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ADRIANA LLABRÉS

EXPLORA LA MENTE Y LA OSCURIDAD EN PSICÓPATA: EL ASESINO DEL CONEJO BLANCO

SIETE VECES ADIÓS

CARLOS RIVERA

HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR

SONIDO

QUE TRANSFORMA TU SALA: LA GUÍA DEFINITIVA PARA ARMAR UN TEATRO EN CASA SONOS

Luces bajas, el sonido tenue de unas palomitas recién hechas y la expectativa de sumergirse en una gran historia.

La experiencia de ver una película en casa puede ser tan emocionante como ir al cine… siempre y cuando el sonido esté a la altura.

Porque si algo define una experiencia verdaderamente cinematográfica,

no es solo la imagen, sino la manera en que el audio te envuelve, te guía y te hace sentir dentro de la escena. Hoy, gracias a la tecnología, lograrlo ya no implica instalaciones complejas ni equipos imposibles de manejar. Sistemas como los de Sonos han simplificado el proceso hasta convertirlo en algo accesible, intuitivo y completamente adaptable a cualquier espacio.

OLVÍDATE DE LO COMPLICADO

Durante años, la idea de tener un teatro en casa estaba asociada con cables atravesando paredes, configuraciones técnicas difíciles y una curva de aprendizaje poco amigable. Sin embargo, ese panorama ha cambiado radicalmente.

El audio inalámbrico, las apps de control y la integración con plataformas de streaming han permitido que hoy solo necesites unos cuantos componentes bien elegidos para construir un sistema potente. La clave está en entender qué necesitas y cómo escalar la experiencia poco a poco.

CONTROL TOTAL, SIN COMPLICACIONES

Uno de los mayores diferenciadores de Sonos es su enfoque en la experiencia del usuario. A través de su aplicación, puedes controlar todo el sistema de forma sencilla y rápida.

ENTRE SUS FUNCIONES DESTACAN:

Sonido Nocturno, que reduce los picos de volumen para evitar sobresaltos en escenas de acción. Mejora de la Voz, que enfatiza los diálogos para no perder detalle, incluso cuando la mezcla de audio es compleja.

Estas herramientas no solo mejoran la experiencia, sino que la adaptan a distintos momentos del día y necesidades del hogar.

EL SIGUIENTE NIVEL:

SENTIR LOS GRAVES

Una vez que tienes una barra de sonido, el siguiente paso natural es añadir un subwoofer. Este componente se encarga de reproducir las frecuencias bajas, responsables de darle cuerpo y emoción al sonido. Explosiones, música y efectos adquieren una dimensión completamente distinta. Pero más allá del impacto, el subwoofer también libera a la barra de sonido de ciertas frecuencias, permitiendo que todo el sistema suene más equilibrado y definido.

SONIDO ENVOLVENTE:

CUANDO TODO COBRA VIDA

Para lograr una experiencia realmente inmersiva, el sonido su-

EL PUNTO DE PARTIDA: UNA BARRA DE SONIDO

Todo comienza con una buena barra de sonido. Los televisores actuales, cada vez más delgados, han reducido considerablemente la calidad de sus bocinas integradas. Esto se traduce en diálogos poco claros, efectos planos y una experiencia que pierde impacto.

Una barra de sonido resuelve este problema de inmediato: amplía el rango sonoro, mejora la claridad de las voces y añade profundidad a cada escena.

Dentro del catálogo de Sonos, hay opciones diseñadas para distintos tipos de usuarios:

Sonos Arc Ultra: pensada para quienes buscan una experiencia premium. Su capacidad para proyectar el sonido en distintas direcciones crea una sensación tridimensional que llena la habitación y posiciona cada efecto con precisión.

Sonos Beam (Gen 2): una opción compacta pero poderosa, ideal para espacios medianos. Ofrece audio espacial virtual que mejora notablemente la inmersión sin necesidad de múltiples bocinas.

Sonos Ray: perfecta para quienes quieren mejorar su sonido sin ocupar demasiado espacio. A pesar de su tamaño, ofrece un nivel de detalle sorprendente.

rround es fundamental. Al agregar dos bocinas traseras, el audio deja de provenir únicamente del frente y comienza a rodearte.

Esto significa que puedes escuchar pasos detrás de ti, efectos que se desplazan de un lado a otro o ambientes que te sitúan dentro de la escena. Es el tipo de detalle que transforma una simple visualización en una experiencia sensorial completa.

UN SISTEMA QUE

CRECE CONTIGO

Una de las grandes ventajas de apostar por un ecosistema como Sonos es su escalabilidad. Puedes comenzar con una barra de sonido e ir sumando componentes con el tiempo, según tus necesidades y presupuesto.

Además, tecnologías como Trueplay permiten ajustar automáticamente el sonido según las características de la habitación,

Además, todas estas barras están diseñadas para integrarse fácilmente con tu televisor y tus plataformas favoritas como Spotify o Apple Music, lo que permite alternar entre cine y música sin esfuerzo.

optimizando la acústica sin necesidad de conocimientos técnicos.

Y si lo deseas, puedes expandir el sistema a otras habitaciones, creando una experiencia de audio conectada en todo tu hogar. Así, la música o el contenido que estás viendo puede acompañarte incluso cuando te levantas por más palomitas.

MÁS QUE TECNOLOGÍA, UNA EXPERIENCIA

Armar un teatro en casa ya no se trata de acumular

equipos, sino de construir una experiencia. Se trata de escuchar cada diálogo con claridad, sentir cada escena y dejarte llevar por la historia.

Con soluciones como las de Sonos, la tecnología pasa a segundo plano para que lo verdaderamente importante ocupe el centro: disfrutar. Porque al final, no importa si estás viendo un estreno, una serie o tu película favorita de siempre. Cuando el sonido es el correcto, todo se siente diferente.

CINE

DIANA LAURA DI Y ALEJANDRO PORTER

VIOLENTAS MARIPOSAS: UN GRITO DE RABIA HECHO

ADRIANA LLABRÉS

ENTRE ACCIÓN, MENTE CRIMINAL Y LIBERTAD DE CREAR

La actriz habla con la Revista Cameo sobre el reto de interpretar a Nora en la película "Psicópata: El asesino del conejo blanco", un thriller psicológico donde explora la mente fragmentada de su personaje y confirma una etapa de libertad creativa tras ganar el Ariel.

Por Carlos Aguillón

El momento que vive Adriana Llabrés es uno de esos que marcan una carrera. Tras el reconocimiento que significó su premio Ariel por Todo el silencio, la actriz mexicana vuelve a la pantalla grande con Psicópata: El asesino del conejo blanco, un thriller psicológico que la coloca en un terreno completamente distinto: la acción, la tensión criminal y un personaje que exige habitar más de una identidad.

En la cinta dirigida por J. Xavier Velasco, Llabrés interpreta a Nora Sierra, una agente de psicología criminal que se enfrenta a un asesino serial que deja figuras de origami en forma de conejo blanco junto a cada víctima. Pero el verdadero desafío está dentro de ella misma: su personaje vive con trastorno de identidad disociativo, lo que obliga a la actriz a construir varias personalidades dentro de un mismo cuerpo.

En entrevista, la intérprete habla del proceso físico y psicológico que implicó el papel, de su transformación como actriz en los últimos años y de cómo el Ariel cambió su forma de entender la profesión.

“Estoy muy contenta en diferentes niveles de estar haciendo una película de acción. Ayer estaba cenando con mi mamá y me decía: ‘¿Te acuerdas cuando decías que querías hacer una película de acción?’ Y sí es cierto, es algo que he querido y buscado desde hace tiempo”, cuenta.

El personaje de Nora vive con trastorno de identidad disociativo, lo que llevó a la actriz a investigar de manera profunda. “Hablé con una psiquiatra que está en mi familia, mi tía, que trabaja en residencias en Nueva York, California y Florida. Pude acercarme a la enfermedad desde un lugar realista”, explica.

Ese proceso llevó a la intérprete a entender que no se trataba de construir caricaturas “Hay películas donde los personajes están muy divididos y se vuelve algo espectacular, pero en la vida real no sucede así. Lo que nos forma son nuestras relaciones con el mundo, con las personas y con las cosas. Desde ahí es donde todo cambia”.

A partir de esa idea, la actriz creó dos identidades principales dentro del personaje. “En realidad hago

a Nora y a Roxana, que tienen relaciones distintas con el mundo. Eso se ve en cómo caminan, cómo se mueven, cómo hablan… pero sobre todo en la forma en la que se relacionan con lo que las rodea”.

El trabajo no fue solo psicológico. La película también exigía escenas de acción y combate. “Me clavé muchísimo desde que supe que tenía el personaje. Estuve entrenando para pelear, aprender a usar armas y construir físicamente a Nora”, recuerda.

Durante meses trabajó con entrenadores especializados para llevar al nivel físico que se requería “Me puse muy fuerte para la película, porque Nora es una policía de investigación que está al mando del cuerpo, aunque hay otras identidades que lo habitan. Eso también tenía que verse en lo físico”.

Agrega que: “Fue muy divertido interpretarlas,

pero también fue algo serio. Había que entrenar y trabajar para poder darle vida a un personaje tan complejo”.

LA

PAZ

MENTAL DESPUÉS DEL ARIEL

La carrera de Llabrés ha vivido una transformación importante en los últimos años. Su trabajo en Todo el silencio le valió el Ariel, el máximo reconocimiento del cine mexicano, algo que cambió su manera de habitar la profesión. “Con el Ariel hubo cierta paz mental. Había un ruido que no sabía que tenía y se silenció”, confiesa. Más allá del premio, lo que realmente significó fue sentirse parte de la comunidad cinematográfica. “Creo que lo que se calmó fue el sentirme apoyada y validada por colegas y compañeros. No sabía que era tan importante para mí, pero algo se relajó”.

PSICÓPATA: EL ASESINO DEL CONEJO BLANCO

Distribución: Cineponis

“Ahora intento recordarme todos los días que el Ariel es para toda la vida. Entonces puedo divertirme más y explorar diferentes caminos”.

Antes de consolidarse en el cine mexicano, Llabrés pasó años formándose y trabajando en el extranjero. Se graduó como actriz en 2010 y comenzó su carrera en Nueva York, donde llegó a hacer varias obras de teatro.

“Ese primer año hice cuatro obras sin darme cuenta de que me estaba yendo muy bien”, recuerda.

Después regresó a México en 2012, donde durante casi una década trabajó intensamente en teatro “Estuve más o menos diez años sin parar, haciendo cuatro o cinco obras al año, y poco a poco empecé a entrar al cine”.

Ese recorrido internacional también la llevó a reflexionar sobre su relación con la cultura latinoamericana. “Crecí en los noventa creyendo que Estados Unidos o Inglaterra eran lo máximo. Pero con el tiempo entendí que también me faltaba conocer más de México y de Latinoamérica”.

“Por eso decidí estudiar literatura latinoamericana y replantearme. Abrazar lo que somos nos hace fuertes. Durante mucho tiempo ignoré cosas como las telenovelas, y hoy me siento orgullosa de participar en ellas porque también forman parte de nuestra cultura”.

Además de actuar, Llabrés ha comenzado a involucrarse cada vez más en la producción de proyectos. Después de Psicópata: El asesino del conejo blanco, la

actriz tiene varios trabajos en camino: una serie que podría estrenarse a finales de año y otra película con tintes de acción y thriller. Pero su ambición va más allá de la actuación. “Produciendo puedo poner en la mesa cosas que también pienso. Cuando te dan un guion puedes imprimirle cosas tuyas, pero producir te permite participar desde antes de que exista el proyecto”.

“Después de ganar el Ariel entendí que quiero explorar diferentes caminos. Mi experiencia de vida es mía y también quiero divertirme con ella”.

Y quizá ahí está la clave de este nuevo momento en su carrera: una actriz que, después de años de búsqueda, ha encontrado el espacio para explorar sin miedo.

Más allá de las acostumbradas y muchas veces insulsas comedias románticas, el cine nacional de corte comercial ha buscado diversificar sus temáticas en años recientes, con el afán de atraer más espectadores a las salas. Acción, drama, terror… son algunos de los géneros explorados en producciones mexicanas recientes. Y a ellas se suma ahora Psicópata: El asesino del conejo blanco.

Escrita por Fernando Barreda Luna (Café Chairel, Se busca papá) y dirigida por J. Xavier Velasco (Cocodrilos, El que habita las alturas, Días salvajes), la trama tiene lugar en una lóbrega Ciudad de México, la cual es sacudida por los macabros homicidios de un asesino serial (Hoze Meléndez), que ha ultimado de forma violenta a varias mujeres, a quienes -a modo de trofeo- les corta una parte de su cabello para confeccionar con él pelucas para muñecas; y cuyo sello personal es dejar en la escenas del crimen figuras de origami. Además, gusta videograbar a sus víctimas antes de matarlas… y parece estar obsesionado con Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll.

Tras su pista se encuentra por un lado Nora Sierra (Adriana Llabrés), una agente

PSICÓPATA:ELASESINO DELCONEJOBLANCO EL THRILLER COPYCAT

Por Francisco Javier Quintanar

especializada en psicología criminal recientemente transferida a esa jurisdicción y a la cual se le ha asignado el caso; y por el otro Eder Ballesteros (Andrés Almeida), un veterano y taciturno detective quien está muy enfermo, pero a pesar de ello hace el esfuerzo por intentar atrapar al psicópata de marras.

Con tal premisa es claro que se trata de un largometraje de suspenso e investigaciones el cual intenta emular la fórmula tanto de emblemáticos filmes como El sabueso (Mann, 1986), El silencio de los inocentes (Demme, 1991) y Seven Los siete pecados capitales (Fincher, 1995); así como de exitosas series al estilo True Detective (2014-). De ese modo, por un lado tenemos a un asesino serial sádico pero atormentado, en cuyas acciones hay un elemento infanti-

PSICÓPATA: EL ASESINO DEL CONEJO BLANCO

Distribución: Cineponis

Polanco

loide asociado con su pasado y con las motivaciones para sus atroces acciones. Y por el otro, a los policías cuyas problemáticas personales (la enfermedad tortuosa y terminal de uno y los trastornos mentales de la otra) pretenden -en contrapunto al retrato deshumanizado de su antagonista- añadirle dimensión emocional y empática a los mismos quienes, aunque no simpatizan demasiado entre sí, desarrollan la suficiente confianza y al final unen fuerzas para lograr su objetivo.

En ese sentido, hay que resaltar el estupendo trabajo fotográfico de Octavio Arauz, quien no solo consigue con éxito recrear visualmente las atmósferas requeridas para emular las producciones visuales antes mencionadas, sino también logra notables contrastes entre los lúgubres y opresivos escenarios donde se

desenvuelve el multihomicida, con (por ejemplo) los espacios más cálidos y pulcros en los cuales habita Nora, pero también sabe empatarlos cuando ella (víctima de trastorno de identidad disociativo) tiene episodios angustiantes de cambios de personalidad. Y de hecho, al momento de ocurrir son indicados de forma muy sutil con tenues cambios de iluminación y de maquillaje.

Sin embargo, el talón de Aquiles de Psicópata: El asesino del conejo blanco radica precisamente en esa marcada dependencia del thriller con fórmula hollywoodense, cayendo gradualmente en el mero copycat burdo y exagerado, sobrecargando la narración con situaciones innecesarias las cuales le restan cohesión al relato y disminuyen su veracidad. A ello se suman algunas sobreactuaciones que parecen parodia por risibles, y un estrambótico desenlace rayando con el más puro cine trash, pero rompiendo de forma penosa con el tono general de la historia. Se agradece el intento (especialmente porque hay buena manufactura y talento en él), pero lamentablemente la película termina por perderse en su propio artificio, y quedar muy por debajo de aquellas obras de donde tomó su inspiración.

VIOLENTAS MARIPOSAS

RABIA JUVENIL Y PUNK CONTRA LA INJUSTICIA

El director Adolfo Dávila presenta su ópera prima, una historia sobre dos jóvenes que usan el arte y la música como armas frente a la corrupción y la violencia.

Texto y fotos Carlos Mora

La indignación social, la juventud rebelde y la necesidad de justicia se entrelazan en Violentas mariposas, la ópera prima del director Adolfo Dávila, una película que utiliza el arte, la música y el cine como formas de resistencia frente a un sistema que, muchas veces, parece ignorar a quienes más lo necesitan.

La historia sigue a un grafitero y a una cantante de una banda punk —interpretada por Diana Laura Di— que se conocen en medio de una profunda crisis social. Ambos comparten una visión idealista del mundo: creen que aún es posible transformarlo. A través del

de nuestra realidad”, explica el cineasta.

A través de sus protagonistas, el director retrata a una generación atrapada entre la adolescencia y la vida adulta, un momento en el que todavía se cree posible cambiar el mundo.

A diferencia de otras aproximaciones al cine político, Dávila eligió la ficción como espacio de catarsis.

arte callejero y la música expresan su inconformidad, pero su búsqueda de justicia los coloca frente a un sistema corrupto, cuando son víctimas de la violencia de tres policías. En ese contexto, la película plantea una pregunta incómoda: cuando la justicia no existe, ¿puede la venganza convertirse en un acto de fe?

Para Dávila, la película nace directamente del hartazgo que se vive en la sociedad mexicana. “Violentas mariposas fue un tema de hartazgo y desesperación de vivir esta realidad en torno a la injusticia permanente que tenemos en México. Quería expresar que como sociedad estamos cansados

“Me interesaba mostrar a estos jóvenes rebeldes, contestatarios, revolucionarios, con pensamientos libres. Ese momento en el que crees que realmente puedes cambiar algo, antes de que con los años se pierda esa rebeldía”, comenta.

UNA HISTORIA QUE NO PIERDE VIGENCIA

Aunque la película se terminó en 2024 y ha pasado por festivales desde entonces, su temática sigue resonando con fuerza. El propio director reconoce que la realidad que inspiró la historia permanece prácticamente intacta.

“Estas cosas no cambian. La película tenía la intención de mostrar cómo en México muchas cosas siguen igual durante mucho tiempo. Si algún día cambiara el sistema judicial, la película seguiría siendo un documento de cómo eran las cosas”, afirma.

“No quería hacerlo desde la parodia ni desde el documental. Para mí la ficción es un espacio de desahogo, no solo para el realizador, sino también para el público”.

Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Morelia, la película inició un recorrido internacional que permitió al director observar cómo distintas audiencias reaccionaban ante la historia.

Uno de los momentos más reveladores ocurrió en el Tallinn Black Nights Film Festival, en Estonia. Allí la película fue programada en una sección para jóvenes, lo que provocó un fuerte contraste cultural.

“Entramos a una sala llena de estudiantes de secundaria. Para ellos fue un choque muy fuerte descubrir una realidad tan distinta a la suya. Venían de un país donde el Estado tiene políticas muy claras para las infancias y juventudes, y de repente se enfrentan a una historia donde los jóvenes viven en un contexto de represión y marginación”, recuerda.

y Diana Laura Di.

VIOLENTAS

MARIPOSAS

Distribución: Benuca Films

El recibimiento fue distinto en el Festival de Málaga, donde la audiencia estaba compuesta en su mayoría por adultos mayores. Sin embargo, la reacción fue igualmente intensa.

“Al final se acercaban y les salía el joven rebelde que llevaban dentro. Muchos habían vivido el movimiento punk y conectaban con esa energía de la película”.

En América Latina la identificación fue aún más directa. En Colombia, por ejemplo, el público relacionó la historia con su propia experiencia de protestas y represión.

A pesar de la fuerza del proyecto, el camino para levantar la película no fue sencillo. Dávila confiesa que durante el proceso temió que su obra fuera censurada, debido a su crítica hacia las instituciones.

“Pensé que mi película iba a ser censurada. La rechacé dos veces en convocatorias y tuve muchos contratiem-

pos para llegar a los fondos”, cuenta.

Finalmente el proyecto obtuvo apoyo y logró financiarse, lo que para el director demostró que el sistema de evaluación puede funcionar. Sin embargo, el verdadero desafío llegó después: la distribución.

“Las plataformas me rechazan, los cines me rechazan y los distribuidores comerciales también. Además, en México la película recibió clasificación C, cuando en Europa se proyecta para jóvenes, que era justamente el público al que yo quería llegar”, explica. Paradójicamente, mientras en su propio país enfrenta obstáculos, la película ha encontrado distribución en mercados como Japón y España.

MÚSICA PUNK Y LENGUAJE

CINEMATOGRÁFICO

Uno de los elementos más distintivos de Violentas

mariposas es su relación con la música. Al tratarse de una historia protagonizada por una cantante punk, las canciones forman parte esencial de la narrativa.

“Las canciones están completas porque son parte de la vida del personaje. No quería cortar la música como si fuera un videoclip. La interpretación de las canciones genera una relación directa con ella”, explicó.

Desde lo visual, Dávila también buscó evitar el estilo documental que suele dominar el cine social.

“La historia ya tenía la realidad implícita. Por eso preferí una búsqueda más cercana a la ficción, una estética que reforzara ese universo”.

DEFENDER LA VOZ DE LOS CINEASTAS

Más allá de la película, el director reflexiona sobre los retos actuales del cine y la creciente influencia de las plataformas.

“Siento que estamos viviendo un momento difícil para el cine porque los directores estamos desapareciendo del mapa. Las películas parecen hechas por las plataformas, no por quienes las dirigen”, señala.

Para Dávila, las nuevas generaciones de cineastas deben defender su identidad autoral.

“Los músicos se defendieron de las disqueras y lograron mantener su identidad. Creo que los cineastas también tendremos que hacerlo, porque el cine no puede depender solo de quien pone el dinero, sino también de quien pone el talento”.

Con Violentas mariposas, Adolfo Dávila no solo presenta una historia sobre la rebeldía juvenil y la injusticia, sino también una declaración sobre el poder del cine como espacio de denuncia, memoria y resistencia.

El arranque de Violetas mariposas, ópera prima del cortometrajista

Adolfo Davila es brutal: mientras está atorado en el tráfico en el interior de su coche, un hombre recibe un disparo en la cabeza, proveniente de un sicario en motocicleta. Esa escena establecerá las coordenadas del largometraje en lo tocante a su tono y temática.

Tras este impactante inicio, el relato da un salto a unos meses después, donde se descubre que la identidad de la víctima es Rubén Valdés (Adrián Vázquez), y se trataba de un periodista el cual fue asesinado aparentemente para silenciarlo. Le sobreviven su esposa Tere (Norma Pablo) y su hijo Viktor (Alejandro Porter), quienes viven en una colonia popular de la CDMX. Tras el hecho, la mujer se sumerge en su trabajo, en el budismo y en la meditación trascendental para lidiar con su pena. Por su parte, su joven vástago se guarda el dolor, y en él comienzan a germinar las semillas de la inconformidad y la ira. Estudiante de filosofía en la UNAM y una especie de poeta urbano, Viktor asume la postura de radical antisistema, y expresa su descontento y enojo a través de graffitis los cuales pinta clandestinamente en lugares públicos. Y precisamente, cuando está elaborando uno, se topa con Eva (Diana Laura Di), una chica de cabellera roja quien es cantante de la banda punk Revolt, y le invita a verlos a una tocada. Él accede, y averigua que ella proviene de Tijuana, vive con

VIOLENTASMARIPOSAS DE LA REBELDÍA JUVENIL A LA RABIA VENGATIVA

su tía Lola (Sophie AlexanderKatz), es -como él- estudiante universitaria pero de la carrera de derecho, es una activista en pro de los derechos de la mujer, posee una actitud liberal y abierta… y en secreto, es amante del jazz.

A partir de ese primer encuentro, entre ambos comienza a surgir una amistad alimentada tanto por su descontento debido al estado de las cosas, como por sus afinidades ideológicas y aficiones, y ello no tarda en derivar en una situación romántica. Desafortunadamente y tras una mala decisión, su idilio es interrumpido por una terrible agresión policiaca escalada a pesadilla, a raíz de la cual, lo que quedaba en ellos de confianza en la ley y la justicia se esfuma definitivamente, y da paso a una feroz rabia y deseo de venganza por mano propia.

VIOLENTAS

MARIPOSAS

Distribución: Benuca Films

mitad, al lograr recrear a través de sus personajes, el retrato de un universo juvenil rebelde, contestatario y del cual emana cierto idealismo y urgencia de cambio a ritmo de agresivo punk, en oposición a un mundo adulto oscuro, corrompido y represivo. En ese sentido, la elección de su cuadro de actores juveniles (particularmente Diana Laura Di, quien además también interpreta varios de los temas musicales del filme) fue acertada para reforzar tal contraste y darle veracidad al mismo tiempo. Aunque viéndolo detalladamente, dicho universo pareciera un extravagante anacronismo, como si la trama tuviera lugar en los años ochenta o noventa y no en tiempo actual.

El debut de Dávila tiene una muy afortunada primera

Pero gradualmente a la película comienza a ganarle el lado más oscuro, mutando a una historia de desconfianza y profunda decepción de las instituciones, la autoridad, las

leyes y, finalmente, del sistema en general por parte de sus estelares, quienes encuentran en la violencia no solo una respuesta, sino la única posible. Y es en esa segunda parte cuando la narrativa se le va de las manos a su autor, abandonando el comentario social y la mirada juvenil, para transitar por los territorios del mero enojo social en su forma más cruda y efectista. Y es en esta parte donde pierde terreno, ya que la representación de la indignación social y la rabia nacida de la impotencia y la injusticia se torna maniquea, parcializada, tremendista, y en última instancia, vacua, con un desenlace cuya estética y planteamiento pareciera salido de alguna producción hollywoodense, y en el cual la pareja de jóvenes rebeldes ávidos de cambiar las cosas, se transforman en furiosos asesinos a sangre fría, que solo quieren ver al mundo arder. Y así, Violentas mariposas sufre una metamorfosis, pasando de un furioso y vibrante clamor de juventud en contra de la represión y la injusticia, para terminar convertido en una especie de iracunda incitación a la violencia, haciendo apología de la misma. Y donde además la violencia es vista no como un medio, sino como un fin. Y en los tiempos que corren, ello resulta no sólo anacrónico, sino hasta irresponsable.

VIOLENTASMARIPOSAS: ENTRE ARTE, MÚSICA Y RABIA

Diana Laura Di y Alejandro Porter conversan con la Revista Cameo sobre el impacto de Violentas mariposas, la construcción de sus personajes y cómo la música, el cine y el arte callejero se convierten en herramientas para denunciar la injusticia.

Texto y fotos Carlos Mora

La película Violentas mariposas presenta la historia de dos jóvenes que, en medio del desencanto social, encuentran en el arte y la música una forma de resistencia. Sus protagonistas, Diana Laura Di y Alejandro Porter, interpretan a Eva y Víktor, una cantante punk y un grafitero cuyas vidas se cruzan en un momento de profunda frustración social que terminará empujándolos a enfrentar la violencia y la injusticia.

Durante una entrevista, ambos actores reflexionaron sobre la experiencia de llevar esta historia a festivales internacionales, la preparación de sus personajes y el peso emocional de una película que aborda temas que, lamentablemente, siguen vigentes.

UN TEMA ACTUAL

La historia de Violentas mariposas aborda violencia institucional, abuso de poder y frustración social, temas que los actores reconocen siguen presentes en la realidad.

Alejandro Porter admitió que es difícil pensar que problemáticas retratadas en la película podrían haber sido igual de vigentes hace décadas.

“Se siente feo que estos temas sigan siendo tan actuales. Si esta película hubiera salido hace veinte años, muchas personas se habrían identificado igual que ahora”, comentó.

Sin embargo, también cree que el arte tiene la capacidad de generar reflexión.

“Este tipo de películas o de música pueden hacer que la gente se cuestione cosas. A lo mejor no somos

malas personas, pero vivimos dentro de una sociedad donde colectivamente algo estamos haciendo mal, y el arte puede ayudarnos a verlo”.

Porter explicó que su primer acercamiento a Víktor fue desde una aparente ingenuidad: un joven grafitero que escribe poesía y observa el mundo con rebeldía juvenil. Pero durante el proceso creativo junto al director, el personaje tomó otra dimensión.

“Me di cuenta de que Víktor no es ingenuo, es alguien despierto. No porque sea joven significa que sea inmaduro”, explicó.

Para el actor, entender el dolor que impulsa al personaje fue clave: un joven que escribe desde la frustración frente a un sistema que siente injusto.

Aunque no ha vivido experiencias tan extremas como las de su personaje, Porter explicó que la violencia es una realidad cercana en la sociedad mexicana.

“Aunque no me haya pasado a mí, vivo rodeado de personas que sí lo han vivido. Entonces hay que abordarlo con seriedad y entender que cualquiera podría enfrentarlo”.

EVA: MÚSICA Y RABIA

En el caso de Diana Laura Di, el punto de entrada a su personaje fue la música. Eva es cantante de una banda punk, algo que conectó con la experiencia personal de la actriz.

“La parte musical fue muy natural para mí, porque yo soy cantante y músico”, explicó. Sin embargo, el mayor reto estuvo en mostrar la vulnerabilidad del personaje.

“En el punk muchas veces te cierras, no quieres que te vean. Pero Eva sí se deja ver, muestra sus capas, y eso fue lo más difícil para mí como actriz”.

Di señaló que la historia toca una realidad que muchas mujeres conocen de cerca, por lo que decidió abordar el papel con respeto y empatía.

“Si pones a un grupo de mujeres en un salón, la gran mayoría ha vivido algún tipo de violencia. Yo hice este personaje con mucho corazón”.

MOTOR CREATIVO

Tanto Porter como Di coinciden en que la música es un elemento fundamental dentro del filme. El soundtrack es un personaje más dentro de la historia.

Porter incluso creó una especie de playlist personal para construir el universo emocional de Víktor.

“Algunas canciones me daban el mood de ciertas escenas. Usé la música como herramienta para en-

trar al personaje”, explicó.

Para Diana Laura Di, en cambio, música y actuación son inseparables.“Para mí son como dos venas: una se llama cine y otra música. Y la sangre que corre por esas venas soy yo”.

La interpretación de Diana Laura Di fue reconocida con el premio a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Morelia, un momento que la actriz recuerda con profunda emoción.

“Ahí entendí que todo el trabajo de la producción, de mi compañero, del director, del equipo de maquillaje, vestuario, todo ese mundo que se crea… se suma para llegar a ese momento”, expresó.

La actriz también atribuye gran parte de ese logro a su relación con la música, disciplina que asegura ha sido fundamental en su vida.

“La música ha salvado mi vida. Todo lo que hago, actuar, cantar o moverme en escena, viene de ahí”.

ANIMACIÓN CON ESPÍRITU ECOLÓGICO HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR

La película animada de Daniel Chong mezcla aventura, humor oscuro y tecnología futurista en una historia sobre la defensa del medio ambiente.

La película animada Hoppers: operación

castor, dirigida por Daniel Chong, presenta una historia que combina comedia, aventura y ciencia ficción para abordar temas como la defensa de la naturaleza y la responsabilidad humana frente al entorno.

La trama sigue a Mabel, una joven defensora ambiental de 19 años que intenta impedir la destrucción de un claro del bosque amenazado por un proyecto vial impulsado por el alcalde de su pueblo. Desesperada por salvar el ecosistema, la protagonista recurre a una tecnología experimental desarrollada por la científica Dr. Sam, capaz de transferir la conciencia humana a otro cuerpo.

Gracias a este sistema, Mabel logra habitar el cuerpo de un castor robótico, infiltrándose en el mundo animal para intentar detener la devastación del bosque desde dentro.

Para su director, uno de los grandes retos de la película fue encontrar el tono adecuado. Chong explicó que la historia nació con la intención de moverse entre varios géneros, algo que se refleja en su combinación de humor oscuro, aventura y elementos de ciencia ficción.

“Creo que hay dos cosas que explican el tono de la película”, comentó el realizador. “Una de ellas es mi experiencia trabajando en televisión, donde hicimos más de 140 episodios y constantemente jugábamos con diferentes géne-

ros y estilos narrativos”.

Esa versatilidad le permitió trasladar a la película una narrativa híbrida que no se limita a un solo registro.

“Cuando llegué a Pixar llevaba conmigo todas esas herramientas. Podíamos parodiar una película, jugar con distintos tonos y explorar diferentes géneros dentro de una misma historia”, explicó.

Además, Chong recordó que muchas de las películas que marcaron su infancia también desafiaban las categorías tradicionales.

“Las películas que amaba de niño eran difíciles de clasificar. ¿Era una comedia? ¿Era terror? Hablábamos mucho de Gremlins y de las primeras películas de Tim Burton. Ese tipo de historias que te hacen preguntarte cómo deberías sentirte o si realmente eran para niños”.

UN PROYECTO

PROFUNDAMENTE

COLABORATIVO

El director subrayó que Hoppers: operación castor es el resultado de un largo proceso creativo que invo-

El director Daniel Chong y la productora Nicole Grindle.

lucró a decenas de artistas durante varios años.

“No es realmente una ciencia exacta desmenuzar cómo se hace una película así”, señaló. “Pixar nos da mucho espacio para expresar lo que queremos decir y lo que sentimos con la historia”.

Sin embargo, también enfatizó que el proyecto fue posible gracias al trabajo colectivo del equipo.

“Es un proceso muy colaborativo. Yo marco la dirección inicial, pero después todos en el equipo comienzan a aportar ideas, a reforzar los temas y a darle su propia voz a la película. Durante seis años fuimos afinando la historia hasta llegar a la mejor versión posible”.

NATURALEZA

NIMADA: UN

DESAFÍO TÉCNICO

Uno de los mayores retos visuales fue recrear la naturaleza de forma convincente sin perder el estilo caricaturesco de los personajes.

“Cada vez que intentas representar la naturaleza te enfrentas a un proble-

ma”, explicó Chong. “Sales afuera, tomas una foto y todo es un caos: colores por todos lados, formas desordenadas. Convertir eso en algo que funcione en pantalla es muy difícil”.

El equipo decidió entonces priorizar la narrativa visual centrada en los personajes.

“Mi enfoque siempre fue que el público debía mirar primero al personaje y lo que está haciendo. Todo lo demás debía funcionar como un entorno que apoyara esa acción”.

Pero eso no significaba descuidar los escenarios.

“La naturaleza tenía que sentirse real, pero al mismo tiempo no podía ser completamente fotorrealista, porque nuestros animales son muy caricaturescos. Si el fondo fuera idéntico al mundo real, simplemente no encajaría”.

Para lograr ese equilibrio, el equipo desarrolló una herramienta especial de renderizado conocida como “brushstroke technology”, que permite suavizar y estilizar los fondos.

Con esta tecnología, los artistas primero renderizan el escenario completo y luego utilizan pinceles digitales para difuminar o acentuar ciertos detalles, creando una textura que recuerda a una pintura.

El objetivo era lograr un punto medio entre realismo y estilización.

“Cada plano se trabajó de manera individual”, explicaron los creadores. “Podíamos intensificar o reducir el efecto de pinceladas según lo necesitara la escena”.

Sin embargo, mantener el balance visual fue complicado.

“Si usábamos demasiado el efecto, el fondo se volvía demasiado impresionista y el ojo del espectador empezaba a fijarse más en los árboles que en los personajes”, señaló Chong.

El director también reveló que algunas escenas provocan reacciones muy particulares entre los espectadores.

“Hay un momento muy específico en la película que genera una reacción muy curiosa”, contó. “Al principio el público no sabe bien si lo que está viendo es real, y luego poco a poco empiezan a reír cuando se dan cuenta de lo que ocurrió”.

Según el realizador, ese tipo de momentos son la

razón por la que se hacen películas.

“Pete Docter siempre nos dice que hacemos cine para esos instantes en los que el público tiene una reacción visceral”.

Incluso dentro del equipo de producción, muchos esperaban ver cómo reaccionaban sus amigos o familiares cuando llegaba esa escena.

“En la fiesta de cierre, muchos decían que lo primero que querían hacer era ver la reacción de alguien que no había visto la película”.

Aunque el diseño de los animales es adorable, la película también incluye situaciones y referencias que apelan al público adulto.

“Colocamos a estos personajes tan encantadores en situaciones muy

HOPPERS: OPERACIÓN

CASTOR

Distribución: Disney

serias, como reuniones de consejo con política, poder y decisiones importantes”, explicó Chong.

Ese contraste entre lo absurdo y lo formal es parte del humor de la película.

“Es un concepto muy adulto, como una reunión de negocios, pero protagonizado por animales que discuten cosas absurdas”.

PROYECTO ARRIESGADO

La propuesta narrativa de Hoppers: operación castor no siempre fue fácil de defender dentro del estudio, debido a su tono inusual.

“El mundo de la película está llevado bastante lejos y exige que el público acepte ideas muy locas”, reconoció Chong.

Sin embargo, la confianza del estudio y las proyecciones con audiencia

ayudaron a consolidar el proyecto.

“Hicimos tres proyecciones de prueba y cada vez tuvimos que demostrar que el público conectaba con la historia. Cuando vimos que funcionaba, supimos que íbamos por buen camino”.

Finalmente, el director destacó que Pixar permitió que su estilo particular se reflejara en la película.

“Daniel tiene una voz muy especial”, señalaron desde el equipo creativo.

“Su sentido del humor y su ritmo narrativo son distintos a los de otras películas del estudio”.

Con su combinación de aventura, humor irreverente y mensaje ambiental, “Hoppers” promete ser una de las propuestas animadas más singulares del estudio en los últimos años.

DETRÁS DEL REALISMO EN LA ROPA DE HOPPERS: OPERACIÓNCASTOR JUAN CARLOS OLMOS

El artista de Pixar comparte cómo el trabajo en telas, texturas e imperfecciones dio autenticidad al vestuario de la protagonista.

El talento sigue destacando dentro de la industria de la animación internacional. Juan Carlos Olmos Guerra, Simulation and Tailoring TD en Pixar Animation Studios, es una de las piezas clave en el desarrollo visual de la nueva película Hoppers: operación castor (2026), donde su trabajo en simulación de telas y confección digital contribuye a dar un nivel de realismo pocas veces visto en la animación. La cinta, dirigida por Daniel Chong, cuenta la historia de Mabel, una joven activista ambiental de 19 años que busca salvar un claro del bosque amenazado por la construcción de una carretera promovida por el alcalde de su pueblo. Para lograrlo, la protagonista utiliza una innovadora tecnología de transferencia de conciencia creada por la científica Dr. Sam, que le permite habitar el cuerpo de un castor robótico y así infiltrarse en el lugar para impedir la destrucción del ecosistema. Detrás de este universo animado hay un enorme

equipo creativo, algo que Olmos Guerra destaca al hablar del proceso de producción.

“Es un equipo muy grande de gente trabajando súper duro, artistas con muchísimo talento que ponen todo su esfuerzo para poder hacer esta película y enseñársela al público”, explicó.

El artista confesó que, incluso después de haber visto la película varias veces durante el proceso de producción, sigue emocionándose al revisarla.

“Mientras la estaba viendo pensaba en la cantidad de trabajo que hay aquí metido. Aunque la he visto ya varias veces, me sigue sorprendiendo la calidad de los personajes y el mensaje. De hecho, estaba llorando antes de la proyección”, compartió.

Uno de los aspectos en los que trabajó directamente fue el vestuario del personaje principal, tanto en su etapa de niña como en su versión adolescente. Según detalló, lograr que la ropa se sintiera auténtica implicó un proceso técnico largo y minucioso.

“Yo construí la ropa de Mabel cuando es niña y cuando es mayor. Fue muchísimo trabajo. Por ejemplo, el pantalón tiene una rotura en la pierna derecha. Antiguamente se habría puesto una textura, pero decidimos que era importante que el roto fuera real, que se vieran los hilos colgando y la pierna debajo”, explicó.

Para el equipo de animación, esos detalles ayudan a transmitir la personalidad del personaje. Mabel, al ser una joven comprometida con la naturaleza y con una vida sencilla, debía reflejarlo también en su vestuario.

“Trabajamos mucho para que la ropa estuviera desgastada y no fuera simétrica. Muchas veces en animación todo está perfectamente alineado, pero eso no es real. Tuvimos que crear imperfecciones para representar su personalidad: que la camiseta cayera de forma distinta, que el cuello no estuviera exactamente al centro o que la chaqueta tuviera partes rotas”, señaló.

HOPPERS: OPERACIÓN CASTOR

Distribución: Disney

El artista asegura que en Pixar la investigación es fundamental para alcanzar ese nivel de detalle. Para diseñar la ropa del personaje, el equipo analizó prendas reales y visitó numerosas tiendas en San Francisco.

“Fuimos a muchísimas tiendas de ‘thrift’. Creo que nunca me he probado tantas chaquetas en mi vida. Nos gusta hacer una investigación profunda viendo cosas reales para que el resultado sea más creíble”, comentó entre risas.

Olmos Guerra ha participado en diversos proyectos dentro del estudio y su trayectoria continúa creciendo. Entre las producciones futuras en las que se ha mencionado su colaboración se encuentra Toy Story 5, una de las franquicias más emblemáticas del estudio.

Con su trabajo en Hoppers: operación castor, el artista demuestra cómo los pequeños detalles —desde una costura hasta un hilo suelto— pueden marcar la diferencia para construir personajes más humanos dentro del mundo de la animación.

La singular habilidad de Rose Byrne para combinar comedia y drama —y cambiar de registro en cuestión de segundos dentro de una misma escena— la convirtió en la elección perfecta para interpretar a Linda en Si pudiera, te patearía (If I Had Legs I’d Kick You), la oscura y, a la vez, divertida película con la que la guionista y directora Mary Bronstein explora la experiencia materna.

“Definitivamente se trata de estar a flor de piel, particularmente en el caso de un personaje como este, a quien conocemos cuando atraviesa una crisis muy, muy profunda desde el inicio”, mencionó la actriz al hablar sobre la manera en que se preparó para interpretar a un personaje emocionalmente complejo como Linda.

Byrne interpreta a una madre y terapeuta cuya vida literalmente se desmorona a su alrededor: su marido está ausente por trabajo, una de sus pacientes desaparece, su casa queda dañada y temporalmente inhabitable, y su vínculo con su propio terapeuta se vuelve cada vez más hostil. Mientras todo esto ocurre, debe lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, que deriva en un trastorno alimenticio.

Si pudiera, te patearía muestra cómo la agitación del entorno conduce a Linda a un estado de angustia creciente y a un profundo terror existencial en su experiencia de maternar, ofreciendo una de las miradas más extremas, sin concesiones y mordazmente oscuras sobre la maternidad. Su radicalidad no radica en provocar, sino en negarse a suavizar el malestar.

“Creo que es una visión muy radical. Mary Bronstein realmente está llevando al límite lo que la gente ha visto o escuchado sobre lo que significa ser madre. Y eso no le gusta a la gente, le resulta muy incómodo de ver”.

“Es interesante escuchar las distintas reacciones del público. Me parece que los jóvenes comprenden mejor algunas cosas de la película y son menos temerosos frente a ciertas ideas. A la gente mayor le cuesta más procesarlo. Por eso es tan singular lo que Mary muestra como directora y guionista”.

SI PUDIERA, TE PATEARÍA

Distribución: Cine Caníbal

Con una trayectoria de más de treinta años en la industria, en la que ha interpretado roles en géneros como el terror, la comedia y el drama, la actriz añade a su filmografía un personaje que reúne todos estos registros, al dar vida a una mujer rebasada que transita entre el pánico y la rabia.

Si películas como Tenemos que hablar de Kevin, Canina y la reciente Mátate, amor, ya exploraban los aspectos más agrios de la maternidad, Si pudiera, te patearía va más allá al sumar a la conversación el estrés, las sensaciones y el desgaste emocional que provoca el peso de las expectativas. Mientras aquellas películas observan la reacción, Bronstein parte de un lugar emocional abstracto para construir una metáfora sobre cómo la maternidad puede desdibujar la identidad individual.

“Mary y yo fuimos muy afortunadas: tuvimos un periodo de ensayos, algo realmente poco común en una película tan pequeña como esta. Fueron cinco o seis semanas en las que nos sentábamos juntas en la mesa de su cocina, tres días por semana, simplemente a hablar y a repasar el guion. Esta es la tarea previa de un actor: no quieres que se note ensayado, pero sí que el personaje se sienta vivido, curtido”, explicó.

Linda le exigió a Byrne trabajar desde su fibra más sensible para sostener matices muy precisos frente a

En entrevista exclusiva para la Revista Cameo la actriz habla de "Si pudiera, te patearía", una mirada cruda, incómoda y mordaz sobre la maternidad.

Por Alejandra Lomelí

una cámara siempre pegada a su rostro, que más que acompañarla parece presionarla. Así, los abundantes primeros planos capturan variaciones sutiles de su expresión y dejan entrever sus frustraciones contenidas: un verdadero tour de force que la actriz compara con caminar por la cuerda floja.

“El primer día de rodaje fue, principalmente, tratar de encontrar el nivel de tensión y de aflicción, calibrar ambos aspectos, porque el riesgo es que todo quede en una sola nota, sin matices, y que esté histérica todo el tiempo. Fue como caminar por la cuerda floja para encontrar ese equilibrio”.

A pesar de ofrecer un retrato crudo y asfixiante, Si pudiera, te patearía no se regodea en el sufrimiento; por el contrario, mantiene un pulso lúdico. Como destaca Byrne, es una película profundamente entretenida, capaz de encontrar humor incluso en los momentos de mayor tensión y de mostrar la maternidad como una travesía agridulce.

“Más allá de eso, también es una película muy entretenida: mantiene una tensión constante, pero con humor, de modo que no puedes escapar de su fuerza durante dos horas, como si no pudieras abandonarla. Es tan impactante que la gente necesita saberlo”, concluyó.

ROSE BYRNE:

LA MATERNIDAD AL LÍMITE

FLAMINGOS:LAVIDADESPUÉSDELMETEORITO LA BELLEZA FRÁGIL DE UN MUNDO QUE RESISTE

Por Carlos Mora

En Flamingos: La vida después del meteorito, el director Lorenzo Hagerman se aleja del documental de naturaleza tradicional para construir una obra que respira contemplación, pero también urgencia. Narrado por Julieta Venegas, el filme no solo observa la vida de estas aves, sino que la convierte en una metáfora sobre la resistencia de la vida en un planeta en constante transformación.

Filmado a lo largo de 700 días en el norte de la península de Yucatán, el documental se adentra en uno de los ciclos más extraordinarios de la naturaleza: la breve temporada de reproducción de los flamencos caribeños. Este evento, que ocurre apenas unos meses al año, adquiere aquí una dimen-

sión casi milagrosa. Desde los rituales de apareamiento —donde las dinámicas sociales son más complejas de lo que aparentan— hasta la incubación paciente de un solo huevo durante 30 días y el nacimiento de crías de plumaje gris, la cámara captura un equilibrio constante entre fragilidad y persistencia.

Pero la cinta no se limita a registrar. Hagerman construye un lenguaje visual que roza lo poético: planos abiertos que enfatizan la inmensidad del paisaje, composiciones donde el rosa de las aves dialoga con los reflejos del agua, y una cadencia que privilegia el tiempo real sobre la prisa narrativa. La fotografía no busca espectacularidad gratuita, sino una belleza que emerge de la observación paciente. En ese sentido, el do-

cumental se siente más cercano a una experiencia sensorial que a una lección científica.

La voz de Venegas funciona como un susurro que acompaña, nunca invade. Su narración aporta una dimensión íntima que conecta al espectador con el pulso emocional del relato, evitando caer en el didactismo. Hay una musicalidad en su tono que dialoga con la estructura del filme: pausada, reflexiva, profundamente humana.

A través de imágenes impactantes, la cinta retrata una historia de resiliencia, cooperación y supervivencia frente a condiciones ambientales adversas. En ese contexto, el comportamiento colectivo de los flamencos —su sincronía, sus desplazamientos, su forma de protegerse— adquiere un ca-

rácter casi coreográfico, pero también profundamente político: sobrevivir es, en muchos casos, un acto comunitario.

Con este trabajo, Hagerman suma su quinto largometraje documental y reafirma una trayectoria comprometida con temas sociales y ambientales. Sin necesidad de discursos explícitos, el filme deja claro su postura: la belleza de estos ecosistemas está íntimamente ligada a su vulnerabilidad.

En suma, Flamingos: La vida después del meteorito es un documental que combina arte, ciencia y conciencia ecológica con una sensibilidad poco común. Más que explicar, sugiere; más que imponer, invita. Es una obra que nos recuerda que observar también puede ser un acto de resistencia y que, en la fragilidad de la naturaleza, se encuentra una de las formas más poderosas de permanencia.

REBELADAS

CUANDO EL CINE Y EL FEMINISMO CONVERGIERON

Rebeladas es un título cuyo juego de letras y fonético alude a un doble significado: el relacionado con uno de los procesos que aún se usaban en la manufactura cinematográfica en los años setenta y ochenta (época en la cual se origina esta historia), y otro donde alude a la postura en oposición a un yugo o una condición que se percibe arbitraria e injusta. Ambos conceptos fueron parte también de la naturaleza de un movimiento pionero en su tipo.

Dicho movimiento se llamó Colectivo Cine Mujer, y surgió en 1975 de la necesidad de un grupo de artistas quienes por un lado buscaban expresarse libremente y por otro, abordar temas (principalmente de género) que les parecían de gran relevancia, pero de los cuales en esos años o bien no se hablaba mucho, o era todo

Francisco Javier Quintanar Polanco

un tabú hacerlo. Y en el inter, desarrollaron entre ellas lazos de amistad, sororidad y compromiso social.

La génesis de dicho colectivo es narrada frente a cámara por sus propias integrantes: Ana Victoria Jiménez, Mónica Mayer, Rosa Marta Fernández, Maru Tamés, Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez Sosa, María Novaro, Sonia Fritz, Lilian Liberman y Beatriz

Mira. Y sus opiniones constituyen la médula espinal del largometraje elaborado a cuatro manos por Andrea Gautier y Tabatta Salinas, quienes refuerzan dichos testimonios con imágenes de archivo, y presentan un trabajo fascinante el cual habla no solo de una inquietud artística, sino también de una exploración de las posibilidades del cine como manifiesto político e

instrumento para generar el diálogo, y que aborda además los albores de una lucha la cual continúa hasta el día de hoy.

REBELADAS Distribución: Colectivo Colmena

A veces terribles, otras jocosas y otras tantas indignantes, las anécdotas que las entrevistadas relatan frente a cámara conforman un mosaico de la sociedad de esos años, donde las mujeres eran subestimadas, invisibilizadas, marginadas, maltratadas, blanco de mofas y de acoso, y otras cuestiones similares derivadas del machismo, el sexismo y la misoginia.

El Colectivo Cine Mujer fue relevante por diversas razones. La primera es porque sería un semillero del cual surgirían cineastas destacadas como las antes mencionadas Novaro y de Lara, por ejemplo. Pero también (y la más importante) sentó precedente y cimiento

para el activismo feminista en los años venideros. Y en ese sentido, aunque dicho colectivo ya no existe, muchas de sus integrantes continúan en la militancia luchando por los derechos de las mujeres, y apoyando también otras causas.

Un documental que revela (¿o rebela?) esa historia en voz de quienes la vivieron, para darla a conocer, compararla con la situación actual (donde algunas cosas han cambiado y otras -tristemente- permanecen igual o incluso han empeorado) y generar la reflexión y una conversación entre generaciones. Y también para seguir inspirando a todas aquellas quienes, día con día, siguen en pie de lucha por lograr que las cosas (y la sociedad) mejoren. Y si bien es cierto que a lo largo de las pasadas décadas han conquistado importantes reivindicaciones, aún hay un largo trecho por recorrer.

POLAWEISS

EL DOCUMENTAL QUE RECUPERA A LA PIONERA DEL VIDEOARTE MEXICANO

Por Carlos Mora

La figura de Pola Weiss, una de las artistas más visionarias del audiovisual mexicano, es revisitada en el documental dirigido por Alejandra Arrieta, una obra que rescata la memoria y el legado de quien fue considerada pionera del videoarte y la videodanza en México.

La película propone un recorrido profundo por la vida y obra de Weiss, una creadora que desde las décadas de los setenta y ochenta exploró el potencial del video como una herramienta artística radicalmente distinta a los formatos tradicionales del cine y la televisión. A través de una investigación minuciosa, el documental reúne materiales de archivo, fragmentos de sus obras, fotografías, textos personales y testimonios de personas cercanas a la artista, con el objetivo de reconstruir su universo creativo y su particular forma de entender la imagen en movimiento.

Lejos de limitarse a una biografía convencional, el trabajo de Arrieta se construye con un lenguaje que

dialoga con la propia estética experimental de Weiss. El documental mezcla registros personales, piezas audiovisuales y reflexiones íntimas que permiten al espectador acercarse a la subjetividad de la artista, quien veía la cámara como una extensión de su propio cuerpo. Para Weiss, el video no era solo un medio técnico, sino un instrumento para explorar emociones, identidad y movimiento.

Uno de los aspectos más llamativos del filme es el uso de la voz de la propia artista, recreada a partir de sus escritos, cartas y materiales personales. Este recurso permite que la narrativa avance como si Weiss misma relatara su historia, generando una experiencia que conecta al público con su pensamiento, sus inquietudes y su visión del arte.

El documental también sitúa el trabajo de Weiss dentro del contexto cultural y tecnológico de su época. Durante los años en que desarrolló su obra, el video comenzaba a consolidarse como un medio accesible

para los artistas interesados en experimentar fuera de los circuitos tradicionales del cine. En ese terreno, Weiss se convirtió en una figura adelantada a su tiempo, utilizando la cámara para explorar el cuerpo femenino, la danza, la ciudad y la relación entre la tecnología y la subjetividad. Su trabajo, profundamente personal y performático, desafiaba las convenciones narrativas y visuales de la televisión de la época. De hecho, Weiss llegó a intervenir espacios televisivos con sus piezas experimentales, en un intento por llevar el arte a públicos más amplios y romper las barreras entre el arte contemporáneo y los medios masivos.

A lo largo del documental, Arrieta también aborda las dificultades que enfrentó la artista para que su obra fuera comprendida y valorada en su momento. Como muchas creadoras experimentales, Weiss fue vista durante años

como una figura marginal dentro del panorama artístico, a pesar de que su trabajo anticipó muchas de las discusiones contemporáneas sobre el cuerpo, la identidad y la tecnología.

En este sentido, la película funciona no solo como un retrato biográfico, sino también como un ejercicio de recuperación histórica.

Al reconstruir su trayectoria y poner en diálogo su obra con el presente, el documental plantea la necesidad de reconsiderar el lugar que ocupa Weiss dentro de la historia del arte y del audiovisual en México.

Con “Pola Weiss”, Alejandra Arrieta ofrece una obra que combina investigación, sensibilidad y experimentación formal para rescatar la voz de una artista única. El resultado es un documental que invita a redescubrir a Pola Weiss como una creadora adelantada a su tiempo, cuya obra sigue dialogando con las inquietudes artísticas y sociales de la actualidad.

La novia de Frankenstein revive en la pantalla grande con ¡La Novia!. En su segunda película como directora, Maggie Gyllenhaal retoma a una de las criaturas más emblemáticas del cine de monstruos para reinterpretar su origen.

La Revista Cameo estuvo presente en un encuentro especial con Gyllenhaal y la actriz Jessie Buckley, quienes compartieron detalles sobre la producción.

Gyllenhaal tomó como referencia el carácter desafiante de Frankenstein; o el moderno Prometeo, de Mary Shelley, para construir el tono transgresor de ¡La Novia!, su segundo largometraje. En esta propuesta, plantea una historia alternativa de una de las figuras más icónicas del cine de monstruos, en la que ninguna decisión creativa resulta condescendiente.

“La novela Frankenstein fue escrita como un desafío. Esta película también lo es: te reta a que, en lugar de huir de tus monstruos, los mires de frente y estreches su mano”, explicó la direc-

tora. “El tono es nuevo y su lenguaje también. No creo que encaje limpiamente en ningún género”.

Más que adaptar La novia de Frankenstein, dirigida por James Whale y protagonizada por Elsa Lanchester, Gyllenhaal rehace el mito de la mujer revivida para convertirse en la compañera de la Criatura.

La distancia respecto a la obra original es evidente desde el título, que elimina el “de Frankenstein” para quedarse simplemente en ¡La Novia!. En contraste, añade signos de exclamación como una declaración de principios que anticipa el desenfreno que se despliega a lo largo de sus 126 minutos.

“En la película original, la novia casi no aparece: apenas está en pantalla un par de minutos y no dice una sola palabra. Eso me despertó mucha curiosidad sobre lo que podría estar pensando o sintiendo”, señaló Gyllenhaal.

Esa breve participación llevó a la directora a reflexionar sobre el papel secundario que históricamente han tenido los personajes

femeninos en el cine clásico, muchas veces despojados de trasfondo, emociones y capacidad de decisión.

“Creo que a muchas mujeres en películas de otra época no se les dio la oportunidad de explorar lo que pensaban. Ella está en una situación absurda: ha sido traída de vuelta de entre los muertos sin su consentimiento para convertirse en la esposa de alguien a quien nunca ha conocido. ¿Cuál era su perspectiva sobre todo eso?”, añadió.

LA NOVIA

ENCUENTRA SU VOZ

Para Jessie Buckley, la película responde a esa pregunta en primera persona, otorgándole voz a un personaje que nunca la tuvo. En esta versión, no es una criatura pasiva, sino una mujer impulsada por el deseo de experimentar la vida.

“Ella no regresa con una idea clara de quién es. Vuelve con enormes preguntas, pero también con algo profundamente encarnado: su mente y su cuerpo se reactivan de una forma que ni ella misma espera. Está tan viva, es tan monstruosa

en el sentido más salvaje y brillante, casi como un rayo láser. Y cuestiona su propia existencia para descubrir quién es”, comentó.

La actriz, quien también trabajó con Gyllenhaal en La hija oscura, interpreta aquí un triple papel: Ida, la Novia y la propia Mary Shelley. Este recurso amplía la dimensión del relato y cuestiona las convenciones sociales impuestas a las mujeres en los años treinta, dotándolo de un carácter abiertamente subversivo.

“Para Maggie y para mí era esencial que la mente y el cuerpo de esta mujer estuvieran en constante diálogo con la realidad en la que despierta, junto a un hombre por el que siente curiosidad. Ella no grita ni se niega: pregunta. ¿Dónde estoy? ¿Qué es el amor? ¿Qué es el matrimonio? ”, añadió.

REDEFINIENDO AL MONSTRUO

Para Gyllenhaal, el proyecto fue una oportunidad de explorar la monstruosidad desde una perspectiva distinta: como aquello que no encaja dentro de las normas establecidas.

EL MITO CON ¡LANOVIA!

Lejos de la versión clásica, la directora propone una historia donde la monstruosidad se convierte en una forma de libertad y autodescubrimiento.

Por Alejandra Lomelí

“Hay aspectos dentro de nosotros que a veces se sienten monstruosos. Cosas que nos dicen que no están permitidas y que comienzan a volverse aterradoras, como si tuviéramos que deshacernos de ellas. Ese es un lugar estimulante para hacer una película. Lo monstruoso es vibrante, emocionante y está lleno de vida”, explicó.

Buckley añadió que la cinta se aleja de la visión tradicional del monstruo como figura amenazante, para centrarse en un proceso de transformación emocional. La historia presenta tanto a la Criatura como a la Novia en un viaje de autodescubrimiento, donde cuestionan la identidad que les ha sido impuesta.

“En nuestra historia, la Criatura también está en un proceso de descubrimiento. En Frankenstein se le asigna una identidad: la de monstruo. Y a través de su relación con la Novia, ambos aprenden qué significa realmente vincularse. No solo la idea del matrimonio o del amor, sino cómo sostener un amor profundo”, señaló.

Este proceso se convierte en el motor de la historia y detona la búsqueda de identidad de la novia, más allá del rol que le impone el mito.

“Cuando finalmente asimila quién es y rompe con el arquetipo de ‘la novia de…’, se convierte en su propio nombre. Encuentra su autonomía y se nombra a sí misma”, concluyó.

Crear una experiencia cinematográfica memorable para toda la familia fue uno de los principales objetivos detrás de Proyecto fin del mundo (Project Hail Mary). El actor Ryan Gosling, junto a los directores Phil Lord y Christopher Miller, habló sobre el proceso creativo.

La clave, comenta Gosling, proviene directamente de las páginas de la novela homónima de ciencia ficción escrita por Weir, que combina una aventura espacial de gran escala con un relato íntimo y profundamente humano.

“Es una oportunidad increíblemente conmovedora y optimista de mirar al futuro. No como algo que temer, sino como algo que simplemente hay que descubrir”, dijo el actor.

“La voz de Andy es muy importante en este momento. Tiene una manera únicaNde mirar hacia el futuro. Es la aventura de toda una vida, pero, al mismo tiempo, no es una historia escapista. Es un recordatorio de lo que somos capaces de hacer como seres humanos”.

RYAN GOSLING LIDERA UNA

MISIÓN PARA SALVAR AL MUNDO Y UNIR A LA HUMANIDAD

La Revista Cameo estuvo presente en la conferencia internacional de "Proyecto fin del mundo", la esperada adaptación cinematográfica de la novela de ciencia ficción de Andy Weir.

Por Alejandra Lomelí

La historia sigue al profesor de ciencias Ryland Grace (Gosling), quien despierta en una nave espacial a años luz de su hogar sin recordar quién es ni cómo llegó hasta allí. A medida que recupera la memoria, descubre su misión: salvar a la Tierra de la extinción.

Aunque Proyecto fin del mundo imagina un escenario apocalíptico, los directores apostaron por una visión esperanzadora que resalta los valores humanos y el sentido de cooperación.

“Creo que ese es el corazón de la película: en cada

escena, tanto en la Tierra como en el espacio, los seres se unen para resolver problemas”, señaló Miller.

“Aunque técnicamente trata sobre una especie de apocalipsis, no es sombría ni fría. Es cálida y esperanzadora, y muestra el verdadero espíritu de la humanidad”.

DANDO VIDA A ROCKY

Uno de los personajes clave de la historia es Rocky, una criatura alienígena que acompaña a Ryland en la nave espacial mientras intenta resolver el enigma de la misteriosa sustancia

que amenaza con extinguir el Sol, y con quien desarrolla una amistad inesperada.

“Tener una marioneta fue parte de la magia, porque de alguna manera estábamos experimentando lo mismo que los personajes: encontrar una forma de conectar, de comunicarnos y hacer que funcionara”.

El actor también destacó el trabajo del titiritero James Ortiz para dar vida al personaje y lograr una conexión: “Rocky encontró su voz frente a la cámara a través de James. Y esa conexión era tan real porque yo formé una conexión increíble con él. Esta película le debe mucho, porque apareció prácticamente de la nada y se convirtió en un elemento clave”.

Para Gosling, el filme aspira a convertirse en uno de esos grandes eventos cinematográficos que marcan a generaciones.

“Creo que todos tenemos películas con las que recordamos dónde estábamos cuando las vimos, qué significaban en ese momento de nuestras vidas. Y esta tiene todo el potencial de convertirse en una de ellas”, concluyó.

TV Y STREAMING

FERNANDO BONILLA

HUMOR IRREVERENTE Y CAOS GODÍN: ASÍ ES LA OFICINA

FERNANDO BONILLA

APUESTA POR EL HUMOR IRREVERENTE EN LAOFICINA

El actor protagoniza la adaptación mexicana de "The Office", dirigida por Gaz Alazraki, que explora, con sátira y humor mordaz, la cultura laboral del país.

Texto y foto Carlos Mora

La adaptación mexicana de la icónica serie The Office llega a Prime Video con el título de La Oficina Dirigida por Gaz Alazraki y protagonizada por Fernando Bonilla como Jerónimo Ponce III, la serie traslada el humor incómodo del formato original al contexto laboral mexicano, siguiendo la vida de los empleados de “Jabones Olimpo”, una empresa ubicada en Aguascalientes.

En entrevista, Bonilla confesó que su primera reacción cuando supo que se preparaba una versión mexicana fue de rechazo.

“Lo primero que cruzó por mi cabeza fue un escenario catastrófico. Cuando me llegó el casting, mi primer impulso fue no hacerlo”, recordó el actor, quien consideraba la versión original británica como un referente fundamental de su humor.

“Yo no quería ser partícipe de esa masacre, porque la versión original es un referente indiscutible en el tipo de comedia que consumo y que me gusta hacer”, explicó. Sin embargo, tras insistencia de su agencia y al conocer más del proyecto, su perspectiva cambió.

Conforme avanzó el proceso de casting y pudo leer los guiones, Bonilla descu-

brió que el equipo creativo estaba apostando por una propuesta distinta a la comedia televisiva tradicional en México. “El hecho de que estuvieran buscando un actor de impacto de mi perfil, raramente mediático, ya era un indicio de que no iba a ser la versión hegemónicamente televisiva que uno podría imaginar”, señaló. El actor aseguró que el proceso creativo estuvo marcado por la improvisación y una constante reflexión sobre el tipo de humor que querían construir. “Lo importante fue no dejar de preguntarnos nunca de qué nos estábamos riendo”, explicó.

De acuerdo con Bonilla, gran parte de la comedia surge del contraste entre los trabajadores y su jefe, un personaje que combina incompetencia, imprudencia y privilegio. “El humor emerge de un grupo de trabajadores que padecen la incompetencia y la imprudencia de su jefe, al que están obligados a tolerar”.

En la serie, Jerónimo Ponce III es precisamente ese jefe incómodo: alguien que no puede ser despedido porque es hijo del dueño de la empresa. “Es un jefe inepto, incompetente e inoportuno, pero nadie puede correrlo porque es el

hijo del dueño. Entonces lo ponen en una oficina donde haga el menor daño posible, y eso abre un campo infinito para la comedia”, comentó. Uno de los retos de esta adaptación fue trasladar el espíritu de la franquicia a la realidad mexicana sin copiar los conflictos sociales de otras versiones. “Era muy importante no copiar el racismo o las dinámicas de Inglaterra o Estados Unidos. México es un país profundamente clasista, racista y patriarcal, pero con su propia historia”, explicó el actor.

Para Bonilla, el formato del falso documental permite retratar esos vicios sociales desde la sátira, sin perder el equilibrio entre la incomodidad y la crítica. “Siempre hay un riesgo de que no sea verdaderamente incómodo o de que la serie termine suscribiendo esas conductas. Por eso era importante mantenernos en esa cuerda floja”, afirmó. El actor también considera que trabajar con una franquicia tan reconocida

fue una oportunidad para experimentar con un tipo de comedia más arriesgada. “Es un caballo de Troya. Tenemos una franquicia muy querida que mucha gente va a ver, quizá por curiosidad, y eso nos permitió hacer una comedia mucho más arriesgada”, dijo. Según Bonilla, el objetivo final era abrir nuevas posibilidades para la comedia televisiva en México. “Nuestra mayor inquietud era abrir lenguaje, hacer otro tipo de comedia. Probablemente una serie así jamás habría visto la luz si no tuviéramos una franquicia detrás”, concluyó.

UNA OFICINA MUY MEXICANA: EL TOQUE DE GAZ ALAZRAKI

Tras un amplio proceso de casting y un minucioso trabajo de guion, "La Oficina", adaptación mexicana de "The Office", busca aportar una mirada propia al fenómeno global de la comedia de oficina.

Texto y fotos Carlos

Mora

El humor incómodo y cotidiano de The Office cobra un nuevo matiz en La Oficina, la versión mexicana dirigida por Gaz Alazraki, quien junto a su equipo apostó por construir una versión con identidad propia y personajes profundamente ligados a la cultura laboral en el país.

Durante la presentación del proyecto, el realizador explicó que desde el inicio se buscó evitar una simple copia de las versiones previas de la serie creada por Ricky Gervais y Stephen Merchant.

“El equipo empezó viendo la versión de Estados Unidos y la inglesa, pero con el tiempo fuimos soltando esas referencias. La instrucción que venía desde la BBC y de Ricky Gervais era clara: no querían ver un ‘cover’ del show, y eso para nosotros era perfecto porque tampoco queríamos repetir chistes ni historias”, explicó Alazraki.

UN CASTING MINUCIOSO

Uno de los procesos más largos fue la selección del elenco. El equipo revisó alrededor de 1,300 actores antes de definir a los integrantes finales del reparto.

Según el director, la intención era encontrar una combinación de personalidades que transmitiera la sensación de una oficina real.

“Fue un proceso muy lento y muy detallado. Íbamos viendo cómo cada actor combinaba con el resto del elenco para que se sintiera que había una historia detrás de todos ellos”, comentó.

LA CÁMARA TAMBIÉN ACTÚA

Para recrear el estilo de falso documental que caracteriza a la franquicia, la producción trabajó de cerca con la BBC y con creadores de otras versiones internacionales del programa.

Uno de los descubrimientos clave fue que

los camarógrafos debían comportarse como parte de la narrativa.

“Nos dijeron algo muy importante: los camarógrafos también son actores dentro del show. Ellos no saben qué va a pasar ni dónde estarán los personajes. Tienen que descubrirlo en tiempo real”, explicaron los creadores.

Esto implicó rodar escenas largas y con gran movilidad de cámara, permitiendo que los momentos espontáneos surgieran durante la actuación y después fueran capturados en la edición.

HUMOR CON REGLAS

El equipo también definió un principio claro para la comedia: los personajes pueden decir cualquier

cosa, siempre que quede claro quién está equivocado.

“Puedes ir tan lejos como quieras con el humor, pero todos tenemos que saber quién está mal. Si el personaje que dice algo ofensivo es el que está equivocado, entonces la comedia funciona”, explicaron.

UNA OFICINA MEXICANA

La serie sitúa su historia lejos del clásico ambiente corporativo internacional. En lugar de grandes empresas, la versión mexicana se centra en negocios familiares y estructuras laborales más comunes en ciudades medianas del país.

Para Gaz Alazraki, ese enfoque era esencial:

“En México muchas empresas son negocios familia-

res. Puedes ser el empleado más leal y trabajador, pero si hay un heredero, ese es el techo. Esa dinámica me parecía muy interesante para contar nuestra propia versión”.

El equipo creativo también evitó basar la serie únicamente en estereotipos de “Godínez”.

“No queríamos repetir los chistes que ya circulan en internet. Ser godín es un tema, pero no una historia. Lo importante era preguntarnos quiénes son estos personajes y qué les duele”, señalaron.

Para que los actores se apropiaran de sus personajes, el equipo de producción llenó los escritorios con objetos personales, conectó las computadoras a internet e incluso creó perfiles corporativos para cada integrante ficticio de la empresa.

Ese nivel de detalle buscaba que el mundo de la serie se sintiera auténtico desde el primer momento.

Con este enfoque, La Oficina apuesta por convertirse en una adaptación con identidad propia dentro de la extensa franquicia internacional de The Office, trasladando el humor incómodo y la observación social del original a la particular cultura laboral mexicana.

ENTRA AL UNIVERSO MÉDICO CON DOC

Tras más de dos décadas de carrera, la actriz suma un nuevo proyecto con la serie médica, donde interpreta a una psiquiatra marcada por su pasado.

Por Carlos Aguillón

Hay actrices que construyen su carrera a partir de momentos de impacto y otras que lo hacen desde la constancia. Gabriela de la Garza pertenece a este segundo grupo: intérpretes que han crecido junto con la evolución de la televisión y que han sabido transitar entre distintos formatos sin perder autenticidad.

Con más de 25 años de trayectoria, su camino artístico ha pasado por telenovelas, series pioneras, cine y teatro. Hoy, esa experiencia encuentra un nuevo escaparate con el estreno de DOC, el drama hospitalario que coloca a la actriz en el centro de una historia sobre memoria, culpa y segundas oportunidades.

En la serie interpreta a Ximena Franco, una psiquiatra y directora médica que debe reencontrarse con el hombre que alguna vez fue su esposo: el doctor Andrés Ferrara, personaje de Juan Pablo Medina, quien tras un atentado pierde doce años de memoria y despierta en un mundo que ya no reconoce.

Para De la Garza, el proyecto llegó en medio del caos cotidiano del trabajo actoral. “Me acuerdo perfecto porque fue una semana en la que estaba absolutamente saturada. Eran como seis escenas para la audición y pensé: ‘no tengo tiempo para hacer

esto’”, recuerda. Pero hubo un detalle que cambió su decisión: la presencia de Francisco Franco detrás de la serie. “Cuando supe que él dirigía dije: ‘no, sí hay que hacer el esfuerzo’. Y bueno… hice la audición y me quedé”.

El personaje que interpreta es uno de los ejes emocionales de la historia. Ximena Franco no sólo dirige el hospital donde se desarrolla la trama, también carga con un pasado complejo junto al protagonista. “Es una mujer que ha pasado por dolores muy fuertes y por situaciones muy complejas”, explica. “Cuando él pierde la memoria, intenta recuperar su relación con ella, pero fueron doce años los que desaparecieron de su vida. Y claro, en doce años una persona cambia… ella ya está en otro lugar de su corazón”.

Aunque ha interpretado personajes cercanos al ámbito de la psicología, este proyecto representó su primer acercamiento real al universo médico dentro de la ficción. La preparación, cuenta, fue intensa. Antes de iniciar rodaje en Bogotá, el elenco pasó semanas estudiando procedimientos, terminología y dinámicas hospitalarias.

“Tuvimos un propedéutico bastante extenso”, relata. “Las escritoras nos mandaron un glosario impresionante con enfermedades, términos médicos y situaciones clínicas para

que supiéramos exactamente de qué estábamos hablando. Además visitamos hospitales y estuvimos acompañados por un médico durante toda la producción”.

El contacto con la realidad hospitalaria fue una experiencia reveladora. La actriz recuerda con claridad el impacto de entrar por primera vez a terapia intensiva. “Salí absolutamente drenada”, confiesa. “Lo que viven los médicos en un solo día es brutal. Puedes entrar a una habitación donde alguien está viviendo sus últimos momentos y después subir a otra donde acaba de nacer un bebé. Esos contrastes emocionales son durísimos”.

Esa vivencia le dejó una profunda admiración por quienes dedican su vida a la medicina. “Nos decían que para sobrevivir a ese trabajo hay que aprender a mantener cierta distancia emocional sin perder la empatía. Y eso me parece algo dificilísimo”.

La historia de Gabriela de la Garza en la televisión mexicana comenzó cuando las series aún no dominaban la conversación cultural. Su debut llegó en la telenovela Amores querer con alevosía, producción de TV Azteca protagonizada por Bárbara Mori y Christian Meier. Con el tiempo, su carrera se expandió hacia proyectos que marcaron una nueva etapa para la televisión nacional.

Fue parte de series clave como Las Aparicio y Capadocia, producciones de Argos que ayudaron a consolidar el formato serial en México. “Cuando yo empecé no existían las series como ahora”, reflexiona. “Todo era telenovela. Me siento muy afortunada de haber vivido esa transición y de haber sido parte de proyectos que abrieron camino”. El teatro también ocupa un lugar fundamental en su carrera. Uno de sus trabajos más recientes fue la comedia Dos locas de remate, donde compartió escenario con Susana Zabaleta. Una experiencia que recuerda con especial cariño. “Hacer comedia me encanta y trabajar con Susana fue fantástico. Es una gran amiga y disfruté muchísimo esa obra”.

Hoy, con DOC, la actriz vuelve a sumergirse en una historia que combina emoción, drama y humanidad, un territorio narrativo que, según ella, refleja también la evolución de los personajes femeninos en pantalla. “Lo que contamos en la televisión es un reflejo de lo que vivimos en la vida real”, dice. “Cada vez vemos mujeres más complejas: psiquiatras, directoras, profesionistas con historias propias. Y me encanta poder representar a mujeres en todas esas facetas”.

Mientras el público comienza a descubrir la serie, Gabriela de la Garza celebra el momento con la serenidad de quien entiende que una carrera se construye con tiempo y paciencia. “Estoy muy contenta con el estreno y con la reacción de la gente”, dice. “Después de tanto trabajo, emociona muchísimo saber que finalmente la están viendo”.

Para Alejandra Ambrosi, cada proyecto es una oportunidad para explorar personajes complejos y mirar de cerca las contradicciones humanas. Ahora lo hace en Doc, la nueva serie de Netflix que muestra una historia que combina drama hospitalario, dilemas éticos y segundas oportunidades.

La actriz se integró al proyecto tras un proceso de audición que, admite, le despertó curiosidad desde el primer momento, sobre todo por tratarse de la adaptación de una exitosa historia italiana.

“Llegué a audición y cuando escuché que harían esta versión de la serie italiana me pareció muy interesante. Es una historia poderosa porque habla de un médico que, después de sufrir un atentado, pierde la memoria y tiene que reconstruir su vida desde cero”, explica Ambrosi a la Revista Cameo. “Eso la convierte en una serie sobre segundas oportunidades, sobre cómo volver a mirar el mundo y a las personas que te rodean”.

La trama se desarrolla en la intensa sala de emergencias de un hospital, donde las decisiones se toman en cuestión de segundos. En ese entorno aparece Sirena, el personaje que interpreta Ambrosi: una sofisticada directora de una farmacéutica que busca cerrar acuerdos con el hospital, pero cuyos intereses van mucho más allá de la salud pública.

“Sirena es una mujer muy ambiciosa. Tiene claro lo que quiere y hacia dónde va”, señala la actriz.

ALEJANDRA AMBROSI

La actriz participa en "Doc", serie de Netflix, donde encarna a una ejecutiva farmacéutica que desafía la ética hospitalaria.

Y LA AMBICIÓN DESDE UN QUIRÓFANO

Por Carlos Aguillón

“Está tratando de negociar con el hospital desde su posición en la industria farmacéutica, pero también tiene una relación con un doctor —interpretado por Iván Sánchez— que complica las cosas”.

Ese juego de poder, seducción y estrategia convierte al personaje en una figura incómoda dentro de la historia. “Es una mujer muy educada, muy elegante, pero con una visión bastante maquiavélica del mundo”, dice Ambrosi. “Busca poder, estabilidad económica, crecimiento… y no necesariamente mide las consecuencias emocionales o éticas de sus decisiones”.

El rodaje de la serie se realizó en Colombia, una experiencia que la actriz recuerda con entusiasmo no sólo por el trabajo frente a cámara, sino por la convivencia con el elenco.

“Estuvimos allá como mes y medio y luego un par de semanas en México”, relata. “Cuando trabajas fuera de tu país se generan vínculos muy fuertes. Empiezas a hacer una especie de clan, de club entre los actores. El elenco fue maravilloso y eso se siente mucho en pantalla”.

Además de la química entre los intérpretes, la producción apostó por un nivel de realismo en todo lo relacionado con el entorno hospitalario. “Fue muy específico todo el tema médico. Teníamos un doctor asesorándonos en cada escena”, recuerda. “Cada procedimiento, cada diálogo, cada situación estaba supervisada. Eso hacía que todo fuera más creíble y también más interesante para nosotros como actores”.

Esa rigurosidad no evitó que el rodaje tuviera momentos caóticos. De hecho, uno de los episodios más recordados por el elenco fue cuando un resfriado colectivo invadió el set.

“Hubo un contagiadero de gripa terrible”, cuenta entre risas. “Estuvimos como una semana todos enfermos, grabando escenas en un hospital mientras tratábamos de salvar vidas en la ficción. Fue bastante surrealista”.

La estancia también le permitió descubrir Colombia, país que visitaba por primera vez. “No lo conocía y fue maravilloso”, dice. “La gente, los paisajes, la energía del lugar… todo ayudó mucho a que el proyecto se sintiera especial”.

Pero más allá del entretenimiento, Ambrosi considera que el verdadero valor de la serie está en la humanidad de sus historias. “Hoy más que nunca necesitamos relatos que nos cuestionen”, reflexiona. “Sí, buscamos entretenimiento, pero también queremos ver historias que nos hagan pensar sobre lo que estamos viviendo como sociedad y sobre las decisiones que tomamos”.

Esa inquietud por las narrativas que generan reflexión también atraviesa su trabajo fuera de la pantalla. Además de actriz, Ambrosi se ha consolidado como productora teatral y ha impulsado proyectos con una fuerte carga social.

Uno de ellos es Hilos, una obra que aborda la violencia de género y que, para ella, representa una responsabilidad artística.

“Como creadores tenemos una voz que puede generar conciencia”, afirma. “Me

siento responsable de usar esa voz para hablar de temas importantes y para inspirar a otras mujeres a abrir caminos”.

Desde su perspectiva, las historias que se cuentan hoy en televisión y plataformas han evolucionado y permiten ver personajes femeninos con mayor profundidad.

“Creo que las narrativas han mejorado mucho”, señala. “Ahora tenemos un abanico más amplio de personajes y eso permite mostrar mujeres más complejas, más cercanas a la realidad que vivimos”.

También reconoce que los avances aún son parciales. “Si bien cada vez vemos más mujeres en puestos de liderazgo, todavía falta mucho en términos de igualdad”, dice. “Las diferencias salariales siguen siendo enormes y las oportunidades no siempre son las mismas”.

Uno de los puntos que más le preocupa es la carga invisible que muchas mujeres siguen asumiendo dentro del ámbito familiar. “Podemos tener puestos de poder, dirigir empresas o proyectos, pero la parte del cuidado sigue recayendo en gran medida en nosotras”, explica. “Es algo difícil de medir, pero tiene un impacto social y económico muy fuerte”.

Para Ambrosi, el verdadero cambio llegará cuando ese equilibrio también se construya desde el hogar “Necesitamos que los hombres se involucren más en las tareas de cuidado”, subraya. “Sólo así podremos hablar de una balanza de género más justa, donde los liderazgos sean realmente recíprocos”.

Las nuevas plataformas han abierto la puerta a historias más arriesgadas y personajes más complejos. Ese es justamente el espíritu de Polen, la serie de suspenso que llega a ViX como una apuesta por el thriller psicológico en español. Producida por 11:11 Films, la compañía de Manolo Cardona y Juancho Cardona, la serie reúne a Claudia Ramírez, Ana Brenda Contreras y Tiago Correa en una historia donde la belleza de las flores esconde secretos mortales.

La trama arranca con un hecho que sacude a una de las familias más poderosas del país. Durante la celebración de su cumpleaños número 60, Beatriz Zamudio, matriarca del imperio floral más importante de México y del Hotel Prestigio, cae desde su habitación. Lo que en un principio parece un suicidio pronto revela algo mucho más inquietante: Beatriz fue envenenada con polen.

A partir de ese momento, los secretos familiares comienzan a florecer y cada integrante del clan se convierte en sospechoso.

Para Claudia Ramírez, quien interpreta a la poderosa Beatriz Zamudio, el proyecto llegó de una manera tan inesperada como emocionante. “Me habló mi manager y me dijo: ‘tú estás en una serie’ y yo le pregunté: ‘¿pero cómo?, ¿voy a hacer casting o qué onda?’”, recuerda entre risas. “Yo soy muy insegura de los cimientos, como diría mi madre, y preguntaba: ‘¿por qué yo?’… y me respondieron: ‘no, tú eres’. La verdad fue muy emocionante porque difícilmente te pasa algo así en la carrera”.

En entrevista con la Revista Cameo, Claudia Ramírez, Ana Brenda Contreras y Tiago Correa hablan de la serie, una historia donde el poder femenino y los secretos familiares.

Por Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora

POLEN,UN THRILLER QUE DESAFÍA LOS ESTEREOTIPOS DEL STREAMING

Para la actriz, proyectos como Polen reflejan la evolución que ha tenido la industria audiovisual en los últimos años, especialmente gracias a las plataformas. “Las plataformas nos han dado oportunidad de hacer otros géneros y otros formatos”, explica. “No es lo mismo grabar una serie en seis u ocho semanas que pasar siete meses en un foro haciendo una telenovela. Todo suma, y además el streaming ha obligado a que la televisión abierta también mejore su calidad. Eso es buenísimo para todos”.

Pero más allá del suspenso, Polen también plantea una historia donde las mujeres ocupan posiciones de poder y donde los personajes se alejan de los estereotipos clásicos. “La humanidad es absolutamente diversa y qué maravilla que los personajes también lo sean”, afirma Ramírez. “Si todos tuviéramos que ser perfectos no podríamos interpretar a nadie. Lo interesante es arriesgarse y que los productores también se atrevan a apostar por distintos tipos de actores y cuerpos, no por lo estereotipado”.

Para Ana Brenda Contreras, quien da vida a la fiscal Sandra Fitzgerald —la mujer que busca descubrir la verdad detrás de la muerte de Beatriz—, la serie representó una oportunidad irresistible desde el primer momento.

“Cuando vi la carpeta del proyecto pensé: ‘esto es algo que yo vería’”, comenta. “Es un género que consumo mucho y un tipo de personaje que no me ofrecen tan seguido. Entonces claro que era una oportunidad increíble, no sólo por la experiencia, sino porque genuinamente disfruto historias así”.

Tiago Correa, Claudia Ramírez y Ana Brenda Contreras.

La actriz también reflexiona sobre cómo la industria ha ido rompiendo etiquetas entre los propios intérpretes “Antes parecía que había categorías: actores de cine, de teatro o de televisión”, dice. “Y yo nunca entendí eso. Según yo nada más hay actores… buenos o malos, y eso también es subjetivo. Hoy esas líneas se están borrando y eso me parece muy valioso”.

POLEN

Dónde ver: ViX

Contreras reconoce que, incluso para quienes participan en un proyecto, no siempre es fácil disfrutar el resultado final. Pero con Polen ocurrió algo distinto. “Cuando ves el proyecto terminado y realmente lo disfrutas como espectadora, incluso siendo parte de él, eso es lo mejor que te puede pasar”, explica. “Somos muy exigentes con nosotros mismos y muchas veces ni siquiera queremos vernos en pantalla, pero aquí me pasó lo contrario”.

El actor Tiago Correa, quien interpreta a Jacobo —el hijo que regresa después de años de ausencia para descubrir la verdad sobre la muerte de su madre—, recuerda que su acercamiento a la serie comenzó con una llamada directa del director.

“Me llamó y me dijo: ‘tengo una serie para ti y te veo en este personaje, pero quiero que hagas casting’”, relata.

“Cuando recibí la carpeta del proyecto me impresionó que el universo ya estaba muy claro: la tipografía, los colores, todo el concepto del polen. Lo leí y dije: ‘wow, qué buena serie… quiero estar’”.

Para el actor, el proyecto representa también un paso importante en la consolidación del thriller latinoamericano dentro de las plataformas.

“Polen es una apuesta y también un riesgo para la plataforma y para nosotros como actores”, afirma. “Pero sabíamos que el secreto era hacerlo bien. Se invirtió en la música, en la fotografía, en la estética… en todo. Y eso

es algo que las plataformas han traído: te mueven el piso y te obligan a hacer cosas mejores”.

Correa también destaca que la llegada del streaming ha democratizado las historias y las oportunidades dentro de la industria.

“Tiene que ver con democratizar el contenido y las oportunidades”, explica. “Las plataformas te permiten tomar riesgos y contar historias distintas. Y Latinoamérica tiene todo para hacer thrillers policiales muy potentes”.

Entre flores venenosas, secretos familiares y personajes que ocultan más de lo que revelan, Polen se construye como un juego psicológico donde nadie es completamente inocente. Una historia donde el poder, la ambición y la culpa se entrelazan hasta convertir a cada personaje en sospechoso… y donde, como advierten sus protagonistas, la verdad puede ser tan peligrosa como el veneno escondido en una flor.

Ados décadas de carrera en televisión, el productor vive uno de los momentos más intensos de su trayectoria. Mientras estrena la telenovela Corazón de oro, prepara nuevos proyectos de comedia y una ambiciosa adaptación coreana que apunta a renovar las narrativas televisivas.

En entrevista con la Revista Cameo, el productor habla del entusiasmo que le generó este proyecto desde su primera lectura. La historia, protagonizada por Mayrín Villanueva, Gala Montes y Gabriel Soto, gira alrededor de Luz, una mujer que ha dedicado su vida a proteger a su hija Catalina, pero cuya estabilidad se rompe cuando la joven queda envuelta en un asesinato. A partir de ese momento, la protagonista tendrá que enfrentar una decisión que sacude cualquier certeza: defender a su hija o permitir que enfrente las consecuencias de sus actos.

Para Ortiz de Pinedo, el origen de esa intensidad dramática fue evidente desde los primeros guiones. “Cuando empecé a leer los capítulos me atrapó la historia de inmediato”, recuerda. “Sentí que tenía muchos elementos que podían enganchar al público. Incluso le pedí a mi productora asociada que leyera el material porque quería saber si estaba sintiendo lo mismo que yo. Cuando

PEDRO ORTIZ DE PINEDO CELEBRA 20 AÑOS DE MELODRAMA Y COMEDIA

El productor y director presenta con "Corazón de oro" su más reciente proyecto, consolidando dos décadas de historias que combinan emociones intensas y humor en la televisión.

Por Carlos Aguillón

terminamos de revisarlo los dos coincidimos en que había algo muy poderoso en esa narrativa”.

La trama parte de un secreto del pasado que termina afectando a todos los personajes. Un antiguo patrón de Luz decide incluirla a ella y a su hija en su testamento antes de morir, intentando compensar años de sufrimiento relacionados con una verdad familiar que permaneció oculta durante mucho tiempo. A partir de ahí, las tensiones comienzan a crecer dentro de la familia Arango Nova, un poderoso clan dueño de un importante viñedo en Querétaro.

“Una de las cosas que más me interesó es que la historia no depende de un solo giro dramático”, explica el productor. “Aquí constantemente aparecen revelaciones que cambian la perspectiva del espectador. Cada personaje guarda algo, y cuando esas verdades salen a la luz las relaciones empiezan a transformarse”.

El conflicto central, sin embargo, tiene una particularidad poco común dentro del melodrama tradicional. La antagonista de la historia es, precisamente, la hija de la protagonista.

“Eso fue algo que me pareció muy interesante desde el principio”, comenta Ortiz de Pinedo. “En muchas telenovelas el enfrentamiento se da entre personajes que compiten por amor, pero aquí estamos viendo una relación madre e hija que se fractura por decisiones y ambiciones muy personales. Ese choque emocional genera una tensión distinta”.

El productor considera que el género del melodrama continúa teniendo una conexión especial con el público, incluso en un panorama donde las plataformas digitales han transformado la forma de consumir contenido audiovisual.

“Las audiencias cambian, pero las emociones siguen siendo universales”, reflexiona. “Las historias que hablan de familia,

de amor, de lealtad o de traición siguen tocando fibras muy profundas. Lo importante es encontrar la manera de contarlas con un ritmo que conecte con el presente”.

Ese equilibrio entre tradición y actualidad ha sido una constante en su carrera. Ortiz de Pinedo recuerda que su formación dentro de la industria comenzó mucho antes de producir telenovelas. Durante años trabajó en la creación de comerciales, un

espacio donde aprendió a condensar historias en pocos segundos.

“Un comercial también es narrativa, solo que en un formato mucho más breve”, dice. “Ahí aprendí a entender la importancia del ritmo, de la estructura y de cómo captar la atención desde el primer momento”.

Con el tiempo, ese aprendizaje se trasladó a proyectos más ambiciosos dentro de la televisión.

Hoy, el productor celebra 20 años de trabajo dentro de Televisa, una etapa que describe como un proceso constante de crecimiento.

“Cumplir dos décadas en esta industria es algo que agradezco muchísimo”, comparte. “He tenido la oportunidad de experimentar con distintos géneros y de trabajar con equipos creativos que me han acompañado durante muchos años”.

Esa continuidad también ha permitido consolidar una forma de trabajo muy particular. Según explica, cada producción implica la colaboración de varios equipos que operan simultáneamente.

“Tenemos grupos creativos diferentes trabajando en paralelo”, comenta. “Cada uno se enfoca en un proyecto específico, pero todos comparten la misma intención: construir historias que logren conectar con el público”.

Actualmente, mientras Corazón de oro comienza su recorrido en pantalla,

Ortiz de Pinedo mantiene varios proyectos en desarrollo. Entre ellos se encuentra la nueva temporada de la comedia Tú crees, además de una propuesta que apunta a ampliar las posibilidades narrativas dentro de la televisión abierta.

Se trata de la adaptación en español de Ella era bonita, uno de los dramas coreanos más populares de los últimos años. El proyecto formará parte de un nuevo bloque de contenidos para Canal 5 que explorará formatos más breves.

“La idea es trabajar con historias más compactas, de alrededor de veinte capítulos”, explica. “Es un formato que ha tenido mucho éxito en otras partes del mundo y que puede ofrecer una dinámica distinta para la televisión”.

Más allá de las estrategias de programación o de las tendencias internacionales, el productor insiste en que el centro de cualquier proyecto sigue siendo la historia.

“Todo comienza con un buen guion”, afirma. “Cuando encuentras una historia que te emociona, todo lo demás empieza a acomodarse”.

“Al final del día”, concluye, “lo que buscamos es que la gente se identifique con los personajes, que sienta lo que ellos están viviendo y que tenga ganas de regresar al día siguiente para saber qué va a pasar”.

VIX MICRO: DRAMAS INTEN

En entrevista con la Revista Cameo, el productor André Barrén y las actrices Lisette y Alexa Archundia revelan cómo la nueva apuesta de ViX reinventa la telenovela con relatos vertiginosos, grabados en vertical y pensados para conquistar a la audiencia digital.

Por Carlos Aguillón

La manera de contar melodramas está cambiando.

La plataforma de streaming ViX impulsa ViX MicrO, un formato de micronovelas diseñado para audiencias que consumen contenido desde el celular y en lapsos cada vez más breves.

Episodios de uno o dos minutos, temporadas de hasta 60 capítulos y rodajes que se realizan en apenas cinco días forman parte de una fórmula que busca mantener el ADN del melodrama, pero adaptado al ritmo de las redes sociales.

La apuesta ya muestra resultados. A menos de un año de su lanzamiento, la plataforma acumula más de 80 microhistorias producidas, alrededor de 900 millones de visualizaciones en redes sociales, seis millones de usuarios conectando diariamente con sus relatos y más de 80 millones de minutos vistos durante 2025, cifras que reflejan el impacto de un formato pensado para el consumo inmediato. En conversación con la Revista Cameo, el productor André Barrén explicó que el proyecto responde a una tendencia internacional que ahora

comienza a consolidarse en el mercado hispanohablante. “El formato vertical o los microdramas vienen funcionando desde hace cuatro o cinco años.

La cuna fue China, donde empezaron a segmentar historias para el público”, señaló. “En México somos de los primeros en producir microdramas de esta manera”.

El cambio no sólo está en la duración, también en la forma de filmar. “No grabamos en panorámico o en horizontal, sino en vertical, y eso te hace funcionar de otra manera en la puesta en escena y en la producción”, explicó el productor. “Lo que siempre hemos hecho es contar historias, pero ahora las contamos de una manera más vertiginosa, como el público se ha acostumbrado a consumir contenidos en

redes sociales: piezas cortas que rápidamente te dicen algo y que tienen que atraparte desde el primer momento”. Ese ritmo obliga a replantear la escritura de los guiones. Barrén reconoce que para los escritores es uno de los retos más complejos del formato. “El escritor tiene que entender que no va a tener tiempo para enseñarme quiénes son los personajes o describir el lugar donde están. Tiene que llegar directo a la problemática”, comentó. “En los primeros episodios debes saber quién es la heroína, quién es el villano y cuál es el conflicto. Todo eso tiene que quedar claro muy pronto”. Además, el proceso creativo funciona bajo parámetros muy específicos. “Tenemos cinco días de grabación y eso

SOS EN HISTORIAS CORTAS

significa que no podemos hacer demasiadas escenas para los 60 episodios que debemos realizar”, detalló. “Se establecen límites: cuántos personajes podemos usar, cuántos sets puede tener una locación y cuántos parlamentos hay por escena. El presupuesto es acotado, pero eso también te obliga a ser mucho más creativo para resolver la historia”.

Para las actrices, el reto está en capturar la atención del espectador desde los primeros segundos. Lisette, quien participa en una de las Micronovelas , destaca que el lenguaje cotidiano se vuelve una herramienta clave para conectar con la audiencia.

“El lenguaje es más coloquial, más natural, más orgánico, como hablamos en la vida real”, explicó. “Yo, por ejemplo, tengo sangre sinaloense y

sonorense y sí soy un poco mal hablada”, comentó entre risas. “Pero también se trata de entender en qué momento usarlo y en qué momento no. Si yo digo ‘me vale madres’, no es para ofender, es una forma de hablar”.

Para la actriz, esa libertad hace que los personajes se sientan más cercanos al público. “Es como la vida misma. Si estás interpretando a cierto tipo de mujer, ese lenguaje le cabe al personaje. Y el que no te censuren cuando no estás agrediendo a nadie se agradece muchísimo como actriz”.

En términos de preparación, asegura que el trabajo sigue siendo tan exigente como en cualquier producción tradicional. “El guion te llega unos días antes o a veces una semana antes, así que sí tienes tiempo

de preparar el personaje”, señaló. “Pero como sabes que el rodaje es muy corto, tienes que llegar completamente lista y con todo claro”.

Por su parte, Alexa Archundia, protagonista de una de las primeras micronovelas del catálogo, recuerda la emoción de ver el resultado final en pantalla. “Morí de amor cuando vi El regreso de la heredera fugitiva”, relató. “Tuve la fortuna de ser la protagonista y además fue la primera micronovela que se grabó para este nuevo contenido”.

Para la actriz, ese proyecto marcó el inicio de una nueva etapa dentro de la plataforma. “Se hizo con tanto amor y con tanto cariño que verlo reflejado en la pantalla me llenó de muchísima emoción e ilusión”, afirmó. “Ahora que se estrenó

Acábame, ver cómo incluso he crecido como actriz y la seguridad que se refleja en la pantalla me da muchísimo orgullo”. Archundia también destaca la precisión técnica que exige el formato vertical. “No te puedes mover tanto, tienes que tener muy presente la dirección de la cámara y respetar mucho las distancias”, explicó. “No es complicado, pero sí requiere mucha concentración”.

Al final, coinciden los tres, la esencia sigue siendo la misma: contar historias capaces de enganchar al espectador en cuestión de segundos. En un ecosistema dominado por el scroll infinito, ViX MicrO apuesta por condensar el drama, acelerar los conflictos y mantener viva la tradición del melodrama… ahora en la palma de la mano.

COBERTURA ESPECIAL

SIETE VECES ADIÓS

CUATRO AÑOS DE CANTAR AL AMOR Y SUS DESPEDIDAS

Amás de cuatro años de su estreno, Siete veces adiós se ha consolidado como uno de los montajes más exitosos y emotivos del teatro contemporáneo en la Ciudad de México. Lo que comenzó como una apuesta íntima sobre las relaciones de pareja, hoy es un fenómeno escénico que ha superado las 700 mil personas en audiencia, ha recorrido distintas ciudades del país y ha alcanzado el hito de mil representaciones, celebrado con una develación de placa apadrinada por Carlos Rivera, quien definió la obra como “un milagro en el teatro de México”.

En este momento clave, la producción abre una nueva etapa con la incorporación de Esmeralda Pimentel y Osvaldo Benavides, una de las parejas más queridas del medio artístico, quienes trasladan su complicidad de la vida real al escenario para interpretar a “Ella” y “Él”. Sus personajes atraviesan la crisis de los siete años, un punto de quiebre donde el amor se enfrenta a la rutina, las expectativas no cumplidas y la necesidad de reinventarse.

En entrevisa, Esmeralda Pimentel se mostró profundamente conmovida por integrarse a un proyecto con tal historia y resonancia emocional:

“Yo solamente quiero expresar mi completa gratitud a esta familia que nos ha recibido con toda su generosidad y su talento, con los brazos abiertos. Es un privilegio poder compartir con personas tan talentosas y amorosas, y qué mejor manera que hacerlo contando una historia que ha impactado a tantísimas personas”, expresó.

La actriz también subrayó la dimensión casi simbólica de su llegada en un momento tan significativo:

“Es mágico estar aquí hoy, en este aniversario, siendo parte de algo que ha tocado tantas vidas… gracias por acompañarnos y por seguir haciendo crecer esta historia”, añadió, reconociendo el vínculo que el público ha construido con la obra a lo largo de los años. Por su parte, Osvaldo Benavides enfatizó el carácter colectivo del éxito de Siete veces adiós, destacando que la permanencia del musical no puede explicarse sin el compromiso de todo el equipo:

“Gracias a todos, a cada uno de ustedes… recibirlos en este espectáculo es un verdadero privilegio. Este proyecto no solo es exitoso por el texto o la creatividad, sino por todo el trabajo que sucede en cada segundo, por cada persona que está aquí y por quienes lo hacen posible detrás del escenario”, afirmó.

El actor también reflexionó sobre lo extraordinario que resulta la longevidad de la puesta:

“Cuatro años de éxito en un mismo proceso no es algo normal, es histórico. Hay que sentirse muy orgullosos de lo que se ha construido y es un honor poder celebrarlo con ustedes”, dijo, reconociendo que pocas producciones logran sostener ese nivel de conexión con el público.

Más allá de las cifras, el impacto de Siete veces adiós radica en su capacidad de retratar el amor desde un lugar honesto, sin idealizaciones. La obra pone sobre la mesa los claroscuros de las relaciones: el enamoramiento,

ENTREGADOS POR COMPLETO A CELEBRAR EL ESMERALDA PIMENTEL Y

OSVALDO BENAVIDES

AMOR

La pareja se integra a la exitosa obra musical "Siete veces adiós", que, tras cuatro años en cartelera, continúa conmoviendo al público con su historia sobre relaciones, crisis y despedidas.

Texto y fotos Carlos Mora

SIETE VECES

ADIÓS

DÓNDE: Teatro Ramiro

Jiménez

Viernes 21:00 horas, sábados 17:00 y 20:30 horas y domingo 17:00 horas.

la cotidianidad, los desencuentros, las dudas y, finalmente, las despedidas que, en muchos casos, también implican un proceso de reconstrucción personal.

La historia sigue a “Ella” y “Él”, quienes, en medio de una crisis emocional, se enfrentan a preguntas fundamentales: ¿qué significa amar después de tanto tiempo?, ¿es posible reconstruirse dentro de una relación o es necesario dejarla ir?, ¿cuándo el amor se transforma en algo distinto? Estas interrogantes no solo atraviesan a los personajes, sino que encuentran eco en el público, que inevitablemente se ve reflejado en sus propias experiencias.

En paralelo, un grupo de músicos y cantantes —encargados de dar voz a aquello que los protagonistas no pueden expresar— construye un universo sonoro que acompaña cada etapa del vínculo. La música se convierte así en un narrador emocional, capaz de traducir silencios, tensiones y anhelos en canciones que transitan entre el amor, el desamor y la esperanza.

La incorporación de Pimentel y Benavides aporta una nueva lectura a la obra. Su química, marcada por su historia compartida fuera del escenario, añade una dimensión de autenticidad que potencia la narrativa. En escena, esa conexión se traduce en momentos de gran intimidad, donde las emociones fluyen con una naturalidad que refuerza la experiencia del espectador. Además, su llegada coincide con un momento de madurez del proyecto, en el que la obra ha evolucionado sin perder su esencia. Lejos de repetirse, Siete Veces Adiós ha sabido reinventarse a través de sus elencos, manteniendo viva la conversación sobre el amor en sus múltiples formas.

A mil funciones de distancia y con una comunidad de espectadores que sigue creciendo, el musical demuestra que las historias sobre relaciones humanas continúan siendo necesarias. En tiempos donde todo parece efímero, la obra invita a detenerse, a mirar hacia adentro y a cuestionar qué significa realmente amar… y también saber despedirse.

El musical mexicano Siete veces adiós continúa consolidándose como una de las propuestas más exitosas del teatro contemporáneo en México con su versión “Él y Él”, protagonizada por Jerry Velázquez y Aldo Guerra. La puesta en escena explora la historia de una pareja que atraviesa las distintas etapas del amor, desde el enamoramiento hasta el difícil momento de la despedida.

La obra, apuesta por una narrativa íntima donde la música y el teatro se entrelazan para retratar las emociones que acompañan a una relación: la ilusión del inicio, la convivencia, los conflictos cotidianos y, finalmente, la posibilidad de aceptar que algunas historias llegan a su final.

EL AMOR COMO NARRADOR

Uno de los elementos más distintivos del montaje es la presencia de Lamore, una personificación del amor que observa la historia desde fuera y se convierte en narrador del relato. Este personaje funciona como un puente entre la historia de la pareja y los músicos que aparecen en escena, quienes encuentran inspiración en lo que ocurre entre los protagonistas para crear las canciones que acompañan cada momento de la obra.

A partir de esa estructura, la relación de los personajes se reconstruye a través de recuerdos: momentos felices, discusiones, silencios incómodos y reconciliaciones que van delineando la evolución del vínculo. Cada episodio se transforma en una canción que expresa las emocio-

SIETEVECESADIÓS:ÉLYÉL UN VIAJE MUSICAL DEL AMOR AL ADIÓS

Jerry Velázquez y Aldo Guerra protagonizan una historia sobre una pareja y sus despedidas.

Por CarlosAguillón

Fotos Carlos Mora

nes que muchas veces los personajes no logran decir con palabras.

El resultado es un musical que se aleja del espectáculo tradicional para apostar por una propuesta más íntima y emocional, donde el público se convierte en testigo de un proceso de amor y duelo.

Desde su estreno, la obra ha logrado un fuerte vínculo con los espectadores, quienes encuentran en la historia situaciones reconocibles de la vida cotidiana: la rutina que se instala en una relación, las expectativas que cada persona deposita en el otro y el dolor que puede surgir cuando las cosas ya no funcionan como antes.

En ese sentido, la versión “Él y Él” aporta una mirada distinta al colocar en el centro la historia de amor entre dos hombres, ampliando el universo del montaje sin perder la esencia de su planteamiento original: hablar de las relaciones humanas y de los procesos emocionales que acompañan a las despedidas.

JERRY VELÁZQUEZ: UN PROYECTO ÍNTIMO

Para Jerry Velázquez, protagonizar esta versión del musical ha significado también un proceso personal. El actor ha reconocido que participar en el proyecto lo llevó a reflexionar sobre la importancia de hablar con mayor libertad sobre su identidad.

“Mi familia y mis amigos siempre lo han sabido, pero ese paso era como un último salto que debía dar. Quería dejar de tener bloqueos y miedos de hablar con normalidad”, ha explicado sobre la manera en que el montaje lo impulsó a mostrarse con mayor apertura.

Velázquez considera que la obra también puede resonar con personas que todavía enfrentan dificultades para expresar quiénes son o para sentirse aceptadas.

“Esta obra me recuerda a toda esa gente que vive represión, que no siente la aceptación y cariño de su familia”.

El actor destaca que el teatro puede convertirse en un espacio de empatía y representación, donde

distintas experiencias de vida encuentran un lugar para ser contadas.

ALDO GUERRA:

LA VIDA EN ESCENA

Para Aldo Guerra, la experiencia en el escenario tiene una dimensión profundamente personal. El actor ha revelado que uno de los monólogos que interpreta en la obra reproduce casi exactamente el momento en que habló con sus padres sobre su orientación sexual.

“Hay un momento donde los personajes hablan de cómo fue su salida del clóset, y el monólogo de mi personaje es exactamente como fue la mía con mis papás”.

Ese vínculo entre el texto y su propia historia ha convertido cada función en un momento emocionalmente intenso.

“Cuando un texto te resuena tanto, no paro de llorar”.

El actor recuerda que una de las funciones más significativas ocurrió cuando su madre asistió al teatro y lo escuchó interpretar ese fragmento de la obra frente al público.

“La primera vez que lo dije sabiendo que mi mamá estaba en el público fue así de ‘wow’, súper fuerte”.

UN MUSICAL DEL ADIÓS

Aunque la versión “Él y Él” pone en el centro la historia de una pareja gay, el espíritu del montaje apunta a una reflexión universal sobre el amor y las rupturas.

nostalgia y el humor, el musical construye un retrato cercano de las relaciones contemporáneas, donde las expectativas personales, los cambios y las decisiones individuales pueden transformar el rumbo de una historia compartida.

SIETE VECES

ADIÓS, ÉL Y ÉL

DÓNDE: Teatro Ramiro Jiménez Jueves 20:30 horas.

La obra plantea que todas las relaciones, sin importar quiénes las vivan, atraviesan momentos similares: ilusión, dudas, conflictos y, en algunos casos, la necesidad de dejar ir.

A través de canciones interpretadas en vivo y una narrativa que oscila entre la

Con una puesta en escena íntima y un fuerte componente emocional, Siete veces adiós: Él y Él se ha convertido en una experiencia teatral que invita al público a revisitar sus propias historias de amor. Al final, la obra deja una pregunta abierta: si las despedidas son realmente el final de una relación… o simplemente otra forma de amar.

CARLOS RIVERA

HONRA LA MÚSICA MEXICANA CON VIDA MÉXICO

CARLOS RIVERA

CELEBRA SUS RAÍCES CON EL ÁLBUM VIDA MÉXICO

RIVERA

El cantante presenta su nuevo álbum de 16 canciones que fusiona mariachi con sonidos contemporáneos, como un homenaje a la cultura, las tradiciones y la diversidad musical de México.

El cantante mexicano Carlos Rivera reafirma su conexión con las raíces musicales del país con “Vida México”, un álbum en el que se sumerge de lleno en el regional mexicano y rinde homenaje a la identidad cultural que lo ha acompañado desde la infancia. El disco, publicado por Sony Music México, reúne 16 canciones —14 de ellas inéditas y coescritas por el propio artista— y combina la tradición del mariachi con elementos contemporáneos, incluyendo instrumentación del sonido tumbado como charchetas y tololoche.

HOMENAJE AL REGIONAL MEXICANO

Para Rivera, este proyecto representa mucho más que un simple lanzamiento discográfico. Se trata de una declaración de orgullo cultural y una manera de mostrar la diversidad musical de México.

“Desde la portada representa nuestra mexicanidad, nuestras tradiciones. Para mí siempre ha sido importante mostrar que México es muy variado y muy amplio. No solamente podemos

quedarnos en que la música ranchera es la música de México; México es muchas cosas”, explicó el intérprete.

El cantante detalló que la estética visual del álbum también refleja esa identidad. En la portada aparece portando un gabán tradicional de Tlaxcala, elaborado con técnicas ancestrales por artesanos de su tierra natal.

“Estoy portando un gabán hecho en mi tierra tlaxcalteca por la familia Reza del Coyote, que siguen haciendo este tipo de prendas con textiles teñidos con técnicas ancestrales”, comentó.

UN DISCO INSPIRADO EN LA VIDA

En “Vida México”, Rivera también quiso rendir tributo a las mujeres que han marcado su vida.

“Las mujeres son muy importantes para mí: mi abuela, mi madre, mi hermana, mi esposa. Todas ellas me han inspirado para poder hacer lo que hago”, expresó.

El álbum está profundamente ligado a la manera en que los mexicanos entienden la vida y la muerte, una visión que el artista

ha difundido en el mundo desde que interpretó la canción Recuérdame en la película Coco. Según explicó, esa experiencia lo llevó a reflexionar sobre la importancia del Día de Muertos como celebración de la vida de quienes ya no están.

“La muerte para nosotros no es que celebremos la muerte; celebramos la vida de las personas que amamos y que ya no están con nosotros”, señaló.

Ese sentimiento se volvió aún más personal tras la pérdida de su padre, a quien dedica parte del espíritu del disco.

“Quise convertir ese dolor en música, en vida, en celebrar su vida. Todos tenemos un ser querido que ya no está con nosotros y que nos inspira”, dijo.

COLABORACIONES CON GRANDES VOCES

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su lista de colaboraciones, que reúne a figuras clave de la música mexicana. Entre ellas destacan Pepe Aguilar, con quien interpreta “Conversaciones con mi almohada”, y Alejandro Fernández, con quien canta “Sin despedida”. El proyecto también incluye duetos con Ana Bárbara en “Cuento de nunca acabar”, Marisela en “Donde estés, donde estoy”, y Natalia Lafourcade en una nueva versión de “Recuérdame”. Para Rivera, reunir a representantes de distintas generaciones y estilos fue esencial para construir un homenaje completo a la música mexicana.

“No podía ser un álbum que homenajeara nuestra música, nuestro pasado, nuestro presente y nuestro futuro sin traer a las dinastías que respetamos”, afirmó.

El cantante subrayó que el disco también refleja cómo el regional mexicano continúa evolucionando con nuevas generaciones de compositores y músicos.

“Somos muchas cosas, somos una mezcla de muchas cosas. Por eso este álbum mezcla tantos sonidos, porque la música sigue viva y, por lo tanto, evoluciona con el tiempo”, explicó.

Rivera añadió que está abierto a explorar distintos géneros dentro de la música mexicana, siempre y cuando las letras representen los valores que ha defendido a lo largo de su carrera.

“Yo no le tengo miedo a ningún género musical. Lo importante para mí es cuidar que la letra represente

lo que soy y lo que siempre he cantado”, afirmó. El intérprete recordó que su amor por la música mexicana nació en su infancia, escuchando discos junto a su abuela, quien ahorraba durante todo el año para llevarlo a conciertos.

“Recuerdo a ese niño que escuchaba música mexicana con su abuela. Ella ahorraba todo el año para poder ir a ver a los artistas. Hoy siento que estoy cumpliendo no solo mi sueño, sino también el de mi abuela”, relató emocionado.

Para el artista, el lanzamiento de “Vida México” llega en un momento de plenitud personal y profesional.

“Hoy me siento en un momento muy pleno. Este álbum habla de la vida, del presente, de que hoy estamos aquí y mañana quién sabe. Por eso hay que vivir la vida intensamente”, concluyó.

PRENSA · TOUR DE MEDIOS · RELACIONES PÚBLICAS

SusanaZabaleta

CELEBRA EL AMOR CON SOYLOCAPORTI

La intérprete y actriz mexicana

Susana Zabaleta presentó su nuevo sencillo

“Soy loca por ti”, una propuesta musical con influencias de jazz y cabaret que celebra el amor, la intensidad emocional y una etapa de plenitud personal.

El tema, disponible desde el pasado 6 de marzo, está acompañado de un videoclip en el que participa su actual pareja, el comediante Ricardo Pérez.

El video, dirigido por Bernardo Vázquez, se desarrolla en un ambiente nocturno que remite a los camerinos y escenarios del cabaret clásico, con una estética elegante y teatral que refleja la esencia de la canción. La presencia de Pérez dentro de la historia refuerza el carácter íntimo y personal del proyecto.

Durante la presentación del sencillo, Zabaleta compartió que la canción ya existía desde tiempo atrás, pero encontró el momento ideal para lanzarla ahora, cuando su vida personal atraviesa un momento especialmente feliz.

“Esta canción ya existía, pero es una gran producción. Además todo queda en familia, porque cuando una hace un acto de amor no piensa en dar poquito, piensa en darlo todo”, comentó la artista.

La intérprete también explicó que decidió hablar abiertamente de su felicidad, pese a que a veces pueda resultar incómodo compartir públicamente la vida personal.

“Uno quisiera recordarle a la gente que se puede ser feliz. A veces da pena decirlo o hablar de las relaciones, pero creo que el amor es contagioso. Si tú eres

La cantante presenta su nuevo sencillo , donde explora sonidos de jazz y cabaret en una canción inspirada en su historia de amor.

Texto y foto Carlos Mora

feliz con alguien, también puedes contagiar esa felicidad”, expresó.

Zabaleta recordó además su larga amistad con el director del videoclip, con quien ha compartido varios momentos importantes en su carrera. Según relató, su relación comenzó cuando él trabajaba como maquillista.

“Me acuerdo que cuando lo conocí me hablaba de todo lo que yo había hecho. Él era maquillista y con el tiempo se volvió un gran director. Hemos pasado tantas cosas juntos, desde penas de amor hasta sueños que parecían imposibles”, contó.

La artista señaló que el proyecto también representa un homenaje al mundo del cabaret, una estética que ha marcado su carrera y su forma de entender el escenario.

“Siempre me gustó la idea de subirte al escenario y poder decir lo que sea. El cabaret era un lugar donde se hablaba de lo que estaba pasando, de política, de la vida, de la semana. Era una apertura impresionante”, explicó.

Para Zabaleta, ese espíritu irreverente y libre sigue siendo una de las grandes inspiraciones de su trabajo artístico. En ese sentido, “Soy loca por ti” también busca recuperar esa tradición escénica que combina música, humor y crítica social.

“Era un poco como los corridos antes de los telegramas, donde se contaba lo que estaba pasando. Así era el cabaret, y

siempre hemos amado esa maravillosa parte”, añadió.

El propio Ricardo Pérez compartió su experiencia al participar en el videoclip, señalando que fue un momento muy especial para él.

“Creo que esta canción es muy especial para ti. A mí me ha tocado ser el ‘muso’, y ha sido algo hermoso. Me llena el corazón de amor y de sentimientos que uno no está acostumbrado a sentir como hombre”, comentó.

Zabaleta también reflexionó sobre cómo las emociones —ya sean felices o dolorosas— influyen directamente en el proceso creativo de los artistas.

“El artista siempre lleva los sentimientos a un grado mucho más elevado. Cuando estás muy triste o cuando estás muy feliz, todo se vuelve más intenso. Incluso las tragedias ayudan muchísimo a crear”, señaló.

La cantante adelantó que el tema formará parte de sus próximos conciertos y que planea interpretarlo con una estética completamente cabaretera.

“Me encantaría llevar una orquesta completa y combinarla con mi banda, hacer un espectáculo muy cabaret, muy de esa época maravillosa”, explicó.

Con “Soy loca por ti”, Zabaleta no solo presenta un nuevo sencillo, sino también una declaración artística y personal que celebra el amor, la libertad escénica y la pasión por la música.

YERI MUA

PREPARA UN SHOW “MÁGICO” EN EL AUDITORIO NACIONAL

La cantante asegura que su carrera no se define por las etiquetas de influencer y promete un espectáculo lleno de sorpresas para sus seguidores.

Texto y foto Carlos Mora

La cantante y creadora de contenido Yeri

Mua vive uno de los momentos más importantes de su carrera: su primer concierto en el Auditorio Nacional, uno de los recintos más emblemáticos de la música en México. En un encuentro con medios, la artista habló sobre su evolución desde las redes sociales hasta la música, las críticas que ha enfrentado y la forma en que su proyecto artístico refleja tanto su irreverencia como su lado más vulnerable.

“Es emocionante para mí. Un Auditorio Nacional era algo que hace años no veía venir”, confesó. “Inclusive cuando incursioné en la música tampoco me imaginaba un escenario tan grande y tan importante como significa un Auditorio Nacional”.

El camino de Yeri Mua hacia la música ha estado marcado por su popularidad en internet, algo que reconoce como parte fundamental de su historia, aunque también ha sido motivo de cuestionamientos dentro de la industria.

“Todos los días me llaman influencer, tiktoker… todos los días me dicen de cosas”, comentó con fran-

queza. “Pero lo importante es quién yo creo que soy y lo que valgo. Mi proyecto musical habla por sí solo”.

La cantante dejó claro que no reniega de su pasado digital, pues considera que fue la base que le permitió llegar a donde está hoy.

“Estoy orgullosa de todo lo que construí en su tiempo como influencer y como maquillista, porque por eso estoy aquí. Y nunca me voy a avergonzar de que me digan influencer; si soy influencer artista, pues soy influencer artista y ni modo”.

Sobre el futuro de su carrera, la intérprete dijo que no busca obsesionarse con posiciones o comparaciones dentro del género.

“No busco ser la número uno ni la mejor. Me gusta divertirme, pasarla bien y disfrutar la etapa que estoy viviendo. Si la etapa ahorita es la música, quiero aprovecharla y sacarle todo el jugo”.

UN PERSONAJE IRREVERENTE

Fiel a su estilo directo y provocador, Yeri Mua aseguró que su propuesta artística siempre ha estado fuera de lo convencional, algo que, lejos de incomo-

YERI

MUA DÓNDE: 19 de abril, Auditorio Nacional

darla, forma parte de su identidad.

“Estoy acostumbrada a ser atacada constantemente y criticada. Soy un personaje demasiado irreverente, demasiado sacado de lo normal”, explicó.

“Mi música también está fuera de lo que se considera ‘correcto’”.

La cantante adelantó que su concierto en el Auditorio Nacional será un espectáculo lleno de sorpresas.

“Voy a presentar un show completamente diferente: más sorprendente, exuberante, irreverente, divertido, locochón. De eso se trata: que la gente se divierta”, dijo. “El mensaje que siempre le doy a mis seguidores es que vivan su vida, porque nunca van a ser tan jóvenes como lo son ahora”.

EL DESAFÍO DE SER MUJER EN EL REGUETÓN

La intérprete también reflexionó sobre las dificultades que enfrentan las mujeres dentro del género urbano, especialmente cuando hablan abiertamente de sexualidad.

“Estamos en una industria donde difícilmente van a tomar en serio a una mujer”, afirmó. “A las mujeres que cantan reguetón siempre nos tachan de cosas cuando hablamos de sexualidad, pero no me importa”.

La cantante incluso comparó la importancia de ese

equilibrio con la carrera de artistas consolidados. “Hasta alguien como Shakira tiene canciones divertidas y otras muy profundas. Creo que lo importante es tener variedad”.

Durante la conversación también habló sobre la diferencia entre su figura pública y su vida personal.

“Jerimua es la mujer que yo quisiera ser todos los días”, explicó. “Jericruz es una persona más sensible, que a veces llora. Pero Jerimua es muy perra, se levanta y no le importa nada”.

Para ella, ese personaje funciona como una especie de alter ego que la impulsa a ser más fuerte.

“Es como la mujer que yo quisiera ser siempre y que sé que algún día voy a poder construir mejor”.

UN CONCIERTO LLENO DE SORPRESAS

Respecto al espectáculo en el Auditorio Nacional, Yeri Mua prometió una producción completamente renovada, con nuevos vestuarios, escenografía y momentos inesperados.

“Cambiamos absolutamente todo. Va a ser algo mágico”, adelantó. “Puede que salga de la nada o que venga desde abajo hacia arriba. Quién sabe… a lo mejor vuelo o me cuelgo del Auditorio”.

Además, invitó a sus seguidores a convertir el concierto en una celebración colectiva.

RICKY MARTIN

MADUREZ, SENSUALIDAD Y UN IDILIO ETERNO CON MÉXICO

El astro puertorriqueño recorre el país con su gira "Ricky Martin Live 2026". Tras conquistar el Estadio Fray Nano con dos noches abarrotadas, el cantante reafirma la conexión emocional que mantiene con el público mexicano, uno de los más fieles de su carrera.

Por Carlos Aguillón

Hay artistas que llenan recintos y otros que conquistan corazones. Ricky Martin pertenece, sin duda, a la segunda categoría. A más de tres décadas de carrera, el puertorriqueño vive una etapa de plenitud artística y personal que se refleja sobre el escenario: más maduro, elegante, dueño de una sensualidad que parece intacta y con una conexión emocional con su público que se renueva en cada concierto.

Ese vínculo volvió a quedar claro durante su reciente paso por la Ciudad de México, donde el cantante ofreció dos conciertos con localidades agotadas en el Estadio Fray Nano como parte de su gira Ricky Martin Live México 2026. En la primera de las presentaciones reunió a cerca de 20 mil asistentes, mientras que la segunda noche confirmó que su magnetismo sigue intacto entre el público mexicano. La capital fue testigo de un espectáculo que mezcla nostalgia, baile y emoción, una fórmula que Ricky Martin domina con naturalidad. El artista apareció en escena vestido de negro, con la seguridad y el carisma de quien ha aprendido a dominar cada rincón del escenario. Bastaron los primeros acordes para que el recinto se transformara en una celebración colectiva. Acompañado por una banda de músicos de primer nivel y un cuerpo de bailarines que dotan al show de dinamismo y teatralidad, el cantante ofreció un recorrido musical por algunos de los temas más emblemáticos de su

trayectoria. Canciones como “Pégate”, “María”, “Adrenalina”, “La bomba” y “She Bangs” encendieron al público desde los primeros minutos.

Entre coreografías, cambios de vestuario y una producción visual cuidadosamente diseñada, el intérprete demostró por qué sigue siendo considerado uno de los performers latinos más completos. Cada movimiento, cada gesto y cada mirada desataron gritos entre los asistentes, quienes celebraron la energía y sensualidad que el boricua proyecta en escena.

Pero el espectáculo también tuvo momentos de profunda emoción. Cuando llegó el turno de su repertorio romántico, el ambiente cambió por completo. Con “Tal vez”, “Fuego de noche, nieve de día”, “Te extraño, te olvido y te amo” y “Tu recuerdo”, el estadio se convirtió en un gigantesco coro que acompañó cada palabra. El artista, visiblemente

conmovido por la respuesta del público, hizo una pausa para agradecer el cariño que México le ha brindado a lo largo de su carrera.

“México y Puerto Rico siempre están unidos por el amor. Estoy muy emocionado por hacer esta pequeña gira por México y agradecer todo el apoyo que me ha dado este país, que ha sido parte fundamental de mi carrera. Estas canciones son éxitos gracias a ustedes”, expresó ante miles de fans que respondieron con una ovación.

El concierto continuó con clásicos como “Vuelve”, “A medio vivir”, “La mordidita”, “Por arriba, por abajo” y “Vente pa’ ca”, hasta llegar al inevitable cierre con “Livin’ la vida loca”, uno de los himnos que marcó su salto definitivo al estrellato global.

La gira Ricky Martin Live 2026 arrancó el 12 de marzo en Querétaro y continuará su recorrido por Guadalajara, Monterrey,

Chihuahua, León y Mérida, consolidando nuevamente al país como uno de los territorios más importantes en la trayectoria del cantante.

Para Ricky Martin, México no es simplemente una parada dentro de su agenda internacional. Es un lugar al que siempre vuelve con emoción. Un territorio donde sus canciones se han convertido en parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

Quizá por eso, cada vez que el boricua pisa un escenario mexicano, la historia se repite: miles de voces cantando al unísono, un artista que se deja llevar por la emoción y una relación que, lejos de desgastarse con los años, parece fortalecerse con el tiempo. Porque si algo quedó claro durante su paso por el Estadio Fray Nano es que Ricky Martin no sólo sigue vigente. Sigue siendo, también, uno de los grandes íconos del pop latino. Y México, su eterno cómplice.

EL MÚSICO estadounidense Lenny Kravitz se presentó en el Vive Latino 2026 como uno de los actos principales de la jornada, ofreciendo un concierto marcado por la energía, la cercanía con el público y un recorrido por algunos de los temas más representativos de su carrera.

El set incluyó canciones como "Are You Gonna Go My Way", "Fly Away", "American Woman" y "It Ain’t Over ’til It’s Over", que fueron coreadas por miles de asistentes. En varios momentos, el artista hizo énfasis en el amor como eje de su presentación. “El amor es lo único que necesitamos esta noche”, expresó ante el público, que respondió con entusiasmo.

Durante la interpretación de temas como "Again y I Belong to You", el ambiente se tornó más íntimo, con luces y voces acompañando cada verso. “Sientan el amor, compártanlo, porque eso es lo que nos une”, dijo el cantante, reforzando el tono emocional del concierto.

Uno de los momentos más destacados ocurrió cuando descendió del escenario para acercarse a los asistentes, generando una interacción directa con sus seguidores. Entre abrazos y manos extendidas, la escena reforzó la conexión que marcó toda la presentación.

El concierto formó parte de una de las jornadas con mayor afluencia del festival, consolidando a Lenny Kravitz como uno de los nombres más destacados del cartel de esta edición del festival, donde el amor y la música se convirtieron en el eje de la experiencia.

LENNY KRAVITZ CONVIERTE EL VIVE LATINOEN UNA CEREMONIA DE ROCK

Texto y foto Carlos Mora

LA NOCHE en el Vive Latino 2026 se llenó de nostalgia, energía y cariño cuando Juanes tomó el escenario para ofrecer un show que fue mucho más que música: fue una declaración de amor a México.

Desde los primeros acordes, el colombiano dejó claro que su conexión con el público mexicano sigue intacta. Entre clásicos como “A Dios le pido” y “Es por ti”, Juanes no solo encendió a la multitud, también abrió su corazón con recuerdos de su primera visita al país.

“México fue uno de los primeros lugares que me abrió las puertas… nunca voy a olvidar ese momento”, compartió con emoción, provocando una ovación inmediata. A lo largo del concierto, sus palabras estuvieron cargadas de gratitud: “Este país me ha dado tanto amor que siempre vuelvo con el corazón lleno”.

El cantante hizo del escenario

un espacio íntimo pese a la magnitud del festival. Cada canción se convirtió en un puente entre generaciones, mientras miles de voces coreaban letras que han marcado historias personales. “El amor es lo único que nos salva”, dijo en uno de los momentos más emotivos de la noche, reafirmando el tono cercano y reflexivo del show.

Juanes también recordó cómo México ha sido clave en su carrera:

“Aquí entendí que la música no tiene fronteras, que el amor por las canciones nos une a todos”. Su conexión con el público fue evidente en cada pausa, en cada sonrisa y en cada gesto de complicidad.

La presentación cerró con una vibra de celebración colectiva, dejando claro que su relación con México no es pasajera, sino profunda y duradera. Más que un concierto, fue un reencuentro lleno de memoria, cariño y música que sigue latiendo fuerte.

JUANES

“MÉXICO ME CAMBIÓ LA VIDA”: UNA NOCHE EMOTIVA EN EL VIVELATINO

Texto y foto Carlos Mora

Entre playas doradas, selva exuberante y Pueblos Mágicos, Nayarit reúne una de las ofertas hoteleras más distinguidas del Pacífico mexicano. Resorts de clase mundial y hoteles boutique galardonados convierten cualquier escapada en una experiencia memorable.

Nayarit se ha consolidado como uno de los destinos más completos del Pacífico mexicano. Entre playas de arena dorada, montañas cubiertas de selva y pueblos llenos de historia, el estado ofrece una combinación irresistible de naturaleza, cultura viva, gastronomía y hospitalidad de alto nivel.

En este rincón del país, hospedarse no es solo descansar: es parte esencial de la experiencia. Desde exclusivos resorts frente al mar hasta hoteles boutique con encanto colonial, la oferta hotelera de Nayarit destaca por su calidad y reconocimiento internacional.

Aquí algunos de los refugios más distinguidos para vivir el destino:

SUSURROS DEL CORAZÓN, AUBERGE RESORTS COLLECTION

Enclavado entre acantilados y una playa prístina de Punta Mita, Susurros del Corazón se distingue por su diseño elegante y su ambiente íntimo. Reconocido en los World’s Best Awards, este resort combina lujo relajado con vistas abiertas al océano Pacífico.

HOSPEDAJE CON EN

Playas, selva y lujo se combinan en resorts y hoteles boutique que convierten cada estancia en una experiencia única.

Sus bungalows, suites y residencias privadas ofrecen amplios espacios interiores y exteriores, terrazas con piscinas de inmersión y configuraciones ideales tanto para parejas como para familias.

Experiencias como surf, avistamiento de ballenas, spa y una propuesta gastronómica contemporánea completan una estancia que celebra el espíritu

costero con un enfoque sofisticado.

GRAND VELAS RIVIERA NAYARIT

Ubicado frente a las aguas de Bahía de Banderas, Grand Velas Riviera Nayarit redefine el concepto de lujo todo incluido. Reconocido en “Lo Mejor de Nayarit 2025” como Mejor recinto para turismo de re-

uniones, el resort combina tecnología, amplitud y escenarios naturales ideales tanto para eventos como para vacaciones. Distinguido con Cinco Diamantes por la AAA, ofrece suites espaciosas, gastronomía gourmet y un servicio que cuida cada detalle, todo acompañado por los espectaculares atardeceres de la costa nayarita.

CANTO EN NAYARIT

ONE&ONLY MANDARINA – LUJO

En el municipio de Compostela, One&Only Mandarina emerge entre selva y océano como un santuario privado. Reconocido como Mejor experiencia en hospedaje de lujo y destacado en los World’s Best Awards de Travel + Leisure, el resort apuesta por la privacidad y la conexión con el entorno. Sus villas y casitas independientes cuentan con piscina privada y están rodeadas de vegetación tropical, integrándose de

forma armoniosa al paisaje.

La experiencia se complementa con spa, gastronomía de alto nivel y actividades que van desde equitación y senderismo hasta deportes acuáticos.

ROSEWOOD MANDARINA

Rosewood Mandarina llegó a la Riviera Nayarit como un refugio exclusivo compuesto únicamente por suites y villas con piscina privada. Rodeado por tres ecosistemas distintos —montaña, selva y océano—, el hotel ofrece una experiencia inmersiva donde la natura-

leza es protagonista.

Cada suite integra diseño contemporáneo con artesanía local y amplias terrazas con vistas al paisaje. Restaurantes como La Cocina y Buena Onda complementan la estancia con propuestas culinarias que celebran los sabores regionales.

NUKARI QUINTA BOUTIQUE

En el corazón del Pueblo Mágico de Jala, Nukari Quinta Boutique ocupa una histórica quinta del siglo XVIII. Reconocido como Mejor hotel boutique

en “Lo Mejor de Nayarit 2025”, combina arquitectura colonial con comodidades contemporáneas.

Sus 17 suites rodean un patio lleno de historia y detalles cuidadosamente conservados, creando una atmósfera íntima y serena, ideal para explorar el paisaje volcánico del Ceboruco.

La experiencia gastronómica se nutre del talento nayarita con un menú que integra propuestas de la chef Betty Vázquez y el chef Marco Valdivia.

FOUR SEASONS RESORT PUNTA MITA

Situado frente al mar en Bahía de Banderas, Four Seasons Resort Punta Mita figura entre los mejores hoteles de la región según Travel + Leisure.

Con 177 habitaciones, suites y residencias, el resort combina lujo, comodidad y calidez mexicana. Entre sus experiencias destacan campos de golf de clase mundial, bienestar integral y actividades como yoga al amanecer o catas de tequila frente al océano.

W PUNTA DE MITA

Inspirado en el arte wixárika, W Punta de Mita aporta una propuesta vibrante y contemporánea a la Riviera Nayarit.

Sus habitaciones y suites —muchas con piscinas privadas— se complementan con una oferta gastronómica que mezcla cocina mexicana, sabores asiáticos y ceviches frente al mar. Spa, piscinas y espacios sociales con vistas al Pacífico completan una experiencia donde el diseño, la música y la naturaleza conviven en perfecta armonía.

Entre el sonido del Pacífico, el aroma del mar y la energía de su malecón, Puerto Vallarta se confirma como uno de los destinos más fascinantes de México. Hoy, con la llegada de la Guía Michelin a Jalisco, su riqueza culinaria y cultural comienza a resonar también en el mapa gastronómico del mundo.

Hay lugares que se visitan… y otros que se viven. Puerto Vallarta pertenece definitivamente a la segunda categoría.

Basta caminar por su malecón, uno de los más emblemáticos del país, para entender por qué este destino del Pacífico mexicano cautiva a viajeros de todo el mundo.

Entre esculturas monumentales, artistas callejeros y el rumor constante de las olas rompiendo contra la costa, el paseo se convierte en una postal viva donde cada atardecer pinta el cielo de tonos dorados y rosados.

Desde el corazón del centro histórico, con la silueta de la Parroquia de Nuestra Señora de Guadalupe dominando el paisaje urbano, Vallarta revela un equilibrio perfecto entre tradición, naturaleza y sofisticación.

En cada rincón hay algo por descubrir: pequeñas galerías de arte, restaurantes escondidos entre calles empedradas, terrazas con vista a la bahía y mercados donde el sabor del mar se mezcla con la cocina jalisciense.

Y es justamente esa riqueza culinaria la que ahora cobra una nueva dimensión.

JALISCO ENTRA AL MAPA GASTRONÓMICO MUNDIAL

La escena gastronómica del estado acaba de recibir un impulso histórico: Jalisco se integrará oficialmente a la Guía Michelin en 2026, ampliando el mapa culinario evaluado en México.

La secretaria de Turismo estatal, Michelle Fridman, destacó que este reconocimiento permitirá mostrar al mundo la fuerza gastronómica de la región.

“Cuando se representa la gastronomía de México con un buen tequila, una birria o una torta ahogada, ahí está Jalisco de manera intrínseca”, ha señalado.

La llegada de Michelin no solo posiciona al estado como un referente culinario internacional, también fortalece una industria que representa más del 9% del Producto Interno Bruto estatal y que involucra a agricultores, pescadores, productores, cocineros y restauranteros.

La primera ceremonia de reconocimiento está prevista para mayo, cuando se anunciarán los restaurantes que obtendrán estrellas u otras distinciones como Bib Gourmand o Estrella Verde.

Para muchos viajeros, esta distinción se traduce en una razón más para visitar el destino… y quedarse más tiempo.

EXPERIENCIAS QUE SE VIVEN PUERTO VALLARTA

VALLARTA

Desde su malecón y su gastronomía reconocida por Michelin hasta aventuras marinas y espectáculos nocturnos, Vallarta cautiva todos los sentidos.

Texto y fotos Carlos Aguillón

EL MAR COMO ESCENARIO DE AVENTURA

Pero Vallarta no solo se disfruta en tierra.

Basta navegar mar adentro para descubrir otra dimensión del destino. En temporada de invierno, las aguas de Bahía de Banderas se convierten en santuario de ballenas jorobadas, uno de los espectáculos naturales más impresionantes del Pacífico.

Durante una travesía mar adentro ocurre uno de esos momentos que quedan grabados para siempre: una ballena emergiendo junto a su cría, como si estuviera enseñándole a saltar sobre la superficie del océano.

El enorme cuerpo del animal rompió el agua con una elegancia inesperada, mientras el pequeño imitaba los movimientos de su madre.

Un instante mágico. Inolvidable. De esos que recuerdan por qué el océano siempre guarda historias que contar.

UNA NOCHE ENTRE ANTORCHAS, SABORES Y

RITUALES

Otra experiencia imprescindible en Vallarta ocurre mar adentro.

Las excursiones de Vallarta Adventures conducen a los visitantes en un recorrido de aproximadamente una hora por el Pacífico, mientras la música, las bebidas y el paisaje convierten la travesía en un espectáculo flotante.

El destino final es Las Caletas, una playa escondida entre la selva donde la noche se ilumina con antorchas.

ALMA, Ritmos de la Noche, transforma ese rincón remoto —accesible únicamente por mar— en una velada inolvidable. La experiencia comienza con una cena gourmet servida en tiempos, creada por el chef Paco Ruano, mente creativa detrás del restaurante Alcalde, reconocido dentro de la prestigiosa lista de The World’s 50 Best Restaurants.

Durante una cena a la luz de las velas frente al mar, diseñada por el chef Ruano, cada plato se presenta como un homenaje a las tradiciones y al alma del Pacífico mexicano. Champagne, vino y música en vivo en suave armonía acompañan una experiencia gastronómica que se siente atemporal y verdaderamente inolvidable.

El clímax llega con el espectáculo “Alma”, una puesta escénica que combina danza, acrobacia, agua, fuego y tecnología en un montaje que evoca rituales ancestrales.

Entre luces, música y movimientos que parecen surgir de la selva misma, el escenario recrea una conexión con la naturaleza y con las raíces culturales del territorio.

Puerto Vallarta tiene esa rara cualidad de los lugares que parecen reinventarse cada vez que se visitan.

De día, el mar ofrece aventura.

Por la tarde, el malecón se llena de vida. Y por la noche, la gastronomía, el arte y los espectáculos transforman el destino en una experiencia sensorial completa.