El Centro de Residencias Artísticas (CRA), ubicado en la Nave 16 de Matadero Madrid, se configura como un espacio de investigación, producción y convivencia en el que artistas, músicos, educadores y agentes culturales comparten procesos de trabajo y creación en el día a día, a puerta cerrada. Desde sus orígenes, el CRA ha apostado por una producción multidisciplinar orientada a abordar los retos del presente desde una pluralidad de lenguajes y metodologías, en un momento en el que las fronteras entre disciplinas se encuentran cada vez más diluidas.
Una de las principales líneas del Centro es el apoyo al tejido creativo de la ciudad. Para ello se articula un programa de residencias que, desde 2017, funciona como Centro de residencias artísticas con entidad propia dentro de Matadero Madrid. Su espacio, amplio y abierto, con puestos personalizados y recursos compartidos —auditorio, cubo negro, sala de edición, office, talleres y FabLab—, facilita el intercambio en las investigaciones. En este contexto se genera una comunidad a la que se suma el propio equipo del CRA, los mentores invitados y las visitas profesionales.
La duración de las residencias es variable, de tres a nueve meses, y se accede a ellas mediante convocatorias públicas que valora un comité de expertos. A lo largo del año, el CRA organiza actividades abiertas para el público general con el fin de visibilizar y compartir las investigaciones y los procesos en curso de los residentes. Su momento de mayor visibilidad es durante las Jornadas de Puertas Abiertas, que se celebran tres veces al año en marzo, junio y noviembre.
Este trimestre nos acompañan en la nave: Antonio Fernández Alvira, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch, Simón Sepúlveda, Andrea Aguilera, Taxio Ardanaz, Mar Guerrero, Martínez Bellido, Hodei Herreros, Maite Gallardo Alba, Costa Badía, Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal, Álvaro Soto López, Debajo del Sombrero y AMECUM.
RESIDENCIAS SEMESTRALES PARA ARTISTAS VISUALES
Destinadas a cuatro artistas visuales de la Comunidad de Madrid
El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid promueve esta convocatoria con el objetivo de proporcionar espacios de trabajo, recursos económicos, herramientas, seguimiento profesional, acompañamiento institucional y visibilidad a cuatro artistas visuales de la Comunidad de Madrid.
A través de este programa se busca promover el desarrollo profesional de los creadores plásticos y visuales con residencia en la Comunidad de Madrid; ofrecerles apoyo institucional así como recursos espaciales y económicos para facilitar la producción artística; generar un contexto de acompañamiento que favorezca el desarrollo de los proyectos en las mejores condiciones posibles y fomentar las conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la región, la institución y el público.
Las residencias están acompañadas por un equipo asesor formado por la comisaria y crítica de arte Bea Espejo y el artista Antonio Ballester Moreno.
Antonio Fernández Alvira
Resonancia del pliegue
El proyecto se plantea como un laboratorio escultórico expandido hacia el ámbito digital, donde el gesto de envolver —proteger, cuidar, transformar— se traduce en dato, imagen y código. La investigación indaga en cómo lo corpóreo puede persistir en lo tecnológico y cómo una huella, un pliegue o un movimiento pueden migrar de la materia al algoritmo sin perder su dimensión sensible. A través del dibujo, la manipulación textil y el uso de herramientas digitales, la propuesta tensiona los límites de lo escultórico, atendiendo a los desvíos, errores y transformaciones que emergen en el tránsito entre cuerpo y máquina. La envoltura se concibe como una membrana simbólica: una interfaz entre lo físico y lo virtual, lo manual y lo programado. Resonancia del pliegue propone pensar lo escultórico como una vibración entre medios, un espacio poroso donde el gesto encuentra nuevas materialidades y temporalidades a través de su traducción tecnológica, persistiendo como una forma de conocimiento sensible en transformación.
Antonio Fernández Alvira (Huesca, 1977) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Su práctica se articula en torno a la exploración material y formal del gesto, la huella y la envoltura como constructores de significado y de imágenes. Estos elementos, junto con lo fragmentado, lo arquitectónico y lo arqueológico, conforman el eje de su trabajo. Su obra se ha expuesto en instituciones como el Museo Arte Contemporáneo de Querétaro (México), CA2M, Azkuna Zentroa, Contemporánea CondeDuque, IAACC Pablo Serrano, Chapelle des Calvairiennes, Bel Ordinaire, Centro Párraga, Diputación de Huesca, Fundación Juan March, Sala de Arte Joven Madrid o Centro del Carmen, entre otras.
@antoniofernandezalvira
Julia Llerena
página 180
A partir del libro íntimo inacabado Amanecer, escrito por la madre de la artista, el proyecto aborda el conflicto entre maternidad y creación desde una perspectiva íntima y estructural. La interrupción del texto en la página 180, causada por la enfermedad de su autora, se convierte en un elemento central de la investigación de la artista, haciendo tangible la dimensión física del acto de escribir, enlazando con el concepto de Marguerite Duras sobre la necesidad de la fuerza corporal para la escritura. La propuesta se formalizará como una topología pictórica y escultórica del conflicto en la que la ausencia se transforma en estructura mediante la transposición material de dos archivos: el íntimo y el de referencia. Este último se apoya en Maternidad y creación de Moyra Davey, una compilación de textos sobre la experiencia creativa. Mediante procesos de sonificación estructural, la frecuencia de las palabras se convertirá en forma, restituyendo simbólicamente la interrupción del texto y otorgándole una dimensión colectiva.
Julia Llerena (Sevilla, 1985) desarrolla una práctica situada entre el archivo y la arqueología, empleando la exploración material y el uso de objetos encontrados para construir nuevas narrativas y reordenar el tiempo. Ha expuesto en espacios como Galería Sabrina Amrani, Cibrián Gallery (San Sebastián), Fresh Window (Nueva York), la Embajada de España en Tokio, DA2 (Salamanca), CAAC (Sevilla), Contemporánea CondeDuque, Carl-Herning Pedersen & Alfelts Museum (Dinamarca) y Rodriguez Foundation, entre otros. Ha realizado residencias de creación en Brecha (La Paz, México), La Moissie (Francia) y La Maison N’Zima (Costa de Marfil).
@juliallerena
Cortesía de la artista
Elisa Pardo Puch
Umbrales
Umbrales es un proyecto multidisciplinar que integra material audiovisual, textil y dibujo. La propuesta gira en torno a un hacer acumulativo y repetitivo, concibiendo la práctica artística como un canal somático que conecta geometría, intuición y espacio. La investigación parte de la técnica de la almazuela, un método de costura basado en la reutilización de textiles viejos que históricamente ha generado superficies funcionales y decorativas. El origen de la palabra es musalla: lugar para rezar en árabe. La artista se aproxima a esta práctica desde la apropiación y el desbordamiento, concibiendo el textil como un cuerpo híbrido alejado de la calidez que se le asociada, un textil incómodo y blando que no acaba de encajar, como lo describe Julia Bryan-Wilson en Queer textile crittercism. La espiral presente en el diseño de las almazuelas se activa como una forma vinculada a la inmersión en otros estados y realidades, funcionando como un canal de paso entre mundos y temporalidades.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM, UAM y MNCARS) y ha completado su formación en Diseño Gráfico en la Escuela de Arte 10. Ha expuesto en ARCO, Galería Pradiauto (Madrid), Massimo Dutti (Barcelona), Fabra i Coats (Barcelona), Sala de Arte Joven de Madrid, Luis Adelantado (Valencia). Ha recibido, entre otros reconocimientos, las Ayudas a las Artes Visuales de la Comunidad de Madrid y ha sido seleccionada en el Premio BMW de Pintura, VEGAP y Circuitos. Ha realizado estancias en GlogauAIR (Berlín) y AIR Munich. Ha impartido cursos en Proyecto Escuela (Madrid), Bellas Artes UCM y el Centro Pompidou (Málaga).
@elisapardopuch
Simón Sepúlveda
La esperanza es un Bar
La esperanza es un Bar es un proyecto pictórico e instalativo sobre dos espacios que están en plena decadencia en el barrio de San Isidro. Uno es el Centro comercial de Ermita del Santo, que en enero ha comenzado su proceso de demolición. El otro, es el Bar La Esperanza, una cantina que está frente a un descampado y un basural, un espacio de resistencia para los vecinos que combaten la gentrificación. La propuesta conecta ambos lugares a través de una fábula surgida a partir del hallazgo de una joya realizada en 1963 cerca del pueblo de Madrid, Nuevo México, en un viaje a EEUU.. En este relato, la joya—con forma de ave y cuerpo humano— deambula por distintas galaxias y, en su intento de regresar a su lugar de origen, aterriza erróneamente en Madrid, España, concretamente en la luna que corona la torre del antiguo centro comercial de la Ermita del Santo.
Simón Sepúlveda (Santiago de Chile, 1989) desarrolla una práctica centrada en la búsqueda de formas de rearticular el deseo desde una perspectiva crítica que subvierta las estructuras de poder. ¿Cómo puedo anhelar lo que tengo en vez de lo que me falta? Esta pregunta paradójica es su punto de partida para intentar entender el presente, que cada vez percibe más confuso, y articular diferentes futuros posibles. Su trabajo construye un universo visual propio, inestable y cambiante, atravesado por una atmósfera melancólica en la que emergen momentos de humor. Confluyen en él su identidad y procesos como el ser migrante, no ser artista formado profesionalmente o incluso, su paternidad de niños gemelos.
Destinadas a artistas visuales residentes en España
El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid promueve esta convocatoria con el objetivo de proporcionar espacios de trabajo, recursos económicos, herramientas, seguimiento profesional, acompañamiento institucional y visibilidad a cuatro artistas visuales residentes en España.
A través de este programa se busca promover el desarrollo profesional de los creadores plásticos y visuales con residencia en la Comunidad de Madrid; ofrecerles apoyo institucional así como recursos espaciales y económicos para facilitar la producción artística; generar un contexto de acompañamiento que favorezca el desarrollo de los proyectos en las mejores condiciones posibles y fomentar las conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la región, la institución y el público.
Las residencias están acompañadas por un equipo asesor formado por la comisaria y crítica de arte Bea Espejo y el artista Antonio Ballester Moreno.
Andrea Aguilera
(poner en escena)
El proyecto de Andrea Aguilera se centra en la búsqueda de metodologías que permitan abordar algunos de los interrogantes que atraviesan la imagen fotográfica en su práctica artística. A través de un proceso de estudio y observación, la producción material surge como consecuencia de una aproximación a la obra desde la fragilidad, el cuerpo y la condición transitoria de la imagen. Así, en (poner en escena), emprende la búsqueda de una metodología que le permita plantear nuevas formas de lectura de la imagen fotográfica para devolverla a una dimensión del imaginario que permita imaginar-especular.
Andrea Aguilera (Bilbao, 1997) es graduada en Arte por la Universidad del País Vasco y se ha formado en PRAXIS, estructura y aparato educativo de Fluent y en JAI, Jardun Artistikoentzako Institutua. Ha desarrollado su trabajo en residencias como Tabakalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea (Donostia) y Servicios Generales (Madrid). Recientemente ha inaugurado su primera exposición individual, parmi, comisariada por Andrea Fontana y Maureen Muse en La Papeleria (Madrid). También ha mostrado su obra de manera colectiva en las exposiciones Listening through the wall with a soft plastic cup, comisariada por Estéfana Román Matesanz en Les Pralines (Basilea) y UnTiempo Elástico, comisariada por Beatriz Alonso en el c arte c (Madrid), entre otras.
Instagram: @andreaguiilera
Taxio Ardanaz
PANCARTA
En un contexto rodeado de narrativas pesimistas y experiencias distópicas, el artista propone en su proyecto PANCARTA mirar hacia quienes, a pesar de todo, continúan creando y luchando. El proyecto se articula como una investigación y experimentación plástica en torno a la pancarta, entendida como dispositivo gráfico capaz de vehicular las reivindicaciones de los movimientos sociales desde comienzos del siglo XX. A pesar de la progresiva digitalización y el dominio de las redes sociales, la pancarta sigue viva en las calles, invitándonos a vincularnos -individual y colectivamente- con una imagen, un deseo y, sobre todo, con una acción transformadora. Durante su residencia en Matadero, Taxio investigará los distintos usos que los movimientos sociales y vecinales de Madrid han dado a este dispositivo desde la década de 1970 hasta la actualidad, planteando una reflexión sobre la producción de imágenes y su potencia emancipadora en contextos de conflicto.
Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978) desarrolla una práctica que explora las tensiones que se producen entre ideología, representación y memoria, que explora a través de la pintura, la instalación o la fotografía, los restos de proyectos políticos truncados y otras formas de resistencia colectiva. Ha trabajado en contextos atravesados por el conflicto, realizando residencias en países como el Kurdistán Iraquí, Cuba, China o México. Su práctica se apoya en la investigación histórica y los imaginarios heredados para construir un ensayo visual situado al margen de la historiografía oficial. Su obra ha sido expuesta en instituciones como Tabacalera Promoción del Arte (Madrid), Museo de Navarra, Academia de España en Roma, San Telmo Museoa (Donostia), CIAJG (Guimarães) y las galerías Carreras Múgica, Pelaires y Nordés.
@taxioardanaz
Cortesía de la artista
Cortesía
La llamada del instinto
El proyecto se articula en torno a la producción de una pieza audiovisual y una serie de obras gráficas centradas en la figura del perro pastor como mediador entre lo humano y lo animal. La investigación se desarrolla en el entorno natural de La Pedriza y el contexto urbano de Madrid, explorando cómo el instinto, el comportamiento y la percepción de estos animales se transforman en función del territorio, y cómo esas variaciones reflejan distintas formas de adaptación, aprendizaje y agencia. Desde una ética animal contemporánea, la propuesta reflexiona sobre las condiciones legales y simbólicas que afectan a los animales de trabajo, así como sobre su representación en la cultura visual actual. A través de una narrativa que combina observación, registro y análisis del paisaje, Mar cuestiona el papel estético del perro en la sociedad contemporánea y plantea nuevas formas de relación interespecie.
Mar Guerrero (Palma, 1991) es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, cursó el Máster en Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente realiza el doctorado en Cognición y Sociedad en la Universidad de las Islas Baleares. Ha expuesto en Galería Formato Cómodo (Madrid), Fundación Juan March (Palma), IVAM Institut Valencià d’Art Modern (Valencia), Fundació Vila Casas (Barcelona) y Contemporánea CondeDuque (Madrid). Ha participado en residencias artísticas en Banff Centre for Arts and Creativity (Canadá), La Wayaka Current (Atacama) y Studio Weil (Nueva York). Ha sido galardonada en las Ayudas a la Creación Visual VEGAP 2023 y Generaciones 2023 de La Casa Encendida y Fundación Montemadrid.
@marguerrerx
Martínez Bellido
Una mota en la lente
Una mota en la lente es un proyecto sobre la capacidad imaginaria de los aparatos de observación de la naturaleza. A través de experimentos ópticos con componentes de telescopios, prismáticos y microscopios, el proyecto genera huellas luminosas que son registradas en soportes fotosensibles. Mediante este uso anómalo, el proyecto plantea una búsqueda de patrones de apariencia natural en el interior de los aparatos técnicos que median nuestra relación con el mundo, activando una reflexión sobre percepción, técnica e imaginación. Libera a todos estos instrumentos de su función reproductiva original para utilizarlos como dispositivos autónomos de generación de imágenes.
Martínez Bellido (Cádiz, 1992) explora en su obra la materialidad de la fotografía mediante experimentos con los soportes, los procesos y los dispositivos técnicos que la generan, poniendo en diálogo la objetividad de la técnica con el papel especulativo de la imaginación. Su trabajo ha formado parte de exposiciones colectivas como Una distancia insalvable, Fundación Cerezales Antonio y Cinia (León); Ultrafotografía, Casal Solleric (Palma de Mallorca); Omnímoda, MUCAC (Málaga); Embustes y maravillas, Casa de Iberoamérica (Cádiz); Error de cálculo, Fundación Rafael Botí (Córdoba) y Entre las formas que van hacia la sierpe y las que buscan el cristal, CAAC (Sevilla). Entre sus exposiciones individuales destaca Habitar la oscuridad, adentrarse en el laberinto, Espacio OTR; Aprieto los ojos en la oscuridad, Galería Luis Adelantado y The obscure rigour of light, Scan Projects (Londres).
@martinezbellido_
Cortesía de la artista
Cortesía del artista
AYUDAS PÚBLICAS PARA PROYECTOS
ARTÍSTICOS
EN
RESIDENCIA
DEL MINISTERIO DE CULTURA
Las ayudas del Ministerio de Cultura al programa de residencias de Tabacalera Centro de Arte, financian la estancia y producción de proyectos de creadores, investigadores y gestores del sector cultural. Con una gran amplitud de enfoques, diversidad de formatos y sin límite de edad se llevan a cabo en distintos centros de producción cultural distribuidos por el territorio nacional.
Hodei Herreros Rodríguez
Moldear, modelar, modular
El proyecto investiga el poder de la voz para dar forma a las cosas. La cercanía de las palabras moldear -dar forma a una materia echándola en un molde-, modelar -configurar o conformar algo- y modular -variar con fines armónicos las cualidades del sonido en el habla o en el canto- permiten establecer una relación simbólica entre la voz y el acto de conformar. La artista se interesa también por la relación que existe en los procesos físicos de producción del sonido al pasar por la laringe el aire proveniente de los pulmones, haciendo vibrar las cuerdas vocales. Se podría decir que la voz modela la materia y la forma, pero a la vez es la materia quién modela la capacidad vocal. Este proyecto plantea vincular una genealogía de la voz, la forma y la materia feminizada, para construir una experiencia de lo común entre mujeres que reivindique la autogestión de la feminidad desde una perspectiva feminista.
Hodei Herreros Rodríguez (Vitoria-Gasteiz/Granada, 1997) es una artista plástica cuya práctica se interesa por la capacidad estructural de elementos ornamentales y cotidianos como el maquillaje, la manicura, la vestimenta o los abalorios, entendidos como materiales que corporizan el objeto escultórico desde una experiencia femenina. Su trabajo ha sido mostrado en espacios como La Casa Encendida (Premio Generaciones 2026) La Madraza (Granada), Feria ARCO, Fundación BilbaoArte (Bilbao), Palacio Condes de Gabia (Granada), Galería House of Chappaz (Barcelona), CAAC (Sevilla), Genalguacil (Málaga), Galería Artnueve (Murcia), Spazio GIACOMQ (Bérgamo, Italia), Fabra i Coats (Barcelona) o Intermediae Matadero, entre otros. Se encuentra representada por Galería Artnueve.
@hodei_herreros
Cortesía de la artista
RESIDENCIA DE PRODUCCIÓN MUSICAL PARA BANDAS Y SOLISTAS
Maite Gallardo Alba
La Infinita Belleza
La Infinita Belleza es un proyecto musical y audiovisual que investiga cómo ciertos imaginarios íntimos pueden leerse como rastros de una sensibilidad contemporánea que oscila entre lo etéreo y lo crudo. A partir de una estética que combina nostalgia, lenguaje pop y ecos del rock alternativo, el proyecto propone una exploración de la identidad como espacio en tránsito, donde la memoria y el deseo se reescriben constantemente. La Infinita Belleza trabaja con la precisión emocional propia del presente a través de música, imagen y activaciones performativas. Construye un relato que especula sobre la vulnerabilidad, el renacimiento y la relación entre cuerpo, tiempo y sonido, entendiendo la belleza como un estado y no como un resultado.
Esta residencia se concibe como una herramienta al servicio del tejido musical local y de los distintos agentes que conforman la escena independiente. El programa está dirigido a bandas y artistas solistas vinculados principalmente al pop-rock, en diálogo con otros géneros como el punk, el garage, la electrónica, el folk o el hip-hop.
La iniciativa fomenta la producción de obra musical emergente mediante procesos de acompañamiento, asesoría y seguimiento profesional, contribuyendo a que los proyectos no solo se produzcan, sino que también encuentren un recorrido en los distintos canales de difusión musical.
La residencia está acompañada por un equipo asesor formado por Mar Rojo, directora de la agencia de booking y management Las Olas y Genevieve Bennetts, ingeniera de mezcla y de grabación.
Maite Gallardo Alba (Madrid, 1998) es una artista multidisciplinar madrileña. Partiendo de la experiencia personal, su actividad artística explora la vulnerabilidad, la memoria y la exposición emocional, articulando un tejido que lo une con lo colectivo. Fue líder y compositora de la banda Shego, con la que recibió el Premio MIN a Mejor Artista Emergente y el Premio +Músicas a Mejor Grabación de Rock. Se formó en Artes Escénicas en el IES Isabel la Católica y en el Estudio Corazza, y está especializada en producción musical en DJP Music School. Participó como escritora en el Festival de Poesía Joven de Alcalá de Henares y escribió e interpretó el monólogo dramático La Luz.
RESIDENCIA PARA PROYECTOS EN TORNO AL ARTE Y LA EDUCACIÓN
Dirigida a creadores o colectivos de la Comunidad de Madrid cuya práctica se enmarque en el campo de la educación y la mediación
El objetivo principal de esta residencia es combinar un proceso de reflexión e investigación con la activación de un programa de mediación, arte y educación que se desarrolle en las instalaciones de Matadero Madrid.
Los proyectos pueden realizar su investigación sobre la propia mediación así como sobre los cruces entre el arte y la educación, o bien proponer dispositivos de mediación que reflexionen y reaccionen y sobre las emergencias contemporáneas propias de esta época, como las disidencias del cuerpo y/o afectivo-sexuales; los activismos antirracistas; la emergencia climática; las transformaciones productivistas y aceleracionistas en el mundo del trabajo o la reflexión en torno la salud mental.
Costa Badía
La Tullida Gallery: Manual de instrucciones cojas
LaTullida Gallery es un proyecto artístico, cultural y político que propone repensar los espacios de arte desde la discapacidad, entendida no como carencia sino como una perspectiva crítica. El proyecto cuestiona los modelos capacitistas y jerárquicos de creación y gestión cultural, proponiendo nuevas formas de organización, accesibilidad y convivencia. LaTullida Gallery no se concibe como una galería tradicional, sino como una institución cultural en construcción: un espacio físico y conceptual que experimenta con pedagogías críticas, accesibilidad y organización colectiva. Surge como respuesta a la exclusión histórica de las personas con discapacidad en el ámbito artístico y se plantea como un laboratorio vivo de investigación, donde encuentros públicos y procesos colaborativos den forma a nuevas maneras de habitar el arte. El proyecto se desarrolla en el Centro de residencias artísticas, en diálogo con artistas y gestoras culturales, como un ejercicio de imaginación colectiva y construcción de comunidad.
Costa Badía Melis (Madrid, 1981) es doctoranda en Bellas Artes en la UCM, donde investiga la relación entre los museos y la discapacidad. De 2022 a septiembre de 2025 ha trabajado en el área de Educación del Museo Reina Sofía desarrollando programas artísticos accesibles en colaboración con la Fundación ONCE. Su práctica artística cuestiona estereotipos de belleza y comportamiento, validando el error y explorando la convivencia entre cuerpos normativos y no normativos. Ha participado en la VIII Bienal de Arte Contemporáneo de Fundación ONCE y realizado performances en el MUSAC de León, Museo Thyssen de Madrid y CA2M de Móstoles. Desde 2021 imparte clases y conferencias sobre discapacidad y accesibilidad creativa en diferentes masters.
@costabadia
Cortesía de la artista
Debajo del sombrero
El Estudio Debajo del Sombrero es una plataforma de creación artística contemporánea, investigación y promoción de carreras de artistas con discapacidad intelectual, al modo de los Art Supported Studios existentes en Europa y otros lugares del mundo. Estas iniciativas nacen con la intención decidida de atraer la mirada del arte más actual hacia el testimonio indispensable de la obra de los artistas en los márgenes, una reflexión carente de prejuicios, sorprendida ante la trascendencia inesperada y desconocida de estas miradas. Así, pone el foco en los lenguajes de artistas que por la circunstancia de su discapacidad intelectual quedan habitualmente al margen de la cultura y la educación, abriendo para el arte contemporáneo una puerta a estos lenguajes.
Debajo del Sombrero nació en Matadero en 2007 y aquí ha crecido. Actualmente el estudio acoge unos 40 artistas. Sus acciones están diseñadas para cubrir las necesidades de un artista en todos sus aspectos: formación, acompañamiento y orientación en el taller, selección y archivo de su obra, difusión y promoción, organización de exposiciones y venta de la obra.
@colectivodebajodelsombrero
AMECUM
AMECUM es la Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid. Fue creada en 2015 por profesionales de base de la educación y mediación cultural y surgió de la urgencia de visibilizar la profesión y poner en valor su función como herramienta social para el desarrollo de una ciudadanía crítica capaz de empoderarse a través de la cultura.
Como asociación profesional, aspira a visibilizar y reforzar la figura de educadoras y mediadoras culturales y a incentivar su trabajo, facilitando el acceso a los servicios necesarios para su profesionalización a través de la investigación, la formación teórico-práctica y el impulso de espacios de encuentro y trabajo colaborativo.
Unida al Centro de residencias artísticas desde sus inicios, la asociación dispone de un estudio en el que mantener una propuesta de actividades que genere redes profesionales extensas en las que los procesos de pensamiento y acción se conviertan en una fórmula para la visibilización y el fortalecimiento del sector de la mediación cultural.
Destinada a investigadores o grupos de investigación locales e internacionales.
Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá
El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica
El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica es un proyecto de investigación que estudia la legitimidad y veracidad de los sistemas de producción de conocimiento basados en inteligencia artificial. Para ello parte de un análisis histórico y genealógico que vincula el desarrollo de la IA con el inicio de la robótica y la creación de los primeros autómatas en el siglo XVII. Ambas tecnologías (IA y autómata) utilizan un efecto de ilusionismo que mezcla ciencia y magia, generando confianza y desconfianza a la vez para el público no especializado. La investigación opera en el contexto situado de Madrid, desentrañando la relación de la ciudad con lo maquínico. El Gesto Digital parte y despliega distintas preguntas tales: ¿cómo funcionan los sistemas de automatización? ¿Cómo influyen en el contexto que habitamos? ¿Qué relatos legitiman su uso? ¿Es la magia un lenguaje con el que reclamar un relato tecnológico otro?
El Centro de residencias artísticas de Matadero acoge, también, a proyectos de Investigación situada de Medialab como forma de generar cruces entre los distintos programas de Matadero Madrid.
Medialab convoca tres proyectos de investigación que desarrollen, durante el periodo máximo de un año, una propuesta transdisciplinar que se centre en temáticas o campos de conocimiento no explorados en diálogo con las actividades del programa anual de Medialab y las comunidades vinculadas al mismo.
Andrea Muniáin (Tudela, 1994), arquitecta y artista visual, y Paula Ramos Mollá (Santa Cruz de Tenerife, 1994), filósofa, curadora y productora, colaboran desde 2018 en proyectos que cruzan arte, estudios visuales y tecnología. Su trabajo conjunto se centra en la investigación crítica de los sistemas digitales de producción de conocimiento y la imagen digital. Con base en Madrid y Ámsterdam respectivamente, son co-editoras del libro El Giro Fotogramétrico: truncando el 3D (Bartlebooth), resultado del proyecto de investigación ApuntesTruncados.
@andreamuniain @paula1paula
ENERO A DICIEMBRE 2026
Craig W. Reynolds
Calin Segal
Deconstructing the Aesthetics of Power
En una era en la que la imagen se convierte en lo primordial y el texto queda relegado a los metadatos, la estética opera como un instrumento central de gobernanza, capaz de subvertir y reconfigurar el propio razonamiento. Partiendo de esta premisa, el proyecto investiga cómo se movilizan las estrategias sensoriales para persuadir, predecir y controlar en las campañas contemporáneas de las redes sociales. Dentro de estas arquitecturas digitales, el diseño, la psicología y los sistemas algorítmicos convergen para dar forma tanto a la percepción colectiva como al comportamiento individual. Sus lenguajes visuales no funcionan como interfaces neutrales, sino como agentes activos de influencia, transformando los espacios de comunicación en laboratorios de persuasión. El proyecto aborda este fenómeno a través de una investigación semiótica de la estética del poder. Considera cómo la autoridad se hace visible, deseable o intangible a través de códigos visuales y sensoriales.
Calin Segal es un artista computacional impulsado por su fascinación por los sistemas, ya sean ecológicos, algorítmicos o sociales. Su práctica consiste en desmontar estas estructuras para comprender la lógica oculta que las rige. Trabajando con software, diseño espacial e instalaciones, crea obras que revelan la delicada interacción entre los procesos naturales, las infraestructuras tecnológicas y el comportamiento humano.
Álvaro Soto López
User Agreement
User Agreement es un proyecto de investigación artística que explora la relación entre tecnología, fe y poder en la era digital. A través de una mirada crítica y especulativa, propone imaginar un supuesto “culto tecnológico” para reflexionar sobre cómo las plataformas, algoritmos y comunidades en línea reproducen dinámicas de creencia, obediencia y control. El proyecto combina investigación teórica, testimonios de víctimas y expertos en grupos de alto control, y procesos de creación colectiva con artistas y público. Empleando una metodología interdisciplinar y colaborativa pretende diseñar un imaginario religioso sobre lo digital como fenómeno simbólico, ritual y político. Más que ofrecer respuestas, User Agreement busca activar una conversación abierta sobre la fascinación contemporánea por la tecnología y su capacidad para generar nuevas liturgias, ideologías y formas de comunidad.
Álvaro Soto López (Sevilla, 1998) cuestiona en su trabajo las tecnologías del capitalismo, generando metáforas visuales que oscilan entre lo narrativo, lo político y lo trascendente, en diálogo con el imaginario católico y la tradición andaluza. Estudió Conservación y Restauración de Bienes Culturales en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, además del Máster en Investigación en Arte y Creación en Madrid. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones colectivas e individuales, entre ellas Relación de Confianza, Espacio Lavadero (Granada) y Carlos Computer Caught Fire Five Times, Facultad de Bellas Artes (UCM). Actualmente ejerce como técnico informático.
Residencias semestrales para artistas visuales: Antonio Fernández Alvira, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch y Simón Sepúlveda. Residencias trimestrales para artistas visuales: Andrea Aguilera, Taxio Ardanaz, Mar Guerrero y Martínez Bellido. Ayudas públicas para proyectos artísticos en residencia del Ministerio de Cultura: Hodei Herreros. Residencia de producción musical para bandas y solistas: Maite Gallardo Alba. Residencia para proyectos en torno al arte y la educación: Costa Badía. Debajo del Sombrero y AMECUM. Investigación situada de Medialab Matadero: Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal y Álvaro Soto López.
