NUEBO #42 MARZO 2026

HARRY STYLES

ANDREA LASZLO DE SIMONE

CHIQUITA MOVIDA

LAS NUEBAS

Este mes cumplen un año como banda, pero Leesol, Sui, Jiyu, Haum y Kya ya se han convertido en la punta de lanza de una nueva generación de K-pop autóctono que busca replicar los éxitos de Blackpink y LE SSERAFIM. En una época de cada vez mayor mestizaje, con proyectos como Katseye que se deslocalizan completamente u otros como Yves que directamente se insertan en las narrativas de la vanguardia alternativa europea, ellas abrazan una idea de hyper completamente occidentalizada. KiiiKiii son la esencia de lo que la marca Corea del Sur quiere transmitir al mundo: euforia neoliberal pop, apertura global a los ritmos de EE UU -trap, R&B- y de Reino Unido -UK bass, UK garage-, sincronía militar, adaptabilidad a los constantes cambios de trends digitales. Delulu Pack, en el que afianzan su relación con TABLO como productor -uno de los artistas más importantes de la Corea pop en los últimos años-, es su segundo EP, y la antesala a un debut largo con el que empezarán a expandir su mensaje por los escenarios de todo el mundo. ¡Cuidado!

VOL. 42

MARZO 2026

ANDREA

LASZLO DE SIMONE

LOS SENTIDOS

EL ÚLTIMO VIKINGO FÁBULA OSCURA

ACENTO

48 SLAPPY AV ZGZ RULES

EDITORIAL

En las últimas semanas ha circulado vía online una entrevista con Robert Smith, líder de The Cure y una de las últimas superestrellas del pop cuyas declaraciones públicas resultan, de normal, coherentes con lo que esa persona ha significado y aún representa para millones de personas. Smith, que ya en el pasado se manifestó rotundamente sobre el incremento en el precio de las entradas y los gastos de gestión, volvió a ser preguntado por el mismo tema y no dudó en responder: “Nos dijeron repetidamente que no podíamos vender un ticket por 25 dólares, y me di cuenta de que el razonamiento detrás de eso era que poníamos la vara demasiado baja. Recibí muchas llamadas de managers de otras bandas -porque en The Cure no tenemos manager así que tienen que hablar conmigo-, diciéndome: 'Nos estás haciendo quedar como unos codiciosos'. Y yo pensé: 'Claro, eso es porque sois codiciosos'”.

Llegan las declaraciones de Smith en un contexto de conciertos en nuestro país con precios (efectivamente) desorbitados, largas colas virtuales y en plena

CREATIVOS

carrera de artistas nacionales de nueva hornada intentando mostrar músculo con el anuncio de grandes arenas, panorama impensable hace apenas un lustro. Un cambio de modelo que de la mano trae cierta sensación de sálvese quien pueda. Porque a toda esta supuesta bonanza -que incluso está afectando al modelo de festivales que habíamos conocido hasta ahora- hay que enfrentar la precariedad en el circuito de bandas que acceden a salas de pequeño y mediano aforo. Diferencias entre triunfadores y perdedores que no hacen más que reproducir en el terreno de la cultura el salto cada vez mayor que se aprecia en nuestra sociedad entre los pocos que cuentan con recursos y una gran mayoría que simplemente sobrevive como puede. Urge encontrar alternativas a la cultura del éxito y el bigger better stronger, que en lo cultural pasa por reencontrar un tejido alternativo. Precisamente aquello que prometía la llegada de internet antes de convertirse en la principal herramienta de explotación monopolista de nuestro tiempo.

DIRECTOR EDITORIAL

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DIRECTORA DE ARTE

Liliana Carpio / lillie@nuebo.es

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FOTOGRAFÍA PORTADA

Johnny Dufort (Harry Styles), Richard Dumas (Andrea Laszlo de Simone), Katya Ganfeld (Deadletter), Carlos Ojeda Jiménez (Chiquita Movida).

www.nuebo.es / @somosnuebo

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KILIKI

Beñat Rodrigo, Kiliki, nació en Pamplona en 1999, y desde bien joven se involucró con las escenas autogestionadas de Navarra desde su barrio, Arrotxapea, y a través del colectivo con el que, junto a compañeros como Ben Yart, Suneo, Sara o Flako, revolucionó la escena urbana local: Chill Mafia. Después de su disolución amistosa en 2024 tras casi un lustro fugaz en el que viajaron del underground al reconocimiento generacional gracias a mixtapes como Ezorregatik x Berpizkundea y temazos

como Barkatu, el navarro, una de las principales voces y caras del colectivo, se enfocó en relanzar una pometedora carrera en solitario que ya había dado alguna sorpresa. Y en 2025 llegó Iltze 1, su primer EP y una confirmación de sus cualidades como rapero punk hecha mano a mano con Sunny Wright IV, el nuevo alias de su viejo colega Suneo. Casi un gurú para la nueva escena urbana de Euskal-Herria -ha colaborado con Hofe, Denso o Euskoprincess-, Kiliki tiene por delante un 2026 brillante.

“Me pone cara de mala, me escupe en la boca / La digo: Maiti, maite dut zure tota / Yo la quiero aunque esté loca / Porque yo también estoy loco como El Xokas” – ‘El Xokas’

ESTADÍSTICAS

Frescura | cuando entra en juego, roba dos cartas

Chulería | en tu turno, consume una bebida y resta dos puntos de defensa a las cartas del rival

LOS NUEBOS

EL DIABLO DE SHANGHAI

Si hay una Barcelona bohemia, literaria, que se desdobló desde los poblados del Montjuic hasta el alterne y los molinos del Paral·lel, y que se confundió incluso entre los aires burgueses de la Rambla y el Liceu, a esa Barcelona cantan El Diablo de Shanghai. A la de Juan Marsé, cuya obra inspira de hecho el nombre de este cuarteto reconvertido en quinteto. A la de Francisco Casavella. Y, tras vivir su particular día del Watusi en 113 pasos adelante en el Ensanche, un debut casi generacional que les convertía en una de las sensaciones post todo de la Ciudad Condal, su mirada, su sensibilidad, no hace sino ampliarse en un trabajo que se acerca a los momentos más poéticos y melódicos de Godspeed You! Black Emperor, y que refuerza la dimensión emocional de su post hardcore. Testamento (Candorro, 2026), además, los ve mirar más hacia dentro, aludiendo ya no tanto a lugares reales como a espacios mentales y a ideas más universales, a través de progresiones entre lo atmosférico y lo abrasivo, y con una lírica hablada que le hace guiños a la narrativa maldita y a la poesía popular.

ABSOLUTELY

Todos nos montamos un circo desde pequeños en la cabeza, un mundo imaginario del que es muy difícil escapar hasta bien entrada la madurez, y algunos incluso nunca lo consiguen. Ese pequeño universo contiene nuestros sueños, los que se cumplen y, sobre todo, los que no. ¿Estás pensando en el tuyo? Pues tu relato mental tiene nombre: paracosmos. Este ejercicio fantástico que hacemos desde la infancia es vital en la literatura universal y es lo que ha inspirado a Abby-Lynn Keen, aka Absolutely, a hacer su segundo álbum. Paracosm es el disco que acaba de lanzar la compositora y cantante británica, hermanísima de las talentosas Raye y Amma. Una estirpe de perfectas vocalistas, rebosantes de carisma y buenas performers que impregnan de singularidad la nueva escena británica. Aunque Raye, la hermana mayor, está abriendo camino, cada una tiene su propio sonido e identidad vocal. Absolutely ya ha trabajado escribiendo para grandes nombres como GIVĒON, Teddy Swims, Anitta, David Guetta, Normani o LISA, y ha colaborado con The Chainsmokers, Tinashe o MARINA. Su música tiende a jugar, a desdibujar los géneros en los que podríamos instalar su proyecto. ¿Es R&B, es pop? Es ensoñación, es experimentación, como bien podemos escuchar en su canción

Goodbye Glitter. Su single más exitoso hasta la fecha ha sido I Just Don’t Know You Yet, una canción con un estribillo poderosísimo que interpretó junto a RAYE durante el Capital’s Jingle Bell Ball en el O2 Arena de Londres. Esta actuación ayudó a que el tema se expandiera y el mundo empezase a entender que las hermanas Keen están construyendo un nuevo imperio musical, como el de Billie Eilish y FINNEAS.

LA NUEBA DE CRIS

SARAH KINSLEY LA NUEBA

Parte de una nueva generación de divas acústicas y arty, deudoras de Kate Bush, Tori Amos, Stevie Nicks, Lana del Rey o Florence Welch, la neoyorquina Sarah Kinsley comparte imaginario con Chappel Roan, que ya se ha declarado admiradora en sus redes sociales. Pero en su sonido delicadamente glam, entre piruetas sintéticas, referencias ochenteras y sutilezas electrónicas más propias de The Japanese Breakfast o Daughter, también caben los guiños indie -Truth of Pursuit, por ejemplo, se acerca a los Arcade Fire de The Suburbs- que le reconocemos a artistas como Rachel Chinouriri, y las melodías, claro, más grandes que la vida. Después de un sorprendente debut, Escaper (2024), con un nervio más orgánico, Fleeting, su nuevo EP, apuesta por el synthpop suave y por las florituras orquestales para hacer aún más irresistible su propuesta. Y viene encabezado por un tema homónimo que son fuegos artificiales explotando en el aire. Magic. Forever. Just a feeling.

AUSTIN X EL MUNDO

HASTA QUE NO ACUDES Y LO VES, NO ASUMES EL DICHO "EVERYTHING IS BIGGER IN TEXAS". SU CAPITAL, AUSTIN, UN HERVIDERO MUSICAL ÚNICO, GENERA JUNTO A SU ATMÓSFERA WEIRD Y SU AMBIENTE UNIVERSITARIO ESE GRAN ESPÍRITU CULTURAL QUE TANTO ASUSTA A LAS MENTES ESTRECHAS DEL PRESENTE.

TEXAS

Más de 250 locales de música en vivo convierten cada noche a la ciudad en un sonoro paraíso para amantes del country, el rock, R&B o el techno. Black Pumas, Sara Landry, Primo the Alien, The Tiarras son de aquí y se dejan ver por sus clubes favoritos.

Visitar Waterloo Records es más que entrar en una tienda de vinilos. Súmala al mural que Daniel Johnston hizo en 1993, y al Blanton Museum of Art, en el campus de la Uni de Texas, y salta hasta Gruene para hacer turismo histórico de cartón piedra. Yeeeha!!

FESTIS Y EVENTOS

Marzo es un buen mes para visitar la ciudad. Su festival SXSW, el South by Southwest, ya no solamente significa música (300 shows previstos). Entre el 12 y el 18, el downtown de Austin acogerá encuentros de cine, conferencias sobre industria creativa, networking y demás comedias.

Conoce todas las oportunidades que la ciudad de Austin reserva a turistas: TEMPERATURA

GUÍA PRACTICA

Comer: Nada mejor para la resaca que meterse unos tacos rancheros. Los puedes pedir a cualquier hora. Con ese desayuno en Moreno Barbecue o en Comadre Panadería, te rentará para pasar el día.

Dormir: El Van Zandt fue el primer boutique hotel de temática musical, y está bien situado. Pero si quieres dormir en un cuento de hadas hippy, busca The Bloomhouse. Diseño orgánico estilo Manrique.

Salir: Antes o después, hay que recorrer Sixth Avenue y saltar de bar en bar. La zona oeste, más fancy, deja para el este la marcha bulliciosa de la calle: Dirty Sixth queda para toros mecánicos y otras locuras.

Compras: Un paseo por South Congress Avenue, o SoCo, permitirá conocer tiendas coquetas y boutiques alternativas. No te vayas sin unas botas texanas y sin saludar a Adam Jones, poeta callejero.

LA NUEBA

NADIA MELLITI

De las calles de París a las alfombras rojas de Cannes: la propia historia de esta joven actriz francesa de ascendencia argelina nacida el 30 de marzo de 2002 encuentra muchos paralelismos con la de Fatima, la chica a la que interpreta en la película con la que ha hecho su debut en la interpretación, y que le ha valido además el premio a la Mejor actriz en el prestigioso festival galo. Es, realmente, la historia de muchas chicas que, para encajar en lo que el sistema y la sociedad esperan de ellas, han de ir renunciando, poco a poco, a sus orígenes y a sus costumbres, y a lo que las ata con sus identidades familiares. La Fatima de La hija pequeña es también la protagonista del relato en el que se inspira, una autoficción escrita por Fatima Daas, y la cinta, por su parte, está dirigida por Hafsia Herzi, completando esta especie de genealogía femenina sobre la búsqueda -y la aceptaciónde la propia identidad en un mundo que siempre entiende la diferencia como algo puramente marginal.

¿PARA

QUÉ SIRVE EL PERIODISMO MUSICAL?

Por: MANUEL PINAZO

Director de Muzikalia y Presidente de PAM (Periodistas Asociados de Música)

Detrás de cada revista que hojeas, cada web que consultas o cada podcast que escuchas, aunque no te lo creas, hay periodistas. También detrás de muchos hilos virales, newsletters, e incluso de la información que usa la IA sin permiso para hacer sus recomendaciones cuando le pides a Google cualquier búsqueda. La música necesita al periodismo para propagarse, y más aún necesita su mirada crítica para mejorar. Y sin embargo, quienes contamos esas historias somos el eslabón más frágil de una industria que presume de cifras récord gracias al directo y al streaming, mientras buena parte de sus profesionales, desde músicos hasta redactores, fotógrafos y medios, se ven (nos vemos) relegados a una eterna precariedad.

Esa contradicción estuvo en el centro del Congreso de la Prensa Musical organizado por PAM el pasado año, y que en pocos días tendrá su continuación. Necesitamos dialogar como sector, juntos, reinventarnos y saber adaptarnos para buscar nuevos modelos y formatos que sostengan el oficio, y también que lo dignifiquen. Ser conscientes de que, sin el periodismo, la música perdería lugar en la historia y quedaría como un mero producto de consumo, de usar y tirar.

Entre el auge de la IA y el hecho de que la gente se informa con pequeñas píldoras a través del móvil, vídeos cortos que engrilletan nuestra atención, vivimos amenazados con caer sepultados en el olvido, con que el algoritmo nos esconda, nos robe visibilidad e intente convencer al mundo de que una máquina puede sustituir años de cultura, criterio y sensibilidad. Pero no, no puede. Esa máquina difícilmente podrá contextualizar ni ejercer la crítica independiente huyendo de la mera promo o el aplauso pagado a influencers. No puede construir memoria cultural, ni detectar el talento emergente. Para eso es para lo que sirve el periodismo musical.

BAILAR EN LA BERLANGA

Seis compañías de danza contemporánea se dan cita en la Sala Berlanga de Madrid del 17 al 21 de marzo: un escenario abierto a corporeidades magnéticas, que conmueven y profundizan en la conexión física y emocional; declaraciones de libertad a través del movimiento y rituales que nos trasladan a otro tiempo desde la experimentación sonora.

La Fundación SGAE, en colaboración con FECED (Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza), presenta la duodécima edición de su muestra de danza contemporánea Bailar en la Berlanga. Del 17 al 21 de marzo, a partir de las 19:30 horas, seis compañías tomarán el escenario de la madrileña Sala Berlanga (c/Andrés Mellado 53) para mostrar la flexibilidad de la producción dancística actual de nuestro país: Lucía Montes & Mado Dallery, que con IN-SIDE profundizan en la conexión física y emocional; la Cía. Agnès Balfegó Brull y ese estudio sobre las posibilidades expansivas del movimiento que es EIXOS Live Setx; Pablo Egea con su propio canto a la libertad y a la danza, AURORO (work in progress); el baile y la música como rituales intergeneracionales de la Cía. Jacob Gómez y su Meohadim; la Compañía Miguel Perandrés, fusionando coreografía, flamenco y pintura en Síncope; y Ana Arroyo, que traza en El vuelo puentes entre la tradición del cante jondo, la electrónica y la experimentación sonora. Tras los espectáculos, la periodista especializada Olga Baeza (A Compás, RNE) moderará un debate con las compañías.

Sigue el QR para conocer más acerca del ciclo y de los espectáculos programados. Entradas a un precio de 3,50€ a la venta en taquilla y entradas.com.

‘Meohadim’, de Cía. Jacob Gómez

‘AURORO (work in progress)’, de Pablo Egea

‘Síncope’, de Compañía Miguel Perandrés

BERSHKA MUSIC + ELA MINUS

La productora colombiana Ela Minus se alía con Bershka Music -con quienes ya colaboró vistiendo una sudadera que promocionaba su show en la prestigiosa radio NTS- para lanzar un nuevo sencillo, extensión en clave ambient pop de su último álbum, DÍA. Una pequeña joya, subtitulada Tiempo definido por la presencia de luz, que cumple con su simbología numérica -el tema corre del 33:49 al 37:38, justo después de los 33 minutos y 48 segundos que dura el álbum- y que nos permitió disfrutar de su música en un contexto más íntimo.

Ela Minus durante la grabación del videoclip para esta colaboración, en un espacio brutalista a las afueras de Madrid concebido como un homenaje a los circuitos de cables de Ghost in the Shell NUEBO participó como testigo privilegiado. Puedes ver el resultado audiovisual en nuestros canales, y en los de Bershka Music.

19 AL 29 DE MARZO

Por: Fernando Bernal

Este año el D’A alcanza su 16ª edición consolidando al Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona como una cita que combina grandes tótems con nombres que comienzan a despuntar y que forman parte de ese “impulso colectivo” que desde sus inicios ha defendido el festival. Las obras de Claire Denis, Hlynur Pálmason o Alexandre Koberidze conviven con el premio a Mia Hansen-Løve, un foco especial dedicado a Christian Petzold y algunos debuts muy esperados de la temporada. Toma nota de esta selección que desde NUEBO hemos preparado para que no te pierdas ante este banquete de haute cine de autor.

LAS CORRIENTES

Milagros Mumenthaler (2025)

Las relaciones familiares, las reflexiones sobre el pasado y la búsqueda de identidad son temas que han aparecido como recurrentes en la corta pero indispensable filmografía de Milagros Mumenthaler. Tras Abrir puertas y ventanas (2011) y La idea de un lago (2016), dos muestras de su personal y exquisito talento narrativo, la cineasta argentina estrena su tercera película en quince años de carrera, con una historia que, de nuevo, tiene como protagonista a un personaje central femenino. En esta ocasión se trata de Lina, una estilista de éxito internacional que en la presentación del filme se arroja -sin explicación aparente- al lago que baña Ginebra, justo cuando acaba de recibir un premio. Aquí empieza el desconcierto que prosigue, en un crescendo hitchcockiano que también esconde una turbulenta vertiente psicoanalítica, cuando la protagonista regresa a Buenos Aires y se reencuentra con su marido y su hija.

+10K

Gala Hernández López (2025)

“Diría que tengo una práctica transdisciplinar, que incluye la realización de películas que se encuentran en el ámbito del documental, aunque no me gustan las etiquetas”. Así se define la artista, investigadora y cineasta Gala Hernández López que, con su primer corto, La mecánica de los fluidos (2022), ganó el premio César en Francia y el galardón Un Impulso Colectivo de este mismo festival. A este trabajo le siguió otro corto, For Here I Am Sitting in a Tin Can Far Above the World (2023), y ahora completa la trilogía con +10K. La directora pasa de la investigación en la comunidad incel y la misoginia en redes de su primer trabajo a la historia de un joven que sueña con ganar 10k al mes y vivir en Miami. Experimentación formal y análisis social con una narrativa absolutamente actual.

BARRIO TRISTE

Stillz (2025)

Realizador de videoclips que son auténticas obras de arte para Bad Bunny, Rosalía y otras megaestrellas de la música urbana actual, el colombiano Stillz debuta en la dirección larga con una explosiva combinación de relato social juvenil y cine experimental de vanguardia. Una cámara robada por un grupo de jóvenes de un barrio de las afueras de Medellín detona esta mezcla de realidad documental, ficción y otro tipo de estimulantes desafíos narrativos. No es extraño que como productor aparezca Harmony Korine, porque la propuesta recuerda mucho a su delirante y magnética forma de concebir el cine. Además, Arca pone la BSO.

STEREO GIRLS

Caroline Deruas Peano (2025)

En su segunda película, Caroline Deruas Peano, que colaboró como guionista con su expareja Philippe Garrel, narra una historia ambientada en los años noventa en el sur de Francia, protagonizada por dos amigas de 17 años que comparten su pasión por la música, sus ganas de alcanzar la mayoría de edad y su deseo de mudarse a París. Con la hija de la directora Lena Garrel en el papel de una de las jóvenes, la película, sugerente coming of age, oscila entre el tono de musical pop, la comedia teen y el drama íntimo.

ANOCHE CONQUISTÉ TEBAS

Gabriel Azorín (2025)

El debut de Gabriel Azorín -que formó parte, junto a María Antón Cabot, Elena López Riera y Carlos Pardo, del seminal colectivo Lacasinegra- es una película extrañamente radical, lúcida y sensorial. Una historia de amistad entre dos hombres que se cuestiona a sí misma de manera formal, alterando la lógica de la narración y utilizando elementos que transcienden -o, mejor dicho, amplían- el campo cinematográfico. El cineasta coescribe esta historia junto a Celso Giménez, del grupo teatral La Tristura.

UN ALTRE HOME

David Moragas (2025)

La película encargada de inaugurar la edición de este año se mueve entre la comedia y el drama para contar la relación entre dos hombres que se encuentran en dos momentos vitales confusos y que cuestionan su historia en común. La segunda película de David Moragas, que debutó como cineasta con A Stormy Night (2020), es una muestra de cine queer que se estrenó mundialmente en Tesalónica y que también ha pasado por Málaga. Lluís Marqués, Quim Àvila y Bruna Cusí protagonizan esta refrescante propuesta.

LOS BOBOS

Sofía Jallinsky, Basovih Marinaro (2025)

La pareja de cineastas argentinos regresa tras Palestra (2021) y Estertor (2022) con una historia y un planteamiento desconcertante y magnético al mismo tiempo. Un thriller con tintes de comedia negra y mucha acidez en el que una banda se dedica a proporcionar un tratamiento ilegal que afecta a las capacidades intelectuales del que lo recibe. Su mejor cinta y un momento perfecto para descubrir la heterodoxa creatividad de este dúo.

Sigue el QR y descubre toda la programación que te ofrece el D'A Film Festival de Barcelona 2026 a lo largo de sus distintos espacios: CCCB, Filmoteca de Catalunya, Casa Montjuïc....

GHOST ELEPHANTS

Werner Herzog (2025)

Uno de los grandes maestros del cine europeo en activo regresa con otra muestra de no ficción, género en el que ha entregado auténticas joyas, como Grizzly Man (2005). Esta promete ser una de esas piedras preciosas que se descubren cuando se escarba en su obra. En esta ocasión, sigue los pasos de un científico, obsesionado con encontrar los elefantes más grandes que jamás se hayan descubierto.

EL RELEVO GENERACIONAL, ESCENIFICADO, DE LOS CORRIDOS TUMBADOS; UNA NUEVA ESTRELLA EN LA CONSTELACIÓN DEL AMAPIANO; UN CANTAUTOR FRANCÉS QUE SE FIJA MÁS EN YELLOW DAYS QUE EN SERGE GAINSBOURG Y QUE LO PETA EN TIKTOK; EL SONIDO CRUDO DE LAS CALLES DE ATENAS. ESTO HA DADO DE SÍ NUESTRA VUELTA AL MUNDO DEL MES DE MARZO.

Junior H

México

El mexicano lleva casi una década afianzando su nombre entre los grandes de los corridos tumbados, y ya estaba en lo más alto después de la publicación, en 2023, de $ad Boyz 4 Life II, un disco imprescindible para el género. Pero ahora ha marcado otro hito aún más importante: acaba de publicar DEPR</3$$ED MFKZ, trabajo conjunto con Gael Valenzuela en el que colabora Peso Pluma. Para que nos entendamos: es algo así como el Watch the Throne de Jay Z y Kanye West o el Oasis de J Balvin y Bad Bunny de los corridos tumbados. La escenificación de un relevo de antorcha. El cambio generacional.

Nigeria

La dosis de afrobeats de este mes nos la trae desde Lagos el nigeriano FOLA: su sonido íntimo, decorado por guitarras pasionales y otras cuerdas, terminó de despuntar con Catharsis, debut largo que quizá llegó un poco tarde para la temporada veraniega europea, a finales de 2025, pero que seguro tendrá un amplio recorrido este año, en cuanto empiece a salir el sol. Ahora que ya amenaza, nosotros te avisamos: el amapiano más melódico tiene nuevos amos.

Oscar Anton

Francia

Uno de los nuevos cantautores de perfil bajo que lo están petando en Francia gracias a unas canciones fácilmente tiktokeables, con clara deuda del lo-fi y del bedroom pop suavecito, un nivel de intimidad brutal y más en común con el canon anglo después-del-indie que con la chanson. Es lo típico que no es ni lo mejor ni lo peor que has escuchado nunca, y nunca lo va a ser, pero tiene esa cosa que empiezas a escucharle y a lo mejor hasta te terminas enamorando un poquito. Dale una oportunidad, a ver.

Grecia

A Why Always Me?, el nuevo disco del rapero de 25 años Trannos, suenan más o menos las calles de Atenas ahora mismo: trap ultrasaturado, oscuro, agresivo, fantasmagórico y espectral -en cierto modo colindante con el brasileño beat bruxaria-, con referencias a Lamine Yamal, influencias magrebíes naturales en unos orígenes mediterráneos fundamentados en el mestizaje y pulsos derivados del eurodance y de los sonidos urbanos y clubber de Europa del Este. Como Eurovisión pero para los gangsters, los narcos y los inmigrantes.

Por: Oriol Rodríguez

HAY ALGO EN ANDREA LASZLO DE SIMONE QUE PARECE RESISTIRSE A CUALQUIER INTENTO DE FIJACIÓN . COMO SI SU MÚSICA –Y, POR EXTENSIÓN, SU PROPIA FIGURA– EXISTIERA EN UN ESTADO ANTERIOR A LAS ETIQUETAS , EN UNA ZONA DONDE LAS CATEGORÍAS TODAVÍA NO HAN SIDO INVENTADAS. NI CANTAUTOR , NI COMPOSITOR NEOCLÁSICO , NI ARTESANO POP, NI EXPLORADOR SONORO. EL ITALIANO, AUTOR DEL FASCINANTE ‘UNA LUNGHISSIMA OMBRA’ ES, EN REALIDAD, TODAS ESAS COSAS A LA VEZ, PERO TAMBIÉN ALGO EXTRAÑA Y MARAVILLOSAMENE DISTINTO .

DAndre a Si m one Las zlo

eFotos: Richard Dumas y Guido Gazzilli

“No soy un gran oyente de música”, confiesa Andrea Laszlo de Simone, autor de Una lunghissima ombra, uno de los mejores discos (¿el mejor?) publicado el pasado 2025 en Italia (¿en toda Europa?). Una obra mesmerizante cuya sombra es tan alargada que aún hoy, medio año después de haber visto la luz, sigue mereciendo copar portadas. “No soy un gran oyente de música”, decíamos que decía. Una declaración que en boca de cualquier otro sonaría impostada, pero que en este turinés, hijo de inmigrantes del sur italiano y ferviente seguidor de la Roma, parece formar parte de una lógica íntima. “No sabría decirte cuáles son mis referencias. Pero habito mi contexto cultural y estoy seguro de haberme nutrido inconscientemente de todo lo que me rodea”. Esa idea -la creación como absorción involuntaria del mundo- es una de las claves que permiten entrar en el universo de Una lunghissima ombra. Un álbum que se presenta como una investigación interior. “Nunca he sentido que perteneciera a un lugar concreto”, confiesa. “Siempre he tenido la sensación de estar un poco al margen. Pero no lo vivo como algo negativo. Es más bien una posición de libertad”. Esa libertad es la que, precisamente, define una obra que desafía las inercias de la música contemporánea. En sus canciones hay ecos del pasado -del folk, de la canción italiana, de ciertas formas ancestrales de melodía-, pero también una voluntad decidida de romper la linealidad del tiempo. Sus composiciones no avanzan, flotan, respiran, se expanden hasta llegar a la contemporaneidad de la vanguardia y la electrónica, más aún ahora que presenta una versión reimaginada por artistas tan radicales como Mabe Fratti, Malibu o Malik Djoudi. Como si cada una de ellas fuera un organismo vivo. “La tradición es algo muy importante para mí”, explica. “Pero no me interesa reproducirla. Me interesa escucharla, entenderla y después dejar que se transforme dentro de mí. La música es un flujo. Nunca está quieta”. Una lunghissima ombra vuelve a situarlo en ese espacio fronterizo no solo ampliando su universo sonoro, sino profundizando en su propia visión del mundo. El resultado es más el retrato de un paisaje emocional que una colección de canciones al uso. “Es un disco sobre los pensamientos intrusivos, aquellos poco formalizados que nos invaden y de algún modo nos constituyen, y que están en diálogo permanente con lo que nos rodea. Así que inevitablemente también es un disco sobre nuestro presente, pero no de forma explícita. Quería investigar lo que siente un ser humano hoy”, explica. “Como no podía investigar las sombras íntimas de otra persona, tuve que usarme a mí mismo como cobaya, intentando sacar a la luz recuerdos, miedos, alegrías,

esperanzas, sentimientos de culpa... En definitiva, todo lo que baila dentro de un ser humano, sin compartir nada explícito sobre mi historia personal o sobre el presente a nivel sociopolítico”, remata un De Simone que, justamente la semana que contactamos con él, cumple 40 años. “Sinceramente, creo que esta es una edad maravillosa. Cuando era pequeño oía a los mayores decir: ‘Ah, si el viejo pudiera o si el joven supiera’. Creo que esta edad es uno de los mejores equilibrios a los que puede aspirar la existencia humana. Aún eres lo bastante joven como para poder hacerlo todo, pero también lo bastante mayor como para tener cierta conciencia y una idea de cómo aprovechar el tiempo que queda. Y así es como me siento: en el mejor momento”. Tal vez por ello, habiendo llegado a ese punto de perfecto equilibrio, dice haber encontrado el sentido de la vida. Uno que es justamente el sinsentido. “La vida es un lapso de tiempo perceptible, un punto de observación. En nuestro caso concreto, creo que es sobre todo un estado mental”, musita este piamontés que fascina desde su imagen de Frank Zappa transalpino y conquista con una propuesta sonora que podría etiquetarse, recurriendo a símiles fáciles, como de Franco Battiato del siglo XXI. “¿Qué estaba haciendo el día que murió Battiato?”, replica a mi pregunta con cierta incredulidad. No lo recuerda. “Que me compares con Battiato suena como un cumplido, te lo agradezco”, y vuelve a insistir que, a él, más que escuchar música, lo que le gusta es hacerla, tocarla. “Toco desde que era muy pequeño, era uno de mis juegos favoritos y lo sigue siendo ahora. También me gustaba jugar con Lego, pero nunca desarrollé el deseo de mirar a otras personas jugar. Con la música pasa lo mismo: cuando tengo ganas de música busco un instrumento”. Y si entiende la música como un juego que lo retrolleva a su infancia, si siguiera componiendo, pero sus canciones nunca se publicaran y nadie las escuchara, ¿existirían igualmente? ¿Se sentiría Andrea realizado como músico y artista? “Absolutamente sí”, no duda en responder. “La verdad es que he publicado muy pocas canciones

Antipop italiano

Desde que Franco Battiato sacudiera la tradición del pop italiano cambiando la hondura intelectual y los sonidos elevados del prog por los sintetizadores, muchos han sido los cantautores que han desafiado la norma del clasicismo y han hecho pop de vanguardia en sus propios términos.

FRANCO BATTIATO

Según iba descubriendo la música electrónica y se separaba de sus referencias clásicas, este genio que empezó en restaurantes, bodas, bautizos y comuniones y pasó por San Remo en los sesenta comenzó a aplicar los retruécanos estructurales de su etapa progrock, y en los ochenta reinventó el pop italiano con La voce del padrone

IOSONOUNCANE

El gran anticantautor de la Italia contemporánea, un tipo que ha sabido reinventar la tradición de la canción italiana -imposible no pensar en Lucio Battisti o Fabrizio De André al escucharledesde el humor, la ironía y la experimentación electrónica, actualizando como pocos el legado de Battiato. El músico sardo ha servido, además, como núcleo para un relevo generacional en esta vía más alternativa, ha colaborado con Verdena o ha acogido en su estudio y en su sello, Tanca Records, a la también sarda Daniela Pes.

Uno de los cantautores más extraños y personales de toda la tradición italiana, reflejo de los autores malditos y murderballadistas de los noventa -Tom Waits, Nick Cave-, Vinicio Capossela ha transitado el jazz y los ritmos del mundo a través de una carrera extensa y comprometida políticamente. Il ballo di S. Vito es un disco fundamental para la Italia alternativa, y después ha llegado a colaborar con artistas radicales como Marc Ribot.

VERDENA

Mitos del rock alternativo en Italia pero prácticamente desconocidos fuera, Verdena son tan importantes para el país mediterréneo como para nosotros Los Planetas o Los Piratas, bandas fundamentales para consolidar el indie rock, y fueron la bandera grunge allí durante la década de los noventa, considerados por la prensa los “Nirvana italianos”. Su debut, Verdena, y discos como Il suicidio dei samurai bien merecen que los descubras; Endkadenz, por ejemplo, demuestra su evolución.

de todas las que he grabado. Lo que me hace feliz y me realiza es hacer música; compartirla no tanto, para ser sincero”.

Seguramente sea este enfoque intimísimo del proceso creativo lo que ha provocado que el cantautor italiano se haya ido alejando progresivamente de los escenarios hasta haber decidido no volver a actuar nunca más en directo. “No me gusta ser el centro de la atención”, argumenta. “No me gusta ocupar una posición social distinta a la de las personas que me rodean, me hace sentir solo. Me llena de melancolía”. Un rechazo al protagonismo que también se refleja en su metodología de trabajo. “Trabajo principalmente por la noche y la única constante real es que tengo que estar solo”, dice. “Es la única condición en la que me siento verdaderamente libre”. No es una pose romántica, sino una necesidad estructural. Durante años grabó en su dormitorio, en el salón, en espacios domésticos donde la creación podía confundirse con la vida cotidiana. “Para mí, el estudio es una realidad doméstica y en mi día a día soy una persona bastante desordenada. Durante el COVID monté, junto a personas queridas, un pequeño estudio de grabación no lejos de donde vivía, y durante algunos años fue como mi casa. Las pocas veces que entré en ‘verdaderos’ estudios de grabación, incluso extraordinarios, siempre me sentí un poco incómodo. Creo que para mí grabar es una experiencia demasiado íntima como para hacerla en casa de otra persona. Ahora he vuelto a montar un pequeño estudio en mi casa y ha vuelto a ser una experiencia explícitamente doméstica”.

Andrea Laszlo de Simone debe su nombre al cineasta húngaro László Kovács por la gran afición al cine de sus padres, “aunque en realidad crecí principalmente con el neorrealismo italiano y la nouvelle vague francesa. Mi madre escuchaba, sobre todo, música clásica, y mi padre, jazz; mi hermano tocaba el piano, la guitarra y el bajo y era un gran fan de Queen, y mi hermana escuchaba un poco de todo. A veces todas estas músicas sonaban al mismo tiempo. Era una casa muy ruidosa, pero muy vital. Y aunque el cine fue más importante que la música, si tengo que ser sincero siempre me ha apasionado más el fútbol, en particular la Roma y Totti”. Durante años, trabajó como director, montador y editor de documentales. Una fascinación y pasión por el séptimo arte que en los últimos años ha implosionado con su colabora-

ción con el director Thomas Cailley, para el que compuso la banda sonora de El reino animal (2023). “La verdadera novedad fue escribir una música inseparable de la expresión y la ambición comunicativa de otra persona. Siempre había estado acostumbrado a escribir para mí mismo, así que tuve que encontrar una forma de no traicionar ese hábito, evocando al mismo tiempo sensaciones acordes con las ambiciones de la película”. Por aquel trabajo, De Simone ganó un premio Cesar, algo que le ha llevado ser más conocido y reconocido -y no es una exageración- en Francia, un país siempre atento y predispuesto a adoptar talento extranjero, que en Italia. La pulsión cinematográfica también ha llevado a Andrea a rodar un largometraje concebido en paralelo a Una lunghissima ombra que profundiza en su imaginario. “No se trata de una película”, aclara. “Son cuadros en movimiento, ventanas a la realidad. Necesitaba negar la narración y no vincular el significado de las canciones a acontecimientos específicos para que las palabras pudieran tener la misma consistencia que los pensamientos intrusivos”, es decir, negar la narración para preservar el misterio. “Tendemos a distinguir cada disciplina y cada emoción como si fueran una materia específica, pero creo que la cuestión es mucho más fluida. No creo que la alegría se pueda separar de la rabia o la tristeza, así como tampoco creo que un sonido se pueda separar del olfato, del gusto, del tacto o de la vista. Investigamos cada aspecto de la realidad con los cinco sentidos”.

“LA TRADICIÓN ES ALGO MUY IMPORTANTE PARA MÍ, PERO REPRODUCIRLA

NO ME INTERESA. LA MÚSICA ES UN FLUJO, NUNCA ESTÁ QUIETA”

UNA LUNGHISSIMA OMBRA (42 RECORDS, 2025)

Il buio / Ricordo tattile / Neon / La notte / Colpevole / Quando / Aspetterò / Per te / Un momento migliore / Diffrazione / Pienamente / Planando sui raggi del sole / Spiragli / Quello che ero una volta / Rifrazione / Non è reale /Una lunghissima ombra CD / DIGITAL / LP

Fotos: JpBonino

Pipiolas ya no son tan pipiolas. En su segundo disco, un álbum homónimo y refundacional en el que dejan claro quiénes son y a dónde quieren llegar, Paula y Adriana se enfrentan a casi todo: a las expectativas de una industria que ahoga, a las suyas propias, al comportamiento de los hombres hacia ellas y a un futuro que en ocasiones no es tan halagüeño como parecía.

Estas navidades, Paula sintió un duelo profundo. Afortunadamente, no había muerto nadie, pero el proyecto en el que más empeño había puesto en los últimos cuatro años amenazaba con apagarse. “Me llegué a plantear si me interesaba estar un año y pico gestando un ‘hijo’ para luego no poder darle un nacimiento como esperaba”, confiesa ahora en una cafetería del centro de Madrid, inmersa en plena promo del nuevo disco del dúo que forma con su inseparable amiga Adriana Ubani. Pipiolas (Elefant Records, 2026) ve la luz a finales de este marzo, no sin dificultades. Este “hijo” es un ejercicio de autorreafirmación salvaje, brutalmente honesto y, por tanto, bastante oscuro en lo literario, aunque no lo sea tanto en lo sonoro. “Nuestro primer disco era lo que necesitábamos contar, y este es lo que realmente queremos contar”, afirman tajantemente. El homónimo Pipiolas llega tras un parón creativo y un tiempo de reflexión de varios meses, en el que la banda pendió de un hilo. “Nos planteamos qué estábamos haciendo. Ha sido un tiempo en el que hemos visto claro que Pipiolas era ya una posibilidad de futuro, un trabajo más, por lo que nos hemos dado cuenta de que los mecanismos para desarrollar esta nueva visión del proyecto tenían que cambiar”, explica Paula Reyes. El salto es evidente si miramos por el retrovisor hacia su largo debut, No hay un dios (Elefant Records, 2023). Aquella etapa, recuerda la madrileña, nació de “una dolencia personal”, funcionando casi como “terapia”. Ahora, la irreverencia de esos inicios ha dejado paso a la consciencia -y al vértigo- de decidir qué quieren que verdaderamente sea Pipiolas a partir de ahora.

‘PIPIOLAS’ EN CUATRO CLAVES

Sintetizadores, dardos envenenados... y mucha terapia de choque: aquí un manual rápido para entender la nueva era de Pipiolas.

Vau Boy es el productor que las acompaña desde sus orígenes y el culpable, junto a las protagonistas, de que este álbum sea toda una coctelera de sonidos ochenteros. Un eclecticismo en el que cabe el italodisco de Raffaella Carrà, el tenebrismo de Alaska y los Pegamoides e incluso lo melódico de Mecano. “Nos hemos atrevido a jugar, ha sido muy divertido”, celebra Paula con una sonrisa.

La estética visual del álbum es una de sus principales claves. La portada es una sátira inspirada en los muñecos de Spitting Image, los famosos guiñoles de los años ochenta, y en ella básicamente se ríen de sí mismas como producto del espectáculo. Pero ojo a la contraportada: aún esconden el espejo y el narciso que caracterizaban su debut. Han madurado, sí, pero sin olvidar lo anterior.

En NaNaNa hablan abiertamente de la salud mental y de usar la música para “dejar el diazepam”. “Pipiolas no te va a cantar qué bien lo pasamos en un festival”, reivindican. “Este disco podría definirse con esa frase de ‘Es tan graciosa que se nota que es depresiva’”. Una dualidad que estalla en Soy una estrella!!!, subidón de ego necesario para sobrevivir a la validación constante.

El disco esconde dardos envenenados, como el misterioso tema Menores. Habla, de forma poética, de figuras masculinas en posiciones de poder que intentan ejercer la censura. “Tú tienes una situación de poder que a mí me puede llegar a dar miedo para no seguir hablando, pero no me da la gana”, sentencian. Su respuesta a esas presiones es clara: “Abogado, el que tengo aquí colgado”.

Adriana y Paula identifican dos procesos mentales durante este parón. El primero son esas dudas lógicas y normales que surgen siempre en un proyecto cuando se abre una nueva etapa: qué somos, hacia dónde vamos, qué música queremos hacer. El segundo viene de un hecho, que no por duro y cruel deja de ser tristemente normal en un sector tan saturado como el musical. “Nos hemos encontrado de repente con que no tenemos espacio. Hay una parte importantísima en la música que es el tú a tú con la gente, y nosotras ahora mismo solo tenemos un concierto cerrado”, comenta Ubani con una honestidad feroz. “Sabemos que estas cosas no son responsabilidad nuestra, en el sentido de que no ha

sido por falta de cariño, ni de trabajo, ni de involucración, pero sí que llega un momento en el que te preguntas: ‘¿Será que no vale el proyecto? ¿Que a la gente no le interesa?’”. Fue precisamente Adriana, pese a todo, la que tiró del carro cuando Paula empezó a sentirse “muy pequeña” estas pasadas navidades. Como actriz que convive a diario con el rechazo y la inestabilidad de los castings, sabe perfectamente que el ‘no’ de la industria no puede definir el valor de una obra artística. “Hay veces que no me como un colín, que voy a pruebas y salgo hecha una mierda... Pero en ese momento no es cuando dejas de hacerlo”. Para Adriana, resistir no es solo una cuestión de fe ciega, es una actitud vital. “Será por chulería, será por cabezonería o será porque de verdad hay una confianza en lo que estás haciendo y en por qué lo estás haciendo, que al final dices: ‘Pa'lante’”, sentencia. Su visión salvó a Pipiolas de engrosar la lista de bandas devoradas por la ansiedad de las métricas y las promesas de éxito y futuro. “Lo que no se tiene que perder es hacer las cosas porque de verdad quieres hacerlas, no porque sea una rueda que te arrastra”. Esa misma determinación férrea es la que vertebra todo el álbum. Una colección de canciones que comienza con una luminosa versión de My Favourite Things -de la película Sonrisas y lágrimas- y una confesión en el siguiente tema, Finita la comedia : “Yo por primera vez en este

“NOS HEMOS ENCONTRADO DE REPENTE CON QUE NO TENEMOS ESPACIO. AHORA MISMO SOLO TENEMOS UN CONCIERTO CERRADO”

tiempo no tengo nada que decir”. Pero nada más lejos de la realidad, porque Pipiolas sí que tienen mucho que contar. Especialmente cuando se trata de ajustar cuentas con las dinámicas relacionales tóxicas y el agotamiento emocional. “El primer disco era un resultado. Este es una intención”, resumen. Y aunque el envoltorio sea un pop sintético, ochentero y bailable, este funciona como contrapeso natural de unas letras que te abren en canal. En temas como No tocar, reclaman su derecho a alejarse de los hombres. “Lo que quiero es paz mental, estar tranquila y quedarme en mi cueva...”, relata Paula, mientras su colega lo ejemplifica: “El otro día pensaba que, si yo ahora mismo me llevo un tío a mi casa, me rompe toda la rutina. Esto creo que define mucho el punto en el que estamos. Si no me aporta, ¿para qué?”. Esa protesta alcanza cotas más crudas y cinematográficas en Poemas, con frases lapidarias que no dejan nada a la imaginación -“Por mi bien, te pido que te vayas de mi casa. Ya has terminado y me das la espalda”-. “La rabia y la denuncia siempre van a ir en nosotras, y en la ironía con la que contamos las cosas”, reivindican. Este agotamiento frente a determinadas actitudes masculinas no se limita a experiencias íntimas, sino que se extiende como una plaga en los escenarios y backstages. “Somos dos tías que cumplen el canon, haciendo tontipop y bailando en el escenario… Así que nos han dado por todos lados”, reconocen. Ese perfil es blanco fácil para el mansplaining, aunque, admiten que, por suerte, “también estamos rodeadas de hombres maravillosos en nuestro equipo que, cuando les preguntan algo, contestan que nosotras somos las jefas”.

El agotamiento y la rabia, sin embargo, se quiebran con el último tema, Feria Cañete. “Es la única canción de Pipiolas que está escrita de forma positiva”, desvela Paula con cierta emoción sobre un tema que invita a celebrar, a reivindicar la nostalgia instantánea del disfrute del aquí y ahora. Porque para ellas, después de todo, el simple hecho de acabar el disco “ha supuesto un final feliz”. “Estos tres años de Pipiolas han sido una cosa preciosa, realmente”, dice Paula, mientras Adriana apunta que “profundizar no siempre tiene por qué significar cavarte el hoyo y meterte debajo. Somos muy conscientes de que, a pesar de todo lo que nos quejamos, también somos muy afortunadas”. Este final, entre la melancolía, la nostal gia y la apoteosis, les insufla esperanza y les recuerda que, por muchas dificulta des que haya, y por muchas “cuevas” en las que en ocasiones le apetezca meterse a una, Pipiolas han venido para quedarse. Y así lo prometió Adriana al principio de la charla: “No va a ser el último con cierto que hagamos, ni de coña, lo tengo clarísimo”.

PIPIOLAS (ELEFANT RECORDS, 2026)

My Favourite Things / Finita la Commedia / No tocar / Soy una estrella!!! / NaNaNa / Hasta donde se pudo / Ay, querida / Ahora que... / Mi amiga / Poemas / Menores / Feria Cañete

DIGITAL / LP

Por: María Juesas

Mads Mikkelsen y Nikolaj

Lie Kaas vuelven a ponerse a las órdenes del danés

Anders Thomas Jensen para la que seguramente es su mejor película: una fábula desenfrenada y oscuramente cómica sobre la hermandad y el vínculo, la búsqueda de la identidad, la música y los límites -difusosde la cordura.

El último vikingo podría ser la película más excéntrica de Anders Thomas Jensen hasta la fecha. El cineasta danés, ganador de un Oscar en 1999 al Mejor Cortometraje por Noche de elecciones y venerado en el panorama internacional desde que deslumbró a la crítica con el guion de la oscarizada En un mundo mejor (Susanne Bier, 2010), también firma las líneas de esta inclasificable cinta estrenada fuera de competición en el Festival de Venecia 2025. Y para fusionar todo tipo de géneros en una fábula humorística, intrigante y sinuosa sobre la identidad, vuelve a contar con sus dos musas habituales: Mads Mikkelsen ( Otra ronda ) y Nikolaj Lie Kaas (Ángeles y demonios), con los que lleva colaborando más de 25 años, interpretan a dos hermanos muy distintos. Por un lado, Anker (Kaas) es un ladrón de bancos que confía su botín a su her-

mano menor, Manfred (Mikkelsen). Pero cuando sale de prisión, descubre que a Manfred le han diagnosticado un trastorno de identidad disociativo y que ahora cree ser John Lennon. Con la esperanza de recordar dónde guardó el dinero, el mayor decide encontrar a un grupo de pacientes con afecciones similares -que creen ser George, Ringo y Paul- y reunir así a los Fab Four.

Para los actores, que ya habían impulsado la sinceridad lunática del director en títulos como De pollos y hombres (2015) o Jinetes de la justicia (2020), El último vikingo

fue otra oportunidad para sumergirse de lleno en su universo. Mads Mikkelsen confesó en el pasado Festival De Venecia que “con él, ambos hemos llegado al límite de lo posible. Puede que incluso lo hayamos cruzado algunas veces. Pero el universo de Anders es un buen lugar en el que estar, con amigos que saben hasta dónde llegar. Te sientes cómodo alcanzando ese límite porque sabes que te frenarán si es demasiado. No creo que hiciera eso con ningún otro director. Incluso en su primera película, Luces parpadeantes (2000), la poesía estaba presente, y siempre ha tratado temas importantes: la familia, la muerte, la vida, Dios, Satanás... Para él, la única manera de contar esas historias sin ser pretencioso es envolverlas en algo de locura. Pero en su interior hay una gran honestidad y una gran poesía. Eso es lo que lo hace único”.

“Esta es una fábula oscura con un trasfondo cómico sobre la identidad”, advirtió Anders Thomas Jensen durante la presentación de la cinta en la Mostra. “La película explora cómo nuestras identidades se moldean según las percepciones de los demás, con la esperanza de que, a pesar de los desafíos, podamos descubrir nuestro verdadero yo. Se trata de ser quien realmente quieres ser. La película destaca que las personas son más que una sola cosa, fomentando una perspectiva más holística, inherentemente más indulgente y menos crítica. Además, si sabes que eres más que una sola cosa, no te ofenderás tan fácilmente ni te tomarás las cosas tan a pecho”. El creador de una fábula desenfrenada y oscuramente cómica sobre la hermandad, la identidad y los límites de la cordura añade que la primera chispa se encendió porque “quería hacer algo sobre la identidad. Tenía la idea de un chico que siempre quiso ser vikingo y no le de-

jaban. Me senté con Peter Aalbaek Jensen [productor danés] y le comenté una vieja idea que tenía sobre un psiquiatra que unía a los Beatles con personas con trastornos de identidad. Me dijo que lo incorporara. Y no pretendo burlarme. Creo que es fantástico que vivamos en una parte del mundo en una época donde todos pueden descubrir quiénes son y convertirse en quienes realmente son. Pero cuando el entorno tiene que adaptarse a la realidad de un individuo, las cosas se vuelven absurdas. De ahí proviene gran parte del humor de la película”.

“No me habría atrevido a hacer esto de no ser por Mads”, apunta el cineasta sobre el actor protagonista, Mejor Actor en el Festival de Cannes 2012 por La caza y ganador de la Concha de Plata en San Sebastián por Otra ronda (2020), ambas de Thomas Vinterberg, y abierto a locuras como salir en un videojuego de Kojima o a hacer de villano de James Bond. “No es fácil lo que está haciendo aquí. Todo el esfuerzo consistió en plasmar emociones reales en un personaje tan peculiar y, a la vez, hacerlo cercano. Creo que lo consiguió con creces porque abordó este papel con cautela. Sé que le supuso un reto. Pero da la impresión de ser real, crees que esta persona existe”. El tono de la película nace de las reflexiones del cineasta sobre la idea de la identidad. “Celebra la idea de que todos deberíamos ser como seamos”, continúa, “y que debe haber espacio para todos. Representé a todos los personajes de mi realidad, excepto al hombre blanco mayor, por eso incluí a Werner [interpretado por Soren Malling], quien escribe el libro infantil del que parte la historia. Así que esa es su voz diciéndonos: ‘Oye, esto de la identidad tiene un límite. También hay una realidad ahí fuera’. No digo que sea mi opinión, sino que es la visión de Werner”. Las conexiones temáticas con Jinetes de la Justicia no son desconocidas para Anders Thomas Jensen: “El último vikingo no tiene un punto medio, es más experimental. En ambas películas tratamos con personas que están al borde de la locura, pero aquí no hay ni una persona normal. Ese fue mi viaje. Me llevó cinco años alejarme de la normalidad”, remata.

Avalon / Dinamarca / 2025

Dirección: Anders Thomans Jensen

Reparto: Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Sofie Gråbøl, Søren Malling

Cuando un grupo de colegas decide tomarse la música como una pachanga, la ironía se convierte en un combustible de alto octanaje. En ese oasis donde nada parece trascendente, pero todo lo es, emana un optimismo eufórico más que contagioso. Chiquita Movida nace de esa complicidad: un supergrupo donde la coña, el jugueteo y la ambición melódica se suman para hablar de la incertidumbre desde esa rara atalaya que es la libertad creativa.

cuando un grupo de colegas se junta, si la euforia está a la temperatura adecuada y el talento ronda en la atmósfera, pueden suceder cosas tremebundas. Dependiendo de las habilidades, una cuadrilla de amigos puede organizarse para atracar bancos exitosamente como hacían en Le llaman Bodhi, llevar a cabo alguna trastada extrema en pleno viaje de ácido -modo familia Manson- o montar una banda. Esta última, se diría, es la opción más deseable. Y eso ha hecho Rayden tras su retirada en solitario. No atracar bancos ni entrar en pleno viaje de Benzedrina, cuchillo en mano, en las lujosas mansiones de Cielo Drive, sino montar una banda de música. Surgida de un encuentro en una casa rural -hay que ver lo que inspira el campo-, Mediyama, Skiz Siete, Babe, Jhonny, Jona y el de Alcalá de Henares han dado a luz a Chiquita Movida. Una propuesta que ha llegado repartiendo un arte fresco, a medio camino del pop y el rock, plagadas las canciones de ironías, juegos de palabras, virguerías melódicas y estribillos francamente pegadizos. Si Francisco Ibáñez hubiera ideado una banda, aseguran, tendría sospechosas coincidencias.

“Cuando anuncié en marzo de 2023 que me retiraba de los escenarios en solitario, ya estaba rondándome otra cosa en la cabeza”, recuerda Rayden. “Justo coincidió que estaba viendo un documental de Rick Rubin con Paul McCartney, y ver a dos leyendas juntándose simplemente a crear, sin presión, me hizo clic. Pensé: ‘¿Y si el siguiente paso no es más grande, sino más compartido?’. Así que les regalé a los que han ido trabajando conmigo, que además son mis amigos, unos días en una casa rural”. Aquella convivencia azuzó un puñado de canciones casi espontáneas. Se juntó, como suele decirse, el hambre con las ganas de comer. “Nos seguimos reuniendo”, explica Babe. “De esos primeros cinco temas que salieron casi de golpe, hemos publicado cuatro. Y luego empezamos a quedar entre semana, como quien queda para echar una pachanga. Uno traía una idea, otro una frase suelta, alguien mandaba un audio por WhatsApp a las tres de la mañana... Y cuando nos juntábamos, pasaban cosas. De verdad, pasaban cosas”. En Chiquita Movida las canciones parecen, más que edificadas sobre plano, producto del momento. “No era ‘vamos a hacer el single’. Era ‘vamos a ver qué nos hace gracia hoy’”, apunta Mediyama. “Y en ese juego han salido canciones que hablan de nosotros, de nuestra generación, de las contradicciones que vivimos. De esa cosa de aparentar que todo está bien cuando igual no lo está tanto”. Ese espíritu lúdico es, probablemente, el núcleo del

“CHIQUITA MOVIDA ES COMO ESA MISIÓN SECUNDARIA DE UN VIDEOJUEGO QUE, DE REPENTE, SE CONVIERTE EN LA MÁS DIVERTIDA”

proyecto. “Realmente no hemos buscado nada”, insiste Mediyama. “Ni tendencia, ni reacción, ni romper con nada concreto. Lo que ha salido es lo que somos cuando no estamos trabajando en otros proyectos. Es como si Chiquita Movida fuera esa misión secundaria de un videojuego que, de repente, se convierte en la más divertida”.

La ausencia de presión, lejos de invitar a la abulia o la pereza, ha sido su principal motor. “No hay ningún foco detrás”, añade Rayden. “Eso nos quita una presión enorme. Somos muy libres para crear y estamos disfrutando al cien por cien. Y creo que eso el público lo está notando. Aparecemos con tres cantantes, con una estética casi aburrida, muy de oficina, y

supergrupos a la española

Como buenos amantes del lore, en NUEBO nos encanta la idea de un supergrupo: egos bien plantados que, por lo que sea, se rebajan y se reúnen para dar con algo especial, superior a la suma de sus partes. Repasamos algunos.

CRAG: Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán reunió a cuatro artesanos del detalle surgidos de la órbita de Los Pekenikes y enamorados de Crosby, Stills, Nash & Young. Con armonías vocales que no eran un adorno sino destino, construyeron canciones inolvidables.

G5: El jaraneo orquestado por Kiko Veneno, El Canijo de Jerez, Diego Ratón, Muchachito y Tomasito fue la expresión rumbera de los supergrupos rock con denominación de origen patria. Pasión por el gazpacho, el vino y el jamón, solo el goce tiene cabida en sus letras.

Hijos de la Ruina: Nada de ruina, todos aquí son hijos de la suerte hiphopera madrileña, configurando un horizonte con música de sábana manchada y adoquín que hizo escuela. Natos, Waor y Recycled J llevan más de una década articulando un rap sincero y generacional.

Ángeles, Víctor, Gloria y Javier: La cantaora Ángeles Toledano, Víctor Cabezuelo de Rufus T. Firefly, la baterista Gloria Maurel y el productor Javier Martín (The Low Flying Panic Attack) conforman esta entente cordial entre flamenco, electrónica y post-rock.

la gente dice: ‘Pero esto es divertidísimo’. Es todo al revés”. Ese “al revés” se manifiesta también en las formas. Salpicada hasta los cimientos de ironía, Chiquita Movida es una viñeta de Ibáñez musical. “Nos parece una forma caricaturesca de poner el ojo en lo importante sin caer en el panfleto”, destaca Skiz. “En Ibáñez, a veces lo esencial ocurre en segundo plano”, señala Rayden. “Nosotros queríamos eso: que debajo del chiste hubiera algo más. Que debajo de la ironía hubiera verdad”. Por eso sus letras hablan de la presión de la apariencia, de la construcción del personaje en la era de las redes sociales, de esa generación que aprendió a sonreír en público mientras digiere, cada cual como puede, su particular dosis de incertidumbre. “Con la edad que tenemos”, dice al respecto Mediyama, “hablamos de lo que tenemos delante. No es que queramos dar lecciones. La música no tiene obligación de nada, pero tiene un efecto sanitario”. Skiz lo resume clarividente. “Es una chiquita movida, literal. Hay canciones que parecen un elogio, pero si escuchas bien, hay una segunda capa. Es como ese post perfecto que todo el mundo aplaude, pero que en el fondo esconde otra cosa. Nos gusta jugar con eso”. Porque entre pillos anda el juego, y la banda. “Es como tirar una bola de plastilina al suelo y que seis niños la moldeen a la vez”, dice Mediyama. Más allá de lo estrictamente musical, Chiquita Movida se presenta como un universo completo. El lanzamiento del disco ha venido acompañado de un falso documental que expande el imaginario del grupo, difuminando la frontera entre realidad y ficción. “Queríamos que la música no estuviera sola”, explica Rayden. “La estética, los videoclips, la película... todo forma parte del mismo juego. Esa idea -jugar a simular la vida- parece ser la clave de todo. Chiquita Movida no emana, ojo, de una necesidad de reinventarse ni de conquistar nuevos territorios, sino de recuperar algo más elemental: el placer de hacer música sin expectativas. “A veces estamos en reuniones hablando de nuestros personajes como si fuéramos señores de oficina que, además, hacen música”, interviene Jona. “Y ves que la gente que trabaja contigo se suma al juego. Eso es impagable”. La industria, sorprendentemente, no ha respondido con ojeriza, ni cinismo, ni ese pálpito cenizo al que acostumbra el negocio. “Agradecemos mucho a la discográfica la fe”, reconoce Rayden. “Al principio había

vértigo, claro. Hasta que escucharon las canciones y vieron la película. Cuando entendieron el universo, dijeron: adelante. Creer en una locura compartida no es tan común”. Porque lo de Chiquita Movida ha sido como si los celadores de Alguien voló sobre el nido del cuco le dijeran a Jack Nicholson que adelante, que dale caña, compadre, que vivas tu locura sin lobotomías.

“Poder seguir haciendo música como nos da la gana, con nuestros amigos, eso es lo más difícil de conseguir y lo más fácil de perder”, concluye Babe. Y Chiquita Movida es, en el fondo, eso: la anomalía en una industria, a veces charca, a ratos enfrascada en una perfección artificial desganada. De manera metafórica, esta banda es como cuando eras niño y te regalaban un juguete, pero terminabas pasándotelo pipa con la caja. Porque, como dicen en uno de sus temas, Chiquita Movida se va a “comer el mundo, sin esperar al resto para empezar con el segundo”.

ALTA VAINA (CALAVERITA RECORDS, 2026)

Gastos de gestión / Ojos superocho / Fotos felices / Post de cultura inquieta / Ciencia fricción / Voluntarismo / Te (mayor) / Fotomatón para bodas felices / La nueva ilusión de / Autarquía emocional / Mirrorball / De la vocación también se vive CD / DIGITAL / LP

O'CRISTO

Por: Fran González / Foto: Iram Amor Martínez

Cristóbal Colom pone fin a casi un lustro de pruebas en corto, redescrubriendo su voz, su sensibilidad melódica y la sensibilidad de su mirada y escritura, con ‘Un cantautor debe morir’, su debut largo como O'Cristo. Compuesto, producido y grabado a medias con Turian Boy, y con la colaboración de artistas como LaTorre o Vera Fauna, en él redescubre su vínculo con la tradición del sur de España desde un lugar onírico, atmosférico, que conecta con el legado íntimo de Frank Ocean.

“SERÍA MEJOR QUE LA LLAMA DEL 15-M SE APAGARA DEL TODO Y FUERA OTRA GENERACIÓN QUIEN LA VOLVIERA A ENCENDER. SON LOS JÓVENES QUIENES TIENEN QUE SALVARNOS DEL HUNDIMIENTO DEFINITIVO”

Si te suenan su voz, su cara y su nombre, tal vez sea porque el artista detrás de O’Cristo no es ningún recién llegado. Cristóbal Colom, su alter ego, lleva picando piedra en la música independiente desde hace años, permeando su sensibilidad gaditana sobre el imaginario de diferentes formaciones -Modelo de Respuesta Polar, Mañana- y siendo pieza clave y recurrente de la escena. Y a lo tonto son ya casi cinco años y dos EPs -ULTRA, MARINO (2022) y nuevanostalgia (2024)- con nombre propio los que avalan el sentir de su renovada faceta de cantautor alternativo. Pero ahora las cosas adquieren una nueva dimensión: Un cantautor debe morir para que nazca el artista definitivo. “O’Cristo nació tras la pandemia, como tantos otros proyectos que surgieron durante aquellos días”, nos cuenta al otro lado de la pantalla y a escasas semanas de estrenar su primer LP. “Al principio, no había ambición alguna más allá de hacer canciones por puro esparcimiento. Mis temas eran muy sencillos y la mayoría estaban hechos a partir de samples y loops. Ahora, y contando ya con un productor externo, creo que hay una evolución evidente en lo que propongo. Salvo por un par de temas, que sí han sido compuestos de la anterior manera, lo que este disco me ha permitido es, ante todo, volver a coger la guitarra y reenamorarme de ella”.

El productor del que habla es el valenciano Turian Boy, quien ya dejara su sello en los créditos de O’Cristo para un tema del pretérito nuevanostalgia, y que ahora regresa con autoría al alimón. “Álex maneja unas referencias musicales muy distintas a las mías, y lejos de ser eso algo que me echase para atrás, fue el factor determinante para convencerme de que era el productor ideal para este disco. Mi forma de componer y mis melodías suelen sonar muy tradicionales y necesitaba salir de mi zona de confort, que el disco sonara actual. El 50% del LP es suyo, vamos. Lo hemos hecho todo a medias, desde la composición a los arreglos. Y aunque suene a tópico, él es el responsable de que muchas de las canciones hayan llegado a sitios que, por mí mismo, habría sido incapaz de alcanzar”. El título del trabajo, para quien se lo esté preguntando, es, efectivamente, un guiño abierto a Leonard Cohen y Enrique Morente, enfocado aquí y con simpatía hacia los tópicos de la canción de autor. “Me parecía una forma divertida de llevarme la referencia a mi terreno y de qui-

tarle peso a la etiqueta”, explica. “Aunque cuidar las letras me siga pareciendo algo imprescindible en lo que a hacer un buen disco se refiere, ahora trato de huir de la imagen del cantautor tradicional. Un estribillo que se repite o una idea expresada de forma directa son recursos más agradecidos y atractivos que disfruto más incorporando a mi música”. Junto a Colom, nos adentramos poco a poco en esta intersección imposible y manierista que es su propuesta, donde han tenido cabida influencias tan antagónicas a priori como el folk intimista de Bon Iver, la poesía negra del mencionado Cohen o el acervo sureño de Los Planetas. “Cuando eres joven tienes más prejuicios ante según qué géneros. Ahora, que ya soy algo más mayor, escucho literalmente de todo y quería que este disco reflejara eso”, dice. “Me gusta creer que, toque el género que toque, mi música seguirá siempre sonando a mí, signifique eso lo que quiera que signifique”. Entre desengaños afectivos -Conmigo y contra mí- y desencantos generacionales -Deshacer el mundo (y hacerlo de nuevo)-, el largo captura con fidelidad el pulso íntimo de su autor, mojándose cuando toca y sin perder la clase. “Es difícil hablar de según qué temas que te incomodan como ciudadano sin acabar sonando panfletario”, nos cuenta sobre el segundo corte mencionado y firmado a pachas con la cantante ecuatoriana LaTorre. “Aun así, creo que la canción refleja bastante bien un pensamiento que mucha gente de mi edad comparte. Personalmente, me duele ver cómo esa llama que prendimos con el 15-M, ilusionados tras la aparición de varios movimientos nuevos de izquierdas, ha terminado deshaciéndose casi por completo. Y a veces pienso que quizás sería mejor que se apagara del todo ya y fuera otra generación, con otra forma de ver el mundo y la vida, la que la volviera a encender. Son los jóvenes quienes tienen que salvarnos del hundimiento definitivo, al fin y al cabo”.

Cristóbal hace, en fin, música con acento. “Ahora tenemos una representación musical mucho más variada y rica de lo que de verdad es España. Todos los proyectos que han incorporado estos ideales a su estilo han ganado entidad propia, y lo que más me gusta es comprobar cómo bandas como Vera Fauna, La Plazuela o Califato 3/4 no solo triunfan aquí, en Andalucía, sino en toda España. Hacer algo tan tuyo y que además triunfe es el mayor orgullo para un artista”.

UN CANTAUTOR DEBE MORIR (AUTOEDITADO / ALTAFONTE, 2026)

Todo lo que dura se marchita / Subir las apuestas / Conmigo y contra mí / Nuevo firmamento / La buena estrella / Bajo 0ºC / M.O. / La luna y el dedo / Deshacer el mundo /y hacrlo de nuevo) / Malagueña derrotada

CD / DIGITAL / LP

El lanzamiento en Planeta Cómic de ‘The Forbidden Marriage’, nuevo manhwa coreano entre la alta fantasía y el tórrido romance, nos sirve para bucear en los nuevos ejemplos de historias esencialmente sentimentales, más elevadas o cotidianas, que están definiendo una nueva vía en el entretenimiento global, y que ya hace tiempo que trascienden internet y los nichos online.

Forbidden The Marriag e

¿Qué

haces ahí parada? Quítame la ropa.

El contenido coreano está cada vez más presente en todos nuestros ámbitos de consumo. Desde grupos de música llenando grandes estadios alrededor del mundo y batiendo récords de reproducciones, hasta una nueva hornada de producciones audiovisuales aterrizando en las plataformas de streaming, pasando por la gran apuesta por parte de las editoriales de España para hacernos llegar también contenido literario y cómic. No es la primera vez que en nuestro país se realiza una apuesta editorial por el cómic coreano, comúnmente conocido como manhwa. Ainhoa Perearnau López, responsable de esta línea para Planeta Cómic, nos explica que hay un nuevo público interesado en estas obras en comparación al primer intento de la editorial en los años 2008-2009, en una época en la que ya habían comenzado su ascenso los webtoons -adaptaciones de la vieja vida de las revistas de cómic al entorno online, como plataformas de lectura digitales- y en el que series como Blade of the Phantom Master o The Breaker -shōnen a efectos prácticos- avisaban de una multiplicación exponencial de la calidad. España aún no estaba del todo preparada, pues quizá andaba aún asumiendo de verdad el legado del manga japonés, pero la popularización de plataformas de lectura digital cómo Webtoon, así como las adaptaciones animadas o de imagen real empezaron a conducir a nuevos lectores hacia estas también nuevas historias. Poco a poco empezaron a diversificarse y a desdoblarse desde esta vertiente más frenética, para abrazar también relatos que tienen algo que ver con la teleserie, con el

culebrón y con el drama romántico adolescente, generando una identidad propia. Para Ainhoa, “el manhwa ofrece nuevas perspectivas de historias que podrían ser familiares, pero que aportan una nueva sensibilidad, más cercana a las vivencias y perspectiva de sus autores y de los posibles lectores”. Es, en cierto sentido, una idealización, una romantización de lo cotidiano.

A esto se le suma un formato alejado de otros productos asiáticos, especialmente del manga. Estas obras de origen coreano suelen publicarse en plataformas digitales, en formatos de lectura vertical y a todo color. “Es por eso por lo que, a la hora de traer estas obras a Occidente, en muchas ocasiones se debe adaptar el formato de lectura, conllevando un trabajo de maquetación distinta”, explica Ainhoa. Todas estas diferencias atraen a un público que antes no se interesaba por el contenido asiático y que ahora encuentra un atractivo distinto en estas obras. “A pesar de que existe un público que está directamente ligado al manga -porque en cierto sentido ha sido una evolución casi natural-, desde la editorial Planeta observamos la entrada de muchos lectores y lectoras que llegan a través de otros medios, como son las series, los libros o el cómic internacional”, destaca. Las redes, incluso, o comunidades de Discord y Reddit. Por ello, desde la editorial tienen claro el objetivo. “Queremos formar un catálogo diverso para que todo tipo de lectores puedan encontrar una historia que encaje con sus gustos”. Una idea que viene acompañada de atraer a nuevos y potenciales consumidores.

CHERRY BLOSSOM AFTER WINTER

BamWoo

Haebom se queda huérfano después de que sus padres tuvieran un trágico accidente y es acogido por la mejor amiga de su madre y su hijo, Taesung. En su nuevo hogar, intenta pasar desapercibido para no causar problemas, pero con el tiempo, la relación entre los dos jóvenes se vuelve distante. Sin embargo, en su último año de secundaria, algo cambia cuando Taesung interviene para defenderlo de un episodio de acoso, despertando entre ellos algo más íntimo. Este manhwa tiene adaptación a imagen real en Viki Rakuten.

A BUSINESS PROPOSAL

Hari Shin ha tocado fondo oficialmente: tiene 0 de 3 en trabajo, amor y dinero. Afortunadamente, su amiga tiene una propuesta de negocios para ella: ir a una cita concertada en su lugar. Sin embargo, las cosas se complican cuando la otra parte resulta ser el nuevo director ejecutivo de Shin, ¡y tiene su propia propuesta! Esta divertida comedia romántica sobre los vericuetos de la vida marital y las ambiciones sentimentales, que estrena en marzo en Planeta Cómic su décimo tomo, cuenta ya con su adaptación a imagen real en Netflix.

DRAMAS, FANTASÍAS Y COMEDIAS

PARA TODOS LOS PÚBLICOS

Ainhoa nos comenta con especial ilusión una de las obras que estará completa dentro de poco en su catálogo: A Business Proposal. “Esta serie es la puerta de entrada ideal para aquellas personas que estén enganchadas a los k-dramas románticos o quienes busquen una historia de romance de las que siempre dejan ganas de más”. Para los que busquen “algo más spicy”, recomienda What Does the Fox Say?, un yuri de altas temperaturas que plantea el romance entre dos mujeres en un contexto laboral adulto. Del mismo modo, el romance entre chicos también está muy presente en esta nueva ola de obras que llegan a España. Por ejemplo, Planeta Cómic pública dos obras en dos contextos muy distintos: Cherry Blossoms After Winter y The Dangerous Convenience Store, centrados en la secundaria y en el trabajo extra de un universitario, respectivamente. Además, la editorial dará el salto a la fantasía con el romance boys love en abril: El

país donde el dragón hace llover narra la historia de la llegada de un dragón en forma de frágil niño al imperio desértico de Rahan; hasta que alcance la mayoría de edad, el príncipe heredero ordena ocultarlo en lo más profundo del palacio. Sin embargo, una noche, Suu, un humilde sirviente real que sueña con huir junto a su amado Nadan, tropieza con un misterio inesperado. Esta nueva aproximación romántica, realmente más relacionada con el shonen-ai japonés suave y el shojo que con lo explícito del yaoi y el yuri, enlaza de algún modo con historias cotidianas que nos llegaron a principios del milenio, como

¡Corre, Bon-Gu! , pero cambia la ambición novelística por el desenfado de las comedias románticas.

Las grandes aventuras de acción también están muy presentes en el catálogo de la editorial, apostando especialmente por obras basadas en las novelas de singNsong como Lector Omnisciente

, ambas siendo una gran sen sación en territorio coreano y que llegan a España haciendo mucho ruido. Por si sabe a poco, durante el pasado 31 Manga Barcelona anun ciaron varias obras en esta línea que acabarán incorporándose a lo largo de este año al catálogo edi

Tomb Raider King

Overgeared contando con animación japonesa próximamente, una práctica cada vez más extendida en el panorama audiovisual actual para hacer llegar estas obras al gran público. Un claro ejemplo es la reconocida , publicada en España -tanto en su versión larga original como en su versión webtoon- por Norma Edito

LECTOR OMNISCIENTE

UMI (Redice Studio), Sleepy-C, singNsong Narra la historia de Dokja Kim, cuya única pasión es una novela online tan oscura que él es su único lector. Pero un día la historia llega a su fin y el mundo también. Personas de todo el planeta comienzan a ser masacradas por monstruos horribles o forzadas a enfrentarse entre sí en escenarios sádicos sacados directamente de la novela. Sin embargo, solo Dokja sabe que esto es apenas el primer capítulo de lo que está por venir. Próximamente contará con una adaptación animada en Crunchyroll.

humanidad reside en Jaehwan y sus compañeros Caminantes de la Torre, quienes

da del estudio japonés A1-Pictures, se ha convertido en todo un fenómeno global y llamado la atención de un gigante como Netflix, que ya ha anunciado una adaptación de La apuesta editorial seguirá creThe Forbidden Marriage, que se unirá al catálogo de Planeta Cómic este marzo para seguir ofreciendo esa gran variedad de argumentos e historias de amor que tanto gustan últimamente. Esta obra escrita por Chun Ji Hye y dibujada por Sanchaek nos sumerge en las intrigas palaciegas de Joseon: Ye Sorang, quien afirma poder invocar los espíritus de los muertos, y miente sobre sus poderes espirituales al viudo príncipe heredero Lee Heon. Misterios, pasados ocultos y un hilo rojo del destino cada vez más enmarañado trufan esta serie que ya viene con éxito avalado en el entorno online, y que busca ahora replicarlo en nuestro país. Su fórmula es tan adictiva que su adaptación con actores reales se ha vuelto un éxito tras su estreno en 2022, cosechando grandes premios y renombre en el

¡Hola a todos, aquí Oh Ji Hye! Adaptación a dibujo

¡Fomamos el

Con toda esta retahíla de títulos, está claro que muchos lectores que nunca se habían atrevido con el manhwa se sentirán atraídos para darle una oportunidad a aquellas obras que se acerquen más a sus gustos personales. Lo coreano está de moda y ha venido para quedarse.

Por: Diego Rubio

Fotos: @marcosskrrrt

Con poco más de 20 años y abanderando a la generación post-plugg, este joven de Zaragoza está demostrando que el urbano en la ciudad aragonesa es mucho más que Violadores del Verso. Junto a sus productores de confianza, G.Lesson y Yung Lesson, y otras adiciones de postín locales como $kyhook y Nuviala, presenta ahora su primer disco cien por cien profesional, ‘Industry Plant’. Además, es uno de los seleccionados del ciclo UrbanAIE, en el que NUEBO participa como jurado.

“PODRÍA IRME A MALVIVIR A MADRID, PERO CON LO QUE ME AHORRO VIVIENDO EN ZARAGOZA PUEDO BAJAR LAS VECES QUE QUIERA”

Decir ‘escena urbana’ y ‘Zaragoza’ en la misma frase parece llevar siempre al mismo sitio: Violadores del Verso, Gansta Squad, Flowklorikos, Cloaka Company, Tres Monos, Bufank, Rapsusklei... Después de esa generación de la golden era, a las siguientes se les enseñó que la única manera de progresar en algún campo artístico -en la vida, en general- pasaba por decantarse entre subir o bajar. Pero, aunque cueste creerlo, han seguido sucediendo cosas entre las calles de la capital aragonesa, que hoy, con internet y las distancias volatilizadas, vive una especie de resurrección desde el underground. “Entiendo que ha habido mucha gente que se ha tenido que ir de Zaragoza para que le vaya bien, porque había un poco una sensación de que o te ibas a Barcelona o Madrid o morías”, dice Slappy AV. “Incluso a mí me empezó a ir guay cuando empecé a juntarme con productores de Madrid, porque al principio le enseñaba mis cosas a mis colegas y no entendían nada... En Madrid le peña se lo enseñaba a otra peña y allí sí gustaba. Pero, en cualquier caso, ahora, con internet, puedes hacer las cosas desde donde quieras; te bajas un finde y ya está. Yo voy a Madrid diez días y siento que he hecho lo de tres meses. Y con lo que me ahorro viviendo aquí puedo bajar todas las veces que quiera. Podría irme a malvivir allí, pero ¿realmente es necesario?”. Él es uno de los artistas que, apenas pasados los 20, está ejerciendo de pegamento -de chicle; dos términos que conectan con su música- para esta nueva escena urbana de Zaragoza, que tanto viene de la herencia del plugg como de la posterior derivación hyper y de la más reciente ultrafragmentación abrasiva de artistas como Nettspend, Xaviersobased, Fakemink, OsamaSon, Fntxy, AgustFortnite2008 o Stiffy.

Slappy AV, de nombre real Moisés Mena, terminó en la música por casualidad. “Empecé de pequeño con mi primo a hacer skate, y nos fuimos haciendo buenos, así que me compré una GoPro para grabarnos y colgar los vídeos. De repente, algunos colegas empezaron a rapear y yo les ayudaba a grabar. Un día se juntaron en mi casa y se dejaron un micro, así que empecé a probarme yo, a hacer temas malísimos de rap y tal. Y casi sin darme cuenta estaba ya subiendo canciones”, recuerda. Por aquel entonces montó Avoid Paranoia con Gezi -amigo de toda la vida del pueblo Ejea de los Caballeros- y empezó a distanciarse de los ritmos ha-

bituales de la ciudad. “Él tenía una visión más abierta para el rap, y cuando nosotros no estábamos para nada en el trap o en el autotune y estábamos cerrados full rap Charlie Hijos Bastardos, él sí escuchaba a Recycled, a Agorazein, a Sticky cuando salió solo... Él con el curro se fue distanciando un poco de hacer música, pero bueno, ahora viene conmigo de dj en los directos y me hace casi de técnico de sonido”. Conocer al productor Yung Lesson fue la pieza definitiva del puzle en el que se convirtió su sonido. “Hicimos un tema con otro productor amigo suyo, Waterproof, que es el que mejor me ha ido nunca, y luego le invitamos a tocar la guitarra en un show, nos moló y le incorporamos en la gira. De ir ensayando y tocando, al final me dijo que a ver si un día íbamos con su hermano, G.Lesson, a producir. Y fue la mejor idea que pudimos tener, la verdad. Como se han quedado en Zaragoza a lo mejor no tienen tanto nombre, pero son buenísimos”, reconoce. La dupla fraternal forma con Moisés el núcleo central del proyecto. Gracias a ellos, Slappy conoció al que ha sido el productor clave de la Zaragoza urbana durante los 2010, $kyhook, y a través de internet y de sus viajes a Madrid y Barcelona conoció a l0rna o a ladiferencia2006 (con quienes ha colaborado), o al productor Nuviala, El Virtual o Fran Laoren, que se incorporan también a Industry Plant, el disco con el que el zaragozano profesionaliza su propuesta. “$kyhook y Nuviala son de Zaragoza, pero claro, se les relaciona más con Barcelona. Ahora se ha vuelto aquí, pero Nuviala ha estado viviendo en Madrid y también ha pasado mucho tiempo en Barcelona, y se ha hecho un nombre allí currando con el Morad y el Beny Jr. Es un tío muy real, que ha hecho canciones para Ozuna o Bad Gyal pero que sigue currando con artistas pequeños, incluso más que yo. Y a $kyhook literalmente le enseñó a producir G.Lesson hace como 12 años. Se viene un par de findes al mes y así curramos. Todo es muy natural. Pues ‘vente pa'l estudio, meto aquí un sinte...’”. Junto a ellos ha dado el salto definitivo a los estudios profesionales: “Todo lo que había hecho antes había sido desde mi casa, grabando y mezclando todo yo. Ya había trabajado en estudio para algunos temas antes y sobre todo para Verano Azul (2025), el último EP, pero esta ha sido la primera vez que lo hacemos en el estudio. Prefiero que me manden melodías y trabajarlas a que me manden un beat ya hecho”.

INDUSTRY PLANT (AUTOEDITADO, 2026) Sexy con todo / Tú + yo / Delincuente / Vietnam / Tu bikini & mis racks / Aléjate / 1 mundo+ justo / A todo que sí /No diré na / Insoportables / Feng Shui / Industry Plant

DIGITAL

MP/885 [ÁLBUM]

BIANCA CASTAFIORE

MP/955 [SINGLE]

JIMENA AMARILLO

MP/978 [SINGLE]

HNOS MUNOZ

MP/930 [SINGLE]

LA 126

MP/981 [SINGLE]

ATLANT

Eyewear – Spring/ Summer Campaign

ENTREVISTA: ALBA G. VALERO | FOTÓGRAFO: PABLO DE PASTORS

POLARITY

Pol Rendé consolida POLARITY en Barcelona: la agencia creativa, que ya firma proyectos para grandes marcas como Mango, Desigual, Cupra o Converse, abre en Gràcia un espacio íntimo concebido como showroom y punto de encuentro cultural, tras un año impecable centrado en producción de contenido y mirando ya a París y Asia como próximos destinos estratégicos.

Tras años construyendo narrativa y contenido para marcas como Nike, Pull&Bear o VICIO, Pol Rendé (1995) decidió dar un paso al frente y convertir su mirada en proyecto propio. Así nació POLARITY, una agencia de producción creativa que refleja su obsesión por el detalle, la cultura y la manera de hacer las cosas con coherencia. Desde una oficina 360 que se siente como casa en Gràcia hasta la ambición de aterrizar en París, Pol habla sin filtro sobre creatividad y estrategia en esta entrevista.

POLARITY nace hace poco más de un año. ¿Cómo?

Fue un paso natural. Venía de trabajar en empresas como Nike, Pull&Bear, VICIO… Siempre muy vinculado a todo lo que rodea al contenido: dirección creativa, producción, muchas veces desde ambas. Pero, más que identificar un hueco en el mercado, fue una evolución interna. Sentía que necesitaba construir algo propio, pasar de ser un profesional dentro de estructuras ajenas a convertir mi mirada en una marca personal y, después, en una agencia. Tenía claro cómo quería trabajar, con qué nivel de implicación y bajo qué estándares creativos. Lo demás fue consecuencia.

Habéis decidido enfocaros con más claridad en producción de contenido. ¿Por qué?

Al principio también incluíamos el PR como servicio, pero decidimos dejarlo de lado. Lo seguimos haciendo, aunque únicamente cuando está directamente relacionado con el contenido que producimos. Por ejemplo, el booking de Bikoko como imagen de la campaña de El Día de la Música de MANGO tenía sentido porque formaba parte del universo creativo del proyecto. Pero no queríamos dispersarnos. El contenido es lo que más nos gusta y lo que mejor sabemos hacer. Nos sentimos cómodos tanto desarrollando un TikTok que debe funcionar mañana como produciendo una campaña global con una planificación de meses. En un momento en el que todo el mundo quiere hacerlo todo, nosotros preferimos hacer muy bien algo concreto. El foco nos da claridad y, sobre todo, coherencia.

En tu visión, ¿qué diferencia a POLARITY de otras agencias creativas y productoras?

Nuestra manera de hacer, antes que nada. Como dice Pep Guardiola: “No basta solo con ganar; importa cómo juegas”. En producción, ganar puede significar cumplir tiempos y presupuestos, pero eso no es suficiente. Nos obsesiona el detalle, no solo a nivel operativo, sino creativo. Nos importa cómo se siente el cliente durante el proceso, cómo se siente el equipo, qué energía se genera en un rodaje. Creemos que eso acaba influyendo directamente en el resultado final. Si la gente que trabaja contigo está motivada, cuidada y alineada con la visión, el proyecto inevitablemente mejora. POLARITY es exigencia, pero también sensibilidad.

Abrís vuestra primera oficina en Barcelona, en Gràcia, con 60 m2 y una estética esencial. Es prácticamente una casa, el lugar donde pasamos y pasaremos muchas horas juntos, así que debía sentirse hogar. No queríamos una oficina fría ni impersonal. La imagen es fundamental para nosotros, así que tenía que reflejar nuestra identidad. Lo hicimos junto a EPAA y en colaboración con La Redoute, diseñando y conceptualizando el espacio

a medida. Cada material, cada textura, cada mueble tiene un porqué. Es pequeño, sí, pero eso lo hace más humano. Es un espacio pensado para trabajar, pero también para conversar, escuchar música, tener reuniones que no se sientan rígidas. Es nuestro primer lugar físico y simboliza que lo digital se convierte en algo tangible.

¿Es una declaración contra el modelo tradicional?

No diría que es una declaración en contra de nadie, pero sí es una decisión consciente. El equipo es lo más importante, y quiero que se sientan como en casa, literalmente. No necesitamos una planta entera en un edificio corporativo para hacer buen trabajo. Preferimos un espacio cuidado, honesto, donde las ideas fluyan sin jerarquías marcadas por el espacio físico. Lo íntimo genera cercanía, y la cercanía genera confianza. Y la confianza, creatividad.

¿Sientes que las agencias tradicionales ya no entienden el momento cultural?

No necesariamente. Hay agencias tradicionales que lo siguen haciendo muy bien, sobre todo las que han sabido adaptarse y evolucionar. También es cierto que algunas han quedado más atrás. A veces es una cuestión generacional. Es lógico que alguien que no vive los códigos culturales actuales no hable el mismo idioma que la generación a la que muchas marcas quieren dirigirse. No es una crítica, es una realidad. La cultura se mueve rápido y exige estar atento, consumir lo que consume tu audiencia, entender cómo se comunica y desde dónde. Hay de todo, como en cualquier sector.

Definís el espacio como showroom, lugar de eventos y conciertos. ¿Queréis que la oficina sea también un canal de comunicación?

Exacto. Queremos que pasen cosas. En el año que llevamos hemos tejido muchísimas conexiones y relaciones, y todo ha sido desde la presencia digital. Ahora queremos que eso también ocurra en nuestro espacio físico. Que haya eventos, pequeños conciertos, presentaciones, encuentros creativos. Que POLARITY no sea solo una productora, sino un punto de encuentro. La oficina puede ser también

Pol Rendé (Barcelona, 1995) es fundador de POLARITY, agencia culturalmente vibrante, y experto en producción creativa y liderazgo en contenido y expansión internacional.

“La estética sin narrativa es vacía. La narrativa sin actitud pierde fuerza. Y la actitud sin coherencia estética puede resultar confusa. Buscamos el equilibrio”

un medio. Un lugar donde se generen conversaciones que luego se conviertan en proyectos.

El proyecto lo firma EPAA con Roc Vila y Adrià Moneo al frente. ¿Qué buscabas en ellos?

Fue un match desde la primera llamada. Son los mejores. Me leyeron y me interpretaron a la perfección. Incluso me frenaron cuando propuse cosas que no tenían sentido o que simplemente eran feas. Vi en ellos un conocimiento y un ojo que yo no tengo cuando se trata de diseñar espacios. Así que prácticamente les di un lienzo en blanco.

Cuando trabajáis con marcas como Mango o Desigual, ¿qué intentáis preservar: estética, narrativa o actitud? Las tres. No creo que puedan separarse. La estética sin narrativa es vacía. La narrativa sin actitud pierde fuerza. Y la actitud sin coherencia estética puede resultar confusa. Nuestro trabajo consiste en equilibrarlo todo respetando la identidad de la marca. No se trata de imponer nuestro estilo, sino de potenciar el suyo desde nuestra mirada.

¿Estamos viviendo un cambio real en la forma en que

EBRO

S700 & S800 Campaign

Commercial

las marcas producen contenido o solo una evolución estética?

Es un cambio real y tangible desde hace años. Las reglas del juego han cambiado. Ahora conviven grandes campañas globales con contenido alwayson para social. Nosotros aceptamos esa realidad y trabajamos en ambos terrenos. Nos encanta producir piezas muy elaboradas, pero también contenido más fresco y espontáneo, que muchas veces es lo que mejor conecta.

Si POLARITY fuese un movimiento y no una empresa, ¿qué estaría defendiendo?

Que vuelva el rock'n'roll. Las bandas de verdad. La energía real en el escenario. Menos artificio y más autenticidad. Más verdad.

¿Qué has aprendido como fundador en este primer año que no sabías cuando empezaste?

La importancia de la estabilidad emocional. No celebrar demasiado las victorias ni hundirse con las derrotas. Es un equilibrio difícil. También he aprendido que es muy duro. Que el sueño empeora. Que la responsabilidad pesa. Pero, aun así, compensa.

Twojeys x Duke+Dexter Campaign

Mezclar sin miedo lo “coquette” con el “effortless” o invertir con intención en piezas que siempre vuelven, como el deseado Paddington de Chloé, es lo que define el tan buscado lifestyle de “vivir tu propia narativa”. Desde el punto “naïf” que Desigual nos propone en su nueva colección hasta la tendencia “utility” en chaquetas biker, pasando por el glow skincare al perfume tendencia que deja huella como el nuevo Iris Root de Loewe. Este NUEBO bazar es un puro moodboard generacional.

A RRY

H:roP annA éPzer / Ftoso : S tle l a B l a kc m o n ( a p e r t u r a ) , Jo hnny Dufort (interior)

STY L SE

Harry

Styles lleva más de una década corriendo su propia carrera de fondo, un trayecto que comenzó en 2010 y que lo ha llevado de los platós de The X Factor a los estadios más grandes del mundo. Nacido en Redditch, Worcestershire, y criado en Holmes Chapel, Cheshire, a los 19 hizo las maletas para perseguir su sueño de ser cantante en Londres, y el resto es historia: entre 2011 y 2016 milita en una de las boybands más exitosas de la historia -responsables, de hecho, del resurgimiento de estas en esta década-, y desde que debutara en solitario en 2017 con un golpe en la mesa bowiano, reminiscente de Prince en su título y de Aerosmith en su coda -esto es, Sign of the Times- su carrera no ha hecho más que crecer. El soft rock más glamuroso y expansivo de su debut homónimo, Harry Styles, se tornó efervescencia pop, azúcar y exuberancia frutal en Fine Line (2019) -¿te acuerdas de aquella épica introducción de Rosalía?-, y después Harry's House (2022) lo puso todo patas arriba y desveló a un artista mucho más reflexivo de lo que tanto brilli-brilli podía sugerir. La deliciosa sonoridad, casi infantil, de un single multimillonario como As It Was se enfrentaba, de una forma inusual en el pop, a letras casi demoledoras: “Harry, you're no good alone / Why are you sittin' at home on the floor? / What kind of pills are you on?”. Aquel trabajo consolidó internacionalmente a Styles, y le valió el Grammy a mejor álbum del año y a mejor álbum de pop vocal. La gira mundial que lo acompañó agotó recinto tras recinto, incluidas quince fechas consecutivas en el neoyorquino Madison Square Garden, y al propio Harry.

Si Harry's House ya respondía a una imperiosa necesidad de introspección, después del tour, parar se convirtió en obligatorio. “Al final de la gira, la idea de tomarme un descanso me parecía una locura. No sabía si podría hacerlo. Pero era el momento ideal: habíamos terminado el tour en julio y cumplía 30 años en febrero. Era hora de parar un rato y prestar atención a otros aspectos de mi vida”, ha explicado recientemente en The Times. “Estaba acostumbrado a que todo fuera rápido y a estar siempre en movimiento (…) De repente, a través de mis amigos, estaba aprendiendo que comer es más que simplemente sentarse y reponer fuerzas. Comprendí el placer de simplemente estar focalizado en el momento de aquello que estás haciendo”. En busca de ese merecido retiro, se mudó a Italia y redescubrió los placeres más cotidianos y mundanos de la vida. Los mejores placeres. “Italia fue crucial para entender mi vida desde un prisma más cálido y cercano”, reconoce. Después se mudó a Berlín, y durante su largo descanso, salió de fiesta y entendió lo que es un club, se disfrazó con un pseudónimo y corrió una maratón, descubriendo nuevas pasiones: inolvidable aquella gorra que rezaba “Techno is my boyfriend”; o sus fotografiados paseos en bici: o su participación, después, en más maratones como la de Tokio. Se dio el capricho de trabajar con uno de sus ídolos, el fotógrafo Martin Parr, en la que fue una de sus últimas sesiones en vida. Recorrió Europa en coche, se pegó festivales

en Madrid, paseó de incógnito por las calles de Roma durante el nombramiento del nuevo Papa y pudo ver de cerca el crecimiento de su sobrina. Así, también empezó a cambiar la forma en la que se veía a sí mismo. “Tener tiempo lejos de todo me ha permitido tener conversaciones conmigo mismo a un nivel más profundo que antes no tenía tiempo de explorar”. Esta pausa también le permitió alejarse de Instagram y reflexionar sobre su identidad más allá de la querida imagen pública que lo acompañaba desde joven.

Y, casi sin darse cuenta, fue empezando a surgir la semilla del que será su nuevo proyecto, Kiss All The Time. Disco, Ocasionally, que Styles describe como “una representación en audio de una larga entrada del diario en el que narro esta nueva parte de mi vida”, y que, más que reinventar su sonido, reconduce sus dos grandes polos artísticos -la introspección y la euforia bailable; lo reflexivo y lo lúdico- hacia territorios más atmosféricos y electrónicos. Esta “apertura”, hacia nuevos sonidos, hacia nuevas experiencias, al amor, a la amistad y al disfrute honesto y pleno del presente, se convirtió también en la puerta de entrada a su cuarto álbum, el slow disco de Aperture, que puede recordar a los momentos más melódicos de bandas como LCD Soundsystem o Hot Chip. “Fue el último tema que compusimos, y terminó siendo una gran declaración de intenciones. Estar abierto a la posibilidad de que sucedan cosas, de que lleguen cosas más positivas a tu vida, pero también a las transiciones, los cambios, los defectos y los propios errores, y a poder analizarlos y corregirlos, fue fundamental para hacer este disco”, le dijo a BBC Radio 2. En el videoclip, Styles deja clara además la identidad visual de esta nueva etapa, con referencias directas a los videoclips de Spike Jonze para The Chemical Brothers o Fatboy Slim, o al de dom&nic para I'm Afraid of the Americans de David Bowie, en el que Trent Reznor le perseguía por las calles de Nueva York. La rave, como utopía mental, se convierte así no tanto en una vía sonora, sino en una ilusión de la libertad con la que enfrenta el artista británico los 30; en la portada del disco, casi un collage diseñado por Harry Lambert -su estilista de confianza, y responsable también de toda la estética colorida y playful que está marcando las fotos-, vemos una bola de discoteca suspendida en un paisaje oscuro y un sticker de Harry ajustándose las gafas, anticipando el carácter tanto profundo como disfrutón del proyecto.

Desde los días de One Direction, Styles ha pasado de la energía adolescente de la boyband a ser un artista que combina introspección, experimentación, carisma y una estética cuidada que hace que su público crezca con él. Harry demuestra que el éxito comercial puede ir de la mano de la credibilidad, y nosotros nos creemos esta fiesta.

me ha permitido tener “Tener tiempo lejos de todo conversaciones conmigo mismo a un nivel más profundo”

UNDER DISCO LIGHTS

DCL S OUNDSYSTEM

En este disco liberador para Harry han jugado un papel fundamental todos estos artistas, las principales teselas brillantes que componen su última bola de discoteca. Del dance punk al electropop, un recorrido bajo luces estroboscópicas y haces de láser y neón.

DAVID BOWIE

Hablando de Bowie, James Murphy, comandante de LCD Soundsystem y gran nexo para la escena dance punk neoyorquina desde el sello DFA Records, fue uno de sus últimos colaborades en vida. Se conocieron de casualidad mientras Murphy grababa Reflektor con Arcade Fire, y él mismo cuenta que Bowie le convenció para reunir, entonces, a LCD Soundsystem. Ya reunidos, Harry les descubrió en su concierto en el Kalorama de Madrid en 2023, y el idilio se ha materializado en un disco completamente rendido a su sonido.

THEDURUTTI COLUMN

El proyecto de post-punk británico liderado por Vini Reilly ha sido mencionado por el propio Harry como una inspiración, ya que fue una de las bandas que escuchó con más intensidad mientras escribía el álbum, pero se sintió especialmente fascinado por su ética artística.

Bowie ha sobrevolado la carrera de Styles desde el principio, no solo en su sonido sino también en su estética camaleónica y glam y en sus vínculos con la moda. El hecho de que se mude a Berlín para hacer este disco, y que grabe en los míticos Hansa Studios nos lleva directamente a la época de la Trilogía de Berlín, grabada por el Duque Blanco entre 1976 y 1979 en la capital alemana.

Si hay alguien que encarne a la perfección esa dualidad -casi extrema, en su caso- entre la intimidad y la vulnerabilidad y el desfase tecnopop, esa es Robyn. La sueca, mito viviente del pop electrónico y bailable de las últimas dos décadas, ha sido una de las grandes inspiraciones tras este nuevo disco. Y Harry se lo devuelve incluyéndola entre la nutrida lista de invitados de su nueva gira, junto a Jamie xx, Jorja Smith, Shania Twain, Fousheé, Skye Newman...

...Y Fcukers, que le acompañarán en Sao Paulo. El dúo neoyorquino, formado por Shanny Wise y Jackson Walker Lewis, representa a la perfección la liberación electrónica que plantea Harry Styles en este trabajo, pero también ese entendimiento ligero de las cosas, esa vivencia presente y despreocupado del momento actual.

Nuevo álbum 20/02

"Mil Pequeños Cortes"

UN

Por: Fernando Bernal

PO ETA

Un escritor fracasado, perdedor en la vida y en el arte, sobrevive en las calles de Medellín entre broncas etílicas y charlas filosóficas en antros y tabernas. Es el antihéroe protagonista de la segunda película de Simón Mesa Soto, una comedia dramática que bebe del fino humor neoyorquino y de la acidez de las comedias argentinas. Un Bukowski a la colombiana que es un maldito verso libre. Se le espera en abril, en salas de cine.

Óscar (Ubeimar Ríos) fue una promesa de la literatura, un enfant terrible de la poesía que tiró todo por la borda y que ahora no pasa por su mejor momento. Hace tiempo que tocó fondo, ha cambiado las letras por los tragos, vive cuidando a su madre y casi no tiene relación con su hija. Como última tabla de salvación, y contra sus férreos principios, que los tiene, decide aceptar la propuesta de dar clases de Literatura y olvidarse de la poesía. Algo que el director Simón Mesa Soto tomó prestado de su propia experiencia como docente, mientras trataba de hacer cine. Decidió reflejar en un poeta sus angustias y sus lemas en la creación, en el arte y en la vida. “He sido profesor muchos años, y en paralelo he hecho cine. He vivido de la docencia de una manera austera y el cine ha sido para mí como un esfuerzo más desinteresado. Los años pasan y al cine hay que tenerle paciencia, depende también de quién eres. Por eso dicen que el arte es un oficio de gente que tiene un cierto privilegio, porque se puede dedicar a ello. Cuando llegué a mi época adulta me encontré con la decisión de qué hacer con mi vida: no había formado una familia, ni tenía una casa. Pensé en dedicarme a tiempo completo a la docencia y dejar de hacer cine, empecé a pensar en qué tipo de profesor sería. Si fuera como los que yo tuve, que en realidad hicieron alguna cosa artística y ahora se los encuentra uno por las calles de Medellín, vociferando… Era como si fuera mi destino, ser uno más de ellos”. Imaginarse como una peor versión futura de sí mismo le hizo crear este personaje, pero no quería que fuera un cineasta como él. “Yo conozco el mundo de la cultura y la poesía en Medellín, porque habito esta ciudad, y esta figura del poeta está muy

presente, es una especie de subcultura que está en el panorama de la ciudad. Me parecía muy curiosa esta figura del poeta que es una oveja negra, que da problemas, el borrachín… Era una buena idea reflexionar a través de este personaje”, responde el cineasta desde su Medellín natal. Entre los alumnos de su clase, Óscar descubre a una joven, Yurlady (Rebeca Andrade), con talento para la poesía, un reflejo de lo que él mismo fue algún día, y la anima a presentarse a un concurso, a visitar el reino de las letras colombianas del que un día él fue expulsado a palos por no cortarse a la hora de dar sus opiniones. Una relación compleja que Simón Mesa aborda como eje central del filme. “Estoy contento después de todo el esfuerzo, los riesgos que tomamos y la libertad extrema que tuvimos con esta película. Quería tocar todo lo que pudiera ser un dilema, permitirme jugar sin restricciones. Uno no puede hacer esta película sin esperar alguna reacción adversa, pero eso es parte del reto de alejarnos de las formas del cine habitual, de las formas que nos plantea la industria. Pero también tocar ciertos temas que no se suelen abordar. Incluido el juicio de por qué te ríes o por qué hay comedia en torno a los estratos sociales; santificar a los personajes es moralista. La película plantea muchos dilemas morales, lo hago como artista, como habitante de mi país, de mi ciudad, de Latinoamérica y como hombre, que también soy”, afirma el director. El tono del filme puede llegar a generar cierta incomodidad, sobre todo por las situaciones a las que se expone su protagonista, pero es que eso es lo que precisamente buscaba. “Quería descubrir cuánta incomodidad sería capaz de generar poniendo la cámara al artista.

Y la comedia permite ser juguetón con la narrativa del cine y con la sátira, y reírnos. Más que una crítica es un juego de autoevaluación que me incluye a mí mismo”.

UN MUMBLECORE EN LAS CALLES DE MEDELLÍN

Cuando se presentó en Cannes, donde ganó el Premio Especial del Jurado en la sección Una Cierta Mirada, la prensa quiso ver conexiones, por su narrativa y su particular universo, con la obra gráfica de Harvey Pekar o Daniel Clowes o con el cine de los también estadounidenses Noah Baumbach y los hermanos Duplass. El director prefiere quedarse con la etiqueta propia de “un drama con visos de comedia”, y esquivar los referentes. “Cuando estábamos haciendo la película sabíamos que podía pasar por una película argentina o neoyorquina, por la tradición que hay ahí, incluso está relacionada con el mumblecore. Porque en el cine colombiano no se producen este tipo de historias alrededor de un poeta. La posibilidad de encontrar un nuevo lugar para el cine colombiano, más allá de lo que estamos supeditados. Porque hay una estética común y a partir de ahí se van generando las películas. Quería salirme del cine habitual del Sur, y encontré la forma en esta comedia que es habitual en ciudades desarrolladas. El hecho de hacerlo con los elementos

culturales y propios de Medellín le da a la película una textura distinta, unas formas diferentes. Y eso era lo refrescante, cómo desde una ciudad como Medellín, acostumbrada a vivir unos conflictos sociales tan fuertes, pudiera salir otro tipo de cine. Esa combinación me interesaba. Evitaba mucho el referente. Esta es mi segunda película y me interesaba no estar pegado a referentes, quería que los personajes me mostraran el camino. Claro que hay que referentes, sobre todo en los personajes. Para el protagonista me fijé mucho en el de Close Up de Kiarostami, me gustaba su fragilidad y lo vi así desde del guion. Luego llegó Ubeimar y lo cambio todo, aporto su propia estética”. Un actor sin experiencia, en realidad, un verdadero maestro, que convirtió el personaje -con su apariencia y gestualidad- en una suerte de Charles Bukowski colombiano, autor maldito, que se aferra a la mala suerte como a su auténtico credo. “Me alegra que Bukowski haya encontrado un lugar en la peli. Estos poetas bohemios, malditos, los bukowskis paisas, los bukowskis de Medellín, que juegan con el sufrimiento y la melancolía para la creación… Me interesaba tumbar ese estereotipo del sufrimiento, porque lo he vivido y era importante en mi vida abandonarlo”. Y para recorrer esa senda del perdedor del siglo XXI, ¿qué mejor que cometer el acto creativo suicida de rodar en celuloide de 16 mm.?

UN POETA (17 abril)

Atalante / Colombia / 2025

Dirección: Simón Mesa Soto

Reparto: Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona

Por: Marta España Fotos: YG Entertainment

Con ‘Deadline’, publicado tras la gira homónima que arrancó con el single ‘Jump’, BLACKPINK formaliza su primer regreso como grupo desde ‘Born Pink’ (2022) en un mercado donde el K-pop una es ya una hegemonía más. El EP llega después de que sus cuatro integrantes, Jisoo, Lisa, Rosé y Jennie, activaran sus carreras como solistas, y consolida así un modelo poco frecuente de ida y venida para el proyecto matriz: ¿posible disband?

BLACKPINK se han convertido en uno de los mayores fenómenos del pop global del siglo XXI. Formadas por Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa, el grupo trasciende la lógica del idol tradicional para operar como marca internacional, activo de soft power y plataforma individual simultánea. Entre escasez calculada, giras masivas y carreras solistas paralelas, su modelo redefine cómo puede funcionar un girl group en la era de un mainstream no exclusivamente occidental.

2018–2019: K-POP PARA OCCIDENTE

En 2018, el acuerdo con Interscope y Universal consolida a BLACKPINK como actor clave dentro del soft power surcoreano. El grupo se integra en la expansión global de la Hallyu, en una estrategia que concibe el pop como herramienta diplomática y económica. Ddu-Du Ddu-Du sintetiza esa ambición con minimalismo trap, estribillo onomatopéyico fácilmente replicable y un drop centrado en la performance. Coachella 2019 formaliza su proyección global y consolida su papel en el despliegue internacional del K-pop.

JENNIE: ‘SOLO’ (2018)

Solo es una prueba que inaugura las carreras en solitario de las chicas. Jennie, ya posicionada como miembro más visible y favorita mediática, condensa el “girl crush” en clave íntima: minimalismo trap, beat seco, estribillo coreable y una letra de ruptura que prioriza la autosuficiencia sobre el drama. Porque las Blackpink ante todo son empoderadas, o son lo que haya que ser para encajar en el mercado occidental. “I used to be your girl, now I'm used to being the GOAT”, canta. Años después, sería cancelada por su fandom por vapear en público.

2016–2017: MENOS “CUTE”, MÁS “GIRL CRUSH”

BLACKPINK debutan en 2016 con Square One, redefiniendo el arquetipo femenino del K-pop. Frente al modelo “cute” dominante, YG impulsa el concepto “girl crush”: bases hip-hop, actitud frontal y combativa y puesta en escena de control y autoridad, en sintonía con la nueva ola feminista global y el empoderamiento. Además, integran una dimensión transnacional clave con Lisa -primera no coreana en YG- y Rosé, consolidando una identidad global y tolerante desde su origen.

2020: EL DISCO

En 2020, BLACKPINK publican The Album, ocho canciones en 24 minutos que consolidan su expansión global. Con colaboraciones de Selena Gomez y Cardi B, el grupo refuerza su narrativa girl power. Musicalmente compactan la fórmula YG: trap y EDM hipercodificados en How You Like That y Pretty Savage, y un giro más pop y vocal en Lovesick Girls, ejecutando el plan trazado tras su acuerdo con Interscope.

LISA: ‘MONEY’ (2021)

En su debut en solitario, Lisa se presentó solo como idol global y como artista tailandesa en el centro de una industria históricamente coreana. El single abre con rap agresivo y despliegue de iconografía nacional -trajes tradicionales, referencias visuales al folclore y al imaginario real tailandés- integrados en una superproducción hip hop. Money, en cambio, no nació como apuesta principal: era la cara B del single álbum y no fue promocionada como tal. Pero, meses después del lanzamiento, TikTok la convirtió en fenómeno viral internacional.

2022–2023: EMBAJADORAS

Con Born Pink (2022), el grupo ya no necesita demostrar músculo musical, sino estatus. Jennie con Chanel, Jisoo con Dior, Rosé con Saint Laurent, Lisa con Celine; BLACKPINK se integra de forma orgánica en el circuito del lujo global como nodos estratégicos entre moda, streaming y Marca Corea. En 2023, además, llega el movimiento clave: no renuevan contratos individuales con YG, pero sí el acuerdo grupal. Separan gestión artística y explotación de marca colectiva porque ya no son idols, sino iconos.

ROSÉ: ‘APT.’ (2024)

APT., junto a Bruno Mars, opera como ejercicio de traducción cultural. Parte del apateu, juego de beber universitario coreano basado en repetir números al ritmo de una palmada colectiva, y lo convierte en un single poprock de tres minutos pensado para la radio anglosajona. El guiño a The Ting Tings es evidente en la guitarra seca y el tempo nervioso, pero la producción añade bajo elástico y percusión con eco ochentero para reforzar el estribillo inmediato.

PRESENTE: MODELO DE ESCASEZ, ¿DISBAND?

BLACKPINK ha llevado la lógica de escasez al extremo. En anticipación de la gira Deadline, anunciada como nuevo ciclo, apenas presentaron un single inédito, Jump, mientras el EP homónimo casi no llegado a tiempo para los estadios llenos. El show, además, ha ido priorizando los bloques solistas de cada una, alimentando rumores de disolución. Más que ruptura, el modelo apunta a intermitencia estratégica: carreras individuales fuertes y reuniones puntuales de alto impacto comercial.

DEADLINE (YG Entertainment, 2026)

JUMP / GO / Me and My / Champion / Fxxboy

CD / DIGITAL

MEGAN HAL

ES

Por: Miguel Pardo

Megan Hales es la Artista NUEBO de Contemporary Art Now 2026, feria madrileña de arte que celebra su décima edición en Matadero Madrid del 5 al 8 de marzo. La creadora australiana presenta obra de la mano de la Galería VETA, con un estilo hiperreal tan crudo como colorido; vívido e impostado a partes iguales. Charlamos con ella sobre algunas de las claves estilísticas y formales de su trabajo, en el que se mezclan cine, publicidad, el muralismo, el trampantojo y una cautivadora obsesión por el detalle que arrastra al espectador.

La feria ibicenca CAN Art Fair se fusiona tras su cuarta edición con Urvanity Art Fair Madrid, que celebrará así su décima edición en la capital ya reconvertida en CAN Art Fair Madrid. Y NUEBO continúa asociada como revista pop a esta renovada aventura: de cara a la amplísima programación que del 5 al 8 de marzo inunda los espacios habilitados en Matadero Madrid -y que se extiende también a un buen número de galerías de la ciudad-, hemos elegido a Megan Hales como artista NUEBO de la feria.

El hiperrealismo se asocia a menudo con un deseo de control y precisión, pero en tus pinturas hay caos e infiltración orgánica. ¿Qué te interesa del hiperrealismo como lenguaje y en qué momento decidiste llevarlo al límite?

He sido una maniática del control desde que era niña. Tenía los pies hacia dentro, así que me apuntaron a clases de ballet. Mi dedo meñique izquierdo se revelaba cuando me tensaba, y la profesora, entre un mar de niños, lo cogía y lo captaba. Esto me hizo apreciar el espectro dramático que puede tener un pequeño gesto. Del mismo modo, en una pintura, busco intensificar la presencia a través de cientos de gestos sensibles. Un ala de murciélago y una cortina de ducha de plástico, una al lado de la otra, pueden acentuar la materialidad de la otra. El hiperrealismo sirve para acentuar este toque y hacerlo emocionante.

Tu formación en cartelería y señalización a gran escala introduce una relación física con la superficie pictórica

que no siempre está presente en la pintura de caballete. ¿Cómo influye esa experiencia en tu forma de componer, escalar y ocupar el espacio del cuadro?

Yo creo que es al revés. La señalización a gran escala es mejor cuando se adapta al lugar y se tiene en cuenta el espacio. Con un lienzo, pienso en la intimidad con el cuerpo del espectador. Lo que significa que la naturaleza de un nuevo concepto dictará el tamaño en el que lo pinto. La rotulista que hay en mí no puede resistirse a poner un poco de texto en un lienzo, me parece atrevido. Como si no fuera a dejarlo abierto, simplemente te lo voy a decir.

Muchas de tus escenas recuerdan a decorados de cine: hay algo artificial en ellas, una narrativa latente, un momento congelado. ¿Qué papel desempeña el cine en tu forma de ver y construir imágenes? ¿Hay algún director o tradición visual con la que te sientas identificada? Me gustan los tropos y las producciones táctiles y exageradas que rompen el statu quo. Si vas a presentar algo, más vale que lo hagas a lo grande. No me siento próxima a ningún director en particular, pero admiro a Cronenberg. Tengo curiosidad por ver qué hace Coralie Fargeat después de The Substance. Algunas de mis películas australianas favoritas son Razorback y Long Weekend. Ambas están escritas por Everett De Roche y tratan sobre turistas perseguidos por la naturaleza. Intenté entrar en la industria cinematográfica, pero el régimen no era para mí. Así que, en su lugar, pinto cuadros como si fueran películas. Para elaborar las composiciones a menudo preparo las escenas como lo haría un departamento de arte y busco los elementos con mucho cuidado. Acabo de pintar un hueso de perro, lo que me ha llevado a visitar tres carnicerías y a colaborar con dos perros. El primer perro no mordió el hueso lo suficiente; el segundo lo mordió demasiado.

Creo que en otras ocasiones has mencionado la presencia de elementos carnavalescos en tu obra, algo que recuerda a la teoría de Mijaíl Bajtín. Históricamente, el carnaval ha sido un espacio para la inversión del orden y el exceso. ¿Qué tipo de inversión -social, ecológica, simbólica- te interesa activar en tus pinturas? Depende de la pieza, hago todo tipo de viajes. Pero algunas representaciones de las mujeres que veo, en el arte y más allá, me motivan cada vez más a hacerlo de otra manera. A modificar los roles de género, el lenguaje corporal y las insinuaciones sexuales. Las uñas pintadas de forma descuidada y sin pulir son un símbolo de ello. Ella no se arregló para ti. Mi próxima exposición se llama Dog Days Más allá de ser en época de pleno verano, incluye a un perro mascota que se enfrenta a la condición humana. Me gusta la idea de invertir los instintos animales y humanos.

Tus escenas parecen estar tomadas de la vida cotidiana, pero al mismo tiempo están cuidadosamente escenificadas, casi como si dialogaran con la lógica de los medios de comunicación o el encuadre publicitario. ¿Hasta qué punto te interesa reflexionar sobre cómo los medios de comunicación moldean nuestra percepción de la realidad y de nosotros mismos?

No me atrevería a abordar los medios de comunicación en general; no sabría por dónde empezar ni dónde terminar. No creo que el arte y la publicidad sean tan diferentes. Todo es comunicación, esté-

“No creo que el arte y la publicidad sean tan diferentes. Todo es comunicación, estética, percepciones y psicología”

tica, percepciones y psicología. Para bien o para mal, tanto el artista como la agencia de publicidad reflejan y proyectan la cultura. Supongo que entremezclo ambos porque soy escéptica con respecto a la idealización de la pintura, tanto del canon como del material. Así que sí, empujo mis imágenes hacia un terreno claramente fabricado. Utilizo una fuente de luz centrada y trato el lienzo como un escenario, para crear una representación autoconsciente.

En tus pinturas, donde lo hiperreal coexiste con lo artificial y lo inestable, ¿entiendes el trampantojo como una promesa de verdad, como una estrategia de seducción o como un recordatorio de que toda imagen, por muy precisa que sea, es siempre una construcción?

Sí a todo excepto a la verdad. El trampantojo es una invitación de boda remilgada y barata, que promete una boda más elegante de lo que es en realidad, que es una boda cutre y cursi. Por esta razón no hago los cálculos matemáticos para obtener una perspectiva correcta, simplemente lo hago a ojo.

También es característico de tu trabajo que lo orgánico no aparece como un refugio idealizado, sino como una fuerza que irrumpe y, a veces, desestabiliza lo construido. ¿Te interesa pensar en la naturaleza como una forma de resistencia contra lo artificial, o más bien como un síntoma de que esta distinción ya no tiene sentido? Creo que la distinción tiene sentido, pero la separación no. Cuando lo artificial se deja sin gestionar,

Presentada en CAN Art Fair Madrid de la mano de la galería VETA by Fer Francés, esta artista australiana basada en Sydney trabaja la pintura al óleo de una manera muy publicitaria y cinematográfica, retorciendo y comprometiendo la idea de lo que entendemos por pop.

lo salvaje tiende a invadirlo. Y gana. Guardo una carpeta con noticias en las que los animales han hecho cosas desagradables a los humanos, y aunque no quiero que nadie resulte herido, la justicia entre especies es un buen tema para los cuentos antes de dormir. Está la ballena que abofeteó a un pescador, el dingo que mordió el culo a una bañista y una mujer de mi ciudad natal a la que le extrajeron del cerebro un gusano vivo que suele encontrarse en las pitones. No necesito pintar nada tan violento o gráfico. Pero sí necesito alguna ocupación no humana de nuestro espacio. Sí, como resistencia y como síntoma de lo intangible de lo ecológico y lo artificial.

Al repasar tu trayectoria hasta ahora, ¿crees que tu trabajo progresa practicando una evolución interna -perfeccionando la misma obsesión- o a través de rupturas conscientes? ¿Qué pregunta te gustaría que plantearan tus próximas pinturas? Progreso más cuando me dejo llevar por la obsesión y me convierto en una ermitaña. Pero cada dos meses necesito un descanso. Solo una noche de fiesta o un fin de semana en la costa y vuelvo a estar en forma. Solo pienso en la siguiente pintura, porque mis mejores ideas llegan con el viento, de forma intuitiva y sin forzarlas. El próximo concepto se llama Mother of God. Así que supongo que la pregunta es: ¿ha sido Dios un buen chico? Mi primer intento de composición fracasó. Quizás cobre vida, quizás pase a la siguiente.

Tras construir su sonido desde el juego, la prueba y el descubrimiento honesto, el sexteto barcelonés asienta su identidad en su debut largo, ‘Hay un pez naranja en el suelo del metro’. Un disco de shoegaze y pop ruidoso que narra, desde lo cinematográfico, el proceso de llegar a una gran ciudad, sentirse fuera de lugar y adaptarse a pesar de todo.

Paco Te Quiero nace a contracorriente de casi todas las bandas contemporáneas: sin expectativas claras ni muchas ganas de crecer. En 2019, Joan y Gloria se conocen en la escuela de cine de Barcelona. Comparten clases, intercambian música, van juntos a conciertos y empiezan a fantasear -sin demasiada seriedad- con la idea de tocar juntos. “Empezó como una broma”, recuerda Joan. “Ninguno sabía tocar demasiado y ni siquiera ensayábamos”. En ese primer momento la banda no es tanto un proyecto como una reunión de amigos que prueba cosas sin pensar en un futuro concreto. Poco después se suman Frans a la guitarra, con apenas 18 años, y Lucía como segunda vocalista. Incluso se plantea una incorporación más: “Juan, de El Diablo de Shanghái, pensó en unirse como guitarrista, pero cuando vio el ensayo… se lo replanteó”, cuenta Joan entre risas. Durante un tiempo, Paco Te Quiero funciona casi como un juego: versiones de Los Punsetes y Carolina Durante, ensayos esporádicos y una patente falta de oficio. “Yo me compré el bajo tres semanas antes del primer ensayo”, recuerda Joan. “Gloria no había cantado nunca. Aquello sonaba como tenía que sonar… Mal, fatal”.

Entre 2022 y 2024 publican tres EPs grabados de forma relativamente doméstica, que funcionan como un proceso de aprendizaje progresivo. Las coordenadas musicales de esos primeros trabajos se sitúan en un noise pop de referencias mayoritariamente nacionales. “No había una reflexión profunda sobre el sonido”, explica Joan. “La prioridad era terminar canciones y entender cómo funcionábamos como grupo”. El punto de inflexión, sin embargo, llega cuando deciden afrontar un primer larga duración. La idea de grabar un disco obliga al grupo a replantear su método y coincide con cambios importantes en la formación: Pablo deja la batería, entra Iosu, y más adelante se incorpora Nacho a los teclados, procedente del conservatorio. Ahí, Paco Te Quiero pasa a ser el sexteto que es hoy. “Y ya no va solo de hacer canciones sueltas. Teníamos que pensar qué queríamos decir y cómo queríamos sonar”. Iosu coincide: “Por primera vez hubo una intención clara detrás del proceso”.

La composición de Hay un pez naranja en el suelo del metro, su disco debut, comienza en el verano de 2024, y se extiende durante más de un año. “Traíamos ideas muy verdes al local”, explica Iosu. “La premisa era que todo fuera opinable, que nadie se quedara solo en su instrumento”. Ese planteamiento ralentiza el avance, pero refuerza la sensación de autoría compartida. “Es más fácil llegar con las cosas hechas de casa”, admite Joan, “pero queríamos

DIFUSO MAPA SONORO

Y cuatro coordenadas: discos moldeados por la producción, las pedaleras, las voces difuminadas y la continuidad formal como unidad narrativa.

My Bloody Valentine Loveless (1991)

El punto cero del shoegaze canónico. No tanto por la melodía como por la concepción del sonido como masa: la atmósfera pesa más que lo individual.

Slowdive Souvlaki (1993)

La paisajística romántica de los británicos, proyectándose hacia lugares etéreos, se convirtió en el punto de partida del dream pop y del ambient rock.

Wilco

Yankee Hotel Foxtrot (2002)

El álbum como relato, algo muy inspirador para la banda barcelonesa. Un disco en el que la memoria personal asume el mayor peso estructural.

Alvvays Blue Rev (2022)

La gran actualización del indie pop noventero: capas de guitarras brillantes, estribillos claros, pero low-key y una lírica entre lo cotidiano y lo sentimental.

que el disco fuera realmente de todos”. Durante ese proceso, el sonido del grupo empieza a desplazarse. Las referencias iniciales, más ligadas al pop alternativo español, dejan paso a una exploración consciente de escenas internacionales. “Queríamos sonar distinto a lo que se estaba haciendo aquí”, apunta Joan. “Y para eso había que mirar fuera, aunque sin renegar de quiénes somos”. En las escuchas compartidas aparecen, sobre todo, bandas noventeras entregadas a un wall of sound levantado con pedaleras gigantes. Llegan al shoegaze como consecuencia natural de esa exploración propia y colectiva. Guitarras más saturadas, capas de distorsión, voces integradas en la masa sonora y una mayor atención a la textura. “Nos dimos cuenta de que nos interesaba más crear atmósferas que destacar partes individuales”, explica Joan.

A nivel conceptual, Hay un pez naranja en el suelo del metro se articula como un relato fragmentado sobre la experiencia de ser foráneo en Barcelona. No todas las

canciones cuentan la misma historia, pero comparten un marco común: la ciudad como espacio hostil para/con un individuo nuevo. Por otra parte, la formación cinematográfica del grupo atraviesa el disco de forma menos evidente, pero constante. Sin convertirlo en un concepto rígido, Paco Te Quiero afronta el álbum desde la deformación profesional. “Para mí, hacer un disco se parecía mucho a hacer una película”, explica Joan, que se especializó en guion. “Un EP es más como un corto, pero aquí había que pensar en una duración, en un arco, en que todo tuviera sentido”, prosigue Iosu. Esa mirada se traduce en una atención especial a la narrativa y a los detalles. “Al principio escribía muy desde las reglas del guion. En un guion, todo tiene

“HACER UN DISCO ES COMO HACER UNA PELÍCULA: HAY QUE PENSAR

UNA DURACIÓN, EN UN ARCO, EN QUE TODO TENGA SENTIDO”

que entenderse a la primera. Es explícito y remite a objetos concretos”, reconoce Joan. “Con el disco hemos aprendido a dejar espacios, a que no todo esté explicado, a que el oyente complete cosas y a ser algo más abstractos”. El resultado es un álbum que se piensa más como recorrido que como una suma de canciones independientes. Sin embargo, todo gira en torno al proceso de adaptación “de empezar sintiéndote fuera de lugar y acabar decidiendo quedarte”. El urbanismo, la soledad y la vida cotidiana aparecen como elementos recurrentes, especialmente en relación con el Eixample y el Pla Cerdà. “Se diseñó para generar comunidad”, explica Joan, “pero muchas veces produce el efecto contrario. Mi casa da a un patio de luces y, viendo todas esas ventanas, todas esas vidas… yo me sentía aún más solo”. El título del álbum, en cambio, surge sin un significado cerrado. “Es una fumada”, admite Iosu. “Pero luego le encontramos sentido: algo que no debería estar ahí, que descoloca. Como nosotros en Barna al principio”.

Por tanto, las canciones orbitan en torno a ese sentimiento de no pertenencia. 600.000 juega con la ambigüedad temática entre un amor a distancia y la nostalgia del hogar; LIMFJORDEN toma el nombre de una estantería para hablar de una mudanza; y tus amigos observa con distancia crítica ciertas dinámicas de la escena cultural barcelonesa, donde estar en la pomada parece una condición permanente. Todo ello se articula desde una sonoridad cercana a Alvvays o The Pains of Being Pure at Heart, combinando intimismo, electricidad y mucho grano. Dentro del disco hay, además, una referencia musical especialmente explícita: Yankee Hotel Foxtrot es la última canción. No es una versión de Wilco, sino un recuerdo personal. “Cuando tenía diez años viajé con mis padres y mi padre me enseñó unas torres”, cuenta Joan. “Me explicó que salían en la portada de un disco importantísimo, aunque yo no lo entendiera entonces. Años después, estaba con alguien escuchando música y, al desbloquear su móvil, vi la portada. Me acordé de todo: de mi padre, del viaje, de la foto que nos hicimos. Ahora ese disco es uno de los más importantes de mi vida”. Es justo ahora, con el primer disco en la calle, que la banda empieza a entenderse con mayor claridad. “No es que hayamos encontrado nuestro sonido definitivo”, matiza Joan. “Pero sí es la primera vez que sentimos que todo encaja”. Antes todo estaba desordenado, pero con su debut Paco Te Quiero acaban de desembalar la última caja de su particular mudanza.

HAY UN PEZ NARANJA EN EL SUELO DEL METRO (HELSINKIPRO, 2026)

Cuando despierto / Qué más da / Te quiero, te quiero / 600.000 / Cansada / LIMFJORDEN / iPhone / Solo contigo / Tus amigos / És teu i és meu / Lo olviodarás / Yankee Hotel Foxtrot DIGITAL / LP

Por: Ramón Baylos

Tras siete años en desarrollo, Pearl Abyss pone por fin a prueba su gran quimera particular, un videojuego en apariencia infinito que parece demasiado bueno para ser real, y que aspira a poner patas arriba -otra vez- lo que creíamos dar por bueno en un mundo abierto. ‘Crimson Desert’ roza la utopía, aspira a impactar tanto ‘Breath of the Wild’, ‘Red Dead Redemption II’ o ‘Elden Ring’. Y lo que es seguro es que cambiará la industria incluso si fracasa en sus desmedidas ambiciones.

DISECCIONANDO ‘CRIMSON DESERT’

Como buen mundo abierto, Crimson Desert se define por cuatro grandes ideas: dónde, cómo, por y para qué. Nos adentramos en ellas para comprender mejor la ambición de Pearl Abyss.

El viaje de Kliff, el protagonista de esta gigantesca aventura, transcurre en el continente ficticio de Pywel. Una tierra con identidad visual fuertemente apoyada en el imaginario de la alta fantasía medieval europea, pero vista desde el bizarrísimo prisma de la perspectiva oriental, con anacronismos y puro delirio estético. Su cultura se levanta sobre tradiciones belicistas y consta como un contenedor épico del relato multiangular del forajido como héroe. Crimson Desert no es El Señor de los Anillos, más bien un western de Kurosawa.

Por activa y por pasiva: Pearl Abyss ha sido muy insistente con que Crimson Desert NO es un soulslike: los combates no se corresponden con sucesiones interminables de golpes y esquivas, ni tienen ese componente estratégico. En su lugar, los conflictos se resuelven a través de combos imposibles que se acercan sutilmente a los fighting games o a Final Fantasy XVI. Cada pelea se despliega a través de una coreografía cinematográfica que oscila estéticamente entre el cine Masala y las grandes películas de artes marciales de los noventa.

Crimson Desert parece un juego imposible. Cada uno de sus sistemas se arremolinan en torno a conceptos jugables básicos, pero estos son llevados hacia los límites más extremos de la ambición, llegando a tocar quizá demasiados palos. La obra de Pearl Abyss es, de esta manera, un sinsentido controlado y orgánico, con decenas de mecánicas emergentes, enfoques y cosas que hacer, un poco a la manera de Red Dead Redemption II: montar a lomos de un dragón, sembrar el caos con un mecha dieselpunk, rolear una vida criminal… De todo.

PEARL ABYSS ES PURA AMBICIÓN

Al diseñar el mundo de Crimson Desert Desert, los surcoreanos apuestan por el maximalismo en su próximo juego.

Aunque se considera que Crimson Desert forma parte del mismo multiverso que Desert, ambos títulos se enmarcan dentro de cuadros narrativos independientes entre sí, si bien es cierto que lo nuevo de Pearl Abyss comenzó siendo una precuela directa de su MMO. Esto último es más importante de lo que parece: Crimson Desert ha pasado a ser un juego de magnitud inabarcable al heredar un legado de diseño fuertemente marcado en la cultura del estudio. Nada es imposible en cuanto a tamaño: ese ha sido siempre el eslogan subliminal de Pearl Abyss, y su nuevo videojuego llega para evidenciar las costuras de un género que agoniza de conformismo. Quizás la filosofía del exceso sea la clave para revitalizar los mundos abiertos; cosa que ya han demos trado otras obras como Elden Ring

La obra de Pearl Abyss se apoya en elementos cruciales de los mundos abiertos para generar su propia amalgama de conceptos y solaparse con las dinámicas más buscadas en este tipo de experiencias. Ensalza la libertad de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom, el peso narrativo de Red Dead Redemption II y el caos espontáneo y la espectacularidad mecánica de Dragon’s Dogma II. Crimson Desert quiere, a todas luces, crear una representación instantánea, y quizá locamente sublimada, de lo que es a día de hoy un sandbox.

ESCALA COREANA

La exageración de Crimson Desert forma parte de un curioso fenómeno cultural instaurado en el sector gaming -y más allá- de Corea del Sur, el cual siempre ha estado conformado por ávidos consumidores de títulos multijugador masivos. El mercado de Corea se armó alrededor de los dosmiles de tal forma que habría poco espacio para la diversificación jugable, por lo que se optó por desarrollar propuestas que abarcasen a las grandes mayorías y que fueran actualizables, duraderas en el tiempo. Esto ha permeado todos los juegos que después se han desarrollado allí, siempre un poco obsesionados con el más, más, más y con replicar fenómenos occidentales contrastadísimos como League of Legends

MERCADO DIVERSIFICADO

En esta década, la industria coreana se distancia de los MMO y entrega productos con verdadera identidad y peso cultural, demostrando estar preparada, por fin, para un cambio.

En 2017, nació desde las mismas entrañas de Corea del Sur una obra encargada de subvertir el concepto de PvP en videojuegos. Krafton lanzó PUBG como experimento de diseño inspirado en otras obras previas como H1Z1, con el objetivo, probablemente no intencional, de crear un género en sí mismo. Los battle royale no existirían sin la industria coreana.

La gran revolución del single player en Corea del Sur, Lies of Pi además es el mejor soulslike no diseñado por FromSoftware. Inspirado estéticamente en Bloodborne pero reinterpretando la historia del Pinoccio de Carlo Collodi con un protagonista con aires de Timothée Chalamet y con influencias como Pluto, es una cumbre absoluta de la industria gamer coreana.

Desarrollado por Mintrocket, Dave the Diver es quizá el otro gran ejemplo de las posibilidades de la industria coreana más allá del entorno puramente online: un roguelike lleno de alma que mezcla la acción/aventura y la gestión a la manera de Stardew Valley, y en el que tenemos que salir a buscar peces de día para servir de noche en un restaurante de sushi.

CRIMSON DESERT

PEARL ABYSS

19 de marzo

PC, PS5, Xbox Series X|S

El inminente estreno de la segunda temporada de la serie de Disney+ nos lleva a recordar el cómic que le da nombre, y desgraciadamente, poco más: siete números con guion de Frank Miller y lápices de David Mazzucchelli que contienen no solo la historia más aplaudida del Hombre sin Miedo, sino también un fiel reflejo de su época, la América de Reagan, y un doloroso presagio de la era Trump que vivimos.

Corría el año 1986. Ronald Reagan habitaba la Casa Blanca tras haber sido reelegido como presidente de los EE UU tan solo un par de años antes con una victoria aplastante contra el demócrata Walter Mondale: las papeletas en las urnas de 49 de los 50 estados llevaron su nombre. Crecido en la victoria, el ex actor de tres al cuarto reconvertido en mito republicano llevaba sus políticas al extremo: liberalismo económico desmesurado, recortes continuos en servicios sociales, intervencionismo en el exterior y aumento de la inversión en gasto militar. Les suena, ¿verdad? Cualquiera con dos dedos de frente no tardaría en establecer un paralelismo más que evidente con ese otro presidente decidido a

hacer “América” grande de nuevo. Las proclamas de Reagan se traducían también en la pequeña pantalla –la serie V, con su mensaje de miedo al extranjero, se había estrenado tan solo un mes antes de su reelección como presidente–y en la grande: solo en 1986 se estrenaron títulos tan promilitaristas como Top Gun, Aliens: el regreso o El sargento de hierro. Pero también empezaron a surgir las voces discordantes. Sin ir más lejos, ese mismo año Oliver Stone estrenaba Platoon , una película antibelicista que criticaba también toda intervención estadounidense en suelo extranjero, algo muy del gusto del presidente cowboy. Pero nada hacía esperar que uno de los relatos más críticos con el momento que Estados Unidos vivía bajo su mandato llegara de un medio tan habituado al patriotismo como el cómic y en una casa tan proclive al sueño americano como Marvel. Hablamos, efectivamente, de Daredevil: Born Again Daredevil había nacido unos veinte años antes, en 1964, como un personaje de segunda fila a la sombra de Spider-Man. De hecho, ambos compartían ciudad, e incluso enemigos. Con el tiempo y el auge de otros superhéroes como los mutantes, las aventuras de un abogado ciego vestido de diablo saltando por las azoteas de Nueva York apenas despertaban interés alguno. En

MI NOMBRE ERA DAN DEFENSOR

Aunque parezca una broma, no lo es: cuando Vértice publicó por primera vez en nuestro país los comics de Daredevil, allá por 1969, este pasó a llamarse Dan Defensor. Era política habitual entonces castellanizar los nombres de los superhéroes, algo también bastante popular en los doblajes de la época, y la doble D que lucía en el pecho disparó la imaginación de los editores.

mayo de 1979, un joven dibujante de 22 años llamado Frank Miller debutaba en la serie a los lápices. Diez números después, tomaría las riendas de los guiones, y con un estilo tan personal como audaz, unas historias dotadas de una madurez nada usuales en las viñetas de entonces y unos personajes de una complejidad moral también nada habituales, la llevaría a lo más alto en las listas de ventas. En aquella primera temporada al cargo, Miller creó un personaje tan icónico como Elektra y convirtió a Kingpin en el antagonista del Diablo de Hell’s Kitchen. Por solo ese par de logros, ya

BATMAN: AÑO UNO

EL OTRO MAZZUCHELLI

Lejos de sus aclamados trabajos con superhéroes, como ese Batman: Año Uno también con Miller como pareja creativa, Mazzucchelli es conocido además por haber coescrito e ilustrado junto a Paul Karasik una adaptación de Paul Auster, Ciudad de Cristal, hacer exquisitas portadas para publicaciones como The New Yorker y haber parido una novela gráfica tan aplaudida como Asterios Polyp

Miller y Mazzucchelli volvieron a formar tándem tan solo un año después de Born Again y el culpable fue nuestro murciélago favorito. Ambos comics comparten no pocas similitudes: el reinicio de un superhéroe, la tragedia como detonante -el perder a los padres frente al perderlo todo-, el ambiente lumpen -nunca Gotham estuvo tan cerca de Hell’s Kitchen-, un personaje íntegro en una ciudad corrupta -aquí Jim Gordon, allí Ben Urich-, y ese tono noir que impregna el relato.

merecería pasar a los anales del noveno arte. Pero no, lo mejor estaba aún por llegar.

En 1983 un Miller dispuesto a experimentar con el lenguaje de las viñetas abandonaría Marvel por su más distinguida competencia: DC. ¿La razón? Carta blanca para realizar su obra más ambiciosa hasta el momento, Ronin , una historia que mezclaba ciencia ficción, terror, megacorporaciones tecnológicas, demonios ancestrales y samuráis reencarnados en una Nueva York distópica. Visualmente innovadora, la miniserie, publicada en seis lujosos números bimestrales, fue un éxito de crítica y aplaudida por sus colegas de profesión. Pero no fue, ni

de lejos, el éxito de ventas que esperaban su autor y la editorial. No sería hasta tres años después que su reedición en un solo tomo despertaría la atención, y los bolsillos, de los lectores. Así que no resulta nada extraño que, tres años después de abandonar la Casa de las Ideas, Miller volviera al redil marvelita tras una llamada de Ralph Macchio -el editor, nada que ver con Karate Kid- proponiéndole regresar a Daredevil para sustituir al guionista de entonces, Dennis O’Neil. Tan solo pondría una condición: mantener a David Mazzucchelli, el dibujante de la serie, a bordo. Miller, un autor no excesivamente dotado para los lápices, veía en aquel chico amamantado bajo el estilo de Gene Colan al compañero

DANDO PALOS DE CIEGO

Hasta dar con sus huesos en Disney+, Daredevil ha tenido una vida un tanto ajetreada en la pantalla. Debutó en 1989 con el rostro de Rex Smith en el telefilme The Trial of the Incredible Hulk -con Lou Ferrigno como La Masa-, lució mentón de Ben Affleck en la plomiza adaptación de 2003, y se paseó por Netflix durante tres temporadas con más acierto, eso sí, que su llegada a la Casa del Ratón. Nos quedamos con las ganas del Daredevil setentero que quiso marcarse Joe Carnahan (Ases calientes).

ideal para la historia que tenía en mente. Una historia cruda de descenso a los infiernos y redención personal, entre la novela negra, la crónica social y el realismo sucio. El detonante del relato, con una Karen Page antigua novia y secretaria de nuestro héroe convertida ahora en actriz porno, prostituta y yonqui, capaz de delatar la identidad de Daredevil a cambio de una papelina, ya nos avisaba -y mucho- de que estábamos en una historia bien dis-

A LA QUINTA ¿VA LA VENCIDA?

Tras la titubeante, con cambio de guionistas incluido, primera temporada de Daredevil. Born Again, mucho tiene que mejorar esta segunda -o quinta, si contamos las tres que comenzaban con un tudum-, aunque los rumores apuntan a que la trama se inspira en Tierra de sombras, un cómic de Andy Diggle… pasable y poco más. Eso sí, recuperan a Krysten Ritter como Jessica Jones. Eso sí que es un aliciente.

tinta de superhéroes. Aquí importaba más quién estaba tras la máscara. Kingpin, el eterno enemigo, así lo sabe y por eso decide destruir a Matt Murdock, el hombre, para acabar con Daredevil, el mito. Los ecos de la América de Reagan, la América de entonces, están por todos lados en estos siete números que marcaron historia: la política económica permite villanos como Kingpin, capaces de comprar todo lo que necesiten para conseguir su objetivo; la brecha de desigualdad económica en la sociedad se palpa en cada esquina de ese barrio empobrecido por el que deambula un perdido Murdock; la multiplicación de las operaciones militares se traduce en ese Nuke creado como escuadrón de la muerte... Y por terrorífico que pareciera entonces, en 1986, más aún nos parece ahora, por los paralelismos más que evidentes que pueden trazarse con nuestra más inmediata actualidad: Kingpin bien podría ser un trasunto de esos ricachones todopoderosos y

CON LA IGLESIA HEMOS TOPADO

Ateo confeso, resulta curioso como Frank Miller trufó su Daredevil. Born Again de imaginería católica: un Daredevil delatado, traicionado y abandonado como si fuera Jesucristo; viñetas que recuerdan la crucifixión o a la resurrección; la madre de Matt Murdock en modo La Piedad y ese deambular por Hell’s Kitchen como si fuera el camino al Gólgota. Mención especial a la inspiración en el arte renacentista de temática cristiana, como Lamentación sobre Cristo muerto de Andrea Mantegna.

sin escrúpulos como Harvey Weinstein o Jeffrey Epstein, la heroína de ayer podría ser el fentanilo de hoy, que un súper soldado como Nuke campe a sus anchas por las calles disparando a diestro y siniestro parece obra del ICE, y hasta un personaje como Ben Urich se torna hoy día más necesario que nunca, cuando el periodismo íntegro y comprometido de instituciones como The Washington Post se tambalea bajo los designios de multimillonarios como Jeff Bezos. Con sus luces, y sobre todo sus sombras, Daredevil: Born Again es

mucho, muchísimo más que el relato de la vuelta a la vida de un héroe. Es el mejor testamento posible de una época que EE UU jamás debió vivir. Y que nunca, nunca debería repetir, y veremos si la nueva serie, que a priori adapta estos complejos arcos, consigue recordarlo. En la lápida de Ronald Reagan, fallecido en 2024, se puede leer: “Sé en mi corazón que el hombre es bueno. Que lo que está bien triunfará siempre al final. Y que cada vida tiene un valor y un propósito especial”. Viniendo de quien viene, podríamos tachar de cínicas sus palabras. Pero ojalá resuenen alto y claro.

Diez años después de fundar su firma, tras graduarse con honores en Madrid y en el Central Saint Martins de Londres y ser seleccionado en 2015 para el LVMH Prize, el diseñador Juan Carlos Pajares recuerda la intuición que lo llevó a la moda cuando era solo un niño. Hoy en día, sus creaciones son lucidas por celebridades internacionales de la talla de Georgina Rodríguez, Rosalía, Tini o Nathy Peluso.

Por: Alba G. Valero

El diseñador español Juan Carlos Pajares (1993) repasa en esta entrevista una década al frente de su firma JCPAJARES, desde aquella intuición original que lo empujó hacia la moda por primera vez, hasta la madurez creativa con la que hoy celebra su décimo aniversario en el contexto de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y Madrid es Moda 2026. Con él hablamos de vocación y empresa, de la tensión entre estética y estrategia, de colecciones nacidas en momentos personales intensos y del vértigo de la pasarela. También sobre mitos que desmontar en la industria y sueños cumplidos.

¿Recuerdas el momento exacto en el que decidiste que querías dedicarte a la moda?

Lo he tenido bastante claro desde pequeño. Recuerdo ver en televisión los carteles de campañas de moda o de cosmética y sentir que quería pertenecer a ese universo. Siempre me ha interesado la ropa, cómo visten las personas, cómo una prenda puede cambiarlo todo. No hubo un momento exacto, pero sí una sensación constante de que ese era mi lugar.

¿Y qué te atraía más al principio, la creación estética o el sistema que hay detrás?

Sin duda, la estética. Yo soy diseñador por encima de todo; he tenido que aprender a ser empresa, pero mi impulso natural está en la imagen, el universo visual, el sentimiento, el branding. Me interesa que todo tenga coherencia, que esté bien construido. Con el tiempo aprendes a entender el sistema y a jugar dentro de él, pero mi motor siempre ha sido creativo.

¿Cómo ha cambiado tu mirada desde tus primeros años hasta hoy?

He cambiado en todo. Maduras, conoces a mucha gente, tu equipo deja huella en ti. Antes quizá era más inocente; veía la moda casi como un juego. Ahora la vivo con mayor conciencia y responsabilidad. Aun así, intento no perder esa parte de ilusión, esa esencia de niño que crea desde la emoción.

Si miras tu primera colección y la última, ¿qué ha permanecido intacto?

La necesidad de hacer prendas especiales con un punto comercial. Siempre ha estado esa dualidad: diseño con identidad, pero pensado para vivir en el armario de alguien. Siguen presentes los vestidos, los trajes, los pantalones… Ahora todo es más maduro, más consciente, pero la emoción sigue siendo la misma.

¿Qué significa sostener una marca como JCPAJARES a largo plazo en un contexto tan cambiante?

Es una carrera de fondo. Siempre digo que esto va poco a poco. Hay que adaptarse, escuchar al cliente sin dejar de ser fiel a uno mismo. A veces funcionas en piloto automático y eso no me gusta; intento disfrutar más del proceso. Es un equilibrio constante entre intuición y estrategia.

¿Qué colección sientes que te definió por primera vez?

La primera colección me sigue encantando. Tenía una inspiración muy clara, ciertos símbolos que aún hoy me acompañan. A nivel de esencia ahí estaba todo. El producto ha madurado, los colores y las formas están más sostenidos, pero la raíz sigue siendo la misma.

Juan Carlos Pajares (1993), director creativo de JCPAJARES, ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos, el Mercedes-Benz Fashion Talent a la mejor colección y el IEDesign Award. Además, su primera colección le llevó a ser seleccionado para el LVMH Prize Young Fashion Designer, uno de los concursos más importantes en la industria de la moda.

¿Hay alguna que naciera desde un momento personal especialmente intenso?

La última colección fue más oscura, con negros, azules y marrones muy profundos. Surgió en un momento personal de reflexión, casi de break mental. Vivir por y para el negocio 24/7 pasa factura. Fue un punto de inflexión. Hubo terapia, hubo replanteamientos. Y creo que esa intensidad se filtró en la colección.

¿Has vivido algún momento especialmente emotivo con alguna clienta?

Muchísimos. Desde clientas que se emocionan al verme, hasta novias que vienen con historias muy personales detrás. Recuerdo una novia que viajó desde Canarias porque, debido a la enfermedad de su futuro marido, decidió casarse antes de lo previsto. En casos así, si hace falta parar otros proyectos para sacar adelante ese vestido, lo hacemos. Esos momentos dan sentido a todo.

¿Te interesa más la experiencia del desfile o la vida que tiene la prenda después?

La vida después. El desfile es importante, pero a veces no se aprecia el detalle como te gustaría, y todo está pensado de una forma más instantánea. Soy muy perfeccionista. En cambio, cuando una

“Nunca he tenido padrinos ni inversores; empecé creando en la cocina de la casa de mis padres y hoy tengo mi propio taller. Ese es mi mayor logro”

clienta me dice que la han parado por la calle o que se ha sentido especial, eso me llena más.

Este año vuelves a desfilar en la MBFW Madrid para celebrar el 10º aniversario de JCPAJARES. ¿Podrías contarnos algún detalle en primicia de la nueva colección?

Será una colección más madura, con muchos vestidos largos y una paleta más oscura: azules, negros, marrones... Hemos trabajado mucho la artesanía y también hay prendas más fáciles que equilibran mi universo interno con lo que la clienta busca.

¿Hay alguna anécdota de backstage que puedas compartir?

Siempre pasan cosas: cremalleras que se rompen, looks que no se colocan como imaginabas… Trabajamos con 16 o 18 modelos que se cambian varias veces, así que el directo siempre va a tener esa parte de magia y de imprevisibilidad. También ha sido increíble ver desfilar para mí a modelos que siempre he admirado. Eso impresiona.

¿Qué mito sobre la moda te gustaría desmontar?

La frivolidad. La moda bien hecha no es frívola. Hay mucho trabajo, mucho cariño detrás. Una prenda especial puede cambiarte el día. Me gustaría que más gente conociera el proceso real que hay en el

día a día de un taller, el respeto a la artesanía.

¿Cuál ha sido el gesto más generoso que has vivido dentro de la industria?

Para el décimo aniversario hemos creado junto a Seagram’s un concurso para que un estudiante pueda estudiar con beca en el Istituto Marangoni y que su pieza desfile dentro de mi colección. Cuando yo estudiaba, que una marca te diera esa oportunidad era impensable. Tender la mano a los diseñadores que vienen es fundamental.

¿Qué te ha quitado la moda? ¿Y qué te ha dado?

Me ha quitado paz y tiempo con amigos. Pero me ha dado una forma de vivir, de expresarme, un negocio propio, relaciones increíbles y la sensación de estar cumpliendo sueños. Nunca he tenido padrinos ni inversores; empecé creando en la cocina de la casa de mis padres y hoy tengo mi propio taller. Ese es mi mayor logro.

¿Qué te emociona todavía después de tantos años trabajando en la industria?

Saber que estoy viviendo lo que antes eran solo sueños. Me gustaría disfrutarlo más, pero me siento profundamente afortunado. La moda es sacrificio, sí, pero también es felicidad.

A veces, ser un puto desastre es la manera más honesta de relacionarnos con nosotros mismos. Y es una buena forma de garantizarnos el seguir aprendiendo. En esas está la joven Candela, que debuta en largo con un ‘Oversize’ en el que deja ir su rabia interior, y abandona un poquito el drama para buscar la paz entre suciedad y guitarrazos.

Quizás la parte más divertida de hacerse mayor es aceptar que eres un desastre. Se acabó intentar fingir que encajas en el molde. Desenfreno liberador. Ni nadie es tan perfecto ni tiene la vida tan resuelta ni es ajeno a las contradicciones. Candela Gómez lo ha entendido a la perfección, y con eso ha hecho un debut a su medida: Oversize. Un disco que, como ella misma, no teme mostrar sus luces y sombras, sus momentos de caos y sus instantes de intensidad, invitando a quien lo escucha a entrar en su universo sin mapas ni filtros. “El disco lleva hecho desde junio, y estaba deseando que saliera. Yo ahora estoy ya en otra, pero tenía muchas ganas de enseñarlo”, cuenta Candela mientras repasa los meses de creación que culminaron en este álbum. Oversize llega como un manifiesto de libertad frente a la introspección más intensa de su EP anterior. “Colirio era un EP súper íntimo, que hablaba de que me sentía culpable todo el tiempo. Y en Oversize es totalmente lo contrario: soy así y me parece la polla y ya está”.

La música siempre ha estado en su vida. “Sonando en casa: mis padres siem-

pre estaban escuchando música, fui a conciertos cuando solo tenía tres años e incluso en pandemia, cuando tenía 14 o 15 años, empecé a componer como una vía de escape y para entenderme a mí misma”. En 2022 colgó su primer tema en internet y de ahí surgió su primer EP. “Fue un trabajo muy íntimo, y era muy acústico también en su presentación. Estaba muy cohibida e intentaba ser muy correcta todo el tiempo. Pero con Oversize he decidido ser auténticamente yo”. La transición no fue un evento concreto, sino un proceso. “Me di cuenta de que me estaba quedando sin dinero y, o me ponía las pilas, o tenía que buscar otro trabajo. Así que me dije: ‘Candela, si estás aquí es por algo, ponte las pilas, tienes muchísimo talento, tienes muchísima aura; aprovéchala’”. Y de esa determinación nace un disco desenfadado y lleno de personalidad.

En su núcleo está, precisamente, aceptar las zonas grises. Candela no quiere construirse ni como heroína ni como víctima permanente. “Vale, la he cagado, pero todas la cagamos y no pasa nada. Quitar la culpa de todo lo que hacía ha sido fundamental”. Habla sin rodeos de lo que normalmente se esconde. “Quiero hablar de esto, de que me liaba con el ex novio de una amiga, de que tengo pareja y a veces estamos mal. Son temas que nos pasan a mucha gente y no se hablan porque están mal vistos o quedas mal”. La conclusión es directa: “Me han hecho daño, yo también he hecho daño y la cagado, y quería hablar de eso”. Ella misma se define sin maquillajes. “Flow McLovin”, que precisamente da nombre al primer track del disco, “es como un estado mío en general. A veces soy un puto desastre, autodestructiva, mezquina o lo que sea, y está bien, no pasa nada”. Cuando se le pregunta sobre si ha quedado algo en el tintero, ríe y dice que no. “Pero sí que es verdad que por eso hay gente que se ha dado por aludida y me ha escrito. Son etapas de mi vida de las que hablo y luego estoy en otra. Muchas cosas se escriben en caliente. No hay que tomárselo todo tan personal”.

Oversize se nutre de todas y cada una de las referencias de Gómez. Desde su título -que nace a raíz de un día escuchando un tema de Barry B en el que él utilizaba esa palabra-, la película de los 2000 Supersalidos o los dibujos de Hora de aventuras. “Me la volví a ver hace dos o tres años. Es una serie para niños, pero si eres mayor tiene mucho trasfondo. Me gusta ese contraste. Físicamente soy muy pequeñita, medio dulce, tengo una voz muy fina, pero las letras que escribo realmente te meten una hostia”. Y su música, además, bebe claramente del pop rock de guitarras anglo. “Me identifiqué mucho con el primer disco de Olivia Rodrigo. En él es mega miserable,

“FLOW MCLOVIN ES UN ESTADO MÍO EN GENERAL: A VECES SOY UN PUTO DESASTRE, AUTO DESTRUCTIVA, MEZQUINA... Y

Teenage angst

Siempre hay una chica en la clase, da igual la promoción, con el bolígrafo afilado y la suficiente rabia como para escupirte a la cara los dramas de su generación.

GWEN STEFANI

¿La madre de las chicas malas de los dosmiles? Después de partirlo al frente de No Doubt y manejarse en el mainstream desde el rock alternativo, la californiana se convirtió en solitario en la auténtica Hollaback Girl, y en muy poco tiempo demostró que había entendido la irreverencia de la década como muy pocas popstars. Y mucho antes, además.

AVRIL LAVIGNE

Para todos los crecidos en los dosmiles, la artista canadiense fue una de las grandes narradoras de la angustia adolescente en un mundo cada vez más complicado. Reinó en el pop punk, sirvió estética skater, se convirtió en una cantante de éxito global y poco a poco se fue retirando para lidiar con su enfermedad de Lyme. La nostalgia la ha hecho volver al escenario.

y en ese momento me sentía así. No quería que nadie me dijera ‘está bien, pasará’, simplemente quería sentirme identificada con algo. Y en sus temas encontré un espejo, y creo que me he nutrido de eso. Canciones que aparentemente no tienen luz al final del túnel. Pero encontrar a alguien así me reconfortó. Y ahora, cuando hago canciones, creo una amiga a la que contarle mis mierdas, ¿sabes? Y es por eso”. Pero su máximo referente es Beabadoobee. “Es increíble y no le hace falta vestirse mucho ni hacer canciones súper producidas. Tiene aura por sí sola y eso me encanta. Sus sonidos son mega guarros y de repente hace una canción acústica con voz dulce. Yo compongo mis canciones pensando que no necesito tanto vestido… Es algo honesto, crudo, y la gente lo recibe

BEABADOOBEE

De todas las cantantes vinculadas -con mayor o menor razóna la oleada bedroom pop que vino justo antes de la pandemia y el lockdown, quizá la británica de origen filipino es la que más se ha mantenido en unos términos propios, manejando la curiosidad y el ruido, pero también el tino comercial y una sensibilidad eminentemente pop.

OLIVIA RODRIGO

La gran inspiración de las adolescentes rebeldes en los últimos años. Popera y cándida, pero al mismo tiempo rockera, agresiva, iracunda y mordaz. Una especie de Taylor Swift con retranca, referencias y vivencias probablemente más oscuras, Rodrigo se ha convertido en la voz de una generación que no se calla, que escupe su verdad, y que rechaza el melodrama.

bien”. Plot twist: también le gusta Manuel Carrasco. “Me ha inspirado siempre muchísimo, porque es lo que he escuchado toda la vida y porque antes mi vida era un drama, básicamente. Todo escupir, súper visceral, era un proceso de sanación. Ahora me lo quiero pasar bien, y punto. Y escribir chorradas si me apetece. Pero sigo creyendo que Carrasco es de los mejores compositores que hay en España”. Una coctelera que agita y reflexiona a partes iguales. “Hago las canciones y las dejo madurar unas semanas, unos meses, y si las voy a escuchar y me siguen gustando es porque es la polla y entra”. Ahora su siguiente paso es tomar los escenarios. “Voy con mi banda, con guitarra, bajo y batería, y yo también con guitarra eléctrica y acústica. El disco se planteó para ser tocado en directo. Quiero contagiar la energía de lo bien que lo pasamos haciéndolo y dar un show muchísimo más dinámico y muchísimo más divertido que antes. Al final lo que más me apetece es hacer una gira de salas, aunque aquí cueste llenar salas más allá de las capitales”.

OVERSIZE (UNIVERSAL, 2026)

Flow Mclovin / Morderte / Déjame en paz / La primera vez / Era una niña / Soy tu problema / Culpándome / Sabes tan bien / Todo pasa / Ridícula! / Candela Sánchez

CD / DIGITAL / LP

Bad Gyal

Por: Eva Sebastián

La Joia de España, Miss Sold Out, El Pussy que mana, presenta su segundo disco largo convertida ya en lo que siempre quiso ser: una estrella del pop en sus propios términos. ‘Más cara’ es exactamente lo que tiene que ser un nuevo disco de Bad Gyal: una actualización de sus filias sonoras -entre el dancehall, el dembow y la música electrónica-, de sus cromos de colaboraciones y, sobre todo, de su inmaculada colección de temazos. Allá donde prenda una fiesta, estará Alba Farelo.

Antes que ‘Indapanden’, ‘Bandulés’. En catalán y sin seguir las normas. Bad Gyal se presentó en nuestras pantallas con el lenguaje de la Krak Haus. Su primer temá no fue ni Pai ni el indiscutible himno feminista Indapanden , para el que se rodeó de sus amigas y su manicurista de entonces, la ahora cantante Neisha. Junto a la P.A.W.N. Gang, cubata y porro en mano, firmó el dueto Bandulés , crudo, divertidísimo, DIY y reflejo de la estética trap que dio a todos cobijo en el under.

El món ens mira A veces, cuesta creer que lo hecho en casa pueda gustar fuera de nuestras fronteras, pero Jacaranda se convirtió en la canción del año del medio musical anglosajón FACT en 2017. En poco más de un año sacó Worldwide Angel . Ella seguía igual, pero ya empezaba a hacer realidad sus sueños de petarlo Internationally : Dubbel Dutch o Jam City se sumaban a Fakeguido o El Guincho, y la gira ya paraba por China y EE UU.

Ext. Carrer Joaquim Costa 25, Hong Kong Shop. Día. Suena el beat de Work de Rihanna con Drake, y Alba Farelo, con trenzas de boxeadora y cabello decolorado, bebe directamente de una botella de Aquarius naranja. A su lado, CHICO -sin identificarfumando. Todos actúan como si no estuvieran a punto de hacer historia. Cuando el 11 de abril de 2016 alguien reprodujo por primera el videoclip de Pai de Bad Gyal no podría haber anticipado que diez años y cinco millones de reproducciones después, esa era la primera piedra en una carrera meteórica que marcaría el pop nacional. Quizás aún no tenía los looks, ni los movimientos, pero la mayor de las Farelo gozaba de la visión, la intuición y, sobre todo, el descaro para mezclar sonidos que iban del dancehall a la electrónica experimental pasando por el dembow, el reguetón, mucho autotune y algo de trap para convertirse en la reina del pop urbano peninsular. De la vanguardia de los márgenes a crear auténticos hits mainstream, ha demostrado que evolucionar no significa perder la esencia. Con su segundo largo de estudio a la vuelta de la esquina, repasamos los pasos que llevaron a este diamante en bruto del MACBA a convertirse en una estrella internacional, firmando colaboraciones globales y redefiniendo los códigos estéticos y sonoros del pop contemporáneo a base de ambición y mucho flow 2000.

‘Slow Wine Mixtape’ Junto a los productores Plata y Fakeguido, que la acompañaba en los directos, y rindiéndose definitivamente a los ritmos jamaicanos, al patois, al dancehall y a las atmósferas sintéticas, Bad Gyal hizo historia del pop con su primera mixtape: El Pussy que mana nació en Mercadona , y Fiebre , defendida entonces con poco más que un bikini blanco, una gabardina burdeos de charol y un flash guarro, su nombre grabado para siempre.

¡He vuelto, zorras! Durante el momento más complicado de la música, Bad Gyal lanzó Warm Up , su primer mixtape bajo un sello internacional. Con una producción cada vez más pulida y una estética más refinada y cercana a la high fashion -y temas como Pussy , Blin Blin , 44 o Zorra , que están entre lo mejor de su discografía-, la proyectó a la realeza del pop urbano global.

La joia ‘Más cara’ de España En uno de sus conciertos en el Palau Sant Jordi, Bad Gyal dijo que a ella se le daba mejor montar una fiesta que hablar. Así que nada de esperar un disco conceptual, porque El Pussy que mana lo que trabaja son las playlist de hits perfectas para montar una gran noche. De momento, sus conciertos de presentación ya están sold out, confirmando que la fiebre Bad Gyal sigue siendo más que incondicional.

Bad Gyal SoundSystem En 2019 Alba firmó con Interscope y abandonó definitivamente el under, empezó a chartear en las listas y consiguió, con Alocao y junto a Omar Montes, su primer número 1. Pero eso no la hizo perder esencia ni identidad: en esta época empezó a colaborar con el productor Merca Bae y juntos formaron una de las duplas más icónicas del pop reciente. Y aunque la pandemia frustrara este primer intento de take-out, ahí queda el espectáculo visto en sus primeros SoundSystem.

Se vendió ‘La Joia’ Desde que dio el salto a las arenas para presentar su supuesto debut hasta que este finalmente vio la luz, Bad Gyal pasó un año de espera y frustración al que pudimos acercarnos a través de un documental. Un pack con el que, finalmente, se hizo hueco definitivo en el imaginario mainstream -con Fiebre ya lo tenía en la cultura popular-. A estas alturas, realmente ya no había nada que demostrar.

CONSCIENTES , AHORA SÍ, DEL RUMBO QUE QUIEREN TOMAR Y DE CÓMO QUIEREN SONAR, EL SEXTETO BRITÁNICO ENTREGA ‘EXISTANCE IS BLISS’ , UN SEGUNDO TRABAJO EN EL QUE BUSCAN ALEJARSE DEL HYPE QUE HAN SUSCITADO SUS DIRECTOS PARA ADENTRARSE EN UNA VERSIÓN DE ESTUDIO MÁS DETALLISTA , MEDITADA, PROFUNDA . EN ABRIL LO PRESENTARÁN HASTA EN SIETE CIUDADES DE NUESTRO PAÍS.

ace unos años, dos chavales de Yorkshire, Zac Lawrence (cantante) y Alfie Husband (batería), siguieron a su amigo George Ullyot (bajista) hasta la gran ciudad. “No creíamos que hubiera muchas posibilidades para una banda emergente en el norte”, recuerda hoy Zac. “Todos somos de pueblos y localidades pequeñas, así que podría haber salido de cualquiera el impulso de mudarse a una gran ciudad, pero justo Georgie terminó entrando en la universidad en Londres, y Alf y yo fuimos detrás”. Allí reformaron su banda y empezaron a dar conciertos sin parar, y como Mice of Mars -un trío inspirado en la serie de animación Los motorratones de Marte- se hicieron un hueco entre la escena del Windmill. Nunca pararon de currar porque, como dice George, “tienes que hacerlo si quieres tocar música y poder pagar el alquiler”. El proyecto, por suerte, escaló rápidamente, fue ampliándose hasta llegar a los seis miembros, incorporó también nuevos detalles, nuevos sonidos, y terminó convirtiéndose definitivamente en lo que hoy es Deadletter. Y aunque sigan encajando en las características generales que definen a la escena de la mítica sala de conciertos -base post punk, infusión jazz y uso del saxofón-, hace tiempo que volaron del nido. “Nos siguen asociando por Mice of Mars y porque realmente nos establecimos mucho allí, pero no creo que Deadletter esté asociado con ningún lugar en específico, si acaso Londres”, reconoce George. “De todos modos la del Windmill fue una época muy divertida de nuestras vidas. No lo entendíamos como un

sitio popular en el que había que estar ni como algo grande: simplemente era un muy buen sitio para salir con tus amigos, ver buena música, tocar... Y eso hicimos, muchas veces a fondo perdido”. Ahora, después de confirmar en 2025 y ya fuera del Reino Unido las buenas sensaciones que generó su debut, Hysterical Strenght (2024), presentan su segundo trabajo, un Existance Is Bliss con el que sienten que han podido ordenar, por primera vez, sus inquietudes como grupo.

“El primer disco era casi una recopilación de canciones que habíamos estado escribiendo durante los dos o tres años anteriores, así que no fue nada instantáneo en el sentido de ir al estudio, componer y grabar’”, explica Zac. Una dinámica, que, para George, se da mucho actualmente. “Creo que es una consecuencia de la industria musical actual, porque nadie va a apostar ahora mismo, salvo raras excepciones, por una banda que prácticamente no tiene canciones y que no las toca en los conciertos. Tienes que haber probado antes que merece la pena que te firmen”. Este nuevo álbum, sin embargo, lo han diseñado de una forma más unificada, como comenta Zac. “Lo empezamos a escribir prácticamente después de terminar la gira de Hysterical Strenght, y en muy poco tiempo ya estábamos en el estudio grabando, así que va a salir con muy poca distancia desde que empezamos a

“Todo empezó haciendo conciertos en pubs de Yorkshire, y eso es básicamente lo que hicimos cuando llegamos a Londres. Lo que sabemos hacer: tocar en sitios. Dimos tantos conciertos como pudimos y adoptamos un poco esa ética de poner el directo por delante, de intentar tocar para todo el mundo. Y en cierto modo seguimos haciéndolo”, reconoce George sobre el compromiso de Deadletter con la idea del escenario. Su recorrido por la escena londinense es el de muchas bandas de guitarras en los últimos años: empiezan en el Windmill, un verdadero oasis para los grupos y artistas emergentes de la ciudad, epicentro cultural del South London. La cosa va escalando sin querer y el rumor llega a los tabloides musicales british, que aplauden una de esas giras maratonianas por todo el Reino Unido y la energía cruda de la banda. Y finalmente llega el ansiado contrato discográfico y la posibilidad real de dedicarse por completo a la música. Es, realmente, a base de dar conciertos pasadísimos de energía como se dan a conocer fuera de Inglaterra, y el boca a boca hace el resto. La sensación de que algo grande estaba pasando con estos chavales llega a nuestro país de primeras, cuando a finales de 2024 debutan en nuestras salas en Madrid y Barcelona. El pasado otoño extendieron la cita a cinco ciudades -A Coruña, Santander, Menorca, San Sebastián y Granada-, y ahora regresan con siete fechas por si todavía no has presenciado el hype: Bilbao (10 abr), Vigo (11 abr), Cádiz (13 abr), Madrid (14 abr), Valencia (15 abr), Zaragoza (16 abr) y Barcelona, dentro de la programación del Psych Fest.

escribirlo”. Además, no es un trabajo que haya surgido explícitamente de tocar en directo, aunque evidentemente el hecho de tocar juntos influya en cómo evolucionan las dinámicas de la banda. “Con el primer disco, lo que estábamos haciendo era ir grabando canciones que ya veníamos de haber tocado muchísimas veces en directo. Pero de este disco solo habíamos tocado dos canciones antes de meternos a grabar, así que no ha habido una gran influencia del directo per se. Sí en el sentido de las dinámicas de banda que se dan con seis personas grabando juntas en una habitación: cuanto más tocamos juntos, más nos entendemos en todos los aspectos, y mejor interactuamos”, reconce el vocalista. “Por eso creo que me siento más vinculado con este nuevo disco”, completa George. “Porque lo siento un disco de verdad, algo meditado y que ha salido completamente de nosotros y de lo que nos gusta, bajo nuestro propio juicio, y no dependiendo de la reacción que pueda tener el público

a las canciones. Ha estado bien no escribir con el público en la cabeza ni para un mosh pit”.

Esta persecución de un sonido más propio, más buscado, también se plasma en el proceso de producción. Si su primer álbum estaba producido por Jim Abbiss -una decisión salomónica, pues su reputación le precede (créditos para Editors, Kasabian, The Kooks, Ladytron o incluso Adele), pero quizá algo impersonal-, para este han contado con un verdadero outsider pop del sur de Londres, Ben Romans-Hopcraft, miembro de Childhood o Warmduscher y muy asociado a la Fat White Family. “Hemos coincidido varias veces tocando en festivales con Warmduscher en el último par de años”, recuerda George, “y un día resulta que andaba cerca de mi casa, se pasó y le ensañamos en lo que estábamos trabajando. Le gustó, quiso involucrarse y todo se dio de forma muy natural desde ahí. Hicimos con él los dos primeros singles, y nos convenció muchísimo el sonido, así que decidi-

mos que era así como queríamos hacer el disco. Tiene una pequeña compañía de producción con su amigo James Neville, y un estudio en Norwood, y han grabado y producido a PVA, por ejemplo”.

Junto a él han armado un conjunto de canciones que refuerza aún más su condición de bastardos dentro del pop londinense: su sonido es más heredero del nervio de los primeros Talking Heads, la pose de Zac se asemeja mucho a la de Iggy Pop, y el uso de elementos sintéticos y electrónicos está claramente traída del dance punk y del sonido DFA. Son, como bar italia, una de esas bandas con los ojos más puestos en Nueva York, lo que les sitúa en una conversación parecida a la que, a la inversa, mantienen Model/Actriz o YHWH Nailgun, o, desde Chicago, Prostitute. “Iba a decirte que es culpa de internet, pero hace ya bastante tiempo que los Rolling Stones le robaron el blues a EE UU”, razona George, no sin algo de sorna. “Realmente, los británicos llevan robando música más de cien años. Y también ha habido siempre mucho intercambio cultural”.

Más allá de los posibles ápices de cinismo que transmite su propia actitud, lánguida, ante la promo o comentarios como estos, y de la fuerte influencia

que Nabokov ejercía en las primeras letras de Zac al frente de Deadletter, en el fondo, se consideran gente bastante realista. Por ejemplo, saben que sin el apoyo de un sello detrás, por pequeño que sea, ahora mismo las cosas serían imposibles para una banda como ellos. “¿Puedo decirlo? Sí, voy a decirlo: parece que a día de hoy tu discográfica es como tu cuenta de crédito del banco, una especie de fórmula de financiación. Quizá comprometes algunas cosas que de otra manera estarían completamente bajo tu control, pero es que, especialmente para una banda de seis personas como nosotros, sin un sello sería imposible. Tienes muchas más posibilidades de sobrevivir sin sello y hacerlo por tu cuenta si vas solo, pero con tres, cuatro, cinco personas los gastos se multiplican muchísimo”. Las palabras de Zac resuenan en George, y se apresura a matizar. “Todo eso es muy positivo en términos financieros y todo eso, y es evidente que está ahí, pero la verdad es que la mayoría de las cosas que nos da la música no tienen nada que ver con el dinero”. El realismo, el frío, tampoco escapan a la emoción. Como el hielo que se funde al calor para recordarnos que nada dura para siempre.

EXISTANCE IS BLISS (SO RECORDINGS, 2026)

Purity I / To the Brim / Songless Bird / It Comes Creeping / What the World Missed / Cheers! / Among Us / Focal Point / (Back to) The Scene of the Crime / Frosted Glass / He, Himself, and Him / Meanwhile in a Parallel CD / DIGITAL / LP

“REALMENTE, LOS BRITÁNICOS LLEVAMOS ROBANDO MÚSICA DESDE HACE MÁS DE CIEN AÑOS”

TOP 50 DISCOS

POR: LUIS J. MENÉNDEZ

POST PUNK

LA VISITA DE DEADLETTER, DE GIRA POR NUESTRO PAÍS EN EL YA CERCANO MES DE ABRIL, NOS SIRVE DE EXCUSA PARA REPASAR LOS MEJORES 50 DISCOS INTERNACIONALES QUE HA DADO EL POST PUNK, GÉNERO MUTANTE EN EL QUE YA NOS HABÍAMOS FIJADO ALLÁ POR EL NÚMERO 4 DE NUEBO, CUANDO NOS LANZAMOS A DEFINIR LOS 50 MEJORES DISCOS OSCUROS ESPAÑOLES DE SIEMPRE.

JOY DIVISION

Closer / 1980

El suicidio de Ian Curtis -Closer se publicó de forma póstuma dos meses más tarde-, el artwork premonitorio de Martyn Atkins y Peter Saville y, para qué negarlo, una cara B gélida -que en canciones como Heart & Soul, The Eternal y Decades transformaba el caracterísco sonido guitarrero del cuarteto en mística pura- tienen la culpa en buena medida de que el post punk se vincule (injustamente) con lo funerario. En realidad, el grupo ya había comenzado aquí a dar el giro hacia la electrónica, con Ian Curtis -fanático del sonido Kraftwerk- a la cabeza. El resultado de todo ello, además de bisagra entre el punk existencialista y la música de los ochenta, convierte estas 9 canciones en una de las experiencias musicales más intensas y desafiantes de la historia de la música popular.

Si a menudo el juego de las etiquetas se presta a confusión, más difusos aún resultan los límites de un género como el post punk: en esencia, la evolución del punk británico hacia sonidos inesperados que se dejaron influir por la electrónica alemana, el dub jamaicano o la ascendencia de los ruidistas industriales. A la hora de acotar esta lista hay una serie de elementos en los que, más o menos, nos pondremos de acuerdo: casi todas son bandas que reproducen la formación de guitarra-bajo-batería clásica del rock -abiertas, eso sí, a otros instrumentos y a utilizar el estudio de grabación como un elemento musical más-; las canciones se caracterizan por un tinte sombrío vinculado a un tiempo y un lugar, la Inglaterra thatcheriana, poco dados al optimismo; y la vocación, común a quienes en aquellos años formaron parte de este saco de formas

indefinidas, de llevar las posibilidades artísticas del rock y el punk unos cuantos pasos más allá.

A partir de esta idea, que se abre paso al margen de estilos afines como la música industrial, el dark folk o la cold wave, y que marca distancia con el goth rock -que convertiría el legado de Siouxsie y Bauhaus en un desfile de clichés-, el post punk evolucionó hasta vivir un inesperado revival en este siglo. De forma similar a lo que ocurrió con el indie pop, con los dosmiles Interpol abanderó una reivindicación del sonido -que no del espíritu- que lo despojó de significado, al tiempo que las simbólicas camisetas de Joy Division pasaban a venderse en las tiendas H&M. El capitalismo no respeta nada, aunque aún hoy bandas como YHWH Nailgun, Savages o These New Puritans continúan, tozudas, explorando las múltiples posibilidades del rock en claroscuro.

PUBLIC IMAGE LIMITED

Metal Box / 1979

John Lydon fundó PiL hastiado de los Sex Pistols para poner la piedra fundacional de post punk hibridado con el dub en este, el segundo álbum del grupo. El envoltorio se convirtió instantáneamente en un clásico.

SIOUXSIE & THE BANSHEES

The Scream / 1978

Sin The Scream sería imposible entender lo que vino después: bisagra entre el punk y los sonidos siniestros y punto de partida de la vertiente gótica del movimiento. Si hay una diva after punk esa es Siouxsie.

5

NICK CAVE & THE BAD SEEDS Tender Pray / 1988

Cuatro años después de que The Birthday Party saltaran por los aires y con el Muro de Berlín a punto de caer, The Bad Seeds habían encontrado en Berlín, y a pesar de los problemas con las drogas de Nick Cave, uno de sus mayores y más intensos momentos creativos, con Blixa Bargeld ejerciendo de lugarteniente, Mick Harvey como chico para todo y Kid Congo Powers (Cramps, Gun Club) a la guitarra. Resultado de esta combinación, rockista y cabaretera a partes iguales, surgen temas como The Mercy Seat, uno de los más emblemáticos de la carrera de Cave, en los que da rienda suelta a su pluma inspirada por los clásicos de la literatura gótica americana.

4

El trío de Camberwell define el género por su capacidad para saltar por los aires sus límites. Generacionalmente mayores, su batería, el sorprendente Charles Hayward, tenía formación jazzítica y había militado en bandas progresivas como Gong y Quiet Sun, mientras que Gareth Williams y Charles Bullen alternaban instrumentos al tiempo que manipulaban las grabaciones inspirándose en la tape music. El resultado de todo ellos está a medio camino del avantgarde y el rock más inusual en el que hoy se miran bandas como These New Puritans.

6

GANG OF FOUR Entertainment / 1979

Buena parte del revival post punk de principios de siglo XXI directamente no habría existido de no haber escuchado la guitarra afilada de Andy Gill en este disco. Puede que Fugazi tampoco. Marxismo art punk.

7

THE SLITS Cut / 1979

El punk nos enseñó que hacerlo era posible si la idea era buena, y Ari Up, Viv Albertine y Tessa Pollitt lo bajaron a tierra en lo que fue versión naif y feminista -antecedente del movimiento riot grrrl- del Metal Box de PiL.

THE CURE Faith / 1981

Tras la energía nuevaolera de su primer disco, The Cure mutaron en banda after punk, influidos por los grupos que lideraban en Gran Bretaña la avanzadilla siniestra: Siouxsie & The Banshees, de los que Robert Smith llegaría a formar parte, y Joy Division, de quienes se declaraba ferviente admirador. De hecho, las atmósferas de Faith -Mike Hedges firma la producción- no disimulan las deudas con el trabajo de Martin Hannett en Closer, aunque aquí, como a lo largo de la trayectoria de The Cure, las guitarras y, especialmente, un bajo penetrante sirven de mapa a 8 canciones marcadas por el fallecimiento de familiares y la paranoia alcohólica de los miembros del grupo. Entre el sonido arty de Seventeen Seconds y la agresividad autodestructiva de Pornography, Faith es el gran disco postpunk de los Cure.

BAUHAUS

In The Flat Field / 1980

En el primer disco de Bauhaus aparecen todos los tics de lo que debía ser el rock gótico, malentendido años después en una sucesión discos y artistas armados con crucifijos, de estética satanista y tramas de película de terror de bajo presupuesto. Bauhaus era una banda noqueada por el influjo del glam rock, a los que el punk aportó las dosis necesarias de velocidad y peligro para que canciones como Dark Entries o St. Vitus Dance mantengan aún hoy intacta su capacidad abrasiva. Un divino Peter Murphy y ese alien que era Daniel Ash hicieron el resto.

KILLING JOKE

Killing Joke/ 1980

Antes de que su bajista, Youth, se convirtiera en uno de los productores más influyentes del mundo, Killing Yoke habitaban un territorio como anomalía a caballo del metal pesado, lo industrial y la estética siniestra.

THE RAINCOATS

The Raincoats / 1979

Palmolive servía de nexo de unión con The Slits, la otra gran all girl band del post punk. Más desordenadas y caóticas, su pop punk deshilachado sirvió de faro a Kurt Cobain y a buena parte de la facción indie norteamericana.

THE POP GROUP Y / 1979

El Bristol de Massive Attack tuvo un antecedente directo en este disco. En Y la banda liderada por Mark Stewart se dejaba influir por los sonidos jamaicanos de los suburbios, reinterpretándolos en clave ruidista.

WIRE

Chairs Missing / 1978

Cualquiera de los tres primeros discos de Wire merecería estar aquí. Pero nos quedamos con el segundo porque representa a la perfección el giro oscuro y minimalista del rock de escuela de arte del cuarteto londinense.

INTERPOL

Turn on the Bright Lights / 2002

Al César lo que es del César. Posiblemente Interpol no sean la banda más querida entre quienes entienden el post punk como un género aventurero y libre de clichés. Pero a los neoyorquinos les debemos, además del surgimiento de miles de bandas clónicas (Editors, sin ir más lejos), que la intensidad dark volviera, tras desaparecer durante los noventa, a festivales y charts. Aunque con su hilillo de voz siempre al borde de romperse Paul Banks se situaba en las antípodas de Ian Curtis, el gancho melódico, casi emo, de estas 11 canciones era innegable.

THE ASSOCIATES

THE BIRTHDAY PARTY

Prayers on Fire / 1981

Cuando Nick Cave, Mick Harvey, Phill Calvert, Rowland S. Howard y Tracy Pew llegaron a Londres se encontraron una realidad muy diferente de la idealizada capital del punk que habían imaginado. Al borde de la indigencia, entregados a adicciones varias y como reacción al sonido new romantic dominante en Gran Bretaña, de vuelta a Australia registraron este primer disco en el que traslaban al campo sonoro su violenta puesta en escena en directo. Nunca Cave volvió a ser tan salvaje como ese joven que emitía gruñidos en King Ink

MAGAZINE

The Affectionate Punch / 1980

Mas allá de la curiosidad del cameo de Robert Smith -produce Mike Hedges- el debut del dúo escocés es un talentoso cruce de caminos entre la música más vanguardista y el pop new romantic de los años ochenta.

Real Life / 1978

El NME definió a Howard Devoto en 1978 como "el más importante hombre vivo". Tal era el peso del fundador de los Buzzcocks en la escena mancuniana. Entre sus múltiples logros, inventarse la cold wave con este disco.

COCTEAU TWINS

Head Over Heels / 1983

Antes de apostar por las texturas para inventarse su propio género musical, Cocteau Twins grabaron dos discos dentro del canon post punk. El segundo era fantástico, y definía en buena medida la estética 4AD.

THE FALL

This Nation’s Saving Grace / 1985 I Am Damo Suzuki, titula a uno de sus temas Mark E. Smith, rindiendo homenaje al vocalista de Can. La pluma más sardónica de Manchester no engaña: minimalismo, talento y mala hostia en su momento de máximo esplendor. 16

17

THESE NEW PURITANS

Hidden / 2010

Difícil quedarse con un álbum de los gemelos Barnett en su tránsito desde el post punk desquiciado de Beat Pyramid hacia el estilizado neoclasicismo actual. Su segundo disco puede ser el que mejor refleja ese viaje.

18

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN

Halber Mensch / 1985

Los de Blixa Bargeld -ya por entonces mano derecha de Nick Cave en los Bad Seeds- estilizaban en su tercer disco el caótico sonido industrial que les convirtió en un mito en Berlín, dando paso a su madurez artística.

PIGBAG

Dr Heckle and Mr Jive / 1982

Algo así como el superventas del post punk trompetero británico, el tema Papa's Got a Brand New Pigbag se convirtió en un inesperado éxito que aún interpretan las charangas en las fiestas populares de por aquí.

SAVAGES

Silence Yourself / 2013

Jehnny Beth decidió moverse a Londres junto a su compañero en el dúo indie John and Jehn para darle un empujón a su carrera musical. Una vez allí lo que encontró fue a la banda perfecta para desarrollar sobre el escenario la teatralidad que era su campo natural de acción en su Francia natal: hija de un director de teatro, había estudiado arte dramático. El manager de Sigur Ros les echa el lazo y el grupo tiene un impacto casi inmediato en la escena musical británica. Todo se confirma con Silence Yourself, su debut, a partir del que les llueven las comparaciones con Siouxsie & The Banshees o Gang Of Four y se convierten en icono queer.

LIARS

Drum’s not Dead / 2006

Cuando, todavía siendo un cuarteto, publicaron en 2001 They Threw Us All In A Trench And Stuck A Monument On Top muchos cometieron el error de identificarles con otros proyectos que surgían en ese momento desde Nueva York (Interpol, Radio 4, The Walkmen, The National...) enarbolando la bandera de un revival post punk para todos los públicos. El tiempo ha demostrado que el australiano Angus Andrew -alma máter y el único miembro estable de Liars- estaba más por la labor de musicar un aquelarre de brujas -de hecho llegó a intentarlo en su segundo LP- que a explorar la melancolía en forma de canciones. Tambores... de guerra.

NEW ORDER Movement / 1981

TEENAGE JESUS & THE JERKS

Teenage Jesus and the Jerks / 1979

El post punk recibió en Nueva York denominación de origen y hasta una etiqueta propia para distinguirse de sus coetáneos británicos: no wave. En realidad, en lo esencial Londres y Nueva York compartían referentes y la vocación por superar de una vez las limitaciones expresivas del punk. En un juego de espejos, Lydia Lunch se convirtió en la Siouxsie del otro lado del charco, y su miniLP al frente de Teenage Jesus And The Jerks, primario y sexual, en el faro que guio a la escena posthardcore neoyorquina, con Sonic Youth al frente.

A CERTAIN RATIO

The Graveyard and the Ballroom / 1980

La primera canción de New Order, Ceremony, fue la herencia que Curtis dejó tras su muerte. Igualmente, Movement es un disco aún traumatizado por la marcha de Ian, casi una extensión de Closer menos arrebatada.

THE EX Tumult / 1983

Aunque no hay demasiadas muestras de ello en esta lista, el post punk se propagó rápidamente como un virus por toda Europa. La mítica banda anarquista y autogestionada holandesa son buen ejemplo de ello.

Si a New Order el descubrimiento de la música house les cambió la vida, estos otros clásicos del sello Factory sonaban como si Joy Division se hubieran ido de fiesta a los carnavales de Río.

THE ORGAN Grab That Gun / 2004

Un misterio la fugacidad -solo un disco y un EP- de esta maravillosa all girl band de Canadá que, a partir de su pasión por The Smiths y el pop oscuro 80's, llegaron a similares conclusiones que sus coetáneos Interpol.

SWANS Filth / 1983

El primer álbum de los de Michael Gira es uno de los más intimidantes de la historia de la música rock. Puro sadomasoquismo ("Corta mi garganta, mátame, haz lo que te digo, tú eres quien manda") al ralentí.

THE DURUTTI COLUMN LC / 1981

El singular estilo como guitarrista de Vini Reilly, marcado por el delay y el uso del Space Echo, ya quedó definido en el abstracto

The Return of. Pero en su segundo disco, LC, la fórmula le hace guiños al formato canción.

WORLD DOMINATION ENTERPRISES

Let’s Play Domination / 1988 Raros entre los raros, el trío londinense forma parte de un culto para iniciados -el disco ni siquiera está en plataformas-, y aún así su sonido industrial, funky, sexy, como Big Black intentando bailar, linkea dos generaciones.

AU PAIRS

Playing with a Different Sex / 2001

Con Slits y The Raincoats forman la santísima trinidad del post punk británico femenino. Lesley Woods hablaba en las canciones de su condición de feminista lesbiana y es hoy juez progresista en la Corte Británica.

COLIN NEWMAN

A to Z / 1980

Con Wire metidos en un impasse que se terminó convirtiendo en uno sus parones de larga duración, Newman, el líder natural del cuarteto y también la sensibilidad más pop de la banda, se lanzó a publicar un disco en solitario que le liberase de la exigencias underground que imponía Bruce Gilbert. El resultado de todo eso es, efectivamente, una versión más liviana y electrónica de los Wire de 154, art pop de altos vuelos con canciones memorables como Order for Order o Alone. No hay motivos para amar a Wire y no caer rendido ante este disco.

THE CAMBERWELL NOW

The Ghost Trade / 1986

Si los dos LPs y algunas grabaciones sueltas de This Heat te saben a poco (¡normal!) este proyecto de su batería y vocalista, Charles Hayward, junto a Trefor Goronwy te ayudará a saciar las ganas de más.

PROTOMARTYR

Relatives in Descent / 2017

Desde Detroit, la motor city abandonada a la decadencia más absoluta, Joey Casell ha entregado una obra atronadora y autista a la vez, como unos The Fall que hubieran perdido la capacidad de reírse de sí mismos.

RADIO 4

Gotham! / 2002

La producción de James Murphy y Tim Goldsworth ya anticipaba el desembarco, un año después, de LCD Soundsystem como el proyecto definitivo de todo ese punk funk neoyorquino que puso a bailar al siglo XXI.

SNOWMAN Absence / 2011

Los primos australianos de These New Puritans, entregados a una concepción de la música mística, en la que las percusiones propulsan a las canciones. Un disco admirable antes de desaparecer para siempre.

ESG

ESG / 1981

Una familia de afroamericanas del South Bronx, amantes del funk y que cantaban a los extraterrestres, acabaron siendo fichadas por Tony Wilson y actuando en The Hacienda. Si la magia existe se parece a esto.

Grauzone / 1981

Si estas leyendo estas líneas es casi seguro que alguna noche has acabado bailando Eisbär en un momento de nostalgia 80's. En un vini, vidi, vinci de manual, el trío suizo grabó un disco antes de desaparecer para siempre.

FONTAINES DC

Dogrel / 2019

Hoy resulta complicado dónde ubicar a la banda más grande que ha dado Dublín desde que en los 80 aparecieron U2. De hecho, como Bono, The Edge y compañía, Fontaines DC dieron sus primeros pasos en el contexto del post punk para, a partir de ahí, ampliar el campo de acción y la paleta sonora, accediendo a un público generalista. Pero no nos olvidamos que con su primer disco, Dogrel, Fontaines DC se convirtieron en cabezas visibles de una suerte de revival del revival post punk en el que, con sus diferentes matices, también ubicamos a Shame, Last Dinner Party, Idles, Gilla Band o los mismos Deadletter, nuestra coartada para este artículo.

CRIME & THE CITY SOLUTION Room of Lights / 1986

Marcados por su aparición interpretando Six Bells Chime en El cielo sobre Berlín de Wim Wenders, la incorporación de R. S. Howard y Mick Harvey les convirtió en una suerte de secuela de The Birthday Party.

Al frente del primer disco de este proyecto formado por miembros de The Pop Group y The Slits encontramos a una Neneh Cherry adolescente. En cierto modo, el embrión del Bristol que estaba por venir con el trip hop.

FAMILY FODDER

YHWH NAILGUN

45 Pounds / 2025

El año en que Rosalía volvió a poner de moda el sinfonismo y Bad Bunny convenció al mundo de que tocaba revival salsero, YHWH Nailgun recuerdan que no hay mejor representación musical de los momentos de crisis que un buen ejercicio de post punk abrupto y experimental (graban en AD 93, uno de los sellos más imprevisibles de la actualidad). En la mejor tradición no wave (vienen desde Nueva York, claro) títulos tan explícitos como Penetrator o Animal Death Already Breathing les conectan con Big Black y los primeros Swans.

46

MODEL / ACTRIZ

Monkey Banana Kitchen / 1980

El proyecto personal de Alig Fodder, escondido bajo el alias de un grupo, lleva cuatro décadas jugando al experimento post punk lo-fi cruzado con la psicodelia y el Canterbury sound. Este fue su segundo disco.

DISCO INFERNO

Open Doors Closed Windows / 1991

Ian Crause aún no había descubierto las posibilidades del sampler. Pero el primer disco de Disco Inferno funciona como el curioso experimento de unos chavales obsesionados con Joy Division y The Durutti Column.

Pirouette / 2025

Aspirantes a liderar el hype oscuro contemporáneo, han publicado sus dos LPs en dos sellos tan relevantes como True Panther y Dirty Hit, y representan para la generación actual lo que Interpol a la de hace 20 años.

MINIMAL COMPACT

Deadly Weapons / 1984

La onda expansiva del post punk llegó hasta Israel. Malka Spiegel -futura esposa de Colin Newman de Wire- y sus compañeros dejaron su país y se instalaron en Amsterdam para dejarse influir por otras tradiciones musicales.

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MY DISCO

Severe / 2015

En la mejor tradición australiana y antes que la evolución natural les empujara hacia el dark ambient y el techno minimalista, My Disco firmaron este ejercicio de rock al ralentí extremo, oscurísimo, sin contemplaciones.

LNZNDRF

LNZNDRF / 2016

La base rítmita de The National, los hermanos Devendorf, y un componente de Beirut, dejan fluir su amor por el género sin las cortapisas comerciales que sufren sus respectivas bandas principales. Curioso al menos.

LANDING DISCOS

Ö

Ninja Tune / [PIAS] 27 marzo

Producido por el polifacético Kenny Beats, que tanto te produce a raperos rollo Denzel Curry y Vince Staples y a punkarras tipo IDLES como a popstars del nivel de Joji o a iconos del nuevo indie -Getting Killed, de Geese, es su último gran acierto-, el primer trabajo de Fcukers aspira a ser la confirmación de un rumor que lleva un par de años extendiéndose como la pólvora. Surgidos desde el epicentro mismo, siendo a la vez causa y consecuencia, del revival indie sleaze estadounidense, el dúo neoyorquino ha vivido en la vorágine del hype a la velocidad de un scrolleo. Pero con su debut largo, que además llega en un sello interseccional entre lo electrónico y lo pop tan reputado como Ninja Tune, Jackson Walker Lewis y Shanny Wise están preparados para parar el crono y dar un primer paso meditado hacia algo grande. Su apuesta por la bass music y el cachondeo, y sus estribillos de pegamento, adquieren forma sólida en un disco estimulante, divertido y que se toma poco en serio a sí mismo, pero que esconde en sus entrañas decenas de detalles que harán las delicias de cualquier persona que encuentre en el club, o en la noche en general algo muy parecido a su hábitat natural.

FRED AGAIN..

USB002 Remixes

Warner

3 marzo

Nuevo despliegue de la vía más pistera y desenfrenada del productor británico, con más djs subiéndose a este frenético carro.

KIM PETRAS

Pretour EP

Universal

3 marzo

Frost Children, Porches, Margo XS, Nightfeelings y BC Kingdom andan detrás del nuevo giro chicloso de Petras. ¿Un preludio?

15 15

Mārara

S76 / Popstock!

6 marzo

Folk, pop de colorines y electrónica sutil en el debut de esta banda francopolinesia que reivindica el legado sonoro de las islas.

DANIEL AVERY

Tremor (Midnight Versions)

Domino / Music As Usual

6 marzo

Versión crepuscular de Tremor, el último y estimulante trabajo del productor británico, más atmosférico y menos crudo que nunca.

DUTCH INTERIOR

It’s Glass EP

Fat Possum

6 marzo

Americana atemporal por parte de una de las bandas más interesantes del circuito desértico californiano de los últimos años.

FLYING LOTUS

Big Mama EP

Brainfeeder / [PIAS]

6 marzo

Ya iba haciendo falta una actualización de los intereses de FlyLo tras años dando tumbos. Este EP cumple con creces al respecto.

CA7RIEL & PACO AMOROSO

Free Spirits / Autoeditado / 19 marzo

El espectáculo del dúo argentino ya no hay quien se lo crea, porque todo está diseñado como una promo de la promo de la promo, pero igualmente sigue siendo divertido. Igual que Papota parodiaba las fórmulas de éxito a las que ellos mismos se habían arrimado, este nuevo Free Spirits llega inmediatamente después de un fingido retiro sanador, y justo a tiempo de una new new age.

THE SCYTHE

Strictly 4 The Scythe

Loma Vista / Music As Usual

6 marzo

Denzel Curry, A$AP Ferg, Bktherula, Tia Corine y Key Nyata se montan este supergrupo en el que reviven su amor por el rap sureño.

ALEXIS TAYLOR

Paris in the Spring Night Time Stories

13 marzo

Líder de Hot Chip y espejo británico de Caribou, nuevo álbum en solitario de uno de los grandes demiurgos pop de este siglo.

RAYE

This Music May Contain Hope Human Re Sources 27 marzo

Era difícil prever lo mucho que iba a crecer la artista británica cuando escuchamos My 21st Century Blues, pero lo cierto es que para finales de 2025 Raye ya era una superestrella global, a punto de enfrentar la gira más grande de su vida. El aviso con ella estaba claro: This Tour May Contain New Music. Y efectivamente: los fans han ido descubriendo canciones desde que debutara en enero, y ahora, antes de viajar a EE UU, llega el disco completo.

ANJIMILE

You’re Free to Go 4AD / Popstock!

13 marzo

Excelente narrador contemporáneo de la Black America, Anjimile regresa con un tercer trabajo más desnudo y vulnerable aún.

E L U C I D & SEBB BASH I Guess U Had To Be There Backwoodz Studioz / Rhymesayers 13 marzo

Mitad de Armand Hammer con billy woods, Elucid se adentra en territorios minimalistas y concrete junto a un titán como Bash.

JAMES BLAKE

Trying Times Good Boy Records 13 marzo

Blake lanza su primer disco como artista autoeditado, en el que es su ejercicio más orgánico y colaborativo hasta la fecha.

KIM GORDON

Play Me Matador / Popstock! 13 marzo

Pocos artistas mantienen el tino musical pasados los 70 como la diosa de los Sonic Youth. Noise, doom pop, trap abrasivo... Buah.

ANNA CALVI

Is This All There Is?

Domino / Music As Usual

20 marzo

Iggy Pop, Laurie Anderson, Perfume Genius y Matt Berninger -ojito- se unen a Calvi en la primera entrega de una trilogía.

AVALON EMERSON & THE CHARM

Written into Changes

Dead Oceans / Popstock! 20 marzo

El proyecto de banda de la productora y dj californiana desenvuelve una renovada vibra pop en su segundo álbum. Luz siempre.

GINEBRAS

Donde nada es para tanto

Vanana

20 marzo

Producido por M. Cabezalí (Havalina) y V. Cabezuelo (Rufus T. Firefly), el disco que llega tras instalarse en lo alto del pop nacional.

KALI MALONE & LEILA BORDREUIL

Music for Intersecting Planes

Ideologic Organ

20 marzo

Órgano y chelo dialogan entre texturas electrónicas ante la acústica espacial de una iglesia de Suiza. La nueva música sacra.

WITCH POST

Butterfly Partisan / [PIAS]

20 marzo

Alaska Reid y Dylan Fraser están en algún punto entre el aullido indie generacional de Geese y la emotrónica de Chanel Beads.

CHARLIE PUTH

Whatever’s Clever! Atlantic 27 marzo

Nostalgia ochentera y new wave, ecos de Toto, Duran Duran o Phil Collins en el cuarto álbum de Puth, producido por BloodPop.

COURTNEY BARNETT

Creature of Habit

Mom+Pop

27 marzo

La teníamos un poco perdida, pero siempre para bien: este regreso, friki, ruidoso y preciosamente destartalado, nos encanta.

MELANIE MARTINEZ

Hades / Atlantic 27 marzo

Concebido como un álbum doble conceptualizado en torno a la oposición entre distopía y utopía, el ambicioso Hades -con ecos a la descontrolada IA que es el villano de la saga Horizones la confirmación de la artista neoyorquina como popstar en sus propios términos, convirtiendo en ambición orquestal algunas de las locuras experimentales que definieron el más fantástico Portals (2023) y siguiendo aún más al dedillo las enseñanzas de Taylor Swift y de Lana del Rey.

BTS

Arirang / Big Hit Music / 20 marzo

Tras tres años y después de las aventuras en solitario de sus distintos miembros, el grupo de chicos más exitoso de Corea del Sur se reúne para un nuevo álbum que persigue explícitamente poner en valor sus raíces. Su título, Arirang, proviene de una canción tradicional coreana considerada Patrimonio inmaterial de la Humanidad y símbolo de unión entre las dos Coreas.

ELMIENE Sounds for Someone Def Jam / Universal 27 marzo

La bandera que enarbola esta nueva voz del soul es la de la espiritualidad. Es su debut largo, con peña del círculo Mk.gee.

JOSÉ GONZÁLEZ

Against the Dying of the Light City Slang / Music As Usual

27 marzo

Si Local Valley miraba hacia dentro, esta especie de compañero de viaje se fija en el valor de lo comunitario como motor humano.

ROBYN Sexistential Young / Popstock!

27 marzo

La sueca, reina del dance pop contemporáneo, regresa con su cuarto álbum en dos décadas. Y aquí estamos para bailárnoslo.

SHINICHI ATOBE Silent Way Plastic & Sound 27 marzo

Primer trabajo largo del japonés en su propio sello tras una serie fundamental en el de Demdike Stare, DDS. Outsider house.

SNAIL MAIL

Ricochet

Matador / Popstock! 27 marzo

En su tercer trabajo, Lindsey Jordan abandona la vía emo, el ruido y la agonía y redescubre la luz. Un disco brillante y optimista.

SOFIA KOURTESIS

DJ-Kicks: Sofia Kourtesis

!K7 Records

27 marzo

El debut de la productora y dj peruana en DJ-Kicks tiene todo lo que esperas de ella: ambient, deconstrucción, ritmo, folclore.

THE NEW PORNOGRAPHERS

The Former Site Of Merge / Popstock! 27 marzo

Arcade Fire quizá ganaron en su día, pero estos han superado mejor la prueba del tiempo, aun metidos en delirios conceptuales.

Dir. Maggie Gyllenhaal

Rep. Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penélope Cruz

EE UU / 2026 / Warner

6 marzo

Tras reconvertirse de actriz de éxito a directora de cine con especial sensibilidad en la mirada con La hija oscura (2021), adaptación de la novela de Elena Ferrante, Maggie Gyllenhaal se atreve ahora con el mito de La Novia de Frankenstein, creada por James Whale en los años treinta con la inspiración muy sucinta de la novela original de Mary Shelley, para dar con una película que es, al menos, tan terroríficamente camp como su predecesora. Con Jessie Buckley en el icónico papel que ya interpretó Valerie Hobson -y un aire bastante Lady Gaga, por cierto- y Christian Bale cargando con la difícil tarea de hacer olvidar a Boris Karloff, veremos si este remake está a la altura de la crudeza satírica de la excepcional obra original.

PILLION

Dir. Harry Lighton / Rep. Alexander Skarsgård, Harry Melling

Reino Unido / 2025 / Madfer Films / 6 marzo

Un chaval tímidoy feúcho -Harry Melling, que, por cierto, supera de un plumazo el papel de repulsivo primo de Harry Potter- se enamora perdidamente del buenorro de Skarsgård, líder de una banda de moteros, y entre ellos se establece una relación de sumisión que les hará redescubrir lo que saben del deseo. Película profunda, explícita, voluptuosa, desbocada, casi animal... Bella.

EL JOVEN SHERLOCK

Cr. Matthew Parkhill

Rep. Hero Fiennes-Tiffin, Zine Tseng

Serie / 4 marzo

Con Guy Ritchie entre sus directores y grandes figuras british como Joseph Fiennes o Colin Firth, una aproximación a las primeras aventuras del famoso detective. Elemental.

EL MAGO DEL KREMLIN

Dir. Oliver Assayas

Rep. Paul Dano, Jude Law

Largo / 6 marzo

Jude Law es un gélido Vladimir Putin y Paul Dano su fiel asesor en este thriller político que analiza la construcción de la nueva Rusia desde la amenaza, el terror, la mentira.

HOPPERS

Dir. Daniel Chong

Animación

Largo / 6 marzo

El imaginario de ositos de Chong se pone por primera vez al servicio de una película de Pixar, con una historia con ecos de Ghibli sobre la destrucción del entorno natural.

LA EXTRAORDINARIA VIDA DE MARCEL PAGNOL

Dir. Sylvain Chomet

Animación

Largo / 6 marzo

Otro bonito ejemplo de animación francesa reciente, en este caso artesanal, dibujado a mano. Cuenta de forma poética la historia del visionario autor Marcel Pagnol.

LA SOMBRA DE MI PADRE

Dir. Akinola Davies

Rep. Sopé Dìrísù, Godwin Egbo Largo / 6 marzo

La primera película nigeriana que se estrena en Cannes es también un thriller angustioso sobre cómo un acontecimiento político puede afectar a la normalidad de una familia.

EMPATÍA

Dir. Guillaume Lonergan

Rep. F.Longpré, Thomas Ngijol

Serie / 11 marzo

Una ex criminóloga se reconvierte a psiquiatra, y a través de sus pacientes revivirá sus propias heridas. La ambigüedad de la empatía, expuesta a través de lo conversacional.

ÁGUILAS DE EL CAIRO

Dir. Tarik Saleh

Rep. Fares Fares, Lyna Khoudri Largo / 13 marzo

Desde Suecia, Saleh se cachondea del régimen autoritario y militar egipcio y de las altas esferas de influencia con un thriller entre James Bond y el Mephisto de István Szabó.

ROOSTER

CR. Bill Lawrence, Matt Tarses / Rep. Steve Carrell, Charly

Reino Unido / 2025 / Madfer Films / 6 marzo

El gran Steve Carrell hace su esperado retorno a la comedia televisiva -el universo donde, desde 2005, se dio a conocer mundialmente por su papel protagonista en The Office- con esta serie para HBO Max en la que él, reputado escritor, termina inmerso en el mundo universitario mientras media en el matrimonio de su hija.

LA HIJA PEQUEÑA

Dir. Hafsia Herzi

Rep. Nadia Melliti, Park Jimin, Mouna Soualem Francia / 2025 / Filmin 13 marzo

¿Cuánto marca el extrarradio, la diáspora y los propios orígenes marginales, aún felices, el devenir de la propia vida? A esa pregunta se enfrenta con 17 años, y a punto de ingresar en la Universidad de París y de abrirse a un mundo nuevo que va a permitirla progresar, la joven Fátima, hija de una familia franco-argelina de clase trabajadora de los suburbios de la ciudad. ¿Cuánto de nosotros vamos dejando para encajar?

DEAD MAN'S WIRE

Dir. Gus Van Sant

Rep. B. Skarsgård, D. Montgomery

Largo / 13 marzo

Van Sant se atreve con la apasionante historia real de Tony Kiritsis, un empresario en ciernes que, azuzado por la paronoia, comete un secuestro y se convierte en antihéroe de tv.

RENOIR

Dir. Chie Hayakawa

Rep. Yui Suzuki, Hikari Ishida Largo / 13 marzo

La capacidad de contemplación del mundo, la callada curiosidad, la aceptación de la mudanza, la tristeza y la adversidad que son tan japonesas, hechas película.

TORRENTE PRESIDENTE

Dir. Santiago Segura

Rep. Santiago Segura Largo / 13 marzo

A cada momento bizarro de la historia reciente de nuestro país y la cultura del pelotazo, una nueva salvajada de Torrente. Ya no es el brazo tonto de la ley, sino del gobierno.

LOS QUE SOBREVIVIERON

Dir. Jean-Xavier de Lestrade

Rep. B. Lavernhe, Alix Poisson Miniserie / 17 marzo

Esta emocional miniserie sigue a siete desconocidos que, juntos, sobrevivieron al atentado de la sala Bataclan en París, forjando entre ellos un vínculo inquebrantable.

MUJERES IMPERFECTAS

Cr. Annie Weisman

Rep. E. Moss, K. Washington Miniserie / 18 marzo

Tres mujeres, tres amigas, separadas para siempre por un desgarrador y misterioso crimen, y la agotadora investigación que le sucede. Un relato negro entretenido.

AMARGA NAVIDAD

Dir. Pedro Almodóvar

Rep. Bárbara Lennie, L. Sbaraglia Largo / 20 marzo

Almodóvar vuelve a investigar en su propia historia tras Dolor y gloria con una película en este caso menos explícita, que se confunde con otra ficción sobre los envites de la vida.

LA SONRISA DEL MAL

Dir. Paolo Strippoli

Rep. M. Riondino, R. Maggiora

Largo / 20 marzo

Ecos de Stephen King -infancia, psicosis colectiva...- se cuelan en la confirmación defintiva del cineasta italiano como uno de los maestros actuales del nuevo psych horror.

ONE PIECE: RUMBO A LA GRAND LINE

Cr. Matt Owens, Steven Mandela / Rep. Iñaki Godoy, E. Rudd

EE UU / 2026 / Netflix / 10 marzo

Tres años después, esperada continuación de la adaptación live action del mítimo manganime de Eiichiro Oda. En esta ocasión, Luffy y su carismática y bizarra tripulación pirata, los Sombreros de Paja, se adentran en la Grand Line, una franja abisal en el mar que esconde un gran tesoro... e inumerables peligros.

ALTAS CAPACIDADES

Dir. Víctor García León

Rep. Marian Álvarez, Israel Elejalde Largo / 27 marzo

Una comedia sobre cómo los padres, muchas veces, utilizan a sus hijos como vehículo y espejo de sus propias ambiciones de medrar en el implacable esquema social.

DOS FISCALES

Dir. Sergei Loznitsa

Rep. A. Kuznetsov, Anatoli Belyj Largo / 27 marzo

Ni bajo las bombas rusas Ucrania deja de crear, y una prueba es esta monumental película nominada a la Palma de Oro que nos lleva a las purgas estalinistas de los años 30.

PROYECTO SALVACIÓN

Dir. Phil Lord, Christopher Miller

Rep. Ryan Gosling, Sandra Hüller Largo / 27 marzo

Una de esas esperanzadoras historias marcianas con mucho presupuesto y poco que decir, que sigue la estela de Marte, Interestellar Astronauta buenorro salva el mundo.

SHELTER: EL PROTECTOR

Dir. Ric Roman Waugh

Rep. Jason Statham, Naomi Ackie

Largo / 27 marzo

Y otra película de Jason Statham haciendo de Jason Statham: dando unas cuentas palizas justificadas, pegando algunos tiros, protegiendo y sirviendo... Nada nuevo. Para qué.

UN ALTRE HOME

Dir. David Moragas

Rep. Quim Àvila, Lluís Marqués

Largo / 27 marzo

Una cinta que se aleja de los habituales problemas queer para, simplemente, enfrentar los problemas normales de la vida en pareja para dos chicos. Joya del D'A.

YO TE CREO

Dir. C. Devillers, A. Dufeys

Rep. . Akeddiou, L.Capelluto

Largo / 27 marzo

La pareja de cineastas belgas debuta en la dirección de largometrajes con este demoledor drama familiar en el que una mujer se juega en el juzgado la custodia de sus hijos.

SI ES MARTES, ES ASESINATO

Cr. Carlos Vila

Rep. Álex García, Inma Cuesta

Serie / 31 marzo

Versión a la española de Solo asesinatos en el edificio, con un grupo de turistas que se enfrentan a la resolución de un crimen en Lisboa. Agatha Christie está de moda.

LANDING VIDEO

POR: ADRIANA RAMIRO

WICKED PARTE II

Dir. Jon M. Chu / Rep. Cynthia Erivo, Ariana Grande EE UU / 2025 / Universal / 25 mar

El desenlace de las aventuras de las dos brujas, Elphaba y Glinda, en un mundo de Oz conspiranoico y manipulador (¿te suena de algo?). Universal ha hecho un gran trabajo con los extras, con el audiocomentario de Jon M. Chu, un interesante making of de 51 minutos, varias featurettes más y la versión Sing-Along del filme.

THE RUNNING MAN

Dir. Edgar Wright

Rep. Glen Powell, Alyssa Benn RU / 2025 / Paramount / 7 mar

Adaptación de la novela de Stephen King y, al mismo tiempo, remake de la película ochentera Perseguido protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Bien de extras.

EL DIABLO SOBRE HIELO

Dir. Joey Palmroos

Rep. Alexander Arnold, Jussi Lampi, Fin / 2024 / A Contr. / 10 mar

Nominada a mejor película en Sitges 2025, un ejemplo del cine más cafre que viene del norte de Europa, suerte de El diablo sobre ruedas a -5ºC. Con 18 minutos de entrevistas.

ELÁSTICA [AÑO CERO]

Dir. Varios

Rep. Renate Reinsve, Adam Driver, P. Mescal, M. Cotillard

Elástica

5 marzo

La distribuidora independiente Elástica, escisión de Avalon dirigida por Enrique Costa, celebra su quinto año de vida con un pack que componen cuatro títulos que han sido cuatro éxitos del mercado independiente: Annette, Drive My Car, La peor persona del mundo y Aftersun. Solo Aftersun había sido editada previamente en Blu-ray, así que es una oportunidad para hacerse con estos títulos de culto.

ESCÁNDALO

Dir. Akira Kurosawa

Rep. Toshirô Mifune, S. Yamaguchi

Japón / 1950 / A Contr. / 10 mar

A Contracorriente sigue recuperando en formato Blu-ray la filmografía de Kurosawa, aquí con un curioso filme a propósito de los límites de la libertad de prensa.

EL DESPRECIO

Dir. Jean-Luc Godard

Rep. Brigitte Bardot, Fritz Lang Francia / 1964 / Divisa / 16 mar

Curiosa portadilla de presentación para esta reedición en Blu-ray del título de Godard que ayudó a cimentar el mito erótico alrededor de Brigitte Bardot.

GAUA

Dir. Paul Urkijo Alijo

Rep. Yune Nogueiras, Elena Irureta España / 2025 / Divisa / 7 mar

Edición coleccionista con versiones en color y bn de la película y un disco solo con extras, para una cinta que representa la caza de bujas en los montes vascos en el siglo XVII.

ZOOTRÓPOLIS 2

Dir. Jared Bush y Byron Howard EE UU / 2025/ Disney 7 mar

La película que ha definido el diseño de escenarios de Disney-Pixar en la última década estrenó este año una secuela a la altura. Se echa de menos la edición en UHD.

ANACONDA

Dir. Tom Gormican

Rep. Paul Rudd, Jack Black EE UU / 2025 / Columbia / 25 mar

Como en Rebobine por favor, Jack Black le hace, de risas, un homenaje al cine. Dos amigos maduritos plantean un remake de su peli favorita, Anaconda, y la cosa se va de madre.

FIVE NIGHTS AT FREDDY’S

Dir. Emma Tammi

Rep. Josh Hutcherson, Piper Rubio EE UU / 2025 / Universal / 25 mar

Pese a ser un horror de soft gore adolescente, la primera fue tan bien a nivel de taquilla que la cosa ha dado para una segunda entrega y hasta ediciones en UHD.

HONEY DON’T

Dir. Ethan Coen

MOUSE: P.I. FOR HIRE

Rep. Margaret Qualley, Aubrey Plaza

EE UU / 2025 / Universal / 25 marzo

Ni la presencia de la divina Margaret Qualley sirve para rescatar este ejercicio de cine negro con menos gracia de aquella a la que Ethan Coen nos tiene acostumbrados.

Fumi Games / : PC, PS5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S / 19 marzo

FPS con toques de immersive sim y ambición artística desmedida, ambientado en una película clásica de animación de los años treinta y con un llamativo énfasis en la violencia gratuita, estilizada a través de caricaturas archiconocidas en el ideario colectivo. El nuevo Cuphead de los boomer shooters.

MARATHON

Bungie : PC, PS5

5 marzo

Antes de Halo y Destiny, Bungie se hizo un hueco en la industria con una trilogía, Marathon, de extraction shooters brutalistas con estéticos retrofuturistas y Acid Graphics. Ahora vuelve renovada.

POKÉMON POKOPIA

Koei Tecmo : Nintendo Switch 2

5 marzo

La cozymanía es real, y uno de los nichos más masivos y rentabilizables de la industria hoy: la nueva prueba es este farm simulator de Pokémon que se acerca más a Viva Puñata que a Animal Crossing

FATAL FRAME II: CRIMSON BUTTERFLY REMAKE

Koei Tecmo

: PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 12 marzo

Reimaginación del Project ZERO original de 2003, un juego que reinventó el terror a través de la lente de una cámara fotográfica siguiendo las guías del found footage y El proyecto de la Bruja de Blair

MONSTER HUNTER STORIES 3: TWISTED REFLECTION

Capcom : PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 13 marzo

La saga de Capcom es otra de sus minas de oro, y se abre a todo tipo de gameplays y tendencias a través de spin-offs: esta vez, con un simulador de captura rollo Pokémon

DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH

Kojima Productions : PC 19 marzo

Esta vez los jugadores de PC no han tenido que esperar tanto para disfrutar del último fumadote de Kojima. Llega de base: nada de nuevo contenido ni Director's Cut. No importa: increíble videojuego.

LIFE IS STRANGE: REUNION

Deck Nine Games : PC, PS5, Xbox Series X/S 26 marzo

Enésima entrega de la saga de aventuras narrativas de Square Enix, que se pliega al clamor popular de reunir a sus dos protagonistas más icónicas y cruciales. Secuela directa de Double Exposure

LANDING LIBROS

BUSCANDO A ROSALÍA

O. Rodríguez, Y. S. Iborra / Libros del Kultrum / 192 p. / Bio

¿Por qué Rosalía provoca tanto entusiasmo, curiosidad e incluso polémica entre la gente? Con pulso periodístico, esta búsqueda de respuestas puede servir de lectura profunda para fans que quieren ir más allá de sus canciones: no es una biografía al uso, sino un libro que intenta capturar el impacto cultural, estético y simbólico de Rosalía como fenómeno global.

YURENA

Yurena

Magazzini Salani

208 p. / Bio, no ficción

Penúltimo intento de la que fuera icono pop allá en los dosmiles por encontrar la tranquilidad mediática, tras haber sufrido una vida repleta de marcianadas.

DEL BARRO AL POEMA

Sandra Delaporte

Lunwerg

208 p. / Poesía urbana

Las pequeñas conquistas de Sandra, vida de artista, cantante, poeta, mujer, escritas con humildad, reparadoras y acompañadas de dibujos. Dietario lírico.

LAS TARÁNTULAS

Elaine Vilar Madruga

Letraversal

56 p. / Poesía

La autora cubana nos regala confluencias de terror y lírica, de quietud y movimiento, en versos tan libres como femeninos. Las arañas también son creativas.

LOS CREYENTES

Diana Walsh Pasulka

Errata Naturae

264 p. / Ensayo

Cosmonautas psíquicos, ángeles tecnológicos, ovnis y ricachones de Silicon Valley comparten una nueva religión, la que investiga la reputada autora del libro.

NÓMADAS DIGITALES

VVAA

Catarata

176 p. / Ensayo

Quizá ya lo sabes: en la era de la economía online, un repartidor en patinete y un nómada digital comparten más desgracias de las que a priori pudieran pensar.

MIERDIFICACIÓN

Cory Doctorow

Capitán Swing

376 p. / Ensayo

De las malas artes de las plataformas para dominar el mundo a su antojo, o cómo las redes sociales acaban siendo redes fecales para perjuicio del usuario.

DAVID LYNCH

Tom Huddleston

Cúpula

240 p. / Arte, Cine

No solamente se detiene en la desbordante creatividad de nuestro admirado genio, también aborda alguna de las influencias que le inspiraron.

FÍSICA DE LA TRISTEZA

Gueorgui Gospodínov

Impedimenta

304 p. / Novela

La segunda novela del autor búlgaro lo situó entre los imprescindibles del siglo 21. Su "Yo somos" es toda una declaración de fuerza de la memoria.

LAS CINCO HERIDAS

Kirstin Valdez Quade

Nórdica

536 p. / Novela

Cinco generaciones de la familia

Padilla y una herida que no termina de cerrarse. El dolor no lo da la herida física, sino el sinsentido del sufrimiento.

LA GRIETA

Rodrigo Gervasi

Sexto Piso

120 p. / Novela

Piso compartido en Madrid y una vida a medio hacer puede traer grandes alegrías o penas que, como grietas, abren paso a emociones poco deseadas.

LA BELLEZA DEL DESASTRE

Miryam Hache

Jekyll & Jill

192 p. / Novela

Un debut que levanta polvareda, como buena novela de carretera. Escritora y pintora, primas, huyen de Barcelona ante la amenaza de una nube tóxica.

LA MEMORIA ES UN ANIMAL ESQUIVO

María del Mar Ramón

AdN

264 p. / Novela

La autora colombiana nos introduce nuevamente en la experiencia íntima de sus personajes, en una casa y sus recuerdos.

LA NOCHE DEVASTADA

Jean-Baptiste Del Amo

Seix Barral

440 p. / Novela, thriller

Otra casa abandonada, pero esta produce monstruos. Jóvenes inmersos en la cultura pop 90s se aventuran a entrar en ella, con terrorífico resultado.

LA BOCA LLENA DE TRIGO

Mayte Gómez Molina

Anagrama

216 p. / Novela

¡Qué duro resulta pintar por obligación! Igual que hacerlo sin límites, y sin alma. Debut que bosqueja la pintura y su mundo. Y emborrona la meritocracia.

BOKEN SHONEN: SUEÑOS DE INFANCIA

Mitsuru Adachi

Distrito Manga

204 p. / ByN / 9,95 €

Tomo único de una obra

inédita del gran Mitsuru Adachi (Bateadores) sobre la magia de la juventud cuando todos los sueños están aún por cumplir.

EL DIARIO DE UN DEMONIO

Park Kun-woong

Tengu Ediciones

400 p. / ByN / 35 €

Tras el éxito de crítica de Las personas de los apartamentos dorados, Tengu vuelve a editar otra obra del coreano, esta sobre la Masacre de la Liga Bodo.

EL DIARIO DE SAMUEL

Émilie Tronche

Salamandra Graphic

324 p. / ByN / 24,95 €

Ahora que se ha convertido en un éxito en Netflix, Salamandra rescata el cómic infantil que inspiró la fabulosa serie animada francesa-española-catalana.

DRAMA QUEEN

Kuraku Ichikawa

Ivrea

200 p. / ByN / 9,90 €

La Pluribus del manga actual. Los extraterrestres conviven en paz con los humanos en la Tierra hasta que una joven descubre una anomalía.

JUGANDO A BOLOS CON CADÁVERES

Mike Mignola

Norma Editorial

112 p. / Color / 28 €

Mignola vuelve tras Hellboy en el infierno y el Outverse de Baltimore con una mitología inspirada en el folclore popular.

LOS MISTERIOS DE LA RESIDENCIA KAIKA

Ameishi

Milky Way

296 p. / ByN / 17,95 €

Los japoneses y la arquitectura del misterio, desde Junji Ito y La habitación con cuatro paredes hasta la reciente Strange Houses

BREAKDOWNS

Art Spiegelman / Reservoir Books / 80 p. / Color / 29,90 €

Casi cincuenta años después de la primera recopilación de la obra temprana de Spiegelman que publicó Reservoir Comics, nos llega este nuevo volumen que crece hasta las 80 páginas en una edición restaurada con novísimo-antiguo material, páginas publicadas en el New Yorker o en Virginia Quarterlu Review. Si no tienes el original corre a las librerías a buscarlo. Historia viva del cómic.

MOBILIS. MI VIDA CON EL CAPITÁN NEMO Juni Ba Dibbuks

160 p. / Color / 23 €

Sigue inédito el alucinante Boy

Wonder del senegalés Juni Ba, pero ya tenemos aquí su steampunk distópico inspirado en 20.000 leguas de viaje submarino

NO SOLO TIEMBLA

Ramon Ricart

Bang

152 p. / Color / 20,80 €

Tras narrar su experiencia con la enfermedad del párkinson en Tiembla (2022), Ricart entrevista a nueve jóvenes con la misma enfermedad que él.

ANATOMÍA DE UN ESQUELETO

Pep Brocal

Astiberri

256 p. / Color / 28 €

Brocal vuelve a las historias moralistas tanatológicas tras aquella maravilla llamada Inframundo con un comic oscuro, tierno, esperanzador en su misantropía y tan autoficticio como universal sobre un dibujante de cómics que muere sin haber editado su última obra.

LA NUEVA ARCADIA

Juanjo Rodríguez J. Nuevo Nueve

156 p. / Color / 30 €

El toledano Juanjo Rodríguez J. debuta con una obra surrealista sobre los peores años del pelotazo del ladrillo en la costa mediterránea.

PIZZA GOBLIN

Sergio Morán, Laurielle

Grafito Editorial

112 p. / Color / 18 €

Morán y Laurielle vuelven a sus divertidísimos mundos fantásticos medievales con un cómic-juego al más puro estilo

Elige tu propia aventura. Risión.

SLEEPERS FABLE Luis NCT Fandogamia

200 p. / ByN / 15 €

Se recupera un clásico de principios de los dosmiles. Una de las primeras obras de Luis NCT, sobre un mundo futuro en el que no se recuerda el pasado.

VIENE DEL ESTE

Antonio J. Jiménez

Blackie Books

144 p. / Color / 26,90 €

Más debuts nacionales que se acumulan en marzo de 2026: esta alucinante novela gráfica sobre el inminente fin del mundo con un estilo visual brutal.

29 FESTIVAL MÁLAGA

VARIAS SALAS (MÁLAGA)

Del viernes 6 de marzo al domingo 15 de marzo

CALLE MÁLAGA / ALTAS CAPACIDADES / DESPUÉS DE KIM / CORREDORA / IVÁN & HADOUN / LA BUENA HIJA / LAPÖNIA / MALA BÈSTIA / MI QUERIDA SEÑORITA / PIONERAS. SOLO QUERÍAN JUGAR / PIZZA MOVIES / YO NO MORIRÉ DE AMOR / ÁNGELES / EL CORAZÓN DEL LOBO / EL GUARDIÁN / EL JARDÍN QUE SOÑAMOS / HANGAR ROJO / JUANA / LA MUJER DE LA FILA / LA HIJA DEL CÓNDOR / MIL PEDAZOS / NEURÓTICA ANÓNIMA

En marzo, la cinefilia apunta al sur. El Festival de Málaga mostrará en su 29ª edición la diversidad del cine en español, con una programación que acogerá 263 audiovisuales entre todas sus secciones (largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes, series de TV, etc) y una gran variedad de contenidos y actividades paralelas para todos los públicos. La Sección Oficial a concurso incluirá 22 películas (12 españolas y 10 latinoamericanas). A ellas hay que sumar 20 películas (18 españolas y 2 latinas) en sección Oficial no competitiva, incluida la clausura. Algunos debuts, como el de Ian de la Rosa con su ya premiada en otros festivales Iván & Hadoum (en la foto), recibirán nuestra especial atención.

SALA WURLITZER MARZO 2026

MAZO MADRID: OH HE DEAD Lunes 2

TOTAL CHAOS + JAWLESS + VISAJE Jueves 5

LONE WOLF + SEÑORA! Viernes 6

CABALLO TRIPODE + TZE TZE Sábado 7

DEA MATRONA Lunes 9

HUMOUR Martes 10

MISS PENAS +7COLORS Jueves 12

MAZO MADRID: USTED Viernes 13

THE SECRET SOCIETY + TUYA + I AM DIVE Sábado 14

MEDIODIA + A.I. Domingo 15

FESTIVALES

POEX 2026

Varios espacios (GIJÓN)

Del 12 al 21 de marzo

El ciclo de lenguajes poéticos que ya se ha hecho un hueco en la ciudad asturiana vuelve dando espacio llamativo a un aspecto habitualmente descuidado y poco visibilizado: la traducción. Poetas lost in translation, charlas y mesas redondas, homenajes y encuentros, y hasta un concierto, forman POEX. https://www.gijon.es

CONCIERTOS

NICK WATERHOUSE

Fun House. Madrid. Lunes 2

Kafe Antzokia. Bilbao. Martes 3

DEPRESIÓN SONORA

La Riviera. Madrid. Jueves 5

Teatro Albéniz. Gijón. Sábado 7 Capitol. Santiago. Domingo 8

DEI V

Movistar Arena. Madrid. Viernes 6

Live Sur Stadium. Sevilla. Sábado 7

Palau Sant Jordi. Barcelna. Domingo 8

NILS HOFFMAN

Upload. Barcelona. Miércoles 18 Villanos. Madrid. Jueves 19

THE WAVE PICTURES

Desierto Rojo. Valladolid. Jueves 12

Sala Zero (Es Gremi). Mallorca. Viernes 13

La Lata de Bombillas. Zaragoza. Sábado 14 Villanos. Madrid. Lunes 16 Razzmatazz 3. Barcelona. Martes 17

DEKORA + ABRIL D'SOLA Miércoles 18

FRENCH POLICE + SAD MADONA Jueves 19

NO QUIERO + LOS MAGNETICS Viernes 20

DESOLATED + AGGRESIVE & VOICELESS + SOUTH MISERY Sábado 21

FIESTA EL ELEMENTO Domingo 22

SODAKILL + MATAME CAMION Lunes 23

Kafe Antzokia. Bilbao. Miércoles 18

Stereo Rock & Roll Bar. Logroño. Viernes 20 Dabadaba. San Sebastián. Sábado 21

BAD GYAL

Palau Sant Jordi. Barcelona. Viernes 20, sábado 21 y domingo 22

BIZNAGA

La Riviera. Madrid. Viernes 27 y sábado 28

J.I.D. + MICK JENKINS

La Riviera. Madrid. Domingo 29 Razzmatazz 1. Barcelona. Lunes 30

ROSALÍA

Movistar Arena. Madrid. Lunes 30

EXPOSICIONES

EN CONSTANTE MOVIMIENTO

Espacio Gancedo (MADRID)

Hasta el 31 de marzo

La artista española Koral Antolín (n. 1989) fusiona tradición y experimentación y presenta -dentro del marco de Madrid Design Festival 2026- una muestra de obra textil contemporánea donde explora dinámicas visuales y sensoriales a través de fibras, texturas, volumen y movimiento. La artista trabaja con materiales como la lana o el algodón, y emplea técnicas como el bordado, el punch needle y los apliques, creando piezas que combinan abstracción orgánica con una constante intensidad táctil. Esto quiere decir que sus obras no solo se ven, sino que también incitan a palpar y a encontrar la sensación física que solo las fibras pueden ofrecer. https://madriddesignfestival.lafabrica.com

TENEMOS DIECISIETE AÑOS

CCCB (BARCELONA)

PERVERSO Martes 24

STEREOLIKES Miércoles 25

FUENTE NUEVA + NORMA HAIKU + WAITFORME Jueves 26

KANTE PINRELICO Sábado 27

SUDOR + ATOMIZADOR + LA URSS Domingo 28

JOTA SHOUND Martes 31

Del 6 de marzo al 17 de mayo

Hey, no es que nadie tenga que explicarte qué significa, hoy, vivir la adolescencia, pero si acudes a contemplar esta exposición quizá veas un espejo en el que reafirmar tu experiencia. Este retrato colectivo pone al alcance de cualquiera los lugares y vivencias de más de trescientos jóvenes que han capturado (en fotos y vídeos) su entorno, su manera de mirar, de expresarse, de sentir, inspirándose en los retratos que el cineasta Johan van der Keuken realizó a su grupo de amigos cuando tenía diecisiete años, en 1955.

Durante dos años, grupos de estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía han participado en talleres de creación fotográfica y artística que derivaron en esta muestra. Por el camino, fotógrafos, artistas visuales, cineastas y dramaturgos como Ingrid Ferrer, Tanit Plana, Mònica Roselló y Berta Vicente Salas, Xavi Bobés, Jaume Claret Muxart, Raquel Cors Munt, Pep Garrido, Mikel Gurrea, Martí Madaula, Sergi Portabella y Jaime Puertas Castillo aportaron sus consejos. https://www.cccb.org

PEDAGOGÍAS DE GUERRA

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (MADRID)

Del 3 de marzo al 31 de mayo

Imagínate ser joven, artista, y vivir en una ciudad en guerra, en permanente estado de sitio. Los ucranianos Roman Khimei & Yarema Malashchuk lo padecen, y gracias a la Fundación TBA21, y bajo la curaduría de Chus Martínez, comparten sus experiencias con una muestra audiovisual que permite entender cómo la rutina, la vida cotidiana, a las que en abstracto sueles denominar "democracia", quedan rotas bajo la violencia y la incertidumbre, y cómo la guerra va colándose en la manera de vivir, de dormir, de pensar, de sentir, no solo de la población bombardeada, sino de los propios artistas. Usando metraje de cámaras de videovigilancia en Kiev, o sus propias grabaciones, la pareja nos trae una lección brutal de empatía. https://tba21.org

Programación de marzo 2026

Madrid

III Festival de Cine Fantástico Europeo

SOMBRA Madrid

Incluye proyecciones de películas y estrenos, charlas, homenajes y la sección profesional MADD FILM MARKET

Del 3 al 7 de marzo

16.30h, 19.00h y 20.30h

Entradas: 3,50 euros

Homenaje a Marta Valdés

Un tributo a una de las compositoras más importantes de Cuba. Con la exhibición de un documental, la presentación de un libro y los conciertos de Liuba María Hevia, Martirio & Raúl Rodríguez, Idania Valdés e Ivette Cepeda

10 y 11 de marzo

Triple sesión; consultar programación

Entradas: 6,50 euros por sesión

NOW AND THEN

Centro de Fotografía KBr (BARCELONA)

Hasta el 24 de mayo

Hay maestros de la fotografía que deben ser revisados cada cierto tiempo, y Walker Evans (San Luis, Misuri, 1903-New Haven, Connecticut, 1975) es uno de ellos. Su estilo documental ha inmortalizado alguna de las mejores imágenes del siglo XX, y disfrutarlas hoy en sala de exposiciones es un lujo que no hay que desperdiciar. Como dice la hoja de sala, Evans "trabajó con todos los formatos de cámara y fotografió numerosos temas de maneras muy diferentes, desde subrepticias tomas callejeras hasta meticulosos y exigentes estudios de arquitectura. Incorporó los avances artísticos y técnicos, y al final de su vida exploró las posibilidades de la cámara Polaroid. Lo curioso es que la programación de KBr une la obra de este clásico internacional (Evans) con la de otro maestro de la fotografía española, Pérez Siquier, también expuesto y revisable, ofreciendo una experiencia complementaria que recorre distintos enfoques de la fotografía como documento social y como arte visual. https://kbr.fundacionmapfre.org

BEYOND THE FAÇADE

Casa Batlló (BARCELONA) Hasta el 17 de mayo

El Año Gaudí 2026 tiene a la ciudad volcada en la arquitectura y sus desviaciones, y su programa de actividades da cabida a esta exposición inmersiva de arte contemporáneo creada por el estudio londinense United Visual Artists (UVA), liderado por Matt Clark. Quien ascienda a la segunda planta de la casa y se sumerja en ella explorará y experimentará los juegos audiovisuales y esculturas cinéticas que, quizá sin ser consciente, posibilitó Gaudí en este lugar para jugar con la luz, la oscuridad y el "orden oculto" del genial arquitecto. La exposición ahonda en la transición del día y la noche, la luz y la sombra, rindiendo tributo a la genialidad de Gaudí en colaboración con artesanos y diseñadores. https://contemporary.casabatllo.es

Premios Ruido

12 de marzo

Entrada libre con invitación

Ciclo de música:

Nuevos Territorios por… Pedro Ojesto

Conciertos de Dead Robot, Josemi Garzón

Quintet, Fernando Favier y Salvia Nueva

13 de marzo – 19.30h

14 de marzo – 20h

Entradas: 6,50 euros

ARTES ESCÉNICAS

ART Sala Ars (BARCELONA)

Días 8, 12, 20 y 26 de marzo

Art, de Yasmina Reza, es la gran comedia dramática sobre la amistad y el gusto. Adaptada al catalán por Jordi Galceran y dirigida por Albert Pueyo, la trama arranca cuando Serge compra un cuadro moderno extremadamente caro: un lienzo casi blanco. Su amigo Marc rechaza la obra, la considera un bluf, lo que terminará por desencadenar una discusión profunda sobre qué es el arte y cómo valoramos las cosas, pero también sobre las inseguridades, prejuicios y tensiones personales entre amigos. Un tercer amigo, Yvan, intenta mediar entre ellos, pero termina atrapado en el conflicto. La obra usa ese cuadro como detonante para explorar cómo una simple diferencia de opinión puede poner a prueba la lealtad y la complicidad entre amigos. https://www.salaarsteatre.com

RI TE

Contemporánea Condeduque (MADRID)

Días 20 y 21 de marzo

Coreógrafa caboverdiana y bailaor sevillano llegan juntos por primera vez a Madrid para mostrar su arte en escena, un encuentro vivo entre dos universos artísticos que se fusionan y se desafían. La danza visceral y libre de Marlene Monteiro Freitas y el flamenco radicalmente reinventado de Israel Galván funden dos lenguajes corporales muy distintos, maravillosos. En escena, los dos intérpretes se enfrentan y dialogan a través de movimientos precisos, silencios, interrupciones y gestos, mezclando humor, tensión y ritmo. El resultado es una obra que desdibuja normas tradicionales y desafía las convenciones del género, y explora nuevos códigos expresivos a través de dos cuerpos. https://www.condeduquemadrid.es

Ciclo de danza:

Bailar en la Berlanga 2026

Con IN-SIDE de Lucia Montes & Mado

Dallery; EIXOS Live Setx de Cia Agnès Balfegó Brull; AURORO (work in progress) de CÍA. PABLO EGEA; Meohadim de Cia Jacob

Gómez, SÍNCOPE de Compañía Miguel

Perandrés y EL VUELO de Ana Arroyo

Del 17 al 21 de marzo

19.30h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo de cine de producciones recientes

Del 24 al 28 de marzo

Consultar horarios

Entradas: 3,50 euros

EL DÍA DEL WATUSI

Gran Teatro (CÓRDOBA)

Día 27 de marzo

La adaptación teatral de la trilogía que consagró al escritor Francisco Casavella, dirigida por Iván Morales, es una larga, inmensa, intensa fiesta escénica que retrata desde el humor, con música en directo y a modo de crónica social, la Barcelona que transita desde el tardofranquismo a los Juegos

Olímpicos del 92. Siguiendo los pasos de la obra escrita, la acción aborda la vida del bueno de Fernando Atienza, un joven barcelonés, y se despliega en tres actos marcados por tono y forma cambiantes: Los juegos feroces abre con ritmo de concierto caótico donde la música, los personajes y la escena se funden; Viento y joyas intensifica la teatralidad con una puesta más barroca y alucinada; finalmente, El idioma imposible se vuelve introspectivo y casi musical, recomponiendo la banda original y cerrando la travesía con un clímax que nos sitúa, tras algunas horas de interpretación, en el presente. https://teatrocordoba.es

INVOCATION

Teatro Pradillo (MADRID)

Días 19, 20 y 21 de marzo

La compañía de Carmela Muñoz presenta su última investigación performativa, cuyo eje de estudio son los cuerpos de la danza posmoderna, una especie de all star histórico formado por Steve Patxon, Yvonne Rainer y Trisha Brown

A través de estas tres figuras legendarias y desde el flamenco, INVOCATION propone un recorrido basado en la exploración física y mística, a modo de una danza de la invocación, que desemboca en el cuerpo presente, intuitivo y espontáneo, en el que las fronteras entre danza posmoderna y flamenco quedan difuminadas. A través del espacio sonoro generado se ofrece un paisaje poético en el que confluyen la danza posmoderna y el flamenco. O lo que es lo mismo: se abre el misterio de un ritual y surge el hábitat para una danza del futuro. https://www.teatropradillo.com

ALL ABOUT LOVE

Grand Palais (PARÍS)

Hasta el 5 de abril

Plantarse ante uno de los grandes collages de Mickalene Thomas es hacerlo ante la Historia de la Humanidad, y para eso hay que prepararse a conciencia. El trabajo de la de Nueva Jersey tiene algo de artista y algo de artesana, algo de historiadora y algo de visionaria. Su reinterpretación del arte occidental pasa por el agradable reto de elogiar la belleza recurriendo a la identidad y la poderosa presencia de mujeres negras en todas sus obras. Su elección de colores explosivos, texturas llamativas, ornamentación brillante, strass, lentejuelas y leves detalles inspirados en la cultura pop y el Blaxploitation golpean las influencias de Manet o Matisse hasta tumbarlos en la lona.

Desde AIE damos las GRACIAS a todas las salas de conciertos, por abrir sus puertas al circuito de música en directo AIEnRUTa-Artistas durante estos 30 años.

¡Por muchos años más trabajando juntos, apoyando la música emergente y conectando talento con nuevos públicos!

TODA LA INFORMACIÓN EN WWW.AIE.ES AIE n RUTA ARTISTAS

PROGRAMACIÓN ARTISTAS

MARISA VALLE ROSO

jueves 5

Mardi Gras / A Coruña

viernes 20

El Volander / Valencia

ISLA KUME

sábado 7

Vol / Barcelona

sábado 14

Código 23 / Gijón

jueves 19

Dabadaba / San Sebastián

MAD MARTIN TRIO

sábado 7

Genius / Huesca

miércoles 18

Euterpe / Sant Joan D’Alacant

CALEQUI Y LAS PANTERAS

viernes 13

Clavicémbalo/ Lugo

sábado 14

A Pousada / Boiro

sábado 21

Informal / Tafalla

EN RUTA MAR 2026

SÜNE

viernes 13

Potemkim / Salamanca

sábado 14

El sol (inverfest) / madrid

jueves 26

Gran Café / León

viernes 27

Casa Das Crechas / Santiago De Compostela

ESCANDALOSO XPÓSITO

sábado 14

El Náutico / San Vicente Do Mar

SALVAR DOÑANA

viernes 20

Boogaloo / Cáceres

VICTORIAS

viernes 20

Cotton Club / Bilbao

THE NEW RAEMON & McENROE

viernes 27

Off Cultura / Badajoz

sábado 28

Espacio Belleartes / Cáceres

BROMO

Teatros del Canal (MADRID)

31 de marzo

Lo que hace el dúo Bromo era de otra galaxia hasta que la pareja de artistas lo trajo a la Tierra. Su viaje sonoro y visual incita a pensar y sentir con ayuda de sonidos contundentes, exquisito noise, secuencias sci-fi y paisajes digitales que dialogan entre sí, provocando la reflexión activa entre el público. Paloma Peñarrubia (compositora y productora) y Azael Ferrer (artista multimedia) fusionan electrónica IDM, texturas orgánicas y arte generativo en directo. En este CRISPR, The Pattern of Life exploran cuestiones científicas y éticas de la biotecnología a través de visuales y conceptos sonoros intensos que conectan con la biología sintética y el futuro de la humanidad.

CURRO · Dios Dirá, Dios Proveerá