Liudmila Georgievskaya - Elegies and Visions by Odradek

ELEGIES AND VISIONS

LIUDMILA GEORGIEVSKAYA PIANO

This album features some of the most profound and spiritually meaningful works that I encountered among the piano music written in the last thirty years. As an interpreter I came to feel a strong personal connection with each of these works, in spite of their striking diversity of compositional language and style – a typical trait of our time. Ellen Harrison’s enchanting suite The Time Between (2020) conveys a wide array of subtle emotions with incredible timbral and psychological sophistication; with an almost cinematic feel, its titles synesthetically evoke color nuances and ephemeral feelings of distance, longing, and melancholia. Jonathan Cziner’s Elegy (2014) is an impressively concise two-page work, miraculously growing from a transparent and innermost lamentation into a solemn, bell-like conclusion, universal in scope. Thomas Schwan’s Notturno (2025), at the heart of this album, asserts a cosmic comprehension of soulful suffering, faith, fragility, passion, tragedy, contemplation, and commotion. On Deeper Reflection by Edward Green (2024) is a hauntingly beautiful miniature, rigorous in its contrapuntal writing, and imbued with deep philosophical meaning. The disc’s grand finale is Ralf Gawlick’s Mysterium doloris quintae (1997), a timeless and heartfelt representation of existence as a realm of universally shared suffering, where mercy and grace feebly but powerfully find their way, providing salvation and comfort in the face of evil.

Liudmila Georgievskaya

The first work on the CD is The Time Between by Ellen Ruth Harrison, a piano suite consisting of three movements. It was jointly commissioned by Ohio Music Teachers Association and Music Teachers National Association in 2020 and was scheduled to be premiered in June 2020 at the OhioMTA Conference at Ohio University in Athens, Ohio. The Time Between consists of two lyrical, atmospheric outer movements framing a dynamic, somewhat kaleidoscopic one. Their titles reflect the colors and moods one might find in the time between day and night, whether at dawn or dusk. This time is a time of change, or transition, much like our present situation in which we find ourselves between our former and our future lives. This does not mean that we are static, just between and searching for new ways to be. Each movement hovers around G minor, although the third movement vacillates a bit between D and G minor. In each of the three, however, a foreign element briefly unsettles the harmonic foundation before returning to more familiar territory. Ellen Ruth Harrison has dedicated this piece to two dear friends, Jessica Madsen and Elaine Leung-Wolf, both extraordinary pianists, who were among the first friends she made when she moved to Cincinnati. It can be seen as a celebration of their friendship.

Jonathan Cziner’s Elegy is the second piece of his set Four Character pieces, dedicated to the memory of his grandmother Joan Cziner. In the Jewish funereal tradition, mourners help return the body of the deceased to the earth by taking turns shoveling dirt over the coffin once it is lowered into the ground. Though they view this as a mitzvah (a good deed), the sound of earth and rock echoing on the wooden coffin can be hard to hear. For Cziner it symbolizes the finality of death and the grief of losing a loved one. At the same time, this tradition allows all of the mourners to participate, and thus provides a sense of comfort and community. “The end of the Elegy is a musical depiction of this tradition and the many feelings that accompany it”, tells us the composer whose music has been praised for its “daring harmonic explorations” (Dallas Morning News) and “individual voice and the knowledge and technique to convey ideas in a striking and kaleidoscopic manner” (Chicago Classical Review). Now Liudmila Georgievskaya has breathed new life into this piece and recorded it eleven years after it was originally composed in 2014, for which the composer is very grateful to her.

“My compositions are born out of a personal spiritual urgency: the need to survive obscurity, to generate a movement of ascent from darkness to light, from hopelessness to rebirth” says the Italian-GermanAmerican pianist and composer Thomas Schwan. “I often dream about wandering through inner cemeteries in search of something hidden, forgotten and unspeakable. Perhaps the secret key to the very meaning of reality, lost in the contradictions and the weariness of living. My works reﬂect this crossing of the inner desert, of the inner labyrinth, in the last hour of the night”. Regarding the work on this disc, the composer adds: “My Notturno was born out of a long inner search; its tonic key, D-ﬂat major, may be directly referencing Chopin’s Nocturne Op. 27, No. 2, which I had recently performed. I felt I needed to express through a new, personal composition the same kind of cosmic completeness and spiritual momentum I had experienced as an interpreter of this particular Chopin work. The result is a religious, hymn-like piece where all the registers of the instrument are used simultaneously, as to suggest the vertical axis of a cosmic cross (eternity, simultaneity, universal fullness); the horizontal axis (linear time) is conveyed through a regular, relentless pulse – almost a heartbeat of bell-like tones resonating through immense distances. The episodes intertwine into a simple ternary form with a coda. The overall feeling is that of star-gazing or a meditation on the unity of all things.”

On Deeper Reflection is the opening movement of the suite In Praise of Vivid Existence which the composer Edward Green created in 2024. It premiered at Klavierhaus in New York City, with Max Lifschitz performing. Each of its six movements reflects the composer’s study of what he sees as the greatest and most valuable idea in the history of art – Eli Siegel’s principle of Aesthetic Realism, which explains what beauty is, and what it means for our lives: “All beauty is a making one of opposites, and the making one of opposites is what we are going after in ourselves.” Opposites are central to the technique of On Deeper Reflection, and have to do with why it is vivid music. It is a canon. But surprisingly the lead part is a duet of two independent melodic lines – so the result is a “harmonic canon.” Every canon says: Past and present can make a beautiful one, since we hear something fresh and something familiar in every measure. A harmonic canon, the composer has pointed out, also says: We are never alone; never isolated; even when we think we are just a “solo melody,” we actually have a partner with us, always. The movement ends unresolved; mystery is in the air! (The other five movements are needed to see that mystery through to its joyous conclusion). And this fact also has to do with the title of the suite. To feel existence vividly we need a lively awareness of what’s right on the surface – what we immediately and spontaneously see, hear, meet. And we also need an equally lively awareness of reality’s hidden depths, never wholly grasped, but always there.

The fifth Sorrowful Mystery of the Rosary contemplates the crucifixion and death of Christ. In Mysterium doloris quintae (Tropen-Kreuz) from the German-American composer Ralf Yusuf Gawlick, a cruciform takes shape from musical tropes that weave together quotations from Bach, Mozart, and children’s songs from around the world. At its core are passages from two works bound to the Passion: Bach’s Mache dich, mein Herze, rein from the St. Matthew Passion and the Crucifixus from the Mass in B minor. These fragments, arranged, juxtaposed, and layered, surface and recede within sections of originally composed music. Amid this cruciform framework, the cross is interlaced with children’s songs from Turkey, Russia, Poland, Germany, and the United States. It becomes a space of shared suffering, where Christ’s agony embodies the pain of all innocents. Theologically and artistically, time collapses: Golgotha is revealed not as a single historical moment but as an ever-present reality wherever and whenever the innocent suffer. At a pivotal point, a quotation from the Andante from Mozart’s Piano concerto K.414 appears, followed by ‘Contessa perdono’ from Le Nozze di Figaro, moving from transcendent purity to music imbued with mercy and forgiveness. Heard within this cruciform, they reframe the cross as not only the meeting place of suffering and innocence, but also the site where mercy breaks in, offering redemption and hope. The cruciform no longer holds only violated innocence – it also contains the potential of grace. To shape an aural space into a figural image, the cross is suspended between temporally equidistant piano recitations of an Ave Maria plainchant. Its ten phrases echo the ten repetitions of the prayer in the Rosary. The work finds its fons et origo in the Gospel according to St. Matthew: “But Jesus said, ‘Let the children come to me, and do not prevent them. For such is the kingdom of heaven.’” (Matthew 19:14)

Antonio Gómez Schneekloth

Concert pianist, recording artist and highly regarded pedagogue, Dr. Liudmila Georgievskaya was hailed for her “absolute art, technique, and musicality” by Scherzo Magazine (Spain) and “a sharp, inquisitive mind shaping the performance” by The Guardian (UK). Winner of top prizes in more than a dozen national and international piano competitions, she has performed across Russia, Italy, Uzbekistan, Ukraine, France, Spain, The Netherlands, England, Hungary, Panama, Cuba, Colombia, and the United States. Her performances have been broadcast on radio and television programs in Russia, the United States, Uzbekistan, Italy and Vatican City. She has appeared as a soloist with orchestras in Russia, Latin America, Asia, and the United States.

Her 2013 solo album featuring works by Beethoven and Schumann, released by Odradek Records, received widespread acclaim from the international press and won two Global Music Awards. In addition to solo concertizing, she often performs in piano duos with her husband, Thomas Schwan, and her sister, Olga Georgievskaya. She frequently champions contemporary music and is a long-time member of Voices of Change, one of the most distinguished new music ensembles in the United States.

An inheritor of the Russian piano school, she studied in Moscow with Tatiana Galitskaya and Liudmila Roschina, both students of the legendary Russian pianist Samuil Feinberg, Alexander Goldenweiser’s pupil and disciple. She graduated summa cum laude from the Moscow State Tchaikovsky Conservatory, completed a postgraduate course with Sergio Perticaroli at the Santa Cecilia National Academy in Rome, and earned her Artist Certiﬁcate from Southern Methodist University with Joaquín Achúcarro. She then completed her studies with the doctorate in piano performance under the guidance of Pamela Mia Paul at the University of North Texas. Dr. Georgievskaya is Assistant Professor of Piano at the renowned University of North Texas in Denton, USA, and is in high demand for recitals and masterclasses worldwide.

Edward Green is a Professor Emeritus at Manhattan School of Music, having taught composition and music history there for forty years. His scholarly publications include the books China and the West: The Birth of a New Music, and The Cambridge Companion to Duke Ellington. Since 1980, he has served on the faculty of the Aesthetic Realism Foundation in New York City; earlier, he had the great honor to study with its founder, Eli Siegel. Dr. Green has often been invited to lecture about Aesthetic Realism and music here and abroad, including –through the auspices of the Fulbright Foundation – in Paraguay and Argentina. Among the awards he has received for his own music is the First International Symphonic Composition Prize (2018) of the Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional del Paraguay for his Symphony in C.

Ellen Ruth Harrison, a composer of lyrical, vividly colored music, lives in Cincinnati, OH, where she teaches at UC’s College-Conservatory of Music. Melody ﬁgures prominently in her work, as does her concern for color and gently shifting harmonies. Her music has received numerous honors and awards, and her works have been widely performed both in the United States and abroad by a diverse range of performers. Harrison earned her doctorate from the University of California, Berkeley and degrees from the Stuttgart Musikhochschule and the University of Illinois. She spent two years studying in Paris supported by U.C. Berkeley’s Prix de Paris. Her music is available on Ablaze, Albany, and Emeritus Records. More info at www.ellenruthharrison.com

Ralf Yusuf Gawlick, a German-American composer of Romani-Kurdish descent, creates solo, chamber, orchestral, electro-acoustic, film, and choral works that frequently reflect his international heritage. Signature compositions include Herzliche Grüße Bruno ~ Briefe aus Stalingrad, the eight-voice Missa Gentis Humanæ, the song cycle Kollwitz-Konnex (… im Frieden seiner Hände), the cantata Kinderkreuzzug, and the autobiographical quartet Imagined Memories (Bîranînên Xeyalî) — works distinguished by dialogue with the Western canon and uncompromising craft. O Lungo Drom (The Long Road), the first oratorio to tell the story of the Roma and Sinti, was commissioned by the Alban Berg Ensemble Wien. Published exclusively by Universal Edition, his music has been heard in venues from Vienna’s Musikverein to Carnegie Hall and recorded on Musica Omnia, Perfect Noise, and Decca Eloquence. A professor at Boston College, he lives in Newton, MA, with his wife and fellow musician, Basia.

Thomas Schwan (Milano, 1985), pianist and composer, performed extensively in Italy, the Netherlands, France, England, Russia, Panama, and the United States. His live interpretations of both books of Bach’s Well-Tempered Clavier and the complete Chopin Nocturnes have gained an extraordinary following on YouTube and are widely appreciated by audiences, critics, and fellow musicians, with CDs being sold all over the world under his own CON ANIMA record label. The winner of the First Prize at the World Bach Competition in Boulder, Colorado (2020) and the Honors Diploma and Monte dei Paschi di Siena Prize from Accademia Chigiana in Siena, Italy (2011), he holds degrees from SMU (under Joaquín Achúcarro) and UNT (DMA under Pamela Mia Paul). His music has been performed and commissioned by ensembles, soloists, and arts organizations in the United States, France, and Italy. Also an accomplished ﬁne art photographer, he was mentored by the legendary photographer and writer Giovanni Chiaramonte. His prints were displayed in art galleries across the US and are part of the renowned Joaquim Paiva Collection in Rio de Janeiro. www.thomasschwan.com

Jonathan Cziner’s (silent C, rhymes with diner or minor) music has been praised for its “daring harmonic explorations” (Dallas Morning News) and “individual voice and the knowledge and technique to convey ideas in a striking and kaleidoscopic manner” (Chicago Classical Review).

Jonathan’s works have been performed by ensembles including the Minnesota Orchestra, Milwaukee Symphony Orchestra, New Jersey Symphony Orchestra, as well as the New York Youth Symphony, Greater Dallas Youth Orchestra, Juilliard Orchestra, and New Juilliard Ensemble, and by acclaimed artists including conductors Osmo Vänskä, David Robertson, and Ruth Reinhardt; cellist Julian Schwarz; violinist Stella Chen; harpist Emily Levin; and guitarist Colin Davin, among others. Cziner was named Composer-in-Residence of the Illinois Philharmonic for their 2022-2023 season and composed three new works for the orchestra including his ﬁrst symphony, Celestial Symphony. Jonathan lives in Dallas, Texas with his wife Emily Levin, the Principal Harpist of the Dallas Symphony.

Dieses Album enthält einige der tiefgründigsten und spirituell bedeutendsten Werke, die ich in den letzten dreißig Jahren entdeckt habe. Als Interpretin habe ich zu jedem dieser Werke eine starke persönliche Verbindung aufgebaut, trotz ihrer sprachlichen und stilistischen Vielfalt – ein typisches Merkmal unserer Zeit. Ellen Harrisons bezaubernde Suite The Time Between (2020) vermittelt eine breite Palette subtiler Emotionen mit klanglich und psychologisch unglaublicher Raffinesse; mit fast filmischem Gespür evozieren ihre Titel synästhetisch Farbnuancen und flüchtige Gefühle von Distanz, Sehnsucht und Melancholie. Jonathan Cziners Elegy (2014) ist ein prägnantes, zweiseitiges Werk, das sich auf wundersame Weise von einer transparenten, innersten Klage zu einem feierlichen, glockenartigen Schluss entwickelt, der universelle Gültigkeit hat. Thomas Schwans Notturno (2025), das Herzstück dieser CD, vermittelt ein kosmisches Verständnis von seelischem Leid, Glauben, Zerbrechlichkeit, Leidenschaft, Tragik, Kontemplation und Aufruhr. On Deeper Reflection von Edward Green (2024) ist eine eindringlich schöne Miniatur, streng in ihrer kontrapunktischen Komposition und durchdrungen von tiefer philosophischer Bedeutung. Das große Finale der CD bildet Ralf Gawlicks Mysterium doloris quintae (1997), eine zeitlose und herzliche Darstellung der Existenz als einem Reich universell geteilten Leidens, in dem sich Barmherzigkeit und Gnade kraftvoll durchsetzen und, angesichts des Bösen, Erlösung und Trost spenden.

Liudmila Georgievskaya

Das erste Werk auf dieser CD, The Time Between von Ellen Ruth Harrison, stellt eine dreisätzige Klaviersuite dar. Sie wurde 2020 gemeinsam von der Ohio Music Teachers Association und der Music Teachers National Association in Auftrag gegeben und sollte im Juni 2020 auf der OhioMTA-Konferenz an der Ohio University in Athens, Ohio, uraufgeführt werden. The Time Between besteht aus zwei lyrischen, atmosphärischen Ecksätzen, die einen dynamischen, etwas kaleidoskopartigen Mittelsatz umrahmen. Der Titel spiegelt die Farben und Stimmungen wider, die man in der Zeit zwischen Tag und Nacht, ob in der Morgendämmerung oder in der Abenddämmerung, finden kann. Diese Zeit ist eine Zeit des Wandels oder des Übergangs, ähnlich wie unsere gegenwärtige Situation, in der wir uns zwischen unserem früheren und unserem späteren Leben befinden. Das bedeutet nicht, dass wir desorientiert sind, sondern nur, dass wir uns in einer Zwischenphase befinden und nach neuen Wegen suchen. Alle Sätze kreisen um g-Moll, obwohl der dritte ein wenig zwischen d- und g-Moll schwankt. In jedem der drei Sätze jedoch bringt ein fremdes Element kurzzeitig die harmonische Grundlage ins Wanken, bevor sie wieder in vertrautere Gefilde zurückfindet. Ellen Ruth Harrison hat dieses Stück zwei geliebten Menschen gewidmet: Jessica Madsen und Elaine Leung-Wolf, beides außergewöhnliche Pianistinnen, die zu den ersten Freundinnen gehörten, die sie nach ihrem Umzug nach Cincinnati fand und darf daher als eine Hommage betrachtet werden.

Jonathan Cziners Elegy ist das zweite Stück der Four Character Pieces und ist dem Andenken an seine Großmutter Joan Cziner gewidmet. In der jüdischen Bestattungstradition helfen die Trauernden dabei, den Leichnam des Verstorbenen zur Erde zurückzubringen, indem sie Erde auf den Sarg schaufeln, sobald dieser in die ausgehobene Grube gesenkt wird. Obwohl sie dies als Mitzvah (gute Tat) betrachten, kann das Geräusch von Erde und Steinen, die auf den Holzsarg fallen, etwas harsch wirken. Für Cziner symbolisiert es die Endgültigkeit des Todes und die Trauer um einen geliebten Menschen. Gleichzeitig ermöglicht diese Tradition allen Trauernden, sich zu beteiligen, und vermittelt so ein Gefühl von Trost und Gemeinschaft: „Das Ende der Elegie ist eine musikalische Darstellung dieser Tradition und der vielen Gefühle, die damit einhergehen“, erzählt uns der Komponist, dessen Musik wegen ihrer „gewagten harmonischen Wendungen“ (Dallas Morning News) und ihrer „Originalität, sowie das Wissen und die Technik, Ideen auf eindrucksvolle und kaleidoskopische Weise zu vermitteln“ (Chicago Classical Review), gelobt wurde. Nun hat Liudmila Georgievskaya diesem Stück neues Leben eingehaucht und es elf Jahre nach seiner Urauﬀührung (2014) aufgenommen, wofür der Komponist ihr sehr dankbar ist.

„Meine Kompositionen entstehen aus einer persönlichen spirituellen Dringlichkeit heraus: dem Bedürfnis, der Dunkelheit zu trotzen, einen Weg von ihr aus ins Licht zu beschreiben, von der Hoﬀnungslosigkeit zur Wiedergeburt“, beteuert der italienisch-deutsch-amerikanische Pianist und Komponist Thomas Schwan. „Ich träume oft davon, auf der Suche nach etwas Verborgenem, Vergessenem und Unaussprechlichem durch innere Friedhöfe zu wandern. Vielleicht ist es der geheime Schlüssel zum eigentlichen Sinn der Realität, verloren in den Widersprüchen und der Müdigkeit des Lebens. Meine Werke spiegeln diese Durchquerung der inneren Wüste, des inneren Labyrinths, in der letzten Stunde der Nacht, wider.“ Über sein Werk auf dieser CD fügt der Komponist hinzu: „Mein Notturno entstand aus einer langen inneren Suche: die Tonika Des-Dur könnte eine direkte Anspielung auf Chopins Nocturne Op. 27, Nr. 2 sein, das ich kürzlich aufgeführt habe. Ich hatte das Bedürfnis, durch eine neue, eigene Komposition dieselbe kosmische Vollkommenheit und spirituelle Kraft auszudrücken, die ich als Interpret dieses besonderen Werks von Chopin empfand. Daraus entstand ein religiöses, hymnisches Stück, in dem alle Register des Instruments gleichzeitig eingesetzt werden, um die vertikale Achse eines kosmischen Kreuzes (Ewigkeit, Gleichzeitigkeit, universelle Fülle) anzudeuten; Die horizontale Achse (lineare Zeit) wird durch einen regelmäßigen, unerbittlichen Puls vermittelt – fast wie ein Herzschlag aus glockenartigen Tönen, die über immense Entfernungen hinweg widerhallen. Die verschiedenen Episoden verﬂechten sich zu einer einfachen dreiteiligen Form mit einer Coda. Das Gesamtgefühl gleicht einer kontemplativen Betrachtung des Sternenhimmels oder einer Meditation über die Einheit aller Dinge”.

On Deeper Reflection ist der erste Satz der Suite In Praise of Vivid Existence, die der Komponist Edward Green im Jahr 2024 fertigstellte. Die Uraufführung fand im New Yorker Klavierhaus statt, gespielt von Max Lifschitz. Jeder der sechs Sätze spiegelt die Auseinandersetzung des Komponisten mit dem wider, was er als den größten und wertvollsten Gedanken der Kunstgeschichte ansieht. Gemeint ist Eli Siegels Prinzip des ästhetischen Realismus, das erklärt, was Schönheit ist und was sie für unser Leben bedeutet: „Schönheit ist die Vereinigung von Gegensätzen, und die Vereinigung von Gegensätzen ist das, wonach wir streben.“ Gegensätze sind kompositionstechnisch gesehen von zentraler Bedeutung für On Deeper Reflection und flößen dem Werk Leben ein. Hierbei handelt es sich um einen Kanon. Dennoch besteht die Hauptstimme aus zwei unabhängigen Melodien. Daraus ergibt sich ein „harmonischer Kanon“. Jeder einzelne Kanon spricht von Vergangenheit und Gegenwart, die etwas Schönes erzeugen können, da wir in jedem Takt etwas Neues und etwas Vertrautes hören. Der harmonische Kanon spricht davon, „dass wir niemals allein sind, niemals isoliert. Selbst wenn wir glauben, nur eine einzige ‘Melodie’ zu sein, haben wir in Wirklichkeit immer einen Partner an unserer Seite“, betont der Komponist. Der Satz endet offen; ein

Geheimnis liegt in der Luft! (die weiteren fünf Sätze sind notwendig, um dieses Geheimnis am freudigen Ende zu lüften). Und diese Tatsache steht auch in Verbindung mit dem Titel der Suite. Um das Dasein lebendig zu spüren, brauchen wir ein lebhaftes Bewusstsein für das, was direkt an der Oberﬂäche liegt – was wir unmittelbar und spontan sehen, hören, antreﬀen. Und wir brauchen auch ein ebenso lebhaftes Bewusstsein für die verborgenen Tiefen der Realität, die wir nie ganz erfassen können, die aber immer vorhanden sind.

Das fünfte schmerzhafte Geheimnis des Rosenkranzes betrachtet die Kreuzigung und den Tod Christi: In Mysterium doloris quintae (Tropen-Kreuz) des deutsch-amerikanischen Komponisten Ralf Yusuf Gawlick entsteht aus musikalischen Tropen, die Zitate von Bach, Mozart und Kinderliedern aus aller Welt miteinander verweben, ein Kreuz. Im Mittelpunkt erscheinen Passagen aus zwei Werken, die mit der Passion verbunden sind: Bachs Mache dich, mein Herze, rein aus der Matthäus-Passion und das Crucifixus aus der h-Moll-Messe. Diese Fragmente, arrangiert, nebeneinander gestellt und übereinander gelagert, tauchen in Abschnitten der eigenen Musik auf und verschwinden wieder. Inmitten dieses kreuzförmigen Rahmens wird das Kreuz mit Kinderliedern aus der Türkei, Russland, Polen, Deutschland und den Vereinigten Staaten verwoben. Es wird zu einem Raum des gemeinsamen Leidens, in dem die Qualen Christi den Schmerz aller Unschuldigen verkörpern. Theologisch und künstlerisch bricht die Zeit zusammen: Golgatha offenbart sich nicht als einzelner historischer Moment, sondern als allgegenwärtige Realität, wo und wann immer Unschuldige leiden. An einem entscheidenden Punkt erscheint ein Zitat des Andante aus Mozarts Klavierkonzert KV 414, gefolgt von Contessa perdono aus Le Nozze di Figaro, das von transzendenter Reinheit zu Musik übergeht, die von Barmherzigkeit und Vergebung durchdrungen ist. Im Kontext des Kreuzes wahrgenommen, definieren sie das Kreuz neu, nicht nur als Ort der Begegnung von Leid und Unschuld, sondern auch als Ort, an dem Barmherzigkeit Einzug hält und Erlösung und Hoffnung schenkt. Das Kreuz steht nicht mehr nur für verletzte Unschuld –es birgt auch das Potenzial der Gnade. Um den Klangraum bildlich zu formen, hängt das Kreuz sozusagen zwischen zeitlich gleichmäßig angeordneten Klavierrezitationen eines Ave-Maria-Chorsatzes. Seine zehn Phrasen spiegeln die zehn Wiederholungen des Gebets im Rosenkranz wider. Das Werk findet seinen Ursprung im Matthäusevangelium: „Jesus aber sprach: Lasst die Kinder zu mir kommen und wehrt ihnen nicht; denn solchen gehört das Himmelreich“ (Matthäus 19,14).

Antonio Gómez Schneekloth

Autor des Textes Antonio Gómez Schneekloth / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative CommonsNamensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

Die Konzertpianistin, Interpretin und hoch angesehene Pädagogin Liudmila Georgievskaya wurde vom Scherzo Magazin (Spanien) für ihre „absolute Kunst, Technik und Musikalität“ und The Guardian (Großbritannien) für ihren „scharfen, neugierigen Geist, der ihre Vortragsweise prägt“, gelobt. Gewinnerin von Spitzenpreisen bei mehr als einem Dutzend nationaler und internationaler Klavierwettbewerbe, ist sie in Russland, Italien, Usbekistan, der Ukraine, Frankreich, Spanien, den Niederlanden, England, Ungarn, Panama, Kuba, Kolumbien und den Vereinigten Staaten aufgetreten. Ihre Konzerte wurden per Radio und Fernsehen in Russland, den Vereinigten Staaten, Usbekistan, Italien und der Vatikanstadt übertragen. Als Solistin ist sie mit Orchestern in Russland, Lateinamerika, Asien und den Vereinigten Staaten aufgetreten.

Ihre 2013 bei Odradek Records erschienene CD mit Werken von Beethoven und Schumann wurde von der internationalen Presse hoch gelobt und mit zwei Global Music Awards ausgezeichnet. Neben ihrer solistischen Laufbahn tritt sie häuﬁg im Klavierduo mit ihrem Ehemann Thomas Schwan oder ihrer Schwester Olga Georgievskaya auf. Sie setzt sich häuﬁg für zeitgenössische Musik ein und ist ein langjähriges Mitglied von Voices of Change, einem der renommiertesten Ensembles für Neue Musik in den Vereinigten Staaten.

Als Erbin der russischen Klavierschule studierte sie in Moskau bei Tatiana Galitskaya und Liudmila Roschina, beide Schülerinnen des legendären russischen Pianisten Samuil Feinberg, einem Schüler und Anhänger von Alexander Goldenweiser. Sie schloss ihr Studium am Staatlichen TschaikowskyKonservatorium in Moskau mit Auszeichnung ab, absolvierte ein Aufbaustudium bei Sergio Perticaroli an der Nationalakademie Santa Cecilia in Rom und legte ihre künstlerische Reife an der Southern Methodist University bei Joaquín Achúcarro erfolgreich ab. Anschließend schloss sie ihr Studium mit einem Doktortitel In Klavierperformance unter der Leitung von Pamela Mia Paul an der University of North Texas ab. Frau Dr. Georgievskaya ist Assistenzprofessorin für Klavier an der renommierten University of North Texas in Denton, USA, und weltweit eine gefragte Konzertpianistin und Leiterin von Meisterkursen.

Edward Green ist emeritierter Professor an der Manhattan School of Music, wo er vierzig Jahre lang Komposition und Musikgeschichte unterrichtete. Zu seinen wissenschaftlichen Veröﬀentlichungen zählen die Bücher China and the West: The Birth of a New Music und The Cambridge Companion to Duke Ellington. Seit 1980 ist er Mitglied der Fakultät der Aesthetic Realism Foundation in New York City; zuvor hatte er die Ehre, bei deren Gründer Eli Siegel zu studieren. Dr. Green wurde häuﬁg eingeladen im In- und Ausland Vorträge über ästhetischen Realismus und Musik zu halten, unter anderem – unter der Schirmherrschaft der Fulbright Foundation – in Paraguay und Argentinien. Zu den Auszeichnungen, die er für seine eigene Musik erhalten hat, gehört der Erste Internationale Preis für symphonische Komposition (2018) der Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional del Paraguay für seine Sinfonie in C.

Ellen Ruth Harrison, Komponistin lyrischer, farbenfroher Musik, lebt in Cincinnati, Ohio, wo sie am College-Conservatory of Music der University of Cincinnati unterrichtet. Melodien spielen in ihren Werken eine herausragende Rolle, ebenso wie ihr Interesse für Klangfarben und sanft wechselnde Harmonien. Ihre Musik wurde mit zahlreichen Preisen und Auszeichnungen geehrt, und ihre Werke wurden sowohl in den Vereinigten Staaten als auch im Ausland von einer Vielzahl unterschiedlicher Interpreten aufgeführt. Harrison promovierte an der University of California, Berkeley, und erwarb Abschlüsse an der Musikhochschule Stuttgart und der University of Illinois. Mit Unterstützung des Prix de Paris der UC Berkeley studierte sie zwei Jahre lang in Paris. Ihre Musik ist bei Ablaze, Albany und Emeritus Records erhältlich. Weitere Informationen ﬁnden Sie unter www.ellenruthharrison.com.

Ralf Yusuf Gawlick, ein deutsch-amerikanischer Komponist mit romani-kurdischen Wurzeln, komponiert Solo-, Kammer-, Orchester-, elektroakustische, Film- und Chorwerke, die häufig sein internationales Erbe widerspiegeln. Zu seinen bekanntesten Kompositionen zählen Herzliche Grüße Bruno ~ Briefe aus Stalingrad, die achtstimmige Missa Gentis Humanæ, der Liederzyklus Kollwitz-Konnex (…im Frieden seiner Hände), die Kantate Kinderkreuzzug und das autobiografische Quartett Imagined Memories (Bîranînên Xeyalî) – Werke, die sich durch den Dialog mit dem westlichen Kanon und kompromisslose Handwerkskunst auszeichnen. O Lungo Drom (Der lange Weg), das erste Oratorium, das die Geschichte der Roma und Sinti erzählt, wurde vom Alban Berg Ensemble Wien in Auftrag gegeben. Seine Musik, die exklusiv bei Universal Edition veröffentlicht wird, war bereits an Orten wie dem Wiener Musikverein und der Carnegie Hall zu hören und wurde bei Musica Omnia, Perfect Noise und Decca Eloquence aufgenommen. Er ist Professor am Boston College und lebt mit seiner Frau und Musikerkollegin Basia in Newton, Massachusetts.

Thomas Schwan (Mailand, 1985), Pianist und Komponist, trat bereits vielfach in Italien, den Niederlanden, Frankreich, England, Russland, Panama und den Vereinigten Staaten auf. Seine LiveInterpretationen beider Bände von Bachs Wohltemperiertem Klavier sowie sämtlicher Nocturnes von Chopin haben auf YouTube eine außergewöhnliche Anhängerschaft gewonnen und werden von Publikum, Kritikern und Musikerkollegen gleichermaßen geschätzt; seine CDs werden weltweit unter seinem eigenen Plattenlabel CON ANIMA vertrieben. Als Gewinner des ersten Preises beim World Bach Competition in Boulder, Colorado (2020) sowie des Honors Diploma und des Monte dei Paschi di Siena-Preises der Accademia Chigiana in Siena, Italien (2011), verfügt er über Abschlüsse der SMU (bei Joaquín Achúcarro) und der UNT (DMA bei Pamela Mia Paul). Seine Musik wurde von Ensembles, Solisten und Kunstorganisationen in den Vereinigten Staaten, Frankreich und Italien aufgeführt und in Auftrag gegeben. Als versierter Kunstfotograf wurde er von dem legendären Fotografen und Schriftsteller Giovanni Chiaramonte betreut. Seine Fotograﬁen wurden in Kunstgalerien in den gesamten USA ausgestellt und sind Teil der renommierten Joaquim-Paiva-Sammlung in Rio de Janeiro. www.thomasschwan.com

Jonathan Cziners Musik (mit dem unausgesprochenen C reimt sich der Nachname auf „seiner“) wurde für ihre „gewagten harmonischen Wendungen“ (Dallas Morning News) und „Einzigartigkeit, sowie das Können und die Technik, Ideen auf eindrucksvolle und kaleidoskopische Weise zu vermitteln“ (Chicago Classical Review) gelobt. Orchester wie das Minnesota Orchestra, Milwaukee Symphony Orchestra, New Jersey Symphony Orchestra sowie dem New York Youth Symphony, das Greater Dallas Youth Orchestra, Juilliard Orchestra und das New Juilliard Ensemble haben Jonathans Musik unter der Leitung von renommierten Dirigenten aufgeführt, darunter Osmo Vänskä, David Robertson und Ruth Reinhardt, so wie von den Solisten Julian Schwarz (Cello), der Geigerin Stella Chen, der Harfenistin Emily Levin und dem Gitarristen Colin Davin. Cziner wurde zum Composer-in-Residence der Illinois Philharmonic für die Saison 2022-2023 ernannt und komponierte drei neue Werke für das Orchester, darunter seine erste Sinfonie: Celestial Symphony. Jonathan lebt mit seiner Frau Emily Levin, der Soloharfenistin des Dallas Symphony Orchestra, in Dallas, Texas.