Revista Sold Out, nº 47

SARA SÍSTOLE MALA GESTIÓN LA AZOTEA TELEPHUNKEN ANA RODRIGO NÉCTAR FIESTAS DE RIVAS BELLA PAULA ESPINOSA LEPANTO TRÖTEGALÔPE

MISS BLANCHE PORFA ASHLEYS LA LA LOVE YOU GARA DURÁN ELEM EL HOMBRE QUE SE ENAMORÓ DE LA LUNA MEMOCRACIA & PERIFERIA

MANUELA VELLÉS VERMÚ BESTIA BEBÉ KITAI TERE!

Entre casitas elitistas y cancelaciones.

Los valencianos son una de las nuevas grandes sensaciones de nuestra escena y se han traído consigo para este segundo capítulo discográfico trece canciones rebeldes y pasotas, de las que ya habían adelantado la reveladora Noche de casino, Diesel, Skol (con colabo guay de Los Chivatos) y la incendiaria y honorablemente censurable Buenos días Vietnam Este Hacemos lo que podemos (Aqcustic, 2026) es una bofetada con la mano bien abierta a quien se pase por delante, que apuntala los galones de la banda y que hace justicia a su breve e intensísima trayectoria y, por ende, a ese gran primer álbum, Se nos ha complicado (2024), del que a nuestro juicio se ha hablado bien poco en medios y RRSS. Este álbum es una caja de sorpresas, surfeando la ola del pop y el rock y regodeándose en el indie más punki que uno pueda catar hoy en día. La provocación no anula la diversión (¡vaya, es prácticamente lo mismo en este caso!) de 37 minutos que van entrando en ebullición poco a poco, de forma que Morir lejos de aquí tenga mucho más sentido, atendiendo al total,, con unas vibras que conectan y suben intensidades por vez primera hacia la tercera pista, la perturbadora Edgar Allan Poe. La canción que da nombre a este álbum, alardeando de dinamismo, es de lo más bailable, por momentos discotequero, y susceptible de sonar en los tardeos indies de los que a buen seguro esta peña de descojona, y quién sabe si ocurrirá lo mismo con el pop electrónico y distorsionado de Sandalias del PSOE con un maltratado guiño a drede a James Brown. El premio a la luminosidad se la lleva Ex-ex pareja, más propia de un guateque con su estribillo alaskero, en unos minutos lo suficientemente divertidos como para no ver venir la psicodelia y el modo destroyer de apenas un minuto en Kambio Klimático. Y ahí, justo ahí, llega el ratito reflexivo del disco gracias a Sí, sí es tu culpa, por si echabas de menos algo de seriedad e introspección, que conecta de miedo con la canción que cierra el disco, Correo, que puede que te recuerde a momentos chulos de artistas como Luis Brea Este álbum es una paranoia, la mejor con diferencia

EL 2º ÁLBUM DE ESTUDIO

Este álbum se grabó en los estudios Millenia (Valencia) con Diego Escriche a los mandos. Cuenta con Rafa A. Ureña en los violines en Correo, con Pau García-Serra en una de las baterías, con Dani Rodilla, Manu Pardo y Pablo Pérez en los vientos de Noche de casino, Ex-ex pareja y Correo, y también con las voces de Celia Llop, Cris (Tinatrenes) e Irene Ricart. El portadón es de Lluis Martí Llopis. Mucho curro como para no escucharte el disco una y otra vez.

El mítico Cine Proyecciones, en la madrileña calle Fuencarral, fue el escenario de una tarde-noche muy especial (y además muy necesaria) para la música de nuestro país, en especial para una nueva generación de artistas que buscan un espacio que haga justicia a sus canciones y al trabajo de sus equipos en materia musical, audiovisual y artística. Por ello, que la cercana y amiga web musical 100 Pop Español haya organizado su 1ª gala de premios es un regalazo para todos.

Es cierto que hay más premios en la música, sea independiente o no, pero aquí hemos sentido y palpado una verdad y un cariño difícil de igualar, lejos de marcas y de presiones, y contando con un jurado de mucho nivel, sincero y objetivo. ¡Y encima, un servidor puso la voz en off! 100% Pop Español son Yaiza y Javi, pero esa noche lo fuimos prácticamente todos, ya que valía la pena poner el granito de arena para que un evento tan bonito, tan lleno de cariño, se hiciese realidad.

Por ello es ley citar a personas que echaron sus mejores cables a este eventazo, como Natalia Navarro (Dádiva), el manager por todos conocido David Piñero, la actriz y comunicadora Sara Astarloa, medios amigos como Indie FM Radio, Verdadera Locura o JMusind, y un montón de oficinas y artistas que hicieron lo imposible por estar, dando incluso más valor a la gala. De hecho, presentaron cada premio un elencazo de solistas a tener en cuenta, entre los que se encontraban Iván Feria, Silvia Expósito, Asier Martí, Bella, Neva, Charlie USG, los majos de The Dirtees, Germán de la banda Marsella, De Rancho, Brandon Parasole, Dani Terzo, Alicia Castillo, Eva Martín, Iris Penche, Safree, Dani Leiva, Marina Sánchez, Juanma Onse, Noelia Sánchez, Ariana Zar, Laura Durand, Cris Moné y Monzo

Por supuesto, como toda gala que se precie, el equipo de 100% Pop Español contó con una serie de actuaciones para el recuerdo de artistas de gran relevancia (algunas, de hecho, premiadas) como Maref, Carmesí, Sonia Gómez, Lu Decker, Alberto Vela y María Parrado Ante tremendo combo de artistas, el paso previo por la alfombra roja se convirtió en un infinito pasaje lleno de glamour musical real en el que los flashes se pusieron las botas también con Shinova, Funambulista, los homenajeados Efecto Mariposa, El Nido, el dúo Merino, los tendencia Kitai, Blanca Paloma, María Parrado, Claudia León o Sobrezero entre otros muchos. Si la gente de 100% Pop Español tenían dudas de cómo respondería el personal, se habrán llevado una gratísima sorpresa.

Esta primera gala de premios ha sido un verdadero ejemplo de cómo sacar adelante la ilusionante idea de premiar a artistas por la calidad de su trabajo, por el curro en la producción, en el diseño o por sus sobresalientes videoclips entre otras muchas cosas. A la mayoría no les persiguen los focos, no tienen la típica ajetreada vida de artista, no suelen sonar demasiado en la radio y no es sencillo encontrar entrevistas en red en las que puedan dar un mínimo de visibilidad a sus trabajos. Por ello, esta era la gran oportunidad, para muchos la primera, de dejarse ver, de enseñar lo que una hace y de intercambiar sensaciones y experiencias con muchas otras compo-

sitoras Para la Revista Sold Out el evento ha supuesto toda una positivísima revelación, ya que asumimos lo amplio que es el espectro de la música pop, del rock o de la canción de autor en nuestro país, pero se nos escapa la infinidad de talento que no llega a nuestro correo o que, si llega, no sabemos valorar como merece. Sin ir más lejos, no conocíamos lo suficiente el trabajo de artistas premiadas con merecimiento como las madrileñas Schropp Sisters, la pacense Blanca García o la también actriz Begoña Vargas. Así, se nos abre un abanico amplio de nuevas músicas que poder incluir en estas páginas en próximos números, que puedan com-

plementar la aparición aquí de sencillos o discos de otras artistas que sí se han cruzado en algún momento en nuestro camino, como es el caso de Lagaiaff, Lili Ritz o Sara del Valle Faltan muchos nombres, nos encantaría nombrar a todas y a todos porque, de alguna forma, sentimos que quizás muchos medios les estemos fallando por no llegar o por no saber, aunque creo que como buena lectora habitual de la revista, te irás a las RRSS de 100% Pop Español para hacerte con todas, abriendo tu prisma musical y a buen seguro descubrir tus nuevas canciones favoritas para refrescar estas primeras semanas de calorcito. Volviendo al asunto que compete estas páginas, la gala fue la mejor gala posible, tuvo la mayor verdad posible, hubo un cariño y un mimo de difícil comparación por parte de todos para que saliese adelante, y solo había que ver las caras de todos, para darnos cuenta de lo importante de un evento así para esta industria tan manida Fue la primera, pero todos supimos a su finalización que habrá muchas más galas de premios 100% Pop Español Por nuestra parte solo tenemos palabras de agradecimiento por confiarnos un huequecito en ese espacio situado en Cine Proyecciones, por dejarnos ser una de las voces en la sombra que presentase a todo gran artista, y también por confiar en nosotros para formar parte de un jurado de ensueño Sumar para causas así es lo que da sentido a lo que hacemos, unos como web musical, otros como revista digital, pero siempre atentos a toda propuesta interesante en lo musical sin necesidad de que un sello grande o una multi aparezcan para darles visibilidad. Aquí luchamos cada mes por que nadie condicione nuestro contenido y, por eso, esto que habéis hecho, amigos de 100% Pop Español, Javi, Yaiza, es un regalo (insisto) difícil de describir. Si tú, lectora, acabas de llegar y no tenías ni idea de la existencia de su web ni de su primera gala de premios, nuestro consejo es que leas todo su contenido al mismo tiempo que te pones en Spotify sus listas relativas a todas estas artistas Ponte Carmen Ferre a todo volumen, por ejemplo, y disfruta descubriendo nuevas músicas tanto como lo hacemos nosotros Los premiados de la I Gala de Premios 100% Pop Español los tienes aquí:

Es una de las últimas grandes sensaciones de nuestra escena, ha lanzado un súper disco en todos los sentidos, NO MORE MANNERS (autoeditado) y acaba de ganar, además, el concurso Endesa Play, celebrado en la Sala But, que le permitirá actuar en la próxima edición del festival Jardín de las Delicias. Muchas buenas noticias en torno a una idea, la de TERE!, de apostar por su propio camino creando un excepcional imaginario propio alejado de los parámetros convencionales actuales. Entre Reino Unido y Madrid, conseguimos sacar un ratito para compartir café en el Lizandro, en el barrio de Conde Duque, y charlar de una evolución musical increíble.

¿Cómo está TERE! tras el lanzamiento del álbum y todo lo que ha venido después? Pues el disco salió el pasado 19 de mayo y no os voy a mentir: estaba muy segura en el proceso y, sin embargo, en los últimos días me entró el vértigo. El hecho de estar haciendo realmente lo que me daba la gana es algo increíble y te sientes súper realizada, pero genera incertidumbre, no sabes cómo va a ser acogido tu trabajo. Te entra la duda, piensas si esto es lo que la gente quiere de ti, pero luego recuerdas que precisamente eso, hacer lo que la gente espera de mí, no me hacía feliz. Estoy muy orgullosa, el álbum se llama NO MORE MANNERS porque habla de romper las normas, de permitirme esa libertad de crear lo que yo quiera, de explorar todos los géneros que me gustan. Empieza muy

rockero, luego le sigue una parte más orquestral, entra incluso en el punk en canciones como DISAPPEAR o WAKE, WAKE UP!, en las que hay más experimentación. Recuerdo que escribí estás canciones tras ver el documental de los Beatles (Get back). No me he puesto límites y quería poder decir: a día de hoy, esto es todo lo que sé hacer. Este es mi 100% ahora mismo.

15 canciones, más de 45 minutos. Tampoco eso es lo común, sin olvidar el equipazo que te rodea. El disco lo he grabado en mi universidad en Inglaterra con músicos y productores de mi curso, y parte del disco también se grabó en Casa de Tolos (Gondomar) con Segundo Grandío en unos días que fueron increíbles. Me dejé el móvil en Madrid para desconectar de todo yquizás eso es lo que ha permitido que el resultado sea tan honesto y sincero. Estuve toda esa semana muy conectada a mi creatividad, y es cierto que todas las canciones las compuse antes de ir, en los últimos tres años, y tengo mucho cariño al total, al proyecto, porque representa todo lo he aprendido en Liverpool, todo lo que me ha enseñado irme fuera. La primera canción que escribí fue HOME-HEALED, que casi cierra el disco, justo un mes después de llegar a Reino Unido, así que ella ha visto todo el proceso.

Es una curiosa combinación, Liverpool y Gondomar. Esto es porque Track Zero lanzó un concur-

so para artistas emergentes con la idea de ayudar económicamente con la inversión de un primer disco, y yo tenía el sueño de grabar uno pero no tenía los recursos y vi en ello un impulso que me vendría genial. Yo me apunto a todo (risas), y en este caso tuve la suerte de que me seleccionaran para la final, que fue en la Sala Capitol en Compostela. Fue una experiencia total que me hizo creer que igual sí podía tomarme esto todo lo en serio que quiero, y es que, además, el repertorio elegido para esa noche fue literalmente el disco, tal cual. En cuanto al idioma, creo que hay mucho prejuicio con los artistas españoles que hacen música en inglés, y es común que mucha gente diga eso de “eres español, ¿por qué cantas en inglés?”, cuando esa misma gente tienen playlists con música 100% en ese idioma. Si dominas otro lenguaje, ¿por qué no? Al irte a estudiar fuera, el inglés se convierte en tu principal lenguaje, lo hablas todos los días. Yo ahora mismo pienso, sueño, escribo en inglés, porque se ha convertido en parte de mí. Ahí me podían entrar las dudas, presentar un disco que está casi todo en inglés a la audiencia española, pero al final voy con ello con el convencimiento de que se puede, teniendo presente además referentes como Ruth Lorenzo, que también lo está haciendo. Es además una de mis invitadas en el concierto en Madrid.

Volvamos atrás en el tiempo: lanzas tu primera canción en 2021. ¡Con 15 años!

¿Cuándo llega el clic estando ya en UK?

En mi primer año en Liverpool yo seguía con mi antiguo proyecto, con ese vibe indie folk probando a ver hasta dónde podía llegar con eso, con un punto más de cantautora. Me ocurría que, tras los conciertos, cuando me bajaba de un escenario no sentía que lo había hecho todo. Me subo, todo mis canciones, pero no siento que dé todo mi potencial. Creo que tenía la necesidad de volverme loca en el escenario, dejar que salga esa rabia o fuerza contenida de alguien que viene de una realidad más tradicional, conservadora. Cómo vivir tu sexualidad en entornos así es complicado, y cuando te mudas a Inglaterra a una universidad de artes en la que vives en un mundo opuesto, te frustras al pensar que llevas una imagen a tus espaldas que no eres tú, más bien eres lo que te has sentido obligada a mostrar de ti. Parecerá una tontería, pero uno de los cambios más grandes y que más me ayudó fue cortarme el pelo. ¡Nunca subestimes un corte de pelo! De repente parecía que con todo ese pelo largo se iban esos estigmas, todo lo vivido en ciertos años. Escribí entonces una canción, LIAR, y al instante supe que ahí había algo distinto. La empecé a producir en mi cuarto, en aquel momento sonaba fatal pero yo ya tenía una misión porque ya sabía por dónde iban los tiros. La llevé a mi banda, la tocamos por primera vez en directo, curiosamente siendo la última del setlist tras el repertorio antiguo, y la gente

se nos acercaba preguntándonos de dónde había salido eso y por qué no teníamos más material así. Ahí sí me bajé del escenario súper realizada, sabiendo que algo había encajado. Nuestro bajista, Tom Pierre, también es productor y me dijo que quería ser él quien produjese la canción porque la estaba visualizando y, a partir de ese momento, todo fue tomando forma. ¡Abrieron la lata LIAR y el corte de pelo!

No debe ser sencillo un giro así con millones de escuchas de la TERE! folkie. Sé que si siguiese con esa otra imagen me podría ir muy bien, mucho mejor. Llevo mucho tiempo haciendo contenido en Tik Tok y al final del día sé lo que funciona, y más teniendo en cuenta que ese tipo de música se escucha mucho aquí. Lo más importante para un artista es mantenerse fiel al impulso creativo, a lo que de verdad te está pidiendo lo que llevas dentro, y lo que más he buscado con este disco es que te haga pensar. Hay canciones como MAN que son muy duras y hablan sobre temas bastante complejos. Quiero que mi proyecto no te deje indiferente en la escucha, lo cual no quita que tenga mucho cariño a Ojalá te acerques tú, que además fue la primera canción con la que yo acepté mi sexualidad en redes.

Citabas a Tom Pierre, y en este disco hay hasta cinco productores, y se suman al proyecto fotógrafos, creativos... Me fijaba en artistas como Chappel Roan o

Joan Jett, incluso en Lady Gaga, y me encanta esa estética que entra tan bien por los ojos, que es súper estimulante, súper maximalista, en la que están pasando muchísimas cosas a la vez. Yo quería algo así, y mezclarlo con lo que me hace sentir el rock, que es mucho ruido, tempos muy rápidos, guitarras súper agresivas, bajos muy distorsionados. Todo eso mezclado era con lo que yo conectaba, y es cierto que en un primer momento asumes que son épocas muy diferentes y que estoy intentando usar una imagen de los años 20 para esto, pero al final encuentras la forma de conectar. Ese exceso, ese vanguardismo termina teniendo un nexo, aunque es cierto que cuando hablaba con fotógrafos para las sesiones y les enseñaba la música no entendían nada, y yo les decía “¡de verdad, hacedme caso, que yo sí lo veo!” Me gusta desde pequeñita el mundo del circo, películas como Cabaret, The Rocky Horror Picture Show, All that jazz, y quería representarlo a mi manera. La clave fue el examen final de mi universidad, un show de cuarenta minutos en el que puedes hacer lo que quieras y que además lo graban profesionalmente. Lié a amigas de diseño, a otra que hizo la ropa solo para esa prueba, hablé con las bailarinas, me monté una banda de dieceiséis músicos, hice todas las partituras y al final salió adelante de una forma brutal. Es un equipo muy grande, pero estoy muy feliz de haber podido desarrollar una idea de inicio tan compleja que solo estaba en mi cabeza.

Todo en este disco está hecho súper casero con mis compañeros de univerdad, y es un proceso que se disfruta mucho más así. Es agotador porque, al final, tomas parte en todo, pero se siente mucho más agradecido, y hoy sé que cada reproducción, cada persona que me escribe es gente que de verdad se ha interesado por el proyecto, por escucharlo, que se ha topado con él gracias quizás a algún vídeo mío. Es un proceso totalmente orgánico.

Lo que más conecta con todo ese imaginario, desde fuera, quizás sea WAKE, WAKE UP! Es mi Bohemian Rapsody, obviamente con todo el respeto a Queen. Es lo que menos sentido tiene musicalmente hablando en el disco, es decir, ¡tiene 27 mil cosas distintas! La “culpa” de haber hecho realidad canciones así es de LIPA, ya que allí he aprendido muchas más cosas que el hecho de ser artista... Considero que, en base a lo visto y lo vivido, nuestra industria está como quince años por debajo de la británica, aunque está evolucionando mucho ahora, con bandas muy de la neo-movida como Mala Gestión y proyectos muy funkies.

Citas a Queen, y THE DREAM es muy ópera rock... ¡El último solo es Brian May total! ...y luego está el contundente bajo de LIAR. Cuando superas HOLDING ON, que ya se eleva un poco, y luego pasas por LOVE 4 LOVERS, que empieza balada hasta que deja de serlo, inspirada en Fleetwood Mac. Pero ya desde OVERSHARING la cosa va despegando más, y como soy muy fan de los discos que acaban en balada, THE DREAM era la ideal para cerrar. Ha sido un proceso increíble, una comida de tarro tremenda y la convicción de que tienes que ser súper ambiciosa para hacer un disco. Tienes que pensar que vas a estar a la altura de tus ídolos si quieres aspirar a hacer cosas así. El disco, además, no tiene canciones de relleno, de hecho, si no he escrito unas 70, no he escrito ninguna, y la única que se ha mantenido desde el principio fue LIAR como el origen de todo.

Y todo esto desde la autoedición. Soy muy de que si puedo hacer algo yo, lo hago yo, en todos los aspectos: si necesitaba antes dos guitarras y dos teclistas, y ahora toco yo la guitarra y el piano. Si lo puedo aprender, por qué no. Así ha ocurrido con la producción de las demos, e incluso ahora me llegan gracias a eso trabajos de otras cosas, canciones para programas de pastelería, para películas, escribir para otra gente... Si te gusta la música, te va a gustar hagas lo que hagas, aunque lo importante y prioritario sea siempre mi proyecto.

Chema Ruiz, líder de Trötegalôpe, nos volvió a citar junto a su banda (Diego García, Juan Hernando y Francisco Cuenca) un año después de la última vez, en la que ya parece su segunda casa, el Siroco Club, para enseñarnos los nuevos temas de su novedosa era en clave vaquera. Sin embargo, nos enseñó cosas, incluso más relevantes, en una noche con mucha verdad en la que vimos más entrega dentro y fuera del escenario, y una sensación sincera de que la formación está encontrando su camino y además lo está sabiendo encaminar con paciencia y orgullo. CARNAVAL y ES X TI/MI se celebraron tanto como las canciones de EGO (2024), las cuales se apuntan a su manera a esta etapa de reconstrucción, de la búsqueda de luminosidad y esa honestidad vital hacia uno mismo.

El momento clave que terminó de enganchar al respetable es muy nítido: Chema se armó con el bajo, y entonces todo pareció tener incluso más sentido. Su pasado en El canto del loco no pasa desapercibido para nadie, y el concierto en ese punto se convirtió en otra cosa, y ya daba igual si interpretaban BIG BANG, SIN NIRVANA o TE VOY a MACHACAR, porque todo se iba a celebrar ya a otro nivel. Si ahí estaba la clave, bienvenida es, porque el trabajo que lleva encima Trötegalôpe es digno de recibir mucho más rédito. El objetivo puede que no sea ese, pero la inercia debería proveer.

Estos días hemos podido comprobar que ese bajo histórico se está renovando y poniendo a punto, algo que nos alegra mucho porque volver al origen de algún modo es tan necesario como sanador. El concierto, en el que se encontraban muchos músicos de otras bandas (como Gorila Flo), los coleguis de Marilians o el siempre ilusionado ilustrador Live Forever (autor además del videoclip de ES X TI/MI), fue una fiesta y una verdadera alegría, porque todo suena como debe sonar, Chema canta como debe cantar y ahora además transmiten de una forma diferente Será una luz distinta, especial, la que alumbra al artista cántabro más allá de los focos de esta sala icónica, ante un futuro próximo en el que nacerán nuevas canciones y un (intuimos) emocionante segundo disco que quizás sea un antes y un después para este proyecto musical que merece nuevos públicos.

La nueva era de la banda Kitai acumula un sinfín de buenas noticias, y todo ello ha fructificado al fin en un nuevo álbum, El bar de siempre (Hook E.M.). Este quinto trabajo de estudio es, al mismo tiempo, el primero de una etapa que va más allá de lo prometedor y en la que obviamente destaca el aporte de la artista Kenya Saiz, quien pone voz, riffs y un plus de carácter a una formación que mantiene la ambición, las ganas de comerse el mundo abriendo su propuesta rock a nuevos públicos. Nos fuimos a los dominios de Hook para charlar con ellos de lo frenético y de lo creativo.

¿Cómo están los Kitai estos días?

Ya con el disco fuera estamos muy contentos porque llevábamos mucho tiempo ya con ello. La salida ha sido un poco tediosa por diferentes motivos, pero nos hace muy felices que esté ya ahí y que ya estemos inmersos en la gira de festivales. Ahora viene la parte en la que disfrutaremos de todo ese trabajo.

¿Los tiempos se modifican quizás por el Benidorm Fest?

Es una de las razones, aunque tiene también que ver con que la incorporación de Kenya se dio cuando el disco empezaba a construirse, ella vivía en Mexico y era un ir y venir todo el rato, conociéndonos al mismo tiempo que hacíamos al disco... Nos metimos un poquito de prisa al principio, y cuando surgió Benidorm tuvimos que modificar los planes, que era para bien,

pero a lo tonto han pasado ya unos cuatro meses de aquello y se nos han hecho largos a la hora de preparar todo lo relacionado con el álbum. Nos moríamos por que saliese cuanto antes.

El momento televisivo habrá generado una expectación quizás inesperada. Ojalá seamos más conscientes ahora, aunque quizás sí hace un poco de trampolín. Deivhook quizás es el que menos se atrevía a tomar la decisión de participar en un certamen así, pero nos ha venido muy bien para poder llegar a un público que antes no teníamos, y que es de lo que se trata al final. Como buenos cocineros, consideramos que cuanta más gente venga a nuestro restaurante o nuestro bar, mejor será. El proceso para crear este disco ha sido el más difícil de nuestra carrera porque empezó con un cantante, siguió con otro y acabó al fin con Kenya, que tiene además una voz increíble. En sí mismos, estos procesos son tediosos pero en este caso lo ha sido mucho más. De hecho, hubo un momento en el que incluso reflexionamos sobre si esto iba a llegar realmente a buen puerto, pero el hecho de haber conseguido publicarlo nos hace doblemente felices. Y ahora nos morimos de ganas de girarlo, porque el lugar más importante para nosotros son los escenarios de las salas, el público, esa conexión en la que las canciones cogen fuerza y la gente empieza a hacerlas suyas. Kitai puede presumir de ser una banda de

directo, de locura, que nos la suda lo que pueda pasar porque ahí es donde mejor nos sentimos, donde conectamos mejor.

Un quinto disco que es también un primero, lo que define muy bien el momento clave en el que estáis. Estilísticamente es una progresión de donde veníamos, a propósito de que queríamos seguir en esa misma línea. Es cierto que hay elementos nuevos, empezando, obviamente, por la voz (es el más evidente), y hay un acercamiendo por momentos hacia un pop más electrónico, al igual que hay otros pasajes más rockeros. Es un disco muy equilibrado, y todas las canciones son susceptibles de que la gente se pueda sentir idenficada con, al menos, una en particular.

Al inicio de este proceso, Kenya acababa de lanzar su disco A beso y cuchillada. K: y también me costó un huevo sacarlo en Mexico. Los chicos de Kitai y yo nos conocemos desde hace muchos años porque hemos coincidido mucho en el camino, y es verdad que ese disco lo lancé ya con cierta hartura, al haberlo escrito tanto tiempo atrás, hasta el punto de que ya no me sentía muy identificada con sus canciones. Estaba con la promo, con el disco ya fuera desde hacía unos seis meses cuando ya era inminente unirme a la banda, que en realidad me lo propusieron antes y quería respetar los tiempos de todo lo que había trabajado con esas canciones.

El timing fue perfecto y todo surgió y se desarrolló de una forma muy natural.

Habéis contado para este disco con unos cuantos grandes nombres propios, véase Javi Ferrara en una composición. En Bichomalo, de hecho.

¡Nos pegaba muchísimo! Javi tiene una forma de escribir muy parecida a la nuestra, de una forma muy gamberra. La diferencia es que nosotros tenemos algún filtro y él ninguno (risas), y en este tema conectamos muy bien. De hecho éste fue uno de los primeros que compusimos con Kenya ya en la banda. Es una de esas canciones que ayudan a anclarte en el sentido bueno de la palabra. Te avisa de que vas por el buen camino, ya que contiene la esencia de todo lo anterior y, al mismo, tiempo tiene cosas nuevas, frescas. Y bueno, Javi es un capo, él guarda consigo la esencia de todo lo que se respira en la escena en salas, en las cloacas además, es decir, detrás del telón, y tiene una forma muy original de escribirlo, sin cortarse un pelo, sean cosas buenas o malas. En Bichomalo nos reimos de nosotros mismos, reflejando esa verdad de que llevamos unos 13 o 14 años, somos ese bicho malo que nunca muere, y lo decimos con orgullo. Saquemos este disco, brindemos y sigamos.

Las letras, de hecho, en este disco son muy literales, con referencias a personajes de series, a “famosos”... Es esa forma gamberra de expresarnos y en la que conectamos con bandas como Parquesvr, todo es muy visual y conecta con el oyente porque le ayuda a aterrizar la idea de una forma sencilla. En nuestro primer single, con ese “como Dani Martín y David Otero” te vamos a contar una historia y tú ya estás dentro de ella en la primera frase. Javi, por cerrar tema, tiene el don de conectar con generaciones a través de las letras. Cualquier tip que nos daba era algo súper positivo para nosotros y, de hecho, nos ayudó mucho en un momento en el que estábamos en la mierda, eran momentos duros y él nos decía lo que no queríamos escuchar, como hacen los buenos amigos. Kitai es la típica banda que nunca había terminado de llegar a nada, y en base a eso hicimos la letra y no hay nada de lo que avergonzarse. Nos hizo ver lo importante de diferenciar también el talento de los números, a ser honestos con si llenamos salas o no... Nos paramos mucho en esto porque realmente fue un punto guay de inflexión en lo compositivo.

En la produ habéis ido a pachas con Lalo. Nuestro bajista Fabio ha sido bastante protagonista en la producción de este disco, sobre todo con el objetivo de que mantuviese la esencia de Kitai, de los riffs,

del sonido. Que esa coherencia estuviese ahí. Es quien ha aterrizado todas esas ideas en un disco complejo que se ha construido durante tres años con los cambios ya mencionados y con todos los elementos posibles que podían distraer. Fabio nos ha mantenido a flote para que luego ese trabajo lo terminase de empastar Lalo.

Hay ejemplos de bandas que han sufrido críticas feroces de sus fans cuando han hecho cambios importantes, pero, en vuestro caso, quizás por mantener esa esencia, lejos de la crítica incluso habéis ganado nuevos públicos. Era nuestra obsesión mantener eso, que la fan base pudiese notar que ahí seguimos al mismo tiempo que queremos ir más allá. Se nos viene a la cabeza Siloé, Shinova, Sexy Zebras: a unos después y a otros an-

tes les llegó ese disco que les cambia. De repente hay unas letras que conectan con una generación, y no es fácil de explicar porque lo bonito de la música es, precisamente, que no es una ciencia exacta. Esas bandas están recogiendo muchas cosas que han sembrado a lo largo de los años, y es algo súper merecido. Uno piensa en dejarlo mil veces porque son procesos muy jodidos, y más en un momento en la industria en el que es muy complicado mantenerse, enfocado además en una escena muy de solistas. Tener una banda es muy costoso, hay mucho desgaste, muchas opiniones y hoy en día desde arriba no están las cosas para que te ayuden demasiado a salir adelante.

El bar de siempre son trece canciones, todo encaja a la perfección e incluso

parece que llega a su fin en El amor te da miedo hasta que, de repente, hay lo más parecido a un bis con intro incluida. Esto tiene que ver con una estregia que hemos llevado adelante de cambiar el orden de las canciones en el vinilo, a modo de sorpresa. Eso genera otro paisaje para el fan que quiera vivir el disco y el recorrido de las canciones de una forma nueva.

Hablemos de nuestra fav: 5 sentidos. Es, junto con El dorado, la canción más balada, y es que el álbum está súper arriba mucho rato y cuando llegas a esa canción más amable, tan bonita, dejas introducirte por su letra y te la puedes llevar a tus propias experiencias. Es un lugar guay

Hay una referencia que nos encanta en 5 sentidos dirigida a Cocodrilo, que es de nuestras canciones a las que más cariño tenemos, y mucha gente nos ha escrito hablándonos de esto, agradeciendo esa referencia. Son de esas canciones muy importantes en nuestra carrera, lo siguen siendo, de hecho, y sí, Kitai nunca se ha abierto mucho en lo relativo a canciones de amor y, por ello, es otra de esas cosas novedosas, aunque lleve ese espíritu gamberro que nos ha traído hasta aquí. Ya están aquí los festis (¡y las salas!), y la gestión de la banda se eleva a otro nivel.

Todos aspiramos a esto, a estar en muchos sitios tocando en verano enseñando tu proyecto, y afrontamos estos meses con muchas ganas, también por ver las reacciones entre el público. Siempre vas un poco a la expectativa de qué va a funcionar mejor y nos sorprenderemos seguro con algunas canciones. Nuestro lugar es el directo, y todo lo que hacemos es para traducirlo en el escenario. Ese es nuestro lugar, en el que mejor nos desenvolvemos, y de momento confirmamos que la gran sensación en vivo es El amor te da miedo,

Gracias a Sound Isidro descubrimos una de esas bandas que mola conocer primero en directo (así de especialitos somos), porque el hype ya no te lo quitas y no deja de subir. Es el caso de Porfa, que en el mandrileño Hangar 48 enseñaron con toda la importancia e ilusión que merece su nuevo EP, Lo siento mucho, no volverá a ocurrir, el primero bajo el abrigo de Universal Music. El directo es divertido porque sus músicos, Antonio, Lolo, Paula y Maca lo son, y así es mucho más fácil proyectar buenos guitarrazos ante un público que se metió en el rollo tan pronto como se subieron al escenario

Es increíble lo pegadizos que son los adelantos Perdón y Fantasma, y quizás se deba a un particular don para sacar partido creativo al caos sentimental, a los sinsentidos emocionales, que envuelven en ironía y en el humor necesario para poder salir adelante Por supuesto, la enganchada a Me aburres es real, y la canción que abre el EP, Samanta, te molará por su abuso por las quintas dosmileras y sus ínfulas de muchas referencias pop al estilo Fresones Rebeldes.

La banda de Zaragoza encuadra su música dentro del tonti-rock, y esto no se debe entender como algo facilón o chorras

Estos chavales saben lo que hacen, van a saco con su idea, y esta forma de hacer las cosas hace

que conectar con el público sea demasiado fácil. Estas cuatro historias generacionales que rondan los tres minutos no deben eclipsar, eso sí, a La trilogía del amor (2022), a sencillos que rozan el ska como Bicho o a una Atrapasueños a pachas con Raquel Gago. Mucha tela que cortar y más que decir. Porfa, seguid así, porque esto mola mucho.

Aprovechamos este momento lucha libre para animaros a seguir a Porfa en vuestras plataformas favoritas de audio, y también en sus redes sociales, por eso de que no os perdáis a la banda jugando al Uno, mensajes personalizados del emérito y otras historias chulas. Si necesitas más datos de su nuevo EP, su productor es ni más ni menos que Alejo Stivel junto a Nicolás Marchena (Maldita Nerea, Colectivo Panamera) e Irina Aizencang, y el máster es cosa de Víctor García (Ultramarinos). Palabras mayores para este gran EP.

Con un temazo de estreno que esperábamos con ansias como Habladurías (por cierto, portadón de Marta Caparrós) y, por ende, con una nueva etapa sonora, se plantaba Ashleys en el Hangar 48, cortesía de Sound Isidro, para liarla parda con gorra de capitan de sala incluida. Marta, Mónica, Bea y Roi dan un punto más punk en directo en un todo vale de manual muy divertido en el que te haces súper fan a los pocos segundos, coreando celebrados hits como Amigo ideal y Torreznos, ese doble single brutal (Cómplices para matar) post victoria Mad Cool Talent

La música como desahogo es la razón de ser de una banda que quizás no está siendo tan prolífica como otras a nivel lanzamientos (y la verdad, mola que sea así, sin perder el norte), pero eso no ha evitado que estén dando el callo en directo en multitud de eventos, especialmente en un 2025 de ensueño en el que además de ganar el concurso Mad Cool Talent, y su consiguiente actuación en el festi, reventaron los Conciertos de Radio 3 y estuvieron en Monkey Week, en el Oasis de Elche, el Supersónica coruñés e incluso en su primera Sala El Sol Por ello, poder verles en una sala tan recogida como el Hangar es un lujo que quizás nadie ha ha sabido valorar todavía en su justa medida. Habrá tiempo, pero es una alegría que bandas que han actuado prácticamente en todas las salas de su ciudad tengan el reconocimiento que merecen.

En cualquier caso, de locos y para repetir una y mil veces la que ha sido nuestra primera vez viendo a Ashleys, y tras charlar con su equipazo de Last Tour se nos queda dentro ese “continuará...” clásico de las series, porque el cuerpo nos pide más y algo nos dice que esta segunda mitad del año va a estar llena de grandes noticias e hitos para la banda. Los amantes del power pop estaremos muy atentos a una de las formaciones más interesantes y frescas de nuestra escena alternativa.

Para viajar de España a Guatemala se hace escala en la Luna. Al menos, a lo largo de la grabación de la #Luna408, que tuvo lugar en el Café Berlín de Madrid, donde llevamos a cabo una edición especial de El hombre que se enamoró de la Luna para hablar exclusivamente del proyecto cultural “La Antigua Fusión”

Una oportunidad para conocer una experiencia que une el arte y la intervención social, creando puentes de cooperación entre ambos países Toni Pino es el fundador de este proyecto e impulsor de una iniciativa que nació de un sueño y que, desde hace un par de años, está consiguiendo hacerse realidad

Toni Pino nos cuenta, con la voz emocionada, lo que supone organizar tres viajes al año con distintos artistas españoles para impartir formación y convivir con los niños y niñas residentes en las escuelas de “El Patojismo” y del “Proyecto Luis de Lión” Y el resultado es sobresaliente

Son ya más de 150 chavales los que han recibido esta formación participando en las distintas actividades que se desarrollan a lo largo de la semana. Todas ellas giran en torno a la música y el teatro. Todas ellas buscan que estos niños y niñas esquiven el duro destino que les imponen los complejos barrios en los que están creciendo.

Para conocer cómo es el trabajo de los artistas sobre el terreno, nos acompañan un buen puñado de músicos y actores que relatan anécdotas y vivencias experimentadas en la ciudad de Antigua, centro neurálgico del proyecto Escuchar los testimonios de algunos de los 23 artistas que han participado en esta iniciativa es un auténtico lujo

Contamos con Sheila Blanco, Cecilia Krull, Paco Soto, Miryam Latrece, Didier Otaola, Lucía Rey y Jorge Pardo Escucharlos es comprobar que lo que consigue “La Antigua Fusión” es llevar la cultura allí donde más útil puede ser: a lugares donde la educación puede contribuir a mejorar la vida de estos chicos y chicas. O, al menos, intentarlo.

Como broche final, suenan en directo Calequi y Las Panteras y una canción que es todo un emblema de la música guatemalteca: la deliciosa “Luna de Xelajú”, interpretada por Myriam Latrece, con Paco Soto a la guitarra.

GARA DURÁN

Un año más volvimos al evento más especial de Madrid, y es que Noches del Botánico es de los pocos ciclos que siguen manteniendo la magia y un cartel de ensueño aderezado por una organización sublime que nos tiene in love A nuestra llegada al recinto encontramos en el escenario principal a Gara Durán, la artista madrileña con raíces burgalesas e incluso canarias Ella sería la encargada, en cierto modo inesperada, de abrir una jornada muy ilusionante dentro de una programación sobresaliente y cuidada

A pesar de actuar frente a un público más indie o alternativo (era la gran tarde-noche de Shinova), mucha gente quiso acercarse desde un primer momento al verde para descubrir de primera mano el directo con esa sensibilidad pop indescriptible de una artista que, además de cantar y componer, ha producido la mayoría de sus canciones, además de hacerlo también para otras grandes artistas del país, en una trayectoria de apenas cuatro años

El vivo de Gara Durán es sencillo desde la elegancia, y el directo hace incluso más delicadas tanto las canciones de su EP debut Alkimia (Universal) como las celebradas y relativamente recientes Troya, Mi loco cowboy o la más cercana Placer de vivir, en la que cuenta en la grabación con la colaboración de Natalia Lacunza. Por cierto, el inminente 19 de junio lanzará un nuevo sencillo, Una casa en el Teide, en el que vuelve a ser binomio junto al gran Barry B.

A Gara le esperan a partir de este punto un buen puñado de fechas en una gira que se extenderá hasta septiembre y que la llevará a eventos agradecidos y descubridores como el Osa do Mar de Burela, el Cooltural de Almería, el SonRías Baixas de Bueu o el Sonorama Day de Santander Además, actuará en salas de Barcelona y Valencia, entre otras ciudades, por lo que tienes muchas opciones de verla en vivo mientras descubre las canciones (ojalá) del que será su primer larga duración.

Hace apenas semanas que han lanzado su nuevo álbum, Yendo rápido a ningún lugar (Primavera Labels / Laptra) y justo han terminado, además, una gira europea que les ha llevado de nuevo por muchas ciudades de nuestro país, además de visitar Dublín, Londres, Paris o Porto en la versión portuguesa del Primavera Sound. Los bonaerenses Bestia Bebé piden a gritos la doble nacionalidad y, por ello, teníamos que aprovechar su última visita a la capital para charlar del nuevo disco, del boom junto a Carolina Durante y de hacia dónde va un proyecto que tiene el don de crear canciones expertas en envenenarse. Las cañas y las aguas con gas, junto a Tom Quintáns y Chicho Guisolfi en la malasañera Bodegas Rivas.

¡Qué bueno que vinisteis! Y más con tantas novedades. La verdad es que estamos muy contentos por lo vivido estas semanas, en todas las ciudades que hemos ido visitando está viniendo a vernos más gente que la última vez. Eso habla muy bien del disco nuevo, y nos pone felices, además de poder traernos aquí la edición en vinilo de todos nuestros discos. Está funcionando mucho su venta, la del merch también... No esperábamos tanto, sobre todo en Tarragona o en Lleida, a sabiendas de que quizás no vino tanta gente en otras ciudades pero también estuvieron muy bien. Y además visitamos ciudades europeas en las que nunca habíamos estado antes. Disfrutamos de lo vivido.

¿Quizás el disco llegó muy justito a estas fechas para celebrarlo más en vivo?

La verdad es que la fecha inicial era otra, pero la fuimos retrasando, son cosas que pasan siempre con los discos y más si eres una banda independiente. Los tiempos en estos casos suelen ser más relajados o, en su defecto, ocurren cosas y, al final, estuvo fuera a dos semanas de las fechas en Europa. Había un poco de nerviosismo porque además el guitarrista se había ido de gira con Tigre Ulli, con lo que los últimos ensayos relativos al disco nuevo no los pudimos hacer con él. Éramos uno menos y teníamos dudas de cómo iba a sonar todo esto en vivo. Pero mira, el primer show estuvo bien y después fuimos cogiendo confianza, atentos a cómo recibe la gente canciones que nunca has tocado antes. Cuando hacemos la lista tenemos en cuenta eso para los diferentes momentos del show y para estos conciertos la hemos ido cambiando un poco, hasta ahora que vamos teniendo ya algo más concreto. Obviamente los cortes que salieron antes son los que más canta la gente, incluso más que las viejas, y eso es una alegría porque no es algo que ocurra siempre. Esto tras tres años sin material nuevo.

Desde diciembre de 2023, pero este nuevo disco fue saliendo prácticamente después de eso. No somos una banda que paremos para componer o grabar. De hecho, ahora que salió este Yendo rápido a ningún lugar, cuando volvamos a casa de todos estos viajes seguro nos pondremos a hacer canciones de nuevo. Este es un proceso que te puede llevar dos, tres años, los que sea. ¡Incluso diez! No suele pasar de los tres años en realidad, pero siempre tocando en directo. Trabajamos de esto, tocamos todos los fines de semana, tocamos mucho y no nos guardamos nada.

Se compone en la carretera, vaya. Es mentira eso de que no tienes tiempo para componer. Se puede, siempre.

Cuando escuchamos la colaboración con Diego Ibáñez, por un momento creímos que por ahí iría todo el disco. Esa canción es para nosotros la más clásica o quizás similar a lo que veníamos haciendo antes. Las demás canciones tienen muchos elementos nuevos, novedosos, que se diferencien de todo lo anterior. Si me voy es aquí en España la más conocida, obviamente también por Diego, por lo atrevido y por todos los detalles locos que tiene. Era la oportunidad que teníamos para lanzar algo con él, que es muy amigo nuestro y admiramos mucho todo lo que es y lo que hace. Nuestras colaboraciones siempre suelen ser así, con personas que admiramos, sin pensar mucho en si va a tener más o menos escuchas. ¡Encima encajaba muy bien! Cuando hicimos la canción fue jugando a que fuese una para Carolina Durante, por

el tipo de canción y también por la letra. Me fijaba en cómo suele hacerlo Diego, y cuando se la mostramos le encantó, la grabó al toque y el resultado es increíble.

Compartís inquietudes, empezando por el fútbol, la forma de vida. Eso pasa todo el rato, sin ir más lejos también con Santiago de El Mató. Le conocí hace más de veinte años y desde aquel momento hemos coincidido en mucho más que en gustos musicales, en fútbol, en cine y en otras cosas. Si te gusta el fútbol eres bienvenido, si no... (risas).

El disco contiene baterías electrónicas, samples... y, sin embargo, nos enamoran esas partes limpias de los temas, a sabiendas de cómo se envenenan luego. ¡Funcionó entonces! Es curioso porque la gente que no nos conoce mucho todavía nos encasilla con algo más punk o, al menos, más ligado a guitarras eléctricas. Sin embargo, en el primer disco la mitad de las canciones están grabadas con una guitarra criolla o acústica. El segundo quizás sí puede tener algo de aquello, pero en los siguientes siempre ha estado presente esa guitarra limpia, sin tanta distorsión. Es decir, de alguna forma siempre ha estado ahí. Luego es cierto que en este trabajo hay temas sin batería, hay percusión, más teclados... A la hora de producir nos gusta seguir estructuras más cercanas a la música electrónica: entra una

cosa, se va y entra otra, vuelven, se repiten... Aunque no tiene que ver mucho con nosotros, nos ponemos LCD Soundsystem de vez en cuando, sus canciones en el coche y siempre se preocupan de que nunca caigan, nunca hay nada que se acerque a una mínima monotonía, porque cuando la canción va hacia ahí siempre hay algo que la cambia, que se va o que vuelve y, en esas cosas, nos fijamos. Por eso, esta forma de hacer canciones es algo premeditado, y es cierto que nos costó un poco llevarlo al directo porque había cosas que sonaban y no las teníamos, es decir, las tuvimos que incorporar en ese tiempo entre que salió el disco y los conciertos. En directo normalmente somos seis músicos porque tenemos a Nina Carrara en el teclado (que no ha estado en esta gira) y Tucu en la acústica, y fue un desafío adaptar los temas, nos divierte mucho y nos gusta además que la gente que ya nos vio se encuentre otras cosas.

¡Nuestro himno del disco es El tiempo (es lo peor), pero quizás no coincidamos! Nuestra favorita es la primera, Algo que siempre te quise decir Está siendo muy bien recibida además por la gente. Empieza sin batería, con la criolla, con ese punto de folclore, algo así como una samba argentina. Nos gusta mucho cómo se va armando la canción, la melodía. Pero sí, de El tiempo tenemos muy buen feedback, lo mismo que ocurre con Chaleco antibalas.

Y luego está la canción que cierra el disco, La guerra de los huesos, que es algo así como la guinda total. Nos encanta y, curiosamente, Tom casi la deja fuera, supongo que por la complejiidad de tocarlo en vivo, que creemos que todavía le falta un poco.

Está confirmado visitar Mexico en agosto, intuimos alguna fecha antes. Haremos una presentación del disco con fuegos artificiales en Buenos Aires en junio y a eso le seguirán más fechas por Argentina antes de irnos al Foro Indie Rocks! el 22A. Están por confirmar otros países de América porque estamos terminando de cerrar las fechas de la gira.

En América el público es más pasional que aquí, según dicen.

El público aquí está muy bien, vemos ciertas similitudes y, de hecho, la ciudad que más ha venido a vernos después de Buenos Aires es Madrid, por encima de algunas ciudades de nuestro país. Y quien viene, en su mayoría, no son argentinos como uno podría pensar y como ocurre con bandas (enormes) de cuya taquilla depende de su gente que vive aquí. Es verdad que el estilo alternativo, llámalo indie si quieres, marca también para estas cosas y aquí es mucho más popular. En Argentina son más clásicos con el rock. Allá casi no hemos sonado en radios, aquí tenéis programas en Radio 3, hay un cierto

interés. Insistimos mucho en que se nos conoce mucho por Carolina Durante porque nos invitaron primero a tocar aquí, hicimos gira con ellos... Entramos por ahí. Después editamos con Primavera Labels, con Sonido Muchacho, conocimos a El Mató, y todo eso son razones para abrirnos a este público. Nos preguntan mucho si vivimos o somos de aquí, mucho, y es que además es la séptima vez que venimos, desde 2019 con Apartamentos Acapulco, al rato con Carolina y de repente vino la pandemia. Aquello nos hizo peligrar como banda, retomamos para volver en 2022 y hemos ido poco a poco, no empezando de cero pero casi. Ahora pensábamos en si pasaría alguna otra cosa, una tercera guerra mundial o algo así.

El Auditorio Miguel Ríos en Rivas-Vaciamadrid es un oasis absoluto en la Comunidad de Madrid (que ojalá nadie estropee) para montar saraos de toda índole y complejidad y, por ello, las fiestas de la localidad se han ido convirtiendo con el paso de los años en un pseudofestival a mediados de mayo. Un día puedes tener en directo a Parquesvr, Zahara en modo Rave y Ojete calor, y otro día un espectacular y abarrotadísimo Grimey x Palestina. Tuvimos la suerte de estar allí en unade las tardes más especiales, con los reconstituyentes y enérgicos conciertos de Repion, Samuraï y Barry B

Las hermanas Iñesta, junto a Iris Banegas, fueron las primeras en subirse al inmenso escenario del auditorio para seguir sacando brillo a su último disco, 201, con el que han terminado de conquistar a nuevos públicos y también a nuevas e ilusionantes plazas. Con marcados colores blancos y rojos y su logo enorme en blanco y negro dominando el espacio, se podía casi palpar la impresión que deben de sentir viendo cómo tanta gente canta uno a uno sus himnos, con el brillo en la mirada y la seguridad de que lo que están haciendo, además de hacerles felices, conecta con la gente como nunca antes

Por ello, en el escenario y en la pista todos hicieron gala de un tipo de felicidad indescriptible, cantando juntos canciones como Barrio Somavilla o Brillante (mucho tirón el de su disco homónimo), además de esas nuevas canciones que han puesto a Repion en un escalón altísimo, véase Cerrar los ojos (nuestra favorita) o El sueño dura una semana. Estas semanas han ido lanzando algunas versiones de este último álbum en vivo, reunidas en lo que han llamado Directo en Casa Grito, por si te hacía falta algún estímulo más para seguir adorando a estas chicas revolucionarias que han trabajado tanto para estar en ese punto tan bonito de su trayectoria musical

La explosión paisajística de la artista madrileña Samuraï iba a coincidir mágicamente con una puesta de sol digna de otro planeta que sumó a una puesta en escena bella e imponente. Tocaba hacer un repaso general por muchas de las grandes canciones que han permitido al proyecto personal de Aroa conquistar todo tipo de salas y festivales con tanta solvencia, no en vano, Samuraï es una de nuestras artistas más importantes y evidentemente de las más escuchadas en plataformas Por ello, su público entregado de principio a fin, parece sentir como ella, desde la introspección de Palabra prohibida, momentos más festivos como El principio de algo o hits reveladores y contundentes como Por si mañana no estoy

Nos introducimos en el bosque en pleno show para rescatar fotografías desde las alturas y así ser más conscientes de la puesta en escena en formato bandaza de rock y el amplio espacio para que Samuraï no deje de bailar y dominar la escena. Es precioso, con todas las letras, que mientras interpretan Tirando balas uno no sepa hacia dónde mirar de la de cosas que están sucediendo ahí arriba.

Tras un pequeño y merecido break rodeada de libros para componer desde la calma, Samuraï ya está en la carretera para actuar en el Mallorca Live, el Festival de los Sentidos y el Bigsound de Valencia, entre otros muchos De fondo sigue sonando desde hace semanas la emocional y cinematográfica Baldosas amarillas, una composición marcada por la vulnerabilidad, la culpa y la necesidad de encontrar un nuevo espacio seguro para sí misma Ese lugar de abrigo que tanto se parece a los conciertos de Samuraï

No en vano, han tenido que pasar muchos años para que los fans recibiesen material nuevo de Telephunken, teniendo en cuenta que hasta que llegó Ritmo furioso (2025), su último larga duración, Antibalas, databa de 2007, y el último EP, Tremendo funk, se publicó en los últimos días de 2015 Aún así no parecía haber pasado el tiempo para nadie en la noche mágica de la Sol, en la que uno se siente privilegiado de haber podido estar, ya que no todos los días se puede degustar el directo de un proyecto musical que acumula más de mil actuaciones por todo el mundo, haciendo vibrar a diferentes países de Europa y América, al mismo tiempo que electrificaban con sus canciones las bandas sonoras de películas como El Bar (Álex de la Iglesia), Gente Pez (Jorge Iglesias), Fin de curso o Slam (Miguel Martí Campoy).

Tras este show épico y difícilmente descriptible en la sala que les vio nacer, la vida se vuelve a pasar en modo banda para Telephunken, aunque su equipo nos ha chivado que Ernesto seguirá liándola parda como siempre en pinchadas esporádicas en los lugares más recónditos y oscuros que nos podamos imaginar Y esto está muy bien De la pinchada post concierto en la Fun House no haremos ni mención, pero qué gustazo dejarte llevar por esta movida del funk, el soul, el breakbeat y el rock and roll, gracias a uno de los grandes referentes de la escena Ojalá no tarden tanto en volver con nuevas aventuras y que la chica del vestido mondrianesco se lo goce una y mil veces más.

Para Sold Out es un privilegio poder charlar un ratito con una gran actriz y también interesantísima artista musical en constante evolución como Manuela Vellés, ahora que ha publicado, además, su segundo álbum de estudio, titulado Existo y construido desde la autoedición. En este álbum de nueve canciones hay lugar para el pop, el rap y los ritmos latinos, reflejando el punto experimental y liberador con el que Manuela deja la guitarra a un lado para ponerse a bailar. Nos tomamos algo fresquito en el centro de Madrid para charlar del disco tras un día agotador.

¿Cómo está Manuela tal día como hoy?

Es una buena pregunta y estoy contenta, con ganas de conocer cómo está recibiendo la gente el nuevo disco. Ya sabes, es un trabajo de mucho tiempo, de mucha dedicación en torno a algo muy personal, y por ello, cuando llega el momento de lanzarlo, genera nerviosismo.

¿Cuánto tiempo de trabajo supone un álbum como Existo?

Unos dos o tres años. Es verdad que cuando hago una canción, me sale en ese momento y, en esos días, es La Canción, y a lo mejor no vuelvo a escribir en meses. En relación a la producción, también la he ido expandiendo porque Garru, el productor, me ha permitido hacerlo así, mimando cada tema durante varias semanas, escucharlo, sentirlo... Le he puesto mucho mimo porque, aunque hay muchas cosas

que hacemos con prisa, en la música me doy el permiso de hacerlo a mi ritmo.

Lo frenético del trabajo da mucho valor a esto que dices como desahogo creativo. He tenido presente eso todo el rato porque es mi pasión, y si la convirtiese en una obligación o en algo que produce estrés, por supuesto, no lo haría.

Tu primer disco era un do it yourself, y ahora has contado con un equipo más amplio y, en cambio, pareces más libre. Aquel álbum se encuadraba más en un concepto de cantautora, en el que la base era mi guitarra, y yo me acompañaba de ella en todos los conciertos. Los demás instrumentos eran también orgánicos. Esta vez la premisa era algo así como jugar, experimentar, pasármelo bien, y ahí entraba el hecho de bailar. Nos hemos permitido, junto a mi productor, traer más música electrónica, probar nuevos estilos como el rap o, por así decirlo, el reggaeton muy a mi manera y, de esta forma abrirme al mundo, al mismo tiempo que me divierto y aprendo cosas nuevas.

De hecho, es casi imposible poner una etiqueta concreta a un disco así. Es lo que ha salido porque no hay una estrategia a nivel estilístico. Nace así, es mi zona de libertad y expresividad, soy consciente de que los temas son muy distintos entre ellos, sé de dónde nace cada

uno porque tienen sus historias detrás de forma individual y es que tengo varias mujeres diferentes dentro de mí: está la gamberra, la más fiestera, la que le encanta emborracharse y salir, y también está la Manuela reflexiva, la intuitiva, la sentimental. Es un reflejo de todo ello.

Hay una colaboración muy espiritual, además, la de Sandra Bernardo. Sandra transmite esa energía tan buena, tan bonita... Yo la conocí hace ya muchos años a través de una amiga directora. Me la presentó cuando empecé a hacer música y la he ido escuchando desde entonces. Cuando escribí Auténtica, me recordó mucho a su energía, ella habla mucho de mover el cuerpo, dejarlo sentir sin pensar, y, atendiendo a la letra, yo veía que era ella totalmente. La invité y vino al estudio.

Son tan dispares como el disco, las colaboraciones, contando la de Pablo Scapigliati en el mood más urbano. Es algo totalmente de raperos. Como soy también actriz, de repente, tengo que ser rapera y lo termino siendo, me pongo a rapear sin ningún reparo.

¿Cómo se miden las expectativas u horizontes de un disco así?

Ahora estoy en ese punto de mi vida de recibir. Es muy cansado generar, hilar, entregar proyectos, convertir la creatividad en tu trabajo. Que el álbum esté fuera es el éxito máximo, como poder compartirlo.

Estoy contenta de haberlo llevado a cabo, de terminarlo y entregarlo a quien lo quiera oír. El 28 de junio haremos una presentación del disco en la Sala Vesta de Madrid y vamos a ir en un formato de cuatro músicos. Ya hemos probado en una radio a hacer un acústico de VANIDAD y de Payasa y ha quedado increíble. Creo que este disco funciona súper bien en directo y me iré animando con ello sobre la marcha, de hecho, estoy preparando un par de conciertos más, en Barcelona y en Bilbao, y ojalá en 2027 pueda hacer mi pequeña gira para bailármelo, que para eso lo he hecho.

No debe ser sencillo montar un puñado de conciertos con tus tiempos. Los tengo que programar como si fueran bolos de teatro o rodajes, y avisar a mi agente que son fechas cerradas para poder compaginarlo.

En cuando a los vídeos, nos llama la atención el de Delirio y sus créditos. Se repite mucho el apellido Vellés. Un vídeo así se consigue utilizando los recursos que tengo más cerca y que hila mucho con lo que cuento en esa canción. Delirio habla de la tribu y, para llevar a cabo el vídeo, estaba rodeada de mi familia. De hecho, lo graba la hija de mi pareja, Adane Cormenzana, que está estudiando cine y será directora en el futuro, y la chica que aparece al principio y se parece mucho a mí es mi hermana Teresa. Con esa idea de crear con lo que está a mi alcance, la canción habla de quien se encuentra sola en medio de mucha gente, relativo al individualismo actual, e invoca a los ancestros, a la tribu. Me hace mucha gracia porque tuve a toda mi familia bailando, se prestaron y eso fue una fiesta. Es fruto de la creatividad sin estrategia que comentábamos antes, crear sin trabas.

Cuando lo escuchas parece transmitir eso de: baja a la tierra, déjate de chorradas y fluye, ábrete al mundo. Hay que abrirse de corazón con lo que hay, para bien o para mal. Y esa frase, pasa y no pasa nada, es algo que yo me repito mucho, de atender a las cosas importantes pero luego dejarlas ir, o también desde la reivindicación algo que pasa pero que luego no parece tan así. Al final es mi imaginario, mi mundo puesto ahí. y cada uno lo percibirá desde su propio mundo.

Parémonos en la canción que cierra el álbum, La forma de tu mano con la mía. Es la canción romántica estrella del disco. Como tengo canciones para todos los gustos y de todos los colores, el romanticismo está en esta, dedicada a mi pareja. Habla de recuperar el romanticismo y de decirle a tu compañero que baile contigo en la vida. Es otra composición muy de celebrar, muy de gozar, de decir las

cosas al final. Es una carta de amor en forma de canción.

El lanzamiento coincide con mucho trabajo en cine para ti. El espectador y/o oyente quizás te encuadre más en lo multidisciplinar desde ahora. No sé cómo se ve esto desde fuera, y nunca vas a acertar con eso. Me encantaría que alguien me descubra por el disco y no tenga ni idea de mi universo como actriz, y creo que a través de medios como el vuestro accedo a gente a la que le gusta la música indie y que quizás no me ha visto en cine. Aquí se me abre otro campo de personas que no me han visto en Velvet, por ejemplo. Hago mucho trabajo personal para no pensar en lo que no puedo controlar, en lo que piensan los demás. Me olvido de temas como este.

En Sold Out conectamos con Ocupo espacio y ahora ya no podemos parar. Soy muy musical, la gente que me conoce sabe que estoy todo el rato cantando, tarareando, poniendo música cuando alguien viene a casa, cogiendo la guitarra para terminar tocándola en cualquier reunión de cervezas. La música para mí es lo más natural del mundo, por lo que poder publicar canciones es una suerte.

Terminemos con los créditos del disco, aunque has ido nombrando ya algunos nombres importantes.

Todos han puesto su granito de arena y lo han hecho, además, con amor, que es lo más importante. Alejo Levis es un director de cine con quien he rodado una película que, por cierto, está por estrenar y se llama Cómo salvar el mundo, de la productora

Mundo Cero que tengo con mi pareja. Le pedí una mano, porque es un crack en todo lo que hace, para diseñar la portada, y la foto es también de Adane Cormenzana. Por otro lado, a Garru me lo presentaron un poco a ciegas, me lo recomendaron como productor y me gustó mucho saber que él también quería experimentar, explorar, y que no ponía trabas. Yo le pedía y él formulaba, incluso tocaba también el bajo, la guitarra... Luego está Igor, de Reyko, que la es vocalista de mi colegio de toda la vida en Chamberí. Me enteré de que él también producía y nos juntamos para dar vida a Superhéroe, que es un tema que escribí hace muchos años en inglés y terminamos adaptando al español.

Por terminar, a mí siempre me ha gustado que las creaciones tengan un subidón inicial, otro más de bajón y que luego termine de nuevo muy arriba. Es mi fórmula para prácticamente todo lo que hago. Para elegir el orden de las canciones me dejé asesorar por Yves Roussel, quien se encargó del mastering. Me ayudó en ese viaje de conectar unas canciones con otras, y creo que la clave residía en que el disco tuviese un final abierto. Existo para mí es una reivindicación, es un ocupo espacio, pero es un existo de celebración. ¡Existo, estamos vivos, pues vamos a celebrar!

No conquistan Malasaña o el barrio que se propongan porque no les apetece, pero si se les mete en la cabeza petar el Picnic de colegas de otras bandas, periodistas y peña de redes, es lo más parecido a poner el modo very easy para ellos La Azotea presentó de esta forma su esperado EP Miura, (Hook E M ) algo menos de dos años después de empezar a llamar la atención con su destacado álbum No existe otro momento

A las canciones ya conocidas, la propia Miura, Inmortal y la flipante - pura droja - Marina d’Or, al fin se les unen dos referencias que fueron un gran motivo de tertulia en el sótano de la Calle de las Minas

Mi analgésico (de lo más ambicioso del EP, muy 90s) y Aspirina (de riffs sencillos y un acertado mellotron) son las grandes elegidas para cerrar un EP de rock alternativo enérgico y divertido que La Azotea grabó en los londinenses 123 Studios (Peckham) con el aclamado productor Brett Shaw. Este trabajo se construye sobre temáticas generacionales llenas de contradicciones, aderezadas por la vulnerabilidad, los excesos, las dudas y, sin duda, las reconocibles resacas emocionales. El EP viene de la mano de un pequeño documental en el que se registra el proceso de grabación en Londres con todo tipo de anécdotas en una comunión total entre los músicos para sacar adelante un trabajo que supone, al mismo tiempo, el cierre de una etapa o, al menos, un punto y aparte en su trayectoria.

La Azotea son Álvaro Lorenzo, Antonio Ridruejo, Javi Camacho, Pablo Serrano y Jorge Lozano, y cuentan, en esta nueva aventura, con el equipo de Hook Management (ligados a Warner Chappell & Musicadders), con Miguel (shulowski) y Nil Martie en lo audiovisual y un montón de amigos de toda la vida que han estado y seguirán estando para echar un cable en lo que sea para que los chavales sigan avanzando en esto de la música Con tu gente es mejor, está claro. Avanti, potencia joven.

Da cierto reparo escribir sobre estas bellas fotografías en las que hemos tratado de mostrar lo que se ve y lo que no del universo de ensueño de Sara Sístole, quien presentó en la Sala Galileo Galilei un álbum, Amar la sed, que entra al top de joyas autoeditadas de los últimos tiempos Un show que empezó así, con la trompeta con la que creció y unos versos al aire de Alba Encabo para sobrecogernos y mantenernos en vilo hasta el final

La artista galega estaba acompañada en esa noche única por el multiinstrumentista Joe Sturges (vieiras incluidas) y un todoterreno musical, Lucas de Mulder, además de contar con un buen puñado de amigas artistas que hicieron sentir a Sara como en su casa, entre las que se encontraba la gran Cristina Len (aprovechemos para recomendar su EP Martiago), Yoly Saa (interpretando su Galicia para seguir esa costumbre tan especial de los conciertos de Sara) o la sorprendente Lena Dizz de quien esperamos conocer más cositas pronto. El silencio, el respeto y el cariño con el que la Galileo degustó este concierto es difícil de experimentar hoy en día, y dice mucho de lo que había en las tablas.

Entre peces y páxaros, entre lunas y cielos azules, corazones jóvenes, vueltas a la raíz, al agua de Galicia, al brillo en todo, qué experiencia esa de cuando una desconecta tan solo un segundo, cuando una se disocia tan solo para ser consciente de la complejidad de las cosas aparentemente sencillas que suceden en un escenario. Este Amar la sed ha demostrado ser capaz en vivo de detener el tiempo y de trasladar intacta la delicadeza de sus canciones al interior de cada persona, para habitarla durante un ratito mágico. Este disco es un refugio, un espejo en cierto modo, y sí, nos hemos quedado a vivir en un final abierto titulado Una vida porque así deben ser siempre los finales, entre palmas y voces creativas y luminosas. Qué lujo “vivir” en esto que has hecho, Sara.

espectacular!

Estación Podcast triunfó, un año más, con una nueva semana grande llena de actividades en el Espacio Cultural Serrería Belga, convirtiendo Madrid en la gran capital del podcast en español con esta reciente quinta edición Junto a unas semanas previas frenéticas y durante esos cinco días vitales, miles de oyentes, profesionales del audio, medios, instituciones y creadores se reunieron para celebrar el presente y el futuro del podcast en español

Para poner más en valor esta reciente edición, es relevante destacar sus más de treinta podcasts en vivo, dentro de unas cien actividades durante todo el mes que se fueron desarrollando en cinco sedes emblemáticas de la capital: el Espacio Cultural Serrería Belga, CentroCentro, el Palacio de la Prensa, la Sala Clamores y el Artlab Siroco. Esta edición de Estación Podcast contó, además, con la presencia de creadores y profesionales de Chile, Uruguay, México, Colombia o Argentina, y ha dado alas a la segunda edición del Podcastón, esa maratón de creación sonora en la que quince jóvenes talentos producen, guionizan, graban y diseñan el sonido de una historia presentada en el festival. La guinda, además de todas las actividades que se han llevado a cabo hasta final de mes, fueron los conciertos dentro de Estación MUSIC, como el de Un pingüino en mi ascensor en la Sala El Sol, el de TRONKAS! en Maravillas Club o el Stereolikes con Finde Fantasma y Yorch en la Sala Clamores

Estación Podcast se consolida así como el encuentro imprescindible para la comunidad sonora de Iberoamérica, siendo un espacio de intercambio, de escucha, de descubrimiento y de celebración del talento en español

San Sebastián tomó el relevo como grata sorpresa gracias a la primera edición de Podcast Geltokia, celebrada en Tabakalera, y que se mostró como un necesario punto de encuentro para profesionales, plataformas, productoras y público interesado en las nuevas narrativas de audio Aunque se trataba en este caso de un formato más reducido, la convocatoria y la acogida fue todo un éxito, acogiendo a más de 300 asistentes a lo largo de sus tres jornadas, fijadas del 28 al 30 de mayo Durante este encuentro iniciático se superó la veintena de actividades entre presentaciones inéditas, masterclasses y podcasts en vivo, que permitieron abordar algunas de las principales líneas de evolución del sector. La programación contó con la participación de profesionales procedentes de Chile y Colombia, además de referentes como Isabel Cadenas y Julio Rojas, junto a entidades como GUAU (EITB) y ULU Media, así como la presentación de nuevos proyectos y espacios dedicados al talento emergente.

En estas tres jornadas, Podcast Geltokia puso el foco en la ficción sonora, el desarrollo del docupodcast, la vital y necesaria creación en euskera, la expansión transmedia de las historias nacidas en audio y el impacto de la inteligencia artificial en los procesos creativos, reforzando la posición de San Sebastián como uno de los polos más interesantes para el desarrollo del audio en euskera.

Es un éxito reseñable la evidente fortaleza de un sector en constante crecimiento y la capacidad del audio para conectar territorios, lenguas y comunidades creativas Madrid y San Sebastián confirmaron en los últimos días de mayo que el futuro de la creación sonora se escribe hoy en ambos idiomas

Al cierre de contenidos de este número nos acercamos al Hard Rock Hotel de Madrid para disfrutar en formato reducido de las canciones que completan el primer EP de Bella, titulado Alhaja, y que tras mucho esfuerzo se ha convertido en un reflejo de las experiencias vividas (con su consiguiente evolución) por la artista portuense en los cuatro últimos años Este conjunto de seis canciones son un sueño hecho realidad que sirve para cerrar y, sobre todo, abrir una nueva etapa creativa que nos tiene atentos desde este mismo instante. En la producción de este trabajo nos encontramos a un buen conocido como Asier Martí, haciendo realidad con meticulosidad las ideas de Bella, al mismo tiempo que aportaba su experiencia a la causa. En el Hard Rock no faltó ni él ni muchas de esas personas que acompañaron a Bella en todo este proceso, incluido un Hugo Cobo espléndido que no dudó en subirse al escenario para interpretar a dúo esa maravillosa canción, escrita también a medias, Vámonos de aquí, que sin duda es una de las grandes bazas del EP. Aprovecharon la ocasión, para nuestra suerte, de enseñarnos el videoclip a juego, grabado en el Castillo de San Marcos (El Puerto de Santa María), dirigido por BolazoFilms y disponible desde hace poquitos días en Youtube. Este trabajo apela a la raíz, a su entorno desde el que crecer, y eso abarca incluso la elección del título en honor a su abuela (alhaja era su palabra favorita) Las canciones beben del pop contemporáneo, de la nostalgia y del autoconocimiento, siendo en cierto modo piezas de un puzzle que encaja a la perfección para aunar un único relato vital Bella enseñó estas canciones con la seguridad y cariño que merecen, y generó muchas emociones en un grupo de amigos y fans con ganas de más shows Ojalá me perdones es nuestra fav

LA TORMENTA PERFECTA

Ofrecieron otro concierto apoteósico en la que consideran su segunda casa, Madrid, dentro del mágico ciclo Noches del Botánico, y aprovecharon esta ocasión única para presentar en vivo su reciente EP, La tormenta perfecta (Warner M.E.), interpretando sus cuatro canciones en riguroso orden. Lo conceptual, las historias circulares, es otra de esas cosas que Shinova domina y ejecuta a la perfección y, por ello, quisimos sentarnos con los de Bizkaia para charlar de este presente tan enriquecedor para una banda agradecida que acumula infinidad de aciertos y que disfruta de lo que hace como si hubiesen empezado en esto ayer mismo.

La nueva era de Shinova ya es real. Y ya teníamos ganas de que la gente pudiese escuchar al completo este EP porque hay mucho que contar de él.

La pregunta clave es: ¿por qué un EP? Es el primero que lanzamos con canciones originales tras Sesiones frente a frente de 2017, y es un EP porque queríamos contar una historia saliéndonos un poco de lo típico de lanzar singles sin ningún tipo de concepto detrás. Nos planteamos desarrollar esta idea en cuatro partes, ya que una canción se habría quedado corta y un disco hubiese sido demasiado. El formato del EP nos permitía desarrollar la historia en el tiempo exacto que merece, y lo cierto es que todo salió de una forma

bastante fácil, teniendo en cuenta que musicalmente también debía tener ese desarrollo a lo largo de las cuatro canciones. Los videoclips y las portadas también debían reflejar al 100% la historia, todo debía ir a una y, al final, las piezas encajaban a la perfección en este formato.

El concepto de un disco concentrado, con esa intensidad, reflejada en unos videoclips que entonces no tienen sentido sin la música... y viceversa. Las canciones podrían tener sentido en sí mismas, incluso si alguien las quiere ver como cuatro singles sin reparar en lo conceptual también tendrían sentido porque, al final, cada uno adapta el significado y la interpretación de las canciones a su manera. Pero sí teníamos claro desde el principio que la música tenía que ir ligada a la imagen y que nosotros nos teníamos que apartar, brindando todo el protagonismo a la pareja. Shinova tan solo pone la banda sonora, y todo el protagonismo es de la historia.

Uno de los actores es un viejo conocido: Mariano Estudillo, a quien conocemos por su banda Licenciado Vidriera. ¡Pues esto no nos lo esperábamos! Le conocemos desde hace mogollón de años y es una bestia interpretando. Es un honor contar con él, recordamos que cuando le propusimos esto parecía una locura grabar cuatro vídeos. Para Alain Martínez también

era un reto desde la dirección, por los tiempos. Habló con Aiora, con Mariano, los dos tenían mogollón de curro... Ha hecho malabares para coincidir, y eso teniendo en cuenta la suerte de que Mariano nos dijo que sí de cabeza. Con respecto a él, pensábamos que nos iba a decir que ni de coña, que estábamos locos, que a dónde íbamos con cuatro vídeos, y mira, nos dijo que sí, que buscaríamos la manera.

Esta vez en la producción os habéis puesto vosotros manos a la obra, en sintonía con Babe de Estudio Uno. El de este EP es un caso diferente por todo ese elenco de melodías que se iban a intercalar y porque la estructura de las canciones dependía de la historia. Como no podíamos separar nada, decidimos encargarnos de la producción de las canciones, ligándolas totalmente a la composición para que así el resultado tuviese sentido y se entendiese. Manuel Colmenero, nuestro productor habitual, es un genio y si le dices que vamos a hacer esto también lo hace, y seguro que de una forma increíble, pero es cierto que con él solemos trabajar con un volumen mayor de canciones, con más margen de tiempo, con ideas más elaboradas, y una cosa que teníamos en la cabeza era cerrar en el Movistar Arena con una canción de lo que iba a ser el siguiente paso, este EP. Por tiempos, la mejor forma de hacerlo era con Erlantz a la producción, yendo a Estudio

Uno y grabar el EP en directo, que era algo que nos apetecía mucho y que es otra de las claves. La gente no lo sabe por regla general, pero es muy raro grabar en directo, tocando todos a la vez, y en este trabajo lo hemos podido hacer, ha sido una experiencia muy guapa, y ayudó mucho a integrar las cuerdas, ese punto más orgánico en el que se escucha la madera. Encima Estudio Uno tiene una sala súper grande para este tipo de cosas. Si Shinova ha tenido siempre un punto de epicidad, aquí la cosa sube un nivel. Este EP tiene mucho de banda sonora, ya no solo porque los videoclips y las canciones vayan de la mano, sino que los arreglos también te están contando, a su manera, la historia. Hay mucha interacción entre las melodías, mucho desarrollo, y lo más normal en lo relativo a asociar un instrumento con banda sonora es una orquesta, un cuarteto o un octeto, siendo este último el que está en la grabación. Habíamos grabado antes de esto algunas cuerdas, cellos, violines, pero jamás de esta envergadura, con tantísima gente a la vez. Es para recordar siempre la primera toma sentados al lado de Babe mirando las partituras cuando, de repente, empieza a sonar y todo el mundo empezó a grabar con los móviles. Todos pensamos en que eso tenía que quedar registrado de alguna forma y cometimos ese pecado de ir a por el teléfono para grabarlo en vez de quedarnos embobados mirando hacia la

pecera. Ahí empezó a surgir la idea de que eso sí o sí teníamos que llevarlo al directo, y la escenografía además tiene que ir acorde. Lo más fácil es tirar de una pantalla y, de hecho, en la gira anterior fuimos con varias y todo fue muy guay, pero en este caso, vamos con instrumentos de madera, de verdad, con sus vidas e historias, con las vidas e historias de las personas que están detrás de ellos, con la banda grabando en directo y sonando muy parecido a cómo suena en vivo... Todo eso lo recrearemos en una gran escenografía en los shows.

Tenéis muchas actuaciones en teatros y en espacios grandes, podréis hacer virguerías en esos espacios. Los teatros y los espacios que se han ido cerrando, se han cerrado en base a si cabía o no la escenografía en su escenario. Son lugares maravillosos, tanto los teatros como los ciclos como este mismo en Noches del Botánico que es una pasada. Teníamos muchas ganas de esta fecha, nos hacía muchísima ilusión estar.

Hablemos de Tiempo, que quizás nosotros sí vemos una puerta abierta a un nuevo paso vuestro. Hay aceptación y hay una luz porque en el paso anterior hay dolor. El día que murieron las canciones es la canción más sombría y quizás la más enérgica y, de repente, llega Tiempo, con el objetivo de que todo se entienda. De repente aceptas lo que puedes hacer, aceptas lo que no depende

de ti y, por otro lado, termina conectando con la primera canción, Todo gira y vuelve: Cuando escuchas el final de Tiempo, ese eco que se extiende es el mismo que se escucha al principio del EP. Es un acorde final que es el del princpio, en una historia circular. Nuestro tiempo es lineal pero nos apetecía que, al menos en la ficción, fuese circular, que la historia se repitiese una y otra vez. Cuando la pareja se encuentra al principio, puede que sea la primera vez o no, pero es al final cuando todo se entiende. Queríamos también que al menos se intuyan las realidades que habrían podido vivir, en función de las decisiónes que toman y las que no, y si lo que ha sucedido realmente ha llegado a suceder.

En base a toda esa puesta en escena también en directo, las canciones que ya estaban ahí se reinterpretan. Sí, y es un trabajo que ya está hecho. Nos agobiaba hace dos o tres meses pero ahora estamos muy tranquilos, Es bonito dar una nueva perspectiva a unas canciones que llevamos casi diez años tocándolas de una forma concreta. Les hemos dado una vuelta teniendo también en cuenta las cuerdas, y hay un momento muy especial que habéis visto ya en el concierto que es ese pasaje del EP tocado del tirón. Es importante destacar que esta puesta en escena será solo para este año, para esta gira. No sabemos si volverá a repetirse algo parecido en el futuro.

RODRIGO

El pop electrónico está de enhorabuena al sumar en su haber una nueva referente que, además, viene de un lugar mágico en lo musical como Aranda de Duero. Ana Rodrigo ha publicado su EP debut, La huida, desde la valiente autoedición y que sirve además para coronar cinco años de trayectoria musical en los que no ha dejado de experimentar, tocando muchos palos dentro de los parámetros del pop, de la música disco y los ambientes urbanos La artista, que ya ha participado en grandes eventos como el propio Sonorama Ribera y ha actuado en salas de Castilla y León y también de la capital, da así un pasito grande en su carrera junto a un importante equipo titular Sin ir más lejos, en el teclado está el músico y productor Xas (Polaris AV Show, Veintiuno), en la batería le acompaña Miki (Niños Bravos) y en la guitarra cierra el

el círculo Anto Vaquero, quien, por cierto, toma parte en las composiciones y además produjo con mucho mimo y cuidado este conjunto de cinco canciones, haciendo realidad ese propósito de Ana Rodrigo de alejarse de lo convencional, aprendiendo de los referentes (también anglosajones) al mismo tiempo que se intenta distanciar de ellos en pro de su propio camino. Si degustamos con la atención necesaria el EP en su estricto orden de pistas, nos topamos de inicio con la canción que da su nombre y que abre este trabajo, asumiendo un papel de bienvenida con la clásica estructura pop, su estribillo pegadizo y una luminosidad y vibras de querer evolucionar y avanzar que contrastan con el universo más oscuro de Fénix, repleto de inseguridades en lo letrístico y envuelto en una niebla sonora que termina disipándose y un juego de voces de muy bella factura. En Sold Out consideramos que el de Ana Rodrigo es un proyecto para brillar, especialmente en directo, y nos genera infinita curiosidad ver cómo se lleva una composición así al vivo, teniendo en cuenta que, sin ir más lejos y dejando a un lado los niveles de complejidad, la fresquita, positiva y amorosa TQAM sí se intuye como uno de los momentos más celebrados y cristalinos de los conciertos de Ana. Eso sí, el momento clímax y quizás el más esperanzador de este EP se da en Game over, unos tres minutos y medio de club ideales para fluir, desconectar y dejarte de historias ¡Cierra los ojos y baila! Beso en la cara, que fue, además, el último adelanto de este debut y contiene dentro de sí una de las intensidades con más gancho del disco, cierra a lo grande con bases más ajustadas al calorcito y un rollazo de locos, a tope de besos cinematográficos como se puede ver en el teaser que firma Crane Studio Que se hace corto este EP es una evidencia quizás en lo temporal (16 minutos) pero sobre todo en un sentido experimental La arandina dedicó muchos meses a estas canciones en un proceso de instrospección en el que ha perdido el miedo a enseñar y compartir quién es y, por eso, ella (y ahora tú) sabe que su presentación en Café la Palma no fue un inicio más

Un tercer álbum en el que volver a la autoedición y considerado por sus músicos el trabajo más libre que han hecho hasta la fecha, despojándose de prejuicios estilísticos y haciendo simple y llanamente lo que les apetecía. Así es la primera definición de Los zagales, el nuevo trabajo de la banda rodense Vermú, que, sin dejar de lado el folk, explora nuevos universos pop, rock e incluso rumberos. Acompañamos a Dani, Antonio y Fran en la previa de la presentación del disco en el Peor para el sol, en un día frenético de promo para una banda bien alejada del ruido actual.

Lejos queda ya el madrugón de hoy. Estamos de hecho cansadísimos. Nos hemos citado a las 6:00h en La Roda para viajar a Madrid, hemos llegado a Madrid en torno a a las 9:00h justo para grabar los Conciertos de Radio 3. Hemos salido de ahí en torno a las 15:00h y, tras comer y descansar un ratillo, hemos estado entre el Peor para el sol descargando material y la firma de discos que ha tenido lugar en Marilians. Tras este acústico en el Peor nos volveremos a casa. Lo de hoy ha sido un buen tute.

Y todo por un nuevo álbum que abre también una nueva etapa. Sí, porque se trata de un álbum autoeditado, simplemente porque queríamos probar otras cosas, otros caminos. Cuando llevas dos discos trabajando de la misma forma y tener resultados similares, al plantearte un tercero piensas en cambiar cosas para ver

cuántas diferencias pueden darse. Es una forma también de sentirnos libres, incluso por si surgen nuevas oportunidades u otras oficinas con las que poder trabajar que nos resulten de interés. Tenemos todas las puertas abiertas, y se trata tan solo de eso, de probar.

Han pasado tres años de Duelo de ronda. ¿Cuándo estas canciones empiezan a tener pinta de ser disco?

Estas canciones empiezan a nacer prácticamente cuando se graba ese mismo segundo, y tiene que ver con la forma que tenemos de hacer las canciones. Dani siempre tiene muchas inquietudes y en cuanto algo le viene a la cabeza al momento está componiendo o grabándolo. Los demás en aquel momento ya sabíamos que había algo en el horno, entonces empezamos a rodar con Duelo de ronda y cuando llevábamos alrededor de un año con ello, Dani nos confirmó que tenía canciones nuevas y dedicamos a partir de ahí en torno a un par de años para darles forma como disco. Entre que empiezas a montarlas y terminas de grabarlas hay que contar también que dedicas mucho tiempo, con lo que al final, aunque pasa mucho tiempo entre disco y disco, no paramos de trabajar.

La esencia en Los Zagales está, pero ¿qué le diferencia con respecto a lo anterior? Este álbum es en base a lo que nos ha apetecido. Hay menos ruido, es más limpio, más natural, sencillo, profesional...

Es cierto que quizás es un poco más pop que folk cuando en Duelo de ronda era justo al revés, pero podía pasar al querer hacer lo que nos diese la gana. En un momento dado, incluso nos dimos cuenta de que en este disco no habíamos metido ninguna castañuela, y se lo comentamos a Manuel Cabezalí para terminar introduciéndolas en la canción más rock, que es Lagartos. Manu se apuntaba a un bombardeo.

Un Cabezalí que tenía que ser el elegido para esta nueva aventura, también junto a Nieves Lázaro, Víctor Cabezuelo... Los dos primeros discos los grabamos con Carlos Hernández, con quien salimos siempre muy contentos, pero al hilo de querer probar cosas nuevas, para el disco pensamos en que estaría bien conocer gente nueva, experimentar nuevas ideas, nuevos sonidos. Tuvimos en mente diferentes opciones que creíamos que podían encajar, y hubo suerte en el caso de Manuel porque le encajó el proyecto, le gustó, algo que obviamente es importante. Congeniamos muy bien con él, es muy cercano, aportó ideas y fuimos dándole forma a las canciones también con él.

Todo lo nuevo se extiende también a la colaboración de Bewis de la Rosa. Cuando hicimos la canción que da nombre al disco y montamos la parte instrumental, la estructura de la canción, ya dejamos ese trozo preparado para ella sin saber siquiera si iba a hacer esta colaboración. Tenemos

presente ese momento en el que dijimos: “aquí vendría genial un rap de Bewis. Si no quiere hacerlo no pasa nada, metemos arreglos de guitarra que están grabados ya”. En los últimos días de grabación, ya centrándonos solo en grabar las voces, nos llamó al teléfono, preguntó si estábamos grabando y que se pasaba ya mismo por el estudio. Tenía ya preparado el rap y lo cantó al momento. Nosotros, sinceramente, lo escuchamos por primera vez ese día y nos dejó con la boca abierta, flipando con la maravilla que había preparado. Estamos encantados porque le da un punto increíble a la canción.

Más allá de los acertados videolyrics, el vídeo de esa canción por Tremendo Stop Motion no puede ser más bonito. Es cosa Lourdes Martínez e Isaac Sevilla, que es amigo nuestro de La Roda y se dedica a estas cosas. Con los vídeos pasa un poco como con todo lo anterior, queríamos algo distinto y en este caso primaba lo sencillo, las cosas que hacemos de un modo cotidiano. No nos sale hacer una súper producción, nosotros no somos así, no conectamos, y preferimos lanzar siete vídeos así que dos producciones tochísimas.

Que vosotros toméis todas las decisiones termina siendo un acierto al 100%. La clave está en hacer las cosas con tu gente porque te van a entender y, al final, todo se complementa y encaja mucho mejor.

Por cerrar el cupo de cambios, falta comentar qué ocurre en el directo, con algunas fechas chulas por delante. Lo bueno de que llevemos ya unos años en esto es que se nos va conociendo un poco. Entre el gran público quizás hay una mayoría de gente que no nos conoce, que aun no nos ha escuchado, pero en lo relativo al mundo de los programadores, de quienes hacen los festivales, sí se nos conoce, se nos tiene en cuenta. Hacemos las llamadas, nos van echando un cable y vamos así construyendo una gira que no está nada mal. Esperamos que el año que viene, con este disco ya bien instalado, se vean buenos resultados que nos permitan seguir en esta misma línea y entender que es la mejor.

Y en lo que respecta a promos y presentaciones, es Madrid el destino de vuestros viajes relámpago. ¿Cuánto cuesta crecer en La Roda? Cuesta un poco más porque la mayoría de gente que mueve la industria musical está en Madrid. Si tú ya vives en la capital y convives y coincides con esa gente, es más fácil hacer amigos y entrar en esa rueda. Cuando vives en un pueblo a horas de Madrid cuestan más las cosas porque los círculos son más pequeños, más humildes, en ciudades como Albacete o Ciudad Real, que también están muy bien, claro. Hoy en día por fortuna las redes sociales son una suerte en ese sentido, porque es mucho más fácil llegar, enseguida puedes contactar

con alguien que, por ejemplo, organiza cosas en A Coruña, aunque no sea lo mismo que verse en un bar de Madrid.

La esencia quizás se mantiene mejor lejos de las grandes urbes, algo que vemos muy concentrada en Bombas Es curioso porque esa canción es más vieja de lo que parece, de hecho, la compusimos hace casi dos años. Ha evolucionado muchísimo hasta el punto de que incluso daba como miedo publicarla porque parece que la hemos hecho ahora, aposta para beneficiarnos de según qué temas. Nació cuando el conflicto de Ucrania, incluso también el conflicto de Palestina estaba empezando de nuevo a mediatizarse, y recuerda quizás a las canciones antiguas porque lleva ese toniquete de la típica canción que se canta en periodos de guerra, repitiendo las frases y llevando la estructura y el sonido de esas canciones antiguas. Por esa razón el sonido se hace tan familiar.

Conecta muy bien, además, con la siguiente pista, Te estás marchando. En este caso la letra está pensada para la gente mayor que vive en residencias. Todos tenemos a alguien en esa situación, y es la razón de hablar de Berlanga y demás. Tiene también esa melodía y tonalidad muy 60s, muy de Jeanette por ejemplo. Cabezalí y Cabezuelo decían que ya nadie hace canciones así, queremos pensar que eso es algo bueno y eso es un gran halago al final.

Se preguntaba el añorado locutor Andrés Montes eso de por qué todos los jugones sonríen igual, y muchos años después nos lo seguimos preguntando incluso fuera del ámbito deportivo. Aquí la prueba, en esta misma página, con un David Merino pletórico en la Sala El Sol presentando junto a la banda de su vida el álbum ¿Por qué me miráis todos así? (Subterfuge) ante un montón de peña comiendo hamburguesas y dejándose el alma hinchando tentáculos como locos

Lo de La La love You ha perdido ya todo el sentido, superando con creces toda expectativa y reto, y siendo la banda más en forma de nuestra escena, tanto en nuestro país como en una América Latina loquísima por ellos, agotando entradas allá donde van y convirtiendo cada composición en un hit memorable sin apenas esfuerzo, sin trucos y sin doparse desde el punto de vista algorítmico.

Si esto no es un don, se le parece mucho, pero como ocurre con la suerte, tiene también mucho que ver con el curro incansable, la constancia y creer más que nadie en una idea creativa Y este disco tiene muchas cosas por analizar que lo hacen diferente a todo lo que han hecho hasta ahora

Para empezar, nos regalan unas colaboraciones singulares y muy guapas: Miranda! (DeLorean), Monsieur Periné (Las medusas no tienen corazón) y Álvaro de Luna (El hombre del tiempo), y aunque el álbum contiene súper hits como Una boda en las vegas, No se te puede dejar nada o La mitad de la mitad, nos llaman la atención algunas canciones que se salen un poco de la norma y que nos flipan como la poprocker Todos los fracasos o una dosmilera ¿Dónde están las bandas de los 90? que cierra el disco lo más arriba posible

Hay muchos registros interesantes dentro de este disco de 35 minutos en el que sería un error quedarse solo con los estribillos extremadamente pegadizos (que oye, para eso están) y no ahondar en sus letras elaboradas, unas rebeldes, otras fiesteras, otras más ligadas a la eterna frustración y también las que hablan del amor con su puntito psicodélico, como ocurre en Vampiresa Esta es otra de esas grandes canciones a las que quizás no llegan del todo los focos y que, sin embargo, son verdaderos temazos con su rollo coreable, su notable punto glutamático y una sensación que cada vez va mutando más en verdad: los La La son muchas cosas, y todas molan infinito En la Sala El Sol se divirtieron más que nunca, el público se lo gozó lo más grande, y ahora toca esperar a noviembre para volver a hacer las Américas (¡y las Europas!)

¡LAS RESEÑITAS!

Hemos puesto Memocracia de fondo para el divagamiento habitual de esta última pagina, que transita esta vez de forma irremediable por el empacho de papismo (¡pedazo icono pop!) en los medios, por los festivales de la fe y los artistas profundamente religiosos que han terminando honrando al león, unido a los follones de distinta índole en muchos festivales (cancelaciones de todos los colores), el reflexivo documental acústico de Arde Bogotá y la presentación de infinidad de discos que se han publicado antes de aplicar al verano. Lo cierto es que a lo tonto estamos viviendo unas semanas frenéticas más propias de septiembre y octubre, a saber si el cambio climático está modificando los tiempos de la alocada industria musical, pero lo cierto es que, una vez más, los medios no somos capaces de asimilar todo lo que está pasando a nivel cultural porque, amigas, somos igual de precarios o más que los músicos, no vivimos de esto y no podemos asumir todos los contenidos y propuestas como realmente querríamos. Lo que sí nos aporta toda esta maraña de cosas es la dimensión de una industria que desde ciertos flancos nos está tomando el pelo como musiqueros que somos. De momento, se ha normalizado el hecho de que nos hayan convertido en consumidores, con lo jodido que es ese concepto aplicado a la cultura, y generalizando, estamos asumiendo incluso con orgullo muchos de los gastos que antes repercutían en el promotor. Hoy un concierto grande de esos para las masas es extremadamente caro, sobre todo si un artista ha dejado de visitar siete ciudades de un país para, en su lugar, organizar esos siete conciertos en un mismo estadio. Si la entrada valía 200€ (ya de por sí una barbaridad), ahora tienes que sumarle el viaje y el alojamiento. ¿Tiene todo el mundo ese dinero para gastárselo en un solo concierto? Algunos sí, a juzgar por el porcentaje de venta, pero la mayoría tienen que elegir entre eso y comer, por lo que tú, mi querida lectora, estás perdiendo el acceso a la cultura porque a quienes la gestionan no les compensas. ¡A dónde vas tú, pidiendo un concierto en tu ciudad! ¡Seguro que ni consumes en las barras! Estas semanas, por tanto, nos dejan un sabor agridulce que esperamos que sea paliado las Noches del Botánico, por los ciclos de salas y los festivales románticos como el Prestoso o el Centolo.

“Desde que estás aquí veo la vida entera de colores por tus ojitos marrones que me empujan a vivir.”