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nº 50 ESPECIAL

¡ NOTICIAS, ENTREVISTAS, REFLEXIONES Y MUUUCHA MÚSICA! Nº 50. SEPTIEMBRE 2026

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

¡OCTUBRE A El año debería empezar en septiembre, y nada me hará cambiar de opinión. Es cierto que no deja de ser una visión capitalista de la vida, ya que este mes es el de la reactivación laboral y uno está rendido al sistema hasta el punto de asumir como válido que el año empiece cuando uno vuelve a su silla de oficina para producir. Agosto es, en estos términos, un mes nulo, y esos días relativamente festivos entre finales de diciembre y principios de enero no son nada más que una pausa, siempre que tu curro pueda permitirte algo así. Pero, amigas, ¡abajo el trabajo! ¡A mí que me den nuevas canciones y nuevos conciertos en salas! y es que en estas “primeras” semanas del curso hay mucha tela que cortar a todos los niveles, y las oficinas de artistas han abandonado al fin las playas para atiborrarnos de cientos de correos electrónicos con las inminentes novedades de sus elencos. En alguno incluso podemos notar esa mezcla de prisa y de bajona post vacacional, y se nos escapa la media sonrisa porque aquí estamos igual, con la diferencia de que en nuestro caso además no cobramos un duro. Así que vamos a calmarnos, empecemos por el principio y tratemos de escribir con buena letra sobre las nuevas grandes noticias en torno a la música alternativa que, con sinceridad, es la que más nos motiva, sorprende y llena. Una de las más importantes nos lleva a Cartagena, ya que como bien sabréis,

La noche cayó y ya nadie pudo salvarme. Cristina Llanos. (La esfera de los libros)

Ríos de tinta corren ya en redacciones y casas de fans de Dover al leer este necesario diario lleno de duras confesiones de la que fuera alma y voz de una de las bandas más importantes de la historia de nuestra música. Los sentimientos, ideas y experiencias de Cristina Llanos se plasman por primera vez en papel, en unas páginas que hablan de fama, de tocar sin parar, y también de depresión, de dolores crónicos y de luchas internas. Así, hasta que la hermana pequeña de las Llanos (compartía liderazgo en la banda con Amparo) decidió alejarse de los focos a finales de 2016, terminando con dos décadas de grandes hits y mejores conciertos que ahora trata de resumir, diez años después, desde un punto de vista tan íntimo que ciertamente asusta. Cristina no ha querido brindar entrevistas a ningún medio al hilo de esta publicación, entendiendo que no es posible ser más clara, directa y dura en este libro, en el que también expresa agradecimiento y amor a la vida y a quienes la rodean hoy. Más allá de diferentes episodios de violencia y dolor físico y mental, que duelen al leer y que el lector lamenta y asume casi como propios, reconforta también ser consciente de ese refugio vital que suponía para ellas y para Jesús Antúnez y Samuel Titos una banda tan rebelde por fuera que muchos siempre hemos considerado precursora y adelantada a su tiempo en actitud y en canciones hoy veneradas como Let me out. Ve a tu librería de barrio con Serenade a tope, va.

LA VISTA! Arde Bogotá ha anunciado, junto al single El club de la gente sola, el sentido de su nuevo disco, que estará en tiendas y plataformas el 2 de octubre y que ya en preventa han agotado las versiones más especiales en vinilo, CD y cassette. Por otro lado, Vetusta Morla vuelve a los escenarios con su Gira de vuelta, canciones de ida que les llevará a Barcelona, Valencia, Pamplona, Málaga, A Coruña, Sevilla y Madrid, entre octubre y noviembre. Esos conciertos irán ligados a presentar nuevo material del cual no sueltan prenda, con lo que tocará estar para poder catarlo en vivo. Otros que vuelven a los directos con nuevas canciones en el horno son Cala Vento, que han anunciado tres noches en la madrileña Copérnico (8, 9 y 10 de enero) y otras cuatro en La Nau barcelonesa (19, 20, 21 y 22 del mismo mes) a precios populares (22 lereles), que no es poco decir tal y como se están poniendo las cosas en lo relativo a los tickets y los sacacuartos en forma de front stages, entre otras ocurrencias. Celebramos además estos días la dupla Laaza-Zahara en forma de temazo (Minifalda), el regreso de Eva Mcbel con I found you y las grandes sensaciones que están dejando muchas bandas que al fin explotan y de las que llevamos hablando mucho tiempo en la Sold Out, como Éxtasis o RATA, que han puesto el festivalazo Osa do Mar del revés. Qué pasada que el trabajo duro y las grandes canciones se abran paso así.

Sold Out es una revista cultural, descargable y gratuita, sin pretensiones, escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones, párrafos literarios, fotografías, películas y toda clase de manifestaciones artísticas. Puedes escribirnos para sugerir lanzamientos y publicaciones a revistasoldout@gmail.com, aunque también puedes enviarnos opiniones y sugerencias que puedan inspirar contenidos diferentes para nuestras páginas en próximos números. Te invitamos a suscribirte y que la Revista Sold Out llegue cada mes a tu correo electrónico. También la puedes compartir con tu entorno y amigos.

@revistasoldout

Texto: Dani Pach Fotografía: Javiera psd

SELVAJES Con la formación más que asentada y con un horizonte consciente y prometedor a todos los niveles, la banda madrileña Selvajes continúa deshojando la margarita del que será su segundo larga duración tras el considerado mixtape El despegue (Indica, Virgin). Ese primer álbum hizo honor a su nombre, ya que sirvió precisamente para encender motores y empezar poco a poco a volar mediante un elenco de diez canciones que hoy sabemos que, como el vino, se degustan mejor a largo plazo y, sin duda, también en el directo. Y es que los chavales no han parado de currar en esta etapa tan importante para afianzar su sonido y poner el foco en poner un paso por delante a la voz, seguida de unas guitarras que, al rebufo y entrelazando riffs endiablados y punteos de aparente inocencia, ponen la alfombra roja a cajas, bajos súper divertidos, platos y rítmicas. Si La antorcha humana nos llevó al Manchester más noventero poniéndonos sobre aviso de hacia dónde irán Selvajes desde este preciso momento, en este Tiempo de uso la banda parece irse un poquito más atrás gracias a ese punto más disco, quizás más del pop estatal, algo que no deja de ser meritorio. Así, estos tres minutos sirven para cuestionar nuestra relación con la tecnología y el tiempo que pasamos conectados. El mítico Nokia de toda la vida protagoniza la portada como el símbolo de una época en la que el teléfono servía solo para comunicarnos y no tanto para hacer el tolai, apuntalando una idea que será estructural en el nuevo trabajo de Selvajes: qué hacemos con el tiempo que tenemos. Lo mejor es que la combinación de sintes, guitarras y elementos propios del lenguaje urbano funcionan de diez para abordar esa hiper-conexión, esa presencia enfermiza de las pantallas, planteando la necesidad de recuperar la atención en lo real, en lo que sucede fuera de dichos aparatos, sin tachar a la tecnología de problema pero sí cuestionando qué lugar ocupa en nuestras vidas.

Tiempo de uso da nombre al nuevo LP. Este segundo adelanto de Selvajes tras La antorcha humana, al igual que todo el disco, ha crecido entre las salas de máquinas de Alamo Shock, Audiomatic y Estudio A, gracias al currazo a modo de coproducción de Selvajes y Guille Mostaza (éste con una implicación especialmente destacable), contando además en la asistencia en grabaciones y mezclas con los siempre presentes Diego Perinetti, Guiem Rigo y Nicolás Manzanares. El portadón es cosa de Javiera psd, y el móvil Nokia no sabemos de quién es, pero en cuanto nos crucemos con los Selvajes les pediremos el dispositivo para volver a petarlo en el juego de la serpiente. ¡Vicio!

Fotos y postales

MaiteQuiero

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Corren tiempos de florecimiento en la vida musical de Maite Gallardo, quien tras su fulgurante carrera como fundadora, compositora y líder de Shego, empieza a dar grandes señales de lo que guarda su proyecto personal. MaiteQuiero lanzó en mayo Fotos y postales, la iniciática referencia a la que siguió 100, a pachas con Toldos verdes. Compartimos un ratito en Lavapiés a pocas horas de la salida de Montauk, el segundo single en llegar, para seguir dando forma al inminente EP que esperamos catar en no muchas semanas y en torno al cual la artista madrileña se ha rodeado de un equipo de ensueño. ¿Cómo está MaiteQuiero hoy? Estoy un poco nerviosa, también contenta y con ganas. ¡Y esta es mi primera entrevista! Las ganas van ligadas, intuyo, al EP, a los conciertos a partir de octubre... Es, sobre todo, por empezar de nuevo, esta es una aventura que me emociona mucho y tengo muchas ganas de “emprender”. Hasta ahora todo se ha limitado a las redes y no es palpable, yo tampoco lo puedo notar de ninguna forma más que a través de mi móvil, que no deja de ser un poco parasocial. Quiero vivirlo ya a otro nivel. Por suerte nace MaiteQuiero, cuando podrías haber dicho “hasta aquí”. Podría haberlo dicho (risas). Lo cierto es que para mí era natural seguir haciendo música porque es lo que más me llena. La

escritura y la música van muy de la mano para mí y no concebía hacer otra cosa. Además ese camino me lleva a una forma de hacer música mucho más cercana a lo que a mí realmente me apetece. En tus primeras canciones fuera hay más melodía, una narrativa más “amable”... Incluso un punto íntimo. Es quizás una combinación de muchos factores. Mi momento vital, la edad que tengo, me lleva a un punto en el que no estoy tan enfadada como hace unos años, por lo que las canciones no tienen la misma energía. También siento que siempre estaba en mi cabeza el condicionante de que si iba a hacer un determinado tipo de música, tenía que ser desde un lugar emocional. Desde esa premisa, tenía que ser en su día desde el cabreo, desde la batalla, porque entendía que no tenía cabida otro discurso en el rock, pero en realidad no tiene nada que ver. Puedes tener un sonido muy contundente, muy duro, y que tus letras, lo que quieres contar, tengan otro camino completamente distinto. En mi idea, en mi ignorancia, la investigación me llevaba a eso, a que estuviésemos cabreadas con todo y a componer desde ahí. Ahora mi deseo es más el de indagar en lo emocional y de expresarme desde ahí, más que de estar atada a un sentimiento concreto. La canción aparece y luego yo ya trato de otorgarle el sonido que me dé la gana. ¿Estas canciones han nacido ahora?

El EP tendrá cinco canciones y una de ellas la compuse en 2022. Hace mucho ya de aquello, la rescaté. Cuando empecé a tomar decisiones sobre lo que iba a hacer ahora, quise echar un vistazo entre las cosas que no encajaban con el anterior proyecto. Quería recordar si era porque entonces no pegaban o porque por entonces no me gustaban, y me encontré con esta canción que me gusta mucho. Se llama Rave en el bosque, y guarda la historia de una noche en concreto. Fui cambiándole cosas al vivirla ya desde un presente en el que sé cosas que en su momento no sabía y por eso no estaba terminada. La canción evolucionó y decidí quedármela, pero es cierto que casi todas las demás las he creado en el último año y medio. En el proceso de grabación te has rodeado de artistas y productores tops, desde Dani Sabater (RATA) a Martí Perarnau, Zahara... Tenía muchos nombres en la cabeza, trato de llevar las maquetas todo lo lejos que puedo y produzco también todo lo que puedo de las canciones. Pero hay un momento que o bien me saturo o, por pura pereza, necesito otro cerebro que esté a mi lado y me diga “venga, vamos a sacar esto adelante”. De no ser así, muchas cosas se quedarían en proyectos a medias, porque de repente me pongo a hacer algo nuevo, me entusiasmo con ello y hasta luego. Me gusta sentarme con alguien que tenga buen gusto y de quien pueda aprender

todo lo posible porque yo llego hasta donde llego. Hubo un momento del año pasado en el que empecé a trabajar con Dani, con el que coincidí en el estudio en un momento en el que estaba haciendo yo alguna sesión con otros artistas como compositora. Me gustó cómo trabaja, me gusta su energía, es muy vivaz, muy alegre, y me llamó la atención el hecho de que tiene muy buena onda con el pop femenino. No conozco a muchos hombres que trabajen con una música más pop, me pareció algo súper interesante y empezamos a currar juntos. Le enseñé las demos, las pulimos un poco y es cierto que se quedaron en un lugar que para mí digamos que era como demasiado nuevo, electrónico. La idea que yo tenía conllevaba una organicidad a la que quizás no estábamos sabiendo llegar currando juntos. Aprendí muchísimo con él y nos lo pasamos muy bien, pero sí entendí que esto necesitaba un punch, necesitaba algo más analógico y contar por tanto con un estudio que tuviera más recursos. Entonces mandé las canciones a Zahara, que somos amigas y me apetecía mucho enseñárselas, y ella me dijo que se las había enseñado a Martí y le habían encantado. Él estaba en un momento de mezclar canciones para proyectos que están empezando, es un mega friki del sonido y se moría por trabajar con grupos que igual no tienen tantos recursos o que sencillamente son emergentes. Zahara me propuso trabajar con él, y yo propuse que, en lugar de mezclar, terminásemos de producir estas canciones. Le pareció una muy buena idea y fue una experiencia genial durante una semana en su estudio, en su casa en la sierra. Fue la hostia, y es que además sé que he currado con muy buenos productores siempre, estando ellos muy al servicio de lo que se proponía. En el caso

de Martí fue más bien un “qué idea tienes y vamos a ver cómo podemos llevarla a cabo”. Fui partícipe constantemente del proceso de producción y cuando no podía llegar a algo a nivel técnico, si lo tarareaba, lo tocaba o lo chapurreaba de alguna forma, se terminaba grabando y se hacía realidad. No tuve ningún impedimento y su conocimiento amplificaba mis capacidades. Me entusiasmó muchísimo el proceso, yo que había ido a Martí con la premisa de que soy muy directora de mi proyecto y que no dudo en cortar cosas que no me molan. El proceso de mezcla fue muy largo también, él ha sido un currante absoluto. ¿Este proceso ha ido en paralelo al lanzamiento de 100 con Toldos Verdes? Aunque se han publicado con poco margen Fotos y postales y 100, no surgieron a la vez. Cuando Álvaro (Vidal) estaba empezando a escribir el segundo disco (en el que yo participé), esta era una de esas canciones que igual salían porque las hicimos a la vez. Los dos nos entusiasmábamos mucho, nos enseñábamos canciones y nos salía muy fácil trabajar juntos, algo que sigue siendo así a día de hoy. 100 salió en aquel momento, se quedó en el tintero porque no sabíamos muy bien cuál era el mejor momento para lanzarla, y al final vimos que aunque pertenecía en cierto modo al disco, también podía ser un punto intermedio entre lo que yo iba a publicar y lo que ellos ya estaban lanzando. Curiosamente, por el momento vital, sí podría pasar como algo hecho ahora. Si la hubiéramos publicado en otro momento, quizá un año antes, no habría tenido sentido por el discurso, pero justo en ese momento conectaba con una etapa muy luminosa y muy feliz. Pero sí, se hizo unos dos años antes, así a ojo.

Cómo se lleva MaiteQuiero al directo. En tres de las primeras fechas abriré para la banda argentina Pacífica, y en esos conciertos estaré sola junto al ordenador y mi guitarra. No va a ser el formato que lleve a posteriori, es decir, es algo que limitaré a propuestas cortitas o showcases. Mi idea es ir con banda siempre que pueda, tal y como ocurrirá en la Sala El Sol el 12 de noviembre (dentro de MAZO Madriz) y en otros conciertos que confirmaré pronto. Lo que hay fijo es base rítmica (bajo y batería) y luego en función de la ciudad y el contexto sumaré músicos. Al proyecto nuevo sumas otras labores que van más allá de la música. Está siendo una gestión bien curiosa, y es cierto que hasta ahora lo he ido haciendo todo yo sola, pero está llegando ya ese momento en el que necesito ayuda. Los conciertos que han salido son una realidad gracias a que me han ido contactando de manera directa, de hecho yo no esperaba tocar este año y que se dé así es muy guay. Saldrá este mismo mes Rave en el bosque, el sencillo del que hemos hablado antes, el EP estará en plataformas a principios de octubre y, a nivel booking, estoy todavía decidiendo con qué equipo quiero currar. De enero a junio estuve haciendo una residencia y en el proceso, mientras hacía las canciones e iban saliendo cosas, he tenido un montón de ofertas de gente que me gusta mucho y, por eso, ahora estoy en ese proceso de elegir bien. Antes, siendo más joven, curraba y tomaba las decisiones más por intuición, intentando tener un equipo que fuera fiel a lo que hacía, pero ahora trato de cuidar más cada paso que doy. Me reúno muchas veces, pienso bien qué hacer y, por eso, mientras tomo la decisión, por el momento vivo en la independencia total y estoy solísima.

¿Qué da más respeto a la hora de elegir y/o formar equipo en esta etapa? Trato de mostrar algo muy íntimo, que es algo que siempre he hecho, pero ahora lo hago desde una exposición totalmente individual. Todas las críticas y elogios, todo ese peso recae en mí, algo que es positivo y negativo a la vez. Hay una parte de la crítica negativa que en realidad me la pela bastante, me preocupa más mi crítica constante hacia mí misma y ese previo a cómo se va a percibir, más que lo que venga después. Soy súper consciente de que habrá gente a la que no le guste esto, pero el momento previo, todo el tiempo de creación, pre-producción, producción, composición... son momentos de estar muy sujeta a mi fe y a creer en el proyecto para que no se me vaya la bola y piense mañana en dejar la música porque llevo mucho peso encima. Me da respeto en qué entornos trabajar, con qué equipo. Me da mucho vértigo y por eso voy tan despacio. No es sencillo estar bien acompañada, todo el mundo tiene sus intereses y, por eso, me apetece currar con alguien que quiera hacer del proyecto algo de lo que se pueda vivir generosamente y al mismo tiempo que lo sienta con calma. Que no sea un proyecto que uno quiera exprimir y ya. Pienso en que la voy a cagar conmigo misma si no elijo bien, y esto antes no me quitaba el sueño: el acercamiento a la música era más juguetón, más juvenil. Probábamos cosas a ver qué salía y luego iba saliendo y todo eran bendiciones. Ahora pienso en que si no elijo bien será mi culpa. Y eso es un rollo.

LA ESTRELLA DE DAVID MÁXIMO

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Echó a andar una nueva edición de MAZO Madrid con un elenco de artistas descomunal en número y en nombres, y teníamos que dejarnos caer en uno de los conciertos más esperados del ciclo. La Estrella de David, el eterno y venerado proyecto musical de David Rodríguez, publicó a finales de mayo el disco Máximo (edita Sonido Muchacho), un trabajo muy esperado tras el ya algo lejano Consagración (2018), con permiso del álbum Contigo publicado a pachas con María Rodés. Esto tenía que servir de excusa perfecta para plantarse en una Sala El Sol hasta los topes para ver y disfrutar de tres décadas de trayectoria resumidas en un concierto en el que el que, por supuesto, no faltó ni un detalle de ese pop alternativo lleno de inteligencia, ironía y buen humor de siempre.

En Máximo, David y su banda presentan trece canciones entre las que destacan la pegadiza Andrés (la undécima pista), Yo quiero enamorarme de ti (la segunda) y para nuestro gusto Demasiado bien (la cuarta), dentro de un trabajo en el que uno asume que el tiempo no ha pasado y que todas las bandas coetáneas siguen ahí para alegrarnos los días como nadie ha sabido hacerlo desde entonces. También es importante destacar el aporte en coros de Ana Fernández-Villaverde (La Bien Querida) y un clásico en esta revista y en nuestras listas como Andrea Buenavista.

La Estrella de David despertó en La Sol viejos recuerdos de una época chula de vivir. No en vano, y tal y como dicen en Rockdelux, David es uno de los pocos que siempre estuvo ahí, desde finales de los 80 con Bach is Dead hasta nuestros días, sin dejarse en el camino ni un ápice de talento y creatividad. Máximo quizás sea el mejor disco que haya podido construir desde entonces, pero esa afirmación será más veraz con el paso de los años. La mejor melancolía, eso sí, siempre será la suya. Ojalá su ternura pesimista cruce las fronteras madrileñas cuanto antes para que este disco pueda ser disfrutado en directo por toda esa gente que necesita ese cariño raro. Y para que con el paso del tiempo no termine pareciendo que estuvo en nuestras cabezas únicamente.

¡El Palacio de la Prensa vivirá la tercera edición del ciclo organizado por Subterfuge! Madrid al habla volverá a convertir Madrid en escenario del podcast en vivo. Tras una segunda temporada en la que reunió a más de 1.500 personas (con su respectiva colección de sold outs) y alcanzó 150 millones de impactos, el ciclo regresa al Palacio de la Prensa con nuevas propuestas. El ciclo nació en su momento con la clara ambición de convertir nuestra capital en el gran escenario del podcast en vivo, y regresa en octubre con una programación que aúna algunos de los títulos más consolidados con nuevas propuestas que están marcando de una forma muy interesante el rumbo del sector. Sin ir más lejos, la nueva edición arrancará el próximo 8 de octubre con Me cago vivo (sus protas están justo debajo de estas líneas) que celebrará en directo el estreno de su cuarta temporada. La ficción sonora de terror llevará al escenario una combinación de historias, efectos sonoros, cine, leyendas y humor, en una experiencia donde pasar miedo y reírse serán, muy probablemente, parte del mismo plan.

Texto: Dani Pach Fotografías promocionales

El 22 de octubre recogerá el testigo (y los micros) El club de las perdedoras, el podcast de Arantxa Castilla-La Mancha (en la foto) que convierte el fracaso en motivo de celebración. El suyo es un espectáculo para reivindicar los tropiezos, las meteduras de pata y el “¿y si lo hubiera intentado?” aderezado con humor, confesiones, vulnerabilidad y por supuesto, mucho glamour. A ambos podcast se unirán el 19 de noviembre Precisamente Ahora con Jairo Muraday y Marta Sevilla, y Kncelados el día 29 como primeras cuatro confirmaciones.

Si no conocías Madrid al habla, te dejamos otro datazo: en sus dos anteriores temporadas, el ciclo ha subido al escenario del Palacio de la Prensa propuestas tan diversas como Fashion Sucks, Sabor a Queer, Sofá, Manta y Crimen, Las Auténticas Señoras de la Calle Lista, La Crónica Oscura o Coquetas y Bravas, demostrando la capacidad de este tipo de propuestas para reunir a comunidades muy diferentes y darles la oportunidad de vivir una experiencia que traspasa la pantalla y las ondas. Las entradas para los podcasts confirmados ya están disponibles en la web del Palacio de la Prensa, y por si estás leyendo en diagonal, aquí tienes los datos:

PROGRAMACIÓN CONFIRMADA 8 de octubre: Me Cago Vivo Estreno de la 4.ª temporada en directo 22 de octubre: El Club de las Perdedoras Con Arantxa Castilla-La Mancha 19 de noviembre: Precisamente Ahora Con Jairo Muraday y Marta Sevilla 29 de noviembre: Kncelados En las webs oficiales informarán convenientemente del resto de podcasts confirmados.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

hoonine

Hoonine, es decir, Carmen Alarcón, está viviendo entre carreteras y aviones desde hace ya unos añitos, pero este 2026 ha terminado por desbordar su Calendar. Su proyecto personal, con Ya no duele (Warner / Raw) como el gran aporte por el momento de este año, la ha llevado desde abril a este mismo mes de septiembre por todo tipo de eventos al aire libre, al mismo tiempo que ponía la garra y la diversión a los platos en la gira infinita de Viva Suecia. Conseguimos tomarnos un café con Carmen en Madrid para hacer balance y confirmar la ilusión con la que ve el futuro. ¿Cuánta energía le queda a Hoonine? Siendo sincera, estoy descansada ahora porque llevo cinco días sin salir de casa, algo que para mí es casi un imposible. Es algo chulísimo, y estoy tranquila. “La calma” de Madrid, por así decirlo. Abandoné Murcia en abril y llevo unos meses en la capital, pero tengo la sensación de que no he estado nada aquí hasta ahora, entre unas cosas y otras. Desde primavera no has parado, incluso con mudanza de por medio. Hagamos un balance, si es que eso es posible. Justo esta semana está siendo la de hacer balance porque en clave Hoonine me quedan unos tres conciertos y de Viva Suecia tampoco quedan muchos de aquí a final de año. El ritmo baja mucho. Diría que toda esa etapa ha sido muy positiva, pero

me cuesta mucho todavía encajar todo lo que ha ocurrido. La mudanza empezó en abril, en mayo tocó estar en México y desde entonces no tengo la sensación de haber parado en ningún momento. Todo lo que me ha pasado estos meses es algo que llevaba buscando mucho tiempo. Con Viva Suecia llevo ya unos años rodando y es terreno seguro para mí, tengo ya esa confianza, pero con mi proyecto puedo afirmar que nunca se ha visto en estas. Para cualquier proyecto de la envergadura de Hoonine, muy pequeñito todavía, girar y hacer veinte festivales es para mí un éxito, es una victoria que ni hace un año yo imaginaba que pudiese ocurrir. Se ha dado y obviamente me pone muy contenta y feliz, aunque esté agotada y necesite descansar un poco. ¿Quizás el EP Una foto al sol marcó un punto de inflexión en el sentido de llegar a más gente y de la contratación? Creo que se han dado al menos dos factores. Obviamente el EP juega a favor porque hubo un cambio de estilo y mucha gente abrazó varias canciones más allá de los singles, pero al mismo tiempo sé que a día de hoy es difícil llegar a la gente solo desde las plataformas digitales. Hay que ser consciente de la masa de canciones que salen prácticamente cada día, con propuestas buenísimas. Yo siempre he apostado y abogado mucho por el directo y donde he puesto más la carne en el asador ha sido en eso, en preparar un show que

fuese divertido, atractivo, que fuese bonito de vivir. Todo el peso ha ido ahí, y desde ese punto ha habido un efecto expansivo que ha supuesto que, al funcionar en determinados sitios, ha terminado por llevarse a otros espacios similares. Esta es mi sensación de lo que he ido viviendo. No es sencillo conectar con la gente a través del digital, y no digo que no se pueda, pero considero que es en vivo, en los directos, donde mejor se llega a las personas. Pasaste de componer con guitarra a hacerlo con el piano. ¿Cuál está siendo el siguiente paso compositivo? La guitarra es mi instrumento porque es el que llevo tocando desde siempre, pero más allá de eso sí creo que hay una vuelta precisamente a la guitarra, no tanto en el proceso inicial de la composición sino con el objetivo de que pertenezca al resultado final, es decir, que acabe en la canción. Por poner un ejemplo, Ya no duele empieza con un guitarra, y casi todas las cosas que están ocurriendo ahora tienen su base en ella, no tanto como una guitarra clásica de pop o de rock. Más bien forma parte de una textura que me cuesta replicar con cualquier otro instrumento. Tengo la capacidad de hacer sintes de casi cualquier cosa, pero me cuesta replicar el sonido de la guitarra y es una textura que me interesa mucho. El piano nunca se va a ir tampoco, pero estoy volviendo de algún modo ahí. Hablas de Ya no duele... ¡Queremos más!

Cuesta mucho compaginarlo todo. El chip concierto es algo muy automático, de que tengo estas horas de carretera, de llegar al sitio, montar, probar, tocar, recoger, volver, poner cuarenta lavadoras, descansar x horas y dos días después estar fuera otra vez. Es complicado encontrar espacios, no ya de tiempo, más bien vitales para poder escribir. Es una cuestión de logística y también emocional, vital, y necesito distinguir entre ambas cosas para poder encajar ahí la composición. A esto debo sumar el hecho de que no soy una persona que componga rápido, y me cuesta además mucho el formato single. Esto lo hablo mucho con Tony (Raw Music), me cuesta porque siempre estoy buscando englobar algo más y trabajar en algo más grande. Me veo sacando cuatro canciones con guitarra, pero no concibo lanzar una, que la siguiente sea otra cosa, que la que viene después no se parezca a esas dos... Aquella canción conceptualizaba un presente entonces borroso, ¿estás ya en otra pantalla más nítida? En mi cabeza siempre tengo claro lo que quiero que ocurra y lo que creo que va a ocurrir, igual que ahora tengo claro lo que supone parar un poquito y que tengo incluso más ganas de hacer un disco. Tengo muchísimas ganas y también tengo canciones sobre las que empezar a trabajar, pero precisamente por eso de que me cuesta tomar la decisión y necesito primero que todo esté muy medido.

Hasta que no vea claro al 100% que ese conjunto de canciones pueden convivir, me va a costar dar el paso, pero quiero hacerlo. Quizás sí lance un single en pocos meses, pero será parte de un disco sí o sí. Un larga duración, se intuye. Que sería mi segundo disco, además. Muchos artistas tenemos la sensación de que vamos lentos, que no necesariamente es lo que de verdad pasa. Veo proyectos que llevan poquitos años y van por su tercer o cuarto disco. Yo no sería capaz, pero sí siento que todo lo que he hecho hasta ahora tiene su sentido si miro atrás y pueden gustar más o menos, pero todo está más que justificado. Dentro de estos meses de gira seguro que hay momentos que jamás olvidarás. Han pasado muchas cosas muy bonitas. Sin ir más lejos, en La mar de músicas se dio un momento para mí super especial. Ocurre que en mis conciertos, o al menos es la sensación que tengo yo, la gente se enfrenta en cierto modo a lo desconocido, y cuando yo siento que estoy conectando con la gente me parece lo más bonito que me pasa. Creo que puede ser “más fácil” cuando estás ante un público que sabe a lo que va y que le mola lo que estás haciendo, pero cuando empiezas de cero estás en un terreno desconocido en el que tienes todas las de perder y también todas las de ganar, y me gusta eso, cuando se dan momentos así, inesperados, como en el Palencia Sono-

ra. Tocábamos a las 23:00h un jueves, y no sabes la cantidad de gente que vi disfrutar, pasárselo bien, súper dentro del concierto. Me emocionó muchísimo, además era un público de todas las edades bailando, cantando... Nunca me había pasado esto de que la gente cante tanto mis canciones. Tengo muchos momentos inolvidables en esta gira, me ha sorprendido a mí misma, que iba sin saber a qué me iba a enfrentar y al final he ganado muchísimo. Escribir es terapia para ti, y si la gente canta lo que tú escribiste en tu habitación, la terapia se multiplica. Es mejor, de hecho es cuando empieza a cobrar sentido. Cuando escribes y cuando publicas canciones no sabes cómo llegan por mucho que te lo digan. Cuando veo con mis propios ojos a alguien en la tercera fila cantando Ya no duele a pleno pulmón, piensas en la de veces que habrá escuchado esa canción, en cómo la habrá hecho suya y en que la ha llevado a su historia. Es algo súper bonito, y da igual si son diez mil personas o una. Y te vendrán flashbacks de cómo empezó todo hace unos añitos. Y no dejas de preguntarte qué está pasando. Esto me ha pasado muchas veces, como en Cuenca, que veía a gente con sus camisetas de Hoonine, cantando. Me sigue resultando muy ajeno, no termino de entenderlo mucho. ¿Tras Ed is Dead a quién sumarías hoy?

Hay mucha gente haciendo cosas increíbles a nivel producción en nuestro país. No tengo claro por dónde iré aún pero sí que me gustaría que tuviese ese perfil dual de controlar, por un lado de electrónica, pero también de grabar una batería, de pop, de rock. Me gustaría encontrar un perfil que esté un poco en medio porque lo que yo hago está precisamente en ese punto. Estoy virando hacia cosas más orgánicas, he pasado a Tony una lista enorme de gente con la que me gustaría trabajar y conforme la leo pienso: “esta persona no podrá, esta tampoco...”. Es difícil que te echen un cable por agendas, por tiempos, y luego cuando la cosa sale adelante considero vital poder conectar. Hay gente buenísima con la que no terminas de conectar y así no es posible trabajar. Lo veo como algo casi más personal que técnico, y no es sencillo hacer match. Es cierto que Hoonine no es comparable a casi nada en nuestra escena. Siempre que busco referencias intento revisar en lo español, en lo latino, y cuesta un poco, siempre pensando en algo que se

asemeje un poco a lo que estoy haciendo, precisamente para encontrar esa figura que me eche un cable. Alguien aparecerá, pero soy consciente de la dificultad. Todo esto en una industria que te pide ya mismo tener esbozado el año 2027. En esto pienso mucho porque quiero crear sin presión pero no puedo hacerme la sueca con esto y fingir que el mundo no se mueve, y más cuando trabajo y vivo de esto. Lo importante es que estoy trabajando en ello, y aunque querría tener más descanso siento que hay algo dentro de mí que me pide hacerlo. Lo ideal sería hacer dos años de composición, por ejemplo, pero algo me dice que tengo que apretar y seguro que eso tiene que ver con todo lo que empuja detrás. Es una decisión forzada por mí, las personas nos solemos autoimponer cosas.

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La oscuridad que habita bajo la torre de Malamoneda. Desde la penumbra de “Anarconoeoliberal suicida” hasta la reflexión titulada “Solo los amantes sobreviven”, los cinco guerreros Mallo iniciaron una nueva gran aventura, quizás la más importante hasta la fecha, tras conjurarse en las posadas de diferentes aldeas de Burgos y de Toledo. En ellas se toparon con la batuta de un productor como Ismael Rubio y, del mismo modo, el artista toledano Mario Hernández de Paz ha querido, desde aquellos mismos e iniciáticos momentos, convertir en trazos y color cada capítulo de esta inédita misión, incluyendo la creación de un manual de máster que alberga toda la información necesaria para que acompañemos a nuestros cinco guerreros, seamos o no principiantes. Con tan honorables mimbres, Mallo presentará a sus fieles seguidores los once capítulos de este viaje en la antigua Iglesia de San Vicente (Círculo del Arte) el 19 de septiembre, y harán lo propio en una taberna (Fun House) del enclave de Trafalgar en la Villa de Madrid el 16 de octubre. De esta aventura nos habían llegado tiempo ha, referencias y pistas de escenas como “¡Bú!”, “Laika” y “Duelo a primera sangre”, pero ahora podemos disfrutar de un maravilloso paraje natural como “Bú y Laika”, del frenetismo comedido de “Un alto en el camino” o de la peligrosa llegada a “Malamoneda”, marcando en clave instrumental las diferentes escenas y paisajes en las que nos veremos inmersos y que podremos detectar como lugares de paz, como lugares de paso o zonas de alerta. Uno de los momentos más especiales de esta aventura es “Primavera entre los prados”, en unos minutos en los que el grupo aprovecha la pausa para reflexionar y validar el camino recorrido hasta entonces, echando la vista atrás con orgullo y viendo al futuro con ilusión. Esas melodías caminarán hacia la épica mientras las voces parecen retorcerse en una oda al amor propio como “Carretera y mantra”. Quizás en “Sobre todo de ti” les entren las dudas y distorsiones, pero el rayito de esperanza de esa parte final supone una revelación que les permitirá casi ver el cielo. Al final siempre vence el amor en sus diferentes formas y, por eso, “Solo los amantes sobreviven” cerrará esta gran aventura de los guerreros Mallo, que nos han sorprendido esta vez más que nunca.

una aventura de

Mallo

Rachid B

La nueva edición de MAZO Madriz guarda unos cuantos caprichos conceptuales en su programación, y entre ellos nos topamos casi por sorpresa con el proyecto de Rachid B (Rachid Bahri). El artista, con la luz más tenue que uno pueda pedir en la Sala El Sol, ofreció un recital en el que destaca su voz cálida, sus acordes limpios de guitarra y una embriagadora nostalgia de quien vive entre dos tierras. Las fotografías proyectadas, en blanco y negro, y sus versos en darija (el dialecto árabe hablado en Marruecos) acrecentaban esa sensación de estar ante algo único y no tan habitual en una sala. Así que la Sol fue museo durante un buen puñado de minutos, disfrutando en un encomiable silencio las canciones de El Ghorba (Fikasound, Discos Centeneros), un segundo disco que el artista internacional lanza en plataformas a la edad de 50 años.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Rachid asistió con sorpresa al hecho de que este disco se convirtiese en uno de los más destacados a nivel nacional para medios y crítica, hito que le ha llevado a actuar en el Boga Boga Festivala, en La Mar de Músicas de Cartagena y en escenarios de ciudades como Jerez, Sevilla o Barcelona. Rachid vive en el madrileño barrio de Hortaleza desde el año 2000 y, cuando al fin se animó a enseñar sus canciones, lo hizo desde las asociaciones de su barrio como forma de reivindicar y dar visibilidad a sus movimientos culturales. Tal y como él mismo declaraba hace apenas unos meses en el periódico de dicho barrio: “soy afortunado de poder expresar de manera artística mi experiencia. El Ghorba es mi biografía encuadernada como un pequeño relato, en este caso, cantado en forma de musical”. Quizás ahora te entren muchas ganas de verle en directo, así que puedes optar por seguirle en sus redes para no perderte ninguna actualización de fechas, al mismo tiempo que disfrutas de sus fotografías en blanco y negro y conoces su aportación vital en lo social, en lo humano.

Texto introductorio: Ángela Cortés Fotografáis promocionales

Manifiesto sobre la Inteligencia Artificial y su impacto en la industria musical

A lo largo de la mayor parte de la historia, los jóvenes han tenido fama de ser los grandes impulsores de las nuevas tecnologías. Desde el ordenador hasta Internet, pasando por los Walkman, iPod y iPhone, la lista es interminable. Sin embargo, todo esto parece haber sufrido un freno en seco, especialmente en lo que respecta a la IA. Durante la temporada de graduaciones, vimos una sucesión de vídeos virales en los que defensores de la IA y directores ejecutivos eran abucheados y obligados a abandonar el escenario mientras pronunciaban sus discursos. Todos conocemos a alguien que ha decidido comprarse un teléfono básico (sin funciones inteligentes). En Nueva York, incluso está cobrando fuerza un movimiento Luddite moderno. Independientemente de la postura que se tenga sobre la IA, es innegable que esta tecnología está penetrando en la industria musical. Y no se trata solo de SUNO. Cada vez más, las plataformas que millones de personas utilizan para compartir y escuchar música están incorporando esta tecnología. Spotify ha estado inundando su plataforma de artistas creados con IA, SoundCloud actualizó discretamente sus términos y condiciones para permitir el entrenamiento de modelos de IA, etcétera.

por Erin Barra-Jean (directora ejecutiva) “Estamos en medio de una revolución. No una tendencia ni un ciclo de producto, sino una revolución a la escala de la que transformó el trabajo y la industria hace dos siglos, y que puede dejar una huella comparable en el planeta. Esta es tecnológica, y llegará a cada industria, a cada puesto de trabajo, a cada nivel de trabajo, incluido el nuestro. Nada de cómo concebimos, creamos, perfeccionamos, enseñamos, distribuimos y nos ganamos la vida quedará intacto. Pero el dolor de lo que viene no se repartirá por igual. Existimos para servir a las profesionales mujeres y de género expansivo en la industria musical (y más allá), y ellas absorberán lo peor de esto. Fingir lo contrario no es una opción que podamos tomar. Deberíamos conocer este patrón mejor que la mayoría de las industrias, porque ya lo hemos vivido muchas veces. Nos arrastraron hacia la radio FM. Nos arrastraron hacia cada nuevo formato físico que llegó. Luego apareció el intercambio de archivos, y la respuesta de la industria fue demandar a su propia audiencia en lugar de construir algo mejor. Después llegó el streaming, y pasamos una década peleando por los términos en lugar de moldearlos. Para cuando aceptamos jugar el juego, el dinero ya se había movido hacia quien fuera dueño del canal. Cada vez, la industria trató el cambio como algo que había que sobrevivir en lugar de liderar. Y cada vez, no fueron los ejecutivos quienes pagaron el precio de esa demora. Fueron músicas, asistentes, quienes tocan en sesiones, artistas sin una asesoria legal, personas sin ningún poder de negociación desde el principio: las personas para quienes existe esta organización, precisamente para darles ese poder.

A continuación, compartimos unas palabras de nuestra directora ejecutiva, Erin Barra-Jean, sobre la postura de We Make Noise respecto al estado actual de la IA y su impacto en nuestra comunidad de mujeres y personas de género expansivo dedicadas a Así que sostenemos varias verdades a la vez, y no soltamos la música: ninguna.

La primera verdad: las tecnologías de IA ya son omnipresentes, y nuestra comunidad no puede darse el lujo de quedarse al margen. La historia tiene un patrón. La nueva tecnología la diseña un grupo reducido, se lanza a todos, y las personas que nunca estuvieron en la sala absorben el daño y no tienen ninguna voz. Las mujeres, las personas de género expansivo, las personas queer y las personas racializadas ya han vivido ese patrón. No nos vamos a quedar al margen otra vez. La fluidez es poder. Para influir en lo que una herramienta llega a ser, hay que estar lo bastante cerca como para tocarla y lo bastante alto como para nombrar sus fallas donde quienes la construyen puedan oírlo. Tenemos la intención de estar así de cerca, y de ser así de fuertes.¡ ¡We Make Noise! La segunda verdad: muchas de estas herramientas se construyeron sobre nuestro trabajo, sin nuestro consentimiento. Se entrenaron con música, escritura y arte que nadie licenció ni pagó. Amenazan la forma en que nuestra gente se gana la vida y la forma en que nuestra industria ha funcionado durante un siglo. Las salvaguardas que protegerían a nuestra comunidad todavía no existen. El gobierno no viene a salvarnos. Nada de esto se suaviza por muy útil que sea la tecnología.

La tercera verdad: lo escuchamos. Debajo de la crítica, del clamor y de cada argumento que ocurre ahora mismo sobre esta tecnología, hay miedo. Miedo a lo desconocido. Miedo a que nos hagan daño. Miedo a que nos quiten algo. Miedo a perder nuestra humanidad e inteligencia. Miedo a causar un daño irreparable a nuestro planeta y a nuestra especie. Miedo por un futuro que ninguna de nosotras eligió. Aunque algunas personas dicen que el miedo es una sobrerreacción, creemos que es la respuesta correcta ante ver cómo una industria se rehace por personas que nunca se tomaron el tiempo de preguntarnos qué pensábamos o qué necesitábamos. No estamos aquí para convencer a nadie de dejar de tener miedo. Pero el miedo, por sí solo, nunca protegió a nadie. La indignación arde con fuerza y se apaga, y mientras lo hace, las herramientas siguen llegando al mercado, los contratos siguen cambiando y las decisiones se siguen tomando sin nuestro consentimiento. Sentir el miedo no es lo mismo que responder a él. Tenemos la intención de hacer ambas cosas.

Todas estas afirmaciones son verdaderas. Sostenerlas juntas no es contradictorio. Esta postura es una posición honesta para una organización como la nuestra. Estamos aquí para estar plenamente presentes y ser asertivas, manteniéndonos firmes y abordando los problemas de frente en lugar de darles la espalda o ignorarlos. Lo bastante presentes como para tener una influencia real sobre lo que estas herramientas llegan a ser. Lo bastante vigilantes como para decir con claridad cuándo son extractivas, no rinden cuentas o están construidas sobre el robo. Nuestra misión siempre ha sido impulsar la equidad de género a través de la música y la tecnología. Esa misión no se detiene porque la tecnología se volvió más difícil de confiar; se afila. Si la próxima era de herramientas se va a construir, nuestra comunidad pertenece a la construcción de esa era, no solo a lidiar con la limpieza después. A lo largo de este año, hemos estado recopilando datos sobre el uso de IA en nuestras sesiones de composición y producción. Estos datos son tanto cualitativos como cuantitativos, arraigados en las perspectivas de nuestra comunidad, que está en las trincheras haciendo el trabajo. También estamos trabajando con investigadoras de talla mundial, Digital Fems, que llevan años trabajando en la intersección de los estudios de género, la tecnología y la música. Tenemos la intención de publicar lo que aprendamos. La evidencia que aportemos a esta conversación vendrá de las propias practicantes, las personas a las que esta industria estudia en último lugar y consulta nunca. Entramos a esto con los ojos abiertos. No tenemos certeza de cómo terminará, pero tenemos la intención de estar en los espacios donde se toman las decisiones. Hemos construido una voz precisamente para esto, y tenemos la intención de usarla.”

We Make Noise es la organización que promueve a nivel global la igualdad de género en la industria musical. En base a ello, WMN potencia la creación sonora, la formación técnica y el desarrollo profesional, poniendo el foco en reducir la brecha de género y en visibilizar el trabajo de las mujeres y las personas de género diverso en lo relativo a la producción musical y la ingeniería de sonido. Si eres artista, el consejo by Revista Sold Out es que te registres en su web y te suscribas para tener acceso a los programas, residencias creativas, redes de apoyo y todo tipo de formaciones y recursos.

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Los Acebos

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

¡Quien la sigue, la consigue! La banda asturiana liderada por Alberto Rodríguez ha buscado oportunidades hasta debajo de las piedras para dar lustre a un elenco de canciones que ya estaban ahí y querían estar incluso mejor. Por ello, esta etapa de Los Acebos bajo el paraguas de Esmerarte cristaliza en 23, un LP de doce pistas que les han dado réditos y participaciones en multitud de certámenes y eventos multitudinarios. Las sensaciones son buenas y el futuro no puede pintar mejor. Citamos a la banda en el Centro Niemeyer en Avilés para compartir impresiones y brindar con cafeína por el currazo y los buenos tiempos que vienen. ¡Bienvenidos a vuestra revolución! Este es un presente en el que se vienen muchas cosas, tenemos muchas cosas en la cabeza, pero obviamente estamos contentos con este nuevo álbum que pudimos volver a producir con Juande (Juan de Dios Martín), y ya teníamos ganas de que la gente lo escuche entero. El EP Esclavos de la intensidad ya dio mucho qué hablar. ¿Qué pasó a partir de ese momento? Pasó que cogimos los temas que teníamos antes del EP junto a Juande para volver a producirlos. No es la misma música grabada y listo, las canciones se han vuelto a hacer, esta vez con la onda de Esclavos de la intensidad, que es el sonido seña de identidad de la banda. Obviamente, cuan-

do estás en el local de ensayo y grabas tu propio álbum, no tienes una visión de lo que va a suponer eso después, y fue con Esclavos cuando la banda dio un salto a nivel sonoro y también a nivel conceptual, por qué no decirlo. A Juande le gustó mucho la idea, planteamos esto a la discográfica y a todo el mundo le pareció bien lanzar este álbum antes de todo lo gordo que vendrá después. De un año y medio a esta parte han empezado a pasar muchas cosas en vuestro entorno, tras mucho curro. Todo se empezó a revolucionar un poco cuando nos seleccionaron en Mad Cool Talent. En las votaciones obtuvimos un primer puesto, flipamos muy heavy cuando vimos el nombre de la banda ahí. Es verdad que nos lo curramos para conseguir votos a muerte, de hecho, nos fuimos a Parque Principado con el QR para que nos votase todo el mundo. Fuimos a Madrid a tocar y en estas cosas siempre hay mucha peña de la industria. Entre esto, enseñar el proyecto a la gente en el BIME y otras aventuras como quedar finalistas en diversos concursos a nivel nacional... Incluso nos vimos teloneando a The Cat Empire en Las Noches del Malecón de Murcia y también en La Riviera. No te conoce nadie, pero mola muchísimo tocar en sitios así por primera vez. Y finalmente, el Vibra Mahou aquí en Asturias fue una noticia que celebramos mucho. Diríamos que la clave de cómo estamos ahora parte de nuestra

primera vez en Portamérica. Todavía no estábamos con Esmerarte, pero fuimos allí a tocar y aquello nos dio muchos ánimos para tocar los nuevos temas, para lanzar el nuevo álbum con toda la fuerza. Tuvimos muchas oportunidades guays, incluso actuamos en Viena, Liverpool (The Spanish Wave)... A la hora de enviar un dossier a medios y promotores, todo esto es muy atractivo y, al final, todo termina encajando de alguna forma. Todo el trabajo y las decisiones se tomaron desde la intuición. Muy buena intuición en todo caso. Esto culminó en fichar en septiembre por Esmerarte. Eso nos pone muy contentos porque sin duda fue un antes y un después. Caes en un sitio en el que estás súper a gusto, en el que la gente apuesta por ti, apoya tu idea... Que se sumen así nos parece la hostia. Todo esto hará que cambien cosas a nivel organizativo en la banda. La realidad es que se profesionalizó todo, empezando por el directo. Te esfuerzas mucho por aprender a componer mejor, a producir las ideas, los esqueletos para hacerle la vida más fácil a Juande... Mola mucho ir a A Coruña a trabajarlo con él, aunque también curramos a distancia. Cada día uno aprende un poco más y, al mismo tiempo, te vas acostumbrando a que te exijan tiempos a la hora de lanzar un álbum, a la hora de lanzar canciones. Tienes más atenta a la prensa también...

Tienes un equipo ahí que te apoya, que te mima, mientras que antes implicaba que Alberto lo hiciese todo como se podía. Ahora te cargas de otras responsabilidades al mismo tiempo que te libras de otras. Las canciones son “nuevas” sin serlo, y es un plus para quien os conozca hoy. Siendo sinceros, este disco no iba a publicarse. Se llevó a cabo porque nos hacía ilusión, tanto a Esmerarte como a Juande y a nosotros, por la idea de rescatar ciertos temas con los que la banda nació. Estudiamos las canciones para ver si realmente tenían esa chicha que permitiese incluirlas en un álbum y, con todo el mundo de acuerdo, lo hicimos posible. En un primer momento la idea era hacer un directo precisamente con los temas antiguos, pero Juande le dio muchas vueltas para hacer esa otra cosa, y cuando ya tenía todo bastante trabajado, nos lo enseñó. Eternamente agradecidos a él. Trabajar con Juande (Estudios Mans) es sin duda una de las grandes claves. 100% además. La relación con él siempre ha sido y será algo súper orgánico. Fue un amor a primera vista. En su día hicimos una beca en Fundación Paideia y lo último en el proceso fue ir con él. Le gusta mucho lo que hacemos y de ahí nace Esclavos de la intensidad. Cuando hicimos las maquetas, recordamos mucho el momento de Alberto y Sebas de vuelta en el coche flipando

mientras las escuchaban. A raíz de ahí se generó una gran relación de confianza y estamos súper a gusto haciendo música con él. Ahora, trabajando en cosas para 2027, el concepto de un disco nuevo y todo el proceso, nos flipa vivirlo con él y no podemos estar más a gusto trabajando. ¿Cuál es la línea a seguir ahora que 23 ya está fuera? Ya estamos trabajando duro en lo nuevo y, de hecho, ya hay temas grabados de todo lo que viene después. Algo que nos está gustando mucho de todo esto es que ahora nunca estamos parados, es decir, entre medias de tocar en salas o en festivales siempre estamos con el hábito de coger la guitarra, los instrumentos, y de ir también a A Coruña al proceso de producción. De igual forma, con menos apuro siempre mola ir allí, al menos una vez al mes. Hablemos de las temáticas, desde lo oscuro a lo luminoso. Son emociones, al final uno publica un EP con una determinada temática o color en función de cómo te pille en ese momento. Las ideas evolucionan, los mensajes también y, en este sentido, estamos orgullosos de haber podido aunar estas doce canciones porque representan las dos etapas bien marcadas que tuvimos, siendo al mismo tiempo un preludio de todo lo que vendrá en los próximos meses. En lo puramente musical, somos felices y estamos muy agradecidos a lo que hemos podido vivir en torno a ella, incluso aunque se acabara esto ahora mismo.

Ya ha valido la pena, como conclusión. Por supuesto. Cuando ves hacia atrás... Ahora das por sentado cosas que no dabas hace un año, y eso mola, pero no podemos dejar de valorarlo en su justa medida. Hay que agradecer y valorar tocar en un sitio y tener un hotel en el que dormir. El no tener que volverse desde Madrid después de tocar porque curras al día siguiente. Y esto siendo nada, ojo, entendiendo que en este punto no nos conoce mucha gente igualmente, pero estos pasitos son para estar más que orgullosos. El público ya os va conociendo, eso sí. Si algo hemos aprendido hasta ahora es que el único camino para conseguir “llegar” y mantenerte es hacer buenas canciones. Todo lo demás da lo mismo, porque todo lo que sube también baja. Obviamente es ideal tener un equipo, una organización detrás que te apoya y ayuda en determinadas cosas, pero la canción es al final lo que cuenta. Y el día que alguien pierda la ilusión por hacer un tema, ya no mejor que el de ayer, sino simplemente que transmita algo a alguien, sea prisa, desprecio, amor, pues lo sentimos mucho pero... También es vital que seas tú mismo, que el mensaje sea tu mensaje, es decir, que lo que cuentes, en definitiva, sea algo único. La copia de otro no funciona. 2027 pinta a bola de nieve de cosas chulas. Hay que decirle a la peña que vaya a veros como sea. ¡Estamos convencidos de que si vienen a vernos les vamos a gustar! Les diríamos algo así como “sé el que estaba ahí antes que el resto” (risas). Entendemos que hay muchos artistas que estarán igual, pero nosotros damos guitarrazos, bateriazos y bajazos como nadie.

Sarah Karlsdóttir

y la matemática creativa de la canción

Una se pone sus canciones favoritas en el coche o en el transporte público de camino al trabajo, buscando ese estribillo que le ponga el vello de punta y empiece a dar algo de sentido y esperanza a su día. En ese momento, rara vez nos paramos a pensar en cómo se ha llegado a ese estribillo, en cómo se han estructurado esas letras que no te puedes quitar de la cabeza en apenas un par de escuchas. Ahí es donde entra en escena una gran letrista de autor y también directora artística musical como Sarah Karlsdóttir, dedicada desde hace más de quince años a desarrollar ambos pilares en proyectos de música indie, art rock, dream indie, neopsicodelia y post rock. Sarah trabaja cada canción como una unidad en la que palabra, emoción y sonido construyen una misma identidad, pudiendo iniciar su labor desde diferentes puntos del proceso creativo: desde una canción todavía por construir, en una ya desarrollada o desde una letra que necesita integrarse en la identidad de un proyecto musical. Independientemente del punto de partida, el proceso mantiene un objetivo similar: articular una unidad coherente entre letra, narrativa, arreglos y dirección artística, respetando siempre el lenguaje propio de cada proyecto. En palabras de la propia Sarah: “Creo que una canción tiene una especie de lógica interna, aunque no siempre sea evidente cuando empieza a construirse. Mi trabajo consiste, en buena medida, en intentar reconocerla. No siempre sé de antemano hacia dónde tiene que ir una pieza, y tampoco creo que dirigirla consista en decidirlo todo desde el principio. Hay canciones que te obligan a cambiar de perspectiva a medida que avanzan, a entender que aquello que parecía central quizá no lo sea, o que una determinada decisión sonora, una forma de cantar, un silencio o incluso algo que parecía imprescindible están llevando la pieza a un lugar que no le corresponde. Por eso para mí dirigir una canción también significa saber escucharla y saber retirar lo que sobra. El objetivo no es hacerla más grande, más compleja o más espectacular, sino conseguir que todas las decisiones terminen perteneciendo al mismo lugar. Cuando eso ocurre, la canción deja de sentirse como una suma de elecciones y empieza, sencillamente, a ser ella misma.”

En un proceso que desde fuera quizás se pueda percibir, por desconocimiento, como meticuloso, casi como de un puzzle matemático o de una estrategía más bien fría, el trabajo de Sarah Karlsdóttir aporta en realidad un mayor reconocimiento de la identidad de las canciones, sin tratar de añadir significado sino más bien revelar el que ya existe y acompañar su desarrollo desde la coherencia. Cuando ese clic se da, la magia surge, y tanto letra, narrativa y arreglos como la dirección artística dejan de responder a decisiones aisladas, empezando a formar parte de una misma identidad. Esta revelación permite al artista reconocer su obra y poder habitarla con mayor autenticidad. Por diferentes acuerdos de confidencialidad no es posible incluir en estas líneas ejemplos de su trabajo de dirección artística, si bien es más que destacable el trabajo de Sarah en la escena alternativa actual con diferentes proyectos musicales que son tendencia en la actualidad. Sí es posible comentar su aportación vital en la la integración entre identidad, narrativa, letra y propuesta sonora de la banda pamplonesa La Calma. Destacables son, por ejemplo, piezas como Nebulosa infinita y la creación y conceptualización de una pieza neopsicodélica y muy rockera como Luces lisérgicas.

Texto: Dani Pach Fotografía promocional

Quien no esté expectante ni se esté comiendo las uñas ante lo que está preparando Arde Bogotá en torno a su nuevo álbum, definitivamente no está vivo. Los de Cartagena, en medio de la locura que están viviendo a nivel mundial, publican el sencillo El club de la gente sola y, al mismo tiempo, anuncian el que será su tercer larga duración con salida casi inminente marcada para el próximo 2 de octubre. Desde ese momento la fábrica no deja de recibir nuevos afiliados, la bogotamanía está más activa que nunca y ahora es cuando uno es incluso más consciente de que estamos ante una trayectoria musical apabullante que no tiene comparación en nuestra escena. Arde Bogotá ha hecho historia y además sigue poniendo ladrillos por pura inercia para hacerla incluso más grande, ahora desde la perspectiva de quien ha fracasado manufacturando un corazón que no sienta. En el mismo comunicado a todo el personal lo confirman: “El corazón no respondió a las medidas previstas y la construcción quedó incompleta”. Esto ha supuesto que la fábrica se vea abocada al cese de la actividad, algo que no oprime la intacta voluntad de seguir intentándolo y, por ello, la banda pone a disposición de todo el mundo planos, materiales y errores acumulados, de forma que cualquiera pueda probar suerte bajo su responsabilidad. Eso sí, es importante conservar las piezas de cara a futuras reuniones de carácter informal en las que tendrán lugar pruebas colectivas de la resistencia del material. La explicación y el concepto no pueden ser más claras y concisas, ligándolo todo a una acertadísima campaña en redes en la que Arde Bogotá publicó con todo el sentido Instrucciones y después la lío pardísima bajo el falso nombre Bigger Splash con el que actuarían por sorpresa en los festivales más tochos de nuestro país. Así presentaron el sencillo del mismo nombre, dando alas a esta nueva era que tiene continuación ahora en El club de la gente sola. Estos tres minutos sirven para apuntalar el sonido y la imagen, más sobria, más rockera, más internacional.

Sobre la banda: Si llevas sin salir de la cueva desde al menos 2019, debes saber que la música ha cambiado mucho desde entonces, incluso con una pandemia mundial de por medio (de esto ya hablaremos con más calma). Arde Bogotá son de Cartagena y llevan revolucionando la escena desde diferentes niveles prácticamente desde aquel año, con un directo arrollador en clave rock y en especial gracias a dos álbumes que les han terminado dando una proyección internacional tan merecida como difícil de imaginar, a tenor de los hitos conseguidos hasta entonces por los referentes que dominaban la escena. La noche (2021) fue una suerte de nuevos aires en nuestra música, y Cowboys de la A3 (2023) fue la confirmación de que estábamos ante algo único y sobre todo muy bien trabajado. Con MCGS parece que conseguirán lo contrario al objetivo: los corazones no pueden dejan de latir cada vez con más fuerza.

AIKO el grupo

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

A poquitos días de que su tercer trabajo, Señales brutales (Primavera Labels) vea la luz, Aiko El Grupo nos recibe en sus dominios en Malasaña para enseñarnos las vistas más guapas de la ciudad y charlar sobre su evolución como banda, sobre el presente de la música y también sobre el papel de las mujeres artistas en la escena. Mucha tela que cortar rodeados de grandes canciones ahora en formato trío. ¡Se viene al fin vuestro tercer LP! Y estamos emocionadas y expectantes, muy nerviosas también, ya con ganas de parir (risas). Estamos, de hecho, más nerviosas que otras veces, sin duda, en otras ocasiones parecía como si en el fondo no nos diésemos ni cuenta. Tiene que ver quizás con que han pasado tres años ya de Me están apuntando con un arma, que al final ha sido el tiempo justo y necesario, pero las ganas se fundamentan en que hemos aprendido mucho en los últimos años y algunos de esos aprendizajes aparecen en las canciones. En los discos anteriores quizás estábamos más dispersas o dudosas, y esta vez vamos con mucha seguridad, con mucha confianza. Siempre hay dudas con respecto a cómo va a recoger la gente estas canciones, pero nunca hemos estado tan seguras de que nuestra parte del trabajo, plasmar nuestras vivencias en canciones es lo mejor que hemos podido hacer. Estamos súper felices del resultado final y no cambiaríamos absolutamente nada.

Suelen decir eso de que el segundo disco es vital para confirmar sensaciones. Aquí el tercero parece el revolucionario. Este es el mejor que hemos hecho, es mucho mejor que todo lo anterior, y lo hemos ido diciendo en los conciertos. Lo decimos todo el rato, no nos escondemos, no nos andamos con falsas humildades (risas). Las canciones son las más guays, las tres nos hemos currado las letras incluso más de lo que ya de por sí hacíamos, ha habido una dinámica creativa que hemos disfrutado mucho, nos hemos involucrado las tres a cholón, y el nivel de producción ha sido bastante más elevado. No es que lo anterior esté mal producido, para nada, pero sentimos que en este álbum hemos sido más detallistas, hemos sido más concretas a la hora de construir, algo que incluye también las voces, ya que teníamos muy claro cómo debían sonar. En su dia no teníamos del todo claro cómo queríamos que sonaran las cosas, y esta vez hemos llegado al estudio con todo mucho más claro, algo que facilita la vida al productor, en este caso Santi García de Ultramarinos. A Santi además le escogimos a conciencia, teníamos muchas ganas de currar con él, y nos hemos dejado llevar, hemos experimentado un poco, hemos metido cosas que en otros discos no nos planteábamos... Y bueno, es cierto que nos sentimos ahora más representadas porque es lo que estamos viviendo ahora. ¿Santi García ayudó a concretar sonido?

Absolutamente además. Queríamos un sonido afín a cosas que suele producir y tenía todo el sentido trabajar con él. Además funcionamos súper bien con él y encima es una persona muy versátil, ya que ha trabajado con bandas de muchos estilos diferentes. Suena increíble todo lo que hace y se adapta genial al espíritu de la banda, teniendo en cuenta que nosotras somos también una mezcla de muchas cosas. Nos preocupaban las voces, las baterías y guitarras... Vaya, nos preocupaba todo en el sentido de conseguir llegar a ese sonido que nunca habíamos planteado. Queríamos, por ejemplo, separar nuestras voces, teniendo en cuenta que cantamos las tres a la vez. Necesitábamos que no estuviesen apelmazadas y que se distinguieran las unas de las otras. Consideramos que lo hemos conseguido. Quizás Ni todo ni nada sea el mejor ejemplo, o al menos el más claro. Hay también en todo esto algo simbólico, y es que es el primer álbum que presentamos oficialmente como trío consolidado. Que es cierto que es un cambio que no es de ahora, pero estas canciones lo formalizan. ¡Incluso habéis cambiado de sello! ¡Como la vida misma! El espíritu y el talento sigue aquí, intacto (risas). Hablemos de lo audiovisual, de ese equipazo que confirma vuestra imagen.

En este sentido, lo de Fisura fue también un súper acierto. Queríamos llevar nuestra estética a algo más oscuro, más crudo o, al menos, no tan naíf. Tenemos claro que el disco no lleva una súper idea conceptual de que tenga que empezar sí o sí de una forma y que le deba seguir un orden concreto, pero eso no anula que nos apeteciese darle una coherencia estética entre todas las cosas. Aunque los vídeos sean muy diferentes entre sí, guardan una coherencia, son más profesionales y, en general, nos hemos sentido súper representadas, dando mucho feedback y sintiendo que nos pillaron muy bien el punto. La conexión con Santi García es similar en este caso, y es cierto que hemos tratado también en esto de ser más concretas con lo que queríamos. Las temáticas quizás no evolucionan y no es malo al escribir desde la introspección. Nostalgia, rabia... Sentimos que es un disco muy visceral. Te encuentras de todo, desde una rabia extrema a una vulnerabilidad muy jodida. La rabia y la tristeza supone al final hablar de dolor, es decir, hablamos de ello desde muchísimos puntos. Todas las canciones guardan alguna historia que nos sirve precisamente para transmitir esas emociones. No hay nada gratuito, todas las canciones hablan de cosas que nos pasan. En la Mondo leemos: “es uno de los grupos más excitantes de la actual escena de guitarras”. Es La Frase. Estamos un poco perdidas con qué bandas forman esa escena, con sinceridad. ¿Quiénes son? ¿Y cuántas tías hay ahí? Que la Mondo diga que somos un grupo excitante nos parece bien porque un concierto de Aiko puede ser muy acelerado, puede activarte mucho. Al final una se termina sintiendo como muy desvinculada de ninguna escena y es que quien decide qué es la escena es quien habla de ella. Es como lo de qué es emergente y qué no, que ya tenemos asumido que los grupos de mujeres seremos “emergentes” hasta que nos muramos. Ya estamos esperando artículos este año que hablen de nosotras como ”la banda emergente de Madrid, etc”. Pero volviendo a las guitarras, nosotras no tenemos nada que ver con La Paloma, ni con Carolina Durante, pero tampoco con Cariño o con Petunias. Que luego hay estilos que pueden encajar más, pero vaya, nada que ver, literalmente. Son bandas y tocan con instrumentos similares a los nuestros, pero en un Madrid sobrepoblado de bandas, ¿cuál es “la escena”? Cómo veis el panorama hoy. Cuando empezamos en esto, sí veíamos

esa cantidad de grupos de chicas que parecía que estaban teniendo una oportunidad. Hoy, seis años después, sabemos que esa oportunidad no era real y que esas bandas no han ido a más. Cuando te vas a los grupos que lo están petando de verdad, no hay ni uno de chicas, y menos petándolo en tan poco tiempo. Hay una banda como mucho que ha conseguido llegar a ese nivel y para de contar. El porcentaje de artistas mujeres como cabezas de cartel en 2026 es un dato lamentable, en torno al 22%, y de esto cuenta con que muchas son solistas. ¿Qué bandas de mujeres hay ahí? Y a saber además si están metiendo en ese porcentaje a bandas que tienen apenas a una teclista. También intuimos que muchas bandas que supuestamente lo están petando este verano quizás no den señales de vida nunca más, y esto también es una consecuencia de generar sensaciones. En fin, nos sigue pareciendo un campo de nabos y además no avanzamos nada como industria. Si echas un ojo a las artistas urbanas y la forma en la que llegan al mainstream, flipas con las cifras que consiguen, algo que implica que, te pongan o no de cabeza de cartel, te pagan un fee en condiciones sin ratearte lo más grande. Volviendo a lo nuestro, no tenemos obviamente nada contra nadie que monta una banda, hablamos de algo estructural, algo más de la sociedad, ya que parecía que estábamos dando un pasos que en realidad no eran muy reales. Que es cierto que estamos viviendo una recesión en general y tiene que notarse también en la música. No íbamos a ser menos. ¡Ojalá este álbum lo reviente y nos traguemos nuestras palabras! Entre noviembre y abril hay una gira oportuna para liarla pardísima. Vamos a tope con el calendario de Google. Con eso y con ilusión, con fe, con energía, incluso con trabajo, que aquí donde nos

po a este proyecto después de seis años. Nos apetece mucho eso. Por otro lado, asumiendo el agobio y las prisas que te mete la industria, es cierto que al final tienes que sumarte un poquito a eso para no comerte los mocos. Y también es real esa ansiedad de que si no vas a publicar algo y no actúas en tres meses, ya nadie se vaya a acordar de ti. Y nos encantaría que nos la sudase, pero es algo superior. Que te vaya bien en la música es un sueño, es lo más parecido a un milagro, es una cosa súper complicada. Conseguir conectar con un público, conseguir llenar las salas... Una sueña con eso de pequeña y ahora que ocurre, ahora que conseguimos vender tickets, el mayor miedo es cometer algún error que tire todo por tierra. Estresa mucho todo esto, y más siendo una banda de pavas, ya que se ven con lupa todos nuestros movimientos y cualquier error se ves somos un grupo mega privilegiado que paga más caro aún. tiene un equipo de puta madre que nos ayuda precisamente con este tipo de La fecha más alejada de lo confirmado logísticas que son súper complicadas. Nos es el 9 de abril junto a Belako en Vitoria. toca encajar las fechas con muchísima ¡Se viene bolazo para el recuerdo! antelación para que no solapen con Belako es una banda que admiramos trabajos ni con Repion, y con la ilusión de desde hace muchos años, coincidimos en tocar, que al final del día es lo que nos espíritu y valores, nos llevamos muy bien, mueve y nos apasiona. Tocar es compartimos muchas cosas y la fecha precisamente lo que tenemos que hacer, e terminó surgiendo en un contexto de insistimos, un buen fee nos sacará de compartir escenario en un festi de sala en hacer otras cosas y así, en lugar de lanzar Donosti con Lukiek, el otro grupo de Josu. un disco cada tres años, lanzaremos cosas todos los meses (risas). Entiendo, ahora que habláis de festis, que tenéis al equipo currando para 2027. Es cierto que lanzar un disco cada tres Lo ideal sería eso, girar el disco lo máximo años es una buena forma de ir en contra posible, nos apetece porque llevamos de los tiempos de la industria. muchos años ya con un repertorio similar y Toda la razón, y en ese sentido estamos la gente que sigue a Aiko quiere ya cosas muy contentas, pero también es cierto que nuevas. El feedback está siendo súper nuestros tiempos se han debido a una bueno, y ya con el KEXP ni te cuento. ¡Si nos serie de circunstancias nuestras. De haber ha compartido Courtney Love y nos sigue tenido el tiempo, la disponibilidad y la en Instagram! ¡Lo comprobamos cada día! pasta quizás habríamos caído ya en hacer Una colabo sería increíble, sería un disco al año. En la banda hay cierta literalmente nuestro sueño. Y también ansia por poder dedicar todo nuestro tiem- hemos seguido a RuPaul por si cuela...

Amaia. Plano secuencia

Textos: Dani Pach | Imágenes promocionales

Laboratorio sonoro: escribir canciones. Comienza otro enriquecedor curso en la Escuela de escritores, y lo hace con algunas novedades entre las que destaca la nueva edición del Laboratorio sonoro, encuadrado en el Área de Creación musical y narrativas sonoras que dirige el incombustible Miguel Marcos. En esta ocasión contará con un claustro de artistas invitados diferencial, entre los que se encuentran Zahara, Guille Galván, Nacho Vegas, Carlangas, Tulsa, Ricky Falkner, Guille Mostaza y Luca Petricca, además del propio Miguel, con el objetivo de acompañar de una forma inmejorable el proceso completo de la creación musical, desde una primera idea hasta la composición, los arreglos, la producción y el desarrollo de un proyecto artístico propio. El curso dará comienzo el 6 de octubre y terminará a finales de junio de 2027, será presencial en Madrid y las clases se desarollarán en dinámicas teórico-prácticas, siguiendo la línea metodológica de escuelas internacionales como la Berklee Music University o la LIPA. Por ello, si eres escritor de canciones, músico y/o compositor, estudiante de música, instrumentista o sueñas con ser un artesano de las canciones, el Laboratorio sonoro es el lugar ideal en el que desarrollar tus capacidades, aprendiendo armonía, composición, arreglos y descubriendo el mundo poético de las letras de canciones desde la perspectiva de la música moderna contemporánea.

Ya está en librerías la primera referencia en clave editorial de la carrera profesional de la revolucionaria cantante y compositora Amaia Romero, cuya trayectoria ha ido creciendo de forma constante desde aquel revelador Operación Triunfo de 2017 hasta convertirse en una de las grandes referentes de nuestra escena musical. En esta obra, el periodista, gestor cultural y también manager Luis Álvarez Borrero (autor además de un libro en torno a la figura del director de cine Alberto Rodríguez) se nutre de las declaraciones que la artista navarra ha ido vertiendo en medios y redes sociales en estos más de nueve años, complementando sus palabras con opiniones y reflexiones de su círculo cercano, además del resto de músicos y profesionales de la industria que la han ido acompañando en todos estos años. Desde su victoria en el conocido programa, Amaia ha publicado tres discos de estudio y numerosos singles y colaboraciones hasta erigirse en una de las artistas más singulares de la música contemporánea, siempre desde la innegociable premisa de esa independencia creativa que le ha permitido mostrar una inigualable sensibilidad interpretativa dentro de su constante búsqueda artística. Lejos de seguir caminos convencionales, Amaia Romero ha puesto siempre por delante su propia identidad en cada proyecto y, por todo ello, este libro organizado en capítulos breves y dinámicos, es una puerta esencial que permite al lector adentrarse a recorrer su trayectoria vital y musical hasta su consolidación como una de las voces más influyentes de su generación.

Billman

Quién sabe si en Maravillas Club hemos presenciado el directo de uno de los futuros grandes nombres de nuestra música. Galones y alma no faltan, y las canciones parecen acompañar para empezar a construir el relato. Sin ir más lejos, los sencillos disponibles en plataformas, Carta breve para un largo adiós y el recién llegado Moby Dick son buenas puntas de lanza para crecer desde la humildad de quien trabaja su movida rock alternativa (llamadlo post punk si queréis) con la calma que brindan los focos apagados. La banda madrileña Billman, liderada Bruno Villapol, tiene en sus manos resolver la duda, y ninguna prisa.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

Bruno, sorprendiéndose a sí mismo al ver volar su mundo interior convertido en canciones entre las cabezas de una sala abarrotada, cuenta con el aporte instrumental de Jorge (bajo), Javi (guitarra) y Edu (batería). Los cuatro ofrecieron un show sin excesivas florituras, centrando el tiro en un mensaje marcadamente literario que, junto a ese punto oscuro, conecta con referentes de la talla de Germán Coppini, por mucho que las guitarras quieran desviar el foco.

En directo, además de la sobriedad del frontman, destaca una línea de bajo espectacular de principio a fin, algo muy relevante en una banda con tanto apego a las guitarras pesadas y a los punteos guía. La conclusión es que es muy difícil aburrirse en un show así porque aunque a simple vista no lo parece, están pasando cosas todo el rato de un extremo al otro del escenario.

Siempre hay lugar para una versión consciente de Los Planetas, porque además en el caso de Billman suma y mucho, pero lo que más recordaremos de esta etapa de la formación madrileña serán las sensaciones propias de quien posee una identidad narrativa con mucho potencial, que seguirá creciendo en lo emocional y que se intuye además con mucho margen de desarrollo. El cuaderno de bitácora de Bruno empieza a ser al fin del mundo, y en Murcia la sala REM ya cuenta los días para recibirles el 26 de este mismo mes dentro de La Disquera.

¡LAS

ÑITAS!

Technicolor Club - Nos fuimos de casa. (3Rose Records)

Lucía Fernández - La última vez. (autoeditado)

Amatria - Nunca pasa nada. (Vanana Records)

Solo la conjunción entre dos catalanes y dos argentinos generada en una histórica jam podía dar como resultado un universo disco-pop de semejante calibre. Este Nos fuimos de casa es su segunda referencia del año, en la que parten del nostálgico acto de emigrar para alcanzar esa reflexión vital de encontrar el lugar que para uno es. Luz, energía e incitación al baile son los ingredientes perfectos para cantar a la contradicción, al movimiento y a la búsqueda tan propia de los seres humanos. La fotografía de Candela Falabella en portada corona un trabajo en el que es de justicia nombrar al músico y productor Luis María Cabezas liderando tanto la produ como la mezcla. Asumimos que junto al sencillo Boja per l’Elvis, del mismo corte, la banda de Gaspar, Marc, Markie y Guille estarán construyendo un nuevo trabajo que preceda con honores al ya de por sí muy interesante EP De aquí (2025) en el que su groove aparentemente tímido o más introspectivo parece soltarse ahora la melena.

Si el álbum La vencida (2024) fue un gran punto de inflexión clave en las aventuras musicales de Lucía Fernández, este año parece el indicado para empezar a recoger los frutos de un gran trabajo en la composición y también en saber cómo enseñarlo. El juego de la botella fue muy bien recibido a juzgar por sus escuchas, y este La última vez es al mismo tiempo un single más completo y más certero en lo que a música pop de aires discotequeros se refiere. Lucía ha contado en la producción con Julián Ronda, del mismo modo que Mike Teller se puso a los mandos en la mezcla, y además el autor de las fotografías es Víctor Mártil. Todo para disfrazar de “te quieros” los “adioses” y viceversa, en unos tres minutos que dibujan a la perfección la confusión que genera una relación cuando dejas de prestarle la atención que requiere. Lucía Fernández conquistó el Movistar Arena gracias a Suena Madrid, y el 30 de este mes actuará en la Sala El Sol para presentar el que será su inminente nuevo EP, La reina del baile.

Puedes considerarlo un cambio de registro o la lógica evolución de un artista que ya con De las cenizas (2023) enseñó al gran público una faceta que gustaba de caminar sobre sonidos más clásicos y un registro vocal más melódico y quizás menos rebelde. No por ello es menos festivalero, ya que el baile es baile siempre, sea con beats y samples o con boleros de alma pop como el que nos enseña ahora el artista de Toledo. Este año ha regado su camino de nuevas canciones que siguen esta línea, apostando por fundir lo latino en el ADN alternativo de siempre, haciendo que las piezas del puzzle vayan encajando en el que será su nuevo trabajo y que verá la luz antes de que termine el curso. Hazte a la idea de que en esta nueva vida de Amatria es de noche, los pasos clásicos dominan la escena, hay una copa rota en la barra y un bolso de mujer en el taburete alto, en un ambiente tenue en el que la bola de discoteca gobierna los colores rojos, violetas y azules. Nunca pasa nada, pero vaya si pasa.

Julia Debis - La memoria. (EP, MusicAdders)

Sandra Groove - Por si dejamos de vernos. (EP, Acqustic)

Ona Mafalda & La Bien Querida Quiero. (autoeditado)

Desde Canarias llega y cae en nuestras manos este EP con el que Julia Debis formaliza a modo de debut un conjunto de canciones de pop íntimo o más bien minimalista en el que el sobresaliente juego de voces destaca y luce brillante sobre todo lo demás. Este trabajo bien merece la escucha en su totalidad (estamos hablando de algo menos de 16 minutos), aunque es inevitable centrarse en la canción que cierra el disco y que además fue la última en llegar: Bola de cristal es, en palabras de su productor David Parejo, el abrazo más grande que jamás pudo dar Julia en forma de canción, y cierto es que los acordes limpios de guitarra y esos versos tan personales que rozan lo espiritual parecen escritos precisamente para eso. El EP guarda efectos en la voz, sin ir más lejos en el inicio de Dinosaurios o Lo mismo no es igual, pero no es la norma y da gusto escuchar la voz desnuda de Julia, quien actuará en octubre en Sevilla, Valencia, La Palma y Tenerife, y volverá a Madrid en noviembre, tras agotar entradas por dos veces en el Búho Real.

¡Vaya cuatro canciones se han cogido de la mano en este segundo EP de Sandra Groove! En una etapa prolífica a nivel lanzamientos para la artista andaluza-valenciana, nos han sorprendido especialmente los dos temas de estreno, en especial el cierre Déjame llevarte a París junto a la banda canaria Última llave. En la sala de máquinas de este trabajo nos topamos con Johan Velert (Valantain) en la producción, con Liam Garner en la mezcla y con aportes en la composición de Carlota Mad y Andrea Borrás, convirtiendo estos casi doce minutos en un interesantísimo combo musical al que prestar toda la atención o incluso más. Contigo siempre llego tarde es el otro estreno en este trabajo de pop elevado, que quizás tenga la estructura más clásica, justificando así el punto pegadizo en estribillos y puentes del que tantos artistas parecen querer alejarse en la actualidad. Si te gusta lo que lees y escuchas, también puedes verlo en la Live Summer Session que Sandra ha publicado en Youtube, contando con Fuiste el MPV, la canción mimada (¡confirmado!) del EP.

¡Esta súper dupla no la vimos venir! El nuevo adelanto del futurible EP Todo en orden permite a Ona Mafalda desvelar al fin la gran colaboración con una súper referente como La Bien Querida. Las dos voces encajan a la perfección para construir una composición fuerte y emocional a modo de himno al agradecimiento, a ese apoyo incondicional que siempre está ahí cuando una más necesita. Si no pudiste estar en el Festival de la Luz te has perdido la interpretación de esta canción en directo, así que pon velitas para la próxima vez que vayas a ver a Ona Mafalda, que quién sabe. Daniel Belenguer (Bearoid) estuvo a los mandos en la producción de esta canción y de todo el EP, del que ya conocíamos los adelantos Nada, Otra y Anthem. Con ellos sigue reafirmando las bases de una forma aparentemente sencilla e imponente de hacer rock con gancho, cantable y con ese punto melódico que marida especialmente bien en minutos como los de Quiero. Ona Mafalda vuelve a las salas, actuando en Madrid el 22-O y Londres el 12-N.

Texto: Dani Pach Fotografía: @bea11trice

La cultura es nuestra casa.

El fascismo no ha llegado, simplemente se escondió durante décadas en su tenebrosa habitación esperando a que la gente con sentido común, los enamorados de la cultura, de nuestros diferentes idiomas y de los derechos humanos bajásemos la guardia hasta un punto que quizás ni ellos imaginaban. Para los tecnócratas no hay marioneta más peligrosa que haya podido caer en sus manos, porque no es ni más ni menos que eso, en un caldo de cultivo en el que mucho tienen que decir unos sistemas educativos indecentes, un capitalismo obsoleto que no da más de sí y un porrón de crisis sin solucionar cuyos efectos hemos obviado o infravalorado, empezando por la más descomunal de 2008 que rompió de raíz el desarrollo personal de varias generaciones. El fascismo ha roto la ventana (a nada está de tirar a patadas la puerta) para lanzar exabruptos con cero vergüenza a absolutamente todo lo bueno que la sociedad ha conseguido en los últimos 50 años con sangre, sudor y más sangre todavía. Desastres naturales o conflictos fronterizos son más que válidos como excusa para expulsar toda la broza que llevan años y años acumulando semejantes iletrados en sus cabezas, tratando de llenar de odio cada metro que pisan, tan solo para tratar de imponer una terrible idea única de la vida en la que no tienen cabida ni ellos mismos. Al fascismo le importa un carajo Ceuta. Para el movimiento de los pollos sin cabeza es más importante que las artistas galegas dejen de cantar en su idioma, es más importante que no leamos, que no nos informemos, que no veamos cine. Es más importante acosar a mujeres en la entrada de las clínicas y es, por supuesto, más importante que las personas LGBTIQ+ vuelvan a ocultarse a base de golpes y vejaciones. Puede que esto se pare un poquito votando el día que haya que votar, y ojalá sea así por difícil que parezca, pero esta sociedad adormecida no puede permitirse el lujo de esperar a que lleguen unas elecciones que se intuyen dramáticas, no puede meterse en su habitación, que tampoco es perfecta, embriagada de pasividad. En estas páginas seguiremos dando alas a la cultura desde sus diferentes ámbitos y formas, y también seguiremos señalando lo que está mal, lo que resta en nuestra sociedad y la hace peor, pero necesitamos que tú, lectora, lector, te actives de la forma que consideres en contra de esta inmundicia. Nos necesitamos todos más que nunca.

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“Ai, se me axudas podo voar... Ai, se me axudas...”

LA CONTRA

Se me axudas, Guadi Galego (2025)

Pélago, María Maquieira (2025)