Super 8
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Editorial
En este número de Super 8 nos enfocaremos por completo en mostrar las diversas variantes del papel de la madre en el cine. Desde las amorosas madres presentadas por genios como Yasujiro Ozu, hasta aquellas que incluso podrían considerarse despiadadas, como la estructurada por Lee Daniels, porque después de todo, sin importar cuál sea el rol que desempeñen en la sociedad o el mote que ésta haya decidido darles, al final no dejan de ser simplemente personas.
Super 8
Número 10 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984 Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco Diseño Web: Evelin Montiel México Distrito Federal 1 de mayo de 2013
Contenido En portada: Striptease
El cine también se escucha: Philip Glass
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Del papel a la pantalla: Psicosis
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Tesoros fílmicos: El bebé de Rose Mary
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La mente maestra: Roman Polanski
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Maestros del terror: La mano que mece la cuna
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El remake: El aro
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Había una vez: El hijo único
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Top Five: Las mamás peculiares del cine
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Cartelera
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El cine también se escucha
PHILIP GLAS EL MÚSICO MINIMALISTA Por Azucena Mecalco
Dentro del mundo de las bandas sonoras existen todo tipo de estilos. Desde los complejos y abrumadores que utilizan los genios como Nobuo Uematsu, hasta aquellos que se valen de la sencillez para ambientar las cintas sin entrar en complicaciones. A estos últimos pertenece el
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compositor estadounidense Philip Glass, quien gracias a sus trabajos se ha hecho conocer como el más prominente músico minimalista, a lado de Steve Reich, Terry Riley o John Adams. El estilo musical de Glass se define por el uso y repetición de pequeños distintivos rítmi-
cos y armonías tradicionales. Glass comenzó su carrera musical cuando apenas era un niño, su primer instrumento fue el violín cuando tenía seis años de edad. Dos años más tarde inicio sus cursos de flauta. Luego de una vida de trabajos de media jornada, para costear sus
SS estudios en la Universidad de Chicago, se trasladó a Nueva York, en donde se incorporó a la Juilliard School, un conservatorio privado dedicado a impartir clases de danza, drama y música. Fue ahí en donde su carrera se enfocó casi por completo en el piano.
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del público y claro, reconocimiento internacional. Éste fue el primer trabajo de una importante trilogía de óperas biográficas. Le siguieron Satygraha (1980), basada en las luchas de Gandhi en Sudáfrica; y Akhnaten (1983) sobre el faraón egipcio que introdujo el monoteísmo en el siglo XIV antes de Cristo.
Aunque a la edad de 33 años Glass había trabajado y estudiado a lado de compositores como Vincent Persichetti o Darius Mihaud, su estilo todavía sin definir se alejaba de sus mentores optando por variantes musicales como las composiciones de Harry Partch o Virgil Thomson. A comienzos de los años 70, justo después de estudiar con Nadia Boulanger, figura legendaria de la composición francesa, conoció a la compañía de teatro experimental Mabou Mines, con quienes empezaría a trabajar como director y compositor. Un par de años más tarde sería contratado para realizar las transcripciones musicales de Ravi Shankar, el popular músico hindú, con lo que Glass agregaría a su estilo algunos toques de música de la India, interesándose además por las corrientes musicales africanas. Tras su regreso a Nueva York, inició la aplicación de los distintivos encontrados en este tipo de música para sus propios trabajos. Glass comenzó a componer para su grupo Philip Glass Ensemble, una agrupación que constaba de teclados, instrumentos de viento y voces amplificadas, y para algunas compañías teatrales, con lo que para 1976 contaba con una lista de producciones más que vasta. Ese mismo año compuso Einstein on the beach, ópera en cuatro actos para conjunto, coro y solistas, que se estrenó en el festival de Aviñón, en Francia. Con una duración de cinco horas, Einstein on the beach, le brindó al compositor un lugar en las preferencias
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En 1982 participó con el director de cine documental Godfrey Reggio, componiendo la música para el documental Koyaanisqatsi: Life Out of Balance, película en donde se mostraba el impacto que tiene la modernidad en el cambio climático y el medio ambiente. En 1985 compuso la música para la producción de Paul Schrader: Mishima: a life in four chapters, cinta que retrata las últimas horas del genio literario japonés, y hace recuento de sus obras. En esta película, la música, que por momentos puede parecer repetitiva, funciona de manera perfecta acoplándose a la tensión constante en cada escena. Después de un par de trabajos operísticos volvió al mundo del cine con Powwaqatsi: Life in Transformation, otro documental de Reggio, con el que continuaba la línea de Koyaanisqatsi: Life Out of Balance. A este trabajo se sumaron otras obras como: La colina de la hamburguesa (1987), La caída de la casa Usher (1988), Anima Mundi (1992), The voyage (1992), La Bella y la Bestia (1994), y El agente secreto (1996). Fue en 1997, que Philip Glass consiguió su primera nominación al Óscar por la banda sonora de la cinta Kundun de Martin Scorsese, filme basado en los trabajos del Dalái Lama con guión de Melissa Mathison. En la década de los noventa el estilo de Glass comenzaba a tomar una forma definida, nada comparado con sus primeros trabajos de los que muchos se quejaban al considerarlos superficiales. En 1998, el
compositor, que pese a las críticas de sus contemporáneos seguía adquiriendo fama y haciendo crecer la lista de sus composiciones, realizó la banda sonora para The Truman Show, en donde el actor Jim Carrey realizó una de sus mejores actuaciones. Ya en el nuevo siglo, Glass continuó su participación con Reggio, componiendo la música para la Naqoyqatsi (2002), último documental de su trilogía. También en 2002 compuso la banda sonora de Las horas, cinta de Stephen Daldry, con la que se obtuvo la nominación al Óscar por Mejor banda sonora y el premio BAFTA por Mejor música original. Después de este trabajo hizo las bandas sonoras de: El ilusionista (2006), de Neil Burger; Notes on a scandal (2006) de Richard Eyre; y Cassandra´s dream (2007), de Woody Allen. Además compuso las ópera Kepler (2009). Este año se espera el estreno de El americano perfecto la última ópera que ha realizado.
DEL PAPEL a la pantalla
Por Azucena Mecalco
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Películas con el tema de “la madre” existen por kilos. Desde las ya clásicas como El día de las madres, con Marga López y Sara García hasta Para o mi mamá dispara, con Silvester Stallone y Estelle Getty, se han caracterizado por mostrar “el amor maternal” en su máximo esplendor. Sin embargo, dentro de esta misma temática existen también las cintas oscuras que se enfocan en retratar la otra parte del vínculo madre-hijo. En esta categoría podríamos introducir: Precious (2009) de Lee Daniels, El cisne negro dirigida por Darreb Aronoffsky y por supuesto, Psicosis del
maestro del suspenso Alfred Hitchcock. Robert Albert Bloch fue un novelista de ciencia ficción, guionista y cuentista alumno del reconocido escritor H. P. Lovecraft, con quien mantenía correspondencia e intercambio de protagónicos en sus trabajos pese a no conocerse. Su afición por los cuentos de terror y por la revista Weird Tales lo condujo a escribir sus propios relatos, los cuales enviaría a la revista y serían tan bien aceptados que lo invitarían a formar parte del equipo de escritores frecuentes. Después de ello su carrera se expandió a la radio y al cine, en donde creo diversos guiones para series como Night Gallery y claro Alfred Hitchcock Presents. Fue precisamente allí donde empezaron sus colaboraciones con el celebre director. En
1959 Bloch presentó la que se convertiría en su obra más conocida: Phycho (Psicosis). Su novela se había inspirado en Ed Gein, el asesino serial de Wisconsin, personaje que ha dado origen a cintas como The Texas Chainsaw
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robarle 40 mil dólares a su jefe, con miras a conseguir la felicidad a lado de su amante, se ve obligada a hospedarse en el viejo hotel. Al verla Bates se siente irremediablemente atraído por ella, lo cual despierta los celos de la madre que no está dispuesta a permitir ninguna intromisión en el vínculo que ha creado con su hijo, por lo cual
Massacre de Tobe Hooper. La historia atrapó al director londinense quien decidió llevarla a la pantalla grande con un elenco de primera encabezado por Anthony Perkins como Norman Bates y Janet Leigh en el papel de Marion Crane. Después del éxito de Psicosis, Bloch escribió dos secuelas de ésta. Sin embargo la trama era tan absurda que no fueron siquiera consideradas para ser adaptadas. La historia de Psicosis es bastante perturbadora y muestra la forma en la que los vínculos se construyen y distorsionan de acuerdo con la percepción individual de cada persona. Esta cinta narra la historia de Norman Bates, dueño de un pequeño hotel en las afueras de la ciudad por el camino de la vieja autopista. Bates vive con su madre, una mujer enferma que se dedica a maltratar psicológicamente a su hijo a la primera oportunidad, lo cual le ha provocado al joven una serie de trastornos. Una noche lluviosa, la joven y hermosa Marion Crane, quien ha escapado de su ciudad tras
decide asesinarla. Desesperado, Norman se deshace del cuerpo. Pero no cuenta con que Marion ya es buscada por su familia, su amante y un investigador secreto contratado por su jefe para recuperar el dinero sin involucrar a la policía. La pre-producción de la película resultó bastante accidentada. Para empezar Paramount, que tenía contrato con el director se negaba a financiarla, debido a que la historia podía resultar agresiva e incluso “repugnante” para el espectador, por lo cual Hitchcock tuvo que recurrir a Shamley Productions y utilizar el equipo de producción de Alfred Hitchcock Presents. Aunque finalmente sí fue Paramount quien se encargó de la distribución, años más tarde decidió vender sus acciones a Shamley Productions. Pero una vez terminada la película los problemas no disminuyeron, pues los encargados de revisar el filme para garantizar que no fuera ofensivo creían que la escena de Leigh en la
ducha, una de las escenas más memorables del cine, se excedía y mostraba más de lo debido. Finalmente tras una serie de complicadas sesiones con los censores la cinta obtuvo permiso para ser estrenada. Y una vez que la película llegó a la pantalla su situación no mejoró, siendo considerada por algunos un filme de “bajo presupuesto”. Sin embargo, la película recibió cuatro nominaciones al Óscar, entre las que destacan Mejor director y Mejor actriz, además de una serie de premios en otros festivales internacionales. Esta es sin duda una de las cintas
más conocidas del director británico y una de las adaptaciones mejor realizadas del cine. Desde la adaptación hasta la promoción fueron cuidadosamente tratadas para obtener la que se ha convertido en una obra maestra de las cintas de suspenso y que ha marcado los cánones para producciones posteriores del mismo género que, sin embargo, no han podido superar la construcción elaborada por un genio como Hitchcock.
FICHA TÉCNICA Título: Psicosis Director: Alfred Hitchcock Guión: Joseph Stefano (basado en la novela de Albert Bloch) Música: Bernard Herrmann Elenco: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam Año: 1960
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Tesoros fílmicos
El bebé de Rose Por Evelin Montiel
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La mano huesuda mece la cuna. Todos miran cómo la mujer calma al niño que lloraba desconsoladamente. La cuna es negra y tiene un crucifijo invertido colgando sobre ella.
-¿¡Qué le hicieron a sus ojos!? -Tiene los ojos de su padre. -¡Guy no tiene esos ojos! -Es el hijo de Satanás.
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emary
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después de haber realizado una minuciosa investigación de la casa Bramford, intenta por todos los argumentos válidos persuadirlos de habitarla. Así, les va enumerando una a una todas las tragedias que ahí se han dado, además de los pintorescos habitantes que ha albergado: caníbales, brujos, satanistas, asesinos, etcétera. Sin embargo, la pareja hace caso omiso de las bienintencionadas advertencias y habita la terrible casa Bramford, donde como usted podrá imaginar, cientos de sucesos macabros empezarán a suceder, entre ellos el accidentado embarazo de Rosemary. Al estrenarse, la película, pronto obtendría los favores de la crítica cinematográfica, que aplaudió el trabajo realizado por Polanski y el de Mia Farrow, protagonista del filme. Y es que Polanski, que además escribió el guión de la película, no realizó ningún cambio sustancial a la novela, únicamente se fijó eliminar cualquier rastro de explicitud.
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in duda una inquietante historia es la que resulta de la adaptación del libro El bebé de Rosemary del escritor Ira Levin. Fue el director polaco Roman Polanski el encargado de llevar a la pantalla esta historia, que fue considerada una de las primeras cintas que tocaron el terror sobrenatural como algo subyacente en nuestro mundo cotidiano. La cinta narra la historia de un matrimonio joven, tierno y soñador: el de Rosemary y Guy Woodhouse, que por insistencia de la alegre y romántica esposa inician los tratos
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pertinentes a fin de hacerse con un departamento en la casa Bramford, inmueble al que ya han destinado como su nido de amor, donde ambicionan emprender la noble y sana tarea de tener hijos y encarnar a la familia feliz. Una vez cerrado el contrato de alquiler por dos años, entablan una curiosa conversación con un viejo amigo de Rosemary, Hutch, quien
Con esta decisión ampliaba los significados del relato, al tiempo que lo adaptaba a su propia ideología, pues como cuenta en su autobiografía: “Había un aspecto en El bebé de Rosemary que me preocupaba. El libro era una obra de misterio extraordinariamente bien construida y, en este sentido, yo lo admiraba. No obstante, siendo yo un agnóstico, ni creía en Satanás como encarnación del mal, ni creía en un dios personal; toda la idea estaba en conflicto con mi visión racional del mundo”. Polanski toma pues, la opción de no mostrar al bebé así como
la de omitir cualquier descripción de la criatura, salvo la de que tiene unos extraños ojos, los mismos que Rosemary ya ha visto antes, durante la escena de la posesión/pesadilla. Como sucede con casi todo el cine de Polanski, la trama se resuelve despacio, sin adentrar al espectador en un ambiente en suma dramático o de acción; sino que lo lleva lenta-
se vio enredada en una controversia, debido a la temática que guardaba relación con los crímenes del multi homicida Charles Manson, y fue entonces que el director se consideró sospechoso de practicar satanismo y ciencias ocultas. Un año después del estreno, el 9 de agosto de 1969, la actriz y esposa de Polanski , Sharon Tate, fue asesinada en su casa a manos de los seguidores de Charles Manson, mientras el cineasta estaba en la ciudad de Londres.
mente hasta alcanzar el clímax de la historia, que en este caso llegaría ya cerca del final de la cinta. Ya podía verse esta técnica narrativa en sus anteriores trabajos del mismo corte de suspenso-terror como El cuchillo en el agua (1962) y Repulsión (1965).
lywoodense, marcó el inicio de la “trilogía del cine diabólico”, que estuvo conformado además por El exorcista (1973) y La profecía (1976). Así, pronto El bebé de Rosemary se convertiría en una película de culto que marcaría un hito en la carrera de Polanski.
Este filme que también significó su primera incursión en el cine hol-
Sin embargo, a pesar del gran trabajo cinematográfico, la película
Este crimen es considerado como uno de los más sangrientos y macabros en la historia de Hollywood. En el momento de su muerte, Sharon Tate contaba con ocho meses de embarazo. Sin duda uno de los sucesos más trágicos en la vida de Polanski, pero que pronto provocaría el interés de muchos en sus trabajos fílmicos, principalmente en El bebé de Rosemary.
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La mente maestra
ROMAN P @AMAURY1984
Roman Polanski es raro. Imagine usted que al oír este nombre recuerda a aquel chico del salón al que todos los demás señalaban como el inadaptado. Un personaje lleno de misticismo entremezclado con el deseo inconmensurable de hacerlo pasar un mal rato. El afamado director francés, de raíces sionistas, fue al igual que millones de judíos, perseguido por el régimen nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Al terminar el conflicto bélico Polanski se encontraba en Polonia, ahí fue donde se adentró en la industria del cine. Por lo que decidió estudiar arte dramático. Su currículum se fue llenando rápidamente de cortometrajes que impresionaban por su guión y por la dirección de actores. Destacando con el corto titulado Rower presentado por un Roman de 21 años. Escaló rápidamente dentro de la industria. A los 26 estaba listo para presentar su primer largometraje titulado El cuchillo en el agua, que logró ser nominado a la premios Óscar de 1963, pocos meses antes de que se divorciara de su primer esposa la actriz Barbara Kwiatkowska-Lass una joven de 19 años que participó en varios de sus cortometrajes. El beneplácito de Hollywood por su
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trabajo replanteó los objetivos del joven Polanski. Rápidamente sus proyectos tomaron una vertiente inclinada hacia lo que el mercado anglosajón pedía. Por los que sus trabajos siguientes fueron rodados en el Reino Unido. El primero de ellos se trató de Repulsion de 1965. Una especia de thriller psicológico en el que la joven Carol tiene que convivir con su hermana y el esposo de ésta. La convivencia crea en la joven un repudio intolerable por el marido de su hermana y todo lo que
POLANSKI cintas la vivienda y los vecinos son los elementos que llevan a perder la cordura al personaje que dirige la narrativa. Un año después Roman Polanski presentó Cul-de-Sac una comedia negra que no tuvo gran éxito dentro del mercado al que iba dirigida. En 1967 The Fearless Vampire Killers le abrió por completo el camino a Hollywood. Esta parodia del cine de vampiros de la década de 1960 fue protagonizada por el mismo Polanski junto con su segunda esposa, Sharon Tate. Otro punto a destacar de la producción es que implicó un nuevo reto al director ya que fue su primer película filmada a color. La simple aparición de algo de piel ya implicaba una labor casi duplicada en fotografía e iluminación. este personaje hace, usa y significa. Ante la soledad, Carol no puede hacer otra cosa que dejarse llevar por su psicosis, llevándola a aislarse en el departamento compartido. A ojos de quien se dice estudioso del trabajo del director francés, Repulsion es la primera entrega de una trilogía en la que los departamentos son el vínculo que une las historias. La trilogía se forma con Repulsion, Rosemary’s Baby y Le Locatarie. Y en las tres
1968 es lo que Roman Polanski identifica como la mejor etapa de su vida, previo a su partida hacia Londres el director se casó con Sharon Tate. Y juntos partieron a Los Ángeles para iniciar la producción de Rosemary’s Baby. La intención de Polanski era que su nueva y flamante esposa estadounidense interpretara el rol principal en esta nueva empresa. Pero la productora, la Metro Goldwyn-Meyer, decidió
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que el papel de la joven esposa y futura madre fuera para Mia Farrow. Rosemary’s Baby es y seguirá siendo la película estandarte del director (mas no la mejor, ¡eh!), gracias al brutal éxito que tuvo en las taquillas a nivel mundial. Gracias también al siniestro año siguiente a la salida de esta película. Es 1969, la década está por terminar y con ella la vida de uno de los más importantes colaboradores de Roman Polanski, el compositor para varias de sus películas incluida la misteriosa Rosemary’s Baby, y amigo muy personal, Krzysztof Komeda, quien murió trágicamente al caer de un peñasco en una carretera de Los Ángeles. Ese mismo año el director parte al Reino Unido para iniciar la producción de The day of Dolphin, película que tuvo que ser cancelada por los sucesos del 9 de agosto de 1969. Era ya algo tarde en la mansión ubicada en el 10050 de Cielo Drive. La Señora Polanski tenía una pequeña reunión con algunos amigos, entre los que se encontraba su ex pareja sentimental, el estilista Jay Sebring. Alguien llamó a la puerta por lo que el amigo de Sharon, Steven Parent, abrió. Súbitamente tres mujeres y un hombre irrumpieron en la mansión matando con un arma de fuego a Parent y amenazando al resto en el interior. Se sabe que todos en el la casa fueron asesinaron a puñaladas. Se sabe también que ninguno de ellos murió al instante y que Sharon Tate, embarazada de ocho meses, fue apuñalada 16 veces y colgada junto con Jay Sebring. Como epílogo de este acto escribieron con la sangre de los muertos “PIG” en la puerta de la residencia.
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El porqué de este evento es aún un montón de hipótesis. Charles Manson, cabeza de el grupo “La familia”, que él mismo formó nunca dio explicación alguna. Pero siendo una historia bastante morbosa a la gente le suele gustar el modus operandi más oscuro. Ese que involucra la develación de secretos del satanismo por parte de Polanski. El hecho marcó al director para siempre y trajo un periodo de inactividad y de cierta mediocridad a su biografía. No tocó un solo proyecto hasta 1971, año en que dirigió una versión de Macbeth bastante gris. Fue hasta 1974 que el director tomó un proyecto importante con Chinatown. Esta película lo acercó a Jack Nicholson con quien inició otro proyecto casi de forma
independiente. Pirates pasó a ser un importante proyecto en el que Polanski invirtió talento y dinero propio a una producción desechable. En 1976, gracias a las carteras de las productoras francesas, el director llevó a las pantallas la culminación de la trilogía de los departamentos, Le Locatarie. Ante el éxito de su antecesora Le Locatarie creó muchas expectativas cuando fue presentada el en festival de Cannes. Y a pesar del rotundo fracaso que tuvo en su p re s e n t a c i ó n , esta película representa todo lo mejor del estilo de Roman Polanski trabajando el género que lo llevo a la fama, con las tomas sofocantes en las que podemos conocer al personaje íntimamente y ver cómo el espacio cerrado en el que se encuentra destruye su endeble psique.
Otra época oscura llegó a la vida del director a su regreso a los E.U.A. en 1977. Lo que parecía una simple sesión fotográfica para la revista Vogue, terminó en el abuso sexual de la joven de 13 años Samantha Gailey. Según reportó la autoridad el director drogó a la joven y abusó de ella en la casa de Jack Nicholson. Polanski se declaró culpable tras un arreglo con el fiscal que le permitió seguir con sus proyectos... y huir despavorido a Francia de donde no ha podido ser extraditado hasta la fecha. El periodo que sigue al exilio del director en Europa es probablemente el más oscuro de su carrera. Etapa que se extiende hasta el 2002, año en el que trajo a las pantallas la adaptación de las memorias de Władysław Szpilman, un pianista judío que sobrevive a la Segunda Guerra Mundial gracias al apoyo de un oficial alemán. El pianista es el regreso de Polanski a Hollywood. La película le hizo ganador del Óscar a Mejor dirección entre otros premios. La ironía en todo su esplendor. Como premio de consolación gracias a El Pianista pudo formar parte del gran jurado del festival de Cannes. Siendo sincero, no creo que El Pianista fuera digna de lo que recibió. Creo que fue premiada por un Hollywood controlado por el señor Spielberg y por un Cannes sometido ante lo políticamente correcto de venerar a los supervivientes del oscuro proyecto nazi. Si de verdad quiere acercarse al legado de Roman Polanski al cine mundial revise a conciencia la trilogía del departamento.
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Maestros del terror
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MANO QUE ME DOMINA AL
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asta dónde sería capaz de llegar una mujer por recuperar todo aquello que amó tanto y que la vida le arrebató? ¿Cuánto podría hacer una madre por defender lo que es suyo? Curtis Hanson nos adentra en el thriller psicológico en el que se enfrentan dos mujeres, cuyas vidas se entrelazan tras una serie de eventos, para tejer una de las historias más recordadas del cine.
El filme La mano que mece la cuna, estrenado en 1992, narra la historia de Peyton Flandes (Rebecca de Mornay), esposa de un reconocido ginecólogo, que luego de un escándalo de acoso sexual hacia sus pacientes, se hunde en la ruina y en una gran depresión, lo que lo lleva al suicidio. Peyton se ve envuelta en el escándalo, y tras la muerte de su esposo entra en una crisis que le provoca la pérdida de su bebé. Mientras convalece en el hospital, mira en el noticiario el rostro de Claire Bartel, la primera mujer que se atrevió a levantar la denuncia en contra de su esposo, así es como comienza a fraguar su venganza. Tras conseguir introducirse como niñera en la familia Bartel, pone en marcha un terrible plan que amenazará con destruir la vida de Claire. Con un guión de Amanda Silver, la cinta fue todo un éxito entre el público, pues se presentó en el momento en que el thriller cobraba gran fuerza en la industria cinematográfica.
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Aunque en momentos podría parecer una trama un poco previsible, ya que desde los primeros 15 minutos sabemos quién será el villano de la cinta y las razones que impulsan sus siniestros planes, ha de destacarse que las escenas y el ritmo de las secuencias hace que permanezcamos pegados en el asiento durante los 110 minutos del metraje. La mano que mece la cuna no es para nada una obra de arte; sin embargo logra su propósito: mantener en suspenso al espectador durante toda la cinta. El filme ha de ser reconocido por otras cuestiones, entre ellas la gran interpretación de Rebecca de Mornay, lo que le valió colarse en la lista de los villanos más recordados del cine hollywoodense.
Por otra parte, también la interpretación de Anabella Sciorra, en el papel de Claire Bartel, fue sorprendente; cómo olvidar la escena donde descubre a su amiga muerta en el invernadero y sufre un ataque de asma, sin duda una de las mejores escenas de la cinta. Por último, el filme también marcó los inicios de la carrera de la entonces desconocida Julianne Moore. En su totalidad, es una cinta recomendable que pertenece ya a la lista de los thriller clásicos del cine estadounidense.
El remake
Por Evelin Montiel
El
Aro ¿supera la versión japonesa?
Son muchos los atributos que se le conceden al cine oriental, pero es innegable que uno de ellos es su magistral manera de hacer cine de terror. Ya sea de origen japonés o coreano, el cine de corte macabro logró hacerse de cientos de seguidores en la tierra del sol naciente. En tierras occidentales, este cine se consideraba de arte y en muchas ocasiones lejos del alcance de muchos. Sin embargo, una cinta sería pieza clave para que el terror oriental llegara a las pantallas hollywoodenses.
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La cinta fue Ringu, se estrenó en Japón en 1998 y marcó la llegada de la nueva ola de cine de terror japonés. El título corresponde al mismo de la novela de Kôji Suzuki, en la cual se basó la cinta y cuyo éxito desembocó en la idea de realizar una adaptación cinematográfica. Así, el guión quedó a cargo de nada menos que de Hiroshi Takahashi -quien ya nos había sorprendido con trabajos como Hebi No Michi, See Rank y Joyû-rei-, mientras que la dirección corrió a cargo de Hideo Nakata. Esta dupla, con tan solo 1.2 millones de dólares inició la producción y al terminar, le regaló al público una de las mejores obras
maestras del cine de terror japonés. Ringu narraba la historia de una cinta maldita, todo aquél que se atrevía a verla, correría un fatal destino luego de siete días. Así sin más, el filme japonés se convertiría en uno de los más taquilleros de la época y se haría acreedor a varios premios en festivales de cine internacional entre los que destacaron el de mejor película y mejores efectos visuales. Entonces no debe sorprendernos que las productoras americanas fijaran la vista en esta escalofriante cinta y que decidieran realizar su propia adaptación. El ejecutivo de
DreamWorks, Mark Sourian, fue el primero del estudio que vio la película. Enseguida llamó a los copresidentes de la compañía: Walter F. Parkes y Laurie Mac Donald, para hablarles de la cinta “más terrorífica de la historia”, así que pronto los ejecutivos se aventuraron a ver el filme e inmediatamente decidieron que tenían que hacer su propia versión al estilo americano. Pronto el equipo de producción empezó a reunirse y los productores pensaron rápidamente en Gore Verbinski, que había hecho su debut como realizador con la comedia de DreamWorks Un ratoncito duro de roer, para dirigir el filme.
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Al ver la cinta quedó encantado con la imagen tan enigmática que se trabajaba y el suspenso y la adrenalina que corrían en cada secuencia, sobre todo en los últimos minutos de la película, entonces no tardó en aceptar el proyecto. En cuanto al reparto, eligieron a la actriz australiana Naomi Watts, quien había sido lanzada a la fama en el 2001 con la película de David Lynch: Mulholland Drive. Watts sería la protagonista de la cinta, en la cual encarnaría el papel de Rachel Keller, una sagaz periodista cuya curiosidad le conduce a una desesperada carrera contra reloj para vencer la letal maldición que parece cobrar más fuerza cada vez que una persona ve la extraña cinta de VHS. Y es que este extraño video comienza a ser protagonista de una serie de muertes, donde cada una de las víctimas recibe una llamada en la que se les dice que tienen siete días para morir. Rachel comprueba que ese video causó la muerte de su sobrina Katie (interpretada por Amber Tamblyn) y llevó a la locura a su mejor amiga, Becca (interpretada por Rachael Bella). Rachel decide entonces ver el video que contiene una serie de imágenes perturbadoras y sin sentido, luego de ello recibe la terrible llamada. Sin embargo, el miedo y la desesperación no se apoderan de ella hasta el momento en que su hijo Noah, impulsado por un extraño ser, decide ver la cinta, convirtiéndose así en otra posible víctima mortal. Así esta madre, en su intento por salvar a su hijo, emprende una rigurosa búsqueda para desentrañar el misterio que encierra la terrible maldición. El Aro tenía que cumplir dos funciones: debía ofrecer la clave sobre su origen y debía hacer que se entendiera por qué había
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sido creada. Así es como llega Samara a la historia, una pequeña adoptada por una buena familia, que a raíz de la llegada de la niña, empieza a padecer la desgracia. Rachel descubre que esta niña que aparece en sus pesadillas y en el VHS, fue asesinada por su madre quien la arrojó a un profundo pozo que luego selló para acallar su culpa. El ambiente frío, en escala de grises, ayuda en gran manera a crear el ambiente tétrico de las escenas y conforme avanza el filme parece que los colores van enfriándose cada vez más hasta llegar a algo casi brumoso que, combinado con el ritmo de tensión en las secuencias al momento de descubrir el misterio de la maldición, deja al espectador una sensación de terror indescriptible. Sin embargo a la escena a la que queremos llegar es la parte final, en la que se ve el cuerpo de Samara salir de la televisión; la escena sin duda es una de las más representativas de la cinta y de las más retomadas en el cine americano ya sea para parodia, o
como ícono de la nueva era del cine de terror. Aquí habré de añadir que en la versión original, la actriz que representó este papel, también se llevó las palmas y en esta escena en particular se utilizó una técnica en la que la actriz tuvo que caminar hacia atrás y posteriormente, en posproducción se reprodujo en sentido inverso para darle el extraño y macabro movimiento a “Sadako”. Este efecto contrasta visiblemente con la aplicación de efectos visuales computarizados en la versión americana que de alguna manera, le restaron el efecto impactante y siniestro de la cinta japonesa. Al final, El Aro logró recaudar cerca de 130 millones de dólares, lo que dio lugar a una secuela, aunque menos exitosa que ésta, en 2005. Si bien no nos encontramos ante un filme que le haya hecho justicia a la obra cinematográfica japonesa, es de resaltar que El Aro abrió la brecha entre el cine oriental y el occidental, disparando la ola de los remakes japoneses como El ojo y La maldición.
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HABÍA UNA VEZ
EL HIJO ÚNICO Por Azucena Mecalco
En un pequeño pueblo en la zona rural de Japón vive Tsune, una joven viuda que se dedica a trabajar para mantenerse a sí misma y a Ryosuke,
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su único hijo, un pequeño inteligente y despierto cuya aspiración es estudiar para convertirse en un hombre exitoso. Ryosuke está por ter-
minar la escuela elemental y añora más que cualquier otra cosa ingresar a la secundaria. Mas las precarias condiciones de vida que llevan él y su ma-
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Top five
Las mamás más peculiares del cine Por Evelin Montiel
Erin Grant-Striptease Este es el número uno de este top y ustedes se preguntarán por qué Demi Moore encabeza esta lista existiendo, sin duda, otras actrices que bien podrían ocupar su lugar. La respuesta es sencilla: hablamos de Demi Moore en su debut como bailarina exótica y donde interpreta además a una madre que es rechazada por la sociedad debido al trabajo que realiza. Una situación a la que miles de mujeres se enfrentan hoy en día y que aún no pueden quitarse el estigma de ser vistas como objetos y “prostitutas” por ganarse la vida bailando alrededor de un tubo. Pues sí, Erin es una mujer que tras su divorcio, pierde la custodia de su hija por lo que busca ayuda jurídica para recuperar a su pequeña. Sin embargo, el litigio es muy costoso y luego de la pérdida de su empleo, se ve orillada a buscar uno nuevo que le ayude lo suficiente para solventar los gastos necesarios. Y adivinen a dónde va a parar… ¡así es! a un club nocturno donde su hermoso cuerpo y sus sensuales movimientos pronto la colocan como la sensación del lugar, atrayendo a grandes personalidades de la política, entre ellos un congresista norteamericano. La película es mala, mala como ella sola, incluso recibió cuatro premios Razzie donde se incluía: Peor actriz, Peor película, Peor guión y Peor realizador. Así es, nadie se salvó aunque dudo que a Demi le haya importado tanto luego de los 12 millones de dólares que cobró por
el papel, entonces cifra récord para una estrella femenina.
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Sarah Connor – Terminator Si hay una mamá ruda y que lo puede todo, hasta combatir contra poderosas inteligencias artificiales del futuro para defender lo que más ama, esa es sin duda la gran Sarah Connor, protagonista de la cinta Terminator. Interpretada por Linda Hamilton, Sarah es una joven camarera con una vida normal, hasta que conoce a un hombre llamado Kyle Reese, proveniente del futuro, que le cuenta la historia de cómo Skynet, una inteligencia artificial, se apoderará de la tierra sumiéndola en un oscuro abismo donde la lucha entre el hombre y la máquina es constante. Por supuesto Sarah cede ante los encantos de este enigmático hombre y se ve obligada a emprender una cruzada para escapar de El exterminador, una máquina destructora que fue enviada para destruir a Sarah y evitar el nacimiento de John Connor, el único hombre que representa un peligro para Skynet en el futuro. Al inicio de esta saga, pareciera que Linda interpreta a una damisela en peligro. Pero en la segunda entrega ya es una mujer madura y madre de un hijo adolescente, al que tuvo que dejar por estar recluida en un hospital psiquiátrico debido a las historias que narraba sobre el holocausto provocado por las máquinas. Ahora vemos a una Sarah más fría, más dura, más fuerte, pero sobre todo a una madre que hará lo que sea por proteger a su hijo y por estar con él. Sí, toda una patea traseros de Terminators, a la que nada ni nadie asustará en esta guerra en contra de Skynet.
Beatrix-Kiddo-Kill Bill No imagino a Beatrix/ Mamba Negra interpretada por otra mujer que no sea Uma Thurman. Simplemente Uma le dio el encanto al personaje, ella puso en equilibrio la venganza, el odio, la belleza, la destreza y la fuerza contenidas en una sola mujer que sólo desea matar a Bill, el hombre que la mandó a asesinar el día de su boda y el culpable de que perdiera a su bebé. Esta antiheroina recorre el mundo en busca de aquellos que le hicieron tanto mal con la única idea de exterminarlos uno a uno. La historia de Quentin Tarantino, narrada a manera de capítulos de un cómic, fue dividida en dos “volúmenes” (cintas), y no es hasta esta segunda parte, cuando Beatrix descubre que la niña que creyó perdida y que se ha dedicado a vengar, está viva y en posesión de Bill. Así que no descansará hasta ver muerto al hombre que le arrebató todo y no dudará eliminar a sangre fría al que se interponga en su camino y su nuevo objetivo: recuperar a su hija.
Bree-Transamérica Dicen que educar y cuidar a un hijo es la cosa más difícil del mundo, pero lo más satisfactorio para una madre. Ahora ¿qué tan difícil será para un hombre que ha asumido la naturaleza transexual? Ese es el dilema por el que atraviesa Felicity Hoffman quien interpreta a un hombre que decide feminizar su cuerpo a través de cirugías estéticas y así disfrutar de su vida plena como mujer. Sin embargo, al momento en que está a punto de realizarse la vaginoplastía, una llamada altera sus planes. Resulta ser que él tiene un hijo de 17 años al cual desconocía, y del que ahora debe hacerse cargo luego de que su madre se suicidara y su padrastro abusara sexualmente de él. Inmerso además en las drogas y la prostitución, el chico, al ver a Bree recibe la primera impresión de que es una misionera proveniente de una iglesia y acepta irse con ella. Durante el viaje, en el que Bree tiene la intensión de dejarlo con algunos parientes, el joven descubre que su salvadora tiene un pene, y aunque no reacciona mal, es algo que lo desconcierta. Al termino de su viaje, Bree llega con sus padres y hermanos y les cuenta la historia de su hijo, es ahí donde el joven se entera de que su padre está vivo y se ha convertido en una mujer, lo que ocasiona que huya de la casa. Bree regresa a su hogar para practicarse la cirugía, y luego de unas semanas su hijo regresa para aceptar a su nueva madre tal como es. Sí, una bella historia con final feliz, pero bien valdría la pena ver las grandes interpretaciones en esta cinta y todas las vicisitudes a las que se enfrentan los personajes para adentrarnos un poco más a este mundo transexual y sus dramas cotidianos poco explorados por el cine.
Manuela- Todo sobre mi madre Aquí la historia dramática y de sufrimiento de una madre abnegada que sólo Pedro Almodóvar podría plasmar en pantalla con tal belleza. Todo sobre mi madre es protagonizada por Cecila Roth quien interpreta a Manuela, una mujer que se ha dedicado toda su vida al cuidado de su hijo Esteban. Un día, en el cumpleaños de Manuela, su hijo decide llevarla al teatro. Al finalizar la obra, corre tras de la actriz protagónica para conseguir su autógrafo pero inesperadamente es arrollado por un auto, perdiendo la vida inmediatamente. Manuela, devastada, viaja a Barcelona en busca del padre de Esteban para contarle la noticia; resulta que, al igual que nuestra enlistada anterior, el padre es un transexual que no sabía de la existencia de Esteban. Durante el viaje, Manuela se encuentra con una serie de personajes que entrelazan sus vida y que finalmente le regresan la alegría de la vida, y la virtud de ser madre. Todo un drama que hará que suelte una que otra lágrima y si usted es más sensible, definitivamente se pasará llorando la mitad de la película, pero ha de arriesgarse y acercarse los pañuelos desechables porque esta cinta forma parte de la filmografía imperdible de Almodóvar.
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LA CARTELERA
Por Azucena Mecalco
El romance y la culpa (Koi no tsumi 2011) Del magnífico director de Ekusute (2007), Shion Sono, se presenta en la Cineteca Nacional El romance y la culpa, como parte de la 53 Muestra Internacional de Cine. La película narra la delirante historia de Izumi Kikuchi y su encuentro con Mitsuko Ozawa, que la conducirá por los más oscuros caminos de la degeneración humana mientras busca realizar su propio sueño frustrado. A través de una serie de cinco capítulos, la cinta, que cuenta con una narrativa impresionante y una construcción argumental que utiliza los diálogos como base de contexto y ambiente, retrata un Japón, que al igual que la sociedad entera, se consume entre los clichés, estereotipos, la represión, la doble moral y la sexualidad oculta. Dirección: Shion Sono País: Japón Con: Megumi Kagurazaka y Makoto Togashi
Topo (Himizu 2011) Dentro de la cartelera de la 53 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional se encuentra también Himizu de Shion Sono. Quizá con un estilo un poco diferente al que acostumbraba a usar en cintas como Ekusute, Sono cuenta en este filme la historia de un preparatoriano que no busca otra cosa que la tranquilidad. Sin embargo, las circunstancias lo obligan a alejarse de su deseo real para transformarse en un obsesivo que se olvida de qué es realmente lo que está buscando. Dirección: Shion Sono País: Japón Con: Shota Sometani y Fumi Nikaido
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La bicicleta verde (Wadja, 2012) También dentro de las exhibiciones de la Cineteca Nacional, pero esta vez dentro del 33 Foro Internacional de la Cineteca, se presenta La bicicleta verde, una coproducción de Alemania-Arabia Saudita, con la dirección de Haifaa AlMansour. Esta cinta clasificación A, narra la historia de Wadjda una pequeña de diez años que se debate sin saberlo entre los prejuicios de su tierra natal y sus propias percepciones de la vida. Un día ve una bonita bicicleta con la que se obsesiona puesto que su deseo es ganarle en una competencia a su amiguito de juegos. Sin embargo, en el contexto en el que se desenvuelve no es bien visto que una chica monte en bici. Dirección: Haifaa Al-Mansour País: Alemania-Arabia Saudita Con: Waad Mohammed y Reem Abdullah
El holandés errante (Der fliegende Holländer, 2010) Como parte de los festejos del bicentenario del natalicio de Richard Wagner, se presenta en la Cineteca Nacional, con cooperación del Instituto Goethe, El Holandés errante. Del 3 al 10 de mayo estará presente en las exhibiciones al aire libre del Foro Gabriel Figueroa, junto con otra serie de óperas del compositor entre las que destacan: Parsifal y Tristán e Isolda. Este es un ciclo que no se puede perder si es seguidor de la música del compositor alemán, y si no lo conoce es una excelente oportunidad para acercarse a su magistral trabajo. Dirección: Harry Kupfer País: Alemania Escenificación: Deutsche Oper Berlín
La delicadeza (La délicatesse, 2011) Audrey Tautou, excelente actriz recordada por su participación en cintas como Amelie o Coco antes de Chanel, regresa a la pantalla grande con la obra de David Foenkinos, Super 8 basada 29 en la novela homónima del director. La película narra la historia de Nathalie, quien después de poseer la vida perfecta ve trastornada su felicidad con la muerte de su joven marido. Mas, pronto se ve envuelta sin saber cómo en una serie de eventos que desencadenan una nueve aventura amorosa inesperada, por lo cual se ve obligada a escapar de los prejuicios que ésta entraña en su entorno. Dirección: David Foenkinos y Stéphane Foenkinos País: Francia Con: Audrey Tautou y François Damiens
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