Mondo Sonoro Noroeste febrero 2026

FEBRERO 2026 Nº 347 mondosonoro.com

“Al final, lo que quedan son los discos”

MONDO NOROESTE

Familia Caamagno Legado

Hablamos con Manuel Caamagno, vocalista de Familia Caamagno, en una charla desarrollada en gallego sobre el aniversario de la banda, su nuevo trabajo “Disco comarcal” (Tremendo Audiovisual, 26) y la identidad o el momento actual del grupo.

FAMILIA CAAMAGNO están de doble celebración: cumplen quince años y lo hacen con nuevo disco bajo el brazo, una coincidencia no buscada. “Fue casualidad. Nosotros no somos de llevar la cuenta de estas cosas”. Tras tres lustros de trayectoria, se sienten bien. “Al principio luchamos mucho, tocando en sitios que a veces eran complicados. Obviamente ahora no somos estrellas del rock y no vivimos de esto, pero sí que lo hacemos de forma profesional... por lo menos, en lo que se refiere al directo. Estamos donde queremos estar”. Han pasado cuatro años desde su anterior disco, un lapso largo para los tiempos actuales. “Quizás nos habría ido mejor lanzando antes

canciones, ya que algunas llevan hechas tres años. Pero no es la lógica con la que trabajamos. No tendría sentido en un proyecto como este, ni queremos participar de eso. Los grupos se acaban, la gente muere… Al final, lo que quedan son los discos”. Aun así, su público no parece necesitar un ritmo alto de publicaciones. “Nuestros directos son divertidos, bailables y la gente lo disfruta. Hay gente que dice que no nos escucha en casa, pero que le flipan nuestros directos. Ojalá sigan respondiendo en directo”. Acaban de lanzar “Disco Comarcal”, grabado en los estudios La Mina con Raúl Pérez. “Es un tío que sabe muchísimo y que entendió desde el primer momento lo que nos apetecía hacer. También era una experiencia que queríamos tener.” Una decisión guiada por el instinto. “Nos apetecía, no queríamos hacer un disco continuista. ‘O Mundo Está Derrotado’ (Auto, 22) funcionó muy guay, tiene buenas canciones y es cierto que podríamos repetir fórmula, pero queríamos algo un poco más orgánico. Como todo lo hacemos de forma semiprofesional, podemos tomar decisiones así, sin fijarnos en que puedan entrar más o menos euros”. Este nuevo trabajo rinde homenaje a aquellas discotecas

y locales míticos de carretera en Galicia que ya no existen. “Ahí está obviamente la nostalgia de la juventud, sin querer hacer apología de ella, ni afirmar que antes todo fuera mejor. Es una reivindicación de los sitios en sí. También hay algo de crítica a esos empresarios que aparecían y se forraban”. En efecto, la crítica social sigue presente, aunque no siempre sea evidente, como en “Bomba de calor”. “Llevamos tiempo canciones que aparentemente son para bailar, con una estructura divertida, pero en la que estás hablando de ansiedad, del turbo capitalismo o de los problemas de nuestra generación.” La puesta de largo será el 6 de febrero en Santiago de Compostela: una noche especial con orquesta. “Podríamos repetir lo que funciona, como una presentación con colaboraciones. Pero aquí no queríamos hacer eso. Queríamos hacer un concierto único, tener la oportunidad de ver nuestras canciones orquestadas, con vientos y con teclado”. Después llegarán más fechas. “Moveremos el disco, tocaremos en salas y festivales. Queremos disfrutar encima del escenario y que la gente vea el directo. Las canciones tienen vida propia y para nosotros eso es fundamental”. daniel pose

ENTREVISTASNOROESTE

“El sonido desaparece, pero la memoria siempre permanece”

Cosmic Birds Ensoñación

En el cielo del indie español se escucha una nueva armonía. Tras quince años de trayectoria y nueve desde su anterior largo “Melt In Trees” (Astral Travel, 16), los pucelanos Cosmic Birds nos acercan una última vez al sueño final con “Flying Tales And Nightmares” (Auto, 25).

CON ESTE VUELO, los pájaros cósmicos nos regalan nueve temas de chamber-pop coral. Fuertemente emocional y con un sobredimensionado protagonismo del piano. “El disco se siente más bien onírico, con la gravedad emocional añadida del final de ciclo, pero eso no lo sabíamos cuando empezamos a componerlo. Siempre nos hemos movido entre lo onírico y lo melancólico y diría que este disco es ⅔ onírico y ⅓ melancólico. No es triste, más bien es consciente del silencio. Es más sueño lúcido que recuerdo, más aceptación que pérdida”. Para crear esa sensación musical que desdibuja las barreras de lo que es real y lo que no, su mayor arma reside

en su forma de armonizar. “Cuando David y Robin formaron el grupo allá por 2010, la idea era cantar a dúo, al estilo First Aid Kit, armonizando con terceras. Al incorporarse Guille, César y Fer, además de terceras, quintas y octavas, trabajamos mucho con las cadencias melancólicas que aportan cuartas y novenas. Todo hasta llegar aquí, con muy pocos pasajes sin armonizar y hasta siete voces diferentes”. Su música emociona, y mucho. Pero para conseguirlo han tenido que emocionarse ellos primero. “Las melodías de Sufjan Stevens y las armonías de Fleet Foxes serían las respuestas más obvias, pero hay infinidad de compositores que nos emocionan. Estilísticamente, Cosmic Birds ha mantenido su esencia durante estos años, pero nuestras influencias han ido cambiando, siendo más evidente en nuestros proyectos individuales (haZy ben, Oihan) en los que en cada trabajo se aprecia esa búsqueda de la emoción a través de elementos más sintéticos”. En su carta de despedida, “El Último Vuelo de Cosmic Birds”, dejan media docena de ecuaciones... y resuelven algunas de ellas. “Aparece la fórmula de la velocidad de escape: es la mínima velocidad necesaria para abandonar un planeta o cuerpo ce -

leste para no regresar a la órbita previa. La ecuación de las ondas sonoras aparece para recordar que el sonido necesita un medio para propagarse y en el espacio nada suena. Y la ecuación de la luz como onda, ya que el sonido desaparece, pero la memoria siempre permanece”. Ante un grupo que ha sido clave para la configuración de la música alternativa en Castilla y León en las últimas dos décadas, y dentro de una escena contemporánea en donde las canciones se crean como exámenes y las son salas cada vez más un bien escaso y preciado, se me hace inevitable la pregunta: ¿El indie ha muerto?. “El indie como sonoridad en la industria musical española, desde luego está más que enterrado. Pero si nos referimos a la autogestión como vía consciente de trabajo, diría que está más en boga que nunca. Se puede ahogar a la cultura, pero ésta siempre escapará entre las grietas y buscará su camino. Hemos transitado ese camino estos quince años formando parte de muchos proyectos como Corzo, Arizona Baby o The Jackets. O siendo parte de la banda de Ángel Stanich, Kiko Sumillera o José Carreño. Y lo seguiremos haciendo en los proyectos que permanecen”. martín p. corral

ENTREVISTASNOROESTE

“Nos gusta el rock, el blues, el country y las películas de vaqueros”

Greasy Belly Un plan sencillo

A veces no hace falta mirar a Alabama para obtener grandes dosis de Southern Rock, solo es necesario mirar al noroeste de Iberia, a Coruña más concretamente. David Vázquez y Miguel A. Suárez forman la bicefalia al frente de Greasy Belly, una banda de R’n’R como las de antes.

CON SU SEGUNDO ÁLBUM, “Lookin’ For A Roll” (10d10, 25), Greasy Belly suben la apuesta incidiendo en su classic southern rock, aunque tal como dice el guitarrista y compositor Miguel A. Suárez, “… tal vez se note como un disco algo menos apresurado en algunos aspectos, también porque hubo más tiempo para matizar elementos que ayudaron a enriquecer el resultado final, teclados, voces... pero en el fondo la fórmula de trabajo es la misma, las canciones vienen como vienen y luego elegimos las que consideramos que pueden dar un resultado más heterogéneo al álbum”. Miguel y el cantante, guitarrista y com-

positor David Vázquez son la pareja que lleva las riendas, componiendo de maneras contrapuestas, “A veces sale algo inmediatamente, y a veces, que en mi caso es lo más habitual, le puedo estar dando vueltas a una idea incluso años... para que al final no me guste”; por el contrario, Miguel tiene poca paciencia. “Si me viene algo a la cabeza que parece una buena idea, cojo la guitarra, empiezo a escribir, y si me gusta, lo grabo. Pero si en media hora no consigo darle una mínima forma, lo descarto y paso a otra cosa. Eso es que no era lo suficientemente interesante, supongo”. Si de influencias hablamos, el contexto en el que se mueven no varía de sus gustos de siempre: la música, esa ‘good old music’ que llevan mamando desde críos. “Nos gustan Lynyrd Skynyrd, AC/DC, The Who, The Black Crowes, Blackberry Smoke y otro montón de bandas y artistas más recientes como Marcus King o Cody Jinks. El rock, el blues, el country, las películas de vaqueros y las historias de gente normal, sinceras y bien contadas. Cosas simples y sencillas”. Y es que no son ya aquellos chavales que comenzaban con la ilusión de comerse el mundo; son dos tipos con experiencia ya en varios otros proyectos que por fin logran dar juntos lo mejor de sí mismos. “Es

que lo bueno de ser una banda pequeña es que no hay nada que negociar más que entre nosotros mismos. Hacemos lo que queremos, lo mejor que podemos, e intentando respetar nuestros puntos de vista acerca de cómo enfocar las cosas. Es una bendición que la banda sea autosuficiente para poder seguir grabando y editando música, y se lo debemos a la gente que nos sigue. Nadie nos obliga a hacer nada que no queramos. Así que a la hora de negociar con quien sea, yo solo pido lo mismo que le pedía Harry Callahan a los Reyes Magos”. (N. del A.: Que nadie les toque los c…). Conclusión: “Somos muy fáciles de llevar, o eso quiero creer. Somos lo que ves y lo que oyes. Hacemos esto para nosotros principalmente, y que haya gente que nos siga y nos apoye para que podamos seguir haciéndolo, es una auténtica recompensa”. Y es que, si eres auténtico, entonces pasas de las corrientes imperantes en el momento. Y, si haces las cosas con el corazón, tus seguidores serán muchos o pocos, pero puedes tener la conciencia tranquila y disfrutar haciendo lo que más te motiva: música. ¿Pueden todas las bandas actuales decir lo mismo?... Respondan con el corazón y no se engañen a ustedes mismos. fernando sampedro

ENTREVISTASNOROESTE

“Somos una banda de nicho”

Nocturna Resistencia

Charlie y Juanma, miembros fundadores de Nocturna, hablan de la banda y de su debut “Sombras” (5899734 Records DK, 25). Un proyecto nacido de la pandemia, en el que un grupo de amigos pasó de tocar por evasión a construir un proyecto sólido y con identidad propia.

NOCTURNA SE ENCUENTRAN presentando “Sombras”, su primer disco de estudio. Para entenderlo hay que remitirse a unos inicios marcados por la pandemia. “Es un proyecto post pandemia. Al cortarse todo, fue una forma de juntarse y evadirse de lo que estaba pasando. Con esto tenías la libertad de estar con los amigos”. Pronto vieron que el proyecto podía ir más allá de una simple vía de escape. “Empezamos pasándolo bien, pero, de repente y al hacer canciones, vimos que había cosas interesantes”. La formación inicial también fue cambiando. “Nos dimos cuenta de que queríamos avanzar un poco más. Nos quedamos nosotros dos, que ya sabíamos

a donde queríamos ir, y después llegaron Jorge (batería) y Robert (guitarra)”. El paso de la diversión a algo más serio se dio de forma natural. “Pensamos que, habiendo material, actitud, ganas y creatividad, lo que tocaba era currárselo. Nos pusimos las pilas rápido”. A partir de ahí empezaron a preparar canciones y directos con una idea clara. “Queríamos que el directo fuese algo oscuro, con emoción ambiental, por lo que ambas cosas fueron de la mano”. Aunque llevan poco, ya han tenido tiempo de experimentar algunos cambios. “Al principio las canciones tendían a ser un poco largas, de seis o siete minutos, y con cierto punto psicodélico. Pero hubo un pequeño clic que nos hizo crear temas más directos. Ahora van surgiendo sobre líneas de bajo, y vamos añadiendo capas. Eso hace que sean un poco más directas, que se dispersen menos”. Todo este proceso evolutivo desemboca en su primer disco, que inicialmente iba a ser un EP. “Hay canciones que se grabaron hace tiempo, que iban a formar parte de ese EP. Pero no salía a cuenta sacarlo por costes, así que preferimos gastar algo más, sacar un disco y que quien lo compre pueda adquirir algo con más cantidad de música”. A ello se sumaron las dificultades del día a día.

“Somos gente con otras actividades. No siempre es sencillo quedar para ensayar, tocar o grabar. Todo se va alargando y al ser 100% autogestionado los plazos se van demorando”. Saben que su propuesta no es masiva. “Somos una banda de nicho. Entendemos que nuestro estilo no le va a gustar a todo el mundo”. Tampoco les resulta fácil definirse. “Somos una banda de estilo, y al mismo tiempo no sabemos muy bien en cuál estamos. Eso puede ser algo bueno, porque podemos entrar en variedad de sitios... o malo porque no cuadramos realmente en ninguno”. También señalan problemas como la falta de salas en su ciudad: Pontevedra. “No hay muchos sitios en donde tocar. Estamos un poco más aislados, si quieres tocar tienes que salir a la carretera. Cuesta mucho dinero”. Y reclaman otro modelo. “La gran lacra son los macrofestivales, el consumo de música sin profundidad. Ojalá que vuelva la cultura de tocar en locales, que la gente quiera ir a conciertos de bandas pequeñas por el hecho de descubrirlas”. El deseo como banda es sencillo. “Queríamos sacar música: ojalá la gente la escuche y la disfrute, y que dentro de unos años sea un disco que pueda seguir funcionando”. daniel pose

ENTREVISTASNOROESTE

Saibran Crepúsculo

Tras triunfar como pionero del trap gallego, Cibrán García –voz principal de Boyanka Kostova– se lanza a un espacio de libertad compositiva con Saibran, del que presenta “Atardecer harmonioso con gotas de primavera” (Tremendo Audiovisual, 25), primer capítulo de lo que será una trilogía.

DDesde la primera toma de contacto, este trabajo se estructura alrededor del sonido y de una producción orgánica muy marcada. Una decisión narrativa que busca evocar esas últimas horas de la tarde donde comienza una historia cualquiera. Y es que, a través del costumbrismo, el relato de Saibran se irá adentrando progresivamente en la noche a lo largo de los próximos capítulos del proyecto. Desde la musicalidad, el santiagués nos acerca, de forma cotidiana, a su propia realidad. “Este disco pedía un enfoque más analógico, con más instrumentación tocada, porque aporta una calidez que no tiene un sonido digital. Transmite mejor ese momento de estar con las amistades, la tarde cayendo, las terrazas, algo más humano y más cercano”. Esa idea de ocaso funciona como hilo conductor tanto en lo sonoro como en la forma de entender el proyecto. Este enfoque se concreta en el trabajo junto a Julián Goicoa y Fiz García (Mundo Prestigio). Más que imponer una identidad cerrada, su aportación acompaña y refuerza la sensación de proyecto nuevo, colonizando otros terrenos y marcando un punto de partida distinto al de su anterior etapa, sin necesidad de subrayarlo constantemente. La trilogía no nace de un plan rígido, sino de un proceso intuitivo, casual y, sobre todo, fructífero. “Las canciones aparecieron como ocio compartido entre amigos, y solo después llegó el momento de ordenar y buscar coherencias. De ahí la decisión de trabajar con distintos productores en cada disco, respetando la identidad sonora de cada bloque. No hubo una reflexión previa muy cerrada: los temas fueron saliendo y luego tocó pensar qué hacer con todo eso. Cada productor tiene su forma de trabajar y su sensibilidad, y

así era más fácil que cada parte tuviera una personalidad clara” explica Cibrán A nivel lírico, Saibran abre un espacio para registros que no siempre tenían cabida en Boyanka Kostova. La voz se vuelve más introspectiva y, en momentos, más reivindicativa, pero siempre anclada en lo cotidiano. “A mí lo que me gusta es hablar del día a día, de cosas pequeñas, reconocibles. No me interesa meterme en temas grandilocuentes ni decir ‘este tema va sobre la fragilidad del alma humana’. Prefiero contar una situación concreta: sales un día, te encuentras con un colega, pasa algo aparentemente simple... y en medio de todo eso van apareciendo otras

“A mí lo que me gusta es hablar de cosas pequeñas y reconocibles”

capas. Creo que desde ahí es desde donde se puede llegar a cosas más profundas sin forzarlo”. Desde esa tranquilidad, Cibrán observa con optimismo el momento actual de la escena urbana gallega, marcada por un relevo generacional potente y una mayor capacidad de crear comunidad. Nombres como 9Louro, XianPais o Kid Mount son algunos de los mencionados como ejemplos a tener en cuenta. Mientras tanto, Saibran avanza sin urgencias, confiando en el oyente y en el valor de un proyecto pensado para escucharse de principio a fin. Este atardecer es solo el inicio del recorrido de una noche que pinta muy movida. noel turbulencias

DISCOSNOROESTE

Paracetamol

Constantes vitales

(Stereolikes, 2025)

ELECTRÓNICA-PUNK / El segundo trabajo de los vigueses Paracetamol se ha hecho esperar. Doce años después de su anterior entrega, Cristina, Roque y Coque se vuelven a meter en el estudio, junto al productor Pablo Novoa, para dar forma a cinco nuevas canciones. Dejan atrás aquellos ritmos punk-pop de su debut, para, a cambio, dar paso a un tipo de sonidos electrónicos que recuerdan a los ochentas de artistas como Cyndi Lauper Con su sentido del humor habitual y grandes canciones como “Matar el Invierno” o “Amy” los gallegos inauguran con “Constantes vitales” una nueva y prometedora etapa.

ibán gonzález

Sin Control Cambiemos la canción (V3 Records, 2025)

METAL / La banda zamorana Sin Control presenta un nuevo trabajo muy sólido. Seis canciones con la personalidad del grupo, un sonido crudo y directo, pero con una producción cuidada que potencia cada detalle. Aunque la densidad y agresividad son muy palpables, aquí todo parece medido con precisión. El equilibrio entre lo musical y lo vocal resulta muy interesante, y la variedad de temáticas —desde lo fantástico y la denuncia social hasta problemas vitales y la revisión de un clásico de Barón Rojo— aporta profundidad. Un disco compacto, en definitiva, lleno de matices y que reclama atención.

daniel pose

Tona Cruseiro (Tremendo

Audiovisual, 2025)

FOLCLORE-POP / Tona desembarcan recuperando ritmos tradicionales gallegos como muiñeiras, rumbas y jotas, cruzándolos con blues o rock setentero con una naturalidad sorprendente. Miguel Cernadas (ex Terbutalina) lidera vocalmente una banda de instrumentación inusual –acordeón, violinofón, batería orgánica– que convierte cada tema en una invitación a bailar sin complejos. El EP suena a viaje en el tiempo: canciones que podrían ser de principios del siglo pasado, pero reimaginadas con brillo y mirada contemporánea. Un sonido analógico y distendido que hoy es rara avis en la escena gallega. noel turbulencias

Antela Mosaico Novo (Discos de Menta, 2025)

DREAM POP / Melodías maravillosas, acertados juego de voces él/ella y, en definitiva, una gran colección de canciones. Eso son los ingredientes del EP de este debut de los vigueses Antela bautizado como “Mosaico Novo”, banda formada por componentes de otras importantes formaciones de la ciudad como Dois o Tulip. Guitarras juguetonas que pueden recordar a The Smiths y partes que apuntan a La Buena Vida. Un trabajo exquisito, hecho con gusto y ese sonido lo-fi tan característico que llevan años practicando Marta, Óscar, José y Guillermo El punto de partida de un proyecto que promete mucho. ibán gonzález

Valró Fémina (Autoeditado, 2025)

POP / El ritmo de publicación de discos del cantante coruñés es de lo más frenético. “Fémina” es su quinto disco en tres años (el que fuera el primer disco que publicó el año pasado). Aun así, el músico siempre tiene cosas nuevas que contar, en composiciones magníficas que siguen su línea habitual: grabado en casa, sonido que recuerda a los sesenta y canciones sencillas y bonitas. Destaca la belleza de las melodías y unos temas que salen del corazón. Algunas piezas como “Ciudad del sol” o “Una carta perdida” son joyas escondidas dentro del repertorio de un artista demasiado desconocido para su talento. ibán gonzález

DISCOSNOROESTE

Frans & Los Hijos del Rigor

La búsqueda infinita (Autoeditado, 2025)

FOLK-ELECTRÓNICA / El músico argentino afincado en Vigo desde hace dos décadas Frans da luz verde a un nuevo trabajo que terminó hace tres años, en un movimiento que significa el final de una etapa dentro de su carrera. El autor experimentó, a lo largo y ancho de “La búsqueda infinita”, con sonidos de la música pop y la electrónica, entreverándolo con la música tradicional argentina y utilizando instrumentos clásicos de su país de origen. Seis canciones, producidas por Germán D’Aloia, a medio tiempo y con armonías muy sofisticadas y letras abstractas que plasman los viajes por el mundo del artista. ibán gonzález

URBANO / El artista vigués presenta cinco canciones marcadas por la introspección y una energía contenida. A diferencia de otros trabajos del género, aquí la fuerza reside en la voz de West SRK, que transmite, con palpable sinceridad, letras de carácter muy personal. Puede que no sea un disco pensado para conquistar al gran público, pero ahí reside su mayor virtud: la capacidad de conectar directamente con el oyente implicado. Cada tema luce como una carta enviada a quienes atraviesan momentos difíciles, con un tono honesto y cercano que deja una clase de poso emocional difícil de olvidar.

daniel pose

FOLK-ROCK / Comenzar la escucha de “San Felices” es como abrir la puerta de la casa del pueblo después de mucho tiempo. Los recuerdos se atropellan, los olores regresan y parece que la vida no se hubiese detenido. La M.O.D.A. regresan cuatro años después con trece canciones tejidas sin prisas y cuidadas al detalle, en donde no hay una serie de artificios ni riesgos que tampoco hacen ninguna falta. La instrumentación, letras y voz casan a la perfección. Una reafirmación y, a la vez, una evolución que no reniega de su identidad. Un disco honesto y sereno, para llorar, celebrar y recordar. daniel pose

ELECTRÓNICA-FOLK / El proyecto musical de Baiuca vuelve a sorprender transformando el que hasta la fecha es su último álbum de estudio ‘’Barullo’’ (24) en un total diez remezclas reinterpretadas de manera única. Esta nueva referencia, impulsa la tradición gallega hacia terrenos techno, house y electrónica experimental sin perder su esencia. Desde la potencia latente en la colaboración de Ale Acosta hasta los paisajes expansivos de Carlangas, cada versión mezcla tradición gallega con texturas electrónicas contemporáneas, creando así un equilibrio perfecto entre música de baile y escucha introspectiva. pablo lópez

DISCOSNOROESTE

Tina Pámpano

Bocados de Cereza (Autoeditado, 2025)

R&B-NEO SOUL / El nuevo EP de la mirandesa pasea por ese ambiente sonoro y estético de los cafés y cabarets antiguos en donde el jazz, junto con el humo tabacal entre sombreros aristocráticos y whiskey on the rocks, convive entre elegantes alfombras persas y lámparas de araña de cristal en el techo. A través de la calidez ‘sirénica’ de su voz, que se mece entre la seducción y lo sugerente, la autora imprime una pátina de lentejuelas al amor de flechazos en clubs y las citas furtivas bajo lunas infinitas, con teclados de seda que se besan con saxofones celestiales y la tropicalidad del afrobeat.

daniel caballero

Nubenegra Nº 25 (Autoeditado, 2025)

RAP / “Nº25” es un álbum que entiende el rap más allá de la memoria y el refugio. La artista coruñesa recorre una amplia variedad de subgéneros de la escena –del clásico al detroit o al trap– para narrar una vida marcada por el desahucio y la exclusión social. El disco también se revuelve, con naturalidad, en la tradición gallega, como en “Akobra” o “Teño un mal”, en donde gaita y panderetas dialogan incluso con ritmos cariocas. En estas canciones hay dolor y hay sueños, pero sobre todo una esperanza obstinada: la voluntad de corregirle la jugada al crupier que repartió las cartas de nuestra vida. noel turbulencias

Helus

Las cuatro estaciones (Autoeditado, 2025)

AMBIENT / Helio Villa y Luis Miguel Díez se adentran en el concepto del viaje y las referencias románticas del tren para vertebrar un álbum con matices de nostalgia y serenidad. Su trabajo traslada al oyente a una travesía sonora que se cimenta sobre estructuras ambientales que dibujan pasajes de recuerdos y lugares. Decididos a convivir con el imaginario colectivo de lo ferroviario, trazan una memoria que nace del diálogo de esas referencias con las bases atmosféricas, pero que también reclama la instrumentalidad de las cuerdas angulosas y de la narrativa para consolidar su poesía sonora.

álvaro de benito

AGENDANOROESTE

CONCIERTOS. RECOMENDADOS.

GRANDMA’S ASHES

14/02/26 – Mardi Gras (A Coruña)

RR El trío femenino Grandma’s Ashes llega con su rock alternativo con tintes progresivos y querencia noventera. Formadas hace cinco años, la formación viene desarrollado desde entonces una singular visión del rock, con textos oscuros y sarcásticos que invitan a entrelazar las voces de sus componentes, empastando con una instrumentación solvente y de trazo grueso. Las francesas prometen un volumen generoso, así como una buena dosis de riffs de los que apetece regar con cerveza fría.

ERIS MACKENZIE

28/02/26 – Conservera (Lugo)

RR Eris MacKenzie debutó en formato largo con “Meu Ceu: Cantigas industriais e brutalismo emocional” (25), un álbum que expandía el concepto de su anterior EP y hacía las veces de oscuro viaje a su propio interior. Tras cinco años con LORA, se lanzó en solitario para postularse como una de las voces más prometedoras de la escena gallega, apurando un proceso de catarsis y sanación en donde volcar su esencia sin concesiones, y que cabe suponer que defenderá con idéntico ardor en directo.

MAFALDA CARDENAL

20/02/26 – Camelot (Salamanca)

RR Mafalda Cardenal llega a Salamanca de la mano de ‘Directos Vibra Mahou’. La alicantina se perfila como una de las jóvenes promesas dentro del panorama musical español que apunta a la Generación Z. En su aún breve carrera, ha conseguido crear un talente creativo con personalidad, además de manejar un torrente de sensaciones que apuntan en vertical hacia su público. Una mezcla de sensibilidad y fuerza versada en torno a canciones que son historias en sí mismas, señalando a una hábil narradora.

VICTORIAS

14/02/26 – La Cueva del Jazz en Vivo (Zamora)

RR Victorias lanzaban hace unas semanas “El uno por el otro”, single que se ha convertido en la continuación de su aún reciente álbum “Emocional” (25). Un tema producido por Guille Mostaza que avanza el que será nuevo EP del grupo liderado por el vocalista Ire Díez cuando vea la luz en primavera. Se presentó también una extensa gira por salas en la que la formación sevillana desempeñará su pop sin florituras y con musculosa querencia por formas cercanas al punk.

EMMA POLLOCK

20/02/26 – Colegio Mayor Peñafiel (Valladolid)

RR Más allá de aquel valiosísimo catálogo dejado junta a los nunca suficientemente reivindicados The Delgados, la escocesa Emma Pollock suma ya unos cuantos aciertos en forma de álbumes en solitario, entre los que se incluyen “Begging The Night To Take Hold” (25), publicado el pasado año por el siempre fiable sello Chemikal Underground. Otra muestra inequívoca de la elegancia, honestidad, inspiración melódica y sensibilidad latente en una artista que tiende a resultar algo esquiva para con los escenarios, además de la excusa para que se pasee por escenarios de nuestra geografía, en una visita que se antoja como un lujo imperdible.

MONSTRUO LABERINTO

27/02/26 – Avalon Café (Zamora)

RR Dicen Nieves Lázaro (Lázaro) y Manuel Cabezalí (Havalina) –artífices de Monstruo Laberinto– que esa ‘oscuridad sonora’ que manejan como argumento remite a The Cure, Trentemoller, Fever Ray, Beach House, Massive Attack, Wild Beasts y hasta Michael Jackson. Fuera como fuese, el proyecto acaba de estrenarse con “Negro Fosforito” (26), un magnífico álbum debut que defenderán en el Avalon Café de Zamora acompañados de Víctor Cabezuelo de Rufus T. Firefly

KIKO VENENO

06/02/26 - Auditorio El Círculo (Burgos)

RR El ya mítico músico catalán de raíces andaluzas es uno de los grandes talentos cuando se trata de aunar en la misma marmita rumba, flamenco, pop, y rock, apoyado siempre en su talento para hacer letras ágiles y empáticas. El músico está celebrando su reciente fichaje por la discográfica Subterfuge (al amparo de quién publicará este año el que será su nuevo disco acústico) con una gira por varios teatros y auditorios que acogerán una mezcla de canciones nuevas y clásicas.

Doce Fuegos + Mikel Vega

Recinto: Sala Mardi Gras (A Coruña) – Fecha: 11/01/25 – Promotor: Mardi Gras

EL CONCIERTO DE MÄBU EN LA SALA MARDI GRAS de

A Coruña fue de los que ayudan a reconciliarse con la música en directo. A priori no era una cita sencilla, por ser la segunda parada de la recién estrenada gira de presentación de su nuevo disco. Sin embargo, los protagonistas demostraron saber perfectamente qué hacen sobre un escenario. La velada la abrió Silvia Penide, con una actuación breve pero intensa. Suficiente para llenar la sala de una emoción contenida que preparó el terreno para lo que estaba por venir. Tras un breve receso, María Blanco, Txarlie Solano y Susi Gamboa se colaron entre el público para interpretar los cuatro primeros temas rodeados de la gente. Un inicio atrevido, marcado por un silencio casi reverencial, roto solo por coros espontáneos o aplausos tímidos. Una comunión inmediata, que dejaba claro que aquello iba a ser especial. Fue un concierto medido al detalle, donde cada engranaje tenía sentido y,s i el disco en estudio suena bien, en directo adquiere una dimensión todavía mayor. Ayudó (y mucho) la respuesta de un público que mantuvo esa actitud ejemplar inicial. También hubo espacio para un momento especial, como fue la intervención de Tania Caamaño, con quien interpretaron el tema “Quédate a dormir”. Porque, aunque el protagonismo recaía en el disco estrenado en diciembre, también hubo espacio para otros temas de su discografía. El cierre de la noche recayó sobre “Cabeza de ratón”, certificando un concierto marcado por la emoción y canciones que adquirieron vida propia, además de por el saber estar de una banda que en directo roza la perfección. Una velada que, sin duda, mereció ser vivida. Sobre todo, si uno quiere sentir que está en casa mientras escucha música en directo, con la sensación acogedora de estar al amparo de ese calor del hogar propio. daniel pose

ERA UNA NOCHE PARA INICIADOS, ¿acaso más cerca de la performance que de un bolo al uso?. No, al menos en opinión de los protagonistas. Doce Fuegos (en la foto), el proyecto de Miguel Palou –vinculado a los nunca suficientemente valorados PYLAR–, fue el encargado de abri la velada. Palou construyó un paisaje sonoro a partir de violines, mandolina y percusiones, sin artificios ni apoyos externos. Su propuesta, basada en la improvisación y la experimentación, se mueve con naturalidad entre raíces folk, resonancias medievales y barrocas, con una intensidad muy cercana al metal extremo, territorio en el que entra y sale a voluntad. Piezas como pequeñas narraciones cargadas de tensión y atmósferas, donde cada gesto parecía invocar memorias ancestrales. Sobrevolaron ecos del drone –Sunn O))) y Earth–, pero también del noise y la psicodelia folk, pensando en Swans o Godspeed You! Black Emperor, en un directo hipnótico, áspero y ceremonial, en línea con ciertas partes del black metal ambiental. Y también con la literatura de colosos como Arthur Machen o Algernon Blackwood. Y eso sí que no tiene precio. Mikel Vega tomó el relevo con una actuación de densidad y precisión notables. El músico vasco desplegó un universo sonoro que se mueve entre la guitarra procesada, el drone y la electrónica, y que en directo adquiere una dimensión orgánica y envolvente. Vega construye sus piezas por acumulación y transformación, generando viajes en forma de canciones que avanzan lentamente, cargadas de tensión emocional, hasta que finalmente explotan. Los parajes sónicos de ambos son tan bellos como exigentes en la escucha y la atención: si te descuidas, te pierdes. Y de eso se trata. La parte final, con los dos juntos en una improvisación in crescendo, fue la más espectacular. paco jiménez

Sen Senra

Recinto: Coliseum (A Coruña) Fecha: 12/12/25

Promotor: Bring The Noise

LA TRILOGÍA DE “PO2054AZ” de Sen Senra llegaba a Galicia rodeada de una expectación notable. No solo por ser una de las pocas fechas programadas para el cierre de gira del artista, sino también por el hecho de ser la única cita del de San Miguel de Presqueiras “en casa”. Una noche planteada en tres actos, en la que Sen Senra se propuso escenificar sus trabajos más personales hasta la fecha, dejando también espacio para las que son algunas de las más aclamadas canciones previas de su catálogo. Nostalgia y emoción no faltaron, ni tampoco un público entregado que coreó buena parte del repertorio. Sin embargo, ese clima de comunión no consiguió disimular las carencias de una propuesta tan ambiciosa en lo conceptual como irregular en su desarrollo escénico. Dos horas y media que comenzaron con un carrusel de imágenes y un audio de su abuela, tras lo que siguió cierta impresión global de estar asistiendo a un quiero y no puedo. Y es que la propuesta escénica y musical giraba completamente alrededor del autor, buscando esa conexión sentimental con su público. Durante parte del

concierto, Sen Senra se mostró solo en el escenario, acompañado en ocasiones por un cuerpo de baile que buscaba escenificar con movimientos aquello que emergía de la boca del gallego. También destacar la presencia de Tania Caamaño, demostrando ser una de las mejores voces de Galicia, así como la compañía de Juan Habichuela a la guitarra en tres temas. Esos instantes, junto con un puñado más, fueron los únicos en donde la música en directo se hizo sentir presente. Aunque es cierto que la ausencia de banda no resulta del todo criticable, también es verdad que la propuesta musical de Sen Senra se presta a un acompañamiento más orgánico y capaz de insuflar vida y emoción a tan personales composiciones. La presencia de voces pregrabadas en muchos momentos, así como la de colaboraciones enlatadas como la de Aitana acentuaron aún más esa sensación de distancia. El concierto emergió gracias a la efectividad en directo de varias de sus canciones, apuntando tanto al baile como a la emoción como objetivos relevantes. Y, en ambos casos, el público ayudó. Pero por momentos faltó ritmo, como si el espectáculo no fuera capaz de terminar de arrancar. La situación no mejoró con los cambios de escenografía entre los

tres actos: largos minutos acompañados de música lo-fi que rompían cualquier intento de mantener la atmósfera. Con todo, fue en el tramo final en donde todo pareció encajar. La interpretación de “Pa Diante” desató la locura, y el cierre con “La belleza” y “Hasta el fondo” puso fin a la noche. Sen Senra se mostró agradecido y compartió con la audiencia cuánto le había cambiado este viaje musical de tres años materializado en decenas de canciones. Cuando terminó, entre aplausos y vítores, una de las paredes de madera de la escenografía mostró la inscripción: ‘Por los siglos de los siglos’. Toda una declaración de intenciones. Más allá de cualquier interpretación, quedó claro que la figura de Sen Senra ha trascendido entre un buen número de fieles. Queda la incógnita de qué vendrá a continuación. Tras tres años de viaje, tres volúmenes y un buen puñado de composiciones, el gallego se despide de esta trilogía dejando un rastro de emociones, fidelidades y recuerdos compartidos. La semilla está plantada, y aunque el espectáculo no alcanzase todo aquello que se le presumía, quedó la sensación de que su música seguirá creciendo en la memoria de quienes, en esa noche, acompañaron al protagonista de la velada. daniel pose

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