2023년 12월 10일 대구에 위치한 출판사 사월의 눈에서 윤충근 디자이너의 토크 »구텐베르크에서 디자인서울까지« 가 진행되었다. 행사를 주최한 사월의 눈은 이를 “디자인 제도권 내부에서 디자인 바깥을 성찰한다”고 요약했다. 윤충근 디자이너는 다음과 같이 행사를 소개했다. “로마자와 백인 남성을 중심으로 쓰인 디자인 역사 로는 오늘 내가 사는 일상을 설명할 수 없다. 구텐베르크로 시작하는 활자의 역사에 한글은 없고, 미술공예운동으로 시작하는 모던 디자인의 역사에 디자인서울은 없다. 많은 대학에서는 이 사실을 외면하거나 어렴풋이 다룬다. 탈식민 담론을 수입해 소화하기도 버겁거 니와 이를 한국의 맥락에서 고민할 겨를이 없기 때문이다. 디자인 대학은 ‘역사 없는 학문’이라는 불명예를 안은 채 매해 수만 명의 학생을 실무 디자이너로 꿋꿋이 길러내기 바쁘다. 이 토크는 10년 가까이 디자인 교육을 소비해오다가 최근 생산을 준비하면서 마주한 어려움에 관해 말한다. 서양 중심, 인물 중심, 실무 중심, 인쇄 중심의 타이포그래피 교육은 여전히 유효할까? 만약 그렇다면 왜일까? 그렇지 않다면 어떻게 다를 수 있을까?” 윤충근 디자이너가 오래전부터 가지고있던 생각들을 행사 취지에 맞게 풀어냈을 것이라고 짐작하면서도, 같은 시기에 비슷한 질문을 가진 그가 반가웠다. 윤충근 디자이너는 서구 중심의 디자인 역사를 매개로 오늘날 대한민국의 디자 인 교육, 그 중에서도 타이포그래피에 대한 질문을 던진다. 굳이 “(디자인) 탈식민지 담론”을 언급하지 않더라도 사회 구조 안에서 불균형 혹은 위계가 느껴지는 순간들이 있다.
Am 10. Dezember 2023 fand ein Vortrag mit dem Titel »Von Gutenberg bis Design Seoul« des Designers Chung-geun Yoon im Verlag April Snow in Daegu, Südkorea, statt. Der Veranstalter fasste die Veranstaltung als Betrachtung des Designs außerhalb des Designparadigmas innerhalb des Designsektors zusammen. Chung-geun Yoon stellte die Veranstaltung wie folgt vor: Mit der Designgeschichte, die sich auf lateinische Buchstaben und weiße Männer konzentriert, lässt sich mein heutiger Alltag nicht erklären. In der Geschichte des Buchdrucks, die mit Gutenberg begann, findet die koreanische Schrift keinen Platz, und in der Geschichte des modernen Designs, die mit der Kunsthandwerksbewegung begann, ist Design Seoul ➊ nicht präsent. Viele Universitäten in Südkorea ignorieren diese Tatsache oder behandeln sie nur vage. Das Importieren und Anpassen kolonialer Diskurse gestaltet sich schwierig, insbesondere wenn es um die Übertragung in den koreanischen Kontext geht Designschulen sind damit beschäftigt, Jahr für Jahr ➊ Im Jahre 2006 stellte der Bürgermeister von Seoul, Oh Se-hoon, einen städtischen Entwicklungsplan vor, der darauf abzielte, die Umwelt und das Design der Stadt zu verbessern. Bürgermeister Oh Se-hoon wurde im Jahr 2021 erneut zum Bürgermeister von Seoul ernannt und präsentierte in dieser Funktion das neue Design Seoul 2.0-Programm.
행사 »구텐베르크에서 디자인서울까지« 안내 게시글
Veranstaltungs-Post »Von Gutenberg bis Design Seoul« @aprilsnow_press
Tausende von Studenten zu raktizierenden Designern auszubilden, obwohl die Disziplin als „geschichtslose Wissenschaft“ betrachtet wird. Dieser Vortrag behandelt die Schwierigkeiten, die sich ergeben, wenn man [als Student] über mehr als zehn Jahre Designunterricht konsumiert und nun [als Dozent] auf die Herausforderungen bei der Vorbereitung des eigenen Unterrichts stößt. Ist die typografische Ausbildung, die auf westliche, personenbezogene, praxisorientierte und druckzentrierte Aspekte fokussiert ist, immer noch relevant? Falls ja, warum? Falls nicht, wie könnte sie sich verändern? Ich vermute, dass Yoon seine langjährigen Überlegungen passend zum Anlass des Gesprächs präsentiert haben dürfte. Trotzdem habe ich mich sehr gefreut, dass er zur gleichen Zeit ähnliche Fragen stellt wie ich nach meiner Recherche. Yoon wirft im Kontext der westlich geprägten Designgeschichte Fragen zur heutigen Designausbildung in Südkorea auf, insbesondere im Bereich der Typografie. Selbst ohne dezidierte „Design-Entkolonialisierungs-Diskurse“ gibt es für mich als Gestalter immer wieder Momente, in denen für mich Ungleichgewichte oder Hierarchien im System Design spürbar werden. Für Yoon war dieser Moment das Ausbildungssystem an der Designhochschule, für mich war
윤충근 디자이너에게는 그 순간은 디자인 대학의 교육 시스템이었고, 나에게는 번역서였다. 원서와 오랜 시차를 두고서 한국어로 번역된 책들이 주는 감정은, “이제라도 번역되어 고맙다”라는 마음보다 어떠한 불편함이 있었다. 구체적인 예시로 지난해 한국에는 아르민 호프만 Armin Hofmann의 책 『그래픽 디자인 매뉴얼』이 번역되었다. 처음 책이 발행되었던 1965년으로 부터 무려 57년이란 시간이 흘렀다. 책을 번역한 강주헌 디자이너는 2012년 스위스 유학 중 원서를 처음 봤을때 부터 이 책을 한국어로 번역하고 싶었다고 언급했다. 이어서 번역본의 의의를 밝히며 “이제와서 1960년대 스위스(유럽, 백인, 남성 엘리트) 모더니즘이냐고 생각할 수도 있겠지만 이제라도 다루면 좋겠다는 생각입니다. 포스트 모더니즘 한 가운데 있지만 모더니즘을 제대로 다뤄본 적이 없기 때문 이죠. 특히 그래픽 디자인 분야라면 더욱 그렇고요” 라고 덧 붙였다.
아르민 호프만 »그래픽 디자인 매뉴얼« 독일어판과 한국어판 표지
Buch-Cover »Graphic Design Manual« von Armin Hofmann DE/KR
der Anlass die Auseinandersetzung mit der Übersetzung von Gestaltungsbüchern. Die lange zeitliche Differenz zwischen den Originaltexten und den nun erst kürzlich ins Koreanische übersetzten Büchern führt bei mir als Native Speaker einerseits zu einer gewissen Dankbarkeit, da die Bücher jetzt im Koreanischen verfügbar sind. Andererseits fühle ich in Anbetracht der Zeitspanne auch eine gewisse Unbehaglichkeit. Als konkretes Beispiel wurde im letzten Jahr Armin Hofmanns Buch »Graphic Design Manual: Principles and Practice« ins Koreanische übersetzt. Es sind beeindruckende 57 Jahre vergangen, seitdem das Buch ursprünglich 1965 veröffentlicht wurde. Der Übersetzer, Designer Ju-hyun Kang, erklärt, dass er das Buch erstmals 2012 während seines Master-Studiums in der Schweiz gesehen hat und seitdem den Wunsch hatte, es ins Koreanische zu übersetzen. Er hebt die Bedeutung der Übersetzung hervor und schreibt: „Man könnte denken, es sei nun etwas spät, sich mit der Schweizer (europäische, weiße, männliche Elite) Moderne der 1960er auseinanderzusetzen, aber ich denke, es wäre gut, es jetzt zu behandeln. Mitten im Postmodernismus haben wir uns jedoch nie wirklich mit dem Modernismus beschäftigt. Besonders im Bereich des Grafikdesigns ist das deutlicher.“ Die Tagung zum 30. Jubiläum der Association of Korean Modern & Contemporary Art History im Oktober 2023 hatte das Thema
2023년 10월에 열린 한국근현대미술사학회 30주년 기념 학술대회 »한국미술에서 근대, 현대, 동시대«에서 서울대학교 신정훈 교수는 「우리에게 ‘현대미술’은 무엇이 었나?」를 주제로 발표했다. 신정훈 교수는 모더니즘의 부재, 맥락과 무관하게 이식된 서구의 이론들, 절대 획득할 수 없는 동시대성과 ① 같은 논의는 1950년대부터 한국미술계 안에서 지속적으로 제기되어 왔다고 언급했다. 근본적으로 ‘이곳의 것’과 ‘저곳의 것’, 이와같은 둘의 격차에 대한 인식 은 한국미술계 내부에 자리한 불안의 원천이었고 성장의 동기였다고 말한다. ② 미학과 정치는 분리될 수 없기에 식민주의, 파시즘, 모더니즘의 교차점에서 발아한 한국적 모더니즘에 대한 논의는 특히나 (한국뿐 아니라 동아시아 전반에 걸쳐)문학, 예술계의 주요한 화두였다. 인식론에 대한 반성과 함께, 앞에서 언급한 번역서 에 대한 불편함은 다음과 같이 설명할 수 있을 것 같다. 아무리 오래된 이론이라고해도 해외(특히나 영미권과 유럽) 것에 대한 무비판적인 우상화 ③, 그리고 “우리 자랑스러운 대한민국이 세계 선진문화에 발맞추기 위해 이렇게 늦게 ① 자넷 폴은 앤 매클린톡를 언급하며, 식민주의는 식민자의 시간 이전의 시간에 식민지를 위치시켜 식민지의 시간은 절대 서구와 동시성을 취할 수 없다고 서술한다. 자넷 폴, 『미래가 사라져갈때: 식민 말기 한국의 모더니즘적 상상력』, 김예림, 최현희 옮김, 서울: 문학동네, 2021, 29쪽. ② 신정훈, 「우리에게 ‘현대미술’은 무엇이었나?」, 『한국미술에서 근대, 현대, 동시대』, 한국근현대미술사학회, 2023, 21쪽. ③ 사카이 나오키는 2018년 베이징에 포럼 »아시아란 무엇인가?«에서 쑨 거와 함께 대담형식의 발표를 진행하였다. 그녀는 서구-보편-이론 이라는 이데올로기를 전제로, 세계 학술계가 인간과 세계를 인지하는 방식이 어떻게 유럽중심주의라는 기본적 사고에 의해 만들어졌는지 그리고 아시아 지식인들은 이런 틀의 구속을 얼마나 무비판적으로 받아 들이고 있는지에 대해 설명했다. Sun Ge, Naoki Sakai. Universality and Particularity: What is Asianness?: Archive Books, 2019, p. 39.
»Moderne, Gegenwart und Zeitgenossenschaft in der koreanischen Kunst«. Laut Professor Jung-hoon Shin von der Seoul National University wurde die Diskussion über die Abwesenheit des Modernismus in Korea, die kontextlose Übernahme westlicher Theorien und die Unmöglichkeit absoluter Gleichzeitigkeit in der koreanischen Kunstszene 2 seit den 1950er Jahren fortwährend geführt. Das Bewusstsein um die Unterschiede zwischen der westlichen und asiatischen Kultur ließ damals in Korea eine Unsicherheit bezüglich des Wertes von der eigenen Kultur entstehen. Gleichzeitig war genau dies Anreiz für das Wachstum innerhalb der koreanischen Kunstszene. 3 Da Ästhetik und Politik untrennbar miteinander verbunden waren, wurden solche Diskussionen besonders im modernen Kontext mit der Überschneidung von Kolonialismus, Faschismus und Modernismus intensiv geführt, insbesondere im Mittelpunkt der Literatur und Kunst — nicht nur in Korea, sondern auch in ganz Ostasien. 2 Janet Poole erwähnt Anne McClintock und beschreibt den Kolonialismus, indem sie anführt, dass der Kolonialismus seine Kolonien in eine Zeit vor den Besatzern versetzt und dass die Zeit der Kolonien niemals mit dem Westen gleichzeitig existieren kann. Poole, Janet: »When the Future Disappears«, New York: Columbia University Press, 2014 S. 29. 3 Association of Korean Modern & Contemporary Art History: »Moderne, Gegenwart und Zeitgenossenschaft in der koreanischen Kunst«, Seoul: Association of Korean Modern & Contemporary Art History, 2023 S. 21.
라도 이 책을 읽어야만 해” 와 같은 전근대적 시기의 계몽 사상을 강요하는 듯한 느낌을 받는다. 다시 호프만의 책으로 돌아가보자. 출판사 안그라픽 스는 한국어 판본 소개에 “그래픽 디자인의 본질을 말한 기본서”, “그의 디자인 철학을 통해 디자인의 본질을 되새길 수 있을 것”이라고 썼다. 본질, 기본서 그리고 “모더니즘” 같은 단어로 부여되는 책의 권력, 그에따라 재확인되는 문화 적 위계 질서. 독자 개인에 따라 차이가 있겠지만, 우리가 호프만의 책, 그러니까 유럽에서 건너온 타이포그래피 이론서를 대하는 태도는 괴테나 카프카의 문학 작품을 대할 때와는 다르다고 생각한다. 요스트 호훌리 Jost Hochuli의 저서 『마이크로 타이포그래피』의 한국어 번역을 담당한 워크룸에 김형진 디자이너는 역자후기에 다음과 같이 썼다. 그건 이 책을 저자 요스트 호훌리의 개인적인 미감이 반영된 하나의 제안으로서 읽는 것을 말한다. 물론 이 제안은 무척이나 무게 있고 설득력 있기 때문에 우리는 이것을 개인적 취향이 아닌 보편적 원칙으로 읽고 싶은 유혹에 빠질 수 도 있다. 하지만 일단 이 유혹을 물리치고 나면 우리는 이 책을 보다 편한 마음으로 읽을 수 있게 된다. 마음에 드는 것은 취하고, 그렇지 않은 것은 무시하면서 말이다. ④ 28년이라는 시차를 두고 번역된 대가의 책을 대하는 번역자의 말은 꾀나 비판적으로 들린다. 김형진 디자이너는 호훌리의 책을 명백한 기술교본임과 동시에 한 개인의 성취 그 이상 그 이하도 아닌 것으로도 보는 것 같다. 이러한
④ 요스트 호훌리, 『마이크로 타이포그래피』, 김형진 옮김, 서울: 워크룸, 2015, 77쪽.
Mit dieser kontinuierlichen Reflexion als Grundlage erklärt sich meine zuvor beschriebene Unbehaglichkeit gegenüber der erwähnten Buch-Übersetzung darin, dass selbst wenn eine Theorie sehr alt ist, eine kritiklose Verherrlichung ausländischer Theorien (hauptsächlich aus dem angelsächsischen Raum und Europa) 4 den Eindruck erwecken, als ob Erkenntnisse aus der Kolonialzeit den koreanischen Lesern Jahre später als kultureller Maßstab aufgedrängt werden. In mir entsteht das Gefühl, dass „wir — das stolze Südkorea“, dieses Buch so spät lesen müssten, um uns der fortschrittlichen Weltkultur anzupassen und mithalten zu können. Weiter auf Armin Hofmanns »Graphic Design Manual: Principles and Practice« blickend, beschreibt der koreanische Verlag Angraphics die übersetzte Ausgabe als „ein Grundlagenwerk, das die Essenz des Grafikdesigns anspricht“ und betont, „dass man durch seine Designphilosophie die Essenz des Designs wiedererkennen kann“. Das Buch wird durch Begriffe wie Essenz, Grundlagenwerk und Modernismus mit Macht versehen, und dementsprechend wird die mit dem 4 Naoki Sakai hielt am 28. Januar 2018 im Inside-Out Museum in Peking ein Forum ab, das unter dem Thema Was ist Asien? stand. Zusammen mit Sun Ge präsentierte sie in Form eines Dialogs. Sie erklärte, wie die Wahrnehmung von Mensch und Welt in der Weltakademie unter der Prämisse einer westlichen-universalen Theorie entstanden ist und wie asiatische Intellektuelle diese Einschränkungen kritiklos akzeptieren. Sakai, Naoki. Ge, Sun: »Universality and Particularity«, Berlin: Archive Books, 2019.
요스트 호훌리 »마이크로 타이포그래피« 독일어판과 한국어판 내지
Ausschnitt aus Jost Hochulis »Das Detail in der Typografie« DE/KR
태도는 독자 스스로 텍스트의 권위와 거리를 두고 본인이 처한 상황 혹은 맥락에 맞게 책을 읽을 수 있도록 독려한다. 자넷 폴은 『미래가 사라져갈때』에서 피터 오즈번을 인용하며 “모더니즘은 단지 근대라는 역사적 시간에 대한 의식에서 그치지 않으며, ‘서양’이라는 자신의 지정학적 기원을 억압하는 이데올로기이자 식민 통치에 부수되는 보편화의 과정”이었음을 언급한다. 이전까지 한국의 모더니 즘 작품들은 오리지널이 나온 후에 생겨난, 진정성 없는 수 입품 혹은 모방조차 제대로 잘 안 된 결과물로 판단되었지만 오즈번은 이에 대한 새로운 접근법을 요구한다. 오즈번은 모더니즘이란 시대 흐름에 따라 변천된 하나의 스타일 혹은
Buch importierte kulturelle Hierarchieordnung bestätigt. Obwohl dies je nach persönlichem Standpunkt der Lesenden variieren kann, möchte ich behaupten, dass die Herangehensweise an Hofmanns Buch — insbesondere an die etablierte Typografie-Theorie aus Europa — anders ist als beim Umgang mit rein literarischnarrativen Werken, wie z. B. von Goethe oder Kafka. Im Gegensatz dazu steht Jost Hochulis Buch »Das Detail in der Typografie«, welches von Hyung-jin Kim ins Koreanische übersetzt wurde. In seinen Übersetzungs-Notizen schrieb er: […] Das bedeutet, dieses Buch als einen Vorschlag [zur Typografie-Gestaltung] zu betrachten, der die persönliche Ästhetik Jost Hochulis als Autor widerspiegelt. Natürlich ist dieser Vorschlag so gewichtig und überzeugend, dass wir in Versuchung geraten könnten, ihn nicht nur als eine persönliche Vorliebe, sondern als universelles Prinzip auszulegen. Doch sobald wir dieser Versuchung widerstehen, können wir dieses Buch mit einem entspannten Gemüt lesen. Wir nehmen, was uns gefällt, und lassen den Rest außer Acht. 5 Mit einem Abstand von 28 Jahren betrachtet der Kommentar des Übersetzers das Buch des Typografie-Experten aus einer einordnenden, 5 Hochuli, Jost: »Detail in der Typografie (Der koreanischen Titel: Micro Typography)«, Seoul: Workroom, 2015 S. 77.
예술운동이 아니라 그 시간적-문화적 형식으로서의 위상을 강조해야 한다고 주장했다. ⑤ 그러니까 한국의 모더니즘은 무언가 결여된 것이 아닌 한국의 지정학적 위치, 정치적인 맥락과 상황에 맞게 바라봐야 한다는 것이다. 조금 다른 이야기를 해보자. 나는 “버네큘러 디자인” 이라는 단어를 들을때도 앞에서 언급한 불편함을 느낀다. 버네큘러는 목가적이고 지역성이 짙게 반영되거나, “정규 교육”을 받은 디자이너가 아닌 사람이 만드는 디자인을 뜻한다. 이는 동시에 주류와 그 나머지 것을 경계 짓고 그 바깥의 것들을 타자화 시킨다. ⑥ 이와 관련하여 하비에르 시키아 Javier Syquia는 「“버네큘러”라는 용어에 대한 거부」 에서 유럽 중심적 교육기관에서 훈련된 디자이너가 버내큘러의 일부를 트렌디한 좋은 그래픽 디자인으로 채택 하고 전유함으로써 그 가치가 승격되기 전까지 버내큘러는 디자인으로서 인정받지 못한다고 설명한다. 또한 미국 워커아트센터에서 소개한 하드워킹 굿워킹 Hardworking Goodlooking의 책 『필리핀 포크 파운더리 Filipino Folk Foundry』를 언급하며 미국에서는 그 책이 가진 고유한 사회 정치적 맥락을 배제당하고 하나의 스타일로서 소비되었 다고 지적한다. 하비에르 시키아는 하드워킹 굿워킹의 의도 적인 디자인 규칙의 전복, 필리핀의 디자인 역사와 타이포
⑤ 자넷 폴, 앞에 책, 28-29쪽. ⑥ 엘런 럽튼 Ellen Lupton 외 다수가 참여한 글 「하이 앤 로우」에서는 버네큘러의 상대성을 이야기하며 그것은 구조의 문제 그러니까 버네큘러 의 가치는 그것을 “버네큘러”라 지칭하는 지배적인 문화에 의해 방언 혹은 2차 하위 문화로 자리잡게 된다고 한다. Ellen Lupton et al. High and low (a strange case of us and them?), Eye Magazin, 1992 Summer, https://www.eyemagazine.com/feature/article/highand-low-a-strange-case-of-us-and-them (접속일: 2023. 12. 24.).
leicht kritischen Perspektive. Dieses Buch kann sowohl als ein klares, technisches Lehrbuch, das auf den gesammelten Erfahrungen und Forschungs-Ergebnissen der Typografie-Geschichte basiert, betrachtet werden als auch als Jost Hochulis individuelle, gleichzeitig aber auch westeuropäisch-zentrierte Sicht auf den Stand der Typografie durch seine Auswahl an Beispielen. Diese kritische Einstellung ermutigt die Lesenden, das Buch mit zeitlicher und kultureller Distanz entsprechend ihrer eigenen Lebensund Arbeitssituation zu betrachten. Janet Poole zitiert in »When the future disappears« Peter Orsborne, welcher anführt, dass der Modernismus nicht nur im Bewusstsein der historischen Zeit der Moderne verweilt. Vielmehr sei der Modernismus sowohl ein ideologischer Prozess namens „Westen“, welcher die eigene geopolitischen Herkunft unterdrückt, als auch eine Universalisierung, die mit kolonialer Herrschaft einhergeht. Bisher wurden koreanische Kunstwerke des Modernismus oft als Ergebnisse angesehen, die erst nach dem Erscheinen des Originals entstanden sind. Somit wurden sie als authentizitätslose Importe oder schlecht gemachte Nachahmungen betrachtet. Orsborne fordert jedoch einen neuen Ansatz für diese Wahrnehmung. Er betont, dass der Modernismus nicht nur als ein sich im Laufe der Zeit ändernder Stil oder Kunstbewegung betrachtet werden sollte, sondern als eine zeitlich-kulturelle
그래피를 문서화하기 시작한 그들의 혁신성은 언급되지 못하고 “DIY의 생산 가치”만이 강조되었다고 지적한다.
하비에르 시키아, 「“버내큘러라”는 용어에 대한 거부」
Javier Syquia, »A Rejection of the Term “Vernacular”« https://futuress.org/stories/a-rejection-of-the-term-vernacular/
Form, die betont werden muss. 6 Mit anderen Worten: Der koreanische Modernismus sollte nicht als etwas Mangelhaftes betrachtet werden — sondern im geopolitischen Kontext, vor innerpolitischem Hintergrund und in Anbetracht der sozio-kulturellen Entwicklung Koreas. Ein weiteres Gefühl der voran beschriebenen „Unbehaglichkeit“ entsteht in mir, in der Auseinandersetzung mit dem Begriff des „Vernacular Designs“. Dieser Begriff bezeichnet Designs, die von Menschen erstellt werden, die oft nicht formell im Design ausgebildet sind und starke lokale und traditionelle Einflüsse zeigen. Gleichzeitig zieht er klare Grenzen zwischen dem Mainstream und dem, was als „anders“ betrachtet wird. Damit marginalisiert er, was außerhalb dieser Grenzen liegt. 7 Javier Syquia erklärt in Bezug darauf in seinem Artikel »A Rejection of the Term Vernacular«, dass Designer, die in europäischzentrierten Bildungseinrichtungen „geschult“ wurden, Teile des Vernakularen als „trendiges“ 6 Poole, Janet: ibid. S. 28–29. 7 In dem Artikel »High and Low (a strange case of us and them?)«, an dem neben vielen Autoren u. a. auch Ellen Lupton mitgeschrieben hat, wird über die Relativität des Vernacular Designs gesprochen. Der Artikel betont, dass dies ein strukturelles Problem sei. Genauer gesagt, dass Vernacular Design durch die dominante Kultur, die ihn als „Vernacular Stil“ bezeichnet, zu einem Dialekt oder einer sekundären Subkultur gemacht wird. Lupton, Ellen, et al.: »High and Low (a strange case of us and them?)«, 1992 Sommer, https://www.eyemagazine.com/ feature/article/high-and-low-a-strange-case-of-us-and-them (Zugriffsdatum am 24. 12. 2023).
나는 해외 디자이너들이 한국에 초청되어 그들의 인스타그램 스토리나 피드에 올라오는 전통 시장의 메뉴판, 찬란한 네온사인과 같은 이미지들을 종종 보게된다. 한국의 길거리 풍경들, 빽빽한 간판, 레트로한 한글 레터링 등 나에 게는 익숙한 시각언어들이 그들의 눈에 포착된다.
어지럽고 알록달록한 이국적인 무엇으로 범주화되어 소비 되는 모습, 디자인된 형식을 논하기 이전에 꼬리표가 붙은 버네큘러 디자인. 이 때문에 나는 독일에서 마주치는 한글 조차 불편할 때가 있다. 많은 경우 한식당 혹은 한국과 관련 된 행사인데 앞서 언급한 “한국적” 요소들의 전형을 마주 하게 된다. 스스로 자처한 듯 한 옛스러운 디자인이 주는 불편함이 있다. 아이즈 매거진의 글 「하이 앤 로우」에서는 이러한 버네큘러 스타일이 보여주는 낭만화된 과거는 현재 의 뿌리로서가 아닌 머나먼 실체로서 다룬다고 지적한다.
gutes Grafikdesign annehmen. Das Vernakulare wird nicht als Design anerkannt; es sei denn, es wird durch „Erhebung“ vorangetrieben. Er weist auch auf das Buch »Filipino Folk Foundry« von Hardworking Goodlooking hin, das vom Walker Art Center in den USA vorgestellt wurde. Er bemängelt, dass es den einzigartigen soziopolitischen Kontext des Buches ausklammert und nur um stilistische Betrachtung geht. Syquia betont, dass die beabsichtigte Umkehrung der Designregeln durch Hardworking Goodlooking , die Innovationskraft in der Designgeschichte der Philippinen und die Dokumentation der Typografie nicht erwähnt und nur die „DIY-Produktionswerte“ betont wurden. Online fällt mir diese Entkontextualisierung oft bei Fotos ausländischer Designer*innen auf, die für Vorträge nach Korea eingeladen wurden. In ihren Feeds und Stories zeigen sie stereotype Bilder traditioneller koreanischer Märkte mit ihren typischen leuchtenden Neonzeichen. Die Straßenbilder Koreas mit ihren dichten Schildern, retro-Hangul-Schrift und ähnlichen visuellen Elementen sind mir sehr vertraut. Die Art und Weise, wie koreanische Typografie auf diesen Fotos durch chaotische und bunte exotische Elemente kategorisiert, konsumiert und damit auch entkontextutalisiert wird, entspricht ebenso dem Etikett des Vernacular Design. Aufgrund dieser Gedanken fühle ich mich gelegentlich unwohl, wenn ich in Deutschland — zum
때문에 오늘날 버네큘러를 전유하는 것은 세련된 “우리”와 순진한 “그들” 사이의 장벽을 세우는 것이라고 말한다. 다와다 요코는 『여행하는 말들』에서 2002년 트리어 대학의 한 심포지엄에 관한 일화를 이야기한다. 심포지엄의 주제는 »독일 매체의 터키인 이미지와 일본 매체의 아시아 인 이미지의 비교«로 발표의 내용 중 그녀는 다음과 같은 사실에 주목했다. 당시 일본 매체가 일본인이 아닌 다른 아시아인들을 자주 등장 시켰는데, 그들에게 “지금 일본인 이 잃어버린 따뜻함과 생명력을 아직 가지고있는 사람들” 이라는 이상적인 프레임을 덧씌우고 있다는 것이다. 이어 그녀는 이러한 행동을 근대 이전 유럽인들이 자신들의 문화 바깥의 타자들을 잔혹하고 무서운 이미지와 순진하고 사랑 스러운 사람들이라는 이미지로 낙인 찍었던 일화와 연결 짓는다. 이는 다른 아시아인들을 “인간미를 아직도 가지고 있는 뒤쳐진 사람들”로 규정짓고 자신들은 이제 차가운 선진국 인간임을 확인한다는 것이다. ⑦ 이러한 맥락에서 본래 이 프로젝트의 방향은 한글을 포함하여, 동아시아 타이포그래피가 서구에서 어떻게 받아 들여지고 있는지 리서치하는 것이었다. 본토에서 진행되는 논의와는 어떻게 다른지, 어디까지 연구가 진행되었는지, 이 역시 버네큘러 디자인의 하나로 받아들여지고 있는지 자료들을 확인하고 그것들을 모아 목록을 구성하는 것이 었다. 이를 진행하는 과정에서 담당 교수인 안드레아 Andrea Tinnes 와 연구 조교 마쿠스 Marcus Wachter 에게 중요한 질문을 받았다. Verorten, 나는 나 스스로를 어디에 위치시키는지, 한글과 라틴 타이포그래피를 바라보는
⑦ 다와다 요코, 『여행하는 말들』, 유라주 옮김, 서울: 돌베개, 2018, 91-92쪽.
Beispiel in koreanischen Restaurants oder bei Veranstaltungen — auf koreanische Schriftzeichen und typische Darstellungen der „koreanischen“ Gestaltungselemente stoße. Im Speziellen ist es das selbsternannte, ländlich anmutende Design, welches zu dieser Unbehaglichkeit führt. Gemäß des Artikels »High and low (a strange case of us and them?)« aus dem Eye Magazin wird darauf hingewiesen, dass die romantisierte Vergangenheit, die durch diesen Vernacular Design-Stil präsentiert wird, nicht als gegenwärtige Essenz betrachtet wird, sondern vielmehr als ferne Realität aus der Vergangenheit. Daher wird argumentiert, dass die Verwendung des Vernacular Stils in einem modernen Kontext lediglich als ein Akt angesehen wird, der eine elegante Barriere zwischen dem „Wir“ und den naiven „Ihnen“ errichtet. Yōko Tawada spricht in ihrem Buch »Reisende Wörter« über eine Geschichte vom Symposium an der Universität Trier im Jahr 2002. Das Thema des Symposiums lautete „Vergleich des Bildes der Türken in deutschen Medien mit dem Bild anderer asiatischer Menschen in japanischen Medien“. In einem Teil der Präsentation wird darauf hingewiesen, dass zu dieser Zeit japanische Medien andere Asiat*inenn außerhalb Japans oft mit dem idealisierten Bild von „Menschen, die die Wärme und Vitalität, die die Japaner jetzt verloren haben, immer noch besitzen“ charakterisieren. An-
영문으로 기록, 출판된 동아시아 타이포그래피 연구자료 리서치
Übersicht aller in Englisch verfügbaren ostasiatischen Typografie-Publikationen https://docs.google.com/spreadsheets/d/1aDXpYc39xVNmJjOyMOeVkMypxEoM6raPSaSACFZBrs/edit?usp=sharing
schließend verbindet Tawada dieses Verhalten mit einer Epoche, in der vormoderne Europäer Menschen außerhalb ihres Kulturkreises entweder mit grausamen und furchterregenden Bildern, oder aber mit naiven und liebenswerten Personen darstellten. Im Falle der japanischen Medien führt das dazu, dass sie andere Asiaten als „Menschen, die immer noch Menschlichkeit besitzen definierten“, während sie selbst ihre Identität als kalt und fortschrittlich stempelten. 8 In diesem Zusammenhang war ich neugierig darauf, wie die koreanische Typografie und die ostasiatische Typografie im Westen dokumentiert werden. Ich wollte wissen, wie viel Forschung im Vergleich zu den Diskussionen auf dem Festland dazu vorhanden ist und ob ostasiatische Typografie immer noch als „Vernacular Design“ wahrgenommen wird. Diese zu recherchieren und zu sammeln, um eine Liste zu erstellen, ist mein Prozess, bei dem ich wichtige Fragen von Andrea Tinnes, die Professorin, und Marcus Wachter, der künstlerischer Mitarbeiter, erhalten habe. Im Folgenden geht es für mich darum, meine Position als Gestalter zu verorten und Positionen bezüglich meiner Perspektive auf die koreanische und lateinische Typografie zu entwickeln. Dieser Text ist Teil meiner Suche nach Antworten. 8 Tawada, Yōko: »Reisende Wörter«, 2. Aufl., Seoul: Dolbegae, 2018, S. 90–91.
나의 관점은 무엇인지. 그에 대한 답변으로 썼던 글이 이렇 게나 길어졌다. 다와다 요코는 일본어와 독일어 모두로 작품을 쓴다. 두 언어 사이를 오가는 경험 자체가 영감, 주제가 되어 시, 소설, 희곡과 같이 여러 형태의 문학 작품으로 선보인다. 『여행하는 말들』를 한국어로 번역한 유라주는 역자후기에서 다와다 요코의 실천적 글쓰기는 외국어를 통해 모국어 바깥 으로 나아가 모국어를 낯설게 바라보며 재창조하고 풍요 롭게 하는것이라고 썼다. ⑧ 나는 저 문장에서 글쓰기를 디자인으로 바꾸어 고민 해 본다. 모국어가 아닌 외국어로 배운 라틴 타이포그래피, 그것을 중심으로 디자인을 배운 나는 어떻게 한글 타이포 그래피에 접근할 수 있을까? 지난 학업기간 동안 작업한 프로젝트들을 한글로 조판한다면 어떻게 될까? 이미 독일어 로 조판된 글에 한국어를 병기한다면, 이전에 작업했던 라틴 타이포그래피는 어떻게 달라 질까? 앞으로 디자이너로서 나의 정체성은 어떻게 규정지을 수 있을까? 내 디자인은 어디에 위치해 있을까? 한국과 독일, 서구와 비서구라는 이분법적인 구분 그 사이일까? 혹은 그 바깥인가? 물음은 답을 구하지 않고 계속해서 질문으로 이어 진다. 처음부터 답을 구하려는 시도가 아니었을지도 모른다. 독서과 글쓰기를 통해 생각들을 구체화하려고 노력하면서 느낀 점은, 한국과의 물리적인 거리감이 그곳에서는 당연하 게 생각했던 일들을 다른 시각으로 볼 수 있게 해주었고, 이곳 독일에서는 문화적인 거리감으로 항상 내 관점을 상대 화하게 되는 것 같다. 하지만 지금까지의 생각, 질문들을 퍼블리싱 하는 것에도 ‘불편함’이 따른다. 비판의 여지가 ⑧ 다와다 요코, 앞에 책, 225-226쪽.
Yōko Tawada schreibt in beiden Sprachen, Japanisch und Deutsch. Die Erfahrung des Wechsels zwischen den Sprachen dient ihr als Inspiration und ist gleichzeitig auch Thema ihrer literarischen Werke in Gedicht-, Roman- und Drama-Form. Die Übersetzerin Jura Joo beschreibt in ihren Translator,s Notes zur koreanischen Ausgabe von »Reisende Wörter«, dass Tawadas praktisches „Schreiben“ darin besteht, durch Fremdsprachen über die eigene Muttersprache hinauszugehen, sie fremd zu betrachten, zu rekonstruieren und reichhaltiger zu gestalten. 9 Ich überlege, diesen Satz in meiner Betrachtung von „Schreiben“ in „Gestalten“ zu ändern. Wie kann ich mich als jemand, der lateinische Typografie in einer nicht-muttersprachlichen Umgebung gelernt hat, der koreanischen Typografie nähern? Wenn ich Projekte, die ich während meines Studiums bearbeitet habe, in koreanischer Typografie setzen würde, was würde passieren? Wenn ich bereits in Deutsch gesetzte Typografie mit koreanischer Typografie kombinieren würde, inwiefern würde sich dann meine bisherige Arbeit in Deutsch rückgekoppelt verändern? Selbst, wenn ich in Zukunft weiterhin in Deutschland bleibe, so ist meine Identität geprägt von der koreanischen Sichtweise. Doch lässt sich meine Identität als Designer definieren? Wo positioniert sich mein Design, und inwiefern 9 ibid. S. 225–226.
많은 주제이기 때문에 통시적이고 공시적인 사실들을 ‘명징하게 직조’하지 않으면 안된다고 생각했었다. 하지만 ‘저항하는 책’이라는 이번 학기 주제와 지속적으로 나를 자극시켜준 학교내에 환경이 모티프가 되었다. 여러 분야 의 책들은 물론이고 다른 디자이너들의 실천들 역시 좋은 참조점이 되었다. 스스로 했던 질문들은 계속해서 질문으로 남아있을 지도 모르겠다. 부디 이 글을 시작으로 계속해서 생각을 이어가길 다짐하며 다른 관심있는 누군가에게도 잘 전달 되었기를 바란다.
텍스트를 쓰기까지의 과정을 설명하는 비디오
Mehr Hintergrund-Informationen zum Projekt auf Youtube: https://youtu.be/Zr9IY_xDqvM?si=L1Kj1NZbEqHl9nhw
ändert mein Studium an der Burg meine Sichtweise? Zwischen Korea und Deutschland, zwischen dem Westen und dem Osten — liegt mein Spektrum innerhalb dieser Dualität oder befindet es sich vielleicht auch außerhalb dieser Kategorien? Diese Fragen setzen sich fort. Inzwischen bin ich zu dem Standpunkt gelangt, dass ich im Rahmen dieses begrenzten Semesters keine klare und eindeutige Antwort auf sie finden werde. Beschäftigen werden sie mich weiter in meinen zukünftigen Arbeiten und Begegnungen. Was diesen Text anbelangt, so ist auch die Veröffentlichung mit einer gewissen Unbehaglichkeit verbunden. Aus Sicht meiner akademischen Ausbildung an der Burg haben mir die literarischen Quellen ungemein geholfen, ein übergreifendes Verständnis von Identität im Design sowie von der Abhängigkeit von Erkenntnisverbreitung im Kontext der Geschichte gegeben. Und dennoch ist mein innerer Monolog zwischen den Zeilen ein leiser und privater Gedankengang, den ich täglich mit mir herumführe. Er ist leise, weil das Thema für mich sensibel ist und präziser Worte bedarf. Und er ist privat, weil ich unsicher bin, inwiefern diese Gefühle auch in Anderen entstehen. Es ist meine Hoffnung, dass diese Gedanken weiter in euch resonieren.
낮에*침묵/밤에*수다 황인석
Schweigend am Tag, grübelnd nachts Inseok Hwang
타입 앤 타이포그래피 프로젝트 담당교수 안드레아 티네스 연구조교 마쿠스 바흐터
Schwerpunktprojekt Schrift und Typografie Prof. Andrea Tinnes und Marcus Wachter
부르크 기비헨슈타인 국립 할레 미술대학교 2023/24년도 겨울학기
Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle Wintersemester 2023/24
서체: 산돌제비2 리소 로자아트
Schrift: Riso Rosart Sandol Jebi2
종이: 오파칼 된두룩 60 g/m²
Papier: Opakal Dünndruck 60 g/m²