Mondo Sonoro diciembre 2022

“SKINTY

FIA” DE FONTAINES DC MEJOR DISCO INTERNACIONAL DE 2022

7/Mondo freako

Fred Again.. Compartir un mundo

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Con “Actual Life 3 (January 1 - September 9 2022)” (Warner, 22) no solo queda en ‘stand by’ la trilogía que ha aupado a Fred Again.. al Olimpo de la electrónica, también se pausa una forma de entender la música: emotiva y de baile, muy británica, pero universal.

LA MISMITA IMAGEN de sus discos, de sus redes sociales, pero en movimiento, vía Zoom. Él, andando por la calle, plano contrapicado, un auricular blanco, de cable, al oído, barba de tres días. Y el semblante alegre. Es Fred Again.. al otro lado del teléfono, llegando a su casa y aprovechando los minutos de camino, como quien escucha un podcast, para atender a los medios de comunicación. No tiene más que veinte minutos para la prensa. Confiesa que es raro, pero que a la vez, lo disfruta. Acaban siendo algo menos de doce minutos entre que se prepara un café italiano, y el molinillo interrumpe la conversación, se fuma un cigarrillo… Y, sobre todo, mientras piensa bien cada una de las respuestas. Vacila varias veces con el papel de liar, mira al techo, hasta que atina a repasar con la lengua el pegamento.

FRED AGAIN.. tiene ahora mucha más demanda de entrevistas, y anda todo el día de bolos, pero Fred Gibson sigue siendo un tipo que se rasca el lóbulo de la oreja antes de cada respuesta, que junta las manos dejando un huequito, como si tuviese un pajarillo dentro al que no quiere ahogar, y se las lleva a la frente al final de la entrevista. “Estoy muy agradecido”, se despide. Es difícil pensar que la vida del productor siga teniendo pausa. Pero él se la pone. Todo aquello que parece imposible, con él no lo es tanto: se puede ser profundo, sensible y empático en poco menos de un cuarto de hora, y se puede –de momento– terminar con el ciclo “Actual Life” sin miedo a echar la vista atrás. Aunque la suya haya sido la gran revelación de los últimos años desde que despachase la primera parte, desde que describiese las sensaciones del encierro como nadie. Por mucho que le duela a sus devotos, toca decir adiós. Hasta pronto, Carlos, Tayla, Nathan, Kammy, Clara o Mustapha.

LA TERNURA, FRAGILIDAD Y GRATITUD siguen aferradas a las entrañas de Fred Gibson y de todo lo que rodea a “Actual Life 3 (January 1 - September 9 2022)”. Pero es un disco más frío y pistero que sus predecesores, aunque contenga algunas perlas como “Danielle (Smile On My Face)” o “Bleu (Better Than Me)”. En ellas, lo emo sigue venciendo por goleada. UK Garage, house alegre y chisporroteante, chops y loops. Música que puede ser masticada por muchas más bocas que todo lo hecho hasta ahora. Tal vez sea su disco más digerible. Pero se trata de un álbum que sigue siendo tremendamente honesto: ¿Acaso no ha dejado de girar? ¿Sobre qué iba a componer alguien que se pasa el día entre sold outs? Por eso domina la música de baile en el disco de un tipo tremendamente cotizado las últimas fechas, alguien que ha actuado en todos los festivales habidos y por haber, y que ya colaboró con artistas como Ed Sheeran o FKA Twigs. Y con Brian Eno, claro, uno de sus máximos valedores y con quien no tardará en publicar.

Te veo ocupado. Andando y haciendo entrevistas a la vez.

¡Todo bien! En treinta metros llego a mi piso. [Ríe]

Disparo. En la primera entrevista me dijiste que el objetivo era expandir “Actual Life”. Ya van tres retoños. No esperaba nada. No planeaba que fuera una trilogía cuando empecé. Y no digo que se haya terminado. Pero definitivamente, necesito dibujar una línea en la arena después de esto. Respirar por unos instantes.

¿Entonces la idea no era que fuesen tres partes? ¿Sientes que se agotó?

No, no, para nada. No tenía previsto nada. No lo sé. Cuando terminaba de escribir el disco, simplemente me di cuenta de que iba a ser el final. Al menos por el momento. Aunque entonces no lo sabía, no lo planeaba. Puede que vuelva a ello, pero ahora mismo necesito aparcarlo un rato.

Estos meses atrás han tenido cada uno sus discos. “Actual Life” ha resultado en una especie de diario. Para tí y para tus fans: da la sensación que estamos en tu rutina, que compartimos algo contigo. ¿Es esa la clave del proyecto? Totalmente. De eso se trata. Me hace feliz que lo digas. Me siento como describes. Es fantástico como, cuanto más personal es algo que haces, más puedes llegar a la gente. No voy a parar de hacer eso. Pero necesito parar por un momento. [Ríe]

¿Te cansaste de tanta intensidad? Tiene pinta de ser emocionante y estresante a la vez, tu vida.

Exactamente. Esas son las palabras. Cien por cien. Es algo muy intenso. Escribir sobre lo que escribo, todo lo que tiene que ver con Fred Again.., pero a la vez también hay otras cosas por ahí, como el álbum junto a Brian Eno. He hecho tres discos muy rápido y me he dado cuenta de que todos van de lo mismo, que todo habla de lo mismo. Necesito descansar de todo ello.

El disco es algo diferente a sus predecesores. ¿Responde eso al cambio en tu rutina, todo el día arriba y abajo tocando? Sí… En el último año ha habido mucho baile, mucho club, mucha energía… Seguro que eso ha influenciado de forma inconsciente, pero no fue algo premeditado. No tenía un plan. Solo hice lo que sentía que tenía que hacer. Yo siempre intento seguir aquello que me resulta natural. Nada más.

¿Es entonces por el tipo de música con la que estás trabajando con otros? ¿Influencia eso “Actual Life 3”? [Ruido de café molido] Perdón, me estoy haciendo un café… [Retoma la respuesta] Yo siempre intentaré expresar lo que siento que tengo que expresar. Es más un descanso de la fórmula tal como la hago con “Actual Life”. Tal vez no será un diario colaborativo, o sí. El disco con Brian Eno es finalmente… Muchas cosas parecidas.

¿Qué harás con los audios de Whatsapp? ¿Qué haremos sin tus amigos, ahora que también son los nuestros? Hace dos años nadie sabía sobre tu mundo y ahora compartimos uno que tú has creado. Eso es maravilloso, tío. Es precioso. Me encanta que lo digas. Estoy encantado de compartir un mundo contigo. Y con tanta otra gente.

¿Te preocupa que los nuevos proyectos puedan no llegar de la misma forma al público como lo ha hecho “Actual Life”? No es algo que me preocupe excesivamente. Creo que tengo que dedicarme a hacer mi música. Mantener la perspectiva de que seguro que habrá alguien ahí. No pienso demasiado en ello, no.

Tenemos menos de un minuto. La próxima entrevista pinta que será récord. De cinco minutos tal vez. ¿Puede uno acostumbrarse a estas velocidades? Puede ser muy raro. No me hago a ello del todo, claro. Pero al final también lo disfruto. Tú has dicho que compartimos un mundo. Lo has dicho tú. Y eso lo voy a recordar por el resto. Estoy muy agradecido, de veras que sí. YERAY S. IBORRA

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“Cuanto más personal es algo que haces, más puedes llegar a la gente”

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LA MÍA Tributo a...

HACE APENAS UNOS DÍAS tenía claro que esta columna de opinión iba a centrarse en lo que ahora se conoce como “precios dinámicos”. Algo más tarde, pensé que sería mejor esperar a que –aunque ya haya habido casos sonados internacionalmente como las giras de Bruce Springsteen o Blink-182– el sistema llegase a nuestro país para verlo más sobre el terreno. Pero esta mañana ha habido tres señales que me han llevado a un tema. Caminando hacia el trabajo he escuchado un podcast en el que se entrevistaba a una mujer que se dedica al management de bandas tributo. Poco después he visto un mensaje perdido en el que un redactor de la casa me recriminaba que hablase del show de Robotrock en Barcelona, atendiendo a que se trataba de un dúo tributo a Daft Punk. A las dos horas, alguien me ha invitado al concierto de otra banda tributo, presuponiendo que me encantaría ver el directo de un grupo local versionando canciones de un artista que jamás me ha interesado demasiado. Así que, como podrán intuir tras esta introducción que se ha comido prácticamente media extensión de la columna de opinión, hoy he venido a hablar de las bandas o artistas tributo. Como jefe de redacción de una publicación musical especializada pensarán que debo posicionarme totalmente en contra, pero se equivocan. Me lo pasé en grande en el concierto de Robotrock –tiene mucho mérito lo que han conseguido crear a nivel escénico y tecnológico– como en ocasiones anteriores lo he pasado muy bien con algún que otro grupo tributo de Kiss o de algunos shows de Björn Again. Y no se me han caído los anillos, ni me han retirado el carnet de crítico musical. Sencillamente creo que se trata de universos distintos. Me encanta la música, me encanta descubrir grupos nuevos, me encanta escuchar a gente que se deja la piel defendiendo sus propias canciones. Lo que ocurre es que entiendo ir a un concierto de una banda tributo como ir a un espectáculo de entretenimiento sin complicaciones. No le doy muchas más vueltas. No todo el mundo disfruta de la música del mismo modo y no podemos exigirle a todo el mundo que vea la actualidad musical como nosotros la vemos. Ahora bien, ¿pueden quejarse los artistas que componen repertorio propio de que algunas salas prefieren programar bandas tributo para hacer caja que a nuevos nombres? Pueden, por supuesto. Están en todo su derecho. Pero me sabe mal insistir en ello, son mundos distintos. Difícilmente puedo imaginar que alguien que acude una y otra vez a conciertos de, pongamos por ejemplo, bandas tributo a Queen fuera a dedicarle ese tiempo a descubrir nuevos artistas si las tribute bands desaparecieran de la faz de la tierra. El tema daría para mucho. Planteen debate y me vengo. JOAN S LUNA

La Bien Querida Nuevos sonidos

En experimentar y en probar nuevas ideas consiste la música. Sin embargo, el espíritu nunca desaparece. La Bien Querida se atreve de lleno con la música caribeña en “Paprika” (Sonido Muchacho, 22), su nuevo disco, en el que condimenta sus habituales synth-pop y rock con sonidos como la bachata, la salsa o la rumba.

TEXTO Karen Montero

ANA FERNÁNDEZ-Villaverde no abandona su esencia sonora ni lírica: el amor vuelve a ser su motor creativo para sus canciones. Además, se reencuentra con todas las mujeres que habitan en ella como en “La perra del hortelano” o sobre retos y BDSM en “La voz de su amo”. Once temas entre los que se encuentran también las colaboraciones con Santiago Motorizado en “La Cruz de Santiago”, Miren Tulsa en “Mala hierba” y Jota de Los Planetas en “No es lo mismo”. Nuevos sonidos, nuevas perspectivas, pero siempre La Bien Querida.

En “La perra del hortelano” hablas de todas las mujeres que habitan en ti. ¿Este disco te ha hecho hacer las paces con cada una de ellas?

Las paces y la guerra. Siempre hay momentos de paz y momentos de guerra, eso está en todo ser humano. Esa lucha es la que te mantiene vivo. Si siempre estuviese en paz estaría tan zen que no sé si me gustaría eso. Me gusta estar muy activa.

¿De qué tipos de amor hablas en este nuevo disco?

Hablo del amor pasional, que es el que me interesa. El amor mueve el mundo en general y hay muchos tipos de amor. Pero para hacer las canciones me interesa el deseo.

Acababas de sacar “Brujería” cuando llegó el confinamiento. ¿Cómo viviste esos momentos?

En el confinamiento pensé que se acababa el mundo. Soy un poco catastrofista y veía el futuro un poco negro. En los meses que estuvimos encerrados tampoco compuse nada. Fue luego que empecé a hacer canciones.

Sorprende muchísimo la combinación de estilos musicales: desde la bachata de “Esto que tengo contigo” al synth-pop de “La voz de su amo”. ¿Cómo decidiste agrupar todos estos estilos latinos y caribeños? ¿Te habías imaginado hacer un disco con raíces musicales latinas?

Es una mezcla, no todo el disco es así. Quería que esas canciones tuvieran peso.

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“Soy atrevida en vestir mis canciones”

Tenía ganas de hacer algo diferente y tocar otros palos que no había tocado. Le dije a David Rodríguez que me ayudara a producir este disco. Nunca le he hecho ascos a ningún estilo de música: desde el principio tendía puentes entre la música popular un poco. Son diferentes formas de vestir mis canciones, pero mi forma de componer tampoco ha cambiado tanto. Sigue siendo La Bien Querida: no me he vuelto loca. Simplemente soy atrevida en vestir las canciones. A parte, creo que estamos viviendo un momento muy bestia multiculturalmente, porque se están tendiendo muchos puentes entre países y creo que la música latina también está en un momento muy poderoso y dulce.

En esta fusión de estilos también trabajas con Carlos Sadness en el single de “Perreo bonito”. ¿Cómo fue la colaboración?

Carlos me escribió y me dijo que me iba a sorprender que me escribiese, no nos conocíamos. Pensó en mí para la canción y le dije que iba a escucharla, si me gustaba y el timbre de la voz me quedaba bien entonces la haría. Me pareció una canción muy bonita y fue genial.

¿Por qué “Paprika”, el nombre del disco?

Todos mis discos se llaman con una palabra y quería seguir con esa línea. Como iba a experimentar con sonidos caribeños, pensé en un nombre de una salsa o una especia. Me acordé de un grupo súper underground del extrarradio de Cataluña de hace años que se llamaba Paprika Joe. Era un nombre que siempre me llamaba la atención, no sé si me gustaba o me parecía

horrible, pero en el fondo me gustaba la sonoridad.

¿Cómo se dio la colaboración con Santiago Motorizado?

Con Santiago nos habíamos escrito por Instagram y decíamos de hacer una canción juntos. Esta canción tenía mucha letra y pensé que quedaría bien hacer un dueto para que no fuera tan pesada, así que pensé en él. Aquí canta en un registro agudo en el que no le vemos tan habitualmente, y luce muchísimo. Se ve que es un buen cantante. Luego llamé a la canción “La Cruz de Santiago” en homenaje a él porque le quería agradecer su colaboración. También es un homenaje a Santiago de Compostela porque en el disco aparece la cruz de Santiago de Compostela.

¿Tienes alguna relación con Santiago de Compostela?

No, pero me gustaba. Desayuno cada mañana en la calle Santiago, y en la placa del nombre de la calle hay una cruz de Santiago. Siempre me ha parecido súper bonita.

También te has estrenado en el cine como actriz en “Matar a la madre”, de Omar Ayuso. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Muy bonita. Me lo propuso Omar y acepté porque me gusta experimentar y me atrevo con todo. Lo grabamos en pandemia: fue un rodaje difícil porque había que hacer pruebas de todo tipo, estaba todo súper regulado. La movida fue rodarlo porque Omar lo hizo a lo grande. Esto era un corto y, aun así, aquí tiró la casa por la ventana. Es un corto que ha tenido mucho recorrido, lo hemos presentado en un montón de festivales. No me imaginaba nunca ser actriz, pero nunca se sabe: en la vida pasan trenes y yo los cojo todos. K.M.

EN CONCIERTO

ENTREVISTA

No son pocas las cosas que han cambiado en la vida de Kae Tempest en los últimos tres años. Cuando publicó su anterior álbum, aún era Kate. Hoy es Kae. Es también la primera vez que aparece en una portada, la de este “The Line Is A Curve” (Fiction/ Universal, 22), señal de que necesitaba mostrarse tal cual. Ahora volvemos a tenerla en directo en Barcelona y Madrid.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

SIN AMBAGES. “The Line Is A Curve”, el cuarto largo de Kae Tempest, es también el disco más colaborativo de entre todos los que ha hecho: Grian Chatten (Fontaines D.C.), Lianne La Havas, Kevin Abstract, Assia y Confucius MC figuran en su nómina. Es también su trabajo más directo y comercial, sin que esto implique connotación peyorativa alguna.

LO QUE NO CAMBIA es su productor, de nuevo su inseparable Dan Carey, ni su honestidad brutal. Ni el compromiso con su arte, el que hace de ella una de las creadoras más fascinantes del Reino Unido en la última década. Hablamos con ella a través de la pantalla del ordenador. “En los dos últimos años ha habido muchos cambios en mi vida, como en la de todo el mundo: hemos pasado un momento de reflexión y autoconocimiento personal, nacional y global. Mucho dolor y sufrimiento. Y grandes descubrimientos acerca de hacia dónde nos queremos mover a partir de ahora”, afirma.

TANTO KAE TEMPEST como artistas tan dispares como Shame, Sleaford Mods, Slowthai o Fat White Family, a quienes también produjo Dan Carey, ponen banda sonora a una época especialmente complicada para el mundo y en especial, tras el Brexit, para Gran Bretaña. ¿Se siente Kae Tempest portavoz de esa generación del descontento? “Compuse ‘Salt Coast’ como una canción de amor a las Islas Británicas, un lugar al que a veces es complicado llamar ‘hogar’, pero no deja de ser bonita esa relación que tengo con ese hogar: es mi tierra, y me siento muy ligada a ella. Pero hay muchísima presión aquí ahora mismo. Muchas cosas ocurriendo. A veces puede ser aterrador pensar en dónde estamos y a dónde nos puede conducir todo esto, pero ‘Salt Coast’ trata sobre nuestra antigüedad

y sobre lo mucho que hemos sobrevivido a todo durante siglos”, afirma.

¿ES LA SUYA UNA RELACIÓN DE AMOR y odio con su país, como la que tenemos la mayoría de nosotros? “Soy de Londres, soy de Inglaterra y soy de las Islas Británicas. Son los tres ámbitos que forman mi identidad. La familia de mi padre procede de Londres y la de mi madre de Escocia, y todo eso forma parte de cómo siento esta isla. No creo que sienta más amor por este lugar que nadie, simplemente es mi tierra. Pero siento cierto conflicto con ella. No diría que siento odio, la quiero mucho más que

EL APUNTE

Sobre las colaboraciones

“THE LINE IS A CURVE” es el disco más colaborativo de su carrera. Al menos otros cinco músicos concurren: Grian Chatten (Fontaines D.C.), Lianne La Havas, Kevin Abstract, Assia y Confucius MC. ¿No le inquietaba que sonara menos cohesionado? Ella responde que “no tenía ese miedo”, y que eso es algo que le viene casi de fábrica. “Cuando empecé a hacer música ya sentía esa necesidad. Mi naturaleza es muy colaborativa, lo que ocurre es que cuando comencé con mis discos en solitario tenía ideas muy intrincadas acerca de cómo construirlos y necesitaba tenerlo todo bajo control. Ese proceso es hoy en día más de querer traer a mi comunidad conmigo y dejarme llevar. Y creo que lo que cada uno de los colaboradores aporta a este disco es muy especial. Y al final creo que hay cohesión”. La británica afirma que “funcionan como un coro que aporta diferentes perspectivas a algunas de las cosas que expreso, y he disfrutado mucho del proceso”. C P Z

Kae Tempest

“ “A veces es complicado llamar 'hogar' a Gran Bretaña”

Kae Tempest

Una nueva Inglaterra

la odio, pero quererla a veces me genera frustración”, confirma.

ESCRIBIR GUIONES PARA TEATRO, canciones, poemas o novelas son como los diferentes vectores de la personalidad de Kae Tempest. Pero, ¿en qué medida se relacionan o interactúan entre ellas? “Son formas diferentes. Tú me estás hablando en inglés, lo que significa que eres, como mínimo, bilingüe, y puede que sepas más idiomas. Pues para mí es mas o menos lo mismo: son diferentes lenguajes que tengo a mi alcance. Entiendo el significado al principio de cada idea, y es como si fueran diferentes lenguajes con connotaciones distintas. No sé si esta es una buena metáfora, porque yo solo sé hablar inglés [risas], pero me imagino que es así”, dice.

DE HECHO, SU ÚLTIMO LIBRO, “En conexión” (Sexto Piso, 2021), fue escrito en lenguaje inclusivo, no binario, y ya firmado como Kae (en lugar de Kate). El lenguaje es para ella una herramienta de transformación social. “Nuestros pensamientos están unidos por nuestra capacidad para expresarlos. Por ejemplo, en el lenguaje de género, nos damos a nosotros mismos unas fronteras muy restrictivas, que excluyen a enormes sectores de la población, gente que no son ni una cosa ni la otra, que no se pueden regir por nomenclaturas binarias. Algo tan sencillo como usar lenguaje inclusivo, o los pronombres correctos para alguien que no se identifica con ‘él’ o ‘ella’, es como una apertura al entendimiento. Los pensamientos no pueden cambiar hasta que no tienen un vehículo para expresarse y acomodarse a ellos”. C.P.Z.

EN CONCIERTO

l Barcelona 08 diciembre. Apolo

l Madrid 09 diciembre. La Paqui

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El público más inquieto ha tenido la oportunidad de disfrutar de la canción de autor, el folk, el nuevo famenco y la electrónica orgánica de la forma más especial. Porque esa ha sido la apuesta de Momentos Alhambra, la de crear experiencias únicas en eventos musicales que incorporan experiencias gastronómicas exclusivas (catas maridadas de cerveza a cargo de beer someliers de Cervezas Alhambra, talleres de tapas con reconocidos chefs y con artesanos locales de distintas disciplinas: desde ilustraciones de botánica a cerámica, collage o esmaltado).

Los asistentes han podido relajarse en cada punto de encuentro, disfrutando de las atmósferas creadas por músicos con un sello de personalidad singular, en entornos únicos; se trata, en defnitiva, de disfrutar de los matices de propuestas musicales heterogéneas de calidad, sin ninguna prisa, en lugares privilegiados, muchos de ellos con peso histórico, y degustando una buena cerveza.

La temporada ha estado cargada de grandes actuaciones de artistas tan diversos y personales, cada uno en su género, como Rocío Márquez, Anni B Sweet, Jay-Jay Johanson, Muerdo, Joana Serrat, Blanco Palamera o Chico Pérez. Cervezas Alhambra no ha desaprovechado la oportunidad de dar a conocer nombres emergentes de nuestra escena. Y es que hay pocas sensaciones más placenteras que descubrir nuevos talentos.

Las raíces, el origen, la personalidad en defnitiva, además de la singularidad, defnen a las bandas y solistas que han actuado en estos seis meses. La temporada iniciada en abril se ha cerrado con un elenco que daría para un festival más que atractivo.

Más sobre

Momentos Alhambra

El nuevo famenco en todas sus dimensiones ha tenido un protagonismo importante. Natural para una marca que tiene tan presentes sus orígenes. Han destacado las actuaciones de la cantaora Rocío Márquez, María Rodés, Niño de Elche y su inquieto espíritu vanguardista, El José, Soleá Morente, con su fusión de pop y raíces, o el pianista Chico Pérez. En cuanto a los sonidos del otro lado del Atlántico, fueron Momentos Alhambra el delicado dúo chileno Emilia y Pablo, los mexicanos Daniel, Me Estás Matando con su despliegue de glam romántico, el cantautor portorriqueño-belga Gabriel Ríos y el arrollador trío colombiano Ghetto Kumbé.

Singular es por encima de todo la propuesta de muchos de los artistas que han pasado por los distintos escenarios: el sueco Jay-Jay Johanson, con su trip-hop lleno de matices jazzeros; el indie pop de autor de la malagueña Anni B Sweet; las miradas únicas de la joven madrileña Alice Wonder y de la cantautora catalana Joana Serrat. O la del barcelonés El Niño de la Hipoteca, con sus canciones irreverentes. Otras propuestas únicas que han pasado por el ciclo son el folk con toques urbanos y electrónicos de Vicente Navarro y el pop con aires reggae y funky de Muerdo.

El ciclo también ha sido el momento ideal para descubrir artistas en proyección. Es el caso del dúo gallego Blanco Palamera, además del estilo distintivo de cantautores del nivel de la vasca Izaro, el cántabro Jaguayano o el compositor de Santiago de Compostela Luis Fercán. Para todos ellos ha sido una valiosa plataforma para su crecimiento en los próximos años.

En cada una de las experiencias reconocidos selectores musicales se han caracterizado por amenizar los Momentos Alhambra con su pasión por sonidos como el funk, el soul, el disco,

Una temporada de mAgicos Momentos Alhambra

El ciclo de experiencias musicales dentro de “Jardín Cervezas Alhambra” se ha cerrado por todo lo alto. En los seis meses transcurridos desde su inicio en la pasada primavera, cuarenta artistas nacionales e internacionales, además de algunos de los DJs más elegantes del panorama, han pasado por espacios singulares de siete ciudades españolas: A Coruña, Barcelona, Córdoba, Granada, Madrid, Málaga y Murcia.

el reggae, el house más orgánico o los sonidos tropicales de la mano de DJ’s como Javi Bayo, Guacamayo Tropical, Gaspar Antuña, Marcos Boricua, Señorlobo o Sonido Tupinamba, entre otros nombres destacados de la escena, así como representantes de la escena local de Coruña, Barcelona, Málaga, Córdoba, Murcia… que han deleitado al público asistente con su gusto musical y su contrastada capacidad para amenizar las veladas con ese toque elegante que marca la diferencia. De esta forma, los asistentes han podido disfrutar de conciertos especiales en entornos únicos. Porque hay algo mágico en disfrutar del directo de artistas con carácter distintivo en lugares también originales. Es un concepto que aprovecha la personalidad que tienen algunos los rincones más bellos y evocadores de nuestra geografía: España es uno de los países con mayor patrimonio cultural del mundo, y qué mejor manera de aprovechar sus variados atractivos que combinándolos con actuaciones de artistas que tienen algo especial.

Así, la explanada Casa de las Ciencias del bucólico Parque se Santa Margarita de A Coruña, se convirtió en punto de encuentro de los cerveceros con inquietudes musicales. En Barcelona la sede elegida fue la modernista Casa de Rius de Barcelona, uno de los puntos neurálgicos de la Cultura en la ciudad. En Córdoba fue el Cine de verano Fuenseca, enclave histórico fundado en 1945, es decir, de los más antiguos de la ciudad. En Granada “Jardín Cervezas Alhambra” se ubicó en el mágico Jardín de Gomérez, oculto tras una casa del siglo XVI y en pleno corazón de la ciudad.

No menos atractivo es el Palacio de Santa Bárbara de Madrid, originalmente habitado por un conde, y donde tuvieron lugar los conciertos del ciclo durante este pasado verano: un auténtico oasis en medio del bullicio urbano. El Patio de Lavandería de La Térmica de Málaga -uno de los motores culturales de la ciudad andaluza- y el Pabellón 2 del Cuartel de Artillería de Murcia -otro edifcio histórico- han completado la excepcional lista de localizaciones donde se han celebrado los Momentos Alhambra de este fructífero 2022.

Un balance, en defnitiva, óptimo para un ciclo que plantea una manera diferente de disfrutar de propuestas llenas de personalidad, y que promete prolongarse el próximo año. n

MONDO FREAKO

Birds In Row

“La depresión actúa como un filtro que te priva del disfrute”

La incertidumbre

Birds In Row vuelven con su tercer disco, “Gris Klein” (Red Creek, 22), ideado y compuesto durante los confinamientos de la pandemia. Hablamos con B., su guitarrista y vocalista, sobre el proceso creativo y los planes de la banda.

“GRIS KLEIN” Se compuso durante el confinamiento y no estábamos preparados al cien por cien a nivel técnico, como si no nos hubiésemos tomado el tiempo suficiente para pensar en la mezcla y cómo queríamos que sonase, ya que los pocos momentos que pudimos pasar juntos en el local los dedicamos solo a componer. La preproducción fue un poco caótica, y en la grabación dos amplis explotaron, tuvimos que arreglar una guitarra, los platos de la batería se rompieron… Fue

un desastre [risas]”, cuenta el guitarrista y vocalista B. La incertidumbre e inseguridad acabó por mermar energías y también derivó en cambios en la producción y masterización gracias a la guía de Red Creek, el nuevo sello de Johannes de Cult Of Luna. “Lo masterizó Thibault Chaumont, pero nos quedó una sensación de proyecto inconcluso a pesar de que ambos habían hecho su trabajo de la mejor forma. Fue entonces cuando Red Creek nos propuso que Magnus Lindberg lo mezclase, así que lo retomamos”.

DESPUÉS DE LOS PROBLEMAS y el duro trabajo, llegó la satisfacción con un disco con el que se sienten muy orgullosos a pesar de su temática. “Los encierros dieron más fuerza a los temas que tratamos: la depresión y ansiedad. Ver a la gente destrozándose los unos a los otros por temas que nadie domina inspiró ‘Daltonians’, por ejemplo. La ansiedad por el futuro fue una

”especie de buena musa”, comenta el propio B. sobre la composición en tiempos en los que la radicalización y la tensión social se avivaron. “Uno de los mayores daños que causó la pandemia fue sobre nuestra salud mental (aislamiento, depresión, ansiedad…) y en la confianza que tenemos unos sobre otros. La forma en la que la gente se polarizó por los debates que nos impusieron los medios de comunicación ha degradado la red social que habíamos tejido durante décadas”.

DURANTE LA ENTREVISTA, B. también aprovecha para decir que siempre guardan un mensaje de esperanza y positividad dentro de toda la frustración que parece encerrar su música. “Si no hay un futuro por delante, no tiene sentido vivir. Si estás vivo es porque crees en un posible desenlace positivo. Estás siendo optimista sin saberlo. Este es el tema principal de ‘Gris Klein’: que no veas el color en la vida y no puedas apreciar los momentos bellos de paz no significa que estos no existan, simplemente no eres capaz de verlos debido a los filtros de la depresión y ansiedad. A veces las personas son como espejos a los que mirarse y ellas son las que te dicen si tu arte vale la pena y que merece la pena compartir tus ideas y disfrutar de tu propio cuerpo. Y tú harás lo mismo con ellas. En nuestro anterior disco teníamos una canción llamada ‘Love Is Political’ que trata sobre esto. La benevolencia, el amor… son las respuestas políticas a un mundo que intenta dividirnos”.

Y ES QUE EL REFLEJO de la música de los de Labal es el mismo que el de cualquier ser humano normal que sufre y se cae cien veces pero continúa su camino. En la misma portada de “Gris Klein”, pintada por el propio B. (también es tatuador), ya se anticipa el mensaje de su interior con una comparación entre el daltonismo y la depresión. “La depresión actúa como un filtro que te priva del disfrute, y el daltonismo hace lo mismo con los colores. Es algo que intentamos abordar visualmente en la portada: una persona encerrada en una caja intentando disfrutar de un ramo de flores rosas con una expresión en su rostro que nos hace preguntarnos si esa persona puede ver realmente los colores, la belleza…”. JAIME TOMÉ

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MONDO FREAKO

“Siempre seremos fieles a lo que nos gusta"

Pianos Become The Teeth Intensidad

El quinteto americano está de vuelta con “Drift” (Epitaph, 22), su quinto disco y primero en cuatro años donde se rinden al presente acercándose cada vez más a la melodía. Mike York, guitarrista y fundador, se cita con nosotros para aclarar cualquier duda sobre el pasado y presente de los de Baltimore.

ADEMÁS DE SU QUINTO LARGO, “Drift” también es el tercer disco que lanzan con Epitaph. “Trabajar con ellos ha sido un sueño. Se centran muchísimo en el artista y en que desarrolle una visión propia de su música. Con ‘Drift’ fueron especialmente pacientes con nosotros porque nos llevó una eternidad terminarlo”. El proceso de creación del álbum también trae reencuentros con viejas amistades como Kevin Bernsten. Banda y productor han sabido reunir sus mejores cualidades durante la grabación. “Siempre trata de obtener el mejor sentimiento en cada toma sin intentar hacer todo perfecto. Hoy en día hay música que está tan pulida que carece de humanidad y se siente como artificial y perecedera” .

‘DRIFT’ TAMBIÉN RECORRE un camino conceptual y eso hace que escucharlo del tirón sea algo casi obligatorio. “Este disco en especial fue pensado como un todo. Podrías pinchar las canciones por separado y disfrutarlas, pero la experiencia de escucharlo todo junto dibuja mejor lo que teníamos en mente”. Si bien el rastro del post-hardcore solo se percibe a lo lejos, la esencia del emocore todavía permanece. “Hay muchos momentos de lidiar con la pérdida y la lucha interna. Creo que es algo que cualquier persona puede sentir y con lo que se puede identificar”. Tampoco se deja de lado la posibilidad de nuevos proyectos. “Hemos hablado incluso sobre hacer un EP de punk rápido, ruidoso y sucio. Nunca hemos sido fáciles de encasillar, así que no tenemos la necesidad de estancarnos”. Lo que sí tienen claro es que su carrera busca mantenerlos emocionados y motivados. “Hagamos lo que hagamos, siempre seremos fieles a lo que nos gusta haciéndolo lo mejor que podamos”.

YORK CONFIESA que The National y The Smiths (a los que recuerdan en varios momentos de "Drift") son de sus bandas favoritas, y eso probablemente tenga cierto peso para abrir horizontes. “Soy el único miembro del grupo que escucha activamente The Smiths y la forma de tocar de Marr ha sido una gran influencia

en mi forma de tocar”. Sobre el abandono de los gritos, también aclara el porqué. “A la gente le encanta decir cosas como que Kyle no puede gritar más o que nos vendimos, pero lo cierto es que simplemente no sentía que la música precisase de gritos. El camino que tomamos pedía algo más versátil que gritar en la cara de alguien durante una hora”.

A LA PREGUNTA DE SI “DRIFT” será algo más allá de lo puramente musical, York –director de los últimos clips del grupo– confiesa que han barajado esa idea. “Últimamente he estado muy metido en temas de producción de vídeo y creo que un proyecto audiovisual en formato largometraje sería increíble para este disco”. Finalizando y recordando su último concierto en España (Resurrection Fest 2012) como su “favorito de todos los tiempos”, el guitarrista manifiesta que estaría encantado de volver por aquí. “Me encantaría. Si conoces a alguien que nos pueda llevar ¡háznoslo saber! ¡Nos encantaría hacer una gira completa!”. JAIME TOMÉ

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Los hermanos Adrián y Juan Carlos Gomis –Funzo y Baby Loud, respectivamente– son una promesa consagrada de nuestra música. En abril del próximo año se atreverán con un WiZink Center de Madrid en la gran celebración de su álbum “Inmortales” (Sony, 22)

FUNZO & BABY LOUD han sabido entender como nadie hacia dónde avanza nuestro pop y han incorporado a su música elementos que van desde lo más vanguardista de la música urbana hasta otros de la electrónica de la década pasada y del rock noventero, para cocinar un producto estrella que arrasa en las listas de éxitos. Pero no se conforman y no quieren dejar de probar, de experimentar y de explorar nuevos terrenos musicales que también sirvan de senda para otros tantos artistas emergentes. Porque ellos hace tiempo que dejaron de ser el futuro para ser el presente más prometedor del pop español. Me junto a charlar con ellos unos días después de que anunciasen la que, dicho por ellos, es la mayor noticia de su carrera. Porque tras algo más de tres años al pie del cañón, de estoicismo y trabajo, de no dejar de sacar canciones, ya se atreven con un concierto en el WiZink Center de Madrid para abril de 2023. Y digo se atreven porque, hasta el momento, no han tocado en solitario en un recinto con un aforo ni siquiera parecido –recordemos que el WiZink Center puede albergar una capacidad superior a las 15.000 personas–. Y lo más sorprendente: dos horas después ya habían vendido más de la mitad de las entradas. “Las dos primeras horas fueron surrealistas” explica Adrián, aún despertando del sueño que supone arriesgarte de ese modo y que la respuesta de tu público sea tan arrolladora. Pero no sienten vértigo, ni siquiera responsabilidad pese a la cantidad de gente que tienen detrás. “Yo creo que en la música lo mejor es no tener vértigo, sobre todo porque no creo que ahora estemos sacando temas que estén explotando. Estamos en nuestra línea, ahora está yendo un poquito mejor y estamos avanzando, pero no da miedo”.

EN SPOTIFY TIENEN más de un millón de oyentes mensuales y, algunos de sus mayores éxitos como “Inmortales”, “Malibú con piña” o “Batmóvil” (en esta acompañados por Hens y Pole, dos caras muy reconocibles dentro de esta nueva ola) superan los cuarenta millones de escuchas. Sin embargo, ellos siempre apuestan por un

“Quiero destruir desde dentro la imagen de endiosamiento que se tiene cuando te gusta alguien”

crecimiento mucho más orgánico. “Creo que tampoco necesitamos más gente, con la que hay estamos súper contentos. Lo que queremos es que los que estén no solo nos escuchen, sino que vayan más allá, que no solo sea escuchar, que suba el porcentaje de amor. No hace falta que entren 400.000 y se vayan 380.000, no. Preferimos que entren 20.000 y que se queden de una forma pura”.

TRAS MÁS DE MEDIO AÑO sin parar entre shows en solitario y un verano plagado de festivales han pisado el freno. De algún modo esta gira ya les ha preparado para su particular WiZink porque ya han tenido la oportunidad de tocar para decenas de miles de personas. Durante la entrevista me venía a la mente su actuación en el Arenal

Sound de Burriana, uno de los festivales más multitudinarios que tiene lugar en España, y lo mucho que me sorprendió la altísima asistencia a su concierto cuyo número exacto es imposible de determinar. Para ellos también fue un punto de inflexión en este tour, tocar ante tanta gente que ni siquiera se viera el final, solo multitud. “El Arenal ha sido el día que más nervioso he estado en mi vida”. La clave está en no pensarlo demasiado, especialmente en esos segundos previos a salir al escenario. “Luego ya te da igual la cantidad de gente que haya y si hay mucha gente y están cantando, mejor”.

AUNQUE ENTRE TANTAS LUCES, también hay sombras. Adrián explicaba a principios de año que estaba atravesando una época

Funzo y Baby Loud Mata a tus ídolos

con problemas de ansiedad que le hacía estar medicándose y le había llevado a subir abruptamente de peso. “Toda esa época de ansiedad ha coincido con la gira y con los festivales de verano. Para mí lo peor fue de febrero a julio, entonces he pasado los conciertos un poco mal porque no estaba para estar todo el día fuera, para estar sin mis amigos o sin la que era mi novia. Tengo la sensación de que no he disfrutado todo lo que podía, pero tampoco me culpo porque las cosas eran así. Los últimos conciertos han sido los que sí he disfrutado. En los otros bebía un montón y no me acuerdo casi. Fue una época que era una puta mierda”. Una situación habitual dentro de la industria musical que, sin embargo, rara vez se hace pública y que para Funzo, afortunadamente, ya ha terminado. “Ahora me encuentro muy bien, he dejado la medicación hace dos meses, he perdido ya once kilos de los veinte que cogí, no tengo ningún ataque de ansiedad y el día que tenga uno ya sé qué hacer”.

AHORA VUELVEN AL ESTUDIO, estarán un mes en Andalucía con Tunvao, “un productor emergente que dentro de poco nos dominará a todos” y se van a crear, crear y crear. Y precisamente unos días antes había leído sobre la cantidad de artistas que enfocan sus temas, sus melodías y sus letras, para que sean fácilmente ‘viralizables’ en TikTok. Ellos son conscientes del poder de la plataforma pero, de momento, no se ven cambiando un verso o un estribillo para que funcione mejor o sea más bailable. “TikTok es nuestro jefe, un ser supra humano que domina sobre todos nosotros y tenemos que asumir su autonomía. Pero yo creo que ningún cantante ama TikTok. Cuando veo a Sebastián Yatra haciendo TikToks estoy convencido de que él no quiere estar ahí. Es un músico excepcional y no quiere estar con dos niñas de quince años haciendo bailecitos”. ADRIÁN LERMA

WALA. WALA.

“Nos encanta tocar para nuestros fans, pero los gastos de girar –hoteles, vuelos, equipos–casi se han triplicado. Así que, a corto plazo, se va a hacer muy difícil girar para nosotros” Dan Whiford, de Cut Copy en Muzikalia

“He tenido cero calificaciones para cada empleo que he tenido. Pero nadie me ha preguntado nunca por mi título universitario. Creo que la educación tradicional no es el único camino” Shygirl en The Red Bulletin

“Mi terapeuta me dice ‘Tienes que dejar de reírte de cosas terribles. Cada vez que dices algo malo, piensas que es divertidísimo’” Florence Welch, Florence + The Machine en Apple Music 1

“Cualquiera que diga que apoyar a las pequeñas salas no es importante es un jodido gilipollas, básicamente. Sin esos locales, no serás nada” Frank Carter, de Frank Carter & The Rattlesnakes en NME “[AXL ROSE] PARA MÍ NO RECIBE SUFICIENTE CRÉDITO EN LO QUE HACE. ES MUY DIPLOMÁTICO Y QUIERE QUE TODOS SEAMOS PARTE DEL PROCESO” Tommy Stinson, de The Replacements y Guns N’ Roses en Rockzone

MARIA RODÉS se remite en “Fuimos los dos” incluso a sus primeros amores para cerrar un círculo al presente. En este volver a los inicios, entrelaza su folk y pop habituales con sonidos de la tradición musical latinoamericana, una experimentación que lo hace todavía más interesante. Estamos ante uno de los discos más sinceros de la artista catalana, que compuso una canción por día en el confinamiento a modo de juego, de reto, sin pretensiones más allá de crear y sanar a través de la música. De esta frescura sin pretensiones y de cómo investigó en las raíces de su amor hablamos con ella en esta entrevista.

¿Ha servido la creación de este disco de proceso autocurativo después de tu desamor?

Siempre es un proceso curativo sin querer. No lo hago con intención de curarme, pero cuando hay cosas que se tienen que decir, las transformo en canciones. Quieras que no, es una manera de procesar las cosas que te están pasando y darles una forma. Esto es sanador porque, de alguna manera, organizas lo que está pasando y le das un sentido y una forma.

¿Cómo fue componer el disco en el confinamiento? Componías una canción por día.

Estaba confinada en un piso muy pequeño de Madrid y para tener un objetivo diario y aprovechar el encierro, quería hacer algo creativo. Me lo puse como reto: cada día hacía una canción y al día siguiente lo compartía por Instagram y hacía algún vídeo con imágenes que tenía de archivo o grabando cosas en casa. Fue como un juego.

¿Te ha servido también para procesar otras rupturas u otros temas pendientes? Sí, al final te pones a hacer algo y van saliendo otras cosas. Me di cuenta que, hablando de otra ruptura, acababan surgiendo otras rupturas enquistadas del pasado. El disco tiene cierta evolución. El principio es más naíf y alegre, pero el final es más oscuro. Explico el proceso de enamorarse y de cómo ese enamoramiento se va deshaciendo. Pero también hablo de la percepción del amor a lo largo de

mi vida: empecé a leer cartas que escribía a los quince años y fragmentos de diarios personales y veía a una Maria muy ingenua delante del amor. En las cartas decía cosas como “te quiero mucho” o “eres lo mejor que me ha pasado en la vida”, y luego veo cartas de mayor y cómo te vas acomplejando y defendiéndote. Quería que el disco fuese una transición entre esta parte naíf y pura del amor para llegar a una visión cada vez más compleja, con la idea de volver al inicio y hacer un ciclo.

¿Este disco ha sido diferente a los anteriores como solista?

Como iba haciendo una canción cada día, no tenía una gran ambición con las canciones, sino que era más bien un diario musical personal. Esto hacía que las canciones fueran más sencillas. El perfeccionismo que a veces me caracteriza se ha quedado apartado. La intención era hacer canciones y expresarme. En este disco, he dejado atrás el conceptualismo de otros discos y he buscado hacer algo más directo, formato diario, más emocional, sin tantas metáforas e imáge -

Maria Rodés Disco de ruptura

Rodés de

Del amor inocente de los quince años a la última ruptura adulta: Maria Rodés presenta en “Fuimos los dos” (Elefant Records, 22) la historia de un amor fallido. El silencio inicial se transforma en versos en los que la artista trata de entender ese final amoroso con otras relaciones enquistadas del pasado.

TEXTO Karen Montero FOTO Erika Prufert

nes. Mi primer disco también partía de aquí, así que ha sido volver un poco a los inicios.

Después de una experiencia de creación conjunta con tu anterior disco con La Estrella de David, ¿añorabas volver a componer en solitario?

Colaborar me encanta y tengo muchas ganas de seguir haciendo cosas con él o con otras personas. Para mí, tiene que ver con la amistad. Con David tengo una amistad muy guay. Durante el confinamiento nos hicimos mucha compañía y tenía sentido hacer un disco juntos. Me ha encantado el proceso. Aunque mi naturaleza es más hacer mi proyecto en solitario, estoy súper abierta a futuras colaboraciones.

¿No pensaste en volver al country que habías creado con él? Te sumaste a hacer un poco más de experimentación y búsqueda de sonidos.

No. Lo del country fue una apuesta ortodoxa de ese disco, y era la idea que teníamos para ese disco. Luego mis canciones de antes tienen algo de country.

“

“Cuando hay cosas que hay que decir, las transformo en canciones”

Pese a ser un disco puramente de desamor, de lo que queda después de una relación, no suena a tristeza. ¿Querías conseguir esta mezcla entre una sonoridad fuerte ante el mensaje que transmitías con las letras?

No me lo estudio mucho esto. Miramos cada canción con Joel Condal, mi productor, vemos qué le puede quedar bien a cada canción y nos dejamos llevar.

Y en esa mezcla, experimentas con música latinoamericana, como con la chacarera de “Te voy a querer igual”, por ejemplo.

Sí, me dejo llevar un poco por lo que me gusta y lo hago de una manera intuitiva. También hay algunas canciones que son más andinas, como en “Fuimos los dos”, que tiene influencia peruana, o hay influencias brasileñas en “Prefiero no decir nada”.

¿Cómo siguen las colaboraciones con Isabelle Laudenbach, Marina Tomás y Marta Roma?

Ellas me acompañan en directo ahora y anteriormente. Fue muy fácil porque tenemos mucha confianza. Como seguirán en el directo, me pareció lógico que continuaran en el disco. Además de amigas, son muy buenas músicas, así que me conocen y hacen arreglos que siempre mejoran lo que yo hago.

¿Cómo ha sido volver a los escenarios después del confinamiento?

La verdad es que toqué bastante después del confinamiento y ya han pasado dos años. Al principio sí que tuve un choque de ver un público separado, con mascarilla, muy marciano. Este disco no lo he tocado todavía en directo, pero está claro que es un disco muy íntimo y se tiene que poder generar esta intimidad en directo.

K.M.

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MONDO FREAKO

“He intentado escribir sobre otras personas, después de quedar bastante harto de mí mismo”

El mundo según Sr. Chinarro

La honestidad creativa de Antonio Luque reaparece esplendorosa en “Reality Show” (Mushroom Pillow, 22), decálogo que retrata el actual entorno social desde la óptica incisiva e inteligente del andaluz. Unos aciertos que conforman el que bien podría ser mejor disco del autor en años, y que desgranamos en torno a una interesante charla telefónica de casi media hora de duración.

ANTONIO LUQUE APROVECHA su nuevo disco para ofrecer una ácida radiografía acerca de la sociedad actual. “Reality Show” presenta diez canciones tan reconocibles como, en algunos aspectos, novedosas con respecto a aquella incluidas en la extensa obra previa del sevillano. “En realidad para mí todos los discos son distintos. Pero siempre es música pop o rock: canciones sencillas de bajo, guitarra y batería, y mi voz siempre es mi voz. Pero cuento cosas que no había contado antes. Tenía un poco de miedo con las letras. No sabía si me estaba yendo un poco demasiado lejos de mi estilo habitual. Creo que se entienden

un poco más fácilmente que en ocasiones anteriores, pero es que quería que se entendieran. No quiero ir de Góngora por la vida”. Aunque la novedad más evidente radica en los propios protagonistas de esa narrativa, pasando de la óptica autobiográfica de entregas previas al actual repaso por los devenires del prójimo. “En estas letras intenté escribir acerca de otras personas. Después del confinamiento quedé bastante harto de mí mismo, yo que siempre presumía de ser un poco ermitaño. Pero después del encierro tuve ganas de pensar en las vidas de los demás y en lo que nos estaba pasando a todos. Tampoco quiero hacer un análisis sociológico ni dar una lección política, pero intente contar historias de otras personas. No son mis historias, aunque obviamente están contadas tal y como yo las veo”. Estas nuevas composiciones presentan un contraste marcado y en la práctica muy atractivo, entre el aspecto jovial de las propias canciones y esa lírica crítica e inteligente que las guía. “Más que jovial, creo que tiene más energía. Tiene algo más rabia. Creo que viene bien después de esa presión de la pandemia y el confinamiento... esa energía que se deriva del ‘Al fin libres, pero en qué mundo ¿no?’. Es la sensación que se desprende del disco, e igual no ha sido ni buscado, pero cuando por fin me pude reunir con la banda en Barcelona para montarla, lo interpretamos

así”. “Reality Show”, además, parece buscar una actualización que, a estas alturas, podía resultar necesaria. “Ahí hay que hablar de Xavi Molero [batería] y Miguel Sospedra [bajo], que tocan en un montón de proyectos actuales como Iván Ferreiro, Zahara o Amaya. Están las guitarras de Dani Vega que es un melómano empedernido. Josep Vilagut también hizo muy buen trabajo grabando y Jordi Mora mezclando. Son gente que están muy al día y eso también marca el resultado del sonido final. No lo he hecho yo todo... [risas]”.

ES EVIDENTE QUE LA INDUSTRIA musical (y todo la que le rodea) ha cambiado muchísimo desde aquella década de los noventa que vio nacer a Sr. Chinarro. “Ahora tienen la opción de colgar las canciones y esperar a que suceda un milagro. Hay gente que cree en los milagros, pero yo no. Al final los que salen, salen porque tienen ayuda del dinero. Yo eso de que gracias a Internet triunfen solos, no me lo creo. No me creo que Izal o Vetusta Morla colgaran las canciones y eso ya funcionara solo”. RAÚL JULIÁN

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MONDO FREAKO

Sorry Más vulnerables

La banda londinense liderada por Asha Lorenz y Louis O’Bryen tiene nuevo disco. “Anywhere But Here” (Domino/Music As Usual, 22) es un gran salto adelante respecto a su debut. De momento ya han confirmado su presencia en el festival Canela Party del próximo año.

ESTE SEGUNDO TRABAJO, “Anywhere But Here”, les hace florecer con una colección de canciones que tienen un pie en los clásicos y otro en el futuro. Un disco tan personal como especial, con el que no tienen miedo de bucear en oscuros vericuetos emocionales. Charlamos con un afable Louis en un hotel de Madrid. Sus respuestas están llenas de sentido común, humildad y una rara madurez. “El primero lo compusimos sin tener en cuenta el directo. Pero como llevamos tocando tanto tiempo con la banda, y por la manera en que cambiamos el modo de hacer las canciones, queríamos que éste tuviera cierto tono clásico de los años setenta. Pero con un filo moderno. Tuvimos más en cuenta

al grupo. Queríamos que las canciones estuvieran terminadas antes de empezar a grabarlas”, dice. Al joven guitarrista y compositor le quedó un regusto raro con un debut que se publicó justo al principio de la pandemia, y que apenas pudieron tocar. “Todo lo que experimentamos, las reacciones de la gente, todo fue online. Y no es algo a lo que puedas agarrarte. Fue un poco irreal. Creo que con este disco tenemos la impresión de haber vuelto a hacer cosas juntos de nuevo”.

LA CARGA EMOCIONAL de “Anywhere But Here” tiene que ver precisamente con haber crecido. “El primero lo compusimos cuando teníamos entre diecisiete y veintidós años, y a esas edades tiendes a pensar que lo sabes todo. Pero no es así para nada. Cuando tienes esa edad, cuesta más dejar salir tus emociones. Nos escondíamos un poco. Ahora, como somos un poco mayores, es más fácil que nos mostremos vulnerables. El disco es más consciente de sí mismo y honesto. Más reflexivo”, sostiene. Louis cree que el título, un poco oscuro, encapsula bien ciertos sentimientos presentes en canciones “bastante tristes, pero en las que también hay un atisbo de luz, cierta esperanza”.

“Con diecisiete años tiendes a pensar que lo sabes todo, y no es así” R

LA BANDA SE PUSO EN MANOS de dos técnicos de primera para que el sonido fuera más coherente. “Queríamos que sonara bonito, pero conservando cierta oscuridad. Cuando nos pusimos a pensar en productores, buscamos a alguien que tuviera un estilo antiguo de grabar: que lo haga todo en la mesa de mezclas, y no en el ordenador. Escribimos a Adrian Utley [Portishead] y él nos puso en contacto con Ali Chant [Dry Cleaning, Yard Act]. Los dos tenían un enfoque similar: empezando por usar los mismos amplificadores y no desviarnos demasiado en cuanto al sonido. Ali Chant consigue sacarle un sonido muy magnético a la batería y a todos tocando juntos”. El resultado son canciones tan personales y mágicas como el single “Key To The City”, donde Louis experimentó con la afinación de Nick Drake. Sorry buscaron inspiración de artistas como el mencionado, o Randy Newman. “Lo que sucede es que como lo que sale viene de nuestras cabezas, acaba yendo por un camino completamente distinto. No te puedo explicar cómo pasa. En el momento en que empiezas a darle vueltas, la cagas”. JC PEÑA

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Whisky Caravan Nueva etapa

Tras hacer repaso a sus tres primeros discos de estudio en el directo “No sueñan fantasmas” (20), Whisky Caravan comienzan una nueva etapa con “Imaginaciones” (Autoeditado, 22). Han puesto toda la carne en el asador, metiendo hasta catorce nuevas canciones en un larga duración como a la antigua usanza. Charlamos con su cantante, Danny Caravan.

TEXTO Jesús Casañas

PARA UNA BANDA, grabar un disco en directo es siempre como cerrar un capítulo y abrir otro. Vosotros lo hicisteis con el anterior, “No sueñan fantasmas”. Ahora llega “Imaginaciones”, ¿ha sido como empezar de cero?

En gran parte sí. Cuando grabamos “No sueñan fantasmas” sentíamos que era una manera de cerrar un ciclo. Fue totalmente necesario para nosotros ese momento de pararse a pensar dónde estábamos y en qué momento se encontraba la banda. Con “Imaginaciones” hemos sentido que volvíamos a nacer de algún modo. Tiene la mentalidad de un primer disco, al menos desde el punto de vista de la ilusión y las ganas que hay puestas en él. Somos cuatro años más viejos desde que sacamos “La guerra contra el resto”, pero nos sentimos diez años más jóvenes por la cantidad de polvo que nos hemos quitado de encima.

Afirmáis que es vuestro disco más optimista, a pesar de que llega en tiempos post pandémicos. ¿Cómo influyó la crisis sanitaria en su proceso de creación?

Nosotros justo habíamos grabado el disco en directo menos de un mes antes de que nos encerraran en casa, así que no afectó demasiado a los planes. Íbamos a parar igualmente para componer este disco, pero sí creo que cambió nuestra manera de trabajar como banda y el estado de ánimo…

““Algunos productores nos querían convertir en Fangoria”

CRITICANDO

Imaginaciones

Autoeditado

8

ROCK / UN LARGA DURACIÓN en toda regla en el que ponen toda la carne en el asador. Lo han hecho de la mano de José Caballero (productor de discos como “Agujeros de gusano” de Izal o “Cartas de navegación” de Shinova), quien siendo como era seguidor de la banda se los llevó a sus estudios de Aranda del Duero, Neo Music Box. Y juntos, han conseguido lo que buscaban: guitarras elegantes, baterías contundentes y arreglos de piano. Todo ello acomodando las crípticas letras y la grave voz de Danny al frente, una seña de identidad y marca inconfundible del sonido que se ha ido labrando paso a paso la banda desde su gestación en 2015. Es cierto que las canciones más potentes y pegadizas fueron las elegidas como singles de avance –“Imaginaciones”, “Enemigos” y “Algo en que creer”–, pero hay cosas interesantes a lo largo de todo el minutaje. Un disco de rock de los de toda la vida, a la vieja usanza, largo, pero lleno de matices. J C

Fue una historia muy bizarra para todos. Recuerdo muchas videollamadas trabajando con las nuevas canciones.

Para grabarlo os pusisteis en las manos de José Caballero, quien se confiesa fan de Whisky Caravan. ¿Conocíais vosotros también su trabajo?

Estuvimos hablando con varios productores antes de dar con José Caballero pero nada nos convencía. Joder, algunos nos querían convertir en Fangoria. Con José hubo un flechazo. Fue el más claro con nosotros y ya nos ganó del todo cuando nos habló de como él habría cambiado algunas cosas de nuestros anteriores discos. Habíamos escuchado cosas suyas con Shinova, Izal y algunas bandas más del tema… Pero fueron las palabras “yo no quiero cambiaros” lo que nos hizo grabar en su casa.

¿Cuál ha sido el modus operandi a la hora de trabajar con él?

Durante la preproducción vino de visita nuestro local y nos hizo tocar todos los temas que teníamos para el disco. Nos dio el punto de vista externo que necesitábamos para dar con lo que tenemos ahora entre manos. Luego durante la grabación también fue una parte importante. Sus consejos o decisiones eran tomadas igual o más en cuenta que las nuestras. En Whisky Caravan todos tomamos decisiones y a veces o muchas veces no estamos de acuerdo. En esos momentos José fue clave.

En plena era de los singles y los epés, habéis puesto toda la carne en el asador metiendo hasta catorce canciones en el álbum.

Se barajaron muchas opciones, como quitar algunos temas o incluso grabar un par de temas más para sacar dos discos distintos el mismo año. Finalmente decidimos meter todo lo que se grabó. Hoy en día según está la música en nuestro país no sabemos lo que puede pasar, ni tenemos seguro que vayamos a grabar más discos. No queríamos guardarnos nada por si acaso. Todas estas canciones tienen sentido en su conjunto. Haber quitado alguna sería como arrancarle un ojo a tu juguete favorito. Supongo que algunas canciones pasarán más inadvertidas de este modo que si hubiéramos sacado singles de ellas. Pero los que se han gastado la pasta en nuestro vinilo o CD lo agradecerán.

No tiene ni una sola colaboración. Creo que ahora mismo es lo original, ¿qué opináis vosotros?

Creo que en la banda somos personas con gustos bastante diferentes en el fondo.

Intentar traer a alguien para que yo quede contento mientras otro tío en la banda se retuerce porque no soporta al colaborador no tiene mucho sentido. Hay muchas bandas con las que nos gustaría tocar y grabar pero igual no es el momento. También odio lo que hacen los grupos que graban con gente que ni conocen solo para que esa persona les traiga visitas o se hable más de ellos. Incluso pagan para que canten con ellos. Es como pagar por follar… Cuando alguien ha cantado con nosotros es porque había una amistad o una admiración por parte de nuestra banda.

Apostáis por la autoedición para el lanzamiento. ¿Han sido malas las experiencias con vuestras discográficas anteriores?

Al principio todo es bueno cuando fichas por un sello. En nuestro caso siempre estaremos agradecidos al comienzo con Rock Estatal Records. Después se vuelve todo un desastre. Teniendo los medios para poder sacar el disco y la convicción de que tampoco nos iba a cambiar mucho la película hemos decidido ser independientes. Trabajamos más, pero siempre a nuestra manera, y el ritmo lo marcamos nosotros. Ya veremos más adelante, por ahora estamos bien así.

Además de en CD y digital, sale una edición en vinilo. ¿Los sigue comprando la gente, o es más un capricho vuestro? Ambas cosas. Creemos que el vinilo es el mejor formato para escuchar música sin duda. Las frecuencias en el sonido, el arte del disco y el poder coger y oler entre las manos las canciones en las que una banda lleva trabajando dos años. Hay mucha gente que ha vuelto y la mayor parte de los lanzamientos llevan también la edición vinilo. Somos envidiosos y no queremos ser menos. Álvaro Fajardo de The Fly Factory nos ha hecho un diseño tan cojonudo que había que fabricarlo a lo grande. J.C.

EN GIRA

l Zaragoza 20 enero. La Casa del Loco

l Barcelona 21 enero. Wolf

l Valladolid 10 febrero. Porta Caeli

l Valencia 17 febrero. Rock City

l Murcia 18 febrero. Garage Beat Club

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pablopablo Predestinado

“Hablar de la música es muy complicado, hay que hablar con la música”

Lo que más disfruto del proyecto de pablopablo es poder verlo nacer en presente, a la vieja usanza y, al mismo tiempo, cargado de vanguardia. “pablopablo” (Autoeditado, 22) está en la calle tras varios adelantos, pero sin perderse en la jungla de los singles.

PABLO DREXLER, PABLOPABLO, venía a sacar un álbum y lo ha hecho y, por el camino, ha dejado a la industria y a los medios embelesados. Se habla de frescura, de riqueza musical, de su saber estar y saber hacer. Si todos los artistas que se sientan delante del periodista para charlar de su vida y sus proyectos tuvieran la naturalidad de pablopablo, los programas de entrevistas volverían a ser lo que fueron: auténticas ventanas al mundo interior de nuestros artistas favoritos. Sin embargo, desgraciadamente, la realidad no es así. El resto del mundo no puede ser como Pablo Drexler porque es imposible. Porque Pablo estaba predestinado a ser lo que es, y lo que será.

LA EVOLUCIÓN DE UN ARTISTA como él -ni mejor ni peor que un autodidacta que viene de la calle- empieza hace muchos años y de una manera muy particular. Hijo de estrella, y de una especialmente virtuosa, clasicista en muchas cuestiones, viene con el sambenito bajo el brazo, pero también con la posibilidad de presumir de abono: “A este momento llego después de años. Yo llevo haciendo álbumes desde que tengo 13 o 14 años pero no eran lo suficientemente buenos. A este punto llegas cuando después de un año y medio de escribir una canción sigues disfrutándola. Donde yo he aprendido ha sido tocando para los amigos de mis padres, que eran todos músicos. Estas ahí tocando la guitarra, con Caetano Veloso, y tienes que defender tu tema. Ahí lo he pasado mal, o tocando una pieza de Bach con 14 años delante de todo mi instituto.”

LA HERENCIA ACOMPAÑA, sí. Sin embargo, el refranero español incluye una advertencia para las grandes fortunas heredadas: “la primera generación, lo consigue; la segunda, lo mantiene; la tercera, lo arruina”. Así, Pablopablo confía en su ética, su disciplina de trabajo y la magia del directo. “Estudio mucho, trabajo mucho, hago muchos ejercicios de voz,

CRITICANDO

pablopablo Autoeditado

7

POP / LA INTELIGENCIA de los grandes artistas noveles suele verse superada por su frescura, por la inmediatez con la que su música y sus palabras golpean en la mandíbula con fuerza. El caso de pablopablo, que presenta su álbum primero y homónimo, rompe con la regla para confirmarse como excepción. Es, sin duda, un músico inteligente, de casta le viene al galgo, de la casta de los Drexler, de hecho, así que las hechuras son buenas, y es, sin duda, un músico novel, sus intentos, esforzados, están llenos de momentos brillantes, que, paradójicamente, envuelven en exceso las propias canciones. Sus letras son afiladas aunque no punzantes. Firma poemas breves y más blancos que rimados. Se ha esforzado por sacar adelante un disco muy bueno y lo ha conseguido. L M M

porque quiero llegar lo más tranquilo al directo. Lo importante del show es que no puedes hablar sobre la canción. Hablar de la música es muy complicado, hay que hablar con la música, con el piano y la voz. Ahí me olvido de la presión y me concentro en disfrutar porque es lo único que puedo hacer”. Sin embargo, la herencia familiar no es lo único que Pablo Drexler lleva consigo y que viene del pasado. Estudioso y trabajador, no solo antes de preparar un concierto, sino a lo largo de toda su vida, es uno de esas rara avis entre los artistas contemporáneos que aparecen en revistas como esta que cuentan con formación clásica de conservatorio, una ventaja y una losa, según como se encare. “Al ser consciente de los pasos que ha habido, de ver lo que ha perdurado y no, lo que ha innovado y lo que no a lo largo de la historia, me interesa mucho contar algo diferente. Tengo muchas ganas de contarlo y que alguien lo entienda. Cuando digo eso, me refiero más a mí que al resto: el lenguaje de la sencillez no tiene nada que ver con la formación. Contar algo sencillo es muy difícil, y ahí está el challenge. Al final no es tanto algo matemático o complejo, sino si como público, cuando escuchas el paso de una canción a otra, suena como si tuviera sentido. Detrás estoy yo diciendo ‘esto funciona por esto y por esto’. Para mí es importante que los tecnicismos den igual, lo importante es que la gente lo entienda”.

LUIS M. MAÍNEZ

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Extraordinario viaje el que nos invita a realizar Fatoumata Diawara en su nuevo videoclip a través de África. Un recorrido lleno de contrastes, colores, paisajes, gentes , sabores, costumbres ancestrales...

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DESPUÉS DE 189 CONCIERTOS, HEMOS COMPLETADO LA 27ª EDICIÓN DE AIENRUTA ARTISTAS CIRCUITO DE MÚSICA EN DIRECTO. DISFRUTAMOS CON

ANNA ANDREU CAAMAÑO&AMEIXEIRAS CHAVALES COMPRO ORO DANI DUPLA IDOIA JOANA GOMILA I LAIA VALLÉS KOKO

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PARADISE ORCHESTRA BULEGO CHAQUETA DE CHÁNDAL DANI

LLAMAS EL PELUJÁNCANU EZPALAK FAMILIA CAAMAGNO JAVATO Y LOS DISFRUTONES LAJALADA LUKIEK MONODRAMA

NÉBOA RUBÉN RUBIO BAND TITO RAMÍREZ VERDE PRATO WILLY WYLAZO

GRACIAS A ARTISTAS, SALAS, MEDIOS DE COMUNICACIÓN Y A TODOS LOS QUE, ACUDIENDO A NUESTROS CONCIERTOS, SIGUEN MANTENIENDO VIVA ESTA APUESTA DESDE 1995. OS ESPERAMOS EN LA 28ª POR Y PARA LA MÚSICA EN DIRECTO EN SALAS DE PEQUEÑO Y MEDIANO AFORO.

TODA LA INFORMACIÓN EN WWW.AIE.ES

EL DISCO. RECUPERADO.

Marc Parrot

Dos maletas [PIAS], 2004

EL DESCOMUNAL ÉXITO cosechado por el alter ego construido por Marc Parrot bajo el nombre de El Chaval de la Peca, dedicado a actualizar los viejos éxitos populares de la música –principalmente– hispana, no fue por lo visto cebo suficiente como para atraer la atención de la amplia audiencia conseguida hasta los trabajos más personales del cantante, músico y productor catalán. Un debe, viendo la extraordinaria calidad conquistada por discos como “Dos maletas”, que solo puede ser adjudicado al desdén y a la naturaleza errática de la que hace gala en tantas ocasiones el público mayoritario.

Editado en 2004, dicho álbum contenía los suficientes y variados ingredientes como para ser receptor de una altísima estima. Cuidado en todos sus detalles, incluidas unas ilustraciones –nunca mejor utilizado dicho término– obra de Sergio Mora que hacían las veces de original complemento a las propias canciones, el repertorio conseguía recrear, dentro de su evidente versatilidad, una particular y exclusiva atmósfera en la que una interpretación delicada y mayoritariamente nostálgica coronaba un vestido instrumental imponente y meticuloso. Cualidades en las que mucho tuvo que ver el registro aplicado con unas guitarras eléctricas –en las que también dejó su impronta Marc Ribot– capaces de aportar un carácter realmente intenso y por momentos crudo, entablando suculentos diálogos en el swing-blues de “Mañana” o haciendo del tema

homónimo un sinuoso trayecto eléctrico.

Trabajados desde una perspectiva muy personal y reconocible, entre ritmos de procedencia tan dispar como la casi bossa nova de “Juego con fuego” o el trepidante y percusivo paso impuesto en “Tesoro de chatarra”, elegante e irónica actualización del atractivo que despierta el mal camino, se convierten en piezas que dotan de colorido y angulosos vértices a un conjunto de temas codificados bajo un espíritu realmente identificativo. Aupado ese esqueleto sonoro por unos textos de una aparente cotidianidad que, sin embargo, funcionan de cobijo para un arraigo lírico envidiable, composiciones como “Invierno”, de una heladora melancolía, demuestran el inquebrantable matrimonio surgido entre contenido y continente.

Presentado como una sucesión de diferentes estampas costumbristas, a veces deslenguadas otras más intimistas, con las que retratar el esforzado ánimo que el individuo debe desplegar para enfrentarse a las leyes universales del paso del tiempo, con “Dos maletas” Marc Parrot firmó una de esas obras que, ya fuera por la extravagante careta que precedía al artista o por la muda resaca en que siempre deriva el estridente éxito, quedó inmerecidamente relegada a una de las múltiples esquinas olvidadas que escribe la historia de la música. Una marginada localización incapaz, pese a todo, de apagar su brillo.

KEPA ARBIZU

TAN. CERCA.

RREl Festival Actual, que celebrará su edición número treinta y tres entre los días 2 y 7 de enero de 2023, contará con un total de treinta y cinco conciertos de artistas como Fito y Fitipaldis, Viva Suecia, Sidonie, Zahara, Guitarricadelafuente, Alizzz, Cupido, Baiuca, Tindersticks. Michael Head And The Red Elastic Band, Tanxugueiras, Morgan, Rojuu, Elyella, Sidonie, Dora y muchos más. El festival programará sus actividades en diversos escenarios.

RREl festival Bilbao BBK Live anunció inicialmente a Arctic Monkeys. Ahora ha sumado nombres como los de Florence + The Machine, The Chemical Brothers, The Blaze, 070 Shake, Love Of Lesbian, Delaporte, Rojuu, Ben Yart, Arde Bogotá, Colectivo da Silva y Merina Gris entre otros. Todos ellos actuarán entre los días 6 y 8 de julio de 2023 en Kobetamendi.

RRZahara es la flamante ganadora del Premio Ojo Crítico de Música Moderna de RNE, otorgado por un jurado profesional formado por periodistas y músicos reputados. La cantante se lleva el premio por “ser una artista con coraje y audacia que ha sabido convertir lo personal en fuente de inspiración y transformación. Con su trabajo demuestra que el pop contemporáneo y la crítica social no están reñidos”.

RRWilko Johnson, leyenda al frente de Dr. Feelgood y también conocido recientemente por formar parte del reparto de “Juego de Tronos”, ha fallecido a los setenta y cinco años de edad tras estar aquejado de cáncer desde 2014.

RRBlur vuelven a la actividad. Inicialmente todo iba a resumirse en dos fechas en el Wembley Stadium de Londres (8 y 9 de julio de 2023), pero la lista se está ampliando con conciertos en Francia e Irlanda. Veremos si hay suerte y nos visitan de nuevo.

RRDos grandes del rap argentino se unen por fin. Duki y Bizarrap protagonizan la “BZRP Music Session #50”. Recordemos que Duki nos visitará para actuar en Madrid (24 y 25 febrero, WiZink Center) y Barcelona (3 y 4 marzo, Palau Sant Jordi). MS

R.E.M. “Automatic For The People” Una

LO LÓGICO HUBIERA SIDO volver a enchufar las guitarras eléctricas y reclamar su papel como uno de los padres de ese movimiento independiente que había roto los muros entre lo alternativo y lo popular. Hubo un intento pero no lo forzaron cuando vieron que las canciones que les salían iban por otro lado. Estaban en la cima de su popularidad y habían conseguido un gran contrato con una multinacional pero, también, la libertad artística y podían hacer lo que quisieran. Y el camino lo había marcado una canción que habían compuesto mientras grababan “Out Of Time”. Se trataba de “Nightswimming”, una pieza barroca de piano, compuesta por Mike Mills.

PETER BUCK, EL PRINCIPAL COMPOSITOR, también tenía el esqueleto un par de canciones pero ambas eran acústicas y melancólicas. El mundo podía estar rugiendo con las guitarras distorsionadas del grunge pero R.E.M. prefirieron permanecer desenchufados y preparar su disco más desnudo y taciturno, uno en el que los temas principales son hacerse mayor, la inevitabilidad de la muerte, la pérdida de la inocencia o la imposibilidad de afe-

Normalmente cuando un grupo saca el disco más exitoso de su carrera, se embarca en una interminable gira para presentarlo, pero R.E.M. no era una banda normal y decidieron no hacerlo y aprovechar el enorme torrente creativo en el que se encontraban para grabar “Atomatic For The People”, su obra maestra, un disco sombrío y en blanco y negro que iba a contracorriente de los tiempos que corrían pero que terminó de afianzarlos como el faro moral y artístico de una generación que acababa de explotar comercialmente, a lomos del “Nevermind” de Nirvana.

rrarse al pasado. Todo ello escrito y cantado por unos tipos de treinta y tantos que adoptaban el papel de hermanos mayores de la generación X.

COMO PARA CERRAR EL CÍRCULO decidieron llamar a un personaje fundamental de otra generación distinta, el legendario bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones, para que metiera varios arreglos de cuerdas a cuatro canciones. Como buenos melómanos, los de Athens sabían que antes de convertirse en Dios del rock, Jones había hecho maravillosos arreglos de cuerdas. Otra cosa fue que mientras la música de Buck, Bill Berry y Mills era más acústica, más centrada en los medios tiempos, con más teclas y menos batería, las letras de Stipe se volvieron mucho más oscuras, algo que se vería reflejado en la conocida portada en blanco y negro.

CON ESOS TONOS OSCUROS el disco se abría con “Drive”, la canción que eligieron para presentarlo. Una clara declaración de intenciones con menos potencial comercial que los sencillos que la siguieron. El vídeo, también en blanco y negro, seguía por ese mismo camino, un austero riff acústico, acompañado por un lúgubre bajo abría la canción hasta que entraba la voz

Una obra maestra en blanco y negro

de Stipe: “Golpea, raja, abusa, ata otro a tus bastidores, nena”. No parecía el alegre inicio de disco de una banda que acababa de subir al Olimpo del Rock y se codeaba en popularidad con U2.

“TRY NOT TO BREATHE” era todavía más angustiosa, una melodía preciosa que dolía y un Stipe demostrando que tenía una de las voces más bonitas del rock, cantando sobre su abuela moribunda en su lecho de muerte: “Trataré de no respirar, esta decisión es mía. He vivido una vida plena y estos son los ojos que quiero que recuerdes”. Después de semejante cataclismo emocional era normal que buscaran un respiro con “The Sidewinder Sleeps Tonite”, en la que vuelven las guitarras eléctricas y un Stipe pletórico citando el comienzo del “The Lion Sleeps Tonight”. La melodía era pura gloria pop, pero también hay cierto toque melancólico en ese órgano fúnebre y en el excelente arreglo de cuerdas de Jones.

Y TRAS EL RESPIRO llegaban los arpegios, sonando como Steve Cropper en un tema de Otis Redding, de “Everybody Hurts”, una canción que, literalmente, salvaba vidas. Quizás sea una de las melodías más sobreexpuestas de la historia del rock y

una por las que se recuerda a R.E.M. por las razones equivocadas, pero sigue siendo una canción con una fuerza enorme, con su gran crescendo, un Stipe absolutamente celestial y otro excelente arreglo de cuerdas de Jones.

PERO LO MEJOR LLEGABA AL FINAL, primero “Man On The Moon”, una canción prácticamente perfecta, en la que sus raíces sureñas se mezclaban con su innato sentido pop en uno de los estribillos más gloriosos de los noventa, hasta el propio Michael Stipe reconoció en 2011, cuando se separaron, que era la que más iba a echar de menos interpretar. Luego el corazón del disco, el devastador y bello final

compuesto por “Nighswimming” y “Find The River”, dos canciones gigantescas que iban sobre uno de los grandes fantasmas que se paseaba por este disco, la muerte. Un final devastador para un disco que veía a R.E.M. madurar a la perfección, encontrando en el camino el pico de una carrera asombrosa.

LUEGO LLEGARÍA EL LENTO DECLINAR y una sorprendente pérdida de popularidad entre unas nuevas generaciones que sí que adoptaron a sus herederos espirituales de Nirvana. Pero si Kurt Cobain hubiera seguido adelante y hubiera sacado su propio “Automatic For The People”, ese disco acústico y con chelos del que hablaba al final de sus días, y en el que probablemente hubiera colaborado Stipe, ahora sería imposible que una canción tan gigantesca como “Nightswimming” tuviera menos de mil millones de reproducciones en YouTube en vez de los pírricos nueve que tiene... SERGIO ARIZA

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Lo mejor de 2022

internacional

Los tiempos están cambiando. Una vez más

LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO. Una vez más. Y lo mucho que me alegro, oigan. Porque eso significa que continúan publicándose discos excitantes y apasionantes, discos para disfrutar y pinchar en repeat en vinilo, en compacto, en streaming o como narices les parezca mejor. Y no solamente eso, sino que también supone un relevo generacional en los artistas que salpican nuestras páginas. Nuevos nombres, nuevos géneros, pero sin darle la espalda tampoco a los artistas y a los sonidos de siempre si es que nos aportan algo. En cierta manera, nuestro número uno vendría a ser una suerte de híbrido entre ambos mundos, el de los nombres relativamente nuevos –hablamos de Fontaines D.C. y su flamante “Skinty Fia”– y el de los sonidos de guitarras con pedigrí. Súmenle a eso que no les falta actitud y entenderán por qué motivos nos encantan. En cuanto al resto de la lista, diría que será mejor no dar muchas pistas. Conocerán a muchos grupos y solistas seleccionados, a otros imaginamos que no; algunos les encantarán, otros quizás les despierten la curiosidad, pero es que este es el repaso del año de Mondo Sonoro. Nuestro repaso, nuestra perspectiva, nuestros gustos. Los de casi cincuenta colaboradores y colaboradoras con sus filias y fobias, pero todos ellos personas imprescindibles para que nuestro medio siga adelante de la mejor forma posible. A partir de ahí encontrarán un poco de todo: pop, rock, rap, folk, electrónica,

hyperpop, urban, garage, post-hardcore, punk, experimentación, ska, americana... y podríamos continuar. Ah, y solamente una banda repite de nuestra lista general del pasado año, y por méritos propios. Les invito a qué descubran de quiénes se trata. También evidenciarán ausencias, claro. Algunas más sonadas que otras. Eso ocurre por motivos distintos, sea porque consideramos que los álbumes en cuestión no destacan lo suficiente para aparecer en listas, sea porque en ocasiones acabamos agotados de algunos nombres que están ahí una vez sí y otra también prácticamente por inercia y sin que sus obras sean lo suficientemente sólidas para que lo estén una vez más. No significa que nunca más vayan a aparecer –piensen en algunos nombres y seguro que aciertan–, así que no se lleven las manos a la cabezas demasiado rápido. Ahora bien, los que sí espero que no vuelvan a tener nunca más espacio en nuestras listas son los discos que nos hablen por enésima vez sobre la pandemia. Dios mío, dejémosla atrás de una vez. Y disfrutemos. Disfrutemos de que los tiempos están cambiando, y nosotros con ellos. JOAN

S. LUNA

PLAYLIST

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Fontaines D.C.

Skinty Fia

Partisan/[PIAS]

ROCK / Da vértigo ver a dónde han llegado en menos de cuatro años. Aquí renuncian a la velocidad concentrándose en cortes densos y austeros. Algunas de las canciones, que llevan a la excelencia el poso romántico y apasionado, están ya entre sus momentos más inspirados. JC PEÑA

The 1975 Being Funny In a Foreign Language Dirty Hit

INDIE ROCK / Remarcan su esencia ochentera y se vuelcan de lleno en un folk-rock en el que las guitarras tienen casi el mismo peso que los sintes en un repertorio honesto de principio a fin. Un disco destinado a recuperar las conexiones con el mundo real en un desarrollo creativo hacia la madurez. ÁLEX JEREZ

mondosonoro.com

Big Thief

Dragon New Warm Mountain I Believe In You 4AD

FOLK ROCK / El cuarto disco de Big Thief no huye de las etiquetas, sino que las abraza casi todas en una onda expansiva de veinte canciones que galopan entre el folk más delicado, el trip hop, el country de raíz o el pop más continuista. Un viaje, en el que puedes caminar desde la comodidad de la superfície, o adentrarte en los agujeros de gusano. MARTA TERRASA

Wet Leg

Wet Leg

Domino/Music As Usual

INDIE POP / La penúltima sensación de la escena británica. Juventud, descaro y humor entre ácido y surrealista. Píldoras de indie pop con capacidad de cautivar tanto a un público joven, como a talluditos nostálgicos del pop garajero amable o del de los noventa. Un debut tan convincente como disfrutable. JC PEÑA

34

Kendrick Lamar

Mr. Morale & The Big Steppers Interscope/Universal

RAP / Que Kendrick Lamar se ha convertido en la figura pop más relevante de esta última década es algo que ya quedó certificado en “Damn” (17). Ahora nos regala la gran torre de Babel del último medio siglo de música afroamericana. Canciones insufladas por la necesidad de transcender más allá de los tiempos y el contexto de su era. Inabarcable. MARCOS GENDRE

Black Country, New Road Ants From Up There Ninja Tune

INDIE POP / ¿Puede un grupo mostrar madurez artística en su segundo larga duración? Puede, si se trata de una formación atípica a todos los niveles y que parece crecer a pasos agigantados, como es el caso del combo londinense. Una versión asentada de sí mismos, algo más accesible pero sin perder un ápice de su personalidad arrolladora. RAÚL JULIÁN

78

Kevin Morby This Is A Photograph Dead Oceans / Popstock!

AMERICANA / Se consagra como consumado artesano de canciones que revitalizan la tradición de la música popular nortamericana. Del blues al góspel, el soul o el country. Sin que nada suene acartonado o forzado, sino vivo y vigente, en uno de esos discos hechos inconfundiblemente desde las tripas. JC PEÑA

Stromae

Multitude

UMF/Polydor

POP / Stromae es sinónimo de talento y de vanguardia. Sigue sabiendo sonar distinto al resto de los artistas asentados en el panorama. No se ciñe a ninguna moda y marca su propio camino,. “Multitude” es como volver a un restaurante muy bueno que acaba de cambiar la carta sin cambiar de chef. LUIS M. MAÍNEZ

Fueron los mejores...

1994

1. “Crooked Rain, Crooked Rain” Pavement

2. “Sleep With Angels” Neil Young

3. “Experimental Jet Set, Trash and No Star” Sonic Youth

1995

1. “To Bring You My Love”

P.j. Harvey

2. “Post” Björk

3. “Maxinquaye” Tricky

1996

1. “Roots” Sepultura

2. “Pre- Millenium Tension” Tricky

3. “No Code” Pearl Jam

1997

1. “Ok Computer” Radiohead

2. “The Fat Of The Land” Prodigy

3. “Portishead” Portishead

1998

1. “Mezzanine” Massive Attack

2. “Acme”

Jon Spencer Blues Explosion

3. “Rafi’s Revenge” Asian Dub Foundation

1999

1. “Mule Variations” Tom Waits

2. “The Fragile” Nine Inch Nails

3. “Midnite Vultures” Beck

2000

1. “Relationship…” At The Drive-In / “The Rising Tide”

Sunny Day Real Estate

2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós

3. “Xtrmntr” Primal Scream

2001

1. “Bleed American” Jimmy Eat World

2. “Rock Action” Mogwai

3. “Amnesiac” Radiohead

2002

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco

2. “Yoshimi Battles the Pink Robots” Flaming Lips

3. “Finally We Are No One” Múm

2003

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie

2. “De-Loused In The Comatorium” The Mars Volta

3. “Elephant” The White Stripes

2004

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand

2. “A Ghost Is Born” Wilco

3. “Louden Up Now” !!! (Chk, Chk, Chk)

2005

1. “Funeral” Arcade Fire

2. “You Could Have It So Much Better” Franz Ferdinand

3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem

2006

1. “Return To...” TV On The Radio

2. “Post-War” M. Ward

3. “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” Arctic Monkeys

Angel Olsen Big Time Jagjaguwar

AMERICANA / El atemporal atractivo de sus cálidas piezas y el encomiable esfuerzo que Olsen realiza por compartir con nosotros este amargo y tormentoso tramo de su vida a través de una belleza sin igual, nos obliga a caer sin oposición ante el que sea probablemente su mejor álbum. FRAN GONZÁLEZ

Brutus Unison Life Sargent House

POST HARDCORE / Los belgas son capaces de despertar la curiosidad del público más acostumbrado al hardcore y el punk como el que se ve más reflejado en el metal o el post-rock. Todos tienen donde rascar gracias a la variedad de estilos perfectamente condensados en un sonido que les hace diferentes al resto. JAIME TOMÉ 16

FKA twigs

CAPRISONGS

Young/Atlantic

POP / Se acabó, tras unos oscuros años personales, y un confinamiento que la llevó al límite creativo, la artista decidió usar su arte para encontrar la luz. Para alcanzar el fin del mal, superar el pasado, ser feliz. Ha sobrevivido a explorar el dolor de una forma en la que pocos lo han hecho y ahora toca pasar página. ALEX JEREZ

1011

Shygirl Nymph Because Music

POP / Un disco que habla del autoconocimiento y en el que expone su lado más puro, místico y vulnerable. Pretende exponer y explicar que tras esos agresivos temas que mordían la pista de baile, tras toda esa fortaleza estética, hay una persona real llena de imperfecciones y miedos. ÁLEX JEREZ

The Mars Volta The Mars Volta Clouds Hill

ROCK / Otra muestra de solidez espiritual y libertad conceptual en un listado de canciones intimistas, delicadas y tramposamente minimalistas. El disco más elegante, sofisticado y bello que jamás ha hecho la banda que revolucionó el rock progresivo y el hardcore al mismo tiempo. ADRIANO MAZZEO

1718

Viagra Boys Cave World YEAR0001/Popstock!

ROCK / Los suecos se las apañan para triunfar satirizando la mente del friki conspiranoico de la era post-Covid, pero también riéndose de ellos mismos. En lo musical siguen ahondando en esa especie de irreverente kraut-punk en bucle. Temazos que se adivinan desde ya piezas esenciales de sus catárticas actuaciones. JC PEÑA

Bonobo Fragments Ninja Tune

ELECTRÓNICA / Sus estructuras ya no son tan huidizas y guarrillas como al principio, pero su expresividad en cuanto a atmósferas orgánicas, beats microscópicos y melodías paisajistas ha crecido un montón. Dentro de la evolución del de Brighton encontramos un creciente acercamiento a terrenos más houseros. BRUNO GARCA

24

25 23

Death Cab For Cutie

Asphalt Meadows

Atlantic

INDIE ROCK / El cosquilleo. El pellizco. El vértigo. El frenesí. La emoción, carajo. Han vuelto. Cuando ya ni el más optimista de sus seguidores lo esperaba. Ben Gibbard suena (por fin) rejuvenecido. Reconectado con el sonido de su juventud desde la perspectiva del tipo que está de vuelta de tantas y tantas cosas. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Björk Fossora One Little Indian Records

EXPERIMENTAL / Anclada por un sexteto de clarinetes e impredecibles erupciones de gabber proporcionadas por Kasimyn, del duo electrónico indonesio Gabber Modus Operandi, Björk se interroga sobre la muerte, el duelo, la resiliencia y cómo la naturaleza nos empuja a conectar los unos con los otros. SALOMÉ LAGARES

King Hannah

I’m Not Sorry, I Was Just Being Me City Slang

INDIE FOLK / Un generoso debut en el que los de Liverpool vierten sin medida todos los ingredientes de su música en doce canciones esparcidas sin prisa que alternan calidez e inquietud de forma natural. Un álbum de ritmo mantenido, en el que se insinúa constantemente una explosión definitiva que no llega. RAÚL JULIÁN

Ghost IMPERA

Loma Vista/Music As Usual

HARD ROCK / Con su quinto disco logran desenvolver por completo esa anormal personalidad que se nutre tanto de la perversión de lo oscuro como del sentido más puro del entretenimiento. Entrar en estas melodías y riffs es como adentrarse en un Disney World para metaleros de lo más variopinto.

ADRIANO MAZZEO

Beyoncé Renaissance Columbia

POP / Plantarle ese título a tu primer álbum en seis años, es, siendo fino, ambicioso. Ella lo atribuye a darle una nueva vida a la música disco. El álbum es una batidora. Cada tema, distinto peinado, pero por un mismo peluquero, que aquí es la voz de de la mejor músico afroamericana del panorama pop de este siglo. YERAY S IBORRA

Vince Staples

Ramona Park Broke My Heart Blacksmith Rec. / Motown Rec.

RAP / Una clara extensión del homónimo que presentó el año pasado. Una ramificación que surge de seguir profundizando en el gangsta y en un sonido mucho más clásico. Una carta rotunda de amor a sus raíces, un manifiesto de lucha por la supervivencia, una conversación con el pasado para entender su presente. ÁLEX JEREZ

26 27

Weyes Blood

And In The Darkness, Hearts Aglow Sub Pop/Popstock!

POP / Algo así como el culmen de los discos de pop barroco, el disco que le hubiera gustado firmar a Alex Turner de Arctic Monkeys con “The Car”, ese que reconforta y, además, arrebata, un clásico sin fecha de caducidad para escuchar al lado de maravillas como “Odessey & Oracle” de The Zombies, “Scott 4” de Scott Walker. SERGIO ARIZA

Ibibio Sound Machine

Electricity

Merge/Popstock!

AFROPOP / La cerrazón que representan Boris Johnson y el Brexit, un trabajo abierto a todo el mundo que suena como Grace Jones al frente de un combo afrobeat producido por Hot Chip. Hay guiños a la música disco, al dub, al house o a Prince, pero todo aliñado por su tremenda personalidad como banda. SERGIO ARIZA

1415

Charli XCX Crash

Warner Music Spain

POP / Charli XCX dedica su nuevo álbum a su amiga Sophie, artista que desgraciadamente nos dejaba el año pasado. Sin ser tan experimental como otros trabajos suyos, este álbum continúa mostrándonos a una Charli en plena forma en temas como “Every Rule”, “Constant Repeat”, “Lightning” o “Used To Know Me”. ÁLVARO TEJADA

Spoon Lucifer On The Sofa Matador/PopStock!

ROCK / Los de Austin entregan su décimo largo sin haber perdido su toque mágico. Han ido a lo esencial y beben de las inagotables fuentes del blues y el rock primario. Pero Daniel y compañía no se olvidan de su lado pop refinado. Las dos caras musicales que coinciden desde la misma portada. JC PEÑA

21

Beach House

Once Twice Melody

Bella Union/[PIAS]

DREAM POP / Si se convierte en el capítulo final de su historia, sin duda es un colofón casi perfecto, volviendo a alcanzar la intensidad del pico de la banda con los maravillosos “Teen Dream” (10) y “Bloom” (12). La perfecta condensación de su estilo con algunas de las mejores canciones que han grabado nunca. SERGIO ARIZA

22 28

Harry Styles

Harry’s House Columbia Records

POP / Puso en un lugar muy alto las expectativas después del hitazo que es “As It Was”. En los trece temas de “Harry’s House”, sin renegar de su faceta más pop, el británico coquetea con guitarras muy setentas y melodías muy ochentas, creando una fórmula propia que ya es marca de la casa. ÁLVARO TEJADA

Soul Glo Diaspora Problems Epitaph

HARDCORE / Da la impresión de que, al fichar por Epitaph, Soul Glo han dado un importante paso adelante, apostando definitivamente por su cara más hardcore y dotando de mayor protagonismo a la voz de Pierce Jordan, capaz de fusionar en una única persona a H.R. y Jello Biafra. JOAN S. LUNA

29

Jockstrap I Love You Jennifer B Rough Trade

POP EXPERIMENTAL / Son la prueba empírica de que la nueva escena británica tiene muchas caras aún por mostrar, algunas de ellas del todo inclasificables. Su debut es un aguerrido ejercicio de maridaje en el que diversas e inconexas influencias confluyen entre sí con clase y socarronería. FRAN GONZÁLEZ

F LA ME NCO

MAUSOLEO

PRODUCIDO

Paolo Nutini

Last Night In The Bittersweet East West /Dro

POP / En este retorno ha intentado hacer algo bastante más elaborado y menos comercial. Quizás sea esta introspección artística el motivo de su desaparición de los escenarios. Un intento nada disimulado por que lo tomen en serio los que solo veían en él una voz y una cara bonita. DON DISTURBIOS

Koffee

Gifted Promise Land

REGGAE / El primer largo de Koffee es un disco de celebración. Un álbum que busca predicar la importancia de estar agradecidos con lo que tenemos, de aprender más sobre el amor y huir del odio. Un salto a las raíces de Mikayla Simpson apostando por la positividad.

ÁLEX JEREZ

Alvvays

Blue Rev Polyvinyl/[PIAS]

Father John Misty Chloë and the Next 20th Century Sub Pop

INDIE FOLK / Un derroche sin parangón de recursos orquestales al servicio de una suerte de crooner moderno, que no renuncia a su cinismo intrínseco, pero sí abraza una fase de maduración exquisita destinada a seguir conquistándonos desde el absurdo, pero esta vez con un poco más de corazón. FRAN GONZÁLEZ APARICIO

Alt-J

The Dream Infectious/BMG

POP / Suenan revigorizados, rejuvecenidos, oxigenados. Más capaces de combinar su veta más pop con la más experimental. Y también más empapados del mal de altura (para bien, ojo) que tradicionalmente sobreviene a las bandas inglesas que se dejan seducir por la cultura yanqui. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Twins

Nilüfer Yanya Painless ATO

INDIE POP / Tres años después de un debut que la puso en el radar, sube la apuesta y nos regala un disco tan delicioso como exótico. Acostumbrados a que las producciones se acaben merendando la personalidad de los artistas, aquí sucede lo contrario. Nilüfer Yanya lo hace tan bonito como raro y ahí reside la gracia. DON DISTURBIOS

Jack White Entering Having Alive Third Man Records

ROCK / Parece encontrarse en un estado de forma y ánimo que solo cabe clasificar de pletórico. Llevaba una larga época sin hacer prisioneros, por eso es un gusto poder disfrutar de esta otra cara: La que abandona el sentir garagero de sus temas y los retuerce melódicamente para ofrecer algo más elaborado. DON DISTURBIOS

The Smile A Light For Attracting Attention XL Recordings

POP ROCK / ¿El mejor disco nunca facturado por un proyecto paralelo a Radiohead o el décimo álbum de Radiohead encubierto? Ambas lecturas son plausibles. Y correctas. Han tratado siempre (con menor o mayor fortuna) de no repetirse, y aquí emergen con un nuevo blues para los tiempos que corren. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Gilla Band Most Normal Rough Trade/Popstock!

POST-PUNK / Ni el cambio de nombre consigue alterar la airada, caótica y asalvajada doctrina que rige el pensamiento creativo del cuarteto irlandés liderado por Dara Kiely. Un discurso pasivo-agresivo que lleva a un siguiente nivel los paradigmas del rock experimental.

FRAN GONZÁLEZ

Sudan Archives Natural Brown Prom

Queen Stones Throw Records

INDIE ROCK / Vuelven con el mejor disco de su carrera tras un largo parón. Sus grandes cualidades siguen ahí, melodías burbujeantes cubiertas de guitarras eléctricas y una pizca de melancolía, pero ahora suenan más urgentes, densos y ruidosos. Además tienen su mejor colección de canciones. SERGIO ARIZA

ROCK / Un proyecto tan complicado de catalogar que te vuela la cabeza. Un atrevido ejercicio de quimicefa musical, metiendo en una misma probeta una pizca de punk, otra de r’n’b y otra de nu-metal de principios de los dosmiles, obteniendo como resultado una suerte de hip-hop industrial, agresivo y dinámico. FRAN GONZÁLEZ 38

POP / Ser autoconsciente es algo curioso. Para afrontarlo una puede hacerse una bolita abrumada por el exterior; o bien, ordenar cada una de tus flaquezas y virtudes y sacar uno de los mejores discos del año. Una celebración de sí misma, de su individualidad y del camino que ha recorrido. EVA SEBASTIÁN

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Arctic Monkeys

The Car

Domino/Music As Usual

POP ROCK / Instalados en la mullida placidez inaugurada con “Tranquility Base Hotel & Casino” (18), prácticamente parecen otra banda distinta a la de su debut. La plenitud vocal y compositiva de Alex Turner, más crooner que nunca, trasluce en diez cortes que vuelven a nacer del piano, y no de la guitarra. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Everything Everything Raw Data Feel AWAL/Popstock!

POP ELECTRÓNICO / Parecen haber echado el resto en esta nueva entrega. El combo de Manchester completa el que bien podría ser su mejor disco hasta la fecha, respetando la esencia artística que en todo momento ha guiado el proyecto pero, al mismo tiempo, enfrascándose en empresas inéditas. RAÚL JULIÁN

Sharon Van Etten

We’ve Been Going About This All Wrong Jagjaguwar/Popstock!

INDIE POP / Su música siempre ha tenido una especie de cualidad de diario personal, algo que aquí se hace más evidente. El disco suena dramático y épico, combinando piezas acústicas, como en sus inicios, con otras en las que se imponen los sintetizadores. SERGIO ARIZA

43 49 50 47 48

Steve Lacy Gemini Rights

Sony

POP / Un giro de volante a lo que ha sido su trayectoria. El también componente de The Internet mezcla el pop, el r&b, groove, algo de rap y, por qué no, teatralidad. Una mezcla entre alivio, rencor, arrepentimiento, e infinitos bucles de nostalgia. Un disco rico en detalles en una suerte de selfie emocional. EVA SEBASTIÁN

Bad Bunny Un verano sin ti Rimas Entertainment

REGGAETÓN / Corta la dinámica descendente que había inaugurado desde el lanzamiento de su primer álbum. Remonta el conejo malo y firma un trabajo larguísimo que cuenta con lo mejor (un gusto por reinventar el reggaeton y por darle entidad al unirlo a otras propuestas) sin lo peor de “YHLQMDLG” LUIS M MAÍNEZ

The Interrupters In The Wild Hellcat/[PIAS]

SKA PUNK / No necesitamos ni cinco compases para comenzar a acompañar a pleno pulmón a Aimee Allen en esas inmediatas y efectivas arengas, diseñadas con corazón y sentimiento a caballo entre el punk más directo y el ska más distendido. Una bomba de energía y pasión ante la que es inútil resistirse. FRAN GONZÁLEZ Suede

mondosonoro.com

POP / El retorno de los londinenses tras aquel parón que duró más de una década es uno de los más apabullantes de entre los perpetrados por grupos de los noventa en una segunda etapa. “Autofiction” muestra sin reticencias a un grupo más directo y visceral, sin atrezo ni red de seguridad. RAÚL JULIÁN

@mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Yard Act The Overload Island/Music As Usual

POST-PUNK / Este no solo es ese disco de guitarras feroces y letras desenfadadas que siempre agradece el respetable, sino que guarda tras de sí una acidez a caballo entre el humor y la conciencia de clases que pone a su líder y vocalista James Smith a la cabeza de los letristas más brillantes de la escena punk actual. FRAN GONZÁLEZ

John Fullbright The Liar Thirty Tigers Records

AMERICANA / Fullbright, al igual que Damien Rice o Paolo Nutini, hace ocho años decidió desaparecer en el momento más inoportuno. “The Liar” es por tanto un sonado retorno porque resulta mucho más variado y porque se ha dejado acompañar de una banda que le da una robustez inédita.

DON DISTURBIOS

Special

Interest Endure

Rough Trade/Popstock

PUNK / Su apuesta de electrónica bailable y punk oscuro asalvajado alcanza aquí tremendas cotas de intensidad. Recogen el testigo de bandas norteamericanas (especialmente de Nueva York) que hace tiempo que perdieron aquello de lo que ellos van sobrados: sangre, sudor, lágrimas y espíritu hedonista. JC PEÑA

2007

1. “Neon Bible” Arcade Fire

2. “Kala” M.I.A.

3. “Myths Of The Near. Future” Klaxons

2008

1. “Med Sud I Eyrum Vid Spilum End” Sigur Rós

2. “Third” Portishead

3. “Dear Siencie” TV On The Radio

2009

1. “Merriweather Post Pavilion” Animal Collective

2. “Wolfgang Amadeus ” Phoenix

3. “The Pains Of Being Pure At Heart” The Pains Of Being Pure At Heart

2010

1. “Teen Dream” Beach House

2. “The Drums” The Drums

3. “This Is Happening” LCD Soundsystem

2011

1. “Let England Shake” PJ Harvey

2. “Bon Iver” Bon Iver

3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls

2012

1. “An Awesome Wave” Alt-J

2. “The Seer” Swans

3. “Kill For Love” Chromatics

2013

1. “Overgrown” James Blake

2. “A.M.” Arctic Monkeys

3. “Yeezus” Kanye West

2014

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs

2. “Singles” Future Islands

3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2015

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens

2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar

3. “Every Open Eye” Chvrches

2016

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds

2. “★“ David Bowie

3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2017

1. “DAMN.” Kendrick Lamar

2. “Sleep Well Beast” The National

3. “Arca” Arca

2018

1. “Joy As An Act Of Resistance” Idles

2. “All Melody” Nils Frahm

3. “Vibras” J Balvin

2019

1. “Magdalene” FKA Twigs

2. “Ghosteen” Nick Cave & The Bad Seeds

3. “Igor” Tyler The Creator

2020

1. “Set My Heart On Fire” Perfume Genius

2. “Future Nostalgia” Dua Lipa

3. “Fetch The Bolt Cutters” Fiona Apple

2021

1. “Sometimes I Might Be Introvert” Little Simz

2. “Bright Green Field” Squid

3. “Actual Life” Fred Again..

resumen por internacional

ELCTRÓNICA

Futuro electrónico

UN AÑO ALGO MÁS QUE NOTABLE en lo que a la cosecha de álbumes de electrónica foránea se refiere. Y eso que en un mercado singlelizado al extremo parece que, pronto, publicar un disco en largo formato será algo que penalice, o casi. El caso es que ha habido mucha variedad, frescura y calidad, y esto es algo siempre a celebrar ya que es el mejor síntoma de que la música hecha con máquinas, orientada al baile o a la contemplación interior, sigue su camino triunfal hacía un futuro que sigue siendo solo suyo. En lo más alto nos encontramos con una excelente tripleta inglesa sustanciada por Bonobo y su magnífico, confortable y ajausado “Fragments”; Fred Again y el destellar urbano y mutante de su “Actual Life 3” y Daniel Avery y su extraordinario, por febril y distorsionado, “Ultra Truth”. Les siguen Charlotte Adigéry & Bolis Pupul y su querencia por la lírica minimalista en “Topical Dancer”; el rare pop technificado del dúo austriaco HVOB en “Too”; el neo-pop molón y electrónico de HAAi en “Baby, We’re Ascending” y los también destacados álbumes de la compositora italiana Caterina Barbieri “Spirit Exit”; los icónicos viejunos Röyksopp con su delicioso “Profound Mysteries”; el genio escocés Hudson Mohawke con su glitchero, psicodélico y muy soulero “Cry Sugar” y el australiano Mall Grab y su nostálgico, pero actualísimo, “What I Breathe”. Y desgraciadamente quedan fuera del top trabajos excelsos como “Luz” de Axel Boman, “Cash Romantic EP” de Overmono, “MORE D4TA” de Moderat y Totally Enormous Extinct Dinosaurs con “When The Lights Go”, Flume con “Palaces” o Techno para dos con “Drama”. ¡Qué siga la buena racha…!

El primero

Bonobo Fragments Ninja Tune

PLAYLIST

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SUS ESTRUCTURAS ya no son tan huidizas y guarrillas, pero su expresividad en cuanto a atmósferas orgánicas, beats microscópicos y melodías paisajistas, ha crecido. “Rosewood” o “Closer” nos sirven para sentir lo que es darle un buen bocado a un melocotón. Se bailan mientras uno lagrimea con los ojos cerrados. Dentro de la evolución del de Brighton encontramos un creciente acercamiento a terrenos más houseros. Lo palpamos claramente en “Age Of Phase” o en “Counterpart”. En cambio, Simon regresa por los fueros del UK garage, del 2-step quebradizo pero inocentón, en “Otomo”, sin duda alguna uno de los pilares del nuevo disco. BRUNO GARCA

por estilos

TOP10

1 Ibibio Sound Machine Electricity Merge/Popstock!

2 Sona Jobarteh

Badinyaa Kumoo African Guild Records

3 Al-Qasar Who Are We? Glitterbeat Records

4 Antonis Antoniou Throisma Ajabu!

5 Vieux Farka Touré & Khruangbin Ali Dead Oceans/Popstock!

6 Souad Massi Sequana Virgin

7 Congotronics Internacional Where’s The One? Crammed Discs

8 Liraz Roya Glitterbeat Records

9 Lalalar

Bi Cinnete Bakar Bongo Joe Records

10 Maya Youssef Finding Home Autoeditado

El primero

Ibibio Sound Machine

Electricity

Merge/Popstock!

El cuarto disco de los londinenses es la mejor respuesta para la cerrazón que representan Boris Johnson y el Brexit. Un trabajo abierto a todo el mundo que suena como Grace Jones al frente de un combo afrobeat producido por Hot Chip. Hay guiños a la música disco, al dub, al house o a ese genio llamado Prince, pero todo este híbrido está perfectamente aliñado por la tremenda personalidad de esta banda que ha entregado su mejor disco, uno en el que han sabido combinar a la perfección sus orígenes en el funk africano de Nigeria y Camerún, combinándolos con toques de electrónica, sin olvidar la melodía. a pesar de que el ritmo sigue siendo el protagonista. SERGIO ARIZA

PLAYLIST

Electricidad universal

ACUERDO TOTAL para colocar a Ibibio Sound Machine en lo alto de la lista, pero lo merecían. No solo por ese soberbio disco, producido por Hot Chip, sino porque su directo es aún mejor. Pero hagan caso relativo y disfruten de cualquiera del resto. Como la virtuosa de la kora Sona Jobarteh en su precioso y vigoroso tributo a su Gambia natal y a su gente. Y cuidado con Al-Qasar, desde el barrio parisino de Barbès, pero abiertos al mundo global (Jello Biafra y Lee Ranaldo colaboran con esta banda internacional que encantaría a Rachid Taha). De ahí a Chipre de la mano de Antonis Antoniou en su segundo disco al margen de Monsieur Doumani, y en el que se sumerge en un sorprendente folk-funk industrial, pero sin perder las raíces. Curiosamente el admirable guitarrista Vieux Farka Touré editó este año “Les Racines”, pero hemos elegido el grabado

junto con el heterogéneo grupo tejano Khruangbin revisando temas de su padre Ali. Emocionante también el nuevo disco de la argelina Souad Massi con la delicada producción del ubicuo Justin Adams, valga decir que solo por la versión del “Hurt” de Trent Reznor merece su posición. Y si quieren variedad Congotronics Internacional, un encuentro entre Konono Nº 1 y Kasai Allstars junto a grupos como Juana Molina, Deerhoof o Skeletons, mezcla indescriptible. Más sencillo en definir el nuevo disco de la cantante persa-israeli Liraz, reluciente electro-pop, ritmos de baile y sonidos persas retro con letras de denuncia. Y atención a Lalalar, jóvenes turcos con su psicodelia cinemática. Por último, pero igual de interesante Maya Youssef virtuosa del qanun con un disco emotivo que traduce su búsqueda espiritual de lo que significa hogar.

MIGUEL AMORÓS

mondosonoro.com

HARDCORE-PUNK

resumen por estilos

La increíble amplitud de una etiqueta

SIEMPRE LAS ETIQUETAS, las malditas etiquetas, a veces tan útiles, a veces tan jodidas ellas. ¿Cómo meter en un único cajón a bandas tan dispares, capaces de moverse en polos casi opuestos estilísticamente hablando: desde la brutalidad pura hasta las melodías casi pop. Lo intentamos año tras año, pero es muchísimo más complicado de lo que parece. Para empezar, hemos decidido dejar fuera de esta lista a los belgas Brutus con su abrumador “Unison Life”. El motivo es que van ampliando su abanico de seguidores y que aparece votado en la lista general por gentes diversas. Algo parecido a The Interrupters y su ska-punk. De este modo, son Soul Glo quienes se quedan coronando la lista porque necesitábamos algo refrescante y su “Diaspora Problems” lo es, y mucho. A partir de ahí, puro despiporre. E insisto, no se fijen tanto en las posiciones, sino en los discos, que valen todos muchísimo la pena. Unos Cave In en forma producidos por Ballou y moviéndose entre géneros; Drug Church acertando en cada canción; los franceses Birds In Row abriendo su abanico; la brutalidad controlada de Vein.fm; unos PUP y Anxious para los que la melodía lo es todo aunque de formas distintas; viejos conocidos de generaciones como Alexisonfire, Comeback Kid u Off! Les hemos incluido a ellos, pero también podrían haber aparecido por aquí Underoath, Norma Jean, Stick To Your Guns, Cancer Bats, Ways Away, Joyce Manor, Static Dress, XweaponX, clásicos como Hot Water Music, Cancer Bats y Terror, los progresivos Gospel –producidos por Kurt Ballou, como Cave In–, los punks The Chats, o incluso esa suerte de supergrupo llamado L.S. Dunes –que se ha quedado a medio camino de lo esperado–. JOAN S. LUNA

El primero

Soul Glo

Diaspora Problems

Epitaph

PLAYLIST

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Da la impresión de que, al fichar por Epitaph, Soul Glo han dado un importante paso adelante, apostando definitivamente por su cara más hardcore y dotando de mayor protagonismo a la voz de Pierce Jordan y sus espasmódica forma de interpretar, capaz de fusionar en una única persona a H.R. y Jello Biafra. En éste su cuarto álbum de estudio, se muestra como una ametralladora que reivindica el orgullo de los descastados de esa América que lucha por salir adelante día tras día (recordemos que él y su compañero GG Guerra han sido riders durante varios años) en una sociedad de mierda en la que no encajan con facilidad. El sentido del punk y el hardcore era este.

JOAN S LUNA

AMERICANA-FOLK

La música de Caín

LOS SONIDOS DE RAÍZ estadounidenses nos han vuelto a deparar grandes alegrías y, si obviamos los discos del género que se han colado en nuestra lista general del año como los de Big Thief, Kevin Morby, Angel Olsen, King Hannah o John Fullbright, nos encontramos que el mejor disco de este 2022, ha sido el debut en largo (tras publicar varios Ep’s desde 2019) de Ethel Cain. Un disco extraño, oscuro, gótico y misterioso, en el que la autora saca a relucir todos esos demonios existenciales, producto de haber crecido en un entorno profundamente religioso del que fue expulsada al declarase mujer transgénero. Tras Ethel Cain mucho, bueno y variado, como acostumbra a pasar en esta lista. Desde veteranos que no suelen decepcionar como Wilco, Bill Callahan o Will Hoge, a artistas con gran talento dentro de los parámetros más clásicos del country como Kaitlin Butts o un Brent Cobb que ha rescatado los viejos himnos de gospel sureño que sonaban en la iglesia cuando era pequeño para actualizarlos. Mención especial merece también el álbum de Amanda Shires que rezuma una sinceridad descarnada con una elegancia

El primero

Ethel Cain

Preacher’s Daughter

Daughters of Cain Records

PRECEDIDO POR UNA SERIE de Ep’s, estamos ante el debut en largo de una artista cuando menos singular. Ethel Cain parece salida de un relato de Edgar Alla Poe o de un cuadro de Grant Wood, pero no solo por su aspecto físico , también por la música que realiza. Y es que la hija del predicador vuelca en unas densas letanías de folk doliente todo su imaginario que nace de las mismas entrañas del sur de Estados Unidos. Nacida con un cuerpo de chico que no se correspondía con lo que le dictaba su mente, su proceso de transformación en un pequeño pueblo muy religioso, la convirtió en el bicho raro que se refugió en una música muy personal.

DON DISTURBIOS

instrumental que te deja sin aliento, o el trabajo realizado con gran solvencia por The Delines en el que nos cuentan brumosas historias de personajes que convierten el sueño americano en toda una pesadilla. Por último, no cabe olvidar a otros artistas que han estado a punto de ser incluidos en esta lista y que al menos merecen una mención como son: Ginger Wildheart & The Sinners, Nikki Lane, Nina Nastasia, Ben Harper, Jim Lauderdale, Tre Burt, Molly Tuttle & Golden Highway, Joan Shelley, Alela Diane, Zach Bryan o Luke Winslow King. Nombres que dan una buena muestra de la buena salud del “americana music”.

DON DISTURBIOS

1 Ethel Cain Preacher’s Daughter Daughters Of Cain Records

2 The Delines The Sea Drift Decor Records

3 Kaitlin Butts What Else Can She Do Soundly Music

4 Will Hoge Wings On My Shoes EDLO/Soundly Music

5 Wilco Cruel Country dBpm/Anti

6 Amanda Shires Take It Like A Man ATO Records

7 Brent Cobb And Now, Let’s Turn To Page... Ol’ Buddy Records/Thirty Tigers

8 The Vandoliers The Vandoliers Amerikinda Records

9 Bill Callahan YTILAER Drag City/Popstock!

10 The Cactus Blossoms One Day Walkie Talkie Records

PLAYLIST

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Grietas de esperanza

DICEN QUE LA PANDEMIA ya pasó, pero la coyuntura internacional, la guerra de Ucrania y la crisis medioambiental dan combustible de sobras para unas cuantas décadas de metal extremo y apocalíptico. Sin embargo, podemos percibir ciertas grietas de esperanza abriéndose paso entre los sonidos más interesantes de 2022, aunque sea en forma de notas disonantes o intercaladas con furiosos arrebatos de ruido primordial. En primer lugar queremos destacar el debut de los norteamericanos Chat Pile, una asfixiante y catártica ración de metal experimental que cruza sludge, noise e industrial en algún punto entre Big Black y Godflesh. Les siguen los ucranianos White Ward y su post-black vanguardista, que en esta ocasión aderezan con líneas de saxo, matices crooner y ecos a Ulver. Los portugueses Gaerea tampoco se acomodan a los cánones clásicos del black metal con una propuesta tan cruda como inspirada que despunta más allá del subgénero. El resto de propuestas que más nos han llamado la atención pasan por los riffs incólumes y el punch del dúo alemán Mantar; el ambient doom majestuoso de los italianos Messa; el death old school de Autopsy; el post-metal atmosférico de los infalibles Cult Of Luna; el heavy metal aerodinámico y sin coartadas de Sumerlands; el death de última hornada de Undeath y la enésima macarrada de los imparables Midnight. Fuera del top ten pero igualmente importantes han sido las últimas propuestas de Ghost, Wiegedood, Zeal & Ardor, Wyatt E, Ken Mode, A.A. Williams, Blut Aus Nord, Destroyer 666, Watain o algunos clásicos que mantienen el nivel de su legado como Immolation, Kreator, Razor o Darkthrone.

DAVID SABATÉ / EDU TUSET

El primero

Chat Pile

God’s Country The Flenser

ESCONDIÉNDOSE tras pseudónimos

-Raygun Busch (voces), Luther Manhole (guitarra), Stin (bajo) y Cap’n Ron (batería- Chat Pile le ponen banda sonora a la cara más jodida de la cabeza de los Estados Unidos, a la Tierra del Señor, al Bible Belt. Una banda sonora que combina el sludge más asfixiante y envenenado con el industrial más crudo y cortante. De ahí que “God’s Country” suene arisco y brutal como si alguien encerrase en una cárcel de máxima seguridad a Today Is The Day, Eyehategod, The Jesus Lizard, Ministry, Godflesh y Big Black y todos sus miembros se fundiesen en una catarsis orgiástica, sangrienta y radical en la tierra de los libres, hogar de los bravos.

PLAYLIST

Kendrick Lamar reclama su trono

EN EL AÑO EN EL QUE LA FIGURA de Kanye West parece más devaluada que nunca por razones extra-musicales, Kendrick Lamar regresa con fuerza para recuperar el trono que ya ha ocupado en varias ocasiones. Pero la espera ha valido la pena y el de Compton vuelve con “Mr. Morale & The Big Steppers”, dieciocho canciones con las que Lamar ha creado el mejor disco del rap del año gracias a ese estilo refinado que fusiona el rap experimental con el jazz rap y en el que además destacan sus rapeos ágiles y su culta narrativa. Le acompañan en el podio dos raperos de la misma edad, ambos nacieron en 1993, pero que proponen dos visiones de rap diferentes. Vince Staples y Gunna pertenecen a la misma generación pero el primero ofrece un rap más clásico y el segundo un estilo más moderno y vanguardista, demostrando que la variedad estilística sigue siendo uno de los principales pilares del hip hop

actual. Tras ellos encontramos en la lista a Future, el rapero que quería ser rockero, y un veterano como Danger Mouse, a quienes sigue el rapero más escuchado hoy en plataformas, Drake, en su disco con 21 Savage. Después nos encontramos a Pusha T –quien fuera cincuenta por ciento de Clipse–, y a grandes dinosaurios de la escena rap como Billy Woods, Roc Marciano, The Alchemist y Nas –aunque este se haya quedado justo al límite de entrar en el top– quienes cierran la lista junto al gran valor del rap británico actual Loyle Carner. Y fuera del rap anglosajón hay que destacar la explosión de la escena urbana argentina, con artistas como Trueno y Bizarrap a la cabeza. Sin perder de vista a Europa, donde L’Entourloop, ArrDee, Yung Lean, Central Cee o Kae Tempest han dado un nuevo paso al frente en este 2022. Un año en el que, recordemos, el rap sigue siendo la música más escuchada en el mundo. ALFONSO GIL ROYO

1 Kendrick Lamar Mr. Morale & The Big Steppers Top Dawg/Universal

2 Vince Staples Ramona Park Broke My Heart Motown/Universal

3 Gunna DS4Ever Young Stoner/300 Ent.

4 Future

I Never Liked You Epic/Sony

5 Danger Mouse & Black Thought Cheat Codes BMG

6 Drake & 21 Savage Her Loss OVO/Universal

7 Pusha T It’s Almost Dry Def Jam/Universal

8 Loyle Carner Hugo EMI/Universal

9 Billy Woods Aethiopes Blackwoodz Studioz

10 Roc Marciano & The Alchemist The Elephant Man’s Bones Marci/Empire

El primero

Kendrick Lamar

Mr. Morale & The Big Steppers

Interscope/Universal

DEL ESPÍRITU DE NINA SIMONE, incrustado en el corazón de “United In Grief”, arranque de este “Mr. Morale & The Big Steppers”, al recuerdo permanente del Prince de los ochenta, Lamar se ha marcado la continuación perfecta del “Stankonia” (2000) de Outkast, hasta el momento, el disco hip-hop más ambicioso del siglo XXI. Al menos, hasta que el lustro de espera que nos ha hecho sufrir el fenómeno de Compton ha llegado a su fin por medio de esta obra, concebida como un doble álbum. El quinto largo de estudio de Lamar prosigue esta gran tradición, en torno a conformar una gran ópera egipcia de música afroamericana. MARCOS GENDRE

las mejores InternaCIOnaLeS

Como una aguja en un multiverso

“ Todo en todas partes al mismo tiempo” de Dan Kwan y Daniel Scheinert corona nuestro top de películas estrenadas en España en 2022 por el mismo motivo por el que últimamente es imposible salir de un concierto sin haberte sumergido antes en un pogo. “Todo en todas partes al mismo tiempo” es la muestra de que la cultura post-pandemia ansía el descontrol injustificado y la acción por la acción (y de que siempre quedará esperanza en los multiversos). Más allá de los desdoblamientos metafísicos de personalidad, se han colado también en esta lista las confesiones contemporáneas de “La peor persona del mundo” (que en realidad no lo es tanto…), el último intento de Joachim Trier por encerrar la vida en pequeñas viñetas, y las bellísimas soledades de “Drive My Car”, en la que Hamaguchi defiende, justamente, lo infinito de los pequeños gestos. También se merecen una mención aquellos títulos que han hecho de este uno de los mejores años para el cine de género (¿hemos vuelto a 1982?); desde esa “Tiburón” lovecraftiana que es “Nope!” de Peele hasta el pecador espectáculo de placeres y dolores que coreografía West en “X”. Tampoco podemos evitar pensar en 2022 como el año de las (atípicas) historias de amor. Mientras Thomas Anderson vuelve con un romance juvenil entre camas de agua en “Licorice Pizza”, Sarnoski se estrena con “Pig”, un oscuro relato de amor platónico entre Nicolas Cage y su cerda. La contundencia humana de “Argentina 1985” de Mitre, la fantasía historiográfica de “Apolo 10 ½” de Linklater y la claustrofobia milagrosa de las “Trece vidas” de Howard demuestran mientras tanto que las basadas en hechos reales han hecho también ruido en el panorama internacional. Y ojo, porque son justamente las innumerables ausencias –“Smile”, “The Batman”, “Pacifiction”, “Memoria”, “Top Gun Maverick”, “Elvis”... – las que confirman que pocas excusas nos han hecho falta este año para acercarnos al cine. DANIEL GRANDES

1

A24 SE COMPROMETE en esta ocasión a ser quien arrebate a este blockbuster de acción de manual su mitad apolínea, condenando a “Todo en todas partes al mismo tiempo” al incontrolable torbellino de lo dionisíaco. Daniel Scheinert y Daniel Kwan no han tenido carta blanca, han dirigido “Carta blanca: la película”. Esta es una historia que no se ata a nada ni se compromete con nadie. La única norma a cumplir es, paradójicamente, la de dejarse llevar por lo imprevisible, por lo ridículo, por lo totalmente ajeno al costumbrismo. La rareza como sinónimo de comodidad, el safe place más esquizofrénico de los últimos años. Son

Todo en todas partes al mismo tiempo

Daniel Scheinert y Daniel Kwan

muchísimas las cosas que se pueden decir de lo nuevo de los Daniel que quedan totalmente vacías de significado si no van acompañadas de las propias imágenes de la película. Quizá lo que sí le pueda reconocer sin miedo es lo bien que esta funciona como manifiesto contra el sueño americano, lo bien que señala la hipocresía de esos liberales con mentalidad de tiburón que aseguran sin miedo alguno que una mejor versión de tu vida y de ti mismo están a la vuelta de la esquina. “Todo en todas partes al mismo tiempo” te grita que hay veces en las que todo podría ir mejor y nada peor, pero que quizás eso no esté tan mal. DANIEL GRANDES

películas

La peor persona del mundo

Joachim Trier

“La peor persona del mundo” introduce en el cine del noruego –aunque nacido en Dinamarca–un matizado componente de comedia del que estaban exentos trabajos anteriores como “Oslo, 31 de agosto” o “Más fuerte que las bombas” Se añade así la cinta al grupo de filmes que compendian la experiencia vital como una mezcla enmarañada de momentos graves y ligeros. La mirada irónica tiñe los asuntos amorosos de la protagonista, Julie. J PICATOSTE VERDEJO 2

Argentina, 1985

Santiago Mitre

Sin dobleces ni manipulaciones, se trata el juicio a la sangrienta dictadura militar argentina que paralizó el país y quien vertebra la acción, un Ricardo Darín de nuevo excepcional. Con la habilidad de los argentinos para mirar al pasado y extraer buenas historias de las heridas, Santiago Mitre consigue su propósito: crear una película que emociona e invita a la reflexión, permitiéndose incluso dosis de humor ácido. TONI CASTARNADO 5

Apolo 10 ½

Richard Linklater

La cinta de animación “Apolo 10 ½” es un homenaje al cine y la música de esos que se escriben en pleno arrebato de pasión (por fin alguien retrata con la misma pasión con la que habla de “2001: Odisea en el espacio” lo mucho que le marcaron las visitas a los parques de atracciones; ¡cada día más en el equipo de este hombre!). Con ella, Linklater ha escrito una carta de amor más, así que todo el mundo a leerla. DANIEL GRANDES

3

Nope Jordan Peele

“Nope” es la muestra de que todo hito humano, incluso el más inexplicable, nunca podrá ser nada más que un espectáculo. Peele, encontrándose ante algo nunca jamás visto, no llamaría a un científico, sino a un director de fotografía. Si no es visto no existe y si es visto, es un show. Si “Encuentros en la tercera fase” reivindicaba el sonido como instrumento para que la otredad nos entienda, “Nope” señala a la imagen. DANIEL GRANDES

4

Trece Vidas Ron Howard

6

Drive My Car Ryusuke Hamaguchi

Todo un veterano como Ron Howard ya había dado muestras en la fantástica “Rush” (13) que su artesanal visión de lo que es hacer cine, podía generar una tensión que te mantuviera pegado a la butaca. Con “Trece vidas” lo ha logrado de nuevo con el hándicap de que todos los espectadores conocían el final de la historia, pero no su potente desenlace. A eso hay que sumarle cómo consigue que nos sumerjamos en las claustrofóbicas aguas de la cueva. DON DISTURBIOS

7

A partir de un relato breve de Haruki Murakami, en “Drive My Car” se desarrolla un viaje en coche en el que suceden cosas y, sobre todo, se dialoga. El propósito de este trayecto no es otro que el de captar a voluntarios para una obra de teatro. El protagonista de esta trama lleva a una chófer con la que crea un vínculo estrecho y terapéutico. Una cinta honda, sexual y muy bella, un viaje profundo por la memoria. TONI CASTARNADO

X Ti West

Homenajeando al cine de explotación y al slasher, sus principales fuentes de inspiración recaen en el cine de Mario Baba, Darío Argento o Rob Zombie, con cierto toque de “Boogie Nights” (97) y especialmente “La matanza de Texas” (74) de Tobe Hooper teñida de tercera edad. Una película con la que salir entusiasmado del cine, Y por si no hubiera suficiente, West ha estrenado también la precuela “Pearl” ALEJANDRO TEIGA ROBLES

9

“Pig” sorprende porque no da lo que se espera desde el prejuicio, sino que reinterpreta los filmes de venganza desde un insólita carga emocional. No es una revenge movie al uso: apenas hay escenas de violencia física y, menos, relacionadas con la trama principal. Es curioso el recorrido de la cinta, desde las oscuras entrañas de su enigmático personaje y entorno hasta la desnudez de las emociones de los implicados. J. PICATOSTE VERDEJO Pig Michael Sarnoski

10

Licorice Pizza Paul Thomas Anderson

Si en “Boogie Nights” Paul Thomas Anderson se interesaba por los márgenes de la industria del séptimo arte y dirigía su mirada al cine pornográfico, en “Licorice Pizza” se fija en quienes se hallan en las lindes de una comunidad dedicada al espectáculo. Anderson muestra un cariño especial en el retrato de la California de su infancia con un humor irónico pero nunca cínico, elegantes movimientos de cámara y una fotografía bellísima. J. PICATOSTE VERDEJO

los mejores internacionales

Tebeos esenciales

e inolvidables

LO SÉ, PUEDE SONAR A TÓPICO, pero la cosecha de este año ha sido fantástica. Los grandes títulos se amontonan en nuestras estanterías y, lo mejor de todo, cualquiera de los títulos que listamos podría ser el número uno del año, así que no le presten demasiada atención al ranking, sino al conjunto. Puedo garantizarles que esta vez se lo digo muy en serio. Déjense llevar por estas historias, muchas de ellas reales, y sorpréndanse con toda la magia que las autoras y autores han sido capaces de recoger en sus viñetas, tanto en las recién salidas del horno como en las que nos llegan en castellano con décadas de retraso.

AHORA BIEN, al mismo tiempo que les digo que los diez títulos de nuestra lista me parecen grandes obras de nivel, también voy a permitirme apuntar que hay muchos otros cómics increíbles que se quedan fuera por motivos de espacio y que –se lo garantizo– les harán ratos excelentes. Podríamos citar desde “Dragman” “Llévame contigo” “Seguir dibujando” les Burns, “Blanco alrededor” Stéphane Fert, tective” de Jeff Lemire, Matt Kindt y David Rubín, “El joven Ludwig” submarino” de Jeff Lemire, Madden, “Túneles” de Rutu Modan, crítica” de Simon Hanselmann, de Brenna Thummler o la serie Gaët’s y Monier, entre muchos más. Y, por supuesto, no nos olvidamos del manga, que nos ha brindado la oportunidad de disfrutar de novedades, pero sobre todo de clásicos como mañana” de Takamori y Chiba, “Cuentos del pasado lejano” Mizuki, “Flores rojas” ge, “Destino Terra” Takemiya o diversos títulos de Tezuka, por citar unos pocos. Se quedan fuera los superhéroes, pero prestarles la debida atención supondría contar con una sección especial.

JOAN S LUNA

1Hierba Keum Suk Gendry-Kim Reservoir Books

LEERÁN EXCELENTES COMENTARIOS sobre este multipremiado “Hierba”. Y todos, se lo aseguro, sobradamente merecidos. Porque “Hierba” es un título que, tras su inocente apariencia inicial, nos vapulea dejándonos con el corazón hecho trizas, y al mismo tiempo se nos revela como una descomunal lección de vida y de supervivencia. Tomando unas entrevistas con Lee Ok-Sun, la anciana protagonista, como punto de partida, la autora nos descubre el olvidado sufrimiento de miles de jovencitas coreanas que, durante la ocupación japonesa, fueron convertidas en esclavas sexuales por el ejercito nipón. Y uno no deja de sorprenderse con la cercanía y la sinceridad con la que nos acerca a las vivencias y al carácter de Lee Ok-Sun, tanto que casi juraríamos haberla conocido en persona. Consigue que entendamos las decisiones que toma o el modo en el que se enfrenta a lo que un mundo desesperan-

cómics

Kent State Derf Backderf Astiberri

3

“Kent State” supone la confirmación definitiva del talento narrativo de Backderf tras “Mi amigo Dahmer” y “Basura” En él revisa uno de los episodios más bochornosos y terribles de la historia moderna de Estados Unidos –el vengativo asesinato de estudiantes a manos de la Guardia Nacional el 4 de mayo de 1970–. El resultado es un cómic que bascula entre lo artístico y lo periodístico.

JOAN S LUNA

Clase de actuación

Nick Drnaso

Salamandra

Hay dos maneras de leer este cómic. Como crítica social a los Estados Unidos actuales o como una historia fantástica de miedo de corte sectario. Drnaso depura el horror que podíamos encontrar en “Sabrina” convirtiéndolo en una fría y analítica historia de perdedores que se sienten perdidos en la sociedad actual hasta que la actuación les cambia la vida. Todo el terror por la sociedad moderna de Ballard filtrado a través de la mirada de Cronenberg. MANU GONZÁLEZ

5Escucha, hermosa

Márcia

Marcello

Quintanilha

Astiberri

Con “Escucha, hermosa Márcia”, obra premiada en el Festival Angoulême 2022, Marcello Quintanilha consigue llevar su arte hasta sus cotas más altas, desplegando un estilo vibrante de colorida plasticidad que recuerda al arte pop brasileño. Un drama social rebosante de furiosa vida, y protagonizado por una extraordinaria mujer, que nos lleva directamente hasta el corazón de las favelas.

LAURA MADRONA

8

El meterorito de Hodges

Fabien Roché

Garbuix

¿Cuántas veces se puede contar una pequeña anécdota de la historia humana hasta convertirla en un tema de abarque cósmico? El canadiense Fabien Roché analiza al milímetro el caso de la primera mujer que sobrevivió golpeada por un meteorito desde cien puntos de vista diferentes con una sucesión apabullante de datos con páginas repletas de viñetas muy del estilo de Chris Ware. Roché convierte una pequeña anécdota en una gran novela gráfica. MANU GONZÁLEZ

6

Jolgorio Bretch

Evens

Astiberri

Excesiva, exuberante, monumental. Tras “Pantera” (18), Brecht Evens se marca un espectacular tour de force rico y complejo que aturde y fascina a partes iguales. El autor belga nos propone un largo viaje hacia la noche en el que consigue que nos perdamos y nos abandonemos completamente al jolgorio, atrapados en una bulliciosa ciudad que tiene más de selva que de urbe. Una obra extraordinaria que requiere un proceso de aclimatamiento. LAURA MADRONA

4

Bautismo

Kazuo Umezz Satori

Creado entre 1974 y 1976, “Bautismo” es un título clásico de Umezz. Una suerte de “El crepúsculo de los dioses” bizarro salpicado por el Frankenstein de Shelley y aderezado con toda la mala baba y la locura habituales en el autor de “Aula a la deriva” a lo largo de tres tomos. Una madre psicótica, una hija que... bueno, mejor dejemos abiertas las incógnitas y que sean las inquietantes y desquiciadas viñetas las que les marquen el camino. JOAN S LUNA

9

Clementine Tillie Walden ECC

7

IN. Will McPhail

Norma Cómics

El británico maneja a su antojo las fronteras entre lo triste y lo divertido, entre lo entrañable y lo melancólico. Y lo hace con tal maestría que resulta complicado no emocionarse con los problemas de Nick para comunicarse honestamente. Es posible que las primeras páginas provoquen desconcierto, pero conforme la acción avanza descubrimos que los humanos dejamos de ser lobos para convertirnos en almas cercanas cuando hablamos desde el corazón. JOAN S. LUNA

Robert Kirkman confió el primer spin off de “The Walking Dead” a la talentosa Tillie Walden y el resultado no decepciona. “Clementine” es una obra autónoma con unos personajes muy bien perfilados, un dibujo excelente, distintivo, y una trama de supervivencia que recoge a la perfección el espíritu inicial de los cómics de Kirkman. Además, aunque se han anunciado otros dos tomos, se las arregla para contar una historia completa. JORGE MARTÍNEZ ROS

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10

“Chartwell Manor” es una obra cruda, autobiográfica y de formas underground, en la que Glen Head se desnuda ante nuestros ojos y nos convierte en testigos de lo que los abusos sexuales pueden arrebatarle al adulto que alguna vez será el niño abusado. El acto queda relegado en un lugar de la memoria, pero el verdadero trauma es verse convertido en una persona quebrada, en los despojos de alguien incapaz de recuperar la vida que le robaron. ESTHER RIUS

los mejores musicales

Mujeres reivindicadas

NUESTRO RECUENTO INTERNACIONAL del año en cuanto a libros internacionales arroja dos certezas: que las editoriales españolas cada vez tardan menos en traducir y publicar las obras de cabecera de los músicos y periodistas foráneos, y que la reivindicación del peso de la mujer en la historiografía del rock no cesa. Por eso en nuestro Top 3 figuran la extraordinaria biografía (restauradora) de Nico y el acopio de ensayos en clave femenina reunidos por Kim Gordon y Sinéad Gleeson, ambos publicados originalmente en 2021 y en el mismo 2022, respectivamente. Contra y Libros del Kultrum los publican, y ambas editoriales vuelven a copar los principales puestos de una lista cuya terna principal completa la estupenda autobiografía de Bobby Gillespie. Son biografías, autobiografías, ensayos e incluso algunos libros de relatos que justificarían que este listado fuera de veinte nombres en lugar de diez. En nuestros puestos nobles también destacan las autobiografías de Mark Lanegan, Dave Grohl o Bono, el primer gran libro que aborda la historia del reggaeton, la semblanza de Jackie Kay y dos ensayos sobre estilos tan dispares como el hair metal o la correlación de drill, trap y bashment. Pero perfectamente podrían haber entrado también el recuerdo de Charlie Watts trazado por Mike Edison, la biografía de Joao Gilberto a cargo de Zuza Homem De Mello, las memorias de Jane County, los relatos intransferibles de Warren Ellis y Nick Cave, la evocación de la carrera de Arthur Lee y sus Love a cargo del prolífico Barney Hoskyns o el repaso que Ronen Givony le da a la trayectoria de Pearl Jam. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

1

UNA DROGADICTA. Una devora hombres cuyo mayor mérito para protagonizar titulares fue haberse cepillado a Alain Delon, Bob Dylan, Brian Jones, Jim Morrison o Iggy Pop. Menudo historial. Una mercurial descerebrada. Incluso una nazi. En el mejor de los casos, una figura decorativa en el legendario primer disco de The Velvet Underground, en cuyo título figuraba. Estos fueron algunos de los estigmas que siempre persiguieron a Christa Paffgen (1938-1988). O sea, Nico. El desdén, el encasillamiento obtuso y simplista o el rosario de topicazos alrededor de su estatura creativa siempre han casado francamente mal con su influen-

You Are Beautiful & You Are Alone. La biografía de Nico Jennifer Otter Bickerdike Contra

cia a largo plazo: pregunten a músicos que la han tenido siempre como un mito, caso de Morrissey, Henry Rollins, Bauhaus, Mark Lanegan o el mismo Lou Reed, quien la humilló personalmente de forma miserable pero nunca le denegó la categoría de su arte. Pregunten también a Siouxsie Sioux, Lydia Lunch, Linder Sterling, Lene Lovich, Kendra Smith, Gemma Ray, Anna Calvi o St. Vincent, para quienes la germana fue una influencia evidente. Por eso era tan necesario este libro. La historia de Nico tuvo un abrupto final y merecía un ejercicio de periodismo tan riguroso, exhaustivo y absorbente como este. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

mejores libros

internacionales

Música, maestra

Kim Gordon & Sinéad

Gleeson Libros del Kultrum

Esta colección de dieciséis ensayos escritos por y sobre mujeres deja bien claro que la música nos conecta con los vaivenes emocionales de nuestra existencia. Así, aquí se aborda el análisis de la música desde la esencialidad apasionada de lo biográfico, entendiendo que la música llega más allá que cualquier otra arte. Un libro que es vindicación y alabanza, rescate y homenaje a esa música del pasado y el presente que viene con voz de fémina. JOSÉ DE MONTFORT

3

Un chaval del barrio

Bobby Gillespie Contra

“Un chaval de barrio” –“Tenement Kid” en la edición original– es un regalo de más de cuatrocientas páginas en las que el espigado vocalista de Primal Scream repasa un tramo determinante de su vida. Concretamente desde que el chaval del título pulula por un barrio gris del Glasgow de los setenta hasta que la banda lanza al mundo ese “Screamadelica” (Creation, 91) que sigue ocupando plaza en el olimpo de los mejores discos de la historia. RAÚL JULIÁN

5Cantar hacia atrás y llorar Mark Lanegan Contra editorial

Cuando una de las frases recurrentes de las memorias de un artista comienza con un “lo siguiente que recuerdo es…” pinta que la cosa va a ser, como mínimo, interesante. Mark Lanegan, el que fuera vocalista y líder indiscutible del grupo Screaming Trees (y de infinidad de proyectos posteriores igual o más interesantes), desgrana en esta desgarradora epopeya unas vivencias dignas de ser narradas, y de qué manera. OCTAVIO BOTANA

6

Bessie

Smith

Jackie Kay

Alpha Decay

Hay muchas maneras de contar una vida. La propia y también la ajena. La ventaja cuando cuentas la de otro es que puedes aportar tu punto de vista. Es lo que la escritora Jackie Kay hizo con Bessie Smith. Cogió apuntes biográficos de la llamada Emperatriz del Blues, le puso toques de ficción y al cóctel le sumó poesía y citas diversas de entendidos, rivales y amantes de la cantante. Publicado originalmente en 1997, ahora se ha traducido al castellano.

TONI CASTARNADO

8

Surrender: 40 canciones, una historia Bono Reservoir Books

El mundo se divide entre quienes aman y quienes odian a Bono. En estas casi seiscientas páginas vertebradas a partir de cuarenta canciones y centenares de anécdotas tanto los unos como los otros encontrarán argumentos para mantenerse firmes, porque es Bono en estado puro. Consciente de sus contradicciones, pero también de su talento, el cantante de U2 baja al mundo de los humanos sin dejar de ser esa estrella que nació para serlo. JOAN S. LUNA

9

Nothin’ But A Good Time

Tom Beaujour & Richard Bienstock Neo-Sounds

Narración oral por la que transitan las bandas del hair metal y el sleazy, aquellos grupos que tiñeron de melodías pop, testosterona, laca y maquillaje el rock duro estadounidense de los ochenta. A partir de sus declaraciones nos sumergimos en los inicios, el auge y la posterior caída de toda una generación de rock stars obsesionados con el éxito y que hizo bandera de los estribillos, el hedonismo, los excesos y el sexo por el sexo. JOAN S. LUNA

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4

Reggaetón. Una revolución latina Pablito Wilson Liburuak

Excepcional relato de un género que podrá gustar más o menos, pero lleva más de veinte años partiendo la pana cuando muchos no le daban más de un par de veranos. Los gustos (todos) son respetables. La cerrazón intelectual, quizá no tanto. Este libro, erudito pero no pedante, documentadísimo pero no peñazo, historicista pero no previsiblemente cronológico, tiene respuestas a todas nuestras preguntas y es uno de los mejores ensayos del año.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

7

The Storyteller. Historias de vida y música

Dave Grohl Libros Cúpula

“The Storyteller” reúne algunas de las historias personales y anécdotas favoritas del ex batería de Scream y Nirvana, y alma y motor principal de Foo Fighters. Son las memorias de un músico que empezó un viaje hacia lo desconocido y llegó al Olimpo del rock, pero también una lección de vida escrita con mucho sentido del humor y por encima de todo una oda a la pasión y la perseverancia.

LUIS BENAVIDES

10

Gritos de neón

Kit

Mackintosh

Caja Negra

¿Ha cambiado el mundo de la música para siempre?¿Todavía seguimos con la muerte del rock y con que ya no existe innovación posible?

¿Qué está todo inventado? Kit, nos hacías falta. Porque el Auto-tune no es el diablo y quizás los sonidos del ahora –aquí drill, trap y bashment–estén afianzando los escalones que nos hacen falta para que darle un futuro a la música que no sea visto desde la negación, sino desde la libertad más desprejuiciada. ELENA RODRIGUERA

Los Chichos Ni más ni menos (Philips, 1974)

El primer álbum de estudio de Los Chichos fija un estilo musical único imitado por muchos artistas, desde Los Chunguitos hasta Estopa. El disco está plagado de hits: “La historia de Juan Castillo”, “Quiero ser libre”, “Te vas, me dejas”, “Ni más ni menos”… Y es que la combinación era completa: letras callejeras, espíritu suburbial reivindicativo y una producción y arreglos de primera categoría.

Las Grecas Gipsy Rock (CBS, 1974)

Admiradas por Camarón y Paco de Lucía, Las Grecas arrasaron con su primer single sin hacer promoción: “Te estoy amando locamente”. Las hermanas Muñoz Barrull marcaron una época y tuvieron una corta carrera en la que disfrutaron y sufrieron el éxito. El descubridor y productor fue José Luis de Carlos, que puso el título al disco y bautizó un nuevo género.

.LOS DISCOS.DE MI VIDA.

David García “El Indio” (Vetusta Morla)

Miembro de Vetusta Morla, David García –más conocido como “El Indio”– es además un gran experto en sonidos funkrumberos-flamencos como lleva tiempo demostrando. Ahora es el responsable de la compilación “Gipsy Power. La banda sonora del cine quinqui” (Sony Music, 22), motivo por el que le preguntamos por seis discos imprescindibles del universo quinqui.

Laberinto Qué passa! (RCA, 1983)

El único EP publicado por este grupo es un ejemplo de la incorporación de los sonidos anglosajones a la música de raíz gitana y urbana. Sobrinos de Los Chorbos y también de Caño Roto, el grupo fue pionero: estaba formado íntegramente por gitanos que tocaban todos los instrumentos. Heterogéneo y moderno para su momento, la grabación suena fresca y única. Un descubrimiento por reivindicar.

1981)

La banda sonora de la película más exitosa del cine quinqui contiene canciones universales como “Me quedo contigo” de Los Chunguitos, éxitos rumberos como “Caramba, carambita” de Los Marismeños y temas de artistas como Lole y Manuel o La Marelu. Mientras Carlos Saura recogía el Oso de Oro en Berlín, José Antonio Valdelomar, el protagonista de la película, robaba un banco igual que hacía su personaje. E igual que en la película, no acabó bien.

Los Chorbos El sonido de Caño Roto. Poder gitano (CBS, 1975)

Estos cuatro amigos gitanos del barrio de Caño Roto de Madrid pidieron sonar como The Temptations de la época del “Masterpiece” (Motown, 1973) en su debut. Blaxploitation cañí, a eso suena el álbum. De nuevo con José Luis de Carlos a los mandos, acertó con el título y desarrollando la carrera posterior de Manzanita, quien destacaba en la formación.

El sello discográfico underground madrileño Acropol publicó un montón de discos de rumberos callejeros durante los años setenta. Grabaciones lo-fi que se acercaban al punk por su crudeza, espontaneidad y arrebato. Tony El Gitano o Antonio “El Kalifa” fueron algunos de los artistas en los que Noumbar Hamatjis, el director de la compañía de origen egipcio, supo ver la tendencia de la época. MS

PODCASTS

Si no sabéis de mí

Patxi Belyeu

La editorial de Libros del K.O., una de las referencias indiscutibles en la publicación de no ficción a nivel internacional, se ha lanzado también al mundo del podcast. La narración de “Si no sabéis de mí” es conmovedora y didáctica; la historia sobre un joven madrileño comprometido políticamente que un día marcha a la guerra en Siria involucrándose en las milicias kurdas, es material de primera para firmar algo memorable. El relato de Martín, el protagonista guerrillero, es realmente acojonante; las atrocidades que se descubren por parte del Estado Islámico sobre la minoría kurda están contadas con verdad, comedidas y sin buscar sensacionalismo. Aunque los cortes autobiográficos del narrador, Patxi, no tengan el mismo interés. LUIS M MAÍNEZ 7

Rafael Méndez Y Gonzalo Cabeza

A poco tiempo de la inauguración del nuevo Estadio Santiago Bernabéu, “F*** Pérez” aborda extensa y minuciosamente la figura de Florentino Pérez, presidente del Real Madrid, empresario, y, sobre todo, una de las figuras más importantes de la sociedad española en las últimas décadas. “F*** Pérez”penetra en lugares más o menos recorridos de la biografía del magnate; en su modus operandi -el despliegue de los tentáculos de su poder- y en su capacidad de tender conexiones. Especialmente relevante en este último aspecto resulta el talento para seducir a polos opuestos al mismo tiempo. Sus inicios como empresario cool y cultural de noche y funcionario gris de día, son solo el primero de la serie de juegos de equilibrio y poder que vertebran su biografía. LUIS M. MAÍNEZ

diciembre 2022

PODCASTS MS

BIME 2022

Punto de reunión de las industrias musicales española e iberoamericanas, BIME acaba de celebrar sus primeros diez años de trayectoria, consolidándose un año más como una cita ineludible para los profesionales del sector. Y ahí estuvo Mondo Sonoro, viviéndolo en el terreno y charlando con una larga lista de protagonistas venidos de diversos países.

ESPECIALES WEB

20 años del “Yoshimi Battles The Pink Robots” de Flaming Lips

“Yoshimi Battles the Pink Robots” cumple la friolera de veinte años y en MondoSonoro lo hemos celebrado con este artículo especial de nuestro colaborador Sergio Ariza, en el que repasamos la importancia del álbum para la carrera de la banda

Martes Check: The Gulps

Todos los martes nuestro jefe de redacción de la edición Sur de Mondo Sonoro, Arturo García, mantiene una entrevista para llegar hasta la cocina de las diferentes propuestas que pasan por nuestra redacción en Granada.. The Gulps es una banda curtida en el office londinense. Aquí nos cuenten qué le guisaron a Alan Mc Gee para cautivarlo.

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Portada: The Art Warriors

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