Ya está aquí abril y con él la primavera, los días más largos, la luz del Sol, el auge de los eventos al aire libre, los festivales y… sí, ya sabéis: ¡la temporada ibicenca!. Un año más, ponemos rumbo a Ibiza con motivo del congreso anual International Music Summit, que celebra este año su nueva edición los días 22, 23 y 24 en Mondrian & Hyde Ibiza. Como de costumbre, este mes encontraréis en estas páginas información relevante relacionada con el congreso, el lema de este año, todas las charlas que podremos disfrutar en el congreso, ¡y más!
Para celebrarlo, tenemos el auténtico honor de recibir en portada a una leyenda de nuestra industria: Joseph Capriati, quien no solo celebra 20 años de carrera, sino también un momento de madurez personal y artística que se refleja en cada una de sus decisiones: desde la evolución de su sonido hasta su apuesta por proyectos como Metamorfosi, convertido ya en mucho más que un álbum: una residencia, un sello y toda una declaración de intenciones.
Este mes entrevistamos a Florentia a las puertas de un nuevo verano para repasar su evolución, su manera de entender la pista y cómo se mantiene fiel a su sonido en un contexto que cambia rápido. Por otra parte, nos sentamos a charlar con Alex Morgan bajo su alias Theajm, quien convierte su vida en parte de la obra. Y es que lo suyo no es solo diseñar ni hacer “arte visual”, es construir un lenguaje donde el sonido, la imagen y las ideas conviven constantemente.
Seguidamente, tenemos el placer de conocer más en profundidad a Derek Barbolla, dueño de Cercle, con motivo del décimo aniversario de la marca. En la charla que tuvimos con él, nos explica en detalle —entre muchas otras cosas— la curiosa y magnífica forma en la que celebrarán por todo lo alto estos diez años de trabajo.
Os introducimos, además, un artículo reflexionando sobre Ibiza este abril: un momento en el que la música vuelve a sonar, pero todavía queda espacio para escuchar todo lo demás. Os recomendamos diferentes restaurante en la isla y otros lugares donde poder disfrutar un atardecer para el recuerdo. Por otra parte, este mes os planteamos la siguiente pregunta: ¿tiene la cultura clubber un estilo propio cada vez más marcado dentro de la moda? Encontraréis nuestra reflexión en estas páginas.
En cuanto a crónicas, este mes os traemos una de gran interés: la edición 2026 de Mostra. Del 12 al 15 de marzo se celebró su quinta edición en sus dos locaciones. Un festival sostenible, inclusivo y sin fines de lucro que, durante 4 días, propuso algo que cada vez es más extraño: “escuchar sin condicionamiento”. Una programación de electrónica vanguardista y experimental que no responde a géneros en concreto, sino a sensibilidades y, sobre todo, a una comunidad que ha sido cuidadosamente construida, donde artistas y público comparten un mismo propósito: “estar genuinamente por y para la música”.
Y como siempre, en este número encontraréis las últimas novedades en tecnología y las mejores reseñas musicales.
Este mes de abril marca un cambio importante para mí dentro de la revista: dejo la dirección editorial para asumir la dirección de comunicación audiovisual de Mixmag Spain. No es una despedida, sino una evolución natural dentro de un proyecto que siento como casa. A partir del próximo mes, mi compañero Federico Cortina asumirá el cargo de dirección editorial de la revista, persona en quien confío para que coja las riendas a partir de ahora, aportando riqueza cultural y contenido de interés, tal como hemos hecho hasta ahora.
Han sido muchos años formando parte de la gestión editorial de una revista dedicada a nuestra querida industria: he crecido, me he equivocado y he aprendido. Y por ello, siempre estaré agradecida por la confianza depositada en mí para dirigir esta revista.
Gracias a cada persona que ha sido parte de este camino: al equipo, a los artistas, a quienes han confiado y a quienes han leído, sentido y hecho suya cada página. Todo lo aprendido en estos años me acompaña en mi nuevo reto profesional, que empieza ahora.
Con infinito agradecimiento me despido de la editorial, deseo lo mejor para el futuro de la misma e inicio mi nuevo rol de dirección en el departamento de comunicación audiovisual de Mixmag Spain.
Patricia Pareja, Directora
STAFF MIXMAG SPAIN
DIRECCIÓN: Patricia Pareja
REDACCIÓN:
Patricia Pareja
Borja Comino
Federico Cortina
Juanma Molina
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DISEÑO:
Adrià Clotet
DIRECCIÓN CREATIVA: Carlos Pego
MÚSICA: editor@mixmag.es
DEP. COMERCIAL: campaigns@mixmag.es
Bits Beats
Florentia
THEAJM
Mostra
Joseph Capriati
Derek Barbolla
Música y moda
Ibiza en abril
IMS 2026
Cómo produzco: Art No Logia
Opinión: Silencio
Tech: Alphateta RMX-Ignite
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Drum & Bass por Olga Casas
Reviews Techno por Federico Cortina
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss
Reviews UK Garage por Borja Comino
bits beats
Waldorf lanza Iridium MK2 junto a Aphex Twin
Waldorf presenta el Iridium MK2, una evolución de su sintetizador digital que apuesta por una nueva forma de diseñar sonido. La gran novedad es la función Per-Note Parameter Locks, desarrollada junto a Aphex Twin, que permite modificar hasta 16 parámetros por nota en tiempo real. A esto se suma Seeds, un motor de síntesis que genera texturas en constante mutación, alejándose de los sonidos estáticos tradicionales. Más potencia, más memoria y un enfoque que prioriza lo impredecible.
+info: https://waldorfmusic.com/
Nocturna: Ibiza apuesta por el club íntimo y sin móviles
Ibiza suma un nuevo espacio con Nocturna, un club boutique en Cala de Bou con aforo limitado a 380 personas. Su propuesta se centra en recuperar la experiencia de pista: entorno cuidado, cercanía con el DJ y política estricta de no usar móviles. Un formato que busca escapar del exceso de estímulos y volver a lo esencial: música y conexión real.
+info: https://www.instagram.com/nocturnaibiza/
SELECTORS impone el vinilo como única regla en Ibiza
El nuevo concepto SELECTORS llega a la isla con una idea clara: solo DJs que sepan pinchar en vinilo. El evento apuesta por la técnica, el criterio musical y una selección cuidada, alejándose de lo digital como estándar dominante. Una vuelta a lo físico que reivindica el arte del DJ más allá del sync.
+info: https://www.instagram.com/selectors_audio/
Akai presenta MPC Sample: sampling portátil por 399€
Akai lanza MPC Sample, una unidad compacta que recupera el espíritu clásico del sampling en formato accesible. Incluye batería integrada, altavoz, micrófono y compatibilidad con MPC3, ofreciendo un flujo de trabajo centrado en crear beats de forma rápida. Una herramienta más limitada que sus hermanas mayores, pero pensada para producir en cualquier sitio.
+info: https://www.akaipro.com/mpc-sample/
florentia
Hay etapas en las que todo empieza a moverse más rápido. No porque cambie el rumbo, sino porque el camino empieza a abrirse. Florentia está justo ahí: con una agenda cada vez más intensa, nuevos temas listos para salir y una sensación clara de que el trabajo constante en el tiempo empieza a reflejarse tanto en la pista como fuera de ella.
En nuestro número de abril de Mixmag Spain entrevistamos a Florentia a las puertas de un nuevo verano —en Ibiza como punto central— para repasar su evolución, su manera de entender la pista y cómo se mantiene fiel a su sonido en un contexto que cambia rápido.
Hola Florentia, teníamos muchas ganas de tenerte por Mixmag Spain. ¿Cómo estás y en qué momento personal y profesional te encontramos ahora mismo?
Hola, ¡gracias por contar conmigo!
Estoy muy bien, gracias. Es un momento emocionante tanto a nivel personal como profesional, preparándome para un par de meses muy intensos y trabajando en mucha música nueva. Es bonito ver cómo todo el trabajo duro está dando sus frutos y tengo muchas ganas de todo lo que viene este año.
Vemos que llevas un ritmo muy intenso. ¿Cómo se presenta la temporada de verano para ti?
Se presenta como una temporada muy intensa y emocionante, con muchos lugares y ciudades nuevas ya confirmados. Tengo algunos shows increíbles este verano y mucha música que probar en directo. Cuando todo va a un ritmo tan alto, es importante mantener los pies en la tierra, y siempre estoy agradecida a mi equipo, que hace que todo esto sea posible.
¿Dónde podremos verte actuar en España en los próximos meses?
Vuelvo a Barcelona y voy a tachar algunos lugares en los que siempre he querido pinchar, como KU Barcelona y OFF Sónar. España siempre me ha dado muchísimo apoyo desde el inicio de mi carrera, así que siempre es especial tocar allí. También estaré en Ibiza por mi quinto año profesional en la isla. Vuelvo con Jamie Jones en Paradise UNVRS, pero esta vez debutando en la main room, lo cual es un paso enorme. También debutaré en algunas fiestas nuevas, pero todavía no puedo contar demasiado, así que ¡estad atentos a mis redes!
Echando la vista atrás, ¿cómo nace tu interés por la música electrónica y cuándo decides dar el paso hacia una carrera profesional?
Me enamoré de la música electrónica en mi adolescencia, especialmente del house de los 90 y de la etapa de los 2010 — piensa en el sonido de Defected de esa época. Aunque vengo de una familia con talento musical, no crecí en un entorno de ravers o DJs que pudieran enseñarme; encontré mi propio camino.
Decidí dedicarme a ello a los 18, cuando tuvimos que elegir qué hacer después del colegio. Para mí estaba claro que era la música electrónica, así que estudié ‘Producción Musical e Ingeniería de Sonido’ en Point Blank Music School en Londres durante tres años, dedicando todo mi tiempo a construir una carrera en la música. Después pasé a dedicarme a tiempo completo a los 23, y llevo cuatro años trabajando profesionalmente.
¿Qué aprendizajes fueron clave en esos primeros años para construir la artista que eres hoy?
Una de las lecciones más importantes de esos primeros años fue no rendirme y entender que una combinación de hambre, talento y autenticidad te lleva lejos. Cuando apliqué a Point Blank, al principio fui rechazada, pero después de demostrar lo apasionada y decidida que estaba, me ofrecieron una plaza. Mirándolo ahora, es una historia que nunca olvidaré, y me enseñó resiliencia, a confiar siempre en mí misma y la importancia de ir a por lo que quieres y creer que va a suceder.
Se te asocia con sonidos como el Minimal, el Deep Tech o el Tech House, pero tus sets tienen una identidad muy marcada. ¿Cómo definirías tu sonido actualmente?
Mi sonido está muy centrado en el groove, construido alrededor de un groove constante y adictivo, con un low-end muy rodado. Tiene mucha energía, pero sin perder profundidad. Para mí son los drums, la percusión y el bajo los que llevan el peso. También es muy bonito saber que mis sets tienen una identidad propia; es algo muy importante para mí.
¿Qué artistas o referencias han influido en tu forma de entender la pista y la producción?
El sonido de distintas fiestas ha marcado mucho mi forma de entender la pista de baile, y eso se traslada de manera natural a mi producción. Sellos y fiestas como Paradise, Music On y Solid Grooves han tenido un papel clave en cómo pienso el groove y la energía. Artistas como Loco Dice, Jamie Jones, Ilario Alicante, Marco Carola y Michael Bibi han influido en cómo construyo y controlo esa energía para conectar con el público. Me atrae mucho ese feeling rodado y constante que mantiene a la gente enganchada.
El pasado año marcaste un punto importante con I Found You EP, alcanzando el número 1 en Beatport dentro del Minimal / Deep Tech. ¿Qué significó ese logro para ti más allá del dato?
El reconocimiento que recibió dentro de la industria, desde BBC Radio 1, Defected, Fuse o Jamie Jones, significó mucho más allá de los números. Momentos así me motivan a seguir adelante, sabiendo que la gente conecta de verdad con mi música. Todos los temas del EP eran bastante diferentes, así que verlo llegar al número 1 demostró lo bien construido que estaba y lo versátil que era. A nivel personal, ser la primera artista femenina del sello en conseguir un EP número 1 lo hizo aún más especial.
¿Cuándo sentiste que ese lanzamiento estaba conectando de forma especial con el público?
Cuando empecé a pincharlo y vi la reacción en la pista de baile, así como la tracción que estaba teniendo entre otros DJs. Hubo momentos en los que la energía cambiaba en cuanto entraba el bajo, y esos son los momentos que te indican cuándo un tema está conectando de verdad.
Has actuado en clubs como Hï Ibiza o UNVRS o en eventos como Paradise y elrow. ¿Cómo preparas un set cuando sabes que es una fecha importante?
Son el tipo de shows para los que he estado trabajando desde el principio, así que en cierto modo llevo preparándome para ellos desde siempre. Tengo mi colección de música bastante organizada y estoy constantemente buscando música, pensando en distintos horarios, fiestas y contextos, y qué puede funcionar en cada momento. Todo eso influye en cómo preparo esas fechas importantes. Luego construyo playlists en base a esos factores y leo la sala una vez estoy allí.
En una escena cada vez más marcada por las tendencias y la inmediatez, ¿cómo trabajas para mantener una identidad propia?
Para mí se trata de mantenerme enfocada en lo que me gusta y construir una comunidad que conecte de verdad con eso. Todo lo que he hecho ha venido de ser yo misma. Siempre me he mantenido fiel a quien soy y siento pasión por lo que hago. Así que mientras venga desde un lugar honesto y me sienta conectada con ello, sé que estaré contenta.
Perseguir tendencias solo te coloca detrás de algo que ya se ha hecho o que está saturado. Las tendencias cambian rápido, así que es importante mantenerse firme, tener clara tu dirección y confiar en que la gente adecuada te encontrará y crecerá contigo.
Para cerrar, ¿qué mensaje le darías a quienes están empezando y buscan abrirse camino sin perder autenticidad?
Tómate tu tiempo y no tengas prisa en el proceso. He descubierto que cuanto más crezco y más experiencia tengo en la escena, más entiendo quién soy. Haz las cosas bien, sin atajos. Al final, si lo haces por las razones correctas y te mantienes fiel a ti mismo en todo lo que haces, eso siempre se va a notar y te sentirás orgulloso de lo que has construido. Te mantiene alineado con quien eres, y eso es algo que nadie puede quitarte.
theajm
Ciencia, sonido y simulación en la obra de un creador que habita múltiples realidades
Hay artistas que trabajan dentro de una disciplina concreta, mientras que Alex Morgan, bajo su alias Theajm, convierte su vida en parte de la obra. Lo suyo no es solo diseñar ni hacer “arte visual”, es construir un lenguaje donde el sonido, la imagen y las ideas conviven constantemente.
Desde Bristol, y con una cabeza bastante metida en la ciencia, el misticismo y la cultura de club, ha ido desarrollando un universo propio que no se apoya tanto en una estética cerrada como en una forma de pensar. Aquí los sonidos se convierten en imágenes casi de forma automática, las teorías cuánticas acaban transformadas en paisajes digitales y todo tiene ese punto entre lo futurista y lo espiritual que no sabes muy bien de dónde viene, pero funciona.
También está detrás de Dream Software, un sello donde esa conexión entre lo visual y lo sonoro se vuelve todavía más evidente, siempre con una idea bastante clara de fondo: imaginar un futuro donde la tecnología no lo arrasa todo, sino que conecta.
Hablamos con él sobre sus inicios pegando posters por Bristol, el papel de Internet en su desarrollo y cómo ha acabado construyendo un universo propio sin necesidad de explicarlo demasiado.
¿Recuerdas el momento en el que empezaste a verte más como artista que como alguien que simplemente diseñaba? ¿Cómo fueron esos primeros pasos en Bristol?
En cierto modo, ambas cosas han ido siempre de la mano. Siempre he creado artwork con la intención de que pudiera ser utilizado como diseño, ya fuese en merchandising, posters o material promocional para eventos. Pero las primeras piezas que hice, antes de que esto se convirtiera en una profesión, estaban basadas únicamente en mis propios intereses. Cada trabajo tenía conceptos personales integrados, y ahí es donde sentía que era puramente “arte”.
Ahora, aunque sigo trabajando dentro de esos límites conceptuales, hay piezas que hago para clientes que se sienten más como diseño, porque tengo que responder a un briefing y a un propósito específico. Así que sí, sigo sintiéndome artista y diseñador a la vez; ambos aspectos tienen que convivir para poder vivir de ello sin perder mi integridad creativa.
Los primeros años en Bristol fueron básicamente eso: crear sin un objetivo concreto. Hacía piezas basadas en mis propias ideas, las imprimía de forma DIY y las pegaba por la ciudad, o hacía stickers para colocarlos en The Bell. También las subía a Instagram, cuando todavía era un lugar donde el arte podía existir sin tener que “negociar con el diablo”.
Con el tiempo me di cuenta de que había una comunidad, tanto online como local, con una estética e intereses similares a los míos. Fue una etapa muy importante que convirtió ese hobby en una profesión freelance, y en la que conocí a personas que cambiaron completamente el rumbo de mi vida. Un punto de inflexión fue cuando me invitaron a participar en un fanzine de Corrupt Data, una plataforma DIY inspirada en la cultura rave del Reino Unido, con una estética retrofuturista y tecnológica muy marcada. A partir de ahí conocí a amigos para toda la vida y sentí que estaba en el lugar correcto, con la gente adecuada.
La ciudad tiene una fuerte historia ligada al sonido y a la cultura visual. ¿Cómo influyó ese contexto en tu forma de entender el diseño desde el principio?
Es cierto, pero no necesariamente la cultura visual y sonora con la que conecto del todo. Bristol siempre ha tenido una energía creativa muy DIY y vibrante, lo cual es inspirador y seguro que lo he absorbido.
Sin embargo, mi inspiración ha venido más de internet: de videojuegos como Anarchy Online, de buscar música y descubrir portadas 3D de CDs de trance y techno de los 90, como el trabajo de Phil Wolstenholme para la serie Artificial Intelligence de Warp, o de investigar teorías cuánticas y hacer bocetos visuales sobre ellas.
No creo que vivir en Bristol haya cambiado cómo entiendo el diseño, pero sí me ha dado una especie de impulso constante para seguir creando.
Desde tu perspectiva, ¿qué hace única a Bristol hoy en día? ¿Qué espacios o escenas representan mejor esa energía?
No estoy seguro de que Bristol sea especialmente única hoy en día, más allá de ser una ciudad creativa y muy estimulante si sabes dónde mirar. Con el tiempo, las fronteras entre subculturas se han diluido bastante por culpa de internet. Hoy en día, pocos lugares son realmente “únicos”; eres tú quien tiene que serlo en un mundo saturado.
Dicho esto, sí creo que Bristol tiene un sonido muy particular que lleva tiempo desarrollándose. Una estética sonora más oscura, angular y cruda que viene desde Massive Attack o Portishead en los 90, hasta la escena actual de techno, bass, dubstep, breaks o drum & bass, muchas veces mezclándose entre sí.
En cuanto a espacios, Strange Brew es probablemente uno de los lugares que mejor canaliza y mantiene ese sonido, funcionando como un motor que permite que la escena siga expandiéndose. Aun así, creo que hacen falta más espacios pequeños y sostenibles donde colectivos puedan organizar eventos y recuperar ese espíritu original de la escena.
Más allá de referencias estéticas, ¿qué personas, lugares o movimientos han influido realmente en tu forma de ver y crear?
Las ideas han sido siempre el eje principal. Me interesa seguir descubrimientos científicos, reflexionar sobre ellos y conectarlos con otras teorías que encuentro en diferentes ámbitos, para crear visualizaciones conceptuales a partir de sus paralelismos o contradicciones.
Me gusta mezclar temas como meditación, misticismo, teoría cuántica, computación, espiritualidad, teoría de la simulación, consciencia, metafísica, budismo o taoísmo, y encontrar formas abstractas de relacionarlos entre sí.
Un autor clave para mí es Fritjof Capra, especialmente su libro The Tao of Physics, donde conecta muchos de estos campos desde una perspectiva científica.
A nivel visual, Japón ha sido una gran influencia. La manera en la que conviven tradición y futurismo de forma armoniosa es algo que me impactó mucho. Allí no se percibe uno como superior al otro, algo que creo que Occidente perdió en algún momento.
Tu trabajo parece funcionar como un puente entre sonido e imagen. ¿Cómo consigues que ambos lenguajes convivan?
Siento que tengo una capacidad bastante natural para traducir el sonido en imágenes. Cuando escucho ciertas texturas o paletas sonoras, mi mente genera imágenes de forma intuitiva, como una especie de traducción visual.
Eso hace que trabajar entre sonido e imagen sea bastante fluido, algo que ayuda mucho dentro de la industria musical. Mi proceso consiste básicamente en transformar esas imágenes internas en diseños que comuniquen la esencia del sonido, no
Si tuvieras que describir tu universo visual sin usar etiquetas de estilo, ¿qué sensaciones lo definirían?
Lo describiría como una realidad alternativa… o más bien múltiples realidades alternativas.
Mi trabajo podría entenderse como una especie de simulación simplificada de nuestra existencia, como si formáramos parte de un sistema generado por un ordenador cuántico orgánico.
He creado un universo donde seres cromados actúan como formas de vida que navegan distintos mundos, experimentando nuevas situaciones dentro de entornos que yo mismo diseño. Es un universo de alta tecnología basado en biomecánica sostenible, donde procesos cuánticos a nivel celular ejecutan programas orgánicos dentro de una experiencia simulada llamada “realidad”.
Además del diseño, gestionas el sello Dream Software. ¿Cómo nace este proyecto y cómo se conecta con tu identidad creativa?
Nació durante el confinamiento, curiosamente. Creo que en ese momento mucha gente tuvo tiempo para desarrollar ideas más personales.
Siempre he tenido un gusto muy definido en cuanto a sonido, y sentía la necesidad de trasladar ese universo que percibo constantemente a algo tangible, creando un proyecto coherente que uniera estética visual y sonora.
Se conecta directamente con mi identidad porque intento construir una visión utópica del futuro, donde la tecnología y el internet sirvan para conectar a la humanidad en lugar de destruirla. Es una especie de realidad alternativa que me gustaría que existiera.
Musicalmente, todo tiene un tono optimista. Es la estética sonora que siempre me ha atraído: una sensación de conexión, intercambio libre de información y recursos… un mundo verdaderamente ciber-utópico.
¿Qué sonidos o corrientes musicales están más cerca de tu forma de crear?
Depende de cómo me sienta, pero siempre hay un componente de trance. Sus elementos hipnóticos me ayudan a concentrarme y a desarrollar ideas.
También intento que mi trabajo tenga un carácter psicodélico y “de otro mundo”, algo que conecta bastante con el sonido trance. Ese espectro va desde el futurismo electrónico más digital hasta lo orgánico y tribal, y refleja bastante bien mi forma de pensar, siempre entre la ciencia y el misticismo.
A nivel práctico, ¿qué herramientas o procesos forman parte de tu workflow diario?
Trabajo casi siempre en digital, utilizando Cinema4D y Redshift para crear las piezas base, y luego Photoshop, After Effects e Illustrator para el post-procesado y elementos gráficos como tipografía.
A veces utilizo hardware analógico para vídeos más experimentales, como una Edirol V-4 o un mezclador de efectos de vídeo BPMC de 16 canales, que convierto a señal digital y grabo en el ordenador. Es un proceso mucho más táctil y experimental, aunque no sirve para todos los proyectos.
¿Cómo definirías tu estilo hoy en día y cuáles han sido tus principales referencias?
Diría que es un universo simulado donde ciencia y espiritualidad coexisten en paralelo… una especie de retrofuturismo con base orgánica. Quizá “psicodelia cuántica”.
A nivel visual, muchas de mis referencias se mueven en ese terreno entre naturaleza y surrealismo. Algunos artistas que me han influido son Phil Wolstenholme, Masamune Shirow, Tuco Amalfi, Hiro Osono, Peter Goodfellow y Vladimir Kush.
mostra
Aquí los sets no son solo mezcla. Son pura narrativa personal
Hoy en día pareciera que en la escena barcelonesa, el factor sorpresa en la música electrónica se siente casi inexistente. Vas a un evento sabiendo exactamente a lo que vas. Escuchas dos o tres géneros, cuatro si tienes suerte. Los carteles reflejan una línea musical con una narrativa predecible, ofreciendo una experiencia completamente digerida antes de empezar. En un contexto donde la música se ha polarizado, donde los egos ocupan más espacio que la intención y donde se ha perdido la curiosidad y el impulso de “ir por la música”, Mostra aparece como una anomalía.
Del 12 al 15 de marzo se celebró su quinta edición en sus dos locaciones. Un festival sostenible, inclusivo y sin fines de lucro que, durante 4 días, propone algo que cada vez es más raro: “escuchar sin condicionamiento”. Una programación de electrónica vanguardista y experimental que no responde a géneros en concreto, sino a sensibilidades y, sobre todo, a una comunidad que ha sido cuidadosamente construida, donde artistas y público comparten un mismo propósito: “estar genuinamente por y para la música”.
Mostra da inicio con el Opening Ceremony, cuya experiencia comienza lejos de la pista, en Casa Montjuïc. Con un concierto de apertura centrado en el ambient, no como antesala, sino como declaración de intenciones. En el primer acto tenemos a Dania & Rupert Clervaux presentan Acción y Destino. Un encuentro entre percusiones orgánicas, sonidos de drone y acordes distorsionados que te empujan a un estado casi meditativo, sostenido por la voz angelical de Dania. Acto seguido están The Transcendent Orchestra, dúo conformado por Anthony Child y Daniel Bean, donde transforman el espacio en algo más cercano a un ritual que un concierto. Una experiencia extrasensorial, sumergidos en incienso, bajo los sonidos de cuerdas distorsionadas y percusiones híbridas, donde parece ser que el tiempo se estira. Más allá de la escucha, es una transición que prepara el oído y el cuerpo para lo que viene.
Viernes, o “Semifinal 1/2”, es el primer día en la segunda locación. Se activa la pista en el Pabellón Olímpico de Vall d’Hebron para dar inicio a los 3 días de maratón. Desde afuera todo fluye con naturalidad, pero desde adentro la arquitectura modernista del recinto te abraza y te sumerge bajo las frecuencias de un solo escenario, con un sonido cuidadosamente ecualizado. Mostra no funciona por jerarquías evidentes. No existe un “momento central”. Funciona gracias a un equilibrio delicado entre artistas, arquitectura y público.
Melina Serser abre con un set paciente, entre dub y downtempo. La pista se va llenando poco a poco, mostrando claramente la intención. Las personas no llegan con prisa. Llegan para quedarse. Atávic, el live de Absis y Estrato Aurora, expande ese estado, combinando lo orgánico y lo electrónico sin fricción. Ángel Molina toma el relevo y marca el tono con su base de techno, pero sin rigidez, explorando matices de dub, breaks, drum & bass, con mucho dinamismo sin perder profundidad. La transición del día a la noche llega, mientras que las luces, láseres, colores y sombras transforman el espacio, y con ello también la energía.
Luego upsammy lleva la pista a otra dimensión, envolviéndonos en su set, donde predomina el half-time con ritmos intrincados, bajos precisos, con una construcción milimétrica que se siente más como un masaje que como una subida. En la pista, caminar entre la gente se vuelve casi una coreografía compartida. Hay códigos, hay espacio y, sobre todo, hay respeto, que se siente incluso en los momentos de mayor densidad. Rachael cierra con su set en formato vinilo, llevando el oído al límite, con bajos contundentes y percusiones distorsionadas, generando sensaciones que casi te sacan de tu cuerpo. No todo lo que suena es inmediato. Y, sin buscarlo, sales del recinto reflexionando todo lo vivido.
Es sábado, o mejor dicho, llegamos a la “Semifinal 2/2”. Seguimos con la maratón. Al Blayney abre con un set de tres horas en formato vinilo, con una selección que oscilaba entre nostalgia y experimentación, donde no hay urgencias, solo progresión y un sentimiento acogedor que, a través de las frecuencias, te da la bienvenida al lugar. R-101 continúa con un live preciso, profundo, en donde el techno se cruza con dub y drum & bass sin perder identidad. Seguido por Toé, quien empuja la energía con percusiones más densas y grooves completamente hipnóticos.
Timnah, residente de Mostra, refuerza un punto clave del festival. Aquí los sets no son solo mezcla. Son pura narrativa personal. No existe una forma correcta de sonar. Lo que sí hay son historias que conectan profundamente al artista con el público. Surgeon condensa la misma idea en una hora de intensidad controlada con su live. Techno elegante, físico y sin exceso, donde cada sonido lleva la firma de su propio productor. Steve Bicknell profundiza en esa línea, con sus loops infinitos llenos de texturas hipnóticas que sostienen la pista sin necesidad de explosión. El cierre en formato vinilo de MUTED funciona como una reorganización emocional. Con sus influencias entre el techno y el EBM, te lleva a un punto de introspección. Después de doce horas, no se trata de subir más, sino de ordenar lo vivido. Llegamos al domingo, la “Grand Finale”. Último día. La energía cambia. Se siente el final, pero también se siente una especie de resistencia a que llegue. Los cuerpos están cansados, pero presentes. Marylou da inicio con un set lleno de elegancia y downtempo, mientras que la pista se adapta. La gente está sentada, pero escuchando atentamente, mientras dosifican la energía. Lemont rompe con esa quietud, con un live que sacude sin perder coherencia, para dar paso al b2b de Presha y Aerea, que con naturalidad mezclan dub, drum & bass y techno para activar la transición hacia el cierre.
Patrick Russell toma el control con un set sin concesiones ni límites de género. Dando pie a un viaje interno que busca sostener una narrativa propia. Substance & Vainqueur presentan Scion, donde conectan décadas de historia electrónica en un live cargado de profundidad y complicidad. Y finalmente XDB, quien con su selección meticulosa de vinilos no busca espectacularidad. Busca completa precisión emocional. Cada track cae donde tiene que caer. El set se extiende como si no tuviera prisa por terminar. Y cuando termina, la experiencia se siente profunamente completa, como si el recorrido hubiera encontrado su propio cierre sin necesidad de forzarlo.
Mostra no es perfecto. Y tampoco pretende serlo. No busca ser más grande. Intenta ser más consciente. En una escena cada vez más orientada al consumo rápido, propone otra cosa: tiempo, escucha y atención. Pero esta experiencia no ocurre por sí sola. Está construida y sostenida por los artistas, por un público dispuesto a escuchar sin expectativas y por un equipo que entiende que el cuidado también forma parte del sonido, algo que rara vez se percibe desde afuera, pero que aquí resulta esencial. Es por eso que en este festival el ego se diluye. Los DJs se escuchan entre ellos. En un solo escenario, y un público dispuesto, sin tantos estímulos, con la intención de crear un espacio donde la música y la comunidad vuelven a ser el centro. Pero esa intención, en una ciudad tan saturada de oferta, se siente hoy casi radical.
joseph capriati
20 años de carrera, evolución y legado
Abril llega con un protagonista indiscutible en nuestra portada: Joseph Capriati. Coincidiendo con una edición muy especial de Mixmag Spain —presente también en International Music Summit Ibiza—, nos sentamos con uno de los nombres más respetados de la escena electrónica global para repasar una trayectoria que cumple ya dos décadas.
Capriati no solo celebra 20 años de carrera, sino también un momento de madurez personal y artística que se refleja en cada una de sus decisiones: desde la evolución de su sonido hasta su apuesta por proyectos como Metamorfosi, convertido ya en mucho más que un álbum: una residencia, un sello y toda una declaración de intenciones.
En esta conversación, el artista napolitano nos habla de su carrera con honestidad, recordando los momentos de duda, los cambios que no todos entendieron en su momento y el consejo clave de figuras como Carl Cox que marcaron su camino. También habla sin filtros sobre la transformación de Ibiza, una isla que considera hogar.
Entre reflexiones sobre industria, legado y autenticidad, Capriati deja claro que su motor sigue siendo el mismo que cuando empezó: una pasión inquebrantable por la música y la conexión con el público. Una energía renovada que, tras un profundo cambio personal en los últimos años, le impulsa a mirar hacia el futuro con la ambición intacta y la intención de seguir construyendo algo que perdure en el tiempo.
Este año celebras dos décadas de carrera y todo el equipo de Mixmag Spain queremos darte la enhorabuena por tu trayectoria. Si miras atrás, al Joseph que empezaba en Napoli, ¿qué crees que pensaría de dónde estás hoy?
Este año he cumplido 20 años de carrera y todavía no me parece real poder decir esto… Ha habido algunos años en los que pensaba que se iba a acabar, pero la verdad es que siempre he deseado con todo el corazón reinventarme y seguir adelante. Obviamente, como en todas las carreras, pienso que ha habido incertidumbre en algunos periodos, pero la pasión por la música ha sido siempre más fuerte que todo.
Y he seguido adelante; además, nunca he hecho nada más que pinchar y producir.
Empecé a mezclar vinilos cuando tenía 11 años, como DJ en 1998, y luego, a los 18 años, empecé a mover mi carrera profesional porque hice mi primera producción, y es desde ahí que celebro los 20 años. Pero tengo que decir que la carrera empezó antes, aunque no era Joseph Capriati: mi nombre era Prince J y era residente en una discoteca de mi ciudad. Por lo que, para mí, se celebran los 20 años desde que lancé el primer disco.
Has mantenido una trayectoria muy sólida, sin miedo a cambiar y evolucionar; mirando atrás, ¿dirías que hubo decisiones creativas que en su momento te generaron dudas pero que hoy consideras clave en tu carrera, y cómo se conecta eso con la transformación que has vivido dentro de la música electrónica, desde una escena más centrada en el techno puro hasta otra mucho más abierta y diversa?
Sin duda alguna pienso que mi trayectoria ha sido la correcta a día de hoy, porque cuando empecé a viajar yo pinchaba un estilo techno funky napolitano; era la época en la que mis mentores fueron Rino Cerrone y Markantonio. Ellos me han ayudado a definir mi sonido.
Yo empecé con el house music, pinchaba solo house y tech house desde pequeño, pero el house clásico siempre ha sido mi música: Louie Vega, Masters At Work, François K, Claudio Coccoluto, Danny Tenaglia, etc. Pero el techno ha sido lo que me ha llevado al mundo y justo después de Napoli me encontré con Chris Liebing e hice un disco en CLR Records, y luego conocí a Adam Beyer y trabajé con él durante muchos años en Drumcode. Gracias a ello, empecé una nueva etapa importante dentro del techno.
Eran años donde el sonido estaba bien definido, pero luego decidí abrirme hacia el groove, tech house y house otra vez porque llegué a Ibiza. Esto me cambió completamente la visión y empecé a balancear las dos cosas: cuando pincho techno, pincho techno, y cuando pincho house, pincho house. Pero esto me ha costado mucho tiempo, porque la gente, sobre todo los fans del techno, no sabían lo que estaba haciendo de verdad; pensaban que me había vendido o algo así.
“20 años de carrera y tengo ganas de hacer otros 20 más. Ojalá que sí”
Al final, con los años, la gente ha empezado a ver que lo hago de corazón. Por ejemplo, tengo que agradecer mucho a Carl Cox, porque fue él quien me dijo: “ahora mira hacia adelante porque, obviamente, ahora la gente no entiende todo y también tú estás en una fase de confusión”. Pero me dijo que escuchara mi corazón, mi voz interna, y que me diera tiempo —unos cinco años— y vería que la gente luego valoraría y mi carrera perduraría en el tiempo.
De esto hace ya 10 años y ahora puedo decir que sí: 20 años de carrera y tengo ganas de hacer otros 20 más. Ojalá que sí.
¿Qué crees que te ha permitido seguir evolucionando todo este tiempo sin perder tu identidad?
Lo que, sin duda, no me ha hecho parar ha sido la pasión por lo que hago y, sobre todo, lo que transmito al público. Yo me considero una persona muy comunicativa con las emociones, en lo bueno y en lo malo; a veces también se refleja cuando estoy estresado o cansado.
Por eso es importante para mí mantener un estilo de vida que me permita hacer las cosas siempre al máximo, y lo estoy haciendo desde hace unos años y se ven los resultados. Pero, sin duda, la pasión más profunda es lo que me mantiene vivo, porque yo amo lo que hago por encima de cualquier cosa en mi vida, y eso es algo increíble, pero es así.
El pasado año fue especialmente simbólico en cuanto a reconocimientos, desde premios internacionales en DJ Awards —donde tuve el placer de entrevistarte tras recoger el premio— hasta homenajes en tu ciudad en Reggia di Caserta. Después de 20 años en la industria, ¿cómo vives este tipo de premios: como un impulso para seguir creciendo o simplemente como parte del camino?
Estos premios, la verdad, son algo que me hace mucha ilusión. Sin duda alguna, antes no sabía por qué nunca me daban premios, y luego, con el tiempo, estoy viendo que poco a poco los resultados están llegando y siendo reconocidos.
Pero yo siempre digo que mis mayores premios son cuando el público agradece mi sesión, cuando el público escucha un disco que produzco y le gusta. Para mí ese es el mejor premio, porque la industria puede premiar algo que en ese momento tiene mucho hype, pero yo no miro el hype ni la moda.
Hay personas que se merecen todo este hype, sin duda, pero no me quiero distraer de lo que es mi camino. He elegido la carrera a largo plazo porque yo soy así: no tengo que copiar algo que ahora está de moda.
Si no he ganado premios antes, significa que no era el momento o que no me lo merecía por ciertos factores. Pero para mí, el mejor premio es cuando las personas —pocas o muchas— pueden quedarse con un momento de su vida y tener un cambio durante una sesión mía.
Metamorfosi ha pasado de ser un álbum a convertirse en una marca propia: residencia y ahora también sello. ¿Qué representa hoy realmente Metamorfosi para ti y por qué escogiste ese nombre?
Metamorfosi fue elegido para este álbum, pero efectivamente sentía que yo había empezado una metamorfosi muy, muy seria en mi vida; eso fue durante 2020. Empecé esta metamorfosi interior que ha llegado a tener un avance muy importante y, sobre todo, que sigue, porque veo que al final la madurez como ser humano y como artista empezó poco antes de este álbum, y luego efectivamente continúa y está muy presente. Entonces, pienso que es una metamorfosi constante que no para.
También es una fiesta que tiene varias evoluciones a nivel musical. Este año, por ejemplo, tenemos un line up increíble a nivel de techno en el Main Room y artistas nuevos en la Terraza. Esta es la Metamorfosi.
El regreso de Metamorfosi a Amnesia Ibiza marca una nueva etapa. ¿Qué has aprendido de las temporadas anteriores que ahora quieres redefinir o llevar más lejos?
Efectivamente, la vuelta a Amnesia es algo que para mí es muy significativo. Me siento de verdad más feliz que nunca de poder estar en la discoteca que me ha forjado en la isla, donde tengo mis raíces y donde me siento en casa al 100%.
La visión que tengo de Amnesia, y que sigo teniendo, es que este lugar está hecho para la pista, sobre todo para los clubbers, y me permite poder ir profundamente con la música, porque se puede mantener una línea más underground al no existir esa gran presión de ciertas realidades externas.
La isla es increíble y me encantan todas las discotecas de Ibiza y todo lo que pasa allí, y pincho en cada una de ellas con mucho placer. Pero Amnesia es donde tener una residencia me hace sentir muy cómodo y donde puedo expresar mi visión al máximo.
Al anunciar este regreso a Amnesia Ibiza, me llamó la atención lo que tú mismo escribiste en redes sociales: “Home is where your heart is. See you on the dance floor”. ¿Cómo de especial es Amnesia para ti para considerarlo “hogar”?
Amnesia es un lugar para mí de vibraciones que me llegan muy adentro del corazón; fue amor a primera vista desde la primera vez que entré en esta discoteca. Lo que me pasa en Amnesia no lo comparo con nada. Me emociono mucho estando allí y pienso que esta nueva etapa de Amnesia será algo impresionante; tendrá un éxito enorme, sobre todo por el periodo histórico que está viviendo la escena y también la escena de Ibiza.
Por eso estoy allí y siento que mi corazón tiene que seguir allí, porque hay que educar a las nuevas generaciones en que no todo es un producto comercial, y eso es lo que queremos mantener en Amnesia. Sin quitar nada a nadie, cada uno es el mejor en lo que hace, pero para mí, a nivel de pista, Amnesia es lo mejor.
Tus residencias han sido siempre más que una serie de fechas: son experiencias. ¿Cómo construyes el “viaje emocional” de una noche en Metamorfosi?
En Metamorfosi doy toda mi visión y todo mi conocimiento de lo que he aprendido a lo largo de los años, y me pongo en el lugar de una persona que quiere venir a escuchar buena música, sentirse clubber y ser tratado como tal.
Amnesia es el lugar que te permite tener esa gran experiencia con las dos salas. Esto es súper positivo, ya que no hay una competición interna y, sobre todo, porque dos realidades muy similares, como son techno y house, pueden convivir.
Hay mucha gente que escucha ambas cosas, y también hay gente que escucha solo house o solo techno, pero todo esto alimenta la visión de Metamorfosi. Para mí es un grandísimo honor poder contar con todos estos nombres que en la isla no tienen tanto espacio, porque no todos los lugares permiten pinchar según su propia línea musical y visión.
Tenemos un line up que me hace sentir muy orgulloso; de verdad, cuando lo miro, me emociono.
joseph capriati
“Mi sueño es crear un grupo fuerte de artistas que sean amigos, primero de todo, que nos inspiremos entre nosotros y podamos hacer muchas cosas juntos, fortaleciendo el futuro de la escena y también de sus propias carreras”
Ibiza forma parte de tu historia y este año participarás en IMS Ibiza junto a Katie Knight para repasar tu trayectoria. ¿Qué te gustaría que el público entendiera de estos 20 años más allá de la música?
Me encantaría que la gente que venga a escuchar esa entrevista entienda realmente lo que hay más allá del artista. Quiero que se hable del proceso humano, primero, porque es lo que luego se refleja en el artista. Es algo que quiero transmitir al público, y hablaré muy honestamente, sin filtros.
Tu historia con Ibiza empezó en 2008 y ha sido clave en tu crecimiento global; mirando el presente, ¿cómo describirías tu relación actual con la isla en comparación con aquellos primeros años? Desde tu perspectiva, ¿qué crees que se ha ganado y qué se ha perdido en la experiencia clubbing en la última década?
La isla ha evolucionado muchísimo a nivel musical, adaptandose a las tendencias, y eso mismo he hecho yo desde un punto de vista más versátil. Me enorgullece haber crecido con ella y siempre formará parte de mi evolución profesional. No se puede hablar de Joseph Capriati sin Ibiza, ha sido y será siempre parte fundamental de mi historia.
Creo que hoy Ibiza está más abierta que nunca, hay muchísimo donde elegir y eso es algo muy positivo. Cada uno puede encontrar su sitio, su sonido, su forma de vivir la isla. Al mismo tiempo, existe una parte más comercial que siempre tendrá su público, también forma parte de Ibiza, y funciona. Eso hay que entenderlo y respetarlo.
Dicho esto, personalmente siento que mi misión sigue siendo mantener viva esa esencia real de Ibiza: la conexión con el dancefloor, la energía auténtica y la música como lo más importante. Es lo que me ha traído hasta aquí, lo que me representa y lo que quiero seguir defendiendo en el futuro.
Hace poco menos de un año lanzaste Metamorfosi Records. ¿Qué tipo de artistas o sonidos te interesa impulsar desde el sello? ¿Qué nos puedes contar sobre su dirección y novedades?
Estoy muy orgulloso del sello Metamorfosi. Nació hace un año y el feeling que me produce tener un sello es algo que nunca deja de sorprenderme.
Ver la atención que todos los artistas le están poniendo y el feedback que estoy recibiendo de la música me alegra el corazón, porque además puedo dar oportunidad a talentos increíbles para acercarse a mí y yo acercarme a ellos, crear cosas nuevas y colaborar con artistas jóvenes que me dan mucha energía y me inspiran muchísimo.
Mi sueño es crear un grupo fuerte de artistas que sean amigos, primero de todo, que nos inspiremos entre nosotros y podamos hacer muchas cosas juntos, fortaleciendo el futuro de la escena y también de sus propias carreras. Me encanta esto.
Tu nuevo álbum por el 20 aniversario llega en un momento muy concreto de tu carrera. ¿Es un trabajo más retrospectivo, más emocional o más enfocado al futuro?
El álbum en el que estoy trabajando llegará el año que viene y, sinceramente, aún no sé cuántos temas lo van a componer, pero quiero que sea un trabajo que represente la visión moderna de Joseph.
Obviamente, incluiré algunos temas más profundos, pero me gustaría que tuviera también algo fuerte, global, que la gente pueda escuchar, pinchar y disfrutar. También habrá elementos crossover, toques modernos y esa idea de los 20 años como celebración que conecte pasado, presente y futuro de Joseph Capriati.
También has colaborado con el compositor y cantante Enzo Avitabile. ¿Qué te aporta trabajar con músicos fuera de la escena electrónica tradicional?
Este álbum que estamos terminando con Enzo Avitabile para mí es un sueño hecho realidad. Enzo es uno de los últimos grandes artistas de la música napolitana; lo podría comparar con Pino Daniele o James Senese. Es una cultura musical que ya no existe, y no tengo palabras para expresar cómo me siento después de haber hecho este álbum con él.
joseph
Ahora mismo estamos dando los últimos toques a nivel de mezcla, después de haberlo empezado en 2020, haberlo parado y retomarlo ahora para poder terminarlo. No veo la hora de lanzarlo.
Como decía antes, este álbum con Enzo es algo que la escena no se espera, porque es una especie de contaminación musical entre dos mundos completamente diferentes. Son temas que se pueden pinchar, pero con una voz napolitana y los instrumentos de este artista. ¡Imagínate!
Al final, esas son las cosas que perduran en el tiempo: algo con alma, y este álbum tiene un alma muy fuerte.
En un contexto donde la música electrónica vive una aceleración constante, ¿cómo decides cuándo una idea merece convertirse en un álbum y no solo en un track o EP?
Por ejemplo, un EP o un single puede ser un tema muy fuerte en la pista o algo que la gente recuerde fácilmente escuchándolo en la radio, pero no es timeless, ya que puede consumirse rápidamente en una escena muy consumista como la actual. Muchas veces se queda en el olvido y puede ser redescubierto años después.
Para mí, lo que se vuelve demasiado popular también puede cansar después de uno o dos años, por eso es importante crear algo timeless.
Has sido conocido por sets maratonianos y una ética de trabajo muy intensa. ¿Cómo ha evolucionado tu relación con el descanso y el cuidado personal a lo largo de los años? ¿Qué hábitos has incorporado para mantener el equilibrio mental y físico?
Es cierto que he hecho muchas maratones en el pasado; me gustaba hacerlas con frecuencia y aún me gustaría poder hacerlo más, pero eran otros tiempos.
Hace tres años hice un cambio de vida: ahora estoy sobrio, y tengo una rutina de entrenamiento semanal en la que doy mucha importancia al descanso. Cuido mucho la alimentación y trato siempre de mantenerme en forma.
Todavía hago alguna maratón al año, quizá dos o tres sesiones de 10-12 horas, pero tengo que prepararlas bien y estar muy centrado. Escuchar mucha música es algo que hago constantemente, no solo para las maratones. Esa es mi rutina de preparación.
Para cerrar, después de todo lo que has construido en estos 20 años, ¿qué te sigue empujando a ir más allá? ¿Te sientes satisfecho con lo conseguido o sigues mirando hacia nuevos retos?
Creo que, después del cambio de vida y de hábitos, me siento con una energía nueva, como si tuviera otra vez 20 años. Ha sido como volver a nacer.
También siento que mi productividad ha mejorado muchísimo y lo que estoy haciendo en el estudio me satisface mucho. En las sesiones noto que la calidad está en otro nivel y estoy recibiendo mucho reconocimiento por parte del público, que se ha dado cuenta del trabajo que estoy poniendo.
Mi sueño es hacer la mayor cantidad de música posible y que perdure en el futuro, dentro de la escena y de la historia de la música electrónica. Poder llegar al futuro y decir que he dejado un gran legado. Ese es mi deseo. Voy a trabajar muy duro para ello y ojalá la vida me acompañe y pueda mantener la energía durante muchos años más. Eso solo lo decide Dios, pero el deseo y la pasión que tengo son muy fuertes, así que seguiré luchando, amando al público, amando la escena y, cuanto más avanzo, más siento que tengo que apoyar la verdadera escena y transmitir vibras reales y positivas. Gracias por esta entrevista. Un abrazo.
Muchas gracias por tu tiempo, Joseph.
Todo el equipo de Mixmag Spain te damos la enhorabuena por tu gran trayectoria.
derek barbolla
Fundador de Cercle
Cercle no ha cambiado tanto de forma como de escala en los últimos diez años. Lo que empezó como un experimento doméstico con una cámara, un set y una idea clara sobre cómo filmar música electrónica, hoy se despliega en enclaves que rara vez se asocian a este tipo de prácticas: Petra, el Mont-Saint-Michel o las pirámides de Giza. A eso se suma una curaduría de artistas condicionada por el lugar y una audiencia que, en términos físicos, sigue siendo limitada frente a un alcance digital que ya supera los mil millones de visualizaciones.
En esta conversación con Derek Barbolla, fundador de Cercle, se ordena ese proceso con bastante precisión. Desde los primeros pasos, como cuando un formulario enviado a la Torre Eiffel desencadenó una cadena de oportunidades, hasta la lógica actual del proyecto, donde cada show se construye a partir de la combinación entre artista y localización.
Cercle comenzó en 2016 con streams relativamente simples. Hoy producen actuaciones en lugares como Petra o el MontSaint-Michel. ¿Cuál fue el punto de inflexión que transformó un proyecto de streaming en una producción mundial de esta magnitud?
El primer Cercle Show se grabó en mi apartamento, pero muy rápido tuve ganas de sacar el concepto de mi casa y llevarlo a lugares más atípicos. Empezamos grabando en una sandwichería en un sótano, luego en una barcaza sobre el Sena.
Y un día, sin pensarlo demasiado, rellené el formulario de contacto de la Torre Eiffel para preguntar si podíamos ir a grabar un Show allí. Aceptaron. Tres semanas después, estábamos en la azotea del Jules Verne. Ahí fue cuando todo se aceleró: el vídeo funcionó extremadamente bien y, desde el día siguiente, empezamos a recibir llamadas de todas partes. Fue realmente en ese momento cuando se produjo el cambio. Después, durante dos años, produjimos y emitimos un programa por semana. El proyecto creció muy rápido, se estructuró y luego se internacionalizó progresivamente.
Gran parte de la identidad de Cercle está vinculada a sitios patrimoniales o a paisajes muy específicos. ¿Cómo encuentran esos lugares y qué criterios determinan que un sitio sea “adecuado” para un show de Cercle?
Un lugar “Cercle Show” es un lugar patrimonial, natural o cultural, icónico y excepcional. Pero ese no es el único criterio: sobre todo, hace falta que podamos proyectar una verdadera coherencia con un artista. Sabemos que hemos encontrado el lugar adecuado cuando se crea una forma de evidencia, la combinación perfecta entre ambos.
Para encontrar esos lugares, primero hay algo muy personal: me apasionan los viajes y los sitios únicos, así que paso mucho tiempo descubriéndolos y buscándolos en internet o en las redes sociales.
Y luego, con el tiempo, esta búsqueda se volvió más colectiva. Nuestra comunidad nos envía muchas ideas, el equipo también, mis allegados, e incluso a veces algunos lugares se ponen en contacto con nosotros directamente.
Muchos de esos lugares están sujetos a restricciones muy estrictas. En la práctica, ¿cómo es el proceso para obtener autorizaciones en sitios históricos o protegidos?
De media, se necesita alrededor de un año para obtener las autorizaciones. A veces mucho menos, a veces hasta cuatro años, y también ocurre que nunca las conseguimos, incluso después de años de intercambios. Forma parte del oficio.
Es un trabajo de paciencia, negociación y relaciones humanas. Siempre nos apoyamos en socios locales, que conocen perfectamente el lugar, a los interlocutores y las limitaciones sobre el terreno. En este tipo de proyectos, estar bien rodeado es esencial.
Una vez obtenidas las autorizaciones, nuestra prioridad absoluta es el respeto por el sitio. Toda nuestra producción está pensada para poner el lugar en valor, sin impactarlo nunca de manera negativa.
En entornos muy frágiles, como Petra, no se difunde ningún sonido en el lugar: todo pasa únicamente por la consola y los in-ears del artista, para preservar completamente el entorno.
Todos los shows de Cercle rodados en la naturaleza se filman sin público. Es un principio que siempre he defendido, por razones ecológicas y para evitar cualquier molestia, especialmente para la fauna local.
La logística detrás de un show de esta magnitud debe de ser enorme: transporte, condiciones meteorológicas, sonido, captación audiovisual… ¿Cuál ha sido el desafío técnico u operativo más complejo que han tenido que resolver?
El mayor desafío suele ser el directo en vivo. En esos lugares, la técnica rara vez es simple, sobre todo cuando se trata de la conexión. Son sitios extraordinarios para la imagen, pero no están pensados en absoluto para una retransmisión en directo.
Recuerdo muy bien nuestro Cercle Show en Giza con Sébastien Léger. Durante todo el día, todas las pruebas habían funcionado perfectamente. Y luego, justo en el momento preciso en que estamos a punto de lanzar el directo, de repente nada: se corta la conexión. Pánico: el artista está listo, todo el equipo está en su sitio y, sobre todo, el inicio del directo está sincronizado con la puesta de sol para conseguir el resultado visual adecuado, y el sol no espera.
Al cabo de unos diez minutos, la conexión terminó volviendo y el resto salió de maravilla. Pero ese es el tipo de imprevisto de último minuto que no olvidaré jamás, ¡jaja!
El vídeo es casi tan importante como la música en los sets de Cercle. ¿Cómo trabajan la dimensión audiovisual para que la actuación y el lugar se integren en una narrativa visual coherente?
Cercle también nació del deseo de aportar una verdadera dimensión visual a la música electrónica. En aquella época, ese aspecto estaba muy desarrollado en el pop o el rap, pero mucho menos en la electrónica, a pesar de que es una música que se presta totalmente a ello.
En nuestros eventos, todo está pensado en relación con el vídeo. Colocamos el escenario donde los planos serán más bellos en imagen, pensamos en función del ángulo de la puesta de sol, en la ubicación del público, en la manera de hacer las infraestructuras lo más invisibles posible. La idea es crear una verdadera armonía visual entre el artista, el lugar y el público.
A lo largo de los años, han trabajado con artistas muy distintos dentro de la escena electrónica. ¿Qué buscan en un artista para un show de Cercle?
Con Cercle Records, hacemos un verdadero trabajo de curaduría y A&R, así que hay muchos artistas de la escena a los que seguimos desde hace tiempo y a los que queremos invitar.
Luego, nuestra forma de construir los shows también influye mucho. Como casi siempre partimos del lugar y solo invitamos al artista una vez que el lugar está confirmado, algunos nombres se imponen de forma muy natural según el sitio que tenemos entre manos.
De hecho, los propios artistas conceden muchísima importancia al lugar. Algunos han rechazado decenas antes de aceptar uno que realmente correspondiera a su universo. Eso también es lo que permite crear un Show justo.
Los eventos suelen acoger a un público reducido en comparación con la audiencia online. ¿Cómo deciden quién puede asistir físicamente a esos shows?
No lo decidimos nosotros. El primero que llega, entra.
Antes de la apertura de la venta de entradas, avisamos a nuestra comunidad a través de nuestras redes sociales y nuestra newsletter, con la posibilidad de preinscribirse para ser informado con prioridad. El día señalado, esas personas reciben el enlace de acceso a la venta de entradas y, después, quienes son más rápidos consiguen las plazas.
Cercle ha superado recientemente los mil millones de visualizaciones en YouTube. ¿En qué momento comprendieron que el proyecto estaba adquiriendo una dimensión mundial?
Creo que lo entendimos sobre todo a través de los comentarios bajo nuestros vídeos de YouTube: ver a personas de los cuatro rincones del mundo decirnos que veían Cercle y enviarnos tantos mensajes de cariño, casi desde el inicio del proyecto, era una locura.
Después de diez años transformando lugares icónicos en escenarios musicales, ¿qué dirección les gustaría explorar en la próxima etapa de Cercle?
Tenemos muchos proyectos de los que todavía no puedo hablar.
Recuerdo una pregunta que me hizo una estudiante en ADE en 2018, y que realmente me marcó: me preguntó si nos interesaría transformar lugares con una estética más bien “poco seductora” en algo bello o estéticamente interesante. Y creo que probablemente nos interesaremos por eso en el futuro…Una búsqueda artística en torno a la idea de revelar la belleza oculta de un lugar.
JUANMA MOLINA
AUTOR
música y moda
¿Tiene la cultura clubber un estilo propio cada vez más marcado dentro de la moda?
Durante décadas, la música electrónica ha sido analizada desde lo sonoro, lo cultural o lo tecnológico. Sin embargo, hay un elemento que siempre ha estado presente en la pista de baile y que rara vez ha ocupado un papel protagonista en el relato: la moda. Lo que ocurre en un club no se limita a la experiencia sonora, sino que trasciende hacia lo estético y adquiere un peso cada vez mayor en la forma de vivir la noche.
A diferencia de otras escenas musicales donde la identidad visual ha estado claramente definida —del hip-hop al metal—, el universo de la electrónica ha operado tradicionalmente bajo códigos más difusos. Pero esa aparente falta de uniformidad no implica ausencia de identidad, sino una construcción mucho más flexible, cambiante y profundamente conectada con el contexto social de cada momento.
En sus primeras etapas, los outfits respondían a una lógica funcional: ropa cómoda, ligera, pensada para resistir horas de baile. El chándal tenía un gran protagonismo. Con el paso del tiempo, esa necesidad práctica ha evolucionado hacia una forma de expresión en sí misma. La pista se ha convertido en un espacio al que muchos dedican tiempo, energía y recursos, otorgándole casi tanta importancia como a la música. Cada elección cuenta. Accesorios como gafas de sol, cadenas, prendas de látex o el predominio del negro forman parte de un lenguaje compartido.
Hoy, ese lenguaje empieza a ser reconocible. En muchos clubs, especialmente en circuitos vinculados al techno —con ciudades como Berlín como referencia—, se repiten patrones que apuntan hacia una identidad estética cada vez más definida. Prendas técnicas, cortes funcionales, layering, botas robustas o referencias al sportswear conviven con influencias más explícitas como el revival Y2K, la herencia rave de los noventa o elementos del fetishwear. No se trata de un uniforme estricto, pero sí de una serie de códigos que se repiten y evolucionan.
En este contexto, empieza a tener sentido plantear si el clubber puede considerarse una nueva forma de tribu urbana. No en el sentido clásico de pertenencia cerrada y homogénea, sino como una red de afinidades estéticas y culturales.
La identidad ya no se define por una única referencia, sino por una mezcla de influencias que se reinterpretan constantemente dentro del espacio del club.
El papel del club como entorno es clave en este proceso. A diferencia de la moda tradicional, que suele descender de la pasarela a la calle, en la cultura electrónica las tendencias nacen desde el propio club, para en muchos casos terminar siendo absorbidas por la industria. Diseñadores, marcas y estilistas llevan años mirando hacia este ecosistema como un laboratorio creativo donde las ideas se prueban en tiempo real, sin filtros ni intermediarios.
Esa conexión es ya bidireccional. En los últimos años, grandes casas de moda han intensificado su vínculo con la electrónica, no solo como referencia estética, sino como parte activa de su narrativa. Firmas como Balenciaga han incorporado guiños explícitos a la cultura techno con prendas que remiten directamente a la iconografía de club, mientras que Prada ha llevado a artistas como I Hate Models a sus desfiles, integrando el sonido y la actitud de la pista en el contexto de la alta costura. A esto se suman propuestas como AVAVAV o Vetements, donde la influencia del universo clubbing no solo es visible, sino estructural dentro de su lenguaje creativo.
Esta relación entre moda y música electrónica no es nueva, pero sí está alcanzando un nuevo nivel de visibilidad. En un momento en el que la imagen y la identidad tienen un peso cada vez mayor, la estética clubber deja de ser un elemento secundario para consolidarse como una herramienta de expresión, pertenencia y narrativa cultural.
Más allá del sonido, la cultura de club también se construye desde lo visual. Y en ese cruce entre música y moda, la pista de baile sigue funcionando como uno de los espacios más libres, cambiantes e influyentes del panorama contemporáneo.
ibiza en abril
Un momento en el que la música vuelve a sonar, pero todavía queda espacio para escuchar todo lo demás.
El mes de abril marca un momento especial en Ibiza. La isla ya empieza a marcar el ritmo, aunque todavía lejos de la energía que caracteriza al verano. Con el International Music Summit en marcha, la temporada vuelve a estar en boca de todos, aunque el ambiente todavía ofrece una versión más relajada de uno de los destinos más intensos del mundo.
Es precisamente en este punto intermedio donde Ibiza ofrece uno de sus mayores atractivos: la posibilidad de disfrutarla sin prisas. Lejos de las colas, del tráfico y de la saturación, abril permite redescubrir lugares clave desde otra perspectiva, más cercana a la esencia que convirtió a la isla en un símbolo global.
El ritual del atardecer sigue siendo innegociable, pero cambia de tono. Espacios como Kumharas mantienen intacta esa conexión entre música, paisaje y comunidad, pero con una atmósfera relajada, donde cada puesta de sol se disfruta sin la urgencia del peak season. Aquí, lo importante no es tanto dónde estar, sino cómo se vive el momento.
En el plano gastronómico, la isla empieza a recuperar pulso sin perder la calma. Propuestas como 666 Playa d’en Bossa o 666 San Antonio Bay aportan un enfoque desenfadado y contemporáneo, mientras que lugares como Hambre o Es Fumeral ofrecen una vertiente más cuidada, donde producto y entorno dialogan sin artificios. Abril se convierte así en el momento ideal para reservar sin complicaciones y saborear la experiencia completa.
La transición entre el día y la noche también se percibe de otra manera. Lugares como Amante Ibiza ofrecen ese punto intermedio perfecto: una copa al atardecer con vistas abiertas al Mediterráneo, donde el tiempo parece estirarse. Más tarde, cuando la isla empieza a insinuar su versión nocturna, Tantra Ibiza se posiciona como uno de esos espacios donde la energía vuelve a subir, sin alcanzar todavía la intensidad del verano.
El mar, por supuesto, sigue siendo protagonista. Playas como Cala Comte mantienen su estatus como uno de los enclaves más espectaculares, especialmente al caer el sol, mientras que Es Figueral ofrece una alternativa más abierta y accesible, ideal para quienes buscan paisaje sin complicaciones. En abril, ambos escenarios se disfrutan con una tranquilidad difícil de encontrar en otros momentos del año.
Para quienes necesitan bajar revoluciones entre evento y evento, la isla también ofrece refugios donde desconectar sin salir del circuito. Espacios como OD Talamanca combinan piscina, vistas y un sky bar donde el ritmo se ralentiza, funcionando como contrapunto ideal a la actividad que empieza a reactivarse en otros puntos de la isla.
Ibiza en abril no es una versión menor, sino otra cara de sí misma: más accesible, más habitable y, en muchos sentidos, más fiel a su identidad. Es un momento en el que la música vuelve a sonar, pero todavía queda espacio para escuchar todo lo demás.
Si la intención es visitar —o regresar— a la isla en temporada alta, estos son algunos de los eventos que no deberías perderte:
Amnesia Ibiza: Metamorfosi los martes, You&Me by Josh Baker los jueves, Glitterbox los viernes y Pyramid los domingos.
Pacha Ibiza: Purple Disco Machine los jueves, Music On los viernes, Flower Power los sábados y Solomun +1 los domingos.
Hï Ibiza: Francis Mercier los lunes, Hugel los jueves, Dom Dolla los viernes y Black Coffee los sábados.
[UNVRS]: Jamie Jones los miércoles, Fisher los jueves, elrow los sábados y Carl Cox los domingos.
Ushuaïa Ibiza: David Guetta los lunes, Calvin Harris los martes y viernes, ANTS los sábados y Swedish House Mafia los domingos.
Comienza una de las épocas más divertidas del año. ¡Nos vemos en la pista!
IMS IBIZA 2026 PONE EL FOCO EN LA PISTA CON “RECLAIM THE DANCEFLOOR”
El encuentro reunirá a figuras clave de la industria y artistas para tratar diversos temas relacionados con la pista y el clubbing.
A pocas semanas de su arranque, IMS Ibiza desvela el concepto que articulará toda su edición 2026: Reclaim the Dancefloor. Más que un simple eslogan, se plantea como una declaración de intenciones en un momento de transformación profunda para la cultura electrónica global.
La 17ª edición del encuentro —que se celebrará del 22 al 24 de abril en Mondrian Ibiza y Hyde Ibiza, en la bahía de Cala Llonga— pone el foco en cómo fuerzas externas están reconfigurando los cimientos de la escena: desde la inversión privada y la consolidación empresarial hasta el avance acelerado de la inteligencia artificial, los cambios en los hábitos del público y la evolución de los entornos digitales.
En este contexto, la cumbre propone un ejercicio colectivo de reflexión: qué se está ganando, qué se está perdiendo y qué debe protegerse. A lo largo de su programación, IMS Ibiza abordará cuestiones clave como la capacidad de la cultura electrónica para crecer sin diluir su esencia, el impacto de la distracción digital en los rituales compartidos de la pista de baile o la necesidad de que la comunidad recupere el control sobre su propio relato.
El programa, distribuido en cinco escenarios durante tres días, reunirá a una amplia representación de artistas y figuras clave de la industria. Entre los nombres confirmados figuran 2ManyDJs, Sama’ Abdulhadi, Vintage Culture o Sister Bliss, junto a perfiles procedentes de compañías como Apple Music, Beatport, Resident Advisor o YouTube, entre muchas otras.
Más allá de los paneles y conferencias, IMS Ibiza mantiene su carácter como punto de encuentro global, con una agenda que combina networking, showcases y eventos sociales diseñados para fomentar conexiones reales dentro de la industria.
El cierre llegará con el ya icónico IMS Dalt Vila, que volverá a tomar el recinto histórico de Dalt Vila como escenario final del summit.
En paralelo, la organización ha abierto la convocatoria para proponer ponentes, invitando a la comunidad a participar activamente en la construcción del discurso del evento, así como las inscripciones para iniciativas como IMS Accelerator o las actividades solidarias impulsadas junto a Bridges For Music.
Con el tiempo en contra —y las entradas en fase final de early-bird—, IMS Ibiza 2026 se posiciona como un espacio clave para repensar el presente y futuro de la música electrónica. Un intento, en definitiva, de devolver el foco a donde todo empezó: la pista de baile.
ims 2026
Arranca una nueva edición de IMS Ibiza y, con ella, un programa que vuelve a poner el foco en las conversaciones que están definiendo el presente de la música electrónica. A lo largo de tres días, el summit despliega su cronograma entre distintos espacios, combinando keynotes, paneles y encuentros que atraviesan tanto la cultura de club como las dinámicas de la industria. Este es el recorrido del miércoles 22 de abril en el Summit Stage.
12:00 – 12:05
SUMMIT STAGE - INDOOR | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
IMS INTRODUCTIONS
La bienvenida oficial corre a cargo de Jaguar, Katie Knight y Pete Tong, junto a los fundadores del summit, marcando el arranque de la jornada.
12:05 – 12:35
IMS BUSINESS REPORT 2026
Mark Mulligan presenta el informe anual que analiza en profundidad las tendencias culturales, económicas y de mercado que están definiendo la industria electrónica global.
Dan Chalmers, Finlay Johnson y Mark Mulligan desglosan las claves del informe en una conversación moderada por Katie Bain, poniendo el foco en tendencias y oportunidades. 12:35 – 13:00 IMS BUSINESS REPORT ANALYSIS
13:15 – 14:00
RECLAIM THE DANCEFLOOR
La conversación central reúne a Anton Stevens, Fabien Riggall, Gabriel Szatan, Maria May y Rufy Ghazi, con moderación de Kikelomo Oludemi, para analizar el momento actual de la escena.
13:00 – 13:15
OPENING KEYNOTE ADDRESS: STEVEN BRAINES
Steven Braines ofrece el discurso inaugural, abordando cuestiones como representación, acceso y el papel de la industria en la cultura de club.
15:00 – 15:10 ELEVATOR PITCH: DANCEFLOOR.FM
Ben King presenta su plataforma enfocada en apoyar la sostenibilidad de los clubes y el ecosistema nocturno.
14:00 – 14:50 THE INDUSTRY’S RESPONSIBILITY: SAFETY, CONSENT & ACCOUNTABILITY
Dan Chalmers, Finlay Johnson y Mark Mulligan desglosan las claves del informe en una conversación moderada por Katie Bain, poniendo el foco en tendencias y oportunidades.
16:10 – 16:55
RA EXCHANGE: SUZANNE CIANI
Suzanne Ciani protagoniza este encuentro moderado por Chloe Lula, centrado en su legado y su relación con la tecnología y la creación sonora.
KEYNOTE INTERVIEW: 2MANYDJS / SOULWAX
David Dewaele y Steven Dewaele protagonizan esta conversación moderada por Gabriel Szatan, explorando su trayectoria e influencia en la cultura DJ. 15:10 – 16:00
17:00 – 18:00
KEYNOTE INTERVIEW: YANN PISSENEM
El cierre de la jornada llega con Yann Pissenem en conversación con Pete Tong, abordando su visión sobre el desarrollo global del clubbing y la experiencia en vivo.
SUMMIT STAGE - INDOOR | JUEVES 23 DE ABRIL
12:00 – 12:10
THE AI DIVIDE: WHAT
AUTHENTICITY MEANS TO FANS NOW
Maria Garrido abre la jornada con un análisis sobre cómo los oyentes perciben la música generada por IA, a partir de un estudio global realizado junto a Ipsos, poniendo sobre la mesa qué significa hoy la autenticidad para el público.
12:10 – 12:20
MATHAME PRESENTS NEO: A WORLD WHERE HUMANS AND AI COEXIST
Mathame representado por Matteo Giovanelli junto a Riccardo Giovanelli presenta NEO, un proyecto que propone una experiencia física y cultural para entender la convivencia entre humanos e inteligencia artificial.
12:30 – 13:20
AI – INSIDE THE MORAL REVOLUTION
Aly Gillani, Edward Balassanian, Jen O’Neill, Maria Garrido y Matteo Giovanelli abordan los dilemas éticos que plantea la IA en la música, en una sesión moderado por Jay Ahern.
13:30 – 14:00
THE NEXT CHAPTER: LABEL AFTER AN ACQUISITION – CR2 RECORDS & CREATE MUSIC GROUP
Kyle Bartleman, Mark Brown, Nicola Doherty, Owen Kiernan y Zak Benjamin analizan cómo se redefine un sello tras una adquisición, en una conversación moderada por Katie Knight.
LABEL FOCUS: THE ARTIST DEVELOPMENT STORY
David Dollimore, Deron Delgado y Toby Andrews analizan el papel actual de los sellos en el desarrollo artístico, en una sesión moderada por Marina Palacios. 15:00 – 15:45
KEYNOTE INTERVIEW: MAYKEL
PIRON
Maykel Piron conversa con Pete Tong sobre la evolución del negocio musical, la independencia a gran escala y la construcción de carreras duraderas. 16:00 – 16:45
12:20 – 12:30
AFEM X AIXCHANGE –SHAPING NEW REVENUE
STREAMS FOR MUSIC IN THE AGE OF GENERATIVE AI
Ralph Böege expone cómo están surgiendo nuevos modelos de ingresos en torno a la IA generativa, con sistemas de licencias basados en consentimiento, transparencia y compensación justa.
13:20 – 13:30
ELEVATOR PITCH: VOICE-SWAP
Declan McGlynn presenta una plataforma que plantea la voz como un nuevo activo licenciado, explorando cómo artistas y sellos pueden controlarla y monetizarla.
14:00 – 14:45
CULTURE VS. CAPITAL: THE ETHICS OF INVESTING IN ELECTRONIC MUSIC
Andrea Rosen, Edward Little, Helen Sartory y Shawn Reynaldo debaten sobre el impacto de la inversión en la cultura electrónica y los límites entre crecimiento e integridad.
15:50 – 16:00
ELEVATOR PITCH: TRACKSTACK
Cameron Embling y George Perry presentan su plataforma profesional centrada en ayudar a DJs y sellos a construir comunidad y generar ingresos sostenibles.
17:00 – 17:45
THE ARTISTS DEFINING TODAY’S DANCEFLOOR
Kahani, LOVEFOXY, Manuka Honey y Samm protagonizan esta sesión moderada por Farah Nanji, centrada en la nueva generación que está definiendo la pista de baile.
12:00 – 12:30
SUMMIT STAGE - INDOOR | VIERNES 24 DE ABRIL
MARKET FOCUS – BRASIL:
KEYNOTE INTERVIEW: VINTAGE CULTURE
Vintage Culture protagoniza una conversación centrada en su ascenso global, repasando las decisiones, la constancia y el contexto cultural que han definido su trayectoria, en diálogo con Katie Knight.
14:15 – 15:00
30 YEARS OF HOSPITAL RECORDS: RIDING THE FADERS IN UNDERGROUND DANCE MUSIC
Chris Goss, DJ Ron, Fabio, Gabriella Bongo, Hoax y Silvia Montello repasan la evolución de uno de los sellos clave del drum & bass, en una conversación moderada por la propia Silvia Montello.
13:30 – 14:10 APPLE MUSIC IS FOR DJS: THE NEW ERA OF DJ MIXES & CURATION
Eliza Rose, Iain Watt, Mark Abbott y Stephen Campbell analizan el papel del DJ mix como herramienta cultural y creativa, en una sesión moderado por Tim Sweeney.
15:10 – 16:00
CLOSING KEYNOTE: SISTER BLISS FROM FAITHLESS
El cierre corre a cargo de Sister Bliss, quien reflexiona sobre su trayectoria, su impacto en la cultura electrónica y los aprendizajes que deja para las nuevas generaciones, en conversación con Jaguar.
El programa de IMS Ibiza no se limita a los grandes titulares del Summit Stage principal. En paralelo, el espacio Outdoor funciona como un termómetro más cercano de la escena, donde conviven historia, territorios emergentes y algunas de las conversaciones más pegadas a la realidad del sector. A lo largo de tres días, este escenario abre el foco hacia lo que está pasando dentro y fuera de la pista, conectando comunidades, modelos de negocio y contextos culturales que están marcando el rumbo de la música electrónica.
El Summit Stage Outdoor amplía el pulso del IMS Ibiza hacia un terreno más abierto, donde la conversación se mezcla con el contexto global de la escena. A lo largo de sus tres jornadas, este espacio pone el foco en historia, comunidad, territorios emergentes y tensiones reales de la industria, conectando pasado, presente y futuro desde múltiples ángulos.
SUMMIT STAGE – OUTDOOR | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
15:30 – 16:10 NAVIGATING COMMUNITY AND CULTURE IN TIMES OF CONFLICT AND CRISIS
Dusan Kovacevic, Moody Mehran y Sama’ Abdulhadi abordan cómo los contextos de crisis afectan a la cultura electrónica y a sus dinámicas de poder, en una sesión moderada por Chloe Lula.
14:45 – 15:25 35 YEARS OF NERVOUS RECORDS
Andrew Salsano, Harry Romero, Josh Wink, Michael Weiss, Oscar G, Silvia Montello y Todd Terry repasan más de tres décadas de historia de uno de los sellos clave del house, en una conversación moderada por Silvia Montello.
Basia Klaczak, Jakub Kaczmarek, Laszlo Papp y Marie Montexier exploran el auge de Europa del Este como motor cultural, moderada por Whitney Wei. 16:55 – 17:40 EASTERN EUROPE ON THE RISE: NEW VOICES, NEW FUTURES
Jean-Charles Carré, Jorge Viñals, Jose Macarro y Yuri Dokter analizan el estado actual de la remuneración musical en clubes, en una conversación moderado por Kurosh Nasseri. 16:15 – 16:45 GET PLAYED, GET PAID. IBIZA CLUB FOCUS REVISITED
Dukagjin Lipa reflexiona sobre el crecimiento de Europa Central y del Este en conversación con Katja Horvat.
SUMMIT STAGE – OUTDOOR | JUEVES 23 DE ABRIL
11:00 – 11:45
DOCUMENTING DANCEFLOORS
Bekefi, Dr. Rubinstein y Theo Nasa abordan cómo documentar escenas underground, en una sesión moderada por Jaguar.
12:00 – 12:30
FROM DATA TO DECISIONS
Cam Petschi, Joseph Pepin, Rupert Cartwright y Sophie Kennard analizan cómo los equipos convierten datos en estrategia, moderada por Katie Knight.
11:50 – 12:00
ELEVATOR PITCH: CO:BRAND
Rupert Cartwright presenta una herramienta pensada para conectar datos y toma de decisiones en equipos artísticos.
12:35 – 13:05
BEATPORT FUTURE VISION
Helen Sartory y Matt Gralen presentan las próximas líneas estratégicas de la compañía, en conversación con Finlay Johnson.
13:10 – 13:40
THE FUTURE OF SÓNAR – MEET THE TEAM
Andrea Faroppa, Christian Soares, Francois Jozic, Michiel Tettero y Sander Reneman analizan el futuro del festival, moderada por Patricia Pareja.
14:45 – 15:15
KEYNOTE INTERVIEW: 20 YEARS OF JOSEPH CAPRIATI
Joseph Capriati repasa dos décadas de carrera en conversación con Katie Knight.
16:15 – 17:00
IBIZA ON THE BRINK: PARADISE OR PARADOX?
Alex Nikolov, Andy McKay, Danny Whittle, Rick Maia y Stephane Schweitzer debaten sobre el futuro de Ibiza, moderada por Katie Knight.
13:45 – 14:30
INDEPENDENT MANAGERS: BUILDING GLOBAL CAREERS WITHOUT THE MACHINE
Frank Klein, Oliver Brown, Paula Quijano y Steph Moran abordan nuevas formas de desarrollo artístico, moderada por Katie Bain.
15:25 – 16:05 THE POWER OF ELECTRONIC MUSIC RADIO IN 2026
Brandon Reynolds, Emily Dust, James Jackson, Jesper Skibsby, Roxanne Oak y Tim Sweeney analizan el papel de la radio, moderado por Danny Howard.
SUMMIT STAGE – OUTDOOR | VIERNES 24 DE ABRIL
13:00 – 13:45
MEET TEAM JOSH BAKER
Hannah Bones, Jim O’Regan, Josh Baker y Kurt Hurst analizan el desarrollo de un proyecto artístico desde dentro, moderado por Pete Tong.
12:00 – 12:45 IMS ACCELERATOR
Inder Phull presenta esta iniciativa centrada en impulsar nuevas startups dentro del ecosistema musical.
14:45 – 15:15 THE RISE OF NEXUP
Max Dean, Mike Silcock y Ross Canavan exploran el crecimiento del proyecto NEXUP y su impacto en la escena house.
14:00 – 14:45
AFTER THE RISE: THE FUTURE OF AFRO ELECTRONIC MUSIC
Cleido, Culoe De Song, MoBlack, PHODII y Shanae Dennis analizan el futuro de los sonidos afro electrónicos, moderada por Farah Nanji.
15:15 – 16:00
FUTURE TALENT AWARDS CEREMONY
Alex Tripi presenta esta ceremonia que reconoce a la nueva generación de artistas emergentes, junto a Pete Tong.
Dentro de IMS Ibiza, The Brave Space se consolida como uno de los espacios más necesarios del programa. Alejándose del enfoque estrictamente industrial, ofrece un lugar donde la cultura electrónica se analiza desde dentro, poniendo sobre la mesa temas que afectan directamente a quienes la sostienen: bienestar, representación, violencia digital y estructuras de poder. Durante tres días, su programación articula un diálogo crítico y sin concesiones, abordando lo urgente y lo incómodo, lejos del filtro habitual de la industria.
Más que un escenario paralelo, The Brave Space funciona como un punto de reflexión que acompaña al resto del Summit, ampliando la conversación hacia aquello que raramente ocupa titulares pero resulta clave para entender la escena. Salud mental, abuso online, equidad y narrativas culturales se convierten en ejes centrales, ofreciendo una visión honesta de las tensiones presentes y de los desafíos que marcan el futuro de la música electrónica.
THE BRAVE SPACE | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
10:30 – 11:45
BREAK THE ICE: MORNING NETWORKING
Bekefi, Dr. Rubinstein y Theo Nasa abordan cómo
El equipo de HE.SHE.THEY. abre el espacio con un encuentro pensado especialmente para nuevos asistentes, generando un primer punto de contacto dentro del Summit.moderada por Jaguar.
16:00 – 16:45
BUILDING NARRATIVES:
IDENTITY, IMAGE & CONTROL
Emily Nash, Natasha Hamilton y Steven Braines reflexionan sobre el control del relato en la industria, moderada por Nikki McNeill.
TACKLING ONLINE ABUSE & HATE SPEECH
Jen Smith, Just Her, Scarlett Pares Landells y Sydney Blu abordan el impacto del abuso digital en la carrera de los artistas, en una sesión moderada por Clara Suess. 13:00 – 13:45
17:00 – 17:45
DUTY OF CARE: THE RISE OF WELFARE IN CLUB CULTURE
Aldwin Camus, Ashraf Ejjbair, Robbe Van Bogaert y Sana Barclay analizan el papel creciente de los equipos de bienestar en la cultura club.
THE BRAVE SPACE | JUEVES 23 DE ABRIL
13:00 – 13:45 AT THE INTERSECTIONS: VOICES SHAPING ELECTRONIC MUSIC CULTURE
Ashraf Ejjbair, Natalie Wade y Sunita Dhaliwal exploran identidades y representación dentro de la escena.
David Serras Pereira, Moody Mehran y Steven Braines debaten sobre censura y libertad creativa, moderado por Maria May.
14:00 – 14:45 EQUITY IN ACTION: FROM PLEDGE TO PROGRESS
Connie Chow, Jaguar, Kayleigh Lawrence y Martha Bolton analizan el estado real de la inclusión, moderada por Alyssa Vera.
Alex Nikolov, Jaguar y Manuka Honey abordan la construcción de ecosistemas independientes, moderado por Frankie Wells. 15:00 – 15:45 ARCHITECTS OF THE UNDERGROUND
16:00 – 16:45 FROM INFLUENCE TO OWNERSHIP: SOUTH ASIANS IN ELECTRONIC MUSIC
Ahadadream, Farah Nanji, Kunal Merchant y Meedy analizan representación y liderazgo cultural, moderadospor Amber Haque.
12:00 – 12:45
THE BRAVE SPACE | VIERNES 24 DE ABRIL
Frances Shillito, Ines Martinez Llinas y Tristan Hunt abren un diálogo sobre salud mental, moderado por Jessica Capaz McCarthy. OFF STAGE, OFF RADAR: MENTAL HEALTH & WELLBEING IN THE INDUSTRY
14:00 – 14:45
EXPORTING MUSIC: FORGING NETWORKS ACROSS BORDERS
Avantika, Kikelomo Oludemi, Lindsay Maclaren, Nina Tillberg y Steven Braines analizan la construcción de redes internacionales.
13:00 – 13:45 FROM IDEA TO ECOSYSTEM: HOW COMMUNITIES ARE BUILT
Andrea Rosen, Ceri, Josefa Enei y TIMANTI exploran cómo se construyen comunidades reales, moderado por Chloe Lula.
15:00 – 15:45 NO JOB FOR A LADY: CELEBRATING WOMEN IN ELECTRONIC MUSIC
Jen Hammel y Shanae Dennis reflexionan sobre el papel de la mujer en la industria, en una sesión moderada por Martha Bolton.
Dentro de la estructura de IMS Ibiza, The Art Of Areté se presenta como un espacio que desplaza el foco hacia el bienestar y la sostenibilidad personal dentro de la industria. Frente al ritmo acelerado del Summit, aquí la conversación se sitúa en el cuerpo y la mente, abordando cómo se sostiene —y se resiente— la vida en la cultura electrónica.
A lo largo de tres jornadas, su programación recorre desde la ciencia hasta prácticas ancestrales, combinando respiración, sonido y trabajo somático. Más que un complemento, funciona como un punto de pausa y recalibración dentro de IMS, donde la productividad deja paso a una reflexión más profunda sobre los límites físicos y emocionales de la escena.
THE ART OF ARETÉ | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
15:30 – 16:15 ANCIENT WISDOM FOR MODERN LIFE: AN INTRODUCTION TO AYURVEDA
Carolina Tong introduce los principios del Ayurveda aplicados al ritmo actual de la industria, con especial atención al descanso, las rutinas y el equilibrio mente-cuerpo.
14:00 – 14:45
GUT FEELING: HOW WHAT YOU EAT IS SHAPING YOUR MIND
Catherine Arnold aborda la relación entre alimentación y salud mental, poniendo el foco en cómo la dieta influye directamente en el estado de ánimo, la concentración y la resiliencia en contextos de alta exigencia.
18:00 – 19:00 RESET & REGULATE: A SOMATIC EXPERIENCE FOR THE OVERSTIMULATED MIND
Leah Timmins guía una experiencia orientada a reducir la sobreestimulación y favorecer la regulación del sistema nervioso a través del cuerpo y la respiración.
Blaise DeAngelo plantea una alternativa a la meditación tradicional, centrada en alcanzar estados profundos de descanso y claridad mental sin esfuerzo consciente. 16:30 – 17:15 NOT MEDITATION. TRANSCENDENCE.
08:00 – 09:00
THE ART OF ARETÉ | JUEVES 23 DE ABRIL
ALPHATHETA PRESENTS: MINDFUL MORNING WALK
Keri Perkins lidera un recorrido consciente por la naturaleza como punto de partida para la jornada.
10:45 – 11:45
SPIRITUAL WARRIOR VINYASA YOGA
Keri Perkins propone una práctica dinámica que combina movimiento, música y respiración para activar cuerpo y mente.
13:15 – 14:00
BECOMING WHOLE: FROM CONSCIOUSNESS TO CHEMISTRY
Karen Newby y Tensuhi conectan distintas capas del bienestar —de la fisiología a la conciencia— en una sesión moderada por Blaise DeAngelo.
16:00 – 16:45
AFTER THE AFTER-PARTY: ADDICTION & RECOVERY
Brandon Block comparte su experiencia en torno a la adicción y la recuperación en una conversación moderada por John McKeown.
09:30 – 10:30
BREATHPOD BREATHWORK FOR PEAK PERFORMANCE
Stuart Sandeman dirige una sesión práctica sobre respiración aplicada al rendimiento, la gestión de la energía y la creatividad.
12:00 – 13:00
FREQUENCY SHIFT: QI GONG & VIBRATIONAL SOUND
Tensuhi explora la conexión entre movimiento, sonido y estados mentales para mejorar la concentración y el equilibrio.
14:00 – 14:45
CONSCIOUS MUSIC CIRCLE PRESENTS: MIRACLE OF MIND
Luca Masini introduce una práctica meditativa centrada en el equilibrio interno, en una sesión moderada por Pete Tong.
17:00 – 17:45
LISTENING IN: NEW EVIDENCE ON SONIC HEALTH
Kate Dalby y Leah Kurta presentan nuevas investigaciones sobre el impacto del sonido en el cuerpo, las emociones y la conexión social.
17:15 – 18:15
IBIZA CALM PRESENTS: A SAFE SPACE TO SHARE
John McKeown facilita un encuentro confidencial orientado a compartir experiencias relacionadas con la adicción en un entorno seguro.
18:00 – 19:00 THE ART OF ARETÉ PRESENTS: UNWIND UN-NETWORKING DRINKS HOUR
Stuart Sandeman y Tensuhi conducen un cierre de jornada centrado en la conexión sin dinámicas profesionales.
THE ART OF ARETÉ | VIERNES 24 DE ABRIL
09:30 – 10:30
SPIRITUAL WARRIOR VINYASA YOGA
Keri Perkins abre la jornada con una nueva sesión de activación física y mental.
10:45 – 11:45
FREQUENCY SHIFT: QI GONG & VIBRATIONAL SOUND
Tensuhi retoma la práctica orientada a inducir estados de claridad y concentración.
12:00 – 13:00
BREATHPOD BREATHWORK FOR PEAK PERFORMANCE
Stuart Sandeman profundiza en el uso de la respiración como herramienta de rendimiento.
13:15 – 14:00
THE RISE OF THE SOBER DJ: RETHINKING PERFORMANCE CULTURE
DJ Paulette y Milly on Air abordan el cambio hacia la sobriedad en la cultura de club y su impacto en la carrera artística.
14:00 – 14:45
RITUAL, RHYTHM & RESEARCH
Anne Katrin Schlag y Rayyan Zafar exploran el vínculo entre música, ciencia y estados de conciencia.
16:00 – 16:45
RE-OCEANING: A SONIC RECONNECTION WITH THE OCEAN
Coco Francavilla cierra el programa con una experiencia sonora inmersiva que conecta sonido, naturaleza y percepción.
Dentro del ecosistema de IMS Ibiza, IMS Academy funciona como un espacio de formación directa, donde la experiencia de la industria se traduce en herramientas concretas para la nueva generación. Un entorno práctico, dinámico y enfocado en acortar la distancia entre aspiración y realidad profesional.
IMS ACADEMY | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
13:45 – 14:20
HOW THE INDUSTRY WORKS: THE NEXT GENERATION GUIDE
Ollie Stoller ofrece una visión general del funcionamiento actual de la industria, en una sesión orientada a entender tendencias, oportunidades y desafíos. Moderado por Alex Tripi.
14:35 – 15:15
HOW TO: PLAY AT UNVRS AND GET YOUR TRACK SIGNED BY HUGEL
Kaya y Victoria Whynot comparten su transición de productores emergentes a artistas en circuito profesional, junto a Alex Tripi. Moderado por Pete Tong.
15:30 – 16:00
CLUB CULTURE: WHERE WE COME FROM, WHERE WE ARE HEADING
DJ Paulette revisa la evolución de la cultura club y sus posibles futuros. Moderado por Alex Tripi.
16:15 – 17:00
POINTBLANK X 36DB X SASHA
MASTERCLASS
Sasha, junto a Dave Gardner, Barry Jamieson y Ski Oakenfull, profundiza en procesos de producción y herramientas en Ableton Live.
14:20 – 14:35
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
15:15 – 15:30
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
16:00 – 16:15
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
17:00 – 17:15
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
17:15 – 18:15
DEMO LISTENING: THE LABEL’S QUEST
Moody Jones y Raphael Pujol analizan qué buscan los sellos en 2026, con escucha de demos en directo. Moderado por Fabio Villanis.
10 IN 10 DJ SETS
IMS ACADEMY | JUEVES 23 DE ABRIL
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 11:45 – 12:00
11:00 – 11:40 SPEED DATING 1-TO-1 MENTORING SESSIONS
Sesiones rápidas de mentoría personalizada con Alex Tripi.
11:55 – 12:30 ARE YOU THE NEXT BIG THING?
Alev Tav, Anto Zagu y Marina Diniz analizan qué busca la industria en el talento emergente. Moderado por Vanessa Laino.
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 12:45 – 13:00
13:30 – 13:45
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
14:20 – 14:35
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 15:15 – 15:30
14:35 – 15:15 INSIDE THE MANAGER’S ROOM
Garry Blackburn, Katy Ellis y Rachel Strassberger abordan el desarrollo de carreras globales desde el management. Moderado por Alex Tripi.
15:30 – 16:15
RMX-IGNITE: DEEP DIVE
Masterclass técnica centrada en herramientas y rendimiento en directo para DJs.
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 16:15 – 16:30
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 17:00 – 17:15
16:30 – 17:00
HOW TO BE BOOKED AS A DJ IN 2026
Alex Montoya, Jessica Capaz McCarthy y Steve Hogan comparten estrategias para construir una carrera sólida. Moderado por Alex Tripi.
17:15 – 18:00
DJ SET CLINIC
Análisis en directo de sets con Alex Montoya, Jessica Capaz McCarthy y Steve Hogan. Moderado por Alex Tripi.
11:45 – 11:55
IMS ACADEMY | VIERNES 24 DE ABRIL
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
12:45 – 13:00
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
13:45 – 14:00
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista. 10 IN 10 DJ SETS
12:00 – 12:45
THE FUTURE-READY DJ
Hapa y Lee Chernowetz exploran nuevas tecnologías aplicadas al DJing. Moderado por Tom Impallomeni.
13:45 – 14:30
DEMO LISTENING & REMIX
ETIQUETTE
Andy Henderson y Giacomo Pellegrini profundizan en el arte del remix y feedback en directo. Moderado por Fabio Villanis.
14:30 – 14:45
10 IN 10 DJ SETS
Con la participación de talentos destacados de la Pete Tong DJ Academy, estas sesiones breves desafían a los DJs a pinchar 10 temas en tan solo 10 minutos, creando sets intensos y expresivos que reflejan el sonido y la identidad de cada artista.
EVENTS | MIÉRCOLES 22 DE ABRIL
15:00 – 17:00 MEET THE LABELS
Niko Restaurant (Mondrian)
Un formato tipo speed-dating que conecta a artistas emergentes y managers con A&Rs de sellos líderes, permitiendo conversaciones directas sobre lanzamientos, contratos y oportunidades de networking.
Invitado destacado: Anthony Baca, VP de A&R, THRIVE MUSIC (US)
18:00 – 20:00 EMPIRE RECORDS SHOWCASE
Piscina en Hyde & Mondrian. Entrada gratuita para delegados. No delegados a partir de las 19:00.
19:00 – 5:00 IMS IBIZA OPENING PARTY –AKASHA – 2MANYDJS
Akasha Ibiza. Entrada gratuita para delegados (sujeto a aforo).
Dos sets de 2manydjs: primero en el jardín y luego dentro de Akasha, combinando aire libre y club para una experiencia completa de Las Dalias.
23:00 – 6:00 IMS IBIZA OPENING PARTY –CHINOIS PRESENTS NERVOUS RECORDS
Chinois Ibiza. Entrada gratuita para acreditados antes de las 2AM.
Una masterclass en historia del house con Nervous Records, inaugurando la semana IMS.
13:00 – 18:00
AMNESIA: 50 YEARS, 50 MEMORIES EXHIBITION
Hyde Ibiza (junto a la piscina de The Art of Areté). Entrada gratuita para delegados.
Una celebración de medio siglo de historia de Amnesia y su legado en la cultura club global. Desde su origen como finca rural hasta convertirse en icono de la música electrónica, la exposición recorre los momentos que definieron su identidad. Cada recuerdo refleja artistas, comunidades y noches que marcaron generaciones en la pista de baile. Una invitación a experimentar el espíritu de Amnesia.
17:00 – 19:00 DAY ONE’S AT SHANTI
Shanti Ibiza. Entrada gratuita para delegados registrados.
Un encuentro íntimo para abrir la primera jornada del summit, organizado por Infinite Future Management, Sahara Music Group y My House United. Comida, bebida y artistas invitados marcan un networking cercano entre profesionales de la industria.
18:00 – 21:00 HELIX RECORDS SHOWCASE
Amante Ibiza. Solo por invitación.
19:00 – 23:59 IMS LEGENDS AWARD DINNER EN HONOR A YANN PISSENEM
Teatryo Pereyra. Entrada no incluida con la acreditación IMS.
Reconocimiento a Yann Pissenem, fundador y CEO de The Night League y Ushuaïa Entertainment, creador de algunos de los clubes más influyentes del mundo.
Sonrojo Restaurant. Entrada gratuita para delegados.
Desayuno inclusivo de AlphaTheta para fomentar la representación de talento femenino y subrepresentado en la electrónica, con oportunidades de networking y conversaciones inspiradoras.
12:00 – 14:00
AFEM LUNCH MIXER
Lugar por confirmar. Entrada gratuita para miembros AFEM e invitados.
14:00 – 15:00
AFEM MEET THE EXPERTS
Trasera del restaurante Cuyo
Sesiones 1-a-1 para
16:00 – 20:00
SPINNIN’ DEEP PRESENT: IMS IBIZA SPECIAL
Roto Ibiza. Entrada gratuita para delegados, aforo limitado.
Un viaje melódico al atardecer con deep, techhouse, indie dance y progressive grooves. Line-up próximamente.
17:00 – 20:00
BURN ENERGY TOUR X MIXMAG
Piscina en Hyde & Mondrian. Entrada gratuita para delegados.
Jazzy, Bekefi y Theo Nasa presentan house y techno. Open bar hasta 6:30PM.
21:00 – 5:00
PETE TONG + THE NEXT GENERATION OF ELECTRONIC ARTISTS (FUTURE TALENT DISCOVR® SHOWCASE)
Tantra Ibiza. Entrada gratuita para delegados. Con la participación de los estudiantes seleccionados de Pete Tong DJ Academy por Carl Cox, Nicole Moudaber, Diplo, Tsha, Jamie Jones, Parisi y más.
23:00 – 5:00
10:30 – 12:00 AFEM EXECUTIVE BOARD MEETING
Solo por invitación.
13:00 – 18:00
AMNESIA: 50 YEARS, 50 MEMORIES EXHIBITION
Hyde Ibiza. Entrada gratuita para delegados.
15:00 – 17:00
MEET THE PROMOTERS
Niko Restaurant (Mondrian) Reuniones rápidas para presentar artistas, agentes y managers ante los promotores clave de la isla.
17:00 – 19:00
Shanti Ibiza. Solo por invitación. BELIEVE MIXER
20:00 – 23:59
THE BEATPORT AWARDS
Mongibello Ibiza. Entrada no incluida con la acreditación IMS.
23:00 – 5:00
BEATPORT AWARDS AFTER PARTY WITH CÉCILLE
Akasha Ibiza. Entrada gratuita para delegados, sujeto a aforo
23:45 – 6:00
SECRET SESSIONS – ROLL THE DICE OPENING PARTY
Eden Ibiza. Entrada gratuita para delegados con acreditación, aforo limitado.
Chinois Ibiza. Entrada gratuita para delegados antes de las 2AM.
Underground party con Johannes Goller, sin fronteras ni pasaporte. TRIP
11:00 – 12:00
EVENTS | VIERNES 24 DE ABRIL
AFEM PRESENTS: MINDFUL CONNECTIONS
AFEM Lightbox, junto a la piscina de The Art of Areté en Hyde Hotel.
Espacio seguro para bienestar, reflexión y prácticas conscientes en la industria musical.
13:00 – 15:00
AMNESIA: 50 YEARS, 50 MEMORIES EXHIBITION
Hyde Ibiza. Entrada gratuita para delegados.
17:00 – 23:59
IMS DALT VILA PRESENTED BY ALPHATHETA IN PARTNERSHIP WITH APPETITE
Baluarte de Santa Lucía, Dalt Vila. Entrada solo con IMS Dalt Vila bolt-on ticket.
12:00 – 14:00 MEET THE AGENTS
Niko Restaurant (Mondrian)
Conecta con profesionales clave del circuito internacional:
Miguel Sanchez, CAA (ES)
Oliver Gunns, United Talent Agency (UK)
16:00 – 20:00 FOUNDATION.FM FUTURE ICONS MIXER
Montesol Ibiza Rooftop. Entrada gratuita para delegados.
Rooftop networking con DJ sets de YLAM y Manuka Honey, celebrando diversidad y colaboración en la industria.
23:00 – 6:00
PYRAMID SPECIAL IMS
Amnesia Ibiza. Entrada gratuita para delegados, se requiere pulsera.
23:45 – 6:00
EDEN OPENING WITH IBIZA TIMES
Eden Ibiza. Entrada gratuita para delegados con acreditación, aforo limitado.
23:00 – 5:00
30 YEARS OF HOSPITAL RECORDS
Akasha Ibiza. Entrada gratuita para delegados, sujeto a aforo
23:30 – 5:00
IMS DALT VILA AFTER PARTY
Chinois Ibiza. Entrada gratuita para delegados antes de 1AM.
EVENTS | SÁBADO 25 DE ABRIL
18:00 – 5:00
23:00 – 5:00
MENEITO
Chinois Ibiza. Entrada gratuita para delegados antes de 1AM.
Fusión de reggaetón, trap y grooves tropicales con la experiencia high-end de clubbing.
16:00 – 3:00
BEAT HOTEL
Akasha Ibiza. Entrada gratuita para delegados, sujeto a aforo.
Las Dalias & Akasha. Entrada gratuita para delegados, sujeto a aforo.
EVENTS | DOMINGO 26 DE ABRIL
23:00 – 5:00 ALL DAY I DREAM LA TROYA
Chinois Ibiza. Entrada gratuita para delegados antes de 1AM.
Regreso del clásico bastión de la cultura inclusiva y extravagante de Ibiza.
JOSEPH CAPRIATI
PRESENTS
IBIZA
EVERY TUESDAY 30 JUN — 29 SEP THE NEXT CHAPTER
MUSIC BY
ADIEL · ALARICO · ALEXANDER M · ALISHA · AMEDEO PICONE · ANFISA LETYAGO
ROBERTO CAPUANO · RYAN ELLIOTT · SALOMÉ LE CHAT · SASHA CARASSI · SERAFINA
SETH TROXLER · SIDNEY CHARLES · SIMONE ZINO · SKIZZO · STACEY PULLEN · TOMAN TRAUMER · US TWO · VANEE · VOLKODER · WADE · WHOMADEWHO · YANAMASTE
YANN PISSENEM, IMS LEGENDS AWARD 2026
El fundador de The Night League recibe el reconocimiento del IMS y repasa su trayectoria junto a Pete Tong en el contexto del summit
En el marco de esta edición del International Music Summit, Yann Pissenem ha sido distinguido con el IMS Legends Award 2026, uno de los reconocimientos clave dentro del programa del congreso. El fundador y CEO de The Night League y Ushuaïa Entertainment ha sido además uno de los protagonistas de la agenda, participando en una conversación en profundidad junto a Pete Tong.
La elección de Pissenem conecta directamente con el contexto en el que se celebra IMS. Su trayectoria está estrechamente ligada a la evolución reciente de Ibiza como destino global de clubbing, no solo desde la programación artística, sino desde la construcción de un modelo de venue y de experiencia que ha marcado la última década.
Bajo su dirección se han desarrollado proyectos como Ushuaïa Ibiza y Hï Ibiza, dos espacios que han redefinido la escala y la lógica operativa del club en la isla. A esto se suma [UNVRS], su incorporación más reciente, y la expansión internacional con Ushuaïa Dubai Harbour Experience, consolidando una estructura que trasciende el contexto local.
Más allá de los nombres, su trabajo se ha centrado en integrar producción, diseño y tecnología dentro de un mismo marco, elevando el club hacia formatos más próximos al entretenimiento global. Este enfoque ha tenido un impacto directo en cómo se diseñan hoy los espacios y en cómo se articula la relación entre artista, público y entorno.
Actualmente, The Night League supera los dos millones de asistentes anuales en sus distintos venues, una cifra que sitúa su operación entre las más relevantes del sector. Ese volumen no responde solo a escala, sino a una consistencia en la ejecución que ha permitido sostener el modelo a lo largo del tiempo.
El IMS Legends Award reconoce precisamente ese recorrido: una influencia prolongada en la industria, tanto desde el desarrollo empresarial como desde la capacidad de generar nuevos estándares dentro del clubbing. En el caso de Pissenem, el reconocimiento llega en un momento en el que Ibiza sigue funcionando como laboratorio activo de ese tipo de transformaciones.
La conversación con Pete Tong, celebrada durante el programa de esta edición, ha servido para revisar algunas de las decisiones que han marcado su trayectoria, así como para situar su visión dentro de un sector que sigue en proceso de ajuste y redefinición.
Con el apoyo de AlphaTheta, IMS mantiene su papel como espacio de análisis y encuentro dentro de la música electrónica, y sitúa en perfiles como el de Pissenem una parte relevante de la discusión actual: la relación entre escala, experiencia y sostenibilidad en el desarrollo del clubbing
IMS DALT VILA 2026 CONFIRMA SU CARTEL Y REFUERZA SU POSICIÓN COMO
CITA CLAVE DENTRO DE LA INDUSTRIA
Entre leyendas y nuevas promesas, el cartel dibuja una fotografía precisa del momento actual de la escena
La isla de Ibiza siempre empieza antes de empezar. Lo hace en lo alto de Dalt Vila, entre murallas que han visto pasar siglos y sonidos que apuntan al futuro. Allí, IMS vuelve a reunir a la escena en un momento que trasciende lo musical.
IMS Ibiza ha anunciado la programación de IMS Dalt Vila 2026, su evento más emblemático y el cierre de la 17ª edición de la cumbre, que se celebrará del 22 al 24 de abril en los hoteles Mondrian y Hyde Ibiza. La cita, presentada por AlphaTheta en colaboración con Appetite, tendrá lugar el viernes 24 de abril entre las 17:00 y las 00:00h, consolidándose, una vez más, como el arranque simbólico del verano en la isla.
Enclavado en la fortaleza milenaria declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, con vistas a la catedral y al Mediterráneo, IMS Dalt Vila no solo destaca por su localización. Su verdadera fuerza reside en la curaduría: una combinación medida entre artistas que están redefiniendo el presente y nombres que llevan décadas marcando el rumbo de la música electrónica.
En la cúspide de ese equilibrio aparece Faithless Sound System, que aportará una de las cargas emocionales más reconocibles de la electrónica británica. Su presencia no es solo un guiño a la historia, sino una reafirmación de su vigencia en el contexto actual.
Junto a ellos, la irlandesa Jazzy encarna ese nuevo impulso que atraviesa la cultura club. Su ascenso en los últimos meses, impulsado por un house de raíz afro y vocación global, la sitúa como una de las voces más relevantes de la nueva generación. En esa misma línea se mueve Ahmed Spins, cuyo enfoque del afro y deep house, cargado de intención rítmica y construcción atmosférica, le ha convertido en uno de los nombres más demandados del circuito internacional.
El francés Ankhoï también refuerza ese bloque emergente con un sonido centrado en el groove y la tensión, mientras que Delilah debutará en Dalt Vila con una propuesta directa y energética que subraya el compromiso de IMS con las nuevas narrativas de la pista de baile.
Desde Reino Unido, Eliza Rose se suma como una de las figuras más transversales del cartel. Vocalista, DJ y productora, su sensibilidad conecta la historia del clubbing británico con una visión contemporánea que prioriza la emoción y la comunidad en la pista.
Esa misma idea de comunidad encuentra uno de sus ejemplos más claros en Appetite, la plataforma nacida en Bristol de la mano de Elliot Schooling y Liam Palmer. Lo que empezó en un sótano se ha transformado en un fenómeno que ya trasciende el club para convertirse en festival y circuito global. Su llegada a Ibiza no es casual: representa una nueva forma de entender la cultura club, más horizontal, más conectada con su base.
El cartel también abre espacio a movimientos globales como Indo Warehouse, colectivo que fusiona las tradiciones del sur de Asia con los códigos contemporáneos del club, ampliando el espectro sonoro de la noche.
A su lado, nombres como Locky, L.P. Rhythm, Mayssa u Olive F refuerzan esa idea de diversidad estilística, transitando entre house, garage, influencias noventeras y nuevas sensibilidades híbridas.
Cerrando el círculo, Pete Tong volverá a subirse a la cabina de Dalt Vila. Cofundador de IMS y una de las figuras más influyentes de la cultura electrónica, su presencia funciona como nexo entre generaciones: un oído que ha sabido anticipar tendencias y amplificar nuevos talentos durante décadas.
Más allá de los nombres, IMS Dalt Vila 2026 plantea una lectura clara del momento actual de la escena: un punto de transición en el que conviven herencia e innovación, donde los códigos clásicos se reinterpretan desde nuevas perspectivas culturales y geográficas.
Las entradas ya están disponibles en preventa, con acceso general a través de Eventix y condiciones especiales para asistentes acreditados de IMS Ibiza.
En las próximas semanas se anunciarán nuevos eventos y colaboraciones exclusivas entre artistas, ampliando una programación que, como cada año, aspira a definir el tono del verano antes incluso de que empiece.
Lineup completo: A-Z
Ahmed Spins
Ankhoï
Delilah
Eliza Rose
Elliot Schooling
Faithless Sound System
Indo Warehouse
Jazzy
Liam Palmer
Locky
L.P. Rhythm
Mayssa
Olive F
Pete Tong
CÓMO PRODUZCO ART NO LOGIA
Para nosotros, empezar un track es como comenzar a escribir en un folio en blanco. No tomamos nada como referencia ni solemos tener una idea clara antes de empezar, y tampoco hacemos música pensando en enviarla a ciertos labels. Creemos que eso limita la creatividad.
Para nosotros, producir es una forma de expresar los sentimientos y emociones del momento durante el proceso de creación. Utilizamos Ableton Live como DAW; sin duda, para nosotros es el más práctico e intuitivo. No siempre lo hacemos de la misma manera, pero nuestra forma más habitual de construir un track es la siguiente: empezamos con un kick que marque el ritmo y luego añadimos las percusiones. A partir de aquí, creamos el groove hasta llegar al punto en el que, solo con kick y percusiones, “ya estás bailando” y sientes que “hay track”, aunque esto no haya hecho más que empezar.
Seguidamente añadimos las drums para terminar de completar ese groove y a continuación pasamos —bajo nuestro punto de vista— a uno de los puntos más importantes del track: el bajo. Hay tracks que, solo con estos elementos, ya podríamos dar por terminados, pero siempre nos gusta ir más allá añadiendo pads, chords y melodías.
Algo muy importante a la hora de crear es tener en cuenta el swing de los elementos, es decir, “el toque humano”. Intentamos siempre buscar un sonido original, distinto y personal, que creemos que es lo que realmente marca la diferencia a la hora de llegar al público. Cuando sentimos que el track está acabado al 100% (completo en detalle, FX y demás), entonces buscamos una vocal. Hace poco lanzamos ‘Qué Pasaría’ con nuestra amiga Dany Gómez a través de nuestro propio label, y estamos consiguiendo muy buena repercusión con ello.
El pasado año logramos firmar con sellos como Deeperfect, Whippin, Libero, Bamboleo, Moodchild, Viva, Clarisse, entre otros. Este año estamos centrados en algunos big labels y, sobre todo, en desarrollar nuestro propio sello.
ESCANEA EL QR Y ESCUCHA A ART NO LOGIA
silencio
AUTOR SERGIO BIFEIS
En la música electrónica, como en tantos otros espacios culturales, el ruido suele ser sinónimo de éxito: altavoces al límite, pistas abarrotadas, vídeos virales, giras interminables. Pero hay un ruido más incómodo, uno que no suena en los clubs ni en los festivales y es el que aparece cuando el silencio deja de ser sostenible. En las últimas semanas, la escena del hard techno ha tenido que enfrentarse precisamente a eso. Las acusaciones y testimonios que han salido a la luz —impulsados por las denuncias públicas de Brad No Limit y amplificadas por la aparición de la plataforma Me Too DJs— han destapado lo que se puede intuir pero que es difícil exponer en voz alta.
Los presuntos comportamientos inadecuados de varios artistas vinculados a la agencia de booking y representación Steer Management ha funcionado como detonante. Brad No Limit, antiguo trabajador de la agencia, compartió públicamente toda una serie de testimonios de mujeres que narraban dichos comportamientos señalando a algunos artistas de la agencia. Independientemente de los motivos que le han llevado a tirar de la manta, lo cierto es que ha puesto un espejo incómodo frente a una escena que se ha acostumbrado a mirar hacia otro lado. Y las consecuencias han sido inmediatas con cancelaciones de actuaciones, salidas de la agencia y alguno hasta decidir poner fin a su proyecto y carrera. También los hay que van a poner el caso en vías judiciales y defenderse de lo que consideran una campaña de desprestigio.
Durante años, la cultura del club ha construido una narrativa de libertad de cuerpos, de identidad y de expresión. Pero esa libertad siempre ha tenido zonas oscuras. Cuando quienes tienen poder —fama, contactos, cabinas, promotores— cruzan límites, el silencio del entorno suele actuar como una forma de protección. Porque no seamos ingenuos, tampoco se muerde a la mano que da de comer.
La aparición de Me Too DJs también tiene relevancia. La plataforma busca proporcionar todo tipo de ayuda, legal y psicológica, a quien haya sufrido abusos o comportamientos inadecuados, recogiendo testimonios a través de formularios ad hoc. Su objetivo es crear una serie de estructuras formales que antes no existían para que todo no quede en un murmullo privado. También buscan colaborar con periodistas que no tengan intereses dentro de la industria. No es menos cierto que lo que envuelve a la plataforma, por ahora, es muy opaco. Aunque no me cabe duda de su loable y necesaria intención de apoyar a las víctimas, el juego del quién es quién aportando ciertas características para incentivar esa obtención de testimonios, se mueve en una zona muy gris al señalar de manera implícita e indirecta pero sin especificar nada más.
Y en todo este efecto dominó hay que destacar que la reacción pública de algunas artistas ha sido significativa. Los posts y vídeos de IG de Amelie Lens y SPFDJ respectivamente han puesto sobre la mesa la necesidad de proteger a las personas dentro de la escena, de escuchar a las víctimas y de reflexionar sobre algunos comportamientos interiorizados que podemos tener los hombres. Son gestos importantes, sobre todo porque provienen de figuras con visibilidad y peso dentro del circuito. Porque al final la cuestión central no es solo quién comete los abusos. Es quién los permite, aunque sea de manera inconsciente.
Aunque cada vez hay más mujeres dentro de la escena, no hay que negar el hecho que sigue siendo un espacio profundamente masculinizado. No solo en las cabinas, sino en la red informal de managers, promotores, fotógrafos, periodistas, bookers y amigos que rodean a los artistas. En ese ecosistema, el silencio funciona como un pacto tácito. Nadie quiere ser el que rompa el ambiente. Nadie quiere quedar como el problemático. Nadie quiere perder una amistad, un contacto, una oportunidad de trabajo.
La música electrónica siempre ha presumido de ser un espacio progresista, abierto, incluso radical en lo cultural. Pero esa autoimagen puede convertirse en una trampa. Cuando una escena se percibe a sí misma como inherentemente inclusiva, resulta más difícil reconocer sus propias fallas. El mito del club como refugio —ese lugar donde todos pueden ser quienes son— también convive con una realidad mucho más ambigua.
Romper el silencio nunca es fácil, y menos aún en un entorno pequeño donde todo el mundo acaba cruzándose tarde o temprano. Pero si algo han demostrado los movimientos Me Too en distintos sectores es que el problema rara vez es un solo nombre. En el techno, donde el volumen siempre ha sido una forma de identidad, quizá ha llegado el momento de escuchar también lo que se dice cuando la música se detiene.
ALPHATHETA LANZA RMX-IGNITE
Y recupera la unidad de efectos autónoma para DJ
El nuevo dispositivo retoma la lógica del RMX-1000 con control físico, procesamiento por bandas y herramientas orientadas al directo.
AlphaTheta ha presentado RMX-IGNITE, una nueva unidad de efectos para directo que recupera una categoría de hardware poco habitual en los setups actuales: dispositivos dedicados exclusivamente a la manipulación de efectos fuera del mixer. Más de una década después del RMX-1000 (2012), la marca vuelve a este formato con una arquitectura adaptada a contextos actuales de club, streaming y grabación.
El núcleo del equipo es una sección de efectos de tres bandas que permite actuar de forma independiente sobre graves, medios y agudos. Este planteamiento introduce un nivel de control más preciso que el habitual en mixers, donde los efectos suelen aplicarse sobre la señal completa. Aquí, el usuario puede aislar rangos de frecuencia concretos y trabajar sobre ellos de forma selectiva.
El sistema se organiza en dos bloques. Por un lado, los Lever FX, activados mediante tres palancas de gran formato, están pensados para introducir cambios inmediatos en la señal. Por otro, los Isolate FX se controlan mediante tres knobs de gran tamaño y permiten modulaciones más progresivas. En conjunto, el dispositivo admite la combinación de hasta seis efectos simultáneamente.
Entre los efectos disponibles se incluyen echo, reverb o filter, junto a otros como reverse, stretch, drive o ducker. Todos cuentan con controles de subparámetros para ajustar su respuesta según el contexto de mezcla.
RMX-IGNITE incorpora además una sección de sampler que amplía su función más allá del tratamiento de señal. La unidad incluye 20 sonidos precargados procedentes de Loopcloud y permite cargar samples propios, lo que facilita añadir capas rítmicas o elementos adicionales directamente durante la sesión.
A nivel técnico, AlphaTheta apunta a un nuevo procesamiento DSP y a convertidores de audio actualizados, con un enfoque en mantener estabilidad y calidad en entornos exigentes. Aunque no se han detallado especificaciones completas, el dispositivo está pensado para integrarse tanto en cabinas de club como en configuraciones híbridas. El lanzamiento se produce en un momento en el que gran parte del DJing se apoya en soluciones todoen-uno. Con RMX-IGNITE, AlphaTheta reintroduce un formato centrado en la manipulación directa del sonido, donde la intervención manual vuelve a ocupar un papel relevante dentro del flujo de mezcla.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
pr@freelastica.com
DAPHNI
BUTTERFLY JIAOLONG
Estamos ante el cuarto largo de Dan Snaith (Caribou, Manitoba) bajo su alias más pistero. A mi parecer, de todos sus delirios como artista, donde más patina. Aunque en ‘Butterfly’ existen destellos de energía -ritmos house impecables hechos para invadir grandes escenarios-, el disco a menudo suena demasiado pulido y predecible, como si cada pista estuviese pensada más para clips de vídeo que para sorprendernos. Definitivamente con este nuevo álbum sacrifica la excentricidad y narrativa que hicieron memorables los anteriores trabajos. Funciona mejor para los que andan a la caza de ritmos a modo de herramientas de transición en un set -cuenta con un buen puñado, hasta dieciséis- que como viaje de los que buscan una escucha atractiva e ininterrumpida. No hay una cohesión como tal, pero si una función que por aquí nos gusta siempre: hacernos bailar.
SEAN ROMAN SWEETBOI LATELY BASS RECORDS
Desde Toronto, Sean Roman, un tío que puede presumir de ser clave en la escena underground de allá, la cual no se cansa de redefinir. Especialmente cómodo en una donde se decantan por soniquetes houseros, disco y 2-step (contexto donde al menos para mi, se maneja mejor… sirva de ejemplo ‘Move Fast’ con Ras Thug). En ‘Sweetboi’ potencia su vena más personal a la vez que centra la mayor parte de sus esfuerzos e inspiración en modelar ese artificio que tanto nos hace disfrutar como es el groove. Eso que se pega una intro que es una dormidera ambient. Aunque su música suene harto familiar, a épocas pasadas, sigue perfeccionando con los trucos y habilidades del presente. En este disco, entre ‘Kennedy Sutil’ y ‘Goin’ Up’ podrían haber pasado una treintena de años perfectamente. Delicado con el oído, vibrante para el resto del cuerpo.
FERNANDO LAGRECA MOTION TACTICS
ANTHROPOLOGY
Con ‘Motion Tactics’, Fernando Lagreca se lanza al Techno con la precisión de un cirujano y la urgencia de un club rebosante de energía. Cada pista oprime con la fuerza de sus constantes encuentros con el hardware. Sesiones de estudio y directo con sintetizadores y demás cacharrería que son extensiones de su inventiva rítmica. Lejos de ser un ejercicio académico, el disco vibra en la pista y captura la atención en la escucha detenida, mezclando matices clásicos del Techno con pinceladas de electro y grooves decididos. Lo que empezó como simples bancos de sonidos para live sets mutó en un álbum cohesionado, reflejo de su experiencia 360º en la industria electrónica. El disco ratifica a Lagreca como un artesano del BPM vivo, capaz de transformar la tecnología en música que late, respira y golpea con intención.
BOYS’ SHORTS
WHAT DOES IT TAKE TO MAKE THESE MEN HAPPY? ALL SORTS
El debut de Boys’ Shorts, puede convertirse fácilmente en un viaje consentido. Uno musical y emocional donde no se anulan, más bien se equilibran intimidad y hedonismo. De otro modo, cabalga entre la euforia del club y la intimidad que muchos aún sentimos mientras cerramos los ojos y sudamos. El resultado final es un rico festín de house, electro-pop y techno. Los chicos exploran también el deseo queer, la nostalgia y la desconexión contemporánea. Bien equilibrados, lo perverso y lo romántico. La mayoría del tracklist refleja tensiones entre lo mecánico-afectivo, sirviendo de contraste, otros momentos del disco que aportan calidez y vulnerabilidad. Con canciones como ‘MECANIMAUX’ (feat. Casey Spooner), ‘Run’ o ‘Short Life’ demuestran que se puede ser elegante, aunque luego te animes a echar cera caliente en los pezoncillos.
ÁLBUM DESTACADO
MODESELEKTOR
CLASSICS VOL.1 (WE TRIED HARD AND FAILED AGAIN... ENJOY!)
MONKEYTOWN RECORDS
Sumando ocho cortes, estamos ante un experimento que divide. El dúo berlinés no busca recrear sus hits, sino desarmarlos y recomponerlos, a veces con resultados brillantes, otras con desconcierto absoluto. Los fragmentos de canciones clásicas se retuercen en formas que desafían la escucha tradicional: hay destellos de techno e IDM, pero también caos deliberado que puede resultar extenuante. La intención artística es clara y la curiosidad sonora admirable. Este álbum no busca recompensar al oyente. Algunos de sus surcos parecen más ejercicios de laboratorio que música al uso. Para los que valoramos la audacia y descaro de Modeselektor, este riesgo empodera el propio legado de Gernot y Sebastian, uno que merece respeto. El LP funciona como una declaración de principios y es el primer gran paso que impulsa la siguiente fase evolutiva del proyecto.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com
MODHA AT YOUR PACE SONAR KOLLEKTIV
Mientras tenemos a un mundo envuelto en llamas, prisas, engaños y perfección superficial, existe otro universo paralelo donde se percibe radicalmente lo contrario: calidez, sinceridad y lentitud. Modha, en su segundo álbum de estudio ‘At Your Pace’, apuesta por regalarnos un manifiesto sereno. Una invitación para que nos alejemos del ruido, y que respiremos de otra manera… al menos lo que duran sus ocho canciones. Un disco donde, a través de tintes modernos de jazz y soul, nos demuestra además la importancia de hacer piña. Una visión común que, lejos de ser insípida, aporta un bonito muestrario de voces y músicos. De texturas y energías que conectan. Son de la partida artistas invitados como Wakai, Conic Rose o James Chatburn. Piezas como ‘Good News’ o ‘Find Me (Underneath the Sun)’ son poderosamente necesarias.
BELLAIRE BORN FUNKY AOC RECORDS
El debut de un artista bastante joven que está prendado por el rollo ochentero de estilos como el House, el Disco o el Funk. Los dignifica y acomoda a nuestro tiempo estimulando su sonido con ideas frescas, en todo momento cálidas. Algo que, para los que gustan mucho de esas sesiones playeras bañadas por el sol, no es en absoluto una contradicción. Este LP está, además, repleto de personalidades con las que seguramente creció en lo personal y musical. Nada menos que leyendas como DJ Spen, Barbara Tucker, Dimitri From Paris y Cerrone son de la partida. A estos invitados se suman nuevos talentos como Tour-Maubourg (‘Music Theory’, lo mejor del disco). Con todo esto, prepárate para un largo orgánico y divertido. Con mogollón de grooves, vientos, y voces gritonas soul como Fleur De Mur en ‘Hurricane’.
MF ROBOTS
LLL - PART ONE
GOOD ONE
Similitud en algunas de las coordenadas con respecto a Bellaire, pero en esta ocasión, mucho más refinado. La elegancia se puede bailar gracias a este dúo llamado MF Robots. Irradia con naturalidad el lado más optimista del DiscoFunk y el Soul-jazz. Con una producción ágil y nada confusa, desfilan por nuestro hipotálamo, con fluidez, temas como ‘Children of the World’, ‘Lay It Back’ o ‘Show Us the Way’ (corte de tintes brasileños y que alcanza sin darte cuenta los siete minutos de duración). Diferentes tempos, sí, pero todo muy bien compactado. En ‘III - Part One’ tienden puentes, hay ganchos, estribillos memorables, y donde definitivamente expresan abiertamente un buen puñado de formas y gustos musicales. En esta ocasión notamos, para bien, los años de experiencia y la alegría que mana cuando Jan y Dawn componen juntos.
NATALIA DOCO
HACHA
CASA DEL ÁRBOL
Con ‘Hacha’, Natalia Doco se reinventa como una fuerza implacable y femenina, canalizando la energía de la diosa Kali para un disco que oscila entre himnos de pista y experimentaciones sonoras. Desde sus raíces guaraníes hasta la influencia de rituales chamánicos en México, Doco transforma su música en un acto de empoderamiento y sanación, combinando la tradición latinoamericana con texturas experimentales (buen trabajo de Lilian Mille). Feroz y vengadora, aborda temas de abuso, amor y autoconocimiento, alternando sensualidad con introspección poética. En canciones como ‘Intracha’, ‘Juira, Bicha’ o ‘Gatitude’, su voz se afirma libre y feminista, mientras que piezas como ’Que vuela’ y ‘A la mar’ muestran sensibilidad y resiliencia. En ‘Cha Cha Trap’, una estética más oscura y urbana. Es su disco más potente y redondo hasta la fecha.
REVIEW CLÁSICO
PHOTEK
MODUS OPERANDI
SCIENCE / VIRGIN
Una de los momentos más relevantes de 1997 fue la salida de este disco: ‘Modus Operandi’ del británico Rupert Parkes aka Photek. Y lo fue especialmente para, los que como yo, andaban trasteando durante toda esa década con ritmos rotos multiformes. La consolidación de que géneros acelerados como el jungle -columna vertebral de toda una cultura urbana de raíces jamaicanas- podían transformarse en algo más desafiante, experimental y futurista. La precisión de cada intercambio de golpes es impresionante. Una fusión fría donde además se cruzaban de manera franca síntesis, texturas oscuras y jazz contemplativo (¡esa profundidad en las líneas de bajos!). Una evolución ‘tecnificada’ tan necesaria como determinante en una escena altamente competitiva donde también brillaban artistas como Squarepusher, A Guy Called Gerald o LTJ Bukem. Mae’mía, cuantísimo talento junto.
DRUM AND BASS
Autor: Olga Casas
drumandbass@mixmag.es
BITSUNE & M’GO, BASSKILLAH INTERNACIONAL VOLTAGE ARTISTS MUSIC
En estos primeros meses del año hay un trío español que está dando que hablar (y que escuchar): los productores Bitsune & M’go junto al MC Basskillah. Tras ‘Animal’ y ‘Veteran’, comienzan la primavera con ‘Internacional’, lanzado en Voltage Artists Music. Un proyecto que nace desde la propia agencia con la que trabajan, con la idea de dar salida directa a su sonido.
El trío sigue apostando por el lado más dancefloor del drum & bass, muy enfocado a la pista: energía, impacto y estribillos que se quedan. La voz de Basskillah, con ese enfoque junglist, combina a la perfección con las producciones de los sevillanos, pensadas para subir la energía y con ese punto pegadizo que las hace fácilmente reconocibles.
Un tema que refleja bien el momento activo en el que se encuentran, publicando música de manera constante y afianzando su identidad dentro de un sonido cada vez más definido.
MILZEE BEANS COHESIVE MUSIC
La nueva promotora de eventos afincada en Málaga, Cohesion, ha comenzado su andadura apostando fuerte por el drum & bass más underground y, para continuar desarrollando su visión, nos presentan su nuevo sello discográfico, Cohesive Music. Tras contar con Dunk para su primer lanzamiento, ahora es el turno de su fundador, Milzee, con su EP debut: System Fail. El artista canaliza años de experiencia como Dj y promotor en un proyecto que no pasará desapercibido. ‘Beans’ es uno de los temas que forman parte de este trabajo y que refleja la contundencia del sonido de la marca: un drum & bass oscuro, intenso y que te dejará sin aliento en la pista de baile. Un tema directo, crudo y potente, que expresa la personalidad de un artista que sabe lo que quiere transmitir y deja clara la dirección del proyecto global.
SOLAH, MAKOTO, HUGH HARDIE, AZOTIX LOVESICK
HOSPITAL RECORDS
SOLAH regresa a la escena con ‘Lovesick’, el primer adelanto de su próximo álbum, que verá la luz durante esta primavera a través de Hospital Records. En esta ocasión se rodea de Makoto, Hugh Hardie y Azotix para crear un tema que se mueve en ese terreno tan característico del sello y de estos artistas: un drum & bass melódico y rolling, con una producción cuidada al detalle. Aquí, la voz de SOLAH toma gran parte del protagonismo, aportando ese punto emocional que envuelve todo el track.
‘Lovesick’ muestra las influencias de cada uno de sus colaboradores. Los teclados y las progresiones de acordes, construyen un sonido cálido y dinámico, donde todo fluye con naturalidad. Con ese equilibrio entre energía y musicalidad, ‘Lovesick’ se convierte en un tema muy disfrutable, ideal para el clima primaveral.
SATL
GLJTCH
GEMINI GEMINI
Arrancamos abril con Salt, que presenta su nuevo EP ‘Cold Nights’ a través de Gemini Gemini. Un trabajo de seis cortes donde el productor polaco vuelve a moverse con soltura entre liquid y deep, manteniendo esa elegancia tan suya en cualquiera de sus facetas.
El tema elegido, ‘Gljtch’, se sitúa en su lado más profundo y oscuro. Juega con la repetición, apoyándose en un groove firme mientras que los detalles van entrando y saliendo, construyendo una atmósfera densa sin necesidad de excesos.
Sobrio, profundo y con ese equilibrio entre sencillez aparente y riqueza sonora que define el sonido del artista. Un tema que encaja perfectamente dentro de un EP que, más que un concepto, documenta un momento concreto en su vida.
REVIEW CLÁSICO
ARTIFICIAL INTELLIGENCE
DESPERADO
V RECORDINGS
Si hablamos del desarrollo del drum & bass melódico, es imposible no mencionar uno de los temas pioneros en este ámbito: ‘Desperado’. Publicado en 2005 en el catálogo de V Recordings, este track de Artificial Intelligence marcó un punto de inflexión en el género y, con el paso de los años, se ha convertido en un clásico por derecho propio.
En una época en la que el sonido aún evolucionaba desde el jungle, ‘Desperado’ abrió una vía distinta en la forma de trabajar la melodía y el groove, siendo una inspiración clave para las producciones de muchos artistas relevantes que llegaron después.
Una de sus fortalezas es esa mezcla tan particular entre ritmo y emoción. Una melodía profunda, con ese punto melancólico, pero a la vez esperanzador, acompañada de una vocal que encaja de forma natural y que, aún a día de hoy, tarareamos cuando suenan los primeros acordes del tema. Todo en su conjunto, construye un sonido con mucha identidad y reconocible desde el primer momento.
Tras más de dos décadas escuchándolo, mantiene intacta esa sensación tan especial que transmite, moviéndose entre la euforia y la nostalgia. Todo apunta a que seguirá siendo así durante muchos años más.
Mientras tanto, el misterio sigue rodeando al proyecto: la identidad de sus autores, Artificial Intelligence, nunca ha estado del todo clara (aunque, por si alguien lo duda, son humanos) y versiones como su VIP o la reinterpretación de Watch The Ride aún no han visto la luz oficialmente. No perdemos la esperanza de resolver estas incógnitas algún día, aunque lo que más esperamos son nuevas noticias en forma de música.
TECHNO
Autor: Federico Cortina
electro@mixmag.es
PSYK & ORBE TEMPORAL RIFT ORBE RECORDS
Dos figuras clave del techno español se unen en uno de sus trabajos más sólidos hasta la fecha. Temporal Rift lleva su lenguaje al límite, combinando hipnosis, profundidad y tensión en un doble LP donde cada pista construye su propio espacio. No hay excesos, todo está medido.
Este track resume perfectamente el universo del álbum con atmósferas que se derriten lentamente, capas que evolucionan sin prisa y una sensación constante de inmersión. Techno para momentos de hipnosis colectiva, donde el tiempo deja de importar.
SHOAL MEDIAN ANIMALIA RECORDS
Aunque lleve casi un año fuera, este release sigue creciendo con cada escucha. SHOAL propone una visión muy personal del techno profundo, donde melodías y texturas convierten la pista en algo casi ritual. Lo mejor es su equilibrio, nunca se pasa, nunca fuerza. Funciona como tool, pero también como viaje, con cambios sutiles de ritmo, percusión y pads envolventes. Animalia sigue consolidando un catálogo con identidad propia, y este release es una prueba más de ello.
LUIGI TOZZI
SHIFTED NON SERIES
Non Series vuelve a acertar fichando a una de las figuras más respetadas del deep techno. Este EP de cuatro tracks es directo, hipnótico y preciso, sin perder personalidad.
‘Shifted’, se apoya en una base sólida pensada para warehouse. Groove, evolución lenta y sintetizadores punzantes que aparecen y desaparecen con intención. Una referencia que no busca llamar la atención, pero que termina quedándose. Carne de clásico.
SILENT SERVANT M-87 TRESOR RECORDS
Hay tracks que se convierten en herramientas personales, y este es uno de ellos. M-87 es pura tensión controlada con pads emotivos que flotan sobre una percusión seca y sintética, generando ese equilibrio perfecto entre agresividad y calma.
Más que un tema, es un recordatorio del legado de Silent Servant y de todo lo que aportó al sonido techno. Funciona especialmente cuando el ambiente se vuelve denso y eléctrico. Si aún no lo tienes en el radar, ya vas tarde.
REVIEW CLÁSICO
ROBERT LEINER VISIONS OF THE PAST APOLLO (R&S), 1994
Visions Of The Past es una pieza clave del ambient techno que sigue sonando fuera del tiempo. Robert Leiner construye un universo donde ritmo y atmósfera se disuelven sin fricción, alejándose de la lógica del club para apostar por una narrativa más introspectiva. Tracks como ‘Aqua Viva’ definen ese equilibrio perfecto entre movimiento y profundidad. Más que un disco funcional, es una experiencia inmersiva que convierte el techno en lenguaje emocional. Hoy, en pleno resurgir del ambient, suena menos a reliquia y más a blueprint. Un viaje sin prisa, pensado para perderse dentro.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
NAU LEONE Y QARA
FACING THE UNKNOWN BE YOUR OWN STUDIO
El próximo trabajo colaborativo ‘Facing The Unknown’ reúne a Nau Leone y QARA en un punto de convergencia donde la exploración emocional y la precisión técnica se entrelazan con naturalidad. Nau Leone, productor vinculado al melodic house y techno y responsable de lanzamientos como Universe y All We Have Is Now, ha desarrollado un lenguaje sonoro marcado por la profundidad melódica y la sensibilidad atmosférica. Por su parte, QARA aporta una identidad basada en la fusión de subgéneros electrónicos, destacando por sus ritmos hipnóticos y su enfoque envolvente, capaz de transportar al oyente a paisajes sonoros inmersivos.
El tema homónimo, ‘Facing The Unknown’, actúa como el eje conceptual del disco. Desde los primeros compases, una base rítmica contenida abre paso a una construcción progresiva donde las texturas flotantes y los sintetizadores evocan una sensación de incertidumbre controlada. No hay prisa en su desarrollo: cada elemento aparece con intención, generando una narrativa introspectiva que parece avanzar entre la duda y la determinación.
La producción destaca por su equilibrio entre emoción y funcionalidad, combinando una atmósfera casi cinematográfica con un pulso firme orientado a la pista. Los detalles son sutiles, pero decisivos: reverberaciones amplias, capas melódicas que emergen lentamente y un groove que sostiene la tensión sin necesidad de excesos.
DOMINIQUE JARDIN
GOT THEM BON VOYAGE!
La DJ y productora austríaca Dominique Jardin inaugura el 2026 con ‘Got Them’, una nueva referencia en el catálogo de BON VOYAGE! (BV005 / BV005B), editada el 16 de enero.
El lanzamiento se presenta en dos versiones: Extended Mix y Radio Edit, mostrando tanto su potencial club como su accesibilidad. El tema principal, ‘Got Them (Extended Mix)’, destaca especialmente por su construcción progresiva, donde una base rítmica firme y minimalista se combina con elementos melódicos hipnóticos que van ganando intensidad con precisión. La artista demuestra un control notable de la tensión, jugando con silencios, capas y una percusión refinada que mantiene al oyente en constante expectativa.
‘Got Them’ confirma la capacidad de Dominique Jardin para crear producciones sofisticadas, equilibrando sensibilidad melódica y funcionalidad club. Un lanzamiento sólido que refuerza su presencia dentro de la escena electrónica contemporánea y subraya su evolución como una artista capaz de combinar elegancia sonora y contundencia rítmica con naturalidad.
DANIEL TONIK
FARA UNKNOWN RECORDS
‘Fara’ se presenta como uno de los momentos más introspectivos y reveladores de easier than words, el álbum debut de Daniel Tonik. Lejos de funcionar como un simple corte aislado, el tema actúa como un espacio de suspensión emocional dentro del flujo continuo del disco, encarnando esa idea de movimiento silencioso y resiliencia contenida que atraviesa toda la obra.
Construido sobre una base de melodic house de pulso contenido, ‘Fara’ avanza con una progresión paciente, donde las texturas progresivas y los elementos cinematográficos no buscan el clímax inmediato, sino una sensación de deriva emocional. Los pads amplios y las melodías sutiles parecen dialogar con la distancia y la memoria, evocando lugares y estados de ánimo más que narrativas concretas. Es una pieza que sugiere viaje —no necesariamente físico— y que se apoya en la repetición hipnótica para generar intimidad.
En coherencia con el espíritu de Easier Than Words, ‘Fara’ se siente más emocional que descriptiva, más sensorial que explícita. Tonik evita el exceso y confía en la economía de elementos para transmitir profundidad, logrando un equilibrio delicado entre euforia contenida y melancolía serena. El resultado es un tema que no se impone, sino que acompaña, reforzando la idea del álbum como una experiencia completa que se vive mejor de principio a fin, dejando que cada pista —y cada lugar emocional— respire por sí misma.
MISHELL & OI EGO
YAFFA RECORDS
Con Ego, Mishell & Oi regresan a Yaffa Records reafirmando su afinidad por un sonido directo, elegante y profundamente orientado a la pista. El EP se construye sobre grooves precisos y una energía contenida que funciona tanto en contextos nocturnos como en afterhours más luminosos. El tema titular actúa como eje del lanzamiento, apoyado en una línea de bajo rodante que se mantiene firme desde el primer compás y marca el pulso con absoluta seguridad. Capas de sintetizadores cálidos y acordes secos y punzantes se encajan con precisión, generando un movimiento constante sin necesidad de excesos. La estructura apuesta por la tensión progresiva y el juego entre repetición y variación, permitiendo que el track respire y evolucione con naturalidad. “Ego” revela matices en cada escucha, recompensando tanto al DJ en la mezcla como al oyente atento. Un lanzamiento sólido y contemporáneo que confirma a Mishell & Oi como productores con un lenguaje claro, funcional y plenamente alineado con la dinámica del club actual.
En conjunto, Ego destaca por su equilibrio entre eficacia y sutileza, demostrando que la fuerza de un track no siempre reside en la contundencia, sino en el control del groove y el detalle.
REVIEW CLÁSICO
MOLELLA, KG MAN Y TOMMY VEANUD COME IN A DANCE
TV RECORDINGS
Molella, superestrella italiana y creador del himno eterno ‘Freed From Desire’, regresa con una nueva declaración de intenciones. En ‘Come In A Dance’, el productor une fuerzas con KG Man y Tommy Veanud para renovar su sonido.
El track parte de una base original pensada para otro género, pero evoluciona gracias a una visión creativa compartida y bien definida. Las letras en Jamaican Patois aportan identidad, ritmo y un aire global al conjunto. La transformación hacia el techno es total y contundente. Beats masivos, groove hipnótico y una energía diseñada para el club. El flow es directo, infeccioso y perfectamente calibrado para la pista. Cada elemento está pensado para mantener la tensión y el movimiento constante. La producción destaca por su claridad y potencia sonora.
Molella demuestra, una vez más, su capacidad para reinventarse sin perder esencia. KG Man y Tommy Veanud suman frescura y carácter al resultado final. ‘Come In A Dance’ es un arma de pista lista para incendiar cualquier dancefloor.
Autor: Marian Ariss melodictechno@mixmag.es
MELODIC HOUSE & TECHNO
EDONE, BESWERDA
LAHN HABITAT RECORDS
El DJ y productor español EdOne vuelve al sello de Mind Against con un EP inmersivo y cargado de emoción compuesto por cuatro tracks que abarcan todo el espectro emocional de su sonido cuidadosamente elaborado. Con varias apariciones en el top ten de Beatport y lanzamientos en sellos reconocidos como Innervisions, Bedrock y Global Underground, EdOne canaliza ahora su distintiva intensidad, tensión y precisión melódica en uno de sus trabajos más sólidos y expresivos hasta la fecha. El EP incluye además la colaboración del artista Holandes Beswerda. Con ‘Lahn’ Ambos artistas encuentran un punto en común entre lo melódico y lo hipnótico, dando forma a una pieza que no busca el impacto inmediato, sino una conexión más sostenida y elegante con el oyente. En lo personal un sonido más oscuro e introspectivo que venía echando en falta últimamente.
MILA JOURNÉE, MAGDALENA CAUTION
JOURNEEY RECORDS
Dos de mis productoras favoritas, habituales en mis playlists, unen fuerzas en su nuevo single ‘Caution’. Journeey Records presenta su segundo lanzamiento con un potente track de Melodic House & Techno, a cargo de la fundadora del sello, la brasileña Mila Journée, y la destacada artista alemana Magdalena. Construido sobre una estructura impulsada por la tensión, el track se mueve entre grooves contundentes y breakdowns dramáticos, enfocándose en la energía de peaktime sin perder su núcleo melódico. El lanzamiento es la primera colaboración de Magdalena con Mila Journée. La unión reúne sus respectivas visiones de la música de club melódica, dando como resultado un track diseñado para las horas más intensas de la noche.
JONAS SAALBACH, MARTÍN DUBIANSKY
REFRACTION
RADIKON
Un encuentro de mentes melódicas, el artista Alemán Jonas Saalbach y el Argentino Martin Dubiansky unen fuerzas en ‘Refraction’, el impactante tema principal de su último EP, publicado en el sello Radikon. Con ‘Refraction’, Saalbach y Dubiansky presentan un estudio de tensión y transformación. Impulsado por un acorde disonante y enriquecido con texturas distorsionadas y arpegios cambiantes. El track moldea su propia energía, disolviéndose momentáneamente en una armonía ligera antes de regresar con fuerza renovada. ‘Refraction’ es una producción que captura a la perfección la esencia de ambos artistas. La característica profundidad emocional y la precisión melódica de Jonas Saalbach se entrelazan a la perfección con el lado más oscuro y progresivo de Martin Dubiansky. El resultado es una pieza de club potente e inmersiva que se siente tanto cerebral como física, diseñada para esos momentos de madrugada en los que la atmósfera y la energía colisionan.
COEUS THINK TOO MUCH AUTOMATIK
El artista serbio Coeus es, sin duda, una de las promesas más prometedoras de la música electrónica. Su notoriedad ha crecido a un ritmo exponencial gracias a sus lanzamientos en algunos de los sellos digitales más conocidos del mundo. Coeus debuta en Automatik con un EP de tres temas pensado para momentos de peaktime. Escrito con la pista de baile en mente, ‘Think Too Much’ es un lanzamiento que captura el enfoque instintivo de Coeus hacia el movimiento y la dinámica, equilibrando energía contundente con profundidad melódica. Este lanzamiento marca una alineación natural entre el sonido de Coeus y la visión en evolución de Automatik hacia producciones orientadas al club.
REVIEW CLÁSICO
MACEO PLEX, GABRIEL ANANDA
SOLITARY DAZE
ELLUM
‘Solitary Daze’ es un clásico indiscutible del sonido melódico. Una colaboración entre Maceo Plex y Gabriel Ananda que se apoya en una narrativa sonora contenida, elegante y sobria. El track se construye sobre un groove firme y envolvente, donde la percusión minimalista y el bajo profundo sostienen una tensión constante. Sobre esta base, los sintetizadores van entrando de forma progresiva, desarrollando una atmósfera melancólica y expansiva que evoluciona con paciencia y precisión. Uno de los mayores aciertos de ‘Solitary Daze’ es su capacidad para mantener el interés a través de pequeños matices y una sensación de movimiento continuo que nunca recurre a recursos obvios. Es un tema que respira, que se toma su tiempo, y que atrapa al oyente desde la repetición hipnótica y el detalle. 12 años después de su lanzamiento, ‘Solitary Daze’ sigue siendo una referencia imprescindible, no solo por su estética sonora, sino por su capacidad para capturar un estado emocional concreto y trasladarlo al club. Un clásico atemporal que demuestra cómo la sensibilidad melódica puede convivir con la funcionalidad en pista sin perder profundidad.
UK GARAGE
Autor: Borja Comino
ukgarage@mixmag.es
INTERPLANETARY CRIMINAL, SADBOI NO TIME ROOM TWO RECORDING
Interplanetary Criminal lleva tiempo operando en ese punto donde el UKG clásico se reinterpreta sin necesidad de nostalgia explícita. Sus temas suelen circular rápido entre sets antes de asentarse del todo en plataformas, y ahí es donde realmente funcionan.
‘No Time’ encaja en esa lógica: un track que no necesita presentación ni narrativa alrededor porque ya está integrado en el flujo de club. Más que destacar por sí mismo, actúa como pieza de engranaje dentro de una selección más amplia.
OPPIDAN
WAKE AND BREAK PROMISED LAND RECORDINGS
Oppidan forma parte de una generación que ha crecido directamente con el garage como lenguaje activo, no como referencia histórica. Su música suele moverse entre sets, clips y plataformas de forma bastante orgánica, sin depender de ciclos promocionales largos.
Esta song responde a esa dinámica: se reconoce más por cómo circula que por un momento concreto de salida. Funciona bien en contextos híbridos, donde el UKG convive con breaks y otras lecturas más abiertas.
FOUR TET
ONLY HUMAN (MPH REMIX) TEXT RECORDS, MINISTRY OF SOUND
Hay tracks que circulan durante meses antes de tener nombre oficial, y este es uno de ellos. El remix de MPH a ‘Only Human’ se fue colando en sets, incluidos los de Four Tet, generando la típica dinámica de ID: clips, foros, gente preguntando qué versión era exactamente. Cuando finalmente aparece vía Ministry of Sound Recordings, el contexto ya está construido. El original arrastraba su propia historia, con ese sample de Nelly Furtado (‘Afraid’, 2006), y MPH lo empuja hacia un terreno mucho más inmediato en pista. Más que reinterpretar el tema, lo recontextualiza: lo convierte en material de club que ya llevaba tiempo funcionando como tal antes de existir oficialmente.
TWO SHELL SMILE YOUNG
Two Shell siguen jugando a su propio juego, donde el contexto importa tanto como la música. ‘Smile’ ya había circulado antes de forma casi fantasma —apareciendo en un mensaje de voz que anunciaba un set secreto en Glastonbury— y ahora toma forma como cara A de un 12” junto a ‘Hands Up’, editado en Young. Ese recorrido previo condiciona cómo se recibe el track: no es solo el tema, sino todo lo que lo rodea. En línea con lo que vienen haciendo desde ‘Icons’, su música se mueve entre aparición y desaparición, entre lo físico y lo digital, sin fijarse demasiado en una narrativa estable. ‘Smile’ encaja ahí: más que un single al uso, funciona como otra pieza dentro de ese sistema ambiguo que han construido.
REVIEW CLÁSICO
ARTFUL DODGER, CRAIG DAVID
RE-REWIND (THE CROWD SAY BO SELECTA) DEMON MUSIC GROUP
Publicado a finales de 1999, ‘Re-Rewind’ fue uno de los primeros grandes puntos de entrada del UK Garage en el circuito mainstream británico, alcanzando el número 2 en listas y situando tanto a Artful Dodger como a Craig David en el mapa. También fue una de las primeras referencias clave de Relentless Records, en un momento en el que el sello empezaba a definir su identidad. El tema parte de una demo previa de Craig David (‘Last Night’), que se regrabó y acabó derivando en esta versión junto al dúo. La anécdota de producción es bastante significativa: el proyecto original se perdió por un error en el ordenador y tuvieron que reconstruir el track a partir de una copia en cassette TDK. Esa versión de referencia, prácticamente accidental, terminó siendo la base definitiva.
