NUEBO #41 FEBRERO 2026

DANNY L HARLE

MARTY SUPREME

PING PONG

LITTLE AMÉLIE

8 - 11 • JULY 2026

WEDNESDAY

THURSDAY

VOL. 41

FEBRERO 2026

LITTLE AMELIE

RECUERDOS DE INFANCIA

ROMAN KHIMEI & YAREMA

MALASHCHUK

WAR ART

FIESTA EN LA BATCUEVA 32 42 36

DANNY

L HARLE SÓNAR

51 DANI DICOSTAS

NUEVA TEMPORADA

EDITORIAL

El pasado mes de enero, entre diversos actos conmemorativos por el décimo aniversario de su muerte, Movistar+ estrenaba el documental David Bowie: el último acto, producido por Rogan Productions (Abba. Contra todo pronóstico y Freddie Mercury: The Final Act) y dirigido por Jonathan Stiasny (Twitter revelado). Más allá de su valor puramente cinematográfico -no deja de ser el clásico documental con imágenes de archivo y bustos parlantes-, la novedad radica en el momento de la carrera de Bowie en que pone el foco. Estamos acostumbrados a los títulos que se centran en los años de gloria del artista, la década de los setenta y, más concretamente, el periodo que arranca con el éxito de Space Oddity y termina con la trilogía de Berlín. Un periodo convulso en lo musical -del hippysmo al advenimiento del punk- que Bowie afrontó con constantes cambios de imagen, en una sucesión de etapas artísticas inéditas en la historia del pop. En vez de esto, el director elige otro momento en la carrera del Duque Blanco: sus puntuales éxitos comerciales en los años ochenta que derivaron en una crisis

UNA MENTE MARAVILLOSA AUSTRA

GUS

CANCIÓN MELÓDICA

AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS

48 68 ELSAS

MARTY SUPREME

creativa que le llevó en los noventa a ser maltratado por la crítica, despedido por su sello de toda la vida y a desarrollar en los siguientes años una carrera guadianesca con guiños a diferentes movimientos musicales alternativos -el indie de Pixies o la eclosion clubber y el drum’n’bass en UK-. El renacimiento de Bowie en 2013 con el autoguiño a sus mejores años en The Next Day, y su testamento definitivo, Blackstar, ha vuelto a imponer el discurso del Bowie camaleónico y hacedor de éxitos a lo largo de casi cinco décadas, pero la realidad resultó mucho más cruel.

Trasladado a nuestro tiempo, El último acto deja una reflexión interesante, y es cómo van superar el paso del tiempo los artistas de una generación como la actual, marcada por la voracidad consumista y la caducidad. Si hasta David Bowie cayó en la depresión tras perder su lugar central en el pop cuando aún no había cumplido los 40 años, qué va a ocurrir con aquellos artistas apegados a la tendencia y víctimas del narcisismo cuando apenas han llegado a rozar el éxito con la yema de sus dedos.

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Sita Abellán (Leïti), Ronan Park (Danny L Harle). www.nuebo.es / @somosnuebo

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COSTELLO RÍO

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DRØMME KAFFE HOUSE

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MATADERO MADRID

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MURCIA

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GIJÓN

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DOVE ELLIS

Escuchar a Dove Ellis por primera vez se convierte en un juego de adivinanzas: ¿es joven? ¿Es de otra época? ¿Suena como un cantautor que escuchaba mi padre? Sin embargo, Ellis cuenta con tan solo 22 años. Con un puñado de actuaciones en pubs de Londres y Manchester a sus espaldas, su mayor hito hasta la fecha ha sido telonear a los neoyorquinos Geese. Pero, antes de eso, todo empezó en Bandcamp. Dove Ellis lanzó Blizzard, su álbum debut, un mes antes de que terminase 2025, y ya tiene a la crítica internacional aplaudiendo: The Guardian dice que su voz está instalada en un “falsete soñador”, y sus melodías podrían recordarnos a las de Van Morrison. En temas como Little Left Hope, con el que abre el disco, reflexiona con ironía sobre la creación de un proyecto musical: “Tal vez empecemos una banda con el extraño que te tiene que gustar porque sabe tocar la batería”. Apuesto a que si algún artista o aspirante a serlo está leyendo esto ahora mismo se verá reflejado en esta letra de nuestro protagonista irlandés. Esa forma peculiar que tiene de escribir y de mirar el mundo que ya estaba presente en su primera canción, To the Sandals, llamó pronto la atención de las grandes ligas. Pero él ha preferido mantenerse fiel a un sello independiente como Black Butter Records (J Hus, Jessy Blakemore) y confiarle el management a otro label clave del underground británico, AMF Records, algo así como la Sonido Muchacho londinense, independiente, pero en joint-venture con Universal, casa de Yazmin Lacey y plataforma de lanzamiento para Olivia Dean o Loyle Carner. Palabras mayores.

Un año más, Jägermusic presenta el roster con el que tomará salas, escenarios y festivales de todo el país: una selección valiente y versátil que recorre distintos ritmos y estilos, pero a cuyos representantes une la frescura y la convicción de que impulsándose desde abajo siempre se llega más alto.

Azuleja

La catalana se ha integrado como una más en la escena de El Royale, y junto a Roy Borland ha levantado uno de los proyectos pop más interesantes de nuestro país. ¿Disco?

l0rna

El año pasado dio un golpe en la mesa con uno de los debuts más contundentes del panorama trap reciente, y 2026 es el año de desplegarse con todo su poderío en directo.

Fresquito & Mango

El dúo de pop urbano y electrónico de Zaragoza apunta también a nuevo trabajo en 2026, esta vez siguiendo una vía completamente independiente y renovando su sonido.

Svsto

Tras la reveladora aventura de Las Bistecs en la década pasada, Carla Parmenter debutó en 2025 su nuevo proyecto en solitario para bailar sucio en un mundo entre dos crisis.

EZEZEZ

Los bilbaínos son parte de una generación de artistas vascos que se mueven entre la asimilación de sus topónimos musicales y la renuncia en favor de referencias globales, texturas electrónicas y flipadas psicodélicas.

Meritxell de Soto

La artista sonora, productora, dj y performer de Barcelona, residente del colectivo FLINTA*, explora en su música la relación entre la tecnología, el cuerpo y las dinámicas de poder.

El Virtual

El rap más ortodoxo se cuela también en la selección de Jägermusic a través del malagueño El Virtual, referente del hip hop underground de nuestro país la ultima década.

Kiliki

Después del pacto final que acabó de buenas con la Chill Mafia, Kiliki es uno de sus miembros con las cosas más claras. Iltze 1 (2025) es su primer EP en solitario, y el principio de muchas cosas emocionantes por venir.

LA NUEBA

NAZZZZ

La experiencia ultrapersonal de una chica con un Trastorno Obsesivo Compulsivo enfocado en las relaciones de pareja adquiere la lente de un pop experimental, fragmentado y etéreo en el proyecto de esta joven artista de Granada. HADA es su primer trabajo, un viaje emocional producido por Chico Blanco –si te preguntabas qué había sido de él, aquí tienes, en parte, la respuesta– en el que recorre la montaña rusa de sentimientos que ha sido su propio proceso: la euforia, el miedo, la locura, la disociación, la culpa, la duda, la fe. Encomendándose a una especie de Dios propio, una versión superior de sí misma que velara por su bienestar mental y emocional, la fe de la que NAZZZZ habla es, sin embargo, una manera de confiar en que es posible, por nuestros propios medios, salvarnos de cualquier abismo. Y en entenderlo, sí, hay un punto de trascendencia. “Este proyecto me ha ayudado a transformar mi manera de entender el amor, ya que, al comenzar a trabajarlo, pude observar cómo siempre había vivido desde la fragilidad el hecho de amar a los demás y a mí misma”, reconoce.

LOS NUEBOS

15 15

El quinteto francopolinesio es la nueva gran apuesta del novísimo sello parisino S76 (Mina Tindle, Kevin Heartbeats) tras varios EPs que les han convertido en uno de los proyectos más frescos e interesantes de la nueva música de raíz folclórica francófona, en constante reinvención electrónica y contemporánea. Su debut largo, Mārara, disponible desde el próximo 6 de marzo, confirma el hype en torno a una banda que puede hacer que una balada R&B de Drake suene como versionada por Adrianne Lenker de Big Thief -como sucede en Queen's Goodbye, demostración sobrada de la voz profunda de Julia-, que es capaz de abrazar las distintas brisas del pop urbano y la psicodelia cálida, y que también invoca un espíritu tropical que tiene tanto de Stromae -el belga parece una referencia más que clara para 15 15- como de los raperos del Norte de África y del dancehall púrpura y futurista. Una fantasía de polirritmias, cantos espirituales, experimentos electrónicos y ritmos diaspóricos contemporáneos moldeada por la herencia tahitiana de sus integrantes.

São Paulo X EL MUNDO

EL

MUNDO EMPIEZA EL AÑO A LO BESTIA, Y PARA NO DESENTONAR RECOMENDAMOS LA CIUDAD MÁS GRANDE DE LATAM. FEBRERO TRAE CONSIGO ALGUNAS EXCUSAS PARA SALTAR A ESTA URBE BRASILEÑA: LEJANÍA, BUEN TIEMPO, CARNAVAL, ECLIPSE SOLAR Y VARIOS RINCONES TEÑIDOS DE EXOTISMO MULTICOLOR. FRÍO INVIERNO EN MODO OFF.

TEMPERATURA

FEBRERO:

Max: 29°C

Min: 21°C

FESTIS Y EVENTOS

Además del Carnaval, con sus desfiles de escuelas de samba, blocos (fiestas callejeras) y eventos que llenan la ciudad de música y color, Bad Bunny, Kali Uchis o AC/DC pararán este mes en São Paulo.

Es pleno verano en São Paulo, ideal para experimentar la ciudad al aire libre: puedes acudir al Sambódromo, hacerte selfies en Largo da Batata y otras pintorescas calles de Pinheiros, pasear por el parque Ibirapuera, explorar el barrio vibrante de Vila Madalena, o arenales como Praia Grande

D-Edge es el club más icónico de Brasil, famoso por su diseño innovador y futurista. La noche siempre arrastra a gente VIP hasta él, y aunque ya hay quien recomienda la pista de nuevos clubes del barrio más cool del mundo, Barra Funda, si te va la electrónica debes pasar por él.

Descubre otros tips de la ciudad por tu cuenta, empieza tu aventura en este QR

Hay rincones de la ciudad que son auténticos museos. Y hay museos que sitúan a São Paulo entre las referencias del arte contemporáneo de América del Sur. El MASP, en la célebre Avenida Paulista, la Pinacoteca, el MIS, el Afro, OCA o incluso el del fútbol se completan con los murales callejeros de Vila Madalena o Cambuci (hogar de Os Gêmeos).

GUÍA PRACTICA

Comer: La Coxinha, una croqueta frita con pollo desmenuzado dentro de una masa suave, es uno de los snacks más populares en São Paulo y Brasil. Solo le hace sombra el típico Virado à Paulista

Dormir: Visitar el semicircular Hotel Unique, del reconocido arquitecto brasileño Ruy Ohtake, es casi obligatorio. Aunque luego te alojes en los hostales trendy de Vila Madalena, Pinheiros o Bela Vista

Leonardo Finotti

Salir: Acadêmicos do Baixo Augusta es un bloco joven y creativo, ideal para la fiesta pre-Carnaval. Urbano e inclusivo, con un espíritu que mezcla cultura pop, música y fiesta en las calles del Baixo Augusta.

Compras: rebuscar en Feira de Arte e Artesanato un sábado o domingo en la Praça da Liberdade, cerca de la estación de metro Japão-Liberdade, te llevará a una fusión asiatico brasileira muy singular.

NUEVO MES, NUEVO VIAJE MENTAL RECORRIENDO EL MUNDO EN BUSCA DE SONIDOS EXCITANTES: EN ESTA OCASIÓN NOS ENAMORAMOS DE UN COLECTIVO QUE QUIERE REVOLUCIONAR EL REGUETÓN MEXA Y DEL FUTURO DEL FOLK POP INDONESIO, COMO SE ENAMORA DESDE MARSELLA UN ESTADOUNIDENSE DEL FUNK RITMADO DE BRASIL O COMO SE ENAMORA UNA BRITÁNICA DE SUS REENCONTRADAS RAÍCES JAPONESAS. EL MUNDO, DICEN, ES UN PAÑUELO.

La

Obsesion

México

Algo así como La Mafia del Amor de México -Kaydy Cain colabora, de hecho, en el Vol. 1, su primera mixtape-, este colectivo parte del trap mexa, y entre algunos de sus miembros -de Onemillionkisses a Freddy Moreno y de Ca$h300 a Yeyopuede rastrearse esa adaptación pluggera y muy local que es el chugg, pero su gran revolución ha sido interiorizar lo mejor del reguetón puertorriqueño y ofrecer un híbrido perfecto. Un sonido que es ya atemporal, tan local como global, y que ellos tratan como si nunca hubieran escuchado ninguna de sus derivaciones formulistas. Solo pureza en un trabajo que ya apunta a nuevo clásico del reguetón, y que sin duda marca una nueva era para el reguetón mexa.

DJ

Ramon Sucesso

Brasil

Sexta dos Crias, pero sobre todo sus vídeos en Instagram, Twitter o TikTok manejando como un verdadero brujo hiperactivo una controladora casera y una mesa de mezclas, ya le situaron como el gran príncipe de una nueva ola, más frenética, escacharrada, experimental y distorsionada, del baile funk más característico de las favelas de Río de Janeiro. Su segundo volumen -Sexta dos Crias 2.0, lanzado el 16 de enero- actualiza el sistema operativo, rompe el espaciotiempo y distorsiona el universo.

Momoko Gill

Reino Unido / Japón

Después de presentar en 2025 un trabajo colaborativo con el mito de la electrónica británica

Matthew Herbert, Clay, y de trabajar -ya sea como vocalista, como baterista, como productora o como compositora- con Alabaster DePlume, Tirzah o Coby Sey y en la intersección entre la electrónica, la música experimental y el jazz, la artista japonesa afincada en Londres se reencuentra con sus raíces en un disco homónimo, Momoko, que supone su debut en solitario.

USA / Francia

La globalización que nos gusta: un tipo nace a las afueras de Boston, de padre brasileño y madre dominicana, se cría viviendo en varias ciudades de EE UU, viaja a Brasil y se enamora de su herencia cultural y de su música. Empieza a hacer beats en Ableton, termina produciendo con Ariana Grande, se ralla y se baja de la industria antes de montarse en la ola. Se muda a Marsella, reconecta con la electrónica desde el anonimato y a través de su amor por el funk mineiro y el sonido oscuro de Belo Horizonte, y le termina fichando Modern Love por unos temas subidos en SoundCloud. El resultado es un debut apasionante, Balança e paixão, contundente, pero a la vez etéreo y neblinoso.

Nadhif Basalamah

Indonesia

No ha cumplido los 30 pero Nadhif Basalamah (Yakarta, 1990) ya es uno de los artistas más grandes de Indonesia y de Malasia, lo que significa millones de oyentes, y además ha sabido coquetear a placer con la viralidad. Entre 2024 y 2025 ha desplegado su primer trabajo largo, Nadhif (laman berikutnya), en el que logra adaptar a la perfección el canon anglo de cantautor folk pop contemporáneo a los códigos estéticos y sonoros y el lenguaje locales.

LA NUEBA

EVA

VICTOR

Nacida en París en 1994, Eva Victor se crio, sin embargo, en San Francisco, donde se mudó su familia cuando era todavía una niña. Allí, y reteniendo además su origen francófono, empezó a formarse como actriz teatral, pasó por la universidad, hasta acabar en Nueva York para trabajar en la organización de educación artística para niños Story Pirates, un verdadero semillero para los narradores más jóvenes del país. Estando allí comenzó a coquetear con la viralidad con los vídeos irónicos de su cuenta personal de Twitter, llamó la atención de Buzzfeed, del New Yorker, de la MTV, y ascendió en el sitio de sátira feminista Reductress hasta el puesto de editora adjunta. Fue su paso haciendo contenido para Comedy Central lo que supuso su incursión definitiva en la industria audiovisual, y entre 2019 y 2021 la vimos ya debutar como actriz -con un rango muy amplio entre lo cómico y lo dramático- en las series Billions y Super Pumped y en el debut largo de Jonah Feingold, Dating & New York. Ahora se ha destapado también como una mordaz escritora y una cineasta genial: Sorry, Baby, su debut en la dirección y en la que también guioniza y actúa, coqueteando con la autoficción, trata con una sensibilidad única -con empatía, con hondura, pero también con ironía y con humor- el trauma que sucede a un abuso sexual. Producida por Barry Jenkins, director de Moonlight, se estrenó por todo lo alto en el Festival de Sundance alzándose con el premio a la Mejor película dramática en 2025, y conquistando incluso a Julia Roberts, que hizo un alto en su presentación de las nominadas a Mejor actriz de drama en los recientes Globos de Oro -donde Victor era candidata- para destacar su emocionante trabajo. Este febrero llega a los cines de nuestro país.

TODO SUENA EN ESPAÑOL PERO CASI NADA SUENA A ESPAÑA

Por: Lourdes Moreno Cazalla Investigadora musical

Poner una playlist como el top de canciones en España mientras vas al trabajo o al gimnasio es hoy un gesto rutinario. Las canciones se encadenan sin fricción: una bachata de voz caribeña, después un tema con cadencia de vals y letra de ranchera despechada, o una plena puertorriqueña con ecos de salsa, o un reguetón colombiano, o un trap latino de acento difícil de situar, quizá entre Argentina y Chile. Todo está en español. Muy poco suena al español de España. Lo curioso es que ya no produce extrañeza. Nadie se pregunta de dónde viene esa música ni por qué ocupa ese espacio. Esta amalgama de acentos son una lengua familiar, como lo es el ritmo que la ensambla. El español ha dejado de remitir a un territorio concreto para convertirse en una infraestructura cultural compartida por una cultura transatlántica. Esa escena cotidiana se repite millones de veces al día en España, en nuestras playlists, en nuestros móviles, en nuestros coches. Y es ahí donde se esconde la paradoja, porque nunca se ha escuchado tanta música en español como ahora en el mundo y, al mismo tiempo, nunca ha sido tan discreta la posición de los artistas españoles en las listas de éxitos, con las excepciones de colosos que han demostrado ser infalibles en la compleja actualidad como Aitana o Rosalía. No es una impresión generacional ni un lamento cultural. Es un dato.

El informe El español y la música en España: de exportar voces a importar éxitos (2025), publicado en octubre por el Observatorio Nebrija del Español, confirmó que siete de cada diez canciones que triunfan en España están cantadas en español. Sin embargo, el control simbólico se ha desplazado hacia lo latino. La evidencia muestra que el español en la música está conquistando el mundo. En las listas globales se consolida y en España es hegemónico.

La pregunta pendiente es si España aspira a ser algo más que un mercado. Durante décadas fue exportadora de pop y de imaginarios musicales, pero ese equilibrio se quebró con la digitalización cuando las músicas urbanas entendieron antes que nadie que el éxito se mide en presencia sostenida. La música popular sigue siendo uno de los instrumentos más eficaces de poder blando para definir imaginarios culturales y exportar identidades. A nivel global, el caso más indiscutible lo está protagonizando Bad Bunny. Quizás no sea una cuestión de intenciones de la industria española, tal vez solo de posición.

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EUPHORIA

La tercera temporada de Euphoria, la serie de Sam Levinson que es ya un referente generacional, tiene fecha de estreno: 13 de abril. Mientras esperamos, HBO Max ya ha compartido alguna de las imágenes de la misma, en la que puede verse, por ejemplo, a Rosalía con collarín o Sydney Sweeney convertida en perrita por obra y gracia de Onlyfans.

EL SECRETO DE SU ÉXITO

Carolina Durante pasan desde ya a alcanzar la categoría de "clásicos" del pop en castellano con la publicación de un libro analizando el fenómeno alrededor de su primer disco. Firma un ilustre del underground madrileño, Manuel Moreno (Walden, Gramaciones Grabofónicas), para la colección Cara B de Lengua de Trapo.

Harry Styles

Harry está de vuelta, reivindicando a LCD Soundsystem (con razón nos lo encontramos en un festival en Madrid hace dos veranos en el concierto de James Murphy) en un disco producido por Kid Harpoon y que verá la luz el 6 de marzo: Kiss All The Time. Disco, Occasionally.

III PREMIO SGAE DE FLAMENCO PACO DE LUCÍA

LA FUNDACIÓN SGAE, EN COLABORACIÓN CON LA AGENCIA ANDALUZA DE INSTITUCIONES CULTURALES Y LA FUNDACIÓN PACO DE LUCÍA, RECONOCE DESDE 2021 LA COMPOSICIÓN EN EL CAMPO DE LA GUITARRA FLAMENCA

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FINALISTAS COMPITEN EN LA FINAL DEL 4 DE FEBRERO EN SEVILLA, Y ALGUNOS DE ELLOS SON, ADEMÁS, LA NUEVA

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Luis Medina

Curtido en mil escenarios, en dos de los tablaos más importantes del legado flamenco -El Arenal y Los Gallos, en Sevilla-, en festivales y bienales de todo el mundo y con artistas como Antonio Canales, El Junco, Gema Moneo, José de la Tomasa o Rocío Luna, este guitarrista cordobés nacido en 1990 es uno de los más prometedores de su generación. Lanzó su primer disco, Movimiento, en 2020, y tuvo buena acogida. Ahora se encuentra desgranando el que será su sucesor.

Antonio González

Nacido en Chipiona, pueblo costero de Cádiz, en 1999, a Antonio González le cambió la vida cuando el maestro Manolo Sanlúcar le acogió en su casa en 2019 para enseñarle el noble arte de la guitarra flamenca. Desde entonces ha tocado para Arcángel, Belén López, La Lupi o Mayte Martín, también con la Orquesta Sinfónica de la UCAM, y ahora calienta para su próximo gran hito: acompañar de gira al bailaor Jesús Carmona con su último espectáculo, Algarabía. Un talento a punto de explotar.

Además de Luis Medina, Antonio González y Juan Antonio Moya, también son finalistas al III Premio SGAE de Flamenco Paco de Lucía los guitarristas Chico Gallardo, Luis Gallo, Francis Gómez, Melón Jiménez, Juan Diego Mateos y Luis Medina. Un jurado profesional, formado por los destacados compositores y guitarristas Gerardo Núñez, Juan Carlos Romero y Rosario La Tremendita y, en representación de la Fundación Paco de Lucía, Lucía Sánchez Varela -que han contado, a su vez, con el asesoramiento del compositor y cantaor Francisco José Arcángel como coordinador de Flamenco de la Fundación SGAE-, decidirá cómo se repartirán los cuatro premios en la final que se celebrará el 4 de febrero desde el Teatro Central de Sevilla.

Juan Antonio Moya

El guitarrista catalán se graduó en la Escuela Superior de Música de Catalunya (ESMUC) en el año 2015 con matrícula de honor, y en 2017 ya estaba actuando como solista en el Auditori de Barcelona, en un proyecto en el que interpretaba obras de Bill Evans acompañado por una formación de cobla, un trio de jazz y el pianista y compositor Joan Díaz. En 2018, publicó Bordón negro, su primer disco, y en 2023 su segunda entrega, Idílico Entre tanto ha ganado ya varios premios por su toque privilegiado, y se encuentra preparando un nuevo trabajo.

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Por: Felipe Rodríguez Torres

La pareja de animadores y storyboarders formada por Maïlys Vallade y Liane-Cho Han debuta en la dirección de largometraje con esta bellísima película que adapta el best seller ‘La metafísica de los tubos’, de la novelista belga Amélie Nothomb. Una especie de autobiografía onírica sobre el misterio -y la magia- del descubrimiento en los primeros años de vida, que se suma con esta colorista versión al canon del mejor cine de animación francés.

nimación no solo significa Disney, Pixar o anime. También en Europa existe un cine animado que aboga por abrazar a públicos de todas las edades, adultos y niños, equilibrando sus capas de profundidad. Si el año pasado saltaba la sorpresa con el estreno de Flow y el pasado mes de enero destacábamos (también en estas páginas) el estreno de Arco, en febrero llega a los cines Little Amelie, otra cinta de animación francesa, estrenada en el pasado Festival de Cannes: ni más ni menos que la adaptación animada de la exitosa novela de la escritora belga Amélie Nothomb Metafísica de los tubos. Amélie nació en Kobe (Japón) en 1967, y recorrió de niña el país y China por el trabajo de su padre como embajador antes de convertirse en una reputada novelista galardonada con el Grand Prix de la Academia Francesa, con títulos como Biografía de hambre, Golpéate el corazón, Cosmética del enemigo o Diario de golondrina: Metafísica de los tubos, publicada en el año 2000, su aproximación al recuerdo de aquellos días. Un relato sobre lo que significa existir, para lo bueno y lo malo. Una autobiografía sensorial de su relación con Japón, su país adoptivo, la conexión con su entorno familiar y la herencia colonial occidental. Y una obra de fuerte resonancia emocional atravesada por el peso de la muerte y la alegría de vivir. El dibujante de storyboards Liane-Cho Han quedó prendado de la historia con 19 años, y desde el momento de su lectura tuvo en la cabeza el sueño de hacer una versión animada. “Creo que fue la primera vez que lloré leyendo un libro. Tuvo un gran impacto en mí”, le dijo a IndieWire.

ORÍGENES DEL PROYECTO

Lo primero que hizo Han fue entregarle una copia del libro a su compañera de storyboards Maïlys Vallade, con la que ya había colaborado durante años en cintas animadas como El gran viaje de Sasha al Polo Norte (2015), El principito (2015) o El sendero de la sal (2020). Vallade también se sintió atraída por la mirada filosófica de la novela a los primeros años de la infancia, describiéndola como “una novela corta pero intensa, una explosión para los sentidos”. Así que se pusieron manos a la obra para asegurar los derechos, y contactaron directamente con Nothomb. En la misiva incluyeron referencias visuales de otros proyectos suyos, y aunque conquistaron a la autora y a su editor, Amélie renunció a involucrarse de ninguna forma en la producción, dejándoles libertad para reinterpretar la obra. “Ella siente a sus novelas como sus hijos, y a las adaptaciones de su obra como sus nietos. Así que no quiere interferir en la educación de sus nietos”, le dijo Vallade a LA Times. Tampoco tuvieron acceso directo a fotografías originales de la

infancia de la autora o cualquier otro tipo de material de archivo. Así que, además de su propia imaginación visual, tuvieron que recurrir al documental de 2012 Amélie Nothomb, una vida entre dos aguas, que incluía imágenes de su infancia y, en especial, las de la auténtica Nishio-San, su nanny japonesa, convertida en el eje emocional de esta adaptación animada.

INFLUENCIAS, ESTILO Y ANIMACIÓN

Desde que Chan leyó el libro, supo que la manera de adaptarlo al cine pasaba por trasladarlo a partir de la animación, como le explicaba a la página web The Wrap, esencialmente porque la obra original está recorrida por momentos evocadores que solo pueden sucederse en la imaginación todopoderosa de una niña pequeña. “Tenía mucho sentido adaptarlo al lenguaje animado, porque hay momentos en la novela donde la pequeña protagonista, por ejemplo, camina sobre el mar. La animación aportaba muchísimas posibilidades en la traslación de la novela, para poder asegurarnos de que podíamos ver la belleza y las maravillas del mundo a través de los ojos de este universo”. Para Vallade, acceder a esa área de juego infantil, a esa magia casi onírica que es más fácil recrear a trazos que con cámaras, era el objetivo principal. “Teníamos que conseguir que los espectadores recordaran las sensaciones de cómo experimentaban las cosas cuando eran niños. Porque al recordar esas sensaciones de la infancia conectas con el individuo que eras en ese momento”.

Para poder representar de la manera más fidedigna el mundo y la cultura japonesa que vivió la propia Amélie Nothomb, Vallade se inspiró en un movimiento artístico francés del siglo XIX denominado Japonismo. Un concepto que abrazaron algunos posimpresionistas y que se volcaba

JOYAS DE LA ANIMACIÓN FRANCESA

Además de demostrar el gran estado de la animación francesa, las cuatro comparten con Little Amelie su querencia por la infancia, el costumbrismo y la mirada autobiográfica.

1. Bienvenidos a Belleville Sylvain Chomet (2003)

Posiblemente una de las cintas de animación francesa más populares en el imaginario colectivo y que más reconocimiento académico suscitó dentro y fuera de sus fronteras, llegando a estar nominada al Oscar a Mejor película de animación en 2004. Una cinta donde el musical y el cine de gángsteres se mezclan a partir de una premisa: el secuestro de un ciclista durante el tour de Francia por parte de la mafia francesa, y, a partir de ahí, los esfuerzos de la abuela y de su perro, junto a tres estrellas retiradas del music-hall, para encontrarle. La palabra da paso a la canción.

2. Persépolis

Marjane Satrapi (2007)

Junto a Maus de Art Spiegelman, posiblemente el cómic más leído en el espectro de lectores que casi nunca se acercan a la narrativa gráfica. La obra lo merece, siendo la autobiografía de la propia autora y su denuncia de la llegada del radicalismo a la Irán de finales de los 70 y principios de los 80. Su adaptación cinematográfica, realizada por la propia Satrapi junto al cineasta Vincent Paronnaud en su debut como director, reproduce de manera fidedigna el original gráfico. Una proeza que le otorgó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 2007, y le reservó un hueco en la historia.

3. La tortuga roja

Michäel Dudok de Wit (2016)

Coproducción francesa, belga y japonesa con nada más y nada menos que la involucración del mismísimo estudio Ghibli. Una bella fábula, basada en leyendas y arquetipos, con mensaje ecologista y de respeto entre especies, realizada a partir de un estilo animado de línea clara y ausente de palabras, que sirve para hablarnos de las diferentes etapas de la vida humana. La relación entre un náufrago y una misteriosa tortuga roja que habita en la misma isla donde ha naufragado construye este gran poema visual donde lo mundano y lo místico se dan la mano, subyugando el corazón.

4. Arco Ugo Bienvenu (2025)

Arco es la incorporación más reciente al panteón de la animación gala y hablamos de ella en enero: una mezcla entre El principito de Antoine de Saint-Exupéry, el tono y estilo de la bande desinée surgida de la mente de Alejandro Jodorowsky y Jean Giraud “Moebius” y la emotiva y complicada relación entre hombres-máquinas del relato de Brian Aldiss adaptado para la gran pantalla por Steven Spielberg en Inteligencia Artificial Una obra que bebe de la herencia de la mejor ciencia ficción, y que tuvo la suerte de dar el salto a la esfera internacional por la implicación como productora de la actriz Natalie Portman.

en la tradición artística japonesa y en su profusión y afán decorativo. “Es una de las referencias fundamentales para entender la utilización del color en la película, al igual que la simplificación de la figura y el trazo”, reconoce la propia artista. También, claro, toda una tradición de cine de animación nipón de alto contenido emocional y vocación para todos los públicos representada sobre todo por el Studio Ghibli de Hayao Miyazaki, cuya esencia estética se siente y transpira prácticamente en cada fotograma del filme. “La mayoría de las personas que conformamos el equipo que ha trabajado en esta película vivimos el auge de la animación japonesa durante nuestra infancia y nuestra adolescencia”, reconocen, así que es normal que se cuelen las referencias de manera natural.

Y mientras Han también reconoce la influencia del Disney contemporáneo, Vallade habla de su intención de dotar a la película de recursos visuales, técnicas y estilos que recuerden al cine de imagen real, en especial con esa manera en la que ella decide situar la cámara para representar la perspectiva subjetiva y en primera persona de la pequeña Amélie. Es algo que, de nuevo, conecta con Ghibli, y que nos hace pensar en grandes obras del estudio, ambiciosas en cuanto a su narrativa estructural y visual, como La tumba de las luciérnagas o La princesa Mononoke. “Uno de los mayores halagos que hemos recibido del público es cuando dicen que, cuando están viendo la película, se olvidan de que están viendo una cinta de animación. Que creen estar viendo una película de imagen real repleta de emociones poderosas y maduras”, explica Han a la web Hammer to Nail. “Lo mismo que ocurre cuando vemos La tumba de las luciérnagas, que olvidamos que estamos ante una cinta animada debido

Maïlys Vallade y Liane-Cho

Han Jin Kuang

Little Amélie es el debut en la dirección de largometraje de esta pareja de directores asentada en Francia, y que ha participado en las películas del animador galo Rémi Chayé (Calamity, El techo del mundo) o en El principito.

a que conectamos profundamente con esos personajes como si fueran de carne y hueso. Porque incluso aunque estén dibujados, los vemos como personajes reales, gente real como nosotros. Y ahí radica la belleza de todo”.

TRABAJANDO A CUATRO MANOS

¿Y cómo trabajan dos cerebros al unísono? ¿Cómo se dividen el trabajo dos realizadores para un mismo proyecto? Ambos cineastas lo explican a Hammer to Nail. “La adaptación de la novela fue un proceso verdaderamente difícil y que nos ocupó mucho tiempo”, recuerda Vallade. “Comenzamos esta aventura hace siete años y hemos escrito y reescrito durante cinco. Después de todo ese tiempo, que a veces parecía eternizarse, todo el proceso de producción y de realización tenía que hacerse en catorce meses. Al principio parece que solo vas a escribir, a dibujar... Pero luego terminé siendo la codirectora principal, la directora narrativa, la directora musical, la supervisora del storyboard y la responsable de las animáticas de voces y sonidos”. Mientras tanto, Han se puso al frente de un equipo que se adelantó para dibujar antes de que las animáticas y el storyboard estuvieran terminados porque si no el presupuesto y los tiempos podían irse de las manos. Pero todo para llevar a buen puerto un trabajo que la propia Amélie Nothomb describió de manera efusiva, como contaría Vallade, en unas breves pero hermosas palabras. “Ella sintió que habíamos devuelto a la vida a su padre”.

LITTLE AMÉLIE (13 febrero)

Selecta Visión Francia / 2025

Dirección: Maïlys Vallade, Liane-Cho Han Animación

6 DE FEBRERO SOLO EN CINES

Por: Marta España

Fotos: Lamia

Karic

La cantante canadiense Austra regresa a España para presentar ‘Chin Up, Buttercup’, su primer álbum en cinco años: un disco de ruptura que cruza música electrónica, eurodance y herencia operística para bailar las penas y lamerse las heridas al sudor del club. Dos fechas, el 28 de febrero en Madrid y el 1 de marzo en Barcelona, acompañan la presentación de un trabajo que traslada el desamor a la pista de baile, y que sirve además como un statement para autorreivindicarse como artista y como compositora.

Katie Stelmanis lleva quince años usando Austra como laboratorio personal: un pop electrónico que puede sonar a club, a himno clásico o a drama operístico al mismo tiempo. Con Chin Up, Buttercup, su primer álbum en cinco años, lanzado a finales de 2025, la artista canadiense regresa a España con dos fechas marcadas en el calendario: el 28 de febrero en Madrid (Sala Villanos) y el 1 de marzo en Barcelona (La Nau).

El disco nace de una ruptura que se quedó pegada al cuerpo durante mucho tiempo: al principio, mientras componía, había días en los que tenía que escuchar las maquetas “una y otra vez”, confiesa, y se le activaba el recuerdo “de un evento traumático”. Pero ahora, ya en gira, algo cambia. “Cuando toco estas canciones en directo siento que pueden ser la historia de cualquiera”, dice. “Están en el mundo, ya no son solo mías”. En los primeros conciertos del tour, le sorprendió ver “que ahora el repertorio no depende siempre de las canciones del primer álbum. Con este nuevo disco, hemos generado un nuevo canon”. El título resume esa tensión. Chin Up, Buttercup es una frase hecha y bienintencionada anglosajona, que te sueltan cuando estás rota, y que en España se traduciría vagamente como un “no te ralles”. Precisamente por eso puede resultar algo irritante: “Hay un riesgo de que invalide la profundidad de lo que sientes”, admite. Lo que le interesaba era esa presión social por parecer funcional. “Cuando todo va bien la gente se acerca; cuando estás mal... se apartan. Entonces aprendes a tapar esas cosas: no quiero repeler a nadie, así que voy a fingir que estoy bien”. De ahí viene la portada (y el personaje) que ha construido en su nuevo capítulo: alguien esforzándose por sonreír hasta que el gesto ya no cuela. Lo paradójico es que Stelmanis lleva media vida cantando tragedias, desde que en 2011 deslumbrara a la facción bailable del indie con Feel It Break. “Siempre me atrajeron las melodías dramáticas”, dice, y lo atribuye a su educación sentimental con la ópera. “Puccini siempre ha sido importante para mí, pero de una manera muy sonora. Nunca me he detenido demasiado en los libretos ni en el contenido narrativo. Yo pensé seriamente que iba a dedicarme a la ópera, pero antes de empezar cancelé todo. Una de las razones principales fue que no veía un espacio para mí como persona queer dentro de ese mundo”. Aunque lleva toda su vida ligada al melodrama, es la primera vez que atraviesa un dolor tan real y, por tanto, la primera vez que habla de tragedias en primera persona. “Curiosamente, cuando atravesé una experiencia realmente dura, mi forma de escribir cambió por completo. Canciones como Math Equation no tienen melodía vocal tradicional, casi están habladas. Adopté una aproximación mucho más distante, casi despreocupada. No era algo que esperara, pero fue intere-

sante descubrirlo”.

Por ello, en Chin Up, Buttercup también aparece una relación compleja con la tradición clásica, con la incomodidad pseudoelitista que siempre implica introducirla en el pop. Stelmanis es consciente de esa fricción, pero no cree que sea nueva. “Siempre ha existido una separación muy protegida alrededor de la música clásica, sostenida por instituciones”, explica. “La música clásica siempre me ha atraído, pero en los

“PENSÉ

SERIAMENTE EN DEDICARME A LA ÓPERA, PERO NO VEÍA UN ESPACIO PARA MÍ

COMO PERSONA QUEER EN ESE MUNDO”

últimos años casi solo la escucho en casa, en vinilo”, cuenta. “Encuentro discos que nadie quiere y por eso solo cuestan unos cuantos céntimos, suenan imperfectos, muy analógicos…”. Frente a un presente dominado por la hiperproducción, el algoritmo y la amenaza de la IA, Stelmanis percibe un cansancio generalizado. “Todo puede sonar perfecto ahora, todo puede estar afinado, pulido, corregido. Creo que la gente está volviendo a sonidos menos pulidos porque necesita sentir algo real”. No obstante, en la parte final del proceso, ella y el coproductor Kieran Adams miraron hacia otro referente que ordenaba el mapa: Ray of Light de Madonna. Eurodance y trance pop, euforia que no niega la pena. En la práctica, Chin Up, Buttercup funciona como eso: canciones que se mueven entre el subidón y la vergüenza, entre el impulso de llamar a tu ex y el deseo de que te trague el suelo. Ella lo explica desde un lugar muy concreto: durante la pandemia, encerrada en Toronto y con inviernos de -20 grados, su vida social se redujo a ver a su expareja los fines de semana. “Bailábamos eurodance por el apartamento”, recuerda. “Se sentía como un antídoto necesario: era invierno, estaba oscuro, teníamos seis horas de luz… y lo pasábamos bailando”. Ese choque acabó filtrándose en el álbum. “Quería poder recrear esa euforia en el disco, porque esa música fue muy importante para mí en ese período”.

Ese bagaje de influencias se traduce también en una montaña rusa de estados de ánimo y emociones. Stelmanis insiste en que la emoción no tiene por qué ser ejemplar ni pedagógica. Así, el disco “no está construido como un relato de superación ni como un arco emocional limpio. Las cosas no van en línea recta”, explica. “Un día estás bien, al siguiente vuelves a sentirte fatal, y luego parece que lo has aceptado otra vez. Eso es mucho más real que cualquier narrativa ordenada”. Sin embargo, ponerlo en palabras tiene un efecto irreversible. “Hay algo muy definitivo en escribir un disco así”, confiesa. “Si nombras algo de esa manera, si lo conviertes en música, estás cerrando una puerta. No puedes volver atrás de la misma forma”. El disco captura el momento en que decir algo en voz alta lo cambia para siempre. En directo, ese conflicto se entenderá mejor: una artista con voz de formación clásica, pero cabeza de DJ; una narrativa operística sobre un engranaje pop, y el retrato exacto del momento en el que fingir que estás bien ya no sirve. Y entonces... solo queda bailar.

TEARS IN THE CLUB

Austra ha tenido que recordar su lugar en el pop electrónico porque quizá no tiene un hit claro... como sí tienen estas artistas con las que comparte ánimo e imaginario.

ROBYN

La sueca es la reina indiscutible del pop electrónico emocional, y no hay nadie que no se haya emocionado alguna vez escuchando Dancing on My Own en la pista de baile. En marzo saca nuevo álbum, Sexystential, y ya tiene nuevos hits como Talk to Me

FEVER RAY

También de Suecia, meca del dance y el electropop, Karin Dreijer se lanzó a la bizarra aventura en solitario de Fever Ray después de dejar huella una década antes junto a su hermano Olof como The Knife. Su repertorio define el canon oscuro del estilo.

LYKKE LI

Otra sueca, puente entre la vía oscura de Fever Ray y el luminismo emocional pero melancólico de Robyn. Ha dado varios giros a lo largo de una carrera consistente que despertó con el éxito de I Follow Rivers, y que la ha llevado a codearse con la élite del pop.

ZOLA JESUS

La estadounidense es el eslavón perdido entre el synth-pop, la música industrial y la dark wave gótica, un camino que ahora ha recorrido a la inversa Anna Von Hausswolff. Hace tiempo que no da señales, pero tiene conciertos programados en Europa en marzo.

CHIN UP, BUTTERCUP (DOMINO, 2025)

Amnesia / Math Equation / Siren Song / Chin Up, Buttercup / Fallen Cloud / Blindsided / Think Twice / Look Me in the Eye / The Hopefulness of Dawn / Good Riddance CD / DIGITAL / LP

Gus

Por: Marta España / Fotos: Universal Music Spain

Después de dar la vuelta a medio mundo –personal y profesionalmente–, el artista venezolano afincado en Madrid completa el capítulo fundacional que ya arrancó en ‘Y si se abren los cielos’ (2024) con un nuevo EP, ‘Quizás incluso mañana’, en el que se abre a la transformación para, de algún modo, poder volver a empezar de cero. Lo importante no es el destino, sino el camino que ha recorrido para llegar hasta aquí.

La conversación arranca con Gus en el estudio y con un detalle que lo resume todo: lleva horas ahí y va a seguir un rato más. Ahora que se ha terminado de asentar en Madrid, se ha propuesto ir todos los días. “Hoy llegué un poquito tarde”, dice, como quien asume que el oficio se basa en horas y horas de insistencia, aunque por la tarde “mi cerebro se empieza a desconectar de mí”. Se ríe. Lleva tres años en la ciudad, y ese dato se ha convertido en el hilo conductor de Quizás incluso mañana, su nuevo EP. Para él, forma con Y si se abren los cielos dos capítulos de un mismo proceso: el de entrar con cautela en una ciudad, y el de quedarse en ella. “En el primer EP era nuevo en la ciudad, pero ahora… ya soy un poco madrileño”, afirma. Pero ¿cómo se traduce una ciudad en sonido? “En general, en ambos proyectos, hay un sentimiento de exploración”, cuenta, y de esa exploración deriva algo que para él pesa más que la novedad: la seguridad. “En el primer proyecto había curiosidad, pero había cosas a las que de repente no me atrevía. Por ejemplo, siento que mi voz ha cambiado mucho en los últimos dos años. Viví en Miami muchísimos años, y en Miami tú no te presentas. Si te estás presentando en Miami es porque ya básicamente estás establecido como artista. No es una escena musical de bares y nichos”. Madrid, en cambio, le impuso una disciplina: tocar, volver a tocar, sostener el mes a mes. “Llegas acá, empiezas a tocar más seguido… Aunque sea una vez al mes, si es todos los meses, tu voz se va desarrollando”. Y con esa evolución cambia también la ambición del arreglo: salir del cuarto no es solo salir a la calle, supone empezar a escribir pensando en que eso va a sonar delante de gente. Su debut, Verano por siempre , lo recuerda como el retrato de un encierro. “Es muy bedroom pop, básicamente. Porque estás en tu cuarto, encerrado, y te da paz, te reconforta”. Pero el directo abre un deseo menos contemplativo, más físico. “En lo que empiezas a salir y a tocar en vivo y a ver otras bandas dices: ‘Yo también quiero pegarle duro’”.

posible por explorar. Ahora solo pienso a dónde me va a llevar esa experimentación”. Esa curiosidad también hace que su trayectoria no se entienda solo como una sucesión de mudanzas, sino como una cadena de ciudades que le han ido moldeando con su propia carga cultural. “Yo nací en Valencia, Venezuela, y me fui a los 15 a Miami. A los 18 me fui a la universidad a Tampa. Volví a Miami unos años y después me fui a Venezuela como otro año. Y después me vine a España, hace tres años”. Pero, más que el mapa, le interesa lo que le dejó cada aterrizaje. “Es loco, porque donde sea que he estado me ha agarrado en medio de algo cultural muy fuerte sucediendo”. Miami 2015, para él, no es solo una ciudad, es la incubadora de una estética. “Estaba naciendo toda esta línea de rap y hip hop rollo XXXTENTACION. Esas cosas son distintivamente muy de Florida, así que era imposible no empaparte de esa música y de ese estilo”. Y Madrid, en su relato, aparece como un cruce raro donde conviven dos corrientes: la experimental y el pop. “Cuando llegué a Madrid, estaba recién sucediendo toda esta vibra de artistas como Ralphie Choo, rusowsky, Judeline”. Por su parte, Venezuela son sus raíces: “Pasé casi la mitad del año pasado allí… Y se empezó a sentir que estaba sucediendo algo en Valencia, como que un sonido propio se estaba desarrollando”.

En paralelo, su faceta como productor se ha vuelto una autopista de aprendizaje, porque producir para otros le ha obligado a llegar a lugares que quizá no visitaría por necesidad. Lo cuenta con orgullo: “El año pasado, una de las cosas que más me enorgullecieron fue coproducir una canción en el disco de Sebastián Yatra, París. Aparte de lo cool de la colabo, pensé que, ya que tenía la oportunidad, quería hacer lo más descabellado que pudiera. Grabé violines, grabé baterías en vivo, hice todo lo

“DONDE SEA QUE HE ESTADO, ME HA AGARRADO EN MEDIO DE ALGO CULTURAL MUY FUERTE SUCEDIENDO”

Sin embargo, esos lugares no son compartimentos estancos, sino una mezcla inseparable. “Lo veo todo como un conjunto: la amalgama de todo lo que eres”. Pero también reconoce una tensión... “Por mucho tiempo me sentí outsider de la escena, pasé mucho tiempo viviendo afuera y el sonido en Venezuela era medio afrocaribeño, así que yo no encajaba. Sin embargo, por más que me sintiese externo, siempre voy a ser venezolano”. En ese sentido, el título Quizás incluso mañana ” emana el mismo optimismo con el que él narra todos los capítulos de su vida. “Es un EP que habla de lo mejor que te puede pasar, y de que puede pasar en cualquier momento. Lo pensé cuando empecé a retomar lo de venir al estudio todos los días. Sentía que, volviendo a picar un poquito de piedra, quizá mañana mismo volviese a sentirme como llevaba tiempo sin sentirme, o hiciera la mejor canción de mi vida”. Al final, todo encaja ahí, en la idea de tránsito. Quizás incluso mañana cierra una etapa de exploración consciente. Más que un punto de llegada, es el momento exacto en el que un artista nómada vuelve a reconocerse antes de dar el siguiente paso.

QUIZÁS INCLUSO MAÑANA (UNIVERSAL, 2026)

Eterno resplandor / Ignorando señales / Octubre en NYC / Deberías quedarte / De sastre / Tarado / Música para terminar DIGITAL

Roman Khimei & Yarema Malashchuk

Por: Miguel Pardo

Desde una Ucrania que cumple ya cuatro años bajo el asedio de Rusia, el joven dúo creativo reflexiona sobre la visualidad, el imperialismo y la memoria en tiempos de guerra. De todo ello habla también su exposición, mezcla de videoarte y ensayo espacial, ‘Pedagogías de guerra’, que podrá visitarse del 3 de marzo al 31 de mayo en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de la mano de TBA21.

Pedagogías de guerra

Cuando entramos en videollamada, nuestros dos entrevistados se encuentran en sendas cafeterías de Kiev. Hoy hay cortes eléctricos constantes y no hay manera de estar en casa en la capital de Ucrania, que sigue amenazada, asediada y bombardeada por la Rusia de Putin cuando están a punto de cumplirse cuatro años del inicio de la invasión (este 24 de febrero). Roman Khimei y Yarema Malashchuk -en la fotografía de abajo a la derecha- nos atienden con motivo de su inminente exposición Pedagogías de guerra, que se inaugurará el 3 de marzo en el Museo Thyssen-Bornemisza, bajo la organización de TBA21 y comisariada por Chus Martínez. La muestra reúne varias piezas audiovisuales que el dúo ha presentado los últimos años, además de una nueva, We Didn’t Start the War En estos y otros trabajos, los dos artistas exploran cuestiones como la memoria, la agencia individual, el tiempo, la repetición y el imperialismo. “Cuando alguien dice y trata de percibir la guerra de Rusia contra Ucrania como algo nuevo o algo que debería explorarse de otra manera, a menudo hacemos hincapié en que no. Es la misma canción, pero cantada cien años después. Por lo tanto, es un comportamiento típico del imperialismo”, comienzan. El suyo es un ejercicio de estilo muy original, alienado y crítico con la romantización como herramienta de justificación de la violencia y el sufrimiento de sus compatriotas. “Intentamos incorporar en nuestras obras esta noción que está relacionada precisamente con las políticas ocupacionales de Rusia hacia Ucrania, y que son un eco del imperialismo”, nos dice Yarema.

El foco creativo y audiovisual de la dupla, basado en la comunidad, cambió de objetivo en 2022, tras el comienzo de los bombardeos y la invasión. En sus propias palabras: “Decidimos girar nuestras cámaras hacia nosotros mismos, básicamente”. Así nacería The Wanderer, una de las obras incluidas en la exposición. Esta es una pieza con una factura visual hermosísima, casi bucólica, en la que Yarema y Roman se representan a sí mismos como ocupadores rusos caídos en mitad de los paisajes abrumadores del borde oriental. Con ella, pretenden visibilizar y criticar el icono del bárbaro eslavo, que “se refiere a, podemos decir, la política colonial académica rusa y cómo siempre ha buscado idealizar a sus soldados ocupantes, idealizar sus gestos coloniales”. En contraste con esta mirada, el dúo ucranio ha tratado durante gran parte de su recorrido de deconstruir la mirada institucional que el estado tenía sobre la historia y los habitantes de su país.

Así lo hicieron también en su trilogía

Dedicated to the Youth of the World, en la que, explorando hasta las raves de su país, se sumergieron en una crítica a las miradas sobre la juventud que su gobierno imponía. “En la historia global de Ucrania, durante los últimos cien años, hemos tenido diferentes interpretaciones con respecto al

término ‘juventud’. Por ejemplo, a principios del siglo XX, cuando Ucrania se convirtió en una república soviética, como parte de la Unión, teníamos la intención política de utilizarla como una especie de instrumento político. Como los scouts o las Juventudes Hitlerianas en la Alemania nazi”, nos cuentan. “Si nos trasladamos a los últimos años de la Unión Soviética o a los años postsoviéticos, encontramos otro significado de uso, según el cual la juventud es el futuro”. Como ellos mismos confiesan, lo que quieren es justamente “hacer una desmonumentalización del concepto... Liberar a la juventud de esa perspectiva política”. Librarlos de la carga que el futuro implica, más cuando las posibilidades de enfrentar los cambios que necesita dependen más de un stablishment envejecido que gobierna los sistemas, las empresas, las instituciones.

Yarema y Roman vivieron esta politización de su trabajo y de su futuro en sus propias carnes cuando estudiaron cine en Kiev. “La mayoría de nuestros profesores y todo el programa de la escuela eran predominantemente soviéticos. Ellos tenían, en general, más de ochenta años. Nos alimentaban con una educación anticuada. Por supuesto, también nos interesaba mucho el arte contemporáneo. Era algo radicalmente diferente de esa forma de aprender la imagen en movimiento en la universidad”. Esta curiosidad por el ámbito galerístico y experimental, sumada a la rebelión juvenil esperable y deseable contra los cánones de la tradición, configuró un estilo que es casi expositivo, técnico, experimental y basado en ideas, además contestatario con el statu quo.

Así, se aproximaron a otros directores

“INTENTAMOS INCORPORAR ESA NOCIÓN RELACIONADA CON LAS POLÍTICAS OCUPACIONALES DE RUSIA HACIA UCRANIA, Y QUE SON UN ECO DEL IMPERIALISMO”

ucranianos como Dmitry Dovzhenko o Kira Muratova. Su tratamiento de “la puesta en escena, pero sobre todo de la repetición”, son esenciales para comprender el trabajo de Khimei y Malashchuk. Su obra orbita en torno a la repetición casi como una declaración política en la que la reiteración y el remake trabajan para envolver al espectador en una extraña experiencia de eterno retorno. Los países imperialistas siguen repitiendo sus gestos, las personas seguimos romantizando ideas o situaciones en las que sufrimos profundamente, de las que no obtenemos otro aprendizaje que el de la injusticia de la historia y la arbitrariedad de nuestra conducta. Como en una exposición que presentaban recientemente bajo el nombre It Already Happened: la imagen es un artefacto con el que construir, revivir o sostener la memoria, con el que dejar de olvidar los males acometidos. “Esta es la idea de crear recreaciones y repeticiones. La recreación de Michael Haneke, el remake de su película Funny Games . Que también es una repetición de la misma película”. En la referencia a Haneke aparece clara esa dialéctica en la que la violencia y los acontecimientos se reactivan a sí mismos a través del tiempo. También aquí clarifican apasionadamente su interés por la obra de Deleuze, que con su concepción de la imagen-movimiento determina el modo en el que el cine, su cine, se configura a través de la percepción temporal y su cancelación. “Volvemos a esa sensación de fotogramas de película, pero al mismo tiempo se trata de imágenes en movimiento.”.

No es la primera vez, ni seguramente será la última, que Roman y Yarema representan un espacio o un contexto vaciado de significado, a la par que ese vacío o esa ausencia se plantea como parte de la pregunta que la propia pieza dispara contra el espectador. Open world, otra de las obras que pertenecen a la exposición, también

representa una idea ambigua de hogar o de retorno al mismo. “Son momentos en los que el hogar no es realmente un lugar físico, sino algo que se encuentra dondequiera que estés en ese preciso instante. Esta idea del hogar ha cambiado, especialmente en las últimas dos o tres décadas”, explican. En la desconcertante pieza, un adolescente emigrado por la guerra de Ucrania visita con un robot su antigua escuela, su barrio e incluso su casa, en la que tiene un peculiar reencuentro con su madre, que sigue viviendo allí. El metraje nos da una extraña percepción del exilio, de la desubicación social y temporal y de cómo los propios media alteran y distorsionan el modo en el que podemos llegar a percibir el hogar o la mera posibilidad -o imposibilidad- del regreso. También contiene una involuntaria -y lo confirman ellos mismos- y alienante reflexión sobre el modo en que la guerra acontece, bajo el marco del capitalismo avanzado, en un ámbito en el que la gente sigue haciendo su vida en la medida de lo posible, tratando al menos de sobrevivir y mantenerse a flote. Un modo en que se puede fingir cierta normalidad o un estado de aceptación moderado, siempre que podamos seguir bajando al mercado de la esquina o pidiendo comida a domicilio. Aunque más tarde sea obligatorio bajar al refugio antiaéreo. La banalidad de la guerra y la dificultad de comprensión e interconexión que generan precisamente las herramientas tecnológicas que usamos para comunicarnos protagonizan el discurso más reciente de estos dos artistas, que piensan que “la conversación sobre el regreso sigue presente. Pero esta vez lo abordamos a través de una especie de regreso digital, o ni siquiera... digital. En parte físico también, como un regreso a casa en forma de avatar. Nos dimos cuenta de que, en cierta medida, esta idea de hogar, de regreso a casa, se ha disuelto por completo en el contexto contemporáneo”.

El productor británico, una de las mentes maestras tras PC Music y artífice en la sombra de la revolución digital del pop contemporáneo a través de sus discos con Caroline Polachek o Dua Lipa, presenta el que él considera su verdadero disco de debut. Un ‘Cerulean’ que sintetiza sus pasiones musicales y que es, en sí mismo, un homenaje a la escucha, al amor y a la familia.

Daniel Jack Eisner Harle (Londres, 1989) se dio a conocer formando a dúo con uno de sus amigos de toda la vida, A.G. Cook, el proyecto Dux Content a principios de los 2010, y en pocos años se convirtió en una pieza fundamental para entender el pop que vendría, primero como miembro clave del sello PC Music -que revolucionó el pop digital trayendo influencias del trance, del hardcore, del eurodance y de la música de videojuegos, de Yellow Magic Orchestra a Nobuo Uemtasu- y después como productor de algunas de las artistas pop alternativas -y más allá- más grandes del mundo. Pero no ha sido hasta ahora cuando siente que ha entregado su verdadero debut. “Harlecore (2021) era una representación de cómo yo había experimentado el hardcore y la música rave, que no fue yendo a clubes sino escuchando música en mis cascos, así que la idea era inventar una especie de palacio mental con diferentes salas al que pudieras acudir cuando quieras. No quería subir un puñado de temas de hardcore a Spotify porque no creía que fuera a funcionar: la música rave se experimenta mejor en el club. Así que tenía que encontrar una manera de expresar lo que la rave me hacía sentir, y mi solución fue esa”, recuerda Harle, desde su estudio doméstico en Londres, sobre el que técnicamente fue su primer álbum. “A este disco, en cambio, me acerqué de una manera totalmente no conceptual, tratando de centrarme únicamente en la música. Sin pensar en una presentación visual, un significado o si las canciones tendrían sentido dentro de un conjunto. Solo quería centrarme en un objetivo puramente musical, hacer canciones que expresasen todo lo que he amado estos años en un único proyecto: un objeto que poder darle a alguien y decirle ‘Ey, esta es mi música, esto es lo que hago’. Antes todo era ‘Mi música es un poco de esto, y de esto’, luego colaboraba con alguna artista y también podías reconocer eso...”. Cerulean, que supone además su debut en XL, es su disco definitivo, el despliegue perfecto de sus habilidades e inquietudes como compositor, artista, músico, productor, oyente y apasionado.

además, está siendo una gran manera de presentarle este disco al mundo, haciendo proyecciones en ciudades como Manila o Nueva York, llevándome a sitios loquísimos”.

"ME ACERCO A LA MÚSICA DE UNA FORMA INTROSPECTIVA, Y MIS MEJORES

EXPERIENCIAS

CASI SIEMPRE

Pero el filme no es explícito en su significado pese a esa intención explicativa, quizá como todo en la carrera del británico, tan influida por la fragmentación narrativa de Dark Souls. “Todo lo que me ha gustado siempre ha tendido a tener un elemento de escapismo. Con este álbum sí construí una narrativa que lo sostuviera, pero decidí mantenerla en secreto, insinuarla a través de recursos más atmosféricos, tratando de mantener las cosas abstractas y algo inexplicables. Me gustan las narrativas así. Cuando vi la revista antes de hacer la entrevista, me encantó que pongáis los videojuegos al mismo nivel que el resto de artes. Porque, aunque sean un arte joven y en muchos casos se sitúen más en la categoría de entretenimiento, hay juegos que son grandes manifiestos de narrativa atmosférica, y son capaces de decir cosas sin decirlas de formas que nunca has visto en una película. Hay aspectos que no pueden replicarse igual en ningún otro medio. Pienso en Ico , o en cómo me impactó Zelda cuando era pequeño: esa idea de no ser capaz de explicar realmente por qué te atrapa tanto, ese paisaje tan emocional en el sentido espacial de las cosas. Death Stranding también es un gran ejemplo reciente. O Elden Ring. Hay varios canales de YouTube que se centran precisamente en esto, en explorar el diseño de niveles de una manera muy contemplativa, recreándose en la atmósfera o en el simbolismo del nivel en sí, no tanto en su jugabilidad. Y no es que mi aproximación a Cerulean fuera exactamente así, pero sí es mi manera de hablar de las cosas”.

HAN SIDO CON CASCOS"

Para trasladarnos mejor a su mundo -el worldbuilding es una de sus obsesiones-, Harle ha diseñado esta vez un filme de 35 minutos que acompaña todo el álbum, y que refuerza la idea de navegación -espacial, oceánica: sónares, radares- que después unió estéticamente las canciones. “La idea es explicar con él la forma en la que yo escucho y experimento la música, porque no es que sea rara, pero no es como la de la mayoría de la gente, que la asocia con rituales sociales”, explica. “Me acerco a ella de una forma muy introspectiva, y mis mejores experiencias casi siempre han sido con los cascos o en el contexto de los clubes más oscuros, rodeado de gente anónima, lo que me permite seguir teniendo esa experiencia introspectiva. Casi todos los periodistas musicales con los que hablo coinciden, así que quizá simplemente es una vivencia más analítica de la música, pero la mayoría de la gente no la tiene y no debe por qué tenerla. Por eso creía necesario hacer la película. Me inspiró mucho la Boiler Room de Thom Yorke, donde todo el mundo parece un poco deprimido y cada uno está teniendo su propia experiencia, muy desconectado de los demás. Me gustó. Y seguramente sea la única Boiler Room que he visto y he dicho: ‘Sí, eso es exactamente lo que quiero’. El filme,

Todas las canciones del disco nacen esencialmente de Danny, y él mismo ha escrito la mayoría de las letras, pero la naturaleza de sus colaboraciones, basadas siempre en la amistad y la familiaridad, las hacen susceptibles a muchos tipos de magia. “Hubo un momento muy revelador con Julia Michaels”, recuerda. “Cuando le mandé Raft in the Sea, fue muy generosa al dejarme tratar su voz de una forma muy particular, muy lejos de cómo ella suele sonar, y de escribir una letra sencillísima que se aleja de lo que ella normalmente escribe. Pero escuchó la canción y me dijo: ‘Vale. Te veo’. Me emocionó mucho, porque ella fue capaz de ver algo ahí que yo estaba buscando, trascendiendo cualquier instrucción previa. Ella es mi amiga más reciente; con el resto la verdad que ya he colaborado mucho y sabían perfectamente a lo que venían (risas)”.

FAMILY & FRIENDS

Una de las canciones de uno de los últimos discos en los que Danny ha colaborado, Choke Enough de Oklou, se llama precisamente Family & Friends, y es una idea que ha rodeado siempre la trayectoria de Harle. Es algo que tanto le genera contradicciones como le da alegrías. “Técnicamente estoy en contra de trabajar con tu familia y amigos porque mi regla general es hacer la mejor música posible, y siendo honestos hay muy pocas probabilidades de que tu familia y amigos sean las mejores personas para hacerlo”, reconoce. “Pero luego, en la práctica, al final si una persona está muy alineada contigo musicalmente probablemente también lo esté en otros aspectos, y eso lo hace idóneo para trabajar”. Luego está, claro, la par-

Constelación

Oklou

Una de las últimas incorporaciones a la constelación Harle ha sido la artista francesa Oklou: el británico es coproductor de alguna de las canciones más directas y pisteras de su último trabajo, Choke Enough (mejor disco de 2025 para la revista NUEBO). El combo que forman en Harvest Sky con Casey MQ y Nick León da como resultado el que es ya uno de los himnos más incontestables del pop electrónico contemporáneo. Oklou vuelve a colaborar con Harle para Cerulean, en la canción Crystallise My Tears

Dua Lipa

Se conocierton en un evento y fue instant match: en apenas unos meses Dua Lipa y Danny L Harle ya estaban metidos en el estudio para dar juntos -y con la intermediación de otros productores y compositores de primer nivel como Andrew Wyatt, Kevin Parker de Tame Impala, Tobias Jesso Jr., Caroline Ailin o Julia Michaels– con la forma final de Radical Optimism (2023), el tercer álbum de la mega popstar británica, sucesor del boom global de Future Nostalgia (2020). Ahora es Dua la que está presente en un trabajo de Harle, con la canción Two Hearts; fue la primera que escribieron juntos.

DANNY L Harle

Caroline Polachek

La relación creativa de Caroline Polachek y Danny L Harle se remonta a 2016, cuando la estadounidense -todavía en Chairlift en aquel momento- puso su voz a Ashes of Love Desde entonces, los dos han formado una dupla creativa imprescindible para entender el pop de los últimos diez años: Harle es el productor ejecutivo de los dos primeros álbumes en solitario de Caroline, Pang (2019) y Desire, I Want to Turn Into You (2023; mejor disco de aquel año para esta revista), y uno de los cuatro hosts de Harlecore (2021) era DJ Ocean, una colaboración entre Harle y Polachek más tirada al pop digital organicista.

PinkPantheress

Harle y PinkPantheress colaboraron por primera vez en la mixtape debut de la británica, pero de manera muy puntual. Ahora, en Cerulean, ambos han dado con la contundente Starlight, puzle hardcore de pequeñas obras maestras. “Me inpiró mucho el hard dance y esta idea de la música gabber de tener que subir constantemente la energía teniendo un solo bombo. Llega un punto en el que ni el bombo ni el bajo pueden estar más altos. Así que tienes que rellenar el espacio. Si un bombo tiene mucho espacio, el siguiente va a tener un top end muy alto, y eso implica un bajo muy grave, aunque no haya ninguno. Eso te deja espacio para meter otro bajo, y entender esos espacios de frecuencia te permite hacer que el siguiente sonido parezca más grande que el anterior. La melodía de PinkPantheress también me llevó a buscar esa vía extrema, era eso lo que me pedía. Además, quiero destacar el mix de Eric J Dubowsky porque creo que es uno de los mejores mixes que he oído en mi vida y es parte fundamental de por qué esa canción suena como suena”.

Clairo, Shygirl, Charli XCX, Yeule... No son ellas las únicas que forman la cada vez más extensa constelación Harle: Clairo, que regresa también en Cerulean aunque de forma brevísima, lleva colaborando con él desde 2018; Julia Michaels ha sido una de las incorporaciones más recientes por intermediación de Dua Lipa, como también Kacha y MNEK. Además, gracias a su relación con A.G. Cook en PC Music, Harle ha colaborado con Charli XCX y con otras estrellas de la órbita hyperpop como Hannah Diamond, Shygirl o Yeule, con quien trabajó como productor ejecutivo para Glitch Princess (2022), y los caminos de la música le han llevado también a compartir créditos con Flume, Liam Gallagher, Olly Alexander o Skrillex.

te emocional: en la portada de Desire, I Want to Turn Into You (Caroline Polachek, 2023) Harle aparece detrás sosteniendo a su primera hija, Nico, entre los brazos, y tanto su voz como la de Cosima han aparecido en sus discos, también en Cerulean . “En ningún momento he querido activamente involucrar a mis hijas en mi música”, confiesa Harle, “pero según iban creciendo las he visto decir cosas muy profundas; he descubierto que Nico tiene una voz preciosa, y que los niños vienen con la voz prepitcheada de casa, que es algo que me encanta. Y verlas descubrir la música, reírse por primera vez... Es increíble ver cómo alguien descubre la música, y ver la primera risa de Cosima me voló la cabeza. Todo eso está representado por un sample de ella diciendo ‘It's music!’. El uso de las voces de mis hijas para mí captura ese misterio maravilloso que es el descubrimiento infantil. Así que simplemente se ha dado de forma muy natural. Me gusta pensar que son como los ángeles de la guarda de mi música”.

"EL USO DE LAS VOCES DE MIS HIJAS CAPTURA PARA MÍ ESE MISTERIO MARAVILLOSO QUE ES EL DESCUBRIMIENTO INFANTIL"

La misma idea de revelación rodea su relación artística con Caroline Polachek. “Lo mío con Caroline es un viaje de descubrimiento musical mutuo que siempre ha sido emocionante, y que nos obliga a mirar siempre hacia delante, a perseguir nuevos lugares. Sabía mejor que nadie que yo necesitaba hacer mi propio disco porque llevamos hablándolo tiempo. Y es una visionaria: ella ya sabía de algún modo qué papel tenía que jugar en todo esto. Recuerdo que grabamos Azimuth muy rápido, en medio de unas sesiones para Desire: escribí unos acordes, un ritmo asincopado sencillo y un pre estribillo, y nos gustó la atmósfera. Caroline empezó a tararear melodías encima y yo me uní, un poco como pasó en On & On, el dueto, pero los dos sabíamos que ninguna de las dos iba a tener cabida en

/ DIGITAL / LP

su disco, y que, aunque no tuvieran letra aún, las usaríamos en algún momento. Con Caroline siempre es así: creo que la canción para Death Stranding 2, On the Beach, la escribimos en 2017, cuando estábamos haciendo Pang o por ahí. Tenía un rollo entre eufórico y apocalíptico que en ese momento no encajaba en lo que ninguno de los dos estábamos haciendo, pero sabíamos que encontraríamos el momento perfecto para ella. Y mucho tiempo después, mira, no pudimos encontrar un mejor sitio para la canción: llegando al portal de placa... Increíble. Lo mismo pasó con la canción con Dua Lipa: la conocí en un evento, hablamos de música, le gustó el sonido que yo tenía en la cabeza y me pidió una sesión. Yo escribí inmediatamente la instrumental de Two Hearts, fue la primera canción en la que trabajamos. Escribió la letra conmigo y con Andrew Wyatt, terminamos el tema e incluso lo retomó para rematarlo en las últimas sesiones de Radical Optimism, pero ella sabía que no iba a estar en su disco. Era muy club para ella en ese momento, pero le encantaba, creía que era una gran canción, así que le pregunté si podía incluirla yo en el mío. Y me dijo que sí. Es una persona increíblemente generosa, y es exactamente como se muestra en sus redes sociales o en las entrevistas. Crea un ambiente tan relajado en el estudio que solo eres consciente de que has estado con una de las mayores popstars del mundo cuando sales y todos tus amigos te preguntan ‘¡¿Cómo ha ido?!’. Haciendo sesiones random en LA, he estado en cabinas con artistas mucho menos grandes que generan atmósferas mucho más tensas cuando se trata de hacer un hit. Y también he visto gente que reacciona mucho mejor ante esa presión”. En su universo, la única presión que tiene cabida es la que nos recuerda que los bombos apocalípticos y los sintes distorsionados también pueden ser la banda sonora de una utopía liberadora.

NUEVO ÁLBUM YA A LA VENTA

Elsas

Por: Anna Pérez

Confrontando el síndrome del estudiante de conservatorio, elsas bebe de todo su conocimiento clásico y jazzero para filtrarlo hacia el art pop experimental. Su música cruza géneros, épocas y emociones, todas ellas destiladas obsesivamente en ‘APORIAMOR’, un EP que condensa años de búsqueda artística y vital, y con el que la artista catalana afincada en Londres debuta en el sello barcelonés Lapsus Records.

Con referencias musicales a la cultura mediterránea, letras en inglés y un acercamiento casi arqueológico a la búsqueda de verdad en la música, elsas produce con vocación universal y podría ser de cualquier parte. Pero la realidad es que Elsa Hackett es de Cardedeu, un pueblo del Vallès Oriental, cerca de Barcelona. Tras años de estudios musicales en España y en parte honrando a sus raíces inglesas, se mudó a Londres, la gran ciudad europea conectada con la escena internacional, y esa decisión intuitiva y romántica cambió su vida para siempre. “Quería estudiar jazz y componer para el cine, un poco movida por una idea romantizada, pero que en realidad no sabía lo que implicaba”, confiesa. El ambiente académico estuvo a punto de consumirla, recuerda. “Ahora estoy tranquila, pero sí hubo una etapa bastante torturada cuando empecé a sacar música en la que sentía ese síndrome del conservatorio, de estar teorizando demasiado, tanto que puede jugar en tu contra. Te acostumbras a pensar en armonías densas, cambios constantes de acordes y estructuras complejas, y a veces cuesta simplificar o dejar que una canción respire”. Sin embargo, esa formación no solo es clave para entender su música en la actualidad (tiene 29 años), sino “un cojín que me sostiene y me ayuda a combatir el síndrome de la impostora”.

También le abrió puertas en la industria musical londinense, para colaborar con Little Simz, Jordan Rakei, Jockstrap, Obongjayar, Florence + The Machine o Sampha, experiencia que marcó un antes y un después en su carrera. Además, ha formado parte del Idrîsî Ensemble, un grupo que interpreta repertorio muy antiguo de manera tradicional. “Yo soy una friki de la voz, así que me encantó la idea. Empezamos a ensayar en pandemia por Zoom y luego creció el grupo y ha funcionado mucho. Creo que formar parte de Idrîsî me ha influenciado mucho en cuanto a la ornamentación de mi voz o a las tonalidades”, explica. Todas esas experiencias se han ido filtrando, de un modo u otro, en su propio proyecto. Su primer EP, The Art of the Concrete (2021), fue un dump creado en pandemia que recorría sus inquietudes, de las armonías clásicas al neo soul y del art pop a la electrónica dramática. “La energía de los early 20s, que viaja más rápido, ¿no? Música experimental en la que volcaba toda la energía que no podía volcar en el mundo exterior”. Aporiamor, su nuevo EP -con el que debuta en Lapsus Records marcando además una dirección nueva, más ¿pop?, para el sello barcelonés-, en

cambio, ha sido fruto de un gran proceso con mucha parte teórica: una exploración de la contradicción inherente al amor, especialmente el romántico, atravesada por la imposibilidad y la muerte. “Aporiamor fue un proyecto muy dilatado en el tiempo”, reconoce Elsa. “Hay canciones que quizá están hechas desde 2020, y que parten de experiencias muy personales”. Procesarlas les ha dado no solo un nuevo significado, sino muchos posibles. “En mi caso lo de ser una persona muy pasional es congénito. Soy una lover que, como dicen en Hamnet, vive con el corazón abierto. Es una tendencia innata y creo que tiene que ver con el hecho de estar abierta a crear arte. Los artistas somos personas sensibles, y para mí el ejercicio artístico pasa por no ignorar esa condición, aceptarla y navegarla de la manera más sana posible. La experiencia en el amor me ha curtido muchísimo, pero no quería cerrarme por haber pasado malas experiencias. Caminar por el mundo con el corazón cerrado o con una coraza puede hacer luego darte cuenta de que no has vivido de la manera más pura”. Al drama, de hecho, Elsa le pone siempre una dosis de humor: en el videoclip de In My Womb aparece un laúd con una cabeza de hombre, que según ella fue el castigo a un amante, convertirlo en instrumento. “Es cierto que el humor puede ser un coping mechanism, pero también me parece una gran herramienta artística… Como una fibra que añades a tu tejido musical para que tenga una capa más de profundidad”. El tema, que cierra el trabajo por todo lo alto, evolucionó de electrónica minimalista a bolero con orquesta tras perderse por el camino, y quizá define la ambición ecléctica y la intención de juego que lo recorre, de la incorporación de sonidos inusuales e imágenes oníricas a un pop de cuerdas feérico o a una balada desnuda a piano. “En Aporiamor combinamos elementos orgánicos como guitarras y percusión grabada con elementos producidos. Mis ideas siempre son más ambiciosas que los recursos que tengo hasta ahora, y me adapto”, explica. A su manera, casi obsesiva, consigue sonar maximalista. “Me absorbe completamente mi proyecto. No escucho muchísima música. Me gustan D'Angelo, Esperanza Spalding o Jon Bap, pero no escucho música a diario. En cambio, sí que me influencian artistas visuales, escritoras como Donna Haraway, o una mística y compositora como Hildegard von Bingen, a quien conocí cantando su música. Y quizá todo eso se plasma de forma más evidente en el proyecto”.

APORIAMOR (LAPSUS RECORDS, 2026)

Fireworm / Finalise U / Niño / The Splinter (In His Eye) / In My Womb DIGITAL / EP

“LOS ARTISTAS SOMOS PERSONAS SENSIBLES, Y EL ARTE PASA POR NO IGNORAR ESA CONDICIÓN, ACEPTARLA Y NAVEGARLA DE UNA MANERA SANA”

MODA

SUJETADOR: PLAYTEX / FALDA: DIESEL / JERSEY: DKNY / PULSERAS: SUSMIE'S / SANDALIAS: MARTINELLI

EDITORA DE MODA: ALBA G. VALERO / ENTREVISTA: GALO ABRAIN / FOTÓGRAFO: MANEL DART / ESTILISTA: ANDREA ESTIRADO

MUAH: PATRIIIRGUEZ / ASISTENTE DE ESTILISMO: MANUEL PÉREZ / ASISTENTE DE FOTO: CHOPITO PABLO Y LOLA ANGULO

DANI DICOSTAS

Cuando se acerca a la barrera de los 30, la artista de Vigo afincada en Madrid enfrenta su primer disco de madurez con ‘Amores pasajeros’, un trabajo de medio tempo y luminismo retro inspirado en el pop francés, y en el que se emtrega a un proceso más experimental, doméstico y libre.

Dani Dicostas da premeditados motivos para el escándalo. Sabe amasar con intuitiva gracia su dulzura de red velvet, sin perder de vista que lo naíf es una pose, no una condición. De entre las piernas de Dani emerge un vendaval rojizo con el que seducir hasta el Clímax, como da fe el videoclip de dicha canción, con la que sus fans llevan tiempo flirteando desde que se anunciara la publicación de su nuevo álbum: Amores pasajeros (El Volcán Music). Un disco bisagra, de esos que a veces se llaman prematuramente de madurez, con el que va ganando la rifa para ser coronada como la nueva princesa del pop español.

¿Sus papeletas? Una ristra de canciones francamente solventes a nivel narrativo, despiojadas de la mala tendencia moñas del género, con las que, a ritmo de funk y reminiscencias de la chanson française, Dicostas nos regala un pase privado a las indigestiones emocionales que la someten -afortunada o desafortunadamente- con poderosos resultados creativos. De ahí que su propuesta sea esa: una sofisticada confesión, a la vez descarnada y dulce, para satisfecho apetito musical de quien la escuche.

En el universo Dicostas, la emoción es un territorio fértil en transformación perpetua. “Muchas veces compongo desde el enfado, la rabia o la frustración, que son emociones que me resultan muy estimulantes creativamente. Sin embargo, cuando transformo esas sensaciones en canciones, tiendo de forma muy intuitiva a volverlas más luminosas”, explica. Una alquimia con la que da la vuelta a su tortilla sentimental -de estas cuajaditas-, traduciéndola en un pop de armonías abiertas, pulso sensual y una delicadeza cinematográfica.

Este tercer trabajo supone, además, una mutación profunda en su método creativo. Lejos del esquema clásico de guitarra y voz, la artista se ha entregado a un proceso más experimental, doméstico y libre, que le ha permitido además conocerse un poco más a sí misma. “Este disco ha nacido de una manera muy distinta a los anteriores. Empecé a experimentar mucho con la producción desde casa, trasteando, creando maquetas y jugando con sonidos sin ninguna pretensión concreta”, cuenta. Un laboratorio donde primero aterrizaba el sonido, explorando nuevas texturas, ritmos funk y una variada identidad sonora, pero sin perder su esencia pop, para luego dar paso a las letras.

Si algo parece influir transversalmente en Amores pasajeros sería una nostalgia que es un fin en sí misma, y que supera al objeto o sujeto que la provoca. No una melancolía complaciente, sino una añoranza casi anticipada, un anhelo por lo que aún no se ha perdido. “Juego mucho con mi propia nostalgia, incluso con la que todavía no ha llegado. Es una especie de nostalgia prematura: estoy viviendo algo y ya estoy pensando en cuándo lo echaré de menos”, confiesa. Una tentación hacia el

pesimismo con el peligroso valor de sacar la creatividad a relucir. La madurez del proyecto de Dicostas, en cualquier caso, no es solo sonora. Hay un paralelismo vital. “A veces siento la presión de que parece que tu momento álgido tiene que ser con 18 o 20 años. Y ahora pienso: ojalá tuviera hoy la atención que tuve al principio, porque ahora sé mucho mejor lo que quiero hacer”. Esa conciencia del tiempo, lejos de paralizarla, la sitúa en un lugar de firmeza creativa: Amores pasajeros es el punto donde confluyen oficio, intuición y ambición estética. “Este disco es muy bisagra para mí. He tardado mucho tiempo en hacerlo: hay canciones de hace casi cuatro años, y necesitaba estar realmente segura de cada paso que daba”, afirma. No hay aquí decisiones precipitadas ni poses impostadas, por tanto. Todo responde a un proceso de decantación lenta, perceptible en la solidez del conjunto. Tanto, que la artista no duda: “Si alguien no me conoce y escucha este álbum, me siento muy cómoda con que esta sea mi carta de presentación”.

También en lo visual, Dicostas refuerza su identidad con una estética cuidadosamente diseñada. El color irrumpe como manifiesto. “Tenía muy claro que este no era un disco en blanco y negro, aunque la portada lo esté. Para mí es un álbum muy luminoso, así que el color tenía que estar presente sí o sí”, señala. Pasteles cálidos, guiños setenteros, sensualidad contenida y una ingenuidad calculada... Pero un contraste. Una iconografía que acompaña la narrativa emocional del disco y subraya su carácter hedonista, vulnerable y sofisticado.

En este terreno, la feminidad se despliega como una herramienta expresiva más, lejos del cliché o de frivolidades impostadas. “Explotar mi feminidad es algo que me sale de forma muy natural. A veces eso se interpreta como algo superficial, pero para mí es simplemente una forma más de expresión artística”, reivindica. Una postura que desafía la dicotomía absurda entre sensualidad y profundidad, reclamando el derecho a habitar ambas sin pedir permiso. Como decía Walt Whitman, Dani Dicostas “contiene multitudes”.

Finalmente, la artista propone una revisión del propio concepto de éxito. Frente al espejismo de los números, opta por la solidez del vínculo. “He dejado de medir el éxito por cifras o reproducciones. Para mí es más importante sentirme cómoda con cada paso que doy, poder defender el disco en directo y conectar con la gente”. Una filosofía coherente con el proyecto, que se aleja del mainstream para revelar un enfoque propio. Así, Amores pasajeros se erige como un ejercicio de honestidad estética y emocional, un artefacto que seduce, baila y se exhibe. Un manifiesto pop para tiempos líquidos, con el que la coronación de Dicostas se avecina temprana. Y eso sin haber cumplido los treinta.

“PARECE QUE TU

MOMENTO ÁLGIDO TIENE QUE SER CON 20 AÑOS. AHORA PIENSO: OJALÁ TENER HOY LA ATENCIÓN DEL PRINCIPIO, PORQUE AHORA SÉ MEJOR LO QUE QUIERO HACER”

San Valentín va de flechazos, pero también de darse gustos. Nuestro bazar de febrero es todo un cajón desastre de siluetas que hablan de amor propio y conectan con el deseo, el capricho y la belleza. Una selección pensada con intención, para regalar a alguien especial, donde lo funcional se mezcla con lo más cool y cada pieza tiene una historia que contar.

MARTY SUPREME

Por: Daniela Urzola

El debut largo en la dirección en solitario de Josh Safdie -tras confirmarse junto a su hermano Ben como uno de los cineastas contemporáneos de moda- recrea sobre el papel la vida, obra y milagros del pimponista Marty Reisman. Pero realmente se trata de una deconstrucción onírica del sueño americano en la que cualquiera puede verse reflejado. Una película sobre la vida, el amor, la juventud y el valor de perseguir los sueños, por locos que sean, a cualquier precio.

La vida de los hermanos Josh y Benny Safdie cambió cuando en 2016 la productora A24 decidió apostar por la pareja de directores para convertirles en uno de los estandartes de su ascenso a la fama global. Después de diez años bregando en el indie neoyorquino y tras un éxito underground como Heaven Knows What (2014), por fin podían atreverse con presupuestos más grandes, y con actores de primer nivel. El resultado fueron dos cintas a su manera estelares: Good Time (2017) y el angustiante thriller Diamantes en bruto (2019) –protagonizadas por Robert Pattinson y Adam Sandler, respectivamente–, ambas fundaciones de muchos de los tropos a los que siempre suele aludir el cine de los Safdie. Josh ha confesado con el tiempo que aquel periodo fue agotador, y que por un momento estuvo a punto de dejarlo y convertirse en arquitecto, como su ilustre padre; Ben, por su parte, se centró en su faceta como actor y creó junto a Nathan Fielder (Los ensayos) la serie The Curse. Es curioso que, ahora que han retomado sus carreras como directores en solitario, lo hagan con dos biopics sobre figuras del deporte, aunque entre ambos exista todo el abismo que cabe en su filmografía: si Benny apostaba por el realismo y la intensidad en The Smashing Machine (2025), su aproximación casi documental a la vida del luchador de la UFC

Mark Kerr, Josh se decanta por una especie de deconstrucción onírica del sueño americano con trasfondo cómico en Marty Supreme. Pero en ambas puede verse un ADN compartido.

Josh llegó a la historia de Marty Reisman -un vendedor de zapatos que se inicia en el mundo de las apuestas de la Manhattan de los años 50 con el sueño de convertirse en jugador profesional de ping pong hasta que lo consigue, participando en torneos de todo el mundo y llegando a ganar más de 20 títulos, el último con 67 años– gracias a su mujer, Sara Rossein, que además figura como productora ejecutiva del filme. Que le regalara su autobiografía, The Money Player, hizo reconectar a Safdie con un deporte que había sido fundamental en su infancia; un mundo al que accedió gracias a un tío que le llevaba a ver los juegos en Times Square y escuchar las historias de la gente que allí se reunía. “Todos eran chicos nerviosos y enérgicos. Marginados con sueños en los que nadie creía”, comenta el cineasta a Mark Salisbury en una entrevista para Screen Daily. Es precisamente este el espíritu que imprime a su retrato del campeón de tenis de mesa, virando la mirada hacia personajes que se abren camino desde los márgenes y a cualquier coste. Asimismo, el hecho de no hacer un biopic convencional, sino partir de un material real para crear una historia ficcional, le permitió a Safdie retratar la Nueva York de segunda mitad del siglo XX desde sus propios intereses históricos. “Nunca pensé en un deporte que me encantaba, el tenis de mesa, y nunca pensé en su historia: que

este salón en Times Square fuera el primer negocio propiedad de negros en el distrito, o una historia sobre un campeón de tenis de mesa de Hungría al que se le perdonó la vida en el Holocausto por ser campeón... Son todo historias fascinantes que contaban un panorama más amplio. No soy historiador, pero me hicieron comprender un poco mejor el mundo”, señala. Por supuesto, todos estos intereses convergen en el personaje principal: Marty Mauser. Para él Safdie pensó en Timothée Chalamet desde el arranque del proyecto. “Antes de conocerle como actor ya me parecía una persona fascinante, con una carga energética inexplicable”. Y es fácil constatar estas palabras del director, ya que la interpretación de Chalamet en Marty Supreme es tan magnética que muchos la consideran la mejor de su ya exitosa carrera. El actor da vida a un personaje complejo, con muchas capas, en ocasiones incluso antipático, algo que ya había explorado en su interpretación de Bob Dylan en A Complete Unknown (James Mangold, 2025), por la que hace tan solo un año recibió su segunda nominación a los Oscar. Sobre este gran reto, el actor ha comentado a IndieWire: “No me interesa interpretar a personajes que están

escritos de forma generalizada. Me gusta que haya una mezcla moralmente ambigua en la película. Quiero interpretar a personas reales, de la vida real. Y la vida es complicada. Marty es un tipo real que tiene cualidades positivas: es un gran soñador, es muy trabajador, cree en sus cualidades innatas. No está especialmente en sintonía con las personas de su vida que se preocupan por él. Está dispuesto a cruzar líneas éticas y físicas para llegar a donde quiere”. Para reflejar esas dinámicas complejas con las personas de su entorno, el proceso de casting fue crucial y ha dado sus frutos con uno de los elencos más destacados de la temporada. Una mezcla ecléctica de actores profesionales y no profesionales, pro-

venientes del mundo del cine y la cultura popular, la moda o la música. Una lista que incluye al diseñador Isaac Mizrahi, Kevin O’Leary de Shark Tank, los cineastas Abel Ferrara y David Mamet o el rapero Tyler, The Creator en su debut interpretativo como Tyler Okonma. Además, rostros conocidos se encuentran con nuevas estrellas en el firmamento hollywoodiense, como es el caso de Gwyneth Paltrow y Odessa A’Zion. Paltrow ha compartido en múltiples ocasiones su experiencia, aparcando por un

momento la jubilación de la que disfruta para hacer este papel. “Josh me pidió que participara en esta película. No conocía su trabajo, pero mi hermano Jake, que es cineasta, me dijo: ‘Tienes que hacerlo’. Fue muy enfático al respecto. Así que acepté, y luego pensé: ‘Mierda, ¿recuerdo cómo se hace esto?’. Habían pasado siete años. Pero no recuperé el gusanillo hasta que estuve en el plató haciendo la prueba de peluquería y maquillaje. Fue entonces cuando pensé: ‘Oh, ¿qué es esta sensación tan extraña que tengo? Dios mío, es emoción. Estoy realmente emocionada de estar aquí’”, comenta a The Hollywood Reporter.

Por su parte, A’Zion es una de las grandes favoritas del momento, en parte gracias a su participación en la serie de HBO I Love LA . “Podía ver claramente en mi mente el personaje que Safdie había creado. El guion era largo, pero nunca me aburrí leyéndolo. La historia trata sobre tener un sueño, sentir que estás destinado a algo y llevarlo a cabo, sin dejar que nada ni nadie se interponga en tu camino”, cuenta a W Magazine, añadiendo que trabajar con Chalamet fue un sueño hecho realidad. “Estaba en mi lista de los cinco mejores actores con los que me encantaría trabajar. Somos intérpretes muy diferentes, lo que creo que funcionó para la película. Era un compañero de escena increíble, sabía cómo improvisar cuando era necesario, me dejaba desafiarlo y me desafiaba a mí”. Además del reto que supuso Marty Supreme a nivel de historia y casting, se trata también de la primera vez que Safdie trabaja con un presupuesto tan grande, el mayor en la historia de A24: en torno a 70 millones de dólares. Sabe que la confianza del estudio es total. “Les presenté el guion en cuanto terminé de escribirlo con Ronald (Bronstein, su colaborador habitual). Sabían que soy un romántico y sabían cómo iba a dirigirla: que habría momentos impactantes que ayudarán a mantener al público enganchado”, comparte Safdie, añadiendo que el factor Chalamet también fue determinante en el proceso. Una campaña de promoción a la altura de la cinta y un éxito contrastado de crítica y público confirman la apuesta como ganadora. Al final no se trata de una película sobre una estrella del tenis de mesa, sino una revisión extraña y caleidoscópica del sueño americano, o de los sueños en general. “El amor y los sueños son lo único que existe fuera del tiempo”, ha declarado Safdie en Dazed. “Y un sueño siempre tiene que acabar para que otro empiece”. ¿No es acaso el amor su motor principal?

¿BIOPICS? DEPORTIVOS

TORO SALVAJE

Martin Scorsese (1980)

La cuarta colaboración entre el director y Robert De Niro dio lugar a uno de los retratos deportivos más memorables: la violenta vida del boxeador Jake LaMotta dentro y fuera del ring.

MONEYBALL

Bennett Miller (2011)

El béisbol detrás del béisbol: Brad Pitt da vida a Billy Beane, mánager de los Oakland Athletics, famoso por aplicar estadísticas avanzadas para fichar jugadores con poco presupuesto.

YO, TONYA

Craig Gillespie (2017)

Margot Robbie se corona como la polémica patinadora olímpica Tonya Harding en un filme que muestra todas sus facetas sin tapujos morales, indagando en la complejidad del personaje.

LE MANS '66

James Mangold (2019)

Protagonizada por Matt Damon y Christian Bale, balancea a la perfección la épica del mundo de la Fórmula 1 y el retrato de los lazos humanos detrás de las rivalidades deportivas.

Timothée Chalamet

Por: Daniela Urzola

Foto: Cortesía de Cash App / Aidan Zamiri

Acaba de cumplir los 30 y está en la cresta de la ola. Su currículum indie es intachable y se mueve como gusano en la arena del blockbuster. Ha sido Paul Atreides, Willy Wonka, Bob Dylan, todos ellos personajes clave de la cultura popular contemporánea. Gana premios. Rapea. Bromea. Sale con Kylie Jenner. Y ahora presenta la que seguramente es su gran actuación hasta la fecha, poniéndose al servicio de Josh Safdie y en la piel de Marty Supreme.

El plano sostenido sobre el rostro de Timothée Chalamet al final de Call Me by Your Name (Luca Guadagnino, 2017) confirmaba lo que ya muchos veían venir: el ascenso de una estrella. En la adaptación de la novela de André Aciman, el joven actor estadounidense-francés -nacido el 27 de diciembre de 1995 en Nueva York, en el seno de una familia de artistas que residía en el bloque de viviendas sociales Manhattan Plazadaba vida a Elio Perlman, el joven que se enamora del asistente de su padre durante el verano de 1983 en el norte de Italia. Una interpretación llena de complejos matices, todos contenidos en ese plano final que mostraba a Elio, años después, recordando con dolor y melancolía la experiencia de ese primer amor. Chalamet, que había iniciado su carrera años atrás en algunos papeles adolescentes para televisión (Homeland, Men, Women and Children), dio el salto a la gran pantalla con una breve aparición en Interstellar (Christopher Nolan, 2014), antes de llegar finalmente al papel que le otorgaría su primera nominación a los Óscar con tan solo 23 años de edad, posicionándole en la mira de todos en Hollywood. En los siguientes años iba a ser cada vez más fácil reconocer ese rostro lampiño y esos rasgos aniñados entre algunas grandes producciones del cine independiente de EE UU: primero fue el niño de los ojos de Greta Gerwig, luego directores como Wes Anderson o Woody Allen consideraron fundamental introducirle en sus imaginarios visuales –un honor quizá semejante al de ser aquí chica Almodóvar–. Y después llegaron Paul Atreides, Willy Wonka y Bob Dylan, personajes que le situaron directamente en la órbita de las superestrellas, con sueldos millonarios, y que le permitieron empezar a moverse a placer entre las superproducciones hollywoodienses con enjundia y otros proyectos más bizarros y especiales, como Marty Supreme. El chaval, ya no tan chaval, convertido en el ídolo deseado por las marcas de lujo y por la población sexualmente activa de medio planeta, e integrado en el clan Kardashian y en la élite de la socialité -desde 2023 sale con Kylie Jenner-, había demostrado que era capaz de pasar de los terrenos del drama a la ciencia ficción y viceversa en un abrir y cerrar de ojos; que podía también desarrollar una vis cómica; que podía atreverse con la epicidad solemne de la alta fantasía... ¡y que hasta sabía cantar y bailar! Pero no solo eso: su interés por el sentido del arte en la sociedad, una preocupación que nos retrotrae quizás a su breve paso por la Facultad de Antropología Cultural de la Universidad de Columbia, ha guiado siempre el rumbo de las películas en las que participa, y no ha dejado que el stablishment pervierta sus valores. “En los años 60, jóvenes artistas como Bob Dylan, Joan Baez o el escritor James Baldwin pensaban, con optimismo, porque no había precedentes, que el arte podía cambiar un aspecto político o una actitud cultural”, le dijo el actor

a la revista Numéro al hilo de una reflexión sobre por qué le había impactado tanto su papel en A Complete Unknown (James Mangold, 2024), en el que se sumergió profundamente durante cinco años emulando a los actores del Método. “Hoy en día es diferente porque hay un cinismo más fuerte. Y para las generaciones más jóvenes, los obstáculos son quizás mayores que los que existían en los años 60, especialmente en términos de política y medio ambiente”. Es un actor consciente e implicado, y eso se plasma en todos y cada uno de los proyectos a los que se suma. Fuera de la gran pantalla, por ejemplo, Chalamet es también un gran ejemplo contemporáneo de un nuevo tipo de masculinidad fluida, y su perfil casi andrógino ha sido diferencial en muchas alfombras rojas. Pero a esta pose ambigua se opone su asociación con una it girl billonaria como Kylie, del mismo modo que su elegancia y su charme contrastan con su amor por el fútbol –es hincha del Saint-Étienne, un equipo de la Ligue 2 francesa–, los New York Knicks, los videojuegos y el rap. En este sentido se parece a The Weeknd: un tipo con intereses más bien frikis que se inserta en el control de maquinarias de la cultura global. Es difícil olvidar aquella entrevista con Kendrick Lamar antes de la actuación histórica del rapero en la SuperBowl, montados en el GNX: más que un cruce oportunista, Chalamet demostró su conocimiento y su pasión genuina rapeando con Lamar dos temas de su primera etapa, antes de Good Kid, m.A.A.d. City, The Heart Pt. 2 (de la mixtape de 2010 Overly Dedicated) y Kush & Corinthians (de Section.80). Y qué decir de los rumores de que él y el rapero británico EsDeeKid eran la misma persona: el actor los resolvió jugando a los dobles entendidos y de paso haciéndole una genial promo a Marty Supreme, ayudando a fijar su presencia en el imaginario colectivo, sumándose a un remix del éxito del rapero 4 Raws. Y escucharle referirse a su alter ego rapero juvenil, Timmy Tim, hablar de sí mismo como Himothée Chalamet o bromear con trends virales malentendibles con ese “Got a can of coke and that chicken”, ha sido uno de los momentos, que no sabíamos que necesitábamos, más desternillantes y brillantes de 2025.

Con la cinta de Josh Safdie, el compromiso, para Chalamet, se duplica. “Me propusieron este proyecto en 2018. Así que, básicamente, estuve seis o siete años preparándome de forma intermitente. Entrenaba todo lo que podía en mi tiempo libre. Si eres fan de Dylan, o del ping pong... quieres que eso se refleje de forma real en la pantalla. Y asegurarme de eso es mi responsabilidad”, compartía el actor a la BBC. “Hay cosas peores en la vida que tener que aprender a tocar la guitarra y jugar al tenis de mesa a alto nivel”. Pero también se redobla la diversión: “Cuando tienes veintipocos años, eres un idiota”, reconoce el director. “Y esta película trata en gran parte sobre eso”.

“HAY COSAS PEORES EN LA VIDA QUE TENER QUE APRENDER A TOCAR LA GUITARRA Y JUGAR AL TENIS DE MESA A ALTO NIVEL”

DE CERO A REY; DE CHOCOLATERO A HÉROE

Le conocimos como un chico introspectivo, asistimos a su despertar sexual, le vimos convertirse en un joven interesante cigarrillo en boca y después coronarse rey, y le hemos acompañado por las dunas de Arrakis mientras se ponía en la piel de personajes míticos. Así se ha convertido Timothée Chalamet en uno de los actores más importantes de su generación.

INTERSTELLAR

Christopher Nolan (2014) Lo que se suponía tenía que ser el papel lanzadera para un jovencísimo Timothée Chalamet de apenas 20 años, interpretando al hijo de Joseph Cooper (Matthew McConaughey) en la epopeya espacial de Nolan, terminó reduciéndose en montaje a apenas un par de frases y convertiéndose en oportunidad perdida. El actor hoy lo recuerda con sorna, pero le guarda cariño a esta interpretación.

EL REY / David Michôd (2019)

Tirando de sus habilidades más teatrales, el actor es Enrique V en esta adaptación libre de los tres volúmenes sobre el origen de la monarquía británica que componen la Enríada de Shakespeare, y que le validó para la épica histórica y la fantasía. Arrakis era inminente.

WONKA

Paul King (2023)

Chalamet demostró su lado excéntrico y su habilidad para el musical en esta historia sobre los orígenes del mítico chocolatero creado por Roald Dahl, y al que ya dio vida Johnny Depp en la gran pantalla.

A COMPLETE UNKNOWN

James Mangold (2024)

Cinco años estuvo Chalamet interiorizando a Bob Dylan: su forma de hablar, de cantar, de expresarse. Él mismo interpreta todas las canciones del filme a voz, guitarra y armónica, y las 40 que componen la banda sonora.

CALL ME BY YOUR NAME

Luca Guadagnino (2017)

Chalamet aprendió a hablar italiano y a tocar la guitarra y el piano para adentrarse en el inolvidable personaje de Elio Perlman en este precioso coming of age sobre el despertar homosexual que le situó definitivamente en el mapa de la actuación global.

LADY BIRD / Greta Gerwig ( 2017)

Después de protagonizar su propio coming of age, Chalamet se puso a las órdenes de Greta Gerwig para el despertar de la joven Lady Bird, interpretada por Saoirse Ronan. Los tres se volverían a reunir dos años después en Mujercitas

DUNE / Denis Villeneuve (2021-)

LA CRÓNICA FRANCESA Wes Anderson (2021)

En el tríptico de sensacionalismo periodístico que es la cinta de Anderson, Chalamet interpreta al estudiante revolucionario Zeffirelli durante su segmento, el segundo, inspirado en las revueltas estudiantiles del Mayo del 68. Excentricidad, profundidad filosófica, actitud punk y un cierto aire de intelectualidad y elegancia: un combinado de la fórmula Timothée.

No ha sido el proyecto actoral más largo e intenso de Chalamet, un intérprete acostumbrado al Método, pero sí el que más se ha dilatado a ojos del espectador: un lustro dedicado a dar vida al antihéroe mesiánico Paul Atreides, encarnando a la perfección su lucha entre la fe y la razón.

ONEOHTRIX

Por: Diego Rubio

Otro componente imprescindible para ‘Marty Supreme’, y para las películas de los Safdie en general, es la música de Daniel Lopatin. Conocido por sus discos como Oneohtrix Point Never, vanguardista electrónico de primer nivel; por sus insólitas colaboraciones con una popstar de primera línea internacional como The Weeknd; o, sí, también por su trabajo en las bandas sonoras cinematográficas. Profundizamos en una trayectoria a día de hoy inabarcable.

POINT

NEVER

DE LA BASURA DE AYER, EL POP DEL FUTURO

A través de sus múltiples alias y proyectos paralelos, Daniel Lopatin ha resignificado lo que significaban el collage sonoro, la sampledelia, el slop musical y la fantasmología, para aludir a la trascendencia cultural del pop como cadena de transmisión del significado social. Para él las listas de éxitos y la música de biblioteca son tan válidas para entendernos como lo son el canon académico o la vanguardia.

DANIA SHAPES

Holograd (2008)

Uno de los primeros proyectos de Lopatin, publicado durante una época efervescente y a la que es casi imposible seguir el rastro de forma consistente. Ya expone la radiofonía fantasmagórica y noise que será definitoria.

KGB MAN / OPN

KGB Nights / Blue Drive (2009)

La actitud iconoclasta de Lopatin ya existía en otro de sus proyectos más esquivos de sus primeros días, asociado al canon primordial de Oneohtrix Point Never: como si un DJ Screw hasta arriba de opiáceos choppeara hits de Michael Jackson.

CHUCK PERSON

Chuck Person's Eccojams Vol. 1 (2010) | Tan influyente para la aparición del vaporwave como el trabajo de James Ferraro, cerca en torno al concepto de eccojam la idea de Lopatin de ralentizar y disolver hits de radiofórmula: Toto, Fleetwood Mac...

ONEOHTRIX POINT NEVER Replica (2011)

Los avances en la redefinición del sample de las Eccojams desembocaron en Replica, un disco que abandonaba los sintetizadores y se construía desde la reutilización de un catálogo de música para anuncios de tv de los 80 y los 90.

“EL MARTY DE LOS 50 ES UN VISIONARIO: HA VISTO ALGO QUE NADIE HA VISTO AÚN, REPRESENTADO EN LA MÚSICA DE LOS 80”

SCORE SUPREME

Lopatin y Josh Safdie compartieron durante meses una playlist en Spotify con más de 20 horas de música que terminaría siendo la fundación de toda la banda sonora: una mezcla de música de los 50 y de los 80, hits atemporales, kosmiche y sonidos new age.

Daniel Lopatin ha comentado que la banda sonora de Marty Supreme tiene un valor transtemporal, y que en cierto sentido funciona como un diálogo de ida y vuelta entre la música de los 50 y los 80, décadas principales en las que se ambienta el filme, a través del lenguaje de la new age. “Marty es un adulto en los 80, toda la música de la época está ahí rodeándole, y también tiene toda esa música de los 50 en la cabeza cuando recuerda su vida”, dice el productor y compositor. “Pero también puedes entenderlo ál revés, como esa capacidad del personaje para imaginar su propio futuro. El Marty de los 50 es un visionario, está tan adelantado a su tiempo que nadie le cree, y tiene esa inocencia del que ha visto algo que nadie ha visto aún, representado en esa música de los 80”. Esta aproximación musical conecta mucho con el propio trabajo de Lopatin como Oneohtrix Point Never, con esa trituradora cultural de significados musicales expuesta en las eccojams, en Replica o en el reciente Tranquilizer, y del mismo modo ahonda en lo ya expuesto en sus otras dos colaboraciones previas con los Safdie, para las bandas sonoras de Good Time (2017) y Diamantes en bruto (2019) respectivamente.

EL MARTY DE LOS 50...

“En la playlist de Josh había mucha música de los 50, sobre todo para ponernos en el mood radio AM de la película”, reconoce Lopatin. Temas de Fat Domino o Constance Demby, pero sobre todo ideas de sonidos e inspiraciones instrumentales que iban a construir gran parte del feeling analógico del score de la cinta. “La idea del tiempo era maleable y gelatinosa”, afirma.

ONEOHTRIX POINT NEVER

R Plus Seven (2013)

Quizá la primera gran síntesis de la carrera de OPN, aplicando el enfoque collagístico de Replica a un trabajo de recolección de sintetizadores MIDI, presets y plug-ins: en busca del alma en la tecnología musical.

ONEOHTRIX POINT NEVER

Garden of Delete (2015)

Lopatin abrió para NIN y Soundgarden en 2014 con sets de ciberdrone, y la experiencia derivó en su primera gran aproximación al rock alternativo y al metal: un disco denso y oscuro cantado por un procesador vocal.

EL MARTY DE LOS 80...

La new wave no solo pone banda sonora al presente de Marty en los 80, sobre todo se filtra entre los sueños de grandeza del joven Marty de los 50: los anacronismos son evidentes del primer momento al último, acompañados respectivamente por Change y Everybody Wants To Rule The World -hit temprano y hit catedralicio de los Tears for Fears-, o en esas partidas de época en las que se cuelan los pulsantes ritmos sintéticos de New Order, Alphaville, Public Image Ltd., o el Peter Gabriel de Security (1982).

Y UN HILO COMÚN EN LA NEW AGE

En la new age, en el kosmiche, en el prog y en la música psicodélica, prorrogando las otras bandas sonoras de Lopatin para los Safdie: Vangelis (Blade Runner, Carros de fuego), Tangerine Dream (Thief, Sorcerer, Risky Business), Ennio Morricone (en este caso más el de El profesional, La cosa, Érase una vez en América o Los Intocables de Eliot Ness que el de los grandes clásicos del spaguetti western) o Maurice Jarr (Witness, Atracción fatal, El club de los poetas muertos, La escalera de Jacob) se cuelan en la construcción de las atmósferas de sintetizador, vaporizadas a la manera de Onehtrix Point Never. A todo ello se une la participación a la cítara y otras cuerdas del mito del ambient y la new age Laraaji -viejo colaborador de Brian Eno-, de la orquesta sinfónica nacional checa y del Synchron Choir de Viena -arregladas por Joshua Eustis aka Telefon Tel Aviv-, así como del que a día de hoy es prácticamente el integrante secreto de OPN, Nathan Salon, y la voz atemporal de Weyes Blood, que en su proyecto también se adentra en zonas liminales.

THE WEEKND

Dawn FM (2022)

El WTF de la carrera de OPN y un insólito crossover vanguardia/ mainstream: empezar contribuyendo al giro electrónico oscuro de Abel Tesfaye y terminar convertido en su productor y, más importante, en su diseñador sonoro.

ONEOHTRIX POINT NEVER

Tranquilizer (2025)

Un retorno a las eccojams y a los días de Replica, esta vez rescatando los sonidos de una librería de samples para música de biblioteca que encontró en Internet Archive y que se borró, perdiéndose para siempre.

Besmaya

Por: Galo Abrain

Fotos:@pablomtuche (Pablo Tuche)

Originarios de Barcelona y San Sebastián, Javier Echávarri y Javier Ojanguren, los Javis, han apostado siempre por el organicismo como lenguaje de expresión. Pero en su segundo álbum como Besmaya, ‘La vida de nadie’, profundizan en su apuesta particular por el sonido clásico, atemporal, al tiempo que despliegan un sonido más ruidoso. Imperfecto, como la vida ante la que nos abrimos paso en busca de algo que permanezca.

La noche del 22 de enero el Teatro Magno, de Madrid, huele a ajetreo prebolo. Los Javis, a la manera de sus tocayos cinematográficos, ultiman los detalles para que su Mr. Nadie, un anónimo Teletubbie amarillo sin rostro, al límite del burnout, protagonice el genial cortometraje dirigido por L.S. David con el que recibirán a su público. Un personal devoto que, una hora antes, se cala bajo la lluvia para cazar codiciada primera fila. La presentación del nuevo álbum de Besmaya, La vida de nadie, se plaga de prole veinte y treintañera, con una transversalidad que va del cayetano de patilla torera a la jovieja con jersey de punto morado. Una camarilla juvenil a la que se dirige, reivindicativo, este disco para hablar de esos “zagales” que siguen en la posadolescencia por precaria imposición. La generación que, okey, no habrá bregado con los abyectos horrores de la guerra, ni el hambre, ni las heroinómanas torturas que padecieron las anteriores, pero que se las ve canutas para abandonar los pisos compartidos, y siente que un trabajo de catorce horas diarias no les asegura nada que no sea una visita semanal al psicólogo. Para quienes se lo puedan permitir, vaya. ¿Generación llorica? ¿De cristal? Tal vez, pero de un cristal tintado, bastante opaco, como para impedir ver la roña que reposa sobre él.

En el camerino, momentos antes de patear las tablas, Javier Ojanguren y Javier Echávarri desgranan el salto de escalón que supone para ellos este disco. “Al principio, cuando montamos esto, escuchábamos casi todo en inglés”, recuerda Echávarri. “Y en este disco hemos querido volver un poco a esos inicios más guitarreros, más noventeros, donde había más instrumento, más madera y menos artificio”, añade Ojanguren. En su imaginario aparecen, sin rubor, Smashing Pumpkins o Blur. Un retorno al rasgueo que no es ninguna pose vintage, si bien se los ve con estética pasión flow tuzausen. Se trata de una decisión conceptual. “Este es un disco más serio, así que pedía instrumentos más serios”, explica Ojanguren. “Nos pusimos normas: tres guitarras como máximo, un bajo, una batería y sintetizadores analógicos. Queríamos imperfecciones, que se notara lo orgánico. Si hablamos de una juventud en crisis, los propios instrumentos debían sufrir su propia crisis”. Una declaración que roza el programa político: menos plug-in, más sudor; menos perfección quirúrgica, más error humano.

La idea de La vida de nadie surge precisamente de esa sensación de transición permanente. “Cuando te quieres hacer mayor, de repente te das cuenta de que no puedes”, resume Ojanguren. “La precariedad es lo que nos mantiene jóvenes: pisos compartidos, curros precarios, la imposibilidad de formar una familia o de pensar a largo plazo. Tu cuerpo envejece, pero tu vida se queda suspendida”. Echávarri asiente. “Deseamos hacernos mayores,

pero la sociedad muchas veces no nos deja. Y eso genera una especie de limbo vital del que habla todo el disco”.

De ahí nace también el personaje de Nadie, ese alter ego que es todos y ninguno a la vez. “Nadie somos todos”, dice Ojanguren. “Queríamos contar nuestras preocupaciones y las de muchísima gente”. Nadie, que somos todos, como Hacienda, encarna un sentir popular que, por lo sobado, no deja de ser cierto. Una rasposa realidad a la que se dirigen también con el humor que los impregna. Hay melancolía, sí, pero también

“QUERÍAMOS IMPERFECCIÓN, QUE

SE NOTARA LO

ORGÁNICO.

SI HABLAMOS DE UNA GENERACIÓN EN CRISIS, LOS INTRUMENTOS TAMBIÉN DEBÍAN SUFRIR SU PROPIA CRISIS”

VOLVER A LO ESENCIAL

Besmaya, como muchos artistas de su generación, se han levantado contra la superficialidad y lo perecedero, refugiándose en músicas que asociamos al pasado, pero que hace tiempo que demostraron su atemporalidad.

BARRY B

El arandino tenía una carrera prometedora en la domótica, pero su pasión por la música pudo más. Se mudó a Madrid con Drummie y con Ralphie Choo, se dio a conocer junto a ellos y ahora se ha reconciliado con su rockstar interior.

HENS

Portada de NUEBO en enero al hilo de la publicación de su nuevo trabajo largo, Una mudanza, Hens ha pasado de un sonido pegado al pop urbano a una especie de primera madurez más guitarrera.

ironía y una clara voluntad ociosa. “Al final también nos lo tenemos que pasar bien”, reconoce Echávarri. “La música es un vínculo para contar injusticias, pero también para reunirnos, para disfrutar”. El balance entre ambas cosas es su principal misión como banda. Ese equilibrio se percibe en canciones donde conviven la llantina generacional y los coros infantiles, como en el tema Nadie, heredero confeso del Another Brick in the Wall de Pink Floyd. “Los niños cantando tienen un poder muy especial”, explica Ojanguren. “En Nadie, nos parecía muy irreverente que fueran ellos los que dijeran ‘Te has hecho mayor, te molan los putos Planetas’. Es como un niño interior recordándote que crecer tampoco es tan malo, aunque no sea lo que soñabas”. Que, aunque te molen Los Planetas, el mundo, la vida, como diría Carlangas, te siguen queriendo igual.

En el trasfondo del álbum late igualmente una reflexión amarga sobre el consumo, la evasión y la necesidad constante de anestesia de la sociedad contemporánea. “Si el consumo de alcohol y de fiesta es tan elevado en nuestra generación -los más jóvenes se libran de esto, pero se enfrentan a otros peligros y amenazas más invisibles-, quizá es porque no estamos tan satisfechos con nuestra normalidad”, apunta Ojanguren. “Muchas veces no es estar loco, es querer huir de la realidad”. Pero incluso ahí aparece el matiz: un cierto hedonismo sano, muy español, que convierte

DANI FERNÁNDEZ

Fue miembro de Auryn, el proyecto de boy band post One Direction a la española. Años después, tras La jauría (2024), su último álbum, se ha convertido en uno de los grandes ídolos del pop-rock nacional.

TU OTRA BONITA

Los madrileños llevan bregando en la música, en la carretera, en las salas, desde hace ya casi dos décadas. Son un ejemplo de creer en un sonido como si fuera una filosofía de vida. Puta vida (2025) es su último álbum.

la crisis en excusa para salir a la calle. “No tenemos ni un puto duro, pero la música siempre tiene que estar. Eso es muy nuestro”, resume Echávarri. Y, de cara al público, ¿qué esperan? “Lo único que deseo es que la gente comprenda el concepto del álbum y lo aprecie”, confiesa Ojanguren. “Venimos de un pop más facilón y queríamos salir de ahí, hacer algo más maduro”. En esa transición se reconocen en una escena emergente que comparte sensibilidad y música orgánica. “Hay un movimiento desde hace tiempo y se nota en los directos, en los festivales, en el consumo. Es un momento muy bonito”, dice Echávarri. Entre bromas sobre la edad -“Estamos entre el alma vieja y el alma de quince años”- y confesiones sobre el vértigo de la carretera que les queda por rodar, los Javis reivindican el estudio como refugio y el directo como ceremonia colectiva. “Grabar discos es lo que más me gusta. Los conciertos son increíbles, pero también te atrapan en una rueda. En el estudio todo es único”. A La vida de nadie no le piden nada grandilocuente. “Que tenga una vida larga”, responde Echávarri. “Más que un subidón puntual”. Ojanguren lo remata con una imagen que resume su ambición más íntima: “Ojalá dentro de veinte años un chaval se ponga este disco y diga: ‘Coño, esto molaba’. Como cuando yo me pongo Family o Blur y me sigo emocionando. Aunque entonces solo tengamos cien oyentes, ya estaría todo hecho”.

LA VIDA DE NADIE (ACQUSTIC, 2026)

Nadie / Todos mis amigos / Sobrenatural / Olviddarme de mí / Mama / Lo que nunca fue / Intruso / Corona laurel / Cuando te tengo delante / El tiempo que paso contigo CD / DIGITAL / LP

Por: Ramón Baylos

Treinta años después de que el primer ‘Resident Evil’ revolucionara el mundo de los videojuegos popularizando masivamente el survival horror, la llegada de ‘Requiem’ tiene algo de culminación. Síntesis del giro opresivo hacia un horror más crudo acometido desde ‘Resident Evil 7’ y del deslumbrante despliegue de acción visto en ‘Resident Evil 4 Remake’, esta novena entrega profundiza también en la dualidad jugable de ‘Resident Evil 2’ y nos devuelve a las calles y las atmósferas siniestras de la ciudad infestada. Bienvenidos (de nuevo) a Raccoon City.

TODO EN UNO

Desdoblándose entre dos viejos conocidos de la saga, el poli implacable y la periodista demasiado inquieta, la novena entrega de la saga se construye tanto en torno a la acción frenética como a la tensión del survival horror y el terror psicológico.

Grace Ashcroft

Su vida ha estado marcada permanentemente por la muerte de su madre, Alyssa Ashcroft –su primera aparición fue en Resident Evil: Outbreak, en 2004–, alistándose en el FBI como posible consecuencia de un trauma intergeneracional no resuelto. La capacidad analítica de Grace es herencia directa de su progenitora, como también esa inquietud que finalmente acabó con su vida. En Requiem, su papel es adentrarse en los rincones más oscuros del juego para investigar una secuencia de crímenes violentos, y sobre su gameplay ha concentrado Capcom los elementos más puramente survival y de terror psicológico.

Leon S. Kennedy

Desde Resident Evil 2, los ojos de Leon lo han visto casi todo, pero siempre hay nuevas oportunidades para sorprenderse con los horrores de un mundo que nunca se recuperó tras el incidente de Raccoon City. Con dicha experiencia a sus espaldas, el personaje se curtió hasta convertirse en el agente más importante del DSO. Un prestigio que vuelve a defender, ya más madurito, en Requiem Su camino se interconecta con el de Grace en un complicado laberinto narrativo en el que, además, sirve como contrapropuesta jugable alternativa: lo que ocurra alrededor de Leon se narrará desde una perspectiva más orientada a la acción encarnizada, en la línea de lo visto en Resident Evil 4 Remake

SUPERVENTAS INFALIBLE

Resident Evil es el gran estandarte de Capcom, su buque insignia, y la desarrolladora se esfuerza constantemente en mimar su gallina de los huevos de oro.

15,8 15,4

12,2

10,2 millones millones millones millones millones

Resident Evil 2 Remake Resident Evil 7

Es el proyecto más rentable de la Capcom contemporánea, pero, sobre todo, un ejemplo de cómo debería hacerse un remake. Fue el primero, de hecho, en ser nominado a Juego del año, y el que abrió un debate vigente hoy.

Más y mejor que Resident Evil 7. Personajes más icónicos, escenas más delirantes, una transición sutil hacia la acción que no perdía esencias y mecánicas clásicas... y un diseño de niveles renovado que ya es canon.

10,6

Resident Evil 4 Remake Resident Evil 3 Remake

No es el más querido, pero ni de lejos es un mal juego: su duración, su sencillez, sus mecánicas claras y su gran rejugabilidad –algo común en la saga, pero brillante aquí– lo convierten en una de sus mejores aproximaciones arcade. No menor es la importancia de la entrega que consiguió reavivar la llama de la saga, perdida casi por completo en Resident Evil 6. Nuevo enfoque, nuevos personajes y ambientaciones... Aire fresco, en definitiva, para darle la bienvenida a una nueva etapa.

Las limitaciones técnicas hacían injugable a efectos prácticos la revolucionaria versión original, y Capcom no solo consiguió ponerla a punto, sino doblar la puesta y dar con uno de los mejores juegos de acción de la historia.

UN NUEVO VISTAZO A LOS HORRORES

Del abismo a volver por todo lo alto: Capcom estuvo a punto de perder el norte de su franquicia más querida. Tocar fondo les enseñó a traducirla a un nuevo contexto.

La resurrección

Por suerte, volvieron a encontrar el rumbo: Resident Evil VII llegó al rescate. Lo hizo no siendo conservador y alejándose del back to basics. Con un nuevo protagonista, Ethan Winters, nuevas motivaciones, y lejos de Raccoon City, el juego apostaba por reformular la saga en varios aspectos, el más evidente el cambio de cámara a la primera persona. Mientras tanto, la desarrolladora aprovechaba su recién estrenada tanda de remakes para rendirse varios homenajes y, sobre todo, para probar mecánicas que retroalimentarían las futuras entregas.

La caída

La quinta y sexta entrega de Resident Evil quedarán como el capítulo más oscuro en una franquicia que hasta entonces parecía infalible, y que venía de revolucionar el medio en Resident Evil 4 incorporando la cámara al hombro. Su fijación incomprensible por replicar lo peor de las películas de acción palomiteras de los 2010 o, peor aún, la intensidad de shooters como Call of Duty, terminó por dar forma a dos juegos acomplejados, hechos por un estudio que parecía haber olvidado las virtudes de la saga en favor de trends que ni le pegaban ni necesitaba.

BIOHAZARD ES PUNK

RESIDENT EVIL: REQUIEM

Shinji Mikami, creador de la saga Resident Evil, tenía bastante claro que sus juegos iban a llamarse Biohazard, y con ese nombre se publicó en 1996 la primera entrega en Japón y siguen publicándose las nuevas hoy. Pero cuando el juego se comercializó en el mercado occidental, en Capcom se encontraron con que la marca, Biohazard, ya estaba registrada: pertenecía a una banda de hardcore punk estadounidense con nueve años de andadura entonces –y con diez discos de estudio a sus espaldas ahora–. Mikami y compañía no quisieron líos y evitaron cualquier conflicto legal cambiando el nombre del videojuego en Occidente, y el resto es historia: nació Resident Evil. Al final parece que Resident Evil era bastante más punk que Biohazard. Y, si lo piensas, también es bastante thrash.

Nieves

GGonzález

Por: Galo Abrain

Entre el retrato barroco y el streetwear contemporáneo, la pintura de Nieves González convierte el pasado en un territorio inestable donde la belleza clásica se contamina de presente y la historia deja de ser un refugio para volverse pregunta. La artista onubense protagoniza nuestra galería de enero poco después de haberse abierto las puertas de las pinacotecas globales gracias a su trabajo en la portada de ‘West End Girl’, el disco de ruptura de Lily Allen.

Pongamos que a Vermeer, ilustre autor del hipersobado y precioso óleo La joven de la perla -a Rosalía se lo vieron mientras pesaba su corazón roto-, lo descolgaran en un viaje en el tiempo por nuestro agitado presente. Seguro que hubiera seguido pintando con su magnética dulzura esos fastuosos retratos de damiselas con bocas de fresa, frentes de nácar y ojos negros reluciendo sobre la tiniebla. Me apuesto a que, más allá de prodigios tecnológicos y de los muchos cachivaches que lo traerían de cabeza, el neerlandés mantendría su pictórica predilección por los rostros con mascarillas de luz con sabor a fogonazo divino. Una encarnación delicada y cotidiana de ese espejo del alma humana que es la cara, y a la que la historia del arte debe algunos de sus grandes misterios.

Nieves González, a la manera de Vermeer, parece prendada por el ocultismo, casi diría magia negra, que ocultan algunos rostros. En especial aquellos que destilan un aroma clásico. Forma y gesto. Color y textura. Estas son las herramientas que permiten a esta joven artista onubense invocar imágenes femeninas de aura tradicional, sin perder esa intuición estética sobre el tercer milenio que, seguro, hubiera influido a nuestro Vermeer viajero en el tiempo. “Pienso que la herencia siempre es moldeable, algo que podemos aprovechar

para reconducir la historia, y que, de hecho, es también nuestro deber”, afirma González, que concibe el acto de pintar como una forma de intervención crítica sobre los imaginarios que nos llegan. “Tener presente lo que nos ha precedido”, insiste la artista, “no significa reproducirlo sin fisuras, sino enfrentarlo para poder avanzar como sociedad”.

Esa voluntad de fricción atraviesa toda la praxis de González. Según ella, no busca la comodidad visual ni la conciliación de referentes; al contrario, su trabajo se articula desde la tensión. “Dinamitar códigos. Quizá en este último paso entre en juego lo perturbador, al enfrentar mundos aparentemente tan alejados. Busco que mis obras generen precisamente esa tensión”, explica. La perturbación, el valle inquietante, no aparece como un fin en sí mismo, a la manera de los accionistas vieneses, con esa mala costumbre de andar jugando con la casquería humana o los límites del sentido común, sino como una estrategia para activar una mirada más consciente. Tal vez menos automática sobre aquello que creemos conocer.

Uno de los ejes más reconocibles de la pintura de la artista es ese diálogo entre la tradición del retrato barroco con influencias de la pintura flamenca y la escuela andaluza y la estética contemporánea. En

sus lienzos, la opulencia de los volúmenes históricos convive con referencias directas a la moda actual, generando una suerte de anacronismo calculado. Jóvenes de la perla, a la manera de Vermeer, pero con abrigos de plumas coloridos y acolchados más propios de Drake. Casi rozando ese pomposo puffy que hace poco lució Tamara Falcó en su viaje a Nueva York. “Busco crear un paralelismo entre la voluminosidad y la esculturalidad de las vestimentas barrocas y los outfits actuales”, señala. Por un lado, se trata de una cuestión estrictamente pictórica, de masa, color y forma; pero, por otro, existe una equivalencia conceptual. La moda funciona hoy como documento histórico, del mismo modo que lo hizo en siglos pasados, casi como una revista de tendencias que fija identidades, jerarquías y deseos. Aunque el streetwear y la observación directa de la calle constituyen una fuente habitual de inspiración, el proceso de González no se limita a lo inmediato. La artista asegura investigar también la aportación de grandes diseñadores del ámbito artístico, explorando nuevos elementos y volúmenes que incorporar a su lenguaje. Esa combinación entre cultura visual popular y referentes históricos amplía las capas de lectura de su obra. Vamos, que si a Tamara no le mola lo de Nieves González, es porque todavía no ha podido quedarse prendada de una de sus obras, como sí ha hecho por ejemplo la cantante británica Lily Allen: para el disco en el que narra su dolorosa ruptura con el actor David Harbour, la artista contó con González, que no solo pintó el espectacular retrato que protagoniza la portada, también todas las ilustraciones interiores. Un trabajo que le ha cambiado la vida, y que le ha abierto definitivamente las puertas de las galerías internacionales.

Cualquiera que vea la obra de González entiende que la genealogía femenina ocupa un lugar central en su entramado de referencias. Las figuras que aparecen -o resuenan- en sus cuadros no son meras citas culturales, sino precursores simbólicos con los que dialoga para entender y reescribir el presente. “Siento que las figuras en las que me inspiro o a las que hago referencia son mis antecedentes, forman parte de mi historia o me pueden ayudar a entenderla”, explica. Personajes como María Magdalena o Rapunzel emergen. así, como ejemplos de la complejidad de ejercer poder siendo mujer. Lo mismo que de los castigos simbólicos que la historia ha impuesto a quienes se salían del relato dominante. Nada nuevo, pero, como suele decirse con la literatura: ¿acaso no está todo contado ya? La diferencia, y de eso hace gala la artista onubense, reside en la posibilidad de desvelar una nueva forma de contarlo.

Esta revisión no se produce de forma aislada en cada pintura. González concibe su producción como un proceso continuo en el que las piezas se retroalimentan.

“Mis obras dialogan entre sí como partes de un mismo proceso. Cada pieza recoge ideas, imágenes o tensiones que ya estaban en trabajos anteriores y las desplaza, las modifica o las pone en duda”. No hay, por tanto, una voluntad de cierre. Existe un desplazamiento constante. En ese movimiento, la memoria juega un papel fundamental. La artista distingue entre una memoria colectiva -ese imaginario visual e histórico que condiciona nuestra forma de mirar- y una memoria personal que atraviesa el trabajo de manera más intuitiva. Ambas se mezclan y generan capas que no buscan reconstruir el pasado tal y como fue, sino repensarlo desde el presente. Pintar se convierte así en una forma de reescritura. En un interruptor, por así decirlo, con el que activar la memoria y dar a luz a algo vivo, cambiante y abierto, lejos de la nostalgia o la idealización. En un plano más tangible y material, Nieves González se siente considerablemente pletórica ahora que cabalga la cresta de la ola. Con proyectos inminentes en París y Los Ángeles, dos contextos artísticos marcadamente distintos, la onubense se mueve en un mercado global sin permitir que este dicte las reglas de su lenguaje. A ella le interesa transitar espacios diversos porque cada uno activa lecturas diferentes de su trabajo. No obstante, insiste en que eso no condiciona su pintura. El mercado, asume, ‘‘es una realidad inevitable”, aunque no es el lugar desde el que piensa la obra. Para ella, la pintura sigue siendo un territorio de libertad, un espacio donde las cosas no tienen por qué resolverse del todo ni ser inmediatamente legibles. “Más que modificar mi manera de pintar”, confiesa González, “estos contextos refuerzan mi necesidad de mantener la ambigüedad y la tensión dentro de la obra”. La artista reivindica la pintura como un medio que se resiste a los discursos cerrados y a la lógica de la inmediatez. Porque, a la manera de Vermeer, Nieves González calcula el preciosismo de sus trazos dándole el puntito socarrón, por esa mezcla entre el imaginario cultural pictórico asumido y la cotidianidad urbana visual actual, haciendo malabares con el tiempo. Si la concepción general del mundo mantiene una lógica progresiva que debe atropellarse hacia nuevas y totalitarias ideas, González nos devuelve a la intrigante belleza del pasado vestida con el voluminoso desparpajo del presente. Un contexto en el que, afortunadamente, de vivir las modelos de Vermeer, podrían andar por ahí libres y despreocupadas, y no tensionadas por las presiones machuzas sobre su género femenino. Quizás la mejor lección de la obra de Nieves González es que, sin renunciar a nuestro pasado, debemos hacer gala y atender a lo mejor de él. Invocar esa distancia inquietante y bella de los rostros clásicos, pero dándole la ventaja -el abrigo, nunca mejor dicho- de los tiempos presentes.

“BUSCO CREAR UN PARALELISMO ENTRE EL VOLUMEN Y LA ESCULTURALIDAD DE LAS VESTIMENTAS BARROCAS Y DE LOS OUTFITS ACTUALES”

González trabajó mano a mano con Lily Allen en el retrato que sería la portada de su disco de ruptura, ‘West End Girl’ (2025). Una obra inspirada en la iconografía religiosa y en el barroco andaluz que marca el trabajo de la onubense, pero que también captura la personalidad estética de Allen.

Por: Luis Bravo

Maj r a eta

Foto: Eloy Muñoz

¿Una prejubilación inesperada puede poner en jaque a toda una ciudad? ¿Quién es realmente el responsable? ¿Por qué lleva ese mote? 'Majareta' (Seix Barral) es la nueva novela de Juan Manuel Gil (Almería, 1979) y llega con toda la seriedad que necesita el humor novelístico, ácido y sorprendente. Desde NUEBO no podíamos perder la oportunidad de hablar con él.

Mientras la lluvia hace más impre- sionistas los detalles del parque al otro lado de los ventanales, el novelista Juan Manuel Gil espera pacientemente en una de las salas de actos de una céntrica bi- blioteca pública madrileña. Todo parece tener ese aire de reunión colegial. Gil es profesor, así que bien sabe de esos vene- nos, como diría el verso, y precisamente ha sido poeta y después un consumado novelista. Su noveno libro, Majareta, es un título certero que esconde mucho más de lo que pueda presuponerse. Él se muestra cordial, dispuesto a la char- la y luciendo una de sus características gorras. ‘Tengo afición por ellas gracias a mi padre. Ahora que sobrepasa los ochenta años, tiene una colección que es casi como la mía. Probablemente ten- ga que ver con que la estética me gusta y porque mi familia viene de tradición de pescadores, así que una buena gorra, siendo del sur, te libra de un susto der- matológico’.

En Majareta, su protagonista, Leo Al- mada, conserje de un colegio religioso, recibe la noticia de su jubilación. Lo que para cualquiera hubiese supuesto un motivo de alegría, en él no hace sino acentuar la rareza por la que ya era co- nocido. Este es el punto de partida, pero al lector se le tiene bien agarrado para que no se deje guiar por el who-done-it y otras tendencias del true crime con las que la novela puede coquetear. En este aspecto, la elección del conserje como

motor de la trama fue crucial para Gil. ‘Me apetecía muchísimo acercarme a una historia donde el personaje fuese aparentemente anodino. A un conserje siempre le prestamos poca atención, y yo quería retratar su épica, también porque tengo un recuerdo alucinado de mi cole- gio, donde el conserje tenía dentro una casa que me parecía un espacio de fic- ción total. ¿Quién puede querer vivir ahí? Para Majareta uní la fascinación de ese hecho con el deseo de un protagonista anónimo cuya vida estuviera construida de rumores, medias verdades, aparte del tormento que llevara consigo’.

En la novela, se aborda la rumorología, el chisme, el relato parcial de alguien extraño, desconcertante. Los capítulos pertenecen a distintas voces, más próxi- mos o lejanos en su relación con el con- serje, formando el caleidoscopio donde los testimonios de unos completan o emborronan los de otros. ‘Llevo tiempo reflexionando si hay alguna manera, por compleja que resulte, de definirnos, de retratarnos lo más fielmente posible, se trate de una persona real o creada para la ocasión. Me di cuenta, escribiendo la novela, que la empresa es imposible pero no por ello poco atractiva de reali- zar. Tienen lugar el humor, la oralidad, la experiencia de un gran abanico de per- sonajes lo más variopinto y disparatado posible’, admite el escritor almeriense, pese al trasfondo vibrante y a cada pá- gina más oscuro que va dejándose entre- ver. ‘La novela tiene procedimientos y se articula a la manera de lo que podemos reconocer actualmente como true cri- me, ¿no? Podemos pensar en el famoso A sangre fría, de Truman Capote, en algu- nas novelas de John Dos Passos. Es algo que ya estaba en nuestra literatura. Me interesa muchísimo la tensión que ge- neran los diferentes puntos de vista y la ambición de generar un texto compacto a partir de tanto material heterogéneo. Por esa razón, esta novela ha sido de las que más he planificado. Disfruto enor- memente de ese proceso’.

Majareta nos muestra la reciprocidad entre lo novelístico y la realidad y vice- versa. Gil es consciente de que durante muchos años nos hemos empeñado en hacer la separación, cuando en reali- dad no hay faceta alguna de nuestras vidas que no esté exenta de ficción, sea cuando proyectamos, imaginamos o an- helamos. ‘La ficción llega a la vida para hacerla más amable, pero en ocasiones puede hacerla más terrorífica. Siempre digo que todo buen hipocondríaco lleva dentro a un gran novelista, porque es ca- paz de divagar a partir de un lunar en el mentón la vida más truculenta, dolorosa e insoportable, antes de que le toque sa- ber el diagnóstico’.

“LLEVO TIEMPO VIENDO SI HAY ALGUNA MANERA, POR COMPLEJA QUE

MAJARETA(ya en librerías) JUAN MANUEL GIL Seix Barral 336 págs. / Novela

Por: Fernando Bernal

LA TARTA DEL PRESIDENTE

Estamos en Irak, son los años noventa y las amenazas acechan desde fuera y desde dentro. Una niña de nueve años recibe el envenenado honor de cocinar una tarta para el presidente, Sadam Hussein. Con esta premisa el debutante Hasan Hadi se las apaña para emplatar una película con el regusto dulce de los postres caseros, pero que no oculta sus matices más amargos.

Los noventa fueron la década del grunge, de la muerte de Kurt Cobain, de los colores flúor en la ropa, de los videoclips en la MTV, de las primeras (y ahora retro) consolas portátiles, de los cómics más míticos, de la ropa ancha, de los peinados imposibles que, sin embargo, nunca pasan de moda... Vamos, la época de tus padres, sobre la que ya te habrán contado muchas cosas. El mundo estaba tan alborotado y loco como ahora, gobernado por personajes siniestros y peligrosos. E Irak era uno de esos lugares calientes del planeta, donde un dictador, Sadam Hussein, tenía sometida a una población atravesada por las sanciones económicas, los bombardeos y, finalmente, la invasión del gobierno de Estados Unidos. En este país de Oriente Medio y a comienzos de la década de los noventa tiene lugar la historia de La tarta del presidente, cinta con la que el iraquí Hasan Hadi, profesor de cine en Nueva York, debuta en la dirección inspirándose en su propia infancia. “Surge de mis recuerdos allí, bajo el régimen de Sadam Hussein”, rememora el cineasta. “Todos los años, nuestro profesor entraba en clase con un cuenco y nos pedía que pusiéramos nuestros nombres en él. Después lo echaba a suertes y el alumno elegido tenía que preparar la tarta de cumpleaños del presidente. A mí me escogieron para algo, pero no para hacer una tarta, sino para llevar unas rosas. Eso te presiona menos, porque no es algo comestible; al profesor le daba exactamente igual. Pero a un amigo mío muy cercano sí le tocó llevar la tarta, y le cambió la cara cuando se enteró”.

Menos suerte que Hasan Hadi tiene Lamia, la niña protagonista de su película. Ella es la elegida para hacer la tarta en honor del tirano el día de su cumpleaños, y junto a su

abuela y el gallo Hindi, su inseparable mascota, parte desde su hogar, en las marismas del sur del país, cuna de la antigua Mesopotamia, hacia Bagdad, para encontrar en la capital (entre la miseria y la corrupción) los ingredientes que le permitan cumplir con su misión y así no verse condenada por el régimen. Un coming of age en forma de viaje que enfrenta a la niña de nueve años, con la ayuda de un amigo, Saeed, que sobrevive a base de pequeños robos en la calle, a todo tipo de desafíos. “La verdad es que cuando haces tu primera película intentas buscar personajes e historias que conozcas bien, porque eso te aporta más confianza, más seguridad en ti mismo. Una buena película no depende solo de recuerdos personales, se suman más cosas. En este caso, mi experiencia me sirvió para responderme a las preguntas que, como adulto, me planteo a propósito de mi infancia. También quería mezclar esto con otro tipo de preguntas. Por ejemplo, por qué hay un silencio por parte de la familia o los amigos cuando tienes un problema grande, o por qué calla la comunidad inter-

Asentado en Nueva York, donde ejerce como profesor de cinematografía, el director de origen iraquí Hasan Hadi debuta en largo con La tarta del presidente tras su primer corto, Swim Suit (2021), distribuido por HBO.

LA IRAK DE SADAM

La tarta del presidente es la primera película rodada íntegramente en Irak que trata sobre los años de dictadura de Sadam. Su presencia es constante en el filme y su alargada sombra se proyecta sobre los pequeños protagonistas y sobre todos aquellos a los que se van encontrando en el camino en su búsqueda de los ingredientes de la tarta. El director equipara su presencia a la del Gran Hermano de Orwell. “Tenía esta idea en mente cuando pensaba en la dirección y la dirección artística”. Precisamente, encontrar los lugares donde se desarrolla el filme, que tenían que asemejarse al Irak de los años noventa, fue uno de los grandes retos a asumir en su ópera prima. Por ejemplo, el restaurante al que la abuela lleva a comer a la protagonista es el mismo al que iba Sadam Hussein cuando era joven. “En cierto modo, tuvimos suerte. No teníamos mucho dinero, es una película de poco presupuesto y no podíamos construir decorados. Cuando encontramos las localizaciones naturales era como si nos hubieran estado esperando desde hace tiempo, eran igual que los noventa. Realmente fue un milagro. Es como cuando George Lucas le preguntó a Akira Kurosawa por qué había colocado la cámara en un sitio concreto el comienzo de Ran. Y él respondió que si la movía unos centímetros a la derecha tenía un anuncio de Toyota y si lo hacía a la izquierda saldría uno de Audi”.

“NO BUSCABA ACTORES PROFESIONALES. QUERÍA

ENCONTRAR

nacional cuando hay una guerra. También quería reflexionar sobre lo que es justo y lo que no, y eso lo quería plasmar a través de los dos protagonistas. Escribir el guion fue una experiencia dolorosa y también algo irritante, porque no solo eran mis recuerdos, también era el recuerdo de mis amigos. Fue un viaje emocional en muchos sentidos. Fue un recorrido de sanación, una auténtica terapia”, afirma Hadi. Para su ópera prima ha contado con el apoyo de una beca del Festival de Sundance, meca del cine independiente aún hoy en día, y con la producción de Eric Roth, guionista de Forrest Gump (1994) entre otros títulos míticos.

MUJERES SIN LIBERTAD EN IRAK EN EL XXI

La película, finalmente, tuvo su estreno en el pasado Festival de Cannes, donde obtuvo la Cámara de Oro, el prestigioso premio

que reconoce a la mejor ópera prima del certamen (lo han ganado Jafar Panahi, Miranda July o, más recientemente, Lukas Dhont), y el premio del público de la Quincena de Realizadores. Una carta de presentación perfecta para una película rodada con actores no profesionales, excepto dos mujeres que habían trabajado algo en televisión. “Algunos no sabían leer ni escribir. Llegaban al set sin estar preparados para las escenas. Y, sin embargo, no hubo ensayos. Es más, ninguno de los actores conocía el guion en su totalidad. Intentamos rodar en orden cronológico para preservar la espontaneidad y la emoción de las escenas. El trabajo previo fue de otro estilo: se trataba sobre todo de conocer bien a los actores y crear una relación de confianza entre ellos. Las cosas pueden ser difíciles con los no profesionales. No saben protegerse emocionalmente en los momentos de vulnerabilidad y podían interpretar el menor gesto como que lo habían hecho mal y bloquearse. Por ejemplo, se ponen nerviosos si decides rodar una nueva toma, se culpan y pierden la confianza”.

El director y su equipo pasaron meses buscando a la niña y al niño que se encargan de llevar solos gran parte del peso de la cinta. “Era una apuesta arriesgada confiar estos papeles a niños que nunca se habían puesto delante de una cámara y que no habían recibido ningún tipo de formación. Pero mi intención estaba clara desde el principio: no buscaba actores profesionales. Quería encontrar a los personajes tal y como son en la vida real y filmarlos así”. Descubrir a Lamia, la protagonista, interpretada por Baneen Ahmad Nayyef, supuso todo un reto. Hoy en día es difícil encontrar mujeres que quieran ponerse frente a la cámara en Irak, porque todavía no está aceptado socialmente que lo hagan, sobre todo en los barrios más humildes. Algo contra lo que lucha de manera evidente la película en su subtexto. “La mentalidad va cambiando, pero sigue siendo problemático. Estuvimos sin Lamia muchísimo tiempo. No exagero cuando digo que entrevistamos a cientos, si no a miles de niñas, y visitamos docenas de escuelas y pueblos en vano. Dos semanas antes del rodaje aún no habíamos encontrado a Lamia. El equipo empezaba a perder la esperanza. Entonces, una mañana, un ayudante de producción me envió un vídeo de un minuto de una niña presentándose. Enseguida supe que era ella. Y me encantó descubrir que Baneen procedía realmente de las marismas, como su personaje, y que su familia se había mudado a Bagdad”.

LA TARTA DEL PRESIDENTE (6 febrero)

Atalante / Irak / 2025

Dirección: Hasan Hadi

Reparto: Baneen Ahmad Nayyef, Sajad

Mohamad Qasem, Waheed T. Khreibat

Por: Marta España

Foto: John V Esparza

CON LOS 40 RECIÉN CUMPLIDOS, EL MÚSICO NACIDO EN HAWÁI ESTÁ VIVIENDO UNA NUEVA E INESPERADA EDAD DE ORO GRACIAS A DOS SENCILLOS MULTIMILLONARIOS COMO ‘DIE WITH A SMILE’ CON LADY GAGA Y ‘APT.’ CON ROSÉ. Y HA DECIDIDO APROVECHARLO: ESTE FEBRERO REGRESA CON ‘THE ROMANTIC’, SUCESOR, UNA DÉCADA DESPUÉS, DE ‘24K MAGIC’. Y NOSOTROS APROVECHAMOS PARA REPASAR UNA TRAYECTORIA QUE LE HA TRANSFORMADO DE ELVIS INFANTIL A ARQUITECTO INDISCUTIBLE DEL RETRO POP GLOBAL, Y A DOMINAR EL MAINSTREAM .

Haciendo de Elvis

The Smeezingtons Locked Out of Heaven

Antes de cualquier contrato discográfico, Bruno Mars se formó en un entorno muy poco romántico: la banda familiar. Su padre lideraba The Love Notes, un grupo de versiones que actuaba de forma casi diaria en hoteles y salas para turistas en Hawái. Mars empezó a subirse al escenario con apenas cuatro años, primero como imitador infantil de Elvis y más tarde como parte estable del show, desarrollando su persona escénica con Michael Jackson y Prince como puntos cardinales. Ahí aprendió lo esencial: entender la música como trabajo antes que como inspiración. Su salto a Los Ángeles, después, no fue puro glamour, que digamos. Firmó con Motown Records siendo adolescente, pero el contrato se diluyó rápido: no encajaba del todo ni como artista latino ni como revival soul puro. Mars aprendió a escribir para otros como estrategia de supervivencia, afinando un pop retro de alta eficacia que mezclaba doo-wop, R&B y melodías clásicas con lógica de radio. La entrada definitiva llegó con Atlantic Records, que entendió su potencial como compositor-productor antes que como frontman. Ese recorrido desemboca en Doo-Wops & Hooligans (2010): un debut conservador que justamente funcionó por no innovar.

The Smeezingtons no fueron solo el equipo creativo detrás del ascenso de Bruno Mars, sino una auténtica máquina de estandarización del pop global entre 2009 y 2015. Su discografía conjunta dibuja un mapa muy claro del mainstream de la década: canciones diseñadas para sonar familiares desde el primer segundo, pero lo bastante pulidas como para dominar radio, streaming y sincronizaciones. Dentro del trío, Mars es producto y productor al mismo tiempo. Juntos firmaron hits como Wavin’ Flag (K’naan), Nothin’ on You (B.o.B), Billionaire (Travie McCoy) o Fuck You (CeeLo Green), basados en un pop-rap optimista colmado de estribillos gigantes. Con Doo-Wops & Hooligans consolidaron esa fórmula, donde la nostalgia doowop y soul servía de envoltorio a estructuras pop ultraclásicas. Tras Unorthodox Jukebox (2012), Bruno ya no necesita escribir para otros, Ari Levine se retira del foco por motivos personales y el sonido gira hacia un funk más físico. No hubo ruptura: The Smeezingtons se disolvieron, se convirtieron en Shampoo Press & Curl y quedaron como prototipo estilístico de una etapa muy concreta.

Locked Out of Heaven es el primer single de Unorthodox Jukebox, el segundo álbum de Bruno Mars. El mo mento de su carrera es claro: Mars deja de presentarse como promesa del pop para consolidarse como hitmaker pro fesional, alguien que no persigue una identidad propia estable, sino la capacidad de habitar muchas identidades sonoras sin perder centralidad comercial. Locked Out of Heaven marca el primer gran giro estético de Bruno Mars tras Doo-Wops & Hooligans: menos crooner inofensivo, más artesano pop consciente de la tradición. Construida como un pastiche explícito de The Police, la canción combina reggae-rock blanqueado, funk sintético y un tempo nervioso que evita el baladismo cómodo. El bajo elástico, la batería en skank y el fraseo agudo de Mars funcionan como cita permanente, no como copia literal: no suena a una canción concreta, sino a la idea general de The Police filtrada por la radio de 2012. Así, la producción busca simular energía de banda en directo mediante una acumulación quirúrgica de capas digitales. La composición consolida la mayor fortaleza de Mars: convertir la nostalgia en un producto contemporáneo, reconocible y comercialmente imbatible. Un año después, en 2013, Bruno se confirmaría como superestrella mundial protagonizando el intermedio de la Super Bowl.

Este ejercicio de ingeniería pop retro diseñado para Uptwon Special (2015), el disco que supuso la confirmación mainstream del productor y compositor Mark Ronson, es no solo el gran tema de Mars en la década pasada, también la canción más exitosa del período según Billboard. Reduciendo la armonía al mínimo -dos acordes base- y desplazando toda la energía a la performance rítmica -bajo vocalizado, breaks abruptos, llamadas y respuestas y groove funk setentero-, su eficacia está en la gestión de la tensión: build-ups constantes, paradas en seco y money shots diseñados para la participación colectiva. Optimización del pasado para la radio contemporánea.

Silk Sonic

Anderson .Paak abrió la gira mundial de Bruno Mars en 2017 y de aquella conexión surgió el proyecto Silk Sonic, una cápsula de soul, funk y R&B con brillo de club y humo elegante. El bien parado artista de Malibu (2016) queda relativamente eclipsando dentro de un conglomerado más Marsiano y de bola de discoteca: canciones cortas, ganchos inmediatos y una producción limpia que pule la aspereza histórica. El resultado es un retro de alta fidelidad, claramente diseñado para el presente.

Die with a Smile

La canción que volvió a hacer relevante a Bruno Mars, retorno a una senda de órdagos constantes a las listas de éxitos. Die with a Smile (2024) es una balada de terciopelo que junta a la Lady Gaga más Joanne (2016) y a Bruno Mars en modo dúo setentero, con unos códigos parecidos a los que ya hicieron dominar a Shallow: piano, guitarra, banda en directo y armonías clásicas. A posteriori del éxito, Gaga aprovechó la oportunidad y la convirtió en el cierre de Mayhem (2025).

THE ROMANTIC (ATLANTIC, 2026)

Track 1 / Track 2 / I Just Might / Track 4 / Track 5 / Track 6 / Track 7 / Track 8 /Track 9

CD / DIGITAL / LP

El single que acabó convertido -sin querer- en EL HIT de 2025. El título abrevia "apateu", la forma coreana de decir apartamento y, de paso, el nombre de un juego de beber muy popular en Corea del Sur. Rosé lo enseñó en el estudio, Bruno Mars se enganchó y el chiste terminó siendo una canción infecciosa que hibrida pop anglosajón de manual con ADN K-pop: ecos claros de The Ting Tings, guiños al pop ochentero y una producción que copia un poco de muchas referencias básicas. También hay algo simbólico en que sean dos artistas asiáticos -una coreana y un hawaiano de ascendencia filipina- insertándose en códigos culturales del mainstream occidental y ganándoles a su propio juego. A los niños, por lo visto, les encanta.

The Romantic

Después de dos éxitos que, sin comerlo ni beberlo, han colocado a Mars como el artista más escuchado de Spotify a nivel mundial, el músico no podía desaprovechar la oportunidad de publicar nuevo material propio, una década después del último 24K Magic: era ahora o nunca. I Just Might, primer sencillo de The Romantic, suena a música de bodas o a recepción de hotel. Dos lugares que quizá no sean los más originales y especiales del mundo, pero que están siempre ahí, para todos.

Lis��s��n

s����

Entre corregir exámenes y madrugar, Míriam Ferrero desmonta el mito del éxito musical. Tras la salida de Paula Barberán, Lisasinson regresa con ‘Desde cuándo todo’, una ficción especulativa de desamor generacional, mientras practica el arte de resistir cuando las cuentas no salen.

Hay un gato cruzando la pantalla. Míriam Ferrero (Valencia, 1993) ríe y lo quita de en medio, mientras trata de explicar su momento actual. La escena, doméstica y sin glamour, es la metáfora visual perfecta para entender qué es Lisasinson en 2026, una banda que ha pasado a ser el alter ego de esta profesora de secundaria. “Yo vengo de una familia trabajadora de clase baja y no puedo permitirme no trabajar y esperar a que salgan conciertos”, dice nada más empezar, desmontando cualquier romanticismo. “La industria es capitalista, es de gente que tiene pasta. Gracias a que tengo a Elefant puedo hacer muchas cosas, pero si no puedo tocar porque trabajo o pierdo dinero, no lo haré”. Así, sin filtros, se presenta la nueva etapa de Lisasinson. Su álbum Desde cuándo todo (Elefant Records, 2026) llega tras la salida de Paula Barberán. La nota de prensa habla de un “castillo de naipes que vuelve a caerse”, pero Ferrero corrige: “Fue una putada, pero no se ha caído ningún castillo”. Y añade, con cariño sincero: “La voy a echar mucho de menos, pero la vida da muchas vueltas. Si algo no te apetece hacerlo y, además, no te da beneficio, lo mejor es dejarlo”.

Míriam se ha quedado sola al frente, pero el proyecto está más vivo que nunca, sostenido principalmente por su terquedad. “Si no me hubiera costado tanto lanzar el proyecto podría haber tirado la toalla también”, confiesa sobre la tentación de rendirse. “Me apetece mucho tocar, pero quiero hacerlo en buenas condiciones. No quiero tocar en unas fiestas de pueblo a las tres de la mañana... Prefiero hacerlo en la Sol y divertirme, aunque gane menos. Lo de ‘Te vendrá bien para coger promo’ no es así”, reconoce. Con todo esto a la espalda, se entiende que este sea un álbum que suena maduro. “Tengo 32 años y me siento un poco más tensa. Ya no apetece hacer cosas tan divertidas”. Eso se traduce en un sonido más complejo, más mimado, menos punk y más pop. Las guitarras ya no buscan solo el ruido, sino la atmósfera. Míriam cita influencias que podrían sorprender por su variedad: la intensidad de Viva Belgrado, el descaro de Wet Leg o la crudeza de Repion. Es un disco nostálgico, incluso melancólico, pero que suena, efectivamente, tenso.

Y esa tensión se palpa también en unas letras que parecen confesiones, pero que ella define como “ficción especulativa”. En Lanzarote escribe sobre el costumbrismo y el desgaste de la convivencia. “No me ha pasado a mí. He leído una situación así en algún libro y he dicho: ‘Vale, puede que me

haya pasado en algún momento’, y saco la experiencia”. Es una artista honesta y directa. “Me gusta mucho escribir, pero hay bastante fantasía en las letras. Es como una novela”. A primera escucha, uno podría pensar que estamos ante otro disco de desamor generacional. Error. Bajo una capa de melodías luminosas y estribillos coreables, la valenciana ha escondido todo un ensayo irónico sobre la precariedad. “Yo no tengo herencias, soy profesora y tengo un buen sueldo dentro de lo que cabe, pero no me puedo ir a vivir sola, y claro que es una utopía el hecho de tener un pisazo”. Esta ficción-refugio se repite constantemente durante todo el disco. Míriam ha encontrado en la literatura contemporánea (Beatriz Serrano, Cris Lizarraga o Lucía Lijtmaer) las herramientas para descifrar su propio malestar y el de toda una generación. Por ejemplo, Estuve en Valencia y me acordé de ti nace de leer a Anna Pacheco. “La canción es una crítica a la obligación que tenemos de irnos de vacaciones sí o sí, aunque no tengamos un euro”, explica. “Soy la primera que, cuando veo a todo el mundo de vacaciones y yo no me he ido, me frustro. Me vino bien leer ese libro para no sentirme culpable por no estar cogiendo un avión”. La supervivencia de Lisasinson es también una guerra contra la invisibilidad. La decisión de lanzar singles de casi todo el disco no tuvo nada que ver con lo artístico. Todo lo contrario. “Producir una canción me cuesta mucho dinero, a mí y a Elefant. Y hoy en día, si no te meten en listas de Spotify, no te escucha ni Dios”, lamenta. “Si sacas un disco entero, a no ser que seas muy famoso, a la gente le cuesta escucharlo. Hay canciones que el algoritmo no te las pone ni de coñísima. Quería darle valor a las canciones para que no desaparecieran, como esos WhatsApps que se quedan al final de la app”. Quizás por eso eligió inspirarse en la Ofelia de Millais para la portada. Una estampa tan agradable como perturbadora: una mujer flotando en un río, momentos antes de desvanecerse. “Es darse cuenta de lo difícil que puede ser la música. El entregarte tantísimo que al final te ahogas. La música es así: o te va muy bien o estás en el limbo”. Lisasinson en 2026 es un proyecto de resistencia. No hay castillos caídos porque Míriam Ferrero se ha encargado de cimentarlos con realidad. Olviden la imagen del artista atormentado que vive del aire en Malasaña. Míriam es profesora, madruga, corrige exámenes y, en los huecos que le deja el capitalismo, aparta a su gato de la pantalla y lidera una de las bandas más honestas del pop nacional.

DESDE CUÁNDO TODO (ELEFANT, 2026)

Salgo a la calle / Lanzarote / Deberíamos vernos más / Quiero que perdamos la cabeza / Desde cuándo / Te vienes o te quedas / Me acostumbré / Decidí desaparecer / Estuve en Valencia y me acordé de ti / No quiero envejecer / Si me pierdo / Si todo se tuerce DIGITAL / LP

“VENGO DE UNA FAMILIA DE CLASE BAJA Y NO ME PUEDO PERMITIR NO TRABAJAR Y ESPERAR

Ci��co pí��doras sobre ‘Desde cuándo tod��’

Miedo a la soledad

“Siempre he sido una persona que ha tenido mucho, mucho miedo a quedarme sola”, admite Míriam. “Y hay mucho de este disco que es echar de menos a mis amigas, porque ellas están en Valencia y yo me he mudado a Cataluña”.

Punk de alquiler

“Tener un piso a día de hoy es una utopía. No tengo familia que sea propietaria de pisos y estoy bastante jodida a nivel de vivienda. Ojalá no fuera así, pero no tiene pinta de que vaya a poder permitirme uno ni ahora ni dentro de unos años”.

La deltrampaturismo

“Detrás de la presión social de ver mun- do se esconde una lógica capitalista:tremendamente curra todo el año para gastarte lo poco que ahorres, o un dinero que no tienes, en unas no-sé-dónde”.vacaciones

Pánico al futuro

“Tengo pánico a hacerme mayor. Tengo 32 años y miedo a seguir creciendo y ver que mi vida sigue exactamente igual. Marc -su pareja, y batería en Lisasinsonme conoce bien, y por eso escribió No quiero envejecer”. Un trallazo a la inmediatez.

El pasado como refugio

Ante un presente hostil y precario, la música reacciona buscando refugio: “Está el pano- rama actual, entre la vivienda, los sueldos de mierda, guerras y ex- tremas derechas, que es imposible no hacer un disco nostálgico”.

Por: Victor G. Sánchez

CHINI TACCHINI

La artista visual y sonora afincada en Madrid presenta su segundo EP, ‘El santo que del cielo quiere bajar’, ocho nuevas canciones que basculan entre el popy las texturas electrónicas, y que basculan con delicadeza entre la ternura, la inquietud, el éxtasis estético y la espiritualidad. Hablamos con ella.

Si te mueves por los círculos creativos de Madrid, es muy probable que ya hayas oído hablar de ella. Chini Tacchini orbita alrededor de una generación de artistas con una visión clara: saben qué funciona, pero, sobre todo, saben cómo hacerlo suyo. Detrás de ese nombre artístico se encuentra Elena Zeng, una de las promesas más sólidas que el panorama independiente español proyecta para este 2026. Y este mes presenta su nuevo mixtape, El santo que del cielo quiere bajar , trabajo que ella misma define como “un mejunje de cosas que van desde sonidos más alternativos al indie pop”, y que sintetiza sus inquietudes musicales recientes al mismo tiempo que coquetea con las metáforas celestiales y con las experiencias extáticas. En un contexto en el que las referencias religiosas parecen haberse normalizado dentro de la música española –sí, estamos definitivamente en la era post Lux–, Chini propone algo distinto. Su mirada se posa en la nostalgia desde un lugar melancólico, atravesado por una búsqueda de paz interior que a veces se antoja inalcanzable, y que acaba dando forma a lo que ella llama “música abrazable”. Para ella algo parecido a eso es su vivencia de la espiritualidad. Aunque no se considera una persona religiosa, Elena encontró en la iconografía cristiana una manera adecuada para ella de ponerle nombre a ciertas emociones: una soledad serena, evocada por “esos dibujos de angelitos en las iglesias”, que le despertaban una nostalgia difícil de explicar. Para ella, las referencias celestiales no parten de la fe, sino de una atracción sobre todo estética y simbólica. “Es un imaginario que conecta con mi forma de estar en el mundo, más introspectiva y solitaria, y que atraviesa el mixtape como un hilo invisible, más emocional que doctrinal”.

Para la creación de El santo que del cielo quiere bajarse, Chini Tacchini partió de imágenes y escenas que iba construyendo mentalmente y que después buscaba trasladar al sonido. “Me imaginaba cosas y quería convertirlas en música”, cuenta. “Con el paso del tiempo, ese proceso termina generando un vínculo afectivo con las canciones, hasta el punto de que te encariñas con cada tema como si formara parte de una misma historia, y eso hace que crezca en ti”. Además, últimamente se ha abierto a nuevos sonidos, y reconoce que escuchar el último disco de Latin Mafia, Todos los días todo el día, las movidas de Loukeman, las producciones de Palmistry o el Choke Enough de oklou ha sido la gasolina principal de su proceso creativo esta vez.

En cualquier caso, reconoce que su trabajo en el audiovisual, más allá de la música, y su faceta como @shotbypucca tienen mucho que ver con la forma final que toma su proyecto, y no solo para terminar todo el aspecto visual que rodea a sus trabajos, siempre muy rico y cuidado. “Para mí ha sido también una forma de tejer vínculos con distintos creativos de la industria musical, de conocer personas con las que comparto inquietudes artísticas, y que me permiten desarrollarme en ese sentido”, reconoce. En su todavía breve trayectoria ya cuenta con un éxito viral, Todo lo que toco se parte, junto a Jhon Pollõn, que supera los cuatro millones de reproducciones en Spotify, y ha trabajado con productores top de la escena urbana como D3llano. “Cuando hago match con otro artista, trabajar es muy fácil”, explica. “Con Diego Vega -feat en el sexto tema del mixtape- fue inmediato: nos conocimos y pasamos dos semanas sin parar de componer y de producir. Compartimos referencias y una forma muy similar de entender nuestros proyectos, y eso genera mucha comodidad”.

A la hora de crear, el ruido exterior queda en un segundo plano. “Cuando estoy haciendo música no pienso en el qué dirán”, cuenta. Le importa mucho más la opinión de su entorno cercano, de quienes conocen sus procesos y sus tiempos. “Me pesa mucho más lo que puedan pensar los míos”, confiesa, dejando clara la distancia entre la validación íntima y la respuesta impersonal de un público anónimo. Su entorno ha sido un impulso constante durante el proceso, animándola a crear sin frenos y a profundizar en su propio lenguaje. También, a confiar en sí misma: hace unos meses, con motivo del lanzamiento de Cielo/Infierno: donde vaya mejor, su primer EP, confesaba en una entrevista que las primeras veces que se subió a un escenario los nervios la desbordaban. Hoy, la situación es distinta. “Salir al escenario acompañada de mis bailarinas me hace sentir más segura”, cuenta.

Con El santo que del cielo quiere bajar, Chini Tacchini reafirma una identidad artística cada vez más definida. Su propuesta se construye desde lo íntimo, apoyada en una sensibilidad que huye de lo evidente y se nutre de imágenes, vínculos y procesos compartidos. En un contexto marcado por la urgencia y la exposición constante, Chini elige avanzar desde la calma, confiando en su intuición y en la cercanía como motor creativo. Quizá ahí esté la clave: en hacer canciones que no necesitan explicarse del todo, pero que saben quedarse.

EL SANTO QUE DEL CIELO QUIERE BAJAR

(Autoeditado / ADA, 2026)

El santo que del cielo quiere bajar / Rayito de luz / Caer hacia arriba / Vengo del cielo / Dame + luz / Aunque yo t veo / Tú + yo / Manos frías

DIGITAL

“EL IMAGINARIO RELIGIOSO CONECTA CON MI FORMA DE ESTAR EN EL MUNDO, MÁS INTROSPECTIVA Y SOLITARIA”

PACO BENAVENTE

Desde Valencia, Paco Benavente ha construido una firma que entiende la moda como un ejercicio de equilibrio entre forma, función y emoción. Al frente de Benavente, el diseñador desarrolla colecciones propias del universo de ‘El País de las Maravillas’, donde la calidad de los materiales, la precisión del patronaje y una estética depurada definen cada prenda. Su visión, que huye de lo inmediato para centrarse en piezas pensadas para perdurar, reflejo de un proceso creativo consciente y personal, lo ha llevado a desfilar en pasarelas como la 080 Barcelona Fashion.

Adentrarse en el universo de Paco Benavente es hacerlo en un territorio donde la moda se convierte en relato. Tras una pausa consciente y necesaria, el diseñador valenciano regresó en octubre a las pasarelas con una propuesta que confirmó que su voz sigue intacta: poética, reflexiva y profundamente emocional. Capriccio per Benavente, presentada en la última edición de la 080 Barcelona Fashion, no solo marcó su consolidación creativa, sino también el equilibrio entre sus dos vocaciones: la docencia y la dirección creativa de su propia marca. Hablamos con Benavente sobre identidad, oficio, o el compromiso de contar historias a través de la ropa.

¿Recuerdas el momento en el que decidiste que la moda sería tu camino profesional?

No fue un momento concreto, sino una certeza que se fue instalando poco a poco en mí. Empezó como una necesidad de crear con las manos y de expresar cosas que no sabía verbalizar. Cuando entendí que podía contar historias a través de la ropa supe que no había marcha atrás.

¿Qué referentes personales, culturales o estéticos marcaron tus primeros pasos como diseñador?

El arte contemporáneo, el cine de autor y, sobre todo, las personas reales. Siempre me han interesado más las actitudes que las modas. También la costura clásica y el respeto por el

oficio, que en Valencia tiene mucha tradición.

¿Qué fue lo más difícil al empezar en un sector tan competitivo como el de la moda?

Encontrar tu voz sin traicionarte. Al principio es fácil intentar encajar o hacer lo que “se espera”, y lo más difícil es sostener una identidad propia cuando todavía no tienes validación externa.

¿Qué hace reconocible una prenda de Paco Benavente?

La construcción, el cuidado del detalle y una cierta tensión entre lo delicado y lo contundente. Son prendas que buscan emocionar, no solo vestir.

¿De dónde nace la inspiración para tus colecciones?

De lo cotidiano, de estados emocionales, de conversaciones, de momentos vitales. Me interesa mucho lo íntimo y cómo eso puede traducirse en una prenda.

¿Eres más de concepto o de tejido a la hora de empezar a diseñar?

Empiezo casi siempre desde el concepto, pero el tejido acaba marcando el camino. Cuando encuentras el material adecuado, el diseño se afina solo.

Si tu marca fuera una persona, ¿cómo vestiría, qué mú-

“La moda española está perdiendo el miedo a ser personal, aunque todavía queda mucho camino para valorar más el trabajo artesanal”

Paco Benavente (Valencia, 1991) es un diseñador independiente que concibe la moda como un lenguaje poético. Actualmente, combina la docencia -como profesor de formación profesional de patronaje y moda- a la vez que ha creado y dirige la marca Benavente

sica escucharía y qué actitud tendría?

Vestiría de forma honesta, sin artificios innecesarios. Escucharía música que va del flamenco experimental a la electrónica minimal y tendría una actitud tranquila, segura y con un punto rebelde.

¿Cómo se construye una identidad propia en un mundo saturado de tendencias?

Mirando menos hacia fuera y más hacia dentro. Las tendencias pasan, pero una visión personal bien construida permanece.

¿Qué referencias culturales actuales -arte, redes, calle, música- te están influyendo ahora mismo?

Me influye el arte performativo, la estética de la calle sin filtrar y la música como herramienta emocional más que como estilo.

¿Cómo dialogas con una generación que consume moda a ritmo de scroll?

Intentando no competir con la velocidad, sino con el contenido. Prefiero que alguien se detenga unos segundos porque ha sentido algo, aunque no sea inmediato.

¿Cómo valoras el momento actual de la moda española?

Lo veo interesante y diverso. Hay mucho talento y una generación que está perdiendo el miedo a ser personal, aunque todavía queda camino para valorar más el trabajo artesanal.

¿Qué papel juegan Instagram y TikTok en tu marca: escaparate, archivo o laboratorio creativo?

Un poco de todo. Son escaparate, memoria y, a veces, un espacio para probar ideas sin demasiada presión.

¿Qué te sigue emocionando de tu trabajo después de tantos años?

Ver cómo una prenda puede cobrar vida en otra persona y transformarse con su cuerpo y su actitud.

Si no te hubieras dedicado a la moda, ¿a qué crees que te dedicarías?

Seguramente a algo creativo relacionado con el arte o el diseño. Necesito crear para sentirme en equilibrio.

¿En qué momento vital y creativo te encuentras ahora?

Me encuentro en un momento de madurez, con más claridad, menos prisa y más intención en cada decisión. Ahora se trata de consolidarnos en el panorama nacional y dejar bien matizada la estética de la casa.

¿Hay algún territorio que todavía no te hayas atrevido a explorar?

Sí, pero prefiero que llegue de forma orgánica. Me atrae cada vez más la frontera entre moda, arte y performance.

¿Una prenda que defina tu universo?

Una chaqueta bien construida: estructura, emoción y carácter.

¿Un error que te haya enseñado más que un éxito?

Intentar agradar a todo el mundo. Aprendí que eso diluye cualquier proyecto creativo

Charli

XCX

Por: Raül de Tena

“Fall in love again and again”, repetía Charli XCX en ‘Everything is Romantic’. Sin embargo, de ‘brat’ quiere alejarse la artista en su próximo trabajo, la banda sonora para la nueva versión de ‘Cumbres borrascosas’ filmada por Emerald Fennell. De lo que no se aleja es del romanticismo de aquella canción. Un romanticismo oscuro, intenso, victoriano, que es el centro de gravedad de una etapa en la que todo va a ser romántico, muy romántico, todavía más romántico. Estamos en su recién inaugurada Era Gótico Romántica.

“La historia de amor más grande de todos los tiempos”. Estas son las rimbombantes palabras con las que se vende el tráiler de la nueva versión de Cumbres borrascosas dirigida por Emerald Fennell, que se estrenará en cines el próximo 13 de febrero, justo a tiempo para San Valentín. Será un estreno sonado por todo lo que trae en su mochilita: que si es lo nuevo de la directora en su trayectoria ascendente tras Una joven prometedora y Saltburn, que si menudo morbazo lo de Margot Robbie y Jacob Elordi juntos y revueltos, que si está basado en el clásico de Emily Brontë pero se va a tomar libertades anacrónicas al nivel de un vestuario con bien de vinilo rojo o perlitas en la cara como si fuera esto la tercera tem-

CHARLIVIS IÓN

La relación de Charli XCX con el mundo audiovisual viene de lejos, pero se refuerza tras ‘brat’.

sino que abraza clichés de toda buena Era Gótica Romántica como, por ejemplo, el flirteo con velas y cera candente. A House le siguieron otros dos singles. Wall of Sound parece la intro de una canción hyperpop que nunca termina de arrancar. Lo que, en verdad, resulta delicioso por lo que tiene de construcción de crescendo emocional, como preludio de esa historia de amor más grande de todos los tiempos que se nos viene encima. En este caso, no hay videoclip -todavía-. Para el tema que sí que hay vídeo, sin embargo, es para Chains of Love, una canción que invoca el espíritu de los baladones bigger than life que en los 80 canalizaron divas como Jennifer Rush o Bonnie Tyler. En mi cabeza, lo siento, nadie va a conseguir convencerme de que este clip no homenajea a Total Eclipse of the Heart y a su narrativa churrigueresca de chavales con superpoderes en mansionacas rococó.

Tan de lejos viene que en 2019 ya dejó un statement de su talento en estas lides con una especie de falso reality en el que ella misma y amigas como Emmie Lichtenberg o Gabriette se enfrentaban a la misión de empezar una banda de punk compuesta solo por mujeres. I'm with the Band: Nasty Cherry, disponible en Netflix, era solo el principio.

porada de Euphoria… Pero será un estreno más sonado todavía por un detalle a tener en cuenta: la banda sonora del filme es el nuevo disco de Charli XCX y, por lo tanto, la continuación directa de brat. Las apuestas están altas. Altísimas. Porque todo parece indicar que, después del desparrame de fiestas y drogas y sexo y fama y hedonismo y cancaneo, Charli ha entrado ya en su Era Gótica Romántica. Y la cosa promete.

¿QUÉ SABEMOS?

El primer single con el que Charli XCX presentó Wuthering Heights fue una House que se inscribe en la categoría “tema con el que una artista pop rompe con lo que se espera de ella y demuestra que en verdad hace lo que le sale del toto”. En este caso, lo que le sale del toto es una composición a pachas con John Cale en la que se deja empapar por el espíritu experimental y disruptor del fundador de la Velvet Underground. Tres minutos de disonancia chirriante y extática en la que Cale cabalga a lomos de un siniestro spoken word al que Charli acaba sumándose en un grand finale de rock industrial y atmosférico. Ni una pizquita de eróticofestividad. Pero sí un muchito de intensidad goticosa reforzada por un videoclip oscurantista que no huye

¿Se puede extraer alguna conclusión certera de por dónde irán los tiros de Wuthering Heights a partir de estos tres singles? Bueno, en verdad, se puede intuir por dónde no irán los tiros: por servir en bandeja una segunda ronda de chupitos de licor de lima con sabor a brat. Se siente poderosamente que Charli ha dado un volantazo hacia parajes más complejos y menos accesibles en canciones con títulos de ínfulas literarias. Pero también se intuye que va a hacerlo en sus propios términos, y que para eso ha vuelto a trabajar la producción con un Finn Keane, media naranja de A.G. Cook en Thy Slaughter, que ya la acompañó en su anterior trabajo. Dicen ambos que su fuente de inspiración primigenia es un documental sobre la Velvet Underground dirigido por Todd Haynes en el que se comenta que la principal regla de la banda era crear canciones que fueran elegantes y brutales a la vez. Quien establece esta regla, por cierto, es John Cale. Y no es descabellado concluir que esa mezcla, pero aplicada al pop, va a ser el faro guía que ilumine la travesía hacia buen puerto de este borrascoso navío.

El que se haya dado una vuelta por el enciclopédico Letterboxd de Charli XCX sabrá que es toda una experta en cine independiente y underground. Uno de sus primeros papeles protagonistas serios fue para Erupcja, cinta indie de Pete Ohs ambientada en Varsovia, y que se estrenó en el Festival de Toronto en 2025.

¿DE DÓNDE VIENE? Ahora bien, también es pertinente preguntarse, ¿de qué puerto parte este barco? Porque, como siempre ocurre en el campo de la cultura, nada aparece por generación espontánea. En este caso, es imposible no pensar que Charli XCX ha entrado en esa Era Gótica Romántica por la que pasan muchas mujeres -y muchos gays, a mi experiencia me remito-: una fase de romanticismo gótico, de leer

Basado en una idea original de Charli XCX y dirigido por su principal director visual, el fotógrafo y filmmaker Aidan Zamiri, The Moment es un ambicioso mockumentary que sigue a la británica en plena vorágine de la gira de presentación de brat, con la participación de estrellas como Rosanna Arquette o Alexander Skarsgård.

“QUERÍA

SUMERGIRME EN

UN MUNDO

CRUDO, SALVAJE, SEXUAL, GÓTICO, BRITÁNICO Y TORTURADO. LLENO DE FRASES, PUNTUACIÓN Y GRAMÁTICA REALES”

a las Brontë y a Emily Dickinson, de idealizar los acantilados sobre los que flotan sus ingrávidos vestidos de gasa blanca y sus largas cabelleras salvajes, de lanzarse a los brazos de amores imposibles y, no lo vamos a negar, bastante tóxicos. A Charli esta fase le llega después del atiborre de cinismo y autoparodia clubera de brat y después de su boda -para unos pesadillesca, para otros idílica- con George Daniel de The 1975. También después de pasar por el podcast de Gwyneth Paltrow, donde esta señora no paró de ensalzar a George como un ser humano maravilloso. Que digo yo: cariña, si a Gwyneth le reencanta tu pareja, ahí no es… Pero qué sabré yo, escribiendo este texto un domingo borrascoso por la tarde desde la soledad de mi soltería. Charli da continuidad así a un largo linaje de artistas que ya sublimaron este romanticismo goticoso en algún punto de sus carreras. Se viene ronda de influencias célebres… Kate Bush es la Gran Matriarca del pop concebido como espuma de las olas que estallan contra rocas bajo un acantilado. Stevie Nicks siempre conjuró el género como un hechizo de magia blanca. Joanna Newsom a lo mejor se lo tomó demasiado en serio, perdida en los bosques con su arpa y tal. Y Bat for Lashes habitó durante mucho tiempo un fascinante mundo de fantasmas que ululaban palabras de amor. Claro que las hay que se quedaron un poco atrapadas en este rollo… Ehem, Florence Welch, tía, let it go. Wuthering Heights va a llegar en un momento en el que las nuevas generaciones han descubierto a Kate Bush a través de Stranger Things, y en el que Chapell Roan está acercando este mismo linaje al lenguaje queer. El momento perfecto, en definitiva, para que Charli XCX haga brotar una rama en este árbol genealógico que crezca hacia una visión única de lo que yo he empezado a llamar hypergoth habiendo escuchado tan solo tres canciones. No necesito más.

¿HACIA DÓNDE VA?

tuimos sobre Wuthering Heights se concrete -el disco estará disponible, como la película, desde el 13 de febrero-, lo mejor que podemos hacer es rebozarnos en el Substack que Charli se abrió en noviembre. Con tan solo tres entradas hasta la fecha, este es el más claro indicativo de que su Era Gótica Romántica se viene intensa. Con párrafos larguísimos de una lírica exacerbada, como si fuera una heroína de las Brönte, la artista habla sobre la muerte de lo cool, sobre su vida como artista pop… Y, claro, también sobre el desapego que siente hacia brat, una tónica ya general de Charli respecto a todos sus anteriores trabajos: “Te quedas embarazada, gestas al bebé, lo llevas en tu vientre, das a luz, la gente quiere conocer al bebé, y luego tienes que dedicar tu tiempo a mantenerlo y cuidarlo eternamente. Pero, ¿y si no quieres que toda tu vida gire en torno a ese maldito bebé?”. Uno no puede evitar imaginarse a Charli como si fuera Michael Jackson sacando a sus retoños por la ventana de los hoteles en plan Rafiki en El Rey León

Por suerte, la banda sonora para la película de Emerald Fennell le llegó en el momento oportuno: “Quería sumergirme en estos personajes, en un mundo que se sentía innegablemente crudo, salvaje, sexual, gótico, británico, torturado y lleno de frases, puntuación y gramática reales. Sin un cigarrillo ni unas gafas de sol a la vista, era totalmente diferente a la vida que llevaba en ese momento. Estaba jodidamente DENTRO”. Y es que es imposible no estar jo-

Después de The Moment, Charli XCX todavía tiene algunos planes más en el cine en 2026: tras preestrenarse en Sundance, tenemos que ver su papel en I Want Your Sex, thriller eróticofestivo de Gregg Araki, y lo mismo con la comedia negra de Cathy Yan The Gallerist. Luego, el remake del clásico del horror mondo The Faces of Death

Mientras esperamos a que todo lo que in-

didamente DENTRO al fantasear con todos los paisajes que se abren en el horizonte para el sonido de una Charli XCX que ha empezado a verse a sí misma como un personaje literario del siglo XIX, entregada a la historia de amor más grande de todos los tiempos. DENTRO no, DENTRÍSIMO.

WUTHERING HEIGHTS (ATLANTIC, 2026)

House (feat. John Cale) / Wall of Sound / Track 3 / Track 4 / Chainsof Love / Track 6 / Track 7 / Track 8 / Track 9 / Track 10 / Track 11 / Track 12 CD / DIGITAL / LP

El artista afrocatalán Leïti Sene publica su cuarto álbum, ‘Sene Kor Sene’, que metamorfosea hacia un sonido más cálido y místico abrazando una honda espiritualidad y abandonando las fogosidades materiales del trap. En busca de Dios, de las energías mentales y el autoconocimiento, su mapa vital ya no se encuenta fuera, sino dentro.

Esta es una pieza que tiene varios vectores de conversación, pero, como pasa con Roma y con sus caminos, todos desembocan en el mismo punto: el amor. Para Leïti, nacido Leïti Sène en Barcelona el 30 de octubre de 1998, es el motor que vehicula el mundo. “La energía responsable de que los átomos vitales se unan es el amor que se tienen. Incluso el miedo es amor, pero en su dirección opuesta, y ese miedo se convierte en rabia cuando no te puedes unir a él, pero solo es una mala canalización de la energía primaria que es el amor. Es el amor lo que realmente hace que todo se nutra de todo y tenga sentido”, expresa. De madre catalana y padre senegalés, con 10 años Leïti comenzó sus primeros pasos como bailarín, y a los 15 ya trabajaba dando clases cobrando sus primeros montantes de dinero. En 2018, con 20 años, se estrenó profesionalmente en el mundo de la actuación al participar en la serie catalana Benvinguts a la família, emitida por TV3 y más tarde por Netflix. Entretanto, publicó en 2019 su primer álbum en solitario, JOËL. Fue en 2020, un año después, cuando saltaría a la palestra más mediática con su participación en la tercera temporada de la renombrada serie Élite, interpretando a Malick; ese mismo año, publicó Cute Tapes junto con su colectivo Cutemobb, un grupo de trabajo multidisciplinar que reúne a artistas, productores, diseñadores y fotógrafos, y uno de los mayores bastiones creativos de la primera Barcelona posurbana. Y entre 2021 y 2022 publicó JÖM -significa ‘honor’ en la lengua wolof- y Apocalipsi, antes de desconectarse un poco de la vida pública, de los escenarios y del ruido para cultivar más -lo has adivinado- el amor. 2025 marcó el regreso de la Cutemobb con Epifanía, y el gusanillo volvió a picar: pocos meses después, un Leïti renovado presenta nuevo trabajo, Sene Kor Sene, cuyo título alude a una expresión de nobleza en dialecto africano. “Es lo que se dice cuando te encuentras con un ‘sene’, tiene que ver con un gesto de respeto. Mi tribu son los serer, y dentro de ella está la familia de los ‘sene’, una de las más importantes y respetadas en Senegal. Alguna vez me ha detenido la policía allí, y cuando han visto que era un ‘sene’ me han dejado ir porque no quieren meterse en problemas con gente que tiene un fuerte poder espiritual. Siempre he percibido ese lado más místico y esotérico”, explica el artista, que ya hace años confesaba que uno de sus talentos ocultos era la brujería. A pesar de mantener de forma más sofisticada esa pulsión carnal y sexual en las letras, este álbum supone un punto y aparte en el core identitario al que el artista apuntó en los albores de su carrera, ya que destierra la ostentación del trap y el materialismo terrenal en busca de algo más intangible, evocador, trascendental. “Cuando estaba haciendo Apocalipsi, fui a Estados Unidos a grabar parte del álbum, y noté la decadencia de esa gente, me di cuenta de que

realmente aquí estamos copiando cosas que no son para nosotros. Te das cuenta de golpe de que a lo mejor prefieres el pan con tomate de toda la vida y toda esa herencia mediterránea y africana más simplista, más esencial, y no ese modelo tan aspiracional, capitalista y monetario que tienen en Estados Unidos. Busqué referencias más africanas, pero todavía había mucho ruido que bebía del trap: esa época coincidió con que salía de una vida más caótica y estaba entrando a otra mucho más familiar. Y decidí que el siguiente álbum, este, sería una condensación de esa decisión con una sonoridad más africana, sutil y vulnerable, y no tanto más próxima a un trap del artista capitalista que triunfa y que lo consigue todo. Si te obsesionas con el dinero vas a pagarlo tarde o temprano con la pérdida de tiempo o de libertad. Dios dice ‘No tengas celos de la gente a la que se lo doy porque quizás esa es su maldición’. Quiero rechazar la influencia estadounidense y reconectar con lo natural. El hip hop al final es una apropiación cultural de los Estados Unidos, y allí tienen otra vida muy distinta a la nuestra. Y sobre todo: donde verdaderamente nace el rap es donde hay gente realmente oprimida y en sistemas de vida decadentes. Aquí nunca va a calar eternamente el trap porque mayoritariamente no existe el suficiente sufrimiento, aunque pueda haber excepciones como Morad o JC Reyes, que parten de unos contextos muy concretos”, elabora. Este LP, el cuarto del artista, simboliza a su vez su cuarto chakra, una representación del fuego, la transformación, la autoestima y el poder personal. En varias ocasiones el afrocatalán ha amenazado con retirarse cuando llegue al séptimo álbum, el último chakra. “Esto de la industria y la competitividad me cansa: la mitad son unos fantasmas. Uno de los pecados más fuertes que persigue la religión es la idolatría, y eso me quita energía porque me genera un conflicto interno. Al final, la gente que me sigue me idolatra un poco. Y eso, en el fondo, corrompe, porque me hace ver que el que gana en la carrera de la música es el que consigue crear más idolatría en torno a él. No quiero competir, ni estar con 40 años tirándome el rollo, prefiero invertir en tierras e irme a la montaña con mis cabras”, reconoce. En Más alas, junto a Polimá Westcoast, una de las dos colaboraciones del disco -la otra es Shhh.., junto a Beny Jr-, rapea: “Tumbando la casa cada vez que el niño se duerme”. El artista es ya padre de tres hijos junto a la estilista, modelo, DJ y diseñadora murciana Sita Abellán, y es evidente que la vida familiar le ha supuesto una apertura de su sensibilidad. “Sentía que si no tenía hijos me iba a pudrir rápido. No tengo más porque me falta dinero”, dice sin ningún atisbo de broma. “Me encanta la vida familiar, me da gusto. Tener hijos es una gran suerte, y hay gente que no los puede tener ni queriendo, así que estoy muy agradecido. Te das cuenta de que al

“AQUÍ NUNCA VA A CALAR ETERNAMENTE EL TRAP PORQUE NO EXISTE EL SUFICIENTE SUFRIMIENTO”

AL MARGEN

Un repaso por la trayectoria del artista afrocatalán, desde los tiempos de Samxsen y la Cutemobb hasta ahora; desde el arco de las aspiraciones materialistas y superficiales hasta la apertura espiritual.

SAMXSEN

Surgidos más o menos en 2017, este dúo formado junto a su primo Sam Davies fue la primera aproximación de Leïti

Sène a la escena urbana de Barcelona, al rap y a los ambientes hip hop. Internet profundo esto.

Dirección creativa: Leïti Sene & Sita Abellán

Producción: Natalia Ramirez

Asistente de foto: Andrea de la Calle

Gaffer: Shaday Forero

Asistente de foto y luz: Lucas de Oliveira

MUA: Lorena

Dirección de arte: Julia Falcó

Asistente de arte: Julia

Ordoñez & Blanca Alonso

Edición: Francis Tama

Estudio: D105 Studios

CUTEMOBB

Cuando el trap se convirtió en plugg, una segunda generación de artistas, más digital, más colorista y más afro, vino a tomar el testigo, y en Barcelona se cristalizó en Cutemobb: Leïti, Bikôkô o Bexnil marcaban el paso.

‘JOËL’

Heredero del soft rap estadounidense, Leïti debutó en solitario con flows monosílabos y rapeos en inglés, haciendo de eje entre muchas de las fuerzas creativas que en ese momento despuntaban en Barcelona.

‘APOCALIPSI’

Empieza la transformación, se va abandonando progresivamente la superficialidad material para empezar el viaje interior a través del postrap melódico y la electrónica con colaboraciones de pedigrí.

final la vida es eso, disfrutar y cuidar de alguien para que también pueda disfrutar, y así sucesivamente. Así es como hace Dios contigo: te cuida, como las plantas o el sol”.

El faro conceptual de Sene Kor Sene se ilumina con el primer y el sexto corte, Adán y Torre de Babel , dos interludios cinematográficos que suenan a Dolby Surround: en el segundo, aparece una voz con frases como “Solo te pueden someter a esta realidad si tú les permites con tu firma y DNI” o “Nunca podrán entrar dentro tuya”; en el primero, además de sonidos de bombas y destrucción, quizá un guiño a un contexto presente violento, se escucha una especie de canto gregoriano junto a sonidos de campanas, el “adán”, que en el islam es una forma de llamar a la oración. “Quería ligar todos esos conceptos en los que hablo de autoestima y poder personal, de rechazar la vida en el sistema y estar más cerca de la naturaleza y Dios, con esa idea rastafari de Babel, de Babilonia, como el origen de toda la corrupción y decadencia en el mundo. Torre de Babel es como si le contara a mi hijo el pacto social que su tatarabuelo firmó, entrando en una sociedad en la que ahora él está cayendo. Quiero que mi hijo

se cuestione si esa gente que manda tiene la verdad o no, que no acepte ninguna de las leyes que damos por sentadas en la sociedad sin hacerse preguntas antes. Porque ese marco en realidad es solo lo que unos pocos han decidido que sea, y las verdaderes leyes están dentro de uno mismo, y son esas leyes las que debes respetar. Y nunca podrán entrar ahí a cambiarte: te podrán cambiar las leyes sobre el papel, someterte más o menos; te podrán intentar manipular al máximo dándote comida de mierda o medicina de mierda, pero al final dentro de ti nadie podrá entrar”, sentencia. Para Leïti ya está todo escrito. “Tú solo eres la energía que ve y reacciona a lo que te pasa. Cómo te tomas lo que ocurre en tu vida cambia tu percepción interna, y esta a su vez te hace cambiar lo que ves. No has nacido gracias a ti, y todo lo que viene después tampoco es gracias a ti. Es el choque de muchas decisiones, de alguien que está moviendo los hilos”. Yo no conozco al que mueve los hilos, nunca se me ha aparecido: pero los caracteres de esta entrevista me han encajado a la primera sin hacer ni una corrección. Llámalo casualidad, llámalo destino. Llámalo alguien moviendo los hilos.

SENE KOR SENE (UNIVERSAL, 2026)

Adán / B+ / Terrorista / Boca del dragón / Innocent People / Torre de Babel / Sátira de Babylon / Letter to my Kid / Más alas / Penélope / Shhh.. / X5

DIGITAL

LA PSICOSIS DE DIOS

La relación de Leïti con Dios es vital, en el mayor y más literal sentido de la palabra, para explicar esta nueva etapa. Pero hubo un tiempo donde no fue así: tuvo que darse una epifanía, una revelación, la luz cegando a Pablo entrando en Damasco, un momento donde todas las piezas sueltas encajasen. Leïti descubrió a Dios en mitad de una psicosis provocada por el consumo de LSD. El afrocatalán cuenta que experimentar con el ácido lisérgico le abrió “las puertas de la percepción”, algo similar a lo que cuenta en su libro con ese mismo título el británico Aldous Huxley. Su energía espiritual tomó sentido y ya nunca volvió a ser el mismo: “Durante parte de mi vida había estado un poco rechazando esta religión que en el fondo me venía de casa, porque mi padre es senegalés, pero él nunca me forzó a nada. Ya era un chico un poco espiritual y tenía reflexiones existenciales que me hicieron probar el LSD y las setas, que las sigo consumiendo por pura experimentación. Ahí se me reveló. Para mí Dios es todo permanentemente, la energía que en un principio estaba unida y ahora está separada en diferentes cuerpos y seres vivos, como el agua, y cada uno lleva al nacimiento de otra en cadena, como son los cromosomas y como está demostrado que es la cadena del ADN. Es lo que hace que este universo tan perfecto pueda existir. Y no hay placer más grande que poder cantarle a eso y connotar ese mensaje para despertar a la gente de alguna manera. Esta industria no está hecha para la gente que quiera ver la verdad. A la que se empiezas a hablar de Dios… John Lennon muerto, Bob Marley muerto, Tupac muerto. El humano rechaza el mensaje de Dios porque le obliga a hacer lo que él quiere, pero ese es el precio que hay que pagar”.

DELLACHAOUEN

EL CHOJIN SUU

CARNAMAL: LORENA BobBItT + RICK BRENDAN

KETAPASANDO: L.F.T. (GER) + PALOMA DE CASSO + ANGRY BAFFLE + ALBERTO LÓPEZ & ÁLVARO ECHALECU

JODITA TECHNO: HAVÖ (ARG) + ROSE (ARG) + GUIDOMIK (ARG) + BEMBY (ARG)

DANZER: LAFETTE + CAMBOYA + RAFA CALERO + FERXPLOSION lives dj sets

BOBBItT + RICK LORENABRENDAN BRENDAN

TOP 50

Por: Ramón Baylos

LA IDEA QUE HOY TENEMOS DE UN METROIDVANIA SE HA AMPLIADO PROFUNDAMENTE CON EL TIEMPO, PERO AÚN RETIENE LOS ELEMENTOS FUNDAMENTALES QUE ACOMPAÑARON AL DESARROLLO DEL CONCEPTO JUGABLE DESDE LA PUBLICACIÓN DEL PRIMER ‘METROID’ EN 1986 HASTA LA DE ‘CASTLEVANIA: SYMPHONY OF THE NIGHT’ EN 1997. DURANTE UNA DÉCADA DE AVANCES FRENÉTICOS EN LO TÉCNICO, CADA AVANCE DADO POR UNO U OTRO CREADOR EN JAPÓN RESONABA EN EL ECOSISTEMA, GENERANDO UNA CONVERSACIÓN SIN LA QUE NO SE EXPLICA EL DESARROLLO DE LOS PRIMEROS SUBGÉNEROS. Y SI NINTENDO HABÍA DESARROLLADO EL CONCEPTO DE EXPLORACIÓN NO LINEAL EN SCROLL LATERAL DE ‘BRAIN BREAKER’ (1985), KONAMI, DESPUÉS, LO ADAPTARÍA A LOS PRECEPTOS DE AVENTURA DE LA SAGA ‘THE LEGEND OF ZELDA’ INCORPORANDO, ADEMÁS, UN SISTEMA DE PROGRESIÓN INFLUIDO POR EL RPG. 30 AÑOS DESPUÉS, EL GÉNERO VIVE SEGURAMENTE SU VERDADERA EDAD DE ORO. EL MOMENTO PERFECTO PARA QUE SELECCIONEMOS NUESTROS 50 METROIDVANIA FAVORITOS.

METROID

La publicación de Hollow Knight: Silksong, su éxito incontestable, su exigente laberinto de diseño, nos hizo acordarnos de que todavía le debíamos algo al género de los metroidvania. Porque más allá de todo lo que representan para los videojuegos, sobre todo han confirmado ser, con el paso de los años, un vehículo de expresión libre para la creación de estos. Su naturaleza sencilla –que no simple. Como decía Daniel Smith, uno de los productores de la saga Ori, “en los metroidvania, al estar todo tan interconectado, si cambias una cosa puedes correr el riesgo de que afecte a todo lo demás”–, su diseño esencialmente bidimensional y su capacidad para abstraer grandes historias en mapas por lo general más intrincados e interconectados que extensos -con la sensación de que en cada rincón ha de esconderse una recompensa- han permitido no solo que se aceleraran muchos de los procesos técnicos en el tránsito de los ochenta a los noventa, sino, por encima de todo, que muchos desarrolladores independientes se atrevieran a bajar sus ideas a tierra sin que los presupuestos se fueran de las manos. Hoy, cuarenta años después de la publicación del primer Metroid, y cuando están a punto de cumplirse treinta de Castlevania: Symphony of the Night -los dos juegos que normalmente se usan para acotar la década de asentamiento definitivo de las mecánicas que iban a asociarse al género, y durante

la que también se publicaron otras obras maestras definitivas como Super Metroid o Castlevania II: Simon's Quest–, los metroidvania se han convertido en uno de los grandes baluartes de la industria indie, y sus mecánicas se extienden en correlación con nuevos géneros, de la misma manera que en la conversación entre Metroid y Castlevania fue fundamental la intermediación de los Zelda o del RPG. Podríamos hablar de cómo la interconexión del mapa y la idea de ir desbloqueando atajos hace que Dark Souls parezca un metroidvania sobre plano, en 3D, o de cómo la propia fórmula de exploración soulslike se ha adaptado a su modo en el nuevo diseño de niveles de los Resident Evil. De cómo ha aprendido a incorporar elementos roguelike, o de cómo ha evolucionado su relación con el shooter. También de cómo Hollow Knight le devolvió el préstamo a Dark Souls inspirándose en su dificultad, en su aproximación estratégica al combate, en la idea de sustituir los puntos de guardado por puntos de descanso que resetean a los enemigos del mapa, en la posibilidad de pérdida y recuperación de la experiencia y en su lore inductivo, incompleto y fragmentado para dar con otra nueva reinvención del género que parece haberse convertido en un nuevo canon en el presente. Lo que está claro es que los metroidvania sirven, a su modo, para explicar toda la historia de los videojuegos de acción, exploración y aventuras. En esta selección de nuestros 50 favoritos intentamos, por tanto, no solo ser fieles a esa esencia de progresión circular en torno a ventajas permanentes, mejoras o habilidades que permitan ir desbloqueando y ampliando la navegación por el mapa, sino abrirnos a toda una conversación con distintos enfoques que nos permitan explicar la naturaleza mutante del género en la actualidad. Si los metroidvania han sobrevivido, más allá de las tendencias y de los distintos horizontes de posibilidades técnicos, a lo largo de los años, es porque en su ADN se dan por sentadas unas reglas claras, pero del mismo modo se acepta una apertura convencida a la prueba, la hibridación y la metamorfosis. Quizá ya más que un género, los metroidvania significan un modelo mismo de diseñar videojuegos. Una base sólida, infalible, sobre la que la imaginación pueda empezar a construir.

VANIAS

1HOLLOW KNIGHT

Team Cherry / 2017

Hay metroidvanias que llegaron antes, otros poseen un músculo creativo más potente, e incluso existen ciertas obras que expanden los límites del género hacia nuevos horizontes, pero no hay otro juego dentro del género como Hollow Knight. Surgida al abrigo de las nuevas fórmulas de financiación popular en internet, esta mastodóntica obra diseñada en su totalidad por solo cuatro personas redefinió lo que iban a ser los metroidvania sintetizando todas las herencias previas del género -de Metroid a Zelda y de Faxanadu a Castlevania- para adaptarlas a la jugabilidad moderna en los términos implacables de los Dark Souls, integrándose además como uno de los estandartes contemporáneos de las comunidades speedrunner y no-hitter. Su historia desoladora y su minuciosamente detallado apartado artístico -una maravilla entre la oscuridad gótica y el horror cósmico y lovecraftiano de Bloodborne y una pesadilla insectoide- terminan de redondear una propuesta irrepetible.

2

CASTLEVANIA: SYMPHONY OF THE NIGHT Konami / 1997

Castlevania II: Simon's Quest (1987), la primera aproximación de exploración abierta de Konami, no funcionó todo lo bien que se esperaba, y a la empresa le rentaban los juegos de niveles lineales de la saga. Pero Koji Igarashi, obsesionado con Super Metroid, se decidió a volver a esa idea masiva e interconectada aplicando también la apertura total de los Zelda. Incorporando un sistema de progresión basado en la experiencia y un menú con múltiples herramientas, dio con un juego que sirve, en sí mismo, para explicar todo el género de acción/aventuras.

8

9

BLASPHEMOUS 2

The Game Kitchen / 2023

Probablemente el mejor juego jamás diseñado en nuestro país, traduce lo sombrío de los souls a la imaginería medieval católica y a los iconos de la Semana Santa en clave retromaníaca. 10/10.

AXIOM VERGE

Thomas Happ / 2015

Un juego fundamental para entender la oleada indie a partir del ecuador de la década pasada, heredero honesto y apasionado de los mejores metroid y primer gran canon del metroidvania moderno.

10

METROID DREAD

Mercury Steam / 2021

Otro hito del diseño español de videojuegos: el estudio optó por añadir dinamismo y complejidad a las mecánicas habituales de los metroid, y el público, contra todo pronóstico, respondió con pasión.

3

SUPER METROID

Nintendo, IS / 1994

Top 1 en nuestros corazones, la gran aventura de Samus Aran aguanta el paso del tiempo sin necesidad de estoicidad: lección tras lección de cómo hacer, con poco, videojuegos inolvidables.

5

METROID FUSION

Nintendo / 2002

El salto a Game Boy Advance de Samus fue este espectacular juego -uno de los mejores de la portátil- que incorporaba atmósferas survival y mecánicas némesis traídas de Resident Evil

6

CASTLEVANIA: ARIA OF SORROW Konami / 2003

El salto de Konami a las consolas de bolsillo de Nintendo es patrimonio de la Humanidad retro, y dejó un recuerdo imborrable en cualquiera que lo jugó.

11

HOLLOW KNIGHT: SILKSONG Team Cherry / 2025

La secuela del mejor metroidvania de la historia es también el metroidvania más ambicioso, el más grande hasta la fecha, y el que mejor consigue diversificar la experiencia sin desbalancear el juego.

THE MESSENGER

Sabotage / 2018

Un ejercicio de homenaje insuperable. The Messenger es casi como un flashback moderno de la primera edad de oro de los metroidvania. Una joya única en el género. 7

AN UNTITLED STORY

Maddy Makes Games / 2007

Uno de los primeros juegos, gratuitos y pintados de manera arrebatadoramente infantil, de la creadora de Celeste. Un metroidvania de plataformas riquísimo y con mucha alma.

ANIMAL WELL

Billy Basso / 2024

Animal Well es uno de esos juegos que te dejan marcado para toda la vida. Su diseño por sustracción, su narrativa ambiental, su intrincada secuencia de puzles marcada por un complejo diseño de niveles donde las habitaciones son rompecabezas en sí mismos… Billy Basso tomó la decisión de subvertir la fórmula clásica de los metroidvania, descartando el combate como vehículo principal y renunciando a un componente aparantemente básico, la acción, para enfocarse en algo diferente: convertir su juego en una intrincada matrioska de secretos cuyas respuestas fueron descifradas a través de crípticas pistas puestas en común dentro de su comunidad de fans. El mundo de Animal Well es el puzle, y descifrarlo forma parte de un esfuerzo colectivo que nos recuerda que los videojuegos pueden partir de una experiencia personal, sí, pero también nos ayudan a entender mejor nuestro lugar en el mundo. 4

DEAD CELLS

Motion Twin / 2018

Su evidente estructura roguelite quizá lo invalida como metroidvania para algunos puristas, pero realmente Dead Cells es un híbrido perfecto y muy personal de muchísimos tipos de jugabilidades: su aproximación al combate es la de un souls, siguiendo a Hollow Knight, y, aunque las mazmorras se generan de forma procedural, la forma de navegarlas es a todos los efectos la de un metroidvania. Un roguevania canónico y muy influyente que ha tenido incluso un crossover con Castlevania y una gran serie de tv. 13

14

ICONOCLASTS

Joakim Sandberg / 2018

Clásico en lo jugable, pero inconformista en todo lo demás. Con un apartado gráfico inconfundible, habla de conceptos profundos como religión, muerte, existencialismo y tecnología.

17

SHANTAE AND THE PIRATE'S CURSE WayForward / 2014

Espectáculo visual definitorio de la posterior corriente artística ligada al pixel-art moderno y el punto más álgido de la saga de WayForward en todos los sentidos.

20

PRINCE OF PERSIA: THE LOST CROWN Ubisoft Montpellier / 2024

Quizá el juego que mejor representa, por desgracia, la deriva oscura de Ubisoft. Tras no cumplir las expectativas de ventas -hay que tener en cuenta que desde arriba se obligó a poner el juego a precio de AAA, muy por encima de la media habitual de los títulos del estilo-, la corporación cerró el estudio y se olvidó de todo lo que sus miembros habían hecho bien: The Lost Crown es el mejor juego de Ubi en años, una aproximación empoderada al género de los metroidvania con uno de los combates más fluidos de su historia.

21

NINE SOLS

RedCandleGames / 2024

Si Hollow Knight había demostrado que los souls podían ser -eran- metroidvanias, Nine Sols se pasó el juego asimilando el implacable sistema de parries de Sekiro. Hesitation is defeat!

LAIKA: AGED THROUGH BLOOD Brainwash Gang / 2023

Pillando muchos conceptos de esa joya indie desconocida por muchos que es Lisa: The Painful -un rpg posapocalíptico en scroll lateral también motorizado-, el estudio madrileño dio con este ¿motorvania? que mezcla equilibrismos al estilo trials con parries y diesel punk.

ORI AND THE WILL OF THE WISPS Moon Studios / 2020

Moon Studios hizo belleza en todos los sentidos en esta secuela increíble con mensaje ecologista que pone énfasis en la movilidad. Te romperá el corazón.

22

GUACAMELEE! 2

DrinkBox Studios / 2018

Tanto su antecesor como este son ejemplos magníficos de cómo abrazar un folclore ajeno al canon anglo -en este caso el wrestling mexa- para construir un delirio de frenesí y ritmo.

23

CAVE STORY Nicalis / 2004

De esas rarezas únicas en el género. Un indie precoz adelantado a su época que se inspiraba en los mejores metroidvania de Game Boy Advance, y que, desde el underground, superó a muchos.

27

SHADOW COMPLEX

Chair Entertainment, Epic Games / 2009

Prácticamente el único metroidvania salvable de la etapa más oscura del género, en 2.5D y añadiendo mecánicas de cobertura a la fórmula de los Metroid

16

BLASPHEMOUS

The Game Kitchen / 2019

Mucho más retro y pesado que su sucesor, y deudor de viejos arcades, este soulsvania a la española es sin embargo más especial, más obtusamente suyo. Una proeza mundialmente aplaudida.

18

SALT & SANCTUARY

Ska Studios / 2016

Fantasía decadente ligada a una jugabilidad cruda y estratégica con matices claros de soulslike: un soulsvania con las cosas claras que se disolvió con su secuela, pero que queda para el recuerdo.

ASTALON: TEARS OF THE EARTH

LABS Works / 2021

Lo más interesante de este grandísimo juego con estética retro de 8 bits y banda sonora espectacular -¿de las mejores del género?- es que el espectro de habilidades y powerups se divide entre tres personajes diferentes, un guerrero, una arquera y un mago. Alternando entre ellos, el jugador tendrá que abrirse paso ascendiendo por una torre plagada de monstruos a la manera de un metroidvania con elementos de plataformas, en una experiencia que además fomenta la rejugabilidad. Créenos: es una joya.

24

YOKU'S ISLAND EXPRESS

Villa Gorilla / 2018

Mezcla insólita de metroidvania y juego de pinball, este loquísimo videojuego sueco no se explica sin un cierto grado de genialidad. Su historia es original y sus personajes encantadores.

29

WONDER BOY: THE DRAGON'S TRAP

Lizardcube / 2017

Remake del juego de 1989 desarrollado por Westone Wonder Boy III: The Dragon's Trap, esta versión completamente actualizada, que además apuesta por un diseño artístico y de personajes entrañable entre la comedia de dibujos animados y el cuento, solo se limita a poner en valor todos los aciertos de la obra original -por ejemplo las transformaciones-, también influyente en su momento para Symphony of the Night

25

STEAMWORLD DIG 2

30 19 28

UNEPIC @unepic_fran / 2014

Una de las ideas de videojuego más alocadas desarrolladas en nuestro país, conjugando las bases de los metroidvania con ciertos tropos del RPG, proceduralidad y sentido del humor.

Image & Form Games / 2017

Con una personalidad rabiosa y mecánicas muy concisas, otro prodigio del desarrollo independiente sueco, núcleo además de un universo steampunk muy rentable para la compañía.

ENDER LILIES: QUIETUS OF THE KNIGHTS Live Wire, Adglobe / 2021

Basando el combate en invocaciones y no en enfrentamientos verdaderamente directos, Ender Lilies es uno de los soulsvania más diferenciales del género.

31

BLOODSTAINED: RITUAL OF THE NIGHT

Artplay / 2019

Tan irregular como carismático, supuso el regreso del maestro Koji Igarashi a la acción después de producir para Konami los mejores Castlevania

36

ORI AND THE BLIND FOREST

Moon Studios / 2015

Aunque su secuela, claro, estaba mejor plantada, el primer Ori es igualmente demoledor emocionalmente, y también increíblemente disfrutable en las manos. Una maravilla en todos los aspectos.

32

TOUHOU LUNA NIGHTS

Team Ladybug / 2018

Derivado del Touhou Project y con esencia de shooter, logró convertir el concepto de tiempo en una mecánica singular dentro del contexto metroidvania. Atrevido, singular e increíblemente bello.

37

DUST: AN ELYSIAN TALE

Humble Hearts / 2013

Otro indie repleto de alegría y corazón, desarrollado por una sola persona y con una atención extrema al apartado visual y al perfeccionamiento de cada mecánica. Una proeza.

33

MOMODORA: REVERIE UNDER THE MOONLIGHT

Bombservice / 2016

Coge la paleta metroidvania, una estética retro y arcade, y las retuerce para hablar de la melancolía. Mejor entrega de una saga, en general, magnífica.

38

OWLBOY

D-Pad Studio / 2016

Estuvo en desarrollo casi una década -la más complicada del género, cierto-, pero luego salió y cumplió con lo prometido: un metroidvania muy útil para definir los nuevos intereses del género.

BŌ: PATH OF THE TEAL LOTUS

Squid Shock Studios/ 2024

Poniendo mucho énfasis en la cultura tradicional japonesa y en su folclore, Bō puede no inventar nada, pero su aguda forma de mezclar la jugabilidad de Hollow Knight, la estética y la gama cromática de Nine Sols, la imaginería del Studio Ghibli y la narrativa metafórica y cultural de Okami lo convierten en uno de los metroidvanias más ricos, bonitos e interesantes de la época reciente. El estudio tuvo problemas después de lanzarlo y se sumó a la vorágine de despidos que asoló la industria el año pasado: juégalo en su honor.

41

GATO ROBOTO

Doinksoft / 2019

El 1, 2, 3 de los metroidvania: impactante, desenfadado y casi paródico de Metroid. Gato Roboto es uno de esas joyas menos conocidas del catálogo de Devolver Digital.

46

DEATH'S GAMBIT: AFTERLIFE

White Rabbits / 2018-2021

¿A quién no le va a gustar un juego que mezcla sin complejos Dark Souls y Symphony of the Night? Seguro que al que no le apetezca sudar de más cuando se enchufa un videojuego.

F.I.S.T.: FORGED IN SHADOW TORCH

TiGames / 2021

Con secuela pendiente de estreno, quizá el metroidvania que mejor prueba el estado de forma de la industria china. Un conejo, mechas, diesel punk. ¿Más? 42

MONSTER SANCTUARY

Moi Rai Games / 2019

El único intento de ¿pokémonvania? que terminó saliendo bien. Una fusión impensable de conceptos que funciona a las mil maravillas y que no vive a la sombra de nadie.

LA-MULANA 2

Nigoro / 2018

Extremadamente difícil y sesudo en su planteamiento, La-Mulana 2, y también su primera entrega, supuso un fresco giro a las preconcepciones del género cuando este requería cambios urgentes.

MONSTER BOY AND THE CURSED KINGDOM

Game Atelier / 2019

Heredero espiritual de Wonder Boy III, es casi un reboot no oficial de la saga de Megadrive que, sin embargo, juega a retorcer sus ideas más tradicionales.

AETERNA NOCTIS

Aeternum Game Studios / 2021

Aterna Noctis es un juego que no se anda con tonterías. Catalizador puro de los metroidvania, pero heredero también de los soulsvania modernos, la obra de Aeternum Game Studios cumple a rajatabla con las reglas no escritas del género para encadenar un acierto detrás de otro, especialmente en lo que se refiere a la exploración y el combate. Siendo más que la suma de sus partes, el título -de desarrollo manchego, con sede en Talavera de la Reina- es la prueba de que no hace falta mirar hacia fuera de nuestras fronteras para encontrar propuestas de potencial infinito. Tanto es así que lo que iba a ser un juego único se ha terminado convirtiendo en saga y promete constar como franquicia longeva siempre y cuando las duras condiciones de la industria de los videojuegos lo permitan; se supone que este año veremos por fin una esperada secuela, Aeterna Lucis. Encenderemos unas cuantas velitas.

TIMESPINNER

Lunar Ray Games / 2018

Un homenaje precioso a Symphony of the Night que además, como Prince of Persia, hace uso de las mecánicos de saltos de tiempo. Joyita desconocida pero tremendamente satisfactoria. 44

GRIME Clover Bite / 2021

Peculiar metroidvania ajeno a cánones que se acerca a los preceptos del body horror para engendrar una propuesta visualmente bizarra y sumamente eficaz en lo mecánico.

35

ENVIRONMENTAL

STATION ALPHA

Hempuli Oy / 2015

Joya finesa de la primera ola de nostalgia por el pixel art, y que por sus complejos bosses y excepcional diseño se convirtió en leyenda del speedrunning.

ULTROS

Hadoque / 2024

Lisérgico a más no poder, ultraimaginativo y visualmente arrebatador, este metroidvania apuesta por una mayor linealidad para ofrecernos lo más parecido a un viaje de ácido. 39

BATBARIAN: TESTAMENT OF THE PRIMORDIALS

Unspeakable Pixels / 2019

Acción frenética y resolución de puzles en un metroidvania muy suyo, con dinámicas ambientales, sinergias y una inspiración evidente de Conan el Bárbaro 45

TALES OF KENZERA: ZAU Surgent Studios / 2024

El actor tras Bayek (Assassin's Creed Origins) debutó como director con esta fábula bantú sobre la muerte, el trauma generacional y el desgaste emocional derivado del viaje del héroe.

LANDING DISCOS

POR: DIEGO RUBIO

Deadline

YG / 27 febrero

Aunque el multimillonario tour de estadios que da nombre a Deadline –y con el que las Blackpink se reunían una vez completado el círculo de sus respectivas aventuras en solitario–ya pasó por medio mundo -incluyendo Barcelona- el año pasado, realmente no había muchas más pistas de un EP que en principio debería haberse lanzado en otoño a excepción de ese híbrido entre euro trance y hard techno que era Jump. Confirmado definitivamente para este 27 de febrero, con cinco canciones y la intervención de productores como Diplo, es su tercer EP, y la excusa perfecta para desenvolver una nueva manga del Deadline Tour y seguir arrasando no solo en las listas, sino también en los escenarios de todo el mundo. Jennie, Rosé, Lisa y Jisoo parecían haber tocado techo ya, pero quizá solo habíamos sido testigos del principio de una historia destinada a durar.

BERNAL

Vida y milagros

Discos 17 Dolores

6 febrero

El cuarteto se aleja de la cold wave que lo parte en Valencia y vuelve hacer brillar su post hardcore de emotiva intensidad.

DAPHNI

Butterfly

Jialong

6 febrero

El alias deep house de Dan Snaith está cada día más cerca de su proyecto principal, Caribou, pero sigue sirviéndole de laboratorio.

MANDY, INDIANA

URGH

Sacred Bones / Popstock! 6 febrero

Los francobritánicos, híbrido noise entre LCD Soundsystem y Gilla Band, profundizan más en la brecha de un mundo fracturado.

STAYC Stay Alive

Universal 11 febrero

A las coreanas siempre les costó expandirse globalmente, pero quizá eso cambie con el que es su primer disco en Japón.

ANGEL DU$T

Cold 2 the Touch

Run for Cover 13 febrero

Ahora que el post hardcore de Baltimore llega a las grandes audiencias, recuerda: nada de esto hubiera pasado sin Justice Tripp.

CHET FAKER

A Love for Strangers BMG 13 febrero

Nick Murphy se pone más atmosférico, melancólico, noctámbulo y soulful que nunca en su nuevo álbum como Chet Faker.

LEIGH-ANNE

My Ego Told Me To Virgin / 20 febrero

A la vista del exitazo de Jade con su debut en solitario el año pasado, cuesta pensar que no ocurra lo mismo en 2026 con el estreno de Leigh-Anne fuera de la órbita de la girl band Little Mix. Igualmente sobre raíles electrónicos, ella sin embargo apuesta más por ritmos afrocaribeños, entre Ayra Starr y Rihanna, entre el dancehall y el amapiano.

JOJI

Piss in the Wind / Palace Creek / 6 febrero Acercándose ya a la década en su trayectoria como Joji, el artista japonés enfrenta en su cuarto trabajo largo un giro hacia la independencia y la libertad creativa lanzándose a la aventura de su propio sello, Palace Creek. Piss in the Wind es meditabundo e intenso, electrónico, oscuro y profundo, pero de algún modo alegre y juguetón: ¿James Blake encontrándose con Ryuichi Sakamoto?

CHIQUITA MOVIDA

Alta vaina

Calaverita

13 febrero

Rayden, Mediyama y Skiz Siete se reúnen en el supergrupo más improbable de nuestro país: guasa, ironía, sintes y rock and roll.

CONVERGE Love is not Enough Epitaph / [PIAS] 13 febrero

Tótems absolutos del metalcore y del hardcore punk, su undécimo álbum es una demostración más de que están en otro nivel.

FEMTANYL

Man Bites Dog entitii 13 febrero

Hace un par de años surgieron de las profundidades del digicore en internet, y con su debut largo apuntan ya a revelación del año.

MUMFORD & SONS

Prizefighter

Glassnote 13 febrero

Clásicos como Chris Stapleton o Hozier se juntan con nuevas estrellas (Gracie Abrams, Gigi Perez) en su disco más comunitario.

ALTIN GÜN

Garip

Glitterbeat 20 febrero

Los holandeses siguen profundizando en la psicodelia turca y el anatolyan rock, y su sonido es ya jodidamente auténtico.

AMANTE LAFFÓN

Esta noche es nuestra

Mushroom Pillow 20 febrero

Equipo grande de Sevilla en la liga del postpunk nacional, redondean y amplifican su sonido oscurete en su segundo disco.

APPARAT

A Hum of Maybe

Mute / [PIAS] 20 febrero

Sascha Ring reflexiona sobre su recién estrenada paternidad entre la habitual emocionalidad melódica y texturas electrónicas.

HILARY DUFF

Luck… Or Something Atlantic 20 febrero

Junto a su marido y más de una década después de su último disco, Duff regresa más íntima y fijándose en el modelo Taylor Swift.

LIL TJAY

They Just Ain’t You

Trenchkid Records

20 febrero

El rapero estadounidense pierde un poco el rumbo (no los números multimillonarios) en un cuarto álbum chapado a la antigua.

NATHAN FAKE

Evaporator

InFiné / [PIAS] 20 febrero

Si te gusta el techno tranquilo y diurno, pero también que te revienten los speakers de casa, el británico está ahí para ti.

NUBIYAN TWIST

Chasing Shadows

Strut 20 febrero

Afrofuturismo, jazz suave, gospel, soul, hip hop, mitologías mágicas y ritmos ancestrales en el álbum más sorprendente del grupo.

TRAUMA RAY

Carnival

Dais/ Popstock!

20 febrero

Se confirma que las guitarras y el post-hardcore cotizan al alza. Tras su triunfante debut, EP de 5 temas de la banda de Fort Worth.

VIBORA

Egin Ez Dugun Guztia BCore 20 febrero

Vienen de girar por EE UU y Europa, y en su segundo disco van a más. De Gasteiz al mundo, emo hardcore con intensidad metalera.

DEADLETTER

Existance is Bliss

SO / 27 febrero

El quinteto británico emergió en pandemia con su propia aproximación a la coldwave, apostando además por los sintetizadores gélidos y la pulsión bailable del sonido de DFA.

Ahora, en su segundo álbum –que presentarán en España en abril en el que es su hábitat natural, las salas–, moderan la furia y se dejan embriagar por los detalles.

PACO TE QUIERO

Hay un pez naranja en el suelo del Metro / Helsinkipro / 20 febrero

Después de tres EPs que no han pasado desapercibidos en la escena más ruidosa del pop barcelonés, este sexteto de la Ciudad Condal entrega uno de los debuts largos más sólidos que le recordamos al estilo en bastantes años. Una herencia que toman de Nueva Vulcano y de Los Punsetes, pero a la que imprimen también referencias como Alvvays y su propia experencia vital para dar con un sonido único y rebosante de personalidad.

BILL CALLAHAN

My Days of 58 Drag City / Popstock! 27 febrero

Otro trabajo mayúsculo para enaltecer la impresionante madurez del compositor estadounidense. Bello y extraño por igual.

BUCK MEEK

The Mirror 4AD / Popstock! 27 febrero

El guitarrista de Big Thief adopta las formas colaborativas de su directo en un cuarto álbum que también se abre a texturas electrónicas.

CARPENTER BRUT

Leather Temple Virgin

27 febrero

El productor francés sigue en su propia aventura entre el retrowave, el synthwave, el ciberpunk y el turbo metal. Neón y velocidad.

CATERINA BARBIERI & BENDIK GISKE

At Source light-years 27 febrero

Los vientos y las percusiones del performer berlinés se enredan en los sintetizadores de la italiana en su primer álbum juntos.

GORILLAZ

The Mountain Kong

27 febrero

En tiempos de yoguis, la banda virtual comandada por Damon Albarn (Blur) entrega su propio Sgt. Pepper's. Namasté, 2D.

LALA LALA

Heaven 2

Sub Pop / Popstock! 27 febrero

Un tránsito vital la llevó de Chicago a Nuevo México, Islandia, Londres, y a enamorarse y quedarse en LA. Este disco es su reinvención.

MITSKI

Nothing’s About to Happen to Me Dead Oceans / Popstock! 27 febrero

Si hay alguien que puede hacer rock excesivo con profundidad e ironía, esa es Mitski. Aquí está más cruda; también más orquestal.

EL AGENTE SECRETO

Dir. Kleber Mendonça Filho

Rep. Wagner Moura, Gabriel Leone Brasil / 2025 / Elástica Films 20 febrero

Mitad thriller policíaco angustioso e intrigante y mitad panorámica social del Brasil de finales de los setenta, en el ocaso de la dictadura militar que gobernó el país desde el golpe de Estado de 1964, El agente secreto es quizá la película más contundente del director brasileño, y un despliegue de todos sus intereses cinematográficos hasta la fecha. Está la preocupación por lo micro de Doña Clara (2016), la aproximación histórica que se deriva de sus múltiples trabajos en el género documental –el último, la excelente Retratos fantasma (2023)–, pero también el pulso más frenético de Bacurau (2019). Y está Wagner Moura para elevar la arriesgada propuesta y para llevar a cabo con éxito la difícil tarea de que su personaje consiga alzarse entre tanta complejidad histórica, entre sucesos que siempre amenazan con superarle. Gran triunfadora en el pasado Festival de Cannes y con cuatro candidaturas a los Oscar, apunta a ser uno de los estrenos más destacados del 2026.

HISTORIAS DEL BUEN VALLE

Dir. José Luis Guerín / Documental, Sociedad España / 2025 / Wanda Visión / 13 febrero

Confirmado ya hace tiempo como uno de los grandes documentalistas de nuestro país, Guerín nos invita esta vez a Vallbona, un barrio de la periferia de Barcelona aislado de la gran ciudad por un río, vías ferroviarias, autopistas. Una mirada al éxodo rural en una zona que, por sus propias características, se enfrenta cada día a la imposibilidad de construir una verdadera transición urbana. ¿Es, acaso, necesaria?

HELLBOY: EL HOMBRE RETORCIDO

Dir. Brian Taylor

Rep. Jack Kesy, Adeline Rudolph Largo / 6 febrero

La saga cinematográfica auspiciada al principio por Guillermo del Toro se sumerge definitivamente en los pozos más profundos de la serie B en una entrega con fondo folk horror.

PRIMATE

Dir. Johannes Roberts

Rep. Johnny Sequoyah, Jessica Alexander Largo / 6 febrero

No es la primera vez que nos enfrentamos como espectadores a algún mono asesino, pero aquí el delirio funciona a la perfección: pensaron que era de la familia, pero...

SALVADOR

Dir. Aitor Gabilondo, Daniel Calparsoro

Rep. Luis Tosar, Claudia Salas

Serie / 6 febrero

Un conductor de ambulancias intenta comprender por qué su hija se ha metido en un grupo neonazi. Entre el thriller frenético y el relato psicológico, con un gran Luis Tosar.

STRAY KIDS: THE DOMINATE EXPERIENCE

Dir. Paul Dugdale, Farah Khalid

Documental / Concierto Largo / 6 febrero

Vive una experiencia inmersiva en esta película-concierto que incluye secciones documentales sobre uno de los grandes fenómenos del K-pop: la boy band Stray Kids.

CÓMO LLEGAR AL CIELO DESDE BELFAST

Cr. Lisa McGee

Rep. Roisin Gallagher, S. Keenan Serie / 12 febrero

Tres amigas con algo que ocultar intentan desenredar el asesinato una cuarta, en esta serie aguda con muchos puntos negros por parte de la creadora de Derry Girls

NO HAY OTRA OPCIÓN

Dir. Park Chan-wook

Rep. Lee Byung-hun, Son Ye-jin

Largo / 13 febrero

El director surcoreano vuelve a la senda de la acción salvaje de una manera sorprendentemente mundana, con una comedia negra sobre un parado inspirada en Arcadia

RAFAELA Y SU LOCO MUNDO

Dir. Ernesto Sevilla

Rep. I. García Jonsson, A. Gómez

Serie / 15 febrero

Preestrenada en Sitges el año pasado, una sorprendente aproximación por parte del ex Muchachada Nui a la ficción de aventuras infantil. Tierna, con mensaje... y triples significados.

CUMBRES BORRASCOSAS

Dir. Emerald Fennell / Rep. Margot Robbie, Jacob Elordi EE UU / 2026 / Warner / 13 febrero

Desde su icónico papel en Saltburn (2023), Jacob Elordi se ha convertido en uno de los actores –y sex symbols– más deseados del panorama. Ahora vuelve a reunirse con su directora en una nueva adaptación cinematográfica del gran relato romántico inglés protagonizada por Margot Robbie. Charli XCX pone la banda sonora.

SCARLET

Dir. Mamoru Hosoda Animación

Japón / 2025 / Crunchyroll 27 febrero

El viejo debate entre la clemencia y la venganza, el ciclo del odio que nunca se resuelve, en una película bellísima y profundamente lisérgica que apuesta por el simbolismo y que sigue el camino estético ya abierto en Belle (2021), construido a base de CGI. Hosoda toma elementos de The Last of Us: Parte II, de Hamlet y de la alta fantasía para narrar la historia de una guerrera medieval contra el asesino de su padre, contra sí misma, y contra el tiempo.

LA SONRISA DEL MAL

Dir. Paolo Strippoli

Rep. M. Riondino, R. M. Vergano

Largo / 20 febrero

Ecos de Stephen King –infancia, psicosis colectiva...– se cuelan en la confirmación definitiva del cineasta italiano como uno de los maestros actuales del nuevo psych-horror.

MOVIDA CELESTIAL

Dir. Aziz Ansari

Rep. Seth Rogen, Keanu Reeves Largo / 20 febrero

Ansari deja a un lado la comedia y la tv y se atreve con su debut largo: un organizador de conciertos se intercambia con un millonario por intermediación de un ángel becario.

NOISE

Dir. Kim Soo-jin

Rep. Lee Sun-bin, Ryu Kyung-soo Largo / 20 febrero

Celebrada en Sitges por su apuesta algo bizarra, es, sobre todo, una película sensorial: una mujer sorda se ve acosada por ruidos perturbadores.

PORTOBELLO

Dir. Marco Bellocchio

Rep. Fabrizio Gifuni, Lino Musella Miniserie / 20 febrero

Pocos para contar la historia reciente de Italia como el maestro Bellocchio: esta vez se adentra en el caso de Portobello, un presentador de tv acusado de pertenecer a la Camorra.

THE HISTORY OF SOUND

Dir. Oliver Hermanus

Rep. Paul Mescal, Josh O'Connor Largo / 20 febrero

Dos músicos viajan por la EE UU rural de los años 20 en busca de canciones que les unan para siempre antes de la inevitable llamada a filas para partir a la I Guerra Mundial.

EL CINECLUB

Cr. Ralph Davis

Rep. A. Lou Wood, N. Rizwan Miniserie / 26 febrero

La delgada línea entre el amor y la amistad se pone a prueba ante las delicadas circunstancias personales en esta miniserie que, además, es un homenaje constante al cine.

TWENTY ONE PILOTS: MORE THAN EVER...

Dir. Mark C. Eshleman

Documental musical 26 febrero

Una de las grandes noches de Twenty One Pilots, actuando ante un Estadio GNP de la ciudad de México abarrotado, capturada con cámara y proyectada en IMAX.

TRES ADIOSES

Dir. Isabel Coixet / Rep. Alba Rohrwacher, Elio Germano

Italia / 2025 / BTeam / 6 febrero

¿Puede la enfermedad volver a despertar el apetito, las ganas de vivir? A esa pregunta se enfrenta Isabel Coixet, entre metáforas culinarias y planos preciosistas, en la primera película de un desembarco italiano que seguirá en 2027 con Los días del abandono, basada en la novela de Elena Ferrante y con Penélope Cruz.

DREAMS

Dir. Michel Franco

Rep. J. Chastain, Isaac Hernández

Largo / 27 febrero

Una dama de la alta sociedad se enamora de un bailarín del ballet de México, pero sus sueños románticos se evaporan cuando se enfrentan a la brecha sociopolítica que les separa.

HASTA LA MONTAÑA

Dir. Sophie Deraspe

Rep. Félix-Antoine Duval, S. Rigot

Largo / 27 febrero

¿Quién no ha querido dejarlo todo, abandonar el ruido de la gran ciudad, y mudarse al campo? Una pareja, un perro, una granja... De eso va esta poética cinta; poco más.

ISLAS

Dir. Kristoffer Borgli

Rep. Nicolas Cage, J. Nicholson

Largo / 27 febrero

La también dramaturga Marina Seresesky entrega en Islas un drama onírico ambientado en una especie de palacio mental, el Hotel Paradise. Un lugar ajeno a las leyes del tiempo.

ORWELL: 2 + 2 = 5

Dir. Raoul Peck

Documental

27 febrero

Después de Marx, Peck se atreve con la biografía de Orwell durante los años de escritura de 1984, y aprovecha para trazar paralelismos con el preocupante contexto actual.

PAUL MCCARTNEY: MAN ON THE RUN

Dir. Morgan Neville

Documental musical 27 febrero

Un hombre en la carretera... y en la granja. Después de disolver definitivamente The Beatles, Macca se retiró a la vida doméstica con Linda y montaron Wings. Historia digna de ver.

SCREAM 7

Dir. Kevin Williamson

Rep. N. Campbell, Courteney Cox

Largo / 27 febrero

El guionista original de Scream se hace cargo personalmente de la saga en esta séptima entrega que apuesta por renovar el plantel juvenil, y retomar el viejo camp.

SORRY, BABY

Dir. Eva Victor

Rep. Eva Victor, Naomi Ackie

Largo / 27 febrero

Las secuelas de una agresión sexual tratadas con empatía, humanidad, y con el humor como salvavidas, en una autoficción que supone un debut absolutamente arrebatador.

LANDING VIDEO

POR: ADRIANA RAMIRO

Springsteen: Deliver Me From Nowhere

Dir. Scott Cooper / Rep. Jeremy Allen White, Jeremy Strong

EE UU / 2025 / 20th Century Studios / 15 febrero

Basado en el libro de Warren Zanes, Cooper, experto en dramones que vinculan el rock con la tradición USA, se centra en una etapa concreta de la vida de Bruce Springsteen, la grabación de Nebraska, para afrontar los traumas infantiles de un Boss interpretado de forma impecable por Jeremy Allen White.

MINORITY REPORT

Dir. Steven Spielberg

Rep. Tom Cruise, Max von Sydow

EE UU / 2002 / 20th Century / 2 feb

Por vez primera en UHD -y además con opción de una edición steelbook-. Con los mismos contenidos adicionales que ya conocíamos de las ediciones Blu-ray.

ELÁSTICA [AÑO CERO]

Dir. Varios

Rep. Renate Reinsve, Paul Mescal Elástica / 12 feb

Una de las distribuidoras indies del momento lo celebra con este estuche que incluye Annette, Drive my Car, La peor persona del mundo y Aftersun

BUGONIA

Dir. Yorgos Lanthimos

Rep. Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis

Irlanda / 2025 / Universal 15 febrero

Lanthimos adapta una película ya de por sí enloquecida -Salvar el planeta Tierra, una producción del coreano Jang Joon-hwan estrenada en 2003- y la lleva unos cuantos pasos más allá de la mano de su colaboradora necesaria Emma Stone y de un estupendo Jesse Plemons, que vuelve a sumarse a la fiesta tras protagonizar Kinds of Kindness. Incluye making of y hay edición steelbook para UHD.

PREDATOR: BADLANDS

Dir. Dan Trachtenberg

Rep. Elle Fanning, D.Koloamatangi

EE UU / 2025 / 20th Century / 16 feb

El regreso del depredador por todo lo alto: en todos los formatos, con steelbook y abundantes extras, como el Audiocomentario del director, el productor y el director de foto.

LA HERMANASTRA FEA

Dir. Emilie Blichfeldt

Rep. Lea Myren, Ane Dahl Torp Noruega / 2025 / Karma / 17 feb

La Cenicienta en versión gore. Ambientado en el siglo XIX, la historia de una joven obsesionda por el culto al cuerpo y sometida a torturas para conseguir la perfección.

RELAY

Dir. David Mackenzie

Rep. Riz Ahmed, Lily James

EE UU / 2024 / Karma / 17 feb

El director de Comanchería continúa explorando las diferentes posibilidades del thriller, ahora enfrentando una historia de espionaje industrial. Sin extras.

AKIRA

Dir. Katsuhiro Ôtomo

Japón / 1988 / Selecta Visión 25 feb

Reedición en 4K del gran clásico del anime que desde su estreno ha inspirado a infinidad de cintas de ciencia ficción apocalíptica. Incluye libro y 2 discos de extras en Blu-ray.

BLACK PHONE 2

Dir. Scott Derrickson

Rep. Mason Thames, Ethan Hawke

EE UU / 2025 / Universal / 25 feb

Todos los formatos y steelbook en UHD para esta segunda entrega en la que el Raptor busca cómo vengarse de Finn desde la tumba. Audiocomentario y 40 minutos de extras.

BOOGIE NIGHTS

Dir. Paul Thomas Anderson

Rep. Mark Wahlberg, Julianne Moore

EE UU / 1997 / Warner / 25 feb

El primer éxito de PTA (antes de esta había dirigido Sidney) una tragicomedia a costa del mundo del porno. Los extras -generosos- son idénticos a la edición steelbook previa.

SISU: CAMINO A LA VENGANZA

Dir. Jalmari Helander

Rep. Jorma Tommila, Richard Brake Finlandia / 2025 / Sony / 25 feb

La violencia y la acción entendidas como una de las bellas artes, estilizando aún más si cabe la brutalidad de la primera. UHD sencillo y en steelbook, sin apenas extras.

NIOH 3

Team Ninja / : PC, PS5 / 06 febrero

Team Ninja vuelve al terreno de los soulslike con una tercera entrega que promete ser igual de exigente que sus antecesoras, pero más ambiciosa en todos los sentidos. Eso sí, esta vez ofreciendo una llamativa mezcla entre la mitología fantástica japonesa y el periodo Bakumatsu desde una perspectiva decadente, y ampliando aún más las aproximaciones posibles a su exigente gameplay.

MEWGENICS

Tyler Glaiel/Edmund McMillen : PC 10 febrero

Juego de combates tácticos por turnos con componente roguelike y mecánicas de simulación de vida que sale de la privilegiada mente del creador de Super Meat Ball y la obra maestra The Binding of Isaac

ROMEO IS A DEAD MAN

Grasshopper Manufacture : PC, PS5, Xbox Series X/S 11 febrero

La nueva locura extravagante de Suda51, concebida como un juego de acción sangriento que “adapta” a su manera Romeo y Julieta de Shakespeare: triturando referencias pop y enemigos por doquier.

YAKUZA KIWAMI 3 & DARK TIES

Ryu Ga Gotoku Studio

: PC, PS4, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 11 febrero

El remake de la tercera entrega de la saga JPRG Like a Dragon, que incluye contenidos inéditos en la entrega original de 2009 –incluido un polémico nuevo final–.

MARIO TENNIS FEVER

Nintendo : Nintendo Switch 2 12 febrero

Nueva entrega del perfeccionado simulador de tenis de corte arcade de Nintendo, con novedades en lo jugable y un nivel técnico superior gracias a la tecnología mejorada que permite la Switch 2.

REANIMAL

Tarsier Studios

: PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 13 febrero

Un sucesor espiritual de Little Nightmares que se engendra desde Tarsier Studios, nueva aventura independiente de sus creadores, para continuar con su legado en el terror crepuscular, poético y psicológico.

HIGH ON LIFE 2

Squanch Games

: PC, PS5, Xbox Series X/S 13 febrero

Shooter irreverente donde empuñamos armas parlantes. La secuela que todo el mundo pedía del aclamado shootervania de aventuras en primera persona del creador original de Rick & Morty

1000 SKATEBOARDS

Mackenzie Eisenhour / Lunwerg / 256 p. / Deportes, skate

Guía visual de las tablas de skate más icónicas del mundo, desde clásicos de la vieja escuela hasta innovaciones modernas. Combinando historia, diseño, ingeniería, coleccionismo y curiosidades de la cultura pop en una amplia gama de estilos (street, cruiser, longboard, vert, pool, off-road y más), abarca más de setenta años de marcas y modelos. Inspirador para skaters en busca de ideas.

COSAS BELLAS POR LAS QUE MATAR

VVAA

AE

117 p. / Cultura pop

Grupis, fans y musas son solo el gancho de un fanzine con varias firmas y espíritu de cultura pop, punk, gótico, trash, que cuestionan el supuesto gusto femenino.

ESCUCHA

Michel Faber

Anagrama

512 p. / Música

Faber profundiza en las fuerzas psicológicas y culturales que moldean nuestra experiencia sonora, desde el placer hasta las ideas de lo "cool".

NEW HUMANS MEMORIES OF THE FUTURE

Massimiliano Gioni

Phaidon

464 p. / Arte, pensamiento

Catálogo de la muestra en el New Museum con 150 artistas/ intelectuales que se cuestionan qué significa ser humano frente al cambio tecnológico radical.

SI SINTIERAS BAJO LOS PIES LAS ESTRUCTURAS

MAYORES

Roberto Chuit Roganovich

Alfaguara

432 p. / Novela

El autor argentino nos envuelve en su riqueza weird, viva, atemporal, no apta para iletrados.

DONDE MUEREN

LAS BESTIAS

Scott Preston

Impedimenta

288 p. / Novela

Crímenes rurales, peleas clandestinas y violencia descrita con un lirismo salvaje. Joven inglés retoma vida de granja.

LA CIUDAD DE LAS LUCES

MUERTAS

David Uclés

Destino

288 p. / Novela

Uclés gana el Premio Nadal con un mixtape poliédrico y repleto de celebrities de la Barcelona cultural de toda época.

PUNTO DE ARAÑA

Nerea Pallares

Libros del Asteroide

184 p. / Novela

Trama oscura y delicada, golpea como las mareas gallegas, con salitre y fariña, tejida por mujeres fuertes. La prota y el rico lenguaje traspasan su misterio

EL LIBRO DEL DIABLO

Asta Olivia Nordenhof

EL ARTE DE DEATH STRANDING 2

Kojima Productions

Norma

240 p. / Videojuegos

Personajes, escenarios, criaturas y descartes del juego, en forma de bocetos y asombrosas ilustraciones, muchas de ellas del diseñador Yoji Shinkawa.

CUERVOS

Cord Riechelmann

Adriana Hidalgo

132 p. / Cultura pop

Allan Poe o Hitchcock homenajearon a una de las aves más célebres del planeta. Entre biología, historia y arte, este libro muestra toda su conexión con los humanos.

REDES VACÍAS

César Rendueles

Cuadernos Anagrama

108 p. / Filosofía, no ficción

En el principio, era la red. Y la red se hizo dios. De cómo Internet se ha convertido en todo lo contrario al relato original. Para estudiar(lo).

Sexto Piso

198 p. / Novela

Olivia vive el COVID confinada en un piso con un desconocido, y allí rememora cómo aceptó un peligroso trato con un hombre a cambio de €. Relato frío, duro.

HAMBRE

Choi Jin-Young

Hoja de Lata

192 p. / Novela

Visceral y perturbadora, esta obra de culto en Corea pone patas arriba la idea de amor romántico. ¿Te comerías el cadáver de tu novio?

ME GUSTA ASÍ

Erika Paula Curbelo

Sigilo 160p. Relatos

Por estos cuentos pasan jóvenes que se enfrentan a trabajos precarios, amoríos y amistades mientras buscan su felicidad y el dentido de un mundo incierto. ¿Te suena?

EL LIBRO DE MI DESTINO

Parinoush Saniee

Alianza

448 p. / Novela

¿Por qué crees que está censurado en Irán? Que este retrato

íntimo de amor y resistencia no te confunda. La revolución no será televisada, será narrada.

ALL IN BATMAN

Matt Fraction, Jorge Jiménez

Panini Cómics

40 p. / Color / 4,60 €

Curtido en Marvel, Fraction no había pasado en DC de Superman y Jimmy Olsen. Ahora se hará cargo de Batman con el arte noir de Jorge Jiménez.

CAMINANDO CON LA MUERTE

Ryouko

Distrito Manga

192 p. / ByN / 9,95 €

El amor del manga japonés por los shinigami y todo lo que rodea a la mitología del más allá sigue dándonos buenísimas obras fantásticas, como este debut.

UNA CARTA PARA JO

Joseph Sieracki, Kelly Williams

Elephant Books

136 p. / Color / 18,95 €

No es la primera novela gráfica que parte de una carta o un diario en tiempo de guerra, pero retrata la crudeza del frente en la WWII como pocos cómics hoy.

CHUCHO FEUCHO

Grégory Panaccione

Nuevo Nueve

128 p. / Color / 25 €

Cabot-Caboche es un clásico de la novela infantil de Daniel Pennac. Grégory Panaccione la lleva al noveno arte con el caótico viaje de un perrete feo y solitario.

EVA MEDUSA. EDICIÓN INTEGRAL 30º ANI.

Antonio Segura, Ana Miralles

Astiberri

192 p. / Color / 35 €

Astiberri reedita treinta años después la historia más sensual de la dibujante en el Brasil sofocante de principios del siglo XX, entre vudú, sueños y pesadillas.

LOS NAVEGANTES

Serge Lehman, S. de Caneva

Tengu Ediciones

210 p. / ByN / 35 €

Historia de horror con aires juveniles del It de Stephen King por el mismo equipo que nos sorprendió con la espectacular versión cómic de Metrópolis

CÓMIC RADICAL

Antonio Hitos / Astiberri / 280 p. / ByN / 22 €

El autor de obras tan experimentales como Materia, Inercia o Ruido nos trae una nueva novela gráfica que nació en una exposición para el festival de cómic independiente Graf 2025 de Barcelona. ¿Qué convierte el cómic en un medio cultural tan especial? Convirtiendo el tiempo en espacio, Hitos recopila más de 200 páginas sobre un personaje haciendo cosas que es puro arte secuencial.

OKINAWA, EL VIENTO HABLA

Susumu Higa

Reservoir Books

296 p. / ByN / 23,90 €

Entre abril y junio de 1945 casi

150 mil personas perdieron la vida durante la invasión norteamericana de Okinawa. Higa nos trae historias de los supervivientes.

SPA

Erik Svetoft

Planeta Cómic

328 p. / ByN / 30€

Terror sueco en vena con un estilo a medio camino entre el underground europeo y las pesadillas de David Lynch. La nueva carne de los spas de lujo.

DROGA A LA LLUNA

Marcos Prior

Editorial Finestres

112 p. / Color / 24 €

Marcos Prior es creador de algunos de los mejores cómics sociales distópicos de nuestro país. Pero ni él mismo podía imaginarse lo jodidamente distópico que se está volviendo el futuro. Droga a la lluna trata sobre multimillonarios tecnológicos y pandemias globales.

SA WALA: NADA QUE PERDER

Renren Galeno

Grafito Editorial

208 p. / ByN / 18 €

Más indies filipinos que ven la luz en nuestro país. Galeno nos trae la cruda realidad de la sociedad filipina con el drama de una familia y su gallo de combate.

SABORES ÚNICOS

Ram V y Filipe Andrade

Planeta Cómic

168 p. / Color / 19 €

Tenemos poco cómic americano destacable este mes, pero por la izquierda nos adelanta este de terror gastronómico y diabólico publicado en Boom.

EL SEÑOR BÚHO Y EL PAÍS DE LOS MUERTOS

David B

Salamandra Graphic

252 p. / ByN / 27,95 €

Nueva colección de relatos surrealistas en ese más allá bermangiano que es El País de los Muertos de Beauchard.

TODO AL NEGRO

Keko

Norma

392 p. / ByN / 48 €

Antología negrísima de Keko con novelas gráficas descatalogadas que van desde mediados de los 80 hasta casi la actualidad, como La isla de los perros

POR: LUIS ARGEO

MDF26

VARIAS SEDES (MADRID)

Del 6 de febrero al 8 de marzo

LA NOVENA EDICIÓN DE MADRID DESIGN FESTIVAL VOLVERÁ A CONVERTIR LA CIUDAD EN EL GRAN ESCENARIO INTERNACIONAL DEL DISEÑO. EL FESTIVAL REAFIRMA SU VOCACIÓN COMO PLATAFORMA QUE IMPULSA EL DISEÑO PARA TRANSFORMAR NUESTRO ENTORNO, GENERAR NUEVAS IDEAS Y PROYECTAR FORMAS ALTERNATIVAS PARA LA CONVIVENCIA.

Bajo el lema "Rediseñar el mundo", la programación de MDF26 se estructura en torno a cuatro dimensiones que definen el alcance del diseño: responsabilidad, para responder a los desafíos contemporáneos; trascendencia, como huella duradera en nuestra forma de habitar; impacto, en la transformación de entornos y estructuras; y transmisión, como vínculo entre generaciones y saberes. Exposiciones -se repasa la trayectoria de André Ricard, figura fundacional del diseño industrial en España-, fiestas, instalaciones, talleres, visitas guiadas, encuentros... Consulta toda la programación y despeja tu agenda para abrirte al mundo del diseño desde la ciudad de Madrid.

SALA WURLITZER FEBRERO 2026

GREEN MILK FROM PLANET ORANGE V+ NADJA + FOUCE

Domingo 1

INVIERNO + ULISES LIMA + COMISARIO COSME

Lunes 2

LUKIEK + NORMAN BATES

Miércoles 4

RATA

Jueves 5

STRAWPHONE + TODO BIEN TODO MAL + SUEÑO XANADU

Viernes 6

¡CHAS 2!: TRIPLE ENTE + GUAY! + ¡MIAU! + MEGAROLLO

Sábado 7

BENDICIONES BUENAS NOCHES + TREINTAÑERAS CAÑERAS

Domingo 8

LION'S LAW + FIRST ATTACK + NO TIME

Martes 10

TOM KILLNER

Miércoles 11

CONCIERTOS

SHARP PINS

Dabadaba. Donosti. Martes 3

Sala 16 Toneladas. Valencia. Miércoles 4

La Yesería. Murcia. Jueves 5 Mister Witt Café. Cartagena. Viernes 6 Lemon Rock. Granada. Sábado 7 Malandar. Sevilla. Lunes 9

El Sol. Madrid. Martes 10

La Lata De Bombillas. Zaragoza. Miércoles 11 Kafe Antzokia. Bilbao. Jueves 12

Kuivi Almacenes. Oviedo. Viernes 13 Aclam Club. Barcelona. Sábado 14

DANNY OCEAN

Movistar Arena. Madrid. Miércoles 4 y jueves 5

HINDS

La Riviera. Madrid. Jueves 5

Sala Moon. Valencia. Jueves 12

ROJUU

Sala Pandora. Sevilla. Sábado 7

LA PALOMA

Sala Es Gremi. Palma. Viernes 6

Sala Hangar. Córdoba. Viernes 13

Supra Music Hall. Sevilla. Sábado 14

Berlín Social Club. Almería. Viernes 27

Sala Aliatar. Granada. Sábado 28

PARQUESVR

La Riviera. Madrid. Sábado 7

DEPRESIÓN SONORA

Sala Apolo. Barcelona. Jueves 12

Sala Moon. Valencia. Viernes 13

Sala Oasis. Zaragoza. Sábado 14

NATALIA LACUNZA

La Riviera. Madrid. Jueves 12

TBA Jueves 12

XII BARTOLINI FEST: CHINGO KIDS + FALSO NUEVE+ RED WIRE Viernes 13

MOSCU BABIES + AI

Sábado 14

Juan Del Encina. Salamanca. Viernes 13

Paral·lel 62. Salamanca. Jueves 19

Sala BBK. Bilbao. Sábado 21

Sala Moon. Valencia. Jueves 26

RAYE + AMMA + ABSOLUTELY

Palau Sant Jordi. Barcelona. Viernes 13

NATHY PELUSO

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 14

Movistar Arena. Madrid. Martes 17

RALPHIE CHOO

Movistar Arena. Madrid. Viernes 20

JUDELINE

Movistar Arena. Madrid. Domingo 22

Sant Jordi Club. Barcelona. Jueves 26

SOMBR

Palacio Vistalegre. Madrid. Martes 24

Sant Jordi Club. Barcelona. Miércoles 25

AUSTRA

Villanos. Madrid. Sábado 28

AUDIOVISUALES

AMORES ON FIRE!!

CCCB (BARCELONA)

Del 12 al 15 de febrero

Amores on FIRE!! vuelve este año por octava vez con más fuego que nunca y con personajes decididos a romper barreras: ya sean las mentalidades conservadoras de la India rural en Cactus Pears, el machismo y la homofobia de la NASA de los años ochenta en Sally o los prejuicios en torno a la gente mayor LGTBIQ+ en If I Die, It’ll Be of Joy. El programa viaja también a Vietnam con Jimmy in Saigon y a Filipinas con Asog, y se deja cautivar por los caminos de dos chicas lesbianas bien diferentes

THE SERFS + SOLERME

Domingo 15

NATHAN ROCHE

Lunes 15

STEREOLIKES

Miércoles 18

MI AMIGO MAC + PLEASE WAIT

Jueves 19

AERONAVE ADOLESCENTE (FOTO) + LA ESTRELLA DE DAVID

Viernes 20

10 ANIVERSARIO PRETTY THING CLUB: AUTORAMAS + PLASTIC MEAT + IDOLOS MUERTOS

Sábado 21

NO CHANCES + AI

Domingo 22

RED SUN ATACAMA + RED WHORE

Miércoles 25

MIEDO + GOODBOI + MATAME CAMION Jueves 26

POGOLOGIA FEST: TODO BIEN TODO MAL + LAVIN + JØL Viernes 27

COMPRO ORO + LA JVNTA

Sábado 28

en Jone, a veces y en One Dances, the Other Doesn’t Además, permite disfrutar de dos títulos argentinos imprescindibles: Los amantes astronautas, última comedia de Marco Berger, y Tesis sobre una domesticación, de Javier van de Couter, basada en la novela de Camila Sosa Villada e interpretada magistralmente por ella misma. https://www.cccb.org

IBZCF

Varios espacios (IBIZA)

Del 20 de febrero al 1 de marzo

El Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa celebra este año su décimo aniversario consolidado como una ventana al cine contemporáneo y de autorx. La gala inaugural se celebrará el 20 de febrero en el Auditori des Caló de s’Oli y estará marcada por el estreno en Baleares de Faisaien Irla (La isla de los Faisanes), película que dará el pistoletazo de salida al festival. El acto contará con la presencia de su director, Asier Urbieta, quien acompañará la proyección y compartirá con el público detalles sobre la dirección y el proceso creativo de la obra. Además, el arranque del festival se verá reforzado por la presencia del fotógrafo, ensayista, teórico y artista Joan Fontcuberta, una de las figuras claves del pensamiento artístico contemporáneo. Fontcuberta ofrecerá una masterclass el sábado 21 de febrero en el Auditorio de Can Jeroni Centre de Cultura. https://ibizacinefest.com

JOSÉ LUIS GUERIN

Cineteca Matadero (MADRID)

Del 1 al 27 de febrero

Coincidiendo con el estreno en salas de Historias del buen valle, Cineteca dedica una retrospectiva a José Luis Guerin, uno de los cineastas más singulares y comprometidos del cine europeo actual. Ocasión inigualable para ver en pantalla grande títulos imprescindibles como Innisfree (1990), Tren de Sombras (1997) o En construcción (2000). https://www.cinetecamadrid.com

SALA BERLANGA

Programación de febrero 2026

Madrid

CICLO AUDIOVISUAL: PREMIOS GOYA 2026

Disfruta de las películas finalistas a los Premios Goya en pantalla grande: 'La cena' de Manuel Gómez Pereira, 'Los domingos' de Alauda Ruiz de Azúa, 'La furia' de Gemma Blasco, 'Sirat' de Oliver Laxe, 'Romería' de Carla Simón, 'Sorda' de Eva Libertad, 'Muy lejos' de Gerard Oms, 'Maspalomas' de Jose Mari Goenaga & Aitor Arregi, 'Un fantasma en la batalla' de Agustín Díaz Yanes, 'Eloy de la Iglesia, adicto al cine' de Gaizka Urresti, 'Flores para Antonio' de Isaki Lacuesta y Elena Molina, 'Los tigres' de Alberto Rodríguez, 'Balearic' de Ion Sosa, 'El tesoro de Barracuda' de Adrià García, 'La buena letra' de Celia Rico Clavellino, 'Norbert' de José Corral Llorente, 'Hasta que me quede sin voz' de Lucas Nolla y Mario Forniés, 'Ciudad sin sueño' de Guillermo Galoe, 'Una quinta portuguesa' de Avelina Prat, 'The Sleeper. El Caravaggio perdido' de Álvaro Longoria, 'El cautivo' de Alejandro Amenábar, 'Mi amiga Eva' de Cesc Gay, 'Tardes de soledad' de Albert Serra, 'Decorado' de Alberto Vázquez, 'Olivia y el terremoto invisible' de Irene Iborra, 'Caigan las rosas blancas' de Albertina Carri, 'Estrany riu' de Jaume Claret, 'El talento' de Polo Menárquez, 'Leo & Lou' de Carlos Marqués y 'Marcet y Parecido' a un asesinato de Antonio Hernández . Hasta el 28 de febrero

Entradas: 3,50 euros

EXPOSICIONES

SUDOKUKIS

LaChrome (MADRID)

Hasta el 17 de febrero

Hay artistas que alcanzan a crear desde la experiencia, la observación, la paciencia. El murciano Kuki Keller es uno de estos, y ha encontrado en la repetición su estilo propio. El sudoku es una arquitectura silenciosa: una cuadrícula donde cada elemento busca su lugar exacto, sostenido por un equilibrio invisible. Luego están estos sudokukis, que toman cierta lógica rigurosa y la transforman en imagen. Los números se disuelven en color y forma, y la regla deja de ser un cálculo para convertirse en ritmo. Ya no se trata de resolver, sino de mirar. El orden se vuelve visible, sensible, y la lógica, experiencia estética.

@LaChrome

GENERACIÓN 2026

La Casa Encendida (MADRID)

Hasta el 19 de abril

Los proyectos seleccionados en la XXVI edición de Generaciones, convocatoria de Fundación Montemadrid destinada a apoyar a jóvenes artistas, ya se pueden disfrutar en vivo. Los artistas de este año llegan con ganas de notoriedad: Élan d'Orphium (Badajoz, 1992), Hodei Herreros Rodríguez (Vitoria-Gasteiz/Granada, 1997), Claudia Pagès Rabal (Barcelona, 1990), Maya Pita-Romero (Madrid, 1999), Víctor Ruiz Colomer (Barcelona, 1993) y Victor Santamarina (Madrid, 1990). Tomad nota. https://www.lacasaencendida.es

LA TERCERA TORSIÓN Macba (BARCELONA)

Del 13 de febrero al 5 de julio

La artista Anna Moreno (1984) presenta tres obras recientes que reflexionan sobre la temporalidad a través de la arquitectura utópica y el potencial de su

imaginación especulativa. La pieza central es The Terminal Beach y forma parte de una trilogía que contrapone tres proyectos del arquitecto Ricardo Bofill con tres relatos del escritor James Graham Ballard. Suena mmñññ, pero mola verla. https://www.macba.cat

ARTES ESCÉNICAS

INTER ALIA

Cines Yelmo (VARIAS CIUDADES)

Días 12 y 17 de febrero

Inter Alia pone el broche final a la temporada de teatro en Cine Yelmo, proyectada en directo desde el National Theatre de Londres. La obra, de los mismos creadores que la exitosa Prima Facie, narra la historia de Jessica Parks (Rosamund Pike), una compasiva e inteligente jueza del Tribunal de la Corona de Londres. En su trabajo, desafía el sistema caso tras caso, pero cuando se desprende de la toga, tiene que lidiar con sus responsabilidades de madre y esposa. Esta nueva y emocionante obra reúne a la dramaturga Suzie Miller, ganadora del Premio Olivier, con el ganador del BAFTA Justina Martin. El reparto de Inter Alia está compuesto por Rosamund Pike (Orgullo y prejuicio) y Jamie Glover (Waterloo Road). https://yelmocines.es

FETÉN 2026

Varios espacios (GIJÓN)

Del 22 al 27 de febrero

Una nueva edición, la 35, de la Feria Europea de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud convierte la ciudad en destino obligatorio para aficionados y profesionales de la escena, y reunirá más de ochenta compañías de seis países. La feria propone una combinación de lenguajes y formatos

-teatro, danza, circo, títeres, clown, musicales, propuestas itinerantes e instalaciones- y desplegará su actividad en una veintena larga de espacios de la ciudad. A las sedes habituales se sumarán también calles y plazas, llevando parte de la programación a distintos puntos del centro y los barrios. www.gijon.es/es/eventos/feten

HEDONIA

Antic Teatre (BARCELONA)

Del 19 al 22 de febrero

La compañía Efecto R sigue dando qué hablar, y este mes presenta un espectáculo que mezcla circo contemporáneo, tecnología, videoarte y rap para cuestionar nuestra realidad digital. En un paisaje de césped artificial y pantallas, las intérpretes exploran la tensión entre autenticidad e imitación. Durante un diálogo entre cuerpo analógico y digital, Hedonia examina críticamente cómo lo tecnológico y su ideario influye en nuestras vidas. Entre naturaleza plástica, emociones genuinas y lágrimas de píxel, las protagonistas oscilan entre autenticidad e imitación de un modo..., mmm, que hay que contemplar. Con dirección de Clara Cortés y Moritz Gren https://www.anticteatre.com

CARIBE MIX '23

Mercat de les Flors (BARCELONA)

Día 25 de febrero

Interesante pieza escénica contemporánea creada y dirigida por Mar Garcia y Javi Soler, que parte de la grabación en vivo de un videoclip para la canción original No se va a pegar (Pop-Star). La obra se presenta como un set de rodaje sobre el escenario, incorporando la estética y la crudeza de un estudio de grabación para explorar la relación entre movimiento y sonido, así como las tensiones entre espectáculo y promoción Este mix oscila entre la crítica cultural y la celebración del ritmo y la estética pop, y cuestiona la cultura del streaming y su consumo desenfrenado. https://mercatflors.cat

FESTIVAL

RIESGO

Teatros del Canal (MADRID)

Del 12 de febrero al 1 de marzo.

Riesgo es el festival que propone una mirada al circo contemporáneo más híbrido y estimulante, con seis espectáculos procedentes de España, Bélgica, Francia, Suiza y Canadá, cuatro de ellos estreno en nuestro país, dirigidos especialmente a público juvenil y adulto. Esta es su segunda edición, y que nadie se lleve a equívocos: no es circo puro, sino una propuesta de artes vivas... Acrobacias, malabarismos, manipulación de objetos, danza, teatro, música en directo tejen historias lynchianas repletas de poesía y humor. Participan compañías como People Watching, Les Vélocimanes Associés, DelsAltres, Cirque la Compagnie, Collectif d’équilibristes y Takakrôar

JAPAN

WEEKEND

IFEMA (MADRID)

Días 14 y 15 de febrero

Irasshaimase. Ya está aquí uno de los eventos más esperados de cultura japonesa en España. Este encuentro reúne durante dos días a aficionados del manga, anime, cosplay, videojuegos y cultura pop japonesa en un ambiente vibrante pensado tanto para veteranos como para recién llegados. Entre los invitados y participantes de esta edición, cantantes como Raychell, Emi Nitta o Haruna Luna, ilustradores como Yashiro Nanaco (autora del cartel de este año), y talentos del mundo del cosplay como Quee the Cosfailer, entre otros, ofrecerán encuentros, firmas y presentaciones que refuerzan el carácter internacional del evento. Si acudes, repetirás. Arigatou.

28.02 | Madrid | Sala Villanos

J.I.D

29.03 | Madrid | La Riviera

30.03 | Barcelona | Razzmatazz 1 AUSTRA

01.03 | Barcelona | La Nau

12.04 | Madrid | Sala Villanos

13.04 | Barcelona | La Nau

10.04 | Bilbao | Kafe Antzokia

11.04 | Vigo | Sala Mondo

13.04 | Cádiz | Campus Rock

14.04 | Madrid | Sala Villanos

15.04 | València | 16 Toneladas

16.04 | Zaragoza | Sala López

16./18.04 | Barcelona | Barcelona Psych Fest

1/2.05 | Murcia | Warm Up Festival

16./18.04 | Benicássim | FIB