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CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

SEP DIC

2026 NAVE 16

RESIDENTES

mataderomadrid.org

SEP-DIC 2026

El Centro de Residencias Artísticas (CRA), ubicado en la Nave 16 de Matadero Madrid, se configura como un espacio de investigación, producción y convivencia en el que artistas, músicos, cineastas, educadores y agentes culturales comparten procesos de trabajo y creación en el día a día, a puerta cerrada. Desde sus orígenes, el CRA ha apostado por una producción multidisciplinar orientada a abordar los retos del presente desde una pluralidad de lenguajes y metodologías, en un momento en el que las fronteras entre disciplinas se encuentran cada vez más diluidas. Una de las principales líneas del Centro es el apoyo al tejido creativo de la ciudad. Para ello articula un programa de residencias que, desde 2017, funciona como Centro de residencias artísticas con entidad propia dentro de Matadero Madrid. Su espacio, amplio y abierto, con puestos personalizados y recursos compartidos —auditorio, cubo negro, sala de edición, office, talleres y FabLab—, facilita el intercambio en las investigaciones. En este contexto se genera una comunidad a la que se suma el propio equipo del CRA, los mentores invitados y las visitas profesionales. La duración de las residencias es variable, de dos a nueve meses, y se accede a ellas mediante convocatorias públicas que valora un comité de expertos. A lo largo del año, el CRA organiza actividades abiertas para el público general con el fin de visibilizar y compartir las investigaciones y los procesos en curso de los residentes. Su momento de mayor visibilidad es durante las Jornadas de Puertas Abiertas, que se celebran tres veces al año en marzo, junio y noviembre. Las próximas serán el sábado 21 de noviembre. Este trimestre nos acompañan en la nave: Miguel Alejos, Mauricio Freyre, Ignacio García Sánchez, Gelen Jeleton, Carlos Monleón, Juan Pablo Pacheco, Ana Robles Pérez, Sofía Tudela, Julián Azcutia, Julián Génisson, Lucía Selva, María Castro y Álvaro Cáceres, Emily Sun, María Jerez, Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal y Álvaro Soto López, Debajo del Sombrero y AMECUM.

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

SEP-DIC 2026

RESIDENCIAS TRIMESTRALES PARA PROYECTOS SOBRE EL MEDIOAMBIENTE Destinadas a artistas visuales de la Comunidad de Madrid y del resto de España

El Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid promueve, desde su creación en 2017, los objetivos específicos de proporcionar espacios de trabajo, recursos económicos, herramientas, seguimiento profesional y visibilidad a los artistas visuales. Con esta convocatoria de residencias en torno a un tema concreto, el medioambiente, se persigue añadir una nueva capa de pensamiento al conjunto de las propuestas y hacer coincidir en el tiempo y en el espacio a ocho creadores trabajando en torno a inquietudes compartidas. Con ellos el CRA se ha transformado en un espacio de creación y reflexión en el que se abordan cuestiones que van desde las transformaciones del paisaje provocadas por la actividad humana, la explotación de los recursos naturales, los modelos de producción agrícola y energética, y las relaciones entre especies, cuerpos y territorios. Sus proyectos se acercan también a la memoria de ríos, pueblos y ecosistemas, a las historias ocultas de la ciencia y el colonialismo, y a nuevas formas de escuchar, representar e imaginar el entorno desde perspectivas críticas y más que humanas. Acompaña a las residencias un equipo asesor formado por la artista, docente e investigadora Bárbara Fluxá, y la comisaria y profesora Claudia Rodríguez-Ponga.

SEPTIEMBRE A DICIEMBRE 2026 CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Miguel Alejos

• Estudio 14

La distancia más tierna

La distancia más tierna es un proyecto de investigación que utiliza la carretera CV-500 y sus arquitecturas como dispositivo narrativo para analizar, desde lo afectivo, las tensiones del litoral valenciano. Entendida como una cicatriz, esta infraestructura conecta el metabolismo urbano con la memoria de la resistencia ecologista, en un paisaje donde colisionan arrozales, apartamentos, marjales y discotecas. La propuesta se centra en el fallido proyecto de urbanización de la Dehesa del Saler en la década de 1960, cuyo bloqueo por el movimiento ciudadano “El Saler per al poble” constituye uno de los hitos fundacionales del ecologismo en España. Mediante el trabajo de archivo, una ‘road movie’ y el ensayo escultórico, el proyecto formaliza una cosmología de materiales que cuestiona la idea de progreso y políticas turísticas vinculadas al deterioro de los ecosistemas, abriendo la posibilidad de imaginar presentes anacrónicos, transformando los elementos contradictorios del paisaje en estructuras de imaginación. Miguel Alejos (Valencia, 1995) es artista, editor y gestor cultural. Es graduado en Bellas Artes y cuenta con un Máster en Investigación y Creación en Arte. Ha recibido becas y premios por organismos como INJUVE, Fundación Bilbaoarte, Fundación Güell (Barcelona), Asociación Jiser (Valencia) o el Premio XXIII Mostra Art Públic Universitat de València. Su trabajo se ha mostrado en espacios como Centre d’Art La Panera (Lleida), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria), Galería CarrerasMugica (Bilbao), Centro Huarte, Elbirou Gallery (Túnez), UMPRUM (Praga), FIG Bilbao o Museo ABC (Madrid). Paralelamente ha desarrollado actividades de comisariado y gestión cultural en instituciones como en Can Felipa (Barcelona), área de acción cultural del CCE Montevideo y el programa Finestrat Arte Público. Desde 2022 co-dirige, junto a Rocío Agudo, el proyecto Brillo editorial.

Cortesía del artista

@miguel__alejos

SEP-DIC 2026

Mauricio Freyre

• Estudio 15

Errores Fundamentales (performance, grupo de lectura)

Errores Fundamentales (performance, grupo de lectura) investiga, a través de la performance y el cine, la genealogía de un árbol andino-amazónico hoy casi extinto: la quina o cinchona, cuyas propiedades antimaláricas fueron decisivas para la expansión colonial europea. El proyecto examina cómo la historia natural y científica occidental se ha construido también desde errores, omisiones y ficciones operativas, y propone una lectura crítica de sus relatos mediante una pieza que se desarrolla en vivo. El artista desarrollará una versión ampliada de la performance, en la que el público será conducido a través de distintos escenarios históricos y contemporáneos mediante un guion de voces activado por un grupo de lectura. Mauricio Fernando Freyre Mendieta (Lima, 1976) es artista y cineasta peruano radicado en Madrid. Su práctica se sitúa entre el cine, la instalación y la performance. Desde la investigación, sus trabajos cuestionan los dispositivos de visibilidad, capaces tanto de producir conocimiento como de ocultar, distorsionar o fijar determinadas versiones de la historia. A través de materiales históricos, ficciones críticas y operaciones de montaje, examina los puntos ciegos de la modernidad colonial y las arquitecturas materiales y simbólicas que sostienen la producción occidental de conocimiento. Sus proyectos recientes han sido presentados en el MNCARS (Madrid), el Círculo de Bellas Artes (Madrid), Festival Internacional de Cine de Marsella y el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA). En 2019, su instalación Interspecies Architecture fue presentada en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia.

Cortesía del artista

@mauriciofreyrem

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Ignacio García Sánchez

• Estudio 10

Bajo el mismo sol

Bajo el mismo sol es un proyecto artístico en torno a la posibilidad de imaginar futuros deseables en los que la producción de energía, y demás necesidades humanas, queden satisfechas a la vez que se mantiene una relación mutuamente beneficiosa con el resto de seres vivos. Para ello, el artista recurre a escenarios ficticios inspirados tanto en ideas ya implementadas como en las propuestas del ‘Solarpunk’ o de autoras como Ursula K. Le Guin, Ernest Callenbach, William Morris o Marge Piercy. Las obras creadas en residencia mostrarán infraestructuras especulativas situadas en ciertas áreas periurbanas de Madrid, entendidas como territorios híbridos entre lo urbano y lo rural. Para plasmar los distintos escenarios, el artista explora sistemas de representación basados en técnicas empleadas habitualmente en arquitectura y paisajismo, con el fin de desarrollar el estilo de una cultura y un período histórico por llegar. Ignacio García Sánchez (Madrid, 1987) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense y en la HfbK de Hamburgo. En su práctica emplea el dibujo junto a recursos procedentes de la arquitectura, la ilustración didáctica o la propaganda política. Su trabajo aborda cuestiones como las contradicciones entre teoría y práctica, la influencia de las ideas abstractas en los procesos de transformación social o la constante reescritura del pasado y del futuro. Ha expuesto en La Casa Encendida (Madrid), la Sala de Arte Joven (Madrid), Nadie Nunca Nada No (Madrid), Can Felipa (Madrid), Fabra i Coats (Barcelona), Gabinete de Dibujos (Valencia), Lo Pardal (Agramunt) y Kunsthaus Hamburg, entre otros.

Cortesía del artista

@ignaciovk

SEP-DIC 2026

Gelen Jeleton

• Estudio 12

Historia política de las flores: comeflores

Historia política de las flores: comeflores es un proyecto de investigación y formalización artística en torno al dibujo expandido y performativo, centrado en el lenguaje de la flora y sus representaciones. Como parte de una investigación de largo recorrido iniciada en 2014, el proyecto aborda, desde una perspectiva crítica, las condiciones materiales, simbólicas y políticas que atraviesan las plantas y sus usos. A través de repertorios iconológicos y aproximaciones desde la sociología de la imagen, la artista analiza cuestiones como el monocultivo, las denominadas ‘malas hierbas’, las especies invasoras o los procesos de desplazamiento y adaptación vinculados al cambio climático. Asimismo, su investigación aborda la domesticación, la explotación agrícola y farmacéutica, y las relaciones de interdependencia entre plantas, insectos, animales y humanos. El proyecto se despliega en una narrativa dibujada, cantada y performada que propone modos de vida regenerativos, vinculados a lo común y a prácticas de resistencia ecológica. Gelen Jeleton (María Ángeles Alcántara Sánchez, Murcia, 1975) desarrolla su práctica junto a Jesús Arpal Moya en Equipo Jeleton desde 1999. Su trabajo se articula en proyectos de largo recorrido como Historia política de las flores, en los que retoman de forma crítica y torcida repertorios literarios, musicales, visuales, con la intención de transmutar veneno en medicina. Estudió Bellas Artes en Cuenca y realizó estudios de posgrado en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, centrados en simbolismo renacentista y alquimia. Desarrolló esta línea de investigación en su tesis doctoral, Una archiva del DIY (Do It Yourself): una fanzinoteca feminista-cuir. Presentada en la Facultad de Bellas Artes de Murcia en 2016, este proyecto continúa como parte de su práctica artística.

Cortesía de la artista

@gelen_jeleton

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Carlos Monleón

• Estudio 11

La Consueta del Siluro

La Consueta del Siluro es una obra coral que da voz, desde el presente, a conflictos territoriales pasados y retos hidrológicos futuros a partir de cuerpos de agua como embalses, ríos y acuíferos. La figura del genio del lugar —custodio mitológico de cuerpos de agua— se actualiza para plasmar la huella antropogénica, encarnada en este caso en una ‘especie invasora’. Los mundos perceptivos de este siluro quimérico se despliegan en una instalación en la que recorrer valles inundados y escuchar, desde los lodos, las memorias y voces humanas y más que humanas de pueblos y ecosistemas anegados. Carlos Monleón (Madrid, 1983) trabaja entre diversos niveles de sensación y percepción corporal, desde lo (micro)biológico hasta lo performativo y social. Sus obras exploran cómo cuerpos diversos metabolizan y reflejan sistemas sociales y ecológicos. Su práctica se fundamenta en investigaciones colaborativas desarrolladas en diálogo con científicos, músicos, artistas e instituciones públicas. Ha desarrollado proyectos colaborativos en Seventeen Gallery y Auto Italia (Londres), CA2M (Móstoles), La Casa Encendida (Madrid), Matadero Madrid y HIAP (Helsinki). Su trabajo se ha presentado de forma individual en instituciones como LUMA (Arles), Z33 (Hasselt), Kai Art Center (Tallin), Ars Electronica (Linz), Centre d’Art La Panera (Lleida), en la Bienal de Diseño de Estambul (Estambul) y la Bienal de Diseño de Oporto, entre otros.

Cortesía del artista

@carlos.monleon

SEP-DIC 2026

Juan Pablo Pacheco

• Estudio 16

Aprendiz de Río

Aprendiz de Río es una fábula audiovisual que retrata el río Manzanares a través de tres tramos de su recorrido: su nacimiento junto a las antenas de la Bola del Mundo en la sierra de Guadarrama; su depuración en la Estación regeneradora de aguas residuales de la China y su paso por los huertos vecinales de Perales del Río. El proyecto transduce voces del río para construir una hidropoética sobre sus capas de contaminación sonora, electromagnética y química, por residuos farmacológicos. El Manzanares condensa tensiones entre renaturalización, control técnico y luchas vecinales, invitando a pensar qué puede decir un río cuando lo escuchamos más allá de su gestión como recurso. El título del proyecto se apropia de la frase de Quevedo que describía al Manzanares como un ‘arroyo aprendiz de río’: en este caso, es el artista quien se convierte en arroyo que también aprende del río. Juan Pablo Pacheco (Bogotá, 1991) es artista, investigador y educador con formación en cine, antropología y artes mediales. Su investigación aborda la ecología política y las infraestructuras tecnológicas desde las nuevas materialidades y la imaginación poética. Su práctica incluye la escritura, instalaciones de vídeo y sonido, paseos sonoros, meditaciones guiadas, proyectos comestibles y pedagogías participativas. Ha sido profesor en la Universidad Javeriana y la Universidad de los Andes (Bogotá), en la Royal Academy of Art de La Haya y en Elisava (Madrid), además de comisariar programas públicos en Plataforma Bogotá y Espacio Odeón. Su obra se ha presentado en exposiciones y festivales en Austria, Colombia, Noruega, Países Bajos, Chile, Estados Unidos, Bélgica, México y Alemania, entre otros.

Cortesía del artista

@juanppachecob

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Ana Robles Pérez

• Estudio 9

Villalba tiene memoria de perro

El proyecto se desarrolla alrededor de Villalba de Calatrava, un histórico poblado de colonización en el que apenas residen cinco habitantes. En 2023, este pueblo acogió el universo de un proyecto anterior de la artista, La llegada del perro poblador, en el que perros invisibilizados por los sistemas de adopción se convertían en habitantes de territorios rurales en riesgo de despoblación, configurando nuevas formas de ocupación y coexistencia interespecie. La artista regresa ahora a este contexto para imaginar un futuro donde generaciones de perros pobladores han ocupado —y continúan ocupando— sus calles. Inspirado en la noción de futuro pasado, pasado futuro de Jessica Wenzel, se sitúa tres décadas atrás, cuando sus calles estaban habitadas por Yeska y Mori, perros de la memoria colectiva del pueblo. A través de testimonios, archivos y metodologías forense-visuales, la artista construye una cartografía audiovisual que explora cómo el pueblo ha ido —y seguirá— produciendo su memoria. Una memoria surgida de la ausencia humana. Una memoria aún por ocurrir. Una memoria ‘de perro’. Ana Robles Pérez (Ciudad Real, 1997) estudió Diseño social en la Design Academy Eindhoven y forma parte en varios grupos de investigación con equipos de las Universidades de Utrech y de Amsterdam. Ha expuesto en la XVII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (Ponferrada), en el Ars Electrónica Festival (Linz), en la 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia o en CentroCentro (Madrid), entre otros. Su práctica se acoge a la imaginación y la especulación como herramientas para explorar formas alternativas de entender la memoria y el patrimonio. Desde una perspectiva más que humana, desarrolla metodologías visuales forenses, atlas cartográficos y piezas documentales que hacen visibles memorias subalternas vinculadas a procesos de transformación social y abren un espacio a otras formas de narrar y recordar.

Cortesía de la artista

@anarroblesperez

SEP-DIC 2026

Sofía Tudela

• Estudio 13

Geografías del trabajo

Geografías del trabajo es un proyecto de investigación artística que aborda el paisaje del olivar mediterráneo como un territorio atravesado por la historia, la producción y las lógicas del capital. A través de una aproximación visual, sonora y escrita, el proyecto analiza la transformación de este entorno en un sistema de monocultivo intensivo, así como las formas de trabajo que lo hacen posible, frecuentemente sostenidas por población migrante. Frente al imaginario del olivar como una Arcadia ambiental, Sofía Tudela propone una mirada crítica y sensible sobre las tensiones entre producción, ecología y memoria, entendiendo el territorio como un espacio en disputa. La artista desarrolla la propuesta mediante la investigación, el trabajo de campo y la creación de un archivo audiovisual y fotográfico, junto con la activación de un taller de lectura colectivo centrado en el paisaje y sus imaginarios. Sofía Tudela (Jaén, 1996) es artista visual y su práctica se sitúa en la intersección del medio cinematográfico y del arte contemporáneo. Su trabajo explora la presencia del cuerpo en el espacio, entendido como un archivo de gestos atravesados por condiciones materiales y culturales. Concibe la imagen como un dispositivo desde el que analizar su relación con los sistemas productivos contemporáneos. Su trabajo audiovisual ha sido mostrado en L’Alternativa (Barcelona), Cineteca Matadero (Madrid), Strangloscope (Brasil), the8fest (Canadá), LaborBerlin (Berlín) y ESQUEJES. Festival de Cine Expandido (España). Se ha formado en LAV (Madrid) y en el Máster en Artes y Profesiones Artísticas de Escuela SUR (Madrid). Actualmente desarrolla su investigación en Historia del Arte.

Cortesía de la artista

@sofiaptudela

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

SEP-DIC 2026

RESIDENCIAS PARA PROYECTOS AUDIOVISUALES EN FASE DE DESARROLLO EN COLABORACIÓN CON CINETECA Destinada a creadores visuales de la Comunidad de Madrid

La convocatoria conjunta de Cineteca Madrid y el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid tiene como objetivo apoyar a creadores audiovisuales en las fases iniciales de investigación, desarrollo y escritura de proyectos vinculados al cine independiente, el cine experimental y el cine de lo real. El programa ofrece un entorno de trabajo, recursos económicos, acompañamiento profesional y asesoramiento especializado para favorecer el desarrollo de las propuestas en las mejores condiciones posibles. Asimismo, busca impulsar el tejido audiovisual independiente de la Comunidad de Madrid y fomentar el intercambio entre artistas, profesionales del sector, instituciones y públicos. Acompaña estas residencias el equipo asesor formado por la guionista y profesora de cine, Lola Mayo, y Jamie Weiss, productor de cine en El Viaje Films.

OCTUBRE A NOVIEMBRE 2026 CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Julián Azcutia

• Sala de edición

El ruido bello

El ruido bello es un ensayo fílmico que investiga la relación profunda entre ritmo, cuerpo e imagen cinematográfica a través de las palmas flamencas. La película no pretende documentar el flamenco desde una lógica etnográfica o puramente observacional, sino utilizar las palmas como un mecanismo de pensamiento audiovisual: una forma de entender cómo el cine organiza el tiempo, produce tensión y construye significado mediante el montaje y la repetición. El proyecto parte de una intuición sencilla: el cine y las palmas comparten una misma materia invisible, el ritmo. Las palmas no solo acompañan; sostienen, interrumpen, anticipan. Del mismo modo, el montaje cinematográfico no solo une imágenes, sino que crea respiraciones, vacíos y pulsaciones. A partir de esta correspondencia, Julián construye un diálogo metalingüístico entre el gesto flamenco y el lenguaje cinematográfico. Julián Azcutia (Jerez de la Frontera, 1989) es cineasta y fotógrafo. Licenciado en Comunicación Audiovisual y máster en Dirección de Fotografía Cinematográfica por la ESCAC. Su práctica audiovisual explora la relación entre imagen, memoria y expresión cultural, con especial atención a los vínculos entre música, identidad y tradición popular. Ha dirigido los cortometrajes Dónde está Salmonete (2017) y El Afilaó (2018), y ha trabajado como director de fotografía y operador de cámara en proyectos de otros autores. Desde 2020 participa en colectivos y espacios vinculados al cine documental y la difusión cultural, como DOCMA y el Círculo Flamenco de Madrid. Su trabajo fotográfico ha sido publicado en El País y Siroco Magazine.

Cortesía del artista

@julianazcutia

SEP-DIC 2026

Julián Génisson

• Sala de edición

Oscurante

En su proyecto, Julián Génisson entrelaza las historias de dos personajes: Pedro, que solo puede dormir si tiene a alguien a su lado, y Adriana, que descubre la posibilidad de monetizar el sueño durmiendo en ‘streaming’. Una grotesca epidemia acabará cruzando sus destinos. Oscurante es una película sobre el miedo. En ella se cruzan el miedo a la soledad y a la compañía; el miedo a la oscuridad y a ser visto; el miedo a las ideas locas que asaltan por la noche, cuando el pensamiento lógico baja la guardia. Pero donde hay miedo también hay fascinación: por la noche, por aquello tras las cortinas cerradas y por un acto tan banal y profundamente anómalo como es el acto de dormir. Julián Génisson (Madrid, 1982) es licenciado en Filosofía y miembro del desaparecido colectivo audiovisual Canódromo Abandonado. Ha realizado en colectivo los largometrajes La tumba de Bruce Lee y Esa sensación, y ha dirigido en solitario Inmotep y -CUANDO-MUERES-TECONVIERTES-EN-UN-SITIO-PUSSY-IN-BIO-. Como guionista ha participado en Mamántula y Balearic, ambas dirigidas por Ion de Sosa. Es autor del libro de relatos Cerebroleso y del ensayo Deshacer el ridículo, dedicado al humor y la risa. Actualmente desarrolla el largometraje Identikit, seleccionado en la tercera edición de las Residencias de la Academia de Cine.

Cortesía del artista

@juliangenisson

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Lucía Selva

• Sala de edición

Tecnowar will break your heart

‘A partir de un archivo de imágenes bélicas recopiladas en Telegram y producidas desde la perspectiva de los victimarios en la guerra de Ucrania y el genocidio palestino -describe Lucía Selva- la pieza analiza el nuevo paradigma bélico inaugurado por ambos conflictos’. Lo hace a través de las tipologías de imágenes generadas por la guerra y reflexiona sobre el papel de la imagen en los conflictos actuales. El desplazamiento del conflicto hacia el entorno urbano ha impulsado el desarrollo de tecnologías como los drones y la inteligencia artificial, que virtualizan el campo de batalla y distancian el cuerpo de la acción violenta. En este contexto, las imágenes dejan de funcionar como testimonio para convertirse en un elemento activo del dispositivo bélico. De ellas emerge una mirada mediada por la tecnología, automatizada y deslocalizada convertida en arma: una imagen que mata. Lucía Selva (Granada, 1998) estudió Cinematografía en la ESCAC, donde se especializó en Dirección de Fotografía. Le interesa la artesanía cinematográfica y la creación de nuevos lenguajes y estéticas, que la han llevado a trabajar en fotografía, videoclips, no ficción y video ensayo, atraída por la experimentación con diferentes soportes, la creación digital y la luz. Su primer largometraje, Quién vio los templos caer (2025), tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine documental de Copenhague (CPH:DOX), donde recibió una Mención Especial del Jurado. Tras cursar el Máster de Creación en Elías Querejeta Zine Eskola, desarrolla su segundo largometraje mientras compagina este trabajo con cortometrajes y proyectos instalativos que amplían su investigación sobre la imagen.

Cortesía de la artista

@luciaselva____

SEP-DIC 2026

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

RESIDENCIA DE MÚSICA ELECTRÓNICA EXPERIMENTAL Destinada a creadores de la Comunidad de Madrid

Esta residencia tiene por objeto promover la producción de música electrónica en Madrid, especialmente de aquellas creaciones que experimenten con nuevas formas estéticas y técnicas de expresión artística sonora, y la difusión y promoción de la creación local mediante la colaboración y asesoramiento con el festival L.E.V., que se celebra en Matadero Madrid. Durante los tres meses de estancia, los artistas seleccionados disponen de un espacio de investigación y creación, de una cabina de sonido y de un contexto de acompañamiento y formación para que el proyecto vea la luz en las mejores condiciones posibles. El objeto final de la residencia es apoyar la producción de 1 EP o LP de música electrónica experimental, ya sea de un artista individual o de varios que conformen un proyecto conjunto. Este año acompañan al proyecto Cristina de Silva, directora del festival L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual) y Fernando Monedero, diseñador de sonido, productor y técnico especializado en sistemas multicanal y sonido inmersivo.

SEPTIEMBRE A DICIEMBRE 2026 20

SEP-DIC 2026

María Castro y Álvaro Cáceres

• Estudio 7

(pink::noise)

(pink::noise) es un proyecto de investigación sonora que toma el ‘live coding’ como eje de una práctica de creación híbrida, orgánica y situada. El proyecto explora el diálogo entre entornos de programación en tiempo real e instrumentos e interfaces físicas: síntesis modular, sensores e instrumentos acústicos intervenidos—. A partir de los principios del ‘live coding’ —transparencia del proceso, código abierto, relación horizontal entre persona y máquina, improvisación como método compositivo y el error o ‘glitch’ como material expresivo—, la propuesta investiga cómo estos paradigmas pueden trasladarse al contexto de producción de un álbum de estudio, generando nuevas formas de composición y escucha. María Castro (Bogotá, 1998) es compositora de música electroacústica, artista sonora y diseñadora de audio para videojuegos. Graduada en Composición Contemporánea por la Universidad El Bosque (Bogotá) y con un Máster en Composición Electroacústica por el Real Conservatorio de La Haya, ha presentado su trabajo en festivales en España, Suiza, Bélgica y Colombia, participando en proyectos que integran música electrónica, diseño sonoro, danza contemporánea, performance interactivo, post-digital ‘lutherie’ y medios no lineales. Álvaro Cáceres (Pinto, 1994) es compositora y tecnóloga creativa. Su práctica combina código, música y ‘video mapping’ para generar experiencias inmersivas, desde órganos de iglesia automatizados hasta post-metal codificado. Ha realizado colaboraciones con artistas como Andy Vargas o LOOKMUMNOCOMPUTER, y en espacios como MNCARS (Madrid) o el Círculo de Bellas Artes (Madrid), entre otros.

@_scherzo @alvaro.makes.music

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

SEP-DIC 2026

RESIDENCIA PARA PROYECTOS EN TORNO AL ARTE Y LA EDUCACIÓN Dirigida a creadores o colectivos de la Comunidad de Madrid cuya práctica se enmarque en el campo de la educación y la mediación El objetivo principal de esta residencia es combinar un proceso de reflexión e investigación con la activación de un programa de mediación, arte y educación que se desarrolle en las instalaciones de Matadero Madrid. Los proyectos pueden realizar su investigación sobre la propia mediación así como sobre los cruces entre el arte y la educación, o bien proponer dispositivos de mediación que reflexionen y reaccionen sobre las emergencias contemporáneas propias de esta época, como las disidencias del cuerpo y/o afectivo-sexuales; los activismos antirracistas; la emergencia climática; las transformaciones productivistas y aceleracionistas en el mundo del trabajo o la reflexión en torno la salud mental. Acompañará la residencia como asesor Pablo Martínez, investigador y profesor de Historia del Arte en la Facultad de Geografía e Historia de la UCM.

OCTUBRE 2026 A JUNIO 2027 CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Emily Sun

• Estudio 8

Escuela enlazadora de lenguas quebradas

Desde una perspectiva interseccional, Emily Sun explora las relaciones fragmentadas con la lengua en los imaginarios diaspóricos y su potencial para crear futuros multilingües más justos. La artista quiere impulsar espacios de reflexión, imaginación y escucha colectivas donde poder habitar los intersticios entre las lenguas como lugares de acción artística y política. Con el foco en ‘procesos de co-creación transculturales y translingüísticos, y centrada en herencias marginalizadas por el colonialismo y el racismo estructural’ -describe Emily Sun- la investigación espera promover vínculos y redes en torno a la justicia lingüística. En el proyecto se cuestiona qué ocurre cuando las lenguas migradas, colonizadas o indígenas, presentes en las casas, las voces y las memorias, desaparecen de las escuelas y de las instituciones. Y, desde ahí, explorar otras formas de relación y de expresión colectiva alejadas de las lenguas hegemónicas. Emily Sun es una artista que trabaja entre la producción musical, la programación comunitaria y la curaduría. Su práctica explora el sonido y la música como modos de sanación y construcción de memoria, activando la creación colectiva como canal de resistencia, especialmente para comunidades racializadas y migrantes. Ha desarrollado diversos proyectos de mediación cultural, talleres y exposiciones en colaboración con artistas, instituciones culturales, asociaciones, y colectivos antirracistas y queers. Entre ellos se incluyen el programa Savia con 天马行空 junto a Xirou Xiao en el MNCARS (Madrid), la exposición y programación pública Te prensé entre las hojas en la Sala Arte Joven (Madrid), junto a Benia Nsi, o YYYPUNTOOO, el primer festival artístico-político de las diásporas asiáticas en Madrid.

@toutlecielbleu

SEP-DIC 2026

Debajo del Sombrero

• Estudios 1 y 2

El Estudio Debajo del Sombrero es una plataforma de creación artística contemporánea, investigación y promoción de carreras de artistas con discapacidad intelectual, al modo de los ‘Art Supported Studios’ existentes en Europa y otros lugares del mundo. Estas iniciativas nacen con la intención decidida de atraer la mirada del arte más actual hacia el testimonio indispensable de la obra de los artistas en los márgenes, una reflexión carente de prejuicios, sorprendida ante la trascendencia inesperada y desconocida de estas miradas. Así, pone el foco en los lenguajes de artistas que, por la circunstancia de su discapacidad intelectual, quedan habitualmente al margen de la cultura y la educación, abriendo para el arte contemporáneo una puerta a estos lenguajes. Debajo del Sombrero nació en Matadero en 2007 y aquí ha crecido. Actualmente el estudio acoge unos 40 artistas. Sus acciones están diseñadas para cubrir las necesidades de un artista en todos sus aspectos: formación, acompañamiento y orientación en el taller, selección y archivo de su obra, difusión y promoción, organización de exposiciones y venta de la obra.

Matadero Madrid/Arde Visual

@colectivodebajodelsombrero

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

AMECUM

• Estudio 5

AMECUM es la Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid. Fue creada en 2015 por profesionales de base de la educación y mediación cultural y surgió de la urgencia de visibilizar la profesión y poner en valor su función como herramienta social para el desarrollo de una ciudadanía crítica capaz de empoderarse a través de la cultura. Como asociación profesional, aspira a visibilizar y reforzar la figura de educadoras y mediadoras culturales y a incentivar su trabajo, facilitando el acceso a los servicios necesarios para su profesionalización a través de la investigación, la formación teóricopráctica y el impulso de espacios de encuentro y trabajo colaborativo. Unida al Centro de residencias artísticas desde sus inicios, actualmente la asociación mantiene tres grupos principales de trabajo: Condiciones materiales, dedicada a pensar cómo mejorar las condiciones laborales de las mediadoras culturales; Cuerpo molécula, grupo de trabajo sobre mediación y artes vivas; y mediaTECA, biblioteca móvil albergada en el CRA y compuesta de publicaciones en torno al a mediación, educación, gestión y producción cultural.

Matadero Madrid

@_amecum_

SEP-DIC 2026

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

CRA PRODUCE CRA Produce es una línea de trabajo del Centro de residencias que discurre en paralelo a la convocatoria de las residencias con el fin de detectar necesidades que surgen en las mismas, reforzar las líneas de trabajo y generar espacios de pensamiento y reflexión sobre cuestiones que atraviesan a las prácticas artísticas actuales. Iniciado en 2024, hasta la fecha se ha trabajado sobre la historia del matadero y la escritura aplicada a los procesos creativos. El programa arranca en el marco del Centenario de Matadero Madrid, con el encargo de dos proyectos de programa público a los artistas Fernando Sánchez Castillo y Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto. En De matadero a vivero, Sánchez Castillo trazó un recorrido por los distintos espacios del edificio para visibilizar sus cien años de historia; mientras que con el cancionero Las Suertes, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto pusieron el foco en la memoria de la gente. El siguiente programa estuvo a cargo de la comisaria Manuela de Pedrón con el taller Petra, que generó encuentros quincenales en torno a la escritura creativa. En esta nueva entrega, se abre una investigación en torno a la maternidad y la creación con el proyecto Dos soles de la artista María Jerez.

SEPTIEMBRE 2026 A FEBRERO 2027 28

SEP-DIC 2026

María Jerez

• Estudio 18

Dos soles

Cuenta María Jerez que ser madre y artista a la vez es como orbitar alrededor de dos soles. “Antes de ser madre mi cuerpo giraba alrededor de un único centro: mi práctica artística. Al nacer Helios, empezó a gravitar, al mismo tiempo, alrededor de este nuevo sol. Y ahí estoy, en la experiencia de una doble órbita. Cuando era muy pequeño, al ver su sombra en el suelo, me dijo: ‘Mira mamá, me veo en el sol’. El sol en el sol”. A partir de esta imagen y de la metáfora de los sistemas circumbinarios, donde se producen sombras, amaneceres y atardeceres dobles, la investigación cuestiona unos modelos de producción artística, educación y encuentro que continúan separando ambas esferas. Este proyecto pretende prototipar formas de experiencia colectiva que aproximen ambas órbitas, imaginando otros espacios, estados y atenciones: paralelos, dobles, fluctuantes, divergentes en una suerte de estudiotobogán, campamento-residencia, laboratorio-yinkana, conferencia-cuento, escritura-pegatina o excels de arcilla, en los que poder atender a dos atardeceres a la vez. María Jerez (Madrid, 1978) combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales. Se sitúa ‘entre’ la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés en sus primeras piezas por las convenciones teatrales y cinematográficas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo orgánico y lo artificial, lo animado y lo inanimado. Su trabajo ha sido presentado en numerosas instituciones, nacionales e internacionales, como el MNCARS, Matadero, La Casa Encendida, CA2M (Madrid), Arteleku y Tabakalera (San Sebastián), Centro Párraga y CENDEAC (Murcia), MACBA, CCCB (Barcelona), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (Paris), Frac Lorraine (Metz), Fundação de Serralves (Oporto), Southbank Centre (London), Bozar (Bruselas), 12 Bienal de la Habana (La Habana) y Mapa Teatro (Bogotá).

Cortesía de la artista

@jerezmariajerez

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

MEDIALAB PROGRAMA INVESTIGACIÓN SITUADA 2027 Destinada a investigadores o grupos de investigación locales e internacionales. El Centro de residencias artísticas de Matadero acoge, también, a proyectos de Investigación situada de Medialab como forma de generar cruces entre los distintos programas de Matadero Madrid. Medialab convoca tres proyectos de investigación que desarrollen, durante el periodo máximo de un año, una propuesta transdisciplinar que se centre en temáticas o campos de conocimiento no explorados en diálogo con las actividades del programa anual de Medialab y las comunidades vinculadas al mismo.

ENERO A DICIEMBRE 2026 30

SEP-DIC 2026

Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá

• Estudio 6

El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica

El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica es un proyecto de investigación que estudia la legitimidad y veracidad de los sistemas de producción de conocimiento basados en inteligencia artificial. Para ello parte de un análisis histórico y genealógico que vincula el desarrollo de la IA con el inicio de la robótica y la creación de los primeros autómatas en el siglo XVII. Ambas tecnologías (IA y autómata) utilizan un efecto de ilusionismo que mezcla ciencia y magia, generando confianza y desconfianza a la vez para el público no especializado. La investigación opera en el contexto situado de Madrid, desentrañando la relación de la ciudad con lo maquínico. El Gesto Digital parte y despliega distintas preguntas tales: ¿cómo funcionan los sistemas de automatización? ¿Cómo influyen en el contexto que habitamos? ¿Qué relatos legitiman su uso? ¿Es la magia un lenguaje con el que reclamar un relato tecnológico otro? Andrea Muniáin (Tudela, 1994), arquitecta y artista visual, y Paula Ramos Mollá (Santa Cruz de Tenerife, 1994), filósofa, curadora y productora, colaboran desde 2018 en proyectos que cruzan arte, estudios visuales y tecnología. Su trabajo conjunto se centra en la investigación crítica de los sistemas digitales de producción de conocimiento y la imagen digital. Con base en Madrid y Ámsterdam respectivamente, son co-editoras del libro El Giro Fotogramétrico: truncando el 3D (Bartlebooth), resultado del proyecto de investigación Apuntes Truncados.

@andreamuniain @paula1paula

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Calin Segal

• Estudio 3

Deconstructing the Aesthetics of Power

En una era en la que la imagen se convierte en lo primordial y el texto queda relegado a los metadatos, la estética opera como un instrumento central de gobernanza, capaz de subvertir y reconfigurar el propio razonamiento. Partiendo de esta premisa, el proyecto investiga cómo se movilizan las estrategias sensoriales para persuadir, predecir y controlar en las campañas contemporáneas de las redes sociales. Dentro de estas arquitecturas digitales, el diseño, la psicología y los sistemas algorítmicos convergen para dar forma tanto a la percepción colectiva como al comportamiento individual. Sus lenguajes visuales no funcionan como interfaces neutrales, sino como agentes activos de influencia, transformando los espacios de comunicación en laboratorios de persuasión. El proyecto aborda este fenómeno a través de una investigación semiótica de la estética del poder. Considera cómo la autoridad se hace visible, deseable o intangible a través de códigos visuales y sensoriales.

Juan Fallás

Calin Segal (Rumanía, 1992) es un artista computacional impulsado por su fascinación por los sistemas, ya sean ecológicos, algorítmicos o sociales. Su práctica consiste en desmontar estas estructuras para comprender la lógica oculta que las rige. Trabajando con software, diseño espacial e instalaciones, crea obras que revelan la delicada interacción entre los procesos naturales, las infraestructuras tecnológicas y el comportamiento humano.

SEP-DIC 2026

Álvaro Soto López

• Estudios 4

User Agreement

User Agreement es un proyecto de investigación artística que explora la relación entre tecnología, fe y poder en la era digital. A través de una mirada crítica y especulativa, propone imaginar un supuesto “culto tecnológico” para reflexionar sobre cómo las plataformas, algoritmos y comunidades en línea reproducen dinámicas de creencia, obediencia y control. El proyecto combina investigación teórica, testimonios de víctimas y expertos en grupos de alto control, y procesos de creación colectiva con artistas y público. Empleando una metodología interdisciplinar y colaborativa pretende diseñar un imaginario religioso sobre lo digital como fenómeno simbólico, ritual y político. Más que ofrecer respuestas, User Agreement busca activar una conversación abierta sobre la fascinación contemporánea por la tecnología y su capacidad para generar nuevas liturgias, ideologías y formas de comunidad. Álvaro Soto López (Sevilla, 1998) cuestiona en su trabajo las tecnologías del capitalismo, generando metáforas visuales que oscilan entre lo narrativo, lo político y lo trascendente, en diálogo con el imaginario católico y la tradición andaluza. Estudió Conservación y Restauración de Bienes Culturales en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, además del Máster en Investigación en Arte y Creación en Madrid. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones colectivas e individuales, entre ellas Relación de Confianza, Espacio Lavadero (Granada) y Carlos Computer Caught Fire Five Times, Facultad de Bellas Artes (UCM). Actualmente ejerce como técnico informático.

Cortesía del artista

@alvarosotolopez

CENTRO DE RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

1. 2. 3. 4. 5. 6

F K C

Entrada

I J

8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 18.

Debajo del sombrero Calin Segal Álvaro Soto López AMECUM Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá María Castro y Álvaro Cáceres Emily Sun Ana Robles Pérez Ignacio García Sánchez Carlos Monleón Gelen Jeleton Sofía Tudela Miguel Alejos Mauricio Freyre Juan Pablo Pacheco María Jerez

A. Auditorio B. Taller 1 C. Taller 2 D. Caseta blanca E. Cubo negro F. Office G. Fablab H. Sala de edición: Julián Azcutia Julián Génisson Lucía Selva I. Oficina CRA J. Kakatuwah + Tucana K. Cabina de sonido

SEP-DIC 2026

Residencias trimestrales para proyectos sobre el medioambiente: Miguel Alejos, Mauricio Freyre, Ignacio García Sánchez, Gelen Jeleton, Carlos Monleón, Juan Pablo Pacheco, Ana Robles Pérez y Sofía Tudela. Residencias para proyectos audiovisuales en fase de desarrollo: Julián Azcutia, Julián Génisson y Lucía Selva. Residencia de música electrónica experimental: María Castro y Álvaro Cáceres. Residencia para proyectos en torno al arte y la educación: Emily Sun. Debajo del Sombrero y AMECUM. Investigación situada de Medialab Matadero: Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal y Álvaro Soto López. CRA Produce: María Jerez

Depósito Legal: M-22697-2026

Matadero Madrid Paseo de la Chopera 14 28045 Madrid T. 91 318 46 79 info@mataderomadrid.org @mataderomadrid

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