BEVERLY HILLS
DonDe el MunDial se vive en otra DiMensión
e Dial iMensión
SANTIAGO MUÑOZ
Mbre
el hoMbre que convirtió las ciuDaDes en escenarios
DaDes
BUGATTI W16 MISTRAL
La obra maestra que creó como homenaje
EL REY NO ABDICA
HUGO SÁNCHEZ HABLA SIN
FILTROS SOBRE EL ORGULLO DE SER MEXICANO, LA NOSTALGIA DE LA GLORIA, EL FÚTBOL QUE SE PERDIÓ Y LA DISCIPLINA
IMPLACABLE QUE LO HIZO ETERNO
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EL REY NO ABDICA
Gerardo Oñate fue activista, luego actor, luego mito.
Con “El Ritual del Nahual” llegó a Rotterdam, a Cannes y a 500 salas en México. Ahora quiere que te sientes en la oscuridad y te hagas la pregunta que nadie responde
WELLNESS
18
La inteligencia emocional se nos volvió urgente
20
La verdadera crisis de la que nadie habla: la falta de energía vital
FIRST CLASS
4
Longines GCT donde el mundo se detiene y solo quedan el jinete y el salto
8
El arte de ser tu propio BOSS
10
Bvlgari en el corazón de Monterrey
SOCIALES
12
Élévatione cumple siete años deteniendo el tiempo
FILANTROPÍA
14
La Gala con Causa de Fundación SimiRED que transforma vidas
BELLEZA
22
La neurocosmética en donde tu piel siente lo que tú sientes
26
El protector solar que cabe en tu bolsa y no pesa en tu cara
HÁBITAT
28
El arte de vivir con intención
32
El baño como declaración de vida
Daniela Leal: La mujer que cambió las reglas del juego
ENTRETENIMIENTO
40
Santiago Muñoz: el hombre que convirtió las ciudades en escenarios
60
¡Could we be any more excited?
STREAMING 44
COLUMNA INVITADA
De los dioses al mercado SHOW
La primera ópera sobre Frida Kahlo y Diego Rivera
64
“La Joya” que te hace recordar quién eres
TRAVEL 68
Londres acaba de conseguir el hotel de bienestar que merecía
70
Beverly Hills, donde el Mundial se vive en otra dimensión
Luz Aldán la que siempre jala al grupo
58
Salvador Suárez: enloqueciendo con lo que crea 74
Comer bien nunca había sabido tan bien 78
Matsuba: el tiempo como ingrediente 80
Cuando la tradición y la vanguardia se sientan a la misma mesa
TIEMPO 82
Royal Pop el reloj de bolsillo más deseado del año no tiene correa
100
H. Moser & Cie. y Reebok crean el Streamliner Pump
MOTOR
La obra maestra que Bugatti creó como homenaje a una hija
McLaren Artura Spider MCL39 Championship Edition F1
88
Miami, el nuevo templo de la velocidad
Aura: La pantalla que no compite 94
Realme: el diseño del lujo sin remordimientos
Jumex le pone nombre a lo que ya sabemos, en México todos jugamos en el mismo equipo
DONDE EL MUNDO SE DETIENE Y SÓLO QUEDAN EL JINETE Y
EL SALTO
DONDE EL MUNDO SE DETIENE Y SÓLO QUEDAN EL JINETE Y EL SALTO
El Longines Global Champions Tour volvió a Campo Marte para recordarnos que la elegancia y la adrenalina no son opuestos son la misma cosa a 1.60 metros del suelo
Por Maria Eugenia Rivas
Campo Marte no es solo una locación. Es una declaración. Cuando el Longines Global Champions Tour elige la Ciudad de México como una de sus paradas, no está eligiendo una cancha: está eligiendo una atmósfera, una energía, una audiencia que entiende el deporte tanto como entiende el espectáculo. Y la edición 2026 lo confirmó con creces.
Los mejores jinetes del mundo, medallistas olímpicos, campeones de temporada, figuras del circuito internacional, midieron su talento en un recorrido diseñado por el mexicano Anderson Lima: un trazado que no perdonó errores y que dejó en claro desde la primera vuelta que esta prueba exigiría lo mejor de cada binomio. De 40 jinetes clasificados para el Gran Premio, solo 11 completaron el recorrido sin faltas. Eso, en el lenguaje del salto ecuestre, es una obra maestra de diseño.
El marco fue a la altura: un escenario visual que fusionó la identidad cultural mexicana, con sus colores, sus artesanías, sus globos de Cantoya, con la estética del lujo internacional que caracteriza al LGCT. Longines, reloj oficial del tour y cronometrador de la precisión, marcó cada segundo con la autoridad de quien lleva décadas midiendo los instantes que definen a los campeones.
Si el deporte tiene alma, ese domingo en Campo Marte la mostró sin pudor. El italiano Piergiorgio
LONGINES GLOBAL CHAMPIONS TOUR MÉXICO 2026
Campo Marte · Ciudad De México
GRAN PREMIO — CSI 5
1° Piergiorgio Bucci (ITA)
“Pallieter vd N. Ranch” · 43.68
seg
2° Katrin Eckermann (GER)
“Iron Dames Dialou Blue PS”
3° Simon Delestre (FRA)
“Golden Boy DK”
• Recorrido diseñado por Anderson
Lima (MEX)
• 40 clasificados · 11 sin faltas
TROFEO EL PALACIO
DE HIERRO — CSI 2
1° Camila Saad Vega (MEX)
“Candro PS” · 40.07 seg
2° Daniel Rihan (MEX)
“Chacoon S Konzeta PS”
3° Edoardo Alain Dubois (MEX) “Cazaan”
• Altura: 1.45 m · 49 binomios participantes
• 9 finalistas en el desempate
Bucci se coronó campeón del Longines Global Champions Tour Gran Premio de México, montando a “Pallieter vd N. Ranch” con un tiempo de 43.68 segundos en el desempate. Con este triunfo, Bucci se convirtió en el segundo jinete italiano en conquistar este codiciado Gran Premio, y su nombre quedó inscrito junto a los más grandes del circuito global.
El segundo lugar fue para la alemana Katrin Eckermann, quien llegó a México buscando revalidar su victoria en Miami. Su yegua “Iron Dames
Dialou Blue PS” la llevó hasta el podio, pero el cronómetro no le dio las décimas que necesitaba. El francés Simon Delestre, con “Golden Boy DK”, completó un podio de tres continentes en el que la excelencia fue el único denominador común. Pero la historia más poderosa de la tarde la escribió un mexicano. Eugenio Garza salió de último , una posición que en el salto ecuestre puede ser ventaja o condena, y durante casi todo el recorrido pareció encaminado a convertirse en el primer jinete local en ganar el Gran Premio.
Superó el tiempo del italiano. Dominó los obstáculos con precisión quirúrgica. Hasta que el último. Un derribo junto a su caballo “Contago” convirtió lo que pudo ser historia en una lección sobre la crueldad y la belleza del deporte de alto rendimiento.
Si el Gran Premio dejó un sabor agridulce para el orgullo local, el Trofeo El Palacio de Hierro lo endulzó por completo. La mexicana Camila Saad Vega y su semental “Candro PS” dominaron de principio a fin la prueba estelar de la serie CSI 2 —obstáculos a 1.45 metros—, cerrando el recorrido del desempate en 40.07 segundos: el tiempo más rápido, sin faltas, entre 9 finalistas que salieron de un campo de 49 binomios.
El podio fue completamente tricolor: Daniel Rihan y su joven caballo de nueve años “Chacoon S Konzeta PS” obtuvieron el segundo lugar, y Edoardo Alain Dubois con el experimentado
“Cazaan” cerraron el medallero en tercero. Una tarde que México no olvidará pronto.
Hubo un instante, después de la premiación del Gran Premio, en que el Campo Marte se transformó en algo más que una pista de competencia. La Orquesta Sinfónica de la Defensa interpretó el Himno Nacional acompañada por Leonardo Aguilar y el Coro de Niños Ollin Yoliztli. Las voces, los uniformes, las banderas, los caballos aún presentes en el paddock: una postal de México que difícilmente se repite.
Esa es la marca del Longines Global Champions Tour en su escala mexicana: la capacidad de combinar la adrenalina del deporte de élite con la ceremonia, la cultura y el orgullo de un país que recibe al mundo con el mismo aplomo con el que sus jinetes enfrentan los obstáculos. Con los cuatro remos en el aire y el cronómetro corriendo. //@revistacosasmx
EL ARTE DE SER TU PROPIO JEFE
David Beckham y BOSS regresan con una primavera/verano 2026 que redefine lo que significa vestir con intención: sastrería de alto nivel, piezas casuales impecables y una versatilidad que lo acompaña a uno del desayuno de negocios a la terraza al atardecer
Por Maria Rivas Alvarado
Hay colaboraciones que suceden, y hay colaboraciones que definen una época. La alianza entre BOSS y David Beckham pertenece, indudablemente, a la segunda categoría. Para la primavera/verano 2026, BOSS BY BECKHAM regresa con una propuesta que se siente como una declaración personal: ropa pensada para el hombre que sabe exactamente quién es, cómo quiere moverse por el mundo y qué quiere decir sin abrir la boca.
La colección nació de un diálogo constante entre el instinto de Beckham ese ojo afinado durante décadas en los campos de fútbol europeos, las alfombras rojas de Londres y las calles de Los Ángeles y la maestría técnica del director creativo de HUGO BOSS, Marco Falcioni. El resultado es un guardarropa de temporada cálida que nunca sacrifica la elegancia por la comodidad, ni la comodidad por la elegancia. Ambas conviven, se superponen y se potencian.
Los tejidos lo dicen todo. Mezclas de lino transpirable, lana virgen ligera, cachemira suave, nappa de primera calidad y sedas discretas construyen un universo táctil que tiene tanto que ver con el lujo cotidiano como con la artesanía de temporada. Los colores hablan en voz baja pero con autoridad: neutros terrosos que van del beige pálido al marrón carbón, con destellos de turquesa intenso y azul marino que marcan el pulso del verano sin gritar.
“Trabajar con David sigue siendo una colaboración creativa poderosa. Su instinto por el estilo moderno y su comprensión de la verdadera versatilidad han moldeado esta colección desde el principio”, señala Marco Falcioni, director creativo de HUGO BOSS
Los looks de campaña, fotografiados por el legendario dúo Mert y Marcus y con dirección creativa de Trey Laird, muestran a Beckham en su elemento más natural: seguro, sin esfuerzo, auténtico. Un cárdigan de algodón beige sobre una camisa de seda y algodón amarillo mantequilla, con pantalones de lana virgen y zapatillas de cuero y ante, resume en una sola imagen todo lo que esta colección propone: el lujo de parecer que no te esforzaste, cuando en realidad todo está perfectamente calibrado.
La sastrería, territorio histórico de BOSS, aparece aquí reinventada con una relajación estudiada. Un traje cruzado en lino color marfil para eventos de verano, o una americana cruzada gris carbón con mezcla de lana, seda, lino y cachemira para esas cenas donde el ambiente lo pide todo: ambos comparten una construcción impecable que, al mismo tiempo, respira. La firma no abandona la arquitectura del traje; simplemente la hace más humana.
Para quienes el fin de semana empieza el jueves, la colección ofrece también chaquetas de cuero nappa marrón con cuello alto, monos de lona con ribetes de ante y sudaderas de felpa en bloques de color. Piezas que funcionan igualmente bien en un vuelo privado o en un brunch con vista al mar. Esa es, en definitiva, la promesa de BOSS BY BECKHAM: ropa para una vida que no se detiene y que, en ninguno de sus momentos, está dispuesta a renunciar al estilo. //@revistacosasmx
LOS CINCO LOOKS
QUE HAY
QUE CONOCER
El relajado lujo. Cárdigan de algodón beige + camisa de seda y algodón amarillo mantequilla + pantalones de lana virgen + zapatillas de cuero y ante.
El del evento de verano. Traje cruzado en lino marfil + camisa de algodón + corbata de punto de lino y seda + Oxford marrón.
El sofisticado casual. Americana cruzada gris carbón con mezcla de lana, seda, lino y cachemira + camiseta de lino marino + pantalones de algodón marrón.
El fin de semana. Chaqueta de cuero nappa marrón + tejido crema de lana virgen + pantalones de algodón elástico + zapatillas de colección.
El color de temporada. Chaqueta de algodón turquesa intenso + pantalones de pana marrón + sudadera de felpa en bloques de color.
EN EL CORAZÓN DE
ROMA MONTERREY
Bvlgari inaugura su boutique en El Palacio de Hierro y lleva el esplendor de la Via Condotti al norte de México
Por Cosas Staff
Monterrey tiene un nuevo templo del lujo. Bvlgari, la maison romana fundada en 1884, abrió las puertas de su boutique en El Palacio de Hierro de la ciudad, marcando un hito para el universo de la alta joyería y la relojería en México. La inauguración fue mucho más que una apertura comercial: fue una declaración de intenciones, una oda a la belleza y un diálogo íntimo entre dos culturas que comparten el amor por la artesanía, el arte y la excelencia.
La noche del gran estreno comenzó con un corte de listón ceremonial presenciado por una seleccionada concurrencia del mundo empresarial, cultural y social de Nuevo León, con la presencia estelar de Renata Notni, embajadora oficial de la casa italiana. La actriz y figura de la cultura pop mexicana encarnó a la perfección el espíritu Bvlgari: audaz, sofisticada, eternamente contemporánea.
El espacio en sí es una obra maestra. El diseño de la boutique dialoga con la arquitectura romana a través del travertino, piedra ancestral que viste los muros de sus interiores con una elegancia sobria y monumental. En el suelo, la estrella Condotti de ocho puntas, símbolo icónico de la maison, aparece incrustada en mármol Botticino, replicando el détail más preciado de la tienda flagship en Via Condotti, Roma. Tonos mediterráneos, acabados sutiles y una iluminación cuidadosamente orquestada completan un ambiente donde el tiempo parece detenerse.
La celebración continuó en el Museo La Milarca, la joya arquitectónica inaugurada en 2023 en el Parque Rufino Tamayo de San Pedro Garza García. Allí, la cantante mexicana Ceci de la Cueva ofreció una actuación que tejió con su voz un hilo invisible entre la eternidad del arte y la audacia de Bvlgari. La velada concluyó con una cena de cinco tiempos a cargo de Pangea, el restaurante de autor del Chef Guillermo González Beristáin, galardonado con una Estrella Michelin, donde las técnicas francesas se funden con la riqueza de los ingredientes del noreste de México.
Con esta apertura, Bvlgari no solo expande su presencia en México,donde ya cuenta con boutiques en Ciudad de México, sino que reafirma su compromiso con la promoción del arte, la cultura y la excelencia artesanal. Monterrey, ciudad de empresas y de vanguardia, tiene ahora un nuevo punto de encuentro para quienes entienden el lujo como una forma de vida: un pedazo de la Via Condotti, instalado permanentemente en el corazón del norte. //@revistacosasmx
SIETE AÑOS DETENIENDO EL TIEMPO
Por María Rivas Alvarado
Av. Presidente Masaryk 427, en Polanco, fue el escenario elegido para una de las veladas más glamorosas de la temporada. Élévatione Time Stops apagó las siete velas de su aniversario en México con una exclusiva Black Carpet que reunió a decenas de celebridades, socias del mundo de la belleza, la moda y el entretenimiento, todas dispuestas a dar fe de algo que la marca lleva siete años demostrando: que la piel puede ser, literalmente, una obra de arte. La noche desbordó glamour desde el primer instante. Las invitadas desfilaron por la alfombra negra —un guiño atrevido y propio a la cultura del lujo— entre destellos de cámaras y la cadencia inconfundible de una marca que ha sabido construir, con paciencia y rigor, una comunidad fiel en uno de los mercados de belleza más exigentes del mundo. Polanco, como anfitíon natural del lujo capitalino, pareció ponerse a la altura de la ocasión.
EL LUJO QUE TRANSFORMA VIDAS
Jardines de México fue el escenario de una noche donde el glamour, Andrea Bocelli y la generosidad de corazón se encontraron para reescribir el futuro de miles de personas con discapacidad en el país
Por Cosas Staff
Hay eventos que se organizan, y hay eventos que se sienten. La Gala con Causa de Fundación SimiREDI fue, sin duda, de los segundos. En el parque floral más grande del mundo, Jardines de México en Morelos, más de tres mil invitados, entre figuras del arte, la cultura, el deporte y la política, respondieron a un llamado que va más allá del protocolo: el de ponerse del lado de quienes más lo necesitan. No fue una gala ordinaria. El dress code era de gala, sí, pero el alma de la noche tenía nombre y apellido: las más de 9 millones de personas en México que viven con algún tipo de discapacidad y que, en muchos casos, también enfrentan la pobreza. Para ellas, esta velada fue mucho más que una celebración.
LA SUBASTA
Patagonia chilena, Castel Gandolfo en Italia, la isla Contoy en Quintana Roo y hasta un café privado con el Dr. Simi. Cada lote fue una historia, y los asistentes la compraron con el corazón. La subasta de experiencias recaudó dos millones 185 mil pesos, cifra que será duplicada por Víctor González Dr. Simi, presidente fundador de Grupo Por Un País Mejor.
Con lo recaudado, SimiREDI planea abrir tres nuevos centros de rehabilitación: uno en Baja California, uno en Ciudad de México y otro en Guerrero. Se sumarán a los diez que ya operan en Tamaulipas, Estado de México, Quintana Roo, Ciudad de Mexico, Nuevo León, Puebla, Morelos y Veracruz. Un tejido de esperanza que crece.
La gala contó con diferentes actividades a lo largo de la noche. KL Joon, pianista coreano, amenizó Gala el cóctel de bienvenida. La Big Band Jazz de México, acompañada del grupo Il Tenore, ofreció música en vivo durante la cena. Como evento estelar, el tenor italiano Andrea Bocelli ofreció un concierto a la luz de la luna que cerró la velada con una actuación que los asistentes describieron como una experiencia que no se puede comprar en ningún mercado.
El presidente ejecutivo de Grupo Por Un País Mejor, junto con la gobernadora de Morelos, lideraron una gala que reunió a personalidades del arte, la cultura, el deporte y la política bajo una sola causa. El impulso filantrópico de la familia Gonzalez ha construido una de las redes de rehabilitación más importantes del país para personas en situación de vulnerabilidad. //@revistacosasmx
LA INTELIGENCIA
EMOCIONAL SE NOS VOLVIÓ
URGENTE
Los números ya no mienten: ignorar las emociones en el trabajo le cuesta a la economía global tanto como al país entero. Y la inteligencia artificial acaba de volver esa conversación inevitable
Por Sami Ramírez*
Hay un tema de conversación palpable en los pasillos de las empresas, en los chats privados, de camino a casa después del trabajo. Se habla de lo agotados que estamos, de la frustración en el trabajo, de que algo no está bien pero no sabemos cómo decirlo. No es una moda, es algo más profundo. Una incomodidad normalizada.
En el mundo corporativo las emociones no entran, se quedan en la puerta. Ser profesional es sinónimo de ser racional, distante y de suprimir las emociones. No de gestionarlas, navegarlas o controlarlas, de suprimirlas. Millones de personas aprendimos a actuar para poder entrar al juego. Llegar cada mañana, ponernos la máscara y funcionar en piloto automático, cuidando lo que decimos para no incomodar o ser percibidos como difíciles, para no perder el trabajo que necesitamos y queremos.
El problema es que las emociones no desaparecen porque las ignoremos. Se acumulan. Y ese costo, que durante años fue invisible en los balances financieros, hoy tiene número.
El estudio de Gallup 2026, basado en 141 mil 444 empleados en más de 140 países, reportó que solamente el 20% de los empleados en el mundo están realmente conectados con su trabajo. Es el nivel más bajo desde 2020 y prácticamente el mismo que Gallup registró cuando empezó a medir el engagement global en 2009. Quince años de progreso, borrados en tres.
Los líderes de alto nivel reportaron un engagement más alto, pero emocionalmente tienen más estrés (+7 puntos), más enojo (+12), más tristeza (+11) y más soledad (+10) que sus colaboradores en el día a día. Ser líder puede dar voz, influencia
* Sami Ramírez es coach ejecutiva y autora de ¡Auxilio! Tengo un jefe (Editorial Urano). Tras más de trece años en el mundo corporativo, decidió dedicarse a crear espacios de aprendizaje donde las personas puedan reconectarse con su poder interior.
y estatus, pero también implica mayor tensión emocional. Y esa tensión que vive el líder se traspasa al equipo.
Según WorkForce Institute de UKG (2023), los jefes tienen más influencia en la salud mental de un empleado que un terapeuta, un médico o su propia pareja. El 60% de los encuestados dijo que el trabajo es el factor que más impacta su salud mental. No la familia. No la economía. El trabajo.
¿Cuánto les cuesta todo esto a las empresas?
Según Gallup, la baja en engagement le costó a la economía mundial aproximadamente 10 billones de dólares en productividad perdida en 2025, equivalente al 9% del PIB global.
Las mismas emociones de las que preferimos no hablar son las que ahora nos pasan factura, y con intereses. Habla la voz corporativa de siempre: hablar de emociones no es escalable, no es medible, no hay tiempo para eso cuando hay resultados que entregar.
Los números dicen lo contrario. Un estudio del Consortium for Research on Emotional Intelligence in Organizations tomó como ejemplo una empresa de consumo de 263 mil empleados y encontró que los líderes con alta inteligencia emocional tuvieron 87% menos rotación en sus equipos y 10% más productividad. Gallup encontró que los empleados con managers emocionalmente inteligentes tienen cuatro veces menos probabilidad de renunciar. Hay quienes le sacan tiempo y espacio a las emociones y facturan.
Nunca se trató de darle al líder la responsabilidad de gestionar las emociones de todos. Se trata de que cada uno, incluidos los líderes, trabaje en las propias. Que cuando da o recibe feedback, cuando no se dio la promoción, cuando se abrumó con las tareas o cuando se siente amenazado,
pueda darse cuenta, nombrar lo que siente y decidir conscientemente cómo responder. La cultura de una organización no la define el manual de valores. La definen esas micro acciones del día a día que reconocen las emociones, las normalizan y las gestionan, en lugar de suprimirlas.
Tampoco se trata de explotar en emociones y traer el drama de la oficina a todas partes. Se trata de crear una cultura de la autoconsciencia en la que cada uno conozca su personalidad, sus valores y sus fortalezas. El perfeccionismo, el miedo a fallar, el síndrome del impostor y la falta de propósito: todos están asociados a la consciencia de nosotros mismos y nuestras emociones. La tarea que no podemos procrastinar más.
Y entonces llega la IA. Según el FMI, el 60% de los empleos en economías
avanzadas podrían ser impactados por la inteligencia artificial en los próximos años. Los trabajos más vulnerables son los que se basan en tareas repetitivas y predecibles. Los más seguros son los que requieren algo que el algoritmo no puede replicar: la presencia física, la capacidad de leer una sala, de tener una conversación difícil, de sostener la incomodidad en momentos de incertidumbre. En otras palabras, nuestra humanidad. Y eso incluye nuestras emociones. La ironía es enorme. Durante años, creímos que las emociones no entraban a la oficina, pero siempre entraron, somos humanos y las llevamos a todas partes. Ignorarlas, en cambio, se convirtió en un óxido que corroe silenciosamente y que ahora nos cobra atención. Se nos volvió urgente ser humanos en el trabajo. //@revistacosasmx
LA VERDADERA CRISIS DE LA QUE NADIE HABLA: LA FALTA DE ENERGÍA VITAL
Cuando el descanso no alcanza: por qué la batería interna es el verdadero indicador de tu bienestar
Por Master Oh*
Vivimos en una época de avances extraordina rios. Tenemos acceso inmediato a informa ción; las noticias viajan en microsegundos, la tecnología avanza a pasos agigantados ofreciendo soluciones integrales para prác ticamente todos los sectores.
En el campo de la medicina moderna, los descu brimientos son diarios: nuevas terapias, aplicaciones para meditar, suplementos alimenticios, cosmetología avanzada, entrenamientos personalizados y terapias para prolongar la vida.
Sin embargo, a pesar de este abanico de posibilidades, la realidad es otra: cada vez más personas despiertan agotadas, viven en “modo supervivencia” y sienten que, por más que descansen, no logran recuperarse.Existe una sensación generalizada de desconexión: de nosotros mismos, de nuestro propósito, de la claridad mental y de la alegría natural de vivir.
No se trata solo de falta de sueño. Tampoco de productividad excesiva o agendas saturadas. Lo que estamos atravesando, silenciosamente, es algo más profundo: una crisis de falta de energía humana.
Desde mi punto de vista, el error ha sido intentar resolver este tipo de malestares únicamente desde el exterior.Nos han enseñado a cuidar la energía física: mejorar los hábitos, eliminar los excesos, alimentarnos mejor, tomar dos litros de agua al día, dormir ocho horas, practicar algún ejercicio. Todo eso es importante, pero existe otro tipo de energía del que casi no se habla, y es la más importante: la energía vital.
Si comparamos el cuerpo con un vehículo, este necesita combustible, pero también una batería. La comida, el agua y el descanso son el combustible. La energía vital es la batería interna que sostiene nuestro sistema físico, mental y emocional.
Nacemos con una carga de batería, pero con el paso de los años, cuando esta batería está baja, nada parece suficiente. Puedes dormir ocho horas, comer sano, tomar tazas y tazas de café o bebidas energéticas que te ayudan a permanecer despierto, ir al gimnasio, y aun así el vacío interior persiste.
LA DESCONEXIÓN MODERNA
La velocidad del mundo actual nos ha vuelto eficientes, pero no necesariamente conectados con nosotros mismos. Hemos desarrollado herramientas para optimizar el tiempo, pero pocas para restaurar nuestra energía esencial.
El estrés acumulado, las emociones no procesadas, los ambientes saturados, el ruido constante y una mente hiperestimulada generan bloqueos que hemos normalizado, pero que se manifiestan en ansiedad, irritabilidad, cansancio crónico, falta de enfoque o apatía, problemas digestivos, entre otros síntomas.
Lo preocupante es que ya no vemos esto como una señal de alarma, sino como la forma “normal” de vivir.
En distintas tradiciones ancestrales siempre ha existido una comprensión profunda sobre la energía vital (Qi) y la conexión entre cuerpo, mente y espíritu. Hoy, esta sabiduría comienza a reencontrarse con el mundo moderno.
He dedicado más de la mitad de mi vida a ayudar a las personas a recuperar su energía vital y restablecer su equilibrio interior. SunKyeong, el método que ha guiado mi camino durante más de 40 años, integra tratamientos energéticos, meditaciones guiadas, clases de Qi, y procesos orientados a liberar bloqueos físicos, emocionales y mentales.
El objetivo no es únicamente relajarse por un momento, sino restaurar la energía esencial para vivir con salud, claridad y paz. Cuando una persona recupera su energía, recupera también la capacidad de transformar su vida. Durante años, el lujo estuvo asociado al estatus, al dinero o a las posesiones. Hoy, el verdadero lujo es otro: despertar con energía, sentir paz interna, tener una mente clara, y experimentar la felicidad y el agradecimiento de manera natural.
Es fundamental comprender que el recurso más valioso que poseemos no está fuera de nosotros, sino dentro, y es nuestra energía vital. Te aseguro que hay una manera de recargarla.
Te invito a reflexionar: ¿Cómo despiertas cada mañana? ¿Tu cansancio es continuo a pesar de descansar? ¿Estás realmente cuidando tu cuerpo y tu energía?
Escucha a tu cuerpo, a tus emociones y a tu corazón. Porque cuando recuperamos esta conexión, todo cambia. //@revistacosasmx
*Master Oh, es embajador por la paz, la felicidad y la sanación de la humanidad.
TU PIEL SIENTE LO QUE TÚ SIENTES
La neurocosmética deja atrás la promesa superficial de “verse mejor” para proponer algo más ambicioso: usar la conexión entre la piel y el cerebro para transformar cómo te sientes.
Por Aramis Flores
Durante décadas, el cuidado de la piel fue un asunto estrictamente visual: hidratación, tono, luminosidad. La ciencia de los últimos años cambió la ecuación de raíz. La piel es el órgano más grande del cuerpo, entre 1.5 y 2 metros cuadrados y está densa y bidireccionalmente conectada al sistema nervioso central. Lo que esto significa en la práctica es que el estrés emocional eleva el cortisol, lo que debilita la barrera cutánea y desencadena inflamación, acné y envejecimiento prematuro. Y al revés: las impresiones sensoriales que recibe la piel, textura, temperatura, aroma viajan al cerebro e influyen directamente en el estado emocional.
Este descubrimiento está reordenando la industria de la belleza global. El mercado de neurocosméticos, valorado en 2 mil 140 millones de dólares en 2025, crece a una tasa compuesta anual del 8.6% y se proyecta que alcance los 4 mil 500 millones de dólares en 2034. Es una de las categorías de mayor expansión dentro de una industria cosmética que este año supera los 580,000 millones de dólares globales. No es una tendencia de nicho: la neurociencia está dejando de ser un diferenciador para convertirse en un estándar.
“La piel no solo refleja lo que te pones, sino también lo que sientes. Cuando el estrés aumenta el cortisol, la barrera cutánea se debilita. La neurociencia convirtió esa conexión en una palanca de formulación.”
Ringana lleva treinta años construyendo un modelo en el que cada ingrediente tiene función, no decoración. La marca tiene una regla que la define: sin conservantes sintéticos, sin
colorantes artificiales, sin fragancias añadidas. El color, el aroma y la textura de cada producto vienen exclusivamente de sus materias primas. Eso no es un discurso de marketing. Es la base que hace posible la neurocosmética funcional: cuando no hay nada que enmascara la fórmula, la fórmula puede actuar con precisión sobre el sistema nervioso cutáneo.
El enfoque de la marca austriaca, que cumple tres décadas este año, se estructura en tres mecanismos neurocosméticos con ingredientes que trabajan en niveles distintos del eje piel-cerebro: ingredientes neurosensoriales que generan relajación inmediata, activos termoactivos que crean señales de energía y frescor interpretadas por el cerebro como estimulación, y péptidos neuromoduladores que regulan la tensión muscular facial para un efecto visible de “piel más descansada”.
Cada uno de estos mecanismos tiene respaldo científico en la interacción neuroquímica entre las terminaciones nerviosas cutáneas y el sistema nervioso central.
LOS INGREDIENTES QUE HAY QUE CONOCER
Entre los activos más relevantes de la formulación neurociencífica de RINGANA destacan tres. La “planta de la resurrección” (Myrothamnus flabellifolius), un arbusto capaz de sobrevivir a la deshidratación total y rehidratarse sin daño celular, se usa para armonizar la hidratación cutánea y enviar señales de calma al sistema nervioso. Los derivados del mentol, sin alcohol, activan selectivamente los receptores del frío generando frescor sin reducir la temperatura de la piel, una señal que el cerebro interpreta como energía.
LA TENDENCIA
El mercado global de neurocosméticos se valoró en $2,140 millones USD en 2025 y crecerá al 8.6% anual hasta 2034.
La industria cosmética global superará los $580,000 millones USD en 2026, con el skincare representando el 45% del total.
El estrés crónico eleva el cortisol y los mediadores CRH y ACTH en la piel, acelerando el envejecimiento cutáneo por vías inflamatorias (eje HPA).
(Fuente: Ascsillán et al., 2024)
La neurocosmética es una de las 10 tendencias que transforman el mercado en 2025-2026, junto con biotecnología, clean beauty y personalización con IA.
La neurocosmética no promete magia. Propone algo más sofisticado: que el ritual de cuidado de la piel deje de ser solo visual para convertirse en una palanca de bienestar real. Que la fórmula haga el trabajo. Y que ese trabajo se sienta, no solo se vea.
Y el extracto de Acmella oleracea, planta originaria de América del Sur con propiedades miorrelaxantes, reduce la tensión micromuscular facial de forma parecida, aunque topicamente y con menor intensidad, a los efectos que busca la medicina estética.
El hexapéptido acetil-8 completa la ecuación antiedad: un péptido neurocosmético activo que interviene en la transmisión de señales neuronales entre nervios y músculos faciales, favoreciendo la reducción de tensión y una apariencia más relajada. Su acción, documentada en literatura dermatológica reciente, se enmarca en lo que la industria llama “well-aging”: no borrar la edad, sino hacer que la piel la lleve mejor.
INGREDIENTES NEUROSENSORIALES
(RELAJACIÓN INMEDIATA):
» Productos: FRESH skin perfection y FRESH after sun & tan booster, una piel perfecta y un bronceado radiante para después del sol.
» Ingredientes activos: utilizan la “planta de la resurrección” (Myrothamnus flabellifolius) para armonizar la hidratación y enviar señales de calma al cerebro, logrando una tez equilibrada, fresca y radiante. A nivel sensorial, este ingrediente proporciona una agradable sensación de calma, haciendo que su aplicación sea especialmente cómoda.
INGREDIENTES TERMOACTIVOS
(REVITALIZACIÓN Y FRESCURA
INSTANTÁNEA):
» Productos: FRESH breeze y FRESH tooth balm.
» Ingredientes activos: derivados del mentol que activan selectivamente los receptores del frío, creando una sensación inmediata de frescura y
frescor, sin disminuir la temperatura cutánea. Generan una sensación refrescante y controlada, actuando directamente sobre el sistema nervioso de la piel. El cerebro interpreta esta señal como energía pura, ideal para combatir la fatiga mental matutina. Estos productos no contienen alcohol, son especialmente respetuosos con la piel e ideales para las formulaciones neurocosméticas modernas.
PÉPTIDOS NEUROMODULADORES (EFECTO “WELL-AGING”):
» Productos: ADDS effect, FRESH anti wrinkle serum y FRESH eye serum. Los productos RINGANA Better/Well Ageing incorporan conceptos avanzados de ingredientes activos que actúan sobre los procesos de señalización neuronal en la piel. Los péptidos neuromoduladores, por ejemplo, ayudan a regular los estímulos de tensión y a calmar la piel. El resultado no solo es una tez visiblemente más relajada, sino también una mayor sensación de confort. Estos mecanismos son especialmente eficaces en el cuidado antiedad o para pieles estresadas.
» Ingredientes activos: El hexapéptido acetil-8 es un péptido neurocosmético activo que influye específicamente en la transmisión de señales neuronales entre los nervios y los músculos faciales. Favorece la reducción de la tensión muscular excesiva y contribuye a una apariencia más relajada de la piel. El extracto de Acmella oleracea reduce la tensión micromuscular y al relajar los rasgos faciales, se suavizan las líneas de expresión y la piel recupera una sensación de confort absoluto, sintiéndose más calmada y equilibrada. //@revistacosasmx
EL PROTECTOR SOLAR QUE CABE EN TU BOLSA Y NO PESA EN TU CARA
Fotosun UV 100, la marca mexicana que redefine la fotoprotección, lanza tres formatos que no tienen nada de tradicional: un aerosol, una barra y un gloss con FPS. Porque protegerse del sol no debería ser un sacrificio, y en Ciudad de México tampoco debería ser opcional
Por Staff Cosas
La Ciudad de México tiene un dato que mucha gente prefiere no pensar demasiado: a 2 mil 250 metros de altitud, la capital recibe significativamente más radiación ultravioleta que las ciudades costeras a nivel del mar. Cada primavera y verano, el índice UV en CDMX supera la categoría extrema, la más alta de la escala. Y sin embargo, el uso cotidiano de protector solar en México sigue siendo bajo: la mayoría de las personas lo asocia todavía a las vacaciones en la playa, no al martes de oficina ni al sábado de mercado.
Las consecuencias son concretas. La Secretaría de Salud estima entre 11 mil y 16 mil nuevos casos de cáncer de piel en México cada año, incluyendo más de 2 mil melanomas, y los especialistas advierten que la incidencia se ha duplicado cada década. La radiación UV es responsable del 50 al 90% de las neoplasias cutáneas en el país.
Frente a este escenario, la pregunta no es si usar protector solar, sino cómo lograr que sea una práctica diaria y no un trámite ocasional. Ahí es donde la innovación en formato y textura deja de ser cosmética para convertirse en salud pública.
“Queremos que las personas se sientan cómodas en su propia piel, sin capas pesadas ni residuos blancos que oculten su autenticidad. Es protección real para vidas reales”, señala Paola Aquino, gerente de marketing de Fotosun UV 100
TRES FORMATOS, UNA MISMA FILOSOFÍA
Fotosun UV 100, marca del Daclaf, con sede en México y trayectoria en salud cutánea, presenta tres lanzamientos que entienden al consumidor moderno como alguien que se mueve, que no quiere dedicarle diez minutos a aplicarse el protector y que definitivamente no está dispuesto a llegar al trabajo con la cara blanca.
El Solar Spray (FPS 50+) es el protector facial en aerosol que no deja residuo, con propiedades antiedad, antioxidantes y resistencia al agua. Fórmula hipoalergénica, no comedogénica y amigable con la vida marina.
El Solar Stick (FPS 50+) es el formato barra onthe-go: toque seco, acabado invisible, aplicable directamente sin manos. Para el bolsillo del saco, el bolso o la mochila.
Y el Solar Gloss (FPS 30) resuelve una paradoja que muchos no notan hasta que les sale un herpes labial en temporada de playa: los labios también necesitan fotoprotección, y ningún gloss convencional la ofrece. //@revistacosasmx
EL ARTE DE VIVIR CON INTENCIÓN
M kare-design.com
@kare_mexico
Paseo Interlomas & Boulevard Interlomas
ayo llega cargado de significado: es el mes que celebra a las mujeres que dan forma a nuestros hogares, que imprimen su esencia en cada rincón y convierten cuatro paredes en un mundo propio. Este año, Cosas propone algo distinto: que el regalo más poderoso no sea una flor que se marchita, sino un espacio que la represente, la abrace y permanezca. Un interiorismo hecho de emoción, carácter y esa rara valentía de atreverse a ser diferente.
Porque el hogar más hermoso no es el que se ve perfecto, sino el que se siente tuyo
Por Cosas Staff
El interiorismo de hoy no pide permiso. Las reglas se rompen, los muros se llenan de personalidad y las piezas que alguna vez parecieron demasiado atrevidas se convierten en el corazón de un espacio. Kare Design ha entendido esto desde su fundación en Múnich, en 1981: el diseño no es decoración, es declaración.
Loretta Canzoneri, directora de merchandising de la firma, lo dice con claridad: “Las personas están perdiendo el miedo a expresar su personalidad a través del diseño. Vemos una fuerte tendencia hacia piezas statement que definen por completo un espacio.” Colores vibrantes, siluetas inesperadas y acentos que rompen la monotonía se instalan sin disculpas en los interiores contemporáneos.
Mayo es, entonces, el momento ideal para dar ese paso. Para elegir la silla que siempre quisiste pero que te parecía “demasiado”. Para apostar por la lámpara que convierte un rincón ordinario en el centro de gravedad de la sala. Para dejar de diseñar pensando en cómo se verá el espacio, y empezar a hacerlo pensando en cómo se sentirá.
Si hay una tendencia que define el interiorismo de este 2025, es el regreso a lo genuino. Maderas con vetas visibles que cuentan la historia de un árbol. Piedra natural con sus imperfecciones intactas. Metales que no ocultan su textura sino que la exhiben con orgullo. La compañía lleva esta filosofía al extremo: cada material es elegido no solo por su estética, sino por lo que provoca al tacto, a la vista, al olfato.
“Hay un regreso a lo auténtico”, explica Canzoneri. “Los materiales naturales no solo aportan estética, también generan una conexión sensorial que hace que el espacio se sienta más vivo.” En la práctica, esto se traduce en combinar una mesa de madera con granos visibles junto a una silla tapizada en terciopelo o lino natural; una pared de concreto pulido como fondo de una escultura de brónce; una alfombra de fibras naturales como ancla de una sala de colores saturados.
5 TENDENCIAS IN
01 Dare To Be Different
Piezas protagonistas con carácter que transforman cualquier rincón en un statement.
02 Materiales Naturales
Madera con veta visible, piedra y metales texturizados para conectar con lo genuino.
03 Iluminación Sensorial
Lámparas de luz cálida que crean atmósferas, no solo iluminan.
04 Mix De Estilos
La mezcla de épocas y materiales como lenguaje de identidad propia.
05 Lujo Emocional
Espacios diseñados para el bienestar: que inviten a quedarse, no a fotografiarse.
La clave es que los materiales dialoguen entre sí, que cada textura tenga un contrapunto. El diseño sensorial no se improvisa: se construye con intención, pieza a pieza, como quien afina un instrumento.
El lujo contemporáneo huele a vela, tiene temperatura de luz cálida y la silueta de un sillón en el que podrías quedarte horas. La marca propone para mayo una cuestión de capas: iluminación que no agrede, textiles que invitan a tocarlos, accesorios seleccionados con la lógica del signo de pregunta —¿por qué está aquí? ¿qué dice de quien vive aquí?— más que con la del punto final.
“El lujo hoy está profundamente ligado al bienestar”, afirma la directora de merchandising. “Un espacio bien diseñado debe invitarte a quedarte, a disfrutarlo y a desconectar del exterior.” En ese sentido, la decoración deja de ser un ejercicio visual y se convierte en un acto de cuidado: diseñar para uno mismo, para quienes uno ama.
Una consola art decó junto a un sillón escandinavo. Un cuadro contemporáneo sobre una cómoda vintage. Una pieza artesanal mexicana en dilogático con una lámpara industrial. El interiorismo de 2025 celebra la mezcla no como descuido, sino como punto de vista. Cada objeto cuenta algo; el conjunto cuenta quién eres.
Para el contexto mexicano, esta filosofia encuentra un eco natural. “En México buscamos sofisticación, pero también cercanía. Por eso reinterpretamos las tendencias europeas con materiales, colores y sensaciones que se sienten más cálidas y habitables.” El resultado es un interiorismo que habla con acento propio, que sabe de dónde viene pero elige adónde va. Regalar diseño es regalar presencia. Una pieza bien elegida acompaña el café de la mañana, ilumina la sobremesa, ordena el caos del fin de semana. No es un objeto: es un gesto que permanece. //@revistacosasmx
DE ELBAÑO VIDA COMO DECLARACIÓN
El espacio más íntimo del hogar ha cruzado la frontera de lo funcional para convertirse en el santuario personal de nuestra época: donde la arquitectura, el diseño y la grifería de autor reescriben el lenguaje del bienestar
Hubo un tiempo en que el cuarto de baño era el cuarto olvidado. El espacio que los arquitectos diseñan al final, cuando el presupuesto ya había sido repartido entre salones, cocinas y dormitorios. Ese tiempo ha terminado. Hoy, el baño es la habitación más codiciada del hogar moderno, la que más influye en la decisión de compra de una propiedad, la que los interioristas de mayor reputación tratan con la misma reverencia que una sala de estar de aparato. Y con razón: en un mundo que no se detiene, el baño se ha convertido en el único espacio donde el tiempo, finalmente, nos pertenece. Los grandes estudios de arquitectura e interiorismo de la última década han sido unánimes en señalar una transformación profunda en la manera en que concebimos el espacio doméstico. Si la cocina fue la habitación que definió el estilo de vida de los años noventa y dos mil, el baño es, sin lugar a dudas, el territorio que define el lujo contemporáneo. No el lujo de la ostentación, sino el lujo en su acepción más sofisticada: el de la calidad silenciosa, el del detalle que no grita pero que lo dice todo.
Por Aramis Flores Carranza
La tendencia que domina los proyectos residenciales de alto nivel en 2026 responde a un concepto que los diseñadores denominan minimalismo cálido: la eliminación de todo lo superfluo en beneficio de una atmósfera que envuelve, que invita al reposo y que habla a los sentidos antes que a la razón.
Piedra natural, madera tratada, luz estratificada que cambia su temperatura según la hora del día, y superficies que el tiempo no desgasta sino que patina con carácter. El baño, en esta lectura, no es un lugar donde uno entra y sale: es un lugar donde uno llega.
La distribución también ha evolucionado radicalmente. Los baños contemporáneos de alto diseño han abandonado la compartimentación estrecha para abrazar la amplitud visual, la continuidad entre materiales y la integración de elementos que hasta hace muy poco consideraríamos propios del wellness profesional: duchas de lluvia con múltiples salidas, bañeras exentas como piezas escultóricas, dobles lavamanos que permiten la convivencia sin sacrificar el ritmo personal de cada uno. El spa privado dejó de ser una fantasía para convertirse en un estándar de exigencia.
LA GRIFERÍA COMO OBJETO DE AUTOR
En este nuevo paradigma del baño como santuario, hay un elemento que los interioristas más exigentes señalan como verdadero catalizador del conjunto: la grifería. No en vano, los diseñadores más reputados la describen como las joyas del baño. Es el punto de contacto más directo entre el cuerpo y el espacio, el objeto que se toca, que se sostiene, que se manipula varias veces al día. Su presencia, su peso, su acabado, la fluidez con que responde al tacto: todo ello comunica un mensaje preciso sobre la intención de diseño de quién concibió ese espacio. Una llave bien resuelta puede elevar instantáneamente el aspecto de todo un baño sin necesidad de obras mayores. Es la intervención más eficiente en términos de impacto visual por la inversión realizada. Y es aquí donde la elección de la marca y la colección se convierte en una decisión de diseño tan relevante como la elección del mármol o del sistema de iluminación. La grifería no decora: define.
MOEN: DONDE LA INGENIERÍA
SE VUELVE POESÍA
Dentro del universo de la grifería de alto diseño, Moen ocupa un lugar singular. La marca número uno en grifería en Norteamérica no se ha conformado con el liderazgo heredado: lo ha renovado con una filosofía que conecta directamente con las aspiraciones del habitante contemporáneo. Cada nueva colección parte de una premisa que es al mismo tiempo estética y existencial: el agua diseña nuestra vida. La grifería que la canaliza, por tanto, merece ser concebida con la misma seriedad con que se diseña cualquier otro objeto de uso cotidiano que aspire a trascender su función.
Sus dos nuevas colecciones para baño, Diletta y Teonna, materializan con precisión este credo. Ambas han sido concebidas bajo una filosofía de elegancia, diseño y acabados que no cede ni un milímetro en la calidad de fabricación, pero que al mismo tiempo ofrece al interiorista y al propietario una herramienta de expresión con la que trabajar en proyectos de cualquier escala y personalidad estética.
DILETTA: LA ARQUITECTURA EN EL BAÑO
Diletta es, ante todo, una colección que habla el lenguaje de la arquitectura. Sus rectas limpias y ángulos definidos no son una concesión a la moda del momento: son una toma de posición estética que conecta con la tradición del diseño industrial más riguroso, desde Mies van der Rohe hasta los estudios de product design contemporáneo que han hecho de la precisión geométrica una forma de belleza.
La pieza más llamativa de la colección es su llave para lavamanos, que combina en una misma unidad dos acabados: negro mate en el cuerpo y oro bronce en el maneral. Esta decisión de diseño, que une lo frío y lo cálido en un solo objeto, genera una tensión visual que resulta magnética y que responde perfectamente a la tendencia del contraste controlado que define los interiores de lujo actuales. El resultado es una pieza con presencia escultórica que no necesita compañía para convertir un lavamanos en el centro de atención de todo el baño.
La coherencia de la propuesta se extiende a los accesorios: toallero, gancho para bata y portarrollo, este último disponible en dos versiones, una de ellas con pequeña repisa integrada, una solución que combina funcionalidad e ingenio sin renunciar a la pureza de línea del conjunto. Disponible en negro mate, oro bronce y cromo, Diletta ofrece una versatilidad de
DILETTA & TEONNA: GUÍA DE ESTILO
PARA EL BAÑO DE AUTOR
DILETTA
Para el baño que declara su arquitectura
LLAVE PARA LAVAMANOS. Pieza doble acabado: cuerpo en negro mate y maneral en oro bronce. La unión de dos temperaturas visuales en una sola joya funcional. Control preciso del maneral con experiencia táctil de lujo.
ACABADOS. Negro mate (contemporáneo y dramático) — Oro bronce (opulencia moderna y calidez) — Cromo (atemporalidad clásica). Tres lecturas, una misma filosofía.
TEONNA
Para el baño que invita al reposo PIEZAS FUNCIONALES. Llave para lavamanos, monomando y regadera. Sistema integral donde cada pieza pertenece al mismo universo estético de curvas suaves y líneas orgánicas.
ACABADOS. Cromo (brillo clásico que realza la pureza de la silueta) — Negro mate (contraste moderno y audaz). Dos temperamentos para un mismo ideal de serenidad.
acabados que la hace igualmente convincente en un ático minimalista de diseño severo y en un baño principal de corte más clásico y lujoso.
TEONNA: LA CURVA QUE INVITA AL REPOSO
Si Diletta dialoga con la arquitectura racionalista, Teonna pertenece al universo de las formas orgánicas, ese lenguaje que conecta con la naturaleza a través de la curva, el volumen suave y la geometría que imita los ritmos del mundo natural. Cada pieza de esta colección ha sido literalmente esculpida para ofrecer un equilibrio visual que no estimula sino que aquieta: la armonía redonda como antídoto al ruido del mundo exterior.
La propuesta de Teonna es integral: llave para lavamanos, monomando, regadera, gancho para bata, toallero y porta rollo forman un sistema coherente donde cada pieza es reconocible como parte del mismo universo estético. Esta narrativa de diseño unificado elimina el ruido visual que suele afectar a los baños donde los accesorios fueron elegidos en distintos momentos y con distintos criterios. Con Teonna, el conjunto habla con una sola voz.
Disponible en cromo para quienes buscan el brillo clásico que realza la pureza de sus siluetas, y en negro mate para quienes prefieren el contraste moderno y la sofisticación de lo oscuro, Teonna es la respuesta perfecta a los proyectos de remodelación que aspiran al minimalismo cálido: esa estética que combina la depuración de lo innecesario con la acogida de lo esencial.
EL ARTE DE TRANSFORMAR EL SANTUARIO
Remodelar el baño con criterio es uno de los ejercicios más gratificantes del diseño doméstico, y también uno de los que mayor retorno ofrece en términos de calidad de vida cotidiana. No exige necesariamente grandes obras ni presupuestos desorbitados: exige, sobre todo, una visión clara y la disciplina de tomar decisiones coherentes entre sí.
Definir una paleta de materiales que resista el paso del tiempo es el primer paso: los acabados en oro bronce o negro mate aportan un contraste moderno sobre superficies naturales como el mármol o la piedra, creando esa tensión entre lo orgánico y lo manufacturado que define los interiores más
sofisticados del momento. A continuación, la grifería debe ser tratada como pieza central, no como elemento secundario: su elección determina el tono de todo lo demás. Finalmente, una iluminación estratificada que resalta las texturas y los acabados metálicos cierra el círculo, transformando cada momento del día en el baño en una experiencia sensorial diferente.
La elegancia, en definitiva, no es una cuestión de dimensiones. Un baño pequeño con los materiales correctos y la grifería adecuada puede comunicar más sofisticación que un espacio enorme mal resuelto. El lujo verdadero está en los detalles que se tocan, en los acabados que perduran, en los objetos que, con el tiempo, uno deja de ver porque simplemente pertenecen.
El baño perfecto no se improvisa. Se piensa, se cuida, se elige con la misma atención con que se elegiría una obra de arte para el salón o un tejido para el dormitorio. Porque en ese espacio íntimo donde el día empieza y termina, cada detalle importa. Cada material habla. Cada objeto comunica quién eres cuando nadie más te observa. //@revistacosasmx
DANIELA LEAL: LA MUJER QUE CAMBIÓ LAS REGLAS DEL JUEGO
De las bases del diamante al escritorio de la dirección: cómo una jugadora apasionada se convirtió en la arquitecta de la primera liga profesional de softbol femenil en Latinoamérica
Por Aramis Flores Carranza IG@nevermindmexico
ay personas que simplemente no se conforman con ser parte del juego; necesitan reinventarse. Daniela Leal es una de ellas. Jugadora desde los siete años, gerente de ventas, y hoy directora general de la Liga Mexicana de Softbol (LMS), su historia no sigue el guion tradicional del éxito. La suya es una narrativa de pasión transformada en propósito, de cancha convertida
Con apenas tres temporadas de vida, la Liga Mexicana de Softbol ya suena en Japón, convoca a miles de aficionados en estadios de béisbol y ha logrado algo que pocas organizaciones deportivas consiguen tan rápido: enamorar a una nueva generación. Y detrás de todo eso,
LA DIRECTORA
NOMBRE: Daniela Leal
ROL ACTUAL: Directora General, Liga Mexicana de Softbol
EN EL DEPORTE DESDE: Los 7 años
Primera temporada como jugadora LMS: 2024 (temporada inaugural)
Primera temporada como Directora GENERAL: 2025 (segunda temporada)
LOGRO DESTACADO: Primera liga profesional de softbol en Latinoamérica
FILOSOFÍA: “Sembrar semillas para que la liga llegue a 100 años”
“Nunca en la vida hubiera imaginado tener una liga profesional de softball en México. Y cuando se presentó la oportunidad, tomé el papel de jugadora... y luego, el de directora.”
La Liga Mexicana de Softbol arrancó en 2024 con seis equipos y el respaldo unánime de las veinte franquicias de la Liga Mexicana de Béisbol. Daniela Leal, en ese primer año, fue simplemente lo que siempre había sido: jugadora. Una de las pioneras de la primera camada de softbolistas profesionales del país.
Pero Horacio Guzmán, presidente de la liga, tenía una visión clara desde el inicio: que este proyecto fuera liderado por una mujer. Y fue Daniela, con su doble perfil de atleta de alto rendimiento y profesional del mundo corporativo, quien reunía los ingredientes perfectos.
“Él siempre tuvo en mente que esta liga fuera dirigida por una mujer”, recuerda Daniela. “Y con la experiencia tanto deportiva como profesional y personal, él consideró que yo fuera la indicada para tomar las riendas.”
Así, en su segunda temporada al frente, Daniela asumió la dirección general de la LMS con algo que pocas directivas pueden presumir: haber sentido el peso de una bola de softball desde los siete años.
Uno de los grandes retos de Daniela y su equipo ha sido educar al aficionado. El béisbol lleva un siglo en México; el softball llega con frescura, pero también con la necesidad de demostrar que no es simplemente «béisbol con pelota más grande».
“Son primos hermanos”, explica Daniela. “Cada uno tiene su complejidad, su forma de vivir el juego. El softbol es más rápido, más dinámico por las distancias. Y las jugadoras dan el cien por ciento siempre, sin importar si hay cien o diez mil personas en las gradas.”
Lo que también diferencia a la LMS es la cercanía humana de sus protagonistas. En redes sociales, en las sesiones de autógrafos, en cada interacción con la afición, las jugadoras se muestran sin filtros: apasionadas, accesibles, reales. Y eso, en la era de los seguidores y el engagement, tiene un valor incalculable.
“Una niñita puede soñar lo que quiere hoy: puede estar en una misión a la luna o puede jugar softball. Estamos formando toda una cultura nueva desde la raíz.”
Daniela no esquiva la conversación sobre género. La abraza con convicción. La LMS nació en un contexto histórico muy distinto al de las ligas pioneras del siglo pasado,las que evoca la clásica película “A League of Their Own” (Geena Davis, Lori Petty, Madonna y Rosie O’Donnell) y esa diferencia lo cambia todo.
“Estamos en un momento súper importante de cambios para bien en cuestión de la mujer en el ámbito profesional. Muchas de nosotras tuvimos que jugar béisbol para poder practicar un deporte. Hoy hay una mujer que llegó a la luna.”
Para las niñas de hoy, ver a una mujer dirigir una liga profesional no es extraordinario: es la norma que están aprendiendo. Y ese cambio de mentalidad, dice Daniela, es quizá el legado más importante de este proyecto.
A diferencia de los inicios retratados en el cine, la LMS contó desde el día uno con estadios de la LMB, patrocinadores como New Balance y una estructura corporativa que, según Daniela, los puso «diez pasos adelante». La infraestructura del béisbol fue el trampolín perfecto.
No todo es glamour en el mundo del softbol profesional. Daniela es honesta sobre los desafíos. El universo de jugadoras de softball es considerablemente más pequeño que el del béisbol, lo que hace que cada temporada sea un ejercicio de equilibrio entre ambición y sostenibilidad.
“Si bien hay veinte equipos en la LMB, nos encantaría que todos estuvieran en la liga. Pero el crecimiento tiene que ser paulatino. El mundo del softball es más pequeño y necesitamos que haya más jugadoras que quieran practicarlo, desde ligas infantiles hasta el nivel profesional.”
La apuesta de largo plazo es clara: sembrar la semilla en las escuelas, en los parques, en el imaginario colectivo de las niñas mexicanas. La LMS no solo quiere llenar
estadios; quiere construir la cantera que garantice la próxima generación de estrellas.
Cuando se le pregunta cómo se ve en cinco años, Daniela sonríe con la sabiduría de quien sabe que está construyendo algo que trasciende su propio tiempo.
“Me encantaría que la Liga Mexicana de Softbol llegue a los 100 años. Sé que ya no voy a estar, pero hay que seguir sembrando las semillitas para que esto se logre. Que en algún punto estemos celebrando las bodas de plata, los 50, los 100 años.”
De cara a la temporada 2027, la directiva trabaja en consolidar áreas financieras y comerciales, explorar más innovaciones deportivas, el Home Run Derby de Estrellas fue solo el comienzo, y seguir atrayendo jugadoras internacionales de primer nivel que elijan México sobre cualquier otro destino.
Daniela Leal no lidera una liga. Lidera un movimiento. Y como todo gran movimiento, comenzó con alguien dispuesta a soñar en grande y trabajar en silencio, desde los siete años, con una pelota en la mano.
“Lo que hoy es la realidad de muchas niñas —ser beisbolistas, softballistas, astronautas, dirigentes de una liga— antes era impensable. Si tienes el sueño, ya es una realidad.”
La Liga Mexicana de Softbol juega sus temporadas entre enero y abril. Sigue a @LigaMexicanaSoftball en redes sociales para conocer la próxima temporada. //@revistacosasmx
LA LMS
Primera liga profesional de softbol en Latinoamérica: libertad para innovar sin precedentes.
Infraestructura sólida del béisbol mexicano como base de operaciones.
Contexto cultural de empoderamiento femenino en su punto más alto.
Interés de jugadoras internacionales de élite en sumarse a México.
Afición joven y digital altamente receptiva.
Potencial de expansión: de 8 equipos actuales a los 20 de la LMB.
EL HOMBRE QUE CONVIRTIÓ LAS CIUDADES EN ESCENARIOS
En una era donde la experiencia lo es todo, él encontró la forma de que ningún momento memorable quede sin descubrir. Santiago Muñoz, General Manager de Fever para Latinoamérica, está redefiniendo cómo vivimos el entretenimiento y México es el epicentro de esa revolución.
Por Aramis Flores Carranza
Hay una pregunta que Santiago Muñoz se ha respondido miles de veces, en salas de juntas, en entrevistas, en conversaciones informales con promotores y artistas: ¿qué hace a Fever diferente? La respuesta no está en la tecnología, aunque la tienen de sobra. No está en los contratos con el Real Madrid o el FC Barcelona, aunque esos nombres abren puertas en cualquier idioma. La respuesta, dice él, está en algo más difícil de replicar: la obsesión por el descubrimiento.
“Fever es el Netflix del entretenimiento en vivo”, explica con precisión quirúrgica. Y no lo dice como metáfora publicitaria; lo dice porque es literalmente lo que construyeron: una plataforma que entiende tus gustos, anticipa tus deseos y te lleva a experiencias que, de otra manera, nunca habrías encontrado. En un mundo saturado de opciones, eso tiene un valor incalculable. Y en México, uno de los mercados de entretenimiento más vibrantes del planeta, ese valor se multiplica.
Lo que hace a Fever verdaderamente disruptiva es la arquitectura de tres negocios que se alimentan mutuamente. El primero es su marketplace de descubrimiento, donde gestionan boletaje y marketing digital para experiencias en todo el mundo: Real Madrid, FC Barcelona, Live Golf, Primavera Sound. El segundo es Fever Originals, donde la empresa no solo distribuye experiencias, sino que las crea: aquí nació Candlelight, fenómeno mundial que vende cerca de 12 millones de boletos al año; aquí llegó Life Cycles al Bosque de Chapultepec, con 200 mil visitantes en pocos meses; y aquí aterrizó en México Fórmula 1 The Exhibition. El tercero es Secret Media Network, que opera cuentas como CDMX Secreta, Guadalajara Secreto y Monterrey Secreto: una herramienta tan poderosa de inteligencia de mercado como de marketing.
FEVER EN EL MUNDO FUNDACION: España (Madrid), 2014. Presencia: más de 40 paises en cinco continentes.
CANDLELIGHT: 12 millones de boletos vendidos al año a nivel mundial. Modelo tecnológico: un único tech stack global. Lo que se desarrolla para Barcelona llega a Mexico en 24 horas.
VERTICALES: Marketplace de descubrimiento / Fever Originals (produccion propia) / Secret Media Network.
Como General Manager para toda Latinoamérica, Muñoz ha tomado una plataforma que dominaba Europa y la ha trasplantado, con inteligencia y velocidad, en uno de los ecosistemas culturales más complejos del mundo hispano. “México es definitivamente prioridad para Fever en el mundo. Es de los top 5 países que más boletos venden en todo el planeta”, afirma sin rodeos.
El resultado: más de 130 personas trabajando desde la oficina de México y una cartera que incluye desde Gallos Blancos de Querétaro hasta los festivales más importantes del país.
En una industria donde la data es el activo más codiciado, Fever tomó una decisión contracultural: la información pertenece a los promotores, no a la plataforma. “En la industria en general, los principales jugadores se quedan con la data y no la comparten. Nosotros creemos que la data es de los promotores y de los equipos con los que trabajamos.” Eso se traduce en algo concreto: segmentación por género, edad y patrón de compra, decisiones inteligentes y crecimiento real. Y a diferencia de otras multinacionales, el tech stack de Fever es uno solo, global y unificado: lo que se desarrolla para el FC Barcelona hoy, está disponible para cualquier promotor mexicano mañana.
El Mundial 2026, con sedes en Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey y estimaciones de hasta 5 millones de visitantes, será la prueba mayor. Pero Santiago Muñoz no lo ve solo como oportunidad; también como un problema elegante a resolver. “Va a haber una saturación de cosas. El reto va a ser cómo mantenerse relevante y cómo hacer que un evento sobresalga sobre los demás. Y eso es algo que en Fever hacemos bastante bien.”
La meta a diez años es tan simple de enunciar como difícil de lograr: “Me encantaría que, cuando alguien piense en cómo descubrir lo mejor de su ciudad, piense en Fever de la misma forma en que hoy piensa en Netflix cuando quiere ver algo bueno.” //@revistacosasmx
LA QUE SIEMPRE JALA AL GRUPO LuzAldán
Actriz, cantante, directora y ahora protagonista de una de las comedias más queridas de HBO Max, ella lleva toda la vida siendo la amiga que lo mueve todo, y en 2026 por fin el mundo lo está viendo
Por Aramis Flores Carranza
HAY PERSONAS QUE NO NECESITAN PRESENTACIÓN, Y LUZ ALDÁN ES UNA DE ELLAS. LLEVA AÑOS HABITANDO LAS PANTALLAS DE MÉXICO Y EL MUNDO — DESDE LOS ESCENARIOS DE OCESA HASTA LAS PLATAFORMAS GLOBALES — CON ESA ENERGÍA IMPOSIBLE DE FINGIR: AUTÉNTICA, CERCANA, DESATADA. EN 2026 LLEGÓ SU MOMENTO DE TODOS. Y ELLA, COMO SU PERSONAJE DIANA, ESTÁ HACIENDO TODO LO POSIBLE PARA QUE NADIE SE LO PIERDA.
Empezó el año en Madrid, grabando Carlota, una serie de Sony sobre la emperatriz de México, y antes de que terminara enero ya tenía en la mira Bogotá, el teatro, dos estrenos más en agosto y octubre, y la sorpresa que le cayó encima el 1 de abril: “Hasta Que Amanezca”, su película en HBO Max, entró al top diez desde el día de su lanzamiento y ahí se quedó. “Ha sido un año muy, muy gratificante”, dice Luz con esa sonrisa que no parece calculada sino inevitable.
El mundo geopolítico puede estar patas arriba, pero Luz Aldán tiene el calendario más lleno de su carrera. Y lo lleva con la misma ligereza con la que lleva a Diana, su personaje en “Hasta Que Amanezca”: la amiga que jala al grupo, que organiza el caos, que hace que las cosas pasen, aunque todo esté en contra.
LUZ ALDÁN
Profesión: Actriz, cantante y directora de teatro
Teatro: “Los Miserables”, “Si Nos Dejan” (OCESA), “Monólogos de la Vagina”, “El Puente de los Alemanes” (directora)
Cine: “Amor de mis Amores”, “Anónima”(Netflix), “At Midnight” (Paramount), “Hasta Que Amanezca” (HBO Max)
Series: “La Casa de las Flores” T2, “Somos Oro”, “Harina” (Amazon), “Supertitlán” (NBC) · “Guerra de Vecinos” T2, “Yo no soy Mendoza” (Netflix), “Loco por Ella”.
Próximo: “Carlota” · Sony · Serie de época sobre la emperatriz de México
La premisa de la película suena sencilla: cuatro amigas, una noche, una traición pendiente desde hace cinco años. Pero Luz insiste en que esta película es algo que rara vez se ve en el cine mexicano. “La defino como una comedia romántica de amigas, una friendship chick flick. Sé que es una película diferente, que no importa cuánto pienses que se parece a algo más, no lo es. Es única en su tipo.”
Su personaje, Diana, es la protagonista del reencuentro: una madre de familia que se pone en modo misión para lograr que dos amigas distanciadas vuelvan a verse. Una noche entera de aventuras, emociones y situaciones que se acumulan hasta que la amistad, siempre la amistad, gana. “Diana hace todo para que estas dos amigas recuerden lo importante que es la amistad, lo importante que es por encima de todo.”
No sería quien soy sin la red de apoyo femenina que tengo. Esta película refleja mucho esa parte de mí
Lo que Luz describe con mayor orgullo no es el argumento: es la química. Ella ya conocía a Gyo Romo, su mejor amiga fuera de la pantalla, había trabajado con Laura Londoño en “Yo No Soy Mendoza”, y coincidió por primera vez en rodaje con Cassandra Sánchez Navarro, a quien define como “una institución”. El resultado es una dinámica que se siente real porque, en muchos sentidos, lo era. “Nos reunimos como grupo de amigos y eso se nota, ¿verdad?”
Si “Hasta Que Amanezca” tiene un mensaje central, Luz no lo esconde: las mujeres pueden ser amigas, pueden divertirse, pueden tomar decisiones desde un lugar libre y no tiene que haber nadie juzgándolas. “Seguimos en 2026 y la gente sigue juzgando. Así que hay que perder el miedo al juicio y saber que cada quien tiene su forma de divertirse.”
Lo que la película hace bien, dice, es mostrar cuatro personalidades fuertes y distintas que no compiten: se complementan. “Hay un estigma de que las mujeres no pueden ser amigas. Por supuesto que podemos. Ese discurso ya no va con nosotras, ya no nos corresponde. Y fue también un ejercicio para que las mujeres se den cuenta de que esa rivalidad, esa envidia, esa tontería que nos metieron en la cabeza, no va.”
Y agrega algo personal: “Yo puedo decirles que las mujeres juegan un papel muy importante en mi vida. No sería quien soy sin la red de apoyo femenina que tengo. Creo que esta película refleja mucho esa parte de mí también.”
Mientras “Hasta Que Amanezca” conquista HBO Max, Luz está a la mitad de grabar “Carlota”, la nueva serie de Sony sobre Carlota de Habsburgo, la emperatriz de México. Grabada en Madrid y Bogotá, Chapultepec, explica con gracia, es museo protegido por el INAH y no se puede cerrar para un rodaje, la serie fue escrita por Adriana Pelusi, la misma guionista que firmó la reciente película en la plataforma de streaming, junto a Paula Zelaya e Itzel Lara.
“Es una serie de época muy interesante, muy bien escrita, con una mirada muy femenina”, describe. “Habla de todos esos rumores e historias que nadie ha contado, y creo que va a
ser un gran producto.” El personaje de Luz es ficticio, se llama Luisa B. Stegi, una mujer de la corte mexicana cuando Carlota llega a México y sobre los detalles, se atrinchera con una sonrisa: “Tienen que ver la serie.”
Para quien creía que eso era todo, Luz tiene más. Está en temporada de “Monólogos de la Vagina” con funciones en mayo, antes de volar a Bogotá a terminar Carlota. En agosto llegan más estrenos, para cine y plataformas — y en octubre otro más. El teatro también tiene su espacio: hay al menos un par de producciones que ya están en el horizonte.
Su debut como directora de teatro con “El Puente de los Alemanes” en la Teatrería fue apenas el primer capítulo de lo que parece una carrera que, lejos de ralentizarse, está encontrando su velocidad de crucero. Con una formación que incluye maestros como Fernando Martínez Monroy, Muriel Ricard, Christian Magaloni y Erika Dipp, Luz Aldán no es solo una actriz con suerte. Es una artista que construyó, obra por obra, el lugar desde donde habla hoy.
Y lo que habla, cuando se le da espacio, es poderoso. No para de moverse, no para de crear, no para de jalar al grupo. Diana, su personaje, no podría haberlo hecho mejor.
//@revistacosasmx
“HASTA QUE AMANEZCA”
Dónde ver: HBO Max
Producción: Sony
Pictures
Guion: Adriana Pelusi
Género: Comedia romántica — Friendship chick flick
Reparto: Luz Aldán, Gyo Romo, Cassandra Sánchez Navarro, Laura Londoño
Personaje de Luz: Diana — protagonista, madre de familia, la amiga que jala al grupo
Dato: Top 10 HBO Max desde su primer día de estreno
Sinopsis: Cuatro amigas se reencuentran cinco años después de una traición. Una noche. Todo por saldar.
DE LOS DIOSES
AL MERCADO
Por José Heraclio de Lucas González*
Mucho antes de cualquier regulación o impuesto, el pulque ya era considerado una bebida sagrada. Obtenido de la fermentación del aguamiel del maguey, su consumo se remonta a más de dos mil años y estaba ligado a deidades como Mayahuel y Patecatl. No era solo una bebida: era parte de un sistema cultural, ritual y comunitario.
Con la llegada de la colonia, el conocimiento no desapareció: evolucionó. Las técnicas de destilación, influenciadas por intercambios con Asia y el mundo árabe a través de Filipinas, transformaron los fermentados en destilados. Así nacieron los primeros “vinos de mezcal”, base de lo que hoy es una de las industrias más emblemáticas del país.
Desde entonces, México ha construido algo excepcional: una tradición viva que combina territorio, técnica y comunidad. Hoy, esa tradición está protegida por Denominaciones de Origen como el tequila, el mezcal, el bacanora, la raicilla, el sotol y la charanda. A esto se suma un ecosistema de bebidas regionales, como el tuxca, la lechuguilla o el comiteco, que siguen produciéndose con métodos ancestrales y profundo arraigo local.
El país, además, cuenta con uno de los marcos regulatorios más estrictos del mundo. Normas como la NOM-142 y la NOM-199 establecen criterios sanitarios, comerciales y de clasificación, bajo un sistema donde el cumplimiento no es opcional, sino obligatorio y sancionable.
Y sin embargo, ahí está la contradicción. Mientras el mundo reconoce el valor cultural y económico de estas bebidas, en México persiste una visión que las reduce a una fuente de recaudación fiscal.
El problema no es cobrar impuestos. El problema es no entender qué se está gravando. No es lo mismo una bebida industrial producida en grandes volúmenes que un mezcal elaborado en horno de tierra, fermentado en tinas de madera y destilado en olla de barro. No es lo mismo volumen que valor. No es lo mismo eficiencia que patrimonio.
México exporta cerca del 80% de su producción de bebidas alcohólicas, consolidándose como referente global. Pero ese liderazgo convive con una presión interna que, lejos de fortalecer al sector, puede debilitarlo al no distinguir entre escalas productivas ni procesos tradicionales.
Más aún, el país ha sido pionero al incorporar en su legislación el concepto de “uso nocivo del alcohol”, promoviendo el consumo responsable y estableciendo límites claros. Esto demuestra que el camino no es la prohibición ni la estigmatización, sino la regulación inteligente.
Hoy, el debate debe cambiar. No se trata solo de cuánto recauda el Estado, sino de cómo se construye una política pública que reconozca el valor cultural, económico y social de estas bebidas. Porque detrás de cada botella hay algo más que alcohol: Hay territorio, hay comunidad y hay historia.
Las bebidas alcohólicas mexicanas no son un problema fiscal, son un activo estratégico del país, y es momento de que también lo entienda el fisco. //@revistacosasmx
*José Heraclio de Lucas González es un abogado litigante y líder empresarial mexicano que encabeza el movimiento Moderniza IEPS, enfocado en reformar el sistema fiscal de las bebidas alcohólicas en México. Desde su papel en la CANACINTRA, impulsa una agenda para corregir un modelo que, a su juicio, afecta a los productores formales y fomenta la informalidad.
50
Años de carrera ininterrumpida: de Pumas a ícono global. Debut: octubre de 1976
234
Goles en la Liga española, marca histórica del Real Madrid durante décadas
5
Títulos de Pichichi consecutivos en España (1985–1986 al 1989–1990), hazaña sin precedente
1° Mexicano elegido mejor futbolista de América Latina del siglo XX por la IFFHS
3 Copas del Mundo que ha vivido México como anfitrión. Hugo participó en el de 1986 como protagonista
1972
El año en que su hermano Horacio participó en los Juegos Olímpicos de Múnich — y cambió el destino de Hugo para siempre
EL REY NO ABDICA
Medio siglo después de iniciar su carrera en el fútbol profesional Hugo Sánchez habla sin filtros sobre el orgullo de ser mexicano, la nostalgia de la gloria, el fútbol que se perdió y la disciplina implacable que lo hizo eterno
Por Aramis Flores Carranza
Fotografía: Antonio Soto
Hay hombres que trascienden el deporte. Que convierten cada gol en una declaración de principios, cada voltereta en el aire en un manifiesto de disciplina y ambición. Hugo Sánchez Márquez es uno de esos hombres. Octubre de 1976: un joven de 18 años debuta con los Pumas de la UNAM en el Estadio Olímpico Universitario. Lo que nadie sabe entonces, quizás ni él mismo, es que ese momento es el primer capítulo de la historia futbolística más extraordinaria que México haya producido jamás.
Cincuenta años han pasado desde aquel debut y Hugo Sánchez sigue siendo, en el año de la Copa del Mundo en casa, la referencia indiscutible. Pentapichichi de la Liga española en cinco temporadas consecutivas, máximo artillero de la historia del Real Madrid hasta que Cristiano Ronaldo rompió el récord, balón de plata europeo en 1989, capitán histórico de la selección mexicana y elegido mejor jugador de América Latina del siglo XX por la IFFHS. No es un legado: es una obra maestra.
Esta es la historia de esos cincuenta años contada por él mismo. Sin protocolo, sin distancia. El Rey en persona.
La primera pregunta que le hacemos para la Revista Cosas México es la más sencilla y la más difícil al mismo tiempo: ¿qué sientes cuando miras estos cincuenta años? Hay una pausa breve. El mismo instinto que lo hacía esperar el momento exacto para rematar.
“Entra la nostalgia cuando empiezas a echar memoria para atrás y han pasado muchas cosas, pero pasan muy rápido. Se lo he comentado a mis compañeros primero y luego, siendo técnico, les dije: aprovechen, porque esto de jugar al fútbol es lo más maravilloso, pero son tantas las emociones y pasa tan rápido el tiempo y tantos partidos y tantos títulos y de repente uno mira para atrás un poquito y ya se acabó, se acabó la carrera de futbolista.”
La escena es difícil de imaginar para quienes sólo conocemos al Hugo Sánchez del cartel, de la portada, de los goles de chilena espectaculares. Pero hay en sus palabras algo que lo humaniza de golpe: el tiempo corre igual para los reyes. Y la carrera se acaba igual para el más grande.
“Me siento orgulloso y contento de lo que he conseguido. El esfuerzo ha merecido la pena”.
El balance, sin embargo, es de satisfacción plena. Sin arrepentimientos visibles, sin cuentas pendientes que lo desvelen. Cincuenta años de esfuerzo que, como él mismo dice, han merecido la pena.
¿Cómo se fabrica un campeón? La respuesta de Hugo Sánchez tiene nombre, apellido y una profecía familiar que marcó todo.
“Tenía muchas ansias de que pudiese conseguir todas las metas que me propuse. Desde niño empecé a forjar esa idea de que quería ser uno de los mejores delanteros del mundo. Mi padre de niño me dijo que este niño que es mi hijo va a ser el mejor futbolista de la historia de México. Entonces todo eso es un compromiso con uno mismo.”
Una profecía paterna convertida en combustible. Pero Hugo no llegó solo al Bernabéu con talento genético: llegó con un mapa mental trazado desde la infancia, estación por estación.
“Yo pensaba ser el mejor de la colonia, ser el mejor de la ciudad, ser el mejor del país, ser el mejor de CONCACAF, ser uno de los mejores del continente americano y ser uno de los mejores del mundo. Entonces si no se va uno y aspira a cosas grandes, pues uno tiene que desplazarse hacia donde está jugando el mejor fútbol del mundo, y para mí era Europa.”
No hubo azar en esa trayectoria. Hubo un plan ejecutado con la misma precisión con la que acomodaba el balón antes de un tiro libre. Europa no fue una oportunidad que llegó: fue un destino que se construyó.
Su hermano Horacio Sánchez compitió en los Juegos Olímpicos de Múnich 1972 como futbolista . Ver cómo la gente pedía autógrafos a su hermano plantó en Hugo la semilla de la grandeza olímpica, y años después, él mismo representaría a México en Montreal 1976.
“Ver que mi hermano iba a competir en los Juegos Olímpicos se me metió en la cabeza: pues yo quiero ir a unos, quiero ser como él. Cosa que me metí en la cabeza la tenía que cumplir sí o sí, era como un objetivo que no soltaba de la mente.”
México 2026 es la tercera Copa del Mundo que el país organiza —o coorganiza—, un récord absoluto en la historia del torneo. Hugo lo celebra, pero no sin matices. La voz del ídolo también puede ser la del crítico más exigente.
“México se ha caracterizado por ser buenos anfitriones, por eso somos campeones del mundo. Tenemos experiencia porque ha habido Juegos Panamericanos, Juegos Olímpicos, Copas del Mundo y somos los únicos que vamos a tener tres, y eso es un privilegio. Como mexicano me siento orgulloso de ello. Más orgulloso me sentiría que ganáramos una Copa del Mundo, pero bueno, todavía no tenemos esa orientación o esa capacitación que necesitamos.”
La Copa del Mundo en casa convoca otra reflexión: la del acceso. Hugo recuerda cuando el fútbol era una fiesta popular y hoy observa con preocupación cómo los grandes eventos se vuelven un privilegio de pocos. “Lamentablemente no estamos yendo a la velocidad que otros países lo están haciendo y estamos yendo en direcciones contrarias. Las decisiones que se toman nos afectan a todos porque no tenemos ese paralelismo con el país que somos. Para mí México es el mejor país del mundo. Tristemente no lo estamos sabiendo aprovechar.”
Y va más lejos. Usa el fútbol como espejo de algo más grande: “El fútbol está siendo como el reflejo de la sociedad. Falta un poco de calidad, falta talento. Antes, cuando veías jugadores con calidad te quedabas sorprendido y admirando. Ahora veo muchas patadas, muchos empujones, mucho choque físico. Como que no estamos protegiendo al fútbol. Me gustaría que corrigiésemos los mexicanos un tanto la valoración del país que tenemos y le correspondamos, porque siento que hasta ahora no estamos correspondiendo al maravilloso país que tenemos.”
Si hay algo que define a Hugo Sánchez más allá de los títulos y los goles, es su arquitectura men -
“LA
EXCUSA PERFECTA”: LA
APUESTA
DE
NU
MÉXICO PARA EL AMBIENTE DE FÚTBOL
Cuando Daniel Rojas, director de Crecimiento y Marketing de Nu México, se preguntó cuál era la verdad más profunda del aficionado mexicano frente al fútbol, encontró una respuesta que se convirtió en estrategia: los mexicanos siempre encuentran la forma creativa de desbloquear su pasión, sin importar los obstáculos. De ahí nació “La Excusa Perfecta”, la campaña más ambiciosa del banco en lo que va de 2026. La propuesta reúne dos universos culturalmente poderosos: Hugo Sánchez, el máximo ídolo del fútbol mexicano, y Mariana Treviño interpretando a Isabel Iglesias, la protagonista de “Club de Cuervos”, la primera serie de fútbol producida en México y una de las más exitosas en la historia de Netflix en el país. Esta alianza con el gigante del streaming es la segunda entre ambas compañías, después de la exitosa campaña con “Merlina” que se ejecutó simultáneamente en México y Brasil. Sin embargo, esta vez la decisión fue distinta: la campaña es exclusivamente mexicana porque el contexto lo exige. México es anfitrión del Mundial y ese detalle lo cambia todo.
El concepto explota una tensión real de la vida cotidiana: varios partidos del torneo se disputarán en plena jornada laboral. Nu convierte eso en oportunidad y ofrece a sus usuarios la excusa perfecta para salir de la oficina: ir a realizar trámites financieros. Para hacerlo
tal. Y hay dos personas detrás de esa construcción: su padre, que plantó la profecía; y su madre, que cinceló el carácter.
“Mi madre tiene culpa también, porque desde niño empezó a pincharme psicológicamente y siempre decía: tienes que capacitarte, tienes que prepararte para ser el mejor en todo. Tienes que ser el mejor hijo, el mejor hermano, el mejor futbolista, el mejor dentista, el mejor director técnico, el mejor novio, el mejor esposo, el mejor en todo.”
No es hipérbole: Hugo Sánchez es licenciado en odontología por la UNAM. El mismo rigor que aplicó al remate lo aplicó a los estudios. La educación y el deporte, dice, son el vínculo perfecto. Su familia entera lo confirma: todos sus hermanos son deportistas y todos concluyeron una carrera universitaria.
tangible, el banco activará el 16 y 17 de junio un espacio físico tipo fan zone donde el fútbol y las finanzas se encontrarán, con dinámicas, giveaways y sorpresas para clientes y no clientes.
Detrás de la campaña hay entre cuatro y seis meses de trabajo del equipo creativo interno de Nu, liderado por Gabriel Berta, que incluyó la negociación con Netflix para activar el universo de “Club de Cuervos” y las conversaciones con Hugo Sánchez. El principal indicador de éxito no es solo el crecimiento de clientes, que ya superan los 15 millones y colocan a Nu entre las tres
instituciones financieras con mayor base de usuarios en México, sino la conversación generada: menciones en prensa, interacciones en redes y contenido compartido entre usuarios.
Rojas la compara en magnitud con la campaña de “Merlina”, pero subraya que el contexto la hace única. Y hay más en el horizonte: Nu avanza en su proceso regulatorio para operar formalmente como banco en México, lo que traerá consigo una nueva campaña de gran escala. “La Excusa Perfecta” es, por ahora, la mejor antesala posible.
“Con esa mentalidad crecí y así me he formado. No solo en el fútbol, también en mi vida personal, con la familia, en la misma calle”.
Y cuando le preguntamos qué consejo daría a las generaciones de mexicanos que hoy buscan su propio camino al éxito, la respuesta condensa décadas de experiencia en una sola idea: “Tener confianza en sí mismo, pero capacitándose. Cuando uno ve que en México no estás teniendo la posibilidad de brillar a nivel internacional, pues uno tiene que desplazarse hacia donde está compitiendo el mejor del mundo. Hice todo lo que tenía que hacer para que se me conociera y que así tuviera la oportunidad de mostrar que un mexicano puede estar a la altura de los mejores del mundo.”
Y remata —como siempre lo hizo— con la certeza que solo da medio siglo de haber vivido lo que predica: “Me
da mucho gusto cada vez que hay un éxito de algún mexicano. Yo presumo mucho que somos el mejor país: tenemos la mejor comida, las mejores playas, los mejores climas, lo mejor de todo. Tenemos un país maravilloso. Hay muchos mexicanos que no magnifican lo que realmente somos. Somos un gran país y para mí es el mejor país del mundo.”
Hay entrevistas que informan y entrevistas que inspiran. Esta es de las segundas. Hugo Sánchez no habla desde el pedestal del ídolo intocable. Habla desde la convicción del hombre que construyó su grandeza ladrillo a ladrillo, gol a gol, disciplina a disciplina. En el año en que México vuelve a ser sede del mundo, tener a su más grande embajador recordándonos que «el país nos exige más» no es una crítica: es el mayor acto de amor que un ícono puede hacer por su tierra. //@revistacosasmx
FRIDA
REGRESA
El 30 de mayo, el Auditorio Nacional transmitirá en vivo la premiere en el Metropolitan Opera de Nueva York de la primera ópera sobre Frida Kahlo y Diego Rivera. Es, sin exageración, uno de los momentos culturales más significativos del año para México
Por Aramis Flores Carraza
Imaginen esto: es el Día de Muertos de 1957. Han pasado tres años desde que Frida Kahlo murió. Diego Rivera sigue en el mundo de los vivos, solo y devastado. Y esa noche, con la ayuda de la Catrina, la Guardiana de los Muertos, Frida cruza de regreso. Tiene 24 horas. Esa es la premisa de El último sueño de Frida y Diego, la ópera que el sábado 30 de mayo se estrena en el Metropolitan Opera de Nueva York, el escenario lírico más importante del mundo y que el Auditorio Nacional transmite en vivo, en tiempo real, para Ciudad de México. La pieza no podría tener un pedigré más impecable. La compositora Gabriela Lena Frank, ganadora del Latin Grammy y galardonada en mayo de 2026 con el Premio Pulitzer de Música por su obra orquestal Picaflor: A Future Myth, hace su debut en el Met con este trabajo, considerado por The Washington Post como uno de los más importantes en la historia contemporánea.
“Es una inversión del mito de Orfeo y Eurídice: no es Diego quien baja al inframundo a buscarla. Es Frida quien regresa. Por su propia voluntad. Con la Catrina de su lado.”
La ópera,cantada íntegramente en español con subtitulado en español, nació en 2022 con su estreno mundial aclamado por la crítica en la Ópera de San Diego. La partitura de Frank juxtapone instrumentación clásica con elementos de música de mariachi y folklore mexicano, creando un paisaje sonoro que va de lo inquietantemente sugestivo a lo exuberantemente melódico. El diseño visual se inspira directamente en las pinturas de Frida y Diego, y la producción del Met incorpora más de dos años de preparación en diseño de vestuario, escenografía y coreografía. Como parte de la experiencia Live in HD,la serie de cine en vivo del Met que lleva desde 2006 llevando la ópera a más de 70 países, la presentación incluye cámaras múltiples, sonido envolvente y cobertura exclusiva tras bambalinas durante el intermedio, conducida por la soprano Angel Blue. //@revistacosasmx
Hay bandas que hacen conciertos y hay bandas que hacen historia cada vez que pisan un escenario. System of a Down pertenece inequívocamente a la segunda categoría. Formados en Los Ángeles en 1994 por cuatro armenio-estadounidenses con algo urgente que decir, Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian y John Dolmayan construyeron un sonido que no se parece a nada de lo que existía antes ni a nada de lo que vino después: metal, punk, folk arménio, sátira política y una energía en vivo que convierte cada show en algo cercano a una experiencia religiosa.
Con más de 42 millones de discos vendidos, un Grammy ganado y más de 24 millones de oyentes mensuales en Spotify, que los convierte en una de las bandas de rock más escuchadas del mundo en este momento, S.O.A.D. regresa a México con dos fechas en el Estadio GNP Seguros: 27 y 28 de mayo. La primera noche tiene poca disponibilidad. La segunda fue agregada de urgencia por demanda.
SYSTEM OF A DOWN VUELVE A MÉXICO
Ambas con IDLES como invitados especiales, uno de los grupos de post-punk británico más potentes de los últimos diez años. “Toxicity cumple 25 años en 2026. El álbum más vendido de la banda llegará al escenario con nueve canciones. Para quienes lo vivieron en 2001, es un viaje en el tiempo. Para los que llegaron después, es la primera vez que lo sienten en carne propia.” //@revistacosasmx
¿QUÉ ESPERAR DEL SHOW?
Una de las bandas más importantes del rock del siglo XXI regresa al Estadio GNP Seguros los días 27 y 28 de mayo con más de 500,000 boletos vendidos en América Latina. No es un concierto. Es un evento generacional
Por Aramis Flores Carranza
En su primer concierto de la gira 2026 en el festival Sick New World de Las Vegas, la banda presentó un setlist de 25 canciones que puso énfasis especial en Toxicity, con nueve temas del disco, más cinco del debut homónimo, cuatro de Mezmerize, tres de Hypnotize y tres de Steal This Album! La duración promedio de su show ronda las dos horas. No hay momentos muertos. Cada canción es un evento dentro del evento.
ENLOQUECIENDO CON LO QUE CREA
Look: Miroslava styling
Grooming: Maggie Muah
Salvador Suárez, escritor y director de revela cómo reinventó la sitcom en México: sin risas enlatadas, sin cursilería, y con el corazón de cientos de personas detrás de cámara
Por Aramis Flores Carranza
Foto Juan Bautizta
Hay proyectos que llegan y proyectos que quedan. “Enloqueciendo contigo”, la serie de Disney+ encabezada por Regina Blandón y Memo Villegas, pertenece a la segunda categoría: dos temporadas después, las parejas jóvenes de México siguen reconociéndose en Jimena y Pablo, en sus peleas de domingo, en esa manera de acomodarse en el sofá sin necesidad de decir nada. Detrás de esa aparente sencillez está Salvador Suárez, escritor y director que aceptó el reto de trasladar el espíritu de “Mad About You” (Helen Hunt y Paul Reiser) —la joya de los noventa— a la Ciudad de México del siglo XXI, y lo logró a su manera: con mucha tierra, sin risas enlatadas y con una honestidad que duele tanto como hace reír.
Cuando le ofrecieron el proyecto, Salvador Suárez no había visto “Mad About You”. Lo reconoce sin pudor. Lo vio entonces, y lo que encontró lo dejó sin armas para criticarlo: perfecta, sin nada que modificar ni perfeccionarse. Pero en lugar de rendirse ante el original, eligió tomar de él únicamente la esencia, una pareja normal enfrentando conflictos cotidianos y construir desde cero algo que sonara, oliera y respirara como México hoy. El resultado fue una serie que rompió con los moldes de la comedia televisiva nacional. No hay farsas de barra, no hay
público riendo al fondo, no hay gestos exagerados. Hay, en cambio, dos personas que discuten de verdad, que se dicen cosas que duelen, que de pronto cruzan una frontera invisible hacia lo dramático y regresan sin aviso. “Estás en la risa y de repente no sabes ni por dónde y te clavan el cuchillo”, describe Suárez con la misma naturalidad con la que Jimena y Pablo se tiran en el sofá.
El casting de Regina Blandón y Memo Villegas no fue un accidente. Suárez peleó por ellos desde el principio, no solo por su talento actoral, sino porque tenían la comedia en los huesos y la capacidad de construir personajes desde cero. Para arrancar sin la frialdad del primer día, el equipo organizó sesiones de improvisación que sirvieron para explorar la química natural entre los dos, encontrar los chistes compartidos y definir el lenguaje físico de la relación.
El primer comentario desde el equipo de postproducción fue, en apariencia, una crítica: “Oye, pero es que ellos parecen amigos, no parecen novios.” La reacción de Suárez fue instantánea. “Qué bueno”, respondió. Porque eso era exactamente lo que buscaba: esa relajación de quien ya no tiene que demostrar nada, esa forma de acomodarse en la pareja donde a veces te acuestas en el otro y a veces simplemente subes los pies encima de sus piernas.
Los textos tampoco eran perfectos: había dudas, incongruencias, momentos en que los personajes no sabían bien qué querían. “Al final somos dos seres humanos”, reflexiona Suárez, somos imperfecciones, somos luz y sombra al mismo tiempo. Eso es algo lindo de la serie.”
La conversación con Suárez inevitablemente regresa a los noventa, a esa época de oro en que “Seinfeld”, “Friends” y “Mad About You” dominaban la pantalla y el ritual de sentarse a verlos era casi sagrado. Hoy ese ritual ha desaparecido. Las plataformas lo tienen todo disponible en todo momento y la competencia ya no es
“ENLOQUECIENDO CONTIGO” | EN DATOS
PLATAFORMA: Disney+
TEMPORADAS: 2 (con posibilidad de tercera en desarrollo)
PROTAGONISTAS: Regina Blandón y Memo Villegas
BASADA EN: “Mad About You” (NBC, 1992-1999)
el canal de enfrente: es el mundo entero. Suárez lo ve como doble filo. La ventaja de “Enloqueciendo contigo” fue que una sitcom de ese tono era casi inexistente en el catálogo mexicano. La desventaja: convencer al espectador de darle una oportunidad a algo que no encajaba en ningún género conocido. La respuesta llegó sola cuando la gente empezó a verla y pidió una segunda temporada. Por ahora, Salvador Suárez tiene tres proyectos en desarrollo. No puedo decir más. Graba, escribe, espera las aproba-
GÉNERO: Comedia dramática / Sitcom contemporánea
OTROS CRÉDITOS: Salvador Suárez es también co-escritor de la obra “Siete Veces Adiós” PRÓXIMOS PROYECTOS: Tres desarrollos en proceso, pendientes de luz verde
ciones. Mientras tanto, confía en que la serie siga encontrando nuevos espectadores, que alguien la descubra tarde en la noche y decida echarse dos o tres capítulos antes de dormir. Si hay tercera temporada, bienvenida. Si no, vendrán otras historias.
Lo que queda claro, después de escucharlo, es que Salvador Suárez no trabaja para llenar pantallas: trabaja para que algo de lo que hace le llegue a la gente al pecho. Y en eso, Enloqueciendo contigo ya ganó. //@revistacosasmx
¡COULD WE BE ANY MORE EXCITED?
The Friends Experience llega por primera vez a México y promete ser el plan del año para fans de todas las generaciones
Por staff Cosas
Hay series que trascienden generaciones, fronteras y pantallas. “Friends” es una de ellas. Después de conquistar más de 32 ciudades alrededor del mundo, desde Nueva
York hasta Sídney, pasando por Londres y São Paulo, la experiencia inmersiva oficial de la icónica comedia de los 90 aterriza por primera vez en suelo mexicano. A partir del 15 de mayo, el Casino del Bosque del Lienzo Charro de Constituyentes se convertirá en el epicentro de la nostalgia, la amistad y, sí, muchas, muchas fotos para el feed. Imagina cruzar la puerta morada de Mónica y Rachel, hundirte en el legendario sofá naranja del café Central Perk o ayudar a Ross con su eterno “¡pivot!”. Eso es exactamente lo que ofrece The Friends Experience: una serie de sets interactivos recreados con una fidelidad obsesiva al detalle, pensados para que los fans, nuevos y de toda la vida, puedan sumergirse en el universo de la serie que definió una época.
Desde el departamento de ícono hasta los sillones reclinables de Chandler y Joey, cada rincón de esta experiencia está diseñado para provocar ese inconfundible: “¡Yo conozco eso!”. Y por supuesto, la fuente icónica de la cabecera tampoco faltará.
No se trata solo de nostalgia; se trata de conexión. Tanto si creciste viendo FRIENDS como si la descubriste más recientemente, hay algo universalmente alegre en entrar al apartamento de Monica
Stacy Moscatelli CEO DE ORIGINAL X PRODUCTIONS
The Friends Experience es una creación de Warner Bros. Discovery Global Experiences, Original X Productions y Warner Bros. Television Group, y llega a la capital mexicana de la mano de Fever y el operador local Let’s Go. La cita es en el Casino del Bosque del Lienzo Charro (Av. Constituyentes 500, Miguel Hidalgo), un espacio que albergará múltiples sesiones diarias y que, por supuesto, es accesible para personas con movilidad reducida.
Si bien The Friends Experience es un paraíso para quienes buscan el contenido perfecto para redes sociales, va mucho más allá del selfie. La propuesta incluye un recorrido por la historia de producción de la serie, vestuarios originales y utilería real utilizada durante las diez temporadas. Los visitantes podrán descubrir los secretos detrás de cámaras de una de las sitcoms más vistas de la historia y llevarse consigo una comprensión más profunda de cómo se construyó esa magia semana a semana.
¡HAZ TU RESERVACIÓN!
Lugar: Casino del Bosque del Lienzo Charro; Av. Constituyentes 500, Miguel Hidalgo, CDMX
Apertura: 15 de mayo de 2026 (sesiones múltiples por día)
Boletos: Disponibles en la plataforma Fever desde el 22 de abril
Preventa:
Regístrate en la lista de espera y accede 24 horas antes (desde el 21 de abril)
Web: cdmx.friendstheexperience.com
Redes: @Friendstheexperience
Accesibilidad:
Experiencia completamente accesible en silla de ruedas
Entretenimiento
LO QUE
NO TE PUEDES PERDER
El departamento de Monica y Rachel recreado al detalle
La icónica fuente del intro (¡perfecta para esa foto)
El café Central Perk con su legendario sofá naranja
Los sillones reclinables de Chandler y Joey
La puerta morada con la mirilla amarilla
Vestuarios y utilería original de la serie
Tienda exclusiva con productos de edición limitada
Para cerrar con broche de oro, la tienda oficial de la experiencia ofrece una cuidada selección de productos exclusivos: desde artículos de colección hasta ropa y accesorios que solo encontrarás aquí. El souvenir perfecto para el fanático más exigente de tu grupo.
UN FENÓMENO QUE NO PASA DE MODA
Estrenada en 1994, FRIENDS sigue siendo una de las series más vistas en plataformas de streaming a nivel mundial. Su popularidad no muestra señales de disminuir: nuevas generaciones la descubren cada año, y quienes crecieron con ella la reviven con la misma devoción de siempre. Esta
universalidad es, precisamente, lo que hace que una experiencia como esta funcione tan bien en ciudades tan distintas como Nueva York, Madrid, Tokio o ahora Ciudad de México.
Tanto si eres del Team Ross como del Team Joey, si recitas de memoria los episodios de “The One Where...” o si simplemente quieres entender por qué tus amigos hablan tanto de esa serie de los 90, The Friends Experience en Ciudad de México es el plan que no puedes perderte este mayo. Porque hay cosas que no pasan de moda, y la amistad, la de verdad, la que resiste el tiempo y las situaciones más absurdas, es definitivamente una de ellas. //@revistacosasmx
LA JOYA QUE TE HACE RECORDAR QUIÉN ERES
El espectáculo más íntimo y sensorial del mundo convierte cada noche en Cancún en un viaje al interior, donde la acrobacia, la gastronomía y la magia maya despiertan tu niño interior
Por Cosas Staff
Hay noches que no se olvidan. Noches en que el tiempo se detiene, los sentidos se abren de par en par y algo dentro de ti cambia para siempre. Joyá de Cirque du Soleil en Cancún es exactamente eso: una de esas noches. Instalado en el corazón del resort Vidanta Riviera Maya, Joyá celebra once años como la única producción permanente de Cirque du Soleil en América Latina con experiencia gastronómica integrada. Aquí no hay estadios fríos ni carpas anónimas: hay un
teatro íntimo de 650 asientos rodeado de selva tropical, construido exclusivamente para este espectáculo, sin igual en todo el mundo de la compañía canadiense.
Con más de 1.5 millones de espectadores y más de 3 mil 400 funciones realizadas, el show narra la travesía de una joven y su abuelo en busca de los secretos de la vida. Inspirado en la migración de la mariposa monarca y en la riqueza cultural de México, Joyá combina narrativa, arte escénico y una propuesta culinaria excepcional para crear una vivencia sensorial que no tiene equivalente.
GASTRONOMÍA EN LA FANTASÍA
JOYÁ fue el primer espectáculo de Cirque du Soleil en el mundo en integrar una experiencia gastronómica dentro del show. No se trata de cenar antes de entrar al teatro: la cena ocurre durante el espectáculo, como parte de la narrativa. Desde el cóctel de bienvenida con lágrimas de sirena hasta los platillos de autor servidos entre actos, cada elemento culinario está diseñado para reforzar el universo de magia y fantasía del show. Los paquetes disponibles incluyen coctel de bienvenida o cena completa de tres tiempos, dependiendo de la experiencia que cada espectador desee vivir.
La experiencia comienza mucho antes de que se apaguen las luces. “Desde que llegas a Cirque du Soleil encuentras un caminito de madera, cómo vas llegando al teatro, cómo te reciben”, describe José Enrique Narváez, gerente comercial de Entretenimiento en Vidanta Riviera Maya. “Es un viaje completo, y cada detalle es parte de la fantasía que están creando para que la gente vaya entrando poco a poco hasta que de repente eres parte de ella.”
Y tiene razón. La experiencia es, ante todo, sensorial. Empieza con la vista al descubrir el teatro. Continúa con el olfato y el gusto cuando el bartender prepara frente a ti un cóctel con lágrimas de sirena. Y se completa con el oído cuando los primeros acordes en vivo atraviesan el aire de la selva caribeña. Porque ese es uno de los grandes sellos del show: la música es completamente en vivo. Los músicos reaccionan en tiempo real a lo que ocurre en escena, generando una energía imposible de replicar. “Estamos todo el tiempo los músicos tratando de cachar a los acróbatas. Hay veces que ocurren imprevistos como en todo, y nosotros estamos en vivo reaccionando. La verdad es que es un equipo muy bonito”, confiesa Ruth Robles, la cantante principal del espectáculo. Ruth Robles no solo canta. Interpreta, se mueve, vuela. Es la guía emocional de un show que exige comunicar tanto con el
cuerpo como con la voz. “Estás dentro de un cuento. Te regresa a tu infancia, como cuando eras niño y te abrían el cuento, pero tú eres parte de ese cuento”, explica con los ojos brillantes.
Para ella, lo que distingue el espectáculo de cualquier otro espectáculo es la capacidad de despertar algo profundo en el público. “No es un show convencional en el que te sientas y observas. Es un show en el que vienes a sentir. Te despierta todos los sentidos. Y a mí me encanta ir viendo cómo la gente se va haciendo parte también de esto, cómo los vas metiendo a tu mundo.”
Su rol en el espectáculo va mucho más allá del canto. “Siento que estoy contando la historia no solo con mi voz, sino con el movimiento, con mi energía. Es algo muy hermoso porque se construye por medio de todos para crear una historia que conecte a todos los demás.”
Detrás de cada función hay una maquinaria de precisión que el público nunca percibe directamente, pero que siente en cada instante. Narváez lo revela con orgullo: el show cuenta con 320 movimientos coordinados al milímetro por una sola persona. Mientras un artista está volando sobre las butacas, otro se desplaza al otro extremo del escenario. Esos pequeños detalles invisibles son los que le dan al espectáculo su textura de lujo.
EL SHOW EN CIFRAS
» 650 asientos en teatro construido exclusivamente para Joyá
» 5 millones de espectadores en 11 años
» 320 movimientos coordinados por una sola persona durante cada función
» Único teatro de Cirque du Soleil con esta tecnología en el mundo
» Más de 3,400 funciones realizadas
» Música y canto completamente en vivo en cada función
» Primera producción permanente de Cirque du Soleil en México
» Único dinner and show de Cirque du Soleil en el planeta
El teatro mismo es una obra maestra: construido exclusivamente para 650 personas, con tecnología de punta, no existe otro igual en toda la historia de Cirque du Soleil. Es, según Narváez, “la experiencia de mayor lujo que existe en el destino”, y un millón y medio de espectadores lo confirman.
Ruth lo dice con una sonrisa cómplice y sin revelar demasiado: “No quiero quemar todo, pero entra un barco. Hay gente que estamos nadando debajo del agua, que estamos volando, pero estamos nadando debajo del agua. Te hace soñar, te hace volver a despertar y recordar quién eres.”
Porque en el fondo, Joyá no es un espectáculo de entretenimiento. Es una experiencia de transformación interna. “Se trata de echarte un clavado a tu interior. Nos despierta ese niño que tenemos a veces muy guardadito. El show trata de la transformación interna. No solo van a ir a tener una deliciosa cena, también van a sentir y van a recordar quién son”, invita Robles.
El impacto de Joyá va más allá del espec-
táculo en sí. En palabras de Narváez, “Joya es la corona de Cancún”. Una apuesta conjunta entre Cirque du Soleil de Canadá y Vidanta de México que ha convertido a la Riviera Maya en un destino de entretenimiento de lujo de primer nivel mundial.
“La responsabilidad que tenemos es enorme: la gente ahorra durante seis meses, un año para venir de vacaciones. Nos dan la confianza de tener el sueño de sus vacaciones. Es un orgullo poder recibir a todas las personas todas las noches”, reflexiona Narváez.
Y los números lo avalan. Once años, más de 1.5 millones de espectadores, más de 3,400 funciones y un show que sigue evolucionando: “Tenemos una dirección artística obsesiva, compulsiva, y el espectáculo está siempre buscando la perfección, nueva música y nuevos vestuarios. Los que lo vieron la primera vez, ya no es igual al de hoy.”
Si vas a Cancún, ve a Joyá. Y si no tenías planes de ir a Cancún, ya los tienes. //@ revistacosasmx
LONDRES
ACABA DE CONSEGUIR EL HOTEL DE BIENESTAR QUE MERECÍA
Six Senses desembarca en The Whiteley con un concepto que redefine lo que significa alojarse en una gran ciudad: no solo dormir bien, sino salir distinto
Por María Rivas Alvarado
Hay una pregunta que todo viajero de alto nivel se hace al planear un viaje a Londres: ¿en qué hotel quedarse cuando ya has probado los de siempre? Durante décadas, la respuesta fue siempre la misma lista de sospechosos habituales en Mayfair o Knightsbridge. A partir de este año, hay una respuesta nueva. Y viene del oeste.
Six Senses London abrió sus puertas el 1 de marzo de 2026 dentro de The Whiteley, el histórico edificio de Queensway en Bayswater, los primeros grandes almacenes de Londres, inaugurados en el siglo XIX, transformado hoy en un complejo de uso mixto de más de 90 mil metros cuadrados que incluye residencias privadas, comercios y lo que ya se perfila como el hotel más interesante de la ciudad este año.
“No se trata de un hotel con spa. Se trata de un destino de bienestar que tiene habitaciones. La diferencia es todo.”
UN EDIFICIO CON MEMORIA, UN HOTEL CON VISIÓN
La fachada catalogada Grade II ha sido preservada con precisión quirúrgica. Foster + Partners desmontó, amplió y reconstruyó a mano la gran escalera central, una de las piezas más icónicas del antiguo emporio, que ahora se eleva tres niveles hasta un techo abovedado de cristal. El estudio AvroKO, responsable del interiorismo en colaboración con EPR Architects, tomó como hilo conductor la fascinación del fundador William Whiteley por la Gran Exposición de 1851: esa idea de que bajo un mismo techo puede convivir todo lo que el mundo tiene de extraordinario. El resultado son 109 habitaciones y suites, muchas con terrazas privadas, donde el azul profundo, las maderas cálidas y las duchas tipo lluvia de cristal conviven con líneas Art Déco y ventanales de gran altura. En la cúspide del edificio, la Whiteley Suite con su terraza en azotea de 125 metros cuadrados permite
configurar un piso privado completo. Una declaración de intenciones sobre lo que el hotel entiende por hospitalidad.
EL SPA QUE CAMBIA LA CONVERSACIÓN
SOBRE EL BIENESTAR URBANO
Con 2 mil 300 metros cuadrados bajo tierra, Six Senses Spa London no se parece a ningún otro spa en la ciudad. Tiene la primera piscina de magnesio de Londres para recuperación muscular y regulación del sistema nervioso, una alberca interior de 20 metros, crioterapia, flotación, terapias de luz roja, hammam tradicional, suite sensorial y un Biohack Recovery Lounge con protocolos personalizados de regeneración que incluyen terapia PEMF, estimulación muscular eléctrica y plataformas vibratorias. No es un spa de hotel con velas aromáticas. Es una clínica de alto rendimiento con alma.
El Wellness Centre integrado ofrece consultas privadas y evaluaciones funcionales avanzadas, análisis de biomarcadores, salud metabólica, rendimiento cognitivo, gestión del sueño, que se convierten en la base de programas personalizados. Y en asociación con HUM2N, la clínica de longevidad del Dr. Mohammed Enayat instalada en el primer piso, el hotel suma terapia intravenosa de nutrientes, optimización hormonal y una cámara hiperbárica. Para el viajero que llega a Londres por negocios o placer, pero no quiere que el viaje le cueste una semana de recuperación, Six Senses es una propuesta sin competencia real en la ciudad. //@revistacosasmx
BEVERLY HILLS, DONDE EL MUNDIAL SE VIVE EN OTRA DIMENSIÓN
La Copa FIFA 2026 llega a Los Ángeles este verano y Beverly Hills ya se posicionó como el cuartel general del viajero que no quiere elegir entre la emoción del fútbol y la vida que merece.
Por María Eugenia Rivas
Hay mundiales y hay maneras de vivirlos. Está el aficionado que duerme cerca del estadio, que come lo que encuentre y que lleva la camiseta sudada como medalla de honor. Y está el otro perfil: el que sabe que la Copa es el pretexto perfecto para hacer un viaje que, de otro modo, siempre se pospone. Para ese viajero, Beverly Hills no es solo una opción. Es la única respuesta posible.
Del 11 de junio al 19 de julio de 2026, Los Ángeles albergará ocho partidos en el SoFi Stadium de Inglewood, incluyendo un cuarto de final el 10 de julio. La energía mundialista tomará la ciudad entera: el FIFA Fan Festival en el Memorial Coliseum, pantallas gigantes en Venice Beach, en Union Station y en The Original Farmers Market. Pero quien elija alojarse en Beverly Hills descubrirá algo que ningún fan zone puede ofrecer: la posibilidad de volver, después del partido, a un mundo completamente distinto.
“Estar cerca de la acción no significa vivir en medio del caos. Beverly Hills enseña que la verdadera exclusividad es poder elegir cuándo entrar y cuándo salir.”
EL ALOJAMIENTO COMO EXPERIENCIA
Beverly Hills concentra una densidad de hoteles cinco estrellas que pocas ciudades del mundo pueden igualar. Propiedades con reconocimiento, MICHELIN Keys y AAA Diamond Ratings conviven en unas cuantas calles del Golden Triangle: el icónico The Beverly Hills Hotel con sus cabañas rodeadas de palmeras reales; el Waldorf Astoria con su spa de 15 plantas y vistas sin igual; The Peninsula con su servicio de mayordomo 24 horas; el Beverly Wilshire, cuyo lobby recuerda que el lujo tiene arquitectura.
Para quienes prefieren una escala más íntima y contemporánea, el recién inaugurado The Lili Hotel o el AKA Beverly Hills ofrecen una atmósfera de diseño que no renuncia a nada.
La ventaja logística no es menor: Beverly Hills está a 30-45 minutos de LAX y a una distancia manejable del SoFi Stadium, lo que permite organizar los días de partido sin sacrificar el ritmo del resto del viaje. Auto privado al estadio, regreso al hotel, cena tardía en Mastro’s o en Funke, nightcap en la terraza. Ese es el guinón.
MÁS ALLÁ DEL ÁRBITRO
El Mundial dura semanas, pero los partidos solo unas horas. El resto del tiempo, Beverly Hills despliega su agenda habitual sin complejos: Rodeo Drive y sus boutiques de las grandes maisons, más de 200 restaurantes que van del omakase silencioso a la terraza bulliciosa donde ver el siguiente partido, spas que ofrecen tratamientos de recuperación para quien llegó con el cuerpo exigido tras un vuelo transatlántico o tres noches de celebración. El arte, la arquitectura, las galerías y las mansiones históricas completan un mapa cultural que pocas ciudades mundialistas pueden ofrecer como telón de fondo.
Para el viajero mexicano —que este verano tendrá en Los Ángeles uno de sus epicentros mundialistas, Beverly Hills representa algo que va más allá de la comodidad: es la confirmación de que un gran evento global no tiene por qué vivirse de cualquier manera. Que es posible estar en el corazón de la acción y, al mismo tiempo, en un lugar donde cada detalle habla de intención, de cuidado y de una idea muy concreta de lo que significa disfrutar.
El partido termina. Beverly Hills sigue. //@revistacosasmx
COMER BIEN NUNCA HABÍA SABIDO TAN BIEN
En Polanco, Sweet & Fit convierte cada platillo en una declaración: que la nutrición real no renuncia al placer, y que un waffle de harina de garbanzo puede ser, sin exageración, el mejor de tu vida
Por María Rivas
Hay restaurantes que te hacen sentir bien después de comer.
Y hay restaurantes que te hacen sentir bien mientras comes, sin culpa, sin resignación, sin la sensación de que estás sacrificando algo. Sweet & Fit, ubicado en Anatole France 138, en el corazón de Polanco, pertenece a esa segunda categoría.
Y lo hace con una convicción que pocos en su industria tienen: que los ingredientes reales son medicina, y que servirlos con excelencia es un acto de cuidado. La historia comienza en la cocina de Karina Plasencia, fundadora del proyecto. Un padecimiento personal la llevó a explorar lo que ella misma llama “la medicina natural que encontramos en los alimentos”. Lo que inició como experimentación casera pasteles para amigos, recetas sin gluten para su familia, se transformó en una propuesta gastronómica que hoy opera en más de quince ciudades de México y tiene a Polanco como una de sus banderas más sólidas.
“Cada alimento que servimos es algo que yo le daría a mi hija para darle vida a su organismo.” Karina Plasencia, fundadora La premisa de Sweet & Fit es tan simple como radical en el contexto de la restauración contemporánea: no se trata de comer menos, sino de comer mejor. Ningún conservador. Ninguna grasa trans. Ningún
azúcar refinado. Cada ingrediente que llega a la cocina tiene un propósito nutricional, y cada receta está diseñada para que ese propósito no comprometa una décima parte del sabor.
El menú abarca desde desayunos hasta cena, con una arquitectura de opciones que contempla prácticamente cualquier necesidad dietética: keto, vegano, libre de gluten, libre de lácteos, sugar free, alto en proteína. No como concesiones de nicho, sino como parte del ADN de la cocina. En Sweet & Fit, una persona celíaca y un atleta
en temporada de definición pueden sentarse juntos y encontrar, ambos, exactamente lo que buscan.
EL MENÚ: DONDE LA NUTRICIÓN SE VUELVE EXPERIENCIA
Los chilaquiles son, a nivel nacional, el plato más pedido del restaurante, y entender por qué es entender a Sweet & Fit. No son chilaquiles light, ni una versión disminuida del original: son chilaquiles con totopos horneados, frijoles negros, aguacate, cebolla desflemada, rábano y crema de yogur,
elaborados con una salsa a elegir entre verde, roja, chipotle o morita. Son, en toda su extensión, deliciosos. Y también son nutritivos. Esa doble condición es la clave de todo.
El desayuno es la sección más extensa y celebrada del menú. Los huevos benedictinos, disponibles en versiones con pavo ahumado, salmón, versión keto o mexicana, llegan montados sobre pan de masa madre hecho en casa, sin huevo en la mezcla y sin conservadores: un pan que la marca produce bajo estrictos controles artesanales.
LOS PLATILLOS
QUE NO DEBES DEJAR DE PROBAR
Chilaquiles — El número uno a nivel nacional, con totopos horneados y salsa a elegir. / Huevos Benedictinos de Salmón Ahumado — Dos huevos poché sobre pan de masa madre, guacamole, salmón, salsa holandesa y rábano. / Michigan Bowl — Pollo a la plancha con chipotle, brócoli, espinaca, zanahoria, garbanzos y paprika sobre base de quinoa. / Protein Waffle — Waffle de harina de garbanzo y almendra, relleno de chispas de chocolate, con proteína vegana y compota de moras artesanal. / Tres Leches Keto Friendly — La reinterpretación sin azúcar refinada, sin gluten ni lácteos del clásico mexicano. / Healthy Chocolate Smoothie — Leche de almendra, plátano, cacao y granola: el postre que no se siente postre.
POR QUÉ SWEET & FIT IMPORTA MÁS ALLÁ
DE LA TENDENCIA HEALTHY
En un mercado saturado de propuestas que se etiquetan como saludables sin serlo del todo, Sweet & Fit ocupa un lugar distinto: el de una marca que nació desde la necesidad real — la de su fundadora, la de su padre, la de su hija — y que construyó su menú desde adentro hacia afuera. Sus waffles tienen certificación de NUCE como productos libres de gluten, lácteos y azúcares refinadas. Su pan de masa madre se produce bajo estrictos controles artesanales sin huevo ni conservadores. Su endulzante principal es el monk fruit, de origen natural y sin impacto glucémico significativo. No son decisiones de marketing: son el reflejo de una filosofía que, con más de quince sucursales en el país, ha demostrado que el mercado mexicano estaba esperando exactamente esto.
Los waffles, elaborados con harina de garbanzo, almendra y coco, cuentan con certificación de NUCE como productos 100% libres de gluten, lácteos y azúcares refinadas, y se ofrecen en versiones tan elaboradas como el Protein Waffle, con proteína vegana, chispas de chocolate y compota de moras artesanal.
En comida y cena, el menú abre hacia bowls de atún spicy, salmón sellado con costra de ajonjolí, Vietnamese rolls de hoja de arroz, pastas integrales y ensaladas construidas sobre bases de quinoa o arroz de coliflor. El Michigan Bowl, pollo a la plancha con chipotle, brócoli, espinaca, garbanzos y paprika, se ha convertido en uno de los platos emblemáticos del local. El Healthy Chocolate Smoothie, elaborado con leche de almendra, plátano, cacao y granola, cierra
muchas mesas como el postre que no se siente postre.
La sección de bakery es donde Sweet & Fit demuestra que su filosofía no tiene excepciones. Los panqués, donas y rebanadas que llenan la vitrina están elaborados con harina de garbanzo y almendra, endulzados con monk fruit, el edulcorante de origen natural que la marca ha adoptado como su estándar, y libres de colorantes y conservadores. El Tres Leches Keto Friendly, el Brownie Cake, el Alfajor y el Avellana Cheesecake no son versiones reducidas de sus equivalentes convencionales: son propuestas completas que compiten en sabor con cualquier pastelería de la ciudad.
Para ocasiones especiales, Sweet & Fit ofrece pasteles completos con 24 horas de anticipación, desde panqués para seis a ocho personas hasta pasteles de 16 a 18 rebanadas, en variedades que van del plátano cajeta al matcha keto. Una opción que cada vez más familias eligen para festejos donde algún integrante tiene restricciones dietéticas, o simplemente donde todos quieren comer algo extraordinario sin arrepentirse.
El local de Anatole France 138 tiene capacidad para cuarenta comensales y una identidad visual que refleja la misma filosofía que gobierna su cocina: honesta, cálida, sin excesos ornamentales. La paleta de verdes, el color corporativo de la marca aparece con discreción en los elementos de interiorismo, sin competir con la claridad y luminosidad del espacio.
El ambiente es pet friendly, accesible sin horarios limitados de lunes a domingo de 8 a 20 horas, y está diseñado para que una visita de trabajo, un desayuno familiar o una pausa de mediodía tengan exactamente el mismo nivel de confort.
Por ahora, Polanco tiene todo lo que necesita. Un lugar donde pedir chilaquiles a las ocho de la mañana no es un capricho, sino la mejor decisión del día. Un lugar donde la etiqueta “saludable” no es una advertencia, sino una garantía de placer. Eso, en la Ciudad de México de hoy, es un lujo verdadero. //@revistacosasmx
EL TIEMPO COMO
INGREDIENTE
En Polanco, una barra rompe con la idea de que el pescado más fresco es el mejor y lo hace con una precisión que solo los más arriesgados pueden permitirse
Por Aramis Flores
Hay lugares que llegan a la Ciudad de México con la vocación de durar. Matsuba es uno de ellos. Instalada en Moliere 63, en el corazón de Polanco, esta barra de sushi edomae no aspira a ser el restaurante japonés más popular de la temporada: aspira a ser el que cambie la manera en que los comensales entienden el pescado. Y en buena medida, ya lo está logrando.
La propuesta parte de una premisa que en México todavía genera sorpresa y en algunos casos, escepticismo: los pescados que llegan a la barra no se sirven el día que llegan. Se maduran. Durante tres, diez, quince, hasta veinte días o más, cada pieza pasa por un proceso controlado de reposo que transforma su textura, concentra su umami y revela sabores que en un filete recién cortado simplemente no existen. Es una técnica que los chefs japoneses más vanguardistas llevan décadas perfeccionando. En México, Matsuba es pionero.
“El pescado más fresco no siempre es el mejor. A veces, el tiempo es el ingrediente más honesto.”
DOSCIENTOS AÑOS DE TRADICIÓN DETRÁS DE CADA CORTE
El nombre del estilo que rige la cocina de Matsuba no es arbitrario. Edomae es una forma de sushi nacida en Tokio hace más de dos siglos. Su nombre proviene de Edo, el antiguo nombre de la ciudad, y mae, que significa “frente”, en referencia al mar y al pescado que se capturaba frente a sus costas. Durante generaciones, los maestros sushimen de esa tradición desarrollaron técnicas de curación, marinado y reposo precisamente porque el pescado no siempre podía servirse de inmediato. La maduración no es una moda: es historia.
La cocina no reniega de sus bases japonesas, las domina, pero las pone al servicio de una visión contemporánea que incorpora técnicas vanguardistas y una sensibilidad local que se traduce en una barra verdaderamente única dentro de la oferta gastronómica de la ciudad.
La experiencia se articula alrededor del espíritu del omakase, un concepto japonés que podría traducirse como “confiar”. Quien se sienta en la barra no elige: entrega esa decisión al chef, que diseña una secuencia guiada por la temporada, el producto disponible y el ritmo particular de cada comensal. Es una forma de comer que exige presencia. Y que recompensa con generosidad.
Cada ingrediente que llega a la barra ha sido seleccionado con la misma lógica de custodia que define la filosofía del restaurante: del anzuelo al cuchillo, del mar al corazón del comensal. MATSUBA trabaja exclusivamente con pescados y mariscos de procedencia sostenible, elegidos de proveedores locales e internacionales que comparten su compromiso con el mar. No es solo un discurso: es una condición de operación.
El interiorismo de MATSUBA responde a la misma filosofía que gobierna su cocina: nada está de más. El espacio en Moliere 63 abraza la austeridad japonesa sin caer en la frialdad. La barra, centro neurálgico del restaurante, es el eje visual y funcional de todo el diseño: desde ahí se ve trabajar al chef, se reciben los tiempos y se genera esa complicidad silenciosa que solo ocurre cuando el comensal y el cocinero comparten el mismo espacio sin barreras.
Los materiales hablan de permanencia: madera de tonos cálidos, superficies limpias, una iluminación pensada para que el producto sea el protagonista. No hay ornamentación innecesaria. Cada elemento arquitectónico existe para enmarcar la experiencia, no para competir con ella. El resultado es un ambiente que se siente tanto
¿QUÉ ES LA MADURACIÓN DEL PESCADO?
A diferencia del sushi convencional, donde la frescura inmediata es el estándar de calidad, la maduración (conocida en japonés como kojuku o aging) consiste en someter al pescado a un proceso controlado de reposo,
íntimo como impecable, y que sitúa a Matsuba en la conversación de los grandes restaurantes de diseño de la ciudad.
En una ciudad donde la oferta gastronómica japonesa ha crecido de manera exponencial en los últimos años, MATSUBA ocupa un lugar que ningún otro restaurante ocupa. No por pretensión, sino por convicción: la de que la maduración del pescado es una técnica legítima, sofisticada y transformadora que merece un espacio propio en la mesa mexicana. Sentarse en su barra es aceptar una invitación poco frecuente en la gastronomía contemporánea: la de rendirse ante el criterio del chef y descubrir que, en ese acto de confianza, hay un placer que va mucho más allá del sabor. Matsuba no vende sushi. Vende tiempo. Y ese, hoy por hoy, es el lujo más escaso. //@revistacosasmx
generalmente en frío y con alta humedad, durante días o semanas. Durante ese tiempo, las enzimas naturales del músculo descomponen las proteínas de manera gradual, ablandando la textura y generando
compuestos de glutamato que intensifican el umami. El resultado es un pescado con más profundidad, más carácter y una complejidad de sabor imposible de obtener en un ejemplar recién capturado.
CUANDO LA TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA SE SIENTAN A LA MISMA MESA
Cuqui Martínez y Melina Salas demostraron que la cocina mexicana más poderosa no está en los reflectores, sino en las raíces y que juntas pueden incendiar cualquier mesa
Por
Cosas Staff
Hay cenas que alimentan. Y hay cenas que transforman. La noche del 12 de marzo en FABIA Cocina de Campo, en San Ángel, fue de las segundas. Bajo el nombre “Cocina por Mujeres que Transforman”, dos cocineras con trayectorias radicalmente distintas y profundamente complementarias, se unieron para ofrecer una experiencia que reveló algo que la gastronomía mexicana lleva siglos sabiendo: que el sabor más complejo siempre tiene historia detrás.
De un lado, la chef Cuqui Martínez, cofundadora de Culinaria Chic, con una propuesta contemporánea construida sobre ingredientes de temporada, creatividad culinaria y una visión clara de lo que significa celebrar México desde la cocina. Del otro, Melina Salas, cocinera tradicional originaria de Zapotitlán Salinas, Puebla, portadora de un conocimiento que no se aprende en ninguna escuela: el que se hereda del desierto, de las salinas naturales, de los cactus y de las generaciones que la precedieron.
Melina Salas
Cuqui Martínez
“El sabor más complejo siempre tiene historia detrás.”
La participación de Melina en esta cena no fue casual. La cocinera es finalista del programa “Nueva Generación de Cocineras Tradicionales: Puente de sabor y saber entre Francia y México”, una iniciativa de Marianne México que reunió a diez jóvenes cocineras de distintas comunidades del país para profesionalizar su trabajo sin despojarse de lo que las hace únicas: su vínculo con el territorio.
A esta conversación se sumó Mujeres en Taninos, comunidad que impulsa el talento femenino dentro del mundo del vino. Su presencia no fue decorativa: reforzó la idea central de la noche, que las mujeres que hoy están transformando la industria gastronómica lo hacen desde todos los frentes posibles, desde el fogón hasta la curaduría.
“Cocina por Mujeres que Transforman” no fue solo una cena. Fue un argumento gastronómico: que el futuro de la cocina mexicana vive en el diálogo entre lo que se hereda y lo que se crea, entre el desierto poblano y la creatividad urbana, entre los saberes que nadie enseña y la técnica que se aprende con disciplina. Y que ese diálogo, cuando ocurre con honestidad y talento, tiene un sabor que no se olvida. //@revistacosasmx
EL INGREDIENTE QUE MÁS SORPRENDIÓ DE LA NOCHE
La sal de Zapotitlán. Proveniente de las salinas naturales del municipio poblano donde creció Melina Salas, este condimento milenario apareció en varios momentos del menú como un recordatorio de que el territorio tiene sabor propio. No es solo sal: es geografía, historia y comunidad comprimidas en un cristal. Pocas veces un ingrediente tan sencillo cuenta tanto sobre el lugar que lo produce.
EL RELOJ DE BOLSILLO MÁS DESEADO DEL AÑO NO TIENE CORREA
La alianza entre Audemars Piguet y Swatch con la colección Royal Pop no es solo un lanzamiento: es el síntoma más claro de cómo el lujo aprendió a jugar
Por Aramis Flores Carranza
La colección Audemars Piguet×Swatch tiene exactamente ocho modelos en un guiño a las ocho caras de la caja y los ocho tornillos del emblemático bisel del Royal Oak. Y como aquí nada se deja al azar, la colección Royal Pop cuenta con ocho patentes adicionales dedicadas a la construcción de la caja, una estructura compleja que fusiona el octágono redondeado, el círculo y la forma de barril del Royal Oak original
Cuando en 2022 Swatch y Omega presentaron la MoonSwatch, el mundo de la relojería sufrió un cortocircuito. Filas de varias cuadras frente a boutiques en todo el mundo, reventa a precio triplicado en las primeras horas y, sobre todo, una pregunta incómoda flotando en el ambiente: ¿puede un reloj de plástico de 260 francos suizos hacer vibrar a los mismos coleccionistas que pagan seis cifras por una pieza de alta relojería? La respuesta, rotundamente, fue sí.
Cuatro años después, Swatch lo vuelve a hacer, pero esta vez con una apuesta aún más audaz. La colección Royal Pop, fruto de la colaboración con Audemars Piguet, no lleva correa, no va en la muñeca y no sigue ninguna de las reglas que durante siglos definieron qué era
un reloj de lujo. Son ocho relojes de bolsillo en Bioceramic, cargados de color y energía pop, que pueden colgarse al cuello, engancharse al bolso o reposar en el escritorio como pieza escultórica. Una provocación calculada, firmada por las dos marcas con más historia para permitirse semejante atrevimiento.
“El lujo no democratiza su precio. Democratiza su deseo”.
Aquí radica el verdadero fenómeno cultural de estas colaboraciones: Audemars Piguet no rebaja su Royal Oak, icono absoluto desde 1972, con listas de espera de años y precios que no tienen techo. Lo que hace es prestar su ADN estético, el bisel octogonal de ocho tornillos, el efecto Petit Tapisserie de la esfera, la proporción única de su caja, a un objeto que puede llegar a un público radicalmente distinto. Un público que reconoce la referencia, que entiende el guiño, que ha crecido sabiendo que el Royal Oak existe, aunque nunca haya podido tenerlo. Para ese público, el Royal Pop no es un sustituto barato: es un objeto de culto en sus propios términos.
El mecanismo no es nuevo, la moda lleva décadas perfeccionándose con las líneas difusión, pero en relojería sigue teniendo el poder de un detonador. El movimiento SISTEM51 en versión de cuerda manual, con más de 90 horas de reserva y el muelle Nivachron desarrollado originalmente junto a la propia Audemars Piguet, garantiza que detrás del color hay ingeniería real.
El tambor del barrilete que actúa como indicador visual de reserva de marcha, los cristales de zafiro con tratamiento antirreflejos, el clip de sujeción que convierte el reloj en sobremesa: cada detalle tiene una firma técnica que el iniciado reconoce y el neófito intuye.
Lo que estas colaboraciones han entendido mejor que nadie es que el lujo del siglo XXI no se mide solo en exclusividad, sino en relevancia cultural. Una marca que solo habla a quienes ya pueden permitirse deja de ser aspiracional para convertirse en inaccesible, y hay una diferencia enorme entre ambas. El hype, las colas, el fenómeno de reventa y los ocho colores pop del Royal Pop no son accidentes de marketing: son la arquitectura deliberada de un deseo compartido. Uno por persona, por día y por tienda seleccionada. Las reglas del juego, perfectamente diseñadas para que todos quieran jugar. //@revistacosasmx
W16 MISTRAL CAROLINE
Cuando la ingeniería se rinde ante el amor: la obra maestra que Bugatti creó como homenaje a una hija
Por Aramis Flores Carranza
ay automóviles que transportan, otros que deslumbran. Y luego existe una categoría que trasciende cualquier definición utilitaria, aquella en la que el acero y la fibra de carbono se convierten en el vehículo de algo mucho más profundo: la emoción humana en su forma más refinada. El Bugatti W16 Mistral ‘Caroline’ pertenece, sin ninguna duda, a
El W16 Mistral representa el cierre glorioso de la era del motor W16 de Bugatti, ese propulsor de 16 cilindros que durante dos décadas definió el vocabulario del rendimiento extremo. Como roadster, la joya de Molsheim encarna la cima absoluta del hiperdeportivo descapotable: velocidad sin techo, literalmente hablando, combinada con una artesanía que conversa directamente con la tradición de las maisons de Haute
Pero esta pieza en particular, comisionada a través del exclusivo programa Sur Mesure de la marca, eleva el concepto del automóvil de lujo a una dimensión completamente nueva. Un cliente fiel de Bugatti, con una visión tan personal como audaz, confió a los maestros artesanos de la casa la misión de crear algo sin precedentes: un tributo rodante a su hija Caroline. El equipo de Color & Material Finish de Bugatti, liderado por Sabine Consolini desde el Atelier de Molsheim y el nuevo Design Studio de Berlín, sumergió su talento en el universo de las flores y la elegancia de la moda de alta costura para traducir esa visión poética en una identidad visual completamente inédita.
La carrocería luce un exclusivo tono ‘Lavender’, una laca bespoke que emergió de un meticuloso proceso de mezcla, prueba y refinamiento. Inspirado en los campos de lavanda de la Provenza y los jardines adornados con exquisita precisión de París, el color final logra un
equilibrio sublime entre calidez y luminosidad, entre profundidad y destellos.
Bajo la luz, la superficie oscila entre el violeta azulado y el rojizo, capturando la belleza efímera de las flores en plena floración. La parte baja de la carrocería complementa esta magia con una trama de fibra de carbono ‘Violet Carbon’ tejida en un tono violeta complementario, añadiendo contraste y profundidad.
El momento más teatral de este Bugatti tiene lugar en movimiento: al activarse el freno de aire, el alerón trasero retráctil se despliega para revelar una composición floral pintada a mano con una precisión extraordinaria. Capas de tonos lila e iris aplicadas con maestría absoluta, cada pétalo cuidadosamente definido, cada matiz metódicamente entrelazado. En el centro de esta composición, el nombre ‘Caroline’ inscrito en la tipografía característica de Bugatti ancla la creación tanto visual como emocionalmente.
Adentrarse en el habitáculo de ‘Caroline’ es continuar el mismo poema visual, ahora traducido en textura, material y luz. Una armonía de cuero ‘Blanc’ y ‘Minuit’, ricos tonos violeta y fibra de carbono ‘Violet Carbon’ crea un entorno que resulta al mismo tiempo sereno y expresivo.
Los reposacabezas exhiben motivos florales bordados a mano y en espejo, compuestos por capas de técnicas de costura y miles de hilos que permiten que múltiples tonos coexistan en un solo diseño.
Esto es el lujo en estado puro: no la acumulación de riqueza, sino la transformación de un sueño en realidad tangible. El W16 Mistral ‘Caroline’ no es simplemente un automóvil. Es una oda. Una declaración de amor esculpida en metal, fibra de carbono, cuero y luz. Un regalo eterno de un padre a su hija, materializado con el savoir-faire de la maison más sublime de la automoción. //@revistacosasmx
LAS SEÑAS DE IDENTIDAD DEL W16 MISTRAL ‘CAROLINE’
ALMA MECÁNICA. Motor W16 quadturbocharged, el último de su estirpe. El capítulo final del motor más legendario de la historia del hiperdeportivo.
IDENTIDAD CROMÁTICA. Laca bespoke ‘Lavender’ de elaboración artesanal, con carrocería inferior en fibra de carbono ‘Violet Carbon’. Un color vivo, mutable según la luz, inspirado en los campos de lavanda de la Provenza.
PIEZA SINGULAR. Alerón trasero retáctil con composición floral pintada a mano en tonos lila e iris. Al desplegarse como freno de aire, revela el nombre ‘Caroline’ en tipografía Bugatti.
INTERIOR. Cuero ‘Blanc’ y ‘Minuit’ con bordados florales artesanales en los reposacabezas y paneles de puertas. Sélector de marchas con el icono del ‘Elefante Danzante’ de Rembrandt Bugatti en vidrio tintado violeta.
MCLAREN ARTURA SPIDER MCL39 CHAMPIONSHIP EDITION
El superdeportivo que convierte la gloria de la Fórmula 1 en una obra de arte para coleccionistas
Existen victorias que pertenecen a la historia del deporte. Y luego existen aquellas que trascienden el circuito y se instalan, para siempre, en el imaginario del lujo y la exclusividad. El décimo Campeonato Mundial de Constructores de McLaren Racing es, sin duda, una de ellas. Y para conmemorarla de la manera más sublime posible, McLaren Special Operations ha creado algo verdaderamente irrepetible. McLaren no es simplemente una marca de automóviles. Es un estado de ánimo, una filosofía forjada en más de seis décadas de competición al más alto nivel. Cuando en 2025 McLaren Racing conquistó su décimo título de Constructores en la Fórmula 1, sumando además el Campeonato de Pilotos con un histórico Lando Norris, el mundo del automovilismo supo que estaba ante un momento irrepetible. Dos títulos mundiales consecutivos. Un legado que el tiempo no podrá borrar.
histórico, McLaren Automotive tomó la decisión más elegante posible: crear el Artura Spider MCL39 Championship Edition. Estrictamente limitada a diez unidades en el mundo, esta pieza única es, al mismo tiempo, superdeportivo de última generación, objeto de coleccionista y carta de amor a la competición.
La identidad visual del McLaren MCL39 Championship Edition es una declaración de intenciones. McLaren Special Operations ha fusionado magistralmente el exclusivo color MSO Bespoke Myan Orange con el Onyx Black en una librea pintada a mano que rinde homenaje directo al chasis ganador del doble campeonato de 2025. El resultado es una sinfonía cromática que no pasa desapercibida en ningún contexto: tan audaz en una gala privada como sobre la recta de boxes de Silverstone.
Para que sus clientes más privilegiados pudieran ser partícipes de ese instante
Cada motivo «10» pintado en la carrocería no es un simple numeral: es un universo en sí mismo. En su interior, diez estrellas y los contornos finamente renderizados de cada uno de los McLaren que ganaron un título de Constructores a lo largo de la historia. Un homenaje visual de una complejidad artística que justifica por sí solo la categoría de esta creación.
El interior envuelve al conductor en una atmósfera de sofisticación competitiva.
Alcantara Performance Carbon Black y cuero Nappa Jet Black con ribetes McLaren Vision Orange crean un habitáculo que es, al mismo tiempo, cockpit de competición y salón privado. El bordado «10» en los reposacabezas en color McLaren Orange, el distintivo del volante pintado a las 12 en punto y la placa personalizada en la consola central elevan cada sesión de conducción a la categoría de ritual.
Hay un detalle que convierte este automóvil en algo más cercano a una reliquia deportiva que a un objeto de consumo, por exclusivo que sea: los umbrales de las puertas, en fibra de carbono satinada extendida,
están firmados a mano por Lando Norris y Oscar Piastri, los dos pilotos que llevaron al equipo a lo más alto del podio mundial en 2025. Cada vez que el propietario accede al habitáculo, lo hace bajo la firma de los campeones.
En el maletero, una placa con el historial de récords de la temporada 2025, incluyendo victorias, poles y vueltas rápidas, cierra el círculo de una narrativa que va de la pista al garage con una coherencia admirable. Además, cada propietario recibirá un recuerdo de coleccionista exclusivo del Campeonato de Constructores de 2025.
El McLaren Artura Spider MCL39 Championship Edition es, en esencia, la respuesta más elegante a una pregunta que muy pocos en el mundo pueden formularse: ¿cómo honrar una victoria irrepetible?
McLaren la ha respondido con la única moneda que entiende el lujo verdadero:
MCLAREN ARTURA SPIDER MCL39 CHAMPIONSHIP EDITION
Estrictamente limitado a 10 unidades en el mundo. Cada coche lleva una placa numerada en la consola central que certifica su singularidad.
Pintura a mano MSO Bespoke Myan Orange y Onyx Black, en homenaje directo al MCL39. Motivo «10» con diez estrellas y siluetas de todos los McLaren campeones de constructores.
FIRMA DE CAMPEONES
Umbrales de fibra de carbono satinada firmados a mano por Lando Norris y Oscar Piastri. Placa en el maletero con el historial de victorias, poles y vueltas rápidas de la temporada 2025.
la excelencia sin concesiones, el detalle elevado a liturgia y la rareza como garantía de eternidad.
Diez unidades. Diez historias únicas. Una sola leyenda naranja que acelera hacia la inmortalidad. //@revistacosasmx
Nuestro ritmo fue sólido, el equipo hizo un trabajo brillante con la estrategia. A pesar de nuestro gran comienzo de temporada, no nos estamos adelantando a los acontecimientos. Esta es solo la primera parte del año y queda mucho por delante
Kimi
Antonelli
MERCEDES-AMG PETRONAS
La salida y la carrera en general fueron bien y estábamos peleando por el podio. Al final, desafortunadamente, cometí un error que me costó varias posiciones. Es responsabilidad mía y me aseguraré de no repetirlo
Charles
Leclerc
SCUDERIA FERRARI HP
Fue una carrera muy movida. Desafortunadamente en la primera vuelta perdí el tren trasero y giré, lo que fue una lástima. Lo recuperé bien pero tuvimos que gestionar para minimizar la pérdida de tiempo. Sin duda hemos ganado algo de rendimiento, lo que es muy prometedor. En conjunto fue un fin de semana positivo
Max Verstappen
ORACLE RED BULL RACING
MIAMI
EL NUEVO TEMPLO DE LA VELOCIDAD
Bajo la amenaza de la tormenta y el calor de Florida, el Gran Premio de Fórmula 1 regaló al mundo una carrera de estrategia, drama y una nueva estrella que escribe su nombre en la leyenda del deporte
Por Aramis Flores Carranza
Miami sabe hacer las cosas a lo grande. Cuando la Fórmula 1 llegó al Miami International Autodrome el pasado 3 de mayo de 2026, lo hizo rodeada del glamour inconfundible de esta ciudad donde el lujo y la adrenalina conviven en perfecta armonía. Las nubes amenazaban con una tormenta que nunca llegó a desatarse del todo, el horario de salida se adelantó tres horas como medida de precaución, y aun así la carrera ofreció al mundo exactamente lo que el paddock prometía: drama, estrategia de alto vuelo y un desenlace que nadie pudo predecir.
Kimi Antonelli arrancó desde la pole position y terminó donde le pertenece: en lo más alto del podio. Su tercer triunfo de la temporada 2026, cuarto consecutivo para Mercedes-AMG PETRONAS como escudería, consolida una historia que ya empieza a tener el aroma de las gestas irrepetibles. La escudería de la estrella de tres puntas domina el Campeonato de Constructores con una ventaja de 70 puntos sobre Ferrari, y Antonelli lidera igualmente el torneo de pilotos con autoridad.
Pero Miami no fue un paseo. Lejos de ello. Antonelli perdió una posición en la primera vuelta ante Charles Leclerc y la estrategia de Mercedes tuvo que trabajar con precisión quirúrgica para que el joven italiano reconquistara el liderato. El undercut ejecutado en el pit lane resultó perfecto: salir justo por delante de Lando Norris
y usar los neumáticos a temperatura óptima para defender la posición hasta la bandera a cuadros. Una actuación que combina talento, nervios de acero y confianza plena en el equipo. El propio piloto fue el primero en poner las cosas en perspectiva: a pesar del arranque arrollador de la temporada, en el entorno Mercedes prefieren no dar nada por sentado. La temporada es larga, la competencia feroz, y los rivales llegan a cada carrera con paquetes de mejoras que acortan distancias. Miami fue una victoria que se ganó en la mesa de estrategia tanto como en el asfalto.
Si hay una narrativa que define a la Scuderia Ferrari HP en este inicio de 2026, es la de una escudería capaz de los destellos más brillantes y de los errores más costosos, casi en el mismo aliento.
Charles Leclerc protagonizó en Miami una de esas tardes que resumen perfectamente este dualismo. El monegasco salió tercero en la parrilla, tomó el liderato en la primera curva aprovechando el duelo entre Antonelli y Verstappen, y durante varios compases fue el hombre más rápido en pista.
El SF-26 estrenó en Miami su primer paquete de actualizaciones aerodinámicas de la temporada, y las mejoras funcionaron según lo previsto. El problema de Ferrari no fue la velocidad en solitario, sino la consistencia en tráfico, una debilidad que Fred Vasseur reconoció con la franqueza que le caracteriza. Cuando Leclerc corría en aire limpio, el ritmo era de liderato; cuando hubo de batirse entre coches, la actuación perdió brillo de manera notable.
El desenlace fue agridulce: en los últimos compases, con Oscar Piastri encima, Leclerc defendió con todo y se fue a los muros en la curva 3. Acabó sexto en pista, pero una penalización de 20 segundos post-carrera lo relegó al octavo puesto definitivo. Lewis Hamilton, por su parte, hubo de gestionar desde la primera vuelta los daños causados por un incidente con Franco Colapinto que comprometió el suelo y el pontón derecho de su monoplaza.
Séptimo lugar, y ascenso a sexto tras la sanción a su compañero: una tarde de supervivencia para el heptacampeón.
Hay una señal que los equipos rivales harían bien en no ignorar: Red Bull Racing llegó a Miami 1,2 segundos por vuelta por detrás de la pole en Japón, hace apenas cinco semanas. En Florida, Max Verstappen salía segundo en la parrilla. La curva de progreso del RB22 es tan pronunciada que asusta, y el propio Laurent Mekies, su director de equipo no escondió la satisfacción de ver a su escudería avanzar a pasos de gigante.
La carrera de Verstappen fue todo lo que él es: un ejercicio de gestión y orgullo competitivo. Un trompo en la segunda curva de la primera vuelta, parada anticipada en boxes, stint larguísimo en neumático duro con escasa adherencia y, al final, quinto lugar. Perdió la posición ante George Russell en los estadios finales de la carrera, pero ante la magnitud de los contratiempos acumulados, un quinto puesto tiene el sabor de una pequeña victoria. Como él mismo admitió, el coche va en la dirección correcta.
El Gran Premio de Miami no es solo una carrera. Es un fenómeno cultural que fusiona el deporte de mayor exigencia técnica del planeta con el estilo de vida más aspiracional del hemisferio occidental. Las tribunas del Miami International Autodrome se convierten durante este fin de semana en una pasarela donde convergen la élite del entretenimiento, la moda, los negocios y el deporte.
El campeonato 2026 apunta a ser uno de los más apasionantes en años. Mercedes domina, Ferrari busca la consistencia que necesita para ser campeona, y Red Bull acorta distancias a una velocidad que empieza a resultar inquietante para sus rivales. McLaren, con Norris luchando por victorias y Piastri omnipresente en las posiciones de puntos, completa un cuarteto de escuderías que promete hacer de cada fin de semana un acontecimiento irrepetible. La próxima cita es Montreal. Y el Gran Circo, fiel a sí mismo, ya no piensa en Miami. Solo en la siguiente vuelta. //@revistacosasmx
LA PANTALLA QUE NO COMPITE
En un mundo saturado de notificaciones, algoritmos y luces
LED, el marco digital Aura Carver Mat 10” propone algo radical: una pantalla que solo muestra lo que te importa, sin pedir nada a cambio
Por Aramis Flores Carranza IG@nevermind
Existe una paradoja silenciosa en nuestros hogares: tenemos más pantallas que nunca y, sin embargo, nunca hemos visto menos de lo que realmente importa. El televisor reproduce series, la tablet acumula apps, el teléfono no deja de vibrar. En ese ecosistema de demandas constantes, el Aura Carver Mat aparece como una propuesta casi filosófica: una pantalla que no pide nada, que no interrumpe, que no vende. Solo muestra tus fotos. Las tuyas. Las de las personas que amas. Lo probamos durante semanas en distintos espacios del hogar y esto es lo que encontramos.
Una empresa que reinventó un objeto olvidado, Aura Frames fue fundada en 2016 en Nueva York con una premisa clara: el marco digital era una buena idea que había sido muy mal ejecutada. Los modelos existentes en ese momento eran complicados de configurar, tenían pantallas mediocres y requerían memorias USB o procesos técnicos que alejaban a cualquiera que no fuera un entusiasta de la tecnología.
El equipo de Aura lo rediseñó desde cero: pantallas calibradas para reproducir fotografías con calidez, una aplicación móvil intuitiva disponible en español para iOS y Android, almacenamiento ilimitado y gratuito en la nube sin suscripciones, y un modelo de negocio que no depende de datos del usuario ni publicidad.
El Aura Carver Mat es un marco digital de 10 pulgadas con acabado mate, diseñado para integrarse al ambiente de cualquier habitación sin llamar la atención sobre sí mismo. Ese es, precisamente, su mayor logro estético: no parece un gadget. Parece un cuadro. Su pantalla HD optimizada reproduce las fotografías con una fidelidad de color y una luminosidad que se ajusta automáticamente al ambiente de la habitación. El acabado mate elimina los reflejos que suelen arruinar la experiencia en marcos digitales convencionales, haciendo que las imágenes se vean limpias tanto con luz natural como con iluminación artificial. El marco puede colocarse en horizontal o vertical, apoyado sobre una superficie o montado en la pared, y en ambas posiciones funciona con la misma elegancia.
Aquí es donde el Aura Carver Mat deja de ser un simple gadget y se convierte en algo más interesante. A través de la aplicación, el propietario del marco puede invitar a familiares y amigos cercanos a contribuir con fotografías directamente desde su celular. No hace falta que los invitados tengan un marco propio, solo la app. Una vez aceptada la invitación, sus fotos aparecen en el marco de forma automática.
El resultado es una especie de red social completamente privada, sin algoritmos, sin likes, sin publicidad, sin que nadie ajeno vea nada. La abuela en Veracruz recibe en su marco las fotos que su nieto tomó en un partido de fútbol ese mismo día. La pareja que viaja por trabajo ve aparecer cada mañana una imagen nueva enviada desde casa. Los amigos que jugaron el papel de Cupido en una historia de amor pueden subir sus propias fotos con mensajes para celebrar con la pareja.
Esta dimensión colaborativa es lo que transforma el Carver Mat de producto tecnológico a objeto emocional. No es una pantalla que consume contenido externo: es un recipiente de contenido
propio, íntimo y continuo.
Vivimos el pico de la fatiga de pantallas. Los estudios de bienestar digital coinciden en que el exceso de contenido digital genera ansiedad, fragmenta la atención y reduce la capacidad de presencia. El Carver Mat opera en dirección contraria: es pasivo, no pide interacción, no genera notificaciones y no tiene red social propia que provoque comparación o dependencia.
El Carver Mat no es perfecto. La pantalla de 10 pulgadas, aunque bien calibrada, puede sentirse pequeña en espacios amplios o en paredes grandes. Para salas con techos altos o comedores formales, el formato puede quedarse corto visualmente.
La dependencia de conexión WiFi es otro factor para considerar: si la señal es inestable, la actualización de fotos puede retrasarse. No es un problema grave, pero en casas con conectividad irregular puede resultar frustrante. La aplicación, aunque intuitiva, tiene algunas limitaciones en el control del orden de reproducción de las fotos. El marco las muestra de forma aleatoria entre las imágenes disponibles, lo que está bien en el día a día, pero puede dificultar armar una secuencia narrativa específica para una ocasión especial.
Es un objeto que mejora con el tiempo, porque mejora con las fotos que recibe. Cada imagen que alguien sube desde cualquier parte del mundo lo hace más valioso. Eso, en el universo de los gadgets, es extraordinariamente raro. //@revistacosasmx
EL DISEÑO DEL LUJO SIN REMORDIMIENTOS
Hay un momento en la historia de cualquier categoría de producto en que las reglas cambian. No porque un gigante del mercado decida romperlas, sino porque alguien que no tiene nada que perder decide ignorarlas. Eso es, en esencia, lo que realme ha hecho con el smartphone desde 2018, y el realme 16 Pro+ es la expresión más madura de esa apuesta: un teléfono que compite con los mejores del mercado en casi todos los rubros que importan, a un precio que los grandes fabricantes no se atreverían a ofrecer.
Lo probamos, lo llevamos a todos lados, le pedimos que hiciera todo. Esto es lo que encontramos.
Lo primero que llama la atención del realme 16 Pro+ es que no se parece a ningún otro teléfono del mercado en su rango de precio. Y eso es intencional: el dispositivo fue
diseñado en colaboración con Naoto Fukasawa, uno de los diseñadores industriales más influyentes del mundo, conocido por su trabajo con MUJI, Issey Miyake y Bang & Olufsen, entre otros.
El concepto que Fukasawa desarrolló se llama Urban Wild Design y fusiona referencias a la naturaleza con una estética urbana sofisticada. La cubierta trasera está fabricada en silicona orgánica bio-based con una textura inspirada en el trigo natural: suave al tacto, cálida en la mano, completamente diferente a los acabados de vidrio pulido que dominan el mercado. El resultado es un teléfono que se siente bien antes de encenderlo.
El perfil tiene 8.49 milímetros de grosor, lo que lo coloca entre los más delgados de su categoría. Está disponible en dos colores con nombre propio: Master Gold y Master Grey.
El realme 16 Pro+ se presenta a sí mismo como Portrait Master, y la cámara es el núcleo de esa promesa. La lente principal de 200 megapíxeles LumaColor no es solo un número de marketing: combinada con el ProDepth Bokeh Algorithm y el sistema FullFocal Portrait Lens Kit, produce retratos con un nivel de detalle, desenfoque y fidelidad de tonos de piel que hasta hace muy poco era territorio exclusivo de los flagships de cuatro o cinco veces el precio. El lente periscópico con zoom óptico de 3.5x y zoom digital de hasta 120 aumentos amplía radicalmente el rango creativo del dispositivo. En términos prácticos: desde fotografiar el escenario completo de un concierto hasta capturar el detalle de una flor a distancia sin mover un pie, todo desde el mismo teléfono. El video 4K HDR con múltiples distancias focales completa un sistema de cámara.
El procesador Snapdragon 7 Gen 4 de Qualcomm es uno de los chips más capaces del segmento medio-alto del mercado. El dispositivo alcanza hasta 1.44 millones de puntos en el benchmark AnTuTu, una cifra que lo pone en conversación directa con teléfonos de gamas superiores.
La pantalla de 6.8 pulgadas con resolución 1.5K y frecuencia de actualización de 144Hz ofrece una experiencia visual notablemente superior al estándar de su precio: los movimientos se ven líquidos, el texto se lee con nitidez y el brillo máximo de 6 mil 500 nits hace que la pantalla sea legible incluso bajo luz solar directa, algo que, en la Ciudad de México, con sus tardes soleadas y terrazas de moda, importa más de lo que parece.
La batería de 7 mil mAh es otro punto para destacar. En un mercado donde los teléfonos de gama alta sacrifican capacidad de batería por delgadez, el realme 16 Pro+ llega a 8.49mm de grosor con una celda que en uso moderado dura sin problemas dos días completos. Para el viajero frecuente o el profesional que no puede permitirse quedarse sin teléfono a mitad del día, este dato no es menor.
En un contexto donde la fotografía móvil es la forma dominante de documentar la vida, conectar con otros y construir presencia digital, tener acceso a 200 megapíxeles con algoritmos de retrato avanzados ya no es un lujo: es una herramienta de comunicación. El realme 16 Pro+ democratiza esa herramienta.
La disponibilidad exclusiva a través de Mercado Libre en el momento del lanzamiento es una limitación real. Para un segmento de compradores que prefiere ver y tocar el producto antes de adquirirlo, o que desconfía de las compras en línea para artículos de este valor, la ausencia en tiendas físicas puede ser un freno.
El procesador Snapdragon 7 Gen 4, aunque potente y más que suficiente para la mayoría de los casos de uso, no es el chip tope de línea de Qualcomm. Usuarios con necesidades
de rendimiento extremo en gaming o edición profesional de video podrían notar la diferencia frente a dispositivos con Snapdragon 8 Elite.
El realme 16 Pro+ es uno de los argumentos más sólidos del año para reconsiderar el precio que se está dispuesto a pagar por un smartphone. Con un sistema de cámara de 200 megapíxeles co-desarrollado con algoritmos profesionales, un diseño firmado por uno de los grandes del diseño industrial japonés, una batería de 7 mil mAh, pantalla de 144Hz y resistencia IP69, el teléfono entrega en casi todos los rubros que importan a un precio que sus competidores de especificaciones similares no pueden igualar.
No es el teléfono perfecto. Pero es, en este momento y a este precio, uno de los más inteligentes del mercado mexicano. //@revistacosasmx
¿QUÉ PASA CON TU
VIEJO?
México genera más de 1.5 millones de toneladas de basura electrónica al año y recicla apenas el 4%. Con Planeta Movistar, Telefónica apuesta por convertir el hábito de reciclar en algo tan fácil como llegar al Centro de Atención más cercano.
En algún cajón de tu casa, probablemente hay un celular muerto. Quizás dos. El cargador de un tablet que ya no tienes, unos auriculares que dejaron de funcionar, un módem que reemplazaste hace dos años. No estás solo: se estima que el 40% de la basura electrónica en México permanece guardada en hogares y oficinas sin que nadie sepa bien qué hacer con ella. El resto, en su mayoría, termina en la basura común o en tiraderos a cielo abierto, donde los materiales peligrosos que contiene, plomo, mercurio, cadmio se filtran al suelo y al agua.
Planeta Movistar: Telefónica Movistar México
no es nueva en este terreno: desde 2011 ha reciclado más de 17 mil toneladas de residuos electrónicos a través de distintos programas. Pero Planeta Movistar, relanzado en octubre de 2025 en el marco de sus 25 años en México, introduce algo que los programas anteriores no tenían: un sistema de incentivos directos para quien participa. Quienes depositen sus dispositivos en los contenedores habilitados en los más de 190 Centros de Atención a Clientes de Movistar —presentes en 21 estados del país— pueden recibir boletos de cine o cupones de 100 pesos canjeables en plataformas de movilidad. El programa acepta smartphones, relojes digitales, consolas de videojuegos, cables, módems y auriculares, entre otros dispositivos. La meta para 2026 es recolectar al menos una tonelada de residuos electrónicos.
Con “Juega México”, la marca de la latita azul lanza su plataforma más ambiciosa: cinco leyendas del fútbol, The Warning en la banda sonora, Seo Ju Park detrás de la cámara y un manifiesto que convierte el fútbol en metáfora del país entero. La campaña no eligió embajadores al azar. Oribe Peralta, Jared Borgetti, Manuel Negrete, Enrique Borja y Luis Hernández, cinco leyendas que representan distintas épocas del fútbol mexicano, comparten
UNA CANCHA RECUPERADA NO ES SOLO INFRAESTRUCTURA. ES TEJIDO SOCIAL.
En el año de la Copa del Mundo en México, Fundación MetLife y Fundación Placemaking arrancan la edición 2026 de Pinta Tu Cancha: 12 nuevas intervenciones en colonias de CDMX, Ecatepec y Guadalajara que convierten canchas abandonadas en puntos de encuentro real.
El programa de Fundación MetLife México y Fundación Placemaking México no prome-
te resolver el problema de infraestructura pública del país: lo que hace es intervenir espacios reales, en colonias reales, con vecinos reales que participan en el diseño y la rehabilitación. Y eso, multiplicado por el tiempo y la comunidad que se activa en el proceso, genera algo que el presupuesto gubernamental no puede comprar: apropiación, cuidado y pertenencia.
“En México, a semanas del Mundial 2026, Pinta tu Cancha activa espacios públicos desde la comunidad y deja infraestructura social que trasciende el torneo. Cada cancha se convierte en un punto de encuentro que impulsa deporte, convivencia y pertenencia en cada colonia”, Luciana Renner, directora ejecutiva, Fundación Placemaking México.
el encuadre con once personas de a pie: estudiantes, bomberos, médicos, mujeres dedicadas al hogar, agricultores y obreros. El mensaje es deliberado: en este equipo no hay jerarquías entre quien tiene el nombre en el estadio y quien lo ve desde la tribuna. Eso es México, dice la plataforma. Y Jumex entiende ese México porque lleva más de 60 años dentro de él.
“Juega México” no es una pieza ais -
lada: es la plataforma paraguas bajo la que Jumex unifica todo su portafolio, jugos, néctares, bebidas carbonatadas, energéticas, isotónicas, con una narrativa compartida. Un dato de diseño lo resume: la animación central del spot muestra cómo el nombre “Jumex” se transforma en la frase “Juega México”. No es un juego tipográfico menor: es una declaración de que la marca y el país comparten letras, historia y propósito.
El lanzamiento más inesperado
de Watches & Wonders 2026: la manufactura suiza H. Moser & Cie. y Reebok crean el Streamliner Pump, que se da cuerda presionando un botón naranja. Sí, ese botón
Por Aramis Flores Carranza
PRESIONA PARA DAR CUERDA
Para entender por qué este reloj importa, hay que volver a 1989. Ese año Reebok presentó los Pump: tenis de básquetbol con una cámara de aire inflable en el tobillo que se ajustaba presionando un botón naranja en la lengüeta. El gesto era simple, casi ritual. Pero lo que Reebok entendió mejor que nadie fue que ese gesto transmitía algo: control, personalización, presencia.
Shaquille O’Neal los usó en la NBA. Dee Brown los llevó al concurso de clavadas del All-Star 1991 e hizo historia bombe á ndolos antes de despegar. Tupac Shakur los convirtió en parte de su imagen. No eran tenis deportivos. Eran declaraciones.
Treinta y siete años después, H. Moser & Cie. en Watches & Wonders 2026 presentó el Streamliner Pump, un reloj de alta relojería que se da cuerda presionando un pulsador de aluminio anodizado color naranja.
Lo que parece un guiño es en realidad una solución de ingeniería no trivial. H. Moser rediseñó por completo el calibre automático HMC 500 para convertirlo en el
HMC 103, un movimiento de cuerda manual compacto y extraordinariamente delgado solo 4.5 mm de altura que recibe la energía de cada presión del pulsador y la transmite directamente al barrilete.
Los puentes parcialmente esqueletizados del movimiento son visibles a través del fondo de zafiro, revelando la coreografía mecánica que ocurre con cada presión. El acabado en antracita con rayas dobles Moser, característico de la manufactura, convierte el interior del reloj en una pieza tan interesante como el exterior.
La colaboración no se detiene en el reloj. Cada comprador del Streamliner Pump recibe también unos tenis Reebok Pump de edición exclusiva co-diseñados para la ocasión: con el logotipo HMC en el lateral y en la plantilla, son el espejo del gesto original, el Pump convertido en relojería y volviendo a su forma de calzado. Una cápsula para quienes entienden el lujo como coherencia narrativa, no solo como precio. El timing es también deliberado: Reebok prepara el relanzamiento de la línea Pump durante 2026, y el Streamliner llega exactamente en ese momento. //@revistacosasmx
