EL TEATRO EN EL SIGLO XX El teatro europeo El teatro español antes de la guerra El teatro español después de la guerra
Tendencias en el teatro europeo: transformaciones TEATRO REALISTA (siglo XIX): pretendía un reflejo exacto de ambientes y caracteres: los decorados debían dar ilusión de realidad y el actor había de “vivir” su personaje, todo para lograr que el espectador olvidara hallarse en un teatro. Se crea el concepto de la 4ª pared IBSEN: dramaturgo sueco. Obras: Casa de muñecas
TENDENCIAS DEL TEATRO EUROPEO
PRINCIPIO SIGLO XX: reacción contra el realismo: ◦ Teatro simbolista: trascendía la realidad, creando atmósferas poéticas y sugiriendo lo invisible, lo misterioso ◦ Teatro expresionista: distorsionaba la realidad y acentuaba la teatralidad de la escenografía y la interpretación. ◦ Teatro surrealista: rompe con todas las convenciones del teatro tradicional, dando entrada a lo ilógico, lo onírico, lo delirante
CORRIENTES TEATRALES EUROPEAS: PERIODO DE ENTREGUERRAS
BERTOLT BRETCH: teatro que invita a la reflexión y la crítica, de ahí las técnicas de distanciación y sus métodos de representación escénica (dejaba claro que estaba en una representación teatral). Es el modelo de un teatro social y político
CORRIENTES TEATRALES EUROPEAS
ANTONIN ARTAUD:
No fue autor de teatro sino director, revoluciona el arte escénico, es el conocido como TEATRO DE LA CRUELDAD: ◦ Rechazo de la primacía del texto: el teatro es un “espectáculo total” ◦ El teatro es rito, celebración ◦ Hay que acabar con la pasividad del espectador
CORRIENTES TEATRALES EUROPEAS
TEATRO DEL ABSURDO: se desarrolla en Francia a partir de 1950:
◦ Concepción del mundo: los temas de este teatro son: el hombre está perdido en un mundo absurdo, la angustia ante el tiempo, la muerte, la nada; la soledad, la incomunicación. Y se subraya la visión de la vida como una burla trágica. ◦ Formas de expresión dramática: se presentan situaciones ilógicas, acciones incoherentes, se mezclan lo grotesco y lo trágico, la angustia y el escarnio desesperado contra el mundo ◦ AUTORES: Eugène Ionescu: La cantante calva (1950) Samuel Beckett: Esperando a Godot (1953)
CORRIENTES TEATRALES EUROPEAS
TEATRO EXPERIMENTAL: diversas actividades que continúan la búsqueda de nuevas formas dramáticas, generalmente al margen del teatro comercial. Algunos de las características son: Primacía del espectáculo por encima del texto Destacan los elementos plásticos y sonoros Nueva relación entre espectáculo y espectadores Ejemplos de este teatro experimental: Teatro pobre de Grotowski: desnudez escénica compensada por el desarrollo de las facultades expresivas del actor Piccolo teatro de Milán: unión de Brecht y la Commedia dell’Arte Living theatre
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA El teatro que triunfaba comercialmente era el teatro burgués, pero también había otra corriente, con mucho menos éxito, que criticaba este estilo de vida. Teatro comercial: La alta comedia de Echegaray, continuador del teatro de finales del s. XIX La comedia burguesa de Benavente Teatro popular: El teatro poético El teatro cómico. Teatro innovador, con nuevas técnicas y diferentes enfoques ideológicos. Generación del 98: Valle – Inclán El Grupo del 27 : Lorca
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: la comedia burguesa de Jacinto Benavente El teatro de Jacinto Benavente es una fina representación de ambientes cotidianos. Destaca su habilidad escénica, su ingenio y la fluidez de sus diálogos, pero cae, a veces, en el sentimentalismo.
Escribió en un principio “El nido ajeno” (1894), cuyo tema es la situación opresiva de la mujer casada en la sociedad burguesa; esta ‘opera prima’ fracasó y fue retirada del cartel ante la indignación del público, por la carga crítica del tema.
Cambió entonces al teatro triunfante, con “comedias de salón” cómo: “Rosas de otoño”.
Su obra maestra es “Los intereses creados” (1907). Es una farsa de ambiente y personajes de la ‘Commedia dell’ arte’ en la que aporta una visión cínica de los ideales burgueses.
La malquerida (1913) es un intento de drama rural, cuyo tema es el de la pasión incestuosa.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: el teatro poético
Mezcla de posromanticismo con rasgos modernistas, como el verso sonoro, el color,..., con una ideología tradicionalista de exaltación de valores nobiliarios y de grandes acciones del pasado. Francisco Villaespesa: Villaespesa “El alcázar de las perlas”, “Doña María de Padilla” y “La leona de Castilla” , en las que se narran hechos del pasado. Eduardo Marquina: “Las hijas del Cid”, “En Flandes se ha puesto el sol” y “Teresa de Jesús” son ‘estampas’ con fragmentos líricos parecidos a las arias de las óperas. Los hermanos Machado: escriben obras de personajes históricos o de tema moderno. Sus dos obras más importantes son: “Juan de Mañara” y “La Lola se va a los puertos”.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: el teatro cómico Dentro de la tendencia de la comedia costumbrista y el sainete. Los hermanos Álvarez Quintero: presentan una Andalucía tópica con problemas sentimentales únicamente, donde todo el mundo es bueno y gracioso; los diálogos son intrascendentes, espejo de un realismo naturalista ingenuo. Mencionar entre sus obras: “El genio alegre”, “Las de Caín “ y “ La reina mora” Pedro Muñoz Seca: crea el astracán, subgénero de escasa calidad literaria, en el que abundan los chistes, los juegos de palabras con nombres o apellidos y las dislocaciones del idioma para mantener un diálogo. Su obra principal es “La venganza de don Mendo”. Carlos Arniches: escribió sainetes de ambiente madrileño, como “El santo de la Isidra” o “Los milagros del jornal”; presentan ambientes y tipos convencionales. También produjo tragedia grotesca, en la que la peripecia cómica envuelve a seres desgraciados, con una actitud crítica ante las injusticias; en este sentido están “Los caciques” y “La señorita de Trevélez” con una visión social más aguda.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Valle - Inclán En Valle se puede observar una voluntad de renovación técnica, formal y temática. Valle inventa una nueva dramaturgia, una nueva concepción de lo dramático y una nueva utilización del espacio escénico: frente a lo que él llamaba “teatro de camilla casera” se declaró partidario de un teatro de numerosos escenarios.
La obra de Valle se puede estructurar en los siguientes ciclos: 1.
Ciclo mítico: Las Comedias bárbaras y Divinas palabras, en estas obras se mitifica Galicia
2.
Ciclo de la farsa: transfigura los siglos XVIII y XIX, construye un mundo mítico, estéticamente cerrado, con muñecos y figurines, donde andan sueltos vicios y pasiones. Son : la cabeza del dragón (1909), La marquesa Rosalinda (1912), Farsa y licencia de la reina castiza (1920)
3.
Ciclo esperpéntico: Formado por las siguientes obras: 1. Luces de Bohemia 2. Martes de Carnaval: Los cuernos de don Friolera, Las galas del difunto, La hija del capitán 3. Retablo de la avaricia: La rosa de papel, La cabeza del Bautista, Ligazón, Sacrilegio
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Valle - Inclán
ESPERPENTO: teoría del género: Escena XII de Luces de Bohemia:
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Valle - Inclán
ESPERPENTO: teoría del género: Entrevista al diario ABC (1938)
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Valle - Inclán
ESPERPENTO: teoría del género: Entrevista al diario ABC (1938)
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Valle - Inclán
ESPERPENTO: procedimientos
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca
TEMA CENTRAL: ◦ Tragedia de toda persona condenada a una vida estéril, a la frustración vital. Lo que frustra a las personas puede ser: En el plano metafísico: el Tiempo, la Muerte En el plano social: los prejuicios de casta, las convenciones, los yugos sociales
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca
Trayectoria: ◦ Los comienzos: El maleficio de las mariposas (1920): obra de raíz simbolista sobre un amor imposible Mariana Pineda (1925): teatro de raíz modernista. Drama de una heroína ajusticiada por bordar una bandera liberal y un drama de amor trágico La zapatera prodigiosa (1926): es una farsa de una joven hermosa casada con un zapatero viejo
◦ La experiencia vanguardista El público (1930): desapareció la versión definitiva Así que pasen cinco años (1931)
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca
Trayectoria: ◦ La plenitud Bodas de sangre (1933): se basa en un hecho real: una novia se escapa conel amante el mismo día de la boda. Se trata de una pasión que desborda barreras sociales y morales, pero que desembocará en la muerte. En torno , un marco de odios familiares y de venganzas. Y una Andalucía tan quintaesenciada que cobra valores tan universales como la Grecia de la tragedia clásica. Se mezclan elementos y personajes míticos con los reales para reforzar el clima de tragedia. También el verso se mezcla con la prosa, dando origen a momentos muy intensos y a verdaderos coros. El estreno d ela obra fue un éxito clamoroso.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca
Yerma (1934):
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca La casa de Bernarda Alba (1936): auténtica culminación del teatro lorquiano. Argumento: Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba decide recluirse y guardar rigurosísimo luto tanto ella como sus hijas. El luto es roto por la llegada de Pepe el Romano que pretende a la hija mayor. Si bien es una costumbre real, Lorca lo retrata insinuando que además de ser "un drama de las mujeres en los pueblos de España", tiene también la intención de documental fotográfico. La obra comienza con la entrada de las sirvientas hablando de lo déspota que es Bernarda y con la llegada inmediata de esta, confirmando su riguroso trato a ellas y sus hijas, e imponiendo silencio. Cuando la hija mayor hereda una gran fortuna atrae a un pretendiente (Pepe el Romano), celos y pasiones se desatan en la casa desembocando en un final trágico con la muerte de la más joven, quien no quiere someterse a la voluntad de su madre. Bernarda finaliza la obra diciendo a sus hijas que su hija ha muerto virgen, y ordenando silencio, como su entrada al principio. Personajes: Hay que recalcar la mezcla característica de Lorca de los personajes. Por un lado son estereotipos, ya que representan una figura. Pero también tienen detrás su historia, sus sentimientos. Resaltar que solamente aparecen mujeres, pues es un drama sobre ellas. Bernarda (60 años): Todo lo negativo se centra en ella. Es tirana, despótica y es blanco de casi todas las críticas de la obra. Su lenguaje ya advierte su carácter: el uso reiterado de palabras prescriptivas, su apoyo sobre el bastón (poder). Basta leerse los temas para reconocer todos los defectos en ella. Angustias: Se piensa casar con Pepe el Romano gracias a su dinero. Aunque es consciente de ello, le es indiferente, ya que su único deseo es salir de la casa y del poder de su madre. Aunque tras 40 años no quedan en ella pasiones ni alegrías. Magdalena (30 años) y Amelia (27 años): Son las dos más sumisas. Han aceptado el poder de su madre con resignación. Martirio (24 años): El personaje más complejo de todos. Su madre frustró su boda y siente un resentimiento y unos celos de su hermana menor muy grandes, ya que ve impotente como ésta atrae a Pepe el Romano. Adela: La más joven de todas. No está dispuesta a someterse a la tiranía materna y todo en ella es vitalismo. Desafía la moral establecida, aunque es imposible vencerla y esto la lleva al destino trágico. Poncia: La criada. Sería casi de la familia de no ser por el clasismo imperante. Resaltar de ella su habla popular y variada. María Josefa: Sus palabras son locura y verdad. Expresa lo que ninguna de las hijas se atreve a decir: su deseo de libertad, de amor, de maternidad, etc. Es una mala imagen ante el pueblo, por lo que es encerrada por Bernarda. Pepe el Romano: En la obra no aparece, aunque es omnipresente. Catalizador de todas las pasiones e iras en la casa.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca TEMAS
Aparecen una enorme cantidad de temas que Lorca critica duramente: ◦
Destino trágico: Adela ha querido rebelarse contra el orden establecido y lo ha pagado con su vida.
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Opresión sobre la mujer: Al igual que los gitanos en El Romancero, Lorca siente compasión con los seres desvalidos, oprimidos por la sociedad y se identifica con ellos.
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Moral conservadora: Obsesión por la virginidad de la mujer, la religión, el "qué dirán"... Clasismo: La sociedad está claramente jerarquizada, se muestra sobre todo en la relación que mantienen Poncia y Bernarda quienes, pese a conocerse de media vida, la una sirviendo a la otra, y tratarse de igual a igual en algunos fragmentos de la obra, en otros Bernarda hace valer su calidad de ama y hace bajar la cabeza a su criada. Las apariencias: Como todo lo demás, Bernarda es el máximo exponente de este afán negativo por aparentar. Además, los frecuentes comentarios sobre las vidas de los personajes externos a la casa, las referencias a la biografía de la Poncia, delatan éste como otro de los temas principales. Autoritarismo: Cruel e irracional despotismo de Bernarda. De hecho, el papel de Bernarda ha sido interpretado por hombres para darle mayor dureza a este aspecto. La inmasculación de Bernarda se vincula a su símbolo de poder: su bastón.
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Además como tema principal: ◦
El deseo de libertad: Adela será el máximo exponente de esta manera de pensar. La primera que, mediante pequeñas "hazañas" (como mostrar prendas de un color diferente al negro, rebelarse de palabra y acto contra su madre...) la harán la verdadera víctima de las circunstancias que envuelven a la casa.
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El cumplimiento con el designio imperioso de las leyes naturales e intuitivas. Las referencias a la naturaleza de índole simbólica están buscadas y medidas: la masculinidad, la pasión, el deseo sexual primitivo, representado en los dos caballos de la obra: el de Pepe el Romano y el Garañón que relincha y piafa dentro de la casa; el deseo, presente en todo momento con la mención reiterada del calor que hace hervir la sangre de las hermanas; etc.
Temas secundarios: ◦ ◦
La sensualidad
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La envidia: se puede observar, sobre todo, en la relación entre las hermanas. Angustias, por ser hija de un hombre con posibles, es la heredera de la fortuna familiar y, por ello, la requerida por Pepe el Romano como mujer. Tanto Martirio como Adela pugnan continuamente por los favores de Pepe el Romano formando un triángulo de enemistades entre ellas. La injusticia con las mujeres en un mundo de hombres. Las frecuentes alusiones por parte de todas las habitantes de la casa a la "forma de hacer de las mujeres" ponen en relevancia no sólo la moral de la época, sino también la opinión del autor sobre el tema. En boca de Adela pondrá siempre el tinte de la crítica, aludiendo a la represión y a la necesidad de romper el yugo social. La hipocresía social también se ve bastante clara en la obra.
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El odio: se observa en el diálogo que tienen las hermanas entre si.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca AMBIENTE, ESTRUCTURA, REALISMO POÉTICO Resaltar la progresión dramática del conflicto principal. A medida que progresa la narración nos adentramos más en la casa y, simbólicamente, en las almas de las personas. Cada incidente está perfectamente trabado con el anterior y el siguiente logrando así un magnífico encadenamiento de la acción, reforzado sin duda por el hecho de que no haya escenas, siendo La maestría de Lorca a la hora de estructurar el drama es notorio en cuanto a la fluidez, la naturalidad de los personajes a la hora de entrar y salir en el verso únicamente para escenas de máximo dramatismo . La riqueza costumbrista, nos ponemos en contacto con el pueblo y somos testigos de todo lo que ahí ocurre. Documental fotográfico: se apreciará constantemente el juego entre el blanco y el negro. Sin embargo, el realismo está cargado por una importante dimensión simbólica y un desmesurado argumento, por lo que se define como realismo poético.
DIÁLOGO Y LENGUAJE La maestría del diálogo es indudable. Cada cual habla según su carácter y las réplicas son cortas y vivaces, con lo que adquiere toda la obra un carácter muy real. Esto lo refuerza también el sabor popular tan elaborado de Lorca, que no recurre a simples vulgarismos.
EL TEATRO ESPAÑOL DE PREGUERRA: Teatro innovador: Federico García Lorca SIMBOLOGÍA: Lorca estaba fuertemente influido por el simbolismo, común en la Generación del 27. He aquí unos cuantos símbolos:
El agua: sed como referencia al deseo sexual (véase el sofoco: por eso Bernarda quiere cerrar ventanas y Adela/Martirio tienen sed. El caballo cuando da coces tiene sed). El pueblo no tiene ríos (igual a vida) pero sí pozos (oscuros símbolos de muerte). Se contrastan las referencias al agua estancada/envenenada de los pozos con el agua limpia e infinita de mar (con el que se asocia María Josefa.)
Blanco-negro (viene reforzando la idea del documental fotográfico: blanco para lo positivo en general (la vida, la libertad, la sexualidad) mientras que lo negro se refiere a la muerte (Adela muere de noche) y al fanatismo religioso (luto).
El color verde: significa la rebeldía en Lorca. Lo demuestra mediante el vestido verde que luce Adela y el abanico que usa, ella es la única de las hijas que se rebela contra su madre.
El calor reinante contribuye a intensificar la tensión dramática y a moldear el carácter triste de los habitantes de las tierras secas frente a la de los habitantes de las tierras húmedas. Además, se asocia también con el hado y la fatalidad de los personajes.
El caballo garañón representa otro papel simbólico claro. Es la correlación de Pepe el Romano en el mundo animal, y por lo tanto, un símbolo sexual muy acusado. Hasta tal punto es así que la respuesta de Bernarda Prudencia cuenta, en el manuscrito con una variante tachada muy significativa: “Al amanecer se le echará cinco”. Cinco, como las hijas de Bernarda. Con el caballo garañón se introduce otro espacio dramático de función decisiva.
El bastón como símbolo del poder tiránico de Bernarda. Cuando Adela lo rompe acaba la tiranía, muestra la rebeldía de Adela. El bastón como símbolo fálico. El bastón como símbolo de la ceguera de Bernarda.
Los nombres de los personajes. Bernarda (fuerza de oso), Martirio y Angustias son evidentes, Adela (nobleza), Amelia (sin miel) y Maria Josefa (María madre de Jesús, José padre de Jesús; simboliza la edad del personaje). Ayudan al lector a deducir algunas características de los personajes en cuanto a su etopeya (personalidad, etc) ◦ Bernarda Alba: nombre de origen teutónico: "con fuerza o empuje de oso". Alba: blanca ◦ ◦
Angustias: etimológicamente, del latín "angostura", "dificultad". Significa opresión, aflicción, congoja; estrechez de lugar o del tiempo. A esto, añadirle el significado directo: es un personaje acongojado por el paso del tiempo. Se hace vieja y no ha encontrado marido y, por tanto, busca una manera de salir de la casa. Magdalena: desconsolada, lacrimosa
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Martirio: muerte o tormentos padecidos por causa de la religión.
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Adela: de carácter noble.
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Prudencia: una de las cuatro virtudes cardinales, que consiste en discernir y distinguir lo que es bueno o malo para seguir o huir de ello. María Josefa: de Santa María, la Virgen, y San José, su esposo, los padres de Jesús.
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La Poncia: nombre equivalente a Poncio Pilatos.
TEATRO ESPAÑOL POSTGUERRA 1. Introducción. 2. Teatro de la década de los 40: Rasgos generales: El teatro comercial 3. El teatro renovador: El teatro de humor: Jardiel Poncela y Miguel Mihura. El realismo social en el teatro. El teatro de Antonio Buero Vallejo: temática, etapas, obras principales. Alfonso Sastre 4. El teatro experimental de la década de los 60 hasta 1975: Los vanguardistas: Fernando Arrabal y Francisco Nieva. El teatro independiente. 5. Últimas dramaturgias
INTRODUCCIÓN La evolución del teatro español, como la de la narrativa y la lírica, está determinado por la Guerra Civil y sus consecuencias. A partir de 1939, el panorama escénico español quedó marcado por la aniquilación de infraestructuras y por la muerte de alguna de sus figuras más relevantes (Lorca y Valle) o el exilio de otras (Max Aub, Rafael Alberti). Los condicionamientos comerciales (necesidad de empresarios que inviertan en los espectáculos) e ideológicos (la existencia de una censura que prohíbe tratar muchos temas) va a hacer que nuestro teatro sea especialmente pobre comparándolo con el europeo y mundial. Se producirán dos corrientes: Autores de “diversión” Autores “serios”: nuevas exigencias sociales o estéticas
EL TEATRO COMERCIAL El teatro de posguerra cumplió básicamente dos funciones: entretener y transmitir ideología por medio de distintas vías: •Negación del teatro más relevante de preguerra (Valle, Lorca...) •Estreno de obras que exaltaban a los vencedores. •Programación de autores clásicos. Triunfa un teatro evasivo, como era la comedia burguesa, la comedia fantástica, el teatro en verso de José Mª Pemán, La comedia burguesa. Fue una evolución de la alta comedia o comedia de salón, cuyo precedente señero fue el teatro de Jacinto Benavente. Cumplió la función de entretener al público y de educar mediante el elogio de la virtud. Se caracteriza por su perfecta construcción y por su intranscendencia. Entre otros, sobresale el tema del amor, empleado para exaltar a la familia, el matrimonio y el hogar, con fines moralizadores. Autores y obras destacados: El testamento de la mariposa (1941) de Pemán; Cuando llegue la noche (1943), de Joaquín Calvo Sotelo; Dos mujeres a las nueve (1949), de Luca de Tena. La comedia fantástica, dramas con elemento de misterio y fantasía fue cultivada, curiosamente, tanto en el exilio (así Alejandro Casona en La dama del alba) como en España (José López Rubio en La venda en los ojos o Víctor Ruiz Iriarte en El landó de seis caballos). Joaquín Calvo Sotelo, además de cultivador de la comedia ligera burguesa, es autor del drama de denuncia más importante de su época La muralla (1954), sobre la hipocresía familiar ante un conflicto provocado por la restitución de lo robado.
EL TEATRO RENOVADOR Frente a este teatro comercial al gusto de la burguesía española, surge un teatro renovador que apunta algunos cambios en el teatro de humor de los primeros años de posguerra y que luego continuará con el realismo social de Buero Vallejo y el teatro experimental de los 60.
EL TEATRO RENOVADOR: teatro de humor Enrique Jardiel Poncela y especialmente Miguel Mihura renuevan el teatro de humor. Ambos presentan facetas que se han considerado precedentes del teatro del absurdo, al menos por la introducción de un humor disparatado y poético. •Enrique Jardiel Poncela eligió en su teatro el camino de la evasión. Su producción se caracteriza por la incorporación de lo inverosímil, con ingredientes de locura y misterios. Los personajes pertenecen a la burguesía y aparece con frecuencia el esquema criado/amo. Representan una sociedad cuyos objetivos son el amor y el dinero. En los diálogos, se entremezclan el humor verbal y el de situación. Obras: Eloísa está debajo de un almendro (1940), Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1936), Los ladrones somos gente honrada(1941). •Miguel Mihura rompe con el teatro cómico anterior en Tres sombreros de copa (1932), estrenada 20 años después de ser escrita, lo que muestra su originalidad, pero por otro el provincianismo de aquellos que provocaron su retraso, que se escudaron en la falta de preparación del público. El teatro de Mihura se caracteriza por: introducción en escena de elementos absurdos, diálogos aparentemente convencionales, pero inverosímiles, mezcla de ternura y humor. Otras obras: El caso de la señora estupenda (1953), Maribel y la extraña familia (1959).
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social En 1949, con el estreno de Historia de una escalera de Buero Vallejo, comienza el nuevo drama español, fundado en la necesidad del compromiso de la realidad inmediata, en la búsqueda de la verdad y en la renuncia tanto a la evasión lírica como al tremendismo ideológico. Nace un drama realista que se consolida con la obra Escuadra hacia la muerte de Alfonso Sastre. A ellos se unió otro grupo de dramaturgos como Martín Recuerda, Lauro Olmo o Carlos Muñiz.
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social. Antonio Buero Vallejo es la figura más representativa del teatro de la posguerra española. Antiguo combatiente republicano, condenado a muerte tras la guerra, Funda su teatro en la necesidad de la verdad, a la cual van unidas la libertad y la esperanza. Buero es, ante todo, un trágico. Para él, la tragedia es una mirada lúcida sobre el hombre y el mundo, pero no una visión pesimista. Sus obras sintetizan realismo y simbolismo, y en ellas opone personajes contemplativos a personajes activos con relaciones conflictivas entre ellos. Sus creaciones dramáticas giran en torno al anhelo de realización humana y sus dolorosas limitaciones: la búsqueda de la felicidad, de la verdad, de la libertad, se ve obstaculizada por la circunstancia concreta en la que el hombre vive. Podemos distinguir en su teatro tres épocas:
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social. Primera época, desde 1947 hasta 1958. Predomina un enfoque existencial y una estética realista. Historia de una escalera (1947), muestra el drama de la frustración que sufren un grupo de vecinos de clase media que ven como el tiempo arruina sus ilusiones y encona sus rencores. Los protagonistas jóvenes, Fernando y Carmina, se ven abocados a vivir las mismas vanas ilusiones que los padres. De esta primera época es también En la ardiente oscuridad (1950), una tragedia desarrollada en un colegio de ciegos en donde la ceguera es símbolo de las limitaciones impuesta al hombre por su condición humana y por la sociedad.
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social. Segunda época, desde 1958 hasta 1970, predomina el enfoque social e histórico. Se insiste más en las relaciones entre el individuo y su entorno. Se hace hincapié en las raíces y en las consecuencias sociales de los actos. Estéticamente, también se supera la escenificación realista y se acentúa el valor simbólico de algunos elementos escénicos (semisótano=caverna platónica) o motivos (ceguera física = ceguera moral). La obra más destacada es El tragaluz (1967), tragedia ambientada en un semisótano donde una familia rota de clase media repasa lo que significó para ella la guerra civil. En ese espacio afloran las tensiones, frustraciones y rencores. Escribe algunas obras de tema histórico en las que se sirve del pasado para reflexionar sobre el presente, de esta forma consigue burlar la censura y llegar a su público. Este teatro histórico es una forma de «posibilismo»: denuncia indirecta de la realidad política de la dictadura. Entre las obras de tema histórico destaca El concierto de San Ovidio (1962), donde vuelve a uno de sus motivos favoritos, la ceguera y su simbolismo, en el contexto de la época previa a la Revolución Francesa.
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social. La tercera etapa abunda en los temas y motivos ya conocidos, pero los contenidos políticos y sociales se hacen más explícitos. Obras: La fundación (1974), Lázaro en el laberinto (1986), Las trampas del azar (1994).
EL TEATRO RENOVADOR: realismo social. •Alfonso Sastre. El talante luchador de Sastre se observa en la serie de manifiestos para la renovación del teatro que inició en 1950, cuando formó el Teatro de agitación social. En su libro Drama y sociedad (1956) afirma que lo social es una categoría superior a lo artístico. Frente al posibilismo de Buero Vallejo, encarnó la opción por un teatro más explícitamente comprometido. Con Escuadra hacia la muerte (1953), consiguió su proyección en el teatro español, aunque la obra fuera retirada y prohibida después de su tercera representación. En ella, unos soldados cumplen una misión suicida en una supuesta tercera guerra mundial. Fue, en palabras del autor, un grito de protesta ante la perspectiva amenazante de una nueva guerra mundial. El teatro de Sastre, que el denominó «tragedia compleja» es una mezcla de elementos: didactismo marxista, libertad imaginativa y expresionismo y burla corrosiva inspirada en el esperpento de Valle-Inclán. Otras obras suyas son La sangre y la ceniza (1965) donde se escenifican los últimos momentos vividos por Miguel Servet, muerto en la hoguera por la Inquisición calvinista, y. La taberna fantástica (1966) ,estrenada veinte años después, es una tragedia de “quinquis”, oficio nómada, marginal y segregado socialmente.
EL TEATRO EXPERIMENTAL El teatro realista y social siguió siendo defendido, durante los años 60, por un sector de la crítica, como el único que respondía a las circunstancias del país. Pero a partir de 1970 otros dramaturgos se lanzan a una renovación teatral. Se supera el realismo y se asimilan corrientes experimentales del teatro extranjero: •El teatro épico. Inspirado en las ideas y la obra de Bertold Brecht. Se asume que el propósito de la obra, más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad, era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. Los personajes no deben imitar a las personas reales, sino representar los lados opuestos de un argumento, de arquetipos o estereotipos. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro, y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. Brecha escribió obras muy lúcidas sobre el nazismo como La irresistible ascensión de Arturo Uí. •El teatro de la crueldad: es un movimiento teatral muy heterogéneo, inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud, expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores, mediante situaciones impactantes e inesperadas. •El teatro del absurdo, denominación de una conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años '40, '50 y '60 del siglo XX, y en general al estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquéllos. Estos dramaturgos daban expresión artística al concepto filosófico de Albert Camus de que la vida es inherentemente absurda. El teatro del absurdo se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Eugène Ionesco (El rinoceronte) y Samuel Beckett (Esperando a Godot).
EL TEATRO EXPERIMENTAL Surge así una vanguardia teatral, que desecha el enfoque realista por enfoques simbólicos o alegóricos. Entre estos dramaturgos vanguardistas, podemos citar a Fernando Arrabal y a Francisco Nieva. •Fernando Arrabal. Muy influido por el teatro de la crueldad de Artaud crea el llamado «teatro pánico», caracterizado por la confusión, el humor, el terror y la euforia que se basa en la búsqueda formal, tanto espacial como gestual, y en la incorporación de elementos surrealistas en el lenguaje. Sus temas son la sexualidad, la religión, la política, el amor y la muerte. Obras: Pic-Nic (1952), El cementerio de automóviles (1957). •Francisco Nieva denomina a sus obras «teatro furioso» conecta con el teatro del absurdo, pero sin su pesimismo. Comparte con Arrabal, la idea de un teatro catártico y liberador, cuya finalidad es mostrar la esencia del hombre. En su obra, se plantea el problema de las relaciones entre el hombre y la sociedad represiva que lo degrada. Tomando como base el lenguaje popular, pero mediante técnicas del surrealismo y del absurdo, consigue une estilo peculiar tanto en el léxico como en sus originales construcciones sintácticas. No consiguió ver estrenada sus obras hasta la muerte del dictador F. Franco en 1975. Su obra más destacada es Carroza de plomo candente, estrenada en 1976.
EL TEATRO INDEPENDIENTE El teatro independiente. Junto a estos autores vanguardistas, no podemos olvidar un fenómeno importante que surge a finales de los 60: el teatro independiente. Esta independencia suponía el rechazo del teatro conservador mediante la elaboración de una estética peculiar y de la autofinanciación. Destacan grupos catalanes como Els joglars o Els comediants. Estos grupos, con obras de autor o creaciones propias, han llevado a cabo una síntesis entre lo experimental y lo popular. De una parte asimilan las tendencias más innovadoras, de otra se dirigen a amplios sectores de público, actuando en plazas, pabellones deportivos o en la calle. Y junto a enfoques críticos, se preocupan por los aspectos lúdicos del espectáculo.
ÚLTIMAS DRAMATURGIAS Hacia 1975 aparecen una serie de autores que abordan temas contemporáneos con una estética realista y una moderada renovación formal. •José Sanchís Sinisterra, influido por Brecht y Beckett, plantea montajes caracterizados por la sencillez. Entre sus obras, citaremos: !Ay, Carmela! (1986), en que reivindica la memoria histórica como atributo de dignidad. Es un drama sobre dos artistas de variedades en plena Guerra Civil. Otras obras son: Perdida en los Apalaches (1990), El lector por horas (1998) o La raya de pelo de William Holden (2001). •José Luis Alonso de Santos, formado en el teatro independiente, desarrolla una dramaturgia realista, situada en el mundo contemporáneo. Su comedia Bajarse al moro (1984) es una parodia de la estructura social a través de situaciones cómicas y trágicas. Otras obras son: La estanquera de Vallecas (1980), La sombra del tenorio (1994), Yonquis y yanquis (1996). •Fermín Cabal, proveniente también del teatro independiente, desarrolla en sus obras conflictos del mundo contemporáneo planteados con ironía, humor y ternura. Con Castillos en el aire (1995), aborda el tema de la corrupción política. Es una crónica de la generación de los 60, con sus contradicciones, frustraciones y fracasos. Otras obras : Tú estás loco, Briones (1978), !Esta noche, gran velada! (1983), Ello dispara ( 1990). •Fernando Fernán Gómez. Artista polifacético, escritor, actor, director de cine, publica en 1982 Las bicicletas son para el verano, agridulce visión de la retaguardia republicana durante la guerra civil. •Otros autores más jóvenes: Ignacio del Moral (La noche del oso, sobre jóvenes urbanos marginados o La mirada del hombre negro[1], sobre el racismo); Paloma Pedrero (Cachorros de negro mirar, sobre la violencia neonazi); Ernesto Caballero (Tierra de por medio sobre la especulación inmobiliaria). Albert Espinosa (Los pelones sobre el cáncer infantil)
ÚLTIMAS DRAMATURGIAS Teatro visual: Es la vanguardia del teatro actual. Muy influido por autores como Tadeusz Kantor o Pina Bausch. Sus características son: •Integración de todas las artes en el espectáculo (mimo, danza, video, música…) •El espectáculo teatral se concibe al margen de un texto previo. •Intencionalidad crítica y catártica. Se rompe la relación tradicional actorespectador. Este se ve inmerso y participa en la representación. Uno de los grupos más representativo de las última tendencias es La Fura des Baus.