La icónica diseñadora pone su colección Spring 2026 al alcance de todos, un lujo accesible con conciencia
26. ÍCONO RAÚL DE LA CERDA
El diseñador convierte la materia en discurso de pausa y reflexión más allá de lo evidente
20. CINE
MICHAEL
El Rey del Pop es interpretado por su sobrino en una cinta inmersiva dirigida por Antoine Fuqua, trabajo que ha dividido opiniones
32. HOTSPOT CAFÉ TORMENTA
El matcha está de moda, pero aquí es más que un producto. Se trata de una experiencia apegada a su origen japonés
36. VIAJES
ZIMBABUE
La naturaleza es un lujo imperdible que cobra fuerza en esta época del año
Tiempo: Publicación Semanal del 24 al 26 de abril de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nac onal del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600
Imprenta: Litográfica Ingramex, S.A. de C.V, Centeno 195, Col. Valle del Sur, C.P. 09819, Iztapalapa, CDMX. Distribución: MARKETING PEOPLE S.A. DE C.V. Rómulo O’farril No. 434 Col. Olivar de los Padres C.P. 01780. www.marketingpeople.com.mx. Publicación registrada en el Padrón Nac onal de Med os Impresos. Titular de la publicación Grupo Simjor, S C www estilodf tv
Editorial Coordinator: Rodrigo Araiza, Head of Editorial Design: Manu Plascencia
Photography: Serch Ramírez, Fashion Styling: Rafael Taracena, Fashion Assistant: María Sánchez
Hair, Makeup and Grooming: BL Agency, Location: Hyatt Regency Mexico City
Look: Ocelote, Brazalete: Tten
Agradecemos a Hyatt Regency Mexico City por todas las atenciones durante la producción de esta portada
LA FUERZA DE HACER EXTRAORDINARIO LO COTIDIANO
TITANES DE LA COCINA
Por Rodrigo Araiza P.
Hay cocinas que alimentan y otras que transforman. En este encuentro, dos de las voces más potentes de la gastronomía mexicana se cruzan en un mismo punto: la idea de lo que significa ser un titán. No desde la fuerza bruta, sino desde la constancia, la intuición y la capacidad de convertir lo cotidiano en algo memorable.
Gaby Ruiz y Paco Ruano representan dos caminos distintos que convergen en una misma filosofía: cocinar es un acto profundamente humano. Para ella, es amor, consuelo y memoria; una forma de darle sentido a lo que sentimos. Para él es disciplina, precisión y emoción; un ejercicio constante de hacer de lo simple algo extraordinario.
Ambos entienden que la cocina no solo se construye con técnica, sino con historia, curiosidad y carácter.
En ese territorio donde la creatividad se encuentra con la ejecución, las herramientas juegan un papel clave. La nueva Oster Titan no solo acompaña ese proceso, lo potencia: precisión y versatilidad que permiten llevar una idea al plato con claridad y fuerza.
Con un motor de alto desempeño y la capacidad de transformar incluso los ingredientes más complejos en texturas suaves y consistentes, redefine lo que es posible tanto en la cocina profesional como en casa.
Pero más allá de la tecnología, lo que define a un titán es la capacidad de sostenerse en el tiempo. Perseverar cuando las cosas no salen, encontrar belleza en lo sencillo, mantenerse curioso frente a lo desconocido. Es ahí donde Ruiz y Ruano coinciden: en la búsqueda constante, en el respeto por el proceso y en la pasión por compartir.
Porque al final, ser un titán en la cocina no se trata solo de dominarla, sino de entenderla. De saber que cada plato cuenta una historia, que cada herramienta es un puente y que cada experiencia, dentro y fuera del fuego, suma.
Estas son sus historias.
GABY RUIZ
¿Siempre supiste que te querías dedicar a la cocina?
Siempre supe que me quería dedicar a la cocina. Desde niña me encantaba ver a la gente comer y cómo se desconectaban; ese momento de sentarse a la mesa y que todo se ponga bien eventualmente.
Cocinar es un acto de amor, como lo cuentas en tu libro, ¿no?
Sí, cocinar es un acto de amor. Es demostrarle a la gente cuánto la quieres, no solo a tu familia, sino a cualquiera, aunque no la conozcas. Es dar un poco de ti y soltar ese pedacito para que la gente se quede contenta.
También hablas de la cocina como consuelo. Hay una anécdota en tu libro Cocina Carmela que te marcó, ¿nos la cuentas?
De niña, mi hermana, que es dos años menor, lloraba y mi mamá le daba comida: leche, una tortillita, una quesadilla, lo que fuera, y dejaba de llorar. Yo conecté que la comida siempre te hacía sentir bien. Desde muy chiquita supe que quería dedicarme a eso: a generar esa sensación de bienestar.
Tu trayectoria también tiene que ver con soltar y dejar fluir, ¿has aprendido eso?
Sí. Siempre que pides algo se cumple, por eso es importante analizar bien lo que quieres. Muchas veces no se cumple en ese momento, pero llega después, de forma distinta. Soñaba con estudiar en Nueva York y no pude, pero años después terminé dando clases y conferencias ahí.
¿Vinculas tus platillos con las relaciones que has construido?
Sí, en la gente que quiero, en la que voy conociendo y me marca. También me inspiro en cosas que no se comen: una relación, un sentimiento, una canción, un atardecer. Todo eso se puede saborear.
Eres de Tabasco, pero haces cocina contemporánea en la CDMX, ¿cómo logras ese balance?
Fue un reto. Vengo de Comalcalco, un pueblo pequeño. Cuando llegué a la Ciudad de México a abrir el restaurante me dio miedo. Todo se fue dando: la presentación, que gustara el concepto. La vida te da oportunidades y hay que tomarlas. Hoy me siento muy bien, ya me siento chilanga, es una ciudad viva y enriquecedora.
¿Cómo han influido las mujeres de tu vida en tu cocina?
Siempre han tenido un papel importante. Lo entendí más cuando tuve a mi hija Martina. El primer alimento de un ser humano viene de una mujer. Cocinamos para alimentar el cuerpo y el alma. Eso me dio mucha seguridad.
¿Qué significa abrir camino para otras mujeres?
Cuando una mujer avanza, avanzamos todas. Cuando veas a alguien que está haciendo algo bien, que está rompiendo paradigmas, abriendo brecha, hay que aplaudir y apoyar. En mi cocina hay muchas mujeres liderando, venimos de un camino muy difícil, por lo que digo y sostengo: cuando una mujer triunfa, triunfamos todas.
Hablando de la licuadora Titan de Oster, ¿qué te hace una titán en la cocina?
La fuerza. Es una herramienta que valoro mucho. He probado muchas marcas y siempre regreso a Oster. Es la que siempre ha llenado todas mis necesidades. Es una licuadora que dura toda la vida.
¿Qué tan importante es tener las herramientas correctas?
Es fundamental. Siempre es importante tener las herramientas correctas para materializar algo que tienes en tu cabeza. Por ejemplo, una salsa es el conductor de sabor, entonces me encanta que sean súper tersas.
Si tuvieras que resumir tu filosofía culinaria en una palabra, ¿cuál sería?
Curiosidad. Creo que la curiosidad es lo que ha hecho que la cocina de Carmela y Sal sea lo que es. Muchas veces no me enfoco en una técnica, en que el plato sea perfecto, sino que sea curioso y genere en los comensales la necesidad de saber por qué tengo un plato que me hace sentir muy orgullosa.
Tienes el ejercicio de compartir recetas que se pueden cocinar en casa, ¿por qué?
Me encanta, creo que una receta es un camino que cada quien recorre. Recomiendo altamente que cuando hagan una salsa de alguna de mis recetas, utilicen su Titan Oster porque van a tener un hilo conductor de sabor.
¿Cómo mantienes la creatividad?
Buscando inspiración fuera de la cocina: música, arte, conciertos. Eso me ayuda a construir menús como si fueran experiencias emocionales.
¿Qué consejo le das a quien aspira a ser un titán en la cocina?
Que tenga alta tolerancia a la frustración. Las cosas no siempre salen como quieres, pero debes mantenerte firme en tu misión.
¿Qué representa la sal en tu vida?
Mi familia, mis padres, mi esposo, mis hermanos, mis socios, mi equipo. Todos ellos son esa sal que le da sabor a mi vida.
¿Qué sientes de que una marca como Oster sea el soporte de grandes referentes de nuestra gastronomía?
Me siento muy honrada y afortunada de que una marca como Oster, y ahorita con esta gran herramienta que es Oster Titan, nos dé este soporte. Todas las mujeres de mi familia la han usado. Yo también la utilizo en mi cocina. Y estoy aquí siendo parte, eso me hace sentir muy feliz y orgullosa.
PACO RUANO
¿Cómo fue tu camino para convertirte en un titán de la cocina?
Mi camino para convertirme en un titán de la cocina ha estado lleno de perseverancia. Ha requerido disfrutar los fracasos, aprender de ellos y divertirse a través de todo el camino.
¿Qué cualidades consideras que tiene un verdadero titán en la cocina?
Resiliencia, pasión y creatividad.
¿Qué papel juegan la técnica y las herramientas correctas para alcanzar ese nivel?
El papel de la técnica y las herramientas es fundamental. Las herramientas facilitan que la técnica se ejecute de forma adecuada y definitivamente pulen al titán.
Si tuvieras que resumir tu filosofía culinaria en una sola idea, ¿cuál sería?
Intentar hacer de lo simple algo bello, y de lo común algo extraordinario. Siempre rescatar la belleza de lo sencillo.
¿Cómo logras mantener viva la creatividad después de tantos años?
Siempre hay que ser curioso, atento al nuevo producto y a las nuevas herramientas. Hay que nutrirse de todos lados para mantener la mente con deseo de más.
¿Consideras que tu cocina es una proyección de tu historia de vida?
Sí, totalmente. Se encuentra en mis viajes, mis amistades, en lo que escucho y en lo que veo. El restaurante es como un diario culinario.
¿Qué papel juega la emoción en la cocina?
Es lo primordial. No hay cocina que no sea personal. Todos los platos tienen que transmitir algo y tienen un lugar en una historia.
¿Qué consejo le darías a la nueva generación de cocineros que sueñan con ser titanes?
Perseverar, no brincarse ningún paso. Y divertirse mucho con lo que hacen.
¿Qué cualidades compartes con una herramienta como Oster Titan?
La experiencia, la confiabilidad y la potencia. Hay que hacer todo con energía todos los días.
A lo largo de los años has construido una identidad muy clara desde Guadalajara, ¿cómo lo lograste?
A través del tiempo construí una identidad que refleja tanto la historia de Guadalajara como la personal. Es una cocina muy particular y muy personal. Hemos logrado crear una firma propia a través de la creatividad y de no cerrarnos a una sola idea.
¿Fue difícil llegar a este punto?
No sé si fue difícil, está en mi naturaleza. Lo complicado es mantener un restaurante todos los días. Pero la parte personal es algo intrínseco.
¿Cómo mantienes esa curiosidad y ganas de experimentar?
A través de la búsqueda constante de nuevos productos. Revisamos recetas, ideas, el campo, y siempre estamos atentos a lo que se nos ha escapado para incluirlo en el menú.
¿Cómo te sientes de ser parte de la familia Oster?
Me siento muy halagado. La máquina está increíble. Es parte de una reconfiguración de Oster hacia un producto más profesional. Tengo muchas ganas de ver todo lo que se puede hacer con la Oster Titan. Es una marca con la que crecí. Es confiable, sabes que no va a fallar. Me parece muy bueno que hayan evolucionado hacia productos que también pueden usarse a nivel profesional.
¿Qué significa que marcas como Oster confíen en chefs de alto nivel?
Es un reconocimiento importante dentro de una industria con muchos referentes.
¿Has notado avances en las herramientas desde que empezaste hasta hoy?
Sí. Antes todo se tenía que trabajar mucho más, incluso pasar varias veces por procesos manuales. Ahora los equipos lo hacen de manera automática. Antes se usaban herramientas como el molcajete porque no había más. Hoy las nuevas herramientas, como la Oster Titan, permiten mejores resultados, sobre todo en texturas.
¿Qué opinas de que estas herramientas también estén disponibles para uso en casa?
Es muy importante. La línea entre la cocina profesional y la casera se está difuminando, eso permite que más gente pueda cocinar mejor.
“Cuando una mujer avanza, avanzamos todas” -Gaby Ruiz
Look: Sandro Paris, Joyería: Pandora
“La línea entre la cocina profesional y la casera se está difuminando, eso permite que más gente pueda cocinar mejor”
-Paco Ruano
FASHION WITH A MISSION
STELLA MCCARTNEY X H&M
Por Rafael Taracena
Dos décadas después de haber cambiado las reglas del high-low, H&M y Stella McCartney vuelven a encontrarse en una colaboración que no solo mira al pasado, sino que proyecta el futuro de la moda.
La colección Spring 2026, que aterriza globalmente el 7 de mayo, reinterpreta los códigos más icónicos de McCartney: sastrería afilada, sensualidad effortless y una feminidad poderosa, ahora filtradas a través de una visión radicalmente sostenible.
El twist: lujo accesible con conciencia. Desde trench coats en algodón orgánico hasta piezas statement con materiales reciclados, textiles innovadores y alternativas veganas, la cápsula demuestra que el deseo y la responsabilidad ya no son opuestos.
Entre highlights: jeans con brillo, bombers efecto piel (sin piel), tailoring masculino reinterpretado y el regreso de piezas icónicas como la estética Rock Royalty . Todo con el ADN irreverente y cruelty-free que convirtió a McCartney en pionera.
Más que una collab es una declaración: democratizar el diseño sin comprometer el planeta.
Por Rafael Taracena
El juego cambia de cancha y se vuelve estilo. American Eagle toma la energía irreverente de Jorge Campos y la transforma en una colección que es puro statement visual.
Inspirada en el espíritu vibrante de Acapulco y la estética icónica del futbol noventero, la cápsula reinterpreta el ADN de Campos: color, riesgo y autenticidad en clave contemporánea. Jerseys, tees gráficas, gorras y flip flops se convierten en piezas que cruzan effortless de la cancha a la calle, elevando el sportswear a territorio fashion.
La paleta es un golpe de energía: verdes neón, rosas eléctricos, morados intensos y azules saturados crean looks que no piden permiso. Las siluetas deportivas y las texturas ligeras refuerzan una narrativa de movimiento, libertad y actitud sin reglas.
Más que una colección es una declaración: vestir con identidad propia. Aquí, el futbol no es solo inspiración: es lenguaje. Y cada outfit juega para ganar.
AMERICAN EAGLE X JORGE CAMPOS
EL ESTILO ENTRA A LA CANCHA
EL REGRESO DEL BRILLO CORPORAL
El body shimmer vuelve a ocupar un lugar protagonista en la belleza, pero esta vez no se trata de cubrirse de glitter, sino de iluminar estratégicamente la piel. El brillo corporal se convierte en un accesorio silencioso, sensual y sofisticado
Por Nancy Estrada
Durante años, la obsesión estuvo en el rostro: iluminador en los pómulos, piel jugosa, acabado “buena cara” y bases que prometían reflejar la luz como si viviéramos dentro de un filtro. Pero ahora el brillo dejó de concentrarse únicamente en la cara y empezó a extenderse hacia el cuerpo. La piel visible —esa que aparece entre un vestido lencero, una blusa strapless, una falda satinada o una sandalia de tiras— se convirtió en una nueva zona de intención.
Coachella nos mostró que el regreso del brillo corporal no se siente como una moda adolescente ni como una fantasía de festival. Su versión actual es más elegante, más medida y mucho más divertida. La idea no es parecer cubierta de diamantina, sino lograr ese efecto de piel hidratada, saludable y ligeramente luminosa que se nota cuando la luz toca los hombros, las clavículas o las piernas. Es un brillo que no grita, pero sí acompaña.
Del Y2K al lujo silencioso
El body glitter tuvo su momento más evidente en los años dosmil: escotes brillantes, gloss en exceso, sombras metálicas y una estética de alfombra roja donde todo parecía pedir atención. Hoy, ese mismo gesto regresa con otra lectura. Ya no se trata de nostalgia literal, sino de tomar ese deseo de diversión y filtrarlo por una sensibilidad más adulta, aunque también entran en este regreso los tatuajes semipermanentes de Swarovski.
El nuevo brillo corporal funciona porque dialoga con la moda actual: telas transparentes, cortes cut-out, vestidos minimalistas, trajes sastre sin camisa, prendas satinadas y siluetas que dejan ver la piel sin perder elegancia. Iluminar el cuerpo se vuelve casi tan importante como elegir aretes o perfume. Es una forma de terminar el look. Para quienes buscan ese efecto de piel iluminada sin exceso, sun drops bronze body glow de TRULY BEAUTY (de venta en Sephora) es una gran opción porque deja un acabado luminoso y cálido, ideal para piernas, hombros y escote. Si la intención es algo más sofisticado y con aroma envolvente, Tom Ford Soleil Blanc Shimmering Body Oil funciona como ese producto que mezcla perfume, hidratación ligera y brillo elegante.
Dónde ponerlo para que se vea caro
La clave está en la precisión. El brillo corporal se ve sofisticado cuando se aplica en puntos estratégicos: clavículas, hombros, centro de las piernas, parte alta de los brazos y un toque en el escote. Para un acabado elegante, la hidratación previa es indispensable. Una piel reseca puede hacer que cualquier shimmer se vea irregular o demasiado evidente. Primero va una crema corporal ligera; después, el producto luminoso. La mezcla puede ser incluso más interesante: unas gotas de iluminador líquido con crema corporal logran un efecto más difuso y menos artificial. El tono también importa. En pieles claras, los reflejos champagne o rosados suelen verse sutiles; en pieles medias y morenas, los dorados, bronce y cobre se funden mejor con la piel. La regla no es estricta, pero sí ayuda a que el brillo parezca parte del cuerpo y no una capa encima. Para un glow más discreto, Fenty Beauty Body Lava Body Luminizer (de venta en Sephora) es perfecto cuando se busca ese acabado jugoso y pulido sin que se vea muy evidente.
Un accesorio invisible pero poderoso
El encanto del body shimmer está en que no compite con el maquillaje, la ropa ni el perfume; los acompaña. Es ese detalle que no siempre se identifica de inmediato, pero que hace que la piel se vea más fresca, más luminosa. Como el cabello bien hidratado o una manicura impecable, funciona porque suma sin robar protagonismo. Además tiene algo emocional. Aplicar brillo en el cuerpo obliga a mirar zonas que muchas veces tratamos con indiferencia: hombros, piernas, brazos, cuello. Es un gesto de presencia. Una manera de decir que la belleza no termina en el rostro, que la piel también merece intención. Porque el glow ya no vive únicamente en los pómulos: también camina contigo.
Dirigida por Antoine Fuqua, la película propone una experiencia inmersiva que combina espectáculo, narrativa íntima y reconstrucciones de actuaciones icónicas
Hay figuras que no solo marcan una época, sino que la redefinen. Michael Jackson fue, sin duda, una de ellas. Ahora su historia encuentra una nueva dimensión en Michael, una ambiciosa propuesta cinematográfica que busca capturar no solo al artista, sino al ser humano detrás del mito.
Dirigida por Antoine Fuqua, la cinta se plantea como una experiencia inmersiva que recorre la vida del ícono desde sus primeros pasos como líder de los Jackson 5 hasta su transformación en una de las figuras más influyentes de la cultura pop global. Más allá del espectáculo, el relato se adentra en su universo personal: sus inquietudes, su visión creativa y esa búsqueda constante por romper límites.
El encargado de dar vida a esta leyenda es Jaafar Jackson, en su debut cinematográfico. Lejos de la imitación, su interpretación apuesta por capturar la esencia emocional y el magnetismo que definieron a su tío. El resultado promete una conexión íntima, casi visceral, con el personaje. Lo acompañan nombres como Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller y Colman Domingo, un elenco que suma fuerza y matices al relato.
La película no escatima en ambición: desde reconstrucciones de actuaciones icónicas hasta momentos íntimos que revelan las tensiones entre el hombre y el fenómeno global. Es, en esencia, una historia de origen distinta: la de un niño prodigio que no solo conquistó escenarios, sino que transformó la manera en que el mundo entiende la música, el espectáculo y la identidad artística.
Uno de los grandes aciertos de Michael radica en su capacidad para traducir esa energía casi eléctrica que definía al artista. Cada secuencia busca colocar al espectador en primera fila, no solo como testigo, sino como partícipe de un fenómeno cultural irrepetible. La música, el baile y la narrativa convergen para construir una experiencia que apela tanto a la nostalgia como al descubrimiento.
Pero más allá del brillo, la película también explora las contradicciones: la lucha por la libertad creativa, la presión de la fama y la necesidad de conexión en medio del aislamiento. En ese equilibrio entre luz y sombra, Michael encuentra su pulso más humano.
El resultado es un retrato que no pretende ser definitivo, sino evocador. Una invitación a redescubrir a Michael Jackson desde una mirada contemporánea, entendiendo que su legado no solo vive en sus canciones, sino en la forma en que sigue inspirando a generaciones enteras.
Porque si algo deja claro esta cinta es que hay artistas que no pertenecen a una época, sino a la historia.
• Jaafar Jackson debuta en cine interpretando a su tío, apostando por capturar su esencia, más que imitarlo, tras un proceso de preparación física y emocional de dos años.
• La historia recorre desde los inicios en los Jackson 5 hasta la consolidación de Michael Jackson como la primera megaestrella global, redefiniendo los códigos de la música y el entretenimiento.
• Más de 400 personas participaron en la producción para recrear con precisión el universo visual, sonoro y emocional del artista.
Por Rodrigo Araiza P.
La experiencia del teatro es íntima y colectiva a la vez, pero pocas veces interactiva. Este es el caso de La fiesta, una propuesta inmersiva en la que el público tiene una mirada distinta a la puesta.
Bárbara Colio dirige la obra en la que Emma, una actriz y escritora reconocida, adquiere una vieja casa para organizar una fiesta que en realidad es un intento por reconciliarse con su pasado. En ese proceso convoca a personas clave en su vida, sin imaginar que cada una de ellas también carga con sus propias fracturas.
La gestión de la vida misma y sus dolores son parte del juego que encabeza Colio, que de manera franca nos habla del teatro como un espacio que va más allá del entretenimiento y la expresión artística.
Eres la autora y directora de La fiesta, ¿en qué momento decidiste que esta historia necesitaba ser contada desde una experiencia inmersiva y no desde un formato tradicional?
Cada historia te dicta su forma. En La fiesta, Emma necesita volver a su casa de la infancia para encontrar una pieza que le hace falta. La casa es un personaje en sí misma que tenía que hacerse presente en el montaje. Todo teatro es inmersivo; público y ficción comparten un mismo espacio. Aquí habrá la posibilidad de estar un poco más cerca, de ser la pared viva de esa casa que quiere gritar.
¿Qué te interesaba explorar sobre la memoria, la infancia y las heridas que nos acompañan?
Nadie está a salvo de tener algún pendiente con la infancia, con esa etapa tan crucial de la que tan poco podemos recordar, donde surgieron muchas de las preguntas que aún prevalecen. El teatro explora los huecos que tenemos los seres humanos y que nos motivan a actuar de formas tan complejas. Emma, la protagonista, se lanza a buscar esa pieza que le hace falta de su propio rompecabezas; podría no hacerlo, pero tiene el valor y lo hace a sus muy extraños modos. Es a ella a quien seguimos en esta historia, que bien pudiera resonar en el público con sus propios pendientes.
El espectador no es pasivo, se convierte en cómplice, en testigo. ¿Qué cambia en la narrativa cuando el público “habita” la historia en lugar de solo observarla?
En cada montaje que he hecho, mi objetivo es justo que el espectador sea parte del juego, que habite la historia. En La fiesta no es distinto, solo que recibirá diferentes estímulos, y estoy segura de que fluirá sin problemas. Confío en el espectador, ya que antes que nada soy espectadora de teatro. Y escribo y dirijo bajo esa premisa.
LA FIESTA
Cada persona construye una versión distinta de la obra dependiendo del recorrido que hace por la casa. ¿Qué te dice esto sobre la manera en la que interpretamos la realidad?
Es como funciona en la vida misma; por ejemplo, de un hecho familiar del pasado cada participante (y hasta los que no participaron) tiene su propia perspectiva del asunto, esta perspectiva se arma dependiendo de lo que eres, de tu relación con los demás y de tu propia historia. Aquí solo en la segunda parte del montaje vas a moverte para enterarte de lo que un personaje cree, en otro espacio distinto, de lo que cree otro. En la tercera parte todos volverán a la misma fiesta, tendrán la historia completa, solo que con diferentes matices.
Emma convoca a personas clave de su vida, pero todos llegan con sus propias grietas. ¿Qué querías revelar sobre las relaciones humanas y esos vínculos que a veces también duelen?
El que se queja más o el que va por la vida exponiendo sus problemas reales o imaginarios no es el que más sufre. Cada persona gestiona su vida, sus dolores y sus alegrías a su manera. Todos tenemos grietas por las que a veces se escapan las voces de nuestro interior. En esta casa las paredes oyen, guardan secretos y es necesario sacudirla para liberarlos. Así las relaciones entre las personas: nos hace falta escuchar y observar (a nosotros) y al otro para poder liberar lo que seguimos guardando y ya no nos hace falta.
En un momento donde el teatro busca nuevas formas de conectar con el público, ¿qué crees que hace a La fiesta una experiencia imprescindible hoy?
Que está hecha con honestidad, es un teatro mexicano que nos pertenece, producto de lo que somos hoy día; que la historia de Emma es la de una mujer de 50 años que sigue moviendo los hilos de su historia y siendo la protagonista de esta; que es un teatro que provoca a la propia dramaturgia del espectador, ese drama que se va tejiendo en su imaginación, en su ser, y que es lo más poderoso que el teatro puede lograr.
Reparto: Karina Gidi, Claudia Ríos, Andrés Weiss, Mahalat Sánchez, Jacobo Lieberman, Sheila Flores, Federico Di Lorenzo, María De Villa, David Barrera
Funciones: Viernes 20:30, sábados 19:00 y domingo 18:00 horas. Hasta el 26 de abril
Foro: Un Teatro (Nuevo León 46, Condesa)
CASABLANCA DRIVERS
Con un sonido que dialoga entre el electro-clash revival y una sensibilidad contemporánea, el disco reafirma su capacidad para moverse entre la nostalgia y la pista de baile
Por Rodrigo Araiza P.
Desde su origen, Casablanca Drivers ha construido una identidad marcada por el movimiento: geográfico, sonoro y emocional. El proyecto nació cuando los músicos corsos Alexandre Diani y Nicolas Paoletti decidieron dejar su isla natal en 2014 para instalarse en París, una ciudad que terminaría por moldear su visión musical.
Desde entonces han desarrollado una trayectoria que combina la energía del garage con la pulsión electrónica, materializada en tres EPs y dos álbumes de estudio, entre ellos Super Adventure Club y Tabloid, este último lanzado en 2025, donde guitarras y sintetizadores conviven con un sentido del humor que se filtra en cada capa de su sonido.
El último año ha sido especialmente significativo para la banda. En 2025, Casablanca Drivers consolidó su presencia en la escena internacional con una gira por Francia junto a Polo & Pan, además de presentarse en México. A esto se sumó una minigira por Inglaterra y su participación en el Electric Castle Festival, marcando el inicio de una nueva etapa que los encuentra en plena expansión.
Ese impulso creativo se cristaliza en Protocol, su más reciente álbum, producido por Nit —colaborador cercano de Sébastien Tellier— y mezclado por Ash Workman, conocido por su trabajo con Metronomy y Christine and the Queens.
¿Cómo se sintieron trabajando en este disco?
Fue muy divertido. De hecho, solo fue divertido. A veces teníamos demos que no eran muy arriba, eran más oscuros o melancólicos, y fue muy interesante transformarlos en algo que pudiera sonar en clubes, en la noche. Nos divertimos mucho.
¿Sintieron presión en algún momento durante el proceso?
En pocas palabras, Protocol tiene un valor emocional distinto a sus trabajos anteriores, dejándose influenciar tanto por vivencias personales como con el proyecto musical, concepto del que nos hablaron.
Después de abrir para Rey Pila en la Ciudad de México, ¿cómo influyó esa experiencia en su perspectiva sobre el público internacional?
Disfrutamos mucho ese show, y al público. Además era el final del año y veníamos de tocar mucho antes de ese concierto, pero ese fue muy especial. No sé si la energía que teníamos era porque estábamos en otro país, pero seguro también fue porque el público es muy cool, muy curioso, y realmente se mete en lo que se le está ofreciendo. No conocían las canciones, pero estaban muy atentos, escuchando, tratando de disfrutarlo al máximo. También tuvimos varios problemas de sonido, estábamos muy estresados. Después de la primera canción fue como: “Ok, esto es muy fácil”. No, la verdad es que nos encantó.
Hablando de su próximo álbum, Protocol, ¿en qué se diferencia de sus lanzamientos anteriores?
No es el mismo productor y tampoco es el mismo momento de nuestras vidas. Ya crecimos. Queríamos trabajar con alguien que viniera más del mundo dance, más cercano a los DJs. El productor con el que hicimos el álbum se llama Nit, y fue perfecto para eso. Nos divertimos mucho intentando hacer canciones a su manera.
No tanto. Cuando empezamos este álbum, el anterior (Tabloid) ni siquiera había salido, así que estábamos muy relajados. Ya teníamos buenas canciones listas, así que trabajábamos sin presión. Ahora es diferente porque pensamos más en qué sonido queremos hacer, pero aun así sigue siendo relajado.
¿Cómo fue el proceso creativo de este disco?
Grabamos en París y también fuimos al campo con Nit. Fue un proceso muy tranquilo, no teníamos prisa. No hay algo muy específico que contar, simplemente fue muy chill, muy fácil. Y cuando es fácil, es fácil.
A nivel emocional, ¿qué temas o sensaciones exploraron?
Más que una emoción específica es la sensación después de una fiesta. Ese momento posterior, un poco triste, melancólico. También está la idea de soltar, de dejar ir todo lo que te preocupa, lo que viene de otras personas o de la sociedad. Simplemente dejarte llevar. Es como esa vibra de los 90, de la música house: perderte en la música. Como cuando empiezas la fiesta en la noche y sales a las 7 u 8 de la mañana. Eso es la fiesta.
Pensando en la experiencia en vivo, ¿cómo trabajaron el álbum para llevarlo al escenario?
Queríamos que las canciones funcionaran en vivo, así que lo pensamos desde el inicio: cómo tocarlas, cómo adaptarlas. También queríamos que funcionaran en clubes. No queríamos hacer tracks tipo DJ de siete minutos, sino canciones, pero que al mismo tiempo pudieran extenderse, repetirse, hacer loops. Muchas de las canciones están construidas como ciclos que se encadenan. Eso lo pensamos mucho para el directo.
¿Qué opinan de la inteligencia artificial?
No, es una mierda. Bueno, no es tan divertido como hacerlo sin ella. Sin eso es más divertido. Es como ir al bosque a buscar huevos de Pascua, pero si están por todos lados ya no tiene chiste. Queremos perdernos en el bosque y encontrar algo por nosotros mismos.
EL LENGUAJE DE LA MATERIA
En el trabajo de Raúl de la Cerda, el diseño no parte de una idea impuesta, sino de una escucha. Una escucha atenta a la materia, a su origen, a su peso y a su memoria. Antes de convertirse en objeto, cada pieza atraviesa un proceso casi introspectivo donde el material deja de ser un medio para convertirse en el punto de partida.
Su obra se construye desde lo esencial. Madera, piedra y metal no son solo elementos, son narrativas vivas que conservan huellas, texturas e imperfecciones que, lejos de ocultarse, se celebran. En ese gesto hay una postura clara: entender el diseño como un ejercicio de honestidad donde lo crudo adquiere una dimensión estética propia.
Lejos del exceso y de lo decorativo, su lenguaje propone una reducción consciente. Cada línea, cada volumen y cada vacío responden a una intención precisa. No hay ornamento innecesario: hay equilibrio. Sus piezas parecen encontrar un punto exacto entre la solidez y la ligereza, entre la función y la contemplación. Son objetos que habitan el espacio con una presencia silenciosa pero contundente.
En su proceso creativo, la intuición juega un papel central. Más que dominar el material, Raúl establece un diálogo con él. Observa cómo responde, cómo se transforma, cómo resiste. Es en ese intercambio donde surge la forma. El resultado no es forzado, sino revelado: piezas que parecen haber estado ahí desde siempre, como si su existencia fuera inevitable.
Esa sensibilidad se traduce en una obra que trasciende categorías. Sus creaciones no pertenecen únicamente al diseño o al arte: se sitúan en un territorio intermedio donde ambas disciplinas convergen. Cada objeto invita a ser usado, pero también a ser observado. A detenerse. A percibir.
En un contexto contemporáneo marcado por la saturación visual y la inmediatez, el trabajo de Raúl de la Cerda propone una pausa. Una manera distinta de entender el lujo, alejada de lo evidente y más cercana a lo esencial. Un lujo que se encuentra en la permanencia, en la calidad de los materiales, en el tiempo invertido en cada proceso.
Su obra no busca imponerse, sino permanecer. No pretende llamar la atención, pero inevitablemente la captura. Porque hay algo en su forma de entender el diseño que conecta desde un lugar más profundo: el de lo auténtico.
Y es ahí donde radica su fuerza: en recordarnos que, a veces, lo más poderoso no es lo que se agrega, sino lo que se decide dejar.
INNOVACIÓN EN EL CONTROL DE PESO CON ENFOQUE NATURAL
FORMOLINE L112
De acuerdo con datos oficiales de la Secretaría de Salud, en México 37.3% de la población adulta presenta sobrepeso y 38.9% obesidad. En este contexto, MG Medicamentos introduce desde Alemania Formoline L112, un producto diseñado para apoyar el control de peso de forma natural.
Fernanda Salas, miembro del consejo de dirección de MG Medicamentos, explicó: “Es un producto para bajar de peso elaborado a partir de proteínas derivadas de crustáceos. Puede ayudar a perder hasta 4 kilos mensuales; sin embargo, se recomienda acompañarlo con una adecuada hidratación, actividad física y una alimentación baja en calorías para obtener mejores resultados”.
Salas destacó su composición: “Se trata de un producto natural, lo que significa que no introduces químicos al cuerpo, algo relevante considerando que muchos productos en el mercado sí los contienen”.
En este sentido, enfatizó que al ser de origen natural no presenta efectos secundarios. No obstante, aclaró que no está indicado para personas alérgicas a los crustáceos, mujeres en periodo de lactancia ni menores de 12 años. Asimismo, siempre deberá consultarse a un especialista de la salud.
Formoline L112 está elaborado con fibra activa de poliglucosamina, obtenida a partir de caparazones de crustáceos, la cual actúa reduciendo la absorción de lípidos y calorías de los alimentos. Su uso no requiere cambios drásticos en la dieta, siempre que se mantenga una adecuada ingesta de agua y actividad física constante.
La presentación del producto en México contó con la participación de un panel de especialistas, entre ellos Marcus Furch, Chief operating officer de Certmedica e Irmgard van Rensen, Directora de medicina y comunicación, quienes explicaron a detalle su funcionamiento y beneficios.
Al evento de lanzamiento asistieron expertos en salud, así como diversas personalidades, entre ellas la actriz y conductora Anette Michel, quien expresó su interés: “Estoy muy impresionada porque se está hablando de salud, algo fundamental considerando los altos niveles de obesidad en el país. Me parece positivo que exista una opción que apoye a quienes tienen dificultad para bajar de peso”.
Formoline L112, es un producto elaborado por el laboratorio alemán Certmedica International GmbH, y se encuentra disponible en plataformas como Amazon y Mercado Libre con una inversión promedio mensual de mil 200 pesos.
MÁS QUE KILÓMETROS, UNA PRÁCTICA QUE UNE, MOTIVA Y TRANSFORMA
Carrera San Rafael Balance
El running se ha convertido en algo más que una rutina: es un punto de encuentro, una forma de reconectar con el cuerpo y también con otros. Bajo esa premisa, San Rafael Balance anuncia la tercera edición de su carrera, que se llevará a cabo el próximo 3 de mayo en el corazón de la capital, consolidándose como una de las experiencias deportivas con mayor crecimiento en los últimos años.
En apenas dos ediciones, la convocatoria ha aumentado un 60%, reflejando un fenómeno que va en ascenso. De acuerdo con el INEGI, el 44.5% de los adultos en zonas urbanas ya incorpora el ejercicio en su tiempo libre, impulsado principalmente por la búsqueda de salud y bienestar, pero también por el componente social que hoy define disciplinas como el running.
“El bienestar no es un destino, sino un balance diario entre disciplina y placer”, señala Gabriela Delfín, Brand Manager de la marca, al destacar el espíritu de esta edición que busca convertir Paseo de la Reforma en un escenario donde miles de corredores celebren hábitos conscientes y compartidos.
Con rutas de 5 y 10 kilómetros, el evento está diseñado para todo tipo de participantes: desde corredores amateurs hasta perfiles más experimentados, incluyendo creadores de contenido y clubes de running que encontrarán en esta plataforma un espacio para conectar. A ello se suman activaciones de marcas como Yoplait Griego, Saucony, Berry Nuts, Electrolit y Agua de Coco, que complementan la experiencia con propuestas alineadas al estilo de vida activo.
El auge del running respalda esta apuesta. Según datos de Statista, cuatro de cada 10 personas que realizan actividad física en el país eligen correr o trotar, posicionando a México entre las comunidades runner más activas a nivel global. Este contexto se traduce en una convocatoria estimada de 8 mil participantes para esta edición.
La cita será el 3 de mayo sobre Paseo de la Reforma. Además del recorrido, la carrera destaca por su sistema de premiación, considerado entre los más atractivos del país, con reconocimientos en especie para los primeros lugares absolutos y por categoría de edad, bajo el criterio de tiempo oficial.
HACKS
• Fecha y sede: 3 de mayo en Paseo de la Reforma.
• Horarios y rutas: 6:45 am – 5 km: De Reforma (a la altura de la Torre Mayor) a Estela de Luz. 7:15 am – 10 km: De Reforma (a la altura de la Torre Mayor) a Estela de Luz, pasando por Chivatito y la Primera Sección del Bosque de Chapultepec.
• Inscripciones: Disponibles en Asdeporte.com con una cuota de recuperación de 325 pesos (cupo limitado a 8 mil participantes)
• Kit del corredor: La entrega será el 2 de mayo en Campo Marte, de 9:00 am a 5:00 pm.
GOLDBERG
Históricamente, visitar al dentista no es una de las actividades favoritas de las personas, sin embargo, GOLDBERG, ubicado en Arcos Bosques, redefine por completo la experiencia al convertirla en algo mucho más cercano al bienestar que a la rutina médica.
Aquí, la odontología deja de ser un trámite para convertirse en un momento de conexión personal. Desde el primer paso, el entorno marca la diferencia: luz natural, diseño limpio, vistas abiertas y una atmósfera que rompe con cualquier idea tradicional de consultorio. Todo está pensado para que el cuerpo se relaje y la mente baje el ritmo.
La propuesta de GOLDBERG parte de una premisa clara: la salud bucal no es un elemento aislado, sino una extensión del bienestar integral. Bajo un enfoque de odontología funcional, cada tratamiento considera factores como el estrés, los hábitos y el descanso, entendiendo que una sonrisa saludable también refleja equilibrio interno.
Este enfoque se traduce en una atención profundamente personalizada. Cada paciente es visto desde su historia y necesidades reales, lo que permite que procedimientos como limpiezas, blanqueamientos, implantes o diseño de sonrisa digital se integren de manera natural al estilo de vida de cada persona.
Pero más allá de la tecnología de última generación, lo que realmente distingue a GOLDBERG es su enfoque humano. La experiencia está cuidadosamente diseñada para atender no solo lo físico, sino también lo emocional: música, ritmo y acompañamiento que transforman la percepción de la visita dental.
En GOLDBERG, el cuidado deja de sentirse como una obligación y se convierte en una experiencia que se quiere repetir. Porque, al final, no se trata solo de mejorar una sonrisa, sino de cambiar la forma en la que entendemos el bienestar.
EL NUEVO LUJO VERDE DE LA ROMA
En una ciudad donde el lujo ha dejado de ser evidente para volverse sensorial, íntimo y casi imperceptible, el matcha emerge como uno de los nuevos códigos de estilo. No se trata solo de lo que se bebe, sino de cómo se vive. En la Roma, Café Tormenta interpreta este lenguaje con precisión y presenta su matcha en lata como una experiencia que trasciende la bebida: un gesto contemporáneo que eleva la rutina y redefine la pausa.
Desarrollado en colaboración con Kettl —referente global en la curaduría de tés japoneses—, este lanzamiento parte de un matcha de primera cosecha cultivado en las montañas de Fukuoka, Japón. Un origen que habla de tiempo, cuidado y técnica. Producido por Shinya Yamaguchi, el blend encuentra un equilibrio elegante entre estructura y suavidad, desplegando notas de anacardo, cacao y un dulzor vegetal que recuerda al chícharo tierno. Al integrarse con leche, su perfil se transforma en una textura cremosa y envolvente, con un color verde intenso que no solo se percibe, sino que se convierte en un statement visual.
Aquí, el matcha no pertenece únicamente a la tradición, sino que se reinterpreta desde una mirada actual. Café Tormenta lo traduce en un objeto de deseo que dialoga con el estilo de vida de la ciudad. El formato en lata encapsula esta idea con naturalidad: práctico, sofisticado y perfectamente alineado con una generación que busca experiencias inmediatas, pero con profundidad. Es ese detalle que acompaña caminatas por la Roma, encuentros espontáneos o pausas entre el ritmo acelerado del día, convirtiendo lo ordinario en algo memorable.
Más allá del producto, el verdadero valor está en la atmósfera que lo rodea. Café Tormenta entiende que los nuevos hotspots no solo existen: se sienten. Desde la banqueta, entre vinilos noventeros, conversaciones abiertas y una energía que fluye sin pretensión, este matcha se integra como una extensión orgánica del espacio. No irrumpe, se adapta. No impone, acompaña.
En este contexto, el matcha deja de ser una tendencia pasajera para consolidarse como símbolo de una nueva sofisticación: una que no necesita exceso, que encuentra belleza en el origen y que privilegia la experiencia sobre lo inmediato. Un lujo silencioso, casi intuitivo, que se reconoce entre quienes entienden que los detalles —los verdaderos— son los que terminan definiendo el estilo de vida.
IRREVERENCIA CULINARIA MADE IN JAPÓN
Por Rodrigo Murillo
Todo empezó con una queja válida: Cuernavaca no contaba con buena comida japonesa. Hartos de viajar hasta la CDMX para comer algo que se sintiera real, un grupo de amantes del sushi decidió resolver el problema por cuenta propia.
Primero abrieron Gaman Sushi, y una vez que el proyecto se consolidó quisieron algo más irreverente: un lugar que jugara con los sabores y la estética sin perder el respeto por la cocina japonesa. Así nació Gaman Ramen.
Desde el exterior ya te dice lo que es. El local parece un callejón japonés: carteles, luces de neón rojas y esa atmósfera nocturna que te atrapa antes de poner un pie en el interior. La experiencia cobra fuerza cuando el aroma de la cocina impregna todo el lugar.
SABOR EN PRIMERA PERSONA
La tarde arrancó con una bebida que incluía sake, mango y romero, la cual resultó sorprendentemente refrescante. Se agradece que los restaurantes japoneses experimenten con el sake de esta manera.
Las gyozas de rib eye son el punto de partida ideal, y aquí las elevan: el capeo crujiente, el relleno perfectamente condimentado y una salsa con la acidez justa que equilibra cada bocado. Son de esas entradas que pides pensando que son el preámbulo y terminan siendo parte de lo que más recuerdas.
Del menú de ramen probamos el Sapporo, con caldo de miso espeso y pollo empanizado, que cumple bien. Pero la revelación de la noche fue el Niku Udon: fideos gruesos cocidos a la perfección, caldo dashi limpio y profundo, y rib eye laminado al centro. Esa combinación fue el momento en que entendí que sí hay buen ramen en Cuernavaca; además, la porción era bastante generosa.
El cierre llegó con un bizcocho relleno de helado de matcha bañado en crema de coco. Ligero, bien equilibrado y con esa precisión en los sabores que te recuerda que aquí nada llega a la mesa por accidente.
Gaman Ramen es irreverente en su concepto, pero riguroso en su ejecución, esa combinación que los japoneses dominan como nadie.
HACK
Fiel a su nombre, Gaman (que hace referencia a la paciencia y la perseverancia) basa su propuesta en procesos especiales. Sus caldos se cocinan durante más de 12 horas para lograr una base profunda que da vida a cada preparación.
Plaza Caracol: Av. San Diego 823, zona 1, Vista Hermosa, Cuernavaca, Morelos
Lunes a sábado de 13:30 a 22:00 y domingo de 13:30 a 20:00 horas
GAMAN RAMEN
ZIMBABUE
WILDERNESS EN SU PUNTO
Las lluvias generan una especie de alberca que permite que elefantes, cebras, hienas y otras especies se adentren a refrescarse en manada, un espectáculo para los que deciden hacer un safari en estas épocas
Abril no solo marca el cambio de estación: en el norte de Zimbabue es el momento en que la vida parece latir con más fuerza. Tras las lluvias, el paisaje de Mana Pools se transforma en un escenario vibrante donde el verde se intensifica, el agua se acumula en nuevas formas y la fauna responde con una presencia casi coreográfica. Es, sin exagerar, uno de los mejores momentos del año para presenciar la naturaleza en su punto más generoso.
En esta época, las manadas de elefantes se congregan a orillas del río, mientras cebras, hienas y otras especies encuentran en estas “albercas naturales” un punto de encuentro inesperado. Los avistamientos de leones, leopardos y perros salvajes se vuelven más frecuentes, y cada recorrido tiene algo de impredecible. No hay guion: solo la certeza de que algo está por suceder.
Es justo en este contexto donde Wilderness reabre sus campamentos Wilderness Ruckomechi y Wilderness Chikwenya para la temporada 2026, disponibles de abril a noviembre dentro de uno de los ecosistemas más ricos del continente. Ambos espacios ofrecen una forma de habitar el entorno sin intervenirlo, dejando que la experiencia se construya a partir de lo que ocurre alrededor.
En Ruckomechi, el día comienza con café frente al río y la posibilidad de ver elefantes cruzar sin previo aviso. Caminar, navegar en mokoro o simplemente detenerse a observar se vuelve suficiente cuando el entorno hace todo el trabajo. Por la noche, la opción de dormir bajo las estrellas —en una Star Bed— convierte el descanso en una experiencia sensorial donde el cielo africano es protagonista.
VIAJES
Más hacia el este, Chikwenya ofrece una versión más silenciosa y contemplativa del mismo territorio. Ubicado en la confluencia de los ríos Sapi y Zambezi, aquí la fauna aparece sin anunciarse, en cantidades que sorprenden incluso a quienes ya conocen la región. Es un lugar donde la expectativa se disuelve y la sorpresa toma su lugar.
Más allá del lujo, la experiencia también se conecta con la conservación. Programas como Children in the Wilderness integran a comunidades locales, recordando que este tipo de viajes no solo transforman a quienes los viven, sino también a quienes habitan estos territorios.
Porque, al final, Mana Pools no se trata solo de ver animales o recorrer paisajes. Se trata de esa sensación difícil de explicar: la de estar exactamente donde tienes que estar, en el momento justo.
