Cuando la Fórmula 1 se convierte en arte
MICHELLE RODRÍGUEZ
La actriz y presentadora mexicana habla sin filtros sobre empoderamiento femenino, responsabilidad artística y el poder de abrir puertas para que otras las atraviesen
Alexandra ZATARAIN
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BOSS redescubre la sastrería como lenguaje de poder, identidad y ambición contemporánea
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Valentino inaugura su nueva boutique en Guadalajara
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Bvlgari Eclettica, Un diálogo vivo entre el arte y la joyería
8
COS regresa con un diseño consciente y la elegancia modernista
10
Michael Kors presenta su colección Primavera/Verano 2026
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Salomon moda modular para una nueva era urbana
18
Lujo Británico, cuando dos siglos de legado se convierten en una pieza de joyería
View
Alexandra Zatarain
La mexicana criada en Tijuana que cofundó en Silicon Valley la primera empresa del mundo dedicada al sleep fitness,hoy unicornio y presente en 34 países, nos habla de liderazgo, longevidad y el poder de dormir bien
SOCIALES
14
Montblanc celebra el arte de viajar y escribir
WELLNESS
22
Agua, equilibrio y energía, el ritual diario que transforma tu cuerpo
104
El arte de vivir en paz
El amor que empieza en ti, tres marcas visionarias redefinen el ritual de belleza en México
La evolución de la industria creativa más allá de las cuotas
Michelle Rodríguez: “Yo Elijo Mi Destino”
48
El poder de las mujeres para nombrar lo invisible y simplemente ser
El arte de lo esencial, cuando la funcionalidad se convierte en lujo 34
Armani Residences Masaryk el nuevo ícono del lujo urbano en América Latina
Ruy Senderos
El actor que encontró su mejor versión en medio de bodas, risas y crisis de identidad
AC/DC: el trueno no para
Andrés Giardello una década de sueños en México
El paraíso que el mundo está descubriendo
La cima de París, el rooftop más glamuroso de la ciudad
ENTRETENIMIENTO
Juan Lecanda, el actor que llevó a kiko a una nueva generación
60
“La Obscenidad de la Carne”, un espejo brutal para las parejas
Croasán, del fuego del hogar a la mesa de la ciudad
El ritual de comer en Itzu
Ferrari 12Cilindri Tailor Made que convirtió a Corea en una obra maestra sobre ruedas
Infiniti redefine el lujo automotriz con una experiencia que va más allá del volante
Cuando La Formula 1 se convierte en arte TIEMPO
TAG Heuer y Ryan Gosling llevan su alianza al espacio exterior en “Project Hail Mary”
Cuando el golf se convierte en destino TECHNO
Nothing, el smartphone que se niega a parecerse a todos los demásdestino
EL ARTE DE VESTIRSE
BOSS redescubre la sastrería como lenguaje de poder, identidad y ambición contemporánea
Por Cosas Staff
Cuando la sastrería deja de ser un uniforme y se convierte en declaración, sucede algo extraordinario: el cuerpo que la porta se transforma. Eso es exactamente lo que BOSS propone para el Otoño/Invierno 2026.
En el corazón industrial de Milán, el Rubattino56 se convirtió en el escenario de uno de los desfiles más ambiciosos de la temporada. Bandas de tela suspendidas en la arquitectura del recinto capturaban una tensión controlada, un gesto poético que
anticipa la colección misma: todo en equilibrio precario y perfecto al mismo tiempo.
La alfombra de pasarela, en un ocre de terciopelo arrugado, remite directamente a los tejidos presentes en la colección, borrando la frontera entre escenografía y moda.
La propuesta de Marco Falcioni como director creativo de HUGO BOSS resuena con claridad: la sastrería no es nostalgia. Es un lenguaje vivo, en constante redefinición, que pertenece a quienes se atreven a apropiarse.
“La inspiración provino de creativos visionarios: artistas, actores, escritores y músicos que, en momentos decisivos de sus carreras, eligen llevar sastrería. Esta colección celebra y reconstruye estos símbolos de éxito a través de una mirada moderna”, Marco Falcioni, director creativo de HUGO BOSS. //@revistacosasmx
PRIMERA FILA: EL MUNDO MIRA Más de 600 invitados llenaron Rubattino56 para atestiguar el desfile. Entre las figuras presentes: Luke Newton, Cat Burns, Maisa Silva, Emilia Mernes, Mew Suppasit, Liu Xueyi, Pia Wurtzbach y Alexandre Pato, entre otros. Una primera fila que refleja el alcance global y la resonancia cultural de BOSS como marca que trasciende fronteras geográficas y generacionales
ELEGANCIA ITALIANA
EN EL CORAZÓN DE JALISCO
Valentino inaugura su nueva boutique en Guadalajara
MDirección: Valentino
Guadalajara, Palacio de Hierro
Guadalajara, Av. Patria 2085, Puerta de Hierro, 45116, Zapopan, Jalisco, México
Horario: Lunes a domingo, de 11:00 a.m. a 9:00 p.m.
aison Valentino celebra la apertura de su nueva boutique en Guadalajara, un espacio de más de 269 metros cuadrados que marca un hito en la expansión de su red global de retail en México. Esta inauguración, la primera de tres aperturas clave durante el año, reafirma el compromiso de la Maison por establecer vínculos significativos con sus clientes, colocando la experiencia humana en el centro de su propuesta.
Concebida como un recorrido sensorial inspirado en la hospitalidad italiana, la boutique se transforma en un hogar íntimo para recibir a sus visitantes. Cada detalle ha sido pensado como parte de un ritual guiado por el equipo de la tienda, celebrando los códigos icónicos de Valentino y su herencia como Maison de Couture. El diseño interior refleja la estética artesanal de la marca: pisos en mármol Botticino y Nero Marquina
evocan motivos geométricos emblemáticos, mientras que la madera aporta calidez, elegancia y un lujo discreto.
UN ESPACIO QUE HONRA LA TRADICIÓN Y EL DISEÑO CONTEMPORÁNEO
La boutique está impregnada de una paleta de materiales eclécticos y detalles arquitectónicos inspirados en la Roma clásica, ofreciendo una experiencia de compra íntima y un servicio distintivo en un entorno sofisticado. Más que una tienda, es una declaración de estilo, una extensión del universo Valentino que invita a descubrir la moda como expresión de belleza, cultura y conexión.
La nueva boutique Valentino en Guadalajara ya está abierta al público dentro de Palacio de Hierro, consolidando a la ciudad como un destino clave para el lujo internacional. //@revistacosasmx
BVLGARI ECLETTICA
Un diálogo vivo entre el arte y la joyería
Por Cosas Staff
Bvlgari desvela Eclettica, su colección más audaz hasta la fecha: una nueva frontera artística donde la Alta Joyería y la Alta Relojería se elevan al rango de arte ponible. Con más de 150 obras maestras, 15 creaciones transformables y nueve piezas únicas llamadas Capolavori, la colección es una oda al ADN ecléctico de la Casa romana, donde la intuición artística y la maestría técnica se funden en piezas que convierten el contraste en armonía. En el corazón de la colección brillan los nueve Capolavori: el collar Seres Scarf con un zafiro sugarloaf de 31.90 quilates que fluye como una cinta de seda; el Secret Garden en torno a un rarísimo Padparadscha de 26.65 quilates; y el Serpenti Imperial Heart, que custodia un diamante histórico tipo Golconda de 30.75 quilates que perteneció, según la leyenda, a un Maharajá. A estas joyas se suman relojes de Alta Relojería, bolsos de piel de aligátor con cierres convertibles en joyas, y fragancias en frascos soplados en Murano y terminados en los talleres de Roma.
Arraigada en la belleza estratificada de Roma —ciudad donde siglos de arte coexisten y se inspiran mutuamente—, Eclettica convierte el eclecticismo en método creativo. “Ser ecléctico es parte de nuestro ADN”, afirma el CEO Jean-Christophe Babin. Una filosofía que, desde 1884, abraza la diversidad como fuente inagotable de innovación y reafirma la búsqueda apasionada de la belleza como la única divisa verdadera de la Maison. //@revistacosasmx
REGRESA A NUEVA YORK COS
Una oda al diseño consciente y la elegancia modernista
Por Cosas Staff
ECOLECCIÓN
Marcando un contraste con el escenario, la colección se basa en una sofisticada paleta de ricos tonos oscuros, como el negro, el gris acero y el azul marino intenso, complementados con acentos neutros. Las expresiones creativas surgen a medida que los códigos icónicos de la marca se reinterpretan a través de materiales, texturas y acabados refinados
n un gesto de continuidad y sofisticación, COS regresó por cuarta vez consecutiva a la Semana de la Moda de Nueva York, presentando su colección de invierno en el Greenpoint Terminal Warehouse, un espacio industrial a orillas de Brooklyn que fue transformado en un escenario de arquitectura poética. Bajo una atmósfera de luz cambiante y muselina pintada, la marca escandinava rindió homenaje al diseño meditado, la artesanía y la materialidad, revelando 45 looks que encarnan una estética depurada, poderosa y profundamente contemporánea.
La colección se articuló en torno a una paleta de tonos oscuros —negro, gris acero y azul marino intenso— matizados con acentos neutros que aportan equilibrio visual. Las texturas se convirtieron en protagonistas: superficies con efecto pony, pieles suaves y acabados en contraste entre mate y brillo, que dialogan con transparencias etéreas y cuadros dinámicos inspirados en la tradición. Cada pieza prêt-à-porter, cada accesorio y cada calzado fueron concebidos como una extensión del cuerpo en movimiento,
revelando una narrativa de elegancia funcional y expresión personal.
ESTRUCTURA, FLUIDEZ Y UNA SILUETA
REINVENTADA
La propuesta femenina de COS exploró volúmenes envolventes a través de bufandas, cuellos altos y drapeados esculturales, mientras que las cinturas ceñidas y los escotes abiertos evocaron la silueta New Look de los años cincuenta, reinterpretada con una sensibilidad contemporánea. Destacó un vestido de seda suavemente esculpido, versátil y sublime, que redefine la elegancia moderna con múltiples posibilidades de estilo. Los bolsos y accesorios replicaron el lenguaje de las prendas: mocasines de piel, zapatos Mary Jane de tacón y botines estructurados completaron siluetas impecables y atemporales.
La colección ya está disponible en tiendas seleccionadas y en cos.com, con lanzamientos en cantidades limitadas a lo largo de la temporada. Una propuesta que reafirma el compromiso de la marca con la calidad sin concesiones, la atemporalidad y el diseño que trasciende tendencias. //@revistacosasmx
MICHAEL KORS PRIMAVERA/VERANO 2026
UNA ODA AL ESCAPISMO ELEGANTE
La Terminal Warehouse de Chelsea se transformó esta mañana en un santuario de sofisticación natural para recibir el desfile Primavera/Verano 2026 de Michael Kors. Bajo el concepto de “elegancia terrenal”, la pasarela evocó la serenidad de una casa de playa elevada al lenguaje del lujo contemporáneo. Paneles de madera, terracota cálida, cactus monumentales y esculturas orgánicas crearon un entorno inmersivo que dialogó con la esencia de la colección: una celebración de la naturaleza como refugio estético y emocional.
“Viajar nos transforma. Nos conecta con lo esencial”, compartió el diseñador. “La naturaleza nos impacta, pero es el equilibrio con la sofisticación lo que realmente inspira.” Esta filosofía se tradujo en una propuesta de siluetas etéreas y texturas sensoriales: pareos, pijamas y culottes de sastrería fluida desfilaron junto a caftanes vaporosos, túnicas translúcidas y paillettes envueltos en voile de seda. La paleta cromática —ramas, espresso, crudo, palomino, anacardo, cuarzo y guayaba— capturó la calidez del desierto al atardecer.
El desfile cobró vida con un soundtrack original del compositor Sebastien Perrin, que acentuó la atmósfera cálida y envolvente. Sobre la pasarela, desfilaron íconos como Frankie Rayder, Liisa Winkler, Paloma Elsesser, Mica Argañaraz, Anok Yai, Adut Akech y Alex Consani, entre otras figuras que encar -
naron la visión de Kors con gracia y poder. En primera fila, el desfile reunió a una constelación de celebridades: Gwyneth Paltrow, Suki Waterhouse —embajadora de la marca—, Olivia Munn, Leslie Bibb, Olivia Wilde, Audra McDonald y Kelsea Ballerini, entre otras invitadas que celebraron la propuesta con aplomo y estilo.
GLAMOUR RELAJADO, ARTESANÍA SUBLIME
Los accesorios elevaron la narrativa con una estética táctil y refinada: clutches de cuero sobredimensionados, bolsos tejidos con nudos escultóricos y joyería de cuero elaborada a mano por artesanos italianos. Sandalias y mules estilizados, tanto planos como de tacón, completaron una actitud sofisticada, pero sin esfuerzo. //@revistacosasmx
MODA MODULAR PARA UNA NUEVA ERA URBANA MODA MODULAR PARA UNA NUEVA ERA URBANA MODA MODULAR PARA UNA NUEVA ERA URBANA
Por Cosas Staff
MM6 Maison Margiela y Salomon presentan un nuevo capítulo en su colaboración con la nueva colección: una propuesta que difumina las fronteras entre la moda y el rendimiento, entre la funcionalidad outdoor y el instinto urbano. Concebida como un sistema modular de vestir, la cápsula articula una estética progresiva que se adapta a las múltiples capas de la vida contemporánea.
En el centro de la colección se encuentra el Waterproof Down Parka, una pieza que fusiona la herencia técnica de Salomon con la visión disruptiva de MM6. Su silueta acolchada, impermeable y de costuras selladas se complementa con bolsillos dobles de cierre prolongado, impresión numérica y la emblemática línea de costura blanca horizontal de MM6, aportando una sofisticación sutil a un básico esencial.
La colección explora el concepto de dualidad con piezas como el Reversible Insulated Jacket, que alterna entre un acolchado gráfico con logo discreto y una superficie lisa con el distintivo numérico de MM6 en la espalda.
El Half-Zip Pullover Anorak, con bolsillo tipo canguro inspirado en el arquetipo de la sudadera, revela su carácter según cómo se lleve, mientras que el Motomesh LS reinterpreta el clásico crewneck de los años 2000 con mangas largas y un fit sobredimensionado. Su contraparte, los Motomesh Pants, transforma el mismo tejido técnico en pantalones de pierna amplia, redefiniendo el volumen desde una óptica radical y silenciosa.
La cápsula se completa con el High Neck, un fleece cálido y transpirable con cuello alto exagerado y proporciones inesperadas. Cómodo pero poco convencional, encarna el enfoque de MM6 hacia la distorsión estética. La paleta cromática —Deep Black, Abbey Stone y Oatmeal Heather— evoca precisión técnica y carácter urbano refinado. //@ revistacosasmx
CELEBRAN EL ARTE DE VIAJAR Y ESCRIBIR
Por Cosas Staff
En una noche donde la elegancia se fundió con la emoción, Montblanc celebró la apertura de su nueva boutique en Midtown Guadalajara con una experiencia sensorial que rindió homenaje al arte del viaje, la escritura y la inspiración. La histórica estación Ferromex se transformó en un escenario de ensueño, donde
celebridades como Alfonso Herrera, Manolo Caro, Loreto Peralta e Irene Azuela se sumaron a una velada que evocó el espíritu explorador de la Maison. Desde un cóctel inspirado en los sabores de Jalisco hasta una cena diseñada por el chef Paco Ruano, cada detalle fue concebido como una oda a la creatividad y la autenticidad. //@revistacosasmx
Sociales
MONTBLANC GUADALAJARA
La noche culminó con un performance íntimo de Ximena Sariñana, cuya voz envolvió el espacio como símbolo de conexión entre arte y emoción. La nueva boutique, concebida como un espacio donde convergen diseño, cultura y artesanía, reafirma el compromiso de Montblanc con México y con quienes buscan escribir su propia historia. Con colaboraciones de artistas como Adrián Guerrero y Raúl de la Cerda, el diseño arquitectónico invita a detenerse, contemplar y comenzar de nuevo. Porque todo gran viaje, como toda gran historia, comienza con un primer trazo.
Lujo Británico
Cuando dos siglos de legado se convierten en una pieza de joyería que merece ser atesorada para siempre
Por María Eugenia Rivas
Hay colaboraciones que nacen del mercado y hay colaboraciones que nacen de una visión compartida. La alianza entre WOLF y Liberty pertenece sin duda a la segunda categoría. Dos casas británicas con más de 190 y 150 años de historia respectivamente, unidas por un mismo principio: que la belleza y la función no deben ser términos excluyentes, sino dos caras de la misma pieza excepcional.
Todo comenzó con una caja. En 1834, Philipp Wolf I fundó su negocio con una idea despectivamente simple: los objetos preciosos merecen estuches perfectos. No basta con poseer algo hermoso, hay que protegerlo, exhibirlo y transmitirlo a las generaciones que vendrán. Cuatro generaciones después, WOLF es sinónimo de innovación en el cuidado de relojes finos y almacenamiento de joyería de lujo, con presencia en los principales mercados del mundo.
En México, la marca lleva seis años construyendo una presencia sólida, inicialmente enfocada en el universo de los watch winders, esos dispositivos que mantienen los relojes automáticos en movimiento y expandiéndose progresivamente hacia una propuesta de lifestyle más amplia que incluye joyeros, bolsos y cajas fuertes certificadas.
“La marca es muy versátil. Tenemos desde watch winders hasta joyeros y bolsas, y todas las piezas están diseñadas e inspiradas para proteger un legado”, explica la representante de la marca en México.
“Estamos encantados de haber tenido la oportunidad de colaborar con Liberty. Juntos hemos creado una colección que honra la herencia de ambas marcas.” — Simon Wolf, CEO de WOLF
En 1875, Arthur Lasenby Liberty abrió su emporio en Regent Street con una declaración de intenciones que resultaría revolucionaria: no seguir la moda, sino crearla. Su tienda en Londres, con su inconfundible fachada Tudor, se convirtió rápidamente en santuario del Arts and Crafts movement, refugio de artistas y visionarios que buscaban objetos que fueran, al mismo tiempo, bellos y únicos. El 2025 marcó los 150 años de esta casa legendaria, con un programa de celebraciones que incluyó la exposición I Am. We Are. Liberty, un viaje inmersivo a través de un archivo de más de 60,000 piezas de estampados, inaugurada en su tienda insignia de Regent Street y posteriormente presentada en Japón como parte de la Expo Osaka. Un aniversario que no mira hacia atrás con nostalgia, sino hacia adelante con la claridad de quien sabe exactamente quién es.
La colección LIBERTY reinterpreta dos de los estampados más emblemáticos del archivo de Liberty. El primero, Ianthe, un diseño de raíz Art Nouveau que condensa todo lo que hace magnética a la estética de Liberty: líneas sinuosas, motivos florales y una elegancia que no envejece. El segundo, Julia, un delicado estampado floral de los años 30 reinventado en una paleta cromática exclusiva —azul marino y burdeos— que equilibra lo nostálgico y lo contemporáneo con una precisión milimétrica.
“El icónico Ianthe ha sido cuidadosamente trabajado y grabado sobre cuero sostenible. Por su lado, el estampado floral Julia, inspirado en los años 30, aporta a la colección
un aire nostálgico y profundamente representativo de Liberty”, describe Pere Bruach, Director de Diseño de Liberty.
La colección incluye joyeros en dos tamaños, estuches de viaje, portafolios y watch rolls, todos elaborados a mano con materiales sostenibles de base biológica y rematados en herrajes dorados o plateados. Una línea completa pensada para quienes entienden que el lujo no solo radica en lo que posees, sino en cómo lo cuidas.
“Esta colección va más allá de cuidar tu joyería, se trata de contar historias a través de un diseño atemporal y sostenible.” — Simon Wolf
Lo que distingue a WOLF de cualquier otra propuesta en el mercado no es solo la estética —aunque esa también es impecable— sino la ingeniería que hay detrás de cada pieza. La marca cuenta con un portafolio de patentes que no tiene paralelo en su categoría.
ESTAMOS ENCANTADOS de haber tenido la oportunidad de colaborar con Liberty. Juntos hemos creado una colección que honra la herencia de ambas marcas
Simon Wolf CEO DE WOLF
En los watch winders, WOLF es la única marca en el mundo que calcula con exactitud las vueltas por día de cada reloj según su marca y modelo, y la dirección en que deben realizarse. Las demás marcas operan con estimados; WOLF trabaja con precisión. Sus motores de nylon eliminan además la generación de magnetismo, ese silencioso enemigo de los mecanismos de precisión.
Para los joyeros, la innovación se llama LusterLoc: un recubrimiento patentado que protege cada pieza contra el deslustre y la oxidación por hasta 35 años. La plata que nunca ennegrece, el oro que no pierde su brillo, los aretes que permanecen exactamente como el día en que los guardaste. No es magia; es ciencia al servicio de lo que más valoras.
En un mundo donde el lujo está siendo redefinido por una nueva generación de consumidores conscientes, WOLF lleva ventaja. La marca cuenta con la certificación Positive Luxury Butterfly Mark, el estándar más exigente del sector para marcas de lujo comprometidas con la sostenibilidad. Esta certificación audita no solo los productos finales, sino todos los procesos internos de la compañía. WOLF no utiliza piel animal. Algunos de sus joyeros están desarrollados con piel de
El icónico Ianthe ha sido cuidadosamente trabajado y grabado sobre cuero sostenible. Por su lado, el estampado floral Julia, inspirado en los años 30, aporta a la colección un aire nostálgico y profundamente representativo de Liberty
Pere Bruach DIRECTOR DE DISEÑO DE LIBERTY
manzana, un material de origen biológico que reemplaza al cuero tradicional sin sacrificar un ápice de su tacto ni su elegancia. Y en México, la marca está explorando colaboraciones con empresas locales que desarrollan materiales alternativos innovadores, abriendo la puerta a una edición especial para el mercado mexicano que promete ser tan singular como el país que la inspirará.
En México, WOLF ha construido su presencia con estrategia y curaduría. Presente en Palacio de Hierro —con boutiques propias en Perisur y Santa Fe, además de exhibición en la mayoría de sus sucursales—, la marca también se encuentra en puntos especializados como Peyrelongue en Ciudad de México, Macame y Salvador Vergara en Guadalajara, y Ultra Jewels en Cancún. Un mapa de distribución que privilegia la calidad del punto de venta sobre la cantidad. Si hoy el 60-70% del negocio en México corresponde a relojería, la visión a mediano plazo apunta a un equilibrio 50-50 con la joyería. No para diluir la especialización, sino para crecer el volumen total de una marca que tiene argumentos de sobra para conquistar a quienes todavía no la conocen. //@revistacosasmx
AGUA,
EQUILIBRIOYENERGÍA, ELRITUALDIARIOQUE TRANSFORMATUCUERPO
Belleza, claridad mental y energía: todo empieza con agua
Por Ximena Barajas, especialista en nutrición de Bonafont
“El agua es la fuerza motriz de toda la naturaleza”, decía Leonardo Da Vinci. Esta afirmación cobra especial relevancia cuando hablamos del cuerpo humano, que está compuesto aproximadamente en un 50–60 % por agua, dependiendo de factores como el sexo, la edad y la composición corporal. Para algunas personas, mantenerse hidratado es una acción mecánica; para otras, un hábito más difícil de sostener. Lo cierto es que siempre surgen dudas y tendencias diversas en torno a esta práctica tan esencial.
Sabemos que tomar agua es imprescindible, pero existen muchas interrogantes alrededor de ella y de este hábito: ¿por qué tomarla?, ¿cuánta cantidad es necesaria?, ¿en qué momento?, ¿cuáles son sus componentes?, ¿es necesario añadirle algo? Estas son solo algunas de las preguntas más comunes.
Muchas veces solo recordamos hidratarnos cuando el clima cálido nos alerta con señales de posible deshidratación, como sudoración excesiva, mareos o boca seca. Sin embargo, durante los meses fríos es fácil olvidar este hábito, ya que los síntomas no son tan evidentes. También cometemos el error de vincular el consumo de agua únicamente con actividades físicas que demandan mayor energía, como caminar, correr o hacer ejercicio. No obstante, el cuerpo pierde agua incluso en actividades de baja intensidad: cuando dormimos, hablamos o simplemente respiramos, estamos perdiendo agua. El agua influye prácticamente en todos los procesos fisiológicos del cuerpo: desde el equilibrio de la microbiota intestinal, la regulación de la temperatura corporal y la contracción muscular, hasta el buen funcionamiento del cerebro. Un estudio del International Chair for Advanced Studies on Hydration señala que perder tan solo entre 1 % y 2 % del agua corporal puede afectar funciones cognitivas como la memoria, la atención e incluso el estado de ánimo. De hecho, la apatía y el malestar general pueden estar relacionados con la deshidratación. En este sentido, otro estudio publicado en PLOS ONE demuestra los efectos de una buena hidratación. En el experimento, a personas que mantenían un consumo óptimo de agua se les privó de ella, y reportaron sentirse
con menos calma, menos energía y menos emociones positivas. En contraste, quienes aumentaron su ingesta de agua experimentaron el efecto opuesto: se sintieron más contentos y con mayor vitalidad. De ahí la importancia de cubrir nuestro requerimiento hídrico.
Y entonces surge la duda: ¿cuánto necesitamos realmente? La cantidad varía según factores como el peso corporal, el clima en el que vivimos y las actividades que realizamos. Sin embargo, una recomendación estándar es consumir al menos 2 litros de agua al día.
Elegir aguas 100 % de origen natural, con minerales y electrolitos, es una excelente opción. El agua natural, por sí sola, es suficiente para mantenernos hidratados durante el día, incluso en actividades físicas comunes, siempre que no excedan una hora de duración.
En casos de actividad más intensa o prolongada, es importante acudir con un profesional de la salud para recibir recomendaciones personalizadas.
Indiscutiblemente, tomar agua es una acción que no podemos dejar de lado. Nuestra salud física y mental depende, en gran medida, de este hábito. Mantener una buena hidratación es clave para conservar el equilibrio corporal. ¿Qué otra razón necesitas para tomar tu botella y darle otro sorbo? ¿Ya tomaste agua hoy? //@revistacosasmx
EL QUE AMOR EMPIEZA EN
TI
Tres marcas visionarias redefinen el ritual de belleza en México: del autocuidado consciente al lujo sostenible, el verdadero romance de este mes de la mujer es el que se cultiva frente al espejo Por Aramis Flores Carranza
Marzo, el mes por excelencia del empoderamiento de la mujer, ha experimentado en los últimos años una transformación radical en su significado dentro de la industria de la belleza y el bienestar.
Lo que antes se reducía a regalos perfumados y rosas marchitas, hoy se ha convertido en una declaración filosófica: el amor más profundo y duradero es el que uno profesa hacia sí mismo.
Esta revolución no es sólo tendencia pasajera, es el reflejo de un cambio generacional en México y América Latina, donde consumidores cada vez más informados exigen productos que sean tan conscientes como ellos mismos: veganos, sostenibles, éticamente formulados y, sobre todo, verdaderamente eficaces.
En este contexto surge una nueva ola de marcas, locales e internacionales, que están redefiniendo qué significa mimarse con intención. Tres de ellas capturan de manera magistral el espíritu de este febrero 2026: Ringana, la firma austriaca de cosmética fresca que celebra San Valentín con ediciones limitadas de lujo; RAM RAM, la marca mexicana de alquimia herbal que convierte el cuidado personal en un ritual espiritual; y TEIA Cosméticos, la
joya del clean beauty nacional creada por y para mujeres latinas. Juntas, componen un panorama extraordinario de lo que la belleza consciente puede ser.
CUANDO EL AMOR SE VISTE DE FRESCO
Austria, 1996. Una pequeña empresa nace con una premisa que décadas más tarde se convertiría en vanguardia: los cosméticos deben ser tan frescos, puros y vitales como los alimentos que nutren el cuerpo. Hoy, Ringana cuenta con más de 600 empleados, opera en 36 países y cerró 2024 con una facturación neta de 228 millones de euros. Y en México, este febrero, llega con algo que promete enamorar a primera vista.
Su propuesta en esta ocasión es una edición limitada que encarna su filosofía “Hecho para enamorar”. Lejos de ser un simple empaque especial, este dúo representa lo mejor de la cosmética de tratamiento fusionada con color de alta eficacia. El conjunto incluye el aclamado FRESH tinted moisturiser SPF 30 y el FRESH lip balm plump, además de una edición especial del FRESH eye serum brightening —tres piezas que, juntas, construyen un look radiante de manera completamente natural.
LA CIENCIA DETRÁS DEL BRILLO
El FRESH tinted moisturiser SPF 30 no es una base común. Formulado con un filtro solar 100% mineral de óxido de zinc —sin químicos, ideal para pieles sensibles— es un tratamiento “todo en uno” que unifica el tono, protege del daño solar y trabaja activamente en la piel mientras se usa. Su fórmula combina glicerina al 7% y ectoína al 1% para hidratación profunda; exosomas, ácido ferúlico y té verde para luminosidad y protección antioxidante; y centella asiática (CICA) junto con extracto de guayaba para calmar y estimular la regeneración celular. Disponible en cuatro matices naturales de cobertura modulable, su textura de agua en aceite disimula poros y líneas finas dejando un acabado que parece, y se siente, como piel
El FRESH lip balm plump, por su parte, va mucho más allá del hidratante de labios convencional. Con seis péptidos, un complejo plumping y mantecas vegetales tratantes de mango, karité y cupuaçu, estimula la microcircula ción y apoya la producción natural de colágeno y ácido hialurónico —es decir, volumen real desde adentro, sin agujas ni procedimientos invasivos. Y el ojo: el FRESH eye serum brightening completa el trío con partículas brillantes que reflejan la luz, elastómeros naturales, ácido hialurónico y péptidos que transforman una mirada cansada en una mirada despejada, luminosa y descansada.
EL RITUAL DE SER TU PROPIO AMOR
Hay marcas que venden productos, y hay marcas que proponen filosofías de vida. RAM RAM pertenece inconfundiblemente a la segunda categoría. Esta firma mexicana, arraigada en los principios de la alquimia moderna y la herbolaria fina, llega a febrero 2026 con una propuesta que desafía radicalmente la narrativa convencional del Día de San Valentín: ¿y si el romance más transformador de este mes no fuera hacia otra persona, sino hacia uno mismo?
“El amor no es algo que solo se recibe de otros; es una
LA TRILOGÍA DEL CULTO PERSONAL
La pieza central de esta colección es el Ritual de “Tres pasos amor propio”, un set curado que transforma el hogar en un spa de alta gama e incluye tres protagonistas de excepción.
Primero, el jabón vivificante de arcilla rosa, da la bienvenida al ritual, que utiliza las propiedades detoxificantes de la arcilla rosa para suavizar la textura de la piel mientras equilibra las emociones, actuando como un puente entre el mundo exterior y el espacio de calma interior.
Después, el exfoliante corporal afrodisíaco, formulado para eliminar no solo células muertas sino, según la marca, la pesadez energética acumulada, dejando la piel receptiva y renovada. Por último, el suero corporal afrodisíaco, una mezcla magistral de aceites botánicos que nutre profundamente, aporta brillo saludable y envuelve en una fragancia que evoca sensualidad y empoderamiento.
Complementando este universo sensorial, la vela para masajes amor amor es quizás la pieza más innovadora de la colección. A diferencia de las velas decorativas convencionales, esta se transforma al encenderse en un aceite tibio y sedoso que permite un masaje terapéutico de cuerpo completo,el epítome del “solo date” de lujo que RAM RAM ha hecho su insignia.
BELLEZA LATINA, BELLEZA LIMPIA
Nueve años en el mercado, creada y operada en un 99% por mujeres mexicanas, certificada como empresa Plastic Negative, Cruelty Free y 100% vegana: TEIA Cosméticos no es solo una marca de belleza, es una declaración de principios hecha realidad en cada producto. Y en un mercado global donde el “clean beauty” a menudo significa versiones adaptadas para pieles europeas o norteamericanas, TEIA tiene algo que ninguna otra
marca puede ofrecer: está diseñada específicamente para las necesidades de las pieles latinas.
Su paleta de ingredientes lee como un homenaje a la biodiversidad mexicana: betabel, cacao, maíz, lavanda. Elementos que nacen de la tierra, la nutren durante el proceso productivo y regresan a ella sin dejar huella negativa. La marca ha convertido el círculo virtuoso de la sostenibilidad en su ADN más profundo: el 90% de sus envases son reciclables y sus fórmulas contienen entre 95% y 100% de ingredientes de origen natural.
UN UNIVERSO DE COLOR CON CONCIENCIA
Lo que diferencia a TEIA de otras propuestas clean beauty es su determinación de no sacrificar ni el desempeño ni la amplitud de su gama por sus valores éticos. La línea de maquillaje abarca desde bases y polvos hasta tintas faciales con FPS 40 —un detalle de protección solar integrada que habla directamente a la realidad del consumidor mexicano—, pasando por correctores, rubores, bronzers, bálsamos labiales, labiales, sombras, cejas, contour e iluminadores. En skincare, la propuesta es igualmente completa: limpiadores, tónicos, sueros, cremas faciales y protectores solares forman un sistema de cuidado integral.
BELLEZA QUE CUIDA EL MUNDO QUE HABITAMOS
Lo que une a Ringana, RAM RAM y TEIA Cosméticos es mucho más que su rechazo a los ingredientes cuestionables o su compromiso con el medio ambiente. Las tres encarnan una nueva definición del lujo en la belleza contemporánea: uno que no se mide en precios prohibitivos ni en empaques ostentosos, sino en la profundidad del cuidado, la pureza de los ingredientes, el respeto por el planeta y, quizás lo más importante, el respeto por la persona que se mira al espejo. //@revistacosasmx
EL ARTE DE LO ESENCIAL
Cuando la funcionalidad se convierte en lujo
Por Cosas Staff
En la vanguardia del diseño contemporáneo, la cocina ha trascendido su rol utilitario para convertirse en el epicentro de la experiencia doméstica. Los grandes maestros del interiorismo coinciden: la sofisticación más pura no reside en el ornamento, sino en la perfecta integración de forma y función. Una nueva generación de piezas icónicas está redefiniendo este principio desde la grifería hasta la arquitectura del espacio. En el diseño de interiores contemporáneo, existe un aforismo que los grandes estudios de arquitectura han adoptado como credo: la verdadera sofisticación no se
anuncia, se siente. Este principio, acuñado en los ateliers de Milán y perfeccionado en los estudios de Nueva York y Tokio, ha encontrado su expresión más genuina en uno de los espacios más íntimos y reveladores del hogar: la cocina.
La cocina moderna ya no es el espacio relegado que alguna vez fue. Hoy, en las residencias de diseño más ambiciosas, desde los penthouses de Reforma hasta los lofts del corredor Roma-Condesa, la cocina ocupa el centro de la vida social y creativa del hogar. Y con esa centralidad llega una exigencia renovada: cada elemento que habita ese espacio debe justificarse tanto estéticamente como funcionalmente.
LA FILOSOFÍA DEL ESPACIO
Los principios del interiorismo contemporáneo de alta gama han evolucionado significativamente desde la ostentación de las décadas pasadas. Estudios de referencia mundial como Kelly Wearstler Associates, Neri&Hu Design o el mítico atelier de Andrée Putman han demostrado que el lujo auténtico reside en la experiencia sensorial, no en la acumulación de elementos.
LA GRIFERÍA COMO DECLARACIÓN
ARQUITECTÓNICA
En el vocabulario del diseño de interiores premium, pocos elementos concentran tanta carga simbólica y funcional como la grifería. A diferencia de otros componentes que pueden reemplazarse con relativa facilidad, las llaves de cocina son el punto de contacto más frecuente entre el habitante y su espacio: se tocan docenas de veces al día, bajo condiciones diversas y con propósitos distintos. Esta realidad ha llevado a los más refinados estudios
de interiorismo a elevar la selección de grifería a una decisión de diseño de primer orden. La firma parisina Christophe Delcourt, conocida por sus proyectos en residencias privadas de Europa y el Medio Oriente, ha documentado cómo la grifería puede transformar la percepción completa de una cocina: “Una llave de impecable diseño comunica al visitante algo fundamental sobre los valores del propietario: que la belleza y la utilidad no son categorías opuestas.”
Es en este contexto donde la CIA PowerBoost Pro de Moen emerge no como un simple accesorio, sino como una pieza de design thinking aplicado a la vida cotidiana. Moen —marca de referencia global en grifería de alto rendimiento— ha logrado con este modelo lo que los maestros del diseño italiano llevan décadas buscando: la unión perfecta entre la estética atemporal y la ingeniería de precisión.
INGENIERÍA AL SERVICIO DEL RITUAL DOMÉSTICO
La CIA PowerBoost Pro no llega al mercado como una propuesta más dentro de un catálogo saturado. Su nombre, una referencia directa al Culinary Institute of America, institución culinaria de mayor prestigio en Estados Unidos— establece desde el inicio un estándar de exigencia. Esta es una llave diseñada para los que se toman en serio su cocina, tanto si son chefs profesionales como si son entusiastas apasionados.
Su maneral de palanca monomando encarna el principio de control sin esfuerzo: temperatura y caudal regulados con un solo gesto, sin la confusión de múltiples mandos. Es el tipo de solución que parece obvia una vez que la has experimentado, pero que requirió décadas de refinamiento para llegar a existir en esta forma.
EL LENGUAJE DE LOS ACABADOS: UNA PALETA PARA CADA VISIÓN
El diseño de interiores de alta gama entiende que la coherencia visual es indispensable. Un acabado mal seleccionado puede socavar la cohesión de un espacio cuidadosamente concebido. Por ello, la disponibilidad de la CIA PowerBoost Pro en cuatro acabados distintos no es un detalle menor, sino una decisión de diseño
Su superficie altamente reflectante dialoga con la luz de manera cinematográfica. Ideal para cocinas que oscilan entre la modernidad minimalista y el clasicismo renovado, captura y amplifica la luminosidad del espacio.
El lenguaje visual del diseño contemporáneo más exigente. Absorbe la luz en lugar de reflejarla, creando una presencia discreta pero inequívocamente sofisticada. Perfecto para las cocinas de paleta monocromática o de alto contraste. ACERO INOXIDABLE CON SPOT RESIST: La tecnología que resuelve la contradicción entre el atractivo estético del acero y su tendencia a delatar cada huella. Con Spot Resist™, la perfección visual se mantiene incluso después de la actividad cotidiana
El acabado que encarna la calidez sin ostentación. Su textura mate desdramatiza el oro tradicional, convirtiéndo en un material que aporta profundidad y temperatura sin resultar excesivo. El complemento perfecto para cocinas que combinan mármol cálido, madera natural o latón.
Los estudios de tendencias en diseño de interiores para 2026 coinciden en señalar un viraje definitivo hacia lo que los expertos denominan “lujo funcional”: la integración de tecnología de alto rendimiento en objetos de apariencia depurada y atemporal. Esta tendencia, que había comenzado a asomar en la arquitectura escandinava y japonesa, ha alcanzado la escala global. La cocina es el laboratorio privilegiado de esta transformación. A medida que los espacios abiertos se consolidan como el modelo arquitectónico dominante —donde la cocina es visible desde el salón y el comedor— la exigencia estética sobre cada elemento visible se intensifica. Ya no basta con que una llave funcione bien: debe funcionar bien y verse impecable mientras lo hace. //@revistacosasmx
ARMANI RESIDENCES MASARYK
El nuevo ícono del lujo urbano en América Latina
Por Aramis Flores
En la intersección más emblemática de Polanco, donde convergen Masaryk y Molière, ha comenzado la construcción de Armani Residences Masaryk, el primer desarrollo residencial de Giorgio Armani en América Latina. Más que un proyecto inmobiliario, se trata de una declaración audaz de estilo, visión y confianza en el potencial de la capital mexicana como epicentro del lujo contemporáneo.
Con una inversión superior a los 100 millones de dólares, esta alianza entre MiRA, Armani/Casa y Sordo Madaleno Arquitectos promete redefinir la experiencia de habitar. El diseño preserva fachadas históricas catalogadas, rindiendo homenaje al legado arquitectónico de Polanco, mientras introduce una estética moderna y refinada que dialoga con el entorno urbano. El resultado: un enclave residencial que fusiona herencia, diseño y sofisticación.
Distribuido en tres edificios de cuatro niveles, Armani Residences Masaryk ofrecerá 57 residencias de entre 150 y 568 metros cuadrados, todas con terrazas privadas y 14 penthouses con rooftops exclusivos. Algunas unidades serán entregadas bajo el modelo turnkey de Armani/Casa, completamente terminadas y curadas con detalles de autor: cocinas de alta gama, clósets de diseño, baños ergonómicos y tecnología de automatización de última generación. El Club Privado de Residentes incluirá una Sky Pool & Lounge, centro de negocios, salones privados, gimnasio, áreas de bienestar, concierge 24/7 y un jardín central diseñado por el equipo creativo de Armani/Casa. Además, el proyecto integrará 2,000 metros cuadrados de espacio comercial premium, donde debutarán las primeras boutiques de Giorgio Armani y Armani/Casa en México, consolidando a Masaryk como un destino de referencia internacional.
A tan solo unos meses de su lanzamiento comercial, el desarrollo ha alcanzado un 30 % de unidades reservadas o vendidas, con una demanda predominantemente nacional (75 %) y un creciente interés internacional (25 %). Con residencias valuadas en hasta 7 millones de dólares, Armani Residences
Masaryk no solo representa una experiencia residencial sin precedentes, sino también una oportunidad de inversión estratégica en el corazón de la Ciudad de México.
Este proyecto posiciona a la capital mexicana junto a Dubái, Londres, Nueva York y Miami como sede de los exclusivos
desarrollos residenciales de Giorgio Armani. Con materiales nobles, colaboraciones con marcas afines y una filosofía que celebra el arte de vivir con elegancia, Armani Residences Masaryk se erige como un nuevo referente del lujo urbano en América Latina. //@ revistacosasmx
RUY SENDEROS RUY SENDEROS
SU
VERSIÓN EN MEDIO DE BODAS, RISAS Y CRISIS DE IDENTIDAD
Hay actores que trabajan para vivir y actores que viven para contar historias. Ruy Senderos pertenece sin duda al segundo grupo. Con una carrera sólida que lo ha llevado de la televisión al cine y las plataformas de streaming, este 2026 lo encuentra en uno de sus mejores momentos: feliz, reflexivo y listo para conquistar al público con Bodas S.A., la nueva serie de VIX que lo tiene emocionado como pocas veces en su carrera
Por Aramis Flores Carranza
Cuando le preguntamos a Ruy
Senderos cómo arrancó el año, su respuesta fue tan honesta como refrescante: “Me agarraste en una muy buena etapa en todos los ámbitos: emocional, profesional, espiritual, personalmente. Andamos muy contentos.” Y no es pose. El actor lo explica con una anécdota que muchos reconocerán: ese chiste colectivo del “día 700 de enero” que año tras año parece no tener fin.
Si no te asustas y te abres un poquito, pues la pasas mucho mejor, aprendes más y creces. Y eso es muy bonito
“De repente me di cuenta que ya estábamos en febrero y, reflexionando, fue como: sí, me lo estoy pasando muy bien”, confiesa. Y tiene razones de sobra. Estrenar un proyecto a principios de año es algo que no hacía desde “Pura Sangre”, y la energía de volver a esa dinámica, ahora desde las plataformas digitales, lo tiene genuinamente emocionado.
“Bodas S.A. es un proyecto en el que pasaron cosas tan bonitas que quiero que la gente la vea, más allá del éxito que pueda tener o no.”
BODAS S.A.: DIEZ CAPÍTULOS DE CAOS, AMOR Y HUMOR MEXICANO
La serie, que llegó a VIX el 13 de febrero con sus diez capítulos de media hora, gira alrededor de Fanny, una joven de la nueva generación que
regresa a casa y se ve obligada a trabajar en la empresa de su madre: Curiel Weddings, la agencia de wedding planners más importante de México, dirigida con mano de hierro por Silvia Curiel, interpretada por la inigualable Consuelo Duval.
Ruy da vida a Julio, el segundo al mando de la empresa. Un personaje que, en sus propias palabras, representa a una parte de su generación que él mismo no siempre comprende: “Julio es el clásico que siguió el camino seguro, el que le dijeron que tenía que seguir. Es como mi hermana mayor, que va de libro en libro porque es el camino correcto.”
Lo que hace a Julio tan interesante, y tan humano, es su fragilidad. Aparentemente cómodo en su posición, su mundo entero empieza a tambalear con la llegada de Fanny.
“Hay un capítulo en el que tiene una crisis de identidad absoluta: ¿quién soy? ¿qué hago? ¿qué he hecho con mi vida? Creo que hay muchísima gente de nuestra generación que está exactamente en eso”, reflexiona el actor.
LAS BODAS, ESE RITUAL TAN NUESTRO
Para preparar el personaje, Ruy se acercó a amigos wedding planners que le abrieron las puertas de ese mundo frenético y glamoroso. Y lo que descubrió lo fascinó: detrás de cada boda perfecta hay un equipo resolviendo crisis en tiempo real, sin que los invitados se enteren de nada.
“Las bodas están muy arraigadas en nuestra cultura. Y México las tropicaliza, las vuelve suyas. Vas a una boda en Europa y puede ser muy bonita, pero ¿y ya? ¿Cómo que canapés y ya? ¿Cómo que no hay pista de baile?”, dice entre risas. Esa energía festiva, caótica y entrañablemente latina es el corazón de la serie. Su boda favorita, nos cuenta sin dudar, fue la de su hermana. “Pedí mariachis, me di cuenta que al final ya era una fiesta mía”, recuerda entre carcajadas. Y la última a la que asistió fue el 14 de marzo de 2020, justo un día antes de que comenzara el confinamiento. Desde entonces, nada. “Ya digo: alguien invítenme a una boda, por favor.”
RUY SENDEROS
Inició su carrera actoral en televisión con proyectos como Bienvenida Realidad, Infames y Rosario Tijeras, donde comenzó a construir un perfil sólido dentro de la ficción nacional. Estos primeros trabajos marcaron el inicio de una trayectoria constante que, con el tiempo, lo llevaría a integrarse a producciones de gran alcance en distintas plataformas y géneros
“México tropicaliza las bodas y las vuelve suyas. Las hacemos tan nuestras que somos fiesteros por naturaleza.”
LA COMEDIA COMO
ESPEJO DE LO PROFUNDO
Lo que Ruy más valora de Bodas
S.A. es esa capacidad única de la comedia para tocar temas difíciles sin que se vuelvan una carga. La serie habla de brechas generacionales, del miedo a cambiar, de relaciones fracturadas entre madres e hijas, de identidades construidas alrededor del trabajo... todo desde el humor.
“La comedia te permite tocar temas así de profundos, de duros, de difíciles, y como es comedia te los deja tocar sin que se vuelva algo muy difícil de ver”, explica. “Al final, todos los personajes van aprendiendo a adaptarse a un mundo que cambia constantemente, y creo que eso le habla a mucha gente hoy.”
El mensaje final, según Ruy, no podría ser más vigente: no ser tan cuadrados. Abrirse a lo distinto. Soltar un poco la rigidez. “Si no te asustas y te abres un poquito, pues la pasas mucho mejor, aprendes más y creces. Y eso es muy bonito”. //@revistacosasmx
LA EVOLUCIÓN DE LA
INDUSTRIA CREATIVA
MÁS ALLÁ
DE LAS CUOTAS
El liderazgo femenino está redefiniendo cómo se toman decisiones en la industria creativa, impulsando modelos más inteligentes, sostenibles y orientados al negocio
Por Sandra Márquez
En el marco del mes de la mujer, la conversación sobre la paridad en la alta dirección ha evolucionado hacia un terreno de pragmatismo y eficiencia. Ya no se trata únicamente de representatividad, sino de integrar capacidades estratégicas que están transformando la operatividad de las agencias. Para Ericka Tolosa, managing consultant USA de Bombay, el ascenso de más mujeres a puestos de decisión es el resultado de una “acumulación de mérito, resiliencia y consistencia”.
En entrevista, Tolosa analiza cómo el liderazgo femenino está redefiniendo las métricas de éxito en la industria creativa y destaca la importancia de construir estructuras que impulsen el desarrollo del talento joven mediante la gestión de riesgos y la seguridad psicológica.
Para Tolosa, las mujeres que hoy ocupan espacios donde se define el rumbo de las marcas aportan una relación distinta con el
tiempo y la priorización. Al gestionar múltiples roles —profesionales, personales y de cuidado— han desarrollado una capacidad de ejecución donde el tiempo, al ser finito, se vuelve estratégico.
“Aprender a delegar mejor y optimizar procesos no es una debilidad del sistema; es una ventaja operativa”, afirma. Bajo esta premisa, el mercado ha comenzado a reconocer un tipo de poder que equilibra la ambición con la cultura organizacional, y los resultados con la visión de negocio.
Uno de los puntos clave para Tolosa y para Bombay, agencia creativa independiente, es evitar que la inclusión se limite a una “cuota” o a una narrativa para consumo externo. La directiva propone una evolución estructural basada en tres pilares:
Participación en la definición, no solo en la ejecución: Integrar a las mujeres en los espacios de negociación con clientes y en el diseño de procesos. “Cuando cambian las preguntas, cambian las soluciones”, señala.
Productividad sostenible: Frente a la cultura del desgaste históricamente premiada en la publicidad, la apuesta es por modelos que eviten el burnout. La eficiencia no debe competir con el bienestar si se busca retener talento de alto nivel.
Accountability real: Otorgar visibilidad frente al cliente y responsabilidad directa sobre los resultados. El objetivo, según la consultora, no es “feminizar” la industria, sino evolucionarla hacia un modelo más inteligente y competitivo.
Para que el talento joven —particularmente las creativas en formación— pueda innovar, se requiere un entorno que permita el error como parte del aprendizaje. Tolosa destaca que, en el día a día de la agencia, esta red se construye normalizando el
aprendizaje público y compartiendo contexto estratégico.
“Una creativa joven toma mejores riesgos cuando entiende el negocio y el impacto de su idea. Empoderar es dar información para que actúe con criterio”, explica. Además, subraya la importancia del respaldo jerárquico: la verdadera seguridad se siente cuando el liderazgo defiende una idea valiente frente al cliente.
Finalmente, Ericka Tolosa concluye que el talento no requiere “permisos”, sino entornos donde la firmeza sea valorada y la ambición no sea penalizada. Es en ese espacio de confianza donde el riesgo deja de ser una exposición vulnerable para convertirse en el motor de crecimiento de la industria. //@revistacosasmx
QUIÉN ES MICHELLE RODRÍGUEZ
Nació el 1 de diciembre de 1983 en Xochimilco, Ciudad de México, una de las alcaldías más arraigadas a la identidad capitalina. Desde pequeña quiso ser actriz y comediante, aunque optó primero por la licenciatura en Diseño y Comunicación
Visual en la UNAM, donde se tituló antes de lanzarse de lleno al mundo del espectáculo. Incursionó en el medio desde 1999, formándose en doblaje, locución y producción de radio. Después sumó teatro musical, comedia, improvisación e interpretación: un currículum construido oficio por oficio, sin atajos.
Foto: Oscar Morales
Makeup and Hair: Johan Vera
MICHELLE RODRÍGUEZ: “YO ELIJO MI DESTINO” H
La actriz y presentadora mexicana habla sin filtros sobre empoderamiento femenino, responsabilidad artística y el poder de abrir puertas para que otras las atraviesen
Por Aramis Flores Carranza
ay mujeres que llegan a una industria a ocupar el lugar que se les asigna. Y hay mujeres que llegan a transformarla desde adentro, con cada personaje que eligen, cada puerta que abren, cada vez que se niegan a ser un simple personaje de apoyo en la historia de otro. Michelle Rodríguez es, sin lugar a duda, de las segundas.
En una conversación franca y apasionada con Revista COSAS, la actriz y conductora mexicana reflexiona sobre el largo, y todavía inacabado, camino del empoderamiento femenino en México, su papel como referente para miles de mujeres y su colaboración con Bonafont en la campaña que este 2026 lleva su nombre como estandarte: “Yo elijo mi destino”.
Cuando el tema del empoderamiento femenino sale a la mesa, Michelle no pierde tiempo en ir al fondo. Reconoce que la conversación ha madurado, y que eso es bueno, aunque advierte que la madurez no debe confundirse con comodidad.
“Pareciera que en estos momentos incluso es hasta trillado que sigamos queriendo empoderarnos. Pero hasta que no suceda utópicamente en cada rincón de este país, está padre que siga siendo una tradición.”
La actriz ve en esa ‘tradición’ no una repetición vacía sino una necesidad vigente. Y subraya un giro importante en el discurso: ya no se trata sólo de igualdad de derechos o de ‘confía en ti’. Hoy la conversación es más profunda, más personal, más honesta.
“Ahora hablamos de la autonomía en todos los sentidos: yo decido, yo construyo, yo organizo, yo colaboro, yo abro puertas para que las mujeres puedan tener más oportunidades”, afirma con la convicción de quien no sólo lo proclama, sino que lo vive.
Para entender el alcance de la transformación que describe Michelle, hay que mirar el escenario desde el que habla: la industria del entretenimiento, históricamente dominada por hombres, donde durante décadas las mujeres eran relegadas a papeles secundarios, dentro y fuera de la pantalla.
La actriz recuerda el momento exacto en que se dio cuenta de que su presencia iba más allá del entretenimiento. Fue en una conferencia en Monterrey, cuando una chica trans se acercó a ella para decirle que admiraba su activismo. La respuesta de Michelle fue reveladora:
“Cuando empecé mi carrera no buscaba hacer activismo. Lo que buscaba era existir, crear, pertenecer, ocupar espacios.”
Y sin embargo, ese acto de existir, de simplemente estar, crear y persistir, se convirtió en el mayor acto político que podía realizar.
Hoy, el panorama es distinto. Michelle lo constata con entusiasmo: hay más productoras, más directoras, más mujeres en cada eslabón de la cadena creativa. Empresas de iluminación, de fotografía, de producción construidas íntegramente por mujeres para ofrecer servicios hechos por mujeres. “Eso es mucho más que una inclusión”, dice con firmeza. “Es una decisión.”
Especial Mujeres
MUCHO MÁS QUE UN PERSONAJE
Su carrera abarca cine, teatro, televisión, stand up, conducción y doblaje. En cine destacan títulos como “Mirreyes vs Godínez”,que rompió récords de taquilla en 2019 y la aclamada “I Carry You With Me”, que fue galardonada en el Festival de Sundance 2020. En teatro ha pisado los escenarios más importantes del país con musicales como “Chicago”, “Los Miserables”, “Cats”, “Ghost” y “Mentiras”, entre otros. Y su voz,otro de sus grandes talentos, le ha abierto las puertas del doblaje: ha prestado su voz en producciones como “La Dama y el Vagabundo” y “Trolls World Tour”.
Y las narrativas también han cambiado. Los personajes femeninos ya no son solo los que esperan ser rescatados. “Ahora estamos contando nuestras propias historias en donde también podemos ser las villanas”, señala con una sonrisa. “Eso me alienta mucho.”
Michelle Rodríguez creció queriendo salir en “Siempre en Domingo”. Un sueño completamente legítimo, y completamente sin referentes que se parecieran a ella.
“Cuando yo era niña yo quería hacer televisión y no me veía representada”, confiesa. Esa ausencia de espejos, de rostros que reflejaban los suyos, dejó una marca que hoy la mueve a actuar de forma diferente.
“Tener la oportunidad de ocupar ese espacio lo disfruto y lo agradezco infinitamente, pero también tiene que dignificarse y también tiene que ser contundente.”
Porque Michelle sabe que en este momento hay niñas que la miran a ella como ella miraba la televisión de su infancia. Y esa conciencia la obliga, de la manera más hermosa posible, a usar cada micrófono, cada set, cada aparición pública como una oportunidad para decir algo que valga la pena.
“Si tienes un micrófono, di algo listo”, se recuerda a sí misma. Y añade con generosidad:
“No sólo aspiracionalmente decir échale ganas. Sino también activamente abrir puertas. Siempre he pensado: si puedes abrir una puerta, pásale y detenla para que pasen los demás.”
No todo es celebración. Michelle es lúcida y directa cuando habla de los riesgos que enfrenta el movimiento feminista, particularmente frente a los medios de comunicación que, en momentos como el 8M, suelen enfocarse en las imágenes más disruptivas y dejar el mensaje de fondo en segundo plano.
Su análisis es equilibrado, sin ingenuidad: “Cuando hay un movimiento que busca empoderar o que busca la igualdad, siempre habrá alguien que no la necesite o que le sea contraproducente.”
“Desgraciadamente, cuando a alguien no le conviene la igualdad, es un camino de subida. Pero demostremos lo contrario.”
Y en ese ‘demostremos lo contrario’ entra un elemento que Michelle considera clave: los aliados. Marcas, empresas, instituciones y personas que no solo se pinten de colores en determinadas
Especial Mujeres
fechas, sino que sean aliados reales, de fondo. Que abran espacios, mejoren sueldos y cambien dinámicas laborales.
“Con 20 pesitos de crédito en el Oxxo, tu propia red social también puede ser eje de cambio. No tiene que ver con una infraestructura enorme. Puede ser tú desde tu celular en tu casa.”
En un panorama donde las marcas suelen subirse al tren del empoderamiento en fechas específicas para luego desaparecer, Michelle destaca la autenticidad de su colaboración con Bonafont. “La marca no se pinta de rosa. La marca es rosa”, afirma. Y esa distinción importa.
“ELIJO
MI DESTINO”
En la campaña 2026 de Bonafont, Michelle representa la frase “Elijo mi destino”, amplificando conversaciones sobre identidad, amor propio y libertad de elección, coherente con su trabajo en el entretenimiento y con su postura pública sobre diversidad y autenticidad. No es un slogan prestado: es, literalmente, el relato de su vida.
La frase con la que Bonafont eligió representar en esta campaña 2026 es, según ella misma, poderosa por lo que afirma sin dudar: Yo elijo mi destino. No es una aspiración. Es una declaración de presente.
“No es una utopía. Es algo que estoy haciendo, qué estoy construyendo todos los días.”
La Carrera Bonafont, que este 15 de marzo reunirá a miles de mujeres en la avenida Reforma en la Ciudad de México, se convierte para Michelle en una imagen perfecta de todo lo que defiende: mujeres diversas, de edades y tamaños y colores y profesiones distintas, reunidas por elección propia. Mujeres que se preparan todo el año para llegar a esa línea de salida.
“Verlas unidas es espectacular. Que la marca tenga una intención de empoderar a la mujer y lo haga de manera activa, apoyándolas, me parece muy bello.”
Cuando hablamos del Dream Team que conforma la campaña, mujeres de distintas edades, profesiones, cuerpos, colores y maneras de amar, Michelle lo resume con una síntesis que podría ser el titular de cualquier discurso feminista bien entendido:
“Las frases nos pueden quedar a todos, el agua la necesitamos todas. Somos diferentes, pero
somos una. Estamos representando a todas las mujeres y a todas las que sueñan con ser.”
No hay en sus palabras la rigidez de un slogan.
Hay la convicción de alguien que ha vivido la exclusión, que la ha transformado en energía creadora, y que ahora usa su plataforma para sostener una puerta abierta para las que vienen detrás.
En marzo, el mes en que el mundo vuelve la mirada hacia las mujeres, con todos sus matices, sus tensiones, sus victorias incompletas y sus luchas pendientes, Michelle Rodríguez nos recuerda que el empoderamiento no es una campaña de temporada. Es una construcción diaria, imperfecta, colectiva e irrenunciable. — Yo elijo mi destino. ¿Y tú? — //@revistacosasmx
EL PODER DE LAS MUJERES PARA NOMBRAR LO INVISIBLE Y SIMPLEMENTE SER
Nombrar lo que duele es un acto de poder. Cuando una mujer se atreve a mirar su herida sin disfraces, deja de sobrevivir para comenzar a habitar con verdad. No se trata de alcanzar una cima, sino de sostenerse con presencia en el terreno movedizo de lo que somos, y desde ahí, simplemente, ser
Por Dafna Viniegra Escritora, activista y fundadora de Infancia Libre de Abuso Sexual Infantil (ILAS A.C.)
No les escribo desde una cima, ni envuelta en esa perfección que a veces se nos exige en el mundo corporativo. Les escribo desde el lodo. Desde esa versión de mí que aprendió a disfrazarse de risa para no llorar, la que confunde libertad con fuga y se anestesió con la adrenalina de una agenda llena, con el uso de sustancias o con relaciones que “dolían bonito”, solo porque el dolor me resultaba un terreno conocido.
Durante años fui la mujer que muchas de ustedes reconocerán en el espejo: hiperfuncional de día y desmoronada de noche. Una mujer que no sabía estar en silencio, porque el silencio le devolvía escenas que el cuerpo aún no terminaba de procesar. Hoy, desde mi labor como activista y fundadora de la asociación Infancia Libre de Abuso Sexual, entiendo el verdadero costo de vivir con máscaras: no te
protegen, siempre terminan por asfixiar. Lo que callamos se vuelve forma conocida; lo que negamos, destino; lo que escondemos, patrón.
En México, la realidad nos golpea de frente con cifras que no podemos seguir ignorando desde nuestros escritorios: se estima que 1 de cada 4 niñas sufre algún tipo de abuso sexual antes de cumplir los 18 años. Son miles de historias silenciadas cada día, que crecen a la sombra de la impunidad. Muchas de esas niñas son hoy mujeres líderes que mueven la economía del país, pero que siguen cargando una herida sin lenguaje, que busca salida por donde sea: por el exceso, por la disociación, por la prisa constante o por esa incapacidad de pedir ayuda que disfrazamos de “independencia”.
Mi primer libro, Sanar para crecer y trascender, fue mi salvavidas. Aprendí que poner la herida en la página es quitarle el derecho a gobernarme: la tinta como lámpara y la frase como bisturí. Pero ahora, en mi nuevo libro Somos Tod@s, la escritura cambia de escala. Ya no es solo mi piel: es un coro. Narro vidas de mujeres y hombres, infancias, silencios y negligencias, porque la herida casi nunca viene sola. Este libro no se ablanda como ejemplo, se ablanda como testigo.
Esta es una invitación íntima para ti, mujer de negocios, directora, emprendedora: reconoce tu grieta sin maquillaje, sin tacones de 12 cm, sin el traje sastre impecable. Es justo ahí donde entra la luz. No pretendo mostrarles una narrativa de triunfo dorado; les ofrezco una narrativa de presencia. La presencia no empieza cuando te conviertes en alguien admirable; empieza cuando te atreves a reconocer: “esto es lo que hago para no sentir”.
Sostenerse ahí, sin juicio y sin condena, pero con absoluta responsabilidad, es el acto de liderazgo más valiente que existe. Escribe aunque te tiemble la mano. Cuéntate con verdad. No solo para salvarte tú, sino para darnos a todas el permiso de, simplemente, ser. //@ revistacosasmx
El emprendedor no piensa en hasta dónde ha llegado; siempre está pensando en lo que falta. Pero cuando te detienes un momento, dices: wow
Alexandra Zatarain
CO-FUNDADORA & VP
MARKETING, EIGHT SLEEP
ALEXANDRA ZATARAIN
LA MEXICANA QUE DESAFIÓ SILICON VALLEY Y CONSTRUYÓ UN UNICORNIO DESDE LA FRONTERA
Co-fundadora y vicepresidenta de marketing de Eight Sleep, la mexicana criada en Tijuana que cofundó en Silicon Valley la primera empresa del mundo dedicada al sleep fitness,hoy valuada en 1,500 millones de dólares y presente en 34 países— nos habla de liderazgo, longevidad y el poder de dormir bien
Por Leonardo Aramis Flores Carranza
Crecer en Tijuana con la frontera como horizonte cotidiano le enseñó a Alexandra Zatarain que los límites son, en su mayoría, construcciones mentales. Hija de un hombre que salió adelante desde un pequeño pueblo de Sinaloa sin terminar la primaria, Alexandra internaliza desde niña una lección fundamental: la posición de origen no determina el destino. Formada en el Tecnológico de Monterrey y con la mirada puesta en televisoras anglosajonas que transmitían figuras como Oprah Winfrey y Diane Sawyer, Alexandra construyó su ambición no desde el privilegio, sino desde la observación atenta de lo que es posible cuando alguien se atreve a redefinir su propio techo.
PERFIL · ALEXANDRA ZATARAIN ·
CARGO: Co-Fundadora & VP de Marketing, Eight Sleep
ORIGEN: Tijuana, Baja California, México
FORMACIÓN: Tecnológico de Monterrey
FUNDACIÓN: Eight Sleep (2014)
VALORACIÓN: USD $1,500 millones (2026)
CAPITAL RECAUDADO: Más de $160 millones de inversionistas de Silicon Valley
RECONOCIMIENTOS: Forbes · Fast Company (2019, 2022, 2023)
· TIME Best Inventions (×2)
ROL ADICIONAL: Inversionista en startups tecnológicas lideradas por mujeres
HITOS CLAVE
2014: Fundación: Alexandra y sus co-fundadores desarrollan la tecnología de sueño en San Francisco.
2015: Primer producto al mercado. Primeras relaciones orgánicas con atletas de élite.
2020: Pandemia–Aceleración. El mundo gira hacia la salud preventiva. Eight Sleep está en la intersección perfecta.
2025: Año récord: flujo de caja libre positivo, tres nuevos productos, validación clínica en 34 países.
2026: Estatus Unicornio: valoración de $1,500 millones. IA predictiva y expansión hacia salud regulada.
EMBAJADORES & COLABORACIONES
Charles Leclerc
PILOTO F1 · INVERSIONISTA
Taylor Fritz
TENIS ATP
Arturo Coelho
PADEL #1 MUNDIAL
UAE Emirates
EQUIPO CICLISMO ÉLITE
“Yo veía a esas mujeres como ese referente. Y entendía el poder de esas referencias en los medios para inspirar a cualquier persona, en cualquier contexto, a creer que sí hay posibilidades.”
En 2014, junto a Matteo Franceschetti y Massimo Andreasi Bassiy, Alexandra cofundó lo que hoy se conoce como Eight Sleep. En 2015 lanzaron su primer producto. Doce años de iteración, desarrollo tecnológico y construcción de marca después, la empresa acaba de anunciar una valoración de 1,500 millones de dólares —el umbral que define a los llamados unicornios—, consolidando a Zatarain como una de las fundadoras latinas que más capital ha recaudado para una startup en el mundo.
LA REVOLUCIÓN DEL SLEEP FITNESS
Eight Sleep no vende colchones. Vende la ciencia del rendimiento humano mientras dormimos. Esta distinción es el epicentro de la estrategia que Zatarain ha construido en más de una década: posicionar el sueño no como una necesidad pasiva, sino como una disciplina activa —el sleep fitness.
“Cuando uno habla de estar fit, la gente piensa en actividad física. Pero también puedes estar fit en tus finanzas, en tu salud mental, en tu sueño. Eso era lo que estábamos buscando crear.” La apuesta conceptual resultó visionaria: el mercado global de bienestar y longevidad explotó tras la pandemia de 2020, catapultando a Eight Sleep hacia el centro de conversaciones que antes eran nicho.
El Pod —el producto estrella— monitorea datos biométricos clave: fases del sueño, frecuencia cardíaca y variabilidad de la frecuencia cardíaca. Dos estudios revisados por pares demuestran que el dispositivo reduce los sofocos de la menopausia en un 56% y restaura el ritmo circadiano natural durante el sueño.
“Lo que soñábamos hacer a través de los datos del sueño, ahora es posible gracias a la inteligencia artificial. El tiempo jugó a nuestro favor.”
El gran salto estratégico que anuncia la nueva ronda de inversión —liderada por Tether Investments— es el paso de la optimización reactiva a la predicción proactiva. Los modelos de IA de Eight Sleep, entrenados con más de mil millones de horas de sueño de usuarios en más de 35 países, podrán anticipar cómo evolucionará la noche de cada usuario y actuar antes de que se produzca cualquier alteración del descanso.
“Dormir fue solo el comienzo. Hemos creado el sistema de detección de salud basado en inteligencia artificial más avanzado del mundo”, Matteo Franceschetti, CEO, Eight Sleep
CONSTRUIR UN MOVIMIENTO, NO SOLO VENDER UN PRODUCTO
Si hay una palabra que define la filosofía de marketing de Alexandra Zatarain, es autenticidad. En un mundo saturado de endorsements vacíos, la VP de Marketing de Eight Sleep construyó algo radicalmente diferente: un ecosistema de embajadores que son, antes que nada, usuarios apasionados del producto.
Todo comenzó en 2018, cuando Danny Green —tres veces campeón de la NBA— les escribió espontáneamente porque quería probar el producto. No fue una campaña orquestada. Fue el producto encontrando su audiencia natural. “A nosotros es lo más importante, no trabajamos con nadie que no sea un fan de lo que hemos construido, porque no vale la pena pagarle a alguien solo para que hable de dientes para afuera.”
$1.5B VALORACIÓN UNICORNIO MARZO 2026
El corredor de F1 Charles Leclerc, el tenista
Taylor Fritz, el número uno mundial de padel
Arturo Coelho —todos llegaron al ecosistema Eight Sleep de la misma manera: probaron el producto, sintieron la diferencia, y desde ahí se construyó una relación genuina. El último capítulo: el equipo ciclista UAE Emirates —el de Pogačar— comenzó a usar el Pod durante el Tour de Francia sin que Eight Sleep lo supiera, y terminó solicitando unidades especiales para todos sus ciclistas en las grandes vueltas de 2026.
“Nuestra intención no es solo hablarte de Eight Sleep y de nuestros productos. Queremos crear un movimiento de estilo de vida alrededor del sleep fitness.”
EL LEGADO DE UNA FUNDADORA: SER EL REFERENTE QUE ELLA NO TUVO
Alexandra Zatarain no piensa todos los días que es mujer y fundadora de un unicornio. Lo dice ella misma, con la misma naturalidad
+1,000M HORAS DE SUEÑO ANALIZADAS POR IA
con que respira. Pero sí es profundamente consciente de lo que ha requerido llegar hasta aquí, del país del que viene y de lo que significa que una niña en Tijuana, en Sinaloa, en cualquier rincón de México, vea su nombre en una portada.
“Si hemos tenido la fortuna de tener una vida diferente quizá a la mayoría del país, que utilicemos esa plataforma para inspirar y ayudar donde sea posible.” No es postura. Es convicción heredada: su padre construyó su vida desde un pueblo sinaloense sin más herramientas que la determinación.
“Yo no pienso todos los días “soy mujer y soy fundadora de un unicornio”. Pero sí soy muy consciente de lo que ha requerido llegar hasta aquí y del país del que vengo.”
Sobre el 8M y los movimientos feministas, Zatarain tiene una perspectiva que va más allá de la coyuntura: “Estos movimientos nos han permitido centrar las historias importantes dentro de la conversación.
34 países PRESENCIA GLOBAL EIGHT SLEEP
Esas conversaciones se tenían que tener. Hay que poner esas historias bajo el foco.”
Pero su llamado es a ir más lejos que un solo día al año: “Me gustaría ver que los medios no solo se enfoquen en qué va a pasar en la marcha, sino en por qué están marchando, qué están pidiendo, qué se está haciendo.”
Como inversionista activa en startups tecnológicas lideradas por mujeres, Zatarain no solo inspira con palabras: construye el ecosistema que México necesita. Porque entiende, desde adentro, cuál es el verdadero obstáculo: la falta de capital de riesgo local dispuesto a apostar temprano.
EL ECOSISTEMA QUE MÉXICO NECESITA
Cuando Alexandra habla de México, el tono cambia. Hay algo más íntimo, más urgente. “México nos sorprendió a todos —excepto a mí, porque yo confiaba en que iba a ir muy bien.” Desde que Eight Sleep entró al mercado mexicano hace un año, el crecimiento ha superado expectativas internas. La conversación sobre salud, bienestar y longevidad está igual de presente en México que en cualquier otro de los 34 países donde opera la empresa. El potencial emprendedor de México es
enorme —hay muchos problemas por resolver, y esa es la materia prima de cualquier startup exitosa. Lo que frena el despegue del ecosistema no es la falta de talento ni de ideas; es la falta de capital de riesgo local. “Todavía están virando hacia los fondos de inversión de Estados Unidos para poder levantar capital. Nos falta el ecosistema de inversión dentro de México, que sea más activo y que tome más riesgo.”
La solución que vislumbra es orgánica y generacional: los emprendedores mexicanos que ya alcanzaron el éxito serán quienes construyan ese ecosistema inversor. “Los que entienden el problema son los que van a crear esos nuevos modelos de inversión, esos nuevos fondos, cuando ya hayan capitalizado en un IPO o demás.”
Un IPO que, dicho sea de paso, está en la mira de Eight Sleep. Sin prisa, con la solidez de un 2025 que terminó en flujo de caja positivo. “Es siempre un milestone muy grande y un objetivo que cualquier emprendedor quiere alcanzar.” Alexandra Zatarain, la niña de la frontera que veía televisión en inglés soñando con algo más grande, ya tiene la mirada en Wall Street. //@revistacosasmx
Juan Lecanda
De los sueños recurrentes durante los castings al sketch de Bad Bunny en SNL: la historia del mexicano que interpretó a uno de los personajes más icónicos de la televisión latinoamericana
Por Aramis Flores Carraza
Hay actores que esperan toda una vida por ese papel definitorio. Juan Lecanda lo esperó durante años de castings interminables, de subidas y bajadas emocionales, de irse a dormir soñando que ya estaba grabando en la vecindad del Chavo, para despertar y darse cuenta de que el personaje aún no era suyo. Pero cuando finalmente llegó la llamada para interpretar a Kiko en la serie biográfica “Chespirito”, no solo cambió su carrera: se convirtió en parte de un fenómeno cultural que trascendió fronteras y generaciones.
“Un verdadero sueño hecho realidad”, dice con la humildad que lo caracteriza, envuelto en una chamarra de la selección mexicana que habla de su profundo amor por México. “Muchas veces me quedaba o lo soñaba. Soñaba que ya estaba en la vecindad grabando la serie y luego me levantaba y decía: ‘chin, todavía no me lo quedo’”.
UNA CARRERA DE RESISTENCIA
Juan Lecanda no es un actor nuevo. Aunque “Chespirito” lo llevó a otro nivel de reconocimiento, lleva actuando desde que tenía tres años y trabajando profesionalmente desde 2008. Son más de 15 años de carrera, de aprender que este oficio “no es una carrera de velocidad, es una carrera de tenacidad y de resistencia”.
A UNA NUEVA GENERACIÓN ELACTOR QUE LLEVÓ AKIKO
“Este proyecto me ayudó a confirmar más de lo difícil y lo duro que es este camino del actor”, reflexiona. “Fue este el proyecto que me llevó a otro nivel, a otra conversación, a un alcance mucho mayor dada la magnitud de lo que implica y lo que representa Chespirito a nivel Hispanoamérica”.
El proceso de traer a Kiko a la vida fue intenso y transformador. Juan tuvo que subir algunos kilos para el personaje, sumergirse en la nostalgia de su infancia y conectar con el trabajo del gran Carlos Villagrán, quien originalmente dio vida a este personaje tan querido. Los tres meses de rodaje fueron “como un sueño, fueron literalmente un flashazo, de reír, de llorar, de sensibilizarte emocionalmente, de conectar con tu infancia, con tu nostalgia”.
LA ESPERA INTERMINABLE
Pero después de esos tres meses mágicos vino algo que todo actor conoce demasiado bien: la espera. Un año y medio exacto desde que terminó de grabar hasta que la serie finalmente se estrenó. “Fue también una
prueba de paciencia”, admite. “Ya quería uno que se lanzara la serie. Muchos días y muchos meses, incluso es un año y medio de estar esperando hasta que por fin sale y bueno, todo cambia”.
Durante ese tiempo, su cuerpo cambió, bajó el peso que había subido para Kiko, y la vida siguió. Pero cuando finalmente llegó el estreno en 2025, la respuesta del público superó todas las expectativas.
“Tuve que vivir toda esa etapa de enorme cariño por parte de la gente, de un recibimiento hermoso que tuvo la gente de esta serie, de cómo se encariñó también particularmente de mi personaje”, cuenta con gratitud evidente. “Eso para mí es un gran regalo de Dios y lo tomo con toda la humildad y todo el agradecimiento como una bendición”.
EL FENÓMENO BAD BUNNY
Y entonces, cuando parecía que el ciclo de “Chespirito” estaba entrando en su fase final, llegó el momento que nadie esperaba: Bad Bunny, el artista más famoso del
momento, eligió a Kiko para un sketch en Saturday Night Live.
Para Juan, la elección no fue casualidad. “Para mí, Kiko siempre fue el actor más talentoso, más divertido, más caricaturesco, más clown”, explica con entusiasmo. “Inflaba los cachetes, pelaba los ojos, doblaba las rodillas”. Pero más allá de las preferencias personales, Juan ve en ese sketch una lección magistral de timing y marketing. “Se juntó el hambre con las ganas de comer. Se juntó Bad Bunny con SNL, dos maestros del marketing y del entender que comedia es tragedia más tiempo”.
El timing no podría haber sido mejor: la serie acababa de salir, Bad Bunny estaba próximo a dar el halftime show del Super Bowl, y existía un contexto social de división y polarización en torno a la inmigración. “Supieron cristalizar esta fragmentación social, esta división, esta polarización para combinarlo con el factor tiempo de que acaba de salir la serie”, analiza Juan con la perspectiva de alguien que entiende profundamente su oficio.
Y hay algo más: Bad Bunny había estado viendo la serie. En entrevistas, el artista puertorriqueño confesó que le había encantado. Para Juan, esto tiene un significado especial: “Quiere decir que conectó con el personaje de Kiko. Quiere decir que mi trabajo dentro de la serie le gustó, y tan es así que él decidió escoger a este personaje para representarlo”.
CHESPIRITO Y LA MEXICANIDAD
La conversación con Juan inevitablemente lleva al tema de lo que Chespirito representa para Latinoamérica. “Chespirito es parte de la mexicanidad, es parte de la cultura mexicana”, afirma rotundamente. “En los partidos de fútbol mundial tras mundial tú ves a varios chapulines colorados ahí apoyando a la selección”.
La influencia de Roberto Gómez Bolaños trasciende las fronteras del entretenimiento. Juan recuerda estudios antropológicos sobre el fenómeno: “Hubo una etapa en Colombia en donde tuvieron que dejar de pasar al aire Chespirito porque los niños colombianos empezaron a hablar muy mexicano: ‘órale mano’, ‘qué onda campeón’. Estaban perdiendo colombianidad, identidad colombiana”.
Este hecho extraordinario habla del poder de Chespirito como creador de identidad. “Fue un escritor que a través de las palabras y la comedia logró moldear una identidad, una identidad hispanoparlante”, reflexiona Juan. “Y no solo hispanoparlante, porque en Brasil también ‘Chaves’ y ‘Chapulín’. Esto te habla de que es un humor universal”.
Para Juan, el secreto del éxito de Chespirito radica en el tipo de comedia que hacía. “Era muy universal, era familiar, era blanca, era educada, era elegante, era sofisticada”, explica. “En momentos en donde la vulgaridad está a la puerta de la esquina y es muy fácil hacer reír de manera vulgar, vaya reto, vaya nivel de hacer reír o entretener con comedia y con humor sano”.
EL CROSSOVER CULTURAL
El sketch de SNL representa algo más que un momento viral: es un puente cultural. Juan ve en él la posibilidad de que audiencias no latinas descubran la riqueza de Chespirito. “Cuando lo ves desde otra perspectiva y verlo como ese crossover, que los americanos, que realmente los gringos, los blancos, empiezan a buscar el Chavo del 8”, dice con esperanza. “Eso estaría increíble”, continúa. “Que las demás culturas digan: vamos a
investigar, vamos a buscarla. Y no tienes que ir tan lejos, aquí está en HBO Max toda la serie”.
Para Juan y todo el equipo de la serie, el sketch de SNL es la “colita del bajón”, esa última ola de atención que mantiene viva la conversación. Y no es para menos: cada aspecto de la producción fue cuidado meticulosamente. “Cada renglón, cada trinchera de esta producción está profundamente cuidada, nunca nadie se relaja”, dice con orgullo. “La musicalización es hermosa, es una historia llena de ternura, de nostalgia, de amor, de corazón”.
MÁS ALLÁ DE KIKO
Con el fenómeno de “Chespirito” todavía reverberando, Juan mira hacia adelante con los pies en la tierra. Actualmente se le puede ver en “Cotorreando la Noticia”, un programa de ADN Noticias donde hace personajes cómicos de lunes a viernes, contando las noticias de manera divertida. Pero su búsqueda como actor es más profunda. “Lo principal en lo que me fijo a la hora de aceptar un papel es contar una historia de un personaje que tenga capas, que tenga profundidad, que provoque la reflexión”, explica. “A mí me gusta y se me facilita la comedia, pero también me gusta el drama. Que a través de la risa pueda provocar la reflexión, ser motivo de conversación y hacer de este lugar un mundo mejor”. En un mundo cada vez más polarizado y dividido, Juan ve el entretenimiento como una herramienta de unión. “Poner nuestro granito de arena, tener un impacto positivo en este mundo tan polarizado y tan dividido, eso es lo que a mí me encantaría hacer”, dice con convicción.
Mientras tanto, en algún lugar del mundo, alguien está descubriendo “Chespirito” en HBO Max por primera vez, quizás inspirado por un sketch viral. Y en ese momento, el sueño de Juan Lecanda —ese sueño que tuvo tantas veces antes de despertar y darse cuenta de que todavía no era suyo— se multiplica en millones de pantallas, conectando generaciones, culturas y corazones a través del poder universal de la risa. //@revistacosasmx
“LA OBSCENIDAD DE LA CARNE”
Dónde: Teatro Renacimiento, Centro Cultural Manolo Fábregas
Cuándo: Viernes, sábados y domingos.
“LA
OBSCENIDAD DE LA CARNE”, UN ESPEJO BRUTAL PARA LAS PAREJAS
La obra que protagonizan Jorge Salinas, Elizabeth Álvarez, Sugey Ábrego y William Valdés confronta al público con verdades incómodas sobre las relaciones
Por
Aramis Flores Carranza
Hay obras de teatro que entretienen. Otras que emocionan. Y luego está “La obscenidad de la carne”, una propuesta escénica que hace algo mucho más inquietante: te obliga a mirarte en un espejo que no perdona, que muestra sin filtros las grietas que muchas parejas prefieren ignorar. Y lo hace con una combinación devastadora de realidad, crueldad y humor negro que está sacudiendo los teatros de la Ciudad de México.
Protagonizada por Jorge Salinas, Elizabeth Álvarez, Sugey Ábrego y William Valdés, esta producción de Omar Suárez bajo la dirección de un equipo que se atrevió a llevar al escenario el texto del dramaturgo mexicano Esteban Román, es mucho más que una noche de entretenimiento. Es una experiencia que puede cambiar conversaciones, despertar reflexiones y, en algunos casos, incluso provocar que los espectadores abandonen la sala porque lo que ven en escena les resulta insoportablemente familiar.
UN JUEGO PELIGROSO
La premisa es seductora desde el póster: dos parejas, una reunión en el departamento de Amadeus y Carmín (interpretados por Jorge Salinas y Elizabeth Álvarez), y un juego de cartas para adultos que promete diversión. Pero como bien advierte Sugey Ábrego, quien da vida a Ana: “El público tendrá que descubrir si esta pareja seductora desde el principio nos está encantando, nos está mintiendo, nos está seduciendo o tiene otra verdad”.
Lo que comienza como una aparente comedia en el primer acto, con el típico juego de quitarse prendas, se transforma en algo mucho más visceral. Carlos y Ana (William Valdés y Sugey Ábrego) creen que es solo un juego de adultos hasta que empiezan a salir verdades
terribles que los confrontan de maneras que nunca imaginaron. “Es un juego donde jugamos también nosotros con el público”, explica William Valdés desde Miami, ciudad a la que viaja entre semana para luego regresar cada fin de semana a México para las funciones. “El público no sabe qué va a pasar. Hay veces que miro y ves la cara de la gente cómo ¿y qué va a pasar? ¿y qué va a pasar?”
CUANDO LA FICCIÓN DUELE MÁS QUE LA REALIDAD
La fortaleza de “La obscenidad de la carne” radica en su brutal honestidad. No es una obra que busque el aplauso fácil ni la complacencia del público. Es un texto que confronta, que incomoda, que arranca desde las pequeñas discusiones cotidianas —como prestar el coche a un amigo— hasta llegar a los abismos más profundos del arrepentimiento y la desilusión.
“Nuestros personajes terminan siendo víctimas de los deseos de otros”, revela Sugey Ábrego sin dar demasiados detalles del giro que da el segundo acto. “El público es el que va a definir si esta pareja termina junta o no, por eso se hace tan cruda”.
Y cruda es la palabra perfecta. Durante las funciones, los actores han sido testigos de reacciones que van desde las risas nerviosas hasta los gritos directos. A Sugey le han gritado “¡zorra!” cuando Ana confiesa una infidelidad. Otras mujeres en el público han soltado un “¡te lo dije!” a sus parejas. Algunos espectadores no resisten y abandonan la sala.
“El fin de semana pasado hubo una muchacha que se rió durante todo el primer acto”, recuerda William. “Se la estaba pasando increíble. Y ya cuando entramos al problema, le pareció muy fuerte y se levantó y se fue”. Pero la mayoría se queda, hipnotizada por esa verdad incómoda que se despliega en el escenario.
LA QUÍMICA DETRÁS DE LA CRUDEZA
Lo que hace posible esta intensidad es la confianza entre los actores. Sugey es enfática al respecto: “Si no tuviéramos tanta confianza, no podríamos exponernos, no sólo físicamente, sino emocionalmente”.
La incorporación de William Valdés al elenco fue rápida, casi vertiginosa, pero la química con Sugey resultó inmediata. “Ensayamos por Zoom”, cuenta William. “Y la verdad es que tenemos una química bien padre. Creo que ha sido por la disposición que tuvo Sugey en darme la bienvenida al proyecto”.
Para Sugey, la llegada de William ha sido un factor de renovación: “Ha llegado a refrescar la obscenidad de la carne, no sólo con su público de parejas más jóvenes de sus fans, sino que a mí particularmente me ha ayudado a reconstruir a una Ana en un proceso totalmente diferente”.
¿PARA
QUIÉN ES ESTA OBRA?
Si intentas ponerle una etiqueta a “La obscenidad de la carne”, te encontrarás con que es imposible. William Valdés lo tiene claro: “No le pondría un label porque creo que la obra es para todos”.
Es una obra que habla de intimidad, de voyeurismo, de deseos obscenos, de verdades que dejamos de decirnos por comodidad, por miedo, por estar atrapados en una zona de confort. Pone sobre la mesa temas que muchas parejas prefieren evitar, y lo hace sin anestesia. “Hoy en día no hay otra propuesta que hable y confronte a las parejas con tanta realidad, verdad, crueldad y humor negro como lo hace la obscenidad de la carne”, asegura Sugey Ábrego con convicción.
UNA EXPERIENCIA ÚNICA CADA NOCHE
Su argumento es sólido: si estás soltero, la obra es una enseñanza sobre qué no hacer cuando empieces una relación. Si llevas años en pareja, es un “refresh”, un golpe a la realidad sobre la importancia de la comunicación. “La problemática grande de Ann y Carlos es que en algún momento de la relación se rompió la comunicación”, explica. “Y eso es lo que pasa en muchas parejas: dejamos de comunicarnos, tenemos miedo de decir qué no nos gusta, tenemos miedo de hablar cuando la llama del amor se está apagando”.
Sugey lo resume con humor negro: “Siempre les digo: si quieren ahorrarse la terapia, vayan a ver la obra”. Y añade que ha visto desde gente joven que apenas se está conociendo hasta parejas veteranas, todos encontrando algo en ese espejo brutal que les devuelve la obra.
EL ATREVIMIENTO DE PONERLA EN ESCENA
Lo fascinante de esta obra es que ninguna función es igual a otra. El público reacciona de maneras impredecibles, y esas reacciones alimentan las interpretaciones de los actores. William recuerda con una sonrisa un momento particular: “Estábamos en plena función y escuché una voz que le dijo al esposo: ‘¿Viste? Te dije, te dije que lo hiciéramos’. Son cositas así que dices, wow, sí es una reflexión de lo que viven muchas parejas”. Aunque técnicamente la obra no rompe la cuarta pared, toca fibras tan reales que el público se involucra orgánicamente. “Ahí es cuando sabemos que estamos haciendo asertivamente nuestro trabajo”, dice Sugey. “Porque hay respuestas del público, se involucran, y yo creo que ese es el atractivo de la obscenidad de la carne”.
Que “La obscenidad de la carne” esté en cartelera es en sí mismo un acto de valentía. Como reconoce William: “Hay que darle las gracias al escritor, al director y a Omar Suárez, el productor, de atreverse a ponerla en el escenario porque sí, sí está fuerte, la verdad”.
UN ESPEJO QUE NO MIENTE
En una época donde las redes sociales nos muestran versiones idealizadas de las relaciones, donde las parejas publican fotos perfectas mientras esconden las grietas, “La obscenidad de la carne” es un antídoto brutal y necesario. Es una obra que se atreve a decir lo que muchos piensan pero no verbalizan, que expone las mentiras piadosas que sostienen muchas relaciones, que pregunta si vale la pena quedarse en algo que ya no funciona solo por responder socialmente o por miedo a lo desconocido.
No es una obra fácil. No promete un final feliz ni lecciones reconfortantes. Pero sí ofrece algo quizás más valioso: un espejo honesto donde mirarse, una conversación pendiente que quizás necesitas tener, y la certeza de que no estás solo en tus dudas, tus miedos o tus deseos más obscenos.
Como dice Sugey Ábrego: la obra escarba hasta llegar a esos momentos en los que piensas “nunca me debí de casar contigo”. Y una vez que esa verdad sale a la luz, ya no hay vuelta atrás. //@revistacosasmx
To Be Free
Sam Smith estará cuatro noches en el Auditorio Nacional. Una residencia que convierte el concierto en un acto de intimidad colectiva. La Ciudad de México, próxima parada de la gira más personal de uno de los artistas más celebrados de su generación
Por Aramis Flores
Foto IG Sam Smith | IG AC/DC
Hay artistas que llenan recintos y hay artistas que los transforman. Sam Smith pertenece a la segunda categoría. Con una voz que no necesita efectos para detenerte en seco y una presencia escénica construida sobre la vulnerabilidad más que sobre la grandilocuencia, Smith ha desarrollado a lo largo de los últimos años un lenguaje propio que pocas figuras del pop contemporáneo son capaces de sostener con la misma coherencia. La residencia To Be Free, que llega a la Ciudad de México en agosto de 2026 con cuatro funciones en el Auditorio Nacional, es la expresión más depurada de ese lenguaje hasta la fecha.
La elección del recinto no es menor: uno de los teatros más hermosos y acústicamente privilegiados del continente americano, con una capacidad que permite escalar la experiencia sin traicionar su espíritu de intimidad. Porque eso es, precisamente, lo que distingue To Be Free de cualquier otra propuesta de un artista de este calibre: la voluntad de crear un espacio donde la emoción no se administra desde lejos sino que se comparte de cerca, noche a noche, con un público que en cada función lo recibe como si fuera la primera vez.
El nombre de la residencia toma el de uno de los sencillos más poderosos de Sam: una canción acústica e íntima que explora cómo abrazar la propia vulnerabilidad puede conducir al coraje y, desde ahí, a una libertad profunda y genuina. To Be Free no es una canción que aspire a conquistar listas. Es una canción que aspira a algo más difícil: quedarse.
La dimensión visual y sartorial de la residencia también merece atención. Para las fechas mexicanas, Sam ha continuado su colaboración con Vivienne Westwood, trabajando junto al Director Creativo Andreas Kronthaler en el diseño de una camiseta de edición limitada disponible exclusivamente durante los shows. Las ganancias de su venta serán destinadas a The Pink House, la fundación creada por Smith para apoyar a la comunidad LGBTQIA+. Las fechas son el 17, 18, 20 y 21 de agosto de 2026. Para quienes han seguido a Sam Smith a lo largo de todos estos años, y para quienes lleguen por primera vez a su universo en estas noches de agosto, To Be Free: Mexico City promete lo mismo que ha prometido en cada ciudad donde ha residido: una experiencia que no se parece a ningún concierto que hayas visto antes, porque lo que Smith construye sobre un escenario no es un espectáculo. Es una confesión.
AC/DC: el trueno no para H
ay bandas que pertenecen a una época y hay bandas que pertenecen a todas las épocas. AC/DC es de las segundas. Más de cincuenta años después de que Angus Young y compañía tocaron por primera vez en el Chequers Nightclub de Sídney la noche de Año Nuevo de 1973, la maquinaria más poderosa del rock and roll sigue en movimiento, sigue llenando estadios y sigue generando en sus fans esa descarga de adrenalina que ningún otro grupo en el planeta ha sabido replicar con la misma consistencia y la misma ferocidad. La gira Power Up continúa, y esta vez el continente americano recibirá su golpe eléctrico en toda su dimensión.
La banda regresará a México como parte de la gira que toma su nombre del álbum Power Up, el más reciente trabajo de estudio de la banda, que al momento de su lanzamiento alcanzó el número uno en 21 países, una cifra que habla no solo de la vigencia del grupo sino de la profundidad global de su legión de seguidores.
Al frente de esta nueva fase de la gira se encuentra la formación que ha llevado Power Up a los cuatro rincones del mundo: Angus Young en la guitarra principal, el eterno maestro de ceremonias cuya figura con el uniforme escolar se ha convertido en uno de los iconos visuales más reconocibles de la cultura popular del siglo XX; Brian Johnson en la voz, con esa capacidad única para convertir cada verso en una proclamación; Stevie Young en la guitarra rítmica, tejiendo el tejido sonoro que le da a la banda su solidez característica; Matt Laug en la batería y Chris Chaney en el bajo, completando una máquina rítmica que no da cuartel. Juntos, sobre cualquier escenario del mundo, siguen siendo lo que han sido siempre: irresistibles.
Hay pocas bandas en el mundo capaces de convocar, en el mismo estadio y con la misma intensidad emocional, a fans que los vieron tocar en los años setenta junto a jóvenes que
los descubrieron hace apenas un par de años a través de una lista de reproducción o de una película. AC/DC trasciende la nostalgia porque su música nunca fue nostálgica: fue siempre presente, siempre urgente, siempre física. Highway to Hell, Thunderstruck, Hells Bells, You Shook Me All Night Long, Back in Black. Canciones que no necesitan ser explicadas porque se explican solas en el momento en que el primer acorde las pone en marcha.
La cita es en el Estadio GNP en la Ciudad de México este 7 y 11 de abril, ¡ya tienes tu entrada! //@revistacosasmx
CLÁSICOS
Se destaca en su trabajo tanto en drama como en comedia, con un rango de interpretaciones que va desde Mauricio Garcés en la serie “José José, el príncipe de la canción”, hasta Marcos, el hermano de una víctima de feminicidio en busca de justicia en el drama “No Fue Mi Culpa”. En México protagonizó en teatro el unipersonal Rodando de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez con dirección de Sebastián Sánchez Amunategui
UNA DÉCADA DE SUEÑOS EN MÉXICO Andrés Giardello
El actor uruguayo que conquistó la pantalla mexicana habla sobre su trayectoria, el fenómeno Chespirito y su amor por Latinoamérica
Por Aramis Flores Carranza
Han pasado once años desde que Andrés Giardello, actor uruguayo, decidió dar el gran saltó. Formado en las más exigentes escuelas de Buenos Aires, empacó sus sueños y voló hacia México con una certeza: este país sería el escenario perfecto para construir la continuidad laboral que todo artista anhela.
“Uno realmente deja todo”, reflexiona Giardello mientras recuerda ese momento decisivo. Para él, migrar no era una experiencia nueva. A los 17 años ya había dejado Uruguay para formarse profesionalmente en Argentina. Pero México representaba algo diferente: la promesa de una industria audiovisual gigantesca, un mercado que no solo abastece a Latinoamérica sino también al público hispano en Estados Unidos y Europa.
EL RESURGIR DESPUÉS DE LA TORMENTA
El 2025 ha marcado un punto de inflexión en su carrera. Tras los estragos de la pandemia, que cortaron de tajo el impulso que había ganado con su participación en la serie “José José”, este año se presenta como el resurgir de todo lo que venía construyendo.
“Ha sido un gran año, el año que se ha destacado posterior a la pandemia”, asegura con la satisfacción de quien ve sus esfuerzos finalmente recompensados.
Su objetivo al llegar a México era claro y pragmático: poder vivir de su profesión sin tener que trabajar en otra cosa. “Para mí eso ya es suficiente”, confiesa. “Cuando uno ya tiene el reconocimiento de la gente, eso es ganancia extra, es abundancia”.
EL FENÓMENO CHESPIRITO
Pero si hay un proyecto que ha catapultado su nombre más allá de las fronteras que imaginó, ese es “Chespirito”. La serie biográfica sobre Roberto Gómez Bolaños no solo le ha dado visibilidad en México, sino que ha generado un efecto dominó en toda Latinoamérica.
“Jamás me imaginé la repercusión que tendría”, admite con genuina sorpresa. El impacto ha sido tal que, por primera vez en su carrera, los medios de su Uruguay natal lo han buscado para entrevistarlo. “Nunca me habían pelado en Uruguay, ni siquiera cuando hice José José”, cuenta entre risas. Ahora, el principal periódico del país y canales importantes lo contactan. Colombia, Perú, Brasil, Bolivia... todos quieren hablar con él sobre este proyecto que toca fibras sensibles en cada rincón del continente.
En el reciente Festival de Cine de Guanajuato, Giardello experimentó algo inédito: gente del medio felicitándolo por su trabajo. “Nunca me había pasado en ningún otro proyecto que gente del medio me dijera: ‘Oye, estuve viendo Chespirito, te vi, qué bien’”.
DESCUBRIENDO LO MEXICANO
Adaptarse a México ha sido un proceso de aprendizaje constante. Como buen rioplatense, Giardello confiesa que hay aspectos culturales que todavía lo sorprenden. El famoso “ahorita” mexicano sigue siendo un misterio: “Aún no entiendo, aún sigo creyendo en él ahorita”, bromea. “La primera vez que me aplicaron el ‘ahorita’ me quedé esperando mucho tiempo, y nunca llegó”.
Pero la diferencia entre él y otros extranjeros de paso es clara: Giardello no está aquí temporalmente. “Mi casa está aquí, mis relaciones están aquí, laborales y personales. Mi lugar es México”, afirma con convicción. Aunque mantiene el objetivo de viajar a Uruguay al menos una vez al año para reconectar con su familia y recargar energías, su vida está plantada firmemente en suelo mexicano.
NUEVOS HORIZONTES
Mirando hacia adelante, Giardello se muestra curioso por explorar un terreno en el que ha incursionado poco: las telenovelas. Su breve participación en “Papás por conveniencia” le dejó con ganas de más. “Grabar 15, 16, 20, 30 escenas al día se me hizo muy divertido”, cuenta. “Es otro género de actuación, el melodrama. Uno a veces como actor lo juzga, pero me quito el sombrero ante la gente que ha logrado desarrollarse en esa industria”.
Sin abandonar el cine, las series ni el teatro —disciplina en la que se destacó en Buenos Aires—, Giardello está listo para seguir
NUEVOS PROYECTOS
Andrés Giardello se prepara ahora para viajar a Uruguay —viaje postergado por el estreno de Chespirito—, para luego regresar a México con nuevos proyectos y campañas. Porque como él mismo dice, su lugar está aquí, en este país que lo acogió y le permitió construir el sueño de todo actor: vivir de lo que ama
diversificando su repertorio y consolidar esa continuidad laboral que lo trajo a México hace una década.
EL LLAMADO LATINOAMERICANO
Cuando se le pregunta sobre la relación entre México y el resto de Latinoamérica, Giardello no duda: “Hay algo de esto que tenemos en el sur, de lo latino, que nos identifica mucho más”.
Para él, México se ha convertido en un referente natural para artistas y deportistas de todo el continente. “Todos miramos a México”, explica. Y agrega una reflexión importante: mientras que la geografía hace natural que México mire hacia Estados Unidos, hay una riqueza cultural en el sur que merece más atención, más hermandad, más intercambio.
Diez años después de su llegada, Andrés Giardello no solo ha cumplido su objetivo de vivir de la actuación en México. Ha logrado algo más valioso: convertirse en un puente cultural, un embajador del talento latinoamericano que demuestra que las fronteras son solo líneas en un mapa cuando el arte y la pasión unen a los pueblos.
Su historia es la de miles de artistas que miran a México como tierra de oportunidades, pero también es única: la de un uruguayo formado en Argentina que encontró en México no sólo un escenario para trabajar, sino un hogar para quedarse. //@revistacosasmx
EL PARAÍSO QUE EL MUNDO ESTÁ DESCUBRIENDO
En un momento en que los viajeros de lujo han declarado el fin del exceso y el inicio de la era del significado, una isla sin asfalto ni automóviles en el norte de la Península de Yucatán se ha convertido en uno de los destinos más codiciados del planeta
Por Cosas Staff
Hay destinos que se visitan y destinos que se sienten. Holbox pertenece inequívocamente a la segunda categoría. Situada al extremo noroeste de Quintana Roo, separada del continente por una franja de agua poco profunda que se cruza en ferry desde el puerto de Chiquilá, esta isla de apenas 42 kilómetros de longitud ha logrado lo que pocos lugares en el mundo contemporáneo consiguen: resistir. Resistir la masificación, el concreto, el ruido. Resistir, en definitiva, el ritmo frenético que define al siglo. En sus calles de arena blanca, no hay una sola calle asfaltada en toda la isla, las personas caminan descalzas o se desplazan en silenciosos carritos de golf, un código de movilidad que habla sin palabras del tipo de experiencia que Holbox ofrece. Aquí el lujo no se anuncia en fachadas de mármol ni en lobbies sobredimensionados. Se percibe en el sonido del mar que nunca desaparece del horizonte, en el azul imposible del Caribe mezclados con las aguas turquesas del Golfo de México, en la silueta de un flamenco rosado cruzando el cielo al atardecer.
Holbox forma parte de la Reserva de la Biosfera Yum Balam, un ecosistema que protege más de 154,000 hectáreas de manglares, dunas costeras, selva tropical, lagunas y arrecifes. La isla es hogar de más de 250 especies de aves, incluyendo las icónicas garzas y flamencos rosados que la han hecho famosa entre los fotógrafos de naturaleza de todo el mundo, pero también alberga fauna emblemática como el jaguar y, entre los meses de mayo y septiembre, convoca al tiburón ballena, el pez más grande del océano, en aguas que bañan sus costas.
Los bancos de arena son uno de sus fenómenos visuales más hipnóticos: extensiones de tierra blanquísima que emergen en medio del mar, donde el agua rara vez supera los pocos centímetros de profundidad, creando la ilusión de caminar sobre el océano. Punta Mosquito, en el extremo oriental de la isla, es quizás el banco de arena más impresionante de toda la Península de Yucatán, y un destino de peregrinación obligado para quien visite Holbox.
Este 2025, Holbox reforzó su compromiso medioambiental al sumarse al proyecto Kilich Kab: Mundo Sagrado, una iniciativa que conecta la isla con un corredor biocultural de más de 400,000 hectáreas de selvas, cenotes, lagunas y comunidades mayas activas en el norte de Quintana Roo. Y en un reconocimiento a su apuesta por la inclusión, se convirtió en el primer destino de Quintana Roo en obtener la certificación Queer Destinations, sello internacional que garantiza una experiencia segura y respetuosa para todos los viajeros.
EL ARTE DE SER PARTE DEL PAISAJE
Llegar al Hotel Villas Flamingos es, en sí mismo, una experiencia de diseño. La fachada construida íntegramente de bambú no busca imponerse al entorno: busca pertenecer a él. Es una declaración filosófica que se extiende a cada rincón del hotel: la arquitectura aquí no conquista la naturaleza, sino que la invita a entrar.
El lobby, obra del reconocido arquitecto Alejandro D’Acosta, resulta desconcertante y seductor en la misma medida: su piso de arena blanca, suave y genuina, elimina de un gesto la frontera entre el interior y el exterior. Es el tipo de detalle que no se puede fotografiar completamente porque su esencia es táctil, sensorial. Es el tipo de detalle que hace que los huéspedes que llegan por primera vez bajen instintivamente la velocidad de sus pasos. Las 41 habitaciones del hotel, todas completamente remodeladas, articulan un vocabulario de diseño que celebra lo orgánico, lo cálido y lo auténtico. Los materiales naturales, las texturas que remiten al ecosistema circundante y la paleta cromática inspirada en los atardeceres dorados de la isla crean espacios que no solo son hermosos, sino que generan un estado de ánimo particular: la calma activa de quien sabe que está exactamente dónde debe estar.
UN UNIVERSO PARA CADA VIAJERO
La propuesta de alojamiento de Villas Flamingos está pensada para responder a la diversidad de los viajeros contemporáneos sin traicionar su coherencia estética. Para quienes buscan una escapada romántica, los Bungalows Jardín ofrecen una experiencia
CÓMO LLEGAR
Vuelo a Cancún desde las principales ciudades de México y el mundo.
Traslado por tierra desde Cancún hasta el puerto de Chiquilá (aproximadamente 2.5 horas).
Travesía en ferry desde Chiquilá hasta la isla de Holbox (20 minutos).
Dentro de la isla, los desplazamientos se realizan a pie, en bicicleta o en carrito de golf, sin automóviles.
El lujo auténtico no se mide en ostentación, sino en silencio, tiempo y respeto por el entorno que te acoge
de privacidad absoluta: piscina interior de agua tibia, duchas al aire libre rodeadas de vegetación exuberante y una atmósfera que hace del entorno natural un protagonista íntimo de la estancia.
Una cocina bien diseñada se siente como un flujo natural. Villas Flamingos logra ese mismo efecto con cada espacio del hotel
Las suites con vista al mar redefinen el concepto de despertar: el primer horizonte que recibe al huésped cada mañana es el Caribe en toda su extensión. Y para las familias o grupos que buscan espacio sin renunciar al carácter del lugar, las habitaciones de mayor tamaño ofrecen la generosidad de lo amplio sin sacrificar la intimidad que caracteriza al hotel.
Bungalows Jardín: piscina privada interior, duchas al aire libre con jardín, máxima privacidad y conexión con la naturaleza. Suites Vista al Mar: panorámica directa al Caribe, donde cada amanecer y atardecer se convierte en un acontecimiento privado. Habitaciones familiares: amplitud y versatilidad sin abandonar el lenguaje estético del hotel.Amenidades pensadas para cada perfil de viajero, desde parejas hasta familias con niños.
contexto de las tendencias de turismo de lujo 2026, donde el bienestar físico y mental ha pasado de ser una oferta adicional a ser una expectativa central del viaje premium, el Nyuh Spa posiciona a Villas Flamingos en el segmento correcto del mercado.
La propuesta gastronómica, articulada en torno al restaurante Mangle, es un ejercicio de cocina de autor que celebra la riqueza del producto local sin renunciar a la sofisticación internacional. Los desayunos establecen el tono del día con una energía que equilibra lo nutritivo y lo placentero; los almuerzos aprovechan la frescura del producto marino de la región; y las cenas elevan la propuesta hacia una experiencia que incorpora ingredientes de la milpa mexicana en preparaciones contemporáneas. El aguachile, el ceviche mixto y el postre de huitlacoche son referencias que los huéspedes más atentos no querrán dejar pasar.
El lujo en 2026 no se define por el exceso, sino por el servicio personalizado y la conexión real con el entorno
A DESTACAR
En un mundo que ha redescubierto el valor del tiempo lento y la experiencia auténtica, Holbox y el Hotel Villas Flamingos no son solo un destino vacacional. Son una respuesta. Una respuesta a la saturación, al exceso, a la velocidad. Una invitación a recordar que el verdadero privilegio no es ver más, sino sentir más profundamente Holbox no promete ostentación: promete algo más escaso y más valioso. Promete tiempo, silencio y una conexión genuina con el mundo natural. En su corazón, el Hotel Villas Flamingos espera como el anfitrión perfecto de esa promesa
UN TRIBUTO A LA MEMORIA MAYA
Holbox, en lengua maya, significa “agujero negro”. Una denominación que los ancestros mayas usaron para describir el enigmático color oscuro de una laguna específica de la isla, y que con el tiempo dio nombre a toda la isla. El Hotel Villas Flamingos ha elegido honrar esta herencia con uno de sus gestos arquitectónicos más poéticos: dos de sus tres albercas están diseñadas como homenaje a ese nombre ancestral, integrando la memoria cultural de la isla en la experiencia contemporánea del huésped.
Las otras instalaciones acuáticas del hotel completan una propuesta que equilibra lo social y lo íntimo. Dos albercas exclusivas para adultos ofrecen espacios de contemplación y descanso donde el silencio es un privilegio compartido, mientras que la tercera, de uso familiar, invita a la alegría sin restricciones. El mar, siempre presente en el horizonte, actúa como telón de fondo de todas estas experiencias.
EL RITUAL DEL CUIDADO
El Nyuh Spa es el espacio donde el hotel articula su propuesta de bienestar más íntima. Sus terapias están diseñadas para acompañarse del sonido del mar: el océano no es solo un paisaje, sino un instrumento activo de la experiencia de relajación. En el
Los tres bares del hotel completan el cuadro culinario con una coctelería de autor que ha hecho de la mezcalita de Villas Flamingos una recomendación de boca en boca entre los viajeros que conocen la isla. La selección de vinos, cuidadosamente curada, ofrece el maridaje perfecto para las cenas frente al mar.
EL ALMA DEL PUEBLO
El verdadero magnetismo de Holbox no termina en las puertas de ningún hotel. El pueblo en sí es un destino que merece su propio capítulo. Sus calles de arena, la ausencia de asfalto es tanto una elección ecológica como una declaración de identidad, están bordeadas de casas de madera pintadas en colores que parecen elegidos por un artista, no por un constructor. La ausencia de coches crea una atmósfera de libertad peatonal que resulta radicalmente refrescante para quienes llegan desde las grandes ciudades.
En el ámbito gastronómico, el pueblo ofrece una escena que está ganando atención internacional. LUUMA, restaurante y cóctel bar experimental en el corazón del centro, se ha convertido en uno de los lugares emblemáticos de Holbox, un espacio donde la cocina está diseñada para acompañar a la coctelería a través de un menú de tapas internacionales y tablas para compartir. Sus empanadas de pulpo, chicharrón de camarón y brochetas de cordero han alcanzado el estatus de platos de referencia en el circuito gastronómico de la isla. //@revistacosasmx
LA CIMA DE PARÍS
Hay lugares que no necesitan presentación porque su sola existencia ya es una declaración. Bonnie es uno de ellos. Instalado en la cima del hotel SO/ Paris, dentro de la icónica Torre Morland a orillas del Sena, este restaurante, bar y club nocturno llega a la ciudad con la confianza de quien sabe exactamente lo que es: irresistible, audaz y completamente consciente de su encanto.
A 16 pisos sobre el Sena, el rooftop más glamuroso de la ciudad reinventa la noche parisina con una audacia que sólo puede permitirse quien tiene toda la ciudad a sus pies
Por Maru Rivas
La iniciativa Reinventing Paris, liderada por el grupo Paris Society, encontró en la Torre Morland el escenario perfecto para su apuesta más ambiciosa. A 16 pisos de altura, con vistas que se despliegan desde la Île Saint-Louis hasta la silueta inconfundible de la Torre Eiffel, Bonnie no ofrece simplemente una panorámica de París: la convierte en su decorado principal, en el telón de fondo de cada conversación, cada copa y cada momento que se prolonga más de lo previsto.
El día comienza con un espectacular buffet de desayuno servido frente al Sena, pero es a medida que la ciudad se ilumina cuando Bonnie revela su carácter más auténtico. La propuesta gastronómica, que transita con naturalidad del almuerzo a la cena, parte de una base clásicamente francesa para reinterpretarla con un espíritu lúdico,
contemporáneo y visualmente envolvente. Aquí la elegancia no está reñida con la indulgencia; al contrario, ambas conviven con una complicidad que define el lugar.
La carta despliega esa dualidad con inteligencia. Las entradas más desenfadadas, como el lobster roll de langosta azul, los tacos de tartar de wagyu o la tarama con blinis, establecen el tono: sofisticado, pero sin solemnidad. Las propuestas más elaboradas, carpaccio de atún con aceite ahumado, foie gras con pan de campaña tostado o tartar de cigala, elevan la experiencia sin abandonar esa ligereza que lo distingue.
Los platos principales equilibran confort y ambición en igual medida. El linguine con trufa negra y el salmón con hierbas y salsa holandesa conviven con preparaciones de mayor complejidad, como las vieiras con puré de batata y salsa bourbon, la lubina con fondue de puerro y beurre blanc trufado, o el entrecôte Black Angus con papas fritas y salsa bearnesa.
Para quienes prefieren la experiencia compartida, Bonnie también propone la sole meunière, la picanha wagyu o un imponente tomahawk llevado a la mesa con toda la teatralidad que merece. Los postres siguen la misma línea, con el cheesecake Bonnie, la tarta de chocolate soufflé con helado de avellana y la piña Victoria asada con especias como puntos culminantes de una comida que no quiere terminar.
El diseño, firmado por el estudio Notaire con inspiración declarada en la estética Space Age, crea interiores que combinan un espíritu futurista con una atmósfera deliberadamente sensual. La
intervención de Studio Other Spaces, el colectivo creativo de Olafur Eliasson y Sebastian Behmann, añade una dimensión casi onírica: su techo espejado refleja la ciudad, disuelve los límites entre interior y exterior y transforma cada visita en una experiencia que oscila entre la realidad y la ilusión. La decoración liviana, la terraza de 360 grados y la luz cambiante del día y la noche hacen el resto. El Bonnie Bar prolonga esta experiencia en un ambiente más íntimo pero igualmente impactante. Espejos, piedra negra y superficies de mármol reflejan la energía de la ciudad mientras los sofás profundos y los sillones texturizados invitan a instalarse sin prisa. El champán ocupa un lugar central, como corresponde a una dirección parisina con estas pretensiones, y la carta de cócteles, inspirada en los clásicos de las décadas de los sesenta y setenta, los reinterpreta con una mirada completamente contemporánea. Golden Dawn, Tropical Drift y Solstice son creaciones de autor que traducen con precisión el espíritu del espacio: sofisticación, creatividad y un sutil escapismo que hace que el tiempo transcurra de otra manera.
Un nuevo ritual semanal completa la propuesta: los domingos, de 18:00 a 22:00, el bar acoge sesiones de DJ que ofrecen una versión más relajada y envolvente para cerrar el fin de semana con la cadencia que merece. En Bonnie, cada momento del día tiene su propio temperamento, pero todos comparten el mismo denominador: la certeza de estar exactamente donde hay que estar. //@revistacosasmx
DELFUEGODEL HOGAR A LA MESA DE LACIUDAD
Croasán es la historia de tres socios que convirtieron la pasión por el pan artesanal en un grupo gastronómico en evolución: donde la técnica francesa y el alma mexicana se encuentran en cada bocado
Por Maria Eugenia Rivas
Hay establecimientos que nacen de la necesidad, y hay otros que brotan de la pasión pura, de esa llama íntima que ninguna pandemia ni circunstancia adversa puede apagar. Croasán pertenece a la segunda categoría. Su historia es, en esencia, la de un hombre que encendió el horno de su casa un día de 2019 y descubrió que la vida bien vivida huele a pan recién horneado, a mantequilla dorada y a café que promete la mañana perfecta.
Francisco Espejel, formado en la legendaria École Lenôtre de París, esa catedral de la repostería francesa, inició lo que él mismo describe como un proyecto íntimo: el pan artesanal elaborado con las manos, con el tiempo y con el cuidado que solo quienes aman profundamente su oficio son capaces de dedicar. Desde el primer momento, quienes tuvieron la fortuna de probar su producción supieron que estaban frente a algo diferente, a algo verdadero.
Cuando el mundo se detuvo, los proyectos frágiles se derrumbaron. Croasán, en cambio, encontró en la adversidad su punto de inflexión. La crisis sanitaria obligó a replantear el rumbo y fue entonces cuando la ecuación se completó: Claudia Padierna y Alberto Gijón se sumaron al proyecto como socios estratégicos, aportando la visión empresarial y la solidez operativa que toda propuesta creativa necesita para trascender el entusiasmo inicial y convertirse en una marca duradera.
Así, tres personalidades complementarias forjaron una alianza que hoy define la identidad del grupo: Espejel como alma creativa y guardián de la receta; Padierna como estratega que traza el horizonte de expansión con responsabilidad; Gijón como el engranaje operativo que garantiza que cada sucursal respire con la misma cadencia. Un triángulo virtuoso donde la pasión, la visión y la ejecución conviven sin fricción. El nombre no es un accidente. Es, en realidad,
una declaración de principios disfrazada de fonética. El croissant, ese emblema de la panadería francesa, esa luna dorada y hojaldrad, fue el punto de partida natural para un proyecto inspirado en la formación parisina de su fundador. Sin embargo, los socios optaron por escribirlo tal como suena en español, fusionando el origen europeo con las raíces propias: Croasán. En esas dos sílabas habita toda la filosofía del proyecto: inspiración internacional con alma mexicana, técnica con identidad.
Esta fusión no queda solo en el nombre. Se manifiesta en cada platillo del menú, en cada decisión de diseño de los espacios, en la elección de las materias primas. La cocina se define como la suma de dos mundos que, lejos de anularse, se potencian mutuamente.
En un panorama gastronómico donde la sofisticación a veces se confunde con la frialdad, este lugar propone el lujo más genuino: el de sentirse en casa. Su menú de desayunos, el corazón del concepto, es una oda a la memoria gustativa, a esos sabores que no buscan impresionar sino reconfortar, que no pretenden sorprender sino abrazar.
El pan dulce es el sello permanente del lugar. Croissants elaborados con mantequilla de calidad superior, conchas, chocolatines —piezas que salen del horno con la regularidad de un ritual sagrado— son el primer lenguaje que Croasán habla con sus comensales.
Pero la propuesta va mucho más allá: los sándwiches en pan de croissant son una revelación propia, un híbrido donde la técnica francesa se rinde ante los sabores del mercado mexicano. La pierna horneada, el tocino con queso brie, el huevo con parmesano y el clásico jamón de pavo conforman una carta de filias culinarias que atrae tanto al habitué de las panaderías europeas como al comensal que busca el antojo de siempre, elevado.
Y luego están los chilaquiles. Esos chilaquiles verdes que, con sus distintas opciones de proteína, representan quizás el gesto más honesto de una propuesta que no reniega de sus raíces: aquí, la tradición culinaria mexicana no es un ornamento folclórico sino el cimiento real sobre el que se construye todo lo demás.
La primera sucursal abrió en Coyoacán en 2020, en la calle Ignacio Allende 168, con un diseño industrial que privilegia la limpieza visual sobre el ornamento. Veinticinco mesas, líneas claras, una atmósfera que invita a quedarse sin sentirse retenido. Fue el escenario donde la comunidad se fue tejiendo de manera orgánica, de boca en boca, con la lentitud y la solidez de las cosas que perduran.
La Condesa llegó después, en Mexicali 85, llevando la propuesta a una de las colonias más cosmopolitas de la ciudad, donde la densidad de terrazas y cafeterías de calidad exige una diferenciación real. Croasán la encontró en lo que siempre ha sido su fortaleza: autenticidad.
La más reciente apertura, San José Insurgentes en Plateros 7, marca un salto cualitativo en la evolución del grupo. Por primera vez, el concepto trasciende las fronteras del desayuno —de 7:30 a.m. a 1:00 p.m.— para abrirse a una nueva dimensión gastronómica: comidas y cenas hasta la medianoche. Un espacio que convoca la intimidad de un almuerzo compartido tanto como la energía de una cena entre colegas, donde la propuesta culinaria muta sin perder su esencia.
En un sector donde la velocidad de expansión suele comprometer la calidad, este sitio ha elegido un camino deliberadamente distinto: crecer con orden, cuidar la experiencia, construir una marca que perdure. Cada apertura ha sido el resultado de decisiones compartidas por los tres socios, fruto de una visión común que antepone la coherencia a la escala.
Claudia Padierna conduce la estrategia integral del grupo, la planeación financiera y la expansión responsable. Fran Espejel da vida a los nuevos panes y bebidas, y cuida el posicionamiento de una marca que él mismo concibió. Alberto Gijón garantiza que la operación de cada sucursal sea impecable, que el menú evolucione con coherencia. Tres funciones, una sola dirección.
El resultado es una cadena —si es que puede llamarse así a algo tan esencialmente artesanal— donde cada local mantiene su personalidad propia dentro de un universo estético y culinario reconocible. Donde el comensal que lo conoció en Coyoacán encontrará en San José Insurgentes la misma temperatura humana, la misma calidad en cada bocado, la misma sensación de estar exactamente donde debe estar.
En un mundo donde el desayuno se ha convertido en el nuevo ritual de lujo —ese momento en que la ciudad todavía está tibia y el día aún pertenece a quien lo vive—, Croasán ha sabido convertirse en el destino favorito de quienes entienden que la mejor mesa no siempre es la más cara, sino la más verdadera. //@revistacosasmx
RITUAL DELCOMER
Prado Sur recibe la primera casa propia de la cocina japonesa contemporánea más esperada de la ciudad
Por Maru Rivas
Cuando un restaurante logra convertir cada platillo en un acto de contemplación, deja de ser simplemente un lugar donde se come para convertirse en un destino donde se vive. Eso es, con precisión y sin exceso, lo que ITZU propone en su flamante sede de Lomas de Chapultepec.
Entre una arquitectura discreta y jardines que filtran la luz de la tarde, abrió sus puertas la primera casa propia de ITZU: un restaurante de cocina japonesa contemporánea.
El proyecto no llegó de la nada, construyó durante años su reputación desde las terrazas de El Palacio de Hierro en Mitikah, Perisur y Santa Fe, tres espacios en los que perfeccionó su lenguaje culinario antes de dar el paso natural: tener un espacio propio donde la experiencia pueda desplegarse en su totalidad, sin límites de formato ni de tiempo.
El diseño del espacio acompaña esa promesa con una arquitectura minimalista y acogedora que invita a desconectarse del ruido de la ciudad. Madera cálida, iluminación calculada al milímetro y una paleta de materiales nobles crean un ambiente que no compite con la comida, sino que la enmarca con dignidad.
ITZU. Prado Sur #125, Col. Lomas de Chapultepec, CDMX
Al frente de la cocina, el chef Ricardo Zepeda Ortiz ha desarrollado un menú que no renuncia a la tradición japonesa pero la relee desde una perspectiva contemporánea: técnicas precisas, presentaciones que sorprenden y combinaciones que despiertan la curiosidad sin traicionar el origen. El resultado es una carta que se siente a la vez familiar e inesperada.
Los comensales pueden comenzar con un cóctel de bienvenida: la Mimosa de pasión y el Sake Sour puede ser el tono de la noche. La experiencia puede continuar con una selección de nigiris de salmón, calamar, atún, ikura y kampachi.
La estrella de la casa es el Yakimeshi ITZU, preparado directamente frente a los invitados. El gesto no es sólo espectáculo: define la filosofía del restaurante, donde la cocina es también conversación, y el chef no está escondido sino presente. Este arroz frito de técnica impecable se ha convertido en uno de los sellos más distintivos de la casa.
El recorrido culinario puede ser con Panthai Crab, tenazas de jaiba con pasta de camarón y salsa panthai de notas dulces y cítricas; los Camarones Tempura Almendrado sobre un mix de lechugas frescas; y los Sea Bites, tostadas artesanales con pescados frescos y notas cítricas de yuzu que consiguen el equilibrio perfecto entre textura y sabor.
Los Fire Shrimps, camarones empanizados envueltos en salmón fresco y queso con salsa panthai
especiada, y una selección de yakitoris a la parrilla completaron el capítulo salado antes de dar paso a los postres: Tapioca Crème con notas de coco y malvaviscos dorados, Crème Brûlée de Taro, Camelado con gelatina de café, plátano y nuez caramelizada, y Mochi Ice Cream elaborados artesanalmente. Un cierre que reafirma la coherencia entre técnica y creatividad que atraviesa toda la propuesta.
Más allá de su propuesta gastronómica, también destaca por una carta de bebidas de autor diseñada para complementar cada platillo y enriquecer el recorrido sensorial del comensal. La barra entiende que en una experiencia completa, lo que se bebe es tan importante como lo que se come; cada trago está concebido para dialogar con los sabores del menú y ampliar la experiencia.
Con esta nueva apertura, el concepto encuentra por primera vez un espacio propio: uno diseñado desde cero para que la experiencia pueda vivirse con mayor profundidad, sin las restricciones que impone un formato de terraza dentro de una tienda departamental.
Con un servicio atento, ingredientes de alta calidad y una propuesta gastronómica que equilibra sabor, estética y creatividad, este lugar se posiciona como un nuevo destino para quienes buscan algo más que sushi: una experiencia japonesa contemporánea diseñada para disfrutarse con todos los sentidos. //@revistacosasmx
Ferrari 12Cilindri
Tailor Made que convirtió a Corea en una obra maestra sobre ruedas
Por Maria Eugenia Rivas
Hay automóviles que se conducen. Y hay automóviles que se contemplan. El nuevo Ferrari 12 Cilindri Tailor Made pertenece, con autoridad absoluta, a esa segunda categoría, aunque también sea capaz de alcanzar 340 kilómetros por hora y cubrir el cero a cien en apenas tres segundos. Porque lo que Maranello acaba de presentar no es solo un vehículo de alto desempeño: es la síntesis de tres continentes, cinco artistas, casi dos años de trabajo y una pregunta que pocas marcas se atreven a formular: ¿qué sucede cuando la ingeniería de precisión se pone al servicio del arte?
La respuesta tiene nombre propio, aunque ese nombre no sea italiano. Se llama Yoonseul, que en coreano evoca el destello de la luz solar sobre el mar. Y es exactamente eso lo que sucede cuando la mirada recorre la carrocería de este Ferrari: una transición de verde a violeta con destellos de azul que se desplaza con el movimiento, cambia con la luz, vive.
La pintura, desarrollada especialmente para este proyecto único, nació de una inspiración dual: la cerámica Celadón, con su paleta de verdes históricos, y el Seúl contemporáneo, pulsando al ritmo del K-pop, la música electrónica y los neones de sus distritos más futuristas.
El origen de este proyecto es tan sofisticado como el resultado. Ferrari encargó la dirección creativa a COOL HUNTING, la influyente plataforma editorial independiente fundada en 2003 y dedicada a rastrear las intersecciones más relevantes entre diseño, arte, tecnología y cultura. Sus cofundadores, Evan Orensten y Josh Rubin, junto a la curadora JaeEun Lee, tejieron un puente entre el Centro de Diseño de Maranello y cuatro jóvenes artistas coreanos, cada uno portador de un lenguaje propio y de una tradición que se niega a quedarse en el pasado. El resultado fue una colaboración que involucró a Europa, América del Norte y Asia en una conversación de casi dos años, con desafíos técnicos sin precedente y soluciones que, en más de un caso, nunca antes habían sido ejecutadas en un Ferrari de producción.
Dahye Jeong es artista textil y ganadora del prestigioso Premio de Artesanía de la Fundación Loewe en 2022. Su trabajo es reconocible por una cualidad que parece contradictoria: textiles que pesan como el aire. Cestas, contenedores y formas abstractas tejidas a mano con una finura tal que interactúan con la luz y la sombra como si fueran proyecciones, no objetos físicos. En este 12 Cilindri, Jeong intervino en múltiples niveles. Sus patrones icónicos fueron
CUANDO EL ARTE TOMA EL VOLANTE
reinterpretados en una tela tridimensional de nueva creación, desarrollada por una empresa surcoreana, que aparece en los asientos, el piso y las superficies blandas del interior. El techo de cristal del vehículo lleva serigrafiado el mismo patrón, de modo que la luz, al atravesarlo, replica en el interior el juego de sombras y proyecciones característico de su obra. Ambos son una primera vez en la historia de Ferrari. Pero el elemento más extraordinario es el que descansa sobre el tablero: una obra tejida a mano con crines de caballo procedentes de Mongolia, certificadas por la Cámara de Comercio local, integrada directamente en el interior del automóvil. No como referencia ni como homenaje. Como pieza de arte original, irrepetible, dentro de un Ferrari.
Hyunhee Kim trabaja con acrílico semitranslúcido para reinterpretar objetos tradicionales coreanos, especialmente los ajuares de boda, que en sus manos se convierten en contenedores etéreos de memoria. Sus piezas flotan, sugieren fragilidad, crean entornos de ensueño.
El Ferrari 12Cilindri es, en sí mismo, heredero de los grandes Gran Turismo de los años cincuenta y sesenta, una línea que equilibra elegancia, versatilidad y desempeño extremo con una coherencia que pocas marcas han logrado mantener por siete décadas. La versión Tailor Made que nos ocupa no contradice esa herencia: la amplifica, la interroga y la proyecta hacia un diálogo que Maranello, hasta ahora, no había tenido con el arte contemporáneo asiático.
Esta obra de arte fue concebida exclusivamente para el mercado surcoreano. No es una declaración de exclusividad vacía: es el reconocimiento de que una cultura tan específica, tan rica en tradición y tan resueltamente contemporánea, merece una interpretación que no sea genérica, sino profundamente propia.
Y quizás ese sea el mensaje más sofisticado de todo el proyecto: que el lujo verdadero no se mide en cilindros ni en capas de pintura especial, sino en la capacidad de escuchar. De ir a buscar a cuatro artistas jóvenes al otro lado del mundo, de darles libertad real, y de tener la confianza técnica y creativa para llevar sus visiones al interior de un automóvil que, a 9,500 revoluciones, también es una obra de arte en movimiento. //@revistacosasmx
ARTE
PERTENECER EL DE H
Infiniti redefine el lujo automotriz con una experiencia que va más allá del volante
Por Aramis Flores Carranza
ay marcas que venden automóviles. Y hay marcas que ofrecen una forma de vivir. Infiniti, la división de lujo de Nissan, ha dado un paso decidido hacia ese segundo territorio con el lanzamiento de Membership Experience (IME), un programa integral que convierte la propiedad de un vehículo en la puerta de entrada a un ecosistema de servicios, beneficios y experiencias pensado para quienes saben que el tiempo es el verdadero bien de lujo.
Maricela Ramírez, subdirectora de mercadotecnia y experiencia al cliente de Infiniti en México, es una de las mentes detrás de esta apuesta. Con una claridad poco común para hablar de conceptos que en otras voces sonarían a manual de marca, Ramírez explica con entusiasmo genuino lo que representa este programa para la relación entre la marca y sus propietarios.
“Membership Experience es la punta de lanza de la nueva era de la compañía”, dice. “Hemos creado este concepto para transformar la propiedad de un vehículo en una experiencia completa y conectada. Todo está diseñado para superar las expectativas de una audiencia que valora la excelencia, el trato diferenciado y el confort en todos sus sentidos.”
El punto de partida del programa no está en los caballos de fuerza ni en los acabados de madera de poro abierto, aunque estos también forman parte de la conversación. El punto de partida está en algo más escurridizo y más valioso: el tiempo.
“Hoy sabemos que lo que más valoran las personas es su tiempo”, afirma Ramírez. “En lugares como la Ciudad de México, el tiempo puede darte mucha felicidad o arruinarte el día completo. Basados en ese conocimiento, llegamos a la conclusión de que lo que tenemos que hacer es respetarlo.”
De esa premisa nace uno de los pilares más concretos de IME: tres años de servicio incluido para todos los modelos a partir del 2025, con un sistema de Pick Up & Delivery que envía a un especialista capacitado para recoger el vehículo donde el propietario indique, realizar el mantenimiento y devolverlo.
Si la agenda aprieta, la marca entrega un vehículo en consigna mientras el del propietario está en servicio. Sin interrupciones. Sin ajustes al ritmo del cliente. Pero el respeto al tiempo no es el único componente. IME también incluye un seguro contra robo de autopartes con cobertura de hasta 200,000 pesos durante el primer año, utilizable en dos eventos.
IME se estructura en torno a tres ejes que la marca denomina Productos, Servicios y Experiencias. El primero protege la inversión:
garantía de cuatro años o 120,000 kilómetros, protección estética que cubre pintura, golpes menores, faros y parabrisas, y refacciones y accesorios originales. El segundo cuida el tiempo y la tranquilidad: asistencia vial 24/7, atención personalizada por teléfono, aplicación o WhatsApp, y el sistema InTouch Services, que conecta al propietario con su vehículo de manera remota desde la aplicación
MiINFINITI App.
“Tú puedes ver la presión de tus llantas, el nivel de gasolina, incluso enviarle la ubicación de la gasolinera más cercana a quien esté manejando tu carro”, cuenta Ramírez, recordando cómo guió en tiempo real a través de la app a una amiga que se quedaba sin combustible en una avenida saturada. El tercer pilar es quizás el que mejor encap-
sula la ambición de la marca: las experiencias. IME no se limita al vehículo. A través de alianzas y activaciones diseñadas con intención, Infiniti lleva a sus propietarios a cenas en restaurantes exclusivos, encuentros con chefs reconocidos, tours privados en recintos como el Palacio de Bellas Artes, torneos de golf en Guadalajara y Monterrey, y acceso al club hípico regiomontano, entre otras actividades que varían según la ciudad y el distribuidor.
“La propiedad de algo ya no es suficiente”, reflexiona Ramírez. “Tiene que ser propiedad más experiencia. Y estas experiencias logran que la gente se acerque a la marca de una manera distinta.”
El lanzamiento de IME ocurre en un momento estratégico. Mientras el mercado premium automotriz en México retrocedió 8.4% en el último año fiscal, Infiniti registró un crecimiento de 16.1%. La red de distribuidores pasó de 14 a 20 puntos de venta entre 2023 y la actualidad, con una cobertura nacional que alcanzó el 85% del territorio en 2025.
Y al final, hay una frase que resume la filosofía de una marca que ha decidido no ser para todos, sino ser todo para algunos: “Queremos ser una marca de nicho. No somos algo para todos. Queremos ser todo solo para algunos.”
En un mercado donde el ruido es constante y la atención escasa, elegir con esa claridad también es, a su manera, un acto de lujo. //@ revistacosasmx
SE CONVIERTE EN
CUANDO LA FORMULA 1 ARTE
Formula 1: La Exhibición llega a México el 20 de marzo, y la fiebre roja ya agotó entradas. Te contamos por qué esta expo es el must de la temporada
Por Aramis Flores Carranza
Hay ciudades que simplemente entienden la Fórmula 1. Y Ciudad de México, con su Autódromo Hermanos
Rodríguez rugiendo desde los cincuenta, y con el fenómeno Sergio “Checo” Pérez transformando a millones de mexicanos en fanáticos del paddock es, sin duda, una de ellas.
Por eso no sorprende que Formula 1: La Exhibición haya elegido la capital mexicana como su primera parada en el país. Lo que sí sorprende, y mucho, es lo que promete adentro. siete salas inmersivas, monoplazas históricos que nunca se habían visto juntos.
Simuladores que te ponen detrás del volante en el circuito capitalino. Una experiencia que mezcla ingeniería, adrenalina, nostalgia y diseño de una manera que muy pocos eventos en la ciudad han logrado antes.
Formula 1: La Exhibición es, en cierto modo, la respuesta natural a ese amor. Una manera de traer el glamour y la historia del deporte más caro del mundo directamente a la ciudad, sin necesidad de un boleto de avión a Mónaco o Silverstone.
La relación entre México y la Fórmula 1 no empezó con “Checo”. El Autódromo Hermanos Rodríguez, bautizado en honor a los pilotos Ricardo y Pedro Rodríguez, dos leyendas que pagaron el precio máximo por su pasión, fue sede del Gran Premio de México desde 1963.
Ricardo Rodríguez murió en ese mismo circuito en 1962, durante los entrenamientos, a los 20 años. Su hermano Pedro, considerado uno de los más talentosos de su generación, ganó en la F1 antes de fallecer en 1971.
Ese legado de sacrificio, valentía y orgullo nacional es el que la exposición celebra en su sección Conducción Mexicana: un homenaje a los pilotos que pusieron a México en el mapa del automovilismo mundial y al autódromo capitalino como uno de los más queridos del circuito global.
SIETE ALAS, INFINITAS EMOCIONES
Organizada en siete espacios temáticos, la exposición es un recorrido que va de la nostalgia al futuro, del duelo a la celebración. Así luce por dentro:
• ÉRASE UNA VEZ EN LA F1. La historia del deporte narrada a través de piezas originales, autos icónicos y contenido audiovisual exclusivo. Para los que quieren entender de dónde viene todo.
• LABORATORIO DE DISEÑO. Una mirada al futuro con el modelo desmontable en 4D del monoplaza de 2026. Para los amantes del detalle y la ingeniería.
• PILOTOS Y DUELOS. Las rivalidades legendarias que definieron épocas.
>>Senna vs. Prost.
>>Schumacher vs. Hill.
>>Hamilton vs. Verstappen.
• SOBREVIVIENTES. Los restos del auto de Romain Grosjean tras el accidente de Baréin 2020. Una sala que te pone la piel de gallina.
• LA PARED DE LOS BOXES. Una proyección inmersiva que recrea la tensión de un pit stop en tiempo real. Literalmente te mete en el Gran Premio.
• CONDUCCIÓN MEXICANA. El corazón de la expo para los que vinimos a ver a los nuestros. El legado de los Rodríguez, de Checo, del Autódromo.
FORMULA 1: LA EXHIBICIÓN
Lugar: Museo Yama Punta, Av. División del Norte 3572, Coyoacán, CDMX
Apertura: 20 de marzo de 2026
Boletos: Desde $295 MXN en la plataforma Fever
• LOS AUTOS QUE NO TE PUEDES PERDER.
Más allá de las salas temáticas, la exposición presenta una colección de monoplazas históricos que por sí solos justifican la visita.
El LANCIA D50 de 1954 es uno de los autos de carreras más bellos y revolucionarios que existen: con sus tanques de combustible laterales y su motor V8 integrado al chasis, fue el precursor del Ferrari campeón del mundo de 1956. Verlo en persona es un privilegio.
El HAAS VF-20 —sin cubierta del motor, para que puedas ver cada tornillo— es el mismo auto que pilotaron Kevin Magnussen y Romain Grosjean en la temporada más extraña de la historia reciente de la F1, marcada por la pandemia y el dramático accidente de Baréin.
El SAUBER C32 de 2013, el auto con el que el tapatío Esteban Gutiérrez debutó en la categoría reina. Un símbolo de que los pilotos mexicanos siempre encuentran la manera de llegar a lo más alto.
“Verlos en persona es como hojear un libro de historia, pero con olor a gasolina”.
TU GUÍA PARA NO PERDERTE NADA
La entrada incluye acceso a las siete salas y a los elementos interactivos principales. Para quienes quieran llevar la experiencia al límite, los simuladores de carreras profesionales —donde puedes competir virtualmente en el Autódromo de la Ciudad de México con clasificaciones en tiempo real— tienen un costo adicional que vale completamente la pena.
Y sí: desde la entrada te recibirá un auto de F1 a escala real construido íntegramente con piezas LEGO, el mismo que desfiló en el Gran Premio de Miami 2025 representando al equipo Haas. Es la primera foto perfecta de la visita.
La Fórmula 1 siempre ha sido un deporte de extremos: velocidades imposibles, presupuestos astronómicos, emociones que van del éxtasis al corazón roto en fracciones de segundo. Formula 1®: La Exhibición logra algo que parecía difícil: acercarte a ese mundo sin perder ni un gramo de su magia. En una ciudad que ya demostró ser de las grandes del circuito mundial, esta exposición es más que un evento de entretenimiento. Es un reconocimiento. Una manera de decirle a México —y a sus aficionados, a sus pilotos, a su autódromo— que son parte esencial de una historia que lleva más de siete décadas escribiéndose a más de 300 kilómetros por hora.
La única pregunta es: ¿ya tienes tu boleto? //@revistacosasmx
TAG Heuer y Ryan Gosling llevan su alianza al espacio exterior en Project Hail Mary, la película del año que convierte un reloj en mucho más que un instrumento para medir el tiempo
Por
Aramis Flores
Hay colaboraciones que se construyen sobre contratos y sesiones fotográficas, y hay otras que crecen de manera orgánica hasta volverse algo más parecido a una convicción compartida.
La alianza entre TAG Heuer y Ryan Gosling pertenece claramente al segundo tipo. Desde que el actor canadiense se convirtió en embajador de la marca en 2021, la relación ha evolucionado de forma natural, extendiéndose más allá de la representación formal para integrarse en los propios personajes que Gosling lleva a la pantalla. Project Hail Mary, el esperado filme de Amazon MGM Studios que llega a los cines el 20 de marzo de 2026, es la expresión más ambiciosa de esa alianza hasta la fecha.
Enraizado en la tecnología más avanzada pero profundamente humana en su expresión, el TAG Heuer Connected Calibre E5 refleja con precisión el equilibrio que articula toda la película: el punto donde la ciencia y la emoción se encuentran, donde la innovación está al servicio de algo profundamente personal. Su caja de titanio
EL TIEMPO COMO COMPAÑERO DE VIAJE
evoca la ingeniería aeroespacial; su correa roja, encendida como una señal de emergencia en la oscuridad del cosmos, habla de urgencia y de vida. En la muñeca de Grace, el reloj no es un accesorio. Es una brújula.
Para TAG Heuer, la integración en Project Hail Mary representa la culminación coherente de una filosofía de marca que lleva 165 años perfeccionándose. Fundada en 1860 por Edouard Heuer en las montañas del Jura suizo, la manufactura ha construido su reputación sobre una premisa que no ha cambiado con el tiempo: que la precisión no es un lujo sino una necesidad, y que medir el tiempo con exactitud puede marcar la diferencia entre el éxito y el fracaso en los momentos que verdaderamente importan.
En el espacio interestelar de Project Hail Mary, esa premisa se lleva al límite absoluto.
Ryan Gosling, por su parte, aporta a esta asociación algo que ningún contrato puede garantizar: autenticidad. Su manera de habitar los personajes que interpreta, con una economía de gestos y una presencia que raramente necesita alzar la voz, se alinea con naturalidad con los valores que TAG Heuer ha hecho suyos: la resiliencia, la innovación y la voluntad de empujar los límites más allá de donde otros se detendrían.
Grace es, en ese sentido, el personaje más
TAG Heuer que Gosling ha encarnado: un hombre solo frente a lo imposible, armado con conocimiento científico, imaginación y un reloj en la muñeca.
La alianza entre una marca de relojería suiza con siglo y medio de historia y uno de los actores más relevantes de su generación podría parecer, en manos de otro, un ejercicio de imagen calculado. En este caso resulta algo más interesante: una asociación que ha encontrado en la ficción científica de gran escala el espejo perfecto para sus valores más genuinos. Cuando la humanidad necesita un héroe improbable que salve todo lo que existe, lo envía al espacio con un TAG Heuer en la muñeca. La elección dice mucho sobre ambos.
Project Hail Mary se estrena en cines de todo el mundo el 20 de marzo. El TAG Heuer Connected Calibre E5 está disponible en los 260 puntos de venta de la marca en todo el mundo. //@revistacosasmx
LA LAPTOP QUE QUIERE LIBERARTE
Potencia real, pantalla grande y la flexibilidad de elegir tu propio sistema operativo
Por Aramis Flores Carranza
En un mercado saturado de laptops que compiten por décimas de milímetro y gramos de peso, Huawei llega con una propuesta que en 2026 adquiere un significado completamente nuevo: la MateBook D16 no es solo una laptop potente y elegante.Es una declaración de independencia tecnológica.
Con la expiración de la licencia especial que Huawei tenía para preinstalar Windows en nuevos modelos, la compañía china tomó una decisión valiente: lanzar versiones de la MateBook D16 sin sistema operativo —las llamadas versiones DOS— a un precio sensiblemente más bajo, dejando en manos del usuario la elección de qué software correrá en su máquina. ¿El resultado? Una laptop mid-range con ADN premium que se convierte en un lienzo en blanco para estudiantes, desarrolladores, creativos y profesionistas que saben exactamente lo que necesitan.
En este análisis ponemos a prueba la MateBook D16 en los escenarios más comunes del mundo real: la oficina, el salón de clases, el café y el escritorio en casa. Y respondemos la pregunta que muchos se hacen: ¿vale la pena comprarse una laptop sin sistema operativo?
La primera impresión es la que cuenta, y no decepciona. Huawei mantiene el lenguaje de diseño minimalista que ha caracterizado a la familia MateBook: un chasis de aleación de aluminio con acabado mate que transmite solidez y elegancia sin caer en la ostentación.
A pesar de tener pantalla de 16 pulgadas, pesa apenas 1.68 kg y mide 17 mm de grosor, dimensio-
nes más propias de una laptop de 15”. La bisagra permite abrir la pantalla completamente plana (180°), lo que amplía las posibilidades ergonómicas para colaboración y presentaciones.
La laptop lleva un panel IPS de 16” con resolución 1920×1200 en proporción 16:10, que a diferencia del estándar 16:9, regala una fila extra de contenido vertical. Quien pase sus días en hojas de cálculo, documentos largos o terminales de código, lo agradecerá inmediatamente.
El acabado mate es una ventaja real en ambien tes con luz variable. La cobertura del 100% sRGB garantiza colores fieles para diseño básico y edición fotográfica casual.
El talón de Aquiles: resolución 1920×1200 es suficiente pero no deslumbrante, especialmente cuando competidores ya ofrecen paneles 2.5K o QHD. Sin opción táctil ni alta tasa de refresco. Pero para el estudiante, contador, programador o ejecutivo, es más que suficiente.
Huawei ha construido una laptop completa, bien hecha y sorprendentemente versátil para su precio. El argumento de pantalla 16:10 en aluminio con Wi-Fi certificado de primera clase, procesadores Intel de 13ª generación y auto nomía real de jornada completa es sólido por sí mismo.
Pero lo que verdaderamente distingue a este equipo es la versión sin sistema operativo. En un ecosistema donde la mayoría de fabricantes te obliga a pagar por Windows quieras o no, Huawei ofrece algo radi cal: la posibilidad de decidir. Y esa decisión vale
$3,000 pesos menos en el precio de entrada, más la libertad de instalar el sistema que mejor se adapte a tu estilo de trabajo, estudio o creación. ¿Es perfecta? No. Le falta resolución en la pantalla, más puertos USB-C y una webcam decente. Pero dentro de su categoría —$12,999 a $24,999 MXN según configuración— es muy difícil encontrar un paquete más completo y honesto. Para el estudiante universitario que necesita potencia real sin gastar de más, para el desarrollador que prefiere Linux sobre Windows, para el profesionista que busca una segunda laptop de trabajo y quiere control total de su entorno...la HUAWEI MateBook D16 es, sin duda, una de las mejores compras del año. //@revistacosasmx
EL SMARTPHONE QUE SE NIEGA A PARECERSE A TODOS LOS DEMÁS
Hay teléfonos inteligentes que existen para cumplir. Y hay otros para sorprender. El Nothing Phone (4a) Pro pertenece, sin duda, a la segunda categoría. En un mercado dominado por losas de cristal idénticas y ecosistemas cerrados, esta marca londinense sigue jugando con sus propias reglas, y el resultado es uno de los dispositivos más interesantes en lo que va del año.
El Phone (4a) Pro abandona el policarbonato y el vidrio de sus predecesores para estrenar un cuerpo de aluminio unibody que resulta sorprendentemente delgado para su categoría de precio. Se siente más cercano a un teléfono que cuesta el doble.
Con apenas 7.95mm de grosor, es uno de los perfiles más esbeltos que encontrarás en esta gama de precio. El resultado es un objeto que invita a ser sostenido: frío al tacto, firme, con esa solidez que hace que sacar el teléfono del bolsillo se convierta en un pequeño placer cotidiano.
Está disponible en tres colores: negro, blanco y un rosa empolvado. El blanco, en particular, resalta de manera especial el cuerpo de aluminio y el módulo de cámara semitransparente. El rosa, sin embargo, es tan sutil que en la vida real es difícil de distinguir del plateado.
La mayor parte de la identidad visual de Nothing —ese ADN de transparencias y circuitos a la vista— se ha concentrado en el módulo de cámara, que adopta una forma redondeada y semitransparente que recuerda tanto a los estuches de los auriculares Nothing Ear como a los teléfonos anteriores de la marca. Es un guiño inteligente a sus raíces sin perder el paso hacia adelante.
El teléfono también ha mejorado su resistencia al agua y polvo con certificación IP65, y es un 42% más resistente a la flexión que su predecesor.
La característica más llamativa sigue siendo su sistema de iluminación trasero, y en esta generación alcanza un nuevo nivel. La Glyph Matrix aloja 137 mini-LEDs capaces de alcanzar los 3,000 nits de brillo máximo. Estos LEDs pueden configurarse para destellar en distintos patrones cuando recibes llamadas y notificaciones, mostrar la hora, e incluso actuar como espejo para selfies con la cámara principal.
Puedes asignar glifos únicos a contactos específicos, un corazón para tu pareja, por ejemplo, y también establecer reglas por aplicación, diferenciando entre una notificación de WhatsApp y una de Instagram. Es más: puedes configurar que ciertos glif se activen ante palabras clave específicas en tus mensajes.
¿Gimmick o herramienta real? Nothing ha encontrado múltiples formas de hacer que la Glyph Matrix mejore de manera tangible la experiencia de uso del dispositivo, lo que la eleva de simple adorno a algo que se usa genuinamente.
El Phone (4a) Pro tiene una pantalla AMOLED de 6.83 pulgadas con resolución 1.5K, frecuencia de actualización más alta y un brillo pico de 5,000 nits, convirtiéndola en la pantalla más brillante que Nothing ha puesto en un smartphone.
La pantalla llega a los 144Hz de manera nativa, sin necesidad de activarla manualmente como ocurre en algunos competidores de Samsung.
La tasa de muestreo táctil de 2,500Hz ha sido específicamente ajustada para el rendimiento en videojuegos.
El sistema de cámaras se compone de un sensor principal de 50 megapíxeles con apertura f/1.88 y un nuevo teleobjetivo periscópico de 50MP con zoom óptico 3.5x, que ocupa menos espacio gracias a su diseño tetraprism. Este sistema puede alcanzar hasta 140x de zoom híbrido mediante fotografía computacional.
Las imágenes capturadas con la cámara principal son nítidas, con bordes bien definidos, manteniéndose al nivel de teléfonos flagship en términos de detalle. En condiciones de buena luz, el rendimiento resulta sólido y confiable.
En materia de inteligencia artificial, pero a diferencia de otras marcas que hacen imposible
evitarlas, Nothing las confina en gran medida a su sección Essential Space. Presiona el botón lateral para capturar una captura de pantalla, grabar tu pantalla o tomar una nota de voz; todo queda disponible para ser analizado y procesado por la IA según lo necesites, sin interrumpir tu flujo de trabajo.
NothingOS 4.1 llega casi sin bloatware, con una galería, grabadora de voz y aplicación de clima con una consistencia de diseño admirable. La opción de tener iconos en blanco y negro de Nothing en la pantalla principal, pero los originales de Android en el cajón de aplicaciones, hace que encontrar lo que buscas sea intuitivo.
El teléfono está impulsado por el Snapdragon 7 Gen 4, con opciones de 8GB o 12GB de RAM y 128GB o 256GB de almacenamiento. La batería es de 5,080mAh con carga rápida de 50W. La autonomía resulta consistente para un uso diario intenso.
Con un diseño audaz, rendimiento mejorado, cámara razonablemente versátil y una de las interfaces más distintivas del mercado, el Nothing Phone (4a) Pro es un teléfono que puede hacerte cuestionar por qué necesitarías un modelo flagship. Es el teléfono para quien entiende que un dispositivo también puede ser una declaración de estilo, una extensión de la personalidad, un objeto cotidiano con el que merece la pena relacionarse. En ese terreno, Nothing sigue siendo, precisamente, algo. //@revistacosasmx
Miscelánea
CUANDO EL GOLF SE CONVIERTE EN DESTINO
Del 29 de octubre al 1 de noviembre, VidantaWorld Vallarta-Nuevo Nayarit recibirá a la élite del PGA TOUR en una edición que marca un hito: por primera vez en el golf profesional, Grupo Vidanta será simultáneamente title sponsor, sede y operador del torneo, lo que permite diseñar una experiencia completamente integrada alrededor de la competencia. El campo
SHREK EN CRISTAL
VidantaWorld Vallarta, enmarcado entre el Pacífico, la selva tropical y las montañas de la región, ofrece uno de los entornos naturales más espectaculares del circuito, y este año presentará una configuración optimizada que promete elevar aún más el nivel competitivo del evento.
Pero el VidantaWorld Mexico Open es, desde hace años, mucho más
que un torneo. La semana incluye un concierto de talla internacional dentro de la VidantaWorld Concert Series, el espectáculo acuático e inmersivo Cirque du Soleil LUDÕ y la celebración del Día de Muertos, convirtiendo el destino en una propuesta de lujo y entretenimiento sin comparación en el calendario del golf mundial.
En colaboración con Universal Products & Experiences, Swarovski ha lanzado la colección DreamWorks Animation Shrek Home, una serie de figuras de cristal de corte preciso que reimagina a los personajes más queridos de la saga: Shrek, Fiona, el Gato con Botas, Burro y el entrañable Jengi, el Hombre de Jengibre. Cada pieza combina el savoir-faire artesanal de Swarovski, presente desde 1895, con la narrativa visual de DreamWorks Animation, traduciendo en facetas y destellos la personalidad de cada personaje: desde las 584 facetas que capturan la determinación de Fiona con ogra hasta las 209 que dan vida al energético Jengi junto a su paleta. La colección llega en un momento especialmente oportuno: en 2027, DreamWorks Animation reimaginará la historia de Shrek para una nueva generación con el estreno de Shrek 5, previsto para el 30 de junio. Estas piezas de edición especial son, en ese sentido, tanto un objeto de colección para los fans de toda la vida como una introducción de lujo al universo del ogro más famoso del cine de animación para quienes apenas lo descubren.
TRES LLAVES, TRES HOTELES, UNA SOLA IDEA DEL LUJO
Cuando la Guía Michelin llegó a México en 2024, Pug Seal hizo algo que ninguna otra colección hotelera mexicana había logrado: sus tres propiedades, Pug Seal Allan Poe, Pug Seal Anatole France en Polanco y Pug Seal Oaxaca en su centro colonial, recibieron cada una su llave Michelin. Para Pug Seal, el lujo nunca fue sinónimo de ostentación. Es el café de la mañana que llega de una comunidad de Veracruz, el arte que conmueve en lugar de impresionar, el silencio y el buen diseño conviviendo con calidez genuina. Son, en definitiva, personas cuidando a personas, y eso, en el universo de la hospitalidad de alto nivel, sigue siendo el estándar más difícil y más valioso de alcanzar.
EL CORTE DEL AÑO
U.S. Meat Export Federation presentó en México su nueva iniciativa El Corte del Año, un proyecto que busca acercar al consumidor cortes específicos de res y cerdo con amplia disponibilidad, excelente relación calidad-precio y profundo arraigo en la gastronomía nacional. Para esta primera edición, los protagonistas son dos cortes que ya forman parte del ADN culinario del país: el Boston Butt de cerdo, pieza fundamental de los tacos al pastor y cada vez más presente en propuestas de cocina lenta y ahumados como el pulled pork, y las pulpas de res, versátiles por definición, igual de cómodas en un guiso doméstico que en una propuesta de autor dentro del sector restaurantero.
La iniciativa responde a una estrategia clara: visibilizar cortes que ya están en las mesas mexicanas pero que merecen mayor reconocimiento por su versatilidad y su potencial gastronómico. Con la participación de chefs, distribuidores y especialistas del sector, El Corte del Año se posiciona como un puente entre la producción estadounidense y la creatividad culinaria mexicana, recordando que los mejores ingredientes son, con frecuencia, los que ya conocemos de toda la vida.
Wellness
DE EN EL ARTE VIVIR PAZ
Hace algunos años entendí que la paz no llega cuando todo está en orden, sino cuando uno decide ordenar lo que ocurre por dentro. No fue una revelación mística ni un retiro lejano: fue una tarde cualquiera, sentado frente al ruido de mis propios pensamientos, cuando me di cuenta de que la mayor batalla no estaba afuera, sino en mi manera de interpretar lo que me pasaba. Desde entonces, la pregunta que me acompaña no es “¿por qué sucede esto?”, sino “¿cómo quiero vivirlo?”.
Vivimos tiempos que nos empujan a la prisa y al sobresalto. Es increíble que más del 60 % de los adultos en el mundo reportan niveles altos de estrés diario. Y los trastornos relacionados con la ansiedad y la depresión se han convertido en una de las principales causas de incapacidad laboral. Al mismo tiempo, estudios globales sobre calidad de vida señalan que, aunque la tecnología ha multiplicado nuestras posibilidades, no necesariamente ha aumentado nuestra sensación de bienestar. Estamos más conectados que nunca, pero también más cansados y menos conectados con nuestras emociones.
La violencia, la incertidumbre económica y la sobreexposición a noticias negativas han hecho del miedo un acompañante frecuente. En América Latina, por ejemplo, los índices de percepción de inseguridad superan el 70 % en varias ciudades, y eso se filtra inevitablemente en nuestra forma de pensar, de dormir y de relacionarnos. El cuerpo y la mente no distin-
guen entre peligro real y peligro imaginado: reaccionan igual, y ahí empieza el desgaste silencioso.
Frente a ese escenario, la paz interior deja de ser un lujo espiritual y se vuelve una necesidad práctica. No hablo de evadir la realidad ni de vivir en una burbuja emocional, sino de aprender a estar en ella sin perder el centro. Porque la serenidad no es ausencia de problemas, es la capacidad de no convertir cada problema en una tormenta interior.
He aprendido que vivir en paz es, ante todo, una disciplina cotidiana que comienza por aceptar que no todo depende de mí, pero sí depende de mí cómo lo interpreto. Nuestra mente funciona como una fábrica inagotable de pensamientos: produce recuerdos, preocupaciones, expectativas.
Si no cuidamos ese proceso, terminamos fabricando angustia en serie; si lo observamos con conciencia, podemos empezar a producir claridad. Hay prácticas simples que transforman profundamente, como regresar al presente, porque la ansiedad vive en un futuro que aún no existe, pero la paz habita en el ahora. La segunda es cambiar la conversación interna: pasar de “esto no debería estar pasando” a “esto está pasando”. La tercera es normalizar la vida: recordar que el 95 % de nuestros días no son extraordinarios, y justamente ahí, en lo cotidiano, se construye el bienestar. Aprender a enamorarse de lo común es una forma refinada de felicidad.
También he descubierto que la paz se cultiva con tres actos silenciosos: gratitud, aceptación
En un mundo que corre sin pausa y normaliza el agotamiento, aprender a habitar la calma se ha convertido en un acto de valentía cotidiana y de elegancia interior
Por Mario Córdova*
y humanidad. Gratitud por lo que sí está, aceptación de lo que no se puede cambiar y permiso para ser imperfectos. En un mundo que exige resultados y apariencias, darse permiso de sentir es un gesto que ahora resulta profundamente sofisticado.
No se trata de vivir sin estrés, porque es prácticamente imposible, sino de aprender a recuperarnos. El verdadero problema no es la presión, sino no saber volver al equilibrio. Dormir mejor, respirar con conciencia, caminar sin prisa, escuchar sin interrumpir, apagar el ruido cuando ya no aporta: son gestos pequeños que construyen una vida grande por dentro.
Hoy creo que el verdadero lujo no es tener más, sino necesitar menos para estar en paz. La elegancia emocional consiste en responder con calma donde antes reaccionamos con miedo, en elegir pensamientos que construyan en lugar de repetir los que desgastan, y en entender que todos estamos resolviendo algo, que no hay corazón desocupado.
Vivir en paz no es huir del mundo, es habitarlo con dignidad interior. Es aprender a convivir con nuestras emociones sin que ellas nos gobiernen, es descubrir que la serenidad no es un destino, sino una forma de caminar.
Quizá el arte más difícil de nuestra época no sea triunfar, sino vivir con sentido. Tal vez ahí esté la verdadera revolución silenciosa: aprender a estar bien por dentro, aun cuando afuera todo parece moverse demasiado rápido. Porque, al final, la paz no es un lugar al que se llega, es una decisión que se practica todos los días. //@revistacosasmx
*Mario Córdova es empresario, abogado, filántropo, escritor y conferencista enfocado en liderazgo, actitud positiva y bienestar emocional. Fundador de Operadora SI, cuenta con más de 25 años liderando proyectos empresariales y de formación en distintos sectores. Su trabajo inspira crecimiento personal, conciencia emocional y liderazgo con propósito.
AMOR, PLACER Y RESPONSABILIDAD
Durante décadas, las citas estan representadas por flores, chocolates y promesas de amor eterno. Hoy, en una sociedad más informada, más libre y más consciente, esta celebración adquiere un significado más profundo: el derecho a vivir el amor y el placer con responsabilidad, autonomía y respeto hacia uno mismo y hacia los demás.
Hablar de amor sin hablar de anticoncepción ya no es una opción. Las relaciones modernas, en cualquiera de sus formas, parten de una premisa fundamental: decidir cuándo, cómo y con quién. La anticoncepción no es un tema médico aislado; es una herramienta de empoderamiento, equidad y libertad. Nos permite planear, cuidar nuestro futuro y disfrutar de nuestra sexualidad sin miedo ni culpa.
En América Latina aún enfrentamos una realidad compleja: millones de embarazos no planeados cada año, altos índices de infecciones de transmisión sexual y enormes brechas de información, especialmente entre jóvenes. Esto no ocurre por falta de deseo de cuidarse, sino por falta de acceso, educación y productos confiables. La conversación sobre sexualidad sigue siendo, en muchos espacios, incómoda o incluso censurada, cuando en realidad debería formar parte natural de la vida cotidiana.
El preservativo es mucho más que un método anticonceptivo. Hoy es uno de los símbolos más poderosos del autocuidado. Protege contra embarazos no planeados y contra infecciones de transmisión sexual, además de transmitir un mensaje claro: me importas, me cuido y te cuido. Usar condón no debería verse como una interrupción del momento, sino como una extensión del respeto y del deseo compartido. En esa experiencia de cuidado y conexión, productos como los lubricantes juegan un papel importante: mejoran la comodidad, reducen el riesgo de fricción o molestias y permiten que la intimidad sea más
El amor ya no es solo flores y promesas románticas, hoy representa la libertad de elegir, el cuidado compartido y la responsabilidad en el amor
Por Mario Flores CEO, DKT LATAM Norte
placentera y segura para todas las personas, sin importar la etapa o el tipo de relación.
Mientras celebramos el amor en todas sus formas —parejas, encuentros casuales, relaciones abiertas, primeras citas o vínculos de muchos años—, vale la pena preguntarnos: ¿estamos viviendo nuestro placer de manera responsable? ¿Estamos teniendo conversaciones honestas sobre protección, consentimiento y límites?
El verdadero romanticismo de nuestra época no está en las grandes declaraciones, sino en los pequeños actos de cuidado. Llevar un preservativo en la cartera, hablar de anticoncepción antes de una relación sexual o elegir un método que se adapte a nuestro estilo de vida es una forma moderna de amar. Celebremos el amor y también la libertad de elegir, la salud sexual y la responsabilidad compartida. Porque amar bien también significa cuidarnos bien. //@revistacosasmx
