MAGAZINE PREMIUM LUXEMBOURG N°63

BLOC MOTEUR WELCOME

Il y a des numéros qui sentent l'odeur de l'encre sur le papier et d'autres l'essence. Celui-ci se lit comme on prend le volant d’une machine d’exception : avec plaisir. Au mois de février, notre dossier spécial Belles Mécaniques donne le ton. Du Brussels Motor Show, vitrine européenne de l’innovation automobile, aux quatre modèles les plus désirables du moment, nous célébrons la voiture comme objet de design, de technologie et de fantasme. Un hommage prolongé par le somptueux ouvrage Formula 1 – The Impossible Collection, bible ultime de la discipline reine, et par la supercar Red Bull, symbole d’un monde où la performance tutoie l’utopie.

À pleine vitesse, la culture suit le mouvement.

Les images tirées de notre calendrier Premium 2026, que nous dévoilons dans ce numéro, rendent elles aussi hommage aux belles mécaniques tout en illustrant l’univers à la fois glamour et artistique du photographe Rudolf Azzi.

S'il est un personnage qui a fait rêver les amateurs de belles automobiles, c'est James Bond. Au cœur de ce numéro, Callum Turner : l’acteur britannique, aujourd’hui pressenti pour enfiler le smoking le plus convoité du cinéma, se confie sans posture. Plus qu’un potentiel agent 007, il incarne une masculinité contemporaine, complexe, nuancée — loin des clichés, proche de son époque. Une interview à la croisée du cinéma, du style et de la question que tout le monde se pose : que doit être un héros en 2026 ? Un numéro pensé comme un moteur parfaitement réglé : puissance, précision et élégance. À parcourir sans limite de vitesse — sinon celle du plaisir.

Bonne lecture.

Fondateur et rédacteur en chef

David Bail

Tél. +352 691 598 720

Email : david@magazinepremium.lu

Rédactrice et conseillère commerciale

Audrey Forman

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Email : audrey@magazinepremium.lu

Conception - réalisation

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74, Grand-Rue

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Rédacteurs et contributeurs

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Magali Eylenbosch

Antonio Da Palma Ferramacho

David Furcajg

Impression

Tirage Luxembourg : 8 000 exemplaires

Fréquence : 4 numéros doubles H/F par an

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44 CULTURE

p. 44 Albert Watson, le génie de la photographie p. 48 Sous le plus glamour des chapiteaux

52 TAKE CARE p. 52 Fitness class

54 FASHION p. 54 Sapés comme jamais

58 HIGH TECH p. 58 Electric dreams

60 CULT p. 60 Renaissance

62 WATCHES p. 62 L'heure de gloire p. 64 Tendances horlogères 2025

65 LUXGEARS

p. 66 Welcome to wonderland p. 69 Les 4 fantastiques

74 DOSSIER SPÉCIAL MOTORS

p. 74 Formule 1 : les moments forts p. 80 La voiture qui donne des ailes

Callum Turner

Entretien avec le futur

James Bond

THE NEW 911 TURBO S.

Porsche Zenter Lëtzebuerg

Garage André Losch S.à r.l.

5, rue Peternelchen

L-2370 Howald

T. +352 26 36 31 - 1 porsche.lu

Porsche Zenter Roost

Garage André Losch S.à r.l.

4, rue André Losch

L-7759 Roost

T. +352 26 36 31 - 1 porsche.lu

CALENDAR PARTY

Le 30 janvier dernier, le Premium Private Club a accueilli la soirée de lancement du calendrier Premium 2026, une édition collector signée par le photographe Rudolf Azzi. Une soirée empreinte de glamour et d’élégance. Un grand merci à nos sponsors — la Haute Joaillerie Windeshausen, l’Institut médical Asclepios, MBM Group Real Estate, Sisley Paris, MYNE Homes, les salons de coiffure Ferber et le champagne Pol Roger — pour leur confiance.

Photos : Greg Thirion

ÉVÉNEMENT

CARMINA SHOEMAKERS : OUVERTURE EN GRANDE POMPE

Le 6 novembre dernier, plus de 350 invités se sont retrouvés au Cercle Cité pour la soirée d'ouverture de la nouvelle boutique Carmina qui avait des airs de finca chic. Ambiance ibérique, costumes affûtés, champagne Bollinger et un public où se croisaient journalistes lifestyle, influenceurs mode et aficionados du bel ouvrage. Cerise sur la paella : la présence du tennisman Feliciano López, venu saluer l’ouverture aux côtés de Sandro Albaladejo, directeur et propriétaire de la maison. Le tout ponctué par un groupe de flamenco, histoire de rappeler les origines majorquines de la marque. Une arrivée en grande pompe qui marque une étape décisive dans l’implantation stratégique du chausseur au cœur de l’Europe.

Callum TURNER

LE “BOND” GARÇON

Alors que son nom est sur toutes les lèvres, porté par des rôles majeurs et les rumeurs persistantes autour de James Bond (au moment où nous écrivons ces lignes), l’acteur britannique cultive un luxe rare : le calme — et la liberté d’être exactement là où il a choisi d’aller.

Lorsque Callum Turner nous rejoint, il sort tout juste d’une longue journée de postproduction à Los Angeles. L’acteur britannique se trouve à un moment charnière de sa carrière, jonglant entre plusieurs projets parmi les plus en vue : Masters of the Air, la fresque épique sur la Seconde Guerre mondiale produite par Apple TV+ ; la prochaine promotion de la série de science-fiction Neuromancer ; le tournage de Rosebush Pruning aux côtés de Jamie Bell, Elle Fanning et Riley Keough ; sans oublier les spéculations intenses qui laissent entendre qu’il pourrait être en lice pour devenir le prochain James Bond.

Lui, pourtant, continue d’avancer. Et si chaque projet affine un peu plus sa personnalité et sa place dans une industrie complexe, ce qui frappe le plus chez Turner, c’est sa capacité à rester exactement celui qu’il souhaite être.

Même lorsqu’on évoque l’idée d’hériter de l’un des rôles cults les plus scrutés du Royaume-Uni, il ne se crispe pas. Il ne nourrit pas non plus les rumeurs.

Ce qu’il fait, en revanche, c’est parler — lentement, précisément — du métier, de la solitude, de la masculinité, des routines, des vêtements, du corps, de l’amour, et de la manière discrète dont il structure sa vie.

Très vite, une évidence s’impose : la plus grande performance de Callum Turner est peut-être son calme.

: Masters of the Air et The Boys in the Boat viennent de sortir, vous êtes de nouveau en tournage, et votre nom est partout dans les conversations autour de James Bond. Avez-vous le sentiment de vivre un moment particulièrement intense ?

Callum Turner : Oui, mais d’une manière assez contenue, étrangement. On imagine souvent que lorsque la carrière devient plus bruyante, la vie l’est aussi. Moi, j’ai fait l’inverse. J’ai simplifié presque tout ce qui m’entoure. Cela me donne l’espace nécessaire pour accueillir l’exposition liée aux nouveaux projets et aux nouvelles opportunités.

Comment occupez-vous votre temps loin du travail ?

Quand je suis à New York, je loge à Soho et mes journées sont très structurées. Je me lève tôt, je marche partout, je fais la rotation entre les mêmes deux cafés — Little Canal sur Grand Street et La Colombe sur Lafayette — je vais à la salle de sport à la même heure, je cuisine la plupart des soirs. J’essaie de garder une vie assez réduite pour que mon travail puisse, lui, être ample. Masters of the Air a été une expérience immense, avec Spielberg, Hanks... et une vraie charge historique. On se sent responsable, non seulement de l’histoire, mais aussi des personnes dont on fait écho aux vies. En parallèle, je développe un film beaucoup plus intime, situé à Londres, avec un ami réalisateur, dont très peu de gens ont connaissance. Ce contraste est essentiel pour moi. Il me maintient honnête.

« Tous les acteurs dans la lumière ont été associés au rôle à un moment ou à un autre, donc j’imagine que c’est simplement mon tour. »

En quoi Masters of the Air vous a-t-il changé personnellement ?

Cela m’a donné une perspective. Nous lisions des lettres écrites par des garçons de 20, 21, 22 ans, qui savaient qu’ils ne rentreraient pas chez eux. Après ça, il devient difficile de se plaindre de choses futiles. Je me souviens avoir séjourné dans l’Oxfordshire pendant le tournage, et marcher dans les champs après de longues journées — sans musique, sans téléphone, simplement marcher. Cela a profondément modifié mon rapport à l’ambition. On se détache du bruit, on cherche davantage le sens. On réalise à quel point tout est fragile.

Et ces rumeurs autour de James Bond... Elles sont intéressantes, et on verra bien ce qu’il se passe. Tous les acteurs dans la lumière ont été associés au rôle à un moment ou à un autre, donc j’imagine que c’est simplement mon tour. Je ne prends pas les rumeurs trop au sérieux : beaucoup de choses sont dites sans jamais se concrétiser. C’est flatteur, d’une manière presque surréaliste. Bond n’est pas seulement un rôle, c’est une institution britannique. Ma mère m’envoie encore des captures d’écran des journaux. Mais j’ai appris que si l’on laisse des scénarios imaginés dicter le présent, on cesse de faire un travail sincère.

Je choisis toujours mes projets selon les mêmes critères : est-ce que cela me fait un peu peur, et est-ce que cela sonne juste ? Je suis surtout reconnaissant d’avoir du travail — et du travail que j’aime.

Vous avez toujours été très sélectif dans vos choix. D’où vous vient cet instinct ? Du fait que rien ne m’a été donné. Je ne viens pas d’un milieu aisé, ni d’une famille liée au cinéma. J’ai grandi à Chelsea, fréquenté l’école du quartier, et le métier d’acteur n’était pas une idée glamour ; il est entré dans ma vie progressivement. Je faisais du mannequinat adolescent pour payer mes factures, et j’ai suivi quelques ateliers de théâtre presque par hasard. Quelqu’un m’a suggéré un stage court à la RADA, et c’est là que j’ai compris qu’il y avait un véritable artisanat derrière ce métier... que ce n’était pas seulement être devant une caméra.

Je me souviens d’une petite salle de répétition, lisant un monologue, et me disant : « En fait, tout est dans l’écoute. » Cela a tout changé. Je n’ai pas eu l’impression d’arriver quelque part, mais d’avoir trouvé quelque chose sur lequel je pouvais travailler toute ma vie.

Vous souvenez-vous de votre premier vrai rôle ?

Très clairement. Leaving a été mon premier rôle important, et j’étais terrorisé. Lorsqu’on débute, on est hyperconscient de chaque erreur potentielle. On observe les autres, on essaie de copier leur façon d’être sur un plateau. Mais en même temps, j’ai ressenti un sentiment d’appartenance inédit. C’était un endroit où l’effort comptait davantage que l’origine.

Vous incarnez souvent des hommes émotionnellement contenus. Est-ce un choix conscient ?

Je dirais que je suis davantage attiré par l’intériorité que par la retenue. Les hommes qui m’intéressent sont contradictoires : bienveillants mais conflictuels, forts mais incertains, loyaux mais inquiets. La génération de mon père, de mes oncles, n’a pas grandi avec un langage émotionnel. Ils portaient beaucoup en silence. Quand j’ai joué Theseus Scamander dans Les animaux fantastiques, ce n’était pas l’héroïsme qui m’attirait, mais le poids de la responsabilité.

Vous vivez de manière très discrète. À quoi ressemble votre routine sportive ?

Elle est fonctionnelle. Je ne cherche pas la masse, mais la longévité. Beaucoup de travail au poids du corps, de boxe, de course, de longues marches. À New York, je vais dans une petite salle de sport sur Canal Street, sans mise en scène. J’aime transpirer là où personne ne regarde. Le sport devrait calmer le système nerveux, pas l’agresser.

La nourriture semble occuper une place importante dans votre vie.

C’est mon moyen de décompression. Cuisiner est très méditatif pour moi. J’aime les plats mijotés — agneau braisé, rôtis, ragoûts. Je mets un disque, souvent Nick Drake ou Bill Evans, et je cuisine sans regarder mon téléphone. Ça m'aide à garder les pieds sur terre.

Votre style vestimentaire fait beaucoup parler. Comment le définiriez-vous ?

Confortable, ajusté, discret. J’aime les vêtements qui s’oublient sur le corps plutôt que ceux trop voyants. Je porte beaucoup de Margaret Howell, Drake’s, Sunspel, de vieilles vestes Barbour, des mailles douces, de bonnes bottes. Des vêtements qui se patinent avec le temps. Les tendances ne m’ont jamais intéressé. Je préfère me ressembler dans dix ans qu’être à la mode pendant six mois.

Aimez-vous les tapis rouges ?

J’apprécie le savoir-faire derrière les vêtements. Travailler avec des créateurs qui comprennent la coupe, la proportion, les matières. Mais mes vêtements préférés restent ceux du quotidien : jeans usés, pulls en cachemire, baskets fatiguées. Quant aux tapis rouges eux-mêmes, il s’agit surtout de sourire face aux appareils photo. On y est davantage vu que l’on n’y fait quelque chose de réellement remarquable.

Vous êtes dans une relation très médiatisée (il est fiancé à la chanteuse Dua Lipa). Cela a-t-il changé votre rapport à la vie privée ?

Cela m’a appris à protéger davantage les petites choses. Lorsqu’on est dans une relation qui suscite de l’intérêt, on comprend très vite ce que l’on veut préserver.

Ce que j’aime chez Dua, c’est son incroyable aptitude à rester connectée à la réalité. Les gens voient l’ampleur de son travail, mais dans l’intimité elle est très simple. Elle aime cuisiner, marcher longtemps, les soirées calmes, être chez elle. Nous sommes tous les deux très tournés vers la maison, ce qui surprend souvent. Nous marchons beaucoup — c’est notre rituel. À Londres, Hampstead Heath tôt le matin, quand tout est encore silencieux, ou les canaux de Little Venice. À New York, de Soho jusqu’au West Village, quelque chose à grignoter, un endroit simple, et parler. Nous ne sommes pas friands de grands gestes. Nous aimons les rituels simples, répétables. Être avec Dua m’a appris à quel point il est essentiel de protéger la vie ordinaire. On peut la perdre très vite quand on travaille dans des industries publiques. Il y a toujours un événement, un endroit où être vu.

Vous êtes pourtant d'un grand soutien l’un pour l’autre...

Bien sûr. Nous soutenons énormément le travail de l'un et l’autre, mais nous savons aussi dire stop. Il arrive un moment dans la soirée où l’un de nous dit : « Bon, plus de discussions professionnelles. » Et alors on parle de ce qu’on lit, des voyages à venir, de ce qu’on va cuisiner le week-end. Cette frontière est importante.

Je crois que l’amour devient plus fort quand on l’autorise à être normal. À être un peu ennuyeux. Et l’ennui, dans le meilleur sens du terme, c’est là que réside la paix.

Que signifie aujourd’hui le succès pour vous ?

La durée. L’équilibre. Pouvoir s’éloigner sans panique. Conserver des amitiés en dehors du milieu. Apprécier sa propre compagnie.

Si Bond devait arriver, qu’aimeriez-vous y apporter ?

De la retenue. De l’humanité. De la vulnérabilité. Le sentiment que sous le costume se cache un homme chargé de conséquences.

Enfin, qu’est-ce qui vous rend le plus heureux lorsque personne ne vous regarde ?

Marcher dans Londres tôt le matin, quand les rues sont vides. Cuisiner pour ceux que j’aime. Être assis en silence. Ce sont ces moments-là, le vrai luxe.

By the time Callum Turner joins our call, he has just come off a long post-production day in Los Angeles. He is currently balancing several of the most closely watched chapters of his careerApple TV+’s sweeping Second World War epic Masters of the Air, the upcoming promotion behind science fiction series Neuromancer, the filming of Rosebush Pruning (alongside Jamie Bell, Elle Fanning and Riley Keough), plus intense speculation that suggests he could be in line to be the new James Bond.

While he just “gets on with it”, it’s clear each evolving project is sharpening the London-born actor’s profile and ability to be who he wants to in a complicated industry.

Even on the subject of inheriting one of Britain’s most scrutinised cultural roles, James Bond, he doesn’t bristle at the rumours. He doesn’t encourage them either.

What he does is speak, slowly and precisely, about craft, solitude, masculinity, routine, clothing, fitness, love, and the quiet way he structures his life.

It becomes clear, quickly, that Turner’s greatest performance might be his calm.

: You’ve had Masters of the Air and The Boys in the Boat out, you’re filming again, and your name is suddenly everywhere in Bond conversations. Does it feel like a particularly intense moment in your life?

Callum Turner : Yeah, it does, but in a strangely contained way. I think people assume that when your career gets louder, your life gets louder too, and I’ve actually done the opposite. I’ve simplified almost everything around me.

I guess that gives me the space to be able to take on board the exposure to new projects and new opportunities.

How do you spend time away from work?

When I’m in New York I stay in Soho, and my days are incredibly structured. I wake up early, walk everywhere, rotate between the same two cafés –Little Canal on Grand Street and La Colombe on Lafayette – go to the gym at the same time, cook most evenings. I try to keep my life quite small so that my work can be big.

Masters of the Air, for instance, was a massive experience, with Spielberg, Hanks etc; and that carries real historical weight. You feel responsible not just to the story but to the people whose lives you’re echoing. At the same time, I’ve been developing a much smaller London-set film with a director friend that only a handful of people even know about. That contrast matters to me. It keeps me honest.

« I mean, every actor under the sun has been connected with the role at some point, so I guess it’s just my turn. »

How did Masters of the Air change you personally?

It gave me perspective. We were reading letters written by boys who were 20, 21, 22 years old, and they knew they weren’t coming home. You can’t read that and still complain about silly things. I remember staying in Oxfordshire during filming and walking the fields after long shoot days - no music, no phone, just walking. And it gave me a very different relationship with ambition. You start to care less about noise and more about meaning. You realise how fleeting everything actually is.

And the Bond rumours... They’re interesting and we’ll see what happens. I mean, every actor under the sun has been connected with the role at some point, so I guess it’s just my turn. I don’t take any of the rumours too seriously as a lot is spoken about that never comes to fruition.

It’s flattering in a surreal way. Bond isn’t just a role, it’s a British institution. My mum still texts me screenshots from the papers. However I’ve learned that if you let imagined outcomes dictate your present, you stop doing honest work. I still choose projects based on the same questions: does this scare me a little, and does it feel true? I’m just grateful to have work, and to have work I enjoy.

That said, you’ve prided yourself on being quite selective where work is concerned. Where did that instinct come from?

From not having anything handed to me. I didn’t come from money, and I didn’t come from a family that worked in film. I grew up in Chelsea, went to school locally, and acting wasn’t some glamorous idea; it was something that crept in gradually.

I was modelling as a teenager, which paid the bills, and I did a few acting workshops almost by accident. Someone suggested I try a short course at RADA, and that was the first time I realised there was a craft to this... that it wasn’t just standing in front of a camera.

I remember sitting in a tiny rehearsal room, reading a monologue, and thinking, “Oh, this is actually about listening.” That changed everything. I didn’t suddenly feel like I’d arrived; I felt like I’d found something I could work at for the rest of my life.

Do you remember your first proper job?

Very clearly. Leaving was my first major role, and I was terrified. There’s something about your first job where you’re hyper-aware of every mistake you might make. You’re watching everyone else, trying to copy how they behave on set. Yet I also felt a sense of belonging that I hadn’t felt before. It felt like I’d stepped into a place where effort mattered more than background.

You’re often cast as emotionally restrained men. Is that something you consciously gravitate toward?

I think I gravitate toward interiority rather than restraint. I’m interested in men who carry contradiction... who are kind but conflicted, strong but uncertain, loyal but afraid. My dad’s generation, my uncles, they weren’t taught emotional language. They carried a lot quietly. When I played Theseus Scamander in Fantastic Beasts, what interested me wasn’t the heroism; more the responsibility and the weight of leadership.

You live quite quietly. What does your fitness routine look like?

It’s functional. I’m not chasing size; I’m chasing longevity. I do a lot of bodyweight training, boxing, running, long walks. When I’m in New York I go to a small gym on Canal Street that doesn’t feel performative. I like sweating in places where no one’s watching! I think fitness should make your nervous system calmer, not more aggressive.

Food seems to be a big part of your life. It’s how I decompress. Cooking is meditative for me. I love slow food – braised lamb, roasts, stews. I’ll put a record on, usually something like Nick Drake or Bill Evans, and cook without checking my phone. It’s grounding.

Fashion has become a big talking point around you. How would you describe your personal style?

Comfortable, tailored, quiet. I like clothes that disappear on the body rather than shout. I wear a lot of Margaret Howell, Drake’s, Sunspel, old Barbour jackets, soft knitwear, good boots. I like clothes that look better the more you wear them. I’ve never been interested in trends. I’d rather look like myself in 10 years’ time than look fashionable for six months.

Do you enjoy red carpets?

I enjoy the craftsmanship behind the clothes. I enjoy working with designers who understand shape, proportion, fabric. But my favourite clothes are still my everyday ones - well-worn jeans, cashmere jumpers, battered trainers.

As for the red carpets themselves, it’s really a lot of smiling into cameras. It’s more being seen there and photographed, than doing anything remarkable or worthwhile!

You’re in a very public relationship (he is engaged to singer Dua Lipa). Has that changed your relationship with privacy?

It’s made me more protective of small things. Being in a relationship that people are interested in means you become very aware, very quickly, of what you want to protect.

What I love about Dua is that she’s incredibly grounded. People see the scale of her work, but privately she’s very normal. She loves cooking, she loves long walks, she loves quiet evenings, she loves being at home. We’re both quite homeoriented, actually, which surprises people.

We spend a lot of time just walking; that’s our thing. In London it might be Hampstead Heath early in the morning when it’s still quiet, or along the canals in Little Venice. In New York we’ll walk from Soho up to the West Village, grab something small to eat, sit somewhere simple and just talk. We’re not big on big gestures. We like small, repeatable rituals.

What being with Dua has taught me is how important it is to protect ordinary life. You can lose that very easily when both of you work in public industries. There’s always something to attend, somewhere to be seen.

And you’re massive advocates for what each other do...

Of course - we’re very supportive of each other’s work, but we’re also very good at calling time on it. There’s a point in the evening where one of us will say, “Okay, no more industry talk,” and then it becomes about what we’re reading, where we want to travel next, what we want to cook this weekend. That boundary is important.

I think love becomes stronger the more normal you allow it to be. The more boring you let it be. And boring, in the best sense, is actually where peace lives.

What does success mean to you now?

Longevity. Balance. Being able to step away without panic. Still having friendships that aren’t industry-based. Still liking your own company.

If Bond did happen, what would you want to bring?

Stillness. Humanity. Vulnerability. A sense that beneath the suit is a man carrying consequence.

And finally, what are you happiest doing when nobody’s watching?

Walking through London early in the morning when the streets are empty. Cooking for people I love. Sitting in silence. Those moments are the real luxury.

BOYS &

Photographié par Rudolf Azzi, le Calendrier Premium dévoile pour la première fois cette année une série de portraits mêlant filles et garçons.

& GIRLS

Rudolf Azzi appartient à cette génération de créateurs d’images pour qui l’authenticité est un principe essentiel. Installé à Dubaï, le photographe signe des collaborations avec des titres de référence comme Vogue Arabia et des maisons iconiques telles que Gucci ou Louis Vuitton. Son écriture visuelle conjugue une esthétique affirmée, une grande rigueur du cadre et une sensibilité profondément humaine, donnant naissance à des images impeccablement construites, résolument contemporaines et toujours légèrement inattendues. Pour le calendrier Premium 2026, son nom s’est imposé naturellement. Azzi maîtrise cet équilibre rare entre élégance et sensualité, fil rouge de cette nouvelle édition. En déplacement à Luxembourg pour l’occasion, il a imaginé une série de portraits dans deux lieux emblématiques de la capitale — le Premium Private Club et le restaurant SixSeven. Des décors sophistiqués dans lesquels il déploie une narration visuelle riche et maîtrisée, offrant au calendrier une identité forte, cohérente et indéniablement Premium.

Rudolf Azzi belongs to a generation of imagemakers for whom authenticity is a guiding principle. Based in Dubai, the photographer has collaborated with leading publications such as Vogue Arabia and iconic fashion houses including Gucci and Louis Vuitton. His visual language combines a confident aesthetic, rigorous composition, and a deeply human sensitivity, resulting in images that are impeccably crafted, distinctly contemporary, and always subtly unexpected. For the Premium 2026 calendar, his name emerged as a natural choice. Azzi commands a rare balance between elegance and sensuality— the guiding thread of this new edition. Traveling to Luxembourg for the occasion, he conceived a series of portraits set in two emblematic locations of the capital—the Premium Private Club and the SixSeven restaurant. Within these sophisticated settings, he unfolds a rich and controlled visual narrative, giving the calendar a strong, cohesive, and unmistakably Premium identity.

HÔTEL | CORINTHIA BRUXELLES

LA DAME DE CŒUR

Le Corinthia Brussels signe le retour éclatant d’une grande dame de l’hôtellerie européenne.

Texte

À Bruxelles, certaines adresses traversent les époques sans jamais perdre de leur majesté. Commandé par décret royal à l’âge d’or de la Belle Époque, l’ancien Grand Hotel Astoria renaît aujourd’hui sous le nom de Corinthia Brussels, la célèbre marque hôtelière présente au niveau mondial. Entre héritage monumental et audace contemporaine, cette institution entièrement restaurée s’impose comme l’une des nouvelles signatures du luxe européen. Dès l’entrée, le ton est donné. Le Palm Court, cœur battant de l’hôtel, impressionne par sa majesté intemporelle. Couronné d’une spectaculaire verrière de 33 mètres, il incarne cette idée chère à Corinthia : conjuguer la grandeur des grandes dames hôtelières avec l’énergie d’un lieu de vie résolument actuel. Ici, le temps semble suspendu, entre conversations feutrées, lumière naturelle et élégance architecturale.

La gastronomie occupe une place centrale dans cette renaissance. Au Palais Royal, table gastronomique distinguée par le Chef doublement étoilé David Martin, la haute cuisine se déploie avec précision et créativité. Plus décontracté mais tout aussi exigeant, Le Petit bon bon célèbre une cuisine belge raffinée, ancrée dans le terroir et sublimée par un regard contemporain. À la nuit tombée, Under The Stairs devient le rendez-vous des esthètes bruxellois, où cocktails inventifs et ambiance confidentielle prolongent l’expérience. Côté bien-être, Corinthia Brussels s’offre un sanctuaire à la hauteur de ses ambitions. Le spa, développé en partenariat avec Sisley, propose une parenthèse régénérante où soins d’exception, expertise sensorielle et sérénité absolue redéfinissent l’art du lâcher-prise.

Les 126 chambres et suites, dont 31 suites et 5 suites signature, prolongent cette vision du luxe discret et sophistiqué. Volumes généreux, matières nobles, lignes élégantes : chaque espace a été pensé comme un refuge intime, où le confort moderne dialogue avec l’histoire du lieu.

Cette renaissance ne se contente pas de restaurer un monument : elle redéfinit un art de vivre. Corinthia Brussels n’est pas seulement un hôtel, mais une destination culturelle, gastronomique et sensorielle. Une adresse magnifiquement grandiose et délicieusement imaginative, qui invite à redécouvrir l’essence même de l’hospitalité belge — dans ce que la capitale a de plus fabuleux à offrir.

David Bail

In Brussels, certain addresses transcend time without ever losing their majesty. Commissioned by royal decree during the golden age of the Belle Époque, the former Grand Hotel Astoria is now reborn as Corinthia Brussels, the renowned hospitality brand with a global presence. Balancing monumental heritage with contemporary audacity, this fully restored institution asserts itself as one of the new signatures of European luxury.

From the moment you step inside, the tone is set. The Palm Court, the beating heart of the hotel, impresses with its timeless grandeur. Crowned by a spectacular 33-metre glass dome, it embodies a vision dear to Corinthia: blending the elegance of grand dame hotels with the vibrant energy of a thoroughly modern living space. Here, time seems to stand still, amid hushed conversations, natural light, and architectural elegance.

Gastronomy plays a central role in this renaissance. At Palais Royal, the gastronomic restaurant led by two-Michelin-starred chef David Martin, haute cuisine unfolds with precision and creativity. More relaxed yet equally exacting, Le Petit bon bon celebrates refined Belgian cuisine, rooted in local terroir and elevated by a contemporary perspective. As night falls, Under The Stairs becomes a favorite haunt of Brussels aesthetes, where inventive cocktails and an intimate atmosphere extend the experience.

When it comes to well-being, Corinthia Brussels offers a sanctuary worthy of its ambitions. Developed in partnership with Sisley, the spa provides a restorative escape where exceptional treatments, sensory expertise, and absolute serenity redefine the art of letting go.

The 126 rooms and suites, including 31 suites and 5 signature suites, extend this vision of discreet, sophisticated luxury. Generous volumes, noble materials, and elegant lines define spaces conceived as intimate retreats, where modern comfort converses seamlessly with the history of the place.

This rebirth does more than restore a monument—it redefines an art of living. Corinthia Brussels is not merely a hotel, but a cultural, gastronomic, and sensory destination. Magnificently grand and delightfully imaginative, it invites guests to rediscover the very essence of Belgian hospitality, in all that the capital has most fabulous to offer. corinthia.com

L'AVENTURE INTÉRIEURE

Rénover un bâtiment existant est une aventure où l’imprévisible dicte sa loi. Clemens Hummel, fondateur de P22 Interior Design, en a fait sa spécialité : il absorbe la complexité technique pour ne livrer que la sérénité d'un projet parfaitement orchestré.

Texte

Audrey Forman Photos P22

C’est au cœur de Berlin que cette expertise a récemment pris vie à travers la métamorphose complète d’une villa. Clemens Hummel y a opéré avec une carte blanche totale. Sa vision du “clés en main” est absolue : planification des volumes, dessin des cuisines, sélection des tapis, des œuvres d’art et même de l’argenterie. Le client n’a qu’à poser ses valises dans un univers cohérent, conçu sans la moindre fausse note.

Mais pour offrir cette légèreté, il faut d'abord affronter la réalité brute du bâti. « Quand on ouvre un mur ou que l’on soulève un plancher, on ne sait jamais ce que l’on va trouver », explique Clemens Hummel. Face à une villa aux installations défaillantes, il a fait le choix de la rigueur absolue : mettre la structure à nu. Un chantier titanesque où 70 km de câbles neufs et une plomberie intégralement repensée ont été déployés. Cette maîtrise technique est le socle invisible mais vital qui permet au luxe de s'exprimer durablement. Ancien étudiant en art et peinture, Clemens Hummel compose ses intérieurs comme des tableaux. Pour ce projet, il a marié la douceur des tons clairs à des accents bleu aqua, créant une atmosphère à la fois sereine et vibrante. Sa quête de l'unique l'a mené des verreries de Murano aux ateliers de cuir fin. La pièce maîtresse de la villa ? Une table basse extraordinaire, dont le placage est

réalisé en corne de cerf teinte en bleu. Un choix audacieux qui illustre son amour pour l'artisanat d'art poussé à son paroxysme. Loin des tendances, Clemens Hummel puise son inspiration dans l'Histoire : « Seuls ceux qui connaissent le passé peuvent créer quelque chose de nouveau ». Pour lui, la distinction est claire : « Le luxe est facile à atteindre avec un portefeuille rempli, mais la classe est le résultat d’un sens du style ». En faisant confiance à son instinct d'artiste, il signe ici une œuvre pérenne plutôt qu'une simple rénovation.

"When you open up a wall or tear up a floor, you never know what you're going to find," explains Clemens Hummel. Faced with a villa with failing installations, he chose absolute rigor: stripping the structure back to its shell. This Herculean task involved laying 70 km of new cabling and an entirely redesigned plumbing system. This technical mastery is the invisible but vital foundation that allows luxury to endure.

As a former student of art and painting, Clemens Hummel composes his interiors like canvases. For this project, he paired soft, light tones with aqua blue accents, creating an atmosphere that is both serene and vibrant. His quest for the unique led him from the glassworks of Murano to fine leather workshops. The villa’s centerpiece?

It was in the heart of Berlin that this expertise recently came to life through the complete metamorphosis of a villa. Clemens Hummel was given total carte blanche. His vision of a "turnkey" project is absolute: from spatial planning and kitchen design to the selection of rugs, artworks, and even the silverware. The client simply has to arrive and settle into a cohesive universe, designed without a single false note.

To offer such a seamless experience, one must first confront the raw reality of the structure.

An extraordinary coffee table featuring a bluedyed deer horn veneer. An audacious choice that illustrates his love for craftsmanship at its finest. Far from fleeting trends, Clemens Hummel draws his inspiration from history: "Only those who know the past and can draw on it can create something new." For him, the distinction is clear: "Luxury is very easy to achieve with a well-filled wallet, but class is the result of a sense of style." By trusting his artistic instinct, he has created a timeless work of art rather than a simple renovation.

p22interior.design, IG : p22_interior_design

LA CHRONIQUE DE HIGHWAVE CAPITAL

DIPLOMATIE : MODE CARTEL

LA FORCE COMME MÉTHODE, LA RÈGLE COMME OPTION

Pablo Escobar, à la tête du cartel de Medellin dans les années 80, ne savait pas que sa devise survivrait à son empire. « La plata o plomo » (l’argent ou le plomb), à savoir être acheté ou mourir résumait sa vision du rapport de force. Aussi, est-il difficile de ne pas faire le lien entre la manière de procéder de l’administration TRUMP et la devise de Pablo Escobar. Après la seconde guerre mondiale, les États-Unis avaient pourtant bâti l’exact inverse : un ordre international fondé sur le droit, les règles et les institutions, destiné à contenir précisément l’usage de la force. Aujourd’hui, le fondateur de l’ordre juridique international s’en détourne, le message est entendu : là où la règle recule, la force redevient le langage universel.

Texte David Furcajg, highwavecapital.com

Illustrations David Bail

Le document « National Security Strategy of the United States of America »1, publié en novembre 2025, ne se contente pas d’ajuster les priorités stratégiques des États-Unis, il en change la grammaire. Pour la première fois depuis 1945, les États-Unis cessent de se définir comme les garants d’un ordre fondé sur le droit et assument une hiérarchie inverse : l’intérêt national d’abord, la règle ensuite, si elle ne gêne pas.

Le diagnostic posé par le document est sans détour : le multilatéralisme n’est plus un principe organisateur, mais un instrument conditionnel. Les institutions internationales sont décrites comme des contraintes, parfois comme des menaces pour la souveraineté. La puissance — économique, financière, énergétique, technologique et militaire — des États-Unis est revendiquée comme l’objet central de la politique étrangère. On pourrait résumer l’esprit du document de la manière suivante : tout ce qui ne sert pas directement les intérêts américains doit être réformé, contourné ou abandonné.

Ce basculement n’est pas improvisé : il s’inscrit dans une relecture assumée de l’histoire américaine. La doctrine Monroe (1823), longtemps tenue en réserve par l’ordre multilatéral d’après-guerre, est réactivée et durcie. Le document de 2025 évoque explicitement un « corollaire Trump » : empêcher toute puissance concurrente de contrôler des territoires, des infrastructures ou des ressources jugées stratégiques dans l’hémisphère occidental et au-delà. La doctrine Monroe se transforme en doctrine Donroe (Donald + Monroe) : moins défensive, plus transactionnelle, ouvertement coercitive. Dans cette logique, le deal (la plata) et la force (plomo) ne sont plus des options parmi d’autres. Ils deviennent les deux faces d’une même méthode. La négociation est privilégiée tant qu’elle est favorable. Lorsqu’elle ne l’est plus, la pression prend le relais : sanctions extraterritoriales, ruptures d’accès aux marchés, démonstrations de puissance. Le texte stratégique ne cache pas cette séquence : il l’organise.

« Dans la Colombie des années 1980, Pablo Escobar résumait sa méthode en une alternative brutale : la plata o plomo, à savoir l’argent ou le plomb »

Relu à cette lumière, l’épisode du Groenland prend une autre dimension. Lorsque Donald Trump évoque en 2019 la possibilité d’acheter ce territoire autonome du Danemark, l’idée est accueillie comme une provocation. Mais elle constitue surtout un signal. Le Groenland n’est alors pas pensé comme un sujet de droit international ou d’alliance, mais comme un actif stratégique : ressources critiques, position arctique, contrôle des routes futures. La coopération est souhaitable et le refus devient un problème à résoudre.

C’est ici que la rupture avec l’ordre de 1945 apparaît nettement. Après la Seconde Guerre mondiale, les États-Unis avaient précisément cherché à encadrer l’utilisation de la force. La Charte des Nations unies, Bretton Woods et l’architecture multilatérale visaient un objectif simple : remplacer l’ultimatum par la règle. Même lorsque le droit était contourné, il restait la référence officielle.

À partir de 2025 et sous l’administration TRUMP, le droit sort du cadre ; il devient un outil parmi d’autres. Utile quand il protège et dispensable quand il contraint : les États-Unis passent du rôle d’architecte du droit à celui d’acteur qui assume que la puissance précède le droit.

L’effet systémique est considérable : lorsqu’un État ordinaire se détourne du droit, l’impact est local. Lorsque celui qui a conçu, financé et incarné l’ordre juridique international pendant près de huit décennies s’en éloigne, le message est global. Le précédent est posé : la règle n’est plus obligatoire, elle est optionnelle. Et, une règle optionnelle cesse d’être une règle.

Ce signal sera reçu bien au-delà de Washington : des puissances révisionnistes, longtemps contraintes par un ordre qu’elles n’avaient pas choisi, observent attentivement. Si le fondateur du système s’en affranchit, pourquoi continuer à s’y soumettre ? Le blanc-seing est implicite, mais réel : le recours à la force redevient la norme.

C’est ici que la métaphore finale s’impose, sans excès, presque mécaniquement. Dans la Colombie des années 1980, Pablo Escobar résumait sa méthode en une alternative brutale : la plata o plomo, à savoir l’argent ou le plomb (coopérer ou mourir). Pas d’arbitre, pas de norme supérieure, seulement l’intérêt et la peur.

Transposée à l’échelle internationale, cette logique ne signifie pas nécessairement la violence immédiate. Elle signifie l’abandon du droit comme langage commun. Le deal quand il est possible, la contrainte quand il ne l’est pas. La règle quand elle sert, le rapport de force quand elle entrave.

L’enjeu n’est pas de juger cette doctrine, mais d’en mesurer la portée. En substituant le deal ou la pression au droit, les États-Unis n’opèrent pas un simple virage stratégique : ils changent la grammaire des relations internationales. Et, lorsque la grammaire change, tous les acteurs réapprennent à parler, souvent la langue la plus simple : « la plata o plomo ».

The document “National Security Strategy of the United States of America”1, published in November 2025, does more than recalibrate U.S. strategic priorities—it changes their grammar. For the first time since 1945, the United States no longer defines itself as the guarantor of a rules-based order, but instead embraces an inverted hierarchy: national interest first, rules second— provided they do not interfere.

The diagnosis set out in the document is unambiguous: multilateralism is no longer an organizing principle, but a conditional instrument. International institutions are portrayed as constraints, and at times as threats to sovereignty. U.S. power—economic, financial, energy-based, technological, and military— is asserted as the central objective of foreign policy. The spirit of the document can be summarized as follows: anything that does not directly serve American interests must be reformed, bypassed, or abandoned. This shift is not improvised; it reflects a deliberate reinterpretation of American history. The Monroe Doctrine (1823), long held in check by the postwar multilateral order, is revived and hardened. The 2025 document explicitly refers to a “Trump corollary”: preventing any rival power from controlling territories, infrastructure, or resources deemed strategic in the Western Hemisphere and beyond. The Monroe Doctrine thus becomes the Donroe Doctrine (Donald + Monroe): less defensive, more transactional, and openly coercive.

Within this framework, the deal (la plata) and force (plomo) are no longer options among others. They become two sides of the same method. Negotiation is preferred as long as it is favorable. When it is not, pressure takes over: extraterritorial sanctions, denial of market access, demonstrations of power. The strategic text does not conceal this sequence—it structures it. Viewed through this lens, the Greenland episode takes on a different meaning. When Donald Trump raised the possibility of purchasing the autonomous Danish territory in 2019, the idea was widely dismissed as provocation. But it was, above all, a signal. Greenland was not conceived as a subject of international law or alliance obligations, but as a strategic asset: critical resources, Arctic positioning, control over future routes. Cooperation was desirable; refusal became a problem to be solved.

Here, the break with the 1945 order becomes clear. After World War II, the United States had sought precisely to constrain the use of force. The United Nations Charter, Bretton Woods, and the multilateral architecture pursued a simple goal: replacing ultimatums with rules. Even when the law was circumvented, it remained the official reference.

From 2025 onward, under the Trump administration, law exits the framework; it becomes one tool among others. Useful when it protects, expendable when it constrains—the United States moves from architect of international law to an actor that openly assumes power precedes law.

The systemic effect is considerable. When an ordinary state turns away from the law, the impact is local. When the state that designed, financed, and embodied the international legal order for nearly eight decades steps away from it, the signal is global. A precedent is set: the rule is no longer mandatory, it is optional. And an optional rule ceases to be a rule.

This signal will be received far beyond Washington. Revisionist powers, long constrained by an order they did not choose, are watching closely. If the system’s founder exempts itself, why continue to comply? The blank check is implicit, but real: the use of force returns as the norm.

This is where the final metaphor emerges—without excess, almost mechanically. In 1980s Colombia, Pablo Escobar summarized his method with a brutal alternative: plata o plomo—money or lead (cooperate or die). No arbiter, no higher norm, only interest and fear.

Transposed to the international level, this logic does not necessarily imply immediate violence. It signifies the abandonment of law as a common language. The deal when possible, coercion when it is not. The rule when it serves, power relations when it obstructs.

The issue is not to judge this doctrine, but to measure its scope. By substituting deals or pressure for law, the United States is not merely executing a strategic pivot—it is changing the grammar of international relations. And when the grammar changes, all actors must relearn how to speak, often in the simplest language of all: plata o plomo.

www.highwavecapital.com

Le

« In 1980s Colombia, Pablo Escobar summarized his method with a brutal alternative: plata o plomo— money or lead »

La solution patrimoniale luxembourgeoise

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DES SERVICES COUSUS MAIN

Rencontre avec Fundamentals, le sur mesure des services financiers à Luxembourg.

Depuis l’obtention de sa licence PSF*, Fundamentals s’est imposée comme un partenaire de confiance pour les investisseurs, entrepreneurs et clients fortunés à la recherche de solutions d’optimisation fiscale sécurisées et durables. Sylvain, CEO de Fundamentals Corporate Services, une société intégrée au groupe Fundamentals SA, dirigé par son CEO, Luca Gallinelli, et Auriane Cinar, la Directrice commerciale, nous expliquent comment la société est devenue un administrateur de fonds de premier plan, spécialisé dans l’administration de fonds d’investissement couvrant toutes les classes d’actifs et stratégies.

C’est un homme et une femme à l’allure sportive qui me reçoivent dans leurs bureaux modernes situés au Technopolis de Gasperich. « En nous appuyant sur notre expertise internationale et sur un modèle opérationnel centré sur le client, nous accompagnons une clientèle large et en constante évolution avec des solutions conçues pour allier flexibilité, efficacité et partenariat durable. Fundamentals a construit son offre autour d’un modèle de service à la carte, conçu pour s’adapter aux priorités spécifiques de chaque client. Celui-ci peut choisir précisément les services dont il a besoin, favorisant ainsi l’efficacité, la cohérence et la pertinence à long terme. Notre autre atout majeur réside dans notre approche humaine : à l’heure où de nombreux acteurs dépersonnalisent leur service, nous faisons le choix d’offrir à chaque client un interlocuteur dédié. » Un service d’autant plus remarquable qu’en l’espace de deux ans, la société est passée de 40 à 110 collaborateurs et a intégré 80 fonds d’investissement, incluant leurs General Partners.

Cette belle success story, Sylvain l’attribue à la stabilité de ses équipes et au rapport de confiance que Fundamentals instaure avec ses clients. Auriane conclut par : « Nous sommes constamment à la recherche de nouveaux fonds d’investissement à administrer. » Avant de partir, je salue mes deux hôtes avec la pensée que les opportunités ne devraient pas manquer.

*Autorisation officielle délivrée par l’Autorité de Surveillance du Secteur Financier (CSSF) au Luxembourg pour la gestion de fonds d’investissement.

Since obtaining its PSF licence*, Fundamentals has established itself as a trusted partner for investors, entrepreneurs, and high-net-worth individuals seeking secure and sustainable tax optimisation solutions. Sylvain, CEO of Fundamentals Corporate Services, a company integrated within the Fundamentals SA group led by its CEO Luca Gallinelli, together with Auriane Cinar, Commercial Director, explain how the firm has become a leading fund administrator, specialising in the administration of investment funds across all asset classes and strategies.

A man and a woman with a sporty, dynamic presence welcome us into their modern offices located at Technopolis in Gasperich. “By building on our international expertise and a client-centric operating model, we support a broad and constantly evolving clientele with solutions designed to combine flexibility, efficiency, and long-term partnership. Fundamentals has structured its offering around an à la carte service model, tailored to each client’s specific priorities. Clients can select precisely the services they need, ensuring efficiency, consistency, and long-term relevance. Another key strength lies in our human approach: at a time when many market players are depersonalising their services, we choose to provide each client with a dedicated point of contact.” This level of service is all the more remarkable given that, in just two years, the company has grown from 40 to 110 employees and onboarded 80 investment funds, including their General Partners.

Sylvain attributes this impressive success story to the stability of his teams and the strong relationships of trust that Fundamentals builds with its clients. Auriane concludes: “We are constantly looking for new investment funds to administer.” As I take my leave, I thank my two hosts with the feeling that opportunities are unlikely to be in short supply.

fundamentals.lu

*Official authorisation granted by the Luxembourg Financial Sector Supervisory Authority (CSSF) for investment fund administration.

SUCCESS STORY

RED BULL, LA CANETTE MAGIQUE

Il n’avait rien du fondateur de multinationale classique. Pas d’héritage industriel, pas de jeunesse passée dans des incubateurs ou des garages mythifiés. Dietrich Mateschitz, le créateur de Red Bull, était un publicitaire autrichien discret, amoureux de design épuré, de vitesse et d’horizons impossibles. Pourtant, c’est lui qui a réinventé un marché entier — celui des boissons énergisantes — et construit l’une des marques les plus influentes de la culture pop internationale. Son histoire commence loin des podiums de Formule 1, quelque part entre les Alpes autrichiennes et les salles d’attente d’aéroports asiatiques.

Dans les années 1980, Mateschitz sillonne l’Asie en tant que directeur marketing pour une marque de dentifrice. Dans un aéroport thaïlandais, alors que la fatigue du voyage se lit sur son visage, il croise ce qui deviendra son destin : une petite boisson locale appelée Krating Daeng, consommée par les chauffeurs, les ouvriers et les travailleurs de nuit cherchant à rester éveillés. Curieux, il la goûte.

Et la légende veut qu’il ait compris immédiatement le potentiel du produit. Dans des interviews, il expliquait souvent que le marketing n’est pas seulement l’art de vendre, mais l’art de révéler ce que les autres ne voient pas encore. Le liquide est sucré, puissant, inattendu. Le goût est étrange, presque déroutant — mais l’effet est immédiat. Mateschitz lève les yeux et comprend, d’un seul trait, l’intuition qui fera sa fortune : ce produit n’est pas un remède pour travailleurs, c’est une promesse d’énergie pour une génération entière.

Il rencontre alors Chaleo Yoovidhya, le créateur de Krating Daeng, et propose ce qui semble alors une folie : réinventer la boisson pour l’Occident, changer son nom, son emballage, son horizon. Ils fondent ensemble une société en 1984. Contre toute logique industrielle, ils décident que la boisson n’obéira pas aux codes habituels. Pas de promesses médicales, pas de prescription fonctionnelle : elle donnera simplement “des ailes”. Une phrase à la frontière entre l’audace et le mythe.

Mais les distributeurs n’y croient pas. Les industriels non plus. Mateschitz, lui, est convaincu que la clé n’est pas dans le produit, mais dans l’univers qui l’entoure. « Une marque, disait-il en substance, doit d’abord être une idée avant d’être un objet sur une étagère ». Il renverse donc les codes.

Ce qui suit tient presque de la parabole contemporaine. Au lieu d’acheter de la visibilité, Mateschitz crée des légendes. Il infiltre les campus, les fêtes étudiantes, les compétitions obscures. Là où d’autres voient des événements marginaux, il voit des laboratoires de culture. Red Bull devient une présence : dans les mains des surfeurs avant l’aube, des riders suspendus au-dessus du vide, des étudiants affamés d’intensité. Le marketing de masse ne l’intéresse pas ; il préférerait mille fois gagner un cœur qu’acheter un panneau d’affichage. Peu à peu, l’intuition devient empire. Red Bull ne se contente plus de sponsoriser des athlètes, elle crée ses propres équipes, ses propres événements, ses propres mythologies. Dans les paddocks de Formule 1, sur les falaises de diving, dans les airs traversés par les Red Bull Air Races, on ne distingue plus ce qui relève du sport, de la performance ou de l’art. Lorsque Felix Baumgartner saute de la stratosphère en 2012, des millions de personnes retiennent leur souffle ; Mateschitz, lui, observe en silence. Il ne s’agit pas d’un coup marketing. C’est un moment d’histoire, façonné par une marque qui a compris que la fascination vaut mieux que la persuasion.

Malgré la démesure de l’empire qu’il bâtit, Mateschitz reste un homme presque insaisissable. Il fuit les plateaux télévisés, les dîners officiels, les projecteurs. Il préfère les longues conversations, les idées qui prennent leur temps, les projets qui ressemblent à des défis personnels. Pour lui, le luxe n’est pas l’abondance, mais la liberté : celle de créer une écurie championne du monde, un

« UNE MARQUE, DISAIT-IL EN SUBSTANCE, DOIT D’ABORD ÊTRE UNE IDÉE AVANT D’ÊTRE UN OBJET SUR UNE ÉTAGÈRE »

média international, un musée d’art contemporain ou un concours de saut dans le vide, simplement parce que cela l’inspire. À sa mort en 2022, Red Bull vendait plus de dix milliards de canettes par an. La marque s’était ancrée dans plus de 170 pays et régnait sur une constellation d’équipes, de créations, de récits et de performances. Mais le véritable héritage de Mateschitz se lit ailleurs : dans cette capacité à transformer un simple objet du quotidien en symbole universel. À faire d’une boisson énergisante un langage, une culture, une sensation de mouvement permanent.

Red Bull n’a jamais été une canette. C’était, dès le premier jour, un état d’esprit. Et c’est peutêtre là que se cache le génie discret de Dietrich Mateschitz : avoir compris qu’une marque ne devrait pas seulement se vendre, mais se vivre.

He bore none of the hallmarks of the classic multinational founder. No industrial legacy, no youth spent in incubators or mythologized garages. Dietrich Mateschitz, the creator of Red Bull, was a discreet Austrian advertising executive with a love for pared-down design, speed, and impossible horizons. Yet it was he who reinvented an entire market—the energy drink category— and built one of the most influential brands in international pop culture.

His story begins far from Formula 1 podiums, somewhere between the Austrian Alps and the waiting lounges of Asian airports.

In the 1980s, Mateschitz traveled extensively across Asia as marketing director for a toothpaste brand. In a Thai airport, with travel fatigue etched on his face, he encountered what would become his destiny: a small local drink called Krating Daeng, consumed by drivers, laborers, and night workers seeking to stay awake. Curious, he tasted it.

Legend has it that he immediately grasped the product’s potential. In interviews, he often explained that marketing is not merely the art of selling, but the art of revealing what others do not yet see.

The liquid was sweet, powerful, unexpected. The taste was strange, almost unsettling—but the effect was immediate. Mateschitz looked up and understood, in a single flash, the intuition that would make his fortune: this product was not a remedy for workers; it was a promise of energy for an entire generation.

He then met Chaleo Yoovidhya, the creator of Krating Daeng, and proposed what at the time seemed madness: to reinvent the drink for the West, change its name, its packaging, its horizon.

« A BRAND, HE ESSENTIALLY SAID, MUST FIRST BE AN IDEA BEFORE IT BECOMES AN OBJECT ON A SHELF. »

Together they founded a company in 1984. Against all industrial logic, they decided the drink would not follow conventional rules. No medical claims, no functional prescription—it would simply “give you wings.” A phrase hovering between audacity and myth.

Distributors didn’t believe in it. Nor did industry players. Mateschitz, however, was convinced that the key lay not in the product, but in the universe surrounding it. “A brand,” he essentially said, “must first be an idea before it becomes an object on a shelf.” And so he overturned the codes. What followed reads almost like a modern parable. Instead of buying visibility, Mateschitz created legends. He infiltrated campuses, student parties, obscure competitions. Where others saw marginal events, he saw cultural laboratories. Red Bull became a presence: in the hands of surfers before dawn, riders suspended above the void, students hungry for intensity. Mass marketing held no interest for him; he would much rather win a heart than buy a billboard.

Gradually, intuition became empire. Red Bull no longer merely sponsored athletes—it created its own teams, its own events, its own mythologies. In Formula 1 paddocks, on cliff-diving sites, in the skies crossed by the Red Bull Air Races, it became impossible to distinguish sport from performance, or performance from art. When Felix Baumgartner leapt from the stratosphere in 2012, millions held their breath; Mateschitz watched in silence. This was not a marketing stunt. It was a moment of history, shaped by a brand that understood fascination is more powerful than persuasion. Despite the vastness of the empire he built, Mateschitz remained an almost elusive figure. He avoided television studios, official dinners, and the spotlight. He preferred long conversations, ideas that took their time, projects that felt like personal challenges. For him, luxury was not abundance, but freedom: the freedom to create a world-champion racing team, an international media platform, a contemporary art museum, or a cliff-diving competition simply because it inspired him.

At his death in 2022, Red Bull was selling more than ten billion cans a year. The brand had taken root in over 170 countries and reigned over a constellation of teams, creations, narratives, and performances. But Mateschitz’s true legacy lies elsewhere: in his ability to transform a simple everyday object into a universal symbol. To turn an energy drink into a language, a culture, a feeling of perpetual motion.

Red Bull was never just a can. From day one, it was a state of mind. And perhaps that is where Dietrich Mateschitz’s quiet genius resides: in understanding that a brand should not merely be sold, but lived.

OUVRAGE | KAOS

ALBERT WATSON, LE GÉNIE DE LA PHOTOGRAPHIE

Avec KAOS, Albert Watson livre un hommage magistral à plus de cinq décennies de création, où icônes, mode et art se rencontrent. Un livre manifeste qui révèle le chaos créatif d’un photographe devenu légende.

Texte David Bail Photos Taschen

Il y a des images que l'on n'oublie pas : le visage de Mick Jagger superposé à celui d’un léopard, Alfred Hitchcock posant avec une oie plumée comme un accessoire de film noir, Jack Nicholson démultiplié dans une fresque cinétique, ou encore la nuque sculpturale de Mike Tyson qui ressemble à un tronc d’arbre. Ces photographies font désormais partie de notre culture visuelle, tant leur présence est indélébile. On connaît moins l'artiste qui se cache derrière ces créations, car Albert Watson a toujours voulu rester discret. Son livre Kaos dévoile la cohérence profonde de son œuvre et révèle un esprit créatif aussi vaste que rigoureux. La force de Watson est sa capacité à se réinventer sans jamais se répéter. Mode, portrait, nu, paysage, nature morte, publicité, reportage : il passe d’un univers à l’autre sans adopter une signature unique. À chaque sujet, il construit une solution visuelle sur mesure, accordée à ce qu’il veut transmettre. Malgré cette diversité, une constante s’impose : sa clarté graphique, sa façon de réduire chaque image à son essence, de produire une présence hyperréelle saisissante. Watson parle de « conceptualisation », comme si la photographie n’était finalement qu’une formulation visuelle d’une idée préalablement décantée. Derrière cette modestie, on devine un artisan méticuleux, un maître de la lumière et de la technique, capable d’exploiter chaque outil photographique — optique, chimie, technologie — avec une précision chirurgicale.

Rien dans son enfance à Édimbourg ne laissait présager une telle trajectoire. Dans son foyer, les arts visuels n’avaient pas leur place. Son père, professeur de sport et boxeur, soutient pourtant sa vocation naissante, même si, plus tard, la photographie de mode lui paraîtra être un « drôle de métier pour un homme ». Watson passe par le design graphique à Dundee, puis par le cinéma au Royal College of Art de Londres. C’est presque par accident, en choisissant la photographie comme discipline secondaire obligatoire, qu’il découvre la magie de la chambre noire et plante la graine qui deviendra toute sa carrière.

Son regard se construit au contact des grands graphistes américains — Milton Glaser, Seymour

Chwast, Saul Bass — et des affichistes polonais Roman Cie... lewicz et Jan Lenica. Ces influences donnent à son travail une puissance d’impact immédiate. La peinture, qu’il explore ensuite avec avidité, affine sa compréhension des textures et des subtilités visuelles : Richter, Doig, Seurat nourrissent son approche. Ses études de cinéma lui apprennent à penser les images comme des fragments de récit. Kaos porte la trace de ce mélange unique : une photographie pensée comme un objet graphique, sculptée comme une peinture, construite comme une scène de film.

« Connaître la technique, c’est comme savoir conduire. »

Watson rejette Photoshop. Les images doivent exister concrètement devant son objectif. Cela n’empêche pas une mise en scène totale : il planifie, compose, éclaire, dirige. Ses photos ont un pied dans le réel et un autre dans la fiction, créant ce territoire singulier où le document devient métaphore, où l’authentique prend la force du mythe. Ses séries de mode fonctionnent comme des extraits de films imaginaires, ses portraits comme des icônes sculpturales. Un seul regard jeté sur Clint Eastwood, Rachel Williams ou Steve Jobs suffit à comprendre l’étendue de sa maîtrise : les ombres, les noirs profonds, les lumières tranchées donnent à ses sujets une présence quasi mythologique. Il est souvent décrit comme « le photographe des photographes ». Pourtant, il avoue que la technique ne lui est pas venue naturellement. Il a appris, peaufiné, travaillé. Il imprime lui-même ses images, garde un laboratoire argentique, maîtrise

le numérique sans jamais renoncer à l’exigence du geste. « Connaître la technique, c’est comme savoir conduire », dit-il. « Ce qui compte vraiment, c’est la destination. »

Watson construit sa carrière entre magazines, publicité, mode, musique et cinéma, photographiant les plus grandes figures : modèles, acteurs, musiciens, sportifs. Cent couvertures de Vogue, d’innombrables séries, des campagnes iconiques, et toujours cette obsession du cliché qui doit durer. Grace Coddington lui lança un jour : « Albert, est-ce que chaque image doit être monumentale ? » Sa réponse fut simple : « Oui. »

Ses photos sont conçues pour résister au temps. Entre deux commandes, il s’accorde toujours des projets personnels : le Canada et ses cowboys en 1978, la Chine post-Mao en 1979, le Maroc dans les années 1990 à la demande du roi, le Bénin en 2011. Chacune de ces séries s’inscrit dans une longue tradition documentaire, mais avec une intensité esthétisante propre à Watson. Même ses natures mortes, comme les objets d’Elvis Presley ou les trésors de Toutankhamon, sont traitées comme des portraits, imprimées à une échelle monumentale qui impose le respect.

L’un de ses retours les plus marquants est celui sur l’île de Skye, en Écosse, où il photographie pendant six semaines des paysages destinés à être imprimés en très grand format. Là encore, il parle de technique, d’intention, de matière. Très peu de sentiments, jamais de confession. Watson ne photographie pas pour se dévoiler, mais pour révéler ce qu’il voit. Une photo d’Albert Watson est toujours, avant tout, le portrait de son sujet — qu’il s’agisse d’un visage, d’un objet ou d’une montagne. Kaos rassemble ces décennies d’images avec une cohérence impressionnante. Le livre n’est pas une simple rétrospective : c’est une cartographie de la vision d’un homme qui a passé sa vie à observer, à analyser, à sculpter la lumière pour créer des images qui marquent. Dans le chaos du monde visuel contemporain, les photographies d’Albert Watson rappellent qu’une image puissante n’a besoin ni d’artifice, ni de bruit. Seulement d’un œil. D’une idée. Et d’un artiste suffisamment obstiné pour les poursuivre sans relâche.

There are images we never forget: Mick Jagger’s face superimposed on that of a leopard; Alfred Hitchcock posing with a plucked goose like a filmnoir prop; Jack Nicholson multiplied in a kinetic fresco; or the sculptural nape of Mike Tyson, resembling a tree trunk. These photographs have become part of our visual culture, their imprint indelible. We are less familiar with the artist behind these creations, for Albert Watson has always chosen discretion. His book Kaos reveals the deep coherence of his body of work and unveils a creative mind as vast as it is rigorous. Watson’s strength lies in his ability to reinvent himself without ever repeating himself. Fashion, portraiture, nudes, landscape, still life, advertising, reportage—he moves from one universe to another without adopting a single, fixed signature. For each subject, he constructs a tailor-made visual solution, aligned with what he wishes to convey. Despite this diversity, one constant remains: his graphic clarity, his way of reducing each image to its essence, producing a striking hyperreal presence. Watson speaks of “conceptualization,” as if photography were ultimately the visual formulation of an idea refined in advance. Behind this modesty lies a meticulous craftsman, a master of light and technique, capable of exploiting every photographic tool—optics, chemistry, technology—with surgical precision. Nothing in his childhood in Edinburgh suggested such a trajectory. In his household, the visual arts had little place. His father, a physical-education teacher and boxer, nonetheless supported his emerging vocation, even if fashion photography later struck him as “a strange job for a man.” Watson studied graphic design in Dundee, then cinema at the Royal College of Art in London. Almost by accident—by choosing photography as a compulsory secondary discipline—he discovered the magic of the darkroom and planted the seed that would become his entire career. His eye was shaped by exposure to great American graphic designers—Milton Glaser, Seymour Chwast, Saul Bass—and Polish poster artists Roman Cieślewicz and Jan Lenica. These influences gave his work an immediate visual impact. Painting, which he later explored avidly, refined his understanding of texture and visual nuance: Richter, Doig, and Seurat nourished his approach. His film studies taught him to think of images as fragments of narrative. Kaos bears the mark of this unique blend: photography conceived as a graphic object, sculpted like a painting, constructed like a film scene.

Watson rejects Photoshop. Images must exist physically in front of his lens. This does not preclude total staging: he plans, composes, lights, directs. His photographs stand with one foot in reality and the other in fiction, creating a singular territory where document becomes metaphor and authenticity takes on the force of myth. His fashion series function like stills from imaginary films; his portraits like sculptural icons. A single glance at Clint Eastwood, Rachel Williams, or Steve Jobs is enough to grasp the extent of his mastery: shadows, deep blacks, and sharp light give his subjects an almost mythological presence. He is often described as “the photographer’s photographer.” Yet he readily admits that technique did not come naturally to him. He learned, refined, worked relentlessly. He prints his own images, maintains an analog darkroom, masters digital tools without ever abandoning the discipline of the gesture. “Knowing technique is like knowing how to drive,” he says. “What really matters is the destination.”

Watson has built his career across magazines, advertising, fashion, music, and cinema, photographing the greatest figures—models, actors, musicians, athletes. One hundred Vogue covers, countless series, iconic campaigns, and always the same obsession: the image must endure. Grace Coddington once asked him, “Albert, does every image have to be monumental?” His answer was simple: “Yes.” His photographs are designed to withstand time.

« Knowing technique is like knowing how to drive. »

Between commissions, he has always pursued personal projects: Canada and its cowboys in 1978; post-Mao China in 1979; Morocco in the 1990s at the request of the king; Benin in 2011. Each of these series belongs to a long documentary tradition, yet with a heightened aesthetic intensity unique to Watson. Even his still lifes—Elvis Presley’s objects or the treasures of Tutankhamun—are treated like portraits, printed on a monumental scale that commands respect. One of his most striking returns is to the Isle of Skye in Scotland, where he photographed landscapes for six weeks, intended to be printed in very large formats. Once again, he speaks of technique, intention, materiality. Very little sentiment, never confession. Watson does not photograph to reveal himself, but to reveal what he sees. An Albert Watson photograph is always, above all, a portrait of its subject—whether a face, an object, or a mountain.

Kaos brings together these decades of images with remarkable coherence. The book is not a simple retrospective; it is a cartography of the vision of a man who has spent his life observing, analyzing, sculpting light to create images that endure. In the chaos of the contemporary visual world, Albert Watson’s photographs remind us that a powerful image needs neither artifice nor noise—only an eye, an idea, and an artist stubborn enough to pursue them relentlessly.

ÉVÉNEMENT | EXPOSITION

SOUS LE PLUS GLAMOUR DES

CHAPITEAUX

À Maastricht, le Fotomuseum aan het Vrijthof accueille l’une des expositions les plus attendues, le Cirque de Ellen von Unwerth.

Du 31 janvier au 13 septembre, le musée néerlandais consacre une rétrospective majeure à Ellen von Unwerth, figure iconique de la photographie de mode et d’art. Intitulée My Circus, l’exposition rassemble 160 images emblématiques et propose une plongée spectaculaire dans l’univers exubérant, sensuel et résolument libre de la photographe allemande. Depuis plus de quarante ans, Ellen von Unwerth façonne une vision singulière de la féminité : puissante, joueuse, indisciplinée, souvent provocante, toujours assumée. My Circus agit comme une synthèse flamboyante de cette esthétique immédiatement reconnaissable, où mode, érotisme, humour et mise en scène théâtrale se rencontrent dans un tourbillon d’images iconiques.

L’exposition accorde une place centrale aux photographies de Claudia Schiffer, muse fondatrice d’Ellen von Unwerth, dont les images mythiques ont marqué l’essor international de la photographe dans les années 1990. Redéfinissant les codes de la photographie de mode par une sensualité libre et une énergie cinématographique, ces œuvres fondatrices dialoguent avec des portraits de figures majeures de la mode et de la pop culture : Naomi Campbell, Kate Moss, Madonna, Beyoncé, Rihanna ou encore Miley Cyrus. Au-delà des célébrités, ces images révèlent une complicité et une dynamique de pouvoir assumée entre la photographe et ses sujets.

Des photographies plus intimes issues de Snaps (1994) dévoilent une approche plus spontanée, complétée par deux vidéos qui enrichissent le parcours de l’exposition.

Le cirque constitue le fil conducteur de My Circus, référence directe à l’expérience fondatrice d’Ellen von Unwerth au Cirque Roncalli dans sa jeunesse. Cette influence se traduit par une esthétique audacieuse, des couleurs éclatantes et une théâtralité assumée, où les femmes occupent le centre de la scène, libres et souveraines. Le cirque devient ainsi un espace d’émancipation et de réinvention des règles.

Ancienne mannequin devenue photographe il y a quarante ans, Ellen von Unwerth a développé un style immédiatement reconnaissable, à la fois sensuel, provocateur et profondément conscient des enjeux de représentation. Son travail a séduit les plus grandes maisons de mode et les titres majeurs de la presse internationale, tout en intégrant les collections de musées et de galeries de renom à travers le monde.

Plus qu’une rétrospective, My Circus est une célébration de la féminité affranchie et de la liberté créative. À Maastricht, le visiteur est invité à entrer sous le chapiteau d’un univers où glamour, ironie et audace composent un spectacle aussi puissant qu’inoubliable.

Ellen von Unwerth : le cirque comme manifeste de liberté

My Circus, Fotomuseum aan het Vrijthof, Maastricht

« Knowing technique is like knowing how to drive. »

From January 31 to September 13, the Dutch museum presents a major retrospective dedicated to Ellen von Unwerth, an iconic figure in fashion and art photography. Titled My Circus, the exhibition features 160 emblematic images, offering a spectacular dive into the exuberant, sensual, and unapologetically free universe of the German photographer.

For over forty years, Ellen von Unwerth has shaped a singular vision of femininity: powerful, playful, unruly, often provocative, always selfassured. My Circus acts as a dazzling synthesis of this instantly recognizable aesthetic, where fashion, eroticism, humor, and theatrical staging collide in a whirlwind of iconic images.

The exhibition places particular emphasis on photographs of Claudia Schiffer, Ellen von Unwerth’s founding muse, whose legendary images marked the photographer’s international breakthrough in the 1990s. Redefining fashion photography codes with a liberated sensuality and cinematic energy, these seminal works converse with portraits of major figures from fashion and pop culture: Naomi Campbell, Kate Moss, Madonna, Beyoncé, Rihanna, and Miley Cyrus, among others. Beyond celebrity, these images reveal a mutual complicity and a conscious power dynamic between the photographer and her subjects.

More intimate photographs from Snaps (1994) showcase a spontaneous approach, complemented by two videos that enrich the exhibition journey. The circus serves as the guiding thread of My Circus, a direct reference to Ellen von Unwerth’s formative experience at Cirque Roncalli during her youth. This influence manifests in a bold aesthetic, vivid colors, and unapologetic theatricality, where women take center stage, free and sovereign. The circus thus becomes a space of emancipation and rule reinvention.

A former model turned photographer forty years ago, Ellen von Unwerth has developed an instantly recognizable style—sensual, provocative, and deeply aware of representation issues. Her work has captivated the biggest fashion houses and major international publications, while being included in renowned museum and gallery collections worldwide.

More than a retrospective, My Circus is a celebration of liberated femininity and creative freedom. In Maastricht, visitors are invited under the big top of a universe where glamour, irony, and audacity compose a show as powerful as it is unforgettable.

Ellen von Unwerth: The Circus as a Manifesto of Freedom

My Circus, Fotomuseum aan het Vrijthof, Maastricht

HEALTH CLUB | KORU

FITNESS CLASS

Au Luxembourg, une nouvelle adresse redéfinit les codes du fitness et du bien-être.

KORU Health Club a ouvert officiellement ses portes au cœur du complexe GRIDX, avec une promesse claire : faire du sport une expérience globale, aussi exigeante que désirable. Sur 2 500 m2, ce club nouvelle génération conjugue performance, récupération et plaisir dans un environnement premium. Inspiré par le koru, symbole maori de croissance et de renouveau, le club revendique une philosophie simple : accompagner chaque membre dans son évolution physique, mentale et sociale. KORU s’inscrit dans l’esprit des clubs haut de gamme que l’on retrouve dans les grandes capitales, où l’entraînement devient un rituel, presque un style de vie.

L’espace impressionne par la richesse de son offre. Un plateau de musculation ultra-complet, équipé de près de 100 machines Technogym et de matériel Nike Strength dernière génération, côtoie un espace Hyrox dédié à la performance hybride. Demi-terrain de basket, zone arts martiaux avec ring de boxe, salle de spinning immersive et studios de personal training complètent un dispositif pensé pour tous les profils. Les cours collectifs, du bodycombat au yoga en passant par le pilates — en partenariat avec House of Om — viennent enrichir une programmation résolument contemporaine.

Mais chez KORU, la performance ne se conçoit jamais sans récupération. Le club intègre des services pointus de cryothérapie, de kinésithérapie et de massage, ainsi qu’un espace wellness inspiré de l’hôtellerie cinq étoiles : sauna, douches privées et bains froids à différentes températures invitent à ralentir, respirer, récupérer. À l’étage, un lounge bar healthy mêle coworking et convivialité, offrant une vue plongeante sur le club — un lieu de rencontre autant qu’un espace de détente. Entouré de partenaires de référence comme Cryopôle Luxembourg et Kinside, ce club mise sur un accompagnement sur mesure, associant entraînement, analyse corporelle et suivi nutritionnel. « Nous voulons proposer des programmes complets, adaptés à chaque profil, et accompagner nos membres dans la durée », explique Pola Giorgetti, Head of KORU Health Club et championne luxembourgeoise de karaté. KORU vient enrichir l'offre existante à Luxembourg pour les sportifs exigeants.

KORU Health Club has officially opened its doors at the heart of the GRIDX complex, with a clear promise: to turn sport into a holistic experience that is as demanding as it is desirable. Spanning 2,500 square metres, this nextgeneration club brings together performance, recovery and enjoyment within a premium environment.

Inspired by the koru, the Maori symbol of growth and renewal, the club embraces a simple philosophy: supporting each member’s physical, mental and social development. KORU reflects the spirit of high-end clubs found in major global capitals, where training becomes a ritual — almost a way of life. The space impresses with the breadth of its offering. A state-of-the-art strength training floor, equipped with nearly 100 Technogym machines and the latest Nike Strength equipment, sits alongside a dedicated Hyrox area designed for hybrid performance. A half basketball court, a fully equipped martial arts zone with boxing ring, an immersive spinning studio and private personal training studios complete an ecosystem tailored to every profile. Group classes — ranging from body combat to yoga and Pilates, in partnership with House of Om — further enrich a thoroughly contemporary programme.

At KORU, however, performance is never considered without recovery. The club integrates advanced services such as cryotherapy, physiotherapy and massage, alongside a wellness area inspired by five-star hospitality. Saunas, private showers and cold plunge pools at varying temperatures invite members to slow down, breathe and recover. Upstairs, a healthy lounge bar blends coworking and conviviality, offering sweeping views over the club — a place to connect as much as to unwind.

Surrounded by trusted partners such as Cryopôle Luxembourg and Kinside, this club focuses on a bespoke approach, combining training, body analysis and nutritional guidance. “Our goal is to offer comprehensive programmes tailored to every profile and to support our members over the long term,” explains Pola Giorgetti, Head of KORU Health Club and Luxembourg karate champion. KORU enhances the existing offerings in Luxembourg for discerning athletes.

koru.lu

MODE | TAILORING

SAPÉS COMME JAMAIS

S’habiller est un langage silencieux. Chez Ferala, le costume en devient la phrase la plus juste, maîtrisée dans ses moindres nuances.

Luxembourg, Ferala ne se contente pas de vendre des costumes : la maison habille une certaine idée de l’élégance masculine, exigeante, contemporaine et profondément personnelle. Nichée au cœur de la ville dans la rue Notre-Dame, la boutique s’impose comme une adresse confidentielle pour les hommes — et les femmes — qui considèrent le costume non comme un uniforme, mais comme un langage.

Vous n’êtes pas dans une boutique de Savile Row, et pourtant chaque détail rappelle la célèbre route des tailleurs londoniens : le décor chaleureux privilégie les matières nobles dans une atmosphère feutrée, loin du tumulte du prêtà-porter standardisé. Ici, chaque détail est pensé pour ralentir le tempo, inviter à la conversation et replacer le vêtement au centre de l’expérience. Après vous avoir offert un café, Aleksandra et Christophe vont s’employer à trouver le vêtement qui fera de vous un gentleman élégant, car ils font du service le cœur de leur métier.

Chez Ferala, le costume est roi. Les coupes sont précises, les épaules maîtrisées, les lignes équilibrées. Les tissus proviennent des meilleurs drapiers italiens et anglais. Rien n’est laissé au hasard : longueur de veste, ouverture de revers, tombé du pantalon, tout est ajusté à la morphologie et au mode de vie du client. Le demimesure poussé à l’extrême.

La boutique propose également une sélection pointue de chemises, vestes, manteaux et accessoires, toujours dans cette même logique : sobriété, caractère et élégance durable. Dans un monde où tout va vite, Ferala fait le choix inverse : celui du temps long, du geste juste, de l’allure qui s’installe. Une adresse pour ceux et celles qui savent que le véritable style ne cherche pas à impressionner — il s’impose, calmement. Aleksandra, vêtue comme chaque jour d’un élégant costume et d’une cravate, nous accueille avec un expresso à la main, prête à répondre à nos questions.

Les femmes représentent-elles une partie importante de votre clientèle ? Actuellement, les femmes représentent environ 10 % de notre clientèle. Nos services sont encore peu associés à une clientèle féminine, notamment parce que les boutiques proposant du sur-mesure pour femmes restent rares. Par ailleurs, les femmes disposent d’une offre beaucoup plus large en prêtà-porter, ce qui les incite moins à se tourner vers le sur-mesure. La majorité des clientes qui font appel à nos services sont aujourd’hui les épouses ou compagnes de clients réguliers, même si nous observons une progression notable de clientes nous ayant découvert via Internet. Ces femmes recherchent avant tout un service irréprochable, des matières d’exception et la possibilité de faire confectionner une pièce véritablement unique.

Quels sont les drapiers dont vous vendez le plus de tissus au Luxembourg, et quelles tendances observez-vous actuellement ?

Notre offre repose principalement sur les tissus Loro Piana, maison italienne de renommée internationale, reconnue pour la qualité exceptionnelle, le raffinement et le confort de ses étoffes. Nous proposons également une sélection croissante de tissus Ermenegildo Zegna, véritables pièces d’exception prisées des connaisseurs, dont l’excellence fidélise durablement les clients. Les amateurs de style britannique trouvent quant à eux leur bonheur avec les tartans et tweeds authentiques de Holland & Sherry.

Côté tendances, les classiques dominent le marché luxembourgeois, marqué par les exigences du secteur financier : costumes unis dans des tons sobres comme le bleu marine, le gris anthracite ou le noir. Les futurs mariés, en revanche, osent davantage, avec des couleurs plus audacieuses telles que le bleu vif, le vert sauge, le rose pastel ou les différentes nuances de beige, très appréciées pour les cérémonies et l’été. Pour la saison estivale, les costumes en laines mélangées au lin et à la soie rencontrent également un fort succès, alliant élégance et légèreté.

Que viennent chercher vos clients en rentrant dans la boutique ?

Les clients viennent avant tout pour vivre une expérience, fondée sur un service personnalisé, une relation de confiance et l’expertise de l’équipe. Cela est particulièrement vrai pour les costumes de mariage, où l’accompagnement va bien audelà du vêtement, afin d’offrir un moment intime et mémorable lors des essayages et des choix de personnalisation.

Pourquoi un client vient-il acheter chez vous ? Quels sont vos points forts ?

La priorité de notre travail est d’offrir un service irréprochable, en accompagnant chaque client avec réactivité et exigence, y compris en situation d’urgence. Nous sélectionnons rigoureusement nos partenaires afin de garantir la qualité des costumes et le respect des délais. Présente à Luxembourg depuis 13 ans, notre boutique s’inscrit durablement dans le paysage local, témoignant de la confiance de nos clients et de notre capacité à évoluer avec le marché.

Comment une boutique comme la vôtre s’intègre-t-elle dans le monde de la fast fashion d'aujourd'hui ?

Gérer une boutique aujourd’hui est un défi face à la concurrence d’internet, surtout dans le prêt-àporter, contrairement à Ferala. La surabondance de vêtements bon marché fabriqués en Asie illustre les dérives de la mondialisation et du consumérisme. Choisir des vêtements personnalisés, confectionnés en Europe avec des tissus traçables, est une alternative plus responsable, même si la mode reste polluante et le sur-mesure inaccessible à tous. Nous observons toutefois une croissance des clients, notamment parmi les jeunes, qui privilégient la qualité et l’investissement dans des pièces durables. Ferala propose un choix de tissus en matières principalement naturelles provenant des meilleurs drapiers italiens et anglais

Do women represent a significant part of your clientele?

What are clients looking for when they walk into the boutique?

In Luxembourg, Ferala does not merely sell suits: the house clothes a certain vision of masculine elegance—demanding, contemporary, and deeply personal. Nestled in the heart of the city on Rue Notre-Dame, the boutique has established itself as a discreet address for men—and women—who see the suit not as a uniform, but as a language. You are not in a Savile Row boutique, and yet every detail evokes the famous London tailoring street: the warm décor favours noble materials in a hushed atmosphere, far removed from the bustle of standardised ready-to-wear. Here, every element is designed to slow the pace, invite conversation, and place the garment back at the centre of the experience. After offering you a coffee, Aleksandra and Christophe set about finding the piece that will make you an elegant gentleman, for service lies at the very heart of their craft.

At Ferala, the suit reigns supreme. The cuts are precise, the shoulders controlled, the lines perfectly balanced. Fabrics come from the finest Italian and English mills. Nothing is left to chance: jacket length, lapel opening, trouser drape— everything is adjusted to the client’s morphology and lifestyle. Made-to-measure taken to its highest level.

The boutique also offers a carefully curated selection of shirts, jackets, coats and accessories, all guided by the same philosophy: restraint, character, and lasting elegance.

In a world that moves ever faster, Ferala makes the opposite choice—that of taking time, of the right gesture, of a style that settles in. An address for those who know that true style does not seek to impress—it asserts itself, quietly.

Aleksandra, dressed as she is every day in an elegant suit and tie, welcomes us with an espresso in hand, ready to answer our questions.

At present, women account for around 10% of our clientele. Our services are still rarely associated with a female audience, notably because boutiques offering made-to-measure for women remain scarce. In addition, women benefit from a much broader ready-to-wear offering, which makes them less inclined to turn to bespoke. Most of the women who use our services today are the wives or partners of regular clients, although we have observed a notable increase in female customers who discovered us online. These women are primarily seeking impeccable service, exceptional materials, and the possibility of having a truly unique piece made.

Which cloth merchants do you sell the most in Luxembourg, and what trends are you currently observing?

Our offering is primarily based on Loro Piana fabrics, an internationally renowned Italian house recognised for the exceptional quality, refinement and comfort of its cloths. We also offer a growing selection of Ermenegildo Zegna fabrics—true exceptional pieces prized by connoisseurs, whose excellence fosters long-term loyalty. Lovers of British style, meanwhile, find what they are looking for in the authentic tartans and tweeds of Holland & Sherry.

In terms of trends, classics dominate the Luxembourg market, shaped by the demands of the financial sector: plain suits in sober tones such as navy blue, anthracite grey or black. Future grooms, on the other hand, are more daring, opting for bolder colours such as vivid blue, sage green, pastel pink or various shades of beige, which are particularly popular for ceremonies and the summer season. For summer, suits made from wool blended with linen and silk are also enjoying strong success, combining elegance and lightness.

Above all, clients come to enjoy an experience, built on personalised service, a relationship of trust, and the team’s expertise. This is especially true for wedding suits, where the support goes far beyond the garment itself, in order to offer an intimate and memorable moment during fittings and personalisation choices.

Why does a client choose to buy from you? What are your strengths?

The priority of our work is to provide impeccable service, supporting each client with responsiveness and high standards, even in urgent situations. We carefully select our partners to guarantee the quality of our suits and adherence to deadlines. Established in Luxembourg for 13 years, our boutique is firmly rooted in the local landscape, reflecting our clients’ trust and our ability to evolve with the market.

How does a boutique like yours fit into today’s fast-fashion world?

Running a boutique today is a challenge in the face of online competition, especially in readyto-wear—unlike Ferala. The overabundance of inexpensive clothing manufactured in Asia illustrates the excesses of globalisation and consumerism. Choosing personalised garments, made in Europe with traceable fabrics, is a more responsible alternative, even if fashion remains polluting and bespoke is not accessible to everyone. That said, we are seeing growth in our clientele, particularly among younger customers, who favour quality and investing in durable pieces.

The B.O.A.R.D. Luxembourg

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ÉVÉNEMENT | CES LAS VEGAS 2026

ELECTRIC DREAMS

Les innovations les plus stylées du CES de Las Vegas, le rendezvous mondial incontournable des nouvelles technologies.

Gouvernante électronique

LG CLOiD est un robot domestique présenté par LG au CES 2026, conçu pour concrétiser la vision du « Zero Labor Home ». Grâce à une intelligence artificielle physique, des bras articulés très précis et une navigation autonome, il peut réaliser et coordonner de nombreuses tâches ménagères, comme préparer des repas, gérer le linge et contrôler les appareils connectés via l’écosystème ThinQ. Pensé comme un hub intelligent mobile, CLOiD comprend son environnement, interagit naturellement avec les occupants et vise à libérer les utilisateurs des contraintes du quotidien pour leur faire gagner du temps.

La barre est haute

Focal révolutionne le home cinéma avec la barre de son Mu-so Hekla, un système tout-en-un alliant puissance, immersion et simplicité d’utilisation. Derrière un design élégant en aluminium anodisé, ce concentré de technologie intègre 15 haut-parleurs délivrant 660 watts, capables de remplir harmonieusement une pièce jusqu’à 40 m2. Grâce à la technologie

Electronic Housekeeper

LG CLOiD is a home robot introduced by LG at CES 2026, designed to bring to life the vision of the "Zero Labor Home." Thanks to physical artificial intelligence, highly precise articulated arms, and autonomous navigation, it can perform and coordinate numerous household tasks such as preparing meals, managing laundry, and controlling connected appliances through the ThinQ ecosystem. Designed as a mobile smart hub, CLOiD understands its environment, interacts naturally with occupants, and aims to free users from daily chores to save them time.

The Bar Is Set High

Dolby Atmos, Mu-so Hekla offre une expérience sonore enveloppante et spectaculaire, idéale pour les films, la musique ou les jeux vidéo. Facile à installer et à contrôler via smartphone, montre connectée, assistants vocaux ou domotique, il s’adapte à tous les environnements et préférences d’écoute.

Supercar de rêve

La Dreame Nebula Next 01 est un concept car électrique ultra-performant développé par Dreame, une marque jusque-là spécialisée dans les appareils ménagers. Dotée de quatre moteurs totalisant près de 1 900 chevaux, elle accélère de 0 à 100 km/h en 1,8 seconde. Avec une carrosserie en acier haute résistance et fibre de carbone, son design futuriste allie performance et technologie avancée, annonçant une nouvelle gamme électrique prévue pour 2027.

Focal is revolutionizing home cinema with the Mu-so Hekla soundbar, an all-in-one system combining power, immersion, and ease of use. Behind an elegant anodized aluminum design, this technological marvel integrates 15 speakers delivering 660 watts, capable of filling rooms up to 40 m2 harmoniously. Thanks to Dolby Atmos technology, Mu-so Hekla offers a spectacular and immersive sound experience, perfect for movies, music, or video games. Easy to install and control via smartphone, smartwatch, voice assistants, or home automation, it adapts to all environments and listening preferences.

Dream Supercar

The Dreame Nebula Next 01 is a highperformance electric concept car developed by Dreame, a brand previously specialized in household appliances. Equipped with four motors totaling nearly 1,900 horsepower, it accelerates from 0 to 100 km/h in 1.8 seconds. With a body made of high-strength steel and carbon fiber, its futuristic design combines performance and advanced technology, announcing a new electric lineup planned for 2027.

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RENAIS

En décembre, Jaguar a fêté son 90e anniversaire en réunissant pour la première fois à Londres son tout premier modèle portant son nom, la légendaire SS Jaguar lancée en 1935, et sa dernière création, la spectaculaire Type 00, censée bouleverser les conventions automobiles, comme l'a fait auparavant la SS. Un événement unique qui a célébré son héritage prestigieux, mais aussi la vision audacieuse de son avenir. Pour cette occasion, la Jaguar Type 00 arborait une teinte inédite baptisée « London Red », inspirée par les nuances emblématiques de Kensington.

Bien que séparées par presque un siècle, ces deux icônes automobiles partagent le même credo : « Copy Nothing ». Alors que le constructeur britannique prépare le lancement en 2026 de son premier modèle de production électrique – une GT de luxe qui ouvrira un nouveau chapitre –, cette célébration à Londres rend hommage à son riche passé tout en offrant un avant-goût fascinant de son avenir.

SANCE

In December, Jaguar celebrated its 90th anniversary by bringing together for the first time in London its very first name-bearing model, the legendary SS Jaguar launched in 1935, and its latest creation, the spectacular Type 00, which is meant to disrupt automotive conventions just as the SS did before. This unique event celebrated both its prestigious heritage and its bold vision for the future. For the occasion, the Jaguar Type 00 featured a never-beforeseen shade called "London Red," inspired by the iconic hues of Kensington.

Although separated by nearly a century, these two automotive icons share the same creed: "Copy Nothing." As the British manufacturer prepares to launch its first electric production model in 2026 — a luxury GT that will open a new chapter — this celebration in London pays tribute to its rich past while offering a fascinating glimpse of what lies ahead.

L'HEURE DE GLOIRE

Dans le cadre de la série 'The Hour before' lancée par Jaeger-LeCoultre, l'acteur

Nicolas Hoult revient sur les instants qui

ont changé sa vie.

Y a-t-il un rôle qui a constitué un véritable tournant artistique dans votre carrière ?

Un moment clé a été Skins. J’avais 16 ou 17 ans, et c’était la première fois que je jouais un rôle plus adulte. Cela m’a ensuite conduit à être choisi par Tom Ford pour A Single Man, ce qui a lancé la phase jeune adulte de ma carrière. Le personnage de Tony était très différent de tout ce que j’avais fait auparavant. Je pensais jouer Sid, et j’ai été surpris qu’ils veuillent me confier ce rôle manipulateur et sombre. Cela m’a appris à prendre des risques et à accepter des personnages auxquels je ne me sentais pas immédiatement connecté.

À quel moment avez-vous compris que le jeu allait occuper une place bien plus importante que vous ne l’imaginiez ?

Je ne sais pas exactement quand j’ai compris que ce serait une passion de toute une vie. J’ai de vagues souvenirs, vers trois ou quatre ans, d’être sur scène ou de voir mon frère jouer. Il incarnait Merlin dans une pièce scolaire, et quelque chose s’est déclenché dans mon esprit : cette idée que l’on pouvait devenir n’importe qui. C’était magique.

Comment avez-vous vécu l’accueil très positif de votre interprétation de Lex Luthor dans le Superman de James Gunn ?

Avant tout, je suis très heureux que le public ait si bien réagi au personnage. James Gunn a écrit

un scénario brillant et j’ai adoré travailler avec lui en tant que réalisateur. Je pense que ce qui marque le plus chez Lex, c’est son obsession et sa haine extrême, mais aussi l’idéologie qu’il se construit, qui permet de comprendre comment sa jalousie a fini par corrompre son esprit. Je suis très fier du film et extrêmement enthousiaste à l’idée de tourner Man of Tomorrow l’an prochain. J’ai vraiment hâte de reprendre ce rôle, car, à travers mes discussions avec James, notre travail de recherche et de préparation, et ce que nous avons exploré dans ce premier film, je sais qu’il reste encore énormément à découvrir chez ce personnage. J’ai hâte d’endosser à nouveau ce costume.

Avez-vous connu des moments difficiles lors de rôles exigeants comme Renfield, Nosferatu ou The Order qui ont mené à une percée créative ?

S’engager pleinement dans la physicalité de ces rôles est très stimulant, car cela me donne un point d’ancrage concret qui me transforme de l’intérieur comme de l’extérieur. La préparation physique aide aussi énormément sur le plan mental. C’est une période presque méditative, durant laquelle je pense au personnage en permanence. Tout converge vers un objectif précis, et cela devient un espace très fertile pour l’imagination.

Is there a role that marked a true artistic turning point in your career?

A big turning point for me was being part of Skins. I was 16-17 and it was the first time I had played in a more adult role, even though we were only teenagers. It also led to my being cast in Tom Ford's movie A Single Man, which kick-started the ‘young adult’ phase of my career. The Skins character was unlike anything I'd done before. When they sent the script, I thought I'd be playing the role of Sid and was surprised that they wanted me to play Tony, this more manipulative and evil character. So that was the beginning of my being bold and taking risks in terms of the characters that I didn't at first feel connected to or imagine myself playing.

At what moment did you realize that acting would take on a far greater place in your life than you had imagined?

I'm not sure when I realised that acting was something that I would be passionate about for life. I have faint memories from when I was three or four being on stage and watching my brother on stage and that being a magical experience because it showed that people could create and be something completely different and tell stories in unexpected ways. I remember watching my brother play Merlin in a school production. He was 17, 18 years old and seeing him portray an old wizard, something in my mind clicked, like, ‘Oh, you can become and pretend to be anything’ and that was exciting for me.

How did you experience the very positive reception of your portrayal of Lex Luthor in James Gunn’s Superman?

Above all, I'm so glad that people responded well to the character. James Gunn wrote a brilliant script and I loved working with him as a director. I think the outstanding elements of that character are his obsession and extreme hatred, but also this ideology of his that allows you to understand how his jealousy has corrupted his brain. I'm very proud of the movie and I'm very excited that we'll be making Man of Tomorrow next year. I'm really looking forward to playing the character again because, from my conversations with James and our research and prep and what we did with the first movie, I know there's a lot more to explore with the character. I'm looking forward to stepping into those shoes again.

Have you faced challenging moments while taking on demanding roles such as Renfield, Nosferatu or The Order that ultimately led to a creative breakthrough?

It’s exciting to commit to the physicality of roles like that because it gives me a real focus and something that I can embody that transforms me into the character, so I feel like him, from the inside and outside. The detail of preparing physically helps the mental aspect too. During that time, I find that I am kind of meditating and thinking about the character and the role. Because it’s all working towards the end goal, it becomes an imaginative time to create as well.

ESTIMATION ET EXPERTISE DE

VOS MONTRES D’EXCEPTION

Après les succès des ventes aux enchères de 150 montres de luxe en juin 2024 et de 202 montres en mars 2025, nous mettrons cette fois-ci en vente 180 montres de luxe, également issues de confi scations réalisées dans le cadre d’aff aires de blanchiment. La vente aux enchères publique aura lieu le samedi 21 mars 2026 au Casino 2000 à Mondorf-les-Bains. Les personnes souhaitant participer en présentiel doivent s’inscrire au préalable via notre site internet : www.lux-auction. com. La vente sera également accessible en ligne ou par téléphone, sous réserve d’une inscription préalable.

Un catalogue complet des montres mises en vente est consultable sur www.saisiepenale.public.lu, ainsi que d’autres informations utiles pour préparer sa participation. Conformément aux pratiques des ventes précédentes, les montres pourront être examinées sur place les 17, 18, 19 et 20 mars 2026, selon des horaires définis après inscription en ligne. AUCUNE MONTRE SUR PLACE le jour de la vente. Pour garantir une vente équitable, transparente et sécurisée, le BGA a confié l’organisation de cet événement à un huissier de justice assisté d’un auctioneer, comme lors des ventes précédentes.

L’intégralité des fonds récoltés sera versée au Fonds de lutte contre certaines formes de criminalité, en cohérence avec la politique gouvernementale du principe « le crime ne paie pas ». Cette initiative illustre l’engagement du Luxembourg à utiliser les avoirs confi squés pour soutenir des projets et programmes dédiés à la lutte contre la criminalité, en transformant des biens issus d’activités illégales en ressources au service de l’intérêt général. Expertise & Estimation possible de vos montres de collection gratuitement de façon confidentielle sur rendez-vous pendant l’exposition.

EXPERTISE, ASSURANCE, SUCCESSION & PARTAGE

Le sérieux de nos expertises ainsi que notre transparence constituent des éléments essentiels et indispensables pour nos vendeurs et acheteurs.

LA PASSION DES ENCHÈRES ! LUX-AUCTION FÊTE SES 10 ANS CETTE ANNEE !

TENDANCES HORLOGÈRES 2025

Observés chez quatre revendeurs horlogers à Luxembourg, ces modèles ont su séduire acheteurs, collectionneurs et passionnés tout en définissant les grandes tendances horlogères de l’année écoulée.

Rolex

Chez Rolex, tout les modèles sont très demandés. Néanmoins, La Submariner, la Daytona et la Datejust restent des modèles intemporels. Chez Windeshausen Luxembourg et Goeres Horlogerie

Navitimer B01 Chronograph Ses caractéristiques ont fait de la Navitimer un outil indispensable aux aviateurs et une icône légendaire de l’horlogerie

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L’année de tous les dangers ?

Une nouvelle année commence, et elle s’annonce plus incertaine et exigeante que jamais. Entre les tensions géopolitiques persistantes et les bouleversements, plus concrets mais tout aussi profonds, que traverse l’industrie automobile, le paysage évolue à grande vitesse. Électrification, réglementations, mutation des usages : autant de sujets qui interrogent, parfois inquiètent, mais surtout redessinent l’avenir de l’automobile.

Dans ce contexte, Luxgears tente de décrypter ce qui nous attend en allant à la rencontre des constructeurs et des nouveautés présentées au Salon de Bruxelles, véritable baromètre d’un marché en pleine transition. Mais si l’actualité n’est pas toujours rassurante, elle ne nous a pas empêchés de continuer à rêver. Fidèles à notre ADN, nous avons sélectionné nos modèles coups de cœur, répartis en quatre catégories, et une chose est sûre : la passion automobile est loin d’avoir dit son dernier mot.

Et vous, quelles voitures vous font encore rêver aujourd’hui ?

Dites-le-nous en commentaire de la vidéo que nous publierons prochainement sur notre chaîne Luxgears.

WELCOME TO WONDERLAND

Le Brussels Motor Show 2026 illustre la profonde mutation des salons automobiles, passés de la mécanique et de la démesure à la technologie et à l’électrification. À Bruxelles, cette évolution revêt une dimension singulière, au croisement de l’héritage industriel, des enjeux technologiques et des réalités politiques.

Longtemps considéré comme un salon de second plan, le rendezvous bruxellois s’impose désormais comme l’une des grandes messes automobiles européennes. Sept palais complets, plus de 60 marques automobiles, le retour des motos, une affluence qui frôle les 350.000 visiteurs : Bruxelles ne joue plus les figurants. Il s’affirme au fil des ans et, dans le vide laissé par la disparition de Genève, il avance, méthodiquement, vers un rôle de référence.

L’électrique, socle du présent plus que promesse du futur En parcourant les allées du Heysel, une évidence saute aux yeux : l’électrification n’est plus un horizon, elle est devenue le socle. Véhicules 100 % électriques, hybrides rechargeables, plateformes multi-énergies... tout converge vers une industrie qui a déjà basculé, même si elle doute encore de son calendrier. Côté premières mondiales, Mazda frappe fort avec le CX-6e, un SUV électrique aux lignes tendues et futuristes, comme échappé d’un concept-car devenu réalité. Peugeot affine sa 408 restylée, proposée en différentes motorisations, pendant que Kia dévoile l’EV2, sa citadine électrique pensée comme une porte d’entrée pragmatique et désirable vers l’électromobilité de masse. Du côté des études de style, Citroën expose le concept Elo, qui explore une vision modulaire et intelligente du monospace, rappelant que l’innovation n’est pas qu’une affaire de motorisation, mais aussi d’usage. Même les sportives changent de langage : Peugeot ressuscite l’ADN GTI sur sa 208 électrique, tandis que Porsche

expérimente la charge par induction sur le nouveau Cayenne électrique, clin d’œil à un futur où brancher un câble semblera aussi archaïque que régler un carburateur.

La Chine, nouvelle puissance silencieuse

Mais le véritable choc visuel du salon ne vient pas d’Europe. Il vient de Chine. Gigantesques, lumineux, ultra-designés, les stands des constructeurs chinois occupent l’espace avec une assurance déconcertante. BYD, Leapmotor, NIO, Xpeng, Zeekr : des noms encore inconnus dans l’imaginaire collectif européen, mais déjà mûrs technologiquement. Break de chasse électrique Zeekr 7GT, SUV abordable Leapmotor B03X, berline élégante Xpeng P7+... les produits sont là, cohérents, aboutis, compétitifs. Face à eux, l’industrie automobile occidentale semble déjà sur la défensive. Les alliances se multiplient, les plateformes se partagent, les modèles se rebadgent. Toyota collabore avec Subaru, Mazda ou Suzuki. Renault fournit des silhouettes à Mitsubishi. Ford s’adosse à Renault pour ses futurs véhicules électriques. Chacun dans leurs marques, les groupes Stellantis et VW multiplient la politique de plateformes communes. Une stratégie rationnelle, presque nécessaire, dans un monde où maintenir en parallèle le thermique, l’hybride et l’électrique devient un gouffre financier. Une exception notable : Hyundai-Kia, sans doute le groupe le mieux armé aujourd’hui pour affronter seul la transition mondiale, tant sur les plans industriel, produit et technologique.

2035 : le futur devient flou

En toile de fond du salon, une question hante les conversations : le cap est-il toujours clair ? Fin 2025, la Commission européenne a assoupli sa position sur l’interdiction des moteurs thermiques en 2035. Exit le bannissement total. Place à un objectif de réduction de 90 % des émissions de CO2, laissant la porte entrouverte aux hybrides, aux e-fuels et, potentiellement, à l’hydrogène. Une neutralité technologique de retour... mais au prix d’une lisibilité affaiblie pour certains. Dans les allées, cela ne se voit pas encore. Les nouveautés présentées en premières mondiales ou européennes restent quasi exclusivement électriques ou électrifiées. Mais le discours change subtilement. Moins dogmatique. Plus prudent. Certaines marques parlent désormais de transition « progressive », d’adaptation aux marchés, de flexibilité. Pour le consommateur, en revanche, le doute s’installe. Faut-il acheter électrique maintenant ? Attendre ? Miser sur l’hybride ? Une chose est sûre : l’électrification n’avance pas partout à la même vitesse en Europe, tout simplement parce que chaque pays y va de sa « sauce maison » pour encourager l’adoption... ou dissuader lourdement les autres motorisations. Primes à l’achat ou taxes en cascade – du malus CO2 au malus au poids, en passant par les zones de basses émissions décidées de manière parfois arbitraire par certaines villes européennes – finissent par créer une confusion profonde chez des consommateurs qui se sentent pris au piège de législateurs manquant cruellement de discernement, pour ne pas dire de compétence. Le Luxembourg fait figure d’exception. Notre pays avance avec une logique plus lisible, en incitant clairement à l’électromobilité via des primes à l’achat substantielles, sans pour autant pénaliser excessivement les autres motorisations. Le résultat est sans appel : un ménage sur dix roule déjà en véhicule électrique, et autant envisagent le passage à l’électrique d’ici 2027, selon une récente étude de la HoA. Le tout, sans restrictions de circulation ni injonction à se séparer prématurément de son véhicule existant.

La voiture de l’année, star de l’événement

Et au cœur de cette effervescence, un symbole fort s’impose : l’élection de la Mercedes-Benz CLA comme Voiture Européenne de l’Année 2026. Un choix qui en dit long sur l’époque. Ni SUV massif, ni gadget futuriste, mais une berline premium efficiente, technologique et élégante, pensée pour conjuguer performance, sobriété et désirabilité. Sa technologie, basée sur une plateforme multi-énergie, résume à elle seule la nouvelle orientation prise par l’industrie européenne, désormais contrainte de composer avec plusieurs réalités en

À gauche :

La Mercedes-Benz CLA élue Voiture Européenne de l’Année 2026

Le Mazda CX-6e, un SUV électrique aux lignes tendues et futuristes

Ci-contre :

Le concept-car Alpine Alpenglow symbolise l'avenir de la marque

« Véhicules 100 % électriques, hybrides rechargeables, plateformes multi-énergies... tout converge vers une industrie qui a déjà basculé, même si elle doute encore de son calendrier »

parallèle. Le podium est complété par la Skoda Elroq et la Kia EV4, toutes deux 100 % électriques, illustrant la diversité des réponses apportées par les constructeurs à une transition qui ne se résume plus à une seule voie.

Bruxelles, laboratoire du futur automobile

Il manque encore à Bruxelles un soupçon de folie, ces supercars déraisonnables qui faisaient battre le cœur de Genève. Mais ce que le salon perd en extravagance, il le gagne en pertinence. Ici, l’automobile n’est plus un fantasme inaccessible. Elle est un objet de transition, un produit technologique, un choix sociétal. Le Brussels Motor Show 2026 ne tranche pas. Il observe, expose, questionne. Il montre une industrie à la croisée des chemins, prise entre urgence climatique, concurrence mondiale et réalités économiques. Un salon miroir d’un monde automobile qui avance, non plus à pleine vitesse, mais avec une précision chirurgicale.

Long regarded as a second-tier event, the Brussels show has now established itself as one of Europe’s major automotive gatherings. Seven fully occupied halls, more than 60 automotive brands, the return of motorcycles, and attendance of nearly 350,000 visitors—Brussels is no longer playing a supporting role. Year after year, it asserts itself and, in the vacuum left by the disappearance of the Geneva Motor Show, methodically moves toward becoming a true reference point.

Electric Power: The Foundation of the Present, Not a Promise of the Future

Walking through the aisles of the Heysel, one thing becomes immediately clear: electrification is no longer a distant goal—it has become the foundation. Fully electric vehicles, plug-in hybrids, multi-energy platforms... everything points to an industry that has already shifted, even if it still questions its own timeline. On the world premiere front, Mazda makes a strong statement with the CX-6e, an electric SUV with taut, futuristic lines, as if a concept car had stepped directly into reality. Peugeot refines its restyled 408, offered with a variety of powertrains, while Kia unveils the EV2, its electric city car

designed as a pragmatic yet desirable gateway to mass-market electromobility. In the realm of design studies, Citroën presents the Elo concept, exploring a modular and intelligent vision of the MPV, reminding us that innovation is not solely about powertrains, but also about use cases and user experience. Even performance cars are rewriting their language: Peugeot revives the GTI DNA with its electric 208, while Porsche experiments with inductive charging on the new electric Cayenne, a nod to a future where plugging in a cable may seem as archaic as tuning a carburetor.

China, the New Silent Power

But the true visual shock of the show does not come from Europe. It comes from China. Gigantic, luminous, and ultra-designed, the stands of Chinese manufacturers dominate the space with disarming confidence. BYD, Leapmotor, NIO, Xpeng, Zeekr—names still unfamiliar to much of the European collective imagination, yet already technologically mature. The Zeekr 7GT electric shooting brake, the affordable Leapmotor B03X SUV, the elegant Xpeng P7+ sedan—the products are here, coherent, refined, and competitive. Facing them, the Western automotive industry appears increasingly on the defensive. Alliances multiply, platforms are shared, and models are rebadged. Toyota collaborates with Subaru, Mazda, and Suzuki. Renault supplies silhouettes to Mitsubishi. Ford aligns itself with Renault for its future electric vehicles. Within their respective brands, Stellantis and Volkswagen are also expanding their shared-platform strategies. It is a rational—almost unavoidable—approach in a world where maintaining parallel development of combustion, hybrid, and electric powertrains has become a financial abyss. One notable exception stands out: Hyundai-Kia, arguably the best-equipped group today to face the global transition on its own, across industrial, product, and technological fronts.

2035: The Future Becomes Blurred

In the background of the show, one question lingers in every conversation: is the course still clear? At the end of 2025, the European Commission softened its stance on banning internal combustion engines by 2035. Gone is the total prohibition. In its place stands a target of 90% CO2 emissions reduction, leaving the door ajar for hybrids, e-fuels, and potentially hydrogen. A return to technological neutrality—but at the cost of diminished clarity for many. In the show halls, this ambiguity is not yet visible. World and European premieres remain almost exclusively electric or electrified. Yet the narrative is subtly shifting. Less dogmatic. More cautious. Some manufacturers now

Absents depuis l'édition 2020, les motos et deux roues motorisés ont fait leur retour

speak of “progressive” transition, market adaptation, and flexibility. For consumers, however, uncertainty is growing. Should one buy electric now? Wait? Choose a hybrid? One thing is certain: electrification is progressing at very different speeds across Europe, simply because each country applies its own “home-made recipe” to encourage adoption—or heavily discourage alternative powertrains. Purchase incentives or cascading taxes—from CO2 penalties to weight-based taxes, not to mention low-emission zones sometimes imposed arbitrarily by European cities—ultimately create deep confusion among consumers, who feel trapped by legislators lacking discernment, if not outright competence.

Luxembourg stands as an exception. The country follows a clearer logic, actively encouraging electromobility through substantial purchase incentives, without excessively penalizing other powertrains. The result speaks for itself: one in ten households already owns an electric vehicle, and just as many plan to switch by 2027, according to a recent HoA study. All of this without traffic restrictions or forced scrappage of existing vehicles.

Car of the Year, the Star of the Event

At the heart of this effervescence, one powerful symbol emerges: the election of the Mercedes-Benz CLA as European Car of the Year 2026. A choice that says much about the times we live in. Neither a massive SUV nor a futuristic gimmick, but an efficient, technological, and elegant premium sedan, designed to balance performance, restraint, and desirability. Its multienergy platform alone encapsulates the new direction taken by the European automotive industry, now forced to juggle multiple realities simultaneously. The podium is completed by the Skoda Elroq and the Kia EV4, both fully electric, illustrating the diversity of answers offered by manufacturers to a transition that can no longer be reduced to a single path.

Brussels, a Laboratory for the Automotive Future

Brussels still lacks a certain touch of madness—the outrageous supercars that once made Geneva’s heart race. Yet what the show loses in extravagance, it gains in relevance. Here, the automobile is no longer an unreachable fantasy. It is a transitional object, a technological product, a societal choice. The Brussels Motor Show 2026 does not take sides. It observes, showcases, questions. It reveals an industry at a crossroads, caught between climate urgency, global competition, and economic realities. A show that mirrors an automotive world moving forward—not at full throttle anymore, but with surgical precision.

LES 4

FANTASTIQUES

LUXGEARS s’est prêté au jeu des voitures préférées en sélectionnant le modèle le plus désirable actuellement disponible dans quatre différentes catégories qui sont les hypercar, supercar, berline ou break, et SUV. Quelle sera votre préférée ?

L'HYPERCAR

SPÉCIFICATIONS TECHNIQUES

GMA S1 LM : l’hommage ultime à la McLaren F1 GTR

La GMA S1 LM est une hypercar homologuée pour la route, radicalement orientée circuit, produite à seulement cinq exemplaires. Elle incarne une vision extrême de l'hypercar classique et moderne, mêlant légèreté, moteur atmosphérique et engagement total du conducteur.

Derrière cette création se trouve Gordon Murray, ingénieur de génie ayant marqué la Formule 1 dans les années 1980 et 1990 au sein d’écuries mythiques comme Brabham et McLaren. À l’instar d’un Adrian Newey récemment chez Red Bull, Murray a conçu des monoplaces dominatrices et révolutionnaires. Il est aussi le créateur de la mythique McLaren F1 de route, hypercar à trois places qui a réalisé l’exploit de remporter les 24 Heures du Mans dès sa première participation en 1995.

Le constructeur britannique GMA s’est déjà imposé comme un acteur majeur des hypercars ultra-exclusives grâce aux T.50 et T.33. Mais la S1 LM va encore plus loin : elle se présente comme une interprétation moderne, presque un “restomod”, de la McLaren F1 GTR victorieuse au Mans en 1995, pensée avant tout pour la performance pure et le plaisir de pilotage extrême.

The GMA S1 LM is a road-legal hypercar with a radically track-focused orientation, produced in just five examples. It embodies an extreme vision of the classic yet modern hypercar, combining lightness, a naturally aspirated engine, and total driver engagement.

Behind this creation stands Gordon Murray, a visionary engineer who left an indelible mark on Formula 1 in the 1980s and 1990s with iconic teams such as Brabham and McLaren. Much like Adrian Newey in recent years at Red Bull, Murray designed dominant and revolutionary single-seaters. He is also the creator of the legendary McLaren F1 road car—a three-seat hypercar that achieved the remarkable feat of winning the 24 Hours of Le Mans on its very first entry in 1995.

The British manufacturer GMA has already established itself as a major player in the world of ultra-exclusive hypercars with the T.50 and T.33. But the S1 LM goes even further: it is conceived as a modern interpretation—almost a “restomod”—of the McLaren F1 GTR that won Le Mans in 1995, designed above all for pure performance and extreme driving pleasure.

SPÉCIFICATIONS TECHNIQUES

Porsche 911 Turbo S 992.2 : la supercar pour faire ses courses

La Porsche 911 Turbo S incarne l’évolution maîtrisée de l’icône de Stuttgart. Pour la première fois de son histoire, la Turbo S adopte une hybridation haute performance, tout en conservant son ADN de supercar utilisable au quotidien, capable d’enchaîner trajets urbains, longues distances et roulage sur circuit sans compromis.

Depuis plus de cinquante ans, la 911 turbo est une référence absolue en matière de performances et de polyvalence. Avec cette nouvelle génération, Porsche ne cède pas à une contrainte, mais exploite l’hybridation comme un outil de performance, directement inspiré de la Formule 1. Le flat-six gagne en cylindrée et en réactivité grâce à des turbocompresseurs à assistance électrique, tandis qu’un moteur électrique intégré à la boîte PDK vient renforcer l’efficacité globale du système avec un temps de réaction fulgurant. Malgré ce virage technologique, la 911 Turbo S reste fidèle à sa philosophie : une voiture redoutablement efficace, mais facile et confortable à conduire au quotidien, tout en étant capable de performances de tout premier plan sur circuit.

The Porsche 911 Turbo S embodies the carefully managed evolution of Stuttgart’s iconic model. For the first time in its history, the Turbo S adopts a high-performance hybrid system while preserving its supercar DNA—equally capable of handling urban commutes, long-distance journeys, and track sessions without compromise.

For over fifty years, the 911 Turbo has stood as a benchmark in performance and versatility. With this new generation, Porsche does not treat electrification as a constraint but rather embraces hybrid technology as a performanceenhancing tool, directly inspired by Formula 1. The flat-six engine gains both displacement and responsiveness thanks to electrically assisted turbochargers, while an electric motor integrated into the PDK gearbox further enhances overall efficiency with lightning-fast response times.

Despite this technological shift, the 911 Turbo S remains true to its philosophy: a formidably capable machine that is easy and comfortable to drive every day, yet fully capable of delivering top-tier performance on the track.

LA BERLINE / LE BREAK

SPÉCIFICATIONS TECHNIQUES

BMW M5: la grande berline sportive entre dans l’ère hybride

La nouvelle BMW M5 marque une nouvelle étape historique pour la légendaire berline sportive bavaroise. Pour la première fois, la M5 adopte un système hybride rechargeable qui combine tradition et modernité pour offrir des performances exceptionnelles, tout en réduisant émissions et consommation. Dans cette septième génération, BMW M GmbH conserve le V8 4,4 litres TwinPower Turbo qui a fait la réputation de la M5, mais l’associe à un moteur électrique intégré à la transmission et à une batterie lithium-ion pour former un système M Hybrid très sophistiqué. Le résultat est une puissance cumulée de 727 ch (535 kW) et un couple maxi de 1 000 Nm, avec une accélération 0 à 100 km/h en environ 3,5 secondes. Malgré un gabarit imposant et une masse conséquente (!), la M5 reste fidèle à sa vocation : une berline ultraperformante, polyvalente et utilisable au quotidien, dotée de la transmission intégrale M xDrive et d’une technologie de pointe. Et pour rassurer celles et ceux en manque de place pour transporter leur famille, leurs articles de sport ou autres objets encombrants, BMW décline aussi sa nouvelle M5 en version break !

The new BMW M5 marks another historic milestone for Bavaria’s legendary high-performance sedan. For the first time, the M5 adopts a plug-in hybrid system that blends tradition with modern technology, delivering exceptional performance while reducing emissions and fuel consumption.

In this seventh generation, BMW M GmbH retains the 4.4-litre TwinPower Turbo V8 that has defined the M5’s reputation, pairing it with an electric motor integrated into the transmission and a lithium-ion battery to create a highly sophisticated M Hybrid system. The result is a combined output of 727 hp (535 kW) and a maximum torque of 1,000 Nm, enabling a 0 to 100 km/h sprint in approximately 3.5 seconds.

Despite its imposing proportions and substantial weight, the M5 remains true to its mission: an ultra-high-performance sedan that is versatile and perfectly suited for everyday driving, featuring M xDrive all-wheel drive and cuttingedge technology. And for those who need extra space for family life, sports gear, or bulkier cargo, BMW is also offering the new M5 in a Touring (wagon) version.

SPÉCIFICATIONS TECHNIQUES

Porsche Cayenne Turbo : le SUV iconique entre dans l’ère 100 % électrique

Le nouveau Porsche Cayenne Turbo marque une étape majeure pour le SUV emblématique de Stuttgart. Pour la première fois, le Cayenne combine puissance démentielle, transmission intégrale et technologie 100 % électrique, tout en conservant sa polyvalence, son caractère sportif et des performances explosives. Sous sa carrosserie, deux moteurs électriques — un par essieu — délivrent une puissance allant jusqu’à 1156 ch en overboost, pour un couple colossal de 1 500 Nm ! L’accélération est fulgurante : 0 à 100 km/h en 2,5 secondes, 0-200 km/h en moins de 8 secondes. La batterie 113 kWh 800 V optimise l’autonomie et la recharge ultra-rapide (10-80 % en 16 minutes à 390 kW), tandis que le châssis profite de la gestion de puissance électrique avec le Porsche Active Ride, les quatre roues motrices et directrices et le Porsche Traction Management qui offrent une agilité stupéfiante, même pour un SUV de 2,7 tonnes. À bord, l’esthétique évolue avec des écrans incurvés, le nouveau Ferry Pad pour le contrôle tactile et un espace arrière préservé, grâce à l’intégration compacte de la batterie qui peut se recharger par induction. Cette version démontre que performance et électrification sont compatibles.

The new Porsche Cayenne Turbo marks a major milestone for Stuttgart’s iconic SUV. For the first time, the Cayenne combines staggering power, allwheel drive, and fully electric technology, while preserving its versatility, sporty character, and explosive performance. Beneath its bodywork, two electric motors—one on each axle—deliver up to 1,156 hp in overboost mode, generating a colossal 1,500 Nm of torque. Acceleration is breathtaking: 0 to 100 km/h in just 2.5 seconds, and 0 to 200 km/h in under 8 seconds. The 113 kWh 800V battery optimises both range and ultra-fast charging capability (10–80% in just 16 minutes at 390 kW), while the chassis benefits from advanced electric power management. Porsche Active Ride, all-wheel drive and rear-axle steering, along with Porsche Traction Management, ensure remarkable agility—even for a 2.7-ton SUV. Inside, the design evolves with curved displays, the new Ferry Pad for touch control, and a preserved rear cabin space thanks to the compact battery integration, which can be wirelessly charged. This version demonstrates that performance and electrification can coexist.

Les 100 moments mémorables du sport automobile le plus impressionnant sont réunis dans Formula 1 : The Impossible Collection, une édition prestigieuse signée Assouline.

LES MOMENTS FORTS FORMULE 1

Un harnais de sécurité à six points vous maintient fermement, vos genoux relevés près du menton, abaissant votre centre de gravité. Devant vous, la visibilité est limitée, et derrière, réduite à deux petits rétroviseurs. Lorsque les feux rouges s’éteignent, vous êtes propulsé dans une autre dimension : la grille de départ d’une Formule 1, dans une voiture d’exception.

Le moteur V6 hybride développe plus de 1 000 chevaux, passant de 0 à 100 km/h en 2,5 secondes. La chaleur dans le cockpit atteint 60 °C, et à la fin de la course, vous aurez perdu plusieurs litres de sueur et plusieurs kilos, tandis que votre cœur bat à plus de 170 pulsations par minute, avec des pics à 210. Les forces G peuvent multiplier par cinq le poids de votre tête, soumettant votre corps à des contraintes extrêmes.

La pression psychologique est intense : 19 voitures lancées à toute vitesse autour de vous, chacune cherchant à prendre la tête dès le premier virage. La précision est vitale : embrayage, accélérateur, freinage, tout doit être parfait. Les freins carbone exigent une force énorme pour ralentir la voiture, qui peut stopper de 100 km/h en 15 mètres.

À 300 km/h, vous recevez des consignes à la radio que vous avez du mal à saisir. À la chicane, vous freinez au dernier moment, mais une mauvaise nouvelle arrive : un arrêt aux stands imprévu pour changer le volant, une opération éclair réalisée par une vingtaine de mécaniciens. Ce contretemps peut compromettre vos chances de victoire.

Ainsi se déroule la course pendant 300 kilomètres sur quatre-vingt-dix minutes, sans le moindre relâchement de la concentration. Le scénario est le même pour plus de vingt courses de Formule 1 chaque année, étalées sur neuf mois, à raison d’environ une toutes les deux semaines. L'auteur de l'ouvrage FORMULA 1: THE IMPOSSIBLE COLLECTION, évoque peut-être les 100 plus grands moments, ou les moments « impossibles », du sommet du sport automobile, mais pour le lecteur moyen, ne serait-ce que parcourir un seul tour de Grand Prix serait impossible.

Cependant, pour les vingt meilleurs pilotes du monde, répartis au sein des dix écuries du championnat, c’est un mode de vie — un mode de vie extrême sous presque tous ses aspects, non seulement sur la piste, mais aussi en dehors. En ce sens, le concept de ce livre hors normes s’accorde parfaitement avec l’univers exceptionnel de la Formule 1, où tout est démesuré et où la quête de la perfection est permanente. Dans un championnat qui regorge de moments exceptionnels à chaque course, l'auteur est parvenu à sélectionner 100 « über-moments » les plus stupéfiants des soixante-quinze années de la Formule 1. Il admet : « Après une longue réflexion quasi existentielle, j’ai choisi de me concentrer sur les instants qui ont écrit l’histoire de la discipline, tout en y mêlant les jalons fondamentaux du changement et du développement, ces bases qui l’ont fait passer d’une sorte de club de gentlemen à ses débuts en 1950 au sport mondial qu’elle est devenue aujourd’hui, suivie par des centaines de

millions de spectateurs à travers le monde — une popularité mondiale troisième seulement derrière les Jeux olympiques et la Coupe du monde de football, mais qui se manifeste toutes les deux semaines, et non tous les quatre ans. La sélection devait inclure les innovations automobiles les plus exceptionnelles, les exploits les plus remarquables des pilotes, ainsi que les courses historiques les plus palpitantes. Hélas, elle devait aussi intégrer certaines tragédies, même si je me concentre uniquement sur celles qui ont eu les répercussions les plus marquantes pour la discipline. La liste devait également faire une place aux événements et expériences hors piste qui ont défini leurs époques respectives, ainsi qu’aux figures emblématiques dont l’influence continue d’irradier la Formule 1 bien après leur disparition. En entrelaçant ces éléments variés, j’espère montrer que la Formule 1 est bien plus que de simples “voitures tournant en rond” : c’est un univers aux multiples facettes qui nourrit la passion de ses fans comme de tous ceux qui y participent — des mécaniciens aux ingénieurs, en passant par les directeurs d’équipe, qui y consacrent une part immense de leur vie personnelle. C’est cette passion qui pousse les pilotes eux-mêmes à être prêts, le cas échéant, à payer le prix ultime pour faire partie de son histoire glorieuse. En vérité, ce cirque itinérant mondial est sans doute aujourd’hui « le plus grand spectacle du monde ». À la fin du XIXe siècle, le spectacle de P. T. Barnum sillonnait les États-Unis à bord de trains composés de plus de soixante wagons, s’étendant sur plus d’un kilomètre, transportant les logements des artistes, les animaux, les chapiteaux et tout le reste. Pour que la Formule 1 puisse « planter son chapiteau » sur cinq continents en neuf mois, elle expédie par voie maritime, à travers le monde, six ensembles complets de matériel de paddock, en centaines de conteneurs, afin que les espaces d’hospitalité des équipes soient équipés à l’identique partout. Les vingt monoplaces et les autres technologies essentielles sont, quant à elles, acheminées par six avions gros-porteurs, chacun transportant jusqu’à 100 tonnes de fret.

Au total, chaque équipe transporte jusqu’à quarante tonnes d’équipement pour les courses lointaines dites « flyaway », et encore davantage lors des déplacements à travers l’Europe, où elles emmènent leurs immenses motorhomes.

Pour ces courses européennes, chacune des dix écuries utilise environ vingtcinq semi-remorques articulés et une demi-douzaine de camionnettes pour parcourir les autoroutes du continent aux couleurs de l’équipe. Cette flotte est rejointe par des dizaines de camions affrétés par la Formule 1, transportant le matériel de chronométrage, l’équipement de restauration du Paddock Club, ainsi qu’un vaste dispositif de production télévisuelle chargé de diffuser le signal principal aux chaînes du monde entier.

Les motorhomes mentionnés ont évolué, passant de simples camping-cars à des bâtiments conçus spécialement, comme le McLaren Brand Center original de 140 tonnes (récemment réduit pour être plus durable !), la Red Bull Energy Station « Holzhouse » de 1 221 mètres carrés, ou les multiples tours de Ferrari. Ces structures servent de base pour chaque équipe durant le week-end de course, offrant un refuge à leurs dirigeants, sponsors, invités de prestige tels que des stars de cinéma, des hommes politiques ou des milliardaires, ainsi qu’un lieu de repos pour les pilotes. Équipés de cuisines haut de gamme (Red Bull invitait pendant des années un chef étoilé Michelin différent pour cuisiner à chaque course). Ils fournissent également un centre de relations avec les médias pour les centaines de journalistes présents à chaque course.

Les voitures de course, construites à la main par chaque équipe dans leurs propres usines — la plupart situées dans une sorte de Silicon Valley des équipes en Angleterre, bien que Ferrari et Red Bull Racing soient en Italie, Sauber/Audi en Suisse, tandis que l’administration de l’équipe Haas, propriété américaine, est basée en Caroline du Nord — sont démontées entre chaque course. Chaque voiture est composée de 3 000 à 5 000 pièces, et tout au long de la saison, beaucoup de ces pièces sont repensées, améliorées et remplacées, chaque équipe cherchant à gagner en performance, même minime, sous peine de prendre du retard.

Les équipes comptent jusqu’à 1 200 employés ou plus et envoient entre soixante et cent personnes ou davantage à chaque course, un groupe qui fonctionne avec la précision et la camaraderie d’une troupe militaire — et qui inclut un nombre croissant de femmes.

Mais cela implique aussi de gérer les besoins de ce « peloton itinérant » et d’organiser leurs déplacements, ce qui équivaut à déménager un bureau toutes les une à deux semaines tout au long de l’année. Il n’est donc pas étonnant que les budgets des équipes aient atteint jusqu’à un demi-milliard de dollars avant que la série n’impose un plafond budgétaire en 2021. Ce dernier, actuellement fixé à 135 millions de dollars par saison, concerne principalement ce que l’équipe utilise pour construire ses voitures, ainsi que certains autres coûts clés. Il ne couvre pas les salaires des pilotes ou des hauts dirigeants, ni les frais de déplacement des équipes, le marketing ou d’autres aspects non technologiques.

Tout ce cirque représente des milliers de personnes se déplaçant de course en course et vivant dans la même communauté microscopique appelée le « paddock », une zone fermée située derrière les garages, à laquelle l’accès nécessite un pass officiel délivré par la Fédération Internationale de l’Automobile (FIA) ou la Formula One Management (FOM), et que Jackie Stewart, triple champion du monde, appelle « le sanctuaire intérieur ». Pendant des décennies, il était impossible pour le spectateur moyen de s’approcher aussi près des voitures ou des pilotes, l’activité étant devenue aussi une affaire d’exclusivité.

Puis entre en scène Liberty Media, une société américaine qui a racheté la série en 2016 pour 8 milliards de dollars. À peine le contrat de rachat signé, l'entreprise américaine a limogé Bernie Ecclestone de son poste de directeur, le nommant président émérite, marquant ainsi la fin définitive de son époque. Après ce qui a semblé à beaucoup dans le milieu de la Formule 1 comme un coup fatal, la nouvelle société, dirigée d’abord par Chase Carey, puis à partir de 2021 par Stefano Domenicali, ancien directeur de l’écurie Ferrari, s’est attelée à porter la Formule 1 vers un niveau de succès encore plus élevé. Alors qu’Ecclestone avait transformé la discipline en feuilleton télévisé grâce à l’acquisition des droits télévisés, Liberty Media a assoupli les restrictions, ce qui a accru l’intérêt des fans. Sa décision la plus importante fut d’inviter une équipe de télévision à porter le feuilleton à un autre niveau grâce à une nouvelle série documentaire sur Netflix. Lancée discrètement avec sa première

saison en 2019, cette série, intitulée Drive to Survive, s’est rapprochée des équipes et des pilotes, aussi bien dans le paddock que chez eux, dans leur vie privée, ce qui a conduit à un succès international inattendu.

Aujourd’hui à sa septième saison, Drive to Survive a transformé la popularité de la Formule 1, surtout sur le marché américain, que Bernie Ecclestone n’avait jamais réussi à conquérir.

Jamais la Formule 1 n’a été aussi populaire aux États-Unis, comme le montrent les chiffres d’audience des courses américaines ainsi que l’affluence lors des trois Grands Prix organisés dans le pays. En témoigne le succès mondial du film de course intitulé F1, avec Brad Pitt, réalisé en collaboration avec la société F1 et la FIA, produit par Apple et en partie par la société privée de production de Lewis Hamilton, et distribué par Warner Bros. et Apple.

Liberty Media a aussi assoupli les règles sur l’utilisation des vidéos des actions sur piste en dehors des chaînes payantes, et depuis 2018, la série propose son propre service de streaming par abonnement, F1TV, qui offre aux fans un accès complet à toutes les images et commentaires pendant un week-end de course, y compris les caméras embarquées sur toutes les voitures, réussissant là où Ecclestone avait échoué en 1997 avec son premier système de télévision numérique.

Sous Liberty Media, l’accès au paddock a aussi été élargi, généralement contre paiement, rapprochant plus de monde de l’action. J’espère que mon livre luimême rapprochera les lecteurs de la série comme jamais auparavant, en leur faisant ressentir les odeurs, les sons et l’excitation viscérale d’être sur place — et plus encore, en leur offrant tout le spectre des sensations des soixantequinze saisons que la Formule 1 a connues, pas seulement le frisson d’une seule course. »

Ce cirque itinérant mondial est sans doute aujourd’hui

« le plus grand spectacle du monde »

This is how a race unfolds over 300 kilometers and ninety minutes, with no lapse in concentration. And this scenario repeats itself more than twenty times a year, over nine months, with races held roughly every two weeks.

The author of FORMULA 1: THE IMPOSSIBLE COLLECTION may evoke the 100 greatest—or “impossible”—moments in the pinnacle of motorsport, but for the average reader, completing even a single lap of a Grand Prix would be impossible.

For the twenty best drivers in the world, spread across ten teams, however, it is a way of life—an extreme one, in nearly every respect, both on and off the track. In that sense, the concept of this extraordinary book aligns perfectly with the exceptional world of Formula One, where everything is amplified and the pursuit of perfection never ends.

In a championship overflowing with remarkable moments at every race, the author has distilled the 100 most astonishing “über-moments” from seventy-five years of Formula One history. He admits:

“After a long, almost existential reflection, I chose to focus on the moments that shaped the sport’s history, while weaving in the fundamental milestones of change and development—those foundations that transformed it from a kind of gentlemen’s club in 1950 into the global sport it is today, followed by hundreds of millions worldwide. Its popularity ranks behind only the Olympic Games and the FIFA World Cup—except it happens every two weeks, not every four years.

The selection had to include the most extraordinary automotive innovations, the most remarkable driver achievements, and the most thrilling historic races. Inevitably, it also had to acknowledge certain tragedies, though I focus only on those that had the most profound impact on the sport. The list also makes room for off-track events and experiences that defined their eras, as well as iconic figures whose influence continues to radiate long after their passing.

By weaving these elements together, I hope to show that Formula One is far more than just ‘cars going round in circles.’ It is a multifaceted universe that fuels the passion of its fans and of everyone involved—from mechanics and engineers to team principals—who devote an immense part of their personal lives to it. It is this passion that drives the drivers themselves to be willing, if necessary, to pay the ultimate price to become part of its glorious history.”

A six-point safety harness locks you firmly into place, your knees raised close to your chin, lowering your center of gravity to just inches above the ground. Ahead, visibility is limited; behind, it is reduced to two tiny mirrors. When the red lights go out, you are launched into another dimension: the starting grid of a Formula One race, inside an extraordinary machine.

The hybrid V6 engine produces more than 1,000 horsepower, accelerating from 0 to 100 km/h in just 2.5 seconds. Inside the cockpit, temperatures climb to 60°C. By the end of the race, you will have lost several liters of fluid and multiple kilograms, while your heart rate averages over 170 beats per minute, peaking at 210. G-forces can multiply the weight of your head fivefold, subjecting your body to extreme physical stress.

The psychological pressure is relentless: nineteen cars hurtle around you at full speed, each driver fighting to take the lead into the first corner. Precision is everything—clutch, throttle, braking—there is no margin for error. Carbon brakes demand immense force to slow the car, capable of stopping from 100 km/h in just 15 meters.

At 300 km/h, radio instructions crackle in your ear, barely intelligible. You brake at the last possible moment into the chicane, only to receive bad news: an unexpected pit stop to change the steering wheel—an operation executed in seconds by a team of around twenty mechanics. This setback could compromise your chances of victory.

Ci-contre : Après le Grand Prix de Belgique 2000, Mika Häkkinen démontre son dépassement gagnant sur Michael Schumacher.

Photo : © Rainer Schlegelmilch/Motorsport Images

After the 2000 Belgian Grand Prix, Mika Häkkinen demonstrates his winning overtaking maneuver on Michael Schumacher.

© Rainer Schlegelmilch/Motorsport Images

In truth, this global traveling circus may well be “the greatest show on Earth” today. At the end of the 19th century, P. T. Barnum’s spectacle crossed the United States aboard trains of more than sixty cars, stretching over a kilometer and carrying performers, animals, tents, and infrastructure. To allow Formula One to “pitch its tent” on five continents in nine months, six complete sets of paddock equipment are shipped by sea around the world in hundreds of containers, ensuring identical team hospitality setups at every venue. The twenty race cars and other essential technologies are flown aboard six wide-body aircraft, each carrying up to 100 tons of cargo.

Each team transports up to forty tons of equipment for long-haul “flyaway” races—and even more during the European leg, where massive motorhomes are used. For European events, each of the ten teams operates around twenty-five articulated trucks and several vans, emblazoned in team colors, crossing the continent’s highways. These fleets are joined by dozens of Formula One–chartered trucks transporting timing systems, Paddock Club catering equipment, and an extensive television production infrastructure broadcasting the world feed globally.

Team motorhomes have evolved from simple campers into purpose-built structures, such as McLaren’s original 140-ton Brand Center (recently downsized for sustainability), Red Bull’s 1,221-square-meter Energy Station “Holzhaus,” or Ferrari’s multi-story hospitality towers. These serve as team headquarters during race weekends, hosting executives, sponsors, VIP guests— film stars, politicians, billionaires—and providing rest areas for drivers. Equipped with gourmet kitchens (Red Bull famously invited a different Michelin-starred chef to each race for years), they also function as media hubs for the hundreds of journalists attending every Grand Prix.

This global traveling circus may well be “the greatest show on Earth” today

The race cars themselves—hand-built in each team’s factory, most located in a kind of motorsport Silicon Valley in England, with Ferrari and Red Bull Racing in Italy, Sauber/Audi in Switzerland, and Haas’s administration in North Carolina—are dismantled between races. Each car comprises between 3,000 and 5,000 components, many of which are continuously redesigned, upgraded, and replaced throughout the season as teams chase even the smallest performance gains to avoid falling behind.

Teams can employ up to 1,200 people or more, sending between sixty and one hundred staff to each race—a group operating with the precision and camaraderie of a military unit, and increasingly inclusive of women. Managing this “traveling peloton” means relocating an office every one to two weeks throughout the year. It is therefore unsurprising that team budgets once reached up to half a billion dollars before a cost cap was introduced in 2021. Currently set at $135 million per season, it primarily covers car development and certain technical costs, excluding driver salaries, senior management pay, travel, marketing, and other non-technical expenses.

This entire circus involves thousands of people moving from race to race, inhabiting the same microcosmic community known as the “paddock”—a restricted area behind the garages that requires an official pass issued by the FIA or Formula One Management (FOM) to enter, and which three-time world champion Jackie Stewart calls “the inner sanctum.” For decades, it was impossible for the average spectator to get anywhere near this close to the cars or drivers, as the sport had also become an exercise in exclusivity.

Then came Liberty Media. The American company acquired Formula One in 2016 for $8 billion. No sooner had the deal been completed than Bernie Ecclestone was dismissed as director and named chairman emeritus, definitively closing his era. What many perceived as a potential death blow instead marked a rebirth. Under the leadership of Chase Carey, and from 2021 Stefano Domenicali, former Ferrari team principal, Formula One reached unprecedented levels of success. While Ecclestone had turned the sport into a televised soap opera through control of broadcast rights, Liberty Media loosened restrictions, increasing fan engagement. Its most decisive move was inviting a television crew to take the drama further through a new Netflix documentary series.

Launched quietly in 2019, Drive to Survive brought audiences closer to teams and drivers—inside the paddock, at home, and in their private lives—resulting in an unexpected global phenomenon. Now in its seventh season, the series has transformed Formula One’s popularity, particularly in the United States, a market Ecclestone had never managed to conquer.

Formula One has never been more popular in the U.S., as reflected in television ratings and attendance at the country’s three Grands Prix. This momentum is reinforced by the global success of the racing film F1, starring Brad Pitt, produced in collaboration with Formula One and the FIA, by Apple and in part by Lewis Hamilton’s own production company, and distributed by Warner Bros. and Apple.

Liberty Media has also relaxed rules governing the use of track-action footage beyond pay-TV networks, and since 2018 has offered its own subscriptionbased streaming service, F1TV, granting fans full access to race weekend coverage, including onboard cameras for every driver—succeeding where Ecclestone’s first digital TV venture failed in 1997.

Under Liberty Media, paddock access has also expanded, generally for a fee, bringing more people closer to the action. And the author hopes that this book itself will bring readers closer than ever before—allowing them to experience the smells, sounds, and visceral excitement of being there, and more still, to feel the full spectrum of sensations from all seventy-five seasons of Formula One history, not just the thrill of a single race.

LA VOITURE QUI

RB17 : la version définitive de l’ultime supercar de piste signée Red Bull vient d'être dévoilée.

DONNE DES AILES

Même s’il a quitté Red Bull pour Aston Martin, Adrian Newey continue d’influencer le développement de la RB17, cette hypercar de piste aussi radicale qu’un crochet de Mike Tyson, est aujourd’hui dévoilée en version 2.0. Plus affûtée visuellement, elle adopte de nouveaux feux LED avant en forme de crosse de hockey qui lui donnent enfin un visage — presque humain, des prises d’air plus sculptées et une spectaculaire dérive centrale à l’arrière, façon aileron de requin, renforçant son allure de prototype de course.

Légèrement plus compacte, mais toujours aussi large qu’une Formule 1 moderne, la RB17 intègre désormais des éléments du monde réel comme des rétroviseurs et un essuie-glace... De quoi affronter la pluie, à condition d’avoir une foi absolue dans l’aérodynamique. Et dans son propre courage. Newey, toujours consulté, a poussé le perfectionnisme jusqu’à déplacer l’échappement sur la colonne centrale du capot moteur, un choix aussi audacieux que complexe sur le plan thermique.

Sous la carrosserie, on trouve un V10 atmosphérique Cosworth de 4,5 litres, développant 1 000 chevaux, épaulé par un moteur électrique de 200 chevaux. Le tout délivre une sonorité inspirée des Formule 1 de la fin des années 1990, chère à Newey, notamment celle de la McLaren-Mercedes MP4/15. L’habitacle, conforme aux normes de sécurité du Mans, privilégie une approche purement fonctionnelle : aucun écran tactile, uniquement des commandes physiques pensées pour être utilisées sous de fortes contraintes de G, générées par près de 1 700 kg d’appui aérodynamique. Les portes papillon facilitent l’accès, malgré l’architecture extrême.

Actuellement en construction, la RB17 sera présentée cet été lors de démonstrations en marge de Grands Prix. Seulement 50 exemplaires, assemblés à la main au Royaume-Uni, seront produits à partir du printemps prochain. Une machine sans compromis, réservée à une élite prête à vivre l’expérience la plus proche possible d’une Formule 1 hors championnat.

« A no-compromise machine, reserved for an elite willing to experience the closest thing possible to Formula 1 outside the championship. »

Even though he has left Red Bull for Aston Martin, Adrian Newey continues to influence the development of the RB17. This radical track-only hypercar— about as extreme as a Mike Tyson hook—is now revealed in its 2.0 form. Visually sharper, it features new hockey-stick-shaped LED front lights that finally give the car a face—almost a human one—along with more sculpted air intakes and a spectacular central rear fin, shark-like in form, reinforcing its racing-prototype presence.

Slightly more compact yet still as wide as a modern Formula 1 car, the RB17 now incorporates real-world necessities such as side mirrors and a windshield wiper. Ready for the rain—provided you have absolute faith in aerodynamics. And in your own courage. Still consulted on the project, Newey pushed his perfectionism to the extreme by relocating the exhaust to the central spine of the engine cover, a decision as daring as it is thermally complex.

Beneath the bodywork lies a naturally aspirated 4.5-liter Cosworth V10 producing 1,000 horsepower, supported by a 200-horsepower electric motor. The result is a soundtrack inspired by late-1990s Formula 1—particularly Newey’s personal favorite, the McLaren-Mercedes MP4/15.

The cockpit, built to Le Mans safety standards, adopts a purely functional approach: no touchscreens, only physical controls designed to be operated under extreme G-forces generated by nearly 1,700 kg of aerodynamic downforce. Butterfly doors ease access despite the car’s uncompromising architecture.

Currently under construction, the RB17 will be unveiled this summer during demonstration runs alongside Formula 1 Grands Prix. Just 50 examples, handbuilt in the UK, will enter production from next spring. A no-compromise machine, reserved for an elite willing to experience the closest thing possible to Formula 1 outside the championship.

NOTRE CÔTÉ FÉMININ...

NOUVELLE GÉNÉRATION WELCOME

Il y a un an, nous lancions un pari un peu fou : donner une réalité physique aux pages de ce magazine.

Aujourd'hui, alors que le Premium Private Club souffle sa première bougie, nous sommes ravis de le voir s'épanouir en un lieu de rencontres inspirantes, vibrant au même rythme que l'esprit de partage qui anime nos pages.

Ce numéro 63 est une ode à cette énergie créatrice. En couverture, Sydney Sweeney s’impose comme l'icône d'une génération qui refuse les trajectoires linéaires. Actrice magnétique et entrepreneuse visionnaire avec sa marque SYRN, elle navigue avec la même aisance des tapis rouges de Hollywood aux coulisses de sa société de production, jusqu’à l’atelier où elle restaure des voitures classiques, incarnant pleinement chacune de ses passions. Cette soif de découverte irrigue également notre dossier voyage. De l'esthétique intemporelle des éditions Assouline, qui transforment l'évasion en objet d'art, aux nouvelles frontières du lux-scaping, nous vous invitons à découvrir d'autres manières de parcourir le monde. Enfin, nous vous ouvrons les portes du Château de la Messardière — futur écrin de la série The White Lotus — pour une parenthèse entre héritage historique et faste contemporain.

L’année 2025 fut une magnifique aventure collective. Alors que 2026 se dessine déjà, nous espérons qu’elle soit tissée de ces mêmes instants, de rencontres inattendues et de nouvelles histoires à vivre — avec vous, au cœur de chaque expérience.

Bonne lecture, Miss

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Fréquence : 4 numéros doubles H/F par an

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Notre coté féminin

p. 3 Edito

6 LIFESTYLE

p. 6 La nuit aux trois étoiles

p. 8 Premier anniversaire du club

p. 14 Sydney Sweeney

22 CAPITAL

p. 22 L'or des comptes

24 SAVEURS

p. 24 Délices pour le palais

26 FASHION

p. 26 Catwalk stars

p. 28 Sydney en mode sexy

p. 30 World fashion

32 SUCCESS STORY

p. 32 Reese Whiterspoon

36 SOCIÉTÉ

p. 36 Les femmes de l'année 2025

38 WATCHES

p. 38 Poignet d'amour

p. 40 Tendances horlogères et joaillières 2025

42 DOSSIER SPÉCIAL VOYAGES

p. 42 Road books

p. 44 Retour à la source

p. 46 Êtes-vous un hackeur de voyages ?

p. 48 La fine fleur des séries

Ce bar au design raffiné associe des matériaux nobles soigneusement sélectionnés, où le bois véritable dialogue avec l’éclat du vernis laqué. Pensé comme une pièce signature, il s’intègre harmonieusement à la cuisine ou à la salle à manger. La perfection jusque dans les moindres détails : les cuisines Noblessa incarnent l’excellence du savoir-faire allemand, alliant esthétique, précision et durabilité.

À Luxembourg, Noblessa est gérée par Vincenza et sa fille Inès qui unissent leur savoir-faire et leur sens du détail pour vous offrir un accompagnement aussi chaleureux qu’exigeant.

boulevard Joseph II, L-1840 Luxembourg

ÉVÉNEMENT | LA NUIT BLANCHE III

La nuit aux trois étoiles

Le 24 novembre 2025, le Magazine Premium a organisé, avec le soutien d’ING Private Banking, son troisième dîner gastronomique et caritatif au restaurant SixSeven. Une soirée placée sous le signe de la haute cuisine, de la convivialité et de l’engagement solidaire.

Texte Audrey Forman Photos Greg Thirion

L'événement a trouvé son point d'orgue dans la présence exceptionnelle du chef Christian Le Squer. Pour la première fois dans ce cadre au Luxembourg, le chef triplement étoilé du prestigieux restaurant Le Cinq au George V à Paris est venu signer un menu en cinq services. Une chance inédite d'avoir à nos côtés cette figure emblématique de la gastronomie française, qui a orchestré une partition précise et inspirée. On retiendra notamment un foie gras poché dans un bouillon iodé, un bar de ligne sublimé par un caviar maturé et un lait ribot aux accents d’enfance, ou encore un dessert audacieux mêlant chocolat noir, Carambar et éclats de cacahuète grillée. Entre les services, le chef est allé à la rencontre des invités, échangeant avec générosité et simplicité.

Partenaires d’exception

Soutenue par des acteurs engagés comme ING Private Banking, l’Institut Médical Asclepios, Sisley, Cottyn-Kieffer, Bernard-Massard ou encore Nestlé Waters, la soirée a vibré au rythme d’une tombola caritative, portée par la générosité de partenaires prestigieux ayant chacun contribué par un lot d’exception.

Côté évasion et hôtellerie, les invités ont pu tenter leur chance pour remporter une nuitée au Domaine de la Klauss, hôtel-spa cinq étoiles en Moselle, offerte par l’Institut Médical Asclepios, ainsi qu’une nuit au Château d’Urspelt ou encore un séjour à l’Hôtel Le Place d’Armes. Les plaisirs de la table n’étaient pas en reste, avec plusieurs bons et menus gastronomiques offerts par le restaurant SixSeven, Ma Langue Sourit (deux étoiles Michelin), le restaurant Le K du Domaine de la Klauss, ainsi qu’un menu “Valse à 3 temps” à la Villa René Lalique (deux étoiles Michelin). Les amateurs de jeu ont également pu profiter d’un bon offert par Casino 2000.

Côté art de vivre et raffinement, les lots ont séduit par leur diversité : un coffret de Noël Guerlain, deux magnums fournis par Bernard-Massard, une bougie Baobab offerte par Smets, plusieurs bons cadeaux pour découvrir les soins de la toute nouvelle Maison Sisley au Luxembourg, un stylo roller Varius Peter Marino en édition spéciale signé Les Ambassadeurs, un coffret Arduenna Gin, une carte membre au Premium Private Club, ainsi qu’une monture solaire John Dalia offerte par Optique Moitzheim.

La mode et le savoir-faire artisanal étaient également à l’honneur avec une paire de chaussures Carmina, confectionnée en cuir haut de gamme selon un savoir-faire espagnol.

Un éclat de générosité Moment particulièrement attendu, le joaillier Windeshausen a apporté une touche d’éclat à la soirée en faisant gagner un diamant de 0,83 carat d'une valeur de 3000 euros, symbole de l’esprit de générosité et d’exception qui a animé l’événement. L’ensemble des fonds récoltés a été intégralement reversé à Handicap International, donnant à cette soirée gourmande une résonance profondément solidaire.

La Nuit Blanche a été portée par un service assuré avec rigueur et justesse par les équipes du SixSeven et les étudiants de l’École hôtelière de Namur. La musique live s’est invitée jusqu’au dessert pour parfaire cette atmosphère élégante et festive, fidèle à l’essentiel : montrer que la gastronomie partagée peut se mettre au service de la solidarité. Une réussite qui appelle déjà une suite : nous avons hâte de vous dévoiler ce que vous réserve l'édition 2026.

Sisley, Cottyn-Kieffer, Bernard-Massard, and Nestlé Waters, the evening came alive with a charity raffle, fueled by the generosity of prestigious partners, each contributing an exceptional prize. In travel and hospitality, guests had the chance to win an overnight stay at Domaine de la Klauss, a five-star hotel and spa in Moselle, offered by the Asclepios Medical Institute, as well as a night at Château d’Urspelt or a stay at Hôtel Le Place d’Armes.

Culinary pleasures were well represented, with vouchers and gastronomic menus offered by SixSeven, Ma Langue Sourit (two Michelin stars), Le K at Domaine de la Klauss, as well as a “Valse à 3 temps” menu at Villa René Lalique, also awarded two Michelin stars. Gaming enthusiasts could also enjoy a voucher from Casino 2000.

In terms of lifestyle and refinement, the prizes impressed with their diversity: a Guerlain Christmas gift set, two Bernard-Massard magnums, a Baobab candle by Smets, gift vouchers for the new Sisley House in Luxembourg, a special edition Varius Peter Marino rollerball pen signed by Les Ambassadeurs, an Arduenna Gin gift set, a Premium Private Club membership card, and a John Dalia solar frame from Optique Moitzheim. Fashion and craftsmanship were highlighted with a pair of Carmina shoes, crafted from premium leather using traditional Spanish expertise.

A Sparkle of Generosity

The event reached its climax with the exceptional presence of Chef Christian Le Squer. For the first time in Luxembourg, the three-Michelin-starred chef of the prestigious restaurant Le Cinq at the George V in Paris came to present a signed fivecourse menu. It was a unique opportunity to have this iconic figure of French gastronomy by our side, who orchestrated a precise and inspired culinary performance. Highlights included foie gras poached in an iodine broth, line-caught sea bass elevated with matured caviar and buttermilk evoking childhood memories, and a daring dessert combining dark chocolate, Carambar, and roasted peanut pieces. Between courses, the chef mingled generously and humbly with the guests.

Exceptional Partners

Supported by committed partners such as ING Private Banking, the Asclepios Medical Institute,

A highly anticipated moment came when jeweler Windeshausen added a touch of sparkle by offering a 0.83-carat diamond worth 3,000 euros as a prize—a perfect symbol of the generosity and exceptional spirit that fueled the event.

All funds raised were fully donated to Handicap International, giving this gourmet evening a deeply meaningful charitable resonance.

The Nuit Blanche was supported by impeccable and precise service provided by the SixSeven teams and students from the Namur Hospitality School. Live music accompanied the evening up until dessert, enhancing the elegant and festive atmosphere, true to the core message: showing that shared gastronomy can serve the cause of solidarity.

A success that already calls for a sequel: we look forward to revealing what awaits you at the 2026 edition.

PREMIER ANNIVERSAIRE DU CLUB

Il y a un an, le Premium Private Club ouvrait ses portes avec une ambition claire : donner vie aux pages du magazine Premium et en incarner l’esprit au quotidien. Offrir un lieu où membres et invités pourraient se retrouver pour vivre des moments uniques, tisser de nouvelles rencontres et partager des expériences hors du commun. Aujourd’hui, un an plus tard, force est de constater que le pari a été entièrement remporté.

Notre première soirée, sous le thème Casino Royale, reste gravée dans nos mémoires. Dès les débuts, nous avons eu la chance de recevoir le pilote d'avion de chasse sur Rafale, Jean-Guillaume Martinez, alias Marty, pour une rencontre à la fois marquante et inspirante.

Au fil des mois, notre club est devenu un véritable lieu de « Rencontres Extraordinaires » : nous avons eu l’honneur d’accueillir Simon Gronowski et Lili Keller Rosenberg, rescapés de la Shoah, dont les récits émouvants et la force incroyable ont laissé des souvenirs indélébiles dans nos cœurs. Nous avons également reçu Teddy Palassy, ancien membre des forces spéciales, et Nicolas Baaklini, gynécologue et artiste peintre ayant grandi comme enfant soldat à Beyrouth. Le club a ouvert ses portes à des figures emblématiques du monde artistique et automobile : Jean-Louis Dauger, directeur de la marque Michel Vaillant, et Denis Lapière, scénariste de la BD, ainsi que Laurent Tapie, venu partager l’histoire de son père et présenter la prestigieuse voiture Delage. L'esprit du club a vibré au rythme de nos soirées thématiques, du mystère de la Black Masquerade d’Halloween aux volutes feutrées de la soirée Rhum & Cigare, sans oublier l’élégance de notre Nuit du Jazz. Mais cette année a aussi été marquée par deux soirées de lancement mémorables pour nos calendriers Premium 2025 et 2026 : des événements d'envergure qui ont célébré l'aboutissement de mois de création. Car le club sait se métamorphoser : il s'est tour à tour transformé en studio de shooting pour donner vie à ces images, en arène électrique pour un combat de boxe inter-entreprises, et même en podium de mode pour le défilé de la marque de vêtements équestres Vengoh.

L'excellence s'est aussi invitée à travers nos Masterclasses exclusives, à l'image de celle réalisée avec la Maison Sisley, pour offrir à nos membres des moments de savoir-faire suspendus. Parallèlement, le club est devenu l'écrin privilégié de nombreuses soirées privées d’entreprise : des événements conçus sur-mesure, où chaque organisation a pu écrire sa propre histoire dans l'intimité de nos salons.

Aujourd’hui, en soufflant notre première bougie, nous regardons cette année avec gratitude et fierté. Merci à toutes celles et ceux qui ont partagé ces instants précieux avec nous. Le Premium Private Club ne fait que commencer sa mutation pour toujours mieux vous surprendre. Demain s'annonce déjà extraordinaire.

One year ago, the Premium Private Club opened its doors with a clear ambition: to bring the pages of Premium Magazine to life and embody its spirit every day. Our vision was to offer a sanctuary where members and guests could gather to live unique moments, forge new connections, and share extraordinary experiences. Today, one year later, it is clear that the challenge has been triumphantly met.

Our inaugural evening, themed Casino Royale, remains etched in our memories. From the very beginning, we had the privilege of welcoming Rafale fighter jet pilot Jean-Guillaume Martinez, also known as Marty, for a meeting that was both impactful and inspiring.

Over the months, our club has become a true hub for "Extraordinary Encounters." We were deeply privileged to host Simon Gronowski and Lili Keller-Rosenberg, Holocaust survivors whose moving testimonies and incredible resilience left an indelible mark on our hearts. We also welcomed Teddy Palassy, a former Special Forces operative, and Dr. Nicolas Baaklini, a gynecologist and painter who grew up as a child soldier in Beirut. The club further opened its doors to iconic figures from the artistic and automotive worlds: Jean-Louis Dauger, Director of the Michel Vaillant brand, and scriptwriter Denis Lapière, as well as Laurent Tapie, who shared his father’s legacy and presented the prestigious Delage motorcar.

The club’s spirit has vibrated to the rhythm of our themed evenings—from the mystery of the Black Masquerade for Halloween to the velvety ambiance of our Rum & Cigar night, not forgetting the timeless elegance of our Jazz Nights. This year was also highlighted by two memorable launch parties for our 2025 and 2026 Premium Calendars: major events that celebrated months of creative work. Indeed, the club is a master of metamorphosis: it has transformed into a professional photo studio, an electric arena for an inter-company boxing match, and even a fashion runway for the Vengoh equestrian apparel show.

Excellence was also showcased through our exclusive Masterclasses, such as the one held with Maison Sisley, offering our members moments of suspended artistry and savoir-faire. In parallel, the club has become the preferred setting for numerous private corporate events: bespoke gatherings where each organization could write its own story within the intimacy of our spaces. Today, as we blow out our first candle, we look back on this year with immense gratitude and pride. Thank you to everyone who has shared these precious moments with us. The Premium Private Club is only just beginning its evolution to continue surprising you. Tomorrow already promises to be extraordinary.

« Notre première soirée, sous le thème Casino Royale, reste gravée dans nos mémoires »

- YEAR 2026 -

The ultimate place to put the world to rights*

*La meilleure place pour refaire le monde

Du lundi au vendredi, de 14h à 22h30, le Premium Private Club vous accueille pour travailler, échanger ou simplement faire une pause. Bar inspiré des grands hôtels, salons confortables, espaces de coworking, carte food, cocktails signatures et coin cigare : le lieu vit au fil des rencontres, des événements et des soirées thématiques. Un club pensé comme un vrai lieu de vie, où l’on vient autant pour le cadre que pour les échanges, réservé aux membres en quête d’expériences et de connexions authentiques.

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YDNEY WEENEY

Sydney Sweeney incarne une nouvelle génération de stars capables de conjuguer puissance commerciale, ambition artistique et contrôle affirmé de leur image. Rencontre avec la jeune star de The Housemaid.

Sydney Sweeney s’est imposée en un temps record comme l’une des actrices les plus puissantes commercialement et les plus débattues culturellement de sa génération. Originaire du Nord-Ouest Pacifique, à Spokane dans l’État de Washington, elle est passée du statut de chouchoute du cinéma indépendant à celui de valeur sûre du box-office mondial, tout en devenant l’une des jeunes femmes les plus analysées de la culture contemporaine du divertissement.

Âgée de 28 ans, elle s’est illustrée dans des rôles marquants tels que Cassie Howard, personnage intense et tourmenté de la série Euphoria sur HBO, Eden dans The Handmaid’s Tale, ou encore Olivia Mossbacher dans The White Lotus. Des performances qui lui ont valu plusieurs nominations aux Emmy Awards et ont confirmé son goût pour des rôles émotionnellement exigeants.

Ces dernières années, Sydney Sweeney a élargi son registre en intégrant des productions de studios d’envergure comme Madame Web, tout en poursuivant un travail plus sombre et plus personnel à travers Immaculate, Reality, Americana ou encore Echo Valley. Alors que 2026 s’ouvre, son agenda n’a jamais été aussi ambitieux : The Housemaid est devenu un succès mondial, sa suite est déjà en préparation, la saison 3 très attendue de Euphoria fait son retour, tandis que la suite de Le Diable s’habille en Prada marque son entrée dans l’une des franchises les plus emblématiques du cinéma.

À cela s’ajoute le biopic très attendu Scandalous, dans lequel elle incarnera Kim Novak — un rôle annonçant l’une de ses transformations dramatiques les plus marquantes.

En dehors des écrans, Sydney Sweeney est devenue un véritable point de cristallisation de la culture people moderne : célébrée pour son indépendance, scrutée pour sa féminité, et récemment projetée au cœur d’un débat public intense à la suite d’une campagne denim largement commentée, devenue le symbole d’une réflexion plus vaste sur l’autonomie féminine, l’image et l’interprétation.

Ancrée, farouchement autodirigée et de plus en plus affirmée quant à son droit d’exister dans l’industrie selon ses propres règles, Sydney Sweeney n’est plus seulement l’ingénue révélée d’Hollywood — elle est désormais l’une de ses figures de pouvoir les plus observées.

: Vous êtes omniprésente en ce moment. Parmi vos projets récents, lesquels vous ont apporté le plus de satisfaction ?

Sydney Sweeney : J’ai eu la chance de travailler sur un mélange très riche de films et de séries. Reality, le film HBO, a été particulièrement marquant. J’ai pu parler directement avec la véritable Reality Winner pour comprendre qui elle est : sa vie, ses relations, sa famille, et bien sûr son vécu lors de l’interrogatoire du FBI après la fuite d’informations gouvernementales vers les médias. Ce contact direct avec une personne réelle, et le fait de m’immerger dans son histoire, a été une expérience extrêmement forte. Ce sont ce genre de projets qui me stimulent vraiment. Madame Web a aussi été une étape importante. Malgré des critiques mitigées, j’en suis fière. Puis est arrivé Immaculate, qui représentait un tournant majeur car il m’a permis de poursuivre mes ambitions en tant que productrice. Produire est essentiel pour moi : cela m’offre davantage de contrôle, de direction artistique et une liberté que l’on n’a pas toujours en tant qu’actrice. Mais si je suis honnête, The Housemaid a tout changé d’une manière différente. C’est la première fois que j’ai ressenti une réaction mondiale immédiate : les conversations en ligne, les théories de fans, la demande instantanée pour une suite. Aujourd’hui, nous travaillons déjà sur le second volet, et c’est assez irréel de construire une franchise à partir d’un thriller psychologique aussi intime.

Et bien sûr, Euphoria reste fondamental pour moi — non seulement parce que la série m’a fait connaître d’un large public, mais aussi par la nature même de son écriture, toujours aussi radicale.

Euphoria a parfois été perçue comme controversée mais très réaliste dans sa représentation de l’adolescence. Partagezvous ce point de vue ? Avez-vous été choquée à la lecture du scénario ?

Euphoria aborde des sujets difficiles avec beaucoup d’audace. Même si son récit ne reflète pas l’expérience de chaque adolescent, il renvoie à des réalités très brutes vécues par beaucoup. À la première lecture, certaines scènes m’ont réellement surprise, presque mise mal à l’aise. Mais c’est précisément ce qui m’a confirmé l’importance de raconter ce genre d’histoires. Je suis heureuse que nous ayons osé le faire.

Comment vous êtes-vous préparée pour ce rôle, et avez-vous conscience de la chance de faire partie d’une série aussi novatrice ? La préparation a été... très approfondie ! J’ai eu de longues discussions avec les créateurs de la série afin de bien comprendre son ADN. J’ai exploré en profondeur la psychologie de mon personnage, ses failles, ses motivations, ses contradictions. Créer une vraie connexion avec mes partenaires était également essentiel pour instaurer une authenticité à l’écran. Et je crois sincèrement que cela se ressent.

Qu’a représenté le fait de travailler avec Julianne Moore sur Echo Valley ?

Travailler avec Julianne a été une véritable leçon de cinéma. Je l’admire depuis Loin du paradis et Still Alice. Sa capacité à exprimer une émotion avec un simple regard est fascinante.

Nous avons beaucoup échangé en dehors du plateau, en marchant dans les paysages ruraux de Pennsylvanie où nous tournions, en construisant ensemble le passé de nos personnages. Nous avions même imaginé une chronologie intime de leur relation, à différents âges. Il y a une scène, dans une grange, où presque rien n’est dit. À la fin de la prise, nous tremblions toutes les deux tant la tension émotionnelle était contenue. C’est exactement ce type de travail que je recherche.

Vous intégrez l’univers du Diable s’habille en Prada, un film culte. Quelle a été votre réaction ?

Cela m’a réellement fait réfléchir. Le Diable s’habille en Prada fait partie de l’ADN culturel collectif. Ce n’est pas qu’un film, c’est une référence. Ma première réaction n’a pas été l’excitation, mais le respect.

Ce qui m’a séduite, c’est que cette nouvelle version ne cherche pas à copier l’original. Elle parle de la mode aujourd’hui, de l’ambition contemporaine, de la manière dont les jeunes femmes jonglent entre pouvoir, image, travail, réseaux sociaux et identité. C’est très actuel, très incisif.

Cet univers ultra-mode influence-t-il votre propre rapport au style ? Oui, cela m’a rendue plus intentionnelle. La mode est un langage puissant. Elle communique le pouvoir, la confiance, le statut. J’ai aussi réalisé à quel point mon rapport au style a évolué : je ne m’habille plus pour plaire, mais pour me sentir alignée avec moimême.

La campagne denim American Eagle a suscité beaucoup de débats. Comment avez-vous vécu cela ? Ça m’a prise de court. J’aimais sincèrement les jeans et le concept. Des interprétations ont émergé qui n’étaient absolument pas prévues. Je tiens à être claire : je ne soutiens aucune forme d’exclusion ou de haine. Mais je ne vais pas m’excuser d’aimer ce que je porte ou d’être à l’aise dans mon corps. Cette expérience m’a appris à quel point un choix créatif peut devenir un débat culturel.

J’ai reconstruit une Ford Bronco de 1969 pendant la pandémie. C’est mon refuge. J’aime l’idée que les femmes prennent leur place dans des univers traditionnellement masculins.

Comment définiriez-vous votre style aujourd’hui ?

Une confiance tranquille. Des références à l’âge d’or d’Hollywood — Sophia Loren, Sharon Tate — avec des lignes modernes. J’aime les robes structurées, les tailles marquées, les tissus fluides. Hors tapis rouge : jeans, bottes, t-shirts usés. Je ne cours pas après les tendances, je cherche ce qui me ressemble.

Madame Web n’a pas rencontré le succès espéré. Comment gérez-vous ce type de déception publique ?

Je savais dans quoi je m’engageais. Quand le film n’a pas fonctionné comme prévu, oui, ça fait mal. Mais un projet ne vous définit pas. J’ai commencé ce métier à 12 ans, et j’ai connu bien des refus. On se relève, on remercie les équipes, et on avance.

“ The Housemaid a tout changé d’une manière différente. C’est la première fois que j’ai ressenti une réaction mondiale immédiate : les conversations en ligne, les théories de fans, la demande instantanée pour une suite... ”

Votre rapport au sport semble très sain... Je m’entraîne pour la longévité, pas pour l’esthétique. Boxe, poids du corps, course, longues marches. Le sport m’aide à apaiser mon système nerveux.

Que signifie le succès aujourd’hui pour vous ?

L’équilibre. La durée. Continuer à m’aimer. Préserver des amitiés hors du milieu. Pouvoir disparaître sans peur.

Votre société de production, Fifty-Fifty Films, prend de l’ampleur...

J’ai commencé à produire parce que je ne voulais plus attendre qu’on m’offre les rôles que je désirais. J’aime construire, créer des histoires qui surprennent — y compris celles que j’interprète.

Y a-t-il des rôles que vous rêvez encore de jouer ?

Les drames d’époque me fascinent, tout comme les thrillers psychologiques. J’aime évoluer, me transformer.

Comment vivez-vous les rumeurs et spéculations médiatiques ?

C’est frustrant parfois, surtout quand le travail passe au second plan. Mais on apprend à avancer malgré tout.

Étiez-vous cinéphile enfant ?

Pas vraiment. J’étais très sportive. Cela m’a appris la discipline et la résilience.

Vous avez grandi dans une maison familiale chargée d’histoire...

C’était unique. Chaque pièce avait une histoire.

Vos modèles à Hollywood ?

Meryl Streep, Natalie Portman, Julia Roberts. Des femmes fortes, singulières.

Votre passion pour les voitures surprend beaucoup...

J’ai reconstruit une Ford Bronco de 1969 pendant la pandémie. C’est mon refuge. J’aime l’idée que les femmes prennent leur place dans des univers traditionnellement masculins.

Vous êtes célibataire aujourd’hui. Que recherchez-vous chez un partenaire ? Quelqu’un de sincère. Un meilleur ami. Quelqu’un avec qui rire chaque jour. C’est ça, l’amour, pour moi.

Sydney Sweeney has swiftly emerged as one of the most commercially powerful and culturally debated actresses of her generation. From her Pacific Northwest roots in Spokane, Washington, she has moved from indie darling to global boxoffice anchor, while simultaneously becoming one of the most analysed young women in entertainment culture.

The 28-year-old’s most prominent roles include the intense and troubled Cassie Howard in HBO’s Euphoria, the earnest Eden in The Handmaid’s Tale, and Olivia Mossbacher in The White Lotusroles that earned multiple Emmy nominations and established her as an actress unafraid of emotional extremity.

Recent years have seen Sweeney step into largescale studio territory with Madame Web, while simultaneously pushing darker, more authored work through Immaculate, Reality, Americana, and Echo Valley. As 2026 begins, her slate is heavier and more ambitious than ever, with The Housemaid becoming a global hit, its sequel moving quickly into production, Euphoria Season 3 finally returning, the highly anticipated The Devil Wears Prada sequel marking her first step into one of cinema’s most iconic franchises, and the long-rumoured Scandalous biopic – in which Sweeney will play Kim Novak – signalling her most high-profile dramatic transformation to date. Away from the screen, she has also become a lightning rod in modern celebrity culturecelebrated for her independence, scrutinised for her femininity, and recently pulled into heated public discourse following a widely debated denim campaign that became symbolic of a broader conversation about female autonomy, image and interpretation.

Grounded, fiercely self-directed and increasingly outspoken about her right to exist in the industry on her own terms, Sweeney is no longer just Hollywood’s breakout ingénue - she is now one of its most closely watched power players.

: You are everywhere at the moment – which of your recent projects have given you the greatest satisfaction?

I’ve had a real mix of films and drama – I think a few that have stood out have been the HBO movie Reality - I spoke to the main, character, Reality, to ask her about herself, her life, who she is, her relationships with her friends and family and, obviously, her thoughts and experiences when being interrogated by the FBI over the government information release to the media.

That was really something talking to her and then immerse myself in a real person. Those projects are exciting.

Madame Web was a major thing, and although it had mixed reviews I’m still very proud of it. Then Immaculate came along, which was a big step because it furthered my aims to produce. That’s important to me because producing offers me a lot more control and direction in the process... much more variety than you would have otherwise. I think The Housemaid was the one that changed everything in a different way to before, if I’m honest. That was the first time I really felt global audience reaction immediately - the conversations, the fan theories, the instant demand for more. Now we’re already moving into the sequel, and it

feels surreal to be building a franchise that came from such a grounded psychological story. And going back further, Euphoria was a major thing for me – not just in the fact it brought me to a wide audience, but in the type of drama that it was and still is.

Indeed, it has been seen by some as a controversial but realistic take on teenage life. Do you agree, and were you shocked by anything when you read the script?

Euphoria boldly addresses challenging subjects. Although its narrative might not resonate with every teenager's personal journey, it does mirror the raw realities faced by a significant number.

When I first read the script, there were instances that genuinely surprised me and made me pause. However, when I thought about it, that just emphasised the critical need to bring this sort of narrative to the forefront, and I’m glad we did.

How did you prepare for it and how lucky do you feel to be in such a ground-breaking show?

My preparation was, let’s just say, comprehensive! It required extensive dialogue with the showrunners to grasp the series' essence and ethos. I dedicated time to dive deeply into my character's psyche, nuances and motivations.

Building a rapport and synergy with my co-stars was also vital if we were going to create some feeling of on-screen authenticity. And, you know, I think we succeeded.

What was it like working alongside Julianne Moore on Echo Valley?

Working with Julianne was honestly a masterclass. I’ve admired her since Far from Heaven and Still Alice, and the way she can hold a scene with just a glance is unreal. We spent time together off-set, just walking through the Pennsylvania farmland where we were shooting, talking about our characters' backstories. We even built this sort of private timeline: what happened between them at age 10, 15, 21...that kind of thing. It helped us bring that quiet emotional weight to the screen. There’s one scene in particular, in the barn, where nothing is really said, but I remember finishing the take and both of us were just shaking from holding it all in. That’s the kind of work I want to do.

You’re stepping into the world of The Devil Wears Prada - one of the most iconic films of modern pop culture. How did that feel when it first came your way?

That one genuinely made me pause. The Devil Wears Prada is part of people’s DNA - it’s not just a movie, it’s a reference point. Everyone remembers where they were when they first saw it. So when my team told me about it, my initial reaction wasn’t excitement... it was respect.

You don’t want to walk into something like that casually. You want to understand the tone, the legacy, the responsibility, and how you can contribute something new without trying to replace what people already love.

What excited me is that this version isn’t about recreating what came before - it’s about reflecting the fashion industry now, the way ambition looks now, the way young women are expected to navigate power, image, work, social media and identity all at once. It feels incredibly current. It feels sharp. It feels like a commentary as much as it is entertainment.

I rebuilt a 1969 Ford Bronco during the pandemic - took it apart with my own hands and rebuilt the engine from scratch.

Does stepping into such a fashion-centric universe change the way you think about your own style and image?

It made me more intentional. Fashion is such a huge language in that world; it’s how power is signalled, how confidence is broadcast, how status is read. So working inside that environment forces you to think about what clothes actually communicate. It’s not just about looking beautiful; it’s about what you’re saying without speaking. It also made me realise how much my own relationship with fashion has evolved. I’m no longer dressing to be approved of; I’m dressing to feel grounded, strong, comfortable in my skin. Prada reminded me that clothes can be armour, expression, playful and powerful all at the same time. And that felt like a really interesting conversation to step into at this stage of my career.

There was a lot of online debate about the American Eagle denim campaign. How did that experience change you?

It took me by surprise. I genuinely loved the jeans, I loved the concept, and suddenly people were projecting meanings onto something that was never intended to carry them.

I stayed quiet at first, and that probably allowed speculation to grow. I want to be very clear: I don’t support exclusion, hate, or anything that makes people feel unseen. But I’m also not going to apologise for liking what I wear, or for existing confidently in my own body. What that moment taught me is that even simple creative choices can become cultural conversations - and it made me even more intentional about choosing partnerships that feel true to me.

How would you describe your style now?

It’s quiet confidence. Old Hollywood references – Sophia Loren, Sharon Tate – but with modern silhouettes. I love vintage Versace, tailored gowns, strong waistlines, soft drape. Off-duty, it’s jeans, boots, worn-in tees. I don’t chase trends. I chase pieces that feel like me.

Your success is prolific, although not everything hits in the way you like in this industry. Talk to me about Madame Web – how do you handle that kind of disappointment in such a public space?

Look, I knew what I was signing up for when I joined Madame Web. It was a big studio film with a legacy IP, and I wanted to learn from that experience - good or bad. But yeah, when it didn’t hit the way we hoped, it stung. I care about the work I do, and I don’t take any job lightly, whether it’s an indie in the desert or a Marvel-adjacent blockbuster.

The discourse around it got kind of mean, honestly, but the truth is one project doesn’t define you. I’ve been doing this since I was 12, and there have been plenty of ‘no’s’ and ‘almosts’ along the way. You brush yourself off, thank the people who worked hard beside you, and you focus on what’s next.

You’re known for your fitness, but it doesn’t feel performative...

I train for longevity, not aesthetics. Boxing, bodyweight work, running, long walks. Fitness for me is about calming my nervous system, not punishing it. I want to be strong enough to live well, not just look good on a carpet. What does success mean to you now? Balance. Longevity. Still liking myself. Still having friendships that aren’t industry-based. Being able to disappear without fear.

Your production company, Fifty-Fifty Films, is alive and kicking. Obviously that strikes comparisons with Margot Robbie in the sense of you being someone keen to explore every aspect of the craft...

I've always admired Margot Robbie, not just for her incredible acting talent but for the mark she's making in the entertainment world. Her shift from acting to producing showcases her dedication to creating chances for other women in the industry.

Why did you start down that path?

I started producing because I was tired of waiting for someone to hand me the roles I wanted. I’ve always been a planner - I had a five-year career roadmap when I was 14, so launching Fifty-Fifty Films was my way of taking control. Reality was the first big step, and I was so proud of how it turned out. Overall I like wearing a lot of hats; I like proving I can do more than cry on cue or wear a pretty dress. I want to build things that last. And I want to tell stories that surprise people... including the ones I star in.

Is there any role that you want to do in the future?

I have a particular fondness for period dramas; there's something enticing about stepping back in time, embodying characters from different eras and experiencing their worlds.

I'm also fascinated by the complex personalities in psychological thrillers. Acting is all about change and growth. It lets you constantly challenge yourself and discover new sides of you.

You don't like responding to rumours. How frustrating can the speculation in the press and on social media be?

Dealing with gossip can indeed be frustrating, but it’s the nature of the beast.

However when you pour energy, emotion and dedication into your craft and then, instead of discussing the nuances of your work, the focus shifts to baseless rumours or misrepresentations, it can be annoying.

It sometimes feels like a disservice to the passion and commitment you bring, particularly for someone who has always tried to remain genuine and authentic. It can be challenging to navigate but you find a way through.

Were you a big fan of film growing up?

Not really – most of my time was spent outdoors and TV or film didn’t really come into it. I was a very sporty child, and that taught me a lot about teamwork, discipline and resilience... all of which come in handy in the film industry!

Despite the allure of sport, I never truly envisioned a future in athletics.

I heard there had been five different generations of your family living in the same house in rural Idaho at different times. How was that growing up?

Living in a home steeped in history was indeed a one-of-a-kind experience. Every corner had stories and anecdotes connected to it. It was cool.

Who do you look up to in Hollywood and were there you any role models or actors you wanted to be like when you were growing up?

I've always admired Meryl Streep for her range and dedication. Growing up, I was also inspired by the likes of Natalie Portman and Julia Roberts. They are all tremendously strong women who have forged unique paths, and I love that.

You’ve surprised people with your love of cars and motorsports. Where did that passion come from?

I think people assume I’m all pink dresses and makeup, but honestly, give me an oil-stained hoodie and a wrench and I’m happy.

I rebuilt a 1969 Ford Bronco during the pandemic - took it apart with my own hands and rebuilt the engine from scratch.

My grandfather used to race stock cars, and when I was little I’d hang out in the garage with him in Idaho, watching him work on his old pickup. And that stuck with me. Now I have a little garage of my own in LA, and it’s my escape. No cameras, no scripts - just me and the car.

I’ve posted some of it on TikTok and Instagram and people are like, “Wait, this isn’t a sponsored video?” It’s not - it’s just a genuine love. I think there’s power in women taking up space in traditionally male-dominated hobbies. Plus, it’s nice to know if Hollywood ever kicks me out, I could be a mechanic!

Finally, you are single at the moment – what do you look for in a man?

In a partner, I'm not looking for glitz or fame. Instead, I want for a bond that's genuine, someone who feels like a best friend, a constant companion I can laugh with every single day. So, I would say that’s what love looks like to me.

Alors que l'or a atteint des sommets historiques en ce début de février 2026, Anthony Busco, Directeur du Développement d'AuCOFFRE, décrypte les raisons de ce succès et l'intérêt d'intégrer le métal jaune à son portefeuille.

L'OR DES COMPTES

Dans l'univers feutré de l'investissement de luxe, la discrétion est souvent de mise. Pourtant, l’éclat de l’or n’a jamais été aussi vif. « Au moment où nous parlons, nous battons des records chaque jour », confie d’emblée Anthony Busco. Avec une once ayant récemment franchi le cap des 5 300 dollars (environ 4 400 euros), le marché entre dans une phase inédite. Mais derrière ces chiffres vertigineux se cache une mutation profonde des équilibres mondiaux.

La fin d’une hégémonie

Selon l'expert, cette hausse n’est pas un simple feu de paille spéculatif, mais le résultat d'un phénomène de fond : la dédollarisation. « Le monde cherche à contrer l’hégémonie monétaire américaine. Depuis la guerre en Ukraine, des puissances comme la Chine, l’Inde ou le Brésil ont réalisé que leurs réserves en dollars pouvaient être bloquées unilatéralement. Pour s'émanciper de ce pouvoir de pression, ces États s'allègent de leurs billets verts au profit de l'or », analyse-t-il. À ce mouvement tectonique s'ajoute une instabilité géopolitique chronique. De l'imprévisibilité de la politique américaine aux tensions internationales, les marchés naviguent à vue. Or, comme le rappelle Anthony Busco, « quand les marchés ne sont pas capables de prévoir le futur, ils se positionnent sur des valeurs refuges. » Et l’or en est une.

Sortir du mythe du lingot

Face à ceux qui craignent d'arriver après la bataille, le directeur du développement d'AuCOFFRE est catégorique : « Le véritable risque, ce n'est pas d'acheter de l'or quand il est trop cher, c’est de ne pas en avoir du tout. » Car au-delà du prix, l’or joue avant tout un rôle de protection : « On ne prend pas vraiment de risque sur le long terme à en acheter, même à un cours élevé, car son stock est limité par nature. » Pour l'investisseur averti, la question n'est plus de savoir s'il faut acheter, mais comment le faire intelligemment.

Dans l'imaginaire collectif, le lingot d’un kilo reste le symbole ultime. Pourtant, les professionnels le déconseillent pour des raisons de liquidité. « Quelqu'un qui investit 150 000 euros ferait une grave erreur d'acheter un lingot d'un kilo. S'il a besoin de débloquer 40 000 euros, il sera obligé de vendre la totalité de son stock », prévient-il. La stratégie recommandée ? Les pièces, plus faciles à expertiser et à revendre partiellement.

Le cas luxembourgeois, un cadre à part

Le Grand-Duché bénéficie d’un cadre fiscal particulièrement avantageux, avec une exonération totale de l’imposition sur la revente de l’or physique, un dispositif rare en Europe. Un atout majeur pour les investisseurs soucieux d’optimiser la transmission et la liquidité de leur patrimoine.

Pour autant, cet environnement favorable ne dispense pas d’une approche rigoureuse. Anthony Busco insiste sur la nécessité d’une vision globale de l’investissement : « Il ne faut pas se focaliser uniquement sur le prix d’achat. La sécurité, les frais de stockage et surtout la liquidité au moment de la revente sont des paramètres essentiels. Le stockage dans des infrastructures sécurisées, comme les ports francs — notamment à Genève — permet une revente quasi immédiate, sans les contraintes logistiques et sécuritaires liées à la détention à domicile.

« Le véritable risque, ce n'est pas d'acheter de l'or quand il est trop cher, c’est de ne pas en avoir du tout »

Dans un monde où les repères monétaires vacillent, l’or ne promet pas des gains spectaculaires ; il promet la permanence. Et c’est précisément ce que recherchent aujourd’hui les patrimoines éclairés...

Moving beyond the myth of the gold bar

For those who fear they are joining the race too late, AuCOFFRE’s Director of Development is categorical: "The real risk is not buying gold when it is too expensive; it is not owning any at all."

Beyond price, gold primarily serves as a shield: "You don't truly take a long-term risk by buying it, even at a high price, because its supply is naturally limited." For the savvy investor, the question is no longer whether to buy, but how to do so intelligently.

In the collective imagination, the one-kilogram bar remains the ultimate symbol. Yet, professionals advise against it for liquidity reasons. "Someone investing €150,000 would be making a grave mistake by buying a one-kilo bar. If they need to liquidate €40,000, they would be forced to sell their entire stock," he warns. The recommended strategy? Coins, which are easier to appraise and can be resold in smaller portions.

The Luxembourg case:

a unique framework

In the hushed world of luxury investment, discretion is usually the gold standard. Yet, the luster of gold has never been brighter. "As we speak, we are breaking records every day," Anthony Busco confides at the outset. With the ounce recently crossing the $5,300 mark (approximately €4,400), the market is entering an unprecedented phase. But behind these dizzying figures lies a profound shift in global balances.

The

end of an hegemony

According to the expert, this surge is not a mere speculative flash in the pan, but the result of a fundamental phenomenon: de-dollarization. "The world is seeking to counter American monetary hegemony. Since the war in Ukraine, powers like China, India, and Brazil have realized that their dollar reserves could be unilaterally frozen. To free themselves from this leverage, these states are shedding their greenbacks in favor of gold," he analyzes.

Added to this tectonic shift is chronic geopolitical instability. From the unpredictability of American policy to international tensions, markets are flying blind. However, as Anthony Busco points out, "when markets are unable to predict the future, they pivot toward safe-haven assets." And gold is the ultimate one.

The Grand Duchy benefits from a particularly advantageous tax framework, with a total exemption from capital gains tax on the resale of physical gold—a rare incentive in Europe. This is a major asset for investors looking to optimize wealth transfer and liquidity.

However, this favorable environment does not dispense with the need for a rigorous approach. Anthony Busco insists on a holistic investment vision: "You shouldn't focus solely on the purchase price. Security, storage fees, and above all, liquidity at the time of resale are essential parameters." Storing gold in high-security infrastructures, such as free ports—notably in Geneva—allows for near-immediate resale, without the logistical and security constraints of home storage.

In a world where monetary benchmarks are faltering, gold does not promise spectacular gains; it promises permanence. And that is precisely what enlightened wealth management is seeking today.

« The real risk is not buying gold when it is too expensive; it is not owning any at all »

PÂTISSERIES | GALETTES DES ROIS

Délices pour le palais

En janvier, la galette des rois a repris ses droits. Cette année, les maisons les plus créatives ont osé sortir des sentiers battus, transformant un classique en véritables petites œuvres d’art pâtissières.

1. La Réserve, Paris

Créée par Jordan Talbot, une galette tout en finesse autour de la noisette et de l’amande, sublimée par un décor discret et élégant.

Created by Jordan Talbot, a refined galette centered on hazelnut and almond, elevated by a discreet and elegant decoration.

2. Le Bristol, Paris

Imaginée par Maxence Barbot, cette galette en rosace associe pommes fondantes et frangipane parfumée pour une création aussi généreuse que graphique.

Imagined by Maxence Barbot, this rosette-shaped galette combines tender apples and fragrant frangipane for a creation that is both generous and graphic.

3. Four Seasons Hotel George V, Paris

Conçue par Michael Bartocetti, cette galette se distingue par un feuilletage travaillé et une frangipane subtilement parfumée, dans un esprit à la fois classique et sophistiqué.

Designed by Michael Bartocetti, this galette stands out for its expertly worked puff pastry and subtly perfumed frangipane, in a style that is both classic and sophisticated.

4. Pierre Hermé Brioche feuilletée à la vanille, cette création mêle croustillant et moelleux autour d’une crème à la noix de pécan et d’un caramel à la vanille, pour une interprétation gourmande et élégante de l’Épiphanie.

A laminated vanilla brioche, this creation blends crispness and softness around a pecan cream and vanilla caramel, delivering a refined and indulgent take on Epiphany.

5. Peninsula, Paris

Signée par la cheffe pâtissière Anne Coruble, une création élégante autour de l’amande et de la fleur d’oranger, à l’équilibre délicat.

Created by executive pastry chef Anne Coruble, an elegant creation built around almond and orange blossom, offering a delicately balanced flavor profile.

6. Ritz Paris, Le Comptoir

Imaginée par Joris Theysset, cette galette audacieuse associe frangipane et maïs grillé, relevés de notes caramélisées et d’un feuilletage très maîtrisé.

Imagined by Joris Theysset, this bold galette combines frangipane with toasted corn, enhanced by caramelized notes and exceptionally wellexecuted puff pastry.

7. Jaeger-LeCoultre x Nina Métayer

Fruit de la collaboration avec Nina Métayer, cette galette contemporaine marie cacao, noisette et marron dans un design inspiré de l’horlogerie.

Born from a collaboration with Nina Métayer, this contemporary galette pairs cocoa, hazelnut, and chestnut in a design inspired by fine watchmaking.

8. Drouant

Une galette sculptée comme un livre, hommage à l’univers littéraire de la maison, dissimulant une frangipane fondante sous un feuilletage graphique.

A galette sculpted like a book, paying tribute to the house’s literary universe, hiding a melting frangipane beneath a graphic puff pastry.

9. Mandarin Oriental, Paris

Une interprétation classique réalisée par les équipes pâtissières de l’hôtel, rehaussée par le miel issu des ruches du toit et un motif soigné.

A classic interpretation crafted by the hotel’s pastry teams, enhanced with honey from the rooftop beehives and finished with a meticulously designed pattern.

Catwalk stars

À travers une succession de défilés présentés fin janvier 2026, la Fashion Week Haute Couture Printemps-Été 2026 a dévoilé une saison marquée par un savoir-faire spectaculaire et une imagination foisonnante.

Les maisons ont rivalisé de créativité à travers des looks grandioses, mêlant matières précieuses, innovations techniques et artisanat d’exception. Chanel a séduit par une couture faussement simple d’une finesse extrême, tandis que Schiaparelli, Valentino, Viktor & Rolf ou Rahul Mishra ont exploré des silhouettes théâtrales, capes aériennes et univers chimériques.

La robe de mariée, moment signature de chaque défilé, s’est imposée comme un temps fort : mariée-fleur chez Dior, tailleur moderne chez Chanel, volumes sculpturaux chez Gaurav Gupta ou créations plumées chez Germanier.

La saison célèbre aussi largement le monde végétal, avec fleurs, feuillages et racines sublimés chez Dior, Chanel, Armani Privé ou Gaurav Gupta. Autre figure récurrente, la femme-oiseau, incarnée par des plumes, bijoux et volumes aériens chez Schiaparelli, Valentino ou Elie Saab. Enfin, la couture pousse l’ornement et la forme à l’extrême : robes-bijoux étincelantes, perles, coquillages et pierres précieuses côtoient volumes sculpturaux audacieux, capes monumentales et silhouettes architecturées.

Une saison où la haute couture affirme plus que jamais son rôle de laboratoire artistique, entre poésie, démesure et excellence artisanale.

Through a succession of runway shows presented in late January 2026, the Spring-Summer 2026 Haute Couture Fashion Week unveiled a season marked by spectacular savoir-faire and a flourishing imagination.

The fashion houses competed in creativity with grand looks combining precious materials, technical innovations, and exceptional artistry. Chanel charmed with deceptively simple couture of extreme finesse, while Schiaparelli, Valentino, Viktor & Rolf, and Rahul Mishra explored theatrical silhouettes, airy capes, and dreamlike worlds.

The wedding dress, a signature moment of each show, stood out as a highlight: flower bride at Dior, modern suit at Chanel, sculptural volumes at Gaurav Gupta, and feathered creations at Germanier.

The season also widely celebrated the plant world, with flowers, foliage, and roots enhanced at Dior, Chanel, Armani Privé, and Gaurav Gupta.

Another recurring figure was the bird-woman, embodied by feathers, jewelry, and airy volumes at Schiaparelli, Valentino, and Elie Saab. Finally, couture pushed ornamentation and form to the extreme: sparkling jewel-like dresses, pearls, shells, and precious stones mingled with bold sculptural volumes, monumental capes, and architectural silhouettes.

A season where haute couture more than ever asserted its role as an artistic laboratory, blending poetry, extravagance, and artisanal excellence.

Sydney en mode sexy

Actrice emblématique de sa génération, Sydney Sweeney explore une nouvelle facette de son univers en lançant SYRN, sa propre marque de lingerie.

Texte Audrey Forman Photo Syrn

Sydney Sweeney, surtout connue pour ses rôles dans Euphoria, The White Lotus ou encore The Housemaid, n’a visiblement pas envie de rester enfermée dans une seule case. Après avoir fait grimper les audiences avec ses performances d’actrice, la jeune femme de 28 ans a décidé de faire monter la température dans le monde de la lingerie avec sa propre marque : SYRN, prononcé « sye-rin » comme sirène — un clin d’œil à cette créature mythologique, symbole de mystère, de charme et de puissance féminine, qui reflète l’esprit de ses créations.

La genèse de SYRN n’est pas un simple coup marketing. Sweeney raconte qu’elle a grandi avec une poitrine généreuse et des soutiens-gorge souvent inconfortables, ce qui l’a poussée à créer une lingerie adaptée à toutes les morphologies. Avec 44 tailles (de 30B à 42DDD), la marque va au-delà des standards habituels. Le concept ? Porter la lingerie pour soi, pas pour « plaire à quelqu’un d’autre ».

Côté direction artistique, SYRN joue sur quatre « personas » — Seductress, Romantic, Playful et Comfy — un peu comme s’il s’agissait de humeurs qu’une femme peut vouloir exprimer selon la journée. Chaque mood se traduit par des coupes, matières et ambiances visuelles différentes, permettant de montrer toute la diversité et la personnalité de la marque.

Côté communication, SYRN reflète pleinement la personnalité de sa fondatrice. Audacieuse, provocante et très visuelle, la marque ne suit pas les codes classiques. On retrouve des vidéos Instagram où Sweeney incarne elle-même ses personas, des shootings vintage et sensuels, ainsi qu’une opération qui a fait parler d’elle : des soutiens-gorge accrochés sur le Hollywood Sign, générant un vrai buzz et quelques critiques pour l’illégalité de la manœuvre...

Entre audace marketing et vrai souci d’inclusivité, l’actrice transforme son image en un business puissant. La sirène d’Hollywood a jeté son filet, et le moins que l’on puisse dire, c’est que le public est déjà mordu.

Sydney Sweeney, best known for her roles in Euphoria, The White Lotus, and The Housemaid, clearly has no intention of being confined to a single box. After boosting ratings with her acting performances, the 28-year-old has decided to turn up the heat in the world of lingerie with her own brand: SYRN, pronounced “sye-rin” like siren — a nod to the mythological creature, a symbol of mystery, charm, and feminine power, perfectly reflecting the spirit of her creations. The genesis of SYRN is far from a simple marketing stunt. Sweeney has shared that she grew up with a full bust and often uncomfortable bras, which inspired her to create lingerie that works for all body types. With 44 sizes (ranging from 30B to 42DDD), the brand goes beyond typical standards. The concept? Wearing lingerie for yourself, not to “please someone else.”

On the creative side, SYRN is built around four “personas” — Seductress, Romantic, Playful, and Comfy — almost like moods a woman might want to express throughout the day. Each persona is expressed through different cuts, materials, and visual styles, showcasing the brand’s diversity and personality.

In terms of communication, SYRN fully embodies its founder’s personality. Bold, provocative, and highly visual, the brand refuses to follow conventional rules. Instagram videos show Sweeney herself embodying the different personas, alongside vintage, sensual photoshoots, and a high-profile stunt that generated buzz: bras hung on the Hollywood Sign, attracting both massive attention and some criticism for the illegality of the act.

Combining marketing audacity with a genuine commitment to inclusivity, the actress has transformed her image into a powerful business. Hollywood’s siren has cast her net, and it’s safe to say the public is already hooked.

BOUTIQUE | DEVÏ

World Fashion

Fondée en 2018 par Debbie Kirsch, la marque Devï est devenue l’un des projets les plus inspirants de la scène mode éthique au Luxembourg.

Texte Audrey Forman

Au cœur de Luxembourg-Ville, au 7 rue Aldringen, la boutique Devï se distingue par sa devanture fleurie. En y entrant, nous sommes happés par un univers coloré : saris vintage aux motifs riches, pashminas doux, tissus upcyclés aux teintes vibrantes... Ici, aucune pièce ne se ressemble. Chacune raconte une histoire.

Cette singularité n’est pas le fruit du hasard. Elle prend racine à plusieurs milliers de kilomètres, en Inde. En 2018, fraîchement diplômée en biologie, Debbie Kirsch s’envole pour Jodhpur afin d’y effectuer un stage de cinq mois auprès de l’association Saheli Women, un projet social dédié à l’autonomisation des femmes. Ce qui devait être une parenthèse académique se transforme en une expérience fondatrice. Sur place, Debbie est frappée par la solidarité et la créativité des femmes qu’elle rencontre. De cette immersion naît l’idée d’une première collection upcyclée, conçue à partir de chutes de tissus et de saris recyclés, où chaque création reflète la personnalité et le vécu de celles qui l’ont façonnée.

De retour en Europe, Debbie Kirsch poursuit un Master en Sustainable Business and Innovation. En parallèle, Devï se développe d’abord comme un projet passion, nourri par les enseignements de ses études et par une volonté affirmée de structurer une démarche durable et cohérente. Peu à peu, l’engouement grandit. Pop-up stores, événements engagés et intérêt croissant pour une mode plus responsable au Luxembourg accélèrent l’élan. En 2021, Devï franchit un cap : la marque devient une entreprise officiellement enregistrée et ouvre sa boutique emblématique à Luxembourg-Ville. Le nom Devï vient du mot sanskrit pour « déesse », en hommage à la beauté, à la force et à la résilience des femmes qui ont inspiré Debbie pendant son séjour en Inde. Dans l’atelier de Saheli Women, une petite statue de Devi sert de lieu de prière quotidienne, symbolisant énergie positive, gratitude et force collective — des valeurs qui guident aujourd’hui encore la marque. Chez Devï, la mode se construit à rebours des logiques industrielles. Les collections prennent vie à partir de textiles déjà existants, minutieusement choisis puis réinterprétés en pièces uniques. Le geste artisanal y est central, tout comme la collaboration avec des communautés locales, qui participe pleinement au processus de création. Loin des cadences du prêt-à-porter traditionnel, Devï propose une mode plus réfléchie, où le temps, l’humain et la matière retrouvent leur juste place.

In the heart of Luxembourg City, at 7 rue Aldringen, the Devï boutique stands out with its flower-adorned storefront. Upon entering, you are immediately immersed in a colorful world: vintage saris with rich patterns, soft pashminas, upcycled fabrics in vibrant hues... Here, no piece is alike. Each one tells a story. This uniqueness is no accident. It traces its roots thousands of kilometers away, in India. In 2018, freshly graduated in biology, Debbie Kirsch flew to Jodhpur to complete a five-month internship with the Saheli Women association, a social project dedicated to empowering women. What was meant to be an academic break turned into a formative experience. There, Debbie was struck by the solidarity and creativity of the women she met. From this immersion came the idea of a first upcycled collection, made from fabric scraps and recycled saris, where each creation reflects the personality and history of those who shaped it.

Back in Europe, Debbie Kirsch pursued a Master’s degree in Sustainable Business and Innovation. At the same time, Devï began as a passion project, fueled by her studies and a strong desire to build a sustainable and coherent approach. Gradually, enthusiasm grew. Pop-up stores, committed events, and increasing interest in more responsible fashion in Luxembourg accelerated the momentum. In 2021, Devï reached a milestone: the brand became an officially registered company and opened its flagship boutique in Luxembourg City.

The name Devï comes from the Sanskrit word for “goddess,” in tribute to the beauty, strength, and resilience of the women who inspired Debbie during her time in India. In the Saheli Women workshop, a small statue of Devi serves as a daily prayer spot, symbolizing positive energy, gratitude, and collective strength — values that still guide the brand today.

At Devï, fashion is built against the grain of industrial logic. Collections come to life from already existing textiles, carefully selected and reinterpreted into unique pieces. The artisanal touch is central, as is collaboration with local communities, fully participating in the creative process. Far from the pace of traditional ready-to-wear, Devï offers a more thoughtful fashion, where time, people, and materials find their rightful place.

devi-clothing.com

Reese Witherspoon

Reese Witherspoon a troqué le rose d’Elle Woods pour le costume de magnat des médias, transformant une carrière en pleine mutation en un empire valorisé à près de 900 millions de dollars.

« Avant même que le livre ne soit sous les projecteurs, sa structure de production, Hello Sunshine, en a déjà acquis les droits d’adaptation »

Il y a dix ans, le scénario semblait pourtant s'essouffler. Après l'immense succès de l'iconique Elle Woods dans La Revanche d’une blonde et un Oscar pour Walk the Line, Reese Witherspoon voyait les rôles d'envergure se raréfier. Refusant de subir le déclin programmé des actrices de plus de quarante ans, elle a choisi l'offensive : s'emparer elle-même des histoires qu'elle voulait porter à l'écran. Son arme ? Un livre. Ou plutôt, des milliers.

La stratégie de l’expertise

Constatant la pauvreté des scripts féminins qui circulaient sur les bureaux des studios, Witherspoon décide de sourcer elle-même ses histoires. Elle replonge dans sa passion de jeunesse — la littérature — et lance, presque discrètement en 2017, le Reese’s Book Club. Ce qui ressemble alors à un passe-temps de passionnée cache en réalité une machine de guerre marketing. L’idée est d’une efficacité redoutable : elle sélectionne des ouvrages écrits par des femmes, les recommande à sa communauté grandissante, et crée mécaniquement des best-sellers. Mais le génie de Witherspoon réside dans le timing. Avant même que le livre ne soit sous les projecteurs, sa structure de production, Hello Sunshine, en a déjà acquis les droits d’adaptation.

Du papier au milliard

Ce cercle vertueux a transformé le paysage télévisuel. C’est ainsi que sont nés des phénomènes comme Big Little Lies (HBO), Little Fires Everywhere (Hulu) ou encore Daisy Jones & The Six (Amazon). En validant l’intérêt du public en amont via son club de lecture, elle réduit les risques pour les diffuseurs, devenant l’interlocutrice privilégiée des géants du streaming. L’apothéose de ce pivot stratégique intervient en 2021. La firme de capital-investissement Blackstone rachète une part majoritaire de Hello Sunshine pour une valorisation frôlant les 900 millions de dollars. Reese Witherspoon ne se contente plus de jouer ; elle possède le contenu, le distribue et en contrôle l’image.

Aujourd’hui, à 49 ans, l’actrice-entrepreneuse incarne une nouvelle forme de pouvoir. Si elle continue de briller devant la caméra — notamment dans l’incisive série The Morning Show aux côtés de Jennifer Aniston — c'est son flair de « curator » qui fascine le milieu des affaires. Elle a prouvé que l’audience féminine, longtemps sous-estimée, est un moteur économique colossal.

Ten years ago, the script seemed to be running out of steam. Despite the massive success of the iconic Elle Woods in Legally Blonde and an Oscar for Walk the Line, Reese Witherspoon found high-caliber roles increasingly scarce. Refusing to succumb to the industry’s programmed decline for actresses over forty, she went on the offensive: taking charge of the stories she wanted to bring to the screen. Her weapon of choice? A book. Or rather, thousands of them.

The expertise strategy

Faced with a lack of compelling female-led scripts landing on studio desks, Witherspoon decided to source her own stories. Diving back into her lifelong passion for literature, she launched Reese’s Book Club in 2017—almost discreetly at first. What appeared to be a hobby for book lovers was, in reality, a marketing powerhouse in the making. The concept is remarkably efficient: she selects titles written by women, recommends them to her rapidly growing community, and mechanically creates bestsellers. But Witherspoon’s genius lies in the timing. Before a book even hits the spotlight, her production banner, Hello Sunshine, has already secured the adaptation rights.

From paperback to billions

This virtuous cycle has redefined the television landscape, birthing cultural phenomena such as Big Little Lies (HBO), Little Fires Everywhere (Hulu), and Daisy Jones & The Six (Amazon). By validating audience interest through her book club before production even begins, she de-risks projects for broadcasters, making her the preferred partner for streaming giants.

The pinnacle of this strategic pivot came in 2021, when the private equity firm Blackstone acquired a majority stake in Hello Sunshine at a valuation nearing $900 million. Reese Witherspoon is no longer just a performer; she owns the content, controls the distribution, and masters the narrative.

Today, at 49, the actress-entrepreneur embodies a new form of power. While she continues to shine in front of the camera—most notably in the sharp-witted The Morning Show alongside Jennifer Aniston—it is her "curator" instinct that fascinates the business world. She has proven that the long-underserved female audience is a colossal economic engine.

LES FEMMES DE L’ ANNÉE 2025

Records, résilience et révolutions : retour sur les parcours de ces femmes qui ont marqué l'année 2025. De la culture à la haute technologie, portraits de quatre leaders d'exception qui redéfinissent l'influence mondiale.

« Vous n'avez pas besoin d'être sur un podium olympique pour avoir un impact, vous avez juste besoin d'être vous-même » - Simone Biles

Taylor Swift : L’empire de la popéconomie

À 36 ans, Taylor Swift ne se contente plus de dominer les charts, elle est devenue une véritable puissance géopolitique. En ce début d'année 2026, l'impact de sa tournée Eras continue de faire trembler l'économie mondiale : on parle désormais de “Swiftonomics” pour décrire les milliards de dollars générés dans chaque ville traversée. Fiancée depuis peu à la star de la NFL Travis Kelce, l’artiste a surpris tout le monde fin 2025 avec son 12ème album, The Life of a Showgirl, aux tonalités orange pailleté. Première artiste milliardaire uniquement grâce à sa musique, elle a parachevé son ascension en mai 2025 en clôturant son projet historique de réenregistrement de ses six premiers albums. Un tour de force industriel sans précédent qui lui permet, pour la première fois, d'être la seule et unique détentrice des droits de l'intégralité de son œuvre.

Simone Biles : L'architecte du bienêtre

Pour Simone Biles, l'année 2025 a été celle de la consécration humaine. En recevant le TIME100 Impact Award, la gymnaste la plus décorée de l'histoire (41 médailles internationales !) a rappelé au monde qu'elle n'était pas un “robot”. En refusant de compartimenter ses émotions, elle a poussé les fédérations internationales à instaurer de nouveaux programmes de suivi psychologique permanents. Son message est devenu un mantra : « Vous n'avez pas besoin d'être sur un podium olympique pour avoir un impact, vous avez juste besoin d'être vous-même ». À 28 ans, un âge où beaucoup de gymnastes sont déjà à la retraite, Simone continue de briser les plafonds de verre. En 2025, elle a non seulement ajouté une 6ème figure technique à son nom, mais a surtout lancé sa fondation pour la santé mentale des jeunes athlètes.

Ruth Jepchumba Bundotich : La forgeuse de destinées

Sacrée « Femme de l'année 2025 » par World Athletics, la coach kényane Ruth Jepchumba Bundotich révolutionne l'athlétisme. À la tête de l'agence Ikaika, elle a propulsé des talents comme la recordwoman Agnes Ngetich grâce à une approche scientifique inédite. Ancienne enseignante, Ruth a transformé ses camps d'entraînement en véritables pôles éducatifs : en 2025, elle a permis à une cinquantaine de jeunes athlètes de concilier sport de haut niveau et cursus scolaires. En protégeant et en formant ces jeunes filles, elle ne crée pas seulement des championnes, mais une nouvelle génération de leaders africaines pour qui la piste est un tremplin vers l'émancipation durable.

Lisa

Su : La reine des puces et de l’IA

À la tête d’AMD, Lisa Su continue d’imposer son leadership dans un monde obsédé par l’intelligence artificielle et la puissance de calcul. En 2025, elle se hisse dans le top 10 de Forbes des femmes les plus influentes, tout en orchestrant le rachat de ZT Systems pour 4,9 milliards de dollars, renforçant la position de l’entreprise sur les infrastructures d’IA. Visionnaire et pragmatique, elle mise sur un écosystème ouvert pour briser les monopoles et propulse la puce MI350 au cœur de la révolution numérique mondiale. Lisa Su illustre qu’un leadership efficace repose autant sur la vision stratégique que sur la capacité à anticiper et structurer l’avenir technologique.

Taylor Swift: The Empire of the Pop Economy

At 36, Taylor Swift is no longer just dominating the charts—she has become a true geopolitical force. In early 2026, the impact of her Eras Tour continues to shake the global economy: the term “Swiftonomics” is now used to describe the billions of dollars generated in every city she visits. Recently engaged to NFL star Travis Kelce, the artist surprised everyone at the end of 2025 with her 12th album, The Life of a Showgirl, infused with glittering orange tones. The first artist to become a billionaire solely through her music, she reached the pinnacle of her ascent in May 2025 by completing her historic project to re-record her first six albums. This unprecedented industry tour de force allows her, for the first time, to be the sole and exclusive owner of the rights to her entire body of work.

Simone Biles: The Architect of WellBeing

For Simone Biles, 2025 was the year of human triumph. Upon receiving the TIME100 Impact Award, the most decorated gymnast in history (41 international medals!) reminded the world that she is not a “robot.” By refusing to compartmentalize her emotions, she pushed international federations to introduce permanent psychological support programs. Her message became a mantra: “You don’t need to stand on an Olympic podium to make an impact—you just need to be yourself.” At 28, an age when many gymnasts have already retired, Simone continues to break glass ceilings. In 2025, she not only added a sixth technical element bearing her name, but also launched her foundation dedicated to the mental health of young athletes.

Ruth Jepchumba Bundotich: The Shaper of Futures

Named “Woman of the Year 2025” by World Athletics, Kenyan coach Ruth Jepchumba Bundotich is revolutionizing track and field. At the helm of the Ikaika agency, she has propelled talents such as record holder Agnes Ngetich through an unprecedented scientific approach. A former teacher, Ruth has transformed her training camps into true educational hubs: in 2025, she enabled around fifty young athletes to combine elite-level sport with academic studies. By protecting and educating these young women, she is not just creating champions, but a new generation of African leaders for whom the track is a springboard toward lasting empowerment.

Lisa Su: The Queen of Chips and AI

At the head of AMD, Lisa Su continues to assert her leadership in a world obsessed with artificial intelligence and computing power. In 2025, she entered Forbes’ top 10 most influential women while orchestrating the $4.9 billion acquisition of ZT Systems, strengthening the company’s position in AI infrastructure. Both visionary and pragmatic, she champions an open ecosystem to break monopolies and places the MI350 chip at the heart of the global digital revolution. Lisa Su exemplifies how effective leadership relies as much on strategic vision as on the ability to anticipate and structure the technological future.

Poignet d'amour

Longtemps réservées aux hommes, les montres robustes et imposantes changent de poignet. Aujourd’hui, les femmes s’approprient ces pièces audacieuses et en font un véritable statement de style.

Chopard Happy Diamonds Icons Pendentif en or jaune éthique 18 carats avec des diamants mobiles tourbillonnant entre deux glaces saphir Chez Windeshausen Luxembourg

Force 10

Luxembourg

J12 En acier et diamants et céramique haute résistance noire, un matériau incontournable chez Chanel Chez Windeshausen Luxembourg

Tendances horlogères et joaillières 2025

Observés chez trois revendeurs horlogers à Luxembourg, ces modèles ont su séduire acheteurs, collectionneurs et passionnés tout en définissant les grandes tendances horlogères et joaillières de l’année écoulée.

Bvlgari Serpenti Seduttori Montre avec boîtier et bracelet en acier inoxydable, cadran en opaline blanc argenté Chez Les Ambasseurs Luxembourg

Bracelet Bee de Chaumet

Réinterprétant le motif de l’abeille, ce bracelet en or rose et diamants, est un écho lumineux au passé d’orfèvre de la Maison

Chez Les Ambasseurs Luxembourg

Messika semi-pavée Move Uno

Cette bague en or blanc 18 carats réalisée à la main fait partie de la collection Move, icône de la Maison Messika

Chez Les Ambasseurs Luxembourg et chez Windeshausen Luxembourg

Hortensia Avec cette montre-bijou en acier, diamants et nacre à l’allure poétique, la Maison affirme son côté naturaliste et célèbre la passion de l'impératrice Joséphine pour la botanique.

Chez Les Ambasseurs Luxembourg

At the peak of indulgence at the SixSeven restaurant*

* Voted one of the most beautiful terraces of the year

The rooftop restaurant in the heart of Luxembourg City

SixSeven has been designed as a cocoon of subtlety. A special and unique break on the 6th and 7th floors of the fabulous Royal Hamilius building. Enjoy lunch, dinner, a snack or a cocktail with a breathtaking view over the city. SixSeven offers genuine, modern, gourmet cuisine. Indoors or on our peaceful rooftop, SixSeven is an invitation to travel, for every moment of the day.

SixSeven | Bar Restaurant Rooftop | Bistronomic cuisine 103 Grand-Rue, L-1660 Luxembourg Sunday to Thursday: 12 noon to midnight, Friday & Saturday: 12 noon to 1 am, Sunday Brunch: 11.30 am to 3.30 pm +352 26 26 26 67 | restaurantsixseven.lu

OUVRAGES | ASSOULINE

ROAD BOOKS

Reconnaissables entre mille grâce à leurs couvertures illustrées à la main, les ouvrages de la collection Travel d’Assouline se sont imposés comme de véritables emblèmes culturels. Explications.

Texte Audrey Forman

L’histoire de la collection Travel remonte aux racines mêmes d’Assouline, maison d’édition fondée en 1994 à Paris par le couple Prosper et Martine Assouline. Tombés sous le charme de l’hôtel La Colombe d’Or, ils entreprennent de raconter son histoire à travers un livre, réalisé dans le sous-sol de leur appartement. Prosper s’occupe des photos, Martine du texte – une formule qui pose les bases d’un empire éditorial produisant aujourd’hui jusqu’à 100 ouvrages par an. Rejoints par leur fils Alexandre en 2016, le trio élargit sa vision, passant des livres d’art et de mode à des explorations culturelles plus accessibles.

Si la maison jouit déjà d’un certain prestige, c’est la série Travel qui bouleverse véritablement les codes de l’édition contemporaine. Lancée en 2017 avec un premier titre sur Ibiza, la collection se distingue par ses couvertures dessinées à la main par Martine Assouline. Chaque volume capture l’esprit d’un lieu grâce à une préface rédigée par un passionné – écrivain, artiste ou local emblématique – suivie d’une invitation subjective au voyage, mêlant images récentes et d’archives. Des destinations variées sont explorées, d’Ibiza à Tulum, de Mykonos à la Toscane, chacune avec son ADN unique – histoire, culture et glamour – et la série s’aventure même sur des thèmes plus insolites comme les océans ou la Lune. En 2026, la collection compte environ 80 titres.

Les clés du succès

Le succès de Travel repose sur plusieurs ingrédients. D’abord, la possibilité d’un voyage immobile : les livres offrent une évasion depuis chez soi, et le confinement a renforcé cet engouement, transformant ces roadbooks en compagnons de rêve pour ceux qui ne pouvaient pas voyager. La force de la collection tient aussi à ses visuels : Martine Assouline insuffle à chaque couverture une signature graphique immédiatement reconnaissable, qui dépasse le simple contenu pour devenir un élément de décoration intérieure prisé. Ces volumes colorés et distinctifs sont ainsi exposés sur les tables basses des hôtels design, dans les boutiques élégantes et sur les réseaux sociaux, où ils sont souvent repris comme icônes de style et d’esthétique contemporaine.

L’innovation multisensorielle prolonge l’expérience : chaque volume est accompagné de playlists Spotify thématiques, et la ligne Travel from Home propose des bougies parfumées conçues par Jérôme Epinette, aux senteurs évocatrices de chaque lieu, de la Toscane à Miami Beach, vendues en sets cadeaux.

Le prix accessible – autour de 100 euros –positionne ces « roadbooks » comme un luxe abordable, tandis que la qualité d’impression et les partenariats avec des hôtels soutiennent les ventes. C’est là tout le génie de la famille Assouline : transformer la nostalgie du voyage en un objet de désir culturel et lifestyle, faisant du « coffee table book » le dernier bastion d’un luxe à la fois accessible et instagrammable, que l’on feuillette autant qu’on admire.

The story of Assouline’s Travel collection traces back to the very roots of the publishing house, founded in Paris in 1994 by Prosper and Martine Assouline. Captivated by the legendary Hôtel La Colombe d’Or in the South of France, they set out to tell its story in a book, produced right in the basement of their apartment. Prosper handled the photography, Martine the text—a simple formula that laid the groundwork for an editorial empire now releasing up to 100 titles a year. Joined by their son Alexandre in 2016, the trio broadened their scope, shifting from art and fashion books to more accessible cultural explorations. While Assouline already enjoyed solid prestige, it was the Travel series that truly shook up contemporary publishing. Launched in 2017 with its first title on Ibiza, the collection stands out for its hand-drawn covers by Martine Assouline. Each volume captures a place’s spirit through a preface by a passionate figure—writer, artist, or local icon—followed by a subjective invitation to travel, blending recent and archival images. Destinations range widely, from Ibiza to Tulum, Mykonos to Tuscany, each with its distinct DNA of history, culture, and glamour; the series even ventures into more unusual themes like oceans or the Moon. As of 2026, it comprises around 80 titles.

Keys to the success

The Travel series thrives on several key elements. First, the promise of armchair travel: these books deliver escape from home, a draw that intensified during lockdowns, turning them into dream companions for those grounded. The visuals are another powerhouse—Martine’s instantly recognizable graphic signature on every cover elevates the books beyond content into coveted interior design pieces. Colorful and distinctive, they grace coffee tables in design hotels, chic boutiques, and social media feeds, where they serve as icons of contemporary style and aesthetic. Multisensory innovation extends the experience: each volume comes with thematic Spotify playlists, while the Travel from Home line offers scented candles by master perfumer Jérôme Epinette, evoking the essence of places from Tuscany to Miami Beach, sold in gift sets.

Priced around €100, these “roadbooks” offer accessible luxury, backed by high-quality printing and hotel partnerships that boost sales.

That’s the Assouline family’s real genius: turning travel nostalgia into a cultural and lifestyle object of desire, transforming the coffee-table book into the last bastion of luxury that’s both approachable and highly Instagrammable—something you flip through as much as you admire.

HÔTEL

SPA | LES BAINS DE SPA

RETOUR À LA SOURCE

À Spa, berceau historique du thermalisme, Les Bains de Spa signent une renaissance élégante après une rénovation d’envergure.

Texte

David Bail Photos Les Bains de Spa

À Spa, petite ville thermale nichée au cœur des Ardennes Belges, bien connue des amateurs de courses automobiles grâce à son mythique circuit, l’hôtel Les Bains de Spa vient de se refaire une beauté. Après une rénovation d'ampleur qui a duré 10 années, le lieu renaît de la plus belle des manières — un écrin contemporain façonné autour d’une idée simple : faire du bien-être non plus un simple service, mais un véritable art de vivre.

Ici, chaque détail a été pensé pour favoriser la reconnexion, cette quête moderne devenue essentielle dès que les jours raccourcissent et que le corps réclame un refuge.

Ce renouveau s'accompagne de la signature d’un partenaire prestigieux : Clarins, qui signe le seul espace wellness de ce type en Belgique. Un privilège rare, synonyme d’un niveau d’exigence et de soin que l’on retrouve dès les premiers gestes prodigués. Les soins Clarins et myBlend, façonnés comme des rituels, deviennent des moments de renaissance intime. Les textures, les fragrances, les mouvements précis créent un dialogue silencieux entre les sens et l’esprit. Ce n’est plus une simple parenthèse : c’est une immersion.

La rénovation a tiré parti de l’histoire du lieu, jouant avec des fresques artistiques, des matières nobles et des perspectives lumineuses. Mais c’est l’élément originel de Spa — l’eau — qui reste la véritable âme de l’hôtel. Elle circule comme une mémoire souterraine, inspirant un parcours où tradition et modernité ne cessent de converser : bassins de détente, sauna finlandais, bain romain, mur de sel, fontaine de glace, cabines de soins, espace fitness ultramoderne... Une scénographie subtile où le corps trouve du réconfort dans chaque zone.

Pour prolonger cette expérience, l’hôtel propose trois escapades pensées comme des voyages intérieurs. Le Rituel Majesté, alliance souveraine de soins Clarins, de gastronomie et d’une nuit en Suite Héritage, incarne la retraite d’exception. Le Rêve Serein, quant à lui, réconcilie le sommeil et la détente dans une promesse de repos absolu. La Pause Essentielle s’adresse à ceux qui manquent de temps mais pas d’envie, offrant quelques heures précieuses où l’on se retrouve enfin soi-même. Même pour une simple immersion de deux heures dans l’espace spa, l’hôtel a imaginé une expérience douce, enveloppante, sans contrainte.

Dans un monde saturé d’adresses qui promettent le bien-être plus qu’elles ne le créent, Les Bains de Spa se distinguent par une sincérité rare. Rien n’y est factice. On y trouve ce qui faisait l'essence même des spas antiques : un art de vivre véritable, de sentiment de paix apaisant, dans un décor de palais de marbre.

Les Bains de Spa sont des retrouvailles avec soimême, un luxe qui n’a pas de prix.

« Après une rénovation d'ampleur qui a durée 10 années, le lieu renaît de la plus belles des manières. »

The renovation has drawn on the site’s history, playing with artistic frescoes, noble materials, and luminous perspectives. Yet it is Spa’s original element—water—that remains the true soul of the hotel. It flows like a subterranean memory, inspiring a journey where tradition and modernity are in constant conversation: relaxation pools, Finnish sauna, Roman bath, salt wall, ice fountain, treatment cabins, ultra-modern fitness area... a subtle scenography in which the body finds comfort in every space.

To extend the experience, the hotel offers three getaways conceived as inner journeys. The Majestic Ritual, a sovereign alliance of Clarins treatments, gastronomy, and a night in the Heritage Suite, embodies the ultimate retreat. Serene Dream reconciles sleep and relaxation, promising absolute rest. The Essential Pause is designed for those short on time but rich in desire, offering a few precious hours to finally reconnect with oneself. Even for a simple two-hour immersion in the spa area, the hotel has imagined a gentle, enveloping experience, free of constraints.

In Spa, a small thermal town nestled in the heart of the Belgian Ardennes and well known to motorsport enthusiasts for its legendary racetrack, Hôtel Les Bains de Spa has just undergone a remarkable transformation. After a major renovation spanning ten years, the venue is reborn in the most beautiful way — a contemporary jewel shaped around a simple idea: to make well-being not merely a service, but a true art of living. Here, every detail has been designed to encourage reconnection, that modern quest that becomes essential as days grow shorter and the body yearns for a refuge.

This revival is accompanied by the signature of a prestigious partner: Clarins, which lends its name to the only wellness space of its kind in Belgium. A rare privilege, synonymous with an exceptional level of excellence and care, felt from the very first gestures. Clarins and myBlend treatments, crafted like rituals, become moments of intimate renewal. Textures, fragrances, and precise movements create a silent dialogue between the senses and the mind. This is no longer a simple interlude—it is an immersion.

In a world saturated with addresses that promise well-being more than they create it, Les Bains de Spa stand out for their rare sincerity. Nothing here is artificial. One finds what lay at the very heart of ancient spas: a true art of living, a soothing sense of peace, set within a marble-palace décor.

Les Bains de Spa are a reunion with oneself—a luxury beyond price.

SOCIÉTÉ | ÉTUDE

Êtes-vous un hackeur de voyages ?

En 2026, le luxe se consomme en dose. Une nuit cinq étoiles suffit à goûter à l’exceptionnel sans en payer le prix. Bienvenue dans le lux-scaping, le nouveau hack des voyageurs malins.

Texte Audrey Forman Photo Netflix

Ils ne restent qu’une nuit. Parfois même moins de vingt-quatre heures. Mais cette parenthèse suffit à transformer leurs vacances. De plus en plus de jeunes voyageurs s’offrent aujourd’hui un “shot” d’hôtel de luxe : une nuit dans un palace ou un cinq-étoiles, sans pour autant avoir les moyens pour un séjour prolongé. Une tendance révélatrice d’une nouvelle manière de consommer le voyage... et le luxe.

“Petit plaisir” de voyage

Cette pratique porte désormais un nom : le lux-scaping. Selon la dernière étude Marriott Bonvoy “Ticket to Travel 2026”, menée auprès de plus de 22 000 voyageurs en Europe, au Moyen-Orient et en Afrique, 59 % des répondants déclarent avoir déjà intégré une expérience de luxe très courte à leurs vacances, souvent en début ou en fin de séjour. Chez les jeunes générations, le phénomène s’accélère : près d’un tiers des 18-34 ans affirment l’avoir fait récemment.

Loin de l’image traditionnelle d’un luxe réservé à une élite fortunée, cette génération privilégie l’instant, l’expérience, le souvenir. Une chambre avec vue, un spa d’exception, un petit-déjeuner servi sur une nappe immaculée : autant de détails qui justifient, à leurs yeux, une dépense ponctuelle mais hautement symbolique. Le reste du séjour se fait souvent dans des hébergements plus abordables, parfois même chez l’habitant. Le contraste fait partie intégrante de l’expérience.

Un luxe émotionnel et thérapeutique

Ce comportement n’a rien d’anodin. Il traduit un rapport au luxe profondément transformé. Pour ces jeunes vacanciers, il ne s’agit plus de posséder ou

d’afficher une réussite durable, mais de vivre un moment hors du temps, quitte à faire une entorse temporaire à leur budget. L’étude Marriott révèle que près de 30 % des voyageurs considèrent le lux-scaping comme un moyen d’accéder à un niveau de confort qu’ils ne pourraient pas s’offrir sur un séjour complet. Le luxe devient émotionnel, presque thérapeutique : une récompense, une façon de marquer un événement ou simplement de se faire plaisir. Les réseaux sociaux jouent évidemment un rôle amplificateur. Une nuit dans un palace, c’est une image forte, immédiatement reconnaissable, qui s’inscrit parfaitement dans une narration personnelle en ligne. Mais réduire cette tendance à une simple quête de visibilité serait réducteur. Beaucoup évoquent avant tout le souvenir, l’impression d’avoir vécu quelque chose d’exceptionnel — même brièvement. Dans un contexte économique parfois incertain, ces moments deviennent de véritables repères positifs.

Une opportunité pour l’hôtellerie

Du côté des hôtels de luxe, cette nouvelle clientèle attire l’attention. Plus jeune, moins fidèle en apparence, mais très prescriptrice, elle pousse les établissements à repenser leurs offres : packages ultra-courts, expériences bien-être ou gastronomiques à la carte, séjours “signature” d’une nuit. Une manière de séduire ces voyageurs d’un nouveau genre, qui pourraient bien devenir les clients réguliers de demain.

Cette tendance illustre une génération qui arbitre différemment ses priorités, préférant concentrer ses ressources sur des expériences marquantes plutôt que sur une consommation linéaire. Un luxe fragmenté, assumé, parfois déraisonnable, mais profondément révélateur de notre époque.

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L’étude Marriott révèle que

près

de 30 % des voyageurs considèrent le lux-scaping comme un moyen d’accéder à un niveau de confort qu’ils ne pourraient pas

s’offrir sur un séjour complet »

They stay for just one night. Sometimes even less than twenty-four hours. Yet this brief interlude is enough to transform their vacation. More and more young travelers are now treating themselves to a “shot” of luxury hospitality: a single night in a palace or a five-star hotel, without necessarily being able to afford a longer stay. A trend that reveals a new way of consuming travel... and luxury.

A “small pleasure” while traveling

This practice now has a name: lux-scaping. According to the latest Marriott Bonvoy study, Ticket to Travel 2026, conducted among more than 22,000 travelers across Europe, the Middle East, and Africa, 59% of respondents say they have already included a very short luxury experience in their vacation, often at the beginning or the end of their trip. Among younger generations, the phenomenon is accelerating: nearly one-third of 18–34-year-olds say they have done so recently.

Far from the traditional image of luxury reserved for a wealthy elite, this generation prioritizes the moment, the experience, the memory. A room with a view, an exceptional spa, breakfast served on crisp white linens—details that, in their eyes, justify a one-off but highly symbolic expense. The rest of the trip is often spent in more affordable accommodations, sometimes even staying with locals. The contrast is an integral part of the experience.

Emotional and therapeutic luxury

This behavior is far from trivial. It reflects a profoundly transformed relationship with luxury. For these young vacationers, it is no longer about owning or displaying lasting success, but about living a moment outside of

time—even if it means making a temporary dent in their budget. The Marriott study reveals that nearly 30% of travelers view lux-scaping as a way to access a level of comfort they could not afford over a full stay. Luxury becomes emotional, almost therapeutic: a reward, a way to mark an occasion, or simply to indulge oneself.

Social media obviously plays an amplifying role. One night in a palace creates a powerful, instantly recognizable image that fits perfectly into a personal online narrative. But reducing this trend to a mere quest for visibility would be misleading. Many travelers primarily mention the memory, the feeling of having experienced something exceptional—even briefly. In an often uncertain economic climate, these moments become genuine positive anchors.

An opportunity for the hospitality industry

On the luxury hotel side, this new clientele is drawing attention. Younger, seemingly less loyal, yet highly influential, they are pushing establishments to rethink their offerings: ultra-short packages, à la carte wellness or gastronomic experiences, one-night “signature” stays. A way to appeal to these new types of travelers, who may well become the regular guests of tomorrow. This trend illustrates a generation that arbitrates its priorities differently, choosing to concentrate its resources on memorable experiences rather than linear consumption. A fragmented, unapologetic luxury—sometimes unreasonable, but deeply revealing of our time.

SÉRIE | THE WHITE LOTUS

La fine fleur des séries

Après Hawaï, la Sicile et la Thaïlande, The White Lotus revient... en France. Et pour planter le décor de sa saison 4, la série HBO a choisi l’un des palaces les plus emblématiques de la Côte d’Azur.

C’est désormais officiel : le Château de la Messardière s’impose comme l’un des décors phares de la saison 4 de The White Lotus. La série HBO, experte dans l’art de disséquer les excès et les névroses de l’élite fortunée sous des latitudes paradisiaques, a jeté son dévolu sur ce palace tropézien à l’élégance résolument old money. Le tournage devrait s’étendre de fin avril à octobre 2026, avec quelques incursions sur la Côte d’Azur et à Paris, tandis que des murmures évoquent déjà des intrigues en marge du Festival de Cannes — rien de plus White Lotus. Pour la première fois, la série quitte donc les emblématiques resorts Four Seasons au profit d’une adresse européenne chargée d’histoire.

Les origines romantiques du château

Le Château de la Messardière voit le jour à l'aube du XXe siècle. En 1904, Gabriel Dupuy d’Angeac, célèbre négociant en cognac, offre cette demeure de style néo-renaissance en cadeau de mariage à sa fille Louise et à son époux, le comte Henry Brisson de la Messardière, officier de cavalerie. Tourelles, arcades et panoramas sur les vignes de Ramatuelle : l'édifice incarne alors le romantisme architectural de la Belle Époque.

Après le décès prématuré d’Henry, Louise conserve la propriété, qui devient un lieu de réceptions privées et aristocratiques. Durant les Années folles, le domaine devient l'un des rares points de chute prestigieux de la côte, accueillant dans ses salons de musique une société cosmopolite bien avant que Saint-Tropez ne devienne une destination mondiale.

Du déclin à la renaissance Palace

Comme beaucoup de demeures d’exception, le château connaît ensuite un lent déclin. Abandonné durant plusieurs décennies, il renaît en 1989 grâce à une restauration ambitieuse menée par l’architecte Jean-Claude Rochette, qui préserve son âme tout en l’adaptant aux exigences contemporaines. Intégré à la collection Airelles en 2019, il rouvre en 2021 après une rénovation complète et décroche le très convoité label “Palace”, réservé à une poignée d’adresses d’exception en France.

L’art de vivre tropézien

Aujourd’hui, le Château de la Messardière déploie son luxe sur 13 hectares de jardins méditerranéens, entre pins parasols, cyprès et jasmin, avec des vues spectaculaires sur Pampelonne et le golfe de Saint-Tropez. Spa somptueux, tables raffinées dont Matsuhisa by Nobu, Kids Club installé dans une villa privée, transfert en Rolls-Royce vers la plage Jardin Tropezina... Ici, même l’excès est parfaitement orchestré. Engagé depuis plus de vingt ans dans une démarche de luxe responsable, le lieu reste aussi l’un des spots les plus prisés pour les mariages au coucher du soleil.

Chargé d’histoire, de légendes et bientôt de caméras, le Château de la Messardière s’apprête donc à jouer son rôle — muet mais central — dans les drames feutrés de The White Lotus. Reste à savoir qui, cette fois, quittera le palace avant la fin du séjour...

It is now official: Château de la Messardière has established itself as one of the flagship settings for Season 4 of The White Lotus. The HBO series, a master at dissecting the excesses and neuroses of the wealthy elite in paradisiacal locations, has set its sights on this Saint-Tropez palace with its resolutely "old money" elegance. Filming is expected to run from late April to October 2026, with incursions along the French Riviera and in Paris, while rumors already hint at plotlines unfolding on the fringes of the Cannes Film Festival—classic White Lotus. For the first time, the series is departing from its iconic Four Seasons resorts in favor of a European address steeped in history.

The Romantic Origins of the Château

Château de la Messardière was born at the dawn of the 20th century. In 1904, Gabriel Dupuy d’Angeac, a famous cognac merchant, offered this neo-Renaissance style manor as a wedding gift to his daughter Louise and her husband, Count Henry Brisson de la Messardière, a cavalry officer. With its turrets, arcades, and panoramas overlooking the vineyards of Ramatuelle, the building embodied the architectural romanticism of the Belle Époque.

Following Henry’s untimely death, Louise maintained the property, which became a venue for private and aristocratic receptions. During the Roaring Twenties, the estate became one of the few prestigious destinations on the coast, hosting a cosmopolitan society in its music salons long before Saint-Tropez became a global destination.

From Decline to a "Palace" Renaissance

Like many exceptional estates, the château later experienced a slow decline. Abandoned for several decades, it was reborn in 1989 thanks to an ambitious restoration led by architect Jean-Claude Rochette, who preserved its soul while adapting it to contemporary requirements. Joining the Airelles collection in 2019, it reopened in 2021 after a complete renovation and was awarded the highly coveted "Palace" label—a distinction reserved for only a handful of exceptional addresses in France.

The Saint-Tropez Art de Vivre

Today, Château de la Messardière spreads its luxury across 13 hectares of Mediterranean gardens, amidst umbrella pines, cypresses, and jasmine, offering spectacular views of Pampelonne and the Gulf of Saint-Tropez. A sumptuous spa, refined dining including Matsuhisa by Nobu, a Kids Club housed in a private villa, and RollsRoyce transfers to the Jardin Tropezina beach... here, even excess is perfectly orchestrated. Committed to a responsible luxury approach for over twenty years, the venue also remains one of the most sought-after spots for sunset weddings. Steeped in history, legends, and soon cameras, Château de la Messardière is preparing to play its part—silent yet central—in the hushed dramas of The White Lotus. It remains to be seen who, this time, will check out of the palace before the end of their stay...