Mondo Sonoro julio-agosto 2026

Nº 352 julio-agosto 2026 www.mondosonoro.com

ejemplar gratuito

RATA Quién dijo muerte PLACEBO · CARLANGAS · CERVATANA · TANXUGUEIRAS · KURT VILE · THE PRETTY RECKLESS · TOMORA · SILOÉ · FATBOY SLIM

música

de

R AÜ L R E F R E E

31 DE JULIO SOLO EN CINES

5/Mondo freako El debut homónimo de Placebo cumple treinta años y la banda lo celebra con “Placebo RE:CREATED” (AWAL/Popstock!, 26), una respetuosa relectura de aquel estreno homónimo. El grupo liderado por Brian Molko y Stefan Olsdal actuarán en nuestro país el próximo mes de octubre, interpretando canciones de “Placebo” (96) y “Without You I’m Nothing” (98).

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NA ONOMÁSTICA redonda (y considerable) como son las tres décadas bien merecía una conmemoración específica. Es lo que pensaron Brian Molko y Stefan Olsdal –encargado de responder a nuestras preguntas al otro lado de la pantalla– al respecto de “Placebo” (96), la que fuera su incontestable carta de presentación en formato largo. Para celebrarlo, el dúo ha revisitado el disco, en un ejercicio que tiene como resultado “Placebo RE:CREATED”. La banda, además, girará interpretando temas de esa ópera prima y su gloriosa continuación, “Without You I’m Nothing” (98). La primera pregunta es tan evidente como obligatoria, y versa en torno a los motivos que los llevaron a rehacer el álbum en cuestión. “Siempre habíamos tenido la sensación de que no llegamos a cumplir con todo lo que podría haber dado de sí. Faltaba algo. Entonces teníamos poca experiencia en un estudio profesional y sentíamos que ahora podíamos plasmar todo lo que teníamos en nuestras cabezas. Era el momento adecuado para, de algún modo, completarlo”. Partieron de las cintas originales para trabajar, respetando la misma esencia de la obra. “Subimos las pistas grabadas en su momento en una cinta de dos pulgadas a una mesa y, en esencia, eso es el disco. Hace treinta años y hoy. No hemos cambiado nada de lo grabado.

Placebo Vuelta al origen

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julio-agosto 2026 #05

MONDO FREAKO

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Baterías, tomas de guitarra, bajo y voz son originales. Hemos tratado el sonido con la tecnología de ahora, añadiendo algunos sonidos, teclados o guitarras extra para amplificar el sonido. Todo más contundente, pero utilizando las tomas originales”. En efecto, esta nueva versión suena con mayor pegada, pero no es menos cierto que las relecturas de “Placebo RE:CREATED” son, ante todo, respetuosas con las originales. “Pensamos mucho en cuál era el título para lo que estábamos haciendo. No hay una nueva grabación, ni una remasterización; tampoco son remezclas... Este disco sería un poco como ‘la versión del director’. Porque la película (o en este caso el disco) ya estaba hecho. Las canciones, las tomas, la pasión de una banda en la que por entonces teníamos veinte años y que implica una energía en sí misma... No quisimos perder nada de eso”. Una decisión que se traduce en acierto, teniendo presente que “Placebo” es uno de esos discos capaz de provocar idénticas sensaciones hoy en día que hace treinta años. Un trabajo atemporal que conectó intensamente con la gente, antaño y hoy en día. “La banda surgió en los noventa en Londres, pero yo no soy inglés, ni el cantante tampoco, ni el batería del primer disco. Así que no éramos parte de un movimiento, ni del Britpop ni de la chanson française o algo así. El hecho de no seguir una tendencia y buscar nuestra propia identidad ha hecho que el sonido haya sido propio, evitando así encasillarnos al no utilizar los instrumentos o efectos de moda entonces. Creo que una banda de rock puede tener un sonido atemporal”. “PLACEBO” también puede entenderse, de algún modo, como borrador de lujo para lo que luego sería “Without You I’m Nothing”, un álbum más sofisticado y directamente impecable. “Cada disco es como una captura de pantalla de dónde estás en ese momento. El primer disco era como una fiesta, con una banda muy joven. Esa energía derivada de un momento en la vida en el que eres como Superman y tienes toda la confianza en ti mismo. En el segundo disco cambiaron las cosas, porque la vida cambia, estaban aconteciendo cambios en la banda y ya no teníamos ese desconocimiento. También utilizamos el estudio como un instrumento más”. “Placebo” pivotaba en torno a angustia adolescente, sexualidad o drogas. Unas temáticas latentes que ahora Brian y Stefan han tenido que extrapolar a otro momento vital. “Hemos tenido una relación complicada con canciones de este disco y durante varias giras no quisimos tocar casi ninguna de sus canciones. Cuando entramos #06 julio-agosto 2026

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“En aquella época la bisexualidad estaba muy de moda, aunque muchas veces solo era una pose”

al estudio para hacer este ‘RE:CREATED’ teníamos algo de miedo, pero al escucharlo lo vimos con más distancia que antes. Nos sorprendió comprobar que la relación con las canciones no era tan complicada y que era un buen disco”. “Nancy Boy” quedó, seguramente, como la canción más icónica del disco. “Era una época en la que salíamos mucho y nos fijábamos en lo que estaba pasando culturalmente, en las discotecas, con nuestros amigos, en las tendencias... Y la bisexualidad en aquella época estaba muy de moda, pero muchas veces no era sino una pose para mucha gente y muchas bandas. Nosotros sentimos que sería más interesante explorarlo, siendo que además teníamos un poco más de experiencia en el tema. Esto no quiere decir que nosotros fuésemos el ‘Nancy Boy’ del tema, pero siempre hay un toque personal en las canciones”. CUANDO EL DISCO vio la luz fue un éxito instantáneo, algo complicado de gestionar dentro del grupo. “Teníamos apenas veinte años y los itinerarios incluían unas giras en las que no había tiempo para descansar. Fue como un choque de todo a la vez. Además, rompimos con el primer batería tres meses después que saliera el disco y por ejemplo el primer concierto en España, en la sala El Sol, ya fue sin él. Había mucha tensión entonces”. En cualquier caso, debería existir algún punto en el que confluya el Stefan de 1996 con el de la actualidad, a través de ese denominador común que todavía perdura en el músico. “Me quedan las ganas de seguir con la banda. Durante esos treinta años hemos vivido muchos subidones y bajones, pero tengo la sensación de que, junto a Brian [Molko], hemos logrado algo. Todavía nos llevamos muy bien y tenemos muchas ganas de hacer esto. Desde la primera vez que me encontré con Brian en un bar y nos pusimos a hablar de la música y la vida, hubo una conexión. Y esa conexión todavía está ahí. Ha sido como un hilo que ha unido todo: lo

bueno y lo malo. Hace poco dimos un concierto y estaba muy nervioso antes de subir al escenario. A veces pienso que soy mucho más maduro, pero la realidad es que sigo casi igual: un adolescente [risas]. En una banda tienes la licencia de quedarte un poco adolescente”. El vocalista y guitarra Brian Molko, un compañero de viaje al que, hace diez años y en otra entrevista para este mismo medio, Stefan definió como una “gran bola de fuego”. “¡Todavía tengo las manos quemadas! [risas]. Este año hemos hecho la música para una obra de teatro de la Royal Shakespeare Company. Ha sido un auténtico subidón tener un desafío e intentar algo nuevo, juntos, como Placebo”. COMO PARTE de esta merecida celebración, Placebo estará actuando en Madrid y Barcelona para, como decíamos al principio, interpretar piezas de sus dos primeros discos, “Placebo” y “Without You I’m Nothing”. En la que hasta ahora es su última visita, fue muy comentado el hecho de que el grupo instara a olvidarse de los móviles durante el concierto. “No queremos ser la policía de los móviles, porque además es una actitud que no funciona. Solamente rogamos al público que se una a nosotros y al resto de la gente durante hora y media. Quedarse con ese sentimiento será algo mucho más duradero y creo que eso hace que todo sea más emocionante. Para nosotros y para el público”. —RAÚL JULIÁN

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EN CONCIERTO l Madrid 01 de octubre. Movistar Arena l Barcelona 03 de octubre. Sant Jordi Club

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LA MÍA

Antes y después

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IEMPRE HE SENTIDO un especial cariño por aquellos artistas que hablan de amistad y comunidad. Esos grupos o solistas que citan a sus amigos en las canciones, que hablan sobre aquellos momentos, en apariencia, cotidianos que, en realidad, quedan fijados para siempre en nuestra memoria. Esos que listan a la gente que conocen en una u otra canción. Y si le tengo cariño a eso es porque, más allá de que se considere político o no, sí creo que es uno de los gestos más bonitos que puedas hacer. Dejar que esos momentos traspasen la memoria y se fijen para siempre en el corazón de una canción. Porque las canciones, pase el tiempo que pase, seguirán ahí más frescas que los propios recuerdos. Podría citar muchos, muchísimos ejemplos, aunque no considero que sea necesario. Soy plenamente consciente de que algunos lo hicieron con sinceridad y otros habrán echado mano del recurso en un momento en el que no se les ocurría nada mejor, pero tanto da, porque lo único que quiero es que sepan que hay gente al otro lado de sus canciones a los que esos detalles les importan. No importa si se trata de artistas importantes o artistas con pocos seguidores, lo importante es que tejer esas complicidades en tus canciones demuestra que no has dejado de tener tus pies en la tierra. Demuestra que no has olvidado a quienes tienes cerca. O mejor dicho, a quienes tenías cerca antes y, con total seguridad, seguirás teniendo cerca después. Antes y después. Antes y después de… Dos adverbios temporales que, cuando un artista se encuentra engullido por la vorágine de la actualidad, parecen casi ciencia ficción. Algunos no recuerdan ese antes junto a los suyos, otros no piensan en lo que vendrá después del éxito –porque, sobre todo en un país como el nuestro, el éxito no suele ser algo que vaya a durar toda una eternidad–, pero esos dos momentos jamás deberían quitársenos de la cabeza. Tirando de tópico, todo el mundo querrá estar con nosotros cuando seamos un grupo importante, pero pocos se quedarán cerca cuando la fortuna deje de sonreírnos. Lo sé, cuando estás en la cresta de la ola no apetece pensar en el mañana, en un mañana en el que apenas quede espuma a tu alrededor, pero si lo haces vivirás mejor. Te lo aseguro. No es suficiente con prepararse para el éxito, es tanto o más importante prepararse para el fracaso. Que se lo digan a los centenares y centenares de nombres que aparecieron en nuestras páginas años atrás y cuyos nombres absolutamente nadie recuerda. Y si alguno de ellos escribió una canción en la que citaba a sus amigos se habrá dado cuenta ya de que, cuando todo haya pasado, posiblemente serán esas personas las únicas que seguirán a su lado y tratándoles como siempre lo hicieron. Como lo hicieron antes, y como lo harán después. —JOAN S. LUNA

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julio-agosto 2026 #07

MONDO FREAKO

salir fuera “Fue mucho más fácil te de España que realmen tocar en España”

Tanxugueiras Mujeres y raíces La fuerza reside en la exaltación te dirán muchos. En hacerse grande, en hacerse notar. La asociamos con la violencia porque el mundo nos enseña a usarla para imponernos. ¿Pero qué pasa cuando la fuerza consiste en cuidar? ¿En levantar a una familia o en ponerse a llorar? Tanxugueiras exaltan en “O Cuarto” (Autoeditado, 26) la fuerza de quienes hacían lo necesario y más para que el mundo a su alrededor pudiese funcionar: las mujeres.

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ANXUGUEIRAS ya no necesitan gritar para que las escuches. Tampoco buscar himnos como en su anterior disco “Diluvio” (22). Todo lo que necesitaban para crear “O Cuarto” lo encontraron en casa. “Siempre tenemos la tradición muy presente, pero a veces perdíamos el foco porque teníamos muchas cosas que atender. En ‘Diluvio’ parece que estamos enfadadas y creo que un poco sí. Es una patada en la boca continua y este nuevo disco es absolutamente todo lo contrario. Esto es lo que somos, sin capas, sin nada. Tiene esa cosa de sacarlo todo y expresar lo que tenemos dentro para poder quedar con esa #08 julio-agosto 2026

tranquilidad. Por eso usamos el blanco y hay esa necesidad de que todo vaya hacia algo mucho más puro. Porque realmente así nos sentimos después de hacer este disco. ‘Diluvio’ era un disco hacia fuera y ‘O Cuarto’ es un disco hacia dentro”. El cambio de sonido refleja el de los dos grandes arquetipos musicales gallegos, llegar a la pandereteira cuando solo se conocía al gaiteiro. “Nuestro mayor regalo fue cambiar un poco la visión de Galicia en torno a la música tradicional y poner la figura de la pandereteira en el foco. Estaba el gaiteiro, mucha gente miraba para Galicia y se acordaba de la gaita, de los celtas, a los que llamabas para hacer las fiestas, pero es que en Galicia la figura principal es la pandereteira. La que te cantaba, la que estaba ahí para levantar cualquier momento sin que nadie se lo pidiera. Muchas veces porque tenemos que estar. Al final esto es muy de mujeres. Estamos ahí porque se nos necesita. Somos cuidadoras. Era una forma de cuidar también al pueblo y la salud mental de la gente que en ese momento vivía alrededor”. EL TRÍO GALLEGO construye en “O Cuarto” un matriarcado en once actos dándole la vuelta al concepto de poder. Encadenadas por voluntad las encontramos en “encadear”, un tema tradicional que juega con los bpm’s de club. “La canción me recuerda a una historia de una mujer que estuvo toda la vida ligada a su marido por la firma. En un momento le dijo ‘Voy a comprarme una

casa quieras firmar o no quieras firmar’. Ella sabía que para comprar la casa tenía que ir el hombre a firmar y ella fue tan tranquila a la firma sabiendo que no lo estaba haciendo bien. Que tenía que ser así por mucho que ella quisiera liberarse, pero bajo esa condena encontró las luces para decir yo me voy a salir con la mía, aunque la gente piense que vivo bajo el yugo de mi marido. Creo que esa resiliencia es la que tenemos las mujeres gallegas y la que tuvieron todas las bravas, las que vivieron en un matriarcado tapado por un patriarcado. De hecho, la última frase es ‘Me pinto los labios con la sangre de mis manos’, que es como decir me duele y sé lo que me está pasando, pero incluso así lo aprovecho. Me pongo guapa y en pie”. EL SONIDO DE ESTE DISCO no es solo el más popular hasta ahora –para quien entienda el término como la historia de todo un pueblo–, también es el más personal. “En ‘Diluvio’ íbamos a las recogidas [música de archivo], cogíamos la melodía menos utilizada en el mundo tradicional, le dábamos la vuelta y la llevábamos a canción. En ‘O Cuarto’ hemos hecho todo lo contrario. El disco está casi íntegramente escrito y compuesto por nosotras, pero hay temas en los que quisimos meter música tradicional, muy popular en la tradición gallega como ‘chorar, chorei’, o hay otro tema que se llama ‘romaría’ que cualquier persona que se dedique a tocar la pandereta se la sabe, el de ‘Ven

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10 AÑOS ATRÁS

Mondo Sonoro número 241 julio-agosto de 2016

FOTO:ARCHIVO

Fueron portada: Swans

bailar Carmiña’. Queríamos obtener esos cuatro toques de la música tradicional pura, de decir ‘Mira, nosotras aprendimos esto de las foliadas’ y que no fuera tanto coger la melodía y desmenuzarla. Casi todo lo que escuchas son instrumentos de percusión, obviamente hay algunos sintetizadores, pero es que hay algo de que la electrónica y las capacidades están tan a la orden del día que nosotras queríamos poder llevar un disco al directo con casi todo orgánico”. CON “O CUARTO”, Tanxugueiras no solo celebran un nuevo trabajo, también diez años en la música en los que no tuvieron la oportunidad de tocar en España fuera del norte hasta su participación en el Benidorm Fest. “Fue mucho más fácil salir fuera de España que realmente tocar en España. Tocabas en Galicia y después de repente te ibas a la India, a Glasgow, Edimburgo, Suiza… y de repente te encuentras con que era mucho más difícil para nosotras entrar aquí. O no había hueco o nosotras no lo encontrábamos. Estaba muy establecido que el folklore de España era el flamenco. A nosotras nos pasa que, en Galicia, no hay nada de eso de flamenco, toros y paella, pero obviamente venimos detrás de una carrera de fondo de muchos artistas como Mercedes Peón, Gaudí Galego o Xavier Diaz. Sin ellos no podríamos estar aquí. ¿Qué pasa? Nosotras nos plantamos en televisión nacional y fue un revuelo. Fue muy duro para nosotras porque fue mucha exposición, pero increíble para nuestra cultura porque se dio a conocer. Lo más importante para nosotras fue que no solamente se trató de nuestra cultura, sino que puso en el mapa las culturas de toda la península”. —MARTÍN P. CORRAL

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Charlamos con: Metronomy, Biffy Clyro, The 1975, Band Of Horses, Kevin Morby, Beth Orton, Delorean, Dorian, Bomba Estéreo, Xenia Rubinos, Los Zigarros, Maika Makovski, Babymetal, Steven Wilson, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Chucho, José Domingo, El Petit de Cal Eril, Elle Belga, Easy Kid, Perlita, Grosgoroth, Tremenda Trementina, Piedad os lo ruego, Pianet, Full, Acid Snot, The Good Company, Minority Of One, Miqui Otero Nos dijeron: “Los directos de Swans son lo más cercano a una experiencia religiosa” (Swans) “Hacemos música pop por el arte de hacer música pop” (The 1975) “Las mejores canciones son las que se escriben solas” (Band Of Horses) “Amamos a Metallica, Iron Maiden, Judas Priest o Lamb Of God, pero también a Lady Gaga. Somos muy abiertas” (Babymetal) “El streaming es una forma muy fea de escuchar música” (Steven Wilson) Los discos de mi vida: Miguel Martínez Espinosa (The Suicide Of Western Culture) selecciona “El estado de las cosas” (Kortatu), “Lift Your Skinny Fists Like…” (Godspeed You! Black Emperor), “Immolate Yourself” (Telefon Tel Aviv), “Break Down The Walls” (Youth Of Today), “Dazzle Ships” (O.M.D.) y “The Thin Blue Line” (Hans Zimmer). Fue disco del mes: “Skin” de Flume También destacamos: “Boy King” (Wild Beasts), “The Getaway” (Red Hot Chili Peppers), “The Diggin Remedy” (Plaid), “Roosevelt” (Roosevelt),“Love & Hate” (Michael Kiwanuka), “Give A Glimpse Of What Yer Not” (Dinosaur Jr) —MS

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julio-agosto 2026 #09

La plenitud de la autenticidad

Carlangas Hablamos nuevamente con Carlangas con motivo de la publicación de “Universo Paralelo” (Caries/ Virgin, 26), un disco que marca una nueva etapa en su trayectoria. Un trabajo en el que el gallego reconoce estar viviendo un punto de inflexión personal y creativo. Y en el que reivindica, por encima de todo, la importancia de encontrar una voz propia.

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—TEXTO Daniel Pose ARLANGAS atraviesa uno de sus mejores momentos, una etapa que reconoce como punto de inflexión. “Estoy en uno de los momentos más tranquilos y más felices que recuerdo en la música. Tengo la sensación de haber encontrado mi sitio”. Y ese es un lugar al que ha llegado tras un proceso de transición desde que inició su proyecto en solitario. “Se necesita una etapa de consolidación y también de búsqueda. De primeras yo busqué apartarme de lo que hacíamos en Novedades Carminha porque no quería hacer lo mismo”. Aquella química era imposible de replicar porque “éramos cuatro amigos con una energía que solo existía cuando nos juntábamos. No tendría sentido intentar emular eso”. Y recalca la importancia de tener una identidad única. “Pueden salir temas mejores o peores, pero lo importante es encontrar la voz, que a mí es lo único que me gusta de los artistas. Muchas veces se dice lo bien o lo mal que alguien canta, pero lo que me emociona es que los artistas tengan una voz propia, una forma de escribir o un sonido reconocible”. Con “Universo Paralelo” considera que él mismo la ha encontrado. “En este disco vuelvo a hacer música con guitarras, sonoridades que pueden recordar pero que no son las del pasado, sino que son Carlangas 2026”. El cambio de perspectiva ha supuesto una liberación personal. “Fue cuando dejé la ansiedad por buscar cosas y me dejé ir de alguna manera. Antes construía los discos en la cabeza, pero esta vez fue con la guitarra en el local de ensayo y junto a Pastor, un colega que me ayudó. Quería un disco visceral, rápido y con lo que me saliera en ese momento”. Asume que este enfoque puede chocar con la industria. “La ansiedad de estar montado #10 julio-agosto 2026

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“Hay que conectar más y buscar menos la perfección”

en un carro sin control te lleva a sitios que son la antítesis de la creación. Mi carrera no tiene sentido si se acoge a los tempos del mainstream”. Por eso recalca que su brújula creativa siempre ha sido su intuición. “La música nunca la hago pensando en el público. Primero me tiene que emocionar a mí, pero hago música para compartirla y cuanto más mejor, aunque con mis normas. Para mí, el éxito masivo es llevar veinte años sacando discos, hacer La Riviera y la Apolo, tocar con amigos y sentirme orgulloso de las canciones”. En ese momento, nuestra conversación deriva hacia el contenido del disco, que siente como su retrato más humano. “Hablo de las verdades del barquero. Que me equivoco, que me arrepiento, que me auto boicoteo…”. También motivado por el clima social actual. “Me levanté ansioso muchas veces viendo la desgracia de Gaza, muertos en Ucrania, bombas en Irán, cómo está África, cómo está Madrid, cómo respira la peña con la vivienda. Hay una ansiedad social como yo no había vivido nunca”. Entre tantas reflexiones, emerge un pensamiento sobre el hecho de cumplir años en la música. “Me da pánico no saber envejecer. Para mí la música no se acaba a los treinta. Ahí están Damon Albarn o David Bowie, que

nunca dejaron de reciclarse”. Lo que sí tiene claro es el futuro. “Ahora sé que quiero una carrera a medio plazo, hasta que el cuerpo me diga basta”. EN LO SONORO, Carlangas ha buscado reconectar con un sonido más puro y menos producido. “Quería acercarme al indie de los dosmiles, la música que escuchaba de adolescente. Sin metrónomo, con cuatro personas tocando en directo y la mayoría de las canciones en tres tomas. Esos discos se hacían así y este disco está hecho así”. De este modo, detalla un proceso rápido que también le devolvió seguridad. “Armábamos el tema en un par de horas, le dábamos a grabar y eso es lo que suena. No hubo ensayos previos. Ahora tengo una confianza que te cagas con la música”. De ahí nace su defensa de la imperfección. “Hay que conectar más y buscar menos la perfección. Mis referentes no hacen música perfecta. Hay cagadas, gritos o ruidos, y eso me da la vida”. Aunque matiza que no todo vale. “Evidentemente si es un desastre lo tiro, pero ese rollo como natural a mí me está enganchando”. Y conecta esa idea con la forma en la que mejor se lo pasa en la música. “De las ocasiones en las que más disfruto es cuando estoy tocando con mis amigos en un bareto, con dos guitarras y dos cervezas. Esa magia no la quiero perder”. AHORA HA LLEGADO el momento de trasladar esa energía a un directo que defenderá con una banda con la que tiene conexión. “Muchos de los músicos que vienen conmigo, participaron en el disco. Hay una sensación de artesanía que es la hostia”. Además, por primera vez, les ha dado cierta libertad con un resultado mejor de lo esperado. “Soy muy obsesivo, pero esta vez decidí soltar un poco, y me llevé una sorpresa y una lección: Confía en la gente, rodéate bien, que las cosas van a salir mejor de lo que tú pensabas. Y así lo siento yo ahora, que está mejor de lo que yo tenía en la cabeza”. Ahora queda disfrutar de lo que está viviendo y no obsesionarse con el futuro. “Solamente puedo vivir el presente. Sé qué disco quiero hacer después y este es el trampolín, pero si no funciona, vendrá otra cosa. Creo que hay solidez artística para seguir haciendo cosas y siento que van a venir cosas guapas”. —D.P.

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ENTREVISTA

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julio-agosto 2026 #11

Dogstar 07.07.2026 Barcelona●Paral·lel 62

Morrissey 25.07.2026 Barcelona●Poble Espanyol 29.07.2026 Madrid●Movistar Arena

El mato a un policia motorizado 30.07.2026 Barcelona●Poble Espanyol

Amyl and the Sniffers 18.08.2026 Barcelona●Razzmatazz 19.08.2026 Barcelona●Razzmatazz

GB 12.09.2026 Madrid●El Sótano

zeyne 16.09.2026 Barcelona●Sala Apolo

Mac DeMarco 16.09.2026 Barcelona●Razzmatazz 18.09.2026 Madrid●La Riviera

Rachid B 17.09.2026 Barcelona●Heliogàbal

Brigitte Calls Me Baby 25.09.2026 Madrid●Galileo Galilei 26.09.2026 Barcelona●La (2) de Apolo

Drug Church 26.09.2026 Donostia●Dabadaba 27.09.2026 Madrid●Nazca 28.09.2026 Barcelona●La Nau

Strawberry Guy 12.10.2026 Barcelona●Sala Upload 14.10.2026 Madrid●Villanos

The Lemon Twigs 15.10.2026 Barcelona●Paral·lel 62 26.10.2026 Madrid●Teatro Eslava

The Bausa 18.10.2026 Madrid●Sala Changó 19.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2

Songhoy Blues 19.10.2026 Madrid●Sala Villanos 20.10.2026 Barcelona●Sala Upload

Yard Act 20.10.26 Barcelona●Sala Apolo 21.10.26 Madrid●Teatro Eslava

54 Ultra 20.10.2026 Madrid●Copérnico 21.10.2026 Barcelona●La Nau

Kelela 22.10.2026 Madrid●Sala Lab/Wagon 23.10.2026 Barcelona●La Paloma

JMSN 23.10.2026 Barcelona●La (2) de Apolo 25.10.2026 Madrid●Sala Mon

Boris 23.10.2026 Madrid●Sala Mon 24.10.2026 Barcelona●La Nau

Jungle 26.10.2026 Madrid●Movistar Arena 28.10.2026 Barcelona●Palau Sant Jordi

MGNA Crrrta 29.10.2026 Madrid●El Sol

Ruel 29.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2 30.10.2026 Madrid●La Sala del Movistar Arena

Kiss Facility 03.11.2026 Madrid●Sala Uni 04.11.2026 Barcelona●Upload

Gurriers 04.11.2026 Barelona●La (2) De Apolo 05.11.2026 Madrid●Sala Nazca

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MONDO FREAKO

Kurt Vile Bueno para ti

Casi dos décadas de carrera musical entre su etapa como solista, subido a la cumbre de The War on Drugs y su recorrido en paralelo con The Violators, el estadounidense Kurt Vile regresa con “Philadelphia’s been good to me” (Verve/ Universal, 26), una oda no solo a la ciudad de toda una vida, sino también a las historias allí vividas y a los amigos que son como hermanos. —TEXTO Karen Montero —FOTO Eleanor Petry

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RABADO EN EL ESTUDIO que Vile se ha construido en casa y producido casi íntegramente por él mismo, “Philadelphia’s been good to me” nos muestra a un músico que habita la nostalgia desde guitarras deshilachadas, la introspección y un estilo tan particular basado en el indie folk y el rock que ha ido forjando durante años. Su nuevo álbum, el décimo de su carrera, conduce directamente en una carretera musical en la que se ha parado el tiempo. Hablamos con él sobre el paso de los años, su creación musical y la relación con las fotos de William Eggleston para la portada del disco.

—Este disco se centra en Philadelphia, en querer regresar a casa, y conecta directamente con el álbum anterior. ¿Cómo fue el proceso creativo? Mientras hacía el álbum anterior, algo dentro de mí estaba muy conectado con mis ritmos, con la gente con la que trabajaba y con todo lo que ponía en mi música y en el álbum. Sentí que era el momento adecuado para representar a mi ciudad, aunque en realidad solo hay tres canciones que hablan directamente de Philly. Estuve viviendo fuera de Philadelphia y volver a casa me hizo sentir nuevamente esa conexión con la ciudad, como si siempre hubiera estado ahí antes de regresar. Viví en Philly casi toda mi vida. Después viví

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en Boston durante dos años, cuando tenía unos veinte años. Pero, más allá de eso, creo que es una sensación de pertenencia, de volver a mis raíces. He recorrido el mundo, pero sigo conectado con ellas. —Además, grabaste tu álbum en tu estudio casero, así que hablar de Philadelphia también implica hablar del estudio. ¿Influyó el lugar en tu manera de escribir el álbum? Sí, claro. Creo que el entorno influye constantemente en mí, en mi manera de crear y en lo que transmito. —Como este es tu último álbum después de muchos años en la escena musical, ¿también estás regresando a los inicios de tu música, a un sonido más underground para este proyecto? Creo que siempre he estado buscando volver a mis raíces en la grabación casera DIY, así que diría que, desde la pandemia, cuando monté mi estudio con mi amigo y actual compañero de banda, este álbum es el punto álgido de mi carrera. Captura una mezcla de aquello con lo que empecé y hacia donde me dirijo a todos los niveles. Hacer este disco ha sido casi como trabajar en tu propia ciudad. Todos los que participan en este álbum son como mis hermanos y hermanas. Y quería que todos los que han participado supieran con certeza que así es como les considero.

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—¿Echas de menos no solamente la

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MONDO FREAKO

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forma en la que antes se producían los discos, sino también la forma en la que la gente escuchaba la música en aquellos tiempos? Recuerdo muchas etapas diferentes. En los noventa compré un reproductor de CD y, ya sabes, en algún momento siempre escuchaba los discos de mis padres. Luego vino el indie rock y el punk. No sé, el mundo va muy rápido. Ni siquiera sé qué quiere decir a veces. Es confuso. —La portada del disco también es muy

CINCO ESENCIALES

especial, con una fotografía de William Eggleston que te envió su propio hijo. ¿Por qué decidiste usar esta foto en el álbum? Una razón es porque parte de este álbum se grabó en Memphis, Tennessee. De ahí procede Winston, el hijo de William, y solamente con ver a Winston, saber que ha estado en muchos conciertos míos y que éramos amigos, la idea ya me gustó. Luego descubrí que esa foto es realmente rara y nadie la había visto nunca, así que me pareció lo correcto. Ya sabes, cuando monté mi estudio casero, hablamos mucho con mi banda durante la pandemia

Conociendo Rusia

Mateo Sujatovich, más conocido artísticamente como Conociendo Rusia, volverá a nuestro país este verano y lo hará con una gira que recorrerá diferentes festivales y escenarios del país. Por eso hemos aprovechado para preguntarle por sus cinco canciones esenciales.

EN CONCIERTO l Valladolid 03 julio. l Barcelona 06 julio l Granada 10 julio l Valencia 11 julio. l Badajoz 16 julio l Gijón 17 julio. l Burgos 18 julio l Mallorca 25 julio l O Grove 26 y 31 julio l Sanxenxo 01 agosto.

#14 julio-agosto 2026

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“Sentí que era el momento para representar a mi ciudad”

y me la envió. Así que simplemente tenía todo el sentido. —Con todo este trabajo de años en la música, ¿cuáles son las lecciones que has aprendido? Sé que me encanta tocar en directo. Me encanta vivir en el momento. Ahora siento una conexión con mis fans y mi público, pero antes era más tímido. Saber cómo controlar mis instrumentos en el escenario en directo es lo que siento que he aprendido en los últimos dos años. Lo ideal es conectar con el público, y espero

1Cabildo y Juramento

(“Cabildo y Juramento”, 2019) “Cabildo y Juramento” es una especie de himno para Conociendo Rusia y es una canción muy importante para mí y creo que para quienes escuchan mi música también. Tiene un tinte porteño que me identifica como Conociendo Rusia y también como Mateo.

2Cinco horas menos

(“Jet Love”, 2024) Esta es una canción de mi último disco, “Jet Love”, una colaboración soñada con Natalia Lafourcade que es una artista que respeto y admiro desde siempre, por lo que es una canción que atesoro en mi corazón y además me dio una alegría enorme que fuera mi primer Latin Grammy.

3Películas de acción

(single, 2026) La última canción que saqué a principios de este año. Empecé a componerla en Madrid durante el último verano y la quiero mucho. La siento muy cerca mío y me encanta cantarla.

poder seguir haciéndolo. Además, siempre estoy planificando el futuro. Reservas una gira y luego entregas un disco, la gira está contratada antes de entregar el disco y siempre estás esperando lo mejor, así que aprendí que, en realidad, estás pensando en el futuro, aunque no lo pretendas. Tenemos que recordar que vivimos en el presente y disfrutar del proceso de hacer música. —Por último, ¿cómo piensas dar vida a este álbum ahora que has estado hablando de las giras? ¿Tienes algo preparado especialmente en Filadelfia? Sí, en Filadelfia vamos a tocar en el Dell Music Center, que es un local al aire libre muy chulo, y será con una banda de Filadelfia realmente buena llamada They Are Gutting a Body of Water, y también tocará una banda increíble llamada Twisted Teens, así que es realmente emocionante, un regreso a casa en Filadelfia. Ese es el último concierto de la primera gira, así que puede ser realmente especial.—K.M.

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4Desastres Fabulosos

(Single, 2025) Otra colaboración soñada con el señor Jorge Drexler, amigo y artista que admiro profundamente. De hecho, esta canción la compusimos y la grabamos en Madrid y el videoclip se filmó también en Madrid, así que tiene raíces madrileñas. También me dio una alegría inmensa porque con esta canción nos llevamos un Latin Grammy junto a Jorge, lo cual siempre es un lindo reconocimiento.

5Se Me Hizo Tarde (En Vivo)

(“Conociendo Rusia vuelve a casa” (en vivo en Buenos Aires), 2025) Esta canción es de mi tercer disco, “La dirección”, pero esta versión es de mi último disco, el directo “Conociendo Rusia vuelve a casa (en vivo en Buenos Aires)”. Es la canción que abre el show, que se celebró en el Movistar Arena de Buenos Aires, y empieza con los gritos de la gente. Es muy emocionante. Es mi primer disco en vivo y creo que hay algo muy fuerte en escuchar a la gente cantar mis canciones y sentir esa adrenalina del vivo en los auriculares. —MS

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FOTO: TERESA MARTÍNEZ

PUBLIRREPORTAJE

Endesa Play se consolida como plataforma para la escena emergente en su Gran Final Endesa Play se consolida en su segunda edición como una plataforma imprescindible para el arte emergente. Tras abrir una convocatoria a la que se apuntaron centenares de nuevos artistas de lo más variado y tres semifinales repartidas por la península - Barcelona (28 abril, La Nau), Madrid (5 mayo, Sala El Sol) y Sevilla (13 mayo, Sala X) - el pasado martes 2 de junio se celebró la gran final en la Sala But con 5 finalistas, 5 premios y una actuación especial de los padrinos del certamen, Siloé.

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ras unas duras semi!nales en las que quedaron fuera propuestas tan interesantes como el pop de Carmen Lillo, el rap de Sev’s o los guitarrazos de Piti y me voy, llegamos el martes a la Sala But sabiendo que nos esperaría una heterogénea explosión de talento, y no nos equivocamos.

premios, actuar en la Plaza de España de su ciudad en el marco del Icónica Santalucía Sevilla Fest. El grupo convirtió el escenario en una jungla que habitaba con soltura su vocalista bajo una máscara de mono y nos llevó entre otros a la psicodelia de Los Míticos Del Chimbonazo, la frescura de Sanguijuelas del Guadiana y el rap de Macaco.

Maddi Alma abrió la !nal conjuntando carisma y baile con una propuesta que nos recordó a esos diamantes aun con mucho por relucir del pop nacional como son Chloe’s Chlue, Dani Dicostas o Dianka! (quien también es bailarina). La gran sorpresa de la noche fueron los sevillanos Hierva Buëna, quienes no solo debutaron en directo en el concurso, si no que ganaron el mayor de sus

Por su parte, L4 y Paper Lake nos llevaron a un sonido más alternativo, los primeros se caracterizaron por sus guitarrazos y melodías mientras que los segundos nos transportaron a esa minoritaria escena indie de principios de los 90 donde los grupos tocaban principalmente en inglés. Tere!, la artista más conocida de la edición, también nos ofreció el mayor derro-

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che de carisma sobre el escenario con su sonido rock. Además del Premio Icónica Santalucía Sevilla Fest ganado por Hierva Buëna, y el premio en sí que es tocar en una sala legendaria de la capital como es la But, el resto de !nalistas también obtuvieron reconocimientos que los llevarán a tocar a lo largo de nuestra geografía. Tere! ganó el Primer Premio Jardín De Las Delicias, L4 ganó el Premio Espacio Zity, Paper Lake ganó el Premio Liga Endesa que los llevará a tocar en el PlayOff Final y Maddi Alma el Premio Liga Femenina Endesa que la llevará a tocar en la Final de la Copa de la Reina 2027. El éxito de la convocatoria -460 inscritos-, la fuerte acogida del público y el amplio reconocimiento del talento emergente convierten a Endesa Play en una oportunidad real para que los nuevos artistas encuentren su escena, dejen de tocar en sus contextos de con!anza y den el paso a actuar en algunos de los principales festivales y salas del país. Pocas oportunidades encontramos como estas, y por ello celebramos que la apuesta de Endesa Play haya con!rmado su tercera edición, aunque estamos seguros de que a este ritmo se convertirá en una cita anual obligatoria para descubrir lo mejor del talento nacional emergente. l julio-agosto 2026 #15

Observatorio Mondo Sonoro

La pausa del B Una noche de domingo repasando las novedades musicales semanales me encontré en Youtube con “Bar Manolo”, el último tema de Svsto. La canción me fue envolviendo a lo largo de sus más de 4 minutos al igual que el videoclip, donde se sucedían vecinas del raval bailando, conductores de Glovo y menús de toda la vida. Al llegar al 2:35 un plano de más de un minuto irrumpe mi disfrute. Me encuentro ansioso y desconcertado ante el miedo moderno a la pausa. Una reacción del capitalismo hacia lo que no produce nada.

S

IN NECESITAR Teorizar demasiado sobre el videoclip contemporáneo, está claro que en un ecosistema de constante sobreestimulación, los planos cada vez son más cortos e instantáneos porque cada imagen suscita un deseo, y cada imagen nos lanza al consumo. Svsto busca una contrarespuesta y no la busca en la academia, si no en las calles. “La reivindicación que quiero hacer en esta canción va justamente sobre espacios que se están perdiendo. Quedan poquísimos en la ciudad y aparte de ser muy reconocibles: Con identidad local, baratos… son refugios para quien quiere escapar de esa gentrificación, también son espacios de comunidad donde se ralentiza el tiempo. Esta gratificación instantánea que estamos viviendo todos en todos los espacios, tanto reales como virtuales de nuestras vidas, también se están traduciendo a el ocio y a los bares. Estos bares nuevos que son como de estética sueca, nórdica, también lo que hacen es acelerar el proceso de ocio. ¿Cuántas veces te has ido a un sitio de estos y no hay sillas porque todo es take away? Se ha perdido el espacio y esa ralentización del tiempo de este quedar por quedar y poder quedar en una mesa tomándote una cerveza tres horas, una o quinientas, las que quieras, pero nadie te estará mirando para que cambies el turno ni para que te lo lleves en take away, que esto es una cosa que no hacemos en el Mediterraneo y estamos haciendo cada vez más pero no tenemos por qué, no es nuestra cultura”.

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hacemos y está ok, pero también me parece demasiada esta estimulación. Igual que decían que la culpa de todo la tiene Yoko Ono, ahora la culpa de todo la tiene el smartphone. No se si fue el verano de 2013 que perdí mi teléfono y recuerdo pensar “ya compraré uno a finales de verano” y eso me parece impensable ahora mismo. No puedo estar media hora sin el teléfono, así que también soy víctima de esto”. La máxima distancia de un punto a otro se encuentra al alcance de un clic, cuanto más cortos sean los planos más difícil será adelantar manualmente, por lo que estaremos

“ “Igual que decían que la culpa de todo la tiene Yoko Ono, ahora la culpa de todo la tiene el smartphone”

La abundancia de información genera una escasez de atención, en el plano musical la estrella del electro-disgusting encuentras dos manifestaciones claras. “En el aspecto sonoro, creo que las canciones cada vez son más cortas. Yo misma tengo canciones de un minuto y medio o dos y con mi productor Alejandro Darrocha siempre estábamos en esa lucha de que yo las quiero hacer más largas y entonces en Bar Manolo gané porque es cada vez más común encontrarse con canciones de un minuto. Luego también la parte visual, que ya no se hacen videoclips, se hacen visualizers. Se hacen estos clips cortos para Youtube y para Spotify y claro, una tiene que estar con los tiempos y lo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ESPECIAL

Bar Manolo observando de forma más prolongada. En un ecosistema hiperestimulante, Svsto nos da dos opciones: nos obliga a mirarla o nos deja sin verla. Sin atención, sin pausa, no le interesa que la miremos porque es de esas artistas que llegan hasta el fondo, aunque trabaje su identidad siendo consciente de que la mayoría se quedará en lo superficial. La clase media creativa propone una alternativa al modelo de Svsto, y ya es el modelo dominante en ciudades como Madrid o Barcelona. Ya no hablamos de las tiendas de accesorios móviles a las que el alcalde condal Collboni puso coto en 2024, si no

de cómo estas sustituyen al comercio local tradicional y cuando ofrecen continuidad a los negocios de toda la vida, como puede ser un Bar Manolo, se resignifican en un “Manolo’s Bakery” que va más allá del anglicismo. Va de la hiperproducción, de la despersonalización y la imagen. De querer ser guay hasta cuando la consecuencia es perder la personalidad.

grieta donde la vida es menos funcional y más relacional. Allí no se va a rendir, ni a producir, ni siquiera necesariamente a consumir deprisa; se va a permanecer. Por eso la pausa del videoclip no interrumpe la canción: la explica. El plano largo no es una rareza formal, sino la traducción visual de un mundo que todavía cree en la conversación, en la atención y la autenticidad.

Es importante tener en cuenta que lugares como el Bar Manolo o el Manolo’s Bakery suponen un tercer lugar. Más allá del trabajo y el hogar, aquí es donde ocurre la vida deseada. Bares, plazas, salas… En estos se abre una

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— MARTÍN P. CORRAL

julio-agosto 2026 #17

ENTREVISTA

Electrónica, kraut rock y psicodelia futurista confluyen en el nuevo proyecto de los miembros de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba Miguelito García y José Ugía, que exploran otros paisajes sonoros junto a su buen amigo Fran El Punky (Kelia, PuertoHurraco). El resultado es “Cervatana” (Oso Polita, 26). —TEXTO JC Peña

M

E ENCUENTRO con el trío en una terraza céntrica en las nuevas oficinas de Last Tour. Una radiante mañana primaveral saluda su día de promoción. (Miguel) “La motivación ha sido la amistad que se ha ido fraguando con tantas horas de furgoneta con los Derby, por tener muchísimos grupos en común y referencias”. José y Fran ya tenían la experiencia compartida de Kelia, un proyecto de electrónica “muy de club”. Lo que Cervatana facturan es un explosivo híbrido bailable que llevan a sus máximas consecuencias en un debut homónimo conceptual con trasfondo de ciencia ficción distópica, marcado por la pasión y las ganas de hacer cosas juntos. “Cervatana” comenzó a hacerse realidad a principios del año pasado. El proceso, explica Miguel, ha sido algo distinto al de los Derbi. “Hemos ido haciendo retiros de tres o cuatro días para hacer música grabándola en casa, y luego la terminamos en el estudio Sputnik”. Su técnico habitual Jordi Gil ha puesto la guinda. EL ESTILO al que han llegado es bastante insólito por estos pagos, les digo. Están de acuerdo. (Miguel) “Es verdad que, aunque haya referencias inmediatas como The Prodigy, nosotros escuchamos música actual. Hemos tenido como referentes claros a James Blake, Moderat y Fat Dog. También a Massive Attack. La intención es ir a la vanguardia, a cosas actuales”. Fran menciona al compositor alemán de bandas sonoras Hans Zimmer como otra gran influencia. “Es un pilar, nos encanta en cuanto a texturas”. La razón, apunta Miguel, es porque “el disco es una película que escuchas con los cascos, y el hilo conductor de Zimmer ha sido fundamental. Utilizamos los mismos plugins para los momentos ambient, para que sea una cosa muy cinemática”. El elemento “meridional” distintivo les sale de manera natural. (Miguel) “Estamos acostumbrados desde la cuna a escuchar una sonoridad. No se trata de forzar ni de sonar andaluz, sino de que, cuando nos ponemos a tocar, son las armonías que hemos respirado. Con todo este batiburrillo #18 julio-agosto 2026

de referencias”. Las canciones, estructuradas casi como una sesión, se desarrollaron desde cero, “tirando los tres de una puntita de un hilo. No ha sido el típico proceso de que alguien lleva una idea clara”, explica Fran. Para Miguel, ha sido “más bien enredar, buscar y divertirnos, echándole muchísimas horas en estos pequeños campamentos musicales y muy poco tabaco [risas]”. EL DISEÑO SONORO es una parte fundamental. Fran desvela que uno de los plugins más importantes utilizados en el álbum es Foghorn, que recrea el sonido de una sirena gigante del norte de Europa. Una sonoridad tenebrosa que evoca acantilados remotos y “suena como un demonio”. No es de extrañar que los temas oscilen entre la electrónica futurista de “El templo” –con influencias ácidas de películas como “The Matrix” y “Blade”– y el kraut oscuro de “El cazador”, una canción en la que el bajo forma la línea melódica principal dentro de un mantra visceral que invita a echar el resto “bailando en el barro”. El álbum es “infinito” en el sentido de que no hay cortes entre los “capítulos”. Todas las canciones están conectadas. La narrativa, explica el cantante, parte de “un marco conceptual. Hay una inteligencia artificial insertada en un cuerpo humano que despierta en un planeta arrasado. Este híbrido despierta con toda la memoria y su anhelo es encontrarse con otro ser humano y vivir en su cuerpo las emociones que recuerda, pero que nunca ha sentido su cuerpo. Cuando siente amor, su vientre se abre y da lugar a una nueva raza humana”. Esta ciencia ficción apocalíptica con la que juegan ya no es tan descabellada. Sin ir más lejos, el impacto de la IA en los creadores de música puede ser terrorífico. (José) “Hay una cosa que da mucho miedo y es que, en el modo aleatorio de Spotify, por ejemplo, saltan canciones hechas por IA. Y no las diferencias”. Fran salta al rescate para que no nos quedemos en la distopía. “Sí, pero dile a la IA que haga el disco de Cervatana si tiene huevos. La IA sólo puede hacer cosas basándose en lo ya hecho”. “Siempre que sorprendas al público vas por delante”, pero si no se sujeta como una herramienta mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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“Dile a la IA que haga este disco si tiene huevos”

su efecto puede ser “desolador, porque no paga ningún derecho”.

Cervatana Baile ritual mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

POR LO DEMÁS, Miguel asegura que van “a por todas, queremos llegar a todo el público que podamos sin ceder en nuestra creatividad”, y que se disponen a tocar mucho en el próximo año y medio. “La intención es compaginarlo con los Motoreta’s y los otros proyectos que hay entre los ocho colegas”. (Fran) “Nos encantaría ser referencia en España de la electrónica fuerte en directo”. Y es que la complicidad, que ha sido clave para poner en marcha este otro vehículo sonoro, les parece un ingrediente esencial. (Miguel) “Para nosotros esto es una cosa muy ritual, espiritual. Subirnos a un escenario, darnos un abrazo y mirarnos a los ojos, estar conectados, es fundamental”. Miguel cita a King Gizzard y Tame Impala como ejemplos de comunidades musicales de las que nacen distintos proyectos que se retroalimentan. “El verdadero mensaje que mandan estas bandas es: ‘Chavales, haced una pandilla, divertíos haciendo música y olvidaos de las pamplinas. Luego, si tenéis que salir, hacedlo a tope, pero lo primero es disfrutar de la música y sentirla’”. —J.C.P.

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EN CONCIERTO l Cádiz 04 julio. Cádiz Music Stadium l Bilbao 11 julio. Bilbao BBK Live l Pozoblanco 24 julio. Festival al Fresco l Fuengirola 25 julio. Marenostrum l Torremolinos 28 agosto. Canela Party l Las Palmas de G.C. 10 septiembre. LPA Bmusic Fest. l Donostia 11 septiembre. Boga Boga Festibala l Fuenlabrada 12 septiembre. Audit. Joaquín Sabina l La Laguna 19 septiembre. TBA l Granada 23 octubre. Industrial Copera l Bullas 24 octubre. Antioxidante l Castellón 13 noviembre. Fira Trovam l Tarragona 11 noviembre. Refugi Sonor

julio-agosto 2026 #19

jueves 3

juventude • rata • la 126 • concierto sorpresa Río Ebro viernes 4

carlos ares

getdown services • shego • la habitación roja (30 aniversario) triángulo de amor bizarro • puño dragón • dani dicostas • san tosielo hoonine • go cactus • grama agropunk sábado 5

lori meyers

sanguijuelas del guadiana • bodega • rufus t. firefly • repion mujeres • la milagrosa • mala gestión • los chivatos concierto sorpresa Castillo de Miranda domingo 6

lisasinson • ganador concurso TSW gastronomía • acampada • ebropeque | abonos y entradas día en ebrovision.com

MONDO FREAKO

The Pretty Reckless La verdad Taylor Momsen habla de su nuevo trabajo, “Dear God” (Fearless/Music As Usual, 26), como quien abre una puerta que llevaba años cerrada y lo hace con una especie de constatación serena: hay cosas que, tarde o temprano, encuentran una forma de salir. —TEXTO Montse Galeano —FOTO Steph Gomez

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AYLOR MOMSEN tenía que abrir puertas, dejar salir algo que llevaba dentro. Y lo ha hecho a través de unas canciones atravesadas por la crudeza, el cuerpo, la memoria, el exceso, la oscuridad y una honestidad que no parece interesada en suavizar sus bordes. No es que antes no existiera esa verdad (la cantante afirma que nunca ha mentido en un álbum) pero aquí la distancia entre experiencia y canción parece mínima.

“Este disco, en concreto, está casi arrancado directamente de mi diario”. Esa es, quizá, la clave de “Dear God”: la confesión no solo como gesto dramático sino como forma de escritura. Momsen recuerda que las canciones siguen siendo canciones, con sus formas e imágenes, pero reconoce que aquí hay una brutalidad lírica más directa. “Hay una crudeza en su honestidad que no está disfrazada con metáforas, historias o recursos similares”, apunta. En ese lugar, dice, ha tocado algo que no había explorado antes con

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esa intensidad; algo “muy puro, vulnerable, verdadero y directo” que convierte el álbum en “muy especial y muy poderoso”. EL CUERPO OCUPA un lugar central en este relato. En las canciones aparece herido, agotado, deseado, juzgado o reducido a valor, como si la experiencia vital no pudiera separarse de su dimensión física. Para Momsen, esa presencia nace de una evidencia: ha crecido dentro y fuera de la banda. “Hice el primer álbum cuando tenía catorce o quince años y ahora tengo treinta y dos. He vivido mucha vida entre medias, y mucha de esa vida no ha sido bonita”. Lo que ha ocurrido entre bastidores, añade, también deja huella en la música. “Cuando me examino a mí misma, que es parte de lo que hago al escribir, todo tu ser incluye también tu cuerpo. Tu cuerpo es lo que sostiene tu alma y lo que sostiene tu mente”. La afirmación se vuelve más contundente cuando habla de un punto límite. “Hubo un momento en mi vida en el que no estaba bien y tuve que tomar una decisión muy consciente: si iba a vivir o si iba a morir. Fue muy serio. Por suerte elegí seguir adelante”. Para ella, la depresión y el malestar no son experiencias solo mentales.

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julio-agosto 2026 #21

rancado “Este disco está casi ar ario” directamente de mi di

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EL DISCO. RECUPERADO. The Streets A Grand Don’t Come For Free (Pure Groove, 2004)

También se manifiestan físicamente. “Ese tipo de cosas afectan al cuerpo. No es algo que exista solo en la mente”. Por eso “Dear God” funciona como archivo personal. “Este disco soy yo entera. Es todo lo que ha ocurrido hasta este momento convertido en canción”. Esa tensión entre oscuridad y energía aparece en “When I Wake Up”, una canción que habla del exceso y de ese instante en el que lo que parece excitante empieza a volverse oscuro. “Eso es precisamente lo que parece ese estilo de vida. Parece muy divertido hasta que deja de serlo”. La música contiene esa contradicción. “Esto es genial y esto es horrible. Ambas cosas están ahí”.

MIKE SKINNER VENÍA FUERTE Con aquel grandísimo “Original Pirate Material” (02) y dos años después acabó haciendo historia. Toda la “Brum energy” que cuajó en el mítico debut de The Streets se derramó y expandió cuando decidió apostar por un regreso mucho más cinematográfico y conceptual como fue “A Grand Don’t Come For Free”. Un disco que marcaría para siempre la historia del proyecto y de parte de la industria británica. Un álbum que curiosamente Skinner recupera ahora este 2026 en una gira de aniversario muy especial a modo de homenaje en la que promete interpretarlo íntegro por primera vez en su carrera.

EN “DEAR GOD” también aprovecha para dialogar con su pasado, aunque no necesariamente en términos nostálgicos. Una línea del tema que da título al álbum evoca a “la niña que solíamos conocer”, una imagen que remite inevitablemente a haber crecido bajo la mirada pública como estrella de cine infantil y por su papel en la serie juvenil “Gossip Girl”. Momsen, sin embargo, amplía el sentido de esa figura. “He llegado a un punto en mi vida en el que acepto plenamente todos los aspectos de mí misma. Eso incluye mi juventud y cosas que quizá antes rechazaba o de las que me alejaba”. Aceptar, para ella, no significa quedarse atrapada. Significa dejar de fingir que lo vivido no existe. “Soy quien soy, he hecho lo que he hecho, he vivido lo que he vivido, y no puedo cambiarlo. No puedo reescribirlo ni hacer que sea diferente de lo que es”. El imaginario visual de “Dear God” también participa de esa misma búsqueda. Confesión, culpa, oración, oscuridad, memoria y juventud aparecen como coordenadas de una estética que Momsen pensó con cuidado. “Nunca quiero definir algo de una manera que lo haga caducar o que lo limite”, explica sobre el arte del álbum. La portada y las imágenes del disco debían encapsular una música que ella entiende como una carta a Dios y una confesión, pero también como algo oscuro y luminoso, reflexivo y agresivo.

La rutina, la amistad, enamorarte de una dependienta del JD Sports, sentirte un absoluto perdedor dentro de esta paranoia de mundo en el que vivimos. Skinner supo hacerlo muy bien: boy loses money, boy meets girl, boy loses girl. Dio con la fórmula para que todos empatizáramos con su discurso y lo hizo con unas barras fantásticas y unas bases brillantes que aun retumban en nuestra cabeza desde entonces (“Not Addicted”). Cambió su carrera y lo hizo a lo grande. Convirtió sus dudas, sus mierdas, inseguridades y su característico sentido del humor en genialidad. Atrapó las comeduras de cabeza de cualquier british boy de aquellos años en una especie de cuento de hadas dramatizado y con olor a porro. Un relato en el que volaban las latas de cerveza, se entregaba todo a la suerte, se hablaba de fidelidad, amistad, infidelidad (“Such A Twat”) y sueños por cumplir. Pero, sobre todo se narraba la historia con una honestidad de la leche, por supuesto.

THE PRETTY RECKLESS volverán este otoño a España con una gira como cabezas de cartel, algo que tiene a Momsen especialmente ilusionada. “España es uno de mis lugares favoritos para tocar”, asegura. “El público en España es muy apasionado y divertido. Amáis el rock and roll como yo amo el rock and roll, y esos son los mejores públicos”. Su último paso por el país fue junto a AC/DC y dejó una anécdota difícil de superar y digna de una autentica rockstar: en Sevilla, un murciélago la mordió durante el concierto. “La magia del universo en España hizo que pasara algo de una vez entre un millón”, bromea. Esta vez, promete, también será “un concierto de una entre un millón”. —M.G.

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EN CONCIERTO l Madrid 09 noviembre. La Riviera l Barcelona 10 noviembre. Sala Razzmatazz

#22 julio-agosto 2026

“A Grand Don’t Come For Free” se gestó y grabó en un piso en el sur de Londres, como también se hizo con el debut de The Streets. Fue un álbum de alguien de la calle, y para la calle, que acababa de descubrir, tras el éxito de su primer disco, lo que era por fin no estar sobreviviendo. Una gran aventura que, por otro lado, terminaría en triunfo alcanzando 1.200.000 de copias vendidas en Reino Unido y colándose en el #1 de las listas de álbumes. Así fue como Skinner se convirtió en el poeta definitivo de los suburbios y la figura a la que admirar por parte de una gran comunidad. Una figura que, además, te dejaba elegir su destino. Recordemos ese cierre de doble final con “Empty Cans” que tiene “A Grand Don’t Come For Free” y con el que curiosamente, viendo la trayectoria del propio Skinner, nos costaba siempre elegir el final feliz. Aun así, la verdad es que años después, y viéndolo con distancia, se puede decir que la vida no ha tratado del todo mal al gran héroe de Birmingham y esperemos que siga así y en forma durante muchos años más. —ÁLEX JEREZ

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EN PORTADA

Dani Sabater y Félix Esteban podrían dedicarse a cualquier otra cosa que su amistad seguiría siendo lo que verdaderamente les define. Han elegido, sin embargo, canalizar su vínculo convirtiéndose en RATA, el dueto más rompedor y estridente que la escena estatal nos ha brindado este año. Con “NO ME QUIERO MORIR NUNCA” (Sony, 26) firman una carta de presentación con tanto corazón como mala uva. —TEXTO Fran González —FOTOS Alberto Soriano

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FÉLIX Y YO ya teníamos nuestros curros y esto comenzó siendo solo un hobby”, arranca diciendo Dani sobre el kilómetro cero de RATA. “Hacíamos música en el estudio sin llegar a pensar siquiera en que la sacaríamos algún día. Era un poco como una vía de escape que nos servía para entender cómo podía ser nuestra música sin estar supeditada a sonar de una determinada manera”. Ni al uno ni al otro les es ajena la industria, por supuesto: el primero publica música con su propio nombre (daniel sabater) y el segundo es bajista ocasional en otros proyectos como WALLS. Pero, a pesar de estos pluriempleos puntuales, ambos han sabido reconocer que esta empresa a cuatro manos tiene algo de especial. “Siempre hemos defendido que hay que hacer las cosas de corazón. Literalmente, hacemos la música que a nosotros mismos nos gustaría escuchar. RATA somos los dos sin filtro alguno y haciendo lo que nos gusta”. CUALQUIERA QUE LOS HAYA VISTO en directo sabrá que, pese a que el dúo murciano se presentase formalmente en sociedad hace poco más de un año, su sonido es ya el de unos alumnos aventajados. En ocasiones cuesta creer, incluso, que sean tan solo dos sobre las tablas. “Y no queremos que eso cambie”, admiten, al tiempo que nos revelan su particular secreto para sonar como suenan. “Somos muy frikis del sonido y ponemos mucho esfuerzo y dinero en lograr sonar a lo grande. No te puedes llegar a imaginar la cantidad de sonidos que nos enviamos mutuamente a lo largo del día. Gracias a los quinientos pedales que lleva Félix podemos hacer que su bajo suene a tres instrumentos a la vez, programándolo para que vaya cambiando y respetando las #24 julio-agosto 2026

dinámicas de cada canción. Nos encanta seguir siendo solo dos allí arriba, así que por ahora seguiremos tirando de tecnología y aparataje para conservar eso”. PRISA POR CRECER no tienen, también lo dejan claro en temas como “YO DE MAYOR QUIERO SER YO”, pieza en la que reivindican el derecho a no tener que destacar a toda costa. “El tema habla sobre querer ser normales, tanto como músicos como personas. Ninguno de los dos somos nada del

otro mundo, pero nos enorgullecemos de ser honestos y queremos que eso también se note en nuestras canciones. La mística del artista y del icono está muy bien y la respetamos, pero la verdad es que no va demasiado con nosotros ni sentimos que tenga ningún sentido defender un personaje elaborado sobre los escenarios. Lo que hacemos ahí es cagarla una y mil veces y decirnos de todo, porque somos transparentes y así es como nos gustaría seguir siendo”. SI SU FICHAJE por una multinacional como Sony pone o no en riesgo ese anhelo, ellos también lo tienen claro. “En ningún momento hemos sentido presión por aparentar ser más grandes o mejores”, asevera Félix. “Desde el momento en el que nos conocieron vieron que simplemente éramos dos chavales de Murcia, que nos lo pasábamos bien, que estábamos todo el rato de coña y que transmitíamos algo con lo que mucha gente podía sentirse representado, y eso fue lo que hizo que las cosas fluyeran tan bien entre ambas partes. Si hubiésemos visto cualquier intención de dirigir nuestras ideas, o imponernos directamente otras, habríamos sido los primeros en salir por patas, pero nunca fue el caso. Seguimos teniendo el mismo equipo con el que empezamos, compuesto por nuestra gente, y eso ellos lo respetan”. Un equipo

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EL APUNTE Somos dos en un reloj DANI SABATER Y FÉLIX ESTEBAN son los últimos en recordarnos los buenos resultados que históricamente ha dado la química a cuatro manos en el rock. Se nos acumulan en el cielo de la boca los ejemplos, tanto de aquí como de allí, para sujetar esta tesis. Sin mirar excesivamente atrás podemos citar algunos nombres nacionales que defienden su propuesta en formato dúo –en estudio y en directo– como Cala Vento, Bala, Pinpilinpussies, Niña Coyote eta Chico Tornado, Boys Kissing Boys, La Joya… O Internacionales como Royal Blood, Japandroids, Death From Above 1979, los tan de moda Angine de Poitrine y, por supuesto, Jack y Meg White. No hay duda: hay algo especialmente magnético en esas formaciones a dos que trabajan al filo de la intemperie, sin redes de seguridad ni dobleces bajo las que esconderse. Y verlas jugarse el tipo en directo es ya la gustera padre. Esa tensión elemental, casi física, en la que cada canción se sostiene por pura voluntad, con-

cordancia y oficio, ofreciéndonos a los mortales el placer culpable de verle las costuras al sonido. El asunto no se agota en la mera aritmética. Por si quedan dudas, la dupla no es una formación menor ni una banda incompleta, como con frecuencia se sugiere desde cierta mirada condescendiente. Si algo nos han demostrado las bandas mencionadas (y tantas otras) es que, contra la ciega entrega al exceso de orfebrería, capa y virtuosismo, siempre nos quedará la parejita para volver a recordar lo esencial. Claro que reducir el formato a sus ventajas logísticas (menos bocas que alimentar, menos equipo que mover y menos egos con los que lidiar) sería quedarse tan solo en la epidermis del asunto. Frente al complejo de grandilocuencia en el rock, la furia granítica de Anxela Baltar y la precisión casi marcial de Violeta Mosquera, la conexión telepática entre Aleix Turon y Joan Delgado, o el intercambio entre delicadeza y dentellada de Ane Barcena y Raquel Pagès nos hace preguntarnos, de forma retórica, que quién necesita más. —F.G.

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Rata

EN PORTADA

Rockear desde el corazón

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EN PORTADA

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que no pasamos por alto durante nuestra charla; pues aunque la huella de la dupla vaya siempre por delante, si el proyecto ha conseguido superar esta carrera de fondo es, desde luego, gracias a la contribución de varios nombres que así lo han hecho posible. Solo en los créditos de su disco encontramos a figuras como Víctor Murcia, Chechu Aurrecoechea, Maite Gallardo (ex-shego), Ginés Paredes (WALLS) o Luz Abril (Trashi). “En un principio no queríamos que el disco contara con demasiadas colaboraciones, pero fueron surgiendo y han terminado siendo imprescindibles para que este suene como lo hace”, dicen. “Todos los que han participado de una forma u otra entendieron la energía y la vibra del proyecto desde el principio y han aportado cosas muy interesantes al mismo, pero como también lo ha hecho nuestro equipo de trabajo. David, Jaime, Claudia, Javi, Jesús, Mini… Solo se nos ve a dos ahí delante, pero RATA es, en realidad, muchísima más gente”. Luz (Trashi), por ejemplo, es la responsable de co-escribir junto a los chicos el tema “TIPOS DUROS”, una inversión total de los tópicos en la que la banda sostiene la tesis de que lo más difícil es permitirse ser sensible. “Al principio no buscábamos que el tema fuera en esa dirección”, explica Dani. “Quiero decir, nadie se plantea hacer un tema expresamente deconstructivo así porque sí, ¿no? La idea, de primeras, era escribir una canción sobre esas cosas que nos hacen felices y que no están, quizás, encuadradas dentro de los cánones más habituales de la masculinidad arquetípica. Pero, poco a poco, la letra fue derivando en reflexiones más profundas y en dar espacio a la importancia que tienen ciertas cosas para nosotros que, sin ellas, directamente no seríamos los mismos […] Me tengo que contener muchísimo cada vez que la canto, porque me emociona un montón”, confiesa Dani con una sonrisa tímida. “Recuerdo que nos llevó bastante tiempo terminar de escribir la letra porque en el fondo, y ahora me doy cuenta de ello, creo que no queríamos que ese proceso acabara nunca. Como te imaginarás, su composición derivó en abrir muchos melones y hablar a calzón quitado de cosas muy personales para nosotros, lo que nos dio un punto de vista muy interesante de cara a terminar la canción. Se nota mucho que es una de nuestras favoritas, ¿verdad? (risas)”. #26 julio-agosto 2026

RESULTA RAZONABLE pensar que estos niveles de apertura emocional y entendimiento profesional no habrían sido posibles si no primara, por encima de todo, su amistad. Ellos mismos describen sus canciones como una extensión de ambos e insisten en que, antes de compañeros de banda son amigos. “Siempre hemos tenido claro que el cariño que nos tenemos va por delante”, afirma Dani, aunque Félix le recuerda entre risas que “últimamente hablan demasiado de curro”. “Sí, ¿y sabes por qué? Porque esto, realmente, nos obsesiona muchísimo a los dos y el hecho de compartir esto que nos está pasando, el poder decir que nos dedicamos a esto, es realmente bonito. Pero eso no quita que haya que hacer de vez en cuando un ejercicio consciente para proteger la amistad. Ya sabes, prohibirnos hablar de música por un rato, ir a cenar, a jugar al pádel… Es fácil quemarse si no lo controlas, pero por el momento no es nuestro caso. Todavía no nos hemos aburrido el uno del otro [risas]. Esto es como un matrimonio… De hecho, hay veces que tengo hasta que hacer memoria para recordar si le he contado algo a mi novia o a Félix”.

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“Murcia es nuestra casa y de aquí no nos mueve ni Dios”

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EN PORTADA

SI ALGUIEN DUDA de esa unidad, ahí está la portada de “NO ME QUIERO MORIR NUNCA”, con sus pequeños trasuntos en primer plano, como señal inapelable de su comunión y de ese cariz nostálgico que el disco también lleva por bandera. “En el fondo es que nos sentimos como dos críos haciendo esto”, reconocen. “Tenemos la suerte de que RATA nos permite hacer las cosas desde una total libertad, jugando a lo que nos gusta y sin pensar las cosas demasiado: justo como cuando éramos pequeños. Pecamos de nostálgicos, sí, en tanto que nos flipa recordar la música que escuchábamos con quince o dieciséis años y dejar que esta impregne nuestro sonido. Pero es un gesto de amor. Amor a lo que fuimos y a lo que vivimos. Tal y como nosotros lo vemos, son referencias que, más allá de estar contribuyendo a que nos quedemos estancados en un momento concreto de nuestras vidas, nos han ayudado a generar más momentos de los que, de seguro, acabaremos sintiendo nostalgia también dentro de unos años. En ese sentido, es un disco más presentista de lo que

a priori puede parecer”. Porque, ante todo y como decíamos, el verdadero cimiento del proyecto es su memoria compartida. “Hemos hecho mucha música juntos pero lo que más hemos hecho desde siempre es beber, comer y jugar al FIFA”, sentencian. “Ser nostálgico es un privilegio, si lo piensas: significa que has vivido momentos bonitos de los que poder acordarte. ¿Por qué avergonzarnos de eso?”. EL ÉXITO DE FÉLIX Y DANIEL sirve, a su vez, para dar fe de que, ahora ya y sin lugar a duda, algo está pasando en Murcia. Con ellos, la capital del Segura renueva una vez más sus votos como tierra prometida del indie patrio. “Quizás sean las marineras”, bromean cuando les pedimos que nos cuenten cómo es construir una banda allí. “No sé, simplemente es nuestra ciudad. Nunca sabemos muy bien qué responder cuando se nos pide una reflexión al respecto y apelamos a los clichés de siempre. Que si el clima, la gente, los bares… Murcia no tiene nada en particular y hay de todo al mismo tiempo. Es como

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un pueblo grande en el que todo el mundo conoce al resto, y si no, conoce a alguien que conoce al que te falta por conocer. Y eso es muy bonito”. A eso añaden que: “Es posible que, en el pasado, ciudades como esta tuviesen algún complejo con respecto a la centralidad que siempre ha habido en la música española, pero, desde luego, hace tiempo que eso está superadísimo y está claro que Murcia no tiene nada que envidiarle a nadie. No paran de salir bandas y proyectos impresionantes de aquí y por nuestra parte estamos muy orgullosos de nuestra tierra y de pertenecer a una generación de artistas tan bonita. Ya desde el origen del grupo teníamos claro que viajaríamos al lugar al que nos tocase para reunirnos con discográficas, hacer entrevistas o dar conciertos, pero dormir, dormimos en nuestras camas. Lo pondríamos en el contrato si hace falta [risas]. ¿Qué vamos a decir? Murcia es nuestra casa y de aquí no nos mueve ni Dios”. —F.G.

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julio-agosto 2026 #27

.EL RETROVISOR La rareza “The Alchemist’s Euphoria” (2022)

Kasabian

Cuando Kasabian debutaron en 2004 con su disco homónimo, tenían todo de cara para convertirse en eso que los tabloides ingleses denominan “The Next Big Thing”. Un estatus que, al menos en Reino Unido están cerca de ostentar, a pesar de importantes vaivenes como la expulsión de su cantante Tom Meighan en 2020. Sergio Pizzorno (principal compositor) ejerce desde entonces como frontman absoluto de unos Kasabian que, este verano, actuarán en Madrid (11 julio, Mad Cool Festival), Torrevieja (31 julio.2 agosto, Low Festival), El imprescindible “Kasabian” (2004)

Cualquier de los tres primeros discos de la banda podría optar al título de su mejor obra, pero “Kasabian” toma algo de ventaja con respecto a “Empire” (06) y “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” (09) en base a su frescura y un contenido algo asilvestrado. Unas cualidades, con frecuencia, inherentes a la ópera prima de cualquier banda, que tienden a contar con medios más limitados y apuran así una autenticidad que, como es el caso, suele resul-

tar favorecedora. Una poderosa llamada de atención a modo de bengala recién prendida, con el indie-pop-rock de marcadas guitarras haciendo virtud de su primitivismo inherente y, al mismo tiempo, mutando en marca de agua con la que diferenciarse de la maraña de grupos indies que habían ido apareciendo con el cambio de siglo. Canciones verticales y tan tribales como adictivas al instante –”L.S.F. (Lost Souls Forever)”, “Processed Beats”, “Club Foot” o “Reason Is Treason”– apuntaron el foco de público y medios hacia una banda que optaba al triunfo masivo, gracias en parte al tándem formado por un vocalista tan convincente como Tom Meighan y un compositor en estado de gracia del tipo de Sergio Pizzorno. Hasta Oasis se rindieron ante los de Leicister y los seleccionaron como teloneros.

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El trauma derivado de tener que cambiar de cantante principal ya supondría, por sí mismo, una rareza (o anomalía) en cualquier banda. Poco importa que Sergio Pizzorno, además de principal compositor, también viniera ejerciendo como segundo vocalista. Porque sustituir a un cantante con tanta presencia interpretativa como Tom Meighan no era tarea sencilla. Menos aún teniendo en cuenta que su expulsión vino motivada por una turbia acusación de malos tratos. Pizzorno se reinventó a sí mismo, dio un paso al frente y completó (junto al resto de la banda) el primer elepé del combo sin Meighan. La entrega albergaba, además, ciertos elementos inéditos con respecto al catálogo previo de Kasabian, con la electrónica adquiriendo presencia definitiva en el manual de uso. Un álbum cargado de simbología resultado de confluencia de estilos, tintes y velocidades, incluso de canciones dentro de canciones, por parte de una formación que, lejos de rendirse, tiró de dosis adicionales de aplomo con las que combatir el revés.

La decepción “48:13” (2014)

Si resulta que hay varios candidatos al mejor disco de Kasabian, otras tantas referencias podrían postularse como el más prescindible de los ingleses. Entre ellas estaría “48:13”, que, desde su propia duración (que también servía para dar título al invento), ofrece un muestrario de excesos y pirotecnia por parte de una formación asentada y que ha llegado a creerse en demasía su estatus de banda de estadio (al menos en su país de origen). En el que fuera su quinto álbum todo resuena amplificado en exceso, al tiempo de apurar una fórmula que, lejos de mejorar, comienza a lucir agotada y exprimida en base a vueltas de tuerca demasiado forzadas. Un disco de aspecto artificial y sobreproducido (por el propio Pizzorno) que, más allá de ese efectivo pildorazo de electro-pop que es “Eez-eh”, resultaba un conjunto olvidable. —RAÚL JULIÁN

julio-agosto 2026 #29

Querido Búsqueda y Aprendizaje Querido han publicado “¿Qué seré yo?” (Universal, 26), un disco más conceptual y terrenal que su debut, construido alrededor de un hilo de preguntas que apareció de forma natural durante la composición.

H

ABLAR CON QUERIDO es hacerlo con cuatro chavales de Vigo que no paran de crear ni un minuto. Tanto es así que, apenas habían publicado su debut hace dos años, ya estaban dando forma al que acabaría siendo su segundo trabajo de larga duración. “Teníamos bastantes ganas de que saliese ya, porque es un disco que lleva bastante tiempo terminado. Empezamos a componerlo en 2023, y si el primero salió en mayo del 24, las primeras maquetas de este ya estaban hechas en junio y julio”. Un proceso que se

fue alargando. “Entre maquetas, estudio, producción con Sergio y colaboraciones de última hora, todo se va extendiendo. Luego tienes que dividir en singles y preparar el lanzamiento. El proceso se alarga muchísimo”. Aun así, celebran que el disco por fin esté fuera. “Estamos bastante contentos y orgullosos del resultado”. Tienen claro qué diferencia a “¿Qué seré yo?” de su debut, “Una Nueva Esperanza IV” (24). “La principal diferencia es que este disco es más conceptual. Todas las canciones tienen un sentido, el orden también… En el primero se notaba que eran las primeras canciones que hacíamos juntos”. MUSICALMENTE HABLANDO, “¿Qué seré yo?” y “Una Nueva Esperanza IV” mantienen cierta continuidad. “Siguen una línea similar, pero con conceptos diferentes. Desde la producción lo enfocamos como los textos. Más terrenal. Hay menos instrumentos y menos idas de olla, aunque alguna sigue habiendo como los audios”. Por el ca-

ano, “Es un disco más hum más de casa”

RR Faith No More han sorpren-

dido a propios y extraños con un mensaje en redes sociales en el que podía leerse “2027”, tras haber llegado a un acuerdo con la empresa brasileña de entretenimiento 30e para desarrollar futuras giras internacionales. RR Este pasado mes falleció el

TAN.LEJOS TAN.CERCA

músico Oliver Tree en un choque de helicópteros en Río de Janeiro (Brasil). En el accidente también murieron el productor y director Lucas Vignale (Biza-

Carmen 113 Alegría mañanera En “Mañanas de euforia” (U98 Music, 26), la banda de Girona invita al oyente a encontrar aquella euforia latente en el hecho de despertarse cada mañana.

“

MAÑANAS DE EUFORIA” es uno de esos discos que cabe entenderse (y también degustarse) como viaje completo, con principio, desarrollo y final. “Aunque no fue concebido explícitamente como disco conceptual, hay una conexión #30 julio-agosto 2026

lírica y emocional entre las canciones. Todo gira alrededor del amor, entendido desde un lugar mucho más amplio: el amor hacia nuestros compañeros de banda, familia, amigos o esas personas que te sostienen en la vida. También habla de ese viaje completo que es la propia vida y lo que sucede a su alrededor”. En un momento dado, incluso cabría entender que apunta al tipo de periplo que sigue a una ruptura sentimental, algo que no es del todo correcto. “Hay pérdidas y duelos, pero desde otro lugar más profundo y humano. Por ejemplo, la canción que da título al disco habla sobre la pérdida de un padre desde la perspectiva del tiempo,

rrap, Nicki Nicole) y el youtuber Gaspi. Tree tenía que actuar en nuestro país este mes de julio. RR La banda británica Pulp ha

anunciado el lanzamiento de una película y un álbum en directo. ”Live!”, el disco, se publicará el 28 de agosto vía Rough Trade, mientras que la película, “Pulp: What Do You Do For An Encore”, se lanzará en otoño. RR El próximo 14 de agosto verá

la luz “One Assassination Un-

cuando el duelo está más masticado. También hay temas que hablan del amor y de esa relación que lleva años contigo y que volverías a elegir mil veces”. LO QUE ESTÁ CLARO es que “Mañanas de euforia” es, desde el mismo título, un disco positivista que recuerda que cada día conlleva una nueva oportunidad. “Despertarse cada mañana y abrir los ojos ya debería ser, en sí mismo, un acto de euforia. A veces olvidamos que no somos eternos. Por eso creemos que levantarse cada mañana es motivo suficiente para celebrar. El disco intenta recordar que la luz existe en las pequeñas cosas. Ese optimismo es más necesario que nunca, en una época marcada por las redes sociales, la exposición constante y una sociedad individualista”. “Mañanas de euforia”

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FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO mino vivieron sus propias incertidumbres. “Cuando estábamos haciendo las primeras maquetas dudábamos de si estábamos dando el nivel. Hubo un par de meses de desconfianza”. Y cierto bloqueo compositivo. “Con este disco pasan cosas que no vives con el primero. Firmas con una discográfica, hay tiempos y formas… Pero está bien vivirlo porque todas las experiencias ayudan para los siguientes”. De ahí el aprendizaje. “Va a haber momentos de bloqueo, pero hemos aprendido que es normal y que no pasa nada por no escribir todos los días. Ese fue el mayor aprendizaje del disco”. Otro punto clave son las colaboraciones. “Teníamos claro que tenía que haber una, la de Merino. El resto no estaba previsto, pero tras firmar con Universal surgió la posibilidad de trabajar con David de La M.O.D.A.”. A partir de ahí, llegó el resto. “Hablamos de que Iván Ferreiro tenía que cantar ‘¿Qué va a pasar?’ por lo que significa empezar el disco con un audio suyo y terminarlo con esa canción. Y lo de Diego (Veintiuno) también lo habíamos pensado, porque fue la primera persona que conocimos de la industria”.

der God. Chapter 2” de Marilyn Manson, continuación del disco del mismo título publicado en 2024, a través de Nuclear Blast. De momento hemos podido escuchar el adelanto “Exit Wound”.

— DANIEL POSE

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músicos de Hadn Dadn, Shajjm Orchestra y Dyw Dyw Dywn. RR Maika Makovski continúa celebrando sus veinte años de carrera. Ahora lo hará con un doble en directo que recogerá el concierto que ofreció el pasado 4 de marzo en el Palau de la Música de Barcelona, así como una gira con su banda original. El disco recoge las veinticinco canciones que se interpretaron con distintas formaciones e invitados como Christina Rosenvinge, Anni B Sweet, Howe Gelb, Los Zigarros, Nina Morgan o Mikel Erentxun, entre otros. —MS

RR Hace unas semanas diversos medios internacionales publicaron la noticia de que unos falsos Angine de Poitrine estaban girando por Rusia. Finalmente se ha dado a conocer que se trataba del aniversario del club moscovita Escapist. Y efectivamente, no eran los auténticos Angine de Poitrine, sino que era una broma organizada con

a “En una época marcad, el es al ci so s por las rede sario optimismo es más nece que nunca”

AHORA LLEGA EL MOMENTO de llevar todo al directo. “Llevamos tiempo parados y ya sentimos esas ganas”. Una vuelta que traerá cambios. “Hay puestos nuevos, gente que toca cosas que antes no tocaba, y hemos adaptado canciones del primer disco para que se noten más las guitarras. Queremos que sea más profesional. Llevar un set de luces, que todo esté más medido. En la primera gira quisimos hacer demasiado, como llevar muchos sintetizadores. Ahora nos los cargamos, también porque las canciones nuevas ayudan. Vamos a estar más cómodos”. Lo que no cambia es el cómo afrontar su carrera. “Hay quien dice que con el segundo disco empezará a subir la cosa, pero les decimos que miren a su banda favorita y lo que tardaron en llegar. Hay que tener claro en qué industria estás, dónde quieres estar y cuáles son tus motivaciones”.

también alberga algo inédito con respecto al resto de discos previos de Carmen 113. “Por primera vez tuvimos a alguien externo en quien apoyarnos y delegar ciertas decisiones, y eso fue algo muy renovador para nosotros. Hicimos el disco como se hacían antes: estuvimos un mes encerrados en el estudio, conviviendo, probando ideas y trabajando como un único equipo. Marca una nueva manera de encarar el futuro de la banda. También hay una evolución muy clara en el sonido, apostando por algo más grande e internacional, sin miedo al mainstream ni al pop”. En sentido contrario, cabe señalar la cualidad innegociable dentro de Carmen 113. “Somos seis amigos que llevan más de quince años juntos y han aprendido que la verdadera gracia no está en llegar a ningún sitio concreto, sino en el propio

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camino. Y, sobre todo, en recorrerlo juntos y continuar aquí después de tantos años”. La escena, siempre caprichosa en su aceptación, será la que dicte sentencia con esta nueva fase del combo de Girona. “Carmen 113 encaja en muchos sitios distintos. Hay temas bailables, rockeros, íntimos... y eso hace que podamos movernos cómodamente dentro de la escena indie-pop de este país, entendiendo ‘indie’ también desde el espíritu independiente”. Tras la publicación del álbum llegará la pertinente gira para presentarlo en directo. “Los conciertos de Carmen 113 son muy divertidos y bailables, con espacio también para la emoción”.

—ERNESTO BRUNO

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julio-agosto 2026 #31

MONDO FREAKO

Los vallisoletanos publican “Terrorismo Emocional” (La Niebla Records, 26), un trabajo que llega en el mejor momento de su carrera. Hablamos del disco y de una década marcada por reconstrucciones, autogestión y oficio, en una conversación en la que reivindican su ciudad y adelantan un directo de presentación completamente renovado.

“

TERRORISMO EMOCIONAL” es un trabajo sobre el que no tenían pretensiones. “No nos habíamos creado ninguna expectativa al respecto, más que nada porque nos ha pillado de gira y eso para el cerebro es buenísimo porque estás en otra movida”. Los vallisoletanos afrontan ahora una extensa gira tras el mayor salto de su carrera, que llega después de muchos años peleando. “Cumplimos diez años discográficamente hablando en abril. Entendemos que la gente que nos empieza a conocer ahora piensa que es algo nuevo, pero eso es bonito también”. En ese recorrido aparecen nombres como Veintiuno. “Con ellos compartimos mucho pasado y te acuerdas de estos compañeros en los momentos en los que piensas en que ahora a todos nos va bien. Te vienen recuerdos de cuando todo no iba tan bien, y es muy bonito”. Todas esas experiencias les han convertido en la banda que son. “No seríamos la misma banda ni de coña. Petarlo el primer año, el segundo, muy bien te tiene que ir y muy bien rodeado tienes que estar para que no se vaya todo a la mierda”. De todos modos, reconocen que han tenido que rehacerse varias veces. “Nosotros hemos tenido que dar pasos atrás y decir ‘Ok, vamos a dejar de quejarnos y vamos a montarnos nosotros una discográfica y una oficina y si no va bien pues lo que tenemos que hacer es apretarle más’. Al final somos los responsables, y eso te hace también valorar mucho todo”. AHORA, SILOÉ están viviendo su momento más dulce. Preguntados por si eso aumenta la presión, lo tienen claro. “¿Es una responsabilidad? Obviamente. Aunque para nosotros dedicarnos a esto es un regalo. Pero lejos de sentir presión, es al revés. La presión era cuando no podíamos pagar algo y tenías que decidir entre gasolina o gimnasio”. La entrevista transcurre de forma telemática, con ellos desde Valladolid, ciudad que llevan siempre por bandera y que reivindican más #32 julio-agosto 2026

Siloé

” niéndote una pulserita po ce ha se no ia tr pa “La

Perseverancia

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WALA. WALA.

“Veinte años es como que acabamos de empezar. Estuvimos de gira con GWAR y estaban preparándose para su cuarenta aniversario, y eso sí que me parece muchísimo tiempo” Liam Cormier de Cancer Bats en Rockzone

allá de los símbolos. “Hay una cosa que nos encantó, algo que dijo Rodrigo Cuevas en La Revuelta y que compartimos totalmente: que la patria no se hace poniéndote una pulserita. De vez en cuando, claro, te la pones y ves la bandera de tu tierra… Los signos están bien y todo eso, pero la patria se hace con los hechos”. En ese vínculo con su tierra también ponen en valor lo cotidiano. “En Pucela la gente se siente orgullosa de lo que hacemos, es algo muy bonito que sean nuestros vecinos y que nos ayuden en muchas cosas, porque también no solo ayudamos a que se promocione la ciudad. A nosotros nos ayudan personalmente con muchas cosas. El chico que va al taller, cuando llevamos el coche, cuando vamos a comprar a un sitio…”. La conversación deriva nuevamente hacia “Terrorismo Emocional”, creado con nuevos productores. “No hemos repetido fórmulas, no hemos trabajado con ningún productor del disco anterior”. El público también influyó. “Nos hemos cansado de repetirlo, la importancia que tienen las letras. La gente nos ha dicho cómo le había afectado nuestra música. Y creo que necesitábamos contar esa parte. También hablar de nuestra ciudad, o de la importancia de las personas que nos rodean”. También en lo que se refiere al aspecto sonoro. “Nos hablaban de nuestro sonido, de que les encantaría un disco más cañero, más cercano a lo que ven en directo”. A LA HORA DE HABLAR del modo en que han presentado este nuevo disco, uno de los aspectos más comentados es el que hayan publicado hasta ocho adelantos de un disco de diez canciones. “Es fuerte, pero nos ha supuesto el triple de trabajo hacer esto. Podríamos haber sacado el disco como hace la mayoría de artistas, y es totalmente válido, pero nosotros intentamos desglosarlo lo máximo posible para darle importancia a cada sencillo. ¿Por qué ha llevado más trabajo? Porque hemos sacado siete videoclips para ir mes a mes dando algo nuevo a la gente”. Sobre las métricas, buscan equilibrio, “Obviamente no hay que obsesionarse con ellas, pero tampoco hay que hacerse el flipado y decir que te la suda. Si los números no dan, nos vamos cada uno a nuestra casa y nos dedicamos a otra cosa. Es importante la sostenibilidad en una banda”. También les han ayudado a tomar decisiones. “Gracias a métricas que tenemos de plataformas de streaming, hemos creado nuestra gira. Y eso nos ha permitido perder menos dinero. Vamos a ir a sitios en los que realmente hay gente que nos escucha”. Ahora afrontan una extensa gira de festivales, con nuevas fechas internacionales y el Movistar Arena de 2027 ya en el horizonte. “Hemos confiado en el estudio que hace las visuales de Muse. Hemos gastado todos los recursos que teníamos y que ganamos el año pasado para poderlo volcar en un show nuevo. Así que citamos a la gente a que viva una experiencia pura de directo, de emoción”. —DANIEL POSE

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“Me estaba lamentando con Robert Smith sobre el síndrome del impostor y me dijo: ‘Cuando miras al público en un concierto, la gente o canta las canciones contigo o no. O conectas con la gente o no. Y de eso se trata” Olivia Rodrigo en Dazed

“Nos dimos cuenta de que tocar lo menos posible era mucho más divertido. En nuestro segundo concierto nos quitamos la ropa. Después de eso, no hubo vuelta atrás” Ben Sadler de Getdown Services en Hideous Mink

“En esta banda hay muchos hijos y un par de nietos, así que hay un rango de edad enorme en Broken Social Scene” Kevin Drew de Broken Social Scene en Ruta 66

““HEMOS ESTADO A PUNTO DE GRABAR UN ÁLBUM MUCHAS VECES. LA PRIMERA VEZ, NOS ARRESTARON Y NO ES FÁCIL LANZAR UN ÁLBUM DESDE LA CÁRCEL. TU MENTE ESTÁ EN OTRAS COSAS” Nadya Tolokonnikova de Pussy Riot en NME julio-agosto 2026 #33

MONDO FREAKO

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LA ALEGRÍA es algo difícil de encontrar en la actualidad”, comenta Tom Rowlands al explicar el enorme valor añadido que ha supuesto Tomora en su carrera artística más allá de The Chemical Brothers. El proyecto nace de la gigantesca conexión que el músico tiene con Aurora y de cómo ambos perciben esta etapa de sus vidas como un nuevo camino para ir hacia la luz, reiniciar la magia, explorar y sobre todo pasárselo bien. “Como dice Aurora, es muy fácil seguir por el mismo camino que te ha llevado al éxito y quedarte ahí, sin más. Pero hay que atreverse a probar algo diferente, a lanzarse a las cosas sin saber lo que te traerán. Crear cosas por el placer de crearlas y sin presión. Toda esta idea de Tomora surgió simplemente de lo mucho que nos gusta trabajar juntos y lo que nos divierte. Me recordó a cuando empecé a hacer música, cuando venía un colega a casa y te sentabas en tu habitación haciendo tonterías. Esa emoción a la mañana siguiente de ir a ver lo que habíamos hecho la noche anterior. Porque siempre nos sorprendía lo que surgía después de cada composición”. ENTREVISTAMOS al dúo para hablar de “Come Closer”, ese magnético álbum que se cuela en tu mente desde el primer impacto para ponerte a prueba y analizarla sin que te des cuenta. Un disco lleno de canciones, como “A Boy Like You”, que representan un verdadero viaje astral, etéreo y personal hacía el interior; casi como si no fuera de este mundo. “Siempre me ha encantado, ya sabes, la tradición de los vampiros; esa entidad ancestral que es a la vez peligrosa, pero también muy seductora. Me gusta esa forma de decir: ‘I know what to do with a boy like you’. Porque puede ser como ‘Oh, no me mates’, pero también tener curiosidad y atracción hacia lo que va a hacer. Es como una mezcla preciosa entre algo realmente aterrador y encantador al mismo tiempo”, explica Aurora ilusionada con esta nueva era en su carrera y remarcando que le encanta hacer entrevistas con Tom. Es increíble ver la relación de amistad entre ambos músicos, cómo se hablan mutuamente durante toda la entrevista respetando sus visiones creativas, pero también haciendo bromas, divirtiéndose y valorando ante todo el tesoro que ha sido encontrarse y poder hacer música juntos. “Fluimos juntos y lo hacemos sin egos. Ponemos la música en primer lugar y cuando creamos juntos sabemos cuándo algo está bien de forma intuitiva. No porque sea perfecto, porque la

#34 julio-agosto 2026

Tomora Libres y felices

Aurora y Tom Rowlands (The Chemical Brothers) conforman uno de los dúos más inesperados de la actualidad. Y al mismo tiempo, como bien demuestra “Come Closer” (Fontana/Universal, 26), también uno de los más interesantes. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

TOP VÍDEOS. Q cuestión es que ninguna de las canciones es perfecta. Son canciones crudas y muy reales tal y como están, algo que a Tom y a mí nos encanta. Pero sabemos que algo está bien si mientras las creamos nos ponemos a bailar o nos reímos si nos vienen imágenes a la cabeza. Ahí es cuando decimos ‘Míranos, nos lo estamos pasando genial. Esto tiene que ser bueno’”. “COME CLOSER” te invita a escapar del presente, a huir del mundo, a gritar cuando ya no puedes más, como hace bien Aurora en “Ring The Alarm”. Y claro, estando las cosas como están en el mundo, es muy importante tener vías de escape como estas para soltar y sentirse mejor. “Los dos producimos y los dos escribimos la letra. Así que fue una colaboración muy bonita. A ‘Ring The Alarm’ queríamos darle esa sensación de pánico y por eso nos inclinamos hacia una voz que va del grito a la euforia. En realidad, es raro, pero me cuesta recordar cómo nacieron de verdad las canciones porque surgieron de una forma tan natural y ajena a mí… Es como si estuvieras meditando y luego te despertaras y dijeras: ‘Oh, ¿qué demonios es esto?’”. Lo cierto es que nos enfrentamos a un disco debut que se intuye como el principio de algo mucho más grande, el primer tallo de un árbol, como ellos mismos definen y en relación al estudio que tienen en mitad de un bosque; que piensan seguir regando para que crezca. “Tengo la sensación de que cuanto más escribimos, más opciones hay de que Tomora nos lleve a lugares realmente inesperados. Así que tengo muchas ganas de seguir explorando. Es divertido ser una viajera en este universo. Solo con oírlo ya me emociona. Es como un sinfín de posibilidades”, nos cuenta Aurora. MIENTRAS TANTO, no te pierdas a Tomora presentando su álbum debut en la que, con toda seguridad, serán dos veladas inolvidablesl. “El público se centra solo en vivir el momento, se olvida de cómo es, de quién es y de su aspecto; incluso sientes que ni te miran. Cuando tocamos, además, no hay tantos móviles grabando. Se trata simplemente de estar ahí, de ser libres, de disfrutar. La verdad es que solo espero que, en cada concierto, le demos algo bueno a la gente que viene a vernos, porque ellos nos dan algo increíble cuando nos conceden el honor de pasar la noche con nosotros. Es fácil tener esperanza, amar la tierra y amar a la gente cuando estás de gira porque llegas a verlos en su forma más hermosa. Queda mucha belleza en la Tierra por la que merece la pena luchar y lo vemos cada vez que actuamos frente a nuestro público. Así que es algo realmente mágico”. —ÁLEX JEREZ

Electric Callboy LET THE GOOD TIMES ROLL (feat. The Offspring)

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Divertido clip el que protagonizan los alemanes Electric Callboy junto a Dexter Holland de The Offspring. En el seguiremos las visicitudes de una misteriosa caja rosada que viajará de forma accidental por las soleadas calles de Los Angeles.

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Olivia Rodrigo The Cure

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Olivia Rodrigo nos traslada al interior de un hospital de cartón piedra en el que, en su papel de enfermera, está intentando descubrir ese antídoto que la salve del mal de amores.

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Zahara Marimacho (BSO Pioneras. Solo querían jugar)

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Potente video para la banda sonora de "Pioneras". En el clip la cantante de Úbeda encarna a una presentadora de informativos que se hace eco de lo que tuvieron que soportar estas mujeres, que tan solo querían disfrutar jugando al fútbol.

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Tierra Whack Wax Paper

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El nuevo clip de la rapera de Filadelfia ha tenido el acierto de contar con child. -con clips para artistas como Doja Cat o Anderson, Paak- para que deje su particular huella en un poderoso blanco y negro.

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Mary In The Junkyard New Muscles

EN CONCIERTO l Madrid 08 julio. Noches del Botánico l Oeiras 09 julio. Nos Alive l Bilbao 10 julio. Bilbao BBK Live

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Vídeo con estética mega-indie que nos muestra un huerto que haría las delicias de The Moldy Peaches, en el que se da un combate de boxeo entre compañeras de banda con un estilo de lo más bizarro.—MS

julio-agosto 2026 #35

ESPECIAL

Belle and Sebastian Sus discos de mejor a peor Han pasado ya treinta primaveras desde que Belle and Sebastian publicaron su primer disco. Tres décadas a lo largo de las cuales los hemos visto asentarse como una marca indiscutible y de absoluta referencia dentro del pop independiente. Aprovechando que este verano nos visitan, hacemos un repaso de su discografía.

S

—TEXTO Carlos Pérez de Ziriza iempre con Stuart Murdoch como máximo responsable y superviviente original de una formación por la que en su momento pasaron Stuart David e Isobel Campbell, y en la que persisten Stevie Jackson, Chris Geddes o Richard Colburn, Belle and Sebastian asumieron, desde Glasgow, la esencia del indie británico más refinado que había surgido durante los años ochenta y noventa. El mismo que asumió como evangelio propio los discos de Postcard, Sarah Records o Rough Trade (sello por el que precisamente acabarían fichando). Se vieron marcados por The Smiths –la estética de sus portadas es la prueba más evidente–, pero también por el folk intimista de Nick Drake, y más adelante por el sunshine pop, el glam rock, el soul en sus diversas variantes o la música disco, trabajando con productores tan dispares como Tony Doogan, Trevor Horn, Tonny Hoffer o Ben H. Allen. Repasamos su trayectoria dejando fuera las dos bandas sonoras, por ser trabajos de distinta naturaleza. Es una selección puramente subjetiva, claro. Una más entre cientos posibles. Así que no disparen al plumilla, sino mejor hagan ustedes la suya cuando y cómo les plaza. Que esto no es más que un juego. #36 julio-agosto 2026

1

“If Your’e Feeling Sinister” (Jeepster, 1996)

Cómo no, el número uno es para un segundo disco que rescatan este año en directo por su treinta aniversario: gemas indiscutibles como “Judy and the Dream of Horses”, “Like Dylan in the Movies”, “Get Me Away From Here, I’m Dying”, “The Stars of Track and Field” o “Fox in the Snow” explican por sí solas por qué este es uno de los mejores discos de los años noventa.

2

“Tigermilk”

(Electric Honey, 1996/Jeepster, 1999)

Es un debut que no lo parece: una sobresaliente delicia –resulta increíble que naciera como trabajo final de un curso de producción musical, y con una tirada inicial de mil copias– con la que Stuart Murdoch, Stuart David, Isobel Campbell, Chris Geddes, Stevie Jackson, Richard Colburn y el resto de la troupe se presentaban al mundo.

3

“The Life Pursuit”

(Rough Trade/ Popstock!, 2006)

“The Life Pursuit” cierra el Top 3 porque es la cumbre de la faceta más soleada y norteamericana de su sonido, la sublimación de su versión costa oeste, con Tony Hoffer produciendo tan jubilosa reconversión de su fórmula en un estudio de Los Ángeles. Trece canciones que también han envejecido estupendamente.

4

“Late Developers”

(Matador/Popstock, 2023)

Si "A Bit of Previous" (2022) fue una agradable sorpresa, esto fue ya una resurrección en toda regla. Lo más fresco y revigorizante que hicieron desde "The Life Pursuit" (2006). Palabras mayores. Nace de sus mismas sesiones, y ni siquiera lo anunciaron previamente. Lo desvelaron por sorpresa. Hay folk desnudo (“Juliet Naked”), soul pop exultante (“Give A Little Time”), pop radiante (“So In The Moment”, con un Stevie Jackson pletórico), burbujeo disco (“When You’re Not With Me”), sunshine pop (“Late Developers”), synth pop (“I Don’t Know What You See In Me”) y hasta un magnífico rescate de 1994 (“When the Cynics Stare Back from the Wall”, con Tracyanne Campbell, de sus aventajados alumnos Camera Obscura). Como si todos los Belle and Sebastian posibles se hubieran puesto de acuerdo para reunirse y volver a dar lo mejor de sí mismos, casi tres décadas después de su primera canción.

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5

9

“The Boy With The Arab Strap” (Jeepster, 1998)

Un álbum notable y continuista, aunque con matices, que introducía detalles relativamente experimentales para su canon. Y nos permitimos el lujo de aupar su último disco, “Late Developers” (Matador/Popstock!, 2023), a la cuarta posición, porque fue una resurrección en toda regla, lo más fresco y revigorizante que han hecho desde “The Life Pursuit”, combinando folk desnudo, soul pop exultante, pop radiante, burbujeo disco, sunshine pop y synth pop.

“Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant”

(Jeepster, 2000) En su momento, me generó cierta decepción. Cierto que el listón estaba demasiado alto. Resulta más tibio, más oscuro, más apocado que cualquiera de sus tres excelentes precedentes. Tampoco les benefició no contar con un single incontestable para tirar de su carro. Fue, por cierto, su primer disco sin Stuart David.

10

“Girls in Peacetime Want To Dance!”

(Matador, 2015)

Un trabajo que me hizo –lo reconozco, y no creo que fuera el único– perder el interés por ellos. Me empezaron a sonar muy redundantes. No es un mal disco, ni mucho menos, pero apenas emitía ninguna veta diferencial que marcase cierta evolución, más allá del evidente marchamo disco de “Party Line” y “Enter Sylvia Plath”, las dos más claras invitaciones a la pista de baile de toda su carrera. —M.G.

6

“Dear Catastrophe Waitress”

(Rough Trade/ Popstock!, 2003) Le han sentado bien los años a su primera reformulación tras su incontestable trilogía inicial: ficharon por Rough Trade, reclutaron a un productor tan insospechado como Trevor Horn, grabaron por primera vez en Londres y todo cobró una nueva luz, un dinamismo inédito, una liviandad necesaria, superando la marcha de Isobel Campbell.

7

“Write About Love” (Rough Trade/ Popstock!, 2010)

Cerrando la zona más noble de su discografía es obligado citarlo porque detenta la misma consistencia que su predecesor, el excelente “The Life Pursuit” (Rough Trade/Popstock!, 2006), también grabado en California bajo supervisión de Tony Hoffer, pero no cuenta con su capacidad de sorpresa. Alberga, eso sí, algunos clásicos indiscutibles de su discografía: “Come On Sister”, “I Want The World To Stop”, “Little Lou, Ugly Jack, Prophet John” (con Norah Jones) o el tema titular han envejecido estupendamente.

8

“A Bit of Previous” (Matador/Popstock!, 22)

El disco que inició su repunte de los últimos años: deparó la receta perfecta para quien añorase a los Belle and Sebastian de sus primeros tiempos, los más indies, pero también para quienes echaran de menos a los que merodearon otros derroteros estilísticos con posterioridad. Es como una síntesis renovada de todas sus versiones. El inicio de su rehabilitación como banda de cierta relevancia durante el último lustro. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2026 #37

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39/Mondo VINILOS 8

Julieta Venegas Norteña Altafonte

TRADICIONAL / En alguna casa de

Tijuana, una radio suena desde la cocina. Se escuchan acordeones, trompetas y voces. Al otro lado de la pared, alguien ha puesto a Depeche Mode. Entre ambos mundos creció Julieta Venegas. Entre José Alfredo Jiménez y la new wave, se formó una artista que jamás ha entendido la música como una cuestión de fronteras. Quizá por eso “Norteña” se siente como un regreso a casa. Un proyecto doble formado por un libro sobre sus inicios y un disco que explora sus raíces musicales. Recoge elementos del regional mexicano para llevarlos a su propio universo pop. Las historias de memoria, distancia y pertenencia encuentran el acompañamiento perfecto en guitarras, acordeones y arreglos orquestales. A cambio de los estribillos inmediatos de los dos mil, “Norteña” ofrece algo igual de valioso: una artista que regresa al punto de partida para descubrir que todavía quedan historias por contar. —VÍCTOR TERRAZAS

Genesis Owusu

REDSTAR WU & THE WORLDWIDE SCOURGE Ourness PTY

Vince Staples contra el imperialismo Vince Staples

Cry Baby Loma Vista/Music As Usual

8 RAP / Vince Staples es crudo, directo y tremenda-

mente crítico ante una América actual sin alma. Una América liderada por Trump, racista, opresiva, violenta y que huele a lejía desde cualquier lugar del mundo. “Cry Baby” nace así de la necesidad de verbalizar sin filtro una situación sociopolítica que avanza destruyendo y que parece seguir creciendo hasta límites insospechados, sin que nadie haga nada al respecto. Algo que no sucederá con el tremendo mensaje que encapsula este séptimo disco de Vince porque, sin lugar a duda, el presidente romperá a llorar si se siente atacado como refleja la portada del álbum para que los suyos le consientan y recurrir así a una censura que haga este trabajo lo más invisible posible. El disco empieza claro

y contundente tirando por el suelo el sueño americano y bajo un eslogan crítico frente al imperialismo: “Empires built on bloodstained ground”. Vince siempre ha hablado en sus discos de la desigualdad y la violencia. De la falta de control, de la necesidad de recursos, la defensa propia, la terrible inseguridad de un estado que solo cuida a algunos privilegiados (“Go! Go! Gorilla”). El álbum crece así sobre un espíritu post-punk importante y a su vez mantiene su evolución a través del neo-soul como ya hemos visto en otras entregas. Además, vuelve de nuevo a abrazarse a su herencia old shool y la empaqueta con temas como “The Big Bad Wolf” en la que recurre a Slick Rick y su “Children’s Story”. Un disco con el que ha querido mirar al diablo a los ojos para decirle que conoce bien sus debilidades y que esta batalla por la libertad no ha hecho más que comenzar. Un proyecto para iniciar una nueva revolución que defienda sus valores y luche por sus vidas. Una revolución que grite por todos lados “¡No a la guerra!” como exhibe en “7 In The Morning”. —ÁLEX JEREZ

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NEO SOUL/POST-PUNK / Owusu ha seguido los pasos de Nina Simone con su tercer disco, intentando reflejar los convulsos tiempos en los que vive y lo que es más difícil, ha sabido poner fuego musical a ese mensaje, creando uno de los mejores discos de lo que llevamos del año, una batidora musical experimental en la que caben hip hop, post punk, dance punk, neo-soul e indie, y en el que se conjuran los fantasmas no solo de Nina Simone, sino de otra banda muy dada a mezclar géneros y a reflejar la época en la que vivía, The Clash. Y es que creo sinceramente que Joe Strummer daría su total aprobación a este “REDSTAR WU & THE WORLDWIDE SCOURGE”. En un 2026 que no nos estaba dando muchos grandes discos, este destaca por su mezcla de ansiedad política, colapso social y caos con momentos mucho más reflexivos y optimistas. Estamos ante el mejor disco de su carrera. Nina Simone puede sentirse orgullosa. —SERGIO ARIZA

8

julio-agosto 2026 #39

MONDOVINILOS

Cómo Vivir En El Campo Tan lejos como esta tarde me lleve El Genio Equivocado

—

INDIE POP / Menos estrictamente acústico que su anterior pasaje, el sexto disco de estos rústicos estetas dilata sus márgenes hasta abrazar un chamber pop costero, la canción castiza y telúrica y un soul atenuado. Salen indemnes de tal empresa gracias a la habilidad de sus partes para hacerlo todo bonito. Como buenos mesetarios, se sienten de todas partes y a la vez de ninguna, pasando del imaginario centroamericano de “Güircho” al ruralismo vasco de “Gaztetxe” o seduciéndonos con un polifacético despliegue de recursos: pedal steel y congas con groove en “Tú a mi vera (yo a tu verita)” y órganos ye-yé en “De la foto que me guardo”. De la estepa al arrabal, y tan capaz de recuperar su precisión pop (“De vez en cuando en lugares extraños”) como de convertir el desamor en postal (“Nomeolvides”), no renuncian con sus desvíos a su rara elegancia, confirmando que su único principio innegociable es la belleza. —FRAN GONZÁLEZ

7

PAL

Mito único Batir Records

Olivia Rodrigo y los dolores del amor Olivia Rodrigo

you seem pretty sad for a girl so in love Geffen/Universal

8 POP / En el pop actual, ninguna canción se

queda solo en una canción. Cada verso abre una investigación entre sus fans: a quién va dedicada, cuándo pasó, qué indirecta se nos escapa. Olivia Rodrigo conoce ese juego parasocial, pero su conexión generacional nace de algo más humano: convertir emociones privadas en algo reconocible. En “SOUR” (21), esa herida sonaba adolescente: la comparación, la traición, la primera ruptura como fin del mundo. En “GUTS” (23), la rabia era más afilada y autoconsciente. En “you seem pretty sad for a girl so in love”, la pregunta ya no es quién le rompió el corazón a Olivia, sino qué pasa cuando querer demasiado empieza a parecerse a desaparecer. Y eso también se escucha: Rodrigo elige una paleta

#40 julio-agosto 2026

ochentera, new wave y romántica, con guitarras brillantes, sintetizadores que agrandan escenas y una producción de Dan Nigro que hace que el amor suene amplio, bonito y asfixiante. La aproximación a esa década no es uniforme. Conviven el romanticismo oscuro de “the cure”, la electricidad new wave de “my way” y un pop sintético que en “expectations” vuelve casi performativa la recomposición emocional. Rodrigo mantiene su impulso melódico, pero lo desplaza a un marco ambiguo. Su colaboración con Robert Smith en “what’s wrong with me” abre una grieta temporal: The Cure entendieron que una canción podía sonar preciosa y febril al mismo tiempo, y Rodrigo traduce esa intuición en clave contemporánea, desde el cuerpo y la ansiedad. También vuelve una constante en su discografía: la idea de ser suficiente. En “SOUR”, Rodrigo cantaba desde quien siente que no lo fue. En “GUTS”, esa inseguridad se volvía interna. Aquí la pregunta es más adulta: ¿Puede el amor hacerte sentir suficiente si buscas en otra persona la prueba de serlo? —MONTSE GALEANO

7

ROCK / Una última bala per-

dida. Es lo que le quedaba a PAL en la recámara. Unas canciones grabadas en 2010 que ahora ven la luz conformando este mini-álbum de siete piezas que reflotan aquellos motivos que los señalaban como una de las bandas más potentes y fiables de su generación. “Mito único” es el definitivo canto del cisne del combo. Un regalo inesperado que añadir a esa discografía abrasadora de tres álbumes. Un último paseo por el trazado inconfundible de PAL, con temas levantados en base a caos, tensión, músculo, densidad y, en definitiva, composiciones maravillosamente asfixiantes e inyectadas con la abrumadora personalidad del combo. Una buena dosis de indie-rock de trazo grueso, alma post-punk y lírica cortante. Años después de su separación, reverdece la teoría de que en algún momento PAL obtendrán la consideración de grupo de culto, en base al reguero, aún candente, que la formación dejó tras de sí. .—RAÚL JULIÁN

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Good Riddance

Fatoumata Diawara

Before The World Caves In Fat Wreck Chords

Massa No Format

WORLD MUSIC / Como pasa

con artistas como Erykah Badu o Sade, la voz de Fatoumata Diawara y la música de “Massa” logran convertirse en el oxígeno del torrente sanguíneo del escucha, así como por arte de magia, a pesar de ser un acto “exótico” en Occidente. Por lo dicho, “Massa” se desarrolla como una historia vista a través de lentes que disparan flares de brillos no estridentes; una zaga que se escucha mediante altavoces que lanzan sonidos, pero también colores de esos que se ven con los ojos cerrados. Una voz única, soltando verdades existencialistas vestidas de instrumentaciones que rozan la perfección. En el funk de “Djame” o “Mogo”, en el pop de raíz de “Tcheba“, en la espiritualidad de “Massa” o de “Farana” y en la dulce calma de “Nden” o “Lahidou”, allí aparece una majestuosidad capaz de transformar un rato cotidiano en un auténtico momento de calidad. Un hechizo en el que caer con total tranquilidad.

—ADRIANO MAZZEO

PUNK ROCK /El título del décimo álbum de Good Riddance denota urgencia, como la música y las letras de estos trece nuevos misiles de hardcore punk melódico con mensaje político. “Before The World Caves In” cuenta con la producción de Bill Stevenson (All, Descendents), responsable de la mayoría de los álbumes del cuarteto de Santa Cruz, y recupera esa costumbre tan suya de incluir breves diálogos extraídos de pelis de culto. En este sentido, su primer disco en siete años es un elepé cien por cien Good Riddance. La inicial “There’s Still Tonight”, “In Pieces” (con un estribillo digno de los mejores Bad Religion),“To Suffer Is The Name” (que remite al añorado Tony Sly) y la metálica “Posse Comitatus” ejemplifican tanto su energía desbordante como su versatilidad. Lejos de ablandarse con los años, el grupo sigue alzando la voz con la misma convicción que en sus inicios y entregando discos estimulantes.—LUIS BENAVIDES

8

RAP / Tras su inestable

“Aliens” (24) Elio Toffana demuestra con “Gravitas” que para radiografiar los bajos mundos de la urbe y la mente le queda mejor la sudadera con capucha que el casco de exploración espacial. El de Aluche firma un álbum notable sintetizando varias de las virtudes que le llevaron a poner su silla en el respetable salón del rap español: solidez, ímpetu e incendiario. El madrileño pule su escritura frontal y gráfica (“Soy el cangrejo que logró salir del cubo”, en “Bad Boyz en Madrid”) con un afilado campo gravitacional a nivel sonoro, comandado en su mayoría por un Dano que acomoda el espíritu del proyecto y su transitar por su geografía emocional y los embates vitales (“Esto es la guerra de un golfo/Husein en Irak”), también carga contra el fast-food musical en “Macarrones” y cierra orgulloso con la guitarrera “Algo de luz”, donde todo queda en casa. .—DANIEL CABALLERO

ROCK / Cuando uno termina de escuchar este nuevo título de Sparta piensa en Jim Ward como un capitán de un barco que se bambolea en plena tormenta. Ward logra llevarlo en la dirección correcta, aunque en medio toma decisiones de todo tipo. Hay jugadas que posiblemente sean objeto de críticas, Ward sale con temas como la casi dark wave “‘Mistery of Missing” o el incómodamente pop “Glimmer” que si bien es soso como él solo, también es un riesgo, al que, al menos, hay que darle una oportunidad. La valentía no queda ahí: tenemos “See You Soon”, una balada con tintes de americana algo fuera de lugar. Porque comentar la innegable efectividad post-hardcore del resto del disco sería una obviedad. En ese plano Sparta siempre cumplen: Ward es un clásico total del género. “Cut A Silhouette” no será el mejor disco de Sparta, pero hay intenciones y, sobre todo, desafíos a los que bien merece la pena prestarles algo de atención. .—ADRIANO MAZZEO

6

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INTERNACIONAL

1 Carlangas Universo Paralelo

1 Vince Staples Cry Baby

2 Emilia Pardo y Bazán Qué ha sido de los planes que hicimos...

2 Aldous Harding Train on the Island

3 Guille Galván Nadie con ese nombre vive aquí 4 Revendless Nostalgia 5 Las Nietas de Charli Un sol dentro 6 Guerrita & Manu Beats Le Salon des Refusés

4 Ecca Vandal Looking For People To Unfollow 5 Genesi Owusu Redstar Wu & The Worldwide Scourge 6 Rostam American Stories 7 Julieta Venegas Norteña

8 Yerai Cortés Popular

8 Paul Mccartney The Boys Of Dungeon Lane

Alexis Taylor

INDIE POP / En su séptimo

álbum en solitario, el vocalista de Hot Chip reivindica otra manera de habitar el sonido, ofreciéndonos en este afrancesado y elegante cancionero un espacio en el que las constricciones de género, formato y cronología quedan deliberadamente suspendidas. Es la voz del británico, de tenor ligero y vibrato rectilíneo, la encargada de suturar la disparidad de estilos de su propuesta, que viajará desde el country-dance (“mp3s Can Make You Cry”) hasta el dreamwave (“On A Whim”), pasando por el pop de los nuevos románticos (“Fainting By Numbers”) o el reggae para una irreconocible versión de “Wild Horses”. Ninguno de sus temas, solventes, pero sin derrochar trascendencia, supera el inmediatismo de “Out of Phase”, y es que, pese a los esfuerzos, la sensación de que la obra en solitario de Taylor se resiste a alcanzar del todo la resonancia de la de su banda madre, continuará persistiendo en el oyente. .—MAITE APARICIO

9 Death Cab For Cutie I Built You a Tower 10 Fatoumata Diawara Massa

Go to the Dogs

Paris in the Spring Night Time Stories

6

3 Olivia Rodrigo you seem pretty sad for a girl so in love

7 Sílvia Pérez Cruz Oral Abisal

10 Como Vivir en el Campo Tan lejos como esta tarde me lleve

Cut A Silhouette Equal Vision/ Rude

Gravitas Ziontifik Music/Altafonte

NACIONAL

9 María José Llergo El juego

Sparta

Elio Toffana

7

top 10.

8

Who Cares? Kasba Music

7

ROCK / Lejos de la pose nos-

tálgica y del revival domesticado, lo de Go to the Dogs suena a barra pegajosa, amplificador al límite y carretera secundaria. Su segundo larga duración, “Who Cares?”, encuentra al grupo endureciendo su propuesta sin perder el pulso callejero. Hay más músculo, más confianza y una sensación constante de inmediatez. Las premisas no cambian. El disco se mueve entre el high energy rock escandinavo, el punk rock de aroma suburbial y ese hard rock sucio que parece hecho para sonar a las tres de la madrugada en un garito pequeño mientras no tienes muy claro cómo acabaste allí. Pero el grupo no se limita a encadenar referencias, sino que hay una mejora evidente en la construcción de los temas. Las canciones entran rápido y dejan huella. No buscan complejidad, pero sí impacto. Y lo consiguen.Actitud sin caer en el exceso caricaturesco que tantas veces acompaña a este tipo de propuestas. .—EDUARDO IZQUIERDO julio-agosto 2026 #41

MONDOVINILOS

La La Love You y el síndrome de Peter Pan La La Love You

¿Por qué me miráis así? Subterfuge Records

6 POP / La La Love You siguen queriendo evitar

asumir la vida adulta y prefieren permanecer atrapados en una cápsula del tiempo donde el eterno sueño adolescente es posible. Un cómodo espacio al que agarrarse y en el que no tener que hacer frente a la dura presión de la realidad. En “¿Por qué me miráis así?” repiten, por lo tanto, la misma fórmula buscando saciar la ola de nostalgia de su gran público y manteniendo su identidad dentro de una burbuja protectora para que nada ni nadie la pueda alterar. Han sido tres años de trabajo para dar vida a esta nueva pieza de la mano de Dani Alcover, el ya conocido productor de la banda. Finalizando este proceso, además, con la incorporación de Mía Berlín como parte del engranaje principal de La La Love You. “¿Por qué me miráis así?” refuerza la idea del club de los incomprendidos que lleva sobrevolando las cabezas del grupo desde sus inicios. Trata de atrapar esa sen-

The Aggrolites

REGGAE / “Super Atomic”

no deja espacio sin llenar. Como un pelotón de luchadores del groove, Aggrolites dan siempre en la diana y más allá que el cantante Jesse Wagner esté en estado de gracia hasta los temas instrumentales cumplen con sus cometidos. Para los no iniciados, The Aggrolites cimentan su propuesta en el sonido del early reggae, el soul de Toots and the Maytals y por qué no, en el Northern Soul británico. La influencia isleña es clara y palpable, tal es así que hasta suenan hooliganescos en “Boots on the Terrace”, en la que el ska domina la escena. Si The Aggrolites fuesen un animal, serían un adorable bulldog de treinta y cinco kilos: dulce, juguetón, divertido y cuidadito con que se cabree. Podrá sonar cliché en 2026, pero un disco así de laborioso, que evidencia su tracción a sangre compás tras compás es un manifiesto pro humanidad.

—ADRIANO MAZZEO #42 julio-agosto 2026

Luna– con el que buscan certificar cómo la banda está rompiendo todo tipo de fronteras y celebrar cada nuevo miembro de su comunidad de fans. Es evidente que La La Love You se encuentran en ese complicado punto del para qué tocar algo cuando ya es un éxito y eso provoca que los veamos a las puertas de un estancamiento difícil de romper. Al menos, mientras tanto valoran mucho lo que tienen y lo disfrutan al máximo. —ÁLEX JEREZ

Seefeel

Dano, Cerounno, Mir Nicolás y H de Perra

Super Atomic Pirates Press Records

7

sación de sentirse el rarito del lugar, el ajeno a lo que mueve el resto del mundo. Pero, a su vez, defiende el valor de ser una pieza única de la colección haciendo frente a la norma a golpe de batería y guitarras. Un disco de canciones directas y letras facilonas que se suben a la montaña rusa del buen rollismo en la que a veces las cosas funcionan y otras no tanto. Un proyecto lleno de colaboraciones –tan diversas como las de Monsieur Periné o Álvaro de

Ziggy Marley

Sol.Hz WARP

Brightside Tuff Gong

Tierras Raras MÉCÈN Ent.

7

RAP /La cantera del rap

argentino ya es montaña con cornisa. Cerounno, H de Perra y Mir Nicolás, admiradores y herederos estilísticos y espirituales de Dano forman este EP junto a él titulado “Tierras Raras”, un íntegro trabajo de seis canciones que actúa como una especie de códice identitario y de estilo, además de carta presentación al nuevo público que puede venir arrastrado por la huella dactilar de Dano. Las sinergias fanfarronas y despreocupadas de Cerounno; la técnica sofisticada de Mir Nicolás; el vigor de H de Perra; y Dano, ideólogo absoluto de atmósferas y la parte curatoria del disco, con algún buen verso, aunque su mejor baza aquí está lejos de las letras. Aparecen ecos del rap sucio de Memphis y texturas límpidas con vientos primaverales. “Roc A Fella” es el mejor tema: una guitarra eléctrica que parece una nostalgia redentora, y donde los cuatro firman aquí hondura y lucidez. —DANIEL CABALLERO

8

ELECTRÓNICA / Antes de

5

REGGAE / “Brightside”, el

entrar de adentrarnos en el corazón del primer álbum de Seefeel en quince años, tras sus dos sobresalientes EP’s de 2024, cabe resaltar la sensación general que transciende a lo largo de sus nueve canciones: ser el reverso ambient de la euforia sónica shoegaze que ellos mismos trataron en los años de gloria del género con “Quique” (93), su particular versión subacuática en modo ambient-dub de la materia dream-noise. En este sentido, el nuevo álbum de los británicos suena a último eslabón de una evolución sonora tremendamente coherente con el inevitable hermanamiento de la sonoridad post-“Loveless” (1991) con las texturas orgánicas de pulsión ambiental. Un tratado sónico zurcido a base de micro percusiones y toda una odisea de sonidos vaporosos que parecen querer descifrar las mismas interioridades del silencio,

nuevo disco de Ziggy Marley no es un mal álbum. Suena conciso, las ejecuciones son correctas y los temas funcionan bastante bien, pero incluso así quedan en el debe algunos aspectos fundamentales como por ejemplo que sea un disco que deja con sensación de genérico. Es difícil direccionar la atención hacia una escucha activa, todo suena trillado y no rebosante de inspiración precisamente, más allá de la producción efectiva de su hermano Stephen. Dicho esto, es posible que el disco no decepcione a los seguidores del mayor hijo del gran Bob, quien grabó en 432Hz en el afán de lograr que el trabajo suene lo más cálido posible, en parte porque su contenido lírico refiere en su mayoría al sensible tema de la salud mental. Un disco que simplemente acompaña una carrera con momentos definitivamente más altos que este.

—MARCOS GENDRE

—ADRIANO MAZZEO

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MONDOVINILOS

Modest Mouse

An Eraser And A Maze Glacial Pace

6

INDIE ROCK / Se echaban de

menos las peculiares atmósferas propiedad de esos veteranos del indie-rock con marca de agua que son Modest Mouse. El grupo regresa, tras cinco años de silencio, con un generoso trabajo de quince cortes que hubiera ajustado mejor el tiro de quedarse con diez. Fuera como fuese, el octavo disco de los norteamericanos incluye un buen puñado de latigazos, con la pose habitual de la banda señalando hacia ese tipo de rock áspero que liman lo suficiente como para que resulte accesible desde su remodelado aspecto indie-pop de guitarras. Un equilibrio habitual en la banda que mantiene (de fondo) espíritu punk, compaginado con una mueca tan ruda como, a estas alturas, reconocible. El reencuentro con Modest Mouse resulta satisfactorio gracias a una obra que incluye suficientes llamadas de atención con el sabor clásico de Modest Mouse (aquí matizado o incluso madurado) como para celebrarlo. —RAÚL JULIÁN

Silvia Pérez Cruz Oral_Abisal El Pez Cruz/ Sony

8

La fórmula de Death Cab for Cutie Death Cab for Cutie

CANCIÓN / Prepárate para

otro viaje inolvidable y, “si no te quieres perder, piensa siempre en espirales, recuerda de dónde vienes y sanarás to’ tus males”. Quince canciones en las que Silvia intercala armonías que se nutren de instrumentos de cuerda, voces y percusiones en su parte Oral, pasando del hielo a lo líquido, vaporoso y viceversa, a flotar y sumergirse de nuevo bajo el hechizo Abisal, en mares de metales, trompas y flautas traveseras al mando. De la emocionantísima chacarera “Chundwa”, a la traición de “El golpe bajo”, donde nos duele hasta “el costao del alma”, pasando por una “Líquido” con quejío flamenco como tesoro que resplandece en las profundidades. Silvia Pérez Cruz, (sirena y) “Capitana”, borra los límites en su décimo álbum, “Oral_Abisal”, transformándose en agua y luminosa lágrima colectiva que nos une a todos.

I Built You a Tower ANTI/[PIAS]

7 ROCK / Los caminos de los grupos son, como

los del Señor, inescrutables. Imprevisibles. Hace ya más de dos décadas que la banda de Ben Gibbard puso encima de la mesa su obra maestra “Trasantlanticism” (03), en la que sublimaban su estilo depurado de emo indie pop de arpegios delicados, arreglos medidos y melodías vocales preciosistas y sentidas. Poco después llegaría la firma con la multinacional Atlantic y otro disco memorable, “Plans” (05). A partir de ahí, problemas en paralelo a los de una industria discográfica que dejó de ser lo que había sido, discos cada vez más intrascendentes y envarados, y el abandono en 2014 del guitarrista y cabeza pensante Chris Walla, que parecía el golpe de gracia. La resurrección creativa de la banda del Noroeste se produjo, contra todo pronóstico, con “Asphalt Meadows” (22), de mano del productor y técnico John Congleton, experto en insuflar vida a bandas

apostando por la crudeza realista y enfatizando dinámicas grupales. Con su fichaje por la independiente ANTI, el hoy quinteto cierra el círculo, y mantiene esas constantes vitales mostradas en su anterior trabajo con canciones directas y eficaces. Congleton sigue a los mandos con resultados óptimos, y Gibbard y compañía son capaces de ampliar sus horizontes con el kraut-pop del single “Riptides” o las guitarras agresivas de “Punching The Flowers”, con un riff de lo más rockero que han hecho nunca. El bajo abrasivo y la atmósfera psicodélica, progresiva por momentos, de “How Heavenly a State” muestra que han encontrado un pequeño filón en lugares insospechados. Hasta se atreven con la electrónica analógica en la tierna e inspirada “Trap Door”, con pianos muy The Cure. Esta versión madura de Death Cab for Cutie tiene entidad suficiente, aunque en las canciones siga dominando el tono adolescente de la voz de Gibbard y unas melodías que nos remiten a aquella era dorada de 2005. Y aunque el conjunto se quede un peldaño por debajo de su predecesor, se certifica que la banda ha encontrado un camino sólido en el que desarrollar su versión otoñal.

— JC PEÑA

—DAVID PÉREZ MARÍN mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2026 #43

MONDOVINILOS

Ecca Vandal LOOKING FOR PEOPLE TO UNFOLLOW Loma Vista/ Music As Usual

8

ROCK / Para este disco, Ecca

Vandal se aisló junto a su productor y pareja Ritchie Buxton en la habitación de juventud de este, con una mala conexión a Internet y con muchas ganas de no saber nada de algoritmos, noticias de mierda y presiones de estar constantemente online. La idea era la de hacer un disco que sonara como una obra completa; algo obvio en el pasado, una rareza hoy día. En este disco alza la voz, alta y clara, con rebeldía, descaro y mucho arte. Se grita, se distorsiona, se rockea y se punkea, desde una perspectiva muy actual. Porque “LOOKING FOR PEOPLE TO UNFOLLOW” es un disco de hardcore urbano, es decir, que hay electrónica, pizcas de reguetón, ideas banghra, sintetizadores industriales, todo in your face. Un perfecto chupito de taurina, un pequeño terremoto que vale la pena experimentar, un recordatorio de que estamos vivos y de que no todo lo que brilla (en redes y plataformas) es puto oro.

—ADRIANO MAZZEO Las Nietas del Charli

Un Sol dentro Raso Estudio

8

El juego de María José Llergo María José Llergo El Juego Sony Music

7 FLAMENCO / Dicen que el lenguaje configura

nuestra forma de ver el mundo: hay pueblos con veinte palabras para la nieve y otros que nombran la luz que se filtra entre los árboles. El castellano inventó ese “te acompaño en el sentimiento” para no dejar a nadie a solas con el dolor. Igual de hermoso que el “play” de los ingleses: esa equivalencia donde jugar y tocar música son, en esencia, la misma cosa. Aun así, el idioma no determina la fórmula. Un inglés jamás podrá esculpir un álbum con la raíz y el duende de “El juego”, el tercer disco de María José Llergo. Tras aportar su luz a Nu Genea, la cordobesa regresa con una entrega libre donde juega

#44 julio-agosto 2026

para divertirse, sanar y recordar. “Abuelo” y “Olvídame” nacen de pérdidas distintas, pero comparten la voluntad de transformar el dolor en canción. Es también un disco donde su propuesta aflamencada se funde al mirar al otro lado del charco: hay bachata en “Otros besos” o reguetón en “Veneno”. Llergo demuestra su maestría en el funambulismo entre tradición y riesgo. “La Celda” ejemplifica a la perfección ese equilibrio con su electrónica de club que nunca eclipsa la profundidad de su cante. Y aunque este nuevo trabajo pueda estar un peldaño por debajo de sus anteriores entregas (“Ultrabelleza” de 2023 y “Sanación” de 2020), nos presenta una manera hermosísima de entender el arte. Una partida donde, aunque esta vez no se roce el sobresaliente, da gusto verla jugar, porque sabemos que, gracias a esta experimentación, su mejor trabajo todavía no ha sido publicado.

—VÍCTOR TERRAZAS

FOLK / Hace un par de déca-

das no nos habría parecido tan disruptivo que dos artistas en sus veinte hiciesen canciones de más de cinco minutos sin estribillos y desactivasen nuestra ansiedad a golpe de economía acústica; hoy, sin embargo, nos parece pura insurgencia musical. María y Raquel no se dejan tentar por la celeridad y apuestan en su debut por el gesto mínimo y el tempo suspendido con firma humana. Silencios, respiraciones, risas cómplices y cuerdas pulsadas en un disco de folk que esconde muchos matices: del pop fraternal de Repion (“Montaña”) al slowcore fantasmagórico de Red House Painters (“Rabia”), el preciosismo armónico de Vashti Bunyan (“Camino”) o el tradicionalismo libre de Sílvia Pérez Cruz (“Lauri”). Las hermanas Rubio Pastor renuncian de forma tácita a la espectacularidad y logran embelesar al oyente con las armas de un proyecto nuevo, pero sorprendentemente maduro. —FRAN GONZÁLEZ

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MONDOVINILOS

El debut en solitario de Guille Galván Guille Galván

Nadie con ese nombre vive aquí Esmerarte/Canción Muralla/Universal

8 FOLK / El guitarrista y compositor de Ve-

tusta Morla ha entregado un disco íntimo, valiente y personal, casi de otra época, alejado de los fuegos artificiales del rock, pero también de las servidumbres del “cantautor”. Concebido inicialmente como respuesta al doloroso proceso de pérdida de su padre, el músico madrileño ha acabado reconociendo de forma cálida y confesional a toda la gente que le han hecho ser quien es, en un proceso de “alumbramiento” más que de duelo. Y de serena exploración de su propia identidad. Esta generosidad brilla en diez canciones atemporales y artesanales con arreglos exquisitos y sutiles, en las que letras construidas con meticulosidad encuentran su vehículo en la voz del autor. Afirma Guille que lo más difícil fue precisamente encontrar la manera ideal de vocalizar sus textos acompañado de su acústica, un

La Pegatina

MESTIZAJE / “De lado a lado

me paso la vida. Tarjeta de embarque, controles, maletas...”. Aunque este verso pertenece a “De Lado a Lado”, funciona como prólogo fidedigno para la trayectoria de La Pegatina. Tras dos décadas de aeropuertos y carreteras, el grupo se permitió parar dos años y repensarse. “Fuegos del Barrio” es el resultado de ese proceso. El álbum no busca la ruptura, sino un ajuste interno: quitar capas, volver a casa y componer desde lo coral. La clave fue su residencia en la masía La Casamurada, donde convivieron y grabaron sin la presión del calendario. De ahí nace un sonido orgánico y menos intervenido que remite a sus primeros trabajos, gracias a la producción de Camilo Lara (IMS). Porque, como avisa la letra que abría este texto, por mucho que vueles alto siempre piensas en volver. Y es ese gesto donde reside el fuego de este disco.

—VÍCTOR TERRAZAS

8

y también desde una sobriedad desnuda que trasciende etiquetas. Con el cierre de “Canción muralla” el oyente se da cuenta de que la invitación a entrar en su cálido refugio musical y emocional ha merecido la pena, y que volverá para descubrir más cosas. —JC PEÑA

Sublime

Rostam

Fuegos del Barrio Calaverita Records

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salto al vacío a estas alturas. A partir de la magnífica apertura de “La botella” y acompañado por consumados técnicos y músicos de confianza (entre ellos, Héctor G. Fazzo, Campi Campón y Carlos Raya), Guille arropa las canciones entre el clasicismo y lo contemporáneo como si estuvieran en un espacio físico,

American Stories Autoeditado/ Popstock!

Until The Sun Explodes Sublime Recordings/Atlantic

LA PLAYLIST

INDIE POP / Como si de una

REGGAE ROCK / La historia es milagrosa y habla por sí sola: el líder de Sublime Bradley Nowell, tristemente fallecido en la vera de su éxito masivo en 1996, es reemplazado treinta años después por Jakob, su hijo. En épocas de hologramas en directo y tecnología insoportable lo de Sublime es un milagro de lo orgánico, o siendo más cursis, es el milagro de la vida. Ahora bien, esto no va a significar que hablemos de un disco maravilloso, porque no es el caso, pero sí un ejemplo muy bonito que hará emocionar a los fanáticos del grupo. En realidad “Until The Sun Explodes” tiene un solo problema y no es grave: es un disco demasiado largo, pero en ese excesivo camino se encuentran varias perlas que respetan y enaltecen lo mejor del ADN de este clásico californiano. No es el mejor disco de Sublime, pero logra reavivar la llama de este clásico del rock reggae surfer con sostenidas esperanzas de que la cosa siga creciendo. —ADRIANO MAZZEO

WARP se ha convertido en una de las grandes discográficas británicas de todos los tiempos, apostando siempre por la vanguardia y el talento. Estas son las mejores canciones –la lista podría ser de centenares– de su catálogo.

extraña, pero muy lúcida ceremonia de reconciliación se tratase, Rostam Batmanglij ha decidido sintonizar en una misma frecuencia la herencia y la fuga, haciendo de su tercer álbum la obra que con más rigor y verosimilitud le representa. El ex-Vampire Weekend basa su disco en esa dualidad identitaria en constante fricción que le define, apostando, contra todo pronóstico, por un disco que esquiva el populismo fácil en favor de la emoción y la fusión orgánica como únicas armas discursivas (maridando con brillantez la serpenteante insignia sonora del saz iraní con el pedal steel yanqui). El denominador común de este desaguisado es la ternura natural del firmante, quien además de pasar de puntillas por el desencanto, la patria, el desarraigo o la memoria, nos demuestra ser capaz de convertir el ruido en suavidad, la contradicción en lenguaje y la fragilidad en belleza sin condimentos. —FRAN GONZÁLEZ

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6

WARP, sus mejores canciones

—LLUÍS S. CEPRIÁN

1 LFO “LFO- Leeds Warehouse Mix” (“Frequencies”, 1991) 2 Autechre “Bike” (“Incunabula”, 1993) 3 Aphex Twin “Flim” (“Come To Daddy”, 1997) 4 Squarepusher “My Red Hot Car” (“Go Plastic”, 2001) 5 Boards of Canada “Aquarius” (“Music Has The Right To Children”, 1998) 6 The Other People Place “Let Me Be Me” (“Lifestyles of The Laptop Café”, 2001) 7 Plaid “Even” (“Double Figure”, 2001) 8 Broadcast “Come On Let’s Go” (“The Noise Made By People”, 2000) 9 !!! “Hello? Is This Thing On?” (“Louden Up Now”, 2004) 10 Battles “Atlas” (“Mirrored”, 2007)

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17-19 setembre mao

fent cultura a balears

SHAME

EL DIABLO DE SHANGAI GO CACTUS

TRISTAN!

DJ SET

THE BLAZE

SOLEÁ MORENTE RAYA DIPLOMÁTICA TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

PLUMA UR BAD NIÑOS RAROS BAF ANÁLISIS EL ZID

FREENIPPLES TROPIKANA ALCAPONE SELECTOR Foodtrucks · cranc pro · cranc kids · podcasts · Música · amics ...i més DJs i activitats per anunciar... COFINANÇAT PER:

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.LOS DISCOS DE MI VIDA

And Also the Trees Virus Meadow (1986)

Sin lugar a duda uno de los discos más infravalorados del post-punk. Mientras se le prestaba la atención a The Cure y Bauhaus, And Also the Trees estaban creando algo extraño y más pastoral, atmósferas góticas fusionadas con una sensibilidad casi folk inglesa. Este disco rebosa texturas interesantes.

The Legendary Pink Dots Cualquier disco

Edward Ka-Spel construyó un universo propio a lo largo de decenas de álbumes. Un mundo psicodélico, postapocalíptico y profundamente literario que nadie más en el mundo podría haber creado. La genialidad de los Dots reside en la combinación entre la más absoluta vulnerabilidad y una extrañeza surrealista.

The Cure Pornography (1982)

Bruno Kramm (Das Ich)

Das Ich, pioneros del Neue Deutsche Todeskunst (Nuevo Arte Alemán de la Muerte, una combinación entre rock oscuro, industrial, electrónica e incluso metal), regresan tras años de silencio para presentar su nuevo álbum, “Fanal”, en Barcelona (11 septiembre, Sala Upload) y Madrid (12 septiembre, Sala Nazca). Aprovechamos la ocasión para que Bruno Kramm nos descubra los seis discos de su vida. Nine Inch Nails The Downward Spiral (1994)

Un álbum conceptual que te arrastra a través del completo colapso psicológico de un ser humano y que lo hace con una brutalidad sonora y una intimidad que resulta incómodamente personal. Trent Reznor combina noise industrial, guitarras distorsionadas y texturas electrónicas de un modo en el que nadie lo había hecho antes: caótico y feo en la superficie, pero genuina y devastadoramente melódico en el interior.

Alphaville Forever Young (1984)

El disco más extremo que Robert Smith jamás haya hecho, y también el más honesto. No es un álbum para disfrutar, sino para sobrevivir. Se grabó durante lo que el propio Smith describió como una crisis nerviosa total, y así es exactamente como suena. Una batería que retumba en tu cabeza como una migraña; guitarras que no tocan acordes, sino que los difuminan, y letras llenas de pavor, sin esperanza y sin redención alguna.

Einstürzende Neubauten Halber Mensch (1985) Engañosamente simple y sutilmente profundo. En un momento en el que la mayoría del synth-pop era puro escapismo, este disco tenía un gran peso melancólico. La canción que da título al álbum, en particular, se lee como una meditación sobre la mortalidad, la ansiedad nuclear y la belleza desesperada de la juventud cuando todo parece frágil. A eso hay que sumarle que la producción es exuberante y cinematográfica sin ser fría en ningún momento.

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El título significa “Medio humano” y el contenido le hace honor: mitad máquina industrial, mitad puro nervio humano. Neubauten construyeron instrumentos con chatarra, maquinaria de construcción y desechos, y en este disco encontraron la manera de convertir ese brutalismo en algo genuinamente bello. —MS

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48/Mondo Media

Fatboy Slim

Eterno adolescente

Quentin Leo Cook (Bromley, Reino Unido, 1963) es el nombre real de Norman Cook. O lo que es lo mismo: Fatboy Slim, viejo conocido de nuestras salas de conciertos y festivales. Ahora volverá a visitarnos para actuar y firmar su libro “Esto no acaba… hasta que Fatboy Slim cante”, recientemente publicado en castellano de la mano de Banizu Nikuze.

A

penas iniciarse nuestra conversación, Cook me comenta que siempre ha sentido una conexión especial con el público español, y aunque es algo que podría decir cualquiera, ahí está su larga relación con Ibiza. Esta nueva visita coincide con el cuarenta aniversario de su carrera y con la publicación ex profeso del libro autobiográfico “Esto no acaba… hasta que Fatboy Slim cante”. Cuarenta años que se cumplen, claro está, de su debut en el seno de The Housemartins, antes de embarcarse en los proyectos Beats Internacional, Freak Power y Fatboy Slim desde 1997, que es el que le ha granjeado mayor popularidad. Ocasión propicia para una conversación por Zoom a la que quince minutos se le quedan cortos, dada su locuacidad. Norman es un tipo con el que te irías de cañas o directamente de farra, sin dudarlo. Cuando le comento lo mucho que me sorprende el desparrame de fotos, carteles, flyers y toda clase de memorabilia que alberga su libro, más todavía teniendo en cuenta que (él lo confiesa) ha #48 julio-agosto 2026

pasado parte de su carrera sumido en una nube etílica, lo justifica por su afán coleccionista. “Soy un gran fan de la música, y además de eso, guardo todo lo mío de los últimos cuarenta años porque soy un coleccionista compulsivo, he organizado mi propio archivo en un montón de cajas y hasta colecciono langostas de plástico, mira”, me dice mientras gira la pantalla y me muestra una pared entera repleta de eso, de langostas de plástico colgadas en su propia casa. Tal cual. También San Google le ayudó a sortear las lagunas mentales, asume: “He googleado mucho, de verdad, he tenido que verificar así muchos datos, porque en un libro has de ceñirte a la realidad, aparte de que muchos de los flyers y los posters lograron activar recuerdos que tenía dormidos, pero sin Google y sin mi colección de objetos, el libro habría sido mucho más corto”, admite. Personalmente, lo que más aprecio de él es que da la impresión de no haber perdido aquella inocencia juvenil, la capacidad de maravillarse ante un éxito que nunca esperó. “Nunca pensé que sería famoso ni que

pudiera tener una carrera tan larga: cuando The Housemartins nos separamos en 1988, tras tres años y dos álbumes, pensé que me tendría que reciclar y ganarme la vida como bombero”, expresa. “Nunca tuve un plan, salvo hacer lo que me gusta, igual que ocurre con este libro, que tampoco pensé en hacerlo, pero alguien me lo propuso para celebrar mis cuarenta años en el negocio”, explica. De hecho, aún no se cree que al día siguiente a esta entrevista vaya a actuar por primera vez en el estadio de Wembley. “A veces suena el teléfono y ocurren estas cosas”, dice. Le comento que debe ser de los pocos músicos del planeta que ha bautizado un estilo entero, aunque fuera por casualidad: el big beat, que procede del Big Beat Boutique, el local en el que hacía de maestro de ceremonias en Brighton durante la segunda mitad de los noventa. El post-rock lo acuñó Simon Reynolds. El post-punk, Jon Savage. El new pop, Paul Morley. Todos periodistas, no músicos. Pero él me recuerda que esto es algo clásico en la música de baile. “En la cultura de club y de la música de baile sí es más común: el garage viene del Paradise Garage de Nueva York y el house procede del Warehouse de Chicago, pero me alegra que lo del big beat venga de ahí, la verdad”, reconoce. Un código genérico del que no ha necesitado desligarse a lo largo de las últimas tres décadas para seguir convocando a miles de personas. “Hay que ser fiel a tu propio sendero: yo solo hago música, pero la que hago es como las camisas hawaianas, a las que soy tan aficionado que llevo treinta y cinco años vistiéndolas, y en todo ese tiempo han estado de moda, han dejado de estarlo y lo han vuelto a estar. Pues lo mismo pasa con mi música: el dubstep, el drum’n’bass, la EDM, todo eso está muy bien, pero va y viene, mientras que la base de la música house, que es de donde procede mi fórmula, sigue estando ahí. Tiene esa longevidad”, explica. Me resulta inevitable preguntarle si se arrepiente de algo. “Ojalá me hubiera fotografiado con Madonna cuando compartimos camerino antes de hacerme famoso”, dice. Y ya algo más en serio, reconoce que “quizá debería haber dejado de beber un poco antes de

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LIBROS

“ “Nunca pensé que sería famoso ni que tendría una carrera tan larga”

cuando lo hice, un par de años antes, aunque, bueno, he sobrevivido, he mantenido a mi familia intacta y mis hijos tampoco se enteraron mucho de todo aquello”, matiza. ¿Qué clase de música escucha habitualmente por puro placer? “Pues cosas que no tengan nada que ver con lo mío, nada bailable ni particularmente electrónico. Soul y blues muy viejos, de los años treinta, de hecho, el nombre de Fatboy Slim bien de ahí, de gente como Memphis Slim, o de The Beatles… porque cuando escucho música dance soy incapaz de evitar pensar ‘Bastardo, ¿por qué no pensaste en eso, por qué no diste con esa idea?’. No puedo escucharla desligado de la visión profesional”, confiesa. Padre de dos hijos como es, una adolescente y un veinteañero, reconoce que “Internet ha eliminado barreras entre la vieja y la nueva música”, y lo celebra, pero al mismo tiempo cree que “es un poco aburrido que ya no haya punks, skinheads, mods, suedeheads, rude boys y todas aquellas tribus urbanas, que vestían distinto y escuchaban música distinta: eso me gustaba, y es una pena que se haya perdido. Pasa como con los centros comerciales, que son exactamente el mismo en todas partes”. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R Más en www.mondosonoro.com

EN DIRECTO l Vilanova i la Geltrú 04 julio. Vida Festival l Sevilla 14 julio. Icónica Fest l Ibiza 16 agosto. Las Dalias Akasha

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julio-agosto 2026 #49

HOMER EL MERO MERO

MARTES 10/11 PALMA DE MALLORCA MIÉRCOLES 11/11 VALENCIA JUEVES 12/11 MÁLAGA SÁBADO 14/11 SEVILLA LUNES 16/11 MADRID MARTES 17/11 BARCELONA

TUS IDEALES TAMBIÉN CURAN

Para suturar heridas de guerra: hilo quirúrgico, pinzas e ideales.

Independencia Compromiso Humanidad

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CINE Y SERIES El día de la revelación

Michael Jackson: El veredicto

Steven Spielberg

Nick Green

8 SPIELBERG, el hombre que hizo que el mundo entero tuviera pánico a los tiburones, vuelve a demostrar, en cambio, su amor por los extraterrestres en “El día de la revelación”, film que no solo es un compendio de su cine sobre la existencia alienígena, sino también una llamada a la reflexión en el convulso mundo actual, aquí situado en el umbral de una supuesta tercera guerra mundial. No le pidamos al autor de “E.T.” o “Encuentros en la tercera fase” análisis sesudos sobre la política de nuestros días. Su mirada y sus intenciones son las de Hollywood: un mensaje tan bienintencionado como naíf y encapsulable en una galleta de la fortuna. Sí se le puede exigir al responsable de la trilogía de Indiana Jones un espectáculo de primer orden. Y eso es lo que ofrece en “El día de la revelación”, largometraje frenéti-

co con un par o tres de secuencias asombrosas e ingeniosas e interpretaciones excelentes, algo no siempre habitual en películas de tan evidente objetivo comercial. Colin Firth añade a su conocida elegancia british esa terrorífica y cautivadora capacidad intimidatoria propia de los malvados para el recuerdo. Sin embargo, la dueña de la función es Emily Blunt, con una interpretación radiante que modula el ritmo de la cinta y sus cambios de tono. Desencadena los momentos más emotivos de la película, administrados con cálculo y sin regodearse en la sensiblería. Igualmente, Blunt es portadora del humor de la cinta, ingrediente luminoso que el guionista David Koepp, uno de los habituales de Spielberg –suyas son “La guerra de los mundos” (05) y “Parque jurásico” (93)– utiliza con inteligencia. —J. PICATOSTE VERDEJO

5 “POR FIN ÍBAMOS a obtener respuestas, ¿Era culpable o inocente?” Con semejante espectacularidad y abarcando más de lo que puede apretar, “Michael Jackson: El veredicto” arranca su tríada de episodios, trayendo de vuelta un debate tan antiguo como el mundo, pero, desgraciadamente, sin aportar ningún contenido relevante sobre el estado de la cuestión. Llega, en primer lugar, al candor oportunista del éxito del reciente biopic de Michael y peca, de entrada, de estirar en demasía un relato de conocido desenlace (la exculpación del cantante tras su fatigoso y dilatado juicio en 2005 por delitos sexuales contra Gavin Arvizo). Volvemos a sentirnos, dos décadas después, inmersos en un tira y afloja pendular en el que Jackson pasa de monstruo a mártir y viceversa, mientras nuestra opinión queda sujeta a

Las corrientes

El señor de las moscas

Milagros Mumenthaler

Jack Thorne

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7 “LAS CORRIENTES”, de la argentina Milagros Mumenthaler, nos narra una historia enigmática y magnética. Su protagonista, Lina (una excelente Isabel Aimé González Solá), posee todo aquello que la sociedad actual considera valioso. Con poco más de treinta años, es una reconocida diseñadora de moda, tiene un marido que la ama y una hija pequeña. Sin embargo, durante un viaje a Suiza, algo se quiebra. Se encuentra en Ginebra para recibir un premio cuando, de pronto, un impulso inexplicable, una sensación de malestar, la lleva a abandonar el acto. Sale a la calle y comienza a deambular por una ciudad desconocida. Al cruzar un puente, se arroja al lago que da nombre a Ginebra. Sobrevive y regresa a Buenos Aires. Pero, cuando intenta retomar la vida anterior al viaje, descubre que le resulta imposible. A todo ello se suma la

contradicciones, intereses cruzados y confesiones imprecisas más que a convicciones. Tiene mérito, aun así, cincelar casi tres horas de documental basadas exclusivamente en un juicio en el que no se permitieron cámaras; así que, para suplir esta oquedad en el archivo, Green recurre a una extensa lista de secundarios que buscan su particular minuto de gloria (ex– amigos de los Jackson, antiguos empleados de Michael, abogados, fiscales, periodistas, fans y hasta miembros del jurado y responsables finales de aquel veredicto). Pero ni por esas consigue justificar su propia existencia. El regustillo final es que todo cuanto rodea al Rey del Pop, por mucho que cada cierto tiempo surjan nuevos productos audiovisuales autoproclamándose como definitivos, seguirá siendo un auténtico misterio. —FRAN GONZÁLEZ

aparición de un miedo paralizante al agua y a los ruidos fuertes. La directora nos va revelando, con sutileza y precisión, como la realidad de Lina se está volviendo cada vez más extraña y grotesca. Los colores y sonidos se intensifican, con unos efectos que nos recuerdan al cine de Almodóvar o de Todd Haynes, unos cineastas que también suelen colocar a sus heroínas en medio de un torbellino emocional, que se expresa con más metáforas visuales que palabras. Nos encontramos ante un misterio casi policíaco, aunque aquí el enigma no se proyecta permanece enterrado en el subconsciente de la protagonista. La película alcanza un clímax y un desenlace. Sin embargo, la directora argentina parece confiar en la inteligencia del espectador y deja espacio para que cada cual encuentre sus propias respuestas.

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS

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¿Y TÚ QUÉ CAMPAMENTO elegirías: el de las normas o el de la diversión? ¿El de la civilización o el de la barbarie? Publicada en 1954, “El señor de las moscas”, la célebre novela de William Golding –Premio Nobel de Literatura en 1983–, ha conocido varias adaptaciones audiovisuales a lo largo de las décadas. La última es la miniserie de cuatro capítulos de BBC/ Netflix (aunque, por motivos de licencias, en España ve la luz de la mano de otra cadena) y creada por Jack Thorne, guionista de “Adolescencia”, una de las mejores producciones del año pasado. La historia sigue a un grupo de niños aislados en una isla desierta tras un accidente aéreo. Intentando reproducir el sistema social adulto, organizan normas y jerarquías para sobrevivir. Pero todo acaba desmoronándose y, mostrando el lado más oscuro del

ser humano, terminan divididos en dos facciones enfrentadas. Una distopía que parte de la idea de que la maldad es inherente al individuo y que la civilización no es más que el disfraz bajo el que ocultamos nuestros instintos más salvajes. Una reflexión especialmente incómoda cuando quienes exhiben esa violencia son niños apenas adolescentes. Ideas vigentes ya en el siglo XX y todavía más hoy, con un “Cheto” gobernando el mundo. La adaptación de Thorne, brillante en su realización audiovisual y sostenida por las excelentes interpretaciones de su jovencísimo reparto, introduce además un subtexto político evidente. No cuesta imaginar al personaje de Jack como un machirulo neoliberal que transforma sus complejos en violencia contra quienes no le siguen el juego.

—ORIOL RODRÍGUEZ julio-agosto 2026 #51

CÓMICS Animales domésticos Bianca Bagnarelli Salamandra Graphic

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PODCASTS Allí donde vas Étienne Davodeau Ediciones La Cúpula

Tierra o luna Jade Khoo Astiberri

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Los Cantantes Favoritos de tus Cantantes Favoritos

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Carlangas

Premiadas en distintos países, no había tenido la oportunidad de leer ninguna de las breves historias de Bianca Bagnarelli. Y es posible que, por ello, el golpe haya sido mayor. La artista italiana las fue creando entre 2013 y 2024, pero leerlas reunidas en este “Animales domésticos” –con estilos distintos y extensiones variables– resulta de lo más descorazonador. Podríamos decir que vamos viendo la evolución hacia la madurez conforme avanzamos en estas historias, pero sería un tópico. Esencialmente porque todas y cada una de ellas supone un arrebato de emotividad, tristeza o desazón, que Bagnarelli sabe tejer en apenas unas pocas páginas. Se recomienda tener un buen día antes de su lectura. —JOAN S. LUNA

No sé cuántas veces he escrito que el francés Étienne Davodeau es un maestro a la hora de ponernos frente a la realidad, sobre todo en sus últimas obras. Así que esta reseña no va a ser una excepción, incluso más, puesto que los protagonistas son, en parte, su esposa y el propio autor. Digo “en parte”, porque Davodeau le da voz a Françoise para relatar diversas historias reales que ella misma ha vivido como acompañante de personas afectadas de alzhéimer. El resultado, como no podía ser de otra manera, es una obra muy humana que nos ayuda a sumergirnos en la enfermedad desde un prisma distinto, recordándonos que, en el fondo de los abismos cerebrales, siempre hay una persona y, como tal, merece nuestra ayuda y nuestro respeto. —JOAN S. LUNA

Un cómic magnífico como este sería impensable sin la gran tradición de la escuela franco belga. Sin embargo, en sus suntuosas páginas también se aprecia con nitidez la influencia del manga y el anime japoneses, en especial de las producciones de Ghibli de Hayao Miyazaki. Su estilo, de línea fina y con paisajes trabajados en acuarela, se sitúa en un punto intermedio entre ambos mundos. Esta síntesis se refleja igualmente en la temática: una combinación de slice of life, de relato de iniciación, ambientado en un universo que oscila entre la fantasía y la ciencia ficción. A ello se añade, como sucede en “La princesa Mononoke” (97) o “Nausicaä del Valle del Viento” (84), un notable componente ecologista.

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS

Que Carlangas es un animal de radio lo sabíamos desde hace años; si a ello le sumas que sus compañeros de escena beben los vientos por pasar un ratito de asueto, coloquio y chufla con él, el resultado es un pretexto pintiparado para reencontrarnos con su añorada y desprejuiciada erudición. Dime qué escuchas y te diré quién eres; un tercer grado tan antiguo como el mundo que parte de la música de terceros para llegar, por vía oblicua, al territorio más íntimo de los invitados/as del ex–Carminho (Depresión Sonora, Javier Ferrara, Ángeles Toledano, Russian Red, Dear Joanne…). Una suerte de espejo indirecto en el que la prescripción no nace del postureo, sino de la pura experiencia. Porque hablar de música es, ciertamente, hablar de la vida.

—FRAN GONZÁLEZ

LIBROS Yo siendo yo Hans Laguna Anagrama

La música indie. Una historia cultural Chris DeVille Península

7 Todo el mundo miente. Lo decía el Doctor House. Mienten los pacientes y también las estrellas del pop cuando venden autenticidad en entrevistas, documentales o redes sociales. Hans Laguna lo analiza en “Yo siendo yo mismo. El teatro de la autenticidad en las estrellas del pop”, una pequeña gran joya de Anagrama. El músico y sociólogo reflexiona sobre cómo, en una sociedad obsesionada con diferenciarse, todos acabamos pareciéndonos: misma ropa, mismos discursos, mismas poses en Instagram. Las estrellas del pop participan de ese juego mostrando falsa cercanía, vulnerabilidad y control creativo. El único pero que le podemos poner a este ensayo es que se centra en figuras plenamente sistémicas. —ORIOL RODRÍGUEZ #52 julio-agosto 2026

7 A pesar de lo ultra sobado del término, lo cierto es que hubo una época en la que la catalogación de ‘indie’ conllevaba unas connotaciones acusadas. Por eso era necesario un libro que se inmiscuyera de lleno y en profundidad en la materia, sobre todo si el proyecto recaía en una voz autorizada como la de Chris DeVille, que demuestra loable perspicacia y deja a disposición del lector un sondeo tan exhaustivo y esclarecedor como en la práctica fascinante. Un viaje por la evolución y aceptaciones del término, con paradas en aquellas mutaciones materializadas en un lo que sería un sinfín de subgéneros y que llegaron con el paso de los años. Un análisis didáctico que tampoco osa perder de vista un trazo pasional. —RAÚL JULIÁN

La doble muerte de David Berman

Guillermo Lorenzo Libritos Jenkins

8 Antes de nada, cabe resaltar la importancia de esta iniciativa: publicar un libro, como el que hoy nos ocupa, dedicado a una figura minoritario de la edad de oro del indie norteamericano. Un libro brillante que, además de captar el alma de David Berman (líder de Silver Jews), nos brinda la ocasión de comprender mejor al letrista más fascinante de su generación. Título más que merecido para alguien que hizo de su trayectoria musical una sombra ¿reparadora? de las quijotescas tragedias que fueron asolando su día a día hasta que puso punto y final con un suicidio que ya se veía venir en su único disco como Purple Mountains. Profundo y ameno, al mismo tiempo, esto es un regalo para fans y todo aquel con un poquito de curiosidad. —MARCOS GENDRE

7 El club de la corchea

Bumbum,Cypher y Valentino

Tres amigos, dos creadores de contenido y un DJ, que se sientan detrás de un escritorio durante aproximadamente tres horas a hablar sobre sus vidas, y a veces, sobre música. “El Club de la Corchea” es un podcast de nicho, que nace con la ilusión de unos chavales por hablar sobre sus géneros y artistas favoritos en frente de una cámara, y que ha acabado convirtiéndose en un referente para muchos de los oyentes del urbano. Un formato totalmente autoproducido, guionizado, grabado, realizado y editado que ha colaborado con marcas y artistas que han posicionado al programa en el mapa. Aunque han pasado por algunos cambios durante su corta pero intensa trayectoria, han sabido reinventarse y mantener el formato que tantas alegrías les ha brindado.

—JÚLIA NEGRILLO

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Fugees

Charlamos con el fotógrafo Juan Pérez Fajardo con motivo de su libro y exposición El libro “SOUNDTRACK. Fotografías de Juan Pérez- Fajardo” (Sílex, 26) recoge dos décadas de instantáneas musicales del fotógrafo, músico y realizador madrileño. Su biografía gráfica y una atractiva puerta de entrada a decenas de universos musicales.

Cuando el 13 de febrero de 1996 apareció en las tiendas “The Score” de Fugees, todos los ojos estaban puestos en otro disco de rap que salió ese mismo día, se trataba del “All Eyez On Me” de Tupac. En plena estúpida guerra entre Costa Este y Costa Oeste, el mundo pensaba que el rap era solo Gangsta, pero había mucho más allá del estereotipo.

Charlamos con Venga Monjas con motivo de su 20º aniversario Cuando Internet todavía era campo, Xavi Daura y Esteban Navarro campaban a sus anchas, con un huevo fuera y la cutrez deliberada por bandera. YouTube era el salvaje Oeste y los Venga Monjas sus particulares marshals. Han pasado veinte años ya de aquello y no nos lo creemos. Ni ellos, ni nosotros.

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shego No esperábamos un nuevo trabajo de shego tan pronto. Tampoco una reconfiguración que dejase fuera a Maite (vocalista principal), recuperase a quien fuera miembro original Irenegarry, y colocase a Elena de Vicente Calderón (batería) en primer plano. Su Ep “MIAU” (Ernie, 26) recoge el material más experimental y arriesgado de la banda.

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Joyce Manor: “Simplemente hacemos lo nuestro e intentamos que siga siendo divertido” La banda californiana Joyce Manor amplía su sonido en un séptimo trabajo de estudio titulado “I Used To Go To This Bar” (Epitaph/ [PIAS], 26), un disco de guitarras limpias cargado de nostalgia y sentido del humor que ha producido el mismísimo Brett Gurewitz (Bad Religion). Su cantante y guitarra, Barry Johnson, nos da las claves. Aldhara: “Cuanto más sabes, más libertad tienes” Entre el flamenco, la electrónica emocional, el pop contemporáneo y un imaginario audiovisual muy definido, Aldhara construye en “Belladonna” un universo donde las referencias aprenden a convivir sin perder identidad.

Más conciertos

Primavera Sound

Mallorca Live Festival (Mallorca, del 12 al 14-06-26) Mallorca Live Occident 2026 afrontaba su celebración poniendo por delante la sencilla premisa de que menos es más. La reducción de la programación, rematadas con una exclusiva closure party, suscribía la iniciativa de uno de los mayores eventos de las Baleares por afinar el formato sin renunciar a su escala.

(Barcelona, del 03 al 07-06-26) Sería tremendamente injusto que el año que The Cure dieron unos de esos conciertos para el recuerdo, la presente edición del festival Primavera Sound pasara a la historia tan solo por lo acontecido en su jornada del jueves.

Bad Bunny (Barcelona, 22 -06-26) Cuando hace poco más de sesenta años unos ingleses con el pelo más largo de lo normal, adaptaron -a la par que adoptaron- la música de, entre otros, Little Richard, Fats Domino o Chuck Berry, muchos tildaron el resultado como algo cercano al ruido.

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur. Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245 Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, María Alfonso, Montse Galeano, Virginia Barbero Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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ROBBIE WILLIAMS

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11/07 “WEST END GIRL” DELLAFUENTE ∙ IDLES ∙ LILY ALLEN PERFORMING

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