LA DISQUERA 2025. FOTO: CHARLY PIAZZA
SEPTIEMBRE 2026 Nº353 mondosonoro.com
MONDO SUR
Reformulando lo independiente La Disquera celebra su segunda edición el 26 de septiembre en el Cuartel de Artillería de Murcia con un amplio programa de actividades que, de algún modo, reivindican la independencia no como un género, sino como una manera de crear y compartir música. Con la presencia de profesionales de todo el sector musical, La Disquera abre sus puertas al público en general y la entrada será gratuita.
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a Disquera volverá a convertir Murcia en punto de encuentro para quienes entienden la independencia no tanto como un sonido concreto, sino como una manera de hacer las cosas. Su segunda edición, el 26 de septiembre en el Cuartel de Artillería reunirá sellos, artistas, estudios, productores, editoriales, medios y profesionales alrededor de una idea común: que lo independiente también se construye desde la edición, la producción, la distribución, la comunicación y las redes que permiten que una canción encuentre su camino. La entrada a todas las actividades es gratuita hasta completar aforo. El encuentro amplía así el foco más allá del escaparate discográfico. El mercado de sellos volverá a ser uno de sus ejes, con nombres como Calaverita Records, Discos Bora Bora, Flor y Nata, Grabaciones Vistabella, Hurra!, La Semilla, Son Buenos, Perdición o Talento Gorila. Un recorrido por catálogos, novedades, discos, merchandising y proyectos que dibujan distintas maneras de sostener la actividad musical desde estructuras pequeñas y cercanas a los propios artistas.
La música en directo ocupará dos escenarios del recinto con showcases de Anaut, Bicicleta, Clara Plath, Caries, Gala del Clot, Gema Elagua, Gluu!, Karlan, Lepanto, Los Amigos de los Animales, La Última Copa, Los Primos Chicos, Pedriñanes 77, Pértiga, Radio Palmer o Ruto Neón. Una extensión natural de los sellos participantes y, al mismo tiempo, una puerta abierta al descubrimiento de propuestas que no siempre encuentran espacio en los circuitos más previsibles. Esa voluntad de expresar el significado de lo independiente estará también en las charlas, mesas de diálogo y encuentros profesionales, con asuntos como distribución, pitch, artwork, merchandising o nuevas tendencias de la industria. La Disquera quiere facilitar además el contacto entre compositores, músicos e intérpretes y discográficas, estudios, productores, editoriales o music supervisors, haciendo del networking una parte esencial de la jornada. La prensa musical contará también con programas de radio y podcasts en directo, con Capitán Demo, Indie FM, Sold Out Mag, Murcianeo, Achopodcast y por supuesto, MondoSonoro. A ello se sumarán
actuaciones y performances sorpresa, incluidas propuestas de artistas noveles que todavía buscan sello. La programación se extenderá al 24 de septiembre con los Premios de la Música Independiente de la Región de Murcia, en la Sala de Catas de Estrella de Levante, y se completa con un taller de composición y producción junto a Fundación SGAE. Dani Sabater y Félix Esteban, con el ingeniero de sonido Antonio Navarro, trabajarán con Sissy, Manu Márquez, Lucía García y Borja Ortiz de Pértiga y Víctor Murcia en el desarrollo de temas originales. Más que delimitar una escena, La Disquera parece interesada en ensancharla. Sobre todo en un momento en el que el término independiente ha acabado muchas veces asociado a un estilo, una estética y, por tanto, a una industria concreta. Reformularlo no solo supone devolverlo a su origen, como una forma de crear, producir, editar y compartir música desde otros márgenes, sino también situarlo en el presente y aprovechar las posibilidades que hoy permiten que una canción nazca, se produzca y llegue al público por caminos distintos.—MS
MARÍA MARÍN. FOTO: M. ELEHAZAR
K-Beat Fest cita en Málaga a ídolos y fans del K-Pop
Bienal de Flamenco de Sevilla La XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla articula su nueva edición alrededor de un género en movimiento en tiempo y espacio. Con veinte estrenos absolutos y artistas dispuestos a tensionar sus códigos para alcanzar esa pureza precisamente desde la fricción con otros lenguajes estéticos.
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el 9 de septiembre al 3 de octubre, Sevilla se volverá a convertir en uno de los grandes laboratorios del flamenco contemporáneo. Cante, baile y toque convivirán con nuevas formas de entender el género, en una edición especialmente volcada en la creación, con veinte estrenos absolutos y una programación que cruza generaciones, lenguajes y maneras muy distintas de relacionarse con la tradición. “No hay nada más impuro que el flamenco”, nos decía Ángeles Toledano a propósito de su debut, una frase que resume bien el espíritu de una Bienal construida desde la mezcla, la búsqueda y la transformación. La jiennense llegará, además, con La misma sangre del cuerpo, un estreno en el que vuelve a partir del cante tradicional y de sus propias letras para seguir desarrollando esa mirada contemporánea, personal y nada complaciente que ya atraviesa su trabajo. La incorporación de la Real Fábrica de Artillería como escenario de creación contemporánea encuentra uno de sus mejores ejemplos en Ana Morales. La bailaora estrenará allí Rapsodia. Fantasía subterránea, una obra conectada con los pasadizos históricos situados #2 septiembre 2026
bajo Sevilla, que propone un viaje a la ciudad de los siglos XVI y XVII. Con dirección musical de Niño de Elche, guitarra de Manolo Franco y saxofón y electrónicas de José Vendetti, la pieza cruza memoria, flamenco y experimentación. En esa misma voluntad de desplazar el género hacia otros territorios, la guitarrista, compositora y cantante María Marín presentará Las Tres Marías, un proyecto que se mueve entre tradición flamenca, música popular y experimentación contemporánea y que resume bien uno de los nervios de esta Bienal: partir de un lenguaje reconocible para llevarlo hacia un territorio propio. Y así Rosario La Tremendita llevará la raíz hacia el jazz, el rock y el funk, Dorantes reducirá Fractal arca a piano y palmas y Rafael Riqueni dialogará con Tim Ries en Tunisi. Israel Galván llevará esa idea de transformación hasta Ravel en Bolero de blanco y negro, una relectura del célebre pulso repetitivo del compositor francés desde un cuerpo flamenco acostumbrado a desmontar códigos, compases y formas para volver a armarlos de otra manera. Andrés Marín, Sara Baras, Farruquito, Olga Pericet, David Coria y Pablo Martín Caminero completan una programación que entiende la tradición como materia viva. —MS
El 19 de septiembre aterriza en el Auditorio Municipal de Málaga la primera edición de K-Beat. Primer festival de estas características en el sur de España. P1Harmony, Xlov, Kard, Shaun y Young Posse en un cartel para todo el fandom.
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ace tiempo que el K-Pop dejó de ser una corriente llegada desde Corea para convertirse en uno de los fenómenos más poderosos de la cultura popular global. Ahora esa ola encuentra una nueva orilla en Málaga. K-Beat Fest aterriza en la ciudad con la intención de llevar por primera vez al sur de España un festival construido íntegramente alrededor de ese universo y, de paso, convertir el Cortijo de Torres en una ventana abierta a toda la K-culture. La música será, naturalmente, el centro de una jornada que reúne distintas generaciones y maneras de entender el género. P1Harmony pondrán su combinación de pop, hip-hop y coreografías de precisión. XLOV, una de las propuestas emergentes más singulares, llegará con su concepto genderless. Kard aportará la particularidad de una formación mixta y su mezcla de electrónica y ritmos tropicales. Mientras que Shaun, autor del fenómeno internacional “Way Back Home”, y el hip-hop de vieja escuela de Young Posse completan un cartel que refleja la diversidad de la escena actual. Pero K-Beat mira también a todo lo que sucede alrededor de las canciones. Gastronomía, K-Beauty y otras expresiones de la cultura popular surcoreana formarán parte de una cita concebida desde el propio fandom para demostrar que aquello que empezó viajando a través de pantallas y redes sociales, hace tiempo que reclama también sus propios espacios físicos de encuentro.—MS Mondo Sonoro edición Sur
FOTO: ALEJANDRA AMERE
sorprendas ” e u q re p m ie “S s por delante al público va
DISCO DEL MES.
Cervatana
Cervatana convierte su debut en una rave mutante de electrónica, krautrock, psicodelia y músculo rock. Un viaje distópico, físico y ritual que mira al futuro sin renunciar al golpe directo. Diez dardos certeros pero de largo alcance. El veneno de The Prodigy, la precisión de James Blake.
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ervatana entra de lleno en ese terreno resbaladizo del rock electrónico sin demasiadas precauciones y con una idea bastante clara: que el golpe sea físico. Miguelito García y José Ugía, de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, junto a Fran El Punky, de Kelia, levantan en su debut homónimo una masa sonora donde bases electrónicas, psicodelia ácida, krautrock y músculo rock conviven con una naturalidad poco habitual. No hay aquí voluntad de encajar en una etiqueta concreta, sino de llevar al límite una mezcla que funciona mejor cuanto más visceral se vuelve. La sombra de The Prodigy aparece de inmediato, pero Cervatana se abre también a influencias menos previsibles. Moderat, James Blake, Massive Attack o Hans Zimmer forman parte de un paisaje que el grupo lleva hacia una dimensión propia, más meridional y menos fría. “Estamos acostumbrados desde la cuna a escuchar una sonoridad. No se trata de forzar ni de sonar andaluz, sino de que, cuando nos ponemos a tocar, son las armonías que hemos respirado”, explica Miguel. Ese cruce de referencias termina dando forma a una especie de rave rock mutante articulada como un viaje continuo. No hay cortes reales entre canciones, sino #4 septiembre 2026
capítulos que se van encadenando dentro de una narrativa distópica que sugiere que una inteligencia artificial despierta en un mundo devastado y busca experimentar en un cuerpo las emociones humanas que conoce pero nunca ha sentido. La idea es ambiciosa, pero el disco no se atasca en el concepto. La historia funciona sobre todo como marco para un sonido que quiere avanzar siempre hacia delante. “Despertar” abre esa puerta con una acidez sintética que inevitablemente recuerda a finales de los noventa y primeros dos mil, cuando la frontera entre rock y electrónica se volvió especialmente fértil. “La bomba” lleva esa energía hacia un terreno más directo y explosivo, mientras “El templo” encuentra uno de los puntos más hipnóticos del álbum, entre pulsión de club, psicodelia y una atmósfera cinematográfica que conecta con el imaginario de The Matrix o Blade. El viaje culmina con “El cazador”, un kraut oscuro, frenético y casi tribal donde el bajo conduce la pieza hasta una catarsis que resume bien el espíritu de todo el álbum. Es ahí donde el disco termina de despegarse de sus referencias más evidentes y encuentra una personalidad propia, menos pendiente del homenaje que de empujar todos esos lenguajes hacia una experiencia común, física
y envolvente. La clave está precisamente ahí, Cervatana no busca que su electrónica se contemple, sino que se atraviese con el cuerpo. Incluso cuando el diseño sonoro se vuelve minucioso o la producción construye paisajes casi cinematográficos, el disco mantiene una tensión física constante. Fran lo expresa sin demasiados rodeos. “Nos encantaría ser referencia en España de la electrónica fuerte en directo”. Miguel lleva esa aspiración un poco más lejos.“Para nosotros esto es una cosa muy ritual, espiritual. Subirnos a un escenario, darnos un abrazo y mirarnos a los ojos, estar conectados, es fundamental”. Esa conexión termina siendo también la mejor respuesta a la propia distopía que plantea el álbum. En tiempos en los que la inteligencia artificial ya empieza a infiltrarse incluso en la música de consumo cotidiano, Cervatana reivindica algo tan elemental como difícil de reproducir, digamos química, riesgo, sorpresa... Fran vuelve a ser explícito. “Sí, pero dile a la IA que haga el disco de Cervatana si tiene huevos. La IA sólo puede hacer cosas basándose en lo ya hecho”. Y quizá ahí esté la verdadera declaración de intenciones del grupo. “Siempre que sorprendas al público vas por delante”.—MS Mondo Sonoro edición Sur
TEENAGE FUNCLUB
THE BOO RADLEYS
FESTIVALES 2026
3 al 19 septiembre Murcia
LEMON POP
El Lemon Pop celebra su 30 aniversario, una edición especial que reunirá 17 conciertos gratuitos en distintos espacios de la ciudad, con dos jornadas centrales los días 11 y 12 en Murcia Parque. The Boo Radleys, Camellos, Cora Yako, Juventude, Exsonvaldes o Pértiga forman parte de un cartel que vuelve a combinar nombres consolidados y nuevas propuestas. Tres décadas después, Lemon Pop mantiene intacta su vocación de descubrir canciones y bandas.
1001 MÚSICAS CAIXABANK
3, 4 y 5 septiembre Granada
Boikot, Seguridad Social, Poncho K, Mägo de Oz y Rebrote encabezan un cartel que sigue apostando por el talento granadino de la mano de Dark Libra, Paulina del Carmen, Sarajevo 84 o La Hija Única.
BEDOUIN BURGER
SISTEMA DE ENTRETENIMIENTO
Tras noches memorables como la de Sting en la Plaza de Toros, el ciclo granadino encara su recta principal con un programa que, ante todo, rebosa excelencia, oficio y personalidad. Imagina a Maika Makovski, a los Teenage Funclub o a Loquillo en espacios singulares de la ciudad. No cabe duda, se van a cumplir muchos deseos, más de mil.
ZAIDÍN ROCK
BOIKOT
Septiembre y Octubre Granada
25 y 26 septiembre Los Escullos. Almería
25 y 26 septiembre Melilla
UFOVISIÓN
IWA FEST
11 septiembre al 3 de octubre Sevilla
Tercera edición que vuelve a extender la música desde Sevilla hacia distintos municipios del área metropolitana. La programación reunirá nombres como Los Planetas, Morgan, Tanxugueiras, Ginebras o La Plazuela. Un festival que crece sin perder cercanía.
PATIO + METRÓPOLIS #6 septiembre 2026
MACACO
LA PLAZUELA
Melilla volverá a convertirse durante una semana en punto de encuentro para músicas, culturas y escenas a ambas orillas del Mediterráneo. Bajo el lema Connecting Europe & Africa, esta quinta edición reúne a Queralt Lahoz, María Arnal, Bedouin Burger o Ammar 808 en ese espacio idílico que es el Fuerte Victoria Grande.
En este verano de eclipses y terremotos tenemos que decir que el Camping Los Escullos en Cabo de Gata es nuestra particular Area 51. Ya son cinco misiones y avisamos que si el cartel te atrapa, el lugar y el público directamente te abduce. Irás y volverás.
10 y 11 de octubre Zahara de la Sierra Cádiz
El ecofestival gaditano ha confirmado a Macaco, Seguridad Social, Mario Díaz, Pedro Pastor y Miguel Company como primeros nombres. El Área Recreativa de Arroyomolinos, “La Playita”, volverá a acoger conciertos y actividades para todas las edades.
SIERRA SUR Mondo Sonoro edición Sur
EN EL . DISPARADERO.
mundo de los “Hemos caído delm sueños y empezaenos erra” a poner los pies la ti
Naiades
Entre la vigilia y el sueño, lo onírico y los primeros bocados de realidad flota el pop de Naiades. Su último single juega con el termino “(D)espacio” pero tras ganar Emergentes de PlantaBaja y SoundBox de CajaSonora, la joven banda granadina pone una segunda marcha.
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n apenas unos meses, Naiades han pasado de llamar la atención dentro de la escena granadina a encadenar reconocimientos como SoundBox de CajaSonora y Emergentes de PlantaBaja. “Lo que más nos ha emocionado al ganar estos premios es principalmente la oportunidad de llegar a más gente”. Su recorrido comenzó con “Honey”, una primera carta de presentación con una identidad visual y conceptual definida. Aquella canción hablaba del paso del tiempo y de una “juventud dorada”, como ellos la definen, esa etapa que se recuerda con añoranza y que, con la distancia, acaba adquiriendo un brillo casi idealizado, mientras Naiades buscaban refugio en texturas psicodélicas y metáforas. Ese universo encontró forma en Chapter one: dreams, un primer EP que convirtió los sueños en escenario para contar historias de amor, desamor y obsesión adolescente. El subconsciente y la mitología griega servían para transformar experiencias cotidianas en relatos casi oníricos. “Utilizamos el mundo de los sueños como
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un escenario en el que el subconsciente aísla personas o situaciones de la vida real y las trata como personajes de una historia”. Esa mirada hacia dentro continúa presente, aunque ahora las canciones comiencen a pisar terrenos más concretos. También ha cambiado la propia banda. El aumento de miembros ha desplazado una composición inicialmente muy apoyada en la producción hacia una dinámica más cercana al directo. “Con la incorporación del resto de instrumentistas, la composición está más orientada al directo”. Su sonido se mueve entre el indie, la psicodelia y elementos del funk o el reggae, con influencias que van de Tame Impala a Carolina Durante o Depresión Sonora. Canciones como “Fall” muestran esa evolución. Nació durante una noche de Halloween, después de una conversación sobre preocupaciones amorosas que acabó convirtiéndose en melodías y letras. “El punto de partida para nuestros temas suele ser una experiencia cotidiana, una cosa que beneficia a la composición es que no solo somos compañeros de
banda, sino que somos amigos”. Esa mezcla entre experiencia íntima y construcción colectiva explica buena parte de una formación de seis integrantes. Granada también resulta fundamental. Naiades hablan de una escena emergente alimentada por concursos y bandas que crecen simultáneamente, aprendiendo unas de otras y construyendo comunidad. “Creemos que cada banda puede aportar algo propio y único”, dicen sobre una escena granadina en la que distintas formaciones emergentes crecen a la vez, se conocen y terminan aprendiendo unas de otras. Quizá por eso el siguiente capítulo ya no parece destinado a desarrollarse únicamente dentro de los sueños. “Hemos caído del mundo de los sueños y empezamos a poner los pies en la tierra”. Naiades quieren ahora hablar de la entrada en la vida adulta, el ritmo de vida en la sociedad actual o la depresión, sin abandonar asuntos que siempre han estado ahí: el amor, el paso del tiempo y la muerte. El sueño continúa, pero cada vez se parece más a la realidad. —ARTURO GARCÍA
Mondo Sonoro edición Sur
OMEGA. FOTOS: GUITARRA CÓRDOBA
CRÓNICAS
Omega, la cuarta vida Lugar: Teatro La Axerquía. Festival Guitarra Córdoba Fecha: 11/07/26
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udo ser en Madrid, pero fue en Córdoba, ciudad de la que Enrique Morente confesó alguna vez guardar mejor recuerdo de la gira de Omega. El Festival De La Guitarra cerraba su edición con un estreno que, lo quieran o no, se agarraba a las expectativas. Treinta años de aquella espantá que produjo Omega en la música popular de aquí a Nueva York y justo en el momento en el que este disco ha sido cabecera y catecismo de una generación de artistas que lo han llevado de la vanguardia a la tendencia. Tres vidas decía Antonio Arias -Lorca, Leonard Cohen y Enrique Morente- en el epílogo mientras bailaba el último vals del espectáculo con el cuarto en discordia, Kiki Morente. Pero aquí no hemos venido a hablar ni de muerte ni mucho menos de resurrección. El comienzo tuvo esos desajustes técnicos propios de un estreno, todo el elenco echándose la mano al pinganillo. Muy plano todo todavía aunque Kiki dejando claro que este Omega iba a tener voz propia, la suya. El primer acto lo cerraban La#10 septiembre 2026
gartija Nick con “Niña ahogada en pozo”. El menor de los Morente regresó al escenario para arrancar un segundo acto por tangos, y claro, fuera caretas, aquí Kiki domina y “Solo del pastor bobo” le dieron centro al espectáculo y a su protagonista. “Sacerdotes”, un tema más libre en estructura, se convirtió en el primer momento de comunión generalizada en la Axerquía con esa pregunta eterna: ¿Quién te escribirá canciones de amor? Con “Adán” se cierra la parte más introspectiva, la más humana, la más desnuda, pero la más reveladora del nuevo actor de Omega, que se demuestra preparado para afrontar la última parte del recorrido. Y entonces llegó el “Kyrie Eleison”. No como una canción, sino como una frontera. Las voces de Noemí Humanes y Aroa Palomo dejaron de ser coros y jaleos para convertirse en un coro litúrgico. También Israel Galván encontró por fin su sitio. Fue el instante en que el concierto dejó de parecer un concierto para convertirse en un ritual. Entonces se abrieron las puertas y comenzaron a caer las estatuas. Sonó “Omega”. Kiki volvió a ponerse la chaqueta que había aguardado sobre la silla. No era la de Enrique. Era la suya. Fue entonces cuando dejó de cargar con el peso de
un apellido para sostener, con voz propia, una obra que nunca quiso imitar. “Vuelta de paseo” devolvió el protagonismo a Lagartija Nick, recordando que Omega nunca fue un diálogo entre dos mundos, sino la creación de un lenguaje nuevo. “Aleluya” dejó de ser una versión de Leonard Cohen para convertirse en una plegaria contemporánea. Antonio Arias la dedicó a una Palestina libre. La banda abandonó el escenario. El ritual había concluido. Quedaba la celebración. Antonio Arias regresó para poner palabras a lo que acababa de suceder. Habló de las tres vidas que habían hecho posible Omega: Federico García Lorca, Leonard Cohen y Enrique Morente. Y entonces añadió una cuarta. La de Kiki. No como heredero, sino como alguien que acababa de incorporarse a una historia que ya también le pertenece. Pero ya lo decía el guión: “Esta no es manera de decir adiós”. Faltaba la “Dama errante”, la que siempre ha estado detrás, entre bambalinas y todo lo ha dandarandado por ellos. Tenía que estar la otra Aurora del Albaycín, la Carbonell, que se sumó al fin de fiesta y fue la primera en felicitar a su hijo. El Festival de la Guitarra de Córdoba se apuntó otra de esas mil y una noches. —ARTURO GARCÍA Mondo Sonoro edición Sur
FOTO: NICCOLO GUASTI
Marilyn Manson
Lugar: Plaza de España. Sevilla Icónica Santalucía Sevilla Fest Fecha: 06/07/26
N FOTO: MARÍA VILLA
o hizo falta esperar a Halloween para que Marilyn Manson volviera a demostrar que es uno de los artistas más siniestros, extravagantes y fascinantes que ha dado la historia de la música. Dentro de su gira mundial One Assassination Under God Tour, el estadounidense aterrizó en Icónica Santalucía Sevilla Fest para ofrecer el único concierto previsto en Andalucía. El crossover con Sevilla era tan improbable como irresistible. Una ciudad acostumbrada a convivir con imágenes religiosas acogía al señalado Anticristo del rock. Y, sin embargo, el encuentro funcionó. Hay
artistas que encajan en Sevilla por tradición y otros por contraste. Muchos de los que llenaban la Plaza de España estudiaron la Selectividad con el Mechanical Animals o el Holy Wood sonando en sus habitaciones. Han pasado casi tres décadas y Marilyn Manson ya no es el mal catalogado monstruo que escandalizaba a medio mundo, sino una leyenda que sigue haciendo de cada concierto una ceremonia exenta de pánico moral. No hubo sorpresas de esas que alimentan las redes sociales. Ni apareció Johnny Depp colgándose el bajo, ni Billy Corgan vestido de monja. Aquí nadie lanzó al escenario las cenizas de su madre, como le ocurrió hace unos años a P!nk. Antes, VOWWS calentó el ambiente con su envolvente propuesta industrial, pre-
Angelus Apatrida Lugar: Sala París 15. Málaga Fecha: 26/06/26
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ngelus Apatrida es uno de esos grupos de metal capaces de traspasar la frontera entre lo mainstream y lo independiente y captar incluso la atención de quienes no se consideran metaleros. La Sala París 15 de Málaga registró una generosa entrada el pasado 26 de junio, con Magma Banana y V3ctors como encargados de abrir la velada. Con el Mondo Sonoro edición Sur
ambiente ya caldeado, los albaceteños no tardaron en adueñarse del escenario y confirmar por qué siguen siendo uno de los grandes referentes del thrash metal europeo. El arranque con “One of Us” fue toda una declaración de intenciones. Sin apenas pausas entre canciones, la banda enlazó “Snob”, “Indoctrinate”, “Cold” y “Vomitive”, construyendo un inicio de concierto vertiginoso en el que la precisión instrumental y la contundencia de su sonido marcaron el ritmo de la noche. La sala
parando el terreno para la aparición de Brian Hugh Warner, el hombre que acabó convirtiéndose en Marilyn Manson, ese personaje del que durante años circularon leyendas urbanas tan absurdas como la de que era el gafotas de Aquellos maravillosos años o que se había quitado dos costillas, una fantasía pop que comparte con Cher. Nada de eso importaba ya cuando apareció sobre las tablas explotando una androginia que sigue desafiando etiquetas, entendiendo el espectáculo como una extensión de su propia videografía, probablemente una de las más impactantes e influyentes de los años noventa. Porque si algo conserva Manson es la capacidad de convertir cada concierto en una representación teatral. Su ascenso, su crisis, su caída y su posterior resurrección forman parte del personaje tanto como el maquillaje o las plataformas. Le avala un repertorio que ha envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Disposable Teens, This Is the New Shit, Tourniquet, The Nobodies y The Dope Show mantienen intacta esa mezcla de ira y provocación que convirtió a Manson en uno de los nombres imprescindibles del cambio de siglo. Nunca falta Sweet Dreams (Are Made of This), una versión que hace tiempo dejó de pertenecer únicamente a Eurythmics para convertirse en uno de los grandes clásicos de sus directos, al igual que el Personal Jesus. Ojalá los Depeche en próximas ediciones del festival. Así, como deseo. Nada es improbable después de escuchar aquel sorprendente mash-up con Mariah Carey que tan bien resume el gusto de Manson por dinamitar cualquier frontera entre el pop y la oscuridad. —BEATRIZ RODRÍGUEZ RUIZ malagueña respondió desde el primer minuto con pogos, headbanging y una entrega constante que convirtió el recinto en un hervidero de energía. El repertorio alternó composiciones de su etapa más reciente con algunos de los temas que han consolidado la trayectoria del cuarteto. “Of Men and Tyrants”, “We Stand Alone”, “End Man” y “Violent Dawn” mantuvieron el nivel de intensidad mientras Guillermo Izquierdo se mostraba cercano con el público, agradeciendo el apoyo recibido y animando a una audiencia que no dejó de responder a cada invitación. La compenetración entre los cuatro músicos quedó patente en una actuación sólida, sin fisuras, acompañada de un sonido muy bien mezclado. La recta final elevó todavía más la temperatura con “Give ‘Em War”, “Versus the World”, “Sharpen the Guillotine” y “Serpents on Parade”, temas que desencadenaron los pogos más intensos de la noche y mantuvieron a buena parte de la sala en constante movimiento. Cuando el concierto parecía haber alcanzado su techo, “Thrash Attack” sirvió de antesala para el cierre con “You Are Next”, una despedida perfecta para una actuación que apenas concedió respiro durante más de hora y media.—MARÍA VILLA septiembre 2026 #11
FOTOS: SARAI RAMOS Y DAVID SHOOT EL CANIJO DE JEREZ.
MIKE TOWERS.
DELLAFUENTE. MEDINA AZAHARA.
Weekend Beach Lugar: Playa de Poniente. Torre del Mar (Málaga) Fecha: 09 al 11/07/26
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n verano más, el Weekend Beach Festival ha vuelto a convertirse en ese “soplo de aire fresco” que cantaba Medina Azahara, un oasis de música a orillas del mar en el corazón de la Costa del Sol para recordarnos que en julio, además de por el fútbol, tenemos excelentes motivos para trasnochar. En su undécima edición, el festival de Torre del Mar volvió a dar un golpe sobre la mesa con uno de sus carteles más rotundos de los últimos años. De Myke Towers al siempre torbellino de David Bisbal, pasando por la veteranía de Mägo de Oz, la contundencia de Dellafuente y la savia contestataria de Alcalá Norte y Biznaga, la cita prometía no dejar a nadie indiferente. WBF se estrenó el jueves con el rock andaluz de Medina Azahara. Una bienvenida con sabor a despedida. En una actuación especialmente emotiva por formar parte de la gira con la que la banda cordobesa se despide de los escenarios, la inconfundible voz de Manuel Martínez se coló en las gargantas de miles de personas que corearon “Necesito respirar”, “Abre la puerta” o “Todo tiene su fin”. Fue el broche de una #12 septiembre 2026
jornada de bienvenida que vibró también con la energía contagiosa de La Pegatina y el rock combativo de Boikot, que desató un pogo multitudinario al ritmo de las olas. La jornada del viernes no dejó ni un segundo para la tregua. Con miles de ojos puestos también en la pantalla instalada para seguir el España-Bélgica del Mundial, hasta Ana Mena detuvo por un instante su show para cantar el gol de Fabián que allanaba el camino de la selección hacia las semifinales. La malagueña jugaba en casa y derrochó complicidad con un público que después se entregaría al almeriense más universal, David Bisbal, quien tampoco quiso olvidarse de los difíciles momentos que atravesaba su tierra a causa de los incendios antes de desgranar “Ave María”, “Oye el boom”, “Bulería” o “Wavin’ Flag”, el himno del otro Mundial, el de Sudáfrica. El fútbol fue el otro gran protagonista de la noche. Lamine Yamal se coló en las canciones de Morad, mientras Dellafuente, en su único concierto en Andalucía, se erigió en el Dios Baco de esta edición con un maridaje especial de sus canciones dentro de la gira El Banquete, acompañado por decenas de músicos, coristas, bailarines y figurantes. Alcalá Norte reunió a “Los llamados Pitagóricos” y a otros que esperaban a Morad intentando descifrar el post-punk
de los madrileños, mientras la electrónica mantuvo el pulso de la jornada hasta bien entrada la madrugada. La noche del sábado sirvió de reencuentro con algunos buenos amigos del Weekend Beach como El Canijo de Jerez, esta vez acompañado por Los Estanques en ese extraordinario punto de fuga que han fraguado, y Mägo de Oz, que volvieron a demostrar que cada vez que suena “Fiesta pagana” es imposible mantener el tipo. Aunque el rey de la noche venía de Puerto Rico. Myke Towers ofreció un directo arrollador que puso a bailar a todo el recinto desde “Lalala” hasta “Adivino” y “La falda”. La energía de Biznaga encontró el eco de un público que coreó con fuerza aquello de Madrid nos pertenece... ¡y Málaga también!. Abraham Mateo protagonizó otro de los momentos emotivos al invitar al escenario a Curro, un joven que había sufrido bullying, y aprovechar para enviar un mensaje de apoyo a quienes siguen padeciendo esta lacra. Ha sido un Weekend Beach plagado de nombres propios, con el buen ambiente, arriba y abajo del escenario, como hilo conductor de todas las jornadas. Un Weekend Beach más para guardar en un lugar destacado de la memoria de este verano y que nos hace esperar con ganas el que vendrá. —BLANCA DURÁN
Mondo Sonoro edición Sur
Sanguijuelas
FOTOS: VERA NOVELLA
del Guadiana
Dos noches en la plaza alta Lugar: Alcazaba de Badajoz. Fecha: 24 y 25/07/26
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a Plaza Alta y el entorno de la Alcazaba resumen buena parte de la transformación vivida por el casco antiguo de Badajoz. Recuperar un espacio histórico, devolverle la vida y proyectarlo hacia el presente sin borrar las huellas de su identidad. Algo parecido ha conseguido Sanguijuelas del Guadiana con la música popular extremeña, renovando sus sonidos y códigos sin desprenderlos de la tierra de la que proceden. Sanguijuelas del Guadiana reunió a 16.000 personas en la Alcazaba de Badajoz. Jóvenes, familias, veteranos del rock, público indie y aficionados al folk compartieron dos noches en las que las diferencias desaparecieron para cantar al unísono. Una celebración de la identidad extremeña acompañada por una producción de gran formato que mantuvo la cercanía y autenticidad de la banda. En apenas dos años, el grupo ha pasado de presentarse como proyecto emergente en la MUM —Jornadas Profesionales de la Música de Extremadura— a convertirse en uno de los fenómenos musicales surgidos en la región en los últimos años. Su lema, Verbena en vena, resume una propuesta Mondo Sonoro edición Sur
que convierte la tradición en orgullo y demuestra que desde un municipio de apenas mil habitantes pueden surgir canciones capaces de unir a miles de personas. La primera jornada arrancó con La Kaita y Juan Vargas, dos referentes del flamenco extremeño que tendieron un puente entre la tradición y la nueva escena. Después, Sanguijuelas del Guadiana construyó un repertorio en el que emoción y celebración caminaron de la mano. “100 amapolas” convirtió la Alcazaba en un inmenso coro colectivo, “Me da igual” hizo saltar al público y “Llevadme a mi Extremadura” protagonizó uno de los momentos más emocionantes de la noche. La conexión fue absoluta y confirmó que la banda ya trasciende lo estrictamente musical para convertirse en una celebración compartida de las raíces extremeñas. Malasangre, KMKR y Estanco 72 completaron una noche que sirvió también para mostrar el excelente momento creativo de la región. Si el viernes fue una celebración, el sábado supuso la consagración de un fenómeno que ya trasciende Extremadura. La primera fecha anunciada había agotado todas las entradas en apenas unas horas. Bolsa de Moscas abrió la jornada como representante de esa nueva generación
de artistas extremeños contempopráneos que convierten sus canciones en relatos cercanos a su tierra. Con Sanguijuelas de nuevo sobre el escenario, “La Brecha”, “Jaribe” y “Yesca” fueron elevando la intensidad hasta llegar a “Revolá”, interpretada junto a Celia Romero. Miles de personas de edades y gustos muy distintos la cantaron al unísono, convirtiéndola por unos minutos en patrimonio emocional colectivo. La Kaita regresó después para interpretar una poderosa versión rock de “Soy de Badajoz”, uno de esos momentos en los que tradición y presente dejaron de parecer dos cosas distintas para formar parte de una misma celebración. La despedida llegó con una frase que ya sonó a promesa compartida: “Juro que volveré”. Cuando las luces se apagaron, quedaba la constatación de que lo vivido iba mucho más allá de un éxito de convocatoria. Sanguijuelas del Guadiana ha conseguido algo reservado a muy pocos artistas: convertir un concierto en una experiencia compartida, un repertorio en una colección de himnos populares y una banda en uno de los símbolos musicales de una nueva generación. Ave, Sanguijuelas del Guadiana. —ANTONIO L. L.
septiembre #13
THE ZAWOSE QUEENS. FOTO: ALEJANDRO LÓPEZ
CASTORA HERZ. FOTO: SITOH ORTEGA
DHOAD GYPSIES OF RAJASTHAN. FOTO: ALEJANDRO LÓPEZ
LOS VAN VAN. FOTO: SITOH ORTEGA
Etnosur Lugar: Diversos Escenarios. Alcalá La Real (Jaén) Fecha: 16 al 19 /07/26
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La edición 29 de Etnosur volvió a confirmar el buen momento del festival, apoyado en un notable equilibrio entre nombres, géneros y procedencias. Alcalá la Real sigue siendo un enclave único para acoger uno de los festivales más divertidos en torno a las músicas del mundo. Todo comenzó el jueves en la plaza del Ayuntamiento con los vallisoletanos Delameseta. Subían a las tablas Lucía López y Santi Sierra, vocalista y DJ/productor del dúo, junto a Laura Silva en percusiones y cuerdas. Su actuación, basada en Al baile por ver amores, hizo al público danzar al son de la jota y otros ritmos castellanos con temas como “Lindos colores”, “Jota de la Narcisa” o “Campurriano”. “Tiende la rede” convirtió la plaza en una rave Delameseta antes de los bises en forma de jotas. Después llegó el cubano Afrosideral en formato trío, concibiendo el directo como un ritual colectivo en torno a la música, la espiritualidad y la celebración. “Ese soy yo”, “Me saca del cuerpo” y “Ode Ni Ire” trazaron un viaje de percusión afrocubana y pulsación de club. Se despidió pidiendo paz y libertad para todo el mundo. Uno de los grandes aciertos de esta edición fue trasladar los conciertos del mediodía del Paseo de los #14 septiembre 2026
Álamos a la plaza del Ayuntamiento, donde la arboleda amortiguó el calor sofocante. Por un cambio en la programación, el viernes abrió Castora Herz con Cien años de Castora, homenaje a su abuela. Tras su máscara de lechuza, se marcó un set de música ibérica haciendo sonar útiles de labranza y objetos cotidianos. Sonaron Casapalma,Boyanka Kostova, Fillas de Cassandra y La Tarara. Sobresalieron su remezcla de “Extremaydura”, de Extremoduro, y el cierre con “Tractores y cosechadoras”, de SVM3000. Brutal. Seguidamente, Ben Zabo, ganador del Vis a Vis de Casa África, entró en “procesión” con sus coloridas vestimentas. El artista maliense fusionó tradición Bwa y afrobeat con rock y funk, lanzando un mensaje por la paz, la justicia social y la democracia. María Calavera y DJ Simpson caldearon el ambiente en los Álamos. A media tarde, The Zawose Queens presentaron Maisha (2024), emocionando con “Sauti ya Mama” y subiendo los decibelios con “Mapeando” o “Masanja Kalila”. En el escenario principal, Los Van Van desplegaron más de 50 años de trayectoria mezclando salsa, funk, folclore y rock. Las gallegas Fillas de Cassandra ofrecieron un directo arrollador presentando Tertulia, con temas como “Insolación”, “Lodos” o “Déixate ver”, mientras Ácido Pantera impactaron con house y ácido sobre bases de cumbia y gaita colombiana, apoyados por audiovisuales psicodélicos. Telephunken ce-
rró la jornada con funk y electrónica. El sábado abrió Lucky Salvadori con un directo vitalista de cumbia, chicha peruana, reggae y dub, incluyendo un homenaje a Héctor Lavoe con “El día de mi suerte”. Cous Cous continuó con un apoteósico set de tropicalismos y afrohouse, mientras DJ Borke y Guiseppe Beats aportaron global bass, balkan y funk. El festival apostó también por D’Chipen, una banda joven que fusiona flamenco y electrónica mediante loops, teclados, guitarras, percusión, palmas, beats y taconeo. Ya de noche, Dhoad Gypsies of Rajasthan mostraron la riqueza del folclore sufí y el qawwali con “Nimbooda” y “Mast Kalandar”. La bailarina Shusila Kalbeliya deslumbró con su danza sobre clavos y cuchillas, mientras Rahis Bharti enseñó al público a cantar Konnakol. Siguieron Kanazoé Orkestra, liderados por Seydou Kanazoé Diabaté, combinando afro-grooves, afrobeat, funk, jazz, electrónica y amapiano. Asian Dub Foundation se presentaban por primera vez en Etnosur. Aunque su música sigue siendo brillante, la ausencia de batería y de sus antiguos MC resta potencia a su directo. Marcos Boricua cerró filtrando clásicos sudamericanos por afrohouse. El domingo echaron el telón en el escenario Etnochill DJ Pierrot junto a Nura. Tras el apagón de luces, quedó el recuerdo de una edición brillante y la mirada puesta ya en el próximo 30 aniversario. —ALEJANDRO LÓPEZ
Mondo Sonoro edición Sur
La Mar LILA DOWNS Y SILVANA ESTRADA
CARMINHO
RODRIGO CUEVAS
BEWIS DE LA ROSA
LATORRE
te. El domingo, en una particular noche de transistores, Silvana Estrada convirtió el Auditorio Paco Martín en uno de los centros emocionales de la edición. El público atendía al concierto y a lo que ocurría en el partido cuando “Good Luck, Good Night” se detuvo justo antes de terminar. Desde el patio alguien gritó ¡Hemos ganado! La mexicana alzó los brazos y volvió al micrófono para rematar con ese Yo sé que tú te sientes mejor que los demás. Esa noche, Cartagena entera. A La Mar de Músicas se viene también a descubrir y ese foco suele apuntar hacia la Plaza del CIM y esa ventana mágica al puerto de Cartagena y al patio del antiguo cuartel de instrucción. Allí, la griega Stella abrió el domingo una travesía de liderada por mujeres con su exuberante fusión de pop de vanguardia y aires mediterráneos. El lunes, Musgö emergió como una figura de la mitología marina. Y del arpa a la kora. Sona Jobarteh demostró por qué es la mejor del mundo tejiendo las veinte cuerdas. Pero el arpegio era para la gran Lila Downs que este año recogía el Premio La Mar de Músicas y quedó en el centro de una fotografía perfecta. A un lado, Silvana Estrada. Al otro, Carminho, invitada a compartir “La Llorona” antes de protagonizar al día siguiente otro de los conciertos de la edición. En plena canícula, la portuguesa convirtió el Auditorio Paco Martín en una brisa atlántica. “À sombra do teu cabelo” retrató su experiencia como madre, “Pedra Solta” sacudió viejos vicios machistas del fado y “Estrela”, con guitarra eléctrica y sonido crujiente, puso el epílogo electrizante. Ese martes, Alice Phoebe Lou completó en el CIM aquella travesía de mares femeninas con un pop cristalino y reverberante que recogía parte del legado de Sixto Rodríguez para devolverlo transformado a la vieja Europa. Otro maravilloso canto de sirena. Llegado al ecuador, esta vez como sustantivo, más de diez mil personas
recibieron en la explanada del Puerto a todo un insigne marinero de las música populares. Xoel López desembarcó en formato trío, o mejor dicho tridente, con la gira de “Oniria Popular”. “Ningún hombre ningún lugar” podía ser un extracto de un repertorio tan amplio como la propia dársena. En una noche que también podía definirse como “una persona, un abanico”. El jueves volvió a reivindicar una corriente que recupera la tradición sin convertirla en mero ejercicio de estilo. Bewis de la Rosa llegó en triciclo a la Plaza del Ayuntamiento y levantó un pequeño altar de objetos y recuerdos nacidos de su memoria, con un Rocinante de madera y cartón tambaleándose al poniente. Una gran cuchara repartió bocados de realidad en “Me estoy oxidando” o “Mal agüero” antes de unir La Mancha con la huerta murciana junto a Awakate en “Pa’ defender la tierra”. “España no está vacía. Lo que están vacíos son los ojos que la miran”, lanzó. Horas después Rodrigo Cuevas llevó esa recuperación de la tradición y de la memoria hasta un Auditorio Paco Martín con el sold out colgado desde hacía meses y la convirtió en la verbena que toda noche de verano debería tener, escanciada culete a culete. Que si hubo “Cartagenera”, pues claro. Como contrapunto, Niño de Elche y Raül Refree plantaron sus Cru+es en el Patio del CIM que de forma casi castrense permanecía firme por no perder detalle de esa liturgia sonora. El viernes, Judeline fue madrina de ese buque escuela de la nueva escena murciana que podían representar Hoonine, Joseluis y Sistema Nervioso. Lo de PabloPablo es ya conocido del uno al otro confín. Antes de que los fuegos artificiales anunciaran que Irlanda será el país invitado en 2027, La Niña recibió el premio Paco Martín y Rubén Blades nos bajó a tierra firme con esa magistral manera de convertir la canción popular en relato, baile y compromiso.
FOTOS: PABLO SÁNCHEZ DEL AMO
de Músicas
Lugar: Diversos Escenarios. Cartagena Fecha: 17 al 25/07/26
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a 31ª edición de La Mar de Músicas no solo inaugura la tercera década del festival. También confirma una evolución en su manera de programar. Ecuador no ha sido un país invitado al uso, sino el punto de partida de una inmersión en las escenas que hoy definen su creación musical. Más que invitar a un país, La Mar de Músicas ha decidido entrar en conversación con él. El electro pop con matices andinos de LaTorre, la folktrónica de Swing Original Monks, la nueva escena independiente de Lolabúm y el puente entre memoria y presente de Margarita Laso fueron cuatro ejemplos de esa voluntad de sumergirse en una escena para mostrarla desde dentro, lejos de cualquier postal. El viernes inaugural recuperó, además, una deuda pendiente. Si en 2025 una tromba de agua truncó el concierto de Silvia Pérez Cruz, esta vez el cielo concedió la revancha y la catalana pudo saldar aquella cita en una edición donde, por el contrario, la canícula y el calor iban a ser compañeros inseparables. No esperábamos que al día siguiente volviera a truncarse el programa con la baja sobrevenida de María Arnal, obligada a cancelar por un grave asunto familiar. Inauguramos el Patio del Antiguo CIM con Mari Froes, nuestra otra apuesta del día, y no fallamos. Con Monsieur Periné pagamos no subir al Auditorio en el elevador y no contentos con eso, subimos unos peldaños hasta el Castillo. Era una summer saturday night y Bándalos Chinos, con ese pop que frota la bola de espejos con elegancia, funcionaron como un asiático frapé. Los argentinos reconocieron con humor que no era precisamente el mejor día para presentarse en España y terminaron hermanando aficiones en la previa de una final que marcaría también la jornada siguienMondo Sonoro edición Sur
—ARTURO GARCÍA.
septiembre 2026 #15