MONDOSONORO SUR FEBRERO 2026

FEBRERO 2026 Nº347 mondosonoro.com

MONDO SUR

A Rasc de suelo

A finales de año vio la luz la Red Andaluza de Salas de Conciertos, una asociación nacida desde la fricción cotidiana del directo para unir a las salas de Andalucía, reclamar reconocimiento cultural y defender la escena allí donde realmente sucede.

RASC no suena a sigla administrativa. Suena a golpe, a chasquido, a algo áspero y físico, muy de sala y muy poco de despacho, y no es casual. La RASC – Red Andaluza de Salas de Conciertos nace desde la fricción constante en la que viven las salas, con los márgenes, la normativa, los horarios, el

ruido o la precariedad. “Ahora mismo hay que rascar en lo estructural”, explica su presidenta, Silvia M. Ferri, en el reconocimiento real de las salas como infraestructura cultural básica, en la simplificación administrativa y en ayudas pensadas desde su propia realidad, y también en el relato, porque “durante demasiado tiempo se

ha contado la música en directo sin nosotras”. Aunque reconoce avances, especialmente en Andalucía, donde la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales ha mostrado escucha, Silvia señala una contradicción persistente: “En el discurso se nos reconoce como agentes culturales, pero en la práctica todavía se nos regula como ocio nocturno”. Una distinción clave, porque una sala no es solo un lugar donde se consume música, sino donde se prueban proyectos, crecen artistas y se asume un riesgo cultural que rara vez encaja en marcos pensados para lo rentable a corto plazo. Frente a los discursos de crisis, el foco está en otro punto: “La brecha no está en la falta de público, sino en la sostenibilidad del modelo”. Hay más conciertos, sí, pero también más costes y presión sobre estructuras pequeñas, que asumen gran parte del riesgo sin contar con los apoyos de grandes eventos o recintos públicos. En un territorio tan diverso como Andalucía, la RASC evita hablar de circuito cerrado y apuesta por una red de apoyo y cuidados entre salas, basada en la confianza y el acompañamiento. Para las asociadas, formar parte de la red significa no estar solas, compartir aprendizajes, tener respaldo humano y una voz común ante las administraciones. Con la sostenibilidad, la inclusión y la diversidad como ejes, la RASC mira al futuro con los pies en el suelo, con decisiones concretas, formación compartida y herramientas para sostener la escena sin perder identidad. MS

BREVES. SUR

RR El Concurso Martian Sound Ciudad de Marchena abre la convocatoria de su edición 2026. Inscripciones abiertas hasta el 1 de marzo y 3.000 euros en premios para las propuestas emergentes más inquietas del Sur. Se trata del certamen decano de la música alternativa andaluza.

RR En marcha la décima edición de las Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura. La MUM 26 tendrá lugar en Mérida del 15 al 17 de abril. Es por ello que ya está abierto el plazo de inscripción para profesionales. Hasta el 13 de marzo.

RR Año celebrativo para Supervivientes, una de las bandas decanas de la escena folk desde el Sur de España. La formación granadina lanza un álbum conmemorativo “30 años de música” y lo hace el 14 de febrero, con un concierto en el Teatro CajaGranada junto al Coro de Cámara de Granada.

Estrenamos las sesiones de El Cobertizo

Una serie de directos capturados en una sola toma, donde la música sucede sin red. Con la excelencia sonora que firma Carlos Díaz, y el ojo inquieto de Adrián Cecilio. Colectivo Da Silva fueron los encargados de lanzar el primer dardo.

Cuando la música sucede cada vez a más velocidad, decidimos parar el tiempo y el espacio. Desde ese gesto nacen Las Sesiones de El Cobertizo, un proyecto que pone el foco en lo esencial y devuelve a las canciones el lugar que merecen. Las Sesiones de El Cobertizo surgen como una iniciativa del propio estudio, con la complicidad de MondoSonoro. Directos que apuestan por la cercanía, el riesgo y la verdad del momento, dejando que cada canción suceda tal y como es. Las sesiones se graban en El Cobertizo, estudio marcado por la excelencia sonora que firma Carlos Díaz, cuidando cada matiz y cada detalle para que las canciones respiren con naturalidad y verdad. El enfoque audiovisual co-

rre a cargo de Adrián Cecilio, que afronta cada sesión desde un planteamiento tan arriesgado como coherente con el espíritu del proyecto: una sola toma, sin cortes ni artificios.

El estreno de la serie llega de la mano de Colectivo Da Silva, primeros protagonistas de Las Sesiones de El Cobertizo. Los granadinos interpretan “Dar Dos” en una toma única que funciona como conexión total entre banda, espacio y canción.

Las Sesiones de El Cobertizo arrancan así como un punto de encuentro entre música, sonido y mirada. Sin red. Sin atajos. Directo al blanco. Puedes disfrutar de estas sesiones en los canales de Instagram y YouTube de El Cobertizo y MondoSonoro Sur. MS

DISCO DEL MES.

Ruth

La industria jamás me hubiera dejado hacer algo como “Don’t Break My Heart.”

Blacksheep (Bankers Ink, 25) no nace de una estrategia ni de una necesidad de encajar, sino del impulso casi físico de volver a tocar como antes: cinco músicos encerrados en un local, buscando verdad, energía y conexión real. Un disco construido desde la confianza, la improvisación y el respeto mutuo, donde la banda se reconoce en lo que suena y Ruth se permite cantar sin filtros, sin miedo y sin pedir permiso.

El primer disco de Ruth, nace de la necesidad de cinco músicos de reconectar de nuevo con la música en un presente donde tanto la autenticidad como la naturalidad se consideran bienes escasos. De acudir a la sala de ensayo como refugio y encontrar en ella un verdadero foco creativo donde recuperar el espíritu rock and roll de las primeras veces: “Teníamos la idea de hacerlo todo como se hacían los discos antes. La experiencia de haber vivido muy de cerca el proceso de digitalización de la música nos ha llevado a intentar alcanzar esa frescura de antes, a no perder la verdad de la música. Porque lo digital para algunas cosas es bueno, pero para otras hace un poco que pierdas esa magia. Por eso, nuestra idea como grupo siempre ha sido encerrarnos en el local de ensayo y que lo que hagamos allí sea lo que suene en el disco, sin tener que meterle después setenta pistas ni otras historias. Hacer algo que nos creamos todos”.

Quedamos, para hablar de lo que ha supuesto este enorme viaje para la banda, con Ruth Lorenzo, Nando Robles y David Lozano; tres de los miembros junto a Ricardo Ruiz y Sergio Bernal. Cómo el tiempo pasa volando cuando haces algo donde eres tú al 100%. “El primer día de ensayo entré al local pensando qué iban a pensar de mí y cómo íbamos a coexistir. Sin embargo, fue empezar a tocar y nació como una onda energética

donde la música, no las palabras, iba hablando sola. De hecho, las letras las hice más tarde, a veces en el estudio conectaba y decía “cry”, e iba soltando palabras, pero no todo lo demás. Luego viéndolo con distancia me daba cuenta de que hablaba de determinados temas muy personales. Así que dentro de la comunicación nuestra decidí ser honesta y contarles momentos muy jodidos míos y siento que ellos conectaron muy fuerte conforme las canciones fueron naciendo. Me he quedado en la puta gloria. Literal”, explica Ruth. Y es que una de las cosas que han priorizado como banda es la admiración y la importancia del respeto mutuo, como cuenta Nando: “Ha sido fundamental la comunicación tan sana que existe a la hora de componer entre todos nosotros. Para eso Ruth es maravillosa porque sabe cazar la idea que está por ahí flotando y guiarnos. Con “Sticks & Stones” nos pasó, esa canción nació el día que quedamos para conocernos y para ver si podíamos hacer algo chulo. Ese primer día acabamos componiendo casi tres temas y todos salimos de allí con esa sensación de que había muy buena sintonía y nos íbamos a entender”. Ahora salen de gira por primera vez por salas de toda España y estarán tocando en Sonorama Ribera 2026. Un directo que prometen que será incluso mejor que el propio álbum: “Creo que en una primera gira de un disco lo importante es saber con qué

armas cuentas. Y las nuestras son las canciones y nuestra manera de tocar. Eso es por lo que vamos a apostar y a hacerlo todo más fuerte. Demostrar que eso que suena en el disco es lo que hacemos y somos nosotros”, explica David. “Hay lo que hay, y lo que hay es ya una apisonadora. Cuatro miembros de esta banda que pueden hacer que suene como si se estuviese cayendo Troya. Y luego yo teniendo la libertad de poder cantar lo que quiera y como quiera. La industria jamás me hubiese dejado hacer algo como “Don’t break my heart”, un tema que nació en cinco minutos de la improvisación total, que refleja nuestra manera de pensar, de ser”, apunta Ruth. Además, nos adelantan que tocarán uno de los temas del que será su segundo disco, una propuesta que promete ser incluso más “ácida” y “disparatada” de lo que ya conocemos: “Ya estamos hablando con parte del equipo con el que hemos trabajado en este primero y estuve en Oregón con Sylvia Massy durante las navidades porque me la quiero traer a Murcia. Un genio de mujer. Así que ahí estamos calibrando todo, las cintas nos están esperando en Real World porque creo que me gustará volverlo a grabar allí. Este segundo disco será como una vuelta de tuerca, dejando que sea incluso un poco más disparatado y sin el miedo del primer beso”. ALEX JEREZ

Nievla

eSCAPaRATe

Sentimos este disco actual pero no tendencioso. Creemos que dentro de un tiempo, seguiremos queriendo escucharlo.

Nievla gira en torno al talento de Toni Jiménez (Lori Meyers, Carlangas, Niños Mutantes…), donde da rienda suelta a su propio universo creativo en el que aglutina una innumerable cantidad de influencias. Para su segundo trabajo Miradas siguen contando con la producción de Jaime Beltrán, hábil catalizador de la creatividad y el talento de la banda.

Ya no hay red de seguridad ni refugio para estirar la vuelta con ejercicios electrónicos y letras cinematográficas.

Proponer un estilo diferente en lo musical a estas alturas, es en definitiva, correr el riesgo de hacer lo que te gusta sin esperar nada a cambio.

De todas formas después de escuchar Miradas nos parece un poco más luminoso y un tanto más accesible. “La verdad es que nos apetecía volver a algo más vivo y directo, como nuestros primeros eps, además de atrevernos por caminos más valientes que esbozamos en alguna canción de Habitación, es un disco con menos pudor, tanto musical como líricamente. También es cierto que este disco esconde cierta oscuridad, pese a la falsa apariencia de mayor accesibilidad o espontaneidad”.

Después de trabajar con diferentes artistas en los últimos años, con más “necesidad” de llegar antes al público hace que haya repercutido a la hora de enfocar este nuevo álbum. “A título personal puedo decir que en los últimos años he aprendido muchísimo de muchos artistas con los que he colaborado, grabado, girado, etc. Y obviamente, hay algo de esas enseñanzas plasmadas en este disco. Sin embargo, siento que ahora

hemos sido más nosotros que nunca, que estamos siendo honestos, nada impostado, nada pretencioso, y este disco ha vuelto a ser más colaborativo, suena más a nosotros, y puede ser que más luminoso. Hay que tener en cuenta que, pese a la fecha de publicación, Habitación fue un disco pandémico, bastante introspectivo”. Lo que es obvio es que Nievla no se trata de un proyecto que busque el single inmediato, musicalmente es un disco lleno de matices y arreglos poco común en los tiempos que vivimos. Las estructuras, los desarrollos instrumentales…“Hemos conseguido llegar a una sensación de vivacidad y emocionalidad especial a partir de arreglos, producciones, letras y estructuras bastante cuidadas, algo de lo que estamos muy contentos. Sentimos este disco actual, pero no tendencioso, creemos que dentro de un tiempo seguiremos queriendo escucharlo. Hasta cuando hacemos momentos tarareables se perciben como intrincados, estamos abocados a esa valoración, supongo (risas)”. Se trata de un disco atemporal, que a cada escucha descubrimos arreglos que relacionamos con influencias dispares que pueden ir de gente tan dispar como Gustavo Cerati de Bocanada y los últimos Blur o su faceta más ex-

perimental, todo bien engrasado con la sonoridad pop propia de Granada. “Esas referencias son casa, y un lugar al que siempre volver, pero también es verdad que la manera en la que hemos mirado a nuestra ciudad esta vez ha estado más basada en su escena club y electrónica, nos atrae mucho su idiosincrasia. Vemos originalidad y propuestas radicales en muchos proyectos interesantes que no son exactamente lo que se considera como “pop granadino”. Suelen decirnos que no sonamos a nada en concreto y que, por tanto, sonamos muy a nosotros, el resultado de mil influencias y corrientes artísticas”. Otro punto a destacar de Miradas es el discurso en las letras que también ha evolucionado. En su mayoría son más directas, no hay necesidad de “descifrar” o interpretarlas, son como más claras. “…Pues es cierto, nos hemos quitado ciertos complejos y ahora nos apetecía hablar desde una honestidad más pura, sin dejar de concebir las letras como ejercicio poético, eso sigue ahí. Sentimos que representan mejor el momento del grupo y que también las hacen más contemporáneas. Lo que descifre el oyente siempre estará bien, es su derecho como agente cultural activo…” PEPE SALANDER

Gallopedro

Fue una noche cualquiera en el local. De repente todo encajó.

Navegantes veteranos e intrépidos a la vez, Gallopedro se sumerge en un pop que avanza como un canto de sirena. Ellos hablan de pop espinoso, garaje de roca o saecio sound; nosotros, de canciones que nacen un lunes al sol para escucharlas con la panorámica de una sala de cine y el mar al fondo. Las delicias de colgarse y oscilar (Clifford Records, 25) es la primera carta de navegación de este trío murciano, un disco que surge de encontrar un idioma común y convertir la experiencia acumulada en un nuevo punto de partida.

Gallopedro nace en Murcia a principios de 2024 como un proyecto que no pretende empezar de cero, sino volver a encontrarse desde otro lugar. El trío —Antonio Viwe, Víctor Martínez y Miguel Navarro— habla de nuevas canciones, pero también de nuevas dinámicas: “Todo proyecto que inicias tiene algo nuevo: nuevas ideas, nueva producción… pero también nueva gente”, explica Viwe, consciente de que Gallopedro es tanto continuidad como mutación. Ese idioma común apareció pronto, casi sin darse cuenta. Miguel Navarro recuerda que el momento clave no fue especialmente solemne: “Fue una noche cualquiera en el local. De repente todo encajó”. Ahí entendieron que su lenguaje no iba de virtuosismo ni de estilos cerrados, sino de “embestir

juntos sin pinchar, de sonar sucios pero claros”. Ese fue el instante en el que supieron que Gallopedro tenía acento propio. Las delicias de colgarse y oscilar, su debut, terminó revelando más de lo que parecía durante el proceso. Al ordenar las canciones, Viwe descubrió que “la idea de la muerte tenía un peso importante en este universo”, algo de lo que no había sido consciente hasta ver el conjunto. Aun así, matiza, “también hay luz y cierta esperanza”. No todas las canciones nacieron igual. Algunas fluyeron desde el primer ensayo, como Si te quedas cuando estalle el Sol, que “salió prácticamente sola desde el primer momento”, mientras que otras les obligaron a salir de la comodidad. “La que más nos estrujó los sesos fue Sidra y torneo medieval”, reconoce Miguel.

En marcha el Microsonidos de Murcia

Un año más y van casi veinte, el ciclo Microsonidos de Murcia te propone asomarte a ese observatorio minucioso de la escena actual.

Hasta finales de marzo se extiende una programación de conciertos que destaca, sobre todo, por dejarse envolver por el tejido de salas de conciertos de Murcia. Nada como el calor del amor en un bar, para disfrutar de un cartel que despliega un centenar de actuaciones y más de sesenta propuestas de esas que gusta contextualizar en tiempo y lugar. Suponemos que nadie quiere dejar escapar a Santiago Motorizado, La Paloma, Repion, los americanos Sharp Pins o los noruegos Kakkmaddafakka. Pero ojo con lo nuevo de Carmesí o Bum Motion Club, o directamente con los directos de ezezez, Los Chivatos o Sarria. Y esto son recomendaciones a simple vista. Acerca el ojo al visor y descubre tus propios microsonidos. Mira, aquí a la izquierda tienes otra recomendación, Gallopedro Del 23 de enero al 28 de marzo. MS

También hubo cambios visibles dentro del grupo o por lo menos de la naturaleza conocida de sus componentes. El paso de Antonio Viwe a la primera línea, guitarra en mano, supuso una transformación que el grupo describe con esa ironía marca de la casa: “Más que sacar al pez de la roca, fue quitarle el agua y darle una guitarra”. Un cambio que terminó redefiniendo el equilibrio interno de la banda.

El humor y la ironía atraviesan el disco, incluso por alusiones. En Momias de animales, Viwe explica que no hay nombres propios ni ajustes de cuentas: “Como otras canciones del disco, es una fantasía con personajes basados en el mundo real, pero no suelen corresponderse con una única persona, sino más bien con un patrón de comportamiento. Cualquiera puede verse reflejado en las historias que otros cuentan, y eso es lo que más me atrae cuando leo y cuando escribo”.

Gallopedro se define, en última instancia, como una necesidad vital más que como una huida. “Es un proyecto necesario para contar historias, así en general”, resume Viwe. Historias que avanzan como un viaje, tres en la carretera, que oscilan entre la realidad y la ficción y al final, como insiste Víctor, “Siempre el mar” A. GARCÍA

Pedriñanes 77 EN EL . DISPARADERO.

La bien llamada música de guitarras, es ya una aldea gala en resistencia.

Hasta homenajeáis a Ataque de Caspa, una reivindicación justa. ¿Cuáles diríais que son vuestras mayores inspiraciones sonoras?

¡Hora de citar a los clásicos! Siempre caen las comparaciones con Ramones y Los Nikis, y a mucha honra. En círculos más selectos, con Fenómenos Extraños. En realidad cogemos de aquí y de allá de forma bastante ecléctica. En Sharon hay ecos de UK Subs, Joy Division y hasta de Amaral (¡menudo fichaje el del guitarra nuevo!). El coche de los muertos tiene piezas de Black Sabbath y Dead Kennedys. Y la inspiración original vino de un tema de Vanilla Muffins: Want Some Gas, That’s All!

En primera son ese erre cinco a 4.500 vueltas, todo por la urgencia. Luego Pedriñanes 77 tiran de oficio y de canciones, porque las tienen. Desde Murcia, el trío practica un punk pop inmediato y afilado, de melodías que entran a la primera y letras que mezclan ironía, cotidianidad y amor por la música de guitarras… y por ese ampli que tuvieron que vender.

Seguro que hay una historia detrás de Sharon ¿Es un personaje real?

La historia y el nombre son reales. Compré un single de segunda mano en una tienda de Manchester y la antigua dueña había escrito su nombre en la galleta. La canción, Warhead de UK Subs, casi todos la hemos conocido por la película This Is England, así que la cara que le puse a Sharon fue la de la chica punk que se lía con el protagonista. Esa belleza británica. La persona es real, pero la historia que montas en tu cabeza es simbólica. Hay algo místico en pensar que el mismo disco que estás girando hoy lo escuchó una chavala en su habitación hace varias décadas. Es como conectarse a través del tiempo.

“Kirguistán” se ubica en la Ruta de la Seda, la antigua vía comercial entre China y el Mediterráneo. ¿Es vuestro viaje a Ítaca?

La canción salió casi automáticamente al descubrir que existía un país llamado Kirguistán. ¿No es fantástico que en la era de la globalización haya un país entero que no te suene? Nuestra Ítaca es Murcia, y Kirguistán es ese sitio al que te gustaría ir cuando no sabes dónde ir.

Renault 5, la manera de vivir... Decía el eslogan. Habladme del vuestro. Es herencia de mi abuelo, mi Renault 5 sigue vivo porque lo cojo todos los días para ir al trabajo. Es una lucha diaria contra la obsolescencia programada y, también, una forma de vacilar por las calles con semejante bólido. Es mi primer y último coche desde hace más de diez años. Ha vivido todo lo que debe vivir un primer coche y nos ha llevado a conciertos cargando el equipo entero, dándonos un aura increíble. Se merecía esa canción como el que más.

Acusaron a Richard O’Brien, autor de The Rocky Horror Picture Show, de transgresor y punk, y respondió: “Como si eso fuera un insulto”. ¿Cuál creéis que es el mayor insulto para una banda hoy en día?

El mayor insulto no lo sabemos, pero una de las peores sensaciones es cuando ves a un grupo en directo y le dices que ha tocado muy bien… porque es lo único que le puedes decir. Aunque hay otros a los que ni eso, jajaja.

Cerráis el EP con El coche de los muertos después de abrirlo con un canto a la vida como Sharon. ¿Cómo veis el panorama pop-punk en nuestro país?

La bien llamada música de guitarras es ya una aldea gala en resistencia. Dentro de ella, el punk simpático puede ser un pegamento fuerte a nivel de comunidad y una buena carta de presentación para gente ajena a este submundo.

En el erre 5 o en el coche de los muertos. ¿Saldréis a la autovía?

Si todo va bien, nos vemos el 20 de junio en la Fun House de Madrid. Y para los locals murcianicos, la presentación en Discos Tráfico es inminente. Eso es todo por ahora. ¡Muchas gracias por este ratillo!

OZANTOÑO TORRES

CRÓNICAS

Palante Fest

Lugar: La Bodega Skate. Jerez Fecha: 29/12/25

Diciembre no suele ser el mes más agradecido para los festivales, pero en Jerez hay días en los que el frío importa poco. La Bodega Skate volvió a convertirse en punto de encuentro para una escena que no necesita grandes focos para reconocerse. El Palante Fest cerró el año como mejor sabe: con cercanía, criterio y esa sensación de estar en el sitio correcto, rodeado de la gente correcta. No había prisas ni poses. Desde primera hora se respiraba ambiente de día largo, de cerveza en mano y conversaciones cruzadas entre conciertos. Más que un festival al uso, aquello funcionó como una reunión ampliada de la escena alternativa local y alrededores. Un espacio donde la música convivía con la charla, la barra y el reencuentro.

En lo musical, el cartel jugó bien sus cartas. Airbag demostraron que los años no pesan cuando las canciones siguen funcionando como un tiro. Power-pop directo, sin adornos, de ese que te recon-

cilia con las guitarras cuando parece que ya está todo dicho. Incluso hubo espacio para rescatar, en plena recta navideña, su rareza estacional “Buscando los regalos de Navidad”, un guiño tan fuera de guion como perfectamente reconocible para quien sabía en qué mes estábamos. Sonaron sólidos, cómodos y con oficio. La jornada también sirvió para confirmar sensaciones. Amor Líquido aportaron frescura y melodías que entran sin pedir permiso, mientras Montaña tensaron el ambiente con un post-punk oscuro y efectivo. Paramecios pusieron nervio y actitud, y Cryymm dejó buenas sensaciones como nombre a seguir de cerca.

La jornada también tuvo su inevitable momento patrás. El regreso puntual de Leda Tres fue algo más que un concierto: fue la excusa perfecta para reencontrarnos con viejos conocidos y con algunos de los padrinos oficiosos de lo que hoy es esta escena, como Pedro Perles o Sergio Calderón. Nombres que estaban dentro y fuera del escenario, recordándonos que esto va de canciones, sí, pero también de

continuidad, de comunidad y de haber compartido camino. Entre concierto y concierto, el Palante también se defendió lejos del escenario. Vinilos girando, nada de playlists impersonales, y comida que huía del tópico festivalero: guisos, montaditos y precios razonables. Detalles que parecen secundarios, pero que acaban definiendo la experiencia y reforzando la idea de cuidado y cercanía. El Palante Fest no pretende ser otra cosa, y ahí está su fuerza. No compite con nadie ni lo necesita. Es un refugio invernal para quienes siguen creyendo en las escenas construidas a base de tiempo, cariño y presencia. Un recordatorio de que, incluso en diciembre, Jerez sigue teniendo pulso. Y si había alguna duda, se disipó al final de la noche: el momento beastie zambomba jerezana llegó con el DJ set de Space Surimi, poniendo el broche definitivo a una jornada que fue más celebración que festival y más encuentro que escaparate. MARCOS ARENAS

Exsonvaldés

Lugar: Sala Planta

Baja. Granada

Fecha: 15/01/26

Incluso en esos días extraños en los que la resaca navideña se cruza con los tímidos primeros pasos del año, Granada sigue demostrando que su programación no falla. La sala Planta Baja volvió a confirmarlo con una noche de doble cartel protagonizada por Gran Premio y Exsonvaldés, dos propuestas distintas pero complementarias, unidas por la honestidad y por ese saber estar sobre el escenario que no entiende de modas pasajeras.

Abrieron fuego los malagueños Gran Premio, que llegaron a Granada con las ideas claras y el sonido bien apuntalado gracias a Corpas, auténtico seguro de vida a los mandos. Desde los primeros compases quedó claro que venían a jugar en casa ajena, pero con galones: guitarras afiladas, melodías reconocibles y una banda que suena compacta, sin fisuras. El público, aún terminando de acomodarse, respondió rápido, especialmente cuando se marcaron una versión muy celebrada de Sexy Sadie, que funcionó como guiño generacional y como declaración de intenciones. Gran Premio no inventan la pólvora, pero saben cómo hacerla estallar en el momento justo, y en Planta Baja dejaron claro que su crecimiento no es casualidad.

Tras el cambio de escenario, llegaba el turno de Exsonvaldés, que regresaba a Granada diez años después de su última visita. Una visita que muchos aún recuerdan por aquel episodio surrealista en el que, debido a un problema surgido en el viaje, tuvieron que tocar con instrumentos prestados. Esta vez, por suerte, todo estaba en su sitio, y la banda francesa se presentó con la tranquilidad de quien sabe que su repertorio habla por sí solo.

Porque si algo quedó claro es que, aunque no son especialmente prolíficos ni en discos ni en conciertos, su

discografía guarda una colección de canciones que se han vuelto imprescindibles. Hubo tiempo para un repaso generoso a su trayectoria, con momentos especialmente celebrados como Seahorse que sonó elegante y contenida, o Cyclop, donde Simon Beaudoux pidió la ayuda del público para suplir las partes vocales de Helena Miquel, logrando uno de los instantes de mayor complicidad de la noche. Tampoco faltó L’Aerotrain, recibida como uno de esos clásicos que nunca fallan. La historia reciente de Exsonvaldés invita a pensar en lo complejo que es mantener proyectos sólidos a flote. Tras una interrupción en la trayectoria de la banda, Simon Beaudoux y Martin Chourrout canalizaron energías en Ravages (que curiosamente se traduce como “estragos”), un proyecto que ayudó a mantener viva la llama creativa. Esa noche, sin embargo, todo giraba de nuevo en torno al nombre que los trajo de vuelta a Granada.

Hubo incluso alguna sorpresa, como el estreno en directo de Málaga, un tema nuevo que sonó fresco y prometedor, y que vino acompañado de una promesa lanzada entre risas: componer una canción llamada Granada para su próxima visita. Ojalá no tengamos que esperar otros diez años para comprobarlo. Mención aparte merece Simon, especialmente comunicativo, cercano y esforzándose en hablar todo lo posible en español, algo que el público agradeció con sonrisas y aplausos sinceros. El cierre llegó con la bailable Days, dejando a la sala con ganas de más y un sabor de boca excelente. Planta Baja no colgó el cartel de lleno, pero sí registró una entrada más que decente, acorde con una noche de pop bien hecho, sin fuegos artificiales innecesarios y con canciones que, cuando funcionan, llegan para quedarse. Una de esas veladas que no hacen ruido, pero que se recuerdan con cariño. Y eso, en los tiempos que corren, ya es mucho. MARÍA VILLA

La Bien Querida

Lugar: Sala Custom. Sevilla Fecha: 10/01/26

La segunda fecha de Insólito, el ciclo que Green Cow Music ha tenido a bien imaginar y llevar a cabo este invierno en Sevilla, le cayó un sold out en la Sala Custom. Marzo queda lejos. Los jardines en los que nos metemos, no tanto. Pero son menos graves si decidimos vivir al abrigo de las canciones y la entonación de La Bien Querida.

Entre el límite y lo ilimitado, elige siempre lo segundo. Custodiada en escena por las cuerdas de David Rodríguez y la batería de Juanma Padilla, esa triada fue el equilibrio exacto para que doliera lo justo Muero de amor, Bar Dixie, Una estrella o A veces ni eso. Es buena letrista y ejerce como tal: estruja y acompaña, sin invadir. A quien llegó triste. A quien estaba de previa. A los que tenían la sensación de estar donde tenían que estar. Todos encontraron su sitio donde las palabras funcionan con precisión quirúrgica mientras sonaban, Como si nada o Ni bien ni mal. Luego el exorcismo sentimental en De momento abril y ese epílogo a solas con Por qué te vas de Jeanette, y Fuerza mayor. En Dinamita hubo pedida de mano en el público. ¿Cómo acabará? Una respuesta suspendida en el aire, como gigantescos globos flotaban sobre nuestras cabezas.

Y así pasó este concierto: un romancero reparador sobre lo íntimo y lo tribal a cargo de la sacerdotisa pop por excelencia, Anita. BEATRIZ RODRÍGUEZ RUIZ

“Nuestras canciones reflejan otra parte de nosotros y de sí mismas en directo.”

La Paloma

Con Un golpe de suerte, La Paloma han llevado su discurso a un lugar más crudo y emocional, y el directo se ha convertido en el espacio donde esas canciones terminan de adquirir cuerpo. En plena gira, Juan, Lucas y Nico reflexionan sobre cómo el nuevo repertorio muta noche tras noche, la relación entre disco y escenario, los cambios técnicos y humanos que acompañan esta etapa y cómo, pese a todo, la esencia del grupo sigue siendo la misma

Un golpe de suerte es un disco bastante crudo a nivel emocional. ¿Cómo cambia vuestra forma de tocarlo cuando lleváis varios días seguidos de gira?

Cada concierto es distinto, no sólo por el espacio y la ciudad, sino por la gente y el ambiente. Teníamos infinitas ganas de llevar este disco al directo. Confiamos en que este disco gana una dimensión especial en concierto, e intentamos trasladar esa crudeza emocional al directo. Por ahora, cada día que lo tocamos metemos las mismas ganas y la misma forma de tocarlo. Si bien hay canciones que algún día, por lo que sea, adquieren algo especial por razones varias, nosotros vamos siempre con la misma intención y ganas de tocar. (Juan)

¿Hay canciones del nuevo disco que hayan crecido especialmente en directo desde los primeros conciertos?

Siendo las ganas siempre las mismas, es verdad que las canciones van ganando un toque especial concierto tras concierto. Seguramente Sale el Sol, que es una de las canciones que más ganas teníamos de tocar en directo, sea la que vaya

adquiriendo más fuerza y carácter según pasan los días. Además, está situada en el set en un momento en el que todo va para arriba, y eso ayuda a la intención y fuerza. (Juan)

¿Os resulta más fácil o más difícil defender estas nuevas canciones sobre el escenario que las de Todavía no?

No es cuestión de dificultad, sino de herramientas e inversión. Ahora llevamos una persona más en directo que nos apoya a representar el disco lo más fielmente y lo mejor posible en un escenario. Además, llevamos más gear. Algún ampli más, una caja más para sacar un sonido diferente, lanzamos con el ordenador diferentes secuencias que componen las canciones en Un golpe de suerte… Es un paso que teníamos que dar y que también complementa las canciones de Todavía no, así que estamos felices por tocarlas lo más redondas posibles en directo. (Juan)

En carretera, ¿escucháis el disco una vez publicado o preferís dejarlo reposar y centraros solo en el directo?

La verdad es que no solemos escucharlo durante la gira. Si bien alguno puede acudir a las canciones para volver a entender

la intención o cómo trasladar alguna parte al directo, no es la tónica general escucharlo una vez publicado. Los meses desde que el disco se graba hasta que sale, esa época sí que se escucha mucho, jaja. Pero ahora sólo excepcionalmente y centrados en las canciones en directo. (Juan)

¿En qué momento sentís que un tema “funciona” de verdad en directo?

¿Cuando lo tocáis bien o cuando el público lo hace suyo?

Cuando el público lo canta generalmente. Aun así, lo importante es que funcione para nosotros, que nos guste y que lo queramos mostrar. (Lucas)

Después de un concierto especialmente intenso, ¿sentís que el disco se entiende mejor tocándolo que escuchándolo en casa?

Ver algo en directo o escucharlo en casa son dos experiencias distintas, cada una con lo suyo. No tiene por qué entenderse “mejor” de una forma u otra, se entienden diferente. Hay grupos que llevan sus discos al directo tal cual, sin cambiar nada. Nuestras canciones reflejan otra parte de nosotros y de sí mismas en directo, nos dejamos llevar dentro de unos límites y eso hace que no sean idénticas a lo grabado. A nosotros nos gusta el directo y creemos que es nuestro espacio seguro, pero si fuera nuestra única ambición habríamos grabado este último disco en directo y no fue así. (Lucas)

¿Ha cambiado algo en vuestra manera de preparar los conciertos a raíz de

este nuevo álbum?

Contamos con un músico más para esta gira, Tomás Rojo, que es multiinstrumentista y nos permite ser un poco más fieles a lo que quedó grabado en el disco sin comprometer el directo (que uno tenga que hacer varias melodías casi a la vez y cosas así). También estamos lanzando algunas pistas y usamos guitarras acústicas en algunas canciones, cosa que nos ayuda a dar con texturas y frecuencias nuevas en el directo, que lo hace más dinámico y para nosotros más divertido. (Lucas)

Cuando el concierto no ha sido bueno, ¿se nota al subir a la furgoneta o es algo que se queda más en silencio?

Se nota. Intentamos no ser demasiado dramáticos cuando un concierto no es el mejor e intentamos celebrar y recrearnos en los que sí han sido buenos. (Nico)

Tocando noche tras noche, ¿el disco se os vuelve más cercano o más ajeno?

Según vas tocando en directo, un disco va mutando. Las canciones en el estudio tienen una intención y un sentido, y en un concierto adquieren una dimensión distinta. Vas viendo qué canciones funcionan mejor, cuáles te sorprenden. Conviven con canciones de otras etapas de la banda en un mismo set. No se sienten más lejanas o cercanas, se sienten distintas. Y eso puede hacer que te reconcilies con canciones que no te gustaban tanto y viceversa. (Nico)

¿Hay alguna ciudad o sala donde hayáis sentido que este nuevo repertorio ha conectado de una forma especial? La verdad, está siendo una gira muy emocionante en este sentido, estamos felices de los conciertos en todas las ciudades en las que hemos tocado hasta ahora. (Nico)

Si esta gira sirviera para definir quién es hoy La Paloma sobre un escenario, ¿qué creéis que diría de vosotros?

Seguimos siendo los mismos intentando hacer las cosas cada vez mejor. En todos los sentidos. (Nico)

13 febrero – Hangar – Córdoba

14 febrero – Supra – Sevilla

27 febrero – Berlín Social Club – Almería

28 febrero – Aliatar – Granada

DÓNDE ESTÁ LA

MARCAPASOS

Duquesa, 6 Granada

BORA BORA

Plaza Universidad 1 Granada

LOCOLOCO VINTAGE

San Carlos, 15 Murcia

S. TEATRO TRAJANO

Muza, 50 Mérida

FAROLES Oviedo, 4

Talarrubias (Badajoz)

BAR MUTANTE

Fresa, 15 Sevilla

KAVKA LIBROS

Joaquín Ruano, 27 Linares

TEATRO Mª LUISA

Camilo José Cela, 9 Mérida

C. C.. ALCAZABA

John Lennon, 5 Mérida

MAPA TABERNA

Simón García, 57 Murcia

SALA MARTE

Nicolas, 2 Málaga

LA TÉRMICA

Avda de los Guindos, 48 Málaga

LA CAJA BLANCA

Editor Ángel Caffarena, 8 Málaga

SALA CONTACTO

Crta Jarandilla. Navalmoral de la Mata.

FUNCLUB

Alameda de Hércules, 61. Sevilla

SUBTERRÁNEA

Horno de Abad, 8 Granada

BOTÁNICO CAFÉ

Málaga, 3, Granada

ESPACIO

BELLEARTES

Donoso Cortés, 6 Cáceres

PLANTABAJA

Horno de Abad, 11 Granada

JAM

Obispo Hurtado, 11 Granada

DISCOS COMIX

Enrique Villar, 11 Murcia

CÍRCULO PACENSE

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LA GARRAPATA

Mariblanca, 9 Málaga

OFFCULTURA

Ricardo Carapeto Zambrano, 148 Badajoz

GRAN TEATRO

San Antón s/n Cáceres

TEATRO LÓPEZ DE AYALA

Plaza Minayo Badajoz

Indilogía SECRETOS DE LOS MARES DEL SUR

“La indendencia no depende del éxito, sino de no hacer canciones pensando solo en él”

Hablar de indie en España sigue siendo adentrarse en un territorio difuso, discutido desde su nacimiento y puesto periódicamente en duda, como una Atlántida musical cuya existencia se cuestiona cada cierto tiempo. Precisamente desde ahí zarpa Indilogía (Aguilar, 2025), el libro en el que Nani Castañeda propone un viaje personal, generacional y crítico por la música alternativa española de las últimas tres décadas. En Secretos de los Mares del Sur zarpamos en busca de esa especie de Atlántida.

Hablar de indie en España sigue siendo adentrarse en un territorio discutido desde su nacimiento y puesto periódicamente en duda, como una Atlántida musical cuya existencia se cuestiona cada cierto tiempo. Desde ahí zarpa Indilogía, el libro en el que Nani Castañeda propone un viaje personal y crítico por la música alternativa española de las últimas tres décadas, una travesía que conecta pasado y presente sin nostalgia impostada.

Lejos de una biografía al uso, el libro funciona como una antología construida a partir de 46 discos clave. Para Castañeda, el punto de partida es claro. “Para mí el indie nunca ha sido una etiqueta musical. Nunca ha sido un estilo. No se puede hacer una canción indie”. Lo que ha existido siempre es la música independiente, entendida no como un género, sino como una manera de hacer las cosas.

El recorrido parte de la influencia del rock y el pop alternativo anglosajón y se detiene en el momento en que la escena española empieza a cantar en castellano y a construir un discurso propio. “Hasta que no empezamos a escribir letras y a contar algo, éramos una especie de secta de tíos raros

haciendo música ruidosa”, apunta. Ese giro marcó un antes y un después y convirtió una escena cerrada sobre sí misma en un espacio de comunicación.

El relato de Indilogía avanza también a distintas profundidades. En la superficie, la selección de discos dibuja una cartografía clara de la música alternativa española. En un segundo plano aparecen las notas al pie, donde afloran recuerdos, contexto industrial, anécdotas de carretera y una ironía constante. Es ahí donde el libro deja entrever sus secretos, los que no siempre se muestran en primer término pero sostienen todo el viaje.

Cuando la conversación se desplaza al presente, el tono se vuelve más crítico. Castañeda reflexiona sobre la presión actual de la industria y la hiperexposición permanente. “Queríamos hacer música y discos, no estar todo el rato contando nuestra vida en Instagram” resume, señalando el desgaste que llevó a muchas bandas a sentirse fuera de juego.

El libro desmonta además una confusión histórica del indie. “La independencia no depende del éxito”, afirma, “depende de que no hagas canciones pensando solo en tener éxito”. La independencia, insiste, debe

ser artística, no económica ni estructural. “Si quitara del libro a todos los que han trabajado con multinacionales, se quedaría en veinte grupos”.

En Indilogía también hay espacio para revisar cómo se construyó el relato crítico de la escena, señalando directamente a MondoSonoro. Al hablar de Standstill, Castañeda recuerda con ironía. “Estabais muy entregados a Standstill en aquella época, le disteis disco del año a Viva La Guerra, y ahora ¿qué hacemos con Adelante Bonaparte?”, una reflexión sobre la prisa crítica y la dificultad de conceder tiempo real a los discos para que terminen de desplegar su recorrido.

En ese ejercicio de revisión también aparece la conciencia del paso del tiempo. “Cuando mejor te va, muchas veces el sistema ya está buscando la siguiente novedad”, señala, apuntando a una industria que rara vez concede espacio para la permanencia. “Tener una banda durante treinta años es un milagro”, concluye.

Indilogía no responde si el indie está vivo o muerto. Hace algo más útil. Recordar que nunca fue un género, sino una forma de entender la música, el éxito y la coherencia artística. A. GARCÍA