La Gualdra 703

Este 2026, la feria de arte Clavo cambió de sede; de la Col. Juárez se mudó a la Col. Atlampa, fundada en la década de los años 30 del siglo pasado y cuyas primeras casas fueron establecidas ahí por la compañía de ferrocarriles. Clavo celebró su octava edición y coincidió que en esta nueva ubicación –calle Clavel 54- estuvo cerca de Fundación Casa Wabi y con la feria de arte Material; así que durante 4 días, la zona se convirtió es un espacio en el que la dinámica fue establecida no sólo por los artistas que participaron sino por los visitantes que llegaron ahí a conoer las propuestas de creativos que llegaron de varios estados del país y del extranjero.

[Más de Clavo, en la Semana del Arte, en esta edición]

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La Gualdra No.

ZSONAMACO concluyó con su vigésima segunda edición; durante estos días se llevaron a cabo jornadas centradas en el programa de conversaciones y la entrega de premios. Compartimos a continuación algo de lo más destacado: En la tercera jornada de actividades, el Programa de Conversaciones, presentado por Fundación Jumex Arte Contemporáneo y Pug Seal, abordó el lugar del arte latinoamericano en colecciones globales, la relevancia de publicaciones como ArtNexus en su visibilidad y en la promoción de prácticas de coleccionismo en la conversación El arte de coleccionar. Entre la mirada editorial y el coleccionismo, presentada por Tequila 1800 con la participación de Celia Sredni de Birbragher y Marisol Argüelles.

En ZSONAMACO FOTO, Ilaria Conti, directora ejecutiva y curadora en jefe de La Nueva Fábrica; Helena Lugo, directora ejecutiva de Terremoto; y Alfredo de Stéfano, artista visual, en la conversación Imagen, cuerpo y comunidad. Derivas del mirar en la contemporaneidad, moderada por el curador Luis Graham Castillo, reflexionaron sobre la imagen, el cuerpo y la comunidad como espacios de construcción colectiva en el contexto contemporáneo.

Por su parte, la conversación Arte, memoria y el peso del lugar reunió a Gonzalo García (artista), Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Perla Krauze (artista) y Aliza Nisenbaum (artista), con moderación de Charles Moore (curador), abordando la relación entre memoria, territorio y experiencia vivida dentro de las prácticas artísticas contemporáneas.

Premios y reconocimiento: continuidad y proyección:

Durante la jornada se otorgó el Premio Tequila 1800 Colección a tres artistas destacados por su trabajo: 1er lugar para Cirse Irasema de la Galería Proyectos Monclova con "Todo comenzó con el segundo sol y el oscuro de la noche, 2025". 2do lugar: Naufus Ramírez-Figueroa de la Galería Nordenhake con "Branch of cacao, 2026". Y el 3er lugar fue para Milena Musquiz de Galería Travesía Cuatro con "Off Script, 2025".

Esta distinción, una de las de mayor trayectoria dentro de ZSONAMACO, reconoce desde hace 18 años el trabajo de artistas emergentes y su proyección dentro del mercado del arte contemporáneo. Más allá del reconocimiento puntual, el premio subraya la importancia de los mecanismos que acompañan la producción artística a mediano y largo plazo, fortaleciendo la relación entre artistas, galerías y coleccionismo. Esta información nos fue proporcionada por el área de prensa de ZSONAMACO. Muchas actividades se llevaron a cabo también en distintas zonas de la Ciudad de México, el corredor de galerías tuvo una gran afluencia de espectadores, patrocinadores, coleccionistas y artistas; prácticamente todas las ferias alternativas recibieron a visitantes que no dejaron de fluir durante toda la semana del arte. Por su parte, el colectivo zacatecano de Proyecto Altiplano tuvo el domingo 8 de febrero actividades de extensión fuera de las instalaciones de Clavo Movimiento. El proyecto de Galería Callejera, ubicado en la Plaza del Boxeador de La Lagunilla, abrió su espacio para recibir la propuesta de Joaquin Trujillo, Gustavo Villagrana y Juan Carlos Villegas, y ahí estuvieron también exhibiendo su trabajo, gracias a la generosidad de los galeristas de la CDMX, quienes los recibieron y se sumaron al proyecto de difusión y promoción del colectivo.

La siguiente semana estaremos compartiendo más de lo acontecido en esta Semana del arte que finalmente concluyó el domingo 8 de febrero. La intención es que sigamos hablando del trabajo de los artistas participantes en esta edición del 2026, y que por razones de espacio no pudimos hacerlo esta ocasión.

Ojalá que un futuro, me planteo ahora, se pueda realizar en Zacatecas un proyecto que reúna las propuestas de colectivos y artistas de las ferias alternativas para que más personas puedan conocer su trabajo.

Que disfrute su lectura.

Jánea Estrada Lazarín lagualdra@hotmail.com

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La Bolivianita presenta la exposición Orígenes, un puente artístico entre Bolivia y México Por

Directorio

Lira Saade Dir. General Raymundo Cárdenas Vargas Dir. La Jornada de Zacatecas direccion.zac@infodem.com.mx

Jánea Estrada Lazarín Dir. La Gualdra lagualdra@hotmail.com

Sandra Andrade Diseño Editorial

Juan Carlos Villegas Ilustraciones jvampiro71@hotmail.com

Berlinale 76, los mexicanos

6 Por Carlos Belmonte Grey

El próximo 12 de febrero comienza la 76 edición del Festival de Cine de Berlín, La Berlinale, uno de los tres grandes festivales de cine del mundo (Cannes y Venecia, seguidos ahora de Locarno y Sundance).

Estamos muy contentos porque hay una decena de filmes mexicanos seleccionados en diferentes categorías. Entre ellas a destacar Moscas, de Fernando Eimbcke, en la Competencia por El Oso de Oro, y el homenaje que hace la sección del Teddy Award (el premio para el mejor cine Queer) al filme Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor de Julián Hernández, ganador del dicho premio en la edición del 2003. El filme de Hernández y la producción de Roberto Fiesco se había seleccionado en la categoría de Panorama de La Berlinale 40 en el año 2003, y para su gran sorpresa se llevaron el Teddy. Una cinta que impulsó la carrera de uno de los dúos más prolíficos de la cinematografía mexicana de temática queer (entre otras obras, cortos y medios comerciales), convirtiéndolos en una referencia latinoamericana. De ahí que sean la razón de un coloquio organizando por las Universidades de Paris Saclay y Cergy Paris Université, en el

Colegio de España, en junio de este año (evento organizado por quien esto escribe y Geoffroy Huard).

Eimbcke, por su parte, regresa a Berlín con una cinta que busca llevarse el premio principal del festival. Con Temporada de patos estuvo seleccionado en el Festival de Cannes; después con Lake Tahoe, en Berlín estuvo por primera vez en la Selección de la Competencia del 2008, se llevó los premios Alfred Bauer Prize y el FIPRESCI; con Club Sandwich ganó el Concha de Oro de San Sebastián. Películas y selecciones que pueden hacer soñar con un premio más en este 2026.

Fotograma de Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor de Julián Hernández

Fotograma de Chicas Tristes de Fernanda Tovar

Además de estas dos películas, el festival ha seleccionado:

- Chicas tristes, de Fernanda Tovar en su debut dentro de la categoría Generation 14plus (películas destinadas a jóvenes).

- Cuando llegue a casa de Edgar Adrián, en la misma categoría, 14plus.

- El jardín que soñamos de Joaquín del Paso, en Panorama (una categoría de apertura, diríamos la segunda en importancia).

- Everything Else Is Noise de Nicolás Pereda, en Forum.

- Jaripeo de Efraín Mojica en Documental.

- Land invaders de Cassandra Gardiner, en las Premiers.

- Miriam de Karla Condado, en los Cortos.

- Un hijo propio, de Maite Alberdi, en Presentaciones Especiales y Documentales.

Diez películas en varias categorías. De todas ellas esperamos poder traer entrevistas y comentarios.

Clavo en la Semana del Arte

6 Por Jánea Estrada Lazarín

Semana de Arte CDMX

Este 2026, la feria de arte Clavo cambió de sede; de la Col. Juárez se mudó a la Col. Atlampa, fundada en la década de los años 30 del siglo pasado y cuyas primeras casas fueron establecidas ahí por la compañía de ferrocarriles. Clavo celebró su octava edición y coincidió que en esta nueva ubicación –calle Clavel 54- estuvo cerca de Fundación

Casa Wabi y con la feria de arte Material; así que durante 4 días, la zona se convirtió en un espacio es el que la dinámica fue establecida no sólo por los artistas que participaron sino por los visitantes que llegaron ahí a conocer las propuestas de creativos que llegaron de varios estados del país y del extranjero.

Aquí presentamos un primer grupo de participantes en Clavo que, junto con el Proyecto Altiplano -conformado por los zacatecanos Joaquin Trujillo, Gustavo Villagrana y Juan Carlos Villegas- estuvieron mostrando su trabajo.

1. Dissidenxia Galería (Medellín, Colombia)

“‘Dissidenxia no confronta al sistema: lo expone’. Es un campo de fricción. Un espacio donde la obra no busca ser aceptada, sino recordada. Plataforma crítica de producción simbólica, creada con el interés de fomentar el diálogo a través de la obra -archivo /

obra-manifiesto / obra-dispositivo”, es la forma en la que se presentó este colectivo, de quien incluimos aquí la participación de Clara Inés Velásquez (Serie Mujeres Mueble) y Carlos Carmona (Serie Paisaje Contemporáneo). Clara Inés Velásquez, dice sobre la serie de Mujeres Mueble: “Mujeres que se expanden. Mujeres que llevan en el cuerpo todo lo caminado: ecos y estelas corporales de sus familias, sus muebles y enseres. Mis muebles y mis enseres. Mi propia expansión. Mi búsqueda, como artista, de aquello que puedo llamar casa, de eso que puedo habitar como casa. Estas mujeres y sus cuerpos muebles, esas prendas textiles, prótesis, prácticas vestimentarias, como el miriñaque o el polisón; formas que al ser habitadas ensanchan, sostienen y desplazan la silueta; cuerpos que aprenden otra manera de habitar el espacio, una movilidad domesticada, casi mueble, casi casa. Entonces aparecen las preguntas: ¿Hasta dónde llega un cuerpo?, ¿En qué punto comienza un hogar? Extensiones sensibles del cuerpo y de su manera de habitar que proponen una lectura del mobiliario que va más allá de su función utilitaria, revelándolo como contenedor de memorias, de afectos, de presencias y de corporalidades que guardan gestos, silencios, pesos heredados. Metáforas del cuerpo vestido,

del cuerpo-objeto, del cuerpo-hogar. Una casa hecha de ecos, de gestos mínimos y de superficies de contacto que continúan susurrando”.

Carlos Carmona, por su parte, dice sobre la serie paisaje contemporáneo que es una representación poderosa de la devastación urbana que invita a una profunda reflexión sobre las realidades del conflicto y la destrucción. Desde una perspectiva crítica cuestiona los ejes de poder en el mundo contemporáneo, las imágenes muestran la transformación del paisaje, un paisaje convulso por la intervención del hombre y por los desastres naturales.

Un espacio destruido que convierte la ruina en metáfora: la ciudad como cuerpo herido, víctima de la violencia estructural. Desde Alepo en Siria hasta Mariupol en Ucrania, el paisaje urbano se convierte en archivo material del conflicto, donde los edificios arrasados funcionan como testigos mudos de la tragedia colectiva. Así, la pintura no es sólo representación, sino también denuncia: nos recuerda que el paisaje urbano de hoy ya no puede pensarse únicamente en términos de progreso, modernidad y orden, sino también en términos de ruina, violencia y pérdida.

Carlos Carmona. De la serie Paisaje Contemporáneo. Cemento, químicos fotográficos y acrílico sobre lienzo. 50x50 cm. 2025. Proyecto Dissidenxia. Colombia.

2. ea.proyectos ea.proyectos presenta para clavo 8 una propuesta expositiva colectiva que explora las dimensiones del habitar a través de cinco artistas cuyas prácticas —desde lo pictórico hasta lo escultórico, lo performático y lo gráfico— dialogan con las nociones de espacio, memoria, identidad y paisaje. Esta selección articula un recorrido que inicia en la intimidad de los objetos cotidianos (Naomi González, San Nicolás de los Garza, NL), se expande hacia el estudio etnográfico de lo doméstico y lo urbano (Amanda Soto, Torreón, Coah.), reflexiona sobre los constructos sociales a través del cine

y los medios (Alfonso Badillo, Monterrey, NL), interroga las estructuras físicas y fenomenológicas del paisaje urbano (Daniel Ventura. CDMX) y culmina en una contemplación atemporal de la naturaleza y el cosmos (Miguel Ezquerro, la Rioja, España). La curaduría de Alex Girón, propuso dos ejes de lectura: el espejo: obras que reflejan la relación entre el individuo y su entorno inmediato, lo íntimo como refugio o punto de partida; y la ventana: piezas que abren hacia una reflexión ampliada sobre el espacio compartido, la ciudad como ente vivo y la estructura social que la habita.

3. Laboratorio de Arte Múltiple (Cuernavaca, Morelos)

El Laboratorio de Arte Múltiple e Impresos inició operaciones a finales de 2015. Fundado por Ana Rojas, es un espacio independiente, especializado en arte múltiple, ubicado en Cuernavaca. Se concibe como un lugar de experimentación en torno al problema de la multiplicidad en el arte. El proyecto cuenta con un laboratorio de producción artística. Ha albergado a artistas contemporáneos de destacada trayectoria, además de brindar apoyo a proyectos emergentes. La línea de investigación de esta selección de obras surge de la indagación realizada por los cuatro artistas propuestos en torno a las diversas visiones de la naturaleza, exploradas desde distintos entendimientos afectivos y espacios geográficos. Estas perspectivas se articulan a través de las técnicas del arte múltiple, generando un hilo conductor que nos conduce hacia paisajes corporales vinculados con los territorios: figuras que emergen de la naturaleza y espacios internos configurados por lo que nos rodea. La enunciación se manifiesta como una mirada a la naturaleza desde el mar, la ciudad, la montaña y la feminidad. Las obras experimentan con lo bidimensional, lo performático y lo tridimensional mediante instalaciones, impresiones textiles y ediciones de estampa tradicional, propiciando la exploración de diversas técnicas y soportes cuya convergencia se ubica en la multiplicidad de sus procesos.

Semana de Arte CDMX

Semana de Arte CDMX

4. Proyecto Altiplano (Zacatecas). El proyecto Altiplano, integrado por Joaquin Trujillo, Gustavo Villagrana y Juan Carlos Villegas, presentó un trabajo relacionado con el paisaje. Trujillo mostró parte de su colección relacionada con “el viejo de la danza” que participa en las danzas celebratorias en la región zacatecana; el colorido de los vestuarios y los símbolos se unieron para convivir con las imágenes de pai-

sajes intervenidos por el ser humano y la colección de arte objeto que presentó Villagrana -frascos con arena zacatecana, y lajas de roca y mármol con impresiones en papel japonés-; Villegas, por su parte, integró a las dos colecciones de sus compañeros una serie de pinturas al óleo sobre papel amate: en sus paisajes se observan figuras humanas y quiméricas, objetos, tierra y fuego.

Del archivo íntimo a la pantalla: primera proyección pública del taller de cine personal en Zacatecas

6 Por Armando Navarro

“Así, si no ven felicidad en la imagen, por lo menos verán la negrura”.

Zacatecas es un laboratorio de imágenes, un experimento perpetuo de representación. Su belleza monumental, casi terrible, provocó que las primeras cámaras de la historia se posaran aquí desde el inicio. Durante siglos, la mirada de México y del mundo ha caído sobre su suelo, su cantera y la sangre intermitente que corre en sus avenidas.

Pero en Zacatecas existen otras miradas, otras imágenes. Habitan los resquicios de los álbumes olvidados, las páginas y el polvo de los libros viejos, los cajones hinchados que no se han profanado en décadas. Esas imágenes íntimas, esas historias en aparente agonía, son la materia y el motivo de nuestro trabajo.

Del archivo íntimo a la pantalla, taller que tuve el privilegio de coordinar en los últimos días de 2025, consistió en un proceso colectivo de pensamiento, afecto y puesta en crisis de la memoria. Los asistentes trajeron consigo imágenes que constituyen una parte medular de sí mismos. Cada uno asumió el deseo —y la responsabilidad— de filmar y montar un cortometraje personal, genuino y sin costo.

El resultado de esta colaboración son trece películas sobre la memoria, la fragilidad, la pérdida y la luz. Sobre la

pantalla corren los fantasmas y los restos de los padres y los dioses, los animales y las flores, los amores perdidos, los vientres vacíos.

El taller propició, sin buscarlo, el surgimiento de una generación joven de nuevos cineastas y ensayistas fílmicos. Su obra desafía la ideología del cine hiperespecializado, primordialmente técnico y costoso. Hay otros relatos, otros dispositivos, otros destinos posibles para la imaginación.

La búsqueda de otros horizontes es una forma de resistencia. Zacatecas — vuelvo a decirlo— es un objeto permanente de representación. En los últimos veinte años, la violencia y la brutalidad se han convertido en los ejes forzados de nuestras imágenes. El cine de estos jóvenes es una tentativa de interrumpir el circuito del horror, la vejación y los relatos del Estado. En estas otras imágenes, menos impositivas, menos totalizantes, podemos reconocernos de otra manera.

La proyección de las películas se realizó el sábado 7 de febrero en la Cineteca Zacatecas. Este taller habría sido imposible sin la colaboración activa de Gabriela Marcial, directora de esta institución y del investigador Jaime Robledo. Todos están invitados a las siguientes proyecciones.

La Bolivianita presenta la exposición Orígenes, un puente artístico entre Bolivia y México

6 Por Jeannette Arévalo Angus

Exposiciones

La Bolivianita es un proyecto artístico y cultural que invita al público, a los medios y a la comunidad creativa a conocer y sumarse a una plataforma dedicada a rescatar, visibilizar y difundir el trabajo de artistas emergentes y de reconocida trayectoria en disciplinas como la pintura, la escultura, el grabado y otras expresiones contemporáneas.

El proyecto tiene como eje central la unión artística entre Bolivia y México, dos países que comparten profundas raíces culturales, simbólicas y ancestrales; cuenta con el respaldo de entidades culturales como el Museo Nacional de Arte de Bolivia, fortaleciendo su alcance nacional e internacional y reafirmando su compromiso con la difusión del arte latinoamericano así como la Fundación Patiño.

La primera muestra de La Bolivianita presenta al artista boliviano Cristian Laime, quien llega por primera vez a territorio mexicano con su exposición pictórica Orígenes. Esta propuesta visual explora las similitudes culturales, históricas y espirituales entre Bolivia y México, a través de una narrativa plástica que reflexiona sobre la identidad, la memoria y el territorio como elementos compartidos entre ambas naciones.

Orígenes no sólo representa un hito en la trayectoria del artista, sino también el inicio de un proyecto que apuesta por el intercambio cultural, el reconocimiento del arte latinoamericano, un encuentro de intercambio cultural, invitando a los públicos a conocer nuevas miradas, a acompañar a los artistas en sus procesos y a formar parte de un proyecto que celebra el arte como vínculo entre naciones.

Cristian Laime Yujra

Artista/pintor (nacido el 9 de abril de 1988 en Puerto Carabuco, en el altiplano boliviano, departamento de La Paz) es uno de los artistas visuales más representativos de la escena contemporánea de Bolivia. Se ha destacado por una obra profundamente arraigada en la identidad cultural andina y por su capacidad para fusionar tradición e innovación de manera original y potente.Desde muy joven, Laime manifestó un interés innato por el arte. Estudió pintura en la Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles y posteriormente escultura en la Universidad Pública de El Alto (UPEA), formación que amplió su visión expresiva y técnica. Una mirada que fusiona raíces y presente. La obra de Laime se caracteriza por explorar la identidad cultural boliviana, la figura de la mujer indígena y los desafíos del mundo contemporáneo. Su madre, Amalia Yujra —a quien retrata repetidamente— se ha convertido en su musa central, simbolizando la fuer-

La Bolivianita / CDMX. Del 12 al 27 de febrero

za de la mujer aymara, la Madre Tierra (Pachamama) y la resistencia cultural frente a las transformaciones sociales.

Estilísticamente, su obra transita entre el realismo simbólico, el surrealismo andino y la crítica social. Laime no idealiza: reivindica. Sus personajes no son decorativos, son portadores de historia, de identidad y de una voz que ha sido silenciada.

En conjunto, las obras de Cristian Laime son visiones contemporáneas del mundo andino, donde la mujer indígena se transforma en guardiana del tiempo, de la tierra y de la memoria, enfrentando al espectador con preguntas sobre identidad, poder, herencia cultural y resistencia.

Trayectoria y reconocimientos: Cristian Laime ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales tanto en Bolivia como internacionalmente. Su obra se ha presentado en importantes eventos como la Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York y ha sido exhibida en espacios prestigio-

Camelia 91 esquina Soledad, Colonia Florida, Álvaro Obregón, 01030, CDMX

IG: labolivianitaespacio / Cristian_laime2

sos como el Museo Nacional de Arte de Bolivia. Ha obtenido varios premios importantes en su carrera, entre ellos el Gran Premio del Salón Pedro Domingo Murillo, uno de los máximos galardones del arte boliviano, por su obra Himno Nacional, coro general. En reconocimiento a su contribución al arte y la cultura, fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por la Embajada de Francia, un honor que lo posiciona como uno de los artistas bolivianos más influyentes en la escena internacional contemporánea.

Legado y visión: Laime representa una generación de artistas que reinterpretan la historia del arte desde una perspectiva indígena y postcolonial, resignificando iconografías clásicas y proponiendo nuevas lecturas visuales desde el contexto latinoamericano. Su trabajo busca no solo capturar la experiencia boliviana, sino también ofrecer una visión universal sobre la identidad, el tiempo y la coexistencia entre lo ancestral y lo moderno.