En hommage aux Arts décoratifs, la collection de robinetterie de luxe Saint-Germain incarne une vision architecturale et singulière de l’art du bain, nourrie par l’énergie créative de Paris et l’esprit du quartier éponyme, cœur historique du design et du raffinement.
Elle se distingue par la pureté de ses lignes et la force de sa structure, offrant une grande liberté de composition : drapés de métal bi-colore, associations subtiles du laiton avec des matériaux nobles tels que le marbre ou le bois. Chaque combinaison ouvre la voie à une personnalisation sans limites
Pensée comme une sculpture fonctionnelle, chaque pièce dépasse sa vocation utilitaire pour devenir un élément central de l’espace bain. Saint-Germain incarne ainsi une promesse de pérennité : celle d’un design exigeant, conçu pour traverser le temps avec justesse.
Fabriquée en France, au sein de la Manufacture Volevatch à Tully, chaque pièce est le fruit d’un savoir-faire artisanal d’exception, transmis avec exigence et précision.
Créateur de luminaires d’art, plus de 1 000 références
Jean Perzel - 3 rue de la Cité-Universitaire - 75014 Paris - www.perzel.com
LAMPE
PLAFONNIER 359 S - VERNIS OR
Hugues Chevalier Paris Rive Gauche
226 boulevard Saint-Germain - 75007 Paris
Tél. : +33 (0)1 56 88 50 70
Hugues Chevalier Paris Rive Droite
14 avenue de Friedland - 75008 Paris
Tél. : +33 (0)1 53 76 42 42
www.hugueschevalier.com
ÉDITO
Une nouvelle fois, la richesse, la créativité et la vitalité de nos artisans qui façonnent encore aujourd’hui le patrimoine vivant de notre territoire, nous invite à célébrer l’excellence à la Française avec notre cinquième carnet d’adresses. Derrière chaque atelier, chaque geste, chaque matière travaillée, il y a une histoire, un engagement, un héritage et une vision. À travers ces pages, nous vous invitons à prendre le temps, ce même temps que nos artisans prennent pour réaliser leurs œuvres, pour regarder autrement, soutenir indéfiniment et promouvoir ces talents qui font vivre notre patrimoine et nourrissent la création contemporaine. Tous ces ateliers et Maisons d’exception réunis dans cette édition 2026 partagent une même exigence : celle de la précision, de la maîtrise du geste, du détail et du dialogue avec la matière afin de nous faire ressentir avec émotion le pouvoir d’une harmonie parfaite. Leurs savoir-faire ne se cantonne pas uniquement à faire perdurer notre fabuleux patrimoine ; ils constituent, de par leur assimilation et réinterprétation, de véritables ressources créatives au service de projets contemporains. Dans un contexte où singularité, durabilité et qualité d’exécution deviennent des marqueurs essentiels, l’artisanat d’art offre des réponses concrètes : pièces sur mesure, séries limitées, recherche de finitions spécifiques, collaboration étroite avec les équipes de conception. Notre Carnet d’adresses est pensé comme un outil de travail et d’inspiration, que nous avons voulu renforcer par la création du salon Artisans d’Excellence, qui fêtera en novembre 2026 sa troisième édition à laquelle nous vous convions, pour vous faire découvrir ou redécouvrir des émotions inattendues et inspirantes. Bonne lecture.
Once again, the richness, creativity and vitality of our artisans—those who continue today to shape the living heritage of our region—invite us to celebrate French excellence with our fifth address book. Behind every atelier, every gesture, every crafted material, there is a story, a commitment, a legacy and a vision. Through these pages, we invite you to take your time—the same time our artisans devote to crafting their works—to see things differently, and to support and elevate the talents that keep our heritage alive and nourish contemporary creation. All the Ateliers and exceptional Maisons gathered in this 2026 edition share a single standard: precision, mastery of gesture, attention to detail, and a dialogue with materials, allowing us to experience, with emotion, the power of perfect harmony. Their expertise does more than preserve our remarkable heritage; through assimilation and reinterpretation, it becomes a genuine creative resource for contemporary projects. In a world where uniqueness, sustainability and the highest standards of execution are essential markers, the applied arts offer concrete solutions: bespoke pieces, limited series, exploration of specific finishes, and close collaboration with design teams. Our address book is conceived both as a working tool and as a source of inspiration. This vision has been reinforced by the creation of the Artisans d’Excellence exhibition, which will celebrate its third edition in November 2026. We warmly invite you to discover—or rediscover— unexpected and inspiring experiences.
Enjoy your reading!
Société Miguel Duterrier Editions au capital de 1000 €. Siège social : 99 rue du 19 Janvier - 92380 garches Président de la publication : Miguel Duterrier - Tél. : +33 (0)6 21 60 08 34 - contact@signatures-singulieres.fr Ont collaboré à ce numéro : Pauline Fontaine, About You & Co. Photogravure Press Prod - Imprimerie Escourbiac. Diffusion IPS. www.signatures-singulieres.fr
Carnet d’adresses - Address book 2026
Miguel Duterrier
Couverture : cabinet Hydra, recouvert de galuchat, piètement en laiton. Ginger Brown
Studio Evidens incarne une approche exigeante de l’architecture et de la décoration d’intérieur, portée par un duo complémentaire : Nicolas Cardon, architecte DPLG, et Marie Rougier, architecte d’intérieur formée à Camondo. Ensemble, ils ont fondé une structure capable de piloter des projets globaux, du concept architectural à la mise en œuvre décorative. En reprenant l’agence Borella Art Design, référence de l’architecture d’intérieur depuis plus de trente ans, Studio Evidens s’inscrit dans une continuité d’excellence tout en affirmant une vision contemporaine. Le studio intervient aujourd’hui sur des projets haut de gamme en hôtellerie, restauration, yachting et résidentiel, en France comme à l’international. Loin des effets de mode, Studio Evidens défend une décoration d’intérieur intemporelle, sobre et habitée. Leur méthode repose sur un accompagnement sur mesure et un dialogue constant entre architecture et décoration, au service d’une esthétique française élégante et discrète.
Ci-dessus : Nicolas Cardon et Marie Rougier, fondateurs de Studio Evidens. A droite : bureau pour une villa à Saint-Jean-Cap-Ferrat.
RIGOUR IN DETAIL
Studio Evidens embodies a demanding approach to architecture and interior design, driven by a complementary duo: Nicolas Cardon, DPLG architect, and Marie Rougier, interior architect trained at Camondo. Together, they founded a practice capable of managing comprehensive projects, from architectural concept to decorative execution. By taking over Borella Art Design, a reference in interior architecture for more than thirty years, Studio Evidens positions itself within a continuity of excellence while asserting a contemporary vision. Today, the studio works on high-end projects in hospitality, restaurants, yachting and residential sectors, in France and internationally. Far from passing trends, Studio Evidens advocates a timeless, restrained and inhabited approach to interior design. Their method is based on bespoke support and a constant dialogue between architecture and decoration, in the service of an elegant and discreet French aesthetic.
Above: Nicolas Cardon and Marie Rougier, founders of Studio Evidens.
Ancien élève de l’Ecole Boulle et diplômé des Métiers d’Arts, Nicolas Trousselle crée son agence d’architecture d’intérieure, Secrets d’Intérieurs, après plusieurs années passées au sein de grands bureaux d’études Parisiens. Son ouverture au monde des formes, des couleurs et des matériaux lui permet d’imaginer et de construire d’une manière rigoureuse un projet en canalisant et en appliquant ses idées au plus près des souhaits de ses clients, ceci par le biais de la technique acquise, des connaissances accumulées et des expériences vécues. « Notre philosophie, c’est un idéal de dépassement qui anime l’équipe de Secrets d’Intérieurs et ce, pour l’ensemble de nos projets. Cet idéal nous rend exigeants avec nous-mêmes et nous incite à ne pas proposer n’importe quel réaménagement ou choix sans l’appliquer au mode de vie de nos clients. Les relations avec nos clients sont construites essentiellement et exclusivement sur l’écoute et l’assimilation de leurs besoins, Nicolas Trousselle ».
Ci-dessus : Nicolas Trousselle, fondateur de l’agence Secrets d’Intérieurs. A droite : projet résidentiel dans un hôtel particulier à Paris. Tapis Atelier Merfil. Chaises Hamilton Conte. Tissu Elisa Morvan L’Atelier.
DELICACY OF PERCEPTION AND INTUITION
Former student of the Ecole Boulle and graduate in the Métiers d’Arts, Nicolas Trousselle created his own designer office after several years in famous ones. His opening to the world of shapes, colors and material lets him imagine and build a project in a thorough way. Indeed he knows perfectly how to channel and use his ideas as closely as possible to his clients’ wishes by means of his acknowledged technic and his past experiences. “Our philosophy is an ideal of passing which enlivens the team of Secrets d’Intérieurs, for all of our projects. This ideal makes us exacting with ourselves and encourages us not to propose anything which cannot apply to our client way of life. The relations with our clients are mainly and exclusively built on listening to integrate all their needs, Nicolas Trousselle“.
Above: Nicolas Trousselle, founder of Secrets d’Intérieurs agency. Right: residential project in a mansion in Paris. Rug Atelier Merfil. Hamilton Conte chairs. Elisa Morvan L’Atelier fabric
Stéphanie Coutas ne cesse d’étonner la planète déco de ses réalisations raffinées et luxueuses, sans jamais être ostentatoires. Passionnée d’artisanat d’art et férue de savoirfaire d’exception, Stéphanie Coutas dessine des espaces contemporains au luxe élégant. L’architecte d’intérieur conçoit des projets sur mesure, à la fois ancrés dans la modernité et d’inspiration néo-classique ; il en émane une poésie intemporelle où s’exprime son sens du détail et son vif intérêt pour les belles matières. Animée d’une insatiable curiosité, Stéphanie Coutas joue avec les textures et les motifs, puise son inspiration parmi toutes les époques et courants des arts décoratifs. Elle aime créer des meubles et accessoires, qu’ils soient destinés à des projets résidentiels ou à des collaborations avec de grands éditeurs et Maisons de luxe comme Louis Vuitton, Baccarat, THG ou Tai Ping. Après des années de dessin et de conception de pièces uniques, Stéphanie Coutas présente ses créations exclusives de mobilier et de luminaires dans sa galerie située avenue Matignon à Paris.
Stéphanie Coutas never ceases to amaze the decorating world with her refined and luxurious creations, without ever being ostentatious. Enthusiastic about decorative objects and passionate about exceptional know-how, Stéphanie Coutas designs elegantly luxurious contemporary spaces. The interior designer creates bespoke projects which are inspired both by modernity and neo-classicism. This combination results in a timeless poetry which expresses her love of detail and her insatiable interest for beautiful materials. Motivated by boundless curiosity, Stéphanie Coutas plays with textures and patterns, taking her inspiration from all eras and currents of decorative art. She enjoys creating furniture and accessories, whether for residential projects or collaborations with major publishers or luxury Houses including Louis Vuitton, Baccarat, THG and Tai Ping. After years spent drawing and designing unique pieces, Stéphanie Coutas is now presenting her exclusive furniture and lighting creations in her gallery located avenue Matignon in Paris.
AÉCOME célèbre ses 20 ans d’existence au service de projets exceptionnels et confidentiels. Un travail cultivé et passionné, toujours aux côtés des artisans, pour concevoir des projets d’une grande finesse. Convaincu que la finalité d’un projet est l’harmonie, le bureau de création mené par son fondateur l’architecte d’intérieur Frédéric Sicard manipule ce principe aux multiples identités. Il insuffle de l’émotion dans les lieux qu’il compose d’une écriture subtile et précise pour générer des ambiances luxueuses et sans ostentation superflue. Partenaire professionnel des investisseurs de l’immobilier d’exception ou de particuliers exigeants qui apprécient son travail unique dédié à la qualité en tous points, AÉCOME mène ses projets de design et architecture global, d’architecture intérieure, de décoration et de design « collectible » en France et a l’étranger. Une vaste collection de mobilier est aussi auto-éditée ou diffusée par ses partenaires éditeurs.
*Atelier d’Étude Créative pour l’Objet le Meuble et l’Espace
Celebrating 20 years dedicated to exceptional and discreet projects, AÉCOME embodies a cultivated and passionate approach, always working hand in hand with artisans to create designs of great refinement. Convinced that harmony is the ultimate purpose of any project, the creative studio led by its founder, interior architect Frédéric Sicard, explores this principle through multiple expressions. He infuses emotion into the spaces he designs through a subtle and precise architectural language, creating luxurious atmospheres free from unnecessary ostentation. A trusted professional partner to investors in exceptional real estate as well as to discerning private clients who value his singular, uncompromising commitment to quality, AÉCOME delivers global design and architecture projects encompassing architectural design, interior architecture, decoration and collectible design, in France and internationally. An extensive furniture collection is also selfpublished or distributed through partner editors.
*Atelier d’Étude Créative pour l’Objet le Meuble et l’Espace
332 rue Saint-Honoré - 75001 Paris etude@aecome.fr www.aecome.fr
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ARCHITECTURE NARRATIVE
Artiste architecte, Hugo Toro s’est formé à Vienne, aux États-Unis et à l’école Penninghen à Paris. Tout commence toujours par un dessin. De ses ébauches préparatoires à la moindre peinture décorative, Hugo Toro réalise tout à la main. Une façon pour l’artiste de s’assurer de la conception la plus libre, totale et personnalisée de ses propositions architecturales. Ce créatif a à coeur d’imaginer, pour chaque projet, un univers global et de traiter les concepts dans leur entièreté. Il aime jouer avec les contrastes, travailler avec des matériaux bruts et nobles, pour concevoir des pièces minutieuses qui sont admirées pour leur raffinement. Un souffle sans cesse renouvelé avec des projets de grands groupes hôtelier, de restaurants comme le Midland Grand Dining à Londres, mais aussi un hôtel particulier à Paris, une villa à Ibiza, une résidence à Marrakech, La Villa Albertine à New York, le restaurant PUR place Vendôme… ou encore un Gigi à Dubai, le restaurant Marlow à Monaco, l’hôtel la Minerva (Orient Express) à Rome. Plusieurs projets sont en cours, Séoul, Miami, Ibiza, New York...
Artist architect, Hugo Toro, received his training in Vienna, the United States, and at the Penninghen School in Paris. Everything always starts with a drawing. From his preliminary sketches to the smallest decorative painting, Hugo Toro creates everything by hand. This is the artist’s way of ensuring the freest, most comprehensive, and personalized design for his architectural proposals. This creative individual is committed to envisioning a holistic world for each project and addressing concepts in their entirety. He enjoys playing with contrasts, working with raw and noble materials to create meticulous pieces admired for refinement. A constantly renewed breath with projects for major hotel groups, restaurants like the Midland Grand Dining in London, as well as a private mansion in Paris, a villa in Ibiza, a residence in Marrakech, La Villa Albertine in New York, the PUR restaurant in Place Vendôme... or a Gigi in Dubai, the Marlow restaurant in Monaco, the Hotel La Minerva (Orient Express) in Rome. Several projects are underway, including Seoul, Miami, Ibiza, New York....
Raphaël Le Berre et Thomas Vevaud fondent leur agence d’architecture d’intérieur et d’auto éditions en 2008. Ensemble, ils signent de nombreux projets pour une clientèle privée, mais également pour des espaces publics tels que des bureaux et restaurants. Ils créent des espaces emprunts d’élégance dans lesquels le soin du détail révèle leur goût et affinité pour les belles matières et le « fait-main ». Raphaël et Thomas élaborent des mises en œuvre sobres et irréprochables où l’équilibre, la rigueur et la qualité des détails font de chaque projet un ensemble « haute couture ». Marqués par la singularité des couleurs et des formes du mouvement Memphis, Raphaël et Thomas renouvellent ces influences avec une écriture moderne, sophistiquée et sobre signant des réalisations élégantes, teintées d’une discrète réminiscence art déco. Les architectes d’intérieur présentent également leurs pièces de mobilier dans leur galerie située rue de Verneuil à Paris.
Raphaël Le Berre and Thomas Vevaud founded their interior design and auto publishing agency in 2008. Together, they signed several projects for a private clientele, but also for public spaces such as offices and restaurants. They create elegant spaces in which their attention to detail reveals their taste and affinity for beautiful materials and all that is “hand-crafted“. Raphaël and Thomas develop sober and impeccable implementations where balance, rigor and quality of detail makes each project a “haute couture“ ensemble. Marked by the singularity of colors and shapes of the Memphis movement, Raphaël and Thomas renew these influences with a modern, sophisticated and sober writing style that signs elegant creations, tinged with a discreet art deco reminiscence. The interior designers also showcase their furniture in their gallery on rue de Verneuil in Paris.
Après des études d’architecture à Paris et en Australie, Aurélie Trémolières poursuit son parcours au sein d’agences d’architecture d’intérieur prestigieuses avant de fonder son propre studio, AUR&A Interiors. Son approche se distingue par un jeu subtil de contrastes et de paradoxes : à la rigueur des lignes répond la poésie des associations, à la sophistication des matières la fluidité des espaces et des circulations. L’art et la nature, sources d’inspiration constantes, irriguent son univers. Chaque projet donne lieu à un travail sur mesure où formes, matières et couleurs sont explorées avec exigence et sens du détail. Le dessin d’objets et de mobiliers exclusifs prolonge cette quête de singularité, apportant une identité forte aux espaces conçus. Alliant précision technique et sens aigu de l’esthétique, l’agence AUR&A Interiors collabore avec des artisans français d’exception. De ces échanges naissent des réalisations raffinées, pensées comme la rencontre sensible entre un rêve, une vision et un savoir-faire pleinement maîtrisé.
After studying architecture in Paris and Australia, Aurélie Trémolières honed her expertise within a number of prestigious interior architecture practices before founding her own studio, AUR&A Interiors. Her approach is distinguished by a subtle interplay of contrasts and paradoxes: the rigour of line is counterbalanced by the poetry of unexpected pairings; the sophistication of materials by the fluidity of space and circulation. Art and nature constant sources of inspiration infuse her work throughout. Each project is conceived as a bespoke undertaking in which form, material and colour are explored with discernment and an uncompromising attention to detail. The design of exclusive furniture and objects extends this pursuit of singularity, lending a distinctive identity to every space. Combining technical precision with a keen aesthetic sensibility, AUR&A Interiors agency collaborates with exceptional French artisans. From this dialogue emerge refined interiors, conceived as the sensitive meeting point between a dream, a vision and masterful craftsmanship.
100 - Atelier Tressages Pas sages 102 - GD Glass Design 104 - Maison Borio 106 - Atelier Alba 108 - Atelier Steiner
BEATRICE SERRE
L’ALCHIMISTE DES MINÉRAUX
Et si la matière la plus humble racontait le monde ? Béatrice Serre puise dans les tréfonds de la Terre pour en rassembler des parcelles et créer des mosaiques d’art. La mosaiste française insuffle une dimension tellurique pour créer des œuvres d’art spectaculaires. Elle réinvente ainsi cet art ancestral pour le métamorphoser en décors muraux monumentaux, en mobilier ou bijoux. De la décoration intérieure aux sculptures, chaque tesselle est taillée à la main, et ses inspirations sont universelles. Le Ciel et la Terre se miroitent dans ses créations lumineuses et impactantes. Chaque pièce par sa texture et ses harmonies colorées suscite l’émotion au regard et au toucher. Un Art profondément vivant et en volume, qui au fil des commandes publiques et privées, raconte le Cosmos.
Ci-dessus : panneau mural « RECIF » présenté sur le salon Artisans d’Excellence. Opales, cristaux, agates opalines, améthystes, tourmalines, quartzs, minéraux précieux, marbres, travertins, coraux et coquillages naturels. Dim : 200 x 105 cm.
A droite : miroir ICE. Marbre de Carrare, onyx, turquoise, minéraux. Ø 0,70 m.
BEATRICE SERRE
THE MINERAL ALCHEMIST
What if the humblest substance recounted the world? Béatrice Serre digs into the depths of the Earth to gather pieces of it and create art mosaics. The French mosaicist infuses a telluric dimension to create spectacular works of art. She reinvents this ancestral art to transform it into monumental wall decorations, furniture or jewelry. From interior decoration to sculptures, each piece is crafted by hand, and her inspirations are universal. Heaven and Earth are reflected in her luminous and impactful creations. Each piece by its texture and its colored harmonies evokes emotions to the eyes and to the touch. A deeply living art in volume, which, through public and private commissions, tells the story of the Cosmos.
Cédric Peltier crée des fresques murales pour sublimer les murs des intérieurs professionnels et particuliers. Héritier d’un savoir-faire académique traditionnel, il introduit des techniques novatrices pour donner vie à des peintures très personnelles. Puisant son inspiration au cœur de la nature, il immortalise des paysages paisibles et luxuriants qui ont le pouvoir de libérer l’esprit de celui qui les contemple. Depuis quelques années, Cédric Peltier collabore avec Christian Lacroix, Pierre Frey, les Emaux de Longwy, Jouin Manku (réalisation des fresques de La Mamounia) et imagine pour la Maison Cartier des peintures monumentales qui retracent l’Odyssée de la panthère pour leurs différentes boutiques à travers le monde. Des décors muraux uniques qui ouvrent les espaces intérieurs à d’autres horizons, invitant au rêve et à l’évasion ! De cette épopée sont nées des collaborations prestigieuses avec plusieurs artisans d’art comme Lison de Caunes, l’atelier Beyssac et l’atelier La Couleur du Verre.
Cédric Peltier creates murals to enhance the walls of professional and private interiors. Heir to a traditional academic know-how, Cédric introduces innovative techniques to give life to very personal paintings. Drawing his inspiration from the heart of nature, he immortalizes peaceful and luxuriant landscapes that have the power to free the spirit of whomever contemplates them. In recent years, Cédric Peltier Cédric Peltier collaborates with Christian Lacroix, Pierre Frey, Les Emaux de Longwy, and Jouin Manku (creation of the frescoes at La Mamounia) and has been designing monumental paintings for the House of Cartier, retracing the Odyssey of the Panther for their various boutiques around the world. Unique wall decorations that open up interior spaces to other horizons, inviting you to dream and escape! From this epic, prestigious collaborations were born with several art craftsmen such as Lison de Caunes, l’atelier Beyssac and l’atelier La Couleur du Verre.
A LA CROISÉE DE LA TRADITION ET DE LA CRÉATION CONTEMPORAINE
L’atelier Jean-Brieuc incarne une vision du métier d’art résolument ouverte au dialogue. Fidèle aux savoir-faire d’exception de l’ébénisterie, de la marqueterie et de la broderie sur bois, l’atelier cultive une approche où la technique devient un véritable langage au service de l’imaginaire des architectes, designers et décorateurs. Plus qu’un lieu de fabrication, l’atelier est un partenaire de création. Chaque projet naît d’un échange avec les créateurs, afin de traduire leurs intentions, leurs lignes et leurs matières en pièces uniques. Meubles sur mesure, décors brodés, surfaces marquetées ou compositions sculpturales y prennent forme dans une écriture décorative nouvelle. Cette démarche a donné lieu à de nombreuses collaborations : de l’Orient Express imaginé par Maxime d’Angeac aux projets menés avec Léa Zeroil, en passant par les recherches autour du tissage avec Lily Alcaraz et Léa Berlier, ou le bureau de l’ambassadeur conçu pour les architectes OUD et exposé par le Mobilier national. En 2025, l’atelier est enfin récompensé par le Prix Talent d’Exception –Intelligence de la Main, décerné par la Fondation Liliane Bettencourt.
AT THE INTERSECTION OF TRADITION AND CONTEMPORARY CREATION
Atelier Jean-Brieuc embodies a vision of the decorative arts that is open to dialogue. Faithful to exceptional craftsmanship in cabinetmaking, marquetry, and wood embroidery, the atelier adopts an approach where technique becomes a language in service of the imagination of architects, designers, and interior decorators. More than a workshop, it is a creative partner. Each project arises from collaboration with designers, translating their intentions, lines, and materials into unique pieces. Custom furniture, embroidered decorations, marquetry surfaces, and sculptural compositions take shape within a fresh decorative language. This approach has led to numerous collaborations: from the Orient Express project conceived by Maxime d’Angeac, to work with Léa Zeroil, explorations of weaving with Lily Alcaraz and Léa Berlier, or the ambassador’s office designed for architects OUD and exhibited by the Mobilier National. In 2025, the atelier was awarded the Prix Talent d’Exception—Intelligence de la Main by the Liliane Bettencourt Foundation.
Installée à Rome, Elo de la Ruë du Can développe un travail à la frontière de la peinture, du design et des métiers d’art. Formée en design textile à l’École des Arts Décoratifs de Paris, elle a élaboré une approche personnelle de la soie peinte, inspirée du yuzen, technique japonaise de teinture au pinceau. La matière devient surface picturale, traversée par la couleur et la lumière. Choisie pour l’émotion qu’elle suscite, la couleur est volontairement réduite à quelques nuances, pour en préserver l’intensité. Le geste évoque l’aquarelle, pour la diffusion libre et imprévisible des pigments, tandis que le processus s’inscrit dans un temps long, proche de la céramique, où chaque étape engage une part de risque. Pensées pour l’architecture intérieure, ses soies peintes prennent la forme de panneaux muraux, œuvres suspendues, plafonds textiles, paravents ou luminaires. Chaque création dialogue avec l’espace et l’usage. Sélectionnée par la Fondation Michelangelo - Homo Faber et représentée par Collection Latil, l’artiste explore aujourd’hui de nouvelles collaborations mêlant soie, céramique, métal et bois.
Based in Rome, Elo de la Ruë du Can works at the intersection of painting, design, and the decorative arts. Trained in textile design at the École des Arts Décoratifs in Paris, she has developed a personal approach to painted silk, inspired by yuzen, the Japanese brush-dyeing technique. The material becomes a pictorial surface, infused with colour and light. Selected for the emotion it evokes, colour is deliberately restrained to a few shades, preserving its intensity. Her gestures recall watercolour, with pigments spreading freely and unpredictably, while the process unfolds slowly, akin to ceramics, with each stage carrying an element of risk. Designed for interior architecture, her painted silks take the form of wall panels, suspended artworks, textile ceilings, folding screens, or lamps. Each creation responds to its space and its use. Recognised by the Michelangelo Foundation—Homo Faber and represented by Collection Latil, the artist now explores new collaborations combining silk, ceramics, metal, and wood.
Fondé en 2016 par Marie-Pierre Bouaziz, L’Ame du Vitrail développe une approche exigeante du vitrail. Formée pendant plus de 20 ans auprès de Maîtres Verriers, la créatrice conçoit des vitraux sur mesure selon la technique traditionnelle, en portant une attention particulière au dessin, à la couleur et à la lumière. Installé dans le Marais, l’atelier conçoit des pièces sur mesure en collaboration avec particuliers, architectes d’intérieur, décorateurs et designers, en France et à l’international : Saint-Tropez, Monaco, Ile de Ré, Londres, Atlanta... Cloisons, verrières, parois, fenêtres, portes, plafonniers : chaque réalisation dialogue avec l’espace et s’adapte à tous les styles, du contemporain à l’Art déco, de l’Art nouveau à l’abstrait. Parallèlement, l’atelier mène un important travail de restauration sur des vitraux patrimoniaux et des collections privées, dans des lieux emblématiques tels que le Château de Versailles, le Musée Carnavalet, le théâtre Antoine ou la Cathédrale Américaine. Une approche sensible et exigeante, où le vitrail devient un véritable art de vivre, entre mémoire, matière et lumière.
Founded in 2016 by Marie-Pierre Bouaziz, L’Ame du Vitrail pursues a refined and exacting approach to stained glass. Trained for over 20 years under Master Glassmakers, Marie-Pierre designs bespoke works using traditional techniques, with meticulous attention to composition, colour, and the play of light. Based in the Marais, the atelier produces custom pieces in collaboration with private clients, interior architects, decorators, and designers, both in France and internationally : Saint-Tropez, Monaco, Ile de Ré, Londres, Atlanta.... Partitions, glass walls, panels, windows, doors, and ceilings : each creation responds to its environment and suits a wide range of styles, from contemporary to Art Deco, Art Nouveau to abstract. Alongside this, the atelier undertakes major restoration projects on heritage stained glass and private collections in landmark locations such as the Château de Versailles, Musée Carnavalet, théâtre Antoine and the American Cathedral. A sensitive and rigorous practice, where stained glass becomes a genuine art of living, harmonising memory, material, and light.
Fondée par l’ébéniste d’art Constant Mulet et la maroquinière Lucile Vasseur, Constant M Furniture incarne une vision exigeante et contemporaine de l’ébénisterie fine. Au sein de leur atelier, le bois précieux et le cuir dialoguent dans un équilibre subtil entre rigueur artisanale et liberté créative. Pensées et conçues comme de véritables œuvres sculpturales, leurs pièces de mobilier, objets décoratifs et accessoires sur mesure s’adressent aussi bien aux projets résidentiels qu’aux yachts d’exception. Ébénisterie d’art, gainerie de luxe et finitions spéciales s’y conjuguent pour révéler la noblesse des matières travaillées avec une précision absolue. Inspirée notamment par l’esthétique Art déco, leur démarche dépasse la fonction pour inscrire le mobilier dans une dimension architecturale et émotionnelle. Lauréats régionaux du concours Ateliers d’Art de France en 2024, Constant M Furniture affirme une écriture singulière, où tradition et innovation se rencontrent au service de pièces durables.
Ci-dessus : Constant Mulet et Lucile Vasseur. En haut : coffret en acajou, ébène de Macassar et fermoir en Galuchat. Comptoir Confident et Palmiers décoratifs inspiration Art déco. En bas : détails de concept pour la création d’un meuble pour un yacht. Cuir bleu nacré, marqueterie de cuir et de placage, ébène blanc.
WOOD AND LEATHER IN DIALOGUE
Founded by master cabinetmaker Constant Mulet and leather artisan Lucile Vasseur, Constant M Furniture embodies a rigorous and contemporary vision of fine woodworking. In their workshop, precious wood and leather engage in a subtle dialogue, balancing artisanal precision with creative freedom. Conceived as true sculptural works, their furniture, decorative objects, and bespoke accessories are designed for both private residences and exceptional yachts. Fine cabinetry, luxury leatherwork, and specialised finishes combine to reveal the nobility of materials worked with absolute precision. Inspired notably by Art deco aesthetics, their approach transcends function, situating furniture within an architectural and emotional context. Regional winners of the Ateliers d’Art de France competition in 2024, Constant M Furniture asserts a distinctive design language, where tradition and innovation converge to create enduring pieces.
Above: Constant Mulet and Lucile Vasseur. Top: box in mahogany, Macassar ebony, and stingray clasp. Comptoir Confident and decorative palms, Art deco-inspired. Bottom: concept details for a bespoke yacht furniture piece – pearlescent blue leather, leather and veneer marquetry, white ebony.
Constant M Furniture 11 rue des Mazures 02120 Sains-Richaumont
Fondés en 1971, les Ateliers Lemaître façonnent et restaurent des décors sur mesure en marbre pour la décoration haut de gamme et le mobilier de style. Maîtrisant en interne l’intégralité de la chaîne de production, du sourcing au dessin en passant par la pose chez le client, son équipe d’artisans marbriers et sculpteurs participe de la diffusion de l’artisanat d’art français à travers le monde. Ayant réussi l’alliance de l’outillage traditionnel et du numérique, ils ont redonné à la marbrerie une seconde jeunesse en lui ouvrant les portes d’un univers décoratif aux formes complexes et délicates qui lui était jusquelà défendu. Plébiscitée par les architectes d’intérieur et designers internationaux, les Ateliers Lemaître combine le savoir-faire de la main de l’homme à la puissance de l’outil numérique. In fine, des créations uniques qui habillent des lieux prestigieux aux quatre coins du globe : le bureau d’Olivier Rousteng chez Balmain, l’hôtel The Berkeley à Londres, les restaurants Coco de l’Opéra Garnier ou Les Jardins de Presbourg à Paris, les décors en marbre des Ateliers Lemaître subliment un lieu de leur seule présence.
Founded in 1971, Ateliers Lemaître shapes and restores bespoke marble decorations for top-of-the-range interiors and stylish furniture. With in-house control of the entire production chain, from sourcing to design and installation on the customer’s premises, its team of marble craftsmen and sculptors is helping to spread French arts and crafts throughout the world. Having successfully combined traditional tools with digital technology, they have given marble work a new lease of life by opening the doors to a decorative world of complex, delicate shapes that was previously off-limits. Acclaimed by international interior architects and designers, Ateliers Lemaître combines the savoir-faire of the human hand with the power of digital tools. The result is unique creations that adorn prestigious venues all over the world: Olivier Rousteing’s office at Balmain, The Berkeley hotel in London, the Coco restaurants at the Opéra Garnier or Les Jardins de Presbourg in Paris, the marble decorations of Ateliers Lemaître sublimate a place with their very presence.
Lorsqu’un artisan d’art français s’établit à New York avant de revenir en France, c’est une exigence rare qui s’exporte. Depuis plus de vingt ans, La Forge de Style accompagne architectes, décorateurs et une clientèle de connaisseurs afin de donner vie à des projets sur mesure, du dessin technique à la pose, aux quatre coins du monde. Fondée par Franck Chartrain, la maison allie maîtrise du métal, créativité et connaissance des styles architecturaux, pour créer des ouvrages où précision, équilibre et élégance se rencontrent. La Forge de Style réalise des pièces sur mesure — rampes monumentales, gardecorps sculpturaux, éléments architecturaux et ouvrages d’exception — visibles dans certains des lieux les plus raffinés au monde : boutiques de luxe, palaces, résidences privées d’exception et projets internationaux remarquables. Labellisée EPV, reconnue Métiers d’Art, et distinguée en 2025 de la Médaille des Métiers d’Art par l’Académie d’Architecture, la maison perpétue une excellence française qui transforme chaque création en œuvre durable, destinée à traverser les générations.
When a French craftsman settles in New York before returning to France, a rare level of excellence travels with him. For more than twenty years, La Forge de Style has supported architects, interior designers and a clientele of connoisseurs to bring bespoke projects to life, from technical design to installation, across the globe. Founded by Franck Chartrain, the company combines metal mastery, creativity, with an in-depth understanding of architectural styles to create works where precision, balance and elegance meet. La Forge de Style produces bespoke pieces monumental staircases, sculptural railings, architectural elements and exceptional metalworks featured in some of the world’s most refined environments: luxury boutiques, prestigious hotels, exceptional private residences and remarkable international projects. EPV-certified, recognized as a Métiers d’Art company, and awarded a 2025 Arts and Craft Medal by the “Académie d’Architecture”, the company upholds a rare French excellence, crafting creations designed to endure through generations.
Les Ateliers Duchemin perpétuent l’Art du vitrail depuis six générations. Depuis la création des Ateliers Duchemin en 1950, l’entreprise partage son activité entre édifices religieux et bâtiments civils, restauration et restitution de vitraux anciens et création contemporaine. Marie et Charlotte Rousvoal, héritières de ces savoir-faire, s’engagent depuis 2015 à redonner à cet art toute sa place dans la Haute Décoration en collaborant avec des artistes, architectes et décorateurs de premier plan, comme Pierre Marie, Studio KO, Tristan Auer, Pierre Yovanovitch... Une équipe expérimentée de dix compagnons et concepteurs maintient un patrimoine historique, artisanal et technique exceptionnel, favorisant fidélité et transmission du savoir-faire. Labellisée « Entreprise du Patrimoine Vivant », l’entreprise est centrée sur le projet du « Vitrail Duchemin » concept basé sur la synergie entre le lieu, le créateur et l’artisan, affirmant que le vitrail trouve son existence dans cette convergence.
A droite : création vitrail, dessin Pierre Marie Studio. Réalisation Ateliers Duchemin.
Le Printemps New York, Laura Gonzalez Architecte.
TIMELESS STAINED GLASS
Ateliers Duchemin has been perpetuating the art of stained glass for six generations. Since the creation of Ateliers Duchemin in 1950, the company has divided its activity between religious and civil buildings, restoration and restitution of old stained glass and contemporary creation. Marie and Charlotte Rousvoal, heirs to these skills, have been committed since 2015 to restoring this art form to its rightful place in Haute Décoration by collaborating with leading artists, architects and decorators, such as Pierre Marie, Studio KO, Tristan Auer, Pierre Yovanovitch... An experienced team of ten journeymen and designers maintain an exceptional historical, craft and technical heritage, fostering loyalty and the transmission of know-how. Awarded the “Entreprise du Patrimoine Vivant” (Living Heritage Company) label, the company is centered on the “Vitrail Duchemin” project, a concept based on the synergy between place, creator and craftsman, affirming that stained glass finds its existence in this convergence.
Depuis près de 50 ans, Lison de Caunes sublime l’art de la marqueterie de paille, révélant toute la noblesse d’un matériau humble et naturel : la paille de seigle. Sous ses doigts experts, ce végétal devient un élément précieux, offrant une esthétique lumineuse grâce à ses reflets chatoyants. Héritière du savoir-faire de son grand-père André Groult, décorateur ensemblier de l’Art Déco, Lison de Caunes n’a cessé d’innover et d’enrichir cette technique en associant la marqueterie de paille à des matériaux d’exception. Aujourd’hui, les Ateliers Lison de Caunes collaborent avec de grands décorateurs et designers tels que Peter Marino, Jacques Grange, Pierre Yovanovitch, Charles Zana ou Jean-Louis Deniot, perpétuant un artisanat d’excellence. De luxueuses enseignes abritent des décors réalisés par les Ateliers Lison de Caunes : Guerlain, Louis Vuitton, Cartier...
For almost 50 years now, Lison de Caunes has been mastering the art of straw marquetry, revealing the true nobility of a humble and natural material: rye straw. Under her expert hands, this organic element is transformed into a precious material, offering a luminous aesthetic with its shimmering reflections. Heir to the know-how of her grandfather André Groult, Art Deco decorator and designer, Lison de Caunes has continuously innovated and nurtured this technique by combining straw marquetry with exceptional materials. Today, Ateliers Lison de Caunes collaborates with renowned decorators and designers such as Peter Marino, Jacques Grange, Pierre Yovanovitch, Charles Zana or Jean-Louis Deniot, perpetuating a tradition of artisanal excellence. Many luxury brands’ stores such as Guerlain, Louis Vuitton, and Cartier showcase designs created by Lison De Caunes’ workshops.
Depuis plus de 110 ans, Maison Fey est un Maroquinier d’ameublement spécialisé dans le Gainage et la Dorure. Membre du groupe Atelier D’Excellence et présent à Paris, Genève et New York, les 16 artisans maroquiniers selliers de Maison Fey offrent une prestation complète autour du cuir : sellerie, maroquinerie d’ameublement, haute gainerie, malles, marqueterie de cuir, Cordoue, travail des cuirs exotiques et du parchemin. Doté d’un parc machine ultra moderne, Maison Fey manie l’intelligence de la main avec la précision des découpes numériques mousse et cuir. Avec son Bureau d’étude intégré au niveau du Groupe, l’entreprise est capable de travailler sur de la conception poussée, plan 2D et 3D, visuel, recherches de matériaux et d’être réactive sur des besoins urgents. La taille du groupe permet de joindre la réactivité de l’artisanat à l’efficacité de procédé structuré. Labelisée Entreprise EPV, Maison Fey met à disposition de ses clients, architectes d’intérieur et designers un service sur mesure parfaitement adapté à leurs attentes.
For more than 110 years, Maison Fey has been a leather goods manufacturer specialising in Sheathing and Gilding. A member of the Atelier D’Excellence group, with a presence in Paris, Geneva and New York, Maison Fey’s 16 saddlery craftsmen offer a complete range of leather-related services: saddlery, upholstery, leather casing, trunks, leather marquetry, Cordoue, exotic leather and parchment work. Equipped with ultra-modern machinery, Maison Fey combines the intelligence of the hand with the precision of digital foam and leather cutting. With its in-house design office, the company is able to work on advanced design, 2D and 3D plans, visuals, materials research and to react quickly to urgent needs. The size of the group makes it possible to combine the reactivity of craftsmanship with the efficiency of structured process. Maison Fey is an EPV-certified company, providing its customers, interior architects and designers with a bespoke service perfectly tailored to their needs.
Anne-Violaine Lesaffre est une artiste peintre passionnée qui repousse les limites de l’art textile. Ses décors en peintures, entièrement réalisés à la main, sont le fruit d’un travail minutieux où chaque matière est sublimée par un savoir-faire ancestral combiné à une vision contemporaine. Ses créations uniques s’inspirent de la nature et du monde qui l’entoure, transformant les tissus en véritables œuvres d’art. Que ce soit pour des projets de décoration intérieure, des installations artistiques ou des collaborations sur mesure, ses fresques incarnent l’élégance et l’originalité.
Anne-Violaine Lesaffre collabore avec des designers et architectes d’intérieur pour habiller des espaces avec ses étoffes luxueuses, apportant une dimension artistique aux intérieurs sophistiqués. Grâce à ses innovations en matière de textures et de couleurs, Anne-Violaine fait rayonner l’artisanat textile français.
Anne-Violaine Lesaffre is a passionate painter who pushes the boundaries of textile art. Her painted decors, entirely handmade, are the result of meticulous work in which each material is sublimated by ancestral know-how combined with a contemporary vision. Her unique creations are inspired by nature and the world around her, transforming fabrics into veritable works of art. Whether for interior design projects, art installations or bespoke collaborations, her frescoes embody elegance and originality. Anne-Violaine Lesaffre works with designers and interior architects to adorn spaces with her luxurious fabrics, bringing an artistic dimension to sophisticated interiors. Thanks to its innovations in textures and colours, Anne-Violaine brings French textile craftsmanship to the fore.
Fondé à Paris, Studio Vitrail Bianconi est un atelier de création et de restauration de vitraux où se rencontrent héritage, design et innovation. Dirigé par Bryce Bianconi, maître-verrier depuis 1998, l’atelier développe une approche exigeante du vitrail, à la croisée des savoir-faire traditionnels et d’une écriture contemporaine. Depuis plus de douze ans, l’atelier Studio Vitrail Bianconi accompagne architectes, décorateurs, Maisons de luxe et collectionneurs privés dans la conception de pièces sur mesure : verrières, paravents, cloisons, portes, plafonds lumineux ou pièces murales. Chaque création est pensée comme un élément d’architecture, conçu pour structurer l’espace et sculpter la lumière. Maîtrise des techniques historiques - verres soufflés bouche, plombs, étain, patines et recherche graphique inspirée de l’Art déco, du Bauhaus et des grandes esthétiques modernistes nourrissent des projets, tout comme des restaurations. Ici, la lumière devient une matière à part entière, capable de signer un lieu. L’atelier répond aux créations les plus exigeantes de pièces uniques en France et à l’international.
Ci-dessus : Bryce Bianconi, fondateur de Studio Vitrail Bianconi. Boutique Vacheron Constantin, place Vendôme à paris. A droite : verrière en vitrail réalisé pour Friedmann & Versace.
LIGHT AS A SIGNATURE
Founded in Paris, Studio Vitrail Bianconi is a stained-glass creation and restoration atelier where heritage, design and innovation come together. Led by Bryce Bianconi, master glassmaker since 1998, the atelier has developed a demanding approach to stained glass, at the intersection of traditional craftsmanship and contemporary expression. For more than twelve years, Studio Vitrail Bianconi has worked alongside architects, interior designers, luxury Houses and private collectors in the design of bespoke pieces: glazed partitions, screens, walls, doors, luminous ceilings and wallmounted works. Each creation is conceived as an architectural element, designed to structure space and sculpt light. Mastery of historical techniques—mouth-blown glass, lead, tin and patinas—and graphic research inspired by Art Deco, the Bauhaus and major modernist aesthetics inform both projects and restorations. Here, light becomes a material in its own right, capable of defining a place. The atelier responds to the most demanding commissions for unique pieces in France and internationally.
Above: Bryce Bianconi, founder of Studio Vitrail Bianconi. Vacheron Constantin boutique, Place Vendôme, Paris. Right: stained-glass skylight created for Friedmann & Versace.
Studio Vitrail Bianconi 26 rue Mayet - 75006 Paris
Depuis plus de soixante ans, la Maison HENRI façonne une approche singulière de la technologie résidentielle : discrète, intuitive et entièrement au service de l’art de vivre. Fondée à Paris en 1961 par Henri Sherman, l’entreprise familiale s’est imposée comme une référence dans l’intégration de solutions technologiques haut de gamme pour les résidences privées et l’hôtellerie de luxe, en France comme à l’international. Éclairage, son, vidéo, cinéma privé, sécurité ou connectivité : chaque projet est pensé sur mesure, avec une exigence constante d’élégance et de simplicité d’usage. Chez HENRI, la technologie s’efface dans l’architecture, dialogue avec les matières et sublime les volumes sans perturber l’esthétique des lieux. Portée aujourd’hui par trois générations, la Maison revendique un savoir-faire rare, hérité de l’artisanat électrique et enrichi par l’innovation. Une vision où le confort, le bien-être et la fluidité des usages priment, pour créer des expériences sensibles et durables, à la hauteur des intérieurs les plus exigeants.
For more than sixty years, Maison HENRI has been redefining residential technology with a distinctive approach: discreet, intuitive, and entirely devoted to the art of living. Founded in Paris in 1961 by Henri Sherman, this familyrun company has become a benchmark in the integration of high-end technological solutions for private residences and luxury hotels, both in France and internationally. From lighting and sound to video, private cinemas, security, and connectivity, every project is meticulously tailored, combining elegance with effortless usability. At HENRI, technology blends seamlessly into architecture, interacts with materials, and enhances spatial volumes without ever compromising the aesthetics of the space. Now carried forward by three generations, the Maison draws on a rare expertise, born of traditional electrical craftsmanship and enriched by continuous innovation. Its vision prioritises comfort, well-being, and the fluidity of everyday use, creating refined, enduring experiences that meet the expectations of the most discerning interiors.
Installée à Plan-de-Cuques, Maison Sekimoto explore les territoires contemporains de la broderie Haute Couture en la libérant de ses usages traditionnels. Co-dirigé par Laurent Sekimoto et Satoshi Sekimoto, Meilleur Ouvrier de France en Broderie Haute Couture, Maître Artisan d’Art et membre Ateliers d’Art de France, l’atelier développe une approche exigeante où le geste devient sculptural et la matière, architecturale. Maîtrisant la broderie au crochet de Lunéville et à l’aiguille, Satoshi Sekimoto compose des œuvres en volume où tension des points, jeux de reliefs et travail de la lumière dialoguent avec une grande précision. La broderie s’affirme ici comme un langage à part entière, pensé pour les arts décoratifs, l’objet d’art et les projets sur mesure destinés aux architectes d’intérieur, collectionneurs ou Maisons de luxe. Pièces murales brodées, œuvres textiles monumentales ou objets d’ornement témoignent d’une écriture singulière, nourrie par l’héritage de la Haute Couture française et résolument tournée vers la création contemporaine.
Based in Plan-de-Cuques, Maison Sekimoto explores the contemporary territories of Haute Couture embroidery, freeing it from its traditional applications. Co-directed by Laurent Sekimoto and Satoshi Sekimoto Meilleur Ouvrier de France in Haute Couture Embroidery, Maître Artisan d’Art and member of Ateliers d’Art de France the atelier pursues an exacting approach in which gesture becomes sculptural and material, architectural. Mastering both Lunéville hook embroidery and needlework, Satoshi Sekimoto composes three-dimensional works where stitch tension, relief effects and the modulation of light engage in a precise dialogue. Embroidery here asserts itself as a language in its own right, conceived for the decorative arts, art objects and bespoke projects for interior architects, collectors and luxury Houses. Embroidered wall pieces, monumental textile works and ornamental objects all bear witness to a distinctive aesthetic, rooted in the heritage of French Haute Couture and resolutely oriented towards contemporary creation.
Labelisé Entreprise du Patrrimoine Vivant (EPV), Siegeair s’attache au patrimoine, à l’histoire et à l’excellence. Depuis plus de 50 ans, Siegeair est un tapissier contemporain de premier rang, qui accompagne les architectes d’intérieur, les décorateurs et les agenceurs tout au long de leur projet. Présent à Paris, Genève et New York, les 50 artisans de Siegeair offrent une prestation complète de contour du lit et de la fenêtre et de fabrication de mobilier recouvert. Doté d’un parc machine ultra moderne, Siegeair manie l’intelligence de la main avec la précision des découpes numériques bois, mousse et tissu. Avec son Bureau d’Etude intégré au niveau du Groupe Atelier D’Excellence, l’entreprise est capable de travailler sur de la conception poussée, plan 2D et 3D, Visuel, recherches de matériaux et d’être réactive sur des besoins urgents. La taille du groupe permet de joindre la réactivité de l’artisanat à l’efficacité de procédé structuré et innovant.
As an EPV (Entreprise du Patrimoine Vivant), Siegeair is committed to heritage, history and excellence. For over 50 years, Siegeair has been a leading contemporary upholsterer, supporting interior designers, decorators and interior fitters throughout their projects. Present in Paris, Geneva and New York, Siegeair’s 50 craftsmen offer a complete range of bed and window contouring and upholstered furniture. Equipped with ultra-modern machinery, Siegeair combines the intelligence of the hand with the precision of digital cutting for wood, foam and fabric. With its Design Office integrated into the Atelier D’Excellence Group, the company is able to work on advanced design, 2D and 3D plans, visuals, materials research and to react quickly to urgent needs. The group’s size enables it to combine the responsiveness of craftsmanship with the efficiency of structured, innovative processes.
Avec passion et rigueur, la marqueteuse de paille Manon Bouvier-Toth, à la tête de l’atelier Paelis, façonne avec toute son équipe des créations inédites et poétiques et renouvelle le savoirfaire ancestral de la marqueterie de paille. En travaillant la paille de seigle, l’atelier façonne des objets, du mobilier et crée des éléments architecturaux aussi somptueux que singuliers en association avec d’autres matériaux. Poétiques, ses créations accrochent la lumière. Elles offrent un kaléidoscope de nuances qui, dans un jeu de motifs et de couleurs, rythme l’espace. Récompensée du titre de Meilleur Ouvrier de France en 2019, Manon Bouvier-Toth a su se nourrir du savoir-faire des talents qui ont croisé sa route pour parfaire sa technique et son inspiration. Recherche, développement et innovation portent les créations de Paelis, composées de panneaux décoratifs, plateaux de table, paravents ou objets décoratifs.
With passion and rigor, the straw marquetry artist Manon Bouvier-Toth, head of the Paelis workshop, and her team create original and poetic creations and renew the ancestral knowhow of straw marquetry. Working with rye straw, the workshop shapes objects, furniture and creates architectural elements as sumptuous as they are unique in combination with other materials. Poetic, his creations catch the light. They offer a kaleidoscope of nuances which, in a play of patterns and colors, give rhythm to the space. Awarded the title of Best Craftsman of France in 2019, Manon Bouvier-Toth has been able to draw on the know-how of the talents who have crossed her path to perfect her technique and inspiration. Research, development and innovation are the basis of Paelis’ creations, which are composed of decorative panels, table tops, screens and decorative objects.
Formée à l’École Camondo, Raphaëlle de Cacqueray a exercé pendant seize ans le métier d’architecte d’intérieur, puis, en 2013, choisit de se consacrer pleinement à l’illustration de projets d’architecture et de décoration. Cette première carrière lui a permis de développer une pratique exigeante de la perspective à l’aquarelle, aujourd’hui au cœur de son travail de perspectiviste-illustratrice. Elle réalise ses dessins à la main, tout en s’appuyant sur des outils numériques pour construire les volumes, affiner les angles de vue et ajuster les détails selon les besoins du projet. Très à l’écoute, elle s’adapte à des cahiers des charges variés, du brief précis à l’intention plus ouverte. Ses aquarelles, sensibles et poétiques, suggèrent l’atmosphère d’un lieu plutôt que d’en figer la représentation, laissant une large place à l’imaginaire, là où la 3D se veut descriptive. Son regard a séduit de nombreuses agences d’architecture intérieure, de décoration et d’événementiel, ainsi que des acteurs majeurs de l’hospitality.
Trained at École Camondo, Raphaëlle de Cacqueray practiced interior architecture for sixteen years before dedicating herself entirely, in 2013, to illustrating architectural and interior design projects. This first career allowed her to develop a highly disciplined approach to watercolour perspective, now at the heart of her work as a perspective illustrator. She creates her drawings by hand, while using digital tools to construct volumes, refine viewpoints, and adjust details according to each project’s requirements. Attentive and adaptable, she responds to a wide range of briefs, from highly precise instructions to more open-ended intentions. Her sensitive and poetic watercolours suggest the atmosphere of a space rather than freezing its representation, leaving room for the imagination where 3D renders are often purely descriptive. Her vision has won over numerous interior architecture, design, and event agencies, as well as leading players in the hospitality sector.
Garabos Editions, spécialiste du staff en plâtre, se distingue par son savoir-faire transmis de génération en génération depuis les années 1960. Aujourd’hui dirigée par Boris Garabos, petit-fils du fondateur, cette maison perpétue la tradition tout en explorant des voies novatrices, pour ancrer le plâtre dans des réalisations contemporaines et audacieuses. En collaborant avec des studios de design comme La Racine, Garabos Editions repousse les limites du staff et propose des créations sculpturales qui réinventent ce matériau noble. Leur collection de meubles et objets « Dialogue Temporel » incarne l’essence même du plâtre, révélant sa pureté, son élégance et sa sensualité. Ces pièces sont pensées pour dialoguer avec l’espace, en s’inscrivant dans une démarche artistique intemporelle. Chaque objet conçu par Garabos est unique, destiné à sublimer les intérieurs en apportant une touche à la fois poétique et architecturale. L’art du plâtre retrouve ici toute sa noblesse. Garabos est labélisé EPV.
Ci-dessus : Boris et Léa Garabos. A droite : Sakura, bas-relief en staff inspiré du cerisier en fleurs.
SINGULAR AESTHETICS IN PLASTER
Garabos Editions, a specialist in plaster staff, stands out for its know-how, handed down from generation to generation since the 1960s. Now run by Boris Garabos, the founder’s grandson, the House continues the tradition while exploring innovative ways of using plaster in bold, contemporary creations. Working with design studios such as La Racine, Garabos Editions pushes the boundaries of plasterboard, offering sculptural creations that reinvent this noble material. Their “Dialogue Temporel“ collection of furniture and objects embodies the very essence of plaster, revealing its purity, elegance and sensuality. These pieces are designed to interact with the space in which they are placed, as part of a timeless artistic approach. Each object designed by Garabos is unique, intended to enhance interiors by adding a touch that is both poetic and architectural. Here, the art of plaster finds all its nobility. Garabos has EPV certification.
Above: Boris and Léa Garabos. Right: Sakura, staff bas-relief inspired by cherry blossoms.
LA PORCELAINE DE LIMOGES AU SERVICE DE LA CRÉATION
Alors que le Kintsugi est la technique japonaise ancestrale pour sublimer les réparations de la céramique avec de l’or, l’ébéniste Thierry Drevelle basé à Cognac et le porcelainier Grégory Rosenblat, gérant des ateliers Arquié, situé à Limoges, inaugurent le Ki-Tsugi en utilisant des éléments de porcelaine pour rejoindre les pieds et le plateau d’une console en bois d’exception. La porcelaine comme un trait d’union entre les différentes essences de bois utilisées : chêne millénaire, palmier, et tulipier de virginie. Travail à 4 mains où les ciseaux à bois, le découpage au chevalet et l’affleurage du placage se sont mêlés aux moules en plâtre, au coulage de la barbotine et la cuisson grand feu de la porcelaine. Depuis 1996, les ateliers Arquié, basés à Limoges, perpétuent l’excellence de la porcelaine française. Ils s’illustrent dans la production de pièces en blanc, biscuit ou bleu de four. Labellisé EPV et membre de l’Indication Géographique « Porcelaine de Limoges », les ateliers Arquié incarnent le savoir-faire français, entre tradition et modernité.
Ci-dessus : Grégory Rosenblat, gérant des ateliers Arquié. A droite : console en porcelaine réalisée avec les ateliers Drevelle.
LIMOGES PORCELAIN AT THE SERVICE OF CREATION
While Kintsugi is the ancestral Japanese technique that enhances ceramic repairs with gold, cabinetmaker Thierry Drevelle, based in Cognac, and porcelain maker Grégory Rosenblat, director of ateliers Arquié in Limoges, introduce Ki-Tsugi by using porcelain elements to connect the legs and the tabletop of an exceptional wooden console. Porcelain acts as a link between the different wood species used: millennial oak, palm wood and tulipwood. A fourhanded collaboration in which chisels, bench cutting and veneer trimming were combined with plaster moulds, slip casting and high-firing porcelain. Since 1996, ateliers Arquié, based in Limoges, have been upholding the excellence of French porcelain. Ateliers Arquié are renowned for producing white, biscuit or kiln-blue pieces. Awarded the EPV label and a member of the “Porcelaine de Limoges” Geographical Indication, ateliers Arquié exemplify French savoir-faire, combining tradition with modernity.
Above: Grégory Rosenblat, director of ateliers Arquié. Right: porcelain console created with ateliers Drevelle. ateliersarquie
Fondée en 1826, la Verrerie de Saint-Just perpétue un geste rare : le soufflage du verre à la bouche. Chaque matin, le verre en fusion devient manchon sous l’effet du souffle, avant d’être ouvert et transformé en plaque. Un spectacle fascinant qui révèle toute la magie de cette fabrication ancestrale. D’abord tournée vers le verre de bouteille, la verrerie amorce dès la seconde moitié du XIXᵉ siècle, sous l’impulsion de la famille Pelletier, un tournant décisif vers le verre coloré destiné aux vitres et aux vitraux. Aujourd’hui filiale de Saint-Gobain Glass, elle demeure un site unique en France, reconnu pour son savoir-faire d’exception et sa palette de plus de 250 couleurs. Ses verres soufflés participent à la restauration de monuments emblématiques - du Château de Versailles à la Pyramide du Louvre - tout en s’ouvrant au marché du luxe, au sur mesure et à l’architecture intérieure contemporaine. Entre patrimoine et innovation, la Verrerie de Saint-Just fait dialoguer l’intensité de la couleur, l’authenticité du geste et les exigences techniques d’aujourd’hui. En 2026, la Verrerie de Saint-Just fête son bicentenaire.
Founded in 1826, the Verrerie de SaintJust perpetuates a rare craft: mouth-blown glassmaking. Each morning, molten glass is shaped by breath into a cylinder, before being opened and transformed into a flat sheet. A fascinating spectacle that reveals the full magic of this ancestral process. Initially focused on bottle glass, the glassworks embarked in the second half of the 19th century—under the impetus of the Pelletier family—on a decisive shift towards coloured glass for windows and stained glass. Today a subsidiary of Saint-Gobain Glass, it remains a unique site in France, renowned for its exceptional expertise and a palette of more than 250 colours. Its mouth-blown glass contributes to the restoration of emblematic monuments - from the Château de Versailles to the Louvre Pyramid —while also opening to the luxury market, bespoke commissions and contemporary interior architecture. Balancing heritage and innovation, the Verrerie de Saint-Just brings into dialogue the intensity of colour, the authenticity of the gesture and today’s technical demands. In 2026, the Verrerie de Saint-Just celebrates its bicentenary.
FABRICANT FRANÇAIS DE TRINGLES À RIDEAUX ET STORES SUR MESURE
Gauthier&Cie s’impose avec des savoir-faire labellisés EPV – cintrage à la forme, coudage – alliant tradition et technologies : motorisation et domotique. Depuis 1888, à l’instar de ses clients designers d’espace, décorateurs et tapissiers, la Maison fait preuve d’un haut degré d’exigence. Une technicité maîtrisée, associée à l’« ultra-personnalisation ». Chaque store et chaque tringle est unique : le client choisit tous les paramètres – diamètre, longueur, forme, accessoires, système de manœuvre, finition. Et ce, pour toutes les configurations, y compris les plus complexes. La Maison innove en continu avec des développements exclusifs : tringle décorative motorisée, passing double rideaux et voilages grande longueur ou encore tringle déco avec rail intégré.
Ci-dessus : Aurore Lebon, dirigeante de Gauthier&Cie.
En haut à droite : tringle coudée gainée cuir à la main par Maison Fey. Ateliers Jouffre.
En bas à gauche : stores enrouleurs motorisés grande hauteur. À droite : tringle décorative motorisée à anneaux, un développement exclusif Gauthier&Cie.
HIGH-END FRENCH POLES & BLINDS MANUFACTURER
Gauthier&Cie stands out for its EPV-certified craftsmanship—bending and curving to shape— combining tradition with advanced technologies such as motorization and home automation. Since 1888, like its clients—interior designers, decorators, and upholsterers—the Maison has upheld the highest standards. Exceptional technical mastery paired with full customization: every blind and every curtain pole is unique. Clients specify every parameter—diameter, length, shape, accessories, operating mechanism, and finish. All configurations are achievable, including the most complex. The Maison continuously innovates through exclusive in-house developments: motorized decorative curtain pole, double passing system for curtains and sheers in extended lengths, or decorative rod with integrated tracks.
L’art du vitrail technique millénaire reprend des couleurs inspirées par le design résolument contemporain des créations de l’Atelier SaintDidier. La transparence et la pureté du verre deviennent d’incroyables pièces qui illuminent la décoration intérieure. Cloisons, fenêtres, paravents et même mobilier sont façonnés par une équipe expérimentée. Fondé en 1986 par Caroline Prégermain, maître verrier et Meilleure Ouvrier de France, l’Atelier Saint-Didier est à cet égard la référence internationale en matière de vitrail, un art déco made in France plébiscité par les plus grands architectes d’intérieur en France ainsi qu’a l’international. A la clé, des panneaux décoratifs en verre contemporains sur mesure qui transcendent les intérieurs par la lumière et la couleur qu’ils génèrent. Cet artisanat d’art est aussi plébiscité par les architectes et décorateurs d’intérieur en recherche de pièces d’exception hors norme. Notamment, avec la collaboration du talentueux Stéphane Parmentier, pour des plateaux décoratifs en verre et des photophores gravés
The art of stained glass, a technique that is thousands of years old, has taken on new colors inspired by the resolutely contemporary design of the creations of the Atelier SaintDidier. The transparency and purity of glass become incredible pieces that illuminate interior decoration. Partitions, windows, screens and even furniture are crafted by an experienced team. Founded in 1986 by Caroline Prégermain, a master glass artist and Meilleure Ouvrier de France, the Atelier Saint-Didier is the international reference in stained glass, an art deco made in France, which is acclaimed by the greatest interior designers in France and abroad. The result is custom-made decorative glass panels which transcend the interiors by the light and the color that they generate. This art craft is also appreciated by architects and interior designers looking for exceptional pieces. In particular, with the collaboration of the talented Stéphane Parmentier, for decorative glass trays and engraved photophores.
Right: hand-painted stained glass, drawing inspiration from the sixteenth-century grisaille works of the Psyche Gallery at the Château de Chantilly. Architecte Joseph Karam.
Atelier Saint-Didier 40 rue Saint-Didier - 75116 Paris
L’artisane d’art Anne Fleury propose une approche singulière de la marqueterie contemporaine, pensée comme un langage visuel et tactile du bois. Formée à l’Ecole Boulle, elle fonde son atelier à Lyon, pour faire dialoguer savoir-faire traditionnels et numériques dans ses compositions. L’atelier place au cœur de sa démarche la recherche de matérialité et de sensorialité du placage, matière fine et précieuse. Anne Fleury crée des décors marquetés sur mesure, intensifiés par des sculptures numériques, qui apportent textures, contrastes, vibrations et profondeur. Les sculptures numériques accompagnent la marqueterie comme l’ombre accompagne un dessin, révélant sa présence et son rythme. Elles donnent à chaque réalisation un caractère unique et sensible. La marqueterie se fait terrain d’innovation au service des sensations et des émotions : une matière à voir, à toucher, à ressentir.
Ci-dessus : Anne Fleury, fondatrice de l’atelier de marqueterie contemporaine.
Anne Fleury takes a distinctive approach to contemporary marquetry, conceived as a visual and tactile language of wood. Trained at the Ecole Boulle, she founded her Atelier in Lyon to foster a dialogue between traditional and digital techniques in her compositions. The Atelier places at the heart of its approach a pursuit of materiality and tactility in veneer, a delicate and precious medium. Anne Fleury creates bespoke marquetry schemes, enhanced by digital sculpting, which introduce texture, contrast, rhythm and depth. The digital sculptures accompany the marquetry as shadow accompanies a drawing, revealing its presence and accentuating its flow. They lend each creation a unique and expressive character. Marquetry becomes a field for innovation in the service of sensation and emotion—a material to see, touch and feel.
Fondé en 2006 par Antoine Letellier, issu d’une lignée d’artisans, l’Atelier Higué est une référence dans la création d’œuvres mêlant techniques artisanales et esthétique contemporaine. Formé à la dorure à la feuille, Antoine s’entoure d’une équipe talentueuse : l’artiste japonaise Ayumi Morita, en charge des dessins depuis 2008, et Fred Barjaud, chef d’atelier depuis 2013. Spécialiste de la dorure, de la laque et du verre églomisé, l’atelier Higué marie tradition et innovation pour concevoir des fresques monumentales et des œuvres sur mesure. Collaborant avec des décorateurs d’intérieur prestigieux, l’atelier signe des projets pour des résidences privées, hôtels de luxe et boutiques iconiques, notamment Pinto, Van Cleef & Arpels, l’Hôtel de Crillon. Chaque création naît d’un dialogue artistique et s’adapte au lieu à sublimer, en France comme à l’international. Avec l’Atelier Higué, l’artisanat retrouve ses lettres de noblesse, offrant à chaque lieu une identité unique, sublimée par un savoir-faire intemporel.
Ci-dessus : matériauthèque atelier Higué.
A droite : « Quatre Saisons », création originale. Boiserie en dorure à l’eau, or blanc mat et bruni, pour un projet à Los Angeles.
AUTHENTIC KNOW-HOW
Founded in 2006 by Antoine Letellier, who comes from a line of craftsmen, Atelier Higué is a reference in the creation of artworks combining traditional techniques and contemporary aesthetics. Trained in leaf gilding, Antoine has surrounded himself with a talented team: Japanese artist Ayumi Morita, in charge of designs since 2008, and Fred Barjaud, Atelier Manager since 2013. Specialising in gilding, lacquer and eglomised glass, the Atelier Higué combines tradition and innovation to create monumental frescoes and bespoke pieces. Working with prestigious interior designers, the Atelier has created projects for private residences, luxury hotels and iconic boutiques, including Pinto, Van Cleef & Arpels and the Hotel de Crillon. Each creation is the result of an artistic dialogue and is adapted to the location to be sublimated, in France and abroad. With Atelier Higué, craftsmanship is back in the limelight, giving each place a unique identity, enhanced by timeless savoir-faire.
Above: atelier Higué workshop materials library. Right: “Quatre Saisons“, original creation. Wood paneling with water-based gilding, matte white gold, and burnished gold for a project in Los Angeles.
Atelier Higué 144 rue de Bagnolet 75020 Paris
Tél. : +33 (0)6 75 24 86 84 www.atelierhigue.com
atelierhigue_paris
L’ART DU MÉTAL
Héritière des Arts Décoratifs français, Maison Pouenat conjugue à la maîtrise parfaite des techniques traditionnelles de la ferronnerie d’art décorative des finitions innovantes et créatives dans un esprit contemporain. Initialement spécialisée dans les ouvrages d’architecture, la Maison s’est d’abord tournée, dans les années 70, vers la fabrication de mobilier en métal. Aujourd’hui elle propose également des réalisations de menuiserie métallique décorative pour des agencements d’intérieur, à destination de résidences privées, hôtels de luxe ou boutiques haut-de-gamme. Ses artisans ont à cœur de pérenniser un savoir-faire ancestral en le réinventant à travers chaque ouvrage, tout en utilisant des techniques modernes. Des dessins aux maquettes, de la fabrication au décor, la Maison offre un accompagnement technique et artistique sur mesure pour donner vie à des œuvres intemporelles. En 2009, le label Entreprise du Patrimoine Vivant, confirme l’excellence et la rareté de son savoir-faire.
As heir of the French Decorative Arts, Maison Pouenat combines the perfect mastery of traditional techniques of decorative ironwork with innovative and creative finishes in a contemporary spirit. Initially specialized in architectural works, the company first turned to the manufacture of metal furniture in the 1970s. Today it also offers decorative metal carpentry for interior fittings, destined for private residences, luxury hotels or high-end boutiques. Its craftsmen are committed to preserving an ancestral know-how by reinventing it through each work, while using modern techniques. From the drawings to the models, from the manufacturing to the decoration, the company offers technical and artistic support to give life to timeless works. In 2009, the Entreprise du Patrimoine Vivant, confirming the excellence and rarity of its know-how.
À Lyon, l’atelier Véronique de Soultrait perpétue un savoir-faire rare : la marqueterie de corde inventée et patiemment développée au fil des années. Une équipe appliquée d’artisans - issus de la marqueterie, du textile, de la tapisserie ou encore de la broderie - façonne des décors muraux d’exception, entièrement réalisés à la main. Jeux de textures, motifs géométriques ou compositions lyriques : chaque création naît d’un travail collectif où précision, créativité et sens de la matière se conjuguent. L’atelier collabore aujourd’hui avec des décorateurs du monde entier pour imaginer panneaux, paravents, têtes de lit ou pièces uniques. Animé par une recherche constante sur les volumes, les finitions et les variations de cordes, l’atelier explore de nouvelles écritures visuelles qui enrichissent un répertoire déjà foisonnant. Chaque projet devient ainsi l’occasion d’affiner un geste, d’inventer un motif ou de repousser les limites de cette si belle technique. Un savoirfaire français, reconnu pour son exigence et sa poésie.
In Lyon, the Véronique de Soultrait atelier perpetuates a rare craft: rope marquetry, a technique it invented and has patiently refined over the years. A dedicated team of artisans— drawing on backgrounds in marquetry, textiles, upholstery and embroidery—creates exceptional wall décors, entirely handmade. Plays on texture, geometric patterns or more lyrical compositions: each creation is the result of a collective process in which precision, creativity and a deep sensitivity to materials come together. Today, the atelier collaborates with interior designers around the world to conceive panels, screens, headboards and one-off pieces. Driven by constant research into volume, finishes and the variations of rope, the atelier explores new visual languages that enrich an already abundant repertoire. Each project becomes an opportunity to refine a gesture, invent a motif or push the boundaries of this remarkably expressive technique. A French savoir-faire, recognised for both its rigour and its poetry.
Fondée à Nancy en 1878, Daum incarne depuis près de 150 ans l’excellence française de l’art verrier. De l’Art nouveau à l’Art déco, puis aux formes sculpturales contemporaines, la manufacture Daum n’a cessé de dialoguer avec les grands courants artistiques de son temps. La nature, la lumière et la matière y sont des sources d’inspiration constantes, traduites dans un cristal d’une intensité chromatique rare. Au cœur de ce savoir-faire d’exception : la technique de la pâte de cristal, travaillée selon le procédé ancestral de la cire perdue. Entièrement réalisée à la main, chaque pièce révèle des nuances profondes, des volumes libres et une vibration singulière de la lumière. Maison de création autant que laboratoire artistique, la manufacture Daum collabore depuis des décennies avec des artistes majeurs de Salvador Dalí à César en passant par Arman, Paloma Picasso ou encore Philippe Starck. Entre patrimoine et audace, la cristallerie poursuit une odyssée créative où l’art, l’artisanat et l’émotion ne font qu’un
Ci-dessus : table de la collection Végétale. A droite : collection Monstera, imaginée par l’artiste Emilio Robba.
CRYSTAL AS HERITAGE
Founded in Nancy in 1878, Daum has embodied nearly 150 years of French excellence in glassmaking. From Art Nouveau to Art Deco, and through to contemporary sculptural forms, the Daum workshop has continually engaged with the major artistic movements of its time. Nature, light, and material serve as constant sources of inspiration, expressed in crystal of exceptional chromatic intensity. At the heart of this expertise is the crystal paste technique, crafted entirely by hand using the traditional lost-wax process. Each piece reveals subtle nuances, free-flowing volumes, and a distinctive play of light. More than a workshop, Daum is a creative house that has worked with artists from Salvador Dalí and César to Arman, Paloma Picasso, and Philippe Starck. A blend of heritage and daring, Daum continues its creative journey where art, craft, and emotion meet
Above: table from the Végétale collection.
Right: Monstera collection, designed by artist Emilio Robba.
Daum Paris 8 rue Royale - 75008 Paris 4 rue de la Paix - 75002 Paris Points de vente sur : www.daum.fr
lamaisondaum
DÉCORATION MURALE
Ulgador est l’alchimiste de la haute décoration faisant naître au fur et à mesure de ses expérimentations, des surfaces métallisées aux couleurs changeantes et vibrantes. L’artiste à l’origine de la marque Gabor Ulveczki, a eu la brillante idée d’exploiter la feuille de métal battu de manière artistique. Cet artistepeintre, autodidacte et avant-gardiste, a réussi à entremêler son amour pour la peinture et sa maîtrise de la dorure à la feuille, pour créer d’incroyables panneaux décoratifs. Sa fille, Rahel Ulveczki, a rejoint l’atelier depuis maintenant 14 ans. Quand Gabor expérimente le travail sur papier, sur tissu, la matière et la courbe, Rahel crée des lignes plus graphiques et se passionne pour le travail sur verre. Ensemble, ils réinventent une technique traditionnelle et la transforment pour la projeter dans un univers plus contemporain. Découvrez le nouveau showroom Ulgador au 74 rue Mazarine, 75006 Paris.
Ulgador is the alchemist of the high decoration, giving birth to metallic surfaces with changing and vibrant colors. The artist at the origin of the brand Gabor Ulveczki, had the brilliant idea of exploiting the beaten metal leaf in an artistic way. This selftaught, cutting-edge painter was able to combine his love of painting with his mastery of gold leafing to create incredible decorative panels. His daughter, Rahel Ulveczki, joined the studio 14 years ago. While Gabor is experiencing the work on paper, fabric, material and curves, Rahel creates more graphic lines and is passionate about working on glass. Together, they reinvent a traditional technique and transform it to project it into a more contemporary universe. Discover the new Ulgador showroom at 74 rue Mazarine, 75006 Paris
Rémy Garnier est un atelier de serrurerie d’art fondé en 1832. Le modelage du bronze à la main permet aux artisans de créer de magnifiques poignées et boutons pour embellir les portes et les fenêtres. Près de dix mille modèles de différents styles combinés à l’élégance des dorures font de ces créations le détail subtil d’une décoration chic. En développant sans cesse de nouveaux modèles, l’atelier Rémy Garnier fait perdurer des procédés de création artisanaux du XIXe siècle tout en s’appuyant sur les nouvelles technologies de la 3D. Rémy Garnier est reconnu pour l’élégance de ses modèles, la qualité exceptionnelle de ses dorures mais aussi pour la richesse de ses ciselures, une véritable sculpture de précision consistant à affiner le bronze à la main. La créativité et le savoir-faire de l’Atelier s’étendent même à d’autres gammes comme des interrupteurs, des luminaires, du mobilier ou des bronzes décoratifs contemporains.
Rémy Garnier is a decorative locksmithing workshop founded in 1832. The hand-chiseling of bronze allows craftsmen to create beautiful handles and knobs to embellish doors and windows. Nearly ten thousand designs of various styles combined with elegant gilding contribute to the subtle details of a chic decoration. By constantly developing new models, the workshop revives artisanal techniques from the 19th century, while utilizing the latest 3D technologies. Rémy Garnier is well-known for its elegant models, high-quality gilding, and rich chiseling; a true precision sculpture consisting of refining the bronze by hand. The workshop’s creativity and know-how even extend to other ranges such as switches, lighting fixtures, furniture or contemporary bronze ornaments.
Marie Roux développe un travail singulier autour de l’or fixé et gravé sous verre, avec la technique du verre églomisé. Une pratique rare et délicate qui joue avec la lumière, la couleur, la profondeur et la matière, et s’impose aujourd’hui comme le cœur de son expression. Cette technique d’excellence devient une évidence pour elle, et en 2019 elle fonde l’Atelier Aura pour développer ce savoir-faire à travers la restauration du patrimoine, la création de pièces uniques et des collaborations avec le monde du luxe et de l’architecture. Formée à la conservation de la dorure et des peintures et restauratrice du patrimoine depuis 2011, Marie Roux a développé au fil des années, une relation intime aux matériaux et à leur histoire. La découverte du kintsugi marque également une étape importante dans son parcours, cette philosophie japonaise, qui illumine les traces du temps, fait écho à sa manière d’aborder l’objet : le restaurer ou le créer, le révéler, le sublimer avec pérennité et sans en effacer la mémoire ou la trace de son histoire.
Ci-dessus : Marie Roux, fondatrice de l’atelier Aura. A droite : panneaux décoratifs en verre églomisé. En bas à droite : crédence de cuisine en verre églomisé.
ENGRAVING ON GLASS
Marie Roux has developed a distinctive practice centred on gold applied and engraved under glass, using the technique of verre églomisé. This rare and delicate art plays with light, colour, depth, and material, and has become central to her creative expression. In 2019, she founded Atelier Aura to cultivate this expertise through heritage restoration, the creation of unique pieces, and collaborations with the worlds of luxury and architecture. Trained in the conservation of gilding and paintings, and a heritage restorer since 2011, Marie Roux has developed an intimate relationship with materials and their history. The discovery of kintsugi marked another important stage in her journey: this Japanese philosophy, which celebrates the traces of time, resonates deeply with her approach to objects: whether restoring or creating, revealing or enhancing them with longevity, without ever erasing their memory or the marks of their past.
Above: Marie Roux, founder of Atelier Aura. Right: decorative panels in verre églomisé. Bottom right: kitchen backsplash in verre églomisé.
Fondé il y a dix ans, Par Excellence est un réseau d’artisans d’art français engagé dans le rayonnement international du savoir-faire d’exception. Ébénistes, peintres, bronziers, staffeurs, gainiers d’art ou encore tapissiers y côtoient les spécialistes de l’éclairage et de l’habitat connecté pour unir leurs talents autour d’une même exigence : la maîtrise parfaite du geste et la création sur mesure. Pensé comme un véritable one-stop shop, Par Excellence accompagne les professionnels de la décoration dans la conception de projets uniques, en leur offrant un accès privilégié aux meilleures expertises françaises. À New York, son showroom immersif s’est imposé comme une adresse incontournable pour les architectes et designers en quête d’inspiration et de solutions haut de gamme. Plus récemment, Par Excellence a inauguré un nouvel espace à Paris. Imaginé par Studio Parisien, ce lieu met en scène les savoir-faire des artisans à travers une scénographie exclusive, révélant toute la richesse et la modernité des métiers d’art. Un nouveau hot spot parisien à découvrir absolument.
Founded ten years ago, Par Excellence is a network of French master artisans dedicated to promoting exceptional craftsmanship on the international stage. Cabinetmakers, painters, bronze workers, ornamental plasterers, fine leather artisans and upholsterers, alongside smart Living, Lighting & Controls experts, bring their talents together around a shared commitment: absolute mastery of craft and bespoke creation. Designed as a true onestop shop, Par Excellence supports decoration professionals in the development of unique projects, offering privileged access to the finest French expertise. In New York, its immersive showroom has become a must-visit destination for architects and designers seeking inspiration and high-end solutions. More recently, Par Excellence inaugurated a new space in Paris. Conceived by Studio Parisien, this venue showcases the artisans’ savoir-faire through an exclusive scenography, revealing the full richness and contemporary relevance of the decorative arts. A new Parisian hot spot not to be missed.
Par Excellence Paris 13 rue Daru - 75008 Paris contact@parexcellenceny.com -
Par Excellence New York 344 Bowery - NY, 10012 office@parexcellenceny.com www.parexcellenceny.com par_excellence_nyc
MINIMALISTE ET INTEMPOREL
Issu d’une famille de verriers, Raphaël Barrois a grandi dans la transparence du verre. Formé à la Villa Arson, il développe très tôt une approche à la croisée de l’art, du design et de l’architecture. Dans son nouvel atelier, il façonne le verre comme une surface vibrante, capable de retenir la lumière, de l’étirer ou de la diffracter. Travaillé par fusion ou thermoformage, il devient fluide, texturé, presque liquide. Verre sablé, coloré, inclusion de grillage ou d’argenture : chaque pièce met en jeu une relation précise entre reflet, relief et profondeur. Mobilier, objets décoratifs, panneaux muraux, ses créations dialoguent avec d’autres matières nobles telles que le bois, le métal ou la pierre. Son travail s’inscrit également dans des projets sur mesure, en collaboration avec des architectes et designers tels que Charles Zana, Louis Laplace et Rudy Guénaire, témoignant de sa capacité à inscrire le verre dans des réalisations exigeantes et pensées dans une logique d’usage et de temps long. Chez Raphaël Barrois, le verre n’est jamais décoratif : il devient un matériau d’architecture sensible, façonné pour capter la lumière et inscrire une émotion durable dans l’espace.
Born into a family of glassmakers, Raphaël Barrois grew up surrounded by the transparency of glass. Trained at Villa Arson, he early on developed an approach at the crossroads of art, design, and architecture. In his new atelier, he shapes glass into a vibrant surface, designed to capture, stretch, and refract light. Through fusion or thermoforming, it becomes fluid, textured, almost liquid. Sandblasted or coloured glass, inclusions of mesh or silvering: each piece explores a subtle interplay of reflection, relief, and depth. From furniture and decorative objects to wall panels, his creations respond to other noble materials such as wood, metal, and stone. He also undertakes bespoke projects in collaboration with architects and designers, including Charles Zana, Louis Laplace, and Rudy Guénaire, showing how glass can be seamlessly integrated into designs that are both functional and timeless. For Raphaël Barrois, glass is never merely decorative: it becomes a sensitive architectural material, crafted to capture light and create a lasting emotional resonance within a space.
Tressages Pas Sages est l’atelier de vannerie d’art d’Alexandra Ferdinande, qui imagine des pièces uniques en osier, empreintes de poésie et de légèreté. Inspirée par ses flâneries végétales, elle crée luminaires aux silhouettes aériennes, objets-sculptures, installations artistiques ou paniers au design contemporain, autant de tressages décoratifs pensés pour les intérieurs d’aujourd’hui. Sublimer la lumière, révéler la poésie du végétal : telle est la démarche d’Alexandra. Elle conçoit des pièces sur mesure pour des décorateurs et architectes d’intérieur sensibles aux matières naturelles et au design écoresponsable. Basé en région Rhône-Alpes, l’atelier ouvre un champ d’exploration infini : « La vannerie contemporaine me permet d’envisager l’osier au-delà de l’usage ». Entre art et artisanat, la créatrice « tresse l’osier en volume, à grande échelle » et explore ce langage comme un support d’expression. Parmi ses réalisations : une collaboration vannerie-verre avec Florence Lemoine, et une collaboration vannerie-pierre avec Audrey Guimard pour Studio mo-mo.
Tressages Pas Sages is the fine basketry atelier of Alexandra Ferdinande, who creates unique willow pieces imbued with poetry and lightness. Inspired by her botanical wanderings, she designs pendant lamps with airy silhouettes, sculptural objects, artistic installations and contemporary baskets—decorative weavings conceived for today’s interiors. Alexandra’s practice aims to enhance light and reveal the poetry of plant materials. She produces bespoke pieces for decorators and interior architects attentive to natural materials and eco-conscious design. Based in the Rhône-Alpes region, the atelier opens up an infinite field of exploration: “Contemporary basketry allows me to envision willow beyond its traditional use“. Situated between art and craftsmanship, the designer “weaves willow in volume, on a large scale“, using this material as a medium of expression. Among its works: a wicker-and-glass collaboration with Florence Lemoine, and a wicker-and-stone collaboration with Audrey Guimard for Studio mo-mo.
GD Glass Design est un atelier verrier parisien dédié à la création de pièces en verre. L’atelier développe une approche contemporaine, pensée pour s’intégrer aux projets de décoration d’intérieur les plus exigeants. À la tête de l’atelier, le maître verrier Guibert Degras s’appuie sur plus de trente-cinq années d’expérience dans le domaine du verre haut de gamme. Longtemps formé et aguerri au sein d’un atelier de référence du luxe français, il y a acquis une maîtrise complète des techniques verrières (de la gravure, la scie, au sablage, du burinage, l’éclaté, à la patine, de la dorure au collage UV) et une culture du détail propre aux projets d’exception. GD Glass Design place l’écoute et l’adaptabilité au cœur de sa démarche, où chaque création est étudiée en fonction de son environnement. L’atelier accompagne particuliers, architectes d’intérieur, décorateurs et architectes dans la conception de pièces en verre sur mesure, apportant une valeur artistique forte et un savoir-faire singulier.
Based in Paris, GD Glass Design is a glass workshop devoted to creating bespoke pieces. The atelier takes a contemporary approach, designed to integrate seamlessly into the most demanding interior design projects. At its helm, master glassmaker Guibert Degras draws on over thirty-five years of experience in high-end glass. Trained and refined in a leading French luxury workshop, he has acquired complete mastery of glass techniques—from engraving, sawing, and sandblasting, to chasing, fracturing, patination, gilding, and UV bonding—alongside a meticulous attention to detail essential for exceptional projects. GD Glass Design places listening and adaptability at the heart of its approach, designing each creation to suit its environment. The workshop collaborates with private clients, interior designers, decorators, and architects to deliver bespoke glass pieces that combine strong artistic value with singular craftsmanship.
Maison Borio imagine la cave à vin comme un espace à part entière, que ce soit des meubles sur mesure ou des pièces entières agencées pensée pour préserver, révéler et mettre en scène les plus belles collections. Fondé à Paris en 2022, l’atelier conçoit des caves sur mesure haut de gamme où le design contemporain dialogue avec une exigence technique de tous les instants. Chaque projet naît d’une étude précise du lieu et de ses usages : architecture existante, contraintes spatiales, nature des crus à conserver. Bois massif, verre décoratif, métal travaillé sur mesure ou pierre naturelle composent des ensembles sobres et élégants, conçus pour s’intégrer naturellement dans un appartement, un hôtel de prestige ou un restaurant gastronomique. Maison Borio crée une véritable expérience du vin. Les systèmes de réfrigération et d’éclairage, intégrés avec discrétion, garantissent des conditions de conservation optimales sans jamais sacrifier l’esthétique. Accompagnement personnalisé et suivi des installations complètent cette approche globale, où la cave devient un écrin durable, au service du temps et du plaisir de la dégustation.
Maison Borio conceives the wine cellar as a space in its own right, whether through bespoke cabinetry or fully appointed rooms intended to preserve, showcase and elevate the finest collections. Founded in Paris in 2022, the atelier designs high-end bespoke cellars where contemporary aesthetics are paired with uncompromising technical precision. Each project begins with a meticulous assessment of the space and its intended use: the existing architecture, spatial constraints and the nature of the wines to be stored. Solid wood, decorative glass, custom-worked metal and natural stone combine in refined, elegant compositions that sit seamlessly within a private residence, a luxury hotel or a fine-dining restaurant. Maison Borio creates a truly immersive wine experience. Refrigeration and lighting systems, discreetly integrated, ensure optimal storage conditions without ever compromising aesthetics. Personalised guidance and installation oversight complete this holistic approach, in which the cellar becomes a lasting jewel case devoted to time and the pleasure of tasting.
Fondé par Célia Suzanne et Erwann Larbre, Atelier Alba est un atelier parisien spécialisé dans la marqueterie, l’ébénisterie fine et l’ennoblissement de matières. Depuis 2020, l’atelier développe des projets sur mesure alliant savoir-faire traditionnels, procédés numériques et recherche contemporaine. Son approche repose sur une forte dimension de R&D, intégrant prototypage, recherche de nouveaux matériaux, recherche chromatiques, et développement de nouveaux décors. Atelier Alba intervient sur des projets de tabletterie, mobilier, revêtements muraux et objets décoratifs, en collaboration avec des Maisons de luxe, architectes et designers. De la conception à la fabrication, l’atelier Alba assure un accompagnement complet avec une attention particulière portée à la précision du geste, au caractère unique de chaque création et à la pérennité des réalisations. Son travail s’inscrit dans une vision exigeante et actuelle des métiers d’art, au service de projets d’exception.
A droite : panneau en marqueterie de crin de cheval.
CONTEMPORARY MARQUETRY
Founded by Célia Suzanne and Erwann Larbre, Atelier Alba is a Parisian atelier specialising in marquetry, fine cabinetmaking, and material enhancement. Since 2020, the atelier has been developing bespoke projects that combine traditional craftsmanship, digital techniques, and contemporary research. Its approach is rooted in strong R&D, integrating prototyping, exploration of new materials, colour research, and the development of innovative decorative motifs. Atelier Alba works on cabinetmaking pieces, furniture, wall coverings, and other handcrafted objects, in collaboration with luxury Maisons, architects, and designers. From design to execution, Atelier Alba provides full support, with meticulous attention to the precision of the craft, the uniqueness of each creation, and the longevity of the pieces. Their work reflects a demanding and contemporary vision of the arts, dedicated to exceptional projects.
Artisane d’art spécialisée dans la tapisserie d’Aubusson contemporaine, Mayling Steiner associe savoir-faire patrimonial et exploration des matières pour créer des pièces qui insufflent profondeur et vibration à un espace. Au sein de l’atelier Steiner, elle développe des tapisseries haut de gamme – pièces uniques, éditions limitées ou créations sur mesure – pensées pour s’intégrer avec justesse, dialoguer avec l’architecture et répondre aux attentes des professionnels de la décoration. Elle interprète également les œuvres d’artistes contemporains pour les collectionneurs, réalisant des pièces uniques ou de petites séries numérotées et signées. La précision du geste, la recherche de textures et la maîtrise des couleurs donnent naissance à des œuvres qui révèlent la matière tout en transformant subtilement le lieu qu’elles habitent. Guidée par ses racines nicaraguayennes autant que par l’héritage aubussonnais, elle compose des palettes sur mesure et imagine des textures où se rencontrent douceur, lumière et relief, dans une quête d’harmonie profondément sensible.
Ci-dessus : Mayling Steiner. En haut à droite et en bas à gauche : Maderas, tapisserie en laine, mohair, soie, fil de papier japonais et bois brûlé. A droite : Glycine en fleurs, tapisserie en laine et soie.
REINVENTED TAPESTRY
Master craftswoman Mayling Steiner, specialised in contemporary Aubusson tapestry, combines heritage craftsmanship with material exploration to create pieces that bring depth and vibrancy to a space. Within Atelier Steiner, she develops highend tapestries—unique pieces, limited editions, or bespoke creations—designed to integrate seamlessly, dialogue with architecture, and meet the expectations of design professionals. She also interprets works by contemporary artists for collectors, producing unique pieces or small numbered and signed editions. Precision of gesture, texture research, and mastery of colour result in works that reveal material while subtly transforming their environment. Guided as much by her Nicaraguan roots as by her Aubusson heritage, she composes bespoke colour palettes and imagines textures where softness, light, and relief converge in a deeply sensitive pursuit of harmony.
Above: Mayling Steiner. Top right and bottom left: Maderas, tapestry in wool, mohair, silk, Japanese paper thread, and burnt wood. Right: Wisteria in bloom, tapestry in wool and silk.
Atelier Steiner 23 route de Montluçon 23110 Fontanières
Spécialisée en peinture a fresco italienne depuis 1997, Solène Eloy complète sa formation par l’apprentissage de la dorure et le développement du verre églomisé. La recherche constante de nouveaux rendus en peinture, de nouvelles matières et motifs lui permet de démultiplier le champ des possibles et de se renouveler dans un style japonisant contemporain. « La méthode traditionnelle représente la base de mon travail, ensuite tout est une question de style. J’aime marier le passé et le présent dans des décors à la fois brut et précieux. » Son laboratoire propose ainsi une large palette de savoir-faire et des solutions esthétiques sur mesure qui prennent en compte les contraintes techniques de chaque projet. Les réalisations de grande envergure pour des Maisons de luxe, les collaborations avec des architectes d’intérieur pour des projets dans des hôtels, des restaurants, des boutiques, ou du résidentiel, en France et à l’étranger, ont forgé sa réputation. Plus qu’un atelier de décor mural, l’atelier Solène Eloy représente un style artistique reconnaissable, créatif et élégant.
Specialising in Italian buon fresco painting since 1997, Solène Eloy later expanded her training to include gilding and the development of verre églomisé. Her constant exploration of new painterly effects, materials and motifs allows her to continually broaden the creative possibilities and to reinvent her work within a contemporary, Japonisme-inspired aesthetic.
“Traditional techniques form the foundation of my work; everything else is a matter of style. I enjoy bringing together past and present in décors that are at once raw and refined.” Her studio functions as a true laboratory, offering a wide range of specialist skills and fully bespoke aesthetic solutions, always tailored to the technical constraints of each project. Largescale commissions for luxury Houses, as well as collaborations with interior architects on projects for hotels, restaurants, boutiques and private residences in France and internationally, have established her reputation. More than a wall décor studio, Atelier Solène Eloy embodies a distinctive artistic signature recognisable, creative and elegant.
Frédérique et Rob Whittle, tous deux diplômés d’Écoles des Beaux-Arts, créent des panneaux muraux sculptés sur mesure, en cohérence avec l’esprit des lieux. Leur passion pour la composition murale, pensée comme les grandes œuvres d’art, est alliée à leur créativité instinctive pour des motifs toujours réinventés. Leur matière est le plâtre, qui permet le jeu apaisant de la lumière sur les formes blanches, légères et épurées. Le résultat, de grandes sculptures en bas-reliefs, possédant une véritable poésie intemporelle. Leurs créations s’exposent à travers le monde au gré des projets des architectes qui leur font confiance : aux Thermes marins de Monaco, dans les boutiques Lanvin à Paris, Séoul et Tokyo, ainsi qu’à La Demeure Montaigne à Paris et récemment à Manhattan. Les créations de Frédérique et Rob Whittle participent aussi à des expositions artistiques, notamment au Grand Palais. Le duo d’artistes a déjà signé d’autres projets à New York à Jakarta et à Monaco.
Ci-dessus et page de droite : Frédérique et Rob Whittle. Cage d’escalier en bas-relief pour la boutique Lanvin à Paris.
CREATORS OF LOW RELIEFS
Frédérique and Rob Whittle, both graduates of Écoles des Beaux-Arts, create bespoke sculpted wall panels that resonate with the environments in which they are found. Their passion for mural composition is associated with an instinctive creativity for motifs that are continually re-invented. Through the medium of plaster they exploit a sensitive play of light across a plain of white forms.The results, large bas-relief sculptures infused with true intemporal poetry. Their works are exposed world-wide and integrated into projects by numerous architects that are confidant in the quality of their art ; the Thermal Baths in Monaco, Lanvin boutiques in Paris, Seoul and Tokyo as well as in the Demeure Montaigne in Paris and recently in Manhattan. Frédérique and Rob Whittle’s creations are also featured in art exhibitions, notably at the Grand Palais. The artist duo has already signed other projects in New York, Jakarta and Monaco.
Above and right page: Frédérique and Rob Whittle. Bas-relief staircase for the Lanvin boutique in Paris.
Frédérique et Rob Whittle 33 bis rue Beaumarchais 93100 Montreuil sous bois Tél. : +33 (0)6 08 26 03 24 frederiquewhittle@andmax.fr www.frederiquewhittle.fr frederiqueetrobwhittle
DÉCOR ET CRÉATION DE MATIÈRE
Fondé en 1971 par Patrick Thiery, Maître Artisan d’Art, l’Atelier Thiery incarne l’excellence de la dorure à la feuille et de la peinture décorative.
Aujourd’hui dirigé par Sébastien, Clément et Céline Thiery, cette entreprise familiale, labellisée « Entreprise du Patrimoine Vivant », collabore avec des architectes, des designers, des décorateurs et des artistes tant en France qu’à l’international. L’Atelier Thiery intervient sur des projets de décors classiques et contemporains dans des résidences privées, des hôtels et des boutiques de luxe, des restaurants, des yachts, en assurant toujours des prestations sur mesure haut de gamme. Expérimenté et toujours sensible aux effets de la matière conjugués aux gestes et techniques de son savoir-faire, l’Atelier Thiery ne cesse d’innover pour toujours inspirer les créatifs et les professionnels qui le sollicitent, quels que soient leurs univers. Implanté dans un lieu historique et emblématique de l’Artisanat d’Art au cœur de Paris, l’Atelier siège dans un environnement chargé d’une âme et d’un héritage singulier, qui demeurent une invitation permanente et stimulante à la créativité.
Ci-dessus : Clément, Sébastien et Céline Thiery. A droite : ce panneau décoratif associe un damier en feuilles d’aluminium à un décor peint aux nuances dégradées de bleus, évoquant l’eau et le ciel.
DECOR AND MATERIAL CREATION
Founded in 1971 by Patrick Thiery, Art Craftsman Master, the Atelier Thiery symbolises excellence in leaf gilding and decorative painting. Now run by Sébastien, Clément and Céline Thiery, this family company, which has been awarded the “Entreprise du Patrimoine Vivant” (Living Heritage Company) label, works with architects, designers, interior decorators and artists, both in France and abroad. Atelier Thiery is involved in classic and contemporary interior design projects for private residences, luxury hotels and boutiques, restaurants and yachts, always providing top-of-the-range bespoke solutions. Experienced and always sensitive to the effects of materials combined with the gestures and techniques of its savoir-faire, the Atelier Thiery never stops innovating to inspire the creative people and professionals who call on it, whatever their world. Located in a historic and emblematic Arts and Crafts location in the heart of Paris, l’Atelier Thiery is an environment imbued with a unique soul and heritage, which remain a permanent and stimulating invitation to creativity
Above: Clément, Sébastien and Céline Thiery. Right: this decorative panel combines an aluminum foil checkerboard pattern with a painted design in shades of blue, evoking water and sky.
Atelier Thiery
37 bis rue de Montreuil - 75011 Paris
Tél. : +33 (0)1 71 32 52 36
atelierthiery@gmail.com www.atelierthiery.fr
DES DÉCORS INSPIRÉS DE LA NAT URE
Emmanuelle Opezzo crée des décors contemporains sur mesure, fresques, basreliefs, papiers peints à la main, réalisés sur panneaux en bois, sur toile ou directement sur les murs, à destination des architectes d’intérieur, décorateurs et des particuliers. Emmanuelle explore la richesse des matières et des formes pour créer des œuvres où chaque détail révèle une histoire. Son travail, à la croisée de l’art, du design et de l’artisanat, est organique, infusé de la nature qui l’entoure, guidé par la quête du sensible et de l’harmonie. Emmanuelle Opezzo met son goût pour la matière et les couleurs au service de l’esthétisme, avec l’idée que l’art possède la noblesse de répondre à la nécessité du beau sans ambages. Dans son atelier, véritable laboratoire de recherche, elle fabrique ses peintures et ses pâtes avec des pigments et des liants naturels dans une démarche éco responsable : peinture à l’huile, caséine, colle de peau, terre crue ou chaux.
Emmanuelle Opezzo creates bespoke contemporary décors—frescoes, bas-reliefs and hand-painted wallpapers produced on wooden panels, on canvas or directly onto walls—for interior architects, decorators and private clients. She explores the richness of materials and forms to create works in which every detail reveals a story. Situated at the intersection of art, design and craftsmanship, her work is organic, infused with the natural world around her, and guided by a pursuit of sensibility and harmony. Emmanuelle Opezzo brings her affinity for materials and colour to the service of aesthetics, driven by the belief that art holds the inherent nobility of responding, without compromise, to the necessity of beauty. In her studio, a true research laboratory, she produces her own paints and compounds using natural pigments and binders as part of an ecoresponsible approach: oil paint, casein, animal glue, raw earth and lime.
Depuis plus de vingt ans, les Ateliers Berger imaginent et réalisent des décors sur mesure pour l’architecture de luxe. Notre signature : l’alliance du geste artisanal français et d’une écriture contemporaine, où textures, matières et lumières se répondent pour créer des univers d’exception. Guidés par la précision, la passion et le savoir-faire, nos ateliers collaborent avec des architectes d’intérieur pour transformer les espaces en œuvres d’art intemporelles. Les Ateliers Berger proposent une vision artistique, luxueuse et résolument contemporaine du décor, qu’il soit mural ou appliqué à un élément de mobilier. Créateurs de textures et de couleurs, ils composent des œuvres en mouvement, fruits d’un dialogue entre gestes et matière, où l’émotion naît du parfait équilibre entre savoirfaire techniques, souci de la perfection et liberté expressive.
For over twenty years, Ateliers Berger has been designing and creating bespoke interiors for luxury architecture. Our signature: a combination of French craftsmanship and contemporary design, where textures, materials, and lighting come together to create exceptional worlds. Guided by precision, passion, and expertise, our workshops collaborate with interior designers to transform spaces into timeless works of art. Ateliers Berger offers an artistic, luxurious, and resolutely contemporary vision of decoration, whether applied to walls or furniture. Creators of textures and colors, they compose works in motion, the result of a dialogue between gestures and materials, where emotion arises from the perfect balance between technical expertise, a concern for perfection, and expressive freedom.
Créateur verrier, Pauline Roy conçoit des objets décoratifs et du mobilier en verre fabriqués à la main et numérotés de 1 à 8. Elle réalise aussi des parois vitrées sur mesure et travaille à la commande pour des particuliers ou des architectes. S’inscrivant dans la longue tradition du verre, Pauline renoue avec la préciosité qu’on attribuait à ce matériau millénaire sous l’Egypte ancienne. Métamorphosé en des vases, photophores, tables gigognes ou miroirs, le verre explore un monde infini de textures différentes entre les mains expertes de Pauline. Un spectacle féerique qui nous rappelle à quel point la frontière entre objets décoratifs et œuvres d’art contemporain est ténue. Puisant son inspiration dans la nature environnante, Pauline Roy s’attache à en célébrer la beauté, la force et la fragilité dans chacun de ses motifs. Avec un don inné : trouver la subtile harmonie entre les pleins et les vides pour laisser la lumière traverser ses pièces uniques et donner vie à ses motifs.
Pauline Roy is an artisan engraver who designs handmade decorative glass objects and furniture marked with numbers from 1 to 8. She also creates custom glass panels and works to order for private clients and architects Following the long tradition of glass, Pauline revives the preciousness that was attributed to this ancient material in ancient Egypt. Transformed into vases, photophores, nesting tables or mirrors, glass explores an infinite world of different textures in Pauline’s expert hands. A magical show that reminds us how thin the boundary between decorative objects and contemporary artworks is. Drawing her inspiration from the surrounding nature, Pauline Roy strives to celebrate its beauty, strength and fragility in each of her designs. With an uncanny knack for finding the subtle harmony between fullness and emptiness to let the light shine through her unique pieces and give life to her designs.
Stéphanie Lay est diplômée major de l’école nationale supérieure des arts décoratifs, Mathias Gaillaguet est peintre et sculpteur. Ensemble, ils ont fondé l’Atelier l’étoile. Ils sont spécialisés dans la création de panneaux décoratifs, bas-reliefs et papiers peints à la main pour particuliers, architectes et décorateurs dans le monde entier. Les artistes de l’atelier subliment la beauté de l’inattendu. Ils travaillent le laiton avec des effets d’optique bluffants et développent des savoir-faire propres à l’atelier comme le craquelé kintsugi ou le scagliola contemporain. Leurs bas-reliefs libres, extrêmement raffinés sont une ode à la nature sauvage. Les plus grands décorateurs ne s’y trompent pas et font appel à leur profonde sensibilité poétique. Ils travaillent pour les agences Tristan Auer, Chahan, Maylis et Charles Tassin, Damien Langlois Meurine. Leurs dernières réalisations, un grand ensemble de bas-reliefs pour Jordan Arrivetz au domaine de Verchant, un motif japonais pour l’éditeur Canovas, un plafond sculpté pour le chef pâtissier du cheval blanc Maxime Frédéric et de nombreux décors pour des résidences privées.
Ci-dessus : Stéphanie Lay et Mathias Gaillaguet. A droite : « Sorbier des oiseaux », bas-relief. Sculpture en plâtre taille directe. Pièce unique, 100 x 150 cm, vente Piasa Le style Néoclassique par Cédric Saint André Perrin.
THE POETRY OF MATERIALS
Stéphanie Lay, top graduate of the École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, and Mathias Gaillaguet, painter and sculptor, cofounded Atelier l’Étoile. They specialise in the creation of decorative panels, bas-reliefs and hand-painted wallpapers for private clients, architects and decorators worldwide. The atelier’s artists celebrate the beauty of the unexpected. They work brass with striking optical effects and have developed unique inhouse techniques, such as kintsugi crackle and contemporary scagliola. Their free-form bas-reliefs, exquisitely refined, are an ode to untamed nature. Leading decorators recognise their deeply poetic sensibility and call upon them frequently. Their clients include the agencies Tristan Auer, Chahan, Maylis & Charles Tassin, and Damien Langlois Meurine. Recent projects include a large series of bas-reliefs for Jordan Arrivetz at Domaine de Verchant, a Japaneseinspired motif for publisher Canovas, a sculpted ceiling for pastry chef Maxime Frédéric of Le Cheval Blanc, and numerous decorations for private residences.
Above: Stéphanie Lay and Mathias Gaillaguet. Right: “Sorbier des oiseaux”, bas-relief. Direct-carved plaster sculpture. Unique piece, 100 x 150 cm. Sold by Piasa, Neoclassical Style by Cédric Saint André Perrin.
Depuis sa fondation en 1983, l’Atelier Camuset s’impose comme une référence discrète et incontournable dans le domaine de la peinture décorative d’exception. Reconnu par le label des EPV, cet atelier se distingue par sa capacité à sublimer les espaces à travers des décors qui allient tradition et modernité, en étroite collaboration avec les décorateurs d’intérieur et les architectes des monuments historiques. L’Atelier Camuset cultive un savoir-faire unique, qui mêle les techniques ancestrales à des techniques plus modernes de la peinture décorative. Il redonne vie aux grands classiques en réalisant avec finesse les imitations de matériaux précieux : pierres, marbres, bois, cuirs ou métaux, tout en perfectionnant l’art du trompel’œil et des ornementations délicates. L’atelier se distingue également dans l’art des enduits décoratifs modernes, offrant des solutions à la fois subtiles et audacieuses. Grâce à son savoirfaire, l’Atelier Camuset continue de magnifier l’art du décor et de sublimer avec élégance de belles adresses à travers le monde et continue de faire vivre cet incroyable patrimoine.
Ci-dessus : tableau de Lys dorés. A droite : hôtel Costes Paris, salon des colonnades. Couleurs et décors inspirés de l’église Saint-Germain-des-Prés. Décorateur Jacques Garcia.
GRAND DÉCOR À LA FRANÇAISE
Since its creation in 1983, Atelier Camuset has established itself as a discreet yet essential reference in exceptional decorative painting. Recognized with the EPV (Living Heritage Company) label, the atelier stands out for its ability to enhance spaces with decors that seamlessly blend tradition and modernity, in close collaboration with interior designers and architects of historical monuments. Atelier Camuset possesses a unique savoir-faire, combining both ancient and contemporary decorative techniques. It breathes new life into classic designs by imitating precious materials such as stone, marble, wood, leather, and metal, while mastering the art of trompe l’oeil and delicate ornamentation. The atelier also excels in modern decorative coatings, offering solutions that are both subtle and bold. Thanks to its expertise, Atelier Camuset continues to expand the art of decoration and the elegant enhancement of exquisite addresses worldwide, all while preserving this remarkable heritage.
Above: painting of Lys dorés. Right: Costes hotel Paris, salon des colonnades. Colors and decorations inspired by the Church of Saint-Germain-des-Prés. Interior designer Jacques Garcia.
Atelier Camuset
21 bis rue Pierre Leroux 75007 Paris
Tél. : +33 (0)1 53 58 50 50 www.ateliercamuset.fr
ateliercamuset
L’ATELIER DU DÉCOR PEINT
L’atelier Blundell & Therrien, fondé par Célina Blundell et Christophe Therrien, crée des décors spectaculaires pour les architectes, décorateurs, maisons de luxe et particuliers. Entourés d’une équipe d’artistes et d’artisans qualifiés, ils revisitent les codes des éléments décoratifs classiques à l’aune de leur regard résolument moderne. Avec une ambition avouée, redonner à la peinture et aux arts leur place dans la décoration. Leurs décors intemporels ornent les murs de projets audacieux pour les rendre uniques : Vranken Pommery, Moët & Chandon, Cartier, ainsi que des résidences privées à Paris, Londres ou Palm Beach, le Château de Versailles ou pour Wes Anderson... S’appuyant sur une solide connaissance des techniques anciennes, l’atelier manie l’art de la dorure, de la laque ou de la fresque pour les mettre au service de créations éclectiques : la dernière en date, le bas-relief de la boutique Cartier de Bruxelles, réalisé en papier mâché dans une démarche éco responsable.
The Atelier Blundell & Therrien, founded by Célina Blundell and Christophe Therrien, creates spectacular decors for architects, interior designers, luxury homes and private individuals. Surrounded by a team of skilled artists and craftsmen, they revisit the codes of classic decorative elements with a resolutely modern eye. Their avowed ambition is to restore painting and the arts to their rightful place in interior design. Their timeless decors adorn the walls of daring projects to make them unique: Vranken Pommery, Moët & Chandon, Cartier, as well as private residences in Paris, London or Palm Beach, the Château de Versailles or for Wes Anderson... Drawing on a solid knowledge of ancient techniques, the Atelier wields the art of gilding, lacquering and frescoing to create eclectic works: the latest being the basrelief for the Cartier boutique in Brussels, made from papier-mâché as part of an environmentally responsible approach.
Above: Célina Blundell and Christophe Therrien, founders of the Atelier Blundell & Therrien.
Après quinze années d’expérience dans le marché de l’art et le mobilier design haut de gamme, Clémence Danchin se forme à la marqueterie de bois et de paille à l’École Boulle et aux Ateliers Lison de Caunes. Elle fonde
Studio Poudre en 2021. Le studio conçoit des pièces de mobilier et des panneaux décoratifs muraux en marqueterie de bois. Il revisite les codes de cette discipline traditionnelle à travers des motifs contemporains, pensés comme des surfaces décoratives à part entière. Répétition, sinuosité et motifs animaliers structurent un vocabulaire graphique singulier, parfois inspiré de l’art aborigène. Studio Poudre s’adresse principalement aux professionnels de la décoration et de l’architecture intérieure pour des projets résidentiels, hôteliers, de restauration ou de retail, pour des commandes sur mesure et des projets spécifiques. En 2024, le studio signe notamment des réalisations d’envergure pour la Maison Diptyque et l’Hôtel Byblos, en collaboration avec l’Agence Laura Gonzalez.
Ci-dessus : Clémence Danchin.
A droite, en haut à gauche et en bas : panneaux décoratifs en marqueterie. En haut à droite : Venus en marqueterie pour l’artiste Léo Caillard.
MARQUETRY REINVENTED
After fifteen years of experience in the art market and high-end furniture design, Clémence Danchin trained in wood and straw marquetry at the École Boulle and the Ateliers Lison de Caunes. She founded Studio Poudre in 2021. The studio produces furniture and decorative wall panels in marquetry, reinterpreting this traditional craft through contemporary motifs conceived as decorative surfaces in their own right. Repetition, sinuous forms, and animal patterns create a distinctive graphic vocabulary, sometimes inspired by Aboriginal art. Studio Poudre works primarily with interior designers and architects on residential, hotel, restaurant, and retail projects, undertaking bespoke commissions and tailored creations. In 2024, the studio notably realised major projects for Maison Diptyque and the Hôtel Byblos, in collaboration with the Laura Gonzalez Agency.
Above: Clémence Danchin. Right, top left and bottom: decorative marquetry panels. Top right: Venus in marquetry for the artist Léo Caillard.
Studio Poudre 10 bis rue de la liberté 93500 Pantin
Tél. : +33 (0)6 15 45 64 19
info@studiopoudre.com www.studiopoudre.com
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MARQUETERIE INTUITIVE
C’est par héritage familial que Pierre-Henri Beyssac s’oriente d’abord vers le travail du bois, avant de découvrir la marqueterie, discipline qui révèle chez lui une patience et un goût prononcé pour la finesse et la précision. Peu à peu, il élargit ses formats, interroge son geste et s’empare de sujets plus contemporains, jusqu’à fonder Atelier Beyssac, son propre atelier de marqueterie. Dans une quête permanente de renouvellement, Pierre-Henri Beyssac confronte son savoir-faire aux tendances, aux technologies et à d’autres champs de connaissance. La nature devient une source d’inspiration majeure : la marqueterie se fait alors langage intérieur, écho sensible d’un cheminement personnel. Ses œuvres murales, composées avec une grande liberté, s’affranchissent volontairement du dessin préparatoire. Ce choix revendiqué favorise une forme de spontanéité et une vitesse d’exécution qui relèvent moins de l’efficacité que de l’élan créatif. Passionné de littérature, de langues et d’histoire, l’artiste compare volontiers son geste à une écriture automatique, où chaque trait est définitif, engagé, et profondément vivant.
A family heritage first drew Pierre-Henri Beyssac to working with wood, before he discovered marquetry, a discipline that revealed his remarkable patience and refined taste for precision. Gradually, he expanded his formats, questioned his technique, and explored more contemporary subjects, eventually founding Atelier Beyssac, his own marquetry studio. In a constant pursuit of renewal, Pierre-Henri Beyssac challenges his expertise against trends, technologies, and other fields of knowledge. Nature serves as a major source of inspiration: his marquetry becomes an inner language, a sensitive echo of a personal journey. His wall pieces, composed with great freedom, deliberately depart from preparatory drawings. This conscious choice encourages spontaneity and a pace of execution driven less by efficiency than by creative impulse. A passionate lover of literature, languages, and history, the artist often likens his process to automatic writing, where every stroke is definitive, deliberate, and profoundly alive.
Caroline Besse développe une pratique picturale fondée sur le minéral comme matériau de projet. À partir de pigments issus de pierres naturelles (lapis-lazuli, malachite, œil de tigre, jade...), elle conçoit des surfaces sur mesure appliquées à la main sur papier washi, cuir et textile (organza, soie…) en étroite relation avec les volumes, la lumière et l’usage des espaces. Forte d’un travail de recherche mené avec Sorbonne Université sur la cartographie chromatique des minéraux français, elle propose d’intégrer les minéraux issus des sites mêmes des projets dans le processus de création. Cette approche permet d’ancrer la matière picturale dans le territoire et d’engager un dialogue sensible entre lieu, matière et geste. Son travail, qu’il soit destiné aux architectes d’intérieur, décorateurs ou particuliers, enrichit les lieux par sa singularité et son élégance. Caroline est Lauréate du Grand Prix de la Création de la Ville de Paris en métiers d’art (2022).
Ci-dessus : Caroline Besse, collecte de minéraux. En haut à droite : composition de 27 panneaux, œil de tigre, jaspe, grenat doré. En bas à gauche : motif sur cuir, cornaline, calcite et corail.
MINERAL SURFACES
SITE-SPECIFIC PALETTES
Caroline Besse develops a pictorial practice in which mineral becomes a project material. Using pigments derived from natural stones (lapis lazuli, malachite, tiger’s eye, jade…), she creates bespoke surfaces, applied by hand on washi paper, leather, and textiles (organza, silk…), in close dialogue with volume, light, and the use of space. Building on research conducted with Sorbonne University on the chromatic mapping of French minerals, she offers to integrate minerals sourced directly from project sites into the creative process. This approach anchors the pictorial material in its territory and establishes a sensitive dialogue between place, matter, and gesture. Whether created for interior architects, decorators or private clients, his work enhances spaces through its singularity and elegance. Caroline is winner of the Grand Prix de la Création de la Ville de Paris in Crafts (2022).
Above: Caroline Besse, mineral collection. Top right: composition of 27 panels, tiger’s eye, jasper, golden garnet. Bottom left: pattern applied on leather, carnelian, calcite, and coral.
L’Atelier de Ricou est né en 1989 de la rencontre de deux esthètes, Cyril et Stéphanie de Ricou, et de deux savoir-faire : la restauration de décors pour les Monuments Historiques et la création de décors contemporains dont il est l’un des précurseurs. Aujourd’hui, l’Atelier de Ricou réunit une quarantaine de spécialistes pluridisciplinaires : peintres, matiéristes, doreurs, sculpteurs, restaurateurs, mais aussi un bureau d’étude et ingénierie ainsi qu’un pôle consacré à histoire de l’art... Tous issus d’univers divergeants mais partageant la même passion du décor et la volonté de réveiller l’esprit des lieux dans lesquels ils opèrent. Ainsi, avec un patrimoine de plus de 500 chantiers, de l’hôtel Lutetia à un loft new-yorkais en passant par le Grand Palais, l’Atelier de Ricou allie capacité et connaissances approfondies de l’histoire de l’architecture et des techniques rares et anciennes, lui permettant de mener à bien avec sensibilté des projets de toutes tailles, les plus créatifs et les plus exigeants.
A droite : mise au jour, restauration et complément des décors du bar Joséphine, Hôtel Lutétia, Paris.
SPECIALISTS IN MURAL DECORATIONS
The Atelier de Ricou was launched in 1989 when two aesthetes, Cyril and Stéphanie de Ricou, joined the forces of their two areas of expertise: decorative restoration for Historical Monuments and the creation of contemporary décors, of which Atelier de Ricou is a precursor. Today, the Atelier comprises some forty specialists from a variety of decorative fields painters, matierists, sculptors, restorers, gilders and is supported by a design office and art historians. Despite their divergent backgrounds, each specialist brings their talent to a team forged by a common love of decor and the desire to awaken the identity of the places in which they work. With more than 500 projects to its credit, such as the Hôtel Lutétia, a New York loft or the Grand Palais - Atelier de Ricou combines capacity and indepth knowledge and in-depth knowledge of architectural history and rare techniques allows them to bring complex and ambitious projects of nearly any scale to fruition with the utmost sensibility.
Right: uncovering, restoration, and completion of the décor in the Joséphine bar, Hôtel Lutétia, Paris.
Atelier de Ricou
51 rue de Visien
92400 Courbevoie
Tel : +33 (0)1 46 91 07 55 www.atelierdericou.com
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DÉCORS SUR MESURE
L’Atelier Eloïse d’Argent, spécialisé dans la peinture décorative et la dorure, conçoit et réalise des décors sur mesure, pensés en étroite relation avec l’architecture et l’identité des lieux. L’atelier intervient également dans la restitution de décors originaux. Son travail s’appuie sur une connaissance approfondie des styles décoratifs et la maîtrise des techniques traditionnelles et contemporaines, au service d’une écriture décorative exigeante. Chaque projet peut naître d’un brief précis, d’une démarche de création partagée ou déléguée, et se développe à partir des contraintes du site, des usages et des intentions esthétiques. Des réalisations en France et à l’international, dans des lieux d’exception privés comme publics, permettent à l’Atelier Eloïse d’Argent de déployer ses savoirfaire sur une grande variété de supports : murs, lambris, toiles, tissus, carreaux de faïence ou encore verre églomisé, au service d’une clientèle en quête d’excellence.
A droite : décor réalisé sur carreaux de faïence à la manière des azulejos.
Atelier Eloïse d’Argent
BESPOKE PAINTED DECORATIONS
The Atelier Eloïse d’Argent specialises in decorative painting and gilding, designing and executing bespoke decorative projects conceived in close dialogue with the architecture and identity of each setting. The studio also undertakes the reproduction of original decorative settings. Its work is rooted in an indepth knowledge of decorative styles and in the mastery of both traditional and contemporary techniques, serving a rigorous and highly refined decorative language. Each project may stem from a clearly defined brief, a shared creative process or a delegated artistic direction, and develops in response to the constraints of the site, patterns of use and aesthetic intent. With projects completed in France and internationally, in exceptional private as well as public environments, Atelier Eloïse d’Argent deploys its expertise across a wide range of surfaces, including walls, panelling, canvases, textiles, ceramic tiles and églomisé glass, serving a discerning clientele in pursuit of excellence.
Ombre d’Or est né de la rencontre entre Laura Brault, architecte d’intérieur et designer mobilier, et Yohann Michaud, céramiste et designer formé à Limoges au sein de maisons d’excellence. Depuis plusieurs années, leur dialogue donne naissance à une approche singulière, où artisanat et design se conjuguent pour magnifier les lieux. Installé à Vincennes, leur atelier fonctionne comme un laboratoire de création, nourri par des références multiples mêlant culture artistique, matière, symbolique et observation du vivant. Ils y dessinent et développent du mobilier où la céramique dialogue avec d’autres matériaux. La porcelaine y est mise en forme à partir de moules réalisés à l’atelier, émaillée selon des recettes exclusives et cuite à haute température, révélant des cristallisations uniques. En parallèle, le studio imagine et conçoit des espaces sur mesure, guidés par la neuroarchitecture et le feng shui contemporain. Lumière, matière, proportions et symbolique décorative s’accordent pour créer des lieux apaisants et harmonieux.
Ci-dessus : Yohann Michaud et Laura Brault
A droite : tabouret « Visconti » en faïence émaillée. Son fût cylindrique est orné d’un motif gravé à la main, inspiré des cuirs de Cordoue et du tarot Visconti-Sforza. Velours Dedar.
THE ALCHEMY OF PORCELAIN
Ombre d’Or emerged from the meeting of Laura Brault, interior architect and furniture designer, and Yohann Michaud, ceramist and designer trained in Limoges within houses of excellence. For several years, their dialogue has given rise to a distinctive approach, where craftsmanship and design combine to enhance spaces. Based in Vincennes, their Atelier operates as a creative laboratory, nourished by multiple references blending artistic culture, material exploration, symbolism and observation of the living. They design and develop furniture in which ceramics engage in dialogue with other materials. Porcelain is shaped using moulds made in the Atelier, glazed according to exclusive recipes and fired at high temperatures, producing unique crystallisations. In parallel, the studio conceives and designs bespoke spaces, guided by neuroarchitecture and contemporary feng shui. Light, materiality, proportions and decorative symbolism are harmonised to create calming and balanced environments.
Above: Yohann Michaud and Laura Brault. Right: “Visconti” stool in glazed earthenware. Its cylindrical base is adorned with a hand-engraved pattern inspired by Cordovan leather and the Visconti-Sforza tarot. Dedar velvet.
C’est sans doute la poésie familière qui émane du mobilier contemporain et des objets de décoration d’Alexandre Labruyère qui séduit tant son public toujours plus nombreux. Féru de voyages à vélo, ce designer de mobilier nourrit son imaginaire de paysages sauvages et naturels et de rencontres humaines hautes en couleurs. Une source d’inspiration inépuisable pour imaginer, dessiner et fabriquer ! Faisant appel à des techniques issues de l’ébénisterie, Alexandre Labruyère métamorphose les essences de bois nobles directement sourcées dans ses chers Hauts-de-France en des pièces sur mesure conçues à la demande. Entre ses mains expertes, le chêne, le frêne, le sycomore ou le chêne rouge prennent des allures designs à la légèreté et à la simplicité sans égales. Cultivant une quête du Beau, Alexandre Labruyère n’a pas son pareil pour conférer à ses créations une forme d’évidence à celui qui les regarde. Évidence de la fonction et de l’usage, évidence de la juste ligne, et enfin, évidence de l’émotion
The familiar poetry that emanates from Alexandre Labruyère’s contemporary furniture and decorative objects is undoubtedly what appeals so much to his ever-growing public. A keen cyclist, this furniture designer feeds his imagination with wild, natural landscapes and colorful human encounters. An inexhaustible source of inspiration for imagining, designing and manufacturing! Using techniques derived from cabinetmaking, Alexandre Labruyère transforms noble woods sourced directly from his beloved Hauts-de-France into custom-made pieces. In his expert hands, oak, ash, sycamore and red oak take on a design allure of unrivalled lightness and simplicity. Cultivating a quest for beauty, Alexandre Labruyère is unrivalled in giving his creations a form of evidence to the beholder. Obviousness of function and use, obviousness of the right line, and finally, obviousness of emotion
Loursel crée un univers où métal et verre dialoguent et se transforment au contact de la flamme. Formée aux arts du métal au sein d’un collectif de plasticiens puis à l’Ecole Boulle, elle développe une sensibilité forte pour les matières chauffées, déformées, sublimées par le geste. Sa maîtrise du verre soufflé, perfectionnée auprès de Jeremy Maxwell Wintrebert puis au Danemark, devient l’autre pilier de sa pratique. Dans son atelier normand, elle imagine des pièces qui explorent la trace, la réparation et le rapport intime entre matière et émotion. Mètis joue sur les transparences bleutées, Témoin met en scène la fragilité transformée, Superbia interroge le reflet et la déformation du miroir. Luminaires, sculptures ou objets symboliques naissent d’un savoir-faire exigeant - soufflage à mains levées, filigrane, overlay, cintrage du laiton - allié à une intuition qui accorde toujours une place centrale au feu. Des œuvres sensibles où chaque élément trouve sa juste place.
A glassblower and artistic bronzier, Ludivine Loursel creates a world where metal and glass converse, transformed by the touch of flame. Trained in metal arts within a collective of visual artists, then at Ecole Boulle, she developed a strong sensitivity to heated, deformed materials, elevated through gesture. Her mastery of blown glass, honed with Jeremy Maxwell Wintrebert and in Denmark, forms the other pillar of her practice. In her Normandy studio, she designs pieces exploring trace, repair, and the intimate dialogue between material and emotion. Mètis plays with bluish transparencies, Témoin stages transformed fragility, and Superbia examines reflection and mirror distortion. Lamps, sculptures, and symbolic objects emerge from exacting craftsmanshipwfreehand glassblowing, filigree, overlay, and brass bending guided by an intuition that always places fire at the centre. Sensitive works where each element finds its rightful place.
Le couple Chartrain met son savoir-faire au service de créations où la matière devient langage. Depuis plus de quinze ans, Franck
Chartrain façonne avec passion le fer forgé, le laiton, le bronze, le bois brûlé en pièces d’art et objets fonctionnels. À ses côtés, Angélique
Chartrain dirige la création en insufflant à chaque œuvre une histoire, une texture exclusive et une identité visuelle nourrie de mythologies, de nuances et de matières nobles. Ensemble, ils conçoivent des pièces incrustées de fossiles, de céramiques cristallisées ou de pierres précieuses, révélant une esthétique à la fois contemporaine et intemporelle. Chartrain Collection est une ligne d’arts appliqués et de pièces uniques entièrement imaginées et réalisées dans leur atelier. Le couple intervient à chaque étape pour créer des œuvres présentes dans des résidences privées d’exception à travers le monde, ainsi que dans des galeries et Maisons de luxe internationales. Chaque pièce Chartrain Collection est une rencontre entre matière, couleur et émotion - un trésor forgé à quatre mains.
The Chartrain couple devotes their expertise to creations where materials become a language of their own. For more than fifteen years, Franck Chartrain has passionately shaped wrought iron, brass, bronze, burnt wood into art pieces and functional objects with a singular presence. By his side, Angélique Chartrain leads the creative direction, infusing each work with a story, an exclusive texture and a visual identity enriched by mythology, subtle nuances and noble materials. Together, they design pieces inlaid with fossils, crystallized ceramics or precious stones, revealing an aesthetic that is both contemporary and timeless. Chartrain Collection is a line of applied arts and one-of-a-kind pieces entirely conceived and crafted in their workshop. The couple oversees every stage to create works now found in private residences around the world, as well as in international luxury galleries and Maisons. Each Chartrain Collection piece is a meeting between material, colour and emotion—a treasure forged by four hands.
Artiste et sculpteur, Samuel Latour développe une pratique profondément liée à la matière et aux gestes qui la façonnent. Formé au tournage d’art à l’Ecole Boulle, il travaille le bois, le bronze ou le plâtre comme autant de terrains d’expérimentation, chaque matériau appelant une approche technique spécifique, du tournage au moulage, de la ciselure à l’assemblage. Au cœur de son travail, Samuel Latour explore ce qu’il nomme une « écriture du volume ». Lignes, tracés, répétitions de motifs et géométries esquissées structurent des formes abstraites où se jouent des tensions entre équilibre et mouvement. Chaque sculpture garde visibles les gestes et les marques de sa fabrication. Pensée comme un espace de recherche sensible, sa sculpture se découvre autant par le regard que par le toucher. Son travail, soutenu par la Fondation Rémy Cointreau, figure également dans le Homo Faber Guide de la Michelangelo Fondation, qui distingue l’excellence des métiers d’art et du savoir-faire contemporain.
Ci-dessus : Samuel Latour. En haut à droite : série Collision en bronze patiné. H. de 95 à 19 cm. En bas à gauche : Gravitation n°1.5 en bronze patiné. H.150 cm x Ø 19 cm. A droite : série Collision.
WRITING IN VOLUME
Artist and sculptor Samuel Latour develops a practice deeply connected to material and the gestures that shape it. Trained in artistic turning at the Ecole Boulle, he works with wood, bronze, and plaster as fields for experimentation, each material demanding a specific technical approach—from turning to casting, chiselling to assembly. At the heart of his work, Samuel Latour explores what he calls a “writing in volume”. Lines, markings, repeated motifs, and sketched geometries structure abstract forms where tension between balance and movement plays out. Each sculpture retains visible traces of its making. Conceived as a space for sensitive research, Samuel Latour’s work is meant to be experienced both visually and tactilely.Supported by the Rémy Cointreau Foundation, Samuel Latour’s work is also featured in the Homo Faber Guide by the Michelangelo Foundation, which recognises excellence in contemporary craftsmanship and artistic expertise.
Above: Samuel Latour. Top right: Collision series in patinated bronze. H. 95–19 cm.
Bottom left: Gravitation n°1.5 in patinated bronze. H.150 cm x Ø 19 cm. Right: Collision series.
L’Atelier Monochrome présente les céramiques de Myrtille Ronteix. La créatrice se nourrit du design scandinave, de l’épure japonaise et de la poésie de la renaissance italienne pour créer des œuvres élégantes et raffinées. Fleurs, lampes et petits mobilier, installations murales et art de la table séduisent une clientèle de professionnels (architectes et designers), mais aussi de particuliers. Chaque pièce est réalisée à la main et le plus souvent sur mesure. Entre force et subtilité, minimalisme et raffinement, les créations font la part belle aux formes simples sans renier sur le beau, ni sur l’utile ! Pour découvrir les collections de Myrtille Ronteix, rendez-vous dans son atelier-showroom, rue de Verneuil à Paris, véritable lieu de création et d’échange dans lequel se croisent d’autres artistes et artisants avec lesquels elle collabore et dont on peut également découvrir le travail.
The Atelier Monochrome presents the ceramics of Myrtille Ronteix. The designer draws on Scandinavian design, Japanese purity and the poetry of the Italian Renaissance to create elegant and refined works. Flowers, lamps and small furniture, wall installations and tableware seduce a clientele of professionals (architects and designers), but also private individuals. Each piece is handmade and most often custom-made. Between strength and subtlety, minimalism and refinement, the creations give pride to simple forms without neglecting beauty or utility! To discover Myrtille Ronteix’s collections, go to her workshop-showroom, rue de Verneuil in Paris, a real place of creation and exchange in which you can meet other artists and craftsmen with whom she collaborates and from whom you can also discover their work.
Au cœur du travail de Marianne Guély, le papier est un territoire d’exploration infini. Matière vivante, terrain de recherche et de création sans frontières, il est au centre des expérimentations menées par le Studio Marianne Guély. Manipulé, transformé, détourné, il se révèle à travers une approche sensible, poétique et exigeante, où chaque projet repousse les limites du possible de l’infiniment petit à l’infiniment grand. Le Studio Marianne Guély - véritable agence de création 360 - accompagne les plus belles maisons de haute facture dans la création d’univers singuliers, en faisant dialoguer techniques innovantes et savoir-faire artisanaux. Chaque réalisation naît d’un équilibre subtil entre poésie, précision et audace, sans jamais transiger sur l’excellence. Qu’il s’agisse de projets de recherche, de créations sur mesure ou de pièces d’exception, le papier devient un langage à part entière. Globetrotteuse insatiable, Marianne Guély nourrit sa démarche au fil de ses voyages, où elle chine matériaux rares, gestes ancestraux et techniques transversales.
At the heart of Marianne Guély’s work, paper is an endless territory for exploration. A living material, a field for research and limitless creativity, it lies at the centre of the experiments undertaken by Studio Marianne Guély. Manipulated, transformed, and reimagined, it is revealed through a sensitive, poetic, and rigorous approach, where each project pushes the boundaries of what is possible, from the tiniest detail to monumental scale. Studio Marianne Guély—a fully-fledged 360° creative agency—collaborates with the most prestigious houses to craft singular worlds, blending innovative techniques with artisanal expertise. Each project emerges from a delicate balance of poetry, precision, and boldness, without ever compromising on excellence. Whether research projects, bespoke commissions, or exceptional pieces, paper becomes a language in its own right. An insatiable traveller, Marianne Guély draws inspiration from her journeys, sourcing rare materials, ancestral techniques, and crossdisciplinary methods along the way.
Studio Marianne Guély 46 rue de Provence – 75009 Paris Tél. : + 33 (0)1 48 74 52 32 contact@marianne-guely.com www.marianne-guely.com
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LE DESIGN DE DEMAIN
Studio de design parisien, l’atelier Franck Genser s’est spécialisé dans la création et la fabrication de pièces de mobilier sur mesure et de luminaires d’exception. Combinant l’artisanat traditionnel et les tendances contemporaines, il donne vie à des objets vibrants d’émotions nés de l’imagination de son fondateur. Fasciné par l’âme des objets, Franck Genser crée son atelier en 2015. Conscient de la nécessité de mêler différents savoir-faire d’exception pour élaborer une pièce hors du commun, il s’entoure d’une équipe pluridisciplinaire composée d’ingénieurs et artisans d’art. Fruit d’une démarche singulière, chaque pièce estampillée Franck Genser allie fonctionnalité, art et émotion. Fer-de-lance du luxe et de l’art de vivre à la française, l’atelier ne travaille que les matières nobles à l’instar du noyer, du parchemin, du marbre ou encore de la laque japonaise. Une habile manière de transcender les époques au moyen de créations à l’élégance intemporelle et aux détails raffinés.
Ci-dessus : Franck Genser. Bureau Chumtak. Piètement en noyer américain et plateau en laque sfumato. Il dispose de deux tiroirs gainés en veau plongé bleu. A droite : luminaire SUN en albâtre, de la collection Cascade. Fauteuil Scarf - Table Brutaliste en granite et pieds en chêne.
Atelier Franck Genser is a Paris-based design studio that creates and manufactures bespoke furniture and exceptional lighting. This innovative studio combines traditional craftsmanship and contemporary trends to develop vibrant, expressive pieces born of the imagination of its founder. Fascinated by the soul of objects, Franck Genser created his studio in 2015, driven by desire to unite remarkable know-how across different trades to develop unique pieces. To edify this distinctive transdisciplinary approach to design, he works with a team of engineers and artisans to produce Franck Genser creations, which combine functionality, artwork and emotion. Spearhead of luxury and French style, the studio employs noble materials such as walnut, parchment, marble and Japanese vegetable lacquer. With timeless elegance and refined details, each creation ingeniously transcends eras.
Depuis 1963, Atelier de la Boiserie célèbre la beauté, la pérennité et les savoir-faire à travers la création et la restauration de menuiseries d’exception. L’entreprise perpétue une tradition artisanale exigeante en s’appuyant sur les compétences de ses ateliers de Paris et d’Avignon, où la maîtrise du geste, le respect des matériaux nobles et la précision d’exécution sont au cœur de chaque projet. En étroite collaboration avec des architectes et décorateurs de renom, Atelier de la Boiserie façonne des espaces où élégance et raffinement dialoguent avec l’architecture. Parmi ses références figurent le Pavillon Royal de la Muette, l’Abbaye des Vaux-de-Cernay, le Palais des Papes ou encore la boutique Cartier rue de la Paix. L’ouverture récente d’une filiale à Miami illustre sa volonté de répondre au plus près aux attentes de sa clientèle américaine et d’accompagner son développement international, aux côtés de chantiers menés aux quatre coins du monde.
Founded in 1963, Atelier de la Boiserie is dedicated to the creation and restoration of exceptional architectural woodwork, celebrating enduring beauty and craftsmanship. Rooted in a long-standing artisanal tradition, the company draws on the expertise of its workshops in Paris and Avignon, where precision, material integrity and mastery of craft define every project. Working alongside leading architects and interior designers, Atelier de la Boiserie contributes to the creation of refined spaces where craftsmanship enhances architecture. Its portfolio includes landmark projects such as the Pavillon Royal de la Muette, the Abbaye des Vaux-de-Cernay, the Palais des Papes and the Cartier boutique on Rue de la Paix. The recent opening of a Miami-based subsidiary marks a new chapter in the company’s international development, strengthening its ability to serve American clients while delivering exceptional projects worldwide.
Tél. : +33 (0)4 90 74 15 711035 NE 125th Street, Suite 310 North Miami, FL33133 www.atelierdelaboiserie.fr
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HAUTE FACTURE
Fondée en 1951, DGM, reconnue Entreprise du Patrimoine Vivant, est un atelier d’ébénisterie spécialisé dans la fabrication de mobilier de haute facture. L’atelier réunit une équipe d’une douzaine d’artisans, expérmentés. Chaque pièce est suivie de l’étude à la fabrication, garantissant un contrôle précis des gestes, des choix techniques et des finitions. Cette autonomie repose sur un bureau d’études intégré, structuré en deux pôles complémentaires : pré-production et production. Tournée vers l’international, avec plus de 80 % des projets réalisés pour les États-Unis, DGM maîtrise les contraintes liées au transport, au conditionnement et à l’installation de mobilier d’exception, y compris dans des contextes spécifiques comme le yachting. L’atelier est également reconnu pour son expertise en restauration de mobilier ancien. En juillet 2025, DGM rejoint le Groupe Atelier d’Excellence, qui comprend également Maison Fey et Siegeair. Cette intégration s’inscrit dans une vision partagée, fondée sur l’exigence artisanale, l’autonomie des ateliers et la réalisation de projets de très haut niveau.
Founded in 1951, DGM, recognised as an Entreprise du Patrimoine Vivant, is a cabinetmaking workshop specialising in the creation of high-end furniture. The atelier brings together a team of around a dozen highly skilled craftsmen. Each piece is carefully overseen from design through production, ensuring precise control over every gesture, technical choice, and finish. This autonomy is supported by an integrated design office, structured into two complementary departments: pre-production and production. Internationally focused, with over 80% of projects completed for clients in the United States, DGM manages the challenges of transporting, packaging, and installing exceptional furniture, including in specialised contexts such as yachting. The workshop is also renowned for its expertise in the restoration of antique furniture. In July 2025, DGM joined the Groupe Atelier d’Excellence, which also includes Maison Fey and Siegeair. This integration reflects a shared vision rooted in artisanal excellence, workshop autonomy, and the execution of projects of the highest standard.
Fondée en 1875, la maison familiale s’inspire des boiseries anciennes et des ornements dont elle possède l’une des plus belles collections au monde, pour offrir une réponse sur mesure aux grands décorateurs contemporains. Pour réinterpréter ces décors iconiques du XVIIe au XXe siècles créés par Claude-Nicolas Ledoux, Francois-Joseph Bélanger, Percier & Fontaine, Armand-Albert Rateau, Jacques-Emile Ruhlmann, Emilio Terry…, FÉAU BOISERIES, référence mondiale de la boiserie classique et contemporaine, s’appuie sur l’expertise et le savoir-faire unique d’équipes passionnées. De Paris à New York, de Tokyo à Bangkok, de Londres à Palm Beach, FÉAU BOISERIES fait rayonner le luxe à la française partout dans le monde et a su faire entrer les décors de boiseries classiques dans le XXIème siècle. De la conception du décor à sa fabrication et à son installation, les techniques traditionnelles et l’innovation de nos artisans français se complètent pour sublimer chaque réalisation et créer des lieux d’exception.
Founded in 1875, the family-owned company draws inspiration from antique boiseries and ornamentation, of which it possesses one of the finest collections in the world, to offer tailormade to contemporary interior designers. To reinterpret the iconic designs created between the 17th and 20th centuries by Claude-Nicolas Ledoux, François-Joseph Bélanger, Percier & Fontaine, Armand-Albert Rateau, JacquesÉmile Ruhlmann, and Emilio Terry among others, FÉAU BOISERIES, a global reference for classic and contemporary wood paneling, relies on the expertise and unique savoir-faire of its passionate teams. From Paris to New York, Tokyo to Bangkok, London to Palm Beach, FÉAU BOISERIES brings French luxury to the world and has successfully carried classic wood paneling into the 21st century. From design through manufacturing and installation, the traditional techniques and innovation of their French artisans come together to elevate every project and create exceptional rooms.
9 rue Laugier - 75017 Paris contact@feauboiseries.com
D&D Building 979 Third Avenue, 5th Floor - NY 10022 contact@feauboiseries-inc.com www.feauboiseries.com
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ARTISAN ÉBÉNISTE PASSIONNÉ
Implanté en région parisienne, l’atelier AEVB Ébénisterie réalise des projets d’agencement sur mesure haut de gamme et de fabrication de meubles classiques ou contemporains. Sous la direction de Vincent Béquignon, l’atelier s’est forgé une solide réputation autour de ses pièces uniques qui mêlent savoir-faire et modernité. Après une triple formation en CAP ébéniste, CAP dessinateur en ameublement et Brevet des métiers d’art du centre de formation de La Bonne Graine à Paris, cet artisan ébéniste passionné s’est donné pour mission de sublimer les intérieurs avec ses créations aussi esthétiques que fonctionnelles. Attachant une importance prépondérante au choix de matières nobles ainsi qu’à leur provenance, Vincent Béquignon cultive la perpétuation des techniques ancestrales d’ébénisterie. Une habile manière de respecter les matériaux qu’il travaille avant de leur donner vie... Le bureau d’étude intégré se tient à la disposition de sa clientèle pour imaginer les pièces de demain au gré de ses désirs. Laissez parler vos envies !
Ci-dessus : Vincent Béquignon, fondateur de l’atelier AEVB. A droite : buffet en plalissandre de Santos.
PASSIONATE CABINETMAKER
Based in the Paris region, the AEVB Ébénisterie workshop carries out high-end customdesign projects and manufactures classic and contemporary furniture. Under the direction of Vincent Béquignon, the workshop has forged a solid reputation around its unique pieces, which combine expertise and modernity. After completing a three-year training program (CAP cabinetmaker, CAP furniture designer and Brevet des métiers d’art) at the La Bonne Graine training center in Paris, this passionate cabinetmaker has made it his mission to enhance interiors with creations that are as aesthetically pleasing as they are functional. Attaching paramount importance to the choice of noble materials and their provenance, Vincent Béquignon cultivates the perpetuation of ancestral cabinetmaking techniques. A skilful way of respecting the materials he works with before bringing them to life... The in-house design office is at his customers’ disposal to imagine tomorrow’s pieces according to their desires. Let your desires speak for themselves!
Above: Vincent Béquignon, founder of the AEVB workshop. Right: Santos plywood sideboard.
Installé en Haute-Savoie, l’Atelier Alban Chassagne explore un artisanat du bois à la fois précis, contemporain et profondément sensible. Chaque création - mobilier, objet, luminaires ou agencements sur mesure - est pensée comme une pièce d’équilibre, où rigueur architecturale et émotion du geste s’accordent pour laisser la matière s’exprimer avec justesse. Travaillant main dans la main avec les architectes d’intérieur et les décorateurs, Alban Chassagne conçoit des objets uniques, capables de s’intégrer avec cohérence dans chaque projet. Le bois y devient un véritable langage, révélant lumière, texture et chaleur sans jamais en faire trop. L’atelier fonctionne comme un laboratoire où se croisent savoir-faire traditionnel, expérimentations, et dialogue entre matériaux rares ou atypiques. Chaque projet est abordé comme une pièce unique, dessinée et ajustée avec précision, dans une recherche constante de justesse, de simplicité et de sens. Entre collaborations et créations signature plus libres, Alban Chassagne développe une écriture personnelle.
Based in Haute-Savoie, Atelier Alban Chassagne explores a woodworking craft that is precise, contemporary, and poetic. Each creation, from furniture and objects to lighting and bespoke fittings, is conceived as a balanced piece, where architectural rigour and the emotion of gesture combine to allow the material to express itself with subtle precision. Working closely with interior architects and decorators, Alban Chassagne designs unique objects that integrate seamlessly into each project. Wood becomes a true language, revealing light, texture, and warmth without ever being excessive. The atelier functions as a laboratory where traditional expertise meets experimentation, and where rare or unconventional materials are engaged in dialogue. Every project is treated as a unique piece, drawn and adjusted with care, in a constant pursuit of precision, simplicity, and meaning. Through collaborations and more expressive signature creations, Alban Chassagne develops a personal design language.
L’atelier Hadrian conçoit l’agencement architectural et le mobilier sur mesure comme une réponse sensible aux lieux et à ceux qui les habitent. Chaque projet débute par une écoute attentive afin de comprendre les usages, les contraintes et les envies, pour dessiner un intérieur à la fois fonctionnel, fluide et personnel. De la conception aux plans techniques, des esquisses aux vues 3D, l’atelier accompagne chaque étape avec précision. Les volumes existants sont révélés, les lignes soulignées, les matières et la lumière mises en dialogue. Le mobilier, entièrement conçu sur mesure, s’inscrit naturellement dans l’espace. Nourrie par une culture du voyage, Italie, Japon, Scandinavie, l’écriture de l’atelier Hadrian mêle rigueur architecturale et créativité maîtrisée. Le choix des matériaux, exclusivement français, privilégie des bois nobles et durables. De la fabrication artisanale à l’installation finale, chaque pièce est façonnée à la main pour créer des intérieurs uniques, pensés pour durer. L’atelier collabore avec les architectes d’intérieur ainsi que les particuliers.
Ci-dessus : Hadrian Gobin.
A droite : conception et réalisation, atelier Hadrian.
THE ART OF BESPOKE DESIGN
Atelier Hadrian approaches architectural layouts and bespoke furniture as a sensitive response to both the spaces and the people who inhabit them. Each project begins with attentive listening to understand usage, constraints and desires, allowing the creation of interiors that are functional, fluid and personal. From concept development to technical plans, from sketches to 3D visualisations, the Atelier guides every stage with precision. Existing volumes are highlighted, lines emphasised, and materials and light brought into dialogue. The furniture, entirely bespoke, integrates seamlessly within each space. Inspired by a culture of travel— taly, Japan, Scandinavia—Atelier Hadrian’s design language combines architectural rigour with controlled creativity. Materials are exclusively French, favouring noble and sustainable woods. From artisanal fabrication to final installation, each piece is meticulously handcrafted to create unique interiors designed to endure. The Atelier collaborates with interior architects as well as private clients.
Maison d’édition et de transmission, la galerie MCDE est une entreprise familiale dirigée par Pierre-Emmanuel Risch, accompagné de son épouse Carole et de sa mère Dominique Delavaine. Depuis plus de 40 ans, ils perpétuent avec passion l’héritage de Pierre Chareau, figure majeure de l’architecture moderne et du design. Galerie MCDE édite 80 pièces de son répertoire, reconnu pour ses lignes épurées et audacieuses, intégrant mécanismes pivotants, structures métalliques apparentes et bois précieux. Les luminaires, associant métal, bois et albâtre, offrent une lumière douce et sculpturale. Installée au cœur du 7ᵉ arrondissement de Paris, la galerie invite à découvrir le génie intemporel de Pierre Chareau et l’influence de son œuvre qui continuent d’inspirer designers et amateurs de mobilier d’exception. Chaque pièce de mobilier et de luminaire est réalisée artisanalement dans ses ateliers situés dans les Vosges. La galerie ouvre aujourd’hui son catalogue à des créateurs contemporains, proposant des collaborations audacieuses qui prolongent le vocabulaire singulier de cette figure emblématique et du mouvement Art déco.
Ci-dessus : Carole et Pierre-Emmanuel Risch et Dominique Delavaine, dirigeants de la galerie MCDE. A droite : galerie Pierre Chareau à Paris.
THE PIERRE CHAREAU LEGACY
Heritage and furniture reissue house, Galerie MCDE is a family-run business led by PierreEmmanuel Risch, alongside his wife Carole and his mother Dominique Delavaine. For more than 40 years, they have passionately carried on the legacy of Pierre Chareau, a major figure in modern architecture and design. Galerie MCDE reissues 80 pieces from its repertoire, renowned for their clean, bold lines, incorporating pivoting mechanisms, exposed metal structures, and precious woods. The lighting pieces, combining metal, wood, and alabaster, offer a soft, sculptural light. Located in the heart of Paris’s 7th arrondissement, the gallery invites the discovery of the timeless genius of Pierre Chareau and the influence of his work, which continues to inspire designers and lovers of exceptional furniture. Each piece of furniture and each lighting is handcrafted in the gallery’s workshops located in the Vosges region. Today, the gallery is opening its catalogue to contemporary creators, offering bold collaborations that extend the singular vocabulary of this iconic figure and the Art Deco movement.
Above: Carole and Pierre-Emmanuel Risch and Dominique Delavaine, directors of Galerie MCDE
Célèbre pour ses intérieurs luxueux conjuguant le style néoclassique au design contemporain, l’architecte d’intérieur Stéphanie Coutas excelle aussi dans le domaine du design. Dans nombre de ses projets résidentiels, l’architecte d’intérieur a dessiné des pièces uniques réalisées avec des artisans d’art pour la décoration des lieux. Des créations venues, au fil du temps, agrandir sa propre ligne de mobilier qu’elle présente dans sa galerie parisienne. L’espace pensé comme un écrin, est habillé d’un parquet Versailles en chêne massif qui répond à une corniche en vernis avec inserts en métal. Le choix des matières et des matériaux occupe une place prépondérante où matières nouvelles, meubles et détails sophistiqués s’associent pour créer un intérieur des plus spectaculaire. A lieu d’exception, pièces d’exceptions. En effet, Stéphanie Coutas met en avant ses collections de mobilier et de luminaires, en utilisant des matériaux, comme le marbre ou le bronze, en autres... Des pièces uniques qui s’adressent à une clientèle de passionnés.
Famous for her luxurious interiors combining neoclassical style with contemporary design, interior architect Stéphanie Coutas also excels in the field of design. In many of her residential projects, the interior designer has designed unique pieces made with art craftsmen for the decoration of the premises. Over time, these creations have expanded her own line of furniture, which she presents in her Parisian gallery. The space, designed as a showcase, is dressed with a Versailles solid oak floor that meets a varnished cornice with metal inserts. The choice of materials is of the utmost importance, where new materials, furniture and sophisticated details combine to create a spectacular interior. An exceptional place, exceptional pieces. Indeed, Stéphanie Coutas showcases her furniture and lighting collections, using materials such as marble and bronze, among others. Her two favorite materials that she works most often. These unique pieces are aimed at a clientele of enthusiasts.
Précurseur en 1995 dans le domaine des appareillages électriques haut de gamme (interrupteurs, prises, liseuses…), Meljac repousse les limites du luxe depuis 30 ans et sublime des objets fonctionnels avec des collections en matériaux nobles : principalement laiton massif, verre trempé, porcelaine de Limoges… La qualité de ses modèles résulte d’un savoir-faire alliant la main de l’homme aux outils numériques de pointe. L’entreprise est réputée pour ses créations à l’esthétique irréprochable et son large choix de finitions sur laiton. Meljac est labellisée EPV et ses produits sont certifiés OFG. Son bureau d’études et ses créations sur-mesure en font une référence pour les architectes, décorateurs, électriciens et particuliers, dans le monde entier. Au cœur de son évolution, l’innovation et les développements créatifs permettent aux utilisateurs d’harmoniser la finition des appareillages tout en restant complètement libres de choisir leurs technologies.
Pioneer in 1995 in luxury electrical fittings (switches, sockets, reading lamps…), Meljac pushes the limits of luxury and enhances functional objects for 30 years, with collections in noble materials: mainly solid brass, glass, Limoges porcelain… The quality of the very highend finishes on refined plates reflects the savoirfaire through both hand and machines work. The company is best known for its creations with an irreproachable aesthetic and a wide choice of brass finishes. Meljac is labelled Living Heritage Company (EPV) and its products are Origin France Guarantee. Meljac’s design office and its own custom-made creation, became center of attraction to architects, designers, electricians & even private clients from all over the world. At the heart of its evolution, innovation and creative developments enable users to harmonize the finishing of equipment while remaining completely free to choose their technologies.
Lustres, murs, plafonds lumineux : Semeur d’étoiles fabrique des luminaires artistiques sur mesure. Plébiscitée par une clientèle prestigieuse, cette maison cultive la douceur de l’art de vivre à la française à travers ses créations uniques. Comme en témoignent les célèbres Planètes ! Soufflés à la bouche, ces globes à l’aura magnétique permettent à la lumière de caresser la poudre de roche suspendue dans le verre. Une expérience onirique qui touche au cœur ses spectateurs... On craque aussi pour les Colliers, ces lignes précieuses de verreries soufflées. Qu’elles soient souples ou rigides, elles habillent l’espace avec une élégance rare. Et telle est bien la signature de Semeur d’étoiles. Issu d’une longue tradition familiale d’artisans d’art, Ludovic Clément d’Armont, son fondateur, s’est donné pour mission de concevoir des luminaires d’un genre nouveau mêlant émotions créatrices et réflexions techniques. Résultat ? Ces luminaires décoratifs offrent un univers inédit d’effets de lumière, aux portes de l’art.
Ci-dessus : Ludovic Clément d’Armont. A droite, en haut : lustre Equilibre N°3. En bas : plafond étoilé.
LUMINOUS CREATIONS
Lighting chandeliers, walls and ceilings: Semeur d’étoiles manufactures artistic, made-to-measure lighting fixtures. Popular with a prestigious clientele, this house cultivates the gentle French art of living through its unique creations. The famous Planets are a case in point! Mouthblown, these globes with their magnetic aura allow light to caress the rock powder suspended in the glass. A dreamlike experience that touches the heart of its viewers... We also fall for Colliers, precious lines of blown glass. Whether flexible or rigid, they dress the space with a rare elegance. And such is the signature of Semeur d’étoiles. Born of a long family tradition of art craftsmanship, founder Ludovic Clément d’Armont set himself the mission of designing a new kind of lighting, combining creative emotion and technical reflection. The result? These decorative luminaires offer a whole new world of lighting effects, at the threshold of art.
21 avenue du Général Leclerc 78220 Viroflay - France
Tél. : +33 (0)6 85 40 42 22 www.semeurdetoiles.fr
semeurdetoiles
SCULPTEUR DE LUMIÈRE
Malo de Kerorguen est un artisan et designer spécialisé dans le luminaire et le mobilier haut de gamme en laiton. Diplômé des Beaux-Arts de Paris, il développe un travail où se rencontrent précision technique et sens du dessin. Après une expérience dans un atelier de fabrication de luminaires anciens, il cofonde Mydriaz, concevant des pièces pour des marques prestigieuses comme Cartier et des architectes renommés. Partageant sa vie entre l’Île de France et la Bourgogne, il poursuit une recherche centrée sur la structure, la matière et la maîtrise de la lumière, créant des œuvres reconnues pour leur finesse. Ses modèles phares incluent les Cubes, ainsi que Les lustres Foudre et Branches, deux suspensions conçues sur mesure pour s’adapter à divers espaces. En parallèle, il explore des techniques personnelles, telles que l’utilisation de masques pour créer des textures uniques. Lauréat de plusieurs distinctions, dont le Grand Prix de la création de la Mairie de Paris et le prix Talents du luxe et de la création, Malo collabore également avec des artisans comme Pauline Roy et Ulgador.
Ci-dessus : Malo de Kerorguen. Page de droite, en haut à gauche : lustre Branches. En dessous : lampe Cube. A droite : différentes finitions.
LIGHT SCULPTOR
Malo de Kerorguen is a craftsman and designer specialising in high-end lighting and brass furniture. A graduate of the École des BeauxArts in Paris, he develops work where technical precision meets a refined sense of design. After gaining experience in a workshop producing antique lighting, he co-founded Mydriaz, creating pieces for prestigious brands like Cartier, as well as for renowned architects. Dividing his time between Île-de-France and Burgundy, he continues to explore the interplay of structure, material, and mastery of light, creating works renowned for their delicacy. Signature models include the Cubes, as well as Foudre and Branches, two bespoke designed to suit a variety of spaces. In parallel, he expermiments with personal techniques, such as using stencils to create unique textures. Honored with several awards, including the Grand Prix de la création from the Paris City Hall and the Talents du luxe et de la création distinction, Malo also collaborates with skilled artisans, including Pauline Roy and Ulgador.
Above: Malo de Kerorguen. Right-hand page, top left: Branches chandelier. Below: Cube lamp. Right: various finishes.
Malo de Kerorguen
Tél. : +33 (0)6 23 49 43 68
malo.dekerorguen@gmail.com www.malo-de-k.com
malo.de.kerorguen
MALO DE KERORGUEN
SCULPTURES LUMINEUSES
Depuis plus de 50 ans, l’atelier Art et Floritude met en œuvre son savoir-faire dans la création de sculptures lumineuses en collaboration avec les architectes d’intérieur. Nos créations permettent d’apporter un éclat unique dans chaque établissement : boutiques hôtels, palaces prestigieux, appartements privés, luxueuses demeures et yachts à travers le monde. Notre travail vous propose une signature visuelle qui participe à rendre les lieux mémorables : des milliers de fleurs en porcelaine pour le SPA de l’Hôtel Ritz à Paris, des sculptures végétales délicates pour les boutiques Cartier à travers le globe, un luxuriant plafond tropical pour le célèbre club Annabel’s à Londres, ou une spectaculaire canopée de fleurs en porcelaine pour l’Orangerie du Four Seasons George V à Paris. Nos sculptures lumineuses, conçues de manière artisanale sont à la pointe de la technologie. Notre bureau d’études accompagne les designers dans la réalisation technique de luminaires uniques. Nos matériaux de prédilection, le métal et la porcelaine, offrent un éventail illimité de possibilités créatives.
For more than 50 years, the Art et Floritude workshop has used its artisanal know-how to create light sculptures in collaboration with interior designers. Our light sculptures bring a unique shine to each establishment : boutique hotels, prestigious palaces, private apartments to luxurious homes and yachts around the world. Our work offers you a visual signature that helps make places memorable: thousands of porcelain flowers for the Ritz Spa in Paris, delicate vegetal-inspired sculptures for Cartier boutiques across the globe, a lush tropical ceiling for the famous Annabel’s club in London or breathtaking canopy with porcelain flowers for the Orangerie at Four Seasons George V Paris. Our handcrafted light sculptures are also at the cutting edge of technology. Our design office supports designers in the technical creation of unique lighting fixtures. Our preferred materials are metal and porcelain. They offer an unlimited range of creative possibilities.
Designer de luminaires formée à l’architecture d’intérieur, Maguelone Poulain crée des lampes artisanales où se rencontrent esthétique japonaise et design contemporain. Inspirée par les lanternes Andon - lanternes traditionnelles japonaises où le papier est tendu sur une armature en bois -, Maguelone revisite cet art avec des suspensions et lampes à poser aux lignes épurées. Chaque création incarne à la fois mémoire et modernité. Dans son atelier de Palavas-les-Flots, chaque pièce est fabriquée à la main : la structure en peuplier est découpée et teintée avec soin et habillée de papier japonais Kozo Muji. Cette combinaison de matières naturelles offre une lumière douce et chaleureuse, qui révèle toute sa subtilité une fois la nuit tombée. Ses collections côtoient des créations sur mesure, pensées pour des intérieurs en quête d’objets singuliers. Une démarche où précision, sensibilité et maîtrise artisanale donnent naissance à des pièces profondément inspirées.
Ci-dessus : Maguelone Poulain. Page de droite, en haut : suspension Nagoya. En bas : lampe Totem, modèles Koshi et Ozu.
DELICATE LIGHT
Trained in interior architecture, lighting designer Maguelone Poulain creates artisanal lamps where Japanese aesthetics meet contemporary design. Inspired by Andon lanterns—traditional Japanese lanterns with paper stretched over a wooden frame—she reinterprets this art through pendant lamps and table lamps with clean, refined lines. Each creation embodies both memory and modernity. In her Palavas-les-Flots studio, every piece is handcrafted: the poplar structure is carefully cut, stained and clad with Kozo Muji Japanese paper. This combination of natural materials produces a soft, warm light that reveals its full subtlety once night falls. Her collections are complemented by bespoke creations, conceived for interiors seeking unique objects. A practice in which precision, sensitivity and artisanal mastery give rise to profoundly inspired pieces.
Above: Maguelone Poulain. Right page, top: Nagoya pendant. Bottom: Totem lamp, Koshi and Ozu models.
Passionnée par les pièces d’exception des Arts Décoratifs, Ombres et Facettes magnifie les espaces de ses lustres, lanternes et appliques de luxe. Détenteur d’un savoir-faire artisanal d’excellence, l’atelier s’inspire des traditions du bronze et des grands noms des lustres en cristal du début du XVIIIe, pour reproduire des modèles de tailles exceptionnelles. Fidèle au rôle qu’a joué la lustrerie d’art dans la splendeur de la Cour de France, Ombres et Facettes redonne ses lettres de noblesse aux matériaux précieux comme le bronze, la malachite, la nacre ou le cristal de roche. Revisitant les modèles classiques, l’atelier s’attache à créer des pièces uniques et sur mesure (leur spécialité) pour les palaces, châteaux et demeures privées du monde entier. Au-delà de la création pure, Ombres et Facettes s’illustre aussi dans le domaine de la réédition et de la restauration de luminaires anciens. Le Château de Chambord fait appel régulièrement à leur expertise pour la restauration de leurs lustres.
Passionate about exceptional pieces of the Decorative Arts, Ombres et Facettes brings luxury chandeliers, lanterns and sconces to spaces. The workshop is the holder of a high level of craftsmanship, inspired by the traditions of bronze and the great names of early 18th century crystal chandeliers, to reproduce models of exceptional size. Faithful to the role that chandelier art played in the magnificence of the French Court, Ombres et Facettes gives back its letters of nobility to precious materials such as bronze, malachite, mother-of-pearl or rock crystal. Revisiting classic models, the workshop strives to create unique and custommade pieces (their specialty) for palaces, castles and private homes around the world. Beyond pure creation, Ombres et Facettes also distinguishes themselves in the field of re-edition and restoration of antique lighting. The Château de Chambord regularly calls upon their expertise for the restoration of their chandeliers.
Chez Beau & Bien, la lumière n’est jamais un simple éclairage : c’est une matière à sculpter, un souffle qui dialogue avec l’espace. Chaque lustre, chaque composition lumineuse naît comme une œuvre singulière. Dans ce dialogue entre tradition et innovation, la lumière prend forme, s’installe dans l’espace, en révèle les secrets et le transforme en expérience –à vivre, à contempler, à ressentir. Porcelaine de Limoges, verre soufflé, bronze d’art… Chaque matériau devient une voix. Textures, reflets, grains : leurs nuances racontent une histoire que la technologie LED sublime sans jamais en altérer l’âme. Assemblées, ajustées et façonnées dans nos ateliers, nos créations portent la marque d’un geste sûr. Elles incarnent la proximité avec la matière, la précision de la main, l’attention portée au moindre détail. Une fabrication qui est autant un savoir-faire qu’un acte d’artiste.
Ci-dessus : Sylvie Maréchal, fondatrice de Beau & Bien. A droite, photo de gauche : suspension Mille Feuilles en pocelaine imaginée par la designer Sylvie Maréchal pour la Maison Bauchart à Paris. A droite : panneau lumineux en porcelaine et LED présenté au salon Artisans d’Excellence.
LUMINOUS POETRY
At Beau & Bien, light is never merely illumination: it is a material to be sculpted, a breath that enters into dialogue with space. Each chandelier, each luminous composition comes into being as a singular work of art. In this exchange between tradition and innovation, light takes shape, settles into its surroundings, reveals hidden qualities and transforms space into an experience—one to be lived, contemplated and felt. Limoges porcelain, hand-blown glass, art bronze… each material becomes a voice. Textures, reflections and grain unfold subtle narratives, elevated by LED technology that enhances them without ever compromising their soul. Assembled, adjusted and shaped within our ateliers, each creation bears the imprint of a confident gesture. They embody an intimate relationship with materials, the precision of the hand and an unwavering attention to detail. A process that is as much a demonstration of craftsmanship as it is an artistic act.
Above: Sylvie Maréchal, founder of Beau & Bien. Right, left photo: Mille Feuilles pendant light in porcelain, designed by Sylvie Maréchal for Maison Bauchart, Paris. Right: illuminated porcelain and LED panel presented at the Artisans d’Excellence fair.
Beau & Bien
6 rue du Parc Royal 75003 Paris
Tél. : +33 (0)1 42 74 77 22 www.beauetbien.com
beauetbien
BRONZIER D’ART CRÉATEUR
Artisan d’art et Meilleur Ouvrier de France. Arnaud Magnin crée des luminaires et objets décoratifs dans lesquelles s’exprime une maîtrise rare des matériaux. Bronzier d’art spécialisé dans le laiton et le bronze, il associe les savoir-faire traditionnels – monture en bronze, tournage d’art, dinanderie – à une recherche formelle exigeante. Ses lignes, toujours épurées, laissent oublier la complexité technique pour privilégier une émotion subtile. À la tête de projets sur mesure pour une clientèle professionnelle, il met en œuvre une double expertise : celle du créateur et celle de l’ingénieur matériaux, capable d’accompagner un projet depuis l’étude jusqu’à la réalisation. Cette polyvalence lui permet d’imaginer des pièces où la mise en forme, l’assemblage et les finitions dialoguent avec une grande justesse, révélant toute la noblesse des matériaux. Professeur de design, formateur technique et auteur de contenus pédagogiques, il est également très engagé dans la transmission auprès des jeunes générations
An artisan d’art and Meilleur Ouvrier de France, Arnaud Magnin designs lighting and decorative objects that reveal an exceptional mastery of materials. A fine art bronzier specialising in brass and bronze, he combines traditional craftsmanship—bronze mounts, artistic turning and dinanderie—with a rigorous formal exploration. His consistently paredback lines allow the technical complexity to fade into the background, giving precedence to subtle emotion. Leading bespoke projects for a professional clientele, he brings together a dual expertise: that of a designer and that of a materials engineer, able to guide a project from initial study through to final execution. This versatility enables him to conceive pieces in which forming, assembly and finishes interact with great precision, fully revealing the inherent nobility of the materials. A design professor, technical instructor and author of educational content, he is also deeply committed to passing on his knowledge to younger generations.
Depuis 1930, Tisserant incarne un art du bronze rare, emblématique du savoir-faire français le plus exigeant. Au cœur de Paris, la Maison labellisée EPV, préserve une tradition artisanale, tout en faisant évoluer la matière par de nouveaux gestes et des nouvelles techniques. Luminaires, mobilier et objets décoratifs prennent forme dans ses ateliers, façonnés entièrement à la main. Tisserant collabore avec des designers et architectes de renom comme Pierre-Yves Rochon, Mauricio Clavero Kozlowski ou encore Pierre Gonalons pour imaginer des œuvres uniques, pensées comme de véritables objets d’exception. Parmi ses réalisations majeures figurent la restauration des lustres de l’Opéra du Château de Versailles, symbole fort de l’engagement de la Maison dans la préservation du patrimoine historique français. Résolument tournée vers la création et l’innovation, Tisserant s’impose aujourd’hui comme une référence dans l’univers du luxe, du bronze et de l’architecture intérieur.
Ci-dessus : famille Tisserant. En haut à droite : applique et bougeoir Palmette, bronze finition dorure 24 K.
En bas : lustre Palmette, bronze finition dorure 24 K. Collection Palmette signée Mauricio Kozlowski.
THE ART OF BRONZE
Since 1930, Tisserant has embodied a rare art of bronze, emblematic of the most demanding French craftsmanship. Located in the heart of Paris, the Maison, EPV label, preserves a tradition of craftsmanship, while evolving the material through new techniques and methods. Lighting, furniture, and decorative objects take shape in its workshops, crafted entirely by hand. Tisserant collaborates with renowned designers and architects such as Pierre-Yves Rochon, Mauricio Clavero and Pierre Gonalons to imagine unique works, conceived as truly exceptional objects. Among its major achievements is the restoration of the chandeliers at the Palace of Versailles, a powerful symbol of the company’s commitment to preserving France’s historical heritage. With a strong focus on creativity and innovation, Tisserant is now a leading name in the world of luxury, bronze, and interior design.
Above: Tisserant family. Top right: Palmette wall light and candle holder, gilded bronze 24 K.
Below: Palmette chandelier, gilded bronze 24 K. Palmette Collection by Mauricio Kozlowski.
L’Agence d’Isabelle created collection LISS in partnership with carefully selected craftsmen. Ombre Agency signed the design of this first piece, the SICCO lamp. This table lamp is inspired by the lightness of a drying paper leaf. Like a page delicately placed on its stand, the light reveals the handcrafted material, meticulously shaped by French ateliers. L’Agence d’Isabelle offers customization of the Sicco lamp, with a wide range of materials and special finishes ready to be developed, allowing it to perfectly complement each interior design project. In 2026, a straw marquetry finish will be available
L’Agence d’Isabelle a imaginé collection LISS en partenariat avec des métiers d’art soigneusement sélectionnés, et a confié à l’agence Ombre le design de sa première pièce, la lampe SICCO. Cette lampe de table est inspirée par la légèreté d’une feuille de papier en train de sécher. Comme une page délicatement posée sur son support, la lumière révèle la matière, méticuleusement façonnée par des ateliers français. L’Agence d’Isabelle propose la personnalisation de la lampe Sicco, avec un large choix de matériaux et de finitions spéciales prêtes à être développées, lui permettant de s’adapter parfaitement à chaque projet d’architecture d’intérieur. Une fnition en marqueterie de paille sortira en 2026.
(Showroom professionnel, ouvert sur rendez-vous). agence_disabelle
TRANSPARENCE ET LUMIÈRE
Vidé Création imagine et édite des luminaires exceptionnels en inox perforé poli miroir. En 1998, les deux frères Jean Sébastien et Félicien Vidé fondent Thierry Vidé Design, nom de leur père Sculpteur et créateur de l’holotramie, une technique qui permet de jouer avec la transparence, la lumière et l’inox perforé poli miroir en créant des effets de cinétisme. En 2024 Thierry Vidé Design devient Vidé Création Paris. Les designers, dans leur atelier parisien, composent de véritables sculptures lumineuses en édition limitée ou sur mesure. Vidé Création, très sollicité pour son savoir-faire unique, participe depuis lors à des projets de prestige en collaboration avec de grands cabinets d’architecte et de maîtres d’œuvres : yachts, hôtels particuliers, musées comme le restaurant du Grand Palais à Paris. La marque propose des créations aériennes et contemporaines déclinées en suspensions, lampes de sol et lampes à poser, à l’élégance intemporelle
Ci-dessus : Jean-Sébastien et Félicien Vidé. A droite : colonne Onde n°1.
TRANSPARENCY AND LIGHT
Vidé Création designs and produces exceptional lighting in mirror-polished perforated stainless steel. In 1998, the two brothers, Jean Sébastien and Félicien Vidé founded Thierry Vidé Design; named after their father, a sculptor, and inventor of holotramy. In fact, it is a technique that allows playing with transparency, light, and mirrorpolished perforated stainless steel by creating kinetic effects. In 2024, Thierry Vidé Design is rebranded Vidé Création Paris. The designers, in their Parisian workshop, conceive real light sculptures in limited or custom-made editions. Vidé Création is much sought-after for his unique know-how and has since then been involved in prestigious projects. In collaboration with major architectural and project management firms, projects included: yachts, private mansions, museums such as the restaurant at the Grand Palais in Paris. Hence, the brand offers aerial and contemporary creations that come in elegant and timeless pendant lights, floor, and table lamps.
Marie-Victoire a été immergée dès l’enfance dans le savoir-faire et la pensée créative artisanale. Après un parcours pendant plus de 10 ans dans l’univers du luxe auprès du célèbre éditeur Cassina et les deux figures féminines du design Patricia Urquiola et India Mahdavi, avec lesquelles elle travaillera sur des projets résidentiels et hôteliers tels que le Cloître à Arles ou le Sketches à Londres mais aussi pour des marques tel que Louis Vuitton ou Baccarat, elle lance en 2016 son propre studio de création. Elle réalise des objets et du mobilier aux confluences du design et de l’artisanat. La collection Totem est une série d’objets en verre soufflé bouche texturé, ornementé de céramiques, faites main. La famille se compose d’objets allant de la petite applique murale à la sculpture lumineuse gigantesque en passant par des suspensions ou des objets décoratifs comme des vases. Utilisant des éléments en céramique amovibles, chaque pièce est unique selon la composition choisie. Du baroque débridé à la discrétion ton sur ton, la grande palette de ses coloris et formes permet d’insuffler un esprit sur mesure aux intérieurs.
Ci-dessus : Marie-Victoire Winckler. A droite, en haut à gauche : suspension composée / Applique / lampe Vase. A droite :Totem sculpture - H 210 x Ø 45 cm.
HANDCRAFTED CREATION
Marie-Victoire has been immersed in artisanal craft and creative thought since her childhood. After a 10 year experience in the luxury world from the well known editor Cassina to the 2 important figures in feminine design Patricia Urquiola and India Madhavi, with who she developed residential and hotel projects such as «le Cloître» in Arles or “the Sketches“ in London but also worked for brand such as Louis Vuitton or Baccarat, she launched her own studio in 2016. She creates objects and furniture at the confluence of design and craftsmanship. The Totem collection is a series of textured handblown glass objects, adorned with hand made ceramics. The family is comprised of objects going from small wall lamps to giant illuminated sculptures, including pendants and decorative objects such as vases. By using a selection of interchangeable ceramic pieces, each design in the Totem collection becomes a unique composition. The vast color and shape palettes, from wild baroque to tone on tone, allow for tailor-made customization of any interior.
Above : Marie-Victoire Winckler. Right, top left: composed suspension / wall lamp / Lamp vase. Right : Totem sculpture. Sizes : H 210 x Ø 45 cm.
122 rue de Grenelle - 75007 Paris
Tél. : +33 (0)6 64 14 75 75 www.mvwinckler.com
mvwinckler
Marie-Victoire Winckler
L’ART SOUS TOUTES SES FORMES
Chez Archibalda, l’art décoratif s’exprime avec intensité : audace des formes, textures vibrantes, jeux de reflets et références artistiques composent un univers où chaque pièce possède une présence singulière. Fondée en 2024 par la céramiste Géraldine Noël et le designer d’intérieur et d’objets Fabian Pellegrinet Conte, la maison imagine des objets aux formats affirmés, pensés pour dialoguer profondément avec l’espace. Les créations d’Archibalda se distinguent par leurs courbes mouvantes et leur équilibre délicat. Elles invitent le regard à tourner autour, porté par une dynamique presque chorégraphique. Matières, volumes et lumière se répondent pour créer des objets qui suscitent autant la contemplation que l’émotion. Les collections reflètent cette écriture sensible : céramiques sculpturales, silhouettes organiques, pièces qui explorent des territoires où innovation et artisanat se rencontrent. Une démarche qui revendique une créativité expressive et une identité esthétique résolument affirmée.
Ci-dessus : Géraldine Noël et Fabian Pellegrinet Conte. A droite : lampes Maestrosa, Adagio et Concerto, en céramique, associant une technologie qui transforme les vibrations de la voix en formes sculpturales et un façonnage artisanal.
ART IN ALL ITS FORMS
At Archibalda, decorative art is expressed with intensity: bold forms, vibrant textures, plays of reflection and artistic references come together to create a universe in which each piece possesses a singular presence. Founded in 2024 by ceramicist Géraldine Noël and interior and object designer Fabian Pellegrinet Conte, the studio conceives objects with a strong sense of scale, designed to engage in a profound dialogue with space. Archibalda’s creations are distinguished by their fluid curves and delicate balance. They invite the eye to move around them, carried by an almost choreographic dynamic. Materials, volumes and light respond to one another to create objects that inspire contemplation as much as emotion. The collections reflect this sensitive language: sculptural ceramics, organic silhouettes, and pieces that explore territories where innovation and craftsmanship meet. An approach that asserts an expressive creativity and a resolutely defined aesthetic identity
Above: Géraldine Noël and Fabian Pellegrinet Conte. Right: Maestrosa, Adagio and Concerto lamps in ceramic, combining a technology that transforms vocal vibrations into sculptural forms with artisanal craftsmanship.
Atelier Stokowski est un atelier parisien fondé par trois frères, réunissant au sein d’un même lieu la maîtrise des techniques verrières et du travail du laiton. À la croisée de l’artisanat d’art et du design, l’atelier conçoit luminaires, mobilier et objets où le verre dialogue avec des matériaux nobles comme le laiton ou le bois. La démarche s’inscrit dans une recherche constante autour de la matière et de la lumière. Le verre y est travaillé par soufflage à la canne, thermoformage ou gravure au diamant, tandis que le laiton est façonné et assemblé avec rigueur, assurant une continuité entre structure, surface et fonction. Atelier Stokowski affirme une écriture singulière par l’usage de la gravure dans le champ du luminaire contemporain : la lumière est modulée par la matière elle-même, révélant les dessins inscrits dans le verre. Chaque pièce naît d’un processus exigeant, alliant expérimentation et précision d’exécution. L’atelier développe des créations contemporaines, ancrées dans les savoir-faire verriers et bronziers, entre héritage technique et écriture actuelle
Atelier Stokowski is a Paris-based atelier founded by three brothers, bringing together the mastery of glassmaking techniques and brass craftsmanship in a single location. At the crossroads of fine craftsmanship and design, the atelier creates lighting, furniture and objects in which glass engages in dialogue with noble materials such as brass or wood. The approach is rooted in constant research into material and light. Glass is worked through mouthblowing, thermoforming or diamond engraving, while brass is shaped and assembled with rigour, ensuring continuity between structure, surface and function. Atelier Stokowski asserts a singular expression through the use of engraving within contemporary lighting: light is modulated by the material itself, revealing the designs inscribed in the glass. Each piece is born of a demanding process, combining experimentation with precision of execution. The atelier develops contemporary creations grounded in glassmaking and bronze-working savoir-faire, balancing technical heritage with a current visual language.
Fondé il y a plus de dix ans, l’atelier Pulsatil repousse les frontières du luminaire d’art et d’édition. En fusionnant technologies ultramodernes et savoirfaire artisanal, Pulsatil crée des luminaires où l’esthétique épurée sublime la technicité. « Notre ambition est de concevoir des objets où la beauté naturelle des matériaux éclaire l’espace de façon intemporelle et raffinée. » Depuis sa création, l’atelier a collaboré sur de nombreux projets architecturaux d’exception et des collections uniques pour designers et architectes. Pour cette nouvelle année, Pulsatil étoffe sa collection Lampe Pierre, mettant en avant la richesse de matériaux naturels comme le marbre, la pierre, et le métal pour créer des pièces singulières et sculpturales. Avec des possibilités de personnalisation étendues, ces créations invitent architectes et créateurs à imaginer des luminaires parfaitement intégrés aux intérieurs les plus raffinés. À travers ses projets sur mesure et collections exclusives, Pulsatil aspire à devenir l’éditeur de luminaires incontournable de demain, en alliant un service d’accompagnement technique à une liberté totale d’expression créative.
Founded over ten years ago, the Atelier Pulsatil pushes the boundaries of art and lighting. By blending ultra-modern technology with traditional craftsmanship, Pulsatil creates luminaires where pure aesthetics enhance technical sophistication. “Our ambition is to design objects that illuminate spaces in a timeless and refined way, showcasing the natural beauty of the materials.“ Since its inception, the studio has collaborated on exceptional architectural projects and unique collections for designers and architects. This year, Pulsatil is expanding its Lampe Pierre collection, emphasising the richness of natural materials such as marble, stone, and metal to create singular, sculptural pieces. With extensive customisation options, these creations invite architects and designers to envision luminaires that seamlessly integrate into the most refined interiors. Through its bespoke projects and exclusive collections, Pulsatil aims to become the lighting designer of the future, combining technical support with complete creative freedom
Entreprise centenaire et familiale, l’Atelier Jean Perzel perpétue le savoir-faire artisanal d’exception initié par son fondateur. Dès 1923, Jean Perzel révolutionne ainsi le monde de l’éclairage en créant des luminaires d’une modernité étonnante au style Art Déco inimitable. Dès 1926, il équipe ainsi la Société des Nations à Genève. Depuis, les luminaires Perzel éclairent les plus beaux palais et sont plébiscités par l’univers de la décoration haut de gamme. Dans l’immeuble parisien historique Art Déco, les maîtres verriers de l’atelier, façonnent de fines lamelles de cristal assemblées avec le bronze pour créer des lampes fascinantes au design épuré et intemporel. Pour arriver à un tel résultat, une centaine d’heures de travail sont nécessaires pour chaque pièce. La société familiale est labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant, distinction qui récompense la faculté de l’Atelier Jean Perzel à concilier innovation et tradition, savoir-faire et créativité.
Ci-dessus : Olivier Raidt, Président de l’Atelier Jean Perzel. A droite : lampadaire 113. En haut à droite : plafonnier 354bis S. En bas : lampe 144.
ARTS DECO BROUGHT TO LIGHT
A hundred-year-old family business, Atelier Jean Perzel perpetuates the exceptional craftsmanship initiated by its creator. In 1923, Jean Perzel revolutionized the world of lighting. In fact, he conceived astonishing modern light fixtures in the Art Deco style. Thereafter, in 1926, his light fixtures adorned the League of Nations in Geneva. Since then, Perzel luminaires have lit the most beautiful palaces. They also earned Jean Perzel’s popularity in the world of high-end decoration. In the historical Parisian Art Deco building, the workshop’s master glassmakers combine fine crystal slats and bronze to create refined and timeless lamps. Moreover, to achieve such a result, each piece requires a hundred hours of work. The family-owned company has been awarded the Entreprise du Patrimoine Vivant, a distinction that acknowledges the Atelier Jean Perzel’s ability to reconcile innovation and tradition, know-how and creativity.
Above: Olivier Raidt, Président of the Atelier Jean Perzel. Right: floor lamp 113. Top right: ceiling light 354bis S. Below: lamp 144.
Fondé par Pierre Harel, Atelier H est un studio d’arts décoratifs dédié au design de mobilier et luminaires en matières minérales. Son univers créatif se déploie autour du travail de la pierre naturelle (marbre, ardoise, granit, albâtre) et minéraux (cristal de roche, agates, pyrites…).
L’atelier H se démarque notamment par la mise au point d’un procédé de fabrication exclusif baptisé « feuille de pierre » qui lui permet de concevoir des luminaires en marbre naturel d’à peine 7 mm d’épaisseur presque sans limite de design, de forme et de taille ! Une fois travaillé selon ce procédé, la matière devient si fine qu’elle laisse traverser la lumière comme le grand lustre Medusa de près d’un mètre de haut pour 70 cm de diamètre (pour moins de 25 kg). La maîtrise des techniques de découpe et d’inclusion de pierres et minéraux pour des applications très variées (panneaux décoratif, luminaires, tables, consoles…) au service des projets décoratifs des architectes d’intérieur est aussi un domaine d’expertise de l’Atelier H.
Ci-dessus : Pierre Harel, fondateur de Atelier H. A droite : applique « Brut ». Lanterne en cristal de roche de Madagascar.
MINERAL DECORATIVE ART
Founded by Pierre Harel, Atelier H is a decorative arts studio dedicated to designing furniture and lighting in mineral materials. Its creative universe revolves around working with natural stone (marble, slate, granite, alabaster) and minerals (rock crystal, agates, pyrites, etc.). Atelier H has developed an exclusive manufacturing process called “feuille de pierre“, which enables it to create natural marble lighting fixtures just 7 mm thick, with almost unlimited design, shape and size! Once worked using this process, the material becomes so thin that it lets the light shine through, like the Medusa chandelier, almost a metre high and 70 cm in diameter (weighing less than 25 kg). Another area of expertise at Atelier H is the mastery of techniques for cutting and embedding stone and minerals for a wide variety of applications (decorative panels, lighting, tables, consoles, etc.) in the service of interior designers’ decorative projects.
Above: Pierre Harel, founder of Atelier H. Right: “Brut“ wall light. Lantern made from Madagascar rock crystal.
Maison de bronze d’art crée en 1908, fleuron des arts décoratifs français labellisé EPV, Charles Paris est reconnue pour son catalogue riche de créations originales et son style audacieux en matière de luminaire. Réalisée sur commande à la main dans ses ateliers situés en lisère de Paris, chaque pièce est unique, résultat d’un très long et minutieux travail de la part d’artisans ciseleurs, monteurs, tourneurs... Aujourd’hui, nombre de sculptures de lumière qui ornent les demeures, les palaces ou encore les yachts les plus élégants à travers le monde sont signées Charles Paris. La force de la maison ? Mettre son savoir-faire ancestral au service de projets d’exception et accompagner les architectes et designers - de la création de volume au prototypage - pour des réalisations sur mesure. Au fil des créations, Charles Paris poursuit sa vocation d’exploration du bronze, de l’objet lumineux et de ses fonctions possibles afin d’en extraire une émotion et une magie qui font de chaque modèle bien plus qu’une lampe : un objet d’art rare et précieux.
A bronze art house created in 1908, Charles Paris is a flagship of French decorative arts and an EPV-certified brand. It is renowned for its rich catalog of original creations and bold style in lighting. Each piece is made to order by hand in their workshops near Paris, resulting from the meticulous work of craftsmen including chisellers, assemblers, and turners. Today, many light sculptures from Charles Paris adorn elegant residences, palaces, and yachts worldwide. The strength of the house lies in applying its ancestral expertise to exceptional projects and collaborating with architects and designers from volume creation to prototyping to create bespoke pieces. Through their creations, Charles Paris continues to explore bronze, light objects, and their possible functions to extract emotion and magic, turning each model into more than just a lamp: a rare and precious work of art.
Fondé par l’artiste Emilie Grière, MU explore le potentiel créatif et sensoriel du minéral silicé. À la frontière du design, de l’art et de la recherche matière, Mu développe des luminaires et matériaux haut de gamme où la souplesse devient langage. Issu de la silice, le siliconematériau d’origine minérale - est ici ennobli par un travail artisanal inédit. Mou, sensible, réactif à l’air et à la lumière, il donne naissance à des pièces aux jeux visuels poétiques. Chaque luminaire est pensé comme une œuvre à part entière, au service de projets exigeants en architecture et design d’intérieur. MU décline également ce matériau en revêtements : gainage de mobilier, cloisons, murs ou plafonds. Lauréate en 2019 de la Fondation Banque Populaire pour sa recherche d’hybridation du silicone, Emilie Grière s’impose comme une « faiseuse de matière » quasi unique. En collaboration avec Jérémie Bernard, designer pour Selmer, MU accompagne chaque projet de la conception à la visualisation spatiale, affirmant une vision rare et sensible de l’objet contemporain.
A droite : lampe Fungia Uranus. Silicone, laiton, pigments terre rouge oxyde de manganèse feuille d’or 22 carats.
A HYBRID AND INNOVATIVE ATELIER
Founded by artist Emilie Grière, MU explores the creative and sensory potential of siliceous mineral material. At the boundary between design, art and material research, MU develops high-end lighting and materials in which flexibility becomes a language. Derived from silica, silicone a material of mineral origin is here ennobled through an unprecedented artisanal process. Soft, sensitive and reactive to air and light, it gives rise to pieces with poetic visual effects. Each luminaire is conceived as a work in its own right, serving demanding architectural and interior design projects. MU also adapts this material for surface applications: furniture cladding, partitions, walls or ceilings. Awarded the Fondation Banque Populaire prize in 2019 for her research into the hybridisation of silicone, Emilie Grière has established herself as an almost unique “maker of material”. In collaboration with Jérémie Bernard, designer for Selmer, MU supports each project from concept to spatial visualisation, asserting a rare and sensitive vision of the contemporary object.
Entre artisanat d’art et design contemporain, l’atelier Pascal et Philippe incarne l’excellence dans la création de luminaires. Fondée et dirigée par Sébastien Carette, cette maison se distingue par son approche résolument sur mesure. Chaque luminaire, qu’il s’agisse de petites séries ou de pièces uniques, naît d’un dialogue subtil entre savoir-faire traditionnel et innovation. Sébastien Carette privilégie les matériaux nobles, travaillés avec minutie pour donner vie à des créations lumineuses qui transcendent leur simple fonction utilitaire. Ces objets durables, conçus pour s’intégrer harmonieusement dans leur environnement, racontent une histoire, ajoutant une dimension émotionnelle à leur esthétique. Loin de la production de masse, Pascal et Philippe rappelle l’importance de l’authenticité dans la décoration contemporaine. Alliant technicité et sensibilité artistique, cet atelier d’artisanat d’exception offre une lumière authentique et intemporelle, pour illuminer les intérieurs les plus exigeants.
Ci-dessus : Sébastien Carette, fondateur de Pascal et Philippe. En haut à gauche : lampe Inti, calcaire doré du Beaujolais et laiton. En bas : plafonnier sur mesure, Saint-Tropez. A droite : lampe Pierre.l, marbre brun Empereur et laiton.
BESPOKE LIGHTS
The Atelier Pascal et Philippe is the epitome of excellence in lighting design, a blend of traditional craftsmanship and contemporary design. Founded and run by Sébastien Carette, the company stands out for its resolutely bespoke approach. Each light, whether small series or one-off pieces, is the result of a subtle dialogue between traditional savoir-faire and innovation. Sébastien Carette favours noble materials, meticulously crafted to give life to luminous creations that transcend their simple functional purpose. These durable objects, designed to blend harmoniously into their environment, tell a story, adding an emotional dimension to their aesthetic. Far from mass production, Pascal and Philippe remind us of the importance of authenticity in contemporary decoration. Combining technical expertise and artistic sensibility, this exceptional craft workshop provides authentic, timeless light to illuminate even the most challenging interiors.
Above: Sébastien Carette, founder of Pascal et Philippe. Top left: Inti lamp in golden Beaujolais limestone and brass. Bottom: bespoke ceiling light, Saint-Tropez. Right: Pierre.l, lamp in brown Emperador marble and brass.
Pascal et Philippe 71 rue du Lavoir 69790 Propières
Designer français, Samuel Accoceberry développe un travail où la forme et la lumière occupent une place centrale. Formé au design et à l’art, il mène depuis 2010 une recherche sensible, sculpturale et graphique autour de l’objet. Présentée lors de la Paris Design Week 2025, la collection OBSCURÆ s’inscrit dans cette démarche comme une exploration de la lumière à travers la matière brute. Réunissant une série de pièces lumineuses en albâtre, la collection fait dialoguer formes sculpturales, lignes épurées et savoir-faire artisanaux. Chaque objet sculpte la lumière dans l’éclat de la pierre, créant des jeux d’ombre et de clarté qui révèlent autant qu’ils suggèrent. Pensée comme un ensemble d’artefacts aux lignes franches et intemporelles, OBSCURÆ développe un langage formel minéral et poétique. Plus qu’une collection, elle invite le regard à se perdre dans des paysages révélés par la lumière, à travers une matière façonnée par le geste, la forme et l’intuition de son créateur.
French designer Samuel Accoceberry develops work in which form and light occupy a central place. Trained in design and art, he has been conducting since 2010 a sensitive, sculptural, and graphic exploration of the object. Presented during Paris Design Week 2025, the OBSCURÆ collection embodies this approach as an investigation of light through raw materials. Comprising a series of alabaster light pieces, the collection combines sculptural forms, clean lines, and artisanal craftsmanship. Each object sculpts light within the stone’s glow, creating interplay between shadow and clarity that both reveals and suggests. Conceived as a set of artefacts with bold and timeless lines, OBSCURÆ develops a mineral and poetic formal language. More than a collection, it invites the viewer to lose themselves in landscapes revealed by light, shaped through gesture, form, and the intuition of its creator.
Transmis depuis quatre générations, le savoirfaire des Ateliers Fey reflète l’excellence de l’artisanat français, mêlant la tradition à l’adoption de procédés innovants qui repoussent les limites du métier. Dès son plus jeune âge, Christophe Fey s’est familiarisé avec les techniques et les secrets du métier de gainier d’art, guidé par la passion et l’exigence qui animaient sa famille depuis des décennies. Aujourd’hui, Ateliers Fey offre à sa clientèle des pièces uniques et personnalisées, alliant le savoir-faire traditionnel du gainage à une approche contemporaine. Son expertise réside dans la réalisation de revêtements artistiques en cuir pouvant s’étendre du sol au plafond, dans la conception et la restauration de mobiliers, de malles et d’accessoires décoratifs. Des monuments emblématiques aux chantiers privés les plus ambitieux, du mobilier design aux plus prestigieux palaces, l’équipe des Ateliers Fey met son savoir-faire au service des plus grands noms du design
Passed down through four generations, the savoir-faire of Ateliers Fey embodies the excellence of French craftsmanship, blending tradition with the adoption of innovative techniques that push the boundaries of the trade. From an early age, Christophe Fey immersed himself in the techniques and secrets of the art of leather craftsmanship, driven by the passion and dedication that had inspired his family for decades. Today, Ateliers Fey offers its clients unique and personalized creations that merge traditional leather-working expertise with a contemporary approach. Their mastery lies in crafting artistic leather coverings that can span from floor to ceiling, as well as designing and restoring furniture, trunks, and decorative accessories. From iconic landmarks to the most ambitious private projects, from designer furniture to the world’s most prestigious hotels, the Ateliers Fey team brings their expertise to the service of the greatest names in design.
Du film plastique à l’architecture : transformer le consommable en pérenne... Telle est la promesse d’Anga qui ne se contente pas de recycler, mais ennoblit la matière pour la hisser au rang d’art décoratif. Fondé par Alexandre Alimi et Valentine d’Harcourt, Anga métamorphose des déchets plastiques (PEBD) en surfaces d’exception à l’esthétique minérale. Leur modèle conjugue l’expérimentation du Lab – où s’élaborent nuances sur mesure et pièces uniques – à la puissance d’un outil industriel capable d’équiper des chantiers d’envergure. Si Anga propose un nuancier de coloris standardisés, son savoir-faire s’exprime pleinement dans l’accompagnement global des prescripteurs. Du développement d’une texture exclusive au premier prototype, jusqu’à la livraison de grandes séries, Anga garantit une fiabilité technique et une logistique maîtrisée. Des comptoirs de restaurants aux décors de boutiques, Anga réinvente le luxe durable en offrant aux espaces une signature visuelle unique et inaltérable.
Ci-dessus : Alexandre Alimi et Valentine d’Harcourt. En haut à gauche : table bistro - nuance Pierre de lave. Le Five Paris - Moore Design. A droite : comptoir de bar - Nuance Dunes. Le BOA Paris. En bas à gauche : Nuance Dunes. A droite : tables d’appointnuances Atelier - Série limitée sur mesure.
THE ART OF PREMIUM MATERIALS
From plastic film to architecture: transforming the disposable into the enduring. Such is the promise of Anga, which goes beyond recycling to ennoble materials, elevating them to the realm of decorative art. Founded by Alexandre Alimi and Valentine d’Harcourt, Anga transforms plastic waste (LDPE) into exceptional surfaces with a distinctly mineral aesthetic. Their model brings together the experimental spirit of the Lab—where bespoke hues and one-off pieces are developed—with the strength of an industrial tool capable of delivering large-scale projects. While Anga presents a curated range of standard colours, its expertise is most fully expressed through comprehensive support for specifiers. From the development of an exclusive texture and the first prototype through to the delivery of major production runs, Anga ensures technical reliability and fully controlled logistics. From restaurant counters to retail interiors, Anga redefines sustainable luxury, endowing spaces with a unique and enduring visual signature.
Above: Alexandre Alimi and Valentine d’Harcourt. Top left: bistro table - Pierre de lave shade. Le Five Paris - Moore Design. Right: bar counter - Dunes shade. Le BOA Paris. Bottom left: Dunes shade. Right: side tables - Atelier shades - limitededition bespoke series.
Koncept & Matières est une maison artisanale qui développe depuis dix-neuf ans des projets sur mesure autour de la matière et de l’expérience sensorielle. Maison familiale, l’atelier conçoit et réalise des projets où chaque détail est pensé pour participer à une expérience globale, qu’il s’agisse d’hôtellerie, d’architecture ou d’intérieurs privés. Se définissant comme des artisans ensembliers, Koncept & Matières maîtrise l’ensemble du processus, de la matière à sa mise en œuvre, afin de garantir une cohérence d’ensemble et une identité forte à chaque réalisation. La Maison s’appuie sur son laboratoire interne, Hekkô, pour développer des teintes et textures sur mesure, selon un principe de continuité chromatique visant une harmonie visuelle et tactile. Engagée dans une démarche attentive au bien-être, Koncept & Matières privilégie l’usage de matières nobles et saines et allie tradition et innovation, pensées pour inscrire les projets dans le temps. Chaque réalisation est envisagée comme un environnement singulier, façonné en étroite relation avec les attentes de ses commanditaires.
Ci-dessus : Christine, Fabrice Monchiet et leur fils Nathan. A droite : enduit ultra fin à la chaux Hekkô avec paillettes d’or.
SENSORY CRAFTSMANSHIP
Koncept & Matières is a family-run craft house that has been developing bespoke projects around materiality and sensory experience for nineteen years. The atelier designs and executes projects where every detail contributes to a cohesive experience, whether in hospitality, architecture, or private interiors. Describing themselves as ensemble artisans, Koncept & Matières oversees the entire process, from raw materials to installation, ensuring overall coherence and a strong identity for each project. The Maison relies on its in-house laboratory, Hekkô, to develop bespoke colours and textures according to a principle of chromatic continuity, creating visual and tactile harmony. Committed to well-being, Koncept & Matières prioritises noble and healthy materials, combining tradition and innovation to create projects built to endure. Each project is conceived as a singular environment, crafted in close collaboration with clients.
Above: Christine and Fabrice Monchiet with their son Nathan. Right: ultra-fine lime plaster by Hekkô with gold flakes.
Depuis plus de vingt-cinq ans, Steaven Richard façonne le métal avec exigence et passion. Dans son atelier, il expérimente et innove, entouré de son équipe. Cet espace de création lui permet d’approfondir un savoir-faire ancestral tout en l’ouvrant à des avancées techniques inédites. Tourné vers l’innovation, Steaven Richard choisit très tôt de confronter la tradition de la ferronnerie à une démarche expérimentale. Nourri par des échanges créatifs avec d’autres univers, il développe un nouveau langage : le laminage artistique. La matière se transforme alors sous son regard, empruntant au monde organique des textures. Des motifs inspirés du textile viennent enrichir le laiton, le maillechort ou le cuivre. La maîtrise de ces procédés ouvre un champ infini de motifs et de patines. Spécialisé dans le travail artistique des métaux, l’atelier conçoit des pièces de décor sur mesure, en acier, bronze ou laiton, ainsi que des collections de mobilier, de luminaires ou de rampes d’escalier. La qualité de son travail et les collaborations d’exception lui valent d’être reconnu, depuis 2011, parmi les Grands Ateliers de France et labellisé EPV.
For over twenty-five years, Steaven Richard has been shaping metal with precision and passion. In his atelier, he experiments and innovates alongside his team, deepening a traditional savoir-faire while embracing unprecedented technical advances. From the start, he confronted the traditions of ironwork with an experimental approach. Enriched by creative exchanges across disciplines, he developed a unique language: artistic laminating. Under his gaze, metal transforms, borrowing organic textures from nature, while textile-inspired patterns animate brass, nickel silver, and copper. Mastery of these techniques opens an infinite field of patterns and patinas. Specialising in artistic metalwork, the atelier produces bespoke decorative pieces in steel, bronze, and brass, as well as furniture collections, lighting, and stair railings. The exceptional quality of his work and high-profile collaborations have earned him recognition as a member of the Grands Ateliers de France since 2011, and the EPV label.
Née du dialogue entre les matières minérales et un savoir-faire pointu de la mise en œuvre, Signature Murale s’impose depuis plus de vingt ans comme une référence des finitions murales haut de gamme. D’abord utilisées pour les murs de squash, ces matières ont rapidement trouvé leur place dans des projets exigeants, jusqu’à une première collaboration structurante avec LVMH, impliquant des équipes capables d’assurer une qualité identique à l’international. Soutenue par le groupe Atelier de France, l’entreprise perfectionne en continu ses techniques et développe aujourd’hui la pose sur panneaux, permettant de produire et d’expédier des décors dans le monde entier sans compromis sur l’exigence de finition. Géométries, calepinages et rendus de matière deviennent de véritables partis pris décoratifs. Engagée de longue date, Signature Murale place la responsabilité environnementale au cœur de sa démarche : matières 100 % minérales sans COV, classement M0 au feu, FDES, bilan carbone annuel. Une approche durable, où artisanat, innovation et conscience environnementale avancent de concert.
Ci-dessus : Pierre Gouazé, PDG de Signature Murale. A droite : restaurant Alain Ducasse - Baccarat, Paris.
Born from the dialogue between mineral materials and highly specialised craftsmanship, Signature Murale has established itself for over twenty years as a reference for high-end wall finishes. Initially used for squash courts, these materials quickly found their place in demanding projects, culminating in a first landmark collaboration with LVMH, involving teams capable of ensuring the same quality internationally. Supported by the Groupe Atelier De France, the company continuously refines its techniques and now develops installation on panels, allowing decorative schemes to be produced and shipped worldwide without compromising on finishing excellence. Geometry, layout patterns and material textures become deliberate decorative statements. Long committed to sustainability, Signature Murale places environmental responsibility at the heart of its approach: 100 % mineral materials with no VOCs, fire rating M0, FDES certification, and an annual carbon assessment. A sustainable approach where craftsmanship, innovation and environmental awareness advance hand in hand.
Above: Pierre Gouazé, CEO of Signature Murale. Right: Alain Ducasse – Baccarat restaurant, Paris.
CRÉATION TEXTILE ET BRODERIE POUR L’ARCHITECTURE D’INTÉRIEUR
Fondée en 2104 sous la direction de Delphine Nobili, Atelier Lebuisson est un studio de broderie et design textile très recherché par les architectes d’intérieur et décorateurs tels que Peter Marino mais également pour des Maisons de luxe (Guerlain, Dior, Chanel, Tiffany...) pour des projets d’exception sur mesure. Spécialisé dans les créations artisanales uniques, son savoir-faire s’étend de la manipulation textile à la broderie main, dans une approche contemporaine. Atelier Lebuisson réalise des pièces sur mesure, des panneaux décoratifs, encadrements de portes et des rideaux brodés, ce qui en fait un partenaire incontournable pour les projets résidentiels, hôteliers et commerciaux en France et à l’international. Avec une créativité sans limite, Atelier Lebuisson développe des créations textiles contemporaines en réinterprétant les codes esthétiques traditionnels de la broderie.
TEXTILE DESIGN AND EMBROIDERY FOR INTERIOR ARCHITECTURE
Founded in 2014 under the direction of Delphine Nobili, Atelier Lebuisson is a highly soughtafter embroidery and textile design atelier for interior designers and decorators such as Peter Marino, as well as for luxury houses (Guerlain, Dior, Chanel, Tiffany…) on exceptional bespoke projects. Specialising in unique handcrafted creations, its expertise spans textile manipulation and hand embroidery with a contemporary approach. Atelier Lebuisson produces bespoke pieces, decorative panels, door frames, and embroidered curtains, making it an essential partner for residential, hotel, and commercial projects in France and internationally. With limitless creativity, Atelier Lebuisson develops contemporary textile designs while reinterpreting the aesthetic codes of traditional embroidery.
Ateliers Zelij est né en 2003 de la rencontre entre Samir Mazer, artiste, et Delphine Laporte, architecte d’intérieur. Passionnés par les revêtements de surface et l’artisanat, la fusion entre design, innovation et savoir-faire, ils font vivre et réinventent les matières à travers des compositions picturales uniques et sensorielles. Samir Mazer requestionne l’art du zellige, tesselles de terre cuite émaillée qui possèdent une âme et une énergie unique. Fort de ce lien intime et en connexion permanente avec le sens du toucher, la céramique devient passerelle vers une nouvelle compréhension sensible de la terre. C’est par la sculpture, la ciselure ou encore le modelage qu’il évoque le murmure et la mémoire de sa terre natale et suggère une nouvelle sacralité, révélant à travers chaque œuvre une histoire empreinte d’une certaine humilité. Pour Ateliers Zelij, Samir Mazer développe désormais un travail plus confidentiel, In Situ, afin de mettre le zellige en écho avec un lieu, un espace ou un moment.
Ateliers Zelij was founded in 2003 by Samir Mazer, artist, and Delphine Laporte, interior designer. Passionate about surface coverings and craftsmanship, the fusion between design, innovation and know-how, they bring materials to life and reinvent them through unique and sensory pictorial compositions. Samir Mazer revisits the art of zellige, the famous Moroccan enameled tile which has a unique soul and energy. Strengthened by this intimate bond, in permanent connection with the sense of touch, ceramics becomes a gateway to a new sensitive understanding of the earth. It is through sculpture, carving or even modeling that he evokes the murmur and memory of his native land. It is by sculpting clay and enamel that he evokes the murmur and memory of his native land and suggests a new sacredness revealing through each creation a story imbued with a certain humility. For Ateliers Zelij, Samir Mazer is developing new collections and now a more confidential work, In Situ, in order to make zellige resonating with a place, a space or a moment.
Fondés en 1640, les Ateliers Muquet perpétuent une tradition artisanale en constante évolution, où chaque génération réinvente les gestes du passé pour façonner l’avenir. De la menuiserie à l’ébénisterie jusqu’à la création de panneaux décoratifs, l’atelier a développé une expertise plurielle, aujourd’hui reconnue par le label EPV, et qui s’exprime dans le mobilier sur mesure, l’agencement de luxe et les décors muraux. Chaque pièce porte la trace de la main : une nuance, un relief, une irrégularité qui devient signature, loin de toute standardisation. Nous mettons notre savoir-faire au service des plus grands architectes, designers et Maisons de luxe, guidés comme nous par l’art de célébrer le temps, la matière et le geste. Référence du luxe à la française, les Ateliers Muquet allient passion et excellence pour créer des œuvres intemporelles, admirées en France et à travers le monde. !
Founded in 1640, Ateliers Muquet perpetuate an artisanal tradition in constant evolution, in which each generation reinterprets the gestures of the past to shape the future. From joinery and fine cabinetmaking to the creation of decorative panels, the ateliers have developed a multifaceted expertise, now recognised by the EPV label, expressed through bespoke furniture, luxury interior fit-outs and wall décors. Each piece bears the mark of the hand: a nuance, a relief, an irregularity that becomes a signature, far removed from any notion of standardisation. The atelier places its savoir-faire at the service of leading architects, designers and luxury Houses, united by a shared commitment to celebrating time, material and gesture. A benchmark of French luxury, Ateliers Muquet combine passion and excellence to create timeless works, admired in France and around the world. !
Above: Arnaud Digonnat, Managing Director of Ateliers Muquet. Right: Ateliers Muquet stand at the Monaco Yacht Show and Muquet samples. Stand design developed in collaboration with Ombre agency. Charles Paris wall lamp.
Fresquiste et peintre décoratrice, Lillia Baudo redonne vie à des techniques ancestrales pour sublimer les intérieurs et les monuments historiques. Cette artiste passionnée s’illustre par sa maîtrise des techniques classiques telles que la fresque, la peinture à la chaux et le trompe-l’œil. Inspirée par les maîtres tels que Giotto et Michel-Ange, elle explore la lumière à travers des pigments naturels et des reliefs délicats dans l’enduit. Utilisant des méthodes traditionnelles comme la sinopia ou le stiacciato, elle réinterprète ce savoir-faire dans un langage contemporain. Depuis 2020, Lillia a contribué à des chantiers prestigieux, comme la rénovation de la Samaritaine et celle de Notre-Dame de Paris. Finaliste du Prix des Artisanes 2023 du magazine ELLE, elle a été reconnue pour son expertise unique en enduits minéraux et pigments naturels. En 2024, son inclusion dans le guide Homo Faber vient confirmer son statut d’ambassadrice de l’artisanat européen. Avec Lillia Baudo, chaque projet devient une œuvre intemporelle où tradition et modernité se rencontrent harmonieusement.
A fresco artist and decorative painter, Lillia Baudo breathes new life into age-old techniques to enhance interiors and historic monuments. This passionate artist is renowned for her mastery of classic techniques such as fresco, limewash and trompe-l’œil. Inspired by masters such as Giotto and Michelangelo, she explores light through natural pigments and delicate reliefs in the plaster. Using traditional methods such as sinopia and stiacciato, she reinterprets this know how in a contemporary language. Since 2020, Lillia has contributed to prestigious projects such as the renovation of the Samaritaine and NotreDame de Paris. A finalist in ELLE magazine’s Prix des Artisanes 2023, she was recognised for her unique expertise in mineral coatings and natural pigments. In 2024, her inclusion in the Homo Faber guide confirms her status as an ambassador for European craftsmanship. With Lillia Baudo, every project becomes a timeless work of art where tradition and modernity meet in harmony.
L’atelier Herbst (anciennement ALM Déco) se consacre à la maîtrise et à l’excellence dans le domaine des finitions en laque depuis plus de 40 ans. Spécialisé dans les créations haut de gamme, l’atelier se démarque par un savoir-faire exceptionnel et une recherche constante de la perfection, répondant aux exigences des projets les plus ambitieux. Il invente et créé aussi de nouvelles matières pour embellir, restaurer, magnifier et illuminer les plus beaux mobilier. Des décorateurs, institutions et designers, à la recherche de l’excellence du savoir-faire français et des effets uniques de la laque et de ses déclinaisons, font appel à l’atelier Herbst pour la création ou la restauration de pièces rares et d’exception. Aujourd’hui, l’atelier est équipé des dernières technologies et d’espaces de travail conçus pour accueillir des projets de toutes tailles. Il est en capacité de réaliser des finitions sur de très grandes surfaces.
Ci-dessus : Mireille Herbst, fondatrice de ALM Déco. A droite : secrétaire porteneuve. Restauration de la laque verte - Galerie Laurent Guelfucci.
For over forty years, Atelier Herbst (formerly ALM Déco) has been dedicated to mastery and excellence in the field of lacquer finishes. Specialising in high-end creations, the atelier stands out for its exceptional craftsmanship and its constant pursuit of perfection, meeting the requirements of the most ambitious projects. The atelier also invents and develops new materials to enhance, restore, refine and illuminate the finest furniture. Decorators, institutions and designers in search of the excellence of French savoir-faire and the unique effects of lacquer and its variations call upon Atelier Herbst for the creation or restoration of rare and exceptional pieces. Today, the atelier is equipped with the latest technologies and workspaces designed to accommodate projects of all sizes. It is able to produce finishes over very large surfaces.
Above: Mireille Herbst, founder of ALM Déco. Right: secrétaire porteneuve. Restoration of green lacquer - Galerie Laurent Guelfucci.
Ginger Brown est une entreprise familiale basée en Normandie qui créée des collections de meubles et accessoires de décoration depuis 2001. Faisant référence à la grande période des ensembliers du début du XXeme siècle, Ginger Brown s’efforçe de rendre unique chaque pièce qu’il crée. Chaque pièce de mobilier, entièrement fabriquée à la main, est unique et élaborée en collaboration avec des artisans spécialisés qui utilisent des techniques ancestrales pour transformer et sublimer des matières brutes. Principalement basées sur un travail de gainerie (galuchat, parchemin) ou de marqueterie (nacres, fibres, pierres), les collections évoluent en permanence et sauront s’adapter aux demandes personnalisées des décorateurs. De formes futuristes, organiques ou classiques, les créations Ginger Brown s’inspirent autant de la nature que de l’architecture et séduisent les grands noms de la haute décoration d’intérieur internationale. Ginger Brown accompagne aussi ses clients dans des réalisations entièrement sur mesure.
Ci-dessus : François-Xavier et Antoine Turrou. A droite : buffet en cristal de roche blanc et laiton texturé. Lampe en marqueterie de paille.
BETWEEN DESIGN AND NATURE
Ginger Brown is a family-owned company based in Normandy that has been creating collections of furniture and decorative accessories since 2001. Referring to the great period of early 20th century furniture makers, Ginger Brown strives to make each piece unique. Each piece of furniture, entirely handcrafted, is unique and created in collaboration with specialized artisans who use ancestral techniques to transform and sublimate raw materials. Mainly based on sheathing (shagreen, parchment) or marquetry (mother-of-pearl, fibers, stones), the collections are constantly evolving and can be adapted to the personalized demands of decorators. Whether futuristic, organic or classic, Ginger Brown’s creations are inspired by nature and architecture, and appeal as well names in international interior design. Ginger Brown also offers custom-made products to its clients
Above: François-Xavier et Antoine Turrou. Right: sideboard of white rock crystal marquetry and brass textured. Straw marquetry lamp.
Ginger Brown
15 rue Raymond Delente 14540 La Hogue, Bourguebus
Tél. : +33 (0)2 31 39 88 08 www.gingerbrown.fr
LE MOBILIER COMME ŒUVRE D’ÉQUILIBRE
Basés dans les Alpilles en Provence, Yanis & Tommy conçoivent du mobilier contemporain où lignes épurées et exigence artisanale se rencontrent. Membres des Ateliers d’Art de France, ils imaginent des pièces guidées par la précision et la recherche d’une esthétique juste. Yan, ébéniste diplômé de l’École Supérieure d’Ébénisterie d’Avignon, maîtrise le travail du bois et des matériaux nobles avec rigueur et sensibilité. Chaque pièce passée entre ses mains reflète son soin des détails et sa lecture attentive de la matière. Tom, designer passionné, apporte une vision sobre et contemporaine. Ses lignes réfléchies donnent à leurs créations une présence discrète, équilibrée, pensée pour dialoguer naturellement avec l’espace. Ensemble, ils forment un duo où la créativité et la technique dialoguent pour donner naissance à un mobilier durable, fonctionnel et sculptural. Une démarche ancrée dans le savoir-faire d’hier, attentive à la qualité des matériaux et à la cohérence globale des formes.
Ci-dessus : Yan et Tom, les fondateurs de l’atelier éponyme. A droite : détail d’une création, table basse en chêne teinté cintré et verre trempé.
THE FURNITURE AS A WORK OF BALANCE
Based in the Alpilles in Provence, Yanis & Tommy design contemporary furniture where clean lines meet artisanal precision. Members of Ateliers d’Art de France, they create pieces guided by exacting craftsmanship and the pursuit of a balanced, timeless aesthetic. Yan, a cabinetmaker trained at the École Supérieure d’Ébénisterie d’Avignon, works wood and noble materials with rigor and sensitivity. Every piece shaped by his hands reflects meticulous attention to detail and a deep understanding of the material. Tom, a passionate designer, brings a sober, contemporary vision. His thoughtful lines give their creations a discreet, harmonious presence, naturally engaging with the surrounding space. Together, they form a duo where creativity and technique converse to give life to durable, functional, sculptural furniture. Their approach is rooted in time-honored craftsmanship, attentive to material quality and the coherence of form.
Above left: Yan et Tom, the founders of the eponymous workshop. Right: detail of a creation, a curved stained-oak coffee table with tempered glass.
Yan & Tom • ébéniste designer 419 avenue de Lattre de Tassigny 13870 Rognonas
En réinventant le mobilier Art Déco, au début des années 80, Hugues Chevalier s’est fait un nom parmi les designers de mobilier contemporain haut-de-gamme. En effet, le nom Hugues Chevalier est synonyme de cuirs luxueux, bois précieux et richesse des détails, mais aussi du soin apporté au confort. Aujourd’hui encore, ce savoir-faire artisanal et esthétique reste l’empreinte de la marque. Les nouvelles collections Hugues Chevalier se composent de meubles élégants au design unique. La marque favorise le sur mesure, afin de servir les exigences de sa clientèle de particuliers et de professionnels. Hugues Chevalier perpétue la tradition de l’esthétisme « à la Française ». Les canapés « Charleston et Dominique », inspirés du mobilier Art Déco et élevés au rang d’icônes du design, sont toujours des modèles phares, tout comme l’emblématique fauteuil « Ying ». Pour faire vivre la tradition, Hugues Chevalier à choisit d’élargir sa gamme et propose de nouveaux meubles et objets de décoration contemporains, fruit du travail de designers talentueux.
Ci-dessus : Frédéric Taïeb, Propriétaire de Hugues Chevalier. A droite : fauteuils « Citizen », collection Art Déco
CREATOR OF ART DECO FURNITURE
By reinventing Art Deco furniture in the early 1980s, Hugues Chevalier made a name for himself among high-end contemporary furniture designers. Indeed, Hugues Chevalier name is synonymous with luxurious leathers, precious woods and rich details. But it’s also about the care taken to ensure comfort. Even today, this artisanal and aesthetic know-how remains the hallmark of the brand. The new Hugues Chevalier collections consist of elegant furniture with unique designs. The brand promotes custom-made solutions to meet the needs of its private and professional customers. The Hugues Chevalier brand perpetuates the tradition of French-style aestheticism. The “Charleston and Dominique“ sofas, inspired by Art Deco furniture and elevated to the rank of design icons, are still flagship models, just like the emblematic “Ying“ armchair. To keep tradition alive, the Hugues Chevalier brand has chosen to expand its range and offers new high-end contemporary furniture and decorative objects, the fruit of the work of talented designers.
Above: Frédéric Taïeb, Owner of Hugues Chevalier. Right: armachairs “Citizen“, Art Deco collection.
Hugues Chevalier Paris Rive Gauche 226 boulevard Saint-Germain - 75007 Paris
En haut à droite : banc César en fer forgé. En bas à gauche : console et miroir Branche en laiton brossé et poli. Plateau en pierre du Louvre. En bas à droite : table d’appoint Offrande en fer forgé et finition or.
Top right: César bench in wrought iron. Bottom left: Branche console and mirror in brushed and polished brass. Louvre stone top. Bottom right: Offrande side table in wrought iron with gold finish.
Mobilier de Style 11 rue Denis Papin - 49450 Sèvremoine
Duvivier Canapés est un des maîtres en matière de canapés, fauteuils et mobilier français d’exception et excelle dans l’art de concilier confort et élégance, ce qui lui vaut une renommée internationale. La Maison, installée dans la Vienne, se distingue par sa maîtrise de la sellerie depuis 1840. Les artisans travaillent avec les techniques héritées de leurs aînés, créant ainsi des collections haut de gamme aux lignes intemporelles toutes fait main en France. Les couturiers et selliers, menuisiers et ébénistes, garnisseurs et tapissiers rassemblent leurs talents pour concevoir avec passion des produits iconiques haute couture aux finitions parfaites. Cette transmission du savoir-faire au fil des générations, semble être le secret de la Maison labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant. C’est sous la Direction Artistique de Guillaume Hinfray et en collaboration avec des Designers de premier plan, que la Maison dessine au fil des collections sa signature au chic décontracté à la française.
Ci-dessus : Aymeric Duthoit, Directeur Général de Duvivier Canapés. A droite : collection « Arsène », dessinée par Guillaume Hinfray. Tissu Lelièvre Paris.
FRENCH RELAXED CHIC
Duvivier Canapés is one of the masters of exceptional French sofas, armchairs and furnitures and excels in the art of combining comfort and elegance, which has earned its international reputation. The house located in the Vienne region in France, has distinguished itself by its mastery of saddlery since 1840. Craftsmen work with techniques inherited from their elders, thus creating high-end collections with timeless lines, all made by hand in France. The couturiers and saddlers, carpenters, cabinetmakers and upholsterers combine their talents to design with passion iconic haute couture products with perfect finishes. This transmission of know-how down the generations seems to be the secret Maison of the labeled Living Heritage Compagny. It is under the creative direction of Guillaume Hinfray and in collaboration with leading designers, that the House draws its signature towards relaxed French chic throughout its collection.
Above: Aymeric Duthoit, CEO of Duvivier Canapés. Right: “Arsène“ collection, designed by Guillaume Hinfray. Lelièvre Paris fabric
Showroom de la Marque Duvivier Canapés
27 rue Mazarine - 75006 Paris
Tél. : +33 (0)1 43 25 55 00
Points de vente sur : www.duviviercanapes.com duviviercanapes
Une Maison du pôle Art de vivre de C4 Industries
L’ART DE DORMIR À LA FRANÇAISE
Manufacture d’excellence depuis 1909, le Lit National perpétue avec passion la tradition d’un savoir-faire artisanal d’excellence et l’emploi de matières naturelles les plus nobles pour élever le lit à l’ultime niveau de confort. Menuiserie, tapisserie, matelasserie, couture, le savoir-faire de nos artisans a pour seuls limites l’imagination de nos clients. Nous mettons nos équipes et nos ateliers au service des esprits talentueux et ambitieux pour donner vie à des objets uniques. En collaborant avec des artistes, designers ou architectes le Lit National n’a qu’un souhait : que la magie opère entre ses savoir faire ancestraux d’exception et les créations des esprits libres d’aujourd’hui. Outre sa boutique historique du Trocadéro dédiée aux particuliers, le Lit National réserve un accueil exclusif aux architectes et designers dans ses ateliers pour les accompagner dans leurs projets, avec un service d’étude et de développement sur mesure. Réalisons ensemble vos prochains rêves.
Manufacturing excellence since 1909, le Lit National has passionately upheld a tradition of exceptional craftsmanship and the use of the finest natural materials, elevating the bed to the ultimate level of comfort. Cabinetmaking, upholstery, mattress-making, sewing—the expertise of our artisans is limited only by the imagination of our clients. We place our teams and workshops at the service of talented and ambitious minds to bring unique creations to life. By collaborating with artists, designers, and architects, le Lit National has but one wish: that magic may arise between its exceptional ancestral savoir-faire and the creations of today’s free spirits. In addition to their historic boutique for individuals at Trocadéro, le Lit National offers exclusive services to architects and designers, including custom study and development in their workshops. We look forward to bringing your next dreams to life.
le Lit National Boutique 2 place du Trocadéro 75116 Paris
Tél. : +33 (0)1 56 90 14 10 www.litnational.com
lelitnational
BRONZIER D’ART
Depuis 1930, Tisserant incarne un art du bronze rare, emblématique du savoir-faire français le plus exigeant. Au cœur de Paris, la Maison labellisée EPV, préserve une tradition artisanale, tout en faisant évoluer la matière par de nouveaux gestes et des nouvelles techniques. Luminaires, mobilier et objets décoratifs prennent forme dans ses ateliers, façonnés entièrement à la main. Tisserant collabore avec des designers et architectes de renom comme Pierre-Yves Rochon, Mauricio Clavero Kozlowski ou encore Pierre Gonalons pour imaginer des œuvres uniques, pensées comme des véritables objets d’exception. Parmi ses réalisations majeures figurent la restauration des lustres de l’Opéra du Château de Versailles, symbole fort de l’engagement de la Maison dans la préservation du patrimoine historique français. Résolument tournée vers la création et l’innovation, Tisserant s’impose aujourd’hui comme une référence dans l’univers du luxe, du bronze et de l’architecture intérieur.
Since 1930, Tisserant has embodied a rare art of bronze, emblematic of the most demanding French craftsmanship. Located in the heart of Paris, the Maison, EPV label, preserves a tradition of craftsmanship, while evolving the material through new techniques and methods. Lighting, furniture, and decorative objects take shape in its workshops, crafted entirely by hand. Tisserant collaborates with renowned designers and architects such as Pierre-Yves Rochon, Mauricio Clavero and Pierre Gonalons to imagine unique works, conceived as truly exceptional objects. Among its major achievements is the restoration of the chandeliers at the Palace of Versailles, a powerful symbol of the company’s commitment to preserving France’s historical heritage. With a strong focus on creativity and innovation, Tisserant is now a leading name in the world of luxury, bronze, and interior design.
Line & Raphaël est une manufacture d’art fondée en 2019 par Line Pierron et Raphaël Cuevas. Issue du design d’objet et de l’impression 3D, Line Pierron explore les potentialités formelles offertes par les outils numériques. Raphaël Cuevas, ébéniste de formation, développe quant à lui un rapport exigeant et sensible au bois et aux savoir-faire artisanaux. Ensemble, ils développent une approche contemporaine de l’ébénisterie et de la marqueterie, intégrant le relief, la tridimensionnalité et le dialogue avec l’impression 3D. Leur travail associe structures en bois façonnées à la main et éléments imprimés en 3D, donnant naissance à des surfaces sculpturales et graphiques. Chaque pièce est conçue et fabriquée dans leur atelier, en pièces uniques ou en séries très limitées. Du mobilier d’expression aux projets sur mesure, leurs créations traduisent une recherche constante autour de la matière, de la lumière et du dessin. À l’écart de toute production standardisée, Line & Raphaël défendent une vision contemporaine de l’artisanat, où l’innovation prolonge le geste et le savoir-faire.
Ci-dessus : meuble « Mural Neuronal » en noyer, marqueterie en chêne des marais. Impression 3D finition dorure.
EXPERTISE AND INNOVATION
Line & Raphaël is an art workshop founded in 2019 by Line Pierron and Raphaël Cuevas. Coming from object design and 3D printing, Line Pierron explores the formal possibilities offered by digital tools. Raphaël Cuevas, trained as a cabinetmaker, develops a sensitive and exacting relationship with wood and traditional craftsmanship. Together, they pursue a contemporary approach to cabinetmaking and marquetry, integrating relief, threedimensionality, and dialogue with 3D printing. Their work combines hand-shaped wooden structures with 3D-printed elements, resulting in sculptural and graphic surfaces. Each piece is designed and crafted in their workshop, either as a unique item or in very limited series. From expressive furniture to bespoke projects, their creations reflect a constant exploration of material, light, and form. Away from any standardised production, Line & Raphaël uphold a contemporary vision of craftsmanship, where innovation extends the gesture and savoir-faire.
Above and right: “Mural Neuronal” furniture in walnut, marsh oak marquetry. 3D-printed elements with gilded finish.
Line & Raphaël 104 boulevard Paul Vaillant-Couturier 94200 Ivry-sur-Seine contact@line-raphael.fr www.line-raphael.fr
line.et.raphael
GALERIE
Héritière des Arts Décoratifs français, Maison Pouenat conjugue à la maîtrise parfaite des techniques traditionnelles de la ferronnerie d’art décorative des finitions innovantes et créatives dans un esprit contemporain. Depuis les années 70, la Maison a étendu ses activités de ferronnerie d’art classique aux projets d’agencement architectural sur mesure. Depuis 2003, elle édite à intervalle régulier, des pièces conçues en collaboration avec des designers de renom. En présentant des créations signées et limitées à 12 ou 48 exemplaires, elle s’impose comme la première Galerie d’Édition dans le paysage du design contemporain. Ses artisans ont à cœur de pérenniser un savoir-faire ancestral en le réinventant à travers chaque ouvrage, tout en utilisant des techniques modernes. Des dessins aux maquettes, de la fabrication au décor, la Maison offre un accompagnement technique et artistique sur mesure pour donner vie à des œuvres intemporelles. En 2025, Maison Pouenat a édité Haddou & Dufourcq, pour la première fois autour d’une collection tout en aluminium nickelé vieilli.
Ci-dessus : Jacques Rayet, Président de Maison Pouenat. A droite : collection Cosmo en aluminium nickelé vieilli. Design Haddou & Dufourcq.
GALLERY
Heir to the French Decorative Arts, Maison Pouenat combines the perfect mastery of traditional decorative ironwork techniques with innovative and creative finishes in a contemporary spirit. Since the 1970’s, the company has extended its activities from classical decorative ironwork to custom architectural design projects. Since 2003, it has been regularly releasing pieces designed in collaboration with renowned designers. By presenting signed creations limited to 12 or 48 copies, it has established itself as the first edition gallery in the contemporary design landscape. Its craftsmen are committed to preserving an ancestral know-how by reinventing it through each work, while using modern techniques. From the drawings to the models, from the manufacturing to the decoration, the company offers a technical and artistic support tailored to give life to timeless works. In 2025, Maison Pouenat introduced Haddou & Dufourcq through a collection crafted, for the first time, entirely from aged nickel-plated aluminium.
Above: Jacques Rayet, President of Maison Pouenat. Right: the Cosmo collection, crafted in aged nickelplated aluminium. Design Haddou & Dufourcq.
CRÉATIONS DE SÉRIE, ÉDITIONS LIMITÉES, PIÈCES UNIQUES
Mathieu Challières développe depuis plus de 20 ans une approche très personnelle du design. Son travail est double : d’un côté ses créations de séries, parmi lesquelles les Volières, devenues au fil du temps des icônes du design, et de l’autre, des éditions limitées et des pièces uniques. Plutôt éclectique, Mathieu Challières affirme néanmoins un goût prononcé pour les luminaires. Ils sont majoritairement réalisés en plâtre, selon un mode de fabrication très personnel qui lui donne une grande liberté d’expression. Il a également recours à des savoir-faire d’excellence. Ses dernières créations présentent un large éventail de matières et de techniques : chêne gougé, marqueterie de paille, cuir, laque, faïence. Tout est réalisé en France, avec une exception pour les pierres qui viennent parfois d’Italie. Chaque année apporte son lot de pièces nouvelles, rarement éditées à plus de 12 exemplaires.
Ci-dessus : Mathieu Challières
En haut à gauche : lanterne Ovarec, plâtre.
A droite : meuble Monstre, chêne, cuir, or.
En bas à gauche : console Challigraphie, chêne gougé. A droite : miroir Emmental, plâtre.
SERIES CREATIONS, LIMITED EDITIONS, ONE-OFF PIECES
Mathieu Challières has been developing a highly personal approach to design for over 20 years. His work is twofold: on the one hand, his massproduced creations, including the Volières, which have become design icons over the years, and on the other, limited editions and one-off pieces. Rather eclectic, Mathieu Challières nevertheless has a pronounced taste for lighting. Most of these are made in plaster, using a highly personal method that gives him great freedom of expression. He also makes use of excellent knowhow. His latest creations feature a wide range of materials and techniques: gouged oak, straw marquetry, leather, lacquer and earthenware. Everything is made in France, with the exception of the stones, which come from Italy. Each year brings its share of new pieces, rarely produced in editions of more than 12.
Above: Mathieu Challières.
Top left: Ovarec lantern, plaster.
Right: Monster cabinet, oak, leather, gold.
Bottom left: Challigraphe console, gouged oak.
Right: Emmental mirror, plaster.
Mathieu Challières
Galerie : 22 rue de Varenne - 75007 Paris Mercredi, jeudi, vendredi 11h - 19h ou sur RDV bonjour@challieres.com www.challieres.com
mathieuchallieres
EBÉNISTERIE CONTEMPORAINE
Depuis 1963, Brimbois s’attache à préserver et à faire évoluer le savoir-faire de l’ébénisterie d’art en l’inscrivant dans son époque. Chaque jour, nos ébénistes, animés par la recherche de l’excellence, façonnent des pièces uniques. Leurs créations, fruits d’un travail minutieux, incarnent un savoir-faire d’exception, où le souci du détail et la perfection des finitions sont primordiaux. Dans une démarche constante d’innovation, Brimbois collabore avec des architectes et des designers renommés tels que Garnier et Linker, Luis Laplace ou encore Marina Declarey, à travers la réalisation de pièces aux lignes audacieuses, mêlant créativité et maîtrise artisanale. Fondé au cœur du Faubourg SaintAntoine dans le 11e arrondissement, Ateliers de Brimbois est un atelier d’ébénisterie d’art français historiquement reconnu pour ses créations et reproductions de mobilier en bois massif ou en marqueterie de bois précieux. Désormais, l’atelier se distingue par la réalisation et la création de mobilier unique sur mesure aussi bien en France qu’à l’international.
Since 1963, Brimbois has been dedicated to preserving and evolving the craftsmanship of fine cabinetmaking, adapting it to the modern time. Every day, our cabinetmakers, driven by the pursuit of excellence, craft unique pieces. Their creations, the result of meticulous work, embody exceptional expertise, where attention to detail and flawless finishes are paramount.In a constant pursuit of innovation, Brimbois collaborates with renowned architects and designers such as Garnier & Linker, Luis Laplace, and Marina Declarey, creating bold pieces that blend creativity and artisanal mastery. Founded in the heart of the Faubourg Saint-Antoine in the 11th arrondissement of Paris, Ateliers de Brimbois is a French fine woodworking workshop historically recognized for his creations and reproductions of furniture in solid wood or precious marquetry. The company now stands out for producing & creating bespoke, unique furniture both in France and internationally.
73 avenue Daumesnil - 75012 Paris contact@brimbois.fr www.brimbois.fr
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LITS SUR MESURE
Depuis 1935, Tréca cultive une vision singulière du sommeil : celle d’un art de vivre à la française, où le confort se conjugue à l’élégance et au geste artisanal. Plus qu’un fabricant de literie, la Maison Tréca imagine des lits comme de véritables objets d’architecture intérieure. Entièrement confectionnés à la main en France, dans les ateliers de Reichshoffen et des Portes de Chambord, labellisés Entreprise du Patrimoine Vivant, les lits Tréca associent matelas, sommiers et accotoirs dans une approche globale et sur mesure. Chaque détail compte : capitonnage cousu main, matières naturelles d’exception – laine mérinos d’Arles, soie, lin, alpaga – et confort sur mesure, pensé pour répondre aux besoins de chacun. Ouverte aux collaborations créatives, la Maison dialogue avec des designers, Charles Tassin, Constance Guisset et d’éditeurs de tissus prestigieux, comme Pierre Frey pour offrir des pièces uniques, aussi à l’aise dans les résidences privées que dans les plus beaux hôtels. Chez Tréca, le sommeil devient une expérience sensible, façonnée avec exigence, au service du corps et de l’esthétique.
Ci-dessus : Isabelle Durand, directrice générale de Treca. A droite : collection Paris Istanbul.
BESPOKE BEDS
Since 1935, Tréca has cultivated a distinctive vision of sleep: a French art of living where comfort meets elegance and artisanal expertise. More than a bedding manufacturer, Maison Tréca conceives beds as true objects of interior architecture. Entirely handcrafted in France, at the ateliers of Reichshoffen and Les Portes de Chambord—recognised as Entreprise du Patrimoine Vivant—Tréca beds combine mattress, base, and headboard in a holistic, bespoke approach. Every detail matters: handstitched tufting, exceptional natural materials —Arles merino wool, silk, linen, alpaca—and tailored comfort designed to suit individual needs. Open to creative collaborations, the Maison works with designers such as Charles Tassin, Constance Guisset, as well as prestigious textile houses like Pierre Frey, creating unique pieces equally at home in private residences or luxury hotels. At Tréca, sleep becomes a refined, crafted experience, attentive both to the body and to aesthetics.
Above: Isabelle Durand, Managing Director of Tréca. Right: Paris Istanbul collection.
Tréca prescription@treca.com www.treca-paris.com
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L’ART DU SIÈGE
C’est avec passion, exigence et précision que Louis Monier, fondateur de l’atelier Monier, réalise avec son équipe des sièges, pour les plus grands noms de la décoration. C’est dans un atelier historique situé au cœur de Paris qu’ils pratiquent l’art de la menuiserie en sièges. Le savoir-faire de l’atelier permet d’imaginer et de créer des sièges aux lignes et aux courbes les plus audacieuses, qui sont maintenant la signature de l’atelier. L’atelier oscille entre des fabrications ultra modernes, réalisations inspirées des grands maîtres du XVIIIème et fabrication pour les créatifs qui cherche un savoir-faire d’exception. Titré « un des Meilleurs Ouvriers de France » en 2019, Louis Monier à créer une véritable identité et un univers autour de la ligne et de la courbe, qu’il pratique au quotidien. Ce travail de plus de dix ans ont valu à l’atelier d’être labélisé EPV en 2021.
It is with passion, requirement and precision that Louis Monier, founder of the Atelier Monier, creates seats with his team, for the greatest names in decoration. It is in a historical workshop located in the heart of Paris that they practice the art of carpentry for seats. The know-how of the Monier workshop allows him to imagine and create seats with the most audacious lines and curves, which are now the signature of the workshop. The workshop varies between ultra-modern productions, creations inspired by the great masters of the XVIIIth century, and manufacturing for artists who are looking for exceptional know-how. Louis Monier has been awarded the title of “one of the Best Craftsmen of France“ in 2019. He has created a real identity and a universe around the line and the curve, which he practices daily. This work of more than ten years has earned the workshop the prestigious EPV label in 2021.
Above: Louis Monier, founder of the eponymous atelier. Right: Artémis chair, winning entry in the first Âmes d’œuvres competition organized by the Etrillard Foundation. This unique chair, made from solid pear wood, is a blend of innovation and tradition. Lacquer created by the atelier Maury.
Depuis 2011, Le Presse Papier imagine et fabrique à Lyon des papiers peints et tissus d’ameublement conçus comme de véritables œuvres d’art. Installée sur les terres historiques des métiers Jacquard, la manufacture labélisée EPV revendique une approche à la fois artisanale et contemporaine, où le dessin à la main est au cœur de chaque création. Nourries par l’histoire de l’art et un fonds patrimonial exceptionnel d’archives décoratives et textiles des XVIIIᵉ, XIXᵉ et XXᵉ siècles, les collections cultivent un goût affirmé pour le récit, la poésie et la singularité. Chaque décor est pensé pour transformer l’espace, révéler l’âme d’un lieu et dialoguer avec ceux qui l’habitent. Héritage revisité, sens aigu du détail, exigence de fabrication et engagement écologique guident cette maison indépendante. À travers ses collections permanentes, ses collaborations patrimoniales et ses projets sur mesure, Le Presse Papier défend une vision du décor comme langage vivant, capable de traverser le temps sans jamais perdre sa force expressive.
Ci-dessus : Sébastien Barcet, fondateur de Le Presse Papier.
Since 2011, Le Presse Papier has been designing and producing wallpapers and upholstery fabrics in Lyon, conceived as true works of art. Situated in the historic heart of Jacquard craftsmanship, this EPV-certified manufactory embraces an approach that is both artisanal and contemporary, with hand-drawn designs at the very centre of every creation. Drawing inspiration from art history and an exceptional archive of decorative and textile patterns from the 18th, 19th, and 20th centuries, the collections cultivate a refined sense of storytelling, poetry, and individuality. Each design is created to transform a space, reveal its character, and engage with those who inhabit it. Reinterpreted heritage, meticulous attention to detail, exacting production standards, and a commitment to sustainability guide this independent house. Through its permanent collections, heritage collaborations, and bespoke commissions, Le Presse Papier champions a vision of decor as a living language, capable of enduring through time without losing its expressive power.
La Maison Malouinières métamorphose les intérieurs par des couleurs empreintes d’histoire avec audace et élégance. Recréant notamment les teintes légendaires des « 13 couleurs de Vauban », elle propose une vaste gamme de peintures uniques, à base d’eau, d’huiles naturelles, de chaux ou de silicate, certifiées
A+. Les gammes minérales et végétales sont sans COV ni conservateur, particulièrement respectueuses de la santé et de l’environnement. Fabriquées en Bretagne et à Paris, les couleurs et matières de la collection ont une durabilité exceptionnelle et des nuances inimitables, sublimant autant les monuments historiques (Château de Versailles, Mont Saint-Michel, Bourse de Commerce de Paris...) que les intérieurs contemporains. Une équipe d’experts œuvre au service des architectes, décorateurs et particuliers pour leurs projets de rénovation et de décoration intérieure dans leur recherche de la couleur et de la matière parfaites.
THE ART OF COLOUR BETWEEN TRADITION AND INNOVATION
Maison Malouinières boldly and elegantly transforms interiors with colours steeped in history. Recreating the legendary shades of the «13 colours of Vauban», Malouinières proposes a vast range of unique paints, based on water, natural oils, lime or silicate, all A+ certified. The mineral and vegetable ranges are VOC - and preservative-free, and particularly respectful of health and the environment. Manufactured in Brittany and Paris, the colours and materials in the collection have exceptional durability and inimitable shades, enhancing both historic monuments (the Château de Versailles, Mont Saint-Michel, the Paris Bourse, etc.) and contemporary interiors. A team of experts works with architects, interior designers and private individuals on their renovation and interior design projects, in their search for the perfect colour and material.
8 place des Victoires - 75002 Paris Tél. : +33 (0)1 83 75 99 73 -
70 avenue Saint-Michel - 35400 Saint-Malo
Tél. : +33 (0)2 99 20 87 41 www.malouinieres.com
malouinieres
SALLE DE BAINS BATHROOM
282 -
284
Margot
- La Robinetterie de Paris
Margot
Tissier
EXCELLENCE ARTISANALE
Depuis 1912, Margot incarne l’art de la robinetterie haut de gamme. Implantée à Abbeville, en Picardie, la marque perpétue un savoir-faire artisanal d’exception, distingué par le label EPV. Chaque pièce, conçue en laiton massif, est le fruit d’un travail minutieux, de la fonderie à l’assemblage manuel, garantissant une qualité et une durabilité remarquables. Margot propose plus de 30 finitions, du chrome classique au vieux laiton patiné, permettant une personnalisation audacieuse et subtile. Ses collections, mêlant styles rétro et contemporains, se déclinent en robinetteries pour salle de bains et cuisine, avec une signature esthétique qui traverse les époques avec élégance. Réputée et plébiscitée par les architectes et décorateurs, Margot a habillé des projets prestigieux, tels que l’Hôtel Le Grand Contrôle (Château de Versailles) ou l’Hôtel du Couvent à Nice. Son offre, alliant élégance et fonctionnalité, sublime chaque espace avec un raffinement intemporel.
Since 1912, Margot has embodied the art of top-of-the-range tapware. Based in Abbeville, in Picardy, the brand perpetuates exceptional know-how and craftsmanship, recognised by the EPV label. Each piece, designed in solid brass, is the result of meticulous work, from casting to manual assembly, guaranteeing remarkable quality and durability. Margot proposes more than 30 finishes, from classic chrome to old brass with a patina, enabling bold and subtle customisation. Its collections, a blend of retro and contemporary styles, are available in bathroom and kitchen taps, with an aesthetic signature that crosses the ages with elegance. Renowned and acclaimed by architects and interior designers, Margot has designed prestigious projects such as the Hôtel Le Grand Contrôle (Château de Versailles) and the Hôtel du Couvent in Nice. Its offering, combining elegance and functionality, enhances every space with timeless refinement.
Maison française labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant depuis 2013, la Robinetterie de Paris est l’un des derniers fabricants français de robinetterie haut de gamme. Implanté dans le bassin historique de la robinetterie française, l’atelier réalise des accessoires uniques et « Made in France ». Détenteur d’un savoir-faire précieux et minutieux, il décline une vingtaine de collections élégantes et originales, tantôt intemporelles tantôt contemporaines. De quoi satisfaire sa clientèle exigeante composée d’architectes d’intérieur et d’hôtels prestigieux à travers le monde ! Conçues par le bureau d’études interne, toutes les robinetteries qui sortent de l’atelier font la part belle aux mariages des matières nobles telles que les essences de bois, le cristal, la porcelaine, le laiton ou le béton. Côté finitions, la même exigence de fabrication est de mise. Les nickels, les chromes, les dorures, les argents, les cuivres ou encore les bronzes confèrent aux robinetteries qu’ils ornent une esthétique irréprochable. Et une résistance à toute épreuve !
Ci-dessus : Jérôme Tetard, gérant de la Robinetterie de Paris. A droite : collection Elégance, pastilles, manette et manche de douchette en porcelaine de Limoges. Finition nickel brillant.
ATTENTION TO DETAIL
A French company awarded the Entreprise du Patrimoine Vivant (Living Heritage Company) label in 2013, Robinetterie de Paris is one of France’s last remaining manufacturers of top-ofthe-range fittings. Located in the historic heart of the French faucet industry, the workshop produces unique “Made in France“ accessories. With its precious, meticulous know-how, it offers some twenty elegant and original collections, both timeless and contemporary. Enough to satisfy the demanding clientele of interior designers and prestigious hotels around the world! Designed by the company’s in-house design department, all the fittings that leave the workshop feature a blend of noble materials such as wood, crystal, porcelain, brass and concrete. When it comes to finishes, the same exacting standards are applied. Nickels, chrome, gilding, silver, copper and bronze give the fittings they adorn an impeccable appearance. And they’ll stand the test of time!
Above: Jérôme Tetard, manager of Robinetterie de Paris. Right: Elégance collection, decorative porcelain inserts, lever handle and hand-shower handle in Limoges porcelain. Polished nickel finish.
La Robinetterie de Paris 38 bis rue Pasteur 80130 Friville-Escarbotin
Fondée en 1924 dans un village près de SaintTropez, la Manufacture Cogolin crée des tissus et tapis sur mesure. Visionnaire, son fondateur, Jean Lauer collabore avec les plus grands décorateurs de l’époque pour devenir une référence reconnue. Ses créations prennent place au château de Versailles, à l’Elysée et dans les plus beaux paquebots français. En 2010, sa reprise par le groupe House of Tai Ping lui donne un nouvel essor. Elle agrandit alors sa palette de couleurs, propose de nouvelles matières et créé des collections à l’écriture contemporaine avec des artistes et designers d’aujourd’hui. La technique du noué main refait son apparition, et en 2022, la Manufacture présente sa première collection de tissus depuis le milieu du 20e siècle. L’année 2024 a marqué les cent ans de la Maison, qui continue à proposer des nouvelles collections de tissus et de tapis, toujours dans l’esprit singulier de la marque.
Founded in 1924 in a village near Saint-Tropez, the Manufacture Cogolin creates custom-made carpets and fabrics. A visionary, its founder, Jean Lauer, collaborated with the greatest decorators of the time to become a recognized figure in earlymid-century design. His creations are used in the Palace of Versailles, the Elysée Palace and the most beautiful French ocean liners. In 2010, the purchase of the brand by the House of Tai Ping group gave it a new momentum. The company expanded its color palette, introduced new materials and created contemporary collections with today’s artists and designers. The handknotted technique has made a comeback, as well as collection of fabrics. The year 2024 marked the centenary of the House, which continues to unveil new collections of fabrics and carpets, always true to the brand’s distinctive spirit.
Fondée par Gabor Ulveczki et Rui Jiang, Maison THIA réinvente le tapis en le transformant en véritable médium artistique. Chaque création naît d’un dialogue entre matière, savoir-faire et expression, grâce à une exploration audacieuse des techniques et des textures. Soucieuse de concevoir des pièces parfaitement adaptées à l’atmosphère d’un lieu, la Maison refuse de s’enfermer dans un style unique et collabore avec des artistes du monde entier. Expressionnisme abstrait, motifs revisités ou influences orientales : chaque œuvre traduit une vision singulière de la beauté. Le processus de transformation d’un tableau en tapis engage une véritable traduction du visuel vers le tactile : couleurs, lignes et textures sont réinterprétées à travers le choix des fibres, les variations de hauteur ou le travail manuel du tuftage, donnant naissance à des compositions en trois dimensions qui prolongent l’émotion de l’original. Une Maison où l’art et l’artisanat s’unissent pour imaginer des pièces contemporaines et sensibles.
Ci-dessus : Gabor Ulveczki et Rui Jiang @Betül Balkan. A droite : tapis « Animé d’un souffle de vie », design Julien Deprez.
SIGNATURE RUGS
Founded by Gabor Ulveczki and Rui Jiang, Maison THIA reinvents the rug, transforming it into a true artistic medium. Each creation emerges from a dialogue between material, craftsmanship and expression, through a bold exploration of techniques and textures. Committed to designing pieces perfectly attuned to the atmosphere of a space, the Maison avoids being confined to a single style and collaborates with artists from around the world. Abstract expressionism, reinterpreted patterns or Eastern influences, each work reflects a singular vision of beauty. The process of transforming a painting into a rug involves a genuine translation from the visual to the tactile: colours, lines and textures are reinterpreted through fibre selection, variations in pile height, and meticulous hand-tufting, giving rise to three-dimensional compositions that extend the emotion of the original. A Maison where art and craftsmanship come together to create contemporary, sensitive pieces.
Above: Gabor Ulveczki and Rui Jiang.
@Betül Balkan. Right: “Animé d’un souffle de vie“ rug, design by Julien Deprez.
Fondée en 1984, la maison Serge Lesage s’est imposée comme une référence du tapis artisanal contemporain haut de gamme, reconnue pour la finesse de ses dessins, son savoir-faire, la qualité de ses matières et l’exigence de ses finitions. Chaque pièce naît d’un dialogue étroit entre création et production, dans des ateliers où les techniques artisanales - tufté main, noué main ou tissé - sont mises au service d’une écriture élégante et moderne. En 2024, l’arrivée de Christophe Verley à la direction de la maison ouvre un nouveau chapitre. Animée par l’envie de faire dialoguer artisanat et innovation, deux valeurs ancrées dans l’ADN de la maison, Serge Lesage affirme une ambition claire : accompagner les particuliers et les bureaux d’études dans le choix et la conception de tapis pour sublimer les espaces. Cette dynamique se traduit par l’ouverture d’un nouveau showroom parisien, l’arrivée d’une nouvelle directrice artistique, Sarah Gracia, par des collections et des collaborations créatives et par la mise en place d’un bureau d’études interne dédié au marché contract.
Ci-dessus : Christophe Verley, Président de la Maison Serge Lesage. A droite : tapis Churuatas, inspiré de l’œuvre de Claudia Lavegas, représentée par la galerie Florence Wagner. Collection Tela Alma. Oeuvres Atelier Tison.
CARPETS IN CREATION
Founded in 1984, Maison Serge Lesage has established itself as a leading reference in contemporary high-end artisanal carpets, renowned for the finesse of its designs, exceptional craftsmanship, quality of materials, and precision of finishes. Each piece emerges from a close dialogue between design and production, in workshops where traditional techniques hand-tufting, hand-knotting, or weaving serve a modern and elegant design language. In 2024, the appointment of Christophe Verley as President opened a new chapter for the Maison. Driven by a desire to blend craftsmanship with innovation two values at the heart of its DNA Serge Lesage set a clear ambition: to guide both private clients and design studios in selecting and designing carpets that elevate their spaces. This vision is reflected in the opening of a new Paris showroom, the appointment of artistic director Sarah Gracia, the launch of creative collections and collaborations, and the creation of an internal design office dedicated to the contract market.
Above: Christophe Verley, President of Maison Serge Lesage. Right: Churuatas carpet, inspired by the work of Claudia Lavegas, represented by Florence Wagner Gallery. Tela Alma collection. Works by Atelier Tison.
Serge Lesage 22 rue Bonaparte - 75006 Paris
Tél. : +33 (0)1 45 48 69 60 www.sergelesage.com
sergelesage
ENTRE TAPIS ET ŒUVRES D’ART
L’éditeur de tapis édition 1.6.9 s’est imposé comme une référence incontournable auprès des architectes d’intérieur en quête de tapis uniques et expressifs. Fondée par David et Olivier Aouate, la maison parisienne élève le tapis au rang de véritable œuvre de design, conjuguant créativité, maîtrise technique et sens du détail. Entourés d’artisans, de coloristes et de designers textiles, les deux frères explorent l’ensemble des savoir-faire du tapis d’exception. Noué main, tufté main ou tissé main : chaque technique est parfaitement maîtrisée afin de créer des pièces sur mesure, où matières, textures et couleurs dialoguent avec audace. Les créations d’édition 1.6.9 revendiquent une identité forte, entre authenticité et innovation, capables de répondre aux projets les plus exigeants. Étape clé dans son développement, édition 1.6.9 devient fabricant européen avec la création de L.A.B Rugs, son usine basée au Portugal. Pensée pour allier exigence et réactivité, cette production maîtrisée garantit qualité, précision et liberté créative, au service de tapis d’exception fidèles à l’esprit de la maison.
Rug editor édition 1.6.9 has established itself as an essential reference among interior architects in search of unique and expressive rugs. Founded by David and Olivier Aouate, the Paris-based house elevates the rug to the status of a true design object, blending creativity, technical mastery and a refined sense of detail. Surrounded by artisans, colourists and textile designers, the two brothers explore the full spectrum of exceptional rug-making expertise. Hand-knotted, hand-tufted or hand-woven, each technique is mastered to perfection to create bespoke pieces in which materials, textures and colours engage in a bold dialogue. The creations of édition 1.6.9 embody a distinctive identity, balancing authenticity and innovation, and are designed to meet the most demanding design projects. Marking a key stage in its development, édition 1.6.9 became a European manufacturer with the creation of L.A.B Rugs, its factory based in Portugal. Conceived to combine exacting standards with responsiveness, this fully controlled production ensures quality, precision and creative freedom, in the service of exceptional rugs true to the spirit of the house.
Sibylle de Tavernost est éditrice de tapis contemporains depuis 2017. Après un début de carrière dans le marketing et l’industrie du parfum, où elle acquiert les codes du luxe, elle choisit de s’orienter vers l’artisanat et l’édition textile. Passionnée de voyages, elle explore différents savoir-faire et construit son projet guidée par l’intuition et le geste. Les tapis Sibylle de Tavernost sont imaginés à Paris et fabriqués en Inde du Nord, à la frontière du Népal, dans une région reconnue pour la maîtrise du noué main. L’atelier dédié à la marque emploie une vingtaine de tisserands locaux et assure la maîtrise de la production. Les collections sont réalisées à partir de matières naturelles — laine, soie, bambou silk, jute ou coton — teintes au chaudron et patinées au soleil. Noués à la main ou tissés sur métier traditionnel, les tapis sont conçus pour traverser le temps. Sibylle de Tavernost propose également à ses clients des projets sur mesure, en coconception ou par personnalisation des modèles existants !
Sibylle de Tavernost has been producing contemporary rugs since 2017. After beginning her career in marketing and the perfume industry, where she acquired an understanding of luxury codes, she chose to focus on craftsmanship and textile design. Passionate about travel, she explores various techniques and shapes her work guided by intuition and gesture. Sibylle de Tavernost rugs are designed in Paris and crafted in northern India, near the Nepalese border, in a region renowned for its mastery of hand-knotting. The brand’s dedicated workshop employs around twenty local weavers and oversees every stage of production. Collections are created using natural materials wool, silk, bamboo silk, jute, or cotton dyed in vats and sun-aged for a subtle patina. Hand-knotted or loom-woven, the rugs are designed to endure over time. Sibylle de Tavernost also delivers bespoke projects, either in co-design or through the personalisation of existing models !
Depuis sa création en 2000, Diacasan perpétue un savoir-faire artisanal d’exception, sublimé par une approche artistique contemporaine. Fondée par Sandrine Demas, passionnée de tapis et héritière d’un savoir-faire familial, la Maison s’affirme comme une référence dans la création de tapis haut de gamme. Chaque pièce, fruit d’une subtile alchimie entre dessin, couleurs et matériaux nobles, est le résultat d’une collaboration étroite entre créateurs, artisans et designers. Diacasan s’est également ouvert à de nouveaux horizons, en intégrant des créations comme des miroirs, coussins ou assises, enrichissant ainsi son univers artistique. Tufté main en Inde, le nouveau tapis Champ de Blé évoque la fluidité des blés ondulant au vent. Associé à la nouvelle chauffeuse Lukan de Christian Signorel, l’ensemble s’inscrit dans la volonté de la marque de créer des ambiances par le biais d’objets et de mobilier de belle facture.
Ci-dessus : Sandrine Demas, fondatrice de Diacasan. A droite : collection Champ de Blé. Design Sophie Tolachides. Chauffeuse Lukan du designer Christian Signorel.
DESIGNER OF OBJECTS TO LIVE BY
Since its creation in 2000, Diacasan has been perpetuating exceptional savoir-faire in craftsmanship, enhanced by a contemporary artistic approach. Founded by Sandrine Demas, a carpet enthusiast and heir to a family knowhow, the House has established itself as a benchmark in the creation of top-of-the-range rugs. Each piece, the perfect blend of design, colour and noble materials, is the result of close collaboration between creators, craftsmen and designers. Diacasan has also opened up to new horizons, integrating creations such as mirrors, cushions and seats, enriching its artistic world. Hand-tufted in India, the new Champ de Blé rug recalls the fluid movement of wheat fields swaying in the wind. Combined with Christian Signorel’s new Lukan lounge chair, the ensemble aligns with the brand’s ambition to shape atmospheres through finely crafted objects and furniture.
Above: Sandrine Demas, founder of Diacasan. Right: Champ de Blé collection. Sophie Tolachides design. Lukan armchair by designer Christian Signorel.
Diacasan
23 rue du Bac - 75007 Paris
16 rue Cardinet - 75017 Paris
Tel : +33 (0)6 76 74 16 26
www.diacasan-edition.com
diacasanparis
TAPIS FAITS MAIN EN FRANCE
Depuis 1958, la Manufacture de Tapis de Bourgogne, labellisée Entreprise du Patrimoine Vivant, perpétue un artisanat d’exception dédié au tapis tissé et tufté à la main. Héritière d’un savoir-faire rare, cette Maison française façonne des créations textiles sur mesure qui s’inscrivent dans la grande tradition des métiers d’art, de la création des dessins personnalisés à la teinture des couleurs sur mesure, jusqu’au développement d’échantillons uniques. Palaces, résidences privées, boutiques de luxe, trains et avions d’exception : ses tapis, tapisseries et moquettes sur mesure accompagnent des projets emblématiques pour des maisons et lieux de prestige tels que Cartier, Hermès, l’OrientExpress, Le Meurice ou encore The Connaught. S’appuyant sur un stock exceptionnel de plus de 3 000 couleurs de fils - laine, soie, raphia, sisal, bambou ou lin - et sur une maîtrise complète du sur-mesure, la Manufacture accompagne architectes, décorateurs et designers du monde entier. Une signature française qui fait rayonner l’excellence des métiers d’art bien au-delà de l’Hexagone.
Ci-dessus : Odile Dhavernas, Directrice Général. A droite : tapis Sand Chords (en laine mérinos, laine berber et laine) dessiné par Anna Agapova.
HANDMADE RUGS IN FRANCE
Since 1958, the Manufacture de Tapis de Bourgogne, recognised as an Entreprise du Patrimoine Vivant, has been preserving an exceptional craft devoted to hand-woven and hand-tufted carpets. Inheriting a rare expertise, this French Maison creates bespoke textile works that follow the time-honoured tradition of the decorative arts, from designing personalised patterns and custom dyeing to developing unique samples. Palaces, private residences, luxury boutiques, and exceptional trains and aircraft—its carpets, tapestries, and bespoke rugs accompany landmark projects for prestigious houses and locations such as Cartier, Hermès, the OrientExpress, Le Meurice, and The Connaught. Relying on an exceptional stock of over 3,000 yarn colours—including wool, silk, raffia, sisal, bamboo, and linen—and complete mastery of bespoke production, the Manufacture supports architects, interior designers, and decorators worldwide. A signature of French excellence, it proudly showcases the country’s mastery of the decorative arts far beyond its borders.
Above: Odile Dhavernas, Managing Director. Right: Sand Chords rug (merino wool, Berber wool, and wool) designed by Anna Agapova.
Maison spécialisée dans la création de tapis et revêtements de sol haut de gamme, Edition Bougainville cultive une approche exigeante du sur mesure, à la croisée de la tradition artisanale et de la création contemporaine. Chaque projet est pensé comme une pièce unique, façonnée en étroite collaboration avec ses clients, qu’ils soient particuliers, architectes ou décorateurs. Forte de son studio de design intégré, la Maison imagine chaque année des collections où textures, reliefs et finitions jouent un rôle central. Tapis, moquettes, escaliers ou finitions en cuir se déclinent avec une grande liberté de composition. Plébiscité par les architectes d’intérieur et décorateurs, Edition Bougainville accompagne des projets résidentiels d’exception, mais aussi des réalisations pour l’hôtellerie de prestige, le yachting ou l’aviation privée. Avec l’ouverture de son nouveau showroom à Mougins, pensé comme un lieu d’inspiration et de co-création, la Maison affirme son engagement pour un artisanat d’excellence, au service d’intérieurs singuliers.
Ci-dessus : Olivier Charles, Président de Edition Bougainville. A droite : modèle « Dallol Dune » de la collection Texture.
CONTEMPORARY RUGS
Specialising in the creation of high-end rugs and floor coverings, Edition Bougainville cultivates a meticulous bespoke approach at the intersection of traditional craftsmanship and contemporary design. Each project is conceived as a unique piece, developed in close collaboration with clients, whether private individuals, architects or interior designers. Supported by its integrated design studio, the house annually imagines collections in which textures, reliefs and finishes play a central role. Rugs, carpets, stair runners and leather finishes are explored with exceptional freedom of composition. Favoured by interior architects and designers, Edition Bougainville undertakes outstanding residential projects as well as prestigious commissions for hospitality, yachting and private aviation. With the opening of its new showroom in Mougins, designed as a space for inspiration and co-creation, the house affirms its commitment to excellence in craftsmanship, in the service of singular and distinctive interiors.
Above: Olivier Charles, President of Edition Bougainville. Right: “Dallol Dune” model from the Texture collection.
La Galerie Chevalier, historiquement spécialisée en tapisseries anciennes, se concentre aujourd’hui sur les tapisseries modernes, contemporaines et les tapis d’édition Parsua. On peut y admirer les grands noms du renouveau de la tapisserie au XXe siècle (Jean Lurçat, Mathieu Matégot…) et les artistes contemporains qui utilisent, déclinent ou détournent ce médium. La Galerie Chevalier sélectionne les tapisseries pour l’originalité et la rareté des cartons. Cette galerie est le prolongement de l’entreprise familiale qui remonte à 1917. Désormais, la direction est assurée par Amélie-Margot Chevalier. La Galerie édite également des tapisseries d’exception tissées à Aubusson, dans le respect d’un savoir-faire ancestral, inscrit au Patrimoine mondial immatériel de l’UNESCO. La Galerie Chevalier, c’est aussi les tapis d’édition Parsua, reconnus et sollicités comme la référence du Tapis Haute-Couture : une conception réfléchie, des créations intemporelles et une fabrication dans les règles de l’art.
Historically specialising in antique tapestries, the Galerie Chevalier now focuses on modern and contemporary tapestries and Parsua rugs. Here you can admire the great names of the 20thcentury tapestry revival (Jean Lurçat, Mathieu Matégot...) and contemporary artists who use, adapt or divert this medium. The Galerie Chevalier selects tapestries for their originality and rarity. The gallery is an extension of the family business, which dates back to 1917. It is now run by Amélie-Margot Chevalier. The Galerie edits exceptional tapestries woven in Aubusson, in keeping with an ancestral know-how that is a UNESCO World Heritage Site. Galerie Chevalier also publishes Parsua rugs, recognised and sought-after as the benchmark for Haute-Couture rug: thoughtful design, timeless creations and a state-of-the-art production process.
Inauguré en 2024, Carpet Society s’impose comme la référence incontournable des sols décoratifs tissés en Europe. Cette alliance unique fédère les savoir-faire de dix Maisons prestigieuses, reconnues à travers le monde dans l’univers des tapis et moquettes. Ce collectif regroupe notamment Codimat Collection, – spécialiste des tapis et moquettes depuis 1955 –, Louis De Poortere et la Manufacture Royale d’Aubusson. Ensemble, elles offrent un patrimoine de plus de 20 000 motifs, parmi lesquels les créations emblématiques de Madeleine Castaing, Robert Mallet-Stevens ou David Hicks, accessibles aux particuliers comme aux professionnels. Carpet Society incarne la diversité du sur mesure. Avec des showrooms en France et en Belgique, la marque propose des créations intemporelles qui allient artisanat, patrimoine et modernité. Grâce à cette synergie de talents et de savoir-faire, elle apporte des solutions adaptées aux exigences des architectes d’intérieur, décorateurs et particuliers en quête de revêtements uniques et personnalisés.
Ci-dessus : moquette Spikes de David Hicks. A droite : moquette Square de David Hicks, collection « Les iconiques ».
DECORATIVE FLOORS
Inaugurated in 2024, Carpet Society is the undisputed benchmark for woven decorative flooring in Europe. This unique alliance brings together the know-how of ten prestigious companies, recognised throughout the world in the universe of carpets and rugs. The group includes Codimat Collection, a specialist in carpets and rugs since 1955, Louis De Poortere and Manufacture Royale d’Aubusson. Together, they provide a heritage of over 20,000 designs, including emblematic creations by Madeleine Castaing, Robert Mallet-Stevens and David Hicks, accessible to both private individuals and professionals. Carpet Society embodies the diversity of bespoke design. With showrooms in France and Belgium, the brand brings you timeless creations that combine craftsmanship, heritage and modernity. Thanks to this synergy of talents and know-how, the brand provides solutions tailored to the requirements of interior designers, decorators and private individuals looking for unique, personalised coverings.
Above: David Hicks Spikes carpet. Right: David Hicks Square carpet, “Les Iconiques“ collection.
Carpet Society 63-65 rue du Cherche-Midi 75006 Paris
Créateur et éditeur français, Houlès est une marque historique de la passementerie. Fondée en 1928, cette société familiale a fait valoir son savoir-faire de génération en génération. Forte d’un savoir-faire, Houlès édite et crée des collections exclusives de passementerie, tringlerie et tissus uniques et hauts de gamme qui ont conquis particuliers et décorateurs du monde entier. Son rayonnement international, témoigne aussi de l’esprit créatif et innovant que la marque distille avec passion dans toute son offre produits. Houlès enrichit aussi ses collections en collaborant avec des designers de renom, comme Bambi Sloan, Eric Egan, Olivier Berni, le studio AC/AL ou encore le designer américain Michael Aiduss qui signe pour Houlès une nouvelle collection d’embrasses, conçues comme des œuvres modernes et sculpturales. Houlès revisite les styles, apporte un œil nouveau et complet aux intérieurs et reste à l’écoute de toute demande de fabrication spéciale. Une référence incontournable pour imaginer et créer des décors d’exception, jusque dans les moindres détails.
Ci-dessus : Porta, nouvelle collection d’embrasses signée Michael Aiduss. A droite : Isoria, nouvelle collection de galons élégants et raffinés.
THE ART OF TRIMMINGS
French creator and editor, Houlès is a historical brand of trimmings. Founded in 1928, this familyowned company has passed on its know-how from generation to generation. Today, Houlès publishes and creates exclusive collections of trimmings, decorative hardware and fabrics, all unique and high-end, which have won over private customers and decorators around the world. Its international influence also testifies to the creative and innovative spirit that the brand displays with passion throughout its offer. Houlès also enriches its collections by collaborating with renowned designers, such as Bambi Sloan, Eric Egan, Olivier Berni, AC/AL studio or american designer Michael Aiduss who has created for Houlès a new collection of tiebacks, designed as modern and sculptural works of art. Houlès revisits styles, brings a fresh and complete look to interiors and is always ready to listen to any special manufacturing request. An essential reference for imagining and creating exceptional decors, down to the smallest details
Above: Porta, new tiebacks collection designed by Michael Aiduss Right: Isoria, new collection of elegant and refined braids
Houlès 13 rue du Mail 75002 Paris
Tél. : +33 (0)1 83 79 06 00 www.houles.fr
LETTRES DE NOBLESSES
Ce que les créations d’Elisa Morvan, L’Atelier, apportent à votre intérieur dépasse la simple décoration. Qu’il soit classique ou contemporain, chaque projet est façonné avec exigence et sens du détail. À l’écoute de ses clients, L’Atelier s’attache à comprendre les lieux, les usages et les sensibilités afin de traduire chaque projet en propositions singulières : créations textiles originales, étoffes d’exception, matières nobles, finitions raffinées. Au service des professionnels et des particuliers, L’Atelier revendique un haut niveau d’exigence, un savoir-faire issu de la tradition des métiers de la tapisserie et une créativité maîtrisée. Tentures murales, décors de fenêtres, sièges, têtes de lit, dessus-de-lit ou ensembles textiles sur mesure : chaque pièce devient le support d’une composition exclusive, soulignant le caractère et l’unicité de votre intérieur. L’Atelier propose un accompagnement complet : conseil, relevés de mesures, recherche de matières, commande des fournitures, réalisation et pose finale.
Ci-dessus : Elisa Morvan, fondatrice de l’ATELIER. A droite : showroom Prelle - Exposition « Rays Of Light ». Direction artistique Pierre Gonalons. Bar vintage habillé de tissu Prelle et posé par L’Atelier. Mobilier Pierre Gonalons. Applique Tisserant.
What the creations of Elisa Morvan, L’Atelier, bring to an interior goes far beyond decoration alone. Whether contemporary, classical or eclectic, each project is conceived, with precision, and mpromising attention to detail. Attentive to every client, L’Atelier seeks to understand spaces, uses and sensibilities, translating each project into singular proposals: original textile creations, exceptional fabrics, noble materials and refined finishes. Serving both professionals and private clients, L’Atelier upholds exacting standards, drawing on the traditions of upholstery craftsmanship and a carefully cultivated creativity. Wall hangings, window treatments, seating, headboards, bedspreads and bespoke textile ensembles: each room becomes the canvas for an exclusive composition, enhancing the character, prestige and uniqueness of the interior. L’Atelier offers a complete service, including: consultation, measurements, material research, sourcing and ordering, production and final installation.
Above: Elisa Morvan, founder of the ATELIER. Right: Prelle showroom - “Rays Of Light” exhibition. Artistic direction by Pierre Gonalons. Vintage bar covered in Prelle fabric and installed by L’Atelier. Pierre Gonalons furniture. Tisserant wall lamp.
Depuis 60 ans, l’entreprise familiale lyonnaise Bisson Bruneel incarne l’excellence en tant que créateur et éditeur de tissus d’ameublement contemporain. Pionniers dans l’utilisation de matières naturelles haut de gamme, tels que le lin et la laine, les frères Yann et Jérôme se distinguent par leur choix d’employer aussi des matériaux tels que l’abaca, le raphia, et même le cuivre. L’innovation est une constante, notamment avec des créations novatrices combinant tissu et verre, une première dans l’industrie textile. Si la marque a été la première à introduire l’abaca et le Buntal dans ses collections, avec plus de 60 références uniques, le drap en laine et la bouclette de laine demeurent des incontournables de l’éditeur. Au-delà de ses collections, Bisson Bruneel considère le tissu comme un véritable projet architectural. Doté d’un atelier de confection, la Maison Bisson Bruneel devient un partenaire opérationnel, collaborant avec ses clients pour concevoir des ambiances sur mesure.
Bisson Bruneel creates and manufactures contemporary furnishing fabrics. With 60 years of experience under its belt, the Lyon-based family-owned company is synonymous with French excellence. Considered a pioneer for their use of high-end natural fibers, such as linen and wool, the Bruneel brothers - Yann and Jerome - are also renowned for working with original materials like abaca, raffia and copper. With innovativeness in its DNA, the company also creates novel textiles that combine fabric and glass. Though the first to incorporate abaca and buntal into its collections, which boasts more than 60 unique creations, its wool sheets and bouclette fabric are still the designer’s signature products. For Bisson Bruneel, however, it’s not just about collections; it’s about taking an architectural approach to fabric. Working closely with its customers at its workshop, Bruneel is an active partner in the custom creation of bespoke interior concepts.
