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EDITORIAL

La poesía como mecanismo de resistencia

n pleno siglo XXI, cuando casi todo parece diseñado para ser rápido, inmediato y desechable, la poesía conserva una función que resulta cada vez más necesaria: obligarnos a detenernos. Vivimos rodeados de estímulos, pantallas, algoritmos, y conversaciones que muchas veces desaparecen con la misma velocidad con la que comenzaron. En ese escenario, la poesía representa una pausa. Un espacio donde la palabra recupera su peso y donde aquello que sentimos, pero no siempre sabemos explicar, puede finalmente encontrar una forma. La poesía nunca ha sido únicamente un género literario. También ha sido una manera de entender la experiencia humana. Desde el amor y la muerte hasta la soledad, la guerra, el deseo, la injusticia o la identidad, los grandes temas de la poesía continúan siendo los mismos porque, a pesar de todos los avances tecnológicos, seguimos enfrentándonos a preguntas profundamente humanas. Podemos comunicarnos en segundos con alguien al otro lado del planeta, pero seguimos sin saber exactamente cómo explicar una pérdida. Podemos acceder a millones de datos desde un teléfono, pero ninguna estadística puede describir completamente la sensación de extrañar a alguien. Ahí aparece la poesía. En una sociedad obsesionada con producir, mostrar resultados y convertir prácticamente todo en contenido, escribir o leer poesía puede convertirse incluso en un pequeño acto de resistencia. La poesía no necesita necesariamente ser útil, rentable o eficiente. Su valor está precisamente en aquello que no puede medirse: provocar una emoción, despertar un recuerdo, transformar nuestra percepción o hacernos mirar de manera distinta algo que parecía cotidiano. Paradójicamente, las nuevas tecnologías también han permitido que la poesía encuentre otros caminos. Las redes sociales han acercado versos y autores a generaciones que quizá nunca habrían llegado a ellos mediante los circuitos tradicionales. Hoy un poema puede viajar desde un pequeño libro hasta una pantalla y ser leído por miles de personas en cuestión de horas. El formato cambia, pero permanece intacta una necesidad fundamental: reconocernos en las palabras de otro. La poesía también posee una enorme capacidad para preservar la memoria. Los poemas registran épocas no solamente a través de los acontecimientos históricos, sino mediante las emociones de quienes las vivieron. Allí donde la historia registra fechas, nombres y acontecimientos, la poesía puede registrar miedo, esperanza, dolor o deseo. Por eso cada generación necesita a sus propios poetas: porque alguien debe escribir no solamente lo que ocurrió, sino cómo se sintió estar allí. Quizá la importancia de la poesía en el siglo XXI radique precisamente en eso. En recordarnos que detrás de las estadísticas, las empresas, los avances tecnológicos, las redes sociales y las noticias seguimos siendo personas intentando comprender nuestra existencia. Mientras exista algo que no podamos explicar completamente, necesitaremos poesía. Y probablemente siempre existirá.

Diego Heysen Director

CONTENIDO

14 Amador Rooftop: Una nueva manera de 08 Maple Sam & Alessandra Belaunde: Incendiar la pradera

celebrar la identidad peruana

22 MOUV: Una nueva etapa para Ode: Más allá de las etiquetas, 18 Jorge una cultura por descubrir

Los 26 de Nazarena García-Rada:

el Pilates en Lima

AYNI: La firma peruana que

26 consolidó su presencia en Colombiamoda

Nikadia Flower Studio: El

30 Una celebración que transformó

34 Terra Point: Una experiencia de arte pensada para compartir

38 diseño floral como una forma

22 40 TreEssenza: Cuando las diferencias se

42 Carolina Graña & Mirella Kahan:

44 Paola del Risco: Cuando el estilo

Envy en el Carnaval de las Flores

convierten en estilo

El espacio después de la estética

de expresión personal

encuentra propia identidad

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CONTENIDO

NIHM: El diseño contemporáneo 48 como una forma de habitar Nido Aventuras: Una propuesta 52 que transforma la experiencia de aprender

Almaia: Una mirada más humana

54 hacia la despedida de una mascota

Victoria Wedding & Event Planner: 56 Cuando cada celebración empieza por una historia

Dra. María Reneé Barrientos:

62 El equilibrio entre innovación médica y naturalidad

Llena eres eres de de Gracia: Gracia: Una Una expresión expresión 64 Llena artística que trasciende el lienzo artística que trasciende el lienzo

STUDIO Diseñar para la vida 72 A DÚO STUDIO: real

66 Body Wellness: El bienestar

como una práctica consciente

Espacio: Diseñando 68 Un identidades antes que espacios

74 Dental Pro Studio: La precisión detrás de una sonrisa

78 Muscle Shop: La nueva dimensión de la nutrición deportiva

Redefiniendo los códigos de 82 MUV: la publicidad exterior

84 MAP DESIGN: Una nueva forma de entender el diseño 360°

STAFF

Director General

Staff

Diego Heysen

Editora General

Nataly Vásquez Subeditora General

Flavia Berckemeyer Luciana Labrousse Emilia Laurent Redactores

Anghelo Basauri Cesia Herrera Romina Polti

Redacción y corrección

DSH Media Group E.I.R.L Contabilidad

Sara Yaya

Fotografía

Alex Dupont Sebastián Portocarrero Danilo Meléndez Columnistas

Camila Bazán Claudia Moquillaza Pierina Aste Melissa Valencia Ornella Puccio Karol Boza Webmaster

Vincent Alarcon Diseño

Sthefanie Gómez

Nuestra Portada

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PORTADA

Maple Alessandr Incendiar

En un mercado donde la atención de Revista Signature se convierten con Maple Sam y Alessandra Belaun desglosan las claves de su éxito digit la exposición, la rentabilidad de la c una marca pe

Entrevis

El retorno al origen digital

l universo del estilo de vi la moda exige, a menudo, perfección constante que mina desgastando cualq propuesta creativa. Tanto ple como Alessandra entendieron temprano intentar complacer a todos o sostener una gen intacta es insostenible. En lugar de c a la presión de las tendencias efímeras, am prefirieron delimitar con claridad qué par sus vidas pertenece al público y qué princ rigen la selección de los proyectos comer mente viables. Maple fundamenta la longevidad de su sistema en el rigor con el que selecciona alianza comercial y en la decisión de mostr cotidianidad con sus matices reales. Para recomendar un producto o una experie solo tiene sentido si responde a una convic personal, pues entiende que la confianza d audiencia es un activo que se fortalece a di Por su parte, Alessandra sostiene su mar través del arraigo pleno a su identidad, m teniendo su vocabulario cotidiano y la es taneidad intacta, entendiendo que frases c «con todo» o el tono cercano de sus hist son precisamente los sellos que construye identidad diferenciadora: «Un no negociab que siempre me mantengo fiel a mi vocab rio, mi forma de hablar, mi carisma».

El impacto detrás de la pantalla Cuando los números de alcance y las m

PORTADA

e Sam & ra Belaunde: r la pradera

inmediata suele devorarlo todo, las páginas n en el escenario de una entrevista exclusiva nde. En este diálogo abierto, ambas creadoras tal: una lectura estratégica sobre los límites de credibilidad y el verdadero peso de construir ersonal con propósito.

sta: Nataly Vásquez

ida y , una e terquier Mao que imaceder mbas rte de cipios rcial-

ecocada rar la ella, encia cción de su iario. rca a mansponcomo torias en su ble es bula-

métri-

cas de interacción se estabilizan, la visibilidad pública exige un propósito más claro. Ambas creadoras coinciden en que el fin último de su contenido trasciende el entretenimiento superficial; la verdadera meta es influir de forma positiva en la autoestima femenina, abriendo espacios para que miles de mujeres se sientan seguras de tomar decisiones independientes, emprender o reconciliarse con su propia imagen. Para Maple, esa responsabilidad implica recordar constantemente que del otro lado de la pantalla hay personas vulnerables a la comparación constante. Su enfoque apunta a inspirar desde el disfrute del lujo, la moda y los viajes, pero dejando claro que el valor individual nunca depende de las posesiones materiales. Alessandra concuerda con esa postura y prioriza un mensaje centrado en la autenticidad y la gratitud, motivando a su comunidad a abrazar la diversidad y a reconocer sus propias virtudes sin buscar la aprobación ajena: «Quiero que las mujeres se confíen en sí mismas, que entiendan que ser diferentes es precisamente lo que las hace inigualables». La reescritura del éxito y la herencia Las metas van cambiando conforme la carrera se consolida y las prioridades personales toman el mando. Con los años, los indicadores de éxito dejan de medirse por el volumen de campañas activas para enfocarse en la trascen-

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PORTADA

dencia del trabajo, la consolidación del emprendimiento femenino y la construcción de un legado que aporte equilibrio a sus vidas privadas. En el caso de Maple, la maternidad supuso una reestructuración profunda de sus ambiciones, obligándola a replantear la forma en que administra su tiempo y su energía en la era digital. Hoy entiende que crecer profesionalmente no tiene por qué significar el abandono de la esfera familiar, buscando servir de referencia para quienes desean conciliar ambos mundos. Alessandra refuerza esta mirada desde la perspectiva del impacto colectivo, asegurando que el verdadero reconocimiento ocurre cuando una seguidora decide lanzar un proyecto propio o recuperar la confianza a partir de sus mensajes: «Si por lo que yo comparto, alguien decide creer más en sí misma, para mí eso ya es todo». Credibilidad frente a la inmediatez Mantenerse vigente en una industria acostumbrada a la inmediatez requiere paciencia estratégica y una mirada de largo aliento. Frente al impulso generalizado por buscar la atención rápida a cualquier precio, ambas creadoras sugieren a las nuevas generaciones priorizar la consistencia y la intención en la creación de contenido por encima de los números pasajeros. Maple insiste en que un video puede volverse viral en cuestión de horas, pero la autoridad profesional y la reputación requieren años de trabajo consciente y aprendizaje continuo. Construir una presencia capaz de trascender las modas inmediatas exige tiempo y coherencia. Alessandra complementa esta idea invitando a construir marcas reales en lugar de personajes fabricados para complacer al algoritmo, concluyendo con el recordatorio de que las tendencias van y vienen, pero la honestidad es el único recurso que garantiza conectar con la audiencia correcta: «La moda y las tendencias suelen cambiar, pero la autenticidad que uno tenga siempre se conectará mejor con el público correcto». Más allá de las métricas, las campañas o el alcance, la conversación entre Maple Sam y Alessandra Belaunde plantea una idea común: construir una presencia digital sostenible depende menos de seguir el ritmo de la plataforma que de saber qué se quiere representar en ella. En un entorno marcado por la velocidad, ambas han encontrado en la autenticidad, la credibilidad y la coherencia herramientas para construir una voz propia y convertir su influencia en algo que trasciende la pantalla.

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PORTADA

Escribe: Nataly Vásquez Fotos: Revista Signature Styling: Raisa Carpio Outfits: Ayni Calzado: Donna Cattiva Accesorios: Pandora Catering: Mesa Fina Locación: Hipódromo de Monterrico

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SIGNATURE SOCIETY

Amador Rooftop: Una nueva manera de celebrar la identidad peruana En Amador Rooftop, las celebraciones por Fiestas Patrias adquirieron este año una intención distinta. Con PATRIA x AMADOR, el rooftop presentó una experiencia inspirada en un recorrido por el Perú que convirtió la gastronomía peruana, la coctelería de autor y la música en vivo en una misma narrativa, proponiendo una forma contemporánea de reencontrarse con la identidad desde la mesa. Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

Un viaje que comenzó mucho antes del menú oda propuesta gastronómica parte de una selección de ingredientes, pero algunas también nacen de una pregunta. En este caso, la búsqueda no estuvo enfocada en reinterpre-

tar recetas tradicionales, sino en comprender qué elementos permanecen cuando un país evoluciona sin perder el vínculo con su historia. Ese recorrido se tradujo en una carta

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SIGNATURE SOCIETY

que reunió sabores reconocibles desde una mirada actual. La propuesta encontró equilibrio entre lo familiar y lo contemporáneo, permitiendo que cada plato evocara una región, una costumbre o una forma de compartir que sigue presente en la cultura peruana. Compartir como parte de la experiencia La selección de platos fue concebida para invitar a la conversación. Preparaciones como La Mesa, los Anticuchos de Candela, las Empanadas del Jirón, los Tequeños de Ají de Gallina, las Causitas de Pulpa de Cangrejo y el tradicional Suspiro a la Limeña construyeron un recorrido donde distintas expresiones de la cocina peruana convivieron con naturalidad. Más que presentar una colección de recetas emblemáticas, Amador Rooftop propuso una experiencia donde compartir adquiere un papel central. La mesa deja de ser únicamente el lugar donde se sirve la comida para convertirse en el espacio donde la memoria gastronómica continúa construyéndose entre quienes la disfrutan. Un brindis con identidad La experiencia encontró continuidad en El Brindis, una carta de cocteles de autor elaborada a base de pisco e inspirada en la diversidad de sabores del país. Cada propuesta dialogó con la cocina sin buscar protagonismo propio, reforzando

SIGNATURE SOCIETY

la idea de que la identidad también puede expresarse desde la barra. La presencia de cajones peruanos en vivo acompañó ese recorrido sin convertir la celebración en un ejercicio de nostalgia. La música, la gastronomía y la coctelería compartieron un mismo propósito: recordar que las tradiciones permanecen vigentes cuando encuentran nuevas maneras de expresarse. Con PATRIA x AMADOR, Amador Rooftop recordó que celebrar el Perú también implica volver a mirar aquello que permanece vigente con el paso del tiempo. La identidad no necesita permanecer inmóvil para conservar su esencia; encuentra nuevas formas de reunirse alrededor de una mesa, donde cada encuentro mantiene viva una historia que siempre admite una nueva interpretación.

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DESTILADOS

Jorge Ode: Más allá de las etiquetas, una cultura por descubrir Durante más de dieciséis años, Jorge Ode ha construido una trayectoria alrededor de los destilados premium, pero su trabajo nunca ha estado limitado a conocer etiquetas o dirigir catas. Como consultor, educador y creador de experiencias, ha convertido cada encuentro en una oportunidad para descubrir que una botella también puede hablar de territorio, tradición y personas. Esa manera de entender este universo ha dado forma a una propuesta que privilegia el conocimiento por encima de la apariencia y la hospitalidad por encima del espectáculo. Escribe: Nataly Vásquez

Una botella nunca llega sola l recorrido profesional de Jorge cambió cuando dejó de observar los destilados únicamente desde la industria y comenzó a recorrer los lugares donde nacen. Conocer las destilerías, conversar con quienes las sostienen y comprender la relación entre cada producto y su entorno transformó la manera en que entendía su oficio. Desde entonces, una botella dejó de representar únicamente un resultado técnico para convertirse en la expresión de una historia construida durante generaciones. Esa perspectiva atraviesa hoy toda su práctica. Cada experiencia con destilados busca acercar al público a aquello que normalmente permanece fuera

de la copa: las familias que preservan un legado, las decisiones que definen un proceso y el vínculo entre un territorio y aquello que produce. Cuando ese contexto aparece, la degustación deja de ser un ejercicio sensorial para convertirse en una conversación mucho más amplia. Cuando el lujo deja de depender del precio En un momento donde lo premium suele asociarse con la exclusividad o el costo, Jorge propone una lectura diferente. Para él, el verdadero valor está en la coherencia con la que se construye una experiencia, en la atención a los detalles y en la capacidad de hacer sentir bien a quien participa, sin recurrir a artificios que prometan más de lo que

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DESTILADOS ferencia aparece cuando sabe interpretar el momento, recomendar sin imponer y acompañar la experiencia con naturalidad. Por esa razón, la personalización nunca responde únicamente a una cuestión estética. Cada propuesta busca mantener una relación auténtica con la historia que se está celebrando. Un matrimonio puede inspirarse en un viaje compartido o en un recuerdo importante para la pareja; un evento corporativo puede encontrar en la barra una extensión de la identidad de una marca. Cuando todos esos elementos dialogan entre sí, el servicio deja de llamar la atención sobre sí mismo y comienza a integrarse con naturalidad al evento. El conocimiento como legado A lo largo de los años, Jorge ha representado marcas internacionales y trabajado con algunas de las categorías más reconocidas del mercado, pero procura que su identidad profesional no dependa de una etiqueta específica. Prefiere que las personas recuerden la manera en que compartió el conocimiento antes que las botellas que presentó durante una experiencia. Su interés también pasa por fortalecer la cultura de los destilados en el Perú, promoviendo una mirada más consciente sobre el consumo y un mayor reconocimiento hacia productos como el pisco y otros destilados elaborados en distintas regiones del país. Para Jorge, comprender el mundo también implica aprender a valorar aquello que se produce cerca.

realmente ofrecen. Ese enfoque se sostiene sobre tres principios que aparecen de manera constante en su trabajo: conocimiento, autenticidad y hospitalidad. El primero permite comunicar con responsabilidad; el segundo evita convertir la experiencia en un discurso vacío; y el tercero recuerda que el protagonismo siempre pertenece al invitado. La credibilidad, insiste, no se construye con tendencias pasajeras, sino con una relación honesta que se fortalece a lo largo del tiempo. También observa un cambio evidente en quienes se acercan hoy al mundo de los spirits premium. Las nuevas generaciones ya no buscan únicamente descubrir qué están bebiendo, sino entender quién lo produce, de dónde proviene y qué historia sostiene esa botella. Esa curiosidad, lejos de representar un desafío, se ha convertido en una

oportunidad para elevar el nivel de la conversación y construir una cultura mucho más informada. El servicio también cuenta una historia Esa misma filosofía acompaña la propuesta de catering de barras que Jorge ha desarrollado para matrimonios y eventos corporativos. En estos espacios, la barra deja de ser un punto de servicio para integrarse a la identidad de cada celebración. Antes de pensar en una carta de cócteles, el proceso comienza escuchando a quienes organizan el encuentro y comprendiendo qué desean transmitir a través de cada detalle. La selección de destilados, los ingredientes, la cristalería, el ritmo del servicio y la presentación forman parte de una misma construcción. Sin embargo, Jorge considera que el elemento decisivo sigue siendo el equipo humano. Un bartender puede dominar una técnica impecable, pero la di-

Lo que permanece después de cada encuentro no suele ser el nombre de un cóctel ni la etiqueta de una botella. Permanece la sensación de haber entendido algo que antes pasaba desapercibido. Esa capacidad de transformar una degustación en una conversación y una bebida en un puente hacia otras culturas explica por qué, para Jorge Ode, el conocimiento siempre tendrá más valor cuando encuentra a alguien dispuesto a compartirlo.

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PILATES

MOUV: Una nueva etapa para el Pilates en Lima MOUV se acerca a su segundo aniversario con una decisión que dice bastante sobre hacia dónde quiere crecer: antes de abrir una nueva sede, el estudio boutique de Pilates en Lima está llevando su experiencia hacia la educación. Con MOUV Training Lab, Margarita y Olesia parten de una pregunta que solo aparece cuando una marca ha aprendido de cerca a su propia comunidad: qué hace realmente a un buen profesor y qué se necesita para conseguir que el movimiento deje de ser una actividad aislada y pase a formar parte de la vida de alguien. Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: @ph.andreevna

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PILATES

Lo que sucede después de la certificación na certificación puede enseñar una metodología, pero difícilmente resuelve todo lo que ocurre cuando un profesor entra a una sala y empieza a trabajar con personas distintas, con ritmos distintos y expectativas que no siempre aparecen en un manual. Esa distancia entre aprender a enseñar y realmente saber hacerlo es precisamente el territorio que MOUV quiere explorar con MOUV Training Lab, su nueva apuesta por la educación en Pilates y wellness. La iniciativa nace desde la experiencia acumulada dentro del propio estudio. Desde sus primeros años, MOUV ha construido una comunidad especialmente fiel, y esa cercanía ha permitido a Margarita y Olesia observar algo que no se aprende únicamente en una formación: por qué una persona decide volver, qué encuentra en un profesor que consigue generar confianza y de qué manera una práctica puede integrarse de forma natural en una rutina. Training Lab recoge ese aprendizaje y lo convierte en una propuesta que va más allá de la técnica. Una escuela construida desde la práctica Para MOUV, enseñar no consiste únicamente en transmitir conocimientos sobre el cuerpo o dominar una metodología. También implica entender a las personas que

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están al otro lado, reconocer sus necesidades y aprender a acompañarlas con criterio. Esa mirada es la que sostiene esta nueva etapa y la que diferencia al proyecto de una extensión convencional del estudio. El propósito también tiene una dimensión más amplia. Mientras la escena de wellness en Lima continúa creciendo y aparecen nuevos espacios dedicados al movimiento, MOUV parece interesarse por una conversación menos visible: qué estándares deberían sostener ese crecimiento. La respuesta empieza por formar mejor a quienes están detrás de cada clase, porque la experiencia de un estudio depende tanto de su propuesta como de las personas capaces de llevarla a la práctica. Lo que MOUV está preparando Training Lab es apenas el comienzo de una estructura que todavía está tomando forma. MOUV prepara programas de certificación más extensos, la participación de educadores internacionales y nuevas metodologías que permitirán ampliar el alcance de esta línea educativa sin perder el vínculo con aquello que la originó: la experiencia cotidiana del estudio y su comunidad. Incluso la posibilidad de una segunda sede queda, por ahora, en un segundo plano frente a esta expansión menos evidente. Crecer no siempre significa ocupar más espacio. En el caso de MOUV, también puede significar compartir aquello que ha aprendido, abrirlo a otros profesionales y contribuir a que la evolución del Pilates en Perú tenga detrás una formación cada vez más sólida. Quizá ahí esté la parte más interesante de esta nueva etapa. Una marca que comenzó construyendo un espacio alrededor del movimiento empieza ahora a preguntarse qué puede aportar más allá de sus propias paredes. Si MOUV consigue trasladar a otros profesores una parte de lo que ha aprendido escuchando y observando a su comunidad, su crecimiento dejará de medirse únicamente por cuántas sedes tenga. También podrá medirse por la calidad de las personas que ayude a formar y por la manera en que ellas, a su vez, transformen la experiencia de quienes llegan a sus clases.

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PASARELA

AYNI: La firma peruana que consolidó su presencia en Colombiamoda La participación de AYNI en Colombiamoda 2026 dejó claro que una pasarela puede marcar mucho más que el lanzamiento de una colección. Con Malva de Luz SS27, presentada como cierre oficial del evento, la firma fundada por Adriana Cachay y Loerke Skyum consolidó una semana de encuentros estratégicos, nuevas alianzas y oportunidades que fortalecen la presencia del diseño peruano dentro del escenario internacional. Escribe: Nataly Vásquez

Mucho más que un desfile

as semanas de moda suelen medirse por lo que sucede sobre la pasarela, pero las decisiones que realmente transforman el futuro de una marca ocurren también en las conversaciones que la rodean. Durante Colombiamoda, AYNI construyó una agenda que reunió prensa especializada, compradores, líderes de la industria y representantes de distintas marcas de la región. Junto a Malva e Inexmoda, la firma compartió la historia que ha definido su crecimiento y

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PASARELA

reforzó una propuesta donde la artesanía, el diseño contemporáneo y la sostenibilidad forman parte de un mismo lenguaje. Esa presencia permitió ampliar vínculos con actores clave de la industria y abrir nuevas posibilidades de colaboración que trascienden el calendario de la moda.

mentos más relevantes de la edición 2026 de Colombiamoda. La colección despertó el interés de compradores internacionales, medios especializados, embajadores de marca e invitados que encontraron en la propuesta una interpretación actual del lujo construida desde el trabajo artesanal.

Una colección que abrió nuevas rutas El cierre de la pasarela oficial con Malva de Luz SS27 representó uno de los mo-

La respuesta no terminó cuando concluyó el desfile. La colección comenzó a circular entre publicaciones especializadas,

creadores de contenido y referentes del sector, ampliando su alcance en distintos mercados y confirmando el creciente interés por propuestas que integran innovación, oficio y una mirada responsable sobre la moda. El siguiente capítulo ya está en marcha Uno de los resultados más importantes de esta participación fue el inicio de conversaciones con compradores del seg-

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mento lujo provenientes de Latinoamérica, Europa, Estados Unidos y Medio Oriente. Para AYNI, estos encuentros representan la posibilidad de consolidar relaciones comerciales que acompañen la siguiente etapa de expansión internacional de la marca. Ese camino continuará junto a Malva, alianza que se extenderá durante los próximos meses y que tendrá un nuevo capítulo

en Madrid, donde la compañía colombiana reunirá una selección de marcas latinoamericanas para acercarlas a otro escenario estratégico. La participación de AYNI en este proyecto refleja una visión compartida que apuesta por ampliar la presencia del talento regional más allá de sus fronteras. El recorrido por Colombiamoda 2026 confirmó que el crecimiento de una marca

no depende únicamente de llegar a nuevos mercados, sino de construir relaciones capaces de sostener ese camino en el tiempo. En ese proceso, AYNI continúa demostrando que el diseño peruano encuentra su mayor fortaleza cuando la identidad, la colaboración y la excelencia dialogan con naturalidad frente a una audiencia cada vez más global.

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Los 26 de Nazarena García-Rada: Una celebración que transformó Envy en el Carnaval de las Flores El cumpleaños número 26 de Nazarena García-Rada encontró su escenario en Envy, la terraza de Armoni que se ha convertido en uno de los espacios más exclusivos de la noche limeña. Lejos de tratarse únicamente de una reunión entre amigos y familiares, la celebración reunió una propuesta temática que transformó el encuentro en una experiencia compartida, reafirmando cómo Envy Lima entiende el entretenimiento desde una idea que va más allá de la música o la coctelería. Fotos: Haut Studio

Cuando el escenario también cuenta la historia ay celebraciones que funcionan como una fotografía y otras que consiguen construir un momento con identidad propia. La noche del 1 de agosto se acercó a esta última idea gracias a una producción que convirtió cada decisión en parte de un mismo relato. La temática Carnaval de las Flores no apareció como un simple recurso decorativo, sino como el hilo conductor de una experiencia diseñada para sorprender desde distintos ángulos. La propuesta permitió que los invitados recorrieran un espacio completamente intervenido, donde la ambientación aportó una nueva dimensión a la celebración. Más que convertirse en un fondo para las fotografías, la producción ayudó a que el cumpleaños de Nazarena encontrara un lenguaje propio,

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uno en el que cada detalle dialogaba con el siguiente sin perder naturalidad. El valor de reunir sin imponer Uno de los mayores desafíos de cualquier celebración es conseguir que personas con historias distintas compartan un mismo ambiente sin que el encuentro se sienta forzado. En Envy esa convivencia ocurre con fluidez porque el espacio favorece distintas maneras de vivir la noche, permitiendo que cada grupo encuentre su propio ritmo mientras forma parte de una experiencia colectiva. Durante la celebración, conversaciones, brindis y encuentros espontáneos fueron construyendo una dinámica que dio sentido al evento. Esa capacidad de reunir sin perder el carácter exclusivo del lugar explica por qué Envy se ha consolidado como un punto de encuentro para quienes buscan celebrar ocasiones importantes en un entorno cuidadosamente pensado. Una noche distinta, cada fin de semana La propuesta del Carnaval de las Flores también dejó ver una idea que define el concepto del espacio: cada fin de semana representa una oportunidad para presentar una nueva experiencia. Esa constante renovación evita que la visita dependa únicamente del calendario o de

una fecha especial y convierte cada programación en una invitación a descubrir una faceta diferente del lugar. En ese contexto, el cumpleaños de Nazarena encontró un escenario que ya contaba con una identidad propia, pero que supo adaptarse a una celebración personal sin perder coherencia. La combinación de entretenimiento, música, coctelería de autor y una producción conceptual terminó reforzando la personalidad del evento, demostrando que una celebración también puede construirse desde la curaduría de los detalles. Las mejores reuniones suelen recordarse menos por el programa de la noche que por la forma en que hicieron sentir a quienes estuvieron presentes. La celebración de Nazarena García-Rada confirmó que una experiencia bien concebida no necesita excesos para permanecer en la memoria. En una ciudad donde la oferta nocturna crece constantemente, espacios como Envy Lima encuentran su diferencia al entender que cada encuentro merece una identidad propia y que celebrar sigue siendo, ante todo, una manera de reunir historias alrededor de un mismo momento.

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ARTE

Terra Point: Una experiencia de arte pensada para compartir Terra Point nació con una idea sencilla, pero ambiciosa: acercar el arte a la vida cotidiana hasta convertirlo en parte de los encuentros que importan. Hoy, su propuesta reúne celebraciones, momentos espontáneos y una segunda sede donde es posible reservar una mesa y crear sin esperar una fecha especial. En ese recorrido aparece una pregunta que atraviesa toda la experiencia: qué ocurre cuando el arte deja de ser algo que se contempla a distancia y empieza a formar parte de la manera en que las personas comparten su tiempo. Escribe: Nataly Vásquez

Una mesa puede cambiar la relación con el arte

a historia de Terra Point no está construida alrededor de la idea tradicional de un taller de arte. Su apuesta ha sido llevarlo a un terreno más cercano a la vida diaria, donde una celebración, una reunión

entre amigas o simplemente el deseo de hacer algo diferente puedan convertirse en el punto de partida. Cumpleaños, despedidas de soltera y baby showers forman parte de ese universo, pero no lo definen por completo. La propuesta también busca que nadie necesite una ocasión especial para acercarse. Esa mirada tomó una nueva di-

mensión con la apertura de su segunda sede. El espacio permite reservar una mesa y acercarse a la experiencia de una manera más espontánea, siguiendo el propio ritmo y compartiendo el proceso con otras personas. La diferencia está menos en lo que se produce al final que en lo que sucede mientras se crea: una pausa frente a la velocidad cotidiana y una oportunidad para volver a

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ARTE

conectar con uno mismo y con los demás. En Terra Point, los talleres de arte funcionan así como un punto de encuentro. El resultado deja de ser la única medida de una experiencia que encuentra su valor en el tiempo compartido, en la posibilidad de crear sin presión y en una relación más natural con la creatividad. Cuando hacer algo con las manos importa La velocidad con la que transcurre la vida contemporánea ha cambiado también la manera en que se entiende el descanso. Desconectarse ya no siempre significa quedarse quieto. A veces implica concentrarse en algo concreto, dejar de lado por un momento la pantalla y recuperar una forma de atención que parecía reservada para otros tiempos. El arte encuentra ahí una de sus posibilidades más interesantes. Crear con las manos permite recuperar esa presencia sin convertirla en una exigencia. No se trata de producir algo perfecto ni de demostrar una habilidad determinada, sino de abrir un espacio donde la creatividad pueda aparecer sin demasiadas

reglas. Para Terra Point, esa libertad es también una forma de bienestar personal y una manera de fortalecer vínculos desde un lugar menos estructurado. La experiencia adquiere otra dimensión cuando se comparte. Una actividad creativa puede convertirse en una conversación, en una forma distinta de pasar tiempo con alguien o incluso en un momento de pausa dentro de una celebración. El arte deja entonces de ocupar un lugar separado de la vida para integrarse en ella. Lo que ocurre antes de que una experiencia termine La identidad de Terra Point también se construye desde una idea menos evidente: una experiencia no depende únicamente de su actividad principal. Cada elemento participa en la percepción final, desde la mesa y los materiales hasta la música, el catering, la decoración y, especialmente, la manera en que cada persona es recibida y acompañada durante el taller. Ese cuidado exige una mirada constante sobre lo que puede mejorar. La experiencia se construye a partir de decisiones pe-

ARTE

queñas que, tomadas en conjunto, determinan cómo se siente estar allí. Es una lógica cercana a la hospitalidad, pero aplicada a un territorio donde arte y conexión humana ocupan el centro. La calidez, en ese sentido, no aparece como un recurso decorativo. Forma parte de la estructura de Terra Point. La atención al detalle tiene sentido porque permite que la persona pueda concentrarse en lo que está haciendo y en quienes la acompañan, sin que el proceso pierda naturalidad. Crecer sin mover el centro Mientras la experiencia hacia afuera gana nuevas posibilidades, Terra Point ha dedicado este año a una tarea menos visible y decisiva: fortalecer la estructura que sostiene el proyecto. La consolidación del área administrativa, la profesionalización de procesos, el fortalecimiento del equipo y la creación de nuevas áreas de supervisión responden a una misma preocupación, mantener un estándar de calidad sin perder la cercanía que define a la marca. Ese trabajo interno mira hacia 2027 con una perspectiva de expansión. La intención es incorporar nuevas sedes y, eventualmente, llevar la propuesta a otras ciudades del Perú. Pero el crecimiento aparece acompañado por una condición clara: Terra Point quiere expandirse sin perder su esencia. Esa decisión resulta especialmente relevante en una propuesta cuyo valor depende tanto de la experiencia. Abrir nuevos espacios puede ser una cuestión de escala; conseguir que cada uno conserve la misma atención, calidad y calidez es una cuestión de identidad. Por eso, el siguiente capítulo no parece depender únicamente de cuántas sedes pueda tener Terra Point, sino de qué tan bien consiga trasladar aquello que hizo reconocible su primera etapa. Quizás allí está la idea que termina sosteniendo todo el proyecto. El arte no necesita permanecer en un lugar distante para conservar su valor. Puede entrar en una celebración, ocupar una mesa, acompañar una conversación o convertirse simplemente en una forma distinta de pasar unas horas. Terra Point parte de esa posibilidad y la convierte en experiencia, pero también en una invitación más amplia: volver a hacer espacio para crear, compartir y estar presentes. Cuando eso sucede, el arte deja de ser el destino del encuentro y empieza a ser parte de la razón por la que decidimos encontrarnos.

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INNOVACIÓN

Cristalería y vajilla: @gyghome

Nikadia Flower Studio: El diseño floral como una forma de expresión personal En Nikadia Flower Studio, Nicole, Karen y Claudia parten de una idea que atraviesa cada proyecto: las flores no están ahí únicamente para completar un espacio, sino para decir algo cuando las palabras no alcanzan. Esa mirada ha llevado a la firma a construir una manera particular de entender el diseño floral, en la que cada celebración, regalo o encuentro parte de una historia distinta. Porque, para Nikadia, la belleza adquiere verdadero sentido cuando consigue relacionarse con quien la recibe. Escribe: Nataly Vásquez

La belleza también puede decir algo ara Nikadia, una flor nunca es un elemento aislado. Acompaña nacimientos, bodas, aniversarios, graduaciones y despedidas, pero también aparece en esos momentos cotidianos en los que alguien busca hacer sentir querido a otra persona. Esa capacidad de estar presente en circunstancias tan distintas es parte de lo que sostiene la filosofía del estudio, que entiende las flores como una forma de comunicación capaz de transmitir emociones incluso cuando no encontramos exactamente

cómo expresarlo en palabras Esa misma mirada define su relación con las tendencias. Nicole, Karen y Claudia observan lo que ocurre en el diseño floral internacional, la decoración y el interiorismo, pero no sienten la necesidad de trasladarlo directamente a cada propuesta. Una tendencia puede inspirar, pero no necesariamente tiene que definir el resultado. Entre lo contemporáneo y lo atemporal, Nikadia busca construir una identidad reconocible sin convertirla en una fórmula que se repita de proyecto en proyecto.

La diferencia aparece cuando la referencia externa deja de ocupar el centro y empieza a importar la persona que está detrás del encargo. Es entonces cuando el diseño floral adquiere otra dimensión: porque ya no se trata únicamente de elegir flores bonitas, sino de entender qué debería expresar cada composición y por qué tiene sentido para esa persona en ese momento. La pregunta que cambia un arreglo La personalización ocupa el centro de esta manera de trabajar. Antes de pensar en colores, flores, texturas y di-

INNOVACIÓN mensiones, el equipo busca conocer la historia, los gustos y la personalidad de quien recibirá el diseño. A veces, esa información llega de manera directa; otras, requiere hacer preguntas que quizá deberían haberse hecho mucho antes. Una de las anécdotas que comparten lo resume bien. Un cliente llevaba 27 años regalándole rosas rojas a su esposa por su aniversario y, cuando le preguntaron si sabía si realmente le gustaban, descubrió que nunca se lo había preguntado. Ese año, las rosas dejaron de ser las protagonistas, aunque algunas continuaron apareciendo como una referencia sutil a los años anteriores. El gesto permitió abrir una nueva etapa a partir de algo tan sencillo como conocer mejor a la persona que estaba recibiendo el diseño floral. En otra ocasión, un cliente tampoco sabía cuál era el color favorito de su esposa, pero tuvo la iniciativa de mirar su clóset para descubrirlo. Ese tipo de detalles resume lo que Nikadia entiende por diseño floral personalizado: encontrar información en lugares inesperados y transformarla en una propuesta que tenga una relación real con quien la recibe. La intención no es diseñar para cualquiera ni responder a una misma fórmula. El estudio ha elegido trabajar desde una escala más cuidada, en la que cada proyecto pueda re-

cibir el tiempo y la atención que necesita. En un contexto en el que muchas experiencias tienden a acelerarse, esa decisión se convierte también en una declaración sobre la manera en que entienden su profesión. Una mesa también cuenta una historia El siguiente paso de Nikadia amplía esa conversación hacia el arte de recibir. El estudio está desarrollando propuestas de tablesetting y colaboraciones relacionadas con la manera en que compartimos alrededor de una mesa, entendiendo que su puesta en escena puede influir tanto en el ánimo de un encuentro como aquello que sucede sobre ella. No se trata de convertir una comida en una puesta en escena excesiva. Para Nicole, Karen y Claudia, una mesa bien pensada debe resultar acogedora, invitar a quedarse y permitir que la conversación se extienda. Los objetos, las flores y cada detalle adquieren valor cuando contribuyen a crear esa sensación, no cuando buscan llamar la atención por sí mismos. La idea conecta con una forma más amplia de entender el lujo. No depende necesariamente de una pieza determinada ni de la inversión de cada elemento, sino del tiempo dedicado a pensar cómo queremos recibir a otros y qué experiencia queremos construir alrededor de un momento compartido. Nikadia Flower Studio parece haber encontrado ahí una extensión natural de su trabajo. Las flores siguen siendo el punto de partida, pero la conversación comienza a incluir todo aquello que hace que una celebración, una casa o una mesa se sientan propias. La propuesta crece sin perder de vista la razón por la que empezó: entender que la belleza tiene más valor cuando está conectada con una intención. En tiempos en los que casi todo puede producirse rápidamente y repetirse con facilidad, elegir hacer menos para dedicar más atención a cada proyecto se convierte, casi, en una declaración de principios. Nikadia no parece buscar una expansión que diluya su identidad, sino una evolución que le permita explorar nuevas maneras de crear sin renunciar a la precisión que define su trabajo. Y quizá ahí reside lo más interesante de su propuesta: recordar que el verdadero detalle no siempre es lo primero que se percibe, pero sí aquello que, con el tiempo, permanece.

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MODA

TreEssenza: Cuando las diferencias se convierten en estilo TreEssenza comienza con una idea que podría haber sido una dificultad y terminó convirtiéndose en su punto de partida: tres mujeres, tres estilos, tres formas de entender la moda. No intentaron borrar esas diferencias para construir una identidad común. Hicieron lo contrario. Las convirtieron en criterio. Desde ahí, la marca propone una manera de vestir que no busca uniformar a quien la lleva, sino acompañarla en esa zona donde la ropa deja de ser una elección estética y empieza a decir algo sobre quién es.

Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

El acuerdo no estaba en parecerse a identidad de TreEssenza no nació de encontrar una estética que las tres compartieran por completo. Nació de reconocer que podían mirar hacia lugares distintos y, aun así, avanzar en la misma dirección. Esa convivencia es parte de la marca: cada una aporta una sensibilidad particular y las tres encuentran un punto de encuentro en una idea sencilla, pero exigente, realzar la autenticidad de cada mujer.

Esa premisa cambia también la relación con quien viste sus prendas. TreEssenza no plantea la moda como una instrucción sobre cómo debería verse una mujer, sino como una posibilidad para que ella decida cómo quiere mostrarse. Feminidad, confianza, versatilidad y autenticidad aparecen entonces no como conceptos de campaña, sino como criterios para construir una propuesta que pueda tener sentido más allá de una temporada. En ese recorrido aparece una de las convicciones centrales de la marca: la elegancia no depende únicamente de la prenda. Depende de la seguridad con la que una mujer la incorpora a su propia historia. La ropa puede acompañar una identidad, pero no debería reemplazarla. Vestirse también es una forma de elegir El siguiente paso está en la vida cotidiana. TreEssenza parte de una mujer que se mueve entre distintos escenarios y necesita que su guardarropa responda a esa diversidad sin perder coherencia. De ahí surge una búsqueda que privilegia el equilibrio entre diseño, comodidad y funcionalidad, con prendas capaces de permanecer vigentes y adaptarse a distintas formas de llevarlas.

Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

MODA

La selección de telas, colores y siluetas responde a esa misma lógica. No se trata de producir piezas destinadas a desaparecer cuando cambia el calendario de tendencias, sino de construir un guardarropa versátil y duradero, donde cada elección pueda adquirir un significado distinto según quien la use. Quizá ahí se encuentra una de las diferencias más interesantes de TreEssenza. La marca no intenta definir un estilo de vida desde afuera. Propone herramientas para construirlo desde adentro. Una prenda puede funcionar para distintas ocasiones, pero lo importante ocurre después: cuando cada mujer la incorpora a su manera, la combina con lo que ya tiene y termina haciendo que una pieza pensada por tres mujeres hable, finalmente, con su propia voz. Lo que sostiene una marca cuando todavía está creciendo En una industria acostumbrada a medir el movimiento, TreEssenza ha elegido prestar atención a algo menos visible: las relaciones que hacen posible que una idea se convierta en una marca. Sus primeras etapas han estado acompañadas por proveedores y aliados que comparten una preocupación por la calidad y el cuidado de cada detalle. En ese proceso, las fundadoras encontraron un aprendizaje

que va más allá de la producción.

cional y contemporánea.

Construir una colección es también construir confianza. Cada persona involucrada aporta una parte del resultado y, al mismo tiempo, ayuda a definir qué tipo de empresa quiere ser TreEssenza. Esa conciencia ha llevado a sus fundadoras a crecer de manera gradual, escuchando especialmente a quienes ya forman parte de la comunidad de la marca.

Pero existe un proyecto que concentra una aspiración más íntima: un atelier propio, pensado no solo como un punto de encuentro comercial, sino como un espacio donde la experiencia de la marca pueda desarrollarse de manera completa. Es una idea que revela hacia dónde quieren llevar TreEssenza: de las prendas al universo que las rodea. La ambición, en ese sentido, no está únicamente en crecer. Está en conservar algo mientras crecen. Mantener la cercanía, cuidar la coherencia y lograr que una marca pueda hacerse más grande sin volverse distante de las mujeres que le dieron sentido desde el principio.

Escuchar a la clienta se convierte así en una forma de dirección. No porque la marca renuncie a su identidad para responder a cada demanda, sino porque entiende que una propuesta solo puede consolidarse cuando existe una relación genuina con quienes deciden llevarla. La conversación con esas mujeres termina funcionando como una especie de brújula. El próximo capítulo todavía conserva espacio El futuro de TreEssenza no parece plantearse como una ruptura con lo construido, sino como una expansión cuidadosa de esa misma identidad. Nuevas colecciones y cápsulas forman parte del camino, junto con el interés por llegar a concept stores que compartan una visión de la moda femenina, fun-

Al final, TreEssenza vuelve a su nombre. Tres esencias distintas que no necesitan fundirse para funcionar como una sola. Esa quizá sea la idea más interesante que deja su recorrido: la identidad no siempre nace de encontrar lo que nos hace iguales, sino de aprender a construir algo juntos sin dejar de ser quienes somos. Y cuando esa premisa llega a una prenda, la moda deja de ser una respuesta sobre cómo verse para convertirse en una pregunta más personal: cómo quiere cada mujer reconocerse cuando se mira.

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ARQUITECTURA

Carolina Graña & Mirella Kahan: El espacio después de la estética Carolina Graña y Mirella Kahan entendieron temprano que un interior no se define únicamente por lo que consigue mostrar. También por la manera en que consigue ser vivido. Esa diferencia atraviesa el trabajo de ambas y explica una identidad construida alrededor de la elegancia atemporal, los materiales y el detalle, pero también de algo menos visible: la capacidad de escuchar una rutina, interpretar una personalidad y convertirla en un espacio que tenga sentido para quien lo habita. Escribe: Nataly Vásquez

Cuando un espacio empieza a hablar de quien lo vive l punto de partida de Carolina & Mirella no está en una paleta, una pieza de mobiliario o una tendencia determinada. Está en la persona. Antes de pensar cómo debería verse un espacio, buscan comprender cómo funciona la vida dentro de él: las rutinas, las necesidades, las costumbres y aquello que hace que un lugar pueda sentirse verdaderamente propio. Esa perspectiva modifica el papel del interiorismo. La estética deja de ser un

destino y pasa a formar parte de algo mayor. Un espacio puede ser elegante, pero también debe responder a la vida que sucede dentro de él. Puede tener una identidad definida y, al mismo tiempo, permitir que quienes lo habitan encuentren en él comodidad, funcionalidad y una cierta sensación de pertenencia. Para ambas, diseñar es interpretar. Y esa interpretación exige mirar más allá de lo evidente. Cada decisión tiene que responder a una persona concreta, no a una idea abstracta de cómo debería ser una casa. En esa distancia entre lo correcto y lo personal parece

encontrarse buena parte de su método. La elegancia que no necesita perseguir el tiempo El sello de Carolina & Mirella se fue formando sin una declaración inicial de principios. Surgió de una afinidad compartida por los espacios cálidos, elegantes y atemporales, y por una manera de entender los materiales y los detalles como elementos capaces de sostener un proyecto más allá de una temporada. Las tendencias, sin embargo, no quedan fuera de esa conversación. Las siguen, las observan y las in-

ARQUITECTURA complejidad. Esa mirada resulta reveladora. El reto no está necesariamente en resolver un problema extraordinario, sino en hacer convivir muchas variables sin perder coherencia. Y algunas de esas limitaciones terminan siendo productivas. Cuando una solución evidente deja de ser posible, aparece la necesidad de buscar otra. Cuando un presupuesto obliga a priorizar, cada decisión adquiere mayor peso. Cuando las expectativas de un cliente y las posibilidades reales de un espacio no coinciden, el trabajo consiste en encontrar un punto donde ambas puedan encontrarse.

corporan cuando encuentran en ellas algo que realmente aporta. La diferencia está en no asumirlas como una obligación. No todo lo nuevo merece permanecer, y parte del criterio consiste precisamente en distinguir aquello que puede enriquecer un espacio de aquello que simplemente pertenece a un momento. Esa postura revela una relación más consciente con la estética. La evolución no implica abandonar una identidad para adaptarse al presente. Puede significar, más bien, aprender a incorporar nuevas referencias sin perder aquello que hace reconocible una mirada. En el caso de Carolina & Mirella, esa coherencia se sostiene en una preferencia clara: diseñar espacios

que puedan seguir teniendo sentido cuando la tendencia que los inspiró haya dejado de serlo. Las restricciones también pueden abrir una puerta Hablar del proyecto perfecto sería simplificar demasiado el interiorismo. Cada encargo trae consigo variables distintas: tiempos, presupuestos, características arquitectónicas, expectativas y, sobre todo, la necesidad de conciliar lo que una persona imagina con aquello que realmente puede funcionar en su espacio. Carolina y Mirella no identifican un único proyecto como su mayor desafío porque entienden que cada uno plantea su propia

La creatividad, entonces, no aparece como un gesto espectacular. Se vuelve una herramienta de precisión. Diseñar bien también significa saber qué dejar fuera, qué transformar y dónde insistir. Perú como materia de futuro La conversación sobre el diseño peruano abre otra escala. Para Carolina & Mirella, el país cuenta con una combinación especialmente valiosa: materiales, artesanía e identidad. El desafío no consiste en conservar esos elementos intactos, sino en encontrar una manera contemporánea de reinterpretarlos. Ahí aparece una posibilidad que trasciende al estudio. El diseño peruano puede competir internacionalmente no necesariamente intentando parecerse a lo que ocurre afuera, sino desarrollando una mirada propia capaz de dialogar con el contexto global. La identidad puede ser un punto de partida, no un límite. Su propia proyección sigue esa dirección. Quieren asumir proyectos cada vez más complejos, ampliar el alcance de su trabajo y llevarlo fuera del Perú. Pero existe una condición que permanece: hacerlo sin perder la esencia que construyeron. Crecer, en su caso, no parece significar multiplicarse indiscriminadamente, sino llevar una misma forma de entender el diseño hacia nuevos escenarios. Al final, el trabajo de Carolina Graña y Mirella Kahan devuelve el interiorismo a una pregunta que precede a cualquier decisión estética: ¿cómo queremos vivir aquí? La respuesta puede cambiar con cada proyecto, con cada persona y con cada etapa de la vida. Lo interesante es que ambas parecen entender que precisamente ahí está la dificultad y también la oportunidad. Un buen espacio no debería imponerse sobre quien lo habita. Debería reconocerlo, acompañarlo y, con el tiempo, convertirse en una parte natural de su historia.

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Paola del Risco: Cuando el estilo encuentra propia identidad La historia de Paola del Risco no se explica únicamente desde la moda, sino desde una pregunta que atraviesa su recorrido y que hoy encuentra una respuesta concreta en Numeral: qué sucede cuando una persona deja de vestirse para cumplir expectativas y empieza a hacerlo desde el conocimiento de quién es. Antes de construir una propuesta propia, Paola aprendió a mirar desde otro lugar, escuchando a una comunidad de mujeres que le permitió entender que detrás de cada elección de estilo existe una búsqueda más profunda. Esa mirada sigue definiendo su manera de entender la imagen personal, el estilo y una industria que, para ella, tiene cada vez menos que ver con seguir lo que viene y mucho más con saber qué vale la pena conservar. Escribe: Nataly Vásquez

Primero estuvo la escucha irada Trendy apareció en un momento en que las redes sociales comenzaban a modificar la conversación alrededor de la moda. Lo que empezó como una plataforma de inspiración terminó convirtiéndose en una comunidad donde miles de mujeres compartían dudas, deseos y formas distintas de relacionarse con su manera de vestir. Para Paola, esa etapa terminó siendo mucho más que un capítulo previo a Numeral: fue el lugar donde descubrió que observar no siempre significa mirar lo evidente. Mientras la conversación digital invitaba a hablar cada vez más, Paola encontró valor en hacer lo contrario. Escuchar qué hacía sentir seguras a las mujeres, qué esperaban de una marca, qué les faltaba y por qué determinadas propuestas conseguían establecer una conexión que otras no lograban. Esa atención terminó convirtiéndose en una forma de trabajo y, con el tiempo, en uno de los criterios que más pesan en su manera de construir proyectos. La conclusión no llegó desde una teoría sobre el consumidor, sino desde la experiencia. Las mujeres no estaban buscando únicamente ropa. También buscaban sentirse comprendidas. Esa idea, aparentemente sencilla, terminó dando forma a una mane-

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ra distinta de entender la asesoría de imagen y el vínculo entre una marca y las personas que decide acompañar. Cuando la ropa deja de esconder Paola parte de una convicción que atraviesa toda su mirada: la ropa nunca debería ser el punto de partida. Antes está la persona que la lleva, su forma de habitar el mundo y la seguridad con la que decide mostrarse. Una imagen personal bien construida puede comunicar antes que las palabras, pero pierde sentido cuando intenta fabricar una versión ajena de quien la lleva. Por eso, para Paola, la confianza no aparece después de encontrar la prenda perfecta. Aparece cuando la ropa deja de funcionar como una forma de esconderse y empieza a convertirse en una herramienta para expresar identidad. Esa diferencia también explica por qué su visión de la moda se aleja de una lectura basada únicamente en tendencias. La moda cambia con velocidad, mientras que una identidad construida desde la autenticidad tiene otro ritmo. En esa tensión se encuentra buena parte de su pensamiento: no se trata de ignorar las tendencias, sino de saber cuánto espacio merecen dentro de una historia personal. El verdadero estilo empieza cuando la elección deja de responder a la necesidad de impresionar y empieza a responder a la necesidad de reconocerse. Numeral como declaración de criterio Numeral nació después de años de conversaciones, observación y aprendizaje, pero también desde un momento personal para Paola. El proyecto representa quién es hoy y, en ese sentido, funciona

TENDENCIAS

como una extensión de una identidad que ya no necesita probarse. Esa relación entre creadora y proyecto es importante porque explica por qué Numeral no busca hablarle a todo el mundo. Su apuesta está en construir una identidad reconocible y sostenerla. En una industria acostumbrada a multiplicar opciones, Paola prefiere la claridad de una selección que responde a una misma visión. Cada pieza necesita tener un lugar dentro de ese universo y cada decisión debe encontrar una razón más allá de la novedad. Esa coherencia también cambia la pregunta inicial. Antes de preguntarse qué quería vender, Paola necesitó entender qué historia quería contar y para quién quería contarla. Esa definición le permite pensar Numeral no solo como una propuesta de moda contemporánea, sino como un espacio donde el diseño, el criterio y la identidad forman parte de una misma conversación. Crecer sin perder la voz El futuro de Numeral parte de una idea que parece sencilla, pero que en una industria marcada por la velocidad exige bastante claridad: crecer no necesariamente significa hacer más. Paola habla de fortalecer la experiencia de sus clientas, afinar la propuesta y desarrollar con mayor precisión aquello que Numeral quiere representar. La expansión, en su mirada, tiene sentido cuando conserva una dirección. Mirada Trendy permanece como parte esencial de ese recorrido, no como algo que deba repetirse, sino como una experiencia que sigue influyendo en su manera de trabajar. Allí aprendió que las mejores ideas podían aparecer cuando existía disposición para escuchar y entender antes de responder. Hoy esa misma lógica se expresa desde otro lugar, con una identidad más definida y con la experiencia de haber recorrido distintas etapas de la industria. Quizás por eso su lectura del futuro de la moda y la asesoría de imagen no está centrada en anticipar cuál será la próxima tendencia. Las tendencias van a seguir cambiando, igual que las plataformas y los algoritmos, pero la capacidad de una marca para saber quién es puede resultar mucho más difícil de reemplazar. Para Paola, ahí está la verdadera oportunidad: construir algo que pueda cambiar sin dejar de reconocerse. La ropa seguirá siendo parte de esa conversación, pero nunca será toda la historia. Lo que permanece es la relación entre lo que una persona siente que es y la manera en que decide expresarlo. Paola encontró su lugar en ese espacio, primero escuchando a otras mujeres y después construyendo una propuesta desde su propia voz. Quizás el estilo, cuando realmente funciona, tenga menos que ver con encontrar la imagen correcta que con dejar de buscar una versión distinta de uno mismo.

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DISEÑO

NIHM: El diseño contemporáneo como una forma de habitar En 2018, NIHM Design entró a un mercado peruano donde el mobiliario parecía moverse entre dos extremos: lo accesible y genérico, y el diseño de autor reservado para pocos. En ese punto medio había una generación que ya tenía referencias, criterio y una idea bastante clara de cómo quería habitar. Hoy, la marca la leen desde adentro Marcela Retamales, Head of Marketing & Growth de NIHM Design y NIHM Group, que llega después de cinco años en IKEA trabajando en operaciones de distintos países, y Paula Sánchez, Head of Product Development & Visual Merchandiser de NIHM Group. Desde entonces, NIHM Group ha crecido hasta reunir hogar, espacios de trabajo y proyectos contract bajo una misma convicción: el buen diseño puede tener estándares altos sin convertirse en una experiencia distante. Escribe: Nataly Vásquez

El espacio que faltaba a conversación sobre NIHM empieza antes de hablar de una silla, un sofá o una colección. Empieza con una observación sobre el mercado. Cuando la marca fue fundada, existía una oferta accesible, pero muchas veces predecible, y otra ligada al diseño de autor que no estaba al alcance de todos. En medio quedaba un consumidor que viajaba, seguía tendencias internacionales, guardaba referencias y llegaba a las tiendas con una idea bastante precisa de lo que quería, aunque no siempre encontrara dónde materializarla. Ese vacío terminó definiendo la dirección de NIHM. La marca se propuso acercar diseño contemporáneo, calidad e innovación a una audiencia más amplia, pero sin reducir la propuesta para hacerla accesible. La diferencia está en encontrar maneras más innovadoras de acercar ese estándar, sin convertir el diseño en una experiencia distante. La experiencia de Marcela en IKEA también formó parte de esa mirada. Como ella misma explica: “cuando ves que millones de personas pueden vivir en casas bien pensadas, ya no puedes volver a un mercado donde el diseño se reserva para unos pocos y aceptarlo como algo natural”. También existe una mirada local detrás de una marca cuyo equipo fundador tiene origen español. Marcela entiende a NIHM como

una marca peruana, desarrollada y pensada desde el Perú, pero reconoce que la experiencia europea aportó una forma distinta de entender el acceso al diseño. La clave estuvo en no trasladar modelos de manera literal, sino en interpretar qué funciona cuando las referencias internacionales se encuentran con la manera peruana de habitar. Esa lectura se extiende también al canal profesional. Los más de 300 arquitectos y diseñadores de interiores con los que trabaja NIHM forman parte de una relación constante que permite conocer de cerca las necesidades de proyectos reales, desde una vivienda hasta espacios de mayor escala. El intercambio funciona en ambos sentidos: los profesionales encuentran una propuesta que responde a sus requerimientos y NIHM recibe una lectura directa de cómo está cambiando la manera de proyectar y habitar. Una casa no es el único escenario El crecimiento de NIHM Group tampoco siguió una lógica de expansión por acumulación. Primero estuvo NIHM Design, la tienda de muebles de diseño enfocada en el hogar. Después aparecieron las preguntas de los propios clientes: si se podía equipar una oficina, un restaurante o un hotel. De ahí nacieron NIHM Workplace, que equipa espacios de trabajo con mobiliario ergonómico pensado para jornadas largas, y NIHM Project, que provee mobiliario para restaurantes, cafeterías y hoteles, con piezas preparadas para contextos de alto tránsito. Ambas unidades trabajan sobre proyectos de gran escala, donde el volumen y la resistencia al uso intensivo cambian por completo los criterios de selección. NIHM no diseña ni ejecuta las obras. Su trabajo consiste en proveer y equipar los espacios con mobiliario, acompañando las necesidades específicas de cada proyecto desde la selección de las piezas. La estructura actual permite mirar el diseño como un recorrido más amplio. Una persona puede estar formando su casa, transformando su oficina o entrando a un restaurante cuyo mobiliario fue desarrollado y provisto por el mismo grupo. Son situaciones distintas, pero comparten una expectativa: que el espacio tenga sentido y que las decisiones que lo construyen respondan a una necesidad concreta. Ese crecimiento plantea una pregunta más difícil: cómo mantener una identidad reconocible cuando las necesidades técnicas cambian tanto. Paula lo resume desde producto al hablar de coherencia. Una vivienda, un hotel y un puesto de trabajo requieren soluciones distintas, pero el criterio de diseño puede permanecer. Como explica: “La coherencia no está en repetir la misma pieza, sino en mantener el mismo criterio de diseño”. Para NIHM, la identidad no está en hacer lo mismo para todos, sino en sostener una forma de decidir. El cliente también crea El arquetipo de NIHM es El Creador, una elección que modifica la relación tradicional entre una marca de diseño y su cliente. Marcela insiste en que el protagonista no es NIHM, sino la persona que está construyendo su espacio. La marca aporta herramientas, conocimiento y opciones, pero no pretende decirle al otro cómo debe vivir. Esa posición también explica el tono que han elegido. En un sector donde el lenguaje puede convertirse fácilmente en una barrera, NIHM busca hablar desde la seguridad sin caer en la superioridad. La idea de diseño al alcance no significa hacer una propuesta menos exigente, sino eliminar la distancia que suele

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asociarse con el mundo del diseño. Para Marcela, exclusividad y distancia no son necesariamente lo mismo. La co-creación aparece entonces como una parte central de la relación. El cliente llega con referencias, hábitos, necesidades y una idea de sí mismo que quiere trasladar a su espacio. En el caso de los profesionales, esa conversación se vuelve todavía más específica: arquitectos y diseñadores trabajan con requerimientos técnicos, presupuestos, dimensiones y usos concretos. NIHM entra en ese proceso sin intentar ocupar el centro. La pieza importa, pero importa también lo que permite construir alrededor de ella. La tendencia no tiene la última palabra Desde producto, Paula trabaja con una premisa que parece sencilla, aunque exige bastante criterio: una pieza no debería entrar al catálogo únicamente porque está de moda. La pregunta es si seguirá teniendo sentido en el espacio de una persona con el paso del tiempo. “Cuando desarrollamos una pieza, no partimos de la pregunta ‘¿qué está de moda?’, sino de ‘¿esto seguirá teniendo sentido en el espacio de esta persona con el paso del tiempo?’”, explica. El proceso combina referencias internacionales con una lectura concreta del mercado peruano. NIHM observa ferias, estudios y movimientos globales, pero también analiza cómo esas tendencias llegan a Lima y qué ocurre cuando se encuentran con espacios reales. No todo lo que funciona en otro lugar tiene necesariamente sentido aquí, y esa traducción es parte del trabajo de curaduría. El catálogo pasa por filtros que van desde la vigencia y la variedad hasta la funcionalidad y la calidad de los materiales. Paula explica que “tenemos un filtro bastante estricto y una parte importante de mi trabajo es decir que no”. Una pieza puede ser atractiva y aun así quedar fuera si no resuelve una necesidad concreta. Al mismo tiempo, existe espacio para la intuición: NIHM también incorpora propuestas en las que cree antes de que se conviertan en una tendencia evidente. Esa capacidad de curaduría también está relacionada con el tamaño de la operación. Marcela lo plantea como una ventaja frente a estructuras más grandes: “somos una operación mucho más chica, curamos mucho más, trabajamos uno a uno con arquitectos y podemos responder a un mercado específico con un nivel de detalle que a esa escala sería imposible. Esa es nuestra ventaja, no nuestra limitación.” La dimensión de NIHM, entonces, no se entiende como una desventaja, sino como una posibilidad de mirar con mayor precisión lo que ocurre en el mercado local. La curaduría se sostiene, además, en una relación cercana con el canal profesional. Trabajar de manera constante con arquitectos y diseñadores permite identificar necesidades específicas y detectar oportunidades que no necesariamente aparecen en las tendencias globales. El resultado es un catálogo pensado para responder tanto a quien

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está buscando una pieza para su casa como a quien necesita equipar un proyecto completo. Comprar sin tocar La apuesta digital lleva esa filosofía a un terreno especialmente interesante para una categoría como la de los muebles de diseño, que durante años ha dependido de la experiencia física. NIHM parte de una pregunta concreta: si su misión es expandir el acceso al diseño, ¿por qué esa posibilidad tendría que limitarse a quienes pueden visitar un showroom?

La respuesta está tomando forma en su plataforma digital, donde la idea de comprar diseño online no se plantea como una versión reducida de la tienda, sino como una experiencia que debe compensar aquello que el usuario no puede comprobar físicamente. Dimensiones exactas, materiales, acabados, colores y fotografías desde distintos ángulos forman parte de una promesa más exigente: que lo que aparece en pantalla corresponda realmente con lo que llegará a casa. Paula coloca el foco en un punto menos visible, pero decisivo. “La web no es una vitrina bonita: es el compromiso de que no va a haber sorpresas”, explica. Esa confianza no empieza en la web, sino mucho antes, en el control del producto, la fotografía y la información técnica. Si un material cambia entre lotes o un acabado se comporta de manera distinta según la luz, la información debe hacerlo explícito. NIHM tampoco utiliza imágenes generadas para embellecer un producto real. Lo que el cliente ve en pantalla es lo que llega a su casa. La tecnología también forma parte de esta evolución. NIHM ya utiliza inteligencia artificial en diseño y retail para analizar referencias, ordenar información, desarrollar contenido y explorar variantes de producto. La herramienta permite acelerar procesos de investigación y ayudar a formular mejores preguntas, mientras que las decisiones sobre materiales, proporciones y comportamiento del producto siguen dependiendo del equipo. El siguiente paso de NIHM Group está definido por una ambición concreta: convertirse en la marca con la que el Perú diseña, desde el hogar hasta los lugares de trabajo y los espacios comerciales y de hospitalidad. Ese crecimiento no se plantea únicamente en términos de volumen, sino desde una propuesta que busca ampliar el acceso al diseño sin renunciar al criterio que la sostiene. NIHM comenzó identificando un espacio entre dos extremos del mercado y construyó desde ahí una propuesta que hoy conecta al consumidor final con una red profesional de más de 300 arquitectos y diseñadores de interiores. Su catálogo de muebles de diseño —sillas, sofás, mesas de comedor, butacas, alfombras y muebles de terraza— está disponible online y en el showroom de NIHM Design en Miraflores.

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EDUCACIÓN

Nido Aventuras: Una propuesta que transforma la experiencia de aprender

Una identidad que se construyó con los años

esde el inicio, el Nido Aventuras ha mantenido principios que sus directoras consideran esenciales: el respeto al niño, el trabajo coordinado entre padres, maestras y dirección, y el acompañamiento a las familias en los distintos momentos que atraviesan durante los primeros años de sus hijos. A esto se suma el arte como eje transversal, no como una actividad aislada, sino como una herramienta que acompaña distintas formas de aprender y expresarse.

Con el tiempo, esa base fue tomando una personalidad propia. La propuesta del Nido Aventuras no se ha limitado a seguir fundamentos establecidos, sino que ha encontrado una manera particular de interpretarlos según su contexto, sus familias y las características de su comunidad educativa. Esa evolución es importante porque permite entender que una educación inicial puede tener principios claros sin convertirse en una experiencia rígida. Uno de los momentos que amplió esa mirada fue la capacitación de María José, directora del nido, en Reggio Emilia, Italia. El intercambio cultural y los aprendizajes adquiridos durante esa experiencia reforzaron una idea que ya formaba parte del camino del Nido Aventuras: los niños aprenden de manera profunda cuando tienen la posibilidad de involucrarse en experiencias que despiertan preguntas y les permiten construir sus propias respuestas. Cuando el niño ocupa el centro El Nido Aventuras prefiere hablar de la inspiración en la filosofía Reggio Emilia y no de ninguna metodología. La diferencia importa porque no se trata de seguir una fórmula cerrada, sino de adoptar una manera de entender a la infancia. Bajo esta mirada, el niño es protagonista de su aprendizaje, capaz de investigar, crear, tomar decisiones y expresar sus ideas a través de distintos lenguajes. Esa filosofía se traduce en espacios que invitan a explorar y construir, en maestras que observan, escuchan y acompañan, y en grupos pequeños que permiten una relación más cercana con cada proceso. También se extiende hacia las familias, que reciben lo que sus hijos están investigando y pueden aportar conocimientos, experiencias y preguntas propias. El atelier ocupa un lugar especial dentro de esta propuesta. Pintura, arcilla, acuarelas, tinta china, luces, sombras y materiales no estructurados permiten que los niños encuentren distintas formas de expresar aquello que piensan, sienten o imaginan. No se trata de producir una pieza determinada, sino de abrir posibilidades para que cada proceso tenga su propio recorrido. Por eso, en el Nido Aventuras no existe una lista de actividades que deba cumplirse de manera automática. Las experiencias se diseñan a partir de las preguntas, intereses y necesidades que aparecen en los niños. La planificación deja espacio para obser-

EDUCACIÓN

En diciembre de 2026, el Nido Aventuras cumplirá 19 años acompañando a distintas generaciones de familias, pero su historia no se mide únicamente por el tiempo transcurrido. Se reconoce también en una propuesta que ha sabido mantenerse firme mientras encontraba nuevas formas de crecer; respeto por el niño, trabajo conjunto con las familias, arte como parte del aprendizaje y una educación inicial que entiende la curiosidad como un punto de partida. Escribe: Nataly Vásquez

var y responder, algo que exige de las maestras una atención constante a lo que sucede durante el proceso. La educación que permanece después del aula La formación que propone el Nido Aventuras tampoco termina en lo académico. El objetivo es acompañar a niños que desarrollen confianza en sus propias capacidades, conserven la curiosidad, puedan tomar pequeñas decisiones y aprendan a asumir responsabilidades de acuerdo con su edad. A esa autonomía se suman la capacidad de reflexionar, colaborar y expresarse mediante diferentes lenguajes. También aparece una dimensión que resulta cada vez más relevante: la relación con el entorno. La intención es que los niños desarrollen sensibilidad y empatía, entendiendo que aprender también implica reconocer a los demás y el espacio que comparten. En ese sentido, el arte adquiere una función que va más allá de la creatividad. Permite que los niños encuentren distintas maneras de comunicar lo que sienten, piensan y necesitan, incluso cuando todavía no tienen las palabras para explicarlo. Es una forma de ampliar las posibilidades de expresión y, al mismo tiempo, de aprender a escuchar otras perspectivas. La apuesta por una educación basada en curiosidad, autonomía y creatividad también supone aceptar que los niños no avanzan todos de la misma manera. El acompañamiento consiste entonces en reconocer esos ritmos, ofrecer herramientas y permitir que cada uno encuentre maneras propias de relacionarse con lo que está aprendiendo.

Los años también han permitido crecer junto a las familias y comprender que la educación inicial implica una responsabilidad que trasciende el tiempo que un niño permanece en el nido. Cada generación plantea nuevas preguntas y obliga a revisar certezas, sin que eso signifique abandonar los principios que dieron origen al proyecto.

Diecinueve años y la misma pregunta En diciembre de 2026, el Nido Aventuras llegará a sus 19 años con una experiencia acumulada que no parece haber reducido su capacidad de cuestionarse. Al contrario, uno de los aprendizajes que sus directoras reconocen después de casi dos décadas es la necesidad de no quedarse quietas, seguir preguntando, buscar nuevas respuestas e incorporar aquello que permita mejorar la experiencia educativa.

Esta es una de las razones por las que una institución educativa consigue mantenerse vigente durante casi dos décadas: no es intentar permanecer idéntica, sino en saber qué merece conservarse mientras todo lo demás puede seguir evolucionando. El Nido Aventuras parece haber encontrado ese equilibrio entre convicción y movimiento, con la certeza de que educar a un niño también significa estar dispuesto a seguir aprendiendo con él.

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MASCOTAS

Almaia: Una mirada más humana hacia la despedida de una mascota

Cuando despedirse dejó de ser un trámite

a idea de Almaia no nació de una oportunidad de negocio, sino de una incomodidad personal. Farid recuerda que la despedida de su perro no fue necesariamente una mala experiencia, pero sí una en la que sintió que el proceso había sido tercerizado y que la familia había quedado con poco espacio para participar. El proceso dejaba poco margen para que la familia pudiera involucrarse y darle a ese momento un significado propio. De esa experiencia surgió una pregunta que todavía sostiene el proyecto: ¿por qué debería existir una única forma de decir adiós? Para algunas familias será importante acompañar cada etapa; otras preferirán un homenaje más íntimo o encontrar una manera especial de conservar un recuerdo. Almaia parte de reconocer esa diferencia y convertirla en una posibilidad, no en una excepción. La intención de Farid tampoco es suavizar artificialmente el duelo. Sabe que una despedida no elimina la tristeza ni hace desaparecer la ausencia. Lo que puede hacer, en cambio, es darle un lugar y permitir que una familia cierre una etapa desde la gratitud, con la tranquilidad de saber que su mascota fue tratada con respeto y dignidad.

La confianza se construye en los detalles En Almaia, la sensibilidad convive con una estructura operativa rigurosa. Cada mascota que ingresa recibe un PET ID único, que permite mantener la trazabilidad del servicio desde el inicio y registrar tanto la modalidad elegida como los detalles solicitados por la familia. En un proceso donde un error puede tener un peso emocional enorme, los protocolos no son un elemento secundario, sino parte esencial de la experiencia. Pero la trazabilidad por sí sola no resuelve lo más delicado. Farid entiende que una familia necesita saber qué está sucediendo y sentirse acompañada incluso cuando decide no participar activamente en cada etapa. Por eso, la comunicación ocupa un lugar central junto con los protocolos, los horarios, la logística y los homenajes personalizados. Esa mirada también redefine qué significa ofrecer un servicio premium en este sector. Para Farid, no se trata de elevar el precio ni de construir una experiencia simplemente estética. Lo premium está en escuchar, dedicar tiempo, comprender las necesidades de cada familia y asumir con seriedad la confianza que deposita en Almaia. Una memoria que no se queda en la pérdida La misma filosofía aparece en los objetos que acompañan la despedida. Farid explica que Almaia busca alejarse de las urnas tradicionales asociadas exclusivamente con la pérdida y explorar alternativas que puedan integrarse de manera más natural a la vida cotidiana. Entre ellas está Urna Bios, concebida como una pieza vinculada a la vida, mientras que otros elementos de memo-

MASCOTAS

Cuando Farid Rifai, cofundador de la marca, tuvo que despedirse de su perro, descubrió que el momento que imaginaba íntimo podía sentirse, en realidad, distante. Esa experiencia terminó convirtiéndose en el punto de partida de Almaia, una empresa que propone otra manera de entender el duelo por una mascota, poniendo en el centro algo que durante mucho tiempo quedó fuera de la conversación: la posibilidad de que cada familia pueda decidir cómo despedirse de alguien que fue parte de su historia. Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

rabilia buscan acompañar a las familias más allá del momento de la despedida. La intención no es convertir el recuerdo en un objeto decorativo, sino cambiar la relación con aquello que permanece. Una urna o una pieza de memorabilia puede recordar la ausencia, pero también puede hablar de los años compartidos, de las rutinas y de una historia que no desaparece porque haya terminado una vida. En ese punto, Almaia se conecta con una transformación más amplia en la manera de entender a los animales de compañía. Las mascotas forman parte de la rutina, acompañan cambios personales y ocupan espacios emocionales que hace algunos años muchas familias evitaban reconocer públicamente. El lenguaje alrededor de ellas también ha cambiado, y con él empieza a cambiar la manera de atravesar su pérdida. Cuando el duelo empieza a tener un lugar Farid observa ese cambio incluso desde el ámbito laboral. Almaia ya trabaja con empresas que contemplan un día libre para quienes

pierden a una mascota. Puede parecer una medida pequeña, pero representa una modificación importante: reconocer que la muerte de un animal puede afectar profundamente a una persona y que despedirse también requiere tiempo. La conversación alrededor del duelo animal todavía está evolucionando en el Perú, pero cada vez resulta menos extraño hablar de él con la misma seriedad con la que se habla de otras pérdidas. Para Almaia, ese cambio no consiste en equiparar experiencias de manera artificial, sino en reconocer el lugar real que las mascotas ocupan dentro de muchas familias. La visión de Farid para la compañía parte de ahí. Almaia busca crecer mientras contribuye a normalizar una forma más consciente de despedirse, una que

permita atravesar el dolor sin convertirlo en culpa, dudas o una experiencia traumática. No promete una salida rápida del duelo, porque sabe que no existe. Una mascota puede acompañar solo una parte de una vida y, aun así, modificarla profundamente. Quizá por eso una despedida bien pensada no tenga que significar cerrar una puerta de manera definitiva, sino encontrar una forma de agradecer lo compartido. Con el tiempo, cuando la tristeza encuentre otro lugar, ese vínculo puede permanecer en la memoria y también en la manera en que una persona vuelve a elegir cuidar.

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WEDDING PLANNER

Victoria Wedding & Event Planner: Cuando cada celebración empieza por una historia

Antes del diseño, está la historia

En Victoria Wedding & Event Planner, una boda no comienza con una paleta de colores ni con una tendencia de diseño, sino con una conversación que busca entender quiénes son los novios y qué quieren contar a través de ese día. Esa mirada ha llevado a la marca a construir una forma de hacer wedding planning donde la personalización no es un recurso adicional, sino el punto de partida para que cada celebración tenga sentido propio. Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

ntes de pensar en flores, colores o tendencias, Belén prefiere conocer a la pareja. Es en esa conversación donde aparecen los detalles que pueden pasar inadvertidos, pero que terminan definiendo una celebración: rasgos de personalidad, recuerdos, vínculos y pequeñas decisiones que hablan de quienes están a punto de casarse. Su trabajo consiste en reconocerlos y mantenerlos presentes durante todo el proceso, desde la planificación inicial hasta el último detalle del gran día. Esa forma de entender una boda personalizada también cambia la relación con el diseño. La estética deja de ser

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WEDDING PLANNER

una decisión aislada para convertirse en una consecuencia natural de la historia de los novios. Por eso, más que replicar fórmulas, Belén busca interpretar lo que cada pareja quiere transmitir y encontrar la manera de llevarlo a una celebración que se sienta verdaderamente suya. Lo que ocurre cuando nadie está mirando Una celebración puede ser visualmente impecable y, aun así, no funcionar como experiencia. Para Belén, la diferencia está en todo aquello que sucede minuto a minuto: cómo son recibidos los invitados, cómo se sienten dentro del espacio, los tiempos de la comida, la música, la comodidad y esos detalles que permiten que los novios también estén presentes en su propia celebración. Detrás de esa aparente naturalidad existe una estructura que rara vez ocupa el centro de la escena. Reuniones con proveedores, prácticas con los novios y sus familias, horarios de montaje y desmontaje, layouts y revisiones constantes forman parte de una planificación que debe anticiparse a lo que pueda ocurrir. Su frase lo resume con una sencillez casi operativa: “Ensayo realizado, éxito garantizado”. Porque en una organización de bodas de alto nivel, la precisión no busca hacerse notar, sino permitir que todo fluya cuando llega el momento.

WEDDING PLANNER

La calma también forma parte del servicio El día de una boda concentra expectativas, nervios y decisiones que no admiten demasiados márgenes. Mantener la calma, en ese contexto, se convierte en una de las principales responsabilidades de una wedding planner. Belén ha aprendido que organizar no basta; también es necesario acompañar a los novios con la tranquilidad de saber que alguien está atento a lo que ellos no necesitan ver. Mientras la pareja disfruta, alguien está tomando decisiones, coordinando equipos y resolviendo los imprevistos que inevitablemente aparecen. Esa capacidad de resolver sin trasladar la tensión a quienes celebran es parte de un trabajo que exige atención constante y criterio. La experiencia, en este caso, no se mide únicamente por lo que ocurre durante la boda, sino también por todo aquello que se consigue evitar. Una celebración que no necesita parecerse a otra Victoria Wedding & Event Planner continúa creciendo sin alejarse de una idea que atraviesa su manera de trabajar: tomar una sola boda por fecha para dedicarle a cada pareja toda la atención que requiere. La decisión habla de una escala de trabajo en la que el volumen no tiene por qué ser sinónimo de calidad y donde cuidar los detalles implica, también, tener tiempo para entenderlos. La siguiente etapa incorpora nuevas propuestas de personalización, tecnología y conceptos de diseño y experiencia que empiezan incluso antes de la boda. Pero la búsqueda de novedades no significa seguir cada tendencia de manera automática. La intención está en conocerlas, interpretarlas y adaptarlas hasta encontrar aquello que realmente puede aportar a una celebración concreta. En ese punto, el trabajo de una wedding planner deja de ser solamente una cuestión de coordinación. Se convierte en una forma de traducir una historia personal a decisiones concretas, desde una primera conversación hasta el momento en que todo aquello que se imaginó durante meses finalmente toma forma. Quizá esa sea la verdadera medida de una boda bien construida: que cuando llega el día, todo parece pertenecer naturalmente a quienes la están viviendo.

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ESTÉTICA

Dra. María Reneé Barrientos: El equilibrio entre innovación médica y naturalidad Regina Sandoval y la Dra. María Reneé parten de dos miradas distintas que encuentran un mismo punto de encuentro. Regina, como creadora de ALYV, concibe la clínica desde una visión que entiende la estética como parte de una vida que merece ser valorada y cuidada. La Dra. María Reneé, desde la práctica médica, desarrolla una filosofía basada en la prevención, la regeneración y el acompañamiento del paciente a lo largo del tiempo. Juntas construyen una propuesta en la que la medicina estética deja de centrarse únicamente en el procedimiento para poner en primer plano algo más importante: cómo queremos cuidar nuestra relación con nosotros mismos y con el paso de los años.

Escribe: Nataly Vásquez

Una visión que nace de dos perspectivas

egina Sandoval quiso construir ALYV desde una convicción personal: crear un espacio donde la medicina estética pudiera integrarse a una mirada más amplia sobre el bienestar. Como creadora, su interés no estaba únicamente en reunir tecnología, tratamientos o especialistas, sino en definir una manera

particular de entender la experiencia estética. Incluso el nombre, A Life You Value, resume esa intención de valorar la vida y la forma en que cada persona decide vivirla. Su visión parte de una idea sencilla: la medicina estética no debería convertirse en el centro de la vida de una persona. Debería acompañarla. Desde ahí, Regina

busca que ALYV sea un espacio donde las decisiones sobre el rostro y el cuerpo respondan a una mirada más consciente, alejada de la presión de seguir cada tendencia o de intervenir por intervenir. “Que sigas siendo tú, pero te sientas mejor contigo” resume esa intención y también la manera en que imagina la experiencia dentro de la clínica.

ESTÉTICA Pero esa visión necesita una filosofía médica que la sostenga. Ahí aparece la mirada de la Dra. María Reneé, cuyo trabajo parte de una comprensión distinta de la medicina estética: no esperar necesariamente a que aparezca un problema para actuar, sino entender el organismo, anticiparse y acompañar sus procesos.

el cuidado antes de que una preocupación se convierta en una necesidad mayor. La regeneración permite acompañar los procesos del organismo en lugar de esperar únicamente a corregir sus consecuencias. Y el seguimiento permite que cada decisión forme parte de una estrategia más amplia.

La filosofía médica detrás de ALYV La Dra. María Reneé se acercó a la medicina estética desde su interés por comprender la fisiología y el funcionamiento del organismo más allá de aquello que resulta visible. Esa mirada la llevó a desarrollar una práctica en la que la prevención ocupa un lugar central. Para ella, cuidar no significa intervenir constantemente, sino conocer las necesidades de cada persona y entender qué puede hacerse hoy para preservar sus condiciones de bienestar en el futuro.

El acompañamiento como parte del tratamiento En el fondo, la filosofía médica de la Dra. María Reneé propone una relación diferente con la medicina estética. No se trata de perseguir un resultado permanente ni de detener el paso de los años, sino de entender que cada etapa requiere necesidades distintas. La función del médico, desde su perspectiva, es acompañar esas etapas con conocimiento, prevención y criterio.

Desde esa perspectiva, el envejecimiento no es un proceso que deba combatirse. Es una etapa que puede ser acompañada de manera responsable. La piel, el rostro y el organismo forman parte de un mismo sistema, y comprender esa relación permite plantear tratamientos con mayor criterio. La medicina estética preventiva y regenerativa se convierte así en una herramienta para estimular y preservar los mecanismos propios del organismo, mejorar la calidad de la piel y mantener sus condiciones a lo largo del tiempo.

Esa mirada dialoga con la visión de Regina como creadora de ALYV. Si Regina construye el universo de la clínica alrededor de la idea de A Life You Value, la Dra. María Reneé aporta una manera de llevar esa filosofía al terreno médico: valorar la vida también significa cuidar el organismo antes de que sea necesario corregirlo y comprender que el bienestar no puede reducirse a una imagen.

Su filosofía también modifica la relación entre médico y paciente. Antes de pensar en un procedimiento, existe una conversación, una evaluación y una historia que conocer. La Dra. María Reneé entiende que acompañar implica explicar, establecer expectativas reales y ayudar a cada persona a comprender qué está ocurriendo en su organismo. La medicina deja entonces de ser una respuesta aislada para convertirse en un proceso que requiere seguimiento, constancia y decisiones tomadas con información. Prevención antes que corrección Esta filosofía también explica la manera en que ALYV entiende la personalización. Para Regina, no existe una experiencia que pueda diseñarse de la misma manera para todos. Para la Dra. María Reneé, esa personalización comienza mucho antes de elegir un tratamiento: implica conocer al paciente, comprender su historia, evaluar sus condiciones y definir qué tiene sentido para él o ella en ese momento. En una categoría donde las nuevas tecnologías y procedimientos aparecen constantemente, esa capacidad de decidir qué hacer y, sobre todo, qué no hacer, adquiere un valor particular. La innovación tiene un lugar importante dentro de ALYV, pero siempre subordinada al criterio médico. No se trata de utilizar una tecnología porque sea nueva, sino porque puede responder de manera adecuada a una necesidad concreta. Para la Dra. María Reneé, esta forma de trabajar también implica cambiar la relación con el tiempo. La prevención permite pensar en

Por eso, la experiencia que ambas imaginan no termina en el procedimiento. Continúa en la educación del paciente, en el seguimiento y en la posibilidad de construir una relación más consciente con el propio proceso de envejecimiento. La medicina estética adquiere así una dimensión más amplia: acompañar, prevenir y preservar.

Una visión que mira hacia adelante La siguiente etapa de ALYV apunta hacia una medicina estética preventiva y regenerativa, con una visión que no se concentra únicamente en corregir aquello que ya ocurrió, sino en preservar y mejorar las condiciones del organismo a lo largo del tiempo. Para Regina, el desafío está en consolidar una clínica que pueda convertirse en referente en el Perú por la manera en que integra innovación, criterio y una experiencia coherente con su filosofía. Para la Dra. María Reneé, el futuro está en seguir desarrollando una medicina que permita anticiparse, comprender mejor los procesos del organismo y acompañar a los pacientes durante sus distintas etapas. Una medicina donde la prevención tenga tanto peso como la intervención y donde cada tratamiento responda a una decisión razonada.

Más que una promesa de transformación, ALYV plantea una forma distinta de aproximarse a la medicina estética. Una donde la tecnología tiene un propósito, la prevención adquiere protagonismo y el acompañamiento se convierte en parte esencial del proceso. Regina le da una visión; la Dra. María Reneé, una filosofía médica. En ese encuentro encuentra ALYV su verdadera identidad: no en cambiar quién es una persona, sino en ofrecerle herramientas para cuidar, comprender y valorar aquello que ya forma parte de ella.

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MODA

Llena eres de Gracia: Una expresión artística que trasciende el lienzo María Gracia Mendizábal nunca dejó de ser pintora, incluso cuando la pintura dejó de estar en el centro de su rutina. Esa idea atraviesa la historia de Llena eres de Gracia, la propuesta que creó para intervenir a mano carteras, bolsos, prendas y accesorios a partir de su propio universo gráfico. Lo que comenzó durante la pandemia con unas mascarillas estampadas terminó convirtiéndose en una manera distinta de entender su oficio: llevar sus dibujos fuera del cuadro y hacer que pudieran acompañar a alguien en su vida cotidiana.

Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

Una pintura que decidió moverse

a relación de Gracia con el arte empezó mucho antes de la marca. Estudió pintura y durante años entendió la creación desde ese lugar, pero la maternidad modificó sus tiempos y la llevó a trabajar como profesora de arte para niños. Mientras tanto, seguía buscando maneras de mantener activa esa parte de su trabajo, incluso a través de cojines decorativos que también intervenía a mano. La idea de

trasladar sus dibujos a otros objetos ya estaba ahí, aunque todavía no tenía una forma definitiva. La pandemia cambió el ritmo de todo y también abrió un espacio para volver a experimentar. Gracia dejó la docencia y comenzó trabajando con mascarillas serigrafiadas, recuperando una técnica que había estudiado durante su formación artística, aunque esta vez aplicada sobre tela.

Después llegaron las carteras de cuero pintadas a mano, las camisas, los bolsos, los neceseres, las toallas y otras prendas. Cada nuevo soporte planteaba una posibilidad distinta, pero la mirada seguía siendo la misma. “Mis dibujos dejaron de estar solamente en un cuadro”, cuenta Gracia. Esa transformación resume buena parte del sentido de Llena eres de Gracia. No se trataba de

MODA abandonar la pintura para entrar en la moda, sino de permitir que su trabajo como artista encontrara otros lugares donde existir. Reconocer una mirada antes que una firma En una época marcada por la repetición, Gracia ha construido la identidad de Llena eres de Gracia desde un lugar menos interesado en la uniformidad. Sus piezas parten de un lenguaje gráfico propio en el que aparecen estrellas, pumas, animales e insectos, figuras que con el tiempo han dejado de ser únicamente motivos recurrentes para convertirse en una especie de vocabulario visual de la marca. La aspiración no está en que todas las piezas sean idénticas, sino en que puedan ser reconocidas como parte de un mismo universo. Para Gracia, ese reconocimiento tiene un valor particular: que alguien pueda encontrarse con una cartera o una camisa y saber que es suya antes incluso de mirar la etiqueta. Es una forma de construir identidad que depende más de la mirada que del logo. También existe una decisión detrás de la escala. Gracia trabaja en cantidades pequeñas y realiza personalmente la intervención artística de las piezas, especialmente la pintura. Esa dimensión manual introduce algo que la producción en serie difícilmente puede reproducir: la posibilidad de que dos objetos nacidos de un mismo diseño no sean exactamente iguales. El margen que deja la mano El proceso creativo comienza mucho antes de que una pieza llegue al showroom o a una feria. Gracia parte de aquello que le provoca dibujar: un animal, una estrella, un insecto o cualquier elemento que despierte su interés. Después aparece la pregunta por el soporte y la técnica, porque no todos sus diseños funcionan de la misma manera sobre una cartera, una camisa o un bolso. Aunque la marca permite ciertos grados de elección, su propuesta no gira alrededor de la personalización absoluta. Gracia crea primero desde su propio lenguaje y son esas piezas las que después encuentran a quien las elige. Alguien puede preferir estrellas doradas en lugar de plateadas o negras, o pedir una nueva versión de una pieza que ya se agotó, pero el punto de partida continúa siendo suyo. Ahí aparece una de las características más interesantes de Llena eres de Gracia: la intervención manual no es únicamente una técnica, también funciona como una forma de preservar la personalidad de cada objeto. Una misma idea puede repetirse, pero nunca termina exactamente igual. La diferencia deja de ser un defecto y pasa a formar parte de aquello que hace reconocible una pieza hecha a mano. Crecer sin dejar atrás el origen La marca ya encontró un espacio físico en su showroom y ha ido formando una comunidad

alrededor de esa manera particular de llevar el arte. El siguiente paso que Gracia imagina tiene que ver con ampliar ese territorio sin perder la escala que le permite seguir involucrada en el proceso. Entre sus proyectos está la posibilidad de abrir una tienda propia en Punta Hermosa durante el verano, un lugar que siente cercano al espíritu de la propuesta. También está la mirada hacia fuera. Gracia ya tuvo la oportunidad de vender sus piezas en una tienda de Madrid y esa experiencia confirmó que su lenguaje podía encontrar lectores en otros contextos. Ahora imagina participar en ferias internacionales y llevar su trabajo a nuevos espacios, sin que crecer signifique necesariamente producir más por producir. Porque una parte importante de su futuro parece estar precisamente en no repetirse. Nuevos productos, prendas, materiales y formas de aplicar sus diseños forman parte de una búsqueda que todavía sigue abierta. La expansión,

en ese sentido, no consiste únicamente en llegar a más lugares, sino en conservar la curiosidad que hizo posible la marca.

La historia de Llena eres de Gracia no termina en una cartera pintada ni empieza realmente con una marca. Su punto de partida está en una artista que encontró una manera distinta de continuar haciendo lo que siempre había hecho: dibujar, pintar y mirar. Solo cambió el lugar donde esas ideas podían quedarse. Y quizá ahí está lo que vuelve interesante su recorrido. En una pieza intervenida a mano permanece algo que no puede producirse en serie: la decisión de una persona de poner su propia mirada sobre un objeto que, después, continuará su historia lejos de ella. El arte cambia de soporte, pero no necesariamente de identidad.

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SPA

Body Wellness: El bienestar como una práctica consciente Cuando el autocuidado deja de ser una excepción

ody Wellness nació con la intención de cambiar la manera en que se entiende una terapia de masajes. La propuesta parte de reconocer que el bienestar físico, mental y emocional no debería atenderse únicamente cuando aparece el cansancio, la tensión o el dolor, sino formar parte de una relación más constante con el propio cuerpo. Esa mirada también explica la importancia que la marca concede a la personalización. Cada persona llega con necesidades distintas, por lo que las sesiones se adaptan al momento y a las condiciones de cada cuerpo, combinando técnicas y niveles de presión según lo que se identifica durante la atención. La técnica profesional es importante, pero no funciona de manera aislada: necesita criterio, escucha y una atención capaz de reconocer que no todos los cuerpos piden lo mismo.

En esa combinación aparece uno de los principios que han acompañado el crecimiento de Body Wellness: la excelencia técnica no se negocia. El equipo de terapeutas es seleccionado, capacitado y formado de manera constante, entendiendo que la confianza se construye en cada atención y que el cuidado también depende de saber quién está detrás de una terapia.

entender el masaje terapéutico como un servicio aislado. Para Body Wellness, la experiencia empieza antes del momento de la sesión y continúa después, cuando esa pausa puede convertirse en parte de una rutina. La consistencia, en ese sentido, tiene más peso que la novedad: quien vuelve sabe qué esperar y encuentra una experiencia construida desde la misma filosofía.

La pausa que empieza antes de la camilla La experiencia tampoco termina en la terapia. La fidelidad de sus clientes se ha construido a partir de una suma de factores que, juntos, determinan cómo se vive una pausa: la facilidad para reservar, la puntualidad, la comunicación, el ambiente y la manera de acompañar a cada persona. En Miraflores, Surco o mediante el servicio a domicilio, la intención es mantener un mismo estándar de atención.

La idea de comunidad aparece precisamente ahí. No se trata solamente de personas que regresan, sino de una relación que se sostiene porque existe coherencia entre lo que la marca plantea y lo que entrega. El bienestar deja de ser una compra ocasional y empieza a ocupar otro lugar dentro de la vida cotidiana.

Es una diferencia importante frente a

Cuando el cuerpo también pide espacio mental El interés creciente por el bienestar responde, en parte, a una realidad que resulta difícil ignorar: el cuerpo acumula las exi-

SPA

En una ciudad acostumbrada a medir el tiempo en pendientes, reuniones y desplazamientos, Body Wellness propone otra relación con el bienestar, detenerse lo suficiente para escuchar lo que el cuerpo viene diciendo. Con sedes en Miraflores y Surco, además de un servicio a domicilio, la marca ha construido su propuesta alrededor de una idea sencilla pero cada vez más necesaria: convertir el autocuidado en una práctica consciente, profesional y sostenida, donde una terapia de masajes pueda ser mucho más que una pausa ocasional. Escribe: Nataly Vásquez

prestar atención al cuerpo puede favorecer una sensación de calma y acompañar un descanso de mejor calidad. Desde esa perspectiva, el bienestar integral no consiste en escapar de la rutina, sino en desarrollar recursos para relacionarse mejor con ella. Por eso la marca plantea el masaje como parte de una práctica más amplia de autocuidado. Reconocer las señales del cuerpo antes de llegar al agotamiento permite construir una relación más consciente con la propia salud corporal y con los hábitos que la sostienen. Una idea de bienestar que sigue creciendo La siguiente etapa de Body Wellness busca ampliar esa conversación. La marca trabaja en fortalecer la formación de su equipo y elevar de manera constante la calidad de sus experiencias, pero también en acercarse a una comprensión más completa de lo que significa cuidar el cuerpo. En esa evolución aparece Movement, una propuesta especializada en fisioterapia, osteopatía, movimiento y recuperación funcional que complementa el universo de Body Wellness desde otra perspectiva. La intención es trabajar no solo sobre la pausa y la recuperación, sino también sobre la funcionalidad, la prevención y la manera en que una persona puede aprender a moverse mejor.

gencias de la vida diaria. Muchas horas sentados, entrenamiento frecuente, actividades físicamente intensas y niveles sostenidos de tensión pueden alterar la forma en que una persona se mueve, descansa y percibe su propio cuerpo. Una terapia de masajes realizada de manera profesional puede contribuir a aliviar la tensión muscular, disminuir la sensación

de rigidez, favorecer la circulación y mejorar la percepción corporal. Pero existe otra dimensión que Body Wellness considera especialmente relevante: la posibilidad de interrumpir, aunque sea por un momento, ese estado de alerta constante al que muchas personas se han acostumbrado. La pausa física puede abrir también una pausa mental. Respirar, bajar el ritmo y

Ambas propuestas parten de una misma pregunta: qué necesita el cuerpo en cada momento. Una puede ofrecer una pausa profunda y un espacio de reconexión; la otra, herramientas para trabajar sobre el movimiento y la recuperación. La integración plantea una visión más amplia del bienestar, donde relajarse, recuperarse y moverse mejor forman parte de una misma conversación. Quizá ahí esté el cambio más interesante: entender el cuidado personal no como una recompensa después de cumplir con todo lo demás, sino como una práctica que permite sostener la vida que se ha elegido. Cuando el cuerpo deja de ser aquello que simplemente debe seguir el ritmo y empieza a ser escuchado, también cambia la manera de habitar ese ritmo.

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VISIONARIOS

Un Espacio: Diseñando identidades antes que espacios En un momento en el que Piura redefine su paisaje urbano a través del crecimiento inmobiliario y comercial, Yessenia Espinoza, fundadora de Un Espacio Interior Design Studio, propone una conversación distinta sobre el diseño de interiores. Lejos de entenderlo como un recurso decorativo, lo plantea como una disciplina capaz de interpretar la vida de las personas, construir identidad y transformar la relación cotidiana con los espacios que habitan. Escribe: Nataly Vásquez

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VISIONARIOS

Cuando el diseño empieza por escuchar l punto de partida nunca es un plano ni una selección de materiales. Para Yessenia Espinoza, cada proyecto comienza mucho antes, en una conversación que permite descubrir quién ocupará ese espacio y qué espera encontrar en él cuando la obra termine. Esa forma de entender el proceso ha acompañado a Un Espacio durante más de una década. Cada cliente representa una historia distinta y, por eso, el estudio evita repetir fórmulas o imponer un estilo propio. La intención es construir lugares donde la identidad del usuario tenga más peso que cualquier tendencia, porque un espacio solo adquiere sentido cuando logra reflejar la vida de quien lo habita. En esa búsqueda aparece una idea que atraviesa todo su trabajo: el diseño no necesita hacerse notar para generar impacto. Su verdadero valor está en resolver necesidades, acompañar rutinas y crear experiencias que, con el tiempo, terminan sintiéndose naturales. Una ciudad que aprende a mirar distinto El crecimiento de Piura también ha modificado la manera en que sus habitantes se acercan al diseño. Si antes predominaba una visión asociada únicamente a la esté-

VISIONARIOS

tica, hoy existe un interés creciente por comprender cómo un proyecto bien desarrollado puede influir en la calidad de vida, en la productividad de un negocio o en la manera en que una marca comunica su identidad.

Ese cambio también ha transformado la relación entre el estudio y sus clientes. Las conversaciones son más profundas, las preguntas más específicas y la participación durante el proceso creativo refleja una cultura del diseño que empieza a consolidarse. Para Yessenia, ese avance todavía abre una responsabilidad mayor. Diseñar implica, al mismo tiempo, compartir conocimiento y demostrar que un proyecto bien pensado representa una inversión con efectos que permanecen mucho después de terminada la obra. Elevar la cultura del diseño significa, precisamente, ampliar esa comprensión. El contexto también diseña Hablar de interiorismo en Piura obliga a mirar el entorno con atención. La intensidad de la luz, las altas temperaturas y las condiciones propias de la ciudad dejan de ser restricciones para convertirse en criterios que orientan cada decisión. La iluminación natural, la ventilación y la selección de materiales responden a esa lógica. No aparecen como recursos aislados, sino como parte de un equilibrio donde la funcionalidad sostiene la propuesta estética y permite que los espacios mantengan vigencia con el paso del tiempo. Esa búsqueda de permanencia explica por qué Un Espacio evita construir proyectos sujetos a modas pasajeras. La identidad surge cuando el diseño responde al lugar donde existe y a las personas que lo vivirán, no cuando intenta replicar referencias ajenas al contexto. Más allá de los metros cuadrados Después de más de diez años de trayectoria, el horizonte del estudio no está definido únicamente por nuevos proyectos o mercados. El desafío consiste en ampliar el impacto que cada intervención puede generar sobre quienes la experimentan. Fortalecer el equipo, asumir proyectos de mayor escala y continuar impulsando un diseño con propósito forman parte de ese camino. Sin embargo, el objetivo permanece inalterable desde el primer día: desarrollar espacios que mejoren la forma en que las personas viven, trabajan y comparten su tiempo. La conversación con Yessenia Espinoza deja una idea que trasciende la arquitectura y el interiorismo. Los espacios nunca son únicamente el escenario donde ocurren las historias. También participan en ellas. Comprender esa diferencia es, quizá, el punto donde el diseño deja de ser un complemento y empieza a convertirse en una forma de construir vida cotidiana.

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NOVEDADES

La historia de A DÚO STUDIO comenzó mucho antes de que existiera el estudio. Primero fueron compañeras de aula; después, colegas; finalmente, socias. La pandemia aceleró la decisión de crear un estudio propio, con una mirada compartida y una manera más cercana de relacionarse con quienes confían en ellas. Desde entonces, diseño y ejecución dejaron de ser momentos separados para convertirse en una misma conversación, una que empieza mucho antes de la obra y continúa hasta que cada decisión encuentra su lugar. Escribe: Nataly Vásquez

Una sociedad que empezó mucho antes del estudio a historia de A DÚO STUDIO no comienza con un nombre, una oficina ni un proyecto terminado. Comienza en la universidad, cuando dos estudiantes descubrieron que, detrás de sus propias maneras de trabajar, existía una coincidencia menos evidente: una misma exigencia frente a la arquitectura. Compartían algo importante: el compromiso, la dedicación y las ganas de hacer bien las cosas. Con el tiempo, esa forma de entender el trabajo se convirtió en uno de los puntos de encuentro que las llevó a construir un proyecto juntas. Más adelante, una experiencia profesional compartida les permitió descubrir que trabajar juntas funcionaba. Sus habilidades se complementaban y, con el tiempo, esa complementariedad se convirtió en una de las bases del estudio. La pandemia fue un punto de inflexión. En medio de un escenario que obligaba a replantear muchas certezas, decidieron independizarse y construir una práctica que respondiera a su propia visión. No buscaban únicamente diseñar espacios. Querían transformar la experiencia alrededor del diseño. Desde el principio entendieron que remodelar una casa o transformar un espacio implica confiar en quien te acompaña durante el proceso. El cliente no entrega solamente medidas, presupuestos o referencias; también entrega expectativas, dudas y una idea de cómo quiere vivir. De ahí surge una de las decisiones que define a A DÚO STUDIO: inte-

A DÚO STUDIO: Diseñar para la vida real

NOVEDADES recen en frases tan sencillas como “siento que no tengo espacio”, “necesito más orden” o “quiero una casa más acogedora para compartir”. Es en esas conversaciones donde empieza realmente el proyecto. La filosofía de A DÚO STUDIO puede resumirse en una idea sencilla: todo tiene un por qué y un para qué. Una distribución no está allí para completar un plano; un mueble no responde únicamente a una decisión estética; un detalle tiene sentido cuando consigue mejorar alguna parte de la experiencia de habitar. Esta mirada lleva el diseño de interiores más allá de lo visual y lo conecta con la vida que ocurre dentro de cada espacio. Lo visual importa, pero no funciona de manera aislada. Un espacio puede ser atractivo y, al mismo tiempo, no resolver aquello que debía resolver. Para el estudio, la calidad aparece cuando ambas cosas consiguen encontrarse. Acompañar también es una forma de diseñar La palabra acompañamiento adquiere otra dimensión cuando se lleva a la práctica. En A DÚO STUDIO no significa simplemente estar disponible. Significa permanecer cerca de las decisiones que hacen avanzar un proyecto y reconocer que, en muchos casos, esas decisiones involucran a más de una persona.

grar diseño y ejecución. La propuesta no termina cuando se presenta un proyecto. Continúa en la elección de materiales, en los ajustes, en la coordinación y en cada decisión necesaria para llevar lo diseñado a la realidad. El verdadero proyecto empieza cuando alguien cuenta cómo vive En un momento en el que las referencias de interiores están al alcance de todos, A DÚO STUDIO propone comenzar en otro lugar: en la vida cotidiana. La pregunta no es únicamente cómo debería verse un espacio, sino qué necesita hacer por las personas que lo habitan. Las transformaciones de los últimos años hicieron todavía más evidente esa necesidad. Una vivienda puede ser oficina, punto de encuentro, lugar de descanso y espacio de desconexión en un mismo día. Por eso, los espacios necesitan adaptarse a rutinas y formas de vivir que están en constante cambio. Antes de distribuir ambientes o definir mobiliario, el estudio busca entender a quienes estarán allí. Cuántas personas viven en el espacio, cómo se organizan, qué les incomoda, qué necesitan resolver. Algunas de esas respuestas apa-

Parejas y familias forman parte de la conversación. Se presentan alternativas, se revisan materiales y acabados, se buscan soluciones compatibles con el presupuesto y se comparten avances. Cuando el proyecto llega a obra, la relación tampoco se interrumpe: el estudio permanece involucrado en la supervisión y en la resolución de aquello que inevitablemente aparece cuando una idea deja el papel y entra en construcción.

entendieron lo que necesitaba, cuidaron cada detalle y que volvería a trabajar con ellas. Del papel a la obra, donde las ideas se ponen a prueba Existe una distancia inevitable entre imaginar un espacio y construirlo. A DÚO STUDIO ha encontrado parte de su identidad precisamente en recorrer esa distancia. Sus fundadoras hablan con especial interés de la obra, de dirigir, gestionar equipos y enfrentarse a los imprevistos que aparecen cuando el proyecto entra en contacto con la realidad. La ejecución obliga a decidir. También obliga a escuchar, adaptarse y sostener una intención incluso cuando las condiciones cambian. En ese punto, la arquitectura deja de ser únicamente una disciplina proyectual y se convierte en un ejercicio constante de encontrar soluciones entre lo que se imaginó y aquello que realmente puede hacerse. Para ellas, ese proceso ha sido una escuela paralela. Construir A DÚO STUDIO les ha enseñado a tomar decisiones bajo presión, liderar equipos, escuchar mejor y confiar en las personas que participan en cada proyecto. Pero también les ha permitido entender algo sobre el trabajo en equipo: sus diferencias no compiten; se complementan. La frase explica algo que muchas veces queda fuera de los planos. Un estudio de arquitectura también se construye a partir de las personas que lo forman, de sus maneras distintas de mirar un problema y de la capacidad de encontrar un punto medio sin perder identidad. En A DÚO STUDIO, ese equilibrio parece ser menos una fórmula y más una práctica cotidiana.

Esa presencia tiene un valor que va más allá de la gestión. Una remodelación puede estar acompañada de entusiasmo, pero también de incertidumbre. Cambiar un espacio propio supone tomar decisiones que afectan la vida cotidiana y comprometer recursos importantes. La confianza, entonces, deja de ser un concepto abstracto y se convierte en parte del proyecto.

Al final, la arquitectura que defienden no se mide solamente por aquello que permanece cuando termina una obra. También por la manera en que se llegó hasta allí. Por las preguntas que se hicieron antes de diseñar, por las decisiones que tuvieron que replantearse, por la confianza que se construyó durante el proceso y por la capacidad de convertir una idea en un espacio que responda realmente a quien lo habita.

Quizás por eso la aspiración de A DÚO STUDIO hacia el futuro no está definida únicamente por una cantidad de proyectos, una escala determinada o un crecimiento específico. Cuando imaginan cómo quisieran ser recordadas dentro de cinco o diez años, piensan en algo menos tangible y, justamente por eso, más exigente: que un cliente pueda decir que ellas

Porque un proyecto puede comenzar con un plano, pero su verdadero sentido aparece cuando ese plano empieza a formar parte de una vida. Y quizá sea allí donde A DÚO STUDIO encuentra su lugar: no únicamente en el diseño de los espacios, sino en la responsabilidad de acompañar cómo esos espacios llegan a convertirse en hogar.

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ODONTOLOGÍA

Dental Pro Studio: La precisión detrás de una sonrisa En Dental Pro Studio Chiclayo, la odontología empieza antes del tratamiento. Empieza en la conversación, en la evaluación que no se apresura y en la decisión de entender a cada paciente antes de proponerle un cambio. La clínica ha construido su mirada alrededor de una idea concreta: una sonrisa no puede pensarse de manera aislada. Salud, función, estética y bienestar forman parte de una misma ecuación, y detrás de ella hay un equipo que entiende la excelencia no como una promesa, sino como una forma de trabajar. Escribe: Nataly Vásquez

La primera decisión es escuchar

n una época en la que la odontología estética puede quedar fácilmente asociada a resultados inmediatos, Dental Pro Studio plantea una posición distinta. El punto de partida no es la tendencia, sino el diagnóstico. El Dr. Randy Samillan Arbulúexplica que la excelencia consiste en integrar conocimiento clínico, tecnología, precisión y sensibilidad humana, sin perder de vista algo esencial: cada paciente tiene una anatomía, unas necesidades y unas expectativas diferentes. Esa mirada también determina lo que se decide no hacer. La clínica no apuesta por tratamientos estandarizados ni por intervenciones estéticas que carezcan de un criterio clínico detrás. La tecnología ocupa un lugar importante, pero no sustituye la experiencia profesional ni la relación que se establece con quien se sienta frente al especialista. La precisión, en este contexto, no significa únicamente hacer

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bien un procedimiento. Significa saber por qué se hace. Cuando el consultorio deja de ser una barrera Para la Dra. Pamela Correa Merino, esa relación comienza incluso antes de hablar de tratamientos. Muchos pacientes llegan con miedo, inseguridad o experiencias anteriores que han condicionado su manera de relacionarse con la odontología. Frente a eso, la respuesta del equipo es menos sofisticada de lo que podría parecer y, precisamente por eso, resulta fundamental: escuchar. Explicar un diagnóstico, presentar alternativas y permitir que el paciente participe en las decisiones cambia la naturaleza del vínculo. La confianza deja de ser una consecuencia del resultado y se convierte en parte del proceso. En esa lógica, una transformación dental puede tener una dimensión que no aparece en una radiografía: volver a sonreír sin esconderse, recuperar seguridad y relacionarse con la propia imagen desde un lugar diferente. No se trata de convertir la odontología en una experiencia emocional. Se trata de reconocer que detrás de cada tratamiento existe una persona que llega con una historia concreta. La excelencia clínica también se mide por la manera en que esa persona atraviesa el proceso. Una cultura que se reconoce en los detalles Una clínica puede reunir tecnología, especialistas y protocolos, pero su verdade-

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ra identidad aparece en la manera en que todas esas piezas trabajan juntas. El Dr. Jheymy Huatuco Granda entiende Dental Pro Studio desde esa perspectiva: como un equipo cuya cultura se sostiene en la ética, el respeto, la empatía, la excelencia y el compromiso.

La coherencia adquiere aquí un papel central. Desde la recepción y la escucha inicial hasta la planificación y ejecución de un tratamiento, cada momento debería responder a los mismos principios. El objetivo no es que el paciente recuerde únicamente el resultado final, sino también la forma en que fue acompañado para llegar hasta él. Esa diferencia importa. En una disciplina donde la precisión técnica es indispensable, la experiencia humana puede convertirse en aquello que termina definiendo una práctica. No basta con hacer un buen trabajo; también importa cómo se construye la confianza necesaria para entregarse a él. Chiclayo como punto de partida La mirada de Dental Pro Studio no termina en la consulta ni se limita a la ciudad donde nació el proyecto. El Dr. Randy Samillan Arbulú plantea una visión de crecimiento que busca consolidar a la clínica como un referente de la odontología en el norte del país y, con el tiempo, llevar esa filosofía a otras ciudades. La expansión, sin embargo, aparece subordinada a una condición: crecer sin perder aquello que sostiene la práctica. Innovación, tecnología y conocimiento deben avanzar junto con la ética, la precisión clínica y la atención humana. Es una idea especialmente relevante en una especialidad que cambia con rapidez y en la que las expectativas de los pacientes también evolucionan. El legado que imagina Dental Pro Studio no se reduce entonces al número de sonrisas transformadas. Está en contribuir a elevar los estándares de la odontología en Chiclayo y en el Perú, pero también en construir relaciones de confianza suficientemente sólidas como para que un tratamiento sea recordado por algo más que su resultado. Quizá esa sea la tensión más interesante detrás de una odontología contemporánea: cuanto más sofisticadas se vuelven sus herramientas, más importante resulta no perder de vista aquello que ninguna tecnología puede resolver por sí sola. Una sonrisa puede cambiar con precisión clínica, pero la confianza con la que alguien vuelve a mostrarla pertenece a otra dimensión. Dental Pro Studio parece haber entendido que ambas cosas pueden formar parte de la misma conversación.

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Muscle Shop: La nueva dimensión de la nutrición deportiva

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La confianza como punto de partida

En un mercado donde la oferta de suplementos deportivos en Perú crece al mismo ritmo que la información disponible para el consumidor, Muscle Shop ha elegido avanzar desde otro lugar: crecer en volumen sin dejar de construir confianza. Su historia se sostiene sobre una selección rigurosa de marcas internacionales, relaciones de largo plazo y una lectura cada vez más precisa de quienes entienden el deporte y el bienestar como parte de una misma conversación. Hoy, esa mirada la ha llevado de la distribución a una posición más amplia dentro de la industria fitness peruana, donde representar una marca también significa asumir la responsabilidad de lo que se pone en manos del consumidor. Escribe: Nataly Vásquez

uscle Shop entendió desde sus primeros pasos que competir en el mercado de la nutrición deportiva no consistía únicamente en tener una oferta amplia. En una categoría donde las opciones pueden multiplicarse con facilidad, la diferencia estaba en saber cuáles merecían ocupar un lugar y, sobre todo, cuáles podían sostener la confianza de quienes las elegían. Esa decisión marcó el camino de la empresa y terminó definiendo buena parte de su identidad. La compañía apostó por marcas reconocidas internacionalmente, con respaldo científico y estándares de fabricación exigentes, hasta convertirse en representante oficial en Perú de nombres como Applied Nutrition, Kevin Levrone, BioTechUSA y ABE. Pero la representación es solo una parte de la historia. El verdadero crecimiento llegó cuando Muscle Shop empezó a entender la distribución como una red de relaciones que conecta gimnasios,

tiendas especializadas, cadenas, deportistas y empresas vinculadas al deporte y al bienestar. Desde esa perspectiva, ampliar la presencia no significa simplemente llegar a más lugares. Significa participar en una industria que todavía está construyendo sus propios estándares y en la que la educación del consumidor tiene un peso cada vez mayor. La suplementación deportiva deja entonces de ser una categoría aislada para convertirse en parte de una conversación más amplia sobre rendimiento, salud y calidad de vida. Elegir también es una forma de liderazgo La selección del portafolio revela una de las decisiones más importantes de Muscle Shop: crecer sin perder el criterio. Cada nueva incorporación pasa por una evaluación que considera la calidad de los ingredientes, el respaldo científico, las certificaciones internacionales, los procesos de fabricación y la reputación que la marca ha construido fuera del país. La amplitud de la oferta importa, pero no a cualquier precio. Ese criterio también explica por qué la

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empresa busca que cada producto tenga una razón concreta para estar allí. Proteínas, creatinas, preentrenos, vitaminas y otras categorías pueden responder a necesidades distintas, pero todas deben sostener un estándar común. La innovación, la formulación y la capacidad de destacar dentro de su segmento son parte de esa evaluación, porque representar una marca implica mucho más que ponerla en circulación. En ese punto aparece una idea que atraviesa todo el modelo de Muscle Shop: la calidad no termina en el producto. También está en la información que lo acompaña, en la manera de orientar al consumidor y en la responsabilidad de explicar su uso correctamente. En una categoría donde el exceso de información puede ser tan confuso como su ausencia, saber seleccionar y saber comunicar se convierten en dos caras de la misma tarea. Un consumidor que ya no compra a ciegas El cambio más interesante, sin embargo, no está únicamente en las empresas. Está en quienes están al otro lado de la decisión. El consumidor peruano de nutrición deportiva se ha vuelto más informado, más específico y también más exigente. Ya no busca solamente una promesa asociada al rendimiento, sino respuestas que puedan integrarse a una rutina, una alimentación y una determinada forma de entender el bienestar. Investiga antes de comprar, revisa composiciones, busca certificaciones y presta atención al origen de las marcas. También reconoce que no todos persiguen el mismo objetivo. Algunos quieren mejorar su rendimiento o aumentar su masa muscular; otros buscan acompañar su recuperación, complementar su alimentación o encontrar alternativas que respondan a necesidades particulares, como productos sin lactosa, de origen vegetal o libres de azúcar. Ese cambio modifica las reglas del sector. La empresa que antes podía limitarse a ofrecer un producto ahora necesita aportar contexto, orientación

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y herramientas para decidir. Muscle Shop ha leído esa transformación como una oportunidad para ampliar su papel dentro de la categoría, entendiendo que la educación del consumidor forma parte de una experiencia de bienestar más completa.

vinculados al deporte y al bienestar, mientras fortalece su red de distribución para alcanzar nuevas ciudades y consumidores dentro del Perú.

La evolución también abre una pregunta interesante sobre lo que significa hoy pertenecer al mundo fitness. Ya no se trata exclusivamente del entrenamiento ni de los perfiles asociados al alto rendimiento. La conversación se ha desplazado hacia hábitos cotidianos, recuperación, alimentación y bienestar, haciendo que la suplementación encuentre nuevos espacios y públicos.

La expansión, sin embargo, no parece plantearse como una carrera por ocupar cada vez más territorio. El reto está en crecer sin diluir aquello que permitió construir la marca: una selección cuidada, relaciones estratégicas y la capacidad de detectar hacia dónde se mueve una industria que cambia con rapidez. Mirar las tendencias internacionales es parte de ese proceso, pero también lo es entender cuáles de ellas tienen sentido para el consumidor peruano.

Del mostrador a una industria en expansión El siguiente movimiento de Muscle Shop apunta a acercar esa propuesta a más momentos de la vida cotidiana. La empresa viene ampliando sus puntos de contacto, desde gimnasios y tiendas hasta espacios

En esa búsqueda aparece Blow Up!, la marca propia de bebidas funcionales de Muscle Shop, como una señal de una etapa diferente. Después de construir experiencia representando marcas internacionales, la empresa empieza a desarrollar conceptos propios y a participar directamente en la

creación de nuevas propuestas. Es un movimiento que amplía su lugar dentro del mercado y plantea una ambición distinta: no solo acompañar la evolución de la industria, sino también formar parte de ella. El recorrido de Muscle Shop termina apuntando hacia una idea sencilla, aunque cada vez más relevante: en una industria que crece con rapidez, el verdadero valor no está necesariamente en tener más opciones, sino en saber cuáles merecen ser elegidas. La empresa ha construido su posición desde esa premisa y ahora enfrenta una etapa en la que distribuir, educar e innovar forman parte de una misma responsabilidad. En el fondo, su evolución habla también de un consumidor que aprendió a preguntar antes de comprar y de un mercado que, poco a poco, está aprendiendo a responderle mejor.

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DISEÑO DE INTERIOR

MAP DESIGN: Una nueva forma de entender el diseño 360° Cuando Mayra Pomasoncco fundó MAP DESIGN, decidió mirar el diseño de interiores desde una perspectiva menos fragmentada. Arquitectura, mobiliario y home decor pasaron a formar parte de una misma propuesta, con la intención de que cada proyecto pudiera construirse alrededor de una persona y no de una fórmula. En esa búsqueda, el diseño dejó de ser únicamente una cuestión estética para convertirse en una manera de entender cómo se vive un espacio. Escribe: Nataly Vásquez

Una mirada que empieza por escuchar AP DESIGN nació con una idea concreta: reunir en un mismo lugar distintas etapas del proceso de diseño. Para Mayra, la fragmentación del mercado dejaba poco espacio para controlar de manera integral aquello que ocurre entre una idea y su resultado. Por eso, la firma articula arquitectura interior, fabricación de mobiliario y home decor, tres áreas que permiten trabajar un proyecto con una visión más completa. Dentro de esa propuesta también existe una dimensión especialmente personal. Mayra diseña colecciones de home decor por temporadas, un espacio donde puede explorar texturas, formas y tendencias desde su propia mirada. Esas piezas terminan formando parte de hogares y proyectos, pero también funcionan como una extensión de la identidad que busca construir alrededor de MAP DESIGN. La intención es que un espacio tenga carácter sin perder su capacidad de ser vivido. La funcionalidad sigue siendo necesaria, pero no suficiente. Para Mayra, un interior bien resuelto también debe transmitir calidez, identidad y personalidad, cualidades que no pueden imponerse desde afuera, porque dependen de quién ocupará ese lugar. Cuando el cliente entra en el diseño La primera herramienta de Mayra no es un plano ni una paleta de colores, sino la escucha. Antes de definir materiales o recursos visuales, busca comprender cómo vive cada persona, cuáles son sus rutinas y qué emociones quiere encontrar en su propia casa. Esa información termina convirtiéndose en decisiones concretas sobre iluminación, texturas, proporciones y materiales.

Escribe: Nataly Vásquez / Fotos: Revista Signature

DISEÑO DE INTERIOR

El proceso también exige saber cuándo dejar espacio para que el cliente intervenga. Mayra entiende que la personalidad de un ambiente aparece precisamente en ese intercambio entre la visión del diseñador y la vida de quien lo habita. Por eso, dos proyectos pueden partir de necesidades similares y terminar siendo completamente distintos. Esa idea sostiene una de las premisas más claras de MAP DESIGN: ningún proyecto debería sentirse intercambiable. La estética puede ser contemporánea o sofisticada, pero necesita responder a una historia particular. El resultado adquiere valor cuando deja de parecer un ejercicio de diseño y empieza a sentirse propio. La pieza que cambia la proporción La fabricación de mobiliario permite llevar esa lógica un paso más allá. Al contar con producción propia, MAP DESIGN puede trabajar las piezas desde la etapa conceptual y evitar que las decisiones arquitectónicas terminen condicionadas por aquello que ya existe en el mercado. El mueble deja de ser un elemento que se incorpora al final para convertirse en parte de la estructura del proyecto. Para Mayra, esa posibilidad tiene una consecuencia directa: mayor control sobre las proporciones, los acabados y la durabilidad. Una pieza a medida responde a las dimensiones reales del espacio, pero también a las necesidades de quien lo utiliza. El objetivo no es crear algo diferente por el simple hecho de

ser exclusivo, sino conseguir que cada elemento tenga una razón dentro del conjunto. Ahí aparece una definición de lujo en el diseño de interiores que se aleja de lo evidente. No necesariamente está en lo más costoso ni en lo más llamativo, sino en poder resolver un espacio con precisión y hacerlo alrededor de una persona. La comodidad, el detalle y la proporción adquieren entonces un valor que se percibe en la vida cotidiana. Una firma que busca dejar una forma de habitar La siguiente etapa de MAP DESIGN apunta a consolidar esta mirada dentro del diseño peruano. Mayra imagina una firma capaz de ampliar su alcance sin perder la relación entre sus distintas áreas, permitiendo que más personas conozcan sus colecciones, su lenguaje visual y una propuesta que entiende el interiorismo como un proceso integral. Pero el crecimiento no parece ser el único objetivo. También existe una intención más amplia: contribuir a que el diseño de interiores sea entendido como una herramienta para construir identidad. En una ciudad como Lima, donde las formas de habitar continúan transformándose, esa conversación resulta cada vez más relevante. Mayra quiere que MAP DESIGN sea reconocida por algo que va más allá de transformar ambientes. Su apuesta está en demostrar que un espacio contemporáneo puede con-

servar una dimensión humana, que la sofisticación puede convivir con la comodidad y que una casa puede expresar quiénes somos sin necesidad de explicarlo. Por eso la idea de diseño 360° adquiere aquí un significado que trasciende la suma de servicios. Se trata de mirar el espacio completo, desde su estructura hasta el objeto que termina ocupándolo, pero también de entender que todo ese trabajo solo cobra sentido cuando consigue acompañar una vida. Para MAP DESIGN, diseñar parece consistir precisamente en eso: encontrar una manera más personal de habitar lo cotidiano.

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INNOVACIÓN

En una ciudad donde la publicidad exterior ha dependido durante décadas de estimaciones, MUV decidió empezar por una pregunta incómoda: ¿cuántas personas realmente vieron un anuncio en la calle? La empresa parte de una tensión concreta entre un medio acostumbrado a proyectar audiencias y un entorno digital donde cada impresión deja un registro. Su apuesta consiste en llevar esa lógica de medición al movimiento cotidiano de Lima, convirtiendo los vehículos en soportes de publicidad exterior digital capaces no solo de llevar una campaña a la ciudad, sino también de demostrar qué ocurrió con ella. Escribe: Nataly Vásquez

La pregunta que cambia el tablero

a historia de MUV empieza antes de las pantallas LED y de los dashboards. Empieza con una diferencia que durante años pareció normal: mientras la publicidad digital podía responder cuántas veces se había visto un anuncio, a qué hora y frente a qué audiencia, la publicidad exterior seguía trabajando con modelos construidos a partir de estimaciones. La calle tenía alcance, pero no necesariamente una forma precisa de demostrarlo. MUV encontró allí un espacio que no buscaba competir con la ciudad, sino entenderla de otra manera. El vehículo, presente de forma constante en la vida urbana de Lima, podía convertirse en algo más que un soporte móvil. Podía funcionar como una plataforma capaz de registrar lo que sucede con una campaña mientras está ocurriendo. Esa idea cambia la conversación porque desplaza el foco desde cuánto se supone que impactó una pieza hacia cuánto puede comprobarse que impactó. La diferencia no es menor. Cuando una marca invierte en publicidad OOH, necesita saber qué está comprando y, sobre todo, qué puede aprender de esa inversión. MUV plantea que la calle también puede generar información suficiente para tomar decisiones con mayor precisión, sin renunciar a aquello que hace particular a la publicidad exterior: su relación directa con el espacio urbano. La calle deja de ser una estimación Cada activación genera información en tiempo real. MUV registra reproducciones, zonas y horarios desde su propia plataforma, mientras el cliente puede consultar esa información a través de un

INNOVACIÓN dashboard durante el desarrollo de la campaña. A esa capa operativa se suma un auditor externo especializado en medición OOH a nivel regional, encargado de certificar las impresiones y la información demográfica de la audiencia alcanzada. La combinación es parte importante de la propuesta porque introduce una segunda mirada sobre los datos. La empresa no plantea que el anunciante deba aceptar sus cifras como un acto de confianza, sino que pueda contrastarlas con una medición independiente. En un mercado donde la trazabilidad empieza a ser tan importante como el alcance, esa diferencia puede cambiar la manera en que se evalúa una campaña de publicidad exterior digital. También modifica la relación con el tiempo. La información deja de aparecer únicamente cuando la campaña terminó y pasa a acompañarla mientras sucede. Eso permite observar qué está funcionando, entender dónde se concentra el impacto y pensar una estrategia que no dependa únicamente de una previsión inicial. Cuando el tráfico juega a favor Lima introduce una paradoja que MUV decidió mirar desde otro ángulo. El tráfico suele entenderse como uno de los grandes problemas de la ciudad, pero también concentra durante largos periodos a personas en determinados corredores y horarios. Javier Prado, Angamos y otras vías de alta circulación se convierten así en espacios donde la permanencia puede tener un valor distinto para una campaña. MUV trabaja con data de comportamiento urbano para definir dónde y cuándo activar una campaña según el público que busca alcanzar cada marca. No se trata simplemente de colocar una pantalla en una avenida concurrida, sino de entender qué audiencia se concentra en una zona, en qué momento del día y bajo qué dinámica de circulación. La ciudad deja de ser un mapa estático y se convierte en una variable que puede orientar las decisiones. Esa lógica también cambia la forma de pensar la atención. Una pantalla LED en movimiento no depende únicamente de estar presente, sino de aparecer dentro de un contexto donde la audiencia ya está concentrada. La propuesta de MUV parte de esa realidad y la convierte en criterio de planificación, haciendo que cada campaña tenga una lógica distinta según aquello que busca conseguir.

MUV: Redefiniendo los códigos de la publicidad exterior El siguiente estándar La ambición de MUV no termina en mejorar la medición de una campaña. La empresa entiende que la publicidad exterior puede atravesar una transformación similar a la que vivió la publicidad digital, pasando de ser un medio basado principalmente en impacto a convertirse en un canal trazable, medible y optimizable. Ese cambio todavía está en construcción, pero la dirección resulta clara. MUV busca ampliar su flota, consolidar su presencia en Lima y, posteriormente, llevar el modelo a otras ciudades del Perú y a mercados de la región donde la medición del OOH continúa siendo un desafío. El crecimiento, en ese sentido, no se plantea

únicamente como una cuestión de tamaño, sino como una oportunidad para modificar aquello que las marcas esperan de la publicidad en la calle. La ciudad seguirá siendo impredecible en muchos sentidos. El tráfico cambiará, las rutas se moverán y las personas seguirán atravesando Lima con motivos distintos. Lo que MUV propone es que, dentro de esa complejidad, la publicidad no tenga que conformarse con suposiciones. Quizá la verdadera evolución de la calle no consista en hacerla más visible, sino en conseguir que aquello que sucede frente a nosotros también pueda ser entendido, medido y utilizado para tomar mejores decisiones.