El Centro de Residencias Artísticas (CRA), ubicado en la Nave 16 de Matadero Madrid, se configura como un espacio de investigación, producción y convivencia en el que artistas, músicos, educadores y agentes culturales comparten procesos de trabajo y creación en el día a día, a puerta cerrada. Desde sus orígenes, el CRA ha apostado por una producción multidisciplinar orientada a abordar los retos del presente desde una pluralidad de lenguajes y metodologías, en un momento en el que las fronteras entre disciplinas se encuentran cada vez más diluidas.
Una de las principales líneas del Centro es el apoyo al tejido creativo de la ciudad. Para ello articula un programa de residencias que, desde 2017, funciona como Centro de residencias artísticas con entidad propia dentro de Matadero Madrid. Su espacio, amplio y abierto, con puestos personalizados y recursos compartidos —auditorio, cubo negro, sala de edición, office, talleres y FabLab—, facilita el intercambio en las investigaciones. En este contexto se genera una comunidad a la que se suma el propio equipo del CRA, los mentores invitados y las visitas profesionales.
La duración de las residencias es variable, de tres a nueve meses, y se accede a ellas mediante convocatorias públicas que valora un comité de expertos. A lo largo del año, el CRA organiza actividades abiertas para el público general con el fin de visibilizar y compartir las investigaciones y los procesos en curso de los residentes. Su momento de mayor visibilidad es durante las Jornadas de Puertas Abiertas, que se celebran tres veces al año en marzo, junio y noviembre.
Este trimestre nos acompañan en la nave: Antonio Fernández Alvira, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch, Simón Sepúlveda, Patricia Fernández Carcedo, Elena Rocabert, Sol Mussa, Sara Piñeiro, Oumaima Manchit Laroussi, Lucía Dorta Abad, Hodei Herreros, Maite Gallardo Alba, Costa Badía, Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal, Álvaro Soto López, Debajo del Sombrero y AMECUM.
RESIDENCIAS SEMESTRALES PARA ARTISTAS VISUALES
Destinadas a cuatro artistas visuales de la Comunidad de Madrid
El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid promueve esta convocatoria con el objetivo de proporcionar espacios de trabajo, recursos económicos, herramientas, seguimiento profesional, acompañamiento institucional y visibilidad a cuatro artistas visuales de la Comunidad de Madrid.
A través de este programa se busca promover el desarrollo profesional de los creadores plásticos y visuales con residencia en la Comunidad de Madrid; ofrecerles apoyo institucional así como recursos espaciales y económicos que faciliten la producción artística; generar un contexto de acompañamiento que favorezca el desarrollo de los proyectos en las mejores condiciones posibles y fomentar las conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la región, la institución y el público.
Las residencias están acompañadas por un equipo asesor formado por la comisaria y crítica de arte Bea Espejo y el artista Antonio Ballester Moreno.
Antonio Fernández Alvira
Resonancia del pliegue
El proyecto se plantea como un laboratorio escultórico expandido hacia el ámbito digital, donde el gesto de envolver —proteger, cuidar, transformar— se traduce en dato, imagen y código. La investigación explora cómo lo corpóreo puede persistir en lo tecnológico y de qué manera una huella, un pliegue o un movimiento pueden migrar de la materia al algoritmo sin perder su dimensión sensible. A través del dibujo, la manipulación textil y el uso de herramientas digitales, la propuesta tensiona los límites de lo escultórico, atendiendo a los desvíos, errores y transformaciones que emergen en el tránsito entre cuerpo y máquina. La envoltura se concibe como una membrana simbólica: una interfaz entre lo físico y lo virtual, lo manual y lo programado. Resonancia del pliegue propone pensar lo escultórico como una vibración entre medios, un espacio poroso donde el gesto adquiere nuevas materialidades y temporalidades a través de su traducción tecnológica, persistiendo como una forma de conocimiento sensible en transformación.
Antonio Fernández Alvira (Huesca, 1977) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Su práctica se articula en torno a la exploración material y formal del gesto, la huella y la envoltura como constructores de significado y de imágenes. Estos elementos, junto con lo fragmentado, lo arquitectónico y lo arqueológico, conforman el eje de su trabajo. Su obra se ha expuesto en instituciones como el Museo Arte Contemporáneo de Querétaro (México), CA2M (Móstoles), Azkuna Zentroa (Bilbao), Contemporánea CondeDuque (Madrid), IAACC Pablo Serrano (Zaragoza), Chapelle des Calvairiennes (Francia), Bel Ordinaire (Francia), Centro Párraga (Murcia), Diputación de Huesca, Fundación Juan March (Madrid), Sala de Arte Joven Madrid o Centro del Carmen (Valencia), entre otras.
@antoniofernandezalvira
Julia Llerena
página 180 A partir del libro íntimo inacabado Amanecer, escrito por la madre de la artista, el proyecto aborda el conflicto entre maternidad y creación desde una perspectiva íntima y estructural. La interrupción del texto en la página 180, consecuencia de la enfermedad de su autora, se convierte en un elemento central de la investigación de la artista, haciendo tangible la dimensión física del acto de escribir y enlazando con el concepto de Marguerite Duras sobre la necesidad de la fuerza corporal para la escritura. La propuesta se formalizará como una topología pictórica y escultórica del conflicto en la que la ausencia se transforma en estructura mediante la transposición material de dos archivos: el íntimo y el de referencia. Este último se apoya en Maternidad y creación de Moyra Davey, una compilación de textos sobre la experiencia creativa. Mediante procesos de sonificación estructural, la frecuencia de las palabras se convertirá en forma, restituyendo simbólicamente la interrupción del texto y otorgándole una dimensión colectiva.
Julia Llerena (Sevilla, 1985) desarrolla una práctica situada entre el archivo y la arqueología, empleando la exploración material y el uso de objetos encontrados para construir nuevas narrativas y reordenar el tiempo. Ha expuesto en espacios como Galería Sabrina Amrani (Madrid), Cibrián Gallery (San Sebastián), Fresh Window (Nueva York), la Embajada de España en Tokio, DA2 (Salamanca), CAAC (Sevilla), Contemporánea CondeDuque (Madrid), Carl-Herning Pedersen & Alfelts Museum (Dinamarca) y Rodríguez Foundation (Polonia), entre otros. Ha realizado residencias de creación en Brecha (La Paz, México), La Moissie (Francia) y La Maison N’Zima (Costa de Marfil).
@juliallerena
Elisa Pardo Puch
Umbrales
Umbrales es un proyecto multidisciplinar que integra material audiovisual, textil y dibujo. La propuesta gira en torno a un hacer acumulativo y repetitivo, concibiendo la práctica artística como un canal somático que conecta geometría, intuición y espacio. La investigación parte de la técnica de la almazuela, un método de costura basado en la reutilización de textiles viejos que históricamente ha generado superficies funcionales y decorativas. El origen de la palabra es musalla: lugar para rezar en árabe. La artista se aproxima a esta práctica desde la apropiación y el desbordamiento, concibiendo el textil como un cuerpo híbrido alejado de la calidez que se le asociada, un textil incómodo y blando que no acaba de encajar, como lo describe Julia Bryan-Wilson en Queer textile crittercism. La espiral presente en el diseño de las almazuelas se activa como una forma vinculada a la inmersión en otros estados y realidades, funcionando como un canal de paso entre mundos y temporalidades.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM, UAM y MNCARS) y ha completado su formación en Diseño Gráfico en la Escuela de Arte 10. Ha expuesto en ARCO, Galería Pradiauto (Madrid), Massimo Dutti (Barcelona), Fabra i Coats (Barcelona), Sala de Arte Joven de Madrid, Luis Adelantado (Valencia). Ha recibido, entre otros reconocimientos, las Ayudas a las Artes Visuales de la Comunidad de Madrid y ha sido seleccionada en el Premio BMW de Pintura, VEGAP y Circuitos. Ha realizado estancias en GlogauAIR (Berlín) y AIR Munich. Ha impartido cursos en Proyecto Escuela (Madrid), Bellas Artes UCM y el Centro Pompidou (Málaga).
@elisapardopuch
Simón Sepúlveda
La esperanza es un Bar
La esperanza es un Bar es un proyecto pictórico e instalativo sobre dos espacios que están en plena decadencia en el barrio de San Isidro. Uno es el Centro comercial de Ermita del Santo, actualmente en proceso de demolición. El otro, es el Bar La Esperanza, una cantina situada frente a un descampado y un basural, un espacio de resistencia para los vecinos que combaten la gentrificación. La propuesta vincula ambos lugares a través de una fábula surgida a partir del hallazgo de una joya realizada en 1963 cerca del pueblo de Madrid, Nuevo México, en un viaje a EEUU. En este relato, la joya—con forma de ave y cuerpo humano— deambula por distintas galaxias y, en su intento de regresar a su lugar de origen, aterriza erróneamente en Madrid, España, concretamente en la luna que corona la torre del antiguo centro comercial de la Ermita del Santo.
Simón Sepúlveda (Santiago de Chile, 1989) desarrolla una práctica centrada en la búsqueda de formas de rearticular el deseo desde una perspectiva crítica que subvierta las estructuras de poder. ¿Cómo puedo anhelar lo que tengo en vez de lo que me falta? Esta pregunta paradójica es su punto de partida para interrogar un presente cada vez más confuso y abrir posibilidades otros futuros. Su trabajo construye un universo visual propio, inestable y cambiante, atravesado por una atmósfera melancólica en la que emergen momentos de humor. Confluyen en él su identidad y procesos como su experiencia como migrante, su condición de artista no formado profesionalmente o incluso, su paternidad de niños gemelos.
@sepulvedasimon
RESIDENCIAS TRIMESTRALES PARA ARTISTAS VISUALES
Destinadas a artistas visuales residentes en la Comunidad de Madrid
El Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid promueve esta convocatoria con el objetivo de proporcionar espacios de trabajo, recursos económicos, herramientas, seguimiento profesional, acompañamiento institucional y visibilidad a dos artistas visuales residentes en España.
A través de este programa se busca impulsar el desarrollo profesional los creadores plásticos y visuales con residencia en la Comunidad de Madrid; ofrecerles apoyo institucional así como recursos espaciales y económicos que faciliten la producción artística; generar un contexto de acompañamiento que favorezca el desarrollo de los proyectos en las mejores condiciones posibles y fomentar las conexiones entre los distintos protagonistas de la escena artística de la región, la institución y el público.
Las residencias están acompañadas por un equipo asesor formado por la comisaria y crítica de arte Bea Espejo y el artista Antonio Ballester Moreno.
Patricia Fernández Carcedo
Barco de Contención y Transformación
En este proyecto, Patricia Fernández Carcedo continúa una serie de pinturas que imaginan el viaje de una embarcación hacia otros mundos en busca de nuevas ecologías de cuidados. La propuesta surgió a partir del Modelo de Barco de Huesos, una pequeña escultura elaborada con todos los huesos procedentes de comidas compartidas con amigos, un punto de partida para una pregunta fundamental: ¿Quién nos cuidará cuando muramos? A través de esta ficción simbólica, Barco de Contención y Transformación plantea un espacio donde existir más allá de los límites del propio conocimiento. Cada representación del barco actúa como un cuerpo colectivo —un cuerpo humano-máquina capaz de atravesar el tiempo— que activa redes infinitas y reflexiona sobre las familias elegidas. La embarcación se convierte así en un recipiente que alberga un universo de fantasías y posibilita una transformación psíquica, articulando formas de interconexión que abarcan generaciones y cuestionan los modelos tradicionales de parentesco y la estructura de la familia nuclear.
Patricia Fernández Carcedo (Burgos, 1980) trabaja con escultura, pintura y dibujo. Estudió en Central Saint Martins College of Art (Londres), obtuvo el BFA en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y el MFA en CalArts (California). Entre sus exposiciones recientes destacan Three Voices, Commonwealth and Council (Los Ángeles); Letters of Healing, MHAS (Berlín); Box (a proposition for ten years), Commonwealth and Council (Los Ángeles) y Transits, Whistle, (Seúl). Ha recibido becas de la Joan Mitchell Foundation y la Pollock-Krasner Foundation. Su obra forma parte de la colección del Los Angeles County Museum of Art (LACMA).
@pforpaint
Elena Rocabert
Frequency Debris
Frequency Debris es una investigación escultórica sobre las infraestructuras invisibles de la comunicación a partir de antenas de radio obsoletas y otras arqueologías vinculadas a los medios de comunicación. El proyecto comenzó en Viena, en el histórico edificio de radiodifusión Funkhaus, donde la artista exploró las capas de control informativo que han atravesado este centro desde la Guerra Fría. El nuevo capítulo, que se desarrollará en Matadero, toma como referencia la ‘geología de los medios’ de Jussi Parikka, cuestionando la supuesta inmaterialidad de lo digital y poniendo en primer plano los cuerpos industriales y extractivos que sostienen las telecomunicaciones contemporáneas. La residencia permitirá expandir este proyecto hacia el contexto español, investigando la memoria local de las telecomunicaciones y produciendo una instalación ‘site-specific’. A través de esta aproximación, la artista plantea una reflexión crítica sobre la obsolescencia, la materialidad de lo digital y las tensiones entre lo invisible y lo tangible en los actuales sistemas de información.
Elena Rocabert (Madrid, 1994) trabaja en la intersección entre el arte y la arquitectura. Su práctica —que abarca pintura, escultura e intervención espacial— explora ficciones especulativas y ciclos de transformación mediante la experimentación material. La ficción, a menudo atravesada por imaginarios distópicos, funciona en su obra como herramienta crítica para abrir nuevas líneas de investigación y revelar las capas invisibles del espacio. Estudió Arquitectura en la ETSAM (Madrid) y la TU Berlín. En 2024 colaboró con TBA21 (Madrid) y el Museo de Altamira. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como Funkhaus (Viena), Teatros del Canal (Madrid), Madrid Design Festival, Bienal Mayrit (Madrid) y la Sala de Arte Joven de Madrid, entre otros.
@elenarocabert
Nacho Errando
RESIDENCIAS NOVOS VALORES
El Centro de residencias artísticas participa en las residencias Novos Valores que promueve la Diputación de Pontevedra, con la colaboración de la Fundación Walter & Nicole Leblanc de Bruselas. Esta convocatoria quiere ahondar en las relaciones entre la creación artística, el pensamiento crítico y la participación social, así como fortalecer el contexto cultural gallego mediante proyectos artísticos de interés social y cultural, promover experiencias únicas de creatividad y propiciar una actualización y activación del patrimonio gallego histórico, artístico, social y natural a través de nuevas miradas.
Los artistas seleccionados en la convocatoria llevan a cabo sus residencias en la sede de la fundación belga y en el Centro de residencias artísticas. El trabajo resultante se mostrará en la Bienal de Arte de Pontevedra 2027.
Sol Mussa
Biblioteca Decolonial
Biblioteca Decolonial es un proyecto desarrollado a partir de libros antiguos rescatados de una biblioteca privada de Galicia que estaban destinados a ser desechados. Mediante distintas técnicas de transformación, estos ejemplares se convertirán en nuevos objetos que activen vínculos entre la simbología gallega y perspectivas decoloniales. Dado que buena parte de estos libros reproducen relatos hegemónicos de tradición blanca, el proyecto se aborda como una investigación crítica sobre cómo estas narrativas han configurado la cultura visual contemporánea. La propuesta no solo se plantea desde una lógica de sostenibilidad y reutilización, sino también como una reflexión crítica sobre cómo estas historias han configurado la cultura visual.
Sol Mussa (Vigo, 1996) es una artista multidisciplinar cuyo trabajo se centra en la teoría decolonial y la antropología visual. Máster en Bellas Artes por Central Saint Martins (Londres), donde recibió la beca de la Fundación Mona Hatoum, actualmente desarrolla un doctorado en Investigación y Creación Artística en la Universidad de Vigo. Su obra forma parte de la colección de la Fundación Mª Cristina Masaveu Peterson (Madrid) y ha sido presentada en LUX (Londres), Urvanity Art Fair (Madrid), el Museo Provincial de Pontevedra y la Sala Profesor Manuel Moldes (Pontevedra).
@solmussa
Cortesía de la artista
Sara Piñeiro
Esas estupendas materias duras
Esas estupendas materias duras toma el polvo de granito procedente de una antigua cantera familiar como materia central, entendida como sedimento biográfico y archivo de lo desprendido, evocando así el aire y la piedra en su estado de(s)formado. El proyecto reúne distintos áridos graníticos peninsulares para explorar sus fricciones al mezclarse con diversos aglutinantes, atendiendo a cómo se acumulan, sedimentan y relacionan en superficies homogéneas que recuperan el matiz de la piedra con un brillo uniforme y extraño. El trabajo de Sara se sitúa en la tensión entre bloque y partícula, entre producto y residuo, activando una memoria territorial en la que el granito se revela como sustrato silencioso. A partir de ello, la artista despliega una investigación en torno a estructuras y elementos de sujeción precarios que acompañan estos materiales, proponiendo un campo de investigación sobre superficies frágiles, ensamblajes vulnerables y formas inestables de sostener, contener y construir.
Sara Piñeiro (Sanxenxo, 1996) desarrolla su práctica entre Galicia y el País Vasco. Es graduada en Bellas Artes, Máster en Dirección de Arte en Publicidad por la Uvigo y Máster en Pintura por la EHU/UPV. Actualmente desarrolla su tesis sobre la autoimagen del artista en los nuevos territorios mediáticos. Desde una perspectiva ‘adisciplinar’, su trabajo explora la tensión entre imagen y apariencia a través de la utilización de formatos y materiales frágiles que conforman superficies, interesándose por las connotaciones y gestos que alberga el propio material. Ha expuesto en espacios como el Auditorio de Galicia, Museo de Pontevedra, Espacio Alexandra (Santander), Sala El Brocense (Cáceres), Casa de la Alhóndiga (San Cristóbal de La Laguna) y Palacio de HorKasitas (Bilbao), entre otros.
@sarapineirof
Cortesía de la artista
RESIDENCIA EN COLABORACIÓN CON TEATENERIFE ESPACIO DE LAS ARTES
El Centro de residencias artísticas lleva a cabo estas residencias en colaboración con TEA, bajo dos modalidades de residencia: una artística y una curatorial.
La convocatoria, dirigida a artistas visuales y comisarios de Canarias, tiene como objetivo ofrecer un entorno de trabajo profesional, creativo y de acompañamiento institucional que favorezca el desarrollo de proyectos vinculados al arte contemporáneo y contribuya a la profesionalización del sector cultural canario.
Con esta iniciativa, el Centro de residencias apoya el impulso a la movilidad de artistas y profesionales de la cultura y el establecimiento de redes de colaboración entre Canarias y el contextos artísticos madrileño.
Lucía Dorta Abad
Cuentos de fantasmas para antes de dormir
Cuentos de fantasmas para antes de dormir es una investigación colectiva desarrollada por Lucía Dorta Abad junto a Narelys Hernández, Sofía Martín Digiuni y Oumaima Manchit Laroussi, que toma diferentes cuerpos y formas de materializarse. Entendiendo la curaduría como una ‘práctica del encuentro’ que posibilita la conversación y el acompañamiento, el proyecto aborda la autorrepresentación de las disidencias a través de procesos colaborativos de creación. En el marco de la autoficción, las narrativas transmedia y la autoedición, surgen modos de curar portables, críticos y autogestionados, donde los roles se entrelazan desdibujando la autoría. El proyecto propone escribir(se) desde cuentos de fantasmas mediante encuentros concebidos como un club de lectura-escritura-escucha, espacios en los que los relatos se contaminan, se sostienen y se transforman mutuamente. Descentrando los saberes y la mirada, esta práctica aplica un cuidado que entiende el acto de publicar —o, en esencia, de hacer público— como un gesto afectivo de visibilidad micropolítica. Participan en el proyecto: Sara Marhuenda, Margot Machado, Katya Vázquez Schröder, Clara-Iris Ramos, Aicha Josefa Trinidad Gououi, María Laura Benavente, Maï Diallo y Cecilia Serrano Moreno.
Lucía Dorta Abad (Los Silos, Tenerife, 1998) investiga la mediación y la curaduría como prácticas desde las que explorar los imaginarios de la otredad. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, desarrolla proyectos junto a Maï Diallo como tándem artístico y juntas coordinan el programa público Repensar desde el borde en TEA Tenerife (Santa Cruz de Tenerife). En este mismo centro coordina, junto a MLaura Benavente, Onda Corta y el festival de autoedición PLIEGUE, dedicado a la cultura queer. Ha comisariado junto a Carla Marzán en Paisajes del intersticio (Santa Cruz de Tenerife) y, desde 2023, colabora con Abraham Riverón en la coordinación de la Sección de Arte del Ateneo de La Laguna (San Cristóbal de La Laguna).
@lucia.dorta.abad
Cortesía de la artista
Oumaima Manchit Laroussi
Antes de que el susurro desaparezca
En Antes de que el susurro desaparezca la investigación se sitúa en el presente para explorar la autoficción como un dispositivo que permite habitar el duelo de cuerpos marcados por la herencia oral del territorio norafricano. Diversas figuras han sido moldeadas por relatos coloniales que exotizan, demonizan o patologizan cuerpos femeninos, racializados o marginales. Estos relatos no solo describen la realidad, sino que la producen: reconstruyen socialmente la vida de quienes son señaladas, convirtiendo una mujer en amenaza o transformando el dolor en monstruo, legitimando el aislamiento bajo la apariencia de tradición. La artista propone abrir un espacio donde lo narrado permanezca como un archivo vivo, que no aspire a cerrar la herida, sino a sostenerla. Desde ahí, plantea una reflexión sobre los límites entre mito e historia, sobre los silencios que configuran el miedo y sobre los cuerpos convertidos en leyenda para evitar nombrar la violencia que los atraviesa.
Oumaima Manchit Laroussi (Boujdour, 2001) es licenciada en Bellas Artes y desarrolla actualmente su tesis doctoral. Su trabajo se sitúa en la intersección entre lenguaje, memoria y resistencia, abordando la construcción de la memoria en comunidades de origen beduino en el Sur Global, donde la oralidad ha sido el principal vehículo de transmisión del conocimiento. En estos contextos, marcados por la colonialidad y la reconfiguración forzada de los modos de vida, su investigación se centra en la recogida de archivo y documentación de saberes que han resistido la imposición del lenguaje escrito como única forma de validación histórica. Desde una metodología participativa, trabaja con narrativas orales, expresiones artísticas y sistemas de conocimiento que han funcionado como mecanismos de resistencia política e identitaria.
@the.omx
Cortesía de la artista
AYUDAS PÚBLICAS PARA PROYECTOS
ARTÍSTICOS EN RESIDENCIA DEL MINISTERIO DE CULTURA
Las ayudas del Ministerio de Cultura al programa de residencias de Tabacalera Centro de Arte, financian la estancia y producción de proyectos de creadores, investigadores y gestores del sector cultural. Con una gran amplitud de enfoques, diversidad de formatos y sin límite de edad se llevan a cabo en distintos centros de producción cultural distribuidos por el territorio nacional.
Hodei Herreros Rodríguez
Mientras tú y yo estemos vivas haremos porque nuestros nombres se escuchen
El proyecto, anteriormente titulado Moldear, modelar, modular, investiga el poder de la voz para dar forma a las cosas. La cercanía de las palabras moldear -dar forma a una materia echándola en un molde-, modelar -configurar o conformar algo- y modular -variar con fines armónicos las cualidades del sonido en el habla o en el canto- permiten establecer una relación simbólica entre la voz y el acto de conformar. La artista se interesa también por la relación que existe en los procesos físicos de producción del sonido al pasar por la laringe el aire proveniente de los pulmones, haciendo vibrar las cuerdas vocales. Se podría decir que la voz modela la materia y la forma, pero a la vez es la materia quién modela la capacidad vocal. Este proyecto plantea vincular una genealogía de la voz, la forma y la materia feminizada, para construir una experiencia de lo común entre mujeres que reivindique la autogestión de la feminidad desde una perspectiva feminista.
Hodei Herreros Rodríguez (Vitoria-Gasteiz/Granada, 1997) es una artista plástica cuya práctica se interesa por la capacidad estructural de elementos ornamentales y cotidianos como el maquillaje, la manicura, la vestimenta o los abalorios, entendidos como materiales que corporizan el objeto escultórico desde una experiencia femenina. Su trabajo ha sido mostrado en espacios como La Casa Encendida (Premio Generaciones 2026) La Madraza (Granada), Feria ARCO, Fundación BilbaoArte (Bilbao), Palacio Condes de Gabia (Granada), Galería House of Chappaz (Barcelona), CAAC (Sevilla), Genalguacil (Málaga), Galería Artnueve (Murcia), Spazio GIACOMQ (Bérgamo, Italia), Fabra i Coats (Barcelona) o Intermediae Matadero, entre otros. Se encuentra representada por Galería Artnueve.
@hodei_herreros
RESIDENCIA DE PRODUCCIÓN MUSICAL PARA BANDAS Y SOLISTAS
Maite Gallardo Alba
MaiteQuiero
Bajo el seudónimo MaiteQuiero la artista investiga acerca de la sensibilidad contemporánea debatiéndose entre lo etéreo y lo crudo. A partir de una estética que combina nostalgia, lenguaje pop y ecos del rock alternativo, el proyecto propone una exploración de la identidad como espacio en tránsito, donde la memoria y el deseo se reescriben constantemente. MaiteQuiero trabaja con la precisión emocional propia del presente a través de música, imagen y activaciones performativas. Construye un relato que especula sobre la vulnerabilidad, el renacimiento y la relación entre cuerpo, tiempo y sonido, entendiendo la belleza como un estado y no como un resultado.
Esta residencia se concibe como una herramienta al servicio del tejido musical local y de los distintos agentes que conforman la escena independiente. El programa está dirigido a bandas y artistas solistas vinculados principalmente al pop-rock, en diálogo con otros géneros como el punk, el garage, la electrónica, el folk o el hip-hop.
La iniciativa fomenta la producción de obra musical emergente mediante procesos de acompañamiento, asesoría y seguimiento profesional, contribuyendo a que los proyectos no solo se produzcan, sino que también encuentren un recorrido en los distintos canales de difusión musical.
La residencia está acompañada por un equipo asesor formado por Mar Rojo, directora de la agencia de booking y management Las Olas y Genevieve Bennetts, ingeniera de mezcla y de grabación.
Maite Gallardo Alba (Madrid, 1998) es una artista multidisciplinar madrileña. Partiendo de la experiencia personal, su actividad artística explora la vulnerabilidad, la memoria y la exposición emocional, articulando un tejido que lo une con lo colectivo. Fue líder y compositora de la banda Shego, con la que recibió el Premio MIN a Mejor Artista Emergente y el Premio +Músicas a Mejor Grabación de Rock. Se formó en Artes Escénicas en el IES Isabel la Católica y en el Estudio Corazza, y está especializada en producción musical en DJP Music School. Participó como escritora en el Festival de Poesía Joven de Alcalá de Henares y escribió e interpretó el monólogo dramático La Luz.
@maitequiero
Destinada a creadores de la Comunidad de Madrid
RESIDENCIA PARA PROYECTOS EN TORNO AL ARTE Y LA EDUCACIÓN
Dirigida a creadores o colectivos de la Comunidad de Madrid cuya práctica se enmarque en el campo de la educación y la mediación
El objetivo principal de esta residencia es combinar un proceso de reflexión e investigación con la activación de un programa de mediación, arte y educación que se desarrolle en las instalaciones de Matadero Madrid.
Los proyectos pueden realizar su investigación sobre la propia mediación así como sobre los cruces entre el arte y la educación, o bien proponer dispositivos de mediación que reflexionen y reaccionen y sobre las emergencias contemporáneas propias de esta época, como las disidencias del cuerpo y/o afectivo-sexuales; los activismos antirracistas; la emergencia climática; las transformaciones productivistas y aceleracionistas en el mundo del trabajo o la reflexión en torno la salud mental.
Costa Badía
La Tullida Gallery: Manual de instrucciones cojas
LaTullida Gallery es un proyecto artístico, cultural y político que propone repensar los espacios de arte desde la discapacidad, entendida no como carencia sino como una perspectiva crítica. El proyecto cuestiona los modelos capacitistas y jerárquicos de creación y gestión cultural, proponiendo nuevas formas de organización, accesibilidad y convivencia. LaTullida Gallery no se concibe como una galería tradicional, sino como una institución cultural en construcción: un espacio físico y conceptual que experimenta con pedagogías críticas, accesibilidad y organización colectiva. Surge como respuesta a la exclusión histórica de las personas con discapacidad en el ámbito artístico y se plantea como un laboratorio vivo de investigación, donde encuentros públicos y procesos colaborativos den forma a nuevas maneras de habitar el arte. El proyecto se desarrolla en el Centro de residencias artísticas, en diálogo con artistas y gestoras culturales, como un ejercicio de imaginación colectiva y construcción de comunidad.
Costa Badía Melis (Madrid, 1981) es doctoranda en Bellas Artes en la UCM, donde investiga la relación entre los museos y la discapacidad. De 2022 a septiembre de 2025 ha trabajado en el área de Educación del Museo Reina Sofía desarrollando programas artísticos accesibles en colaboración con la Fundación ONCE. Su práctica artística cuestiona estereotipos de belleza y comportamiento, validando el error y explorando la convivencia entre cuerpos normativos y no normativos. Ha participado en la VIII Bienal de Arte Contemporáneo de Fundación ONCE y realizado performances en el MUSAC de León, Museo Thyssen de Madrid y CA2M de Móstoles. Desde 2021 imparte clases y conferencias sobre discapacidad y accesibilidad creativa en diferentes masters.
@costabadia
Debajo del sombrero
El Estudio Debajo del Sombrero es una plataforma de creación artística contemporánea, investigación y promoción de carreras de artistas con discapacidad intelectual, al modo de los Art Supported Studios existentes en Europa y otros lugares del mundo. Estas iniciativas nacen con la intención decidida de atraer la mirada del arte más actual hacia el testimonio indispensable de la obra de los artistas en los márgenes, una reflexión carente de prejuicios, sorprendida ante la trascendencia inesperada y desconocida de estas miradas. Así, pone el foco en los lenguajes de artistas que por la circunstancia de su discapacidad intelectual quedan habitualmente al margen de la cultura y la educación, abriendo para el arte contemporáneo una puerta a estos lenguajes.
Debajo del Sombrero nació en Matadero en 2007 y aquí ha crecido. Actualmente el estudio acoge unos 40 artistas. Sus acciones están diseñadas para cubrir las necesidades de un artista en todos sus aspectos: formación, acompañamiento y orientación en el taller, selección y archivo de su obra, difusión y promoción, organización de exposiciones y venta de la obra.
@colectivodebajodelsombrero
AMECUM
AMECUM es la Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid. Fue creada en 2015 por profesionales de base de la educación y mediación cultural y surgió de la urgencia de visibilizar la profesión y poner en valor su función como herramienta social para el desarrollo de una ciudadanía crítica capaz de empoderarse a través de la cultura.
Como asociación profesional, aspira a visibilizar y reforzar la figura de educadoras y mediadoras culturales y a incentivar su trabajo, facilitando el acceso a los servicios necesarios para su profesionalización a través de la investigación, la formación teórico-práctica y el impulso de espacios de encuentro y trabajo colaborativo.
Unida al Centro de residencias artísticas desde sus inicios, la asociación dispone de un estudio en el que mantener una propuesta de actividades que genere redes profesionales extensas en las que los procesos de pensamiento y acción se conviertan en una fórmula para la visibilización y el fortalecimiento del sector de la mediación cultural. Igualmente AMECUM continúa activando la mediaTECA, una biblioteca móvil albergada actualmente en el CRA y compuesta de publicaciones en torno a la mediación, la educación, la gestión y la producción cultural.
@_amecum_
MEDIALAB PROGRAMA INVESTIGACIÓN SITUADA 2026
Destinada a investigadores o grupos de investigación locales e internacionales.
Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá
El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica
El Gesto Digital: sobre la condición mágica de la técnica es un proyecto de investigación que estudia la legitimidad y veracidad de los sistemas de producción de conocimiento basados en inteligencia artificial. Para ello parte de un análisis histórico y genealógico que vincula el desarrollo de la IA con el inicio de la robótica y la creación de los primeros autómatas en el siglo XVII. Ambas tecnologías (IA y autómata) utilizan un efecto de ilusionismo que mezcla ciencia y magia, generando confianza y desconfianza a la vez para el público no especializado. La investigación opera en el contexto situado de Madrid, desentrañando la relación de la ciudad con lo maquínico. El Gesto Digital parte y despliega distintas preguntas tales: ¿cómo funcionan los sistemas de automatización? ¿Cómo influyen en el contexto que habitamos? ¿Qué relatos legitiman su uso? ¿Es la magia un lenguaje con el que reclamar un relato tecnológico otro?
El Centro de residencias artísticas de Matadero acoge también, a proyectos de Investigación situada de Medialab como forma de generar cruces entre los distintos programas de Matadero Madrid.
Medialab convoca tres proyectos de investigación que desarrollen, durante el periodo máximo de un año, una propuesta transdisciplinar que se centre en temáticas o campos de conocimiento no explorados en diálogo con las actividades del programa anual de Medialab y las comunidades vinculadas al mismo.
Andrea Muniáin (Tudela, 1994), arquitecta y artista visual, y Paula Ramos Mollá (Santa Cruz de Tenerife, 1994), filósofa, curadora y productora, colaboran desde 2018 en proyectos que cruzan arte, estudios visuales y tecnología. Su trabajo conjunto se centra en la investigación crítica de los sistemas digitales de producción de conocimiento y la imagen digital. Con base en Madrid y Ámsterdam respectivamente, son co-editoras del libro El Giro Fotogramétrico: truncando el 3D (Bartlebooth), resultado del proyecto de investigación ApuntesTruncados.
@andreamuniain @paula1paula
ENERO A DICIEMBRE 2026
Craig W. Reynolds
Calin Segal
Deconstructing the Aesthetics of Power
En una era en la que la imagen se convierte en lo primordial y el texto queda relegado a los metadatos, la estética opera como un instrumento central de gobernanza, capaz de subvertir y reconfigurar el propio razonamiento. Partiendo de esta premisa, el proyecto investiga cómo se movilizan las estrategias sensoriales para persuadir, predecir y controlar en las campañas contemporáneas de las redes sociales. Dentro de estas arquitecturas digitales, el diseño, la psicología y los sistemas algorítmicos convergen para dar forma tanto a la percepción colectiva como al comportamiento individual. Sus lenguajes visuales no funcionan como interfaces neutrales, sino como agentes activos de influencia, transformando los espacios de comunicación en laboratorios de persuasión. El proyecto aborda este fenómeno a través de una investigación semiótica de la estética del poder. Considera cómo la autoridad se hace visible, deseable o intangible a través de códigos visuales y sensoriales.
Calin Segal es un artista computacional impulsado por su fascinación por los sistemas, ya sean ecológicos, algorítmicos o sociales. Su práctica consiste en desmontar estas estructuras para comprender la lógica oculta que las rige. Trabajando con software, diseño espacial e instalaciones, crea obras que revelan la delicada interacción entre los procesos naturales, las infraestructuras tecnológicas y el comportamiento humano.
Álvaro Soto López
User Agreement
User Agreement es un proyecto de investigación artística que explora la relación entre tecnología, fe y poder en la era digital. A través de una mirada crítica y especulativa, propone imaginar un supuesto ‘culto tecnológico’ para reflexionar sobre cómo las plataformas, algoritmos y comunidades en línea reproducen dinámicas de creencia, obediencia y control. El proyecto combina investigación teórica, testimonios de víctimas y expertos en grupos de alto control, y procesos de creación colectiva con artistas y público. Empleando una metodología interdisciplinar y colaborativa pretende diseñar un imaginario religioso sobre lo digital como fenómeno simbólico, ritual y político. Más que ofrecer respuestas, User Agreement busca activar una conversación abierta sobre la fascinación contemporánea por la tecnología y su capacidad para generar nuevas liturgias, ideologías y formas de comunidad.
Álvaro Soto López (Sevilla, 1998) cuestiona en su trabajo las tecnologías del capitalismo, generando metáforas visuales que oscilan entre lo narrativo, lo político y lo trascendente, en diálogo con el imaginario católico y la tradición andaluza. Estudió Conservación y Restauración de Bienes Culturales en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, además del Máster en Investigación en Arte y Creación en Madrid. Ha llevado a cabo numerosas exposiciones colectivas e individuales, entre ellas Relación de Confianza, Espacio Lavadero (Granada) y Carlos Computer Caught Fire Five Times, Facultad de Bellas Artes (UCM). Actualmente ejerce como técnico informático.
Residencias semestrales para artistas visuales: Antonio Fernández Alvira, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch y Simón Sepúlveda. Residencias trimestrales para artistas visuales: Patricia Fernández Carcedo y Elena Rocabert. Residencias Novos Valores: Sol Mussa y Sara Piñeiro. Residencias en colaboración con TEA: Oumaima Manchit Laroussi y Lucía Dorta Abad. Ayudas públicas para proyectos artísticos en residencia del Ministerio de Cultura: Hodei Herreros. Residencia de producción musical para bandas y solistas: Maite Gallardo Alba. Residencia para proyectos en torno al arte y la educación: Costa Badía. Debajo del Sombrero y AMECUM. Investigación situada de Medialab Matadero: Andrea Muniáin y Paula Ramos Mollá, Calin Segal y Álvaro Soto López.
