Mondo Sonoro marzo 2026

Rodrigo Cuevas La gran belleza

ejemplar gratuito

"Como si se fueran de fiesta toda la madrugá al tablao más puro de Sevilla Ornette Coleman , Black Sabbath , Swans y John Zorn , agustísimos de pavías de bacalao y fino de Jerez".

DAVIZ PÉREZ (Mondosonoro)

Terno Rei

06.03.26 Barcelona●La (2) de Apolo

Tei Shi 01.03.26 Madrid●Clamores 02.03.26 Barcelona●Laut

VVV [trippin'you] 06.03.26 Barcelona●Sala Apolo 17.04.26 Valencia●Sala Moon

Humour 10.03.26 Madrid●Wurlitzer Ballroom 11.03.26 Lisboa●Casa Capitão 12.03.26 Porto●Maus Hábitos 14.03.26 Barcelona●Heliogàbal

12.03.26

Bad

26.03.26 Barcelona●La (2) de Apolo

Fabiano do Nascimento 10.03.26 Barcelona●Laut

5/Mondo freako

El joven sexteto de Los Angeles es el penúltimo fichaje del mítico sello británico Rough Trade. Escuchando su debut “Goldstar” (Rough Trade/ PopStock, 26), que ve la luz este mes de marzo, se entiende.

CON MUCHAS y buenas influencias bien digeridas, la banda sigue la estela del pop melodramático y elegante anglófilo, con toques sarcásticos, de The Libertines, The Smiths o sus compatriotas The Strokes y Bright Eyes, con toques glam y de indie noventero y de los primeros dos mil. Su sensibilidad melódica no parece americana, y menos de la inmensa urbe californiana. Están en Madrid para promocionar su disco, aunque las circunstancias –viaje inesperado al ESNS– hacen que tenga que hablar por teléfono con un encantador y elocuente Ethan Ramon. El líder de la banda se suelta sobre todo hablando del fatuo ambiente musical del mainstream de su ciudad. En relación con la pléyade de influencias que se pueden detectar en sus composiciones, Ethan explica que “el álbum lo sacamos en un periodo de tiempo muy corto. En solo tres meses teníamos la mayoría de las canciones. Empezamos con un tema, un mensaje, y un narrador que queríamos que fuera consistente a lo largo de todo el disco. Como cada canción tenía su propio carácter, nos dimos permiso para jugar sónicamente y explorar un montón de géneros. Y como era muy consistente de lo que hablamos, ¿por qué no jugar con todo lo demás? ¿Por qué no incorporar un poquito de country, un poco de blues, incluso algunas influencias eslavas, algo de folk? Fue un proceso muy divertido y liberador”.

NO SOY EL PRIMERO en decirle que sus canciones no parecen de un grupo norteamericano. “Eso es curioso, porque nos lo dicen mucho. Sinceramente, no sé cómo llegamos a ese sonido. El álbum lo

The Sophs

Más allá del sarcasmo

MONDO FREAKO

compusimos antes de firmar por Rough Trade y antes de viajar, por lo menos yo, a Londres. No estoy seguro de por qué es, así se alinearon los astros. Quizá sea producto de haber crecido escuchando la música que escuchamos, sí”. Preguntado por influencias compartidas dentro de su formación, el vocalista se muestra igualmente esquivo y sincero. “¿Sabes lo gracioso? Que los seis tenemos gustos tan variados, y nos gustan cosas tan distintas que probablemente el único grupo en que coincidimos todos es The Sophs. Y eso lleva a una química que mola, porque confiamos en cada uno y sabemos que todos sabemos lo qué es una buena canción, y priorizamos la canción sobre todo lo demás. Tenemos un rango de inspiraciones muy diverso”. Ethan le da una importancia capital al apoyo de Rough Trade. No podía ser menos. “Lo ha sido todo, porque no sólo son profesionales realmente competentes y buenos con la parte del negocio, sino que son melómanos genuinos. Tienen oído y ojo para el gusto y la calidad, lo cual creo que es un gran activo. Su apoyo a todo lo que hacemos y estoy seguro de que también a lo que haremos, es importantísimo para nosotros”. Su respaldo les ha servido

para crecer en una gira británica y europea el año pasado, de la que tiene el mejor recuerdo.

UNA DE LAS COSAS que me llaman la atención es el uso de la guitarra acústica como elemento esencial del grupo. “Creo que le da mucha dinámica a la interpretación. Hay cosas que puedes hacer con una acústica que es imposible conseguir con una eléctrica: distintas capas de emoción. No queremos que se nos encasille o vernos limitados por el hecho de ser un grupo de rock. Y la guitarra acústica nos ayuda en esto. Creo que llegamos a ello después de escuchar mucho a Bright Eyes, Elliott Smith y esos grupos que usan acústica e incorporan géneros como el folk, que meten aspectos de cantautor en arreglos más desarrollados. Es una pena que no se vean más”. Ethan cita artistas tan distintos como Tom Waits, Mitski y Fiona Apple como referentes vocales. Y admite que el sarcasmo que domina las letras de este debut, sin ir más lejos en canciones como el single “I’m Your Fiend”, puede ser más fácil que la vulnerabilidad que hay en una canción como “House”. “Es cierto que, a mí, como ser humano, me resulta más di-

“

“Probablemente el único grupo en que coincidimos todos es The Sophs”

fícil mostrarme vivo y vulnerable que sarcástico. Me resulta más fácil cubrirlo todo de humor negro y nihilismo. Pero quería explorar esa parte de mí mismo que no me deja ser vulnerable. Esa fue la intención al hacer el álbum”.

ORIUNDO DE PHOENIX, aunque “trasplantado” a Los Ángeles, el norteamericano tiene una visión dual de la escena musical de aquella gran urbe. “Como alguien que no ha nacido en L.A. creo que

sólo tengo autoridad para hablar de otros ‘trasplantados’ y de la cultura del famoseo. Pero lo cierto es que hay muchos enclaves culturales como la comunidad latina y una gran comunidad asiática americana, o la comunidad negra, que han engendrado muchísima música buena a lo largo del tiempo. Pero como llegado de otro sitio, tengo que decir que la industria musical de Los Ángeles es ahora mismo muy insípida y superficial”. “Por desgracia –añade–, gran parte de la escena en la ciudad es súper corporativa y muy transaccional. Hay muchos ejecutivos de la industria musical, cazatalentos, managers o agentes, que tratan de moldear a los artistas para que sean estos productos vendibles tan raros”. Dicho, esto, “la industria es simplemente una amalgama de pequeñas pero poderosas escenas locales. Es fácil hablar de la industria como una bestia corporativa gigante, pero en realidad es una colección de personas que tratan de hacer las cosas bien en sus comunidades. Eso me llena de esperanza, porque es muy fácil sostener lo anterior, cuando no es verdad”. JC PEÑA

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LA MÍA

Desmemoriado no quiero estar

No tengo claro que jamás haya escrito sobre ello. Si lo he hecho, pido perdón por anticipado. Pero lo que sí tengo claro es que, en petit comité, he hablado de ello en muchas ocasiones. No sé si es algo que podamos circunscribir a nuestro país y a nuestra cultura, a la forma en la que funcionamos como sociedad y a la forma en la que funciona la industria. Ni siquiera sé si tiene que ver con nuestro carácter, Y no voy a buscar culpables, menos todavía atendiendo a que esta publicación que tenéis entre manos se ciñe casi exclusivamente a la actualidad, al aquí y al ahora. Por lo que respecta a la música, somos un país francamente desmemoriado. O lo somos hasta que suena alguna flauta por ahí y se repesca a algún artista perdido, se le reivindica fugazmente o se descuelga el teléfono para una colaboración que le rescate del olvido. Somos un país que parece obcecado en relacionar a artistas con generaciones, sean solistas o bandas. Y ese supone hacer prácticamente borrón y cuenta nueva cada pocos años. Cada generación tiene sus artistas, eso no admite duda, pero entristece ver que pocos son quienes echan la vista atrás para descubrir los referentes de esos artistas con los que se ha crecido. Como no puedo citar ejemplos privados o personalizarlo en personas de la calle, pongo como ejemplo lo que ocurrió con la mal llamada “generación Trap” que copó todos los medios y titulares entre 2015 y, pongamos, 2017 para los más rezagados. Una cantinela habitual era decir que todo lo que existía en este país previamente era cutre, no aportaba nada, era cansino, reiterativo y todos los etcéteras que le queramos poner. La verdad, creo que no era necesario. Es fruto del capitalismo atroz el enfrentar generaciones, enfrentar culturas, enfrentar por enfrentar, para vencer dividiendo. Pecando de buenista, les diré que siempre respetaré más a quien respeta a sus mayores o, a malas, a quienes evitan enfrentarse a ellos y busca crecer exclusivamente por su propio empeño y trabajo. Es cierto que habrá mucha gente que no lo vea desde mi prisma, y no les culpo, pero sencillamente les digo que se vayan preparando, porque el edadismo está esperándoles a la vuelta de la esquina y, antes pronto que tarde, habrá quienes les quieran aparcar a un lado de la cuneta sin atender a todo lo que aportan día tras día. Y ojo, que no estoy hablando de tapones generacionales, que ese es otro tema bien distinto. Aunque, ya que hablamos de tapones generacionales, que alguien me explique cómo ayuda el alargar la edad de la jubilación o esa obcecación de algunos ricos y poderosos en alcanzar la vida eterna a base de potingues, experimentos o IA… Pero eso a un pobre diablo de la generación X como yo ya poco le importa. JOAN S LUNA

Repion

Hermanísimas

“Espero que en algún momento seamos el Amaral de alguien”

“201” (Mushroom Pillow, 25) es la salida de la carretera que lleva a Repion a Camargo, su hogar y tierra en la que ha ido tomando forma el disco. Ahora residen en Madrid, donde me reciben las dos hermanas que forman uno de los dúos más sólidos del panorama actual.

MARINA Y TERESA reposan en el sofá desgastado de su tercera casa, El Observatorio Musical. Es el lugar de ensayo de buena parte de los grupos de la capital, a juzgar por las pegatinas de todos ellos que hay repartidas en cada rincón… Aunque hay una que seguro que no está: la de cierto cantante colombiano con más de treinta millones de oyentes que les ha “copiado” el nombre del álbum. “¡Fue enviar a fábrica los vinilos, salir a la calle y encontrarme las paredes de Madrid empapeladas con la gira ‘201’ de Manuel Turizo!”, comentan entre risas. Si en su entrevista del año pasado ya contaban que sus calendarios se habían visto rebosados en cuestión de meses, con la publicación de este quinto disco, Repion ya no saben cómo estirar la agenda. Marina (voz y guitarra) sigue en su excedencia como enfermera y Teresa (batería) está justo en la “última entrega audiovisual” de su productora propia. Se encuentran en plenos ensayos de una gira que pasará por México y se extenderá hasta finales de año, pero no las noto cansadas. Al contrario. Se pican entre ellas cuando

les pregunto por qué solo diez canciones en “201”. “¡Y Marina ni quería meter ‘Atocha’! ¡Estás loca!”, le señala. La mayor de las hermanas argumenta que “era tan corta…”. Pero que el momento que se creó al grabarla fue decisivo. “Se grabó en directo en el hall del estudio: tocó Santi la guitarra y Teresa el bombo… [¡uno de juguete!] Yo, sentada en la escalera, canté sin claqueta ni nada. Está grabada prácticamente en una toma, sin edición ni truco”, y con una energía tan especial no pudo decir que no a ese décimo tema.

EL “SANTI” DEL QUE HABLAN es Santi García, miembro de bandas como No More Lies y productor de La MODA, Cala Vento o La Habitación Roja, entre otros. Y también el de su trabajo de 2023, “Entre todas lo arreglamos”. “El paso del tiempo y la confianza con el productor han sido la clave para diferenciar el EP y el disco. El EP se grabó en tres días; y esto, en tres semanas. La confianza le da a él más manga ancha para proponer cosas y explorar sonidos”. A veces, se quedaban enfrascados en detalles mínimos, como las congas de “Columnas”, señala Tere riendo. “Las metió Santi en el instrumental, de fondo, y casi no se aprecian. Estuvimos como una hora y media probando con las congas. Santi decía: “Lo veo, lo veo”. Al final entraron, si te fijas, ahí están. ¡Ahora no puedo dejar de escucharlas!”, reconoce. También fue crucial para modelar el sonido de “201” el tributo a Antonio Vega al que atendieron el año pasado, recuerdan. “A raíz de ahí salió ‘Otro día será’”. En esta conversación de nombres míticos no puedo evitar compararlas con Amaral. “Nos han dicho que somos un poco Amaral

y Dover”, y confiesan que sería un sueño trabajar con Eva y Juan Aguirre, pero no de cualquier forma. “Me gustaría componer una canción desde cero con ellos, más que tenerla ya y repartir estrofas: compartir el proceso, sin prisa”, propone Marina.

REPION TIENEN, entre muchos otros talentos, el de encapsular instantes muy breves y darles forma de sensación. “’Aire entre las piernas” [en “Uñas de amarillo”] lo pensaba con el verano, la falda y ese aire al andar o al salir del metro. Son momentos reales; no es que tengamos buena memoria… Es más una labor de observación y retención”, y de dejar esos segundos por escrito al instante. Como en “Me sabe a poco”, la joya del terrorismo emocional del álbum. “Teníamos la primera frase apuntada y empezamos a tirar. Se refiere precisamente a los encuentros post-corte… Solemos decir que es una canción triste, pero también es una ruptura en la que queda lo bonito”, comparten estas dos hermanas sin ningún secreto entre ellas. Al bar del Observatorio no paran de entrar chavales con instrumentos a los que Repion van saludando. Porque, aunque parezca que acaban de llegar a las playlists, llevan más de diez años en esto. Y, a juzgar por sus declaraciones, ahora empiezan a ver los resultados de todo ese recorrido. “Hoy estamos un poco agobiadas porque este finde tenemos tres bolos”, explican, y yo no entiendo cómo les dan las cuentas. Comprendo que sus días se calculan de forma diferente, y que lo seguirán teniendo que hacer los próximos diez meses que dura su tour. Con cambio de horario incluido. “Siempre estamos con la cantinela

a nuestras managers: ‘hay que mirar México’. Nos apetece ampliar y nos da la sensación de que allí hay un público al que le puede interesar la banda. Por lo menos, habrá que ir a presentarse para que lo decidan por sí mismos”. Aun así, reconocen que les hace mucha ilusión la gira por nuestro país. “Nos apetece tocar el show nuevo. Está viniendo mucha gente a vernos, se saben todas las canciones. ¡Y muchos niños! Espero que en algún momento seamos el Amaral de alguien. Como ellos fueron para nosotras, que lo seamos nosotras para alguna niña…” MARA GÓMEZ

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EN CONCIERTO

l Granada 06 marzo. Planta Baja l Salamanca 13 marzo. Teatro Juan de la Enzina l A Coruña 18 marzo. Sala Pantalán (Vibra Mahou) l Vigo 19 marzo, Supersonic. (Vibra Mahou) l Valladolid 21 marzo. Vibra Mahou Fest l Vilagarcía de Arousa 29 marzo. Achegate ao Solon l Benicàssim 02-04 abril. SanSan Festival l Gijón 18 abril. Gijón Sound l Lugo 24-25 abril. FIV de Vilalba l Málaga 22-23 mayo. Oh See! Málaga l Zamora 30 mayo. Hurra Romería Pop l Palencia 12 junio. Palencia Sonora l Vigo 10 julio. PortAmérica l Ponferrada 10-12 julio. Planeta Sound l Torrevieja 31 julio-02 agosto. Low Festival l Cádiz 05 agosto. Concert Music Festival l Aranda de Duero 08 agosto. Sonorama Ribera l Guadalajara 28 agosto. Festival Gigante l Miranda de Ebro 04-05 septiembre. Ebrovisión l Zaragoza 26 septiembre. FIZ Festival l Cornellà 03 octubre. Sala Ramón Romagosa l Madrid 16 octubre. La Riviera

10 ATRÁSAÑOS

Mondo Sonoro número 237

Marzo de 2016

Fueron portada: Love Of Lesbian

Charlamos con:

Juventud Juché, León Benavente, John Lydon, Wolfmother, Primal Scream, Animal Collective, Viva Suecia, Foyone, Arco, Capaz. Obsidian Kingdom, Kostrok, Mystery Jets, Nada Surf, Lee “Scratch” Perry, Tindersticks, Muerdo, Quique González, Sunn 0))), Junior Boys, Yall, Terrier, Cola Jet Set, Familea Miranda…

Nos dijeron:

“Somos una de las últimas bandas auténticas de rock del planeta” (Bobby Gillespie de Primal Scream)

“No tengo ni un amigo en la industria [risas] Y no sé cuántos enemigos. Esa es una pregunta que difícilmente puede responder uno mismo” (John Lydon de PIL)

“Es importante que la gente viva emociones fuertes de vez en cuando” (Stephen O’Malley de Sunn 0))))

“El noventa por ciento de la gente que conoce León Benavente no tiene ni puta idea de lo que hacíamos antes” (Luis Rodríguez de León Benavente)

Los seis discos de mi vida:

Dani Vega (Mishima), quien eligió trabajos exclusivamente de metal y hard rock de Iron Maiden, Whitesnake, Metallica, Def Leppard, Alice In Chains y Dio

Fue disco del mes:

“The Life Of Pablo” de Kanye West

También destacamos:

“Erlo” (Grises), “Night Thoughts” (Suede), “Agricultura Livre” (Emilio José), “More Rain” (M. Ward), “Pidiendo a las puertas del infierno” (Mucho), “Post Pop Depression” (Iggy Pop), “Visions Of Us In The Land” (Damien Jurado) y “Life Of Pause” (Wild Nothing) MS

Walls

Espíritu rock

“El

artista más grande de la historia murió y al día siguiente el sol siguió saliendo”

No puedes ser una estrella del rock si careces de espíritu. De adrenalina, rebeldía y una considerable vulnerabilidad. Si la vida no es una fiesta. Walls nos recibe en las oficinas de Warner tras festejar la pasada noche sus nuevas melodías. Nos concede así la primera entrevista con su cuarto larga duración en el mercado “El Día que me Olvides” (Atlantic, 26).

PARA LLEGAR A LA BÚSQUEDA de un sonido atemporal, a reencontrarse con un rock puro, Ginés ha recorrido un camino enorme. Desde sus primeras batallas de gallos en 2017 hasta el álbum indie-rock “LUNA 18”. “Creo que en ‘LUNA’ tenía en mi cabeza un concepto mucho más inmaduro del rock de lo que tengo ahora. Creo que el rock and roll es una actitud. Evidentemente si me escucha un fan de Slipknot dirá que no soy rock, que el sonido es blando y lo entiendo perfectamente. Pero sin embargo creo que sentarse con un piano a cantar, al hablar de trascendencia, del futuro, de la figura de la persona marchándose y dejando atrás un oasis de caos, eso es rock and roll también. Es muy espíritu de rock vivirlo todo a saco. La dife-

rencia sonora se ve, se escucha al momento. Las baterías en este disco son más orgánicas o las canciones en las que la guitarra lleva distorsión el preset es más duro”.

SU SONIDO NO ES LO ÚNICO que ha evolucionado desde que el murciano se encumbrara con diecisiete años como una de las voces más interesantes del freestyle nacional. También su forma de componer. “Para tocar la épica hay que buscar letras que hablen de futuro, del miedo o de no tener miedo. Este álbum es en el que más ha cambiado mi manera de escribir. Al venir del rap siempre he escrito buscando la barra, la frase contundente, ahora todo busca una conclusión. Tiene mucha musicalidad en el sentido de poética. Me preguntaba cómo puedo hacer canciones que se consideren atemporales. Pues haciéndolas con la filosofía que me enseñó mi viejo, que es que tienen que tocar y se tiene que buscar la canción”.

SU PADRE Y SU FORMA DE ENTENDER la música han sido claves en su acercamiento al rockabilly, y en su ascensión a la eternidad ha tenido que regresar a su infancia para crear el corte más diferente del disco. “A ‘¿Cuántas penas vale tu amor?’ le llamamos bolero aunque realmente los acordes son de tango. Yo llevaba unos días obsesionado con esos acordes, quería hacer un tema con esa oscuridad. Me llevaban a Carlos Santana, no había caído y de repente

digo ‘Tiene los mismos acordes y una cadencia melódica bastante parecida a ‘Magdalena’’. Es una canción que no sé ni de quién es, pero que llevo años cantando con mi viejo y si yo quiero trascender con mi música, o hacer algo que trascienda para mi gente, tengo que contar también que es aquello que ha trascendido para mí”.

ANTE UN TRABAJO MARCADO por la vida, pero sobre todo por la muerte, se me hace inevitable preguntarle a su autor: ¿Por qué te gustaría ser recordado el día que te olviden? “Me gustaría que se me recordase como un gran compositor. Una persona que supo sacar el máximo partido a las capacidades que tenía. También como una persona que utilizó su trabajo para vivir experiencias guays con la gente de su entorno. Ayer en el lanzamiento había un clima de felicidad que yo tampoco lo entendía por parte de algunas personas porque digo ‘Joder, no tienes que estar así’. Eso es guay, compartir la alegría, me gustaría que se me recordase por eso. Cuando hablo del legado no me refiero a ser el artista más grande de la historia. El artista más grande de la historia se murió y al día siguiente el sol siguió saliendo, pero mi legado es simplemente trascender para mi pequeño círculo”.

MARTÍN P. CORRAL

Nuevo álbum 20/02

"Mil Pequeños Cortes"

Romàntic Dimoni Conexión

La ternura de lo colectivo como única forma de resistencia. Eso es lo que defiende Romàntic Dimoni, el nuevo proyecto de Carles Caselles, ex-líder de Smoking Souls. Ahora, además, tenemos en las manos “PRIMER MOVIMENT” (Propaganda Pel Fet!, 26), su álbum debut.

QUEDAMOS POCOS DÍAS ANTES del estreno de su álbum debut, “PRIMER MOVIMENT”, para hablar de canciones, amores y comandos. En Pego empieza a caer la noche y a nosotros se nos despierta, después de charlar un buen rato, la curiosidad de lo nuevo. Allí me encuentro a un artista sincero, “muy cansado”, aturdido por “volver a la exposición pública”, pero feliz. “Estoy muy bien, muy ilusionado por todo lo que hemos estado trabajando, y la respuesta de la gente está siendo muy buena”. Romàntic Dimoni

es “un alter ego”, “una contradicción en sí”, una representación del artista. “Al final, toda obra es una biografía de quien la crea, inevitablemente”. Pero, además, es una consecuencia del “PRIMER MOVIMENT” y no al revés, como podría pensarse. “El nombre me salió después de haber creado el disco. [...] porque era un disco muy conceptual”. Además, a Carles, este alter ego le permite “dejar de exponerse tanto” y, en parte, protegerse de la “adicción” que genera la exposición pública, esa que, “cuando desaparece, genera una serie de problemas de salud mental, como de perder tu identidad”.

EL PROYECTO NACE como resistencia frente a un cierto desasosiego. “Veo que cada vez el mundo es más frío, más individualista, más consumista”. Distanciándose del “discurso hippy”, Romàntic Dimoni defiende acérrimo la ternura. “La única forma de salir de las situaciones más difíciles es a través de la resistencia o del amor hacia el colectivo”. Además, sentencia: “El éxito siempre es compartido”. Sin embargo, toda esta idiosincrasia contrasta con el estilo crudo del

de Pego. “Me gusta eso de mezclar cosas tan vulnerables como las canciones que hablan de temas más íntimos acompañándolas de unas sonoridades completamente opuestas”, desarrolla, y añade que se considera “una persona bastante desequilibrada en muchos aspectos”, por lo que intenta ser “equilibrado en la música”.

EL SONIDO DE ROMÀNTIC DIMONI parte de una necesidad que es, a su vez, consecuencia en cierto modo del fin de su antigua banda. “Cuando hago mi EP se me despierta como una cosa… Me lo pasé muy bien jugando a hacer música fuera del estilo marcado que tenía Smoking Souls”. Es por eso que, cuando el grupo se toma un respiro en 2023 para trabajar en un nuevo disco, empieza a ver que las canciones que escribe “necesitan un espacio más honesto, más íntimo, más crudo”. Ahí, Caselles comprende algo. “A nivel creativo, necesitaba abrir otras puertas y tenía la inquietud de trabajar con otra gente”. Al final, asegura, “la creatividad se desarrolla en espacios incómodos”. Este principio, llevado al ex-

tremo, ha marcado el proceso creativo de “PRIMER MOVIMENT”, producido por Joel Gilabert. “Empiezo a quedar con él para básicamente jugar, porque yo no sabía ni si tenía suficiente energía para hacer un disco”, cuenta Caselles. Con Smoking Souls, el proceso era muy distinto. “Yo iba al local a tocar y después me llevaba [los temas] a casa y allí ya los producía”. En este caso, el de Pego llegaba al estudio con “unas ideas” y las iban “montando como un puzzle” en un ejercicio dificilísimo de “dejarse llevar y de confiar en el proceso”. Sin embargo, no fue fácil. “Me hizo dudar mucho”. A lo que sí dedicó mucha energía, como no podía ser de otro modo, fue a las letras. “Ahí ya hay mucha más inversión de tiempo”. Esto ha derivado en un disco lleno de “naturalidad”, pues no tuvo tiempo de sobrepensar las composiciones. “Tenía un punto de vista con más perspectiva, porque claro, cuando trabajas en casa, tienes mucho tiempo de darle vueltas a las cosas: haces, borras, deshaces…”. Gracias a eso, el artista ha cambiado su postura hacia el proceso creativo. “La

CINCO ESENCIALES

Maika Makovski

Maika Makovski se subirá al escenario del Palau de la Música Catalana para ofrecer un concierto muy especial. Será el próximo 4 de marzo dentro del Cruïlla Hivern y el motivo será celebrar sus veinte años de trayectoria junto a amigos como Christina Rosenvinge, Anni B Sweet, Howe Gelb o Los Zigarros. Le hemos preguntado por sus cinco canciones esenciales.

“

“La creatividad se desarrolla en espacios incómodos”

expresión artística también hay que disfrutarla, no es necesario solamente sufrirla”.

SI HAY UN CONCEPTO que vertebra y define al completo a Romàntic Dimoni es el de la colectividad. Por eso, el artista reivindica que este “no es un proyecto en solitario, es un grupo” integrado por compañeros más que predispuestos. “Se lo he pedido y he sentido que no se lo han pensado ni dos segundos en darme su sí, y eso para mí es muy emocionante”. Además, el de Pego enfatiza el trabajo de Helga Ambak, otra pieza fundamental del demonio romántico, a cargo de todo el arte del proyecto. Con estos prin-

cipios enlazan también las colaboraciones: cuatro personas con las que Caselles conecta “a nivel personal y artístico”, por lo que confiesa que todo fue “muy fácil, muy orgánico”. Carles acaba nuestra charla con la vista enfocada en los próximos conciertos. El artista afronta el reto de “adaptar estas canciones al directo. El disco está muy trabajado a nivel de producción y llevar eso a un escenario no es tan fácil”. Con eso, y tras una hora de honestidad brutal, nos despedimos. Él, con una propuesta más que necesaria entre manos; yo, contagiado de su calma al hablar, pero también de lo intenso de todo lo que cuenta. JOAN SÁNCHEZ

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EN CONCIERTO

l Valencia 27 marzo. La Rambleta

l

Barcelona 09 mayo. Apolo 2

1Lava Love

(“Maika Makovski”, 10)

Esta canción me puso en el mapa para mucha gente y me abrió las puertas de salas y festivales que hasta entonces no me habían hecho caso. Es de mi tercer disco, que produjo John Parish cuando tenía veinticinco años. En España “Lava Love” fue la canción que radiaron y conectó con el público independiente. Es sinuosa y pantanosa, eléctrica, sexy… y oscura, a pesar de que Victoria’s Secret la usará en un anuncio muy blanquito.

2Language (“Thank You For The , 12)

Siempre me ha encantado la música disco, y en esta canción interpretamos el estilo a nuestra manera. Se ha mantenido en mi repertorio siempre, nunca le he cogido manía y funciona en todos los formatos. Incluso con cuarteto de cuerda sigue incitando a bailar.

3

Love You Till I Die (“MKMK”, 21)

Una sobre amor incondicional. A mi modo de ver tiene un regusto a “Heroes”, de Bowie, o a “Heroin”, de The Velvet Underground… Me refiero al tono clásico, pero crudo y visceral. Es la canción de tres acordes que te llega al corazón y te mueve porque es un buen bocata de verdades humanas.

4Song Of Distance (“Chinook Wind”, 16)

Con esta canción he acabado muchos conciertos. La versión de estudio no tiene la subida vocal que hace que mi padre llore cada vez que me la oye cantar. Es una de esas canciones que parece que se hayan escrito solas porque la emoción que las provocó es tan fuerte que pasa a través de ti guiando lo que cantas.

5The Brotherhood (“Bunker Rococo”, 24)

Este es un tema que, en 2026, es fácil que pase desapercibido: es de subida gradual, la letra es muy incómoda, hay que escucharla con cierta atención… Ojalá hubiera un universo en el que esta canción pudiera ser un single. MS

I AS DE ASIS E IA MASI A ME OS DE S EAMS I ES A IOS DE O E SI O AS DE ME ADO OI DE AM A AS OYE ES ME S A ES SO D O S E ISIO ES DE E A A A E O I O S I S DE OYA Y IM A O MEDI I O E E I DE A DIE IA OS ES O IM A O

¿Y SI DEJAMOS

A EM E A A E E DE

MONDO FREAKO

La autenticidad de las divas del pop está cada vez más en entredicho. ¿Pero qué es ser una diva pop? ¿Un producto de marketing de alcance millonario? ¿Una performance de un estándar inalcanzable? El pop y lo popular son intrínsecamente inseparables. Por ello, con “Amores Pasajeros” (El Volcán Música, 26), dani dicostas está dispuesta a reimaginar a las divas desde lo íntimo, explosivo y fugaz.

CON SU NUEVO DISCO transita sus dudas, entre la depresión y la euforia, para honrar los vaivenes de la vida que le han traído sus “Amores Pasajeros”. Si el amor en este disco es efímero, es porque aquí no hay boda ni niños. Hay impulsos, dicha, desdicha y erotismo. “Es un disco de amor, pero no de amor romántico. A pequeños momentos de la vida que aportan mucho, pero son finitos. Hay ese amor de euforia en ‘Clímax’, pero también hay canciones que tratan una parte de mí más oscura o personal como son problemas de salud mental. Mi vida son picos de éxtasis o depresión absoluta y he intentado ver todos esos momentos oscuros como algo pasajero también”. Nunca antes tan vulnerable ni desnuda de arreglos, en su nuevo trabajo la integrante de Cool Nenas nos regala algunos de sus temas más personales. “Hay dos canciones que para mí son más especiales y son ‘Mucho para ti’ y ‘Ya no llueve’. Hace un año y medio empecé a sentirme un poco peor de lo que me había sentido siempre. Me di cuenta de que llevaba muchos años experimentando ansiedad y somatizándola. Era una nube negra que tuve durante ese tiempo cada vez que me levantaba o me acostaba. Todo era negro y me imaginaba que pasaría si me levanto y ‘Ya no llueve’ más. La producción de la canción es oscura y distorsionada. Para mí es como una tormenta. Creo que es muy teatral, con las letras he hecho un esfuerzo en este disco de escribir de forma más visual”.

HAY MOMENTOS DEL ÁLBUM en los que parece que nuestro corazón va a estallar. Efervescentes y volátiles son cortes como “Desde otro lugar” o el último single, “Estadios”. “Me di cuenta de que estaba haciendo un álbum nuevo a raíz de maquetas que

“Como no estoy acostumbrada a sacar canciones tan desnudas me cuesta encontrar su lugar”

dani dicostas

Desde otro lugar

iba haciendo en casa cuando hace un par de años empecé a jugar con Logic. De repente encontré un camino que me estaba motivando mucho gracias a este trabajo de preproducción que nunca había hecho. ‘Estadios’ tenía una estructura un poco diferente. Queríamos hacer algo grande, que despertase alegría e ilusión. Es de las pocas canciones que escribí de declaración de amor. En ‘Postdata’ (23) escribí muchas cartas a chicos con remitente, ahora suelo escribir desde otros lugares”. Su forma de hacer pop, más afrancesada que nunca en reminiscencia de artistas como Angèle o incluso ZAZ, ha conseguido hacerse un hueco más que visible en el circuito indie nacional. No obstante, su sonido no termi-

na de converger con el de compañeras de escena como Zahara o Ginebras. “Me parece super guay estar sacando música en este momento que hay tanta gente de mi generación que es increíble, pero siento que no he encontrado mucho mi escena. Soy capaz de englobarlos a todos en subescenas y me siento un poco sola en ese sentido. Dentro del indie hay referentes pop, pero no hacen este tipo de pop, son más guitarreros. Yo soy defensora del pop desde el minuto uno, cuando saqué mi primera canción, ‘Lágrimas’, y lo reivindicaré siempre”.

MARTÍN P. CORRAL

R

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“Hacemos las canciones que nos da la gana”

faLsantes La sopa sónica

faLsantes vuelven a la carga con “Sopa Sónica” (All Sounds/ Kraken, 26). Diez nuevas canciones en las que siguen mezclando sin complejos su indie pop con rock y algo de electrónica. Composiciones con estribillos pegadizos de frases lapidarias.

LA NOTA DE PRENSA del nuevo disco de faLsantes se abre mencionando a Jorge Martínez, el recientemente fallecido líder de Ilegales, así que empezamos hablando con Abel, cantante, letrista y guitarra de la banda, sobre lo mucho que les ha afectado su pérdida. “La verdad es que sí. Ya habíamos decidido que el disco se iba a llamar ‘Sopa Sónica’ estando Jorge vivo. Quería ser un homenaje a su actitud, a su amor por la música. La música que hacemos no tiene nada que ver con la de Ilegales. Ellos son únicos e inimitables. Ha sido una gran pérdida. Ese día lo pasamos realmente mal. Nos encanta su actitud. En eso, Jorge ha sido y será un gran referente. En una entrevista que le hizo Cayetana Guillén-Cuervo menciona que no está en la música por el dinero o la fama, sino por

la ‘Sopa Sónica’. La increíble sensación de sentir, de emocionarte, de vivir por la música. Queremos compartir nuestra propia sopa sónica y que se disfrute tanto como hemos disfrutado nosotros componiendo, ensayando y grabando cada tema”

COMO YA OCURRÍA en “El instante”, de su anterior álbum, aquí vuelve a haber cierta nostalgia por la infancia. “Las letras son un reflejo de lo que pasa por nuestras cabezas. De pronto salen frases o historias con mil referencias y la nostalgia siempre está ahí. Nos encanta jugar. Jugábamos con globos de peseta y al escondite inglés. Pero no es solo nostalgia. Seguimos jugando”. Pero también hay guiños a películas míticas de ciencia-ficción como “Blade Runner” o “Matrix”. “Todo lo que nos gusta nos inspira. La ciencia-ficción nos gusta mucho. No solo hay referencias a esas dos películas, también a ‘Alien’, a ‘Star Trek’, a ‘La Guerra de las Galaxias’, a ‘Los viajes de Tuf’ (bueno, este es un libro). También hay referencias a la película ‘Terciopelo Azul’. Nos encanta ser los raritos [risas]”. Y es que, de hecho, faLsantes defienden a los raros (“Ser diferente es mejor”) y a los débiles (“Los débiles y yo”). “No defendemos a nadie, ni a nosotros mismos que somos también raros. Simplemente contamos historias, hablamos de

lo que nos gusta y lo que no, sin filtros, sin pretender ser correctos. Hacemos las canciones que nos da la gana. Quizás eso sea algo revolucionario, pero no debería”.

“SOPA SÓNICA” vuelve a contar con la producción de Manuel Colmenero. “El trabajo con él es una gozada, sobre todo la preproducción. Eso es lo que es diferencial. Nos presentamos en el estudio con las maquetas de treinta y un temas y fuimos depurando hasta llegar a las diez canciones finales. El proceso de perfeccionar cada tema también ha sido fascinante. Hemos visto cómo uno iba creciendo y haciéndose mayor, hasta tener vida propia. Hemos disfrutado mucho”.

AHORA QUEDA LLEVAR EL DISCO a las salas en un directo que, según Abel, es “muy contundente. Manuel Colmenero dice que somos una apisonadora. Hemos preparado diversión y emoción, así que el disfrute está asegurado. Además, hemos añadido visuales en cada tema basados en las portadas de Kimeu. Va a ser muy impactante. Pero lo principal es que el sonido en directo es tremendo”.

JESÚS CASAÑAS

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Rodrigo Cuevas Lo bello como refugio

El cantante asturiano publica su tercer disco, “Manual de belleza” (Ministeriu de Verbenes/Sony, 26), un disco más pop, irónico y luminoso que nunca. Colaboraciones, mirada crítica y humor para imaginar un mundo ideal… pero lleno de grietas.

TEXTO Oriol Rodríguez

FOTOS Sergio Garot

“Alguien me dijo: ‘¿Sabes que a Massiel le encantas?’. Y yo, que soy superfán suyo, le respondí: ‘Pues dile que me llame’”. Contactaron, claro. Quedaron en el estudio y, tal como enfatiza Rodrigo Cuevas, la magia ocurrió. De aquel encuentro surgió “Un mundo feliz”, tema que puede remitir al título de la icónica novela de Aldous Huxley, pero que, tal como aclara el mismo Cuevas, no encuentra su inspiración en ella. Sí que coinciden ambos trabajos en que aportan visiones distópicas de la sociedad. La novela del escritor británico se anticipa varias décadas en el desarrollo de tecnología reproductiva, cultivos humanos, hipnopedia y manejo de las emociones por medio de drogas (soma) que, combinadas, cambian radicalmente la sociedad. La canción del asturiano nos describe una comunidad alegre, libre de fascistas, machirulos, 'cuñaos' y demás cascarrias que pululan por nuestros pueblos, ciudades y redes sociales. Además, esa colaboración con una de las grandes divas de nuestra cultura popular contemporánea que sirvió de adelanto de su nuevo disco, “Manual de belleza”. Un tercer largo en su cuenta fonográfica con el que, ahora explorando su faceta más pop, sigue jugueteando entre la vanguardia y la tradición.

Algo que no había hecho nunca

Acto 1: Diciembre de 2025. Rodrigo Cuevas acaba de publicar “Un mundo feliz”, primer adelanto de su próximo disco, “Manual de Belleza”. Faltan cuatro meses para que el álbum vea a la luz, pero el artista visita Barcelona para promocionar su colaboración con Massiel. Las oficinas de Sony en la capital catalana son uno de esos espacios de trabajo que tienen más de sitio de recreo que de ratonera en la que echar ocho horas diarias:

una diana para jugar a los dardos, una cafetera de última generación, boles con galletas de avena y chocolate sin azúcar y grandes pufs en los que dejarse caer. Rodrigo, casualmente guapo tras horas de promoción contestando las mismas preguntas, se aposenta en uno de ellos. Fue aquí, en la capital catalana, donde empezó (casi) todo. De eso hace veinte años, cuando estudiaba en la ESMUC y daba forma a una sensibilidad artística que hoy lo ha convertido en una de las figuras más singulares de nuestra escena musical. “Fue una etapa fundamental”, recuerda. “Con diecinueve años, tres años en un sitio te parecen toda una vida”. Rodrigo Cuevas vivía en el Poble-sec cuando aún era “un barrio muy barrio” y no figuraba en listas hype de los distritos más in del mundo en los que vivir. En la Escola Superior de Música de Catalunya compartió aulas con nombres como Silvia Pérez Cruz o Clara Peya (Rosalía, la exalumna más celebre internacionalmente del centro es de una quinta por detrás). “Era una escuela muy abierta, con todo el mundo mezclado, tocando, compartiendo”, describe dibujando una estampa que remite a una escena de “Fama”. “Luego”, remacha alejando el cromo de semblanzas hollywoodienses, “se fue normativizando, como todo”. Hoy, cuando vuelve a Barcelona, ya no siente aquellos nervios iniciales de quien se pregunta si se equivocó al marcharse. “Me lo pasé muy bien aquí, pero ahora lo veo con perspectiva”. El plano y la vista que le ofrece el vivir en una casa en una aldea asturiana de menos de quince habitantes. “No sé si lo necesito, porque el ser humano se adapta a todo, pero a mí me hace muy bien”, explica. Luego confiesa en voz baja que el año pasado hizo por primera vez algo que no había hecho nunca hasta entonces. “Compré la leña en vez de cortarla yo”. Aligerado por haber revelado el secreto, se pone a reír.

Cuevas

Lo más bonito que has visto en tu vida De ese contraste que conforma la vida de Rodrigo Cuevas entre lo urbano y lo rural, lo moderno y lo tradicional, lo idealista y lo crítico, nace, como ya nacieron sus anteriores referencias, “Manual de belleza”, su nuevo disco. Un trabajo, sin embargo, que se distingue de los previos por su poso pop. Paradigma de esta… ¿reorientación?, “Un mundo feliz” fue su particular aviso para navegantes. “Sí, marca un poco el tono”, admite. Y no solo en el sonido, sino en la temática. “Es una cosa romántica e idealista, pero también hay una segunda lectura: incluso aunque el mundo se hiciera a nuestro capricho, acabaría convirtiéndose en una distopía”. En esa ambigüedad —felicidad con grietas, sonrisa con crítica— llena de humor y dobles sentidos, se mueve el disco. “Me gusta reírme de los defectos del mundo. Y dentro de una sola canción, ese contraste es un reto”. “Manual de belleza” está producido por Eduardo Cabra (Visitante de Calle 13), con quien ya trabajó en su anterior “Manual de romería”. “Repetir hace que todo vaya mucho más rápido. Nos entendemos muy bien, él ya sabe lo que me gusta a mí y yo lo que le gusta a él. Ha sido todo muy fácil, muy natural”. Uno de los principales reclamos de “Manual de belleza” es su carácter colaborativo, contando con diversos duetos con figuras emergentes del subsuelo de la música española y voces icónicas. Nos los chiva, pero faltan cuatro meses para la publicación del disco y aún no los podemos descubrir. Nos tenemos que quedar con el primero de ellos, y tal vez el más sorpresivo. En “Un mundo feliz”, Cuevas evoca cómo sería su paraíso particular con la ayuda de, la-la-la, Massiel. Explica que desde el principio tuvo claro que no quería que la ganadora de Eurovisión 1968 cantara, sino que hablara. Que pusiera voz a un texto sobre la belleza. El resultado es algo así como un spoken word que nació de una improvisación entre los dos en la cabina del estudio de grabación. “Yo le iba preguntando: ‘¿Qué es lo más bonito que has visto en tu vida?, ¿cómo te sentiste?’. A las mujeres de su edad, cuando tienen voz propia, se las etiqueta de locas o de juguetes rotos. Y para nada. Es una tía súper lúcida, con una memoria impresionante”.

Un refugio de utopías

Acto 2: Febrero de 2026. “Este será mi tercer manual, el manual de la belleza. Lo describiría como un pequeño refugio utópico en el que poder ponerse a cubierto de todo lo feo, de todos los pensamientos intrusivos tan malos que tenemos ahora todo el tiempo. Las nuevas canciones son pequeñas utopías y refugios de placer y serenidad”. Faltan cuatro semanas para que se publique “Manual de belleza”, del que, en estos meses, el cantante asturiano ha dado más pistas con la aparición del EP “Llagares”, tres temas en que se ha hecho acompañar de Ana Belén en el pasodoble “Sácame a bailar”, de Zahara y Martí Perarnau

IV en el corte con aroma trip-hop “Asturcón” y de Grande Amore en la golosina electropop “Una muerte ideal”. El lanzamiento lo acompañó de un cortometraje de casi veinte minutos inspirado en el histórico programa “Cantares” de Lauren Postigo y cameo estelar de Rossy de Palma. ¿Le llamo? Le llamo. A Rodrigo. No a Rossy de Palma. Un Zoom tonto para completar la información que no me pudo dar on the record cuando visitó Barcelona en diciembre. Descuelga. Está en casa. La casa de la aldea asturiana de quince habitantes en la que vive. Está sentado en la cocina, pero al instante se levanta, sale al exterior y, durante la media hora que charlamos, más que nervioso, inquieto, no para de dar vueltas alrededor de un caserío que, a través de la pantalla, semi escondido en la niebla, luce idílico.

Sorprendiéndose a sí mismo Rodrigo Cuevas dice que hace ya tanto tiempo que viene trabajando en este disco que ha perdido perspectiva, que ya no sabe lo que siente por él, que ha pasado por todas las etapas del arco de transformación. “Ya pasé por una época en la que quería que saliera y tenías ganas

EL APUNTE

Un mundo de colaboraciones

“!CONOCES A CELIMONDE?”, me pregunta. Y supongo que la debería conocer, porque la acabo de buscar en Instagram y tiene más de doscientos mil seguidores. Pero no, no sé quién es, le confieso. “Es una chica muy divertida que se dedica a criticar cómo va la gente vestida en las alfombras rojas”. Ella es una de las colaboraciones de un disco que destaca por la nómina de invitados. Están en la lista las ya citadas Massiel y Ana Belén. Zahara y Martí Perarnau IV. Tarta Relena y el cantante malagueño de verdiales Carlos Fernández. Rozalén y Grande Amore. Archivo de contactos variado e intergeneracional. Todo el mundo tiene cabida en el universo de Rodrigo Cuevas. “Si no colaboras con otros artistas, te quedas un poco ensimismado. Los artistas deberíamos estar todo el rato viendo qué hacen los artistas nuevos, viendo por dónde van las nuevas tendencias. Si no, te quedas fuera. Las grandes artistas saben que eso tiene que ser así. Mira a Madonna, toda su carrera colaborando con la gente que estaba creando tendencia para mantenerse siempre actual”. Le pregunto por cuál ha sido la colaboración que más le ha sorprendido. “La Mala Rodríguez. Fue genial currar con ella. Yo empecé a escuchar rap por La Mala. Con ‘Lujo Ibérico’ (00) lo flipé muchísimo. Y aún hoy en día creo que nadie rapea como ella. La ves rapear en el estudio y te quedas a cuadros. Fue maravilloso currar con ella”. O R

“ “Incluso aunque el mundo se hiciera a nuestro capricho, acabaría convirtiéndose en una distopía”

EN PORTADA

de que la gente lo escuchara. Me dije: ‘La gente va a flipar, tengo que sacarlo ya’. Luego vives momentos en los que, como ya ha pasado tanto tiempo desde que lo acabaste, te parece que incluso ha envejecido y que ya no gustará. La cabeza no para nunca. Además, creo que, aunque no haya inventado la rueda, de mí se espera que sorprenda todo el rato. No soy un artista del cual la gente quiera más de lo mismo. Y eso genera cierta presión. Fui a una conferencia de Marina Abramovich y decía que un artista debe sorprender a los demás, pero también debe sorprenderse a sí mismo. A mí, la presión, me estimula para sorprenderme a mí mismo”.

Cuatro meses después, Rodrigo tiene un sentimiento agridulce con la recepción que tuvo la colaboración con Massiel. “Creo que no tuvo la repercusión que debería haber tenido”. Lo defiende argumentando que hace más de veinte años que Massiel no graba nada y es “una de las artistas más históricas de España. Y aunque hace veinte años que está retirada, parece que se haya recibido como una colaboración más que acaba de hacer. Pensé que iba a tener mucho más revuelo, que la gente iba a flipar más con que Massiel cantara una canción conmigo”. Cuevas dice que no es frustración lo que siente, pero que una figura como ella merece más atención. “Siendo ella, creo que no se le hizo el caso que merece. Y también por mí, porque creo que es un tema muy bonito y que la gente lo debería escuchar”.

Todo es mucho más sencillo

Tras coleccionar elogios con “Manual de romería” (23) y protagonizar giras que lo llevaron a grandes recintos europeos y a Latinoamérica, Cuevas afronta esta nueva etapa sin esconder la ambición, pero rehuyendo la grandilocuencia vacía. “Me meto en proyectos grandes, sí, pero luego todo es más sencillo de lo que parece. Con la anterior gira, a veces llegábamos a sitios enormes con una sola furgoneta, como cuando actuamos en WiZink Center de Madrid. Eso sí, esta vez, voy a ir a lo grande”. “Manual de belleza” es un disco luminoso, irónico, popular a la vez que profundamente personal. Un disco que celebra la imperfección, porque, como él mismo dice, “en la imperfección está la belleza, cuya traslación al directo se convertirá en ese lugar en el que los sueños y lo bello se fundan con lo terrenal y lo carnal”. O R

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EN CONCIERTO

l Avilés 24 y 25 abril. Pabellón De La Magdalena

l A Coruña 30 abril. Coliseum

l Barcelona 09 mayo. Sant Jordi Club (Guitar Bcn)

l Donosti 17 mayo. Kursaal

l Cartagena 23 julio. La Mar de Músicas

l Santander 12 agosto. Festival Int. de Santander

l Oviedo 21 septiembre. Próximamente

l Bilbao 16 enero. Bizkaia Arena - Bec!

Desde AIE damos las GRACIAS a todas las salas de conciertos, por abrir sus puertas al circuito de música en directo AIEnRUTa-Artistas durante estos 30 años.

¡Por muchos años más trabajando juntos, apoyando la música emergente y conectando talento con nuevos públicos!

.EL RETROVISOR

Garbage

En el Mad Cool de 2024 comprobamos su buena salud alternando sus clásicos de los noventa con material reciente. Publicaron disco nuevo el año pasado –el notable “Let All That We Imagine Be The Light”–, y lo defenderán en Madrid (5 julio, Noches del Botánico), A Coruña (6 julio, Sala Pelícano; ciclo O Gozo), València (8 julio, Jardines de Viveros) y Barcelona (9 julio, Cruïlla Festival). La banda mantiene su vitalidad sobre el escenario, y eso es siempre prueba de que la magia no se ha ido del todo.

El imprescindible

Garbage (1995)

Formados por tres productores y músicos de renombre ya talluditos (Butch Vig, responsable de los históricos “Nevermind” (91) de Nirvana y “Siamese Dream” (93) de Smashing Pumpkins, Steve Marker y Duke Erikson) junto a una explosiva cantante pelirroja (Manson), Garbage trascendieron el sambenito de formación de laboratorio

con un debut impecable. Nunca fueron capaces de superarlo. El álbum fue un hito en esa hibridación entre pop inquieto, electrónica y rock alternativo que sería una de las señas de identidad de los noventa. Pero más que en trucos de estudio, su secreto estaba en la calidad de canciones atemporales del calibre de “Only Happy When it Rains”, “Stupid Girl”, “Vow” o “Queer”, en las que volcaban una rara habilidad para combinar estribillos y melodías comerciales con elegantes sinuosidades alternativas y atmósferas. Todo ello coronado por la versatilidad carismática de la cantante. La fórmula mantendría parte de su vigor en su depurada secuela “Version 2.0”, pero nunca volvería a hacerse tan efectiva.

En su sexto disco, publicado en 2016 dentro de su propio sello en la estela de su regreso “Not Your Kind of People” (2012) el grupo echó mano de los sintetizadores densos y las sonoridades complejas. Hacían suya una madurez crepuscular y un tanto oscura que pretendían conectar con su pasado glorioso. La curiosa portada de la G vestida de leopardo jugaba con una excentricidad guerrera y el carácter de la formación. La jugada les salió bien a medias, aunque lo importante es que estaban sentando las bases de su posterior “No Gods No Masters” de 2021, saludado como su trabajo más sólido en dos décadas.

La decepción

El cuarto álbum del grupo estuvo a punto de truncarse por las tensiones internas. De hecho, la banda se separó durante cuatro meses antes de volver a entrar en el estudio a completarlo. Con estos mimbres no podían esperarse milagros, y el resultado les hizo perder parcialmente el favor de la crítica. La inspiración no se había evaporado del todo, como demuestran cortes decentes como “Run Baby Run” y la canción homónima; sin embargo, las tensiones arrastradas y el derrumbe de la industria discográfica –para un grupo que había vendido millones de copias de sus tres primeros trabajos–, contribuyó a un parón que les iba a permitir cargar las pilas de cara a una segunda etapa que arrancaría en 2012.

JC PEÑA

Hens Aquí está Hens

Su vida acaba de cambiar: por primera vez vive solo. Cerveza en la nevera, una cajetilla en la mesa y un home studio Autoboicot en estado puro. Se encierra a hacer canciones. Así sería la sinopsis de “Una mudanza” (Autoeditado/ Altafonte, 26), lo nuevo de Hens.

EN 2025, ANTONIO, HENS, vivió un momento con el que se dio cuenta de que la vida real empezaba a apretar. “Fue la mudanza emocionalmente más pesada que tuve: dejé de vivir con mis amigos y me fui a vivir solo. Fue un cambio fuerte: de repente ves a tus amigos viviendo con sus parejas y dices: ‘Hostia, el flow piso estudiante se termina’”. Esa idea de cambio, de cerrar etapas, fue inevitablemente encarrilando un disco. Este disco. Un trabajo que empieza por la “Temporada 3,

Capítulo 1” (por ser el tercero de su repertorio) y con el que el segoviano afincado en Madrid guarda en una cajita apartada su faceta más urbana. “Me apetecía cambiar y probar cosas nuevas…”, señala. Se unió a Lalo GV (productor de Arde Bogotá) y Liam Garner (Walls, Nil Moliner) y dio rienda suelta al pop rock alternativo que le nacía de escuchar referentes como Bennet Coast, Royel Otis, Olly, Carolina Durante o La Paloma. “A Lalo le conocí hace ya dos años; justo venía él de producir para Arde Bogotá y yo estaba súper emperrado con el grupo. Ha sido una relación muy bonita porque él es un poco más hermético, más cerrado; entonces, poco a poco, ha sido ir quitándole capas hasta llegar a una versión de Lalo súper bonita”, recuerda con cariño.

PARA HENS, LA MÚSICA no es un ordenador con el Logic abierto: es la compañía. Este álbum difícilmente existiría sin Only Fer y Delgao (también integrantes del ya extinto grupo Go Roneo), con quienes iba cocinando los temas en la intimidad de su

“Los temas que más me han funcionado han sido los que he escrito en épocas no tan buenas”

TAN.LEJOS TAN.CERCA

RR Flea, miembro fundador de Red Hot Chili Peppers, ha lanzado como nuevo adelanto de “Honora”, su disco en solitario a publicar el 27 de marzo, “Thinkin ‘bout You”, versión instrumental del tema de Frank Ocean.

RR Febrero ha sido un trágico mes por lo que se refiere a fallecimientos de músicos. Han muerto, entre otros, Andrew Ranken (The Pogues, 72 años), Timothy Very (Manchester Orchestra, 42 años), Brad Arnold

Salvana Capas y capas

Después de coleccionar numerosos hitos con su primer EP, Salvana necesitaban un largo debut de calidad como el presente “Reversia” (Intromúsica, 25) para seguir soñando en grande. Y continúan en la carretera presentándolo.

FORMADOS A PRINCIPIOS de 2021, Salvana presentaron hace unos meses un estupendo primer largo titulado “Reversia”, un trabajo que rezuma confianza y con una propuesta estética y musical más compacta que su EP de presentación. “En nuestro primer EP todavía nos estábamos situando a nivel sonoro y considero que estamos caminando hacia un sonido más definido”, comenta uno de los guitarristas de la banda, Pablo Porcar, quien cita “los últimos discos de Julie y DIIV” como claves a la hora de encaminar su largo debut. En esa misma línea,

(3 Doors Down, 47 años), Rafael Amador (Pata Negra, 65 años), Greg Brown (Cake, 57 años) y Fred Smith (Television, 77 años).

RR La pasada edición del Festival Internacional de Berlin, La Berlinale, será recordada como una de las más musicales. Por ahí han pasado Rob Halford y Tom Morello (RATM) para presentar el documental sobre Judas Priest, “The Ballad Of Judas Priest”, y Charli xcx para presentar su mockumentary “The Moment”.

la cantante y bajista, Laura S. Núñez, recuerda que el principal objetivo de la banda al empezar a pensar y componer lo que iba ser su largo debut era encontrar “un sonido más compacto y más coherencia entre los diferentes temas”. Buscaban también una dirección “más potente, cañera y oscura”, apostilla. Con estos deberes, la banda se encerró en una casa apartada y remató las ideas que iban acumulando y que nunca terminaban por la necesidad de preparar algún concierto. Ya con las canciones cerradas decidieron viajar a Granada para grabar con Raúl Pérez (Pony Bravo) en los estudios La Mina. Pocos productores con su experiencia capturando sonoridades shoegaze y noise, subraya el otro guitarra de la banda, Carlitos Nieves. La banda lleva ya cuatro

RR El trío irlandés Kneecap nos visitará para presentar su próximo álbum, “FENIAN”. Al margen de su participación en el Primavera Sound, podremos verles en Bilbao (8 junio, Santana 27) y Madrid (9 junio, La Riviera).

RR Ca7riel & Paco Amoroso han avanzado “Hasta Jesús tuvo un mal día” –con Sting como invitado especial– como primer adelanto del que será su próximo larga duración, “Free Spirits”, previsto para marzo.

casa. Tampoco sin esos ratos largos en los Zulos de Segovia, la zona que inspira “Nostalgia interminable” (y famosa en la ciudad por ser escenario de noches de juerga). “Ahí es donnde empecé a tontear con la música, a improvisar con la guitarra. Jueves, viernes, sábado… Pillar litronas y la guitarra hasta quedarnos pelados de frío”. Ahora, más de una década más tarde, las sensaciones han cambiado, confiesa. “Voy a veces a pasear a la perra allí y, claro, lo veo de una manera totalmente diferente. Me inspiró mucho pensar que ahora hay otros chavales que van, que están sintiendo lo mismo que sentíamos nosotros en aquella época. Me da envidia y me transmite mucha nostalgia”. Ay, cuando no había preocupaciones en la vida… ni presiones en el escenario. “Me voy del bolo y solo pienso en cobrarlo”, canta HENS. Hay algo ahí que me recuerda a “Leivinha” y se lo señalo. “Me gusta mucho ese disco de Leiva y esa canción en particular también. Por desgracia, hay emociones y sensaciones que no se repiten, aunque intentes volver a ellas cuadriculándolo todo exactamente igual”. Hace un tiempo quizá sí que habría sucumbido al placer del autosabotaje solo para crear

más canciones. Explica que “al principio sí que era mucho más de ese pensamiento, de autoboicotearme de manera consciente. Porque pensaba –realmente es verdad– que los temas que más me han funcionado han sido los que he escrito en épocas no tan buenas”. Ahora se encuentra de gira y espera “ver a la gente gozándose canciones de llorar mientras saltan”. Eso es lo que nos promete si nos pasamos por las salas. Y eso, viniendo de alguien que acaba de mudarse a sí mismo, habrá que vivirlo. MARA GÓMEZ

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EN CONCIERTO

l Sevilla 13 marzo. Sala Pandora

l Barcelona 27 marzo. Sala Apolo

l Zaragoza 28 marzo. Sala Oasis

l Murcia 17 abril. Sala REM

l Madrid 19 abril. La Riviera

l Valencia 26 y 27 junio.Bigsound Festival

l Lanuza 18 julio. Pirineos Sur l Valencia 11 diciembre. Auditorio Roig Arena

“Tenemos ganas de ver hasta dónde puede llegar nuestra banda”

años trabajando duro y haciendo callo con los instrumentos. Y eso se nota. Ya acumulan más de cincuenta conciertos. Algunos realmente especiales como cuando compartieron escenario con Trentemøller en salas como la Apolo de Barcelona o La Riviera de Madrid, cuando giraron por Europa en furgoneta junto a los gerundenses Leavs o cuando participaron en muestras internacionales como el SXSW, el Reeperbahn Fest y el IFF. Todas esas experiencias, prosigue Carlitos, les han ayudado “a perder el miedo escénico que teníamos al principio, a desenvolvernos más libremente en los directos y mucha gente nos comenta que se nos nota que la pasamos bien sobre el escenario”. “Ver que el público responde positivamente en lugares lejos de casa y sentir que la ban-

RR Evan Dando (The Lemonheads) ha sido ingresado en un centro de salud mental tras enviar un vídeo explícito no solicitado a una fan. Fue el propio músico quien decidió el ingreso para solucionar sus problemas mentales.

RR Jorge Drexler ha presentado “Toco Madera”, primer adelanto de su decimoquinto larga duración que llevará por título “Taracá”, y una canción en la que las percusiones tiene un papel muy importante. Tras el verano lo estará presentando en directo. MS

da pertenece un poco a esos sitios fue muy bonito”, destaca Laura. Cuando empezaron, apenas podían imaginar que vivirían tantas cosas y muchos menos en tan poco tiempo. Para algunos de sus integrantes, merece la pena recordarlo, Salvana es su primera banda. “Simplemente nos juntamos para darle forma a un proyecto que nos hacía ilusión, con la voluntad de hacerlo de la mejor manera posible y con los medios y conocimientos que teníamos en ese momento. Eso sí, siempre lo tratamos como algo serio e invertimos mucho esfuerzo, tiempo y dinero en ver de qué manera podemos mejorar y crecer paso a paso”. LUIS BENAVIDES

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Rat-Zinger

Balas para los indeseables

“Hay cosas que nunca se olvidan”

Rat-Zinger vuelven a estar de rabiosa actualidad por el mejor motivo posible: traen disco nuevo bajo el brazo. “Jóvenes promesas de la delincuencia” (Kasba, 26) es una bomba de principio a fin. Se trata de su octavo trabajo, pero algunas voces autorizadas ya se atreven a afirmar que se trata del mejor que han sacado en su carrera.

ESTA BANDA procedente de Bilbao, además de prolífica, parece una máquina perfectamente engrasada a la hora de componer grandes temas de punk-rock’n’roll callejero y auténtico, cargado de virulencia y rabia. Aquí no hay poses para el puto Insta, lo que ves y lo que escuchas es real. (Podri, vocalista) “Estamos muy acostumbrados a la carretera y a componer temas. Es algo muy cercano a la adicción. En Rat-Zinger el proceso de composición es constante y frenético”. Me lo creo, pero la audiencia necesita más detalles sobre “Jóvenes promesas de la delincuencia”, un discazo no únicamente en lo musical, sino también por la guapísima edición en vinilo transparente con la carpeta en gatefold. “Lo hemos tratado como un disco concep-

tual, contado en primera persona. Y Lucía de Andrés, responsable de toda la gráfica del disco, estuvo presente en el proceso de grabación, donde fuimos dando forma a la portada y demás. Es evidente que no somos jóvenes, ni promesas… Pero un día lo fuimos, y progresamos adecuadamente. Hay cosas que nunca se olvidan”. El disco queda enriquecido, como en anteriores canciones de la banda, por algunas colaboraciones a nivel vocal. Me quedaría corto si calificara estas aportaciones de simplemente especiales. “Para nosotros el rock’n’roll es puramente emocional. En ‘1986’ tuvimos el honor de juntar a Tomas de Zer-Bizio? y a Rokan, vocalista original de MCD. En el tema se les mencionaba antes de contar con ellos. Llevaban treinta años sin verse, y tenerles a ambos en el estudio fue brutal. Aparte de haber mamado su música, compartimos en esos años los adoquines del Casco Viejo de Bilbo. Para ‘Somos los chicos enfermos’, contamos con Pela [La Excavadora, Marky Ramone, Victimas Club]. Él era el bajista y voz de la banda de Gasteiz, así que grabar su tema, contando con él, es una maravilla”.

OTRO PUNTO FUERTE del nuevo trabajo de Rat-Zinger son las letras. Como ha comentado antes Podri, gran parte de sus textos son autobiográficos y tratan sobre cosas que no han podido olvidar después de tantos años. Le pregunto en concreto por el contenido

lírico de dos de las canciones más potentes, la ya citada “1986” y “Red Warriors”. “El año 1986 es el punto temporal de nuestra metamorfosis en lo que somos ahora. Habla de ese Bilbao, al igual que ‘Marea baja’. En 1986 dejamos de ser chavales que siguen el camino que la sociedad espera para convertirnos en lo que somos hoy. Descubrir el punk, la calle, las drogas, el calabozo… De ahí la frase ‘todo empezó en comisaría’. En cuanto a ‘Red Warriors’, fue un grupo de antifascistas que, hartos de la plaga de nazis que operaban en las calles de París en el 86, decidieron plantar cara a los Boneheads y limpiar de basura nazi las calles de la capital gala, a hostia limpia. ¡Hicieron una gran labor! Durante los años que estuvieron activos, se encargaban también de la seguridad en conciertos de bandas como Bérurier Noir, o de Kortatu. Una garantía de seguridad para cualquier evento antifascista. Sin duda, un claro ejemplo a seguir”.

Y SI ELLOS, CUANDO ERAN JÓVENES, seguían la música y las actuaciones de bandas míticas como R.I.P., Cicatriz o Eskorbuto, está claro que en la actualidad Rat-Zinger son el ejemplo a seguir y que, cuando decidan dejarlo, alcanzarán el estatus de leyenda que les debería reservar la historia musical de este país. Por cierto, sus acólitos reciben el curioso apelativo de “caimanes”. “Caimán es una expresión que usaba Rober, el her-

FOTO: ARCHIVO

mano de Pinky, para llamar a los demás y la cogimos prestada para añadir en una plantilla que usábamos con spray en las gasolineras. Decía ‘Rat-Zinger desvalijó esta gasolinera. Agur Caimanes!’. Y de esa chorrada, hasta la actualidad. Hoy por hoy, se refiere a toda persona que tenga algo que ver con la banda”. Aclarado queda.

PASANDO AL CAPÍTULO de las detonaciones en directo del grupo, hace poco que han regresado de unos bolos por Italia y Francia. ¿Qué tal ha ido la aventura europea de Rat-Zinger? “En Francia ya hemos hecho unas cuantas incursiones, y siempre de la ostia. De hecho, el sello Katabomb Records editará un disco nuestro exclusivo para Francia en unos meses. Los Hijos Bastardos del Papa de Roma, ¿en Roma? ¡Una puta maravilla! En Italia ha sido nuestra primera incursión y ha sido acojonante. Hicimos Turín y Roma, ambos en okupas míticas, de la mano de la banda 17 Incubi. Muy buena respuesta, y gente increíble. Volvimos flipando de allí y ya estamos deseando volver”. Para acabar la entrevista, le pregunto a Podri por el cinturón de balas que ocupa la portada del álbum y que siempre lleva en directo. Su respuesta no me sorprende: “El cinto de balas lo he usado siempre con Rat-Zinger y me sentiría desnudo sin él”. Pues eso, una bala reservada para cada indeseable. JORDIAN FO

TOP VÍDEOS.

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The Rapants Non Sei Como (feat. Joe Crepúsculo)

1

El nuevo clip de los gallegos es todo un derroche de imaginación de lo más marciano en el que cualquier absurdidad tiene cabida. Una auténtica sucesión de locuras que harán que aflore una tontorrona sonrisa en tu cara.

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2

Julieta

Cent per cent

Que la realizadora Alba Ricart se ha dedicado principalmente al mundo de los spots publicitarios, es algo que resulta evidente cuando uno visiona el nuevo clip de Julieta. Una elegante pieza en la que todo encaja a la perfección.

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Laura Lamontagne

SonRisas Falsas

3

Noqueados nos ha dejado Laura LaMontagne con este demoledor tema en el que arremete contra esa fiesta de ratas en la que en ocasiones se convierte la industria musical, repleta de promesas y puñaladas.

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Q

Puscifer Bad Wolf

Una vez más el peculiar e intrincado mundo de Maynard James Keenan (tool, A Perfect Circle) queda reflejado en este vídeo de animación inspirado en la leyenda Cherokee de los Dos Lobos.

Q

5

Paris Paloma Good Girl

Paris Paloma invita al actor Richard Armitage, conocido por su papel como Thorin en la trilogía de “El Hobbit”, para tejer una historia de amor entre un escultor y una pieza que se vuelve corpórea. MS

MONDO FREAKO

Ángel Stanich

Carta de reclamaciones a uno mismo

Ángel Stanich ha vuelto con “Por La Hierba” (Calaverita Records, 26) después de un parón de casi cinco años en el que ha tenido que lidiar con la ansiedad y los problemas mentales, pero lo hace con su disco más personal e íntimo, uno en el que se centra más en sí mismo y en su búsqueda de un camino fuera de esa depresión. Aunque para ello haya que salirse del camino trazado.

ME REÚNO CON ÁNGEL STANICH en su casa para hablar detenidamente sobre este cuarto álbum que , en sus propias palabras, es “el disco que tenía y que necesitaba hacer. Eso ya es poderoso para un disco, que esté cargado del sentimiento del artista, y eso es algo que antes no estaba, que era más como un trabajo de campo, de retrato de la realidad, riéndome más con o sobre ella, y esta vez ha sido claramente más introspectivo”. Cuando le comento que me parece su mejor trabajo hasta la fecha, no me da la razón, pero me deja claro lo importante que ha sido para sí mismo, siendo casi como una terapia en la que se ha tenido que mirar a si mismo. “Este disco no es un mensaje teledirigido contra alguien. Este disco es una carta de reclamaciones a mí mismo”. El trabajo empieza con “Carretera o trueno”, una can-

ción que le vuelve a emparentar con Franco Battiato, al que ya dedicó su anterior trabajo, “Polvo de Battiato” (21). Le pregunto si había buscado esa especie de conexión a propósito, a lo que me responde que “no lo había pensado así, como una transición lógica entre los dos discos pero tienes razón, creo, porque suena a Battiato. Me la imaginé más la primera por como entra el meteorito. El sonido ese del meteorito cayendo me parecía una forma potente de comenzar el disco, de meterte dentro”. Luego hablamos de cómo ha buscado el contraste en ese homenaje a “Poquita fé” entre su música casi “funky o disco” y su letra melancólica en la que se mezcla el José Ramón al que da vida Raúl Cimas con “un crossover con ‘Autopista hacia el cielo’ y Michael Landon, como una especie de ángel que intenta revertir la suerte de José Ramón, pero no lo logra”. Un contraste que el propio Stanich califica de “mar y montaña”.

LO QUE ESTÁ CLARO es que esa misma resignación vital, o civil como prefiere llamarla el cantautor, impregna mucho de este “Por La Hierba”, un disco en el que el protagonista “sigue buscando una salida, un camino que le lleve a la sanación”, aunque sea a costa de desviarse del camino. Como bien explica éste es el trabajo “en el que más hablo para mí mismo. Hasta el personaje de José Ramón entra en el disco porque encajaba perfectamente con mi situación vital,

“Tirar hacia adelante, aunque no sea por el camino convencional”

por dónde he estado en este tiempo”. Admite que el personaje es él mismo en la mayoría del disco, una especie de trasunto suyo “mustio, descarriado”, alguien que se siente “apaleado y necesita el comodín del público, de los amigos, de quien le pueda echar una mano. Alguien que necesita reconstruirse para volver a sentirse como es”. “Por La Hierba” es también un disco en el que las canciones están relacionadas unas con otras y parecen hablar entre ellas. “Tiene un espíritu de colmena. Aparte de una conexión musical, hay una conexión clara a nivel de letras, que son historias de alguien que toma el camino no establecido”.

ESA CONEXIÓN LÍRICA también se nota a nivel sonoro, en un disco muy trabajado a nivel sonoro, con varias capas, e inspiración en sonidos de bandas y artistas como The War On Drugs, Kurt Vile, el Bruce Springsteen de “Tunnel Of Love” (87), Steve Miller, Dire Straits o los Fleetwood Mac “más del ‘Tango In The Night’ (87) y del ‘Mirage’ (82)”. Lo que ha llevado a un nuevo enfoque en la producción, con Ángel Torán, distinto a sus anteriores trabajos, aquí han ido “pista a pista. Las baterías se han grabado aparte en un estudio más grande, para tener más pegada y que tuvieran aire. En este disco he estado muy obsesionado con que las cosas tuvieran aire, un poco como José Mercé”. Al final aparece la canción titular, la que sirve de manifiesto y de la que surgieron todas las demás. “Lo que me ha podido ocurrir a mí durante este tiempo no es nada extraño, nos pasa a todos en según qué épocas. Petas y llegas a pensar que te vas a morir incluso, pero lo que hay que hacer es aprender a vivir y a conocerte”. Un final que ofrece “la imagen más poderosa que quería expresar con este disco, de tirar hacia adelante, aunque no sea por el camino convencional”. Aunque sea sin enfocar la carretera y saliéndose por la hierba. SERGIO ARIZA

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EN CONCIERTO

l Albacete 13 marzo. Clandestino

l Toledo 14 marzo. Círculo Del Arte

l Badajoz 20 marzo. Off Cultura

l Sevilla 21 marzo. La 2

l Salamanca 27 marzo. Sala B (Caem)

l Málaga 28 marzo. La Trinchera

l San Vicente Do Mar 02 abril. Náutico De San Vicente

l Benicassim 04 abril. San San Festival

l Vigo 10 abril. Mondo

l Gijón 11 abril. Teatro Albéniz

l Barcelona 17 abril. Razzmatazz

l Tarragona 18 abril. Sala Zero

l Vilalba 25 abril. Fiv

l Vitoria 08 mayo. Jimmy Jazz

l Donostia 09 mayo. Intxaurrondo

l Villafranca del Bierzo 26-28 junio. Musicamino

l Tenerife 27 junio. Aguere

l Linares 18 julio. Stereo Linares

l Málaga 23-25 julio. Brisa

l Aranda de Duero 05-09 agosto. Sonorama

l Festival Gigante 27-29 agosto. Guadalajara

l Zaragoza 07 noviembre. La López

WALA. WALA.

“Tom (Rowlands) y yo no hemos salido a bailar junto, pero cada vez que hacemos música para Tomora, bailamos un montón. Nos sentimos como en una fiesta”

Aurora de Tomora en NME

“Al ser estrella pop, te sientes especial, pero también, a veces, te avergüenzas de lo absurdo que es todo”

Charli xcx en Substack

“Está claro que Trump tiene mala salud, pero no sé quién lo reemplazará cuando ya no esté. Desde luego es una época aterradora para ser estadounidense”

Kurt Ballou de Converge en Rockzone

“La crisis que viene va a despertar a mucha gente, como ya hizo el COVID”

LEÏTI en Jenesaispop

“EL HEAVY METAL ME HIZO AMAR LA MÚSICA. HA SIDO UN PLACER ACERCARME ASÍ A JUDAS PRIEST. SIN ELLOS NO HUBIERA CREADO RAGE AGAINST THE MACHINE”

Tom Morello en El Periódico de Catalunya

Suede

Sus discos de mejor a peor

Suede ofrecerán en marzo un total de seis fechas sobre nuestros escenarios, defendiendo en directo “Antidepressants” (BMG, 25), última entrega de la gloriosa segunda etapa del grupo. Momento ideal para repasar la discografía de los británicos en base a un trazado por sus álbumes.

TEXTO Raúl Julián

1

“Dog Man Star” (Nude, 94)

“Dog Man Star” es pura belleza dramática y muestra una versión sensiblemente más sofisticada de la banda con respecto a la que latía en “Suede”, aunque sin traicionar un ápice de su identidad. Los arreglos clásicos comparten protagonismo con las inspiradas guitarras de Butler, mientras Brett Anderson canta un conjunto lírico capaz de desarmar al oyente. Un disco impecable que resonaba tan conmovedor (“The Wild Ones”, “The 2 Of Us”, “Still Life”) como inflamable (“We Are The Pigs”, “New Generation”).

2

“Suede” (Nude, 93)

Un compendio arrasador de nocturnidad urbanita y sexualidad tan manifiesta como andrógina, emplazada en un universo, el del grupo, que destila elegancia de mercadillo e irresistible magnetismo. El glamour escénico y vocal de Brett Anderson y las guitarras descriptivas de Bernard Butler resultan imbatibles, con la sombra de David Bowie apoyando la causa. El disco conectó con la juventud de la época, desesperanzada y ansiosa de evadirse entre aquellos efluvios del fin de semana latentes en “The Drowners”, “So Young”, “Metal Mickey” o “Animal Nitrate”.

“

“Dog Man Star” es pura belleza dramática... tan conmovedor como inflamable

3

“Coming Up” (Nude, 96)

Bernard Butler ha abandonado el grupo. Anderson ficha al virtuoso Richard Oakes y a Neil Colding y materializa su venganza en “Coming Up” La oscuridad y el drama de antaño dan paso a una celebración que encaja a la perfección con el hedonismo inherente al Britpop. Un disco luminoso, con diez singles potenciales en un disco redondo para cantar a voz en grito gracias a temas como “Beautiful Ones”, “Trash” o “Filmstar”. Suede habían superado el hándicap levantando la cabeza por encima de las tinieblas hasta otear la luz del sol.

“Antidepressants” (BMG, 25)

Si “Autofiction” fue el “disco punk” de Suede, “Antidepressants” podría ser el post-punk. La banda firma una continuación lógica que apuesta por sonido realista y directo, en un elepé envuelto con entreverada oscuridad, nervio contrastado, líneas gruesas, agresividad e influencias de Joy Division, Wire o The Cure. Un álbum directo a la yugular, sin preliminares ni adornos, con canciones tan rabiosas como elegantes, del tipo de esa “Dancing With The Europeans” que da nombre a la presente gira europea.

4 5

“Night Thoughts” (Warner, 16)

El primer gran disco de la segunda época de Suede vino acompañado de un film de Roger Sargent, en una maniobra ambiciosa de la que el grupo salió reforzado. Las tonalidades vuelven a arroparse con el dramatismo marca de la casa, en este caso consecuencia directa de los miedos surgidos en Brett Anderson ante la paternidad. Trabajadísimos arreglos orquestales y la influen-

cia de Scott Walker marcaron el devenir de una obra grandiosa y empapada en un tipo de épica de lo más distinguida.

6

“The Blue Hour” (Warner, 18)

La majestuosidad y solemnidad de esta obra puede llegar a resultar intimidante, pero una vez que se accede a sus trabajadísimas texturas, aparece la recompensa. Cincuenta operísticos minutos que parecen dotados con vida propia en la que es, posiblemente y en términos de composición, la obra más compleja del grupo. Una entrega que apenas alberga singles claros (más allá de inconmensurable “Life Is Golden”), apostando a cambio por el peso del conjunto.

7

“Auto ction” (BMG, 22)

Tras entregas sesudas como “Night Thoughts” y “The Blue Hour”, Suede enfilaron un cambio de dirección en el que calificarían como su “disco punk”. Un trabajo rabiosamente más directo y crudo, de esa visceralidad innegociable cuando de bandas de punk (tan del gusto de Anderson) se trata, y que, por si fuera poco, se abre con “She Still Leads Me On”, emocionante homenaje del vocalista a su madre.

8

“Bloodsports” (Warner, 13)

La primera entrega de Suede tras su reunificación rayó a gran nivel y (para la satisfacción de los fans) nos devolvió a una banda en forma, enérgica e inspirada, que vuelve a confiar en Ed Buller de cara a la producción. Un disco notable que alterna, con soltura, aquellas canciones más introspectivas que apelan a la emoción (“Sometimes I Feel I’ll Float Away”, “What Are You Not Telling Me?”) con éxitos instantáneos (“It Starts And Ends With You”, “Hit Me”).

9

“Head Music” (Nude, 98)

“Head Music” no es un mal disco y contiene un puñado de destacadas (“She’s In Fashion” o “Can’t Get Enough”), pero hace gala de un doble error de medida: es un disco demasiado extenso y la elección de temas no fue la mejor, sumando no pocas medianías. La producción de Steve Osborne (reemplazando al habitual Ed Buller) tampoco fue acertada,

apostando por una excesiva presencia de sintetizadores lastrando el sonido global de la banda hasta tornarlo algo artificial.

10

“A New Morning” (Epic, 02)

El patito feo de la discografía de Suede y su título más prescindible, además de un bajón de tal calibre que influyó de manera determinante en la separación del combo en 2003. Mayoría de canciones facilonas que no daban la medida para un grupo con el catálogo histórico de Suede: valgan como ejemplo lo descafeinados singles “Positivity” y “Obsessions”. A pesar del evidente descalabro, el lanzamiento presentaba alguna pieza rescatable como “Oceans”. R.J.

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EN CONCIERTO

l Bilbao 16 marzo. Santana 27 l A Coruña 17 marzo. Pelícano l Sevilla 21 marzo. Insólito Sevilla Fest l Madrid 23 marzo. La Riviera l Valencia 24 marzo. Auditorio Roig Arena l Barcelona 25 marzo. Sala Razzmatazz l Barcelona 09 julio. Cruïlla l Lanuza 10 julio. Pirineos Sur

39/Mondo VINILOS

El mejor trabajo de Ratboys

INDIE ROCK / El debut de un grupo suele ser algo muy significativo, eso es porque desde el momento en que una banda comienza, hasta que logra grabar su primer disco, suele pasar el tiempo suficiente para que amontonen una gran cantidad de material del que presumir cuando, por fin, consiguen su oportunidad. En el caso de Ratboys no fue así, si uno escucha su primer disco, “AOID”, encontrará tres o cuatro buenas canciones de indie rock y no muchas expectativas de cara al futuro. Pues bien, escuchando el sexto disco de la banda, este “Singin’ to an Empty Chair”, un número en el que la mayoría de las bandas se han quedado sin cosas que contar y, sobre todo, sin canciones, nos encontramos ante un disco excelente de una banda que compone, toca y arregla

mucho mejor que en sus comienzos, una que ha ido aprendiendo el oficio y que ahora se coloca entre las mejores bandas de su generación. Es evidente que esa mejoría ya se dejaba ver en su anterior trabajo, “The Window” (23), pero esta es la confirmación de que han dado un paso más. Con Chris Walla de Death Cab For Cutie otra vez tras la mesa de producción, la banda se acerca más al sonido de Wednesday y MJ Lenderman, esa especie de indie rock con querencia al Alt Country, con jams cercanas a un Neil Young cabalgando junto a Crazy Horse, con un Dave Sagan que nunca ha tocado mejor que aquí y una Julia Steiner que nunca ha contado mejores historias. El disco se coloca sónicamente en una especie de cruce de caminos en el que The Breeders y Lucinda Williams se dan la mano. Han pasado ya once años desde que esta banda de Chicago sacara su debut, pero Ratboys siguen mejorando y entregan el mejor disco de su carrera. No recibirá las mismas alabanzas como si fuera una banda de recién llegados, pero puede que tenga más mérito. sergio ariza

Sleaford Mods The Demise of Planet X

POST-PUNK RAP / Desde su formación allá por 2007 los de Nottingham han publicado una docena de álbumes, que se dice pronto. Y cada vez que llega uno da la impresión de que Sleaford Mods han dicho todo lo que tenían que decir. El caso es que, de momento, siempre se guardan un as en la manga. Para ampliar su paleta y la variedad melódica, el dúo apuesta por las colaboraciones: Sue Tompkins, Gwendoline Christie, Liam Bailey, Snowy y su colega Aldous Harding. Y sorprende que, con una fórmula tan básica y después de tantas canciones y álbumes, aún tengan margen para seguir convenciendo. “The Demise of Planet X” juguetea con la ciencia ficción mientras vocalista y música continúan imperturbables e implacables como sus ritmos y fraseos, transitando la senda que patentaron para ajustar cuentas con las miserias de Reino Unido a base de sarcasmo y humor negro. jc peña 8

POP ROCK / El cuarto disco de Ángel Stanich sigue transitando por su particular mundo lírico lleno de referencias, surrealismo y humor, pero esta vez lo hace mirando más hacia sí mismo, siendo su disco más personal e intimista y, a la vez, el más expansivo en lo sonoro, con una producción lena de capas y detalles. Una colección de canciones que dialogan unas con otras, creando una especie de viaje personal que comienza en una carretera y termina saliéndose del camino, sin una conclusión clara, más allá de que estamos ante el mejor disco de su carrera. No hay tanto un final como un continuará, un habrá que seguir intentándolo, con la canción titular, que sirve de manifiesto a este melancólico viaje de autodescubrimiento. Uno en el que Stanich reconoce que no tiene muy claro el destino, pero en el que parece claro que este desvío por la hierba es mucho más interesante que ir siguiendo las instrucciones de Google Maps. sergio ariza

MONDOVINILOS

La honestidad de Nacho Vegas

Nacho Vegas

Vidas Semipreciosas Oso Polita

CANCIÓN / Andan los tiempos jodidos y puede que ese sea el mejor caldo de cultivo para un tipo como Nacho Vegas, alguien que lleva ya veinticinco años siendo el cantautor, en su sentido más amplio, más interesante de este país. Uno comprometido con lo que pasa y con lo que le pasa, que sabe mirar hacia su interior, pero también hacia el exterior para volver a comprobar que en tiempos de lobos se puede reivindicar, citando a Burroughs, que “quizá cualquier placer sea un alivio”. En “Vidas semipreciosas” no todo funciona, pero cuando lo hace lo hace a lo grande, porque aquí Vegas prueba diversos estilos y se rebela contra unos tiempos en los que no te dejan ni ser infeliz. Lo hace con uno de sus discos más abiertos musicalmente, comenzando con esos violines que abren “Alivio”, en la que se mezclan varias

cosas, como un recitado que parece sacado de sus exsocios León Benavente y un eficaz estribillo sobre la imbatibilidad del tiempo. Claro que lo mejor es cuando viste sus canciones con ropajes sonoros que parecen sacados a medio camino entre el sonido Torrelaguna y la Costa Fleming, como en esa maravilla llamada “Mi pequeña bestia”, sobre violines, coros femeninos y el Vegas más melódico y desenfadado, cantando sobre el arte de hacer canciones. Los coros de la combativa “Tiempos de lobos” también te los hubiera firmado Augusto Algueró sin problema. Otro gran momento llega con “Llueven moscas”, una canción tan guapa y cuqui que podría pasar por una de Belle & Sebastian. “Los asombros” ve al Vegas más melancólico e incisivo, y vuelven a brillar esos coros femeninos y los estribillos certeros. “Vidas semipreciosas” es un trabajo imperfecto, pero bello y honesto de un tipo que sigue sin traicionarse a sí mismo, sabiendo protestar sin sonar panfletario ni, mucho menos, aburrido. Un disco que habla con sinceridad sobre un presente espinoso, pero en el que siempre se reconoce a su autor. sergio ariza

ELECTRÓNICA / La línea que separa los proyectos del canadiense Dan Snaith es ya inexistente; en “Honey” (24), Caribou se adentraba de lleno en la música de baile, con una propuesta marcada por el house y el UK garage, un espacio casi siempre reservado para su alter-ego Daphni que, en “Butterfly”, coquetea con líneas melódicas, la nostalgia y la psicodelia propias de Caribou. Encontramos a partes iguales la celebración colectiva, la expansividad y el anonimato del club, así como ese estado liminal, la reclusión e intimidad más propia del after. Esa melancolía tan característica del proyecto principal de Snaith se materializa en “Sad Piano House” una minimalista pieza de deep house. Daphni trata el track list como uno de sus sets, donde tras los cortes más eufóricos y románticos “Waiting so Long”, “Goodnight Baby”, nos lanza al agujero con “Talk to Me”, o ese guiño glitch que es“Two Maps”. jacobo álvarez

7

Marc Aliana El último jardín Autoeditado

ROCK / Marc Aliana, original de Barcelona, con pasado en California, ha recorrido el camino suficiente para poder lanzar un disco conceptual con acertado criterio. Más allá de su delicada forma de ejecución y producción, demostró ser un músico con un nivel de análisis y pensamiento desarrollados, basta escuchar su interesante podcast “Disco prestado” para descubrir esa faceta de su musicalidad. En este segundo disco los climas llevan a la propuesta al siguiente nivel. Como ejemplos, podemos citar las guitarras incidentales de “Duermevela”, lo distópico y salvaje de las guitarras en “La Misión”, el espíritu Nine Inch Nails de “Dogma”, o la elegancia de cantautor alucinado en “Singularidad/ Soma”. “El último jardín”, que fue grabado en Barcelona y mezclado en Ciudad de México, es un disco que invita a descubrir la personalidad artística de Aliana y su prosa simple pero profunda. adriano mazzeo

RAP / Hijos de la Ruina, el grupo de rap madrileño formado por Natos, Waor y Recycled J, regresa con su cuarta edición más ambiciosa desde que publicaran en 2012. El trío, que se caracterizó por un estilo colmado de excesos, rebelde y explícito tras la crisis de 2008 en contrapunto con la dominancia poética y concienzuda del rap de la vieja escuela, firma un volumen que redunda en el mismo arco que el segundo y el tercero: venimos de abajo y ahora estamos arriba con algunas cicatrices pasadas. Con colaboraciones y referencias cruzadas a los antiguos volúmenes el cebo nostálgico es repartido por todo el disco y a veces funciona como en el cadencioso boom-bap de “Nada ha cambiado” junto a Suite Soprano o “Hijos de la Capital” con Hijos Bastardos. Recycled J se luce en las melodías de “De Madrugada”. Más allá de eso no relucen nuevos tropos temáticos, ni nuevos discursos ni propuestas sonoras que inyecten fertilidad en el género. daniel caballero

Nathan Fake Evaporator InFiné

POP / Pole. regresa con su tercer álbum, con un enfoque renovado rebosante de naturalidad y frescura con energía pop-rock. Ya conocíamos adelantos como “Pub Irlándes” con Funzo, “Eres un 10”, o la colaboración con Leire Martínez en “Cuando te quieras marchar”, entre otros, pero es escuchando el conjunto del álbum cuando se percibe una intención musical sólida y madura. Esa solidez se refuerza con una selección de colaboraciones que conectan distintas sensibilidades. Mientras que la presencia de Hens y Funzo mantiene el pulso de la escena actual en temas como “Creo que mi perro ve fantasmas” y “Pub Irlandés”, la participación de bandas como Pignoise y Despistaos termina de armar un sonido de guitarras muy ligado al pop-rock nacional más clásico. Liderando la salida del álbum, “+ canciones de amor” sintetiza este nuevo sonido; un tema nostálgico que incluye un guiño directo a Amaral. martina a. coral

Gluecifer Same Drug New High Steamhammer

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Faenna Hasta mañanita si Dios quiere

2 Maria Jaume Sant Domingo Forever

3 Erik Urano Stalker

4 The Lions Constellation New Moon Rising

5 Ángel Stanich Por la hierba

6 La Perra Blanco Lovers & Fears

7 091 Espejismo nº9

8 Nacho Vegas Vidas semipreciosas

9 Maximiliano Calvo Terapia de Grupo

10 Besmaya La vida de nadie

ELECTRÓNICA / El genio y productor de Norfolk regresa con nuevo álbum de estudio a la vez que debuta en el sello InFiné. Nathan Fake, en “Evaporator”, demuestra seguir en forma a la vez que nos enseña su cara menos sombría. El sonido es aireado, melódico y espacial, con momentos especialmente pegadizos como “The Ice House” o “Hypercube”, una de las pistas más orgásmicas del disco. En conjunto, menos confrontacional si lo comparamos con otros lanzamientos con mayor duende rave. Otra cosa que halago, los sintetizadores como protagonistas, ahora desplegándose con una cualidad más aérea, casi pastoral. Maravilla sin piedad en cortes como “Slow Yamaha”. Fake no rompe con el pasado, pero sí que cambia de hora: mira al día, más ligero y luminoso, con ecos de techno melódico y electrónica de amplio espectro . En conjunto, un trabajo de madurez, coherente y muy recomendable para acompañar el paso del tiempo. bruno garca

ROCK / Cuando, en 2004, Gluecifer lanzaron el que era su último disco hasta ahora, “Automatic Thrill”, lo hicieron con la sensación de que ya no se le podía sacar más jugo a su fórmula. En 2018, cuando nadie les esperaba, empezaron a asomar la cabeza por algunos festivales escogidos. Lo hacían fieles a su espíritu. Poco o nada había cambiado (solo un miembro, el bajista). La siguiente pregunta era inevitable: ¿Para cuándo nuevas canciones? Han tardado en llegar, pero aquí las tenemos. Y tal y como reza el título del disco, es la misma droga de siempre, pero a un nivel superior. Solamente es necesario escuchar “The Idiot”, con la que empieza el festín, para confirmar que vuelven con más energía si cabe y con estribillos que han llegado para quedarse. Sin embargo, en esta ocasión se desenvuelven mejor en los medios tiempos –con pegada, eso sí– como “I’m Ready”, “Pharmacity” o la melancólica “Another Night, Another City”. toni castarnado

7

1 The Sophs Goldstar

2 Ratboys Singin’ to an Empty Chair

3 Daphni Butterfly

4 Nathan Fake Evaporator

5 Danny L Harle Cerulean

6 The James Hunter Six The James Hunter Six Off The Fence

7 Angel Du$T COLD 2 THE TOUCH

8 Megadeth Megadeth

9 Mandy, Indiana Urgh

10 Tyler Ballgame For The First Time, Again

Santi Campos Ruinas de Interior (1995-2025) Rock Indiana

7

POP / Santi Campos siempre ha tenido algo de kamikaze y también de mala suerte, una combinación que ayuda a explicar por qué, pese a la calidad de las cuatro decenas de canciones que recoge este recopilatorio, no figura entre los compositores más reconocidos del país al lado de nombres que a todos nos vienen a la mente. Organizado de forma cronológica, el disco recorre los proyectos de los que Campos fue protagonista. Desde Malconsejo y Amigos Imaginarios hasta sus trabajos más recientes en solitario o con Herederos, dejando fuera etapas más secundarias como Los Brujos o Star Trip. La evolución de su música es notable, dirigida a oyentes que valoran letras cuidadas y buenas melodías, y aún más llamativa resulta su progresión como cantante, aprendiendo a confiar en su voz y a entender que el fraseo, la intención y la actitud son tan importantes como el timbre. Nadie canta a Santi Campos como él mismo. eduardo izquierdo

The Lions Constellation New Moon Rising Shelflife/ Make Me Happy/Too Good To Be True

SHOEGAZE / El trío barcelonés reaparece cuatro años después de sus últimas canciones en forma de EP (“Under The Skin”). Pero este segundo álbum llega más de tres lustros después del primero. No hay muchos casos de bandas que resuciten después de tanto tiempo, y ellos lo hacen por el ímpetu que provoca el entusiasmo por el material que tienen entre manos. El primer corte, “Pictures of Your Obsession”, derrocha oscura contundencia y las voces lánguidas que caracterizan al género desde que cautivara al público en los primeros noventa. De hecho, el romanticismo sonoro que practican y condensan en el single “If You”, con sus melodías celestiales, remite a clásicos como los inevitables Slowdive (“Allison”, “When You Dream”), My Bloody Valentine (“Colors of My Town”), los Ride más pop e inspirados (“Human Skills”), o incluso los norteamericanos DIIV (“Beautiful Time”), referente contemporáneo de esta estética. jc peña

8

091 en plena forma

091

Espejismo nº9

Universal

ROCK / No sé si este es el mejor disco de 091, como he leído en textos de algunos compañeros de profesión. No me atrevo a tanto. Pero sí que probablemente sea el mejor disco que podemos esperar de los cero en el año 2026. La banda no vive de la nostalgia. Nunca lo hizo. Y “Espejismo nº 9” lo confirma. Seis años después de su anterior entrega (¿demasiados?), los granadinos regresan con un disco que suena firme. Seguro. Con la electricidad bien medida y las palabras en primer plano. Ahí está el maestro Lapido para que así sea. “Espejismo nº 9” es un disco maduro. Sólido. De los que nos gusta decir a los escribas que crece con las escuchas. Mira de frente al presente sin renegar de su pasado. Se abre con “Algo parecido a un sueño”, un rock elegante con ese sello del grupo, diáfano, pero con intensidad contenida. A partir de ahí, las canciones se van desplegando como paisajes íntimos y extrovertidos a

The Molotovs Wasted On Youth Marshall Records

ROCK / Después de un desfile de singles previos, Mathew e Issey Cartlidge lanzan su primer larga duración como The Molotovs. El estreno queda materializado en un álbum de sonido clásico copado por potente y a la vez elegante rock de guitaras de alma mod y punk, con The Jam (y Paul Weller como mesías innegociable), Buzzcocks, The Clash, The Undertones, XTC o Elvis Costello señalando el objetivo. Una diana que no es otra que reverdecer aquellos laureles brotados en el Reino Unido de los setenta y también en el Britpop de los noventa (y el legado de grupos como Shed Seven, Oasis o Supergrass). Un saqueo que resultaría infructuoso si no fuera por la propia solidez de ese repertorio que maneja la banda: temas de ritmo ágil, cuando no vertiginoso, que se deslizan a través de la escucha con aires gamberros y desvergonzados, reclamando la importancia de la música de guitarras con estribillos ideados para lanzarse a la yugular. raúl julián

partes iguales. “Piezas de desguace” conjuga guitarras acústicas y melodía sedosa, mientras que “Nadie quiere oír tu llanto” recupera una tensión eléctrica más clásica. Y aquí ya nos hemos dado cuenta que José Antonio García está cantando mejor que nunca. Más contenido. Más maduro. Dejando para el pasado el apodo de “Pitos”. En temas como “Ven vestida de nube” o “Los cantes de la sinrazón”, la banda explora

Rojo Omega Deseo concedido Autoeditado

PUNK ROCK / Era 1996 cuando nacía este grupo del extrarradio madrileño bajo el nombre de uno de los enemigos de Lobezno en las páginas de X-Men. Aunque más que el adamantium, lo suyo eran las canciones de barrio, entre el punk rock, el garage y el hard rock. Ahora regresan para celebrar su trigésimo aniversario con “Deseo concedido”, un quinto largo que llega un lustro después que el anterior (“El elixir”, 19) y en el que vuelven a ponerse en las manos de Daniel Alcover (Dover, Corizonas, Sex Museum, Heroes del Silencio, Depedro) para la producción. El resultado son ocho nuevas canciones estupendas. Maduras pero frescas, distorsionadas pero pegadizas, sesudas y trabajadas. Hay sentimientos y hay mala hostia. Hay guitarreo y hay melodía. Basta con escuchar la rabia de “Imparable” o la coreable “La revolución” para ver que estamos ante un trabajo ambicioso, aparentemente sencillo pero lleno de matices. jesús casañas

8

texturas más suaves. Y cuando el camino se vuelve más crudo, como en “Dormir con un ojo abierto”, 091 despliega su capacidad para mezclar lirismo con nervio blues. Esa escritura atenta y poética, una ejecución madura y un pulso que sabe cuándo avivar la intensidad y cuándo dejar que una melodía se pose con suavidad en lo más profundo del alma. eduardo izquierdo

La Perra Blanco Lovers And Fears Maldito Records

RHYTHM AND BLUES / Lejos de golpear de nuevo el cetro que la reconoce como una de las más distinguidas representantes en la actualidad del rock and roll clásico, la compositora gaditana hace honor a su nombre artístico manteniendo activo un olfato creativo en constante evolución. Progreso que en su extraordinario nuevo disco, donde retira el poder absoluto de su fogosa guitarra para permitir un mayor rango instrumental, sale al encuentro de unos menos feroces ritmos afroamericanos aptos para ilustrar el carácter existencial de sus textos. Aperturismo, también en un ámbito idiomático que convierte al castellano en perfecto narrador del blues pantanoso “Devil in My Bed”, que promueve episodios donde comparten filiación el garage y el rhythm and blues o exponencian la emotividad a través del majestuoso soul de “Hold me”. No hay instinto más demoledor y efectivo que la punzada asestada en pleno corazón. kepa arbizu

LA PLAYLIST

Invierno de alta factura eléctrica

Sintetizadores de temática fría e intención diversa nos preparan para prevenir el apagón con la música más electrizante de ayer y hoy. martín p. corral

1 Elza Soares

“A Mulher Do Fim Do Mundo”

2 Family “Viaje a los sueños polares”

3 Zombies “Groenlandia”

4 Joe Crepúsculo “Hoy no sale el sol”

5 VVV (Trippin’you) “Invierno nuclear”

6 Pipiolas & Begoña “Domingo raro”

7 Fillas de Cassandra “hibernarse”

8 Rufus T. Firefly “Sé dónde van los patos cuando se congela el lago”

9 Javiera Mena “Luz de Piedra de Luna”

10 C. Tangana “Yelo”

11 Astrud “Esto debería de acabarse aquí”

12 Grande Amore “Eu son a noite”

Maria Jaume y las fiestas populares

Maria Jaume Sant Domingo Forever Halley records

POP ELECTRÓNICO / ¡Qué sería de este país sin las fiestas populares! Esos días en los que te lanzas a la calle como si no hubiera un mañana y todas las normas parecen congelarse. No hay hora de regreso a casa y se inaugura el club de las primeras veces. Tu primer beso, la primera cogorza, el primer desengaño y esos primeros conciertos gratuitos que ayudan a mantener el ecosistema musical y te inician en la jarana y el baile. Pues bien, toda esa esencia, todo ese joie de vivre ha quedado recogido y registrado en este “Sant Domingo Forever” de Maria Jaume. Y es que parece que la mallorquina le ha cogido el gusto a eso de los discos conceptuales. Si en el anterior hacía gala de una fina ironía para describir las claves de su vida entre esa gran ciudad que es Barcelona y esa Mallorca sometida a la dictadura industrial del turismo, en este logra trasladar al oyente a ese estado

7

A$AP Rocky Don’t Be Dumb RCA

en el que todos los problemas quedan suspendidos. Y lo hace con esa particular mirada melancólica que acaba resultando, por universal, tan próxima. “Sant Domingo Forever” es por tanto un álbum que debe escucharse del tirón. En el que resulta difícil desgajar los temas de un todo que tiene en su conjunto su peculiar valía. Un viaje sensorial repleto de emociones y texturas que ha sido perpe-

Lisasinson Desde Cuándo Todo Elefant

RAP / En una entrevista previa a la publicación de “Don’t Be Dumb”, su primer disco en casi una década, A$AP Rocky aseguraba que su nuevo trabajo iba a ser “una obra maestra”. El rap es esto: vacile, fanfarronería y autoconfianza nivel dios. Y el neoyorquino siempre ha sido el más guapo, estiloso y chulo del barrio. Va sobrado. De acuerdo, la hora larga que suman los diecisiete cortes de “Don’t Be Dumb”, resuenan mucho mejor que lo presentado en el fallido, por demasiado experimento sin sentido, “Testing” (18). Pero, aun superando su ya tan lejana referencia anterior, aun siendo un disco muy disfrutable, no alcanza el estatus de piedra angular del género que pregonaba su autor. Puede que la china en el zapato de “Don’t Be Dumb” sea querer apretarlo todo y no conseguir abarcar el disco en su totalidad. Es algo así como un rompecabezas de la historia del hip-hop, pero no todas las piezas están bien encajadas. oriol rodríguez

POP PUNK / El nuevo disco de Lisasinson es el más firme y compacto que publican hasta la fecha. Tras cambios en la formación, llega tras un proceso de calma y pausa personal y artística que está muy presente en unas canciones que se complementan entre sí. Aunque sin hilo conductor concreto, queda claro que la cotidianidad atraviesa todo el trabajo: con canciones sobre el sufrimiento y cómo seguir adelante, con drama pero sin regodearse en los problemas. La coherencia se refuerza con una base literaria que narra historias cercanas. Musicalmente, explora nuevos rincones sin perder su esencia, incorporando matices y colores sonoros que enriquecen el proyecto. El cierre, con dos remixes alejados de lo habitual, reafirma un disco perfecto para distintos estados de ánimo. Un disco que puede ser disfrutado sin pausa una y otra vez. Un trabajo equilibrado, fresco y plenamente satisfactorio. daniel pose

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trada en una pequeña habitación del barrio de Horta de Barcelona, en total complicidad con su pareja, el músico y productor Lluis Cabot. Ambos han logrado elevar unos cuantos peldaños su peculiar propuesta, distanciándola y diferenciándola de la gran cantidad de solistas femeninas adscritas al pop urbano que abundan en la actualidad. don disturbios

Mariachi El Bronx IV ATO Records

Backengrillen

Backengrillen Svat Records

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MESTIZAJE / Esta nueva referencia de los ya establecidos Mariachi El Bronx llega en el momento justo. Que la salida de este disco coincida con el prime time de ICE, la desgraciada policía anti-inmigración de Trump, podría parecer una jugada de marketing perfecta, aunque es una coincidencia que deja en evidencia la eterna disputa del poder factual contra el cultural. Después de una carrera de diecisiete años hay quienes aún no sienten natural el encuentro de los sonidos autóctonos de tierras aztecas con las voces en inglés, pero justamente ahí reside uno de sus mayores aportes; esto es mestizaje del bueno. Y también los arreglos, el audio, las melodías son de las buenas. Historias humanas de todo tipo –guerreros, mafiosos, amantes y bon vivants– logra poner ante el teleobjetivo una cualidad tan crucial como difícil de mostrar: que dos géneros a priori sin conexión –el punk rock y el mariachi– finalmente sí tienen mucho en común. adriano mazzeo

ROCK / En Backengrillen coinciden tres Refused (Dennis Lyxzen a las voces, David Sandstrom a la batería y el bajista Magnus Flagge) con el saxofonista de culto Mats Gustafsson. Este álbum debut de cinco larguísimos temas suena a un capricho que los integrantes del grupo se tienen bien merecido. La propuesta es simple, pero se complica en el camino: la onda es tomar un riff, repetirlo sin fin e ir mutando ideas sobre él. Quien avisa no es traidor: el disco va en gran parte de eso. El tema es poder apreciar a qué suena eso, y ahí es donde la cosa se complica, porque si bien hay momentos en que los integrantes logran mostrar su chicha de talento (interesante el fraseo de “Repeater II” en la que suenan relativamente accesibles, la larga y lúgubre intro de “Backengrillen” o los pasajes percusivos de “Socialism or Barbarism”), son muchos los pasajes de incongruencias que podrían resultar fascinantes, pero solo logran aburrir. adriano mazzeo

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Besmaya La vida de Nadie Acqustic

POP / Besmaya abrazan la nostalgia por tiempos mejores para lanzar un mensaje de ánimo a su generación. “La vida de Nadie” se presenta como un álbum en el que hablar de las frustraciones acumuladas e inseguridades de Javi al cuadrado. De todos esos momentos en los que el pensamiento intrusivo de no sentirte “suficiente”, para el ritmo que exige la vida actual, te atraviesa la cabeza y se adueña de ti por completo. El dúo regresa con una colección de pop accesible, redondo, buen rollo, dosis de calma y temas universales. Sin grandes cambios, ni giros bruscos de guion; perfilan lo construido hasta ahora y generan cun discurso alrededor de la necesidad de asumir la llegada de la madurez y tratar de mantener viva tu esencia. Reconciliarte con las cosas que siempre soñaste, pero que nunca sucedieron. Cuentan de nuevo con Paco Salazar en la producción y la participación de Benjy Gibson (Fred Again..) en “Corona de laurel”. álex jerez

Morfi Grei Tiempo perdido en la memoria Kasba

ROCK / Después de recuperar “Mentemblanco”, el tercer disco de La Banda Trapera del Río, el sello Kasba sigue escarbando en el baúl de los recuerdos musicales de este país y edita “Tiempo perdido en la memoria” de Morfi Grei. Esta edición especial incluye el mini-LP “Aliento de noches” masterizado y, en la cara B del vinilo, cuatro canciones del directo de la banda en el Pabellón de deportes de Sant Just Desvern del 13 de octubre de 1984. Por lo que respecta al mini-álbum, consta de cinco canciones de rock’n’roll urbano más cercanas a la sonoridad de bandas como Burning o al primer Loquillo y Los Trogloditas que al proto-punk de La Trapera. Para estos temas Morfi Grei añade melodías a su registro vocal, pero sin perder la chulería de barrio obrero que le acompañó durante toda su vida, mientras que Ernest Manchón aporta notas de piano y unos teclados que ganan mucho protagonismo sobre todo en composiciones como “La Losa”. jordian fo

Erik Urano y la vanguardia

Erik Urano Stalker Sonido Muchacho

RAP / Erik Urano lleva más de quince años irradiando vanguardia al planeta rap español con un lúcido sentido de exploración sonora electro-hip hop que inserta el macrocosmos en el barrio y viceversa, donde vibran paisajes distópicos (cada vez más reales), fríos e industriales que disparaban ácida y premonitoriamente a la dependencia y tiranía tecnológica. A diferencia de su predecesor, “Qubits” (22), “Stalker” es una obra multicéfala –producen Zar1, Harto Rodríguez, Louis Amoeba y Merca Bae– cuyo tapiz sonoro es más gélido, cinematográfico y con mayores dosis de vetas intimistas, siendo influido conceptual y espiritualmente por la atmósfera ilusoria y cambiante que la niebla provoca en la película homónima del ruso Andrei Tarkovski, y que se refleja

en una producción asimétrica que oscila entre lo enérgico y lo sutil. La única brújula es la desorientación, el vallisoletano asume la duda como parte de un proceso-camino vital que nunca acaba y avanza entre lo efímero y lo invisible –“manos buscando entre la niebla son mis gang signs”, expresa en “-2º”. Su ascensor orbital sube un par de pisos de intimidad con la tríada “Solaris”, “Eigengrau” y “Nana del tiempo”, estas dos últimas con una instrumentalidad vivísima que elevan la experiencia al incorporar el sample de un carrión del músico tradicional Germán Díaz y el theremin de Javier Díez (“Pasé de tono sepia al color total / de que no me importe nada / a que me duela que no me importe nada”). Con “Stalker”, Erik Urano sondea más la conciencia que la galaxia, una conciencia como resistencia ante la uniformidad, la pasividad y el moldeo algorítmico. Uno puede estar pasivo, sin rumbo y rodeado de niebla, pero si es consciente de ello y no se convierte en un autómata podrá dirigir sus pasos, si no será la niebla quien lo dirija a él. daniel caballero

.LOS DISCOS DE MI VIDA

Javier Corcobado

James Chance & The Contortions Buy (1979)

El hombre blanco que quiere ser negro y expulsa su rabia gritando espasmódicamente o disonando a lo salvaje con su saxo alto, con una banda fría y cortante como el hielo, de música matemática rota. James Chance se expresaba como un James Brown suicida e incendiario, creando un funk acelerado —funk punk— altamente bailable, adrenalínico y enloquecedor.

The Cramps Psychedelic Jungle (1981)

Aprovechando sus recientes conciertos en Madrid, Bilbao y Ciudad de México, le hemos preguntado al mismísimo Javier Corcobado por aquellos discos que han marcado su vida. Y aquí está el resultado.

Descubrí a Suicide gracias a la osadía de Diego A. Manrique poniendo completa “Frankie Teardrop”. Una letra espeluznante. El ambiente de húmedo infierno urbano creado por Martin Rev con su sintetizador y los gemidos y gritos de Alan Vega me sobrecogieron de tal manera que al día siguiente fui ansioso a comprar el disco. Para mí es el mejor disco de rock’n’roll, aun siendo su base instrumental completamente electrónica.

“¿Cómo podían convivir tanta hermosura y dulzura musical con tanto ruido eléctrico?”, me preguntaba al escucharlo. Todo lo que contenía ese álbum me parecía mágico. Prefería la voz de Nico a la de Lou Reed, pero las letras de este eran muy buenas, poéticas pero coloquiales, llenas de provocación, incluso en el año 1979, que es cuando llegó a mis oídos por primera vez. No entendí cómo no lo había descubierto antes. La ingenuidad y la perversión, esa era la fórmula mágica.

Me compré sus discos solamente por el aspecto temible pero auténtico que lucían en las portadas. Al ponerlos en el tocadiscos, creí haber descubierto al mejor grupo del mundo. Su estilo era único, original y descabellado, la voz de Lux Interior sonaba grave, gemía, aullaba, desde lo gutural a lo estridente, sobre un catálogo de riffs de rock’n’roll, o rockabilly, tocados por la guitarra omnipotente de Poison Ivy.

Este es un disco perfecto. Todas las canciones son buenas, todas son singles, brilla por el talento y el sello singular del artista: su voz inconfundible, sus letras delirantes, su música espuria, las guitarras de Marc Ribot, las percusiones óseas… Solía cantar “Tango Till They’re Sore” de madrugada por las calles vacías, desahogándome, gritándole al mundo.

Los riffs de “I Wanna Be Your Dog” y “No Fun”, la ausencia de miedo insultante de Iggy Pop, un ser sobrenatural… El terremoto musical que generaban los hermanos Asheton y Dave Alexander ha influido más que ninguna otra cosa en el rock’n’roll. Cualquier canción de ese disco, esté dónde esté, me llama a bailar y a saltar. MS

48/Mondo Media

Aníbal Gómez y su loco mundo

Seis años después de crear el alocado libro ilustrado “El alucinante mundo de Rafaella Mozzarella”, el propio Aníbal Gómez lo adapta en “Rafaela y su loco mundo”, una de las propuestas televisivas más dementes y, al mismo tiempo, brillantes del año.

UNA REVISIÓN de la adolescencia tan esperpéntica y descabellada solo podía salir de la mente de Aníbal Gómez. Seis años después de tirar de este pubescente hilo con “El alucinante mundo de Rafaella Mozzarella”, el multidisciplinar actor y músico decide reunir a la banda chanante para su adaptación, ofreciéndonos, de paso, una de las propuestas televisivas más dementes y brillantes del año. Su título, “Rafaela y su loco mundo”. “Mola mucho ver cómo ha crecido la obra hasta llegar a esto”, comienza diciéndonos al teléfono. “Había que aprovecharse de los recursos que ofrecía el audiovisual, así que le hemos metido de todo. Pero nada de esto habría sido posible sin Arturo Valls, quien, en su día y tras servirme de reclamo famosil en las presentaciones del libro, me animó a dar el paso de adaptar esta locura a un nuevo formato”.

EN SU CUENTO ILUSTRADO, y ahora también serie, Aníbal nos habla de una muchacha atípica, patosa y espantaja, dispuesta a mirar el mundo desde una

óptica disonante y vivir aventuras junto a sus amigas, todavía más merilotas. “La adolescencia es una época vital que me fascina”, puntualiza. “A esa edad, parece que el mundo se va a acabar por cualquier cosa, las canciones te marcan más y todo es como súper intenso. Pero también hay mucha gente que decide no seguir el patrón marcado por la mayoría y opta, en plena ebullición hormonal, por un camino distinto al del resto. Siempre he creído que esas personas que se mueven al margen del sistema o se interesan por referentes que, por edad o contexto, no les corresponde, son las que más cosas tienen que decir. Y creo que este tipo de personajes, pese a ser tan estereotipados, pueden servir para visibilizar que otro tipo de normalidad es posible”. “La rareza humana es muy subjetiva”, continúa. “Para mí, de hecho, la Feria de Abril es lo más underground y extremo del mundo”. Razón de más por la que Aníbal reconoce la suerte de que una plataforma como atresplayer haya resultado ser crucial para que Rafaela vea mundo más allá de sus páginas. “Apostar por algo tan de nicho y sin ningún respaldo internacional previo tiene cuajo”, añade. “Es un honor,

y ojalá que sirva de ejemplo para que muchos otros creadores dejen de creer que lo único que las plataformas quieren son refritos de cosas que ya se han hecho”.

POR LO PRONTO, de lo que sí ha servido es para regalarle al fan medio un reencuentro de altura. “En los rodajes teníamos que imponernos cierta profesionalidad, pero la mamarrachez no se ha perdido”, nos cuenta sobre esta vuelta a las andadas. “Imaginaos a Ingrid, Carlos, Joaquín y a mí juntos en el set. Ernesto tenía que llamarnos al orden más de una vez, y con razón”. A pesar de que esto no sea exactamente un “Muchachada Nui 2”, irremediablemente la troupe no renuncia a lo que definió su humor, abrazando sus tropos y contando con gran parte del equipo y de las ideas de aquellos días: desde Nacho Díaz en los efectos o la música original de Enrique Borrajeros (DJ Pollo), hasta los segmentos animados (Jaime Villanueva), los tertulianos o la propia génesis de las amigas de Rafaela, extraída

de las pretéritas e incómodas Tontili y Monguili. “Martes y 13 o Monty Python ya lo hicieron antes que nosotros”, continúa Aníbal. “No hay nada más divertido que ver a hombres de medio siglo disfrazados de adolescentes. El disparate está ahí, en ver a gente adulta de esa guisa”. Sin embargo, la serie no se habría entendido con un elenco únicamente formado por hombres, tal y como Aníbal nos cuenta. Las voces femeninas, lejos de ser testimoniales, cobran en esta nueva propuesta un protagonismo total, desde Carmen Ruiz o Laura Weissmahr, hasta Mariona Terés o Esty Quesada, sin olvidar a la cabecilla del entuerto, Ingrid García-Jonsson. “Puede parecer que, cuando haces comedia, la construcción de los personajes es caótica y todo vale, pero nada más lejos. Ingrid hizo un trabajo metódico que nos dejó locos. En una reunión previa se presentó con un cuadernito en el que había escrito notas sobre el personaje entre colorinchis y florecitas, y nos dijo que hasta se había comprado colonias de adolescente para

“La rareza humana es muy subjetiva” “

creerse todavía más a Rafaela”. Eso sí, nos permitimos finiquitar la charla poniendo en valor a la increíble Pepa Cortijo, quien tras darse a conocer como la amiga Maribel (Ojete Calor) o la alcaldesa de “Bodegón con Fantasmas” (Enrique Buleo), regresa para regalarnos otra interpretación hipnótica. “Siempre me ha fascinado el concepto de ‘infra-actriz’. Esa capacidad para decir el texto desde la neutralidad pura, con cara de no saber si estás bien o estás mal, es única. Pepa no necesita interpretar, su sola presencia hace el resto”. “Siempre intentamos crear historias en las que tengan cabida todo tipo de personas, porque es lo suyo”, sentencia Aníbal sobre lo importante que ha sido para sus proyectos contar con perfiles anómalos en un mundo estandarizado. “Yo voy a envejecer mejor que Brad Pitt. Ten en cuenta que de adolescente me parecía a Mamá Fratelli de ‘Los Goonies’. Todo lo que venga a partir de ahí, es para bien”. fran gonzález

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CINE Y SERIES

RETOMAR UNA HISTORIA que había quedado conclusa hace la friolera de diez años no tiene por qué ser una buena idea. Máxime cuando el chicle se estira demasiado a base de repetir los mismos esquemas ofrecidos durante la primera temporada. Es ahí cuando todo queda reducido a un refrito que se salva, casi en exclusiva, gracias a la enorme tensión que ofrecen los actores en algún cara a cara memorable. Por lo demás, y más allá del alto octanaje que desprende el enfrentamiento de los dos antagonistas en ese clásico duelo de traiciones y falsas apariencias, la serie naufraga, no solo por la repetición de esquemas, sino también por ofrecer en pleno siglo XXI la visión de una Colombia de opereta que dista mucho de la realidad y que por momentos resulta incluso ofensiva. Un insulto a la inteligencia del espectador

El infiltrado (T2)

Georgi Banks-Davies

que recuerda en demasía a los estereotipos que abundaban en las películas de James Bond y que deberían estar, a estas alturas de la jugada, superados del todo. Y máxime si no quieres caer en la parodia a todas luces maniquea de los viejos telefilmes de espías. Con todo, esta segunda temporada cumple con el cometido de entretener a un espectador no demasiado exigente, y al que no le importe que le vuelvan a engañar con los mismos trucos, alguno un poco burdo, empleados en las novelas clásicas de espías . Ahí es cuando los matices desaparecen y tampoco importa demasiado la veracidad de los motivos que lleva a los diferentes protagonistas a actuar de un modo u otro. Todo parece quedar supeditado al desarrollo de una trama que, desde el principio, se hace tan evidente como inevitable. don disturbios

BASTA CON RADIOGRAFIAR mínimamente el presente para darse cuenta de que un relato como el que Hasan Hadi nos cuenta en “La tarta del presidente” no es en absoluto coyuntural o anacrónico. El mundo de hoy día, representado por el infausto sino de millones de niños y niñas como Lamia y Saeed, es, por desgracia, un lugar más que propicio para que cintas como el debut de este cineasta nos conmuevan y suenen dolorosamente vigentes. En la teoría, su interesante oferta se traduce en una fábula política revestida de realismo, concebida para hacer de un recuerdo escolar un alegato silencioso contra la humillación institucionalizada y la normalización de la infancia amenazada. Con todo, y a pesar de las dosis de pornografía emocional que fácilmente se podrían extraer de tal pretexto, Hadi sortea con esquiva inteligencia cual-

quier tentación de emplear una voz panfletaria o vituperante, y en su lugar decide apostar por una suerte de road-movie que bascula entre lo poético y lo documental, manteniendo siempre el foco en el entrañable vínculo de sus jóvenes protagonistas y en el valor de lo imaginativo contra la tiniebla. Tirando de prosa ágil y sostenida, termina convirtiendo en una odisea urbana repleta de escollos que recalcan el elevado precio de la supervivencia en un Irak hostil y atomizado. Por ello, no podemos decir que la película retrate de forma ajena o idealizada la fatalidad de aquellos días, pero sí consigue diluir la tragedia (brevemente) mediante anómalos remanentes de luminosidad: figuras genuinamente buenas que nos inspiran a pensar que su providencialidad también existe fuera de la ficción. josé martínez rosfran gonzález

NO PODEMOS AFIRMAR que “No hay otra opción” nos devuelva al mejor Park Chan-wook porque este nunca se había ido. Se trata de la segunda adaptación de la novela “The Ax” de Donald E. Westlake. La primera se estrenó hace dos décadas, y también resultó ser excelente. Nos referimos a “Arcadia”, la última gran obra del director franco-griego Costa-Gavras. El Man-su al que pone rostro un inconmensurable Lee Byung-hun no es una mala persona. A menos que consideremos como un defecto amar apasionadamente a su familia. Sin embargo, todo se tuerce cuando los nuevos dueños de la fábrica papelera en la que trabaja aplican una estricta reducción de personal.Su única esperanza es volver a hallar un puesto de responsabilidad en otra papelera y recuperar su anterior estatus. Pero tras varias entrevistas fallidas, se No

da cuenta de que es un sector demasiado pequeño y especializado: siempre habrá un candidato mejor, más joven o con más experiencia. Así que descubrirá que sólo le queda “una opción”: eliminar, literalmente, a la competencia. Lo que puede parecer absurdo y desesperado, pero sintoniza muy bien con nuestra era de feroz capitalismo corporativo. Por supuesto, tratándose de una comedia negra dirigida por el realizador de “Old Boy” lo que también encontramos es un apabullante despliegue visual. Park se las arregla para convertir cada uno de los disparatados crímenes del Man-su en una set piece brillante e imaginativa. “No hay otra opción” es otro gran hito en la trayectoria de uno de los escasos creadores que han abierto nuevos caminos al séptimo arte en lo que llevamos de siglo XXI. josé martínez ros

“El agente secreto” de Kleber Mendonça Filho se ha convertido, sin lugar a dudas, en una de las favoritas de la crítica internacional de los últimos meses. Asimismo, ha terminado de consagrar, si aún era necesario, a su protagonista, un maravilloso Wagner Moura. Nos encontramos en los años setenta, cuando Brasil llevaba ya más de una década bajo una dictadura militar. De hecho, salvando el color local y los escenarios, la trama sería fácil de adaptar a la España de los últimos años del Franquismo. Un hombre solo se dirige a la ciudad de Recife, al norte del país. Se hace llamar Marcelo. Muy pronto averiguamos que se trata de un fugitivo que se oculta bajo una identidad falsa. Está allí para hacerse cargo de su hijo, un niño con el que quiere escapar al extranjero.

Poco a poco, sabremos por qué huye y de quién huye. La ciudad que le recibe se encuentra sumergida en las festividades del Carnaval. Todo esto se nos narra con una estructura muy libre y audaz, que no teme a confundir en ocasiones al espectador con sus saltos en el tiempo; y con un ritmo pausado, en el que el cineasta deja espacio y minutos a varias subtramas paralelas. Kleber Mendonça Filho demuestra, como ya lo hizo en “Bacurau” (19) que es un apasionado cinéfilo, y en este caso, hace guiños a Spielberg, Brian de Palma o Tarantino. Pero si hay una película a la que, salvando las distancias, nos recuerda “El agente secreto” es a “Érase una vez en América” (84), la obra maestra de Sergio Leone. De hecho, merecería con creces haberse titulado “Érase una vez en Brasil”. josé martínez ros

La medusa Boum

Ediciones La Cúpula

Acreedora de varios premios, “La medusa” es uno de esos slice of life que consigue emocionar y provocar un estrecho lazo de empatía entre lector y autora. La canadiense Boum no perdió toda la vista, como su protagonista, Odette –aunque sí la de su ojo derecho–, pero esa empatía de la que hablo tiene más que ver con los sentimientos compartidos y la forma en la que se describe lo importante que es tener amistades reales y cercanas, y mucho menos con que nos compadezcamos de alquien que va a perder toda su vista cuando superemos la página doscientos. “La medusa” no cambiará el rumbo del mundo del cómic, pero quizás sí cambie como nos relacionamos con nuestros seres queridos. joan s. luna

LIBROS

Maus hoy. Una selección de textos VV.AA. Reservoir Books

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Art Spiegelman visitó Barcelona recientemente; Art Spiegelman acaba de ver estrenado en plataformas un documental sobre su arte y Art Spiegelman es el protagonista de este completo compendio de ensayos. O mejor dicho, lo es su obra cumbre, “Maus”, un clásico del noveno arte con sus cuarenta años de vida a las espaldas y Premio Pulitzer en 1992. Imagino que no es necesario volver a hablar de sus virtudes aquí y ahora, pero sí lo es resaltar las de “Maus hoy”. La investigadora literaria Hillary Chute escribe y sobre todo selecciona textos de expertos que analizan la gran obra de Spiegelman sobre el Holocausto y las secuelas que dejó en su familia desde sus prismas de especialización. joan s. luna

Luis Bustos Astiberri

Tras esa joya que es “¡García!” Luis Bustos retoma la manija total de su arte con “Meseta”, en el cual es el timón principal en los textos y de un apartado visual que desborda a través de una estética que tanto remite al primer Charles Burns como a las pinturas negras de Goya. Un cóctel explosivo que entra por los ojos como cuchilladas de talento armadas en torno a una fascinación declarada por el cine de serie B de John Carpenter. Con dicha base, somos atraídos hacia zonas lovecraftianas de regusto ibérico en un viaje en el que horror y crítica social convergen. El resultado es un cómic que funciona como una road movie alegórica del alma que subyace en la España mesetaria. Un triunfo artístico. marcos gendre

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No llega al sobresaliente “La Casa del Diablo” (23), pero se le acerca. Y eso ocurre porque esta es justo la novela anterior, la segunda del líder de The Mountain Goats. La mística de los lugares en los que nunca ocurre nada se acrecienta. Ames, en Iowa, en el corazón mismo del Midwest, es el enclave para una magnética historia en torno a una serie de escabrosas grabaciones caseras que aparecen misteriosamente insertas a mitad del metraje de varias pelis en VHS de un videoclub de la localidad, a finales de los noventa. De nuevo emerge, en un estilo entre el gótico sureño, el noir y las pesadillas de David Lynch, la fascinación por esa civilización inmediatamente previa a Internet, que ahora nos parece tan lejana. carlos pérez de ziriza

Strange Houses

Uketsu y Kyo Ayano

Reservoir

Books

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Cuando un libro del éxito que ha tenido “Strange Houses”, la novela de Uketsu, atrapa, cuesta imaginar que un manga pueda hacerlo mejor. Y la verdad es que no, no consigue hacerlo mejor, pero funciona a la perfección para sumergirnos en la oscuridad y en el escabroso misterio de las habitaciones ocultas. Esta edición en manga tiene a su favor el excelente dibujo y el poder visual para ampliar todavía más los planos del libro. En su contra, que tras devorar más de cuatrocientas páginas, tendremos que esperar unos meses para poder leer las otras cuatrocientas con las que se cierra la historia. Un manga que le puede funcionar tanto a quienes hayan leído la novela como a quienes no lo hayan hecho… aunque deberían. mercè gutiérrez

Motörhead. Historias de una vida exuberante. In & Out Lucas Fox Libros Cúpula 9

Lucas Fox, primer batería y miembro fundador de Motörhead, no escribe una biografía al uso, sino un viaje a ras de suelo por el universo inicial de la banda. Contado desde dentro. Sin épica impostada. Un libro de carretera, de camerino y de madrugada. De bares abiertos cuando ya no quedaba nadie. Fox estuvo allí. Vio a Lemmy trabajar como un obrero del rock. Día tras día. Ciudad tras ciudad. Por eso el libro avanza a base de escenas. A veces cortas. A veces escuchadas de terceros. Con Lemmy apareciendo como lo que fue. Un tipo culto, irónico e inflexible con la música. Flexible con todo lo demás. Y eso humaniza al mito. No hay necesidad de exagerar, la realidad ya fue lo bastante salvaje. Además, Fox escribe con pulso narrativo. eduardo izquierdo

PODCASTS

Gracias a la encomiable labor divulgativa y fraternal de Ana Garriga y Carmen Urbita, las primeras caras en las que ahora pensamos cuando oímos hablar de barroco no son necesariamente las de Monteverdi, Bernini o Richelieu, sino las de esas otras grandes olvidadas y a menudo reservadas a la sombra de narrativas masculinas y hegemónicas. A lo largo de más de cinco años de emisión, “Las Hijas de Felipe” han logrado contagiarnos su obsesión por novicias, santas, pecadoras, místicas e iluminadas de la época, ayudándonos a llegar a la reconfortante conclusión de que todo lo que te pasa a ti ya le sucedió a alguien en 1650. Monjas, demonios, arte, embustes, alquimia, recetarios, tejemanejes, moda, deseo, exceso y locura son algunas de las pinceladas que conforman este fresco compartido. fran gonzález

Hace más de un año, el crítico Jordi Picatoste compartió en X una lista de películas que todo el mundo debería ver para hacerse una idea de lo que el cine ha propuesto a lo largo de su historia. Eligió obras representativas de ciertos géneros o cinematografías. El guionista Daniel Muñoz, menos ducho en la materia, le planteó un reto: hacer un podcast con expertos que le convenciesen de que Picatoste tenía razón. El resultado son estas amenas conversaciones en catalán que se extienden durante más de una hora y en la que críticos de renombre –desde Quim Casas a Philipp Engel, por citar un par– argumentan con excitación los parabienes de cada uno de los filmes seleccionados (desde “Metropolis” a “Pulp Fiction”, por citar un par). joan s. luna

ESPECIALES WEB

Red Hot Chili Peppers

Treinta años después de su publicación, “One Hot Minute” sigue siendo el disco maldito de Red Hot Chili Peppers, un álbum que muchos prefieren olvidar. A veces, incluso la propia banda ha parecido querer hacerlo, porque sigue ardiendo como una herida abierta en la historia del grupo.

ENTREVISTAS

091 no resucitaron para revisitar su glorioso legado, sino para bajar de nuevo a la tierra y conectarlo con el presente.

“Espejismo nº9” es un disco de canciones incontestables, estoicismo eléctrico y mirada crítica en tiempos de distorsión moral. Desde Granada y desde la vieja escuela, los Cero observan el mundo con un ojo abierto.

CONCIERTOS

(A Coruña, 31-01-26)

Hay artistas que necesitan ruido, parafernalia y un envoltorio cargado de artificios para llenar un recinto y ofrecer una noche memorable. Otras, en cambio, solo necesitan talento. Amaia pertenece, sin discusión, a ese segundo grupo.

Más especiales

Rafael Amador, adiós al príncipe gitano Cosmopolita sin intención de serlo, heterodoxo de la raigambre flamenca por pura inercia, pionero del glam gitano, virtuoso del blues y cantaor de fuerza inusitada, aunque ni él mismo se considerara de tal manera, Rafael Amador, o Rafaelillo para sus allegados, abandona la tierra que le vio sembrar la revolución del nuevo flamenco entre finales de los setenta y a lo largo de los ochenta.

“Wish You Were Here” de Pink Floyd: cincuenta años de un clásico

A principios del pasado mes de diciembre se anunció una lujosa edición especial de cincuenta aniversario de ese clásico que Pink Floyd publicaron en 1975, “Wish You Were Here”. Ahora ya hemos podido escucharla y, sobre todo, disfrutarla.

Más entrevistas

Nadadora: “Con tanto ruido, lo que importa es la honestidad”

Quince años después de su última publicación, Nadadora regresan con “Mañana y siempre” (Ernie, 2025), un disco que transforma un largo paréntesis vital en un nuevo comienzo. No vuelven para agitar la nostalgia, sino porque han recuperado una manera de crear que les representa a día de hoy.

Iseo & Dodosound: “Lo más importante es la experiencia de llevar nuestra música a lugares nuevos”

Iseo & Dodosound presentan su nuevo disco que consolida su universo sonoro y su conexión con el directo. “Volando” es su quinto álbum y la continuación natural de un viaje iniciado en su anterior trabajo “En la tormenta”.

Más conciertos

Barry B (Bilbao, 29-01-26)

Barry B hacía la primera parada de su fin de semana largo por Euskal Herria con un concierto en la sala Stage Live de Bilbao, que lució abarrotada y dejó a más de uno con las ganas de acudir. La sensación es que, si sigue esta trayectoria, el cantante arandino irá llenando plazas cada vez más grandes.

gavina.mp3 (Barcelona, 28-01-26)

Fuimos testigos de la presentación en directo en su ciudad de “Sempre i per instint”, el segundo largo de gavina.mp3, uno de los mejores discos (¿el mejor?) publicado en Catalunya el pasado 2025 dentro de las coordenadas del pop independiente.

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