Marzo ya está aquí y con él llegan los días más largos y esa sensación de que todo vuelve a ponerse en marcha. En la escena electrónica también se empieza a notar: festivales que se anuncian, temporadas que se activan y pistas de baile que vuelven a calentarse.
En un momento en el que la electrónica global mira con atención hacia los ritmos latinos, Sebastian Ledher ha sabido transformar su base minimal y deep tech en una propuesta con identidad sólida, emocional y profundamente conectada con la pista. Su evolución no responde a una estrategia oportunista, sino a una búsqueda orgánica que hoy encuentra su punto de madurez en La Conexión, su nuevo álbum.
En clave internacional, hablamos con Sascha Ring aka Apparat. Sonoramente, su trayectoria ha ido desplazándose desde una electrónica más bien estricta hacia un lenguaje cada vez más abierto, donde la fragilidad y la atención minuciosa al detalle sonoro han pasado a ocupar un lugar central. Por otra parte, hablamos con PSYK sobre la evolución de su sonido, el presente del sello, su rutina entre familia y máquinas, el papel del hardware en tiempos dominados por la inteligencia artificial y el estado actual de una escena techno cada vez más ecléctica.
Este mes os nos complace incluir en nuestras páginas una interesantísima charla con Hernan Cattaneo se ha convertido en un prócer argentino. Hoy, con 61 años recién cumplidos y una carrera tan sólida como coherente, hablamos con él sobre el equilibrio personal, el desgaste físico de viajar sin parar, la suerte y la disciplina, las redes sociales, el “show paralelo” que rodea al DJ y ese impulso constante por descubrir nuevos talentos y devolver lo que alguna vez recibió.
Hablamos con Eric Hilton sobre la evolución de su lenguaje musical, el proceso creativo detrás del álbum, su relación con el hardware y la cultura hi-fi, y cómo conviven hoy la composición, el diseño sonoro y el arte del DJing dentro de una trayectoria que sigue expandiéndose sin perder su esencia. Una charla íntima con uno de los nombres más influyentes del downtempo contemporáneo, donde la experiencia y la curiosidad continúan marcando el camino.
Por último, os introducimos Nacar Club, un nuevo punto de encuentro dentro del circuito clubbing en Barcelona. El formato semanal (cada sábado de madrugada) recupera la lógica del club como espacio recurrente dentro de la agenda cultural de la ciudad.
Y como siempre, en este número encontraréis las últimas novedades en tecnología y las mejores reseñas musicales. Seguimos trabajando para traeros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones.
Patricia Pareja, Directora
STAFF MIXMAG SPAIN
DIRECCIÓN: Patricia Pareja
REDACCIÓN:
Patricia Pareja
Borja Comino
Federico Cortina
Juanma Molina
Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones
DISEÑO: Adrià Clotet
DIRECCIÓN CREATIVA: Carlos Pego
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DEP. COMERCIAL: campaigns@mixmag.es
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Breaks por Eduardo Carbonell
Hernan Cattaneo
Sebastian Ledher
Eric Hilton
2016 vs 2026
Robert Leiner
Nacar Acelración
Reviews Drum & Bass por Olga Casas
Reviews Electro por Federico Cortina
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss
Reviews House por Francisco Pérez
Reviews UK Garage por Borja Comino
bits beats
Love Hultén diseña una glitch machine a medida para Andrew Huang
El diseñador sueco Love Hultén ha creado un procesador de efectos único para el productor y creador de contenido Andrew Huang. La pieza, construida en un chasis artesanal de madera, reúne cinco pedales de efectos en una sola unidad diseñada para estudio.
El dispositivo incluye circuitos de Empress Effects, Hologram Electronics y Red Panda, además de un botón arcade configurado como kill switch y un visualizador de ferrofluido que reacciona a la señal de audio. Como es habitual en el trabajo de Hultén, se trata de una pieza completamente única creada bajo encargo.
+info: https://www.youtube.com/@andrewhuang
Sónar Week 2026 convertirá Barcelona en el epicentro global de la electrónica
Barcelona volverá a convertirse en uno de los centros mundiales de la música electrónica con la llegada de Sónar Week 2026. Durante varios días, la ciudad acogerá una red de eventos que conectan música, tecnología, innovación y creatividad.
Además del festival principal en Fira Gran Via, la programación se extenderá por diferentes puntos de la ciudad con propuestas como Sónar+D, OFFSónar o Sónar District en el Parc del Fòrum, ampliando el alcance del festival y su presencia en Barcelona.
+info: https://sonar.es/en/news/sonar-week
Fallece Éliane Radigue, pionera de la electrónica experimental
La compositora francesa Éliane Radigue ha fallecido en París a los 94 años. Considerada una figura clave en la historia de la música experimental y del drone, su obra se caracterizó por explorar la transformación lenta del sonido y la escucha profunda.
A lo largo de su carrera trabajó con técnicas de musique concrète, cintas y sintetizadores modulares —especialmente el ARP 2500— creando obras influyentes como Trilogie de la Mort o el ciclo Occam Ocean. Su legado ha sido fundamental para generaciones de compositores y artistas sonoros.
Daft Punk publican un nuevo videoclip de ‘Human After All’ Coincidiendo con el quinto aniversario de su separación, Daft Punk han publicado un nuevo videoclip oficial para ‘Human After All’, el tema que da título a su álbum de 2005.
El vídeo utiliza imágenes de su película de ciencia ficción Electroma (2006) y ha sido editado por su colaborador creativo Cédric Hervet. Aunque el dúo anunció su separación en 2021, continúan celebrando su legado con material audiovisual y reediciones especiales.
+info: https://www.youtube.com/@daftpunk
psyk
NON SERIES cumple 15 años fuera de tendencias
Psyk es de esos artistas que han sabido mantenerse en el tiempo con un trabajo excepcional. Los primeros tracks que empecé a escuchar de él y de su sello Non Series —hace ya casi 15 años— acabaron siendo una fuente de inspiración para mí. Hoy, Manuel sigue más vigente que nunca, con un techno que se ha convertido en una firma propia: crudo, profundo e hipnótico, lejos del ruido pasajero y más cerca de una búsqueda constante.
Desde Madrid, Manuel Anós ha construido una trayectoria sólida que cruza el club, el estudio y la composición audiovisual sin perder coherencia. Con una base clásica y una obsesión clara por el detalle, su universo se ha ido expandiendo hacia el cine, la moda y el diseño sonoro, mientras Non Series celebra quince años reafirmando una identidad que nunca ha necesitado seguir tendencias para mantenerse relevante.
En esta conversación hablamos sobre la evolución de su sonido, el presente del sello, su rutina entre familia y máquinas, el papel del hardware en tiempos dominados por la inteligencia artificial y el estado actual de una escena techno cada vez más ecléctica.
Bienvenido, Manuel. ¿Cómo estás?, ¿cómo empezó este 2026 para ti?
Hola, gracias por la invitación. Muy bien, me tomé dos semanas tranquilas para pasar tiempo en familia y desconectar un poco, y ya estoy de vuelta viajando de nuevo y pasando tiempo en el estudio. Este año va a ser intenso a nivel laboral, con muchos proyectos y fechas, pero tengo muchas ganas de todo lo que viene.
Tu sello cumple 15 años este 2026 y ya vas camino de las más de 90 referencias, algo que destaca no solo por el número, sino también por la consistencia y calidad musical.
Mirando atrás, ¿cómo describirías la evolución de tu sonido durante estos años? ¿Sientes que hay un “antes y después” claro en tu música?
Sin duda, ha habido una evolución. Es algo lógico cuando llevas tantos años tocando, seleccionando música y trabajando en el estudio. La experiencia es un grado tanto a nivel técnico como a nivel estético, y
eso se nota con el tiempo. Siempre he tendido a inclinarme hacia un techno minimalista, pero creo que en los últimos años he dado con el sonido que más me representa y que define claramente la identidad del sello. Ha sido un proceso largo en el que también han influido enormemente todos los artistas que han pasado por el catálogo. Cada referencia ha ido aportando matices hasta construir lo que es a día de hoy.
¿Hacia dónde crees que se dirige ahora el proyecto? ¿Tienes planes especiales para este aniversario? El proyecto no tiene grandes pretensiones más allá de seguir siendo fiel a su identidad y aportar música de calidad a la escena. No me interesa crecer por crecer, sino mantener una línea coherente y cuidada. Para celebrar los 15 años estamos preparando un proyecto importante que verá la luz a finales de año, del que pronto daré más información. Será algo diferente y especial.
Se percibe que tanto tu proyecto artístico como el sello se sostienen sobre una filosofía muy marcada. A estas alturas de tu carrera, ¿cómo te ves a ti mismo? ¿Qué te imaginabas hace 15 años?
Hace 15 años no tenía una idea clara de hasta dónde podía llegar todo esto. Simplemente quería hacer música, publicar mis discos y pinchar todo lo posible. Nunca imaginé que el sello tendría este recorrido ni que se convertiría en una parte tan central de mi vida. Mirando atrás, me siento muy agradecido y orgulloso.
El uso de la inteligencia artificial está cambiando rápidamente muchos paradigmas, también dentro del arte. Puede abrir puertas a territorios creativos nuevos… o matar la improvisación por el camino. Mirando al futuro cercano, ¿crees que estos avances pueden ayudarnos como sociedad?
Creo que —como toda herramienta potente— tiene un enorme potencial, pero también muchos riesgos. Personalmente, lo veo como una oportunidad para reivindicar lo humano, lo imperfecto y lo orgánico. Para mí, ahí el hardware juega un papel fundamental. Trabajar con máquinas, manipular el sonido de forma física y asumir el error forma parte del proceso creativo. Creo que en el futuro, tener una voz propia y un enfoque personal tendrá mucho valor.
¿Cómo es tu rutina hoy en día?
¿Cuánto tiempo dedicas a la música y cómo organizas ese equilibrio entre estudio, shows y gestión del sello?
Trabajo principalmente por las mañanas entre semana, ya que por las tardes estoy con mis hijos y mi mujer, y me resulta muy complicado concentrarme a esas horas. Intento también sacar algo de tiempo para hacer deporte y mantener cierto equilibrio.
Ahora mismo estoy muy implicado en proyectos paralelos de composición que me absorben bastante tiempo, así que intento organizarme por bloques y encajar semanas centradas en una cosa u otra. Aun así, siempre marco en el calendario mis objetivos anuales, que suelen ser mi disco en Non Series y las colaboraciones con Fernando (Orbe) que puedan surgir.
¿Sueles producir todo en hardware o también utilizas herramientas digitales? Recomiéndanos máquinas o plugins que hoy sientas imprescindibles en tus tracks.
Para techno suelo trabajar casi todo en hardware, salvo muchos de los efectos, sobre todo de dinámica. Me resulta una manera de trabajar mucho más cómoda porque trabajo de pie, de forma activa, y me permite experimentar de manera tangible con las máquinas. Disfruto mucho más el proceso así. Luego, a la hora de secuenciar, editar y mezclar, trabajo en el ordenador, lo que me da más flexibilidad para realizar cambios tanto en el sonido como en la estructura del tema. Algunos de los plugins o marcas que más utilizo son: Valhalla, Oxford y Eventide para reverbs, Soundtoys Decapitator y PA Black Box para distorsión, Fab Filter ProQ3 para Eq y Unfiltered Audio para efectos de tiempo.
Has estado actuando bastante en formato live junto a Orbe con presentaciones en festivales como Draaimolen. ¿Cómo nace vuestra conexión musical? Cuéntanos más sobre este proyecto conjunto.
Nos conocemos desde hace mucho, pero fue hace unos diez años cuando nuestro amigo Fabio (Ater Cosmo) nos unió para editar un vinilo en el sello de su tienda. Me pidió remezclar dos temas originales de Fernando y, a partir de ahí, surgió todo. Creo que congeniamos muy bien tanto a nivel personal como profesional. Los dos hemos apostado siempre por un sonido alejado de las modas, teniendo muy claro lo que nos gusta y el camino que queremos seguir. Creo que, con el tiempo, la gente valora mucho esa honestidad.
Sabemos que muy pronto lanzaréis un álbum juntos. ¿Puedes adelantarnos algo sobre ese material?
Saldrá a mediados o finales de marzo y es un proyecto ambicioso donde queremos mostrar de forma amplia nuestro universo sonoro. Es un trabajo muy enfocado a la pista, pero también con un componente narrativo y muy en la línea de nuestros directos.
¿Cómo es hoy tu relación con Madrid y con la escena local? ¿Sientes que la ciudad sigue influyendo en tu música?
Madrid ha cambiado mucho en los últimos años. He visto cerrar muchos de mis clubes y fiestas favoritas, y aquella época de oferta casi ilimitada en el centro ya no existe. Aun así, se percibe un relevo generacional interesante. La gente que venía del hard trance, el rave, o más recientemente, del hardgroove, se está inclinando poco a poco hacia nuestro sonido. Ahora tocamos por primera vez en la fiesta Laster, que es un claro reflejo de lo que escucha la gente joven en la ciudad, y creo que representa bien ese cambio.
¿Cómo ves el estado actual de la escena techno? ¿Qué cosas crees que evolucionaron y qué te gustaría cambiar?
Creo que la escena está en un momento bastante sano. Es muy ecléctica, con una oferta enorme y variada tanto en festivales como en clubes. A nivel técnico se ha evolucionado muchísimo, especialmente en sonido y producción, y eso es de agradecer a la hora de tocar.
También me parece también positivo que la prohibición de móviles en muchos clubes se haya consolidado, porque ayuda a recuperar la esencia del baile y la inmersión en la música.
Creo que hay mucho camino por recorrer todavía, sobre todo a la hora de arriesgar en programación y no depender quizá tanto de las tendencias, pero en general, veo un panorama muy mejorado.
apparat
“Ahora me interesan más las situaciones en las que las cosas pueden fallar”
Sascha Ring, aka Apparat, lleva muchos años haciendo música y, aun así, sigue encontrándose con fricciones, dudas y límites propios. Sonoramente, su trayectoria ha ido desplazándose desde una electrónica más bien estricta hacia un lenguaje cada vez más abierto, donde la fragilidad y la atención minuciosa al detalle sonoro han pasado a ocupar un lugar central.
Entre discos en solitario, el supergrupo Moderat del que es una tercera parte, bandas sonoras y colaboraciones constantes, la sensación externa era la de un artista en pleno control de su oficio. Su trayectoria ha ido desplazándose desde una electrónica austera y funcional hacia un lenguaje cada vez más abierto, donde la fragilidad y la atención minuciosa al detalle sonoro han ocupado un lugar central.
Pero tras la gira mundial de Moderat en 2023, ese equilibrio se rompió. De vuelta a Berlín, a la rutina doméstica y a una nueva etapa vital marcada por la paternidad, la música dejó de avanzar por culpa de una suspensión total del impulso creativo. Durante tres años, componer dejó de ser una posibilidad clara.
A ‘Hum of Maybe’, publicado a finales de febrero, nace de ahí. De aceptar la incertidumbre como punto de partida de todo. El resultado es un disco que habita los estados intermedios: entre lo acústico y lo electrónico, entre el trabajo en solitario y la colaboración, entre el control y la duda, sin plantear resoluciones claras.
Han pasado varios años desde tu último álbum como Apparat. ¿Cuándo te diste cuenta de que estabas entrando en un nuevo ciclo creativo y no solo acumulando ideas?
Durante mucho tiempo solo estuve recopilando fragmentos. Sonidos sin intención, bocetos sin dirección. El cambio llegó cuando ciertas ideas empezaron a atraer a otras. Me di cuenta de que volvía a estados de ánimo y gestos similares en días distintos. Ahí dejó de sentirse como un archivo y empezó a sentirse como movimiento otra vez. Con cada idea fui recuperando confianza y entré en una especie de flow.
¿Qué hábitos o condiciones te permitieron volver a escribir sin bloqueo? ¿Cómo reconoces después cuándo algo es realmente un tema?
Bajar las expectativas fue clave. Una idea al día, por pequeña que fuera. No tenía por qué convertirse en una canción: podía ser una textura, un ritmo, un cambio armónico. La regla era simple: al final del día tenía que existir algo. Sin juicio, sin corregir. Cuando vuelvo más tarde a esos bocetos, escucho si hay resistencia. Si siento que algo sigue dando la sensación de irresuelto o ligeramente incómodo, suele ser señal de que hay algo vivo ahí. Si resulta demasiado fácil, normalmente no merece la pena seguirlo.
¿En qué momento trabajar con un grupo cercano de músicos empieza a cambiar tu forma de tomar decisiones?
Durante los dos primeros meses trabajé solo, con un setup muy limitado y mayoritariamente analógico. Cuando entró Philipp, mi coproductor, el sonido cambió de forma evidente. Al principio fui un poco escéptico, pero tomé una decisión consciente: cuando colaboro, quiero aceptar de verdad lo que la otra persona aporta. En un momento dado pasamos a un estudio más grande e hicimos sesiones con banda. El sonido se transformó mucho en esas etapas, pero las canciones ya estaban, en esencia, desde el principio.
¿Qué tipo de ideas solo surgen cuando estáis físicamente en la misma sala?
El tempo, la fricción, la duda. Pequeñas imperfecciones que no se pueden programar. Alguien que calcula mal una dinámica, o que reacciona un poco tarde. Esos momentos solo existen cuando los cuerpos comparten espacio. Introducen incertidumbre, y esa incertidumbre suele convertirse en la parte más interesante.
¿Qué buscas al combinar interpretación física con manipulación digital?
Sigo interesado en desestabilizar categorías. Cuando los instrumentos acústicos suenan mecánicos, o los elementos electrónicos se sienten frágiles y humanos. El procesamiento ayuda a difuminar esos límites. El objetivo no es el contraste, sino la ambigüedad, que el oyente no pueda clasificar de inmediato lo que está escuchando. Si al final todo convive de forma natural, entonces está bien hecho.
¿Qué significa que ‘An Echo Skips A Name’ esté etiquetado como una toma alternativa sin un original conocido?
Sugiere que no hay una versión definitiva. La canción existe en un estado de variación, como la memoria. Llamarla toma alternativa abre el álbum desde la incertidumbre. Presenta el disco como una perspectiva posible, no como una declaración final.
¿Cómo traduces un material emocionalmente directo a un lenguaje sonoro que evita declaraciones explícitas?
Centrándome en el comportamiento más que en la descripción. Repetición, cambios graduales, elementos que se separan o se desincronizan. La música no necesita explicar las emociones; puede reflejar cómo se mueven. La distancia y la cercanía pueden existir a nivel estructural, sin ser nombradas.
¿Qué necesitaste recuperar al volver a Apparat después de trabajar en otros formatos?
La vulnerabilidad. Apparat siempre ha sido el espacio donde me permito menos protección. Volver a él significó aceptar de nuevo la incertidumbre, sin esconderme detrás de una función o un concepto. Eso llevó tiempo.
¿Cómo surgieron las colaboraciones con KÁRYYN y la existencia previa de ‘Pieces, Falling’?
KÁRYYN nos acompañó en gira y hubo una conexión inmediata. Su voz transmite emoción sin exagerarla, y eso encajaba con ‘Tilth’.
‘Pieces, Falling’ existía antes de que el álbum tuviera una forma clara. Más tarde encontró su lugar porque compartía el mismo clima emocional. No necesitó reescribirse, solo recolocarse.
¿Cómo han sido los ensayos del directo en formato banda?
Enfocamos los ensayos como una traducción, no como una reproducción. El objetivo no era la precisión, sino la presencia. Las canciones pueden cambiar, respirar. Ese proceso sigue abierto, y la idea es que lo siga estando. A menudo, los temas suenan bastante distintos al final de la gira.
Mirando atrás a los distintos formatos de directo, ¿qué te permitió hacer musicalmente cada uno? ¿Cuál disfrutaste más?
Cada formato ofrecía un tipo distinto de control. Las actuaciones basadas en software permitían precisión; el formato banda permite fragilidad. No prefiero uno sobre otro: responden a necesidades diferentes. Ahora mismo me interesan más las situaciones en las que las cosas pueden fallar un poco. Y en eso, los humanos son los mejores.
¿Crees que seguirías haciendo música si no la hubieras compartido públicamente tan pronto?
Sí, pero probablemente sonaría algo distinta. Compartir música pronto introdujo diálogo, fricción, responsabilidad. Sin eso, quizá la música habría sido más privada, pero también menos cuestionada. A menudo me digo que sigo una filosofía intransigente, pero cuando trabajas dentro de un sistema con sellos, agentes, promotores y, por supuesto, público, tienes que hacer concesiones.
Si comparas el cierre de ‘LP5’ con el momento actual, ¿qué ha cambiado?
Cuando terminé ‘LP5’, sentí que cerraba un capítulo. A ‘Hum of Maybe’ se parece más a entrar en un proceso abierto. Me interesa menos llegar a un sitio concreto. Esta vez no hay sensación de resolución, y eso me parece adecuado. Por primera vez en mi carrera, puedo ir al estudio y seguir haciendo música. No estoy agotado
AUTOR FEDERICO CORTINA
hernan cattaneo
“El underground honesto no siempre está en un lugar geográfico, está en la intención”
Casi como si fuera un mito vivo, Hernan Cattaneo se ha convertido en un prócer argentino, catalogado como uno de los orgullos nacionales junto a Maradona, Gustavo Cerati y Charly García, pero dentro del universo de la electrónica. Un tipo cuya energía desborda buena onda y cuyas mezclas son pura elegancia, capaz de transformar una pista en un viaje emocional donde los detalles, los silencios y la narrativa pesan tanto como el track que está sonando. Desde aquellas horas escuchando música al lado del parlante en Caballito (Bs.As) hasta escenarios gigantes alrededor del mundo, Hernán construyó una identidad que hoy trasciende generaciones.
Lejos de la urgencia que domina la industria actual, sigue defendiendo una visión donde la música está en el centro, donde la paciencia y el trabajo invisible valen más que el hype, y donde el underground y el mainstream pueden convivir sin perder la esencia. Ha sido testigo de la evolución del DJ desde las cabinas íntimas hasta el espectáculo global, y aun así mantiene una mirada serena, introspectiva y profundamente humana.
Hoy, con 61 años recién cumplidos y una carrera tan sólida como coherente, hablamos con él sobre el equilibrio personal, el desgaste físico de viajar sin parar, la suerte y la disciplina, las redes sociales, el “show paralelo” que rodea al DJ y ese impulso constante por descubrir nuevos talentos y devolver lo que alguna vez recibió. Esperamos que disfruten esta charla tanto como nosotros al hacerla.
Bienvenido a nuestras páginas, Hernán. Estamos muy felices de recibirte en Mixmag Spain, y más en el mes de tu 61 cumpleaños. ¿Cómo te encuentras en este momento de tu vida?
Estoy bien, con energía y ganas después de unas buenas vacaciones. Con la edad entendés mejor el recorrido. Ya no vivís todo con urgencia. Lo vivís con otra cabeza, todo es mucho más tranquilo.
Después de los 50, cumplir años ya no es una cuestión de números. A los 20 querés vivir de la música, a los 40 querés mantenerte ahí y superarte día a día, y a los 60 disfrutás feliz lo que sembraste durante tu vida, tanto a nivel personal como profesional.
Todo está mucho más tranquilo y balanceado. Sigo teniendo el mismo entusiasmo cuando escucho un track que me gusta o cuando planeamos un Sunsetstrip. Esa sensación no cambió nunca. Supongo que mientras eso siga pasando, voy a estar en este lugar.
hernan
¿Qué partes de tu vida personal crees que están escondidas dentro de tu música, aunque el público no siempre las vea?
Mi infancia está completamente ahí. Mi manera de escuchar música viene de esas horas al lado del parlante en mi casa en Caballito. De mirar el vinilo girar. De prestar atención a los detalles, a los silencios, a esas capas que quizás otros amigos míos no notaban. Ahí se formaron mi oído y los gustos musicales que me trajeron hasta acá.
También está mi familia. La ética de mi viejo, la sensibilidad musical de mi mamá y mis hermanas. Yo crecí en una casa donde no sobraba nada, pero había valores muy claros. Eso se trasladó directamente a mi forma de ser.
Mi música no es eufórica, es más introspectiva. Y eso tiene que ver conmigo. De chico era súper tímido y ahora soy más observador que expresivo. Me gusta construir un clima más que generar un impacto inmediato. Y eso termina viéndose —y escuchándose— en mis sets.
Desde fuera parece un trabajo soñado, pero sabemos que hay mucha disciplina detrás. ¿Cuáles son las cosas más difíciles de afrontar para lograr “el sueño del DJ”?
Cuando arranqué, el mayor “sacrificio” era dejar las salidas con amigos para quedarme practicando mezclas. Pasar horas intentando que un mix saliera perfecto para repetirlo el fin de semana. Ese trabajo invisible fue clave en aquellos tiempos.
Hoy, lo más difícil es el desgaste físico. Viajar tanto, aeropuertos, hoteles, cambios de horario. Cada vez me cuesta más dormir poco y estar lejos de la familia. Aun así, jamás me quejaría de nada de eso. Ser un DJ global es un privilegio enorme. Siempre lo viví así. Es mejor que ganar la lotería.
Acompañado de la disciplina también hay un factor que se podría llamar “suerte”: estar en el lugar exacto en el momento justo. ¿Qué opinás acerca de este pensamiento?
Totalmente de acuerdo. La suerte existe. Claro que sí. Yo tuve mucha en momentos muy importantes, tanto personal como profesionalmente.
Estuve en el momento justo cuando Oakenfold me llevó por el mundo a fines de los 90 y también cuando conocí a Jackie, mi mujer. Y esas son las dos cosas que más me cambiaron la vida.
Pero la suerte sola no alcanza. Tenés que estar preparado cuando aparece la oportunidad. Si no trabajaste antes y no estás listo, la oportunidad pasa y tal vez no vuelve. Es como que la suerte te abre una puerta, pero el trabajo y el esfuerzo son los que te permiten entrar y luego construir una carrera larga y relevante.
Has construido una imagen muy ligada al equilibrio y al bienestar. ¿Qué hábitos te ayudaron a sostener una carrera larga sin perder energía ni claridad mental?
Primero, no perder el norte. Siempre supe por qué quería ser DJ: quería compartir música que me gustaba con los demás. Nunca fue otra cosa.
Después, mantener un buen vínculo con mi familia, mis amigos y la gente que trabaja conmigo. Eso te ordena y te recuerda quién sos y de dónde venís. Es muy fácil perder el equilibrio. También intentar tener buenas costumbres: dormir bien (cuando se puede), caminar, estirar un poco, comer mejor. Son cosas simples, pero sostienen todo. Y mi mujer me ayuda mucho con eso.
¿Hay algún género electrónico que te intrigue aunque no encaje del todo en tus sets?
Siempre me gustó el drum and bass. Soy gran fan de DJ Marky y también de lo que hacían Carlos Alfonsín, Orange y DJ Buey en Argentina. No necesariamente para tocarlo en mis sets, pero me encanta ese sonido y su cultura.
También me interesa la producción más experimental, incluso cosas que no son tan bailables como The Orb. A veces no encaja en mis sets, pero disfruto mucho ese viaje musical.
Desde tu perspectiva, ¿qué está pasando realmente en la escena mainstream hoy?
Hay mucha dinámica de show business y todo parece más grande, más espectacular, más inmediato. El mainstream funciona de forma mucho más cercana al entretenimiento masivo que a lo estrictamente musical.
No está ni bien ni mal, es parte de la evolución natural de cualquier movimiento cultural. Son gustos, como pasa en el cine, la comida o lo que sea. Lo importante es intentar no perder la identidad dentro de lo que uno hace o propone. Pero eso se nota en un minuto. También es clave que siempre sigan vivas las escenas underground en todos lados porque de ahí sale lo más nuevo e interesante. Los nichos.
Creo que, en general, ambos mundos conviven bien, como vemos que pasa en los últimos años en Ibiza, donde están las distintas escenas y cada una atiende su juego. Vas a Ushuaïa Ibiza y está lleno de gente bailando sonido EDM, vas a Akasha y también está lleno, pero con un DJ underground. No veo nada malo en eso. Hay que vivir y dejar vivir.
hernan cattaneo
Y al mismo tiempo y sin hablar de géneros, ¿dónde ves el underground más honesto ahora mismo?
El underground honesto no siempre está en un lugar geográfico. Está en la intención, como dice Laurent Garnier en su libro.
Puede estar en un club chico, en un sello independiente o en un productor que todavía no tiene nombre pero trae ideas nuevas. Cuando la motivación es la música y no la súper exposición, ahí suele estar lo más valioso, sea adonde sea el lugar. Y como dije antes, todos pueden convivir. Nosotros tenemos dos marcas muy diferentes: una más underground y nocturna como Sudbeat, y otra más grande y diurna como Sunsetstrip. Me siento cómodo con las dos porque en ambas la música (aunque sea distinta) es el centro de la propuesta.
Hace un tiempo hablaste del “show paralelo” que rodea al DJ, especialmente en backstage y cabina. ¿Sientes que hoy en día hay demasiado espectáculo en torno a la figura del DJ?
Sí, claro. Lo dije muchas veces y a algunos no les gustó, pero en mi opinión el espectáculo creció mucho más alrededor de la figura del DJ que alrededor de la música. Obviamente, no vengo a decirle a nadie cómo hacer las cosas, solo doy mi opinión porque me la piden.
Creo que es importante ver en cada caso si todo ese “humo” acompaña o reemplaza. Cuando acompaña, la música con buen gusto la puede potenciar. Cuando la reemplaza, pierde sentido o se convierte en otra cosa. Siempre sentí que la música tiene que ser el centro. Todo lo demás está OK si es complementario.
En este sentido, ¿crees que las redes sociales han perjudicado más que ayudado a la cultura electrónica?
Han hecho las dos cosas. Pero ya es tarde para arrepentirse, ¿no? Abrieron puertas enormes para la difusión, pero también generaron ansiedad y comparación constante, sobre todo en los DJs más jóvenes.
La música necesita tiempo y las redes funcionan en segundos. Es éxito o nada y cualquiera sabe que la música no se puede ver de esa forma. El desafío mayor para los nuevos DJs es que la “lógica digital” no termine moldeando tu identidad solo para conseguir más likes o seguidores. Yo aprendí (con tiempo y trabajo) a que las opiniones de los demás sobre lo que hago no me afecten demasiado ni me cambien el estado de ánimo. Pero no sé si sería igual si hoy tuviera 25 años cuando la aprobación exterior parece ser muy valorada.
¿Sientes que la música electrónica, que nació como un movimiento underground y popular, se ha vuelto un lujo exclusivo por el alto valor de las entradas y VIPs?
En algunos casos, sí. Los costos crecieron mucho y eso impacta en las entradas. Es una realidad compleja y sé que a veces es frustrante.
Yo hago shows con mucha producción que tienen tickets muy costosos, pero también hago otros más accesibles. Son formatos distintos. Hoy, por ejemplo, producir en Argentina un show de primer nivel internacional es mucho más caro que hacerlo en Europa. No se puede comparar.
Los VIPs no me molestan, siempre y cuando no estén todos encima de mí. Si es por mí, prefiero un booth limpio sin nadie más, solo el DJ. Pero eso no siempre depende de uno.
Hay algo en el público argentino que parece casi espiritual. ¿Qué ocurre ahí que nunca viste en otro lugar?
En Argentina la música se vive con una intensidad muy especial. Hay entrega total. No solo con nosotros los DJs, sino en cualquier género musical: rock, pop, latino,… todos, y también en el deporte, obviamente. Tiene que ver con nuestra historia y con cómo vivimos las cosas. En una fiesta eso se siente y le da un color y un ambiente increíble.
Eso no lo vi así, igual, en ningún otro lugar. Y como hay tantos argentinos por el mundo, ese espíritu se contagia cada vez más.
Además de tu faceta como DJ, también escribes y te gusta la radio. En 2021 lanzaste tu libro “El sueño del DJ”, ¿estás trabajando en algún otro proyecto personal? ¿Hay otra faceta artística que no conozcamos?
Siempre estoy pensando cosas. En mayo será el primer Sunsetstrip en Madrid y estamos muy entusiasmados. Los últimos años en España fueron muy buenos: Madrid, Barcelona, Málaga, Mallorca, Valencia e Ibiza. Como dicen ustedes, las “sensaciones” son muy buenas.
Sudbeat está en un gran momento musical, muy sólido y con fuerte apoyo a artistas nuevos y otros ya consolidados.
Este año también hice una colaboración de un reloj con la marca suiza Franck Muller. En abril, la editorial Planeta lanza una nueva edición de mi libro “El sueño del DJ” con dos capítulos nuevos. La radio me sigue atrayendo mucho y tengo muy claro que esa será mi ocupación cuando deje de viajar tanto. Me encanta el formato íntimo, sin imagen, solo sonido. También está dando vueltas la idea de una cápsula de remeras con Harvey & Willys. Siempre hay algo.
hernan
Muchos artistas hablan del apoyo que les has dado cuando nadie los conocía. ¿Qué te motiva a seguir descubriendo y acompañando nuevos talentos?
Me motiva porque antes alguien lo hizo conmigo y sé muy bien lo que vale. Tuve oportunidades cuando todavía no era nadie. Y no me olvido de eso. Está bueno devolver. Descubrir a alguien con identidad propia es muy estimulante. Es como verme a mí a los 20 años.
Cuando firmamos a un chico nuevo en Sudbeat es como cuando hice el primer trabajo para Perfecto Records. Siempre me gustó la frase del Jedi Master Yoda: “Enseña lo que aprendiste”.
Tu sello Sudbeat se ha posicionado como una plataforma perfecta para descubrir artistas. Imagino que recibes miles de tracks similares cada día… ¿Cómo es realmente el proceso de selección?
Lo hago con mi socio y amigo Graziano Raffa. Escuchamos todo lo que podemos. Cada vez es más difícil por la cantidad que llegan, pero lo intentamos porque eso no se puede delegar en otra persona, jamás. Ahí está el ADN del sello, ¿no?
Generalmente, buscamos personalidad antes que perfección técnica, ya que eso siempre se puede mejorar después. Si un track suena igual a todo lo demás, por más bien producido que esté, no nos interesa tanto. Cuando escuchamos algo con identidad, ahí empieza la conversación. Con Graz tenemos muchos gustos en común y otros no tanto, y esas diferencias enriquecen mucho la variedad de Sudbeat.
Cuando un DJ alcanza cierto reconocimiento, parte del público parece celebrar cualquier decisión musical sin cuestionarla. ¿Sientes que a veces es más difícil enfrentarte a un público exigente que a uno que simplemente viene a verte a ti?
Cada uno es un desafío distinto. El público exigente te obliga a estar muy atento al set, tanto en la selección como en la programación y el mix. Cuando el público celebra todo sin cuestionar, el riesgo es relajarte demasiado.
Pero también disfruto el rol de atraer a nuestro mundo a gente que normalmente escucha música más mainstream y que después terminará bailando en pistas de los DJs más jóvenes.
Para mí es mucho más difícil tocar para 20.000 personas que están descubriendo este sonido que para 300 expertos. El desafío es muchas veces mayor.
A mí me gusta sentir la reacción del momento. Que haya feedback real. Que lo que pasa con la gente en la pista genere una respuesta espontánea desde la cabina. Ahí es donde suceden los mejores momentos de una fiesta.
hernan cattaneo
PAREJA CASALÍ
sebastian ledher
“La pista no solo baila, también siente”
En un momento en el que la electrónica global mira con atención hacia los ritmos latinos, Sebastian Ledher ha sabido transformar su base minimal y deep tech en una propuesta con identidad sólida, emocional y profundamente conectada con la pista. Su evolución no responde a una estrategia oportunista, sino a una búsqueda orgánica que hoy encuentra su punto de madurez en La Conexión, su nuevo álbum.
Con siete piezas concebidas como una obra integral —no como una colección de singles— Ledher articula un puente entre la electrónica de club y la música latina real, entre lo orgánico y lo digital, entre el groove físico y la emoción que se canta. El proyecto, desarrollado junto a Jambene —recientemente galardonado con un Grammy americano—, eleva la ambición artística y simbólica de esta nueva etapa, apostando por instrumentación real, vocales originales y una construcción musical sin atajos.
En esta entrevista en la que celebramos su portada en Mixmag Spain, Sebastian nos habla de identidad, de industria, de la responsabilidad que implica llevar el latin house a estándares globales y del momento en que entendió que su sonido ya no era una exploración, sino un movimiento. También de colaboraciones con figuras como Zion, de su alianza estratégica con King Records y del verano que se aproxima, donde su música seguirá expandiéndose entre clubes, festivales y nuevos territorios.
Porque si algo queda claro tras esta charla es que, para Sebastian Ledher, la pista no es solo un lugar para bailar: es el espacio donde la conexión se vuelve real.
En los últimos años has vivido una evolución muy clara: del minimal y el deep tech hacia un sonido más latin house y una electrónica más contemporánea. ¿Qué detonó esa transformación artística?
Qué buena pregunta… Mira, creo que más que una transformación artística, ha sido una evolución musical bastante natural. Mi base siempre fue el minimal y el deep tech, el sonido del club donde me formé y entendí la pista. El verdadero detonante fue ver cómo el sonido latino empezaba a integrarse cada vez más en los clubs, y ahí entendí que podía dejar de seguir una estética para empezar a construir una propuesta con identidad propia.
Con el tiempo sentí la necesidad de integrar mis raíces latinas, esos elementos más orgánicos que me definen, logrando un ensamblaje personal entre mi escuela electrónica y la vibra latina, manteniendo siempre la esencia del club como eje central.
“Hoy en día es muy fácil construir música a partir de samples, pero para lograr una vibra real necesitaba trabajar con sonidos orgánicos y dirigir a cada músico para que se conectara genuinamente con la intención de cada track.”
¿En qué momento sentiste que el latin house podía convertirse en tu sonido principal dentro de la escena?
Creo que fue un proceso muy orgánico. Empecé a explorar estos ritmos y a probarlos en la pista, y desde el inicio la reacción del público fue distinta: la gente no solo bailaba, también cantaba y conectaba emocionalmente con las vocales en español dentro del club. Ahí supe que algo especial estaba pasando. El verdadero punto de inflexión llegó cuando artistas como Solomun y Marco Carola comenzaron a tocar mis tracks de forma constante en sus sets y festivales, incluso semana tras semana, y otros DJs a los que siempre admiré, como Nic Fanciulli, empezaron a pedirme música directamente. En ese momento entendí que no era algo pasajero, sino el nacimiento de un sonido propio. Ahí confirmé que el latin house podía convertirse en mi lenguaje principal: no se trataba de adaptar canciones latinas al formato electrónico, sino de crear música desde el groove del club, con identidad latina real, energía underground y una conexión auténtica con la pista a nivel global.
La Conexión se publica ahora como una obra completa. ¿Cuál es el concepto del álbum y qué significa realmente esa “conexión” para ti?
La Conexión nace como una obra pensada para escucharse de principio a fin, no como una colección de singles. El concepto gira en torno a distintos niveles de unión: la conexión humana, emocional y cultural. Para mí, esa “conexión” es el puente entre la electrónica y la música latina, entre lo orgánico y lo digital, entre la pista de baile y la emoción. Cada track representa un estado emocional distinto, pero todos están unidos por la inten-
ción de generar algo real dentro del club, donde el público no solo baile, sino que también sienta y se identifique. Es una electrónica más humana, construida desde la colaboración y el diálogo entre el artista y la audiencia, con una visión global pero profundamente latina.
Este proyecto lo desarrollas junto a Jambene. ¿Cómo fue el proceso creativo compartido y qué aporta esa construcción conjunta frente a trabajar en solitario?
Trabajar con Jambene fue clave para el proyecto. Musicalmente me aportó una visión profundamente caribeña que enriqueció todo el universo sonoro del álbum, y su voz le dio un sabor y una identidad muy especial a cada track. Pero la colaboración fue mucho más allá de eso: la conexión entre su equipo de músicos y el mío permitió que las armonías crecieran de forma orgánica y que la construcción musical fuera más rica y colectiva.
Jambene es una superestrella en cuanto a dedicación, pasión y talento, y esa entrega conecta mucho con la forma en la que yo vivo mis propios proyectos. Hubo un respeto y una admiración artística mutua que hizo que el proceso creativo fluyera con total naturalidad, y creo que esa energía es justamente la que terminó materializándose en La Conexión, no había otra manera de llamarlo.
El álbum está compuesto por siete piezas muy cuidadas, con bajos, pianos y vocales originales. ¿Por qué era importante apostar por material 100% propio en esta etapa?
En esta etapa era fundamental apostar por material 100% propio. Hoy en día es muy fácil construir música a partir de samples, pero para lograr una vibra real necesitaba trabajar con sonidos orgánicos y dirigir a cada músico para que se conectara genuinamente con la intención de cada track.
Quería que los bajos, pianos, guitarras y vocales nacieran desde la emoción.
Para mí, eso es crear música como se ha hecho siempre: sin atajos, combinando cada instrumento de manera real y consciente. Esa forma de trabajo hace parte de mi sello personal, porque me apasiona involucrarme directamente con los músicos, escucharlos, nutrirme de sus ideas y, al mismo tiempo, guiarlos dentro de una intención clara para cada tema.
Cuando cada músico aporta desde su sensibilidad y experiencia, el track crece, se vuelve más profundo y se “engorda” con cada aporte individual, manteniendo siempre una coherencia emocional y rítmica. Es ahí donde se construye esa conexión genuina: no solo entre los instrumentos, sino también entre la música y quien la escucha, logrando que todo se sienta vivo, coherente y auténtico.
El cantante del proyecto acaba de ganar un Grammy americano. ¿Cómo influye eso en la dimensión artística y simbólica del álbum?
Un Grammy Americano es un reconocimiento que nace desde la propia industria, votado por músicos y profesionales con un bagaje artístico muy alto. Que Jambene, el cantante del proyecto, haya recibido este reconocimiento por parte de la academia americana ratifica que estamos llevando la música electrónica —y en particular esta fusión latina— a los estándares más altos de la industria musical a nivel global. A nivel artístico y simbólico, esto eleva la dimensión del álbum y también nos exige una gran responsabilidad: la de estar a la altura de ese nivel de excelencia. Al mismo tiempo, es un orgullo enorme trabajar con artistas que se mueven en esa liga, porque refuerza la convicción de que este proyecto no solo conecta emocionalmente, sino que también tiene un peso real dentro del panorama musical internacional.
Además, incluyes una colaboración con Zion, una figura clave de la música latina global. ¿Cómo surge esa conexión y qué representa para ti?
Fue algo muy orgánico. Ya habíamos tenido algunos acercamientos y llevábamos casi dos años en contacto, hablando por WhatsApp. Hace poco, estando en Madrid, me reuní con un amigo en común con Zion: Junior777. Ese día le compartimos un el track de BANDOLERA que construimos junto a Kalem, Escobar y Camilo, y la respuesta fue inmediata: a Zion le gustó muchísimo desde la primera escucha y literalmente nos escribió: ¡Ahí falto yo!. A partir de ahí decidió subirse al tema y eso nos llenó de alegría pues Zion es una superestrella internacional y es una leyenda de la música urbana global. Para mí representa una validación muy especial, pero sobre todo una conexión artística real con Zion y que desde ya apunta a ser uno de los Hits más sonados de este verano.
Esta colaboración no hace parte del álbum La Conexión, sino que se reservó para un lanzamiento posterior con otras colaboraciones de talla mundial que estamos desarrollando.
.Uno de los pilares de esta etapa es la integración de instrumentos reales y sonidos autóctonos, especialmente con influencias del Caribe. ¿Cómo trasladas esa identidad orgánica al lenguaje del club moderno sin perder contundencia?
Para mí, la clave está en entender que los instrumentos reales aportan alma, textura y un feeling orgánico que no se puede replicar de otra forma. La magia sucede cuando existe una comunicación fluida con cada músico, permitiendo que traigan su sonido y su identidad, pero siempre bajo una dirección clara para amalgamarlos dentro de la vibra de la música de club. También influye mucho que toco guitarra, porque eso me da un lenguaje común para conectar con músicos y cantantes, dar vida a melodías y armonías y hacer que todo fluya de manera natural. No se trata de suavizar el sonido, sino de volverlo más humano sin perder contundencia en siste-
mas grandes. Todo parte de una base electrónica pensada para el club, que mantiene la energía y se enriquece con estos elementos orgánicos, creando una mezcla atractiva entre lo minimalista y lo sofisticado.
Las letras tienen un peso muy fuerte en tu propuesta actual y están basadas en experiencias reales. ¿Qué importancia tiene para ti generar identificación emocional más allá del groove?
Para mí, la música conecta primero desde el cuerpo, desde la energía que se siente en la pista a través del groove. En el club eso es inmediato: el ritmo marca el pulso y guía cómo el público vive ese momento. Cuando a ese groove le sumas letras con un contexto personal y un mensaje real, la conexión va mucho más allá. La canción se transforma en un vínculo emocional con recuerdos propios: una historia de amor, de desamor o de una experiencia que cada persona ha vivido. Me encanta ver cómo, en ese punto, la gente hace la canción suya, la canta en la pista y la convierte en una expresión muy personal de lo que está sintiendo en ese instante.
Tracks como ‘Normal’, ‘Perra Melancólica’ y ‘Una Noche De Locura’ ya suenan en festivales y clubes de todo el mundo. ¿Qué sientes cuando ves que funcionan tanto en la pista como en plataformas digitales?
Para mí es algo muy especial, porque ratifica que la música conecta en distintos contextos. Ver a miles de personas disfrutando esos tracks en un club, sintiendo la energía en la pista, y al mismo tiempo saber que otros los escuchan y los hacen parte de su día a día, es muy poderoso. Eso confirma que la evolución de la música electrónica ya no se queda solo en la pista, sino que trasciende fronteras y momentos para convertirse en un acompañante real de la vida de las personas. Que una canción pueda funcionar tanto en un festival como en un momento íntimo o cotidiano es algo que me parece alucinante y muy significativo como artista.
“Más que adaptar mi identidad a una audiencia ya existente, siempre me he enfocado en hacer música desde un lugar auténtico”
Has recibido apoyo constante de artistas que definen la electrónica global y has sonado en eventos como Tomorrowland, Ultra Music Festival o Time Warp. ¿Cómo dialoga tu nuevo sonido latino con esos grandes escenarios internacionales?
Siento que esta música conecta de forma muy natural tanto en clubes como en festivales, y eso confirma que estamos construyendo un sonido con verdadero alcance global. No es música pensada para adaptarse a una escena específica, sino creada de manera orgánica para funcionar en distintos contextos y escalas, desde un club íntimo hasta un escenario masivo. Que estos tracks suenen en festivales como Tomorrowland, Ultra o Time Warp, y que tantos DJs los sumen a sus sets, me llena de orgullo y valida todo el proceso. Para mí es la prueba de que el sonido latino puede dialogar con los grandes escenarios internacionales sin perder identidad, y espero muy pronto estar tocando esta música en vivo en esos festivales, compartiendo cartel con artistas que llevan la electrónica a cada rincón del planeta.
Tu crecimiento ha sido orgánico, superando los 2.1 millones de oyentes mensuales en Spotify. ¿Cómo se construye una audiencia global sin perder identidad?
Siendo honesto, nunca he pensado en “tener una audiencia” como un objetivo. Más que adaptar mi identidad a una audiencia ya existente, siempre me he enfocado en hacer música desde un lugar auténtico. El hecho de que hoy esa música conecte con millones de personas simplemente confirma que el sonido que estoy construyendo tiene un alcance global y valida esa identidad artística sin necesidad de forzarla.
Inicias una nueva etapa internacional junto a Kevin Roldan y su sello King Records. ¿Qué cambia a nivel estratégico y artístico en esta alianza?
Esta alianza marca un salto importante a nivel estratégico y artístico. Aporta una visión mucho más global y una estructura sólida que permite llevar mi música a nuevos mercados sin perder identidad. Las conexiones y la infraestructura de King Records, sumadas a la experiencia de un artista global con una trayectoria clara y exitosa como Kevin Roldan, crean un entorno muy potente. Una muestra de esto es la posibilidad de realizar colaboraciones de talla global. Artísticamente, me da la tranquilidad de seguir desarrollando mi sonido con libertad, conservando mi esencia y permitiendo que el proyecto evolucione de manera natural, pero ahora con un alcance internacional mucho más amplio y bien estructurado.
Mirando hacia la temporada de verano y el circuito internacional, ¿qué podemos esperar de tus próximos lanzamientos y dónde podremos verte?
Viene mucha música nueva y una etapa muy activa a nivel creativo. Adicional a los proyectos con Zion y Kevin Roldan, estoy muy emocionado porque vienen varias colaboraciones grandes, incluyendo varios tracks realizados en campamento junto a Poo Bear, compositor de algunos de los mayores éxitos de artistas como Justin Bieber, Usher, Chris Brown, Ed Sheeran, Billie Eilish, Mariah Carey, DJ Khaled y Jennifer Lopez, entre otros. Se vienen más colaboraciones que seguirán ampliando este universo creativo de Sebastian Ledher. También hay varios proyectos en camino como un EP junto a Barbara Doza, Rony Seikaly y Jambene. Se viene también algo con Soteldo —productor de Bad Bunny y Eladio Carrión—, Harvey Valencia, KK, Dh Moon junto a GroodTaste, Sirolf, Dany Gómez y un EP muy especial junto a Josh Kalker. Acá tendremos unos lanzamientos con un enfoque más Groove enfocado en el sonido club contemporáneo.
En cuanto a los shows, ya hemos estado en Estados Unidos, Colombia, Venezuela, Costa Rica y República Dominicana. Ahora seguimos con Argentina, Ecuador y Chile, para luego entrar en una temporada de verano muy activa en España y varios puntos de Europa, llevando este nuevo sonido a distintos escenarios del circuito internacional.
sebastian ledher
Escanea el QR y escucha el cover mix exclusivo de Sebastian Ledher para Mixmag Spain
eric hilton
Co-Fundador de Thievery Corporation
Con más de 30 años de trayectoria, Eric Hilton se ha convertido en una figura esencial dentro del universo electrónico. Su imaginario sonoro ha marcado a varias generaciones de oyentes y productores, construyendo un lenguaje propio que trasciende modas y etiquetas. Cofundador de Thievery Corporation, es considerado uno de los padres del downtempo moderno, con una estética que desdibuja los límites entre géneros, donde el trip-hop, el dub, el reggae, el acid jazz y el world music conviven bajo un mismo manto espiritual y cinematográfico, siempre guiados por un groove inconfundible y una sensibilidad pensada para crear atmósferas etéreas en las que perderse.
A poco tiempo de su último lanzamiento en solitario, ‘A Sky So Close’, Hilton continúa explorando texturas analógicas, grooves minimalistas y una narrativa emocional profundamente introspectiva, sin perder la esencia que define su trayectoria. En paralelo, refuerza su vínculo con el sonido desde otro ángulo: una colaboración con RESØR para el desarrollo de un mixer rotary de edición limitada, una pieza que refleja su obsesión por la alta fidelidad, los circuitos analógicos y la experiencia de escucha en estado puro. Este proyecto conecta perfectamente con su pasado como DJ y selector, y la búsqueda constante de herramientas que hagan la experiencia aún más especial.
En esta conversación hablamos sobre la evolución de su lenguaje musical, el proceso creativo detrás del álbum, su relación con el hardware y la cultura hi-fi, y cómo conviven hoy la composición, el diseño sonoro y el arte del DJing dentro de una trayectoria que sigue expandiéndose sin perder su esencia. Una charla íntima con uno de los nombres más influyentes del downtempo contemporáneo, donde la experiencia y la curiosidad continúan marcando el camino.
Hola Eric, es un placer hablar contigo. Thievery Corporation ha sido una presencia constante en muchos momentos de mi vida, así que esta conversación tiene un significado especial para mí. Escuché ‘A Sky So Close’ y me pareció una experiencia increíble: mantiene ese ADN clásico del trip-hop mientras abre un espacio muy etéreo, étnico y emocional. ¿Cómo nació el concepto del álbum y qué lugar ocupa dentro de tu evolución personal como productor?
Como trabajo con música a diario, suelo inclinarme hacia sonidos que considero sanadores. Es una forma de encontrar mi centro sonoro y una de las razones por las que disfruto tanto del proceso creativo. Durante el otoño pasado me di cuenta de que gran parte de lo que estaba haciendo tenía una influencia oriental, así que decidí seguir ese camino. Cuando era mucho más joven, me marcaron especialmente dos libros: Siddhartha de Hermann Hesse y El Alquimista de Paulo Coelho. Considero ‘A Sky So Close’ como un discípulo sonoro de las ideas presentes en esos libros. Disfruto creando música en soledad; me permite soñar a través del sonido. Puede ser una experiencia muy emocional.
Hay una sensación muy cinematográfica y espiritual a lo largo del disco. ¿Qué influencias crees que moldearon este proyecto?
Me fascinan los discos de jazz espiritual de Alice Coltrane y las exploraciones de Dorothy Ashby dentro del jazz con influencias orientales. La canción ‘The Fakir’ de Cal Tjader me abrió la mente hacia nuevas posibilidades. Y, por supuesto, adoro la expresividad del sitar y especialmente de su instrumento hermano, el sarod; tanto que incluso llamé “Sorod” a un tema de mi LP Ceremony hace unos años. Estos sonidos han sido una parte muy importante tanto de Thievery Corporation como de mi trabajo en solitario.
Volviste a colaborar con Natalia Clavier, una voz muy ligada a tu universo sonoro. ¿Cómo es vuestra dinámica creativa en el estudio y qué hace especial esa conexión?
Natalia tiene talento en muchísimas facetas. Fue idea suya añadir la letra en ‘Lalitā’ y ‘Kali’. Está muy vinculada al mundo del sound healing, y ambos temas fueron la oportunidad perfecta para expresarse desde ese lugar tan único. Canta en más de cinco idiomas y a veces es como un camaleón sonoro. Es un arma secreta en el estudio.
Tus producciones destacan por grooves minimalistas pero profundamente hipnóticos. ¿Qué instrumentos, máquinas o procesos utilizaste durante la creación de este álbum?
Quienes conocen mi trabajo con Thievery Corporation saben que el bajo y la batería son mi base absoluta. En esta etapa en solitario he disfrutado experimentando con distintos teclados. Mis favoritos son el Wurlitzer Electric Piano, el Casio MT-65 y el ARP
Solina String Ensemble. Mi proceso es muy simple: añado sonidos y melodías cuando me transmiten la sensación adecuada.
¿Cómo es tu rutina cuando entras en modo producción? ¿Trabajas desde la improvisación o tienes algún ritual para comenzar cada sesión? ¿Qué synths o drum machines están más presentes ahora mismo en tu estudio?
Aunque suene raro, empiezo cada pieza en GarageBand. Ahí juego con el arreglo y los sonidos básicos, normalmente trabajando desde casa. Luego traslado los archivos a Logic en el estudio y trabajo junto a un ingeniero, mi amigo Darryl “Trane” Burke, para empezar a añadir instrumentación en vivo y efectos más complejos.
Después de tantos años explorando el trip-hop, el dub y el downtempo, ¿te interesa experimentar con territorios más orientados a la pista de baile o la electrónica de club contemporánea?
Tengo muchas canciones de minimal techno y composiciones similares que aún no he publicado. Me gusta ese género en ciertos momentos, aunque obviamente no es mi sonido principal. A medida que vaya reuniendo más material, algún día lo lanzaré. Lo mejor de Thievery Corporation y de mi carrera en solitario es la libertad para moverme entre géneros; quizá haya más espacio del que incluso imaginaba.
Colaboraste con RESØR para crear un mixer rotary de edición limitada. Tu enfoque siempre ha estado muy ligado al sonido hi-fi — ¿qué te motivó a involucrarte en el diseño de hardware?
Cuando vi por primera vez un mixer de Resør online, supe que iba muy con lo que me gusta.
Cuando descubrí que Aleks era fan de mi música, empezamos a hablar por internet. Un año después nació esta colaboración. Para mí es un honor, porque la calidad de su trabajo es ejemplar. Cada disco suena mejor cuando pasa por sus mixers.
¿Podrías contarnos algunas especificaciones técnicas y qué lo diferencia de otros modelos de RESØR?
Resør utiliza transformadores de salida Lundahl para las salidas balanceadas. Las etapas phono llevan condensadores Mundorf Silver & Gold, y en los circuitos de EQ y tono hay condensadores Silver Mica que aportan un carácter hi-fi más vintage. El sonido es espectacular.
Esta colaboración y tu fuerte enfoque hi-fi revelan una relación muy profunda con el acto de escuchar y mezclar música. ¿También disfrutas la experiencia del DJing — buscar música, mezclar vinilos, crear atmósferas en una sala o un club?
He pasado la mayor parte de mi vida pinchando y buscando música. Hoy en día estoy centrado al 100% en componer; tanto que reduje mis giras para dedicar aún más tiempo a la creación.
¿Tienes actuaciones en solitario previstas en España este año? ¿Habrá oportunidad de ver pronto a Thievery Corporation por aquí?
Me encantaría volver a España pronto. Tengo recuerdos maravillosos allí: la gente, la escena artística, la comida, el clima… lo echo de menos. Ojalá sea muy pronto.
Gracias, Federico.
Gracias a ti, Eric. Esperamos tener la suerte de escucharte este año por aquí.
2016 VS 2026
¿En qué momento cambió la forma en la que salimos? Así se ha transformado el ocio nocturno en los últimos años
De la evasión compartida al instante capturable: ¿Qué ha cambiado para que las discotecas ya no marquen nuestra forma de relacionarnos como en otras generaciones?
El otro día, haciendo scroll en Twitter —me niego a llamarlo X, para mí siempre será Twitter— me encontré con un tuit que lanzaba una pregunta directa: “¿Por qué murieron las discotecas?”. La frase es exagerada, sí, porque la noche no ha muerto y seguimos saliendo, la oferta es amplia y las ciudades se llenan cada fin de semana. Sin embargo, también es evidente que algo ha cambiado y que el ocio nocturno de hoy no se parece demasiado al de finales de los 90 o principios de los 2000. No es cuestión de nostalgia fácil, simplemente es diferente.
Hazte una pregunta sencilla: ¿cuántas veces sales al mes? Probablemente menos que alguien de tu misma edad hace quince o veinte años y, si viviste aquella época, seguro que notas diferencias claras. Antes, salir era casi un ritual que empezaba con calma y terminaba cuando amanecía; no ibas solo a ver a un DJ concreto o a cumplir con un plan rápido, sino a pasar horas en la pista. La noche tenía recorrido y narrativa, había residentes, había identidad de club y también una sensación de pertenencia que no necesitaba demasiadas explicaciones.
Hoy, la experiencia está más fragmentada y salimos menos horas, elegimos más el evento puntual, consultamos el line-up como si fuera una carta, grabamos más momentos y cambiamos antes de plan. Así, la noche ya no siempre es un bloque de seis o siete horas, sino una suma de cápsulas que pueden ser un tardeo, una fiesta concreta o una sesión específica y, muchas veces, al día siguiente aparece otro plan completamente distinto.
En este punto surge la pregunta incómoda: ¿de quién es la responsabilidad?, ¿ha cambiado el ocio nocturno o hemos cambiado nosotros? Pues seguramente ambas. Por un lado, el modelo de negocio se ha transformado y los precios han subido, con entradas más caras, copas más caras y cachés de artistas más altos. Además, muchas salas han optado por fórmulas más inmediatas y por carteles con nombres potentes que aseguren venta rápida, así como por experiencias más “instagrameables” que fidelicen a corto plazo. La presión económica es real porque hay alquileres, licencias y competencia con festivales y eventos temporales, de modo que mantener una discoteca abierta todo el año ya no es tan sencillo como antes. Pero también hemos cambiado como público y consumimos música de forma diferente mientras saltamos de track en track. Pasamos más tiempo en redes, comparamos planes en tiempo real y tenemos menos paciencia para quedarnos en un mismo sitio toda la noche. Por eso han ganado terreno los planes de día, el tardeo y los eventos híbridos, e incluso las reuniones en casa compiten con salir fuera. La noche ya no es el único espacio fuerte de socialización que tenemos, ahora convive con muchas alternativas.
Probablemente, la transformación no sea culpa de un solo lado, sino parte de un cambio cultural más amplio. Hemos pasado de una noche entendida como viaje largo y colectivo a una experiencia más corta y selectiva, además de más condicionada por el contexto económico y digital. Las discotecas no han desaparecido, aunque sí han perdido el monopolio emocional que tenían sobre el fin de semana.
En paralelo, las redes sociales han amplificado esa sensación hasta convertirla en un motor de decisión, ya que no solo salimos porque nos apetece, sino porque vemos que otros están saliendo, porque esa fiesta parece “la” fiesta o porque, si no vas, sientes que te estás perdiendo algo irrepetible. De esta manera, muchas veces la elección no nace tanto del deseo como de la comparación.
El problema es que el FOMO rara vez se traduce en disfrute profundo, porque te empuja a ir pero no necesariamente a quedarte, a aparecer pero no siempre a conectar. Así, saltamos de plan en plan buscando el lugar donde “está pasando algo”, sin darnos el tiempo suficiente para que pase algo de verdad.
Antes, salir tenía algo de anonimato y la experiencia se quedaba en la pista junto a las vivencias compartidas de quienes estaban allí. Ese momento tenía algo de comunidad, la sensación de que todos los que estaban en ese espacio formaban parte de algo. Hoy, en cambio, muchas veces se siente como un contenido en potencia: la foto en el espejo del baño, el vídeo del drop o la historia con el DJ de fondo, porque no se trata solo de estar, sino de mostrar que estuviste.
Y eso… cambia la energía. Porque cuando una parte de tu atención está en la pantalla, algo se rompe en la pista. La noche deja de ser un espacio de desconexión para convertirse en otro lugar donde proyectar una imagen. El club deja de ser un refugio, y pasa a convertirse en un escaparate.
Quizá la pregunta nunca fue por qué murieron las discotecas, sino cuándo empezamos a vivirlas a medias. Porque la noche no desaparece por falta de oferta, sino por falta de implicación. La pregunta entonces no es qué se perdió, sino qué estamos construyendo ahora y si estamos satisfechos con ello.
robert leiner aka the source experience
“Mucha de la música que hago no tiene intención de ser publicada; es más bien una meditación, horas manipulando sonidos donde el tiempo parece detenerse. Es una necesidad.”
Que la música deje de sonar a ‘música’ y se transforme en un estado mental no es algo que pase todos los días, ni con cualquier artista. Últimamente me he sentido atraído por ese tipo de música electrónica que altera la percepción: tracks que, escuchados con un buen soundsystem o incluso caminando solo con auriculares, hacen que entres en otra dimensión.
En esa búsqueda apareció Robert Leiner, bajo su proyecto The Source Experience. Conocía su nombre por algunos discos escuchados —casi por accidente— mientras diggeaba, y por su papel como figura clave del techno de los 90 a través de sellos como R&S Records. Pero no había entendido del todo su dimensión artística.
Todo cambió al escuchar su live en Ombra Festival. Lo que ocurrió allí fue difícil de clasificar, Robert construyó una narrativa sonora hecha de capas, texturas y transiciones casi invisibles. Techno, trance y ambient se entrelazaban hasta perder sus límites; más que un set, fue una experiencia perceptiva. Ese momento marcó un antes y un después en mi forma de entender la música electrónica, y lo cierto es que me gusta pensar la vida a través de esos puntos de inflexión.
Robert Leiner nació en Suecia en 1966 y fue una de las figuras más singulares de la electrónica de mediados de los 90. Su música no solo definió un sonido, sino también una forma de escucha: introspectiva, expansiva y profundamente emocional.
Esta conversación no busca respuestas rápidas ni definiciones cerradas. Es una invitación a hablar de psicodelia, percepción, emoción y música electrónica como experiencia colectiva.
Bienvenido, Robert. Es un verdadero placer hablar contigo, ¿cómo te sientes en este momento de tu vida?
Últimamente he estado lidiando con una enfermedad y el año pasado me diagnosticaron la enfermedad de Graves. Ahora está mejor, pero la recuperación va un poco lenta con la medicación. Pasé un par de años bastante estresantes cuidando de mi madre e intentando conseguirle una residencia, y finalmente lo logré justo cuando recibí mi diagnóstico. Ahora las cosas están mejor y poco a poco estoy volviendo a la música.
Tu closing set en Ombra fue una de esas actuaciones de las que la gente habló durante semanas. ¿Eras consciente, mientras tocabas, de la intensidad que se vivía en la sala?
Claro que podía sentir la energía, sobre todo después de pasar un par de días en el festival escuchando a otros artistas. Cuando toco estoy súper concentrado en lo que hago en el escenario, pero sin duda sentía la energía del lugar y eso te da un impulso extra sobre cómo actuar y qué sonidos enfatizar. Siempre me tomo un tiempo antes de tocar para aislarme un poco y poner el foco en el lugar correcto.
Hice 30 minutos extra y seguramente podría haber hecho otros 30 más si hubiese estado más preparado. El tiempo pasa volando cuando la energía es buena y me gusta dar espacio a la música para que construya cuando hay una pista fuerte.
¿Crees que este tipo de experiencias solo pueden suceder en contextos muy específicos o también pueden recrearse en otros espacios?
Siempre es una combinación de muchos factores: el lugar, el sonido, las luces, los visuales, el equipo humano y un espacio donde la gente se sienta segura y sin juicio. Esos lugares son los mejores, pero rara vez existen en la escena más comercial, donde el dinero manda. Aun así, hay eventos que lo consiguen como Monument Festival en Noruega y, por supuesto, Ombra.
Hoy en día, cuando se habla de psicodelia en la música electrónica, muchas veces se reduce a una estética. En los años 90, ¿cómo se vivía realmente esa experiencia? ¿Era algo buscado conscientemente o surgía de forma natural dentro de la escena?
Supongo que depende de dónde estuvieras. En Goa, por ejemplo, la psicodelia ya era una parte importante incluso antes de que llegara la música electrónica, así que surgió y se mezcló de forma natural. Muchos eventos que hice en el pasado fueron en bosques y en plena naturaleza, cosa que daba mucha libertad para explorar. En aquella época no había móviles ni redes sociales, era totalmente diferente. No había grandes shows visuales ni gente grabando para Instagram o TikTok, ni siquiera demasiados DJs en la misma noche. Al principio todo giraba puramente alrededor de la música y el baile, no del DJ como foco principal. La gente estaba más abierta a la diversidad musical siempre que apoyara el viaje. Mi propio recorrido siempre ha sido cómo manipular la música, incluso habiendo estado del otro lado de la pista. ¿Cómo puedes ser DJ y no bailar nunca?
Tu exploración sonora ha sido amplia pero muy coherente. ¿Cómo se desarrolló ese viaje personal y qué influencias moldearon tu forma de entender el sonido?
Para mí siempre ha sido clave la tecnología en la generación de sonidos. También me inspiraron artistas como Tangerine Dream, Kraftwerk y YMO, que usaban mucho la tecnología para crear música y actuar. También la vida y la naturaleza pueden inspirar a la hora de crear. Mis sets en directo han evolucionado desde el principio hasta hoy, pero siempre sobre la misma base, construyendo sobre un mismo fundamento para encontrar elementos dinámicos que manipular tanto con programación como en directo. La interacción humana siempre es importante para que todo sea dinámico e interesante y tener control sobre lo que puede pasar.
Es una experiencia similar cuando hago música en el estudio usando hardware real; muchas de mis grabaciones son jams grabadas en una sola toma, dejándome llevar. Probablemente me aburriría y me agotaría creativamente si solo hiciera un estilo musical, así que no tengo miedo a experimentar o aprender un instrumento nuevo. Con la música electrónica tienes posibilidades infinitas para explorar sonidos y ritmos.
Desde el ambient y el downtempo hasta el techno y el trance, tu música parece moverse por estados más que por géneros. ¿Estos paisajes sonoros nacieron de forma intuitiva o había una intención clara detrás?
Es una combinación de ambas cosas. Cuando toco en directo rara vez hago exactamente el mismo set dos veces. El tipo de evento y mi sensación del momento definen el resultado, y puede cambiar según la energía del público y la mía. Es como contar una historia con un inicio, un pico y un final. Creo que cada estilo encuentra su lugar en el momento adecuado, y puedes tener control sobre eso.
¿Hubo alguna práctica, estudio o experiencia vital que te ayudara a profundizar esa conexión entre música y espiritualidad?
Más que nada, ha sido la experiencia de vida. Viajar por diferentes partes del mundo ha tenido un impacto, así como conocer personas de distintos caminos que viven la música de la misma forma en la pista.
De pequeño siempre me atrajeron los instrumentos, como el piano de cola de mi abuela cuando estaba solo, lo exploraba tocando teclas y golpeando cuerdas para descubrir sonidos. Nunca tuve formación formal y soy autodidacta, lo que hizo que no tuviera reglas a la hora de tocar.
También sentía una conexión profunda cuando escuchaba música electrónica de joven, como Tangerine Dream; siempre sentía que esos paisajes sonoros me llevaban a otros lugares. Mucha de la música que hago no tiene intención de ser publicada; es más bien una meditación, horas manipulando sonidos donde el tiempo parece detenerse. Es una necesidad.
La psicodelia suele asociarse automáticamente al uso de sustancias, pero el trabajo en estudio cuenta otra historia. ¿Cómo describirías el entorno social y cultural cuando empezaste a publicar música?
La psicodelia siempre ha estado ahí, y al principio era más abierta para explorar, pero para mí siempre fue sobre el sonido. También era una forma de abrir los sentidos y hacer que el sonido fuera más dimensional. La psicodelia ha sido parte de la historia humana en la creatividad y la danza, una forma de alcanzar estados más elevados, y siempre estará ahí.
Personalmente no me gusta usar psicodelia ni sustancias al crear o actuar. Hay un elemento de control en el proceso que requiere concentración. La música y el baile en sí mismos pueden ser el camino hacia la iluminación musical, con o sin psicodelia.
¿Y cómo fue recibida tu obra en aquel momento?
Muchas veces fue abrumador. Seguir mi propio camino y hacer lo mío hizo que destacara, supongo. Tocaba muchísimo y apenas podía asimilar el último show antes de ir al siguiente. Mientras trabajaba con R&S había buen marketing, así que tuve bastante prensa, promoción y muchas actuaciones bien recibidas, aunque no sin problemas técnicos a veces. También llevaba conmigo a un técnico de sonido cuando hacía falta, porque el buen sonido era importante y porque me ayudaba cuando iba demasiado lejos. Hacía muchos grandes festivales con todo tipo de música, así que el tiempo era corto y necesitaba a alguien que entendiera cómo trabajo.
Después de tocar, muchas veces me sentía sobrepasado y necesitaba aislarme un poco para procesar todo sin demasiada distracción alrededor.
¿Qué querías expresar con ‘Visions Of The Past’? ¿Era un mensaje hacia el futuro para entender lo que pasaba entonces?
Al principio era solo una colección de temas que hice entre el 91 y el 93, tanto en Suecia como en Bélgica. ‘Aqua Viva’ ya lo había hecho en 1991 en Estocolmo y fue el track que me llevó a firmar con R&S. A partir de ahí hice más piezas que podían encajar en un álbum junto a ese tema. En los 90 siempre había chill out rooms en muchos eventos, lo que también influyó en crear música que pudiera escucharse allí o en casa después de salir. Es una especie de viaje, algo que puedes escuchar conduciendo de noche. Muchas veces, escuchar demos en el coche daba una experiencia distinta que en el estudio. Crear esa música fue una mezcla de mi recorrido personal y la música con la que crecí.
Tu música se construye a través de capas y combinaciones muy particulares de sonido. ¿Cómo trabajas esa superposición de texturas y lenguajes sonoros?
La mayoría del tiempo es pura sensación. A veces puede ser caótico y luego intentas darle sentido cuando todo llega a la vez. Muchas grabaciones nacen de preparar diferentes paisajes sonoros en el mixer y grabar la sesión, manipulando todo en tiempo real en una sola toma. Otras veces, paso mucho tiempo programando para lograr el sonido y las transiciones correctas. En directo quiero acceso a cada sonido por separado para poder cambiar sobre la marcha y hacer ajustes en el soundcheck. Siempre hay elementos base con bastantes capas y equipo externo que entra o sale según la sensación. También depende mucho del sistema de sonido y del monitoreo, porque mezclo todo yo mismo como un DJ, pero con 24 canales.
Hoy existe una necesidad constante de categorizar la música. ¿Cómo defines tu sonido dentro de esos límites, si es que los aceptas?
Para mí, en esencia, todo es techno de alguna forma, con matices de otros estilos. Tiene que ver con las máquinas y de dónde vienes. Siendo DJ desde principios de los 80, he pasado por muchos géneros y siempre ha ido sobre romper límites y explorar lo nuevo. No me defino dentro de una categoría concreta y muchas veces las mejores pistas son las de público más abierto. ¿Hace falta solo un bombo a negras para llamarlo techno?
Si tuvieras que situarte junto a artistas afines, ¿cómo lo harías?
Igual que yo, siguiendo su propio camino y haciendo lo suyo. Como DJ es importante encontrar la música que te hace especial. Es un trabajo constante construir tu biblioteca musical y refinarla. Cómo será una actuación también depende del tipo de evento y del resto del line-up.
Hablando de afinidades: ¿qué artistas te inspiran hoy?, ¿a quién no deberíamos dejar de escuchar ahora mismo?
Hay muchos buenos DJs, aunque a veces suenan demasiado parecidos. Creo que hay que dar un poco más para destacar, tomar riesgos y mezclar cosas que no sean tan obvias dentro del mismo estilo. Me gustan algunos DJs de Japón como Wata Igarashi y DJ Nobu, que saben hacer exactamente eso.
¿Qué herramientas siguen siendo centrales en tu proceso actual y cuáles han cambiado radicalmente desde los 90?
Los sintetizadores y el ordenador siempre han sido clave. Empecé con Steinberg Pro-16 en un Commodore 64 en 1985 y luego pasé a Cubase en Atari. Ahora uso Ableton Live, que puede hacerlo todo si quieres, y también Max for Live para crear mis propios plugins y efectos. Ha cambiado muchísimo desde entonces. El sampling también ha sido una herramienta esencial para capturar sonidos y manipularlos. El equipo analógico siempre ha sido importante para conseguir el sonido y tener control físico. Hoy puedes hacer todo en un portátil… pero, ¿dónde está la diversión en eso?
Pronto volverás a Barcelona, primero con un DJ set y luego con un live. ¿Qué es lo que más te entusiasma de regresar?
Tomar algo de Sol y disfrutar un poco después del frío invierno sueco, reencontrarme con nuevas amistades y nuevas oportunidades. Siempre me ha gustado Barcelona y sus eventos, así que tengo muchas ganas de volver. Han sido unos años más tranquilos y espero estar más activo en el futuro.
Y para cerrar: ¿te queda algún sueño por cumplir como artista? Dicen que si lo dices aquí… se hace realidad.
Hacer la banda sonora de una película sería increíble,… (¿o puedo elegir mejor un synth?).
nacar club
Un nuevo ciclo semanal de clubbing en Barcelona
Desde finales de 2025, Barcelona suma un nuevo punto de encuentro dentro de su circuito de clubbing. Nacar Club abrió sus puertas el pasado 29 de noviembre con una propuesta clara: un ciclo semanal dedicado a la electrónica contemporánea impulsado por Brunch Electronik y alojado en Luz de Gas, una de las salas más reconocibles del centro de la ciudad. El formato es sencillo: programación cada sábado de 00:30h a 06:00h con artistas internacionales y una línea musical centrada en distintas vertientes del house y el techno melódico.
Desde su apertura, Nacar ha ido reuniendo a una serie de artistas habituales del circuito internacional de club. En estos primeros meses han pasado por la cabina Âme DJ, Tripolism, Mind Against, Arodes, Rockin Moroccin, Parallelle, Trikk y Kevin de Vries, junto a Miguelle & Tons, Francis Mercier y Dorian Craft, además de una sesión compartida entre Maga, Sean Doron y Tim Engelhardt. Más allá de la presencia de nombres internacionales, la programación de Nacar también incorpora artistas vinculados a distintas escenas electrónicas europeas y mediterráneas. El objetivo del ciclo parece orientarse a construir una agenda continua donde convivan DJs que ya son muy conocidos, y propuestas emergentes dentro del circuito de clubs.
Uno de los momentos más destacados de estos primeros meses ha sido la actuación de Maceo Plex en formato All Night Long, una sesión extendida en la que el productor y DJ estadounidense ocupó la cabina durante toda la noche. Este tipo de formato, que es cada vez menos habitual en ciclos semanales, permite a los artistas desarrollar sets más largos y con mayor libertad narrativa, algo que sigue teniendo un peso particular dentro de la cultura de club.+
La agenda de marzo de 2026 sigue esa misma línea, combinando nombres consolidados con artistas más recientes del circuito. El 7 de marzo el club recibe a Carl Craig, figura clave del techno de Detroit y responsable del sello Planet E. Compartirá cabina con el DJ y productor neerlandés Tom Trago y con Flavio Folco, habitual en el circuito local. Una semana después, el 14 de marzo, será el turno del dúo italiano Agents of Time, conocidos por su enfoque melódico dentro del techno contemporáneo, junto a Vomee. El 21 de marzo el cartel reúne a Mita Gami, artista habitual en circuitos vinculados al house y al techno melódico, acompañado por Yuvèe y Kelo (AR). La programación de marzo se cierra el 28 de marzo con Jayda G, DJ y productora canadiense vinculada al house y al disco contemporáneo. Completan el lineup CARISTA, figura de la escena de Ámsterdam, y Hanie.
La aparición de nuevos ciclos de clubbing en Barcelona siempre se interpreta en relación con la evolución general de la ciudad como destino musical. Durante las últimas dos décadas, el circuito electrónico local ha alternado periodos de fuerte expansión con fases de reajuste marcadas por cambios en la regulación nocturna, la transformación del tejido urbano y la aparición de nuevos formatos de evento.
En ese contexto, proyectos como Nacar apuestan por una programación regular dentro de un calendario dominado por festivales, grandes eventos o ciclos estacionales. El formato semanal (cada sábado de madrugada) recupera la lógica del club como espacio recurrente dentro de la agenda cultural de la ciudad.
El hecho de que la propuesta esté impulsada por Brunch Electronik también aporta un contexto específico. El proyecto nació en Barcelona hace más de una década y ha desarrollado desde entonces una extensa red de eventos diurnos y festivales en distintas ciudades europeas. Su salto al formato de club nocturno supone, en cierta manera, una ampliación natural de su actividad dentro de la escena electrónica local.
aceleración
AUTOR SERGIO BIFEIS
Durante los últimos años la pista de baile se ha convertido en un lugar donde los BPMs altos y una sensación de urgencia permanente dominan gran parte de la escena electrónica contemporánea. Una especie de hard everything —hard techno, hard trance, hard groove, hard dance, hard bounce, hard house y hardcore y hasta el renacimiento del sonido mákina— que más que una etiqueta sonora es un estado mental colectivo.
Vivimos en una época de estímulo continuo, de scroll infinito y de recompensas inmediatas. Una tormenta perfecta de sonidos duros hace que el club ya no sea únicamente un espacio de evasión, sino un reflejo amplificado de esa realidad. Sets que no dan tregua donde no existe la progresión. Todo parece diseñado para competir por la atención en TikTok y/o Instagram para crear dopamina digital. Los designios para amoldarse a una industria que no espera a nadie.
Este fenómeno conecta con una generación que ha normalizado la ansiedad como paisaje de fondo. Crisis climática, precariedad laboral, incertidumbre vital y saturación informativa se traducen en una música que empuja hacia delante sin mirar atrás. Lo rápido y lo contundente funciona como catarsis, pero también como huida. Al fin y al cabo la electrónica de baile tiene ese punto de hedonismo intrínseco El problema es que, como ocurre fuera de la pista, ese ritmo no es sostenible cuando no hay reflexión..
Aquí entra en juego el burnout colectivo. DJs quemados, públicos exhaustos y escenas que se devoran a sí mismas a la velocidad de sus propios bombos. Lo que hoy parece intensidad mañana puede sentirse como ruido. La historia de la música electrónica demuestra que todo movimiento basado en la aceleración extrema acaba encontrando su límite. Y cuando eso ocurre, el péndulo suele moverse en la dirección contraria.
La pregunta es cuándo bajará este suflé de velocidades de vértigo y si en 2026, más de un lustro después de una pandemia que truncó el ritmo vital a nivel global, habrá un cambio de paradigma y hacía dónde. No como ruptura radical, sino como reajuste. Parece que se perciben señales con los propios artistas demandando sets más largos, tempos más contenidos o una recuperación del groove frente al impacto. En este contexto, resulta especialmente interesante mirar hacia un viejo conocido que podría estar preparando su regreso: el progressive house.
Hace más de 20 años, el progressive house era un estilo que encontró un gran espacio de exposición en clubs, festivales y medios especializados. Marcó la tendencia con una lógica opuesta a la actual: construcción lenta, tensión emocional, viajes largos y paciencia en la pista. Sasha, Digweed, Hernán Cattáneo o John Creamer & Stephane K siguen demostrando que no hace falta correr para generar intensidad. Hoy, en un mundo agotado por la prisa, esa filosofía puede volver a resultar atractiva.
No como nostalgia pura, sino como respuesta. La posible vuelta de lo “proggry” no significaría un simple revival estético, sino un cambio de actitud. Más narrativa con menos impacto inmediato y más memoria emocional. Para una generación que empieza a cuestionar el ritmo al que vive, bajar las revoluciones puede convertirse en un acto casi político. El club como espacio de resistencia frente a la aceleración constante.
Esto no implica la desaparición de sonidos duros Las escenas no funcionan en términos de sustitución total, sino de convivencia y ciclos. Ese hard everything seguirá teniendo su lugar, pero probablemente dejará de ocuparlo todo. Como ya ocurrió en otras épocas, el exceso provocará su propio antídoto. La electrónica siempre ha sido un espejo de su tiempo. Si hoy suena frenético y sin pausa, es porque así se siente el mundo. Pero cuando el cuerpo y la mente empiezan a pasar factura, la música también busca oxígeno. Quizá estemos a las puertas de una nueva desaceleración. Y puede que, esta vez, no se trate de mirar atrás, sino de aprender a ir más despacio para poder seguir bailando.
ALPHATHETA PRESENTA EL MIXER DJM-V5
El nuevo DJM-V5 traslada el enfoque sonoro y creativo del V10 a un formato más reducido, con efectos avanzados y tecnología SonicLink integrada
AlphaTheta amplía su gama de mezcladores con el DJM-V5, una mesa DJ de 3 canales que traslada buena parte del enfoque sonoro y operativo del DJM-V10 a un formato sensiblemente más compacto. La idea no es reducir prestaciones, sino concentrarlas: control preciso, arquitectura pensada para capas complejas y una integración fluida en cabinas contemporáneas donde el espacio y la movilidad importan cada vez más.
El DJM-V5 hereda elementos clave del V10 —ecualización de 4 bandas, compresor por canal, filtros y Send FX— y los reorganiza en una unidad con una huella aproximadamente un 30 % menor. A pesar del tamaño, mantiene un planteamiento claramente profesional, con faders de canal de 60 mm tomados del DJM-V10-LF y una respuesta diseñada para mezclas prolongadas sin fatiga ni saturación. El nuevo modo Soft Mix Curve introduce, además, una atenuación automática y sutil de las frecuencias altas al cerrar el fader, facilitando transiciones más suaves y naturales.
en las entradas de canal como en la salida máster. El resultado es un balance limpio y definido incluso cuando se superponen múltiples fuentes, con una firma sonora pensada para preservar detalle, espacio y dinámica en contextos de club reales.
Los efectos ocupan un papel central en el flujo del mixer. El sistema de Send FX incluye seis algoritmos —Short Delay, Reverb, Shimmer, Tape Echo, PingPong y Echo-Verb— con controles de envío dedicados por canal y un mando de tiempo adaptado al comportamiento de cada efecto. A esto se suma un sistema de filtros por canal con tres modos seleccionables: paso bajo, paso alto y un nuevo filtro de paso cruzado, que permite conservar la energía en graves mientras se modelan medios y agudos, ampliando las posibilidades de intervención sin romper la mezcla.
Otra de las incorporaciones destacadas es el transmisor SonicLink integrado. Basado en la tecnología inalámbrica de latencia ultrabaja de AlphaTheta, permite monitorizar sin cables al emparejar el mixer con auriculares compatibles como los HDJ-F10, libe
DJ Pro mediante USB-C, soporte PRO DJ LINK para trabajo sincronizado con reproductores compatibles y opciones avanzadas de monitorización como Link Cue. La conectividad se completa con un segundo puerto USB-C en el panel superior para iPhone o iPad, facilitando el uso de DJM-REC o la integración directa de dispositivos de efectos como RMX-IGNITE, además de configuraciones de envío y retorno por USB con hardware externo.
Con el DJM-V5, AlphaTheta propone un mezclador que condensa el ADN del V10 en un formato más accesible y flexible, sin renunciar a profundidad sonora ni a herramientas creativas avanzadas. Un enfoque pensado para DJs que buscan precisión, control y libertad operativa sin depender de mesas de gran tamaño.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
pr@freelastica.com
JOMOON
SUGAR NOISEBERRY
Música aparte, me ha fascinado el sonido que contiene este disco. Y repito, contiene, pues es loable como saca pecho -subgraves, beats y texturas analógicas- al mismo tiempo que doma con suma extrañeza voces y atmósferas. Las capas ocupan tus neuronas y emborrachan el momento. Por ejemplo, ahora tengo a un volúmen campeón ‘Confession’, y el bucle en el que me alineo es tremendo. Lo mismo sucede cuando el break electroide y la distorsión ocupan su espacio (‘We Said’) o lo místico pone los pelos de punta. Acongoja ‘Her Veins’. Temas que por lo general calculan reiteradamente la mala leche de lo físico, de la tensión y de la IDM depurada. La experiencia completa -y esto tienes que hacerlo de seguido sin paraditas ñoñas- es una pura inmersión. Ahora es cuando despierto, salgo y tomo aire.
TINLICKER
DREAMS OF THE MACHINE
REMEMBER THE FUTURE / [PIAS]
Ya no podemos seguir hablando de dúo neerlandés. Eso llegó a su fin con este cuarto álbum donde debuta como componente, y miembro estable, la cantante y compositora Hero Baldwin. Con el 2026 se consolida por lo tanto un “nuevo” trío donde, por razones obvias, en lo musical explorará más si cabe la voz y lo emocional. ‘Dreams Of The Machine’ es además un ejercicio donde, a través de sonidos clubbing, ultra-melódicos y de temple mainstream, se ahonda en las fronteras entre lo humano y lo tecnológico. Como ya hacen muchos otros artistas, cuestionan si lo orgánico y lo digital pueden coexistir en armonía. En este caso parece que lo orgánico aka humano, sabe hacer migas con lo virtual. La virtud está en el término medio, dicen. Temas destacados: ‘Release’, ‘Spirit Of Time’ y ‘Choosing Life’.
OF THE TREES
MOONGLADE PARK
MEMORY PALACE
La propuesta del norteamericano Tyler Coombs, cerebro pensante y ejecutor detrás de Of The Trees, es muy parecida a aparcar el coche en un lugar escondido cerca de The Grotto, santuario natural precisamente de donde este mismo artista (Oregón, y ok, podría haber dicho Moonglade Park) y de repente abres la puerta sin bajar el volúmen. Oh, ¿notas eso? Las vibraciones de los bajos y la inestabilidad de una electrónica comandada por el hip hop experimental o el 2step se entremezclan con un entorno repleto de aves y vientos que nos levantan del suelo sin hacernos pupa. La producción en todo momento es, aunque esté repleta de cambios y detalles, limpia y vigorosa. Natural y cinemática. Contiene paseos espectaculares como ‘Acadia’, ‘Sleeping Giant’, ‘Pressure’ o ‘Afterlight’ con Elohim. Un viajecito, un ejercicio escapista altamente recomendable.
DRO CAREY DENIM IRON BRAINCAMP REC
Productor australiano al que encontraréis muy pocas veces poniendo morritos mientras se hace un selfie. Más bien ninguna. Sin embargo es reconocible su cara de buena gente y empollón que debe tornarse en pura concentración una vez encerrado en el estudio. Me lo imagino ahí durmiendo incluso sobre teclados con una manta mal tirada. Al lío, Dro Carey publica nuevo disco, el titulado ‘Denim Iron’ que de primeras, pisotea el aire cordial de su anterior ‘’Nothing Is A Solo Project’ (2020). El regreso es una muestra austera y distante de electro desvencijado, breaks, trap y maniobras peliagudas de club. Y parece que este despliegue ha venido para quedarse. Con una estética peculiar y distorsionada del grime y el juke, nos pone a desfilar con artillería pesada como ‘Hellish Plasma’, ‘Dollar Doomer’ o ‘Footage Rolls After Epiphany’. Locurón.
ÁLBUM DESTACADO
INDIRA PAGANOTTO ARTE COMO AMANTE ARTCORE
De locos el crecimiento de Indira Paganotto como artista y emprendedora. En pocos años se ha convertido en una figura rompedora a la que perseguir por su arrojo y talento. El salto que da publicando su primer LP es parecido a los que suele pegar el ‘verde’ de Marvel. Poca gente conozco criada entre vinilos de jazz y Psy Trance, y esto se nota. La virtud de ambos terrenos campan en la obra creativa de la crecida en Jinámar. También su interés por experimentar el ostracismo en Goa (India) y poseer sangre italiana por parte de madre. En su propuesta hay constantes destellos de superación y de no entender de barreras ¿Etiquetas? para un pantalón. Fresca y global exhuma electrónica donde está claro que empuja el Psy, pero donde transitan muchos más seres y espíritus. Incluso leyendas como Nile Rodgers.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
pr@freelastica.com
D’JULZ
JV
BASS CULTURE
Uno de esos artistas en los que, a principios de este siglo, siempre podía confiar. Sus vinilos de house refinado y aún así bailable, ocuparon buena parte de las maletas que usaba por entonces. Los suyos, junto a otros productores como Jeff Bennett, Phonique o Martinez sonaban siempre atemporales. Ni por asomo, de usar y tirar al mes y medio de pinchaje. Bien, el francés sorprende esta vez con ‘JV’, que si te coscas es el nombre del otro sello que lanzó -en 2017- donde solo publicaba 12”. Alcanzando ahora un público más amplio, vamos a refrescar nuestros ánimos con sonidos house sin distorsiones. De aires retro pero de presente. Como atarse una cola en el pelo, no es por tendencia, es por necesidad. Destacan los cortes ‘Goodjuju’, ‘Triumphant’ y ‘Chaplins Bong’.
VEXILLARY
DIGITAL SUSPIRIA
CON:TRACE
Otro homenaje al cuerpo con el vendaval que aportan los sonidos tranceros. Mucho más mecánico, trasto, científico y siniestro si lo comparamos con la singular propuesta de nuestro disco destacado del mes. En Vexillary colisionan la fuerza del techno, lo cibernético y otros dejes ocultos, como el synthpop. Está clara la presencia de EBM -para bien y para mal- en títulos como ‘Away’ o ‘1000x’ (este segundo, más dos mil). Ah, las voces son muy importantes y están omnipresentes en este maremoto rítmico. Y ya que estamos, disfruté más con la tensión y ritual de las masculinas -’Werewolf’ es puro colmillo- que son las menos. Lástima. El neoyorquino Reza Seirafi sigue armando su propio imperio entre máquinas y conjuros. ‘Digital Suspiria’ te va a tonificar si es que tuviste un día de m… Un gimnasio donde aplacar las penas.
WAAN WE WANT WAAN SONAR KOLLEKTIV
Nominados, premiados, reverenciados… y aún así, desconocidos aún en nuestro país. Estas cosas pasan, si. Esta dupla creativa consta esencialmente en el saxofonista Bart Wirz y el también músico Emiel van Ritjthoven. Alumnos aventajados de Conservatorio que sin duda causaron desde un primer momento furor en gente como Jazzanova o Kraak & Smaak, como consecuencia inmediata, Sonar Kollektiv, escudería alemana consagrada en el nobre arte de exprimir la calidad y el arte detrás de ritmos amamantados por la electrónica, las atmósferas orgánicas y una fusión irreverente e inesperada de jazz con raíces funk. Tras debutar en 2023 con ‘Echo Echo’, regresan este año con un nuevo disco que abraza todo lo dicho, y bastante más. Atrevimiento. Convirtiendo títulos como ‘Why Didn’t You Get Me’, ‘Been Blue’ o ‘Lodge Texas’ en canciones protesta de nuestro siglo.
ERIC HILTON
A SKY SO CLOSE
Si necesitas rebajar revoluciones, este disco puede convertirse en medicina. Eric Hilton, uno de los co-fundadores del exitoso dúo Thievery Corporation -los habrás escuchado alguna vez, aunque perjures que no- se rinde definitivamente al tempo más relajado y orgánico de cuando eso mismo, eran dos. Con cada nuevo álbum en solitario pone en evidencia esa necesidad de escapar de la locura y el ritmo de vida que por activa o por pasiva nos imponen. El estado mental de su música es rítmico, pero tántrico y cercano. Campan percusiones, sonoridades y voces -aquí, todas femeninas- muy familiares y que son herencia directa de los sonidos etno-globales y aquella época dorada del “chill out” de principios de siglo. Y tendiendo la mano muy especialmente a las vibraciones y la elegancia de la música hindú.
REVIEW CLÁSICO
C.J.BOLLAND
THE 4TH SIGN
R&S RECORDS
Un macizo montañoso inteligente, un álbum de armas tomar… Como prefieras. Quienes han testado durante años -se publicó originalmente en 1992 y aunque la gente pide a gritos que lo reediten en vinilo, aún no ha pasado- conocen perfectamente las cualidades de un disco de techno que no se olvida del electro, el trance y el acid para construir una de las obras vitales de la primera mitad de los 90. CJ Bolland, un demonio visionario capaz de dejarnos boquiabiertos, y sin respiración, con pistas como ‘Pendulum’ o ‘Camargue’ ¡madre mía, cómo persiste este himno! Empuje y equilibrio. Un LP que además sentó bases. Uno de los que permitió a la música electrónica madurar desde el caos eufórico del rave hacia la sofisticación hipnótica y estructural del techno y el trance moderno.
BREAKS
Autor: Eduardo Carbonell
breaks@mixmag.es
FATBOY SLIM, THE ROLLING STONE SATISFACTION SKANK
SOUTHERN FRIED / ABKCO MUSIC
Después de un cuarto de siglo moviéndose en la sombra como uno de los bootlegs más codiciados de la escena rave, el mashup ‘Satisfaction Skank’ de Fatboy Slim ve por fin la luz de manera oficial bajo el sello Southern Fried. La pieza combina el riff legendario de ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’ con la base rítmica big beat de ‘The Rockafeller Skank’, dando forma a un cruce tan reconocible como explosivo. Durante años, The Rolling Stones se opusieron al uso del sample, pero su reciente apertura hacia nuevas lecturas de su catálogo ha permitido no solo autorizarlo, sino también facilitar a Norman Cook las cintas originales para una versión con acabado profesional. El resultado es una remezcla que funciona en cualquier pista de baile, recuperando el espíritu irreverente de ambos clásicos, además, se ha lanzado junto a una vibrante reinterpretación drum and bass firmada por High Contrast.
AGGRESIVNES TO YOUR FACE ELEKTROSHOK RECORDS
El granadino Miguel Pinto, más conocido como Aggresivnes, vuelve a nuestras páginas con dos nuevos rompepistas. Sin duda, sus singles ‘To Your Face’ y ‘Go Fast’ sonarán en los mejores festivales breaks durante todo el año. Como ya comentábamos en julio de 2025, Aggresivnes es uno de los artistas más activos de la escena, solo tienes que darte un paseo por su catálogo para encontrarte con joyas como las que ya listamos en su momento u otras que bien merecen un revival. No te pierdas el profundo ‘Now Dance’ y su reciente remix a cargo de Future Funk Squad, el bajo juguetón de ‘Everybody Bassing’, el alegre UKG de ‘Hurt This Man’, que tanto disfruté pinchando en uno de mis sets para Canal Fiesta Radio, el elegante remix que se marcó Freeflow45 a su track ‘Defects’ bastantes años atrás, o el tremendo ‘Statico’, que te dejará de todo menos estático.
MEAT KATIE
GAME OF TONES VOL.2 LOWERING THE TONE
El inglés Mark Pember, alias Meat Katie, ha publicado tres álbumes hasta la fecha titulados ‘Off The Bone’, ‘Long To Belong’ y ‘Vibrator’, además de infinidad de singles y remixes abanderando la escena tech funk junto a Lee Combs, Elite Force y Dylan Rhymes. Mark ha publicado DJ sets bajo Bedrock Breaks, Fabric Live y Ministry of Sound, producciones bajo sellos como R&S, Kingsize, Bedrock, Yoshitoshi, Mo Wax, Toolroom, Global Underground y SAW Recordings y ha dirigido sellos tan influyentes como LOT49 y Whole 9 Yards. En junio de 2013 inició el podcast ‘Lowering The Tone’, que en 2016 se transformó en un sello de progressive techno y ahora también utiliza para algunos de sus producciones tech funk. Mientras trabaja en su cuarto álbum, Mark nos deleita con los recopilatorios ‘Game Of Tones’ y ‘Hard To Find Tracks & Remixes’, ambos con dos volúmenes cargados de clásicos que no estaban disponibles digitalmente.
KOUT FRAKTAL NOSOM
Otro artista andaluz que viene pisando fuerte es el malagueño Jose Manuel Zafra, aka Kout. Comenzó en el mundo de la música en 2006, pero no fue hasta 2009 cuando publica sus primeros trabajos bajo otro pseudónimo. Ha producido estilos musicales desde breakbeat, deep house y melodic techno, hasta géneros urbanos como hip hop, R&B y trap. Jose Manuel emprendió un viaje de 7 años escuchando diferentes géneros musicales hasta llegar a dominar su propio estilo, con un sonido contundente, oscuro y elegante por el que ahora es fácilmente reconocible. Recientemente, se embarcaba en la apertura del sello Nosom con un single de Darkleads, titulado ‘On Repeat’, donde el ceutí nos deleitaba con una producción impecable cargada de ácidos. Más tarde publicaba el single neuro breaks ‘Demons in My Head’ de EvilSound, junto a un remix nu skool breaks del propio Kout y ahora nos sorprende con su nuevo corte ‘Fraktal’.
REVIEW CLÁSICO
JEAN
PLANET JEAN
SUBTERFUGE RECORDS
Pocos relacionan a Carlos Jean con los ritmos rotos, pero lo cierto es que al inicio sus producciones estaban muy influenciadas por la electrónica inglesa. Más concretamente por el trip hop que nos ofrecía en sus discos junto a Najwa Nimri y por el big beat festivo y alegre de su álbum debut en solitario ‘Planet Jean’, publicado por el sello indie Subterfuge Records. De este disco destacaba su genial hit ‘Give Me The Seventies’, el cual tenía un divertido videoclip donde aparecía el propio Carlos bailando a lo Tony Manero. Otros breaks destacables del disco son ‘Protection’, ‘Old’ y ‘Control’, muy al estilo de Propellerheads. Este trabajo llamó la atención de buena parte de la Industria y le hizo trabajar para artistas como Alejandro Sanz, Raphael, Miguel Bosé, Hombres G, Bebe, Enrique Bunbury, Carlos Baute, Fangoria, Hevia, OBK, Pastora Soler, Presuntos Implicados, Tiziano Ferro, La Unión, Camela o Estopa.
DRUM AND BASS
Autor: Olga Casas
drumandbass@mixmag.es
YATUZA, MONYU
RESIDUE
TRUE COLOR RECS
Arrancamos las reseñas de marzo con ‘Residue’, uno de los temas que forman parte del EP ‘Black Chrome’ de Yatuza, con el que debuta en el sello barcelonés True Color Recs.
En este track, el argentino cuenta con la colaboración de Monyu, artista también enfocado en el lado más deep, minimal y oscuro del Drum & Bass.
Yatuza mantiene su identidad potente y sombría, aunque aquí se percibe un punto menos seco de lo habitual. El groove nos atrapa por su firmeza y constancia, generando esa sensación de movimiento continuo que hace que el tema se sienta especialmente dinámico. Las variaciones y detalles mantienen la tensión sin romper la estructura, consiguiendo que queramos reproducirlo en bucle.
Un detalle interesante es que el propio Yatuza ha masterizado todo el EP, algo que no siempre es habitual entre los productores, lo que demuestra un control creativo total sobre el proyecto.
LOGISTICS, INDIA SHAN OVER END
HOSPITAL RECORDS
En plena era de la inmediatez, la rapidez, la brevedad… Logistics da la bienvenida a la primavera con un LP de ni más ni menos que 24 temas: ‘Earthling’. Publicado a través de su ‘casa’, Hospital Records, este lanzamiento hace una apuesta poco habitual hoy en día, dotando a las siglas LP de todo su significado. Un álbum que rinde homenaje a la propia trayectoria del artista y al recorrido del sello con el que ha trabajado exitosamente durante más de dos décadas.
El track elegido, ‘Over End’, cuenta con la aportación vocal de India Shan y refleja el alma del LP: una delicada danza entre nostalgia y actualidad.
Una vez más, Logistics demuestra su maestría en el Liquid, haciéndonos viajar con ligereza y precisión técnica a través de sus melodías, bajos y baterías. La incorporación de instrumentación en vivo, como la guitarra eléctrica y otros matices, aportan riqueza y textura, mostrando una libertad artística que lo eleva a un nivel más experimental y versátil.
Logistics deja que la música hable por sí misma, combinando técnica, sensibilidad y un enfoque muy personal.
LEXED SHELL DOWN VIPER RECORDINGS
La escena internacional del Drum & Bass continúa haciéndose eco del talento del sur de Europa y buena muestra de ello es el lanzamiento de Lexed a través de Viper Recordings. El artista español debuta en este mítico sello con su nuevo EP ‘Psychosis’, y, elevando la magnitud de dicha obra, el track ‘Shell Down’ ha sido seleccionado para una premiere exclusiva en UKF, la reconocida plataforma mundial enfocada en Bass Music. Este trabajo despliega una arquitectura técnica que fusiona la energía cinética del Jump Up con texturas clásicas del Jungle y la cadencia rítmica del rap UK. Lejos de adherirse a fórmulas preestablecidas, la producción apuesta por un enfoque vanguardista que busca romper esquemas dentro del género, consolidando la identidad sonora de Lexed. Una pista intensa y potente que reafirma la proyección de Lexed, cuyo sonido ya ha conquistado al público y a artistas y plataformas de peso en el Drum & Bass global.
FELOV WANT YOU TRANSPARENT AUDIO
‘Want You’ llega como último single del álbum debut de Felov, que verá la luz a través de Transparent Audio, marcando el inicio de un sonido más refinado para el artista.
Este tema se construye sobre sutiles matices melódicos, desarrollándose gradualmente y ganando profundidad e intensidad a medida que avanza. Combina un estilo profundo y centrado en el club con emoción y soul, creando una atmósfera envolvente que se siente más oscura que otros cortes del mismo álbum, pero sin perder melodía ni riqueza sonora. Cada escucha revela nuevas capas, destacando la evolución del sonido de Felov y anticipando todo lo que encontraremos en el lanzamiento completo.
‘Want You’ ha sido masterizado por Height Sonics, aportando el acabado final que equilibra la atmósfera con la claridad del sonido.
REVIEW CLÁSICO
ED RUSH, OPTICAL BACTERIA VIRUS RECORDINGS
Las producciones intensas y precisas de Ben Settle y Matt Quinn, más conocidos como Ed Rush y Optical, fueron clave para construir el sonido underground del sello Virus Recordings a finales de los 90. Además, su alcance traspasó fronteras musicales, ganándose el respeto no solo de la escena del Drum & Bass, sino también de productores de otros géneros. Entre su infinidad de temas fundamentales se encuentra ‘Bacteria’, uno de sus tantos clásicos que consolidan su papel en el desarrollo del Drum & Bass y los inicios del Neurofunk.
‘Bacteria’ es una obra compleja: combina un clásico break funk, atmósferas densas, texturas inquietantes y toques inarmónicos con una línea de bajo fascinante. No es de extrañar que a lo largo de los años se haya remezclado y sampleado por numerosos productores modernos, pero nada logra superar la fuerza del original, cuya portada capta perfectamente ese ambiente de oscuridad que define el sonido del tema y la identidad musical de sus creadores. ‘Bacteria’ es un recordatorio de cómo Ed Rush & Optical hicieron evolucionar los límites técnicos y creativos del Drum & Bass, dejando un legado que sigue resonando hoy en las pistas y en las colecciones musicales.
ELECTRO
Autor: Federico Cortina
electro@mixmag.es
OMA TOTEM ER 9
HIVERDISC
El sello catalán Hiverdisc acaba de lanzar Exercicis Rítmics Volum 2 del productor Oma Totem. Este track me ha gustado muchísimo por el poder que tiene y por lo que puede generar en la pista. Sintetizadores punzantes, percusiones muy bien puestas, FX y delays que atraviesan la mezcla mientras el bassline evoluciona de una manera inesperada. Es de esos tracks que te van sorprendiendo a medida que avanzan, sin caer en lo obvio. Funciona, construye y mantiene tensión. Uso y recomiendo.
INTRIGA
CLAP EXOTICO
INTRIGA01
Prácticamente no hay información sobre quién creó este disco, pero puedo intuirlo, y eso también forma parte de su encanto. Dos pistas pensadas para el dancefloor y dos de ambient más contemplativo. Lo interesante es que ya está sold out antes de salir, y se merecía un espacio aquí. Conecta con una escena moderna que mezcla electro, house, trance y techno sin buscar el impacto inmediato. No es música de “subidón rápido”, sino de sostener la pista con pads envolventes, sintetizadores en capas y una base que no afloja.
Ambos cortes están excelentemente mezclados y masterizados; de esos que hacen que el sistema de sonido respire y entregue todo su potencial.
OK EG
SURGE
GEKO01
Gracias, Bandcamp, por cruzarme con este tremendo EP. OK EG es un dúo australiano que sabe muy bien lo que hace. De esos proyectos que se disfrutan de principio a fin, y si es en un buen soundsystem, mejor.
‘Surge’ me deja profundamente hipnotizado, al punto de que me cuesta escribir mientras lo escucho. Synths arpegiados que parecen estirarse en el tiempo, una base seca que no fuerza nada, simplemente juega con tu cerebro. Difícil encasillarlo: hay referencias que van del tech house al trance, pero todo está tratado con una elegancia particular. Bien utilizado, puede convertir la pista en un pequeño ritual. Úsalo con cuidado.
NIKOS
SPINE
NOUS’KLAER AUDIO
Muy buen track de presentación del EP en Nous’klaer Audio. La calidad de producción es tremenda, súper efectiva. Otro de esos cortes que esquivan parámetros y etiquetas.
Podríamos decir que es techno hipnótico a 140 BPM, pero sería simplificarlo demasiado. Tiene una suavidad que entra por los oídos y te deja atónito, con sonidos eléctricos y profundamente potentes que empujan el cuerpo sin necesidad de exagerar. Nikos, productor y live performer de Rotterdam, está muy conectado con la escena local. Conviene seguirle la pista.
REVIEW CLÁSICO
HUMAN MESH DANCE
TRANSCIENT
INSTINCT RECORDS
Obra creada en 1993 por Taylor Deupree bajo el alias Human Mesh Dance. Una época donde la exploración sonora no tenía límites: techno, trance y ambient entrelazados en capas perfectamente coordinadas. Este track —y varios más del mismo álbum— están entre mis favoritos de los últimos tiempos. Es de esos discos que rara vez salen de mi bolso, pero cuando lo hacen es porque la situación lo exige: cuando la psicodelia necesita tomar el control de la sala.
No se consigue en vinilo, ya que fue editado originalmente en CD y el repress no incluye este tema. Pero ya sabemos… un buen dubplate nunca falla.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
DARIN EPSILON, NIHIL YOUNG XV PERSPECTIVES DIGITAL
Con 15 Years of Perspectives, el sello Perspectives Digital celebra quince años de historia consolidándose como uno de los referentes globales del techno. Curada por su fundador Darin Epsilon, la compilación funciona como un retrato fiel de la evolución del label desde 2010 hasta hoy, reuniendo artistas de distintas escenas y sensibilidades bajo un mismo lenguaje emocional y narrativo. Dentro del conjunto, el track ‘XV’ de Darin Epsilon junto a Nihil Young destaca como una pieza central y simbólica del aniversario. La producción despliega una progresión elegante y envolvente, sostenida por un groove profundo, pads expansivos y una tensión melódica cuidadosamente dosificada. El tema avanza con paciencia, construyendo una atmósfera introspectiva que conecta tanto con la pista como con la escucha atenta. ‘XV’ resume la filosofía de Perspectives Digital: música atemporal, emotiva y diseñada para crear conexiones a largo plazo. Más que una simple colaboración, es una declaración de identidad que refleja el legado del sello y su mirada firme hacia el futuro.
Podríamos decir que Perspectives Digital reafirma su lugar como un sello que ha sabido evolucionar sin perder profundidad ni visión, demostrando que la verdadera relevancia se construye con tiempo, criterio y una conexión honesta con el sonido.
CLUBBY BOY
BANG IT BANG IT BOXX BANGERS
Con su segundo LP, Clubby Boy, DJ Matpat abre una nueva etapa creativa a través de su sublabel BOXX BANGERS, concebido como un espacio para canalizar el lado más crudo y contundente de su producción. El álbum supone un giro decidido respecto a sus trabajos más deep y soulful, apostando aquí por un cruce directo entre hard house, electro y techno de gran formato. A lo largo del disco, Clubby Boy demuestra un control absoluto del lenguaje de club, alternando momentos de presión rítmica, grooves industriales y texturas diseñadas para sistemas de sonido potentes. La coherencia del álbum no nace de la homogeneidad, sino de una identidad clara que atraviesa cada corte, reflejo de su experiencia como DJ, habituado a sets largos y eclécticos. En ese contexto, ‘BANG IT BANG IT’ se erige como uno de los temas más representativos del LP: un track directo, sin concesiones, construido para el peak time, donde la energía se libera a base de golpes secos, tensión constante y una actitud descaradamente warehouse. Un cierre perfecto que encapsula el espíritu del proyecto: físico, agresivo y plenamente orientado a la pista.
En definitiva, Clubby Boy se presenta como un álbum sin concesiones, honesto con su propósito y alineado con una visión claramente enfocada al club.
RETROMIGRATION CAN’T GO KARAMÜRSELLİ
Con ‘Can’t Go’, Retromigration firma su debut en KARAMÜRSELLİ —el nuevo sello matriz tras Last Year At Marienbad—, consolidando así una trayectoria marcada por la evolución constante y el refinamiento sonoro. El productor afincado en Ámsterdam vuelve a demostrar una sensibilidad única para conectar géneros y atmósferas, moviéndose con naturalidad entre el deep house y territorios limítrofes cargados de groove y emoción. El EP canaliza la energía del club a través de referencias a la bass music, el footwork, el garage y el jungle, siempre desde una perspectiva melódica y profundamente rítmica. Aunque el conjunto destaca por su coherencia y variedad, es el tema titular, ‘Can’t Go’, el que concentra el núcleo emocional del lanzamiento. Sus kicks contundentes, hats incisivos y líneas de bajo hipnóticas construyen una tensión progresiva que desemboca en un sample vocal eufórico y contagioso. Un track pensado para la pista pero con la profundidad suficiente para trascender el momento, confirmando a Retromigration como un artista capaz de crear experiencias duraderas más allá del club.
FEISFOIS, JBLLSTRS, LEOPOLD BÄR, PAUL
RENDER, OSCAR SANCHEZ, FRANCO ROSSI INVASION
DZB ADVANCE MUSIC RECORDS
En este trabajo se deja clara la declaración de principios desde el primer hasta el último corte con ‘First Strike’, donde se juntan artistas de la talla de Feisfois, JBLLSTRS, Leopold Bär, Franco Rossi, Paul Render u Oscar Sanchez.
Entre las cinco piezas del vinilo, martirizadas por Paul Render y Leopold, tenemos ‘Invasion’ de Feisfois, donde se destaca como un ejercicio de presión sostenida y control absoluto. El track avanza sin prisa, apoyado en un groove denso y repetitivo que se incrusta en el cuerpo con insistencia quirúrgica. No hay picos evidentes ni concesiones narrativas: aquí manda la progresión mínima y la tensión acumulada. Las percusiones secas y el bajo contenido generan un estado hipnótico, pensado para sesiones largas y salas oscuras. Cada elemento está reducido a lo esencial, pero colocado con una intención clara y funcional. ‘Invasion’ no busca sorprender, sino dominar el espacio poco a poco. Es techno de resistencia, de mirada baja y oído atento.
El diseño sonoro evita cualquier gesto decorativo, apostando por repetición y carácter físico. Funciona especialmente bien a alto volumen, donde los matices cobran peso real. La mezcla refuerza esa sensación de empuje constante, sin perder claridad ni profundidad. Se nota el enfoque DJ-centric del proyecto, hecho para confiar en la pista y no en la pantalla.
REVIEW CLÁSICO
SHEILA ILLUSION
DIGITAL WAVES
‘Illusion’ marca con firmeza el inicio de una nueva etapa en la trayectoria de SHEILA, ahora reafirmada bajo un nombre que condensa identidad, experiencia y visión artística. Lejos de gestos grandilocuentes, este lanzamiento representa una evolución natural, coherente con más de 25 años dedicados al techno. El track despliega un techno hipnótico y envolvente, donde las percusiones orgánicas dialogan con líneas ácidas y texturas cuidadosamente dosificadas. La progresión es clave: una construcción paciente que conduce a un primer drop intenso, seguido de una depuración casi minimalista que suspende el tiempo. Desde ahí, la narrativa sonora se recompone con una energía renovada, empujando hacia un segundo clímax más contundente y emocional. Las voces sutiles actúan como un elemento atmosférico más, reforzando la sensación de inmersión.
Publicado en su propio sello, Digital Waves, ‘Illusion’ suena atemporal y honesto, pensado tanto para la pista como para la escucha introspectiva. SHEILA no persigue tendencias: reafirma su ADN y demuestra que la verdadera evolución nace de la autenticidad. Ya es un trabajo de culto, y casi podríamos decir: un clásico.
Autor: Marian Ariss
melodictechno@mixmag.es
MELODIC HOUSE & TECHNO
GLOWAL, DISH DASH
ALL I WANNA DO IN ACT
Con ‘All I Wanna Do’, IN ACT firma un lanzamiento pensado para el peaktime, donde la colaboración entre el dúo Italiano Glowal y el dúo Saudí Dish Dash se traduce en un track sólido y expansivo. Groove firme, bajos vibrantes y percusión precisa sostienen una tensión melódica que eleva el track más allá de la funcionalidad pura. Medido en sus breakdowns y contundente en su desarrollo, el tema está diseñado para pistas llenas y momentos de máxima conexión. El sello con base en Arabia Saudí, continúa su misión de proyectar la música electrónica de la región hacia el escenario global, conectando a artistas pioneros de Oriente Medio con la cultura club internacional. Con ‘All I Wanna Do’, IN ACT reafirma la identidad del sello: energía refinada y enfoque absoluto en la pista de baile.
WURTZ, 3.33, UNCARTE FUTURE CONNECTION HARABE BLACK
Con ‘Future Connection’ el sello Harabe Black apuesta por una visión expansiva y contundente del melodic techno contemporáneo al unir a tres potentes talentos: Wurtz, 3.33 y UNCARTE en una colaboración de alto impacto. El resultado es un lanzamiento pensado para grandes escenarios, donde el diseño sonoro preciso y los drops de gran potencia se convierten en el eje central de la experiencia. Destacando por su groove sólido y envolvente, capaz de atrapar al oyente desde los primeros compases, ‘Future Connection’ combina tensión melódica, energía ascendente y una producción pulida con enfoque claramente clubbing. Más allá del despliegue técnico, el track funciona como una herramienta directa para la pista: adrenalina, dinamismo y una sensación de impulso constante que no da tregua. ‘Future Connection’ no solo reafirma el potencial de sus protagonistas dentro del circuito global, sino que también consolida el enfoque de Harabe Black hacia un melodic techno potente, moderno y diseñado para dominar la noche.
JIMI JULES
TURBO ROSSO
CIRCOLOCO RECORDS
El reconocido DJ y multiinstrumentista afincado en Zúrich, Jimi Jules, debuta en el prestigioso sello CircoLoco Records con un EP de tres temas cuidadosamente elaborados titulado Baby Run. Con ‘Turbo Rosso’, Jules reafirma su versatilidad y capacidad para moverse con libertad entre géneros sin perder identidad propia. El track se construye sobre un groove firme, donde la percusión precisa y el bajo pulsante generan una sensación de impulso constante pero cargada de intención emocional. Jules introduce capas melódicas sutiles y texturas analógicas que aportan profundidad y carácter al conjunto. No se trata de un tema explosivo en lo inmediato, sino de una pieza que seduce progresivamente, trabajando la tensión a través de pequeños detalles sonoros y modulaciones que evolucionan con naturalidad. La energía se mantiene en un equilibrio perfecto entre sofisticación y funcionalidad clubbing. ‘Turbo Rosso’ es un frenético homenaje al electro que destaca especialmente por su narrativa dinámica, demostrando una vez más la habilidad de Jimi Jules para crear tracks que funcionan tanto en grandes escenarios como en contextos más introspectivos.
PAVEL PETROV ATLAS
EXE AUDIO
Criado en el barrio de Hipodruma, en lo que algunos consideran una de las zonas más duras de Sofía, el búlgaro Pavel Petrov cambió el rumbo de su historia, transformando sus característicos grooves de Indie Dance en una fuerza global. Desde el underground hasta los grandes escenarios, Pavel se ha convertido en una figura clave dentro de la escena actual. Publicado en su propio sello EXE AUDIO, ‘Atlas’, es un track que encapsula su característico equilibrio entre potencia melódica y precisión rítmica, desplegándose con una energía progresiva cuidadosamente dosificada, apoyada en un groove sólido, priorizando la tensión y el desarrollo gradual. Desde sus primeros compases, Atlas establece una atmósfera envolvente mediante pads expansivos y un motivo melódico que actúa como eje narrativo. La percusión, firme y definida, sostiene un bajo profundo que impulsa el tema hacia adelante con determinación. Petrov demuestra un control notable del espacio y la dinámica, permitiendo que cada elemento respire antes de conducir al oyente hacia un clímax emocionalmente cargado. Lejos de apoyarse únicamente en la contundencia, el track destaca por su elegancia estructural, reafirmando la identidad artística de Pavel Petrov y su sensibilidad para combinar intensidad y sofisticación.
REVIEW CLÁSICO
REJ
INNERVISIONS
Hablar de ‘Rej’ es hablar de uno de los pilares fundamentales del sonido melódico en la electrónica contemporánea. Lanzado en 2005, el track no solo marcó un antes y un después en la escena house y techno europea, sino que ayudó a redefinir la manera en que la emoción podía integrarse en la pista de baile sin recurrir a fórmulas evidentes. Construido sobre una estructura progresiva y una narrativa impecable, ‘Rej’ desarrolla su identidad a partir de una melodía central hipnótica que evoluciona con paciencia y elegancia. No hay prisas ni artificios: cada elemento entra en el momento exacto, permitiendo que la tensión crezca de forma orgánica. El groove es sobrio pero constante, funcionando como columna vertebral para un viaje que se siente tan introspectivo como expansivo. Durante años ha sido arma infalible en sets, capaz de transformar la energía de una pista en cuestión de minutos. Más de dos décadas después, ‘Rej’ sigue sonando vigente, demostrando que cuando una producción combina visión artística, sensibilidad melódica y precisión rítmica, el resultado trasciende modas. Un clásico atemporal que cimentó el camino para toda una generación de productores dentro del universo melódico.
HOUSE
Autor: Francisco Pérez house@mixmag.es
LONDONGROUND
SAVED (ORIGINAL MIX)
KNEE DEEP IN SOUND
Knee Deep In Sound es un sello fundado por el maestro Hot Since 82 en 2014 y reconocido globalmente por impulsar una propuesta sonora underground, impulsada por lineas de bajos perfectos para clubes y festivales, vocales festivas y armonías hipnotizantes. Este sello reúne productores de renombre de la escena actual y clásica, desde Vintage Culture y Cristoph hasta Eli & Fur y el mismo Daley (Hot Since 82). Con este nuevo lanzamiento, Londonground, de origen argentino y radicado actualmente en Barcelona, nos comparte su tema ‘Saved’, una pieza diseñada para encender la pista de baile donde las vocales hipnóticas, el bajo característico que marcha con elegancia y las percusiones milimétricas que se sitúan impecablemente en la mezcla, han hecho que este tema se convierta en una pieza única dentro del ADN de Knee Deep In Sound. El 2026 se perfila como un año clave para el sello, tuve la oportunidad de hablar con parte de su equipo y me dieron la primicia de que se viene una propuesta de gran calibre próxima a revelarse, prometiendo marcar un nuevo hito en su ya sólida trayectoria.
NOHA JOY
PANICKPANICK! RECORDS
Noha, DJ y productor radicado en Roma, ha pasado la última década desarrollando un sonido moldeado por la curiosidad y una profunda intuición musical. Su sencillo ‘Echo’, que rápidamente superó el millón de reproducciones, marcó un punto de inflexión que atrajo una mayor atención internacional en la escena underground. Desde entonces, ha continuado refinando su estilo de producción, combinando la sensibilidad del house clásico con el diseño sonoro moderno y arreglos precisos y perfectos para la pista. PanickPanick! Records se ha convertido en una plataforma para la experimentación y la colaboración, estableciéndose como un hogar para la música de club vanguardista. Noha nos comparte el tema ‘Joy’, una pieza inigualable donde las vocales narran una historia que combina sonidos acid, elegantes arpegios que se van desarrollando a lo largo del arreglo y unas vocales que completan con elegancia la razón del titulo. Hoy, Noha se sitúa en el centro de una nueva ola de artistas que están marcando la dirección del house moderno. Con más lanzamientos programados en sellos líderes a lo largo del año, junto con una gran cantidad de material nuevo en PanickPanick!, entra en la siguiente fase de su carrera con claridad y enfoque, y continúa creando música pensada para el movimiento, la conexión y la longevidad.
NTFO
INXXS
SINTOPE VINYL SERIES
NTFO nos presenta su último EP como duo. A lo largo de los últimos años, han estado realizando producciones elegantes y prestigiosas en sellos como Bondage, Fantastic Friends, Storytellers y muchos más. Este registro saldrá en marzo en vinilo y digital, y es perfecto para agregar a la librería del verano. La colaboración entre Dani y Robert marca el fin de un capítulo de más de 18 años; habrá algunas pistas finales que aparecerán en las compilaciones aniversario de Dreams on Wax y Bondage Music, y posteriormente no habrá más material de este duo de origen rumano. Robert continuará el viaje musical con su proyecto en solitario llamado ‘r.hitect’, iniciado en 2018, siguiendo su camino para mantener sus producciones de categoría superior. Así que, por suerte, seguiremos escuchando más música de este estilo y, por supuesto, algo de la vibra de NTFO. El tema ‘INXXS’ nos lleva a un viaje sonoro tribal, nostálgico y misterioso al mismo tiempo, mostrándonos una vez más la calidad de las producciones de este increíble duo, quienes apostaron siempre por la calidad sobre la cantidad. Con mucho honor, les deseo larga vida a Dani y Robert y, sobre todo, les expreso mis respetos por tantos años de buena música.
DAVID GTRONIC
WHEN THE PAST COMES BACK (ORIGINAL MIX)
LOVE ON CROPSEY
David Gtronic lanza su nuevo sencillo ‘When the Past Comes Back’ en Love on Cropsey, un tema que canaliza el house clásico neoyorquino con percusión nítida, sintes más oscuros y una atmósfera inquietante. Esta obra maestra equilibra una programación de batería cruda y centrada en el groove con líneas de bajo analógicas y pads sombríos que dejan espacio para que el arreglo respire; sutiles breakdowns y la reintroducción de bucles vocales construyen tensión para un impacto en hora punta. La masterización preserva el punch y la claridad a la vez que mantiene las frecuencias bajas —suficientemente redondas para sistemas de club—, convirtiéndolo tanto en un single apto para radio como en una herramienta para DJs en sets nocturnos. David Gtronic ha forjado discretamente su propio camino en la escena house de corte minimal, esculpiendo noches en grooves hipnóticos en Sunwaves, Episode Festival y The BPM Festival, y afianzando una residencia en Club der Visionaere. En este lanzamiento se mantiene fiel a su sello: ritmos meticulosos e inductores de trance que atrapan a los oyentes en lo más profundo de la noche. Love on Cropsey vuelve a demostrarse como un crisol para artistas que están redefiniendo lo que puede ser la música de club nocturna.
REVIEW CLÁSICO
KERRI CHANDLER
RAIN (ORIGINAL MIX)
NERVOUS RECORDS
Kerri Chandler, DJ y productor estadounidense referente del deep house, ha mantenido una carrera coherente desde los 90 como fundador de Madhouse Records y guardián de un sonido profundo y soulful. Su tema ‘Rain’, firmado por el sello Nervous Records de Nueva York, ejemplifica esa estética: progresiones armónicas cálidas y envolventes y un bajo que retumba con elegancia, creando un groove hipnótico donde el soul y el jazz se entrelazan con la percusión para formar una pieza atemporal en sus sets. Originalmente publicado en 1998 como cara B de su EP titulado The Mood, he tenido la oportunidad de pinchar este tema en diferentes ocasiones y lo que me transmite es inexplicable.
UK GARAGE
Autor: Borja Comino ukgarage@mixmag.es
SAMMY VIRJI
NEXT DAY CLEANING (REMIX EP)
CAPITOL RECORDS / POLYDOR / UNIVERSAL
Este EP funciona menos como apéndice de ‘Same Day Cleaning’ y más como una prueba de hasta dónde puede estirarse su material en manos ajenas. Bakey entiende ‘Dis Badman’ como un arma de rotación: más nervio, más corte rítmico y cero interés en adornarlo. Es el que mejor encaja en contextos de mezcla rápida. Malugi empuja ‘925’ hacia un terreno más físico, con un pulso más alto y una lectura claramente pensada para horas punta. Douvelle19, en cambio, suaviza ‘Cops & Robbers’ sin vaciarlo, llevándolo a un terreno más limpio y casi brillante. Tres enfoques distintos, un mismo objetivo: que el material siga funcionando cuando ya no está Virji detrás.
SMOKEY BUBBLIN’ B ON THE RUN
ARMADA
Smokey Bubblin’ B lleva un par de años en rotación constante, tanto en cabina como en plataformas, con varios temas superando cifras altas y un perfil muy reconocible entre house y UKG. ‘On The Run’ se sitúa exactamente ahí: un corte pensado para funcionar en sesión más que para llamar la atención por sí solo. Las teclas cortadas marcan el groove desde el inicio y la vocal aparece integrada como parte del ritmo, sin buscar protagonismo. La estructura es clara y estable, con pequeños ajustes que mantienen el interés sin forzar cambios. No hay golpe sorpresa ni clímax evidente: es un tema diseñado para entrar pronto en un set y sostener energía durante minutos.
AMY DABBS
GREEN ROOM EP
SHALL NOT FADE
Son cuatro temas pensados claramente para pinchar, con estructuras directas y una mezcla bastante natural de UKG, house rápido y breaks, tal y como Dabbs suele moverse en sus sesiones en Renate.
‘Take Me High’ entra a saco desde el primer compás, ‘Over You’ baja un poco el ritmo sin perder tensión, y ‘Style & Pattern’, junto a Alfie Fraser, es el corte más garage del EP, también por el peso de la voz. Todo está medido para que los temas se mezclen fácil y sigan funcionando con el paso de las semanas.
MAIN PHASE
ATW038
ATW
En este release, Main Phase se aparta de los momentos más evidentes y vuelve a un registro más oscuro y contenido, muy centrado en el pulso de club. ‘Hive Mind’ trabaja desde un 2-step seco y repetitivo, con una tensión sostenida que no necesita clímax. ‘Sweet Up’ retuerce su habitual groove 4x4 hacia algo más áspero y menos directo.
‘We Ready’, junto a Logan, es el corte más frontal del EP, con un bajo pesado y una progresión constante que avanza sin grandes gestos. No hay drops ni subrayados: son tracks pensados para salas cerradas, mezcla larga y energía rodando sin interrupciones.
REVIEW CLÁSICO
SWEET FEMALE ATTITUDE FLOWERS
WARNER ELEKTRA ATLANTIC
Publicado en el 2000, ‘Flowers’ fue uno de esos temas que descolocaron dentro del UK Garage por cómo estaba hecho. La producción corre a cargo de Sunship, que construyen el track a partir de un sample directo de ‘Gymnopédie No.1’ de Erik Satie, una referencia totalmente ajena al imaginario habitual del género en ese momento. Esa melodía lenta y suspendida marca todo el desarrollo del tema y obliga a la base rítmica a contenerse.
Las voces de Sweet Female Attitude van al frente, claras y sin competir con el beat, y ahí está la clave de su impacto. Funcionó en club, cruzó a radio y abrió una vía más melódica y accesible dentro del garage sin perder identidad.
