#86 REVISTA MUSTIQUE / INVIERNO 2026 by MUSTIQUE

INVIERNO 2026

JACOB ELORDI ARGENTINA ARS 44.500.00086

CHILE CLP 28.000.URUGUAY UYU 1.200.PERÚ PEN 102.PARAGUAY PYG 180.000.USA U$S 30.-

BIG BANG RELOADED

MANUFACTURE FLYBACK CHRONOGRAPH

S TA F F

DIRECCIÓN GENERAL Jimena M. Leiguarda | jimena@keeprolling.com.ar Luciano Stella | luciano@keeprolling.com.ar EDITORA Jimena M. Leiguarda | jimena@keeprolling.com.ar PRODUCCIÓN GENERAL Astrid Soding | ati@keeprolling.com.ar DIRECTOR DE ARTE Julián Balangero REDES SOCIALES / CM Edición: Jimena Leiguarda CM: Chloe Solnicki | @chloesolniki Content creator: @editorsinspiration MARKETING & ALIANZAS ESTRATÉGICAS Victoria Martinez | vicky@keeprolling.com.ar COLABORACIÓN COMERCIAL Ruy Salas Lucrecia Melcior Sofía Suarez PRODUCTORA DE MODA Natalia Cecchinato | natalia@keeprolling.com.ar CORRECCIÓN María Luz Merani ADMINISTRACIÓN Christian Pisanti | christian@keeprolling.com.ar Marcelo Murgui | cobranzas@keeprolling.com.ar AGRADECIMIENTOS Sofia Prado Luis Martín Alzamora Francesca Baruzzi Rosa Vásquez Espinoza Fasano EDITORIAL KEEP ROLLING Martín Coronado 3124, CABA. Tel.: 4804-0403 info@keeprolling.com.ar www.keeprolling.com.ar www.mustique.com.ar PREIMPRESIÓN E IMPRESIÓN LATINGRÁFICA | Rocamora 4161, CABA, Argentina. Tel.: 011 4867-4777 www.latingrafica.com.ar DISTRIBUCIÓN Vaccaro Hnos. Representantes de Editoriales SA Av. Entre Ríos 919 1° Piso (1080) CABA Tel.: 4305-3854/ 4305-3908

Mustique es una marca registrada, propiedad de

SUMARIO

JULIO LE PARC El hombre que transformó la luz en arte

AFGANISTÁN La historia de un país que borró a sus mujeres

FRANCESCA BARUZZI

NUTRICIÓN DIGESTIVA

Pasión en la nieve

para el bienestar integral

ROLEX Celebra un siglo del Oyster

FASANO BOA VISTA & SURF LODGE El tiempo a otro ritmo

ROSA VÁSQUEZ ESPINOZA La científica que le dio voz a las abejas del Amanzonas

JACOB ELORDI

Nota de tapa

arte

JULIO LE PARC El hombre que transformó la luz en arte

Julio Le Parc es uno de los artistas que cambió para siempre la historia del arte contemporáneo. Pocas figuras lograron romper con tantos paradigmas al mismo tiempo, cuestionó el rol del artista, desafió la idea del museo como un espacio contemplativo, convirtió al espectador en protagonista y transformó elementos tan efímeros como la luz, el reflejo y el movimiento en la materia prima de su obra. Su producción es el resultado de una investigación permanente sobre cómo vemos, percibimos y reaccionamos frente a los estímulos visuales.

onsiderado uno de los máximos exponentes del arte cinético y óptico, el artista argentino Julio Le Parc construyó una carrera basada en una pregunta que atravesó toda su vida: ¿qué sucede cuando el arte deja de representar el mundo y comienza a transformar la manera en que lo percibimos? Su respuesta fue una obra donde la luz, el movimiento, el color y la participación del espectador reemplazaron a la pintura tradicional. Durante más de siete décadas desarrolló un lenguaje completamente propio que revolucionó la relación entre la obra y el público, convirtiéndose en uno de los artistas latinoamericanos más influyentes de todos los tiempos.

Julio Le Parc nació el 23 de septiembre de 1928 en Mendoza. Provenía de una familia trabajadora y, tras la separación de sus padres, se mudó siendo niño a Buenos Aires junto a su madre y sus hermanos. Las dificultades económicas marcaron profundamente esos primeros años. Desde muy joven alternaba distintos trabajos con sus estudios nocturnos y esa experiencia despertó en él una fuerte conciencia social que nunca abandonaría.

Décadas más tarde recordaría que precisamente haber crecido lejos de los círculos culturales le permitió cuestionar muchas de las reglas que dominaban el mundo del arte. Nunca creyó que el arte debía pertenecer únicamente a museos o coleccionistas, para él el arte debía ser una experiencia abierta, democrática y accesible para cualquier persona. A mediados de la década de 1940, ingresó a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano y posteriormente continuó su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Allí aprendió dibujo, composición, anatomía y pintura académica, aunque rápidamente comenzó a cuestionar esos métodos. Mientras la mayoría de los estudiantes intentaban perfeccionar el retrato o el paisaje, Le Parc sentía una creciente fascinación por la geometría, las matemáticas, la repetición y las teorías de la percepción visual. Comenzó a estudiar las investigaciones de la psicología de la Gestalt, interesándose por cómo el cerebro organiza las formas, los contrastes y los movimientos. Esa curiosidad científica sería el punto de partida de toda su producción artística.

PARÍS: EL COMIENZO DE UNA REVOLUCIÓN

EL NACIMIENTO DEL ARTE CINÉTICO

En 1958 obtuvo una beca del Gobierno francés que cambió por completo su vida. Se instaló en París, ciudad que en ese momento era uno de los grandes centros mundiales de experimentación artística. En la capital francesa, convivían las investigaciones sobre abstracción geométrica, diseño industrial, arquitectura moderna y nuevas tecnologías aplicadas al arte. Le Parc descubrió allí que la pintura podía expandirse mucho más allá del lienzo y comenzó a experimentar con aluminio, acero inoxidable, acrílicos, motores eléctricos, lámparas, espejos, plásticos industriales y materiales reflectantes. Su interés dejó de estar en representar objetos y pasó a concentrarse en algo mucho más complejo: provocar experiencias visuales.

Durante los años 60, Le Parc se convirtió en uno de los grandes impulsores del arte cinético, un movimiento que buscaba incorporar el movimiento real o la sensación de movimiento dentro de la obra. Mientras la pintura tradicional proponía una imagen fija, Le Parc pretendía que la obra cambiara constantemente. A veces ese cambio era físico, mediante motores que hacían girar estructuras metálicas. Otras veces el movimiento existía únicamente en la percepción del espectador: líneas repetidas, variaciones mínimas de color y formas geométricas producían vibraciones ópticas que hacían parecer que toda la superficie respiraba o se desplazaba. La experiencia nunca era igual dos veces, dependía de la posición del visitante, de la luz ambiente, de la distancia desde la que observaba e incluso de la velocidad con la que caminaba alrededor de la obra.

En 1960 fundó, junto a Horacio García Rossi, Francisco Sobrino, François Morellet, Joël Stein e Yvaral, el Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV). El GRAV funcionaba como un laboratorio de investigación. Sus integrantes rechazaban la idea del artista como un genio individual y proponían una práctica colaborativa en la que lo importante era experimentar con la percepción. Organizaron recorridos interactivos, instalaciones participativas y experiencias urbanas que obligaban al público a intervenir físicamente

en las obras. Esta concepción resultó revolucionaria para la época y anticipó muchas de las instalaciones inmersivas que hoy dominan el arte contemporáneo.

culturales o narrativas. Eliminando cualquier imagen reconocible, el espectador dejaba de buscar significados y comenzaba simplemente a percibir.

A diferencia de otros artistas abstractos, Le Parc redujo progresivamente su vocabulario visual hasta quedarse únicamente con las formas más esenciales: cuadrados, círculos, líneas, prismas, esferas y módulos repetidos. Utilizaba formas porque creía que eran un lenguaje universal, libre de referencias

Cada una de esas formas era sometida a pequeñas modificaciones matemáticas. Una línea podía variar apenas algunos milímetros, un cuadrado cambiar levemente de tamaño o un círculo desplazarse de forma imperceptible. Sin embargo, cuando esos cambios se repetían cientos o miles de veces, producían un efecto visual sorprendente: la superficie parecía vibrar, expandirse o moverse.

A través de espejos, placas de aluminio pulido, superficies reflectantes y proyectores, Le Parc consiguió que la luz dibujara composiciones cambiantes sobre paredes y techos. Las sombras se desplazaban, los reflejos se multiplicaban y el espacio dejaba de ser estático.

Uno de los mayores aportes de Le Parc fue convertir la luz en un material artístico. Hasta entonces la luz era utilizada únicamente para iluminar las obras. Él decidió trabajar directamente con ella. A través de espejos, placas de aluminio pulido, superficies reflectantes y proyectores, consiguió que la luz dibujara composiciones cambiantes sobre paredes y techos. Las sombras se desplazaban, los reflejos se multiplicaban y el espacio dejaba de ser estático.

LAS SERIES QUE HICIERON FAMOSA SU OBRA MODULATIONS

RELIEFS

ALCHIMIE

A comienzos de los años 60, desarrolló la serie Modulations, considerada uno de los pilares del arte óptico. En estas obras trabajó exclusivamente con figuras geométricas repetidas siguiendo rigurosas estructuras matemáticas. A primera vista podían parecer composiciones sencillas de cuadrados o círculos, pero al acercarse el ojo comenzaba a percibir vibraciones, profundidades y movimientos inexistentes.

En la serie Reliefs, Le Parc abandonó el plano bidimensional para construir superficies que sobresalen del muro. Mediante módulos metálicos o geométricos logró que la luz generara sombras cambiantes que transformaban continuamente la apariencia de la pieza.

A partir de la década de 1990 comenzó la serie Alchimie, una de las más celebradas de su etapa madura. Si bien mantenía el rigor geométrico que había caracterizado toda su producción, incorporó una explosión cromática inédita.

La importancia de esta serie radicó en que eliminaba cualquier relato o simbolismo. El único tema era la percepción. El espectador ya no observaba una pintura: observaba cómo reaccionaban sus propios ojos.

CONTINUEL-LUMIÈRE Si existe una serie inseparable del nombre de Julio Le Parc es Continuel-Lumière. Estas instalaciones, iniciadas en la década de 1960 y desarrolladas durante toda su carrera, están compuestas por cientos o miles de pequeñas placas metálicas suspendidas mediante hilos casi invisibles. Sobre ellas incide una fuente de luz que se refleja en infinitas direcciones. Con el mínimo movimiento del aire las placas oscilan levemente, haciendo que toda la sala se llene de destellos en permanente transformación. El visitante queda inmerso dentro de una atmósfera cambiante donde resulta imposible identificar un punto fijo. Esta serie se volvió emblemática porque sintetiza todas las obsesiones de Le Parc: la luz, el movimiento, el azar y la participación del espectador. Es también una de las obras más fotografiadas y reconocibles del arte cinético.

Cada modificación en la iluminación producía una obra distinta. El relieve no estaba dado únicamente por la forma física, sino también por la interacción entre la luz y la sombra.

JEUX DE COULEUR En Jeux de Couleur (Juegos de Color), el artista investigó cómo diferentes combinaciones cromáticas podían alterar la percepción del espacio y del movimiento. Mediante gradaciones extremadamente precisas, consiguió que ciertos colores parecieran avanzar mientras otros retrocedían, creando una ilusión constante de profundidad y desplazamiento. Estas obras demostraron que el color, por sí solo, podía convertirse en un elemento dinámico.

Miles de pequeñas pinceladas, puntos y transiciones de color generan la sensación de que la superficie emite energía propia. El nombre hace referencia precisamente a esa transformación casi mágica que ocurre cuando el color modifica completamente la percepción del espectador. Muchos críticos consideran que Alchimie representa la síntesis entre la investigación científica y la sensibilidad pictórica que Le Parc desarrolló durante toda su carrera.

SPHÈRES Otra de las imágenes más icónicas de su producción son las Sphères, enormes esferas suspendidas construidas con miles de pequeños espejos o placas metálicas móviles. Cada fragmento refleja una parte distinta del entorno y, al desplazarse el espectador, la esfera cambia completamente de apariencia. Estas obras se han convertido en verdaderos símbolos del arte inmersivo contemporáneo y suelen ocupar el centro de sus grandes retrospectivas internacionales.

EL RECONOCIMIENTO MUNDIAL La consagración definitiva llegó en 1966 cuando obtuvo el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia. En aquel momento era el premio más importante que podía recibir un artista visual y significó el reconocimiento internacional de sus investigaciones.

de cuestionar, sorprender y estimular el pensamiento.

A partir de entonces, comenzó a exponer en instituciones como el Museum of Modern Art, la Tate Modern, el Palais de Tokyo, el Centre Pompidou y numerosos museos de América Latina, Europa y Asia.

Más de medio siglo después de sus primeras investigaciones, la influencia de Julio Le Parc continúa siendo enorme. Muchas de las experiencias inmersivas que hoy llenan museos y espacios culturales encuentran un antecedente directo en su obra. Antes de que el arte interactivo se convirtiera en una tendencia global, Le Parc ya había comprendido que el espectador no quería limitarse a observar: quería participar.

Pese al éxito internacional, Le Parc nunca abandonó su postura crítica frente al sistema artístico. Durante las protestas de mayo de 1968 apoyó activamente el movimiento estudiantil y obrero francés, lo que le valió una expulsión temporal de Francia. Siempre sostuvo que el arte no debía convertirse en un producto exclusivo destinado al mercado, sino conservar su capacidad

Su legado no reside únicamente en la belleza de sus instalaciones o en la perfección de sus composiciones geométricas, sino en haber demostrado que el arte puede ser una experiencia viva, cambiante y profundamente participativa. Julio Le Parc transformó para siempre la manera en que entendemos la relación entre el arte y quien lo contempla.

arquitectura

EDUARDO NEIRA ROTH La arquitectura que escucha a la naturaleza Eduardo Neira Roth es el creador de un universo donde arquitectura, arte y saberes conviven en la naturaleza. Su propia casa, construida sin planos y alrededor de los árboles existentes, resume una filosofía que se extiende a proyectos como AZULIK Tulum, SFER IK Uh May y AZULIK Residences.

acido en la Argentina y radicado en la selva mexicana, Eduardo Neira Roth es arquitecto autodidacta, ecologista, coleccionista y gestor cultural. Fundador y CEO de AZULIK, creador de SFER IK Museion y presidente de la Fundación Enchanting Transformation, desarrolló un lenguaje propio que reúne arquitectura biomórfica, arte contemporáneo, sostenibilidad y conocimientos ancestrales. Su formación comenzó mucho antes de enfrentarse a una obra o de definir un proyecto arquitectónico. Sin haber transitado por una educación académica convencional, encontró en la naturaleza a su principal maestra. Cada proyecto comienza con una lectura minuciosa del paisaje. La ubicación de los árboles, las irregularidades del suelo, la circulación del aire, la entrada de la luz y la dinámica del ecosistema determinan la arquitectura antes del primer gesto constructivo. El terreno no es una superficie vacía sobre la cual levantar un edificio, es el origen de todo el proceso.

Su propia residencia La residencia personal de Roth se encuentra en Francisco Uh May, a pocos kilómetros de Tulum, dentro del mismo complejo que alberga SFER IK Uh May, el centro interdisciplinario dedicado al arte y la cultura. Allí también funcionan talleres de cerámica, macramé, moda y vidrio, integrados de manera orgánica en la selva maya. La casa comenzó a construirse sin un diseño cerrado. No existía un plano que estableciera cómo debía verse ni una estructura rígida que determinara el resultado final. La obra fue transformándose a medida que avanzaba, respondiendo a los descubrimientos que surgían durante el proceso. “El propio espacio nos guio” sintetiza esa manera de trabajar. En lugar de obligar al terreno a adaptarse a una idea previa, Roth permitió que la naturaleza estableciera el recorrido. Cada árbol, desnivel y formación del suelo fue incorporado a la vivienda, dando lugar a una arquitectura impredecible, pero profundamente vinculada con el sitio. Durante la construcción no se taló un solo árbol: los troncos y las ramas fueron integrados como puentes entre el interior y el exterior, mientras que la estructura siguió los contornos naturales de la selva. Así, la vivienda no se posa sobre el paisaje como un objeto independiente. Maderas locales, tierra y bejuco tejido conforman una materialidad artesanal que refuerza esa sensación. Las superficies conservan

sus imperfecciones, las formas evitan los ángulos rígidos y los ambientes se conectan mediante recorridos curvos y fluidos. La arquitectura genera experiencias en vez de delimitar habitaciones.

trabajo se construye a partir de un diálogo constante con las comunidades originarias y contemporáneas, buscando recuperar conocimientos, valores y formas ancestrales de relacionarse con el entorno.

La presencia de la tecnología fue reducida al mínimo para disminuir el impacto ambiental y propiciar una vida más conectada con los ritmos naturales. La luz, el aire, los sonidos y las variaciones del clima ingresan en la casa y se convierten en parte de la experiencia cotidiana.

Desde hace años, a través de la Fundación Enchanting Transformation, impulsa iniciativas orientadas al desarrollo integral de las comunidades y a la preservación de las culturas locales. Su mirada entiende la sostenibilidad como algo más amplio que la elección de determinados materiales: es una forma de construir vínculos, conservar saberes y reconsiderar el impacto humano sobre el planeta.

Para Roth, el objetivo era utilizar la intuición para descubrir qué necesitaban el espacio y la naturaleza con el fin de realzarlos y dignificarlos. El resultado es una demostración de que habitar no tiene por qué significar dominar el territorio. La filosofía y la espiritualidad maya ocupan un lugar central en la obra de Roth. Su

En ese universo, el arte funciona como un espacio para reflexionar sobre la existencia y sobre la relación entre los seres humanos y la naturaleza. Arquitectura, medio ambiente y creación contemporánea aparecen así como partes de una misma conversación.

“El propio espacio nos guio” sintetiza esa manera de trabajar. En lugar de obligar al terreno a adaptarse a una idea previa, Roth permitió que la naturaleza estableciera el recorrido.

SFER IK Uh May : un museo atravesado por la selva Uno de los proyectos que mejor representa esta filosofía es SFER IK Uh May. Lejos de responder al modelo tradicional de museo, el espacio propone una experiencia sensorial en la que el arte no está separado del paisaje. Su arquitectura se adapta a la selva con extraordinaria precisión. Cerca de doscientos árboles fueron preservados y algunos de sus troncos atraviesan libremente las aberturas de la estructura. En lugar de eliminar la vegetación para levantar el edificio, el diseño fue creado alrededor de ella, permitiendo que el bosque permaneciera como una presencia activa.

Pasarelas sinuosas, plataformas elevadas y espacios elaborados artesanalmente conducen a los visitantes a través de diferentes alturas y perspectivas. No existe un recorrido único ni una sucesión convencional de salas. Cada persona debe encontrar su propio camino, dejándose orientar por las curvas, las texturas y la luz. Las obras de arte conviven con el sonido de los animales, el movimiento de las hojas y los cambios del clima. De este modo, la arquitectura se vuelve parte de la experiencia artística. Los límites entre museo, obra y ecosistema se disuelven.

AZULIK Tulum: otra forma de hospitalidad En AZULIK Tulum, el lenguaje de Roth ingresa en el universo de la hospitalidad. Construido entre la selva y el mar Caribe, el proyecto propone una experiencia destinada a recuperar el vínculo con el paisaje y con los sentidos.

La misma búsqueda se extiende a AZULIK Residences, donde el lenguaje biomórfico se traslada a la intimidad de la vivienda. Los espacios fueron pensados para acompañar los movimientos del cuerpo y modificar la forma tradicional de habitar.

Las construcciones elevadas respetan el terreno y permiten que la vegetación continúe creciendo. Los recorridos curvos reemplazan a los corredores tradicionales, mientras que las maderas, las fibras naturales y los acabados artesanales crean ambientes que conservan una fuerte identidad orgánica.

En lugar de separar la naturaleza mediante muros y límites precisos, las residencias la incorporan en la experiencia cotidiana. La vegetación, la luz y los materiales naturales atraviesan los ambientes, creando una continuidad entre el refugio privado y la selva.

Aquí, el concepto de bienestar no depende únicamente de los servicios ofrecidos, sino de la posibilidad de disminuir el ritmo, apartarse de la tecnología y volver a percibir el entorno. La arquitectura es una herramienta para generar introspección, descanso y conexión.

Curvas, desniveles y texturas reemplazan la geometría habitual de los desarrollos residenciales. Cada espacio propone una relación más intuitiva con el entorno, sin abandonar el confort, pero redefiniéndolo desde una perspectiva sensorial y consciente. La obra de Eduardo Neira Roth parte de una idea tan sencilla como radical: antes de

construir, hay que aprender a escuchar. Sus proyectos no comienzan con una forma arquitectónica, sino con preguntas sobre el sitio, la cultura y aquello que ya existe. En su casa, en los espacios culturales de SFER IK y en el universo de AZULIK, la arquitectura se adapta, rodea, protege y acompaña. Los árboles no son obstáculos que deben ser removidos, sino protagonistas que determinan el diseño. Y la tierra, en lugar de tener que ser nivelada, es una memoria que merece ser preservada. Su trabajo plantea una alternativa frente a una arquitectura que, durante décadas, buscó dominar y ordenar el paisaje. Roth propone edificios que parecen haber nacido del mismo territorio que los sostiene y que invitan a imaginar un futuro más intuitivo, respetuoso y conectado con el mundo natural.

CONCIENCIA

AFGANISTÁN

LA HISTORIA DE UN PAÍS QUE BORRÓ A SUS MUJERES Hace apenas medio siglo, las mujeres afganas estudiaban en universidades, votaban, trabajaban como médicas, juezas, periodistas y profesoras. Kabul era una capital vibrante que miraba hacia Occidente y donde la igualdad parecía formar parte del futuro. Hoy Afganistán, bajo el régimen de los talibanes, es el único país del mundo que prohíbe a las niñas asistir a la escuela secundaria y a la universidad.

ara muchos, Afganistán es sinónimo de guerra, extremismo religioso y opresión. Sin embargo, esa imagen representa apenas una parte de su historia. Hubo un tiempo en que el país buscó convertirse en una nación moderna, abierta al mundo y con un papel cada vez más importante para las mujeres. Durante gran parte del siglo XX, Afganistán avanzaba hacia una sociedad cada vez más progresista. En las décadas de 1960 y 1970, especialmente en las principales ciudades como Kabul, las mujeres estudiaban en universidades, ejercían profesiones como médicas, juezas, periodistas o docentes, participaban activamente en la vida pública y podían decidir sobre su forma de vestir, algo que hoy parece imposible. Las imágenes de aquella época muestran un país muy distinto al que hoy conoce el mundo, una sociedad que buscaba modernizarse y donde las mujeres ocupaban un lugar cada vez más visible.

El primer gran impulso a los derechos de las mujeres en Afganistán llegó entre 1919 y 1929, durante el reinado de Amanulá Khan, quien impulsó un ambicioso proceso de modernización del país. Promulgó una nueva constitución, promovió la educación femenina, abrió escuelas para niñas, elevó la edad mínima para contraer matrimonio, prohibió los matrimonios forzados y flexibilizó las normas sobre la vestimenta de las mujeres. Sin embargo, estas reformas despertaron una fuerte resistencia de los sectores más conservadores y religiosos. Tras su derrocamiento en 1929, el rey Muhammad Nadir Shah anuló gran parte de esos avances: cerró las escuelas para niñas y volvió a imponer el velo. Años más tarde, durante el reinado de Muhammad Zahir Shah (1933-1973), muchas de esas reformas fueron recuperadas. Se reabrieron las escuelas, se fundó la Universidad de Kabul y, en 1964, las mujeres afganas obtuvieron el derecho al voto, consolidando una nueva etapa de apertura y modernización.

En 1973, el rey Muhammad Zahir Shah fue derrocado por su primo, Muhammed Daoud Khan, poniendo fin a más de dos siglos de monarquía. Durante la nueva República y, posteriormente, bajo los gobiernos respaldados por la Unión Soviética, los derechos de las mujeres continuaron expandiéndose. Aumentó su presencia en el Parlamento, en las universidades y en la administración pública, mientras se reforzó la educación femenina y se prohibieron prácticas tradicionales como los matrimonios forzados o el intercambio de mujeres para resolver conflictos entre tribus. Sin embargo, este proceso de modernización nunca logró consolidarse fuera de las grandes ciudades. Afganistán seguía siendo un país profundamente dividido por diferencias étnicas, tribales y religiosas, donde el progreso urbano convivía con un interior marcadamente conservador. Esa fractura, sumada a la inestabilidad política, las crisis económicas y la creciente violencia, terminó por desembocar en una guerra civil que puso fin al proyecto modernizador del país.

LA LLEGADA DE LOS TALIBANES AL PODER Cuando la Unión Soviética retiró sus tropas de Afganistán en 1989, el país estaba devastado tras una década de guerra. Lejos de llegar la paz, distintas facciones muyahidines, grupos armados que habían combatido a los soviéticos, comenzaron a enfrentarse entre sí por el control del poder. La guerra civil convirtió a Kabul en un campo de batalla, destruyó gran parte de la infraestructura del país y dejó a la población atrapada entre la violencia, la corrupción y la ausencia de un Estado capaz de garantizar seguridad. En ese escenario de caos surgió el movimiento talibán. Su nombre proviene de la palabra árabe talib, que significa “estudiante”, ya que sus primeros integrantes eran jóvenes formados en madrasas, escuelas religiosas islámicas del sur de Afganistán y Pakistán. Liderados por el mulá Muhammad Omar, prometían acabar con la corrupción, desarmar a los señores de la guerra y devolver el orden al país mediante una estricta interpretación de la ley islámica. Con el respaldo de Pakistán y el apoyo financiero de sectores de Arabia Saudita, los talibanes avanzaron rápidamente por el territorio afgano. En apenas dos años conquistaron gran parte del país, y el 27 de septiembre de 1996 entraron en Kabul casi sin resistencia, proclamando el Emirato Islámico de Afganistán.

Los talibanes impusieron una versión extremadamente rígida de la sharía, que es el código de conducta y el sistema legal del islam. Su nombre significa “el camino claro hacia el agua”. Actúa como una guía moral y práctica que abarca todos los aspectos de la vida de los musulmanes, desde el rezo y las finanzas hasta el matrimonio y el derecho penal. Comenzaron a transformar por completo la vida cotidiana, la música fue prohibida, el cine y la televisión prácticamente desaparecieron, las ejecuciones públicas volvieron a plazas y estadios, y la Policía para la Promoción de la Virtud y la Prevención del Vicio patrullaba las calles castigando cualquier conducta considerada inmoral.

Las mujeres fueron las principales víctimas de ese nuevo orden. En cuestión de semanas, se les prohibió asistir a la escuela y a la universidad, trabajar fuera del hogar y salir a la calle sin la compañía de un familiar varón. El uso del burka pasó a ser obligatorio y cualquier incumplimiento podía castigarse con azotes, encarcelamientos o violencia pública. En apenas unos meses, décadas de avances en educación, participación política y derechos civiles desaparecieron. Afganistán pasó de ser un país que, con todas sus contradicciones, había apostado por la modernización a convertirse en un Estado donde la mitad de la población dejó de existir como sujeto de derechos.

“RECIBIR UNA EDUCACIÓN ES UN DERECHO MUY BÁSICO PARA UN SER HUMANO, PERO LAS MUJERES Y NIÑAS NO TENEMOS ESTE DERECHO EN NUESTRO PAÍS”. Jamila, directora de escuela en 2022

Afganistán, 1970.

EL REGRESO AL MUNDO El primer régimen talibán llegó a su fin en 2001, como consecuencia directa de los atentados del 11 de septiembre contra Estados Unidos. El gobierno talibán había dado refugio a Osama bin Laden y a la organización Al Qaeda, responsables de los ataques terroristas, y se negó a entregarlo cuando Washington lo exigió. En respuesta, el 7 de octubre de ese año, Estados Unidos y una coalición internacional lanzaron una ofensiva militar que, con el apoyo de la Alianza del Norte afgana, logró destituir a los talibanes del poder. En noviembre de 2001 cayó Kabul y, pocas semanas después, Kandahar –su principal bastión– también fue tomada. Para diciembre, el régimen talibán había sido oficialmente derrocado y comenzó una nueva etapa para Afganistán bajo un gobierno respaldado por la comunidad internacional.

Durante los veinte años siguientes, millones de niñas volvieron a las escuelas, las mujeres recuperaron el acceso a las universidades, regresaron al mercado laboral y ocuparon cargos en el Parlamento, la Justicia, los medios de comunicación y la administración pública. Sin embargo, aunque fueron expulsados del poder, los talibanes nunca desaparecieron. Se reorganizaron en zonas rurales y fronterizas con Pakistán, desde donde libraron una insurgencia durante dos décadas, hasta recuperar el control del país el 15 de agosto de 2021, tras la retirada de las tropas estadounidenses. Su regreso marcó el inicio de un nuevo régimen que reinstauró y profundizó las restricciones contra las mujeres, desmantelando gran parte de los avances alcanzados desde 2001.

EL REGRESO TALIBÁN Y EL DESMANTELAMIENTO DE LOS DERECHOS DE LAS MUJERES Cuando las tropas estadounidenses y de la OTAN comenzaron su retirada definitiva de Afganistán en 2021, en cuestión de semanas el grupo islamista recuperó el control de gran parte del territorio sin encontrar una resistencia significativa. El 15 de agosto de 2021, los talibanes entraron en Kabul, el entonces presidente Ashraf Ghani huyó del país y el gobierno afgano colapsó. Las imágenes del aeropuerto de la capital, con miles de personas intentando escapar desesperadamente, dieron la vuelta al mundo y simbolizaron el fin de veinte años de reconstrucción. En los primeros días de su regreso al poder, los líderes talibanes intentaron proyectar una imagen distinta a la del régimen que gobernó entre 1996 y 2001. Aseguraron que respetarían los derechos de las mujeres “de acuerdo con la ley islámica”, prometieron que podrían estudiar y trabajar, y afirmaron que el nuevo Emirato Islámico sería más moderado que el anterior. Sin embargo, aquellas promesas duraron apenas unas semanas. Las restricciones comenzaron a llegar de forma gradual, pero constante. Primero se suspendieron las clases para las adolescentes mientras las autoridades anunciaban una supuesta reorganización del sistema educativo. Poco después, las niñas mayores de 12 años dejaron de poder asistir a la escuela secundaria y, en diciembre de 2022, las mujeres fueron expulsadas

también de las universidades. Afganistán se convirtió en el único país del mundo donde las mujeres tienen prohibido acceder a la educación secundaria y superior. Las mujeres fueron apartadas progresivamente de la administración pública, de la Justicia, de los medios de comunicación y de la mayoría de los empleos. Solo unas pocas médicas y enfermeras pudieron continuar trabajando para atender a pacientes mujeres, aunque bajo estrictas restricciones y sin poder interactuar libremente con colegas varones. En paralelo, periodistas, juezas, fiscales, profesoras, deportistas y parlamentarias perdieron sus puestos, mientras ministerios dedicados a la igualdad de género fueron disueltos y reemplazados por organismos encargados de vigilar el cumplimiento de las normas religiosas. A medida que el nuevo régimen consolidaba su poder, el objetivo parecía ir más allá de restringir derechos: buscaba eliminar la presencia femenina de la vida pública. Los parques comenzaron a tener días separados para hombres y mujeres hasta prohibirles el ingreso; los gimnasios cerraron sus puertas para ellas; las deportistas fueron expulsadas de las competiciones y miles de salones de belleza, uno de los pocos espacios donde las mujeres podían reunirse libremente, fueron clausurados por orden del gobierno. Las normas sobre la vestimenta también volvieron a endurecerse. El uso del hiyab

“EMPEZARON A DARME DESCARGAS ELÉCTRICAS, EN EL HOMBRO, EN LA CARA, EN EL CUELLO, EN TODOS LOS SITIOS QUE PODÍAN. ME LLAMABAN PROSTITUTA Y ZORRA. EL QUE TENÍA LA PISTOLA DIJO: ‘VOY A MATARTE Y NADIE PODRÁ ENCONTRAR TU CUERPO’”. Estudiante universitaria que fue detenida en 2022

pasó a ser obligatorio y las autoridades recomendaron el burka como la forma “ideal” de cubrir el cuerpo. Las mujeres debían vestir prendas que oculten completamente su figura y, en muchos casos, no podían salir de sus hogares sin estar acompañadas por un mahram, un familiar varón cercano como el padre, el esposo o un hermano. Quienes incumplían estas disposiciones podían enfrentarse a castigos físicos, detenciones arbitrarias o amenazas tanto para ellas como para sus familias. Con el paso de los meses, los decretos se multiplicaron. Las mujeres dejaron de poder viajar largas distancias sin autorización masculina, se restringió su presencia en espacios públicos, se prohibió su participación en organizaciones no gubernamentales nacionales e internacionales, y se limitaron incluso actividades cotidianas como visitar plazas, practicar deportes o asistir a centros recreativos. Diversos organismos internacionales comenzaron entonces a advertir que Afganistán ya no enfrentaba únicamente una crisis de derechos humanos, sino un proceso sistemático de eliminación de las mujeres de la esfera pública. Naciones Unidas, ONU Mujeres y Amnistía Internacional describieron estas medidas como una forma de discriminación institucionalizada sin precedentes en el mundo contemporáneo. Algunos expertos incluso comenzaron a utilizar el concepto de “apartheid de género”, al considerar que el régimen había construido un sistema legal destinado exclusivamente a separar, excluir y subordinar a las mujeres por el simple hecho de serlo. Lo que había comenzado como promesas de moderación terminó convirtiéndose en el desmantelamiento casi absoluto de los derechos conquistados durante el siglo XX y recuperados parcialmente entre 2001 y 2021. En apenas unos años, Afganistán pasó de tener mujeres en el Parlamento, en las universidades, en los hospitales, en los tribunales y en las redacciones de los periódicos a convertirse en el único país del planeta donde millones de niñas tienen prohibido continuar sus estudios y donde la presencia femenina en la vida pública ha sido prácticamente borrada.

DECRETO N.º 18 En mayo de 2026, el régimen talibán dio un nuevo paso en el desmantelamiento de los derechos de las mujeres al promulgar el Decreto N.º 18, titulado “Código sobre la Separación Judicial de los Cónyuges”. Emitido por el Ministerio de Justicia del régimen, el nuevo marco legal regula las condiciones para la separación conyugal, pero, al mismo tiempo, elimina en la práctica la edad mínima para contraer matrimonio, legitimando e institucionalizando el matrimonio infantil. Además, restringe severamente la capacidad de las mujeres y las niñas para impugnar o abandonar matrimonios forzados, consolidando un sistema jurídico basado en la tutela masculina y en una profunda desigualdad ante la ley.

El texto elimina en la práctica el consentimiento libre de las niñas, permitiendo que su silencio tras la pubertad sea interpretado como aceptación del matrimonio, y otorga a padres y otros familiares amplias facultades para concertar uniones. Al mismo tiempo, impone severas barreras para que las mujeres puedan impugnar o disolver matrimonios forzados, mientras los hombres conservan el derecho a divorciarse de manera unilateral y con muchas menos restricciones. El decreto sustituye las protecciones legales que existían antes de 2021 y consolida un sistema judicial en el que mujeres y hombres ya no son iguales ante la ley.

“SOLO VEO LAS PAREDES QUE ME RODEAN. NI SIQUIERA PUEDO SALIR DE CASA. ¿ESTO ES VIDA?”. Zohra, abogada

LAS REGLAS QUE GOBIERNAN LA VIDA DE UNA MUJER EN AFGANISTÁN

Ir al colegio o a la universidad. Desde 2021, las niñas tienen prohibido asistir a la escuela secundaria y las mujeres no pueden acceder a la universidad, convirtiendo a Afganistán en el único país del mundo que les niega la educación superior.

Subir a un colectivo con hombres. El transporte público está sujeto a estrictas normas de segregación de género que dificultan aún más su movilidad.

Elegir con quién casarse y cuántos hijos tener. El aumento de los matrimonios forzados e infantiles, agravado por el Decreto N.º 18, redujo aún más la autonomía de las mujeres sobre su cuerpo y su futuro.

Trabajar. La mayoría de las mujeres fueron expulsadas del mercado laboral y solo unas pocas pueden ejercer en áreas como la salud, bajo estrictas restricciones.

Vestir como quieran. Deben cubrir completamente su cuerpo y rostro. Incumplir el código de vestimenta puede derivar en castigos físicos, detenciones o represalias.

Salir de casa sin un mahram. No pueden desplazarse libremente sin la compañía de un familiar varón cercano, lo que limita su acceso al trabajo, la educación y los servicios básicos.

Practicar deporte. Tienen prohibido participar en actividades deportivas, asistir a gimnasios o integrar equipos y competiciones.

Ser vistas en público. El régimen busca borrar su presencia del espacio público: limita su visibilidad, prohíbe la difusión de sus imágenes y restringe incluso su aparición desde ventanas o balcones.

Protestar por sus derechos. Las manifestaciones pacíficas son reprimidas con violencia, detenciones y amenazas, aunque muchas mujeres continúan resistiendo.

10.

Ir al salón de belleza. El cierre de miles de salones eliminó uno de los pocos espacios de encuentro, trabajo y contención para las mujeres.

11.

Visitar a su familia sin permiso del esposo. Una mujer puede ser sancionada si permanece en la casa de sus familiares sin autorización de su marido, incluso cuando huye de situaciones de violencia.

12.

Vivir libres de violencia. El régimen derogó las leyes que protegían a las mujeres frente a la violencia de género y redujo drásticamente las herramientas legales para denunciar los abusos.

13.

Testificar sola en un juicio. La declaración de una mujer no tiene el mismo valor que la de un hombre y, en muchos casos, necesita ser respaldada por un testigo masculino.

14.

Trabajar con la ONU u organizaciones humanitarias. Las mujeres tienen prohibido trabajar para organizaciones internacionales y ONG, limitando tanto su independencia económica como la asistencia a otras mujeres.

15.

Relacionarse socialmente. Las nuevas normas restringen las interacciones entre hombres y mujeres, profundizando el aislamiento y lo que organismos internacionales describen como una verdadera “muerte social” para las mujeres afganas.

S U S T E N TA B I L I DA D

ROSA VÁSQUEZ ESPINOZA

LA CIENTÍFICA QUE LE DIO VOZ A LAS ABEJAS DEL AMAZONAS La bióloga química Rosa Vásquez Espinoza fue la primera en vincular científicamente la deforestación en la Amazonia con la disminución de las abejas sin aguijón, un polinizador clave de especies vegetales endémicas, que además favorece los medios de vida al asegurar la producción de alimentos. Su investigación contribuyó de manera significativa a un caso histórico en Perú, que derivó no solo en la protección legal de las abejas sin aguijón, sino también en el reconocimiento de sus derechos legales.

osa Vásquez Espinoza creció rodeada por la inmensidad de la Amazonia peruana, un territorio donde la naturaleza no es un paisaje, sino una forma de entender el mundo. Esa conexión temprana con la biodiversidad marcó el rumbo de una carrera que hoy la posiciona como una de las científicas más influyentes de América Latina. Bióloga química, exploradora y divulgadora, ha dedicado su trabajo a estudiar los secretos que esconden los ecosistemas amazónicos, con especial atención en las abejas sin aguijón, especies esenciales para la supervivencia del bosque y guardianas de un conocimiento ancestral transmitido durante generaciones.

Reconocida como exploradora de la National Geographic Society y distinguida con el Rolex Award for Enterprise, Rosa ha logrado tender un puente entre la ciencia de vanguardia y la sabiduría de las comunidades indígenas, demostrando que las respuestas a los grandes desafíos ambientales también se encuentran en quienes han convivido con la naturaleza durante siglos. Su trabajo busca comprender la biodiversidad, pero también inspirar una nueva forma de hacer ciencia, más colaborativa, humana y profundamente conectada con el planeta.

¿Qué soñabas ser cuando fueras grande? ¿Qué rasgos de esa niña siguen presentes en vos hoy? Soñaba con ser muchas personas… astronauta, autora, bailarina, doctora, química y bióloga. Soñaba mucho con aprender y seguir mi curiosidad, ya que me fascina el mundo natural, y eso incluye la biodiversidad hermosa que nos rodea y nosotros como personas conviviendo

con este planeta. Los rasgos que siguen presentes en mí son la curiosidad y el sentido de asombro, me emociona aprender cosas nuevas, abrir mi mente para unir nuevas ideas, y creo que esas características son fundamentales para lo que hago hoy. Mirando hacia atrás, ¿hubo algún momento o decisión que haya cambiado por completo el rumbo de tu vida? Sí, cuando un profesor me sugirió que sacrificara diez años de mi vida haciendo un trabajo que no me satisfacía ni con el cual aportaba mucho a la sociedad, para poder acumular y luego hacer lo que soñaba. Yo pensé “Años de mi juventud, llena de ánimo, energía y fuerza... ¿no dedicados a algo en lo que creo hasta en los huesos?”. No sentí que la Amazonia tenía tanto tiempo. Sentía una sensación de urgencia por actuar ya que siento hasta el día de hoy. Eso me dio el empujón que necesitaba para hacer lo opuesto a lo que me aconsejaban, y dedicar mis esfuerzos a lo que verdaderamente creía.

Más allá de los logros profesionales, ¿qué es lo que hoy te hace sentir verdaderamente realizada? Me hace sentir realizada saber que mi trabajo tiene una vida más allá de mí. Ver a una mujer indígena asumir el liderazgo de un proyecto, a un joven reconocerse como investigador de su propio territorio o a una comunidad transformar sus conocimientos en acciones concretas de conservación significa mucho más para mí que cualquier reconocimiento. También me hace sentir realizada el poder apreciar a las personas que amo y sentir que no he tenido que renunciar a mi sensibilidad para avanzar. No me interesa acumular por acumular. Para mí, una vida plena está en el amor de mi familia, en las personas con las que camino, en los bosques que todavía permanecen en pie y en saber que, de alguna manera, contribuí a que siguieran vivos. ¿Cómo definís el éxito en esta etapa de tu vida? ¿Es diferente a la idea que tenías cuando comenzaste? Cuando era más joven, asociaba el éxito con alcanzar metas: obtener un doctorado, publicar, demostrar que era capaz y abrirme camino en espacios donde muchas veces no veía a personas como yo. Hoy lo entiendo de otra manera. El éxito es tener

coherencia entre lo que pienso, lo que digo y la manera en que vivo. Es poder mirar hacia atrás y saber que no traicioné mis valores para llegar a algún lugar. Es generar oportunidades para otras personas y construir algo que pueda continuar sin depender de mi presencia. También es tener tiempo para amar, para escuchar y para conservar la capacidad de asombro. No quiero una vida llena de logros pero vacía de vínculos, de propósito o de humanidad. Tu trabajo transmite sensibilidad, fuerza y una mirada muy particular sobre la belleza. ¿Qué te inspira actualmente y qué cosas alimentan tu creatividad fuera de tu profesión? Leer. Me apasiona meterme en otros mundos, independientemente de qué tan similares o diferentes sean al mío. Me fascina aprender desde diferentes perspectivas, ya sean novelas, no ficción. Las palabras me hacen soñar e imaginar, lo cual creo es vital para mantener la energía en lo que hago. Y también, darme tiempo de estar en la naturaleza sin ninguna meta en mente. Creo que en la actualidad todos corremos para seguir un horario, calendario, meta. En parte, siento que eso restringe a que la creatividad fluya, y puede suceder también estando en la misma naturaleza si no nos permitimos conectar.

¿Hay algún sueño que todavía no hayas cumplido y que te gustaría concretar en los próximos años? Tengo muchos sueños. Uno muy grande es algún día escribir una novela sobre la historia de mi abuela, cómo se crio sobre suelos de tierra y entre montañas de plantas medicinales llegando a ser una mujer médica que hasta el día de hoy inspira. Otro es crear el primer compendium multicultural de conocimiento de plantas medicinales junto a las comunidades y que se comparta en lenguas indígenas, y a través de materiales educativos y eventos multiculturales. Por último, me gustaría compartir nuestras lecciones y aprendizajes sobre cómo logramos que las abejas sin aguijón se conviertan en el primer insecto en el mundo con derechos legales, para que inspiren acciones similares en todos los continentes. Vivimos en una época de cambios constantes y mucha velocidad. ¿Qué valores intentás preservar en tu vida cotidiana para mantenerte conectada con vos misma? La humildad, la gratitud y la amabilidad. En la cosmovisión andina existe el concepto de ayni, que es comprender que la vida se sostiene a través de relaciones de cuidado y correspondencia. Nada de lo que

conseguimos es completamente individual. También intento conservar la capacidad de escuchar. La velocidad del mundo nos empuja a responder inmediatamente, a producir constantemente y a demostrar que siempre estamos avanzando. Yo trato de recordar que hay procesos que necesitan silencio, observación y tiempo. Me conecta conmigo misma volver a mi familia, caminar en la naturaleza sin zapatos, escuchar a las personas mayores y jóvenes, y recordar por qué comencé. ¿Qué aprendiste sobre vos misma a través de los desafíos y las etapas más difíciles de tu recorrido? Aprendí que soy más fuerte de lo que imaginaba, pero también que la fortaleza no significa hacerlo todo sola. Durante mucho tiempo pensé que ser fuerte era resistir, continuar y no mostrar cansancio. Hoy sé que también significa pedir ayuda, reconocer los límites y permitir que otras personas nos sostengan. Las etapas difíciles me enseñaron a confiar en mi intuición, incluso cuando el camino que estaba eligiendo no era el más convencional. También me mostraron que no todas las puertas cerradas representan un fracaso... algunas simplemente nos obligan a construir una puerta diferente, y eso es parte de la emoción en la vida.

“En la cosmovisión andina existe el concepto de ayni, que es comprender que la vida se sostiene a través de relaciones de cuidado y correspondencia. Nada de lo que conseguimos es completamente individual”.

Si tuvieras que resumir tu propósito en una frase, ¿cuál sería? Unir la ciencia moderna y la sabiduría ancestral para proteger la vida. Cuando las futuras generaciones miren tu trabajo y tu historia, ¿qué huella te gustaría haber dejado en el mundo? Me gustaría que la huella no fuera solamente mi nombre, sino una forma diferente de hacer ciencia y conservación. Una forma que escuche antes de intervenir, que reconozca a las comunidades indígenas como autoras y líderes del conocimiento, y que entienda que proteger la naturaleza no consiste en separarla de las personas que han convivido con ella durante generaciones. Mi mayor legado sería haber ayudado a que muchas otras personas pudieran continuar esta misión y llevarla mucho más lejos. ¿Cómo te gustaría que te recordaran quienes te conocen más allá de tu faceta profesional? Como una persona feliz, curiosa y apasionada que siempre luchó por quienes ama, y eso incluye no solo a personas humanas, sino a nuestros océanos, selvas, montañas, abejas, microbios, tapires, plantas medicinales y toda la belleza de nuestro planeta. Si hoy pudieras dejarle un mensaje a cualquier mujer que está comenzando a perseguir sus sueños, ¿qué le dirías? Que no espere a sentirse completamente preparada, porque probablemente ese

momento nunca llegue. Muchas veces aprendemos mientras caminamos. También le diría que no permita que los lugares en los que todavía no existe representación le hagan pensar que ella no pertenece allí. A veces no encontramos un espacio porque nos corresponde ayudar a crearlo. Que escuche consejos, pero que no entregue su intuición. Que construya una red de personas que la quieran por quien es y no solamente por lo que consigue. Y que recuerde que perseguir un sueño no debería exigirle desaparecer, negar sus raíces o convertirse en otra persona. ¿Hubo alguna experiencia en el terreno, alguna historia o encuentro que te haya hecho comprender que tu trabajo estaba trascendiendo más allá de vos misma? No fue un único gran momento, sino una acumulación de escenas pequeñas. Mujeres indígenas cuidando sus primeras colmenas, jóvenes aprendiendo a registrar científicamente la biodiversidad de sus territorios, niñas que me decían que ahora también podían imaginarse como científicas y comunidades viendo cómo sus conocimientos comenzaban a ser escuchados por investigadores y autoridades. Allí entendí que el proyecto ya no me pertenecía. Se había convertido en una causa colectiva, sostenida por comunidades, investigadores, autoridades y nuevas generaciones. Eso es lo que permite que un trabajo trascienda, cuando deja de depender de una persona y empieza a vivir en muchas.

deportes

WIMBLEDON DONDE EL TIEMPO

SE CONVIERTE

EN LEGADO

Con una remontada memorable sobre el césped del All England Club, Jannik Sinner defendió su corona en Wimbledon. En el cuadro femenino, Linda Nosková conquistó el primer Grand Slam de su carrera y confirmó el surgimiento de una nueva figura. Bajo los históricos relojes de Rolex, ambos demostraron que la grandeza no se construye en un solo partido, sino con la constancia de quienes saben convertir el tiempo en legado.

esde 1877, el césped del All England Lawn Tennis and Croquet Club es el escenario donde el tenis alcanza su máxima expresión. Allí, entre tradiciones centenarias, precisión y excelencia, las grandes figuras escriben capítulos destinados a permanecer en la memoria del deporte. Después de dos semanas de competencia y tras haber inaugurado el torneo en la emblemática Centre Court, Jannik Sinner cerró Wimbledon de la misma manera en que comenzó: como protagonista absoluto.

El número uno del mundo remontó una final de altísimo nivel para imponerse ante Alexander Zverev por 6-7, 7-6, 6-3 y 6-4, conquistar su quinto título de Grand Slam y defender con éxito la corona obtenida un año antes. Con este triunfo, el italiano ingresó en un grupo reservado para muy pocos: se convirtió en apenas el décimo jugador de la Era Abierta capaz de revalidar el título masculino de Wimbledon, siguiendo los pasos de leyendas como Rod Laver, Björn Borg, Roger Federer y Carlos Alcaraz.

Jannik Sinner acumula, a la fecha, 30 títulos individuales en el circuito de tenis, entre ellos 5 títulos de Grand Slam, lo que lo consolida como el número uno del mundo.

“No hay un lugar mejor para jugar al tenis. El domingo por la mañana sentís los nervios apenas te despertás. Nunca sabés cuántas veces vas a volver a vivir algo así”.

La victoria también confirmó el extraordinario momento deportivo que atraviesa Sinner. Además de alcanzar las cien victorias en torneos de Grand Slam, en 2026 se convirtió, con apenas 24 años, en el jugador más joven en ganar los nueve torneos ATP Masters 1000. Solo Novak Djokovic había conseguido anteriormente completar esa colección de títulos. “No hay un lugar mejor para jugar al tenis. El domingo por la mañana sentís los nervios apenas te despertás. Nunca sabés cuántas veces vas a volver a vivir algo así”, confesó el italiano tras recibir el trofeo.

Jannik Sinner

Nacida el 17 de noviembre de 2004 en Vsetín, República Checa, Nosková comenzó a jugar al tenis a los siete años. Su talento se hizo visible desde las categorías juveniles: en 2021 conquistó Roland Garros junior y llegó al quinto lugar del ranking mundial de su categoría.

Pero Wimbledon 2026 también marcó el nacimiento de una nueva campeona. Linda Nosková se consagró en el cuadro femenino luego de vencer a su compatriota Karolína Muchová en una final íntegramente checa. A los 21 años, levantó el primer trofeo de Grand Slam de su carrera y alcanzó el séptimo puesto del ranking mundial, la mejor posición de su trayectoria. Nacida el 17 de noviembre de 2004 en Vsetín, República Checa, Nosková comenzó a jugar al tenis a los siete años. Su talento se

hizo visible desde las categorías juveniles: en 2021 conquistó Roland Garros junior y llegó al quinto lugar del ranking mundial de su categoría. Ya como profesional, sorprendió al derrotar a la número uno del mundo, Iga Świątek, camino a los cuartos de final del Australian Open 2024, y ese mismo año obtuvo en Monterrey su primer título del circuito WTA. Potente desde el fondo, dueña de un gran servicio y una notable serenidad competitiva, la checa encontró sobre el césped londinense la consagración definitiva.

Más de medio millón de espectadores atravesaron durante la quincena las tradicionales puertas negras del All England Club para presenciar una nueva edición marcada por partidos memorables, extensas jornadas bajo el sol londinense y definiciones que, en algunos casos, se prolongaron hasta acercarse al histórico límite de las 23 horas. Desde el Royal Box, figuras como Roger Federer y Stefan Edberg observaron un torneo capaz de reunir a distintas generaciones y de recordar que, en

Wimbledon, la historia nunca pertenece únicamente al pasado: también se construye en cada punto. Desde 1978, Rolex es Official Timekeeper de Wimbledon, una alianza que ya forma parte de la identidad visual y emocional del campeonato. Sus emblemáticos relojes verdes presiden cada cancha y han sido testigos silenciosos de algunos de los momentos más importantes del tenis, acompañando a generaciones de campeones que hicieron del tiempo un aliado en la búsqueda permanente de la excelencia.

deportes

Francesca Baruzzi

PASIÓN EN

LA 44

NIEVE

A más de 120 km/h, entre la presión de la competencia, las lesiones y el desafío de representar a la Argentina, la esquiadora de élite reflexiona sobre el miedo, la resiliencia y los sueños que aún persigue.

n el esquí alpino no hay espacio para la improvisación. Cada bajada es el resultado de años de entrenamiento, una mente enfocada y la capacidad de tomar decisiones en fracciones de segundo. A sus 30 años, Francesca Baruzzi se convirtió en una de las grandes referentes del esquí alpino argentino. Competidora habitual del circuito internacional, olímpica y abanderada de la delegación argentina, construyó una trayectoria marcada tanto por los logros como por las lesiones que la obligaron a reinventarse una y otra vez. Cada obstáculo terminó fortaleciendo una convicción, la de seguir eligiendo el deporte. Una entrevista que trasciende el deporte para convertirse en una reflexión sobre la perseverancia, la identidad y la ambición de seguir conquistando nuevas cimas.

¿En qué momento sentiste que el esquí dejaba de ser una actividad para convertirse en una parte esencial de quien sos? Me pusieron los esquíes por primera vez cuando tenía solo dos años, así que el esquí estuvo presente prácticamente toda mi vida. Todos los inviernos pasaba la mayor cantidad de horas posible en la montaña, y a los 11 años empecé a competir. Al principio era una actividad más entre todos los deportes que practicaba, pero siempre fue con el que más identificada me sentía. Creo que el gran cambio llegó cuando pasé a la categoría mayores, a los 16 años. Ahí entendí que el esquí podía ser mucho más que una pasión o un hobby, podía convertirse en mi profesión. Desde ese momento empecé a vivirlo con otra responsabilidad, otro compromiso y una visión mucho más a largo plazo. Competís a más de 120 km/h, en un deporte donde el margen de error es mínimo. ¿Qué aprendiste sobre el miedo? ¿Creés que alguna vez desaparece o simplemente aprendemos a convivir con él? Siento que el miedo se transforma y se supera a medida que vas ganando confianza en vos mismo. No te voy a decir que nunca sentí miedo en una largada de carrera, porque es parte del deporte, pero con el tiempo aprendí a aceptarlo. En vez de pelear contra eso, trato de encontrar tranquilidad en el proceso, saber que entrené para esto, que me preparé y que soy capaz de hacerlo. Y el miedo pasa a ser esa pizca de adrenalina que mi cuerpo necesita para buscar el límite de la velocidad Hay un concepto que me gusta mucho: los valientes no son quienes no sienten miedo, sino quienes hacen las cosas a pesar de él.

“La paciencia ocupa un lugar fundamental, aunque al mismo tiempo es una de las cosas más difíciles de desarrollar como deportistas. Es la paciencia de no esperar resultados inmediatos, de confiar en el proceso y en el camino que uno está construyendo”. 46

Después de atravesar lesiones, ¿qué cambió más: tu cuerpo o tu manera de entender el éxito y el fracaso? Las lesiones me cambiaron mucho más por dentro que por fuera. Me enseñaron a entender mi cuerpo de otra manera, a respetarlo y a valorar lo que significa estar realmente bien físicamente en un deporte tan extremo como el esquí. Pero, sobre todo, me enseñaron a convivir con la incertidumbre y la frustración. Hay momentos en los que no podés hacer nada más que esperar, recuperarte y aceptar que cada lesión te obliga, en cierta manera, a volver a empezar de cero. Y eso es duro, porque sentís que todo el camino se reinicia. Fueron momentos que me dieron mucha claridad. Ahí entendí con más fuerza que esto es lo que realmente quiero hacer. Que, incluso en los momentos más difíciles, sigo eligiendo este camino. Y que estoy dispuesta a atravesar todo lo necesario para poder seguir compitiendo al más alto nivel. ¿Qué lugar ocupa la paciencia en una carrera deportiva? Creo que la paciencia ocupa un lugar fundamental, aunque al mismo tiempo es una de las cosas más difíciles de desarrollar como deportistas. Es la paciencia de no esperar resultados inmediatos, de confiar en el proceso y en el camino que uno está construyendo. Hay que aprender a ver el panorama más grande, a construir una dirección clara y entender que lo que llega rápido, muchas veces también se va rápido. Es fácil decirlo, pero llevarlo a la práctica en el día a día es realmente muy difícil. En un deporte donde cada centésima cuenta, ¿cómo hacés para no perder de vista el disfrute y recordar por qué empezaste? Trato de encontrar momentos para reconectar con esa Fran más chiquita que disfrutaba del viento en la cara y de la velocidad, y que esquiaba con una sonrisa en cada curva. Volver ahí, aunque sea por instantes, me recuerda por qué empecé. Intento que al menos una bajada por día sea realmente para disfrutar, sin pensar en la técnica ni en nada más, solo en esquiar. Esos momentos son los que me vuelven a conectar con el amor por el deporte. Igualmente, también es mi trabajo. Y hay días en los que no se disfruta al cien por cien. Pero incluso ahí está la responsabilidad de levantarse igual a las cinco de la mañana, entrenar a 20 grados bajo cero y seguir adelante.

¿Sentís que el deporte revela quiénes somos o que, en realidad, nos transforma en alguien nuevo? Creo que el deporte potencia quiénes somos. No lo siento solo con el esquí, sino con cada deporte que practico. El deporte te da muchísimo, te enseña, te desafía y te conecta con experiencias que en otro contexto no vivirías. Y en ese proceso, va sacando partes de vos que quizás ya estaban ahí, pero que se vuelven más fuertes con el tiempo. Cuando estás en la cima de una montaña, antes de largar, ¿qué diálogo tenés con vos misma? Volviendo un poco al tema de la confianza, busco conectarme con eso. Es un diálogo interno simple, casi automático: “Dale, Fran, es tuyo. Sabés cómo hacerlo. Andá a fondo y divertite”. Es una forma de recordarme que llegué ahí porque hice el trabajo, porque me preparé, y que ahora es el momento de confiar y soltar. Ser abanderada representa mucho más que un resultado deportivo. ¿Qué significa para vos llevar la bandera argentina en un escenario tan importante? Es un orgullo muy grande haber sido elegida por mis pares deportistas como

representante para llevar la bandera argentina. Siento que es como la frutilla del postre, ya estar en los Juegos Olímpicos en sí mismo es un premio a todos los años de esfuerzo, de entrenamiento, de sacrificio y de momentos muy difíciles que quedan detrás. Poder sumar a eso el hecho de llevar la bandera me genera una sensación de plenitud muy difícil de explicar. Es un momento que va mucho más allá del deporte, representa todo el camino recorrido, desde mis primeros años en la nieve hasta llegar a un escenario donde estás representando a tu país frente al mundo. En ese momento, siento una mezcla de orgullo por lo que significa la Argentina para mí, responsabilidad por lo que representa llevar esa bandera y gratitud por todo lo vivido que me trajo hasta ese instante.

camino posible. Hoy tenemos una gran ventaja: contamos con uno de los mejores centros de esquí de entrenamiento del mundo en Cerro Castor, donde entrenan equipos de altísimo nivel internacional. Eso muestra que la infraestructura ya está, que el potencial existe. Lo que falta es seguir desarrollando la cultura del deporte invernal y fortalecer los recursos económicos y el apoyo alrededor. Creo que como país podemos aspirar a muchísimo más en el futuro si se sostiene ese crecimiento. Hoy no somos muchos los que integramos el equipo nacional, pero de a poco se van sumando más atletas, más energía y más compromiso. Y eso es lo que más me ilusiona, estar construyendo un camino que, ojalá, haga que la próxima generación llegue mucho más lejos de lo que nosotros pudimos.

Hablás mucho de impulsar una verdadera “revolución invernal” en la Argentina. ¿Qué legado te gustaría dejar cuando llegue el momento de retirarte de la competencia? Me gustaría que el esquí en la Argentina se empiece a ver como un deporte profesional real, al que los más chicos puedan aspirar con convicción, sabiendo que existe un

¿Qué soñás hoy que quizás no te animabas a soñar hace diez años? A nivel deportivo, hace diez años ni siquiera me imaginaba que podía estar donde estoy hoy, compitiendo constantemente en la Copa del Mundo, representando a mi país en los últimos Juegos Olímpicos y en varios mundiales.

¿Hay alguna cima que todavía sientas que te queda por conquistar? Me gustaría estar entre las 15 mejores del mundo y, siendo aún más ambiciosa, poder llegar a un podio en la Copa del Mundo. Creo que esa es una de las cimas que todavía tengo por conquistar, y también una de las que más me motiva a seguir empujando cada día. El alto rendimiento suele exigir renuncias silenciosas. ¿Cuál fue la más difícil y cómo hiciste para que valiera la pena? Creo que la renuncia más difícil es el tiempo, los momentos con la familia, los amigos, las cosas cotidianas que se van perdiendo en el camino por estar tan enfocada en el deporte. Es una elección que no siempre es fácil, pero me siento muy consciente de eso. Sé que es un camino en el que me acompañan, que

entienden lo que implica y por qué lo hago. Al final, también es algo que me hace profundamente feliz. Y entender que es una etapa con una duración limitada ayuda a darle sentido a todo ese sacrificio. Hace que, de alguna manera, cada renuncia también valga la pena. Más allá de las medallas y los rankings, ¿cómo te gustaría que te recuerden quienes compartieron este camino con vos? Me gustaría que me recuerden como alguien que vivió este camino con pasión y con entrega total. Como una persona que siempre intentó dar lo mejor de sí, incluso en los momentos difíciles, y que nunca perdió de vista el amor por el deporte, más allá de los resultados. Al final, los resultados se van a olvidar con el tiempo, pero la manera en la que uno transita el camino es lo que realmente queda.

aperturas

TRES NUEVAS PROPUESTAS GASTRONÓMICAS EN BUENOS AIRES B

De Retiro a Palermo y Núñez, Chuchú, Social Corazón y Garabato Bistró representan una nueva manera de disfrutar la gastronomía porteña: espacios cercanos, cocinas con identidad y propuestas pensadas para convertirse en parte de la vida cotidiana.

uenos Aires vive una nueva efervescencia gastronómica. Lejos de las fórmulas solemnes, una generación de cocineros y empresarios apuesta por recuperar el espíritu de los restaurantes de barrio, reinterpretar los sabores argentinos y crear espacios donde comer bien no dependa de una ocasión especial. Chuchú, Social Corazón y Garabato Bistró son tres de las aperturas que mejor expresan este movimiento. Aunque cada una posee una identidad propia, las une una misma búsqueda: combinar producto, oficio y hospitalidad en lugares a los que siempre den ganas de volver.

Social Corazón

Chuchú: un viaje a los clásicos porteños

“Empecé haciendo reversiones de platos porteños en Mengano y ahora quiero demostrar que también puedo hacer los clásicos”, explica el cocinero.

Dentro del Museo Nacional Ferroviario, rodeado de locomotoras, antiguos vagones y objetos que forman parte del patrimonio argentino, Chuchú propone un recorrido por los sabores más reconocibles de Buenos Aires.

La carta reúne platos generosos y familiares, pensados para diferentes momentos y públicos. Hay milanesa de bife de chorizo, lomo a la pimienta, carpaccio con berro y tapenade, cortes de parrilla y pastas como los espaguetis elaborados con masa de pesto o la lasaña de ragú de asado y bechamel. También aparecen alternativas más informales, como el sándwich César de pollo con piel crocante.

El proyecto está liderado por Facundo Kelemen, chef detrás de Mengano y uno de los nombres destacados de su generación. Si en su primer restaurante se dedicó a reinterpretar los clásicos porteños, en Chuchú decidió volver a sus versiones más esenciales.

La identidad ferroviaria atraviesa todo el proyecto. Diseñado por la arquitecta Romina Santiso, el restaurante cuenta con una terraza alrededor de un olivo, una extensa barra de mármol, boxes desde los que se observa la llegada y partida de los trenes, y dos vagones originales de la década de 1930.

Con capacidad para 140 personas, Chuchú acompaña la renovación de Retiro y recupera el carácter de un barrio históricamente vinculado con los viajes, los encuentros y las llegadas. A pocos meses de su apertura, fue incorporado a la categoría Bib Gourmand de la Guía Michelin 2026, que reconoce propuestas con una destacada relación entre calidad y precio.

Dónde: Avenida del Libertador 405, Retiro. Horarios: Todos los días de 12 a 16 h; de jueves a lunes, también por la noche. Instagram: @chuchu.ba

Garabato: el espíritu del bistró llega a Núñez En un pequeño salón de Núñez, Clara Corso y Lucas Canga construyeron el restaurante al que ellos mismos querrían ir. Garabato se define como un “neo bistró”: un espacio informal y contemporáneo donde la técnica está al servicio del sabor y los platos están pensados para compartir.

La propuesta recupera el espíritu de los antiguos bistrós –cartas breves, cocina honesta y hospitalidad espontánea– y lo adapta a la escena porteña actual. El salón, de apenas 32 cubiertos, combina mesas con manteles blancos, una barra frente al ventanal, una gran mesa compartida y algunas sillas sobre la vereda. La carta parte de sabores tradicionales, pero incorpora referencias de los viajes y experiencias de sus creadores. Entre sus platos aparecen una tostada de ensaladilla de trucha con huevo mollet, tarta de jamón y queso elaborada con masa hojaldrada, tartar de lomo sobre masa brisée y matambrito de cerdo con mejillones patagónicos y crema de ’nduja. Para el final, una tarta flan de dulce de leche y whisky convive con helados de elaboración propia.

Todo sucede en un ambiente relajado, acompañado por una cuidada selección de vinos. La intención de Corso y Canga es clara: ofrecer una cocina fácil de comprender, despojada de la solemnidad de la alta gastronomía y lo suficientemente cercana como para regresar cualquier día. Garabato también fue reconocido como Bib Gourmand por la Guía Michelin 2026, que destacó su carta de raíz tradicional atravesada por gestos actuales.

Dónde: O’Higgins 3424, Núñez. Instagram: @garabato_bistro

Social Corazón: el nuevo punto de encuentro de Palermo Frente a la emblemática esquina de El Preferido de Palermo, Social Corazón abre sus puertas como un espacio concebido para acompañar todos los momentos del día. Panadería, café y restaurante conviven en una propuesta que invita a desayunar, almorzar, tomar una copa de vino o quedarse a cenar. Se trata del sexto proyecto de Pablo Rivero, creador de un ecosistema gastronómico que reúne a Don Julio, El Preferido, su carnicería, la huerta urbana y la Comarca

Productiva Don Julio. Su crecimiento no busca extenderse hacia otros destinos, sino consolidar la identidad de unas pocas cuadras de Palermo.

conviven sin grandes distancias. El resultado es un lugar abierto y dinámico, donde el trabajo detrás de cada preparación forma parte de la experiencia.

Bajo la dirección culinaria de Guido Tassi, Social Corazón recupera la esencia de las panaderías y los cafés porteños. El pan ocupa el centro de la escena, acompañado por facturas, pastelería, sándwiches y platos de cocina que revisitan recetas tradicionales desde una sensibilidad contemporánea.

Social Corazón no pretende convertirse únicamente en un destino gastronómico, sino en una extensión del barrio: una esquina para encontrarse, conversar y regresar todos los días. El restaurante funciona desde la mañana hasta la madrugada en Guatemala 4802.

La trazabilidad, la estacionalidad y la relación directa con la materia prima vuelven a ser fundamentales, pero aquí aparece una búsqueda adicional: hacer que esa calidad resulte más accesible. Los productos cuidados se presentan en formatos simples, con un servicio cercano y una propuesta capaz de incorporarse a la rutina. El diseño acompaña esa intención. La panadería a la vista funciona como corazón del espacio, mientras mesas, barra y cocina

Dónde: Guatemala 4802, Palermo. Horarios: Desayuno de 8 a 11.30 h; almuerzo de 12 a 16 h; merienda de 16 a 19 h y cena de 19 a 1 h. Instagram: @social.corazon

TIRANA ARQUITECTURA

LA NUEVA CAPITAL ARQUITECTÓNICA 56

La capital de Albania, Tirana, está viviendo una transformación urbana acelerada. Muchos arquitectos ya la consideran como uno de los laboratorios arquitectónicos más innovadores de Europa.

urante más de cuarenta años, Albania permaneció prácticamente aislada del resto del mundo bajo el régimen comunista de Enver Hoxha. Mientras el resto de Europa desarrollaba nuevas tendencias arquitectónicas y urbanísticas, Albania permanecía cerrada, construyendo edificios funcionales, repetitivos y sin identidad. Cuando el régimen comunista cayó en 1991, era inminente la necesidad de la transformación de la ciudad. Tirana siempre fue una ciudad única, codiciada por diversas culturas que dejaron su impronta de muchas formas, incluyendo la arquitectura. Desde las construcciones ilirias del siglo V d.C. que aún sobreviven en su parte antigua, pasando por las influencias del período otomano hasta principios del siglo XX, y la impronta de la Unión Soviética durante 45 años.

El primer indicio de que Tirana quería desligarse de la estética soviética apareció a principios de los años 90, cuando Edi Rama, un extravagante artista contemporáneo, se convirtió en alcalde de la ciudad y decidió pintar los edificios en colores brillantes. Con el tiempo impulsó concursos internacionales, convocó a arquitectos extranjeros y promovió una visión de ciudad basada en el diseño contemporáneo. La arquitectura dejó de ser únicamente construcción para convertirse en una política pública.

Tras abrir una convocatoria internacional de proyectos de desarrollo urbano a través de espacios verdes, avenidas y un transporte público acorde a los nuevos tiempos, Tirana se ha ido convirtiendo en un hub arquitectónico para grandes estudios internacionales como 51n4e, Archea, BIG, Zaha Hadid, MVRDV, Grimshaw, DAR, Bjarne Ingels, Massimiliano Fuksas, Bofill o Alejandro Aravena, entre otros tantos arquitectos reconocidos internacionalmente.

Uno de los ejemplos más admirados en el mundo es la recuperación de la Pirámide de Tirana. Construida en 1988 como museo dedicado al dictador Enver Hoxha, durante años fue considerada un símbolo del pasado comunista. En lugar de demolerla, la ciudad decidió transformarla completamente, y hoy el espacio alberga espacios educativos, laboratorios tecnológicos, auditorios y terrazas públicas. La intervención respetó parte de la estructura original, pero la reinterpretó con un lenguaje contemporáneo. Este proyecto se estudia actualmente en muchas escuelas de arquitectura como un ejemplo de reutilización adaptativa.

Tirana representa algo poco común en Europa, ya que es una capital que está reinventándose casi desde cero en tiempo real. Mientras muchas ciudades europeas ya tienen un patrimonio urbano consolidado, Tirana está construyendo su identidad contemporánea ahora mismo, convirtiéndose en un auténtico laboratorio arquitectónico del siglo XXI.

N O TA D E TA PA

JACOB ELORDI Con apenas 29 años, Jacob Elordi dejó atrás la etiqueta de galán adolescente para consolidarse como uno de los actores más fascinantes y populares de su generación.

Créditos: Shutterstock

Entre el cine de autor, las grandes maisons de moda y una presencia que combina magnetismo y elegancia, el australiano trasciende la pantalla y es un verdadero referente de estilo.

acob Elordi es uno de los actores más destacados de su generación. En pocos años pasó de ser un ídolo juvenil a consolidarse como un intérprete buscado por algunos de los directores más prestigiosos del cine contemporáneo. Su carrera refleja una evolución poco habitual en Hollywood: lejos de conformarse con el éxito comercial, eligió proyectos cada vez más desafiantes, construyendo una identidad artística marcada por personajes complejos, una presencia magnética en pantalla y una marcada preferencia por el cine de autor. Nació el 26 de junio de 1997 en Brisbane, Queensland, Australia. Es el menor de cuatro hermanos y creció en una familia de clase trabajadora. Su padre, John Elordi, nació en el País Vasco español y emigró junto a su familia a Australia cuando era niño, mientras que su madre, Melissa, se dedicó principalmente al cuidado del hogar. El propio actor ha contado en distintas entrevistas que su historia familiar, marcada por el esfuerzo y la inmigración, influyó profundamente en su manera de entender el trabajo y la perseverancia.

Durante su infancia, el deporte ocupó un lugar central. Practicó rugby y básquet de manera competitiva, llegando incluso a representar al estado de Victoria en campeonatos juveniles. Sin embargo, una lesión en la espalda durante su adolescencia lo obligó a abandonar el rugby y terminó acercándolo definitivamente a la actuación. Paralelamente, participaba en musicales escolares y obras de teatro, donde comenzó a descubrir un interés genuino por la interpretación. Uno de los grandes detonantes de esa vocación fue Heath Ledger. Tras verlo interpretar al Joker en The Dark Knight, comprendió que quería dedicar su vida al cine. Desde muy joven estudió actuación, perfeccionó por su cuenta el acento estadounidense y pasó horas analizando las carreras de figuras como Marlon Brando, Daniel Day-Lewis y Christian Bale. Comenzó actuando profesionalmente en producciones locales australianas, incluyendo el papel del Gato en Seussical, antes de dar el salto a Hollywood con la película Swinging Safari (2018). Decidió mudarse a los Estados Unidos con el objetivo de abrirse camino en Hollywood. Sus comienzos estuvieron lejos del glamour que luego lo rodearía. Su primera experiencia fue como extra en Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales y, según él mismo contó, durante sus primeros

meses en Los Ángeles atravesó serias dificultades económicas, llegando incluso a dormir en su automóvil mientras asistía a audiciones. Aquella etapa moldeó una personalidad reservada y extremadamente cuidadosa a la hora de elegir sus proyectos. El gran punto de inflexión llegó en 2018 con The Kissing Booth, la comedia romántica de Netflix donde interpretó a Noah Flynn. La película fue un fenómeno global y convirtió a Elordi en uno de los rostros más populares de la plataforma. El éxito continuó con sus secuelas en 2020 y 2021, aunque el propio actor reconocería años después que nunca sintió una conexión artística con ese tipo de producciones y que aceptó esos trabajos como una forma de abrirse camino en la industria estadounidense. Mientras todavía era identificado como un galán juvenil, sorprendió al público con un giro radical gracias a Euphoria. En la serie creada por Sam Levinson interpretó a Nate Jacobs, un joven violento, manipulador y emocionalmente fracturado. Su actuación fue ampliamente elogiada por la intensidad psicológica que aportó al personaje y marcó el comienzo de una nueva etapa en su carrera. Nate se convirtió en uno de los personajes más comentados de la televisión contemporánea y demostró que Elordi poseía un rango dramático mucho mayor del que había mostrado hasta entonces.

“Tenía ganas de despojarme de las ideas preconcebidas que todo el mundo tenía sobre mí. Quería hacer cosas como Euphoria desde antes de llegar a Hollywood, desde que estaba en el colegio”, afirmó el actor.

Créditos: Shutterstock

Créditos: Chanel

Frankenstein, de Guillermo del Toro, 2025.

“La mirada de Jacob está llena de humanidad. Lo elegí por su mirada”, dijo el director Guillermo del Toro sobre Jacob Elordi en Frankestein.

A partir de ese momento, comenzó a priorizar proyectos dirigidos por cineastas de prestigio. En 2022 participó en Deep Water, dirigida por Adrian Lyne, y un año más tarde protagonizó dos películas que cambiaron definitivamente la percepción de la industria sobre él. La primera fue Priscilla, de Sofia Coppola, donde asumió el enorme desafío de interpretar a Elvis Presley desde una perspectiva íntima y alejada del espectáculo. Su interpretación evitó la caricatura y mostró un Elvis vulnerable, complejo y profundamente humano. Ese mismo año llegó Saltburn, dirigida por Emerald Fennell. Allí dio vida a Felix Catton, un aristócrata inglés cuya belleza y magnetismo funcionan como el eje de una historia obsesiva sobre privilegio, deseo y poder. La película se convirtió en uno de los grandes fenómenos culturales del año y consolidó a Elordi como uno de los actores jóvenes más interesantes de Hollywood. Refiriéndose a Emerald Fennell, Elordi declaró: “Ella y solo ella fue la razón por la que quería participar sí o sí en el proyecto. Tiene una forma de ver las cosas única, y para ella todo cuenta. Cada segundo y cada detalle que se ven en sus películas hablan de ella. Quería formar parte de ese mundo”.

Lejos de repetir fórmulas, continuó apostando por personajes exigentes. En 2025 protagonizó la miniserie The Narrow Road to the Deep North, basada en la novela ganadora del Booker Prize de Richard Flanagan. Para interpretar al cirujano Dorrigo Evans atravesó una importante transformación física y emocional, en un papel considerado por muchos críticos como el más maduro de su carrera. Ese mismo año dio vida a la criatura en Frankenstein, dirigida por Guillermo del Toro. El proyecto representó una nueva confirmación de su crecimiento artístico y lo posicionó definitivamente dentro del circuito del cine de autor internacional. “Lo vi en Saltburn y me encantó su inocencia y franqueza. Interpreta a la víctima de un personaje al estilo de Tom Ripley, y me pareció que lo interpretó con gran alcance. Su personaje también era capaz de ser refinado y cruel. La mirada de Jacob está llena de humanidad. Lo elegí por su mirada”, dijo el director Guillermo del Toro sobre Jacob Elordi en Frankestein.

Créditos: Shutterstock

“Estoy enamoradísimo del arte, y sobre todo cuando se hace a través de la narración. Me conmueve todo: las fotografías, las pinturas, la música, descubrir música nueva, compartir un interés con alguien”.

Más allá de sus trabajos, Elordi ha construido una imagen pública muy distinta a la del típico actor surgido del fenómeno adolescente. Con 1,96 metros de altura, una estética clásica y un fuerte interés por la literatura, el cine y la moda, suele mantenerse alejado de la sobreexposición mediática. Ha manifestado en numerosas ocasiones que no disfruta especialmente de la fama y que su prioridad es convertirse en un actor de largo recorrido antes que en una celebridad. No posee cuentas públicas activas en redes sociales y mantiene una vida privada extremadamente reservada, algo poco habitual dentro de su generación. En el universo de la moda hoy es también una figura de referencia. Su estilo relajado, elegante y de inspiración clásica llamó rápidamente la atención de las grandes maisons de lujo. Habitualmente viste firmas como Bottega Veneta, Prada, Burberry y Saint Laurent, consolidándose como uno de los hombres más influyentes de la moda masculina contemporánea.

Uno de los rasgos menos conocidos de Elordi es su pasión por la lectura. Nunca viaja con un solo libro: suele llevar cuatro o cinco al mismo tiempo en su bolso. Lee novelas, poesía, diarios de viaje, teatro y biografías, y asegura que los libros alimentan directamente su trabajo como actor. “ "Estoy enamoradísimo del arte, y sobre todo cuando se hace a través de la narración. Me conmueve todo: las fotografías, las pinturas, la música, descubrir música nueva, compartir un interés con alguien”, declaró. Hoy, Jacob Elordi representa una nueva generación de actores. Lo que comenzó como el fenómeno adolescente de The Kissing Booth evolucionó rápidamente hacia una filmografía cada vez más sofisticada, trabajando junto a algunos de los directores más respetados del cine internacional. Su capacidad para elegir personajes intensos, psicológicamente complejos y alejados de los estereotipos lo ha convertido en una de las figuras con mayor proyección de Hollywood y en un nombre llamado a marcar la próxima década del cine.

r e lo j e r í a

ROLEX CELEBRA UN SIGLO DEL OYSTER En 1926, Rolex presentó el primer reloj de pulsera hermético de la historia. Un siglo después, la maison conmemora el aniversario del Oyster con una edición especial del Oyster Perpetual 41, una certificación Superlative Chronometer renovada y una exposición que recorre el legado de una de las creaciones más influyentes de la relojería moderna.

ste 2026, Rolex celebra el centenario de uno de sus mayores hitos: el nacimiento del primer reloj de pulsera hermético, una innovación que redefinió los estándares de la relojería y sentó las bases de prácticamente toda la colección contemporánea de la maison.

Durante estos cien años, el Oyster pasó a ser el ADN de Rolex. De él nacieron algunos de los relojes más emblemáticos de la historia, como el Submariner, el GMT- Master, el Explorer, el Cosmograph Daytona o el Yacht-Master, piezas que trascendieron su función original para convertirse en verdaderos íconos culturales y de diseño.

Cuando Hans Wilsdorf presentó el Oyster en 1926, su visión era tan simple como revolucionaria: crear un reloj capaz de acompañar a las personas en cualquier entorno, protegido del agua, el polvo y las condiciones más extremas. La solución llegó mediante una caja completamente hermética, con bisel, fondo y corona enroscados, un desarrollo que transformó para siempre la manera de concebir un reloj de pulsera. Cinco años más tarde, la incorporación del rotor Perpetual convertiría esa creación en un reloj automático, completando una fórmula que aún hoy permanece vigente.

Para celebrar este aniversario, la maison presenta una edición conmemorativa del Oyster Perpetual 41 que reinterpreta el espíritu del original con una mirada contemporánea. Realizado en Rolesor amarillo –la combinación de acero Oystersteel y oro amarillo característica de Rolex–, incorpora una elegante esfera pizarra donde aparecen discretos guiños al centenario: la inscripción “100 years” reemplaza el tradicional “Swiss Made” a las seis en punto, mientras que el número “100” se encuentra grabado en la corona. Cada detalle es un homenaje a este siglo de innovación. El verde, color emblemático de la marca, también adquiere protagonismo en la esfera como un sutil sello de identidad.

Pero el aniversario no se limita a una pieza especial. Rolex aprovecha este momento para reforzar uno de los pilares de su filosofía: la búsqueda permanente de la excelencia. A partir de este año, la certificación Superlative Chronometer incorpora nuevos criterios de evaluación que incluyen resistencia al magnetismo, fiabilidad y sostenibilidad, ampliando los exigentes estándares de precisión, hermeticidad, autonomía y

Se trata de una evolución silenciosa, aunque profundamente significativa, que demuestra que la innovación en Rolex continúa siendo un proceso constante.

rendimiento que distinguen a cada reloj de la marca. Se trata de una evolución silenciosa, aunque profundamente significativa, que demuestra que la innovación en Rolex continúa siendo un proceso constante. La celebración también se traslada al plano cultural con “Oyster Story”, una exposición inaugurada en Shanghái que invita a recorrer el siglo de historia del reloj a través de piezas históricas, modelos contemporáneos, documentos inéditos e instalaciones inmersivas. La muestra pone en perspectiva el impacto que el Oyster tuvo no solo dentro de la industria relojera, sino también en la exploración, el deporte, la ciencia y la aventura, ámbitos donde la confiabilidad del reloj fue puesta a prueba una y otra vez. Pocas creaciones pueden afirmar que siguen siendo tan relevantes cien años después de su nacimiento. El Oyster sobrevivió al paso del tiempo y también ayudó a definirlo. En este aniversario, Rolex celebra una idea que continúa vigente desde 1926: que la verdadera innovación es aquella capaz de trascender generaciones sin perder jamás su esencia.

S U S T E N TA B I L I DA D

SARGAZO El desafío del Caribe

Lo que alguna vez fue un refugio flotante para la vida marina hoy se ha convertido en uno de los mayores desafíos ambientales del Caribe. El sargazo avanza sobre las costas, altera ecosistemas, afecta al turismo y plantea una pregunta urgente: cómo transformar esta crisis natural en una oportunidad sostenible.

l sargazo es un grupo de algas marrones pertenecientes al género Sargassum que “se distribuyen extensamente por océanos tropicales y templados, en aguas poco profundas y arrecifes de coral, así como en el mar abierto”, define un artículo de la Agencia de Protección Ambiental de Estados Unidos. Algunas especies de sargazo permanecen en el fondo marino, mientras que otras flotan en el mar. Las más comunes en el Caribe y el Golfo de México son las de flotación libre, y entre ellas destacan S. natans y S. fluitans, ambas con vesículas llenas de aire que les permiten flotar, agrega la fuente. Para crecer, estas algas requieren altos niveles de luz solar, salinidad, temperaturas cálidas en el océano y elevadas concentraciones de nutrientes.

El sargazo, la macroalga que cada año invade las costas de México, República Dominicana y el resto del Caribe, podría convertirse en una de las materias primas más prometedoras para impulsar la economía circular de la región. Cada mañana, antes incluso de que lleguen los primeros turistas, cientos de trabajadores recorren las playas del Caribe retirando montañas de sargazo. La escena se repite desde Cancún hasta Barbados: tractores, camiones y cuadrillas enteras intentan contener una invasión que ya no responde a un fenómeno aislado, sino a una nueva realidad del océano. En 2026, los sistemas de monitoreo satelital registraron una de las mayores acumulaciones de sargazo jamás observadas en el Atlántico tropical. La gigantesca masa de algas, conocida como la Gran Cinta

Atlántica de Sargazo, volvió a extenderse desde las costas de África hasta el Caribe y el Golfo de México, alimentando una temporada récord que preocupa tanto a científicos como a la industria turística. El sargazo nunca fue un enemigo de los océanos. Mucho antes de convertirse en un problema costero, era uno de los ecosistemas flotantes más importantes del planeta. En mar abierto funciona como un verdadero bosque sobre el agua: ofrece refugio a peces juveniles, crustáceos, moluscos y tortugas marinas, que encuentran allí alimento y protección durante etapas clave de su ciclo de vida. Esa biodiversidad convierte al sargazo en un componente esencial del equilibrio ecológico del Atlántico. El problema comienza cuando deja el océano abierto y alcanza la costa: al acumularse durante días bajo el sol tropical, el alga se descompone rápidamente. El proceso consume oxígeno del agua, afecta arrecifes de coral y praderas marinas, dificulta la anidación de las tortugas y libera sulfuro de hidrógeno, responsable del intenso olor que caracteriza a muchas playas durante la temporada alta. La pérdida del color turquesa del agua y el impacto sobre el turismo son apenas la cara más visible de una alteración mucho más profunda del ecosistema costero.

¿POR QUÉ SE ACUMULA EN GRANDES CANTIDADES? El aumento de nutrientes provenientes de fertilizantes agrícolas, la deforestación, el aporte de grandes ríos como el Amazonas, el incremento de la temperatura del océano y las modificaciones en las corrientes marinas crearon las condiciones ideales para una proliferación sin precedentes. El sargazo se convirtió en uno de los síntomas más visibles de cómo el cambio climático y la actividad humana están transformando el océano. Allí aparece uno de los conceptos más interesantes de la sostenibilidad contemporánea: la economía circular.

En vez de considerar al alga como un residuo costoso de eliminar, distintos proyectos buscan reincorporarla a la cadena productiva para darle una segunda vida. Hoy ya existen desarrollos que transforman el sargazo en fertilizantes orgánicos, bioplásticos, papel, textiles experimentales, materiales para la construcción e incluso ingredientes destinados a la industria cosmética. Lo que hasta hace pocos años terminaba en rellenos sanitarios comienza a convertirse en una nueva materia prima para industrias de bajo impacto ambiental.

SARGAZO CON ENERGÍA Mediante digestión anaerobia, un proceso biológico en el que microorganismos degradan materia orgánica en ausencia de oxígeno, el sargazo puede producir biogás, una mezcla rica en metano capaz de generar electricidad, calor o convertirse en biometano para sustituir combustibles fósiles. Para las islas del Caribe, donde buena parte de la energía depende de combustibles importados, la posibilidad resulta especialmente atractiva. El mismo material que hoy demanda millones de dólares en limpieza podría convertirse en una fuente local de energía renovable, reduciendo emisiones y fortaleciendo la independencia energética de la región. México, por ejemplo, ya impulsa proyectos para recolectar el sargazo antes de que llegue a la costa y procesarlo en plantas capaces de producir biogás. La clave está, precisamente, en intervenir antes de que el alga se descomponga.

Recolectarla en alta mar no solo evita el deterioro de playas y arrecifes, sino que también conserva mejor su potencial para ser reutilizada en procesos industriales. El caso del sargazo refleja uno de los mayores desafíos de la sostenibilidad contemporánea: comprender que un mismo recurso puede ser indispensable para la biodiversidad en un contexto y convertirse en un problema ambiental en otro. El verdadero cambio consiste en aprender a gestionarlo de manera inteligente. En una época en la que el diseño regenerativo y la innovación buscan redefinir la relación entre producción y naturaleza, el sargazo deja de ser simplemente una crisis ecológica para convertirse en un símbolo de un nuevo paradigma: aquel en el que incluso los residuos pueden transformarse en oportunidades, y donde la próxima revolución sostenible podría llegar, literalmente, flotando sobre el mar.

arte

V A E U N

VOZ LA E D

Ó P E RA

El contratenor polaco Jakub Józef Orliński, Testimonial de Rolex desde 2025, protagonizó un momento histórico al convertirse en el primer artista de su registro vocal en ofrecer un recital solista en el legendario Teatro alla Scala de Milán.

akub Józef Orliński se convirtió en el primer intérprete de su tesitura en ofrecer un recital solista sobre el escenario del teatro de ópera más prestigioso del mundo, Teatro alla Scala de Milán.

La presentación marcó un nuevo capítulo para La Scala, que este año celebra dos décadas de alianza con Rolex como Main Partner y Exclusive Timepiece, una relación que refleja el compromiso de la firma suiza con la excelencia artística a través de su Perpetual Arts Initiative, un programa que impulsa disciplinas como la música, la arquitectura, el cine, la danza y las artes visuales. Orliński, quien se incorporó a la familia Rolex en 2025, representa una nueva generación de artistas que desafían los límites de la música clásica sin perder de vista su legado. Su sello distintivo radica en una combinación poco convencional: una refinada técnica vocal barroca acompañada por una presencia escénica marcada por la acrobacia y el breakdance, logrando acercar la ópera a públicos cada vez más jóvenes.

Orliński representa una nueva generación de artistas que desafían los límites de la música clásica sin perder de vista su legado.

Su recorrido artístico comenzó en Polonia, donde cantó desde niño en coros antes de perfeccionarse en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York. El reconocimiento internacional llegó en 2017, cuando una interpretación de Vivaldi durante el Festival d’Aix-en-Provence se volvió viral y acumuló millones de reproducciones. Desde entonces, su carrera lo llevó a escenarios emblemáticos como el Metropolitan Opera de Nueva York, Carnegie Hall, la Royal Ballet and Opera de Londres y, recientemente, a participar en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de París 2024. Para este histórico debut en La Scala, Orliński eligió un programa centrado en compositores barrocos como Handel y Purcell, acompañado únicamente por el pianista Michał Biel, su habitual compañero de recitales. Una propuesta íntima que permitió destacar la riqueza expresiva de su voz y la profundidad interpretativa que lo ha convertido en una de las figuras más innovadoras de la escena lírica contemporánea. Más allá del acontecimiento artístico, este recital reafirmó la visión de Rolex de preservar el patrimonio cultural al mismo tiempo que impulsa nuevas voces capaces de mantener viva la música clásica para las próximas generaciones. La marca sostiene desde hace décadas alianzas con instituciones como el Teatro alla Scala, el Metropolitan Opera, la Royal Ballet and Opera de Londres, la Opéra National de Paris y el Teatro Colón de Buenos Aires, consolidando una red global dedicada a celebrar la excelencia musical. Con esta presentación histórica, Jakub Józef Orliński demuestra que la tradición puede reinventarse sin perder su esencia.

salud

NUTRICIÓN DIGESTIVA PARA EL BIENESTAR INTEGRAL

La salud intestinal dejó de ser un tema exclusivamente médico para convertirse en uno de los pilares del bienestar.

En esta entrevista, la nutricionista Andrea Argibay explica por qué cada vez más personas experimentan molestias digestivas, desmonta los mitos que circulan en redes sociales y propone un enfoque personalizado, basado en evidencia científica, para comprender al intestino y construir hábitos que favorezcan una mejor calidad de vida.

a licenciada Andrea Argibay es nutricionista y docente en la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Su formación y luego su trabajo en el Hospital de Gastroenterología de Buenos Aires le permitieron integrar el conocimiento científico con la experiencia clínica, una combinación que hoy aplica para ayudar a sus pacientes desde un enfoque preventivo, personalizado y basado en la evidencia.

¿Por qué hoy se habla tanto de la inflamación intestinal? En los últimos años, la inflamación intestinal ha adquirido una gran difusión, en parte por el creciente interés de las personas por mejorar su alimentación y cuidar su salud. Las redes sociales han permitido acceder a muchísima información, lo cual puede ser una herramienta muy valiosa, pero también puede generar confusión cuando los mensajes no están basados en evidencia científica. Cuando hablamos de salud, no

todo consejo que circula en Internet es aplicable a todas las personas. Por eso, aprender a diferenciar información confiable de recomendaciones generales o modas es fundamental para tomar mejores decisiones. ¿Qué significa tener inflamación intestinal? La inflamación intestinal es básicamente una respuesta del organismo frente a distintos estímulos que alteran el equilibrio del intestino. Es importante destacar que estos síntomas no siempre indican una enfermedad, pero sí pueden ser una señal de que el intestino necesita recuperar su equilibrio. Con bastante frecuencia llegan a la consulta pacientes refiriendo distensión abdominal, gases, dolor que a veces se siente en la cintura o en la zona lumbar. También pueden presentar alternancia de períodos de diarrea y constipación, sentir que algunas comidas les caen “pesadas” y otros trastornos digestivos. Muchas personas viven con molestias digestivas sin comprender realmente qué las produce y que les está pasando.

Los cambios que muchas veces deseamos en nuestra alimentación requieren tiempo y paciencia. De ahí la importancia de consultar a profesionales serios, formados y especializados en el tema, para evaluar cada caso en particular.

¿Qué hábitos más comunes pueden aumentar la inflamación intestinal? En muchos casos, esta alteración generalmente puede ocurrir por componentes que introducimos en nuestra alimentación, en ansias de alimentarnos mejor. Por supuesto que la alimentación no es el único factor. El estrés, los cambios hormonales propios de distintas etapas de la vida, fundamentalmente en la mujer, el comer apurados o frente a la computadora, responder mensajes mientras almorzamos o incluso tragar aire al hablar o beber muy rápido también pueden alterar el funcionamiento del intestino. Cuando el organismo permanece en un estado de alerta constante, la digestión deja de ser una prioridad y el sistema digestivo se resiente y nos envía señales.

Desde el punto de vista alimentario, ¿qué errores más frecuentes ves en tus pacientes que pueden agravar esta situación? Es una pregunta muy interesante, ya que muchas pacientes llegan a la consulta diciendo: “Escuché en Instagram que era bueno sacar las harinas y así lo hice, dejé las gaseosas, incorporé más frutas y verduras, ahora consumo más alimentos integrales y más semillas, y sin embargo me siento hinchada después de comer, como si estuviera embarazada de cinco meses”. Esta situación se presenta con bastante frecuencia. En muchos casos, lo que ocurre es que muchas personas realizan cambios muy beneficiosos en la alimentación: dejan de comer, por ejemplo, alimentos ultraprocesados, sin embargo, comienzan a consumir otros de una forma muy abrupta y la consecuencia es que el intestino responde a ese cambio de la manera en que puede y en que está preparado para hacerlo. Los cambios que muchas veces deseamos en nuestra alimentación requieren tiempo y paciencia. De ahí la importancia de consultar a profesionales serios, formados y especializados en el tema, para evaluar cada caso en particular. No existe una dieta universal y mucho menos la que puedo escuchar en una red social.

¿Vale la pena hacerse un test genético para saber qué alimentos inflaman? La genética ha significado un gran avance para la medicina, y en determinadas situaciones puede aportar información muy valiosa. Existen estudios con respaldo científico que ayudan a complementar el diagnóstico de algunas enfermedades, como la enfermedad celíaca o la intolerancia a la lactosa, cuando están clínicamente indicados. Hoy también es frecuente encontrar en las farmacias test comerciales o algunos laboratorios que prometen identificar qué alimentos “inflaman” o cuáles deberían eliminarse de la alimentación. Aunque

resultan muy atractivos, muchos de ellos cuentan con evidencia científica limitada para respaldar esas recomendaciones y pueden llevar a restricciones innecesarias o generar más confusión que soluciones. Sin embargo, en mi experiencia, en la mayoría de las personas con síntomas digestivos, ese no suele ser el punto de partida. Lo primero es comprender la historia clínica, los síntomas, la alimentación, los hábitos y el contexto de cada paciente. Recién a partir de esa evaluación puede definirse si algún estudio complementario realmente aportará información útil.

¿Qué cambios sencillos podemos realizar para disminuir esa inflamación intestinal? Es una muy buena pregunta, porque cuando hablamos de salud intestinal, no solo importa qué alimentos elegimos, sino también cómo, cuándo y en qué contexto los consumimos. Muchas veces, los cambios más efectivos son también los más sencillos. Recuperar el hábito de comer con calma, masticar bien los alimentos, evitar las pantallas durante las comidas y respetar los horarios puede tener un impacto positivo sobre el funcionamiento del intestino. Del mismo modo, tener una buena hidratación e incorporar alimentos que favorezcan el equilibrio de la microbiota intestinal también forma parte de una estrategia integral para cuidar la salud digestiva. Sin embargo, cuando aparecen síntomas como hinchazón, molestias digestivas o cambios en el ritmo intestinal, muchas personas acuden a soluciones mágicas intentando buscar rápidamente en test o listas de alimentos “permitidos” y “prohibidos”, y en realidad no se trata de sacar alimentos porque sí, sino de entender por qué el intestino está reaccionando de esa manera. Cada intestino tiene su propia historia. Por eso, el abordaje no debería basarse en recomendaciones universales, sino en una evaluación individual que permita identificar los factores que están favoreciendo la inflamación y definir las estrategias más adecuadas para cada persona.

Recuperar el hábito de comer con calma, masticar bien los alimentos, evitar las pantallas durante las comidas y respetar los horarios puede tener un impacto positivo sobre el funcionamiento del intestino.

¿Por qué es importante una mirada personalizada y profesional de la salud intestinal? Durante mucho tiempo se pensó que frente a las molestias digestivas la solución era simplemente eliminar alimentos: dejar harinas, lácteos, ciertos vegetales o seguir listas de productos “permitidos” y “prohibidos”. Sin embargo, la experiencia clínica nos muestra que el intestino es mucho más complejo y que no todas las personas responden de la misma manera frente a los mismos alimentos. La salud intestinal no depende únicamente de lo que comemos, sino también de nuestros hábitos, nuestro descanso, el estrés, el movimiento, la forma en que nos relacionamos con la comida y la capacidad de nuestro organismo para adaptarse a los cambios. Por eso, cuando hablamos de inflamación intestinal, es importante mirar más allá del síntoma. La hinchazón, el malestar digestivo o la sensación de que “algo no me cae bien” son señales que merecen ser escuchadas, pero no interpretadas de manera aislada y reduccionista.

Una alimentación saludable no es una lista fija de alimentos perfectos para todos. Es aquella que logra adaptarse a las necesidades de cada persona, respetando su historia, su momento de vida y sus características individuales. En mi experiencia clínica, muchas personas llegan a la consulta después de haber realizado múltiples restricciones o cambios alimentarios sin obtener la respuesta esperada. En muchos casos, el problema no está en la falta de voluntad, sino en haber intentado resolver un problema con soluciones generales. La nutrición digestiva actual nos invita a una mirada diferente: observar, comprender y acompañar los procesos del organismo. No se trata de perseguir una alimentación perfecta, sino de construir hábitos que puedan sostenerse en el tiempo y que contribuyan al bienestar integral. El intestino es un órgano que participa activamente en nuestra salud. Cuidarlo implica aprender a escuchar sus señales, comprender qué necesita y tomar decisiones basadas en información confiable y saber a quién recurrir.

MEDICINA ESTÉTICA & WELLNESS

Tecnología de vanguardia, armonización facial y corporal, toxina botulínica y mucho más. Un enfoque médico, natural y personalizado para realzar tu belleza. Dra. María Rolandi Ortíz Directora Médica

AGENDÁ TU CONSULTA MÉDICA

ACASSUSO

NORDELTA

www.romedicalart.com

PALERMO

PILAR

romedicalok

RECOLETA

h ot e l e r í a

FASANO BOA VISTA & SURF LODGE

EL TIEMPO A OTRO RITMO Por Luciano Stella

Boa Vista tiene una cualidad poco frecuente: no necesita presentarse. La experiencia comienza mucho antes del check-in. Primero aparece el paisaje. Después, el perfume de la vegetación. Más adelante, casi sin darse cuenta, la arquitectura. Cada descubrimiento llega cuando tiene que llegar.

uizás por eso, cuando intento reconstruir mi llegada, el primer recuerdo no está asociado al hotel. Lo que permanece es otra imagen. Los árboles de selva subtropical formando un túnel verde sobre el camino, las lagunas acompañando el recorrido y esa sensación, difícil de explicar, de que todo llevaba mucho tiempo ahí. Nada parece recién hecho. Todo transmite una naturalidad poco habitual, como si el proyecto hubiera crecido respetando el paisaje en lugar de transformarlo. La arquitectura aparece unos minutos más tarde. Lo primero que me llamó la atención fue que el edificio nunca intentara convertirse en protagonista. En Boa Vista acompaña al paisaje. Y eso, en un desarrollo de esta escala, hace una diferencia enorme. La piedra, la madera y los grandes planos vidriados construyen una presencia serena, mientras un gran espejo de agua prolonga la

mirada hacia un mar de morros que parece no terminar nunca. La luz hace el resto. Después de varias horas de viaje, la primera reacción fue la de siempre: querer salir a recorrer el hotel. Curiosamente, esa ansiedad desapareció bastante rápido. Sin darme cuenta, terminé haciendo algo que hace tiempo no hacía. Sentarme. Mirar alrededor. Dejar que el lugar apareciera a su propio ritmo. La habitación llegó unos minutos más tarde. Era una suite distribuida en dos niveles. En la planta baja, una terraza abierta sobre un jardín que parecía no terminar nunca. Arriba, el dormitorio orientado hacia el oeste, un baño inmenso y una cama king que obligaba a sonreír apenas uno entraba. Todo tiene dimensiones generosas, aunque el verdadero protagonista sigue estando del otro lado del vidrio. En Boa Vista la arquitectura parece haber sido pensada para mirar hacia afuera.

Con el tiempo entendí que Boa Vista es demasiado grande para conocerlo caminando y demasiado lindo para recorrerlo en un carrito. La bicicleta terminó siendo la mejor decisión del viaje. Al principio la usé simplemente para moverme de un lugar a otro. Duró muy poco. A los pocos minutos dejé de pedalear con un destino y empecé a seguir caminos. Ahí fue cuando realmente conocí el lugar. Los tucanes aparecían cuando querían. Los monos tití cruzaban entre los árboles sin prestarme demasiada atención y las lagunas iban cambiando de color a medida que avanzaba la tarde. La cancha de golf aparecía y desaparecía entre las ondulaciones naturales del terreno como si siempre hubiera pertenecido a ese paisaje. Terminé recorriendo más de quince kilómetros y nunca tuve la sensación de estar haciendo ejercicio. Lo interesante era que siempre surgía algo nuevo. Un puente, una laguna, un grupo de aves o una perspectiva distinta de la cancha de golf. Muy pronto dejé de usar la bicicleta para trasladarme y empecé a usarla para descubrir. Uno de esos recorridos me llevó hasta el complejo deportivo. El gimnasio, las piscinas cubiertas y las canchas de beach volley

100

ocupan uno de los extremos del desarrollo, aunque nuevamente lo mejor fue el camino. La bicisenda conecta todo el predio con absoluta tranquilidad. Las bajadas invitan a dejarse llevar. Las subidas se encargan, unos minutos después, de recordar que siempre hay un regreso. Al día siguiente decidí dedicarle la mañana al spa. No suelo hacerlo cuando viajo; siempre termino pensando que hay demasiado por conocer. Esta vez hice una excepción. Primero la piscina infinita mirando hacia los morros y después un masaje con ventosas que todavía hoy recuerdo como uno de los mejores que recibí. Salí varias horas después con esa agradable sensación de haber perdido la noción del tiempo. Y eso empezaba a repetirse con bastante frecuencia. La gastronomía siguió el mismo camino. Cocina precisa, muy buen producto y un servicio que nunca necesita llamar la atención. Hay, sin embargo, un detalle que todavía hoy recuerdo con una sonrisa: el postre. Una combinación de dulce de leche y coco que me gustó tanto que al día siguiente lo volví a pedir. No suelo repetir platos cuando viajo. Esa vez hice una excepción.

La clase de golf con Ricardo terminó siendo otra de las sorpresas. Entre español, portugués y bastante portuñol conseguimos entendernos perfectamente. Mejoré algunas cosas del swing, pero sobre todo disfruté de una cancha que parece haber nacido junto con el paisaje y no haber sido dibujada sobre él. Esa misma tarde fui hasta el centro ecuestre. Pensé que iba a ser una visita breve. Un par de horas después seguía ahí. Las tres pistas estaban en plena actividad, los propietarios comenzaban a llegar con sus caballos para entrenar durante el fin de semana y el movimiento transformaba completamente el lugar. Siempre disfruté del mundo ecuestre y me llamó mucho la atención el nivel de las instalaciones. Los boxes son amplios y ventilados, y están pensados para quienes realmente viven ese deporte. Antes de volver pasé por la granja. Fue ahí donde encontré uno de esos detalles que probablemente nunca aparezcan en una

presentación institucional. Dentro del predio existe un espacio donde reciben a los perros que aparecen en Boa Vista hasta que alguna familia decide adoptarlos. Mientras los cuidan, les dan de comer y los mantienen juntos. Me quedé un rato mirándolos jugar entre ellos. Son esos pequeños gestos los que muchas veces terminan definiendo un lugar mucho mejor que cualquier campaña de comunicación. Esa noche salí a caminar después de cenar. No tenía ningún plan. Simplemente quería seguir disfrutando del silencio. La luna llena iluminaba el campo con una claridad que hacía tiempo no veía y el cielo estaba completamente cubierto de estrellas. Por un momento pensé en sacar el teléfono. Después decidí dejarlo en el bolsillo. No todo necesita convertirse en una foto. Al volver a la habitación, pensé que ya había entendido Boa Vista. Pero todavía me faltaba descubrir la otra mitad de la historia.

101

SURF LODGE A la mañana siguiente, Jessica, responsable de Marketing y Comunicación de Fasano Boa Vista, se ofreció a llevarme personalmente hasta Surf Lodge en un carrito de golf. El recorrido atraviesa buena parte del desarrollo y ayuda a entender la dimensión del proyecto. La vegetación sigue siendo protagonista, aparecen nuevos condominios, otra cancha de golf y, poco a poco, el paisaje empieza a cambiar. Lo curioso es que el cambio no empieza cuando uno ve la ola. Empieza bastante antes. Todavía no había visto la arena. Todavía no había visto la piscina. Y ya tenía la sensación de haber llegado a California.

102

Bastó cruzar la puerta del lobby para entender por qué. Los materiales, las tablas de surf, los libros, las fotografías, la música y hasta el uniforme del equipo cambian completamente el clima del lugar. Todo tiene sentido. Nada parece puesto porque sí. Hay una identidad muy marcada, pero sin caer en la caricatura del típico hotel temático. Mientras preparaban la habitación salí a tomar una cerveza. Ahí apareció la ola por primera vez. Desde la terraza parecía bastante más chica de lo que realmente era. Cinco minutos después, ya había cambiado de opinión. Solo con mirar a los surfistas durante un rato entendí que esa ola tenía bastante más carácter del que aparentaba a la distancia.

103

Recién después empecé a mirar el resto. Las palmeras, la arena, los camastros, las torres de los guardavidas, la música y la gente disfrutando del lugar terminaban de construir una escena muy difícil de asociar con el interior del estado de San Pablo. Durante un buen rato dejé de pensar dónde estaba. Simplemente funcionaba. Cuando entré a la habitación hice lo mismo que hago siempre: abrir la terraza. La suite ocupaba el último piso del edificio y la vista volvía a ser protagonista. Hacia un lado empezaba a tomar forma el nuevo paseo comercial. Del otro, la piscina de olas, los surfistas esperando su turno y un mar de morros cerrando el horizonte. Me terminé quedando bastante más tiempo del previsto. A veces uno cree que necesita hacer algo. Otras veces alcanza con quedarse mirando cómo cambia la luz. Esa noche volví a salir. El atardecer ya había dejado lugar a una luna llena que ocupaba exactamente el mismo espacio donde unas horas antes se había escondido el sol. No sé cuál de las dos imágenes me gustó más.

104

Al día siguiente comprendí que la ola es solamente el punto de encuentro. Algunos llegaban con la tabla bajo el brazo. Otros se instalaban directamente a mirar. Había chicos tomando sus primeras clases, surfistas esperando su turno, familias enteras pasando la tarde alrededor de la playa artificial y mucha gente que simplemente iba a disfrutar del lugar sin siquiera entrar al agua. Después de un rato dejé de pensar en la tecnología que había detrás de esa ola. Lo interesante era todo lo que pasaba alrededor. Creo que esa fue la mayor sorpresa de Surf Lodge. Uno llega pensando que va a conocer una piscina de olas y termina descubriendo un lugar que funciona con la naturalidad de un club de playa. Sin mar, pero con el mismo espíritu. Boa Vista y Surf Lodge nunca compiten entre sí. Uno invita a bajar el ritmo. El otro devuelve las ganas de moverse. Uno mira hacia adentro. El otro hacia el horizonte. Quizás por eso funcionan tan bien juntos. Porque, al final, nunca se trata de elegir cuál es mejor, sino de descubrir en qué momento del viaje necesitás cada uno.

106

EL FUTURO DE LA EXPLORA — —CIÓN S U S T E N TA B I L I DA D

Con más de siete décadas de colaboración como punto de partida, Rolex acompaña la apertura del renovado National Geographic Base Camp en Washington D.C., un espacio concebido para acercar la exploración, la ciencia y la conservación al público, reforzando el compromiso de la Perpetual Planet Initiative con el futuro del planeta.

a relación entre Rolex y la National Geographic Society comenzó hace más de 70 años alrededor de una de las mayores gestas de la exploración moderna –la conquista del Everest por Sir Edmund Hillary y Tenzing Norgay en 1953–, y hoy inaugura un nuevo capítulo con la apertura del renovado National Geographic Base Camp, en Washington D.C., Estados Unidos. Como Founding Donor y socio principal de la inauguración del nuevo Museum of Exploration, Rolex acompaña la transformación de la histórica sede de National Geographic en un campus completamente reinventado. El objetivo es convertir la exploración en una experiencia abierta, inmersiva y participativa, capaz de despertar la curiosidad de nuevas generaciones y acercarlas a algunos de los mayores desafíos ambientales y científicos del planeta.

107

Base Camp fue concebido como el hogar de los exploradores de National Geographic. Un lugar donde investigadores, científicos, fotógrafos y conservacionistas regresan después de sus expediciones para compartir descubrimientos, intercambiar conocimientos y conectar con el público. El nuevo campus amplía esa misión incorporando tecnología de última generación, exhibiciones interactivas y relatos que transforman décadas de investigación en experiencias accesibles para todos. Uno de los espacios más destacados será el Rolex Explorers Landing, una instalación permanente que recorre el camino de la exploración desde la chispa inicial de una idea hasta el impacto que genera en el mundo. Dividida en cuatro etapas –Spark, Trek, Purpose e Impact–, la exhibición reúne objetos históricos de expediciones emblemáticas, entre ellos el traje

108

presurizado utilizado por la oceanógrafa y Testimonee de Rolex Sylvia Earle durante su caminata submarina de 1979. También incorpora un sistema que actualiza casi en tiempo real los avances de las expediciones científicas impulsadas por la Rolex Perpetual Planet Initiative junto a National Geographic.

El objetivo es convertir la exploración en una experiencia abierta, inmersiva y participativa, capaz de despertar la curiosidad de nuevas generaciones y acercarlas a algunos de los mayores desafíos ambientales y científicos del planeta.

109

La apertura del nuevo museo también pone en valor una filosofía que Rolex viene consolidando desde hace décadas: pasar de apoyar la exploración por el descubrimiento mismo a respaldar proyectos que contribuyan activamente a proteger el planeta. Desde su lanzamiento en 2019, la Perpetual Planet Initiative reúne a más de treinta organizaciones y científicos dedicados a la conservación de océanos, paisajes, biodiversidad, salud y tecnología, impulsando investigaciones de largo plazo sobre algunos de los ecosistemas más vulnerables de la Tierra. En ese contexto, las Perpetual Planet Expeditions representan uno de los programas científicos más ambiciosos de la iniciativa. Desde el Everest hasta la cuenca

110

amazónica y las profundidades oceánicas, estas expediciones documentan los efectos del cambio climático y desarrollan soluciones junto a las comunidades locales para preservar sistemas naturales fundamentales para el equilibrio del planeta. La reapertura del National Geographic Base Camp trasciende la inauguración de un museo. Representa una declaración sobre el valor de la ciencia, la colaboración y el conocimiento en un momento en que comprender el mundo resulta más urgente que nunca. Y confirma que, para Rolex, el verdadero legado de la exploración no se mide únicamente por los lugares alcanzados, sino por la capacidad de inspirar a otros a proteger aquello que todavía queda por descubrir.

FLY PRIVATE

WWW.FLYZAR.COM

S U S T E N TA B I L I DA D

ARTE PARA USAR Cada retazo guarda una memoria. Cada bordado conserva una historia. A partir de textiles rescatados de distintos rincones del mundo, Cecilia Caballero e Isabel Uboldi crean piezas irrepetibles donde el arte, la intuición y la sensibilidad se entrelazan para dar nueva vida a materiales cargados de significado.

ntre viajes, galerías, mercados remotos y encuentros fortuitos, Cecilia Caballero e Isabel Uboldi fueron guardando fragmentos de telas, bordados, sedas y pequeños tesoros textiles que para muchos podrían parecer simples retazos, pero que para ellas contenían historias enteras. Lo que comenzó como una amistad atravesada por el arte terminó convirtiéndose en un lenguaje creativo compartido. Después de años rodeadas de artistas, exposiciones y colecciones, descubrieron que esos materiales acumulados durante décadas todavía

112

tenían algo por decir. Así nació Sûr.Chale, un proyecto donde los textiles olvidados encuentran una nueva vida y donde cada pieza se transforma en una suerte de collage que combina memoria, oficio y sensibilidad. Lejos de las lógicas de la moda tradicional, sus creaciones habitan un territorio propio entre el arte y el objeto cotidiano. Cada chal reúne fragmentos provenientes de distintos lugares del mundo, pero también de distintas épocas. Son piezas que hablan de viajes, de amistad, de intuición y de esa mirada entrenada que permite encontrar belleza allí donde otros solo ven un pedazo de tela.

¿Cómo nace Sûr.Chale y qué las impulsó a comenzar este proyecto? Sûr.Chale nació de una amistad de muchos años y de una pasión compartida por el arte. Con Isabel Uboldi descubrimos que, además de compartir intereses similares, ambas habíamos acumulado durante décadas textiles, bordados, botones y fragmentos de telas provenientes de distintos lugares del mundo. Eran piezas que guardamos porque nos emocionaban visualmente, porque veíamos en ellas una historia o una posibilidad futura. En un momento sentimos la necesidad de darles una nueva vida y transformarlas en algo propio. Así surgió este proyecto, que definimos como “arte para usar”. Suelen decir que cada chal tiene una historia. ¿Cómo se construye esa narrativa? Cada pieza está compuesta por fragmentos que provienen de diferentes lugares y

momentos. Hay textiles encontrados en mercados de París, sedas orientales, bordados antiguos, restos de trabajos artesanales o materiales que nos fueron acercando amigos y coleccionistas. Cuando los reunimos, no pensamos solamente en colores o texturas; pensamos en las historias que contienen. Cada fragmento trae consigo una cultura, una tradición y una memoria. Por eso decimos que los chales son una especie de diálogo entre historias distintas. ¿Hay alguna pieza cuya historia recuerden especialmente? Muchas. Recuerdo un fragmento de terciopelo sobre seda que encontramos en un mercado parisino que estaba cerrando. No sabíamos exactamente de dónde provenía, pero tenía una geometría fascinante que inmediatamente nos remitió a ciertas obras de arte. También trabajamos

mucho con Shantung de seda, una seda muy especial que se produce cuando dos gusanos comparten un mismo capullo. Durante mucho tiempo fue considerada una imperfección, pero para nosotras esa irregularidad es precisamente lo que la vuelve única y hermosa. ¿Cómo es el proceso creativo detrás de cada chal? Partimos de una base de seda o de otros textiles nobles y comenzamos a construir una composición. Extendemos todos los materiales sobre una mesa y trabajamos intuitivamente. Muchas veces armamos una pieza en pocos minutos, porque la idea aparece de manera inmediata. Luego intervienen bordadoras y costureras que interpretan nuestras propuestas y enriquecen el resultado. Es un proceso muy colaborativo donde cada persona aporta sensibilidad y experiencia.

113

¿Qué rol tienen las bordadoras en el resultado final? Fundamental. Nosotras diseñamos la composición inicial, pero las bordadoras aportan soluciones, detalles y sugerencias que muchas veces mejoran la pieza. Con el tiempo se fue formando una comunidad creativa donde todas participamos. Hay una sensibilidad compartida que hace que el trabajo fluya de manera muy natural. Muchas de las telas utilizadas estuvieron guardadas durante años. ¿Qué significa para ustedes rescatarlas? Es una forma de devolverles la vida. Son textiles que podrían haber quedado olvidados en un cajón o haber terminado cumpliendo una función completamente distinta. Nosotras los resignificamos. Lo que estaba quieto vuelve a tener protagonismo. Nos gusta pensar que cada fragmento encuentra una nueva oportunidad para contar su historia.

114

“Cada fragmento trae consigo una cultura, una tradición y una memoria. Por eso decimos que los chales son una especie de diálogo entre historias distintas”.

¿De qué manera influye el arte en las composiciones? Constantemente. Tanto Isabel como yo vivimos rodeadas de arte desde hace décadas. Hemos estudiado historia del arte, hemos viajado mucho y visitado innumerables museos. Cuando vemos una textura, un color o un estampado, inmediatamente nos remite a artistas, movimientos o épocas. Hay piezas que nos recuerdan a Vermeer, a Picasso, a Murakami o a ciertas geometrías contemporáneas, referencias de este tipo aparecen naturalmente en nuestro trabajo. ¿Diría que sus chales están a medio camino entre el arte y la moda? Absolutamente, no pensamos en moda convencional, sino en una pieza que tiene una carga poética y artística. Hablamos de la “poética del vestir”. Quien elige uno de nuestros chales está incorporando una obra a su vida cotidiana y estableciendo una relación emocional con ella.

¿Qué tipo de personas suelen sentirse atraídas por Sûr.Chale? Personas con sensibilidad, curiosidad y libertad para expresarse. No importa la edad ni el estilo. Son personas que disfrutan de lo singular, que no buscan necesariamente seguir una tendencia, sino rodearse de objetos con significado. Además de los chales, comenzaron a trabajar con obras textiles para pared. ¿Cómo surgió esa idea? Apareció de manera muy natural. Algunas composiciones nos parecían tan interesantes que sentimos que podían existir también como obra mural. Empezamos a enmarcarlas y descubrimos que funcionaban perfectamente. Realizamos una muestra donde presentamos estas piezas junto con los chales y la recepción fue excelente. Muchas se vendieron y eso nos confirmó que el lenguaje textil puede habitar distintos formatos.

Después de tantos años vinculadas al arte, ¿qué aprendieron sobre la creatividad? Que necesita libertad. La creatividad aparece cuando uno se permite jugar, equivocarse y dejar espacio al azar. Muchas veces los mejores resultados surgen de una combinación inesperada o de algo que parecía un error. El arte tiene mucho de intuición y de confianza en aquello que todavía no sabemos exactamente hacia dónde nos lleva. Para terminar, ¿qué les gustaría que sintiera alguien al sostener uno de sus chales? Que sintiera que tiene entre sus manos algo vivo. No solamente una pieza textil, sino una suma de historias, memorias, viajes, culturas y sensibilidades. Que perciba que cada fragmento fue elegido con intención y que detrás de cada chal existe una profunda celebración del arte, de la belleza y de la imaginación.

115

h ot e l e r í a

THE BROWN GUATAPÉ

En lo alto de Guatapé, The Brown se integra al paisaje colombiano con una arquitectura serena, vistas al embalse y una propuesta pensada para quienes buscan diseño, calma y conexión con la naturaleza. Por Luis Martín Alzamora

116

legar a The Brown implica un pequeño ascenso, casi como un ritual de bienvenida. A medida que el camino gana altura, el paisaje comienza a desplegarse hasta revelar una de las postales más sorprendentes de Colombia: el embalse de Guatapé, un inmenso espejo de agua salpicado por islas cubiertas de vegetación. En ese escenario, el hotel aparece integrado a la ladera con una naturalidad que sorprende.

La arquitectura acompaña el entorno en lugar de competir con él. Cuatro torres de ladrillo oscuro, techos de fibras naturales y jardines verticales crean un conjunto contemporáneo que parece haber estado allí desde siempre. No hay gestos grandilocuentes ni necesidad de imponerse. The Brown se descubre poco a poco, dejando que sean el paisaje, el silencio y el diseño los que hablen por sí solos.

GUATAPÉ, EL DESTINO QUE EL MUNDO MERECE DESCUBRIR Guatapé tiene años ahí. A menos de dos horas de Medellín, este municipio antioqueño de pintorescas calles empedradas y fachadas pintadas con zócalos ha sido durante décadas el escaparate de fin de semana de los paisas. Pero algo viene cambiando en los últimos años. El mundo lo encontró. El embalse de Guatapé tiene más de 2200 hectáreas. Fue construido en los años 70 para generar electricidad, e inundaron tierras y pueblos enteros en el proceso. Hoy, ese paisaje artificial que costó tanto tiene algo de paradoja hermosa: es uno de los lugares más fotografiados de Colombia. Desde la cima de la Piedra del Peñol (un monolito de 220 metros al que se accede por 702 escalones tallados en una grieta de la roca) la vista del embalse parece diseñada por alguien con demasiado talento y tiempo libre. Islas que emergen caprichosas, lanchas que dejan largas estelas blancas, el cielo reflejado sobre el

agua. Es el tipo de paisaje que hace que la gente saque el teléfono corriendo, incluso antes de respirar.

UN DISEÑO QUE NO GRITA La primera cosa que llama la atención de The Brown es lo que no hace. No usa mármoles importados ni grandes edificios. No tiene esa teatralidad de hotel de lujo que parece diseñada para el check-in de Instagram. Lo que tiene, en cambio, es coherencia. Una paleta cromática que nace del entorno (tierra, beige, terracota, verde húmedo, gris piedra) y una arquitectura que dialoga con la montaña. El lobby es quizás el gesto más elocuente del edificio. Se presenta como un cilindro abierto, con un jardín vertical vivo que desciende desde lo alto envolviendo el espacio. Troncos petrificados como mesas, lámparas de fibra trenzada, un techo de paja que filtra la luz con generosidad. La primera impresión es de selva contenida, de naturaleza que acepta convivir con la arquitectura sin rendirse del todo.

El concepto filosófico del hotel orbita en torno a los cuatro elementos (agua, tierra, aire y fuego) y cada una de sus cuatro torres está dedicada a uno de ellos. No es solo un recurso de marketing: la idea permea los espacios con cierta coherencia. El agua define el horizonte desde cada balcón; la tierra aparece en los materiales, en los muros, en la madera sin tratar; el aire corre libre por las terrazas abiertas; el fuego regresa en las chimeneas de las suites presidenciales y en los cuencos encendidos sobre el espejo de agua del rooftop al atardecer. Las 116 habitaciones comparten una característica: todas miran al embalse. No hay habitación con vista al estacionamiento ni una de segundo nivel que mire a una pared. Los ventanales piso-techo y los balcones amplios convierten cada amanecer y cada atardecer en parte del mobiliario. Las Acqua Rooms suman un jacuzzi exterior al balcón privado: el embalse como telón de fondo de un baño de espuma al atardecer. Las Presidential Suites agregan sauna privado, sala con chimenea, bar y un living room que a las seis de la tarde, con la luz dorada rebotando sobre el agua, tiene algo de sueño compartido.

117

PISMO, PRAIA Y EL FUEGO La propuesta gastronómica del hotel es uno de sus puntos más trabajados. Pismo, el restaurante principal, opera con una cocina que celebra lo local con mirada contemporánea: ingredientes frescos de la región, técnica, una carta que cambia con las temporadas. El espacio es una terraza semiabierta con techos de paja y vistas al embalse que convierte cada comida en algo más. Praia es el beach club del hotel (el único de Guatapé, vale aclarar) y opera frente al agua con arena blanca, reposeras y una amplia plataforma flotante de madera donde se puede tomar sol sobre el embalse. La carta ofrece, entre otras opciones, una propuesta de pizzas de masa madre al horno de leña que tiene algo especial para los sunsets y las noches. La coctelería acompaña cada hora del día con la misma facilidad. Un domingo de

118

brunch en Praia, con la música correcta y el agua verde a pocos metros, es de esas experiencias que merecen el viaje. La Vinoteca funciona como espacio para experiencias más íntimas: coffee tasting con diferentes cafés de origen colombiano, coctelería de ron, degustación de frutas exóticas del país. Son actividades que proponen descubrir Colombia a través del paladar.

EL EMBALSE COMO PATIO DE JUEGOS The Brown parte de la convicción de que el lujo contemporáneo no se mide en la cantidad de hilo de las sábanas ni en el número de canales de TV, sino en el acceso a experiencias únicas y exclusivas que no se pueden tener en ningún otro lugar. Y el embalse es su recurso más poderoso.

Desde el muelle privado, con capacidad para más de veinte embarcaciones, el hotel ofrece salidas en kayak, paddleboard, lancha rápida, pontón y jet ski. Los tours en helicóptero para ver el embalse y la Piedra del Peñol desde el aire están entre las experiencias más pedidas. En tierra, el Centro de Experiencias organiza caminatas guiadas por los senderos del entorno, visitas a la Piedra del Peñol con guía local, recorridos por el pueblo de Guatapé y excursiones a las cascadas de San Rafael. Para los que prefieren no salir de la propiedad, hay muchas opciones: el gimnasio con vistas 360 al embalse abierto las 24 horas, las clases de yoga en el Jardín Botánico, las sesiones de soundbathing en la sala de prensa con velas encendidas y cuencos tibetanos representan el extremo opuesto del jet ski. En The Brown caben los dos: el que quiere adrenalina sobre el agua y el que necesita una hora de silencio horizontal antes de volver al mundo.

EVENTOS CON VISTA AL AGUA No es un secreto que los destinos lacustres tienen un poder especial para los eventos. El agua genera calma, y la calma, según los organizadores que lo saben, hace que la gente esté más presente, más abierta, más dispuesta. The Brown lo entendió y construyó una infraestructura para eventos que pocas propiedades del interior colombiano pueden igualar. El Centro de Eventos y Convenciones tiene 700 metros cuadrados y capacidad para más de 300 personas. El Jardín Botánico suma 1000 metros más entre área cubierta y

descubierta, y tiene espacio para hasta 500 personas, con esa mezcla de vegetación exuberante y arquitectura ligera que hace que las ceremonias al aire libre no dependan del azar climático. El beach club de Praia puede recibir hasta 200 personas frente al agua. La Sala de Reuniones y Prensa –íntima, bien equipada, con un techo oval de luz indirecta que recuerda a una luna llena– funciona para grupos de hasta 50. Muchas de las bodas más comentadas de Antioquia en los últimos dos años pasaron por aquí. Y también encuentros corporativos de empresas que apuestan por el retiro creativo sobre el hotel de ciudad convencional.

The Brown parte de la convicción de que el lujo contemporáneo no se mide en la cantidad de hilo de las sábanas ni en el número de canales de TV , sino en el acceso a experiencias únicas y exclusivas que no se pueden tener en ningún otro lugar.

COLOMBIA, COLOMBIA, COLOMBIA Hay algo que The Brown hace bien y que no siempre se declara en los materiales de comunicación: les da a sus huéspedes una entrada genuina a Colombia. No la Colombia del cliché turístico, sino la Colombia tranquila del café de origen disfrutado frente al agua, de la increíble cantidad de frutas que no se consiguen en ningún otro lugar del planeta, de todos los rones que tienen historia y terroir, de la arquitectura vernácula que sobrevivió en los pueblos de Antioquia cuando el resto del mundo arrasó con la suya. Guatapé es uno de los destinos que más ha crecido en el mapa del turismo de lujo latinoamericano en los últimos tres años. La infraestructura hotelera de calidad llegó tarde, pero llegó. The Brown, como parte de Marriott Autograph Collection, trae consigo la red y los estándares de una cadena global sin perder la identidad local que es, en definitiva, la razón por la que alguien elige este hotel sobre cualquier otro. El embalse cambia de color según la hora. Verde esmeralda al mediodía, azul acerado al amanecer, dorado en el momento en que el sol baja detrás de las montañas. The Brown está ahí, quieto sobre la ladera, mirando el agua como lleva mirándola desde el primer día. No necesita moverse. El espectáculo viene solo.

119

GOBERNAR LA COMUNICA— CION e n t r e v i s ta

Moscú impulsa una nueva forma de construir marcas.

Sus fundadores, Lucio Canievsky y Hernán Abolsky, explican por qué la comunicación dejó de ser un área de soporte para convertirse en uno de los principales motores del crecimiento empresarial.

120

— 121

as empresas ya no compiten únicamente por vender un mejor producto o servicio. También compiten por la confianza que generan, la cultura que construyen y el lugar que ocupan en la conversación pública. En ese escenario, la comunicación pasó a ser un activo estratégico capaz de influir en el crecimiento, la reputación y el valor de una organización.

Con esa convicción nació Moscú, una firma que propone un modelo diferente al de las agencias tradicionales. A través de una metodología propia que integra estrategia, branding, growth marketing, creatividad, tecnología y data, acompaña a empresas que buscan construir ventajas competitivas sostenibles en un mercado donde la coherencia y la relevancia son tan importantes como la innovación. En esta entrevista, sus cofundadores, Lucio Canievsky y Hernán Abolsky, reflexionan sobre el futuro de la comunicación y explican por qué las compañías que mejor crecerán serán aquellas capaces de integrar negocio, cultura y reputación en una misma visión.

122

“NO TRABAJAMOS SOBRE CAMPAÑAS, TRABAJAMOS SOBRE SISTEMAS. DESARROLLAMOS EL MOSCÚ FRAMEWORK, UNA METODOLOGÍA PROPIA QUE INTEGRA ESTRATEGIA, CREATIVIDAD, COMUNICACIÓN, TECNOLOGÍA Y DATA DENTRO DE UN MISMO PROCESO DE TRABAJO”.

¿Cómo definen hoy el trabajo de Moscú? En Moscú creemos que el crecimiento sostenible ocurre en el punto de intersección entre growth marketing, branding y comunicación. Es ahí donde las compañías logran construir valor de manera consistente. Por eso dejamos de definirnos como una agencia y construimos una First Platform Communication Company: un modelo donde estrategia, creatividad, reputación, tecnología y data funcionan de manera integrada para transformar la comunicación en una herramienta de crecimiento. ¿Qué cambió en la comunicación de las compañías? La comunicación dejó de ser una consecuencia para convertirse en una herramienta de crecimiento. Hoy se comunica una campaña, pero también se busca la experiencia del cliente, una búsqueda laboral, un líder, una innovación, una decisión estratégica o la cultura de una organización. Por eso creemos que la comunicación ya no puede vivir aislada dentro de un área. Tiene que transformarse en un sistema transversal capaz de conectar negocio, cultura, reputación y tecnología. Las compañías que entiendan esa integración no solo van a comunicar mejor, también tomarán mejores decisiones y construirán ventajas competitivas mucho más difíciles de copiar. ¿Cuál es el diferencial del Moscú Framework? No trabajamos sobre campañas, trabajamos sobre sistemas. Desarrollamos el Moscú Framework, una metodología propia que integra estrategia, creatividad, comunicación, tecnología y data dentro de un mismo proceso de trabajo. Eso nos permite acompañar a nuestros clientes desde una mirada mucho más estratégica que operativa, midiendo, aprendiendo y evolucionando cada decisión en tiempo real. Creemos que la creatividad sigue siendo el principal diferencial competitivo de una compañía. Pero hoy necesita convivir con estrategia, tecnología y data para transformarse en resultados concretos. No creemos en la creatividad aislada ni en los datos sin sensibilidad. Creemos en la integración de ambas cosas.

“LO IMPORTANTE ES CONSTRUIR ORGANIZACIONES CON UNA IDENTIDAD CLARA, QUE GENEREN CONFIANZA, OCUPEN UN LUGAR RELEVANTE EN LA VIDA DE LAS PERSONAS”. ¿Qué buscan construir junto a sus clientes? Nos gusta decir que ayudamos a transformar CORPS en COOLCORPS. No hablamos de empresas “cool” porque hacen campañas llamativas. Hablamos de compañías culturalmente relevantes, capaces de construir reputación, comunidad y crecimiento de manera consistente. La visibilidad es una consecuencia. Lo verdaderamente importante es construir organizaciones con una identidad clara, que generen confianza, ocupen un lugar relevante en la vida de las personas y puedan sostenerlo en el tiempo. Para nosotros, la comunicación no termina cuando una campaña sale al aire. Empieza cuando una organización logra alinear lo que piensa, lo que hace y la manera en la que las personas la perciben. Creemos que la próxima ventaja competitiva no va a estar en comunicar más, sino en integrar mejor negocio, cultura, tecnología y comunicación para construir compañías que, además de crecer, dejen una huella. Al final del día, creemos que el verdadero activo de una organización es su reputación. Todo lo demás cambia; la confianza que logra construir es lo que permanece.

123

EXPERIENCIA

Wallonia

el reino de las brujas 124

125

Viajamos hasta Vielsalm, una pequeña localidad del sur de Bélgica, para descubrir una de las celebraciones más singulares de Wallonia. Cada 20 de julio, la Fête des Macralles transforma el centro histórico en un escenario donde el folklore cobra vida: desfiles de brujas, espectáculos de fuego, música, rituales y personajes fantásticos recuerdan una antigua leyenda local que, lejos de perderse en el tiempo, sigue siendo parte de la identidad de esta comunidad. Por Sofía Prado

126

̂ La FEte des Macralles La Fête des Macralles es la celebración más emblemática de Vielsalm y un homenaje a las macralles, las brujas del folklore de las Ardenas. Su origen se remonta a las antiguas leyendas populares que hablaban de mujeres con poderes sobrenaturales que recorrían los bosques de la región y se reunían durante la noche para celebrar aquelarres. Aunque aquellas historias nacieron de las creencias y supersticiones de siglos pasados, con el tiempo las macralles dejaron de ser personajes temidos para convertirse en un símbolo de la identidad cultural de Vielsalm. Hoy, la ciudad reivindica ese legado a través de un festival que mezcla historia, teatro, humor y tradición. Cada 20 de julio, el centro de Vielsalm se transforma en un gran escenario al aire libre donde desfilan brujas, hechiceros, criaturas fantásticas y grupos folklóricos, acompañados por música, espectáculos de fuego y representaciones teatrales. Uno de los momentos más esperados de la noche

es el robo simbólico de la llave de la ciudad. Según la tradición, las macralles consiguen apoderarse de la llave y toman el control de Vielsalm por una noche, desafiando a las autoridades en una divertida representación cargada de humor. A partir de ese momento comienza un juicio satírico en el que las brujas son acusadas de sus “fechorías” antes de celebrar el Gran Sabbat, el acto central del festival. La velada culmina con un impactante espectáculo de fuego, luces y efectos especiales que convierte la plaza principal en un escenario mágico. Lejos de cualquier connotación oscura, la Fête des Macralles es una celebración del patrimonio cultural de Wallonia y una muestra de cómo las antiguas leyendas pueden ser un atractivo turístico capaz de reunir a miles de visitantes cada verano. Es una fiesta donde el folklore sigue vivo gracias a la participación de todo el pueblo y donde la magia, al menos por una noche, parece apoderarse de Vielsalm.

De Vielsalm a Dinant Un recorrido por la esencia de Wallonia Ubicada a orillas del río Mosa y rodeada por imponentes acantilados de piedra caliza, Dinant es una de las postales más emblemáticas de Wallonia. Su silueta, dominada por la imponente Ciudadela y la característica iglesia colegiata de NotreDame con su campanario en forma de bulbo, convierte a esta ciudad en una parada imprescindible para quienes recorren el sur de Bélgica. Sin embargo, más allá de su belleza, Dinant es un destino donde la historia, la naturaleza y la cultura se entrelazan en cada rincón. Los orígenes de Dinant se remontan a la Edad Media; en esa época, era un importante centro comercial y artesanal por su ubicación estratégica sobre el río Mosa. Durante siglos fue reconocida por el trabajo del cobre, conocido como dinanderie, una técnica que dio fama a la ciudad en toda Europa. Por esa misma posición privilegiada fue escenario de numerosos conflictos, especialmente durante las guerras entre los principados medievales y, más tarde, durante la Primera Guerra Mundial. En agosto de 1914, Dinant sufrió uno de los episodios más trágicos de la invasión alemana de Bélgica, cuando gran parte de la ciudad fue destruida y cientos de civiles perdieron la vida. Tras la guerra

fue reconstruida respetando su identidad histórica y hoy combina ese legado con un atractivo turístico que crece año tras año. La mejor manera de comprender la importancia de la ciudad es visitar su Ciudadela, construida sobre un enorme peñón que domina todo el valle del Mosa. En su interior, el recorrido permite descubrir siglos de historia militar a través de exposiciones, recreaciones y objetos originales que narran la evolución de esta fortaleza desde la Edad Media hasta los conflictos del siglo XX. Desde sus murallas se obtiene una de las vistas más espectaculares de Wallonia: el río serpenteando entre las montañas, la iglesia de Notre-Dame, el puente Charles de Gaulle y los tejados de Dinant conforman una postal difícil de olvidar. Muy cerca del centro histórico se encuentra otro de los grandes atractivos de la región: el Castillo de Freÿr, una elegante residencia renacentista considerada uno de los conjuntos patrimoniales más importantes de Wallonia. Habitado por la misma familia desde hace más de veinte generaciones, el castillo sorprende tanto por sus salones históricos como por sus magníficos jardines

franceses del siglo XVIII, con fuentes, estanques, naranjos y laberintos de setos perfectamente diseñados. Situado frente a los imponentes acantilados del valle del Mosa, Freÿr ofrece una combinación perfecta de historia, arquitectura y naturaleza. Es una excursión ideal para completar la visita a Dinant. Después de recorrer la ciudad y sus alrededores, una excelente opción para hacer una pausa es Le Café Ardennais, frente al río Mosa. Además de ofrecer platos típicos de la gastronomía belga y especialidades de las Ardenas, su gran atractivo es la terraza con vistas privilegiadas hacia la Ciudadela y el perfil histórico de Dinant. Sentarse allí, especialmente al atardecer, permite contemplar una de las panorámicas más bellas de la ciudad mientras se disfruta de la gastronomía local. Antes de despedirse de Dinant, vale la pena caminar por el paseo costero, cruzar el puente Charles de Gaulle –decorado con coloridos saxofones que homenajean al inventor del instrumento, Adolphe Sax, nacido aquí en 1814– y perderse entre las calles adoquinadas repletas de cafeterías, chocolaterías y pequeñas boutiques.

127

128

Durbuy La ciudad más pequeña del mundo, un tesoro medieval en el corazón de Wallonia Con apenas 37 habitantes dentro de su casco histórico, Durbuy ostenta con orgullo el título de la ciudad más pequeña del mundo. Aunque hoy el municipio reúne a varios miles de habitantes gracias a las localidades que lo rodean, el antiguo centro medieval conserva ese carácter íntimo que lo convirtió en un lugar único. Ubicada en el corazón de las Ardenas belgas, a orillas del río Ourthe, Durbuy parece detenida en el tiempo: callejuelas empedradas, casas de piedra cubiertas de flores y pequeñas plazas crean un escenario de cuento que atrae a visitantes de todo el mundo.

mantuvo prácticamente intacto su trazado medieval, preservando una atmósfera única que hoy es uno de sus mayores atractivos.

Su historia se remonta a la Edad Media. Debido a su posición estratégica y a la protección de su castillo, se volvió un importante centro comercial. En 1331 recibió oficialmente el título de ciudad por parte de Juan I, conde de Luxemburgo, un reconocimiento que aún conserva y que dio origen a su famosa denominación. A diferencia de otras ciudades europeas que crecieron con el paso de los siglos, Durbuy

Uno de los puntos más emblemáticos es el Castillo de Durbuy, una fortaleza cuyos orígenes se remontan al siglo XI. Aunque actualmente es una residencia privada y no puede visitarse por dentro, su imponente silueta domina el paisaje y constituye una de las imágenes más representativas de la ciudad. A sus pies se extiende un agradable paseo junto al río Ourthe, ideal para disfrutar del entorno natural que rodea a Durbuy.

Recorrer Durbuy es una experiencia que invita a caminar sin rumbo. Sus estrechas calles adoquinadas están repletas de tiendas de artesanos, galerías de arte, chocolaterías, cervecerías y restaurantes que ofrecen lo mejor de la gastronomía de Wallonia. Cada rincón sorprende con fachadas de piedra, balcones floridos y edificios históricos que reflejan el encanto de una ciudad que ha sabido conservar su identidad.

´ de Villers Namur y la AbadIa Un viaje por la historia de Wallonia Capital de Wallonia y ubicada en la confluencia de los ríos Mosa y Sambre, Namur es una ciudad que combina el encanto de su casco histórico con la vitalidad de una capital regional. Sus calles peatonales, plazas repletas de cafés y edificios históricos invitan a descubrirla a pie, mientras que su gran emblema es la imponente Ciudadela de Namur, una de las fortalezas más importantes de Europa. Construida y ampliada a lo largo de varios siglos, domina la ciudad desde lo alto y ofrece espectaculares vistas panorámicas del encuentro entre ambos ríos. Sus murallas, túneles y senderos permiten comprender el papel estratégico que Namur desempeñó durante siglos como una de las plazas militares más codiciadas del continente. Además de su patrimonio, Namur es un excelente punto de partida para explorar otros grandes tesoros de Wallonia. A menos de una hora de la ciudad se encuentra la Abadía de Villers, una de las joyas del

130

patrimonio medieval belga. Fundada en 1146 por monjes cistercienses, llegó a convertirse en la tercera abadía cisterciense más grande de Europa, reflejo del enorme poder e influencia que alcanzó esta orden religiosa durante la Edad Media. En su época de mayor esplendor, el complejo albergó a cientos de monjes y se extendía sobre más de cien hectáreas, por lo que era un importante centro espiritual, económico y agrícola. Hoy, sus impresionantes ruinas permiten recorrer la antigua iglesia abacial, los claustros, las salas capitulares, las cocinas, las bodegas y los jardines que aún conservan la esencia de aquel monasterio medieval. El conjunto, cuidadosamente preservado, transmite una atmósfera única en la que el silencio, la piedra y la naturaleza conviven en perfecta armonía. Rodeada de senderos y espacios verdes, la abadía también es un lugar ideal para disfrutar de una caminata tranquila y descubrir uno de los rincones históricos más fascinantes de Wallonia.

̀ Liege El broche de oro para un road trip por Wallonia Después de recorrer pueblos medievales, castillos, abadías y paisajes de las Ardenas, Liège es el final perfecto del viaje por Wallonia. Cosmopolita, vibrante y siempre en movimiento, la ciudad ofrece un contraste con el resto del recorrido sin perder la esencia de la región. A orillas del río Mosa, Liège invita a caminar por su casco histórico, descubrir la imponente estación Liège-Guillemins, diseñada por Santiago Calatrava, subir los 374 escalones de la Montagne de Bueren para disfrutar de una de las mejores vistas de la ciudad y hacer

una pausa en alguna de sus animadas plazas para probar el famoso gofre de Lieja o las tradicionales boulets à la liégeoise. Es el destino ideal para cerrar un itinerario por Wallonia: una ciudad donde el patrimonio histórico convive con la arquitectura contemporánea, la gastronomía y una intensa vida cultural. Porque después de descubrir leyendas, fortalezas, jardines y pequeños pueblos de cuento, Liège demuestra que el viaje termina de la mejor manera: con una ciudad llena de energía que invita a volver a Wallonia una y otra vez.

131

H OT E L E R Í A

SHERATON

GRAND RIO 50 AÑOS DE HOSPITALIDAD

132

Con una ubicación privilegiada entre Leblon y el océano Atlántico, el Sheraton Grand Rio Hotel & Resort celebra cinco décadas de historia consolidándose como uno de los grandes íconos de la hotelería brasileña. Gastronomía de excelencia, bienestar, experiencias frente al mar y una renovación que mira hacia el futuro marcan este aniversario.

133

esde que abrió sus puertas en 1974 siendo el primer hotel de una cadena internacional en Río de Janeiro, el Sheraton Grand Rio Hotel & Resort no dejó de crecer junto a la ciudad que lo vio nacer. Medio siglo después, sigue siendo un símbolo indiscutido de la hospitalidad carioca, ese punto exacto donde la energía desbordante de Río se encuentra con la calma de un resort pensado para desconectar. Buena parte de su magnetismo tiene que ver con el lugar donde está situado, construido sobre un acantilado entre Leblon y la Praia do Vidigal. Es el único hotel de la ciudad con acceso directo a la playa: un detalle que, desde el primer día, lo convirtió en destino de cabecera tanto para viajeros internacionales como para los propios cariocas. A pasos de Ipanema y de los puntos más buscados de Río, propone algo distinto: vivir la ciudad con el mar como protagonista absoluto, no como paisaje de fondo. Sus 538 habitaciones y suites fueron diseñadas con la lógica de que el horizonte forme parte de la experiencia. Todas miran al Atlántico, y ahí es donde cada amanecer y cada atardecer se vuelven parte del ritual diario de quedarse. Esa cercanía constante

134

con el mar es, probablemente, el verdadero lujo de este lugar. Para celebrar sus 50 años, la propiedad emprendió una serie de renovaciones y experiencias pensadas para honrar su historia sin quedarse en el pasado. Una de las grandes novedades es la reapertura del Club Lounge, completamente renovado y ubicado en el piso 26: un espacio con desayuno privado, gastronomía y bebidas disponibles durante todo el día, con áreas tanto para el descanso como para quienes necesitan combinar trabajo y ocio en pleno viaje. La propuesta gastronómica está a la altura de esa vocación de excelencia, y tiene un nombre propio detrás: L’Etoile, el restaurante francés recientemente recomendado por la Guía Michelin, que lleva la firma de Jean Paul Bondoux, uno de los grandes referentes de la cocina franco-latinoamericana. Nacido en Borgoña, Francia, Bondoux se trasladó a París a los 16 años, donde se formó en hotelería y comenzó su carrera en el tradicional Hotel Napoléon. En 1979 cruzó el océano para instalarse en Punta del Este, Uruguay, y en 1981 abrió La Bourgogne, restaurante que rápidamente se convirtió en referencia gastronómica de América del Sur. Una década más tarde, en 1993, llevó su propuesta al Alvear Palace Hotel de Buenos Aires.

135

Con más de 60 años de trayectoria, su cocina se sostiene en la disciplina, la autenticidad de los sabores y una filosofía que combina simplicidad y sofisticación, siempre puesta al servicio del comensal. Desde 2014, esa impronta llegó a Río de Janeiro: instalado en el rooftop del Sheraton Grand Rio, con vista panorámica al mar, L’Étoile ofrece su menú de autor y ya suma reconocimientos como el TripAdvisor Travellers’ Choice y menciones de Veja Rio, además de la Guía Michelin. A eso se suman Bene, con una cocina italiana clásica y un guiño contemporáneo, la tradicional churrasquería Casarão y Casa da Cachaça, junto a la piscina, completando un recorrido de sabores que no exige salir del hotel. Pero la experiencia va mucho más allá de la mesa. El Sheraton Grand Rio sostiene una propuesta integral, pensada tanto para familias como para parejas y viajeros de negocios: tres piscinas climatizadas, canchas de tenis, gimnasio, Kid’s Club, salón de belleza y amplios jardines que terminan de armar un verdadero resort dentro de la ciudad, algo poco frecuente en plena zona sur carioca.

136

El bienestar también tiene su capítulo especial en este aniversario. El Shine Spa creó un tratamiento exclusivo para conmemorar las cinco décadas del hotel: un masaje de 50 minutos que combina técnicas relajantes, aceites calientes y una aromaterapia desarrollada especialmente para la ocasión. El ritual se completa con una copa de Chandon Brut, un kit para baño de pies y un aceite aromático para seguir disfrutando la experiencia incluso después del check-out. Después de 50 años, el Sheraton Grand Rio Hotel & Resort sigue demostrando que la hospitalidad es mucho más que un lugar donde dormir. Es un espacio donde el paisaje, la arquitectura, la gastronomía y el estilo de vida carioca conviven sin esfuerzo. Un clásico que supo reinventarse sin perder su esencia, y que continúa siendo una de esas direcciones imperdibles para descubrir Río de Janeiro desde su mejor ángulo posible: frente al mar.

t e c n o lo g í a

BIENESTAR

DE ALTO RENDIMIENTO

Leandro Paredes con el Restore

138

La tecnología que utilizan los atletas profesionales para acelerar la recuperación física y optimizar el rendimiento ya no es exclusiva de los centros de entrenamiento. Con una nueva línea de dispositivos de fototerapia, compresión secuencial y luz infrarroja, Boss Recovery acerca al ámbito doméstico herramientas diseñadas para cuidar el cuerpo, mejorar el descanso y potenciar el bienestar.

n un contexto donde el bienestar dejó de entenderse como un lujo para convertirse en una inversión cotidiana, la recuperación física ocupa un lugar cada vez más relevante. Dormir mejor, reducir el estrés muscular, cuidar la piel y favorecer la regeneración del organismo forman parte de una nueva generación de hábitos que trascienden el deporte profesional. En esa dirección, Boss Recovery presenta una colección de dispositivos que lleva al hogar tecnologías hasta hace poco reservadas para atletas de élite y centros especializados.

La nueva línea reúne distintas soluciones desarrolladas para acompañar la recuperación muscular, mejorar la circulación, estimular la regeneración celular y optimizar el cuidado corporal a través de tecnologías como la compresión secuencial, la fototerapia y la luz infrarroja. Entre las novedades se destaca Boss Light, una máscara facial inalámbrica que incorpora cuatro longitudes de onda, luz blanca, roja profunda, infrarroja cercana y azul, para tratar diferentes necesidades de la piel. Sus tres programas específicos, Calmante, Iluminador y Antiedad, permiten personalizar cada sesión de apenas diez minutos, estimulando la producción de colágeno, mejorando la elasticidad y ayudando a reducir líneas de

expresión mientras equilibra la hidratación y la oleosidad del rostro. Gracias a sus 220 leds distribuidos de manera uniforme, ofrece una experiencia de fototerapia precisa y fácil de incorporar a la rutina diaria. La recuperación muscular también encuentra una nueva aliada en las Rise Boots, un sistema de compresión secuencial combinado con tecnología infrarroja y activación térmica. Diseñadas especialmente para aliviar la fatiga en las piernas después del ejercicio o de largas jornadas de actividad, las botas estimulan la circulación, favorecen el drenaje, reducen la inflamación y aceleran los tiempos de recuperación mediante diferentes niveles de presión adaptables a cada usuario.

Gisela Dulko con las Rise Boots

139

Para quienes buscan un tratamiento de alcance corporal, Restore representa la propuesta más avanzada de la marca. Este panel profesional utiliza una combinación de luz roja (660 nm) y luz infrarroja cercana (850 nm), una tecnología ampliamente utilizada en medicina deportiva y recuperación física por su capacidad para actuar tanto sobre la superficie de la piel como en capas más profundas de los tejidos. El resultado es una mejora en la regeneración celular, una disminución del dolor muscular y articular, y un estímulo en la producción natural de colágeno, beneficiando tanto el rendimiento físico como la calidad de la piel. La misma tecnología también está disponible en Restore Mini, una versión compacta pensada para tratamientos localizados, tanto faciales como corporales. Su formato portátil permite incorporar sesiones de fototerapia en cualquier

140

momento del día, favoreciendo la recuperación muscular y el cuidado estético desde la comodidad del hogar. Con esta nueva colección, Boss Recovery reafirma una tendencia que redefine el concepto de bienestar contemporáneo: democratizar el acceso a tecnologías de recuperación avanzada para que el cuidado del cuerpo forme parte de la vida cotidiana y no únicamente del entrenamiento profesional. Respaldada por atletas como Lisandro Martínez y Enzo Fernández, además de instituciones deportivas como River Plate y Boca Juniors, la marca continúa consolidándose como una de las referentes en innovación aplicada al bienestar, acercando soluciones que integran ciencia, tecnología y calidad de vida en un mismo concepto.

Juan Marconi y Alién Sciutto presentando la Boss Light