Mondo Sonoro abril 2026

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Kneecap Desafío al sistema

5/Mondo freako

Consolidándose como uno de los nombres referenciales de la escena musical catalana, La Ludwig Band presentan su cuarto elepé, “Pel carrer es comenta” (L’Animeta, 26). Un disco construido a partir de los cimientos del rock clásico con el que se sustenta su propuesta, pero que abre sus ventanas hacia sonoridades más pop.

HAY GRUPOS que parecen avanzar con un plan perfectamente trazado. Y después está La Ludwig Band, que más bien dan la sensación de haber llegado hasta aquí siguiendo una intuición, una forma de estar en el mundo. Quizá más pop y pulido que en sus entregas anteriores, ahora publican “Pel barri es comenta” –un disco, esta vez editado a través de su propio sello, L’Animeta–, que confirma su crecimiento sostenido situándolos, definitivamente, en ese territorio en el que conviven el fenómeno popular y la identidad propia. “Yo estoy muy nervioso”, admite su cantante, guitarrista y alma creativa, Quim Carandell, pocos días antes de la publicación de su cuarto elepé. “Pero también hace tiempo que terminamos el disco, y ahora es el momento de disfrutar y de recoger lo que hemos sembrado”. Para el bajista Andreu Galofré, “los nervios vendrán unos minutos antes de estrenarlo en directo”.

La Ludwig Band Mejor con ellos

MONDO FREAKO 3 “

Aprovechando el momento

La sensación de momento importante no es casual. El grupo ha crecido sin prisa, pero sin pausa, desde aquellos primeros conciertos en El Pumarejo hasta convertirse en una banda capaz de atravesar generaciones. Grabado durante diversas fases de su gira anterior, y contando en diversas de sus trece canciones con la participación de algunos de los mejores productores de la escena musical catalana: Joan Borràs (teclista de Oques Grasses), Santi Garcia y Pau Vallvé, “este disco es más para todos los públicos”, apunta el batería, Roger Cassola. “Creo que llega a más gente. Es más intergeneracional”, añade reafirmando esta idea de que“Pel barri es comenta” es un trabajo que mantiene esa esencia de banda de rock clásico, la que encuentra sus referentes en Dylan y Riba, Springsteen y Sisa; pero en esta ocasión pasadas por el filtro de unas texturas más pop. “Los artistas tenemos estos perfiles de Spotify en los que puedes ir comprobando datos, y desde la salida del single ‘Millor amb ell’ nos empezó a escuchar el doble de gente”, explica Carandell. “Pero lo mejor es que estos nuevos seguidores se han quedado”, añade el teclista Pau Esteve. También hay una cuestión de contexto. “Después de unos años

rito, el disco sale en un momento de relativa calma”. Aun así, La Ludwig Band no parece haber modificado el rumbo para llegar más lejos. O, al menos, no de cualquier manera. “Algunas cosas sí que las hemos rechazado”, admite Pau. “Hay que saber decir que no para mantener la coherencia”. Esta coherencia también pasa por entender el privilegio. “Somos muy conscientes de lo afortunados que somos de poder construir nuestra vida haciendo esto”, dice Carandell. “Nos pone en una situación de mucho confort”. Un confort que, paradójicamente, convive con las incertidumbres de la vida de músico. “Hay días que pienso que nadie me quiere porque soy músico y no tengo los fines de semana libres”, confiesa el cantante con su fina ironía habitual. La paradoja es que, cuando los conciertos se detienen, les falta algo. “Ahora que no tenemos conciertos, los fines de semana se hacen un poco largos”, dice el multiinstrumentista Lluc Valverde. “El ritmo no va en ciclos semanales sino anuales. Es especial y a veces un poco incógnita”. La tranquilidad se les acaba en breve.

Tocando la !bra

Este equilibrio entre vida y música atraviesa también el disco. Sus canciones siguen funcionando como microrrelatos, pero con un

“Este disco es para todos los públicos”

ha disfrutado escribiendo. “Me lo pasé muy bien. Me pilló una época buena”, recuerda. Musicalmente, el cambio es evidente; pero la ruptura no es, ni mucho menos, total. La Ludwig Band han partido el jarro que modelaba su propuesta sonora, para dar forma a un nuevo continente melódico. Son los mismos de siempre, pero lucen diferente. Carandell, que aquí canta como no lo había hecho antes (“me pegaron caña con esto”), dice que el tono de las canciones es más oscuro. Pero este trazo brumoso se queda en el trasfondo de sus versos (exquisitos como siempre, porque el tipo sigue escribiendo como le da la gana). En la suma de letra y música, la instantánea es más radiante. “Hemos ensayado antes de grabar, hemos tenido más tiempo para pensarlo todo”, explica Cassola. “Y hemos tomado decisiones

como un proceso inevitable. “Vas cambiando como persona y como grupo. Todos cambiamos, queremos probar cosas nuevas”.

Este cambio también afecta a su relación interna. “Hemos pasado de ir en coche con la guitarra encima a ir en furgoneta con los auriculares y sin hablarnos”, dice Carandell sacando a relucir nuevamente su particular ironía. “Estamos aprendiendo a vernos como amigos, pero también como compañeros de trabajo”. Recientemente, el grupo se ha constituido como cooperativa, formalizando una forma de funcionar que ya era colectiva. “Es una estructura para poder hacer lo que haces de una forma limpia”, explica Pau. “Pero tampoco estamos montados en el dólar”, replica Lluc. “Es para vivir, ya está”. Este espíritu colectivo se refleja también en el imaginario del disco. La portada, con los miembros como si fueran personajes de una sitcom, no es casual (ese aroma a la icónica “Plats bruts”). “Queríamos apostar por cada individualidad del grupo”, explica Valverde. “Presentarnos un poco”. Quizá aquí reside una de las claves de La Ludwig Band: la convivencia entre el colectivo y las personas, la familia y el individuo, la banda y el músico, entre el relato compartido y la intimidad. ORIOL RODRÍGUEZ

EN CONCIERTO

l Barcelona 28 de marzo. Telecogresca

l Madrid 11 de abril. Sala Clamores

l Madrid 24 de abril. Sala B

l Sabadell 17 de mayo. Amfiteatre Parc de Catalunya

l Valencia 22 de mayo. Loco Club

l Santa Coloma de Queralt 29 mayo. Pla de Bell-lloc

l L'Estartit 20 de junio. Ítaca.

l Vilanova i La Geltrú 02-04 de julio. Vida Festival

l Canet de Mar 04 de julio. Canet Rock.

l Barcelona 11 de julio. Festival Cruïlla.

LA MÍA

Predicar con el ejemplo

AHORA MISMO no recuerdo si fue en la radio, o en una conversación captada al vuelo, cuando escuché de nuevo ese mensaje que cunde entre los milenials, que describe esa ruptura del contrato social que consistía en que, si te esforzabas y obtenías unos estudios universitarios, el mercado te iba a recompensar con un estatus basado en unos ingresos acordes con tus resultados. Un mantra en el que ya nadie cree y que golpea a unas profesiones en mayor medida que otras. Y es que observo el futuro que les espera a los jóvenes becarios y becarias que pasan por la redacción de la revista y, lo cierto, es que no resulta muy esperanzador. Si hay una profesión en la que se impone la precariedad es, sin duda, la del periodista en general y muy particularmente la del periodista especializado en cultura. Por eso cabe celebrar que el pasado 12 de marzo se haya celebrado en Madrid las segundas jornadas de los Periodistas Asociados de Música (PAM). Un congreso al que no pude asistir por motivos de agenda, pero al que sí acudió nuestro jefe de redacción Joan S. Luna en representación de Mondo Sonoro. Y es que se me antoja básico, en los tiempos que corren, que el sector se reúna y conjure para analizar temas tan importantes como los modelos de financiación, la necesidad de reivindicar un periodismo musical de calidad o por qué sigue existiendo una desigualdad de género en una profesión muy masculinizada. Temas que preocupan, como el uso ético de herramientas digitales e inteligencia artificial, que han quedado muy bien recogidos y resumidos en un decálogo cuya lectura recomiendo a todas y todos los que, de una manera u otra, pertenecen al sector y que debería llevarnos a dignificar una profesión que el bombástico exhibicionismo de las redes sociales ha arrinconado. Sin embargo, todo esto quedará en palabras huecas si los que somos responsables de medios como Mondo Sonoro, no realizamos un esfuerzo y nos sometemos a un compromiso de mejora de las condiciones de los colaboradores. Aún recuerdo cómo, al principio de crear la revista, se nos acusó desde otros medios mucho más asentados de no remunerar nuestros contenidos. Algo que fue cierto durante los tres primeros años de vida del proyecto, pero que enmendamos a la que tuvimos la certeza que hacerlo no ponía en riesgo la viabilidad económica del medio. Dicho esto, nos gustaría invitar al resto de medios digitales que poblan internet a que hagan lo mismo, y remuneren a la que puedan, en mayor o menor medida, a sus colaboradores para contribuir, aunque sea con un pequeño gesto, a la mejora del sector. Porque me da la impresión que no tiene demasiado sentido ni cabida sentarse a predicar en unas jornadas, si luego no se corresponde dando ejemplo. DON DISTURBIOS

Hablamos con los dibujos Gorillaz

Gorillaz se han convertido en un grupo de renombre internacional disco a disco, con sus mutaciones y sus cuatro protagonistas ficticios, pero tras “The Mountain” (Kong, 26) sigue estando Damon Albarn y sus músicos. De nuevo, eso sí, les acompaña una larguísima lista de invitados que va de Sparks a Idles, de Bizarrap y Trueno a Omar Souleyman o Johnny Marr, además de las voces de algunos músicos ya desaparecidos.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

GORILLAZ TIENEN nuevo

álbum, el noveno de su carrera. Se llama “The Mountain”, y se me convoca para una entrevista con ellos. Pero no para una charla con Damon Albarn ni Jamie Hewlett, sino para formular un cuestionario por e-mail que debe dirigirse a sus cuatro músicos ficticios, que –como todos sabréis ya a estas alturas– son solo personajes de dibujos animados. Es decir, le pregunto al vocalista y pianista Stuart Harold Pot “2-D”, a la guitarrista Noodle, al bajista Murdoc Niccals y al batería Russel Hobbs, quienes (al margen de, en la fértil imaginación de Albarn y Hewlett) no existen más que en las portadas de los discos y en los videoclips de Gorillaz. Bienvenidos al periodismo musical de la era de la IA. Este es el resultado, así que sentíos libres de juzgar por vosotros mismos.

El título del álbum está escrito en devanagari [sistema de escritura utilizado por el hindi o el sánscrito], y parte de su contenido se grabó en la India. ¿Tuvisteis la oportunidad de visitar y conocer a fondo el país antes de grabarlo? (Murdoc) Cero puntos por la investigación, amigo. Ahora estamos en India. Pasé por aquí cuando la policía de Los Ángeles empezó a investigar mi reciente incursión en, digamos, las religiones alternativas.

En este caso, ¿en qué sentido afectó al espíritu del álbum o conectó con la atmósfera que necesitabas? (Murdoc) Russ dio en el clavo cuando llamó a nuestra pequeña estancia “el karma después de la tormenta”. Todos necesitábamos sanar de diferentes maneras. En mi caso, me hice un lío en el vuelo con una almohada de cuello demasiado inflada y necesitaba urgentemente uno de esos masajes ayurvédicos de tejido profundo.

El disco, en vuestras propias palabras, ha sido creado “para escucharse de principio a fin”. ¿Creeis que el álbum, como formato, ha perdido su atractivo entre las generaciones más jóvenes, que quizá no le dan el aura artística que ha representado históricamente?

(Russel) Quizás nuestra atención se vio comprometida por un segundo: sencillos, clips cortos, ese gancho que se repite... Pero tarde o temprano, ese éxito instantáneo se siente como algo débil. La gente siempre encuentra su camino de regreso.

¿Alguna vez sentís presión antes de grabar un nuevo álbum o simplemente aprovecháis para relajaros y disfrutar de la experiencia?

(Noodle) Cada álbum tiene su propia consciencia, así que cada vez que grabamos es una nueva sensación. Cuando grabamos “Demon Days” (05), el estudio estaba

infestado de zombis carnívoros y tuvimos que limpiarlo con un lanzallamas. Fue algo muy purificador, te lo aseguro.

Supongo que, de alguna manera, dado que aparecen sus voces, este álbum rinde homenaje a Dennis Hopper, Tony Allen, Mark E. Smith y Proof, quienes ya no están con nosotros... También supongo que este tipo de guiños conectan con la idea temática general del álbum, que trata temas como la muerte y el más allá. ¿Me equivoco?

(Russel) Gorillaz es una familia multigeneracional, en la que algunos viven un poco más desconectados que otros. Que hayas pasado al otro lado no significa que no puedas volver, relajarte con nosotros un rato y grabar un tema. Eso es reconfortante.

Nos encontramos con una canción llamada “The Happy Dictator”, que cuenta con la colaboración de Sparks: no es fácil evitar la tentación de preguntar si estabais pensando en alguien en particular.

(Murdoc) Tú eliges, amigo. Esa es la gracia. Es lo que tú decidas. Personalmente, no soy muy fan de los dictadores, aunque creo que sería bueno y probablemente solucionaría todos los problemas del mundo sin mucho drama. Quizás lo apunte para el año que viene.

Uno de los temas más sorprendentes es “The Manifesto”: más de siete minutos, la primera mitad con Trueno y la segunda mitad con The Proof, con diferentes estilos y lenguajes. Como dos canciones completamente distintas. ¿Por qué sentiste que conectaban hasta el punto de fusionarse?

(Noodle) Dos ríos que corren desde direcciones diferentes pueden encontrarse y formar una cascada. Reunir cosas que parecen imposibles de mezclar es un buen manifiesto ahora mismo. Podría evitar que todos caigamos en el abismo.

Gorillaz se caracterizan por mezclar géneros y desafiar los límites musicales, y 2D ha dicho: “Dudar cansa mucho, pero cuestionar las cosas es realmente bueno”. ¿Podríais explicarlo?

(Murdoc) De vez en cuando, el chico dice algo sensato sin querer. Lo que quiere decir es que prestes atención, desafía siempre tus creencias, a menos que, como yo, ya sean las mejores. Entonces, simplemente persevera, incluso si eso equivale a peleas, cárcel, naufragios, ataques de helicópteros o ser bajado lentamente a las fauces de un demonio. Ese es el estilo de Gorillaz.

Me gustaría saber, y esta pregunta es para 2D, cómo fue mezclar tantos vocalistas diferentes, en registro y estilo musical, en un mismo álbum, logrando un resultado tan poliédrico.

(2D) Nunca se sabe qué va a salir de la licuadora, pero así es como se inventan nuevos sabores, como mi batido de chocolate, plátano y yema de dedo.

Esta pregunta es para Murdoc: te autoproclamaste líder y fundador de Gorillaz. Pero el bajo de la banda ha sido tocado por muchos otros artistas: Seye Adelekan, James Ford y Thundercat. ¿Afectó eso a tu ego?

(Murdoc) ¿Pintó Miguel Ángel todo ese techo? ¡Claro que no! Contrató a varios

“Somos una familia multigeneracional” “

intermediarios para que hicieran los detalles mientras él se relajaba bebiendo Pinot Grigio y firmando autógrafos.

Noodle, no hay ninguna canción grabada en japonés en este álbum. Dado que hay unos cinco idiomas representados, ¿te sentiste engañada?

(Noodle) Goshitsumon arigatō gozaimasu, gracias por preguntar. Pero no pasa nada, hay más de siete mil idiomas vivos en el mundo, y yo también me expreso a través de mi guitarra.

Esta pregunta es para Russel: ¿No intentaste introducir algunos elementos de hip-hop en este álbum? Tengo la sensación de que, de alguna manera, están ausentes.

(Russel) El hip-hop no es una salsa picante que se le echa a un disco, es una cultura. Se trata de cómo construimos, colaboramos y dejamos que diferentes voces hablen. Dale otra vuelta y lo entenderás.

C.P.Z.

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MONDO FREAKO

Nos encontramos con los miembros de Chiquita Movida un día después del estreno de su película y apenas unos días después de la publicación de “Alta Vaina” (Calaverita Records, 26), su debut. Charlamos con ellos sobre su reinvención, su amistad y su música.

PARA SACAR al elefante de la habitación, lo primero que hacemos es hablar sobre el fin de Rayden, algo de lo que no habíamos hablado con sus (ex)compañeros. (Johnny) “En el momento en que nos dijo que lo dejaba, no estábamos pensando que íbamos a volver de alguna forma”. (Pablo) “Cuando acabó el concierto final fue un alivio, porque todos apoyamos su decisión y le entendimos, pero a la vez nos generó tristeza, porque eso significaba dejar de trabajar juntos después de muchos años. Pero, fuera de los escenarios, tenemos una gran relación, casi de familia, y eso no lo íbamos a perder”. Cada uno de los componentes tenía ya previstas nuevas alternativas una vez que finalizó el proyecto personal de David, pero tal y cómo nos dijo Mediyama: “parece que la música nos persigue a nosotros”. Porque lo que comenzó como una salida a una casa rural entre amigos, acabo desarrollando en una banda emergente. (Johnny) “El proyecto Chiquita Movida llegó como un tsunami, lo devoró todo y lo hizo de la manera más natural y orgánica posible”. A pesar de ser un encuentro más amistoso, se trajeron los instrumentos dentro de la maleta. (David) “Decidimos juntarnos y hacer un disco al silencio, para crear música que no iba a escuchar nadie”. Pero todo eso cambió poco a poco, cuando se dieron cuenta de que lo que tenían entre manos no podía quedarse guardado en un cajón.

A PESAR DE LA ILUSIÓN que tenían por el proyecto, nos cuentan que sentían inquietud por la reacción de un público que se había despedido de un artista que, menos de dos años después de su adiós, regresaba a la música. (Mediyama) “Yo personalmente tuve miedo. Soy amigo de David de toda la vida, y sufría por la credibilidad que podíamos tener. Pero creo que hay algo muy honesto y sincero en Chiquita Movida y es que los grupos se dividen para generar solistas, y nosotros vamos a la contra”. (David) “Llegamos a pensar en modificar mi voz, en aparecer

“El proyecto Chiquita Movida llegó como un tsunami, lo devoró todo”

Chiquita Movida

Del singular al plural

con la cara tapada… pero habíamos creado una cosa sin fijarnos en lo de fuera, y no merecía condicionarlo todo al ojo crítico”. Lo que sí ha cambiado es el proceso de composición, que ahora es responsabilidad de todos. (Jona) “Somos un colectivo de seis personas que no le ponemos vallas a la expresión. A la hora de componer un tema la inspiración nos puede venir de un concepto, de una línea armónica de cuatro acordes o de una letra”.

ANTES DE PUBLICAR su álbum debut, se presentaron en sociedad con “Gastos de Gestión” (Calaverita Records, 25), un EP de cuatro canciones. (Skiz7) “No fue nada fácil escoger las canciones con las que presentarnos, porque ya ves que fluimos entre diferentes estilos sin quedarnos en ninguno en concreto”. (David) “Creo que al final fue más el componente letrístico el que decidió que temas entraban en él. Queríamos dejar claras cuales eran nuestras intenciones desde un primer momento”. Lo que sí que nos confirman es que en ningún momento plantearon abandonar el proyecto si el EP no acababa de funcionar. (David) “No es un proyecto que hayamos hecho para testear y si no sale bien, recogemos, no es cortoplacista. De hecho, ya hemos hecho más canciones para que, ahora que está el disco en la calle, no nos condicione cuáles son las favoritas de la gente”. Más allá de las canciones, el grupo también ha querido controlar todo el apartado audiovisual del proyecto. (Skiz7) “Porque para nosotros Chiquita Movida no son solo las canciones, lo es todo. Trabajamos lo qué mostramos y cómo lo mostramos. Lo que queremos conseguir es que la gente vea lo que hemos creado, se vengan a jugar con nosotros y disfruten tanto o igual que nosotros seis”. (David) “Sería hipócrita decir que empezamos desde cero, porque lo hacemos desde una posición diferente. Pero esto es empezar desde otro punto en el que hemos podido permitirnos no tener intermediarios y dejar de infravalorarnos para ponernos nosotros delante, como es el caso de los videoclips o la película”.

ELLOS DEFINEN “ALTA VAINA”, su álbum debut, como una barbacoa con amigos, una tarde sin reloj o un manual de supervivencia. (Johnny) “Esto es como vomitar arco iris, pero es lo que pasa cuando nos juntamos. Es lo que pasaría si saliera un disco hecho por ti y tu grupo de amigos”. En breve arrancarán su gira de presentación en salas y festivales, pero ya nos avisan de lo que encontraremos. (David) “Los conciertos son de Chiquita Movida. No nos gustaría que nadie comprase una entrada pensando que va a escuchar cualquiera de las canciones de nuestros anteriores proyectos”. (Mediyama) “Lo que vas a encontrar en el concierto es el disco y seguramente cosas de lo que va a ser lo próximo que saquemos. Queremos llevar los bolos a hacer que la gente sea una más de la banda y que cuando acaben digan ‘Yo sobreviví a una chiquita movida’”.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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10 ATRÁSAÑOS

Mondo Sonoro número 238

Abril de 2016

Fueron portada: M83

Charlamos con:

Manel, Novedades Carminha, Silvia Pérez Cruz, Delafé, Bloc Party, Damien Jurado, Joana Serrat, Arco, Underworld, Little Big, Grises, Hola A Todo El Mundo, Juancho Marqués & Elhombreviento, Awwz, Ital Tek, Santi Campos, Noise Nebula, Lost Tapes, Cobra, Los Nastys, Solo Astra, Fajardo, Adrian Tomine, Xavi Artigas & Xapo Ortega

Nos dijeron:

“No sé cómo se hace para emocionar y me gusta mucho no saberlo, porque cuando empiezas a controlar las cosas, las destruyes” (Silvia Pérez Cruz)

“Ahora podemos hacer lo que nos salga del pito, no somos solo una banda de rock” (Novedades Carminha)

“Creo que vuestro país es muy parecido a América” (Damien Jurado)

“Hay canciones que te pagan el alquiler, pero estableces una relación amor-odio con ellas” (Guillem Gisbert de Manel)

Los seis discos de mi vida:

Jason Williamson de Sleaford Mods seleccionó discos de Hus Kingpin, William Onyeabor, Fat White Family, Darkstar, Vagina Dentata Organ y Saul Williams

Fue disco del mes:

“Everything You’ve Come To Expect” de The Last Shadow Puppets

También destacamos:

“Untittled Unmastered” (Kendrick Lamar), “2” (León Benavente), “Blondes” (Belöp), “The Hope Six Demolition Project” (PJ Harvey), “KMF” (Kakkmaddafakka), “Movimientos” (Juventud Juché) MS

“Este es un disco hecho por humanos y monstruos”

Maximiliano Calvo

Mártir del rock & roll

VOLVIENDO A TIEMPOS en los que no estaba vivo para poder vivir de una santa vez, Maximiliano se topa con los setenta. Con lo colorista y la psicodelia. Aceptando lo que le rodea para poder tener la voluntad de querer escapar de ello. “En un momento tiene que salir el sol, en ‘Plastic World’ pasa exactamente eso. Genera todas esas tensiones y te mete en esa vorágine de desazón por la vida y al final todo es un flash. Estamos todos en esa vorágine y no te creas nada, no te sientas raro y no pasa nada. Vivimos en esta locura de colorinchis y pantallas y todo está bien. Como que en todos los relatos llega ese momento de esperanza”. Su glorificación del pasado en consonancia con su nuevo sonido ha sido necesaria para buscar un punto de fuga en un mundo que no le gusta. “Creo que

lo clásico siempre será vanguardia. Siempre hay que volver a una canción de amor, a cantar, a tocarle a alguien que quieres una canción. Entonces siempre hay que volver a hacer las cosas con las manos, a hacer las cosas con humanos. Por eso siempre digo que me parece muy gracioso que ‘Terapia de Grupo’ es un disco hecho por humanos y monstruos”. Más allá de la casi decena de colaboradores presentes en esta obra –desde Iván Ferreiro a Marcel Bagés, pasando por los Monstruos! de su cabeza hasta María Rodés o el actor Leonardo Sbaraglia–, este disco no se puede entender sin el valor colectivo, explicitado en el título, que hace al arte ser tal. “Lo colectivo siento que es el vínculo y el vínculo hace que yo pueda hacer el disco. El disco lo hago solo porque yo me tengo que hacer cargo de mi vida. En el

De acuerdo con la RAE, mártir es aquella “persona que padece muerte en defensa de su religión”. Devoto de The Beatles, Maximiliano Calvo mata al músico desenfadado que conociéramos en 2023 como “El Gallo”, para presentarnos a un nuevo hombre. En su más reciente “Terapia de Grupo” (Universal, 26) conocemos a un Maxi artesano, a un adicto en recuperación molestamente sincero, y sobre todo, a un mártir del rock & roll.

pasado confundía lo colectivo con ‘Venga, te tiro este marrón’. Aquí de repente soy muy consciente de que el vínculo, lo colectivo, me sostiene. Por eso cierro con ‘Para Mariana’, que es un agradecimiento a una de las personas más importantes de mi vida que es mi representante. Un poco madre, un poco mi compañera terapéutica en su momento y siempre casa”.

COMPOSITOR DE ALGUNAS de las letras más ingeniosas de lo que llevamos de año en la era de Chat GPT, Maximiliano se considera un outsider. “Soy adicto, medio maricón, medio inmigrante”. Entre los márgenes, el cantante ha encontrado un sitio en el que sanarse a base de ayudar a los demás. “Parte del disco fue creado en una gira por centros de rehabilitación. Hay una parte de entrega. Soy mejor cuando estoy en el dar que en el recibir porque todo lo que reciba me va a parecer poco. Mi razón de peso para hacer la gira era el sentimiento de que las canciones no tenían otro lugar. Cuando más útil me sentí en mi vida fue haciendo eso. Era una forma de acompañar usando al mártir del rock. Pensaba en qué mensaje le hubiese servido al Maximiliano de su momento, mucha gente lo entendió como un mensaje muy heavy de esperanza porque si este pibe está haciendo un concierto de rock y parece drogado, yo puedo recuperar mi vida también. Hice lo que me hubiera gustado que pasara”. Resulta inevitable hablar de adicciones cuando hablamos de Maximiliano, siendo las drogas y las conductuales como “el juego, las redes y el sexo” el leitmotiv del disco. “Mi música no se puede escuchar en un titular, hay que prestar un poco más de atención. Hay que leer la noticia entera y ese es el tema con la sociedad de hoy. Igual mi música, mi vida, mensaje y maneras no son de titulares y no pasa nada, quien quiera enterarse bien y el que no se quedará con eso. Tampoco me parece mal, es gracias a lo que estoy aquí vivo”.

MARTÍN P. CORRAL

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Besmaya El primer premio

Es curioso entrevistar a un dúo de tres integrantes. Más aún cuando uno de ellos no tiene ojos ni boca: solo la piel amarilla de terciopelo. Si además te digo que todo esto sucedió en la misma oficina que “El Chiringuito de Jugones”, solo te puedo estar hablando de un grupo. Se llaman Besmaya, y han puesto todo su “frikismo”, corazón y alma guitarrera en este segundo disco, “La vida de Nadie” (Acqustic, 26).

BESMAYA SON DOS, rri y Javi Ojanguren. Pero, desde hace nueve meses (“¡lo mismo que se tarda en gestar un ser hu mano!”), conviven con Nadie. “Es un tío sin rostro, amarillo, complaciente porque es de terciopelo, feliz… pero al que se le queda la mugre, es dark apareció en sus cabezas cuando se obse sionaron con la frase “Nadie quiere ser el último, nadie quiere ser el plato dos, nadie quiere ser el perdedor”, se fue colando en cada canción que componían, incluso en los vídeos y conciertos. Ahora nos mira desde la portada. Sin ojos, pero extra ñamente expresivo. “No es un meme: es un tío muy jodido”, sentencian. Explican que este protagonista que da forma al disco tiene el alma de un chaval de los noventa que cre ció viendo Los Simpson y que ha llegado a una vida adulta llena de decepciones. “Tenemos un poco de todo, pero a la vez no tenemos lo más básico: poder comprarte una casa, formar una familia, llevar una vida normal. Hemos visto cómo nuestros barrios han perdido comercio local para meter sitios de matcha y Bershka. Todas las emociones del ál bum surgen en ese contexto generacional”. No les da miedo que se les llame “cronistas de su generación”. “Al final, son cosas que nos pasan también a nosotros. Y segui mos con la misión que siempre ha habi

do: narrar las cosas de una forma bonita”. Bonita, pero áspera. “Nadie es una sombra de lo que pudo haber sido. Es la peor versión de ti mismo”.

COMO BUEN REFLEJO de sí mismos, este monigote suena a The Cure (“Intruso”), Radiohead (“Nadie”), The Smiths… “Son cosas que tenemos en el ADN de la música que hemos escuchado desde pequeños”, los rasgueos con los que aprendieron a tocar que se les “quedaron impregnados en los dedos”. Y que son, en parte, la razón por la que decidieron romantizar al máximo su sesión de estudio en Londres. Se fueron dos días “sin nada preparado, para que surgiera allí todo” a los estudios Livingstone. Cuentan, emocionados, que allí se han grabado discos de Björk, Buena

“

“Nadie” no es un meme: es un tío muy jodido

tiene Nadie, cuando acepta que no sabe qué hacer para arreglar la situación en la que vive: prisas, estrés...”. Es el punto de inflexión de “La vida de Nadie”, en la que nuestro amigo amarillo se desorienta, se enfada y sale del bucle. En la Gira de Nadie, prometen que el propio muñeco aparecerá dando brincos. “Tiene un papel central en el disco y es el vínculo de unión entre Besmaya y su público”. Por más que suplico, se niegan a dar más pistas. Solo que su banda de lujo (Miguel Figueras de vangoura, Hans y David) seguirá siendo clave en el escenario. Cuando estoy a punto de ponerme el abrigo, Echávarri añade algo: “Me parece muy curioso que no nos hayas preguntado por la frase de Los Planetas… [“Te has hecho mayor, te gustan Los putos Planetas”, el mantra de la primera canción del disco]. Era una frase para levantar polvo… Nos han llamado edadistas. ¡Y que somos menos elegantes que Novedades Carminha! Lo peor es que somos muy fans de Los Planetas”. Con los andaluces coinciden en que nadie quiere ser el segundo premio. Y todos acabamos siendo un poquito Nadie.

EN CONCIERTO

MARA GÓMEZ

15 mayo. Interestelar El Bierzo26-28 junio. Musicamino Benicàssim 16 julio. FIB Castro-Urdiales 17-18 julio. Sonórica Pontevedra 17-18 julio. BigSound Torrevieja 31 julio-01 agosto. Low Festival 07-08 agosto. La Movida Sound 18-19 septiembre. Caudal Fest

Transvision Vamp Tiempos

Wendy James estará al frente de Tranvision Vamp en la gira que traerá a la banda a nuestro país en septiembre y octubre. Contactamos con la vocalista para comprobar que tiene las cosas muy claras y que no quiere vivir de las rentas del pasado.

TRANSVISION VAMP publicaron tres discos en un plazo de cuatro años y antes de separarse por agotamiento y después de alcanzar un éxito casi generalista. Un periplo que comenzó con “Pop Art” (88), obra acerca de la que la propia Wendy James opina que “era como una colección conjunta de canciones. Pop futurista derivado de influencias clásicas del pop, el punk y el glam rock. The New York Dolls, Marc Bolan, The Stooges, The Velvet Undergound y grupos femeninos como Martha & The Vandellas. Para cuando

salimos en el programa de televisión ‘Top Of The Pops’, nuestra ética, nuestra imagen, nuestra música, nuestra visión... ¡se había completado!”. A continuación llegaría “Velveteen” (89), seguramente el disco más exitoso de los británicos. “Quizás sea un álbum más sofisticado, con más detalles de producción. ‘Baby, I Don’t Care’ fue un gran éxito mundial. Nos catapultó, en mayor o menor medida, al éxito en todos los países del mundo ¡Estábamos en boca de todos como ‘la banda del año’!”. Por su parte, “Little Magnets Versus The Bubble Of Babble” (91) fue la última entrega del grupo. “Yo estaba pasando de la adolescencia a los veinte. Tanto Nick [Christian Sayer] como yo estábamos evolucionando hacia otras influencias culturales como Dr. John. El álbum se convirtió en nuestro mayor éxito de ventas en Estados Unidos, mientras que el director del sello discográfico británico retrasó el lanzamiento nacional. Luego decidimos separarnos en una gira por Estados Unidos, antes de que el disco se publicara en Reino Unido”. En ese mismo año Wendy James protagonizó una espectacular porta-

da de la prestigiosa revista The Face. “En el mimado mundo de la alta costura, todos lo consideraron fabuloso, pero la prensa musical me destrozó. Ya eran una institución sexista: periodistas (hombres y mujeres) publicaban comentarios muy negativos y clichés sobre las artistas femeninas y elogiaban a banales artistas masculinos”. Si hablamos de las influencias de Transvision Vamp, la entrevistada puntualiza sin tapujos. “No me fijé en nadie, aunque ciertamente Debbie Harry era mi pin-up. No me gustaban demasiado The Runaways y era más de The Shangri-Las o Martha & The Vandellas ¡Y adoraba a Elastica!”. Cabe suponer que, en una industria mayoritariamente masculina y casi orgullosamente machista como era el sector musical de los ochenta y primeros noventa, no todo sería agradable para una mujer que lideraba una banda. “Los medios de comunicación eran sexistas, pero solo me he dado cuenta de ello al mirar atrás y viendo vídeos en YouTube, etcétera. Era un hecho que los jefes masculinos presionaban a sus subordinadas. Los medios eran completamente sexistas, con presentadores de

televisión lascivos lanzando sus preguntas inapropiadas. Sin embargo, mi personalidad hizo que me sintiera como una ganadora desde el principio, ¡así que nunca me sentí intimidada! Es lo maravilloso de los músicos en el rock y el pop. Es, en gran medida, una cultura de igualdad de oportunidades en la que ganas o pierdes, pero el género no tiene nada que ver”.

JAMES NO OCULTA su indignación cuando le pregunto si alguna vez tuvo miedo de que Transvision Vamp quedaran como unos “One Hit Wonder”, con “Baby I Don’t Care” eclipsando el resto de la carrera del grupo. “¡Qué pregunta tan ilógica! Quizás para alguien a quien no le interese mucho la música, pero que escuchó ‘Baby, I Don’t Care’ en la radio, eso sea todo lo que sepa de mí, pero considerando que he escrito y grabado diez álbumes y tengo fans leales en todo el mundo... ¡Soy conocida por mucho más que esa canción!”. Retomemos entonces los motivos que llevaron a la separación de Transvision Vamp en 1992. “¡Cansancio absoluto! Hicimos tres giras mundiales en 1991 y, por muy loco que parezca, la única

“

“Los medios eran completamente sexistas”

decisión que Nick y yo pudimos tomar para tener un respiro fue separarnos. Nunca anunciamos oficialmente el fin de la banda, simplemente paramos”. Después llegaría la carrera en solitario de Wendy James, que acumula un buen puñado de discos en solitario. “Me siento totalmente orgullosa, segura y feliz de las aventuras que he vivido en la vida grabando todos estos álbumes. Me divierte mirar atrás, pero no lo extraño especialmente ¡Disfruto del aquí y ahora!”. Ahí aparecería el nombre Elvis Costello, con quien James colaboró explícitamente de cara a su debut en solitario, “Now Ain’t The Time For Your Tears” (93). “Escribí

MONDO FREAKO

a Elvis desde la última gira de Transvision Vamp por Estados Unidos y, cuando volví a Londres, en mi felpudo había una cinta llena de canciones suyas. Fue una experiencia trepidante y crucial: decidí que, a partir de entonces, solo cantaría mis propias canciones y mis letras”. Para finalizar, resulta obligado preguntar acerca del actual momento en directo de esta versión 2.0 de Transvision Vamp que visitará nuestros escenarios. “Tocaremos durante una hora y cuarenta minutos, todos los éxitos y canciones favoritas de todos los álbumes de Transvision Vamp ¡Y esta es una banda jodidamente buena!”.

RAÚL JULIÁN

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EN CONCIERTO

l Barcelona 25 septiembre. Razzmatazz 2 l Madrid 26 septiembre. Sala Wagon l Bilbao 02 octubre. Santana 27 l Valencia 03 octubre. Sala Moon

CINCO ESENCIALES

Pure Negga

Se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles de la escena reggae española. Por eso hemos querido saber cuáles son para él sus cinco canciones esenciales. Pure Negga es uno de los artistas confirmados del Rototom Ferstival.

1CNV Vol.14

(“CNV Sound Volums (Kion Studio One Shots)”, 2018)

Es la primera canción que se me hizo viral, me ha dado muchas alegrías porque me ha dado a conocer en medio mundo. En directo la estamos acompañando con músicos en directo, con un solo de guitarra y saxo que hacen que después de años la canción siga creciendo. .

2

Bonito y Cruel.

(“Sueño de Virtud”, 2024)

de mi vida, tanto en lo profesional como en lo personal. Este disco ha sido como una terapia y ver que a mi comunidad le ha calado ese sentimiento de renacer, es como una bendición. No dejo de recibir mensajes de cómo este disco ha ayudado a superar problemas a un montón de personas, esto es lo que da sentido a mi música y a mi ser.

4 CNV Vol.33 (Este Fuego)

(“CNV Sound Volums”, 2025)

Es la primera canción que le dediqué a mi mujer y ha sido uno de los temas que mejor ha funcionado de mi último disco "Sueño . Normalmente mi mujer me acompaña en los conciertos, siempre está creando contenido para mis RRSS. En ese momento la busco con la mirada y aunque haya miles de personas, parece que estamos solos. Un momento que no tiene precio.

Sueño de Virtud

“Sueño de Virtud”, 2024)

Es el tema que da nombre a mi último disco y ha nacido desde lo más profundo de mi. Refleja una nueva etapa

En esta nueva etapa he retomado los CNV. Se llaman CNV en alusión a Canovellas, que es donde vivo y donde quiero mantener mis raíces. Los CNV se crean de un tirón, es mi rollo más espontáneo y libre. Se graban tanto el tema como el video del tirón, en el mismo estudio de grabación. Este Vol.33 tiene pinceladas de otros estilo manteniendo las letras directas de los CNV.

5Cypher #6 (Reggae Cypher) (2025)

Elijo el seis por ser el último, pero es una saga que no puedo dejar de hacer una vez al año. Hablo con otros artistas, creamos el beat y por fin nos juntamos todos para apoyarnos en la grabación y con el tema recién terminado ponernos todos delante de la cámara a cantarlo. Es pura conexión y diversión. MS

RALY 09.04.26 Madrid●La Sala del Movistar Arena 30.04.26 Barcelona●La (2) de Apolo

Mosimann 11.04.26 Barcelona●Razzmatazz 2

Barcelona●Sala Apolo

Dyce 08.05.26 Barcelona●Club Sauvage

Tom Smith 20.04.26 Barcelona●Sala Apolo 21.04.26 Madrid●Teatro Lara

Joshua Idehen 14.05.26 Barcelona●Razzmatazz 3 15.05.26 Madrid●El Sol

Candelabro

27.05.26 Valencia●Loco Club 28.05.26 Donosti●Dabadaba 31.05.26 Madrid●Copérnico

Marta Del Grandi 29.05.26 Barcelona●Club Sauvage

Oklou 10.06.2026 Madrid●La Riviera

Big Thief 09.06.2026 Sevilla●Cartuja Center 12.06.2026 Bilbao●Santana 27

Martin 21.05.26 Barcelona●Sala Apolo

KNEECAP 08/06/2026 Bilbao●Santana 27 09/06/2026 Madrid●La Riviera

La Dispute 20.06.2026 Madrid●Copérnico 21.06.2026 Barcelona●La Nau

Joyce Manor Efectivos

La banda californiana Joyce Manor amplía su sonido en un séptimo trabajo de estudio titulado “I Used To Go To This Bar” (Epitaph/[PIAS], 26), un disco de guitarras limpias cargado de nostalgia y sentido del humor que ha producido el mismísimo Brett Gurewitz (Bad Religion). Su cantante y guitarra, Barry Johnson, nos da las claves.

LOS MIEMBROS DE JOYCE MANOR llevan media vida haciendo música juntos, pero nunca antes su nombre había sonado con tanta fuerza. Numerosas portadas e incontables entrevistas precedieron el lanzamiento de su nuevo largo, “I Used To Go To This Bar”, posiblemente su disco con más potencial comercial hasta la fecha. Cuando empezaron emulando a sus bandas de punk rock favoritas nunca habían imaginado llegar a este punto, el de publicar hasta siete discos y vivir de su música. Ni en sus mejores sueños de adolescencia. “Definitivamente no esperaba que a la gente le siguiera im-

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portando nuestra ‘carrera’ casi veinte años después. Ha sido un proceso lento todo el tiempo, ¡pero no ha parado! Y espero seguir haciéndolo al menos otros veinte años más”, asegura Barry Johnson.

EL NÚCLEO DURO DE LA BANDA que completan el guitarrista Chase Knobbe y el bajista Matt Ebert se mantiene unido e inalterable desde 2008, a pesar de los cambios constantes detrás de la batería y de una popularidad creciente que no les ha hecho perder el norte. ¿Sintieron en algún momento la presión después de la buena acogida de discos tan queridos como “Ne-

ver Hungover Again” (14) y “Cody” (16)? “Ninguna, simplemente hacemos lo nuestro e intentamos que siga siendo divertido”, asegura el también letrista principal, un consumado maestro en el arte de hacer canciones breves y directas al corazón. En “I Used To Go To This Bar”, despachado en apenas veinte minutos, encontramos otra tanda de canciones certeras e ingeniosas, todas ellas inspiradas de alguna manera en sus vidas corrientes. Sin ir más lejos, el bar de la canción que da título al disco se refiere, según explicaron en algunas entrevistas, al mítico Fern’s de Long Beach, un garito punk en el que tomaron sus primeras cervezas y descubrieron mucha música gracias a su “jukebox” o tocadiscos tragamonedas. En realidad, aclara Johnson, “ese bar podría ser cualquier bar que no te encanta especialmente, pero al que vas por cercanía”. Vas por proximidad, porque van tus amigos, porque quieres formar parte de algo. ¿Será ese bar desaparecido del título una metáfora del paso del tiempo? “El tiempo pasa lento, todavía soy un niño”, bromea un músico curioso, con una dieta musical rica y libre de prejuicios y algoritmos. “Me motiva escuchar

EL DISCO. RECUPERADO.

Gratitude

Gratitude (Atlantic/Warner, 2005)

Sirvan estas líneas para reivindicar el debut de Gratitude, un excelente ejercicio de indie rock emotivo que ahora cumplió veinte años, pero también a la figura de Jonah Matranga, su entrañable vocalista. Porque a pesar de su empeño y su innegable talento, nunca tuvo la suerte que merecían sus numerosos proyectos. Solo con Far, su primera banda, a punto estuvo de acariciar algo parecido al éxito comercial. Con los de Sacramento publicó varios discos, algunos tan aclamados e influyentes como “Water & Solutions” (98), un imprescindible en cualquier colección de post-hardcore y emocore que se precie. Un año después de su publicación, sin embargo, se separaron por desavenencias artísticas.

Divorciado y sin banda, Matranga se instaló en San Francisco y empezó a componer y grabar canciones en solitario bajo el seudónimo de Onelinedrawing. Un par de años después, defendió esas mismas canciones bajo el nombre de New End Original —anagrama de Onelinedrawing, por cierto— junto a exmiembros de Texas Is The Reason y el exbatería de Chamberlain. El sello independiente Jade Tree apostó por este supergrupo emo y publicó su estupendo debut, “Thriller”, en 2001. Después de “dos años turbulentos”, según el propio sello, la banda se disolvió y Matranga volvió a quedarse solo. Sin dejar de sacar material con su alter ego Onelinedrawing, en 2003, Matranga decidió unir fuerzas esta vez con Mark Weinberg, guitarrista de la banda de indie rock Crumb. Nacía Gratitude, en plena explosión emo pop, un momento a priori propicio para una propuesta sentida y melódica como la suya. La multinacional Atlantic rápidamente se fijó en ellos y les ofreció publicar su primera referencia. Desconozco si esperaban un pelotazo comercial como el “Bleed American” de Jimmy Eat World en 2001, pero entendería que la discográfica depositara ciertas esperanzas en el disco debut del ex-cantante de una banda de culto como Far, referenciada por numerosas formaciones de los dosmiles como Thursday, Finch, Biffy Clyro y Brand New.

El homónimo de Gratitude, el primer y único trabajo de la banda, fue grabado en Los Ángeles con Jim Scott (Red Hot Chili Peppers, Wilco, Tom Petty) y vio la luz a principios de 2005. Contiene piezas con nervio y sentimiento como las adictivas “Drive Away” y “This Is the Part”; también medios tiempos con estribillos edulcorados como las deliciosas “Sadie”, “Someone to Love” y, sobre todo, la grandilocuente “The Greatest Wonder”. Con todo, apenas tuvo impacto. En el sello se pusieron nerviosos y las tensiones en el seno de la banda se dispararon. Unos y otros, en mi opinión, pecaron de impacientes. Sea como sea, ese mismo año, Weinberg abandonó la banda y les amenazó con demandarles si seguían sin él. La mala suerte de Matranga, otra vez.

LUIS BENAVIDES

“Simplemente hacemos lo nuestro e intentamos que siga siendo divertido”

grandes canciones que todavía no he escuchado. Por eso cancelé recientemente mi suscripción de Spotify, porque siempre intenta que escuches la misma música que ya conoces. Hay que seguir buscando cosas nuevas para mantenerse inspirado”.

AUNQUE ES EVIDENTE QUE MAMARON mucho de Descendents, Jawbreaker, Blink 182 y Weezer en sus años formativos, su nuevo trabajo desborda las etiquetas punk pop y el emo punk sin traicionarlas. Y si le preguntas a Johnson por las referencias sonoras a la hora de grabar el nuevo álbum, las primeras que le vienen a la cabeza son la canción “Toothless” del dúo de hyperpop 100 Gecs y “Feeling Like I Do” de la prolífica e intermitente banda de rock alternativo Superdrag. “Escuchamos muchísima música diferente”, subraya el cantante. El punk pop se les quedó pequeño. Y eso mismo entendió su amigo Brett Gurewitz (Bad Religion), quien se ofreció para producir su nuevo largo si realmente tenían ganas de dar un paso adelante y dejar fuera de juego sus pedales de distorsión, siempre activos en su zona de confort. Así, su nuevo disco destaca, entre otras cosas, por el tono de sus guitarras, muy limpias, por momentos cristalinas. Su primera vez en el estudio de grabación con el también jefe de su sello, Epitaph Records, productor de incontables discos de su banda y también de otras como NOFX, Pennywise y Rancid no podía ser mejor. “Siempre está bromeando y pensando qué podemos pedir para comer. Musicalmente es un genio, sobre todo cuando se trata de escribir armonías y coros. También es genial sacando tu mejor versión en el estudio y tiene una visión muy clara de cómo quiere que suene la canción”.

EN LOS CRÉDITOS DEL DISCO encontramos a dos baterías invitados de la talla de David Hidalgo Jr. (Social Distortion) y Joey Waronker (R.E.M., Oasis), repartiéndose los nueve cortes con el batería de gira, Jared Shavelson (Ways Away, BoySetsFire, None More Black), otro gran músico. “Brett es amigo de ellos y sugirió contratarlos. Me alegro mucho de que lo hiciera porque los dos son increíbles a la batería y fue un placer tocar música con ellos. Además, son tíos muy majos”, cuenta Johnson, quien resta importancia a la ausencia de un batería fijo. “No estamos buscando batería. Escribo en casa y uso la batería de Logic. La mayoría de nuestras canciones funcionan con guitarra acústica, así que normalmente empiezo por ahí. Pero escribimos ‘I Know Where Mark Chen Lies’ en el local de ensayo con Jared y fue muy divertido y diferente, con lo que podría verme haciendo más temas de esta manera en el próximo disco”. LUIS BENAVIDES

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Seis años después de su último largo, Nothing regresan con “A Short History of Decay” (Run For Cover, 26), un trabajo diverso, introspectivo y con elementos autobiográficos articulado alrededor del paso del tiempo, la memoria y la enfermedad. Nos visitarán en abril formando parte del cartel del Barcelona Psych Festival (16-18 abril)

TEXTO Luis Benavides

FOTO Ben Rayner

EL LÍDER Y FUNDADOR de la banda, Domenic Palermo, sufre temblores esenciales desde hace años —algo que ha ido a más— y ha escrito este nuevo trabajo desde una honestidad radical, sin esconder nada.

Antes que nada, “A Short History of Decay” es tu quinto disco y el primero con Run For Cover Records. ¿Qué pasó con Relapse Records?

Debo empezar diciendo que no sabía necesariamente que este disco iba a existir. Fue una decisión bastante tardía, algo que la vida me fue imponiendo de forma natural. Una parte muy importante de lo que quería hacer era no repetir el mismo disco. Y, respondiendo a tu pregunta, sentí que la relación con Relapse, después de diez años, había llegado un poco a su fin. Dicho esto, máximo respeto para Relapse, porque fueron uno de los primeros sellos a los que realmente les importó lo que hacíamos cuando nadie más lo hacía.

¿Necesitaste más tiempo para hacer este álbum?

Pasé mucho tiempo en casa intentando recomponer mi vida personal; recuperar el tiempo perdido después de tantos años en esa dinámica de sacar un disco cada dos años: escribir, grabar, girar… y vuelta a empezar. Perdí el contacto con mucha gente y también con una parte de mí mismo. En cuanto al proceso de composición, no quería escribir un disco porque “tocaba”. Quería escribirlo cuando mi cuerpo me dijera que era el momento.

¿Cuándo recuperas las ganas de escribir?

Empecé a escribir bastante en 2023. Sentí un pequeño impulso de poner cosas sobre el papel. Palabras, pensamientos. Ahí me di cuenta de que el enfoque que quería para este disco era el mismo que tuve con “Guilty of Everything” (14): tenía una especie de

peso enorme sobre los hombros que necesitaba sacudirme. Cuando entendí eso, entonces sí cogí la guitarra, el piano, y empecé a convertir esas palabras en canciones.

Hablemos del estudio Sonic Ranch. He visto ese nombre en los créditos de discos que me encantan como “Vaya” de At The Drive-In y “Science Fiction” de Brand New. ¿Por qué lo elegisteis? ¿Era vuestra primera vez allí?

Sí, la primera vez. Cuando vi Sonic Ranch, me convenció al instante. Está en la frontera, en El Paso, en medio de una enorme plantación de nogales. Totalmente aislado. Para mí era perfecto.

¿Ese aislamiento afectó de alguna manera a vuestra música?

Totalmente. Llevo años fascinado por la música mexicana, los corridos, ese tipo de cosas. Me puso en otro estado mental. El entorno era perfecto. Una noche, después de grabar, había una banda de corridos tocando en otra de las salas. Acabamos bebiendo juntos hasta las cinco de la mañana. Les pregunté si querían grabar unos vientos al día siguiente. Pensaron que lo decía por los efectos del alcohol, pero al día siguiente aparecieron y grabaron los metales de “Never Come, Never Coming”.

Suena muy festivo todo esto, pero el disco es más bien todo lo contrario. Sí, somos unos fiesteros tristes. El disco tiene que ver más con la resaca del día siguiente. ¿Qué hay más triste que eso? [risas]. Esa colaboración surgió de manera natural y fue precioso. Eso es parte de la magia del lugar.

En las letras de este disco hablas de crecer y envejecer, de enfermar, de memoria… Ahí está “Essential Tremors”, uno de los cortes más emocionantes, en el que expones tus temblores. ¿Fue difícil hablar de eso?

Sí. Lo más duro fue darme cuenta de que otras personas notaban mis temblores. La

Fragilidad NOTHING

interior NOTHING “

“Tenía una especie de peso enorme que necesitaba sacudirme”

ansiedad lo empeora, la resaca también, la cafeína… Es embarazoso. En el estudio, escuché mi voz y noté el temblor en la grabación. Fue aterrador. Pero no había vuelta atrás. Me dije: “Querías hacer un disco vulnerable, no escondas esto. Esta es tu voz ahora”. Quería un disco honesto y por eso esa canción cierra el disco.

En la inicial “Never Come, Never Coming” también muestras tu lado más vulnerable. “When I was young, life was easy”, qué gran estrofa.

Sí. Habla de crecer en una casa con un padre violento y de la idea ingenua de que el amor te va a salvar. Es la mirada de un niño de nueve o diez años. Fue importante ponerlo sobre la mesa, porque sé que todo eso influyó en quién soy hoy.

Alguna vez has explicado que la música fue un refugio para ti. ¿Crees que este disco puede ayudar a otras personas?

Me cuesta asumir eso, pero sé que ocurre. Lo único que puedo hacer para no decepcionar a nadie es seguir siendo lo más honesto posible mientras recorro este camino.

Nothing liderásteis una especie de renacimiento del shoegaze a partir de 2010. ¿Qué opinas sobre esto?

Cuando Nothing empezamos, en 2011, en realidad no teníamos una identidad. Yo tenía muchos referentes y mezclaba muchas cosas, no teníamos una identidad clara. Hacíamos conciertos en directo muy agresivos que hacían que la gente del indie no quisiera contratarnos, y al mismo tiempo hacíamos discos con un sonido muy bonito que provocaban que las bandas de punk y hardcore tampoco quisieran tener nada que ver con nosotros. Ahora miro alrededor y veo a muchas bandas que nos ha clonado, así que supongo que hemos sido una influencia. Me cuesta digerirlo porque soy bastante inseguro y tengo un síndrome del impostor bastante fuerte. L.B.

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MIE.06.MAY

Sala Razzmatazz 2 · BCN

Sala VOL · BCN

Sala Changó · MAD

JUE.07.MAY

SAB.16.MAY

VIE.29.MAY

Sala Razzmatazz 3 · BCN

Sala Razzmatazz 3 · BCN

SAB.30.MAY

Sala Razzmatazz 1 · BCN

JUE.12.NOV

Sala Changó · MAD JUE.11.JUN

RUFUS T. FIREFLY

Sala La Riviera · MAD

VIE.13.NOV

Sala Razzmatazz 2 · BCN VIE.12.JUN

VIE.27.NOV

Sala Razzmatazz 1 · BCN

Alma provocadora Mala Gestión

Mala Gestión es una banda valenciana formada por Elías (voz), Pablo (teclado), Hector (batería), Guille y Joan (guitarras). Tras estrenar su tercer álbum, “Hacemos lo que podemos” (Acqustic, 26), se embarcan en una gira por España en la que desplegarán su provocativo repertorio musical.

TEXTO Adrià Polo

MALA GESTIÓN es un grupo formado en el colegio que, en sus inicios, hacía covers de Green Day y de Elvis. Según explica Pablo, “un profesor animó a Héctor a montarse un grupo porque era el típico niño que se metía un lápiz en la nariz y después no se lo podía sacar. Así por lo menos usaba el lápiz para pegarle a un tambor”. Luego se fueron juntando el resto de miembros y, de repente, un día se les ocurrió componer. Sin embargo, no fue hasta “Dios me tiró un Ducados rubio” que consideraron que, por fin, habían hecho un tema grabable. Desde aquel primer single, comparten con Los Chivatos el reconocimiento de ser, con toda probabilidad, los pioneros del genero Ñunk. ¿Qué es exactamente? Pues “un parche de mierda que nos inventamos para no tener que decir si hacemos punk o rock, pero que no sirve de nada porque la gente sigue preguntando qué coño es”.

DURANTE ESTOS AÑOS de carrera, su música ha vivido una evolución constante y han ido moldeando su forma de sacar los temas adelante. “Antes decíamos: ‘Eso suena

“Canciones buenas, no, pero tocamos guay”

muy rock, a tomar por culo. Eso suena muy pop, pues nos lo cargamos’. La clave ha sido el poder coger algo y moldearlo para que nos guste. A veces salen temas más paradetes y otros son más movidos. No nos mola cortarnos en el sentido de pensar: este disco tiene que sonar a Viagra Boys con un golpe en la cabeza cuando eran pequeños. Ese no es nuestro estilo”. Sin embargo, para ellos las letras siguen siendo un tema complicado. Por este motivo, Elías ha decidido mandar un mensaje en caso de que “algún día, en algún momento, en algún universo esto lo lee alguien que está intentando escribir letras”. Un mensaje que, para sorpresa de Hector, reproduciré tal cual, sin evitar ninguna de las ocho veces que dijo “puta mierda”: “Yo escribo una letra y digo ‘¡Vaya puta mierda!’. Y escribo otra y digo ‘¡Vaya mierda, peor todavía!’. Y lo borro y hago otra y digo ‘¡Vaya puta mierda!’. Y hay un momento en el que llevas cuatro letras escritas, lo lees y dices ‘Igual soy yo’. Pero, en el fondo, sabes que no, que es una puta mierda. Si a alguien le pasa... Primero, las letras que has escrito y piensas que son una puta mierda, seguramente tengas razón, son una puta mierda. Pero, por lo mismo, cuando escribas una letra que piensas que no es una puta mierda, seguramente tengas razón. Y de ahí, ya pues eso, si quieres hacer canciones de puta mierda, utiliza lo primero que te salga. De hecho, es muy fácil escribir ‘Ni un palo al agua’ o ‘Noche de Casino’, porque es como ‘¡Jaja, la polla y los huevos!’. Y todos nos reímos. Pero cuando es algo más sincero, cuesta mucho. Entonces, un poco de confianza, que si has escrito una letra buena en tu vida es que algo puedes hacer bien”.

SIN EMBARGO, son capaces de sacar inspiración de los sitios más insospechados. Al contrario de lo que pueda parecer, “EX-EX” no es una versión de “Friday I’m In Love”, sino que coge la estructura de “Beso en un portal” de Cora Yako. “Sandalias” nació porque Elías se acababa de comprar unas Birkenstock. Según él, “son las sandalias oficiales del PSOE, pero de votar tanto a Pedro Sánchez acabas siendo de derechas. Todos las llevan”. Estos temas están incluidos en “Hacemos lo que podemos”, un disco en el que han puesto grandes expectativas. Sobre todo Elías, quien espera que les vaya bien porque “estoy hasta los cojones de la uni”. También porque, cuanto mejor les vaya, más tocarán en directo, que es lo que realmente les mola. El éxito no está asegurado, pero afirman que tienen fe porque “Dios provee y Dios da lo que tenemos que tener”. Por el momento, los chicos ya tienen programadas un buen puñado de fechas para estos próximos meses.

La cosa va en serio

SEGÚN PABLO, “Joan se queda en una posición de power metal y no se mueve. De hecho, le he visto tocar con Anorak. Guille ahora se ha comprado un cable inalámbrico y parece una rumba. Héctor se copia de Travis Barker. Elías no hace nada, es buen frontman, pero no sé por qué. Y yo me siento mucho en el suelo porque me canso y necesito descansar”. Pese a esto, afirma: “Canciones buenas, no, pero tocamos guay”. Por desgracia, si algo caracteriza a Mala Gestión, es que, en general, hay gente que no los toma en serio. Respecto a este fenómeno, Elías opina: “Está de puta madre ser un paleto, pero no me tengo que justificar ante José Manuel de Ávila, que no entiende ‘Batido de Caca’”. En cambio, lo que más les jode es “que se piensen que estamos todo el rato de coña. Porque después te viene peña

y te trata como un mono de feria. Por ejemplo, no nos gusta beber antes de tocar y en los conciertos siempre viene el típico que dice: E’n mis tiempos los rockeros se tomaban cuatro cubatas y se hacían un solo de guitarra, hacían la pentatónica’”. Eso sí, lo que nadie se atreve a poner en duda es que, con la gran cantidad de estilos que tocan, es imposible odiar todas y cada una de sus canciones. Por último, no me gustaría dar por finalizado este texto sin mencionar que Joan fue, seguramente, la primera persona en la historia de nuestra publicación en pagar una factura mientras le entrevistan. Un hecho en el que insistió que se le fuera reconocido y al que he decidido dedicar estas últimas líneas. A.P.

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Todas mis caras Maria Arnal

Maria Arnal abre un nuevo camino profesional en su laureada trayectoria con “AMA” (Atlantic, 26), carta de presentación en solitario de la catalana tras una década consagrada al pop experimental de vanguardia en diversos formatos. A la postre, un encuentro natural con todas sus destrezas e inquietudes elevadas a la potencia de la experiencia y del autoconocimiento, ahora por cuenta propia.

TEXTO

Fran González

“A FIN DE CUENTAS, es la primera vez que me enfrento al reto de presentar un disco bajo mi entera supervisión en solitario, así que tiene toda la energía de un debut, aunque este no sea, ni mucho menos, mi primer trabajo”, comienza contándonos Maria. Y es que “AMA”, conjugado desde esa polisemia que marca territorio y late, bien puede ser entendido, además de como un primer disco oficial, como un peldaño más de una larga escalera que comenzó a crecer diez años ha. “Tal y como yo lo veo, ‘AMA’ es mi forma de volver a presentarme al mundo, esta vez sin esconderme detrás de nadie. Un regreso al punto de partida, pero definitivamente desde una proyección más madura y sólida. Ahora me siento más segura de mí misma, sé mejor qué tipo de artista soy y poseo una solvencia profesional que no tenía hace diez años”. “AMA” llega en un momento artístico muy prolífico para Maria, aunque también nos reconoce sus reticencias a haberlo publicado antes y la necesidad de hacerlo precisamente ahora, tras haber digerido el tránsito entre etapas. “Las dinámicas de la industria llegaron a agotarme bastante e incluso terminé planteándome hasta qué punto era necesaria mi voz en un entorno tan saturado de canciones y artistas, o si realmente habría alguien interesado en escuchar lo que tenía que decir. Todavía no tengo respuestas a esa pregunta, pero más allá de lo que el mundo necesite, yo sí necesitaba hacer este disco. Nadie es imprescindible, pero la necesidad

de cantar sí lo es para mí”. Este es un disco que, en resumidas cuentas, es el resultado de todas las cosas que la polifacética cantante ha vivido durante el último lustro, según nos cuenta ella mientras hace inventario de los proyectos para terceros que ha ido firmando recientemente y que sin duda han contagiado el ADN de “AMA” –desde bandas sonoras para cine y espectáculos de danza hasta intervenciones enfocadas en tecnología y experimentación. “Es una página en blanco, sí, pero una página muy vivida ya”.

EN ARAS DE CANALIZAR ese torrente de influencias que la caracteriza, Arnal se ha dejado llevar por las ideas de Pau Riutort y Alizzz, alumnos aventajados del pop de masas, pero también culpables de abordar sin peros los riesgos sonoros más inusuales: “En mí vive la Maria popera, pero también la Maria nerd, y ellos han sabido captarlo a la perfección”, dice entre risas. “El pop está viviendo sus años más interesantes, por eso quería que este disco tuviese canciones directas que se comprendiesen sin lecturas predeterminadas”, como bien puntualiza sobre la inmediatez juguetona de pistas tan deliciosas como “Suspiros”. Porque “AMA”, además, tendrá una segunda vida de lo más atractiva sobre los escenarios, tal y como apunta la propia Maria, quien califica de “espectáculo” su futura puesta en escena, por encima de la mera etiqueta de concierto al uso. “El directo de este disco va a ser un show muy show”, ríe la artista. “Me he

“

“Nadie es imprescindible, pero la necesidad de cantar sí lo es para mí”

propuesto hacer lo que nunca he hecho, así que los conciertos van a ser muy locos. Va a haber un cuerpo de baile, yo también voy a bailar muchísimo, tocaremos todas las canciones del disco, readaptaremos algunos temas de mis anteriores etapas, como ‘La virgen roja’ o ‘Tú que vienes a rondarme’, y además habrá canciones inéditas que se quedaron fuera de ‘AMA’ y que la gente solo podrá escuchar si viene a los conciertos”. Pero pese a la accesibilidad y el juego al primer toque de ciertos cortes, la Maria más intrépida sigue entre nosotros; esa que es capaz de conciliar la economía rítmica de lo elemental con el imaginario imposible de Ausiàs March o reinventar un himno fallero hasta convertirlo en el corolario perfecto para su cancionero. “A la hora de hacer este disco, tenía claro que no quería renunciar a ninguna de mis caras”, sentencia. “He aprendido a cantar como canto gracias al folklore valenciano, als cants de batre y a figuras como la de Pep Gimeno ‘Botifarra’, así que ese espíritu tenía que estar también en ‘AMA’ de alguna forma”. Son otros temas, como “Que me quiten”, los que no obstante Maria considera categóricos para entender el propósito del largo. “Es una canción que no podría haber escrito hace diez años. Digamos que me ha estado esperando durante todo este tiempo. Esperando a que me curtiera y a que abriera los ojos”, explica, aludiendo a la suerte de catálogo de martirios patriarcales que la letra enumera. “Muchas de las cosas que ahí canto las he vivido en primera persona solo por el hecho de ser mujer, y de ser, además, una figura pública cuyo cuerpo está, por defecto, sujeto al escrutinio. Tomar conciencia de todo ello se convirtió en un punto de no retorno. No fue una revelación amable, pero sí fértil”. F.G.

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Kneecap Barras y barricadas

Se han convertido en uno de los grupos más controvertidos de la actualidad: provocadores y combativos, su discurso siempre incomoda. Y seguirá haciéndolo en “Fenian” (Heavenly/[PIAS], 26), su disco recién publicado, que presentarán en nuestro país.

TEXTO Daniel Grandes

LOS CIMIENTOS de la industria musical, y me atrevería a decir de la propia actualidad, se han visto sacudidos por un terremoto irlandés llamado Kneecap. El trío de Belfast —formado por Mo Chara, Móglaí Bap y DJ Próvai— no solamente supone una de las voces más reivindicativas del hip-hop europeo de los últimos años, sino también el principal dolor de cabeza de todos aquellos que olvidan que no hay rap sin crítica al sistema. Sus canciones han sido censuradas por cadenas de radio y sus actuaciones, fuertemente criticadas por los sectores conservadores. Incluso uno de sus miembros, Mo Chara, fue acusado de delito de terrorismo. Esta entrevista con la banda se llevó a cabo dos días antes de que el tribunal británico desestimara los cargos contra el rapero y un mes antes de que vea la luz su nuevo disco, “Fenian”. Tras interpretarse a ellos mismos en un alucinógeno biopic que ya es historia del cine irlandés y demostrar en “Fine Art” (24) que se puede hacer la revolución en un pogo, Kneecap presentan un impredecible disco tan agresivo como empático, tan político como sensible.

DECIR QUE “FENIAN” es su disco más maduro podría parecer un poco cliché, pero ellos no parecen rechazar esa etiqueta. “Sin duda es un disco más serio y maduro, pero creo que, tras todo lo que hemos pasado este año, era imposible que no lo fuera”, explica Mo Chara. “Ahora somos

un poco más maduros que hace dos años. Teníamos muchas ganas de volver al estudio y tomarnos un tiempo para reflexionar sobre todo lo que hemos vivido durante estos últimos meses”, añade Móglaí Bap. El nombre del disco hace referencia al término que se utilizaba en el folklore irlandés para referirse a los antiguos guerreros, pero que los colonos empezaron a usar de forma despectiva. “Nos llamaban fenians para hacernos sentir salvajes y atrasados, así que queríamos recuperar ese nombre y, desde él, hablar de problemáticas como la del genocidio”, aclara Móglaí, quien tiene muy claro que “el lenguaje también se utiliza para deshumanizar a los palestinos, para crear una narrativa en la que son considerados subhumanos o inferiores”. En “Fenian”, los miembros de Kneecap siguen siendo explícitamente políticos. Poner filtros a las injusticias no es algo que se planteen. De hecho, el único miedo durante el proceso de concepción del nuevo disco tuvo mucho más que ver con la autoexigencia artística que con cualquier cuestión ideológica. Mo Chara se sincera en ese sentido: “No creo que tuviéramos ningún miedo, pero sí sentíamos un poco de presión. Al fin y al cabo es evidente que existe el síndrome del segundo álbum y componer el segundo es siempre mucho más complicado que el primero”.

EN ESTE NUEVO PROYECTO la banda, acostumbrada a un estilo más casero de producción, recibe la ayuda de Dan Carey, habitual de artistas como Fontaines D.C.,

Wet Leg, Kae Tempest, Geese o Squid. La presencia del productor londinense aporta a “Fenian” una gran variedad de texturas y al grupo, una metodología de creación totalmente distinta a la que estaban acostumbrados. “Ha sido muy diferente. Dan hace todo de forma analógica. Crea todo con sintetizadores. Es muy práctico, muy manitas. Él estaba delante del ordenador y nosotros detrás de él, escribiendo sobre la marcha. Era como si las canciones se fueran escribiendo y produciendo al mismo tiempo”, explica Mo Chara. Kneecap y Dan Carey pasaron juntos siete semanas en Londres componiendo el disco, una experiencia que, según Móglaí Bap, estuvo llena de contrastes. “Durante esos meses de grabación tuvimos nuestro concierto en el Wembley Arena. Fue interesante salir del aislamiento del estudio y entrar en un ambiente totalmente contrario al aislamiento, mucho más conectado con los juicios, las cámaras y las noticias”. A modo de curiosidad, el rapero también comenta que los cánticos de “Free Mo Chara” entonados por el público de Wembley fueron utilizados en el tema “Carnival”. “Más que ser un obstáculo, utilizamos todos estos inconvenientes a nuestro favor”.

LA MÚSICA DEL TRÍO de Belfast siempre ha estado estrechamente unida a la música electrónica –recientemente han trabajado con gente como Sub Focus o Paul Hartnoll de Orbital–, pero en “Fenian” este romance alcanza otra dimensión, encontrando en temas como “Big Bad Mo” acercamientos a subgéneros como el acid house. Mo Chara explica que “la música rave y dance tiene una historia muy importante en el norte”, hasta el punto que “muchos católicos y muchos protestantes probablemente nunca se habrían conocido, o nunca habrían estado con alguien de una comunidad diferente si no fuera por las raves, la electrónica y el éxtasis”. Las drogas y la música son esenciales para entender la historia de Belfast, pero también para comprender el sonido de Kneecap. “Si no estuviéramos hablando de

3drogas, estaríamos hablando de cerveza, la cual también es una parte fundamental de la música irlandesa. La gran mayoría de la música folk es sobre Guinness y whiskey”, bromea Móglaí Bap. La banda abraza esta tradición, pero también es consciente de los prejuicios que comporta. “Tengo la sensación de que cuando uno canta en irlandés, la gente suele relacionar tus canciones directamente con la fiesta y, por consecuencia, no te toma tan en serio. Así que para nosotros era muy importante

EL APUNTE

El irlandés y las lenguas minoritarias

SABIENDO LA IMPORTANCIA que el irlandés tiene para Kneecap, parecía evidente que tocar estos últimos años en Cataluña y País Vasco tuviese que ser una experiencia especial para el grupo. “Estar en Barcelona y Bilbo nos ha ayudado a comprender y confirmar lo que se cuenta en nuestra película. La historia de la lengua irlandesa es una historia internacional de descolonización y todos compartimos esta historia. Por eso estos lugares nos inspiran muchísimo. Quizás porque su música y su cultura son muy vibrantes. Es bonito tener la oportunidad de conocer a gente de estos países y llevarnos parte de esa inspiración a casa”, confiesa Móglaí Bap. En su película, hay una escena en la que, para convencer a sus compañeros de que empiecen a hacer música, DJ Próvai defiende que el irlandés es como el último dodo vivo, encerrado en un cristal en un zoo para que la especie sobreviva. Sin embargo, él defiende que lo que realmente hay que hacer es liberar al dodo, romper ese cristal y dejar que vuelva a recorrer el país. Para terminar la entrevista, le pregunto a DJ Próvai cómo está el dodo, si cree que sigue encerrado o si ya ha sido liberado. Entre risas, me responde: “Efectivamente, el dodo ha sido liberado y ha sobrevolado la zona. Creo que podría aterrizar en Barcelona muy pronto, así que mantened los ojos bien abiertos. Es emocionante ver que otros países y movimientos lingüísticos se están inspirando en nosotros. El idioma está empezando a cobrar vida propia, a recuperar su antigua gloria, y si eso puede suceder en países en los que hay lenguas minoritarias, pues que así sea”. D G

crear algo con cierta calidad, para que el público no nos vea solamente como un grupo que canta en irlandés, sino como un grupo que también tiene algo que decir”, aclara Mo Chara.

SIN DUDA, KNEECAP tienen muchísimo que decir, y lo dicen en “Fenian” sin ningún tipo de metáfora. El mundo está lleno de violencia y no señalarla iría en contra de la propia naturaleza de la banda. Mo Chara lo tiene clarísimo: “Entiendo que la gente nos haga preguntas políticas. Es parte de estar vivo en este momento. No podría vivir conmigo mismo sabiendo que nos subimos a un escenario todos los días como si nada, como si estuviera bien que haya poblaciones que se mueren de hambre o que ahora Estados Unidos bombardee a ciento ochenta y cinco jóvenes en un colegio en Irán, usando armas de Israel. No siempre vamos a ser perfectos en todos los temas políticos, no siempre vamos a

saber todos los entresijos de todo. Pero creo que basta con ser humano”.

UNA SEMANA ANTES de tener esta charla con ellos, Kneecap organizaron una proyección en Belfast de la película “La voz de Hind” de Kaouther Ben Hania, basada en la historia real de una niña palestina asesinada por las Fuerzas de Defensa de Israel. Mientras escuchaba “Fenian”, pensé mucho en esa película y en su forma terriblemente explícita de mostrar los estragos del genocidio. Dice la escritora Isabella Hammad que los países occidentales necesitan tener una epifanía sobre Palestina. Me pregunto si quienes nos dedicamos a la cultura tenemos la responsabilidad de invocar esas epifanías y, por supuesto, se lo pregunto a los miembros de Kneecap. DJ Próvaí, con su icónica balaclava irlandesa puesta, habla por primera vez en toda la entrevista. “Creo que el principal objetivo del arte es ser desafiante. Tiene que mostrar a la so-

ciedad lo que realmente está sucediendo. Tiene que ser el verdadero enemigo del sistema. El arte es poder expresarte. Para la gente palestina es una vía de escape en este momento tan espantoso. Supongo que el arte es poder crear en una época de tanta destrucción”.

QUIZÁS EL SISTEMA esté tan obsesionado por criminalizar la música de Kneecap porque quiere intentar convencernos de que lo que hacen es destruir, cuando quizás no haya un grupo más constructivo que este a día de hoy. Le pregunto a Mo Chara si alguna vez le ha costado salir al escenario sabiendo que está sucediendo un genocidio, a lo que me responde que, efectivamente, a veces “no es fácil lidiar con eso, pero si los palestinos pueden despertarse cada día y seguir teniendo esperanza, nosotros también podemos seguir adelante”. Puede que haya pocos mensajes más importantes para cualquier artista (o

“

“Les da miedo que los jóvenes estén de acuerdo con nosotros”

simplemente persona) que el que deja Mo Chara cuando me recordó que “ni de coña somos los mejores portavoces del mundo ni nada por el estilo, pero hacemos lo que podemos. Solamente somos tres chicos del norte de Irlanda que no han estudiado política ni nada por el estilo”, añadiendo que “es un momento muy sombrío, pero también un gran momento para ser empático con el otro”. Móglaí Bap subraya la importancia de actuaciones como la de Kneecap en Coachella: “Necesitamos bandas que apoyen a Palestina en los festivales y que la bandera de Palestina esté en las visuales de los artistas. Supongo que ese es el resumen de todo, que les da miedo que los jóvenes que van a Coachella estén de acuerdo con nosotros”.

PARECE UN GLITCH del sistema que la banda más antisistema del panorama actual esté tocando en los escenarios más importantes del planeta, y no puedo evitar preguntarme cómo gestionan la posibilidad de que haya gente de derechas escuchando su música en estos macrofestivales. “Durante todo el festival estuvimos con gente. Nos sentamos con ellos, charlamos y compartimos muchos momentos. Había muy buen ambiente. La carpa en la que tocamos empezó y acabó llena. Eso es lo importante. Prefiero quedarme con eso. Supongo que nunca ha pasado que alguien de derechas nos escuche, así que de momento no me preocupa”, responde Móglaí Bap. Seguro que Kneecap prefiere pensar en aquellas personas que van a escuchar música en irlandés por primera vez gracias a su nuevo disco, así que les pregunto por otras recomendaciones para aquellos que quieran profundizar un poco más en el idioma. Me dan tres nombres: Súil Amháin (un rapero amigo del grupo que, según Móglaí Bap, “tiene un irlandés precioso”), Clann Mhic Ruairí (una banda para aquellos que busquen aproximarse a una música más tradicional) y Wolfe Tones (eso sí, recomiendan específicamente sus canciones en irlandés). D.G.

EN PORTADA R

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EN CONCIERTO

.EL RETROVISOR

Social Distortion

El retorno de los estadounidenses Social Distortion es una de las grandes noticias para los aficionados al punk rock de riffs afilados. Y lo es todavía más que, en unos meses, los de Mike Ness presentarán su próximo álbum, “Born To Kill” (Epitaph, 26), en el Azkena Rock Festival. Hoy son los protagonistas de nuestro retrovisor.

El imprescindible

Somewhere Between Heaven And Hell (1992)

Apabullante. No se puede calificar de otra manera. Cuarto álbum y consolidación de la capacidad de la banda de Mike Ness para mezclar punk rock con raíces country y rockabilly de forma absolutamente natural. El disco mantuvo la inercia de su anterior trabajo, el homónimo de 1990 en cuanto a recepción crítica y por parte del público

alcanzando la certificación de disco de oro gracias a una canción insuperable como “Bad Luck”. Musicalmente, el álbum equilibra la energía cruda de canciones como la inicial “Cold Feelings” con momentos más melódicos y oscuros, y hasta incluye una emotiva reinterpretación de un clásico country, “Making Believe”, original de Jimmy Work. La producción de Dave Jerden refuerza la mezcla de estilos que ya es marca de fábrica de un grupo que va mucho más allá del punk rock, permitiendo que la voz rasgada de Mike Ness y los riffs robustos coexistan con pasajes líricos más introspectivos. Un referente, del rock, así en general, norteamericano. No hay más que mirar la portada.

La rareza Mainliner (Wreckage From The Past) (1995)

Aquí hemos ido a lo fácil, que ya sufriremos lo nuestro para elegir “el malo”. Recopilatorio lanzado a mitad de los noventa que reúne grabaciones tempranas de la banda, registradas entre 1983 y 1985 y que únicamente habían sido editadas, en algunos casos, como sencillo o formando parte de recopilatorios diversos compartidos con otros grupos. Son solo diez temas que capturan a los Social en sus inicios, con algún tema incluso que luego regrabarían para discos posteriores como “Justice For All”, “Moral Threat” o la versión del “Under My Thumb” de The Rolling Stones. Como se puede suponer, el sonido es bastante áspero con una producción apenas inexistente. Aunque probablemente sea eso lo que lo hace más interesante, ya que nos permite ver al grupo en el momento en que iba formando su personalidad. Curiosamente, y a pesar de estar pensado para los fans acérrimos, funcionó bastante bien a nivel de ventas.

La decepción

Prison Bound (1988)

Que Social Distortion no tienen disco malo es indiscutible. Y que este sería el mejor disco del repertorio de cualquier otra banda, también. Pero había que escoger uno ¿y por qué este? Pues quizá porque, para ser un segundo álbum, supuso un giro demasiado radical respecto a su debut. Y también porque esa mezcla de punk con country, el blues y el rockabilly suena todavía ligeramente forzada. Demasiado crudo y, a la vez, menos inmediato que su predecesor, apenas da muestras de lo que llegaría después. Quizá demasiado influido por los problemas legales y de adicciones en los que se encontraba inmerso Ness, metido de lleno en uno de los peores momentos de su vida. Por eso se le calificó de más sombrío, menos juvenil y más confesional, descolocando al público que esperaba la continuación de ese puro punk californiano de su debut, “Mommy’s Little Monster” (83). A pesar de eso, notable. EDUARDO IZQUIERDO

Exsonvaldes Calidad garantizada

Los siempre encantadores Exsonvaldes suman ya más de dos décadas en su empeño por crear canciones bonitas y elegantes, y “Ninety Seconds To Midnight” (V2, 26) no es una excepción a la regla.

LA CARRERA DE EXSONVALDES comienza a ser de fondo, después de que la banda francesa sume ya más de veinte años dando a luz preciosas y distinguidas composiciones.

“Ninety Seconds To Midnight” no es una excepción a la regla y vuelve a funcionar como agradecido reencuentro con la formación, si bien alberga novedades con respecto a anteriores trabajos suyos. “El proceso de composición fue bastante diferente al de nuestros álbumes anteriores. Fue más conciso. Habíamos empezado a escribir el álbum unos meses antes, cuando

nos reunimos con el sello V2 y, tras firmar con ellos, nos dimos seis meses para terminarlo. Este plazo fue muy motivador y nos permitió tomar decisiones con mayor rapidez”. También cabría afirmar que “Ninety Seconds To Midnight” destila un sonido un poco más sofisticado o que incluso hay cierta madurez creativa en sus texturas. “Queríamos retomar influencias de las bandas que escuchábamos cuando empezamos a hacer música juntos en el instituto: Nirvana, Grandaddy, dEUS, Chokebore... Pero también mirar hacia el futuro, buscando nuevos sonidos, nuevas ideas melódicas y armónicas. Creo que es un álbum más directo y a la vez más rico. También fue más fácil de componer y grabar. Ahora tenemos una relación de trabajo muy fuida como trío. Dudamos menos, decidimos más rápido y llegamos más lejos”.

“NINETY SECONDS TO MIDNIGHT” cuenta con las colaboraciones de Troy Von Balthazar en “Frontiers” y Helena Miquel

TAN.LEJOS TAN.CERCA

“Usar varios idiomas escomo usar varios instrumentos”

RR La Casa Azul anuncia la presentación de “Fauna y Flora Subacuática” para 2027 en su mayor concierto en sala de su carrera en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Será el 13 de marzo de 2027.

RR Rufus T. Firefly se han convertido en los flamantes ganadores del XI Premio Ruido, otorgado el pasado 12 de marzo en Madrid, por “Todas las cosas buenas”. Competían con Amaia, Carlos Ares, Frente Abierto, FUET!, Guitarricadelafuente, Pumuky,

Repion, Rosalía, rusowsky, shego y Valeria Castro.

RR El guitarrista británico Phil Campbell, miembro de Motörhead durante más de treinta años, ha fallecido tras complicaciones médicas derivadas de una importante operación. También fue líder de Phil Campbell & The Bastard Sons desde 2015.

RR El sello andaluz Spinda Records publica el 14 de abril un triple vinilo con la grabación

Pipiolas Las chicas del coro

Sintiéndose más dueñas que nunca del proyecto con “Pipiolas” (Elefant, 26), el dúo reafirma la identidad de su música con un segundo disco en el que Paula Reyes y Adriana Ubani disipan cualquier duda sobre su necesidad de seguir al pie del cañón.

EL CANON DICE que, normalmente, un grupo debuta con un disco de título homónimo y, en lo sucesivo, si eso, sus miembros ya se ponen más creativos. “Pipiolas”, sin embargo, confirma que Paula y Adriana van a su bola (y a mucha honra). “A nosotras nos gusta ir a la contra siempre”, comienza diciendo la segunda al inicio de nuestra party-line a tres bandas. “Teníamos que seguir el curso natural de las cosas y es ahora cuando tenemos más claro que nunca qué significa Pipiolas para nosotras”. La dupla confiesa que, tras el éxito de

“No hay un Dios” (23), sintieron que todo en Pipiolas ocurrió demasiado rápido. “Incluso el mero hecho de sentir dudas sobre aquello que hacíamos nos llegó excesivamente pronto”, bromea Paula. Superada la efervescencia del debut, a la banda le tocó echar el freno y repensar su siguiente movimiento, esta vez con más pasión que inercia. “La música necesita paciencia, y por nuestra parte, era importante que se nos concediera el espacio y el tiempo suficientes para descubrir hacia dónde dirigirnos y encontrar un sitio nuevo del que inspirarnos. Y la verdad es que este momento nos ha unido más que nunca. Fue bonito comprobar que no hizo falta verbalizar lo que el cuerpo nos pedía. Supimos leernos en seguida y actuar en consecuencia”.

íntegra del concierto que King Gizzard and The Lizard Wizard ofrecieron el 24 de mayo de 2025 en el Poble Espanyol (Barcelona). Se trata de un official bootleg limitado a trescientas copias.

RR Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead y The Smile, vuelve a colaborar con Shye Ben Tzur y The Rajasthan Express de cara a un nuevo trabajo. “Ranjha” se publicará el 8 de mayo a través de World Circuit y BMG. El disco será la continuación de “Junun” (15).

“Hay un prejuicio muy heavy con el pop”

(de Delafé y las Flores Azules y con quien ya habían colaborado antes) en “En sentido contrario”. “Conocimos a Troy hace mucho tiempo. Con su banda Chokebore lanzó varios álbumes muy importantes para mí. Siempre quisimos invitarlo a trabajar con nosotros, pero nos sentíamos demasiado intimidados y, sin embargo, inmediatamente aceptó terminar la canción con nosotros. Por su parte, Helena es una figura importante en nuestras vidas y contamos con ella para nuestro álbum ‘Aranda’ de 2016, en el que quisimos fortalecer nuestra conexión con España cantando canciones en español. Diez años después, quisimos reconectar con Helena y enriquecer nuestro repertorio con ella. Teníamos una pieza instrumental, algunas melodías y un título. ¡Helena ideó rápidamente un estribillo magnífco!”. En efecto, el combo suma entre su repertorio canciones en inglés, francés y español. “Estamos orgullosos de nuestro multilingüismo; lo consideramos una de las fortalezas del grupo. También hay un componente europeo

que nos atrae. Usar varios idiomas es como usar varios instrumentos”. Estas semanas estarán de nuevo de ruta por los escenarios de nuestra geografía. “Creo que ahora estamos mucho más relajados y seguros con nuestros conciertos, pero seguimos muy concentrados y motivados. Es un placer enorme tocar en directo y estamos deseando empezar la gira por España. Tocaremos muchas canciones nuevas, pero también muchas antiguas ¡Nos siguen encantando!”.

RAÚL JULIÁN

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EN CONCIERTO

l Barcelona 16 abril. Razzmatazz

l Sevilla 17 abril. La2

l Córdoba 18 abril. Impala

l Jerez de la Frontera 19 abril. La Guarida del Ángel

l Huelva 05 junio. Isla Sónica

l Calvià 13 junio. Mallorca Live Festival

EL COMIENZO DEL DISCO, con una revisión personal del clásico “My Favorite Things” de Julie Andrews, es un buen ejemplo de cómo la banda supo encontrar una veta de estímulo y aliento en sus particulares lugares felices: los musicales y la música de coro. “Nosotras venimos de ahí”, dice Adri. “Y ese, además, es un tema que va unido de forma correlativa al segundo, ‘Finita La Commedia’, ya que con ambos buscamos dejarle claro al oyente, desde el inicio y con sinceridad, que este es un disco lleno de cuestiones que trataremos de responder poco a poco. La primera es, de hecho, si realmente tenemos o no más cosas qué decir”. La respuesta a ello ya os la podemos adelantar nosotros.

RR Por fin llegará a salas de nuestro país el majestuoso “The Orchestral Tour” de los islandeses Sigur Rós. Podremos verlos en el Auditori Fòrum CCCIB (11 septiembre, Barcelona) y en el Palacio Euskalduna (15 septiembre, Bilbao) acompañados por una orquesta sinfónica.

RR La banda estadounidense Fugazi ha lanzado con fines benéficos las sesiones inéditas de “In On The Kill Taker” que grabaron junto al fallecido Steve Albini en 1992. Puedes escucharlas o comprarlas en digital en Bandcamp. MS

Por supuesto que Paula y Adri tienen cuerda para rato, solo basta con ver cómo consiguen convertir la zozobra en impulso y ensanchar los márgenes escapistas del pop con un discurso que cala hasta los huesos. “Hay un prejuicio muy heavy con el pop”, señala Paula. “Es un mal en la música actual del que ya nos cachondeamos porque, honestamente, resulta absurdo que alguien todavía pueda creer que un disco, por sonar festivo y estar hecho por mujeres, sea automáticamente menos intenso”.

FRAN GOZÁLEZ

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Maria Jaume

¡Alegria! Es !esta mayor

“Musicalmente he cambiado mucho, pero creo que siempre hay pilares que se mantienen”

En ese ejercicio de eterna nostalgia en el que viven los emigrados a una gran ciudad, Maria Jaume ha rememorado en “Sant Domingo Forever” (Halley Records, 26) esos días de “gresca i xerinola” tan propios de la verbena, los pasacalles, las comidas populares e incluso la tregua entre los que en realidad no se toleran. Un álbum que es mucho más que una fiesta.

LA DUCHA COMO ESPACIO en el que surgen las ideas más brillantes ha tenido, al igual que la solitaria habitación de hotel, un rango de popularidad comúnmente muy aceptado. Sin embargo, las cocinas son a menudo las grandes olvidadas del imaginario pop y no debería ser así. Fue en una cocina donde afirman que nació la primera canción compuesta por Mick Jagger y Keith Richards. Y también ha sido entre fogones donde Maria Jaume y su pareja, el músico y productor Lluis Cabot, idearon el concepto sobre el que se vertebraría su reciente “Sant Domingo Forever”. “Recuerdo muy bien el momento porque creo que siempre pasan cosas muy mágicas en las cocinas”. La que responde a mis preguntas es la cantante

mallorquina, quien se ha acercado hasta la redacción de Mondo Sonoro para explicarnos todo ese universo de verbena, fiesta y celebración que se esconde y vertebra las canciones de su nuevo álbum. “Estaba con Lluís y hablábamos de que 2025 había sido un buen año, en el que habían pasado cosas increíbles pero que, al final, lo que te llevas de todas esas experiencias es valorar a la gente que realmente sí que tienes cerca y que está a tu lado siempre. Fue a partir de ahí cuando surgió la idea de la fiesta mayor como un lugar en el que se combina toda esa gente. La que igual no querrías ver nunca más, la que te ha hecho daño, con la que quieres un montón. Fue llegar a esa idea y que de repente se nos abriera todo un mundo de posibilidades”. Cierto, “Sant Domingo Forever” es un álbum conceptual en el que se combinan un buen número de experiencias, emociones y recuerdos. “Tenía un montón de cosas con las que jugar y de las que hablar en base a mi experiencia personal, de cómo había sido mi infancia, mi adolescencia, mi relación con el pueblo”. Y todo ello trenzado de esa melancolía de la que ya no vive en su añorada isla, pero que le ha servido a su vez para hacer las paces con un pasado que no regresará jamás. “El disco ha sido mi manera de reconciliarme con algunos momentos de mi adolescencia con los que no me sentía tan cómoda”. Una época en la que sueñas con marchar de un pueblo que se te queda pequeño, pero al

que ahora miras con la añoranza propia del que ya no está. “Hay un montón de gente que mataría por estar allí. De hecho, ya nos están quitando las casas”.

SI BIEN “SANT DOMINGO FOREVER” empezó en una cocina, su elaboración a fuego lento se ha perpetrado en una pequeña habitación del piso, en el popular barrio de Horta de Barcelona, en el que conviven Maria y Lluis. Un trabajo de orfebrería sonora realizado en el ordenador a base de combinar diferentes plugins con efectos de sonido y pregrabados para ir encontrando esa peculiaridad que, en el caso de Maria Jaume, cada vez está más clara y asentada. “En este disco creo que hay un paso importante tanto a nivel lírico, como también a nivel sonoro. Con el anterior disco ya probé cosas con las que me sentía cómoda, cosas más mainstream, o más latinas, o más pop en general. Pero ahora estoy encontrando cuál es mi personalidad dentro de todo esto y, aunque creo que siempre ha estado bastante presente, es cierto que en este disco sí se siente cuál es mi voz”. Todo ello desde un proceso compartido y realizado codo con codo. “Está muy claro que este disco es muy de los dos, y sin Lluis no lo hubiese hecho ni de coña. También es verdad que ya hace años que curramos juntos y que no es el primer disco que hacemos, y eso hace que cada vez sepamos mejor cómo hacerlo... Tenemos una complicidad que sería

imposible tener ahora mismo con otro productor u otro compositor. Nos conocemos tanto, pensamos tan igual, tenemos también tanto tiempo juntos para poder discutirlo y hablarlo e ir teniendo ideas... ”. Sin embargo, no todo ha sido un lecho de rosas y compartir tantas horas de encierro con tu pareja puede acarrear sus dificultades. “Ha habido momentos de mucho agobio y de estar cansados el uno del otro. Y es lógico, porque hemos estado juntos todo el día durante muchos meses y es una cosa que desgasta. Encima, al hacerlo en casa, es como que los roles se desdibujan. Ya no sabes si es tu novio, tu productor, tu compositor…”.

DE LO QUE NO CABE DUDA es de que “Sant Domingo Forever” es un álbum que va a contribuir a apuntalar aún más si cabe la carrera de Maria Jaume. Y todo gracias a su peculiar forma de combinar ese festivo pop electrónico con unas historias que nos interpelan como humanos para volverse universales. Una forma de narrar que no se olvida de los efluvios folk de sus primeros pasos. “Es verdad que musicalmente he cambiado mucho, pero creo que siempre hay pilares que se mantienen. La nostalgia ha estado ahí muy presente desde el primer disco y también la manera de contar historias, de transmitir... Y a la vez pienso que este es el disco que mejor conecta con mí yo más joven, con todos mis yos de diferentes épocas”. DON DISTURBIOS

TOP VÍDEOS.

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Peaches Hanging Titties

1

Bienvenidos al esperpento protagonizado por JIMBO, drag canadiense famosa por su participación en el programa “RuPaul's Drag Race”, y la propia Peaches en su papel de enfermera perversa. No apto para estómagos sensibles.

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2

Maria Arnal TICTAC

Con la mirada de la directora de cine Celia Giraldo (“Un lugar común”) y bajo la tutela de Canadá a la producción, el clip de Maria Arnal se luce por su elegante factura y un imaginativo uso de la I.A.

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The Warning Kerosene

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Imaginamos lo bien que se lo habrán pasado las mexicanas dando rienda suelta a estas fantasías rock. Una colección de clichés que, por increíble que pueda parecer, funcionan por efectistas.

4

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Ouineta Evil Ouineta

Vídeos musicales con un casting como excusa se han hecho muchos. Sin embargo, lo que hace que este clip de Ouineta destaque por encima del resto, es el desparpajo y la frescura que atesora.

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Flashy Ice Cream Dorayakis (ft. 31 FAM)

El dúo formado por Pol Giancana i Sneaky Flex, acaban de publicar junto a 31 FAM un divertido clip dirigido por el propio Giancana que reproduce la realización de una orla de final de curso muy especial. MS

MONDO FREAKO

De los diez monigotes que ilustran en su portada las diez canciones de su último álbum “A Esta Invitamos Nosotros” (Autoeditado/Music Bus, 26), Miguel (guitarra y voz), Álex (batería), Iván (bajo) y Lucas (guitarra) representan el fantasma, el diablo, la rata y el cigarro respectivamente. La entre extravagante y clásica banda indie de Barcelona Capros, regresa a nuestras páginas para presentarnos su segundo trabajo en castellano. Un irreverente manifiesto “antihate” hecho para el directo.

MUSICALMENTE, de este cuarteto podemos esperar casi de todo. En lo alternativo intentan abarcar un amplio espectro, aunque definido, lo que ha supuesto descartes como “una canción muy funky y un tema con mucha garra y unos sintetizadores más locos […] Hacemos lo que nos da la gana, pero respetando un tipo de melodías, guitarras y ritmos. A pesar de que una cosa sea tontipop y otra más punk. Lo que hemos intentado sobre todo en el estudio es transmitir lo que hacemos en directo y en directo tenemos una premisa muy clara de que puedes hacer lo que quieras, pero espabila, que aquí pagas para pasártelo bien. Toda esa pasión y ese frenetismo queríamos plasmarlo”. Sus letras son duales como la vida de Miguel, letrista además de cantante. Entre joven y adulto, entre trabajador audiovisual y rockstar. “La mayoría de estas letras están basadas en cosas reales. Se usa un lenguaje bastante al grano. Tengo treinta y tres años y alma de chico de veintiséis. Hablo de cosas como el fomo o lo viral, pero también tengo una vida de adulto. Todo se mezcla porque se viven las dos vidas a la vez. Somos gente a la que le gusta vivir la vida, a pesar de que la sociedad nos empuja a trabajar y seguir unos estándares. Si seguimos teniendo un grupo de música a estas alturas y no hemos llegado a nada es porque lo disfrutamos un montón. Lo disfrutamos haciendo música y el modo de vida del rock & roll. Al final se entremezcla tu vida personal con la vida del personaje de la banda y en todo eso salen letras que pueden parecer muy locas, pero es que la vida es así”.

EN UN DISCO en el que el nuevo lenguaje llegado de redes sociales como Tik Tok o

“Quería usar la música como arma de ligoteo y luego acabó siendo mi novia de verdad”

CAPROS

Haz lo que quieras, pero espabila

Instagram es más que palpable, deciden apuntar al influencer “Peldanyos” como opening-track del largo. “La primera frase es ‘Nadie sabe quién coño somos. Nadie nos pedirá una foto’, pero siempre me confunden con otro que es más famoso. Mira que estoy rubio, con las mechas estas y siendo un tapón en comparación con Peldanyos y la gente aún me sigue confundiendo con él. Y es más, he llegado a conseguir birras gratis gracias a eso. El nivel de alcoholismo y droga de la gente ayuda. También es como… Vale, yo tengo un grupo de música en el que me expongo a tocar y estamos currando y le estamos dando mucha caña. No nos dan ningún reconocimiento por esto, nadie nos conoce por esto, pero hay gente que me conoce por el tío este, que yo la primera vez no tenía idea de quién era y es frustrante”. Otro de los cortes más curiosos de “A Esta Invitamos Nosotros” es “Nunca soy yo”, con reminiscencias a grupos como Los Fresones Rebeldes o Cariño, en la que para tratar la responsabilidad afectiva los catalanes nos introducen en una atmósfera de alcohólicos anónimos. “Yo estaba enganchado, esperaba que una persona me contestara y me diera coba, pero después me dejaba de contestar y pensaba ‘¡Joder, soy adicto!’. El tema es para toda esta peña que está en Tinder y en el mercado de ligar y de repente te hace ghosting y estás en la mierda. Por eso al principio quería usar la música como arma de ligoteo y luego acabó siendo mi novia de verdad”.

A PESAR DE LA CORTA VIDA de Capros, formados en 2024, son más de diez los años que Miguel, Iván, Lucas y Álex llevan tocando juntos. Aunque durante la mayor parte de su trayectoria con canciones en inglés bajo el nombre de Capromoscow. “Fue un cambio natural. Un día probamos con un tema en castellano y de repente vimos que nos encajaba mejor y salió sola. Salió bastante fluída, aunque la decisión de poner una nueva cara y abandonar todo lo que teníamos antes fue un salto al vacío. Empezamos a juntarnos con bandas que cantaban más en castellano como Wet Iguanas o Diamante Negro. Muchas bandas de Barcelona que cantaban en inglés y ahora también han cambiado. Me di cuenta de que es muy difícil expresarte en una lengua que no es tuya con la misma naturalidad”. Su camino para lanzar este disco no ha sido uno de rosas precisamente, aunque tocasen en nuestra Demoscópica del pasado año. Planeado inicialmente para finales del verano de 2025, desencuentros con la industria los han llevado a firmar de forma independiente. “No conocemos mucho la industria musical, pero el engranaje huele a óxido. Íbamos a firmar con una discográfica, pero la conversación se alargó tanto que dijimos ‘¡A tomar por culo!’. Music Bus nos está moviendo y ha habido festivales que ya saben de nosotros y han reaccionado bien. Lo que pasa es que no tenemos disco, escuchas, followers… y como no tenemos esos números, pues el círculo de siempre. Pero bueno, ya se arrepentirán cuando seamos famosos”. MARTÍN P. CORRAL

WALA. WALA.

“Creo que sigo siendo bastante punk. Y punk no es un sonido, es una actitud. Se trata de cuestionar las estructuras de poder”

Kim Gordon en Uncut

“Cuando Linkin Park despegó, Warner Brothers vio a Grey Daze como una amenaza para su cuota de mercado como producto competidor”

Sean Dowdell de Grey Daze en Rockzone

“Mi vida se ha desarrollado en pequeños fragmentos: estás de gira, estás en el escenario y luego la llamada del bus. No queda mucho espacio para simplemente existir”

Arlo Parks en The Guardian

“Mi padrastro no veía bien que yo tocase punk rock. Él creía que eso no tenía nada que ver con la música”

Flea de Red Hot Chili Peppers en Mojo

“LA DROGA FUE NUESTRA GUERRA, UNA EPIDEMIA

HORROROSA QUE SE HA SILENCIADO”

Josele Santiago en eldiario.es

Treinta años del cortante

“Placebo” (Virgin, 96) fue una gran bola de fuego con forma de debut guiada por Brian Molko, Stefan Olsdal y el por entonces batería del grupo, Robert Schultzberg. Un disco tan afilado en lírica como empático y desarmante en consecuencias, que cumple tres décadas sin perder su condición de inflamable.

TEXTO Raúl Julián

El marco

En 1996 el Britpop aún vive tiempos dorados y, casi cualquier banda que surja por entonces en Reino Unido, es susceptible de ser incluida sin remordimientos en ese saco que la prensa local (con NME y Melody Maker a la cabeza, pero seguidos de cerca por Select, The Face o incluso medios generalistas) no para de ensanchar. Redes que, con poco o nada sentido, también atraparon a unos Placebo afincados en Londres y liderados por Brian Molko (nacido en Bélgica) y el sueco Stefan Olsdal, por entonces acompañados por el batería Robert Schultzberg. Un trío que, como es lógico, hacían más bien poca gala de ese orgulloso nacionalismo británico que parecía guiar el movimiento.

El disco

En cualquier caso, y al margen de etiquetas caducas, la banda había llamado poderosamente la atención con algunos singles previos, concretando finalmente expectativas en el que sería su debut homónimo. “Placebo” veía la luz el 17 de junio de 1996 y confirmaba la presencia abrasiva de una banda que bebía principalmente del indie-pop de guitarras y el glam-rock, en una mixtura puesta al servicio de un decálogo poco menos que intachable. Diez canciones (más bonus track instrumental escondida, algo muy de los noventa) en las que plasmaban su desazón, casi angustia adolescente, y concretaban una filosofía vital algo desesperanzada. Un catálogo de sensaciones capaz de provocar reflejo inmediato en la juventud de la época, materializadas en piezas de gran calado que quedaban marcadas a conciencia desde casi la primera escucha.

El sonido

Placebo sonaban clásicos (o, cuando menos, se manejaban en base a parámetros reconocibles) y a la vez endiabladamente vanguardistas, en una dualidad absolutamente magnética y adictiva. Además, la imagen ultra andrógina (y siempre desafiante desde su menudez física) de Brian Molko –completamente acorde a la música del trío– añadía ardor a la ecuación (su compañero Stefan definió al vocalista, en una entrevista concedida a este mismo medio en 2016, como una gran bola de fuego que había que saber manejar). La voz aguda del cantante apostillaba el de por sí afilado filo por el que transitaba un álbum cortante a lo largo y ancho de todo su trazado.

Las canciones

Hasta cinco singles fueron extraídos de la referencia, antes o después de su publicación, confirmando la cantidad de dianas que conformaban el lanzamiento. Piezas tan

cortante debut de Placebo

recordadas como esa “Come Home” que abría el álbum, la magnífica “36 Degrees”, “Bruise Pristine”, la propia “Teenage Angst” o el himno “Nancy Boy” –en España además con doble vida gracias a su incursión en la exitosa película “Airbag” (Juanma Bajo Ulloa, 97)–, acompañadas todas ellas de unos vídeos que ayudaban a definir, en crudo, ese apasionante universo Placebo que se abría ante el público. Junto a los sencillos, otras composiciones igual de efectivas, del tipo de “I Know”, “Bionic” y su marcada línea de bajo, o las preciosas “Lady Of The Flowers” y “Hang On To Your IQ”, que consumaban la pegada de un estreno imparable.

La repercusión

“Placebo” supuso, en el momento de su publicación, una auténtica voladura de cabeza, consumando el logro sin necesidad de albergar texturas híper originales, pero con el grupo guiado por ese atípico carisma de Molko, que tenía continuidad en ese gigante de casi dos metros llamado Stefan que parecía invencible, armado con su bajo y haciendo orgullo de su condición sexual en un momento en el que todavía era necesario pelear por algunos derechos básicos del colectivo gay. A Placebo no le hizo falta ser Radiohead o Massive Attack para concretar la pegada derivada de un latigazo sonoro que conjugaba influencias de David Bowie (quien más tarde se los llevaría de gira cerrando así el círculo), Pixies, Siouxsie & The Banshees, The Cure o T.Rex, hasta lograr unas peculiaridades reconocibles y más que suficientes para resultar del todo trascendentes.

Lo que vendría

“Placebo” significó también el primer paso de una banda que, de algún modo, aún sonaba primigenia y áspera, apurando un tipo de realismo creativo que no hizo sino aumentar su encanto envolvente. Una formación que poco más de dos años después (y ya con el batería Steve Hewitt acompañando a la dupla innegociable formada por Molko y Olsdal), se superaría así misma con un disco más sofisticado y (ahora sí) del todo intachable del principio al fin como fue “Without You I'm Nothing” (Virgin, 98). Un hito que, sin duda, no hubiera sido posible sin aquel valioso paso previo denominado “Placebo” que, tres décadas después, continúa luciendo igual de ardiente e incisivo. R.J.

en www.mondosonoro.com

Jimmy Eat

Veinticinco años de “Bleed American”

Con la publicación del cuarto largo de Jimmy Eat World, “Bleed American” (Dreamworks, 01), el emocore dejó de ser un secreto a voces para convertirse en un grito generacional. Repasamos una a una las canciones de uno de los grandes discos de la primera década de los dosmiles. Tanto es así que lo coronamos Mejor Disco

Internacional de 2001 en esta misma publicación.

TEXTO Luis Benavides

CUANDO LA ETIQUETA EMO no estaba de moda, Jimmy Eat World echó el resto en una obra maestra del género como “Clarity” (99), su último disco para la multinacional Capitol. La banda atravesaba un momento dulce a nivel creativo, pero la compañía pedía unas cifras de ventas que nunca llegaban. Esto último, sumado a unos cambios en la directiva, precipitaron su despido. Lejos de venirse abajo, los de Arizona empezó a preparar su siguiente asalto. Jim Adkins (vocalista y guitarra), Tom Lindon (guitarra y coros), Zac Lind (batería) y Rick Burch (bajo) iban sobrados de ideas, incluso tenían alguna canción acabada como “Sweetness”. Querían grabar un disco mucho más inmediato y directo, menos grandilocuente que su predecesor, en el que metieron violines, pianos y programaciones.

EL PRODUCTOR RESPONSABLE de sus dos únicos trabajos con Capitol, “Static Prevails” (96) y el citado “Clarity” (99), Mark Trombino, se ofreció como ingeniero y estaba dispuesto a cobrar sus honorarios más adelante, cuando el disco despegara. El también batería de Drive Like Jehu sabía que más pronto que tarde algún sello importante apostaría por estos chicos de veintipocos años con aspecto corriente y talento extraordinario. La banda, por su parte, no descartaba la autoedición. De hecho, los cuatro amigos financiaron la grabación del nuevo disco con el dinero que hicieron girando por Europa y la venta del recopilatorio “Singles” (00) publicado a

través de un pequeño sello independiente. Finalmente, la compañía Dreamworks —el sello fundado en 1996 por Steven Spielberg y David Geffen—y la banda llegaron a un acuerdo para lanzar juntos un disco redondo y altamente contagioso que titularían “Bleed American” (01). El reconocimiento masivo de Jimmy Eat World llegó con los sencillos “The Middle” o la citada “Sweetness”, y su influencia desbordó la escena alternativa. A su rebufo, bandas coetáneas y amigas como The Get Up Kids y The Promise Ring salieron a la superficie, y también se allanó el camino hacia el “mainstream” para una nueva ola emo, la tercera, con Fall Out Boy, My Chemical Romance y Paramore a la cabeza. Repasamos una a una las canciones de “Bleed American”, un puente entre la emoción underground y el rock comercial, un disco que la banda vuelve a presentar en una larguísima gira por Estados Unidos, Canadá, México y Reino Unido para rendirle el tributo que se merece.

“Bleed American”

La banda saca la artillería pesada en la potentísima “Bleed American”, una de las piezas más agresivas de su discografía. Líricamente, la canción hace referencia a la soledad (“I’m not alone cause the TV’s on”) y los ataques de pánico (“I take the right pills every day”) que sufría Adkins en esos momentos, pero el título adquirió otro significado unos pocos meses después con los traumáticos atentados del 11-S. Por este motivo, se relanzó el disco como “Jimmy Eat World” y la canción pasó a presentarse como “Salt Sweat Sugar” (por una de las estrofas) en algunas emisoras de radio.

“A Praise Chorus”

Uno de los cuatro sencillos del disco. Colabora su amigo Davey von Bohlen (Cap’n Jazz, The Promise Ring) en un puente memorable a dos voces convertido en un homenaje a otras grandes canciones. Así, mientras Jim canta las estrofas principales, Davey responde con frases sacadas de otras canciones de Madness, Bad Company, They Might be Giants, Mötley Crüe y The Promise Ring. Un “collage” maravilloso.

World

“The Middle”

“The Middle” es el gran éxito comercial del cuarteto de Arizona. En el videoclip que acompañó el lanzamiento de este sencillo vemos a la banda tocando en una fiesta abarrotada de adolescentes en ropa interior. “Todo irá bien al final”, repiten en el estribillo, un pequeño himno para los jóvenes que, como el protagonista, sienten que no encajan. Tres minutos perfectos.

“Your House”

“Bleed American” es un disco variado en el que también encontramos piezas semiacústicas como la efectiva “Your House”, una de las piezas más introspectivas del disco. Una declaración de amor cargada de inseguridad adolescente finiquitada con la frase “If you love me at all…” repitiéndose más de veinte veces en un larguísimo “fade out” que suena a pensamiento circular.

“Sweetness”

“If you’re listening… Sing it back”. Con esta invitación a cantar a pleno pulmón empieza uno de los cuatro sencillos de la banda, una canción que la banda llevaba años rodando en directo y que descartaron incluir en “Clarity” precisamente por ser demasiado enérgica. Una canción ideal para los conciertos por su fuerza, sus constantes parones y acelerones y, sobre todo, esos “whoa oh oh oh oh” tan coreables.

“Hear You Me”

La sentida “Hear You Me” rinde homenaje a Mykel y Carli Allan, las hermanas de veintinueve y treinta y un años que sufrieron un accidente mortal cuando se dirigían con su coche a un concierto de sus amados Weezer, quienes escribieron en su honor “Mykel and Carli” (1997). Durante años habían ayudado a muchas bandas, organizando y asistiendo a conciertos DIY, y los chicos de Jimmy Eat World quisieron agradecérselo con esta balada (“You gave us some place to go / I never said thank you for that / I thought I might get one more chance”).

“If

You Don’t, Don’t”

Una de las piezas más bonitas del disco es, sin lugar a dudas, “If You Don’t, Don’t”. Un tema que es un hombro en el que encontrar consuelo cuando las cosas no salen como esperas (“at the least could we be friends?”) y también una confesión (“I’m sorry that I’m such a mess”). La voz de Jim Adkins te abraza en esta canción de power pop para

seguidores de Nada Surf y Teenage Fanclub con la ayuda de Rachel Haden (That Dog.) y Ariel Rechtshaid (The Hippos).

“Get It Faster”

La banda se pasa al lado oscuro en “Get It Faster”, una canción en la que estos cuatro chavales con aspecto de no haber roto nunca un plato muestran los colmillos (“don’t want a thing from you”) porque están hartos de trampas y mentiras (“but I’m finding out cheating gets it faster”). Se acabó ser los pardillos del videoclip “Lucky Denver Mint”, ya está bien, parecen decirnos en esta canción remachada con guitarras metaleras. La rabia asoma.

“Cautioners”

Tras la publicación del recopilatorio “Singles”, el cuarteto sacó un split de seis cortes en total con los australianos Jebediah. Los de Arizona aportaron lo que parecían tres descartes grabados a toda prisa del “Clarity”: la balada “The Most Beautiful Things”, la guitarrera “No Sensitivity” y “Cautioners”. La última, un medio tiempo con texturas electrónicas y estribillo épico, con todo, tenía potencial. La regrabaron para incluirla en “Bleed American” y el cambio es espectacular. Uno de los momentos más experimentales del disco.

“The Authority Song”

Ya he mencionado antes a Rachel Haden, bajista de That Dog. Ella hace coros en seis canciones del “Bleed American”, pero su participación es especialmente destacada en “The Authority Song” aunque sea repitiendo “Do I?” una y otra vez. Imposible imaginar esta canción sin sus réplicas constantes. La también bajista de The Rentals se fue de gira para presentar este disco como corista y teclista.

“My Sundown”

El final del viaje llega con la pausa y la delicadeza de “My Sundown”, la pieza más larga del disco con diferencia. Sus casi seis minutos parecen pocos, eso sí, si los comparamos con los dieciséis de su despedida más célebre hasta la fecha, “Goodbye Sky Harbor”. Una canción menor dentro de su ya vastísimo repertorio, pero que cumple con su función en este disco. Su puesta de sol. L.B.

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49/Mondo VINILOS

La puesta de largo de Faenna

Faenna

Hasta mañanita si Dios quiere

Autoeditado

8

RAP / Tras golpear la puerta a puñetazos con el oneshot de “Papeles y Mechero” y luego a machetazos con el EP “Espabilá” (23) y el mini-álbum colaborativo con Manu Beats “Julia y Manuel” (24), Faenna la derriba definitivamente con “Hasta mañanita si Dios Quiere” que supone el alumbramiento formal y definitivo a primera línea del rap nacional de la malagueña con un obús expresivo filoso, repleto de nervio y multitextura en el que asienta su pulso creativo a caballo entre el diario y el testamento entre conflictos internos, futuros rotos, orgullo, ansiedad y la asunción del implacable paso del tiempo de una artista vitalista que, aporta espíritu al género y afirma su compromiso sobre quién quiere ser. Rap, R&B y flamenco, diecinueve

canciones que no se sienten deslavazadas, colaboraciones intergeneracionales de pedigrí (Delaossa, N-wise Allah, Lela Soto…) y una nómina de productores de lo más granado que amplía su radio sonoro y captura su turbulento sentir interior. En la voz de Faenna hay crítica al sistema y sinceridad cristalina, su electricidad se contagia y los rapeos huyen de la planitud con un deje expresivo que le aporta hondura y dinamismo. A destacar la llave que abre el cerrojazo emocional de “Cuando no sepas qué decir, di la verdad”, la raperada de “Y si no lo sabían, ya lo saben” o la intimidante “Malas puñalás les den”, dirigida a la impertinencia de algunos hombres. A pesar del riesgo de contar con tantas canciones, se mantiene la coherencia y el conjunto actúa como la notable puesta de largo de una artista que sabe de quién rodearse y consciente de que este era el momento de coger el toro por los cuernos. Faenna clava la bandera. Identidad en tiempos de clones, el rap lo celebra.

daniel caballero

Mitski Nothing’s About to Happen to Me Dead Oceans/Popstock!

INDIE POP / El octavo disco de Mitski, puede que sea el disco más Mitski de su carrera, a pesar de ser una especie de obra conceptual sobre “una mujer solitaria en una casa descuidada”. Suena lírica (anhelo de anonimato y soledad yendo en paralelo con su complicada relación con la fama) y musicalmente a la artista por los cuatro costados. No todo suena homogéneo, pero, desde luego, tampoco genérico, Mitski ha conseguido un algo propio que se nota igual si está dando guitarrazos fuzz como en “Where’s My Phone?”, cantando bossa nova como si fuera una cantante lounge en “I’ll Change For You” o canalizando el espíritu Americana en “Charon’s Obol”. Tiene eso tan raro llamado estilo. Puede que le falte un “Nobody” o un “My Love Mine All Mine”, pero con “Bury Me At Makeout Creek”, “Be The Cowboy” o “The Land Is Inhospitable and So Are We”, lucha por convertirse en su mejor disco. sergio ariza

8 4

Puscifer Normal Isn’t Alchemy/BMG

ROCK ALTERNATIVO / Tras más de cinco años desde “Existential Reckoning”, Puscifer regresan con “Normal Isn’t”, quinto álbum del proyecto liderado por Maynard James Keenan junto a Mat Mitchell y Carina Round. Grabado entre Arizona y Los Ángeles, el disco deja atrás parte del humor absurdo y la ciencia ficción para abrazar un enfoque más serio y social que, pese a su sólida producción, termina resultando pesado y divisivo. El arranque con “Thurst”, “Normal Isn’t” y “Bad Wolf” se siente monótono y tarda en despegar. Aunque “Self Evident” y “A Public Stoning” aportan intensidad y retratan con quizá algo más de acierto la sociedad actual, el pulso vuelve a caer con “The Quiet Parts” y la fallida “Mantastic”. Ni la atmósfera oscura de “Pendulum” ni el cierre con “Seven One” y esa versión en directo de “The Algorithm” consiguen remontar un conjunto de temas que parecen más sermón que inspiración. jaime tomé

Maria Arnal se reafirma

Maria Arnal

AMA Atlantic Records

8

POP EXPERIMENTAL / Sobre el papel, “AMA” supone la rentrée oficial de Maria Arnal en el circuito después de su solvente paso por diferentes formatos y registros. En la práctica, sin embargo, este primer disco en estricta autarquía creativa implica, por encima de todo, la culminación de un decenio de incontestable audacia y singularidad artística. Arropada por Pau Riutort y Alizzz, la catalana demuestra leer con experticia el signo de los tiempos, presentándonos un trabajo que funciona con tanta agilidad y frescura como miramiento por su conocido imaginario extemporáneo. Su gusto por los arcaísmos preciosistas (“Suspiros”), la hermenéutica barroca de los afectos (“Si te asomas”) o los sabores atávicos de la lírica (“Meua”) se mantienen incólumes a esta renovada voluntad

suya por abrazar la agilidad lúdica a golpe de percusión industrial y acordes clonados. Mérito de un criterio aquilatado por los años y las tablas, responsable ahora de que la artista nos entregue sus mejores muestras de virtuosismo vocal (“Que me quiten”) y unas conclusiones lúcidamente explícitas que hablan por sí solas (“Que me dolen con sus dudas, que me roben la intuición / Que me expulsen de mi cuerpo, que controlen mi razón”). Arnal ha necesitado un tiempo prudencial para encontrar las palabras exactas con las que conjugar su regreso, y es evidente que, entretanto, a la cantante no le han faltado oportunidades para hacer callo. De su afán por combinar voz y software a su coqueteo con otras gramáticas pop, muescas imprescindibles todas ellas que, pasadas ahora por un filtro sintético y reposado, dan lugar a un acto fundacional en el que Maria acepta su sitio desde el amor y la fuerza de lo vivido. No es un comienzo cualquiera, sino una reafirmación lapidaria e irreversible escrita con nombre y apellido. fran gonzález

Yung Beef

El Pluggg 3

OVA 2

La Vendicion/ Empire

TRAP / Tras publicar el año pasado la primera entrega de “El Pluggg 3”, el granadino Yung Beef regresa con esta segunda parte de idéntica duración, pero distinto calibre. El cable climatológico que conecta “El Pluggg 3 OVA 2” está medio pelado, yendo a tirones y creando un álbum más irregular, deslavazado y menos curado sin la fortaleza estética y ambiental de la primera entrega, con una discretisima activación de aquellos efectos sonoros biteros y digitales que auparon conceptualmente a la primera parte. Lo mollar del disco está en la triada de canciones “Lleno de ice”, ”Flores de loto” y “El Patriarca”. Esta secuencia es la que mejor representa el clima deliciosamente introspectivo de la serie con frases como “los paquetes vuelan como E.T. / zorra esto es codeína / esto no es té”. Es probable que lance este año el esperadísimo disco conjunto con Cookin Soul titulado “Los Papasitos”, y ahí deben dirigirse las miradas. daniel caballero

POP / El quinto álbum de Sports es el disco de la independencia, de las primeras veces y del reinicio creativo fuera de las miradas ajenas. Un álbum que se sitúa estable en la identidad habitual que define al grupo, pero que vuela libre a la hora de dejar todo fluir por el cauce que le corresponda. Una pieza que confronta la inmadurez artística del pasado para jugar con ella, hacerla reflexionar y asumir que la vida adulta ya es un hecho. Construido de forma individualista, en soledad, en el propio estudio de la banda. Por primera vez, recurren a la autoproducción bajo la tutorización de Chad Copelin (Sufjan Stevens, Avril Lavigne) quien también se encargó de mezclarlo. Este nuevo disco continúa así viviendo de la estabilidad sonora que el dream pop da al proyecto, a veces tiñéndose de un rock más psicodélico, y en ocasiones apostando por caer más hacia una zona de pista de baile. álex jerez

POP ROCK / Capros siguen la línea marcada en su debut, con un trabajo que podría pecar de no innovar, aunque realmente no lo necesitan pues no juegan a eso. Y es que no hay motivo para cambiar una fórmula que funciona. Con estas nuevas canciones, Capros se consolidan como una propuesta fresca e interesante dentro de la escena alternativa, firmando un disco que ni los llevará al mainstream, ni ese es su objetivo. Las letras siguen siendo uno de sus puntos fuertes, llenas de ironía, guiños y crítica. Abordan desde la cultura digital y los haters hasta el amor, las rupturas o los juicios generacionales. Y aunque por momentos el álbum pueda quedarse a medio gas, esto no supone un problema, ya que invita a una escucha reposada. Musicalmente, mantienen guitarras reconocibles y ritmos potentes, con un sonido accesible y eficaz. En conjunto, una obra directa, energética y pensada para afianzar su universo y atraer nuevos oyentes. daniel pose

Exsonvaldes Ninety Seconds to Midnight V2

INDIE POP / La carrera de los siempre encantadores Exsonvaldes comienza a ser de fondo, después de que la banda francesa sume ya más de dos décadas trabajando su empeño por crear canciones bonitas y elegantes. “Ninety Seconds To Midnight” no es una excepción a la regla y vuelve a funcionar como agradecido reencuentro con la formación, siguiendo, en términos generales, una línea continuista con respecto a su catálogo previo. Una generalidad a la que añadir dosis adicionales de madurez creativa que señalan a una banda asentada. Entre otras cosas, porque el combo parisino ha conseguido concretar su destello distintivo, quizá leve, pero lo suficientemente marcado como para que sus piezas resulten reconocibles bañadas en terapéutica melancolía. Otra muestra del buen gusto que manejan los galos, además de sanadora y efectiva cuando de tintar momentos grisáceos con vivificantes colores se trata. raúl julián

Beverly GlennCopeland Laughter in

CANCIÓN / La historia de Beverly Glenn-Copeland es tan mágica como su música, tras sacar varios discos que pasaron totalmente desapercibidos fue redescubierto en 2015 gracias a un coleccionista japonés, ya cuando se había identificado como un hombre transgénero y casado con Elizabeth Copeland. Cuando estaba recibiendo las flores que su obra merecía en 2024 le diagnosticaron demencia. Aunque le recomendaron quedarse en casa, decidió salir de gira con su mujer y un coro de Montreal. Este disco es el resultado de esos ensayos, siendo casi una despedida que sirve de resumen de toda su carrera. Ante esto, a veces es difícil distinguir si uno se está emocionando por la propia historia que rodea al disco o por el disco en sí. Si el disco continuara al nivel de sus tres primeras canciones podríamos estar hablando de una obra maestra, pero, aunque no lo hace, es una perfecta puerta de entrada al su fascinante mundo. sergio ariza

8

Crooked Fingers

Swet Deth Merge/ Popstock!

ROCK / Tal y como está este apestoso mundo, no nos queda otra que agarrarnos con fuerza a ese canon de álbumes que nos hablan sobre la muerte mientras nos inspiran unas ganas horribles de celebrar la vida. Es el caso del séptimo álbum del proyecto del norteamericano Erich Bachmann, que llega quince años después de “Breaks In The Armor” y tras cuatro del último disco de sus Archers of Loaf, “Reason In Decline”. El resultado es exultante, y tiene mucho que ver también con el hecho de que la gran mayoría de cortes están grabados en colaboración. Ocurre desde su mismo descorche, esa contagiosa “Cold Waves”, al alimón con Mac McCaughan (Superchunk). Y la buena tónica se mantiene a lo largo de un puñado de notables medios tiempos, que son los que predominan, con excelsas aportaciones de Matt Berninger (The National), Avery Leigh Draut (Night Palace), Sharon Van Etten o su propia mujer, Liz Durrett. carlos pérez de ziriza

NACIONAL INTERNACIONAL

1 La Ludwig Band Pel barri es comenta

2 el diablo de shanghai Testamento

3 Maria Arnal AMA

4 Periferia Lo que queda por sentir

5 Mala Gestión Hacemos lo que podemos

6 Malifeta BREGA

7 Comic Sans Todas las cosas que nos salieron mal

8 Chiquita Movida Alta vaina

9 Cora Yako Mil pequeñas cosas

10 Capros A esta invitamos nosotros

8

1 Nothing A short history of decay

2 Mitski Nothing’s About to Happen to Me

3 Crooked Fingers Swet Deth

4 VV.AA. Help 2

5 Charli XCX Wuthering Heights

6 Converge Love Is Not Enough

7 PVA No more like this

8 Iron & Wine Hen’s Teeth

9 Exsonvaldes Ninety Seconds to Midnight

10 Poison The Well Peace In Place

Iron & Wine Hen’s Teeth Sub Pop

INDIE FOLK / No hay nada esencialmente distinto en este “Hen’s Teeth”, al menos en la forma, a lo que deparaba “Light Verse” (24). De hecho, ambos son fruto de las mismas sesiones, grabados con los mismos músicos en los Waystation Studios de Laurel Canyon. Pero ya nos advierte su autor de que la vibra es otra. Que los géneros que lo aromatizan tienen más que ver con el jazz y el folk a la manera –impredecible, heterodoxa– en que se fundían en “Astral Weeks” (68) de Van Morrison que con cualquier idea preconcebida. A Iron & Wine siempre le han sentado muy bien esos desvíos a una versión más cálida, ornamentada y luminosa, y hay algo aquí que me hace conectar mentalmente con los soberbios “Kiss Each Other Clean” (11) o “Ghost On Ghost” (13). Desde luego, este octavo álbum me resulta mucho más adictivo que su precuela. Tiene hechuras de sueño irreal. Sam Beam a la altura de sus mejores momentos. carlos pérez de ziriza

8

POST-PUNK / El trío barcelonés regresa casi seis años después de su debut con un álbum en el que combina contención con sofisticación oscura, afinando su propuesta. Hemos asistido en estos últimos años a un renacimiento de las oscuridades propiciado, seguramente, por las turbulencias de la época, pero también por esa sensación de agotamiento generalizado que afecta a nuestra cultura. Low Blows proponen su propia versión sónica de este zeitgeist: ritmos implacables, guitarras certeras, una voz que sigue esa escuela que va de Ian Curtis y Andrew Eldritch a Paul Banks, y, sobre todo, canciones perfectamente construidas. El vocalista Carlos Vergara empieza y termina en castellano, aunque canta en inglés la mayor parte del disco. Un breve interludio instrumental y algunos apuntes electrónicos e industriales apuntalan un trabajo que va más allá del ejercicio de estilo. jc peña

El testamento de el diablo de shanghai

el diablo de shanghai Testamento Candorro

ART ROCK / “Testamento”, nuevo y segundo álbum de los barceloneses el diablo de shanghai, es el primer paso en el camino a la madurez de sus todavía jóvenes integrantes. Desde su debut con “113 Pasos Adelante en el Ensanche” (23) hasta esta nueva referencia ha habido una clara transición de un indie rock artístico y sarcástico hacia algo más “serio” y narrativo que se siente como asistir a un velatorio de la juventud, o como cuando se termina una fiesta y al día siguiente friegas los platos mientras miras al infinito. No es ninguna locura afirmar que si la banda fuese inglesa, estaría probablemente metida en la escena Windmill londinense. De hecho, las comparaciones con Black Midi, Shame o Black Country, New Road (“Testamento” lo ha producido Sergio Maschetzko, responsable también de “Ants From Up There”, 21) son bastante reconocibles gracias al spoken word más reflexivo y

A$AP Rocky Don’t Be Dumb RCA

algo menos gamberro (pero quizá más «hiriente») de Juan Trías y a esa base instrumental ecléctica que va del indie rock y el post-punk nervioso e intelectual al prog ruidoso (“Editorial” es un claro ejemplo). “Testamento” es arriesgado y tiene un descaro que lo hace diferente y honesto. Canciones como “Todo y Más», la ya citada “Editorial”, “Dinero”, “Abulia” o “Carrera de Vainas” dan fe de todo lo dicho y

Ólöf Arnalds Spíra Bella Union

ELECTRÓNICA / Legándonos un manifiesto más próximo al “hikikomori dance” que a cualquier otro subgénero electrónico, Danny L Harle agita en su debut una coctelera imposible en la que su gusto por el trance hortera, las bandas sonoras de RPGs jurásicos, los arpegios digitales y el renacentismo catedralicio se dan la mano a ciento treinta y dos bpm’s por segundo. Una rara invitación a darlo todo sin salir de uno mismo, firmada por una excepcional nómina de voces femeninas (Caroline Polachek, PinkPantheress, Clairo, oklou, Dua Lipa…) que contribuyen a desdibujar esa delgada línea que separa la pista de baile del refugio. De Motoi Sakuraba a Monteverdi, y a caballo entre el sueño y la realidad, este relato espiritual en el que el tiempo se dilata y la euforia no responde a la lógica del pop estándar abraza la soberanía del afecto en la era del artificio y nos lanza un mensaje muy concreto: el futuro será sintético o no será. fran gonzález

FOLK / Ólöf Arnalds regresa a través de “Spíra” generando una obra de agradecimiento a la vida, como bien interpreta en ese cierre de disco con “Lifandi”. Un nuevo proyecto, íntegramente en islandés, que llega once años después de su último disco y que habla precisamente de eso, del paso del tiempo, pero desde el punto de vista del aprendizaje constante. Una obra que la artista sentía necesaria para poder reconectar con su parte creadora y traerla a la madurez, a la sabiduría del presente. Como una especie de hada del bosque, libre y sensata. Ólöf tiende puentes y genera diálogos constantes con la naturaleza, desarrollando su gran conexión con la misma y creando paralelismos con su forma de vivir en sociedad. Desde el helador y solitario invierno que le aporta serenidad, a los paisajes primaverales, construidos con pequeños rayos de sol, que florecen y guían de la misma forma que lo hace su entorno más íntimo (“Vorkoma”). álex jerez

7

sirven como crónica de la desilusión generacional de los veintipico o treinta y pocos años, con todo el agotamiento existencial que conllevan estas edades mezclado con las responsabilidades obligadas y la nostalgia de tiempos a los que ya nunca volverás. El disco no baja del notable y sabe sangrar con estilo enseñando los dientes con elegancia cuando es preciso. jaime tomé

Malifeta BREGA Último Pasillo/ Altafonte

8

MESTIZAJE URBANO / Con el panorama político y social actual, la brega es una consecuencia inevitable. Porque, frente a la desesperanza, solo hay dos opciones: el llanto o la resistencia. Y la gente de Malifeta, en “BREGA”, lo tiene claro. La identidad, la política o la catástrofe son algunos de los ejes que atraviesan la realidad del disco. “BREGA” no es afable y mucho menos simpático. Escuchar el álbum entero es aventurarse en un viaje de ritmos urbanos, electrónicos y poperos —incluso funk— que van de lo general a lo particular. Un cambio abismal desde “Mitologia” (23). El vuelo lo acompañan con un tonteo divertidísimo con todo tipo de sonidos: desde lo más urbano —herencia de Zoo— hasta una especie de funk sintético. Todo esto, con las aportaciones de kilómetro cero de Toni (Panxo), Sandra Monfort y Quinto convierten el resultado final de “BREGA” en una absoluta delicia. Una respuesta tan inevitable como necesaria. joan sánchez

“Terapia de grupo”, un disco doble que surge como una especie de respuesta a su largo periodo de rehabilitación del alcohol y las drogas, que le llevo a girar, como si fuera un Johnny Cash argentino, por varios centros de rehabilitación y cárceles, para cantarles estas canciones a personas que estén pasando por lo mismo. Es un disco en el que da rienda suelta a sus influencias como Charly García, Calamaro o los Beatles, en un trabajo en el que aparecen varias grandes canciones pero que se termina haciendo largo y un poco disperso. Es evidente que dentro de este doble disco hay uno simple de diez canciones muy bueno, pero Calvo se ha encontrado con muchas cosas que contar y lo ha querido sacar todo, siendo, evidentemente, muy personal para su autor, sirviendo de diario en el que se vuelve a encontrar consigo mismo después de una experiencia traumática. sergio ariza

The Well Peace In Place Sharptone

METALCORE / Tras diecisiete años de silencio, Poison The Well regresan con “Peace In Place”, álbum que reclama su lugar en el metalcore primitivo y post-hardcore de finales de los noventa y principios de los dosmiles. Con Will Putney como productor, el grupo evita la nostalgia vacía para ofrecer diez temas viscerales marcados por la experiencia vital y la búsqueda de la paz tras años de lucha. El disco fluye con recursos orgánicos, entre la agresividad del hardcore y los toques melódicos, con temas destacables como las contundentes “Wax Masks” o “Plague Them The Most”. Ante el metalcore pretencioso actual, este trabajo brilla por su honestidad y sonido nítido, sin maquillaje. La notable y lógica evolución de una banda que ha sabido mantener su esencia con madurez, aceptando el presente sin olvidar las raíces. Una obra pura y creíble que demuestra que la vieja escuela todavía puede seguir siendo real y poderosa.

jaime tomé

mori

El Niño Bola Rusia-idk

POP / Siete años ha tardado mori en publicar su debut. Siete años en los que ha aprendido a marcar su propio tempo frente al incesante ritmo de la urgencia digital. “El Niño Bola” se refugia en lo íntimo, en esos resquicios de humanidad que aún quedan en este mundo que busca eliminar constantemente el error. Junto a la producción de Roy Borland funde emociones en un sonido lo-fi que abraza el fallo como virtud. Canciones de amor que ensalzan la ternura del gesto en lugar de las grandes hazañas y nos invitan a renunciar a uno mismo en el júbilo del sentimiento. Siguiendo la escuela de Dean Blunt, la voz de mori se balancea entre pop lento de cadencias doo-wop, post-punk luminoso, pasando por la psicodelia y el funk contrapuesto a un carácter hip hop. Silencios que cobran vida en cintas que parecen haber sido rescatadas de un desván polvoriento y pianos que evidencian la equivocación como sello de delicadeza. eva sebastián

Los giros de guion de Charlie xcx

/ Charli xcx no ha tenido miedo a poner punto y final a la era “BRAT” (24) con una adaptación que no solo supone un reto musical, sino también (¡y sobre todo!) un desafío autoral y personal. Porque no se me ocurre mejor forma de dejar atrás un disco marcado por el culto al ego y por la exploración de la exposición mediática como narrativa en sí misma que adentrarse en una historia que aborda, básicamente, lo terroríficamente emocionante que supone sentirse más parte del otro que de uno mismo. En su “Wuthering Heights”, Charli mata al padre (es decir, se mata a ella misma) para entregarse al otro: a los paisajes, a las pulsiones, a las complejidades, a los personajes, al clima, a Brontë, a Fannell, a la literatura, al cine, al sonido. Si “BRAT” buscaba mostrarnos todas sus caras, este paraje de pop gótico se propone desplegar todos sus sonidos, tanto

vocales como instrumentales, en un inspiradísimo ejercicio de emocionalidad, minuciosidad, elegancia y, sobre todo, devoción. Los desafinados violines de ‘House’, primer tema del disco, son la perfecta carta de presentación de un proyecto que tiene claro que el libro de Brontë es, en esencia, un cuento de terror. La cantante británica vuelve a poner a prueba la naturaleza elástica del pop (y por extensión de su voz, de su discografía y de ella misma), género musical que Charli ha conseguido introducir con maestría tanto en una boiler room como en una fiesta de disfraces victoriana. Puede que no haya mejor muestra de esto que “Dying for You”, el mejor tema del disco y, muy probablemente, uno de los mejores de su carrera. Inexplicablemente adictiva, emocionantemente romántica y digitalmente atemporal. La cuerda frotada y los chops vocales conviven en esta secuela apócrifa de “party 4 you” (20) en la que toda la carrera de nuestra reina del hyperpop parece converger. Quizás exagere y simplemente haya sido un flechazo a primera vista, pero de eso precisamente se trata. “Wuthering Heights” es una oda a la hipérbole, al melodrama y a la intensidad. daniel grandes

Converge: no basta con el amor

Converge Love Is Not Enough

Epitaph/[PIAS]

HARDCORE / Saber que Converge publican nuevo disco, es dibujar una sonrisa por volver a disfrutar de un sublime ejercicio de sonoridades abrasivas, pero también tragar saliva porque estás a punto de adentrarte en un viaje a la parte más oscura de tu alma. Ya lo advierten, el amor, por mucho que sea el sentimiento que lo debería abrazar todo, no siempre es suficiente. Y, obviamente, aquí no encontraréis melodías contagiosas, sino tremebundos esputos viscerales, violento telón de fondo para que su vocalista, Jacob Bannon, se explaye como el que se sienta en el diván de un psicoanalista y deje ir todas sus mierdas. En sus treinta y seis años de historia, ese siempre ha sido su gran trazo distintivo. Converge no recurren gratuitamente a la violencia por la violencia, sino que lo hacen como subterfugio para vomitar sentimientos, desde el amor a la rabia, la ansiedad… (y seguid sumando aquí todo lo

Tito Ramírez Sonido

Conquistador Discos Antifaz/ El Volcán

LATIN SOUL / A veces, la realidad solo sirve para distorsionar la verdad, sobre todo en el ámbito artístico, por eso resulta más conveniente en el caso de este músico enmascarado prestar atención exclusivamente a su identidad creativa, la que revela una capacidad para hacer de los ritmos latinos uno de los lenguajes conjugados por el diablo sonoro. Aunque en su repertorio sigue citándose el swing con el boogaloo o extiende el legado de Joe Bataan, Willie Bobo o Ray Barretto, este nuevo disco dirige su brújula a un territorio de arraigo hispano, lo que no impide que su particular manejo convierta a “Príncipe de la tiniebla” en una cumbia luciferina o el mambo de “Qué será, qué será” suene más a quiebro romántico que a alarde festivo. Escenas de una celebración donde los rostros permanecen ocultos, pero hablan un mismo lenguaje melódico, uno que nos invita a dejarnos llevar por esta conga que, eso sí, va derechita al infierno. kepa arbizu

que os haga sentir mal). Por eso nos gustan, porque su música no es fácil, pero nos genera la empatía de aquellos que forman camaradería porque sufren del mismo dolor. “Sin florituras, sin tonterías”, advertía Bannon en más de una entrevista sobre su undécimo trabajo de estudio, el primero en nueve años. Entre medio aquel “Bloodmoon: I” (21) que modelaron en colaboración con Chelsea Wolfe. Un disco, el que

Cora Yako

Mil Pequeños Cortes

Ernie/Altafonte

INDIE / Si estáis buscando un disco de guitarras con riffs hipnóticos, letras intensas y energía exorbitante, el tercer álbum de Cora Yako “Mil Pequeños Cortes” es perfecto para vosotros. Los mallorquines abandonan el “ambiente en el Camp Nou de remontada” al que cantaban en su anterior disco para propiciar un lamento “desde que te fuiste a Barcelona”. Parece que la vida de estrella independiente les ha consumido, dejando infinidad de llagas a carne viva que han transformado en canciones. Desde baladas de desamor como la preciosista “Adiós te quiero” hasta melodías llenas de rabia más cercanas al rock como “Qué pena”. Hay que reconocer que dentro de la manida escena guitarrera de la capital han conseguido hacerse un hueco reconocible y diferencial por su dominio de las cuerdas y sus letras a pecho abierto. Un disco festivalero con más gloria que pena.

martín p. corral

6

hicieron con la cantautora doom-folk, más experimental y atmosférico, del que parecen alejarse para retornar a sus orígenes, pero del que se intuye algún trazo especialmente en la segunda mitad del álbum, porque sus cuatro temas de apertura resuenan como si te estuviera atacando un american stanford que hace semanas que no come. oriol rodríguez

POP ROCK / Blanca Lacasa explica en “El accidente” que cuando los tortolitos hablan, una inmensa campana les absorbe: todo aquel que intenta colarse en la conversación sale rebotado, expulsado, despedido. Algo parecido sucede en el segundo disco de Toldos Verdes. Son once temas de un amor tan íntimo que a veces resulta algo incómodo. Escucho “Estoy al otro lado” y me siento el del meme de “can I go now guys?” durante dos minutos y medio. Duraciones cortas pero estiradas hasta casi romperse: versos que se repiten y se repiten como quien quiere rellenar un disco de vinilo que le viene algo grande. Uno de 24,99€. Poco queda de ese descaro juguetón de “Formigal” o “Quinceañero”. Producción impoluta, directo divertido y estribillos insistentes y pegadizos. Pero la melosidad pop podría llegar a comerse la personalidad de Toldos Verdes. Y asusta. Habrá que esperar un tiempo para comprobar si esa campana nos absorbe también. mara gómez Toldos Verdes Hace tiempo que quiero estar así Montebello

LA PLAYLIST

Quiero que me adoren

El reciente homenaje al fallecido bajista Mani por parte de los estadounidenses Turnstile nos ha sorprendido. Pero vamos con una playlist de versiones de “I Wanna Be Adored” de The Stone Roses. mercè gutiérrez 1 Turnstile (2026) 2 The Raveonettes (2018) 3 Teron Beal (2010) 4 Nokia Angel (2025)

5 The Cat And Owl (2017)

6 Alex Floyd (1988)

7 Penn Francis (2025)

8 King Woman (2018)

9 Afterimage (2021)

10 Swerve (2024)

11 New Jackson (2024)

12 Earth Surrender (2023) 13 Black City Lights (2022)

14 Kaleb Joshua (2021)

15 Ellen Curtis (2021)

MONDOVINILOS

Nothing mantienen el pulso

Nothing a short history of decay Run for Cover Records

SHOEGAZE / Belleza y decadencia, dulzura y descomposición. La impactante y alegórica portada del nuevo disco de Nothing, “a short history of decay”, con ese caramelo en forma de corazón atrapado en una boca con dientes podridos, refuerza el mensaje de uno de los álbumes más sinceros de la banda hasta la fecha desde aquel debut titulado “Guilty of Everything” (Relapse, 14). El líder de la banda, Domenic Palermo, sufre temblores esenciales desde hace años —algo que ha ido a más— y ha compuesto este quinto trabajo sobre el inexorable paso del tiempo y la fragilidad humana desde una honestidad radical, sin esconder nada en el estudio de grabación. Si en su aclamado debut necesitaba sacudirse un peso enorme —el de la culpa, tras un tiempo en prisión—, en este se trataba de

canalizar pensamientos sobre la vida misma acumulados durante años. El recorrido este disco de rock alternativo y shoegaze que mira hacia adentro arranca con “never come, never coming”, una sorprendente canción que encuentra la vulnerabilidad en los recuerdos de niñez (“When I was young, life was easy”), y culmina con la emocionante “Essential Tremors”, que nos muestra su fragilidad actual al dejar al descubierto el temblor de su voz. Entre estos dos puntos encontramos desde piezas frenéticas como “toothless coal” y “cannibal world”, con ese sonido denso y saturado que remite a sus admirados My Bloody Valentine, a cortes de absoluto sosiego como “the rain don’t care”, la ensoñadora “ballet of the traitor” y la melancólica “purple strings”, una composición con reminiscencias a los Radiohead de “The Bends” y sublimada con violines, cello y arpa. Así, “a short history of decay” amplía la paleta sonora de la banda que encabezó el renacimiento del shoegaze en la primera década de los dosmiles, y lo hace sin desdibujar su personalidad. luis benavides

Mala Gestión Hacemos lo que podemos Acqustic

POP ROCK / Este tercer álbum de Mala Gestión ofrece justo lo que se esperaba de ellos. Y eso, en su caso, no resulta decepcionante, pese a que su linea habitual ha sido moverse en lo inesperado. “Hacemos lo que podemos” maniobra con influencias que van el indie, el pop y el rock al eggpunk y el breakbeat, reafirmando la capacidad de la banda para desenvolverse con soltura en sonoridades muy diferentes. Decir que se trata de un disco atrevido, provocador y divertido sería quedarse en la superficie. Obviamente, no podían faltar temas gamberros como “Noche de Casino”, pero es por temas introspectivos como “Correo” que el disco adquiere una capa de profundidad realmente especial. Así que sí, es un disco variado y atrevido, pero también muchas otras cosas. Seguramente no será uno de esos discos que acabes escuchando siempre de principio a fin, pero todas las canciones tienen el potencial de convertirse en las favoritas de alguien. adrià polo

8

PVA

No More Like This It’s All For Fun

ELECTRÓNICA / La intimidad, fisicidad y el deseo como origen del segundo álbum de PVA. Un proyecto que habla de las energías generadas a través de las relaciones humanas, la acumulación emocional, el paso del tiempo y la irremediable explosión final. Una pieza de descarga y de cómo se te queda el cuerpo una vez que todo estalla. Grabado en The Room Studios en Londres junto a Kwake Bass y mezclado por Nathan Boddy (Shygirl, Oklou). Para dibujar todos estos paisajes el trío recurrió a expandir su pasión por el trip hop y la electrónica industrial. En esta ocasión hacia una electrónica más controlada y con cierta dosis de espiritualidad. Nuevas texturas y bases que se convierten en el mejor lenguaje capaz de expresar el caos interno (“Send”). Apostando por las repeticiones constantes, los bucles que arrasan con todo, esas que son capaces de exponer la angustia de enfrentarte al mundo cargando en tu mochila con un buen nivel de cabreo. álex jerez

CALVIN HARRIS

DAVID BYRNE ∙ FKA TWIGS

10/07

ROBBIE WILLIAMS

ALABAMA SHAKES ∙ BELLE AND SEBASTIAN ∙ LA M.O.D.A.

RICHIE HAWTIN DEX EFX XOX ∙ SOULWAX ∙ TOMORA ∙ CMAT ∙ XOEL LÓPEZ

THEE SACRED SOULS ∙ YERAI CORTÉS ∙ DEPRESIÓN SONORA ∙ LA PALOMA

JUICY BAE ∙ WESTSIDE COWBOY ∙ MIETZE CONTE ∙ MARTE LASARTE ∙ SUAVE

VAMPIRINA CLUB BY METRIKA & D.BASTO

DONATO DOZZY ∙ MIRAVALLES ∙ DJ NOBU ∙ SEDEF ADASÏ ∙ VLADA

MERITXELL DE SOTO SHOWCASE: ELENA BARKER ∙ GENOSIDRA ∙ MERITXELL DE SOTO SOMADAMANTINA (LIVE) ∙ TORUS

11 /07

DELLAFUENTE

∙ IDLES ∙ LILY ALLEN

PERFORMING “WEST END GIRL”

INTERPOL ∙ CHARLOTTE DE WITTE ∙ ZAZ ∙ HORSEGIIRL

RALPHIE CHOO ∙ NU GENEA LIVE BAND ∙ BB TRICKZ ∙ MIND ENTERPRISES

AMORE ∙ QUERALT LAHOZ ∙ BIGGER SPLASH ∙ AIMARZ ∙ CERVATANA ∙ BARRRK

HOTCORE PARTY: TAICHU AND FRIENDS

BADSISTA ∙ BASHKKA ∙ DJ KOZE ∙ MATTIAS EL MANSOURI ∙ NICOLAS LUTZ

ALEXIS LE-TAN ∙ IRO AKA ∙ TONI BASS ∙ YLIA

.LOS DISCOS DE MI VIDA

EN CONCIERTO

l Burgos 10 abril. Fórum Evolución

l León 11 abril. Palacio De Congresos l Ciudad Real 18 abril. Zahora Magestic l Cáceres 24 abril. Palacio De Congresos l Badajoz 25 abril. Palacio De Congresos l Mérida 26 abril. Palacio De Congresos l Guadalajara 8 mayo. Auditorio Pedro Díaz l Ourense 9 mayo. Auditorio Municipal l S. de Compostela 15 mayo. Sala Capitol l Zamora 16 mayo. Teatro Ramos Carrión l A Coruña 22 mayo. Teatro Colón l Vigo 23 mayo. Teatro Afundación [Más fechas en www.mondosonoro.com]

Jordi Sánchez (OBK)

Este disco producido por William Orbit hizo que la música electrónica diera una salto espectacular a nivel de producción y sonido además de contar con joyas como “Frozen” o “Drowned World/Substitute For Love”. Siempre me había gustado Madonna, pero a partir de este disco me hice muy fan y fue una gran inspiración para todos los que amamos la música electrónica.

Maravilla de disco y concepto. Una calidad excepcional a nivel de producción y en sus correspondientes videoclips que fueron también una gran inspiración para mis discos de aquel momento. Destaco por encima de todo el primer tema del disco, “Angel”, que es un auténtico viaje sonoro y la hipnótica “Teardrop” con la sensual voz de Elisabet Fraser.

Mecano Ya viene el sol (1984)

Tras doce años sin publicar nuevo material discográfico, Jordi Sánchez ha vuelto con OBK de la mano de “Vértigo” (25), en el que combina su cara más comercial con ese arrebato techno que es “En Berlín”. Aprovechando la larga gira de presentación, le hemos preguntado por sus discos de pop y electrónica favoritos.

Depeche Mode Some Great Reward (1984)

Sin duda el disco que me hizo entrar en el mundo “Depechero” y sentir fascinación por las composiciones y el mundo tan personal que ofrecía el compositor de la banda (mi admirado Martin Gore) y sobre todo por el concepto a nivel de producción y estética que ofrecían como grupo. A partir de este disco me hice fan devoto y coleccionista de todo lo que publicaban. Los verdaderos culpables de que me dedique a la música de una manera apasionada.

Yazoo Upstairs at Eric’s (1982)

Un obra maestra del synth pop realizado por el genio de los sintetizadores: Vince Clarke. Este fue su primer disco después de abandonar a Depeche Mode y que formó junto a Alison Moyet. Un disco que no paraba de escuchar una y otra vez y que me enseñó las bases a la hora de aprender a componer mis primeras melodías. Aún a día de hoy es una clase magistral de cómo componer hitazos pop con sintetizadores. Para mí, Vince Clarke es el ABBA de la electrónica.

Siempre he defendido a Mecano. Para mí han sido el mejor grupo techno-pop que ha dado nuestro país. Nacho Cano fue un referente por su actitud al mando de sus sintetizadores y como compositor de verdaderos pelotazos pop. También fue muy importante e inspirador el trabajo de Jose María Cano como letrista y que sobresale en este disco con su maravillosa “Aire”.

Depeche Mode Violator (1990)

El disco que más he escuchado en mi vida y que a día de hoy sigo escuchando antes de salir al escenario. Inspiración absoluta. Una obra maestra de la electrónica producido por Flood y con unas mezclas excelentes a cargo del francés François Kevorkian. Escucharlo en auriculares es una auténtica delicia y no pasa el tiempo para esta “masterclass” del synth pop. MS

62/Mondo Media

Toby L (Help 2)

Más injusticias, mismo talento

El éxito de ventas del disco benéfico “The Help Album” (95), que incluyó aportaciones de verdadero lujo, supuso una gran ayuda para War Child, organización en favor de los niños del mundo que sufrían una guerra. Ahora, la cifra de menores en zonas de conflicto se ha duplicado. De ahí que un puñado de músicos británicos —y también algún norteamericano— de la actualidad se haya reunido para revivir aquel proyecto desde un prisma actual, bajo el nombre de “Help (2)” (War Child Records/ Popstock!, 26).

CUANDO VIO LA LUZ el histórico “The Help Album”, el diez por ciento de los niños del mundo vivía en medio de una guerra o un conflicto. Nos preocupaba Bosnia. Ahora ese porcentaje es de un veinte por ciento. Quinientos veinte millones de niños y niñas. Y los motivos de preocupación son tan múltiples que no damos abasto: vivimos en algo parecido a una distopía. Razón más que suficiente para que un puñado de músicos británicos – y también algún norteamericano – de la actualidad se hayan juntado para revivir aquel proyecto desde un prisma actual, bajo el nombre de “Help 2”. Hablo de este magno proyecto, de nuevo impulsado por la oenegé War Child, brindando ayuda inmediata, educación, apoyo especializado en salud mental y protección a los niños afectados por conflictos en todo el

mundo, con quien ha sido su principal coordinador a nivel artístico: el británico Toby L, fundador del sello Trangressive Records.

SE NOTA EN NUESTRA conversación que este A&R musical de cuarenta años es también director cinematográfico (ha dirigido las últimas grabaciones en directo de Sam Fender, Gorillaz o Blur: su “Live At Wembley”) y padre. Él es el principal responsable, junto al productor James Ford, de haber reunido en un extraordinario disco de canciones inéditas a Damon Albarn, Big Thief, Fontaines D.C., Kae Tempest, Beth Gibbons, Depeche Mode, Foals, Pulp, Wet Leg, Olivia Rodrigo y muchos otros. Toby L era un crío de diez años cuando se publicó “The Help Album”, así que es fácil imaginar lo que ha supuesto esto para él. Un sueño hecho realidad. “El álbum original tuvo una gran influencia

en su momento y respondía a todo lo que estaba ocurriendo en el mundo, coincidiendo con un momento especialmente significativo en la música del Reino Unido, con el britpop, el trip hop, la música electrónica de baile o la música irlandesa en pleno apogeo, y por eso fue singular para la cultura pop del momento”, afirma. “War Child contactó conmigo y con el productor, James Ford, para proponernos la idea, que me parecía trágicamente poética porque, en un mundo ideal, War Child ni siquiera debería existir, tampoco un disco como este, pero vivimos, lamentablemente, en un mundo que es más codicioso y violento que nunca, y quienes nunca deberían verse implicados en las decisiones de los adultos son los niños”, afirma tajante.

EL ELENCO DE ARTISTAS es lo suficientemente heterogéneo como para deparar una amplia panorámica de la mejor música anglosajona del momento. “Queríamos que la selección tuviera un espíritu alternativo y que, pese a que los músicos fueran de dife-

rentes estilos y generaciones, compartieran una vibración similar: si escuchas a Olivia Rodrigo o Beabadoobee, sabes cuáles son sus influencias, sus opiniones acerca del mundo en el que vivimos y cómo las vehiculan a través de sus canales de comunicación, y hay como una esencia y una consistencia que es común a todos ellos”, argumenta el A&R británico. Se nota que Toby L tiene alma de storyteller, porque concibe el disco como una secuencia de canciones al servicio de una historia. “Tú mismo sabrás, como periodista, que ser escritor o periodista trata, sobre todo, de seleccionar y editar: en Transgressive Records también trabajamos en identificar a artistas en diferentes fases de su carrera y ayudarles a desarrollarla mediante singles, álbumes y videoclips, y que le cuenten una historia a su público, estamos constantemente contando historias, y este álbum también cuenta una historia”. Y él la explica extraordinariamente, con un detalle que quizá nos ahorraría a los periodistas el tener que desentrañarlo mediante cualquier crítica. “Creo que cuando escuchas su pri-

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“War Child ni siquiera debería existir, tampoco un disco como este”

mer tramo, empieza con canciones grandes, bombásticas, con grandes melodías y luego cuando llega la de King Krule es como cuando te pones a cambiar de emisora de radio girando la rueda del dial, y empieza a hacerse todo más explícitamente político, y tienes a Beth Gibbons cantando ‘Sunday Morning’ de The Velvet Underground, y la versión de ‘Lilac Wine’ a cargo de Arooj Aftab y Beck, y luego la tan contundente del ‘Universal Soldier’ de Donovan que hacen Depeche Mode, y todo empieza a ponerse muy oscuro, porque el mundo está así de oscuro, y también triste, y cabreado, con Cameron Winter [Geese], Young Fathers y Pulp con su ‘Begging For Change’, y luego se vuelve triste pero a la vez bonito de nuevo, con las canciones de Foals y Anna Calvi, y justo luego, cuando piensas que se ha puesto todo demasiado crudo, llega el momento de redención final con la versión de ‘The Book of Love’ de Magnetic Fields que acomete Olivia Rodrigo, que es un momento de conexión y calidez”. El disco es, en efecto, tal y como me cuenta, “un viaje emocional”. Una colección de canciones que propone la posibilidad de proveer una experiencia completa, con su introducción, su nudo y su desenlace. Y, sobre todo, por una buena causa. carlos pérez de ziriza

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CINE Y SERIES

DESPUÉS DE FIRMAR el biopic

“Elvis” (22), Baz Luhrmann entrega, ahora sí, una cinta absolutamente imprescindible sobre Elvis Presley. “EPiC: Elvis Presley in Concert” es una mixtura de documental y concierto que pone el foco sobre aquella residencia del Rey del Rock en Las Vegas fechada entre 1969 y 1977. Una aventura que supuso su regreso a los escenarios tras su paso por el ejército, en un renacer planificado atendiendo a las peculiaridades de la ciudad del pecado. Un marco de luces de neón que llegaría a encajar como un guante en ese periodo del Elvis más encantadoramente hortera, vistoso y desatado escénicamente. Unos excesos estéticos que encajan en el gusto habitual de Luhrmann y que, en esta ocasión, impregnan de atractivo y pulso a la película. El meollo de la cinta –narrada por el propio Pres-

EPiC: Elvis Presley in Concert Baz Luhrmann

ley a través de declaraciones de archivo en diferentes formatos–, recae sobre la descomunalmente magnética presencia del artista en el escenario, con mayoría de metraje en vivo, ya sea en ensayos o apuntando a varias actuaciones. En uno u otro caso, se trata de un material impagable, realzado por un montaje de pulso ágil y una fotografía de colores intensos que potencian la pegada de cada fotograma. “EPiC: Elvis Presley in Concert” cumple con esa promesa que se extiende desde su mismo título. Un producto bien exprimido por Luhrmann, apabullante a nivel sonoro y aún más arrasador desde una óptica visual. Un lujo inmersivo que, en pantalla grande, es lo más cerca que estará nunca cualquier espectador de experimentar en primera persona lo que implicaría asistir a un concierto de Elvis en Las Vegas. raúl julián

ES DIFÍCIL CONECTAR con una película que se pasa todo el tiempo nombrando los eventos ocurridos en New York, pero no nombra ni una sola vez a las protagonistas de estos eventos, las hermanas Carpenter (Melissa Barrera y Jenna Ortega). En fin, lo que ha hecho esta saga con estos personajes y con las actrices en la vida real es para dar de comer aparte. Tras todo el lío en su producción –el despido de Melissa y el posterior abandono de su coprotagonista y del director Christopher Landon–se le encarga a Kevin Williamson (uno de los guionistas principales de la saga) la tarea de dirigir e intentar reconducir el rumbo tras tanta polémica, firmando una cinta convencional, divisiva y funcional al mismo tiempo, sirviendo claramente de película puente y de transición para el futuro de la saga. La acción de

esta séptima entrega se centra en la vuelta de la gran Sidney Prescott (Neve Campbell) y la persecución de Ghostface a su familia. Y es esta relación madre e hija (Isabel May), el auténtico alma de esta entrega, en la que se juntan la mayor cantidad de personajes intrascendentes de la saga, llegando a ser algunos de ellos menos importantes que los militares en la última temporada de “Stranger Things”. Frente a un guion vacío, la película opta por algo muy común en el terror y es aumentar la violencia, dejándonos con algunas de las escenas de muerte más brutales de toda la saga. Tras la gran recuela que supuso “Scream V” y el divertimento de la sexta parte, esta séptima entrega llega para colocarse desde ya en uno de los puestos más bajos de la serie. alejandro teiga robles

LA ALARGADA SOMBRA de un progenitor ausente acostumbra a dejar una huella insondable en el recuerdo de un niño. Un trauma asociado al abandono que puede provocar una exaltación romántica de los recuerdos de la infancia. Justo eso nos plantea esta película nigeriana que revive, a través de los ojos de dos hermanos de ocho y once años de edad, un día muy especial junto a su padre en Lagos, la gran capital de Nigeria en la que todo tiene un cariz especial y en la que se manifiesta de forma rotunda el impenetrable misterio de los adultos. Y es que en esta ópera prima del realizador Akinola Davies Jr, escrita junto a su hermano Wale Davies, se nota y mucho la profunda carga autobiográfica de ambos a la hora de convertir en protagonistas tanto el recuerdo infantil de esa

primera visita a la gran ciudad como el descubrimiento de una figura paterna a la que se le debe respeto por encima de todo. Un padre que no deja de ser una víctima más de una sociedad sumida en el caos político, empresarial y humano de la Nigeria de 1993, a la vez que los niños, sus hijos, son víctimas de un abandono forzado por un sistema que obliga a su progenitor a trabajar lejos de casa y mantener una vida duplicada. “La sombra de mi padre” es una de esas películas en las que se adivinan más cosas en los matices, las miradas y los gestos que en los diálogos. Una cinta íntima y profundamente humana que trata temas tan universales que interpelan a cualquiera, por mucho que la acción se sitúe en los primeros años noventa y en el continente africano. don disturbios

UN JUEGO DE ROLES y una relación sumiso/dominante con la que ambas partes estén libremente de acuerdo no es ningún maltrato, pero eso no es lo que hay entre los personajes de Alexander Skarsgard y Harry Mellin. De hecho, ¿qué hay? ¿Se pretende jugar con las concepciones que tenga el espectador respecto a esto, y mostrar una relación de este tipo con una refrescante dosis de humor y guarradas? Hay algún pasaje así, en el que además parece apuntarse a un sentido de comunidad, pero se queda en nada. Sería interesante desarrollar todo esto, sí, pero no lo consigue. ¿Pretende explorar los grises que puede haber, apuntando hacia los comportamientos autolíticos de su protagonista? También sería interesante, tampoco lo consigue. Más bien parece no decidirse a

ser valiente con uno u otro camino, y no llegar hasta el final con ninguna de sus ideas. Parece más bien el piloto de una serie, y no en el sentido positivo. Se me hizo bastante incómodo ver “Pillion”, pero no porque sea la intención de sus creadores, sino por el descuido con el que se trata una historia que debería hacer que nos identificásemos con aspectos de los personajes Mellin y Skarsgard (ambos bastante bien pese a la unidimensionalidad de sus personajes), y hace que nos identifiquemos más bien con la madre de Colin. Interpretada por Lesley Sharp, recuerda bastante al papel de Patricia López Arnáiz en “Los domingos”, padre inútil incluido, solo que en este caso es peor, porque la pobre señora sabe que tiene muy poco tiempo (éste es otro melón) para poder ayudar a su hijo. pablo tocino

Carolina Durante: El secreto del éxito no sé cuál es Manuel Moreno Lengua de Trapo/ Círculo de Bellas Artes 7

Está claro que Manuel Moreno era una persona ideal para escribir sobre el ascenso de Carolina Durante. Sin los discos que publicaba quizás el grupo no hubiera existido tal y como lo conocemos. Ha visto brotar y desarrollarse al grupo, además de tener la oportunidad de charlar con Martin Vallhonrat y Diego Ibáñez para, junto a su trabajo de análisis y picoteo de diversos medios, redondear un ensayo que se lee en un suspiro y se disfruta con la misma facilidad. Distribuido en once capítulos (uno por canción), que relatan los episodios que, sumados, dieron forma a lo que acabó siendo un brillante álbum de debut y el revitalizador de la joven música de guitarras española, con una onda expansiva que pocos podrían haber anticipado. joan s luna

Todo lo que necesitas saber sobre el negocio de la música

Donald S. Passman Liburuak 8

¿Todo lo que necesitas saber sobre el negocio de la música? Qué sencillo suena. Te compras un tocho de más de setecientas páginas y solucionado. Lo sé, suena a frase publicitaria manida, pero, mira por dónde, esta vez tiene mucho de realidad. Además de un “veterano abogado musical”, Donald S. Passman es un santo varón. Y lo es porque nos explica con todo lujo de detalles e intentando ser lo más claro posible todo aquello con lo que, en la carrera hacia el éxito, los artistas van encontrándose por el camino. Passman nos habla sobre regalías, distintos tipos de contratos, tantos por ciento, catálogos, descargas y streaming, licencias para bandas sonoras y muchísimas cosas más en las que los músicos no caen hasta que es demasiado tarde. martí viladot

Desde el jergón

Josele Santiago Contra

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Va a ser complicado que leamos unas memorias musicales más completas que estas durante 2026. Aquí hay crónica vital. Inventario de daños, desperfectos y alegrías. Radiografía de un barrio, de una escena e incluso de una industria a lo largo de cuarenta años. Un manual sobre cómo manejarse por la existencia según una filosofía vital. Abundantes indicaciones sobre el proceso creativo. Humor, amor, ternura, ira, acidez, retranca y oscuridad. Muerte bien cerca: es también inventario de pérdidas. Con anécdotas que aligeran y salpican el relato de carcajadas. Honestidad sin ambages y un estilo que es literario sin postureos, reconocible sin alardes de cara a la galería, evocador y gráfico cuando la materia prima lo requiere. Un libro excepcional. carlos pérez de ziriza

Ziggyología: La breve historia de David Bowie y Ziggy Stardust Simon Goddard Ondas del Espacio 8

Para que un tomo sobre David Bowie sea capaz de aportar novedades relevantes debe incidir a conciencia en el plano en cuestión. Ahí entra en juego la obsesiva y minuciosa capacidad de Goddard, firmando una tesis pormenorizada que gira alrededor de esa creación del inglés convertida en leyenda: Ziggy Stardust. Una completísima enciclopedia en torno al personaje inmortalizado por Bowie tras difuminar las líneas entre lo humano y lo extraterrestre. Goddard retrocede en el tiempo y deja certeras radiografías de cualquier actor previo que, de una u otra manera, directa o indirectamente, influyera en la creación de Ziggy, además de seguir el propio camino del músico y entrar de lleno en el apogeo del alienígena, siguiéndole hasta su muerte. raúl julián

CÓMICS

Okinawa, el viento habla

Susumu Higa

Reservoir

Books 8

Los libros de historia bélica nos enseñan que la batalla de Okinawa fue uno de los episodios más sangrientos de la guerra entre Estados Unidos y Japón en el Pacífico. Murieron más de cien mil civiles, que son los protagonistas de este magnífico volumen. Las historias de Higa nos muestran que la población local fue tratada brutalmente por unos y otros. Pero en sus relatos aparecen tanto militares capaces de actos miserables, como oficiales estadounidenses que buscan impartir justicia, o soldados de Japón que se oponen a las barbaridades dictadas por sus superiores. Incluso en una guerra feroz, hay seres humanos con un mínimo de decencia, aunque no los suficientes. Una obras que recuerda a hitos como “Maus”, “Hierba” o “Pies descalzos” josé martínez ros

No hay que tomar a los imbéciles por gente

Emmanuel Reuzé/Nicolas

Rouhaud

Norma Editorial

8

¿Queréis saber lo que es tensar al máximo los límites del humor? Pues echadle un vistazo a esta obra superventas en Francia y lo tendréis claro. Ciento doce páginas traspasadas por una acidez más corrosiva que la sangre de los xenomorfos. La sociedad actual y la que se nos viene encima vistas desde un prisma que no deja títere con cabeza. Somos una sociedad clasista, racista, hipócrita y todo lo que queramos añadirle detrás, y estas páginas lo reflejan llevándonos al extremo. Políticos corruptos, sectas, magnates obsesionados con no envejecer, corporaciones explotadoras, ministros de educación poniendo a la venta títulos universitarios, ciudadanos arrastrando a personas sin hogar a las puertas de otros vecinos…. Reírse con el estómago revuelto. mercè gutiérrez

Violencia gratuita

Patrick Horvath Astiberri 7

“Violencia gratuita” predice un futuro distópico que, en realidad, ni parece tan lejano ni tampoco tan descabellado. Un escenario en el que los millonarios luchan a muerte en el circo al modo de antiguos gladiadores, con el fin de mantener sus insultantes fortunas. Es la premisa que el autor no tarda en llevar más allá, extendiendo la lucha a aquellas consecuencias derivadas de un mediático divorcio que tendrá su (extremadamente violento) desenlace sobre la propia arena. La novela gráfica va directa al grano y manifiesta cualidades tan explícitas como sugiere su título: una cruda crítica al capitalismo, al dinero en sí mismo y a su poder de corrupción, en algún punto intermedio entre “Mad Max”, “Los Juegos del Hambre” y “Gladiator” raúl julián

Cómic radical

Antonio Hitos Astiberri 7

“Cómic radical” parece un cómic, y lo es, claro, pero sobre todo es una suerte de experimento visual –aunque se acompañe con un ensayo escrito– con el que Hitos reflexiona sobre las posibilidades que el arte secuencial nos ofrece a la hora de expresar el paso del tiempo usando el espacio de una página. En cada una de ellas y a través de cuatro viñetas, Hitos (“Materia”, “Ruido” e “Inercia”) expande o comprime el tiempo a su antojo. Una secuencia puede reflejar apenas unos segundos, mientras la siguiente puede resumir varias horas. Y así durante unas doscientas páginas, de ahí el título. Una obra visual y teórica muy interesante para amantes hardline del lenguaje del cómic, pero que difícilmente podrá atrapar a lectores ocasionales de novela gráfica. joan s. luna

ENTREVISTAS

Vvv [Trippin’you]

Conversamos con Adrián Bremner, Elinor Almenara y Salvi Urbaneja con motivo de la presentación de “MECHARADIO” en Barcelona y Valencia, aunque siempre podríamos ensimismarnos con las lúcidas peroratas de VVV [Trippin’You] sin excusa mediante.

Iseo & Dodosound

Iseo & Dodosound presentan su nuevo disco que consolida su universo sonoro y su conexión con el directo. “Volando” (Twin Cats, 26) es su quinto álbum y la continuación natural de un viaje iniciado en su anterior trabajo “En la tormenta”.Si aquel disco se gestaba en pleno torbellino, este nace justo después: después de la tormenta viene la calma.

CONCIERTOS

Foo Fighters

(Londres, 25-02-26)

“It’s gona be a long night, motherfuckers”, advertía Dave Gohl desde el escenario del Sheperd’s Bush Empire. Foo Fighters aterrizaban en la capital inglesa para celebrar el segundo de la triada de bolos secretos por el Reino Unido.

The Lions Constellation

Más de tres lustros separan el debut de la banda catalana

The Lions Constellation de su secuela “New Moon Rising” (Make Me Happy/Too Good To Be True, 25), disco en el que dan rienda suelta a su olfato para crear canciones de pop alternativo con guitarras rotundas y lánguidas melodías.

Delacueva

Delacueva, dentro del circuito Girando Por Salas #GPS16 ha estado presentando las canciones de “No me llames artista”, publicado a finales del pasado año. Para el artista, el directo es el lugar donde se crea la comunión entre el público y el músico, es donde nace la magia y cree que es el valor más importante que tiene la música hoy en día.

Tom Morello

(Buenos Aires, 13-03-26)

Mientras un gran puñado de nostálgicos esperan una nueva vuelta de Rage Against The Machine, la vida continúa con Tom Morello girando en solitario con un recorrido sobre el particular relieve que engloba toda su carrera artística.

Más entrevistas

Frente Abierto

“Estamos perdiendo una batalla de clase y se pueden perder muchos derechos”

Tras arrollar con cada directo, Frente Abierto debutaron con uno de los discos nacionales más interesantes del pasado año, “Guerra A Todo Eso” (Universal, 25). Una experimental paleta sonora que va del doom metal, al ambient, pasando por el free jazz y el flamenco, entre otros géneros.

Chef Creador

“A veces los discos encuentran su sitio más tarde”

Los salmantinos celebrarán, con un concierto muy especial en su ciudad, el décimo aniversario de “Nuevos jardines” (RockCD, 16), el que fuera su álbum de debut. Será el próximo 21 de marzo y reinterpretarán aquellas canciones desde un punto de vista más actual.

Choclock

“Es muy complicado perdurar en el tiempo”

El talento canario está en auge. Tanto, que algunos de sus artistas emblema ya se han consolidado como voces esenciales del urbano español. Es el caso, por ejemplo, de Choclock, cantante, productor y compositor tinerfeño que ahora presenta en directo “Dame Más Tiempo” (Mécèn, 25), un cambio de rumbo a través del que reclama la atención que nuestro archipiélago septentrional merece.

Más conciertos

La Estrella De David (Vigo, 06-03-2026)

La Estrella de David fue el primero de los conciertos del Ciclón Pop en A Casa de Arriba de Vigo. El proyecto unipersonal del barcelonés David Rodríguez dejó un bonito concierto.

Sanguijuelas Del Guadiana (Salamanca, 26-03-26)

Pocos ascensos han sido tan imparables en los últimos años dentro de la escena musical patria como el protagonizado por Sanguijuelas del Guadiana. Su reinterpretación de dwel rock desde el prisma del flamenquito, les ha catapultado directamente a la parte alta de la tabla.

ESPECIALES

The Smashing Pumpkins

“Mellon Collie And The Infinite Sadness”: Un disco a la altura del ego de Billy Corgan. Billy Corgan no es la figura más querida dentro de la escena alternativa. En un mundo que detestaba a las estrellas de rock, Corgan quería ser la más grande de todas ellas.

Virginia Díaz

Hemos preguntado por los discos de su vida a una de las voces más importantes de la radio musical española, concretamente de Radio 3. Hablamos de Virginia Díaz, del programa “180 Grados” y de “El Típico Programa” junto a Julio Rodenas, quien nos descubre sus secretos.

Queralt Lahoz

Desde que Queralt Lahoz mencionó esa colaboración soñada con Lia Kalii y Rosalia no hemos dejado de pensar en ello. En eso, y en lo bien que lo pasamos siempre que nos reencontramos con ella. Hace unas semanas se pasó por nuestro estudio de Barcelona para respondernos algunas preguntas.

Herman Düne

David-Ivar Herman Düne tomó hace tiempo las riendas de lo que anteriormente fue un dúo. Pero siguen formando parte de su repertorio las grandes canciones de discos como “Giant” (06). Le hemos preguntado por los seis discos de su vida, aprovechando su reciente visita a nuestro país.

Bala

Le damos el alto en la carretera a Bala. Ánxela y Violeta nos abren la puerta de su día a día en gira: la furgoneta como tercer miembro, el escenario como lugar seguro y esa mezcla de cansancio y felicidad que solo entiende quien vive sobre el asfalto.

Romàntic Dimoni

Romàntic Dimoni es el nuevo proyecto de Carles Caselles, quien fuera líder de la banda valenciana Smoking Souls. Hace unos días presentó su nuevo álbum, “PRIMER MOVIMENT”, y aprovechando su paso por nuestra redacción de Barcelona, no podíamos dejar pasar la oportunidad de entrevistarle en 60 segundos.

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