Salud y la OCDE han identificado como más eficiente para las políticas de salud pública, al gravar el contenido de alcohol y no el valor económico del producto. De hecho, México figura entre los pocos países de la OCDE que aún gravan el alcohol por su valor comercial y no por su contenido: un rezago que el modelo ad quantum vendría precisamente a corregir. Modernizar el IEPS no significa promover un mayor consumo. Significa fortalecer la formalidad, combatir la ilegalidad, eliminar distorsiones entre categorías, incentivar la competencia por calidad y construir un sistema tributario más justo para quienes producen conforme a la ley. El futuro de los destilados mexicanos no depende de vender más botellas, sino de generar mayor valor. Y el valor nace del origen, de la autenticidad, de la biodiversidad y del trabajo de miles de familias que han preservado estas tradiciones durante siglos. El sotol no necesita convertirse en el siguiente tequila. Su verdadera fortaleza 48 I www.revistacosas.mx

HASTA EL NOMBRE GUARDA MEMORIA

Sotol proviene del vocablo náhuatl tzotollin, que significa “el dulce de la cabeza”, en alusión a la piña que se cosecha en el corazón de la planta. La arqueología confirma la profundidad de ese vínculo: en cuevas de Chihuahua se han hallado restos carbonizados de sotol con más de ochocientos años de antigüedad, y en la zona de Paquimé, al norte del estado, se descubrieron grandes hornos que dan testimonio de su aprovechamiento desde la época prehispánica.

RECONOCIMIENTO

consiste precisamente en seguir siendo lo que siempre ha sido: un destilado profundamente ligado a su territorio, elaborado con paciencia y orgulloso de su identidad. En un mundo donde casi todo puede fabricarse rápidamente, el sotol nos recuerda que las cosas verdaderamente extraordinarias siguen teniendo un ritmo imposible de acelerar. //@revistacosasmx

Los reconocimientos formales llegaron tarde, pero llegaron. El 8 de agosto de 2002, el gobierno mexicano otorgó al sotol la Denominación de Origen para la totalidad de los estados de Chihuahua, Coahuila y Durango, y en 2003 la registró internacionalmente ante la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual conforme al Sistema de Lisboa; su producción quedó regulada por la Norma Oficial Mexicana NOM-159SCFI-2004.

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Música

EL VERANO EN QUE LA SINFÓNICA DE MINERÍA SE REINVENTÓ

Desde Polonia, el director artístico de la Sinfónica de Minería habla con Revista Cosas sobre la temporada de verano 2026, los retos de tocar sin la Sala Nezahualcóyotl, la fidelidad del público mexicano frente al Mundial y el legado de compositores como Silvestre Revueltas y Antonio Juan-Marcos Por Aramis Flores Carranza

ay directores que dirigen orquestas y hay directores que dirigen comunidades. Carlos Miguel Prieto, al frente artístico de la Sinfónica de Minería, pertenece claramente al segundo grupo. Lo entrevistamos a distancia, mientras se preparaba para un concierto en el Centro Penderecki, casi en la frontera entre Polonia y Ucrania, antes de continuar su gira hacia Berlín y otra ciudad alemana. A miles de kilómetros de la Ciudad de México, con la temporada de verano de la orquesta ya en su recta final, Prieto habla con el mismo entusiasmo con el que —según confiesa— llega temprano a cada concierto para subirse al podio y revisar si su atril está a la altura correcta.

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Música

La edición 2026 de la tradicional temporada de verano —que se desarrolla del 4 de julio al 30 de agosto, alternando el Palacio de Bellas Artes y la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli— nace de una ausencia: este año la orquesta no cuenta con la Sala Nezahualcóyotl, su casa histórica, actualmente en obras. Para Prieto, sin embargo, la mudanza no representa una pérdida sino una ganancia disimulada. “El hecho de que la Nezahualcóyotl no esté no es un problema, sino una oportunidad”, explica. “Me conviene que tenga mejores escaleras para las personas que van a los conciertos, mejores instalaciones para los músicos. Es algo que yo no puedo controlar y que además redundará en un beneficio para todos.”

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El resultado, dice, ha sido una reconexión inesperada con públicos y espacios que la orquesta no visitaba desde hace años: Ollin Yoliztli, donde no tocaba desde 2002, y el Palacio de Bellas Artes, ausente desde 2022. Ahí, apunta, ha llenado la sala en dos ocasiones consecutivas y ha reencontrado “muchas amigas, amigos” de una etapa en la que se presentaba casi semana tras semana durante 16 años. “Lo que parece como un problema siempre acaba siendo una oportunidad de redefinirse, de tocar de una forma diferente, de conectar con el público de forma diferente.” Tocar en pleno verano de un año mundialista trajo, además, un reto muy concreto. Durante las semanas del Mundial, cuenta Prieto, circuló la posibilidad de que el horario de uno de los conciertos

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Música se recorriera para no empalmarse con un partido de México. “De repente, el jueves, nos cayó la amenaza de que nuestro concierto iba a ser a la misma hora que el partido”, recuerda. Su decisión fue mantener el horario original: “Yo lo que me pongo es en los zapatos del público que viene al concierto y que quizá no le interesa tanto el Mundial como a mí.” El resultado desmintió cualquier temor: tres cuartas partes de la sala se llenaron pese a la competencia directa con la pantalla. “Hay que confiar en que el público es fiel y que quiere estar ahí. Quien quiere estar ahí, está; y quien no, pues no pasa nada.” Es, dice, la tercera vez que dirige conciertos durante una final mundialista sin haber cambiado nunca el horario por el futbol.

JUAN RULFO EN CLAVE SINFÓNICA: EL TRIUNFO DE “CANTO DE MACARIO”

Entre las noticias que más entusiasman a Prieto este año está el reconocimiento internacional obtenido por el compositor mexicano Antonio Juan-Marcos, cuya obra “Canto de Macario” (inspirada en el cuento homónimo de Juan Rulfo, incluido en El llano en llamas) fue comisionada y estrenada por la Sinfónica de Minería y recientemente premiada en los Global Music Awards. “Me parece que es súper relevante que una obra de un compositor mexicano haya ganado un premio así”, dice Prieto, gran lector y admirador de Rulfo. “Es una obra muy sincera, muy poética y paralela al cuento.” La pieza, adelanta, será grabada próximamente, aunque Prieto pidió al propio compositor retrabajar el final: “No lo digo en demérito de él, sino al revés: la obra tuvo una importancia y una belleza significativa, y la quiero grabar con ese final.” Es, subraya, parte de una misión de largo plazo de la orquesta: comisionar, estrenar y —finalmente— grabar el catálogo de obras mexicanas contemporáneas que ha impulsado a lo largo de sus cinco décadas de historia.

EL PRIVILEGIO DE LOS MANUSCRITOS: REESCRIBIR UN FINAL CON SILVESTRE REVUELTAS

La conversación sobre finales reescritos lleva a Prieto a otro proyecto central de la orquesta: el acceso directo a los manuscritos originales de Silvestre Revueltas, a través de especialistas dedicados al estudio de su obra. Ese trabajo de archivo, cuenta, ha revelado que el propio Revueltas retrabajaba con frecuencia los finales de sus piezas. El ejemplo más claro es Itinerarios, obra en homenaje al exilio español que la orquesta grabó el año pasado con su final revisado —“lento, triste”— después de que Prieto dirigiera, muchos años atrás en Jalapa, la versión original, más “chata” y “banal”. Ese contacto con el archivo, dice, es un privilegio que además convive con el vínculo directo con compositores vivos como Gabriel Ortiz, presente en cabina durante las grabaciones. “Minería es una orquesta mexicana y yo creo que debe apoyar no solo a los músicos orquestales en México, a los solistas mexicanos, sino también a los compositores y a ese grupo fabuloso de artistas que hay en México: actores, creadores teatrales, literarios, artísticos, 52 I www.revistacosas.mx

ingenieros, arquitectos, pintores. Ese es el mundo de Minería, y ese es el que me siento privilegiado de habitar.”

LO QUE RESTA DE LA TEMPORADA: DE MOZART A LA MISSA SOLEMNIS

Antes de regresar a México en uno de sus característicos vuelos nocturnos, Prieto adelanta el cierre de la temporada. El fin de semana del 15 y 16 de agosto, la orquesta presenta el único programa íntegramente dedicado a Mozart, Sinfonía núm. 33, Concierto para piano núm. 22 con Anne-Marie McDermott y la Sinfonía núm. 40, antesala de un programa ruso-mexicano el 22 y 23 de agosto con Trajín, de Alejandra Odgers; el Concierto para piano núm. 3 de Rajmáninov, y Petrushka, de Stravinski. La temporada cierra los días 28, 29 y 30 de agosto con la Misa Solemnis de Beethoven para coro, orquesta y cuatro solistas, una gala que —a diferencia de otros años, más volcados a obras “taquilleras”— apuesta por una pieza profunda y de gran formato. El calendario incluye además el tradicional concierto benéfico a favor de la niñez mexicana, el 3 de septiembre en el Auditorio de la Universidad Anáhuac del Norte, junto con Save the Children, con un programa de Silvestre Revueltas que incluye La noche de los mayas y El huapango, obra que cumple 85 años. Al escuchar a Prieto describir cada reto, una sala ausente, un Mundial, unas escaleras sin barandal, como una puerta hacia algo mejor, queda claro que la flexibilidad no es solo un rasgo circunstancial de la Sinfónica de Minería en 2026: es, según su propio director artístico, la característica que ha definido a la orquesta a lo largo de su historia, y la que le ha permitido seguir tocando .//@revistacosasmx Agosto-Septiembre 2026

Portada

Nuevos Soñadores

LOS

PANTALLA MEXICANA

DE LA

ay una escena que México nunca olvidó: una joven que vive en secreto dentro de una tienda departamental, que sale de su escondite cuando se apagan las luces y que, entre maniquíes y aparadores, se atreve a soñar con una vida mejor. Era 1991, la telenovela se llamaba “La pícara soñadora” y su mezcla de humor, romance y ternura la convirtió en uno de los títulos más queridos de la década. Tres décadas y media después, esa tienda vuelve a abrir sus puertas. Pero esta vez no lo hace sola: llega acompañada de una bailarina que desafía la disciplina impuesta por su madre y de una historia de segundas oportunidades importada del fenómeno coreano. Canal 5 ha decidido apostar su horario estelar a una nueva barra de series protagonizada por rostros que el gran público apenas comienza a descubrir, y que muy pronto no podrá dejar de ver. COSAS reunió a los tres protagonistas de esta apuesta —Pame Cervantes (Un paso hacia ti), Darío Duque (La pícara soñadora) y Daniel Gama (Cuando fui bonita)— para una conversación sobre nostalgia y reinvención, sacrificio y fe, salud mental y redes sociales. Lo que encontramos fue una generación consciente de la herencia que recibe y decidida a no vivir de ella.

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A 35 años de “La Pícara Soñadora”, Televisa enciende una nueva barra de series con tres protagonistas que hay que tomar muy en cuenta: Pame Cervantes, Darío Duque y Daniel Gama, la generación que llega a reescribir el melodrama para el México que ve televisión con el celular en la mano Por: Aramis Flores Carranza IG: @nevermindmexico Fotografía: Arturo Díaz

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CRÉDITOS

Maquillaje y peinado: Alondra León Locación: Frame Content House Showroom: Manuel Delgado

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Portada Para entender el tamaño de la apuesta hay que volver al punto de partida. La telenovela mexicana fue, durante décadas, el principal producto cultural de exportación del país: un lenguaje emocional que viajó a más de cien territorios y que enseñó al mundo a llorar y a enamorarse en español. “La Pícara Soñadora”, estrenada hace 35 años, pertenece a esa edad dorada. Quienes la vieron recuerdan la historia, los personajes y hasta la canción; su premisa, el amor que nace donde nadie lo espera, se volvió patrimonio sentimental de una generación. Pero el público cambió de pantalla, de ritmo y de idioma audiovisual. Las nuevas audiencias crecieron con series de temporadas cortas, con doramas coreanos que rompieron todas las fronteras y con un teléfono que compite por cada segundo de atención. La respuesta de Canal 5 no es resistir esa transformación, sino abrazarla: tres series de factura contemporánea,

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capítulos ágiles, protagonistas jóvenes y temas que atraviesan a la generación que las va a ver, la vocación contra el mandato familiar, la belleza contra las apariencias, la identidad contra el disfraz. El primer estreno, “Un paso hacia ti”, llega a finales de julio; en agosto aterriza el remake de “La pícara soñadora”; y en septiembre, “Cuando fui bonita”, adaptación mexicana del exitoso drama coreano “Ella era bonita” (She Was Pretty), cierra la tercia. “No competimos contra una plataforma, competimos por la atención del público”, resume el actor Daniel Gama con una claridad que podría firmar cualquier directivo de la industria. “Si una historia logra emocionarte, hacerte reír o identificarte con un personaje, la vas a ver dónde sea”. Esa es, exactamente, la tesis de esta nueva barra.

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Portada LA DISCIPLINA DE LAS PUNTAS

Siempre seremos nuestro mejor proyecto

Pame Cervantes

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A Pame Cervantes le dijeron que no. Cuando pidió que la considerarán para el casting de “Un paso hacia ti”, la producción ya estaba en las últimas rondas y la descartaron por la edad. Insistió su mánager, envió un self tape, consiguió el casting presencial y ahí ocurrió una de esas coincidencias que parecen guión: el director asignado, Andrés Lizarazo, ya la había dirigido antes… como villana. “Le costó mucho verme como protagonista, incluso me lo llegó a decir”, confiesa entre risas. “Pero juntos logramos algo muy bonito”. Después se enteraría de que el papel estaba a punto de dársele a otra actriz. Originaria de Guadalajara, Cervantes dejó dos años de la carrera de turismo y a su familia para mudarse a la Ciudad de México y apostar por la actuación. “Las expectativas que más me tocó soltar fueron las mías”, admite. “Tomar el timón de tus sueños por un lado es liberador y hermoso, pero por otro es una responsabilidad gigante. Y cuando ese sueño representa romper patrones familiares, ser la primera en apostar por sus sueños, es más retador y confrontativo”. Para dar vida a Ana Sofi enfrenta su reto más visible: el ballet. Bailarina urbana de formación, tuvo apenas tres semanas de preproducción para acercarse a una técnica “muy diferente, incluso hasta contradictoria” a la suya. Tomó clases particulares además de las de producción, estiró todos los días, se rodeó de bailarines profesionales, su doble, Marina, se convirtió en mentora y hasta ajustó su alimentación para acercarse al conflicto de su personaje con la comida. “Aceptar tus limitaciones es más importante que estar peleando con lo que no puedes cambiar”, reflexiona. “Soy actriz, no bailarina, y este papel se me dio porque el personaje, aparte de bailar, tiene mucho que decir. Y eso sí lo sé hacer bien”. Hay en ella una conciencia social poco frecuente en las entrevistas de lanzamiento. Sobre Kevin, el mecánico que descubre la danza y desafía los estereotipos de masculinidad, no duda:“Los roles siguen tatuados en nuestras mentecitas y los estigmas parecen intactos. La visibilidad es parte fundamental para ir combatiendo estos problemas: que se vea y se hable es el primer paso”. Y cuando se le pregunta por las causas que la mueven, responde sin diplomacia: el feminismo “exigimos algo tan sencillo como que no nos maten” y la justicia. “No es mi responsabilidad como figura pública, es mi responsabilidad como ser humano”. Fuera del set, su lujo es doméstico: su casa como espacio seguro, una buena plática con vino y comida sobre la mesa, la naturaleza, la arena, el agua. Va a terapia “mi forma de estar más en equilibrio” y en diez años se ve actuando en teatro, cine y televisión, criando quizá, y expandiendo por toda la república el negocio de shows infantiles que fundó con su socia. Una protagonista con los pies en el escenario y en la tierra.

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Portada EL HEREDERO DEL SECRETO MEJOR GUARDADO

Darío Duque nació en 1999, ocho años después de que “La pícara soñadora” conquistara México. No vio la original; la investigó. “A cada persona que le platico de esta novela, lo único que me dan son muy buenos comentarios: se acuerdan de partes de la historia, de la canción. El hecho de que yo pueda formar parte de eso es un orgullo tremendo”, cuenta el actor que ahora carga sobre los hombros a Alfredo Rochild, el galán de doble identidad que se hace pasar por el empleado Carlos Pérez. Su historia personal explica la intensidad con la que habla del papel. Ha vivido en varios países, dejó familia y amistades atrás y llegó a México persiguiendo esta oportunidad. Durante el proceso de casting, un asunto personal lo obligó a salir del país y perdió una fase del filtro; la producción le permitió retomarlo semanas después. Cuando le confirmaron que sería el protagonista, subió a la azotea del quinto piso del CEA, en Televisa, y miró al cielo. “Han sido muchos años de preparación, de darle y darle hasta que por fin se abre una pequeña puerta y entra un rayo de luz. Este personaje ha sido eso: un rayo de luz con esperanza”. Al personaje le fascina el juego del disimulo: un hombre que no puede ser él mismo ni en el trabajo ni en casa, y cuya transformación interior desconcierta a los suyos. “Llevar las dos vidas se hacía complicado, porque no quería que ninguno de los dos lados supiera quién era yo verdaderamente”. Sobre la sombra del clásico, tiene una respuesta que suena a manifiesto generacional: “El clásico se honra desde la honestidad. Estamos trayendo nuestra propia esencia a esta historia respetando ciertos detalles del original, pero al público nuevo le va a llegar desde un lugar inesperado. Las buenas historias merecen ser contadas muchas veces”. En el set, presume una química “muy orgánica” con su coprotagonista, construida a base de humor en jornadas largas: “Sacar una sonrisa al compañero, una risa, una anécdota, para mí es algo muy importante”. Creció viendo RBD y admira la evolución de Alfonso Herrera, con quien sueña trabajar algún día. Habla de salud mental sin rodeos “es una batalla silenciosa que muchas personas luchan día a día; recomiendo ir al psicólogo al menos una vez en la vida” y define su día perfecto con una sencillez desarmante: amigos, familia, anécdotas y risas. “Eso no tiene precio”.

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Detrás de muchos fracasos llega el éxito. No le tengan miedo a caerse: sean valientes y levántense con más fuerza

Darío Duque

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Portada Muchas veces el verdadero crecimiento sucede sin reflectores, cuando nadie te está viendo

Daniel Gama

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LA MADUREZ DE LAS SEGUNDAS OPORTUNIDADES

Si “Cuando fui bonita” habla de reencuentros que llegan en el momento exacto, Daniel Gama es la prueba viviente de su propia serie. “Más que pensar ‘ya lo logré’, pensé: ‘qué bueno que llegó ahora’”, dice sobre el día en que le confirmaron el protagónico de Juan Ramírez, el ejecutivo que no reconoce al amor de su juventud en la adaptación mexicana del fenómeno coreano “Ella era bonita”. “Hoy me siento listo, con las herramientas y la madurez para asumir un personaje tan importante”. Gama encarna una filosofía de carrera de fondo: “Esta profesión te enseña que las cosas no siempre llegan cuando uno las espera. Los resultados cambian, pero la forma en la que trabajas es lo único que depende de ti”. Esa serenidad se extiende a su lectura del momento que vive la industria: celebra que haya más plataformas produciendo en México que nunca “esa competencia sana termina beneficiando al público” y entiende la nostalgia como un activo que exige responsabilidad: “Conecta porque nos recuerda una etapa de nuestra vida, no solamente una historia. Pero cuando haces una nueva versión no puedes vivir de la comparación: hay que respetar la esencia de esos clásicos y darles una identidad propia”. En lo personal, el actor se define desde la fe y el matrimonio. “Soy una persona muy cercana a Dios y siempre le pido fortaleza para mantenerse firme ante la incertidumbre y ante todo lo superficial que a veces rodea esta profesión. Compartir este camino con Natalia, mi esposa, ha hecho que todo tenga más sentido”. Su día perfecto empieza dando gracias, con ejercicio, un buen café y los primeros rayos del sol. Sobre la moda, otro territorio natural de COSAS México, es igual de directo: “La imagen comunica, sobre todo en esta profesión, pero nunca puede sustituir el trabajo. El estilo tiene que reflejar quién eres, no esconderte detrás de una tendencia”.

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Portada LA NUEVA BARRA DE CANAL 5, EN CORTO

• “UN PASO HACIA TI”· Estreno: finales de julio. Romance, música y ballet. Kevin, un mecánico que descubre su pasión por la danza, se cruza con Ana Sofi (Pame Cervantes), bailarina formada bajo la estricta disciplina de su madre. • “LA PÍCARA SOÑADORA” · Estreno: agosto. Remake del clásico de 1991. Lupita López vive en secreto en una tienda departamental; el destino la une a Alfredo Rochild (Darío Duque), quien oculta su identidad como Carlos Pérez y un importante secreto familiar. • “CUANDO FUI BONITA” · Estreno: septiembre. Adaptación del drama coreano Ella era bonita. Paola Hernández se reencuentra con Juan Ramírez (Daniel Gama), su amor de juventud convertido en ejecutivo exitoso… que no logra reconocerla.

Quizá su respuesta más reveladora llega al hablar de causas sociales: “Vivimos en una época donde todo nos invita a tomar bandos. Creo mucho más en construir puentes que en levantar muros; en escuchar antes de juzgar. Al final todos queremos cosas muy parecidas: sentirnos queridos, vivir en paz y sacar adelante a quienes amamos”. En diez años se imagina actuando, cantando y, sonríe, “con un par de cachorros humanos aprendiendo de la vida junto con Natalia”.

POR QUÉ HAY QUE TOMARLOS EN CUENTA

Tres series, tres estrenos escalonados entre julio y septiembre, tres protagonistas que no se parecen entre sí y que precisamente por eso funcionan como retrato coral de su generación: la disciplina insurgente de Pame Cervantes, la gratitud migrante de Darío

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Duque, la madurez serena de Daniel Gama. Los tres hablan de terapia y de fe sin contradicción, entienden las redes sociales como herramienta y no como destino, y comparten una convicción que atraviesa todas sus respuestas: el clásico no se copia, se honra; y honrarlo significa arriesgarse a hacer algo nuevo. Hace 35 años, una pícara soñadora se escondía en una tienda departamental esperando que el mundo le diera una oportunidad. Hoy, la televisión mexicana se parece bastante a ella: guarda intacta su capacidad de emocionar, pero necesita nuevos rostros que la saquen de noche a recorrer los pasillos. Estos tres ya encendieron las luces. Lo que sigue —dice la historia, dicen los remakes, dicen los doramas— es que el público vuelva a enamorarse. Todo indica que va a suceder en horario estelar. //@revistacosasmx

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Música

EL SONIDO DEL

a n a c i ex

M a m l A T

odo empieza y termina con el canto de las ranas. En “Macario”, el breve y luminoso relato de Juan Rulfo, el mundo llega en forma de sonidos: los grillos que cruzan la noche, la chirimía que pasa a lo lejos, el tambor imaginario que retumba dentro de la cabeza del protagonista y contra el que se da de golpes para escucharlo mejor. Durante décadas, más de un compositor mexicano se ha hecho la misma pregunta secreta: ¿a qué suena Rulfo? Antonio Juan-Marcos no solo la respondió; su respuesta acaba de dar la vuelta al mundo. El 22 de julio de 2026, el jurado de los Global Music Awards, competencia internacional con sede en La Jolla, California, considerada uno de los sellos de aprobación más codiciados de la industria, anunció que “Canto de Macario” obtenía dos Medallas de Plata, en las categorías de partitura original y concepto. Una obra orquestal profundamente mexicana, nacida de un cuento de apenas unas páginas, reconocida ante una comunidad global de más de veinte mil músicos, sellos y medios. En la misma edición, curiosamente, otro mexicano subió al podio en las antípodas del espectro: Peso Pluma, premiado por un video musical. Dos rostros de un mismo país, sonando al mismo tiempo. “Canto de Macario” fue comisionada por la Orquesta Sinfónica de Minería y abrió su temporada de verano 2024 bajo la batuta del maestro Carlos Miguel Prieto; su estreno mundial ocurrió el 6 de julio de ese año en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la UNAM. La idea germinó en una conversación: Prieto quería crear algo nuevo junto al compositor y, al conocer su fascinación por la literatura, propuso partir de un cuento. JuanMarcos entendió el reconocimiento como un logro colectivo. “Fue la oportunidad de reconocer un trabajo en equipo, al maestro Carlos Miguel Prieto y a la Sinfónica de Minería”, comentó en entrevista para Cosas.

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Música

EN CORTO

Obra: “Canto de Macario”, obra sinfónica inspirada en el cuento de Juan Rulfo (DE “EL LLANO EN

LLAMAS”, 1953).

Premio: Dos Medallas de Plata en los Global Music Awards (partitura original y concepto); fallo del 22 de julio de 2026. Comisión: Orquesta Sinfónica de Minería. Estreno mundial: 6 de julio de 2024, Sala Nezahualcóyotl (CCU, UNAM), bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto. Dónde escucharla: Registro en video en el acervo de TVUNAM; grabación profesional en camino.

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La partitura se construye sobre lo que el compositor llama una “doble escucha”. Por un lado, los referentes explícitos que Rulfo siembra en el texto, las ranas, los insectos, la chirimía, el tambor imaginario, cada uno con su identidad sonora. Por otro, aquello que no se ve pero se siente: el paisaje emocional del personaje, su inocencia, su amor por Felipa, sus miedos. “Macario es un cuento no narrativo, una invitación directa a la vida interior del personaje”, explica. Sobre esa base, la obra entreteje elementos del folclor mexicano,la música de chirimía, una referencia transformada de la canción revolucionaria “El Barzón”, con un lenguaje orquestal contemporáneo y personal.

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Música ¿A QUÉ SUENA JUAN RULFO?

Reinterpretar a un consagrado exige, antes que técnica, una valentía particular: la de atreverse. “El peso de la importancia artística de la literatura de Rulfo es tan grande que uno no podría musicalizar si piensa en cómo sonaría desde los oídos de Rulfo”, reflexiona Juan-Marcos. “Uno tiene que darse la libertad de decir: es mi interpretación como lector, y desde ahí voy a componer”. Esa libertad es también una tesis sobre la identidad. Para el compositor, el arte no es un adorno del país, sino uno de sus cimientos. “La expresión artística define el rostro de un país. Y lo local, cuando es verdadero, también es profundamente universal”. Es una convicción que atraviesa toda su obra: aquello que Rulfo reveló cómo intensamente mexicano, el olfato, la memoria, el sonido de un pueblo, es justo lo que le permite trascender fronteras. Los premios, dice, sirven para volver a encender los reflectores sobre ese acervo. “En un mundo que va tan rápido, volvamos a poner la atención en esta literatura y en el arte inspirado en ella”. “Canto de Macario” no fue un encuentro casual, sino la culminación de un cortejo de años. Siendo estudiante en el Conservatorio de París, Juan-Marcos ya había escrito una pieza para bombo y electrónica que buscaba recrear el tambor obsesivo dentro de la cabeza del personaje; más tarde compuso un monodrama para contratenor y ensamble, “Tum”, musicalizando palabras y frases del propio cuento.

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Esas exploraciones lo empaparon del universo sonoro implícito en Rulfo. Por eso considera esta obra especial dentro de su catálogo: a diferencia de trabajos anteriores, que solían expandirse a partir de un único elemento semilla, esta se levanta sobre una pluralidad de materiales que nunca había reunido de manera consciente.

LO QUE VIENE

El compositor no se detiene. Prepara nuevas piezas orquestales —de nuevo inspiradas en la literatura en español—, ultima la mezcla de grabaciones próximas a salir y se ha propuesto una misión íntima: traer a México obras suyas que se han estrenado en Francia o Estados Unidos y que aún no han sonado en casa, en particular su música de cámara. Para “Canto de Macario” sueña con una grabación profesional que derive en un disco; mientras tanto, cuida el registro de archivo del estreno y busca hacerlo accesible al público. Quien quiera escucharla hoy puede encontrar los conciertos de Minería en el acervo de TVUNAM, un registro cuidado y en video. Detrás de todo late una defensa apasionada de la música de concierto. «Cada vez que escuchamos un concierto sinfónico, escuchamos el entrenamiento de una vida entera», dice, reivindicando el valor de la música instrumental: sin texto que la explique, va directa al cuerpo, pura vibración y sensación. En un país que aún redescubre su propia banda sonora, Antonio Juan-Marcos escribe, insiste, para que el alma literaria de México vuelva a sonar. Y, por lo pronto, el mundo ya lo escuchó. //@revistacosasmx

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Música

TONY IOMMI REGRESA DESDE LA OSCURIDAD “From The Dark”, el nuevo álbum del legendario guitarrista, no solo confirma su vigencia creativa: llega convertido en objeto de deseo para coleccionistas, con ediciones de vinilo de lujo dignas de vitrina

Por Cosas Staff

ay nombres que no necesitan presentación. Tony Iommi, el hombre que, desde Birmingham, forjó el sonido oscuro y monumental que dio origen al heavy metal, vuelve a la primera línea con “From The Dark”, su nuevo álbum, que BMG lanzará el 23 de octubre. El anuncio llega apenas un año después del concierto Back To The Beginning, la despedida definitiva de Black Sabbath en 2025, y despeja cualquier duda: la creatividad de Iommi sigue más viva que nunca. El adelanto es World Alone, una pieza explosiva construida sobre una avalancha de riffs, solos incendiarios y una base rítmica contundente, coronada por la imponente voz del noruego Jørn Lande. Su estreno tuvo la solemnidad de un acontecimiento: se transmitió al mundo desde Birmingham, ciudad natal del guitarrista, a unos pasos del emblemático Black Sabbath Bridge, inaugurado en 2019 como homenaje a la banda. El video acompaña la canción hacia un universo retrofuturista y distópico, en el que el protagonista —The Believer— queda atrapado en un videojuego retorcido, luchando por sobrevivir y hallar redención.

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PARA COLECCIONISTAS

• Vinil 7” de World Alone — edición limitada con versión instrumental en el lado B y empaque de lujo con acabado metalizado. A la venta el 4 de septiembre. • Doble LP — en cuatro variantes de color exclusivas por punto de venta, masterizado a 45 RPM. • Empaque — gatefold de cartón premium negro con troquel en forma de la cruz de Tony Iommi, que revela el arte interior al abrirse.

En “From The Dark”, Iommi se rodea de una alineación de excepción: Lande no solo pone la voz, sino que firma como coautor de todos los temas; completan el grupo la bajista Becky Baldwin y el baterista Karl Brazil. La coproducción corrió a cargo del propio Iommi y de Mike Exeter, su cómplice de tantos años. El resultado es un sonido enorme, nítido y vibrante, que casa la técnica moderna con la esencia que ha definido su carrera. El propio guitarrista lo resume sin grandilocuencia: «No intentamos demostrar nada; simplemente es un gran álbum». Y lo demuestra desde el primer acorde. Over The Violent Sun abre con un riff grave y demoledor; Black Times golpea sin concesiones; Beyond The Dead baja la intensidad para tejer una atmósfera solemne entre orquestaciones épicas. Las letras de Lande —existenciales, marítimas, crepusculares— alcanzan su cima en Stormwatcher y en la desolada Death Wake, antes de que el disco se despida con la energía de Return Of The Arbalist y la emotividad de Legacy. Para el coleccionista, “From The Dark” trasciende el streaming. El sencillo World Alone tendrá una edición limitada en vinil de 7”, con una versión instrumental como lado B y un empaque de lujo con acabado metalizado, que saldrá a la venta el 4 de septiembre. //@revistacosasmx

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REGRESA EL TEATRO QUE TE CONVIERTE EN SUJETO DEL EXPERIMENTO

Por Cosas Staff

magina un cuarto blanco, sin ventanas ni relojes, sin una historia que lo explique ni un contexto que lo suavice. Solo luz, silencio y la certeza de que alguien te observa. Ese es el punto de partida de la “Cámara Blanca”, la propuesta que convirtió al teatro inmersivo en un laboratorio de emociones y que ahora vuelve, en una segunda temporada, dispuesta a apretar aún más las tuercas de la mente humana. La premisa es tan simple como perturbadora: existe un espacio atemporal, cuya ubicación nadie conoce, operado por una élite científica dedicada a observar la conducta humana en estado puro. Despojados de identidad, memoria y distracciones, los sujetos son sometidos a una serie de experimentos que ponen a prueba su instinto, su miedo y su sentido de sí mismos. No hay tramas que seguir ni personajes a los que aferrarse; lo que ocurre en la Cámara es el

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estudio mismo de lo que somos cuando nos quitan todo lo demás. Lo que distingue a esta puesta en escena de cualquier otra función es una regla no negociable: en la “Cámara Blanca”, los observadores nunca están del todo afuera. El público no asiste a un espectáculo, participa en un procedimiento. Cada gesto de incomodidad, cada risa nerviosa, cada decisión de mirar o apartar la vista se integra al experimento. La cuarta pared no se rompe: sencillamente, nunca existió. El espectador descubre, a mitad de la experiencia, que él también está siendo estudiado.

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Teatro

Si la primera entrega giraba en torno a tres sujetos, tres experimentos y tres historias, esta temporada amplía el expediente con un experimento más y una capa visual inédita: una serie de imágenes controladas por un ojo, símbolo de la vigilancia permanente que define al montaje. Ese ojo (omnipresente, imposible de esquivar) se convierte en el nuevo protagonista silencioso, el que recuerda al público que en este lugar toda mirada deja huella. El resultado promete intensificar la sensación de estar, a la vez, dentro y fuera del cristal. La propuesta, que se dio a conocer en el Teatro Varsovia de la Ciudad de México, está encabezada por el elenco de Frida Astrid, Erick Buccio y Alexander Frederiks la producción general y autoría corre a cargo de Oscar Igor Buccio en colaboración Agosto-Septiembre 2026

con Erick Buccio y Jonathan Tonatiuh la dirección está a cargo de Salvador Garcini con la participación especial en las voces de Rafael Perrin, Rebeca Gómez y Ricardo Castro. En una época que vive observada —por cámaras, algoritmos y pantallas—, la “Cámara Blanca” toca una fibra muy actual: la de sabernos vigilados y, aun así, incapaces de dejar de mirar. Su apuesta no es el susto fácil ni el gran giro narrativo, sino una incomodidad más sutil y duradera, la de reconocerse como parte del experimento. Por eso su regreso se siente oportuno. En un panorama de entretenimiento saturado de estímulos, esta segunda temporada propone lo contrario: quitarlo todo, encender una luz blanca y observar qué queda. //@ revistacosasmx www.revistacosas.mx I 69

Travel

EL RENACIMIENTO DE UNA LEYENDA DE SOUTH BEACH

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Travel

Tras seis años de cierre y una restauración cercana a los 100 millones de dólares, el hotel Delano que ayudó a inventar el glamour de Miami reabre bajo una nueva alianza con Paris Society Por Cosas Staff

ay direcciones que son más que un domicilio. En Collins Avenue, frente al Atlántico, el Delano es una de ellas. Durante casi tres décadas, su vestíbulo de cortinas blancas al viento fue el escenario donde South Beach ensayó su propia idea de sofisticación: un lugar donde el diseño, la noche y cierta teatralidad se daban cita. Después de seis años a puertas cerradas, la leyenda vuelve a abrir, y lo hace con la ambición de quien sabe que no basta con reabrir: hay que reinventarse. La historia del Delano comienza en 1947, cuando su torre Art Déco se sumó al perfil de Miami Beach. Pero el mito nació medio siglo después. En 1995, el hotelero Ian Schrager y el diseñador Philippe Starck lo reimaginaron como el primer gran hotel boutique de la playa: interiores de un blanco casi teatral, guiños surrealistas en cada rincón y una piscina que se convirtió en el corazón social de la ciudad. El Delano no era solo un hotel; era el punto de encuentro que ayudó a transformar South Beach en un destino global de lujo y vida nocturna. Su cierre en 2020 dejó un vacío en el mapa sentimental de Miami.

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El nuevo capítulo, operado por Ennismore y firmado por el despacho Elastic Architects, parte de una premisa delicada: honrar el pasado sin quedar atrapado en él. La intervención rescató la fachada original, los pisos de terrazo, las columnas hexagonales, los tragaluces y la pasarela del mezzanine que cruza el lobby, además de la célebre piscina y sus jardines. Al entrar, el visitante reencuentra las cortinas blancas y la icónica silla “Leda” de Salvador Dalí, ahora en diálogo con piezas que funcionan como pequeñas provocaciones: la silla Calvet de Antoni Gaudí, el piano acrílico de Lenny Kravitz y las lámparas Narcisso en cristal de Murano. Todo conspira para que la memoria y la novedad convivan en la misma sala. La gran apuesta gastronómica marca el debut en Estados Unidos de Paris Society, el grupo de hospitalidad con sede en París y Dubái. Su llegada trae dos conceptos que estrenan continente. Gigi Rigolatto, después de Saint-Tropez, París, Dubái, Roma y Bodrum, instala su dolce vita frente al mar: un universo italiano que se despliega del restaurante a la piscina y hasta las cabañas de playa, bajo la dirección creativa del arquitecto franco-mexicano Hugo Toro.

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Travel

En el cuarto piso, reservado a huéspedes y miembros del club, Mimi Kakushi traslada la Osaka de los años veinte al trópico, con interiores del estudio Pirajean Lees y una carta de coctelería, la serie Kintarõ, inspirada en el actor del cine mudo Sessue Hayakawa, que le valió el sitio 36 en The World’s 50 Best Bars. A ellos se suman el regreso del Rose Bar, un joyero de apenas ocho asientos; el Bellini Bar junto a la arena, y el Café Delano de aire italiano. Más allá de la mesa, Delano apuesta por la idea de comunidad. The Source by Delano, previsto para el otoño, reinventa el spa como experiencia social: rituales, meditaciones sonoras al amanecer y una sauna para 22 personas pensada para el encuentro. El Delano Members Club, guiado por un comité de figuras del arte, el cine, la moda y los negocios, promete una programación cultural curada para una audiencia con visión

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global. Esa vocación se extiende al programa de arte, a cargo de la artista e historiadora Nicola Green, que ofrece vitrina internacional a creadores emergentes de Miami, entre ellos Nina Surel y Edouard Duval-Carrié, y a Nothing Finer, la tienda de lifestyle que traduce el espíritu del hotel en objetos. Las 171 habitaciones y suites —de los Poolside Bungalows a las dos penthouses que ocupan por completo el piso 14— confirman el tono: ventanales generosos, luz natural, paletas neutras y líneas curvas que suavizan el rigor Art Déco. El regreso del Delano no es un hecho aislado: la marca ya anunció próximas sedes en Nueva York y Londres. En South Beach, sin embargo, el mensaje es claro. Reabrir una leyenda no consiste en repetirla, sino en darle un motivo nuevo para seguir siéndolo. //@revistacosasmx

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Escaparate A un costado del Ángel de la Independencia, una discoteca de culto cambió las luces estridentes por un sistema Hi-Fi de autor. La nueva noche sofisticada de la Ciudad de México ya no se mide en decibeles, sino en fidelidad Por Aramis Flores Carranza

EN MIMI, EL LUJO SE ESCUCHA

obre Paseo de la Reforma, donde la ciudad nunca baja la velocidad, hay un octavo piso que decidió ir a contracorriente. Se llama Mimi y, a diferencia de casi cualquier club de la capital, aquí la experiencia no empieza en la pista: empieza en el oído. Mientras la vida nocturna convencional compite por la iluminación más espectacular o el escenario más aparatoso, Mimi apuesta por algo bastante más difícil de conseguir, y de apreciar: escuchar la música tal como fue concebida. El corazón del lugar no es un DJ booth ni una bola de espejos, aunque también

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los hay, sino un sistema Hi-Fi diseñado por Devon Turnbull, quizá el nombre más venerado del audio contemporáneo. Bajo el seudónimo OJAS, palabra sánscrita que alude a la energía vital, este artista e ingeniero neoyorquino construye a mano bocinas que son, a la vez, esculturas: piezas monumentales, de estética casi brutalista, que van a contrapelo de una industria obsesionada con miniaturizar todo. Su premisa es tan simple como radical: el sonido no es más que vibraciones viajando por el aire, y todo el espacio debe conspirar para que esas vibraciones lleguen puras. No es una idea de nicho: los sistemas de

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Escaparate

Turnbull han sido exhibidos como arte en el SFMOMA, el Cooper Hewitt de la Smithsonian y la galería Lisson, y suenan en direcciones tan codiciadas como las tiendas Supreme o el hotel Nine Orchard de Nueva York. Que una de sus creaciones habite un piso de Reforma dice mucho de las ambiciones de Mimi. El escenario está a la altura del sonido. Revestido por completo de madera y con una estética que evoca los años setenta, el espacio transmite una calidez íntima y sofisticada que invita a quedarse. Aquí no hay excesos: hay intención. Cada elemento parece dispuesto para dirigir la mirada, y el oído hacia lo esencial. Y luego está la vista. Desde su terraza, el Ángel de la Independencia se siente casi al alcance de la mano, recordándonos que estamos en el corazón de la avenida más emblemática del país. El contraste es hipnótico: afuera, la metrópoli no se detiene; adentro, el tiempo parece moverse al ritmo de cada canción que entra en el tornamesa.

BEBER, ESCUCHAR, PERTENECER

La propuesta se redondea con una coctelería de precisión, que va de los clásicos impecables a creaciones de autor firmadas por

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mixólogos, para convertir la noche en una experiencia multisensorial. Con su acceso discreto, se llega casi como a un speakeasy, y un aforo deliberadamente pequeño, Mimi pertenece a esa clase de direcciones que se comparten en voz baja, entre conocedores. No es un gesto aislado. La Ciudad de México vive su propio auge de los listening bars, Café de Nadie o Tokyo Music Bar, entre otros, herederos de los legendarios jazz kissa japoneses, donde el ritual consistía en beber un whisky mientras se escuchaba, en silencio y con reverencia, un gran equipo de sonido. Mimi toma esa liturgia y la funde con la energía del disco y una vista imbatible: menos templo solemne, más celebración para oídos exigentes. Porque, al final, Mimi propone una idea casi contracultural en la noche capitalina: salir no siempre se trata de ver y ser visto, sino de detenerse a escuchar. Algunas noches, después de todo, no piden más volumen. Piden mejor sonido. //@revistacosasmx

DATOS QUE SUBEN EL VOLUMEN

Antes del audio, Turnbull venía de la moda: cofundó la marca de streetwear Nom de Guerre y llegó a diseñar piezas con Off-White y Louis Vuitton. Descubrió la cultura audiófila en viajes a Japón Sus bocinas se ensamblan a mano, pueden tardar meses y su precio va de unos miles hasta cerca de 30,000 dólares; cada componente proviene de artesanos especializados repartidos por el mundo Coordenadas: piso 8 del edificio del Sheraton Reforma, sobre Paseo de la Reforma, con el Ángel de la Independencia enmarcado desde la terraza.

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Gourmet

EL CHILE EN NOGADA QUE SE COME CON HISTORIA

ay platillos que se piden y platillos que se esperan. El chile en nogada pertenece a la segunda estirpe: aparece con el calendario, con la granada de finales de verano, con esa breve ventana en que el verde del poblano, el blanco de la nogada y el rojo del granate componen, casi sin proponérselo, la bandera sobre el plato. En la Ciudad de México, pocos lugares han convertido esa espera anual en un rito tan reconocible como Don Lázaro, El Viajero, el restaurante de Santa María la Ribera que cada temporada devuelve a la mesa su versión de más de un kilogramo. La receta comienza donde comienza todo buen chile en nogada: con un poblano cuidadosamente desvenado para garantizar que no pique. Pero aquí las proporciones son de otra escala. El chile y su relleno, carne de cerdo picada, jitomate,

En Santa María la Ribera, un platillo de más de 30 ingredientes y más de un kilogramo vuelve por temporada. Este 2026, la casa dedica su regreso a las manos que, generación tras generación, eligen la granada más dulce y el chile poblano perfecto

cebolla, una fina selección de especias y otros ingredientes hasta sumar más de treinta, pesan por sí solos 400 gramos. Sobre ellos se vierten otros 400 gramos de esa nogada densa y sedosa que se ha vuelto su firma, y la corona final llega con Por Maria Eugenia Rivas 200 gramos de granada fresca. El resultado supera el kilogramo y se sirve por 515 pesos. No es, por tanto, un platillo para comer de paso. Es una pieza pensada para detenerse: el equilibrio entre lo dulce y lo salado, la temperatura, el crujido del granate contra la untuosidad de la nogada. Cada bocado carga con siglos de una tradición poblana que la Ciudad de México ha hecho suya, y que Don Lázaro lleva hasta su expresión más generosa.

EL PONIENTE TAMBIÉN CELEBRA

La gran novedad de 2026 tiene dirección nueva. Don Lázaro abrió un espacio Pop-Up temporal en Av. Cordillera de Los Andes 340, en Lomas de Chapultepec, para que el público del poniente de la ciudad disfrute del platillo emblemático sin tener que desplazarse hasta Santa María la Ribera. La carta de esa sede será deliberadamente breve y enfocada: chiles en nogada, una selección de aguas frescas y los postres clásicos de la casa. //@revistacosasmx

PARA VISITARLOS

• RESTAURANTE: Av. Instituto Técnico Industrial (Circuito Interior) 241, Col. Santa María la Ribera, CDMX. • POP-UP TEMPORAL: Av. Cordillera de Los Andes 340, Lomas de Chapultepec, CDMX. • HORARIOS: Lunes a viernes de 10:00 a 18:00 h; sábados y domingos de 9:00 a 18:30 h. • PRECIO: $515 por chile en nogada.

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Gourmet

UN BOSQUE DE MADERA Y FUEGO SUSPENDIDO

EN EL OCTAVO PISO DEL 333 DE PASEO DE LA REFORMA, EL CHEF RICARDO GALVÁN Y UNA GRAN ESTRUCTURA DE MADERA REINVENTAN LA COCINA MEXICANA AL HUMO DE LEÑA, CON EL ÁNGEL DE LA INDEPENDENCIA COMO TESTIGO Por Aramis Flores Carranza

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Gourmet

ay lugares que logran lo improbable: hacernos sentir lejos de la ciudad sin obligarnos a salir de ella. Salazar es uno de ellos. Encaramado en las alturas de Paseo de la Reforma, este gran restaurante de madera ofrece cocina mexicana cocinada, en su mayoría, con lumbre y humo de leña, e invita a esas sobremesas largas que convierten una comida en una reunión entre amigos. Salazar ocupa el octavo piso del emblemático número 333 de Paseo de la Reforma, en la colonia Cuauhtémoc, justo frente al Ángel de la Independencia. Detrás del proyecto su premisa lo resume todo: un espacio pensado para “sacarnos de la ciudad, sin salir de ella”, de lujo discreto y curaduría detallada pero relajada. La arquitectura, firmada por Alfonso López-Velarde, propone un espacio ininterrumpido sostenido por una gran estructura de madera que parece desafiar a la ciudad de vidrio y concreto para, en realidad, celebrarla y volverla parte de la experiencia. El diseño homenajea la simplicidad y la depuración de lo no esencial. A esa columna vertebral se suman el interiorismo de Habitación 116, la iluminación de Sombra, el sonido de Margules y el paisajismo de Jonathan Vizcarra y Pamela Ruiz. El resultado es un ambiente elegante y acogedor que no esconde su calidad, pero tampoco presume ni impone. Desde el octavo piso, los ventanales enmarcan una de las postales más icónicas de la capital: el Ángel de la Independencia y el pulso constante de Reforma. Es una dicotomía deliberada, la calidez hogareña del campo frente al dinamismo de la Ciudad de México: sentirse entre madera y vegetación mientras se está sobre la avenida más importante del país, con sus monumentos más emblemáticos como testigo. Conviene reservar cerca del atardecer, cuando la luz se cuela entre las vigas.

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Gourmet

La sazón corre a cargo del chef Ricardo Galván, originario de Xalapa, Veracruz, formado en cocinas como Máximo Bistrot, Em y Loup Bar, con paso por Riviera Maya, California y Bahamas. Define su estilo como “sin estilo”: dejar que cada plato hable por sí mismo, con producto de calidad, técnica precisa y gran sabor. Para la carta actual se inspiró en la riqueza y diversidad del Golfo de México —costa, sierra y llanura; el mestizaje entre Europa, Asia y lo local—, con el fuego, la madera y el carbón como constantes. Los platos que, según el propio chef, mejor describen a Salazar son los cuellos de totoaba al ajillo, el flat iron en demi-glace de chipotle meco y el arroz con variedades de frijoles criollos (en carta como Arroz criollo). Para abrir, la tostada de atún con aderezo de yuzu y wakame o los elotitos asados con jocoque y salsa XO marcan el tono entre lo mexicano y lo asiático. Los amantes del mar no deben perderse el ostión Kumiai de Ensenada ni la almeja reina acevichada; como guiño de temporada, los romeritos y pipián verde. En principales, el fuego es el protagonista: el rib eye nacional de Haragi de 400 gr para compartir, el chamorro braseado en adobo o la pesca del día a la veracruzana, homenaje directo a la tierra del chef. Para una versión más relajada del lujo, la hamburguesa Wagyu de Haragi. De dulce, el Choconube —cremoso de chocolate, helado de vainilla y malvavisco flameado o el tres leches de coco con cajeta de miso cierran la sobremesa en alto. Con fuego, madera y carbón como hilo conductor, Salazar propone una pausa dentro de la energía de una capital siempre en movimiento: un pedazo de campo suspendido sobre Reforma, donde la casualidad convierte lo cotidiano en memorable. //@ revistacosasmx

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DATOS ÚTILES: Paseo de la Reforma 333, piso 8, Cuauhtémoc, 06500, CDMX. Instagram @salazar.rest.

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SOL, ACERO Y UNA VUELTA FINAL

El TAG Heuer Formula 1 Solargraph estrena un formato de 38 mm en dos ediciones limitadas que se alimentan de luz y no piden tregua Por Aramis Flores Carranza

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Tiempo

ara marcar la última edición del Gran Premio de los Países Bajos en Zandvoort, TAG Heuer no firma un homenaje cualquiera: presenta dos TAG Heuer Formula 1 Solargraph de 38 mm en edición limitada. Más allá de la anécdota deportiva, lo interesante está en la muñeca: un reloj compacto, cargado de energía solar y con el color como lenguaje. La caja mide 38 milímetros, un formato más ajustado que revisa las proporciones del Formula 1 original, y está trabajada en acero microgranallado, con un acabado mate que absorbe la luz y le da carácter de instrumento. Sobre una esfera gris opalina, la minutería naranja y roja funciona como señal antes que como adorno; los índices aplicados y las manecillas, laqueados en rojo, se rellenan de Super-LumiNova para leer la hora incluso cuando cae la luz. El bisel giratorio bidireccional retoma la icónica greca de margarita, aquí realizada en TH-Polylight, un material ligero y resistente con una textura táctil distinta. Los escudos a las seis, las nueve y las doce ordenan la esfera; la fecha se integra a las tres sin romper el equilibrio. Cristal de zafiro plano antirreflejo y 100 metros de estanqueidad completan una pieza tan legible como robusta. El nombre lo dice todo. Movido por el calibre TH50-00, el Solargraph convierte la luz, natural o artificial, en energía prácticamente ilimitada. Un minuto de sol basta para alimentarlo durante todo un día; una carga completa, en menos de 40 horas de luz, ofrece hasta diez meses de autonomía en oscuridad total. Incluso detenido, arranca con apenas diez segundos de luz, y su acumulador promete hasta quince años de vida útil. La primera versión (ref. WBY111H.FT8128) monta un brazalete de caucho naranja y se limita a 1 500 piezas. La segunda (ref. WBY111L.BA0042), exclusiva de comercio electrónico y limitada a 1 000 piezas, estrena un brazalete de acero de tres eslabones de aire más urbano. //@revistacosasmx

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Motor

LA APUESTA DE CADILLAC POR MÉXICO, CON CHECO PÉREZ AL VOLANTE La marca estadounidense entra a la Fórmula 1 y coloca a Sergio “Checo” Pérez en el centro de su relato. Pero su estrategia en el mercado premium mexicano no habla de circuitos: habla de experiencia, herencia y una idea muy precisa de lo que significa el lujo Por Aramis Flores Carranza Fotos: Cortesía Cadillac | Cadillac F1 Team

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Motor

ay una decisión que lo explica casi todo. En los espectaculares que Cadillac desplegó este verano por las principales plazas del país, “Checo” Pérez aparece con ropa casual, recargado en una Escalade V, una Lyriq V o una Optiq V. No hay monoplazas. No hay cascos. No hay un sólo logotipo de la Fórmula 1. La lectura es deliberada: la marca no quiere que el público asocie a Checo con un fin de semana de carreras, sino con Cadillac. La conversación, insisten desde la compañía, no es Checo y la F1; es Checo y Cadillac. Detrás de esa sutileza hay una estrategia de largo aliento para conquistar uno de los territorios más difíciles de México: el lujo, que apenas representa alrededor del 3% del mercado automotriz total. Un espacio pequeño, disputado con ferocidad, donde no se gana con volumen sino con percepción. El ingreso de Cadillac a la Fórmula 1, a través de una alianza con TWG Global y el proyecto Andretti, llegó acompañado de un golpe de suerte que ninguna agencia habría podido imaginar mejor: uno de sus pilotos es el mexicano más querido del automovilismo. Y no en cualquier momento, sino en el de su regreso a la parrilla después de una temporada fuera, cuando no tenía equipo.

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David Giles, Gerente de Mercadotecnia de Producto del Canal Premium

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Motor

“El performance del fin de semana recae cien por ciento en el equipo”, explica David Giles, gerente de Mercadotecnia de Producto del Canal Premium de la marca en México. Lo que a Cadillac le interesa capitalizar es otra cosa: el aura. La idea de pertenecer a algo que corre, que gana, que representa a un país. En la jerga del gremio se resume en una frase clásica, “race on Sunday, sell on Monday”: lo que se aprende en la pista, tarde o temprano, se traduce en la calle. Los ejecutivos de la marca son, además, honestos sobre los límites del fenómeno. Saben que Checo es finito. Su contrato con Cadillac en la Fórmula 1 corre hasta el año próximo, y nadie puede garantizar qué vendrá después. “No podemos depender cien por ciento de lo que representa Checo”, reconoce Giles. La consigna, entonces, es aprovechar la ventana —uno, dos, quizá tres años— para acelerar el reconocimiento de una marca que en México todavía carga con una imagen del pasado. El vehículo de esa narrativa es la gama V-Series, la cúspide de desempeño de Cadillac. Son autos de mayor potencia, con acabados, materiales y frenos (cerámica o Brembo), según el modelo, pensados para un cliente

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distinto. El emblema del portafolio, la Escalade, ilustra la escala del salto: la versión base monta un V8 de 6.2 litros naturalmente aspirado de unos 425 caballos de fuerza; la Escalade V añade un supercargador que lleva esa cifra hasta los 650. Que un SUV de ese tamaño y peso se adhiera a una curva como lo hace en pista no es casualidad, sino el resultado de un desarrollo de ingeniería que Cadillac coordina entre Estados Unidos y sus propios centros en México, donde cientos de diseñadores intervienen en piezas que terminan en modelos vendidos en todo el mundo. El aprendizaje de la Fórmula 1, comportamiento de motores, frenos, suspensión, se filtra hacia ese trabajo cotidiano. No como espectáculo, sino como método. La otra mitad de la historia es eléctrica. Desde 2023, con el lanzamiento del Lyriq, Cadillac reconstruyó su catálogo casi por completo. Hoy la puerta de entrada es el Optiq; le sigue el Lyriq, de mayor tamaño; y en la cima permanece la Escalade, ahora también en sus versiones ciento por ciento eléctricas, la Escalade IQ y la IQL, presentadas recientemente como la punta de lanza tecnológica de General Motors. //@revistacosasmx

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Motor

EL ASTON MARTIN QUE NACIÓ PARA NO EXISTIR DÓNDE ENCONTRARLO

Dreadnought hace su debut mundial en el Fanatics Fest de Nueva York, donde el público puede admirar un modelo a escala real en el stand de Call of Duty. Dentro del juego, aparece en puntos de interés de los modos DMZ y Warzone. Porque, al fin y al cabo, el hábitat natural de un Aston Martin siempre serán los paisajes y las propiedades de excepción; Dreadnought, sencillamente, tiene un trayecto algo más aventurero

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La casa británica presenta un SUV táctico exclusivamente digital, concebido para dominar el universo de Call of Duty: Modern Warfare 4. Un ejercicio de lujo liberado, por primera vez, de las leyes de la física Por Leonardo Aramis Flores

ston Martin ha comprendido que el territorio del lujo ya no termina donde acaba el asfalto. El pasado 16 de julio, en Nueva York, la firma de Gaydon presentó Dreadnought, un vehículo de especificación militar concebido únicamente en el plano digital y destinado en exclusiva al nuevo Call of Duty: Modern Warfare 4. Desarrollado de la mano de Infinity Ward y Activision (los estudios detrás de la saga), el proyecto traslada el ADN de altas prestaciones y refinamiento de la marca a uno de los entornos virtuales más hostiles jamás renderizados. No se trata de un simple cameo publicitario. Dreadnought es una declaración de intenciones: la prueba de que una manufactura centenaria puede reinventar su lenguaje cuando el único límite es la imaginación. Acostumbrado a lidiar con la aerodinámica, la homologación y la ingeniería del mundo real, el equipo de diseño de Aston Martin encontró en este encargo una libertad inusual. El resultado es un SUV de tracción total, deliberadamente extremo, que conserva sin embargo la coherencia estética de la casa: proporciones atléticas, superficies tensas y una presencia que impone respeto incluso en la pantalla. Para Marek Reichman, director creativo de la marca, la clave estuvo en no tratar a Dreadnought como un objeto ficticio, sino como un automóvil que pudiera existir de verdad: recorriendo las calles de Nueva York o abriéndose paso por las carreteras anegadas por el monzón en Bombay. Esa exigencia de autenticidad, afirma, permitió crear algo que “se siente genuinamente real” aun dentro del mundo del videojuego. Para él, Dreadnought es, sin ambigüedades, un Aston Martin “amplificado sin restricciones”. Bajo su silueta conviven prestaciones de superdeportivo, tecnologías de blindaje avanzado y sistemas adaptativos de inteligencia de combate, integrados

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DREADNOUGHT

Tipo

SUV táctico con tracción total

Protección

Blindaje de grado militar

Propulsión Autonomía

Armamento

Inteligencia

Motor

V12 atmosférico, con sonido real en el juego Tanques de combustible de reserva

Compartimento de almacenaje a medida

Sistemas adaptativos de combate e interfaces de mando digital

en una sola forma. Cada elemento responde a una lógica táctica: desde la aerodinámica optimizada hasta las interfaces de mando digitales que dialogan con el jugador. En los acabados donde Dreadnought revela su cuna. La carrocería viste fibra de carbono en tejido de espiga; el tablero y los paneles de puerta se forran en piel Oxford Tan, y la palanca de cambios se resuelve en oro metálico. La pintura, por supuesto, es el icónico verde Chiltern Green, tan asociado a la marca, mientras que las bisagras de las puertas lucen un delicado Satin Gold anodizado. Estos gestos de alta joyería automotriz conviven, en un contraste tan audaz como inédito, con elementos impensables en un Aston Martin de calle: planchas de blindaje de grado militar, tanques de combustible de reserva y un compartimento de armamento a medida. Detrás del espectáculo hay un cálculo preciso. Para Stefano Saporetti, director de diversificación de marca de Aston Martin, entrar en el universo gaming permite dialogar con un público joven y global en sus propios términos. Dreadnought, sostiene, no es solo un vehículo digital, sino una puerta de entrada para que los consumidores de lujo del mañana experimenten el ADN de la casa. La apuesta es clara: asegurar que el espíritu de la marca resuene entre quienes aún no han pisado un concesionario, pero ya sueñan con hacerlo. //@revistacosasmx

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Motor

EL ELÉCTRICO QUE EL MUNDO AMÓ ODIAR

l 25 de mayo de 2026, bajo la Vela de Calatrava en la Città dello Sport de Roma, Ferrari encendió las luces sobre el coche más arriesgado de su historia moderna. Lo llamó Luce «luz», en italiano y con ese nombre quiso decirlo todo: claridad, dirección, un camino hacia el futuro. Era el primer Ferrari totalmente eléctrico, y Maranello eligió una fecha con memoria: setenta y nueve años antes, un 25 de mayo, un Ferrari 125 S ganaba en Roma su primera carrera con Franco Cortese al volante. La escena busPresentado en Roma caba continuidad. El mundo, en cambio, como el primer Ferrari respondió con un ruido que nadie en la de batería y firmado sala esperaba. Porque durante las horas siguientes no por Jony Ive, el Luce se habló de la potencia ni de la ingeniería, provocó memes, una sino de una pregunta incómoda: ¿esto es caída en bolsa y la furia un Ferrari? La historia de cómo el planeta de la vieja guardia.. recibió al Luce es, en realidad, la historia un pacto, el que une a una marca Crónica y reflexión de mítica con sus fieles, puesto a prueba en sobre lo que ocurre tiempo real. cuando un mito decide Todo en el lanzamiento apuntaba a la cambiar de piel trascendencia. Un sedán de cuatro puertas y cinco plazas, una primicia absoluta para Por Mario Flores el Cavallino, imposible en sus arquitecturas transaxle tradicionales, un precio de salida cercano a los 640,000 dólares y, sobre todo, una firma inesperada: la del diseño no salió del estudio de Flavio Manzoni, sino de LoveFrom, el colectivo creativo de Jony Ive y Marc Newson, los hombres detrás del iPhone y del Apple Watch. El presidente de Ferrari, John Elkann, había justificado la apuesta señalando al Apple Watch como uno de los ejemplos más logrados de reinventar un objeto analógico en clave digital. La ambición era clara: no «el Ferrari eléctrico», sino un Ferrari nuevo por completo.

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Motor El entusiasmo corporativo chocó de frente con la calle. La recepción, escribieron medios como Teslarati, fue poco menos que un desastre. En redes, el Luce fue comparado con un robotaxi Waymo, con un Nissan Leaf, con un concepto de hidrógeno de los años dos mil e incluso con un accesorio de escritorio de Apple; los críticos coincidían en una acusación esencial: que el coche «no tenía alma» y que apenas se reconocía como un Ferrari si no fuera por el escudo. La rebelión escaló hasta la aristocracia de la marca. Luca di Montezemolo, expresidente de Ferrari, protagonizó un video viral en el que, visiblemente contrariado, confesaba que prefería medir sus palabras para no dañar a la firma, y advertía que se estaba arriesgando la destrucción de un mito; incluso sugirió retirar el Cavallino del capó. El mercado tampoco perdonó: a la mañana siguiente las acciones de Ferrari cayeron con fuerza hasta un 8% en Milán, un recordatorio de que la marca sostiene una capitalización cercana a los 70,000 millones de dólares vendiendo apenas unos 14,000 autos al año, sobre una economía de deseo y escasez. El Luce demostró que un mito no se sostiene solo por su silueta, sino por lo que es capaz de provocar —incluso cuando lo que provoca es rechazo. Bajo el estruendo, sin embargo, latía una conversación más matizada. El interior, minimalista, con pantallas OLED de Samsung pero dominado por botones, diales y palancas mecánicas, en las antípodas de la lógica táctil de Tesla, cosechó reacciones bastante más amables. Y algunas voces con menos apego sentimental al rojo y al rugido invitaron a mirar más lejos. Dale Harrow, del Royal College of Art de Londres, describió al Luce como una propuesta menos emocional y más reflexiva,

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pensada para otro público y otro tipo de propietario. El punto de inflexión llegó cuando la prensa especializada por fin condujo el coche. Las primeras pruebas dieron un vuelco al relato: más allá de la estética, los testers elogiaron la calidad de rodadura, el control de carrocería, el aplomo en curva y un ingenioso sistema de levas que gestiona el par y la retención. En Top Gear, admitió estar asombrado y sentenció que, pese a todo, el Luce «desliza como un Ferrari». No es un detalle menor: hablamos de un coche de 2,260 kilos que acelera de 0 a 100 km/h en 2.5 segundos, entrega hasta 1,050 cv con cuatro motores, uno por rueda, supera los 310 km/h y ofrece más de 530 km de autonomía con una batería de 122 kWh. Y suena: un acelerómetro de precisión capta la vibración real de los componentes y la amplifica, como en una guitarra eléctrica, solo cuando conviene a la experiencia de conducción. Lo más revelador es cómo reaccionó Maranello. Su director global de marketing, Emanuele Carando, reconoció que esperaban polémica, aunque no de semejante magnitud, y admitió sin rubor estar «muy satisfecho»: en un mundo donde no existe la mala publicidad, el rechazo funcionó como una campaña colosal y gratuita. Ferrari ajustó el discurso, guardó los ejemplares en tonos pastel del estreno y sacó a escena una unidad en plata mate, más sobria, pero no el rumbo. El consejero delegado, Benedetto Vigna, fue tajante: no cambiaría nada del lanzamiento. Los números le dieron munición: según el Financial Times, la cuota prevista para el año, cercana a las 500 unidades, se agotó en menos de dos meses tras el debut, y la cartera de pedidos está llena hasta 2027. El coche más criticado de la temporada era, a la vez, uno de los más deseados. //@revistacosasmx

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KIMI ANTONELLI

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EL HEREDERO QUE QUIERE DEVOLVER LA GLORIA A LAS FLECHAS PLATEADAS

Por Aramis Flores Carranza Fotos: Cortesía AMG Petronas F1 Team

uando la Fórmula 1 apagó sus motores para el descanso de verano, tras el Gran Premio de Hungría, la tabla contaba una historia que pocos habrían firmado en marzo: al frente del campeonato de pilotos no estaba un tetracampeón ni el vigente monarca, sino Andrea Kimi Antonelli, un italiano que aún no cumplía 20 años. Con 219 puntos y 50 de ventaja sobre el segundo, el joven de Bolonia no solo protagoniza la temporada: amenaza con reescribir los libros de récords y con devolver a Mercedes a lo más alto. El contexto agranda la hazaña. Antonelli llegó a Mercedes en 2025 con una misión imposible: heredar el asiento de Lewis Hamilton, siete veces campeón del mundo, que partió rumbo a Ferrari. Su temporada de debut fue accidentada, terminó séptimo y alimentó la duda de si la escudería había apostado demasiado pronto por su joven promesa. Un año después, esa pregunta parece resuelta. Y hay una simetría casi novelesca en la clasificación de 2026: el piloto que reemplazó a Hamilton hoy lidera el campeonato justo por delante del propio heptacampeón, segundo con su Ferrari.

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F1 El gran reinicio reglamentario de 2026, con unidades de potencia de reparto cercano al 50 % entre combustión y energía eléctrica, barajó de nuevo las cartas, y Antonelli fue quien mejor leyó el nuevo juego. Después de que George Russell ganara la apertura en Australia, el italiano encadenó una racha de cinco victorias consecutivas que lo lanzó al liderato. En el camino firmó registros históricos: se convirtió en el poleman más joven de la Fórmula 1 en China y, en Japón, en el líder de campeonato más joven de todos los tiempos, con 19 años y 216 días. A esos triunfos sumó después otro de enorme prestigio en Spa-Francorchamps, en Bélgica. La segunda parte de esta primera mitad no fue perfecta, y ahí reside una lección de madurez. Una retirada en Barcelona, sumada a problemas mecánicos y a una penalización en Silverstone, cortaron su impulso y permitieron que la competencia recortara. Aun así, tres podios adicionales blindaron su ventaja. Detrás acechan Hamilton y su propio compañero, Russell, mientras Charles Leclerc y el vigente campeón Lando Norris (ganador en Hungría) siguen al acecho. Incluso Max Verstappen, incómodo con su Red Bull bajo la nueva normativa, ha quedado relegado. La conclusión es contundente: pese a los errores, Antonelli llega al ecuador con medio centenar de puntos de colchón. Quedan 11 grandes premios y 291 puntos en disputa, de modo que nada está decidido. La reanudación llega el 23 de agosto en Zandvoort, con el Gran Premio de los Países Bajos, y poco después el calendario ofrece el momento más emotivo: Monza, su carrera de casa, ante un público italiano que sueña con un nuevo héroe. El reto de Antonelli será administrar la ventaja sin renunciar a su instinto ganador, en una segunda mitad donde la experiencia de sus rivales pesará. Si mantiene el rumbo, la recompensa sería mayúscula: con 20 años recién cumplidos se convertiría en el campeón más joven de la historia, superando por un margen enorme el récord que ostenta Sebastian Vettel.

Agosto-Septiembre 2026

Más allá de la gesta individual, hay un relato de equipo. El último título de pilotos de Mercedes lo firmó Hamilton en 2020, y desde entonces las Flechas Plateadas cedieron el trono, primero a Red Bull y después a McLaren. Antonelli, producto de su propia cantera, encarna la posibilidad del regreso: en 2026 Mercedes no solo tiene al líder del campeonato de pilotos, también encabeza el de constructores con 379 puntos y una cómoda ventaja sobre Ferrari. Sería, en más de un sentido, un relevo generacional perfecto: el mismo equipo que brilló con Hamilton, de vuelta a la cima con el chico que lo sucedió. La temporada, por supuesto, no está ganada. La Fórmula 1 ha visto ventajas más amplias evaporarse y a jóvenes prodigios tropezar bajo la presión. Pero por primera vez en años, el color plateado vuelve a asociarse con la palabra campeonato. Y si Kimi Antonelli sostiene lo construido en la primera mitad, la segunda podría terminar con una imagen que Brackley extrañaba desde la era de Hamilton: un Mercedes, otra vez, en lo más alto del mundo. //@revistacosasmx

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EL DISEÑO DE CULTO LLEGA A MÉXICO

a firma londinense Nothing traslada su inconfundible lenguaje transparente y sus luces Glyph a su gama más accesible. El Phone (4b) inaugura la serie (b) y llegó a México en $7,999 pesos (única versión local: 8 GB + 128 GB), en negro, blanco y azul, vía la tienda de Nothing y Mercado Libre. Hereda el cuerpo unibody de policarbonato del Phone (4a) Pro, con acabado suave antihuellas, y suma un módulo de cámara transparente que aloja la Barra Glyph: 45 mini-LEDs hasta 40% más brillantes que siguen viajes, entregas, temporizadores, carga y cuenta regresiva de cámara, con patrones personalizables por contacto o app. Construcción sólida con IP64 y 20% más resistencia a la flexión que el Phone (3a) Lite. Es, sencillamente, distinto a todo en su rango de precio.

Nothing presenta la nueva serie (b) baja la estética transparente, la Barra Glyph y las herramientas Essential AI a un precio de entrada Por Aramis Flores Carranza

Nothing OS y Essential AI: el alma del equipo Corre con Nothing OS 4.1 sobre Android 16: limpio, fluido y muy personalizable. Su gran valor agregado son las herramientas Essential AI, accesibles desde la Essential Key: Essential Voice (dictado con traducción instantánea en más de 100 idiomas), Essential Space (guardar y resumir capturas, fotos y notas de voz), Essential Search y Essential Apps, widgets que el usuario crea con lenguaje natural. Suma Live Updates para Uber, Google Maps, Zomato y más, y microdesplazamiento de píxeles para reducir el burn-in del AMOLED.

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Nativo Digital BENEFICIOS Y VENTAJAS

• Pantalla: Super AMOLED de 6.77”, 120 Hz, hasta 2,000 nits y huella óptica en pantalla. • Batería: 5,200 mAh (la de mayor duración en un Nothing), carga de 33 W —50% en ~30 min— e inversa por cable. • Rendimiento térmico: Snapdragon 6 Gen 4 con cámara de vapor que baja hasta 18.8 °C el CPU en sesiones largas. • Software largo: 3 años de Android y 6 de parches; empaque 99% libre de plástico.

USOS

Ideal como primer smartphone “con personalidad”: día a día, redes, streaming y foto casual, con gaming ligero (hasta 120 fps en títulos populares) y entrada al ecosistema de creadores de Nothing en Playground.

CÁMARA Y SOFTWARE

Sensor principal de 50 MP (f/1.8) con OIS de doble eje, ultra gran angular de 8 MP y frontal de 16 MP; procesamiento TrueLens Engine 4 y Ultra XDR (co-desarrollado con Google), video 4K a 30 fps y captura dual. Corre Nothing OS 4.1 sobre Android 16, limpio y fluido, con herramientas Essential AI: dictado con traducción en 100+ idiomas, Essential Space, Search y Apps, más Live Updates.

ÁREAS DE OPORTUNIDAD

• Carga de 33 W correcta pero no líder, y sin carga inalámbrica. • RAM LPDDR4X y UFS 2.2; en México solo 8+128 GB, sin microSD. • IP64 (no IP68) y cámara sin teleobjetivo; ultra gran angular modesto. • eSIM limitada a Japón: en México, solo Dual Nano SIM.

VEREDICTO No busca ganar benchmarks, sino ofrecer identidad, buena pantalla, autonomía holgada y software diferenciado a precio accesible. Para quien quiere salir del mar de gama media genéricos y entrar al universo Nothing sin gastar de más, es de las propuestas más atractivas de 2026 en México.

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MÁS ALLÁ DEL ASFALTO

TECNOLOGIA DE GRAND PRIX

C SEED y Bugatti presentaron el C SEED Bugatti N1, un televisor que en reposo se comporta como un mueble y que, al pulsar un botón, despliega en 45 segundos una pantalla 4K MicroLED de 110 o 137 pulgadas mediante un mecanismo de deslizamiento central. El diseño se inspira en el hiperdeportivo Tourbillon y en la “C-line” característica de la marca; suma HDR10+, calibración adaptativa de juntas (AGC), rotación de pantalla de 180 grados, elementos de fibra de carbono y un sistema de sonido con tecnología planar magnética de Wisdom Audio que emerge solo al activarse.

HP llevó la misma lógica al cómputo con la Edición Limitada HP Scuderia Ferrari AI PC, presentada en Mónaco tras casi dos años de desarrollo conjunto entre el Centro de Diseño de Ferrari y los ingenieros de HP. La laptop combina un chasis mecanizado por CNC con acabado Rosso Magma, una base de fibra de carbono y Corning Gorilla Glass, pantalla táctil 3K Tandem OLED+, procesador Intel Core Ultra X7 358H con gráficos Intel Arc B390 y una funda de piel Poltrona Frau, la misma que viste los interiores Ferrari.

AUDIO SUSTENTABLE

Bang & Olufsen apuesta por la nostalgia rentable con el Beosystem 3000c Dune Grey Edition, parte de su programa Recreated Classics. La firma danesa toma tornamesas Beogram 3000 originales de 1985, las restaura a mano en su sede de Struer y las combina con altavoces contemporáneos Beolab 8, uniendo el ritual analógico del vinilo con el streaming moderno. La edición Dune Grey —aluminio mate y nogal oscuro, inspirada en los tonos de la costa nórdica— se limita a 100 piezas numeradas en todo el mundo.

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Agosto-Septiembre 2026

Show

VUELVE A LA CDMX L Cuatro años después de su última visita, la banda de Adam Levine aterriza el 30 de septiembre en el Estadio Alfredo Harp Helú, un recinto íntimo y poco habitual para el pop Por Aramis Flores Carranza

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a cita ya tiene fecha en la agenda de la capital. El miércoles 30 de septiembre de 2026, Maroon 5 regresa a la Ciudad de México para ofrecer un único concierto en el Estadio Alfredo Harp Helú, su primera presentación propia en la capital desde 2022. La banda liderada por Adam Levine llega con la gira “Love Is Like”, la etapa que la lleva por América Latina y Europa, y con la promesa de un repertorio que ha marcado a más de una generación. La sorpresa no está solo en el regreso, sino en el lugar elegido. El Harp Helú es, ante todo, la casa de los Diablos Rojos del México, y uno de los recintos que menos conciertos ha albergado en años recientes. Con una capacidad cercana a los 20 mil espectadores, ofrece una escala mucho más contenida que los grandes foros a los que suele asociarse un show masivo: será, de hecho, la primera vez que Maroon 5 se presente ahí. El contraste con su visita anterior es evidente. En 2022, la banda tocó en el entonces Foro Sol, dentro de la gira de su disco “Jordi”. Cambiar ese coloso por un estadio de beisbol al oriente de la ciudad apunta a una noche distinta: más cercana, más caliente, con el público prácticamente encima del escenario. Para los fans, la promesa es una atmósfera íntima poco común en un acto de este tamaño. “Un estadio de beisbol convertido, por una sola noche, en templo del pop” El repertorio es, en buena medida, garantía de coro colectivo. Himnos como “Sugar”, “This Love”, “She Will Be Loved”, “Moves Like Jagger” y “Girls Like You” conviven con el material de su nueva etapa: Love Is Like (2025), primer álbum de estudio desde “Jordi”, marcó el regreso del grupo a su esencia rock/R&B, y de él se desprende “Heroine”, su sencillo más reciente y lleno de energía.

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Show

Detrás del inconfundible falsete de Levine hay una trayectoria que explica la expectativa: tres premios GRAMMY, más de 100 millones de discos vendidos y el título de “banda número uno del siglo XXI” otorgado por Billboard. Dos décadas después de “Songs About Jane”, Maroon 5 sigue siendo una máquina de sencillos y, sobre todo, uno de los actos en vivo más solicitados del planeta. El 30 de septiembre, esa maquinaria se enciende en el oriente de la CDMX. //@revistacosasmx

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