Arte Cultura y Sociedad número 89

Guendaliza’a: Tequit

Memoria grabada

Jaime Ramos

La metamorfosis del amor

WILDO LABARCA

WILDO LABARCA

Cinco décadas de éxitos Y SUS VIVENCIAS

Cinco décadas de éxitos Y SUS VIVENCIAS

CON JOSÉ JOSÉ

CON JOSÉ JOSÉ

La lucrativa tajada de la “conveniencia”

Cuando las comisiones por pago de servicios o depósitos bancarios resultan desproporcionales e injustas

En un país como México, donde más de la mitad de la población trabaja en la informalidad y millones de familias estiran cada peso para llegar al fin de quincena, existe un impuesto invisible que se cobra en cada esquina de México. Un “impuesto” que no lo recauda el Servicio de Administración Tributaria, sino las cajas registradoras de tiendas de conveniencia que todos conocemos.

Hablamos de las comisiones por pago de servicios: esos cobros que hoy rondan los 15 o 20 pesos por cada recibo de luz, agua, teléfono o depósito bancario.

A primera vista, 15 o 20 pesos parecerían una cantidad menor, equivalente al precio de un refresco o un viaje en transporte público. Sin embargo, cuando se analiza un poco mejor, esta comisión revela su verdadera naturaleza: una transferencia económica desproporcionada e injusta.

El argumento para justificar dicho cobro siempre ha sido el mismo: la “tarifa por conveniencia”. Nos dicen que pagamos por la infraestructura, el sistema que enlaza a las empresas de servicios con las cajas y por el sueldo del dependiente que nos atiende. Argumento se cae fácilmente, debido a que los sistemas informáticos y las nóminas de los empleados son costos fijos que estas tiendas ya cubren para su negocio principal, que es la venta de abarrotes. Cobrar un recibo de la Comisión Federal de Electricidad (CFE) por ejemplo, no le cuesta más a la tienda; el sistema ya está encendido y el cajero esta ya contratado. Incluso el traslado de dinero en camiones blindados se diluye a fracciones de centavos cuando una sola sucursal procesa

decenas de transacciones financieras al día.

La realidad es que estas tiendas abusan de una falla estructural del Estado mexicano: la falta de bancarización y la escasez de ventanillas públicas. Millones de mexicanos que no tienen una tarjeta de débito, o que viven en colonias y comunidades donde no hay una sola sucursal bancaria ni cajeros oficiales de agua o luz, se ven obligados a acudir a la tienda de conveniencia para realizar sus pagos. La realidad es que no

van por gusto, sino por pura necesidad. Para una persona de la tercera edad o una madre trabajadora, gastar 15 o 20 pesos en una tienda de conveniencia resulta más barato que gastar 40 pesos en camiones y perder horas de su día realizando pagos en dependencias o cajeros.

Cuando multiplicamos esos 15 o 20 pesos por las más de 70 transacciones diarias que realiza cada una de las más de 25,000 sucursales del país, la cifra se vuelve obscena. Estamos hablando de millones de pesos diarios que se cobran por concepto de comisiones. Sin duda un negocio redondo donde la tienda no arriesga inventario, no genera un valor real y solo sirve de puente, cobrando un peaje altísimo a una población cautiva que se ve obligada a realizar un pago.

Es urgente que el Banco de México, la Comisión Nacional Bancaria y de Valores y los mismos diputados y senadores dejen de mirar hacia otro lado bajo el pretexto de la “libre oferta y demanda”. Debemos recordar que regular no necesariamente significa asfixiar al comercio.

Implementar modelos donde las empresas de servicio absorban las comisiones, aplicar topes regulatorios proporcionales al monto del recibo y reembolsar estos cobros mediante compras en la misma tienda, son soluciones viables que deberían analizarse. Es momento de poner un límite sensato a una “conveniencia” que le cuesta demasiado a una sociedad cautiva.

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Año 8 | Número 89

Esta edición se publicó el 9 de Julio de 2026

Contenido 10

Cinco décadas de éxitos y sus vivencias con

José José

Wilfredo “Wildo” Labarca es sin duda una leyenda viva de la música popular latinoamericana. Nacido bajo los focos de la Nueva Ola chilena, su voz privilegiada y su talento como compositor lo llevaron a conquistar escenarios internacionales y a escribir éxitos continentales, como el inolvidable tema “Como tú”, inmortalizado por el cantante José José. En interesante entrevista, tendremos la oportunidad de viajar a través de cinco décadas de música, de conocer su visión acerca del panorama cultural actual, al igual que de escuchar grandes anécdotas que tuviera con el Príncipe de la Canción: José José.

Entre moda, pintura y poesía

Guendaliza’a: Tequitl: Memoria Grabada

La Guelaguetza o Guendaliza’a, es mucho más que una celebración, es una forma de entender la comunidad a través del compartir, la reciprocidad y el apoyo mutuo. La exposición Guendalizaá: Tequitl: Memoria Grabada reúne a un grupo de artistas que, desde distintas disciplinas y perspectivas, reflexionan sobre el significado profundo de esta tradición.

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A una década de la creación de la primera Maestría en Liderazgo Positivo de México, Tecmilenio celebró el pasado 30 de junio, el impacto de un programa que ha preparado a más de 600 líderes de empresas nacionales e internacionales para impulsar culturas organizacionales centradas en el bienestar, el propósito y el alto desempeño. En un contexto marcado por la inteligencia artificial y la transformación del trabajo, el liderazgo humano emerge como un diferenciador estratégico. 16

Lo que inició como un intento por rescatar una bolsa terminó convirtiéndose en el punto de partida de una historia marcada por la creatividad, la experimentación y el arte. Así nació la trayectoria artística de Jessica Georgina Gutiérrez Hinojosa, mejor conocida como Ginn

10 Años formando líderes

Por: Jaime Ramos

La metamorfosis del amor

Amas lo que la persona es, no lo que su cuerpo es

Recién recibí una llamada de unos Operadores áureos. Un argentino y un mexicano. Ambos con vasta experiencia en el mercado del oro. El objetivo de la llamada no era otro más que el consultar sobre un instrumento financiero que les puso sobre la mesa un comprador ajeno a su mercado y con el que nunca habían trabajado. El instrumento, huelga decirlo, no tenía posibilidad de operarse. No en la forma en que opera el mercado áureo. El comprador, fiel a sí mismo y al mercado en el que trabaja, les ofreció un instrumento que se pagaría en el momento en el que a él le pagaran el oro.

Les hice saber que la operación no era viable, debido a que el instrumento que se les ofreció no opera con liquidez inmediata. Sin embargo, era tal el interés de uno de ellos en cerrar la operación, que me pidió que buscará el cómo sí del instrumento en cuestión.

Desesperado con este último, les comenté que en la vida nada hay más fácil que convencer a quien desea ser convencido. Y que si algo me quedaba claro es que ellos querían ser convencidos de que iban a poder hacer la venta con este cliente, dado que ellos creían, desde su imaginario, que al lograr una operación con un comprador de tal prestigio y relevancia, se vendrían en cascada muchas otras oportunidades de venta que nadie en el mercado áureo había contemplado.

El comprador, conocido social del socio Porteño, nunca ha operado en el mercado áureo. Su saber esta en las Notas de Termino Medio y en las mesas de intercambio, no en la compraventa de oro.

Les hice ver, dada la insistencia de uno de ellos, que se estaban enfocando en el síntoma y no en la causa. Y que la confianza, cuando carece de fundamento, se hace esclava de la suerte. Que yo entendía que confiaran mucho en su comprador, dado el prestigio que este tiene en el mercado secundario, pero que su confianza estaba basada en el prestigio y relevancia del comprador y no en el instrumento que este les ofrecía.

Al no poder vencer la resistencia de uno de los socios que con denuedo insistía en que buscará el

cómo sí, me permití explicar lo que sucede cuando te enfocas en el síntoma y no la causa… Y lo hice a través de la problemática que está enfrentado la cultura occidental en lo concerniente a la baja en la tasa de natalidad. Para tal efecto les explique lo que habían hecho varios países del orbe para revertir este proceso y las razones por las que fracasaron.

La baja en la tasa de natalidad no se debe necesariamente a un tema económico. Este, en sí mismo, es síntoma, no causa. Razón por la que los incentivos económicos y fiscales que algunos países ofrecieron para revertir el proceso estaban condenados a fracasar.

La causa raíz que está generando una baja en la tasa de natalidad es que cambio el rol de la mujer en el mundo y mientras este no cambie, no va a cambiar la tasa de natalidad. Se van a requerir un mínimo de dos generaciones para que el rol de la mujer tome una nueva forma. No sabemos cuál va a ser, pero va a suceder.

Así ellos, a sabiendas de quienes son sus compradores, se abocaron a explorar nuevas alternativas de venta, pero en el mercado equivocado. Por lo que nada que hagan ahí va a funcionar. Lo que tienen que hacer es regresar al origen.

Usted dirá, y con justa razón, que qué tiene que ver esto con la metamorfosis del amor. Lo que pasa es que días después me llamó el socio mexicano para decirme que se había quedado rumiando el ejemplo (tiene tres hijas) y que no estaba de acuerdo con la causa que presente.

Que él pensaba que la causa raíz es que había cambiado el significado que las parejas le dan al amor. Para tal efecto me planteo la siguiente interrogante: ¿Existe el amor o lo que existe es la idea del amor en la pareja? Y si el amor existe, entonces lo que cambio es el significado que las parejas le dan al amor, lo cual poco o nada tiene que ver con el rol de la mujer en el mundo.

Mi respuesta a bote pronto fue que el amor de pareja existe y que el que tenga dudas de ello, que

voltee a ver a sus ancestros, los cuales, más allá de los mil y un avatares y dificultades que tuvieron que enfrentar y resolver, hicieron una vida juntos.

EL AMOR ES UNA DECISIÓN

Me queda claro que el ojo quiere su parte. Y es pre-

cisamente esa parte lo que hace que en un principio nos llame la atención la estética del otro. Pero, si bien es cierto que la piel atrae la mirada, también lo es

el que no la retiene. Lo que nos retiene junto al otro esta más allá de la piel.

Conforme vamos tratando y conociendo lo que el otro es, es que nos vamos dando cuenta de si en su ser y hacer esta nuestra otredad (un yo mismo, pero mejorado). Así pues, lo que nos mantiene junto al otro es lo que lo que su humanitas es, no lo que su piel es.

AMAS LO QUE LA PERSONA ES, NO LO QUE SU CUERPO ES

El cuerpo va a vivir un inexorable deterioro, de tal suerte que si lo que te retiene junto al otro es solo su geografía corporal, entonces estas en una relación en la que prima el instinto, no el amor. Una relación que carece de profundidad sentimental, intelectual y espiritual, va a terminar más pronto de lo que las partes se imaginan, debido a que por lo mismo que llegas a una persona, la dejas.

Si eso que te llevo a esa persona no posee esa abisal fisura que brinda la otredad, te vas a ir en cuanto el vació te alcance. Vació que, está por demás decirlo, lo vas sintiendo de manera progresiva…, hasta que llega el momento en ya no puedes con él. Y es justo ahí cuando renuncias a aquello que te lo genero, ya sea una relación de pareja, de trabajo o de evasión social.

No obstante, cabe aclarar que no es necesariamente que el otro o lo otro te haya generado ese vació, ya que desde un inició sabias que no era ahí. Lo que te convierte en coautor de tu propio vació. El problema es que, si no resuelves la vacuidad que te lleva a ello, te pasaras la vida migrando de vació en vació y de caos en caos.

EL SIGNIFICADO DEL AMOR

Y respecto al significado del amor, lo que ha cambiado es que estamos inmersos en un presentismo que carece de intención de futuro.

Pero esto no va a poder extenderse más allá de una o dos generaciones, ya que, cuando el futuro los alcance (y los va a alcanzar), van a descubrir que no solo están más solos e insatisfechos que nunca, sino que además no están acompañados ni de sí mismos.

Justo cuando estas generaciones lleguen a ese momento, es que vamos a regresar al origen, pero como los seres humanos somos animales de corta memoria, regresaremos a ello atribuyéndoselo a otras causas…

En el inter de este devenir…, nos seguimos leyendo aquí.

JAIME RAMOS es Licenciado en Administración de Empresas con especialidad en Alta Dirección AD-2 IPADE. Bibliófilo de natura, financiero de oficio, antropólogo por vocación. Ha sido consultor de empresas, bancos y gobiernos. Actualmente se desempeña como Asesor de Inversionistas de alto espectro en el Mercado Secundario.

Irreverente

PLÁCIDO GARZA - DETONA

Monetiza FIFA el Fervor Patrio

Tendrá ingresos récord por 8,911 millones de dólares en el Mundial 2026. Repartirá 727 millones a las 48 selecciones participantes.

¿Es negocio o no este Universo Bisiesto?

María Sánchez, nuestra agente en Suiza, anda desatada: Acaba de confirmar con una de sus fuentes en Zurich, lo que la FIFA espera ingresar en el Mundial 2026.

Redondeando a 1,000 millones de dólares lo que repartirá entre las 48 selecciones participantes, sus ganancias -antes de impuestos- serán del orden de los 8,000 millones de dólares. Un 50% más de lo que recaudó en Qatar 2022.

Los despistados diletantes que narran los partidos para los mexicanos, podrán decir que esto se debe a la tendencia mercantilista mundial, al fenómeno de las redes sociales -las malditas, como las llamó Umberto Eco

en su lecho de muerte- al aumento a 48 naciones y a dos o tres evangelios.

Según la fuente FIFA de nuestra agente en Suiza, lo que hay detrás de estos monumentales ingresos se llama... “Patriotischer Eifer”, en español: “Fervor Patrio”:

El Mundial FIFA 2026 rebasará por mucho los ingresos de la Fórmula 1, cuya sede está en París, frente a la Plaza de la Concordia.

Ahí opera el cuartel general de la Federación Internacional de Automovilismo, dueña de la marca más cara del deporte mundial: La Fórmula 1, F1 para los amigos: 17 mil millones de dólares.

Por esas anda el valor comercial de la marca FIFA y seguramente superará al de la F1, por los números que arrojará este Mundial, más aproximadamente 11,000 millones de dólares durante los siguientes cuatro años, antes del siguiente en 2030, que será en Marruecos, España y Portugal. La final de ese Mundial se jugará en el Estadio Santiago Bernabéu, sede del Real Madrid, en España.

Será el Mundial de la modernidad, tradición y simbolismo.

La edición 2034 fue designada en Arabia Saudita, disputándose Dubai y Abu Dabi la sede del juego final, aunque muy

probablemente será en ésta última, por ser la capital de dicho país.

FERVOR PATRIO es lo que provoca estadios llenos. Fan Fests pletóricos de gente que se enfunda en los colores de su país para alentar a sus equipos representativos.

• NO soberanía.

• NO patrioterismo.

• NO política.

• NO falsos y oportunistas activismos sociales.

• ¡PURO FERVOR PATRIO! placido.garza@gmail.com placido@detona.com

Plácido Garza es presidente de la plataforma noticiosa www.detona.com. Ganador del Premio Nacional de Comunicación para Medios Digitales 2023, otorgado por la “Fundación José Pagés Llergo”. Nominado a los Premios 2019 “Maria Moors Cabot” de la Universidad de Columbia de NY; “Sociedad Interamericana de Prensa” y “Nacional de Periodismo”. Forma parte de los Consejos de Administración de varias corporaciones. Exporta información a empresas y gobiernos de varios países. Escribe para prensa y TV. Maestro de distinguidos comunicadores en el ITESM, la U-ERRE y universidades extranjeras. Como montañista ha conquistado las cumbres más altas de América.

Por: Redacción Foto: Cortesía

Guendaliza’a: Tequitl: memoria grabada

Celebrando el color, la cultura y el arte que nace en Oaxaca

La Guelaguetza o Guendaliza’a , es mucho más que una celebración, es una forma de entender la comunidad a través del compartir, la reciprocidad y el apoyo mutuo. La Guelaguetza es la voluntad de dar sin esperar, de fortalecer los vínculos entre las personas y de reconocer que toda comunidad crece cuando sus integrantes crecen juntos.

La exposición Guendalizaá: Tequitl: Memoria Grabada reúne a un grupo de artistas que, desde distintas disciplinas y perspectivas, reflexionan sobre el significado profundo de esta tradición. Más allá de la música, la danza o el folclor, las obras que conforman esta edición limitada exploran los valores humanos y culturales que han dado vida a la Guelaguetza por generaciones.

En las siguientes páginas encontrarán una breve semblanza de cada artista participante, así como una muestra de su trabajo y su interpretación personal de este concepto que sigue vigente como símbolo de identidad, memoria y generosidad.

Esta publicación digital acompaña el lanzamiento de una colección creada para celebrar el arte como un acto de intercambio, encuentro y comunidad. Porque, al igual que la Guelaguetza, toda obra cobra un nuevo significado cuando es compartida.

Desde su origen, el proyecto de Casa Mayor ha buscado construir puentes entre distintas tradiciones culturales de México. La cocina, la música, la conversación y las artes visuales se integran aquí como parte de una misma experiencia: la posibilidad de compartir y reinterpretar nuestras raíces.

Así, esta exposición que se llevará a cabo el próximo 16 de julio, a las 19:00 horas en la Galería Casa Mayor en Santiago, Nuevo León, retoma el espíritu de la Guelaguetza no solo como tema, sino como filosofía: un espacio donde distintas miradas del territorio se reúnen para ser compartidas.

Tomás

Pineda Matus

Originario del Istmo de Tehuantepec, Tomás Pineda Matus ha construido una de las propuestas pictóricas más sólidas dentro del panorama contemporáneo de Oaxaca. Su obra se distingue por la creación de universos simbólicos donde animales, figuras humanas y formas orgánicas se entrelazan dentro de escenarios cargados de imaginación. El Istmo de Tehuantepec ha sido históricamente una región de intensa vitalidad cultural. Sus paisajes, sus comunidades y su identidad zapoteca han alimentado una tradición visual donde la naturaleza y el mito se encuentran profundamente conectados. En este contexto, la pintura de Pineda Matus puede entenderse como una reinterpretación poética del territorio.

Ixrael Montes

Originario de la Costa de Oaxaca, Ixrael Montes desarrolla una obra pictórica profundamente vinculada a la riqueza cultural de esta región, un territorio donde convergen tradiciones indígenas, mestizas y afrodescendientes.

La Costa oaxaqueña es uno de los espacios del país donde la presencia histórica de comunidades afro ha dejado una huella profunda en la música, la danza, las celebraciones y las formas de vida. En este contexto cultural, la identidad no se construye desde una sola raíz, sino desde la convivencia de múltiples memorias.

La pintura de Montes dialoga con esta diversidad. En sus composiciones aparecen máscaras, personajes rituales y figuras fantásticas que evocan celebraciones comunitarias donde la música, el baile y el disfraz se convierten en expresiones de identidad colectiva.

Víctor Cha’ca

El maestro Víctor Cha’ca, nacido en Juchitán de Zaragoza, pertenece a la cultura binnizá, una de las raíces más profundas de la identidad del Istmo de Tehuantepec.

A lo largo de más de cinco décadas de trabajo, Cha’ca ha desarrollado una obra donde la cosmovisión zapoteca se convierte en el eje central de su lenguaje visual.

Dentro de esta tradición cultural, los animales poseen una dimensión espiritual y simbólica. En muchas comunidades mesoamericanas se mantiene la creencia en el nahual, la idea de que cada persona posee un vínculo espiritual con un animal que actúa como protector o reflejo de su energía interior.

Jesús Hernández

Arango “Guty”

La pintura de Jesús Hernández Arango, conocido como “Guty”, se centra en la exploración de la figura humana como territorio emocional.

Sus composiciones se construyen a partir de gestos pictóricos intensos, contrastes cromáticos y cuerpos que parecen fragmentarse o expandirse dentro del espacio del lienzo. En su obra, el cuerpo humano se convierte en un campo de tensión donde se manifiestan emociones, conflictos y momentos de introspección.

A diferencia de otras tradiciones pictóricas que buscan representar la figura con precisión anatómica, el trabajo de Hernández Arango se acerca más a una figuración expresiva donde el gesto y el color transmiten estados de ánimo.

Las figuras que aparecen en sus pinturas parecen suspendidas en atmósferas cargadas de energía emocional. No son retratos individuales, sino representaciones simbólicas de experiencias humanas universales.

Dentro del panorama del arte oaxaqueño, su obra mantiene un diálogo con la tradición figurativa, aunque desde una perspectiva contemporánea que privilegia la intensidad expresiva del gesto pictórico.

A través de su trabajo, el artista explora la capacidad de la pintura para expresar aquello que muchas veces permanece fuera del lenguaje verbal.

Alma Patiño

La obra de Alma Patiño se distingue por una sensibilidad particular hacia la construcción de atmósferas pictóricas.

En sus composiciones, el color y la textura se convierten en herramientas para crear espacios visuales donde la contemplación ocupa un lugar central. Sus pinturas se desarrollan a partir de capas de pigmento, gestos sutiles y tonalidades que sugieren estados emocionales más que escenas narrativas.

Dentro de su lenguaje visual, el paisaje no aparece necesariamente como una representación directa del entorno natural. Más bien se presenta como una metáfora del mundo interior. Las formas y los colores evocan recuerdos, sensaciones y fragmentos de experiencia personal, creando imágenes abiertas a múltiples interpretaciones.

Esta aproximación convierte su pintura en un territorio introspectivo donde el espectador es invitado a establecer una relación pausada con la obra. Dentro de la exposición, el trabajo de Alma Patiño aporta una dimensión contemplativa que equilibra las narrativas simbólicas presentes en otras piezas.

Bakuza Guí

Bakuza Guí representa una generación reciente dentro de la escena artística de Oaxaca. Su obra se sitúa en un punto de encuentro entre tradición e innovación, dialogando con el imaginario visual del estado desde una perspectiva contemporánea.

En sus composiciones conviven elementos figurativos, símbolos culturales y estructuras gráficas que sugieren una reinterpretación actual de los lenguajes visuales tradicionales. El trabajo del artista refleja una búsqueda por comprender cómo las identidades culturales continúan transformándose dentro de un mundo cada vez más globalizado.

Sus imágenes parecen explorar nuevas formas de narrar el territorio, incorporando referencias contemporáneas sin perder la conexión con la memoria cultural de Oaxaca. A través de este lenguaje híbrido, Bakuza Guí propone una mirada que reconoce el peso de la tradición mientras abre espacio para nuevas posibilidades de creación dentro del arte actual.

Rodrigo Wise

La obra de Rodrigo Wise se distingue por una exploración visual donde tradición e interpretación contemporánea conviven dentro del lenguaje pictórico. Su trabajo se caracteriza por la construcción de imágenes que dialogan con distintos elementos del imaginario cultural mexicano, integrando símbolos, figuras y referencias que evocan tanto la historia como las transformaciones del presente.

En sus composiciones aparecen personajes, estructuras y formas que parecen habitar un espacio entre lo narrativo y lo simbólico. A través de estos elementos, el artista construye escenas que invitan al espectador a interpretar múltiples capas de significado.

La pintura de Wise se mueve entre la observación de la realidad y la elaboración de universos visuales propios, donde el gesto pictórico y la composición adquieren un papel central. Dentro del contexto de “La Guelaguetza: Territorio y Memoria”, su obra aporta una perspectiva contemporánea que amplía el diálogo entre tradición cultural e interpretación artística.

Su trabajo recuerda que el arte también es una forma de reinterpretar la historia y de construir nuevas miradas sobre la identidad.

Everest Montes

La obra de Everest Montes se desarrolla a partir de una profunda observación del territorio y de las formas culturales que lo habitan. Su pintura explora la relación entre paisaje, memoria y vida cotidiana, construyendo imágenes donde la naturaleza y la presencia humana se entrelazan dentro de atmósferas cargadas de simbolismo.

En sus composiciones es posible reconocer elementos que remiten al entorno oaxaqueño: montañas, vegetación, animales y figuras humanas que parecen surgir del propio paisaje. Estos elementos no aparecen como simples representaciones del entorno natural, sino como símbolos que evocan la relación histórica entre las comunidades y la tierra que habitan. El trabajo de Montes se caracteriza por una sensibilidad hacia el color y la textura, construyendo escenas donde lo real y lo imaginario conviven dentro de una misma narrativa visual. Sus imágenes sugieren momentos suspendidos en el tiempo, donde la memoria colectiva y la experiencia del territorio encuentran una forma de expresión pictórica.

Dentro del contexto de esta exposición, la obra de Everest Montes aporta una mirada que conecta el paisaje con la identidad cultural, recordando que el territorio no solo se observa, sino que también se vive y se interpreta.

Las obras reunidas en “Oaxaca: Territorio y Memoria” muestran que el arte oaxaqueño continúa evolucionando sin perder su vínculo con las raíces culturales del estado.

Cada artista presente en esta exposición ofrece una interpretación distinta del territorio: desde universos simbólicos poblados por animales y mitos hasta exploraciones introspectivas del cuerpo y la memoria.

En conjunto, estas miradas revelan que el paisaje cultural de Oaxaca no es un elemento estático. Es un territorio vivo que continúa transformándose a través de la experiencia de sus creadores. Al abrir este espacio de encuentro en Casa Mayor, la exposición invita a reconocer la diversidad cultural que compone el arte mexicano contemporáneo y a entender que, más allá de las distancias geográficas, el arte tiene la capacidad de conectar territorios, historias y comunidades.

Por: Redacción Fotos: Fotos: Cortesía Verónica Villarreal

10 años formando líderes

Tecmilenio celebra el impacto de un programa que ha preparado a más de 600 líderes que transforman el bienestar en las organizaciones

Auna década de la creación de la primera Maestría en Liderazgo Positivo de México, Tecmilenio celebró el pasado 30 de junio, el impacto de un programa que ha preparado a más de 600 líderes de empresas nacionales e internacionales para impulsar culturas organizacionales centradas en el bienestar, el propósito y el alto desempeño. En un contexto marcado por la inteligencia artificial y la transformación del trabajo, el liderazgo humano emerge como un diferenciador estratégico.

MENSAJES CLAVE DEL EVENTO:

• Hoy existe evidencia de que invertir en bienestar organizacional mejora el compromiso, la productividad, la innovación y la permanencia del talento.

• En la era de la inteligencia artificial, las habilidades humanas como la empatía, el propósito, la confianza y la capacidad de inspirar son más valiosas que nunca.

• El liderazgo positivo no consiste en “ser optimista”, sino en crear entornos donde las personas puedan desarrollar su máximo potencial.

• La salud mental y el bienestar dejaron de ser beneficios opcionales para convertirse en factores estratégicos para la competitividad empresarial.

• Los líderes del futuro deberán combinar capacidades tecnológicas con inteligencia emocional, pensamiento ético y habilidades para desarrollar personas.

• Tecmilenio continúa impulsando investigación y formación basada en evidencia científica sobre bienestar, felicidad y liderazgo positivo.

WILDO LABARCA

CINCO DÉCADAS DE ÉXITOS Y SUS VIVENCIAS CON JOSÉ JOSÉ

Wilfredo “Wildo” Labarca es sin duda una leyenda viva de la música popular latinoamericana. Nacido bajo los focos de la Nueva Ola chilena, su voz privilegiada y su talento como compositor lo llevaron a conquistar escenarios internacionales y a escribir éxitos continentales, como el inolvidable tema “Como tú”, inmortalizado por el cantante José José.

Más que un intérprete, Wildo se ha convertido en un puente cultural que ha unido la nostalgia dorada de la balada clásica con la energía de la producción moderna.

En interesante entrevista, tendremos la oportunidad de viajar a través de cinco décadas de música, de conocer su visión acerca del panorama cultural actual, al igual que de escuchar grandes anécdotas que tuviera con el Príncipe de la Canción: José José.

Si en 1966 el entrenador de las fuerzas básicas de la Universidad de Chile te hubiera dicho “te quedas en el equipo”, ¿serías hoy un exfutbolista o crees que la música igual te hubiera encontrado?

A la distancia es difícil imaginarse qué hubiera pasado. Yo creo que me hubiera quedado como jugando de futbol. ¿Por qué? Porque siempre me atrajo muchísimo.

Quiero confesarte que soy un futbolista frustrado, ya que mi sueño de niño siempre fue el haberme convertido en jugador de futbol. La música me atraía mucho, pero me gustaba más el deporte.

¿En qué momento te diste cuenta de que la música era lo tuyo, Wildo?

Fue desde muy joven, desde los 10 años, siendo compañero en el colegio de José Alfredo “Pollo” Fuentes, una de las figuras más importantes de nuestra música, alguien a quien podríamos comparar con Enrique Guzmán en México. Desde chicos fuimos grandes amigos. A ambos nos fascinaba el fútbol, pero él me fue contagiando poco a poco ese gusto por la música.

¿Cómo te diste cuenta de que tenías talento para cantar?

Te cuento una anécdota muy simpática. Cuando era niño, vivía en una casa que colindaba con un taller mecánico que fabricaba anillos para motores. Yo pasaba el día en mi patio jugando al fútbol con una pelota imaginaria, pateando y cantando para pasar el tiempo, como cualquier niño. Al parecer no lo hacía nada mal, porque los trabajadores del taller cercano me aplaudían al terminar cada canción.

Curiosamente, ese taller era de mi familia. Yo era el encargado de cobrar la renta, algo así como el Señor Barriga, en la Vecindad del Chavo (risas). Cuando entraba, los mecánicos me decían:  “¡Oye, qué bien cantas!”  y me pedían canciones. La que más me solicitaban era  “El jinete”, de  Miguel Aceves Mejía, un artista que a mí me encantaba. Yo cantaba con fuerza aquello de “por la lejana montaña va cabalgando un jinete...” y los trabajadores me aplaudían mucho. Ahí me empecé a dar cuenta de que era entonado y de que a la gente le gustaba mi voz.

Después ocurrió un hecho especial. Vino un verdadero boom juvenil en Chile por aprender a tocar la guitarra. Todo el mundo quería tener una para cantar en los paseos a la playa o en las reuniones escolares. Mi hermana, que es tres años mayor

“Llegué a México en agosto de 1973, buscando una salida a la difícil situación política y social que vivía Chile”

que yo, empezó a tomar clases. Yo le sacaba su cuaderno de notas a escondidas y comencé a practicar solo. Aprendí rapidísimo sin que nadie me explicara cómo, aprendiendo también a componer.

Hay una historia de tu infancia, quizás no tan amable, de cuando tu papá los dejó siendo tú un bebé. En la escuela tuviste que inventar que estaba muerto, pero a los 12 o 13 años apareció de la nada mientras jugabas en la calle. Platícanos de ese momento.

De niño yo veía que los padres de mis compañeros los iban a dejar al colegio o que todos hablaban de sus papás. Yo, obviamente, no podía hacer lo mismo porque mi padre siempre estuvo ausente. Ellos se separaron cuando yo tenía apenas un año y fue algo drástico; él no apareció nunca más. Tuvo una vida muy azarosa, marcada por el alcoholismo.

A mí me crio mi mamá, a quien habría que levantarle un monumento, ya que, con todos sus defectos, tuvo la enorme virtud de sacarnos adelante a mi hermana y a mí, y de darnos educación.

En esa época, mi querido Roberto, yo sentía esa ausencia. Como no podía hablar de él, simplemente me hacía el tonto cuando salía el tema. Hasta que un día me cansé y dije: “Mejor lo mato” Les empecé a decir a mis amigos que mi papá había muerto. Eso me trajo varios incidentes. Una vez mandaron un comunicado del colegio dirigido a mi mamá que decía:  “Señora Elsa Rolla, viuda de Labarca”. Mi papá todavía no fallecía, andaba por ahí, así que mi mamá se extrañó mucho. La señora que nos cuidaba fue a preguntar al colegio y allá le respondieron: “Es que el niño dice que su papá se murió”. Para colmo, yo había inventado que había muerto en la Segunda Guerra Mundial. Imagínate, las fechas ni cuadraban, pero yo aseguraba que se había quemado dentro de un tanque en el desierto.

Un día, al estar jugando en la calle con cuatro o cinco chicos del barrio, de repente, llegó un señor, me tocó el hombro y me dijo:  “Hola, Wildito. Yo soy tu papá”. Más allá del impacto del

momento, lo que recuerdo es la enorme vergüenza que sentí frente a mis amigos. Ellos sabían toda la historia del tanque y yo solo quería que el señor no repitiera más que era mi padre. Ya lo había entendido. Él me insistió: “Vamos a tomar un refresco”, y fuimos a un negocio en la esquina.

Caminar con él fue una experiencia muy extraña, fue la única vez que lo vi. Estuve ahí, tomamos el refresco y lo miraba. Cuando uno es pequeño no distingue bien si alguien está borracho o no, pero se notaba su estado. Al final me dejó ahí y me dijo algo que hoy también resulta tragicómico: “Me gustaría venir a buscarte el domingo para que salgamos”. Le dije que sí y corrí a mi casa. Mi mamá estaba lavando y le conté: “Mamá, fue mi papá”. Ella, que era muy fría, solo me dijo:  “Ah, sí, está bien”. Le avisé que iría a buscarme el domingo y ella ni peló (así como se dice en México) la situación. Efectivamente, ese domingo nunca llegó; mi papá jamás volvió.

Años después, cuando yo tenía unos 14 o 15 años, supimos por mi mamá que había muerto. Falleció en condiciones muy tristes, prácticamente en la indigencia. El alcohol lo destruyó y lo aniquiló socialmente.

Esta historia se las conté a mis hijos cuando eran chicos y en vez de darles pena, les daba risa por lo crueles que pueden ser los niños. De ahí nació un dicho en nuestro círculo familiar. A veces, entre nosotros nos decimos: “El domingo te vengo a ver”, sabiendo que es una promesa que no se va a cumplir.

Ver por primera vez a alguien que te dejó siendo un bebé no debe haber sido nada fácil.

No lo fue. Que camines por la calle, alguien te toque el hombro y te diga que es tu padre es un choque fuerte. Al final, los lazos afectivos no se crean por el simple hecho biológico; el cariño y el afecto se construyen con la convivencia, viendo que tu padre te acompaña y te apoya. Aquí no hubo nada de eso. Quien asumió ese rol de padre no biológico fue un tío mío, el esposo de una hermana de mi mamá. Él me cobijó y, gracias a su apoyo, tuve la suerte de estudiar siempre en los mejores colegios privados. Él me dio ese valor tan inmenso que es la educación.

“Le propuse a Carlos Reinoso hacer un tema para el Club América juntos”

Pasando a temas de fútbol, y con el Mundial todavía en proceso, se sabe que escribiste temas para la Selección Mexicana, el Club América y otros equipos tras tu llegada a México en 1973. ¿Cómo nació esa conexión?

Llegué a México en agosto de 1973, buscando una salida a la difícil situación política y social que vivía Chile. Me invitó y recibió en su casa mi gran amigo chileno Carlos Reinoso, uno de los más grandes ídolos en la historia del Club de Futbol América.

Toqué a su puerta con solo una maleta y mi guitarra, sin saber si su invitación había sido por pura cortesía, pero él me cobijó desde el primer minuto. Ese mismo día, a las ocho de la noche, ya estaba saliendo por el túnel del Estadio Azteca. Carlos estaba lesionado y jugaban contra el Atlante, así que fuimos juntos. Entrar a los vestidores, saludar a paisanos míos y mirar esa imponente escalinata que yo solo había visto por televisión en el Mundial del 70, fue una experiencia que jamás voy a olvidar.

“Más allá de su genio deportivo, Pelé era un tipo cálido, humano y alguien que siempre te brindaba una sonrisa”

A partir de ahí, se creó un fuerte lazo con el Club América. Yo iba todos los días a los entrenamientos. En esa época no existían los códigos tan estrictos de vestidor que hay ahora; yo entraba con total naturalidad, trotaba en las canchas y convivía con el plantel. Me gané el afecto del técnico y de jugadores entrañables como Enrique Borja y el “Pichojo” Pérez.

¿Sabían que eras cantante?

Todos sabían que yo era cantante y me albureaban de cariño en el vestidor, que como tú sabes Roberto, es la forma en que el mexicano te demuestra que ya eres parte del grupo. Al poco tiempo, la editorial Musart conoció mis canciones, me contrató y pasé a ser un artista activo en el mercado mexicano, trabajando bajo la producción de Enrique Okamura, el mismísimo productor de Juan Gabriel.

La idea de escribirle una canción al equipo nació en 1976. En ese entonces, yo vivía en un edificio en la colonia Nápoles que era una verdadera Torre de Babel; compartíamos pasillos músicos de Alberto Cortés y futbolistas del América como Gustavo León y Oribe Maciel. Un día, un jugador uruguayo me contó que en

Perú había grabado un tema para un equipo al que llamaban los “Cremas”. De inmediato pensé en el América, a quienes antes también les decían así. Le propuse a Carlos Reinoso —que era alguien que se la pasaba cantando en el auto— hacer un tema juntos. La canción decía: “ . Los arreglos los hizo el maestro Chucho Ferrer y recuerdo con mucha gracia que los músicos de la orquesta, que eran fanáticos de las Chivas del Guadalajara, no paraban de hacernos bromas mientras grabábamos.

El tema fue un éxito porque coincidió con el momento en que el América llegó a la final contra la UdeG en el Estadio Azteca y se coronó campeón con un gol histórico de Reinoso. Cuando el estadio estalló en celebraciones, pusieron nuestra canción por los altavoces, convirtiéndose en un himno popular instantáneo y vendiendo más de un millón de copias. Se armaron chistes, mitos urbanos y una efervescencia tremenda en todo el país. Si en esos años hubieran existido las redes sociales, las calles y las pantallas se habrían inundado de memes con nuestra canción.

Antes de salirnos del fútbol, Wildo, hay una muy buena anécdota de cuando terminaste cantando y tocando la guitarra en una fiesta y un cuarto de hotel junto al Rey Pelé. Platícanos de eso.

En 1981, un año antes del Mundial de España, Televisa y una marca de pan contrataron a Pelé para hacer unos programas y presentar un documental sobre su vida. En una de sus idas a México, nos encontramos con él a través de mi  brother, Carlos Reinoso, a quien Pelé ya conocía muy bien de sus años jugando en Chile.

Coincidió con que Pelé estaba cumpliendo 41 años, así que decidimos organizarle un festejo. Teníamos una amiga en la colonia Del Valle que vivía en un departamento muy bonito y que tenía amigas modelos, así que armamos la reunión ahí.

Me tocó ir a buscar a Pelé a su hotel en Paseo de la Reforma. Entré al comedor del hotel y ahí estaba él; era imposible no distinguirlo por su enorme presencia. Tras conversar un rato con él y su abogado, subimos a su habitación. Ahí, en la intimidad de su cuarto, sacó una botella de whisky y me la pasó metida en una bolsa de plástico para la ropa sucia. Ya en el auto que yo iba conduciendo, el abogado estaba de copiloto y a Pelé le tocó viajar atrás. Me acuerdo de ir conduciendo, mirarlo por el espejo retrovisor mien tras pensaba: “No puede ser que traiga aquí al lado a esta leyenda mundial”.

Llegamos a la fiesta, donde ya nos esperaba Reinoso. No invitamos a muchos hombres, eran más que nada amigas. Fue una noche fantástica y de ahí nació una relación muy cercana con él durante toda esa época. Resulta que, como el mundo es al revés, a mí me fascinaba el fútbol y a Pelé le apasionaba la música.

Cada vez que regresaba a México me llamaba a casa para salir. Siempre me decía: “Wildo, ¿trajiste la guitarra?”. Nos poníamos a tocar; él no cantaba nada mal y tenía una cadencia muy brasileña para componer.

De hecho, la famosísima Elis Regina le llegó a grabar un tema de su autoría. Si Pelé hubiera vivido en esta época, la industria lo habría hecho grabar discos sin dudarlo. Más allá de su genio deportivo, era un tipo con una diplomacia y una calidez humana especiales; siempre con una sonrisa, un abrazo o una foto para quien se le acercara.

“José José me comentaba que el grababa sus canciones para que nadie las pudiera cantar mejor que el”

Con el gran futbolista brasileño Pelé.

Tuviste una gran amistad con el Príncipe de la Canción, José José, alguien muy querido en México. Se sabe también que hablaste con él pocos días antes de su muerte, ¿qué fue lo que te dijo en esa última llamada, Wildo? ¿qué es lo que la gente realmente no entendió sobre el dolor de esos últimos años?

En la portada de la revista RITMO (1968).

No soy el indicado para juzgar lo que se ha dicho, pero te puedo decir lo que pasó en Chile. Su muerte revitalizó su figura de una forma impresionante. Aunque aquí en Chile ya tenía prestigio, nunca hizo presentaciones masivas como Luis Miguel o Chayanne. Con su partida, la gente descubrió una vida de tremendo éxito, pero también de mucho dolor. Su autenticidad le caló hondo al público mexicano; él jamás ocultó su alcoholismo ni sus problemas sentimentales. Contaba las cosas de frente y eso, en lugar de alejarlo, lo hizo profundamente humano y cercano a la gente.

Nuestra historia comenzó en 1976 cuando me citó la RCA para que le mostrara unas canciones, grabándome José José el tema “En las puertas del colegio”, junto con canciones de otros chilenos. Ahí nacería una amistad entre nosotros. Pero el momento definitivo ocurrió en 1989. Yo ya había regresado a Chile tras ganar la OTI y supe que José José venía a un programa de televisión en Santiago.

Lo busqué en su hotel y nos dio una alegría enorme vernos. Me ofrecí a llevarlo al canal en mi auto y, para pasar más tiempo conversando con él, decidí darle una vuelta muy larga a la ciudad, cargando conmigo un cassette con temas nuevos y esperando el momento para mostrárselos. De pronto, soltó la palabra mágica: “Oye, cabrón, ¿no tienes algún tema nuevo?”. Le puse la cinta y la primera canción que sonó fue “Como tú”. Se guardó el cassette en el bolsillo y esa noche salimos a cenar.

Al poco tiempo me avisaron desde México que la canción ya estaba sonando fuertísimo, recibiendo también yo el recado de José José, de que me había grabado ese tema y que estaría incluido en su nuevo álbum. Se convirtió en un éxito en las listas de popularidad de Estados Unidos y México.

Te platico también que, en 1990, José José celebró sus 25 años de carrera con una gala mítica en el centro nocturno Premier en San Jerónimo, CDMX. Me invitó a esa celebración y ahí dimensioné el cariño que me tenía. En un salón lleno de celebridades internacionales como Roberto Carlos, Manuel Alejandro y Pérez Botija, yo estaba ahí metido entre los elegidos. En esa misma fiesta conocí al promotor de fútbol Carlos Hurtado, un encuentro que cambiaría mi vida porque me abriría las puertas para trabajar como manager e intermediario de jugadores de futbol hacia México.

Años después, tras la separación de José José y Anel, nos distanciamos un poco, sin embargo, el destino volvería a cruzarnos. Carlos Hurtado se mudaría a Miami, coincidiendo en el mismo vecindario con José José. Al enterarse de que ambos éra mos íntimos amigos, sellamos la promesa de reunirnos. Como yo viajaba constante mente a Miami por temas de fútbol, a partir de ese reencuentro iniciamos una etapa de amistad mucho más cercana, intensa y madura. Cada vez que yo viajaba, nos juntábamos a comer, cenar o a pasar tardes enteras jugando dominó.

¿Tienes alguna anécdota de esa época en que fueron tan cercanos?

Recuerdo una ocasión en que Car los Hurtado nos invitó a un viaje a Europa a los dos, junto con algunas otras personalidades del medio. José José y un ser vidor fuimos compañeros de habitación durante ese viaje. Allí tuve la oportunidad de conocer miles de anécdotas que me hicieron aprender a quererlo tremendamente.

¿Hay algo que te haya compartido en medio de esas pláticas?

Me comentó que él gra baba las canciones para que nadie más las pudiera cantar mejor que él. Me dijo tex tualmente: “Yo grabo mis canciones, cabrón, para que nadie las pueda cantar mejor que yo, güey”.

Y tenía toda la razón.

Actualmente hay unas cinco mil versiones de “El triste” en el

“Uno de los más grandes valores de José José fue su humildad”

mundo, pero ninguna se compara con la de él. Ninguna. No hay nadie que haya cantado ese tema mejor que el en su época de esplendor, y mira que lo han grabado una infinidad de muy buenos artistas.

Tuviste contacto con el poco antes de su muerte. ¿De qué hablaban en esos momentos?

Tuve contacto telefónico con él varias veces antes de su partida, pero te confieso que le entendía muy poco a lo que decía. Le costaba muchísimo hablar y era difícil descifrar sus palabras.

La última vez que hablé con él fue al buscar a su esposa, Sarita, para preguntarle cómo seguía de salud. Ella me pidió que lo llamara al día siguiente, ya que se estaba quedando en casa de su hija. Al día siguiente lo busqué y lo último que me dijo fue que me quería mucho. Me repetía una y otra vez: “Te quiero mucho, cabrón, te quiero mucho”. Me emociono profundamente cada vez que lo recuerdo. Imagínate a una persona tan querida por un continente entero, alguien con tantos amigos. No había artista que no conociera a José José; era un hombre de una humildad

¿Alguna otra anécdota interesante que recuerdes junto a

En el año 2006, unos amigos y yo inauguramos un restaurante de comida argentina en la Quinta Avenida de Playa del Carmen. Lo invité a la apertura y accedió con mucho gusto. Recuerdo que lo fuimos a buscar al aeropuerto de Cancún, pero pasó una hora desde que salió el resto de los pasajeros y él no aparecía. De pronto, se abrieron las puertas del área de reclamo de equipaje y ahí estaba el, tomándose fotos con todo el mundo: con los que rentan autos, con los maleteros y con muchos otros pasajeros.

Se dice que Cristian Castro es uno de los artistas que mejor ha interpretado su música. ¿Qué opinas de eso?

Como te mencioné, el grababa sus temas para que nadie los cantara mejor que él, razón por la que ciertamente era muy difícil llegar a interpretarlos como él lo hacía.

Sin embargo, creo que el que más se acerca es, sin duda, Cristian Castro. Cristian no solo era su ahijado de bautizo, sino que también tuvo una

Desgraciadamente, quienes más pudieron haber heredado su voz fueron sus propios hijos, pero escuchar cantar a Pepito (como le decía a su hijo) o a su hija, da un poco de pudor, porque

Hay cientos de imitadores de José José, pero el que ha hecho el mejor tributo, de manera indiscutible, ha sido Cristian Castro.

¿Cuál consideras que fue uno de sus más grandes valores?

Sin duda alguna, su humildad. Era una persona diez veces más

famosa que Luis Miguel, pero extremadamente humilde. A Luis Miguel no se le podía mirar a menos de veinte metros y había que tocarlo con “pincitas”, mientras que José José se la pasaba abrazando a la gente.

Recuerdo una vez que lo fui a ver cantar a la Ciudad de México y me hizo subir al escenario para que cantara con él. ¿Qué artista de esa talla hace algo así? Por eso la gente en México lo quiere tanto. Murió físicamente, pero artísticamente sigue tan vigente como si estuviera vivo. No hay un solo día en que vayas en tu auto y no escuches una canción de José José. Él fue siempre auténtico.

De todos los temas que has compuesto, tanto para ti como para otros intérpretes, ¿con cuáles tres te quedarías?

Por su trascendencia, el primero de ellos sería “Como tú “de José José. A pesar de la inmensa discografía que él posee, de todas las canciones que logró meter en los rankings de Billboard, “Como tú” fue la que más duró en el número uno del Hot Latin Songs. Se mantuvo ahí durante diez semanas completas, superando a otros himnos como “Amar y querer” o “40 y 20”, que no duraron tanto en esa posición.

El segundo tema sería “La misma vida, el mismo modo”, la canción que me permitió representar a Chile en el Festival OTI de 1983. Ese tema es como mi propia versión de “My Way” de Frank

Sinatra; habla de qué si volviera a vivir la vida, haría exactamente lo mismo y de la misma manera, sin cambiar absolutamente nada. El tercero, sin duda, sería  “Volver a empezar”, grabado por catorce artistas chilenos de mi generación. Habla del momento de la pandemia, de la esperanza de volver a estar juntos como antes y de entonar una canción unidos. Cuando se lanzó el tema, fue una verdadera explosión en la radio y la televisión, y logró entusiasmar a muchísima gente.

Después de haber vivido en México por más de diez años, ¿qué fue lo que más te llamó la atención de su cultura?

Una de las mayores particularidades del pueblo mexicano es su enorme amabilidad. La forma en que se expresa el mexicano es siempre cortés de palabra, utilizando constantemente el “muchas gracias”, “mucho gusto”, “pase usted”, “adelante”, “los esperamos” o “estás en tu casa”.

Cuando recién llegué a México en 1973, una chica me preguntó en una ocasión:  “¿No me vas a abrir la puerta del coche?”. La verdad es que en mi país yo pensaba que abrirle la puerta del auto a una mujer era demasiada adulación. No usaba todos esos términos corteses, no porque no lo sintiera, sino porque simplemente no formaban parte de mi lenguaje cotidiano en ese entonces.

“José José murió físicamente, pero artísticamente sigue tan vigente como si estuviera vivo”

Por: Vanessa Sarahí Martínez Sepúlveda Foto: Cortesía Jessica Hinojosa

JESSICA HINOJOSA

Entre moda, pintura y poesía

Una artista que ha encontrado en la experimentación la mejor forma de expresar su creatividad

Lo que inició como un intento por rescatar una bolsa terminó convirtiéndose en el punto de partida de una historia marcada por la creatividad, la experimentación y el arte. Así nació la trayectoria artística de Jessica Georgina Gutiérrez Hinojosa, mejor conocida como Ginn.

¿Cuándo comenzaste a pintar y cómo nació tu interés por el arte?

Empecé a pintar en el 2017, y todo nació porque tenía una bolsa blanca rectangular que se me manchó (que me encantaba, o sea, siempre me ha encantado la moda jaja). Total, tenía esa bolsa que se había manchado, entonces agarré la pintura y dije: “Ah, le voy a pintar La noche estrellada, de Van Gogh, para cubrir esa mancha”. Y, ¡oh sorpresa mía!, pues me salió y dije: “Bueno, al parecer sé pintar jajaj”.

Ahí empecé a hacerlo en las noches; me encerraba cuando ya todos dormían y empecé a pintar.

¿Cómo fueron tus primeros proyectos como artista?

Ese mismo año decidí sacar una marca de ropa para vender mi arte. Intervenía piezas vintage, pero principalmente diseñaba T-shirts. Llegué a pintar más de 100 veces La noche estrellada, que ya me la sabía de memoria.

¿Qué te inspiraba en esa etapa?

Principalmente mi inspiración era replicar obras de grandes artistas y plasmarlas en ropa. Al mismo tiempo escribía poesía, entonces mi arte era un mix de letras, pintura y moda.

¿Cómo evolucionó tu trabajo durante esos primeros años?

Seguí así, siendo la pintora de mi comunidad, por

así decirlo jajaja. Todos mis conocidos me traían su ropa, sus cosas; pintaba sobre absolutamente todo.

¿Qué sucedió cuando te mudaste a República Dominicana?

En 2019 me fui del país, me mudé a República Dominicana, y fue allá donde navegué y descubrí mi estilo. Pinté mucho y fui la mano derecha de un artista que se llama Oscar Abreu, y duré dos años allá. Después regresé en pandemia.

Pasaron muchas cosas allá, pinté muchos cuadros, pero ya regresando acá regresé pintando únicamente cuadros; o sea, ya no regresé a la ropa.

¿Cómo cambió tu carrera al volver a México?

Pasó el tiempo, pintaba, mis cuadros los vendía y me buscaban para eso. Creo que en ese momento fue cuando empecé a hacer más cosas digitales. Como ya había trabajado varios años en diseño gráfico, lo aprendí por mi cuenta y era mi segundo trabajo.

¿Cómo ha sido tu formación artística?

Aparte de la carrera en Ciencias de la Comunicación, estudié diplomados en arte contemporáneo y arte abstracto. Nunca he estado en una clase de pintura; aprendí sola pasando por diferentes estilos, desde realista, surrealista, ilustraciones, etc. Ahorita me encuentro en un punto donde me siento cómoda con cualquiera y, últimamente, navego más en lo digital. Me gusta mucho dibujar en mi iPad cuando mis hijos duermen jajaja.

¿Cuál es tu técnica y cómo definirías tu estilo?

Mi técnica es pintura al óleo con pincelada expresiva, se podría decir. Nunca me quedo en una sola técnica; me gusta explotar todos los tipos de pinturas.

¿Qué proyectos desarrollas

Saqué una nueva marca de ropa junto con mi mejor amiga y ahora somos socias de una tienda para niños. También sigo pintando cuadros, muebles, regresé a intervenir ropa, hago dibujo digital, entre otros. Después de casi diez años creando, me gusta seguir experimentando con diferentes formatos y no limitarme a una sola forma de hacer arte.

¿Qué define el arte de Ginn?

Mi arte ha ido cambiando con el tiempo, pero siempre ha sido una mezcla de todo lo que me apasiona: pintura, moda, letras y ahora también el diseño digital. Me gusta experimentar y no limitarme a

“Dos cuerpos separándose pero sus almas no se dejan ir”.

Hacer, decir y pensar Carta para una amiga

PRISCILA FUENTES GONZÁLEZ

Solo cuando te lanzas al vacío de la honestidad contigo mismo, te liberas de las cadenas que te atan

Hay momentos en la vida en los que el sufrimiento es tan intenso que parece reorganizar nuestra memoria. Dejamos de recordar una historia completa y comenzamos a recordar únicamente aquello que alimenta la culpa. Poco a poco terminamos creyendo que, si hubiéramos tomado una decisión distinta, todo habría sido diferente.

Sin embargo, la vida rara vez es tan simple.

Cuando observamos un acontecimiento después de que ha ocurrido, conocemos el desenlace. Sabemos cómo terminó la historia y, sin darnos cuenta, comenzamos a creer que también debimos haber sabido cómo iba a terminar antes de vivirla. Pero esa es una ilusión, la persona que tomó aquellas decisiones no conocía el futuro; únicamente disponía de la información, las emociones y las esperanzas que tenía en ese momento.

No somos responsables de conocer aquello que todavía no había sucedido.

A veces la mente busca desesperadamente un culpable porque resulta menos doloroso creer que todo dependía de una persona que aceptar una realidad más difícil: existen acontecimientos profundamente trágicos en los que convergen circunstancias, decisiones, historias personales y factores que nadie podía controlar completamente.

Eso no significa que las decisiones no importen. Importan. Todas nuestras decisiones tienen consecuencias, pero ninguna persona posee el poder de controlar por completo las decisiones, las emociones y la historia interior de los demás.

Hoy miras hacia atrás con los ojos de quien ya conoce el final de esta historia. Tal vez ha llegado el momento de mirar también con los ojos de la mujer que la vivió. Esa mujer no sabía lo que iba a ocurrir. Amaba. Esperaba un hijo. Tenía planes. Quería compartir una noticia que, para ella, representaba el comienzo de una nueva etapa. Esa mujer no actuó con la intención de destruir una vida; actuó intentando construir una.

Quizá algún día descubras que durante este tiempo no sólo has estado cargando con la culpa. También has estado cargando con varias pérdidas al mismo tiempo: la pérdida de un hijo, la incertidumbre sobre la persona que amas, el proyecto de vida que imaginabas y la sensación de haber

quedado sola frente a una tragedia que nunca esperaste vivir.

Ninguna de esas pérdidas desaparece porque alguien te diga que no fue tu culpa, ni tampoco desaparecen porque alguien encuentre un culpable. El dolor no obedece a los tribunales de la razón.

Pero sí puede transformarse cuando dejamos de preguntarnos únicamente quién tuvo la culpa y comenzamos a preguntarnos cómo seguir viviendo sin dejar de honrar aquello que perdimos.

No puedo cambiar lo que ocurrió, como tampoco puedes hacerlo tú. Lo único que todavía permanece abierto es la historia que escribirás a partir de ahora. Mientras exista esa posibilidad, el pasado ya no tiene la última palabra.

Sanar no consiste en olvidar, consiste en aprender a mirar la misma historia sin que ésta destruya la persona que eres en realidad.

PRISCILA FUENTES GONZÁLEZ. Versada en seguridad pública, criminología, prevención del delito, derechos humanos, constitucionalidad, gobernabilidad, impartición de justicia y políticas públicas en materia de seguridad. En su tiempo libre es Profesora, Doctorante y Pet lover. “Estoy dispuesta a pagar el precio de ser mal entendida, con tal de vivir una vida de adentro hacia afuera y no de afuera hacia dentro”

Por: César Pineda cpineda@audiocursosweb.com instagram: ing._cesar_pineda vienemiexito@gmail.com

La música dejó de ser suficiente

La lógica parecía simple: si una producción era buena, tarde o temprano encontraría a su público. Hoy esa idea ya no se sostiene, no porque la calidad haya perdido valor, sino porque se convirtió en un requisito mínimo dentro de un entorno profundamente saturado. En un mundo donde millones de canciones están disponibles al mismo tiempo, la excelencia dejó de ser excepción y pasó a ser un punto de partida.

Hacer buena música ya no distingue; apenas habilita. El verdadero reto aparece después: lograr que una producción sea entendida, encontrada y recordada. Aquí surge la confusión entre comunicar y vender. Comunicar no es traicionar la obra ni rebajarla; es traducirla. Es construir un puente entre la intención artística y la experiencia del oyente. Sin ese puente, la música queda encerrada en sí misma.

Una propuesta que no se explica queda aislada, incluso cuando es sólida. La visibilidad no depende únicamente del mérito artístico, sino de la capacidad de contextualizar el proyecto sin vaciarlo de sentido. Esto implica narrativa, coherencia y repetición. No basta con lanzar una canción; hay que acompañarla de un marco que permita comprender por qué existe y qué lugar ocupa en la vida de quien la escucha.

Cuando este proceso no ocurre, la obra no fracasa en términos creativos: simplemente no avanza en un ecosistema que no se detiene. El silencio ya no es sinónimo de profundidad; muchas veces es solo invisibilidad.

El problema contemporáneo no es la falta de talento, sino la ausencia de estrategias de circulación. Durante años se delegó esta responsabilidad a intermediarios que hoy ya no cumplen la misma función. La difusión dejó de

Durante mucho tiempo se creyó que la calidad artística bastaba para garantizar visibilidad

ser automática y se convirtió en una tarea consciente. La música ya no compite por ser la mejor; compite por ser legible en un entorno que exige atención constante y ofrece muy poco tiempo.

Asumir esta realidad no implica sacrificar profundidad ni adaptarse ciegamente a tendencias, implica entender que toda obra necesita diálogo. El arte que no se comunica se encierra en una

burbuja de pureza que nadie habita. Y el encierro, en un entorno saturado, no es resistencia: es desaparición silenciosa.

La responsabilidad comunicativa no es una concesión al mercado, sino una condición para que la obra exista en el mundo. La música no perdió valor; perdió aislamiento. Y aprender a vivir sin él es uno de los grandes desafíos creativos de nuestro tiempo.

CESAR PINEDA es Ingeniero, Productor y director Musical. Con más de 25 años de experiencia en la industria musical, desarrolla a personas para convertirlas en profesionales a través de sus entrenamientos presenciales y online, ayudándoles también a encontrar su verdadero potencial.

Por: Victor B. Martínez – POSTA Foto: Cortesía POSTA

DURANTE TRABAJOS DE RESTAURACIÓN DEL INAH

Descubren tres nuevas pinturas rupestres en Cuatro Ciénegas

INAH encuentra tres nuevas pinturas rupestres en Cuatro Ciénegas tras concluir trabajos de restauración en Coahuila

Los trabajos de conservación realizados por especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en dos importantes sitios arqueológicos de Cuatro Ciénegas derivaron en un hallazgo inesperado: tres nuevas pinturas rupestres que permanecían ocultas entre las paredes de las cuevas intervenidas.

La restauración se desarrolló en  Cueva Pinta y Cueva Pinta VI, espacios que en 2025 fueron afectados por actos de extracción ilegal de manifestaciones rupestres, situación que obligó a las autoridades culturales a emprender un proceso especializado para recuperar el patrimonio dañado y documentar nuevamente las evidencias arqueológicas presentes en la zona.

De acuerdo con autoridades del Centro INAH Coahuila , el descubrimiento ocurrió durante la etapa final de limpieza y reintegración cromática, cuando los restauradores eliminaron acumulaciones de polvo, grafitis y residuos generados tras las afectaciones sufridas por los sitios.

El delegado del  INAH en Coahuila , Francisco Aguilar Moreno, explicó que las nuevas figuras no habían sido identificadas anteriormente debido a las condiciones de conservación del lugar, por lo que únicamente pudieron detectarse después del proceso técnico de restauración.

Actualmente las imágenes permanecen bajo análisis por parte de especialistas, quienes buscan determinar su antigüedad, características iconográficas y el contexto histórico al que pertenecen. Aunque todavía no existe una fecha definitiva, los primeros indicios apuntan a que podrían corresponder a una etapa muy antigua de ocupación humana dentro de las cuevas.

Además del valor arqueológico del descubrimiento, el hallazgo representa una oportunidad para ampliar el conocimiento sobre las primeras comunidades que habitaron el actual territorio de Coahuila y sobre las distintas expresiones artísticas desarrolladas durante miles de años en la región desértica.

¿Cómo permitió la restauración descubrir nuevas pinturas rupestres que permanecían ocultas?

El descubrimiento fue consecuencia directa de los trabajos especializados de conservación emprendidos por el INAH después del daño ocasionado por el saqueo registrado durante 2025.

Durante la restauración, los expertos realizaron una serie de procedimientos que incluyeron limpieza superficial, eliminación de contaminantes, estabilización de pigmentos originales y reintegración cromática de las áreas afectadas. Una vez concluidas estas labores, efectuaron una revisión completa de las paredes de ambas cuevas.

Fue precisamente durante este recorrido final cuando aparecieron tres representaciones rupestres que anteriormente permanecían ocultas por capas de suciedad, deterioro natural y alteraciones provocadas tanto por el paso del tiempo como por intervenciones humanas.

Para documentarlas, el equipo utilizó tecnología especializada como fotogrametría, fotografía de alta resolución y registros tridimensionales en cuatro dimensiones, herramientas que permiten identificar detalles prácticamente imperceptibles a simple vista y generar modelos digitales del patrimonio arqueológico.

Los especialistas consideran que este tipo de metodologías continuará siendo fundamental para futuras investigaciones, ya que muchos sitios arqueológicos podrían conservar representaciones similares aún sin identificar.

Este hallazgo también demuestra que los procesos de restauración no solamente sirven para conservar el patrimonio existente, sino que en muchas ocasiones permiten descubrir elementos históricos desconocidos que enriquecen la información disponible sobre las antiguas culturas del norte de México.

¿Qué se sabe hasta ahora sobre las nuevas representaciones encontradas en Cuatro Ciénegas?

Aunque las investigaciones continúan, los primeros análisis realizados por arqueólogos y restauradores ofrecen algunos indicios sobre las características de las figuras recién descubiertas.

Las nuevas pinturas presentan principalmente pigmentos de color blanco, tonalidad utilizada en distintas épocas por grupos humanos que ocuparon esta región del desierto coahuilense.

De manera preliminar, algunos investigadores consideran que las imágenes podrían representar figuras relacionadas con prácticas rituales o perso-

najes asociados al chamanismo, aunque esta interpretación aún deberá confirmarse mediante estudios arqueológicos, iconográficos y de laboratorio.

Los especialistas también analizan la posición exacta donde fueron localizadas dentro de la cueva, ya que su ubicación podría indicar que pertenecen a una de las fases más antiguas de ocupación del sitio.

Hasta ahora se sabe que las cuevas de Cuatro Ciénegas contienen evidencia de presencia humana durante un periodo aproximado de entre dos mil y dos mil 500 años, con manifestaciones artísticas que abarcan desde épocas anteriores a la era cristiana hasta aproximadamente el siglo XVIII.

Esta prolongada ocupación explica la diversidad de estilos, técnicas y pigmentos encontrados en el lugar, convirtiendo a estas cuevas en uno de los conjuntos de arte rupestre más relevantes del estado de Coahuila.

Los dictámenes técnicos y resultados de laboratorio permitirán conocer con mayor precisión la temporalidad, el significado y las características de estas nuevas expresiones culturales durante los próximos meses.

¿Qué se sabe hasta ahora sobre las nuevas representaciones encontradas en Cuatro Ciénegas?

Aunque las investigaciones continúan, los primeros análisis realizados por arqueólogos y restauradores ofrecen algunos indicios sobre las características de las figuras recién descubiertas.

Las nuevas pinturas presentan principalmente pigmentos de color blanco, tonalidad utilizada en distintas épocas por grupos humanos que ocuparon esta región del desierto coahuilense.

De manera preliminar, algunos investigadores consideran que las imágenes podrían representar figuras relacionadas con prácticas rituales o personajes asociados al chamanismo, aunque esta interpretación aún deberá confirmarse mediante estudios arqueológicos, iconográficos y de laboratorio.

Los especialistas también analizan la posición exacta donde fueron localizadas dentro de la cueva, ya que su ubicación podría indicar que pertenecen a una de las fases más antiguas de ocupación del sitio.

Hasta ahora se sabe que las cuevas de Cuatro Ciénegas contienen evidencia de presencia humana durante un periodo aproximado de entre dos mil y dos mil 500 años, con manifestaciones artísticas que abarcan desde épocas anteriores a la era cristiana hasta aproximadamente el siglo XVIII.

Esta prolongada ocupación explica la diversidad de estilos, técnicas y pigmentos encontrados en el lugar, convirtiendo a estas cuevas en uno de los conjuntos de arte rupestre más relevantes del estado de Coahuila.

Los dictámenes técnicos y resultados de laboratorio permitirán conocer con mayor precisión la temporalidad, el significado y las características de estas nuevas expresiones culturales durante los próximos meses.

Por: Victor B. Martínez – POSTA Foto: Cortesía POSTA

Vendimia 2026 en Cuatro Ciénegas: Todo lo que debes saber antes de asistir

La temporada vitivinícola de Coahuila su-mará un nuevo atractivo este verano con la realización de la Vendimia 2026 en Cuatro Ciénegas, un evento que combinará degustaciones de vino, gastronomía regional, expresiones culturales y actividades tradicionales en uno de los destinos turísticos más emblemáticos del estado.

La celebración se llevará a cabo el próximo 25 de julio en el viñedo Los Pirules, ubicado sobre la ca-rretera que conduce hacia Sierra Mojada, donde visitantes locales, nacionales e internacionales podrán disfrutar de una experiencia enfocada en la cultura del vino y en la riqueza natural que distingue a la región Centro-Desierto.

Durante la presentación oficial del evento, realizada en Sabinas con la participación de organizadores y representantes de la Oficina de Convenciones y Visitantes (OCV) de la Región Centro, se destacó que esta edición busca seguir fortaleciendo el turismo enológico y posicionar a Cuatro Ciénegas como uno de los principales destinos para quienes desean conocer la producción vitivinícola de Coahuila.

Además de las actividades relacionadas con el vino, la vendimia ofrecerá espacios para el arte, la gastronomía y la promoción de productos elaborados por artesanos y emprendedores locales, generando una experiencia integral para quienes decidan asistir.

Los organizadores también señalaron que el evento representa una oportunidad para que los visitantes recorran otros sitios turísticos cercanos que forman parte de la Ruta del Desierto, ampliando así la oferta turística de la región durante el periodo vacacional.

¿Qué incluye el boleto para la Vendimia 2026 en Cuatro Ciénegas?

El acceso al festival tendrá un costo de 695 pesos, cantidad que permitirá a los asistentes participar en diversas actividades preparadas para celebrar la tradición vitivinícola del estado.

Entre los beneficios incluidos se encuentra un cóc-

tel de bienvenida, la degustación de una etiqueta de vino tinto producida en la región y una porción individual de charcutería especialmente preparada para acompañar la experiencia gastronómica.

La programación también contempla música en vivo y ambientación durante toda la jornada, creanda un ambiente pensado para convivir entre familias, grupos de amigos y visitantes interesados en conocer más sobre la producción vinícola de Coahuila.

Uno de los momentos más esperados será la demostración del proceso tradicional de molienda de la uva y el emblemático pisado de uvas, actividad que cada año reúne a decenas de participantes y que forma parte de las celebraciones características de las vendimias.

Los organizadores indicaron que la intención es ofrecer una experiencia accesible para personas que ya conocen el mundo del vino, así como para quienes buscan acercarse por primera vez a esta tradición.

¿Qué otras actividades podrán disfrutar los asistentes durante el festival?

La Vendimia 2026 no estará enfocada únicamente en las degustaciones de vino, sino que ofrecerá una programación variada para públicos de diferentes edades e intereses.

Durante el evento habrá espacios especialmente

diseñados para fotografías, escenarios decorativos y áreas donde artistas y expositores presentarán distintas expresiones culturales relacionadas con la identidad de la región.

Asimismo, los asistentes podrán recorrer un corredor comercial integrado por productores locales que ofrecerán dulces tradicionales, artesanías, sombreros, joyería, alimentos y diversas bebidas.

Este tipo de actividades busca fortalecer la economía regional al brindar espacios de promoción para pequeños negocios y emprendedores, permitiendo que los visitantes conozcan parte de la riqueza cultural y gastronómica del municipio.

La combinación entre vino, gastronomía, arte y comercio local convierte a la vendimia en una experiencia que trasciende el ámbito enológico y promueve la identidad turística de Cuatro Ciénegas y del estado de Coahuila.

¿Qué lugares turísticos pueden visitarse durante el viaje a Cuatro Ciénegas?

Uno de los principales atractivos de asistir a la Vendimia 2026 es la posibilidad de complementar la experiencia con un recorrido por algunos de los destinos naturales e históricos que forman parte de la Ruta del Desierto.

Entre los sitios más visitados sobresale el río Los Mezquites, conocido por sus aguas cristalinas y por ser uno de los espacios recreativos más representativos del Pueblo Mágico.

A partir de este punto también es posible extender el recorrido hacia municipios como Ocampo, Candela y Lamadrid, localidades que complementan la oferta turística mediante atractivos naturales, arquitectura tradicional y experiencias vinculadas con la historia del desierto coahuilense. Con una propuesta que reúne vino, gastronomía, cultura y naturaleza, la Vendimia 2026 busca consolidarse como uno de los eventos más importantes del verano en Coahuila y continuar posicionando a Cuatro Ciénegas como uno de los principales destinos para el turismo vitivinícola del norte de México.

Por: Especial

Fotos: Especial UANL

Impulsa Universidad exposición arquitectónica del noreste

La Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Arquitectura (FARQ), será una de las principales organizadoras de la exposición “Arquitectura posrevolucionaria: Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas”, un proyecto de divulgación cultural sobre el patrimonio arquitectónico del noreste de México.

El docente investigador de la FARQ Carlos Alejandro Lupercio Cruz es uno de los promotores de este espacio que representa el resultado de más de una década de estudio sobre el tema.

Dicha muestra reúne alrededor de 150 piezas entre planos originales, fotografías, postales, maquetas, documentos históricos y objetos patrimoniales procedentes de archivos públicos, colecciones privadas y fondos documentales de Monterrey, Saltillo, Torreón, Tampico, Ciudad Victoria e incluso Barcelona.

Además del financiamiento, la Universidad participa con la edición del catálogo y un libro de ensayos y la elaboración de maquetas mediante impresión 3D en el Centro de Innovación y Diseño, así como con la sede donde se presentará la muestra.

Entre las piezas más relevantes destacan dos planos originales del antiguo Mercado del Norte de Monterrey, el histórico elefante que fungió como emblema de Fundidora en las décadas de 1920 y 1940, mosaicos hidráulicos, alrededor de cien postales históricas, fotografías provenientes de distintas fototecas.

BUSCAN IMPACTAR EN LA SOCIEDAD

Para Lupercio Cruz, la exposición busca reivindicar un periodo arquitectónico que ha recibido poca atención dentro de la historia nacional.

La muestra reúne alrededor de 150 piezas de archivos públicos, colecciones privadas y fondos documentales de Monterrey, Saltillo, Torreón, Tampico, Ciudad Victoria e incluso Barcelona

“Creo que vamos a poner en el mapa por primera vez todos estos edificios que son tan valiosos, tan importantes,

que marcan todo el desarrollo de una época y que no son tomados en cuenta a nivel nacional en la historia canónica de la arquitectura”, indicó.

El académico señaló que Monterrey, Torreón, Tampico y Saltillo fueron polos de desarrollo industrial y económico que impulsaron nuevas formas de construir y sentaron las bases de la arquitectura moderna del noreste del país.

Finalmente, explicó que uno de los principales objetivos es acercar la investigación universitaria a la sociedad y fomentar el interés por el patrimonio arquitectónico entre las nuevas generaciones.

La exposición será inaugurada el 7 de julio en la Unidad Cultural de Arquitectura de la UANL, ubicada en el Barrio Antiguo de Monterrey, donde permanecerá abierta hasta el 24 de octubre, con entrada gratuita.

Esta muestra busca consolidarse como uno de los proyectos de divulgación más importantes sobre la arquitectura regional del noreste mexicano y reafirma el compromiso de la Universidad Autónoma de Nuevo León con la investigación, la preservación y la difusión del patrimonio cultural.