MOLA | Primavera 2026

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FUNDADORA DE Este Arte

L AURA BARDIER LA feria internacional DE arte contemporáneo QUE SALIÓ DE LA CAJA Y SE INSTALÓ COMO UNO DE LOS eventos IMPRESCINDIBLES DE LA temporada EN José Ignacio. REVISTA MOLA

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NUESTRO EQUIPO

LAURA BARDIER Interview

22 PAUL NICKLEN

DIRECCIÓN EJECUTIVA ANA MOLA

Photogallery

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DIRECCIÓN DE ARTE BRENDA STRAUB

POLO URUGUAYO

DIRECCIÓN COMERCIAL

Interview

NATALIA AMEZAGA SHALMA SUÁREZ SERENA CURBELO

EDITORIAL DE ARTE PÍA SUSAETA

REDACCIÓN ROSANA DECIMA ROSALÍA LAROCCA BAHÍA LANCESTREMERE LAURA GARGANTA FIORELLA BENAVIDES ELENA RISSO

FOTOGRAFÍA PABLO KREIMBUHL CHARLIE NAVARRO VIRGINIA ZABALETA IRINA CONESA MARÍA INÉS ARRILLAGA ANA LAROCCA

TAPA LAURA BARDIER FOTOGRAFÍA: MARÍA INÉS ARRILLAGA

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JUAN GAFFURI Foodie

46 BIENAL DE VENECIA Art

66 ROAD TRIP Photogallery

76 ELEGIR QUEDARSE Lifestyle

82 CIPRIANI

Es una producción de MOLA Media Group @revista.mola info@revistamola.com Edición N° 37 - Septiembre 2026

Luxury

96 DRA. FLORENCIA DUARTE Interview

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EDITORIAL

EL ESPEJO EN EL QUE NOS MIRAMOS Estos tiempos me encuentran pensando bastante en esta sensación de vivir en una sociedad cada vez más fragmentada, donde muchas veces la descalificación reemplaza al diálogo y el impulso a la reflexión. Necesitamos pertenecer, encontrar nuestra tribu, reconocernos en una causa, una identidad o una bandera. Es profundamente humano. El problema empieza, creo, cuando esa pertenencia nos hace sentir dueños de la razón y dejamos de ver al otro. A veces nos refugiamos en frases conocidas. Que siempre fue así, que las redes sociales simplemente muestran lo que antes no veíamos. Y puede ser. Pero también me pregunto si repetirlas no es una manera de acostumbrarnos. Después de siglos de historia y de tantas lecciones que suponíamos aprendidas, uno pensaría que seríamos un poco mejores en esto. Avanzamos muchísimo en tecnología, conocimiento y comunicación, pero todavía nos cuesta escucharnos y tratar de entender al que piensa distinto. Por suerte, el espejo también devuelve otra imagen. La vemos cuando nos conmueve el dolor ajeno, cuando tendemos una mano, cuando nos organizamos para ayudar o alguien se detiene por un desconocido sin esperar nada a cambio. Esa parte nuestra también existe. No escribo esto porque tenga una respuesta. Lo escribo porque me inquieta la violencia y porque sigo creyendo que podemos elegir qué alimentar. Quizás por eso también hacemos MOLA. Para crear un espacio que nos acerque a historias, personas y miradas que nos corran un poco del ruido. Un pequeño bálsamo, si se quiere, que nos recuerde que también podemos ser más sensibles, más empáticos, más humanos. Porque, al final, los espejos no deciden quiénes somos. Solo nos invitan a mirarnos.

Por ANA MOLA

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“CREO EN EL ARTE COMO INVERSIÓN” Por ELENA RISSO | Fotos MARÍA INÉS ARRILLAGA

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«ME DI CUENTA DE QUE EN URUGUAY HABÍA UN GRAN

POTENCIAL, PERO LA MAYOR PARTE DE LOS ARTISTAS QUE ME ENCONTRÉ NO TRABAJABAN DE ESO, VIVÍAN DE OTRA COSA, Y HACÍAN ARTE O PRODUCÍAN SUS OBRAS EN EL TIEMPO LIBRE» REVISTA MOLA 26

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asaron 12 años desde que Este Arte desembarcó en Punta del Este y fue ganando prestigio hasta convertirse en una de las actividades culturales más destacadas del verano. Su primera edición se realizó en enero de 2015, en las instalaciones del Cantegril Country Club; en ese momento el nombre de Laura Bardier era conocido por algunos pocos. Con el tiempo, la feria creció en expositores, amplió su oferta con la incorporación de conferencias, y se fue trasladando a locaciones que acompañaron su expansión. La décimo tercera edición se realizará en el Vik Pavillion Space Event de José Ignacio, entre el 5 y el 8 de enero de 2027. Bardier, directora fundadora de Este Arte, conversó con MOLA sobre sus inicios en el mundo artístico y los detalles de la próxima edición de la feria.

NACISTE EN MONTEVIDEO Y DESDE HACE VARIOS AÑOS VIVÍS EN NUEVA YORK. ¿CÓMO FUERON TUS INICIOS?

Crecí en la calle Zapicán, entre el barrio Bella Vista y el Prado. Fui al Liceo Francés, para mi familia era muy importante la educación. Nací en 1976, los primeros 10 años de mi vida fueron en dictadura. En los últimos años me di cuenta, teniendo a mis hijos, que crecí con una madre sola. Cuando tenía 15 años mis padres se separaron y mi padre desapareció de la “picture”, como se dice acá. Tengo dos hermanos varones que son ingenieros y mi madre, Graciela Valeta, es arquitecta. Trabajó 15 años en la refinería de La Teja, durante un período fue la única arquitecta. Después fue la arquitecta de la boya petrolera de José Ignacio. Tenía 200 obreros a su cargo, y muchas cosas más. Fue profesora de la Facultad de Arquitectura, de la cátedra de Hormigón. Fue una pionera en una cantidad de cosas.

Por algo hice Este Arte, es una excusa para volver más. Pero sentía que no era posible hacer una cantidad de cosas. ¿CÓMO LO RESOLVISTE?

Decidí ir a estudiar a Italia. Estudié diseño de la comunicación, fundamentalmente en Florencia, tenía unos 20 años. Y luego me fui a Nápoles, donde conocí al que ahora es mi marido. Después hice una maestría sobre curaduría de medios en Austria. En esa época me interesaba mucho lo que era el proceso creativo, el arte digital. Eran los comienzos de Internet. Estamos hablando de los años 2000. Desde el segundo año de la facultad, me di cuenta de que no quería trabajar en el mundo del diseño. No quería trabajar en cosas que produjeran más objetos. No quería ser parte de un sistema que necesita venderte el nuevo modelo de lavarropa que tiene un botón extra que hace música; de un sistema capitalista exacerbado. No porque esté en contra de lo que existe, pero no quería ser parte de ese sistema que tiene que vender cada vez más. Y quería trabajar con el mundo de las ideas. En el segundo año de la universidad, empecé a interesarme más en lo que tiene que ver con la producción de cultura, proyectos culturales, estatales, gobiernos. ¿CÓMO ENFOCASTE TU CARRERA?

Mi madre quería que fuera arquitecta. Prácticamente me obligó a hacer un año de carrera, para estar segura de que no quería dedicarme a la arquitectura. Y todo el mundo me decía, “sos la hija de Valeta”. Ella era como muy temida y respetada, era muy exigente. Mucha gente dice que tengo carácter y no tienen la menor idea; no soy nada al lado de ella. Pero yo, desde los 16 años, me quería ir del país.

Empecé a trabajar en la galería de exposiciones que tenía en la Facultad de Arquitectura en Florencia. Yo hacía el sitio web, producción, etcétera. Y después, cuando terminé la universidad, me mudé a Nápoles y empecé con la intendencia. Mi rol se llamaba cultura creativa. Era como ideas locas, fundamentalmente. Y seguía tres proyectos. Uno era un museo para niños. Otro consistía en recuperar edificios secuestrados a la camorra, la criminalidad organizada de Nápoles, y transformarlos en teatros, en lugares periféricos problemáticos. Y el tercer proyecto era la creación de un museo de arte contemporáneo de Nápoles. Después, cuando se abrió, trabajé en ese como curadora por varios años. Luego mi marido, que estudió Física, terminó el doctorado en Ciencias Cognitivas y Cibernética, hoy es profesor de neurociencias computacionales. Le ofrecieron trabajo en Nueva York. Yo hacía cuatro o cinco años que estaba en Nápoles trabajando en el museo, y sentía que ya había aprendido todo lo que tenía que aprender, no había mucho más espacio de crecimiento.

¿POR QUÉ?

¿CÓMO FUERON TUS COMIENZOS EN NUEVA YORK?

No sé, por varias razones. No importaba lo que fuera. De hecho, elegí estudiar diseño y me sentía como pez fuera del agua. Hice un año en el Centro de Diseño y me di cuenta de que estaba todo bien, era muy interesante, pero la mayor parte de los profesores que enseñaban cosas no vivían de eso. Entonces, ¿qué me estaban enseñando? No es una crítica, pero era como que... No sé, nunca me sentí parte. A los 17 años, mi madre nos mandó a los tres a estudiar inglés a Inglaterra y después de ahí tenía cien por ciento claro que quería irme de Uruguay. No porque no me gustara, me encanta.

Estuve un año en el Museo de Arte Moderno (MoMA, por su sigla en inglés), donde trabajé junto a la curadora Barbara London, que hizo la primera muestra de arte sonora en el lugar. Después empecé a trabajar varios años con un coleccionista privado, inglés, que su colección era especializada en el arte digital, el arte sonoro, todo lo que tenía que ver con arte y tecnología. Fundamentalmente viajaba a ferias, bienales, hacía investigación de obras para comprar. En ese momento viajé a Uruguay pensando, “vamos a ver qué obras hay que comprar”, y no encontré nada. Después, cuando se volvió a

¿CÓMO TE MARCÓ EN TU CARRERA?

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Londres, dejé de trabajar con él. Empecé a trabajar con Estrellita Brodsky, que es la coleccionista filántropa que creó y financió el Departamento Latinoamericano en el MoMA, y en la Tate Gallery. Con ella hacía Collection Manager, investigaba artistas para comprar. Fueron dos experiencias completamente diferentes; el primero era un coleccionista que compraba en grandes cantidades, si le gustaba un artista, compraba 30 obras. Estrellita compraba obras que son de museo, va a buscar la obra del artista referente de ese movimiento. Estuve varios años trabajando con esos dos coleccionistas, mi trabajo era ir a ferias, ir a bienales, comprar obras. ¿CÓMO SE GENERÓ TU VÍNCULO CON URUGUAY?

Cuando estaba trabajando con Estrellita, volví a Uruguay pensando en qué obras íbamos a comprar. Me di cuenta de que en Uruguay había un gran potencial, pero la mayor parte de los artistas que me encontré no trabajaban de eso, vivían de otra cosa, y hacían arte o producían sus obras en el tiempo libre. Cosa que no me parece tan profesional. Yo no podía comprar obras, no pude comprar obras de ninguno de ellos, porque en general, en las colecciones con las cuales trabajé, compraba obras de artistas a través de galerías. Excepcionalmente uno puede comprar una obra de un artista sin galería, pero en general es mucho más profesional, sólido, y te garantiza un cierto valor cultural y económico a largo plazo. Un artista independiente no es posible. Yo todos los veranos fui a Uruguay, tengo una casa en Punta del Este, siempre he estado un mes allí y otro en Rocha. Me di cuenta de que en Punta del Este había una gran capacidad económica, que había gente que estaba comprando obras que capaz que hoy cuestan 20.000 dólares pero que si la quieren revender mañana ya no tienen valor de mercado, no se pueden revender. Y tampoco tiene un valor histórico, algo pasa. Yo creo en el arte también como una inversión, que por lo menos uno puede elegir. Como cuando compras cierta ropa cara. Hoy en día en realidad hay gente que compra bolsas y carteras y ropa también como inversión, yo que sé, objetos que no necesariamente te importa que se desvaloricen. Pero pienso también que en el arte por lo menos hay que mantener el precio. ¿SOS CONSUMIDORA DE ARTE?

Tengo 12 obras de ediciones de Este Arte. Nada más que eso. No compro fuera de la feria, es una manera de apostar

a lo que estoy haciendo. Tengo un gusto muy personal. La primera edición de Este Arte, era una feria que podría haber estado en Bélgica, con una estética minimalista, casi nórdica. Después me di cuenta de que era lo que me gustaba a mí, pero no soy la única. Entonces hay que encontrar un equilibrio que funcione. Dije, ¿qué es lo que puedo hacer yo dentro de mis capacidades y mis recursos personales, pero también económicos? ¿En qué puedo contribuir al desarrollo cultural de mi país? Porque, por un lado, estaban esos artistas que no vendían obras porque no tenían una galería, pero no tienen mercado. Y en ese momento, la mayor parte de las obras que se vendían en Uruguay eran de artistas fallecidos, artistas hombres en casas de remates. No es un juicio de valor. Está bien, cada uno hace lo que quiere y lo que puede. Pero me gustaba dar opciones. Este Arte se trata de dar opciones, un poco fue así que nació el proyecto. HAY TURISTAS DE ALTO PODER ADQUISITIVO QUE TAL VEZ DURANTE EL AÑO NO VISITAN UNA GALERÍA DE ARTE, PERO ESTANDO DE VACACIONES, MÁS RELAJADOS, ASISTEN A UNA FERIA Y COMPRAN OBRAS.

Claro, hay una parte de entretenimiento, digamos, es el paseo de la tarde, puede ser así perfectamente. Una de las cosas que mayor felicidad o satisfacción me da es ver cómo, por ejemplo, Este Arte ha cambiado el lenguaje. Hoy en día hay gente que habla de curadores, coleccionistas, artistas. Antes no era tan así. Era como una cosa mucho más sectaria o underground, o más como de nicho, Hoy en día, se habla un poco más. ¿CÓMO OBSERVAS EL TRABAJO DE LAS CURADURÍAS EN URUGUAY?

En Uruguay tradicionalmente no había cursos de curaduría, historia del arte, etcétera. Entonces era muy difícil profesionalizarse como curador. Había que viajar a Argentina, por ejemplo. Capaz que si yo en Uruguay hubiera visto un curso así lo hubiese hecho. Pero crecés con una cosa, decís esta es la única opción que hay. Los artistas que se ven siempre son hombres de 70 años para arriba. Y los curadores que había, o las muestras que se curaban, que eran muy pocas, muchas veces eran los artistas los que las hacían. No había el rol. Tampoco había mucho diálogo. Los artistas no estaban acostumbrados a hablar entre ellos.

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PAUL NICKLEN Fotógrafo, biólogo marino y conservacionista

Durante 30 años, Paul Nicklen ha esperado bajo el hielo, frente al océano, en territorios remotos y ante animales que podían aparecer después de días, meses o años. Fotógrafo, biólogo marino y una de las grandes voces de la conservación contemporánea, convirtió esa paciencia en más de 2,5 millones de imágenes. Doscientas de ellas integran ahora Reverence, un libro de 344 páginas apoyado por Rolex que recorre una vida dedicada a mostrar la belleza y la fragilidad del planeta.

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CRÉDITOS: ©PAUL NICKLEN

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CRÉDITOS: ©ROLEX/THOMAS CHÉNÉ

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CRÉDITOS: ©ROLEX/THOMAS CHÉNÉ

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ntes de National Geographic, de los premios internacionales y de los 7.000.000 de personas que hoy siguen su trabajo en Instagram, hubo una cámara y un árbol. La cámara era una Pentax K1000 que había pertenecido a su madre. Paul Nicklen la tomó y fotografió un árbol contra el sol. Aquel primer disparo fue también, aunque todavía no pudiera saberlo, el comienzo de una vida detrás de una lente. Nicklen creció en una pequeña comunidad inuit del Ártico canadiense, junto a padres aventureros que le dieron una libertad poco frecuente para explorar el territorio. Allí aprendió a convivir con un clima implacable, con el silencio y con la incomodidad. Décadas después, esas condiciones se revelarían como una formación extraordinaria para alguien cuya profesión dependería tantas veces de permanecer inmóvil y esperar. Esperar a que aparezca un animal. Esperar la luz. Esperar una escena que quizás no suceda.

CRÉDITOS: ©ROLEX/ARNAUD MONTAGARD

Antes de convertirse en fotógrafo profesional, Nicklen trabajó durante cuatro años como biólogo de fauna para el gobierno, calculando y estableciendo límites de caza. El trabajo resultaba difícil de conciliar con la relación que tenía con la naturaleza. A los 25 años decidió marcharse. Se internó en las tierras remotas de los Territorios del Noroeste de Canadá y vivió solo en plena naturaleza. Fueron tres meses de aislamiento y escritura intensa. Cuando regresó, había encontrado algo parecido a una respuesta: quería utilizar la fotografía para dar voz a las especies más vulnerables. No significaba que alguien estuviera dispuesto a contratarlo.Durante años envió fotografías a National Geographic sin recibir un encargo. Hasta que un encuentro casual en el Ártico con Flip Nicklin, el legendario fotógrafo de ballenas, modificó la historia. Nicklin se convirtió en su mentor y, en 2001, llegó finalmente la primera asignación para la revista. Durante los 20 años siguientes, Paul Nicklen asumió algunos de sus encargos más difíciles. Fotografió osos espíritu, lobos marinos y animales cuya presencia no admite cronogramas. Su historia sobre los narvales necesitó más de cinco años de trabajo. Nicklen regresó una y otra vez esperando encontrarlos y conseguir las imágenes. Cuando finalmente la historia fue publicada por National Geographic, su alcance superó ampliamente las páginas de una revista. El trabajo expuso la dimensión del comercio no regulado de marfil de narval y derivó en una histórica prohibición de su exportación desde Canadá. Quizás allí pueda encontrarse una de las claves de toda su trayectoria: para Nicklen, una fotografía alcanza verdaderamente su propósito cuando lo que sucede dentro de la imagen provoca algo fuera de ella.

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LA IMAGEN COMO ACCIÓN Más de 39 de los principales premios internacionales de fotografía y conservación reconocieron su trabajo, entre ellos Wildlife Photographer of the Year de la BBC y World Press Photo en fotoperiodismo. En 2019 ingresó al International Photography Hall of Fame and Museum como uno de sus integrantes más jóvenes. Pero sus mayores logros, según la manera en que él mismo mide su carrera, pertenecen a otro territorio. Están en los resultados concretos de la conservación. En aquella prohibición vinculada al marfil de narval. En los esfuerzos para impedir que grandes petroleros atracaran a lo largo de la costa de Columbia Británica. En la capacidad de una historia y de una imagen para conseguir que alguien, en algún lugar, decida actuar. En 2014 dio otro paso en esa dirección. Junto a su pareja, la fotógrafa de conservación Cristina Mittermeier, fundó SeaLegacy, una organización concebida para utilizar el poder de las historias visuales en la protección de los océanos. Mittermeier y Nicklen comparten desde entonces vida, expediciones y una concepción de la fotografía que no termina en la contemplación. Ambos son hoy Testimoniales de Rolex y sus trabajos forman parte de una red más amplia de iniciativas vinculadas con la conservación. Pero antes de llegar allí, hubo una pérdida.

cionar las fotografías más extraordinarias de una carrera extraordinaria. Había que conseguir que, juntas, construyeran una mirada. El fotógrafo siguió personalmente el proceso hasta la imprenta en Tours, Francia. Allí revisó las imágenes seleccionadas, discutió los últimos ajustes con el equipo, examinó pruebas impresas y utilizó una lupa de impresor para controlar la calidad de reproducción. Después de más de un año reduciendo, descartando y volviendo a elegir, el archivo de una vida comenzaba a convertirse en un objeto. El título dice mucho de aquello que Nicklen buscaba preservar. Reverence. Reverencia. No simplemente admiración por la naturaleza, sino una forma de respeto cercana a lo sagrado: “Se trata de la reverencia que siento por la naturaleza. Es mi llamado a las personas para decirles que comprendan el regalo de estar hoy en esta Tierra; esta es nuestra última oportunidad para defender este planeta”.

VOLVER A LA MADRE La idea de Reverence nació mientras Paul Nicklen escribía el elogio para el funeral de su madre. En medio de ese proceso comenzó a pensar en algo que había observado durante años a través de su cámara: los vínculos de la maternidad en la naturaleza, la conexión entre los seres vivos y cierta dimensión sagrada de ecosistemas cuya fragilidad había documentado durante buena parte de su vida. Hay en su relación con el mundo natural algo que trasciende incluso la conservación. Nicklen habla de un asombro casi celestial frente a la naturaleza, una sensación difícil de traducir en palabras que durante 30 años intentó transmitir a través de sus fotografías. Reverence nace también de allí: del deseo de compartir con otros esa experiencia de estar frente a algo que nos excede. Su madre volvía así al centro de su trabajo. Era la mujer que le había dado aquella primera Pentax K1000. También aquella con quien solía caminar por Notch Hill, en Vancouver Island, el lugar donde Nicklen vive actualmente y por cuyos senderos todavía sale a caminar y fotografiar acompañado por sus perros. Reverence comenzó a construirse desde esa memoria. La tarea que siguió fue monumental. Había que convertir tres décadas y un archivo de más de 2,5 millones de fotografías en un libro. Nicklen y su equipo trabajaron durante más de un año en la edición. Finalmente eligieron 200 imágenes para 344 páginas. La dificultad no consistía solamente en selec-

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UNA HISTORIA DE EXPLORACIÓN Rolex acompaña a Paul Nicklen como Testimonee desde 2022 y apoyó la realización de Reverence. Esa relación forma parte de iniciativa Perpetual Planet, lanzada por la compañía en 2019, aunque su origen puede rastrearse mucho más atrás. Durante casi un siglo, Rolex estuvo vinculada a exploradores que se aventuraban en algunos de los lugares más extremos del planeta. En las primeras décadas, el mundo funcionaba también como territorio de descubrimiento y como laboratorio para poner a prueba instrumentos en condiciones reales. Con el paso del tiempo, aquella idea de exploración comenzó a transformarse. Ya no se trataba solamente de llegar más lejos o conocer territorios desconocidos, sino de comprenderlos y contribuir a protegerlos.

De ese desplazamiento —de la exploración por el descubrimiento hacia la exploración al servicio de la conservación— surgió la Perpetual Planet Iniciative, que reúne actualmente más de 30 socios y articula sus proyectos en tres grandes áreas: océanos, paisajes, y ciencia, salud y tecnología. En torno a ellas conviven científicos, exploradores, conservacionistas, organizaciones y proyectos que trabajan sobre problemas diferentes pero comparten una misma pregunta: qué puede hacerse hoy para preservar el planeta que recibirán las próximas generaciones. En los océanos, Rolex acompaña proyectos como Mission Blue, junto a la oceanógrafa y Testimonee Sylvia Earle; el trabajo de Cristina Mittermeier y Paul Nicklen; y Coral Gardeners. En paisajes, la iniciativa incluye una asociación reforzada con National Geographic Society, el trabajo de Rewilding Argentina y Rewilding Chile —organizaciones surgidas de Tompkins Conservation— y la serie de expediciones Great Spine of Africa de Steve Boyes. En ciencia, salud y tecnología, el apoyo alcanza, entre otros, a Rolex Awards Laureates como Andrew Bastawrous, Felix Brooks-Church y Miranda Wang. Los Rolex Awards, creados en 1976, también forman hoy parte de esta estructura. En sus 50 años de historia han respaldado a 165 Laureates cuyos proyectos han tenido impacto en más de 67 países. A esto se suma el apoyo a organizaciones e iniciativas destinadas a formar a las próximas generaciones de exploradores, científicos y conservacionistas, entre ellas la Royal Geographical Society, The Explorers Club y CERN & Society Foundation. Es en ese contexto, y no como un proyecto aislado, donde aparece el respaldo a Reverence. La fotografía de Nicklen comparte con Perpetual Planet una evolución similar. Comienza en la exploración y en el deseo de observar el mundo, pero termina inevitablemente en la pregunta por su protección.

LO QUE UNA FOTOGRAFÍA PUEDE CAMBIAR Nicklen ha conseguido algo poco habitual para un fotógrafo de conservación: construir una audiencia global sin abandonar la complejidad de aquello que muestra. Sus imágenes han ocupado portadas, recibido premios y llegado a millones de personas. Pero Reverence busca ir un poco más allá. Parte de los ingresos obtenidos por el libro y por la venta de fotografías será destinada a organizaciones de conservación alrededor del mundo. Entre los proyectos seleccionados hay un programa de reforestación en África e iniciativas de limpieza de playas y plantación de corales en Indonesia. CRÉDITOS: ©PAUL NICKLEN

Aun así, Nicklen no considera que el verdadero éxito del libro pueda medirse únicamente por el dinero que consiga recaudar. Quiere que provoque algo. Que alguien se detenga ante

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CRÉDITOS: ©PAUL NICKLEN

«CUANDO ESTOY CERCA DE LOS ANIMALES ES UNA EXPERIENCIA PROFUNDAMENTE EMOCIONAL. ME SIENTO VULNERABLE, HUMILDE Y AGRADECIDO. QUIERO QUE LAS PERSONAS TENGAN ESA MISMA SENSACIÓN CON MI LIBRO. SI EXISTE ALGUNA ESPERANZA DE SALVAR ESTE PLANETA, NECESITAMOS VOLVER A SENTIRNOS CONECTADOS CON ESTOS ANIMALES Y ESTOS ECOSISTEMAS»

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una fotografía. Que observe al animal que tiene enfrente. Que durante unos segundos deje de verlo como algo remoto y reconozca algún tipo de vínculo. Y, especialmente, que ese llamado alcance a quienes vienen detrás. Nicklen concibe Reverence también como una invitación a las nuevas generaciones a involucrarse en la defensa de la naturaleza: no solamente a contemplar aquello que todavía existe, sino a comprender que su futuro también dependerá de ellas. Es, en cierto sentido, lo mismo que sus fotografías han intentado hacer durante 30 años: “Cuando estoy cerca de los animales es una experiencia profundamente emocional. Me siento vulnerable, humilde y agradecido, y quiero que las personas tengan esa misma sensación con mi libro”.

LA ÚLTIMA LLAMADA En Vancouver Island, la vida cotidiana de Paul Nicklen todavía transcurre cerca de aquello que ha fotografiado durante toda su carrera. Camina por Notch Hill. Busca animales con sus binoculares. Sale en una embarcación por Deep Bay. Fotografía leones marinos sobre las rocas. Regresa a su casa y trabaja frente a un archivo de más de 2,5 millones de imágenes. En alguna parte de ese archivo está aquel joven que aprendió a soportar el frío en el Ártico. El biólogo desencantado que abandonó un trabajo y se fue a vivir solo. El fotógrafo que durante años mandó imágenes a una revista que no lo contrataba. El hombre que regresó durante cinco años para conseguir una historia sobre narvales. Y también el hijo que recibió de su madre una cámara y fotografió un árbol contra el sol. Reverence reúne todas esas vidas. Pero sería un error leerlo solamente como la retrospectiva de uno de los grandes fotógrafos de naturaleza de nuestro tiempo. Nicklen no parece interesado en construir un monumento a su carrera. El libro mira hacia atrás para obligarnos a mirar hacia adelante. Su pregunta no es qué mundo consiguió fotografiar. Es cuánto de ese mundo conseguiremos conservar. “Si existe alguna esperanza de salvar este planeta, las personas necesitan volver a sentirse conectadas con estos animales y estos ecosistemas”, reflexiona. Después de tres décadas detrás de una lente, Paul Nicklen parece haber llegado a una certeza sencilla y difícil a la vez: antes de proteger la naturaleza hay que volver a sentirla. Quizás Reverence sea precisamente eso. Una invitación a mirar hasta que algo vuelva a importarnos.

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EL POLO URUGUAYO JUEGA SU MEJOR TEMPORADA Con Punta del Este como principal escenario, el circuito local amplía su calendario y gana proyección internacional. Alexis Guynot de Boismenú, presidente de la Asociación de Polo de Uruguay, analiza el presente de una disciplina que busca crecer dentro y fuera del país. Por ROSALÍA LAROCCA

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INTERVIEW

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l polo uruguayo atraviesa un proceso de crecimiento sostenido que se expresa en varios frentes al mismo tiempo. La Selección viene compitiendo de igual a igual con potencias históricas, el circuito de verano crece en cantidad de torneos y convocatoria de público, mientras aumenta la inversión en infraestructura, caballos y organización. A ese escenario se suma el reconocimiento internacional alcanzado a partir de participaciones en competencias como la Coronation Cup, un logro que excede lo estrictamente deportivo y confirma el lugar que Uruguay comienza a ocupar dentro del polo mundial. “Ese conjunto de factores es lo que permite hablar de un crecimiento real y no coyuntural”, afirma Alexis Guynot de Boismenú, presidente de la Asociación de Polo de Uruguay. Boismenú conoce ese universo desde adentro. Además de su actual función al frente de la asociación, desarrolló una trayectoria como jugador que lo llevó a disputar la Coronation Cup en Inglaterra y el Mundial de Estados Unidos, una competencia en la que Uruguay hizo historia al obtener el tercer puesto luego de vencer a Argentina. Esa experiencia internacional acompaña hoy una etapa en la que el polo uruguayo busca ampliar su escala y ganar presencia dentro del calendario global. Como parte de ese impulso, construido a lo largo de varias temporadas de creciente actividad, Uruguay se postuló como sede para el Mundial de Polo 2027, con Punta del Este como la ciudad que se perfila para recibir el torneo. “Sería un antes y un después para el polo nacional. Ser sede mundialista implica una inversión enorme en infraestructura, en profesionalización de la organización y en la proyección internacional del país como destino de polo”, indica el presidente de la AUP. “Es una vidriera única para mostrar al mundo lo que Uruguay ofrece, tanto deportiva como turísticamente”. Punta del Este, de hecho, lleva varias temporadas afirmándose como uno de los principales puntos de atracción del calendario regional durante el verano. El destino reúne condiciones difíciles de encontrar en otros mercados: canchas de nivel internacional, infraestructura turística y una temporada que coincide con la pausa competitiva del hemisferio norte. Esa combinación atrae jugadores y público de Argentina, Brasil, Canadá, Estados Unidos y distintos países de Europa, y convierte a los meses de verano en una oportunidad para ampliar la dimensión internacional del circuito local. El desafío ahora pasa por acompañar ese interés con una oferta cada vez más profesional. Eso supone ampliar la disponibilidad de canchas y desarrollar torneos para diferentes niveles de juego, además de mejorar la logística vinculada al traslado y cuidado de los caballos. También será importante construir un calendario suficientemente atractivo para quienes buscan competencia fuera de su temporada habitual.

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INTERVIEW

«LA IMAGEN DEL POLO URUGUAYO HOY ES LA DE

UN PAÍS CON JUGADORES DE PRIMER NIVEL Y UNA ESTRUCTURA QUE LOS RESPALDA» REVISTA MOLA 41

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INTERVIEW

¿QUÉ PODEMOS ESPERAR DE LA TEMPORADA DE VERANO 2027?

La temporada se perfila como una de las más importantes de los últimos años. Vamos a mantener los clásicos del calendario, entre ellos el Abierto Uruguayo y la Copa Presidencia de la República, aunque con la mira puesta en sumar nuevas competencias internacionales y fortalecer el circuito de clubes. El calendario da lugar a que todos participen. También estamos buscando incorporar más torneos juveniles y femeninos, que son clave para el recambio generacional. Y, por supuesto, está la posibilidad de organizar las finales del Campeonato Mundial. Eso va a marcar la temporada. ¿LA ASPIRACIÓN ES QUE URUGUAY TENGA UN GRAN ENCUENTRO INTERNACIONAL PROPIO Y ESTABLE DENTRO DEL CALENDARIO?

Sí, esa es exactamente la idea. Así como Inglaterra tiene su Coronation Cup, queremos que Uruguay tenga su propio “gran día” internacional, un partido test match que se instale en el calendario mundial como una cita ineludible cada verano. Recibir a una selección internacional de jerarquía de forma regular nos daría estabilidad y previsibilidad para sponsors y visitantes. Aparte consolidaría a Uruguay como sede fija de un evento de esa magnitud, en lugar de depender de invitaciones puntuales. Esta es la Copa David Stirling Díaz, la primera edición se jugó el verano pasado contra un seleccionado de Argentina. Este verano podría ser Inglaterra. ¿HAY UNA NUEVA GENERACIÓN CAPAZ DE SOSTENER EL NIVEL QUE SE ALCANZÓ EN LOS ÚLTIMOS AÑOS?

Sí, y es uno de los aspectos que más nos entusiasma. Estamos viendo jugadores jóvenes cuyo nivel crece rápido y que tienen una exposición internacional cada vez más temprana. El desafío es sostener ese proceso. Hay que darles torneos en Uruguay para que puedan foguearse y oportunidades de jugar afuera, dentro de un sistema de desarrollo que no dependa de un puñado de nombres, sino que tenga una base amplia. La generación que viene detrás de los referentes actuales tiene con qué sostener el nivel. Tenemos que ver cómo invertir para ayudar en su formación. URUGUAY VIENE GANANDO PRESENCIA INTERNACIONAL Y ESTE AÑO VOLVIÓ A COMPETIR EN LA CORONATION CUP EN INGLATERRA. ¿QUÉ SIGNIFICA PARTICIPAR DE UNA COMPETENCIA DE ESE NIVEL?

Volver a jugar la Coronation Cup ante Inglaterra, en Windsor, en el Guards Polo Club, fue espectacular. Es uno de los escenarios más tradicionales del polo mundial y pocos países cumplen las condiciones para poder jugar esta copa. Eso abre puertas. Genera más invitaciones a torneos internacio-

nales y más interés de jugadores extranjeros por venir a jugar acá. A su vez despierta mayor atención de los medios especializados. La imagen del polo uruguayo hoy es la de un país con jugadores de primer nivel y una estructura que los respalda. ¿QUÉ ESTÁ HACIENDO QUE EL PAÍS RESULTE HOY ATRACTIVO PARA INVERTIR Y DESARROLLAR PROYECTOS VINCULADOS AL POLO?

Uruguay ofrece una combinación difícil de igualar. Tiene seguridad jurídica y estabilidad institucional, además de un clima y un entorno natural ideales para la cría y el trabajo con caballos. Su temporada, además, se acomoda perfectamente al calendario internacional. A eso se suma que los costos de tierra e infraestructura siguen siendo competitivos frente a otros destinos de polo. El país tiene, a su vez, una tradición ganadera y ecuestre que facilita todo lo vinculado al cuidado y la preparación de los caballos. Para un inversor extranjero, eso significa poder desarrollar un proyecto de polo con menos riesgo y en un entorno de vida muy atractivo. No hay con qué darle. Quien viene a Uruguay la pasa espectacular y se termina enamorando del lugar. ¿EXISTE UNA OPORTUNIDAD PARA QUE EL CRECIMIENTO DEPORTIVO IMPULSE TAMBIÉN LA INDUSTRIA VINCULADA A LA CRÍA Y PROYECTE AL CABALLO URUGUAYO HACIA OTROS MERCADOS?

Totalmente. Uruguay tiene una tradición ecuestre muy fuerte y una genética equina reconocida, y el crecimiento del polo puede ser una gran vidriera para esa industria. A medida que este deporte gana visibilidad internacional, también lo hace el caballo criado y preparado acá. Hay una oportunidad real de que el caballo de polo uruguayo se convierta en un producto de exportación reconocido, tal como pasó con el argentino. Eso significaría desarrollo económico para jugadores y criadores, además de mayores oportunidades para petiseros, veterinarios y toda la cadena vinculada a la cría y la doma.

“LA generación QUE VIENE DETRÁS DE LOS referentes ACTUALES TIENE CON QUÉ SOSTENER EL nivel” REVISTA MOLA 43

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BTG PACTUAL EL GIGANTE BRASILEÑO QUE DESAFÍA LA BANCA TRADICIONAL URUGUAYA El banco comienza a operar en el mercado uruguayo con una plataforma completa de servicio financieros y el compromiso de potenciar el negocio a través de la tecnología y la innovación.

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TG Pactual, el mayor banco de inversión de América Latina completó la compra de HSBC Uruguay, una operación que rondó los 211 millones de dólares. Tras este hito, las autoridades de la firma se reunieron en Montevideo para detallar sus planes de negocio y de integración. El CEO global de la institución, Roberto Sallouti, y el CEO de la filial local, Constantino Gotsis, compartieron un encuentro de prensa donde explicaron que la propuesta busca expandir la presencia del banco en el mercado local y consolidar a Uruguay como un nodo de su estructura financiera para la región.

Un puente de doble vía: mercado local y centro financiero regional La llegada a Uruguay coincide con la decisión estratégica puntual de HSBC sobre esta operación y con la meta de BTG Pactual de ampliar su presencia en América Latina. Al analizar la transacción, Sallouti señaló que se trató de una combinación de intereses que facilitó el traspaso. El ejecutivo fundamentó la elección de Uruguay por su estabilidad institucional y la madurez de su entorno social y económico. La estrategia del banco en el país se proyecta en dos líneas de trabajo. Por un lado, Uruguay se suma a la red de sucursales de registro de la institución que operan en Estados Unidos, Luxemburgo y las Islas Caimán. El objetivo es que el país funcione como una plataforma para gestionar las inversiones de clientes latinoamericanos, principalmente argentinos y brasileños. Por otro, la firma prevé realizar un aumento de capital de 25 millones de dólares para el banco en Uruguay. Asimismo, proyecta reinvertir el 100% de las utilidades que genere la filial local durante los próximos cinco años para respaldar sus planes de crecimiento.

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Nuevos segmentos: el foco en pymes y banca privada Uno de los cambios respecto a la gestión anterior radica en la ampliación del perfil de clientes del banco. Anteriormente, el negocio corporativo se concentraba en empresas de gran porte. La propuesta actual de BTG Pactual busca dar cobertura a más sectores, incorporando a las pequeñas y medianas empresas dentro de su público objetivo.

LA propuesta ACTUAL DE BTG PACTUAL BUSCA DAR cobertura A MÁS sectores, INCORPORANDO A LAS PEQUEÑAS Y MEDIANAS empresas DENTRO DE SU público objetivo.

"El segmento de pequeñas empresas ahora está dentro de nuestro target", explicó Constantino Gotsis, quien cuenta con trayectoria en la plaza financiera local tras dirigir previamente Citibank y HSBC en el país. El ejecutivo señaló que el uso de plataformas digitales permite reducir costos operativos para dar acceso a empresas de menor escala. Asimismo, la entidad ofrecerá servicios de gestión patrimonial (Wealth Management) y banca privada para patrimonios medianos y altos. Gotsis observó que el asesoramiento patrimonial y la planificación sucesoria suelen ser gestionados por firmas de servicios profesionales no bancarios en Uruguay, un área donde el banco planea competir directamente. En el mercado de créditos, la firma prevé participar en el financiamiento de proyectos inmobiliarios, tarjetas de crédito, préstamos personales y servicios de acreditación de sueldos. También reactivará herramientas de financiamiento comercial como el arrendamiento financiero (Leasing) y el financiamiento de inventario para automotoras (Floorplan), un producto que la administración previa tenía estructurado pero que se reservó para esta nueva etapa.

Tecnología y personalización del servicio Para competir en la plaza local, la institución se apoyará en su estructura tecnológica. Sallouti explicó que, al iniciar su expansión hacia la banca comercial hace diez años, el banco desarrolló sus sistemas directamente en la nube y bajo estándares digitales modernos, sin tener que adaptar sistemas informáticos antiguos. Para el usuario local, la propuesta apunta a la personalización de los servicios mediante el análisis de datos de uso. Gotsis señaló que, en lugar de clasificar a los clientes solo por su nivel de ingresos para ofrecerles una determinada tarjeta, la tecnología actual permite diseñar propuestas financieras ajustadas a los hábitos de consumo y necesidades de cada persona o empresa. “Estamos haciendo el banco más ágil y más innovador”, agregó.

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JUAN GAFFURI DETRÁS DE UNA BUENA MESA Durante su visita al balneario esteño para participar de Otras Cocinas, y antes de su regreso a Punta del Este Food & Wine en octubre, el chef ejecutivo de Four Seasons para Latinoamérica y el Caribe conversó con MOLA sobre una vida atravesada por la comida, la cocina y la hospitalidad. Por ROSALÍA LAROCCA

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ucho antes de que supiese que dedicaría su vida a la cocina, el paladar de un Juan Gaffuri de ocho años daba algunas (grandes) señales. A esa edad el pulpo era una de sus preparaciones favoritas, tan así que cuando frecuentaba un antiguo bodegón sobre Avenida Las Heras de Buenos Aires, el mozo automáticamente llevaba a la mesa pulpo a la provenzal sin palabra mediante. “Mi abuela paterna era una gran cocinera amateur”, recuerda el actual chef ejecutivo de Four Seasons para Latinoamérica y el Caribe. Con ella aprendió a descubrir sabores y desarrolló muy temprano su curiosidad por la comida. “Me encantaba comer y probábamos de todo”. Cuando dice todo está en lo cierto; habla de ranas y perdices. En esa casa de la ciudad de Rosario, donde Gaffuri nació y creció, abuela y nieto compartían largas horas de televisión mirando a maestros como Gato Dumas o Karlos Arguiñano. Durante su adolescencia y su juventud la cocina se mantuvo como un coqueteo de entrecasa. Se animó a unos frustrados años en la Facultad de Ingeniería, aunque como no fue “hecho para estudiar”, terminó dejando y fue su mamá quien le sugirió ir por la gastronomía. Un “vamos a probar” significó el comienzo de una carrera ascendente: empezó con pasantías y, tras algunas experiencias en restaurantes y hotelería, en el año 2000 entró al restaurante Elena del Four Seasons de Buenos Aires como cocinero raso. Unos años después apareció la posibilidad de irse a Estados Unidos, y luego a México y Egipto, donde se afianzó en posiciones de alto mando dentro de una cocina. Pero un llamado de su Argentina natal lo hizo volver, esta vez como director de Alimentos y Bebidas y chef ejecutivo del restaurante Elena. Más de 10 años después alcanzaría el rol que actualmente ocupa. “Siempre voy por más. Creo que me destaca un liderazgo genuino y una conexión especial con la gente”, intenta explicar sobre su crecimiento sostenido. Desde su base en la ciudad bonaerense, Juan Gaffuri gestiona 10 propiedades de la cadena en distintos puntos de la región. Dice que tiene mucha “habilidad de adaptación” y que además “la cocina habla un único idioma” por eso puede entender qué necesita el comensal de cada lugar, por más distintos que estos sean entre sí. Viajar también le facilitó conocimiento y versatilidad. “Soy un solucionador nato, una persona que no tiene ‘no’ y que de alguna manera encuentra el camino para resolver”. Son varias las transformaciones que impulsó en Elena, aunque la principal es la implementación del dry aged, un proce-

so de añejamiento controlado de la carne en el que se regulan estrictamente la temperatura, la humedad y la circulación de aire durante varias semanas o meses para lograr un producto especialmente tiernizado. En un país carnívoro, fue el primero en traer la carne madurada a la alta cocina argentina y lo hizo dentro de un hotel cinco estrellas. El sello Gaffuri le valió al restaurante porteño del Four Seasons una recomendación de la Guía Michelin y la selección entre los 101 Best Steak Restaurants in the World. Detrás de estos logros está su particular mirada del concepto hospitalidad: “En un bodegón o en el restaurante más exclusivo, un buen servicio se da cuando hay una conexión inmediata y genuina”, explica. “Estudiamos el tecnicismo y hay ciertos estándares a seguir, pero el verdadero servicio de lujo es ese en el que yo te estoy entendiendo”. También se refiere a cómo ha ido evolucionando en el último tiempo el concepto de lujo. “No creo en los menús como un servicio acartonado y automatizado. Inclusive en un restaurante estrella Michelin, que el chef le marque el tiempo al comensal es demodé”. Según el rosarino, los establecimientos que mejor servicio ofrecen son aquellos que, en un camino preestablecido, logran adaptarse a lo que el cliente espera. “La propuesta gastronómica tiene que ser clara, debe poder entenderse y no volar, en el sentido de mezclar cosas raras porque sí”. También importa la ambientación, la iluminación y la música. “Todos son pilares para un buen concepto de restaurante”, afirma. A lo largo de sus años en la cocina, el comensal también ha cambiado mucho. Ahora parece buscar lo original o lo distinto. El propio Gaffuri quiere algo genuino cuando entra a comer a un restaurante y sentir cierto atractivo que puede estar en la hospitalidad de los camareros, en el revuelo del salón o en el estilo de la cocina. Lo cierto es que el comensal de hoy conoce más, viaja más y sabe distinguir un producto de calidad. Alejado de la vorágine diaria de la cocina y más enfocado en la concepción del restaurante, el chef de Elena cada tanto extraña “meter mano en los platos”, aunque despunta el vicio puertas adentro de su casa en compañía de sus hijos. “Cocino mucho arroz, a veces con mariscos o azafranado, y pastas”. Dice que con su hija puede jugar un poco más y comer hamburguesas con trufas, mientras que su hijo es de la milanesa con papas y la pizza. “En casa no hago alta gastronomía. Cocino cercano, sabroso y con amor”.

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SABORES COMPARTIDOS DE BUENOS AIRES A PUNTA DEL ESTE En septiembre, Juan Gaffuri visitó Punta del Este en el marco de Otras Cocinas, el ciclo producido por I’marangatú y Lifestyle Events, para preparar una degustación en las cocinas del chef anfitrión Matías San Jurjo. Además, el 17 de octubre volverá a pisar suelo esteño para ser parte de la décima edición de Punta del Este Food & Wine en Narbona, donde hará una preparación a base de fuegos con las técnicas tradicionales de Elena. No son estas las primeras veces con el balneario. De chico solía visitar Punta con sus hermanas, cuando la oferta gastronómica no había despegado a lo que es hoy. “Se nota un crecimiento muy fuerte, quizás impulsado por cocineros apasionados que decidieron hacer su camino, pero esta vez conectados entre sí. Creo que ese fue el gran

cambio de la gastronomía en esta región”. En sus recuerdos también aparece un tímido José Ignacio al que iba solo a comer tortilla de algas. Venir a Uruguay siempre le resultó amigable al paladar. “Nuestra gastronomía comparte mucho, sobre todo el uso del producto”. Define a la cocina local como una cocina de terruño, con buen pescado, buen producto de tierra y genuino. También por sus históricos: la pizza por metro, el frankfurter y el chivito. Y es en estos sabores de un pueblo donde Gaffuri ve la capacidad de seguir evolucionando. “A ambos lados del Río de la Plata tenemos que hacer base en esos platos que de alguna manera nos hicieron históricos. Es una forma de seguir manteniendo viva nuestra cultura”.

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«A AMBOS LADOS DEL RÍO DE LA PLATA TENEMOS QUE HACER BASE EN

ESOS PLATOS QUE DE ALGUNA MANERA NOS HICIERON HISTÓRICOS. ES UNA FORMA DE SEGUIR MANTENIENDO VIVA NUESTRA CULTURA»

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TRES ESTRELLAS EN SÃO PAULO EN UNA DE LAS CIUDADES MÁS grandes, diversas Y gastronómicas DE AMÉRICA LATINA, Tuju Y Evvai HICIERON HISTORIA ESTE 2026 AL CONVERTIRSE EN LOS PRIMEROS restaurantes DE LA región EN

ALCANZAR LAS TRES estrellas Michelin. DOS COCINEROS JÓVENES, DOS PROPUESTAS DIFERENTES Y UNA MISMA BÚSQUEDA: LLEVAR BRASIL A LA alta cocina ANTE LOS OJOS DEL mundo.

Por ROSANA DECIMA

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ão Paulo es de esas ciudades que parecen no terminar nunca. Enorme, cosmopolita, intensa, con barrios que podrían ser ciudades y una oferta gastronómica que hace difícil abarcarla incluso en varios viajes. Hay restaurantes de todas las cocinas posibles, desde las propuestas más sencillas hasta algunas de las experiencias gastronómicas más sofisticadas de América Latina. En medio de esa inmensidad están Tuju y Evvai, dos restaurantes que comparten una particularidad que los vuelve excepcionales: en abril de 2026, durante la gala de la Guía Michelin, ambos recibieron por primera vez las tres estrellas, convirtiéndose en los primeros de Brasil y de Latinoamérica en alcanzar esta distinción. Las tres estrellas ya serían motivo suficiente para sentarse en sus mesas. Pero una vez que comienza la experiencia aparece algo todavía más interesante: detrás de los reconocimientos hay dos cocineros jóvenes con una mirada muy definida sobre la gastronomía brasileña. Ivan Ralston, en Tuju, y Luiz Filipe Souza, en Evvai, recorren caminos diferentes, pero ambos encuentran en Brasil los productos, las historias y la diversidad necesarios para construir una cocina contemporánea con identidad propia.

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El espacio funciona además como una escuela, con cursos que van desde contenidos más conceptuales hasta clases prácticas de cocina. Es una parte menos visible de Tuju, pero ayuda a entender qué hay detrás de lo que después llega a la mesa: un trabajo de investigación que empieza mucho antes de que un ingrediente se convierta en un plato.

TUJU, CUANDO LA NATURALEZA MARCA EL RITMO En Tuju, Ivan Ralston, junto a Katherina Cordás y su equipo, construye una cocina profundamente ligada a la naturaleza. El menú cambia cada tres meses y toma como referencia cuatro períodos climáticos: lluvia, humedad, sequía y viento. Cuando visité el restaurante, la etapa era “Viento”. La propuesta estaba compuesta por varios pasos que iban poniendo en valor ingredientes brasileños y el trabajo de productores de distintas regiones. La idea de trabajar con lo que ofrece cada momento del año atraviesa toda la experiencia. No se trata solamente de utilizar ingredientes locales, sino de prestar atención a sus tiempos, sus características y a las personas que están detrás de ellos. Esa búsqueda también tiene un espacio propio dentro del restaurante. En 2022, Katherina e Ivan crearon el Centro de Investigación y Creatividad Tuju, conocido como Tuju Pesquisa, dedicado al estudio y profundización de los ingredientes a partir de la estacionalidad y el territorio, con especial atención a la cocina de São Paulo. Allí trabajan investigadores, académicos y cocineros que estudian los productos locales y de estación desde distintos lugares: su textura, aroma y sabor, pero también su historia, origen, presencia en el territorio y el momento en que alcanzan su mejor expresión. El centro también busca poner en valor a productores, ingredientes criollos brasileños y productos de cercanía.

Eso se percibe en el menú, pero también en la forma en que está pensado el restaurante. La experiencia comienza en el jardín, en la planta baja, con cócteles y pequeños bocados de bienvenida. Después sube al primer piso, donde está el salón principal y la cocina abierta, y termina en la terraza, con los petit fours y una sobremesa que invita a quedarse un rato más. Es como si el restaurante también tuviera su propio recorrido: primero el jardín, después la cocina y finalmente el aire libre. Y mientras eso sucede, el menú va cambiando de ritmo y de paisaje. Entre los platos, por ejemplo, la carrillera con yuca y chucrut muestra otra de las facetas de la cocina de Ralston: una preparación donde un producto de tradición más contundente está trabajado con la precisión que atraviesa todo el menú. También aparece un pulpo con erizo de mar y cebolla, de las combinaciones que reúne distintos productos y texturas en una misma preparación. Y la experiencia no termina exactamente con el último plato salado. En la terraza llegan los petit fours, esas pequeñas golosinas que prolongan la sobremesa y que en Tuju también son parte del recorrido. Entre ellas, protagonistas como los macarrones de copoazú y miso de cacao o el chocolate con nuez de macadamia. En cada propuesta hay ingredientes que hablan de Brasil y, detrás de ellos, productores que trabajan lejos de los grandes edificios de São Paulo. El plato que llega a la mesa es apenas el último eslabón de una cadena mucho más extensa. En 2025, Tuju obtuvo el puesto número 8 de Latin America’s 50 Best Restaurants y fue reconocido como el mejor restaurante de Brasil de esa edición.

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EVVAI, UNA HISTORIA QUE TAMBIÉN HABLA DE BRASIL En Evvai, Luiz Filipe Souza propone otro camino. Su cocina parte de la tradición italiana, pero lo hace desde Brasil y desde la historia particular que esa inmigración construyó en São Paulo. No es una simple mezcla de ingredientes italianos y brasileños. Hay una identidad que se fue formando con el tiempo y que hoy el chef lleva a la mesa desde una mirada contemporánea. Evvai ocupa actualmente el puesto número 20 en la lista de Latin America’s 50 Best Restaurants. A lo largo del menú aparecen productos como cambuci, pupunha, tucupi, miel de abejas meliponas, castaña de Brasil y pescados locales. La técnica está presente en cada paso, pero siempre parece estar al servicio de esos ingredientes y de la historia que quieren contar. Entre las preparaciones está su ya famosa bomba de vieiras, una de esas piezas que forman parte de la identidad del restaurante. También hay platos que hacen más evidente ese diálogo entre las dos tradiciones, como el rigatoni de pupunha, açaí y almendras, donde la pasta italiana se encuentra con ingredientes profundamente ligados a Brasil. El menú propone 16 pasos y cada uno llega acompañado por una tarjeta con información sobre los ingredientes y el concepto detrás de la preparación. Es un detalle sencillo, pero ayuda a entender mejor el recorrido y aporta un componente lúdico a una experiencia en la que todo está cuidadosamente pensado. La parte dulce merece un capítulo aparte. En Evvai, los postres llegan de la mano de Bianca Mirabili, reconocida como Mejor Pastelera 2025 por Latin America’s 50 Best Restaurants. Su trabajo continúa el diálogo que propone el lugar, también desde los ingredientes brasileños. Entre las preparaciones aparecen papaya con casis y perilla, y los theobromas brasileños, dos ejemplos de una pastelería que, como sucede con la cocina salada, busca construir identidad a partir de productos y referencias locales.

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DOS COCINAS, UNA CIUDAD Tuju y Evvai son diferentes. También lo son las historias que cuentan y la manera en que cada uno de sus cocineros entiende la cocina. En Tuju, la naturaleza y los ciclos climáticos marcan el ritmo. En Evvai, la herencia italiana se encuentra con la diversidad de Brasil para construir algo nuevo. Pero hay un punto en común: los dos miran hacia adentro. En una ciudad tan cosmopolita como São Paulo, donde prácticamente cualquier cocina del mundo tiene su lugar, estos dos restaurantes eligieron construir su identidad desde Brasil. Desde sus ingredientes, sus productores, sus paisajes y sus historias. Y mirando todo esto queda más claro por qué llegaron tan alto.

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«EN UNA CIUDAD TAN COSMOPOLITA COMO SÃO PAULO, DONDE

PRÁCTICAMENTE CUALQUIER COCINA DEL MUNDO TIENE SU LUGAR, TUJU Y EVVAI ELIGIERON CONSTRUIR SU IDENTIDAD DESDE BRASIL; DESDE SUS INGREDIENTES, SUS PRODUCTORES, SUS PAISAJES Y SUS HISTORIAS»

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PUNTA DEL ESTE FOOD & WINE UNA VUELTA POR NARBONA, COPA EN MANO Buenos Aires, Río de Janeiro, Montevideo, Punta del Este y José Ignacio se encuentran por unas horas en un mismo lugar. En su décima edición, el festival gastronómico propone recorrer algunas de las cocinas más interesantes de la región, paseando de una ciudad a otra sin salir de Narbona.

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l 17 de octubre, desde el mediodía, Punta del Este Food & Wine vuelve a escena con una sucesión de cocinas abiertas, copas de buen vino y despliegue de fuegos. La lista de chefs y restaurantes participantes en esta décima edición explica solo una parte de lo que sucederá ese día. La otra se entiende caminando, pasando de Buenos Aires a Río de Janeiro, de Montevideo a José Ignacio y Punta del Este, siguiendo platos, vinos y estaciones que durante unas horas convivirán en un mismo espacio. La llegada pide primero hacerse de una copa. El vino acompaña la jornada de principio a fin y sirve también como hilo conductor entre las distintas paradas, con bodegas uruguayas y etiquetas de Argentina, Chile, España y Francia distribuidas a lo largo y ancho de Narbona. No hay un menú cerrado ni una secuencia obligatoria. La experiencia se construye a medida que avanza la tarde, según la etiqueta que se elija, el plato que llame la atención o el siguiente puesto que invite a desviarse del recorrido previsto.

ARGENTINA Un buen primer comienzo podría ser por la cocina de Buenos Aires. Four Seasons desembarca con Juan Gaffuri, chef ejecutivo para América Latina y director de Alimentos & Bebidas de la compañía, junto a Nicolás Díaz Rosaenz, chef de Elena. Su cocina, ligada al producto argentino y especialmente a la carne, permite comenzar el recorrido desde un registro reconocible del Río de la Plata. A pocos pasos, Félix Babini lleva otra cara la ciudad porteña a través de Mad Pasta House y su vínculo con Casa Cavia.

BRASIL La siguiente escala es Río de Janeiro, ciudad invitada de esta edición y protagonista de uno de sus espacios propios. Katia Barbosa, de Aconchego Carioca; Jéssica Trindade, de Madame Olympe; y Monique Gabiatti, de Polvo Marisquería, permiten asomarse a tres formas diferentes de comer Río. Hay cocina brasileña de raíz popular, restaurantes contemporáneos y una fuerte presencia de pescados y frutos de mar. La participación carioca tendrá además un componente institucional, con la presencia de la secretaria de Turismo de Río de Janeiro, Daniela Maia, al frente de la delegación que acompañará al festival.

URUGUAY La nueva edición reúne cocineros de Montevideo, Punta del Este y José Ignacio, pero lo interesante es que tampoco aquí existe una única dirección. Se puede pasar por la cocina de producto de Marco Díaz Brady, de Harvest, detenerse en la propuesta de Facundo Lodeiro, de The Grand Hotel, seguir por Jonathan Amarilla, de Natural y Popular, o buscar los platos de Majo Cuello, de Franca, una de las paradas para quienes prefieran opciones vegetarianas. Los fuegos tendrán su propio lugar con Fabrizio Sergio e Ita Pereyra Goday. También estarán Leonardo Etxea; Astrid Acuña, de Late; Matías Sanjurjo, de I’marangatú; y Mauricio Eraso, de Fasano. En conjunto, el recorrido permite probar cocinas que habitualmente implicarían varias reservas y bastantes kilómetros entre la capital y la costa este. Aquí la distancia entre una y otra puede medirse en unos minutos de caminata.

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VINO Y DULCE Entre una cocina y la otra también conviene empezar a mirar qué hay en la copa. Bodegas uruguayas como Sacromonte se intercalan con etiquetas de otros orígenes y hacen posible otro circuito paralelo al de los platos. Se puede elegir un vino y buscar con qué cocina acompañarlo, o hacer exactamente lo contrario. Esa libertad probablemente sea una de las mejores formas de atravesar el festival. En algún momento, inevitablemente, llega lo dulce. Maru Botana prepara en vivo uno de los postres más reconocibles de la pastelería argentina: su rogel. Capas finas, dulce de leche y merengue que durante décadas construyeron parte de su identidad como cocinera y que aquí se terminan frente al público. La pastelería también tendrá representación uruguaya con Pilar Ilarraga, de 1921 Restaurant de Sofitel Montevideo, para sumar otra pausa antes de continuar.

EXPERIENCIA VIP Para quienes tengan acceso al área VIP, el circuito abre un capítulo propio. Con capacidad limitada a 200 personas, concentra algunas experiencias pensadas especialmente para esta edición. Black River Caviar tendrá una estación de bocados; los itamaes de Norimoto prepararán hand rolls en el momento y Santiago Inzaurralde estará a cargo de un asado de lujo inspirado en la propuesta de Estancia VIK. También cambia la selección de vinos. Champagne Delamotte representa a Francia, Sacromonte presenta su línea Carapé y Bodega Bemberg llega desde Argentina con La Linterna.

Punta del Este Food & Wine cumple 10 ediciones con más de 70 chefs, 50 bodegas y 10.000 asistentes acumulados en su historia. El aniversario encuentra al festival sosteniendo la misma idea que le dio origen: reunir cocinas y ciudades distintas en una misma experiencia. Por eso, durante unas horas, comer deja de ser una sucesión de mesas reservadas y se convierte en una forma bastante literal de viajar. ENTRADAS A LA VENTA EN REDTICKETS CON DESCUENTOS ESPECIALES PARA CLIENTES DE ITAÚ PERSONAL BANK.

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VITAMINAS PARA TODOS LOS DÍAS Meses después de nuestra primera conversación con Clo Dimet, volvemos a Vitaminas con su segundo local de Roosevelt ya en marcha. Un espacio que encontró identidad propia, se incorporó a la rutina de sus clientes y abrió una nueva etapa para el proyecto.

Por FIORELLA BENAVIDES | Fotos VIRGINIA ZABALETA

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ace unos meses, cuando hablamos con Clo Dimet, el segundo local de Vitaminas todavía estaba en plena gestación. Junto a su socio, Otto Nan, preparaban el desembarco en Roosevelt con una idea clara: llevar algo de lo construido en El Emir hacia un contexto más urbano y cotidiano, pero sin repetir la fórmula. Hoy las puertas están abiertas y aquella idea ya fue atravesada por algo bastante menos controlable que cualquier planificación: la gente. “Una cosa es pensarlo, diseñarlo y proyectar cómo querés que funcione, y otra muy distinta es verlo cobrar vida y entender qué lugar ocupa realmente para la gente”, cuenta. Una vez abierto, fueron los propios clientes quienes empezaron a marcar los ritmos del lugar, a repetir visitas y a apropiarse del espacio. El público terminó siendo más diverso de lo que habían imaginado. Conviven distintas edades y perfiles, atravesados por algo en común: el interés por comer bien, el cuidado de los detalles y la posibilidad de sentirse cómodos. De a poco aparecieron los habitués, las caras conocidas y las pequeñas rutinas que convierten un café en algo más que un lugar de paso. Roosevelt también fue encontrando una personalidad distinta a la de El Emir. Si el primer Vitaminas está inevitablemente atravesado por el mar, la playa y cierta espontaneidad, el nuevo local se metió en otra temporalidad; la del día a día.

to llega otro local, será porque apareció una oportunidad que tuvo sentido y no porque exista una meta que cumplir. “Cuando uno está demasiado pendiente de llegar a un resultado determinado, corre el riesgo de perderse lo más valioso, que es todo lo que sucede durante el camino”. Esa manera de pensar Vitaminas lleva la conversación hacia algo más grande que el propio café: qué significa construir un proyecto en Punta del Este hoy.

Se va a desayunar o almorzar, a encontrarse con alguien, a trabajar un rato o simplemente a hacer una pausa. Esa cotidianeidad terminó de darle sentido a algo que buscaban desde el comienzo; que ambos lugares fueran reconociblemente Vitaminas sin necesidad de ser iguales.

Durante décadas, la identidad de la ciudad estuvo inevitablemente asociada al verano. Pero quienes viven acá conocen también otra Punta, la que continúa cuando baja el volumen de enero, la que tiene rutinas, vecinos, trabajos, cafés y lugares de encuentro durante el resto del año.

Entre todo aquello que ocurrió después de abrir, hubo además algo que no estaba tan dimensionado: el equipo.

Buena parte del futuro de la ciudad, cree Clo, se juega justamente ahí. “Punta se va a transformar en un destino turístico que permanezca y se consolide en el tiempo, durante muchas décadas más, en la medida en que quienes vivimos acá sigamos eligiendo Punta, habitándola y construyéndola durante todo el año”.

La selección de quienes iban a trabajar en Roosevelt fue larga y minuciosa. Hoy, cuando mira estos primeros meses, aparece como una de las mayores satisfacciones de la apertura. “Podés tener un concepto muy pensado, un lugar precioso y un gran producto, pero son las personas las que terminan dándole alma a un proyecto”. La frase permite entender también dónde está puesto el foco cuando se habla de gastronomía. La experiencia no termina en lo que llega a la mesa. Está en cómo te reciben, en el servicio, en los detalles y en quienes sostienen diariamente aquello que fue imaginado mucho antes de abrir las puertas. Por supuesto, pasar de uno a dos locales también cambió la escala del desafío. Crecieron las responsabilidades y la estructura, aunque la idea sigue siendo pensar Vitaminas como un mismo proyecto que encontró otra manera de expresarse. Y tampoco parece haber demasiada ansiedad por saber cuál será la siguiente. Con Otto, cuenta, prefieren mantenerse atentos al presente antes que diseñar un plan de expansión. Si en algún momen-

Su mirada pone sobre la mesa la idea de que una ciudad no se sostiene solamente con quienes llegan, sino también con quienes deciden quedarse. En esa Punta que busca trascender la temporada, los proyectos que permanecen abiertos durante los 12 meses empiezan a ocupar otro lugar. No solamente ofrecen un servicio; generan movimiento, hábitos y espacios de encuentro. Construyen, a su escala, vida cotidiana. Y quizás ahí se entienda mejor lo que terminó pasando con Roosevelt. Vitaminas abrió un segundo local, sí, pero en el proceso encontró algo que no podía diseñarse de antemano: personas que lo incorporaron a sus días. Un café para desayunar, trabajar, encontrarse o hacer una pausa. Un Vitaminas para todos los días.

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Buenos Aires, Nuestro sueño hoy se hace realidad en tus calles.

Libertad 1286, Recoleta MONTEVIDE O • PUNTA DEL ESTE • BUENOS AIRES REVISTA MOLA 67

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MARGARET WHYTE EN LA BIENAL DE VENECIA Antifrágil: Sobre el poder de la incertidumbre Por PÍA SUSAETA | Fotos GIACOMO FRISON

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MARGARET WHYTE, 2026. PH. SABRINA SRUR.

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l tema propuesto por la curadora Koyo Kouoh para la edición de este año de la Bienal es “In Minor Keys” (“En tonos menores”). Invita a alejarnos del estruendo y la espectacularidad para afinar la escucha hacia lo sutil, lo íntimo y lo que, desde los márgenes, construye la resistencia cultural. Uruguay responde a este llamado con “Antifrágil”, un proyecto de Margaret Whyte con la curaduría de Patricia Bentancur.

La propuesta instalativa de Whyte dialoga con la consigna de la bienal y demuestra que la antifragilidad es, en esencia, la capacidad de encontrar potencia en lo que parece vulnerable. No se trata de una resistencia rígida, sino de una inteligencia sensible que permite a las comunidades y a las personas soportar la incertidumbre, transformarse y evolucionar gracias a ella. La elección de Margaret Whyte para esta representación nacional (mediante llamado público) es, además, un reconocimiento a una trayectoria coherente y audaz que se extiende por más de cinco décadas. Su obra es testimonio de cómo memoria y materia pueden resignificarse y crear nuevos sentidos. En un mundo que descarta lo frágil, Whyte nos señala que allí reside una fortaleza inmensa.

CINCO DÉCADAS DE UNA OBRA EN TRANSFORMACIÓN Artista visual de gran trayectoria y reconocimiento, Margaret Whyte construido un cuerpo de obra pionero tanto en sus estrategias conceptuales como en las decisiones que orientan su formalización. Su práctica se ha articulado de manera sostenida en torno a problemáticas sociales y de género, activadas desde una mirada interpelante que, alejada de los juicios o prejuicios, se abre a zonas de complejidad y ambivalencia. Su producción resiste cualquier intento simplificación y se inscribe como un capítulo interesante para repensar la historia del arte. En este desplazamiento, su obra contribuye a imaginar una genealogía de las prácticas artísticas más inclusiva y situada, capaz de desbordar los marcos tradicionales para atender a configuraciones materiales, afectivas y políticas específicas. Margaret Whyte comenzó su actividad artística en 1972 en

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el Círculo de Bellas Artes de Montevideo y fue parte activa y fundamental de la generación de artistas uruguayos de los años 80. Posteriormente se unió al FAC, colectivo que integra hasta el día de hoy. Su producción dio un giro radical cuando, debido a problemas de salud derivados del uso continuado de óleos y materiales tóxicos, tuvo que abandonar la pintura a finales de los años 90. Este quebranto de salud redireccionó su obra hacia el trabajo con textiles y objetos encontrados, abriendo un nuevo capítulo en su carrera artística. La transición del dibujo y la pintura a la instalación comienza con “Las cosas mismas” (1995), donde objetos cotidianos intervenidos con pintura acrílica negra, envueltos y acompañados de imágenes seriadas, creaban un tiempo detenido que alberga la memoria afectiva de la artista. Posteriormente, “Hasta que duela” (2001) presentó esculturas en pequeño formato realizadas en gel y silicona que cuestionaban el concepto de belleza hegemónico y ponían el cuerpo como campo de batalla. “Cuerpos atávicos” (2003) consolidó el uso de textiles de mediano y gran formato como protagonistas, portantes de lo específico de la pintura en tanto color y forma. En 2014, Margaret Whyte recibió el Premio Figari a la trayectoria, otorgado por el Ministerio de Educación y Cultura y el Banco Central del Uruguay. En 2021, el 59.º Premio Nacional de Artes Visuales recibió su nombre como reconocimiento a su carrera. Desde hace más de 20 años, ninguna artista mujer había representado de forma individual a Uruguay en Venecia. La coincidencia de una artista y una curadora en esta edición permite inscribir esta participación como un ejercicio de equifonía: lejos de operar como excepción, esperemos que se active una continuidad histórica. Así lo señaló la directora Nacional de Cultura, María Eugenia Vidal, en la ceremonia de inauguración del Pabellón de Uruguay en Venecia.

LA FRAGILIDAD COMO POTENCIA Patricia Bentancur, curadora del envío, que ya es el tercero que ejecuta para Uruguay en la Bienal de Venecia, encuentra el concepto de antifragilidad en el campo de la economía: Nassim Taleb, describe aquello que ante la adversidad no solo sobrevive sino que mejora. Whyte encarna esta noción, su obra no busca estabilidad formal ni cierre conceptual, sino que se manifiesta para exponer la precariedad de lo físico y la apertura a la contingencia. El conflicto y la falla no aparecen como accidentes a corregir, sino como condiciones productivas de un proceso deliberadamente abierto. Se distancia de la resiliencia, es la utilización de la fragilidad como potencia liberadora.

Whyte cuestiona la noción de permanencia que estructuró gran parte de la escultura occidental. Sus piezas no se elevan ni se separan del entorno, sino que se apoyan, se sostienen precariamente o se expanden sobre el suelo. Los elementos parecen negociar su equilibrio con las tensiones internas del ensamblaje y el espacio es una dimensión constitutiva de la obra. En sintonía con el concepto de campo expandido, la obra de Whyte deja de presentarse como entidad autosuficiente y pasa a existir como situación compartida con el espectador. La experiencia se produce en esa copresencia, en el desplazamiento físico y perceptivo que exige recorrer las relaciones entre los distintos elementos. Los textiles ocupan un lugar central en el trabajo de Margaret Whyte. Más que un recurso material, introducen en sus ensamblajes una dimensión inmediata de proximidad con el cuerpo humano. Desde su función primigenia —proteger, cubrir, envolver— las telas remiten a gestos de cuidado y de supervivencia que preceden a cualquier formalización artística. Cada fragmento textil conserva las huellas de su propia trayectoria, llegando al espacio de la obra cargadas de historias de uso y circulación. No aparecen como materia neutra, sino como portadoras de memorias. La reutilización de telas descartadas introduce una lógica de circulación que cuestiona los regímenes productivos que definen qué objetos deben permanecer y cuáles pueden ser desechados. Whyte trabaja con materiales procedentes de circuitos de descarte: restos textiles, escombros, cascos y fragmentos de cosas que han perdido su función original. Al incorporarlos en sus instalaciones, estos elementos no aparecen como residuos ni como signos nostálgicos de lo obsoleto, sino como una reconfiguración de sentido: aquello que había sido excluido de los sistemas de valor vuelve a ingresar en una nueva economía perceptiva y simbólica. La obra de Whyte puede leerse como un archivo espectral, lo que emerge es una temporalidad porosa, el pasado insiste en el presente a través de lo que queda. La memoria no permanece contenida en el sujeto; habita los lugares, las edificios y los cuerpos. Una memoria que se experimenta como presencia activa antes que como recuerdo distante. Whyte recolecta, pero su recolección no responde a una lógica taxonómica ni a la voluntad de restaurar una totalidad perdida, sino a la activación de un archivo afectivo donde el desecho deja de ser aquello expulsado por la economía productiva. El desafío principal consiste en reorganizar esos elementos sin borrar su historicidad ni neutralizarla en el pasado; por el contrario, sostienen la heterogeneidad y la fricción entre tiempos, un modo contemporáneo de pensar el archivo como campo más cercano al montaje que al inventario.

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ART

La materialidad de su obra funciona como contraarchivo y herramienta decolonial, y al mismo tiempo es puntada, nudo y sutura que articula materia y memoria, corporalidad y territorio, estableciendo vínculos entre la experiencia estética y la experiencia en un mundo de caos y destrucción. Un desastre que ella habita, en el presente, con confianza en el futuro.

VENECIA, ENTRE LA CRISIS Y NUEVAS FORMAS DE MIRAR

“Antifrágil” establece las condiciones para que Uruguay forme parte del diálogo internacional y lo que esta bienal en particular plantea. Es un proyecto significativo que amplía los horizontes. La obra de Margaret Whyte nos propone reconsiderar lo que entendemos por estabilidad, por valor y por futuro, donde las obras convocan formas de atención, de responsabilidad y de imaginación crítica. La presencia de Whyte nos conecta, con orgullo y desde múltiples puntos, con la situación de la producción actual contemporánea mundial.

La 61.ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia ofrece un marco propicio para que la obra de Whyte dialogue con públicos globales. Esta edición, marcada fuertemente por la ausencia de su curadora, la camerunesa Koyo Kouoh (fallecida repentinamente en mayo 2025), un jurado que renunció en bloque pocos días antes de la apertura por la participación de países que están en guerra, un “voto del público” para otorgar los premios (que todavía no está muy claro cómo va a funcionar ya que muchos artistas pidieron que se retiraran sus nombres de las nóminas), numerosas protestas y un largo etcétera que solo confirma una crisis institucional que azota a los grandes eventos e instituciones del arte. Lo que sí se va fortaleciendo es la tendencia que promueve ciertas presencias, que afirman el lugar de prácticas artísticas desarrolladas fuera de los centros tradicionales de legitimación, sosteniendo otros modos de hacer y de mirar. El concepto curatorial (discutible, por supuesto) propone desconectarse de los discursos grandilocuentes y de algunos temas de la actualidad como los conflictos y las fuertes crisis geopolíticas. Propone conectar con lo sutil y lo afectivo. En este punto, saliendo del campo del arte, destaca el apoyo a esta representación de Uruguay en el colectivo de artistas, curadores y actores del campo del arte nacional. Tanto artista como curadora cuentan con un apoyo extendido y afectivo que se vivió plenamente en el acto oficial de la inauguración, que contó con la presencia del embajador de Uruguay en Italia, la directora Nacional de Cultura María Eugenia Vidal y el coordinador del Instituto Nacional de Artes Visuales (INAV), entre otras autoridades y personas claves (gestores y mecenas) para que este envío cerrara con la calidad necesaria.

«LOS TEXTILES OCUPAN UN LUGAR CENTRAL EN EL TRABAJO DE MARGARET

WHYTE. MÁS QUE UN RECURSO MATERIAL, INTRODUCEN EN SUS ENSAMBLAJES UNA DIMENSIÓN INMEDIATA DE PROXIMIDAD CON EL CUERPO HUMANO. DESDE SU FUNCIÓN PRIMIGENIA -PROTEGER, CUBRIR, ENVOLVERLAS TELAS REMITEN A GESTOS DE CUIDADO Y DE SUPERVIVENCIA QUE PRECEDEN A CUALQUIER FORMALIZACIÓN ARTÍSTICA»

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ART

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PH. GIACOMO FRISON

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CRÉDITOS: ©ROLEX/FRANÇOIS LACOUR

ROLEX OYSTER Cien años adelantándose al tiempo

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HISTORY

ESE vínculo ENTRE

precisión Y experiencia humana SE CONVIRTIÓ EN PARTE DE LA

identidad DE Rolex.

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n 1926, Hans Wilsdorf imaginó un reloj capaz de acompañar la vida sin límites. Cien años después, el Oyster no solo sigue siendo uno de los grandes símbolos de Rolex: aquella intuición transformó la relojería moderna y dio origen a una familia de piezas que atravesaron océanos, expediciones y generaciones. En su centenario, la maison suiza celebra ese legado con una edición conmemorativa, una nueva certificación y una exposición que vuelve al punto exacto donde comenzó la historia. “Tenía todo el futuro y el mundo entero por delante”, escribió Hans Wilsdorf en 1956. Tres décadas antes, el fundador de Rolex había convertido una obsesión en realidad; lograr que un reloj de pulsera fuera preciso, resistente y capaz de acompañar a quien lo llevara prácticamente a cualquier lugar. En 1926 nació el Oyster, el primer reloj de pulsera hermético de Rolex. Su sistema de bisel, fondo y corona de cuerda enroscados a la carrura protegía el movimiento del agua y del polvo, y marcaba un antes y un después en la relojería. Pero para Wilsdorf la innovación nunca terminaba en una conquista. En 1931, Rolex desarrolló el rotor Perpetual, un sistema de cuerda automática que aprovechaba el movimiento de la muñeca. Preciso, hermético y ahora autónomo, el Oyster se convirtió en Oyster Perpetual. De aquella matriz surgirían con el tiempo nombres que hoy forman parte de la historia de la relojería: Explorer, Milgauss, GMT-Master, Submariner, Cosmograph Daytona y Yacht-Master, entre otros. Cada modelo nació para responder a desafíos concretos (desde soportar grandes profundidades o campos magnéticos hasta medir tiempos o indicar un segundo huso horario) y muchos terminaron convertidos en iconos. La historia del Oyster, sin embargo, no se escribió solamente dentro de los talleres de Rolex. Wilsdorf creía en “la prueba de todas las pruebas”: demostrar la excelencia en condiciones reales. En 1927, la nadadora británica Mercedes Gleitze cruzó el canal de la Mancha llevando un Oyster. La hazaña confirmó públicamente su hermeticidad y abrió un camino que la marca continuaría durante décadas. El reloj acompañó expediciones científicas, exploradores, deportistas y aventureros en algunos de los escenarios más exigentes del planeta. Ese vínculo entre precisión y experiencia humana se convirtió en parte de la identidad de Rolex. Hoy continúa a través de sus alianzas con grandes figuras del deporte, artistas, instituciones culturales, científicos, exploradores y referentes dedicados a la protección del medioambiente.

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HISTORY

CRÉDITOS: ©AP PHOTO

UN OYSTER PARA CELEBRAR EL ORIGEN Para conmemorar el centenario, Rolex vuelve al modelo más esencial de la familia y presenta una edición aniversario del Oyster Perpetual 41. La pieza llega en Rolesor amarillo, combinación de oro amarillo y acero Oystersteel que recupera visualmente elementos presentes en algunos de los primeros Oyster. Los guiños al aniversario son discretos pero inequívocos: el número “100” aparece acuñado en la corona de cuerda y la esfera incorpora la inscripción “100 years” a las 6 h, en el lugar tradicionalmente reservado a “Swiss Made”. Sobre la esfera pizarra, el nombre Rolex y pequeños detalles de la minutería aparecen en el verde emblemático de la marca. El centenario coincide además con una evolución de la certificación Superlative Chronometer. En 2026, Rolex incorpora tres nuevos criterios —resistencia al magnetismo, fiabilidad y sostenibilidad— a los ya existentes de precisión, hermeticidad, cuerda automática y autonomía. Siete pilares que sintetizan una búsqueda de excelencia que atraviesa la historia de la manufactura.

TESTIMONIAL DE ROLEX DESDE 1982, SYLVIA EARLE HA PARTICIPADO EN NUMEROSAS EXPEDICIONES SUBMARINAS. EN 1970 LIDERÓ LA MISIÓN TEKTITE II, INTEGRADA EXCLUSIVAMENTE POR MUJERES, Y EN 1979 ESTABLECIÓ EL RÉCORD DE INMERSIÓN EN SOLITARIO A MAYOR PROFUNDIDAD, AL ALCANZAR LOS 381 METROS BAJO EL OCÉANO PACÍFICO, UTILIZANDO UN TRAJE RÍGIDO RESISTENTE A LA PRESIÓN.

La celebración se extiende también más allá de la muñeca. Con Oyster Story, Rolex creó una exposición dedicada a los orígenes y la evolución del reloj. Presentada entre el 10 y el 28 de junio en el West Bund Dome de Shanghái, reunió piezas de colección, relojes históricos y contemporáneos, innovaciones técnicas, figuras emblemáticas e instalaciones inmersivas. Cien años después de aquella invención de 1926, el Oyster sigue hablando de algo que trasciende la relojería. De la posibilidad de imaginar un objeto para un mundo que todavía no existe y conseguir que, un siglo más tarde, continúe avanzando con él.

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ROAD TRIP

AMIGOS EN EL CAMINO REVISTA MOLA 78

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FOTOS: GASPAR PEÑALVA

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Federico Lozada Y George Rey COMPARTEN SU PASIÓN POR LAS motos Y UNA FORMA DE disfrutar LA vida. ROAD TRIP NACIÓ ENTRE amigos, ruta, BUENA MESA Y GANAS DE VIVIR CADA viaje A FONDO. EN 2027, Punta del Este VUELVE A SER EL PUNTO DE ENCUENTRO PARA CELEBRAR SU sexta edición. REVISTA MOLA 82

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“Road Trip es una unión de amigos que comparten una misma pasión y una misma sintonía. Nos gusta salir a rodar, sentirnos parte de un grupo y disfrutar de esos buenos momentos que después terminan convirtiéndose en grandes recuerdos. Nos gusta andar en moto, pero también comer rico, conocer lugares, descubrir cosas lindas, sentarnos alrededor de una mesa y reírnos con gente que siente como nosotros. La moto es nuestra gran pasión, pero también es un idioma. Una manera de encontrarnos y de compartir. Como organizadores, buscamos que nuestros amigos vivan la mejor experiencia posible. Pensamos cada viaje, cada camino, cada parada, cada lugar y cada comida para que todo tenga algo especial. Nos gusta sorprender, cuidar los detalles y crear rides que realmente valgan la pena. En 2027 vamos a celebrar en Punta del Este, donde nació todo, nuestra sexta edición. Y lo hacemos con el mismo entusiasmo del comienzo. Somos Federico Lozada y George Rey. Dos disfrutadores que comparten la vida con gente que quieren y que encontraron en la ruta una manera de celebrar esa amistad”.

FEDERICO LOZADA Y GEORGE REY

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LIFESTYLE

ELEGIR QUEDARSE DISTINTOS RECORRIDOS Y UNA ELECCIÓN EN COMÚN: HACER DE PUNTA DEL ESTE EL LUGAR PARA VIVIR Y DESARROLLAR ALGO PROPIO. SIETE HISTORIAS SOBRE VOLVER, LLEGAR, CREAR Y ENCONTRAR, LEJOS DE LA TEMPORADA, OTRAS FORMAS DE HABITAR EL ESTE

Por FIORELLA BENAVIDES

P

unta del Este tiene dos caras. Una es vox populi: la del verano, cuando todo parece suceder al mismo tiempo. Eventos, fiestas, gente, calles colapsadas. Durante el verano la ciudad se enciende, explota y todo el mundo quiere estar acá. El mar, el paisaje y esa mezcla tan particular hacen el resto. Pero cuando cambia el clima, los locales cierran, las calles se vacían y el ritmo se enlentece, aparece otra Punta del Este. Parecería que la ciudad se toma una pausa, aunque para quienes vivimos acá todo el año esa pausa es, quizás, una de sus partes más lindas. Desaparece el tránsito, quedan pocos cafés donde encontrarse y se vuelve un poco a lo esencial. Bajan el ruido y las distracciones. La naturaleza se hace más

presente. Hay más tiempo para mirar, pensar, crear, encontrarse. Por momentos aparece incluso esa sensación de tener la ciudad para uno. Y con ese silencio aparece también espacio. Para crear, probar una idea, abrir un proyecto, conocer a quienes están haciendo otras cosas y generar comunidad. Porque que el ritmo baje no significa necesariamente que dejen de pasar cosas. Algunos nacieron acá, se fueron y eligieron volver. Otros llegaron después de probar otras ciudades y decidieron quedarse. Sus recorridos son distintos, pero terminan llevándonos a una misma pregunta: ¿qué hace que un lugar al que tantos vienen de paso se convierta, para otros, en el lugar donde quedarse?

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LIFESTYLE

AZUCENA MONTERO ARTISTA

Azucena Montero nació en Punta del Este, se fue, probó vivir en otros países y en Montevideo, pero terminó volviendo. “Creo que los que se criaron o vivieron un buen tiempo acá, en algún momento, siempre vuelven”, dice. En ese regreso encontró también un lugar fértil para desarrollar su trabajo. Habla de un circuito artístico en crecimiento, pero sobre todo de una escala más humana, donde es posible conocer a quienes forman parte de él, acercarse, proponer y colaborar. “Somos pocos y, al mismo tiempo, somos bastante accesibles”. Hay otro aspecto de Punta que atraviesa directamente su práctica: cierta distancia con respecto a lo que sucede en las grandes ciudades. “Hay cierta paz en estar lejos de todo y poder crear desde ese lugar”. Frente al bombardeo constante de información, Azucena valora la soledad y los momentos introspectivos. “A veces la soledad y estar un poco aislados te da mucha libertad”, dice. Es en esos momentos donde aparecen muchas de las ideas que después terminan convirtiéndose en trabajo.

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LIFESTYLE

JULIETA RIVERTI Y DANI PUIG VIVERO SALVAJE + YUYO CAFÉ Julieta Riverti se fue de Punta del Este a los 18 años, pero siempre supo que volvería cuando llegara el momento de emprender algo propio. “Siempre me imaginé viviendo acá”, cuenta. Haber crecido cerca del mar y en contacto con la naturaleza seguía pesando, pero también veía otra posibilidad: “Uruguay es un país espectacular para crecer, donde todavía hay mucho por hacer y donde está abierta la posibilidad de nuevos emprendimientos”.

Dani también tuvo que irse para elegir volver. Llegó a Punta del Este desde Montevideo a los 12 años y, después de idealizar la vida en Europa y Buenos Aires, probó ambas antes de decidir instalarse nuevamente acá. Lo que encontró va desde “el mar, el horizonte, las estrellas o el fuego” hasta algo menos evidente: la identidad que se construye al vivir en un pueblo, donde salir a la calle significa cruzarse cotidianamente con amigos en la playa o en un café.

Ese entorno terminó atravesando directamente su trabajo. En Vivero Salvaje trabajan con especies nativas y buscan incorporar y potenciar la biodiversidad del paisaje. “Estamos en un entorno que tiene algo urbano y agreste al mismo tiempo”, explica. El lugar condiciona qué diseñan, qué cultivan y hasta su propia manera de entender el paisajismo.

Y está la estacionalidad: “los nueve meses más calmos e introspectivos de temporada baja” frente a “los tres meses de intensidad fogosa del verano”. Desde Yuyo Café, incluso el clima marca el ritmo del trabajo. “Somos muy vulnerables al sol, al viento y a la lluvia, cosa que en muchas ciudades se pierde”.

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LIFESTYLE

IVÁN MARTÍNEZ AUTIN

GALERISTA DE LA GALERILLA Antes de instalarse en Punta del Este, Iván Martínez Autin vivía en Nueva York. El cambio de escala fue también una oportunidad. “Venía directo de vivir en Nueva York, donde la competencia era brutal, y encontré en Punta del Este un circuito en crecimiento, donde hacerse un espacio propio era muchísimo más posible. ¡Y sigue siendo!”. Esa posibilidad de plantear un proyecto y construir un lugar dentro de un circuito todavía en desarrollo contrastaba con medios que describe como sobresaturados y naturalmente competitivos. Pero su elección del Este excede lo profesional. “Creo que lo que nos une a todos los que vivimos en el Este es un deseo de vivir una vida distinta, con otras reglas que las de las grandes ciudades”. Naturaleza, comunidad y la posibilidad de tener mayor control sobre el propio estilo de vida forman parte de esa elección. Y para Iván, esa forma de habitar el lugar termina trasladándose inevitablemente a su manera de trabajar.

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LIFESTYLE

IÑAKI AGUERRE, IGNACIO PENA Y SANTIAGO PENA

AMALGAMA

A veces, lo que falta también puede ser un motivo para volver. Iñaki Aguerre vivió en Punta del Este hasta los 18 años y después se fue a Montevideo a estudiar y trabajar. Cuando regresaba los fines de semana, ya acostumbrado a una ciudad con más propuestas, le pasaba algo recurrente: fuera de temporada terminaba haciendo siempre lo mismo. En vez de verlo solamente como una carencia, encontró ahí una oportunidad. “Lo que más se destaca es el potencial que tiene la zona, por su constante crecimiento y su buen vivir”, cuenta Iñaki. A eso se sumó la posibilidad de transformar un local propio, que llevaba años dedicado a otro rubro y que sentía que podía aprovecharse de otra manera. Así apareció Amalgama. La escala de Punta también terminó definiendo parte del proyecto. “Somos todos conocidos de conocidos”, dice Iñaki. Esa cercanía les permite recibir devoluciones de manera directa, entender hacia dónde llevar la propuesta y buscar un servicio cada vez más personalizado.

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LIFESTYLE

CATALINA MIGONE Y JUAN CAMPION LA PROVEEDURÍA

“En realidad, yo no elegí Punta del Este para venir a vivir. Mis padres lo eligieron por mí”. Catalina Migone se crió acá, después se fue, estudió afuera, viajó y conoció otras formas de vivir. Pero siempre terminó volviendo. “Acá está mi infancia, mis recuerdos, mi familia, mis amigos, los lugares que forman parte de mi historia. Todo eso que, al final, construye la idea de hogar”. Hoy hay además una continuidad generacional: el lugar donde sus padres decidieron criarla es el mismo que ella eligió para formar su familia. Pero Catalina también vio transformarse Punta del Este y encontró en ese crecimiento ganas de aportar desde sus propios proyectos. Hay algo de la ciudad que le resulta especialmente difícil de encontrar en otro lado: su doble cara. El verano cosmopolita, activo y lleno de gente convive con otra Punta que aparece cuando termina la temporada. “Yo amo cuando la ciudad se apaga. Cuando se apagan hasta

los semáforos y volvemos a encontrarnos con esa tranquilidad que para mí es la verdadera esencia de este lugar”. Juan llegó desde otro lugar. Eligió Punta del Este por el mar y por la posibilidad de trabajar de lo que le apasionaba, pero fue la gente la que terminó de conquistarlo. “Desde que llegué sentí mucha amabilidad y apertura hacia quienes veníamos a emprender respetando el lugar y su comunidad. Después llegó el amor, y eso terminó de hacerme elegir Punta del Este para establecerme y formar mi vida acá”. En La Proveeduría, ese vínculo con el entorno y la comunidad atraviesa también el trabajo. Juan habla de conocer a las personas detrás de cada proyecto; Catalina, de crear propuestas con identidad que generen comunidad. Para ella, la síntesis termina siendo sencilla: “Punta del Este no es solamente el lugar donde vivo y trabajo. Es donde está mi infancia, mis raíces y mi historia. Es mi hogar”.

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LIFESTYLE

AZUL GATTÁS

ARTISTA Y GALERISTA DE CIELO “Quería volver a mi casa”. Así explica Azul Gattás la decisión de instalarse nuevamente en Punta del Este. Había vivido allí hasta los 17 años y después buscó otros ritmos en Ciudad Vieja, Ciudad de México y La Juanita. Cuando decidió dedicar su tiempo a su propia práctica artística, volvió al lugar donde había crecido. Más que descubrir algo nuevo, volvió a mirar con otros ojos lo que siempre había estado ahí: “la armonía entre el horizonte del mar, el viento, el urbanismo y el paisajismo de cada barrio y el ritmo de la gente”. Y en esa mirada aparece una Punta del Este con dos personalidades: la

introvertida del otoño, invierno y primavera, y la extrovertida del verano, “social, fiestera, ruidosa, extremadamente bella, abundante y sobreestimulada”. Fuera de temporada, la menor oferta cultural y social juega a favor de su concentración. Pasa gran parte del tiempo en el taller, entre su obra y Cielo. Pero esa calma no significa quietud. “Punta del Este tiene mucho potencial, hay mucho por hacer”. Parte de su interés está justamente ahí: generar propuestas durante todo el año y contribuir a extender una temporada que todavía siente demasiado corta.

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LIFESTYLE

FRANCISCO IRAOLA Y MATÍAS CASCO MANSALVA CAFÉ + TRES MUSAS LIBRERÍA “Primero, elegir dónde querés vivir”. Para Francisco Iraola, el proyecto vino después. Había estudiado, trabajado en el exterior e intercambiado temporadas entre Europa y José Ignacio hasta que sintió que era momento de establecerse. Punta del Este le permitía estar cerca de sus afectos en Montevideo y, al mismo tiempo, sentir que vivía de otra manera. Había hecho seis temporadas antes de instalarse, pero convertirse en residente le mostró otro lugar. “Conocerlo en sus cuatro estaciones, en sus momentos de crecimiento y también en los de menor actividad” terminó de convencerlo. El proyecto apareció junto a Matías Casco. Francisco venía del turismo y la gastronomía; Matías, de la metalúrgica y el diseño. Mansalva comenzó a crecer desde el cruce de esas dos

miradas y una apuesta concreta por Punta Ballena. “No quería insertarme en un lugar que ya estuviera colmado de gente y de propuestas. Quería ser auténtico, apostar por un lugar donde todavía había espacio para desarrollar nuevas propuestas”. Cuando se le pregunta qué encontró acá, Francisco responde con una sola palabra: “paz”. No como sinónimo de una vida menos intensa —el negocio trae estrés, desafíos y exigencia— sino como una tranquilidad mental que le permite detenerse en los detalles, estar más cerca de su equipo y disfrutar del proceso. Al mismo tiempo, trabajar en un destino gastronómico de alta exigencia lo empuja en la dirección contraria: “me obliga a mantenerme siempre inquieto, a buscar mejorar y a no conformarme”.

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CULTURE

LIBROS

RECOMENDADOS

Por PENGUIN LIBROS URUGUAY MÁXIMA PUREZA FERNANDO BUTAZZONI Con una prosa intensa y feroz, Fernando Butazzoni construye un relato incómodo sobre la adicción, la memoria y la búsqueda de redención. Partiendo de la vida de un adicto que ha descendido hacia el fondo de la humillación, la pasta base y la intemperie, el libro se adentra en un territorio donde la verdad y la mentira se entrelazan. A través de Nacho, sobreviviente de la calle, la violencia y de sí mismo, se retrata también un Montevideo descarnado, con sus ferias, sus pensiones y sus silencios cómplices. Sin redenciones tranquilizadoras, Máxima pureza plantea una pregunta que lo atraviesa todo: ¿dónde termina la responsabilidad individual y dónde comienza la enfermedad? Una experiencia literaria perturbadora que obliga a mirar de frente lo que tantas veces decidimos ignorar. ADOLESIENTEN JUAN PABLO CIBILS Los adolescentes no están en silencio: hablan en un idioma que muchos adultos dejamos de entender. En Adolesienten II: RE-CARGADO, Juan Pablo Cibils propone un cambio de mirada: dejar de preguntarnos solo qué les pasa a ellos y empezar a preguntarnos qué nos

pasa a nosotros al intentar entenderlos. Desde su experiencia clínica, educativa y familiar, construye un mapa humano para atravesar la adolescencia actual sin etiquetas vacías, invitando a escuchar mejor y sostener el vínculo incluso cuando incomoda. SALVADOR MARÍA NOEL RICCETO María Noel Riccetto comparte un relato íntimo sobre su camino hacia la maternidad. Tras más de tres décadas dedicadas al ballet, donde aprendió disciplina y perseverancia, descubrió que la maternidad exige paciencia, confianza, amor y fe. En primera persona narra el recorrido que la llevó hasta Salvador: la ilusión, la incertidumbre, los tratamientos médicos y la esperanza sostenida, en un proyecto compartido con Nacho, marcado por el acompañamiento y la generosidad de quienes hicieron posible ese sueño. YO, PAPÁ DANIEL VIGLIONE Algo ha cambiado en la crianza: hoy se valora el tiempo de cuidados y responsabilidades de los varones con sus hijos. Yo, papá recorre cómo padres de distintas trayectorias enfrentan ese desafío, buscando abrir una conversación

pendiente, con dudas y emociones propias. En 19 miradas conviven paternidades radiantes, complejas, prestadas y adoptadas: vulnerabilidad, autoridad y ternura. Porque con la llegada de un hijo también nace un padre, y la sociedad necesita varones más presentes, empáticos y cercanos. PODRÍA QUEDARME ACÁ ORIANA SABATINI Ariana es joven, lindísima y está donde tiene que estar. Desde chica aprendió que el talento es un proyecto y la belleza, una obligación: solo falta que firme el contrato con la discográfica más importante de Estados Unidos. Pero minutos antes de hacerlo, bloquea a todos sus contactos y escapa a Buenos Aires, su ciudad natal. Perturbada por el control obsesivo de su propio peso y por un dolor que insiste, está dispuesta a probar todo con tal de evadirse, hasta cambiar los flashes por una funeraria, donde aprende a limpiar, preservar y vestir cadáveres. Entonces ocurre lo imposible: Teo, su primer amor, muerto hace trece años, vuelve. Visceral, ácida y erótica, Oriana Sabatini trenza lo fantástico con una autopsia mordaz sobre el cuerpo, la identidad y el deseo como forma extrema de resistencia.

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EDUCATION

MOORLANDS SCHOOL URUGUAY CUANDO EL ESPACIO TAMBIÉN EDUCA Más allá de los programas académicos, los idiomas o la tecnología, existe otra dimensión que atraviesa silenciosamente la experiencia educativa. La luz, la naturaleza, los recorridos y la manera en que se diseñan los espacios también influyen en cómo niños y jóvenes aprenden, se relacionan y descubren el mundo. Moorlands School Uruguay parte de esa mirada para pensar la educación desde una perspectiva integral.

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EDUCATION

C

uando una familia visita un colegio suele detenerse en el proyecto educativo, el inglés, las actividades o la propuesta académica. Sin embargo, hay otros elementos que se perciben casi intuitivamente y que tienen una incidencia directa en la experiencia cotidiana de los estudiantes. La entrada de luz natural, la posibilidad de desplazarse entre distintos ambientes, los espacios destinados a la exploración o el contacto con la naturaleza forman parte de esa dimensión menos visible. No se trata solamente de arquitectura. La manera en que están concebidos los lugares donde se aprende puede favorecer la concentración, la curiosidad, la interacción y la construcción de conocimiento. En los últimos años, disciplinas como la neurociencia y la psicología ambiental, junto con enfoques vinculados a la biofilia, han profundizado esta conversación. La idea central es sencilla: los espacios educativos no funcionan únicamente como escenarios donde sucede el aprendizaje, sino que pueden convertirse en parte activa de ese proceso. Esa relación con el entorno atraviesa todas las edades, aunque adquiere características diferentes en cada etapa. Diseñar para la primera infancia, la edad escolar o la adolescencia supone comprender qué experiencias, estímulos y formas de vincularse resultan significativos en cada momento del desarrollo. Desde esa perspectiva fue concebido Moorlands School Uruguay, integrante de un grupo educativo con más de 70 años de trayectoria y dos campus en Argentina, ubicados en Tortuguitas y Belgrano. La sede uruguaya recoge esa experiencia y la proyecta hacia una propuesta contemporánea, en la que la innovación pedagógica, los espacios y el desarrollo integral de los estudiantes dialogan entre sí. En Moorlands, el aprendizaje no queda limitado al aula. Los espacios fueron pensados para estimular la curiosidad, la exploración y el encuentro, incorporando también los recorridos, las áreas compartidas y el vínculo cotidiano con el ambiente como parte de la experiencia educativa. En tiempos en que buena parte de la conversación sobre educación gira alrededor de los programas, los resultados y la tecnología, aparece una pregunta quizás menos evidente pero igualmente relevante: ¿qué lugar ocupa el espacio en la forma en que aprendemos? La respuesta comienza mucho antes de entrar al aula.

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EDUCATION

«EN MOORLANDS, EL APRENDIZAJE NO QUEDA LIMITADO AL AULA.

LOS ESPACIOS FUERON PENSADOS PARA ESTIMULAR LA CURIOSIDAD, LA EXPLORACIÓN Y EL ENCUENTRO, INCORPORANDO TAMBIÉN LOS RECORRIDOS, LAS ÁREAS COMPARTIDAS Y EL VÍNCULO COTIDIANO CON EL AMBIENTE COMO PARTE DE LA EXPERIENCIA EDUCATIVA» REVISTA MOLA 96

A place to grow

Early Years & Primary School Inscripciones 2027

Una propuesta internacional donde el aprendizaje, la naturaleza, el deporte y la innovación acompañan e impulsan el desarrollo de cada niño, en cada etapa de su crecimiento.

WhatsApp 598 91 776132

Emotional & Social Connection

Digital Literacy

Outdoor Learning

Bilingual Immersion

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LUXURY

EL NUEVO LUJO ES SENTIRSE BIEN LOCANDA PUNTA DEL ESTE, BY Cipriani Group, REABRE

EN Noviembre CON UNA propuesta RENOVADA EN La Barra.

UN NUEVO spa, gastronomía italiana, NATURALEZA Y UNA MIRADA INTEGRAL SOBRE EL bienestar MARCAN EL COMIENZO DE SU SEGUNDA temporada.

LUXURY

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ntre el bosque de La Barra y el Atlántico, Locanda Punta del Este se prepara para una nueva temporada. El hotel de Cipriani Group, que abrió por primera vez durante el último verano, reabrirá sus puertas el próximo 1.º de noviembre con una propuesta ampliada y una idea que atraviesa cada rincón de la propiedad: hacer del bienestar el verdadero centro de la estadía. No se trata solamente de descansar. La apuesta es más ambiciosa y responde a una de las grandes transformaciones de la hotelería contemporánea: viajar para volver mejor.

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«CON LA IDENTIDAD DE CIPRIANI Y EL PAISAJE DE LA BARRA COMO PUNTOS DE PARTIDA, EL HOTEL INICIA UNA SEGUNDA TEMPORADA EN LA QUE EL BIENESTAR DEJA DE FUNCIONAR COMO UN SERVICIO ADICIONAL PARA CONVERTIRSE EN PARTE ESTRUCTURAL DE LA PROPUESTA»

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LUXURY

UN NUEVO SANTUARIO EN LA BARRA La gran novedad será Locanda Spa, concebido a partir de una mirada integral sobre la salud física, mental y emocional. Medicina preventiva, mindfulness, nutrición, movimiento y tratamientos de vanguardia conviven en programas personalizados que buscan recuperar el equilibrio y generar efectos que continúen más allá de la estadía. El agua ocupa un lugar central. Piscinas de hidroterapia, circuitos termales, piscina cubierta climatizada, terapias de contraste y espacios de relajación construyen un recorrido pensado para disminuir el estrés, favorecer el descanso y recuperar energía. La tecnología también entra en escena, aunque sin desplazar a la naturaleza. Locanda incorpora herramientas y tratamientos aplicados al bienestar dentro de una concepción contemporánea de la hospitalidad, cada vez más enfocada en la personalización y en la calidad de vida.

MOVERSE, PARAR, VOLVER A EMPEZAR El concepto se extiende mucho más allá del spa. El resort cuenta con gimnasio equipado con tecnología de última generación, estudio de spinning, sala de yoga, piscinas climatizadas interiores y exteriores, dos canchas de tenis, una de pádel y bicicletas para recorrer La Barra. La posibilidad de alternar una sesión de entrenamiento con una caminata, una mañana de playa, un tratamiento o simplemente unas horas sin agenda define buena parte del espíritu del lugar. Aquí, hacer y no hacer tienen exactamente el mismo valor.

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LUXURY

ITALIA, CON PRODUCTO URUGUAYO La gastronomía conserva uno de los sellos históricos de Cipriani. En Harry’s Table, restaurante principal del hotel, la tradición italiana dialoga con productos uruguayos en una propuesta que acompaña los distintos momentos del día: desde el desayuno hasta los almuerzos junto a la piscina y las cenas. Otra gran novedad es que también abrirá Harry's Dolci, un nuevo restaurante con sello Cipriani. El Lobby Bar, presidido por un gran piano, recupera algo de la elegancia clásica asociada a la casa. El Bellini —inevitable tratándose de Cipriani— ocupa su lugar entre los cócteles, mientras que el Pool Bar propone un registro más informal, entre el jardín, el agua y el sol. La experiencia se prolonga fuera del hotel. A pocos minutos se encuentra Casablanca Beach Club, el club de playa de Locanda, con servicio de playa, gastronomía, cócteles y traslado exclusivo para huéspedes.

MUCHO MÁS QUE UNA HABITACIÓN Con 100 habitaciones y suites, LOCANDA fue pensado como un destino en sí mismo. Sus terrazas y jardines pueden recibir bodas, celebraciones y eventos corporativos, mientras que La Bottega reúne una selección de productos Cipriani y Fiori, la florería del hotel, desarrolla arreglos para eventos y ocasiones especiales. Todo sucede bajo una misma idea: integrar descanso, gastronomía, movimiento, naturaleza y placer sin necesidad de abandonar la propiedad. La reapertura de Locanda llega, además, en un momento en que la hotelería de lujo está redefiniendo sus prioridades. El diseño, el servicio y la gastronomía siguen siendo centrales, pero el bienestar, la personalización y la relación con el entorno ocupan cada vez un lugar más determinante. En esa dirección se mueve Locanda Punta del Este. Con la identidad de Cipriani y el paisaje de La Barra como puntos de partida, el hotel inicia una segunda temporada en la que el bienestar deja de funcionar como un servicio adicional para convertirse en parte estructural de la propuesta.

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POR GROUPE L'EXCLUSIF.

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INTERVIEW

KATHRYN DUNDAS “LA salud DEBERÍA

AMPLIAR NUESTRA vida, NO REDUCIRLA” Por ANA MOLA

Médica, artista y estudiosa de la longevidad, Kathryn Dundas se mueve entre territorios que durante mucho tiempo parecieron opuestos: ciencia e intuición, tecnología y naturaleza, precisión y creatividad. Los caballos, el arte textil y una mirada sobre la medicina que pone el foco menos en vivir más que en vivir plenamente atraviesan una trayectoria difícil de encasillar. Este noviembre presentará una nueva exposición en Galería de las Misiones, en José Ignacio, un lugar al que llegó después de imaginarlo durante años y que hoy forma parte de su historia personal y familiar. En esta conversación habla del miedo a envejecer, la obsesión contemporánea por optimizarlo todo, el valor de estar presentes y una pregunta que parece recorrer cada uno de sus proyectos: qué significa, realmente, sentirse vivo.

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INTERVIEW

EN OCCIDENTE SOLEMOS HABLAR DE PROLONGAR LA VIDA COMO SI EL TIEMPO FUERA NUESTRO MAYOR ENEMIGO. ¿PUEDE SER QUE LA VERDADERA ENFERMEDAD SEA NUESTRA INCAPACIDAD PARA ACEPTAR SU PASO?

No creo que nuestro mayor miedo sea envejecer. Creo que es volvernos irrelevantes. Tememos que, a medida que pasa el tiempo, seamos menos visibles, menos necesarios, menos bellos. La ciencia puede ayudarnos a mantenernos saludables durante más tiempo, pero no puede responder la pregunta más profunda acerca de qué hace que una vida tenga sentido. Para mí, el objetivo nunca fue simplemente prolongar la vida. Se trata de llegar a cada etapa lo suficientemente saludables —física, mental y emocionalmente— como para habitarla plenamente. Cada momento de la vida nos pide algo diferente y tiene algo que enseñarnos si estamos dispuestos a escuchar. El tiempo nunca fue el enemigo. Tal vez lo sea olvidarnos de cómo habitar verdaderamente nuestra vida. LA INDUSTRIA DE LA LONGEVIDAD MUEVE MILES DE MILLONES DE DÓLARES Y PROMETE RALENTIZAR EL ENVEJECIMIENTO. ¿CÓMO PUEDE LA CIENCIA EVITAR ALIMENTAR PRECISAMENTE ESA OBSESIÓN POR LA JUVENTUD Y LA APARIENCIA QUE DICE CUESTIONAR?

No creo que haya nada malo en querer verse bien. Si teñirse el pelo, aplicarse bótox o cuidar la piel ayuda a alguien a sentirse más seguro, es una elección personal y no creo que debamos juzgarla. La pregunta es si hacemos esas cosas desde el cuidado personal o desde el rechazo hacia nosotros mismos. Para mí, la longevidad nunca tuvo que ver con preservar la juventud. Se trata de preservar la vitalidad: nuestra capacidad de pensar con claridad, movernos libremente, mantener la curiosidad, amar profundamente y seguir aportando a la vida de quienes nos rodean. Esas son las cosas que quiero que la ciencia nos ayude a proteger. La verdadera oportunidad de la medicina de la longevidad no consiste en convencernos de que debemos temer al envejecimiento. Consiste en ayudarnos a reducir los años que vivimos con enfermedades prevenibles, fragilidad y pérdida de independencia, para poder habitar plenamente cada etapa de la vida. Verse bien y envejecer bien no tienen por qué ser ideas opuestas. El objetivo no es parecer más joven. Es sentirse plenamente vivo, cualquiera sea nuestra edad. ESTAMOS RODEADOS DE RELOJES INTELIGENTES, PRUEBAS GENÉTICAS Y DATOS CONSTANTES SOBRE NUESTRA SALUD. EXISTE EL RIESGO DE TERMINAR SABIÉNDOLO TODO SOBRE NUESTRO CUERPO Y ENTENDIENDO CADA VEZ MENOS SOBRE NOSOTROS MISMOS?

Absolutamente. Tenemos acceso a más información sobre nuestros cuerpos que en cualquier otro momento de la historia y, sin embargo, muchas personas se sienten cada vez más desconectadas de sí mismas. Como médica, celebro los avances de la medicina de precisión. Los biomarcadores, las pruebas genéticas y la tecnología wearable nos permiten personalizar la atención de maneras que eran inimaginables hace apenas una generación. Son herramientas extraordinarias y las utilizo todos los días. Pero información no es lo mismo que sabiduría. Un reloj inteligente puede decirnos

cómo dormimos, pero no puede decirnos si despertamos inspirados. Una prueba genética puede estimar riesgos, pero no puede decirnos qué le da sentido a nuestra vida. Los datos pueden mostrarnos qué sucede dentro del cuerpo, pero no por qué nos sentimos más vivos. El futuro de la medicina no consiste en elegir entre la ciencia objetiva y la experiencia subjetiva, sino en integrar ambas. Las preguntas más importantes de la vida —¿quién soy?, ¿qué me restaura?, ¿qué me da propósito?— no pueden ser respondidas por un algoritmo. Hay que vivirlas. HOY MUCHAS PERSONAS INTENTAN OPTIMIZAR CADA ASPECTO DE SU VIDA, DESDE EL SUEÑO Y LA ALIMENTACIÓN HASTA EL EJERCICIO Y LA PRODUCTIVIDAD. ¿EN QUÉ MOMENTO LA BÚSQUEDA DEL BIENESTAR SE CONVIERTE EN OTRA FUENTE DE ANSIEDAD?

Creo que el bienestar deja silenciosamente de ser bienestar en el momento en que se convierte en otra forma de rendimiento. La salud nunca debería ser una competencia ni otro puntaje que optimizar. Cuando cada comida, cada entrenamiento y cada noche de sueño se convierten en algo que debemos medir, empezamos a confundir control con vitalidad. Irónicamente, el estrés de intentar optimizar cada aspecto de nuestra vida puede terminar perjudicando precisamente la salud que buscamos. Nuestros cuerpos no prosperan en un estado de vigilancia permanente; prosperan cuando se sienten seguros. Si cada decisión está impulsada por el miedo a equivocarnos, permanecemos en un sutil estado de activación simpática, exactamente lo contrario del descanso, la restauración y la resiliencia que favorecen un envejecimiento saludable. Quiero que las personas utilicen la ciencia como una guía, no como una prisión. Las personas más saludables que conozco no son las que se obsesionan con cada indicador, sino aquellas que han construido vidas ricas en propósito, vínculos, movimiento, buena alimentación, risas y momentos de verdadera presencia. La salud debería ampliar nuestra vida, no reducirla. Si nuestra búsqueda del bienestar nos deja más ansiosos que vivos, hemos confundido el mapa con el viaje. TU TRABAJO CUESTIONA UNA CREENCIA MUY ARRAIGADA: QUE LA TECNOLOGÍA SIEMPRE TIENE LAS RESPUESTAS. QUÉ PUEDE SEGUIR ENSEÑÁNDONOS LA NATURALEZA QUE NINGUNA INNOVACIÓN PUEDE REEMPLAZAR?

Una de las grandes lecciones que la naturaleza continúa enseñándonos es qué se siente al estar seguros. Nuestro sistema nervioso evolucionó en la naturaleza, no frente a las pantallas. Cuando escuchamos el canto de los pájaros, observamos las olas romper en la costa o permanecemos bajo la copa de los árboles, sucede algo extraordinario. Sin medir conscientemente un solo biomarcador, nuestro cuerpo comienza a desplazarse hacia el sistema nervioso parasimpático, el estado en el que descansamos, nos restauramos y reparamos. No hemos optimizado nada; simplemente respondimos a señales que nuestra biología reconoce desde hace miles de años. La tecnología es una herramienta extraordinaria. Puede medir el sueño, la variabilidad de la frecuencia cardíaca, los niveles de glucosa y cientos de otros

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indicadores que nos ayudan a comprender nuestra salud. Pero no puede sustituir la experiencia de sentirnos conectados, con los pies en la tierra y plenamente presentes. Los datos pueden decirnos qué está sucediendo. La naturaleza, muchas veces, nos enseña cómo sanar. No creo que el futuro de la medicina esté en elegir entre ciencia y naturaleza. Creo que está en recordar que somos naturaleza. Las innovaciones más poderosas serán aquellas que nos ayuden a reconectar con la sabiduría que nuestros cuerpos siempre han llevado consigo. LOS CABALLOS SE CONVIRTIERON EN UNA PARTE CENTRAL TANTO DE TU VIDA COMO DE TU TRABAJO. ¿QUÉ TE REVELARON SOBRE LA NATURALEZA HUMANA QUE NUNCA HABRÍAS PODIDO APRENDER DE OTRA MANERA?

Me sentí atraída por los caballos desde que tengo memoria. Nunca fueron simplemente animales que montaba; se convirtieron en parte de mi manera de comprender el mundo, de criar a mis hijos y, finalmente, de comprenderme a mí misma. Mi primer semental, Fleet, cambió mi vida. Lo compré cuando era un potrillo, todavía junto a su madre, y aunque terminó convirtiéndose en la base de mi programa de cría, nunca lo traté como a un semental. Vivía con otros caballos, yo lo montaba sin silla -incluso durante la temporada de reproducción- y fue uno de los seres más mansos que conocí. Fleet tenía una capacidad extraordinaria para meterse en situaciones imposibles. En lugar de entrar en pánico, simplemente esperaba mientras yo encontraba la manera de ayudarlo. Mirando hacia atrás, comprendo que no solo me estaba enseñando sobre caballos. Me enseñaba paciencia, confianza y la importancia de regular mi propia energía antes de intentar ayudar a otro ser vivo. Cuando mis hijos eran pequeños, uno de nuestros rituales favoritos comenzaba después de cenar. Salíamos con los perros y los gatos, yo me golpeaba el pecho y hacía un llamado que los caballos reconocían. Desde algún lugar de nuestras 500 acres de campo aparecían galopando hacia nosotros. Caminábamos, luego trotábamos y finalmente corríamos juntos, completamente libres, sin cabestros, sin cuerdas, sin ningún objetivo. Solo una familia y una manada moviéndose juntas por el paisaje, completamente presentes en ese momento. La gente suele pensar que los caballos nos enseñan a liderar a otros. Creo que a mí me enseñaron algo todavía más importante. Nos recuerdan quiénes somos debajo de los roles que desempeñamos. No les importan nuestros títulos ni nuestros logros. Responden a la presencia, la autenticidad y la energía. Toda relación significativa —con un paciente, un caballo u otra persona— comienza ahí. EN UN MOMENTO EN EL QUE ESTAMOS MÁS CONECTADOS QUE NUNCA GRACIAS A LA TECNOLOGÍA, CREÁS EXPERIENCIAS CENTRADAS EN EL SILENCIO, LA PRESENCIA Y LA NATURALEZA. ¿PENSÁS QUE EL GRAN LUJO DEL SIGLO XXI SERÁ LA CAPACIDAD DE ESTAR VERDADERAMENTE PRESENTES?

Absolutamente. Creo que la presencia se está convirtiendo en una de las experiencias más escasas de la vida moderna. Nos hemos vuelto extraordinariamente buenos para capturar momentos, documentarlos y compartirlos, pero hemos per-

dido práctica en algo mucho más sencillo: vivirlos. Para mí, la presencia no es un lujo porque sea exclusiva. Es un lujo porque se está volviendo cada vez más escasa. Vivimos en una cultura que recompensa la velocidad, la distracción y la productividad constante, aunque nuestro sistema nervioso nunca fue diseñado para vivir en un estado permanente de estimulación. He llegado a creer que sanar comienza con la presencia. Antes de que el cuerpo pueda realmente descansar, restaurarse y repararse, necesita sentirse seguro. La presencia crea esa seguridad. Ya sea sentarse en silencio junto a un caballo, caminar por un bosque, compartir una conversación sin interrupciones o mirar el sol ponerse sobre el océano, esos momentos no son una forma de escapar de la vida. Son el lugar donde la vida realmente está sucediendo. Quizá el mayor lujo de este siglo no sea poseer más, sino nuestra capacidad de estar plenamente donde estamos, junto a las personas que amamos, mientras todavía haya tiempo. EN ALGÚN MOMENTO DE TU VIDA, EL ARTE DEJÓ DE SER UN INTERÉS Y SE CONVIRTIÓ EN UNA FORMA DE EXPRESIÓN. ¿RECORDÁS CUÁNDO CREAR Y COSER DEJARON DE SER ALGO QUE DISFRUTABAS PARA CONVERTIRSE EN UNA PARTE ESENCIAL DE QUIEN SOS?

No creo que haya existido un momento en mi vida en el que no estuviera creando. De niña siempre estaba dibujando y haciendo garabatos. A los siete años ya vendía obras por encargo en ferias artesanales locales. Mirando hacia atrás, entiendo que crear nunca fue simplemente algo que disfrutaba. Era mi manera de darle sentido al mundo. En 2014, el tejido se convirtió en mi medio y sentí inmediatamente que había encontrado mi lugar. Trabajar con textiles exige una presencia absoluta. A diferencia de la pintura, donde un color puede modificarse con otra pincelada, cada decisión en una obra textil de gran formato tiene peso. Una vez que has cosido una pieza de 80 por 80 pulgadas, no puedes simplemente deshacerla y empezar de nuevo. Exige confianza, compromiso e intuición. Por eso crear resulta tan profundamente reparador para mí. No comienzo una obra con un plan rígido. Escucho. Respondo. Intento apartarme de mi propio camino y permito que el trabajo se revele. Tiene menos que ver con producir algo bello que con entablar una conversación con el tejido y con mis pensamientos, y confiar en el lugar hacia el que me conducen. Suelo decir que no creo porque lo elija. Creo porque no sé cómo no hacerlo. TU CARRERA CIENTÍFICA Y TU RECORRIDO ARTÍSTICO EVOLUCIONARON EN PARALELO. ¿CÓMO CONVIVEN ESAS DOS MANERAS DE MIRAR EL MUNDO? ¿ALGUNA VEZ ENTRARON EN CONFLICTO?

Durante mucho tiempo pensé que la medicina y el arte ocupaban lugares diferentes en mi vida. Con los años comprendí que simplemente son dos lenguajes distintos que formulan las mismas preguntas. La medicina me enseña a observar cuidadosamente, pensar de manera crítica y seguir la evidencia. El arte me pide confiar en mi intuición, aceptar la incertidumbre y abandonar la necesidad de conocer el resultado antes de comenzar. Una es analítica; el otro, instintivo. En lugar de competir, se fortalecen mutuamente. Como médica, trabajo muchas veces con aquello que puede medirse. Como

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artista, me atrae lo que no puede medirse. Ambas cosas son igualmente importantes. Algunos de los aspectos más significativos de ser humanos —el amor, el duelo, el asombro, el propósito, el sentido de pertenencia— no pueden reducirse a un valor de laboratorio y, sin embargo, influyen profundamente en nuestra salud. Nunca creí que la ciencia y la creatividad estuvieran en extremos opuestos. La mejor medicina requiere imaginación, empatía y curiosidad. El mejor arte requiere observación, disciplina y atención al detalle. Ambos comienzan con el mismo gesto: prestar verdadera atención. ALGUNOS ARTISTAS CREAN BUSCANDO RESPUESTAS; OTROS, PARA APRENDER A CONVIVIR CON LAS PREGUNTAS. ¿DÓNDE SENTÍS QUE SE SITÚA TU TRABAJO?

también forma parte del arte. No espero que todos interpreten las obras de la misma manera. Mi deseo es simplemente que se vayan con una renovada capacidad de asombro: ante el cuerpo, ante la vida y ante esa extraordinaria inteligencia que trabaja silenciosamente dentro de cada uno de nosotros. TODA OBRA TERMINA REVELANDO ALGO DE QUIEN LA CREA. ¿QUÉ PARTE DE KATHRYN APARECE EN CADA PIEZA, INCLUSO CUANDO NO SOS CONSCIENTE DE ELLO?

Energía. Incluso cuando no soy consciente de ello, mis obras contienen movimiento, vitalidad y conexión. Reflejan mi manera de ver el mundo, con curiosidad, espíritu de exploración y un profundo amor por estar viva.

Para mí, crear no consiste en encontrar respuestas ni en aprender a sentirme cómoda con la incertidumbre. Se trata de comprender. Es mi manera de procesar el mundo, las experiencias y las emociones que muchas veces son difíciles de expresar con palabras. Cuando trabajo con textiles tengo que renunciar a la necesidad de controlar el resultado. El proceso es profundamente intuitivo. Comienzo con una idea, pero rara vez sé exactamente hacia dónde me llevará. En algún momento tengo que silenciar mi mente analítica, confiar en mis instintos y permitir que la obra se revele. Ese proceso me ha enseñado tanto sobre vivir como sobre crear. Cada pieza me pide escuchar más que dirigir, responder en lugar de controlar. En muchos sentidos es una meditación, una práctica de presencia. Cuando me preguntan qué significa mi arte, muchas veces pienso que la pregunta más interesante sería: “¿Qué me ayudó a comprender?”. Cada obra me enseña algo sobre mí misma y, si tengo suerte, ayuda también a otra persona a comprender algo sobre sí misma. ESTE NOVIEMBRE VAS A PRESENTAR UNA NUEVA EXPOSICIÓN EN GALERÍA DE LAS MISIONES, EN JOSÉ IGNACIO. ¿QUÉ CONVERSACIÓN ESPERÁS ABRIR? ¿QUÉ TE GUSTARÍA QUE EL PÚBLICO DESCUBRIERA —O QUIZÁ CUESTIONARA— A TRAVÉS DE TU OBRA?

Hay momentos que nunca nos abandonan. Uno de ellos fue estar de pie en un quirófano sosteniendo un diminuto corazón de un donante que todavía latía. Los demás equipos quirúrgicos se apartaron mientras un colega y yo lo extraíamos cuidadosamente. Lo colocamos en una conservadora Coleman y subimos a un avión para transportarlo para el trasplante. Esos momentos nunca me abandonaron. Años después encontraron otro lenguaje a través del arte. La serie Bloodstream nació de ese sentimiento de asombro. Como médica, fui testigo de la extraordinaria inteligencia del cuerpo humano. Como artista, quise expresar ese mismo asombro, no a través de una ilustración anatómica, sino mediante la abstracción. Obras como Pulse y Surge exploran el ritmo, el movimiento y la inteligencia innata del cuerpo de una manera que la ciencia, por sí sola, no puede hacerlo. Estoy considerando coser en vivo durante la exposición porque quiero que las personas experimenten el acto de creación y no solamente la obra terminada. Que escuchen la música con la que creo, que observen cómo fragmentos de tela se convierten gradualmente en un todo y que comprendan que el proceso

LA OBRA "SOME THINGS ARE NOT EASILY SEEN: POVERTY" (2019), DE KATHRYN DUNDAS, EN EXHIBICIÓN EN JOSÉ IGNACIO. CORTESÍA DE KATHRYN DUNDAS.

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KATHRYN EN SU ESTUDIO EN "THE BARN", OHIO. CORTESÍA DE KATHRYN DUNDAS.

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LA OBRA "TUNNEL VISION" (2021), EN LA MUESTRA SURFACE TENSION, EN TAG | NY. CORTESÍA DE KATHRYN DUNDAS.

HOY TU TRABAJO VA MUCHO MÁS ALLÁ DE LA MEDICINA Y ABARCA LONGEVIDAD, NUTRICIÓN, EXPERIENCIAS INMERSIVAS Y RETIROS INTERNACIONALES. AUNQUE ADOPTEN FORMAS DIFERENTES, ¿QUÉ UNE TODOS ESOS PROYECTOS?

Pueden parecer búsquedas diferentes, pero siempre estuvieron impulsadas por un mismo propósito: ayudar a las personas a reconectar consigo mismas. Ya sea a través de la medicina, el arte, la nutrición o las experiencias inmersivas, mi deseo es siempre el mismo: que las personas se vayan sintiéndose más vivas que cuando llegaron. EL PRÓXIMO AÑO VAS A LLEVAR ESTA FILOSOFÍA A ITALIA A TRAVÉS DE UN NUEVO RETIRO. CUANDO LOS PARTICIPANTES REGRESEN A SUS CASAS, ¿QUÉ ESPERÁS QUE SE LLEVEN? ¿QUÉ TRANSFORMACIÓN TE EMOCIONA MÁS PRESENCIAR?

El retiro en Toscana reúne dos cosas que podrían parecer muy diferentes: la expresión creativa y la medicina de la longevidad. Pero para mí siempre han estado formulando la misma pregunta: ¿cómo ayudamos a las personas a reconectar consigo mismas para que puedan vivir más plenamente? Cada día, los participantes explorarán ambas dimensiones. En los talleres creativos voy a encontrarme con cada persona exactamente en el punto en el que esté. No hace falta saber coser. Puede ser un artista textil experimentado o alguien que jamás haya enhebrado una aguja. El proceso creativo simple-

mente se convierte en el vehículo a través del cual cada uno comienza a encontrar su propia voz. Paralelamente, nuestras sesiones diarias de medicina de la longevidad y las propuestas de reflexión acompañarán ese mismo viaje hacia el interior. Lo que más me conmueve no es ver a alguien aprender una nueva habilidad. Es verlo recordar quién es. Si regresan a casa sintiéndose más conectados consigo mismos y, por lo tanto, más plenamente vivos, entonces el retiro habrá cumplido exactamente su propósito. DESCUBRISTE URUGUAY SIENDO MUY JOVEN Y, CON EL TIEMPO, JOSÉ IGNACIO SE CONVIRTIÓ EN UN LUGAR AL QUE VOLVÉS UNA Y OTRA VEZ. ELEGISTE ESTE PAISAJE PARA TUS RETIROS Y AHORA TAMBIÉN VAS A PRESENTAR ALLÍ TU OBRA. ¿QUÉ ENCONTRASTE EN URUGUAY PARA QUE TERMINARA FORMANDO PARTE DE TU HISTORIA PERSONAL? QUÉ REPRESENTA HOY JOSÉ IGNACIO PARA VOS Y TU FAMILIA?

Me enamoré de Uruguay mucho antes de conocerlo. Tenía 17 años cuando leí sobre José Ignacio y me convencí de que iba a comprar una combi Volkswagen, subir a mi perro y manejar hasta allí. No había pensado demasiado en el pequeño inconveniente del canal de Panamá, ni en que mis padres insistían en que primero tenía que ir a la universidad. Cuando finalmente llegué, años después, me resultó extrañamente familiar, como regresar a casa en un lugar en el que nun-

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ca había estado. Hay una energía que no puedo explicar del todo, casi magnética. Creo que tiene que ver con que la naturaleza todavía está muy presente. La vida se mueve al ritmo de las mareas, el viento y las estaciones, más que según el reloj. Es una forma de volver a casa.

das que quizá nunca llegue a saber que tocó.

VIVIMOS EN UNA CULTURA OBSESIONADA CON EL RENDIMIENTO: PRODUCIR MÁS, CONSEGUIR MÁS, VIVIR MÁS. DESPUÉS DE TODO LO QUE APRENDISTE A LO LARGO DE TU RECORRIDO, ¿CUÁL CREÉS QUE ES EL MAYOR ACTO DE REBELDÍA FRENTE A ESA MANERA DE VIVIR?

Estar plenamente presente. Creo que elegir la conexión por encima de la comparación, la curiosidad por encima de la perfección y la presencia por encima del rendimiento es uno de los actos de rebeldía más silenciosos —y poderosos— que tenemos hoy a nuestro alcance. A LO LARGO DE TU VIDA TRANSITASTE DISTINTAS PROFESIONES, AMBIENTES Y FORMAS DE EXPRESIÓN. SIN EMBARGO, HAY UNA NOTABLE COHERENCIA EN TODO TU RECORRIDO. MIRANDO HACIA ATRÁS, ¿QUÉ PARTE DE KATHRYN NUNCA CAMBIÓ?

La curiosidad. Siempre me atrajo comprender: ya fuera el cuerpo humano, un caballo, un trozo de tela o la historia de otra persona. Los medios fueron cambiando, pero la pregunta siempre fue la misma. CUANDO MIRAMOS TU VIDA APARECEN UNA MÉDICA, UNA ARTISTA, UNA MUJER PROFUNDAMENTE VINCULADA CON LOS CABALLOS, LA NATURALEZA Y UNA MANERA PARTICULAR DE ENTENDER EL BIENESTAR. SIN EMBARGO, TODAS ESAS FACETAS PARECEN PERTENECER A UNA MISMA PERSONA. ¿QUIÉN ES KATHRYN DUNDAS MÁS ALLÁ DE TODOS ESOS TÍTULOS? ¿CÓMO TE GUSTARÍA QUE TE DEFINIERAN QUIENES REALMENTE TE CONOCEN?

Nunca me interesó demasiado que me conocieran por lo que hago. Preferiría ser recordada por cómo se sintieron las personas después de pasar un tiempo conmigo. Espero que se hayan sentido con más esperanza, más conectadas consigo mismas y más vivas. Por encima de todo, espero que se hayan ido sabiendo que importan. Siempre creí que todo ser humano merece sentir que importa simplemente porque existe. Porque cuando alguien realmente cree que importa, todo lo demás empieza a cambiar. Cambia la manera en que se ve a sí mismo. Cambia la manera en que ama. Y ese cambio tiene una forma silenciosa de expandirse hacia afuera, tocando vi-

EXXON, UNO DE LOS CABALLOS DE RBR PAINT HORSES, EL HARAS DE KATHRYN DUNDAS EN CANADÁ. NACIDO DE UN LINAJE DE CAMPEONES MUNDIALES DE SALTO, ENTRE ELLOS, STARTORS EXCALLIBUR. POR VICTORIA BINDER.

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MOLA QUICKFIRE UN AROMA QUE INMEDIATAMENTE TE HACE SENTIR EN CASA.

El aroma de un asado en el horno. Me lleva inmediatamente a los almuerzos familiares de los domingos de mi infancia y al rancho, donde reunirse alrededor de la mesa siempre significó hogar. UNA OBRA DE ARTE QUE NUNCA DEJA DE CONMOVERTE.

“Lake Superior“ (1923), de Lawren Harris. UNA ARTISTA QUE ADMIRÁS PROFUNDAMENTE.

Sonia Delaunay. Nunca aceptó que la creatividad tuviera que vivir dentro de una sola disciplina. Su obra se movió con naturalidad entre las bellas artes, la moda y los textiles. UN RITUAL DIARIO AL QUE NUNCA RENUNCIARÍAS.

Conectarme con la tierra. Generalmente es a través de un baño. Si no, flotando como una estrella de mar en la piscina, mirando el cielo y escuchando los pájaros. EL MEJOR CONSEJO QUE RECIBISTE.

“Simplemente, hacete presente“. Mucha gente nunca lo hace. ¿QUÉ SIGNIFICA EL LUJO PARA VOS HOY?

Tiempo sin apuro. ¿QUÉ SIGNIFICA EL ÉXITO PARA VOS HOY?

Ayudar a las personas a reconectar consigo mismas. COMPLETÁ LA FRASE: “UNA VIDA BIEN VIVIDA ES”.

Aquella en la que llegás a ser más plenamente vos misma y tu vida, silenciosamente, les da a otros permiso para hacer lo mismo.

«CUANDO CADA COMIDA, CADA ENTRENAMIENTO Y CADA NOCHE DE SUEÑO

SE CONVIERTEN EN ALGO QUE DEBEMOS MEDIR, EMPEZAMOS A CONFUNDIR CONTROL CON VITALIDAD [...] SI NUESTRA BÚSQUEDA DEL BIENESTAR NOS DEJA MÁS ANSIOSOS QUE VIVOS, HEMOS CONFUNDIDO EL MAPA CON EL VIAJE»

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LA NUEVA EDAD DE LA ESTÉTICA Novus abre una nueva sede en Punta del Este y suma un nuevo capítulo a un proyecto que combina práctica clínica, formación y actualización permanente. Conversamos con la doctora Florencia Duarte, referente al frente de la clínica, sobre esta nueva etapa y sobre los cambios que están redefiniendo la medicina estética medicina estética. Por ANA MOLA | Fotos PABLO KREIMBUHL

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a medicina estética atraviesa una transformación. El foco ya no está únicamente en corregir signos visibles del paso del tiempo, sino en anticiparlos, trabajar la calidad de la piel y construir tratamientos cada vez más personalizados, donde diagnóstico, tecnología y criterio médico funcionan en conjunto. En ese escenario, Novus abre una nueva sede en Punta del Este y suma un nuevo capítulo a un proyecto que comenzó hace años en Montevideo y hoy combina práctica clínica, formación universitaria y actividad académica internacional. Conversamos con la doctora Florencia Duarte, referente al frente de Novus, sobre esta nueva etapa, la evolución de la especialidad y una forma de entender la estética que pone cada vez más el acento en la prevención, la naturalidad y la calidad de la piel. Su llegada a Maldonado no está pensada únicamente en clave de temporada. La clínica apuesta a un público que vive en la zona durante todo el año y a una ciudad que ha ampliado considerablemente su perfil residencial. Con un equipo médico que rotará semanalmente, nuevas tecnologías y tratamientos faciales y corporales, la apertura coincide además con una etapa de expansión conceptual de Novus: menos intervenciones aisladas y una mirada cada vez más integral sobre la estética, la prevención y el envejecimiento.

NOVUS LLEGA AHORA A PUNTA DEL ESTE. ¿QUÉ REPRESENTA ESTA APERTURA DENTRO DEL CRECIMIENTO DE LA CLÍNICA Y POR QUÉ SINTIERON QUE ESTE ERA EL MOMENTO DE INSTALARSE DE MANERA PERMANENTE EN LA CIUDAD?

Intentamos que cada paso esté bien analizado. Antes de avanzar queríamos entender en profundidad el balance de nuestra segunda sucursal, WTC, que abrimos en 2022; el rol que hoy cumple cada una de nuestras sedes, Carrasco y WTC, y cómo podía impactar la apertura de una tercera, especialmente teniendo en cuenta la distancia. La realidad es que contamos con muchos pacientes de la zona y recibimos constantemente consultas de potenciales pacientes. Después de analizar los resultados, confirmar que el balance era positivo y, sobre todo, sentir la fuerza y la motivación del equipo, decidimos dar este paso. A partir de ahí comenzó una nueva etapa: definir cómo queríamos instalarnos y, especialmente, dónde. TU CARRERA EN MEDICINA ESTÉTICA LLEVA MUCHOS AÑOS Y LA CLÍNICA TAMBIÉN ATRAVESÓ DISTINTAS ETAPAS HASTA CONVERTIRSE EN NOVUS. ¿QUÉ CAMBIÓ EN TU MANERA DE ENTENDER LA

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ESPECIALIDAD DESDE AQUELLOS PRIMEROS AÑOS HASTA HOY?

La medicina estética existe desde hace muchísimos años, pero el crecimiento que tuvo en el último tiempo fue enorme. Es algo que ocurrió antes en otros lugares del mundo y que luego terminó instalándose con mucha fuerza también en Uruguay. En todos estos años aprendí algo que para mí es fundamental: el conocimiento que recibimos sobre nuevos protocolos, técnicas, productos o tecnologías siempre tiene que atravesar una curva de aprendizaje propia. Después viene la transmisión interna al equipo y, finalmente, la aplicación en nuestros pacientes. Nunca tomo como absoluto el conocimiento recibido, porque creo que se enriquece con la experiencia, la mirada y, sobre todo, la personalización que aporta cada profesional. Otro gran aprendizaje fue entender el valor del trabajo en equipo: aprender a liderarlo, potenciar las fortalezas de cada persona y acompañar el crecimiento profesional de quienes hoy son claves dentro de Novus. ¿QUIÉNES FORMAN PARTE DEL EQUIPO QUE LLEGA A PUNTA DEL ESTE Y CÓMO SE COMPLEMENTAN LAS DIFERENTES ÁREAS?

Vamos a comenzar con el equipo de medicina estética, que tendrá consultas semanalmente. Estarán la Dra. Poloni, la Dra. Arocena, la Dra. Pacareu y yo. Ofreceremos los tratamientos que forman parte de nuestra práctica habitual, como toxina botulínica, ácido hialurónico, bioestimulación e hilos PDO, entre otros. También incorporamos cosmetología, con higiene profunda, Dermapen, mesopeeling y determinados tratamientos de bioestimulación realizados por nuestras cosmetólogas médicas, además de depilación con tecnología Primelase. En el área facial estarán Spectra y FaceTite de Morpheus y, para tratamientos corporales, incorporamos HERA, una multiplataforma que nos permitirá ampliar los protocolos y combinar distintas tecnologías de acuerdo con las necesidades de cada paciente. EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, LA MEDICINA ESTÉTICA PASÓ DE TRATAMIENTOS PUNTUALES A ABORDAJES CADA VEZ MÁS INTEGRALES Y PERSONALIZADOS. ¿CÓMO SE CONSTRUYE HOY UN PLAN PARA UN PACIENTE Y QUÉ LUGAR OCUPA EL DIAGNÓSTICO ANTES DE INDICAR CUALQUIER PROCEDIMIENTO?

Ese fue un verdadero cambio de paradigma. Para mí se dio de la mano de tres grandes pilares: mayor capacitación, más tecnología y una oferta mucho más amplia de productos inyectables. La combinación de estos factores nos permitió realizar planificaciones más integrales y, sobre todo, personalizadas. Nos gusta pensar el rostro por planos, es decir, las diferentes capas sobre las que podemos trabajar, y también por tercios: superior, medio e inferior. A partir de ese análisis diseñamos planes que abordan el rostro de manera integral, definiendo qué necesita realmente cada paciente y buscando generar el mayor impacto posible sin perder naturalidad. Hace algunos años, la mayoría de los pacientes llegaba principalmente para realizarse toxina botulínica y, eventualmente, algún tratamiento con ácido hialurónico. Hoy eso cambió muchísimo. Buscamos que el paciente entienda que un buen resultado no depende únicamente de un tratamiento puntual,

sino de un proceso. La integralidad, la constancia y la frecuencia también forman parte del resultado. ENTRE LAS PROPUESTAS APARECEN PLANES ESPECÍFICOS PARA ADIPOSIDAD LOCALIZADA, CELULITIS Y TRATAMIENTOS CORPORALES QUE COMBINAN DISTINTAS TECNOLOGÍAS. ¿POR QUÉ HOY SE TRABAJA CADA VEZ MÁS CON PROTOCOLOS COMBINADOS Y QUÉ PERMITE CONSEGUIR ESA COMPLEMENTARIEDAD?

Al igual que en el rostro, queremos trabajar el cuerpo de manera integral, abordando diferentes capas y planos. El área corporal evolucionó muchísimo y hoy incorpora cada vez más este concepto. Contamos con tratamientos inyectables como ácido poliláctico, hidroxiapatita de calcio, distintos bioestimuladores y enzimas, entre otras opciones. La posibilidad de combinarlos con diferentes tecnologías permite diseñar protocolos mucho más completos y personalizados. Ya no pensamos en una tecnología o un producto de manera aislada, sino en cómo combinar distintas herramientas para abordar las necesidades específicas de cada paciente y aumentar las posibilidades de éxito del tratamiento. DURANTE MUCHO TIEMPO, LA MEDICINA ESTÉTICA ESTUVO MUY ASOCIADA A CORREGIR LOS SIGNOS DEL ENVEJECIMIENTO. HOY SE HABLA MUCHO MÁS DE PREVENCIÓN, CALIDAD DE PIEL Y DE ACOMPAÑAR EL PROCESO DE ENVEJECER. ¿ESTAMOS FRENTE A UN CAMBIO DE PARADIGMA?

No es que un concepto haya reemplazado al otro. Seguimos interviniendo cuando ya existen signos de envejecimiento, pero hoy se suma algo muy importante: los pacientes comprenden y adoptan cada vez más el concepto de prevención. Prevenir significa trabajar desde antes en la construcción de una piel y una dermis más fuertes y saludables, preparándolas para afrontar mejor un proceso de envejecimiento que es natural. Por un lado, tenemos pacientes que se acercan cuando ya presentan signos instalados. En esos casos buscamos acompañar el proceso, mejorar determinados aspectos y hacerlo siempre respetando la anatomía y la identidad del paciente. Pero también tenemos cada vez más pacientes jóvenes que empiezan a cuidarse antes. Una piel que fue cuidada y trabajada de manera preventiva suele llegar mejor preparada y responder mejor cuando aparecen los primeros signos. Creo que ahí está el verdadero cambio de paradigma: no esperar necesariamente a que algo aparezca para empezar a tratarlo. No se trata de evitar el envejecimiento, sino de llegar a cada etapa de la mejor manera posible. HAY TAMBIÉN UNA BÚSQUEDA CRECIENTE DE RESULTADOS NATURALES. ¿CÓMO SE ESTABLECE EL LÍMITE ENTRE MEJORAR, PREVENIR O ARMONIZAR Y MODIFICAR EXCESIVAMENTE LOS RASGOS DE UNA PERSONA?

Creo que la tendencia general de la medicina estética está dejando atrás el uso desproporcionado de los rellenos y dando cada vez más protagonismo a la calidad de la piel. Tanto mi equipo como yo nunca trabajamos buscando resultados antinaturales. Utilizamos rellenos, pero entendidos como una herramienta para reponer tejidos y estructuras cuando es necesario. Bien utilizados, permiten embellecer y rejuvene-

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cer sin modificar la esencia ni la anatomía del paciente. Lo que se incorporó con muchísima fuerza en los últimos años es la bioestimulación. Hoy contamos con muchas herramientas que, combinadas con tecnologías, nos permiten trabajar profundamente sobre la calidad de la piel. En ese contexto, el ácido hialurónico pasa a ser muchas veces la “frutilla de la torta”, un recurso que utilizamos estratégicamente cuando previamente trabajamos sobre una piel sana, fuerte y de buena calidad. Lo más positivo es que cada vez somos más los profesionales que trabajamos bajo este paradigma de naturalidad y también son más los pacientes que lo entienden, lo valoran y lo exigen. LA TECNOLOGÍA AVANZA A UNA VELOCIDAD ENORME Y PERMANENTEMENTE APARECEN NUEVOS EQUIPOS, PRODUCTOS Y PROCEDIMIENTOS. COMO MÉDICA Y DOCENTE, ¿QUÉ CRITERIOS UTILIZÁS PARA DECIDIR QUÉ INNOVACIÓN INCORPORAR A NOVUS Y CUÁL NO?

Intentamos abrir la puerta a la innovación, pero de manera responsable. Nos interesa conocer lo nuevo, entender hacia dónde va la medicina estética y evaluar cada propuesta. A partir de ahí revisamos los papers, la evidencia científica y los estudios disponibles. No incorporamos tratamientos que todavía están en una etapa de prueba. Preferimos esperar a que exista evidencia suficiente antes de llevarlos al consultorio y aplicarlos en nuestros pacientes. Ese mismo criterio utilizamos a la hora de enseñar y transmitir conocimientos a nuestros alumnos. Una vez que incorporamos un producto o una tecnología también entra en juego la experiencia clínica. Hay tratamientos que con el uso se vuelven nuestros preferidos y otros que utilizamos con menor frecuencia. Cada doctora tiene su experiencia, sus preferencias y, sobre todo, su propio criterio médico. También es muy importante quién está detrás de cada producto o tecnología. Buscamos trabajar con distribuidores y laboratorios que, además de ofrecer calidad, compartan nuestra forma de trabajar y valoren la capacitación continua y la transparencia. ADEMÁS DE DIRIGIR LA CLÍNICA, ESTÁS AL FRENTE DE LA PRIMERA CAPACITACIÓN UNIVERSITARIA EN MEDICINA ESTÉTICA DE LA UNIVERSIDAD DE MONTEVIDEO Y TENÉS UNA ACTIVIDAD ACADÉMICA INTERNACIONAL. ¿CÓMO CONVIVEN LA PRÁCTICA CLÍNICA Y LA FORMACIÓN, Y CUÁNTO INFLUYE ESE INTERCAMBIO PERMANENTE EN LOS PROTOCOLOS QUE DESPUÉS LLEGAN A LOS PACIENTES?

La clave para poder sostener la práctica clínica, la docencia y los distintos proyectos es el trabajo en equipo. Tenemos una estructura que nos permite llevar adelante diferentes objetivos simultáneamente y trabajamos cada vez más en la capacitación y el desarrollo de las personas que forman parte de ella. En cuanto a la formación, hay algo fundamental: el conocimiento nunca queda en una sola persona. Cuando una integrante del equipo viaja o se capacita, después hacemos una bajada de lo aprendido al resto. Lo analizamos, lo discutimos y hacemos las adaptaciones necesarias para incorporarlo a nuestra propia forma de trabajar. Ese intercambio permanente termina teniendo un impacto directo sobre la práctica clínica. Nuestros pacientes valoran que nos capacitemos, que busquemos estar actualizadas y que, al mismo tiempo, ejerzamos la docencia. Para nosotras, enseñar tam-

bién obliga a estudiar, revisar y cuestionar permanentemente lo que hacemos. PUNTA DEL ESTE TIENE UN PÚBLICO LOCAL DURANTE TODO EL AÑO, PERO TAMBIÉN RECIBE PACIENTES DE DISTINTOS PAÍSES Y UNA FUERTE PRESENCIA INTERNACIONAL DURANTE LA TEMPORADA. ¿PENSARON ESTA APERTURA TAMBIÉN DESDE ESA PARTICULARIDAD Y DESDE LA POSIBILIDAD DE POSICIONAR A NOVUS MÁS ALLÁ DE URUGUAY?

Cuando pensamos en nuestra llegada a Maldonado, el foco está principalmente puesto en el público local. Cada vez son más las personas que eligen vivir allí durante todo el año y también vemos un crecimiento de personas del exterior que deciden instalarse en la zona. Por supuesto que quienes estén veraneando serán bienvenidos, pero nuestra intención no es pensar en Maldonado únicamente como un destino de temporada. Queremos construir una propuesta sólida durante todo el año y brindar el mismo nivel de atención, seguimiento y profesionalismo que ofrecemos en nuestras otras sedes. En cuanto al posicionamiento internacional, es algo en lo que venimos trabajando y que está creciendo de manera muy interesante. Logramos el primer contrato LATAM como Key Opinion Leader para un laboratorio europeo y distintos integrantes del equipo trabajan actualmente como referentes y docentes en países de Latinoamérica y Europa. También la capacitación que realizamos en la Universidad de Montevideo adquirió un perfil cada vez más internacional. Hoy recibimos profesionales de Colombia, Argentina, Cuba, Venezuela y Brasil, entre otros países. Es una señal de que el trabajo empieza a trascender fronteras. SI ESTA APERTURA MARCA UNA NUEVA ETAPA PARA NOVUS, ¿HACIA DÓNDE IMAGINÁS LA CLÍNICA EN LOS PRÓXIMOS AÑOS? ¿EL FUTURO PASA POR CRECER TERRITORIALMENTE, INCORPORAR NUEVAS ÁREAS, PROFUNDIZAR LA FORMACIÓN O CONSTRUIR UN MODELO CADA VEZ MÁS INTEGRAL DE MEDICINA ESTÉTICA?

Por ahora no estamos pensando en seguir creciendo en cantidad de sucursales. El próximo paso tiene más que ver con profundizar y ampliar nuestra propuesta, incorporando nuevas áreas de la medicina que complementen lo que ya hacemos. Nos interesa especialmente comenzar a trabajar en medicina para la longevidad, suplementación y nutrición, entre otras áreas. Pero queremos hacerlo de la misma manera en que incorporamos todo a la clínica: con referentes, respaldo y de forma responsable. La idea es que nuestros pacientes puedan encontrar servicios que complementen la medicina estética de la mano de profesionales de nuestra confianza. La capacitación continua nos atraviesa como equipo. Para poder ofrecer lo mejor a nuestros pacientes y ejercer la docencia con responsabilidad es fundamental mantenerse actualizado, estudiar y cuestionarse permanentemente lo que uno hace. También queremos seguir ampliando el equipo con profesionales que compartan nuestra filosofía de trabajo y que, al mismo tiempo, aporten su propia experiencia y mirada. Nos interesa que crecer no signifique que todos hagamos lo mismo, sino sumar talento que enriquezca nuestra manera de trabajar.

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INTERVIEW

«UN BUEN RESULTADO NO DEPENDE ÚNICAMENTE DE UN TRATAMIENTO PUNTUAL, SINO DE UN PROCESO. LA INTEGRALIDAD, LA CONSTANCIA Y LA FRECUENCIA TAMBIÉN FORMAN PARTE DEL RESULTADO»

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WELLNESS

EL ARTE DE PAUSAR

Tres prácticas para recuperar el tiempo propio Por CARO SÁNCHEZ, DIRECTORA DE SELF MADE COLLECTIVE

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WELLNESS

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ay momentos del año que parecen pedir velocidad y otros que invitan a hacer exactamente lo contrario. Octubre tiene algo de eso. El verano todavía no llegó, el año aún no entró en la urgencia de su cierre y queda una pequeña ventana para bajar el ritmo antes de que todo vuelva a acelerarse.

No todos los días necesitan intensidad. Aprender a reconocer cuándo el cuerpo pide esfuerzo y cuándo necesita bajar el ritmo también es una forma de escucharlo.

CREAR UN RITUAL DE CIERRE

En una época atravesada por la productividad, detenerse puede parecer casi un gesto a contramano. Hacer más, llegar a más, responder más rápido. Quizás por eso el tiempo propio se convirtió en una forma contemporánea de lujo.

Sabemos cuándo empieza nuestra jornada, pero muchas veces no sabemos cuándo termina.

No se trata de transformar cada momento de descanso en una nueva obligación ni de sumar hábitos a una agenda que ya está llena. A veces alcanza con recuperar algunos espacios del día y volver a hacerlos nuestros.

La computadora se apaga y el teléfono sigue encendido. Las conversaciones, los mensajes y las imágenes se prolongan hasta el momento de dormir. Por eso puede ser útil construir una pequeña transición entre el hacer y el descanso.

PROTEGER LA PRIMERA HORA

Una ducha, una vela, unas páginas de un libro, unas líneas escritas antes de acostarse. El ritual importa menos que la decisión de marcar ese momento.

Hay una diferencia enorme entre comenzar el día mirando una pantalla y hacerlo antes de que el mundo exterior irrumpa.

No se trata de sumar una tarea más. Se trata, justamente, de dejar de hacer.

No hace falta una rutina perfecta. Diez o quince minutos sin teléfono pueden ser suficientes. Un café, una libreta, unas líneas escritas sin demasiada intención. Incluso una pregunta tan sencilla como “¿cómo estoy hoy?”. Escribir al despertar no busca producir un buen texto ni encontrar grandes respuestas. Es una manera de ordenar lo que aparece antes de empezar a responder mensajes, noticias, pendientes y demandas ajenas.

MOVERSE SIN PERSEGUIR UN RESULTADO Nos acostumbramos a pensar el movimiento en términos de rendimiento. Cuánto hicimos, cuánto quemamos, cuánto mejoramos. Pero también existe otra forma de mover el cuerpo. Caminar sin destino, practicar yoga, estirar, respirar. Hacerlo no para alcanzar una meta sino para recuperar una sensación.

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WELLNESS

CUANDO LA PAUSA SE VUELVE LUGAR A fines de octubre, Self Made Collective, Yoguilover y VIK Retreats presentan "A Weekend to Pause" en Estancia VIK, José Ignacio. Tres días de yoga, mañanas sin apuro, sauna, cabalgatas y cenas compartidas, en una experiencia limitada a 12 habitaciones. Una invitación a alejarse por un momento de la rutina para volver a mirarla con otros ojos. @selfmadewellness

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WELLNESS

CLINIQUE LA PRAIRIE 45 AÑOS DE LONGEVIDAD EN AMÉRICA LATINA LA institución suiza FUNDADA EN 1931 CELEBRÓ 45 AÑOS DE PRESENCIA EN América Latina JUNTO A Willie Carballo, SU REPRESENTANTE PARA LA REGIÓN. EL ANIVERSARIO LLEGÓ ACOMPAÑADO POR LA PRESENTACIÓN DE Revitalizaciòn

Premium Y Brain Potential, DOS PROGRAMAS QUE AMPLÍAN UNA PROPUESTA BASADA EN medicina preventiva, INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, nutrición Y bienestar.

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undada en 1931 y establecida en Montreux, frente al lago Lemán y los Alpes suizos, Clinique La Prairie lleva más de nueve décadas dedicada a la salud, la longevidad y el bienestar. Su modelo combina medicina preventiva, diagnóstico, nutrición, actividad física y tratamientos desarrollados a partir de la investigación médica y científica.

Ambos programas se incorporan a una estructura que combina evaluación médica, diagnóstico, nutrición, movimiento y bienestar. La clínica cuenta con más de 50 especialistas médicos y desarrolla sus tratamientos desde una perspectiva multidisciplinaria, con protocolos definidos de acuerdo con el perfil biológico, médico, metabólico y el estilo de vida de cada paciente.

En América Latina, la clínica acaba de cumplir 45 años. La celebración reunió a Clinique La Prairie con Willie Carballo, su representante para la región, y fue también el marco para presentar dos de sus últimas novedades: Revitalización Premium y Brain Potential, que se incorporan a los programas que la institución desarrolla en su sede de Montreux.

Ese grado de personalización es particularmente visible en Revitalización Premium. Las evaluaciones y consultas permiten establecer recomendaciones individuales y determinar qué tratamientos resultan pertinentes para trabajar sobre vitalidad, metabolismo, respuesta inmunológica y salud a largo plazo. El entrenamiento físico también se adapta a las necesidades de cada persona, con sesiones de fuerza, cardio o flexibilidad definidas a partir de su evaluación.

La primera novedad es Revitalización Premium, una evolución de su histórico programa de Revitalización. Diseñado para una estadía de siete días, parte de los fundamentos del tratamiento clásico e incorpora un abordaje médico especializado y personalizado. El programa trabaja sobre siete sistemas y funciones: cerebro, corazón, ritmo circadiano, piel, metabolismo, inmunidad y microbiota. El segundo lanzamiento es Brain Potential, también de siete días y orientado específicamente a la salud cerebral. El programa es resultado de dos años de colaboración con el Neuroimaging Lab del CHUV de Lausana y aborda cinco componentes modificables vinculados con la salud a lo largo de la vida: nutrición, actividad física, sueño, salud cardiovascular y salud inmunológica.

A más de 90 años de su fundación, Clinique La Prairie mantiene un modelo que integra investigación científica, práctica médica y bienestar. A los programas de Revitalización se suman actualmente Master Detox, Healthy Weight, Life Reset y Brain Potential, además de sus áreas de medicina especializada, nutrición y bienestar. La celebración de los 45 años en América Latina coincide con la incorporación de nuevos programas dentro de una propuesta que continúa desarrollándose desde Montreux y que tiene como eje la medicina preventiva, el diagnóstico personalizado y la longevidad.

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«CLINIQUE LA PRAIRIE ACABA DE CELEBRAR 45 AÑOS DE PRESENCIA EN

AMÉRICA LATINA CON LA PRESENTACIÓN DE REVITALIZACIÓN PREMIUM Y BRAIN POTENTIAL, DOS DE SUS ÚLTIMAS NOVEDADES. AMBOS PROGRAMAS SE INCORPORAN A LA PROPUESTA QUE LA INSTITUCIÓN DESARROLLA EN SU SEDE DE MONTREUX» REVISTA MOLA 126

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MUESTRA DE DISEÑO EN COLECCIÓN SUR Colección Sur, presenta la tercera edición de su Muestra de Diseño en Punta del Este. Ocho estudios de interiorismo y una intervención paisajística transforman una casa emblemática de los años 70 en un recorrido por nuevas formas de habitar.

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ay casas que funcionan como un lienzo. Arquitecturas capaces de recibir nuevas capas, objetos y miradas sin perder aquello que las hace reconocibles. En una de ellas, sobre Roosevelt y Lunas de Oro, Colección Sur presenta Escenas, la tercera edición de su Muestra de Diseño en Punta del Este, que inaugura el 10 de octubre y permanecerá abierta hasta el 10 de diciembre. El punto de partida es una construcción proyectada en la década del 70 por el arquitecto Juan Capurro. Conserva su carpintería original, pisos de cerámica Bozzolo y paredes curvas encaladas, elementos que hoy dialogan con mobiliario contemporáneo, arte, iluminación, alfombras, accesorios y paisajismo. La propuesta parte de una idea sencilla pero potente: una misma casa, ocho maneras diferentes de imaginarla. Cada estudio recibe un espacio y lo convierte en una escena propia, combinando el equipamiento de Colección Sur con materiales, texturas, colores y objetos elegidos desde una mirada personal. No se trata de reproducir ambientes perfectos, sino de mostrar cómo el interiorismo puede modificar nuestra percepción de un lugar. Participan Gustavo Bono, Victoria Brown, Carolina Cesio, María Clara Guerra & María Noboa, Sofía Iturralde, Laura López, Opi Rubio y Sofía Ruiz, ocho estudios con lenguajes y recorridos diferentes. La sofisticación atemporal convive con el diseño a medida, la experimentación, la funcionalidad y una búsqueda compartida por crear interiores con identidad. El recorrido continúa puertas afuera. Fernando Bianco interviene el espacio exterior desde el paisajismo, trabajando con la idea de jardines vivos y sustentables, integrados a la arquitectura y pensados también como una forma contemporánea de habitar. La curaduría de Colección Sur articula las distintas intervenciones a través de una selección de equipamiento interior y exterior, alfombras, iluminación, arte y accesorios. Firmas como Saccaro, Artimage, Tapetah, Maiori, Casa Rizzon, Mestreartesao, Mínimo, Oblumo y Century atraviesan los espacios y funcionan como hilo conductor entre propuestas deliberadamente diferentes. Escenas habla, en definitiva, de algo que excede las tendencias. Habla de la casa como expresión de quien la habita. De la posibilidad de combinar épocas, materiales y procedencias. Y de cómo un mismo espacio puede adquirir identidades completamente distintas cuando cambia la mirada. Durante dos meses, aquella casa de los años 70 vuelve a transformarse. Esta vez, para contar ocho historias sobre el interior y una sobre el paisaje.

ESCENAS | 3ª Muestra de Diseño Punta del Este Inauguración 10 de octubre. Abierta del 11 de octubre al 10 de diciembre de 2026. Colección Sur, Av. Roosevelt y Lunas de Oro, Punta del Este.

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UNA CASA EN MOVIMIENTO por Predilecta & Pacífica El Feng Shui fue el punto de partida de una casa donde materiales, colores y formas responden a una misma idea. Predilecta & Pacífica asumieron el desafío de traducir sus principios al diseño contemporáneo, buscando equilibrio, identidad y una forma personal de habitar.

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ay casas que se diseñan para ser habitadas. Y hay otras que empiezan mucho antes, en una determinada manera de pensar cómo se quiere vivir. En este proyecto, el Feng Shui fue el punto de partida para concebir una casa desde el movimiento, llevando una filosofía al lenguaje de los materiales, los colores y las formas, sin perder de vista algo esencial: que el resultado debía sentirse, ante todo, como un hogar. Vittoria y Joaquín tenían una idea clara para su casa; querían que el diseño pudiera incorporar el Feng Shui, una filosofía en la que creen y que buscaban trasladar a su forma de habitar. No se trataba simplemente de aplicar una estética, sino de traducir sus principios en decisiones concretas dentro de cada ambiente. Para el equipo de diseño de Predilecta & Pacífica, la propuesta planteaba un desafío nuevo. Era la primera vez que desarrollaban un proyecto bajo esta filosofía, por lo que el primer paso no fue elegir colores ni materiales, sino estudiarla. Entender sus principios para después traducirlos al lenguaje del diseño contemporáneo. El Feng Shui se construye alrededor de cinco elementos: madera, fuego, tierra, metal y agua. Cada uno tiene distintas maneras de manifestarse en un espacio. En esta casa, su representación se trabajó principalmente desde tres variables: el color, con un 50% de protagonismo; el material, con un 30%; y la forma, con el 20% restante. Pero llevar estos elementos a la casa no significaba simplemente asignar un color a cada ambiente. Algunos espacios reunían más de uno y utilizar únicamente el recurso cromático podía generar una composición demasiado cargada. El desafío estaba entonces en encontrar un equilibrio y hacer que color, material y forma trabajaran en conjunto.

En el recibidor, por ejemplo, estaba presente el elemento agua. En lugar de representarlo únicamente a través del color, se optó por trabajar con vidrio y metal, acompañados por un diseño acanalado que remite a su movimiento. La referencia aparece así de manera sutil, integrada al lenguaje del espacio. En los dormitorios, asociados al elemento tierra, el verde y la madera se convirtieron en protagonistas. La combinación permitió construir ambientes cálidos y serenos, donde los materiales también cumplen un papel fundamental en la interpretación del concepto. En la oficina y el lavadero, en cambio, el fuego adquirió una presencia más marcada. Un tono rojizo, acompañado por un estucado, permitió llevar este elemento a las paredes y sumar al mismo tiempo una textura que enriqueciera el lavadero. En la oficina, el color se manifestó a través del propio mobiliario. De esta manera, el Feng Shui fue dejando de ser una idea para convertirse en una herramienta de diseño. Cada elemento encontró su propia forma de aparecer, sin necesidad de hacerlo de manera literal.

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Y ahí surgió otro de los grandes desafíos: lograr que todas esas decisiones convivieran. Porque para Predilecta & Pacífica diseñar un espacio significa mucho más que pensar cada mueble por separado. La mirada busca abordar el ambiente de forma integral, entendiendo cómo el mobiliario, los materiales, la iluminación y la decoración construyen una misma experiencia. Por eso, los renders fotorrealistas fueron una parte fundamental del proceso. No se diseñaron únicamente los muebles a medida de Predilecta, sino también el espacio completo: su ambientación, sus luminarias, sus textiles y aquellos elementos que los propietarios ya tenían y querían conservar. La intención era mostrarles cómo iba a verse todo antes de llevarlo a la realidad. Y cuando vieron el resultado, quisieron hacerlo exactamente así. La combinación de colores, materiales y formas que aparecía en el render había logrado representar aquello que buscaban desde el comienzo. La propuesta se convirtió entonces en una imagen concreta de la casa que querían habitar. El desafío estuvo en integrar esta filosofía al diseño de forma natural, respetando su esencia y construyendo, al mismo tiempo, un espacio capaz de reflejar la personalidad de quienes lo habitan. Que sus principios pudieran expresarse a través de una textura, una combinación de materiales, un color o una forma, sin perder nunca de vista la armonía del conjunto. El resultado no es una casa que simplemente “aplica” Feng Shui, sino una casa donde sus principios atraviesan cada decisión y terminan dando identidad a los espacios.

INTEGRAR EL Feng Shui NO SIGNIFICÓ APLICARLO DE MANERA LITERAL, SINO

traducir SUS principios AL LENGUAJE DEL diseño. COLOR, MATERIALES Y FORMAS FUERON ENCONTRANDO UN

equilibrio CAPAZ DE DARLE identidad A CADA espacio.

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TORTORELLA STUDIO EL REGRESO A LAS RAÍCES DE UNA INTERIORISTA NACIDA EN PUNTA DEL ESTE Tras cinco años de consolidar una trayectoria junto a un equipo de trabajo, la interiorista inició una nueva etapa profesional con estudio propio, al apostar por un proyecto que lleva su nombre y que sintetiza una historia construida mucho antes de que existiera un local: la de una mujer que nunca dejó de mirar los espacios con ojos de diseñadora.

Por LAURA GARGANTA

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iorella Tortorella no recuerda un momento puntual en el que haya decidido dedicarse al diseño de interiores, porque la decoración, explica, siempre estuvo ahí. Desde chica miraba los ambientes con otros ojos y, aunque no siempre podía intervenirlos, imaginaba cómo los cambiaría. Esa manera de observar los espacios terminó convirtiéndose, muchos años después, en una profesión. "Todos los ambientes donde me movía los veía con otra mirada", recuerda. "Después, cuando me fui a estudiar Derecho a Montevideo, el departamento donde vivía me parecía un horror, así que cada peso que me daban mis padres para pasar la semana terminaba casi gastándolo todo en una lamparita o en cualquier cosa que hiciera el lugar más a mi gusto". Cuando decidió volver a vivir a Punta del Este (su lugar natal), y devolvió el apartamento, los dueños no querían que retirara ninguno de los cambios que había hecho, estaban fascinados. “Mientras cursaba Derecho empecé a buscar dónde estudiar diseño de interiores, porque ya me estaba dando cuenta de que la abogacía no era lo mío y que el arte siempre había estado en mí. La oferta académica todavía era escasa y la carrera que hoy existe en la ORT no existía, pero por suerte encontré un curso de dos años con Gino Moncalvo y decidí empezar a hacerlo en paralelo. Terminé el curso, obtuve el diploma y, poco después, abandoné definitivamente la carrera”. De regreso en Punta del Este trabajó para marcas internacionales como Ralph Lauren y Donna Karan, e incluso viajó a Nueva York para seleccionar colecciones. Más tarde pasó por el antiguo Bank Boston, hasta que el nacimiento de su primera hija cambió el rumbo de su vida. Durante años se dedicó casi exclusivamente a su familia. Sin embargo, la decoración nunca desapareció de escena. "Cualquiera que entraba a casa me preguntaba quién la había decorado, sin imaginarse que yo modifico todos los espacios que habito. Siempre me salió de manera natural y, si podía ayudar a alguien, también lo hacía". Esa inclinación, que durante mucho tiempo funcionó como una habilidad casi doméstica, terminó convirtiéndose en una profesión cuando decidió volver al mercado laboral. Lo hizo a los 45 años, mientras sus cuatro hijas seguían creciendo. "Me parece algo muy lindo para ellas que vean que mamá salió de la casa a trabajar y que se puede. Siempre les digo que estudien, que es muy importante no depender de nadie y ser dueño de tus propias herramientas".

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UN ESTUDIO CON NOMBRE PROPIO Hoy, cinco años después de aquella primera experiencia empresarial, Fiorella comienza una nueva etapa. Desde agosto trabaja bajo un nuevo nombre: Tortorella Studio, un estudio de interiorismo y tienda de mobiliario que lleva, literalmente, su apellido en la fachada: "Cuando cambié el nombre enseguida llegó el trabajo. Los clientes que ya me conocían volvieron a llamarme. En un mes pasó de todo, superpositivo. Estoy demasiado emocionada. Mi frase de hoy es: cosecharás tu siembra". Lejos de hablar de tendencias pasajeras, Tortorella sostiene que el diseño también consiste en entender cómo quiere vivir cada persona. Por eso viaja todos los años al Milano Design Week, uno de los eventos más importantes del mundo en materia de diseño. "De allí siempre traigo nuevas ideas, colores, telas, y todo lo que se está usando en Europa. Después lo adapto, porque Punta del Este tiene otra forma de vivir y otro estilo". Ese estilo, explica, está muy marcado por el perfil de sus clientes. La mayoría, explica, son argentinos que ya resolvieron la estética de sus viviendas en Buenos Aires y buscan algo completamente distinto para su refugio frente al mar. "Cuando vienen acá quieren relajarse. Buscan maderas claras, telas nobles, una casa que ayude a descansar, porque el diseño citadino con los colores más oscuros y los espacios serios ya lo viven en su cotidiano. Punta tiene otro ritmo y es super importante reflejarlo en el hogar". Esa lógica también define la manera en que trabaja. Más que vender muebles, su estudio ofrece resolver un proyecto de principio a fin. "Nos entregan la llave y nosotros les devolvemos el apartamento terminado. Con la ropa de cama, las toallas, los adornos... Falta solamente llenar la heladera", dice entre risas. Para ella, el diferencial de Tortorella Studio está en reunir bajo un mismo techo el estudio de interiorismo y la tienda de mobiliario, evitando que el cliente tenga que recorrer distintos proveedores para completar un proyecto. Pero si hay una palabra que se repite durante toda la conversación es confianza. "En un lugar tan chico como Punta del Este, el boca en boca vale más que cualquier publicidad. La gente te recomienda por lo que vivió, cómo resolviste sus inquietudes y cómo los hiciste sentir durante todo el proceso". Esa misma idea también atraviesa la forma en que comunica su trabajo. "Jamás voy a subir una foto de Pinterest a mis redes. Todo lo que muestro es mío, es real. Quiero que quien llegue pueda ver mi trabajo y entender rápidamente quién soy". Esa confianza también está asociada al apellido que ahora eligió convertir en marca. "Agradezco muchísimo el apellido que tengo porque mi papá nos dejó un legado hermoso de trabajo. Cuando la gente pasa, ve el cartel y entra para preguntar quién es Tortorella, les digo que soy la hija y se emocionan. Eso para mí es impagable". Por eso, cuando llegó el momento de pensar el nombre del nuevo estudio, asegura que no tuvo dudas: "Tenía que ser mi nombre". Para ella, resume mucho más que un estudio de interiorismo: una historia construida durante décadas, que recién ahora decidió firmar con nombre propio.

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«AGRADEZCO MUCHÍSIMO EL APELLIDO QUE TENGO PORQUE MI PAPÁ NOS DEJÓ

UN LEGADO HERMOSO DE TRABAJO. CUANDO LA GENTE PASA, VE EL CARTEL Y ENTRA PARA PREGUNTAR QUIÉN ES TORTORELLA, LES DIGO QUE SOY LA HIJA Y SE EMOCIONAN. ESO PARA MÍ ES IMPAGABLE»

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“LA LIBERTAD ES POCO. LO QUE DESEO TODAVÍA NO TIENE NOMBRE” CLARICE LISPECTOR, RÍO DE JANEIRO | FOTO: MAUREEN BISILLIAT

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