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diseña lo que sea, cuando sea

Paula Scher

Página 25

Fotografía

Ilustración Digital

Suite de Adobe Leyes de la Gestalt

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Carta Editorial Tipografía

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Color Composición

Artista de inspir Fotografía Ilustración

Programas de ed

Leyes de la gestal Diseño web Publicidad Formulario

Características del diseño tipográfico

Propiedades del Color

¿Qué es la composición en diseño gráfico?

ración

Fotografía Conceptual

Ilustración digital: las ventajas de dibujar con CTRL+Z

dición digital

Paula Scher, diseñadora más famosa del mundo

Programas y Software de la suite de Adobe

Principio de la relación Figura-Fondo

Diseño Web y Diseñador Web

El diseño gráfico y su importancia en la Publicidad

EDITORIAL

Puebla, Pue., 10 de noviembre de 2022

“Comunicando con el diseño”

Editor de “La Odisea del Diseño” Mi nombre es Monserrat Cortez, soy la diseñadora la revista de diseño gráfico, “La Odisea del Diseño” publicada en la página Issuu y quiero referirme a esta, como mi primera revista interactiva, dicho proyecto tuvo una duración de 5 semanas, dando por finalizado el 8 de noviembre de 2022. La información que se publica en esta revista se escogió de una serie de artículos, dependiendo de la sección de la revista se eligió un articulo por sección para posteriormente ser organizada en la composición de la revista. Ya seleccionada la información se procedió a escoger el tipo de composición, la tipografía, gama cromática, imágenes, portadillas, etc. Y finalmente se diseñó la revista interactiva. Por la anterior, se le invita a ver la revista y disfrutarla.

Atentamente Monserrat Cortez Diseñadora Gráfica.

Información de Contacto: monsecorey10@gmail.com m_corey _6

tipografía

Denisse Grisel Piña Hernández | Características del diseño tipográfico

CARACTERÍSTICAS DEL DISEÑO TIPOGRÁFICO Denisse Grisel Piña Hernández

Renglón tipográfico

El signo tipográfico es un subtexto.

l renglón tipográfico, varia según la fuente, pero en todos podemos observar estos elementos en el cuerpo de una tipografía: una base, elementos ascendentes, descendentes y una altura. Observamos que todas las tipografías cambian y varían, el signo tipográfico comunica por lo que ves en el, hablaríamos entonces de que es un subtexto.

El tipógrafo es que decide las alturas de una fuente tipográfica según la función comunicativa que quiera dar su fuente.

Caja tipográfica Compartimento que agrupa los tipos. Dependiendo del idioma, los signos se disponían y distribuían según la frecuencia de uso. De esta caja, se deriva la forma de llamar a los signos tipográficos como altas y bajas, por su disposición en la caja. Llamamos altas a las mayúsculas, puesto que eran los tipos móviles que se usaban menos y estaban en la parte alta de la caja, en cambio a las minúsculas que se usaban con más frecuencia para componer textos, se encontraban en la parte baja de la caja, de ahí su nombre bajas. Un componedor, era la persona que se encargaba de componer el tipo, que años después derivaría en lo que es un capturista. Dentro de la caja tipográfica de una fuente experta, podemos encontrar dentro de sus signos, los siguientes: altas (mayúsculas), bajas (minúsculas), versalitas (minúsculas diseñadas con cuerpo de mayúsculas), números minúsculos o elzevirianos y números mayúsculos.

Denisse Grisel Piña Hernández | Características del diseño tipográfico

Cuerpo

Anatomía del signo tipográfico

Denisse Grisel Piña Hernández | Características del diseño tipográfico

Diseñar una letra es un trabajo de análisis. Hay rasgos presentes en los carácteres y criterios que cohesionan el diseño.

color

Anibal de los santos Y. | Propiedades del color

PROPIEDADES DEL COLOR Anibal de los Santos Y.

El Árbol de Munsell

unsell creó un “árbol” en que los colores se distribuían por ramas en orden de saturación o pureza. Y donde las ramas pueden ser de distinta longitud, por ejemplo, la rama del amarillo es muy larga, y la del naranja, mucho más corta.

En sentido vertical, el árbol se segmenta en diez intervalos que van del 0 (negro puro, abajo) al 10 (blanco puro, arriba). Las ramas se dividen en segmentos, desde cero en el centro para los colores neutros (gris) hasta 20 o más. Como la escala no tiene límites, incluso los materiales fluorescentes encuentran su lugar.

Árbol de Munsell

Los colores de Munsell se especifican mediante la notación hv/c, donde H es hue o matiz, V es el valor y C es el croma o la saturación. Para facilitar la lectura de las especificaciones, el número del color se acompaña de la(s) inicial(es) del primario adyacente. Así un rojo intenso sería 5r 5/16. La notación varía para los neutros: el color es N y la saturación se omite, de modo que una tinta negra sería n1/. El arbol de Munsell ha demostrado su eficacia en los ámbitos de la manufactura, el arte, la ilustración y el diseño, y en él se basan muchos sistemas industriales de especificación cromática estándar. Su principal inconveniente es que la selección de los colores reales del árbol obedece tanto a la subjetividad de Munsell como a su método científico.

Notación HV/C

Las propiedades del color son básicamente, elementos diferentes que hacen único un determinado color, le hacen variar su aspecto y definen su apariencia final. Ellas están basadas en uno de los modelos de color más aceptados actualmente, realizado por Albert Münsell en 1905.

Anibal de los santos Y. | Propiedades del color

Matiz Es la cualidad por la cual diferenciamos y damos su nombre al color. Es el estado puro, sin el blanco o el negro agregados, y es un atributo asociado con la longitud de onda dominante en la mezcla de las ondas luminosas. Es la sumatoria de longitudes de onda que puede reflejar una superficie 1. El matiz nos permite distinguir el rojo del azul, y se refiere al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del círculo cromático, por lo que el verde amarillento y el verde azulado serán matices diferentes del verde.

Valor o luminosidad Es un término que se usa para describir cuan claro o cuan oscuro parece un color y se refiere a la cantidad de luz percibida. Independientemente de los valores propios de los colores, pues éstos se pueden alterar mediante la adición de blanco que lleva el color a claves o valores de luminosidad más altos, o de negro que los disminuye. Los colores que tienen un valor alto (claros), reflejan más luz y los de valor bajo (oscuros) absorben más luz. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminosidad (más cercano al blanco) y el violeta el de menor (más cercano al negro).

Ejemplo de tono, saturación y valor

Saturación o brillo Este concepto representa la viveza o pálidez de un color, su intensidad, y puede relacionarse con el ancho de banda de la luz que estamos visualizando. Los colores puros del espectro están completamente saturados. Un color intenso es muy vivo, cuando más se satura el color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo. Esta propiedad diferencia un color intenso de uno pálido. Se puede concebir la saturación como si fuera la brillantez de un color. También ésta puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos saturado es, y por lo tanto, menos vivo. Cualquier cambio hecho a un color puro, automáticamente baja su saturación. Cada uno de los colores primarios tiene su mayor valor de intensidad antes de ser mezclados con otros.

Gráfico de saturación, matiz y luminosidad

Anibal de los santos Y. | Propiedades del color

Gráfico circular de saturación, matiz y luminosidad

La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su opuesto o complementario en el círculo cromático, ya que se produce su neutralización. Basándonos en estos conceptos podemos definir un color neutro como aquel en el cual no se percibe con claridad su saturación. La intensidad de un color está determinada comúnmente por su carácter de “prendido” o “apagado”.

composición

Denise Tempone | Composición en Diseño Gráfico

¿QUÉ ES LA COMPOSICIÓN EN DISEÑO GRÁFICO? Denise Tempone

Concepto fundamental de diseño ¿Qué es la composición?

uando nos referimos a componer, hablamos de hacer de varias cosas, una sola. Un conjunto, una unidad. Por esta razón, la definición oficial de composición en el mundo visual es, simplemente, ordenar formas en el espacio. Esto puede hacerse: Juntándolas Relacionándolas Colocándolas con cierto modo y orden

La composición como metodología La composición como metodología, por definición, nos permite manipular diferentes partes de un determinado lenguaje para formar un todo. Cuando escribimos, por ejemplo, comunicamos ideas mediante el uso de signos visuales a través de las letras. En el ámbito de la semántica, elegir correctamente las palabras ayuda a que se entienda lo que queremos decir. La sintaxis, por su parte, hace referencia al significado que le damos a las palabras gracias a que las

ordenamos en oraciones para que puedan ser entendidas. En el ámbito de la música también existe la composición. En este universo se define como la organización de sonidos y silencios en el tiempo para producir efectos estéticos en quién escuche. Esto tiene sus propias reglas: La armonía enlaza acordes y relaciona las distintas partes de una obra. Las melodías asignan significado e identidad propia a ciertos sonidos de una composición, los jerarquiza. El ritmo es el movimiento marcado por la sucesión de elementos musicales, pero éste no es patrimonio de la música ya que también lo encontramos en la danza, la poesía o en los medios visuales. Así como existe la composición escrita, en el diseño gráfico nos valemos de una sintaxis visual para afianzar el sentido de lo que queremos comunicar. Lo visual es también un lenguaje y tiene sus propios elementos y características.

Ejemplos de composición brindados por el diseñador editorial Javier Alcaraz.

Conceptos que ayudan a pensar la composición El proceso de composición es el más importante en la resolución del problema visual ya que la composición en el diseño gráfico se basa casi por completo en las artes visuales. Algunos de los conceptos del diseño gráfico que provienen de la herencia pictórica son: Unidad Peso Ritmo Movimiento Balance Contraste

Denise Tempone | Composición en Diseño Gráfico

La complejidad compositiva del cine El cine, como lenguaje visual, es una disciplina compleja y fabulosa que combina los criterios de composición de la escritura, la música y las artes visuales. La estructura narrativa primero elige la parte significativa de la historia para luego acomodarla de manera lógica y expresiva. El relato audiovisual, para que se sostenga en el tiempo, debe prestar especial atención a la secuencia rítmica y armónica de las escenas. Cada encuadre o toma se componen ubicando los elementos según intenciones de belleza prácticas y narrativas.

Algunos de los criterios visuales que se consideran para conseguir balance, movimiento y variedad y que son las obsesiones del director de fotografía son los siguientes: El tipo de plano La iluminación El contraste La profundidad de campo

La exquisita composición en las películas de Charles Chaplin.

¿Cómo se crea una composición? La búsqueda de un resultado en conjunto es la que somete a cada una de sus partes. En la composición es importante integrar y relacionar armónicamente todos los elementos plásticos. Los elementos que debemos tener en cuenta para lograr la integración de un conjunto pueden ser: El color La forma La proximidad La orientación de los elementos Las opciones para componer son infinitas pero lo esencial es que, por más variado que sean los elementos de un diseño, deben percibirse como porciones del mismo conjunto.

Elementos distintos que brindan sensación de unidad.

Denise Tempone | Composición en Diseño Gráfico

Las claves de la composición Para pasar en claro estas ideas, podemos decir que: Conseguir la unidad de una pieza gráfica es el objetivo de toda composición. Cada elementos visual debe apuntalar una idea principal, que es el eje unificador de la obra. La idea crea la manera en que los elementos se relacionan unos a otros y estos con el espacio. Esa idea de tu proyecto creativo también crea la percepción del conjunto y unidad en el diseño. La unidad visual es sinónimo de coherencia. Lo coherente se percibe como lógico sin contradicciones que nos confundan o nos generen desconfianza y eso nos brinda, también, placer estético. Diseñar la totalidad es diseñar el sistema de relaciones que articula el mensaje visual.

Precisamente esta sintaxis del lenguaje visual es lo que analiza Javier Alcaraz, diseñador gráfico especializado en editorial, branding y tipografía, en su curso Técnicas de composición para diseño gráfico. Apúntate para aprender a crear una estructura gráfica eficiente paso a paso. Para ello, conocerás los componentes principales de este lenguaje visual y cómo articularlos a través del diseño.

La composición es una forma de disponer de los elementos. Foto: Pepe Gimeno.

artista

inspiración

Lidia Ruiz | Paula Scher diseñadora

PAULA SCHER, DISEÑADORA MÁS FAMOSA DEL MUNDO Lidia Ruiz

Paula Scher, reina del diseño gráfico

s una referencia en el mundo del diseño gráfico desde hace bastantes años: lleva casi medio siglo en la cresta de la ola.

Empezó a trabajar en los setenta y no ha parado desde entonces. Hoy por hoy, y desde hace casi veinte años, trabaja en Pentagram, donde es una de las socias en las oficinas de Nueva York. Insiste en que ella es diseñadora y que artista es como la llaman los demás. Todo este éxito no le ha caído del cielo, a base de esfuerzo, de tener una una visión propia y una capacidad natural para crear conceptos rompedores, ha conseguido llegar a lo más alto. Retrato de Paula Scher

Entre la cultura pop y las Bellas Artes Cogió el constructivismo ruso y, con su toque personal, le dio un giro de 180 grados y generó algo completamente nuevo e innovador. Su trabajo más conocido, la identidad de The Public Theater de Nueva York, trajo algo rompedor para las instituciones culturales. Este claro ejemplo de cómo la tipografía puede usarse como vehículo de comunicación total, hizo que se llevara el codiciado Premio Beacon por su estrategia de diseño corporativo integrado.

Identidad de The

Trabajo tipográfico de Paula Scher

Lidia Ruiz | Paula Scher diseñadora

e Public Theater

The Public Theater

Sus diseños para la identidad para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en casos de estudio de branding contemporáneo.

Diseño del logo de Citibank

Diseño del logo de Tiffany & Co.

Lidia Ruiz | Paula Scher diseñadora

Imágenes icónicas, inteligentes y accesibles que forman parte de marcas como Microsoft, Coca-Cola, Shake Shack, el Moma, el Instituto Sundance, la Metropolitan Opera, el Museo de Arte de Philadelphia, el City Ballet de Nueva York y un largo etcétera.

New Jersey Performing Arts Center

The Atlantic Theater

fotografía

Caro Musso | Fotografía Conceptual

FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL Caro Musso

¿QUÉ ES LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL?

i decimos fotografía de paisaje, pues es más fácil, pero si hablamos de fotografía artística, por ejemplo, o de fotografía conceptual como es en este caso, la cosa se complica un poco, ¿cierto? Parece que los límites quedan menos claros y los conceptos se pueden llegar a confundir o mezclar. Para que no te pierdas, una definición directa al grano: la fotografía conceptual es aquella que pretende, con una imagen, transmitir una idea abstracta.

«Medio Lleno» (de Jordi Larroch)

CORRIENTES DENTRO DE LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL Se podría decir que hay dos tipos de corrientes dentro de esta disciplina: Aquella que intenta que el mensaje sea lo más claro y universal posible. La idea es que todo aquel que observe la fotografía entienda el mensaje de forma inmediata y sin equívocos. En este tipo de fotografía los mensajes son claros, con imágenes más sencillas, sin distracciones. Otra corriente que envía mensajes más subjetivos, con ideas más complejas que dejan abiertas posibles interpretaciones para que el espectador saque sus propias conclusiones. En este caso el riesgo es mayor, pues el espectador puede no entender el mensaje o, incluso, ni siquiera ver que hay un mensaje subyacente. Aquí, las fotografías pueden ser más complejas, con más símbolos o incluso más recargadas de elementos.

Time» (de Jordi Larroch)

Fotografía de Gerome Viavant

Caro Musso | Fotografía Conceptual

APLICACIONES DE LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL Más allá de las connotaciones artísticas que puede tener la fotografía conceptual por el hecho de ser fotografía, existen algunas aplicaciones o salidas para esta disciplina. Fotografía publicitaria. La fotografía publicitaria no pretende sólo mostrar un producto, un objeto, sino que intenta asociar ese producto a un mensaje o idea, desde la idea de felicidad hasta la de libertad, por poner algunos ejemplos. La publicidad tiene un gran aliado con la fotografía conceptual y lo aprovecha al máximo. Bancos de imágenes. Si buscas ampliar tus salidas laborales como fotógrafo, puedes plantearte la posibilidad de crear imágenes conceptuales para vender a través de los bancos de imágenes. Estas imágenes se usan tanto para publicidad como para ilustrar artículos (como este o de cualquier otro tipo), bien sea en medios digitales o impresos. Denuncia social. La fotografía conceptual, si bien es muy difente a la documental, también se utiliza como denuncia social, para retratar la sociedad que nos rodea, como reclamo a la reflexión.

RETOQUE ¿SÍ O NO? Muchas de las imágenes conceptuales llevan implícitas una gran dosis de manipulación o retoque digital. Ahora bien, ¿es necesaria? No, no lo es. Se podría decir que esta es una de las disciplinas más creativas y que más requiere de la imaginación del fotógrafo, porque se puede transmitir la idea sin necesidad de Photoshop o de cualquier otro programa de retoque fotográfico. Es más, cuanto más real parezca una imagen, cuanto más sencilla y directa, más impactará y llegará al público. En ocasiones se ven fotografías conceptuales donde el resultado se debe más a una creación por ordenador y puede acabar chirriando al cerebro.

No es necesario modificar una imagen para transmitir un concepto

PASOS A SEGUIR PARA UNA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL 1. BUSCAR IDEA O CONCEPTO Lo primero que has de decidir es qué idea o concepto quieres transmitir con tu fotografía. Puede ser lo que se te ocurra, desde muerte hasta libertad, pasando por crisis económica o familia. Todo vale. 2. ELEGIR EL MENSAJE Con un mismo concepto se pueden expresar mensajes muy dispares. En este segundo paso tendrás que decidir cuál es el que deseas enviar al espectador. Puede ser un mensaje positivo o negativo. 3. DEFINIR PÚBLICO No es lo mismo que la fotografía vaya dirigida a un público joven que a uno más adulto o maduro, no es lo mismo si va dirigido a mujeres o a hombres, puede que tu audiencia sean los trabajadores de una empresa concreta, o de una ciudad específica. Define el público y te ayudará a afinar en el siguiente paso.

4. LLUVIA DE IDEAS Una vez que tienes la idea y el mensaje, y tu audiciendia definida, tendrás que decidir cómo transmitirlo. Para ello puedes hacer una lluvia de ideas de aquello que relacionas con el concepto y con el mensaje. Desde adjetivos a situaciones, personas, lugares, etcétera, siempre teniendo en cuenta las personas a las que va dirigida para que afines con la simbología, con los colores, el lugar, etcétera.

Caro Musso | Fotografía Conceptual

No es necesario modificar una imagen para transmitir un concepto

5. VISUALIZAR LA IMAGEN Tienes un primer boceto en tus manos, las primeras ideas sobre la mesa, procura ahora visualizarlas en tu mente, imaginarte cómo puede ser tu fotografía. Puedes incluso imaginar distintas escenas. Quédate con la que más te guste, la que veas más clara o la que te resulte más cómoda de ejecutar, esto repercutirá en un mejor resultado y en las ganas de repetir.

6. PREPARAR EL ESCENARIO Llega la hora de construir tu realidad, preparar los objetos, la iluminación, el escenario ideal y todo aquello que se te ocurra para lograr la imagen que has visualizado. 7. EJECUCIÓN Tu imagen debe ser correcta a nivel técnico, con un buen enfoque, bien expuesta y con una composición cuidada, pues de lo contrario, el público no se parará a mirarla.

ilustración

Eugenio Herráez | Ilustración Digital

ILUSTRACIÓN DIGITAL: LAS VENTAJAS DE DIBUJAR CON CTRL+Z Eugenio Herráez

Ilustración digital e ilustración tradicional: una evolución necesaria

n primer lugar, nos interesaba saber cómo ha sido la evolución de la ilustración digital desde que Adobe Systems dio los primeros pasos en el desarrollo de herramientas, allá por los años 80. La aparición de nuevas herramientas orientadas exclusivamente al mundo de la ilustración, fuera del ámbito de la fotografía, ha sido una constante desde entonces.

Lo más interesante es la seguridad y el control de los procesos, en la ilustración tradicional, las correcciones son mucho más difíciles. Pero en la ilustración digital, el hecho de trabajar con capas separadas permite controlar diferentes partes del dibujo sin tener que tocar las otras. Esto nos da también control sobre los posibles cambios de color y estructura que nos pueda proponer un cliente; cambios que, si estuviésemos hablando de una ilustración tradicional, se traducirían en volver a empezar una nueva obra.

Boceto h2o cuento hombre gris laboratorio color

Es muy interesante, combinar lo analógico y lo digital, desde el boceto inicial, se pueden hacer cambios de tamaños y proporciones. El software de ilustración digital pone a nuestro

alcance herramientas que estabilizan el trazo, así como guías de perspectiva que nos ayudan a componer escenarios elaborados. Y propone emplear técnicas tan interesantes como esta.

Eugenio Herráez | Ilustración Digital

La ilustración digital hoy: nuevas herramientas y salidas laborales Durante bastante tiempo, Photoshop fue la reina indiscutible en el mundo de las herramientas digitales. Pero, la competencia en este ámbito es brutal. De unos años a esta parte han surgido bastantes herramientas dedicadas por completo al dibujo y la pintura digitales. Han copiado el formato original de Photoshop y lo han mejorado, escuchando las necesidades de los artistas, estas son: Manga Studio (ClipStudio) Painter (de Corel) Scketchbook Procreate ¿Cómo lo consiguen? Mejorando las dinámicas de los pinceles, y haciendo que cada vez sea más complicado saber si la obra ha sido creada digitalmente, o no. Los nuevos campos que se abren para los profesionales hoy día se divide sen dos partes. Por un lado, hoy las herramientas digitales aportan al profesional inmediatez y seguridad. Con una simple tableta digital y unas cuantas nociones básicas de uso, es posible realizar trabajos profesionales.

Motocicleta, Hansuan Fabregas

Las técnicas tradicionales exigen dominar diferentes técnicas, y obligan a comprar materiales que pueden resultar costosos. Las digitales, por el contrario, son más accesibles al público en general. En el campo de las salidas laborales, son similares a las que había cuando se trabajaba solo con técnicas tradicionales.

Sirena furiosa 2019

Sin embargo, algo ha cambiado: sin duda, el medio; y también la forma. Todas las publicaciones en medios digitales precisan de gran cantidad de información gráfica. Y muchas veces no sólo se necesitan imágenes fijas, sino también imágenes en movimiento: pequeños gifs que permiten que todo se vuelva más visual y dinámico. Esto solo se puede conseguir con herramientas digitales. Los cuentos y cómics digitales interactivos hacen que la lectura de los mismos sea más interactiva, más rica visualmente. Son campos que cada vez demandan más profesionales, con una formación a la altura y un claro interés por seguir aprendiendo y evolucionando.

Eugenio Herráez | Ilustración Digital

Pasos para elaborar ilustraciónes digitales que funcionen: Elegir qué mensaje queremos transmitir: En este caso, puede ser los valores de la marca, un mensaje promocional, o nuestra campaña de marketing. Elaborar un boceto, con las primeras formas y la composición: Es el momento de dar forma, a través de una imagen, a las ideas que plasmaremos en una web, un folleto o el logo de una empresa. Este boceto puede hacerse directamente utilizando lápiz y papel o bien una tableta gráfica sobre la que dibujaremos. Si el arte final será para un cliente externo, es preciso presentarle nuestra idea, de forma que pueda introducir cambios o aportar ideas antes del producto final. Finalmente mediante la aplicación o el software de preferencia que utilicemos, será el momento de crear nuestra ilustración digital definitiva de distintas formas: Vectorizaremos el boceto, o dibujaremos sobre él, aplicando líneas, rellenos y texturas.

Amor bajo la lluvia, Victoria P.

progamas edición

digital

Escuela de Diseño de Madrid | Programas y Software de Adobe

PROGRAMAS Y SOFTWARE DE LA SUITE DE ADOBE Escuela de Diseño de Madrid

¿Para qué sirve cada programa de Adobe?

dobe Inc. es una empresa ubicada en California, que se ha posicionado como una de las empresas más importantes en el sector de software de diseño. Destaca en el desarrollo de aplicaciones y programas para: Diseño de imágenes Edición de vídeo Edición de páginas web Ejecución de contenido multimedia

Programas de Adobe

En los últimos años se ha renovado, actualizando y mejorando todos sus productos de software e integrándolos para un trabajo y desarrollo más funcional de las tareas utilizadas. Esa integración con los servicios de almacenamiento en la red es la llamada Adobe Creative Cloud. Aunque todos conocemos la empresa y algunos de sus programas más destacados, como vemos en los cursos de diseño de Adobe, la suite de Adobe es muy amplia y llega a todas las facetas del diseño gráfico, la fotografía, el vídeo y el desarrollo web que puedas imaginar. A continuación veremos cuáles son los programas que ofrece y para qué sirve cada programa de Adobe, además de a quién va dirigido.

Para qué sirve cada programa de Adobe: programas y software de la suite de Adobe Entre los programas de edición, creatividad y diseño que encontramos en la suite de Adobe, Photoshop es, sin duda, el más conocido y extendido entre los usuarios. Fue uno de los primeros y ha evolucionado mucho desde su primera versión hasta la actual. Que sea el más conocido no significa que sea el único. Así que haremos un análisis de cada uno de los productos de software de Adobe, empezando por Photoshop.

Adobe Photoshop Es un programa que se utiliza para la edición, a nivel profesional, de imágenes y archivos, composición de diseños digitales, edición de fotos e incluso para diseño de páginas web, aplicaciones y programas. Permite realizar desde pintura digital hasta animación y diseño gráfico. También incluye herramientas para editar fácilmente y de manera rápida imágenes en 3d, vídeos y mucho más, aunque generalmente se utiliza para fotografía y edición. Es muy empleada en moda, revistas, publicidad, cartelería, diseño gráfico, marketing e imagen de marca, etc.

Interfaz de Photoshop

Adobe Photoshop Lightroom

Interfaz de Photoshop Lightroom

Es un programa independiente de Photoshop, pero que sirve para complementar el trabajo y los proyectos realizados por su compañero. Pese a ello, se centra exclusivamente en el procesamiento y la edición de fotografías digitales, dejando el diseño gráfico a un lado. Lightroom cuenta con servicio en la nube para organizar, almacenar y compartir tus fotos de cualquier dispositivo.

Escuela de Diseño de Madrid | Programas y Software de Adobe

Adobe Stock

Uso de Stock para Photoshop

Es un programa que ofrece más de 90 millones de archivos para creativos profesionales. Esto incluye imágenes, gráficos, videos, plantillas y activos 3d de gran calidad. Va integrado en Creative Cloud para su utilización con el resto de programas y herramientas de la compañía.

Adobe Illustrator Es un programa similar a Photoshop en cuanto a interfaz y utilización de las herramientas, aunque muy diferente. En este caso no trabajaremos con imágenes o vídeos, sino con gráficos vectoriales e ilustraciones de ámbito personal.Permite la creación de logotipos, iconos, ilustraciones para libros, paquetes de productos y afiches. Gracias a la integración con la nube puede usarse en el escritorio o dispositivos móviles como ipad. Ejemplo del uso de Illustrator

Adobe InDesign Se trata de una aplicación utilizada para la composición digital de páginas. Está enfocado para el sector de medios escritos y digitales, es decir, para editoriales, libros, revistas y todo tipo de trabajos relacionados con la prensa y la lectura, tanto física e impresa como digital o electrónica. Es muy utilizada por las empresas, debido a su buen funcionamiento y a las ventajas que ofrece a los profesionales. Interfaz de InDesig

Adobe Experience Design Se trata de un programa muy reciente que aún se encuentra en sus primeras versiones. Su finalidad es la de crear y diseñar prototipos de lo que será la experiencia de usuario en diferentes plataformas. Una forma de trabajar en la creación de programas, webs y apps para todo tipo de dispositivos, desde ordenadores hasta móviles inteligentes y tabletas.

Interfaz de Experience Desing

Adobe Premiere Pro

Interfaz de Premiere Pro

Es un programa creado con el fin de ayudar y ser la herramienta ideal para la edición y creación de archivos multimedia. Todo tipo de vídeos, películas, cortos, anuncios y demás archivos o proyectos pueden ser trabajados con Adobe Premiere Pro. Muy utilizado en la industria profesional para producciones cinematográficas, televisivas y pequeños proyectos cuyo destino final es la web o plataformas digitales y aplicaciones.

Adobe After Effects Este es un programa dedicado a la creación de gráficos animados y efectos visuales. Es la mejor aliada de la aplicación Adobe Premier, pues te ayudará a llevar más lejos tus proyectos audiovisuales. Es muy buena para la introducción de efectos especiales y la edición especializada de estos elementos. Al igual que la anterior, se utiliza para películas, televisión, vídeos y páginas web.

Interfaz de After Effects

Escuela de Diseño de Madrid | Programas y Software de Adobe

Sitio web de Creative Cloud El sitio web de Creative Cloud y los sitios web asociados, como Adobe Admin Console, están todos diseñados para funcionar de manera óptima con las versiones más recientes de Google Chrome, Safari, Firefox y Microsoft Edge. Es posible que tenga problemas para usar ciertas funciones en versiones anteriores de navegadores. Sistema operativo

Navegadores compatibles

macOS X

Google Chrome

Safari

Firefox

Windows

Google Chrome

Microsoft Edge

Firefox

¿Cómo adquirir las licencias del software de Adobe? En función de tus necesidades y tu trabajo, puedes necesitar toda la suite o tan solo alguna herramienta concreta, como Photoshop o Adobe Premiere Pro. Si quieres adquirir la licencia de una única aplicación puedes comprarla desde la página web oficial de Adobe. El pago es mensual, por lo que no tendrás que hacer un gran desembolso, sino que dependerá del uso y el tiempo que estés utilizando el programa en cuestión. El coste varía según la aplicación de la que se trate.

Si por el contrario lo que necesitas son diferentes paquetes o incluso múltiples aplicaciones de la suite, quizás te convenga optar por un plan de suscripción mayor, que te dará licencia para utilizar todas o casi todas las aplicaciones y los programas de Adobe y beneficiarte de todas sus características, además de algunos extras y funciones exclusivas. Hay un paquete que incluye más de 20 aplicaciones de edición, entre ellas Photoshop, Illustrator, InDesign, Premiere y Acrobat. Otra opción son packs que reúnen varias aplicaciones con objetivos similares, como por ejemplo para crear imágenes, renderizar, etc.

leyes la

gestalt

Enrique Ferrando Pérez | Principio de Figura-Fondo

PRINCIPIO DE LA RELACIÓN FIGURA-FONDO Enrique Ferrando Pérez

Figura y Fondo

n las artes plásticas tendemos a percibir ciertos elementos como figura (con formas y bordes) y otros como fondo (difusos y en segundo plano), independientemente del porcentaje de área que ocupen.

Para los psicólogos de la Gestalt, el primer estadio en la organización perceptual es la configuración de totalidades, que consta de dos componentes: Una parte más estructurada y bien delimitada, denominada figura. Otra parte indiferenciada y periférica que captamos de modo difuso, denominada fondo.

Los psicólogos de la Gestalt, corriente de la psicología de principios del siglo xx, han estudiado cómo percibimos los elementos de una manera interrelacionada y organizada, y cómo esta percepción está sujeta a aspectos que atañen al sujeto (quién observa, con qué actitud, cuánto tiempo observa, etc.). Respecto a los aspectos formales, destacan que no percibimos ningún elemento independientemente, sino en relación con otros, resultando el todo algo más que la suma de las partes.

Edgar Rubin (c. 1915). Copa de Rubin.

Además, añaden que la igualdad de estimulación produce fuerzas organizativas de cohesión (asimilación), mientras que la desigualdad de estimulación da lugar a fuerzas organizativas de segregación (contraste): Asimilación: tendencia a minimizar las diferencias entre algunos elementos. Contraste: tendencia a exagerar las diferencias entre algunos elementos. Figura y fondo presentan un contraste; esta configuración figura-fondo se halla necesariamente presente en cualquier percepción. Aspectos básicos diferenciadores entre figura y fondo son:

Figura

Fondo

Tiene forma, contorno.

Es difuso, informe.

Sobresale en primer plano

Queda en segundo plano.

Adquiere significado.

No es significativa.

Presenta colores densos y sólidos.

Presenta colores diluidos.

Se recuerda mejor.

El recuerdo es menor.

Figura y fondo, Vida Animal

Enrique Ferrando Pérez | Principio de Figura-Fondo

Edgar Rubin, también psicólogo de la Gestalt, trabajando con una serie de figuras ambiguas (figuras reversibles fondo-figura, como su célebre copa), creyó haber demostrado que toda percepción se basa en la organización figura-fondo, con el argumento de que los sujetos no pueden percibir figura y fondo a la vez. Algunas de las ideas principales de la relación figura-fondo son las siguientes:

Biologna Festival 2012

La figura está considerada como objeto, mientras que el fondo se concibe como espacio. El fondo, en la mayoría de los casos, puede imaginarse como continuo detrás de la figura. La figura parece estar más cerca de la persona que la observa. El fondo no tiene localización. La figura se recuerda más que el fondo porque tiende a producir un mayor impacto visual.

Melbourne Food & Wine Festival 2007

diseño

web

Diana Morales | Diseño Web & Diseñador Web

DISEÑO WEB & DISEÑADOR WEB Diana Morales

l diseño web implica muchas habilidades y conocimientos, las cuales dependen del diseñador. Los web developer y los web designers tienden a confundirse y pasar como uno solo, pero ambos perfiles cumplen diferentes funciones y son importantes para poder hacer que tu web funcione lo mejor posible destacándose del resto.

¿Qué es un diseñador web y cuáles son sus funciones? Contar con uno o varios en tu empresa garantiza que estén enfocados solo en tu proyecto a diferencia de los freelancers y que tengan una idea más clara de la imagen corporativa que deseas transmitir y así conseguir una web profesional. Otra de las ventajas es que al tener mayor conocimiento sobre el producto o servicio que ofreces pueden conseguir que la eficiencia de los proyectos no solo sea a corto y mediano plazo, sino también enfocada a largo plazo.

Hacer una página web es un trabajo en conjunto que requiere de una planeación previa, un diseño que considere la experiencia del usuario y que además tenga en cuenta la estética.

Además, la necesidad de poder aplicar soluciones inmediatas a cualquier imprevisto que surja, está cubierta al tener un web developer de planta.

Web developer Un web developer o desarrollador web es el encargado de programar funciones y generar aplicaciones en línea para el sitio web. Se centra en las características, los sistemas de gestión de contenidos y está más familiarizado con el lenguaje de programación que se pueda necesitar.

Web designer El web designer o diseñador web se encarga de la apariencia del sitio y entre sus funciones está determinar el diseño, la gama de colores y estilo del sitio. Tanto el diseño web como el desarrollo web son importantes y necesarios para que tu sitio sea efectivo y destaque del resto de las páginas en internet. El principal papel de un diseñador web es encontrar el equilibrio perfecto entre la estética y la funcionalidad del sitio que está creando.

CareerFoundry What Is A Full-Stack Web Developer?

Diana Morales | Diseño Web & Diseñador Web

SmallBusiness.co.uk Web designer - Small Business UK

Algunas de las habilidades y tareas que realizan los diseñadores web son: Utilizar programas para diseñar el producto final de la web. Crear el diseño en función del branding de la empresa, y tenerlo muy presente al momento de llevarlo a cabo. Resolver problemas relacionados con la experiencia del usuario como los botones.

Generar los elementos gráficos que la web requiera, como el favicon y en algunos casos las ilustraciones o los motion graphics. Utilizar y está familiarizado con el lenguaje HTML, CSS y JavaScript.

Beatriz Bezares García | Diseño Gráfico y la Publicidad

EL DISEÑO GRÁFICO Y SU IMPORTANCIA EN LA PUBLICIDAD Beatriz Bezares García

Si nadie te conoce, no te comprarán

s increíble la capacidad que tiene la publicidad para llegar a las masas y crear conciencia sobre diversos temas, no solo busca posicionar una marca, sino que de manera indirecta promueve educación, conocimientos, principios y costumbres a la audiencia. Los consumidores no te van a comprar solo porque ven algo anuncia-

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do en el metro o en las redes sociales, sino porque estos productos y servicios satisfacen sus necesidades más profundas de comunidad, idealismo y creatividad. De ahí la importancia de crear una buena campaña que inspire y proyecte los mismos valores del target al que va dirigido.

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La publicidad es el reflejo del tiempo y de la sociedad en la que vivimos, tan es así, que puedes conocer los ideales de una nación a través de sus anuncios publicitarios. Se actualiza constantemente para adaptarse a los cambios sociales y culturales que se van presentando; y al mismo tiempo que se adapta, debe tener la capacidad para ejercer una gran influencia en nuestra convicción de consumo.

No importa qué tan bueno o efectivo sea aquello que ofreces al mercado, es un hecho que la gente prefiere consumir aquello que conoce. Lo consumidores no andan investigando ni están al tanto de lo nuevo que se tiene para vender y, es por eso que, si no te anuncias, no existes. Por otro lado, también es común pensar que el fin de una campaña publicitaria es decirle a la mayor cantidad de

personas que tienes algo para vender; sin embargo, la tarea de la publicidad es convertir un producto o servicio cualquiera en algo que se distinga del resto para llegar a un determinado tipo de público. No es verdad que entre más conocido sea un producto tendrá mayores posibilidades de ser consumido. Para que la publicidad sea eficaz, se requiere una conexión emocional con el consu-

Beatriz Bezares García | Diseño Gráfico y la Publicidad

midor; es decir, que la información que se transmita sea capaz de hacer sentir algo a las personas sobre el producto. El cliente necesita sentirse emocionalmente conectado con el mensaje para generar lealtad hacia la marca, lo que se traduce a la larga en mayores ventas.

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Un diseño bien ejecutado hará que las ventas suban La comunicación visual es de vital importancia para transmitir un mensaje de forma directa al público. Hoy en día, el mundo está dominado por imágenes y por símbolos que afectan nuestra comprensión y nos condicionan a la hora de tomar decisiones. Para ello, el diseño gráfico toma un papel preponderante en los medios publicitarios, porque nos ayuda a comunicar los valores de un producto o servicio de una forma clara y efectiva, sin sufrir de dobles interpretaciones o confusiones.

El papel del diseño gráfico en la publicidad es crear piezas publicitarias que informen y motiven a los consumidores la compra del producto o servicio, y puede abarcar diferentes elementos como: identidad corporativa, creación de logotipos, diseño publicitario, diseño de catálogos corporativos, folletos de publicidad, diseño editorial, campañas promocionales, señaléticas, diseño de packaging y diseño de stands, entre otros.

Cuando el diseño solo es una herramienta que se utiliza para vender Lamentablemente, el diseño está pasando por una crisis de identidad, ya que es frecuente que muchas empresas o agencias se conformen con personas conocedoras que se enfocan únicamente en el aspecto técnico, preocupados por utilizar programas de diseño o animación, pero sin ponerse a pensar que el diseño no es solo materia práctica, sino una materia que guarda más connotaciones dentro de ella. Lo más probable, es que un anuncio hecho por una persona sin conocimientos no logre transmitir el mensaje que queremos comunicar con efectividad. Por ello, un anunciante debe invertir en un buen diseño gráfico, con óptima presentación, dotado de carácter y, sobre todo, diferente al de la competencia.

Como ya lo mencionamos, el mensaje a transmitir debe ir acompañado de una conexión emocional, por lo que el diseñador investiga con antelación el interior de las personas a las que se dirige, para entender sus procesos cognitivos, perceptuales y emocionales con el fin de que la información se entienda y, sobre todo, deje una huella en la audiencia. Y hasta que haya pasado este proceso, no antes, se espera que el consumidor comprenda la marca construida y adquiera el producto o servicio anunciado.

El diseñador tiene el deber y la responsabilidad de conocer e informarse sobre las necesidades del público al que se dirige, ya que lo que se intenta es generar cambios tanto en sus actitudes como en sus comportamientos. Para ello se debe hacer un recuento de información y una espiritualización acertada para crear un acomodo de colores, formas, fotografías y demás. Algunos elementos a tomar en cuenta son: Edad Sexo Público al que se quiere llegar Producto o servicio que se ofrece Nivel sociocultural del target Necesidades del público objetivo Soluciones que se ofrecerá del producto o servicio

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Existen estrategias publicitarias o de marketing que gastan grandes cantidades de dinero para poder llegar a la mayor cantidad de personas, y saturan los espacios publicitarios apareciendo en todos los formatos posibles y a cualquier hora del día; sin embargo, hay marcas que con poco presupuesto «te

dejan boquiabierto con su publicidad». Tal es el caso de converse, con su campaña Made by you, una estrategia de comunicación basada en contar historias a través del arte, el diseño y la creatividad, producida a nivel global y dirigido a consumidores de diferentes partes del mundo.

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