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Putting the back in
El nuevo รกlbum de la mejor banda de rock del planeta. DESDE 7 DE AGOSTO
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STAFF DIRECTOR Sergi Ramos EDITOR-IN-CHIEF Dani Bueno DISEÑO Y MAQUETACIÓN Dani Bueno FOTO DE PORTADA Ben Wolf (Deep Purple) Johan Carlén (Avatar) COLABORADORES Javier Bragado, Paco García, Víctor Gallego, Olga Vidal, Toni Villén, Satur Romero, Jesús Martínez, Javi Félez, Mikel Yarza, Marina Salcedo, Toni de Lola, Alberto Zambrano, José Antonio Fernández, Txema Garay, Sergio de la Torre, Marc Fernández, José Luis Abrego, Franz S. Heiligen, Tim Drake y Óscar Gil.
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EDITORIAL
ace apenas cuatro meses todos estábamos incrédulos ante las cancelaciones en masa en giras y festivales debido a la emergencia sanitaria. Parecía que octubre iba a ser el momento en que se restableciese la actividad, pero la realidad se ha ido imponiendo y ahora ya comenzamos a asumir que quizá lo que hay programado en 2021 comienza a peligrar. Seguramente no peligrará por el virus en sí mismo, sino por toda la histeria gubernativa que lleva aparejada y por la dificultad de que todo un planeta levante restricciones de entrada a los países de manera equitativa. Algo complejo cuando cada país ha tomado su propia estrategia frente a la emergencia sanitaria y que complica cuestiones burocráticas como las fronteras, los visados y otras de vital importancia para el normal desarrollo de las giras de nuestros artistas favoritos. Se dice que hay una vacuna que podía estar lista para septiembre. Se implantan nuevas restricciones arbitrarias según situaciones epidemiológicas que manipulan a su gusto los gobernantes de cada lugar. Una de cal y una de arena. Lo cierto es que el gran obstáculo a sortear ya no va a ser el obstáculo médico sino el talante reactivo de quienes mandan y quienes deciden qué podremos hacer y qué no. Con un poco de suerte, el año que viene por estas fechas estaremos reseñando los grandes festivales que vuelven a asolar todo el mundo con tremendos carteles como los que van anunciando ya por estas fechas. Mientras tanto, el mundo del rock sigue vivo, sigue moviéndose e intenta seguir en pie pese a la falta de actividad en directo. Bandas como Avatar y Deep Purple, que representan el presente y el pasado y dos maneras de entender el metal, protagonizan la doble portada de este mes y nos ofrecen dos discos que son firmes candidatos al Top 10 de un año raro -pero prolífico-.
Sergi Ramos
secciones
EDITA
TIENDA ONLINE www.tienda.themetalcircus.com
4 PHOTOPASS RESURRECTION FEST
62 DEE SNIDER METALHEAD A LOS 65
6 TOUR LIFE BUTCHER BABIES
66 BLUES PILLS RECUPERAR LA INDEPENDENCIA
10 DISCOS FAVORITOS DE… WINSTON MCCALL (PARKWAY DRIVE)
70 SEETHER PREPARADOS PARA LA GUERRA
12 NEW BLOOD ANONYMUS
72 NIGHT STUDIO REPORT
14 GEAR TALK JAY WEINBERG (SLIPKNOT)
73 THE HAWKINS STUDIO REPORT
16 DEEP PURPLE DIGNIDAD INTACTA
74 HINAYANA SONIDOS EXTREMOS ATMOSFÉRICOS
Impreso en España (Made in Spain) Precio para Canarias: 4,65 € Depósito Legal B-15442-2020 08/21
24 AVATAR COLOSOS
75 THE WISE MAN’S FEAR DESPRENDIENDO FANTASÍA
32 MEGADETH 25º ANIVERSARIO DE ‘YOUTHANASIA’
Reservados todos los derechos, se prohibe la reproducción total o parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados o cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos en este número sin la autorización expresa por escrito del titular del copyright La revista de rock y metal más leída de Europa The Metal Circus’ Metal Hammer España no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores ni se identifica necesariamente con lo publicado.
38 LIVE & LOUD JAVIER BRAGADO
76 DISCOS IN FLAMES, BURY TOMORROW, STATIC-X, POWERWOLF, RISE OF THE NORTHSTAR, THUNDERMOTHER, KAMELOT, ANVIL, CANDLEMASS, DEE SNIDER, AVATAR....
56 WITHIN TEMPTATION GOLPE DE TIMÓN
82 CONCIERTOS LEO JIMÉNEZ Y SÔBER
SUSCRIPCIONES 659 38 97 08 mkt@themetalcircus.com DISTRIBUYE SGEL Avda. Valdelaparra, 29. Pol. Ind. - 28108 Alcobendas (Madrid) Tel. 91 657 69 00 IMPRIME Monterreina 916213060
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Para cualquiera que lleve un tiempo viviendo en el “mundillo del metal”, hablar de verano en Galicia es hablar del Resurrection Fest; un festival que desde sus inicios en 2006 ha ido creciendo hasta convertirse en el referente que conocemos hoy en día. Su caso se estudiará en un futuro en las escuelas de Administración de Empresas como uno de los grandes casos de éxito en el mundo de la promoción de eventos musicales.
FEST RESURRECTION
ARTISTA:
FECHA/LUGAR:
FOTÓGRAFO:
20)
s 1 DE JULIO DE 20
VIVEIRO (miércole
PACO GARCÍA
PHAOSTOS P
Lamentablemente, 2020 ha venido marcado por la catástrofe: una pandemia como no conocía la humanidad desde 1918. Más de 100 años después, una enfermedad nos golpeaba al término del primer trimestre del año y todo se paró. La música se ha visto terriblemente afectada, reducciones de aforo, pérdidas de contratos... y la posposición del festival a 2021 no se ha podido evitar por cuestiones obvias. Yo, que soy una persona de ideas claras y que me gusta tener el trabajo planificado y cerrado con bastante antelación, tenía la reserva de hotel realizada desde octubre de 2019 y tenía clarísimo que si las autoridades me dejaban viajar hasta Galicia, el miércoles 1 de julio cogería el petate y haría el recorrido que, cuando escribo estas líneas, he realizado ya durante 7 años. Sin Resu, la cosa se planteaba de forma distinta. La visita al recinto era obligada y no quería dejar de ver cómo estaría mi festival “sin festival”. Por supuesto, aproveché el viaje para disfrutar de otra forma de Viveiro y sus
alrededores y así visité zonas que sólo había visto en Google Maps, comí en lugares distintos a mi amado Circle Meal (y su jamón asado) e investigué los otros enclaves del festival como El Casino (dónde se suele ubicar el Glamping), el parque José Antonio Pernas Peón (conocido como el Camping A) o la zona del Mirador de San Roque (denominado Camping B) con su ermita y su cueva del Santo. Sitios idílicos para acampar y disfrutar de los otros placeres que ofrece el Resurrection Fest. El viaje me sirvió también para visitar las decenas de calas, acantilados, fondeaderos, puertos, playas, monumentos y demás que puede ofrecer la costa oriental gallega. Desde A Coruña hasta Ribadeo pasando por los obligados acantilados de Loiba (con su célebre banco), conociendo El Castillo de Santa Cruz o la monumental Praia das Catedrais y reservando mesa para comer y cenar en algunos de los cientos de restaurantes especializados en producto fresco, ya sea recién sacado del mar o de la tierra. Toda esta experiencia se tornó en prisas y miedo. El sábado 4 de julio la amenaza de la enfermedad se volvió a cernir sobre la costa gallega y se preveía el cierre de la comarca en la que nos encontrábamos para el lunes siguiente, lo cual nos obligó en parte a cancelar los planes del último día (las reservas en restaurantes y visitas y la pertinente recogida apresurada de nuestras cosas para poner rumbo a casa en medio de esta extraña “nueva normalidad”). Esperemos que el año que viene sea más, mejor y con Resurrection Fest.
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LOS 5 DISCOS FAVORITOS DE…
winston mccall (parkway drive) TEXTO: DANI BUENO FOTO: javier bragado
Después de la extensa charla que tuvimos acerca de múltiples factores del entorno de Parkway Drive, la última parte de la entrevista con Winston McCall sirvió para conocer cuáles son los discos favoritos del vocalista australiano, con quien ya habíamos sobrepasado la media hora que, a priori, teníamos con él, y que se alargó todavía más cuando el frontman nos explicó por qué los siguientes álbumes son los que tienen más trascendencia para él en su vida. Bad Religion - Suffer (1988) “Voy a empezar con este porque fue con el disco con el que me introduje al punk rock, y este estilo en mi vida ha sido muy importante. El punk rock tiene muchas características a destacar como, sobre todo, su inteligencia, y Bad Religion plasma eso de manera idónea en este ‘Suffer’. Si a esto se le suma la gran energía que posee, esto lo hace aún mejor”. Nick Cave & The Bad Seeds - Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus (2004) “Me encanta el ‘Abattoir Blues’ a nivel instrumental y creo que es una de las mejores obras que existen en la historia. En realidad aquí podría mencionar casi cualquier álbum de Nick Cave (risas). Hace un gran trabajo y su sonido es excepcional”.
Hatebreed - Perseverance (2002)
“Me gusta mucho Hatebreed y fue el primer disco que escuché de hardcore que hizo que todo me diese un vuelco por la potencia de la música que contenía. La producción que tenía ese álbum provocó que la primera vez que fuimos a grabar un disco de estudio buscáramos tener un sonido similar a ese (risas)”. Cuando mencionó esto, automáticamente la relación era más que curiosa: el disco que había hecho a los Parkway Drive primigenios sonar de una manera era el de la banda que se iba a encargar de telonear a los australianos en su próxima gira europea. El hecho de que los creadores de uno de tus álbumes favoritos sean quienes poseen la labor de abrir tu show es sinónimo de que tu posición es más alta que la de ellos en la escena, y eso resulta curioso, por lo que quisimos que Winston nos contase más acerca de cómo se sentía en esa tesitura.
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“la primera canción que canté en mi vida fue una versión de hatebreed, y es extraño y muy loco a la vez que este tour fuera así porque los primeros temas que tocábamos cuando arrancó parkway drive eran covers de ellos” (winston mccall) “Es una verdadera locura”, confesaba entre risas McCall. “Para mí, cuando se cerró el tour y se confirmó que iba a ser con Hatebreed, la sensación fue una pasada. Una vez ya estaba todo concretado para la gira nos sentamos y dijimos: ‘Hatebreed... ¡madre mía!’. La primera canción que canté en mi vida fue una versión de Hatebreed, y es extraño y muy loco a la vez que este tour fuera así porque los primeros temas que tocábamos cuando arrancó Parkway Drive eran covers de ellos. Es increíble que vayamos a girar con ellos y un inmenso placer. No puedo decir mucho más (risas).
Tom Waits - Alice (2002)
“Tom Waits es un artista que me gusta mucho. Me encantan las melodías bonitas, y eso es lo que Waits hace extremadamente bien. En este disco en concreto se haya una de la músicas más bonitas que se puede escuchar con unas letras preciosas que tienen a su vez un toque oscuro y un poco creepy, así que eso es algo que hace este trabajo aún más especial”.
The Prodigy - Music For The Jilted Generation (1994)
“Por último diría que este LP de The Prodigy ya que es el primer disco que escuché. Es un álbum por el cual no pasa el tiempo y que sigue sonando genial sin que le afecte el paso de los años. Sigue siendo absolutamente increíble y me encanta que aunque por el estilo que tocan se les pueda considerar por un tipo de música más electrónica, la manera de sonar que tienen posee mucha fuerza, y en este trabajo en concreto tiene un punto heavy que hace que sea muy contundente. Siempre va a ser un disco que esté a un nivel muy alto, y, por supuesto, entre mis favoritos (risas)”. De este modo, la conversación siguió con otros derroteros después de más de 45 minutos (bastante más de lo que había previsto en un principio), y en todo momento el cantante se mostró como siempre: con un tono animado. No le costó mucho elegir discos así como tampoco hablar tanto en el reportaje publicado hace dos números, en esta descripción de sus discos favoritos y en un pequeño aparte más personal, lo que demuestras que los grupos que vienen pisando fuerte para hacerse con el “trono” de la escena no solo tienen que tener un plus de inteligencia para saber qué movimientos llevar a cabo y cuáles no en su trayectoria, sino una actitud de buen humor constante que se transmite a los aficionados y, en este caso concreto, a medios como el nuestro.
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live and
La mayor exposición de fotografías musicales por un artista español, ‘Live And Loud 2.0’, estuvo varios meses en Oporto y, antes de la crisis del Covid-19 iniciaba una nueva andadura en Avilés (Asturias). Su autor es Javier Bragado, un habitual colaborador de Metal Hammer España y de los fotógrafos de conciertos y bandas más reputados de España y Europa. En las siguientes páginas podrás ver algunas de sus fotos más espectaculares y cómo nos cuenta la historia de su libro ‘Live And Loud’, donde recoge en forma física las mejores fotografías de su carrera en un formato imperdible para cualquier amante de la música y de los momentos capturados durante su ejecución en directo. 38 | metal hammer
AC/DC ha sido siempre una de mis bandas de cabecera; de hecho fue uno de los primeros grupos de rock que escuché cuando era un crío y aún hoy me siguen flipando. Esta foto es del primer concierto que pude fotografiarles. Es el principio del show y es realmente la manera en debe empezar un buen concierto de rock -y la foto que utilice para abrir esta exposición-. Fuego, luces, humo, explosiones, decibelios… no se puede pedir mucho más.
loud 2.o POR JAVIER BRAGADO
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blues pills RECUPERAR LA INDEPENDENCIA TEXTO: mikel yarza
fotos: patric ullaeus
Blues Pills se fundó en 2011 y antes de lanzar su debut discográfico con Nuclear Blast ya poblaba los carteles de grandes festivales europeos. El cuarteto sueco ha avanzado a un ritmo trepidante, mucho mayor que el de sus canciones de blues y rock psicodélico, y esto les obligó a echar el freno. Tras dos años recomponiéndose alejada de los focos, la banda vuelve ahora más liberada que nunca. Hablamos con su vocalista, Elin Larsson, sobre el nuevo disco ‘Holy Moly!’ y el carrusel emocional experimentado durante la pasada década. “Proud Woman” es la canción encargada de abrir el disco. Toda una declaración de intenciones, si nos fijamos en el discurso que le da inicio. Escribimos esta canción en el estudio, en menos de una hora y, para mí, se convirtió en una especie de tema con el que dar algo de vuelta a los oyentes. Con esta canción he querido dirigirme hacia las mujeres y la gente que se identifica como no binaria. Intenté construir un himno femenino para la música rock, ya que creo que no tenemos muchos de este tipo, pero al mismo tiempo quería escribir una canción divertida. En ningún momento hemos tratado de generar controversia, ya que todos los componentes de la banda somos feministas, creemos en la igualdad para todos y todas. Siempre pienso en “Proud Woman” como una canción de celebración. Su introducción está inspirada en el Movimiento de liberación de las mujeres que surgió a finales de los ‘60 en Estados Unidos. Fue la primera gran revolución y pensamos que incluir un testimonio de aquellos tiempos podía hacer que el tema creciera aún más. Me encanta. ¿De qué modo ha cambiado tu relación hacia el feminismo a través del arte con el paso del tiempo? Cuando comenzamos con la banda era bastante ingenua, ya que no tenía experiencia alguna en la industria musical. Había subido sobre el escenario, pero no tenía una imagen global del funcionamiento. Siempre he sido feminista, vengo de un entorno de mujeres muy fuertes y mi padre también era feminista, por tanto, para mí no es una palabra negativa, corre por mis venas. En el pasado he solido escribir canciones bastante explícitas como “Devil Man” y “High Class Woman”, pero es interesante, ya que si cambias ciertas palabras aquí y allá la gente puede tomar una distancia mayor y celebrar el feminismo. No hay nada amenazante en torno a ello. ¿Qué impacto pueden tener estos mensajes al llegar a una audiencia global a través de la música? Pueden marcar la diferencia, pueden hacer que las personas se empoderen. Eso es lo que he buscado. A fin de cuentas, la música rock es un mundo habitado y dominado al 95% por hombres. Para mí, crear algo nuevo o explorar un punto de vista diferente es una motivación añadida. Considerando mi posición y la posibilidad de escribir sobre estos temas, siento que sería genial llegar a otras mujeres y que ellas sientan esa misma pasión. Hacerles pensar: “oh sí, voy a montar una banda de rock”. Otra de las temáticas principales del disco hace referencia a la necesidad de romper con el pasado. ¿Qué te llevó a hablar sobre ello? Todo lo respectivo a este álbum es bastante autobiográfico. Hemos tenido unos años bastante duros y paramos en 2018, cuando nuestro guitarrista Dorian Sorriaux abandonó la banda. Comenzamos a construir una nueva formación, varios conflictos personales se mezclaron por el camino y hemos acabado escribiendo sobre todo ello en el nuevo álbum. Hablamos sobre pasión, ansiedad, pérdida... hemos perdido muchos amigos por el camino, también perdí a mi perro en un accidente. Nos encontrábamos en una buena posición como banda, pero entonces el resto comenzó a desmoronarse. De algún modo, esta es nuestra terapia para reflexionar sobre los años pasados y todos los asuntos a los que hemos tenido que enfrentarnos. ¿Cuál ha sido el mayor cambio en el seno de la banda desde su fundación hasta el día de hoy?
Principalmente, hemos madurado. Cuando comenzamos con el grupo teníamos poco más de veinte años, éramos unos críos, como adolescentes. Con el tiempo también hemos mejorado como compositores. En los inicios había mucha gente del negocio que nos empujaba en diferentes direcciones, trataban de convencernos y, como adultos primerizos, este tipo de cosas pueden acabar afectándote. En ese sentido, el nuevo disco ha servido para recuperar la confianza en nosotros mismos. Escribir, grabar, producir... lo hemos hecho todo por nuestra cuenta. Hemos recuperado nuestra independencia.
“Escribir, grabar, producir... lo hemos hecho todo por nuestra cuenta. Hemos recuperado nuestra independencia” (Elin Larsson) El álbum ha sido autoproducido. ¿Hasta qué punto ha afectado esto al resultado final? Durante el parón de la banda, hemos construido nuestro propio estudio. Se trata de una antigua fábrica en el campo, en la zona rural de Närke (Suecia). Grabamos allí por primera vez y esto nos permitió ser completamente honestos hacia nosotros mismos. Las personas que pertenecen al mundo de los negocios estaban preocupadas, pensando en cómo iba a sonar este disco. Pero les presenté “Songs From A Mourning Dove” y todos dieron el aprobado, nos dijeron:“ok, haced lo que queráis”. Ha sido el proceso más relajado en el que he participado jamás. Llegué a sentirme casi como en el pasado, cuando escribíamos música antes de haber firmado con ningún sello discográfico. Esa sensación que tienes cuando ni siquiera sabes si alguien va a escuchar lo que estás haciendo, una sensación de completa libertad. Creo que he vuelto a encontrar eso que perdí a través de los años. Ha sido un proceso para reencontrar mi propia voz, pensar en lo que quería escribir y el modo en el que quería sonar. ¿Hasta qué punto ha influido el propio espacio, vuestro estudio y el entorno natural, en el nuevo álbum? Ha creado un ambiente diferente. Cuando estás en tu estudio, no tienes que pagar a nadie por su tiempo, no sientes ese estrés. Si te apetece, puedes salir y dar un paseo, disfrutar de los prados que lo rodean y después caminar a casa, hasta tu cama. Fue sinónimo de libertad, un proceso sin estrés, muy calmado. No escondéis vuestra devoción por el material analógico. ¿Resaltarías algún elemento diferenciador de entre todo el material utilizado para esta grabación? Personalmente, no poseo mucho material de grabación. Tengo un piano Rhodes y varios micrófonos Neumann que compré en Australia. Son bastante exclusivos, ya que me los enviaron como muestra antes incluso de que lanzaran el producto al mercado. Creo que son los mejores micrófonos para voces femeninas, consigues un sonido que respeta por igual las frecuencias más graves y más agudas. Son micros que capturan un sonido con mucho espíritu. De todos modos, nuestro guitarrista Zack Anderson es más aplicado que yo en lo que respecta al sonido, él es quien controla todos los detalles sobre el material de grabación. Háblanos sobre la experiencia de mezclar ‘Holy Moly!’ con un hombre tan experimentado como Andrew Scheps (Red Hot Chili Peppers, Iggy Pop, Adele, Black Sabbath...). ¿Cuál ha sido su principal aportación al nuevo disco? metal hammer | 67
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Como decía antes, grabamos el disco por nuestra cuenta y en ciertos momentos sentíamos pánico, ya que no sabíamos quién se encargaría de dar el siguiente paso, de hacerlo sonar bien. Recuerdo que una vez Zack me llamó a altas horas de la madrugada y me dijo: “Andrew Scheps quiere mezclarlo”. Fue una noticia alucinante, ya que se trataba de un disco que estábamos haciendo por nuestra cuenta, casi nadie había escuchado los temas y de repente él estaba interesado en mezclarlo. Creo que Scheps ha conseguido que la música luzca más, ha hecho que las canciones suenen como queríamos, pero en una versión mejorada. En algunas partes concretas le pedimos que bajara el volumen de las voces un poquito, pero generalmente fue perfecto desde el inicio. No hubo casi nada sobre lo que quejarse.
escrito canciones para el grupo. Cuando él abandonó necesitábamos a alguien para el puesto de seis cuerdas que se dedicara a la banda por completo, que transmitiera confianza y además conociera nuestro sonido realmente bien. Esa persona era Zack. No pienso mucho en cómo ha cambiado nuestro sonido al pasar Zack de ser bajista a guitarrista, a fin de cuentas, la composición se ha mantenido intacta. De todos modos, creo que ahora sonamos a rock n’ roll más que nunca, Dorian tenía una visión de guitarrista, mientras que Zack piensa más en la canción y en el conjunto de la composición. Personalmente, me encantan las dos opciones, pero podría decirse que ahora sonamos como una auténtica banda de rock and roll. Esto también se debe a la incorporación de Kristoffer Schander al bajo.
¿Ha provocado esta colaboración algún cambio en la visión que teníais a la hora de afrontar la grabación, producción o mezcla de un disco?
En lo que se refiere a las voces, ¿exploraste algo de forma diferente en esta ocasión?
No especialmente. Lo que nos ha quedado claro es que Scheps es buenísimo mezclado y que nos gustaría que él volviera a ser el encargado de esa tarea en nuestro próximo trabajo. Fue como un escenario de ensueño. Al haber grabado por nuestra cuenta, lo único que hicimos fue mandarle las pistas y dejar la mezcla en sus manos. Creo que la última canción, “Longest Lasting Friend”, fue la que más se le resistió. Nos la envió más tarde que el resto, ya que tuvo que regrabar un arreglo en una parte determinada, y acabó confesándonos que fue la más complicada. Por lo demás, no hubo grandes debates sobre las canciones, ya que Scheps se encargó de mezclar, no de producir. Creo que es el mejor a la hora de mezclar nuestro estilo. En un sentido más amplio, el nuevo disco también hace referencia al reto de combatir vuestros demonios personales. ¿Podrías echar la vista atrás y apuntar a los principales problemas? Creo que hay varias razones detrás de esto. Publicamos nuestro primer álbum en 2014, pero ya estábamos tocando en los grandes festivales antes incluso de que viera la luz. Todo sucedió de forma muy rápida y no estábamos preparados para ello. Obviamente, no somos Lady Gaga o Beyoncé, no estamos a ese nivel, pero la presión vino igualmente y el reto fue cada vez más grande. Comenzamos a pensar que podíamos vivir de nuestra música, fue como un sueño, y eso se convirtió en el inicio de los problemas. Empezamos a no disfrutar tanto por la gran escalada de presión, empezamos a tener que tratar con nuestro equipo de sonido, el manager, el tío del sello, también tocar determinados conciertos y grabar en vivo en ciertos festivales... te vuelcas por completo y trabajas tan duro que, al final, olvidas quién eres. La única vez que vuelves a casa tienes a los niños esperándote, tienes que pagar las facturas para que puedan seguir adelante... empiezas a pensar en todos estos asuntos y nunca tienes la sensación de ser tú mismo. Eres como una simple proyección de ti mismo, la persona que está al frente de la banda. Tuve problemas con la ansiedad y la depresión, pero he aprendido a vivir con ello. Ahora soy más agradecida, me fijo en mis propios altibajos y me sirven como inspiración creativa. Pero también he aprendido a decir que no, nunca lo había hecho anteriormente y ahora sé cómo hacerlo. Soy honesto conmigo mismo y no me afecta lo que otras personas puedan decir o pensar sobre mí.
“Comenzamos a pensar que podíamos vivir de nuestra música, fue como un sueño, y eso se convirtió en el inicio de los problemas” (Elin Larsson) En ese sentido, ¿es ‘Holy Moly!’ vuestro disco más auténtico? Ha sido como luchar para recuperar el amor hacia la música. Un proceso curativo, de mirar hacia dentro, y creo que el año de descanso ha jugado un papel fundamental en todo ello. Si estás trabajando durante todo el tiempo, cualquier cosa se convierte en estrés más que en disfrute. Debes estar a la altura, llegar siempre al próximo objetivo... no descansas en ningún momento y la inspiración se va agotando. Sin lugar a dudas, este es nuestro álbum más auténtico hasta la fecha. Zack Anderson es ahora el encargado a las guitarras. ¿En qué grado ha afectado esto al sonido y al proceso creativo de la banda? Zack y yo fundamos Blues Pills en 2011, siempre hemos sido los principales compositores. Dorian Sorriaux era un excelente guitarrista en vivo, técnicamente diría que uno de los mejores, pero nunca ha
Trato de evolucionar todo lo que pueda, uno siempre debería intentar mejorar con su instrumento, de lo contrario, ¿qué sentido tiene todo esto? He aprovechado el año de descanso con la banda para tratar de aprender la técnica gutural que muchas bandas de metal utilizan y se me ha hecho realmente difícil. Antes, solía ser muy infantil: afirmaba que aquellos que cantan al estilo gutural lo hacen porque no saben cantar. Estaba muy equivocada. Ahora he entendido toda la técnica que existe tras ello. En parte debido a este aprendizaje, mi voz tiene ahora una actitud más guerrera. Al mismo tiempo, he tratado de ampliar mi rango vocal cantando todo tipo de estilos musicales. Pero vaya, quiero aprender el canto gutural de forma adecuada ya que me abriría grandes puertas, existen muchos aspectos que podría incorporar a mi estilo.
“He aprovechado el año de descanso con la banda para tratar de aprender la técnica gutural” (Elin Larsson) ¿Pretendes incorporar el canto gutural al próximo trabajo de estudio? Absolutamente, ese es el objetivo. De hecho, hay una canción que se ha quedado fuera de este disco a la que había añadido partes guturales. Recuerdo estar en un concierto de Slayer el año pasado, durante su gira de despedida, y su show me causó un gran impacto. Por lo que esa canción tiene un pasaje muy al estilo de Slayer. Actualmente me encuentro trabajando sobre todo en los guturales más agudos y siento que es un gran reto, hacer que suene maligno y auténtico al mismo tiempo es realmente complicado. Seguiré intentándolo. Hemos hablado sobre los cambios experimentados tanto en la banda como a nivel personal, pasemos ahora a los aspectos que no se han transformado. ¿Existe algo en Blues Pills que se haya mantenido intacto, algo a lo que te hayas agarrado durante estos años? Supongo que se trata de la amistad que mantengo con Zack. Nunca he escrito tanta música junto a otra persona. Podría dar a Zack una canción escrita a medias y él la finalizaría con total naturalidad, como si fuera mía, y lo mismo viceversa. Casi nos comunicamos mejor a través de la música y compartir un vínculo tan fuerte con alguien es realmente poderoso. Él es pensador y meticuloso, mientras que yo soy más impulsiva, prefiero el material en crudo y si algo me gusta le propongo a Zack mantenerlo tal cual. Creo que nos complementamos el uno al otro y supongo que cuando nuestra amistad termine también será el fin de Blues Pills. Son tiempos difíciles para las actuaciones de directo debido al coronavirus. Considerando que tenéis varios shows programados para otoño, ¿cuáles son vuestras perspectivas? Tenemos una gira preparada, pero si no le dan la luz verde, tendremos que reprogramarla. Debo ser honesta, no creo que ningún show vaya a suceder hasta 2021. La situación apesta, pero, ¿cuál es la alternativa? Si no es seguro no saldré a tocar, no quiero que la gente venga a nuestros conciertos, después caiga enferma y al final algunas personas acaben muriendo. Puede que los conciertos con distanciamiento social sean positivos durante un tiempo, para que seamos conscientes de la situación en la que nos encontramos y respetemos las medidas de higiene como es debido. Pero, al mismo tiempo, somos seres humanos, somos sociales y queremos estar con la gente. Es complicado. Espero que encuentren una vacuna para que todo esto llegue a su fin y también espero que demos pasos hacia adelante, de modo que la sociedad esté más preparada ante futuras situaciones como esta. metal hammer | 69
hunter gatherer
avatar
century media records FOTO: johan carlén
El complejo puzle musical de Avatar aparenta tener piezas infinitas, aunque todas encajan en sus directos cuando su colorido espectáculo burlesque comienza a rodar. Está claro que sus intenciones pasan por dar rienda suelta al arte de su música y que cada canción es un desafío para ellos mismos y sus seguidores. Después de exprimir su anterior álbum ‘Avatar Country’ publicado en 2018, con el directo ‘The King Live In Paris’ al año siguiente para reforzar el status alcanzado, el paso ulterior se planteaba importante para estos locos suecos. El resultado de este nuevo ‘Hunter Gatherer’ puede marcar el devenir de la banda para dar un gran paso en su carrera con fuertes cimientos de cara al futuro. Dentro de unos años quedarán muchos tronos vacíos en la escena y el rey Jonas ‘Kungen’ Jarlsby y su séquito se postulan como firmes candidatos. Puede parecer que con un octavo trabajo de estudio un grupo tendría que tener más que definido su sonido, pero con Avatar es todo lo contrario aunque sus señas de identidad estén más que presentes. Algo lógico por otra parte, teniendo en cuenta que la formación de Gotemburgo va camino de cumplir los 20 años. Además de su variedad sónica donde sí se ha hecho especial hincapié en esta ocasión ha sido en las letras. Reconocía su vocalista Johannes Eckerström que se había esforzado por transmitir emociones ya que en el pasado no se sentía cómodo. Una falta de madurez de la que no duda en hacer autocrítica.Todos estos detalles y esa evolución de una banda que siempre ha querido innovar consiguen que ‘Hunter Gatherer’ sea el álbum más oscuro y completo de Avatar hasta la fecha. El inicio con “Silence In The Age Of Apes” es demoledor. La banda nórdica saca a lucir toda su artillería con el tema más extremo de todo el redondo, acompañado de la gutural y siniestra voz de Eckerström que hará temblar el suelo por el que pisa. “Colossus” es otro de los sobresalientes cortes que se incluyen en este disco. Ese medio tiempo machacón y cortante la convierte en carne de cañón para sus conciertos y no temen mezclar sintetizadores, voces guturales y teatrales en rangos agudos para conseguir un tema que toma prestado algunos tintes del más primitivo gothic metal. Sin olvidar uno de los solos de guitarra más depurados de todo el listado. Esa es la magia de Avatar: en una misma canción puede agradar a los seguidores de Rammstein, In Flames o Kiss sin despeinarse. Una melodía silbada por Corey Taylor, cantante de Slipknot y Stone Sour, introduce a otra de las canciones más destacadas de este álbum:“A Secret Door”. No se debe subestimar ese silbido, porque se repetirá en la mente de los oyentes 76 | metal hammer
durante una buena temporada. La camaleónica voz del sueco sirve para intensificar los cambios de ritmos constantes y un maravilloso juego de guitarras. Es otra de las agraciadas para convertirse en un clásico de Avatar. Vuelven al death metal con denominación de origen en “God Of Sick Dreams”, otro potente tema que provoca el headbanging de forma automática y que pone en primer plano el vigoroso sonido del quinteto. Más reincidentes en el llamado sonido Goteborg se muestran en “Scream Until You Make”, donde prima las voces limpias y las guitarras dobladas y melódicas con algunos toques de teclados. La variedad siempre está presente en cada canción de este trabajo. En “Child” la voz dramática de su cantante guía una canción que busca el contraste de intensidades y que incluso en sus momentos épicos podría formar parte de la música del teatro de los horrores en su versión más macabra. El metal extremo hace acto de presencia en el inicio de “Justice”, aunque en su estribillo regresa la faceta teatral de Avatar. Combinar thrash, death metal y melodías histriónicas y salir indemnes del intento no está al alcance de muchos grupos. La diversidad de la que hacen gala llega hasta “Gun”, una pieza en la que los únicos actores en escena son un piano y una voz armónica para firmar una oda a la melancolía. Es un rara avis dentro de este álbum, tan extraño como si Slayer grabara una balada con un simple ukelele, pero los límites no existen para este grupo. Las guitarras trepidantes irrumpen en “When All But Force Has Failed”, otro cañonazo enérgico e intenso que no deja títere con cabeza. Es la antesala de un final poderoso con “Wormhome”, en el que vienen a resumir la pluralidad de todas sus composiciones. No son estos dos últimos cortes los más destacados de esta entrega, pero completan a la perfección todo lo expuesto por Avatar. En un rápido repaso por toda la carrera de la banda, ‘Hunter Gatherer’ es sin duda uno de sus discos más trabajados. La cantidad de temas de alto nivel es más que palpable y la gran mayoría protagonizará su correspondiente gira de presentación dejando muchos clásicos en el tintero para sus setlist futuros. Lo que no deja de ser curioso es que una banda que cuida al detalle su imagen, sus vídeos y sus directos a nivel visual –desde los ropajes de acomodadores de teatro de la época victoriana de su personal de merchandise y roadies, hasta la masiva explosión con pompas de jabón como fin de fiesta- haya buscado una portada tan somera. Aunque ya se sabe que el envoltorio no es lo más importante, es el mensaje.
satur romero
IN FLAMES
CLAYMAN (20TH ANNIVERSARY) NUCLEAR BLAST RECORDS Suecia ha sido un país trascendental en la historia del heavy metal. Allí se gestó el llamado “sonido de Gotemburgo”, un subgénero del death metal que incluía elementos melódicos y que fue desarrollado principalmente por At The Gates, Dark Tranquillity y la banda que nos ocupa: In Flames. De la formación icónica que lanzó sus obras magnas a finales de los noventa ya solo permanecen el vocalista Anders Fridén y el guitarrista Björn Gelotte, pero eso no ha sido impedimento para que los escandinavos hayan decidido regrabar algunos de los temas de ‘Clayman’, uno de sus
BLUES PILLS HOLY MOLY!
NUCLEAR BLAST RECORDS Cuando Blues Pills irrumpieron con su enorme debut homónimo saltaron todas las alarmas. La reencarnación de Janis Joplin en Elin Larsson unida a una formación llena de talento que revivían el rock clásico de los ’70, era una bomba de relojería. El público les acompañó en su propuesta hasta que aprovechando el tirón mediático publicaron ‘Lady In Gold’. Un disco que sin poseer la fuerza y la garra de su predecesor contenía otro puñado de temas que en directo embrujaba al seguidor más exigente, tal y como dejaron
álbumes más recordados. Esta nueva edición del registro incluye el disco al completo remasterizado, lo que otorga una mejor mezcla de las pistas y un sonido más actual. Además, la banda entró al estudio para regrabar los hits “Bullet Ride”, “Pinball Map”, “Only For The Weak” y “Clayman” con un resultado que se aleja de lo concebido inicialmente. Estas nuevas versiones vienen a ser una adaptación a la dirección que los suecos han tomado en sus últimos trabajos. Llama la atención la citada “Only For The Weak”, cuyo estribillo se vuelve totalmente melódico vocalmente. O la homónima “Clayman”, a la que han añadido una pequeña introducción de teclado futurista. Esta es una reedición tan innecesaria como golosa para los fans de la banda. Al final, Fridén y compañía brindan opciones para todos los gustos: escuchar una de sus obras magnas sin variar un ápice musicalmente, pero bajo una producción más moderna, disfrutar de las regrabaciones, o bien pasar olímpicamente de este lanzamiento. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? ALBERTO ZAMBRANO
registrado en el directo ‘Lady In Gold – Live In Paris’. Pero como dice el dicho lo que rápido sube, rápido baja. De la noche a la mañana la efervescencia de Blues Pills se diluyó y la salida del prodigioso guitarrista francés Dorian Soriaux no fue una noticia nada alentadora. Tocaba hacer borrón y cuenta nueva y después de un tiempo en silencio reaparecen con obligados cambios en su formación y su tercera entrega ‘Holy Moly!’. Desde su inicio con una atípica “Proud Woman” se nota las ganas de Blues Pills por reinventarse y evitar valerse de los éxitos pasados. El peso en el blues rock es más notorio que en sus discos anteriores con canciones como “Dust”, “Wish I’d Know” o “California”, donde el alarde vocal de Larsson es despampanante. Aunque no faltan los cortes más hard rock como “Low Road”, “Dreaming My Life Away” o una original “Kiss My Past Goodbye”. La frescura original de los suecos se ha convertido en una desafiante aventura sónica con la que inician una ilusionante etapa. SATUR ROMERO
su banda como “We’re Not Gonna Take It” o “I Wanna Rock”.
DEE SNIDER
FOR THE LOVE OF METAL - LIVE! NAPALM RECORDS El carismático frontman de los legendarios Twisted Sister, Dee Snider, regresa con un disco en directo que recoge gran parte de su carrera como leyenda indiscutible del hard rock y heavy metal. Se trata de una brillante muestra de sus brutales conciertos grabados en festivales de EE.UU., Europa, Australia y el resto del mundo. El catálogo se compone de temas pertenecientes a la carrera en solitario de Snider como “For The Love Of Metal” o “I Am The Hurricane” que se entremezclan con auténticos hits eternos de
La interpretación de “The Beast” en directo resulta sublime al igual que la versión de “Highway To Hell” de los australianos AC/ DC. “Under The Blade”, “Burn In Hell” o “The Kids Are Back” son otras de las pistas que embriagan de puro hard rock con una frescura y una potencia que impacta, pues estos cortes llevan sonando en las emisoras de radio y las salas de conciertos y festivales más de 30 años. El broche de oro lo pone una canción original grabada en estudio (la única de todo el disco) y que ocupa la pista 18, la última del disco, bajo el título de “Prove Me Wrong”, un hit que recoge la veteranía y representa la perfección compositiva de un artista tan aclamado por el panorama musical mundial. En definitiva, se un álbum muy indispensable para fanático del rock y metal clásico.
trata de completo, cualquier el heavy SERGIO DE LA TORRE
alimentarse de aquello que mejor sabe hacer y explotarlo al máximo -además de mantener el gran nivel exhibido en su anterior ‘Black Flame’-.
BURY TOMORROW CANNIBAL
MUSIC FOR NATIONS El ser una de las bandas de metalcore del momento no es tarea fácil si se atiende a la enorme competencia que existe en la escena. Los británicos Bury Tomorrow han conseguido a base de constancia asomarse a esa primera línea de batalla donde se encuentran formaciones como Architects o While She Sleeps. Su sexto disco de estudio ha llegado tres meses después de lo previsto debido a la pandemia, pero la espera ha merecido la pena. Su título, ‘Cannibal’, sirve de símil para resaltar cómo la banda es capaz una vez más de
Su receta, basada en la alternancia de estribillos pegadizos cantados por el guitarrista Jason Cameron y estrofas muy pesadas conducidas por los guturales de Daniel Winter-Bates, es simple y casi roza el descaro, sin embargo a su vez posee una frescura que ya quisieran muchas bandas para sí. ‘Cannibal’ es otra compilación de temas directos, de corta duración y con gancho desde la efectista “Choke” hasta el breakdown final de “Dark, Infinite”. Se sale de la norma “Quake”, un corte a medio tiempo que prepara al oyente para el arreón final. El equilibrio entre agresividad y melodía es perfecto que alcanza su máxima expresión en temas como “Imposter” o “Cold Sleep”. Quien espere algún tipo de evolución en este disco, mejor que no lo escuche. Bury Tomorrow ha encontrado una fórmula que funciona y no parece tener intención de cambiarla. ALBERTO ZAMBRANO
metal hammer | 77
THUNDERMOTHER HEAT WAVE
AFM RECORDS Calor y energía directamente sobre tus tímpanos es lo que tienen preparado Thundermother en su nuevo álbum titulado ‘Heat Wave’. Es ya el cuarto álbum de la banda sueca liderada por la brillante guitarrista Filippa Nässil y su descarga de potente hard rock no dejará indiferente a nadie. Aunque la banda fuera completamente refundada en 2017 por su líder, la nueva composición de músicos resulta todo un acierto, pues ‘Heat Wave’ es el primer álbum que cuenta con la participación de sus cuatro miembros para la creación de sus canciones, tanto para escribir sus letras como en su composición
instrumental. Para Emlee Johansson (batería) el mejor tema es “Driving In Style”, que cuenta con videoclip propio y un sonido plagado de riffs al estilo AC/DC o Airbourne. Mientras, para Filippa, la canción estrella del disco es “Free Ourselves”, un corte igualmente cañero y plagado de mensaje de carga política. “Dog From Hell” es un buen plato para los amantes del sonido más cercano al rock blues, con unos toques que recuerdan al ‘Stay Hungry’ de Twisted Sister. Por último, se debe destacar la canción “Somebody Love Me”, que cabalga sobre un riff que bien podría haber sido extraído de un disco de Motörhead de los años ’80. En resumen, lo nuevo de Thundermother no resulta novedoso, pero busca consolidarse como una de las bandas del panorama hard rock más importante de esta última década. Con la publicación de este trabajo de estudio quieren lanzarse también a conquistar en directo al personal con nuevas fechas de conciertos (siempre que la covid-19 las permita), pero mientras lo hacen desde casa con ‘Heat Wave’. SERGIO DE LA TORRE
americana muestra ese lado oscuro, ese lado de terror, donde las altas esferas de la sociedad y sus lujos se sobrellevan con la maltratada pobreza de los suburbios.
IMPERIAL TRIUMPHANT ALPHAVILLE
CENTURY MEDIA RECORDS El guitarrista y vocalista Zachary de Imperial Triumphant había declarado que ‘Alphaville’ es el pináculo de los esfuerzos combinados como banda, la versión más refinada de su temperamento creativo. Y definitivamente tiene razón. Los músicos vanguardistas y creativos oriundos de Nueva York han creado uno de esos discos que se puede escuchar bajo cualquier estado de ánimo y de alteración de la conciencia. ‘Alphaville’ aparece justo para sonorizar, ambientar, capturar y aportar los sonidos de una sociedad decadente en los momentos donde un sector de la población
puede negar su clara influencia de Black Sabbath.
CANDLEMASS THE PENDULUM
NAPALM RECORDS Los suecos Candlemass, maestros indiscutibles del doom épico, vuelven a la carga con ‘The Pendulum’, un EP de seis temas que no se incluyeron en su anterior trabajo ‘The Door To Doom’(2019). El disco arranca con “The Pendulum” el que sin duda es el mejor tema del EP, donde las dramáticas voces de Johan se cruzan con la pesada sección rítmica de Jan Lindh a la batería y Leif al bajo, aderezado con muestras de riffing de Mats Björkman y Lars “Lasse” Johansson. Le sigue “Snakes Of Goliath”, pieza pesada que no 80 | metal hammer
“Sub Zero” es un tema instrumental acústica/bajo, una especie de intermedio por su brevedad. De similar duración es “Aftershock”, un groove pesado, carnoso y difuso, que demuestra lo profundo que puede llegar a ser el sonido, terminando con un último sonido de bajo que recuerda al llorado Lemmy Kilmister. Le sigue “Porcelain Skull”, groove como los de Sabbath, potente voz y una guitarra pesada y psicodélica; finaliza el disco con el breve y relajante “The Cold Room”, tema melancólico de piano/acústica. Si “The Pendulum”, “Snakes Of Goliath” y “Porcelain Skull” son las piezas que completan el rompecabezas que es ‘The Door To Doom’ ¿Por qué no salió como álbum doble? Es la incómoda pregunta que se hacen los seguidores cuando ven que el producto no está a la altura de las expectativas y que parece responder más a una maniobra empresarial que a una necesidad creativa. J. A. FERNÁNDEZ
POWERWOLF
BEST OF THE BLESSED NAPALM RECORDS Después de un lanzamiento de la calidad de ‘Sacrament Of Sin’ y una larga gira que les ha coronado como una de las bandas más prominentes del power metal, los germanos Powerwolf han decidido lanzar ‘Best Of The Blessed’ como una batería de grandes éxitos regrabados con los medios de los que disponen ahora. Cabe señalar que los muchachos de Attila Dorn se han atrevido a hacer algo más, pues muchas canciones suenan definitivamente diferentes mucho más cercanas a cómo las interpreta la banda en directo.
“Rotted Futures” y “City Swine” son un claro ejemplo de lo citado. “City Swine” bien podría ponerse sobre cualquier vídeo de los que transita por Internet de las manifestaciones en Minneapolis y quedaría perfecto. La firmeza en la base de sus canciones, las penetrantes voces y los eminentes ritmos de su death metal con un innegable estilo propio, afianzados con una batería imparable y demoledora, cortesía de Kenny Grohowsky, sumado a los talentos de Zachary y Steve Blanco, hacen indudable que este álbum es una agradable confirmación del estupendo trabajo de los neoyorquinos. Mención honorífica y notoria para la versión a Voivod con “Experiment”, una legitima reliquia. Y como finalmente Zachary lo expresó: “cada pista, transición, palabra y nota ha sido analizada para garantizar la experiencia más gratificante”. En eso, definitivamente, también tiene razón. TIM DRAKE
Pese a todo, la fórmula de los grandes éxitos está ahí, algo que se plasma en que el trabajo abra con “We Drink your Blood”, su canción más conocida, que de hecho suena muy diferente con una orquestación que lo que le quita de pegada se lo da en grandilocuencia. Definitivamente, las grandes ganadoras de esta regrabación son las canciones más antiguas, y es que “Kiss Of The Cobra King” o “In Blood We Trust” suenan mejor que nunca. La producción a la que tenía acceso la banda en aquel entonces no podía hacerles justicia. Por otro lado están los temas más contemporáneos como “Army Of The Night” o “Werewolves Of Armenia”, que ganan en coros y orquestación, mientras que cortes más recientes como “Demons Are A Girls Best Friend” o “Killers With The Cross” suenan igual que lo hicieran en ‘Sacrament Of Sin’. ‘Best Of The Blessed’ no es solo una forma de introducirse a Powerwolf, sino que también es una oportunidad de elevar clásicos de la banda a unos niveles que harán las delicias de los seguidores más veteranos. MARC FERNÁNDEZ
leo jiménez
CONCIERTOS
CENTRO MUNICIPAL LA POLLINA (FUENLABRADA) TEXTO Y FOTO: ÓSCAR GIL
La nueva normalidad está aquí y parece que ha llegado para quedarse. Aun así la música no para y ya va siendo hora de volver a acercar la música en directo de nuevo a los fans. Eso debió pensar Leo Jiménez de acuerdo con el Ayuntamiento de Fuenlabrada y así se labró una noche como esta: curiosa, rara, distinta... pero en la que se disfrutó igualmente sin poder levantarse de la silla. Leo Jiménez jugaba en casa y sin prisa comenzó a desgranar un set muy variado en el que prácticamente no hubo ningún altibajo. Bastante bien elegido, arrancó con con algunos cortes de sus últimos trabajos como “Con Razón O Sin Razón”, “La Era De La Individualidad” y “Misantropía” del tirón para ya dirigirse al público en varias ocasiones y recordar que los cuernos los podían seguir levantando y que tampoco está prohibido romperse el cuello desde el asiento. La actuación fue de menos a más con un sonido un tanto pobre al inicio pero que a medida que avanzaba iba asentándose hasta alcanzar la excelencia a mitad de concierto con la ayuda de Mr. Korpa (Fuck Division), quien estuvo presente en varias canciones del show. De cara al final, “Vientos de Guerra” y “Maldito Corazón”, dos trallazos de su época Saratoga, y para poner el broche el turno fue de “Volar”. Con ella y después de dos horas tocaba despedirse de un respetable muy agradecido que al fin podía disfrutar, con todas las medidas de seguridad cumpliéndose (gran trabajo de la organización en este aspecto) de un concierto en vivo.
Sôber + las sexpeares ayutthaya festival (coslada) TEXTO: DANI BUENO FOTO: paco garcía
Coslada acoge un festival nuevo y diferente. El Ayutthaya Festival reúne en el campo de fútbol del polideportivo municipal donde se celebra este evento un escenario acorde a una gran cita con una pista para el público distinta: toda llena de palés, lámparas esféricas de colores y cojines. El toque de “chill” es estéticamente bastante atractivo, pero en la inauguración no cuajó mucho con el estilo de los grupos que tocaban. En primer lugar, Las Sexpeares llegaron a Coslada y su concierto pasó prácticamente sin pena ni gloria. Unos pocos fans fueron los que presenciaron una actuación en la que el sonido fue nefasto y donde el estilo de esta banda no cuajó con ellos, que venían al plato fuerte de la noche. Sôber, uno de los últimos artistas en tocar antes del 82 | metal hammer
confinamiento en su despedida en formato orquesta, volvió a sus noches de rock con el “modo clásico”.“Sombras” arrancó un show en el que no faltaron los momentos donde la gente cantó a pleno pulmón con cortes como “Eternidad” o “El Hombre de Hielo”, las emociones afloraron con “Náufrago”, “Blancanieve” o “Estrella Polar” (en esta última se bajó a cantar entre el público -algo similar a lo que hacían junto a la orquesta) y la gente -incluidos los miembros de Sôber- lo dieron todo en hits de la talla de “Diez Años”, “Arrepentido” o “Loco”, que finalizó como es costumbre su directo y en el que demostraron que no han perdido la forma sobre las tablas.
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