Palm XII

Here in Hawai‘i, the concept of aloha permeates every aspect of our island home. From its rich arts and culture scene to the ecodiversity of the land, there are many treasures to find both in the people and places that reside here.

Given the world’s current predicament with Covid-19, we feel especially fortunate to live in these islands where we can appreciate surreal indoor-outdoor living spaces and entertaining, but most of all that resounding aloha spirit. Across the city of Honolulu we’ve seen aloha in action—people treating one another with love, compassion, and respect. By tapping into what makes Hawai‘i truly special, our communities have been able to come together in both good and difficult times to help our neighbors and preserve the ‘āina.

While we’ve missed some of our friends who have not been able to travel so easily as of late, we also look forward to brighter times as communities around the planet continue to recover. As you flip through the pages of this issue of Palm, we hope to comfort you with a sense of aloha too.

ここハワイでは、「アロハ」というコンセプトが生活のあらゆる面に浸 透しています。アートや文化の世界から多様性に満ちた環境まで、人 びとの活動の中にもさまざまな場所にも、たくさんの宝ものを見つけ ることができます。

世界中がコロナ禍という苦境に見舞われている現在だからこ そ、ハワイに住む幸運がいっそう強く感じられます。屋内と屋外が融 合する爽やかな住空間や美しい環境はもちろんですが、何より素晴 らしいのは、そのすべてにアロハ・スピリットが溢れていることです。

ホノルルのあちらこちらでアロハが生きていて、人びとは思いやりと 理解、尊敬をもってお互いに接しています。ハワイを特別な場所にし ているアロハの心があるからこそ、困難な時も順調な時も人びとは 助け合い、アイナ（土地）を守るために活動しているのです。

旅行が困難な今、懐かしい友人たちにお会いできないことは 残念ですが、世界中の人びとがそれぞれのコミュニティの力を回復す るため力を尽くしているなかで、わたしたちは明るい未来を楽しみに しています。今号のPALMマガジンをお読みになって、ページに散り ばめられた豊かなアロハの心が皆様の安らぎとなるよう、祈ってやみ ません。

CEO & PUBLISHER

Jason Cutinella

CREATIVE DIRECTOR

Ara Laylo

EDITORIAL DIRECTOR

Matthew Dekneef

MANAGING EDITOR

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NATIONAL EDITOR

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ASSOCIATE EDITOR

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SENIOR PHOTOGRAPHER

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PHOTOGRAPHY EDITORS

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Helen Chang Marketing & Advertising Executive

Jackie Tu Sales Assistant

OPERATIONS

Joe V. Bock Chief Relationship Officer

Francine Naoko Beppu Network Strategy Director

Gary Payne VP Accounting

Courtney Miyashiro Operations Administrator

PUBLISHED BY: NMG Network

36 N. Hotel St. Ste. A Honolulu, HI 96817

PALM is published exclusively for: MacNaughton & Kobayashi Group © 2020 by Nella Media Group, LLC. All rights reserved. No part of this publication may be reprinted without the written consent of the publisher. Opinions are solely those of the contributors and are not necessarily endorsed by NMG Network.

ARE WORTH WAITING FOR SOME MOMENTS

RENEWED OPENING 2021

表紙

写真：マーク・クシミ

モデル：ノラ・アギナルド

撮影場所：パロロバレー

愛しの雨

デザイン

生きている水

熱帯のミステリー エスケープ

ハワイの地名が抱くもの

ソロメオの伝統と未来 食

癒しの菜園へようこそ

Visual that amplify

notions

AR TS

the soul

of the city

Ocean Calling

文 = ノエ・タニガワ

Images by Mark Kushimi

写真 = マーク・クシミ

Blurred by time and compact in their composition, photographer Mark Kushimi ’ s postmodernist seascapes invite closer introspection.

ミニマルな構図で広大な海をとらえる マーク・クシミさんの写真は、見る人を 静かな内省に誘います。

Because we are animals, we respond viscerally to landscapes and oceanscapes. At their best, these vistas seem to transcend time. We’re soothed by a horizon stretching from the periphery of one eye to the other. That is what happens in the Forever Drowning oceanscapes by Mark Kushimi. Rarely are images of nature as distilled as they are in this photographic series.

The oceanscapes stand apart in Kushimi’s oeuvre. Since his early days as a designer spearheading the ethic of Contrast magazine, his design sense has felt internationally informed, while his subject matter and attitude are tenaciously local. Visually, whether portraits or cityscapes, his images are connected by tight composition. See his sequences of building facades or outdoor staircases, for instance. Often, inside the tight composition, Kushimi’s urban images recall the relaxed modernism of Honolulu in the 1950s and ’60s.

Forever Drowning, however, subverts customary metrics of photography, like composition and even subject matter, with sheer directness. The oceanscapes catapult us into metaphysics. They seem, with their Zen-like reduction, to position us in the flow of time. How simple, these nearly centered horizon lines! Actually, no horizon is simple, because of who we are now.

私たちは動物だ。だから、陸や海の景色を前にす ると、本能的に反応する。広大な景観は時を超え た感覚をもたらし、視界のはしからはしまで広がる 水平線に、私たちの心は癒やされるのだ。マーク・ クシミの海景「ForeverDrowning」には、それと 同じ力がある。この連作ほど自然の風景のエッセ ンスを抽出したビジュアル作品はめったにない。

クシミの作品群の中でも、海景は群を抜いてい る。『Contrast』誌のデザイナーとして同誌の方向 性を固める役割を果たした初期の頃から、クシミ は国際的なデザイン感覚を持ちつつも、あくまでも ローカルなテーマや視点にこだわってきた。ポート レイトでも街の風景でも、クシミの写真は引き締ま った構図で事物のつながりを表現する。たとえば、 ビルのファサードや屋外階段を扱ったシリーズで は、端正な構図の街の風景の中に、1950年代から 60年代にかけてホノルルのモダニズムが持ってい たくつろいだ空気が呼び起こされる。

しかし「ForeverDrowning」は、常識的な写 真の作画法を根底から覆している。構図、そして主 題そのものさえ、あっけにとられるほど直截的だ。 彼の海景は私たちを抽象の世界へと連れ出す。す べてを削ぎ落とした禅的な簡素さが、私たちを時 の流れのなかへと解き放つ。画面のほぼ中央を横 切る水平線の、なんとシンプルなことだろう！　だ が実際は、どんな水平線も単純ではない。現在の 私たち自身が単純な存在ではないからだ。

だからこそ、まっすぐな水平線がこれほど雄弁 に語りかけるのだろう。歴史というもの、そして限 界というものがあることを私たちは知っている。国 境、そして文化や民族の違いが、自然空間のなかに

Translation by Tomoko Shirota

翻訳 = 城田朋子

This is why an unbroken horizon can say so much: We know there is history and we know there are limits. We recognize national boundaries as well as cultural and ethnic distinctions that introduce political, social, legal, ecological, and other considerations to natural spaces. We know as well that there are environmental limits. We understand the fragility of natural systems we are a part of, and we accept our culpability in the disappearance of that world. Natural vistas inevitably, and they must, call out these considerations.

In 2020, we have deconstructed everything we can think of—the problems and the solutions—and often found the constituent parts reeking. Recycling, for example, we thought it was working, now that seems delusional. Veterans of postmodernism, we look at Kushimi’s glowing, starkly simple ocean images and wonder, Is this ironic? Where are the fast food wrappers? Is he trying to get away with something? Do you sense irony or cynicism in Kushimi’s work? No?

In that way, his viewpoint is essentially postpostmodern, or even meta-modern, and feels so right for this time in Honolulu. The 21st century’s meta-modernist project, after all, is to reboot in new ways toward a less fragmented future. Not prescriptive, Kushimi’s is a basically integrative aesthetic. In this series, reduction to the horizon, and a glow around the horizon, says so much.

For the moment, the oceanscapes are sunsets, taken with a Hasselblad 120mm film camera. “I’ve taken sunrises before, but they have a different feel,” Kushimi says. “For now I like the idea of diminishing light. The darker it gets, the more I see.”

What could inform a sunrise picture, one could ask? What would make such an image appropriate? Maybe Kushimi has to feel it. Once we’re living a little closer to what we need daily, when we’re really feeling our place in the planet, maybe the sunrise idea will coalesce. Until then, Kushimi has pretty much captured our collective horizon heading into the third decade of the 21st century.

政治や社会、法、エコロジー、その他さまざまな問題を持ち込んでしまうのだ。環 境的な限界があることも、私たちは承知している。私たち自身もその一部である 自然のシステムが繊細で壊れやすいことも理解しているし、その世界が消滅しつ つあるのが私たちのせいだということもわかっている。自然の風景は、そうした

考察を呼び起こさずにはおかない。

2020年、私たちは考えられる限りのあらゆるものを脱構築してきた。問題も、 そしてその解決方法も。そして、そのうちのさまざまな部分が嫌な臭気を放って いることにも気づいてきた。たとえば、リサイクル。リサイクルは機能していると 私たちは考えてきたが、どうやらそれは幻想だったようだ。ポストモダニズムに 慣れきった私たちはクシミの作品を前に首をかしげる。輝きを放つ、このおそろ しく単純な海の風景は、アイロニーだろうか？ファストフードの包み紙はどこに 落ちているのだろう？作者は何かから逃れようとしているのだろうか？あなたは クシミの作品に、アイロニーや批判を感じるだろうか。感じないだろうか。

そういった意味で、クシミの視点はまさにポストモダン、あるいはメタモダンで さえあり、現在のホノルルによく合っている。21世紀のメタモダニストである彼 の作品は、結局のところ、より分断の少ない未来へと向かうために新たな方法で 世界を再起動しようとしているのだ。定型に従わないクシミの作品には、統合の 美学がある。水平線とその周辺の光だけを切り取ったこのシリーズは、実に多く を物語っている。

ハッセルブラッドの120mmフィルムカメラでとらえたこれらの海景は、サン セットの風景だという。「日の出の写真も撮りましたが、日没とは感じが違うので す。今は、消えていく光に惹かれます。暗くなればなるほど、より多くが見えてく るのです」とクシミは語る。

では、サンライズの作品は何を物語るのだろう。日の出の風景が時代にふさ わしいと感じるには何が必要なのだろうか。おそらく、クシミ自身がその気配を 感じなければならないのだろう。私たちがいつか、日々必要とするものにもっと 近づき、この地球上での自分たちの立場や役割に納得できるようになったとき、 日の出のイメージが時代に融合していくのかもしれない。それまでは、彼が捉え たこの水平線のイメージこそが、21世紀の新たな10年に向かっていく私たちの 心象を代弁するのに違いない。

“I’ve taken sunrises before, but they have a different feel. For now I like the idea of diminishing light. The darker it gets, the more I see,” Kushimi says.

Beauty and Batik

Text by Josh Tengan

文 = ジョシュ・テンガン

Images by Mark Kushimi

写真 = マーク・クシミ

More than 50 years ago, the artist Yvonne Cheng took a batik class at Bishop Museum. Since then, she’s become one of the most enduring figurative painters in the islands.

いまやハワイで最も愛される画家の一人であるイヴォンヌ・チェンさんのアートの旅は、半世 紀以上前、ビショップ博物館でバティック染めのクラスを受講したときに始まりました。

Translation by Tamara Usono 翻訳 = 鷽野珠良

여성 초상화로 잘 알려진 화

가 이본 쳉은 여성을 힘있고

활동적으로 묘사합니다.

Yvonne Cheng’s artistry in Honolulu has many chapters. The 79-year-old artist is known best for her large-scale paintings of Polynesian women, some that have been rendered into public mosaic murals across the islands and purchased for private collections. But her career is also full of surprises, with projects including stained glass for a chapel at the Grand Wailea resort on Maui, textiles for Kahala Sportswear, and interior design for a local CEO’s offices and private jet.

A working artist for more than 50 years, she still finds herself painting most mornings at her garden studio in Mānoa. When I join Cheng at her home on a Saturday morning to talk story, the moment feels privileged. Cool Mānoa breezes sweep through the yard as we converse over pastries and tea, looking back on a life rich in art and experience.

イヴォンヌ・チェンさんのアートはホノルルで花開き、変化に富んだ道をたどっ てきた。大きな画面にポリネシアの女性たちを描く作品で知られるチェンさん は、現在79歳。その作品はモザイクの壁画としてハワイのさまざまな公共建築 を飾るものから、個人のコレクションとして購入されるものまでさまざまだ。チ ェンさんの仕事は絵画のみにとどまらず、驚くほど多彩で、これまでに手がけた プロジェクトには、たとえば、マウイ島グランド・ワイレア・リゾートのチャペルの ステンドグラスやカハラ・スポーツウェアのテキスタイル、とあるハワイ企業の CEOのオフィスと専用ジェット機のインテリアデザインなどもある。

アーティストとして半世紀以上活動してきたチェンさんは、今もほぼ毎朝、 マノアにある庭のアトリエで制作に取り組んでいる。ある土曜の朝、私はチェ ンさんを訪ね、涼しいマノアのそよ風が吹き抜ける庭でペストリーと紅茶をい ただきながら、アートと豊かな経験に満ちた半生の物語に耳を傾ける機会に 恵まれた。

Batik is a textile tradition native to Java and is a part of Indonesia’s national dress.

Born in Surabaya, East Java, in 1941, Cheng was raised in Jakarta, Indonesia’s capital. The 1940s were tumultuous, beginning with the Japanese occupation of the country during World War II. One of Cheng’s earlier childhood memories was being taken to an internment camp set up by the Japanese. Following the war, Indonesia declared independence from the Dutch Empire, and after a bloody four-year revolution, it received formal independence from its colonizers in 1949.

After the war, Cheng spent her childhood and teenage years in Dutch schools, where she says her education was “very intense” and unsurprisingly Eurocentric. “The crazy thing is that we had to learn the entire history of

チェンさんは1941年、東ジャワのスラバヤ で生まれ、インドネシアの首都ジャカルタで育っ た。1940年代は第二次大戦が勃発した混乱の時 代で、インドネシアは日本軍に占領された。幼かっ たチェンさんの記憶には、日本軍の強制収容所に 連行されたことが刻まれているそうだ。オランダ 王国の植民地だったインドネシアは大戦後すぐに 独立を宣言し、4年にわたる血なまぐさい戦争を経 て、1949年に正式に独立を獲得する。

チェンさんは戦後も10代までオランダ式の教 育を受けた。「非常に厳格」で、当然ながらヨーロッ パ中心の世界観にもとづいた教育だった。「まっ たくおかしなことに、オランダの歴史はこと細かに 勉強させられたのに、インドネシアの歴史はほとん ど教わらなかったんですよ」とチェンさんは振り返 る。幼い頃から美術やデッサンに親しんでいたチ

Holland, but we learned very little of Indonesian history,” says Cheng, who began studying art and drawing at a young age. Her grasp of the human figure is no doubt partly due to close study of Dutch masters like Rembrandt, Vermeer, and Van Gogh. But it wasn’t until 1967, when Cheng and her then husband settled in Hawai‘i after a stint in Cambridge, Massachusetts, where they sought political refuge, that her art career began.

Upon moving to Honolulu, Cheng enrolled in a batik class at Bishop Museum. Batik, a textile tradition native to Java, is a part of Indonesia’s national dress and a tradition with which she was familiar. Learning the labor-intensive wax-resist dyeing technique thousands of miles away from her homeland was a re-education of sorts. Simultaneously, she became fascinated with Oceanic textiles found in the museum’s collections. Tapa, bark cloth typically made from wauke (the paper mulberry plant), is found throughout the Great Ocean. In Sāmoa it is called siapo. In Tonga, ngatu. Fijians call it masi. In Hawai‘i, it is called kapa and was used for clothing, sleeping, religious ceremonies, and burial practices. Cheng was struck by the intricate geometric designs and the delicate textured watermarks beaten into the cloth itself, a signature of the practice in Hawai‘i. In the late 1960s through the 1970s, the second Hawaiian Renaissance was growing, and kapa, considered a lost art form since the 1890s, was being rediscovered by artists like Malia Solomon, Puanani Van Dorpe, Marie McDonald, and Moana Eisele. It was during the Renaissance that Cheng began to develop her own visual language. She celebrates the pattern work of tapa through the use of her native batik process. Stunning examples of her batik work can be found in the state’s Art in Public Places Collection and at the University of Hawai‘i Hamilton Library. She would work in batik through the 1980s before taking up painting on canvas as a less laborious process.

Till this day, Cheng’s compositions almost always feature Polynesian women of a bygone era, often draped in swaths of kapa, tied across their bodies into pā‘ū (skirts), kīhei (capes), and kīkepa (sarongs). The geometric designs cascade over powerful brown bodies, larger than life, buoyant, floating on the surface of the work. Like the akua wāhine of Hawaiian mythology, her figures exude a powerful sensuality, gracefulness, and dignity that is almost mystical, commanding the gaze of the viewer. Currently, she is working on a new painting in her studio for an upcoming show. On the easel sits a square 4-by-4 canvas depicting a Hawaiian woman in traditional dress with the verdant Ko‘olau mountains as a backdrop. Mauka from her yard is a similar view without a cloud in sight, nor regal woman, whose face and body she paints from her imagination.

ェンさんの人物描写力には、レンブラント、フェルメール、ゴッホといったオラン ダの巨匠たちの作品をじっくり学んだ成果があらわれている。しかし、彼女の アーティストとしてのキャリアが開花したのは、当時の夫と共にマサチューセッ ツ州のケンブリッジで政治難民の申請をし、1967年に夫婦でハワイに身を落 ち着けてからだった。

ホノルルで暮らし始めたチェンさんは、ビショップ博物館で行われていたバ ティックのクラスに参加した。バティックはジャワ島に伝わる更紗で、インドネ シアでは正装に用いられる。チェンさんにとっては馴染み深いものだった。故 郷から何千マイルも離れた土地でバティックという手間のかかるろうけつ染め の技術を勉強するのは、自らの伝統文化を改めて学び直す体験だったという。 チェンさんは同時に、ビショップ博物館に展示されていたオセアニアの布地に も惹きつけられた。おもにワウケ（紙の材料となるコウゾの仲間）の木の皮か ら作られる「タパ」は、南太平洋諸島全域で見られる。サモアでは「シアポ」、ト ンガでは「ンガトゥ」、フィジーでは「マシ」と呼ばれ、ハワイでは「カパ」という名

で、衣服や寝具として使われるほか、宗教儀式や埋葬にも用いられていた。チ ェンさんは、精緻な幾何学模様のデザインと、叩く工程で布そのものに繊細な 透かし模様をつけていくハワイのカパ特有の技術に目をみはったという。

1960年代後半から1970年代にかけて第二次ハワイアンルネッサンスが 興隆し、マリア・ソロモン、プアナニ・ヴァン・ドープ、マリー・マクドナルド、モア ナ・アイズリーといったアーティストたちによって、1890年代以降失われたと 考えられていたカパ制作の技術が再発見された。チェンさんが自らの芸術表 現を磨いたのもちょうどそのルネッサンス期で、チェンさんは故郷のバティック 更紗にタパの美しいパターンを組み合わせるスタイルを生み出した。そうした 傑作の一部は現在、ハワイ州のパブリックアートコレクションやハワイ大学の ハミルトン図書館などに展示されている。1980年代を通してバティック制作 に打ち込んだ後、チェンさんは絵筆を取ってキャンバスに向かい、染めものに 比べて力仕事を必要としない絵画制作に取り組みはじめた。

以来、チェンさんは、パウ（スカート）やキヘイ（ケープ）、キケパ（サロング）と いったカパをまとった昔日のポリネシア女性たちを描き続けている。浅黒い肌 の堂々たる女性の身体を、幾何学模様のカパが包む。その姿は作品から浮き 上がって見えるほど力強く、ハワイの神話に登場する女神たちのように、官能 的で優雅で、神々しいほどの威厳をもって見るものの視線を釘づけにする。チ ェンさんが現在取り組んでいるのは、アトリエで行う個展のための新作だ。イ ーゼルにたてかけられた4フィート四方の正方形のキャンバスには、緑豊かな コオラウ山脈を背景に伝統的なドレスに身を包んだハワイの女性が描かれて いる。チェンさんの庭から山々の方を望めば、雲ひとつない空の下、よく似た 景観が広がっている。チェンさんの目には、そこに彼女が想像の中から呼び起 こす風格ある女性たちの姿も映っているのかもしれない。

Through the 1980s, Cheng worked almost exclusively in batik before taking up painting on canvas.

Trends that drive

BU SIN ESS

the economy

A Stronger Community

From virtual dance parties to drive-in movie events, Kapolei Commons makes safe, family-friendly adjustments to its operations.

コミュニティに力を

文 = ケイティ・カアナプ 写真 = カポレイ・コモンズ提供 バーチャル・ダンスパーティーからドライブイン シアターまで。コロナ禍の中、カポレイ・コモン ズは家族で楽しめる安全なイベントを続々と提 供しています。

Kapolei Commons, West O‘ahu’s premier shopping, dining and entertainment destination, showcasing Target, Hawai‘i’s first luxury theater and many local eateries, continues to navigate a new retail environment. Business is ongoing, but it’s definitely not business as usual. Rather, the center focused on flexibility and creativity, producing fun family-friendly events that showcase its merchants and bring people together in a safe environment.

The original Owners and Developers of the center, the MacNaughton and Kobayashi Group, launched an “old-fashioned” series of events starting in May, with a focus on unique and entertaining experiences for residents.

カポレイ・コモンズは、ウエストオアフの洗練されたショッピング／ダイニン グ／エンターテイメントのデスティネーションとして、スーパーマーケットの TARGETやハワイ初のラグジュアリーシアター、地元発のレストランが多数並 び、商業施設の新しいあり方を提案し続けています。現在は営業形態を従来 とは違う方向にシフトし、柔軟かつクリエイティブな方法で個性的なショップ を紹介しながら、家族で楽しめるイベントを安全な環境で開催することに力を 注いでいます。

カポレイ・コモンズのデベロッパーであり創業時からのオーナーでもある ザ・マクノートン・グループとコバヤシ・グループが今年5月から「オールドファッ ション」をテーマに開催しているイベントは、近隣に住む人びとのためのユニー クなエンターテイメントです。

A hub for culture, food, shopping and innovative events, Kapolei Commons is comprised of more than 425,000 square-feet of curated retail, restaurant and entertainment space. Welcome to a dynamic area designed for exploration and engagement. Come and spend your day—to inspire, enjoy and discover.

First up was a virtual family dance party, which was live-streamed via Zoom. Remote DJs spun current hits, and customers danced the night away from the comfort and privacy of their own homes. If you are having a hard time visualizing what a virtual family dance party is, picture your last Zoom meeting, but with everyone listening and dancing to your favorite musical hits.

Kapolei Commons took advantage of its ample parking field, the convenient location, and close ties to its luxury Regal Theatre by launching classic drive-in movies at the center. What better way to start than with The Goonies? If you have ever had the pleasure of watching a movie at a drive-in, then you already know that there is no other moviegoing experience quite like it. For many, the drive-in offering at Kapolei Commons was their first experience of this retro phenomenon.

With the success of the drive-in movie events, Kapolei Commons also hosted a series of three drive-in live music concert series, which showcased some of Hawaii’s most beloved musicians. This was Hawaii’s first ever drive-in concert series.

“We are thrilled to be able to continue to offer familyfriendly events at Kapolei Commons, especially in light of the Covid-19 pandemic. Continuing to host events at the center is important to us, now more than ever,” said Patrick Kobayashi, chief executive officer of Kobayashi Group. “We know that times are hard for everyone right now and we hope that our events provide the community and our merchants with a special offering, and a sense of normalcy and excitement,” added Emily Porter, chief operating officer of MacNaughton.

Merchants at Kapolei Commons have pivoted as well and have seen continued success from the events throughout the past few months. “We have always appreciated the partnership and open communication that we have at Kapolei Commons. It is one of the reasons why we decided to open our second restaurant at the shopping center,” said Henry Yoon, founding partner of DB Restaurant Group. “Kapolei Commons understands the needs of our local startup both prior and during the pandemic. Their commitment to our growth and to the Kapolei community has helped us navigate this challenging time. Simply put, they have our backs. And for that, we are forever grateful.”

Executing an original event like Hawai‘i’s first ever drive-in concert was an immense undertaking on its own. But having an opportunity to partner partnering with eager and professional talent on Island to ensure a memorable experience has been rewarding.

What does the future hold for drive-in events in Hawai‘i? One thing is certain: Kapolei Commons will continue to develop and introduce innovative events for years to come.

イベントの第一弾は、Zoomによるライブストリーミングのバーチャル・ダンス パーティー。リモートでDJが選ぶ最新のヒット曲に合わせて、快適な自宅でプ ライバシーを守りつつダンスパーティーに参加できるという試みです。バーチャ ル・ダンスパーティーなんて想像できないという方は、Zoom会議の参加者がヒ ット曲に合わせてそれぞれ踊っているところを思い描いてみてください。

また、カポレイ・コモンズは、広い駐車場と便利なロケーション、そしてラグジ ュアリーなシネコン「リーガル・シアター」との密接な関係を有効活用して、レト ロなドライブインシアターも再現しています。こけら落としは懐かしの『グーニー ズ』。ドライブインシアターにこれほどぴったりな作品があるでしょうか？　一度 体験した人ならご存じの通り、ドライブインシアターでの映画鑑賞にはほかには ない楽しさがあります。これが初めてのレトロなドライブインシアター体験という 人も多かったようです。

ドライブインシアターの成功を受けて、ハワイの人気ミュージシャンを招いた コンサートシリーズも3回にわたって開催されました。車の中で楽しめるドライブ イン・コンサートはハワイ初です。

「Covid-19のパンデミックが続く今、ご家族でお楽しみいただけるイベント をカポレイ・コモンズでご提供できることを心から嬉しく思います。こんなときだ からこそ、さまざまなイベントを続けることは私たちにとっても重要な意義があり ます」と語るのは、コバヤシ・グループのCEO、パトリック・コバヤシさん。マクノー トン・グループのCOO、エミリー・ポーターさんも「誰にとっても厳しい状況が続 く今、私どものイベントを通じて、コミュニティの皆様にもテナントの皆様にも、以 前の日常と変わらない感覚とときめきをお届けできればと願っています」とつけ 加えます。

カポレイ・コモンズの各テナントも柔軟に対応し、イベントの効果で過去数か 月、成功を収めています。DBレストラン・グループの創業者ヘンリー・ヨーンさん はこう語ります。「カポレイ・コモンズの協力体制とオープンな対応はすばらしい です。それもあって、2店舗目をここに出店しようと決めたんですよ。カポレイ・コ モンズは、コロナ禍以前も、パンデミックの渦中である今も、地元のスタートアッ プ企業の現状をよく理解してくれています。私たち地元企業の成長とカポレイの 地元コミュニティに貢献しようというコモンズ側の姿勢が、現在の困難を切り抜 けていく助けとなっています。簡単に言うと、私たちの後ろを守ってくれているの です。心から感謝せずにいられません」

ハワイ初のドライブイン・コンサートといった独自のイベント立ち上げはかな りの大事業ですが、熱意と才能のあるハワイ屈指のプロたちと力を合わせて記 憶に残るイベントを作り上げた経験はかけがえのないものだったそうです。

さて、ハワイでは今後もドライブインのイベントが開催されるでしょうか？ひと つ確かなのは、カポレイ・コモンズがこれからも革新的なイベントを創造し、地域 に紹介していくということです。

Visit kapoleicommons.com for updates.

A sense

CUL TU RE

of place that

fosters the human spirit

The Family Stone

A surfboard carver readies his teenage granddaughter to carry on the surfing traditions of their ancestors.

苦い過去を乗り越えてサーフボードを削り、古代から受け継がれてきた波 乗りの伝統をティーンエイジャーの孫娘に伝えていくクラフツマンの物語。

Translation by Eri Toyama Lau 翻訳 = ラウ外山恵理

서핑보드 카버가 10대 손녀에게 선조들의 서핑 전통을 가르칩니다.

The morning is cool and gray and the ocean is pumping out swell after foamy swell. It’s midJanuary and the conditions are a little messy in Waikīkī, but nevertheless, it makes an amusing playground for skilled surfers, even the two daring souls who showed up with heavy wooden surfboards hand carved by Native Hawaiian craftsman Tom “Pōhaku” Stone, whose self-given Hawaiian name also means “stone,” in the tradition of ancient papa he‘e nalu.

“Maybe we should surf the shore break instead?” suggests Tom, half-joking, to his granddaughter Savanna Stone. Just then, the 90-pound solid-redwood board the

その朝は涼しく、空は灰色で、海は押し寄せるうねりで白く泡立っていた。１月 中旬。ワイキキのコンディションは荒れ気味だが、実力派のサーファーたちに とって、そこは最高のプレイグラウンドだ。そして、手作業で削り出された重い 木製のサーフボードをかかえ、向こうみずなふたりが浜辺に現れた。古代から 続く「パパ・ヘエ・ナル」と呼ばれるサーフボードづくりにかけては熟練の腕を持 つネイティブハワイアン、トム・「ポハク」・ストーンさんと、その孫娘。「ポハク」と いうハワイ語の名前はトムさん自らつけたもので、やはり「石（ストーン）」を意 味するという。

「ラインアップまで行かないで、ショアブレイクに乗ろうか？」と、かつてセミ プロサーファーとして活躍したトムさんが、孫娘のサヴァンナ・ストーンさんに

“It skipped a generation, but I’m teaching her like my dad taught me, out of his aloha,” says Tom “Pōhaku” Stone.

former semi-pro surfer lugged onto the beach—a replica of a kīko‘o owned by late Hawaiian surf legend Duke Kahanamoku, complete with his blocky monogram—tips over and conks him on the head. Savanna, who is 16 years old and a professional surfer, chuckles as she ignores his not-so-veiled plea, carefully maneuvering her 50-pound surfboard into the water. Paddling through the wave zone, she somehow makes navigating the kīko‘o—a slab of wiliwili around eight feet long with a flat deck and round bottom—appear no more difficult than her KT Surf Crusher, a fiberglass-covered, polyurethane slip of a thing.

The kīko‘o that Savanna is riding is quite special, a modern family heirloom and one of the first wooden boards ever carved by her grandfather, the 68-year-old patriarch of a large oceangoing ‘ohana including pro windsurfers Josh and Harley Stone, her father and older brother, respectively. Not that any boards made in the shape of the 10 ancient Hawaiian surfcraft, including the nimble alaia (shortboard) and the more easygoing olo (longboard), could ever be ordinary, given their 800-yearold heritage that originated with the wooden planks Tahitian settlers brought to Hawai‘i in the 13th century. Through documenting board shapes from surfing’s ancient history that were lost to time or replaced by more hydrodynamic shapes and materials in the 20th century, Tom more deeply connects new generations of surfers to the sport by riding waves like the ancestors. “The wooden boards look and feel so natural in the water,” Savanna says. “It’s like they’re meant to be there.”

Once a regular outing, these grandfathergranddaughter surf sessions have become more sporadic. Savanna, who lives in Waimānalo, has been busy with school and surf competitions, and her “Papa,” as she affectionately refers to Tom, is completing his doctoral dissertation on the ritualism of surfing at the University of Hawai‘i at Mānoa. But even an occasional dawn patrol for these two is more meaningful than most, since a family legacy is being shaped, one wave, one ride, one wipeout at a time. In the Stone family, Savanna may be the next to continue the tradition of surfing and carving. “It skipped a generation, but I’m teaching her like my dad taught me, out of his aloha,” Tom says.

As an aspiring surfer growing up in Kailua, Tom yearned, in the way that unrelenting 8-year-olds do, for an expensive, newfangled surfboard. His father, who made a modest living as a police officer, instead made him

冗談めかして提案する。すると、ちょうど絶妙のタイミングで、浜辺まで引きず ってきたボードが傾き、トムさんの頭にこつんとあたった。90ポンド（約41キ ログラム）の無垢のレッドウッド材のボードはハワイのサーフレジェンド、故デ ューク・カハナモクが所有した「キコオ」のレプリカで、角ばった「DUKE」の文 字もちゃんと入っている。16歳にしてプロサーファーとして活躍中のサヴァン ナさんは、トムさんのあからさまな懇願を笑い飛ばし、自分の50ポンド（約23 キロ）のサーフボードで慎重に海へ漕ぎ出した。ウィリウィリという木材ででき た長さ8フィートの彼女のボードは、デッキは平らでボトムは丸みをおびたデザ イン。サヴァンナさんは軽々と波のブレイクゾーンをパドルしていく。ファイバ ーグラスとポリウレタン製の小ぶりな「KTサーフクラッシャー」に乗るのとまっ たく変わらない調子だ。

サヴァンナさんが乗るこの「キコオ」は特別なボードだ。現在68歳のトムさ んが木製サーフボードを削りはじめた最初期の作品で、新しい時代の家宝とし て受け継がれていくべきものなのだ。トムさんを家長にいだく一族はみな海を こよなく愛し、サヴァンナさんの父ジョシュ・ストーンさん、そして兄のハーリー さんもプロウィンドサーファーとして活躍している。「ニンブル・アライア」（ショ ートボード）や、もう少し扱いやすい「オロ」（ロングボード）など、古代ハワイの 波乗り道具を再現した10種のボードは、いずれも、見慣れた現代のボードから はかけ離れた存在だ。13世紀にタヒチからハワイに渡ってきた人々が持ち込 んだ波乗り板以来の、800年の歴史を受け継ぐものなのだから。

トムさんは、いつの間にか失われたり、20世紀に入ってより流体力学を考 慮したフォルムや材質のボードに取って代わられたりした歴史的なサーフボー ドを残すことで、若い世代のサーファーたちに、先人たちと同じやり方で波に乗 り、波乗りというスポーツをより深く理解できる機会を提供している。「海に浮 かぶ木のボードは、見た目にも、感覚的にもとても自然なの」とサヴァンナさん。 「あるべくしてそこにある、という感じ」

祖父と孫娘のサーフセッションは、以前はもっと頻繁だったのだが、次第に 不定期になりつつあるそうだ。ワイマナロで暮らすサヴァンナさんは学校やサ ーフィンの大会で忙しいし、彼女が愛情を込めて「パパ」と呼ぶトムさんは、ハワ イ大学マノア校で、儀式としてのサーフィンをテーマとする博士論文に取り組ん でいる。機会は減ったものの、早朝に出かけるサーフィンは、ふたりにとって何 よりも意義深いひとときだ。ひと波ごと、ひとライディングごと、ひとワイプアウ トごとに、家族のレガシーが築かれていく。ストーン家のサーフィンとボードづ くりの伝統の次の担い手はサヴァンナさんかもしれない。「一世代飛ばしては いますが、わたしは、父がそうしてくれたように、アロハを込めてサヴァンナを育 てているつもりですよ」

カイルアで育ち、サーフィンがうまくなりたくてたまらなかった8歳の頃のト ムさんは、高価な最新のサーフボードがどうしてもほしかったそうだ。だが、警 察官としてつましい暮らしを支えていた父親は、代わりにハワイアンが昔から 使っていたような木のボードをつくってくれた。「ひと月ほど、父は毎晩、木を削

a wooden one, inspired by the boards of their Hawaiian ancestors. “He carved it every evening for a month,” Tom says. “I watched him do it, learning. But when it was finished, it wasn’t the thing I ultimately wanted—a modern surfboard. I told him I hated it. He was angry and probably hurt, so he broke the board and set it on fire.”

Atoning for that painful moment came decades later, after Tom eschewed a wayward lifestyle—including a circa-1970s stint smuggling cocaine from Hawai‘i to California in hollow surfboards—for a kuleana of cultural preservation through education. “As natives, that’s what we’re programmed to do,” says Tom, who taught Hawaiian studies at UH Mānoa and Kapi‘olani Community College. “Otherwise, our traditions will just waste away in museums rather than live on.”

In 1993, Tom was compelled to carve his first board, also a kīko‘o made of wiliwili, an endemic lightweight wood. He buried the finished piece in a taro field to absorb the color and mana of the earth. It was a replica of his late father’s ill-fated work, and he made it from memory. “Many years later, I could still see it in my mind,” he says. By that time, his father was ailing, having suffered a couple of strokes and several heart attacks. “I took him down to the beach and showed him the board,” says Tom, teary-eyed. “What a moment that was.”

In the Waikīkī surf, Savanna is improving her skill on the kīko‘o, the third-ever board Tom carved. Heavy and finless (skegs weren’t invented until the 1930s), it nevertheless has incredible flotation, and the potential for a magical kind of glide that would make her feel one with the wave.

Alas, the kīko‘o is only on loan until she finishes carving her own wooden board, a kīoe made from an ‘ulu tree that was blessed in a traditional ritual. The kīoe has a slimmer profile than the kīko‘o, and Savanna has been carving its convex deck and bottom, pointy nose, and narrow tail for the better part of a year using a modern spoke shave from Home Depot and a block plane from 1907. “Once you get into a rhythm, it’s relaxing,” she says. “But you can’t zone out when there’s a blade involved.”

Learning to ride the kīoe might be a similarly calming and focused experience, one that would require more time in the water with her teacher. “I’m always trying to find the shortest route to the North Shore to surf,” she says. “But maybe I should be finding the shortest route to anywhere Papa is instead.”

っていました」トムさんが振り返る。「そんな父を見ながら、わたしはサーフボー ドづくりを学んだのです。でも、できあがったボードは、わたしがほしかった最 新のサーフボードとは違った。わたしは、こんなボードは大嫌いだと父に言っ てしまったんです。父は腹を立てると同時に、きっと傷ついたのでしょう。ボー ドを折って、火にくべてしまいました」

その心痛む出来事から何十年もたって、罪滅ぼしの機会が訪れた。1970 年代にはサーフボードの空洞にコカインを隠してカリフォルニアからハワイへ の密輸にも手を染めていたトムさんは、乱れた暮らしから足を洗い、教育を通 してハワイの文化を保存するという使命に目覚めたのだ。「ネイティブハワイア ンとして、その使命は生まれながらにプログラムされていたんですよ」と語るト ムさんは、ハワイ大学マノア校とカピオラニ・コミュニティ・カレッジでハワイ学 の教鞭をとっている。「さもなければ、わたしたちハワイアンの伝統は生命を失 い、博物館や美術館の中で朽ちていってしまいます」

1993年、トムさんは初めてサーフボード作りに取りかかる。最初のボード は、ハワイ原産の軽い木材ウィリウィリを使った「キコオ」だった。トムさんはで き上がったボードをタロ畑に埋めた。大地の色と「マナ」（力）をボードに染み 込ませるためだ。今は亡きトムさんの父が削り上げ、悲惨な結末を迎えたボー ドのレプリカを、トムさんは記憶だけを頼りに仕上げた。「何十年も経っていた のに、頭にくっきりと思い浮かべることができました」

当時、トムさんの父親は脳卒中と心臓発作に何度も見舞われ、病の床に伏 していた。「父をビーチに連れていき、サーフボードを見せました」と語るトムさ んの目には涙がにじむ。「感無量でしたね」

ワイキキの波で、サヴァンナさんはキコオを乗りこなす技を磨いた。トムさ んが三番目に作ったボードだ。重くてフィンもないが（スケッグが発明された のは1930年代のこと）、信じられないほどの浮力があり、波との完全な一体感 を得られる魔法のようなグライドをくり出す可能性を秘めている。

でも、そのキコオは、サヴァンナさんがみずからの手で木のボード「キオエ」 を彫り上げるまで貸しているだけなのだそうだ。キオエは伝統的な儀式で清 めたウル（ブレッドフルーツ）材で作られる。キオエはキコオより細めで、サヴァ ンナさんは、波のコンディションのいい季節に向けて、ホーム・デポで入手した 近代的なかんなと1907年製のブロックかんなの両方を使い、膨らみのあるデ ッキとボトム、尖ったノーズ、細いテールを削っている。「いったんリズムに乗る と、とても心が落ち着く作業なの」とサヴァンナさん。「刃物を使っているから、 ぼんやりしていられないけど」

キオエを乗りこなす訓練も、同様に、集中することで心が静まる行為なのか もしれない。そしてその訓練にはより多くの時間を師匠と一緒に海の中で過ご すことが要求される。「わたしは、いつもサーフィンのためにノースショアに行く 最短ルートを探しているの」サヴァンナさんが打ち明ける。「でも、本当はそれ より、パパがいる場所への最短ルートを探すべきね」

Tracking Manu o Kū

マヌオクーを追って

Text by Timothy A. Schuler

文 = ティモシー・A・シューラー

Images by Melody Bentz and Zac Pezzillo

写真 = メロディー・ベンツ／ザック・ペジッロ

The white tern (Gygis alba), a seabird found in the tropics. Image by Melody Bentz.

The white tern was once nearly absent from Honolulu.

Why is it thriving today?

ホノルルでは以前ほとんど見られなかったシロアジサシが、今増 えている理由とは？

Translation by Mikiko Shirakura

마누오쿠는 도시계획가와 시민을 하나로 묶는 자원봉사를 통해 번창하고 있습니다.

Inoticed the blue bands before I saw the birds. Along Kalākaua Avenue, between Kapi‘olani Boulevard and King Street, where the road is split by a line of giant mahogany trees, about every third trunk was bisected by a bright blue ribbon. From my car, I couldn’t make out what was written on them, so later I returned on foot to read the tape on the nearest tree: “NESTING WHITE TERNS • TRIM WITH CAUTION.”

The white tern (Gygis alba), known in Hawaiian as manu o Kū (the bird of Kū), is a smallish white seabird that is native to Hawai‘i and common throughout the tropics. It’s sometimes called the white fairy tern, and it is easy to see why: by flapping its wings in rapid succession, the white tern can hover in place, much like a hummingbird or dragonfly.

鳥の姿を見つけるよりも先に、まず私の目に留まったのはブルーのリボンだっ た。カラカウア・アベニューの、カピオラニ通りからキングストリートまでの区 間には、大きなマホガニーの木が並ぶ中央分離帯がある。その街路樹の幹に は、およそ3本に1本の間隔で鮮やかなブルーのリボンが巻かれていた。文字 が書いてあったが車内からは読むことができなかったので、あとから一番近く の木まで歩いて戻って確認すると、そのリボンにはこう書いてあった。「シロア ジサシの巣あり・剪定時は注意」

ハワイではマヌオクー（「クー神の鳥」）と呼ばれるシロアジサシ（white tern、学名：Gygisalba）は、ハワイ原産の小さな白い海鳥で、熱帯地方に広く 生息する。「whitefairytern（白い妖精アジサシ）」と呼ばれることもあるが、 その理由はひと目見ればすぐにわかる。シロアジサシは、ハチドリやトンボのよ うに小刻みに翼を羽ばたかせながら空中で静止することができるのだ。

Unlike many of Hawai‘i’s native bird species, which have succumbed to alien predators and the decimation of their habitats, the manu o Kū is thriving. And not in the far reaches of the archipelago, but in some of the busiest, most congested neighborhoods in Honolulu. Walk around Mō‘ili‘ili or Waikīkī and chances are you’ll spy a tree marked with the blue ribbon, known affectionately to local conservationists as “tern tape.” Honolulu is home to more than 2,300 manu o Kū, including roughly 700 breeding pairs whose nesting sites are plotted online on a citizenrun, active-nest map. In 2007, Gygis alba was named the official bird of Honolulu, thanks to the lobbying of local scientists and civic leaders like Laura Thompson, wife of former mayor Myron “Pinky” Thompson and mother of voyager Nainoa Thompson.

Manu o Kū is an especially useful bird to seafarers, thanks to its habit of fishing at sea during the day— plucking juvenile fish and squid from the water without getting wet—and then beelining back to land at sunset. Navigators watch for white terns with beaks full of small fish and use the bird’s flight direction to orient their canoes. In 2016, a group of scientists and amateur ornithologists organized as the Hui Manu o Kū, deploying the blue tape to communicate to tree trimmers where the birds are nested and debuting the first Manu o Kū Festival at ‘Iolani Palace to raise awareness of the bird’s cultural and biological significance. Keiki made fluffy manu o Kū chicks out of cotton balls and tossed plastic squids into the mouth of an oversized seabird.

Scientists have little reliable information on how many manu o Kū were supported on O‘ahu prior to 1778, but they do know that for much of the past two centuries, white terns were far less common than they are today, in part due to a demand for feathers in the 19th century. In 1918, the white tern became one of hundreds of bird species protected by the Migratory Bird Treaty Act, one of the oldest wildlife protection laws in the United States. In 1961, a pair of white terns was spotted in a kiawe tree near Hanauma Bay. It was the first documented case of manu o Kū breeding in Honolulu. Since then, the population has steadily grown, leaving ornithologists wondering, why Honolulu? And why now?

ハワイ原産の他の鳥たちの多くは外来の捕食者や生息地の破壊によって 姿を消したが、マヌオクーはその数を増やしつつある。しかも、その繁殖地は 最果ての島々ではなく、ホノルルでも特に交通量の多い賑やかなエリアだ。 モイリイリやワイキキ辺りを散歩していると、青いリボンがつけられた木を目 にするだろう。この青いリボンは、地元の自然保護活動家たちの間では親し みを込めて「terntape（アジサシのテープ）」と呼ばれている。ホノルルには 2,300羽を超えるマヌオクーが生息しており、営巣中の巣の場所を示す市民 運営のオンラインマップには、そのうち約700組のペアの巣が記録されてい る。前市長マイロン・「ピンキー」・トンプソンの妻で、海洋冒険家ナイノア・ト ンプソンの母であるローラ・トンプソンのような市民団体のリーダーや地元 の科学者たちによるロビー活動のおかげで、シロアジサシは2007年にホノ ルル市の鳥に指定された。

マヌオクーは、特に船乗りたちの助けになる鳥だ。日中、海上で魚を捕る 習性をもつマヌオクーは、水に濡れることなく海中の稚魚やイカを捕り、夕暮 れ時になると最短距離で陸地に戻っていく。航海士たちは、小さな魚をクチ バシいっぱいにくわえたマヌオクーの動きを見ながら、鳥たちが飛んでいく 方向を頼りにカヌーの進路を定めるのだ。2016年、科学者やアマチュア鳥 類学者が集まって「フイ・マヌオクー」というグループを結成し、鳥の巣がある 場所を剪定業者に知らせるための青いリボンをつける活動を行った。また、 この鳥の文化的・生物学的重要性を人々に知ってもらおうと、イオラニ宮殿 で初のマヌオクー・フェスティバルも開催した。ケイキ（子どもたち）は、ふわ ふわの綿でマヌオクーのひな鳥を作ったり、巨大な海鳥の口の中にプラスチ ックのイカを投げ入れるゲームをしたりして楽しんだ。

1778年以前のオアフ島におけるマヌオクーの生息数については、信頼 できる情報がほとんどないが、過去200年間の大半にわたり、現在とは比べ ものにならないほど少なかったということはわかっている。その理由のひと つは、19世紀の羽毛の需要による乱獲である。1918年、シロアジサシは他 の数百種の鳥類とともに、米国最古の野生生物保護法の一つである「渡り 鳥保護条約法（MigratoryBirdTreatyAct）」の保護対象に指定された。

1961年、ハナウマ湾近くのキアヴェの木の上で1組のシロアジサシのペアが 発見された。これがホノルルで繁殖活動を行うマヌオクーの最初の記録で ある。それ以来、生息数は着実に増加したが、なぜホノルルなのか、なぜ今 なのか、と鳥類学者たちは首をかしげるばかりだった。

It turns out that humans and white terns like a lot of the same things. The broad-canopied trees Honolulu city planners imported from places like Mexico and India provide shade but also large limbs on which to lay eggs. (White terns do not build nests but rather lay eggs directly onto tree branches or even manmade structures like windowsills.) In an urban environment, trees are trimmed to ensure public safety, and that too benefits the manu o Kū, says Rich Downs, who helped found Hui Manu o Kū. When a limb is removed from a tree, it leaves a wound that scars over, creating grooves and divots that are, it turns out, perfect for egg-laying. “If you take two trees, same species, and one is trimmed and the other one is not trimmed, they will invariably use the one that’s been trimmed,” Downs says.

Similarly, contemporary urban life tends to ward off predators. Along Kalākaua Avenue, the heavily trafficked street acts as a protective moat that cats and mongooses have a hard time crossing. White terns generally seem not to mind the constant noise and artificial illumination of the city, which further insulates them from rats and other predators.

やがて、人間とシロアジサシは、好みがよく似ていることがわかってきた。ホ ノルルの都市計画を手がけた人々がメキシコやインドから輸入した枝ぶりの 良い大木は、木陰を作ってくれるだけでなく、卵を産み育てるのに適した太い 枝を提供する（シロアジサシは巣を作らず、木の枝に直接卵を産む。窓枠など の人工構造物に産むこともある）。フイ・マヌオクーの設立に尽力したリッチ・ ダウンズさんによれば、都市環境では公衆の安全確保のために樹木を剪定す るが、これはマヌオクーにとっても好都合なのだという。枝が伐採されるとそ の切り口に溝やくぼみができ、産卵に最適な場所となるのだ。「同じ種類の木 が2本あり、そのうち1本が剪定されていて、もう1本は剪定されていなかった ら、シロアジサシは必ず剪定されているほうの木を使います」とダウンズ氏は 言う。

同様に、現代的な都市生活も捕食者を追い払うのに一役かっている。カラ カウア・アベニューは交通量が非常に多く、猫やマングースが道路を横断しづ らいため、身を守ってくれる「堀」の役目を果たしているのだ。通常、シロアジサ シは常にある騒音や人工的な街のイルミネーションは気にならないらしく、そ のおかげでネズミやその他の捕食者が近づきにくくもなっている。

Because they fish at sea by day, manu o Kū are especially useful to seafarers.

Image by Zac Pezzillo.

In a time when the impact of humans on the environment is plainer than ever, it can be startling to realize that not all our actions are detrimental to the world around us; to realize that, every so often, we stumble into creating new habitats in the middle of our cities, along our streets and in our literal back yards. In the case of manu o Kū, this inadvertent caretaking has led to intentional interventions: knocking dimples in concrete ledges and affixing pieces of scrap wood to branches to create more secure brooding spots, small gestures that feel huge against the backdrop of ecosystem collapse.

Not long ago, I returned to that bustling stretch of Kalākaua Avenue. Almost immediately, I caught sight of a manu o Kū, high on a branch, its slender, white body bright against the dark green leaves, its beak pointed and tinged with blue, like the tip of a brush wet with paint. I saw another, then another, until the sky seemed full of them. They fluttered from branch to branch in groups of four or five, occasionally wheeling up over the street, like kids playing tag. Their bodies were smaller than their full-grown size, and I wondered if they were adolescents, fledglings trying out their wings.

It can be dangerous to ascribe human traits to animals, masking their true characteristics and leaving us blind to biological relationships that defy our logic. But occasionally, we observe behavior in another species that feels so familiar it’s difficult not to see ourselves in them. As the terns chased each other through the trees, I found myself longing to be one of them, not to experience the feeling of flight, but to again safely be part of a group, to feel that sense of togetherness. I envied their freedom. These birds knew nothing of the coronavirus plaguing the human race, though certainly they noticed our retreat from public spaces. Watching them interact, my terrestrial confinement felt all the more pronounced.

The presence of the manu o Kū in Honolulu is often framed as a heartwarming story of cohabitation. But just because humanity’s current approach to building cities works for the white tern does not mean we should ignore its more destructive aspects—the hundreds of species that cannot live in our street trees, that are driven away or poisoned by our traffic, that are disoriented by our city’s lights. The lesson of the manu o Kū is not to carry on and assume the world will adapt, but rather to observe up close, within the hubbub of our daily lives, the ways in which our actions ripple outward, affecting innumerable species in innumerable ways. The bird is not a sanction on our way of life. It’s an invitation to pay attention.

人間が環境に及ぼす影響がこれまで以上に顕著になっている今のような 時代には意外な話かもしれないが、私たちの行動のすべてが周りの環境に有 害というわけではなく、街の中心部や、通り沿いや裏庭に、図らずも新しい生息 地を作っていることもあるのだ。マヌオクーの場合、偶然に提供されていたこ ういった人為的な手助けが、意図的な介入へと変わっていった。安全に雛を 育てられる場所を作るために人の手でコンクリートの壁の突起部分にくぼみ をつけたり、枝に廃材を取りつけるといった活動が行われるようになったので ある。ほんの小さな活動だが、生態系の崩壊を目のあたりにしているこの時代 にあっては大きな意義を感じさせてくれる。

つい最近、私はカラカウア・アベニューのあの賑やかな通りを再び訪れた。

高い枝の上にマヌオクーの姿を見つけるのに時間はかからなかった。スレン ダーな白いボディは、葉っぱの深い緑によく映える。とがったクチバシは青み を帯びていて、まるで絵の具を浸した筆先のようである。また1羽、さらに別の 1羽が目に入り、やがて空いっぱいに広がるようにマヌオクーの群れが飛び交 っているのが見えた。4、5羽のグループが、枝から枝へと移り、時々通りの上 空を旋回する姿は、まるで子どもたちが鬼ごっこをしているかのようだった。 成鳥に比べると体が小さかったので、巣立ったばかりの幼い鳥が飛ぶ練習を していたのかもしれない。

人間の性質を動物に当てはめてしまうのは危険なこともある。その動物の 真の性質を見落としたり、人間の理解を超えるような自然の生物学的関係性 を見過ごしたりしてしまうからだ。しかし時折、他の生物が親近感を抱かせる ような行動をするのを見ると、その生物と自分たちとを重ね合わせずにはいら れない。アジサシたちが木々の周りで追いかけっこをしている姿を眺めなが ら、自分もあの中に混ざって飛び回ってみたい、などと考えていた。空を飛ぶ 感覚が味わいたいのではなくて、以前のように気安く仲間たちと集まって、一 体感を味わいたいのだ。マヌオクーたちの自由が羨ましかった。この鳥たち は、コロナウイルスが人間を苦しめていることなど知らない。だが、公共の場か ら人々がいなくなったことには間違いなく気づいている。マヌオクーたちが互 いに接し合う様子を見ていると、地上の自分と他者との距離がいっそう遠くに 感じられた。

ホノルルでのマヌオクーの存在は、心温まる共存の物語として語られること が多い。しかし、現在の街づくりのアプローチがシロアジサシにとっても都合 がいいからといって、より破壊的な側面を無視していいということにはならな い。多くの種は、街路樹に生息することはできず、車や人の往来によって追い やられ、汚染され、街灯やネオンによって方向感覚を失ってしまう。マヌオク ーから学ぶべきレッスンは、私たちが今のやり方を続けていれば自然がうまく 順応するに違いないと考えることではない。むしろ、私たちの行動が、数え切 れないほどの種にさまざまな形で影響を与え、その影響が波紋のように広が っていく様子を日常の喧騒の中でよく観察すべきだ、ということである。マヌオ クーは、私たちの世界のあり方をこれで良いと認めてくれる存在ではなく、注 意を払うきっかけをもたらしてくれる存在なのだ。

Rains Remembered

Text by Matthew Dekneef

文＝マシュー・デニーフ

Images by John Hook, Wayne Levin, and Kainoa Reponte

In a symbiotic display of land and language, Hawaiians show a deep affinity for the islands’ rains with more than 200 words and phrases.

Rain, or “ua” in Hawaiian, is a near-daily occurrence in the islands. For residents, these passing showers are business as usual, if not a welcome respite. For malahini (visitors), an unexpected downpour may be perceived as an unfair occurrence, a damper on one’s preplanned itinerary. But taking a closer look at how these rains are honored in Hawaiian culture can help those in the islands see the beauty and familial nature of their aqueous arrivals.

ハワイでは毎日のように降る雨。ハワイ語で「ウア」と 呼ばれる雨は、ハワイに住む人たちにとっては日常茶 飯事であり、むしろ歓迎すべきものである。島を訪れる 旅行者（マラヒニ）にとっては、予期しない雨はせっか くの楽しい旅行を台無しにしてしまうものと思うかもし れないが、ハワイ文化にとって雨がいかに尊いものであ るかを知れば、ハワイに降る雨の美しさに気づき、親近 感すら覚えることだろう。

ハワイ語には、雨を表す言葉や表現が 200種類以上もあります。

하와이 원주민들은 비를 묘사하는 수백 개의 단어와 구절을 가지고 있습니다.

Hawaiians value rain, and all its intricacies—the intensity with which it falls, the angles it forms when swooping around a cliff, its many iridescent colors, the places where different types manifest and to which they are linked. This is evident in the Hawaiian language, which has more than 200 known terms for the rains found across the archipelago. This specific extension of the culture’s vocabulary was collected most recently in Hānau Ka Ua: Hawaiian Rain Names, an encyclopedic record of descriptors sourced from mele (songs), oli (chants), mo‘olelo (legends), ‘ōlelo no‘eau (proverbs), and the broader oral tradition. By recognizing them, author Collette Leimomi Akana and her co-researcher, Kiele Gonzalez, affirm the incredibly nuanced kinship the native culture has with this enduring element.

So the next time you’re enjoying the vista from your hotel lānai and notice a cluster of rainclouds looming in a nearby valley, or you’re walking the streets of Waikīkī and find yourself greeted by a gentle drizzle, contemplate the names of the regular Honolulu rains you may encounter in the island’s kona (leeward) district. Because when you know a rain’s name—or how to greet a Hawaiian rain as it greets you—you’re all the more likely to welcome it with open arms.

崖の斜面を流れ落ち、虹のように色を変え、あらゆる 地形に様々な姿や強さで降り注ぐ雨。ハワイアンの人 たちは、雨とその繊細な魅力を尊いものとして捉えてい る。それはハワイ諸島に降る雨を形容する言葉がハワ イ語には200種類以上もあることをみても明らかだ。 これらの言葉は最近では『ハナウ・カ・ウア：ハワイアン の雨の名前』という一冊にまとめられている。それはメ レ（歌）、オリ（チャント）、モオレロ（伝説）、オレロノエ アウ（ことわざ）や口頭伝承に基づく雨にまつわる記述 を集めたデータベースである。著者のコレット・レイモ ミ・アカナさんと共同研究者のキエレ・ゴンザレスさん はこの本を通じて、ネイティブハワイアンの文化と雨の 微妙なニュアンスを持った密接な関係について明らか にしている。

ホテルのラナイから外を眺めて近くの谷に雨雲を見 つけた時や、ワイキキの街を歩いていて穏やかな霧雨 に包まれた時には、ホノルルの雨の名前を思い出して ほしい。ハワイの雨の名前やその背景にある物語や 意味を知れば、滞在中雨に遭遇したとしても、これま でとは違った優しい気持ちで受け入れることができる であろう。

HĀ‘AO

Found in the ahupua‘a, or land division, of Nu‘uanu, this rain falls in successive showers. Its description was taken from the word “hā‘ao” itself, which refers to the courtly entourage that proceeds after a chief—the showers of this rain follow one another in a noticeable pattern of heavy and light precipitation. Its repetitive pattern, called the uahā‘ao or naouahā‘ao, has also been interpreted as a design for kapa, a barkcloth fabric.

ヌウアヌのアフプアア（古代ハワイの土地区分）には、連続的な雨が降る。強い雨と弱い雨が交互 に一定のパターンを繰り返して降るこの雨には、酋長の後を歩く宮廷の側近を指す「ハーアオ」と いう名前がつけられている。連続的なこのパターンは、ウアハーアオ、またはナオウアハーアオと呼 ばれ、樹皮から作られる布、カパのデザインにも取り入れられている。

KOKO

ココ

虹の出現と同時に降る雨や川を泥だらけの赤褐色に変える豪雨を「コ コ」と呼ぶ。ハワイ語で赤色を指す「ウラ」は、ハワイ文化では強い力を 持っている。ウラが自然に現れるときハワイアンの人々はそこに深い意 味を見出す。「ココウラ」（虹に見られるような赤いネットワーク）や「ウラ ココ」（血のように赤い雨）とも呼ばれるこの雨は、王族や神聖なものの 象徴であり、司祭たちはココを神からのお告げとして捉え、虹は酋長の 出生あるいは死の前兆であると解釈していた。

When a rain carries with it a rainbow, or is so heavy it turns streams red-brown with muddy runoff, it is referred to as the koko rain. The color red, or “‘ula” in Hawaiian, is a culturally powerful hue. When it expresses itself in nature, it is given amplified attention, which is why this rain is also called “kōkō ‘ula” (literally, “network of red color,” as the spreading of a rainbow) or ua koko (a “blood-red rain”). The koko rain is symbolic of royalty or the divine. Priests saw koko rains as omens, and they interpreted their fleeting rainbows in dual fashions, as the foreshadowing of either a chief’s birth or death.

WA‘AHILA

True to its name, this rain is found at Wa‘ahila, a ridge between Mānoa and Pālolo valleys. However, it can extend into nearby districts, reaching as far as Judd and Wyllie streets in Honolulu. The character of this rain is soft and sweeping. Fittingly, there’s a song set in Waikīkī to ruminate on the next time such a lovely rain falls nearby. In a Hawaiian epic told by Ho‘oulumāhiehie, Wa‘ahila is referred to as a “blanketing fall,” and an “outpouring of love, rising to brightness.”

その名の通り、この雨はマノア渓谷とパロロ渓谷の間にある尾根、ヴァアヒラに降る雨 である。ホノルルの近隣地区のジャッド通りやウィリー通りまで達することもある。優 しく一面に広がって降るのがこの雨の特徴だ。今度そんな雨を体験したら、ワイキキ を舞台にこの雨を歌った歌があることを思い出してほしい。ハワイアンの作家のホオ ウルマヒエヒエは詩の中で、ヴァアヒラを「天からの毛布」や「光へと導く溢れる愛」な どと表現している。

KUAHINE

This rain is often associated with the area of Mānoa, but even if you don’t find yourself there during your stay, keep your ears perked for the term while listening to Hawaiian music at House Without a Key—this rain is name-checked in many songs about the region. While the lyrics and melodies may sound beautiful, the ancient legend behind its name is quite sad. Kuahine was a chiefess with a daughter so beautiful she was the source of gossip; men often boasted they had slept with her. When the daughter’s lover heard these rumors, he killed her. Overcome with sorrow, Kuahine transformed into this rain.

この雨はもともとマノアのエリアと関係していることが多い。滞在中、マノアを訪れなかったとしても、ホテルのラウンジで聴く ハワイアン音楽の歌詞にこの言葉を耳にすることがあるかもしれない。マノアについて歌った多くの曲に出てくるからだ。歌詞 やメロディーは美しく聞こえるが、その名に秘められた古代の伝説は悲劇である。女酋長のクアヒネには美しい娘がいた。そ の娘は常に噂の的で、男性たちは彼女と関係を持ったことをしばしば自慢していた。その噂を聞いた娘の恋人は彼女を殺して しまい、悲しみにくれたクアヒネは雨に姿を変えたというものだ。

LĪLĪLEHUA

リリレフア 「レフアの花の冷たさ」や「レフアの花の小さな雫」といった意味のこの雨は、カイムキの 山側にある静かな住宅地のパロロに降る。リリレフアは、谷に沿ってひんやりと降る霧雨 で、「心を癒し、感傷的にさせる雨」と歌われている。神話によるとこの雨の名前は、パロロ に住んでいた美しい女性にちなんでつけられたという。伝説のトカゲのモオは、リリレフア を愛していたが、彼女は別の男と恋に落ちた。嫉妬深いモオはリリレフアを雨に変え、ワイ アラエ通りを越えて決して外へ出ることができないようにしたという。

Literally the “lehua blossom chill” or “tiny drops on the lehua blossom,” one usually meets this rain in Pālolo, a quiet community inland of Kaimukī. Līlīlehua, a delicate and chilly sheet of rain that clings to the valley, is described in a song as a “rain that soothes the mind, stirring up feelings in [the] heart.” According to myth, this rain takes its name from a beautiful woman who lived in Pālolo. A mo‘o, or legendary lizard, loved Līlīlehua, but she had fallen in love with another man. Jealous, the mo‘o turned her into this rain that never ventures past Wai‘alae Avenue.

NĀULU ナーウル

Across Hawai‘i, even when the weather appears pristine, a rain can surprisingly manifest. Hawaiians named this type of rain, a sudden shower, “nāulu.” It also shares its name with a wind and storm cloud, which work in concert to produce such rain out of the blue.

ハワイ全土が快晴に見えるときでも、突然雨が降り出すことがある。ハワイア ンの人たちはこのように突如として降り出すシャワーを「ナーウル」と呼ぶ。こ の言葉は突然の激しい雨を生み出す風や嵐雲にも用いられる。

PO‘ONUI

Poeticisms aside, Hawaiians did admittedly consider some rains to be nuisances. In this case, po‘onui is a troublesome or top-heavy rain. Literally meaning “big head,” this generally descriptive term refers to an uncomfortable rain so cold it numbs the head and sends shivers down one’s spine.

詩的感興はさておき、ハワイアンの人たちですら疎ましく思う雨があったよう だ。ポオヌイとは厄介な激しい雨を指す。「大きな頭」という意味のこの言葉 は、冷たくて指先が麻痺し、背筋に寒気が走るような不快な雨を指す。

The of creative facilities

DE SI GN

flourishing

Masked

Mystique

仮面の作り手

Text by Shannon Wianecki

文 = シャノン・ワイアネッキ

Images by Bailey Rebecca Roberts and courtesy of Noah Harders

写真 = ベイリー・レベッカ・ロバーツ

画像提供 = ノア・ハーダーズ

Fantastic and feral, the wearable artwork of floral artist Noah Harders is part mythology, part haute couture.

フローラルアーティスト、ノア・ハーダーズさんがつくり出す身に着け るアート作品は幻想的かつ野生的。神話の世界とハイファッション の世界が溶け合っています。

Translation by Tomoko Shirota

翻訳 = 城田朋子

꽃무늬 마스크와 경계를 밀어내는 레이를 만든

노아 하더스의 작업공간 안으로 들어가세요.

In lush Waikapū, Noah Harders’ open-air studio resembles a haberdasher’s closet, only all of the embellishments are made of living materials. Snippets of fern and seedpods litter his workbench. The shelves above bear vases and dried vestiges of projects. His current fetishes are masks, and horns—great, curvaceous ram’s horns that he fabricates from finely trimmed dracaena leaves. If Maleficent were looking for a dazzling headpiece to wear to the Kentucky Derby, she might call on him to create it.

緑濃いワイカプにあるノア・ハーダーズさんのオープンエアのスタジオは、一見 したところ紳士服店のクロゼットのようだ。ただし、装飾品はすべて植物でで きている。シダの小枝や豆のさやが作業台に散らばり、棚には花瓶やからから に乾いた古い作品が並ぶ。ハーダーズさんが今、夢中になっているのは仮面と 角だ。ドラセナの葉を細かく刈り込んで作る、大きな渦を巻く雄羊の角。ディ ズニー映画のマレフィセントがケンタッキーダービー観戦用にきらびやかな帽 子を探すとしたら、きっとハーダーズさんに注文したに違いない。

Harders run his own company, NkH Design, offering floral artistry, photography, and graphic design.

“I really love symmetry,” the 25-year-old says, sorting the foliage he collected this morning into tidy piles. On walks, he scours his central Maui neighborhood for natural patterns, deep-hued blossoms, and leaves with strong structure. He has an artist’s obsession with pigment and texture. Where other people see wildflowers and weeds, he sees the raw materials for his craft. “I use whatever I can find—little vines or crazy imported stuff,” he says. “You can make something out of anything.”

Harders’ aesthetic is the precise opposite of the tropical shabby chic that has dominated Hawai‘i’s wedding industry for decades. “My style is dark, moody, and mysterious,” he says. “I can’t do the whole bright cheerful thing—sorry!” Fantastic, feral, and little bit macabre, his ornate headpieces are something you

ハーダーズさんは25歳。「シンメトリーが大好き なんですよ」と語りながら、その朝採取した植物を 小さな山に分けていく。地元のマウイ島中央部を 散策しながら、自然の中の興味深いパターンに目を とめ、濃い色の花々や、しっかりした厚みのある葉 などの素材を探して歩くのだそうだ。アーティスト として色彩とテクスチャにこだわる彼の目には、ほ かの人には野生の花や雑草にしか見えないものが 作品の素材として映る。「見つけたものは何でも使 います。ごく普通の蔓からクレイジーな形の外来 種まで、どんなものでも作品の材料になります」 ハーダーズさんの美意識は、ここ数十年ハワイ のウェディング業界の主流を占めるトロピカルなシ ャビーシックとは正反対を向いている。「ダークで、 沈鬱で、ミステリアスなのが僕のスタイルです。残 念ながら、明るくて元気いっぱいなものは作れない んですよ！」。幻想的で野性味にあふれ、少しばか り不気味なヘッドピースの数々は、ヴェネツィアの カーニバルで見かけそうなものばかり。

Harders’ aesthetic can be described as fanciful and little bit macabre.

“My style is dark, moody, and mysterious,” he says.

might expect to see at a Venetian carnival. He starts by sculpting forms out of chicken wire or tightly curled paper and then meticulously layers them with petals or leaves using floral tape and a glue gun. His “Medusa” crown defies gravity: interlocking ropes of ruby-colored petals coil snakelike above a matching mask. Another dramatic headpiece features a deconstructed fan lavishly adorned with cymbidium orchids and spray-painted gold.

Harders gravitates toward saturated, dark hues that look as if they’re aglow in moonlight. His masks often obscure or reinvent the human form, evoking creatures that gather at the edge of dusk to whisper secret invitations. His floral arrangements are moody, too: bouquets with autumnal tones and unexpected accents like kauna‘oa, the tangled beach dodder that grows wild on Maui’s coastal dunes. His stylized, asymmetrical wedding arches have become signatures of NkH Design.

“Clients familiar with my work will ask for more outrageous designs,” he says. “Before, traditional was the way to go: regular centerpieces and a tight little bouquet that you hold. Nowadays people want to be subtle but different. I’ll read the client, and if I feel like they’re open to more unusual ideas, I’ll pitch something that I’ve been wanting to do and they will love. I try to push it out of the box.”

制作過程は、まず金網または固く丸めた紙で形を造り、その上にフローラル用 のテープやグルーガンを使って花びらや葉を丁寧に何重にも重ねていく。作 品のひとつ、おそろいの仮面の上でルビー色の花びらが蛇のようにからみ合う 「メデューサ」の冠は、まるで重力に逆らうかのような造形だ。バラバラに解体 した扇にシンビジウムを飾りつけ、ゴールドのスプレーペイントを吹きつけた 豪華でドラマチックなヘッドピースもある。

ハーダーズさんは、月光に照らされて輝くような鮮やかで暗い色味に惹かれ るのだという。彼の作る仮面は、人間の身体の形を不明瞭にしたり、まったく 違うものに変えたりする。夕暮れの暗がりに集い、秘密の暗号をささやき交わ す奇妙な生きものたちはこうもあろうかと思わせる。同様にハーダーズさんの 作るフラワーアレンジメントにも、沈んだ雰囲気がただよう。秋の色彩のブー ケにはカウナオア（マウイ島の海辺の砂丘に自生するネナシカズラの一種）と いう意外な素材がアクセントに使われているし、アシンメトリーのウェディン グアーチは、彼の会社であるNkHDesignを代表するデザインとなった。

「僕の作品をよく知っているクライアントは、より突飛なデザインを注文し ます。以前は、よくあるセンターピースにコンパクトなブーケといったトラディ ショナルなスタイルが主流でした。でも今は、ニュアンスがあって少し変わった ものが求められています。僕はまずクライアントをよく理解しようと努めます。

そして、普通とは違うアイデアにも理解があると感じたら、ずっと温めていたア イデアを提案してみるのですが、とても喜んでもらえます。僕は、型にはまらな いものを生み出したいのです」

In January he created costume pieces for a fantasy drama funded by Jason Momoa and shot at Kualoa Ranch on O‘ahu. Harders holds a little owl eye mask he made for the movie. It’s an immaculate assemblage of tiny spikes: 3,000 bamboo skewers individually sharpened into feather-like tips. Another headpiece he crafted onsite takes the form of a massive tree and was built out of bark, moss, and shelf fungus. “It matched the scenery perfectly,” he says.

The job was a delight for the artist who rapturously loves science-fiction and fantasy. “My favorite movie of all time is Avatar—the blue people, the flowers in the nighttime … everything glows.” Alexander McQueen is another inspiration. “One collection that he did with insects and moth patterns … when I saw the symmetry of the wings, I said: ‘Oh my gosh, that’s what I want to make!’”

Harders’ journey into his own fantasyland started innocently enough: with a single lei. While stringing plumeria together for customers at the floral shop, he began envisioning how to replicate traditional Hawaiian lei hulu (feather lei) with flowers. He experimented with layering leathery red ginger petals onto twisted raffia. The result was a stunning, luxuriant scarlet garland with the texture of snakeskin. Working on the piece renewed Harders’ respect for his Hawaiian ancestors. “If that lei took me eight hours to make with petals,” he says, “it probably took them months, even years, to collect thousands of feathers and tie them together. There was no glue gun! It really makes me appreciate the artistry that our ancestors had.”

Harders’ family has lived in Waikapū for more than 100 years. Most of the people who live on the narrow road that reaches up into the valley are his relatives. They’re getting accustomed to seeing their young cousin stalking the roadside for supplies or suddenly appearing in a mask with massive horns. “I’m the most self-conscious person ever,” he laughs. “But in a mask, I turn into this other person. I feel super confident and bold.”

Harders only recently started posting photos of his wilder creations online. “I had to build up the courage to share what I love,” he confesses. When the Covid-19 pandemic first reached Hawai‘i, he posted a series of face masks he fashioned out of dark purple orchids, staghorn ferns, and silver tendrils of Spanish moss. Each organic mask epitomized a breath of fresh air—something the world desperately needed.

今年1月には、ジェイソン・モモアが出資し、オアフ島クアロア・ランチで撮影 されたファンタジー映画のコスチュームを手掛けた。ハーダーズさんはその映 画のために作ったフクロウのアイマスクを手にとって見せてくれた。全体に小 さな棘がたくさん生えている。3,000本もの竹串を尖った羽根の先のように削 り、緻密な手作業で埋め込んであるのだ。撮影現場で作った別のヘッドピース は、巨大な樹の形をしていて、素材は樹皮、苔、サルノコシカケ。「これは背景に ぴったりでした」とハーダーズさんは語る。

SFとファンタジーの大ファンである彼にとっては、とても楽しい仕事だった という。「一番好きな映画は『アバター』です。青い人たちと夜開く花々…何も かもがぼうっと光っている世界に惹かれました」。アレクサンダー・マックイー ンのデザインにもインスピレーションをかきたてられたそうだ。「彼のコレクシ ョンに昆虫と苔のパターンを使ったものがあって……シンメトリーで表現され た羽根を見たときに、『ああ、僕がつくりたいものはこれだ！』と思ったんです」 幻想的な作品を次々に生み出すハーダーズさんだが、そのきっかけは一本 のレイだった。フローラルショップで顧客のためにプルメリアのレイを作りなが ら、ハワイのレイ・フル（鳥の羽根で作ったレイ）を花で再現できないかと思い ついたのだという。そこで、何層にも重ねた肉厚のジンジャーの花びらをねじ ったラフィア素材に重ねてみたところ、目をみはるほど豪華な、蛇革のような質 感を持つ真紅のレイが出来上がった。このレイを作りながら、ハーダーズさん はハワイアンの祖先たちへの敬意を新たにしたそうだ。「僕が花を使ってこのレ イを作るのに8時間かかったとしたら、何千もの鳥の羽根を集めて1本のレイ を作るのには何ヶ月、いや何年もかかったに違いありません。当時はグルーガ ンなんてなかったんですからね！　自分で実際にやってみて、僕たちの祖先の 技巧の素晴らしさをよく理解できました」

ハーダーズさんの一族は、100年以上前からワイカプに住んでいるそうだ。

谷あいの奥へと続く細い道沿いに住むのは、ほとんどが親戚だ。親戚の人たち も、ハーダーズさんが道ばたで素材となる植物を探していたり、大きな角のつ いた仮面をつけて突然現れたりする姿にもう慣れている。「僕はすごく恥ずか しがり屋なんです」と、ハーダーズさんは笑う。「でも、仮面をつけると人格が変 わります。自信があふれて、大胆になれるんですよ」 ハーダーズさんが奇抜な作品をウェブ上で発表するようになったのはごく 最近のことだ。「自分が本当に好きなものを見せるのには、かなりの勇気が必 要でした」。ハワイにコロナ禍の影響が出始めたとき、ハーダーズさんは濃い 紫色のオーキッド、ビカクシダ、銀色のスパニッシュモスなどを使ったフェイス マスクの連作を投稿した。有機的な形のマスクが象徴するのは、清浄な空気 を呼吸すること。今、世界中の人びとが切実に求めていることだ。

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Holy Water

生きている水

Text by Timothy A. Schuler

Images by John Hook 文 = ティモシー・A・シュラー

写真 = ジョン・フック

Punahou’s Thurston Memorial Chapel floats on a freshwater spring, blending the built and the natural.

泉の上に浮かぶ、プナホウ・スクールのサ ーストン・メモリアル・チャペル。ここでは 建築と自然が融合しています。

Architecture is a visual art, and the buildings speak for themselves,” the pioneering architect Julia Morgan once said. Which is true, but buildings can be lost in translation, too, becoming as unintelligible as an ancient dialect. Thurston Memorial Chapel, which sits at the center of the Punahou School campus in Honolulu, speaks as fluently—and as radically—as it did 50 years ago.

On a recent Monday morning, I found myself in the darkened chapel, its constellations of stained glass glowing in the early morning sun. I had seen the building before, but this time, I noticed details I had missed. The chapel itself—small, square, copper-roofed, visible from across a large, grassy expanse—is striking in its simplicity: white plaster walls adorned with a few bands of stained glass and a small copper cross. At the chapel’s base, a lily pond wraps around the corner of the building like a truncated moat, its dark green color echoing the roof’s patina. Passing under a wooden trellis covered in bougainvillea, I emerge in a quiet courtyard ringed by ferns and shaded by a giant monkeypod tree.

Suddenly, the chapel is different. This side of the roof is clad in brown ceramic tile. Heavy koa wood doors leading inside are inlaid with copper repoussé panels that depict the life of Jesus Christ. The materials are warmer and more inviting. The rest of the campus feels far away.

「建築は視覚芸術であり、建物はおのずから語り かけるものである」。20世紀前半に活躍した建築 家、ジュリア・モーガンが遺したこの言葉は、真実を 言い得ている。とはいえ、建築物の語る言葉が、遠 い昔に忘れられた方言のようにいつしか理解でき ないものになってしまうこともある。しかし、ホノル ルの私立校、プナホウ・スクールのキャンパスの中 心に建つサーストン・メモリアル・チャペルの言葉 は、半世紀前の建設当初と変わらず雄弁に、しかも 心の奥深くに語りかけてくる。

ある月曜の朝、私はこのほの暗いチャペルの中 にいた。いくつものステンドグラスが早朝の光を受 けて煌めいている。このチャペルには以前にも来 たことがあったが、今回は以前には見過ごしていた 細部に目がとまった。広々した芝生広場ごしに見 えるチャペルそのものは驚くほどシンプルだ。小さ く、四角張っていて、屋根は銅瓦葺。外壁は白い漆 喰で、細長いステンドグラスが何列か並び、小さな 銅製の十字架が飾られている。チャペルの足もと には睡蓮の池があり、堀のように建物の一角を取 り囲んでいて、その濃い緑が屋根の緑青によく映え ている。ブーゲンビリアで覆われたトレリスの下を くぐり抜けると、シダに縁取られた静かな中庭に出 た。巨大なモンキーポッドの樹が影を投げかけて いる。

ここから眺めると、チャペルはまったく違う姿を 見せる。こちら側の屋根は茶色い陶器瓦で覆われ ていて、訪れた人を礼拝堂の中へと導く重厚なコ ア材のドアには、イエス・キリストの生涯を打ち出 し細工で描いた銅版がはめ込まれている。より温 かみがあって、優しく誘うような素材使いだ。キャ ンパスの喧騒がはるか遠くに感じられる。

Translation by Tomoko Shirota

翻訳 = 城田朋子

This arrival sequence is part of the architectural design, carefully choreographed to create a sense of intimacy and quiet. Inside the chapel is the same hushed reverence, despite the myriad fourth and fifth graders that fill the pews, which are arranged in a semicircle around a coral altar. (Founded by missionaries in 1841, Punahou still requires students to attend chapel.) Above the altar hangs a thin, wooden cross, illuminated by a sculptural skylight. Remarkably, there is water inside, too. And fish. The lily pond flows into the chapel beneath a shortened section of the exterior wall.

The service commences like any other: Somber organ music, the lighting of candles. But then, the kids burst into “Hawai‘i Aloha.” Led by a jubilant chaplain with an acoustic guitar, they sing “E hau‘oli e nā ‘ōpio o Hawai‘i nei / ‘Oli ē! ‘Oli ē!” There is a prayer peppered with Hawaiian and several Hawaiian chants, including one that is dedicated to Pele, the fire goddess. It feels somewhat surreal, listening to students sing to a Hawaiian deity in a Christian chapel beneath a cross. After all, not so long ago, missionaries in the islands banned hula and the Hawaiian language.

After the service, the chaplains tell me they want all students, regardless of their religious backgrounds, to feel welcome in Thurston Chapel. As it happens, this was also the intent of its architect: Vladimir Ossipoff. At its dedication in 1967, he said that he hoped students in need of “physical and spiritual shelter will naturally gravitate here, and that having come here, they will find the comforting solace they seek.”

The Russian architect had designed other buildings on the Punahou campus, and he knew that the fanshaped lily pond near the campus’ center was a place of deep significance. Lined with small stones, the pond is fed by a freshwater spring, which has several legends associated with it. In the most well known, an elderly couple who live beneath an old hala tree find the area plagued by severe famine and drought. In separate dreams, the man and the woman are told to uproot the tree. They do so, and freshwater gushes forth. They call it Kapunahou, or “the new spring.”

When Ossipoff presented his design for the chapel in 1964, it was at once thoughtful and lunatic: The building would sit not just near the lily pond—it would sit in it. “That had to be one of the gutsiest architectural moves,” architect and Punahou graduate Nate Smith tells me. To the school’s trustees, Ossipoff proposed the structure be nestled into the northeast portion of the pond, like a

こうして入り口に着くまでの流れも建築デザインの一部であり、親密さと静 謐さを感じさせるよう、慎重に計算されている。珊瑚石の祭壇を半円形に取り 囲むように配置された座席に4年生と5年生の生徒たちが大勢座っていたにも かかわらず、しんとした敬虔さがチャペルの中にも満ちていた。（1841年に宣 教師たちが創設したプナホウ・スクールは、現在でも全生徒に礼拝への参加を 義務づけている。）祭壇の上には細い木材で作られた十字架が吊られ、天窓か らの光に立体的に照らし出されている。驚くことに、室内にも水が流れ、魚ま でいる。チャペルの外壁の一部が短くなっていて、その下から池の水が流れ込 んでいるのだ。

礼拝は、ほかの教会と変わりなく進む。荘厳なオルガンの音楽、ろうそくの 光。だが、それに続いて生徒たちが歌い始めたのは『ハワイ・アロハ』だった。 陽気な牧師がアコースティックギターで合唱をリードする。「エ・ハウオリ・ナ ー・オーピオ・オ・ハワイ・ネイ、オリ・エー！オリ・エー！」。祈りの中にハワイ語 が何度も登場し、詠唱されたハワイ語のチャントには、火の女神ペレに捧げら れたものもあった。キリスト教の礼拝堂の中、十字架の下で生徒たちがハワイ の神を讃える歌を歌っている光景は、どこかシュールリアリスティックに感じら れた。宣教師たちがフラやハワイ語を禁じていたのは、それほど遠い昔のこと ではないのだから。

礼拝の後で牧師は、このチャペルではどのような宗教的な背景を持つ生徒 にも、自分は歓迎されていると感じてほしいのだと話してくれた。これは、この 建物を設計した建築家、ウラジミール・オシポフのビジョンとも重なる。1967 年にチャペルが完成したとき、オシポフは、「心と身体を休めたいと願う生徒た ちが自然にここに惹きつけられ、ここに来ることで、心地よい安らぎを見つけら れること」が自分の願いだと語っている。

ロシア出身のオシポフは、このチャペルの前にもプナホウ校の建物をいくつ か設計しており、キャンパスの中心部にある扇形をした睡蓮池の重要性をよく 知っていた。小さな石で縁取られた池の水は、泉から湧き出す淡水だ。この泉 にはいくつもの伝説がある。最もよく知られた伝説は、ひどい旱魃と飢饉がこ の地を襲ったとき、ハラの老木の下に住んでいた老夫婦が、その木を引き抜く ようにという夢のお告げを受けてその通りにしたところ、新鮮な水が勢いよく 湧き出した、というものだ。二人はその泉を新しい泉を意味する「カプナホウ」 と名づけたと伝えられる。

オシポフが1964年に提示したこのチャペルの設計は、考え抜かれたもので あると同時に、常識はずれでもあった。建物を池のそばに建てるのではなく、 池の上に建てようというのだから。「当時の建築としては、非常に大胆な試み だったと思います」と語るのは、プナホウ校の卒業生で建築家のネイト・スミス さん。オシポフがプナホウの理事たちに提示したデザインは、池の北東部分に

sheer-faced peninsula, the water lapping at its plaster walls like the ocean against chalky white sea cliffs. Inside, the floor would slope down to the altar, bringing students and teachers as close to the spring as possible. The water would even flow directly into the building.

Ossipoff assured the school it could be done. A retaining wall was built across a corner of the pond and the water pumped out. The foundation was carefully sited, so as not to damage the spring. By 1967, the chapel was finished, constructed almost exactly the way Ossipoff had designed it. Fifty years later, Thurston Chapel is still regarded as one of the architect’s best works. But what is perhaps most interesting is that the building, in a way, saved the lily pond.

Despite irrevocably altering its shape, Thurston Chapel actually reinforced the import of the spring, the water of which, by the 20th century, was being diverted for fountains, irrigation systems, and the school’s first swimming pool. Among the earliest traditions associated with the pond was a “dunking ceremony,” a sort of freshman hazing ritual involving costumes and a parade. And in a 1917 master plan for Punahou, drawings show the lily pond ringed by an imposing stone colonnade, which would have relegated the pond to being a passive feature of the landscape.

Instead, Ossipoff forged a new, more active relationship between the school and the spring, marrying the built and the natural. The chapel building is completely “inextricable from its site and the legend that resides there,” Dean Sakamoto, a Hawai‘i-born architect, wrote in Hawaiian Modern: The Architecture of Vladimir Ossipoff. “It is at once Hawaiian, modern, and timeless.”

Timeless, but also boundless, rooted in something bigger than any one religion. That visitors descend into the chapel, and that the altar sits at the lowest point in the building, make it an anomaly among places of worship. To enter any other church or temple, a person almost always ascends a set of steps. This is practical, in part, but it is also symbolic, distinguishing between the mundane and the sacred, and, in certain faiths, bringing congregants physically closer to God. At Kapunahou, Ossipoff brings occupants closer to the ground. God, he seems to suggest, resides not just in the heavens, but also on the earth.

切り立った岬のように池に抱かれて建つチャペルだった。海の波に洗われる 白亜の崖のように、池の水が漆喰の壁に打ち寄せる。室内の床は、生徒や教師 たちが可能な限り泉に近づけるように、祭壇にむかってゆるやかに下っている。

さらに、建物の中にも水が直接流れ込む。

オシポフは、この案は実現可能だとプナホウ校に請けあった。池の一角を 横切る形に擁壁を作って排水し、水源を損なわないよう慎重に基礎工事を行 った。1967年、チャペルはほぼオシポフの設計どおりに完成した。それから 50年たった現在も、サーストン・チャペルはオシポフの最高傑作の一つとみな されている。だが、最も興味深いのは、ある意味、この建物が睡蓮池を救ったと いう事実だ。

池の形を永久に変えたとはいえ、サーストン・チャペルはこの泉をいっそう 重要なものにした。20世紀に入ってから、この泉の水は噴水や灌漑システム、 プナホウ校の最初の水泳プールなどに使われるようになっていた。学校創設 当初から、池にまつわる伝統行事もいくつも生まれ、コスチュームをつけたパレ ードとともに新入生を手荒く歓迎する「水没の儀式」の舞台でもあったという。 1917年に示されたプナホウ校の基本計画の図面では、池のまわりに荘重な 石の柱を築くことになっていた。もしそれが実現していれば、池はより受動的 な存在として景観の中に埋もれてしまっていたことだろう。

しかしオシポフは、建築と自然を融合させ、プナホウ校とこの泉の間に生 き生きとした新しい関係を作り上げた。こうしてチャペルは「建っている場 所と、そこに伝わる物語から切り離すことのできない存在となった」と、ハワ イ生まれの建築家ディーン・サカモトは著書、『HawaiianModern:The ArchitectureofVladimirOssipoff（ハワイのモダン：ウラディミール・オシ ポフの建築）』の中で述べている。「ハワイらしさを持ちながらもモダンで、しか も時代を超えている」と。

このチャペルは、時を超えているだけでなく、境界も超え、一つの宗教にとど まらない、何か大きなものに根ざしている。訪れる人はチャペルに向かって下 っていく。祭壇は、祈りを捧げる場所としては異例なことに、建物の最も低いと ころに設けられている。ほかの教会や寺院は、たいていの場合、数段高い所へ 上るように作られているが、これは実用に即しているだけでなく、俗と聖をへだ てるという象徴的な意味も持っている。宗教によっては、信徒たちを物理的に 一歩神に近づけるという意味を込めているものもある。だが、ここカプナホウ では、オシポフは人々を地面へと導く。神は天のみならず、地にもいますのだと 示しているかのように。

for·ev·er - /fəˈrevər/ adverb 1. for all future time; for always. a·lo·ha - /əˈlōˌhä/ exclamation · noun 1. a Hawaiian word used when greeting or parting from someone.

Tropic Obscura

Delving into the elusive outdoors in soft chiffon, washed denims, and swaths of tulle.

Modeled by Nora Aguinaldo



Travel

ES CA PES

experiences

both

faraway and familiar

A Sense of Place

文 = N・ハアリリオ・ソロモン

Where modern travel is concerned, it is important to practice inoa ‘ āina, or traditional place names.

イノア・アイナ（伝統的地名）には、人々があらゆる場 所へ移動するようになった現代だからこそ尊重すべ き、重要な意義があります。

“Alahula Pu‘uloa, he alahele na Ka‘ahupāhau.”

Everywhere in Pu‘uloa

is the trail of Ka‘ahupāhau.

The saying above is an ‘ōlelo no‘eau, a well-known Hawaiian adage. ‘Ōlelo no‘eau are usually proverbial and didactic, often uttered as metaphor or allegory. They speak of deities, people, places, events, and stories as references to Hawaiian lore, society, origin, and history. This one, about the trail in Pu‘uloa, reveals the extent to which shark deity Ka‘ahupāhau is familiar with her home, such that it is, or was, her alahula (well-known path).

Even though this saying about Ka‘ahupāhau endures, the place to which it refers has largely been modified and repurposed. Pu‘uloa, now often called Pearl Harbor, is a wahi pana (historical place) that survives under mounting layers of development, militarization, and industrial use. In light of so much transformation, does Ka‘ahupāhau still have her alahula, and if so, where is it?

The answer lies, at least to some degree, in the place name. Pu‘uloa literally means “long hill” and delineates the geography and scope of Ka‘ahupāhau’s abode. Like many other inoa ‘āina (traditional place names) in the Hawaiian universe, Pu‘uloa is topographical and encodes information about

AlahulaPuʻuloa,healahele naKaʻahupāhau.

（プウロアのすべての場所は、カアフパハウの道 である）

この一節は、オレロ・ノエアウ（ōlelonoʻeau）、す なわちハワイの有名なことわざの一つである。オレ ロ・ノエアウには通常、道徳的な教えや教訓がこめ られており、隠喩や寓喩を用いたものが多い。神 々、人々、場所、出来事、物語について伝えながら、 ハワイの伝統や社会、ものごとの由来、歴史などに ついて語るのだ。プウロアの道に関する冒頭のこ とわざは「サメの女神カアフパハウは自らの土地を すみずみまで知りつくしており、そこはまさに彼女 のアラフラ（よく知る散歩道）である（であった）」と いう伝説を表現したものだ。

女神カアフパハウに関することわざは残ってい るものの、その場所、プウロアは、今ではすっかり様 変わりして、かつてとは違う目的に使われるように なってしまった。今日ではパール・ハーバーと呼ば れるプウロアは、度重なる開発、軍用化、産業利用 などを経て変貌を遂げてきたワヒパナ（史跡）であ る。これほど変わってしまったこの場所に、今も女 神カアフパハウの散歩道は残っているのだろうか。 まだあるとしたら、それはどこにあるのだろう。

その答えは、少なくともある程度は、土地の名 前の中に見出すことができる。プウロアは直訳す ると「長い丘」という意味で、女神カアフパハウの住 まいの地形と規模をあらわしている。ハワイに伝わ るほかの多くのイノア・アイナ（伝統的な地名）と同 様、プウロアはその土地に立って眺めた地形の特 徴に関する情報を含んでいる。ハワイの地名には

하와이의 지명들에 대한 이 교육 가이드는

오아후 주변의 유명한 지역들에 대한 이야기를 함께 공유합니다.

Translations by Mikiko Shirakura 翻訳 = 白倉三紀子

N. Ha‘alilio Solomon is a Hawaiian language instructor at the University of Hawai‘i at Mānoa, where he is also a PhD candidate in the department of linguistics. He is a translator of ‘ōlelo Hawai‘i with Awaiaulu and Ho‘opulapula. He is the author of “Rescuing Maunalua: Shifting Nomenclatures and the Reconfiguration of Space in Hawaii Kai,” a chapter in the forthcoming book Migrant Ecologies: Environmental Histories of the Pacific World (2021).

N・ハアリリオ・ソロモンは、ハワイ大学マノア校のハワイ語講師で、ハワイ大 学言語学部の博士候補者でもある。AwaiauluおよびHoʻopulapulaの ハワイ語翻訳を務めるほか、2021年に発行予定の『MigrantEcologies: EnvironmentalHistoriesofthePacificWorld（移動生態学：太平洋 地域の環境史）』では「RescuingMaunalua:ShiftingNomenclatures andtheReconfigurationofSpaceinHawaiiKai（マウナルアを救う： ハワイ・カイ地域の変わりゆく命名法と再構成）」という章を執筆している。

the physical features of the area from a feet-on-theground perspective. In different ways, Hawaiian place names capture localized knowledge, mapping the lived experiences of people upon the ‘āina and the intimate relationships that tie us to it. The names are constructive intersections between the cognitive, imaginative, and spatial dimensions by which kama‘āina make sense of our world, arrange the events of our existence, and embed value and meaning in these islands.

Hawaiian place names can also contain information about natural resources. For example, ones that include “wai” indicate fresh water in the region. This resource is identified in the name of the O‘ahu district Wai‘anae, as are the ‘anae (mullet) that swim in the waters offshore so frequently they also earned a mention.

Some inoa ‘āina are spiritually or religiously significant. Mōkapu, a peninsula on the windward side of O‘ahu, is a shortening of “moku kapu,” which literally translates to “taboo district.” The name demarcates the sacred lands that belonged to Kamehameha I. There are also older accounts in primary sources that tell of Mōkapu as the location where the first humans were created to populate Hawai‘i. Other inoa ‘āina commemorate significant events, such as Kohelepelepe, meaning “vaginal fringe,” which calls to mind when shapeshifter Kamapua‘a, true to his kolohe (mischievous) nature, chased Pele across the archipelago, and her sister Kapo sent her own genitalia to the top of Koko Crater to distract Kamapua‘a and give Pele a moment to rest and escape. According to lore, Kapo’s ma‘i (genitals) left an indentation on the lip of Koko Crater that is still visible from Awāwamalu, also known as Sandy Beach.

In recounting these examples, we might recognize a problem: All the inoa ‘āina mentioned so far have English substitutes that usually supplant the original names or alternate pronunciations of the Hawaiian names that have become so widely used the original names they cover up sound foreign, unrecognizable, and obscure. Today, Pu‘uloa is called Pearl Harbor. The local pronunciation of Wai‘anae usually deletes the ‘okina and changes its meaning, even if inadvertently. After World War II, Mōkapu changed to “North Beach,” and it has since devolved into the “Marine Corps Base,” or its more convenient acronym, MCBH. Kohelepelepe and the crater atop which it lies have been lumped together and subsumed by today’s common misnomer, “Koko Head.” These examples are a handful among hundreds of shifts that have already occurred, and at this rate, they foreshadow many more to come.

さまざまな形でその場所にまつわる知識が盛り込まれており、そのアイナ（土 地）に生きた人々の経験や、その土地と私たちを結びつける深い関係が表現さ れているのだ。地名は、カマアイナ（ハワイの人々）が世界を理解するために用 いる知識、想像力、空間情報が建設的に組み合わされて生まれたものであり、

人々に起きた出来事を整理したり、ハワイの島々の中でその土地に価値や意 味を与えたりするものである。

ハワイの地名には、天然資源に関する情報が含まれているものもある。た とえば、「wai」のつく地名は、その地域に淡水があることを示している。オアフ 島のワイアナエ（Waiʻanae）という地名にはこの「wai」が含まれ、沿岸をボラ が泳ぐ姿がよく見られることから、ボラを意味する「ʻanae」も入っている。

地名には、精神的・宗教的な意味を帯びたものもある。オアフ島のウィン ドワード側にある半島モカプ（Mōkapu）は「mokukapu」が短縮されたもの で、直訳すると「タブー地区」となる。これは、カメハメハI世の地を「聖なる土 地」として区別するものだ。モカプはハワイで最初に人類が創造された場所で あるとする、さらに古い記述のある文献もある。また、重大なエピソードを伝 える地名もある。たとえば「女性器の縁」を意味するコヘレペレペ（Kohelepelepe）がその一つだ。さまざまな姿に変身する男神カマプアアが、そのやん ちゃ（kolohe）な性格をさらけ出し、女神ペレを島から島へとしつこく追いかけ 回したため、ペレの妹カポが自身の女性器をココ・クレーターの頂に投じてカ マプアアの気を逸らし、その隙にペレは逃げることができた。コヘレペレペは そんな逸話を伝える地名なのだ。言い伝えによると、カポのマイ（maʻi：女性 器）によって、ココ・クレーターの縁にくぼみができたとされており、そのくぼみ は今もアワワマル（Awāwamalu、別名サンディビーチ）から見ることができる。 こうした例を見ていくうちに、ある問題に気づくことになる。これまでに紹 介したイノア・アイナ（地名）には、そのすべてに英語の別名があるという点で ある。英語の地名や、ハワイ語を英語風の発音に変えてしまった地名が広く 使われるようになったために、元の地名がわからなくなってしまっているの だ。たとえばプウロアは現在パール・ハーバーと呼ばれているし、ワイアナエ （Waiʻanae）の発音からはたいてい、意図的ではないにせよ、オキナと呼ばれ る吃音が消え、その意味が変わってしまっている。モカプ（Mōkapu）という地 名も、第二次世界大戦後にノース・ビーチという名に変えられ、やがて海兵隊 基地（MarineCorpsBase）になり、さらに縮めてMCBHという略称が使わ れることもある。コヘレペレペとその周辺のクレーターの頂はひとまとめにさ れ、ココ・ヘッド（KokoHead）という縁もゆかりもない名前で呼ばれるように なってしまった。ここに挙げた例は、すでに変わってしまった何百もの地名の ほんの一部にすぎない。このまま行けば、さらに多くの地名が変更されてしま うだろう。

The erasure of Hawaiian names and the imposition of new and foreign ones is dangerous, even if the traditions by which the new names are created are similar to Hawaiian ones. The name Pearl Harbor is commemorative, but it celebrates American conquest, occupation, and militarization the same way MCBH does. The epithet “Sandy Beach” is topographical but hardly hearkens to a Hawaiian environment the way Awāwamalu does, referring to the shaded valley inland of the shoreline where ‘uala (sweet potato) was farmed. The name Kohelepelepe faded after Maunalua was massively developed into modern-day Hawaii Kai on the heels of Statehood in 1959, and the Koko Head “Stairs of Doom” further overwhelmed the name as the summit hike became a popular recreational activity and tourist destination.

We are witnessing the literal reinscription of Hawaiian space, with new and foreign names receiving privilege. When names are replaced, so are their senses of place, their networks of meaning, their value systems. The underlying reasons for such shifts are manifold but not always free of ulterior motives such as the claiming of territory. For some, the English name is easier to pronounce than the Hawaiian. In other instances, a new name could actually be more appropriate to fit the way the place has since been manipulated. But mostly, we should consider this reinscription as a distancing of our Hawaiian place names from us, and by extension, an imposition of new cultural norms, values, and meaning.

But there is hope in the small victories where traditional place names are being reclaimed by local communities. There seems to be a push in the media to standardize the spelling of place names while including proper diacritic markings. Signage identifying the ahupua‘a land divisions of larger moku districts is now visible around all of O‘ahu, and the project was so successful that it has begun on neighbor islands. A few years ago, the local Kailua school changed its name from Lanikai Elementary to Ka‘ōhao Elementary to identify the area’s original name that existed before development began there in 1924.

We know what makes Hawai‘i beautiful and unique. We know the reasons behind the popular “lucky we live Hawai‘i” notion. We know the values that make Hawai‘i meaningful to us—our connection to our home and its history, to our shared heritage, and to our sense of place. Deeply embedded in all those things are our place names. It is up to us to know them, speak them, and pass them on.

たとえ新しい名前が、ハワイの地名のように伝統や伝説にちなんでつけ られたものだとしても、ハワイ語の地名を捨て、現地語以外の新しい地名を 使うのは危険なことだ。パール・ハーバーも史実に因んでつけられた地名だ が、MCBHという名称と同様に米国による征服、占領、軍事化を称える地名で ある。サンディビーチという通称は地理的な特徴から来ているものだが、アワ ワマル（Awāwamalu）のようにハワイ特有の環境を伝えるものではない。ア ワワマルという地名は、海岸線の内側に広がる、サツマイモ（ʻuala）が栽培され ていた日陰のある谷を表している。また、コヘレペレペという地名が使われな くなったのは、1959年にハワイが州となった直後の大規模開発によってマウ ナルア（Maunalua）が現在の住宅地ハワイ・カイ（HawaiiKai）へと生まれ変 わった頃からで、クレーターの頂を目指すハイキングコースがレジャースポッ トとして人気を集めるようになると、「ココ・ヘッド、地獄の階段（KokoHead, StairsofDoom）という呼び名がますます台頭するようになった。

ハワイでは今まさに、新しい外国語の地名が重用され、ハワイ特有の地名 がそれらに置き換えられようとしている。名前が変わると、その場所に対する 感覚、意味のつながりや関係性、価値体系も変わってしまう。こうした変化の 背景をなす要因は多岐にわたるが、縄張りの主張といった思惑が隠されてい ることも少なくない。英語の地名のほうがハワイ語の地名よりも発音が簡単 だからというのが理由であることもあれば、新しい名前のほうが、すでに変わっ てしまったその場所の状況に合っていることもある。だが多くの場合、こうした 置き換えはハワイの地名を私たちから遠ざけ、ひいては、新しい文化基準や価 値観や意味を押しつけるものであると考えるべきだろう。

そんな中、希望を与えてくれる小さな成功例もある。あちこちの地域コミ ュニティで伝統的な地名を取り戻そうという動きがあり、メディアでも正式な アクセント記号を含める地名の綴りの標準化が進められているようだ。また、 モク（moku）という地域区分の下位概念であるアフプアア（ahupuaʻa）とい う区画を示す標識がオアフ島全域で見られるようになり、オアフ島でのこの プロジェクトの成功を受けて、他の島でも同様のプロジェクトが動き始めてい る。数年前には、カイルアにある小学校の名前が「LanikaiElementary」から 「KaʻōhaoElementary」に変更され、1924年にその一帯が開発され始め る前に使われていた元の名前を取り戻した。

私たちは、ハワイの美しさと独特の魅力がどこから来ているのかを知ってい る。なぜみんなが「ハワイで暮らせるのは幸運だ」と思うのか、その理由も知っ ている。私たちはハワイの価値を知っている。その価値があるからこそ、ハワイ は私たちにとって意義深い場所となっているのだ。それは、土地とのつながり であり、そこにある歴史や共通の遺産とのつながりであり、場所に対する感覚・ 想いとのつながりである。地名には、そうした要素が深く刻み込まれているの だ。それを学び、使い、継承していけるかどうかは、私たちにかかっている。

Site for Solomeo

ソロメオの伝統と未来

Text by Marc Graser

文：マーク・グレイサー

Images provided by Brunello Cucinelli

写真提供 = ブルネロ・クチネリ

This piece was created in collaboration with

Twenty minutes from Perugia, discover the natural beauty of Italy’s Cashmere Valley, which inspires the wares and soul of Brunello Cucinelli. ウンブリア地方の州都ペルージャ近郊に位置す る、イタリアの「カシミアの谷」。美しい自然に囲ま れ、デザイナー、職人、そして旅人にインスピレーシ ョンを与え続けている聖地です。

Leaving a mark on future generations is just as important to Brunello Cucinelli as it is for the Italian fashion designer to create beautiful clothing and help people dress well.

All you have to do is visit Solomeo to experience that firsthand.

The small village, nestled in the picturesque hillside of central Italy’s Umbria region, has been faithfully restored by Cucinelli to celebrate its medieval heritage. With some modern touches, of course.

The once decaying bell tower of the Church of Saint Bartholomew, founded in the 12th-century, rebuilt in the 1700s, and now fully revitalized with an 18th century organ, stands tall over the Piazza della Pace (Square of Peace).

A 14th-century castle now serves as Cucinelli’s headquarters and a school that teaches courses on apparel making, tailoring, horticulture, landscaping and masonry.

The Forum of the Arts is meant to honor the Forum in ancient Rome as a welcoming gathering place, and houses a Renaissance-inspired 200-seat theater and amphitheater, a well-manicured garden of cypress trees, rose bushes and flowing fountains, and the Aurelian Neohumanistic Academy, which boasts an impressive collection of classic and historic texts in numerous foreign languages. Cultural events honor the philosophies of Plato and Artistotle.

A winery features sweeping views of the vineyard and sprawling countryside below. A monument to human dignity is made of an arcade of five graphic travertine marble arches that represent the world, with the structure built according to ancient techniques to insure its preservation for centuries.

これからの世代のために何かを残すこと。イタリア のファッションデザイナー、ブルネロ・クチネリさん にとって、それは、人びとが美しく装うための服を創 るのと同じくらい大切なことなのだという。

ソロメオの村を訪れれば、それが実際に何を意 味するのかを、自分の目で見ることができる。

イタリア中部ウンブリア地方の美しい丘陵地帯 に抱かれた小さな村、ソロメオには、クチネリさんの 尽力により、中世から受け継いだ伝統的な景観が 忠実に復元されている。とはいえ、もちろんそこに は現代の要素もある。

12世紀に建造され、18世紀に再建された聖バ ーソロミュー教会の鐘楼は、一度は朽ちかけていた が、完全にもとの姿を取り戻し、ピアッツァ・デラ・パ ーチェ（平和の広場）を堂々と見下ろしている。18 世紀のオルガンも元通りに修復された。

14世紀に建造された城の中には、クチネリ社の 本部と、アパレルメーキング、仕立て、園芸、ランドス ケープ、石工などを教える学校がある。

「ザ・フォーラム・オブ・アーツ」は、人びとの集い の場だった古代ローマのフォーラム（広場）になら った場所で、ルネッサンス様式を取り入れた200席 の映画館兼劇場、手入れの行き届いた糸杉の木立 ち、バラの茂みと噴水、そして「アウレリアヌス近代 人文アカデミー」からなる。このアカデミーは、さま ざまな外国語の古書や名著の堂々たるコレクショ ンを誇り、プラトンやアリストテレスといった哲学者 の名を冠した文化イベントがここで開催される。

ワイナリーからは、ぶどう園と、その向こうにのび のびと広がる田園風景が一望できる。「人間の尊 厳をたたえるモニュメント」は、トラバーチン石材で つくられた5つのアーチが連なるアーケードで、古 代の技術を用いた構造は何世紀もの風雪に耐えう る堅牢さを備えている。

このすべては1985年以来、クチネリさんがこの 小さな村に私財を投じて築いてきたものだ。古い

翻訳：ラウ外山恵里 Solomeo는아름다운목적지이자Brunello Cucinelli의집입내다.

Translation by Eri Toyama Lau

The entire effort has been a labor of love for Cucinelli since 1985. What’s old is new now. Just don’t think of it as an Italian theme park.

What could easily sound like the plaything of a man who’s built a fortune but doesn’t know how to spend it is actually an honorable effort to build a community that seeks to protect a cultural history that could otherwise disappear.

Urbanization and a tough economy have turned many of Italy’s smaller villages into ghost towns. Cucinelli didn’t want to see that happen to Solomeo, which is 30 minutes from where he was born in Castel Rigone.

Solomeo is part of a brand that Cucinelli, who at 66 years old, has evolved into what he calls a humanistic enterprise that brings moral dignity back to artisans and craftsmanship. A philosopher himself, Cucinelli embraces sustainable fashion, and more recently, a new kind of capitalism that seeks out “harmony between profit and giving back.”

That includes taking care of the company’s 2,024 employees, none of who were laid off during the pandemic.

“Italy is made up of many good people, proud men and women who know how to be supportive and close at times of hardship,” Cucinelli says.

ものが今では新鮮に生まれ変わったのだ。ただし、ここをイタリア式テー マパークだと思ってはいけない。

ありあまる富を築いて使い途に困っている人の酔狂、と思われるかも しれない。だが、クチネリさんの尽力は、何もしなければ失われてしまう であろう文化遺産を守るためにコミュニティを築くという、高い志にもと づいている。

都市化の波と低迷する経済は、イタリアの小さな村の多くをゴースト タウンにしてしまった。クチネリさんは、自分が生まれた小さな町、カステ ル・リゴーネから30分の距離にあるソロメオの村がそんな運命をたどる のを見過ごせなかったのだ。

ソロメオの村は、クチネリさんが生み出したブランドの一部となった。

現在66歳のクチネリさんは自らのブランドを、職人とそのクラフツマンシ ップの誇りを取り戻すヒューマニスティックな事業だと位置づけている。

独自の哲学を持つクチネリさんが追求するのは、サステイナブルなファッ ション、そして最近では「利益を得ることと還元していくことの調和」をめ ざす新たな資本主義だ。

それには2,024人の従業員を大切に扱うことも含まれている。このパ ンデミックのさなか、クチネリさんの会社では一人も解雇されていない。

「苦境に陥ったときに互いに寄り添い、助け合うことを知っている、誇 り高く心の美しい人びとの住む国。それがイタリアなのです」と、クチネリ さんは語る。

“To restore the dignity that belongs to work and mankind: this is the dream which the hamlet of Solomeo has always yearned to fulfill,” Cucinelli adds. “Here we live and work in a place that we hope to have improved for future generations, and we have hopefully improved the experience of the people who work with us. We are surrounded by nature and the beat of time is not as fast as it might be in other places in the world. Here the church bells ring every 15 minutes, and this fascinates us every day. If I didn't have to leave for business, I would gladly stay here all the time.”

The restoration of Solomeo is personal in another way. The village is where Cucinnelli met his wife, Federica, and the two started dreaming about their company, founded in 1978.

“It is my home,” he says. “It was crucial to me to maintain our roots, heritage and culture where our ancestors lived so future generations can carry on its beauty. I feel most inspired when I am surrounded by my beautiful Umbria and especially when I’m in my beloved Solomeo; its colors, smells, tastes, sounds, landscape, and people in this region move my soul. I have spent my whole life here, and it is where I feel most grounded. Each season continues to bring me new perspectives, new air, and new life.”

Solomeo is 20 minutes from Umbria’s capital of Perugia, in the heart of Italy’s Cashmere Valley. It’s home to 500 companies in neighboring towns like Magione, which overlooks Lake Trasimeno, Giano dell’Umbria, Torgiano, and Terni, further south, that specialize in turning wool into what’s normally an extremely soft and neutral-toned textile.

Never a traditionalist, Solomeo is home to Brunello Cucinelli’s luxury Italian fashion empire where his brightly dyed cashmere is produced by 1,000 artisans who work in a town that’s home to just a few hundred residents. Factory tours are available to visitors, but not promoted.

Those looking to visit Solomeo will find a number of charming villas and hotels to book, including Sina Brufani, Relais dell’Olmo and Relais Casamassima, surrounded by vineyards and scenic views.

During a visit to Umbria, Cucinelli recommends exploring the small village of Castelluccio di Norcia, where during May through the beginning of July, the flat basin erupts in a mosaic of blossoming violets, poppies, lentils and clover, creating a tapestry of yellows, reds, violet and white that stretches out toward the base of the surrounding Sibillini Mountains.

The region’s natural beauty has long inspired Cucinelli’s products. “I am constantly moved by the colors, materials, details, patterns, and textures of Umbria. Each season, the color of the leaves change, the wheat grows, new flowers blossom. There is inspiration every day in many details that we may have not have noticed the year before or perhaps I see them differently.”

Like a proud parent, Cucinelli finds it hard to single out any one project to favor over another in Solomeo.

“I am fond of every single stone, and every single memory it brings with it,” he says. “Today, Solomeo is ‘the hamlet of the spirit,’ and I like to think that we have restored this place to its original beauty.”

「仕事にも人間にも、本来備わっているはずの誇りを取り戻すこと。ソロメオ という小村で、わたしたちはその夢を実現させようと常に努力してきました」クチ ネリさんは続ける。「わたしたちが暮らし、仕事をしているこの村を、次の世代に とってより良い場所にすることができたのならば嬉しいですし、ともに働く人たち の環境も改善できたと考えています。自然に囲まれたこの村では、時間の進み方 も世界のほかの場所ほど速くありません。15分ごとに教会の鐘の音が響き、わた したちは日々、その音色に魅了されるのです。仕事で出張する必要がなければ、 ずっとこの村にいたいと思いますよ」

ソロメオ村の復興には、クチネリさん自身の個人的な思い入れもあった。この 村は、クチネリさんが妻フェデリーカさんに出会った場所でもあるのだ。二人は 自分たちの会社を設立する夢を育みはじめ、1978年に夢を実現させた。

「この村はわたしの『ホーム』なのです」クチネリさんは語る。「自分のルーツ、 そして自分たちの先祖が育んだ伝統と文化を守り、その美しさを世代から世代へ と受け継いでいくことが、わたしにとってとても重要なのです。ウンブリア地方の 美しさに囲まれているとき、そして特に、愛するソロメオ村にいるときにこそ、感性 がもっとも研ぎ澄まされる気がします。この土地の色彩、匂い、味、音、景色、そし てここの人びとが、魂に訴えかけるのです。生まれたときからずっとこの地で暮ら してきたわたしにとって、ここがいちばん落ち着いて自分に還れる場所です。季節 が移り変わるたびに新しい視点、新しい空気、新しい生命を運んできてくれるの です」

ソロメオはウンブリアの州都ペルージャから車で約20分。イタリアの「カシミ アの谷」の中心に位置している。この地方には、トラジメーノ湖を見下ろすマジョ ーネ、ジャーノ・デッルンブリア、トルジャーノ、そしてもう少し南にあるテルニとい った町に、自然な色合いの特別に柔らかな毛織物をつくることを専門とする企業 が500社ほど点在している。

人口ほんの数百人のソロメオ村は、伝統を守るだけの村ではなく、ブルネロ・ クチネリさんのラグジュアリー・ファッション帝国の本拠地だ。1,000人を超える 熟練した職人たちが、明るい色に染められたカシミア生地をつくっている。特に 宣伝はされていないが、工場見学もできる。

ソロメオの村を訪ねてみようという人のためには、シーナ・ブルファーニ、ルレ・ デッラ・オルモ、ルレ・カーサマッシマなど、ぶどう園と美しい景色に囲まれた魅力 的なヴィラやホテルが何軒もある。

ウンブリア地方を訪れる人にクチネリさんがすすめるのは、カステッルッチョ・ ディ・ノルチャという小さな村へ足を伸ばすことだ。5月から7月にかけて、平ら な盆地にあるこの村では、すみれやポピー、レンズ豆、クローバーの花々が咲き乱 れ、黄や赤、紫、白の織りなすタペストリーが、村を取り囲むシッビリーニ山脈の ふもとまで広がる。

この地方の自然の美しさは、クチネリさんのつくる製品のアイデアの源となっ てきた。「ウンブリア地方が持つ色や素材、ディテール、パターン、風合いに、常に 心を動かされてきました。季節ごとに木の葉の色は変わり、小麦は育ち、新しい 花が咲きます。前の年には気がつかなかったささやかな細部から、日々、インスピ レーションを得ています。わたしのものの見方が年々変わるのかもしれませんね」 子どもを誇らしく思う親と同じで、クチネリさんはソロメオ村のプロジェクトの 中からどれが一番気に入っているかを選ぶことはできないようだ。

「石のひとつひとつ、その石にまつわる思い出のひとつひとつが愛しいので す」クチネリさんはそう打ち明けた。「ソロメオは『スピリットを持つ村』となりまし た。この村本来の美しさを取り戻すことができたと思うと嬉しくなります」

FA RE

delectable hidden gems

Healing Garden

Text by Kate Mykleseth

Images by Josiah Patterson

On 50 acres in Lualualei Valley, Kahumana Organic Farm and Community grows more than just greens.

ルアルアレイ渓谷に約20ヘクタールにわたって広がるカフマナ・オー ガニック・ファーム・アンド・コミュニティー。そこで育てられているの は野菜だけではありません。

카후마나 유기농 농장 및 커뮤니티는 식품 지속

가능성을 홍보하고 모든 계층의 서비스를 제공 하고 있습니다.

At Kahumana Organic Farm, which is hidden within Lualualei Valley at the base of Mount Ka‘ala, monkeypod and mango trees tower over buildings alongside fields of produce, an aquaponics system, and quiet, lush areas marked by small temples. Rachel LaDrig, Kahumana’s manager of agritourism, guides me through the farm’s grounds and explains the decades-old ethos behind its name: Those who contribute to Kahumana are kahu, or guardians, nurturing mana, the spirit and soil.

カアラ山の麓に広がるルアルアレイ渓谷にひっそりと抱かれたカフマナ・オー ガニック・ファーム。その敷地にはアメリカネムノキやマンゴーの木が建物に 覆いかぶさるように繁り、農作物が植えられた畑とアクアポニクスと呼ばれる 魚の養殖と野菜の水耕栽培を融合させた施設があり、いくつもの小さな聖堂 が豊かな緑の中に静かに佇んでいます。この農園でアグリツーリズム部門のマ ネージャーを務めるレイチェル・ラドリグさんに敷地内を案内してもらう間、こ の農園の名が表す、数十年にわたって受け継がれてきた精神について教えても らいました。カフマナ農園に貢献する人々は、マナ（魂と土地）を育むカフ（保 護者）だというのです。

Founded in 1974 as a holistic place to help adults with special needs, the nonprofit Kahumana has expanded to include 50 acres in the leeward valley where it hosts a variety of services for the community, including its organic farm, as well as a café, transitional housing, a retreat, a learning center for adults with intellectual disabilities or autism, and a commercial kitchen. “Part of the mission is to serve a holistic, farm-based, community approach to healing,” LaDrig says. “The way we care for the most vulnerable members of our society determines our mark as a people and a nation.”

Despite its hidden location, Kahumana opens its land to the community through guided tours, annual seed exchanges and festivals, and the Farm Hub, at which Kahumana buys excess produce from Wai‘anae residents. The farm also produces bountiful harvests of kale, collards, fennel, and parsley—favored by upscale O‘ahu restaurants like Roy’s and Monkeypod Kitchen. As we walk by a small plot set aside for salad mix, LaDrig points out the farm’s Organic Keiki Greens, popular with such restaurants. She shares a dragon fruit, picked from an adjacent cactus, and explains the farm’s use of cover crops, which aid in protecting unused soil, and trap crops, which distract pests.

In addition to promoting food sustainability, the farm serves groups from all walks of life: Interns tend to the farm acreage while learning about time management and meal preparation; adults from the nearby Kahumana Learning Center pitch in at the market store; and residents living at one of Kahumana’s two transitional housing programs work in the farm’s café, serving dishes made with produce sourced just a stone’s throw away.

These programs, Ohana Ola O Kahumana and Ulu Ke Kukui, support O‘ahu’s struggling families, the majority of which are from the Wai‘anae Coast, by providing transitional housing and wraparound services. “You don’t just hand someone a house and their problem is solved,” LaDrig says, noting that the residents at the facilities

カフマナは、特別な支援が必要な成人をサポートするためのホリスティック な場として1974年に設立された非営利団体ですが、現在ではオーガニックファ ーム、カフェ、社会復帰をめざす人々のための住居、リトリート施設、知的障害や 自閉症を持つ成人のための学習センター、業務用キッチンなど、コミュニティー 支援のための様々な施設が備わった約20ヘクタールの土地をリーワード渓谷 内に所有するまでに成長しています。「農場をベースとして、コミュニティーとして の包括的な癒しへのアプローチを提供するというのが、私たちのミッションのひ とつです」とラドリグさんは言います。「社会の中で最も弱い立場にある人々をど う支援していくか。それが人間として、そして共同体としての私たちのあり方を 決定づけるのです」

人里離れた場所にあるカフマナですが、彼らはその土地をガイドつきツアー、 毎年恒例の種の交換会、フェスティバル、そしてワイアナエ地域の住民から余剰 の農産物を買い取る「ファーム・ハブ」を通じてコミュニティーに開放しています。 また、農園でたくさん栽培されているケール、コラード、フェンネル、パセリといっ た野菜は、「ロイズ」や「モンキーポッド・キッチン」といったオアフ島の高級レスト ランで使われ、好評を博しています。サラダ用の野菜が植えられた小さな区画の そばを通りながら、ラドリグさんはそうしたレストランで人気の「オーガニック・ケ イキ・グリーン」として出荷されるとりどりの野菜を指さしました。そして、その隣 に植えられているサボテンからドラゴンフルーツをもぎ取って手渡してくれ、被覆 作物を利用して使っていない土壌を守る方法や、「トラップ作物」を使って害虫を 防ぐ方法を説明してくれました。

農園では食料の持続可能性を推進するほか、様々な立場の人々を支援する 取り組みが行われています。インターン生たちは農園の仕事に従事しながら時 間管理や調理の技術を学び、カフマナ学習センターの成人学生たちはマーケッ トストアを手伝います。カフマナに２つある、社会復帰をめざす人のための住宅 プログラムの参加者は農場のカフェで働き、カフェの目の前にある畑で採れる農 作物を使って調理された食事を給仕するのです。

カフマナには、オアフの貧困家庭を支援する「オハナ・オラ・オ・カフマナ」「ウ ル・ケ・ククイ」という２つのプログラムがあります。そうした家庭の多くはワイア ナエ沿岸の住民です。カフマナは、彼らに社会復帰のための住宅施設や「ラップ

Part of the farm’s holistic mission is to serve the most vulnerable members of local society.

can also take part in workshops for resume writing, money management, and computer training. Some stay on with Kahumana afterward, working at homesteads that are rented out for retreats, in the café, or on the farm.

“There is so much growth happening all the time here,” LaDrig says, noting that the Organic Keiki Greens are thriving and will soon be ready for harvest. “This is a model for a healthy community and healthy relationships, between food and people.”

アラウンド」と呼ばれる巻き込み型の福祉サービス を提供しています。「困っている人々に住む場所を 提供するだけでは問題の解決にはなりません」とラ ドリグさんは語ります。施設の住民は履歴書の書 き方やお金の管理法を学んだり、コンピューターの トレーニングを行うワークショップに参加すること もできます。プログラムの期間が終了した後もカフ マナに住み続け、リトリート用に貸し出される住居 施設やカフェ、農園で働く人々もいるそうです。 「ここではいつでもたくさんの成長を目にする ことができます」とラドリグさん。彼女はそう語り ながら、まもなく収穫の時期を迎えるオーガニッ ク・ケイキ・グリーンがすくすくと育っているところ を見せてくれました。「カフマナは、食べ物と人間の 間に成り立つ健康な関係と、すこやかなコミュニテ ィの優れたモデルだと思います」

Experience Hokua

When the small details are taken care of, there’s plenty of time to soak in soaring ocean views and plan your next adventure. Hokua blends the best of city condo living with home-like design and an ocean view from every unit, starting on the fifth floor and rising.

Honolulu’s first luxury residential high-rise, Hokua set a new bar with spacious floor plans and elevated service that offered a new standard of condominium living. Luxury residences are seamlessly integrated with offices, restaurants and dynamic retail in the center of one of Honolulu’s most vibrant neighborhoods.

Explore Kapolei Commons

Come for what you need, and then stay for what you desire. Whether it’s a common lifestyle, common purpose, or common obsession, you’ll find it here.

Designed as an epicenter of local culture, food, shopping and innovative events, Kapolei Commons is the ideal destination to connect and discover. A curated mix of retail offers everything from the basics to the unique, dining options that help keep you healthy and allow you to indulge, alongside local entertainment and events that bring neighbors and families together.

DB

Blending local favorite with asian cuisine. Our chefs focus on seasonal ingredients and contemporary techniques to create new savory dishes and update island favorites. Enjoy craft cocktails and Asian craft beers handpicked by our mixologist. We hope to create a unique dining experience for our customers through our food and seamless service.