Catalog for Pathways 2026: The Carlos Malamud Prize
DIRECTORS’ FOREWORD PRÓLOGO DE LOS DIRECTORES
Now in its third cycle, the Pathways partnership reflects a shared commitment to supporting emerging artists through meaningful exhibition opportunities, made possible by the generous funding of its sponsor, Carlos Malamud. The show’s curators—Dr. Gisela Carbonell of the Rollins Museum of Art and Shannon Lindsey of the UCF Art Gallery—have advanced this artist-centered mission through sustained collaboration, culminating in a curated exhibition of works by the competition’s finalists.
While we will celebrate the selected winner, the group exhibition format fosters rich and compelling dialogue among artists recognized by the jurors for the strength of their concepts and the sophistication of their practice. We extend our congratulations not only to the finalists, but to all who participated in the process—from submission through selection—each contributing to the vitality of this initiative.
Ahora en su tercer ciclo, la colaboración Pathways refleja un compromiso compartido de apoyar a los artistas emergentes mediante oportunidades expositivas significativas, posibles gracias al generoso financiamiento de su patrocinador, Carlos Malamud. Las curadoras de la muestra —la Dra. Gisela Carbonell, del Rollins Museum of Art, y Shannon Lindsey, de la UCF Art Gallery— han impulsado esta misión centrada en los artistas mediante una colaboración sostenida que culmina en una exposición curada con obras de los finalistas del certamen.
Si bien celebramos al ganador seleccionado, el formato de exposición colectiva fomenta un diálogo rico y cautivador entre los artistas reconocidos por el jurado por la solidez de sus conceptos y la sofisticación de su práctica. Extendemos nuestras felicitaciones no solo a los finalistas, sino también a todos aquellos que participaron en el proceso —desde la presentación de las propuestas hasta la selección—, contribuyendo cada uno a la vitalidad de esta iniciativa.
Para los estudiantes y los profesionales emergentes, oportunidades como
For students and emerging practitioners, opportunities such as Pathways are vital spaces for experimentation, dialogue, and public visibility. They allow artists to situate their work within broader contemporary conversations while developing confidence in their creative and professional identities.
As construction begins on a new purpose-built facility for the Rollins Museum of Art, scheduled to open in 2028, this moment invites reflection on the role of our institutions in shaping the next generation of art professionals. Our programs provide rigorous and dynamic environments that encourage students to engage critically with both historical and contemporary perspectives. At Rollins, we look forward to the expanded possibilities this new space will offer for realizing the visions of artists on campus and beyond.
Pathways constituyen espacios vitales para la experimentación, el diálogo y la visibilidad pública.
Permiten a los artistas situar su obra en conversaciones contemporáneas más amplias, a la vez que desarrollan confianza en sus identidades creativas y profesionales.
A medida que comienzan las obras de construcción de una nueva instalación diseñada específicamente para el Rollins Museum of Art — cuya inauguración está prevista para 2028—, este momento invita a reflexionar sobre el papel de nuestras instituciones en la formación de la próxima generación de profesionales del arte. Nuestros programas ofrecen entornos rigurosos y dinámicos que alientan a los estudiantes a interactuar críticamente con perspectivas tanto históricas como contemporáneas. En Rollins, aguardamos con entusiasmo las mayores posibilidades que este nuevo espacio brindará para hacer realidad las visiones de los artistas, tanto dentro del campus como más allá de sus fronteras.
Del mismo modo, la UCF y la Escuela de Artes Visuales y Diseño mantienen su compromiso de
Similarly, UCF and the School of Visual Arts and Design remain committed to creating recurring opportunities for public engagement that bring artistic practice and creative scholarship into dialogue with the broader communities our institutions serve.
Together, our institutions recognize that sustained partnerships between universities, museums, and cultural organizations are essential to strengthening Central Florida’s creative community and supporting the next generation of artists, scholars, and arts professionals.
It is an exciting moment to introduce— or reintroduce—this innovative partnership, which continues to flourish in its support of emerging artists while enriching both the campus community and the broader public.
crear oportunidades recurrentes de participación pública que pongan en diálogo la práctica artística y la investigación creativa con las comunidades más amplias a las que sirven nuestras instituciones.
Conjuntamente, nuestras instituciones reconocen que las alianzas sostenidas entre universidades, museos y organizaciones culturales son esenciales para fortalecer la comunidad creativa de Florida Central y apoyar a la próxima generación de artistas, académicos y profesionales de las artes.
Es un momento emocionante para presentar —o volver a presentar— esta innovadora colaboración, que continúa prosperando en su apoyo a los artistas emergentes, a la vez que enriquece tanto a la comunidad universitaria como al público en general.
Leslie Anne Anderson, MBA, MPhil
BRUCE A. BEAL EXECUTIVE DIRECTOR, ROLLINS MUSEUM OF ART DIRECTORA EJECUTIVA BRUCE A. BEAL, ROLLINS MUSEUM OF ART
Rudy McDaniel, Ph.D.
DIRECTOR, SCHOOL OF VISUAL ARTS AND DESIGN, UNIVERSITY OF CENTRAL FLORIDA / DIRECTOR, ESCUELA DE ARTES VISUALES Y DISEÑO, UNIVERSIDAD DE FLORIDA CENTRAL
CURATORS’ FOREWORD PRÓLOGO DE LAS CURADORAS
The presentation of the third edition of Pathways: The Carlos Malamud Prize, organized collaboratively by the Rollins Museum of Art and the UCF Art Gallery at the University of Central Florida, highlights the multimedia works of six talented finalists currently working in Florida. Created in 2022, this platform supports emerging artists in their creative endeavors, provides a pathway to success through sustained engagement, and expands networks for idea exchange and professional development. Since its creation, Pathways has supported eighteen Florida artists who have expanded their portfolio of group and solo exhibitions and advanced their careers in education and the creative field.
La presentación de la tercera edición de Pathways: Premio Carlos Malamud, organizada conjuntamente por el Rollins Museum of Art y la Galería de Arte de la Universidad de Florida Central (UCF), destaca las obras multimedia de seis talentosos finalistas que actualmente trabajan en Florida. Creada en 2022, esta plataforma apoya a los artistas emergentes en sus esfuerzos creativos, les proporciona un camino hacia el éxito a través de un compromiso sostenido y amplía las redes para el intercambio de ideas y el desarrollo profesional. Desde su creación, Pathways ha apoyado a dieciocho artistas de Florida que han ampliado su portafolio de exposiciones colectivas e individuales y han avanzado en sus carreras en el ámbito educativo y creativo.
Aligned with the educational missions of both presenting institutions, Pathways is a juried, biennial, dualvenue exhibition unique in Florida. The finalists were selected by a group of jurors whose artistic practice addresses both historical and current issues and who are at the forefront of creative experimentation. We are grateful to our Pathways 2026 jurors: Tenee’ Hart, Fiber Sculpture Artist and Professor at Florida State University, Tallahassee, and Winner of the 2024 Carlos Malamud Prize, Marcus Jansen, Visual Artist, based in Ft. Myers and New York, and Sheldon Scott, Performance and Multimedia Artist, based in Washington, D.C., for their time and expertise in selecting the finalists and offering guidance in this process.
The 2026 finalist cohort represents the diversity and richness of artistic
En alineación con las misiones educativas de ambas instituciones organizadoras, Pathways es una exposición bienal con jurado y doble sede única en Florida. Los finalistas fueron seleccionados por un jurado cuya práctica artística aborda cuestiones tanto históricas como actuales y que se encuentran a la vanguardia de la experimentación creativa. Agradecemos a los miembros del jurado de Pathways
2026: Tenee’ Hart, artista de escultura textil y profesora de la Universidad
Estatal de Florida, Tallahassee, y ganadora del Premio Carlos Malamud 2024; Marcus Jansen, artista visual, con sede en Ft. Myers y Nueva York, y Sheldon Scott, artista del performance y multimedia, con sede en Washington, D.C., por su tiempo y experiencia en la selección de los finalistas y por ofrecer orientación en este proceso.
creation in Florida. The group includes painters, sculptors, photographers, installation and multimedia artists, each approaching their practice with curiosity and intention, and addressing personal, social, and universal themes. The 2026 finalists are: Alex Awuku, Cruz Castillo, Ebenezer Nketsiah Mensah, Lucía Morales, Michael Cannata, and Shayla Marshall. We congratulate the winner of the third edition of Pathways: The Carlos Malamud Prize, and celebrate the accomplishments of all participants.
Finally, we are grateful to Mr. Carlos Malamud for generously funding the prize.
El grupo de finalistas de 2026 representa la diversidad y la riqueza de la creación artística en Florida. El grupo incluye pintores, escultores, fotógrafos, artistas de instalaciones y multimedia, cada uno de los cuales aborda su práctica con curiosidad e intención, y trata temas personales, sociales y universales. Los finalistas de 2026 son: Alex Awuku, Cruz Castillo, Ebenezer Nketsiah Mensah, Lucía Morales, Michael Cannata y Shayla Marshall. Felicitamos al ganador de la tercera edición de Pathways: Premio Carlos Malamud y celebramos los logros de todos los participantes.
Por último, agradecemos al Sr. Carlos Malamud por financiar generosamente el premio.
Gisela Carbonell, Ph.D.
CURATOR, ROLLINS MUSEUM OF ART / CURADORA, ROLLINS MUSEUM OF ART
Shannon Lindsey, M.F.A.
ASSOCIATE LECTURER AND UCF ART GALLERY DIRECTOR / PROFESORA ASOCIADA Y DIRECTORA DE LA GALERÍA DE ARTE DE UCF
JUROR STATEMENTS DECLARACIONES
DEL JURADO
Tenee’ Hart
FIBER SCULPTURE ARTIST AND PROFESSOR AT FLORIDA STATE UNIVERSITY, TALLAHASSEE.
WINNER OF THE SECOND EDITION OF THE MALAMUD PRIZE / ARTISTA DE ESCULTURA EN TEXTIL Y PROFESORA EN LA UNIVERSIDAD ESTATAL DE FLORIDA, TALLAHASSEE. GANADORA DE LA SEGUNDA EDICIÓN DEL PREMIO
CARLOS MALAMUD
Serving as a juror for the Pathways 2026: Carlos Malamud Prize was a true privilege; it offered the opportunity to support fellow emerging artists at pivotal moments in their careers while witnessing the many ways artists continue to make meaning in this world. As the 2024 awardee of the Pathways: Carlos Malamud Prize, I approached jurying as an act of care and advocacycommitted to honoring diverse voices and uplifting artists whose work felt urgent and honest. I evaluated
Ser jurado en Pathways 2026: Premio Carlos Malamud fue un verdadero privilegio, ya que ofreció la oportunidad de apoyar a otros artistas emergentes en momentos clave de sus carreras, mientras presenciaba las muchas formas en que los artistas siguen aportando sentido a este mundo. Como galardonada de Pathways 2024: Premio Carlos Malamud, abordé el jurado como un acto de cuidado y defensa, comprometida con honrar voces diversas y elevar a artistas cuyo trabajo se sintiera urgente y honesto.
submissions with attention to artistic rigor, clarity of vision, and intentional risk-taking, and was especially drawn to work that lingered in uncertainty, resisted easy answers, and held both emotional gravity as well as conceptual depth - qualities exemplified in the practices of both Lucía Morales and Shayla Marshall.
Lucía Morales’s work carries the weight of migration through the language of the body and the intimacy of material. Using textiles, video, performance, installation, sculpture, and pigment, she weaves Andean traditions and histories of labor into acts of presence, resistance, and care. Her installations become sanctuaries - spaces where stories are safeguarded, identities are reclaimed, and community gathers in collective healing/shared remembrance. Lucía Morales’s works do not simply occupy space - they endure - resisting erasure, insisting on the visibility of migrant and diasporic identities while honoring ancestral knowledge through touch, movement, and ritual.
Evaluaba las propuestas con atención al rigor artístico, la claridad de visión y la toma de riesgos intencionada, y me sentía especialmente atraída por trabajos que permanecían en incertidumbre, resistían respuestas fáciles y contenían tanto gravedad emocional como profundidad conceptual, cualidades ejemplificadas en las prácticas tanto de Lucía Morales como de Shayla Marshall.
La obra de Lucía Morales lleva el peso de la migración a través del lenguaje del cuerpo y la intimidad del material. Utilizando textiles, vídeo, interpretación, instalación, escultura y pigmento, entrelaza tradiciones andinas e historias del trabajo en actos de presencia, resistencia y cuidado. Sus instalaciones se convierten en santuarios: espacios donde las historias se protegen, se recuperan identidades y la comunidad se reúne en la sanación colectiva y el recuerdo compartido.
Las obras de Lucía Morales no solo ocupan el espacio, sino que perduran: resisten la invisibilización, insisten en la visibilidad de las identidades migrantes y diaspóricas mientras honran el conocimiento ancestral a través del tacto, el movimiento y el ritual.
Moving into the Afro-futuristic worlds of Shayla Marshall, where the everyday is consumed by strands of identity - layered with material meaning and power.
Working across photography, sculpture, and installation, Marshall challenges overlooked narratives and representations, inviting viewers into futures where Black histories and ideas of ‘home’ are felt as much as they are seen. A corner store, a hair salon, a sitting room - these are not just spaces, but sites of care, memory, and quiet persistence. Her work moves between the spiritual and lived experience, reaching across diasporic histories and asking us to witness the beauty and weight carried in the ordinary. To experience Shayla Marshall’s work is to recognize that what is seen and what is carried are inseparable, fragile, and resilient all at once.
Adentrándose en los mundos afrofuturistas de Shayla Marshall, donde lo cotidiano está consumido por hilos de identidad, cargados de significado material y poder. Trabajando en fotografía, escultura e instalación, Marshall desafía narrativas y representaciones ignoradas, invitando a los espectadores a futuros donde las historias negras y las ideas de ‘hogar’ se sienten tanto como se ven. Una tienda de la esquina, una peluquería, un salón: no son solo espacios, sino lugares de cuidado, memoria y persistencia silenciosa.
Su obra oscila entre la experiencia espiritual y la vivida, atravesando historias de la diáspora y pidiéndonos ser testigos de la belleza y el peso que lleva lo ordinario. Experimentar la obra de Shayla Marshall es reconocer que lo que se ve y lo que se lleva son inseparables, frágiles y resistentes a la vez.
Marcus Antonius Jansen
VISUAL ARTIST, FT. MYERS, FLORIDA, AND NEW YORK / ARTISTA VISUAL, FT. MYERS, FLORIDA, Y NUEVA YORK
A significant contribution to Ghanaian Contemporary Art, Alex Awuku’s work blends traditional African art forms with modern artistic techniques to explore complex themes of identity, culture, and the human condition through storytelling. His pieces reflect a deep understanding of both the history and the evolving sociopolitical landscape and its changes in Ghana, while also contributing to broader global conversations and storytelling about the intersection of tradition and contemporary African
Una contribución significativa al arte contemporáneo ghanés, la obra de Alex Awuku combina formas de arte africano tradicionales con técnicas artísticas modernas para explorar temas complejos de identidad, cultura y condición humana a través de la narración. Sus piezas reflejan un profundo entendimiento tanto de la historia como del panorama sociopolítico en evolución y sus cambios en Ghana, al tiempo que contribuyen a conversaciones globales más amplias y a la narración sobre la intersección entre la tradición y el arte africano contemporáneo, fuertemente influenciados por la formación e interrupción de la tecnología. Uno de los temas centrales en la obra de Awuku es la exploración de la identidad y la alienación. En el contexto de Ghana, este tema adquiere un papel especialmente significativo, ya que el país ha experimentado profundos cambios políticos, sociales y
art heavily influenced by the shaping and interruption by technology. One of the central themes in Awuku’s work is the exploration of identity and alienation. In the context of Ghana, this theme takes on a particularly significant role, as the country has undergone profound political, social, and cultural changes over the past century. Awuku’s art interrogates how these transformations influence individual and collective identities, with particular attention to the impact of colonization and urbanization, as well as to how storytelling survives. In his sculptures, Awuku often uses metal, wood, and found objects, which not only evoke the industrial and urbanized world of modern Ghana but also reference the material culture of traditional African craftsmanship. These sculptures often take the form of distorted abstract human figures, symbolizing both individual and collective experiences.
By manipulating both organic and inorganic materials, Alex highlights the interplay between nature, human agency, and the effects of technology and other outside forces, a recurring motif throughout his body of work. In the context of contemporary Ghanaian art, the
culturales durante el último siglo. El arte de Awuku interroga cómo estas transformaciones influyen en las identidades individuales y colectivas, con especial atención al impacto de la colonización y la urbanización y a cómo sobrevive la narración. En sus esculturas, Awuku utiliza a menudo metal, madera y objetos encontrados, que no solo evocan el mundo industrial y urbanizado de la Ghana moderna, sino que también hacen referencia a la cultura material de la artesanía tradicional africana. Estas esculturas suelen adoptar la forma de figuras humanas abstractas distorsionadas, simbolizando tanto experiencias individuales como colectivas.
Al manipular tanto materiales orgánicos como inorgánicos, Alex destaca la interacción entre la naturaleza, la agencia humana y los efectos de la tecnología y otras fuerzas externas, un motivo recurrente en toda su obra. En el contexto del arte contemporáneo ghanés, el artista ocupa una posición crítica. Forma parte de una generación de artistas que, aunque arraigados en las prácticas culturales tradicionales ghanesas, han adoptado nuevos medios y técnicas de manera que llegan a un público internacional.
PHOTO CREDIT: Brian Tietz Foto por: Brian Tietz
artist occupies a critical position. He is part of a generation of artists who, while grounded in traditional Ghanaian cultural practices, have embraced new media and techniques in ways that speak to an international audience. His work both challenges and celebrates the complexities of post-colonial Ghana, blending the old with the new, the local with the global via storytelling that breaks old boundaries. In Awuku’s case, technology as an intruding force functions as both a tool of dissemination and a site of tension that risks aestheticizing and decontextualizing deeply rooted cultural practices, potentially severing them from their localized, communal roots. Here emerges a key dimension of alienation: cultural forms mediated through global digital infrastructures can both empower but also detach. Awuku’s work stands as a testament to the dynamic nature of contemporary African art.
Through his exploration of themes such as identity, spirituality, and the intersection of tradition and modernity, the artist contributes significantly to the broader discourse on African culture and contemporary art. His unique artistic vision blends
Su obra desafía y celebra tanto las complejidades del Ghana poscolonial, mezclando lo antiguo con lo nuevo, lo local con lo global a través de una narración que rompe antiguos límites. En el caso de Awuku, la tecnología, como fuerza invasora, funciona tanto como herramienta de difusión como foco de tensión que corre el riesgo de estetizar y descontextualizar prácticas culturales profundamente arraigadas, lo que podría separarlas de sus raíces locales y comunitarias. De aquí surge una dimensión clave de alienación: las formas culturales mediadas a través de infraestructuras digitales globales pueden tanto empoderar como desvincular. La obra de Awuku es un testimonio de la naturaleza dinámica del arte africano contemporáneo.
A través de su exploración de temas como la identidad, la espiritualidad y la intersección entre tradición y modernidad, el artista contribuye significativamente al discurso más amplio sobre la cultura africana y el arte contemporáneo. Su visión artística única combina símbolos tradicionales ghaneses con materiales y técnicas modernas, desafía y enriquece la comprensión de lo que significa ser tanto africano como global en el siglo XXI y se convierte en una contribución importante
traditional symbols with modern materials and techniques, challenges and enriches the understanding of what it means to be both African and global in the 21st century and becomes an important contribution to contemporary art. As Ghana and the wider African continent continue to navigate the complexities of modernity, Awuku’s art will likely remain a critical part of this ongoing conversation, providing a powerful voice in the narrative of African contemporary art.
A Fusion of Tradition and Innovation and fresh look at ceramic sculptures, Michael Cannata is a contemporary ceramic artist whose work stands at the crossroads of tradition and innovation. Known for his distinctive approach to ceramic forms and surface treatments, Cannata’s art emphasizes a deep connection to materiality, craftsmanship, and the tactile experience of ceramics. Through his work, he engages deeply with historical ceramic traditions while exploring new techniques and concepts that challenge the boundaries of functional and sculptural pottery which is what immediately drew me in. Cannata’s
al arte contemporáneo. A medida que Ghana y el continente africano continúan navegando por las complejidades de la modernidad, el arte de Awuku probablemente seguirá siendo una parte fundamental de esta conversación continua, proporcionando una voz poderosa en la narrativa del arte contemporáneo africano.
Una fusión de tradición e innovación y una nueva mirada a las esculturas cerámicas, Michael Cannata es un artista ceramista contemporáneo cuya obra se sitúa en la encrucijada de tradición e innovación. Conocido por su enfoque distintivo de las formas cerámicas y los tratamientos de superficies, el arte de Cannata enfatiza una profunda conexión con la materialidad, la artesanía y la experiencia táctil de la cerámica. A través de su trabajo, se involucra profundamente con las tradiciones históricas de la cerámica mientras explora nuevas técnicas y conceptos que desafían los límites de la cerámica funcional y escultórica, lo que me atrajo de inmediato. El desarrollo artístico de Cannata está arraigado en un profundo conocimiento de la tradición cerámica. Criado en un entorno donde se celebraban la
artistic development is rooted in a deep understanding of ceramic tradition. Raised in an environment where craft and art were celebrated, his early years may have been formative in shaping his aesthetic and technical sensibilities. One of the defining features of his work is his ability to merge traditional ceramic techniques with contemporary artistic concepts. While many modern ceramicists gravitate toward minimalist forms or conceptual art, Cannata has engaged with the idea of ceramics as both a functional and an aesthetic medium. His work is characterized by a careful balancing act: drawing upon the functional nature of pottery, yet never relinquishing its potential for creative expression and artistic commentary as well as breaking traditional boundaries even in scale.
The sculptor and painter pushes the boundaries of traditional mediums by experimenting with techniques, and surface treatment methods creating a sensory experience in both sculptures and his paintings. The resulting pieces often feature intricate textures, rich color palettes, and dynamic surfaces that invite viewers to engage with
artesanía y el arte, sus primeros años pueden haber sido fundamentales para formar su sensibilidad estética y técnica. Una de las características distintivas de su obra es su capacidad para fusionar las técnicas cerámicas tradicionales con conceptos artísticos contemporáneos. Mientras que muchos ceramistas modernos se inclinan por las formas minimalistas o el arte conceptual, Cannata se ha comprometido con la idea de la cerámica como medio tanto funcional como estético. Su obra se caracteriza por un cuidadoso equilibrio: se inspira en la naturaleza funcional de la alfarería, pero sin renunciar nunca a su potencial de expresión creativa y comentario artístico, además de romper los límites tradicionales, incluso en cuanto a la escala.
El escultor y pintor rompe los límites de los medios tradicionales experimentando con técnicas y métodos de tratamiento superficial, creando una experiencia sensorial tanto en esculturas como en sus pinturas. Las piezas resultantes suelen presentar texturas intrincadas, paletas de colores ricos y superficies dinámicas que invitan al espectador a interactuar con las cualidades de la forma cerámica. En sus manos, estos materiales tradicionales trascienden
the qualities of the ceramic form. In his hands, these traditional materials transcend their historical context and become a canvas for exploration and innovation that are kept ambiguous for the viewer to keep pondering. I would characterize Cannata’s work by a careful balancing act: drawing upon the functional nature of pottery, yet never relinquishing its potential for creative expression and artistic commentary or breaking traditional boundaries whether it is shape, form or scale. His sculptures for example can be admired at an unusually large scale of 4.5 feet. The artist represents an arresting fusion of tradition and innovation, where the tactile and expressive potential of clay is fully realized and explored. His mastery of surface treatment, form, scale and function, combined with a nuanced sense of narrative and symbolism, places him at the forefront of contemporary ceramic art. In summary, Cannata’s work challenges preconceived notions of ceramics as a solely stagnant functional medium, offering instead a dynamic investigation and exploration into possibilities expanding any viewers’ experience and taking us to new heights.
su contexto histórico y se convierten en un lienzo para la exploración y la innovación que se mantiene ambiguo para que el espectador siga reflexionando. Caracterizaría la obra de Cannata por un acto de equilibrio cuidadoso: recurrir a la naturaleza funcional de la cerámica, pero sin renunciar nunca a su potencial para la expresión creativa y el comentario artístico ni romper los límites tradicionales, ya sea en forma, figura o escala. Sus esculturas, por ejemplo, pueden admirarse a una escala inusualmente grande de 4.5 pies. El artista representa una fusión impactante de tradición e innovación, donde el potencial táctil y expresivo de la arcilla se realiza y explora plenamente. Su dominio del tratamiento de superficies, la forma, la escala y la función, combinado con un sentido matizado de la narrativa y el simbolismo, le sitúa a la vanguardia de la cerámica contemporánea. En resumen, la obra de Cannata desafía las nociones preconcebidas de la cerámica como un medio funcional estancado, ofreciendo en cambio una investigación dinámica y exploración de posibilidades que amplían la experiencia de cualquier espectador y nos llevan a nuevas dimensiones.
I am so grateful for the opportunity to serve as a Pathways: Carlos Malamud Prize juror. As an artist, the role of curator/juror in service of your contemporaries is one of the most important responsibilities you take on in your career. Particularly in this moment when the record we leave behind will tell the stories and seek to answer questions about humanity, challenged to act in the interest of a better world that will be built on the imagination of the artist.
Before our panel made any decisions about which of these works to feature, every artist chose to submit an artwork that they wanted the world
Sheldon Scott
PERFORMANCE AND MULTIMEDIA
ARTIST, WASHINGTON, D.C. /
ARTISTA DEL PERFORMANCE Y MULTIMEDIA, WASHINGTON, D.C.
Estoy muy agradecido por la oportunidad de formar parte del jurado de Pathways: Premio Carlos
Malamud. Como artista, el papel de curador/jurado al servicio de tus contemporáneos es una de las responsabilidades más importantes que asumes en tu carrera.
Especialmente en este momento, en el que el legado que dejemos contará las historias y tratará de responder a las preguntas sobre una humanidad que se enfrenta al reto de actuar en pro de un mundo mejor que se construirá sobre la imaginación del artista.
Antes de que nuestro panel tomara cualquier decisión sobre cuál de estas obras incluir, cada artista tomó la decisión de presentar una obra de arte de la que quería que el mundo escuchara. Nos ofrecieron una ventana, una puerta o un espejo hacia un mundo que traía esperanza, alegría o felicidad para abrazar, o una realidad que debemos afrontar,
to hear from. They offered us a window, door, or mirror into a world that brought hope, joy, or happiness to embrace, or a reality that we must confront, all to bring about the power needed to change. I am humbled to contribute to that process and thankful to every brave and talented artist who has demanded we hear them.
Ebenezer Nketsiah Mensah’s compelling work feels like new memories to me. Like new songs composed of past melodies. You recognize notes, but the composition is fresh. Ebenezer’s works, in his own words, explore themes of labor, memory, identity, and sustainability, and his POV is brilliantly clear and fresh.
Cruz Castillo’s exploration of labor and humanity through sculpture invites me to bear witness to the tensions between economics and empathy. The conflict of coexistence as experienced between the notions of public and private, and commerce and culture, brings about an internal conflict for the viewer in what it means to be a passive or active receiver of the significance of Castillo’s work.
todo para obtener el poder necesario para cambiar. Me siento honrado de contribuir a ese proceso y agradecido a cada artista valiente y talentoso que ha exigido que les escuchemos.
La obra fascinante de Ebenezer Nketsiah Mensah me parece un recuerdo nuevo. Como nuevas canciones compuestas por melodías pasadas. Reconoces las notas pero la composición es fresca. Las obras de Ebenezer, en sus propias palabras, exploran temas como el trabajo, la memoria, la identidad, sostenibilidad, y su punto de vista es brillantemente claro y fresco.
La exploración de Cruz Castillo sobre el trabajo y la humanidad a través de la escultura me invita a ser testigo de las tensiones entre la economía y la empatía. El conflicto de coexistencia que se experimenta entre las nociones de público y privado, y de comercio y cultura, provoca un dilema interno en el espectador sobre lo que significa ser un receptor pasivo o activo del significado de la obra de Castillo.
PATHWAYS FINALISTS FINALISTAS DE PATHWAYS
Alex Awuku is a contemporary ceramist and mixed-media artist from Kumasi, Ghana, and an MFA candidate in Ceramics at the University of Florida. He earned a BA in Industrial Art (Ceramics) and a Diploma in Education from the Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) and has taught high school art since 2012. Alongside teaching, he founded and operates a ceramics studio space. Motivated by artistic ambition, Awuku took leave from his teaching position and family to pursue graduate studies in the United States. His practice draws
Alex Awuku es un ceramista contemporáneo y artista multimedia de Kumasi, Ghana, y candidato a una maestría en Bellas Artes en Cerámica por la Universidad de Florida. Obtuvo una licenciatura en Arte Industrial (Cerámica) y un diploma en Educación por la Universidad Kwame Nkrumah de Ciencia y Tecnología (KNUST) y ha impartido clases de arte a nivel de escuela secundaria desde 2012. Además de dedicarse a la enseñanza, fundó y dirige un taller de cerámica. Motivado por su ambición artística, Awuku dejó su puesto de profesor y a su familia para cursar estudios de posgrado en Estados Unidos. Su práctica se inspira en su experiencia
Alex Awuku
from lived experience as a Ghanaian, an immigrant, and a deeply spiritual individual. Awuku explores themes of migration, resilience, faith, gender roles, and cultural survival, centering on Ghanaian oral folktales of Kwaku Ananse. Using clay, jute rope, wood, metal, and digital debris, he rematerializes these stories as tactile archives addressing the alienation of oral traditions in the digital age. His work has been featured on the cover of the International Journal of Education through Art (Vol. 19, Issue 3) and cited in the NCECA Journal (Vol. 45, p. 95) and several other publications.
vital como ghanés, inmigrante y persona profundamente espiritual. Awuku explora temas como la migración, la resiliencia, la fe, los roles de género y la supervivencia cultural, centrándose en los cuentos populares orales ghaneses de Kwaku Ananse. Utilizando arcilla, cuerda de yute, madera, metal y residuos digitales, vuelve a materializar estas historias como archivos táctiles que abordan la alienación de las tradiciones orales en la era digital. Su trabajo ha aparecido en la portada de la revista International Journal of Education through Art (Vol. 19, Número 3) y ha sido citado en la revista NCECA Journal (Vol. 45, p. 95) y en varias publicaciones.
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Target, 2024
Stoneware, jute rope, metal, and golf club 48 x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Objetivo/blanco, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, metal y palo de golf
48 x 12 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Entanglement, 2024
Stoneware, jute rope, and jute sack 48 x 24 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Entrelazamiento 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute y saco de yute
48 x 24 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Valiance 2024
Stoneware, jute rope 18 x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986) Valentía, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute 18 x 12 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Adolescence, 2024
Stoneware, jute rope
18 x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Adolescencia 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute
18 x 12 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Adwuma Den (Hard Work), 2024
Stoneware, jute rope, metal
60 x 12 ½ in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Adwuma Den (Trabajo duro) 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, metal
60 x 12 ½ pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Inherited Hindrance 2024
Stoneware, jute rope, glass
18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Obstáculo heredado 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, vidrio 18 x 24 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Kofi Kramo 1, 2024
Stoneware, metal, jute rope
36 x 21.6 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Kofi Kramo 1 2024
Cerámica de gres, metal, cuerda de yute 36 x 21.6 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Kofi Kramo 2, 2024
Stoneware, metal, jute rope
36 x 21.6 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Kofi Kramo 2, 2024
Cerámica de gres, metal, cuerda de yute
36 x 21.6 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Cruz Castillo (b. 1992, Detroit; lives and works in Winter Park, Florida) is a multidisciplinary artist that works in sculpture, performance, and video art. Castillo’s work reflects his interests in the labor process, the politics of production it brings, and his own relationship to the ritual of work that maintains the praxis of social being. Cruz Castillo’s trajectory aims at interrogating the ways in which capitalism works upon the public’s imagination and the impact of this mode of thinking on the reception of an artwork. To do so, Castillo
Cruz Castillo (nacido en 1992 en Detroit; vive y trabaja en Winter Park, Florida) es un artista multidisciplinario que trabaja en escultura, performance y video. La obra de Castillo refleja su interés por el proceso laboral, la política de producción que conlleva y su propia relación con el ritual del trabajo que mantiene la práctica del ser social. La trayectoria de Cruz Castillo tiene como objetivo cuestionar las formas en que el capitalismo influye en la imaginación del público y el impacto de este modo de pensar en la recepción de una obra de arte. Para ello, Castillo se esfuerza por expresar en su obra la
Cruz Castillo
strives to express a tussle between productive and unproductive labor within his work.
Cruz Castillo received an MFA from the University of California, Los Angeles in 2020 and a BS from the University of Oregon in 2015. A solo exhibition of his work has been held at the Alice and Nahum Lainer Family Gallery, Los Angeles (2021). Selected group exhibitions have been held at the Rollins Museum of Art, Winter Park, FL (2026); Casino, Detroit, MI (2025 & 2024); Orlando Museum of Art, Orlando, FL (2023); Pfent, Detroit, MI (2022 & 2020); Torrance Art Museum, Torrance, CA (2019); Godine Family Gallery, Boston, MA (2018); Annex Gallery, Detroit, MI (2017); 333 Midland, Highland Park, MI (2016); Jordan Schnitzer Museum of Art, Eugene, OR (2015); LaVerne Krause Gallery, Eugene, OR (2014). Castillo is a recipient of the Graduate Art Department Scholarship, UCLA (2020); UCLA Regents Stipend Scholarship (2019); Juror’s Choice Award, Cambridge Art Association (2018), and Best in Show, LaVerne Krause Gallery (2014).
lucha entre el trabajo productivo y el improductivo.
Cruz Castillo obtuvo una maestría en Bellas Artes en la Universidad de California, Los Ángeles en 2020 y una licenciatura en la Universidad de Oregón en 2015. Se ha realizado una exposición individual de su obra en la Galeria de la Familia de Alice and Nahum Lainer, Los Ángeles (2021). Se han realizado exposiciones colectivas seleccionadas en el Rollins Museum of Art, Winter Park, FL (2026); Casino, Detroit, MI (2025 y 2024); Orlando Museum of Art, Orlando, FL (2023); Pfent, Detroit, MI (2022 y 2020); Torrance Art Museum, Torrance, CA (2019); Galería de la Familia Godine, Boston, MA (2018); Galería Anexo, Detroit, MI (2017); 333 Midland, Highland Park, MI (2016); Jordan Schnitzer Museum of Art, Eugene, OR (2015); Galería LaVerne Krause, Eugene, OR (2014).
Castillo es beneficiario de la beca del Departamento de Posgrado en Arte de UCLA (2020); la Beca Regents Stipend de UCLA (2019); el Premio del Jurado de la Asociación de Arte de Cambridge (2018) y el Premio al Mejor de la Exposición de la Galería LaVerne Krause (2014).
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Debtors Prison 2024
Four-year collection of student loan bills, rubber bands
8 x 17 x 12 ½ in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Prisión de Deudores 2024
Colección de cuatro años de facturas de préstamos estudiantiles y gomas elásticas
8 x 17 x 12 ½ pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Dead Labor (dollar rubbing) 2022
Found one dollar bill and wall rubbing 24 x 24 x 12 in.
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Trabajo muerto (Frotado del dólar), 2022
Billete de un dólar encontrado 24 x 24 x 12 pulgadas
Cemento, viga en I, borde, correa de trinquete, lata de cerveza Modelo, plexiglás con imagen, madera, herrajes
50 x 28 x 28 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Mechanics of Chance, 2024
Personal workbench tabletop (plywood)
96 x 48 x 21 ½ in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Mecánica del azar, 2024
Tablero de banco de trabajo personal (contrachapado)
96 x 48 x 21 ½ pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Feed the Sculpture 2025
Mudflap hanger, found polaroids, tape, hitch ring with screw eye, toy dinosaur, beer bottle caps, nails, tree stump, personal bandana, son’s pacifier, rubber dock bumper, dolly
51 ½ x 42 x 21 in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Alimenta la escultura 2025
Soporte para guardabarros, fotos Polaroid encontradas, cinta adhesiva, anilla de enganche con ojal, dinosaurio de juguete, chapas de botellas de cerveza, clavos, tocón de árbol, pañuelo personal, chupete de mi hijo, tope de goma para muelle, carretilla
51 ½ x 42 x 21 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Ebenezer Nketsiah Mensah is a multidisciplinary artist who recently earned an MFA in Studio Arts from the University of Florida. He previously earned his BFA in Painting and Sculpture from Kwame Nkrumah University of Science and Technology in 2018. Mensah’s works serve as a powerful narrative exploring complex themes such as labor, identity, memory, sustainability, migration, and materiality through installations, paintings, sculptures,
Ebenezer Nketsiah Mensah
Ebenezer Nketsiah Mensah es un artista multidisciplinario que recientemente obtuvo una Maestría en Bellas Artes en Artes Plásticas de la Universidad de Florida.
Anteriormente obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en Pintura y Escultura de la Universidad de Ciencia y Tecnología Kwame Nkrumah en 2018. Las obras de Mensah sirven como una narrativa poderosa que explora temas complejos como el trabajo, la identidad, la memoria, la sostenibilidad, la migración y la materialidad a través de
drawings, photo documentaries, and performance. Mensah reflects on his personal experiences as a gold miner and construction worker in Tarkwa, Ghana. Through his art, he highlights critical issues related to these practices, examines the lives of those involved, and considers their impact on communities in Ghana and the U.S., where these activities occur, as well as the associated geopolitics of labor. His work has been exhibited in numerous shows both nationally and internationally, including the Bradbury Art Museum, Gary R. Libby University Gallery, Cotton Club Museum, and 4Most Gallery. He has received several awards and fellowships, including the Windgate Fellowship in 2024, the Grinter Fellowship (which was upgraded to 12 months of funding), the Dean’s Award- First Runner-Up in 2025 at the University of Florida Juried Exhibition, and a recent publication in African Arts by MIT Press. His expanding career continues to make a significant impact on contemporary art.
instalaciones, pinturas, esculturas, dibujos, documentales fotográficos e interpretación. Mensah reflexiona sobre sus experiencias personales como minero de oro y obrero de la construcción en Tarkwa, Ghana. A través de su arte, destaca temas críticos relacionados con estas prácticas, examina la vida de los implicados y considera su impacto en las comunidades de Ghana y Estados Unidos, donde se realizan estas actividades, así como la geopolítica laboral asociada. Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones tanto a nivel nacional como internacional, incluyendo el Bradbury Art Museum, la Galería Universitaria Gary R. Libby, el Cotton Club Museum y la Galeria 4Most. Ha recibido varios premios y becas, incluyendo la Beca Windgate en 2024, la Beca Grinter (que se amplió a 12 meses de financiación), el Premio del Decano - Segundo Premio en 2025 en la Exposición Jurada de la Universidad de Florida, y una publicación reciente en African Arts por MIT Press. Su carrera en expansión sigue teniendo un impacto significativo en el arte contemporáneo.
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
Memory Excavation: Tracing and Uncovering Labor + Resilience Echoes, 2025
12 wooden pallets, found construction objects, and video 120 x 132 x 192 in., video 2 mins. 30 secs.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
Excavación de la memoria: Rastreo y descubrimiento del trabajo + Ecos de resiliencia, 2025
12 palés de madera, objetos de construcción encontrados y vídeo 120 x 132 x 192 pulgadas, video 2 min 30 s
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
Remnant Rumination II, 2024
Discarded found objects from construction site 44 x 32 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
Reflexión Remanente II, 2024
Objetos encontrados y desechados en una obra de construcción 44 x 32 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
‘Sankofa’ I (Going into the past to reclaim), 2024
48 decommissioned construction gloves
45.5 x 27.5 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
‘Sankofa’ I (Volviendo al pasado para reclamarlo) 2024
48 guantes de construcción fuera de servicio
45.5 x 27.5 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
‘Sankofa’ II (Going into the past to reclaim) 2025
330 found construct and mining gloves
78 x 24 and 75 x 25 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
‘Sankofa’ II (Volviendo al pasado para reclamarlo), 2025
330 guantes encontrados para construcción y minería
78 x 24 y 75 x 25 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Lucía Morales
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
Tool Boxes of Memory 2024
Found construction wood, tools, and materials
Dimensions variable Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
Cajas de herramientas del recuerdo, 2024
Madera de construcción, herramientas y materiales encontrados
Dimensiones variables
Cortesía del artista ON VIEW AT RMA
Lucía Morales was born in 1986 in Lima, Perú and works in Miami, Florida. Morales received a Master of Fine Art Degree from Florida International University [2025]. Morales uses textiles, paintings, video and installation to create figurative works that speak to her migratory experience and the transformative moments of her past. Morales’ intention is to make community visible by taking up and creating spaces to be shared. Selected solo exhibitions
Lucía Morales nació en el 1986 en Lima, Perú, y vive y trabaja en Miami, Florida. Morales obtuvo una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Internacional de Florida [2025]. Morales utiliza textiles, pinturas, vídeo e instalaciones para crear obras figurativas que hablan de su experiencia migratoria y de los momentos transformadores de su pasado. La intención de Morales es hacer visible la comunidad ocupando y creando espacios para compartir. Entre sus exposiciones individuales destacan «Kaypi, Chaypi, Wakpi»
include “Kaypi, Chaypi, Wakpi” (2024), Miami Beach Visual Art Gallery-FIU, Miami Beach, Florida and “MOAD Artist in Residence Reception” (2025), MDC Kendall Campus Gallery, Kendall, Florida. Selected group exhibitions include “Between Form and Being2025 MFA Exhibition” (2025), Frost Art Museum, Miami, Florida, “We Are the Places We Left Behind” (2023), Miami Beach Visual Art Gallery, Miami Beach, Florida, and “Threads & Veins” (2022), Laundromat Art Space, Little Haiti, Florida. Morales is an Oolite Arts Resident Artist (2026), received a Locust Projects WaveMaker Grant (2025), an Associate Artist Residency with Bakehouse Art Complex (2025), MOAD (Museum of Art and Design MDC) Artist Residency at MDC Kendall (2025), an Oolite Arts Home + Away Residency at Mass MoCA (2025), and a Community Recognition from the City of North Miami Beach for entrepreneurial and creative service (2023).
(2024), la Galería de Artes Visuales de Miami Beach-FIU, Miami Beach, Florida, y «la Recepción de Artistas Residentes del MOAD» (2025), Galería del Campus Kendall del MDC, Kendall, Florida. Entre las exposiciones colectivas seleccionadas se encuentran «Between Form and Being» (Entre la forma y el ser) -
Exhibición MFA 2025» (2025), Frost Art Museum, Miami, Florida, «We Are the Places We Left Behind»
(Somos los lugares que dejamos atrás) (2023), Galería de Artes Visuales de Miami Beach, Miami Beach, Florida, y «Threads & Veins» (Hilos y Venas) (2022), Laundromat Art Space, Little Haiti, Florida. Morales es Artista Residente de Oolite Arts (2026), recibió una beca Locust Projects WaveMaker (2025), una residencia de artista asociada en Bakehouse Art Complex (2025), una residencia artística MOAD (Museo de Arte y Diseño MDC) en MDC Kendall (2025), una residencia Oolite Arts Home + Away en Mass MoCA (2025) y un reconocimiento comunitario de la ciudad de North Miami Beach por su servicio emprendedor y creativo (2023).
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Mantas en la Capital, 2023
Video action-based work 4:30 mins.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Mantas en la Capital, 2023
Obra basada en la acción en vídeo 4:30 minutos
Cortesía de la artista
ON VIEW AT RMA
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Retablos, 2024
Wood boxes, reclaimed materials, and video displays
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Retablos, 2024
Cajas de madera, materiales recuperados y proyecciones de vídeo
Dimensiones variables
Cortesía de la artista
ON VIEW AT RMA
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Punku (with Painting) 2025
Reclaimed wood door and metal gate, painting with acrylic paint on reclaimed wood 96 x 84 x 60 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Punku (con Pintura), 2025
Puerta de madera recuperada y verja metálica, pintadas con pintura acrílica sobre madera recuperada 96 x 84 x 60 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT RMA
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Q.E.P.D., 2024
Welded rebar, wall paint, flowers
72 x 96 x 72 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Q.E.P.D., 2024
Varillas soldadas, pintura de pared, flores
72 x 96 x 72 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Sinpay “Trenzar” 2023
Rope, wool ribbons, video screens
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Sinpay “Trenzar” 2023
Cuerda, cintas de lana, pantallas de vídeo
Dimensiones variables
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Niñas de Madera I 2023
Oil and stain on wood
16 x 12 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Niñas de Madera I 2023
Óleo y tinte en madera
16 x 12 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Mamá de Madera 2024
Oil and stain on wood
16 x 12 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Mamá de Madera 2024
Óleo y tinte en madera
16 x 12 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Michael Cannata is currently a Master of Fine Arts candidate at The University of South Florida (Tampa, FL). Cannata received a Bachelor of Fine Arts from The New York State School of Ceramics at Alfred University (Alfred, NY). In 2020, Cannata participated in two residency programs at Guldagergaard International Ceramic Research Center (Skaelskor, Denmark). From 2021 to 2023, Cannata took part in a long-term residency program at the Morean Center for Clay (St. Petersburg, FL). In 2021, Cannata took part in an online residency in collaboration with Indiana University to exhibit at the Museum of Nonconformist Art (St. Petersburg, Russia). Additionally, in 2023, Cannata took part in a month-long residency at Red Lodge Clay Center (Red Lodge, MT). Cannata has participated in group exhibitions throughout the U.S. and internationally in Denmark, Russia, South Korea, and Romania.
Michael Cannata es actualmente candidato a una Maestría en Bellas Artes en la Universidad del Sur de Florida (Tampa, FL).
Cannata obtuvo una licenciatura en Bellas Artes por la Escuela de Cerámicas del Estado de Nueva York de la Universidad
Alfred (Alfred, NY).
En 2020, Cannata participó en dos programas de residencia en el Centro Internacional de Investigación Cerámica Guldagergaard (Skaelskor, Dinamarca). De 2021 a 2023, Cannata participó en un programa de residencia de larga duración en el Centro Morean para la Arcilla (St. Petersburg, FL). En 2021, Cannata participó en una residencia en línea, en colaboración con la Universidad de Indiana, para exponer en el Museum of Nonconformist Art (San Petersburgo, Rusia). Además, en 2023, Cannata participó en una residencia de un mes en el Red Lodge Clay Center (Red Lodge, MT). Cannata ha participado en exposiciones colectivas en los Estados Unidos y a nivel internacional en Dinamarca, Rusia, Corea del Sur y Rumanía.
Michael Cannata
Surface Tension 2023
Clay, glaze
20 x 18 x 14 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
Tensión Superficial, 2023
Arcilla, esmalte
20 x 18 x 14 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Michael Cannata
Michael Cannata
Synesthetic Playground: Painting 2 2025
House paint, sand, oil maker, spray paint on canvas
72 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
SParque Sinestético, Pintura 2, 2025
Pintura para paredes, yeso, máquina de aceite, pintura en aerosol
72 x 48 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Michael Cannata
Synesthetic Playground: Painting 3, 2025
House paint, plaster, oil maker, spray paint on canvas
60 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
Parque Sinestético, Pintura 3, 2025
Pintura para paredes, yeso, máquina de aceite, pintura en aerosol
60 x 48pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Michael Cannata
Synesthetic Playground: Painting 1 2025
House paint, plaster, oil maker, spray paint on canvas
72 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
Parques Sinestéticos, Pintura 1 2025
Pintura para paredes, yeso, máquina de aceite, pintura en aerosol
72 x 48pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Michael Cannata
Urban Body 2025
Clay, glaze
65 x 56 x 38 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
Cuerpo urbano, 2025
Arcilla, esmalte
65 x 56 x 38 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Clay Painting: an Archive of the Kiln Yard 2024
Clay, glaze, steel rod
14 x 11 x 8 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata
Pintura en arcilla: un archivo del patio de hornos, 2024
Arcilla, esmalte, varilla de acero
14 x 11 x 8 pulgadas
Cortesía del artista
ON VIEW AT UCF
Shayla Marshall
Shayla Marshall (b. 1999, Miami, FL) is a contemporary mixed-media artist now based in between Miami and London, whose work uses worldbuilding techniques to imagine new histories and futures, ones not prewritten for her. Raised in Miami’s culturally rich and predominantly Black neighborhoods, her upbringing informs a celebration of identity and place. At 18 she moved to California, where living outside the
Shayla Marshall (nacida en 1999, Miami, FL) es una artista contemporánea de técnicas mixtas que ahora reside entre Miami y Londres, cuyo trabajo utiliza técnicas de construcción de mundos para imaginar nuevas historias y futuros, que no estaban prescritos para ella. Criada en los vecindarios culturalmente ricos y predominantemente negros de Miami, su educación se traduce en una celebración de la identidad y el lugar. A los 18 años se mudó a
Michael Cannata
familiarity of home exposed her to the broader complexities of being Black in environments not always safe or affirming. Now a full-time artist, Marshall holds her MA in Contemporary Art Practice from the Royal College of Art, the world’s leading university for art & design according to the latest rankings. Her practice pulls disparate moments in time into layered, immersive worlds where storytelling is the foundation, inviting viewers to dwell in the flamboyance and depth of narratives often overlooked. Her work has been shown in institutions such as the Saatchi Gallery (London) and Greenspace Miami (2025). She has completed multiple residencies, including at the Bakehouse Art Complex in Miami, and is a recipient of the Miami- Dade County Artist Grant.
California, donde vivir fuera de la familiaridad del hogar la expuso a las mayores complejidades de ser negra en entornos no siempre seguros ni afirmativos. Ahora artista a tiempo completo, Marshall tiene una maestría en Práctica del Arte Contemporáneo por el Royal College of Art, la universidad líder mundial en arte y diseño según las últimas clasificaciones. Su práctica reúne momentos dispares en el tiempo en mundos estratificados e inmersivos donde la narración es la base, invitando al espectador a sumergirse en la extravagancia y profundidad de narrativas que a menudo se pasan por alto. Su obra ha sido expuesta en instituciones como la Galería Saatchi (Londres) y Greenspace Miami (2025). Ha realizado múltiples residencias, incluyendo en el Bakehouse Art Complex de Miami, y es beneficiaria de la Beca para Artistas del Condado de Miami-Dade.
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Relay (AURA), 2025
Hair sculpture, installation
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Relevo (AURA), 2025
Escultura de cabello, instalación
Dimensiones variables
Cortesía del artista
ON VIEW AT RMA
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Portrait of a Noblewoman, 2024
Tintype photograph digital print on paper, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Retrato de una dama noble, 2024
Fotografía en ferrotipo 18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT RMA
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Gaia, Painter of Jamaican Descent, 2024
Tintype photograph digital print on paper, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Gaia, Pintora de ascendencia jamaiquina, 2024
Fotografía en ferrotipo 18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT RMA
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Portrait of a Noblewoman, 2024
Tintype photograph digital print on paper, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Retrato de una dama noble, 2024
Fotografía en ferrotipo 18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Suni, Artist of Black American Descent 2024
Tintype photography 4 x 5 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Suni, Artista de ascendencia afroamericana, 2024
Fotografía en ferrotipo 4 x 5 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
The
Hair sculpture
Dimensions variable Courtesy of the artist
La
Escultura de cabello
Dimensiones variables
Cortesía de la artista
ON VIEW AT UCF
Shayla Marshall (American, b. 1999)
First Lady, 2024
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Primera Dama, 2024
CHECKLIST LISTA DE OBRAS
ON VIEW AT ROLLINS MUSEUM OF ART EXPOSICIÓN EN ROLLINS
MUSEUM OF ART
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Target 2024
Stoneware, jute rope, metal, and golf club
36 x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Objetivo/blanco, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, metal y palo de golf
36 x 12 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Entanglement, 2024
Stoneware, jute rope, and jute sack
36 x 24 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Entrelazamiento, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute y saco de yute
36 x 24 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Adolescence 2024
Stoneware, jute rope
12 ½ x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Adolescencia, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute
12 ½ x 12 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Valiance, 2024
Stoneware, jute rope
12 ½ x 12 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Valentía, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute
12 ½ x 12 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Surface Tension 2023
Clay, glaze
20 x 18 x 14 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996)
Tensión superficial, 2023
Arcilla, esmalte
20 x 18 x 14 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Synesthetic Playground: Painting 3, 2025
House paint, plaster, oil maker, spray paint on canvas
60 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996)
Parque infantil sinestésico, 2025
Pintura de casas sobre lienzo
60 x 48 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Synesthetic Playground: Painting 2, 2025
House paint, plaster, oil maker, spray paint, on canvas
72 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996)
Parque infantil sinestésico, 2025
Pintura para paredes, yeso, máquina de aceite, pintura en aerosol, sobre lienzo 72 x 48 pulgadas
Cortesía del artista
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Mechanics of Chance, 2024
Personal workbench tabletop (plywood) 96 x 48 x 21 ½ in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Mecánica del azar, 2024
Tablero de banco de trabajo personal (contrachapado)
96 x 48 x 21 ½ pulgadas
Cortesía del artista
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Feed the Sculpture 2025
Mudflap hanger, found polaroids, tape, hitch ring with screw eye, toy dinosaur, beer bottle caps, nails, tree stump, personal bandana, son’s pacifier, rubber dock bumper, dolly
51 ½ x 42 x 21 in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Alimenta la escultura, 2025
Soporte para guardabarros, fotos Polaroid encontradas, cinta adhesiva, anilla de enganche con ojal, dinosaurio de juguete, chapas de botellas de cerveza, clavos, tocón de árbol, pañuelo personal, chupete de mi hijo, tope de goma para muelle, carretilla
51 ½ x 42 x 21 pulgadas
Cortesía del artista
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Relay (AURA) 2025
Hair sculpture, installation
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Relevo (AURA), 2025
Escultura de cabello, instalación
Dimensiones variables
Cortesía del artista
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Portrait of a Noblewoman, 2024 Tintype photograph digital print on paper, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Retrato de una dama noble, 2024 Fotografía en ferrotipo
18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Gaia, Painter of Jamaican Descent 2024 Tintype photograph digital print on paper, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Gaia, Pintora de ascendencia jamaiquina, 2024 Fotografía en ferrotipo
18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
‘Sankofa’ II (Going into the past to reclaim) 2025 330 found construct and mining gloves
78 x 24 and 75 x 25 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
‘Sankofa’ II (Volviendo al pasado para reclamarlo) 2025 330 guantes encontrados para construcción y minería
78 x 24 y 75 x 25 pulgadas
Cortesía del artista
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994) Tool Boxes of Memory 2024
Found construction wood, tools, and materials
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
Cajas de herramientas del recuerdo, 2024 Madera de construcción, herramientas y materiales encontrados
Dimensiones variables
Cortesía del artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Mantas en la Capital 2023
Video action-based work
4:30 mins.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986) Mantas en la Capital 2023
Obra basada en la acción en vídeo
4:30 minutos
Cortesía de la artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986) Retablos, 2024
Wood boxes, reclaimed materials, and video displays
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986) Retablos, 2024
Cajas de madera, materiales recuperados y proyecciones de vídeo
Dimensiones variables
Cortesía de la artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Punku (with Painting) 2025
Reclaimed wood door and metal gate, painting with acrylic paint on reclaimed wood
96 x 84 x 60 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Punku (con Pintura), 2025
Puerta de madera recuperada y verja metálica, pintadas con pintura acrílica sobre madera recuperada
96 x 84 x 60 pulgadas
Cortesía de la artista
ON VIEW AT THE UCF ART GALLERY EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA DE ARTE DE UCF
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Adwuma Den (Hard Work), 2024 Stoneware, jute rope, metal 72 x 18 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Adwuma Den (Trabajo duro), 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, metal 72 x 18 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986) Inherited Hindrance, 2024
Stoneware, jute rope, glass 36 x 24 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986) Obstáculo heredado, 2024
Cerámica de gres, cuerda de yute, vidrio 36 x 24 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Kofi Kramo 1, 2024 Stoneware, metal, jute rope 36 x 18 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986)
Kofi Kramo 1, 2024 Cerámica de gres, metal, cuerda de yute 36 x 18 pulgadas
Cortesía del artista
Alex Awuku (Ghanaian, b. 1986)
Kofi Kramo 2 2024 Stoneware, metal, jute rope 36 x 18 in.
Courtesy of the artist
Alex Awuku (Ghanés, n. 1986) Kofi Kramo 2 2024 Cerámica de gres, metal, cuerda de yute 36 x 18 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Urban Body, 2025 Clay, glaze 65 x 56 x 38 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996) Cuerpo urbano, 2025 Arcilla, esmalte 65 x 56 x 38 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Synesthetic Playground: Painting 1 , 2025 House paint, plaster, oil maker, spray paint on canvas 72 x 48 in.
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996)
Serie Parques Sinestésicos, 2025 Pintura para paredes, yeso, máquina de aceite, pintura en aerosol
72 x 48 pulgadas
Cortesía del artista
Michael Cannata (American, b. 1996)
Clay Painting: an Archive of the Kiln Yard 2024 Clay, glaze, steel rod, 14 x 11 x 8 inches
Courtesy of the artist
Michael Cannata (Estadounidense, n. 1996)
Pintura en arcilla: un archivo del patio de hornos, 2024 Arcilla, esmalte, varilla de acero
14 x 11 x 8 pulgadas
Cortesía del artista
Cruz Castillo (American, b. 1992)
Debtors Prison 2024
Four-year collection of student loan bills, rubber bands 8 x 17 x 12 ½ in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Prisión de Deudores 2024
Colección de cuatro años de facturas de préstamos estudiantiles y gomas elásticas
8 x 17 x 12 ½ pulgadas
Cortesía del artista
Cruz Castillo (American, b. 1992) Dead Labor (dollar rubbing) 2022
Found one dollar bill and wall rubbing 24 x 24 x 12 in.
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992)
Trabajo muerto (Frotado del dólar), 2022 Billete de un dólar encontrado 24 x 24 x 12 pulgadas
Cruz Castillo (American, b. 1992)
A Series of Impressions, 2022
Cement, I-Beam, rim, ratchet strap, Modelo can, plexi w/ image, wood, hardware 50 x 28 x 28 in.
Courtesy of the artist
Cruz Castillo (Estadounidense, n. 1992) Una serie de impresiones 2022
Cemento, viga en I, borde, correa de trinquete, lata de cerveza Modelo, plexiglás con imagen, madera, herrajes
50 x 28 x 28 pulgadas
Cortesía del artista
Shayla Marshall (American, b. 1999) The First Lady, 2024 Hair sculpture
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999) La Primera Dama 2024
Escultura de cabello
Dimensiones variables Cortesía de la artista
Shayla Marshall (American, b. 1999) Portrait of a Noblewoman 2024 Tintype photography digital print on paper, hair, frame 18 x 24 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999) Retrato de una dama noble, 2024
Fotografía en ferrotipo 18 x 24 pulgadas
Cortesía de la artista
Shayla Marshall (American, b. 1999)
Suni, Artist of Black American Descent 2024
Tintype photography
4 x 5 in.
Courtesy of the artist
Shayla Marshall (Estadounidense, n. 1999)
Suni, Artista de ascendencia afroamericana, 2024
Fotografía en ferrotipo
4 x 5 pulgadas
Cortesía de la artista
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
Memory Excavation: Tracing and Uncovering Labor + Resilience Echoes, 2025
12 wooden pallets, found construction objects, and video
120 x 132 x 192 in., video 2 mins. 30 secs.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
Excavación de la memoria: Rastreo y descubrimiento del trabajo + Ecos de resiliencia 2025
12 palés de madera, objetos de construcción encontrados y vídeo
120 x 132 x 192 pulgadas, video 2 min 30 s
Cortesía del artista
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
Remnant Rumination II 2024
Discarded found objects from construction site
44 x 32 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994) Reflexión Remanente II 2024
Objetos encontrados y desechados en una obra de construcción.
44 x 32 pulgadas
Cortesía del artista
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanaian, b. 1994)
‘Sankofa’ (Going into the past to reclaim), 2024 48 decommissioned construction gloves 45.5 x 27.5 in.
Courtesy of the artist
Ebenezer Nketsiah Mensah (Ghanés, n. 1994)
‘Sankofa’ (Volviendo al pasado para reclamarlo) 2024
48 guantes de construcción fuera de servicio 45.5 x 27.5 pulgadas
Cortesía del artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Q.E.P.D., 2024
Welded rebar, wall paint, flowers 72 x 96 x 72 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986)
Q.E.P.D., 2024
Varillas soldadas, pintura de pared, flores 72 x 96 x 72 pulgadas
Cortesía de la artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986) Sinpay “Trenzar” , 2023 Rope, wool ribbons, video screens
Dimensions variable
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986) Sinpay “Trenzar” , 2023
Cuerda, cintas de lana, pantallas de vídeo
Dimensiones variables
Cortesía de la artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986)
Niñas de Madera , 2023
Oil and stain on wood 16 x 12 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986) Niñas de Madera , 2023 Óleo y tinte en madera 16 x 12 pulgadas
Cortesía de la artista
Lucía Morales (Peruvian, b. 1986) Mamá de Madera, 2024 Oil and stain on wood 16 x 12 in.
Courtesy of the artist
Lucía Morales (Peruana, n. 1986) Mamá de Madera, 2024 Óleo y tinte en madera 16 x 12 pulgadas
Cortesía de la artista
Virtual Events / Eventos Virtuales
PATHWAYS ARTIST PANEL / PANEL DE ARTISTAS
June 23 / 23 de junio / 6pm
Alex Awuku / Michael Cannata / Cruz Castillo / Shayla Marshall / Ebenezer Nketsiah Mensah / Lucía Morales
In Person Events / Eventos Presenciales
EXHIBITION TOUR @ UCF ART GALLERY / RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN @ GALERÍA DE ARTE DE UCF
August 25 / 25 de agosto / 11 am
Dr. Gisela Carbonell, Curator, Rollins Museum of Art
Dra. Gisela Carbonell, Curadora, Rollins Museum of Art
Shannon Lindsey, M.F.A., Associate Lecturer and UCF Art Gallery Director
Shannon Lindsey, M.F.A., Profesora asociada y directora de la Galería de Arte de UCF
EXHIBITION TOUR @ ROLLINS MUSEUM OF ART /
August 27 / 27 de agosto / 6pm
Dr. Gisela Carbonell, Curator, Rollins Museum of Art
Dra. Gisela Carbonell, Curadora, Rollins Museum of Art
Shannon Lindsey, M.F.A., Associate Lecturer and UCF Art Gallery Director
Shannon Lindsey, M.F.A., Profesora asociada y directora de la Galería de Arte de UCF
